arquitec- tura escrita - CLONE Magazine

N42. MAR/ABR 10.
FREE ISSUE. REVISTA GRATUITA

Fotografías (portada + estas páginas): Selector Max
Realización: Mr.Chapis Trecelagrimas
Miss Sweetyta. Estilismo: Anna Torrent Desings. Coche cortesía de Templars So Car.

Cherry Lovett & Miss Sweetyta (de izquierda a derecha)
del grupo The Flamin Mammies. Coches cortesía de Templars So Car

START clone.42 - mar.abr 2010 “NEEDLES”
08
NOTICIAS SÓNAR 2010
El Sónar, a pesar de celebrarse del 17 al 19 de junio de 2010, ya está
generando noticias interesantes. En este caso se trata de tres, muy
diferentes entre sí, pero bien sabrosas. La primera es que, en su decimoséptima
edición, el Sónar se desdobla en dos, ya que al margen de su habitual
residencia barcelonesa también habrá un Sónar Galicia con sede en
A Coruña, más concretamente en EXPOcoruña, exactamente los mismos
tres días de celebración catalana. La información sobre grupos y demás
la iremos viendo en la página del festival, que tiene un enlace directo a la
versión gallega, pero ya podemos ir anticipando la presencia de estrellas
tan rutilantes como Air, LCD Soundsystem, The Chemical Brothers
o Dizzee Rascal. Como siempre, todo muy bueno y muy variado. La
segunda noticia es que ya están a la venta las entradas para el festival,
con un abono a 155 euros que incluye tanto las entradas para el Sónar
de Día como para el Sónar de Noche. Hay otras posibilidades, como
las entradas de día o una entrada especial para los más gambiteros, de
manera que por 100 euros se les permitirá disfrutar de las dos noches
Sónar Barcelona 2010. La información sobre los tickets para A Coruña
tendréis que seguirla desde la página web. La última noticia es que, una
vez más, Sónar calentará motor allende los mares, más concretamente
en el Roundhouse londinense. El 5 y 6 de marzo, “A Taste of Sónar”
será el británico anticipo de los carteles de Barcelona y A Coruña, y una
manera guiri de gozarlo con el mejor festival de música avanzada de aquí.
Más info en www.sonar.es
SOUTH POP SEVILLA 2010
La sexta edición del South Pop Sevilla presenta un festival con una
imagen y un espíritu renovados, aunque parte de su ‘vieja’ filosofía esté
aún intacta: la entusiasta y desacomplejada reivindicación de la música
alternativa para los escenarios de Sevilla. En su cartel han convivido sin
roces propuestas como la de Bonnie “Prince” Billy, Lali Puna, Tarwater,
Dominique A, José González o Barry Adamson, en escenarios como el
Teatro Alameda o el CAAC. Según su organización, South Pop 2010 mira
al futuro sin ataduras, con desafío y audacia, comenzando por un cartel
en el que la imagen bucólica de sus inicios queda atrás, siendo sustituida
por una línea gráfica más impactante y nocturna. En esta ocasión, el
cartel da turno a una avanzadilla de iconoclastas decididos a descodificar
el futuro, como Zombie Zombie, Stereo Total, Los Punsetes o The
Hidden Cameras. Los días 26 y 27, en el Teatro Alameda, se verán
acompañados también por grupos como Lacrosse, Exsonvaldes,
François & The Atlas Mountains o Sr. Chinarro. También habrá una
preparty el 25 en Malandar y dos sesiones en OBBIO, 26 y 27, donde
destacamos la de nuestra querida Linda Mirada. Como es habitual,
South Pop demuestra personalidad en su propuesta, ¡allí estaremos todos
bailando! Más info en www.southpopfestival.com
PS + FIB = ¡FESTIVALEO MÁXIMO!
La décima edición del festival barcelonés aprovecha este número tan
señalado para volver a demostrar que, en cuestiones de elegir a los máximos
representantes de la música independiente de riesgo y vanguardia,
el Primavera Sound es el más acertado. Del 27 al 29 de mayo, en el Parc
del Fòrum, podremos ver a grandes clásicos de la escena como Orbital,
Pavement o Pixies, viejas glorias del calibre de Lee “Scratch” Perry,
Wire o The Fall, maravillas como Low, Wilco, Built to Spill, Shellac,
Seefeel o Tortoise, y hasta lo mejor de lo nuevo, como The XX, The
Bloody Beetroots, Grizzly Bear, Fuck Buttons, Beak> o Atlas
Sound. En definitiva, una avalancha impresionante, en otro cartelazo para
la historia. Más info en www.primaverasound.com
El Festival Internacional de Benicàssim, por contra, sólo ha anunciado a
parte de sus cabezas de cartel. Teniendo en cuenta que su oferta es más
tardía, del 15 al 18 de julio, también es comprensible, aunque ya tiene
entradas a la venta. La progresiva britanización del festival se deja notar,
cada vez más debido a que los hermanos Morán ya no se encuentran
en su cúpula directiva. Por ahora, el FIB número 16 ha confirmado a
The Prodigy, Kasabian, Ian Brown, Dizzee Rascal, P.I.L. y The
Specials. Es decir, grandes nombres, pero sin la especialización de otros
festivales... Ya se sabe que el cabeza de cartel de Benicàssim es eso,
¡Benicàssim! Más info en www.fiberfib.com
Textos starts: Maru Sánchez
FESTIVALES - MÚSICA

START clone.42 “SPARK”
10
¿Sería el descubrimiento del fuego fruto de un proceso artístico-creativo? No sabemos, lo
que sí tenemos claro es que todo sucedió a partir de una chispa que consiguió prender.
Un instante decisivo, una milésima de segundo y... ¡Zas!, el hombre tenía ante sí un nuevo
elemento cuyo descubrimiento (especialmente la capacidad para provocarlo) cambiaría el
curso de la historia. Y es que como Arquímedes en su bañera, quién no ha vivido en sus
propias carnes ese momento de conocimiento, de descubrimiento y por qué no, de creación.
Precisamente ése es el principal objetivo de la última campaña de Converse. SPARK,
que en inglés significa chispa, es el resultado de su compromiso con los jóvenes valores y,
fundamentalmente, con la capacidad creativa y expresiva de estos últimos. Conscientes
de que su visión es la que dibujará el panorama del futuro, Converse no ha querido dejar
escapar la oportunidad de actuar en cierto sentido como un mecenas del siglo XXI para
distintos jóvenes de todo el mundo que encajan a la perfección con el espíritu urbano
y transgresor de la marca. Sin embargo no es este un patrocinio cualquiera. El proceso
creativo, el momento en el que las ideas pelean por tomar forma real en la cabeza de sus
gestores, los silencios y carreras en busca de la respuesta más acertada son el leit motiv
de esta historia. Se trata de captar la chispa que precede a un proceso de creación, ardua
tarea cuando hay que obtener un resultado gráfico convincente. En ese sentido, el lema de
la campaña “Igniting the spark around the world” no deja lugar a dudas acerca del sentido
de reacción en cadena que esperan conseguir con ella. Y es que conscientes de que la
mejor forma de acercarse a los jóvenes es a través de los temas que más les interesan,
Converse pretende con ello fomentar y servir de inspiración para próximas generaciones de
artistas. Una gran fogata, precedida, cómo no, por cientos de chispas.
Reino Unido, EE UU, Brasil, Argentina, Alemania, Francia, China, Taiwán, Tailandia y España
son algunos de los lugares de procedencia de estas “chispas primigenias”. Jóvenes
talentos cuyas creaciones, motivos, procesos y ámbitos de actuación han despuntado entre
muchos otros llegando así a formar parte de esta ambiciosa campaña. Louis y sus circuitos
electrónicos, las representaciones poéticas de Conchetinas, la honestidad y juventud de la
lente de Olivia o las intervenciones urbanas de Mentalgassi son más que actos creativos
en sí mismos, son las pulsaciones, las motivaciones de una parte de la población –los
jóvenes- que cada vez tiene más claro cuál es su papel y su capacidad de cambio en un
escenario global.
La luz, el sol, la calidez son algunos de los adjetivos que inevitablemente acompañan el
nombre de Brasil por el mundo, pues bien, algunos de ellos son aplicables también a la obra
de uno de los artistas de SPARK, Bruno, que destaca especialmente por la sensibilidad de
su obra. La misma precisión y delicadeza que dibuja colores imposibles en el paisaje carioca
se deja traslucir en la obra de este joven artista que consigue, con sus creaciones transmitir
parte de la magia y realidad que le envuelven día a día en su país natal.
Más info en www.converse.es
LA CREATIVIDAD
QUE SE ENCIENDE
CON CONVERSE
Texto_ Maru Sánchez
En la fotografía: BRUNO (Brasil)
ARTE

spring / summer 2010
california desert
franklinandmarshall.com

ilustración: Miguelbrieva para Zemos98
START clone.42 “NEEDLES”
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ZEMOS 98
MICROBIOS, SERES VIVOS DIMINUTOS
DEL 15 AL 21 DE MARZO DE 2010
Es equipamiento de serie. Uno de los chips que ha sido capaz de
propulsarnos más allá de lo que nuestra fuerza –en el sentido bruto de la
palabra- jamás hubiera podido llevarnos. Pero también puede ser nuestro
talón de Aquiles, de hecho nos ha hecho caer más de una vez, grandes
tropezones, batacazos. Y todo por no acordarnos de mirar hacia abajo,
hacia dentro, hacia nuestro lado más próximo. Las ansias de expansión,
nuestra necesidad de crecimiento continuo ha hecho que muchas veces
no tengamos en cuenta lo pequeño, lo cercano, con lo que convivimos
cada pequeño día de nuestra existencia. Precisamente en su duodécimo
cumpleaños, los chicos de Zemos 98 se han dado cuenta de esta paradoja
y han decidido dedicar su próxima edición a la grandeza de lo pequeño.
Lo micro y lo breve como aplicación a lo local, a la raíz, al territorio en el
que nos comunicamos y convivimos será el eje sobre el que oscile este
próximo encuentro que tiene por título “Microbios, Seres Diminutos”.
Entrelazando algunos de los temas con los de anteriores ediciones, este
año volverán a sucederse los conciertos, los debates, charlas y talleres
o laboratorios de ideas. Precisamente en este último apartado, este
nuevo encuentro trae una novedad, los llamados ‘Cultivo Microbios’, un
espacio de educación expandida donde se experimentará con los nuevos
microorganismos culturales. Asimismo, con el Taller de Migrantas se
pretende ahondar en las relaciones entre migración, identidad y diálogo
intercultural y su interactividad con las nuevas redes y medios sociales.
Le Petit Circle, Fiera, Filastine o Ciclo serán por su parte los cabezas
de cartel del apartado musical de este año, mientras que los trabajos de
Rogert Bernat y Miquel Noguera coparán los minutos dedicados al
teatro y la performance respectivamente. También la calle será escenario
de intervenciones durante los días que dure el festival, concretamente
en la calle Feria durante el ‘Mercaíllo del Jueves’, que es el rastro más
antiguo de Sevilla y que sitúa su origen en el siglo XIII. En esta curiosa
iniciativa, los artistas invitados trabajarán en torno a la temática de los
‘Superhéroes de Barrio’, por lo que tratarán de visibilizar lo invisible, a
aquellos superhéroes y superheroínas de barrio, pequeños microbios
que tejen redes locales que resisten a ras del suelo, reinventando la vida
cotidiana, sin ningún tipo de servicio ni colaboración al margen del cierre
de la calle al tráfico rodado. Una nueva edición de Radioactivos Expandido
–el podcast de Zemos98-, así como numerosas charlas y experimentos
sonoros completarán una edición que llega para poner los puntos sobre
las íes en lo que a lo local, breve y ‘pequeñito’ se refiere. Promete.
Más info en www.zemos98.org
FEST 100% SINTÉTICO
Con el título de “100% Sintético” se presenta la quinta edición del
Festival Internacional de Teatro y Artes Escénicas de Sevilla, “Fest”, que
se celebrará entre el 10 y el 18 de abril. Llevando a gala el impetú por la
síntesis, el propio cartel oficial dispone a modo de resumen estadístico
los contenidos: 36,4% espectáculos de calle, 25% teatro, 11,4 % danza,
11,4% teatro musical, 4,5% danza-teatro, 4,5% clown, 4,5% circo y 2,3%
otros. Todo ello a cargo de veinte compañías procedentes de Francia,
Estados Unidos, Bélgica, Grecia, Reino Unido y, por supuesto, España.
Entre lo más destacable, la mezcla de técnicas circenses, clown y teatro
gestual de los franceses MUD’ARTE; la compañía neoyorkina Garnica
Leimay creando en directo “El Rastro de la Tristeza Púrpura”, a partir de
un software interactivo con manipulación de vídeo en vivo; los griegos
Rootlessroot y su Ópera a gritos en movimiento “UNA”; o el reflejo del
conflicto árabe-israelí en las producciones de Traspasos y Teatro de la
Esquirla. Salas, horarios, entradas, etc. en www.sevillafest.com
> Matías Marín
MASTERCLASS DE JACK DANIEL’S
4 DE FEBRERO Y 4 DE MARZO_ SALA LA SAL. MADRID
Los Planetas y Dorian, Dorian y Los Planetas, ¿alguien da más? Seguro
que no y es que quién no se ha imaginado alguna vez tocando junto a su
grupo favorito... Pues ya puedes dejar de soñar y experimentar porque
vuelven las masterclass de Jack Daniel’s. Una sala, 15 músicos amateurs
y dos de los mejores grupos de pop-rock indie del momento. Una experiencia
única donde compartir toda una trayectoria profesional. Sólo 15
personas van a poder vivir esta experiencia cargada de autenticidad en la
que podrán intercambiar sensaciones y ser partícipes de un acontecimiento
único con los mejores músicos del momento. Los privilegiados
alumnos serán elegidos de entre todos aquellos que demuestren sus
cualidades musicales enviando un vídeo. ¿A qué esperas?
Más info en www.jackdanielsmusic.es
FESTIVALES - MÚSICA

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ANDREW BUSH
VECTOR PORTRAITS
DEL 3 DE MARZO AL 4 DE ABRIL_ 3 PUNTS GALERÍA. BARCELONA
Si tuviéramos que describir algunas de las situaciones más fílmicas o
cinematográficas o, si mejor, nos propusiéramos un trabajo de autoexploración
y buscáramos en nuestra mente representaciones estéticas
que a menudo se repiten o vuelven con el tiempo, a buen seguro en el
cajón de sastre de más de uno encontraríamos ‘postales’ similares con
fecha, colores y puntos geográficos determinados. En este juego sensorial,
California, qué duda cabe, puede considerarse uno de esos lugares
que uno conoce a la perfección sin haberlo nunca pisado. Su presencia
estética a lo largo de nuestra breve, pero intensa vida de cultura popular
ha conseguido fijar con celo sus fotogramas en nuestra retina. Si a ello le
unimos coches de vértigo, un sol abrasador y el azul del Pacífico reflejado
en el cielo, y no al revés, entonces estamos hablando de la última muestra
de Andrew Bush. Este fotógrafo norteamericano presenta un trabajo
compuesto por 40 obras de gran formato en las que navegando entre
campos como el periodismo, la antropología y el arte conceptual, retrata,
durante la década de los noventa, a decenas de conductores que transitan
por Los Ángeles y sus afueras. Un intenso y curioso trabajo de campo
cuyo objetivo radica en analizar las fronteras entre la ilusión de privacidad
propia de un automóvil y lo público de un espacio como la carretera. Interesante
punto de vista para dar una vuelta de tuerca más a una imagen
ya de por sí bastante explotada. Más info en www.3punts.com
Imagen de ANDREW BUSH
MUSAC
PROGRAMACIÓN V ANIVERSARIO
HASTA JUNIO DE 2010
Parece mentira, pero ya han pasado cinco años desde que abriera sus puertas
el MUSAC en León. Un lustro en el que el Museo de Arte Contemporáneo de
Castilla y León ha demostrado sobradamente que el esfuerzo por el diseño de
una exquisita, interesante y abierta programación cultural no tiene porqué estar
circunscrita solamente a las grandes metrópolis. Así, y en la misma línea de
eficiencia que le ha caracterizado, 2010 es para este centro la excusa perfecta
para subir un peldaño más en esto de la creación contemporáneo y celebrar
al mismo tiempo su quinto cumpleaños. Para la ocasión, se ha configurado
una programación en la que destaca, entre otros, el Proyecto Proforma 2010.
Esta iniciativa, que correrá de la mano de los artistas Txomin Badiola, Jon
Mikel Euba y Sergio Prego, se desarrollará en los más de 4.000 m2 de espacio
expositivo del MUSAC y representará una nueva manera de generar proyectos
artísticos más allá de las nociones convencionales de actividad expositiva. En
junio de 2010 se presentará, por su parte, una gran muestra integrada por obras
de la colección nunca antes expuestas, pertenecientes a más de cuarenta
artistas latinoamericanos, y el Laboratorio 987 albergará cuatro exposiciones
comisariadas por Tania Pardo, Octavio Zaya, María Inés Rodríguez y Agustín
Pérez Rubio. Sin embargo, si hay una opción que excite de veras nuestras
neuronas, esa es la del Proyecto Vitrinas, que desde el 30 de enero acogerá la
muestra “Loud Flash. Punk británico sobre papel”. Compuesta por una selección
de carteles de conciertos, fanzines, flyers y otros objetos pertenecientes
a la extensa colección privada del artista y antiguo punk Toby Mott, “Loud
Flash” se asoma, a través de estos objetos e imágenes, a una convulsa época
(los 70 y los 80 en Reino Unido) desde un punto de vista cultural y social, pero
también con una marcada perspectiva de carácter político.
Más info en www.musac.es
EXPOS

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16
Imagen de JEFF WALL
JEFF WALL
PHAIDON.
Jeff Wall es, en la actualidad, uno de los fotógrafos más interesantes e
influyentes del arte contemporáneo. Su obra bebe de las fuentes de la
pintura del siglo XIX y sus fotografías se enmarcan dentro de una tradición
pictórica que entronca a la perfección con la teoría del arte, un campo en
el que se maneja a sus anchas como escritor y pensador en activo. Quizás
pase por ser uno de los artistas más completos del arte contemporáneo por
la significación de su obra y la importancia de sus textos.
Jeff Wall estudió historia social del arte en el Instituto Courtauld de Londres,
muy influido por la representación pictórica, Jeff Wall podría considerarse
como un pintor de la modernidad, en el sentido en el que piensa, relaciona
y elabora sus fotografías. Sus imágenes emplean una luz difuminada y resplandeciente
que dota a las imágenes de un aura casi místico proveniente
de grandes cajas de luz; fotografías reconstruidas y ficcionadas con un
componente muy urbano, casual, aunque de fuerte influencia decimonónica
y una estructura muy fijada. Sus fotografías navegan por artes tan distintas
como el minimalismo, el cine, la pintura figurativa, el arte conceptual o el
documental.
Phaidon edita ahora uno de los libros definitivos sobre el artista, con una
colección de sus mejores obras y artículos de Thierry de Duve (“Pictorial
Nominalism” y “The Definitely Unfinished Marcel Duchamp”), Arielle Pelenc,
que discute sobre narrativa cinematogáfica con Jeff Wall o Boris Groy, quien
habla con el fotógrafo sobre el empleo de la luz. Todo ello acompañado
de entrevistas, una revisión exhausta de su obra y textos escogidos por el
autor. Más info en www.phaidon.com
DEL ÉXTASIS AL ARREBATO.
CAMEO.
El pasado 30 de diciembre fallecía a los 66 años de edad Iván Zulueta,
director maldito por excelencia del cine español y autor de ese filme de culto
llamado “Arrebato”. El fallecimiento del director donostiarra, además diseñador
gráfico, cartelista y decorador, ha vuelto a poner en órbita este pack de
DVDs editado por Cameo recientemente fruto de una exposición organizada
por el ciclo Xcéntric del CCCB, entorno al cine experimental y de vanguardia
realizado en España en los últimos 50 años.
“Del Éxtasis al Arrebato. Un recorrido por el cine experimental español”
trata de ser una edición no definitiva de lo que ha supuesto la vanguardia
cinematográfica en nuestro país; más bien una recopilación, un intento de
acercamiento que trata de divulgar, distribuir y poner de manifiesto una obra
que ha estado condenada al oscurantismo en los últimos 50 años. Este pack
trata de arrojar luz sobre ese agujero que parecía existir entre la obra de
Buñuel y la de Val del Omar, como si no hubiera nada más allá de estos dos
maestros de nuestro cine.
Cameo nos acerca en esta edición la obra de artistas como José Antonio
Sistiaga y su pintura en movimiento, Ton Sierra, Joaquim Puigvert, Jordi
Artigas, cineastas que experimentaron con el color y la manipulación
directa del fotograma. Manuel Huerga, Benet Rossel, Eugenio Granell, Juan
Bufill, Eugènia Balcells, Zulueta, que presenta “A Mal Ga Ma”, una sinfonía
visual que compuso en sus primeros años; así como la obra de José Ángel
Rebolledo, Luis Riviera o el hoy dramaturgo Carles Santos.
Más info en www.cameo.es
ARTE

Textos_ David Pareja
MARLENE DUMAS. PHAIDON.
Artista surafricana afincada en Ámsterdam, la pintura de Marlene Dumas (Cape Town,
1953) se caracteriza por un uso psicológico del trazo, repleto de pathos y erotismo. Es
famosa por el uso de las acuarelas y las pinturas al óleo, que la enmarcaron en el neoexpresionimo
de finales de los setenta. En ellas está presente la raza a la que pertenece,
la infancia, la edad adulta, el sexo -casi pornográfico-, la muerte y la vida. Todo realizado
con pinceladas gruesas, complejas, que recogen el lenguaje del cuerpo y las curvas de la
anatomía para transmitir toda su carga moral y física. En los temas que retrata recuerda
a Schiller, un color goyesco, y una carga humana que toca de cerca la pintura de Lucian
Freud. Esta edición de Phaidon recoge todas sus épocas en la pintura, así como entrevistas,
textos de la autora y una selección de sus pinturas más recientes que alzan a esta
edición como una de las más completas dedicadas a Marlenne Dumas.
Más info en www.phaidon.com
WELCOME TO ESPAIÑ. ACTAR.
Jordi Bernardó presenta en ¡Bienvenido a España! un recorrido fotográfico por nuestra España
más cañí, inverosímil y esperpéntica. En las instantáneas publicadas por esta nueva
edición de Actar Editorial podemos encontrar desde santuarios domésticos (religiosos,
políticos o artísticos) hasta paisajes de interior repletos de humor, postales de turismo y
muñecos de cera no desprovistos de un rancio toque de gracia. La cámara de Bernardó
se afila especialmente en encontrar el reverso de una España que parece anclada en los
años 70, repleta de turismo barato, toros de Osborne, banderas de España y una arquitectura
surrealista digna del mejor Berlanga. Jordi Bernardó ha paseado anteriormente su
cámara por territorios americanos, japoneses y europeos; pero ahora se ha centrado en la
España más profunda, la que parece resistirse a la barrera que delimita ficción y realidad,
lo grotesco y lo inverosímil. Un retrato certero y punzante del que no se libra ni Dios. Más
info en www.actar.es
BARCELONA: MUSEO SECRETO. ACTAR.
Las guías de viajes son un fenómeno editorial que ha gozado de éxito más allá de los
tiempos. Desde Marco Polo a Kapuscinsky, su popularidad ha ido creciendo gracias al
aumento de las facilidades a la hora de viajar y a la democratización de los precios. Pero
hay un fenómeno más reciente que aporta calidad, valor y originalidad a las guías de
viajes. Son las guías culturales, que aportan historias sobre los espacios de los que se
escriben, conocimiento que relacionan los espacios descritos con la literatura, el arte o la
ficción cinematográfica. Sabiduría que amplifica el lugar retratado y lo dota de una mayor
dimensión. El novelista Ignacio Vidal-Folch retrata en esta edición de Actar numerosos
monumentos, edificios al borde de la desaparición, carteles, al igual que escaparates y
numerosos espacios tocados por el don de la singularidad. Más info en www.actar.es
START clone.42 “NEEDLES”
Imágenes de MARLENE DUMAS
EDICIONES

18
WORD UP Y À DONF. ¡ABAJO LA CENSURA!
Parece manido, pero no deja de ser cierto aquello de que uno no aprende un
idioma correctamente hasta que lo vive... También es verdad que conviene
aprenderlo de manera académica, pero probablemente, si uno basa sus
conocimientos de inglés y francés en lo que le enseñaron en colegio e instituto
(por no hablar de las macabras academias de idiomas), lo más seguro es
que el mejunje nos dé para poco más que pedir un cucurucho de fish & chips
o una crêpe de Nutella. Y eso, con suerte. Para toda esta generación 2.0,
que se desvive viendo series en versión original, que ha conseguido que el
lenguaje mute hacia una especie de esperanto universal donde la compresión
del Messenger y de los SMS es el santo y seña de la comunicación, ha
nacido la serie de diccionarios perfecta. Porque el Langenscheidt está muy
bien, no lo vamos a negar, pero también es cierto que hay ciertas cosas
(argot, neologismos, insultos, jerga de ligoteo, habladurías de las tribus urbanas...
) que no las vamos a encontrar en un diccionario, digamos, “normal”.
Pons Idiomas ha editado para estos menesteres dos diccionarios sin censura,
“Word Up!” y “À Donf!”, en inglés y francés respectivamente, que ayudarán
a todos los jóvenes a triunfar por las calles, los clubes y el internet, que es
donde al final se corta el bacalao. Además, al ser bidireccionales, también
servirán para que los guiris dejen de ser tan pánfilos como es habitual en ellos...
¿Cómo es que no se le había ocurrido esto a nadie antes, pardiez? Más
info en www.ponsidiomas.com
LA HISTORIA MODERNA DE BELLE & SEBASTIAN
(Metropolitan Ediciones, 401 páginas, 2009)
Ya hablamos hace unos meses, a propósito del fantástico libro “Entre
Bastidores. De Viaje con el grupo Love”, de Michael Stuart-Ware, de la
ramificación editorial del sello Mushroom Pillow, Metropolitan. En su haber
tienen cuatro magníficos volúmenes, que incluyen el citado sobre Love,
el que nos ocupa, y otros dos más, “Más Oscuro que el Profundo Mar. En
Busca de Nick Drake”, de Trevor Dann, y “Touching from a Distance. La Vida
de Ian Curtis y Joy Division”, por Deborah Curtis. Queda claro pues que la
intención de Metropolitan es la de editar libros que nos hagan comprender
mejor la vida de nuestros artistas favoritos, y desde luego que no podemos
hacer más que aplaudir esta iniciativa. En este caso, hablamos de “Belle &
Sebastian: Una Historia de Rock Moderna”, que nos permite conocer los
entresijos vitales de una de las mejores bandas de pop de los últimos quince
años. Los escoceses, autores de discos capitales como “If You’re Feeling
Sinister” (1996) o “Fold Your Hands Child, You Walk Like a Peasant” (2000),
han conseguido crear una base de fans cuya admiración por ellos roza por
momentos el culto, a pesar del extraño carácter, medio autista y casi virginal,
de los protagonistas. Su autor, Paul Whitelaw, tiene amplia experiencia en
la crítica musical, siendo su firma habitual en medios tan reconocidos como
Metro, Melody Maker o New Musical Express. Con textos en profundidad,
entrevistas y fotos exclusivas, este libro es de compra obligada para todos
los seguidores de Stuart Murdoch y compañía.
Más info en www.metropolitanediciones.com
LIBROS
OTRA
VUELTA DE
TUERCA
REVISITANDO A LOS CLÁSICOS
Una de las grandes quejas de libreros, editores y escritores en los
últimos años se refiere a la voracidad del mercado literario, que fagocita
las novedades en plazos de tiempo cada vez más cortos, impidiendo
que muchos libros desarrollen todo su potencial: ese clásico boca a
boca, que ha permitido que obras que en principio parecían destinadas
a un público reducido alcanzaran un éxito masivo (el mismo Harry
Potter, sin ir más lejos). En esta vorágine en que se ha convertido la actualidad
el espacio físico escasea cada vez más y los mayores damnificados
son aquellos autores que, digámoslo así, “han pasado de moda”.
Para arreglar semejante desaguisado en Anagrama han decidido lanzar
una nueva colección, “Otra vuelta de tuerca”, cuyo aspecto exterior se
caracteriza por el empleo de tapas en color rojo (de ahí el sobrenombre
de “Serie roja”), y cuyo objetivo es revisar títulos clásicos del catálogo
de la editorial. Se trata, en palabras del propio Jorge Herralde, de “una
colección que no quiere imponerse limitaciones de ningún tipo, aunque
predominará la ficción, y donde coexistirán de forma ecléctica y quizá
poco previsible, como en el catálogo del que proceden, la más alta y
exigente literatura con textos offbeat y rompedores. Requisito único:
en su día la publicación me pareció inevitable. Y ahora me lo sigue
pareciendo”.
Y habrá que hacerle caso, porque la decena de libros que llevan
publicados, varios de ellos volúmenes recopilatorios, suponen una
selección ante la que caben pocas objeciones: viejos conocidos como
Jane Bowles, cuya obra completa se reúne en “Dos damas muy serias
y Placeres sencillos”, Thomas Bernhard, del que se han reunido sus
cinco volúmenes de memorias en “Relatos autobiográficos” o el malogrado
Fritz Zorn, del que se recupera su única novela, “Bajo el signo de
marte”, completada para la ocasión con textos de Rafael Conte y Felix
de Azúa. También están presentes viejos favoritos de la editorial, como
las cinco novelas que Patricia Highsmit escribió con Tom Ripley como
protagonista, publicadas para la ocasión en un único tomo, el delirante
“Los ángeles del infierno”, de Hunter S. Thompson, o el debut de
Rodrigo Fresán, “Historia argentina”. Y por supuesto, títulos que reflejan
la rica diversidad de esas literaturas que permanecen en la periferia
de las modas editoriales, como la china (“La fortaleza asediada”, de
Qian Zhongshu) o la polaca (“El rey de las dos Sicilias”, de Andrzek
Kusniewicz). Todo cabe en una colección que, más que en tapas rojas,
debería venir encuadernada en cuero y con letras grabadas en dorado,
como los grandes clásicos.
Más info en www.anagrama-ed.es> Vidal Romero

VARIOS AUTORES
“CONSTRUIR EL NUEVO MILENIO”. (PHAIDON)
Los cambios de década son siempre territorio abonado para la reflexión, la
recapitulación y la puesta en orden de las ideas: el momento ideal para que
el cuerpo crítico de las revistas y las secciones de cultura de los periódicos
hagan bisagra, miren hacia atrás y tracen una línea evolutiva en el desarrollo
de algún tipo de arte, industria o actividad. Esta actitud es peligrosa en
cualquier género de estudio, porque la falta de perspectiva impide disponer
de una distancia crítica suficiente tanto para lo bueno como para lo malo: es
decir, que por un lado se tienden a sobrevalorar las creaciones o actitudes
más recientes (el siempre estimulante efecto de “lo nuevo”), y por otro se
desprecian las más antiguas, esas a las que ya empiezan a asomarle las
arrugas o, directamente, han dado con sus huesos en el baúl de los olvidos.
Pero más que en cualquier otra actividad, esta actitud es particularmente
peligrosa en la arquitectura, una disciplina en la que el arco temporal
que va desde los primeros bocetos de un edificio hasta su terminación
suele abarcar muchos años, sobre todo en el caso de las obras públicas o
institucionales, más complejos en cuanto a su diseño y también sometidas
a una gestión política tortuosa y enrevesada, por mucho que la chapucera
actuación de los responsables municipales en casos como el del Metrosol
Parasol de Sevilla o los Teatros del Canal de Madrid parezca sugerir lo
contrario. Esta sensación de deriva temporal es lo que se siente al ojear
“Construir el nuevo milenio”, un coqueto volumen cuyo objetivo es hacer
un suma y sigue de las distintas corrientes surgidas en la arquitectura en
la última década (su subtítulo, “Arquitectura de comienzos del siglo XXI”,
ya lo advierte de manera clara). Y se siente porque, junto a edificios de una
modernidad incontestable (más allá de reflexiones estéticas, quiero decir),
como los Estudios y Centro Cultural de la Televisión China, de OMA, la
Tienda de Ann Demeulemeester en Seúl, de Mass Studies o los estadios de
Herzog & De Meuron (el Allianz Arena de Munich y el Estadio Nacional de
Pekín), aparecen obras que parecen pertenecer a otras épocas, y que están
aquí consignadas sólo por su interés mediático: es el caso del Walt Disney
Hall, de Frank Gehry, del Centro de Arte Contemporáneo Lois & Richard
Rosenthal, de Zaha Hadid o el Proyecto Edén, de Nicolas Grimshaw. Una
aparente bipolaridad que, en realidad, refleja a la perfección la realidad de
la arquitectura en el momento actual: una batiburrillo de actitudes, en el
que resulta difícil consignar movimientos y la espectacularidad se impone
a cualquier otro criterio estético, como consecuencia de esa loca carrera
en la que se hallan metidas muchas ciudades que, siguiendo el ejemplo de
Bilbao y el Guggenheim, desean redefinirse a cuenta de grandes proyectos
arquitectónicos.
En cuanto a la manera en la que “Construir el nuevo milenio” muestra los
proyectos, no puede ser más sencilla: cuatro páginas por cada edificio,
con fotos cuidadas, textos explicativos y algún plano general. Y aunque el
que siga la actualidad de la arquitectura encontrará la selección de obras
correcta y con pocas sorpresas, hay que tener en cuenta que el público al
que va dirigido es otro. De ahí que no existan textos que reflexionen sobre
los giros que han sacudido a la arquitectura durante estos diez años. O a lo
mejor es que tampoco hay demasiado sobre lo que reflexionar: es lo que
sucede cuando gobierna la sociedad espectáculo, que la imagen siempre
prevalece sobre el contenido.
ARQUITEC-
TURA
ESCRITA
Texto_ Vidal Romero
ARQUITECTURA reviews
MARC ARMENGAUD, MATTHIAS ARMENGAUD, ALESSANDRA
CIANCHIETTA
“NIGHTSCAPES. PAISAJES NOCTURNOS”. (GUSTAVO GILI)
Una de las fallas habituales en los proyectos de arquitectura es el de la
iluminación artificial: se proyectan los edificios pensando en cómo rebotará
la luz sobre ellos, en cuáles serán los filtros que utilizaremos para impedir la
desmesura de la claridad y en lo bien que quedarán las líneas de sombra sobre
la fachada, pero casi nunca se da la misma importancia a la iluminación
artificial, a pesar de que los edificios también se habitan y se perciben de
noche. Los tres autores de este interesante librito reflexionan sobre esos aspectos
desde otros tantos puntos de vista: el carácter que impone la noche
sobre el paisaje, y cómo afecta a la relación que se tiene con las ciudades y
los edificios (incluyendo casos tan concretos y atípicos como la celebración
de ferias o grandes acontecimientos culturales); la importancia de la iluminación
en las grandes infraestructuras, y cómo sirve para reflejar la escala
desmesurada de éstas en el tejido urbano, y cómo la adecuada elección
de una buena iluminación puede modificar los significados y el papel de un
edificio o espacio público. Una cuidada guía de jardines, plazas y edificios y
algunos apéndices (iluminación de jardines de noche, reflexiones acerca de
las arquitecturas efímeras) completan un libro ameno, interesante y original,
al que sólo se le puede criticar que no siempre emplea el tono adecuado y
que a veces presenta lagunas importantes (el evidente desconocimiento
que Cianchietta posee sobre festivales de música y raves, por ejemplo).
“Nuevos iconos para nuevas sociedades: Estudios y
Centro Cultural de la Televisión China en Pekín. OMA”
ARQUITECTURA

CONOCE A señor juelle
EN CORTO
Nombre: Javi Juelle
Edad: 28 años
Lugar de nacimiento: Sevilla
Profesión: Tatuador
Retrato: Javi Juelle
Fotografía:Francisco Zurita
para Libeluladenuevepulgadas
20
1. Un concepto: Constancia.
2. Un concepto sobrevalorado: Arte.
3. Una edad de oro: No lo tengo muy claro.
4. Un personaje de ficción que te hubiera gustado conocer: Le pediría salir a Leela, de Futurama .
5. Un maestro/a: Gente cercana a la que admiro.
6. Un momento del día que no cambiarías: El desayuno
7. Un libro que no falta en tu habitación: Cualquiera con dibujos.
8. Una obsesión solitaria: La cocina.
9. Un sueño repetido: Viajar en el tiempo.
10. Un objetivo por conseguir: Hacer música que al menos no irrite a mis amigos.
11. Tus pupilas se dilatan cuando: Todo es perfecto.
www.myspace.com/sr_juelle - www.fotolog.com/srjuelle

Vuelven las Strictly Hip-Hop News
con uno de nuestros MCs favoritos,
Tote King, quien lanza al mercado una
lustrosa caja donde recopila toda su
discografía hasta la fecha más un documental
magnífico. También vuelven a
la palestra dos clásicos de la talla de R
de Rumba y Xhelazz, puro old-school
zaragozano. Y finalmente, el joven
rapero ZPU edita su tercer largo para
demostrar que las redes sociales están
de su parte. ¡Atento, joven headz, que
aquí hay candela de la buena!
Texto_ Pablo Vinuesa
TOTE KING ENCAJADO
Una de las principales inquietudes de un fan es la de acercarse al artista
al que adora. No sólo a través de su obra, sino desde un punto de vista
más personal y cercano. Por esa misma razón, BOA ha dado en el clavo
con la caja de Tote King y el documental “Tengo Que Volver a Casa”, un
lujoso lanzamiento que pretende mostrarnos no sólo la vida sobre las
tablas del fantástico rapero sevillano, sino también su devenir cotidiano.
En el documental, cuya banda sonora ha sido compuesta por Cookin’Soul
y DJ Randy, se intercalan actuaciones de Tote con otros acercamientos
a sus lugares habituales, desde el inevitable estudio de grabación hasta
los aeropuertos, pasando por las canchas de basket (con cameo de
Felipe Reyes incluido). Acompañado por artistas de la talla de La Mala,
Juan Solo, Ernesto Sevilla o su hermano Shotta, Manuel González, que
es así como llaman en su casa al genio del hip-hop, hace balance ante
nuestros ojos. Para el muy conocedor de Tote, quizás el documental no
descubra demasiado, pero para los demás, “Tengo Que Volver a Casa”
resulta ejemplar, ya que nos descubre a parte de esa gente que le rodea
pero no suele salir en los titulares (hablo de su manager Martin, del azote
de la SGAE David Bravo, de Lorena Sevillano, etc.), y además explica
con detalle los claroscuros de nuestro protagonista, y las razones que
provocan que su natural desestabilidad sea precisamente el motor de su
START clone.41 “HIP-HOP NEWS”
magnífica obra. El diseño se ha cuidado con esmero, encargándoselo a Xclusif
& Conflict para deleite de los aficionados. El documental se puede adquirir
por separado o como parte de la citada caja, que incluye además toda su
discografía completa. Un auténtico lujo, para qué lo vamos a negar, de uno de
nuestros raperos favoritos...
DESDE LA COCINA DEL ESTUDIO
R de Rumba, Rubén Cuevas en su casa, es uno de los personajes fundamentales
de la escena hip-hopera nacional. El DJ y productor zaragozano no sólo
se ha convertido en el pilar sonoro, ético y estético, de su grupo Violadores del
Verso, sino que además es la punta de lanza del sello Rap Solo, que lleva años
fomentando el hip-hop clásico, potente y perfeccionista. Xhelazz, por su parte,
es un MC vecino de Violadores al que siempre hemos podido encontrar cerca
de los maños. Mario Celimendiz, que así se llama el muchacho, tiene a sus espaldas
una carrera bastante dilatada. Comenzó con el grupo Originarios junto a
Loto Oscuro, con quien también formó Imperio. En 2000 nació Cloaca Company,
que lo unía a Franfuethefirst, Eric B. y Hazhe (con h intercalada, no confundir
con el de aquí), combo que tuvo cierta repercusión. Como MC ha sido invitado
por grandes raperos como Rapsusklei o Tote King, y ha formado parte de la
troupe de gira con Violadores del Verso. Quizás su faceta como productor sea
menos conocida, pero Xhelazz maneja los samples con una facilidad pasmosa.
Juntos, él y R de Rumba, han cocinado “De Vuelta al Estudio” (BOA, 2009), un
trabajo de, eso, estudio, con el que demuestran su poderío frente a la mesa de
mezclas. Entre los dos se marcan 19 temas entre instrumentales, inéditos y
remixes, con protagonistas como Tote, Juaninacka o ElPhomega, pero también
con la presencia de otros miembros habituales en la familia Rap Solo como
Kase O., Hate, Lírico, Rebel o Sr. Rojo. Material de primera que complementa
las carreras de ambos productores, pero que al mismo tiempo se sostiene
como lanzamiento discográfico en sí mismo. Y es que los remixes y las rarezas
también pueden ser Arte, por supuesto.
EL TERCER SUEÑO DE ZPU
Es uno de los raperos jóvenes que mejor conecta con los chavales, como así
demuestran los miles, millones de visitas a su MySpace o a los vídeos que
tiene colgados en YouTube. ZPU estrena su tercer disco en solitario, “He Tenido
Un Sueño” (BOA, 2010), un largo que a buen seguro será un éxito absoluto. El
MC barcelonés ya se dio a conocer hace años como miembro del grupo Magnatiz,
con quienes editó dos trabajos, “A Puerto” (2000) y “Rara Avis” (2002).
Tras su salida del proyecto, “Hombre de Oro” en 2006 y “Contradicziones” dos
años más tarde, han sido los CDs que hemos podido escuchar por parte de
Juan Prieto Sánchez. Se caracteriza por ser un rapero “serio” en el sentido en
que lo es Nach, que no por casualidad lo ha apadrinado tanto en gira como en
estudio con cierta frecuencia, por lo que su seña de identidad son las letras socialmente
comprometidas con mensaje contestatario. Y si en el micro es Nach
su amigo más próximo, a la hora de facturar los beats es Soma quien firma en
la mayor parte de las ocasiones. “He Tenido un Sueño”, además, presenta a
otros productores como Baghira, Mindheart, Nokley, Dash o DJ Joaking, y en la
parte vocal podremos esuchar apoyos de la cantante de jazz Esther Ovejero, el
marsellés Soprano, Madnass (Arma Blanca) o Puto Largo (Dogma Crew). Todos
se aúnan para hacer de sus 18 temas un lanzamiento a tener muy en cuenta en
los próximos meses.
MÚSICA

A menudo, cuando se
habla de la capacidad
que tenemos las mujeres
o los hombres a
la hora de reconocer y
admirar la belleza de
individuos de nuestro
mismo sexo, existe
cierta tendencia a pensar
que las féminas son
las primeras en ‘poner
el ojo’ y clasificar a
cualquier elemento que
pueda hacerles sombra.
Cierto o no, y sin saber
si es precisamente por
mi condición de mujer,
la verdad es que no
dudo en reconocerme
en algunas de estas
conductas. Y no me
lo reprocho. Bajo los
efectos de un narcótico
llamado Brian Viveros,
en mi cabeza aún
vagabundean las sombras
de mujeres que,
en su última calada,
son capaces de llevarse
una buena parte de tu
voluntad.
ARTICULO brian viveros
ARTE

24
LA RENDICIÓN DE LAS
DOMINATRICES
Texto_ Maru Sánchez
Un cigarrillo a medio consumir en la comisura de los labios, ojos difuminados
en abundante sombra negra y una mirada desafiante a la par que seductora
constituye el denominador común del harén que habita en la cabeza de uno
de los artistas eróticos más importantes del panorama actual. Tras participar
en la feria The Art of Porno, en Suiza en 1997, los pinceles del californiano
Brian Viveros no han parado de trazar perfiles en torno a la seducción
femenina, un concepto que ha llevado hasta sus últimas consecuencias y
límites. Finalista en los Erotic Awards (UK) de 2004 como artista del año, la
agenda de este ilustrador norteamericano se ha ido llenando progresivamente
de exhibiciones a un lado y otro del Atlántico, una vorágine creadora
que le ha llevado a picotear también dentro del sector audiovisual a través
de la realización de varios cortos. Pero son sus mujeres, dominatrices
vencidas a las que aún les queda un último aliento, una última conquista, las
que lo han alzado a las primeras posiciones dentro del panorama creativo
contemporáneo.
Referencias sadomasoquistas y fetichistas –puñales, tacones de vértigo,
corsés, coronas de espinas... – pueblan las misteriosas composiciones
de un Viveros que consigue empujar al observador hacia una dimensión
prohibitiva, esa en la que navegan sus personajes y que se sitúa al margen
de lo cotidianamente aceptable por nuestras conciencias. Y es que, magulladuras,
sangre y moratones son, en ocasiones, el único vestido de noche
de estas señoritas que, aun así, mantienen la dignidad y un último aliento
para la venganza o el desquite, algo que, sin duda, las hace aún más bellas.
También las referencias latinas –quizá por la influencia del cercano México-
tiñen los cuerpos de estas mujeres preparadas para la guerra (carnal o no)
bajo el capote de un torero, flores rojas en el pelo o los labios de carmín.
No representan ningún prototipo políticamente ‘deseable’, sin embargo, sus
actitudes no dejan de ser actuales y muy de súper(anti)heroínas. Alusiones
veladas a un género, el del cómic, por el que Viveros se siente muy influido.
Las tipografías que acompañan las composiciones, habitualmente góticas
y en ocasiones haciendo claras alusiones a la cultura chicana y al mundo
de los tatuajes (sin duda nos viene como anillo al dedo en este número),
contribuyen en gran modo a potenciar la atracción visual de estas imágenes,
dotándolas de cierto aire siniestro y oscuro. Un mundo que se sitúa a la
vuelta de la esquina bajo un estado ideal de semi borrachera y un paquete
de Marlboro, compañeros de tránsito creativo para este artista que no hace
ascos a las técnicas mixtas con óleos, acrílicos y aerógrafos. Qué duda cabe
que no es mal cóctel para indagar en esos espacios vedados a la luz del sol
por la policía de la racionalidad.
Más info en www.brianmviveros.com

ARTE

Textos_ Maru Sánchez
Fotografía_ Samuel Sánchez / Piel_ Esteban Herrera
ARTÍCULO tattoo
A pesar de los pesares, las condenas autoinfringidas, los daños propiciados, el cuerpo ha sido,
es y será nuestro mejor bien material. Un objeto físico del que normalmente poseemos la
mayoría de acciones –en otras ocasiones los ‘inversores’, qué duda cabe, nos vienen impuestos
desde fuera ya sea genética, cultural o circunstancialmente- y que nos sirve como
perfecto maniquí para reflejar aquello que se mueve en nuestro interior. Un holograma con
densidades reales al que le vamos sumando elementos que, una vez hechas las operaciones
de la ecuación, darán como resultado un yo diferente al resto. En este ejercicio mundano de
diferenciación, y al calor de los usos globalizados, la moda nos permite jugar a ser diferente
del resto, incluso cuando se está fuera del tiesto (eso también es fashionable). Un collarcito,
por aquí, un corte gafapasta por allá; ropa customizada de mamá por aquí, un vinilo de
los Bee Gees por allá; piercing de bolita fluorescente por aquí, tatuaje polinesio por allá...
¡Un momento! STOP. Hemos llegado a un punto interesante... ¿Qué diferencia a uno y otro
elemento? ¿Qué se pone y se quita? ¿Qué nace con vocación de ‘a ver cuántas veces me lo
pongo’ y qué con el de ‘me identifica, lo quiero para mí, para siempre’? Los tatuajes son una
rara avis dentro de los complementos con los que adornamos nuestro cuerpo. A pesar de que
la posibilidad de borrarlos, es algo que está ahí a partir de los denominados cover up –la técnica
no entiende de romanticismos-, es obvio que hacerlo denota cierta debilidad y titubeo, y
es que un tatuaje no nace para morir en unos meses o años. ¿O sí? Milenarios, portadores de
sentidos y, finalmente, fruto de una manifestación artística más que consolidada, el mundo
de los tattoos recoge una herencia plagada de simbología y belleza que sigue dando que
hablar bajo millones de epidermis.
En estas páginas tattoos de Adam Barton
ARTE

28
LA INCLUSIÓN EN EL MERCADO DE VALORES POPULARES
El siglo XX ha querido pasar a la historia como la época en la que cualquier
cosa es susceptible de ser colocada en el mercado y triunfar, sólo hay
que crear la necesidad. Los tatuajes no iban a ser menos y si durante la
primera mitad de siglo eran el marchamo de una vida vivida al margen de
lo establecido mucho antes de que existiera el término underground, a
partir de entonces y progresivamente, estos dejarían de ser sintomáticos
de un estrato social olvidado. Si el desarrollismo norteamericano de los 50
nos dejó puñales, pin-ups y ‘amores de madre’ en musculosos brazos de marineros,
los 60 mantuvieron esta tendencia entre una generación de jóvenes
que comenzaron a cantarle al amor libre y la marihuana, finalmente los 70,
con la explosión del rock, la psicodelia, el punk y demás estilos supuso la
consagración de una manifestación que el establishment había sacado de
contexto y expulsado del paraíso. Aunque los pasos dados eran de gigante,
tuvieron que llegar los 80 y 90 para consolidar una moda abanderada en
estos años por cantantes, presentadores, actores y demás ejemplares de
la farándula mediática. Partícipe de un nuevo modelo de éxito, y a pesar
de superar muchas de las barreras que lo mantenían en el limbo de las
tendencias, el tatuaje ha seguido manteniendo cierto espíritu e identidad de
rebeldía, identificándose con sentimientos románticos que aún a día de hoy,
pueden traslucirse en diseños y motivaciones. Precisamente estas, aunque
obviamente han cambiado con el paso del tiempo, conservan el idealismo
de las cosas que, a priori, se hacen para toda la vida. Una tendencia, no obstante,
que viene cada vez más presionada por el valor estético del tatuaje
y la posibilidad de borrar o rediseñar algunos dibujos ya existentes. Por su
parte, lo artesano del trabajo –cada tatuaje es diferente, como diferente es
cada piel o cada cuerpo- sigue otorgando a esta manifestación un plus de
diferencia con respecto a otras expresiones artísticas y corporales.
LÍNEAS Y COLORES PARA UN CATÁLOGO
Aunque lo singular e individual de estos diseños es algo indiscutible, no es
menos cierto que existen distintas tendencias que los aglutinan y para descifrarlas
no hay que olvidar las fuentes de las que, precisamente, beben estos
dibujos. Es decir, si la Polinesia es un punto fundamental en su aparición, no
es de extrañar que los motivos que nosotros denominamos tribales hayan
tenido amplia repercusión en la cultura contemporánea; también las escenas
orientales, con motivos propios de esa cultura como las flores de loto, los
dragones o las geishas, son elementos que ocupan un escalón propio en el
ranking de tattoos más conocidos. Estrellas, trenzados y símbolos celtas,
grafías orientales, tréboles, sirenas... Son algunas de las figuras más representadas
bajo las epidermis de millones de personas. Pero no sólo por el
dibujo se define un tatuaje. Las técnicas utilizadas, en similitud con algunas
pictóricas, son fundamentales en el resultado final.
Así, el estilo old school, que viene definido por la escasez de colores –
únicamente negro, rojo, verde, amarillo y azul-, así como por lo grueso de
su trazos en tonos planos (sin sombras), es una tendencia norteamericana
recuperada de los años 40 y 50 que actualmente cobra nuevos significados.
Por su parte, los colores fuertes, con contornos desdibujados y muchos degradados,
al igual que los graffitis, son característicos del estilo new school,
entre cuyos principales diseños y motivos triunfan las imágenes fantásticas,
retratos, los dibujos biomecánicos, etc. También el fine line, técnica utilizada
normalmente para la realización de retratos y que consiste en utilizar una
estudiada escala de grises, se ve mucho actualmente gracias al nuevo
impulso que han tomado los tatuajes realistas de personas y seres queridos,
ídolos e incluso mascotas. El estilo japonés o irezumi, por su parte, se define
por sumar al dibujo sencillo de líneas finas algunos colores intensos.
Se trata de algunas coordenadas para guiarse dentro de un mundo tan
diverso como disperso en el que, si bien existen ciertos parámetros a la hora
de clasificar y encasillar, lo más significativo y lo que hace singular a estos
dibujos es la imposibilidad de clonarlos. Y es que no hay en el mundo un
tatuaje exactamente igual a otro.
LAS AGUJAS DEL TÉCNICO-ARTESANO
Considerado por muchos como algo más que una afición, casi como un
estilo de vida, no es de extrañar que dentro del mundo de los tattoos existan
estudios y tatuadores que, con la sola mención de su nombre, sean capaces
de revalorizar centímetros cuadrados de piel. Pertenecientes a una rama no
muy conocida del mundo creativo, estos profesionales se diluyen entre la
precisión del técnico que ajusta sus agujas según su uso y la precisión y el
control del trabajo artesanal. Un trabajo eminentemente manual, al fin y al
cabo, con escasos avances tecnológicos (especialmente en lo que a agujas
se trata, no es así, por ejemplo, en cuestiones de seguridad sanitaria, donde
sí se ha avanzado mucho) que requiere de un vínculo de confianza muy
especial entre cliente y profesional.
La motivación artística y estética es la otra gran baza a la hora de escoger
a uno u otro estudio o tatuador. En esto, como en cualquier mercado, la
exclusividad -algunos tatuadores llegan a cobrar hasta 200 dólares la hora y
tienen listas de espera de años- y la definición de un estilo propio y singular
–hay diseños que llevan un ADN muy definido, eso da caché- son claves a
la hora de encumbrar a ciertos profesionales. Es el caso del norteamericano
Grime, sin duda uno de los grandes y cuyos puntos más fuertes son la creatividad,
la versatilidad y una depuradísima técnica. Portar un diseño de este
artista es sinónimo de éxito, ya que hay pocos profesionales capaces de
hacer un trabajo tan exquisito, independientemente de si se trata de un tatuaje
de estilo biomecánico, japonés, neotradicional, lettering, en escala de
grises... Un diseño de Grime ni pasa desapercibido, ni deja la menor duda de
su autoría. Otro de nuestros favoritos es Adam Burton. Aunque algo menos
conocido, sus obras, donde se mezclan elementos tradicionales y motivos
americanos en tintas planas con predominio de volúmenes y texturas, son
igualmente conocidas en el circuito de los tattoos. Otros nombres escritos
con tinta en este mundillo son los de Paul Booth, con una estética oscura
muy particular; Aaron Cain, su fuerte son los diseños biomecánicos; Mike
DeVries, sus obras se definen por su ultra realismo; Jesse Smith, uno de los

más reconocidos mundialmente por sus dibujos
personalizados o Ryan Dearringer, un absoluto
ganador de premios que busca la innovación en
cada diseño.
En España, tatuadores como los de Eneko de Por
Vida (Madrid), con el que tenemos una interesante
entrevista acompañando el reportaje, Javi
Rodríguez de LTW (Barcelona), Agustín Cavallieri
de Timur (Barcelona) o el más que consagrado
Robert Hernández representan la avanzadilla
patria en un sector a menudo dominado por
tendencias extranjeras. De hecho, y sirva como
reflejo de la trascendencia que el mundo del
tattoo tiene, por ejemplo, en EE.UU., el mundo
del tatuaje es, desde hace unos años el eje
temático sobre el que giran dos realities: “Miami
Ink” y “L.A. Ink”, capitaneado por la mediática
Kat Von D. Esta mujer, nacida en México y criada
en California, tatuadora de éxito y diseñadora de
una línea de ropa y otra de maquillaje, representa
una vertiente extraña pero cada vez más habitual
en este mundillo, aquella que surge del tirón
mediático y globalizado. Una tendencia que no
es exclusiva de la televisión, la publicidad y el
marketing, en concreto el de muchas marcas de
street wear, que han propiciado, a través de sus
esponsorizaciones y colaboraciones con artistas
procedentes del mundo del tattoo, la aparición
de pequeñas-grandes estrellas de la tinta y la
aguja, cuya simple firma se cotiza al alza tras
estas colaboraciones. Así, el tatuador puede
ser también diseñador gráfico, de moda, artista
plástico o graffitero. En definitiva, se trata de
ver más allá de la imagen trazada en torno a un
mundo que a pesar de su escasa estratificación,
su dispersa evolución y la anarquía de su proyección
sigue generando un interesante mosaico de
pretensiones escritas con tinta bajo la piel.
Fotografía_ Samuel Sánchez / Piel_ Esteban Herrera
En esta página tattoo de Mike Roper
ARTE

ENTREVISTA eneko por vida
30
Mente inquieta donde las haya, este tatuador
es, sin duda, uno de los must en nuestro país.
Su estudio Por Vida, en la madrileña calle
de Fuencarral, es obligado punto de peregrinación
para todos aquellos que sientan más
que cosquillas con el sonido de la aguja. Y es
que, a pesar de llevar una apretada y envidiada
agenda en “custom shops” de medio mundo
–aquellas en las que se trabaja con diseños
exclusivos-, Eneko es de los que también
disfruta con las colaboraciones en estudios a
pie de calle, las llamadas “street shops”. Un
hecho sintomático de su gran pasión por este
oficio que le ha llevado a codearse con los
más grandes de la escena internacional.
Desde la antigüedad, el hecho de tatuarse la piel ha llevado implícito
una serie de significados diferentes. ¿Es la estética hoy en día
el único motor para hacerse un tatuaje o siguen existiendo otras
motivaciones? Para la mayoría de la gente es algo puramente estético,
vivimos en el mundo de la imagen y el tatuaje es un elemento más. Por
supuesto siguen existiendo ‘subculturas’ donde el tatuaje tiene connotaciones
iconográficas y de integración. Por ejemplo, tatuarse letras hoy en día
es algo muy popular. Dentro de esta tendencia tenemos las denominadas
cursivas, que no es otra cosa que el clásico fancy script o estilo chicano. Se
trata de diseños que en la propia cultura chicana tienen una carga simbólica
muy definida: nombre del barrio, familia, las tres cabezas de mujeres
(esposa, amante, novia), etc. Para ellos, tatuarse letras no es una moda
es algo representativo de su cultura, algo que el mainstream ha absorbido
como una tendencia más.
Como en la mayoría de manifestaciones artísticas, las tendencias
regresan. Tras la vuelta de todo lo vinculado al old school, ¿qué
otras vertientes están de moda dentro del mundo del tattoo y cuáles
han pasado a mejor vida? Yo no creo que los estilos pasen a mejor vida,
pienso que evolucionan y, además, para bien. En 1988, Ed Hardy publicó el
primer número de la revista Tattootime con un amplio reportaje sobre ‘new
tribalism’ en el que se hablaba mayormente del estilo hawaino y de Borneo,
contribuyendo en gran medida a que se hicieran populares. Y es que, hasta
entonces, la mayoría de los tatuadores no tenían tanto conocimiento sobre
este estilo y sus clientes tampoco. Hoy en día la gente sigue tatuándose
tribales que siguen menos la versión prostituida del estilo de Borneo y algo
más a estilos como el polinesio o el maorí. ¿Pasó el tiempo del tribal? Yo
creo que no. Más bien evolucionó y positivamente, ya que la gente trata
de hacerse diseños lo más fieles posibles a los originales y no la versión
comercial del mismo. El old school o estilo tradicional siempre estuvo ahí.
Hoy en día es más popular y, aunque creo que perdurará, probablemente
evolucionará como el tribal y dejara de estar tanto de moda. Su simplismo lo
ha hecho perfecto para su serigrafiado, es decir, para que esté en todas las
marcas de ropa, manteles y baberos del planeta. No hay marca de ropa que
no tenga uno o varios motivos old school, una popularización del estilo que
acaba por erosionarlo. En ese sentido, creo que la gente está evolucionando

Fotografía_ Samuel Sánchez / Piel_ Esteban Herrera
En estas páginas tattoos de Eneko Por Vida
MÚSICA

ENTREVISTA eneko por vida
32

hacia algo más personal y no tan fácilmente identificable. Dentro de los
diseños y técnicas tradicionales hay sub-estilos como el creep, donde
se usan elementos de alquimia y masonería. Son tatuajes que ‘respetan’
menos el sentido plano del tradicional y apuestan más por la composición,
la perspectiva... Dándole un toque más de ‘dibujo’. En lo que a mí respecta,
mi clientela cada vez me pide más diseños elaborados en cuanto a dibujo,
evitando en la medida de lo posible que se asemeje a un estilo en concreto.
Tratan de huir de una tendencia y quieren algo más personal.
Un profesional como tú habrá visitado numerosos países y
ciudades... ¿Se perciben las diferencias en los gustos a la hora de
tatuarse según la geografía? En EE.UU. los tatuajes están totalmente
aceptados, al igual que en el resto del mundo anglosajón. La gente se
tatúa lo que quiere y no hay edades para ello, no tienen el concepto de que
el tatuaje es ‘cosa de jóvenes’, es algo popular y personal. En países con
una tradición católica más arraigada, especialmente los latinos, es menos
común. Por su parte, en zonas como Japón, donde llevan las tendencias al
extremo, esto se deja sentir también en el mundo del tatuaje donde la población
más joven es el público mayoritario y no suele haber diferencias en
cuanto a gustos. En ese sentido podría decirse que la globalización hace que
los gustos entiendan cada vez menos de geografía y sí de grupos sociales.
En un tiempo en que lo no perdurable es la norma y la moda, ¿qué
lugar ocupa algo eterno como el tatuaje? ¿Qué parte del negocio
representa el borrado y reciclaje de antiguos tatuajes? Las personas
evolucionan y cambian su aspecto, con el tatuaje lo tienen más difícil. En
algunos casos es posible eliminarlos total o parcialmente o taparlos para
lo que, claro, existe un negocio también, pero que no es tan grande como
se esperaba en un principio. Olvidamos lo que llevamos tatuado, pensamos
más en el siguiente proyecto, en lo próximo que queremos hacernos... En la
mayoría de los casos, ese tatuaje que ahora no te harías forma parte de una
época de tu vida, y buena, por eso te lo hiciste.
Tú desarrollas tu trabajo principalmente en Madrid, ¿qué nos
puedes contar acerca de la escena española? ¿Quiénes son los
nombres que actualmente están pegando más fuerte? ¿Quién es
mejor pintor, Picasso o Velázquez? Cada tatuador tiene su estilo y trata de
hacerlo lo mejor que puede (o así debería ser). No hay marcas que batir ni
hits que peguen fuerte. No hay ninguna competición o lucha comercial. Es
un medio artístico. En cuanto al público, España se quiere poco. No mira
hacia su propia cultura para tatuarse, siempre trata de emular a otras, en
muchos casos iconográficamente más pobres. Vivimos en un país donde
la gente se preocupa cada vez menos de su desarrollo personal y esto se
refleja perfectamente en el tatuaje: seguimos copiando y ‘llegando tarde’.
Aun así, el tatuaje crece y se acepta cada vez más rápidamente.
¿Cuánta importancia tiene la tecnología en un trabajo, a priori, tan
artesanal? Hay pocos cambios tecnológicos dentro del tatuaje, así que su
importancia es poca. En los últimos años han surgido un par de modelos de
máquinas que difieren del clásico sistema de bobinas, pero se han quedado
en una mera curiosidad. Exactamente lo mismo ocurre con los pigmentos.
El tatuaje sigue y seguirá con la misma tecnología. Al igual que un cuadro
seguirá pintándose con un pincel. Es más importante la técnica y esto se
consigue con la práctica.
¿Qué cualidades definen al buen tatuador? En mi opinión. un buen
tatuador debe tener un alto nivel de dibujo y comprensión estética de
la anatomía humana, es decir, dominar los diseños y saber emplazarlos
correctamente en el cuerpo, pues este no es algo plano o estático. También
preocuparse por las inquietudes de su cliente es algo fundamental ya que
muchas veces el desconocimiento hace que la gente exprese mal lo que
realmente quieren.
En estas páginas tattoos de Eneko Por Vida.
MÚSICA

ENTREVISTA isaac fainkujen
34
Donde nació: en Arizona.
Donde vive: Tempe, Arizona.
Si tiene algún estudio de tattoo propio:
sí, un estudio privado en Tempe,
que comparte con Mike Roper.
Dónde suele tatuar normalmente: Seattle, Los
Angeles, New York, Stuttgart y Copenhague.
Dónde comenzó a tatuar: en Tempe, Arizona.
Algo que lo defina como persona: su trabajo,
artísticamente impecable, de gran sensibilidad
y con gran atención al detalle.
La primera década del siglo XXI ha sido un maravilloso ejemplo de
cómo las tendencias en cuanto a moda vuelven, se recuperan y mueren.
¿Cuáles son los estilos que han dominado en el mundo del tattoo
en los últimos años? Yo diría que el estilo japonés y los tatujes tematizados
son los más populares en este momento. No obstante, también es verdad que
estoy volviendo a ver mucho trabajo en negro otra vez [haciendo clara alusión
al old school].
¿Es la globalización un motor de acercamiento en cuanto a temáticas y
estilos o favorece, por oposición quizá, el auge de lo local o regional?
Yo pienso que el mundo del tattoo es hoy más multicultural que nunca, quizá
porque precisamente todo está interconectado. En ese sentido, creo que las
tendencias son más globales que regionales actualmente.
Si antiguamente las motivaciones para hacerse un tatuaje respondían
principalmente a la tradición, ¿qué es lo que hoy en día mueve a la
gente a dibujarse diseños bajo su epidermis? Creo que la gente todavía se
tatúa para simbolizar eventos o pasajes de sus vidas, tal vez la mayoría de las
veces. En mi opinión, creo que hoy en día los tatuajes son más personales que
culturales. No obstante, ¡un buen diseño es siempre una buena idea!
Signo de rebeldía y de un mundo alternativo, hoy en día los ejecutivos
y las amas de casa de cincuenta años también tienen tatuajes. ¿Está
este totalmente aceptado por el ‘stablishment’? ¿Se podría decir incluso
que es un nuevo símbolo de éxito? Ciertamente creo que los tatuajes
están hoy en día más aceptados de lo que estuvieron en el pasado, pero
también diría que es algo subjetivo. Es decir, depende de la idea individual que
tengas del éxito. Por ejemplo, yo sé que los buenos tatuajes no son baratos,
por ello, si veo que alguien tiene un buen tatuaje, entiendo que esa persona ha
invertido una buena suma de dinero para tal fin.
En un tiempo en que lo no perdurable es la norma y la moda, ¿qué
lugar ocupa algo eterno como el tatuaje? Yo no creo que nada físico sea
eterno.
¿Quién te ha influenciado más como profesional? ¿Quizá Chris Conn?
Ja, ja, ja... Ciertamente el trabajo de Chris Conn me ha inspirado. Definitivamente
él y yo compartimos algunos intereses en cuanto a diseño y belleza. Por
otro lado, creo que cualquiera que he encontrado en mi vida y que me haya
afectado visualmente ha influido en mi trabajo. A este respecto también creo
que una persona no pueda ver su propio trabajo de la misma manera que lo
hacen otros.
¿Cómo se lleva trabajar y compartir estudio con un mito del mundo
tattoo como es Mike Roper? ¡Un mito del tattoo! Eso es lo que es, sin duda.
Bueno, él es una de mis personas favoritas, uno de los artistas con más talento
que he conocido y ha sido una gran influencia positiva en mi vida y trabajo.
Recientemente estuviste colaborando en el prestigioso estudio New
York Adorned. ¿Cómo te sentiste entre tanto talento? Siempre disfruto
mucho cada vez que voy a Nueva York, es una ciudad especial. De hecho,
me lo pasé genial en New York Adorned, cada uno de los que trabaja allí es
particularmente bueno.

Fotografía_ Samuel Sánchez / Piel_ Esteban Herrera
En estas páginas tattoos de Isaac Fainkujen
MÚSICA

ENTREVISTA phil kieran
36
REGRESO AL FUTURO
Texto_ Fernando Fuentes
Este irlandés superviviente del electronismo libérrimo, atemporal,
pasional y sin posible etiquetaje es un maqui digital de
mucho cuidado. “Shh” (Cocoon, 2009), su primer álbum, es un
estrafalario piscolabis sin límites en el que campan sin colisión
desde techno y breaks, pasando por sonidos industriales, ambient
y electro-tech, hasta psicodelia-pop, rave o acid-house. Después
de todo este carretón sónico sólo le queda firmar un Warp para
poder retirarse al monte a ver la vida pasar... ¿Pillas la indirecta,
Mr. Beckett?

PHIL
KIERAN
Aló Phil, con este nuevo “Shh”, ¿a quién quieres mandar callar? Je,
je... No, a nadie en concreto, se basa todo en mis influencias artísticas,
que se representan bien en la portada. Quería algo desnudo para ella, con
aromas a Bauhaus y el modernismo del siglo 20, pero que tuviera al mismo
tiempo un aire futurista. Descubrí en el MOMA de Nueva York una pintura de
Edward Ruscha llamada “Oof”, muy simple, y quería algo como eso para mi
disco. Cambié las letras para darle otro sonido, así que escogí “Shh”, y los
diseñadores se encargaron del resto.
Este flamante disco amalgama de forma global todo tu extensísimo
universo sonoro y en él no falta casi de nada, como en botica.
¿Hay algún palo sonoro de la música parida con máquinas que no
domines o con el que no te atrevas? Hay mucha música que odio y eso
es fantástico, porque escuchar música realmente mala te puede servir de
magnífica motivación para hacer tú algo bueno para compensar... Incluso
para demostrar cosas.
Parece que has intentado aglutinar todos los miles de sonidos que
has amado durante tu larga carrera a modo de homenaje o tributo...
¿No estarás pensando que una retirada a tiempo es una victoria? Es
mi primer álbum, así que quería hacerlo lo mejor posible, y además quería
involucrar todas mis influencias y no hacer sólo algo bueno de temporada,
pero que en unos años sonara mierdoso. Siempre me interesa la música que
viaja a través del tiempo, así que ese era mi objetivo.
En este “Shh” hay evidentes referencias a gente tan diferente como
Afrika Bambaataa, Black Dog, Cybotron, Autechre, Fischerspooner,
Aphex Twin o The Hacker. ¿Qué artista electrónico ha sido para
ti el más importante e influyente desde que tienes uso de razón?
Mis mayores influencias siempre serán las que tenía cuando era un chaval
y junto a mis amigos me daba por escuchar todo el catálogo de Warp. O
cuando surgió Basic Channel y nos quedamos petrificados con la calidad de
todo lo que llegaba de Alemania, que no sonaba a ninguna otra cosa anterior
y que nos dejó muertos.
Es curioso que habiendo tantos paralelismos y afinidades con el
sello londinense Warp nunca hayas trabajado para ellos, ¿por qué?
Siempre ha sido uno de mis sueños sonoros. Nunca les he preguntado, la
verdad. ¡Debería hacerlo!
¿La conexión Belfast-Detroit tiene continuidad con nuevos artistas
que han recogido tu legado sonoro o cualquier momento pasado fue
mejor? Para nada... De hecho, creo que ni yo mismo estaba tan metido en
la movida Detroit como algunos de mis amigos. Probablemente, lo mío tenga
más raíces en música europea como la de Kraftwerk, Can, Joy Division o
ENTREVISTA phil kieran
el catálogo de Basic Channel. Me ponía enfermo entonces cuando la gente
pinchaba “Strings of Life”, y aunque ahora me guste más ese rollo, siempre
he sido amante de cosas un pelín más oscuras.
“Playing With Shadows” es seguramente uno de los temas más
celebrables de este nuevo trabajo, ¿has querido demostrar a través
de él que se puede facturar techno moderno y pistero sin tener que
recurrir al aburrido minimaleo imperante? En esa pista hay mucha
percusión en directo e incluso mi propia voz en plan beatboxing... Quise
experimentar todo lo posible y hacer algo especial, que sonara fresco e
inusual.
Háblanos de “Blood of Barcelona”, ¿es tan psicodélica, bizarra y
ácida tu visión de la capital catalana como refleja el tema que le
has dedicado? Tenía ya algo preparado de ese tema, pero cuando estuve
en Sónar 2009, en mi habitación de hotel, escuchando música en mi portátil,
terminó de cuajar. Creo que fue la mezcla de sentirme atrapado por la ciudad
y de escuchar nueva música lo que me dio ideas nuevas para terminarlo. Mi
idea era que sonara un poco majareta y espacial.
Tu sonido, aunque sea claramente actual, tiene un fascinante aroma
a primeros años 90 que alegra el alma una barbaridad... ¿Es algo
voluntario o simplemente obedece a una forma de hacer las cosas -es
decir: canciones- que lamentablemente se ha perdido en estos tiempos
que corren? Quería que sonara como a toda la música electrónica al
mismo tiempo, incluso a aquella que empezó a generarse en los 50. Creo que
quería mezclar todas esas influencias y que además hubiera un giro futurista.
No atarte a ningún género ha sido algo vital para el desarrollo de tu
carrera. ¿Es un cáncer para el artista el encasillarse y encerrar la
capacidad de creación adscribiéndose solo a un tipo de música? Estoy
totalmente de acuerdo. En cuanto me da la impresión de que mi música
se está encerrando en un estilo concreto tiendo a huir lo más rápidamente
de él... Creo que hay demasiada buena música ahí fuera por disfrutar. La
música no es un trabajo, sino una pasión, y debería ser siempre excitante.
Tu larga y brillante carrera como remixer parece no tener limites,
¿a quién te gustaría pillar por banda en la actualidad para darle el
magistral toque Phil Kieran vía remezcla? Creo que la persona a la que
más respeto es Brian Eno, ya que ha estado involucrado en la mayoría de
mis discos favoritos.
Cuentas con el amplio reconocimiento, respeto y support de toda la
escena electrónica. Desde Hell y Motor hasta James Holden y Alter
Ego, pasando por Dubfire o Tiga, todos aclaman tu trabajo. ¿Cómo
se consigue poner de acuerdo a gente tan dispar sin bajarse los
pantalones? Siempre trato de hacer mi música desde el corazón y el alma,
creando algo que a mí mismo me guste escuchar. Supongo que cuando
haces música, lo que tienes que hacer es respetarte a ti mismo, aunque el
resultado pueda no gustarle a los demás.
“Shh” está editado por Cocoon.
MÚSICA

ENTREVISTA dominique A
38
DOMINIQUE A
GRANDE (PUNTO)
Texto_ Pablo Vinuesa
“La Musique” es tu octavo álbum de estudio... ¿Qué significa haber
grabado tal cantidad de canciones? ¿Te lo hubieras creído, allá por
1991? Desde luego que no... Jamás me hubiera imaginado que esto pudiera
durar. Me sentía tan feliz por haber podido hacer un disco, en 1991, que
sinceramente creí que sería el único. De hecho, cuando me di cuenta de
que había gente a la que le apetecía escuchar este tipo de música, pensé
que sería sólo durante una temporada. Y lo que siempre me ha interesado
es grabar nuevas canciones y hacer discos... El directo me gusta, pero no
me resulta esencial. Lo que me importa es constituir un cuerpo de trabajo
coherente, algo que cobre sentido cuando le vas añadiendo piezas, como
una casa construida piedra a piedra.
Además, 18 años más tarde, eliges un título tan simple como
“la música”, ¿es, en cierta manera, como revivir tras toda esta
experiencia? Es una manera de decir que, tras todo este tiempo, siempre
ha sido el centro de toda mi vida, la cosa alrededor de la cual organizo mi
tiempo. También tiene que ver con el hecho de que si eres un cantante en
Francia, siempre te preguntan por tus letras, y parece que no ha cambiado
nada después de Brel, Brassens y Ferré. Es como si todo dependiera de la
literatura, de manera que a la música, en sí misma, se la olvida. Ese título
me sirve para reivindicar que esto no es poesía, que se trata sobre todo de
sonido.
Tal y como hicieras con tu debut, has vuelto a grabar un disco en tu
casa, a solas... Salí de un largo periodo de trabajo con grupo, desde 2004,
con el que grabé “L’Horizon” (2006) y el directo “Sur Nos Forces Motrices”
(2007). La experiencia fue impresionante, pero hacía falta que saliera de
ese esquema para recuperar un poco de libertad y llegar a cierta identidad
sonora. Por otra parte, volví a tener ganas de trastear con cacharros, y este
tipo de trabajo se lleva mejor en solitario.
Entonces, ¿qué diferencias hay entre el Dominique A de “La Fossette”
(Litihum/Green Ufos, 1992) y el de “La Musique”? Toda la experiencia
adquirida gracias al contacto con otros músicos. Es precisamente
el hecho de haber trabajado junto a tantas personas lo que me permite
componer y grabar de esta manera, yo solo en mi casa. Por otra parte, la
diferencia es que “La Fossette” era un disco lo-fi, sin efectos prácticamente,
mientras que “La Musique” lo mezcló Dominique Brusson, con quien trabajo
desde “Remué” (1999). El curro es enorme, ya que es un álbum plagado de
efectos y detalles.
Has dicho que con este disco querías atraer a un cierto público al
que nunca le había gustado tu propuesta, ¿por qué? Todos los artistas,
tras cierto número de lanzamientos, se convierten en una especie de cliché,
en caricaturas. Quería coger el tópico de cantante triste y jugar con él. Sobre
todo, quería un disco de ritmo rápido, con canciones cortas, más pop, que
le pudiera gustar a gente que no me conociera. Es un símbolo de que he
evolucionado, de que intento renovarme y sorprender.
¿Por qué el título y el estribillo de “Hasta Que El Cuerpo Aguante”
en español? El vídeo es precioso, por cierto. Quería darle al público
español la oportunidad de reírse de mi acento... No, de hecho esta canción
nace de una conversación con Rafa López, de Green Ufos, en la que me
contaba que muchos franceses desfasan en cuanto llegan aquí, como si
para ellos España fuera sólo drogas y alcohol. Así que me imaginé a este
tipo, un borracho internacional decidido a cerrar todos los bares del mundo...
¡Y prometo que no conocía la canción de Mago de Oz! El vídeo lo rodó el
bajista de Katerine, Gaetan Chataignier, un reconocido videoartista.
Ya que hablamos de vídeos, has grabado recientemente para Le Cargo
(su Black Session número 300, ahí es nada) y La Blogothèque,
ambos fantásticos... Gracias. De hecho, es bastante doloroso para
mí hacer cosas como las de La Blogothèque. Lo hice porque me resulta
difícil negarme y porque ayuda a vender discos, pero creo que bordea el
límite de mis posibilidades... Quiero decir, que es un rollo ridículo, un poco
clown. Además, teniendo en cuenta que este disco tiene un lado bastante
electrónico, no parece muy coherente grabar acústicos.
Pasaste por el mítico sello Lithium, por Labels y Olympic Disk, hasta
llegar ahora a Cinq 7. ¿Qué tal con ellos? Es ideal: su estructura no
es ni grande ni pequeña, lo forman jóvenes apasionados por la música que
comprenden a la perfección al oyente actual y que no caen en los viejos
esquemas de las multinacionales, pero tampoco en las falsedades de las
supuestas independientes.
Cuéntame qué es eso de “Songs Over Troubled Waters”. Es una
recopilación que me pidió la FNAC, con algunas de mis canciones favoritas,
de grupos como My Brightest Diamond, Tarwater, Holden, The Sundays, etc.
Se trata de un disco con canciones que han supuesto algo en mi vida, todas
con acordes menores, muy melancólicas... La música más bella siempre es
melancólica.
Acabas de hacer una gira por España... ¡Por fin con banda! Hacía
mucho tiempo que sólo podíamos verte a solas con tus guitarras. Sí,
no tenía ganas de venir otra vez solo, la verdad, porque es una fórmula que
ya os conocéis al dedillo. El grupo es excelente: puede reproducir las sonoridades
más electrónicas del disco, pero tocándolas de manera orgánica,
muy rock. Además, como habrán podido apreciar las chicas del público, ¡el
guitarrista es bien guapo!
“La Musique” está editado por Cinq 7 y distribuido
en nuestro país por Green Ufos.

ENTREVISTA dominique A
Se ha repetido mil y
una veces, pero no
deja de ser cierto: la
música francesa (y
europea, y mundial)
no sería lo que es
ahora sin la existencia
de Dominique A
y Diabologum. Y
mientras los segundos
se escindieron
en Programme y
Experience, también
necesarios, nuestro
cantante galo favorito,
el bardo de Provins,
el calvo del vibrato,
ha seguido editando
fantásticos discos. “La
Musique” (Cinq 7/Green
Ufos, 2009) es otra
estupenda excusa para
hablar de nuevo con él
sobre incredulidades,
reafirmaciones y
melancolías.
MÚSICA

ENTREVISTA editors the japanese popstars
40
THE
JAPANESE
POPSTARS
MAPA DE LOS SONIDOS DE DERRY
Texto_ Fernando Fuentes

Cuando por casualidad descubrieron,
en el viejo pub de Derry, que el mejor
maridaje para el sushi japonés era la
Guinness calentuja, supieron que nunca
más volverían a ser los mismos. Estos
tres pintones clubbers norirlandeses,
adictos al big-beat noventero y otras
lindezas electroides tan bastardas como
bailongas, son los herederos naturales de
gente como Apolo 440 o Underworld. Su
dinamitero directo solo está a la altura
de un primer braguetazo sonoro titulado
“We Just Are... “ (Gung-Ho, 2009).
Supongo que hay gente desinformada que espera ver sobre el
escenario a unas exóticas chicas DJs asiáticas, y de pronto salís
tres tipos con pelo en pecho... Sí, al principio de nuestra carrera solía
pasar. A veces se acercaban japoneses durante la actuación y preguntaban
cuándo iban a salir las Japanese Popstars, ¡y estábamos en el escenario!
Muchos amigos no sabían que éramos los JP hasta que nos vieron encima
de las tablas a punto de empezar con nuestro show.
Verdaderamente la jugada del nombrecito os ha salido bien, porque
un label de Japón, Beatnik, os ha fichado para su país. ¿Estaba
todo planeado? Tenemos la gran suerte de haber fichado por un gran sello
japonés que realmente nos ha dado impulso allí. Hemos hecho una gira por
ese país con Vitalic, Justice y Basement Jaxx, llegando a tocar para diez
mil personas. Realmente, este año se ha hecho realidad uno de nuestros
sueños: tocar en el Fuji Rock Festival.
Vamos a ver, si no sois indies que disfrutáis bailoteando con la
electrónica y tampoco sois tech-kids a los que les gusta el rock...
¿Qué carajo sois? Somos como un clubber medio que ha crecido y quiere
pasarlo bien cuando sale por ahí. Hacemos música que también nos gustaría
bailar y creo que eso se refleja en nuestros directos.
Lo que sí parece claro es que estáis empeñados en alejaros del
rollo raver británico... ¿Por qué? ¿Eso es sólo para niñatos fluorados
y zampa-pastillas? Somos irlandeses y nunca hemos sido parte de la
escena británica, así que puede que sea la razón por la que los estilos que
vienen de Londres nunca nos hayan influido. Hemos evolucionado de forma
independiente y ajena a ellos.
Mixmag ha dicho que probablemente detentáis el mejor directo
electrónico del planeta, ¿cómo se os queda al cuerpo? ¿Cuesta
mucho sobornar a la prensa musical inglesa para que hablen bien de
trío como el vuestro? Es muy halagador, pero sientes una gran presión por
tener que estar a la altura. Y sólo les pagamos cuatro duros...
Ajenos a modas imperantes, parece que vuestro referente sonoro
más cercano es el big-beat de los noventa. ¿Cualquier viejo sonido
fue mejor que el aburrido minimal y el humeante post-dubstep que
ENTREVISTA the japanese popstars
tanto éxito cosechan en la actualidad? Muchos géneros se construyen
desde los escenarios, y al estar nosotros bastante alejados de esos géneros,
afortunadamente no nos han influido, han pasado por encima.
¿Qué sentís cuando veis que comparan vuestra apuesta sonora
con nombres tan grandes como son los de Underworld, Orbital o
Prodigy? ¿De verdad os lo creéis? Da un poco de miedo y no, no nos
vemos como esos grupos. A ellos les llevó mucho tiempo tener ese estatus
y nosotros no llevamos tanto en esto. Nos gustaría pensar que en diez
años seremos como Underworld, pero de momento creemos que es una
comparación un poco osada.
Irlanda del Norte no cuenta en estos momentos precisamente con
una escena electrónica apasionante, al menos es lo que se aprecia
desde el exterior... ¿Es un hándicap partir de un lugar como ese y
no hacerlo directamente desde un Londres o un Berlín? Hay mucha
escena electrónica en Irlanda, pero por nuestra condición de isla tenemos
que hacer mucho ruido para que nos oigan en el mundo. Mira Phil Kieran,
Fergie, Annie Mac o David Holmes. Son algunos nombres importantes de la
escena electrónica irlandesa. Hay muchas sesiones y es genial ver cómo se
va moviendo ya la electrónica por nuestro país.
En poco tiempo os habéis hecho un hueco en el panorama de los
remixers de moda en el mundillo de la electrónica y el pop mainstream,
¿con qué artista os habéis sentido más a gusto trabajando?
Creo que de todos nuestros remixes, el más cómodo de hacer fue “So
Shockin”, de Rob Hawk & Mysoul. Nada más oír el tema nos vinieron
ideas para remezclarlo, así que cuando nos pidieron que lo hiciéramos, ya
sabíamos cómo.
¿Y ha habido alguno que os haya dicho, ‘bah este remix es una mierda,
hazme otro’? Ningún artista nos ha pedido que repitamos un remix,
todavía... De alguna extraña manera, ha sucedido lo contrario con Beyoncé.
Remezclamos “If I Was a Boy” e hicimos dos versiones diferentes, una para
la pista de baile y otra más chillout que pensamos que le gustaría. Recibimos
la llamada de su discográfica diciéndonos que les había encantado lo que
hicimos y pidiéndonos remezclar su siguiente single, así que lo volvimos a
hacer con “Single Ladies”.
Vuestro debut, “We Just Are... “, es una imparable amalgama de
electro musculoso, house bailable, digi-jaleo luminoso, big-beat,
acid, nu-disko... ¿Hay algún estilo que no cuadre en el sonido
Japanese Popstars? Simplemente componemos la música que sentimos.
Podemos escribir cualquier cosa siempre que nos haga feliz. Como
enfocamos todo al directo, al componer pensamos cómo lo tocaremos en el
escenario. Eso ayuda bastante a comprender la lógica de nuestro sonido.
Hablando de vuestro directo, ¿para cuándo os podremos disfrutar en España?
Tuvimos una muy buena experiencia tocando en el Razzmatazz de Barcelona,
así que esperamos volver a España en 2010. Estad atentos a nuestro Myspace.
“We Just Are... “ está editado por Gung-Ho.
MÚSICA

ENTREVISTA sfdk
42
A estas alturas, no hacen falta presentaciones
para SFDK... El dúo hip-hopero
sevillano, formado por el MC Zatu y el
DJ y productor Óscar “Acción” Sánchez,
se ha ganado el estatus que posee a base
de excelentes discos y más que poderosos
directos. Los de Pino Montano vuelven
a derrochar su habitual poderío con
un “Siempre Fuertes 2” (SFDK Records/
BOA, 2009) que los define a la perfección:
fuerza, sabiduría, talento y muchas
dosis de guasa. SFDK, desde los chiqueros
hasta tu casa.
Diez años después, la segunda parte de “Siempre Fuertes” (Zona
Bruta, 1999), ¿por qué así y ahora? ¿Echáis de menos los viejos
tiempos o es un puñetazo en la mesa? [Acción Sánchez]: es un
homenaje a nosotros mismos, cerrando un ciclo profesional de diez años con
el reflejo de toda nuestra experiencia a lo largo de esta trayectoria. También
hemos recuperado parte de la esencia original, además de permitirnos el lujo
de hacernos versiones a nosotros mismos. [Zatu]: no es una continuación
del “Siempre Fuertes” original, sino una vuelta al mismo espíritu, ya que,
evidentemente, en cuestiones musicales estamos a mil años de distancia.
De hecho, la portada es como un buen resumen de vuestra carrera,
¿no? [AS]: sí, hemos cogido elementos de cada disco... Es como un
bodegón rapero de SFDK.
Empezáis con “Crisis”, ¿qué opináis sobre la piratería y los P2P?
[AS]: como promoción, internet es bueno, está claro, pero es un arma de
doble filo. El hecho de que la música desaparezca en formato físico hace que
se pierda el amor por ella: al tener tanta información gratis y asequible, no
le tienes tanto cariño a lo que escuchas. [Z]: que pongan las casas gratis,
¿no es más necesario vivir bajo un techo que tener música sin pagar? Por
otra parte, antes tenía sentido la labor del cazatalentos, pero ahora cualquier
chaval en su casa se publica por internet al mismo tiempo que quien sale
con una multi... Donde se ve de verdad lo bueno que eres es en el directo.
Vuestro primer single es “S.E.V.I.L.L.A.”, ¿todo un homenaje a vuestra
ciudad o hay cierta ironía? [Z]: en todos mis discos hay alguno, pero
voy ampliando mis márgenes. Antes yo era muy de mi barrio, luego me sentí
muy sevillano, ahora, más que nada, andaluz. También es una manera de
apuntar que aquí hay mucho más que lo que se lleva años promocionando
como sevillano, por el interés turístico. Hay una Sevilla más allá de lo típico.
Escuchando “30”... Zatu, ¿te ha cambiado mucho tu vida al ser
padre? [Z]: lo mejor de la edad, aunque haya gente que se empeñe en
encerrarse, es quitarse los prejuicios de encima. Yo he sido súper cerrado en
todos los aspectos, tanto en los musicales como en los personales, pero te
aporta mucho ver mundo. No toda la gente actúa como la de tu ciudad, hay
muchas maneras de ser y entender las cosas, entre ellas la amistad.
Tenéis a Chukky en “No”, ¿hay un compromiso por darle paso a los
nuevos valores? [AS]: apoyamos a los jóvenes, pero siempre que tengan
talento, no por colegueo. [Z]: como en el caso de Chukky con Nueva Era,
ahora son amigos porque después de trabajar con ellos hay confianza,
pero nuestra relación parte de que admirábamos su talento. Es un trabajo,
además, casi sin ánimo de lucro por el estado de la industria, pero al final
con lo que te quedas es con la idea de que mientras más hagas y a más
gente ayudes, más a gusto te vas a sentir contigo mismo.
Me fascina el tema “V.S.”, con el enfrentamiento entre Zatu, el
Ingeniero y el Niño Güey... ¿Múltiple personalidad, Zatu? ¿Ahora vas
a ser El Sargento? [Z]: ese tema recupera los personajes o alter egos más
llamativos que he usado a lo largo de estos años. Es interesante, porque
cada fan de SFDK tiene su época favorita, pero todos esos personajes son
parte de mí. Digamos que me insulto a mí mismo, pero también a aquellos
seguidores que se obcecan en que una época concreta es mejor que otra.
Lo más gracioso es que la mayoría de fans de nuestros primeros discos no
estaban ahí cuando los sacamos, sino que se han enganchado posteriormente...
Y echar de menos algo que no has vivido no tiene mucho sentido.
Con “El Séquito”, ¿queríais darle un toque de atención a más de un
engañao? [Z]: no nos molesta el rollo fan, la canción es simpática, pero
nos hace gracia. Criticamos la falsa amistad, a aquellos que se ponen a tu
lado porque eres famoso, pero jamás van a estar ahí cuando lleguen las
vacas flacas. Se ve perfectamente en series como “Entourage”, o en “30
Rock” con los guardaespaldas de Tracy Jordan, que siempre le dejan ganar
en la Play... Nosotros, pese a haber alcanzado cierto éxito, siempre hemos
sido gente muy llana. Si tú me ves en un concierto de Jesuly o de El Límite,
estaré con mis colegas del barrio, a quienes se la pela bastante que seamos
más o menos famosos.
Lleváis ya un tiempo editando vuestros discos como SFDK Records,
distribuyéndolos con BOA y con Wild Punk como agencia de management...
[AS]: ya llevamos cinco años así, con Wild Punk más aun. Si yo
trabajo con alguien y las cosas funcionan bien, no me gusta cambiar, porque
apoyo a quien me ha demostrado amor durante todos estos años. Buena
gente y buen currante es la ecuación perfecta.
¿Qué os pareció el encuentro de raperos hispalenses en el festival
Territorios 2009, Sevilla All Stars? ¿Lo vais a volver a coordinar
cada año? [Z]: fue muy emocionante estar allí con todos los amigos.
[AS]: pero todos los años no tiene sentido, porque es muy complicado de
organizar, ya que cada uno tiene su plan de trabajo y coincidir se hace duro...
Aunque sería bonito hacerlo cada cierto tiempo.
¿Qué ha pasado con el gran Perro Juan, Zatu? Era un miembro más
de SFDK. [Z]: Se fue... Era la estrella del grupo, con sus seguidores y todo.
Se puso malito y se nos fue, una semana antes de que naciera mi niña. Esa
es la espina que me ha quedado, que no se hayan conocido, porque sé lo
que él hubiera sentido por mi niña, y mi niña, viendo lo que hace con el gato,
hubiera flipado con el Juan.

ENTREVISTA sfdk
SFDK
HARDCORE, PERO BONITO
Texto_ Pablo Vinuesa
Foto_ Samuel Sánchez
“Siempre Fuertes 2” está editado por SFDK Records y distribuido por BOA.
MÚSICA

THE NEW
RAEMON
ENTREVISTA the new raemon
44
Texto_ Pablo Vinuesa / Foto_Lyona
Empezando por el nombre: lo de The New Raemon, ¿fue para intentar
renovarte espiritualmente? Fue una broma entre amigos. También
una forma subconsciente de comenzar a cambiar algunas cosas de mí que
no acaban de gustarme.
¿Por qué surgió The New Raemon y, sobre todo, por qué decidiste
empezar a cantar en castellano y componer canciones más pop?
Surgió así, sin más. Me propusieron grabar un disco sin mi banda e íntegramente
en castellano. En ese momento me pareció divertido intentarlo,
más adelante me di cuenta de que los temas tampoco eran tan horripilantes
como esperaba y seguí con ellos hasta completar una colección de canciones
más o menos coherente con la idea inicial que rondaba en mi cabeza.
Cada vez se te nota más cómodo en castellano, y no sólo eso, sino
que integras dichos populares y refranes en una forma de escribir
muy particular, sin complejos, que me recuerda en ese aspecto a
Sr. Chinarro. ¿Te gustan las letras de Antonio Luque? Me gustan, sus
discos también. Hace poco me agencié una copia de su libro “Socorrismo” y
lo tengo ahí impaciente, esperando a que termine el que estoy leyendo...
Muchas de tus letras tratan sobre relaciones, sobre todo de
rupturas... Son muy emocionantes, pero también te permites
cierta autoparodia, como en un título tan brillante como “Dramón
Rodríguez”? ¿Cómo se te ocurrió esto? Se me ocurrió recapitulando
episodios bochornosos de mi vida. Me pareció gracioso y decidí escribir
una canción basándome en ese título. Habla de cuando acepté un trabajo
bien remunerado que no iba nada conmigo debido al primer embarazo de la
madre de mis pequeñas.
Este disco está de nuevo producido en Ultramarinos Costa Brava,
así que supongo que sigues pensando aquello que me dijiste,
cuando te entrevisté por Madee, de que Santi Garcia es el mejor
productor del país... El mejor que conozco, sin duda alguna. Para el
primero trabajé con Ricky Falkner y es también un encanto, pero la cabra tira
al monte y tener a Santi en el equipo se echa mucho en falta.
Hablando de eso, sigues contando con sospechosos habituales
como los Rickys (Falkner y Lavado), pero ¿existe un grupo estable
para The New Raemon, o tiras de amigos cuando lo necesitas?
Depende de las obligaciones ‘contractuales’ de los Rickys, si no les piso
otros proyectos vienen conmigo. Si no pueden, vienen otros amigos como
Lluís Cots (Madee), Merche Rosales (B-Violet) y Luís García Márquez (Garciamarquez).
Marc Prats y Pablo Garrido siempre pueden subirse al barco,
así que lo voy combinando.
El vídeo de “Variables”, contigo haciendo de Spock, me encanta... Lo
rodamos en el teatro que tienen los padres de Lyona en Esparraguera. Lyona
siempre se rodea de un equipo de producción la mar de simpático y es toda
una aventura verles trabajar y crear esos mundos de cartón y porexpan... De
paso, hicimos un homenaje a Star Trek, que me parece una serie cojonuda.
¿Viste el “Star Trek” de J. J. Abrams? Colosal.
Me encanta el artwork de “La Dimensión Desconocida”, cuéntanos
cómo surgió. Le conté la idea del concepto del disco a Martín Romero,
quien ya se hizo cargo del primer álbum, y esta vez no le dejé escuchar
nada. Así que él se hizo una idea personal del mismo y lo que presentó me
pareció estupendo, como de costumbre.
Se te ve muy activo por Facebook, y además hay un buen número de
fans de The New Raemon al acecho... ¿Te das cuenta de que estás
consiguiendo componer auténticos himnos pop? ¿Te imaginas de
aquí a un par de años tocando en festivales en plan Los Planetas
delante del chavalerío indie? No me imagino nada de eso. De hecho no
espero más que poder seguir tocando mientras pueda... Ahora he escrito
este disco más pop y resulta que ha gustado, pero puede que el próximo no
tenga nada que ver y me ponga a hacer lo que surja en ese momento (que
es lo que acostumbro a hacer siempre) y entonces no guste a la chavalada,
así que mejor no especular sobre nada.
No tengo noticias de tu otro grupo desde 2007, con el excepcional
“L’Antarctica”. Con la repercusión que está teniendo ahora The New
Raemon, ¿cuál es el estado de las cosas con Madee? ¿Te costaría
ahora volver a componer de nuevo en inglés y con un rollo menos
pop y más emocoreta? Madee seguimos siendo una banda. Lo que ocurre
es que algunos de nosotros llevamos tocando cerca de veinte años, cada
uno tiene su vida fuera del grupo y ahora, en el caso de Pep y Marc, tienen
responsabilidades que requieren toda su atención. Sí me apetece hacer un
nuevo disco, pero tranquilamente, sin presión alguna. Tenemos la intención
de ir ensayando y escribiendo nuevo material, y una vez tengamos material
a la altura de ser grabado le daremos un telefonazo a Santi y nos pondremos
a producirlo.
¿Qué diferencia hay pues, a la hora de componer, entre una canción
de Madee y otra de The New Raemon? Las canciones que escribo para
The New Raemon las escribo en casa la mar de tranquilo. Las que escribo
con Madee las improviso en el local de ensayo junto al resto de la banda y
empuñando una guitarra eléctrica.
¿Cómo compaginas tus labores como músico y jefe del sello Cydonia?
Cydonia duerme. Demasiados agujeros en mi bolsillo debido al amor al
arte. La despertaré cuando crea oportuno y con artistas que sepan valorar lo
que cuesta sacar adelante un disco, que los ha habido en el sello... Lo que
ocurre es que si los grupos que publicas no dan conciertos, el trabajo que se
haga, por mucho cariño que se le ponga, es inútil.
“La Dimensión Desconocida” está editado por BCore.

EL GENIO DE DRAMÓN RODRÍGUEZ
Ramón Rodríguez vuelve a la carga con otro disco en solitario
como The New Raemon, un “La Dimensión Desconocida”
(BCore, 2009) que le confirma como uno de los artistas más
en forma del momento. Con un arsenal de himnos pop entre
sus manos, el líder de Madee ha entregado, sin duda, el disco
nacional del año. Hablemos con él sobre múltiples personalidades,
dramas personales y, por supuesto, Star Trek...
ENTREVISTA the new raemon
MÚSICA

REVIEWS
01 02 03 04
05 06 07
01. MAGA. A LA HORA DEL SOL. (MUSHROOM PILLOW)
Los sevillanos Maga regresan con las pistas cargadas de vitalidad –la portada del pintor Juan Miguel Redondo ya lo adelanta-. Una grabación donde la naturalidad
se palpa desde el comienzo. Aquí no hay atrezzo decorativo o añadidos poco creíbles; el sonido del grupo es de tomas en directo casi intactas. ‘A la
hora del sol brotan arco íris nuevos’, –letra de “Canción para Septiembre”-, así reflejan el comienzo de algo renovado los chicos bidimensionales, que vuelven
al panorama actual tras el fichaje por la discográfica madrileña Mushroom Pillow –atrás queda el buen trabajo realizado bajo el sello Limbo Starr-. Continúan la
impronta personal que les ha hecho un hueco en la escena española, el estilo de la voz de Miguel Rivera y una tinta cargada de auto-navegación. Reflexiones
particulares sobre la Semana Santa dictan el magnífico corte “Silencio”: ‘Hoy no quiero vivir en la ciudad más triste, que llora por afición’ o pegadizas explosiones
sonoras al más puro estilo Maga en el tema “Hoy”: ‘Mientras siga vivo no podréis conmigo. Mientras siga vivo soy el rey del mundo’. Un álbum que no
defrauda, da lo que muestra sin artificios apegados de ningún tipo.>Eduardo Mestre-Nadal
02. CARIBOU. SWIM. (CITY SLANG/NUEVOS MEDIOS)
Tengámoslo bien clarito antes de empezar con esta reseña: Dan Snaith está como una cabra montesa. Lo digo para que después no se me asusten luego
aquellos que no conozcan su proyecto Caribou si, después de leer estas letras, van y lo bichean a través de los interneles. También es cierto que lo del
canadiense no es cosa nueva: lo sabíamos ya en la época en la que grababa para The Leaf Label como Manitoba; luego llegarían el juicio contra el cantante de
los Dictators y el posterior renacimiento como Caribou. El caso es que lo último que supimos de Snaith fue el magnífico “Andorra”, y tres años de vacío se nos
estaban haciendo un tanto eternos. “Swim”, la verdad, no sólo cumple los objetivos, sino que probablemente supere nuestros sueños más, ejem, húmedos...
Porque precisamente de humedades va la cosa, ya que el propio Snaith atribuye el peculiar sonido de este álbum a su intención de hacer una música electrónica
que parezca más “acuosa” que “metálica”. El resultado es abrumador: al principio un tanto irritante, pero de lo más adictivo en cuanto sus psicodélicas aventuras
se nos van haciendo familiares. Así que nos queda un disco así como de baile, que hasta se atreve con el house por momentos y que no extrañaría para nada en
el reciente catálogo de DFA. Eso sí, me añaden ustedes la correspondiente pedrada mental y la importante sobredosis de lisergia discotequera.>Pablo Vinuesa
03. DELPHIC. ACOLYTE. (COOP/NUEVOS MEDIOS)
He aquí un disco peculiar. Y peculiar porque pocos trabajos se pueden encontrar, hoy día, que reflejen mejor el sonido de los tiempos actuales, viniendo de
un disco de debut donde la inexperiencia es un grado y el punto de localización (Manchester) marcado a fuego en su ADN. En primer lugar, en “Acolyte”
podemos hallar shoegaze revival a lo M83; teclados prístinos y desarrollos progresivos a lo Orbital; subidones extáticos a lo Underworld; estribillos EMOcionales
para desgañitarse con los brazos en alto al amanecer del club y, lo mejor de todo, la producción impecable del orfebre Ewan Pearson, que hace que
un trabajo que, en otras manos, podría devenir en paja mental, bazofia pasto de portada de tendencias, sea una cosa muy seria. Delphic debería suponer el
golpetazo definitivo a la soporífera (requete)vuelta de los ochenta. Deberían ser unos chicos que apenas superan la veintena los que insuflen de vida la nueva
escena de clubes. Van por buen camino si siguen la vereda del tema homónimo “Acolyte” (donde, que me aspen, se pueden encontrar trazas de The Field) y
menos la sendera tortuosa de medianías como “Submission”, canción sosa y mil veces escuchada ya.>Antonio Bret
DISCOS - CRÍTICAS

REVIEWS
04. EFTERKLANG. MAGIC CHAIRS. (4AD/POP STOCK!)
Decía el otro día un conocido mío que no sabía qué pasaba con 4AD, que cada vez que un grupo fichaba por el sello inglés se echaba a perder. La aseveración
no es del todo cierta (ahí están los casos de Jóhann Jóhannsson, Deerhunter o Blonde Redhead para desmentirlo), pero desde luego resulta difícil de rebatir
tras escuchar “Magic Chairs”. Y es que en su tercer disco en estudio (mini LPs aparte), los islandeses parecen una versión pálida y comercial de sí mismos.
Dónde antes había tensión dramática, oscuridad ambiental y desarrollos climáticos inciertos, ahora hay orquestaciones luminosas, estribillos pegadizos y estructuras
cuasi-normales: los ingredientes para un disco de pop de cámara. Todo, eso sí, realizado con mimo y cuidado, sin grandes patinazos ni sobredosis de
azúcar, cuidando la escritura y el acabado: ingredientes para un disco elegante y bien hecho. Y es que, para los que no conocieran antes a la banda, “Magic
Chairs” puede resultar un disco notable, y con razón. El problema, en realidad, lo tenemos los que ya estábamos allí. Es, para que se hagan una idea, como
si a Michael Haneke se le ocurriera hacer de repente una comedia: por muy bien que le saliera, por mucha finura que exhibiera el guión, aunque los actores
fueran excelentes y la realización impecable, los fans no se lo perdonaríamos. Y es que a veces es mejor no conocer.>Vidal Romero
05. FOUR TET. THERE IS LOVE IN YOU. (DOMINO/PIAS)
Hacía tanto tiempo que no sabíamos nada de Four Tet, concretamente cinco años desde “Everything Ecstatic”, que prácticamente nos habíamos olvidado
de que había sido uno de nuestros proyectos favoritos de electrónica experimental y hip-hop abstracto. Con discos tan redondos como “Rounds” (2003),
Kieran Hebden nos había ganado la partida y el corazón, además de que su proyecto post-rocker, Fridge, también apuntaba alto en las listas de favoritos
cortavenas... Pero eran otros tiempos, oigan. El caso es que Hebden no estaba muerto, no, que estaba de parranda. Concretamente, afiliado a las cosas de
la noche, pinchando, meclando sesiones DJ Kicks y hasta trapicheando con gentes de tan mal vivir como son los músicos de jazz. Todo ello, de una manera
además muy evidente, se ha traspapelado a este enorme (perdón: ENORME) “There Is Love In You”. Sí, porque su habilidad manual para con las texturas y
los samples permanece intacta, por supuesto, pero es que nuestro hombre, además, ha encontrado una nueva fijación en el lado pistero de la vida. De esa
manera, sus hipnóticos desarrollos ganan enteros cuando el ritmo aprieta y los evanescentes coros femeninos hacen su presencia. Se convierte “There Is
Love In You”, por lo tanto, en un fantástico disco de sofá, como lo fueron los anteriores, pero también en una magnífica elección para dejar en la mochila de
DJ junto a los más contemporáneos terroristas del cosmic disco y el ambient sin moñadas. Discazo, tal cual.>Pablo Vinuesa
06. BUILT TO SPILL. THERE IS NO ENEMY. (ATP RECORDINGS/HOUSTON PARTY)
Para qué vamos a andarnos con rodeos: Built to Spill es una de nuestras bandas de guitarras favoritas. Lo son desde hace muchos años, así que su fichaje
por un sello tan exquisito como ATP Recordings, que pende además del festival más selecto del planeta, nos hace inmensamente felices. Sobre todo porque
“There Is No Enemy” es tan bueno como podíamos esperar a estas alturas de un grupo que fue grande haciendo pop majareta (“There’s Nothing Wrong with
Love”, en el 94), rock incendiario e interminable (“Perfect From Now On”, en el 97) o simplemente, siendo Built to Spill (como en los casos de “Keep It Like
a Secret” y “You In Reverse”, del 99 y de 2006). En su último disco de estudio se mantienen las coordenadas habituales del combo, es decir, la voz gritona y
expresiva de Doug Martsch, las andanadas de guitarras y la perfección de su rock independiente. Es Built to Spill, además, un grupo que crece enormemente
en directo, como hemos podido presenciar los afortunados que ya los conocemos sobre las tablas. En concreto, “There Is No Enemy” es otro álbum fantástico
más para sus librerías, por supuesto que sí, pero también una buena manera de entrar en su mundo para aquellos que todavía no los hayan conocido. Si es
así, ya saben: entre Pavement y Neil Young, y con toda la clase del mundo: Built to Spill.>Pablo Vinuesa
07. MARK VAN HOEN. WHERE IS THE TRUTH. (CITY CENTRE OFFICES)
Mark Van Hoen, a pesar de que nunca ha figurado en los grandes titulares del indie internacional, es uno de los personajes fundamentales de la cosa electrónica.
Bajo su propio nombre o como Locust son múltiples los lanzamientos discográficos con historia para rato, pero quizás su proyecto más reconocido
sea Seefeel, creado junto a Mark Clifford y uno de los grupos fundamentales del despliegue jander junto a, por poner unos pocos conocidos, Autechre, Aphex
Twin o Plaid. El último disco de estudio conocido de Van Hoen fue “The Warmth Inside You”, nada menos que en 2004, y su vuelta ahora con “Where Is The
Truth” debe ser doblemente celebrada, porque además sucede en el sello berlinés City Centre Offices, al que servidor le tenía perdida la pista últimamente,
pero que en su día encandiló con gente como Arovane, Dictaphone, Marsen Jules o Ulrich Schnauss. Como es lógico por venir de quien viene, “Where Is The
Truth” tiene una producción soberbia, con riqueza instrumental, idas y venidas ambientales y ritmos rotos en segundo plano. Además, las aportaciones de
Neil Halstead (Slowdive y Mojave 3) y Julia Frodahl (Edison Woods) añaden un beneficioso barniz orgánico. No es rompedor, desde luego, ni tampoco una
maravilla, pero sí agradable y brumoso. Y con el tiempo que hace, viene que ni pintado...>Pablo Vinuesa
DISCOS - CRÍTICAS

REVIEWS
08. RICHARD YOUNGS. UNDER STELLAR STREAM. (JAGJAGUWAR/POP STOCK!)
Lo hemos dicho por aquí alguna vez, pero nunca está de más repetirlo: Richard Youngs es uno de los grandes genios, no reconocidos, de estos últimos quince
años. Sin alardes, sin levantar demasiado polvo, ha ido construyendo una discografía extensa, libre de fisuras y ataduras, en la que caben colaboraciones
bajo el signo de la improvisación, fascinantes collages radiofónicos, ejercicios de noise, interpretaciones (muy) sui generis de la electrónica y particulares
acercamientos al folk. Como todos los discos que publica en Jagjaguwar, “Under Stellar Stream” presenta al Richard Youngs más accesible, el que escribe
canciones enraizadas en el pop y el folk y luego las adorna con arreglos minimalistas. Preciosas composiciones que avanzan al ralentí, mientras la voz (o
mejor dicho, un mantra vocal magnético y conmovedor) desgrana letras de una intimidad desarmante, y los escasos instrumentos (pianos, harmonios, un
contrabajo, sintetizadores) dibujan un paisaje fantasmal, repleto de ecos y espacios vacíos, en el que perderse se antoja como la más reveladora de las
experiencias. Hay quien lo llamaría magia; yo insisto en llamarlo genio.>Vidal Romero
09. TONI ZENET. LOS MARES DE CHINA. (EL VOLCÁN)
Chaleco, corbata y sombrero; pinta de crooner sin serlo. Con voz aguda de pecho y adornado por una música que tira para el jazz pero renueva géneros clásicos
como el tango o la copla. Así se presenta el proyecto de Toni Zenet, donde tampoco falta el injerido acento sureño para enmarcar la puesta en escena
de un cantante/actor con aires de Sinatra y paso latente de talento. La travesía de Zenet por “Los Mares de China” es una apuesta que escapa a discursos
complejos para regalar emoción instantánea. La candidez de tocar fibra sensible sin efectismos del siglo XXI. El malagueño consigue sonar a muchos sabores,
cuela letras de flamenco por blues, recuerda a Chavela Vargas en “Las Causas Perdidas” y se atreve a versionar el éxito de Edith Piaf “Je Ne Regrette Rien”
con hilarante arte, hasta transformarlo en “Ná de ná”. El Volcán Música -su productora- ha sabido moverse bien para colocarle un gran cartel en círculos
artísticos, yendo al compás del éxito de la estrella. Un producto recomendable, fiel a su sombra hasta hacer que regreses a la sencillez musical de un tono, un
timbre y una palabra.>Eduardo Mestre-Nadal
10. TWO DOOR CINEMA CLUB. TOURIST HISTORY. (KITSUNÉ/NUEVOS MEDIOS)
Empecemos por lo malo, que lo hay. Los chicos de Two Door Cinema Club son unos perros flojos. O sea, que lanzan un EP hace un año con media docena
de canciones y ahora un largo que, de las diez que lo componen, 4 ya estaban incluidas en ese anterior trabajo. Entre los dos, doce canciones inéditas para
Kitsuné, ese sello moderno de electrónica pop que tanto hace saltar y sudar en los clubs a nuestros vecinos los franceses. Y ahora lo bueno, que es todo
el resto: Su título es “Tourist History” y es una colección de pop festivo, inmaculado, repleto de melodías pegadizas, jóvenes, urgentes, acompañadas de
guitarras afiladas en riffs inmediatos, arreglos electrónicos que no hacen arquear la cabeza al alérgico y, sobre todo, hits tras hits. Si alguien me dice ‘son
unos listos, en algunos temas se nota que se suben al carro de la nueva fiebre afrobeat’ le enseñaré el middlefinger, subiré el volumen, y me creeré que tengo
quince años otra vez. Como con superpoderes, vamos. Discazo. Y no estará en las listas, porque la crítica sesuda es aburrida.>Antonio Bret
11. VEX’D. CLOUD SEED. (PLANET MU)
Vex’d le pegaron un patadón a la escena breakcore en 2005 con el capital “Degenerate”, un abrumador largo (y tan largo, vaya) editado en Planet Mu que
empezó a inventarse la cosa dubstep. Ya estaba todo allí: la agresividad rítmica, la oscuridad -no sólo estética sino ya ética pura-, los ecos dub, los graves
abisales, la mala hostia... Todo lo que un año más tarde fuera revolución por parte de genios como Burial o Milanese, vaya. Jamie Teasdale y Roly Porter, los
dos chungos que formaban Vex’d, sin embargo, no lo debieron ver tan color de rosa -perdón, negro mugre-, ya que se mandaron respectivamente a chuparla,
con un segundo disco en la recámara y con título, este “Cloud Seed”, ya incluso anunciado. Para nuestro confort, eso sí, han decidido aparcar sus diatribas y
terminar, más o menos, lo que todos esperábamos de ellos para una nueva pedrada con forma de CD. No es “Cloud Seed” un disco propiamente dicho, sino
temas antiguos remozados, remixes y demás chatarrería olvidada por sus discos duros, pero eso no significa que no sea altamente disfrutable. Siempre y
cuando ‘disfrutable’ sea para nosotros que el día se nos amargue, las nubes se ciernan sobre nuestra cabellera y, básicamente, el mundo se vaya a tomar por
culo. Qué gustazo.>Pablo Vinuesa
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DISCOS - CRÍTICAS

PROGRAMA teatro danza
50
ESCENA
SAD FACE / HAPPY FACE
Texto_ Vicente Durá
La imagen de una máscara sonriente y
otra con gesto de dolor es uno de los
emblemas del teatro. La alegría y la
tristeza, la felicidad y el sufrimiento. El
drama y la comedia conviven en ficción
y realidad. La máscara triste de este
número se la damos a Jan Lauwers y la
Needcompany, que presentan “The Deer
House”, un duro relato sobre la muerte
de un ser querido basado en hechos
reales. La careta alegre la visten la gente
de Mopa producciones, más que por los
contenidos de sus obras (que también)
por la envidiable realidad de esta exitosa
compañía andaluza de danza.
NEEDCOMPANY. “THE DEER HOUSE”
Últimamente hemos asistido a numerosas demostraciones de la forma
en que varios artistas belgas entienden que se deben combinar sobre un
escenario teatro, danza y música en directo. Cada uno ha sugerido sus
proporciones y medidas. Unos han tirado más de una disciplina o de otra,
y todos han optado por algún valor específico para articular la mezcla. Si la
agresividad o la violencia eran la opciones elegidas por Wim Vandekeybus en
“nieuwZwart”, y el sexo la alternativa de Jan Fabre en “Orgy of Tolerance”,
Jan Lauwers y la Needcompany se distinguen por impregnar su propuesta
de drama en “The Deer House”, donde el teatro se configura como ingrediente
básico.
En 2004 se estrenaba la obra “Isabella’s Room”. Con ella, Jan Lauwers abría
su trilogía sobre la ‘naturaleza humana’ titulada “Sad Face / Happy Face”.
Aunque el título incluya la palabra ‘happy’, ya podemos adelantar que en
la visión del artista belga predomina la tristeza, tal vez porque el punto de
partida para escribir esta primera entrega fue la muerte de su padre. Con
el primer capítulo han estado de gira hasta 2009, cuando actuaron en el
Festival de Otoño de Madrid. De forma paralela desarrollaron la gira del
segundo capítulo, “The Lobster Shop”, y a mediados de 2008 estrenan el
capítulo final, este “The Deer House”.
Sobre el argumento sabemos que nace de la experiencia de Tijen Lawton,
una de las integrantes de Needcompany, quien durante una gira por Francia
es informada de que su hermano ha sido asesinado en la guerra de Kosovo,
tras lo que ha de emprender un viaje a la región balcánica. Según nos
contó Jan Lauwers, «una parte del texto es la historia de Tijen y otra es
ficción. En la obra se habla de un hermano que muere en Kosovo y eso
es verdad. El hermano de Tijen era periodista, y el personaje de la obra
es fotógrafo. A partir de ahí vamos adquiriendo cierta distancia con la
historia real para que no sea tan doloroso para nosotros interpretarla. En
cualquier caso Tijen no pudo soportar este dolor y tuvo que desvincularse
de la gira, por lo que no actuará en Andalucía». Continua diciendo
que se trata de «una historia más lineal que “The Lobster Shop”, dividida
en dos partes: en la primera los actores están en el vestuario, como
si estuvieran preparándose para interpretar “The Deer House”, y en la
segunda digamos que pasan a escena para interpretar la obra».
Al ver las imágenes promocionales del espectáculo llama la atención que
sobre el escenario hay animales y que los propios actores van vestidos con
pieles de animales. Le pregunto qué sentido tiene esto en una obra que
cierra una trilogía sobre la ‘naturaleza humana’. «The Deer House es una
historia muy oscura y muy triste, y se me ocurrió que para contarla de
forma llevadera podríamos utilizar los recursos que usan los cuentos de
hadas, o las fábulas. Estas historias también son a veces muy oscuras y
muy tristes. Entonces lo que se intenta con los recursos que comentas
es reflejar un poco la atmósfera de las fábulas o los cuentos de hadas.
Por otro lado, en ese tipo de relatos también se alude la belleza de los
protagonistas para suavizar el drama, y nosotros disponemos de la
belleza de nuestros actores y actrices igualmente».
Sobre la trilogía también se ha dicho que trata sobre la “humanidad y el
dolor”. Al comprobar que dos de los episodios están protagonizados por mujeres
y uno por un hombre, le pregunto que a qué se debe esta supremacía
femenina. «Es cierto que las mujeres saben más sobre el dolor que los
hombres. Ellas dan a luz, pero los hombres, que somos más débiles, sólo
podemos mirar. Pienso que el dolor de dar a luz ayuda a las mujeres a
comprender mejor el sufrimiento, que es la esencia de la humanidad. En
cualquier caso, sobre todo en “Isabella’s Room”, escribo ese papel para
una mujer porque veo que no hay demasiados grandes papeles para
mujeres en el teatro. Entonces yo escribí este papel para una mujer, que
además es vieja».
Para terminar le nombro una larga lista de compañías belgas de éxito y le
pregunto que cómo puede haber tantas en un país tan pequeño. «Eso es
porque tenemos mucho talento los belgas [risas]. No, en serio, pero
también es verdad que aquí trabajan muchos actores españoles, italianos,
chinos, etc. Creo que somos muy internacionales y viajamos mucho
para encontrar el talento que hay en otros lugares. Por ejemplo yo creo
que en España hay grandes actores y actrices, y uno de mis grandes
proyectos no realizados es montar alguna gran obra de Sakespeare
únicamente con actores y actrices españolas».
MOPA PRODUCCIONES
Fueron grandes protagonistas en el pasado Mes de Danza de Sevilla con
“Tus Hijos me Están Jodiendo la Vida” y “Tuve que Hacer el Amor por
Cortesía”; vencedores del Certamen Coreográfico de Madrid 209 con “Mala
Suerte o Falta de Talento”; y la única compañía andaluza en la programación
de Escena Contemporánea 2010 con “(espérame despierto)”. Próximamente
el festival Cádiz en Danza (17-24 de abril) les rinde homenaje programando
sus cuatro obras. Publicamos a continuación un pequeño extracto de la ent-

evista que mantuvimos con Juan Luis Matilla, uno de los bailarines
de Mopa producciones, antes de su actuación en Madrid dentro de
Escena Contemporánea.
Sobre “(espérame despierto)”, espectáculo con el que acudieron al
festival madrileño, comenta que «en cierto modo se podría hablar
de danza-teatro pues el director, Juan Kruz Díaz de Garaio Esnaola,
trabaja habitualmente con la compañía de Sasha Waltz, de quien se
habla como la heredera directa de Pina Bausch, abanderada de la
danza teatro. Así que podríamos hacer la carambola. En cualquier
caso, el texto no es un elemento primordial; se usa como un
elemento más bien sonoro, casi inaudible, en algún momento».
También se podría considerar como distintivo sonoro de la compañía
la presencia de música en directo en la mayoría de sus creaciones.
«En “Tus Hijos me Están Jodiendo la Vida”, la principal referencia
para el juego que planteamos es Christian Marclay y su manera
de interactuar con el continente de la música, en este caso el
vinilo; una perspectiva acerca de la música que va más hacia
la instalación. La manera de abordar la música en “(espérame
despierto)” es más sencilla y más frágil; no sólo se entiende
la música como un elemento coreográfico más, sino que se
comprende al músico como un interprete escénico».
En cuanto al ritmo laboralmente vertiginoso de la compañía durante
los últimos meses, confirma que «está siendo una barbaridad de
trabajo, pero eso pasa en todas las profesiones: hay momentos en
los que se amontona el trabajo. La estructura de la empresa es la
de trabajar por proyectos y estamos intentando construir un equipo
de producción permanente que ya es necesario, pero que debido a
esta crisis nos está costando mantener. Intentamos también construir
una estructura basada en la colaboración, donde los procesos
son muy distintos entre ellos, pero muy interesantes. Por ejemplo,
aunque la iniciativa de “(espérame despierto)” fue mía, el rol que
yo juego es el de bailarín; la idea de comenzar “Tus Hijos me Están
Jodiendo la Vida” es de Roberto Martínez Losa, aunque la firmemos
los dos como creadores, junto a Fran Torres, y la colaboración de
Benito Jiménez sea más que importante; y aunque “Mala Suerte
o Falta de Talento” sea en principio un mano a mano con Raquel
Luque, no tardarán en aparecer distintos colaboradores, como de
hecho ya lo es Roberto. Además estamos preparando otros trabajos
en colaboración, como es el caso de nuestra participación en algunas
actuaciones de Fiera, junto a los integrantes de Pony Bravo».
El evento o performance al que ha dado lugar esta colaboración se
denomina “WildWorking” y se estrenará el próximo 18 de marzo en
el marco del Festival Zemos98.
En la imagena: “THE DEER HOUSE”.
Fotografía_ Maarten Vanden Abeele
Las obras recomendadas aparecen en nuestra agenda de la última página con
indicación de las fechas, ciudades y salas correspondientes.
PROGRAMA teatro danza
ESCENA

ARTÍCULO cormac mccarthy
52
Imagen: “The Road”adaptación de John
Hillcoat a “La Carretera”.

¿Quién hubiese apostado hace unos años
que uno de los autores que ha tratado
con más violencia y crudeza la naturaleza
humana iba a terminar siendo reconocido
por el mundo del espectáculo?
¿Quién iba a imaginar que uno de los
narradores más elusivos, recluido en su
rancho de Nuevo México durante años
sin conceder entrevistas, aparecería en
el programa de Oprah Winfrey promocionando
su último libro? Cormac McCarthy
(Rhode Island, 1933) era una rara
avis que no terminaba de encontrar su
equilibrio entre la crítica literaria (que
siempre lo tuvo, en la misma liga que
Thomas Pynchon y Don Delillo) y el público
hasta que comenzaron las exitosas
adaptaciones cinematográficas. Quizás
repasando dichas adaptaciones seamos
capaces de definir al autor y su obra.
EL HOMBRE QUE SUSURRABA A LOS CABALLOS
En 1992, McCarthy publicó “Todos Los Caballos Hermosos”, que constituía
el primer volumen de la llamada Trilogía de la Frontera. Esta fue una novela
que sorprendió a propios y a extraños por el velado romanticismo que
rezumaban algunos pasajes. La novela se convirtió en el primer best-seller
de su autor. Pero algo debió fallar durante la promoción del libro porque todo
el mundo confundió los términos. “Todos Los Caballos Hermosos” no era una
novela de amor. Ese mismo error cometió Harvey Weinstein cuando Billy Bob
Thornton se empeñó en rodar una película sobre el libro. Cuenta la leyenda,
y Peter Biskind así lo corrobora en el incisivo “Sexo, Mentiras y Hollywood”
(2004), que cuando Thornton se plantó con su montaje original de casi 4
horas de metraje, Weinstein (también conocido como Harvey Manostijeras)
montó en cólera y terminó estrenando la película como todos la conocimos.
No se puede decir que la primera de las adaptaciones cinematográficas de
una obra de McCarthy fuera un éxito, pero también es cierto que su proceso
de producción no fue el más sano.
A LA VEJEZ VIRUELAS
Un aspecto sobre la obra de McCarthy a destacar es la importancia de
la vejez, entendida esta como la sabiduría que otorga la experiencia y la
capacidad de mirar atrás sin ira. Sólo el anciano tiene derecho a opinar, a
extrañarse, a reflexionar. El anciano se ha mimetizado en la naturaleza. Es un
elemento más de ella. Puede que lo anterior sea consecuencia directa del
propio envejecimiento del autor, pero ya en “Todos Los Caballos Hermosos”
encontrábamos muestras de ello. Pero es, sin duda, en “No Es País Para Viejos”
(2005) donde se llevan estas reflexiones a su máximo esplendor. Todo
el personaje del sheriff Ed Tom Bell responde a lo anterior. Y gran parte de
ello quedó reflejado en la excelente adaptación cinematográfica que hicieron
Joel y Ethan Coen de esta novela en 2007. Al margen de premios, lo curioso
es que los Coen supieron adaptar con cordura, personalidad y fidelidad el
universo McCarthyano, no sólo a nivel temático, sino plástico.
ARTÍCULO cormac mccarthy
VIVO EN LA CARRETERA
En 1943, Maslow tuvo a bien clasificar las necesidades humanas en
su famosa pirámide. La base de aquella contenía aspectos fisiológicos
elementales como respirar, beber, alimentarse, defecar y dormir. Son
necesidades que, en el principio de los tiempos, se podían satisfacer gracias
a la propia naturaleza. Existía pues una simbiosis, una relación de causalidad
entre el hombre y la tierra, que equilibraba la balanza vida-muerte. Pero da
la impresión de que Cormac McCarthy siempre ha estado interesado en
desequilibrar esa balanza. “La Carretera” (2006), es la prueba definitiva.
Un padre y un hijo abandonados a su suerte en una inabarcable naturaleza
muerta que ya no puede proveer más. ¿Qué ocurre entonces cuando el ser
humano no es capaz de cubrir las necesidades más básicas? ¿En qué se
convierte cuando se le despoja de la posibilidad de seguir siendo ‘humano’?
Sobre estas premisas se apoya, a nuestro juicio, toda la obra literaria de
McCarthy. Toda esta desolación queda plasmada con firmeza en la fiel adaptación
que ha realizado John Hillcoat de dicha novela, en la que un soberbio
Viggo Mortensen da vida al padre más abnegado de todos los tiempos.
EL HOMBRE Y LA TIERRA
Otra prueba de que McCarthy está más interesado en la naturaleza virgen
del hombre que en cualquier otra cuestión puede verse en “Meridiano de
Sangre” (1985), con su alambicada prosa descriptiva del paisaje. Un detallismo
que no es casual, sino que pretende contextualizar el mundo al que pertenece
el ser humano. McCarthy describe la fauna, la flora y los fenómenos
naturales con bisturí. ¿Es el hombre un elemento más del paisaje? ¿Acaso no
tiene mayor entidad que un escarabajo, un rayo o un cactus? Parece plantear
McCarthy cuando nos perdemos en sus kilométricas disertaciones sobre el
desierto, las colinas o los ríos. Ya sea en la frontera del lejano Oeste o en un
mundo futuro apocalíptico, lo que mueve al autor de “Sutree” (1979) a escribir
es el enfrentamiento del ser humano con una naturaleza exhausta, que lo
pone a prueba, que le obliga a apostatar de su condición de ser social y civilizado
para poder reencontrarse con su verdadero yo. Y no tiene McCarthy
miedo de mostrar al hombre como un asesino de hombres, como un caníbal,
como un animal. Y ahí quedará para la historia el Juez Holden y la banda de
los Glanton. Tengo curiosidad por ver la adaptación de dicha novela, que a mi
juicio es la obra maestra de McCarthy, y que actualmente está preparando
Todd Field. Quizás encontremos en ella el epítome de la obra de McCarthy y
también el punto final a las lucrativas adaptaciones cinematográficas de su
breve obra narrativa, tan aparentemente inagotable como su prosa.
CORMAC
MCCARTHY
EL HOMBRE Y
LA TIERRA
Texto_ Fran G. Matute
CINE LITERATURA

ARTÍCULO dvd - cine
54
INTERMEDIO FRANCÉS
ERIC ROHMER EN PARÍS Y JEAN-LUC
GODARD: FICCIONES
DVDs textos_ David Pareja
ROHMER
Desgraciadamente de actualidad por su reciente fallecimiento, Eric
Rohmer está siendo uno de los objetivos de la editorial Intermedio,
que en los últimos años se está dedicando a la destacable labor
de editar todas las obras de Rohmer que aún no habían visto la luz
en España. Recientemente le tocó a “Perceval el Galés”, la titánica
adaptación del director francés de la obra de Chrétien de Troyes,
escrita en en siglo XII y compuesta por más de nueve mil versos. En
esta ocasión, la edición viene agrupada bajo el epígrafe “Rohmer en
París” porque recoge cuatro obras y dos cortometrajes, así como
numerosos textos y entrevistas cuyo nexo común es la ciudad de
París, la capital francesa que también inspiró a Rohmer en películas
como “Mi Noche con Maud”, “El Amigo de mi Amiga”, “Cuento de
Invierno” o “Las Noches de La Luna Llena”.
“El Signo del León”, la primera película de Rohmer, se desarrolla en
Saint-Germain-des-Prés, uno de los barrios parisinos por excelencia.
El paisaje urbano, la autenticidad de valores como lo espacial y el
tiempo transcurridos en la película siempre han sido de vital importancia
para Rohmer, que los trataba con una objetividad de inspiración
baziniana. “Les Rendez-vous de Paris” es otra de las películas que
componen el pack. La ciudad va tejiendo, armonizando y creando
todas las historias, relatos que abarcan el desamor, el amor fugaz,
la mentira y la seducción; emociones y encuentros articulados en
torno a la ciudad de París. Tanto los personajes de “La Panadera
de Monceau” como los de “La Carrera de Suzanne”, las otras dos
películas que componen el pack y dos de los primeros cuentos
morales de Rohmer, empiezan la película hablando de la ciudad, de
los espacios que dan cuerpo y presencia a la película y en los que se
desarrollará la trama.
“Eric Rohmer en París” y “Jean-Luc Godard: Ficciones” han sido editados por Intermedio.
Más info en www.intermedio.net
GODARD
Otro de los directores con los que Intermedio ha decidido completar
su filmografía inédita en España es Jean-Luc Godard. Hasta ahora ha
tenido el acierto de editar “Histoire(s) du Cinema” y el cofre “Jean-Luc
Godard y el Grupo Dziga Vertov”, dedicado a sus años de mayor
compromiso político. Ahora ve la luz un nuevo cofre agrupado bajo el
nombre de “Ficciones”, que intenta demostrar la capacidad de Godard
para reinventar el concepto de ficción a través de cuatro películas de
diferentes épocas. Presentados por el crítico de cine Alain Bergala,
uno de los mayores conocedores de la obra del cineasta francés,
diseccionando las claves de cada film, situándolas en un contexto
biográfico e histórico y marcando la atención en las escenas más
importantes de cada título.
El primer título, “La Mujer Casada”, es una película rodada en blanco
y negro en los años 60, donde Godard experimenta con las posibilidades
formales y expresivas del celuloide incorporando la entrevista
como recurso, la mirada a cámara o el cuerpo de Macha Méril, su
protagonista, como un actante más del film. En “Que Se Salve Quien
Pueda (La Vida)”, Godard vuelve al cine de ficción tras una etapa de
militancia radical y política. En este filme aplica algunas de los hallazgos
técnicos aprendidos de su trabajo en vídeo con el grupo Dziga
Vertov. En “Cubre tu Derecha” podemos ver a Godard actuando, intentando
encontrar su vocación como artista y dando rienda suelta a sus
deseos de ser actor, según revela Alain Bergala en la introducción del
film. Y en “For Ever Mozart” Godard trata una de las que serán sus
obsesiones en el futuro: la guerra de Sarajevo, un tema que también
analizó con profundidad en “Histoire(s) du Cinema”.

SHOEI IMAMURA
MIKE LEIGH
ARAGÓN
READ CRÍTICAS IT críticas dvd - libros cine
SHOEI IMAMURA. FILMOTECA FNAC - AVALON.
En el último número de CLONE centrábamos la atención de los lanzamientos en DVD a la
colección que la Filmoteca FNAC le dedicaba a Seijun Suzuki, uno de los directores más
importantes del cine contemporáneo japonés. Ahora le toca el turno a Shoei Imamura, otro
de los cineastas fundamentales del cine nipón, perteneciente a esa generación que heredó
el testigo de maestros como Ozu, Mizoguchi o Kurosawa y que formaron parte de la nueva
ola japonesa (junto a realizadores como Naguisa Oshima o Masahiro Shinoda). Ganador de
la Palma de Oro de Cannes en dos ocasiones (con “La Balada de Narayama” en 1983 y con
“La Anguila” en 1998), logro que sólo han conseguido cineastas como Coppola o Kusturiça,
Imamura es retratado en este pack a partir de tres películas de su primera época: “The
Insect Woman” (1963), “Intentions of Murder” (1964) y “The Pornographers” (1966). Las
tres películas son un retrato certero de los cambios que ha sufrido la sociedad japonesa,
grabadas todas con un scope magistral y muy estilizado, marca de la casa. Una ocasión
inmejorable para acercarse a uno de los cineastas más interesantes del siglo XX.
MIKE LEIGH. INITIAL SERIES - CAMEO.
Mike Leigh es uno de los cineastas más respetados de Inglaterra. Sus películas rara vez
bajan de una media notable y ha cosechado numerosos premios internacionales gracias a
películas como “Secretos y Mentiras” o “El Secreto de Vera Drake”. Director de la London
Film School de Londres, Leigh se graduó la Royal Academy of Dramatic Art y en la escuela
que hoy dirige. Sus comienzos estuvieron ligados al teatro pero pronto empezó a despuntar
como guionista y realizador gracias a su severa visión de la realidad social, centrándose
siempre en los estratos de clase media-baja, y a un estilo cargado de ironía. Este pack
incluye tres películas y dos cortometrajes: “La Vida es Dulce”, de 1991. “Indefenso” (1993),
quizás una de sus mejores películas hasta la fecha, la más mordaz, afilada y certera visión
de la sociedad de fin de siglo, película que le valió el premio al mejor director en el Festival
de Cannes y el de mejor actor a David Thewlis, hasta ese momento su actor fetiche. Y “Dos
Chicas de Hoy” (1997), una tragicomedia excelentemente interpretada que realizó justo
después del éxito de “Secretos y Mentiras”. Completan el pack dos cortometajes que realizó
para la televisión británica: “The Short & Curlies” (1987) y “A Sense of History” (1992).
MANUEL GUTIÉRREZ ARAGÓN.
“DEMONIOS EN EL JARDÍN” / “MARAVILLAS” - CAMEO.
Manuel Gutiérrez Aragón proviene, como cineastas de la talla de Pilar Miró o Víctor Erice,
de las primeras generaciones de la Escuela de Cine de Madrid. Con su primera película,
“Habla, Mudita” (1973), obtuvo el premio de la crítica del Festival de Berlín. Colaboró en
el guión de “Furtivos”, de José Luis Borau (del que Cameo también acaba de editar “Hay
que Matar a B.”), una de las cumbres de nuestro cine contemporáneo; y ganó el Oso
de Oro de Berlín con “Camada Negra” (1977), una película prohibida en su época y que
levantó la revuelta de la ultraderecha en su estreno en el Madrid de finales de los setenta,
la más importante de su etapa más política al final del franquismo. Cameo presenta
ahora la edición de dos de sus mejores películas: “Maravillas” (1981), un cuento sobre la
adolescencia interpretado por Fernando Fernán Gómez y Cristina Marcos. El cartel lo firma
el siempre genial Iván Zulueta. Y “Demonios en el Jardín” (1982), quizás su mejor obra y la
más representativa de su estrecha colaboración con la actriz Ángela Molina. En ella narra la
esperpéntica vida de una familia disfuncional en un ambiente rural de posguerra. Ganadora
del premio a la mejor película en San Sebastián así como el premio a mejor película en la
Quincena de realizadores del Festival de Cannes. Una ocasión inmejorable para acercarse a
la obra de uno de nuestros realizadores más olvidados.
LANZAMIENTOS CRÍTICAS
LITERATURA DVD CINE

SEE IT críticas cine
Carteles “In The Loop”.
El primer largo del escocés Armando Iannucci, periodista antes que
realizador, es un spin-off de “The Thick of It”, la serie -una sátira sobre
las interioridades del gobierno británico- que creara en 2005 para la
BBC y cuya tercera temporada acaba de emitirse (recordemos que esta
no ha sido sólo la década gloriosa de las series estadounidenses, algo
se ha estado moviendo también al otro lado del Canal de La Mancha).
“In The Loop” y “The Thick of It” no sólo comparten temática, también
algunos actores y personajes, como la mano derecha en la sombra del
primer ministro, el acidísimo Malcolm Tucker (interpretado por Peter Capaldi),
probablemente uno de los malos más detestables y carismáticos
del audiovisual reciente. Aquí, Ianucci toma como referente claro las
intrigas previas a la invasión de Irak, ficcionalizando con escalpelo la
trastienda de las negociaciones entre británicos y norteamericanos. Lo
que implica a varios consejeros, comisiones de toda laya, generales de
oficina (grande James Gandolfini), ministros ridículos, electores enojados
(Steve Coogan en su salsa) y trepas de manual. Filmada con el
estilo semidocumental que aporta la cámara en mano -muy en la línea
de otra reciente serie británica, “The Office” (2001-03)-, “In The Loop”
se enmarca sin problemas en la fecunda tradición británica de la sátira
política, a la que aporta una dosis extra de cinismo y una precisión
admirable en el uso del lenguaje soez de la fontanería de las relaciones
internacionales. Por lo demás, se trata de una comedia trepidante, muy
bien escrita y mejor interpretada, que sólo muestra alguna debilidad
en ciertas torpezas de la puesta en escena de Ianucci, perfectamente
asumibles dentro de un conjunto brillante, lúcido, cortante y muy muy
british.> Juan Pablo Ramos Fernández
ESTRENO
CINE
IN THE LOOP
(ARMANDO IANNUCCI, REINO UNIDO, 2009)
ALGO PASA EN HOLLYWOOD
(“WHAT JUST HAPPENED”, BARRY
LEVINSON, USA, 2009)
Barry Levinson comenzó su carrera en Hollywood a finales de los
años 70 escribiendo chistes para Mel Brooks y Marty Feldman.
A principios de los 80 comenzó a dirigir una serie de títulos
importantes que ofrecían diversos retratos sociales de Baltimore, su
ciudad natal, como la generacional “Diner” (1982) o la desternillante
y ácida “Tin Men” (1987). Al éxito de crítica le siguió el del público
con películas como “Good Morning, Vietnam” (1987) y “Rain Man”
(1988). Para finales de los 80, Barry Levinson se había convertido en
un director que, con pocos títulos en su haber, ya había demostrado
casi todo a la industria. Y desde entonces, caída libre. Nunca he
sabido muy bien si Levinson era un director dotado para la comedia
con ínfulas de autor o si se trataba de un artesano con cierta
facilidad para la sátira. Pero en “Algo Pasa En Hollywood” lo cierto
es que no es ninguna de esas cosas. Película vacía de contenido,
sustentada en un par de gags (la barba de Bruce Willis; la escena del
perro con Sean Penn), que pretende jugar con la realidad hollywoodiense
(una semana en la vida de un productor de cine) y termina
por conseguir lo no buscado: que demos la razón a Levinson en una
cosa: algo verdaderamente grave debe estar pasando en Hollywood
para que películas tan innecesarias como esta se estrenen en las
pantallas de medio mundo.>Fran G. Matute

DONALD BARTHELME. EL PADRE MUERTO
(SEXTO PISO, 192 PÁGINAS, 2009)
Donald Barthelme, considerado por muchos el padre del postmodernismo literario, tuvo una escasa producción novelística. Volcado
sobre todo en su labor como relatista, Barthelme nunca se vio cómodo en la novela, quizás por tratarse de un género que no
terminaba de poner límites a su diarreica imaginación. Y a las pruebas me remito. “El Padre Muerto” (publicado originariamente
en 1975) trata sobre un padre descomunal, con una pierna ortopédica y que gasta un pene de 65 metros (‘fláccido en ese momento’).
El Padre Muerto es capaz de estar vivo y muerto a la vez, y es en ese estado de funambulista vital en el que su hijo y su
nuera tratan por todos los medios de llevarlo ante el Vellocino mientras es arrastrado por cables, cual Gulliver en la Isla de Lilliput,
por diecinueve porteadores. Y no queda ahí el parecido razonable con la inmortal obra de Jonathan Swift. Por el camino, el Padre
Muerto se entretiene pronunciando discursos que son ‘un perfecto coñazo’ y va dejando a su paso un rastro de ‘monstruosos
excrementos’, lo que provocará un violento encuentro con los Wend, dueños de las extrañas tierras por las que transcurre este
viaje lisérgico y surrealista. No os puedo prometer que la lectura de “El Padre Muerto” (y su inserto, “Un Manual Para Hijos”) os
vaya a ofrecer sesudas digresiones sobre el tema de la familia y las relaciones paterno-filiales, pero sin duda se trata de uno de
los ejercicios humorísticos más originales que servidor se ha echado a los ojos en muchos años.>Fran G. Matute
HORACE MCCOY. LOS SUDARIOS NO TIENEN BOLSILLOS
(AKAL, 208 PÁGINAS, 2009)
La Historia hace tiempo que adjudicó el título de reyes de la novela negra a Dashiell Hammett y a Raymond Chandler. Pero el
más grande escritor de aquél periodo clásico fue, en nuestra humilde opinión, Horace McCoy. Con sólo seis obras en su haber,
McCoy no sólo fue el autor más versátil de su generación sino que fue el que mejor se adaptó al mundo del cine (ahí quedan
para la memoria colectiva sus guiones de “Gentleman Jim” y “El Mundo en sus Manos”, ambas obras maestras de Raoul Walsh).
“Los Sudarios no Tienen Bolsillos” (1937) fue la segunda novela que publicó McCoy tras la aclamada “¿Acaso No Matan a Los
Caballos?” (1935) y que junto a “Luces de Hollywood” (1939) conforman el núcleo duro de su obra. McCoy no sólo fue el que
retrató con más matices los bajos fondos, sino que fue el cronista estrella de los años de la Gran Depresión. En “Los Sudarios... “
se da buena cuenta de la putrefacción del cuarto poder, ofreciéndonos de paso un anti-héroe como Mike Dolan, personaje repleto
de contradicciones y auténtico motor de esta historia narrada al más puro estilo hard-boiled. No es de extrañar que esta novela,
con su lenguaje directo y explícito, fuera prohibida en Estados Unidos en el momento de su publicación. Es un hachazo al sistema
que se visualiza con cada página, con cada frase, con cada palabra. Es Horace McCoy en estado puro: el mejor escritor de novela
negra de su generación. ‘Period’.>Fran G. Matute
ANTONIO MÚÑOZ MOLINA. LA NOCHE DE LOS TIEMPOS
(SEIX BARRAL, 960 PÁGINAS, 2009)
El arquitecto español, Ignacio Abel, sube a un tren en la estación de Pensilvania. Ha huido de Madrid, de la guerra, de una
muerte casi segura. Mientras va en el tren le sobrevienen recuerdos de su vida anterior al exilio. La ambivalencia profundiza en
las contradicciones de cada uno de los personajes y la mirada de los otros expone otra visión de la realidad. Abel está siempre
en dos mundos, en dos tiempos simultáneos, duplicado, enardecido por el amor de Judith, la amante, y acomodado en la rutina
con Adela, su mujer. Los recuerdos del comienzo del amor con Judith Biely, esa americana que ha venido a España fascinada por
la lectura de Washinton Irving. La madre de Judith que sabe que su hija va hacia el desastre y no puede prevenirla. Y el padre,
que modifica sus recuerdos para contar lo que todos saben que no es verdad, que los logros de la hija se deben a él. Rossman,
su profesor de Weimar, le produce lástima y rechazo, no hace casi nada por él cuando hubiera podido salvarlo. Sus hijos: Lita
escucha Unión Radio, es irreprochable y falsa; Miguel prefiere las coplas de criadas, las películas de flamencas, al percibir las
mentiras del padre, quiere quedarse y huir. Empezar a mentir sin esfuerzo ni remordimiento, acostumbrarse a oír disparos, a
que los conocidos lleven pistola, a los muertos en la calle, no querer ver lo que pudo haberse evitado y ya no tiene remedio. Los
anarquistas, los socialistas, los falangistas, los monárquicos... A tiros unos contra otros. Los dos bandos destruyendo, unos con el
fuego que quema iglesias, con furia y torpeza. Otros con aviones italianos y alemanes, ametrallando a los fugitivos en los caminos
y lanzando bombas sobre Madrid, que carece de defensa antiaérea. Esos señoritos que hacen la revolución social y que medran
para conseguir becas y viajes oficiales. El sarcasmo y la amargura de Moreno Villa. Negrín acumulando trabajo y responsabilidades
políticas con el mismo pantagruelismo con el que pide bandejas de mariscos, platos de jamón, vino, cerveza. Buñuel, de
surrealista y moderno a la payasada folklórica de La hija de Juan Simón. Las señoras del Lyceum Club, Lorca, Salinas, Alberti...
La obsesión del tiempo agotado, del dónde estaremos mañana, del tiempo que se tarda en olvidar una voz. Y al llegar al final, la
sensación de que hemos recibido una clase magistral sobre la construcción de una novela.>Ángeles Carmona
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CRÍTICAS
LITERATURA

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Con una mezcla de las míticas Star Chevron, pero con la
inconfundible silueta de Converse, cuando se presentaron
los primeros modelos de Star Player en 1975 fue una auténtica
revolución. Más de tres décadas después, Converse
recupera esta línea para la primavera que viene con diseños
clásicos, tanto en cuero como en lona, demostrando así que
los originales continúan estando más de moda que nunca.
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En 1969, un grupo de universitarios se enfrentó a Reagan
por desalojar un solar abandonado que ellos habían
transformado en el People’s Park, un verdadero símbolo
de la contracultura. La reivindicación de estos jóvenes,
conocidos como “the activists”, ha sido la fuente de la
que ha bebido la nueva propuesta de Levi’s® para esta
nueva temporada. Y es que para la primavera del 2010
la firma californiana de denim ha ideado una colección,
Levi’s® Red Tab®, que ha tenido como punto de
referencia las universidades de Berkeley y San Francisco
durante los años 60, una época marcada por el activismo
político y la ruptura con los convencionalismos. Para los
chicos, Levi’s® presenta una gama de prendas muy
rock n’ roll, donde la mayor importancia recae en
camisas de cuadros tipo ‘sawtooth’, y la cazadora trucker
en denim o de cuero. Ellas, por su parte, cuentan con
una colección repleta de tops que incluyen camisetas
masculinas y con gráficos americanos, gran variedad de
camisas y cazadoras tucker en diversos estilos.
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STEVE REICH & BANG ON A CAN
(REINA SOFÍA, MADRID, 3 DE NOVIEMBRE)
Es casi deporte nacional lo de quejarse sobre lo mal que anda la oferta
musical en este país, pero lo cierto es que el pasado 3 de noviembre
muchos nos llevamos una sorpresa. Y decimos muchos porque la cola que
acordonaba el Reina Sofía era digna de ver. El motivo, la visita relámpago de
uno de los padres del minimalismo y quizá su mejor representante: Steve
Reich acompañado de la polifórmica banda neoyorquina Bang on a Can.
Con el auditorio lleno a reventar –y lo que quedó fuera– la actuación echó a
andar con “Clapping Music”, palmas obsesivas entre las que se encontraban
las del propio Reich. A continuación “New York Counterpoint”, o cómo
descubrir una metrópoli a golpe de clarinetes. Llegó entonces “Piano/Video
Phase”, todo un ejercicio de virtuosismo a cuatro manos, dos pregrabadas
y dos reales, en el que los tempos se desdibujaban hasta dejarle a uno sin
coordenadas donde agarrarse. Fin del primer acto y principio del segundo
con “Music for Pieces of Wood”. Con “Electric Counterpoint” llegaría uno
de los momentos más emotivos de la noche; enorme interpretación la de
aquella guitarra mutante. Y como despedida 28 minutos de repeticiones,
transiciones sutiles y endorfinas a cargo de un sexteto se músicos rodeados
de vibráfonos, marimbas y sintes. Techno, house, krautrock, minimal... No
se imaginan las nuevas generaciones cuánto le deben a este señor de cara
sonriente.>Guillermo M. Ferrando
ELECTROCHOCK (US) 2009
(PISTA DIGITAL Y WAM BY ABRIL, SEVILLA, DEL 5 AL
7 DE NOVIEMBRE)
Electrochock (US), bautizado como Ciclo de Música Electrónica de la
Universidad de Sevilla, nació en 2008 para acercar esa citada institución al
mundo del zapatilleo moderno. La cosa era buscar un punto de acercamiento
un tanto más intelectual que el habitual de las cabinas de DJs, más dadas al
gamberrismo y al sudor, cosa conseguida en su primera edición con actuaciones
tan brillantes como las de Joakim & The Discos, Lindstrøm o Various
Production. Para su segundo certamen, este ejemplar festival centró sus
objetivos en el rastreo no ya de la música electrónica más arriesgada, sino
de las conexiones de esta con sus fuentes de inspiración más habituales:
las músicas clásicas y contemporáneas. Cambiados los emplazamientos de
los conciertos, del Patio del Rectorado a Pistadigital, y de las sesiones, de
la sala Obbio a la recientemente parida WAM by Abril, Electrochock (US) ha
conservado su ética de acercar al público propuestas interesantes y arriesgadas,
a precio simbólico. Cabe destacar la originalidad como escenario de
Pistadigital, un proyecto de reconversión de pista de coches locos a espacio
artístico que ganó el concurso Creativa07. Allí pudimos disfrutar con la IDM
orgánica de un Christ., acompañado de batería, que se supo sobreponer a la
pérdida de parte de su equipo en su vuelo desde Escocia. También al maravilloso
ejercicio de Hauschka con su piano preparado y el acompañamiento
de dos chelistas (momento pelos de punta cuando empezó a sacar todos
los trastos que había introducido dentro del instrumento). Y por último, a la
ejemplar conexión entre los cuatro miembros del sello-colectivo islandés
Bedroom Community, que por turnos y en conjunto consiguieron electrizar
al respetable con una ejecución oscura, ambiental y emocionante. No nos
olvidaremos de las propuestas locales de los ruidistas TENSION Co. y del
ejercicio de hip-hop instrumental a dos MPCs de Voodooetnies & Toroweins,
así como tampoco de las dos magníficas sesiones en WAM por parte de
un DJ tan respetado como el barcelonés Undo y de ese entrañable bRUNA
pinchando... ¡House! Esperamos con ansia su tercera cita en 2010.
>Jorge Montes
HYPERSOUNDS
(MUSEO REINA SOFÍA, MADRID,
13 Y 14 DE NOVIEMBRE)
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid alojaba el exitoso
nacimiento de Hypersounds el pasado 13 y 14 de noviembre, reinventando
sus espacios bajo la dirección artística de Advanced Music. Hypersounds
se nos presenta de la mano de Rec_Overflow, Mary Anne Hobbs, HD
Substance, Shit’n’Shine, Tender Forever o Rustie, entre los más de veinticinco
artistas. Sobre todo mucho dubstep, hip-hop instrumental, electro y
mutaciones wonkies. Con experiencias cinemáticas increíbles como Umfeld
en audio surround 5.1 o la instalación sonora interactiva Spatial Sounds; la
máquina de comportamiento inteligente que nos scanea y reacciona directamente
ante nosotros, ideada por Marmix de Ninjs y Edwin Van der Heide,
quien a su vez se lucía con su Laser Sound Performance. Además, el accesible
documental sobre la improvisación de David Sylvian o las mejoras en
la Reactable definían la nueva tecnología aplicada a la creación audiovisual y
new media, y sabemos que te gusta estar a la última... >Evapin
40 ANIVERSARIO DE QUICKSILVER
(PARÍS, 20 Y 21 DE NOVIEMBRE)
El pasado mes de noviembre Quicksilver alcanzó sus cuatro décadas de vida
y para celebrarlo no pudo escoger un escenario más singular: el Gran Palais
de París. Pero eso no es todo, y es que para tal ocasión, este edificio, uno
de los más emblemáticos edificios de la capital francesa, se transformó en
la pista de skate más grande de Europa, dando cobijo a aficionados venidos
de todas partes del mundo. Y, como no hay buena celebración sin un buen
anfitrión, Quiksilver contó con el mejor maestro de ceremonias posible: Tony
Hawk, una leyenda viva que sigue siendo la mayor estrella del skateboard
mundial, volvía a la acción para esta ocasión tan especial, con un show que
pasará a formar parte de la historia del skate. Como es de imaginar, fue
un show muy potente de principio a fin, con dos momentos memorables:
primero, el famoso 900º de Tony que le valiera la consagración mundial
durante los X Games; y segundo, el primer Mctwist jamás realizado por
una chica sobre una rampa de este calibre y que le valió a Lyn-Z Adams el
reconocimiento de sus compañeros, que no dudaron en portarla a hombros
para celebrarlo. Sin duda, fue una noche de gala, especial y diferente en la
que pudimos disfrutar no sólo de Tony Hawk y sus trucos aéreos, sino que
también hubo espacio para el arte, la moda y la música.>Maru Sánchez
DOMINIQUE A
(TEATRO LOPE DE VEGA, SEVILLA, 18 DE ENERO)
Con vestimenta de gala, el Lope de Vega se acicaló para recibir al que por
derecho propio ocupa un lugar muy singular en la escena musical gala,
fusionando tradición y modernidad como muestra de nuevos bríos, y revitalizando
una nouvelle chanson que plantea otra vuelta de tuerca al perenne

legado de Gainsbourg. Falso Cabaret fueron los sevillanos
responsables de inaugurar la velada, de un modo contraproducente,
en su labor como teloneros. La gente intentaba resistir
canción tras canción en su butaca, ausentándose de la platea
hasta el inicio del auténtico espectáculo en aquella noche.
Ané, seductor e ilusionista trovador que mediante epilépticos
movimientos corporales y constante oscilación de brazo, en
cada pieza simula quizá la libertad del aleteo de un ave, que
inicia una senda por la desgarrada melancolía de la chanson
francesa. 24 obsequios en forma de canción, destacando
“Hasta Que El Cuerpo Aguante”, folk achansonado de estribillo
en castellano sin resultar postizo y dedicada a Rafa López
(Green Ufos); “La Musique”, solemne columna vertebral
como esqueleto sobre el que armar el conjunto de su obra, y
que a través de un synth-pop ochentero, configura un himno
atemporal; “Immortels”, aromas de composición definitiva
en un lamento de soledad para este corredor de fondo tras
la búsqueda de la canción perfecta; y para concluir, “Le
Courage des Oiseaux” al ritmo enérgico de una contundente
e incesante percusión, con una electricidad desgarradora de
guitarra, con un controlado aumento progresivo en el tempus
sonoro, incitando a liberar toda rabia contenida. Sublime
broche de oro para uno de los mejores conciertos a presenciar
en este 2010.>Armando Marín Ruiz
ZIMMERMANN & DE PERROT
(TEATRO CENTRAL, SEVILLA,
5 DE FEBRERO)
La noche del 5 de febrero el Teatro Central de Sevilla se llenó
para ver el principio de la mini-gira española de los suizos
Zimmermann & de Perrot, con su espectáculo “Öper-Öpis”.
De la anunciada mezcla de teatro, danza, circo y música en
directo, sobresalió el protagonismo de estos dos últimos
recursos. Y es que la música creada por Dimitri de Perrot con
sus platos, mesa de mezclas y loops recorder, bien merecía
para sí sola toda la atención. Los que de este modo pensaron,
tuvieron la oportunidad de verle luego pinchar en la Sala
Malandar. A la derecha de la posición de Dimitri, los otros seis
componentes del elenco brillaron cada uno en su cometido:
Martin Zimmermann, con su cuerpecito de papel, bailaba,
hacía de payaso y de maestro de ceremonias. La bellísima
Blancaluz Capela (increíble su entrada como tetrápodo cortado
por la mitad) era la contorsionista. Kati Pikkarainen (la rubita)
ponía colorido y simpatía a su rol principal de acróbata. La
rolliza Eugénie Rebetez agitaba el escenario móvil yendo de un
lado a otro a su bola. Mientras, los gigantones Victor Cathala y
Rafael Moraes cumplían con su envidiable función de portores.
Las acrobacias y contorsiones sorprendieron casi siempre y
todas las posiciones dibujaban imágenes con colores y formas
estudiadas. Un trabajo casi, casi perfecto desbordante de
imaginación, humor, sensualidad, etc.>Matías Marín
Tender Forever - HYPERSOUNDS
Foto_ Ricardo Blanco
DH Substance - HYPERSOUNDS Rustie - HYPERSOUNDS
Foto_ Ricardo Blanco Foto_ Ricardo Blanco
Hauschka - ELECTROCHOCK (US) Ben Frost - ELECTROCHOCK (US)
Foto_ Gretelle Daffon Foto_ Gretelle Daffon
CHRIST. - ELECTROCHOCK (US)
Foto_ Gretelle Daffon

SFDK
FILASTINE. ZEMOS 98
THE CABRIOLETS
PROGRAMA MÚSICA, ARTE, ESCENA...
MÚSICA
23/02_18/05. FLAMENCO VIENE DEL SUR. Teatro Central. Sevilla
27/02_13/05. HEINEKEN MUSIC SELECTOR (BENJAMIN BIOLAY, CHRISTINA ROSENVINGE Y
TULSA, LA BIEN QUERIDA Y JOE CREPÚSCULO...). Sala Heineken. Madrid
01/03. CORNERSHOP. Bikini. Barcelona
02/03. CORNERSHOP. Moby Dick. Madrid
02/03. AARON THOMAS. El Buho Real. Madrid
02/03. THALIA ZEDEK BAND. Aulario de La Bomba. Cádiz
02/03. ADAM GREEN. Razz 2. Barcelona
03/03. ADAM GREEN. Ramdall Live Club. Madrid
03/03. THALIA ZEDEK BAND. Universidad de Huelva. Huelva
04/03. THALIA ZEDEK BAND. Centro Cultural Caja Granada. Granada
04/03. FRANCISCO NIXON live!. Obbio. La Sala Club. Sevilla.
04/03. ANNI B SWEET. Gran Teatro. Cáceres
05/03. CHEMA REY. RNE3. Obbio. La Sala Club. Sevilla.
05/03. DOMINIK EULBERG (KOMPAKT) + ICO. Low Club. Madrid
05/03. SALIERI + LA CALLE MOJADA (ITA). Fun Club. Sevilla
05/03. THALIA ZEDEK BAND. Sala Octubre. Valencia
05/03_26/03. BLACK MUSIC FESTIVAL 2010. Salt. Girona
05/03. LA HABITACIÓN ROJA. Sala Camelot. Salamanca
05/03. CONTRABAND. Sala La Mandrágora. Alcalá de Guadaira. Sevilla
05/03. TADEO + DAMIEN SCHWARTZ + MARC PIÑOL + JUAN B. Nitsa Club. Barcelona
06/03. INFADELS DJ set + ICO. Low Club. Madrid
06/03. SALIERI + LA CALLE MOJADA (ITA). Supersonic. Cádiz
06/03. SFDK. Infeme. Mérida. Badajoz
06/03. PAL. Presentación Fiesta I Aniversario Mirador Pop. WSala. Cádiz
06/03. EH!. La[2]. Barcelona
10/03. THESE NEW PURITANS. Razzmatazz 3. Barcelona
11/03. THE TALLEST MAN ON EARTH. Teatro Municipal Pedro Muñoz Seca.
El Puerto de Santa María (Cádiz)
12/03. FISCHERSPOONER DJ set (USA) + HOMEBOY. Low Club. Madrid
12/03. THE TALLEST MAN ON EARTH. Centro Cultural Caja Granada. Granada
12/03. O´FUNK´ILLO. Sala Oasis. Zaragoza
12/03. TOKTOK & SOFFY O live! (TokTok/GER) + DJ FRA + JUAN B. Nitsa Club. Barcelona
13/03. PANORAMA POP FESTIVAL. PONY BRAVO + LA HABITACIÓN ROJA + EL
COLUMPIO ASESINO + MENDETZ Y MÁS. Industrial Copera. Granada.
13/03. SINDEN (Domino/UK) + DJ FRA + KOSMOS. Nitsa Club. Barcelona
13/03. O´FUNK´ILLO. Razzmatazz. Barcelona
13/03. LA HABITACIÓN ROJA. Sala Industrial Copera. Granada
13/03. SFDK. Sala París 15. Málaga
13/03. THE TALLEST MAN ON EARTH. Sidecar. Barcelona
15/03_21/03. ZEMOS98. Conciertos, conferencias, talleres y más... Varios espacios. Sevilla.
16/03_17/03. AUSTRALIAN BLONDE, NUEVA VULCANO, MUJERES Y MÁS. Fiesta I Aniversario
Mirador Pop. Sala Anfiteatro. Cádiz
17/03. CLEM SNIDE. Sala Heineken. Madrid
18/03. CLEM SNIDE. Plateruena. Durango
19/03. CABRIOLETS DJS, BIMBA BOSÉ + DIEGO POSTIGO MORLA. Obbio. Sevilla.
19/03. CLEM SNIDE. Mephisto. Barcelona
19/03. CHIMO BAYO. F.E.A. Tributo Party. L’Hospitalet. Barcelona.
20/03. ANNI B SWEET. Café Teatro. Lleida
20/03. JENNIFER CARDINI (GER) + DJ FRA + JUAN B. Nitsa Club. Barcelona
25/03. CHACHO BRODAS. Sala Sidecar. Barcelona
26/03_27/03. SOUTH POP FESTIVAL. SEÑOR CHINARRO, LOS PUNSETES, NUDOZURDO Y
MÁS. Teatro Alameda. Sevilla
26/03. SUPERPITCHER (KOMPAKT/GER) + ALEK SUS. Low Club. Madrid
27/03. O´FUNK´ILLO. Sala Capitol. Santiago de Compostela
27/03. DON RIMINI (FR) + ICO. Low Club. Madrid
27/03. SUPERPITCHER (KOMPAKT/GER) + DJ FRA + JUAN B. Nitsa Club. Barcelona
27/03. GENTLE MUSIC MEN. La[2]. Barcelona
28/03. LINDA MIRADA DJ. South Pop After Party. Obbio. La Sala Club. Sevilla
30/03. NU NILES. ROCK-A-DUBA TOUR. Con Kitty, Daisy & Lewis. Joy Eslava. Madrid
02/04. KRIS MENACE. Lo*li*ta. Barcelona
03/04. LARRY TEE. Rexroom. Barcelona
10/04. WENDY JAMES DJ SET. Popbar. Barcelona
10/04. VIOLADORES DEL VERSO. Palacio de Vistalegre. Madrid
14/04. LA HABITACIÓN ROJA. Sala Heineken. Madrid
14/04. CHUCK PROPHET. Aulario de La Bomba. Cádiz
15/04. CHUCK PROPHET. Centro Cultural Caja Granada. Granada.
16/04. VIOLADORES DEL VERSO. Sant Jordi Club. Barcelona
16/04_18/04. EMERALDS, LEYLAND KYRBY, HUDSON MOHAWKE Y MÁS. Electrónica en
Abril Festival. La Casa Encendida. Madrid
20/04. CHUCK PROPHET. Moby Dick. Madrid.
22/04_24/04. EMERALDS, ONEOHTRIX POINT NEVER, LEYLAND KYRBY Y MÁS. Electrónica
en Abril. Obra Social Caja Madrid. Barcelona
23/04. MISS KITTIN. Razzclub. Barcelona

23/04_24/04. TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO, CAMPING, MARTIN BULLOCH DJ SET
(MOGWAI, UK) Y MÁS. Festival Plaff. Planta Baja. Granada
29/04. THE ARTERY FOUNDATION TOUR ALESANA + A SKYLIT DRIVE + EMAROSA +
BURY TOMORROW. Sala Razz 2. Barcelona
30/04. THE ARTERY FOUNDATION TOUR ALESANA + A SKYLIT DRIVE + EMAROSA +
BURY TOMORROW. Sala Live. Madrid
05/05. RUFUS WAINWRIGHT. Teatro Circo Price. Madrid
ARTE Y AUDIOVISUAL
21/01_16/05. LOS ESQUIZOS DE MADRID. CAAC. Sevilla
28/01_25/04. AÑOS 70. FOTOGRAFÍA Y VIDA COTIDIANA. CAAC. Sevilla
29/01_18/03. OKUDA. Falsa Realidad. Montana Shop & Gallery. Sevilla
29/01_09/04. ERICH FISCHI. Centro de Arte Contemporáneo. Málaga
04/02_06/03. ALEX DIAMOND. Iguapop Gallery. Barcelona
05/02_30/03. COLECCIÓN DE FOTOGRAFÍA CONTEMPORÁNEA. Sala El Fotómata. Sevilla
05/02_09/05. GILBERT & GEORGE. Centro de Arte Contemporáneo. Málaga
10/02_14/06. MIQUEL BARCELÓ. Caixa Fórum. Madrid
12/02_11/04. FROM I TO J. Homenaje de Isabel Coixet a John Berger. La Casa Encendida. Madrid
15/02_25/04. FRANTIŠEK KUPKA. Obras de la Colección del Centre Pompidou. Museo Picasso. Málaga.
16/02_06/03. CONTENEDORES 10. Arte de acción. Varios espacios. Sevilla
17/02_17/05. TOMAS SCHÜTTE. Retrospección. Museo Reina Sofía. Madrid
10/02_07/03. CONEXIONARTE. Casino de la Exposición. Sevilla
23/02_30/05. MONET Y LA ABSTRACCIÓN. Museo Thyssen-Bornemisza. Madrid
25/02_21/04 (sólo miércoles). CABARET LITERARIO, Museo Picasso. Málaga
04/03_04/05. MARIO PACHECO, DANIEL ALEA, DAVE HOMCY Y MÁS.
Expo Staf Grráfico 004. Carhartt Shop. Madrid
04/03_26/03. ADRIANA ESPINOZA Y AURELIEN LORTET. Universos Paralelos.
Facultad de Bellas Artes. Sevilla
05/03_07/03. SIMBA. II Seminario Internacional de Música de Barcelona.
Club Sant Jordi. Barcelona
11/03_17/04. RAI ESCALÉ. La Sang Freda. Iguapop Gallery. Barcelona
31/03_12/07. MARTÍN RAMÍREZ. Marcos de reclusión. Museo Reina Sofía. Madrid
09/04_10/04. PICTOPLASMA Festival. Kino Babylon. Berlin
09/06_25/07. PHOTOESPAÑA. Varios espacios. Madrid
AGENDA TEATRO/DANZA 42
“WILDWORKING”. Fiera + Mopa producciones
18/03. Facultad de Comunicación. Universidad de Sevilla (Zemos98)
“EL MARAVILLOSO MUNDO DE LOS ANIMALES: LOS CORDEROS”. Histrión teatro. Dirigida
por Daniel Veronese
19/03_21/03. Teatro Alhambra. Granada
“NIXON – FROST”. Teatre Lliure
19/03_20/03. Teatro Central. Sevilla
24/04_25/04. Teatro Cánovas. Málaga
V FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO Y ARTES ESCÉNICAS DE SEVILLA “FEST”
10/04_18/04. Varios espacios en la ciudad de Sevilla
Información en www.sevillafest.com
“GLENGARRY GLEN ROSS”. Teatro Español
10/04_11/04. Teatro Cánovas. Málaga
“THE DEER HOUSE”. Needcompany
10/04_11/04. Teatro Central. Sevilla
15/04_16/04. Teatro Alhambra. Granada
FESTIVAL CÁDIZ EN DANZA
17/04_24/04. Varios espacios en la ciudad de Cádiz
“URTAIN”. Animalario (obra con 12 candidaturas a los premios Max)
23/04_24/04. Gran Teatro de Córdoba. Córdoba
AGENDA
Marzo-Abril 2010
Propuestas agenda CLONE: art@clonemagazine.com / Escena por Vicente Durá
LOS PUNSETES. SOUTH POP
OKUDA
Rootlessroot. Obra “UNA”. FEST
AGENDA CULTURAL

72
Fotografía: Nacho Vaquero www.nachovaquero.com
Estilismo: Anna Arroyo www.annaarroyo.es
Andy: camiseta EASTPAK + jeans QUICKSILVER

SEVILLA
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