Decireves Magazine Julio Agosto 2014

El Oso polar
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FB / decireves
www.decireves.com

Por Arturo Rivero / @arturoyosoy
Súplica
f. Ruego o petición humilde y sumisa.
La voz de Peter Silberman parece una súplica, parece pedirnos que no nos
vayamos y si acaso lo hacemos, nunca lo olvidemos. Es la voz de un amante
herido que no tiene más que ver como su amor, su familia, sus días felices, su
primavera y toda su vida se va. Son esos días de otoño con hojas secas que
crujen a nuestro alrededor. Son esos días felices que queremos revivir, pero
día a día se nos siguen olvidando. Es contemplar todo a nuestro alrededor y
ver que nada nos pertenece, que cada vez nos alejamos más de nuestros
lugares seguros, y en algunos casos, somos nosotros los culpables de todo.
Suenan a esas noches en que a falta de alguien, nos quedamos abrazando los
recuerdos que nos quedan. Es tristeza, es melancolía, es suplica, es saber que
aun tienes la facultad de llorar.
Peter Silberman es el creador de un proyecto llamado The Antlers, nacidos en
Brooklyn, New York. Lugar donde se han visto crecer infinidad de ritmos y
géneros musicales, desde el jazz y la salsa, hasta el rock, noise, punk y new
wave. Pero la música creada por The Antlers es una unión de varios géneros,
podemos hablar de indie rock, por lo flexible que resulta ese género, aunque
sería muy inapropiado limitarlos a uno.

La discografía del grupo comienza con Uprooted (2006) y In the Attic of the
Universe (2007) discos que podrían ser considerados solistas de Peter
Silberman, el toca todos los instrumentos, además de que compone todas las
canciones contenidas. Hospice (2009) disco en el que se cuenta la historia de
un enfermero enamorado de una paciente terminal, esta es la versión que a
dado el mismo Silberman y no quiere entrar más en detalles, existen los
rumores que la historia es autobiográfica, quizá sea la razón de ya no quiera
ahondar mas en el tema. Este disco, fue la unión de dos EP´s de nombre Cold
War (2007) y New York Hospitals (2008), además de que para estos momentos
se unió a Michael Lerner y Darby Cicci, quedando la formación actual de la
banda.
Para 2011 aparece Burst Apart sin conceptos complicados o significados
ocultos. El disco es bien recibido por la mayoría de la crítica, obteniendo
lugares en la lista de los mejor del año. Compuesto por 10 temas con un
sonido más accesible y teniendo como sencillo Pharentheses, aunque mis
preferidas son No Windows y Every Night My Teeth are Falling Out.
Es en Junio del 2014 cuando aparece Familiars – ¿algún juego de palabras
oculto?- un álbum donde la música creada esta más emparentada con el jazz,
en específico por el uso de la batería y la trompeta, magníficamente manejada
para dar ese toque elegante y dramático en los 9 temas que conforman el
disco. Si bien, el disco es accesible en su totalidad, la duración o la
tranquilidad que se refleja puede hacer un poco difícil de asimilar para
algunos oídos. Se muestra la evolución, se muestra esas nuevas fronteras
trazadas en la banda, la voz de Silberman suena dramática y tiene un toque
difícil de igualar. Mis preferidas de este disco son: Doppelganger e Intruders,
aunque los otros 7 temas son de la misma calidad.
Quizá sea muy pronto para poder nombrar discos sobresalientes, si apenas
estamos a mediados del 2014. Pero The Antlers nos han traído una pieza de
calidad, que podemos disfrutar solo o acompañado, como los buenos vinos.
Próximos a presentarse en Hellow Fest y en el Plaza Condesa, mes de
septiembre

Por Miguel Franco Villegas / @adarleatomos

Por Miguel Franco Villegas / @adarleatomos

La escena danesa de
p u n k
nos ha dado un par de madrazos en los últimos años con
los jovencísimos Iceage y Lower. Y lo chido es que estas
bandas se ramifican en una serie de proyectos incestuosos
que abarcan desde synth pop hasta Black metal.
Un tropel de morros que buscan expresarse con el género
que esté a la mano, cualquier cosa con tal de hacer ruido
que rompa la amable y tolerante monotonía de la
c o n s c i e n c i a e s c a n d i n a v a .
Narcosatánicos, que yo sepa, no provienen de esas escena.
De cualquiera manera, vienen a probar por enésima vez
que Dinamarca está putrefacta y ese olor no se disipa
f á c i l m e n t e .
Su debut es una cacofonía magmática de sicodelia pesada
y pasada de mal viaje. Parece que la idea es tomar algunos
acordes, atascar la distorsión y generar la mayor cantidad
d
e
ruido posible.
Imaginen a unos Rocket From the Tomb haciendo un cover
de medi a hora de 1970 de l os Stooges.
Es trippeante, es denso. Es como el sonido que haría una
banda de ex hippies vueltos neo-cavernícolas adictos al
mal ácido queriendo conectar un ritmo primario, prehumano,
con el reverb y el overdrive de las bocinas jodidas
q u e h a y d en t ro de su s cab ez a s f ri t as.
El saxofón free que se cargan añade una rayita de paranoia
que se agradece. Hacen un cover de Ghost Rider de
Suicide que suena a MC5 tratando de tocar krautrock.
No destaco más canciones porque esto se debe escuchar
completo, como una sola pieza de rock sudoroso, frenético
y m a s c u l i n o m á s no m a c h o .
El disco lo pueden escuchar en su bandcamp:
http://narcosatanicos.bandcamp.com/album/narcosatanicos

Por Angel Javier Vazquez
Lolla, Glasto, Austin. Inclusive Vive Latino y Corona Capital.
Para los amantes de la música o “melómanos”, término que la nich media insiste en usar, estos festivales
suelen ser el fin de semana ideal: Alcohol, música, gente y más música, mucha música. Un retiro
espiritual para la generación X y posteriores.
La inflada economía local, permite al individuo residente salir de estas áridas tierras a otras un tanto menos para
encontrar su paz musical.
Tal vez algo tarde pero a ese individuo le llegó la hora de quedarse en casa.
En los próximos 2 meses, tendremos 3 festivales de mediana envergadura que, ya los hubiéramos querido antes de
la maldecida crisis de inseguridad (cuando pensábamos que todo iba bien); talento emergente, estrellas en ascenso
y consolidados recientes nos visitan para el Monterrey City Fest, Hellow Festival y Pa’l Norte Music Fest,
hablemos un poco al respecto.
Monterrey City
Fest
Fecha: 5 al 7 de Septiembre
Venue: Parque Fundidora
Boletos: Boleto por día y abono para los 3
días
El nombre nuevo, la “sorpresa” con
ambicioso anuncio de un festival de 3 días
para Monterrey, se hizo hace varios meses.
Se empezaron a anunciar los proyectos uno
a uno, día por día, dejando entrever el
concepto del evento.
La idea del Monterrey City Fest pasó de
“paraíso hipster” a una suerte de Cumbre
Tajín, donde cada día se tiene un género
diferente. “Unión de Culturas” es el slogan
que, con la inclusión de artistas como
Emilio Navaira el domingo y la mayoría del
talento latino; la presentación de Hardwell
el viernes y Deff Leppard el sábado, se
justifica de cierta manera.
Mty City Fest nos trae talento que otros
promotores no habían logrado o tal vez
hasta atrevido a traer, punto a favor. El
tiempo nos dirá si hubo éxito o no, pero
mientras pour some sugar on me.
Cuando ud lea esto querido lector el
MtyCity Fest ya culminó y le tendremos
pronto una reseña de lo que se vivió en
dicho evento.
Hellow Festival
Fecha: 19 y 20 de Septiembre
Venue: Parque Universitario
Boletos: Boleto por día y abono para los 2
días
El renacimiento. Después de haber
desaparecido por cierto tiempo, el nombre del
Hellow Festival regresa. Las primeras ediciones
tuvieron gran aceptación entre los
regiomontanos, donde se tomó el talento
emergente local, nacional e internacional y se
presentó al público, siendo los artistas
internacionales emergentes las apuestas del
festival. En esta ocasión el Hellow Festival se
expande a 2 días agregando varios headliners
ya muy vistos, igualmente varios proyectos
medianos, sin embargo no descuida del todo su
sello característico con nombres como Mac
Demarco o Kongos.
Ver a Josh Humme ya vale la pena pagar el
boleto, mi dios también es el Sol.
Pa’l Norte Music
Fest
Fecha: 31 de Octubre y 1° de Noviembre
Venue: Parque Fundidora
Boletos: Boleto por día y abono para los
2 días
El popular, busca la continuidad. El niño
rico (y medio vaquero) de la cuadra regresa
en su tercera edición también
agrandándose a dos días. El line-up es
bueno fo’ shizzle, sin embargo, pudo ser
mejor. El hecho de repetir las estrellas
locales año por año simplemente porque
“Monterrey”, me parece exagerado.
Desempacadito de ACL, viene el espíritu
emprendedor de Juanes que tomó como
víctima al circuito de festivales, y
simplemente I ain’t with it.
De todas maneras, tanta arrachera musical
nos encanta.
He escuchado en varios medios donde
dicen que Monterrey esta “reviviendo”,
para mí en realidad nunca se fue (la
esperanza, al menos). En este Círculo
Virtuoso que es pertenecer a una escena
musical, los organizadores ya han hecho su
parte en lo que el talento se refiere, ahora
queda la responsabilidad en el
espectador/consumidor de responder a la
oferta.
Luego no se anden quejando que nadie
viene a tocar.

Por Antonio Jesus Reyes / www.sydbarret.es

Tras el amago en el recopilatorio de varios artistas Lujo y Miseria, el año 2000 vio a Hidrogenesse mirando al siglo que acababa con el
single “Así se Baila el Siglo XX”. El tema es un catálogo de objetos, construcciones, personajes y eventos que casi parodia el techno-pop
con una irresistible melodía. Lo siguiente sería Eres PC, eres Mac (2001), definiendo el sonido Hidrogenesse: electrónico acompañado
por la voz amaneradísma de Carlos Ballesteros, y una idiosincrasia que viste sus brillantes canciones de música burlona.
Para ser un supuesto satélite de Astrud, como se pensaba en un principio, el dúo se prodiga en trabajos, y en 2002 llega Gimnàstica
Passiva, que abre con un tema dedicado a ellos mismos “Hidrogenesse Asociados”, y que cierra con uno de sus temas más populares y
más bailados, “No Hay Nada más Triste que lo Tuyo”. Debido al éxito de Astrud y las giras, pasaron cinco años hasta que el dúo publicó
Animalitos, un álbum semi-conceptual; estos no aparecen en todas las canciones… o aparecen como en “Disfraz de Tigre”, quizá el tema
más popular de Hidrogenesse hasta el momento, con un videoclip que demuestra cómo se las gastan los catalanes, y que ha amenizado sus
estrafalarios conciertos. Bestiola (2008) (“bicho” en italiano”) recicla material descartado y trata temas de otros discos con nuevas formas,
concentrados más en ser químicos de la electrónica que en construir canciones pop para las pistas de baile, pero sin dejar la irreverencia a
un lado, llegando a paisajes sonoros por los que pasearía Brian Eno o los primeros Kraftwerk. Bestiola tiene valor por sí mismo sin lugar a
dudas, y es la puerta al podría ser su mejor trabajo hasta el momento, o al menos el que más reconocimiento ha tenido. Antes de este, en
2010, tomaron cinco temas de Origin;Orphan de The Hidden Cameras, convirtiendo el pop intimista de los canadienses en synth-pop. El
resultado fue el EP "Hidrogenesse vs. The Hidden Cameras. Retomando aventuras completamente propias, Un dígito binario dudoso.
Recital para Alan Turing apareció en mayo de 2012 para asombro, pero no sorpresa, de muchos. Sintomático de la confianza en ellos
mismos y su trabajo, Genís y Carlos documentaron la grabación desde el principio en internet bajo el título de Turing Bits con toda serie
de imágenes, informes y vídeos hasta completar un trabajo que sirve de homenaje al matemático británico Alan Turing, así como una
denuncia del destino que tuvo que sufrir; Turing colaboró con el gobierno inglés para descifrar códigos del ejército alemán en la Segunda
Guerra Mundial, y su contribución a la inteligencia artificial y a la informática continúa hasta hoy en día. El reconocimiento y las
condecoraciones no sirvieron para salvar a Turing del torbellino personal que le llevó al suicidio tras haber sido descubierta su
homosexualidad, considerada delito en Inglaterra aún en los años cincuenta. El álbum cuenta de manera a veces directa, a veces indirecta
ideas y episodios de la vida de Turing, acabando con un himno a la construcción de la vida moderna, “Historia del Mundo Contado por las
Computadoras”. Los remixes y producciones de éxito se siguen sucediendo bajo el sello del grupo, Austrohúngaro. Fuera de este publican
en 2013 en México un EP de tres títulos llamado El Artista, una vuelta a la ironía fina tras la seriedad del asunto de Un dígito binario
dudoso. Ese mismo año, rehacen “Hidroboy”, uno de sus primeros temas. A principios de este verano de 2014 se encontraban en Roma,
dándole el nombre de la ciudad a una grabación que trata “de cosas eternas o que parecen eternas” y de “rumores lejanos, cosas que no
acaban de entenderse, que suenan como ruido de fondo, como una tormenta lejana”. Allí mismo adelantaron algunos de estos temas
nuevos en directo, con piano, sintetizador y voz. La grabación de Roma tendrá sus últimos retoques en Barcelona.
Pocas dudas nos quedan de que sea o no de nuestro gusto, este será un paso adelante hacia donde ellos quieran. Hidrogenesse es uno de
esos ejemplos de creación en libertad. Son de este tipo de creadores que hacen de la música su vida, y de su vida, música. Son también
prueba viva y en movimiento continuo de que no hace falta perder el sentido del humor para hacer canciones. Si no les conoces aún,
sigues a tiempo.

Por Aida Flores
Es extraño como a veces
suceden las cosas. Me entere de la
muerte de Cerati, viendo la nota en la televisión del
c o m e d o r d e m i t r a b a j o .
Sentimientos encontrados, después de 4 años de
aquel terrible accidente que lo mantuvo en coma, y
tras varias falsas alarmas de su presunta muerte,
como crónica de una muerte anunciada, hoy
f i n a l m e n t e se ha h e c h o o f i c i a l .
Debo admitir que en los últimos años había ido a la
baja mi devoción por él, pero no negaré la influencia
que tuvo en mi vida a lo largo de muchos años.

Me volví fan de Soda, cuando tenia 13 años, por aquel entonces
corría el año de 1992, se "celebraba" el quinto Centenario del
descubrimiento de América y recuerdo que solían retransmitir
especiales musicales producidos por Luis de Llano, y entre ellos
estaba un concierto que había dado Soda Stereo en 1988, como parte
de la promoción de su entonces nuevo disco "Doble Vida"
Ame ese especial, y lo veía la mayor parte del tiempo, al final de ese
año, como una especia de golpe de suerte me fui encontrando varios
de sus cassets que de repente engrosaron mi naciente colección del
grupo. Incluso en esa euforia compre "Colores Santos", que fue a la
postre, otro de mis discos favoritos de Cerati.
Al año siguiente el grupo sacaba su disco mas experimental, y
anunciaban una gira por el México, fue mi primer concierto de rock,
ni siquiera había cumplido 14 años y ahí estuve en primera fila,
presenciando el concierto de la gira "Dynamo", disco que ni siquiera
había tenido la oportunidad de escuchar, hasta semanas después, en la
plaza de Toros Monumental Monterrey.
Solía escuchar mi casset de "Dynamo" en el trayecto a casa, en mi
walkman, desde la secundaria, y viceversa, ahora parecerá nada, pero
hace 21 años eran pocos los chicos que tuvieran un walkman. Ese,
junto con un casset que era un compilado con "Lo mejor de Soda
Stereo", era fundamentalmente lo que oía. Y solía cargar mi cuaderno
de dibujo (llevaba un taller en la secundaria de dibujo) con el póster
de Soda Stereo.
A finales de ese año la banda se separo temporalmente, y Cerati el
siguiente año saco "Amor Amarillo", que tan pronto tuve dinero,
corrí a comprarlo. Fue uno de mis discos de cabecera de ese año. Sin
embargo, nadie que yo conociera, compartía mi gusto y devoción por
Soda y Cerati. Eran los años en que la fama del grupo y su rumbo
musical hizo desertar a muchos fans.
En 1995 la banda regresa y saca lo que para muchos fue su mejor
disco, "Sueño Stereo", y con su consecuente gira, nuevamente corrí a
comprar el disco y gracias a ciertos trabajos como encuestadora, pude
costearme los boletos para ver a mi banda favorita de entonces.
En 1996 presencie mi segundo concierto de Soda, en el entonces
llamado Auditorio Fundidora, creo que fue una mejor experiencia que
la primera y la euforia seguía creciendo. Ese mismo año grabaron su
unplugged para Mtv, "Confort y música para volar" y a final de año
me compre el disco.
Nuevamente en 1997 anunciaron su separación definitiva. y fue otro
de esos momentos en que mi fanatismo iba a la baja, así que acudí a
su concierto de despedida el 2 de septiembre en Monterrey al mismo
lugar que el año anterior, sin mucha euforia. Por aquel tiempo,
estábamos en los albores del Internet y empece a encontrar mucho
material sobre ellos en la red.
Para 1999, cuando Cerati saca su segundo album solista, "Bocanada"
vuelve mi ánimo y euforia, y acudo a verlo a presentar el disco en el
renombrado Auditorio Coca Cola.
Supongo que gran parte de mi euforia por Cerati, se fue apagando
conforme empezó el nuevo milenio, sumado a mis nuevos intereses
musicales, la siguiente gira con el disco "Cosas Imposibles", fui verlo
tocar en un accidentado show en el Escena, y no logro captar mi
euforia de nuevo.
Con ánimos renovados, fui a verlo en un concierto singular, en el
2004, donde se presentaba Bunbury y Cerati juntos por primera vez,
yo ansiaba verlos cantar juntos, pero no sucedió. Bunbury abrió la
noche y Cerati venia presentando sus éxitos resumidos en 10 años
de carrera solista.
Para el 2006, Cerati regresa a la ciudad a presentar su mas reciente
disco de estudio "Ahí vamos", en el Auditorio Luis Elizondo, que
logro recuperar un poco de mi entusiasmo por su música, ya que
dicho disco representaba un retorno a sus raíces roqueras.
Y ese mismo año repitió plaza, esta vez en otra inusual presentación
junto a Zoe, y Los Tres.
En 2007 sucede lo que se suponía impensable, la reunión de Soda!,
La nostalgia, no se hizo esperar, y acudí a verlos. Fue la locura, me
fui desde muy temprano a hacer fila, afuera del Estadio
Universitario, y logre tener buenos lugares y presenciar la reunión
de la banda.
En el 2009, el ultimo show que vi de Cerati, el cual le agradezco a
mi amiga y compañera de "culto" por Cerati, Thina, me ayudara a
conseguir los boletos, y consiguierámos colarnos hasta adelante. De
no ser por ella, no hubiera visto el último concierto de Cerati en la
ciudad, en el Estadio de Beisbol de los Sultanes, patrocinado por
una marca refresquera, curiosamente, por ese mismo rumbo lo había
visto la primera vez.
Luego vino la terrible noticia del accidente, y la esperanza de que
algún día regresara. Hoy, para tristeza de muchos de sus fans, deja
esta tierra y se une al universo, sobre el cual hablan muchas de sus
canciones.
Lo que la música de Cerati me brindo, fue un nivel mayor de
sofistificación por las letras, el arriesgarse a escuchar cosas
diferentes, como los experimentos de Cerati, quien hizo algo que
muy pocos músicos están dispuestos a hacer, sacrificar su fórmula
de éxito, en busca de un horizonte sonoro mas amplio. Esto sin
duda abrió mis oídos, limpios de preconcepciones musicales,
posiblemente no hubiera evolucionado a otras músicas que hoy en
día forman parte de mi formación musical como amante del rock y
sus derivados.
Nunca me tome una foto con él, mi contacto mas cercano, fue a
través de una pregunta que mande a Tele Hit, en un programa donde
estaría presentando videos y contestando preguntas al aire, por
desgracia, no termino de contestar mi pregunta, ya que metieron un
corte comercial.
Despedimos a un grande, un hombre icónico, que sin duda,
contribuyo a romper con los prejuicios que hace 30 años se tenían
del rock, labro el camino para las generaciones actuales, y aunque el
ya regreso a ser parte de este cosmos, su legado se queda con
nosotros, como las buenas canciones, llegaran siempre mas lejos
que sus propios creadores.

Por Luis Alberto González / @decireves
Cerati ya dijo bye bye, pero aquí lo vamos a recordar de la mejor
manera, ¿cómo? a través de su música, sin muchos rollos y solo por
el placer de compartir, aquí les recetamos una lista de 7 canciones
(favoritas personales) que son de Soda Stereo, la banda que lo
encumbró en el rock en español, 7 canciones para poder recordar
que fue y quién fue este carismático y sencishitocantautor
rioplatense.

07.-Ella usó mi cabeza como un revolver / Sueño Stereo: La canción
que abre el último disco oficial de Cerati, Bosio y Alberti es una cosa
sexualosa e inquietante, con The Beatles como influencia mas qu
evidente, los de Soda se montan en un caballo épico, hay
cuerdas, riffs que en mucho recuerdan aStrawberry Fields o Yo soy la
Morsa, la versión del Unplugged es un poco mas larga e igual de
poderosa, su video se volvió un clásico cuando en MTV Latino
pasaban cosas chidas
06.- Cuando pase el temblor / Nada Personal: Una de las canciones mas enigmáticas en la
carrera de Soda Stereo, construida como si fuera un carnavalito o una canción andina, la
pieza combina instrumentación del sur argentino y el rock , decía Cerati que le llegaban los
ecos del infierno que se vivió en México cuando pasó el temblor en el año de 1985 y que
quizás es la canción mas política sobre un país al que quería mucho y le dió tanto, sobra
decir que el video fue reconocido en un tiempo cuando no existía MTV Latino y que Calle
13 en su canción "Latinoamérica“ (y video respectivo) hace una imagen al final que
rememora a Cerati y Cía.
05.-Prófugos / Signos : El inicio no puede ser mas atrayente, guitarras
eléctricas, baterías a rajamadre y sintetizadores y una letra que habla de
complicidades y tensión sexual, esto es new wave en plena década de los
ochenta cuando no era moda subirse a la moda ochentera.
04.- Te para trés / Canción Animal : Una vasta y profunda carta de amor para
su viejo bajo un manto beatle psicodélico, una de las canciones de amor pop
rockeras mas honestas en la historia del rock en español.
02.- De música ligera / Canción Animal : La canción con la que los conocí y
me enamoró de ellos, un rocanrol con todas las de la ley (su riff es de los mas
conocidos en la historia de rock en español) es la prueba fehaciente de que los
de Soda si hacían rock y no canciones amariconadas (como muchos dicen) un
tema vibrante y grandioso.
03.- En la ciudad de la furia / Comfort y música para volar : De el Unplugged
(que fue todo, menos Unplugged) toman esta canción que en el disco original
sonaba mas potente y rítmica para hacer de ella un monstruo doliente y
sangrante y que camina lentamente, con invitada de lujo (Andrea Etcheverri de
Aterciopelados) logran crear una cosa que lo mismo suena Portishead y a la
balada de la OTI en ácido.
01.-Primavera Cero / Dynamo: Primero hay que comentar esto, cuando
escuché esta canción se me hacía de lo mas anormal, tiene una entrada ruidosa
y potente, ese cambio entre el estruendo y la tersa voz de Cerati me decían algo,
ellos no estaban haciendo el sonido de moda en 1992 (grunge) si no algo que
hasta estos años se le conoce como shoegaze, entre el estruendo y el arte, todo
el disco que contiene "Primavera Cero", "Entre Remolinos", "Ameba", "Fue",
"Sweet Sahumerio", "Claroscuro" (será cierto el rumor que U2 se copió de esta
para hacer "Lemon" del Zooropa?) es la mas grande obra musical que
realizaron estos músicos, un disco que iba de la mano con Ride, Slowdive, U2,
My Bloody Valentine, incomprendido y adelantado a su tiempo, un testamento
de la prolija carrera sodasteriana.

Por Laura Cisneros / @naans

La Puerta a Macedonia:
No hace mucho, mis sentidos se perdieron en la
gravedad de su voz majestuosa y elegantemente
funcional, en su música de diferentes matices, mucho
más brillantes e inquietantes que invadieron cada
fibra de mi ser; la emoción se aglutino y desbordó de
gusto. Rara vez tengo la suerte de encontrar un álbum
que asalte y llene en su totalidad mi espacio a la
primera escuchada, sólo comparable con el amor a
primera vista de los mortales.
Eso me sucedió cuando en mi búsqueda de música
me tope de frente con Alexander Veljanov, de quién
se presumía no haber certeza de su lugar y año de
nacimiento, como si de un ser vampirezco que ha
vivido centurias nos estuvieran hablando, aunque la
historia no es tan misteriosa como a algunos nos
hubiera
agradado.
Nacido en la República de Macedonia en 1965, lo
poco que se sabe de -mejor conocido simplemente
como- Veljanov, es que estudió cine y teatro en
Alemania, que es un tipo sumamente reservado con
su vida personal y que en 1985 un anuncio clasificado
en una revista con la leyenda "se necesita vocalista al
que le guste experimentar", fue lo que lo llevo a
encontrase con el estudiante de música clásica y
pianista, Ernst Horn y fundar la dupla de dark wave
por la que se hizo famoso, Deine Lakaien ("sus
siervos" en alemán) cuya banda sigue vigente.
De los alemanes sabemos pocas cosas. Erróneamente
se les tacha de fríos y calculadores, son extremos en
su educación social y hasta se bromea de que escupen
cuando hablan por lo golpeado y tosco de su idioma.
Lo que no conocemos muy bien es su escena musical,
tan vasta y a su vez invalorada de éste lado del
mundo. No hay una escena roquera en sí y de los
grupos que se conocen, su sonido se orienta más al
industrial cuando todo lo que necesitamos es escarbar
un poco para encontrarnos con perfectas maravillas
musicales y deshacernos del estigma con el que
hemos sido inculcados a cerca de Alemania en
general.
Si me preguntaran como entrarle a algo que no sea y
suene a Rammstein pero que tenga como origen a
aquel país, de inmediato les compartiría la discografía
de Veljanov. Tres discos en diez años de carrera
solista podrían sonar pocos más no estar equivocados.
Aunque es una figura reconocida y respetada en la
escena oscura, su estilo musical es difícil de definir
ya que va desde lo clásico a lo pop, de lo gótico al
experimental hasta coquetear con el avant-garde.
Si algo es predominante en su música es la más pura
elegancia, calidad y texturas. No hay cabida de mal
gusto. Secrets of the Silver Tongue (1998), The Sweet
Life (2001) y Porta Macedonia (2008) demuestran una
visión mucho más personal que en Deine Lakaien
donde denotan el cinismo y pesimismo líricos.
Musical y líricamente exquisitos, sus discos solistas
son una combinación de canciones cantadas en inglés y
en alemán. Del primero, el más personal, trata de dejar
atrás su imagen de príncipe de las tinieblas más no
abandonar su objetivo principal que fue el transmitir un
tornado de emociones densas sin usar un sonido
típicamente dark wave. Con toques folk, cuasi acústico,
cabe resaltar que Secrets of the Silver Tongue no usa
instrumentos
electrónicos.
Su segundo trabajo, irónicamente llamado The Sweet
Life está plagado de letras profundas sobre la vida
misma y las esperanzas que la gente tiene sobre su
existencia; inclinado hacia un sonido roquero más
comercial, sobresalen un par de canciones que nos
recuerdan su trabajo en Deine Lakaien sólo para
regresarnos al sonido melódico y góticamente bien
armado donde lo que más se acentúa es su hipnotizante
voz.
Su tercer, último y para mi gusto, mejor esfuerzo, Porta
Macedonia es una mezcla perfecta de letras
anglosajonas y germanas que ya debía de hace tiempo.
Con once canciones totalmente diferentes una de la otra
que si somos imaginantes podrían pertenecer a distintos
alter egos de Veljanov, van desde lo bailable hasta la
solemnidad; aquí se ejemplifica perfecto su talento
musical innato y denotan sus raíces musicales
macedónicas, lugar donde grabo éste álbum. Abundan
líricas políticas para dar cuenta de la realidad de su
tierra natal al ubicarla en comparación con la Alemania
que lo acogió.
A la fecha, Veljanov no ha dado señales de un trabajo
solista próximo aunque se encuentra de gira con Deine
Lakaien donde alterna sus canciones con las de la
banda en el setlist.
Pero conformarnos -por ahora- con sólo tres discos me
parece una recompensa justa porque está trabajada bajo
una estructura a la vez novedosa y refrescante para
quién no esté familiarizado con el género o siquiera
sepa algo en alemán; no es difícil de escuchar y más sin
embargo, muchos se preguntarían el por qué pertenece
a la escena oscura pero como siempre me ha gustado
recalcar: no todo de éste lado de las sombras es
melancolía ni suena a Bauhaus.
Si gustan de enamorarse de nueva música, sentencio
que Veljanov será su próximo gran amor.

Sylvia Plath fue una escritora nacida en
Boston en el año de 1932. Desde sus primeros
años denotó talento para la literatura, comenzando a escribir apenas siendo una
niña. Sylvia Plath sobresalía en la poesía: sus poemas son coloridos y detallistas;
analizan objetos y les dan significados; descubre lugares comunes que no habían sido
descubiertos; se confiesa y nos vuelve sus cómplices, nos orilla a entenderla y a
sentir, a sentirla. Sin embargo, Plath también produjo un número considerable de
prosa no tan sobresaliente –tanto narrativa como ensayística– estimado a 70 obras
de las cuales sólo algunas han sido publicadas. Quizá uno de los problemas
principales de la narrativa de Plath haya sido su tendencia a la poesía confesional
aun tratándose de prosa: dejando de lado a The Bell Jar, uno de los mejores libros del
siglo pasado, sus cuentos (sin considerar los cuentos infantiles) son sólo recortes de
su vida adornados con lenguaje poético, parecieran fotografías en un scrapbook, que
lucen bien pero al mismo tiempo no tienen nada que decir. De la misma forma, la
manera en la que Sylvia Plath construye ensayos deja mucho que desear: su
inclinación al lenguaje poético –otra vez– la ofusca y el tema de su ensayo se disuelve
y se pierde entre imágenes hermosas 1 . “For me, poetry is an evasion from the real
job of writing prose 2” , decía Plath, frustrada y no conforme con su prosa. Pero, ¿qué
es la obra de Sylvia Plath sino la yuxtaposición de imágenes peculiares, y
p a r a d ó j i c a m e n t e , c o m u n e s ?

La primera obra de Plath, The
Bell Jar, fue publicada bajo el
seudónimo de “Victoria Lucas” en
Inglaterra en 1963. Plath residió en
Inglaterra de forma permanente
después de haber conseguido una beca
para estudiar en The University of
Cambridge. Fue en Cambridge donde
Plath conoció a Ted Hughes, escritor
que a los pocos meses se convertiría en
su esposo. The Bell Jar es considerado
un roman à clef 3 ; Plath utiliza a Esther
Greenwood, la protagonista su obra,
para hablar de ella, de su pasado y del
infierno que poco a poco la consumiría
hasta la muerte. Viviendo bajo la
sombra de Hughes, un escritor mucho
más reconocido, y teniendo con éste
una relación tormentosa en la que ella
era víctima de adulterio, la confianza
de Plath decaía: como persona, como
esposa, como escritora. Sylvia Plath se
suicida en su departamento en Londres
(casa en la que había vivido el poeta
W . B. Y eats) en 1963 como
consecuencia de la bipolaridad,
enfermedad que padecía desde la
adolescencia y a la que se refería en
The Bell Jar. Años después, Hughes,
su esposo, con la ayuda de Aurelia
Plath, madre de Sylvia, decide hacer
públicos los diarios ilustrados y los
poemas de Sylvia. Sylvia se vuelve
popular. Sylvia es reconocida como
poeta. Sylvia gana un Pulitzer 19 años
después de su muerte. Sylvia se
c o n v i e r t e en u n a m u s a .
Si alguien ha visto alguna vez Annie Hall (Woody Allen, 1977) seguramente
recordará las palabras de Woody Allen, o Alvy Singer –sería más adecuado decir–
respecto a Sylvia Plath y a todo esta imagen construida sobre cimientos que falsean.
Algunos utilizan a Sylvia Plath y su suicidio como bandera feminista: alguien a le fue
impuesto el estereotipo de mujer sumisa de los 50s: madre, esposa perfecta, talentosa
para cocinar, recatada, discreta, pero si se le observa con el debido detenimiento, resulta
ser una mujer “perfecta” infeliz. Otros grupos juzgan severamente a Sylvia Plath,
descalificándola e imponiéndole prejuicios: cobarde, inhumana, cruel, desconsiderada. El
punto de este ensayo no es discutir qué tan ético o poco ético es suicidio. Este ensayo es
sobre Sylvia Plath y su influencia cultural, su consagración como musa y todo lo que se
ha creado en torno a ella 4 .

Estaría por demás decir que esta canción se llama “Sylvia Plath” y
que la percepción de Ryan Adams sobre Plath como musa parece ser,
a pesar de ser su única fuente la ficción, muchísimo más humana que
la que Barnes tiene. A diferencia de como Barnes utiliza la tragedia
como tapiz de un mundo caótico y neurótico creado por él mismo
pero justificado por la inestabilidad de Plath en lousy with
sylvianbriar (marketing +attention whoring); Ryan Adams no define
a Plath por su suicidio, no le presta atención y resalta de forma muy
humana la personalidad de la escritora únicamente perceptible dentro
de su obra: su autenticidad, su creatividad, su belleza y su forma de
amar tan explícita en sus poemas. Tristemente, Plath murió 11 años
antes de que Ryan Adams naciera.
La banda estadounidense of Montreal, en su disco lousy with sylvianbriar (2013),
cuyo título de forma inicial insinúa una relación con Sylvia Plath y que se confirma de forma
más explícita en la quinta canción del álbum, “Colossus” (nombrada así por uno de los más
populares poemas de Plath del cual surgiría posteriormente una compilación de poemas),
realiza una especie de tributo a la escritora. Kevin Barnes, líder de la banda, explica que el
proceso de creación de lousy with sylvianbriar implicó un aislamiento en el que se dedicó a
leer poesía plathiana 5 . Las letras de este disco tienen influencia de lo que él considera que es el
mundo para Plath. Satiriza un poco el suicidio y juega con las situaciones violentas, pero
busca hacer que musicalmente lousy with sylvianbriar haga de of Montreal una seventies
country-influenced garage band 2. Personalmente, considero a Barnes un mediocre lector de
poesía que abusa de la común y tendenciosa sobreinterpretación relacionada con el suicidio de
Plath. En otras palabras, Barnes es un morboso cualquiera.
“If only I can find him…the man who will be intelligent, yet physically
magnetic and personable” 6 escribió Sylvia Plath en uno de sus diarios por eso de los años 50s.
En el 2001, en su segundo disco, Gold, Ryan Adams escribe una canción que dice algo muy
parecido en la primer estrofa de su canción:
“I wish I had a Sylvia Plath.
Busted tooth and a smile
And cigarette ashes in her drink.
The kind that goes out;
Then sleeps for a week.
The kind that goes out on her own
To give me a reason, for well, I dunno”.

La cantidad de música relacionada con Plath es impresionante,
pero si hay alguien a quién me parezca importante incluir en esta
lista, a pesar de ser una personaje poco popular, es Peter
Laughner 7 . La corta carrera de Laughner surgió en los 70s; su
fuerte adicción a las drogas le provocó una muerte prematura, 24
años de edad. Sus discos quedaron en el olvido hasta que en 1994
Tim/Kerr Records sacó a la luz Take the Guitar Player for a Ride,
una recopilación y remasterización de algunas de las canciones
que Laughner grabó en vida. Laughner podría ser así el padre del
culto a Sylvia Plath si tomamos en cuenta que Plath murió en el
63 y la carrera de Laughner comenzaría sólo siete años después:
“Sylvia Plath was never too good at math
But they tell me that she finished at the head of her class.
And if she lost any virginity,
She didn't lose it too fast.
They couldn't hold any dress rehearsals for Sylvia Plath.
Sylvia Plath came into Manhattan.
She had crawled out one cocoon where there was absolutely
nothing happening.
She said "If I'm gonna be classless and crass,
I'm gonna break up some glass".
Nobody broke anything sharper than Sylvia Plath.
There is no romance in excuses, there's just a dance in the
aftermath.
And when you check out of this hotel Jack, you're nothing but an
autograph.
The desk clerk wakes up around seven
And he tosses it out with the trash
But he might keep around a couple of letters return-addressed to
Sylvia Plath.
Sylvia Plath woke up and turned on the gas
Then she put her head down and completely forgot about lighting
a match.
The rest of the details
Are just too boring to attach.
But let's see you do one thing as graceful as Sylvia Plath.
Aw, let's see you do one thing as graceful as Sylvia Plath.
Yes, let's see you do one thing as senselessly cruel as Sylvia
Plath.” “I like people too much or not at all 8 .”
El último ejemplo de esta especie de collage de música de culto
a Sylvia Plath es de The Antlers, banda a la que está dedicado este número
de Decireves. “Sylvia” es una canción lanzada en el 2010 e incluida en el
disco Hospice. En esta canción Sylvia Plath es un personaje arquetípico:
¿cómo sería vivir con una persona bipolar? La canción narra la historia que
se teje por debajo de la historia de las personas que padecen de
bipolaridad: situaciones dolorosas e incómodas, humillaciones, crisis,
lágrimas, neurosis, violencia, autoagresión, gestos suicidas. Es la historia
de las personas que aman a personas que padecen bipolaridad y que lidian
con esto por amor. Los temas así de polémicos y sensibles son comunes en
la música de The Antlers. De todos los ejemplos dados sobre el culto
musical a Sylvia Plath, quizá esta canción sea la más bonita.
El culto a Sylvia Plath se ha vuelto muy popular a lo largo de
los años. Plath se ha convertido en una musa moderna, en algunas
ocasiones las circunstancias en las que se dio la muerte de Plath y la
tendencia general al morbo son lo que la hace tan popular, en otras
ocasiones, las personas hayan realmente en Plath inspiración, y pueden ver
más allá de una enfermedad mental, a una poeta que logra comunicar de
forma eficiente lugares comunes, tan comunes que carecemos de palabras
para referirnos a ellos.
"I longed for Sylvia's suicide not to be given so much
importance that it was considered her most significant achievement."
-Frieda Hughes (hija de Sylvia Plath)
Notas y Bibliografía
1
Plath, Sylvia. "Ocean 1212-w." Johnny Panic and the Bible of
Dreams: Short Stories, Prose, and Diary Excerpts. New York: Harper &
Row, 1979. 21-27. Print.
2
Plath, Sylvia. "Introduction by Ted Hughes."
Introduction. Johnny Panic and the Bible of Dreams: Short Stories, Prose,
and Diary Excerpts. New York: Harper & Row, 1979. 3. Print.
3
a novel in which real persons or actual events figure under
disguise, Merriam-Webster, Date Accessed: August 27, 2014
(http://www.merriamwebster.com/dictionary/roman%20%C3%A0%20clef)
4
Estoy consciente de que la naturaleza de que este magazine es
musical, por lo tanto, me limitaré a analizar las obras producidas sobre
Sylvia Plath en el ámbito musical, sin embargo, si incluyo en esta
bibliografía el siguiente link es porque me interesa epitomizar lo inhumana
que puede llegar a ser la gente con temas tan delicados como el suicidio:
http://www.theweek.co.uk/politics/24211/nicholas-hughes-was-killedsylvia-plath-his-envious-mother
5
Rolling Stone, “Of Montreal's Kevin Barnes: 'I'm Not Looking
for[…]” Date Accessed: August 27, 2014
(http://www.rollingstone.com/music/news/of-montreals-kevin-barnes-imnot-looking-for-contentment-20131009)
6
Plath, Sylvia, and Karen V.. Kukil. The Unabridged Journals
of Sylvia Plath 1950-1962: Transcribed from the Original Manuscripts at
Smith College. New York: Anchor, 2000. 21. Print.
7
https://www.youtube.com/watch?v=-T0sPOClzJQ (canción
que llegó a mí gracias a Luli Serrano, gurú musical)

BESTIAS
Inspirado en Idioteque, Grimes, insomnio y Vladimir Putin
Somos bestias
Temerosos de nuestras propias sombras
Vivimos en países de espejos
Donde las voces suenan entre juegos
Descubrimientos, cristales y bombas
Una carrera sin pausas
Los océanos tampoco paran de crecer
Por Alvaro Rodriguez / @alvarock_rdz
Evaporar
Inspirado en Capítulo 7 de Rayuela
En la noche escribimos
Es la hora de la locura, los pies no descansan
Allá abajo debe estar viviendo alguien
¿Dentro o abajo? sentimos frío en la piel
Un frío que viene de mañana
Un frío sospechosamente viejo
Vámonos a dormir, porque somos bestias
Es lo que las bestias hacen tras el festín
Cansados de la lujuria, de los tambores incesantes de la guerra
Tardaremos horas en repararnos bajo las duchas
Sólo para vernos mañana con el pelaje más delgado
Escuchando los mismos trenes que los abuelos
Discutiendo con nervios el mismo viejo miedo
Como las gotas más pequeñas
Como una canción olvidada y recordada
Como una palabra guardada en un beso
Nos vamos a evaporar
No será necesariamente malo
Veré a través de tus ojos y tú de los míos
Olvidaremos los idiomas del mundo
Las palabras con significados perfectos
Y el color original de las cosas
Nos vamos a evaporar en las palabras del otro
En el tacto de una mano fría esculpiendo la
arcilla
Esculpiendo nuestro cuerpo nuevo en este mar
de ruido
Donde el Sol se pierde, donde el Sol no es más
que tus grandes ojos
Escribiendo mi vida en la brevedad de una
mirada
Sacapuntas rojo
Inspirado en The Suburbs de Arcade Fire, gente que huye de lluvias y
niñez
Pásame ese sacapuntas rojo porque necesito recordarme
Olisqueando la hierba mojada mientras suenan los últimos truenos
Mirando en el pavimento las grietas y las huellas de los perros
En la televisión los hombres reman con los músculos tensos
El agua luce fría, sabe a sales y conjuros de sueños
Dentro de los libros rotos mutan todos los significados
Cuando muevo las manos y siento encontrar los colores
De tu pelo al amanecer y de la sangre cuando se seca
Sonrío como si el tiempo no me arrastrara
Las ruedas de tu bicicleta brillan bailando con el Sol
El resto de la gente camina buscando excusas
Razones para no encontrarse con el silencio que los llama
Yo lo abrazo, escribo en sus colores, murmuro en sus aguas
Aprendo a nadar con los zapatos puestos, en la noche quieta
En tu vientre de paz y guerras la tribulación del amor se escribe
Todos mis sacapuntas están rotos, todas las horas escritas
La lluvia pasa, su eco sigue en el techo creando mundos

Por Mithveaen / @mithveaen
“Ay no. Ya empezaron.” – dijo ella enojada al leer el mensaje de texto.
“¿Quiénes?” – preguntó el profesor de literatura romana a su novia, la estudiante de doctorado en
música. Ambos desayunaban en un pequeño café de la Calle Baker. Habían llegado a Londres desde Oxford
esa mañana. Él, fan de Sir Arthur Conan Doyle, la llevaría a conocer la casa de Sherlock Holmes, Ella,
fan de los Beatles, conocería y se tomaría una foto en Abbey Road.
“Mis hermanas. Mira” – el profesor leyó el mensaje. “Feliz Cumpleaños Yoko, gracias por el fin del
mundo.”
“¿Yoko?”
“Sí. ¿No te he contado eso cierto?”.
“No, cuéntame” – respondió él con entusiasmo. Deseaba saber más de su vida. Era la primera pareja que
tenía que aceptaba con entusiasmo su obsesión con Holmes. Eso, más otras cualidades la hacían una
“keeper”.
“Bueno, como sabes, soy una hija tardía. Mis papás me tuvieron cuando ellos ya eran grandes, unos 40
años. Y mis hermanas son mucho más grandes que yo. ¿Si te dije sus nombres verdad? Son Suzy, Mina, Emy y
Coqui. Bueno, antes de que yo naciera, mi familia vivía en Monterrey, al norte del país, una ciudad
industrial y muy prospera. Mi papá era locutor de radio, muy conocido. Tenían una casa muy hermosa en
una zona de clase media alta, dos carros. Mi madre no trabajaba y tenía una empleada doméstica. Mis
hermanas, que ahí nacieron, estudiaron en escuelas privadas católicas, y eran fans de los Beatles. Pero
fans, de esas gritonas que salen en la Antología cuando fueron a Estados Unidos. Y bueno, como eran
cuatro, se hacían llamar las Fab Four. La fantasía de todas era casarse cada una con un Beatle. Suzy con
Paul, Mina con George, Emy con John y Coqui con Ringo.

Entonces – dijo ella después de darle un sorbo a su café – mi mamá descubrió que
estaba embarazada. A mis hermanas la idea no les pareció muy bien que digamos,
porque como te imaginaras, ellas eran las Fab Four. Cuatro era el numero perfecto,
cinco no tanto.
Así que nací en este mundo precisamente el 10 de abril de 1970. Ese se suponía que
era un día feliz, hasta que mis hermanas se enteraron de que Los Beatles se habían
separado justo en ese 10 de abril”
“Ah” dijo él.
“De ahí en adelante, todo fue cuesta abajo. Mi padre perdió su trabajo porque la
radiodifusora en la que trabajaba quebró. Tuvimos que acudir a la ayuda de mis
abuelos para sobrellevar la situación y nos mudamos a otra ciudad, México. Mis
hermanas odiaron eso, ellas eran felices en Monterrey. Y sus planes de hacer una
banda que fueran las Beatles femeninas, se terminó. Fue el fin del mundo, y yo
fui la responsable. Así fue como me convertí en Yoko.
“Qué tontería”
“Lo sé. Dice mi mamá que ellas no me hacían caso, que no jugaban conmigo, que me
ignoraban. Si no fuera porque una vez por poco me mataba en un accidente cuando
estaba al cuidado de ellas, mis hermanas cambiaron conmigo y me empezaron a tratar
bien. O quizás mi padre las amenazó, o maduraron y dejaron sus tonterías de
juventud. No lo sé.”
Suspiro.
“Ahora, no quiero que pienses que mis hermanas no me quieren, al contrario. Una de
ellas me enseñó a leer y a escribir, seguí la carrera de una de ellas. Y otra me
ayudo a pagar mi viaje a Inglaterra. Y me hicieron amar a los Beatles. Lo único
que no dejaron es que cada vez que cumplo años, me llaman Yoko y me culpan por el
fin del mundo”
La alarma del celular sonó de nuevo. Ella miró el mensaje. “Ahora Coqui” se lo
mostró a él. “Hola Yoko, ¿feliz de acabar con nuestro mundo? Ojala pases un día
horrible”. Él miró la hora en su reloj mientras ella tecleaba una respuesta.
“Será mejor irnos.”- dijo él levantando la mano para pedir la cuenta.
“Si. Quiero que me tomes mil fotos mientras cruzo la calle, quiero que mis
hermanas se mueran de envidia. Ah, y no te enojes si me agacho para besar donde
piso mi adorado George”
El profesor se rió. “Creo que andas conmigo nada más porque me apellido Harrison”
“Como decimos en México… ¿Qué comes que adivinas?”. Ella le dio un beso rápido en
los labios sin importarle la mesera frente a ellos, dijeron gracias, y salieron
del café.

Por Diana Caballero / @treg4life
María Bernal fue encarcelada acusada de encubrimiento
y asociación delictiva, al ser involucrada en la siembra de
la osamenta en la quinta El Encanto, meses después es
puesta en libertad al no comprobarse delito y decide
continuar en México a pesar de todo, en lugar de hacer
caso a su compatriota Dalí quien juró no volver a un país
más surrealista que sus pinturas. La pista de sus
andanzas se pierde en el año 2000 cuando hizo un
intento en la actuación en México, no hay noticias
recientes de su persona y una búsqueda en google no
arroja nada, como si se la hubiera tragado la tierra.
Mientras tanto Raúl Salinas fue liberado en 2004, por
falta de pruebas, y recientemente las autoridades suizas
han decidido regresarle el dinero en las cuentas que
tenía en ese país, a sus casi 70 años Raúl puede presumir
de vindicación, merecida o no.
Las imágenes que puedo recuperar del Google Street
View corresponden a mayo del 2011, esa Sevilla me tocó
vivir, la esquina de Sierpes y Rioja no es precisamente el
rincón más glamoroso del casco histórico de Sevilla, ese
honor corresponde, quizás, a las calles de Tetuan y
O’Donnell, en ninguna parte encontrará una placa
alusiva a este encuentro de dos mundos, ni a una historia
de amor que quizás, por una ocasión, no es mejor que la
de Twilight.
La pensión Nuevo Suizo se encuentra en la calle Del Azofaifo que no es una
calle propiamente, sino un callejón, aunque aparece en los mapas no hay
acceso para coches, solo peatonal desde la calle Sierpes, el taxi me deja en la
calle Laraña, es mediodía en España y después de 3 aviones y un tren mi
prioridad es registrarme en recepción e ir a dormir. Siete horas después me
despierto con hambre, aún me siento exhausta pero el estómago no perdona,
salgo a la calle, me encuentro a la Sevilla de noche, con su calor, su bullicio y
el acento ininteligible, los turistas por doquier, sin saberlo caí en el corazón de
Sevilla, la Campana. Gracias al Tío Sam encuentro la comodidad y familiaridad
de un McDonalds, actualizo mi estado en Facebook: “zumos, patatas y
siropes”; ya mañana será otro día, el primer día del resto de mi aventura en
Europa.
No lejos de mi hospedaje, a unos pasos de hecho, en la esquina de Sierpes y
Rioja, hace más de veinte años se encontraron por primera vez María Bernal
Romero, sevillana de las de a pie, y Raúl Salinas de Gortari, hermano del
entonces presidente de México, también conocido como el Hermano
Incómodo y El señor diez por ciento, para María Bernal este encuentro
fortuito que daría pie al cortejo de Salinas sería el inicio de su aventura
mexicana, que incluiría convertirse en la amante, pisar la cárcel y sufrir el
escarnio público del otro lado del mar. En 1995, la crisis económica
precipitada por el llamado Error de Diciembre, y la caída de Raúl Salinas bajo
acusaciones de enriquecimiento ilícito y autoría intelectual del asesinato del
priista José Francisco Ruíz Massieu arrastrarían a la ignominia al clan Salinas,
esos Kennedy región 4 que soñaban con su propio Camelot de mil años.

The New Pornographers es un cuerpo extraño en el rock indie comercial de estos tiempos, sus miembros son activos
permanentes y han realizado carreras paralelas a esta superbanda , desde el Mass Romantic, pasando por Electric Version, el pop
sofisticado de Twin Cinema y este mas reciente y desmadroso Brill Bruisers, la banda vuelve a juntarse para entregar un chingo
de perlas sonoras que lo mismo mezclan en un molcajete sideral ondas electrónicas, pop rock del bueno, hermosas melodías e
himnos para esta generación hipster que gusta de los coros envolventes y las texturas indie lights psicodélicas, desde el arranque
con la extraordinaria y que le da nombre al disco (su mezcla de los hermanos Zavala-a ritmo de rock y una impresionante pared
de sonido-con Polyphonic Spree) pasando por esa preciosa canción pop con la tersa voz de Neko Case en "Champions on the red
wine" (y su teclado/secuencia electrónica que remite a "This is love" del finado George Harrison) la potente "Fantasy Fools" (con
un toquecito de The Who a lo lejos) para llegar a la enorme y poderosa "War on the east coast" (y que se multiplica a millon al ver
el video de manufactura a una toma como los hacía el Marchovich (Carlos) con los Caifanes...cof cof, si el disco comienza de
excelsa manera con esas 4 canciones imagínese lo que tienen las demás canciones! un regreso extraordinario de AC Newman,
Dan Bejar,Neko Case y Cía a los terrenos musicales que tan bien les salen.

TOPS
Picture you staring
Arbutus Records
2014
Miss
Garrison
DEAAB
Ponk Records
2014
Lo suyo es básico y elemental, TOPS es una banda canadiense que
conocimos en la mas reciente edición del Festival Nrmal, de entrada
los conocía por la canción "Way to be loved" (con un dejo
completamente ochentero a la Fine Young Cannibalshe de decirlo...)
y de pronto aparece un primer disco plagado de discretos y
efectivos ganchos pop, la voz de su vocalista aparece en primer
plano y de pronto suena tímida y nerviosa de estallar y se conforma
con sonar dulce y plana, quizás es el único defecto por que la
maquinaria instrumental está bien aceitada y esto se confirma en la
ya mencionada "Way to be loved" en la cual suena la guitarra con un
hermoso énfasis jazzeado o en las hermosas y brillantemente
instrumentadas "Blind Faze" o la oscura "Circle the dark" (a pesar de
su descaro pop) "Outside" parece un tema deCindy Lauper o
Madonna y así podríamos decirle de cada tema pero mejor
escúchelo, disfrútelo o critíquelo como le de su gana, TOPS ha
entregado un disco fácil de escuchar y creo que al final eso es lo que
basta, sencillas y directas canciones tremendamente pop.
Denso, atmosférico, obscuro, enigmático,
tribal, audaz, imaginativo, melódico, armónico,
rítmico,experimental... muchos adjetivos para
esta placa cocinada entre Chile y
Barcelona, Miss Garrisonsabe crear atmósferas
etéreas y a la vez de una oscura belleza, entre
loops, percusiones electrónicas, sonidos
discordantes, riffs y punteos de guitarras de
gran belleza, la voz de su vocalista se eleva
mientras rememora lo mismo a Elizabeth Fraser
y Bjork, un discazo de esos que se van a quedar
en la memoria de este 2014.

ENO + HYDE
Someday World
2014
¿Qué se puede decir de Brian Eno? Este señor lo mismo fue integrante de esa
enorme banda llamada Roxy Music (banda de glam rock adelantadísima a su
tiempo que lo mismo volteaba a T Rex, The Beatles que a la experimentación
electrónica de vanguardia) y en estos tiempos mas recientes ha fungido
como productor de bandas tan disímbolas a las cuales les ha aportado algo
de su toque maestro para que suenen gloriosas (U2, Ultravox, Coldplay, Ben
Frost) podríamos echar un choro acerca de que ha aportado Eno a la música
(es el tipo que llevó el ambient al mainstream aparte de que hizo un disco
con David Byrne que se adelantó también a eso del sampleo y el hip hop con
ondas africanas) y nunca acabaríamos, si volteamos a ver la gran influencia
que ha dejado pues nos quedamos en la pendeja, Carl Hyde tiene un
currículum mas modesto que el de el Sr Eno aunque el es miembro (o era?)
de ese enorme grupo llamado Underworld (banda que le debe mucho a
Brian Eno por cierto) en este 2014 se unen estos dos personajazos y han
sacado un disco llamado Someday World y creo que lo que tenían ganas de
hacer es pasarla bien y grabar un puñado de temas que si bien abordan la
electrónica desde formas mas simples también experimentan y mezclan la
parafernalia sintética con instrumentaciones orgánicas.
En Someday World abre una canción preciosa llamada "The
Satellites" apuntalada por un sencillo riff de guitarra y que es agradecible al
oído, le siguen temas como el enjundioso (Paco Stanley dixit) "Daddy's car" ,
la extraña y hasta tropicalosa "Man Wakes Up" (Miami Sound Machine
meets krautrock?) la frenética (con extraños coros doo wop futuristas)
"Witness" , todos los temas hechos por la dupla Eno + Hyde no buscan el hilo
negro (el lilo negro?) y solo quieren hacer que la gente pase un buen rato
escuchando estas gratas canciones (oreja a esa cosa hipnótica
llamada "Mother of dog" otro de los grandes temas de este disco sencillo y
fácil de escuchar.)
Manic
Preachers
Futurology
2014
Street
Mi desconocimiento de esta banda me hace pensar que
me estaba perdiendo de una de las mejores bandas del
rock pop británico de estos tiempos, Manic Street
Preachers cargan con una leyenda en sus hombros, la
cual es de todos conocida en la cultura popular del
rock, mas sin embargo, ellos no se duermen en sus
laureles y prosiguen la marcha a pesar de tan tétrica
historia que los rodea, este nuevo disco
titulado Futurology al escucharlo nos hace pensar en el
mejor pop rock con todos los elementos de una muy
buena canción que no se mete en ondas complicadas
como la electrónica o la experimentación , los MSP ya
son veteranos en esto del negocio de la música y
entregan un disco macizo, poderoso y vertiginoso de
principio a fin, desde el arranque con la fastuosa
"Futurology", la new wave y plenamente ochentera
"Walk me to the bridge" la inventiva (y que recuerda
mucho a Kula Shaker con su atmósfera y sonido
hindú) "Let´s go to the war", la britpopera (obvioooo)
"The next Jet to leave Moscow", el disco es una muestra
del poderío de esta banda y a su vez demuestra (una
vez mas) que el mejor rock pop se hace del otro lado
del mundo (por si no lo sabían son de Gales UK) , una
jodida maravilla que en Pitchfork no van a pelar.

The Antlers
Familiars
2014
Transgressive Records.
De que hay elegancia, la hay: The Antlers lograron hace unos cuantos años atrás que los
medios voltearan a verlos gracias a un magnífico disco titulado Hospice; en ese disco había
fineza artística, impecable música que no se decantaba por ondas electrónicas tan de moda y
una historia medio disparatada que te agarraba de los pelos (una onda conceptual que narraba
las afectaciones y padecimientos de enfermos mentales). A menudo han sido comparados
con Arcade Fire por la forma en la que elaboran su música; quizás solo en eso se parezcan,
porque la forma en la que abordan la músicaThe Antlers apuesta más por la serenidad y la
introspección y sin nada de arrebatos y gritos desaforados como acostumbran los de Montreal,
Canadá.
Y todo esto queda más que confirmado al escuchar el nuevo y flamante disco de estos
neoyorkinos:Familiars, (Transgressive Records 2014,) un plato que reboza de melancolía,
tristeza y aires de desolación, pero lo más importante es la implacable maquinaria musical con
la cual está revestido cada tema. No se trata de que cada canción padezca excesos de
sobreproducción u orquestaciones grandilocuentes, Familiarses un disco muy sereno que tiene
entre sus peculiaridades musicales desde sencillos como contundentes arreglos de metales,
baterías jazzeadas, algún efecto de estudio de grabación de carácter siniestrón, sintetizadores
que dan ambiente y sencillas guitarras; todo esto en un marco espléndido para que se
desenvuelvan a sus anchas (la voz de Peter Silberman es inmejorable y recuerda sólo un poco a
Win Butler puesto que es más serena y pausada; las instrumentaciones de Michael Lerner y
Darby Cicci son sorprendentes, ricas y a la vez contenidas) esto se demuestra en temas como el
soberbio e inicial “Palace” (con un piano muy a la Kate Bush ), la hermosa “Doppelganger” (de
atmósfera épica y ensoñadora), la sorprendente (con un jueguillo electrónico entremezclado en
la batería y el piano) “Hotel”, la grata “Intruders” (de matiz jazzeado), la impresionante
“Director” (a mi entender la mejor de este disco) y otras maravillas musicales como las
grandes “Revisited”, “Parade”, etc. Familiars de The Antlers, sin muchos aspavientos y de
manera discreta, se perfila como uno de los grandes discos de este 2014.

Jack White
Lazaretto
Third Man Records
2014
La canción que abre el mas reciente disco de Jack White se llama "Three
Women" y dice cosas como"Tengo tres chavas, una de pelo, rojo, una de pelo
rubio y una de pelo castaño, les tomé una foto digital para escoger cual me
gusta" mientras suena un delicioso órgano a la Booker T y una figura
guitarrera que le gustaría mucho a Jimmi Page, le siguen temas como la
sorprendente y que le da título al disco ("Lazaretto") con su riff ponchador y
su final estremecedor casi a niveles noise rockeros, "Temporary ground" tiene
un violín muy campirano y voces muy lindas a cargo de Ruby Amanfu, "Would
you fight for my love?" es una canción épica en su tratamiento y
ejecución, "High ball stepper" con sus guitarras al revés y su piano de bar de
mala muerte recuerda en parte a la poderosa "Ball and biscuit" del
memorable Elephant,"Just One Drink" y "Alone in my home" tienen
instrumentaciones ricas y parecen canciones sacadas de el Exile On Main
Street de las Piedras Rodantes o la energética y fuera de serie "I think i found
the culprit" (que le debe mucho no me dejarán mentir aThe Battle of
Evermore aunque un poquito mas acelerada), Jack White es un
hombre workahólico que no para de hacer cosas, sus múltiples proyectos
musicales (Dead Weather, Raconteurs, los finados White Stripes) su
disqueraThird Man que se ha propuesto a rescatar mucho acervo de música
americana de todo tipo (jazz, blues country) su actividad filantrópica
(rescatador de edificios históricos en su ciudad natal) hasta tiene tiempo de
aventarse un tirito con los Black Keys, mas sin embargo para el que esto
escribe Lazaretto es la misma carta que presentó con el magno Blunderbuss,
el tipo tiene su sello mas que identificable, nadie más suena a Jack White y
eso es bueno pero nada mas, el caso de Jack White es lo mismo que le pasa a
gente como Mac DeMarco y Robert Pollard, su sello es mas que evidente y
con eso les basta y les sobra y les vale pito lo que digan en piteras reseñas
como esta, punto.
First Aid Kit
Stay Gold
2014
Si The Lion´s Roar partía de un aprovechamiento que otorgan
todas las buenas cosas que tiene la música americana (country,
alt country, folk, rock ) este "Stay Gold" confirma que las
guapas First Aid Kit reverencian como solo ellas la música
emergida de la Unión Americana, el disco no puede comenzar de
mejor manera gracias a la soberbia"My silver lining", una de las
grandes canciones del 2014 sin dudarlo, el disco tiene momentos
de gran finura musical como la estupenda "Heaven Knows" (de
ritmo trepidante) la hermosa y country"Master pretender", la
que le da título al disco ("Stay Gold") con un manejo soberbio en
las armonías y las guitarras acústicas, la preciosista "Cedar lane" ,
las hermanas Johanna y Klara Söderberg han dado un paso mas
allá al incluir una sección orquestal en varios tracks del disco, de
la sensación tenebrosa de "Shattered & Hollow" al prístino
trabajo en "The Bell" y la belleza absoluta de "A long time ago",
un soberbio segundo paso de estas guapas hermanas de origen
sueco, la música sin barreras apropiada por un par singular que
entrega un mas que aceptable segundo disco.