14+1

LAS PELÍCULAS
IMPRESCINDIBLES
DEL LEÓN FELIPE
De Tiempos Modernos a La lista de Schindler
IES LEÓN FELIPE. AVDA. FEDERICO SILVA, 46.
HTTP://IESLEONFELIPE.CENTROS.EDUCA.JCYL.ES/
49000418@EDUCA.JCYL.ES

1
Las películas imprescindibles del IES
León Felipe (2022-2023)
Ni uno menos. Zhang Yimou. China, 1999. Profesorado
Gao Enman (maestro Gao), Li Fanfan
(conductora TV).
Duración: 106 minutos.
Sinopsis
Una niña de 13 años, Wei Minzhi, que vive
en un pueblo de las montañas, se ve
obligada, por orden del alcalde, a sustituir
durante un mes a su maestro. Éste le deja
cada día un trozo de tiza y promete darle 10
yuan si consigue que ningún estudiante
abandone la escuela. Sin embargo, el
revoltoso Zhang Huike abandona la clase
para ir a la ciudad en busca de trabajo, y la
abnegada Minzhi tendrá que ingeniárselas
para que regrese a la escuela.
(FILMAFFINITY)
1999: Festival de Venecia: León de
Oro
Ficha Técnica y artística
NI UNO MENOS / YI GE DOU BU NENG
SHAO.
Dirección: Zhang Yimou
Producción: Guangxi Film Studios, Beijing
New Picture, Zhao Yu. Dirección: Zhang
Yimou.
Guión: Shi Xiangsheng.
Año: 1999.
Fotografía: Hou Yong.
Música: San Bao.
Edición: Zhai Ru.
Intérpretes: Wei Minzhi (la suplente Wei),
Zhang Huike, Tian Zhenda (jefe de la aldea),
A propósito de La Clase de Laurent Cantet
Tan real como
inquietante
CARLOS BOYERO
16 ENE 2009
Cualquier cinéfilo adulto que haya sufrido el
castigo de una educación desastrosa, de un
sádico, legitimado e impune abuso de poder,
siempre va a guardar en su retina las
venganzas libertarias y poéticas de los que
sufrieron el yugo como las que describían la
maravillosa Cero en conducta, del
irreemplazable Jean Vigo, y la incendiaria If,
de Lindsay Anderson. Truffaut le devolvió la
dignidad al casi siempre mosqueante

2
profesorado narrando la épica labor del
humanista Jean Itard para que un niño salvaje
aprenda a comunicarse, acepte reglas,
afiance su sentido de la justicia, descubra el
placer, la utilidad o la necesidad del
conocimiento.
Hollywood, con menos afanes didácticos pero
sabiendo lo que exige la taquilla, también ha
frecuentado con más trampas que verdad,
con tesis convenientemente edulcoradas, con
la convicción de que finalmente todo el mundo
es bueno, las inicialmente conflictivas
relaciones entre profesores y alumnos. Y
afortunadamente, en los últimos años,
directores más preocupados por la cruda
verdad que por la tranquilizadora ficción,
como Bertrand Tavernier en Hoy empieza
todo, Zhang Yimou en Ni uno menos y David
Simon y Ed Burns en la cuarta temporada de
la serie de televisión The wire, se han
propuesto extraer realidad y conclusiones
duras de lo que ocurre o puede ocurrir en las
aulas, de las relaciones entre profesores y
alumnos, de la simbiosis entre las tensiones
del mundo exterior y lo que sucede en el
colegio, de la sufrida y frecuente imagen del
educador que se toma en serio su trabajo,
que a pesar de los pesares no se resigna a la
derrota, a lanzar la toalla.
Laurent Cantet se suma con la excelente e
inaplazable La clase (el título original Entre
las paredes es más adecuado) a los que se
han propuesto con éxito retratar el muy duro
aquí y ahora en la problemática labor de
enseñar y de aprender. Nada huele a
impostura en esta película. Cantet adapta un
libro del profesor Francis Bégaudeau, que
interpreta a su propio personaje, en el que
cuenta su experiencia a lo largo de un año en
un instituto de la periferia de París, habitado
por la multirracialidad, por los hijos de la
inmigración o por nativos de clase baja
lumpen, por alumnos negros que ejercen el
racismo con los magrebíes y viceversa, por
gente con recelo o desidia ante la autoridad
que encarna ese tenaz profesor que se ha
propuesto enseñar la asignatura de lengua a
sus impuestos, indiferentes o agresivos
parroquianos. No le amenazan con pistolas
pero los estallidos de violencia entre ellos o
contra él pueden ser muy fuertes, tienen sus
días mejores y peores, hay listos, normales,
tontos, retorcidos, limpios, traumados,
osados, dóciles. Hay de todo, como en la
vida, pero las posibilidades de que el
verdadero profesional de la enseñanza sienta
que ha logrado los frutos que se proponía y
que los alumnos asuman que estar entre las
paredes es gratificante o decisivo para su
futuro, pertenecen al reino de la utopía.
Cantet narra esta historia sin solución y
claustrofóbica con espíritu documentalista,
plasmando la autenticidad de personajes y
situaciones, haciendo que alumnos y
profesores se interpreten a sí mismos,
huyendo del efectismo, el discurso y la
moralina. Y lo hace admirablemente, logrando
que el espectador se sienta incómodo, testigo
de algo que se parece excesivamente a la
vida cotidiana.
Biofilmografía de Zhang
Yimou
Nació el 14 de noviembre de 1951 en Xiam
(China)
Director y fotógrafo chino, Zhang Yimou era
hijo de un militar del ejército de Chiang Kai-
Chek. En el represivo régimen comunista de
Mao Tse Tung, Yimou, abandonó pronto sus
estudios para trabajar en el campo y en una
fábrica textil. En su tiempo libre soñaba con
convertirse alguna vez en director de cine,
pero la Escuela de Cine había sido cerrada
por el gobierno.
En 1976 murió Mao y se produjo una cierta
apertura que permitió a Zhang Yimou
matricularse a comienzos de los años 80 en la

3 Academia de Cine de Pekín, en donde
coincidió con otros miembros de la
denominada Quinta Generación de cineastas
chinos, como Chen Kaige, a quien Yimou
fotografió una de sus mejores películas,
“Tierra Amarilla” (1984).
Zhang debutó como director con “Sorgo
Rojo” (1987), un drama rural de excepcional
fotografía en el que aparecía su actriz fetiche
Gong Li, con la que Yimou dio inicio a una
fructífera relación profesional además de
convertirse en su pareja sentimental.
Previamente, Yimou había estado casado con
Xiao Hua. La película, basada en una novela
de Mo Yan, ganó el Oso de Oro en el
Festival de Berlín.
Dos años después realizó en colaboración
con el director Yang Fenliang “Daihao
Meizhoubao” (1989), un thriller político que no
destaca dentro del conjunto de su filmografía,
todo lo contrario que “Ju Dou, Semilla de
Crisantemo” (1990), un drama rural y familiar
censurado en China en el que Yamou volvió a
incidir en la mirada femenina, la evocación
fotográfica, el espléndido empleo del montaje,
el minimalismo en los textos y la forma
alegórica con afán de crítica, constantes
también apreciadas en “La Linterna Roja”
(1991), otra de sus mejores películas que, al
igual que la previa, fue censurada en su país
natal.
Todos estos primeros títulos estaban
musicados de manera espléndida por Zhao
Jiping y montados, los dos últimos, por Du
Yuan.
Tanto “Ju Dou” como “La Linterna Roja”
fueron nominadas al Oscar en la categoría de
mejor película de habla no inglesa. “La
Linterna Roja” también fue premiada en el
Festival de Venecia.
“Qui Ju” (1992), otro film rural con intenciones
de sátira, volvió a ser galardonado en
Venecia, al igual que Gong Li, que ganó la
Copa Volpi gracias a su interpretación.
Después de la estupenda “¡Vivir!” (1994),
premiada en el Festival de Cannes, y “La
Joya De Shangai” (1995), Zhang Yimou y
Gong Li rompieron relaciones profesionales y
amorosas.
El mismo año del rodaje de “La Joya De
Shangai” Yimou participó en “Lumiére y
Compañía” (1995), un film de cortos en el que
también intervenían directores como John
Boorman, Bigas Luna, Vicente Aranda, Arthur
Penn, Spike Lee, Fernando Trueba, Theo
Angelopoulos o Patrice Leconte.
La comedia “Keep Cool (Mantén La Calma)”
(1997) fue su primer trabajo sin Gong Li, en el
que el propio Yimou apareció como actor. Fue
un trabajo menor dentro de su carrera,
continuado por “Ni Uno Menos” (1999), un
nuevo drama rural que ganó otra vez el León
de Oro en el Festival de Venecia. El mismo
año rodó “El Camino a Casa” (1999), drama
romántico premiado por la audiencia en
Sundance que en el Festival de Berlín
recibió el Gran Premio del Jurado. Este
título cuenta con Zhang Ziyi como estrella
femenina. Esta actriz, protagonista también de
“Tigre y Dragón” de Ang Lee, repitió con
Yimou en “Hero” (2002), película de acción
histórica con Jet Li como principal
protagonistas masculino, y “La Casa De Las
Dagas Voladoras” (2004), film que, al igual

4 que el anterior, volvió a incidir en las artes
marciales. Antes de estos dos títulos, uno de
los cuales, “Hero”, fue candidato al Oscar
como mejor película de habla no inglesa,
Zhang Yimou había filmado la comedia
dramática “Happy Times” (2001), producida
por Terrence Malick.
En “La Maldición De La Flor Dorada” (2006)
volvió a reunirse con Gong Li.
En el año 2008 se encargó de la dirección de
la ceremonia de apertura de los Juegos
Olímpicos de Pekín.
En “Una Mujer, Una Pistola y Una Tienda De
Fideos Chinos” (2009) realizó un remake de la
película de los hermanos Coen “Sangre Fácil”.
Más tarde estrenó “Amor Bajo El Espino
Blanco” (2011), adaptación de una novela de
Ai Mi, y rodó con Christian Bale el film “Las
Flores De La Guerra” (2013), versión de una
novela de Yan Geling, escritora que volvió a
adaptar en “Regreso a Casa” (2014), película
protagonizada por Gong Li.
En “La Gran Muralla” (2016) creó una
fantasía épica con Matt Damon como
protagonista.
Breve Guía Didáctica
Los contenidos principales que
trabajaremos a través de la película son:
• La actitud: ¿cómo afrontamos las
dificultades?
• El compromiso, la tenacidad y la humildad.
• El sentido de la posibilidad, la perseverancia,
la fuerza de voluntad y la determinación.
• La importancia de cuidar las relaciones.
• La diferencia entre decir y hacer, entre
retener y recuperar, entre autoridad y
confianza.
• El aprendizaje significativo: cómo
resolvemos los problemas de la vida real y de
forma práctica.
• El trabajo por proyectos.
• La conexión y la motivación.
• La importancia de los recursos humanos y
materiales.
• El trabajo en equipo y la atención a la
diversidad.
• La fuerza de la intuición.
• Cómo nos responsabilizamos de la
educación.
• La influencia que tienen los padres y los
maestros en los hijos. .
• Cómo la flexibilidad nos permite adaptarnos
a cada situación.
• La importancia de una escucha atenta.
Antes de ver la película, ¿qué opinas sobre
esto?
Te sugerimos una serie de preguntas para
estimular el debate previo al visionado de la
película:
1) ¿Por qué has escogido esta profesión?
2) ¿Quién debería implicarse en la
educación?
3) ¿Crees que una niña de trece años podría
hacer de maestra? ¿Por qué?
4) ¿Se puede educar con pocos recursos?
5) ¿Te dejas guiar por los niños?
6) ¿Cómo cuidas las relaciones con los
alumnos?
7) ¿Crees que se valora suficiente la actitud
de los alumnos más allá de los resultados se
los exámenes?
8) ¿Los castigos ayudan a educar mejor?
9) ¿Cómo pueden aprender los niños a ser
consecuentes de sus actos?
10) ¿Un maestro tiene que ser flexible? ¿Por
qué?
11) ¿Cómo luchas para que cada niño
aprenda?
12) ¿Sabes qué piensan las familias sobre la
escuela?
13)¿Y los alumnos sobre los maestros?
14) ¿Cómo un maestro puede reforzar la
autoestima de los alumnos? ¿Y la suya?
15) ¿Por qué es importante relacionar el
aprendizaje a la vida?
Pero comencemos con una reflexión
sobre si es compatible una educación que
aspira a la excelencia, a la máxima calidad,
con una escuela inclusiva en la que nadie
quede excluído que, por cierto, es a lo que
alude el título de la película de Zhang
Yimou.

Las películas imprescindibles del IES León Felipe (2022-2023)
Pequeña Miss Sunshine. Jonathan Dayton y Valerie Faris. 2006 . (1º ESO)
'Pequeña Miss Sunshine' en California, toda la familia
Hoover se reúne para ir con ella. Se apilan en su
oxidada furgoneta Volkswagen y se dirigen hacia el
Oeste en un trágicómico periplo de tres días lleno de
locas sorpresas que les lleva al gran debut de Olive, el
cual cambiará a esta familia de inadaptados de una
forma que nunca hubieran imaginado.
La América del triunfo
El cine americano, sobre todo el independiente, se
ha acostumbrado en la última década a
mostrarnos infinidad de familias disfuncionales
que desmentían a las legiones de mentes
biempensantes que pintaban su sociedad del
mismo color que la valla y el jardín desde el que
presumían de su irreprochable fachada. La prole
de Pequeña Miss Sunshine, magnífico debú en
el largometraje de los especialistas en videoclips
Jonathan Dayton y Valerie Faris, es la última en
Ficha técnica y artística
Título: Pequeña Miss Sunshine
Título original: Little Miss Sunshine
Dirección: Jonathan Dayton, Valerie Faris
País: Estados Unidos
Año: 2006
Fecha de estreno: 20/10/2006
Duración: 101 min
Género: Drama, Comedia, Aventuras
Reparto: Abigail Breslin, Toni Collette, Greg Kinnear,
Paul Dano, Alan Arkin, Steve Carell, Lauren Shiohama,
Julio Oscar Mechoso, Jill Talley, Brenda Canela
Distribuidora: 20th Century Fox
Productora: Fox Searchlight Pictures, Bona Fide
Productions, Deep River Productions, Big Beach Films
Sinopsis
Los Hoover son una familia conflictiva: el abuelo esnifa
cocaína y suelta palabrotas, el padre da cursos sobre
el éxito con estrepitoso fracaso, la madre no da abasto,
el tío se recupera de un suicidio frustrado al ser
abandonado por su novio, el hijo adolescente lee a
Nietzsche y se niega a hablar, y la hija pequeña, Olive,
gafotas y ligeramente gordinflona, quiere ser una
belleza.
Cuando un golpe de suerte lleva a Olive a ser invitada
a participar en el muy competitivo concurso de
llegar. Una película que destaca por tres aspectos:
la profundidad de su discurso, más allá de su
aparente excentricidad; la perfección de su
sorprendente guión, escrito por el también novel
Michael Arndt, y la sencilla complejidad de la
dirección, tan funcional como elegante.
Arndt, Dayton y Faris han armado una
estruendosa crítica sobre el éxito a cualquier
precio que pregona una parte de la sociedad
occidental contemporánea. "En el mundo hay dos
tipos de personas: los ganadores y los
perdedores", proclama el padre de familia, uno de
esos gurús de los libros de autoayuda, un
mentiroso profesional que va de ganador y de
ayudar a los demás en el camino hacia el triunfo,
pero que en realidad no es más que un perdedor
nato. Junto a él, una esposa adicta a la comida
basura, un hijo adolescente obsesionado con la

obra de Friedrich Nietzsche, un padre jubilado y
cocainómano, un cuñado experto en la vida y la
obra de Marcel Proust (¿hay mayor perdedor?), y
una cría obsesionada con los concursos de
belleza infantiles. Así, los autores cargan contra
esas infames pasarelas de la belleza en las que
se viste a las niñas con lencería fina ante los
atónitos ojos de unos y las cómplices miradas de
sus salvajes progenitores.
Pequeña Miss Sunshine utiliza para ello un
lenguaje entre el desenfado y la hondura cargado
de mala baba, y narra su odisea a través de una
estructura de alocada road movie con diversas
paradas en forma de vía crucis. Exhibida en el
mercado independiente del Festival de Sundance,
donde no participó en ninguna sección a
concurso, la película fue comprada por la Fox para
su distribución y gracias al boca-oído se ha
convertido en una de las películas del año en
Estados Unidos y en una aspirante a conseguir
alguna candidatura para los Oscar, sobre todo en
el apartado de guión. Fresco y profundamente
divertido, crítico y al mismo tiempo
tremendamente doloroso, el debú de Faris y
Dayton viene avalado por el reciente Premio del
Público en el Festival de San Sebastián.
OBJETIVOS
Con el visionado de la película pretendemos:
a) Ser conscientes de la importancia del cine
como recurso de aprendizaje. Seguir con atención
y disfrutar la película.
b) Ser críticos ante las actitudes y
comportamientos de los personajes de la película,
especialmente los relacionados con el fracaso, la
comunicación y el cuidado de los demás.
c) Conocer y valorar mejor las emociones propias
y las de los demás.
d) Reflexionar y aprender sobre nuestro grado de
tolerancia ante la frustración y el fracaso.
e) Evitar formas de relación basadas en la
falsedad, la dependencia, el autoritarismo o la
explotación.
f) Favorecer modos de comunicación asertivos,
emocionalmente equilibrados.
g) Respetar la diversidad y ser sensibles ante las
necesidades de los demás, evitando cualquier tipo
de prejuicio o daño.
TEMAS PRINCIPALES
El concepto de éxito.
La dicotomía éxito/fracaso es una constante en la
película y se hace patente desde el discurso
explícito de Richard, con su énfasis en “lo que
hacen los ganadores” y sus lecciones de filosofía
triunfadora, hasta en las reflexiones de Dwayne
sobre la competición en la vida, pasando por las
ilusiones —claramente marcadas por el género—
de Olive y por el lenguaje no verbal de Frank. Los
personajes “perdedores” de esta historia lo son
porque no se adaptan al prototipo de “ganador/a”
de la sociedad capitalista en general y
estadounidense en particular. El mensaje final de
quien dirige parece ser el de crítica hacia ese
prototipo imposible de alcanzar para la mayoría y
de deconstrucción del concepto de “triunfador/a”.
Dicho mensaje se pone en boca del personaje con
más experiencia y trayectoria vital del filme: el
abuelo Edwin (“los perdedores son los que tienen
tanto miedo a ganar que ni lo intentan”).
El canon de belleza occidental.
Toda la historia se construye sobre la idea de la
competición de las mujeres y las niñas en
concursos en los que tienen que exhibirse como
muñecas-objeto y mostrar “talentos” relacionados
con el aspecto físico. La joven protagonista de la
película es una niña cuyo aspecto ordinario choca
radicalmente con el de sus competidoras en el
certamen “Pequeña Miss Sunshine” –todas ellas
con un aspecto terriblemente artificial basado en
la Barbie– , y ese choque pone de manifiesto lo
absurdo e imposible de un canon que obliga esas
“mujeres en miniatura” que vemos en pantalla a
estar delgadas, usar maquillaje, broncearse sólo
lo justo y caminar como modelos adultas por una
pasarela ante cientos de ojos escrutadores.
El modelo de familia tradicional.
Pequeña Miss Sunshine es, entre otras muchas cosas,
una ácida sátira sobre el modelo de familia nuclear,
pilar clave de la identidad estadounidense más
tradicional. Aunque aparentemente son la familia
perfecta (matrimonio heterosexual, un hijo y una hija
sanos, un abuelo que aporta experiencia, un cuñado
nada “gorrón”), los Hoover son todo lo contrario de lo
que se podría esperar en una historia sobre el Sueño
Americano: están desestructurados como grupo y
descolocados como individuos; sus relaciones son
tensas y complicadas y para nada irradian armonía ni
felicidad. Esto es precisamente lo que les hace
interesantes como personajes y lo que provoca que su
esfuerzo conjunto por llegar a Redondo Beach, su
reacción solidaria a la muerte del abuelo y su
despliegue final de afecto ante el desastre del concurso
ganen valor como modelos positivos de convivencia, en
clara alternativa al modelo doméstico tradicional,
basado en la desigualdad entre los sexos, la división de
tareas en función del género y la visión androcéntrica y
consumista del mundo.

Las películas imprescindibles del IES León Felipe (2022-2023)
Los chicos del coro. Christophe Barratier, Francia, 2001.
(1º ESO)
INTRODUCCIÓN
Justificación personal de la elección de la
película:
He elegido esta película porque, además de
parecerme entrañable y muy emotiva, trata temas
tan importantes como la niñez, los
internados/correccionales, la posguerra, el
modelo educativo disciplinario vs. dialogante, e
incide en el valor educativo de la música
(generalizable a las demás las artes) como medio
de expresión y aprendizaje.
♣Sensibilizar y motivar a los alumnos en el
conocimiento cinematográfico.
♣Enseñar a los alumnos a reflexionar sobre
cuestiones latentes en su propia vida y ayudarles
a enjuiciarlas y valorarlas críticamente.
♣Aprender a plantear alternativas o respuestas a
los problemas.
♣Establecer nuevas vías de conocimiento y
análisis que les lleven a una mirada más
inteligente del mundo que nos rodea.
♣Apreciar la importancia de la imagen .cine. en
el mundo adolescente es algo que a nadie se le
escapa.
♣Utilizar el cine como instrumento de
comunicación y como una herramienta
pedagógica permanente en los procesos de
aprendizaje del alumnado .
♣Utilizar el cine como método adecuado para
afianzar contenidos nuevos a la vez que se
desarrollan capacidades y habilidades importantes
para el individuo.
♣Adquirir unos conocimientos básicos del
lenguaje cinematográfico: planos, secuencias,
géneros,sinopsis argumental, etc…
♣Valorar la experiencia artística , en éste caso la
música, como elemento educativo.
♣Practicar la música de conjunto, en formaciones
camerísticas, banda coro y orquesta de las obras
trabajadas en la película.
♣Hacer del cine algo presente en el currículum
de las enseñanzas artísticas de
música,conservatorios.
OBJETIVOS DIDÁCTICOS

EDADES. Los chicos del coro es una película
idónea para trabajar en clase con chic@s DE 1º
Y 2º ESO.
TEMPORALIZACIÓN.
En total 7 horas: 1 clase para preparar el film, 2
para visionarlo y otras 3 para realizar las
actividades didácticas.
LOS CHICOS DEL CORO
FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
T.O.:Les choristes
Dirección: Christophe Barratier.
Países: Francia y Suiza.
Año: 2004.
Duración: 95 min.
Género: Drama.
Intérpretes: GérardJugnot(Clément
Mathieu), François Berléand (Rachin),
Kad Merad (Chabert), Jean-Baptiste
Maunier (Pierre Morange).
Guión: Christophe Barratier y Philippe
Lopes-Curval; basado en la película
(1945) de Jean Dréville.
Producción: Jacques Perrin, Arthur Cohn
y Nicolas Mauvernay.
Música: Bruno Coulais. Fotografía: Carlo
Varini y Dominique Gentil.
Montaje: Yves Deschamps.
Diseño de producción: François
Chauvaud.
Estreno en España: 3 diciembre de 2004.
SINOPSIS PERSONAL resume la
película de forma personal y descriptiva,
indicando los principales segmentos del relato y
peripecias de la trama y destacando su relación
con los objetivos propuestos (10-15 líneas). Por
favor no uses sinopsis de Internet.
El famoso director de orquesta Pierre
Morhange (Jacques Perrin) regresa a su casa
cuando su madre muere. Allí recuerda su infancia
a través de la páginas de un diario escrito por su
antiguo profesor de música , Clément Mathieu
(Gérard Jugnot).En 1940, el pequeño Pierre
(Jean-Baptiste Maunier) es hijo único de mal
comportamiento de Violette(Marie Bunel),
madre soltera. Morhange asiste a un internado
lúgubre, Fondo del Estanque, de niños "difíciles",
presidida por el estricto director, el señor Rachin
(François Berléand), cuyos métodos para
mantener la autoridad son especialmente
represivos. Un nuevo profesor acude al internado,
Clément Mathieu, e ilumina el lugar y organiza
un coro. Descubre que la música atrae
poderosamente el interés de los alumnos y se
entrega a la tarea de familiarizarlos con la magia
del canto, al tiempo que va transformando sus
vidas para siempre. Asímismo,descubre el gran
talento musical de Pierre.
BREVE BIO-FILMOGRAFÍA DEL
DIRECTOR y contextualización del filme en
su filmografía así como en su género y época.
Los chicos del coro es la ópera prima del francés
Christophe Barratier, director de cine y además
guitarrista de formación clásica. Barratier ha sido
productor delegado en películas como
Microcosmos, Himalaya y Nómadas del viento, y
en 2001 dirigió el corto Les tombales.
Los chicos del coro es en cierta medida un film
autobiográfico , referído sobre todo a su primera
infancia, a las emociones que experimentó entre
los cuatro y los ocho años. debido a su formación
musical; Barratier tenía ganas de contar una
historia de la infancia relacionada con la música.
El situar la película en 1949 no es casual. Después
de la II Guerra Mundial, en Francia se crearon

muchos centros de reinserción llamados
comúnmente correccionales. Se acababa de salir de
la guerra y, como en todos los períodos de crisis,
los padres tenían otras prioridades que la educación
de los hijos, además había muchos huérfanos.
El director pretende mantener en la película dos
cosas: la emoción que despiertan las voces de los
niños y el personaje del músico fracasado que, a
pesar de todo, se esfuerza por cambiar el mundo
de los que le rodean.
PUNTOS DE INTERÉS ANTES DEL
VISIONADO.
Principales aspectos que deben observar los
alumnos y algunos momentos o acciones a los
que deban prestar especial atención (al menos
cuatro o cinco).
En los chicos del coro hay tres temas: La infancia, la música y
la enseñanza. Un internado/correccional, en 1949, tras la
guerra mundial, en una Francia llena de conflictos sociales y de
pobreza, en que muchos niños eran huérfanos de guerra, y
otros de familias de precaria economía..
Temas principales:
1. La infancia.El tema de la infancia es el más
universal. Proyectarse en el pasado permite
escapar de las contingencias de la actualidad para
concentrarse en lo más universal: el sentimiento
de injusticia y de abandono en un niño cuyos
padres están ausentes o han desaparecido, y la
rebelión o la inhibición que genera. cuando
estamos más indefensos y somos más
vulnerables.Fíjate en que varios de los niños son
huérfanos (la película nos sitúa después de la II
Guerra Mundial).
2. La enseñanza.Se presentan dos antagónicos
modos de ver la realidad, y por lo tanto dos
visiones de la enseñanza, que permiten
comprobar las ventajas del diálogo educativo
sobre la imposición del castigo . El educador,
Mathieu, es un paradigma del educador que
intenta llegar a las personas y desde ahí sacar lo
mejor de ellas mismas..No sólo enseña
conocimientos sino que también educa en
valores. Clément Mathieu no se limita a enseñar
música ,que también educa para la vida.Por otro
lado, la autoridad, que es ejercida y mantenida
por el miedo, por la imposición del castigo,que se
teme pero no se acepta(el Director Rachid), frente
a la que es reconocida y respetada (Clément
Mathieu).
4. La música, el lenguaje universal para la
expresión de los sentimientos, sentimientos que a
veces con palabras no sabemos explicar. La
música se convierte en un medio privilegiado
para cambiar a las personas y transformar el
mundo.
5. El éxito y el fracaso, en el plano profesional y
en el personal. Fíjate en Mathieu y en el Director
Rachid. ¿Son personas felices? ¿Han triunfado en
su profesión?
Temas secundarios:
1.Familias con problemas. La película
transcurre en 1949, hace cuatro años que ha
terminado la II Guerra Mundial (1939-45), lo que
explica que muchos de los internos sean
huérfanos o de familias sin recursos para
atenderles. Los correccionales en Francia tras la
2ª GM: El final de los años cuarenta es una época
traumatizada: se acababa de salir de la guerra y,
como en todos los períodos de crisis, los padres
tenían otras prioridades que la educación de los
hijos. Esto tb acurría en España tras la guerra
Civil
2.La delincuencia precoz. Con Mondail como
representante: viene del reformatorio, catalogado
como un perverso (no es un demente propiamente
dicho) y con un coeficiente intelectual en el límite
según los test de la época. Se aprovecha de su
fuerza para extorsionar a Pépinot , amenaza a la
clase: “Al que se ría le rompo las narices”, va de
matón, pero su mayor problema es otro: no ha
tenido el cariño de su familia. Por otra parte
Corbin, el autor del robo, ¿es un delincuente o un
infeliz que obra mal? ¡Quería el dinero para
comprarse un globo, un juguete!
3.Los malos tratos. Evidentes los que propicia el
director Rachin, desde copiar cien veces hasta
mandar al calabozo y pegar, pero también
castigar sin recreo, sin paseos, sin visitas, los
trabajos de interés general abusivos... Y no
podemos olvidar los malos tratos entre iguales: el
acoso escolar que sufre Pépinot por ser pequeño
(un compañero le cobra un canica para dejarle

comer, Mondail quiere cobrarle dinero para
dejarle dormir).
4.El poder del individuo para mejorar el
mundo.
Es lo que se pregunta Cristophe Barratier y con
Los chicos del coro nos da su opinión
sobre los temas que ha tratado mediante la
historia que ha contado con Mathieu como
protagonista, transmitiéndonos un mensaje
esperanzador, una visión positiva de la vida:
que todas las personas merecemos el beneficio de
la duda, una segunda oportunidad, mostrando por
medio del coro la importancia del afán de
superación y las ventajas del trabajo en equipo.
ASPECTOS A COMENTAR DESPUÉS
DEL VISIONADO
Responded a las siguientes cuestiones:
1. Cuando 50 años después Pépinot visita a
Morhange y miran la foto, éste no recuerda
el nombre del vigilante. ¿Qué te hace pensar eso?
2. ¿Con qué objetivo monta el coro Clément
Mathieu?
3.Describe cual ha sido para ti la escena más
emotiva de la película, y con qué personaje te
identificas Por el contrario, ¿cuál es el que peor te
cae? En ambos casos razona la respuesta.
Describe la secuencia más triste de la peli. Cual
te gustó más?
4. Cuando Pierre Morhange está castigado
limpiando (trabajos de interés general), dos
compañeros se burlan de él: ¡Eh, tú, criada, no
olvides hacerme la cama! ¿Qué te parece?
5. Pregunta a tu madre y a tu padre sobre sus
recuerdos de la escuela.
6. Cuál es tu mejor recuerdo de la vida escolar?
¿Y el peor?
7.Relaciona los problemas tratados en el film
con algunos de hoy en día: si se hubiese
ambientado en el 2010 habrían sido otros, como
el racismo, la marginación, la economía… la
pérdida de referencias, las inquietudes de los
chicos que siguen vigentes hoy en día…
ACTIVIDADES DESPUÉS DE LA
PELÍCULA
A. Debate en el aula:
La película Los chicos del coro es muy rica para
abrir un debate en el aula. Temas a debatir por
grupos de 6 y entrega por escrito de las ideas más
importantes y conclusiones.
1.El correccional: Su nombre: ¿Qué te sugiere
«El fondo del estanque»?
Su aislamiento: la verja. La lejanía del pueblo.
La casona. Sus instalaciones
2.La actitud del director. Comenta la frase de
Rachin, el director, que representa una forma de
ver la vida y la educación, al reconocer su error
tras castigar a un inocente:
«Si hoy no es culpable, lo habría sido mañana.
Esa gente no tiene remedio»
«Observe la bondad natural de nuestros internos»,
(ironizó después de que el viejo Maxence ha sido
herido)
Expresa alguna característica más del director, su
forma de actuar, su sentido de la disciplina. Su
trato sumiso con la autoridad. Su trato prepotente
con educadores e internos.
3.La mirada de Mathieu. Le dice a Chabert, el
profesor de gimnasia que terminará siendo su
aliado, «Usted ve mal por todas partes»
Comentar la figura de Mathieu. Por qué está en el
internado. Su fracaso. Su éxito.
Comenta la frase: «No cantan bien, pero cantan.
Incluso en algunos buenas voces. Realmente no
se decir que no se puede hacer nada con ellos. Yo
que pensé olvidarme de la música para siempre.
Jamás digas jamás. Siempre hay cosas que
intentar».
4.El método disciplinario y educativo. Qué te
parece el método disciplinario del internado: El

principio acción-reacción. Sus ventajas e
inconvenientes si las ves.
¿Hay otros caminos posibles?
¿Crees que los internos también aplican el mismo
principio? ¿Cuándo? Cita algún momento o
situación.
El método educativo de Mathieu
Has observado la estrategia que ha seguido
Mathieu para iniciar a los niños en la educación.
El coro. Dificultades con el director. Dificultades
con los niños.
Éxito con los niños. ¿Cómo actúa para lograrlo?
El coro como proyecto común
Las relaciones entre los niños. Las de los niños el
resto de los educadores y cuidadores.
5.Comentad estas 2 secuencias:
♠¿Recordáis cómo nos presentan al señor
Rachin, director del internado? Para refrescaros la
memoria os pongo el fotograma.(Lo ponemos en
clase). Este plano se llama contrapicado, que es el
plano que la cámara toma desde una posición
inferior al objeto retratado. ¿Por qué el director
elige esta angulación y no otra? Otro
contrapicado, que acentúa la emotividad de la
secuencia, casi al final, cuando los niños tiran
aviones de papel por las ventanas para despedir a
Mathieu.
♠¿Sabéis que es un travelling? Es un movimiento
de cámara en la que ésta se desplaza sobre raíles,
grúa o cámara en mano. Hay una secuencia en la
que la cámara se va acercando progresivamente a
Clément Mathieu, cuando éste ve a la madre de
Morhange. ¿Por qué creéis que el director utiliza
este recurso cinematrográfico?
♠De éstos fotogramas, señala cual es : plano
general, medio plano y primer plano?
Relacionalas con momentos concretos de la
película.
1.Al comienzo de la película:
Mathieu: ¿Qué haces ahí?
Pepinot: Espero el sábado
Mathieu ¿Por qué?
Papinot: Mi papá vendrá a buscarme.
Mathieu: Pero hoy no es sábado
2.Al final de la película:
Morhange: Pepinot tenía razón, el día en que
Mathieu fue despedido era sábado.
¿Cuál es el papel de Mathieu como sustituto del
padre de los niños? Pepinot espera encontrase con
su padre todos los sábados, y por fin un sábado se
encontró con un padre adoptivo.
6.Un poco de lenguaje cinematografico
B. Recordando frases célebres
Indica qué personaje dice cada frase:
☻"Acción... Reacción"
☻"Siento en sus miradas deseos de aire libre, de
construir cabañas junto al cielo. El buen tiempo
les pone tristes"
☻"Yo, que juré olvidarme de la música para
siempre jamás...Jamás digas jamás. Siempre hay
cosas que intentar, nunca nada esta realmente
perdido"

☻"Él no lo sospecha,pero yo estoy seguro. Su voz
es un milagro, la promesa de un don excepcional"
☻"Me llamo Clément Mathieu, vigilante en paro,
músico fracasado"
☻" tenían razón; el día que pepinot abandono el
horfanato, era sabado"
C..Actividad final
Reparto de las partituras, estudio y montaje de 2
de los temas corales más conocidos de la película,
en
la
CURIOSIDADES ACERCA DE LOS
CHICOS DEL CORO
♪La película está protagonizada por Gérard
Jugnot, actor en quien el director pensó desde
un primer momento y que también ejerce como
coproductor de la película.
♪Se inspira en la primera infancia del director,
en las emociones que experimentó entre los
cuatro y los ocho años, así como en su interés
por contar una historia relacionada con la
música y en el recuerdo de la película "La cage
aux rossignols" (Jean Dréville, 1945) que le
emocionó profundamente.
♪El guión está escrito por el propio director en
colaboración con Philippe Lopes-Curval que
contactó con Barratier gracias al protagonista de
la cinta, Gérard Jugnot, con quien acababa de
escribir "Monsieur Batignole".
clase de coro: Vois sur ton chèmin , Carèsse sur
l’ocean, La Nuit….trabajarlo en coordinación con
el profesor de orquesta, para realizar un miniconcierto
interpretando ambos temas.
♪El propio director compuso dos temas de la
alabada banda sonora. Chistophe Barratier es
licenciado en la Escuela de Música de Paris y uno
de los concertistas de guitarra clásica más
reputados de Francia.
♪Jean-Baptiste (Pierre Morange niño) se torció
un tobillo durante el rodaje de "Los coristas".
♪Jean-Baptiste apadrina a un niño de Bombay a
través de una asociación.
♪Antes de dejar por completo el coro y de que le
cambiara la voz, Jean- Baptiste quiso dejar
constancia de su voz cantando el "Concerto pour
deux voix", con Clémence Saint- Preux, hija del
famoso compositor francés Saint- Preux,

Las películas imprescindibles del IES León Felipe (2022-2023)
La lengua de las mariposas. Jose Luis Cuerda. España. 1999. (2º ESO)
naturaleza, y hasta las mujeres. Pero el trasfondo de la
amenaza política subsistirá siempre, especialmente
cuando Don Gregorio es atacado por ser considerado
un enemigo del régimen fascista. Así se irá abriendo
entre estos dos amigos una brecha, traída por la fuerza
del contexto que los rodea. La política y la guerra se
interponen entre las personas y desembocan,
indefectiblemente, en la tragedia.
¿Cómo recobrar después de esto, la inocencia?
Parece ser la pregunta de josé Luís Cuerda, cuando
Don Gregorio, al contrario del padre de Moncho, opte
por si mismo y por sus ideales, aunque esta opción
signifique la muerte. Dura y con un dramático final, La
lengua de las mariposas explora el nacimiento de una
vida a los horrores de una guerra.
Sugerencias didácticas
Ficha técnica y artística
Película: La lengua de las mariposas
España, 1999. 95 min. Color.
Director: José Luis Cuerda.
Guión: Rafael Azcona, José Luis Cuerda, Manuel
Rivas.
Fotografía: Javier G. Salmones.
Música: Alejandro Amenábar.
Intérpretes:
Fernando Fernán Gómez (Don Gregorio); Manuel
Lozano (Moncho); Uxía Blanco (Rosa); Gonzalo Uriarte
(Ramón); Alexis de los Santos (Andrés); Jesús
Castejón (D. Avelino); Guillermo Toledo (O’lis); Elena
Fernández (Carmiña); Tamar Novas (Roque); Tatán
(Roque Padre); Celso Parada (Macías); Tucho
Lagares (Alcalde).
Sinopsis: Situada en 1936, Don Gregorio enseñará
a Moncho con dedicación y paciencia toda su sabiduría
en cuanto a los conocimientos, la literatura, la
El análisis de esta película es necesario para
docentes, ya que plantean la iniciación en la cultura, y
la dificultad en la transmisión de los mensajes que
tienen que ver con los valores, al mismo tiempo que
la responsabilidad e implicación de los docentes en la
sociedad en la que viven. Lo que lleva tiempo y
esfuerzo en trasmitir se puede trastocar en cuestión
de segundos.
o
o
o
La dificultad de la enseñanza.
La educación en valores.
La honestidad del maestro.
o El influjo del ambiente en la
educación.
o La responsabilidad del profesor en el
entorno social y laboral.
o La orientación en la vida como
misión o tarea del profesor.

Un canto a la
libertad
Diego Galán
Fernando Fernán-Gómez interpreta al
maestro republicano, viejo soñador,
honesto y frágil
Manuel Rivas había obtenido el Premio Nacional
de Narrativa 1996 por su libro ¿Qué me quieres,
amor?, uno de cuyos relatos, La lengua de las
mariposas (A lingua das bolboretas, en su original
gallego), conmovió a los lectores de forma
especial. Es la Galicia rural anterior a la Guerra
Civil. Moncho, más conocido como Gorrión, niño
de ocho años, vulnerable y curioso, recibe
lecciones de don Gregorio, entrañable maestro
republicano que educa a sus alumnos en el
convencimiento de que "la libertad estimula el
espíritu de los hombres fuertes". Ignora el anciano
que a su alrededor se está tejiendo la maraña
fascista que dará origen a la Guerra Civil... con la
que acabarán sus sueños de un mundo mejor: "Si
conseguimos que una generación, una sola
generación, crezca libre en España, nadie les
podrá arrancar nunca la libertad, nadie les podrá
robar ese tesoro". Sin embargo, el maestro, ya
jubilado, verá con amargura cómo le traicionan
sus antiguos amigos, atenazados por el miedo y,
entre ellos, el niño Gorrión, que con tanto asombro
había descubierto junto a él un mundo inesperado
y fascinante. No resultó extraño que el productor y
director José Luis Cuerda, que ya había adaptado
al cine la novela de Wenceslao Fernández Flórez
El bosque animado (1987), volviera a verse
afectado por los sentimientos "bruscos e intensos"
que asegura le produce Galicia, ni que se sintiera
cómplice de tan hermoso canto a la libertad, ni
que las ricas sugerencias de los relatos de Rivas,
tan abiertos a la imaginación, estimularan su
creatividad cinematográfica: "Era una oportunidad
de contar algo que me obligaba a indagar en mí
mismo, y no desde el conocimiento, sino desde la
ignorancia, sin saber si encontraría una
respuesta". Cuerda contó con el apoyo
incondicional del coproductor Fernando Bovaira,
aun sabiendo éste que era un proyecto "que no
tenía un público claro: lo único claro era la
decisión de producirla". Encargaron al guionista
Rafael Azcona la construcción de una historia
cinematográfica en la que se incluyeran
personajes y situaciones de otros relatos de Rivas
(Carmiña y Un saxo en el bosque), publicados
en el mismo libro. Azcona, con el talento ya
demostrado en su larga carrera, "transformó la
materia orgánica en materia de precisión, y
convirtió un paisaje mental en un pasaje
geográfico y humano", según reconoció Manuel
Rivas. Al año siguiente, Azcona lograría por este
trabajo el Goya al mejor guión adaptado. Se tejió
así la que acabaría siendo una de las películas
españolas de mayor éxito en 2000, igualmente
aplaudida por la crítica, así como en cuantos
festivales fue presentada y en cuantos países se
estrenó. Era y es difícil sustraerse a su tono
conmovedor y poético, o a lo que The New York
Post consideró "su sutil y eficaz metáfora de los
peligros del fascismo". La lengua de las
mariposas se sitúa en la Guerra Civil española
trascendiendo a una historia de contenido
universal: la amistad y la traición, el miedo, el
amor, el afán de venganza, el descubrimiento de
la vida. "La Guerra Civil fue una metáfora de todas
las guerras", declararía Rivas. "Todo el planeta se
sintió partícipe de esta historia. Lo que había
pasado aquí anteayer pasó luego en los Balcanes
o en Timor. Por eso la guerra nos interpela. Yo no
la juzgo. Pero creo que nos despierta preguntas".
El éxito de la película se debió igualmente a la
muy sensible composición que hizo Fernando
Fernán-Gómez del maestro republicano. Impregnó
de verosimilitud y humanidad al viejo soñador, tan
coherente, honesto y frágil, heredero probable del
espíritu de la Institución Libre de Enseñanza.
Fernán-Gómez recibió con este motivo el Premio
Donostia en el Festival de San Sebastián, que
aceptó con gusto ante un público que le
ovacionaba en pie. Según contó luego al
entrevistador Enrique Brasó, La lengua de las
mariposas le había parecido "una de las mejores
películas que había visto, pero no como decimos,
al elogiarnos en España, 'es una de las mejores
películas españolas'. No, a mí me pareció una de
las mejores películas que había visto... sin más".
La mirada del niño Manuel Lozano significó uno
de esos descubrimientos mágicos que a veces da
el cine. Ha intervenido desde entonces en varias
películas, convirtiéndose en figura popular. En La
lengua de las mariposas estuvo rodeado de un
excelente plantel de intérpretes, a los que dio
réplica con inocencia y eficacia. Quizá su
momento cumbre sea el del emotivo duelo de
miradas entre niño y maestro en el último instante
de la película. El propio José Luis Cuerda quedó
emocionado: "Por primera vez he rodado una
película que ha hecho que mis tripas vibren como
las cuerdas de un contrabajo".

Las películas imprescindibles del IES León Felipe (2022-2023)
Valor de Ley. Ethan y Joel Coen, USA, 2010. (3º ESO)
Película: Valor de ley (True grit). Título original: True
grit. Dirección: Joel Coen y Ethan Coen. País: USA.
Año: 2010. Duración: 108 min. Género: Drama,
western. Interpretación: Jeff Bridges (Rooster
Cogburn), Matt Damon (LaBoeuf), Josh Brolin (Tom
Chaney), Barry Pepper (Lucky Ned), Hailee
Steinfeld (Mattie Ross). Guion: Joel Coen y Ethan
Coen; basado en la novela de Charles Portis.
Producción: Scott Rudin, Ethan Coen y Joel Coen.
Producción ejecutiva: Steven Spielberg, Robert Graf,
David Ellison, Paul Schwake y Megan Ellison.
Música: Carter Burwell. Fotografía: Roger Deakins.
Montaje: Roderick Jaynes. Diseño de producción:
Jess Gonchor. Vestuario: Mary Zophres.
Distribuidora: Paramount Pictures Spain. Estreno en
USA: 22 Diciembre 2010. Estreno en España: 11
Febrero 2011. No recomendada para menores de 7
años.
Dirigen los hermanos
Ethan Coen (Minneapolis,
Minnesota, 1957) y Joel Coen (Minneapolis, Minnesota,
1954) cuya filmografía está compuesta por Sangre fácil
(1983), Arizona baby (1987), Muerte entre las flores
(1990), Barton Fink (1991), El gran salto (1994), Fargo
(1996), El gran Lebowski (1998), O brother! (2000), El
hombre que nunca estuvo allí (2002), Crueldad
intolerable (2003), The ladykillers (2004), un segmento
de Paris, je t'aime (2007) y No es país para viejos
(2007), Quemar después de leer (2008) y Un tipo serio
(2010).
Sinopsis
El padre de la niña de catorce años Mattie Ross es asesinado
de un disparo a sangre fría por el cobarde Tom Chaney, y
ahora ella está dispuesta a hacer justicia. Buscando la ayuda
del jefe de policía Rooster Cogburn, un borracho de gatillo
fácil, se marcha con él —a pesar de su oposición— para
atrapar a Chaney. La sangre vertida de su padre le hace
perseguir al criminal hasta el territorio indio y encontrarle
antes de que el ranger llamado LaBoeuf le atrape y le lleve
de vuelta a Texas por haber asesinado a otro hombre
Los Coen vuelcan su arte en el
'western'Carlos Boyero 11 FEB 2011
…Pero el arranque de la Berlinale es tan espectacular
como engañoso, con la sensación de que han ofrecido
un vino inmejorable al principio y que a partir de ahí
todo será garrafón. Los hermanos Coen han decidido
presentar a su última criatura en la inauguración de la
sección oficial. Y esta es muy hermosa, aunque se
trate de un remake. El de Valor de ley, un western que
dirigió Henry Hathaway en 1969 y que sirvió entre otras
cosas para que recibiera un Oscar mezquinamente
retrasado el inmenso John Wayne, ese actor tan
natural e impresionante al que menospreciaba la
miopía progresista. Yo tenía buen recuerdo de aquella
volcánica relación entre una cría tenaz e
inquietantemente segura de lo que quiere y el borracho
y lenguaraz cazarrecompensas al que esta ha
contratado para que detenga o mate al asesino de su
padre, pero la nueva versión que han realizado los
Coen me parece todavía mejor, insuperable. Los
antiguos y traviesos experimentadores siguen siendo
desa-sosegantes, pero su estilo narrativo, su retrato de
personajes, situaciones y sentimientos está ya mucho
más cerca del clasicismo que de la vanguardia. Valor
de ley posee aliento épico, dureza, humor (no confundir
con esperpento) y complejidad. El camino que recorren
esa niña precozmente adulta, obsesiva y pragmática y

el pistolero convencido de que las 23 personas que se
ha cargado a lo largo de su vida tuvieron la muerte que
merecían, desprende vitalismo, melancolía, protección
mutua de dos personas que se sienten muy solas, una
de ellas sobrada de experiencia y cansancio, y la otra
tan joven como decidida, con un inaplazable sentido de
la justicia y de la venganza. Tampoco tienen
desperdicio los pintorescos personajes con los que se
cruzan, incluido un villano atípico. Nada está dejado al
azar en este western que desprende el aroma de los
grandes modelos. La acción se funde admirablemente
con el intimismo, los diálogos son precisos y sabrosos,
la atmósfera es veraz, los sentimientos son intensos
pero no están subrayados. Es la primera vez que los
Coen abordan este género, pero da la sensación de
que lo llevan frecuentando mucho tiempo, de que
conocen sus mejores claves. Hay química en la
relación de Jeff Bridges, ese señor al que siempre
apetece ver y oír y la sorprendente, adusta y enérgica
niña Hailee Steinfeld. Es muy raro que el cine actual se
ocupe del western, un género agotado y sin tirón para
el público, según los criterios ejecutivos de ese
Hollywood enamorado de los efectos especiales, las
tres dimensiones y la banalidad ruidosa. Es una suerte
que la personalidad y el talento de los Coen hayan
decidido ocuparse de este género en aparente
defunción, que logren tanto arte en algo que ya no está
de moda pero que mantiene intactas sus posibilidades
expresivas para hacer gran cine.
¿Qué es el western?
Y la historia que se
nos va a contar es
la que constituye el
eje central del
western como
género: la
explicitación
cinematográfica de
los mitos
fundacionales de
la
nación
americana (Según
André Bazin “el
western ha nacido
del encuentro de
una mitología con
un medio de expresión”). El “western” constituye una
mitología que funciona como idealización y sistema
interpretativo; es por tanto un conjunto de estructuras
interpretativas que permite a la sociedad americana
reflexionar sobre ella misma. André Gluksmann
escribe en “Las aventuras de la tragedia” (Le Western,
Ed. Plon, 1966): “El western es una mitología
secularizada en la que una sociedad intenta reflejar sus
contradicciones bajo la forma de recordar su origen”.
La conquista del Oeste se confunde, de hecho, con la
formación de la nación americana misma.
A nivel puramente mítico y casi teológico, el Oeste
simboliza el nuevo nacimiento del hombre en una tierra
feliz y libre, el rechazo global de las civilizaciones y de
sus fracasos, sus corrupciones y maldiciones. El sueño
del Oeste está imbuido de una nueva inocencia,
necesitando rechazar todas las culpabilidades, acabar
con este Mal y esta desgracia humanas que proviene
de una falta que no se quiere asumir más y que, sin
embargo, se repite sin cesar. Políticamente, conquistar
el Oeste era liberarse de la tutela inglesa, separarse
del Atlántico, mar inglés, para dirigirse hacia Asia con
sus riquezas fabulosas. Míticamente, bíblicamente, era
repetir el éxodo de Moisés cuando arrancó a su pueblo
de la cautividad para conducirle a Canaan.
El Oeste del cine americano es el terreno en el
que se afrontan, al menos esquemáticamente y a
veces muy
profundamente,
todas las
moralidades
concebibles:
a) La
inocencia y la
experiencia
b) El
derecho natural
y el derecho de
ciudadanía
c) La
aventura y el
orden
d) La
religión natural y
la de las iglesias
e) La
economía
agrícola y la de
la civilización urbana
f) La violencia del instinto y el autodominio del
hombre
g) El héroe y el simple mortal
h) La inocencia y la culpabilidad
i) El pecado y la redención
j) El destino y la libertad
k) Las fuerzas de la vida y las potencias de la
muerte
El western pone incansablemente en juego una región
particular en un
momento especial
de la Historia.
Revive
indefinidamente esta
hora privilegiada y
peligrosa en la que,
sobre un continente
nuevo, recomienza
la experiencia
primera de los
hombres. Es el
momento en el que
se levanta la
primera Ciudad,
donde tiene que
aparecer el primer
juez, el primer policía. Es la aventura por excelencia.
“Yo creo que el lado más simpático del western
consiste en que todo el mundo puede identificarse con
los cow-boys… Todos deseamos dejar detrás de
nosotros el mundo civilizado, y les envidiamos menos a
ellos como individuos que a la vida sencilla y recta que
pueden vivir. Todos nos imaginamos que hacemos
cosas heroicas” (John Ford) [Véase: “El universo del
Western” Georges-Albert Astre y Albert-Patrick Hoarau.
Ed. Fundamentos, 1986]

Las películas imprescindibles del IES León Felipe (2022-2023)
Campeones. Javier Fesser. España, 2018 (Ciclo Formativo de Grado Medio)
Campeones está protagonizada por personas con
discapacidad intelectual y cómo llevan su día a día.
Trata los prejuicios a los que estos ciudadanos tienen
que enfrentarse, o incluso las discriminaciones que
sufren. Además, se quieren compartir los pensamientos
e ideas que tienen, junto a su deseo de pertenecer a la
sociedad más allá de su enfermedad.
Javier Fesser (Mortadelo y Filemón contra Jimmy el
Cachondo) dirige esta película cuyo libreto ha escrito
David Marqués (Dioses y perros). Javier Gutiérrez (La
isla mínima), Itziar Castro (Pieles), Luisa Gavasa (La
novia) y Daniel Freire (El niño de barro) son los actores
y actrices que interpretan a los personajes de
Campeones
Críticas
"Es muy divertida, a ratos divertidísima, y retrata a unos
personajes que destilan humanidad, dignidad,
bonhomía y generosidad (...) una de las propuestas
españolas más recomendables de los últimos meses
(…)" Alberto Luchini: Diario El Mundo
"[La] veo y escucho con cierto agrado (....) ha
sorteado otros peligros como el ternurismo (...) Es
una película extraña. En el buen sentido." Carlos
Boyero: Diario El País
Ficha técnica y artística
Título original: Campeones
Dirección: Javier Fesser
País: España
Año: 2018
Fecha de estreno: 06/04/2018
Duración: 124 minutos
Género: Drama, Comedia
Reparto: Javier Gutiérrez, Luisa Gavasa, Daniel Freire,
Juan Margallo
Distribuidora: Universal Pictures International Spain
Productora: Le Pacte
Sinopsis
Marco es un tipo sin demasiado optimismo que, por
vicisitudes de la vida, acaba entrenando a un equipo de
baloncesto formado por chicos con discapacidad. A
regañadientes comienza la tarea pero, lo que comienza
siendo un trabajo forzado, acaba ayudándole a salir de
su crisis existencial.
"Si el riesgo y la diversión son dos de las notas
esenciales del cine de Fesser, en «Campeones» las
reúne de un modo asombroso (...) [es] espectacular
la capacidad de Fesser, o su película, de conectar
todo con todo (…)" Oti Rodríguez Marchante: Diario ABC
"Una triunfal oda a la diferencia (...) es un salto sin
red dentro de los límites del humor al que resulta
casi imposible no sucumbir, a pesar de que seamos
conscientes de la manipulación emocional (…)"
Beatriz Martínez: Diario El Periódico
"Historia sensible, pero complicada (...) Realista y
emotivo retrato de nuestra discapacidad social.
(…)" Irene Crespo: Cinemanía
"La mejor de su filmografiá [de Fesser] (...) muy
divertida y recomendable para ver con chavales.
(…)" Juan Pando: Fotogramas

Riesgo y personalidad
Me despierta mucha curiosidad en cuanto a la
reacción que tendrán los espectadores en el
estreno comercial de la nueva película de
Javier Fesser
Carlos Boyero
Me asaltan sensaciones extrañas durante el
metraje de esta película. Me sorprende la audacia
expresiva del director Javier Fesser en el arranque
y me planteo cómo va a salir de un jardín tan
peligroso. El protagonista, segundo entrenador de
un equipo de baloncesto, vocacionalmente
problemático consigo mismo y con los demás,
eterno metepatas, debe redimir su pena por haber
tenido un accidente de tráfico en estado etílico
prestando servicios sociales, consistentes en
entrenar a un grupo de discapacitados. Pero este
señor, sin filtros entre lo que piensa y lo que dice,
se refiere a ellos con descripciones que
actualmente suenan a trueno, tan políticamente
incorrectas como subnormales y mongólicos. De
acuerdo, esto sale de la abrupta boca de un
personaje de ficción que sabemos mostrará
finalmente un corazón de oro y su respeto,
admiración y cariño hacia esta pandilla aquejada
con taras físicas y mentales, pero algún espíritu
agotadoramente sensible puede juzgar
inadmisible que se pronuncien los viejos y
anatemizados términos. Y desde las primeras
secuencias reconoces el muy personal sentido del
humor de Javier Fesser, rozando el surrealismo
en lenguaje y situaciones, independientemente
que los personajes sean de animación o de carne
y hueso, las características y el tono de El milagro
de P. Tinto, La gran aventura de Mortadelo y
Filemón y Mortadelo y Filemón contra Jimmy el
Cachondo. Todas ellas han dispuesto de múltiple
y regocijado público. A mí me cuesta disfrutar con
ese universo, aunque reconozco la insólita e
inquietante personalidad de su autor. Sin
embargo, su vena dura y trágica me provocó
escalofríos y piedad en Camino. Campeones, que
veo y escucho con cierto agrado, me despierta
mucha curiosidad en cuanto a la reacción que
tendrán los espectadores en su estreno comercial.
En los pases de prensa la risa no es muy popular.
Y sabemos que esa reacción es contagiosa, que
la comedia y el cine cómico alcanzan su esplendor
en una sala repleta de público normal. También
me ocurre en la primera visión de esta película
algo patético, que me despierta alarmas sobre los
estragos que me provoca la vejez y el
machaqueo. Lo percibía en la desmemoria, las
lagunas mentales y otras consecuentes
fatalidades, pero lo que me ocurrió con
"Campeones" me deja anonadado. Y es que
durante la proyección pensaba que el grupo de
discapacitados lo interpretaban actores y actrices
profesionales absolutamente creíbles. También
admiro el maquillaje, la peluquería, la
caracterización de sus personajes. Así lo cuento
en un programa de radio en directo. Mi amigo
Carles Francino me revela con tacto, pero también
firmeza, que no son intérpretes profesionales, sino
que todos ellos padecen discapacidad en la vida
real. Me quedo pasmado, no sé dónde meterme,
es que ya no me entero de nada. Recuperado del
susto, aumenta mi admiración hacia la capacidad
de riesgo y el espléndido trabajo que ha realizado
Javier Fesser con ellos, acompañando al siempre
modélico Javier Gutiérrez. Igualmente ha sorteado
otros peligros como el ternurismo o el tono
sensiblero que podría acompañar al delicado
tema. Es una película extraña. En el buen sentido.
Crítica de Campeones: Gracioso
en defensa y muy serio en
ataque
«Si el riesgo y la diversión son dos de
las notas esenciales del cine de Fesser,
en «Campeones» las reúne de un modo
asombroso»
El talento de Javier Fesser es solo comparable a su
voluntad de riesgo, a su gusto por bailotear en el
acantilado, y es más fácil verlo y disfrutarlo desde
cierta distancia que compartir el mareo, la filigrana y
las piruetas de vértigo y reflexión que su cine,
aparentemente de «risa» y singularmente «serio»,
produce en cualquiera de las modalidades que lo
ofrezca, en cortometrajes como «Bienvenidos» o
«17 años juntos», en largometrajes como «El
milagro de P. Tinto» o «Camino», y hasta en spot
publicitarios tan originales como guasones.
Si el riesgo y la diversión son dos de las notas
esenciales del cine de Fesser, en «Campeones» las
reúne de un modo asombroso al irse a explorar con
la indumentaria y utensilios de lo cómico en ese
terreno resbaladizo, quebradizo y emocional de las
discapacidades intelectuales: el hombre que mejor
ha entendido y transfigurado el universo de
Ibáñez, nos ofrece ahora su mirada divertida,
humana, ácida y audaz de ese mundo en el que las
limitaciones mentales y físicas suponen un
aprendizaje, un sobresfuerzo y una relación con el
entorno especial. Hay también algo de Ibáñez en
“Campeones” y mucha puntería al disparar en la
diana de las auténticas discapacidades sociales.

Las películas imprescindibles del IES León Felipe (2022-2023).
Figuras ocultas. Theodore Melfi. EEUU. 2016 Con motivo del Día
Internacional de la Mujer.
Ficha técnica y artística
Título original Hidden Figures
Año 2016
Duración 127 min.
País Estados Unidos
Director Theodore Melfi
Guion Allison Schroeder (Libro: Margot Lee Shetterly)
Música Benjamin Wallfisch, Pharrell Williams, Hans
Zimmer
Fotografía Mandy Walker
Reparto Taraji P. Henson, Octavia Spencer, Janelle
Monáe, Kevin Costner, Jim Parsons, Mahershala Ali,
Kirsten Dunst, Glen Powell, Rhoda Griffis, Ariana
Neal, Maria Howell, Alkoya Brunson, Jaiden Kaine,
Wilbur Fitzgerald, Saniyya Sidney, Bob Jennings,
Lidya Jewett, Ron Clinton Smith
Productora Fox 2000 Pictures
Sinopsis Narra la historia nunca contada de tres
brillantes mujeres científicas afroamericanas que
trabajaron en la NASA a comienzos de los años
sesenta (en plena carrera espacial, y asimismo en
mitad de la lucha por los derechos civiles de los
negros estadounidenses) en el ambicioso proyecto de
poner en órbita al astronauta John Glenn.
Premios 2016: Premios Oscar: 3 nominaciones incl.
mejor película y actriz sec. (Spencer) 2016: Premios
BAFTA:
Nominada a
Mejor guión
adaptado
2016:
National
Board of
Review
(NBR):
Mejores 10
películas
del año y
Mejor
reparto
2016: Critics
Choice
Awards:
Nom. a
actriz
secundaria
(Monáe),
reparto
y
guión adap.
2016:
Satellite
Awards: 6
nominaciones, incluyendo Mejor película y guión
adaptado 2016: Sindicato de Productores (PGA):
Nominada a Mejor película
Mujeres. Negras. Científicas.
1961
La película 'Figuras ocultas' despierta el
interés por tres pioneras de la ciencia en la
carrera espacial

Katherine Johnson, matemática de la NASA
Cuando se encienden las luces después de la
película lo único que quieres es saber más, saberlo
todo, de tres mujeres a las que no conoces. Antes
de los títulos de crédito que cierran Figuras
ocultas, ellas, las auténticas Katherine Johnson,
Dorothy Vaughan y Mary Jackson sonríen en sepia
desde la Virginia de la segregación racial de inicios
de los años sesenta del pasado siglo. Piensas (en
realidad llevas pensándolo durante las dos horas de
proyección) en cuatro cosas. Son mujeres. Son
negras. Son científicas. Es 1961. Te quedas con
una resultante: cambiaron su historia. Cambiaron la
historia. Y no sabíamos de ellas. Las horas
siguientes las dedicas a buscar febrilmente
documentos, artículos e imágenes de las tres
figuras ocultas en un pabellón de la NACA (la
agencia antecesora de la NASA) apartado del
grueso de los hombres blancos en camisa blanca y
corbata de pala estrecha. Trabajaban juntas en la
West Area Computer Unit, la sección de
“computadoras humanas” negras de la agencia
espacial. Hacían cálculos matemáticos para liberar
a los ingenieros de esas tareas antes de la llegada
de los superordenadores. La unidad se creó en
1943, durante la Segunda Guerra Mundial, en parte
por la masiva movilización de los hombres. Las
matemáticas estaban obligadas por la ley de
Virginia a trabajar apartadas de sus compañeras
blancas y a utilizar cantinas y baños separados.
Merecería la pena ver Figuras ocultas por el mero
hecho de ser una historia de mujeres pioneras. Y de
mujeres negras, tras años de sequía en blanco en
las producciones de Estados Unidos. Pero el filme,
un éxito de taquilla en su país, merece en mi
opinión su candidatura al Oscar a la mejor película.
Otras dos nominaciones (mejor actriz de reparto
para Octavia Spencer, que da vida a Dorothy
Vaugan, y mejor guion adaptado) dibujan sus
esperanzas. Está basada en un libro homónimo, y
hace converger en el tiempo las historias de las
tres, a las que presenta en la NASA, en 1961 y
dentro de la unidad segregada. Realmente,
descubres, no ocurrió así, tales condiciones
humillantes habían terminado en 1958, cuando la
agencia espacial actual no había nacido. Pero eso
no es lo que importa. Lo que sí importa es que
Katherine Johnson es una matemática superdotada
(aún vive, tiene 98 años), pionera en las aulas y
figura clave en los cálculos de las trayectorias de
las primeras misiones orbitales humanas. Lo
esencial es que Dorothy Vaughan llegó a ser la
primera supervisora negra de la NACA y que
aprendió a programar adelantándose así a su
obsolescencia. Y que Mary Jackson desafió a la ley
para convertirse en la primera ingeniera negra de la
agencia espacial. Bien entrada la noche rememoras
la imagen cinematográfica de una treintena de
mujeres afroamericanas confinadas en un sótano, y
cómo, en una secuencia épica, caminan después
dirigidas por Vaughan hacia el hogar luminoso de la
computadora a la que iban a gobernar. La triple
rareza del trío protagonista en aquellos años,
científicas, negras, mujeres, y lo que lograron, no
deja de maravillar.
Por eso, si ustedes tienen hijas, llévenlas hoy
al cine a ver Figuras ocultas.
Puede que esta noche se las encuentren tecleando
tres nombres en un buscador. Y que eso sea el el
comienzo de todo.
Quizá la historia más inspiradora es la de Katherine
Jackson, graduada a los 18 años, destinada
temporalmente a la unidad de investigación de
vuelos. La geometría analítica fue el arma que
utilizó en un entorno exclusivamente masculino y
blanco. Eso y su insistencia en asistir a reuniones
donde se manejaban las decisiones y
conocimientos que precisaba para trabajar. Calculó
el punto de caída de la cápsula que trajo de vuelta
al primer astronauta que Estados Unidos lanzó al
espacio, Alan Shepard, en 1961. Ella recuerda
como le daban unas coordenadas para el amerizaje
de las naves y ella en una secuencia inversa,
calculaba en que momento y lugar (en qué ventana)
se debía iniciar la maniobra para que fuera exitosa.
Nunca falló. Cuando el superodenador IBM calculó
todos los parámetros para la misión Friendship7, el
astronauta John Glenn exigió que ella confirmara
las mediciones antes de salir. Después de aquello
vinieron las misiones Apolo, de nuevo intervino en
el rescate de la cápsula que traía de vuelta a los
primeros visitantes de la Luna, y el transbordador
espacial. En 2015 recibió la Medalla de la Libertad,
la distinción más importante que su país otorga a un
civil. Luego te preguntas cuánto debemos a mujeres
como ellas, cargadas con la losa de la triple
discriminación, obligadas a pelear por formarse, por
estar, sostenidas por el talento. El 11 de febrero se
celebra el Día Internacional de la Mujer y la Niña en
la Ciencia.
Sesenta años
después de los
logros de las tres
matemáticas, la
probabilidad de
que una pequeña
llegue a
licenciarse en una
materia científica es del 18%, nueve puntos menos
que la de un niño, según datos de la Unesco. En el
mundo solo 28 de cada 100 científicos son mujeres.
Por eso, si ustedes tienen hijas, llévenlas hoy al
cine a ver Figuras ocultas. Puede que esta noche
se las encuentren tecleando tres nombres en un
buscador. Y que eso sea el comienzo de todo.
La santidad de las matemáticas

Trama compartimentada y tan calculada
hacia su objetivo como la trayectoria de un
vuelo espacial
Basándose en el libro Hidden Figures: The Story of the
African-American Women Who Helped Win the Space
Race de Margot Lee Shetterly, Figuras ocultas reivindica
el decisivo papel de las matemáticas afroamericanas
Katherine Goble Johnson, Dorothy Vaughan y Mary
Jackson en el seno de la NASA, sobre el telón de fondo
de una carrera espacial obligada a acelerar tanto su
ritmo como su eficacia tras el lanzamiento del Sputnik I
por parte de la Unión Soviética. La lucha por los
derechos civiles, que alcanzaba sus primeras conquistas
aisladas contra la segregación, suma dimensión épica a
la justa labor de visibilidad que rige la película.
'Figuras ocultas', la historia secreta de
la NASA Por: Gregorio Belinchón
Ha dado la campanada en la taquilla estadounidense:
Figuras ocultas ha podido con La ciudad de las
estrellas (La La Land), con ¡Canta!, con Rogue One
y con la propuesta de terror No me llames. Con sus
casi 21 millones de dólares, la historia de las
matemáticas negras que trabajaron en la NASA al
inicio de la carrera espacial ha enganchado al público
estadounidense.
En la actual temporada de premios han coincidido
varias películas que ilustran sobre la historia
afroamericana en Estados Unidos. Una de ellas es
Figuras ocultas, centrada en tres increíbles y
luchadoras mujeres negras, parte del grupo que
trabajó haciendo cálculos para la NASA al inicio de la
carrera espacial, en los sesenta, cuando en el
desarrollo del programa Mercurio no había
ordenadores y triunfaban el lápiz, el papel y las
pizarras. Un momento en el que aún había baños y
comedores segregados, en el que para ir al aseo
algunas de ellas tenían que recorrer un kilómetro
dentro de las instalaciones de la NASA, un momento
en el que demostraron que por su capacidad de lucha
fueron más astutas a la hora de adaptarse al
advenimiento de los ordenadores.
DÍA DE LA MUJER Y LA NIÑA EN LA CIENCIA
La ciencia y la igualdad de género son vitales para
realizar los Objetivos de Desarrollo Sostenible,
incluidos en la Agenda 2030. En los últimos 15
años, la comunidad internacional ha hecho un gran
esfuerzo inspirando y promoviendo la participación
de las mujeres y las niñas en la ciencia.
Desafortunadamente, ellas siguen enfrentándose a
barraras que les impiden participar plenamente en
esta disciplina. De acuerdo con un estudio
realizado en 14 países, la probabilidad de que las
estudiantes terminen una licenciatura, una
maestría y un doctorado en alguna materia
relacionada con la ciencia es del 18%, 8% y 2%,
respectivamente, mientras que la probabilidad para
los estudiantes masculinos es del 37%, 18% y 6%.
Con el fin de lograr el acceso y la participación
plena y equitativa en la ciencia para las mujeres y
las niñas, y además para lograr la igualdad de
género y el empoderamiento de las mujeres y las
niñas, la Asamblea General de las Naciones
Unidas decide proclamar el 11 de febrero como el
Día Internacional de la Mujer y la Niña en la
Ciencia.
Para conmemorar este día por primera vez,
la Royal Academy of Science International Trust
(RASIT) y la División de Política Social y Desarrollo
Social (DSPD) del Departamento de Asuntos
Económicos y Sociales (DESA) celebrarán un Foro
de Alto Nivel en la Sede de las Naciones Unidas el
11 de febrero de 2016.
Figuras ocultas: el
eclipse de las científicas
Pocas mujeres han pasado a la posteridad por
sus contribuciones a la Ciencia, pese a que
fueron un soporte fundamental para los
hombres que se llevaron el reconocimiento
La película Figuras ocultas (Theodore Melfi, 2016)
da visibilidad a un grupo de mujeres que jugaron
un papel decisivo al inicio de la carrera espacial,
cuando Estados Unidos y la Unión Soviética
luchaban por poner un hombre en órbita. Eran las
«calculadoras humanas» de la NASA, que suplían a
los ordenadores, aún en sus inicios y de manejo
complicado para los ingenieros. Nominada para tres
oscar, la película refleja el eclipse de las mujeres
que se han dedicado a la ciencia por sus
compañeros varones.

Parte de ese grupo de mujeres eran mujeres
afroamericanas y sus dificultades eran dobles.
Luchaban por sus derechos civiles en una sociedad
racista y, a la vez, como el resto de las mujeres, por
abrirse paso en un mundo de hombres. La única
superviviente del trío protagonista, Katherine
Johnson (nacida en 1918) fue un prodigio de las
matemáticas desde su infancia y tuvo un papel
decisivo en las misiones Mercury y Apolo 11. En
2015, Obama le concedió la Medalla Presidencial
de la Libertad. Johnson realizó con gran precisión
lo que a los ingenieros de la NASA se les resistía:
los cálculos de las trayectorias de las naves
espaciales. John Glenn, el primer astronauta
El «eclipse» de estas astrónomas no es un
hecho aislado. El trabajo científico de las mujeres
sigue siendo discriminado. No hay más que echar
un vistazo a los Nobel. De los casi seiscientos
científicos distinguidos por la Academia Sueca,
sólo 17 son mujeres. Un exiguo 3 por 100. Marie
Curie fue la primera mujer que resquebrajó ese
«techo de cristal». Eso sí, previa amenaza de su
marido, Pierre, de rechazar el galardón si no
reconocían el trabajo de Marie sobre la
americano en órbita, se fiaba más de ella que de los
nuevos IBM. Sin embargo, el nombre de esta y
otras matemáticas ha permanecido eclipsado.
Su historia fue sacada a la luz por Margot Lee
Shetterly, hija de un ingeniero de la NASA, en el
libro del mismo título, Figuras ocultas. El guion fue
adquirido para el cine antes de su publicación.
Este no es el único caso de mujeres que hicieron
aportaciones cruciales para la ciencia y han pasado
inadvertidas.
Otro libro, El universo de cristal (Capitán Swing), de
la divulgadora científica estadounidense Dava
Sobel, nos acerca a otras «calculadoras», esta
vez de Harvard, un bastión masculino por
excelencia, donde mucho antes de la carrera
espacial, a finales del siglo XIX, fueron contratadas
para interpretar las observaciones que los
investigadores hacían cada noche al telescopio. En
ambos casos, eran mano de obra cualificada y más
barata.
Las fotografías del cielo nocturno eran
analizadas cada mañana por estas mujeres, que
determinaban la posición de las estrellas, su brillo
relativo o su composición química. Conocidas como
el «harén de Pickering», un famoso astrónomo
estadounidense, algunos de sus trabajos saltaron a
los titulares de la prensa, pero no sus nombres.
Curiosamente, este proyecto estaba financiado
por dos mujeres con gran interés por la
Astronomía, que invirtieron en él sus herencias:
Anna Palmer Draper y Catherine Wolfe Bruce. En
este grupo, Williamina Fleming, contratada
inicialmente como criada, identificó diez novas y
más de trescientas estrellas variables. Y Annie
Jump Cannon diseñó un sistema de clasificación
de las estrellas que aún sigue vigente.
radiactividad.
En otra onda
Pese a todo, el Nobel de Física logrado por Marie
Curie en 1903, y el de Química conseguido en
solitario en 1911, despertó vocaciones entre las
jóvenes de la época, destaca Carmen Magallón,
doctora en Física y directora de la Fundación de
Investigación para la Paz. Especialista en la historia
de las mujeres en la Ciencia, es autora de varios
libros, entre ellos Pioneras españolas en las
ciencias. Las mujeres del Instituto Nacional de
Física y Química (CSIC), todo un clásico.
En España, a diferencia de lo que ocurría en otros
países, la ciencia no ocupaba un lugar
destacado. En 1882, año de arranque de El
universo de cristal, las innovadoras lámparas
incandescentes de Edison alumbraban las
mansiones más distinguidas de Estados Unidos.
Desde entonces, más de mil patentes del famoso
inventor han contribuido al mundo tecnológico
actual.
La Ciencia se convertía en el motor de la
economía en Estados Unidos mientras en
España estábamos en otra onda. A principios del
siglo XX, Unamuno y Ortega y Gasset se
enfrascaban en una agria discusión sobre la
importancia de la ciencia y la tecnología. «Que
inventen ellos», sostenía el primero: «Nosotros nos
aprovecharemos de sus invenciones (...). La luz
eléctrica alumbra aquí tan bien como allí donde se
inventó», añadía Unamuno en El pórtico del templo.
Al escritor bilbaíno se le escapaba, sin embargo,
el pequeño detalle de las muchas patentes
derivadas de los inventos, por las que luego hay
que pagar...

Pese a todo, en medio de ese caldo de cultivo
adverso, que aún sigue latente, la ciencia
española experimentaba su «edad de plata» en
los años 20 y 30 del siglo pasado. Y también fue
un buen momento para las científicas españolas,
que las hubo, aunque, como ocurrió en Estados
Unidos y el resto de Europa, sus nombres
permanecen en el anonimato.
En España ha habido universitarias desde finales
del siglo XIX, apunta Adela Muñoz, catedrática de
Química Inorgánica de la Universidad de Sevilla,
que acaba de publicar Sabias, la cara Oculta de la
ciencia (Debate). Pero tenían que pedir un permiso
para acceder a la Universidad.
que fueron a los laboratorios de los mejores
Acceso a la Universidad
El empujón definitivo llegó en 1910, con la ley
Burell, que permitió el acceso sin cortapisas de
las mujeres a la Universidad. Julio Burell, ministro
de Instrucción Pública, y otros muchos hombres,
eran favorables al acceso libre de las jóvenes a la
educación superior, explica Adela Muñoz.
«La mayoría de aquellas mujeres eran hijas de
intelectuales o pertenecían a familias de clase
acomodada favorables a la instrucción
femenina. Los hombres las reciben incluso con
paternalismo, y no les niegan la entrada en las
sociedades profesionales, como ocurría en otros
países. En Estados Unidos las mujeres entraron
antes en los campos científicos pero tuvieron
que pelearlo, por el rechazo de sus colegas
masculinos», apunta Carmen Magallón. La
excepción es Medicina, una carrera que interesa a
las mujeres, pero los hombres les cierran las
puertas, aclara.
Previamente, en 1907, nacía la Junta de Ampliación
de Estudios (JAE), a la estela del Nobel que
acababa de recibir Cajal, que la presidió desde
1911 hasta su muerte en 1934. Dependiente de la
Institución Libre de Enseñanza fundada por Giner
de los Ríos, la JAE promueve la investigación y
educación científica en España, incluyendo a las
mujeres en sus programas de pensionados para
estudiar en el extranjero.
En 1915 se crea la Residencia de Señoritas, la
versión femenina de la Residencia de Estudiantes.
Dependiente también de la JAE, su objetivo era
fomentar la enseñanza superior de las mujeres. El
primer año hay 30 las alumnas matriculadas y el
número iría en aumento. En proporción el número
de matrículas crece más que en las facultades de
letras.
La colaboración con el Instituto Internacional para
Mujeres fue crucial para las primeras universitarias,
científicos.
La Guerra Civil rompió el clima de apertura hacia
las mujeres, detalla Adela Muñoz. Felisa Martín
Bravo, primera doctora en Físicas, que estudió en
Cambridge con el premio Nobel Rutherford, fue una
de las pocas que pudo seguir. Llegó a presidir la
Asociación Española de Meteorología, la única
mujer que lo ha logrado. La mayoría, por ideología
política o presión de sus propios maridos, no pudo
seguir con su carrera. En Química, Dorotea Barnés,
una de las más brillantes, tuvo que exiliarse y pasó
inadvertida pese a que había introducido en España
la espectroscopía Raman, una técnica hoy usada en
la exploración de Marte. Otros ejemplos son Teresa
Salazar y Piedad de La Cierva, también químicas,
que trataron sin éxito de lograr una cátedra en la
posguerra por ser mujeres.
Muchas más destacaron y han caído también en el
olvido. Y es que, resalta Carmen Magallón, citando
a Dale Spender y su libro Mujeres de ideas y lo que
los hombres han hecho con ellas, «a las científicas
hay que rescatarlas de ese olvido en cada
generación».

Las películas imprescindibles del IES León Felipe (2022-2023)
Altamira. Hugh Hudson. España. 2016. (4º ESO)
indiferencia y el escarnio de la comunidad científica
de la época, a pesar de sus esfuerzos por
demostrar la veracidad del descubrimiento.
Altamira
Ramón Pérez-Maura
«Marcelino Sanz de Sautuola murió como un
embaucador, y España nunca le ha hecho un
homenaje al científico que supo ver lo quetenía
ante sus ojos y que proclamó al mundo lo que se
albergaba enesa cueva montañesa»
Ficha técnica y artística
Título original: Altamira
Dirección: Hugh Hudson
País: Francia, España
Año: 2016
Fecha de estreno: 01/04/2016
Duración: 96 minutos
Género: Drama, Biográfico
Reparto: Antonio Banderas, Golshifteh Farahani,
Rupert Everett
Distribuidora: 20th Century Fox
Productora: Morena Films, Telefónica Studios
Sinopsis
En 1879, un arqueólogo amateur, Marcelino Sanz
de Sautuola (Antonio Banderas), y su hija de ocho
años, María, descubrieron en Cantabria una de las
obras prehistóricas más importantes de la Historia:
las pinturas de Altamira. Lejos de proporcionarle
honor y gloria, su deslumbrante contribución a la
historia le enfrentó con la Iglesia católica y con la
AGUSTÍN de la Herrán realizó en 1970 un soberbio
conjunto escultórico en el que se ve una niña de 9
años de edad, de tamaño natural, avanzando entre
rocas con la mirada anonadada. No se alcanza a
escucharle exclamar «¡papá, bueyes!», pero cabe
imaginar las palabras viendo su expresión. La
escultura, alrededor de la cual jugué en muchas
tardes de mi infancia, representa el momento en que
la niña María Sanz de Sautuola -mi bisabueladescubrió
las pinturas de Altamira. Su hijo, Emilio
Botín-Sanz de Sautuola, erigió esa obra en el jardín
de su casa de Puente San Miguel, como forma de
manifestar su devoción por una madre que llevó
siempre en el corazón el dolor de una injusticia
histórica que sólo ahora se intenta superar. La
escultura puede visitarse esporádicamente gracias a
la condición de «jardín histórico» que tiene ese
parque que hoy pertenece a Emilio Botín-Sanz de
Sautuola y O’Shea. Mañana se estrena en España
«Altamira», la gran superproducción de capital
español filmada en esa casa y jardín. Una película
en la que se reivindica la figura de don Marcelino
Sanz de Sautuola, padre de la niña María, que era
un prehistoriador y arqueólogo aficionado al que su
hija hizo ver las pinturas rupestres. Sautuola es el

mejor referente de lo que fue la burguesía ilustrada
del XIX español. Y un ejemplo de cómo muchos
europeos no estaban dispuestos a admitir que en
España pudiera haber gentes con saberes -e
intuición, a qué negarlo- que fuesen capaces de
convertir nuestro país en una referencia mundial de
la arqueología. Eran tiempos en los que se discutía
sobre una supuesta insuficiencia de España para
hacer progresos motivada por una imaginada
incapacidad genética para adaptarse a los tiempos
modernos. Pero el descubrimiento de Altamira
contradijo eso. Y los «avanzados» científicos
franceses de la época arremetieron contra Sautuola
acusándolo de impostor y de haber hecho él mismo
las pinturas de la cueva. Uno de sus detractores,
Émile Cartailhac, sólo visitó la cueva bastantes años
después de descalificar lo que allí había. Fueron
muchas las veces que escuché a mi abuela Elena
Botín contar cómo el científico se dirigió a su madre
-que lo recibió con la oposición expresa de sus
hijos- reconociendo su error y cómo ella, con
firmeza y educación, le echó en cara al francés que
su padre hubiera muerto como un impostor. A lo que
Cartailhac respondió: «Madame, c’est la plus grande
honte de ma vie...» («Señora, es la mayor
vergüenza de mi vida»). Porque Sautuola murió
como un embaucador, y España nunca le ha hecho
un homenaje al científico que supo ver lo que tenía
ante sus ojos y que proclamó al mundo lo que se
albergaba en esa cueva montañesa. Lucrecia Botín,
con la colaboración de su prima Ana Botín, ha
puesto al servicio de esta historia su mejor
experiencia como productora cinematográfica y ha
logrado que una de las grandes figuras de la
cinematografía mundial, Hugh Hudson, dirija una
película en la que hay una fotografía bellísima -
como no puede ser de otra manera en una película
rodada íntegramente en Cantabria-, una música
magistral como sólo puede hacer el gran Mark
Knopfler de nuestros añorados «Dire Straits», o una
interpretación soberbia como la que Antonio
Banderas hace de Sautuola… Pero en la vida de
Sautuola pasaron años desde el descubrimiento de
Altamira hasta que don Marcelino viajó a un
congreso de prehistoria en Lisboa donde el que
padeció el anatema fue él. Y en el ritmo de una
película hace falta mantener la tensión. Así que
cabe entender la relevancia del papel malvado
jugado en «Altamira» por el párroco de Santillana
del Mar como una necesidad narrativa antes que
como un hecho histórico de la relevancia que se le
da. Y probablemente avala mi tesis el que uno de
los personajes claves en la denuncia de Sautuola, el
antropólogo francés Louis Laurent Gabriel de
Mortillet, sostuvo en 1881, dos años después del
descubrimiento de las pinturas, que estas eran
falsas y se lo argumentó así a Carthailac en cita que
tomo de la monumental obra «82 objetos que
cuentan un país», de Manuel Lucena Giraldo: «No te
fíes, amigo. Es una trampa que nos tienden los
jesuitas a los prehistoriadores para reírse de
nosotros». Es decir, que en 1881 lo que creían los
científicos enemigos de Sautuola era que este y sus
pinturas eran el fruto de una conspiración de la
Iglesia ayudada por don Marcelino. El cine es una
de las Bellas Artes. Y requiere de licencias para
contar la esencia de una historia. Como cualquier
obra de arte, «Altamira» las tiene. Pero el núcleo
central de la obra es de un rigor indiscutible. La
historia de un burgués ilustrado que se encuentra
con algo precioso que redefine la historia de la
humanidad. Y su valor para defender la verdad
contra la crítica de los científicos que veían
tambalearse sus cátedras. España debe mucho a la
probidad intelectual de Marcelino Sanz de Sautuola,
una figura que hoy no sería más que una nota a pie
de página en los manuales de prehistoria si no fuera
-y permítanme decirlo, porque yo no tengo mérito
ninguno en ello- por la labor de reivindicación de su
proeza científica que ha hecho su familia. Porque en
todo nuestro país cuenta como único reconocimiento
con una calle en Santander -la calle en la que vivíay
poco más. Y es que esto es España, año de gracia
de 2016.
Así fue el rodaje junto a los
bisontes de «Altamira»
El Museo Nacional y centro de investigación de las
Cuevas de Altamira se convirtió en un plató de rodaje
entre el 30 de octubre y el 20 de noviembre de 2014
El Museo Nacional y centro de investigación de las Cuevas
de Altamira se convirtió en un plató de rodaje entre el 30 de
octubre y el 20 de noviembre de 2014. La Neocueva, la copia
exacta de la «capilla sixtina» del arte paleolítico, fue el
escenario perfecto para que el equipo pudiera trabajar a sus
anchas sin poner en peligro las pinturas de la cueva original,
que se cerró al público en 1977 y definitivamente en 2002
tras comprobar el daño que la masiva afluencia infligía a las
pinturas.
Desde 2015 sin embargo, el museo ha puesto en marcha un
proyecto científico que permite la visita de 5 personas a la
semana, por sorteo. Durante las semanas de rodaje,
muchos miembros del equipo participaron en dicho sorteo,
pero según recuerda la subdirectora del centro, Pilar Fatás, ni
Banderas ni la protagonista femenina tuvieron suerte: solo les
tocó a la jefa de casting y una técnico de vestuario.
El equipo de 20 personas montó un set bajo la copia de las
pinturas donde se rodaba, siempre en absoluto silencio, las
escenas del descubrimiento y estudio de las pinturas. Para
simular la entrada original de la cueva se construyó un
decorado en el entorno del museo. Aunque las cámaras no
entraron a la cueva original, sí se rodó en otra cueva, la de
las estalactitas, para realizar unas tomas de ambiente del
interior de una cueva real.
El museo no cerró, aunque hubo que cambiar el itinerario
durante el rodaje. El director José Antonio Lasheras,
recientemente fallecido en un accidente de tráfico, asesoró al
equipo antes y durante la redacción del guión. Se hicieron
réplicas de objetos arqueológicos y, como anécdota, el
actor Pierre Niney mostró gran ilusión por trabajar en el
museo que había visitado como escolar.

Las películas imprescindibles del IES León Felipe (2022-2023)
Marte. Ridley Scott. EEUU. 2015 . (1º Bachillerato)
estas historias de increíble valentía tienen lugar, el
mundo se hace una piña para el retorno seguro de
Watney.
|
Sinopsis
Durante una misión tripulada a Marte, el
astronauta Mark Watney es dado por muerto
después de una tormenta y abandonado por el
resto de la tripulación. Pero Watney está vivo y se
encuentra atrapado y solo en este planeta hostil.
Con escasos suministros, el astronauta recurre a
su ingenio para sobrevivir y comunicarse con la
Tierra. A millones de kilómetros de distancia, la
NASA y un equipo internacional de científicos
trabajan desde entonces sin descanso para traer
al “marciano” a casa, mientras que, al mismo
tiempo, sus compañeros de tripulación trazan una
misión de rescate casi imposible. A medida que
Información
Para Ridley Scott, el protagonista es como un
Robinson Crusoe y esta es una historia de
supervivencia final. Marte no es un planeta
precisamente acogedor, su temperatura varía
entre -153ºC y 22ºC en un día de verano, y el aire
está compuesto en un 95% de dióxido de carbono.
El suelo no tiene las bacterias necesarias para
que crezca la comida y el agua existe pero solo en
forma de hielo. El protagonista es botánico y
tratará de encontrar el modo de hacer que el suelo
de Marte sea fértil; sin embargo, ése es solo uno
de los retos a los que se debe enfrentar, y la ley
de Murphy es universal, siempre algo tiene que ir
mal.
El rodaje principal comenzó en noviembre de 2014
en Budapest, en el insonorizado escenario 6 de
los estudios Korda, el más grande del mundo,
ideal para construir en él un paisaje de Marte que
incluyera el habitáculo y el lugar de despegue de
la aeronave. Las escenas más panorámicas del
paisaje se rodaron en Jordania. La NASA fue un
colaborador clave, asesor y consejero durante
todo el proyecto, desde el guion hasta el rodaje.
Ficha técnica y
artística
Marte (The Martian). Dirección: Ridley Scott.
País: USA. Año: 2015. Duración: 144 min.
Género: Ciencia-ficción.
Reparto: Matt Damon, Jessica Chastain, Kate Mara,
Kristen Wiig, Jeff Daniels, Michael Peña, Kate Mara,
Sean Bean, Sebastian Stan, Aksel Hennie,

Donald Glover, Mackenzie Davis, Chiwetel Ejiofor.
Guion: Drew Goddard; basado en la novela de Andy
Weir. Estreno en España: 16 Octubre 2015.
Calificación por edades: No recomendada para
menores de 7 años.
CRÍTICA | MARTE (THE MARTIAN)
El triunfo del narrador
El filme huye de lo trascendental
para poder inyectar con eficacia el
virus de la emoción
"Era inútil quedarse allí quieto, soñando con
lo que no se podía conseguir, y esa urgencia
me agudizó el ingenio", escribió Daniel
Defoe en 1719. Poco podía imaginarse
el autor de Robinson Crusoe que, 300 años
después, y en medio de una ola de películas
de ciencia-ficción dominada por las altas
pretensiones, por las explicaciones
trascendentes sobre el ser y el estar, sobre
dios y la nada, Ridley Scott iba a componer
una película que, como su mítica novela, no
era más que una gran historia de aventuras.
Nada más y nada menos. Marte (The
martian), basada en la novela de Andy Weir,
autopublicada por primera vez en 2011, es el
relato de supervivencia un hombre que, como
Crusoe, vio que "era inútil quedarse allí
quieto". No en una isla, sino en un planeta.
Scott, que en los inicios de su carrera, en
Blade runner, ya había aplicado los códigos
de una cierta complejidad mesurada a una
historia asentada en el clasicismo del noir,
vuelve a adentrarse en los mecanismos del
futuro con la mano firme en la bandera del
entretenimiento.
Igual que en Blade runner había una
aspiración por convertirse en la contrafigura
de la cosmogonía de 2001: una odisea del
espacio, en Marte hay una clara idea de
apartarse del camino de las explicaciones
simbólicas,
místicas y hasta metafísicas de películas
recientes. De poner tierra de por medio con
obras como Interstellar, e incluso de la
búsqueda de sensaciones cinematográficas
nuevas al estilo Gravity, para apostar por el
camino de los padres de la literatura de
aventuras y por el empirismo de la ciencia:
hacia la supervivencia en un entorno inhóspito
por la vía de un huerto creado con su propia
mierda. Pura ciencia. Pura aventura.
Hay en Marte un desafío de tono que huye de
lo trascendental para poder inyectar con
eficacia el virus de la emoción.
Y ahí el mejor ejemplo quizá sea la música
discotequera que domina la banda sonora que
escucha el náufrago y que, por tanto, suena
en la película.
Su ritmo, y su esencia desprejuiciada, es la
que imprime el sello de diversión a una
película contada por Scott con el rigor y el
oficio de alguien que sabe que, a veces,
es más importante ser un artesano,
un cineasta, un narrador, que un aspirante a
genio.
Crítica de Fotogramas
Para interesados en naufragios radicales
Lo mejor: su equilibrio entre candor y
precisión.
Lo peor :a ratos, la película suena a
propaganda.
Por Jordi Costa
A pesar de sus naves alienígenas, su monito astronauta
y ese Viernes vestido con taparrabos péplum, 'Robinson
Crusoe on Mars' (Byron Haskin, 1964) fue recibida por
los amantes de la SF Hard como una inesperada
sorpresa: una película de serie B algo más preocupada
por la plausibilidad científica que la media y con un
palpable conocimiento del estado de la cuestión de la
carrera espacial. Partiendo de 'El marciano' (debut
literario de Andy Weir y novela más propia de la
imaginación de un ingeniero que de la de un poeta),
Ridley Scott ofrece en 'Marte' la respuesta realmente
rigurosa a ese modelo sobre la épica del aislamiento
y la supervivencia.
La cinta vuelve a las fuentes del género, donde el
astronauta era un cowboy conquistando, por otros
medios, un territorio virgen. Vocación hiperrealista,
imágenes de avasalladora pulcritud, buena
dosificación narrativa y sentido del espectáculo
hacen de Marte la más honesta entre las coetáneas
películas Hard, y el posible himno optimista para una
nueva carrera espacial… chino-americana.

Las películas imprescindibles del IES León Felipe (2022-2023)
La lista de Schindler. Steven Spielberg, USA, 1993. (1º Bachillerato)
nazi, mujeriego y que se está enriqueciendo con la
guerra, pero que salvó a más de 1.100 judíos durante
el Holocausto. Es el triunfo de un hombre que con su
actuación marcó la diferencia y el drama de los
supervivientes de uno de los capítulos más oscuros de
la historia de la humanidad.
ANÁLISIS: DIOSES Y MONSTRUOS
Si no fuera por
usted, Spielberg
CARLOS BOYERO
Ficha Técnica y artística.
Título: La lista de Schindler
Título original: Schindler's list
Dirección: Steven Spielberg
País: Estados Unidos
Año: 1993
Fecha de estreno: 04/03/1994
Duración: 195 min
Género: Drama, Histórico, Bélico, Biográfico
Reparto: Liam Neeson, Ben Kingsley, Ralph Fiennes,
Caroline Goodall, Jonathan Sagall, Embeth Davidtz,
Malgoscha Gebel, Shmuel Levy, Mark Ivanir, Béatrice
Macola
Guión: Steven Zaillian
Distribuidora: United International Pictures (UIP)
Productora: Universal Pictures, Amblin Entertainment
Sinopsis
Esta increíble historia basada en hechos reales y
ganadora de 7 Oscars, incluido el de Mejor Película y
Mejor Director, está protagonizada por el enigmático
Oskar Schindler (Liam Neeson), un miembro del partido
Aunque pertenezca a la caótica y brillante generación
de los moteros tranquilos y los toros salvajes, según la
definición del informado y corrosivo Peter Biskind,
Steven Spielberg jamás figurará en el altar del
prestigioso malditismo ni en el venerado templo de los
artistas incomprendidos. Lo tiene jodido para disfrutar
en vida de la santificación de su talento, del sesudo
baboseo de los comisarios del arte, del tributo a la
profundidad intelectual. No hay huellas de
autodestrucción en su asentada existencia, ni de la
autoridad que otorga el fracaso que se arrogaba el
verdaderamente trágico Scott Fitzgerald, ni sueños
despreciados o ignorados por la industria, ni naufragios
trascendentes en su dilatada obra, ni una personalidad
atormentada. Tampoco se le conocen problemas con el
alcohol ni con las drogas, ni una desbocada

sexualidad, ni broncas apocalípticas con los dueños del
tinglado. El pobre Spielberg no posee ninguno de los
atributos que van asociados a la fascinación. Aunque le
hayan asignado con razón el eterno papel de rey
Midas, es un fulano que siempre se lo ha montado de
discreto y de normal, cuyo único poder de seducción
estriba en la seguridad de que su cine conoce el
secreto para convencer al gran público, a la
convencional y embrutecida masa, de que pase por
taquilla. Ésta, tan fenicia ella, tan escasamente
preocupada por las sagradas cuestiones del espíritu,
se enamoró del mercader de ficciones cuando a la
increíble edad de 26 años demostró en la
imperecedera Tiburón saberlo todo para manejar las
emociones del espectador, para angustiarle y aterrarle,
para lograr que nadie medianamente normal volviera a
meterse en el mar cuando ha llegado la noche. Aquel
precoz triunfador y este pragmático todoterreno a cuya
creatividad siempre le ha sonado a chino la temible
palabra crisis, sigue abarrotando treinta y cinco años
después las gravemente enfermas salas de cine con la
última y febril aventura de un arqueólogo llamado
Indiana Jones. Se dedica a algo tan trivial como ofrecer
espectáculo, inventarse ficciones inocuas desafiando al
reto del más difícil todavía, reivindicar el movimiento
continuo, la sensación de que están ocurriendo cosas.
dediquen reconocimiento y mimo a un aparente
mercader como Spielberg. Tampoco se lo hubieran
otorgado a Hitchcock y a Hawks si la reflexiva
inteligencia de los cultos integrantes de la nouvelle
vague no se hubieran empeñado en demostrar algo
tan evidente como que estos directores, cuya regla
principal era que sus criaturas consiguieran la
bendición de la taquilla, estaban creando un arte tan
poderoso como inimitable con su cámara, con su forma
de contar historias. Se le puede reprochar al mago
Spielberg que en la esquizofrenia que puede provocar
atender simultáneamente a los intereses como
productor y como creador prevalezcan con frecuencia
los criterios del primero, su complacencia en los finales
excesivamente felices, sensibleros o didácticos, su
irregularidad, la obsesión por mantener siempre abierto
su próspero negocio, la alternancia entre lo que
necesita y lo que ama. Pero cuando se dedica a lo
segundo puede cerrar las boquitas más exigentes y
desdeñosas. Jamás se ha hecho una película tan
realista, veraz y estremecedora sobre la guerra como
Salvar al soldado Ryan. El retrato que hace de la
fisicidad, el miedo y el vértigo de los soldados que
protagonizan el desembarco de Normandía es
insuperable. Nadie ha descrito los mecanismos y el
horror del Holocausto con tanto genio y complejidad
como lo hace Spielberg en esa obra maestra titulada
La lista de Schindler. Munich, esa crónica angustiosa
de una implacable venganza, de los desgarros
emocionales y la factura anímica que tendrán que
pagar los ejecutores del Mosad, también es arte mayor.
Pero también pasará a la historia y con letras de oro el
otro Spielberg, el inventor inagotable de
entretenimiento digno, el creador de modas
perdurables, el que alimenta esa amenazada y bendita
costumbre de ir al cine.
Lo hace con talento, con humor, con un conocimiento
exhaustivo de los mecanismos del cine de acción,
otorgando deslumbrante sentido a los tantas veces
gratuitos efectos especiales, permitiéndose el lujo de
homenajear a sus eternas y extraterrestres obsesiones
con un final delirante. Y de acuerdo en que la
subvalorada etiqueta de cine de aventuras también
puede servir para crear una de las películas más
hermosas, líricas, épicas y conmovedoras de la historia
del cine como El hombre que pudo reinar, o el
proteico e incomparable vigor narrativo de Raoul
Walsh. O en que Homero, Cervantes, Melville y
Stevenson parieron novelas sublimes inscritas en el
género de aventuras. Y de acuerdo en que Indiana
Jones no se acerca ni de lejos a esos modelos, que se
mueve vocacionalmente en la parodia, en el guiño, en
la broma, en la diversión sin pretensiones de
trascendencia. Pero el juego que propone Spielberg
sigue siendo imaginativo, vitalista, inteligente y gozoso.
Cine de fórmula pero también vocacional, al gusto de
todo tipo de paladares, heredero de una tradición que
ha tenido, tiene y tendrá la adicción del mirón, circo del
bueno, tensión y gracia. Es altamente dudoso que las
filmotecas y los estudios críticos como dios manda le
'LA LISTA DE SCHINDLER': STEVEN
SPIELBERG RECUERDA EL
“TRAUMÁTICO RODAJE” EN UN
REENCUENTRO CON SUS
PROTAGONISTAS
Hace 26 años que Steven Spielberg dirigió 'La lista de
Schindler', una de las cintas más conmovedoras de su
filmografía y que ganó 7 Oscar. El Tribeca Film Festival
de Nueva York ha querido rendir homenaje a la cinta
reuniendo a todo su elenco para una proyección
especial y con un coloquio posterior en el que
participaron Liam Neeson (Oskar Schindler), Ben
Kingsley (Itzhak Stern), Embeth Davidtz (Helen Hirsch)
y Carolina Goodall (Emilie Schindler). Tras el
emocionante visionado, arrancó una charla conducida
por Janet Maslin, periodista del 'The New York Times' y
en la que Spielberg recalcó la importancia de enseñar
en los colegios esta época histórica con más
profundidad. “Debería ser un requisito para
graduarte en el instituto. Debería ser parte de los
programas de estudio de todas las escuelas de este
país”. Y no se refería a que se proyectara su película
en las aulas, sino a que se contaran “las historias de
los supervivientes del Holocausto”.

Las películas imprescindibles del IES León Felipe (2022-2023)
12 hombres sin piedad. Sidney Lumet, USA, 1957. (4º ESO)
El negativo de un juicio y
una lección de Psicología
Por Enrique Fernández Lópiz
Ficha técnica y artística
Título: 12 hombres sin piedad
Título original: 12 angry men
Dirección: Sidney Lumet
País: Estados Unidos
Año: 1957
Fecha de estreno: 29/07/1957
Duración: 96 min
Género: Drama
Reparto: Martin Balsam, John Fiedler, Lee J. Cobb,
E.G. Marshall, Jack Klugman, Ed Binns, Jack Warden,
Henry Fonda, Joseph Sweeney, Ed Begley
Guión: Reginald Rose
Sinopsis
Los doce miembros de un jurado deben juzgar a un
adolescente acusado de haber matado a su padre.
Todos menos uno están convencidos de la culpabilidad
del acusado. El que disiente intenta con sus
razonamientos introducir en el debate una duda
razonable que haga recapacitar a sus compañeros
para que cambien el sentido de su voto.
En Doce hombres sin piedad, los miembros de un
jurado en EE.UU. deben juzgar a un adolescente
acusado de parricidio. Al principio del film, once de los
doce componentes del jurado están decididos a
condenar al convicto a pena de muerte. Pero uno de
sus miembros, quizá el principal protagonista, Henry
Fonda, manifiesta sus dudas sobre el caso y decide
defender la inocencia del muchacho. A partir de ahí
intenta convencer a los otros miembros del tribunal
sobre la complejidad del asunto en el juicio, los errores
de la defensa y, pues, la previsible inocencia del
presunto asesino.
Es una película de calado, de envergadura, una genial
dirección de actores de parte de Sydney Lumet, que
consigue, en un ambiente asfixiante de calor y
claustrofóbico social y físicamente, meternos dentro del
corazón y la mente de hombres muy diversos que
constantemente se enfrentan con modales de enfado y
rabia (en realidad la película originalmente se titula
Doce hombres enfadados: (“Twelve Angry Men”)
pugnando por sus propias valoraciones sobre el caso,
lo que suscita las más interesantes pero también
peregrinas valoraciones. Todo ello en un ambiente que
Lumet hace irrespirable entre gestos crispados e
íntimas angustias.
Si la dirección de Lumet es fantástica, no menos lo son
el gran guión de Reginald Rose, un guión que aborda
el comportamiento humano en su más pura esencia; la
magnífica la música de Kenyon Hopkins; y la

fotografía en blanco y negro de Boris Kaufman que
hace refulgir la angosta habitación donde están
reunidos los doce hombres.
Doce hombres sin piedad es, como su título indica,
una grandiosa interpretación coral de doce actores
metidos en una habitación dirimiendo sobre la
culpabilidad de un convicto. El espectador no ha
presenciado el juicio, pues la película se inicia
prácticamente con el final del mismo y el comienzo de
las deliberaciones del jurado. Y en la habitación donde
están los doce hombres (ninguna mujer en toda la
película), se va haciendo un repaso de ese juicio, una
disección del mismo, de modo que al final es como si lo
hubiéramos presenciado, pero en diferido. Esta película
es, por así decirlo, el negativo del juicio.
En 1957 este film mereció los siguientes Premios y
nominaciones. 3 nominaciones al Oscar: Mejor
película, director, guión adaptado. Globos de Oro: 4
nominaciones, incluyendo mejor película drama,
director y actor. BAFTA: mejor actor extranjero (Henry
Fonda). Nominada a la mejor película. Festival de
Berlín: Oso de Oro, Premio OCIC. Círculo de Críticos
de Nueva York: 2 Nominaciones. Yo creo que habría
merecido más, bastante más.
Tal vez no fue más premiada porque la cinta quizá
peca un tanto de teatralidad, pero la dirección de
Lumet y el elenco de excelentes actores en perfecta
armonía interpretativa, diluyen este presunto
inconveniente, haciendo del film toda una lección
psicológica sobre la naturaleza humana, sus filias, sus
fobias, los prejuicios omnipresentes, el egoísmo, la
irracionalidad, las fluctuaciones en el ánimo y en las
opiniones de los personajes, la persuasión, la
parcialidad, la vida personal de algunos de los
miembros de este singular grupo.
En esta película se masca la tensión, el vibrante y
tenso ambiente proveniente de personalidades
diferentes, de los conflictos que cada cual aporta al
escenario del jurado, los diálogos que a veces son pura
dinamita. Por lo tanto, más que por la acción, la tensión
proviene de los intercambios verbales y del lenguaje
corporal de sus protagonistas. Y es que en la sala hay
de todo tipo de plumaje humano. Lo hay bien educado,
lo hay inocentón, iracundo, con escaso autocontrol,
soberbio y prepotente, hay uno de ellos con una
infancia en los suburbios, lo hay inhibido, o cretino, con
capacidad de razonamiento, prejuicioso,
experimentado, humilde, frívolo ¡Hay de todo!
Y todos están magníficos en sus roles anónimos, en
esta especie de oposición más que diálogo por
alcanzar un veredicto consensuado y unánime como
exige la Ley. Una obra donde más que el convicto se
juzga la intransigencia, los prejuicios de todo tipo
(étnicos, generacionales y los de clase social). Y
cuán difícil es ver en estos hombres enojados y con
estas lacras, lo que más falta hace para juzgar: la
sencillez y la racionalidad, la honestidad y el equilibrio
personal expresado a través de la entereza, el diálogo
y la capacidad de comunicación. Pues se está
dirimiendo la vida de un hombre; no se puede
anteponer una entrada para un espectáculo, acabar
pronto o querer marcharse rápido frente a esta sublime
responsabilidad. Y no hemos de olvidar el cariz
ideológico de Lumet, un hombre de todo punto biofílico
(según la denominación de Fromm, o sea, una
persona a favor de la vida), contra la pena de muerte y
una virulenta y cáustica crítica al sistema judicial
norteamericano. Una película que por todas estas
razones sigue teniendo aun hoy día un gran impacto en
el espectador, que sin duda no saldrá del film igual que
entró.
La película es un prodigio de técnica
cinematográfica. Lumet demuestra un
dominio virtuoso de la cámara y el montaje,
consiguiendo que el espectador vibre con una
historia que transcurre durante más de una
hora en el mismo escenario. La película se
cimenta en 12 personajes, doce personas que
deben decidir sobre la vida de un chico,
aparentemente culpable de asesinar a su
padre. Los personajes están bien dibujados,
tienen carisma, no son calcomanías. Bien
podría decirse que los 12 son un reflejo de la
humanidad en general, cómo algunos se
toman la justicia como una mera decisión
emocional, poco meditada o espontánea, en
base a apariencias, y cómo para otros es un
elemento trascendental, que requiere
razonamiento, preparación y andar con pies
de plomo. La vida de un hombre está en
juego, y algunos ni se molestan en recapacitar
sobre sus propios prejuicios. La batuta de la
orquesta la tiene Henry Fonda, en uno de sus
papeles más memorables, que, como
Descartes, acerca al tribunal a la verdad a
base de constantes dudas. Platón hubiera
estado orgulloso de este diálogo. Muchos
comparan Doce hombres sin piedad con el
teatro, y sí, es cierto que tiene mucho de
dramaturgia, pero tiene aún más de cine. Es
la cámara la que consigue que en un principio
se engrandezca la distancia entre los
personajes, y que con el transcurso del film se
vayan acercando hasta provocar una
sensación claustrofóbica. Una película para
tomar nota. "Donde quiera que se
encuentre el prejuicio, siempre nubla la
verdad", dice Henry Fonda en esta película.

Las películas imprescindibles del IES León Felipe (2022-2023)
Ágora, Alejandro Amenábar, España, 2009 (1º Bachillerato)
ÁGORA
Todos los detalles de la producción fueron
cuidados en extremo. Desde la magnífica
recreación de la Alejandría del Siglo IV,
hasta la época en la que el Cristianismo se
convertía en la religión oficial del extinto
Imperio Romano, pasando de perseguidos a
persecutores. Una historia de amor por la
ciencia, de comprender lo que nos rodea
más allá de dogmas en contraposición con
la ignorancia promulgada por, precisamente,
esos mismos dogmas que de forma plana e
insensata.
Esos mismos fundamentalistas religiosos
fueron los responsables de la destrucción
de la mayor fuente de conocimiento del
mundo antiguo. Algo que, según muchos
expertos, hizo retroceder el proceso
tecnológico de la humanidad más de cuatro
siglos.
Ágora es una película totalmente
recomendable. Dramática, impactante y con
un gran trasfondo. Alejandro Amenábar lo
consigue de nuevo.
SINOPSIS
Mar Adentro fue la última vez que Alejandro
Amenábar llegaba hasta las pantallas de
cine. Y con ella se llevó el Oscar de
Hollywood. Ahora, con la historia de Hipatia
de Alejandría, Amenábar trata de ir aún más
allá con una extremadamente ambiciosa
producción que consigue cautivar de
principio a fin.
Siglo IV. Egipto bajo el Imperio Romano.
Las violentas revueltas religiosas en las
calles de Alejandría alcanzan a su
legendaria Biblioteca. Atrapada tras sus
muros, la brillante astrónoma Hipatia lucha
por salvar la sabiduría del Mundo Antiguo
con la ayuda de sus discípulos. Entre ellos,
los dos hombres que se disputan su
corazón: Orestes y el joven esclavo Davo

que se debate entre el amor que le profesa
en secreto y la libertad que podría alcanzar
uniéndose al imparable ascenso de los
cristianos.
FICHA TÉCNICA Y
ARTÍSTICA:
Dirección: Alejandro Amenábar.
País: España.
Año: 2009.
Duración: 126 min
Interpretación: Rachel Weisz (Hipatia),
Max Minghella (Davo), Oscar Isaac
(Orestes), Ashaf Barhom (Amonio), Michael
Lonsdale (Teón), Rupert Evans (Sinesio),
Homayoun Ershadi (Aspasio), Omar
Mostafa (Isidoro), Oshri Cohen (Medoro),
Sammy Samir (Cirilo), Richard Durden
(Olimpio), Yousef Sweid (Pedro).
Guión: Alejandro Amenábar y Mateo Gil.
Producción: Fernando Bovaira
Música: Dario Marianelli.
Fotografía: Xavi Giménez.
Montaje: Nacho Ruiz Capillas.
Diseño de producción: Guy Hendrix Dyas..
planeta en el que tenemos que convivir todos. Lo
único que denuncio es que si para defender las
ideas tienes que defender la violencia, te
conviertes en un insecto.
¿Puede explicar por qué ha titulado así su
película?
Ágora me parecía el único título posible. Lo que
más nos ha costado ha sido encontrar el título, no
sabíamos cómo llamarla. Pero cuando ves que en
el ágora se precipitó todo, la reyerta de los
paganos contra los cristianos; y la simetría de la
propia palabra, con el círculo en el centro, te das
cuenta de que es el título perfecto.
No soportaría un mundo en el que toda la gente
pensara igual que yo
También marca una línea en el suelo entre el
pensamiento racional y el irracional...
Entrevista a Amenábar:
Pocas horas después de haber proyectado Ágora,
en la sección oficial de Cannes, el realizador
compartió frente a la prensa española los
entresijos del rodaje de su última cinta.
La cinta empezó como un proyecto para
hablar de las estrellas y acabado siendo algo
más denso. ¿Es cierto?
La película empezó con una reflexión sobre las
estrellas y hemos acabado, de un modo bastante
lógico, hablando de Hipatia y de Alejandría.
Respecto a la cinta, quiero mostrar que yo no
soportaría un mundo en que toda la gente
pensara igual que yo, que no hubiera gente mas
progresista o conservadora que yo. Es algo con
lo que hay que vivir. Somos diferentes, por
muchas afinidades que tengas con otras personas.
¿Quiere denunciar a aquellos que quieren
imponer sus ideas por la fuerza?
En el set de rodaje convivían agnósticos, ateos,
musulmanes, cristianos, judíos... Todos nos
levantábamos por la mañana y hacíamos la
película, todos juntos. El ágora, en el fondo, es el
Cuando usas tu razón contra la sinrazón y no
puedes defenderte es muy injusto. Ágora tiene
una visión humanista. He intentado ver las cosas
desde un punto de vista humano, vemos la tierra
desde la estratosfera y lo hacemos como si
estuviéramos subidos a un satélite. Es una visión
humanista y racionalista, y no por eso tiene que
ser menos apasionada.
¿Había pensado en Rachel Weisz para el
papel?
Habíamos seguido la carrera de Rachel Weisz y
la directora de casting la sugirió entre varios
nombres. Nos pareció perfecta. Reúne el lado
intelectual; es una persona brillante que podía
entender la complejidad de la astronomía; y
también tiene la pasión y la belleza. Lo que no
sabía, es que además es una buenísima persona.
En la cinta hay muchos planos desde el cielo.
¿Quería mostrar la insignificancia de los
hombres?
Buscábamos una aproximación al mundo del
pasado. Cuando cuentas algo que ha pasado hace

1.600 años en películas épicas, lo tiendes a ver
desde un punto de vista épico y me parece que es
muy distante, que no te llega. Queríamos llevar
al espectador muy cerca y a veces la mejor
manera de conseguirlo es usar la cámara lenta.
Pero nos dimos cuenta que si acelerábamos la
velocidad los hombres parecían hormigas, y se
conseguía llamar la atención sobre lo absurdo
que era lo que hacían allí abajo. También quería
cambiar la perspectiva a la hora de ver las cosas.
Esto es una gran tragedia, pero mírala en
comparación con todo esto, con las estrellas de
alrededor.
¿Hipatia es un icono feminista?
Creo que sí, es obvio que es un icono feminista.
Es una mujer rodeada de hombres, pero una
mujer que defiende su integridad y que quiere ser
tratada como un intelectual más.
¿Ágora es su particular homenaje a los
astrónomos?
Quería que fuera un homenaje a los astrónomos
y a todos los que nos han abierto los ojos,
además de ser un homenaje en el año de la
astronomía. Pero era inabarcable hacer una cinta
que fuera desde Hipatia a Einstein, pero había
mucho en la historia de ella y en su contexto que
hacía muy interesante la película.
Pensaba que en el rodaje iba a haber muchas
desgracias, que un huracán nos llevaría el
decorado
¿Cuál es el porcentaje de hechos reales de lo
que se ve en la película?
Creo que se ajusta razonablemente mucho a la
realidad. Lo digo sabiendo que ni ésta ni Mar
adentro son exactamente reales al 100%. Pero
creo que se puede decir que está basada en
hechos reales, el personaje de ella es real. Hemos
cambiado el final. A Hipatia la mutilaron y la
descuartizaron y lo cambiamos en el último
momento por una lapidación porque me parecía
que tiene una connotación más actual. Es algo
que pasa hoy en día.
¿Ha querido hacer alguna analogía con la
situación política actual?
Ágora te muestra el momento en el que un grupo
toma las armas y empieza a impartir justicia por
su cuenta. Ahí es cuando empieza el problema.
El juego que quise hacer, que puede ser un poco
burdo, es que el imperio romano es Estados
Unidos, Alejandría representa las provincias y
Europa es la provincia, una cultura más ancestral.
En cuanto el imperio entra en crisis, todo lo que
está alrededor lo hace. Y de pronto emerge un
grupo que tiene un elemento que le hace más
atractivo y eso es lo que atrae a la gente.
¿Cuál ha sido su rodaje más difícil?
Abre los ojos, por las complejidades del guión, y
los problemas con el maquillaje de Eduardo
Noriega y Los otros, que era un proyecto que
para mi era un salto tremendo: entrar en contacto
con Hollywood, que no conocía, rodar con niños,
que no lo había hecho nunca, y rodar con una
estrella como Nicole Kidman, que no lo había
hecho nunca. De ella aprendí mucho, nunca he
vuelto a ver la interpretación igual después de
trabajar con ella. En Ágora, el problema eran las
dimensiones del proyecto. Pensaba que iban a
pasar desgracias, que un huracán nos llevaría el
decorado, pero no, ha salido todo muy bien.
Fuente: 20minutos.es
FILMOGRAFÍA Y PREMIOS:
Cortometrajes
Películas
1991 - La Cabeza (corto)
1992 - La extraña obsesión del Doctor
Morbius (corto)
1992 - Himenóptero
1995 - Luna
1996 - Tesis
1997 - Abre los ojos
2001 - Los Otros
2004 - Mar Adentro
2009 - Ágora
2017 Regresión
2019 Mientras dure la guerra

- Oscar a la Mejor película de habla no inglesa en
2005 por Mar adentro.
- Premios Goya a la Mejor película, Mejor director,
Mejor guión original y Mejor música original por Mar
adentro en 2004.
- Premios Goya a la Mejor película, Mejor director y
Mejor guión original por Los otros en 2001..
y porque aunque conocía la vida de Hipatia, el verlo
en la película fue como verla realmente", indicó.
'Una maestra carismática que dejó huella'
Hipatia fue una astrónoma, matemática y filósofa que
nació en el siglo IV en la ciudad egipcia de
Alejandría. Según apunta el Año Internacional de la
- Premios Goya a la Mejor película, Mejor dirección
novel, Mejor guión original por Tesis en 1996.
Hipatia de Alejandría divide a los
científicos
Científicos españoles, entre los que se encuentran
diversos astrónomos, pedagogos, antropólogos y
sociólogos, han criticado este jueves el protagonismo
de Hipatia de Alejandría en la recientemente
estrenada película 'Ágora', dirigida por el director
español Alejandro Amenábar, al considerar que
apenas quedan restos de su obra.
Francesca Figueras, coordinadora de la actividad
'Ella es una astrónoma', del Año Internacional de la
Astronomía (AIA-IYA 2009), opina que la película sí
que refleja el papel de Hipatia como la primera
mujer astrónoma y matemática, aunque "resbala
un poco". A su juicio, deja entrever que ella fue la
descubridora de la Teoría Heliocéntrica y "no fue
así".
Por su parte, el investigador del Instituto de
Astrofísica de Andalucía, Víctor Manuel Muñoz, cree
que Alejandro Amenábar "se toma unas licencias
históricas" a la hora de dirigir este largometraje
porque en su opinión, apenas se conoce la obra de
la científica. "No queda nada de ella y me sorprende
que se ponga a Hipatia como descubridora de esta
Teoría, ya que no fue hasta Kepler cuando se
descubrió", subrayó.
Críticas y elogios
En la misma línea, el libro 'Hipatia de Alejandría',
editado especialmente para la presentación de la
película de Amenábar, recoge la opinión de un
equipo de expertos en esta materia que consideran
que 'Ágora' tiene "grandes ventajas y graves
inconvenientes" al reflejar a este personaje.
Los expertos sostienen que se conoce muy poco
sobre la obra de Hipatia.
"Gracias a Amenábar muchísimas personas van a oír
hablar por primera vez de Hipatia. Recupera con
gran belleza esta historia artística con un trabajo
cinematográfico riguroso", señalan. Sin embargo,
dicen que el argumento se ha basado en "uno de los
peores" materiales sobre la científica, procedente del
autor Carl Sagan.
Por el contrario, la presidenta de la Sociedad
Malagueña de Astronomía, Blanca Troughton, indicó
que la película está muy bien adaptada a la parte
histórica así como al papel de Hipatia, especialmente
con las matemáticas y los conocimientos de su
tiempo. "Me quedé impresionada por todo el montaje
Astronomía (AIA) en su página web, no se conserva
ninguna de sus obras, aunque los historiadores
afirman que escribió tratados sobre matemáticas
(cónicas, geometría euclídea y aritmética diofantina)
y Astronomía (tablas ptolemaicas y explicaciones del
Almagesto de Ptolomeo). Aunque no se conserva
ninguno, los historiadores afirman que escribió
tratados sobre matemáticas y Astronomía.
También se cree que mejoró y construyó
instrumentos astronómicos como el astrolabio o el
planisferio. Los comentaristas la describen como una
maestra carismática que dejó una profunda huella en
sus discípulos, algunos de ellos también importantes
científicos de la época. "Esta astrónoma, matemática
y filósofa de la época fue asesinada a manos de
una horda enfurecida por defender la
racionalidad y el paganismo", explica el AIA. En
este sentido, la coordinadora española del AIA,
Montserrat Villar afirmó que "aprovechando el tirón
del estreno de Ágora" se está dando especial
difusión al proyecto 'Ella es una Astrónoma', con
numerosas actividades como conferencias o
programas de televisión. Así se llama uno de los
proyectos pilares impulsados por la Unión
Astronómica Internacional y la UNESCO para el Año
Internacional de la Astronomía 2009, con el objetivo
de promover la igualdad entre géneros en este
campo. Aproximadamente la cuarta parte de los
astrónomos profesionales son mujeres. Sin
embargo, hay grandes diferencias geográficas, con
países donde más del 50% de las profesionales son
mujeres, y otros donde apenas existe representación
femenina. En España, sólo el 26% de los
investigadores en proyectos financiados son
mujeres, y este porcentaje se reduce al 10% en el
mundo 'amateur'.

Las películas imprescindibles del IES León Felipe (2022-2023)
Quiero ser como Beckham. Gurinder Chadna, Reino Unido, 2002
8 de marzo del 2018. Día Internacional de la Mujer.
Ficha Técnica
Duración: 112 minutes
Director: Gurinder Chadha
Música: Craig Pruess
Nacionalidad: Reino Unido
Productor: Gurinder Chadha, Deepak Nayar
Guión: Gurinder Chadha, Paul Mayeda Berges,
Guljit Bindra
Intèrpretes: Parminder K. Nagra, Keira Knightley,
Jonathan Rhys Meyers, Juliet Stevenson, Anupam
Kher
Fotografía: Jong Lin
Año: 2002
Sinopsis
Jesminder es una chica de 18 años que vive con su
familia en el West London, el barrio más hindú de la
ciudad. Sus padres quieren que sea educada y
aleccionada para ser la perfecta esposa india, pero
ella no tiene tiempo para pensar en esas cosas
porque solo le interesa jugar al fútbol con sus
amigos y besar la foto de su ídolo, David Beckham,
la estrella del Manchester United. La directora de
origen kenyano Gurinder Chadha ("Bodas y
prejuicios") es la artífice de esta comedia que,
contando la historia de dos adolescentes que tienen
como mayor sueño llegar a ser estrellas del fútbol,
se convirtió en una de las sorpresas comerciales del
cine británico de 2002, en la estela de otros grandes
éxitos del cine de aquel país, como "The Full Monty"
o "Billy Elliot". En clave de humor y con la figura del
futbolista más popular del Reino Unido del momento
como tema principal, "Quiero ser como Beckham"
explora temas como la igualdad entre hombres y
mujeres, el matrimonio, la diversidad multicultural de
una ciudad como Londres y el inevitable choque
entre la tradición y la modernidad.
TEMAS PRINCIPALES
Roles de género.
En la vida de Jesminder, sus deseos van contra
las presiones externas de la socialización por el
hecho de ser mujer. Las adultas que tiene a su
alrededor (su propia madre, la madre de Jules) se
erigen en guardianas de la tradición y le exigen
que se amolde al rol tradicional asociado a su
destino biológico. Igualmente, por su rebelión
contra los parámetros de la feminidad tradicional,
Jules se convierte para su progenitora en
sospechosa de homosexualidad; al contrario que
Tony, cuya condición de varón de origen indio
parece excluir cualquier posibilidad de desviación
respecto de la masculinidad más ancestral. Así,
todos los personajes jóvenes de la película
(también Joe, los amigos de Tony, la hermana de
Jess, etc.) están atrapados en el mandato de
género, que unido a la cultura específica de cada

grupo presenta unas exigencias más o menos
estrictas. El modo en que la directora utiliza el
humor para tratar este tema no le resta
importancia al que es uno de los factores claves
de la discriminación en la actualidad: el género y
sus exigencias socioculturales.
Discriminación.
Quiero ser como Beckham no sólo habla del
mandato de género. También, de una forma
divertida y comprensible para el público juvenil,
presenta otras situaciones de discriminación por
razón de nacionalidad, raza, etnia, religión o
condición sexual. Cuando el padre de Jess
accede a dejarla jugar al fútbol es, entre otras
cosas, porque ha reconocido en ella el mismo
mecanismo de discriminación que él sufrió cuando
no se le permitió jugar al críquet en Inglaterra por
ser indio. Con ejemplos como éste, Chadha insiste
en el carácter continuado del concepto de
discriminación, que en el caso de Jess suma las
variables de etnia, cultura y género, pero que
todos los personajes tienen el potencial de haber
conocido o sufrido en algún momento por alguno
de los rasgos de su identidad.
Conflictos de identidad.
Al situar como protagonista del filme a una
adolescente no blanca, de una cultura y religión
minoritarias en su país y con deseos que se
apartan de las tradiciones de sus antepasados y
antepasadas, la directora coloca en el centro de la
trama a un personaje en crisis absoluta. Jess
debe negociar su propia entrada como mujer en el
mundo adulto al tiempo que se enfrenta a la
cultura dominante (patriarcal, blanca y cristiana) y
a las generaciones anteriores a la suya
(especialmente a su madre y otras mujeres
mayores de su familia), entrando en una pugna
que adquiere resonancias culturales,
intergeneracionales, de género, etc. y que le
permitirá, al salir airosa, definir su compleja
identidad de una forma satisfactoria.
Choque generacional.
En una historia que se centra en los personajes
jóvenes, las personas adultas de la película son
fuente de conflictos, pero también de altas dosis
de humor. Algunos de los problemas que plantea
Chadha tienen posiblemente valor para personas
de la misma edad que Jess en muy distintas
culturas, y la chica puede ser un modelo de
heroína para públicos de diferentes países. En su
caso el choque generacional viene subrayado por
su condición híbrida, que le permite ser devota del
Guru Nanak y fan de David Beckham al mismo
tiempo, conciliando religión y cultura popular en un
ejemplo claro de política de localización
postmoderna.
PREGUNTAS INMEDIATAS AL VISIONADO
1 ¿Por qué crees que la directora eligió el mundo
del fútbol como escenario para su película? ¿Por
qué precisamente Beckham como ídolo y
confidente (en su imaginación) de Jess?
2. ¿Te has identificado con la protagonista?
¿Crees que el hecho de que pertenezca a una
cultura que queda lejos al público español puede
restar efectividad a la historia?
3. Comenta las declaraciones de Gurinder Chadha
cuando afirma que quería “hacer una película
con imágenes de todo tipo de chicas – altas,
gordas, delgadas, bajas, o como fueran, pero
todas con aspecto de poder y autoconfianza,
felices con lo que hacen y por lo tanto felices
con sus cuerpos”. ¿Crees que lo ha conseguido?
¿Cuál es el objetivo de esta idea y de su
realización sobre la pantalla?
Actividades
Educación no sexista
1. Analiza la situación de la protagonista.
¿Crees que sus padres hubieran actuado
igual si se hubiera tratado de un hombre?
2. ¿Las familias educan de la misma forma a los
hijos que a las hijas? Responde pensando en
tu propia familia si tienes hermanos/as del
sexo contrario o bien en familias que
conozcas. ¿En qué se traduce en la vida
cotidiana? ¿Y en las expectativas de futuro?
3. ¿Qué valores encuentras en la madre de
Jess? ¿Con qué tipo de culturas los
identificarías?
4. ¿Consideras que, hoy en día, sólo sufren
discriminación las mujeres que pertenecen a
países pobres? Justifica la respuesta.
¿Consideras que existen tareas o profesiones
de mujeres o de hombres? ¿Tu respuesta
viene dada por la realidad que te rodea?
¿Crees que es así en el conjunto de la
sociedad?

5. Según tu opinión ¿una mujer no es
“femenina” si no viste de determinada manera
o no sabe cocinar? Razona tu respuesta.
6. Valora ahora la siguiente afirmación que hace
la madre de Jules cuando ya sabe que su hija
no es lesbiana: “No tengo nada en contra de
las lesbianas”.
7. ¿Cómo reaccionarías si tus padres
escogieran por ti unos estudios o una
profesión? ¿Y una pareja? Según lo que
acabas de responder, ¿cómo deberían actuar
los padres cuando sus hijos/hijas se
enfrentan a la situación de tener que escoger
entre distintas opciones de estudios o
profesiones?
'QUIERO SER COMO BECKHAM', NUEVA
GOZOSA COMEDIA BRITÁNICA
historia de una joven que desea ser futbolista.
La protagonista Jess (Parminder Nagra) es
una chica india a la que le entusiasma el
fútbol y que desea poder llegar a jugar como
su héroe David Beckham. Mientras ella le da
al balompié en un parque, su familia prepara
la boda de su hermana tal y como lo exige la
cultura hindú. Sus padres se niegan a que la
joven pueda jugar. Jess conoce a Jules (Keira
Knightley), una chica blanca que le ofrece
formar parte de su equipo de fútbol femenino.
Gurinder Chadha no ha querido que Quiero
ser Beckham sea sólo una comedia, sino que
retrata con dosis de humor la frustación que
sienten los padres cuando los hijos se
desmarcan del camino que ellos habían
trazado en sus sueños. Inicialmente, Chadha
tuvo problemas para la financiación de la
película: 'Era difícil convencer a los productores con
un tema como el que tocábamos. La gente no veía
muy claro eso de una película sobre chicas que
juegan al fútbol. Me entusiasmó cuando salió a la
calle con 480 copias y el éxito que ha tenido'. La
realizadora manifestó que cuando David Beckham vio
la cinta les dio todo su apoyo: 'No aparece en la
película por problemas de calendario, pero estaba
dispuesto a participar en una escena de la película'.
Apunta la realizadora que 'aunque el fútbol es una
La película de Gurinder Chadha es una
producción de bajo presupuesto y gran
riqueza imaginativa que descubre el
mundo del fútbol femenino y que narra la
pasión de una chica hindú por la estrella
del Manchester United
Mezcla de culturas, pasión por el fútbol y
amor son los ingredientes que ha utilizado la
directora británica Gurinder Chadha para
llevar a la pantalla Quiero ser como
Beckham.
Llegar a marcar un gol como el
centrocampista del Manchester David
Beckham es el sueño de muchos
apasionados por el fútbol, pero cuando la que
lo desea es una chica, y además hindú, la
cosa se complica bastante más de lo normal.
La pasión que sienten muchas adolescentes
británicas por la estrella del Manchester
United ha sido utilizada como elemento de
enganche por la realizadora británica de
origen asiático para narrar en su película la
parte fundamental del guión, quería centrarme en las
chicas y en sus entornos familiares. En algunos
aspectos es la película más autobiográfica que he
hecho hasta ahora, no sólo porque se ha rodado en
Southall, sino porque la relación entre Jess y su padre
es muy similar a la que tuve con el mío. He hecho esta
película como un homenaje a mi padre'. Parminder
Nagra tuvo que aprender durante dos meses a jugar al
fútbol para poder interpretar su primer papel en el cine.
'Me costó muchísimo. No es nada fácil lograr que la
pelota haga lo que tú quieres. Cuando intentas lanzar
un gol todo se complica, pero me sentí muy orgullosa
cuando conseguí que el balón entrase en la portería'.
Jonathan Rhys Meyers, conocido por su papel de
estrella del rock and roll en Velvet Goldime, manifestó
que su papel de entrenador de un equipo de fútbol
femenino fue un reto. 'En un principio creí que no era la
persona adecuada para realizar ese papel, y eso
mismo me llevó a interpretarla. Fue un desafío
profesional'.

Las películas imprescindibles del IES León Felipe (2022-2023)
Tiempos Modernos. Charles Chaplin, EEUU, 1936 (Ciclo Formativo de Grado Medio)
una manifestación, en la que se encontraba por
casualidad. En la cárcel, también sin pretenderlo,
ayuda a controlar un motín por lo que gana su libertad.
Una vez fuera de la cárcel reemprende la lucha por la
supervivencia, lucha que compartirá con una joven
huérfana que conoce en la calle.
TIEMPOS MODERNOS
Ficha técnica y artística
Título: Tiempos modernos
Título original: Modern Times
Dirección: Charles Chaplin
País: Estados Unidos
Año: 1936
Fecha de estreno: 25/02/1936
Duración: 87 min
Género: Drama, Comedia
Calificación: Apta para todos los públicos
Reparto: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry
Bergman, Tiny Sandford, Chester Conklin, Hank Mann,
Stanley Blystone, Al Ernest Garcia, Richard Alexander,
Cecil Reynolds
Distribuidora: United Artists
Productora: Charles Chaplin Productions
Sinopsis
Un obrero de la industria del acero acaba perdiendo la
razón, extenuado por el frenético ritmo de su trabajo.
Después de pasar un tiempo en el hospital
recuperándose, al salir es encarcelado por participar en
Charles Chaplin es el sumo hacedor
de "Tiempos modernos", en los
créditos figura como director,
protagonista, guionista y responsable
de la música. Concebida como una
película muda, sátira de las nuevas
tecnologías y el progreso de la época,
la película defiende la libertad del
individuo frente a la industrialización.
Crítica
Siguiendo fiel al cine mudo, cuando el
sonoro se había impuesto sin reservas,
Chaplin introdujo una sola secuencia cantada,
que constituye el momento más divertido del
film. Propone una visión satírica del
mecanicismo industrial, que se combina con
una amarga visión de la crisis económica de
la época. Es una de las obras maestras de su
autor, donde el perfecto acabado encierra una
lúcida reflexión sobre la historia inmediata.

REPORTAJE:CINE DE ORO
'Tiempos
modernos'
Joaquín Estefanía. El País, 12 de agosto 2005
Henry Ford, fundador de la Ford Motor
Company, da nombre al fordismo, un método
de trabajo en las fábricas que consiste en la
producción masiva de cosas (en este caso,
automóviles), con la utilización de cadenas de
montaje con cadencias cada vez más
elevadas, estudiándose los tiempos y cada
uno de los movimientos de los obreros que
participan en esas cadenas. Una de las
primeras expresiones del fordismo aparece en
el cine de la mano de Tiempos modernos, una
maravillosa película de Charles Chaplin en la
que éste hace de director, guionista,
protagonista y compositor de la música.
Tiempos modernos es, junto a Luces en la
ciudad, una de las dos únicas películas
habladas de Charlot.
El mismo hombrecillo del bigote de otras
cintas labora aquí como obrero en la cadena
de montaje de la empresa Electro Steel Corp.,
pero pierde su trabajo al no poder adaptarse
al método y al ritmo de la producción (el
presidente de la compañía, que vigila a través
de unas cámaras el trabajo de los autómatas
mientras hace un puzzle y lee el periódico,
dice al encargado: "Deles un poco más"). El
hombrecillo se vuelve loco y sufre una
depresión nerviosa. Al salir a la calle se da
cuenta del hambre y enorme desempleo que
asola a la gente. Conoce a una joven
abandonada en las calles (Paulette Godard),
a la que se denomina La Golfilla (cuyo padre
ha sido asesinado en el desarrollo de una
huelga), y juntos irán en busca de un sueldo y
de la felicidad. Éste es, en definitiva, el
argumento de Tiempos modernos, la tragedia
de un tiempo y un lugar concretos (los EE UU
de después de la Gran Depresión de 1929),
tratada, como siempre hace Chaplin, en
tiempo de comedia, lo que elimina cualquier
peligro panfletario. Cuando comienza la cinta,
un letrero anuncia irónico lo que vamos a ver:
"Tiempos modernos. Una historia sobre la
industria, sobre la iniciativa individual. La
cruzada de la humanidad en busca de la
felicidad".
El filme es del año 1936. El año en que
comienza la Guerra Civil en España. El
mundo vive las consecuencias más
dramáticas del crash de 1929, que ha tenido
como epicentro Wall Street y se ha extendido
como un reguero de pólvora por todo el
mundo. Es la crisis más grave del capitalismo:
paro masivo, hambre, disturbios, huelgas,
cierre de empresas, suicidios, falta de
esperanza, desigualdades, intolerancia ante el
otro... Para evitar otra recesión tan acerada es
para lo que Franklin Delano Roosevelt pondrá
en marcha el New Deal (Nuevo Pacto, que
consistía en un reparto de los sacrificios y de
los beneficios) y Europa el Welfare State
(Estado de bienestar), una especie de
revolución pasiva del sistema. Pero ello ya no

lo filmará un Chaplin muy preocupado por la
falta de alternativas a la crisis económica.
Nuestro hombre sale de Hollywood y ha
hecho una gira triunfal por Europa, donde
descubre el despertar de los nacionalismos
excluyentes, del nazismo que retratará en El
Gran Dictador.
Un tal G. Caín, crítico de cine cubano (la otra
personalidad de Guillermo Cabrera Infante),
escribe en Un oficio del siglo XX que todas las
películas de Chaplin son autobiográficas:
"Tiempos modernos es el creador,
individualista, atrapado por una máquina de
fabricar productos en serie (Hollywood), vuelto
loco por ella (Chaplin mismo sufrió una grave
crisis mental) y rescatado por amor". Ésa es la
segunda lectura de la película: La Golfilla roba
una barra de pan para comer y Charlot se
autoinculpa del robo y va a la cárcel; a partir
de ahí se establece una relación de amor
platónico y de solidaridad entre los dos, que
sólo termina cuando acaba el filme y caminan
ambos hacia el horizonte, después de haber
gritado con vehemencia "¡Saldremos
adelante!". En esto también hay autobiografía,
pues Paulette Godard y Chaplin compartieron
años en común. Por cierto, todas las mujeres
que aparecen en la película, excepto La
Golfilla, son antipáticas. ¿Misoginia de
Chaplin?
La elevación de los problemas de la humanidad a
la categoría de comedia sublime, que para la
mayoría es uno de los logros mayores del cine de
Chaplin (que coloca en las listas de mejores
películas de todos los tiempos varias de sus
cintas), no gustó a todos por su
intelectualismo. Es conocido el desapego de
Buñuel hacia la obra de Chaplin. Fernando
Trueba (al que tampoco resulta muy simpático
nuestro director y que prefiere la humildad de
Keaton), cita en su Diccionario del cine una
opinión del director baturro: "Charlot ya no
hace reír más que a los intelectuales. Los
niños se aburren con él. Los campesinos no lo
comprenden. Ha podido llegar a todos los
snobs, a todas las sociedades de cursos y
conferencias del mundo. Las marquesas
dicen c'est delicieux o lloran cuando ven vacía
la pista del circo. Aún hay algún viejo
putrefacto que se mantiene puro y habla del
'corazón ignoble de Charlot'. Ha desertado del
bando de los niños y ahora se dirige a los
artistas y a los intelectuales. Pero del
recuerdo de los tiempos en que no pretendía
ser más que un payaso, tengamos para él un
piadoso merde y no volvamos ya nunca a
verlo".
No es cierto. Seguramente las teorías
económicas que Chaplin planteó a lumbreras
como H. G. Wells, Einstein o Gandhi para salir
de la crisis fueron demasiado solemnes. No lo
sé. Pero volver a ver Tiempos modernos 70
años después de su estreno es revalidar el
arte de Charlot, su comicidad, su gestualidad,
su superioridad como mimo. Si hubiera que
significar alguna escena más memorable que
las demás, señalaría una que lleva al
paroxismo: cuando el obrero alienado es
obligado a probar una máquina para comer al
tiempo que se trabaja, suprimiendo el tiempo
del almuerzo. El inventor de tal maquinaria de
tortura se dirige al presidente de la empresa
con estas palabras tan actuales: "Aumentará
su productividad y reducirá el capítulo de
gastos".
Tiempos modernos no ha envejecido, sino
todo lo contrario.