Programa general | OFUNAM Tercera temporada 2023

TERCERA TEMPORADA 2023

Fotografía en portada: Gustav Mahler

LA LUCIDEZ ES
EL PRIMER PROPÓSITO
DEL COLOR EN LA
MÚSICA.
Schoenberg
musica.unam.mx

Viena 1900
La asamblea de mentes inquisitivas, innovadoras y revolucionarias reunida
en la Viena de 1900 es extraordinaria desde donde se la mire. El Imperio
Austrohúngaro (conglomerado multiétnico, segundo en extensión territorial
en Europa, tercero en población) iba rumbo a la crisis que desembocaría en
la Primera Guerra Mundial y enseguida en su desaparición, cuatro años más
tarde. Pero, quizá por lo mismo, el punto neurálgico de este territorio en
convulsión era sitio fértil, incluso idóneo, para un proceso colectivo e interdisciplinario
de derrocamiento del pasado y construcción del futuro.
Basta mencionar algunas personalidades sobresalientes para darnos
una idea de la riqueza de búsqueda, pensamiento y creatividad presente
en esos años en la capital imperial, a orillas del Danubio. El arquitecto
Loos perfilaba el modernismo con su defensa de lo mínimo y afirmaba: “el
ornamento es delito”. El pintor Klimt, en cambio, ornamentaba en dorado
su exploración erótica sin ambages y ofrecía como pieza central de su
edificio secesionista un friso dedicado a la Novena sinfonía de Beethoven.
La física Meitner descubría el elemento radioactivo protactinio (número
91, símbolo Pa), encaminándose a desvelar la fisión nuclear y allanando así
el camino hacia la bomba atómica. El escritor Musil plasmaba las tribulaciones
del estudiante Törless al tiempo que anotaba los primeros esbozos
de El hombre sin atributos, su obra maestra e inacabada donde convivían
el crepúsculo de la sociedad del XIX con una nueva forma de novela. Los
umbrales, sin embargo, no solo se cruzaban en la ciencia o la literatura
sino que incluían esa puerta hacia el territorio inexplorado de la psique
humana que es el subconsciente de Freud, postulado en 1899 con La interpretación
de los sueños. Mientras tanto los Wittgenstein, acaudalada familia
vienesa que contaba entre sus jóvenes integrantes al pianista Paul
(dedicatario del Concierto para la mano izquierda de Ravel) y al filósofo
Ludwig, ofrecían un punto de reunión para todas estas luminarias y su
casa se distinguía por “una atmósfera absorbente de humanidad y cultura”,
en palabras del director de orquesta Bruno Walter.
No faltan los compositores en este célebre elenco. Residentes de Viena
tenemos a Schmidt y Zemlinsky, también a visitantes frecuentes como
Szymanowski y Richard Strauss. (El otro Strauss, el autor de El Danubio azul,
se había quedado en la frontera del siglo XX al fallecer en junio de 1899.)
2

Pero quienes nos ocupan aquí son dos figuras imponentes: Mahler y
Schoenberg, este último flanqueado por sus alumnos Berg y Webern.
Coincidieron durante algunos años y se admiraron mutuamente, pero estaban
en los vértices opuestos de un cambio de época. Nadie como Mahler
para ejemplificar el gran lienzo sinfónico llevado a sus límites, el manejo in
extremis de los procedimientos formulados durante el largo periodo de la
llamada “práctica común” de la tonalidad, comenzada siglos atrás en el
Barroco. A su manera, Schoenberg se había sumado a esta vertiente durante
su primer periodo, cuya culminación fueron las gigantescas Gurrelieder
(duran una hora y media y requieren un dispositivo intimidante de 150 instrumentistas
y 200 cantantes), comenzadas en 1900 pero concluidas en
1911, cuando su autor ya había decidido detenerse y recalibrar. Al tiempo
que el viejo mundo imperial entraba en crisis (junto con las ideas recibidas
de organización política, ciencia, arte y la naturaleza humana, entre tantas
otras), Schoenberg afirmaba que las formas anteriores ya no daban más de
sí. Era menester otra cosa.
Pocos han sido tan certeros en señalar las premisas básicas del nuevo
proceder como Elliot Carter, compositor estadounidense quien en 1953
apuntaba, a propósito del estilo modernista de Schoenberg y sus alumnos,
“algunos rasgos en verdad importantes: un alto grado de condensación, que
se presta a cambios rápidos y a señalamientos puntuales e intensos”. Y continúa:
“El uso de formas melódicas igualmente intensas, a menudo seccionadas
en fragmentos cortos y dramáticos, se conjuga con una técnica muy
variada de rubato para producir una suerte de nuevo recitativo instrumental.
También vale la pena señalar los rápidos incrementos y decrementos de
tensión armónica, los cambios ágiles de registro y un contrapunto fragmentado,
no imitativo. Todo ello desemboca en un estilo de notable fluidez que
parece derivado del Debussy tardío, pero visto a través de los extremos
expresivos de la música romántica tardía de Alemania, en particular Mahler
y Richard Strauss”.
Schoenberg era el eje de esta renovación pero tuvo la fortuna de encontrar
en dos de sus alumnos del momento (luego vendrían muchos otros,
pero ningunos tan destacados) a espíritus receptivos, que retomaron el
planteamiento desde sus posturas particulares. Webern llevó la brevedad y
la concentración hasta el límite y con ello creó un cuerpo de obra escueto,
sugerente e inclasificable (y abrió la puerta a lo que vendría después con
Stockhausen y Boulez). Berg, por su parte, se antoja un corazón romántico
3

encarnado en una conciencia moderna y esa tensión nos ha legado, entre
otras cosas, dos hitos del siglo XX operístico, Wozzeck y la inconclusa Lulu.
Schoenberg siguió componiendo y debatiendo con sus detractores, convencido
de que su música era una consecuencia necesaria (pero no la única,
como diría después) de la tradición musical occidental.
Este foco recorre una selección representativa del gran Mahler, puntuada
por obras de Schoenberg, Berg y Webern escritas antes del comienzo de
la Primera Guerra Mundial. Indaga en el cierre de una época y el comienzo
de otra. Los contrastes son evidentes pero también queda puesta la mesa
para encontrar esa óptica que apunta Carter, no obstante las diferencias de
vocabulario y sintaxis. Y quizá permita por tanto un nuevo entendimiento
de eso que señalaba Mahler, para tender un puente entre los dos campos:
“la tradición no es el culto de las cenizas sino la preservación del fuego”.
José Wolffer, director general de Música UNAM
4

Orquesta Filarmónica de la UNAM
TERCERA TEMPORADA 2023
9_10 septiembre
Programa extraordinario p. 13
Concierto mexicano
Enrique Patrón de Rueda, director huésped
Rosy Arango, cantante
Sones de mariachi, Dios nunca muere, Amanecí en tus brazos,
Camino de Guanajuato, Cucurrucucú paloma, El carretero, La malagueña,
El andariego, Luz de luna y México lindo y querido, entre otros temas
23_24 septiembre
Programa 1 p. 19
Sylvain Gasançon, director titular
Schoenberg Cinco piezas para orquesta, Op. 16
Mahler
La canción de la tierra
Jelena Kordić, mezzosoprano
Leonardo Sánchez, tenor
30 septiembre_1 octubre
Programa 2 p. 25
—Festival CulturaUNAM
Sylvain Gasançon, director titular
Webern Cinco piezas para orquesta, Op. 10
Mendelssohn
Schoenberg
Concierto para violín
Solista OFUNAM: Juan Luis Sosa, violín
Noche transfigurada
Charla previa sábado 7:00 pm
5

7_8 octubre
Programa 3 p. 31
—Festival CulturaUNAM
—45 Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez
Sylvain Gasançon, director titular
Saariaho
Hernández Ramos
Penderecki
Asteroid 4179: Toutatis
La Cetra
Concierto para corno, Winterreise
Radovan Vlatković, corno
F. Ibarra Sinfonía 5, Inasible
Charla previa sábado 7:00 pm
14_15 octubre
Programa 4 p. 37
—Festival CulturaUNAM
Iván López Reynoso, director huésped
J. Álvarez Y la máquina va
Chaikovski
Obertura-fantasía Romeo y Julieta
R. Strauss Suite de Elektra
21_22 octubre
Programa 5 p. 43
—Festival CulturaUNAM
—XXX Festival Universitario de Clarinete FaM-UNAM
Yehuda Gilad, director huésped
6
Revueltas
Mozart
Mendelssohn
Homenaje a Federico García Lorca
Concierto para clarinete
Annelien van Wauwe, corno di bassetto
Sinfonía 4, Italiana

28_29 octubre
Programa 6 p. 49
Iván López Reynoso, director huésped
Berg
Siete canciones tempranas
Sarah Maria Sun, soprano
Mahler Sinfonía 4
Sarah Maria Sun, soprano
5 noviembre
Programa extraordinario p. 55
Metales y percusiones de la OFUNAM
Timothy McKeown, director huésped
Música para los fuegos artificiales reales de Haendel, Fanfarria
para el hombre común de Copland y Obertura de Egmont de Beethoven,
entre otras obras
Domingo 12:00 pm
11_12 noviembre
Programa 7 p. 61
Sylvain Gasançon, director titular
Rodrigo
Concierto pastoral
Solista OFUNAM: Abraham Sáenz, flauta
Berg Tres piezas para orquesta, Op. 6
Mahler Adagio de la Sinfonía 10
Charla previa sábado 7:00 pm
18_19 noviembre
Programa 8 p. 67
Sylvain Gasançon, director titular
Mahler Sinfonía 9
7

25_26 noviembre
Programa 9 p. 71
Ludwig Carrasco, director huésped
Beethoven Concierto para piano 3
Gustavo Romero, piano
Webern Seis piezas para orquesta, Op. 6
R. Strauss Suite de El caballero de la rosa
Charla previa sábado 7:00 pm
2_3 diciembre
Programa extraordinario p. 77
La Única, Internacional Sonora...
Iván López Reynoso, director huésped
Concierto en clave de rumba: La boa, Perfume de gardenias, Bómboro quiñá
quiñá, Luces de Nueva York y ¿Dónde estás Yolanda?, entre otros temas
Conciertos organizados con el Patronato y la Sociedad de Amigos
de la OFUNAM
9_10 diciembre
Programa 10 p. 81
Enrique Diemecke, director huésped
Ana Lara
Ángeles de llama y hielo
Mahler Sinfonía 5
8

16_17 diciembre
Programa extraordinario p. 87
Concierto navideño
Jesús Medina, director huésped
Niños y Jóvenes Cantores de la Facultad de Música de la UNAM
Patricia Morales, directora coral
Selecciones de El Mesías de Haendel, Concierto de Navidad de Corelli,
Sonata de Navidad de Bernal Jiménez y villancicos
Sala Nezahualcóyotl
Sábados 8:00 pm (excepto donde se indica)
Domingos 12:00 pm
Programación sujeta a cambios
Consulta cartelera para transmisión de conciertos
en musica.unam.mx
Avisos y recomendaciones
Por cuestiones de derechos, no está permitido tomar fotografías ni grabar
video o audio dentro de la sala.
Favor de abstenerse de ingerir bebidas y alimentos en el interior de la sala.
Si usa dispositivos móviles, favor de mantenerlos en silencio durante los
conciertos.
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Orquesta Filarmónica de la UNAM
La Orquesta Filarmónica de la UNAM (OFUNAM), fundada en 1936, es
una de las orquestas más importantes de México y su sede es la Sala
Nezahualcóyotl, en Ciudad Universitaria.
En sus más de ochenta años de historia la OFUNAM ha pasado por la
batuta de José Rocabruna, José Francisco Vásquez, Icilio Bredo, Eduardo
Mata, Héctor Quintanar, Enrique Diemecke, Eduardo Diazmuñoz, Jorge
Velazco, Jesús Medina, Ronald Zollman, Zuohuang Chen, Alun Francis, Jan
Latham-Koenig y Massimo Quarta como directores titulares, además de docenas
de directores huéspedes. Su director actual es Sylvain Gasançon. Ha
comisionado y estrenado obras de varios compositores mexicanos y ha tenido
dos giras internacionales: Italia en 2014 y Reino Unido en 2015.
La OFUNAM ofrece tres temporadas de conciertos al año, realizadas
en la Sala Nezahualcóyotl. La orquesta también realiza giras por diferentes
escuelas y facultades de la UNAM.
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Sylvain Gasançon, director titular
Designado director titular de la Orquesta Filarmónica de la UNAM (OFUNAM)
en enero de 2023, Sylvain Gasançon nació en Metz, Francia; estudió violín en
su país natal y ofreció sus primeros conciertos a una edad muy temprana.
Posteriormente se graduó del Conservatorio Real de Bruselas con Endre
Kleve. Estudió dirección orquestal con Jean-Sébastien Béreau, Gerhard
Markson, Gianluigi Gelmetti, Pinchas Zukerman y Jorma Panula en Salzburgo,
Siena, Ottawa, Lausanne y San Petersburgo. Se tituló del Conservatorio
Nacional Superior de Música de París y obtuvo un título de maestría en musicología
de la Universidad de París. Fue ganador del Premio Internacional
Eduardo Mata de Dirección de Orquesta en México (2005, con la OFUNAM)
y el Segundo Premio del Concurso Internacional Jorma Panula en Finlandia
(2006). Ha dirigido orquestas en países de América, Europa y Asia, como la
Orquesta Sinfónica Portuguesa, la Filarmónica de Magdeburgo, la Sinfonia
Rotterdam, la Filarmónica de Hong Kong, la Filarmónica de Buenos Aires,
la Orquesta del Estado de São Paulo y las orquestas sinfónicas nacionales
de Argentina, Chile, Colombia y México.
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9_10 septiembre
Programa extraordinario
Concierto mexicano

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 9 de septiembre
8:00 pm
Domingo 10 de septiembre
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Enrique Patrón de Rueda, director huésped
Rosy Arango, cantante
Juventino Rosas (1868-1894)
Popurrí de danzas 1
José Alfredo Jiménez (1926-1973)
Serenata huasteca 2
José Alfredo Jiménez
Amanecí en tus brazos 3
José Alfredo Jiménez
Camino de Guanajuato 4
Tomás Méndez Sosa (1927-1995)
Cucurrucucú paloma 5
Miguel Ángel Castilla (1912-1979) y José Castilla (1912-1994)
El pastor 1
Rubén Fuentes (1926-2022) y Silvestre Vargas (1901-1985)
El carretero 6
Elpidio Ramírez (1882-1960) y Pedro Galindo (1906-1989)
La malagueña 2
14

Blas Galindo (1910-1993)
Sones de mariachi
Duración aproximada: 45 minutos
Intermedio
Macedonio Alcalá (1831-1869)
Dios nunca muere 6
Álvaro Carrillo (1919-1969)
Luz de luna 3
Álvaro Carrillo
El andariego 7
Varios autores
Popurrí Sones de ida y vuelta: La bruja de José Luis López Santiago, María
Chuchena (tradicional) y Cascabel de Lorenzo Barcelata 1
Manuel Mejía
Alingo lingo 8
Felipe Bermejo Araujo (1901-1989)
Toro relajo 9
Jesús “Chucho” Monge (1910-1964)
México lindo y querido 2
Duración aproximada: 30 minutos
Arreglos de Gonzalo Romeu (1), Mario Santos (2), Rosino Serrano (3),
Alicia Urreta (4), Erick Tapia (5), Manuel Enríquez (6), Héctor Infanzón (7),
Gerardo Meza (8) y Aneiro Taño (9)
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La música popular mexicana incluye varias y diversas manifestaciones sonoras
que muestran la riqueza cultural del país. Desde las canciones rancheras
hasta los danzones, boleros, mambos, corridos, sones y huapangos, cada
uno de estos géneros contiene las alegrías, las tristezas, la lucha y un sinfín
de sucesos en la vida cotidiana de los mexicanos, creando una conexión profunda
con una música cuyo impacto e influencia resuenan en todo el mundo.
Detrás de tan extraordinaria riqueza, encontramos diferentes legados
sonoros que han dado forma a la tradición musical mexicana, incluyendo
las raíces indígenas, pero también las tradiciones musicales heredadas de
Europa y de África durante el periodo colonial. Estos estilos se han fusionado
a lo largo del tiempo, y han dado lugar a nuevas expresiones sonoras con
características propias de cada estado o región.
Durante el siglo XIX, compositores como Juventino Rosas fusionaron la
escritura musical europea con la riqueza sonora de la música local, lo que
dio origen a famosos valses y polcas que se convirtieron en las piezas de baile
que acompañaron las galas en los salones decimonónicos. Otros géneros que
permanecen en la memoria colectiva de los mexicanos son los corridos y las
canciones rancheras. Los corridos surgieron entre los siglos XVIII y XIX, pero
lograron gran fama a inicios del siglo XX durante la Revolución mexicana,
donde fueron utilizados para relatar las aventuras de los héroes y los grupos
revolucionarios. Esta tradición musical se vio reforzada más tarde por el
Cine de Oro Mexicano, especialmente la música ranchera y el mariachi, que
se centraron en contar las historias de la vida rural y evocar el ambiente del
campo. El propio Blas Galindo llevó las melodías tradicionales de su natal
Jalisco en sus Sones de mariachi, obra orquestal de 1940 donde retomó los
temas de tres sones ampliamente conocidos: La negra, El zopilote y Los
cuatro reales.
La música vernácula se convierte en un poderoso medio para evocar
historias de amor, desamor y hazañas históricas, así como para hacer
frente a la nostalgia cuando estamos lejos de casa. Basta con aproximarse
a las anécdotas detrás de canciones como la Serenata huasteca, escrita por
José Alfredo Jiménez, quien se imaginó cantando al pie de la ventana de
su futura esposa, Paloma Gálvez. O qué decir del cantor enamorado de La
malagueña, aquella “linda y hechicera” muchacha de bellos ojos, cuyo carácter
también se refiere a una danza tradicional de Málaga, España. Además,
las antiguas leyendas mexicanas se entrelazan en canciones como
Cucurrucucú paloma de Tomás Méndez Sosa, que narra la historia de una

“mujer fantasmal” que entregó su alma a un amor no correspondido y ahora
vaga lamentándose bajo el canto de una paloma, evocando a la Llorona,
ente heredado del mundo prehispánico.
Es imposible resistirse a los sonidos vibrantes y coloridos que atraviesan
nuestro país, un recordatorio del poder que la música tiene para unir
a las personas a través de las emociones y las experiencias compartidas.
Sin importar el lugar y el momento, nuestro espíritu se enciende mientras
escuchamos los versos de Chucho Monge al cantar: “Que digan que estoy
dormido y que me traigan aquí, México lindo y querido, si muero lejos de ti”.
Notas:
Montserrat Pérez-Lima
La música tradicional mexicana, como el mariachi
y la pirekua, ha sido reconocida por la
UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial
de la Humanidad. Además, la NASA la consideró
como parte de la selección musical representativa
de la humanidad, al incluir la canción
El cascabel de Lorenzo Barcelata en el disco de
oro de la sonda Voyager, que fue lanzada al espacio
en 1977.
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Enrique Patrón de Rueda, director huésped
Originario de Sinaloa, Enrique Patrón de Rueda estudió en el Conservatorio
Nacional de Música, así como en el London Opera Centre y en la Royal
Academy of Music en Londres, Inglaterra. Ha sido director titular de la
Orquesta del Teatro de Bellas Artes, la Compañía Nacional de Ópera, la
Temporada de Ópera Concierto de la Filarmónica de la Ciudad de México
y el Festival Cultural Sinaloa. También ha colaborado con la Orquesta
Sinfónica de Houston, la Orquesta Sinfónica de Bruselas, la Filarmónica
de Santiago de Chile, la Filarmónica de Málaga, la Orquesta Real de Sevilla,
la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, la Orquesta Sinfónica Nacional
y la Orquesta Filarmónica de la UNAM. Durante su trayectoria ha dirigido a
cantantes como Plácido Domingo, Eva Marton, Gilda Cruz-Romo, Juan Pons,
Anna Netrebko, Ramón Vargas, Rolando Villazón y Fernando de la Mora.
Rosy Arango, cantante
Egresada de la Casa de la Música Mexicana, Rosy Arango recibió enseñanzas
de Daniel García Blanco y Alberto Ángel “El Cuervo” por mencionar
algunos. Entre los recintos de México en los que se ha presentado se pueden
mencionar el Teatro Blanquita, el Teatro Metropólitan y el Zócalo de
la Ciudad de México, en los que ha compartido el escenario con Armando
Manzanero, Lila Downs, Horacio Franco, Tania Libertad, Eugenia León,
Pedro Fernández, Aída Cuevas y otros artistas. Con extensas giras y presentaciones,
Rosy ha llevado la música mexicana a diversos lugares de México,
Estados Unidos y Sudamérica. Ha recibido varios reconocimientos como las
Palmas de Oro otorgadas por el Círculo Nacional de Periodistas y un doctorado
honoris causa otorgado por el Claustro Doctoral Iberoamericano y
la UNESCO por su labor de preservación y difusión de la música mexicana.
Actualmente es embajadora oficial de la música mexicana en el mundo, respaldada
por la Secretaría de Relaciones Exteriores.
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23_24 septiembre
Programa 1

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 23 de septiembre
8:00 pm
Domingo 24 de septiembre
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Sylvain Gasançon, director titular
Arnold Schoenberg (1874-1951)
Cinco piezas para orquesta, Op. 16
I. Vorgefühle, sehr rasch (Anticipación, muy rápido)
II. Vergangenes, mässig (Pasado, moderado)
III. Farben, mässig (Colores, moderado)
IV. Peripetie, sehr rasch (Peripecia, muy rápido)
V. Das obligate Rezitativ, bewegen (El recitativo obligado, mover)
Duración aproximada: 16 minutos
Intermedio
Gustav Mahler (1860-1911)
La canción de la tierra
I. Das Trinklied vom Jammer der Erde
(La canción para beber por la miseria de la tierra)
II. Der Einsame im Herbst (El solitario en otoño)
III. Von der Jugend (De la juventud)
IV. Von der Schönheit (De la belleza)
V. Der Trunkene im Frühling (El borracho en primavera)
VI. Der Abschied (La despedida)
Duración aproximada: 63 minutos
Jelena Kordić, mezzosoprano
Leonardo Sánchez, tenor
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Arnold Schoenberg (Viena, 1874 - Los Ángeles, 1951)
Cinco piezas para orquesta, Op. 16
“Ausencia de arquitectura, ausencia de construcción, sólo un flujo ininterrumpido
de colores, ritmos y humores…”, así se refería Schoenberg a sus
Cinco piezas para orquesta Op. 16, concluidas en 1909. Estas obras esperaron
tres años para su estreno, que tuvo lugar en el Paseo Marítimo de
Londres el 3 de septiembre de 1912, bajo la dirección de Sir Henry Wood.
Inicialmente, el público y la crítica se mostraron hostiles ante la obra, concluyeron
que era simplemente “incomprensible”, adjetivo que Schoenberg, el
compositor más influyente del dodecafonismo musical del siglo XX, habría
de cargar, en mayor y menor grado, a lo largo de su carrera.
En la víspera del estreno, la editorial Peters recomendó a Schoenberg
añadir subtítulos a las piezas con el propósito de hacerla más atractiva y
vendible, a lo que el compositor accedió con bastante enfado. Uno de los
más reconocidos y respetados críticos británicos, Ernest Newman declaró:
“No es frecuente que el público inglés silbe música que no le gusta, pero
un buen tercio de la gente el otro día se permitió ese lujo tras la interpretación
de las Cinco piezas orquestales de Schoenberg. Otro tercio no
silbaba porque se reía, y el tercio restante parecía demasiado desconcertado
para reírse o silbar”. Y concluía: “Me tomo la libertad de sugerir que
Schoenberg no es el loco que se supone que es... ¿No será que el nuevo
compositor ve una lógica en las relaciones tonales que para el resto de
nosotros parecen un mero caos?”
Para rematar las intenciones, en el programa de mano de aquel estreno,
Schoenberg escribió: “La música busca expresar todo lo que se hincha en
nosotros subconscientemente como un sueño; que es un gran poder fluctuante,
y está construida sobre ninguna de las líneas que nos son familiares;
que tiene un ritmo, como la sangre tiene un ritmo pulsante, que tiene una
tonalidad, pero sólo como el mar o la tormenta tienen su tonalidad…”
Gustav Mahler (Kalischt, 1860 - Viena, 1911)
La canción de la tierra
Con La canción de la tierra, una colosal y conmovedora obra, Gustav Mahler
dijo adiós a su fecunda creación musical. Compuesta entre los años 1907 y
1909, es un ciclo de canciones escritas en la estructura sinfónica para dos
21

solistas vocales (tenor y mezzosoprano o barítono) y orquesta. Consta
de seis movimientos-canciones y fue estrenada de manera póstuma el 20 de
noviembre de 1911 en la Tonhalle de Múnich, dirigida por Bruno Walter, seis
meses después de la muerte de Mahler.
Después del exitoso estreno, Anton von Webern escribió emocionado a
Alban Berg: “Es como la vida que pasa, mejor vivida, en el alma del moribundo.
La obra de arte se condensa; lo fáctico se evapora, la idea permanece;
tales son estas canciones.”
El libreto, en alemán, se basa en poemas antiguos chinos de la dinastía
Tang, recopilados en la antología Die chinesische Flöte (La flauta china) traducida
por Hans Bethge. Durante la composición de La canción de la tierra,
Mahler vivió una serie de reveses. Tras renunciar a la dirección artística de
la Ópera de Viena, perdió a su hija a causa de la difteria y fue diagnosticado
con insuficiencia mitral (una malformación de una válvula cardiaca). En el
otoño de ese año que parecía no terminar, aceptó dirigir la Metropolitan
Opera House de Nueva York (1908-1910) y posteriormente la Filarmónica de
esa ciudad. Mahler murió en Viena el 18 de mayo de 1911.
Notas:
José Octavio Sosa
Las últimas composiciones de Mahler, especialmente
La canción de la tierra, influyeron significativamente
en la llamada Segunda Escuela
Vienesa, conformada por Arnold Schoenberg y
sus discípulos Alban Berg y Anton von Webern.
Estos últimos estuvieron presentes en el estreno
de la obra, el 20 de noviembre de 1911, seis meses
después del fallecimiento del compositor.
22

Jelena Kordić, mezzosoprano
Después de triunfar en su debut profesional como Carmen en su ciudad
natal (Zagreb, Croacia), Jelena Kordić se unió al ensamble juvenil de la
Ópera Semper de Dresde en Alemania (2015). En 2017 se unió al ensamble
del Teatro Estatal de Braunschweig y posteriormente se incorporó al
Teatro Nacional de Mannheim, donde ha interpretado diversos roles como
el más reciente el de Preziosilla en La forza del destino de Verdi. Se ha presentado
en la Ópera Alemana del Rin en Düsseldorf, el Concertgebouw de
Ámsterdam, la Ópera Nacional de Letonia, la Filarmónica de Luxemburgo,
el Festival de Ópera de Daegu en Corea del Sur, el Teatro Nacional de
Weimar y otros escenarios. Entre sus grabaciones se puede mencionar el
papel de Doma en Ero s onoga svijeta de Jakov Gotovac con la Sinfónica
de la Radio Bávara en 2018 y el Requiem de Verdi con la Sinfónica de la
Radio de Zagreb dirigida por Plácido Domingo. Actualmente continúa perfeccionando
y desarrollando su voz con Dolora Zajick, Deborah Polaski,
Elena Pankratova, Sherman Lowe y Allison Oakes.
Leonardo Sánchez, tenor
El tenor Leonardo Sánchez estudió la licenciatura en música en
la Universidad de las Américas Puebla y una maestría en artes en la Alta
Escuela de Música en Suiza. Ha actuado en Suiza, Italia, Alemania, Francia,
España, Estados Unidos y México, donde ha compartido el escenario con
artistas como Rolando Villazón, Plácido Domingo, Bryn Terfel y Thomas
Hampson. Es embajador de Opera for Peace, programa internacional dedicado
a promover la justicia social a través de la ópera. Además, fue el
integrante más joven del International Opernstudio de Zúrich durante dos
años consecutivos (2018-2020). Fue premiado con el primer lugar en el
XXXIV Concurso de Canto Carlo Morelli en México, el concurso Kattenburg
en la Ópera de Lausana y el festival Lavaux Classic en Suiza.
23

30 septiembre_
1 octubre
Programa 2
—Festival CulturaUNAM

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 30 de septiembre
8:00 pm
Domingo 1 de octubre
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Sylvain Gasançon, director titular
Anton von Webern (1883-1945)
Cinco piezas para orquesta, Op. 10
I. Sehr ruhig und zart (Muy tranquilo y delicado)
II. Lebhaft und zart bewegt (Vivaz y movido con delicadeza)
III. Sehr langsam und äusserst ruhig (Muy lento y con mucha calma)
IV. Fliessend, äusserts zart (Fluido, muy delicado)
V. Sehr fliessend (Muy fluido)
Duración aproximada: 5 minutos
Felix Mendelssohn (1809-1847)
Concierto para violín en mi menor, Op. 64
I. Allegro molto appassionato
II. Andante
III. Allegro non troppo - Allegro molto vivace
Duración aproximada: 26 minutos
Solista OFUNAM: Juan Luis Sosa, violín
Intermedio
Arnold Schoenberg (1874-1951)
Noche transfigurada, Op. 4 (versión de 1943)
Duración aproximada: 30 minutos
Concierto dedicado al Instituto de Geografía de la UNAM por sus 80 años
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Anton von Webern (Viena, 1883 - Mittersill, 1945)
Cinco piezas para orquesta, Op. 10
Escritas entre los años 1911 y 1913, las Cinco piezas para orquesta de Anton
von Webern forman parte de sus primeros trabajos musicales, aún alejados
de su posterior producción dodecafónica que daría inicio con Tres rimas
tradicionales para voz y tres instrumentos Op. 17.
Las Cinco piezas para orquesta son sucesos musicales extraordinariamente
breves, miniaturas de entre 11 y 40 compases. Esta característica es
una particularidad que acompaña la obra del compositor, cuya melodía surge
en compendios tímbricos bajo la concepción de la Klangfarbenmelodie
(melodía de timbres), es decir, la melodía no se construye a través de una
sucesión de notas, sino mediante la variedad de colores tímbricos. Un ejemplo
de ello es el uso de la percusión, utilizada por su color o tono y no por
su carácter rítmico.
La obra se estrenó en 1926 en Zúrich dirigida por el propio Webern y
auspiciada por la Sociedad Internacional para la Música Contemporánea, donde
tuvo buena recepción. Es oportuno mencionar que Webern presentó una
transcripción de las Cinco piezas para cinco instrumentos (trío de cuerdas,
armonio y piano), en una velada privada el 30 de enero de 1920 en Praga.
Felix Mendelssohn (Hamburgo, 1809 - Leipzig,1847)
Concierto para violín en mi menor, Op. 64
“Los alemanes tienen cuatro conciertos para violín. El más grande, el más
implacable, es el de Beethoven. El de Brahms compite con él seriamente. El
más rico, el más seductor, es el de Max Bruch. Pero el más íntimo, la joya del
corazón, es el de Mendelssohn”, señaló Joseph Joachim, uno de violinistas
más virtuosos del siglo XIX. En efecto, el Concierto para violín núm. 2 de
Mendelssohn, escrito entre 1838 y 1844, figura entre las obras esenciales
del repertorio para violín (su primer concierto, compuesto a los 13 años de
edad, es muy poco conocido e interpretado, hasta el punto de que el segundo
suele presentarse sin tomar en cuenta su numeración). La obra inicia
transgrediendo una de las prácticas tradicionales del concierto al presentar
al solista sin la exposición orquestal que usualmente lo precede en el canon
del género. El lírico Allegro se une al Andante sin pausa a través de una
nota sostenida por el fagot. De esta forma se conserva la continuidad en-
27

tre los tres movimientos, algo que Mendelssohn pudo haber retomado del
Concierto Emperador de Beethoven. Luego del elegíaco Andante, la obra
recupera su brío inicial en el Allegretto non troppo, en el cual Mendelssohn
introdujo una innovadora cadencia inusitadamente marcada por el violín.
Arnold Schoenberg (Viena, 1874 - Los Ángeles, 1951)
Noche transfigurada, Op. 4
Entre el ocaso del siglo XIX y los años previos a la Primera Guerra Mundial,
ocurrieron en el mundo occidental vertiginosas transformaciones paradigmáticas.
Había en la juventud de aquellos años cierta venganza triunfante por
romper con la tradición y una tendencia delirante de arrojarse a la novedad. En
la emancipada sociedad vienesa que cometía parricidios simbólicos en todos
los ámbitos humanos, fue el compositor vienés Arnold Schoenberg uno de
los hijos más terribles de la radicalidad musical. La Noche transfigurada, originalmente
para sexteto de cuerdas, es una obra previa a la ruptura tonal. Sin
embargo, Schoenberg afirma que en ella ya “hay algunos pasajes de tonalidad
no fija que pueden considerarse premoniciones de un futuro”. Escrita en 1899,
en ella se concilian dos técnicas compositivas contrastantes que influyeron en
el compositor, la de Wagner que recurría a repeticiones no variadas o ligeramente
variadas de los temas, y la de Brahms, que evitaba la reiteración exacta
y “repetía las frases, los motivos y otros aspectos estructurales de los temas en
formas variadas”. La obra se inspira en un poema de Richard Dehmel en el que
una mujer le confiesa a su amado que está esperando un hijo de otro hombre.
Pese a esto, Schoenberg señaló que “no ilustra ninguna acción ni drama” en
ella, sino que “ofrece la posibilidad de ser apreciada puramente como música”.
Notas:
Mariana Hijar
28

Juan Luis Sosa, violín
El violinista mexicano Juan Luis Sosa comenzó el aprendizaje del instrumento
con su padre a los 4 años. Posteriormente estudió con Natalia
Gvozdetskaya en el Centro Cultural Ollin Yoliztli, donde se graduó con
mención honorífica. Ha sido premiado en concursos nacionales como
el Concurso Nacional de Violín Hermilo Novelo, convocado por la Escuela
Nacional de Música de la UNAM (2003-2004). Además ha tomado clases
magistrales con Scott Yoo, Christos Kanettis y Anita Mitterer. A lo largo
de su carrera ha participado en conciertos en diversas partes de México,
Grecia y Japón. También formó parte del Cuarteto Lavista, con el cual
obtuvo el segundo lugar en el Concurso Nacional de Cuartetos de Cuerdas:
Cuarteto Latinoamericano 2021. Actualmente forma parte de la Orquesta
Sinfónica del Instituto Politécnico Nacional, la Sinfónica de Minería y
la Filarmónica de la UNAM.
La noche transfigurada no sólo fue controvertida
por sus armonías modernas, también por el uso
del poema de Richard Dehmel, que formaba
parte de la colección Mujer y mundo (1896),
obra censurada por las autoridades por ser considerada
como “inmoral”.
29

7_8 octubre
Programa 3
—Festival CulturaUNAM
—45 Foro Internacional de Música
Nueva Manuel Enríquez

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 7 de octubre
8:00 pm
Domingo 8 de octubre
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Sylvain Gasançon, director titular
Kaija Saariaho (1952-2023)
Asteroid 4179: Toutatis
Duración aproximada: 4 minutos
David Hernández Ramos (1975)
La cetra, ossia il capriccio stravagante
Estreno mundial. Obra ganadora del Premio Nacional Federico Ibarra -
Nueva Música Orquestal 2023
Duración aproximada: 15 minutos
Krzysztof Penderecki (1933-2020)
Concierto para corno, Winterreise (Viaje invernal)
Duración aproximada: 18 minutos
Radovan Vlatković, corno
Intermedio
Federico Ibarra (1946)
32
Sinfonía núm. 5, Inasible*
I. Allegro moderato
II. Tema y variaciones
III. Scherzo
IV. Finale
Estreno mundial
Duración aproximada: 35 minutos

Kaija Saariaho (Helsinki, 1952 - París, 2023)
Asteroid 4179: Toutatis
En los tiempos en los que los cómics formaban parte importante de la cultura
popular, la historieta creada por los guionistas e ilustradores franceses
René Goscinny y Albert Uderzo, Astérix el galo, sembró en las frágiles y tiernas
circunvoluciones cerebrales de muchos jóvenes, y otros no tanto, la expresión
“¡Por Tutatis!”, con la que los protagonistas invocan constantemente
a uno de los principales dioses celtas: Toutatis, nombre con el que se bautizó
al asteroide descubierto en 1989 por el astrónomo francés Christian Pollas,
y que en 2004 causó gran preocupación por la proximidad de su trayectoria
con la de nuestro planeta, lo que hizo temer una posible y catastrófica
colisión. Inspirada en este hecho, e interesada por lo irregular y complejo
del movimiento de rotación de este enorme objeto en forma de patata sideral,
la compositora finlandesa Kaija Saariaho compuso en el 2005 su pieza
sinfónica Asteroid 4179: Toutatis. A lo largo de los cuatro minutos y medio
que dura la ejecución de su único movimiento, se caracteriza por los fugaces
trazos melódicos en los instrumentos de aliento, que contrastan con las
densas texturas sonoras de las cuerdas frotadas y los metales, así como con
la inquietud de los patrones rítmicos presente en las percusiones, con lo que
se crea una atmósfera que oscila entre la incertidumbre y la grandiosidad.
Nots:
Roberto Ruiz Guadalajara
David Hernández Ramos (Ciudad de México, 1975)
La cetra, ossia il capriccio stravagante
Cuenta el mito que Orfeo, con su lira, hechizaba por igual a hombres y bestias,
calmando las pasiones de su alma. Tan poderoso era el efecto de aquel
instrumento que el mismo Apolo perdonó a Hermes a cambio de su mágica
lira. Inspirado por el poderoso influjo de aquel instrumento musical, David
Hernández Ramos creó La cetra, ossia il capriccio stravagante, obra que
establece un diálogo constante entre el pasado y el presente.
Esta pieza no sólo evoca el encanto de la cetra (cítara o lira), sino que
también alude la esencia de los conciertos instrumentales italianos de los
33

siglos XVII y XVIII, como los ciclos homónimos de Vivaldi, convirtiendo la
obra en una “alegoría poética del pasado”.
Compuesta por siete secciones sin pausa —Suona la cetra, Alcuni piaceri,
Alcuni dolori, Gli indolenti decreti della vita, Un parentesi, Alcuni ricordi y
L’Essere—, la obra se convierte en una evocación de la lira, en la alusión
de aquellos sonidos míticos. Cada sección se convierte en una alegoría del
instrumento, comenzando con un gran golpe orquestal que recuerda el
primer rasgueo del instrumento. Las cuerdas de la cetra se renuevan, se
transforman en las voces de la orquesta, creando momentos de gran
contraste a lo largo de la obra, que van desde lo vivaz y placentero hasta
otros de profundo dolor. Un breve paréntesis onírico da paso a una
sección que evoca algunos recuerdos, “memorias del pasado y del presente,
recuerdos de lo que se ha vivido”. El clímax orquestal de la última sección
es “agridulce” pues, en palabras del compositor “aquella intensidad se desvanece
con un soplido”, invitando a una reflexión sobre el ser. Y así, aquel
mágico sonido se desvanece, como las últimas vibraciones del instrumento.
Nota:
Montserrat Pérez-Lima
Krzysztof Penderecki (Dębica, 1933 - Cracovia, 2020)
Concierto para corno, Winterreise
Cuenta el Cantar de Roldán que el protagonista, que da su nombre al poema
épico francés por excelencia, era capaz de hacer llegar hasta lugares muy
remotos el sonido de su olifante, instrumento que en la Edad Media se confeccionaba
a partir del colmillo de un elefante, y que forma parte del árbol
genealógico del corno moderno, conocido también como trompa. Al igual
que su lejano pariente, el corno posee un sonido capaz de abarcar grandes
espacios y recorrer largas distancias, por lo que se le ha utilizado tanto para
hacer llamadas entre las montañas, como para anunciar la llegada del correo
en los pueblos de Europa. Además de su potencia, el corno es capaz de
producir tonos profundos y sombríos, así como otros de una textura aterciopelada
e íntima, como ningún otro de sus hermanos de aliento metal. Estas
y otras cualidades son aprovechadas por el compositor polaco Krzysztof
Penderecki para construir su Concierto para corno, denominado Winterreise
34

(Viaje de invierno, en alemán), pues fue escrito durante una temporada invernal
en la que el compositor viajó por países de culturas tan diferentes
como China y Venezuela. Construido en un solo gran movimiento dividido
en fragmentos contrastantes, el concierto fue compuesto por encargo del
cornista croata Radovan Vlatković, quien se refirió a él como “una obra fascinante
porque tiene muchos contrastes, y difícil por su complejidad al recrear
diversos caracteres y atmósferas.”
Federico Ibarra (Ciudad de México, 1946)
Sinfonía núm. 5, Inasible
Desde su surgimiento a mediados del siglo XVIII, la sinfonía se afirmó como
uno de los géneros musicales más importantes, por ofrecer a los compositores
la posibilidad de desarrollar en una sola obra una gran variedad de ideas,
recursos y maneras de organizar el material sonoro. De la mano de Haydn,
Mozart, Beethoven, Schubert, Schumann, Mendelssohn, Brahms, Bruckner,
Mahler, Chaikovski, Shostakóvich, entre otros muchos compositores, la sinfonía
ha experimentado todo tipo de transformaciones hasta alcanzar enormes
grados de complejidad, sobre todo formal e instrumental. En México,
las sinfonías de Federico Ibarra ocupan un lugar de gran importancia, no
sólo porque son muy pocos los compositores que han cultivado de manera
consistente el género en nuestro país (Carlos Chávez y Candelario Huízar,
principalmente), sino por la manera en la que ha evolucionado su tratamiento
de este género, desde sinfonías en un solo movimiento (Sinfonías 1 y
2), hasta el regreso a una división de la obra en varios movimientos (tres
en su Sinfonía núm. 3 y cuatro en la Cuarta). En esta nueva aproximación
a la sinfonía, y dentro del marco del Foro Internacional de Música Nueva
Manuel Enríquez, Federico Ibarra regresa en su Quinta sinfonía, denominada
Inasible, a la estructura en cuatro movimientos que fuera consagrada
por Mozart y Beethoven, pero con un lenguaje que podría considerarse la
síntesis de su larga y prolífica trayectoria musical.
Notas:
Roberto Ruiz Guadalajara
35

Radovan Vlatković, corno
Originario de Zagreb, en Croacia, Radovan Vlatković completó sus estudios
en la Academia de Música de Zagreb y en la Academia de Música
de Detmold en Alemania. Ha ganado numerosos premios, entre los
que se incluye el Premio Ancona y el Concurso Internacional de Música
ARD en Múnich, con que se convirtió en el primer cornista en recibir ese
premio en catorce años. En 2014 fue reconocido como integrante honorario
de la Academia Real de Música en Londres. De 1982 a 1990 fue
cornista principal de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín, donde
trabajó bajo la dirección de Riccardo Chailly y Vladimir Ashkenazy,
entre otros. Ha sido solista con la Orquesta Sinfónica de Londres, la Filarmónica
de Londres, la Sinfónica de la BBC, la Orquesta Metropolitana de Tokio, la
Filarmónica de Bremen en Alemania y la Sinfónica Giuseppe Verdi de Milán
en Italia. A lo largo de su carrera, Vlatković ha estrenado obras de Elliott
Carter, Sofia Gubaidulina, Heinz Holliger y Krzysztof Penderecki. Además
de su carrera como intérprete, Vlatković ha impartido clases en la Escuela
Superior de Música de Stuttgart, el Mozarteum de Salzburgo, la Universidad
de Artes de Zúrich y la Academia Real de Música de Londres.
Asteroid 4179: Toutatis fue estrenada en 2005.
Un año antes, se produjo uno de los avistamientos
más cercanos de este asteroide a la Tierra,
lo cual despertó el interés de Kaija Saariaho
por componer una obra que exploró la forma
inusual y la compleja rotación de Toutatis. Cabe
destacar que este asteroide nuevamente se
acercará de manera notable a nuestro planeta
hasta el año 2069.
36

14_15 octubre
Programa 4
—Festival CulturaUNAM

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 14 de octubre
8:00 pm
Domingo 15 de octubre
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Iván López Reynoso, director huésped
Javier Álvarez (1956-2023)
Y la máquina va
Duración aproximada: 13 minutos
Piotr Ílyich Chaikovski (1840-1893)
Obertura-fantasía Romeo y Julieta
Duración aproximada: 19 minutos
Intermedio
Richard Strauss (1864-1949)
Suite de Elektra
Arreglo: Manfred Honeck y Tomáš Ille
Duración aproximada: 30 minutos
38

Javier Álvarez (Ciudad de México, 1956 - Mérida, 2023)
Y la máquina va
Una de las últimas obras orquestales del recientemente desaparecido y muy
llorado compositor mexicano Javier Álvarez, Y la máquina va fue escrita a
manera de obertura para conmemorar los cincuenta años de la fundación
de la Universidad Panamericana. A pesar de haber sido compuesta para una
orquesta de estudiantes, Álvarez no escatimó en la escritura de pasajes de
difícil ejecución y en el uso admirable de una extensa plantilla orquestal.
Estructurada en un solo movimiento con varias secciones contrastantes
unificadas por la recurrencia de motivos y temas, la obra es un buen ejemplo
del último estilo del compositor, caracterizado por el eclecticismo y la importancia
del ritmo y el timbre (nótense las mixturas de los alientos o cómo
ciertos instrumentos —las percusiones, el arpa o el piano— parecen tener
funciones específicas a lo largo de la pieza).
La presencia de lo maquinal, representado por elementos rítmicos de
obsesiva repetición, se alterna con partes más líricas, contrapuntísticas o
“cuasimexicanistas”. Destaca la aparición de un mambo, otro de los grandes
intereses musicales del compositor, en una brillante sección final que
asemeja un gran collage. La partitura contiene varias indicaciones llenas de
humor para los músicos, como: “Gato fugato” o “lo cierto es incierto”, que
más tarde se confirma como “lo incierto es cierto”.
Piotr Ílyich Chaikovski (Kamsko-Votkinsk, 1840 - San Petersburgo, 1893)
Obertura-fantasía Romeo y Julieta
La literatura fue una constante fuente de inspiración para Chaikovski, al fin y
al cabo, un lector voraz. En 1869 Mili Balakirev, el líder del famoso grupo de
compositores rusos conocidos como Los Cinco, le sugirió al joven Piotr Ílyich
escribir una obra sinfónica sobre la tragedia shakesperiana Romeo y Julieta y
le proporcionó el plan general para su composición. La música fue sometida a
varias revisiones hasta alcanzar, en 1880, la forma definitiva que escuchamos
hoy. Esta versión comienza con una introducción lenta que, con su carácter de
un coral, se asocia con el personaje de Fray Lorenzo. La sección principal de
la obra, en forma sonata, comienza con un agitado tema que sugiere el conflicto
entre las familias antagonistas Montesco y Capuleto. Una breve transición
conduce a una de las más célebres (y explotadas) melodías del repertorio
39

orquestal: el llamado tema del amor, presentado primero por el corno inglés
y retomado por las cuerdas. La interacción entre estos dos temas y la contraposición
de sus caracteres dramático e idílico constituye la sustancia del resto
de la pieza. El fatídico destino de los jóvenes amantes es suficientemente conocido,
pero el breve epílogo que cierra la obertura no carece de esperanza.
Richard Strauss (Múnich, 1864 - Garmisch-Partenkirchen, 1949)
Suite de Elektra
Entre las óperas de Richard Strauss cuya música ha encontrado un lugar
también en la sala de conciertos, Salomé, El caballero de la rosa y Ariadna en
Naxos han corrido con mejor suerte que Elektra. Ante la falta de una suite
sinfónica extraída de este drama en un acto del compositor muniqués, el
director de orquesta Manfred Honeck, en colaboración con el compositor y
arreglista checo Tomáš Ille, confeccionó en 2016 una adaptación de la opulenta
música de la ópera, con unas fuerzas orquestales más factibles que los
110 músicos requeridos por la partitura original.
Esta versión es más que un mero trasplante de secciones de la ópera:
funciona como una especie de poema sinfónico que mantiene la narrativa
de la historia original. Escuchamos los motivos y características musicales
relacionados con los personajes de la tragedia de Sófocles: la protagonista y
sus padres, Agamenón y Clitemnestra, esta última asesina de aquél; así como
sus hermanos Crisótemis y Orestes, quien ayuda a Elektra a vengar la muerte
de su padre mediante el matricidio que ha hecho famosa esta historia.
La obra de Strauss enfatiza los elementos de violencia y revancha del
drama griego e introduce una serie de innovaciones armónicas que empujan
al sistema tonal a su límite. Es importante situar esta ópera en su
contexto cultural, especialmente en torno a su estreno en 1909, cuando el
mundo germanoparlante daba origen a obras de una influencia incalculable:
Schoenberg comenzaba a experimentar con la atonalidad, mientras Freud y
Jung continuaban con el desarrollo de sus teorías psicoanalíticas, tan relacionadas
con el mito de Elektra.
Notas:
Ricardo de la Torre
40

Iván López Reynoso, director huésped
Originario de Guanajuato, Iván López Reynoso realizó sus estudios de violín
con Gellya Dubrova, de piano con Alexander Pashkov y de dirección de
orquesta con Gonzalo Romeu. Ha dirigido orquestas en España, Italia, Alemania
y México, y se ha presentado en los principales recintos de este país.
Tiene un especial interés en la ópera, y ha dirigido más de cuarenta títulos
y cuatro estrenos en México. Fue el primer mexicano en dirigir en el Festival
de Ópera Rossini de Pesaro en Italia. Desde 2020 es director artístico de
la Orquesta del Teatro de Bellas Artes y desde 2018 es director invitado
principal de la Oviedo Filarmonía. Recientemente ha dirigido en la Ópera de
Zúrich y en la Ópera de Santa Fe.
Strauss llevó la disonancia musical al extremo
en su ópera Elektra. Basada en la mitología
griega, contiene uno de los papeles más desafiantes
para las sopranos. Además, fue la primera
colaboración de Strauss con el poeta
Hugo von Hofmannsthal, lo que dio pie a numerosas
obras conjuntas durante los siguientes
20 años.
41

21_22 octubre
Programa 5
—Festival CulturaUNAM
—XXX Festival Universitario
de Clarinete FaM-UNAM

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 21 de octubre
8:00 pm
Domingo 22 de octubre
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Yehuda Gilad, director huésped
Silvestre Revueltas (1899-1940)
Homenaje a Federico García Lorca
Duración aproximada: 10 minutos
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Concierto para clarinete en la mayor, K 622
I. Allegro
II. Adagio
III. Rondo. Allegro
Duración aproximada: 25 minutos
Annelien van Wauwe, corno di bassetto
Intermedio
Felix Mendelssohn (1809-1847)
Sinfonía núm. 4 en la mayor, Op. 90, Italiana
I. Allegro vivace
II. Andante con moto
III. Con moto moderato
IV. Saltarello. Presto
Duración aproximada: 30 minutos
44

Silvestre Revueltas (Santiago Papasquiaro, 1899 - Ciudad de México, 1940)
Homenaje a Federico García Lorca
El 18 de agosto de 1936 Federico García Lorca fue asesinado por fuerzas
franquistas. Brillante poeta, firmemente antifascista y abiertamente homosexual,
Lorca fue designado como enemigo de la derecha. Cuando las fuerzas
franquistas se apoderaron de Granada, él fue una de las incontables víctimas
de las ejecuciones y las purgas que acompañaron el ascenso al poder
del franquismo, y su cuerpo a la fecha yace en alguna de las fosas comunes
clandestinas que acompañaron estos crímenes. Su asesinato estremeció al
mundo del arte, y estremeció también a Revueltas, quien escribió esta obra
inmediatamente en respuesta. Poco después Revueltas viajaría a España
como parte de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios, y presenciaría
la guerra en persona. Los tres movimientos están basados en capas
de sonido y ostinati que reiteran un motivo implacablemente. Pero la obra
es un homenaje, no sólo un grito de dolor. El primer movimiento, Baile, y el
tercero, Son, pueden leerse como celebraciones del espíritu de Lorca, de la
intensa vida que dejó plasmada en sus poemas, y de las reverberaciones de
su obra en México, especialmente en Revueltas. Su segundo movimiento,
Duelo, sí es un lamento profundo, pero no solamente por Lorca, sino por la
brutal violencia y el sufrimiento a gran escala desatados por el franquismo.
En palabras del compositor y director cubano Pedro Sanjuan: “¡El poeta ha
muerto asesinado…, y sólo así, como lo hace Revueltas en su Duelo, y no de
otra manera, puede evocarse su muerte!”
Wolfgang Amadeus Mozart (Salzburgo, 1756 - Viena, 1791)
Concierto para clarinete en la mayor, K 622
El clarinete es, desafortunadamente, un instrumento poco recurrido como
solista en conciertos orquestales. Sin embargo, Mozart estaba enamorado
de la dulzura de su sonido y, cerca del final de su vida, nos dejó esta
obra maestra en la que aprovecha al máximo el carácter lírico pero reservado
de este instrumento. Para destacar lo más posible su timbre, Mozart prescinde
de las percusiones y los metales, e incluso del oboe con su sonido
más afilado. El diálogo ocurre principalmente entre el solista y las cuerdas,
aunque a veces le contesta la orquesta entera. Las líneas de clarinete están
magistralmente escritas y aprovechan toda la textura del instrumento:
45

largas y provocadoras notas graves, melodías líricas casi cantadas y toda
clase de saltos, arpegios y ornamentaciones. Es una obra demandante,
pero en ella el virtuosismo siempre está subordinado a la expresividad.
El Adagio se ha ganado un lugar en la historia de la música por su espíritu
evocativo, melancólico y anhelante. Pero incluso el último movimiento,
mucho más ligero en carácter, parece estar teñido de nostalgia. Este
Rondo, con su alegre tema recurrente, no alcanza a disipar la inquietud
del movimiento anterior. Esta fue la última gran obra que nos dejó Mozart,
escrita unas semanas antes de su muerte, e invita a escucharse como un
microcosmos de su vida y de su obra, un último recuento de su profunda
humanidad y musicalidad.
Mozart compuso su famoso Concierto para clarinete
en la mayor, especialmente para Anton
Stadler, destacado intérprete del corno di
bassetto —un innovador clarinete capaz de
producir notas hasta cuatro semitonos más
graves que el clarinete tradicional— para quien
Mozart escribió prolíficamente, entre otras
obras la primera versión del Concierto K622.
46

Felix Mendelssohn (Hamburgo, 1809 - Leipzig, 1847)
Sinfonía núm. 4 en la mayor, Op. 90, Italiana
Un viaje a Italia fue lo que inspiró a un joven Mendelssohn a escribir esta
sinfonía. Después de recorrer Venecia, Florencia, Nápoles, Milán y Roma,
el compositor regresó feliz y dispuesto a transmitir no sólo la belleza de
la tierra, sino la vitalidad de su gente. Esta gran energía es evidente desde
los primeros compases: los violines se lanzan directamente al jubiloso
tema principal, y de ahí entramos en un viaje —a veces más suavemente
y otras más vertiginosamente—, se exploran y desarrollan varios motivos
hasta que el glorioso tema principal vuelve a surgir desde el fondo de
la orquesta. El siguiente movimiento es un descanso del anterior, quizás
un paseo contemplativo por los paisajes italianos a través de un canto
campirano. El tercero, fiel a la estructura clásica de la sinfonía, tiene la
forma de un minueto y trío, dos secciones orquestales similares que
rodean una parte central más escueta. En este caso, los cornos son los
protagonistas del trío. El último movimiento, sin duda el más italiano, es un
Saltarello, y fiel a su nombre salta como un riachuelo en incansable movimiento
hasta alcanzar el final de la sinfonía, que curiosamente termina en
una exuberante tonalidad menor.
Notas:
Elisa Schmelkes
47

Yehuda Gilad, director huésped
Originario de Israel, Yehuda Gilad comenzó su formación musical a los 16
años y se perfeccionó en Estados Unidos, donde estudió con Giora Feidman,
Mitchell Lurie y Herbert Zipper. Además, participó en clases magistrales con
Sergiu Celibidache y Leonard Bernstein. Gilad fundó el Ensamble de Cámara
Yoav y presidió el jurado del V Concurso Internacional de Clarinete de Odense
en Dinamarca. Ha dirigido a la Orquesta de Cámara Thornton, la Sinfónica
de Santa Mónica y la Sinfónica Colonial de Nueva Jersey, y otros conjuntos
en Suecia, España, Alemania, Finlandia, Francia, China y México. Ganó el
Premio a Maestro Distinguido de la Comisión de Académicos Presidenciales
de la Casa Blanca. Actualmente, imparte clases en reconocidas instituciones
de Los Ángeles como el Conservatorio, la Escuela Comunitaria de Artes
Escénicas y la Academia de Música de Colburn, así como en la Escuela de
Música Thornton de la Universidad del Sur de California.
Annelien van Wauwe, corno di bassetto
De origen belga, Annelien Van Wauwe ha ganado el Concurso de Música ARD
de Múnich en Alemania y el premio Borletti Buitoni Trust en Londres. Ha colaborado
con la Filarmónica de la Radio del Norte de Alemania, la Sinfónica
Alemana, la Sinfónica de Berlín, la Orquesta Mozarteum de Salzburgo,
la Filarmónica de Bruselas, la Real Filarmónica de Liverpool y varias
Sinfónicas de la BBC. En 2019, lanzó su álbum debut titulado Belle époque
junto a la Orquesta Nacional de Lille bajo la dirección de Alexandre Bloch,
lo que le valió el premio Opus Klassik en Alemania en la categoría de Mejor
Artista Joven. Además de su destacada carrera solista, imparte clases magistrales
y es profesora en el Conservatorio Real de La Haya.
48

28_29 octubre
Programa 6

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 28 de octubre
8:00 pm
Domingo 29 de octubre
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Iván López Reynoso, director huésped
Alban Berg (1885-1935)
Siete canciones tempranas
I. Nacht (Noche)
II. Schilflied (Canción de caña)
III. Die Nachtigall (El ruiseñor)
IV. Traumgekrönt (Coronado en sueños)
V. Im Zimmer (Dentro del cuarto)
VI. Liebesode (Oda al amor)
VII. Sommertage (Días de verano)
Duración aproximada: 18 minutos
Sarah Maria Sun, soprano
Intermedio
Gustav Mahler (1860-1911)
Sinfonía núm. 4
I. Bedächtig, nicht eilen (Despacio, no apresurar)
II. In gemächlicher Bewegung, ohne Hast
(En movimiento pausado, sin prisa)
III. Ruhevoll, poco adagio (Tranquilo, poco adagio)
IV. Sehr behaglich (Muy cómodo)
Duración aproximada: 54 minutos
Sarah Maria Sun, soprano
50

Alban Berg (Viena, 1885 - Viena, 1935)
Siete canciones tempranas
Al escuchar las obras de Alban Berg, como sus óperas Wozzeck y Lulu, la
Suite lírica y el Concierto para violín, se comprende por qué el compositor
austriaco es considerado hoy en día como el mesías de la música moderna,
incluso por encima de su maestro Arnold Schoenberg, el creador de la escala
dodecafónica y la música atonal. Berg tendió el puente entre el romanticismo
de Richard Wagner y la vanguardia de Pierre Boulez.
A diferencia de muchos de sus colegas, la infancia de este notable músico
estuvo rodeada de facilidades económicas y culturales. A los 15 años,
y de manera casi autodidacta, compuso sus primeros Lieder, los cuales su
hermano mostró a Schoenberg, quien quedó muy complacido y decidió invitar
al joven Alban Berg a formar parte de su alumnado.
Estas primeras partituras vocales datan de los años 1901 a 1908, son
alrededor de 150 Lieder en los cuales se aprecia la influencia de compositores
como Brahms, Wolf, Strauss y Debussy. De esta colección, Berg compiló
siete, conocidos y apreciados como las Siete canciones tempranas que estrenó
en la versión de voz y piano en 1907 en un concierto de la clase de su
maestro. Posteriormente, en 1929, se presentó el ciclo completo. La versión
orquestal se dio a conocer en 1928.
Las Siete canciones tempranas fueron escritas
durante el mismo periodo en el que Mahler escribía
su Novena sinfonía. Cada canción está
basada en textos de destacados poetas alemanes,
como Nikolaus Lenau y Rainer Maria Rilke.
51

Gustav Mahler (Kalischt, 1860 - Viena, 1911)
Sinfonía núm. 4
Entre el último verano del siglo XIX y el primero del nuevo siglo, rodeado
de las nevadas montañas de Salzkammergut, Gustav Mahler trabajó en la
composición de su Cuarta sinfonía. Esta obra fue estrenada bajo la dirección
del compositor el 25 de noviembre de 1901 en Múnich, con la soprano
Margarete Michalek como solista.
Además de la solista, la dotación es particularmente singular para tratarse
de Mahler, ya que carece de trombones y tuba, con lo que le da un
realce a los instrumentos de madera. Las percusiones son copiosas y el resto
de la orquesta es el habitual en una agrupación sinfónica de la época.
Este trabajo explora un tema central que es la perspectiva del cielo
desde los ojos de un niño. A diferencia de la mayoría de su obra sinfónica,
la Cuarta es un regocijo de paz y tranquilidad que al público no le agradó
en sus primeras audiciones, pues estaba acostumbrado a trabajos más
grandiosos y encontró esta sinfonía desmedidamente tranquila, que era
como el alma de Mahler se encontraba al escribirla.
Cuando Mahler trabajaba en su Tercera sinfonía hacia 1895, comenzó
a proyectar su Cuarta que tendría seis movimientos y el subtítulo de
Humoreske, pero finalmente no prosperó de esa manera. El cuarto movimiento
en que interviene la solista retoma un Lied de Des Knaben
Wunderhorn (El cuerno mágico del doncel) escrito por el compositor siete
años atrás y cuyo texto fue tomado de una canción popular bávara.
Notas:
José Octavio Sosa
52

Iván López Reynoso, director huésped
Originario de Guanajuato, Iván López Reynoso realizó sus estudios de violín
con Gellya Dubrova, de piano con Alexander Pashkov y de dirección
de orquesta con Gonzalo Romeu. Ha dirigido orquestas en España, Italia,
Alemania y México, y se ha presentado en los principales recintos de este
país. Tiene un especial interés en la ópera, y ha dirigido más de cuarenta
títulos y cuatro estrenos en México. Fue el primer mexicano en dirigir en
el Festival de Ópera Rossini de Pesaro en Italia. Desde 2020 es director artístico
de la Orquesta del Teatro de Bellas Artes y desde 2018 es director
invitado principal de la Oviedo Filarmonía. Recientemente ha dirigido en la
Ópera de Zúrich y en la Ópera de Santa Fe.
Sarah Maria Sun, soprano
El repertorio de la soprano Sarah Maria Sun incluye más de dos mil obras
desde el siglo XVI hasta el siglo XXI, e incluye 400 estrenos mundiales. Es
invitada regular a festivales, teatros de ópera y salas de concierto en todo
el mundo. Fue nominada como Cantante del Año por su interpretación de
personajes femeninos complejos, como el personaje dual Elsa/Lohengrin en
el monodrama Lohengrin de Salvatore Sciarrino (2017) y Gwen en Psychosis
4.48 de Philip Venables (2019). De 2007 a 2015, fue la soprano principal del
conjunto de cámara Neue Vocalsolisten Stuttgart de Baden-Württemberg
en Alemania, un conjunto de cámara especializado en música vocal contemporánea.
La discografía de Sarah Maria Sun incluye más de 30 producciones
discográficas, muchas de las cuales han recibido premios y nominaciones.
Además, también es ilustradora, autora de libros infantiles e integrante de
la banda Titillating Tofu. Desde 2022 es profesora en la Academia de Música
de la Ciudad de Basilea en Suiza.
53

5 noviembre
Programa extraordinario
Metales y percusiones de la OFUNAM

Sala Nezahualcóyotl
Domingo 5 de noviembre
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Metales y percusiones:
Silvestre Hernández, Mateo Ruiz y Mario Miranda, cornos
James Ready, Rafael Ancheta, Humberto Alanís y
Arnoldo Armenta, trompetas
Alejandro Díaz, Luis Enrique Cruz, Alejandro Santillán y
Diego Fonseca, trombones
Héctor López, tuba
Javier Pérez y Abel Benítez, timbales y percusiones
Timothy McKeown, director huésped
Paul Dukas (1865-1935)
Fanfarria de La Péri
Giovanni Gabrieli (ca. 1557-1612)
Canzon primi toni
Canzon septimi toni
Canzon duodecimi toni
Jean-Joseph Mouret (1682-1738)
Fanfare-Rondeau
George Frideric Haendel (1685-1759)
Música para los fuegos artificiales reales
Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Obertura de Egmont
Duración aproximada: 32 minutos
56

Intermedio
Aaron Copland (1900-1990)
Fanfarria ceremonial
Joan Tower (1938)
Fanfarria para la mujer poco común núm. 1
Aaron Copland (1900-1990)
Fanfarria para el hombre común
Joan Tower
Fanfarria para la mujer poco común núm. 2
Eugenio Toussaint (1954-2011)
Trazo núm. 1*
Astor Piazzolla (1921-1992)
Suite de María de Buenos Aires
Enrique Crespo (1941-2020)
Fogo da mulata
Duración aproximada: 35 minutos
* Estreno mundial
57

58
Desde la Antigüedad, las trompetas, los cuernos y en general los instrumentos
de viento han sido asociados a lo bélico y lo divino. Quizá esto se deba
a que algunos de ellos tienen sus orígenes en elementos de la naturaleza
que mitológicamente remiten a la fuerza, como el caso de la trompeta, que
durante siglos se manufacturaba con las astas de toros o los cuernos de
vaca. Aristóteles cuenta en el Órganon como éstos se moldeaban al calor
del fuego a fin de modificar y aumentar su sonoridad. Posteriormente, con
el descubrimiento del bronce, los cuernos empezaron a ornamentarse y perforarse
con más precisión hasta fabricarse únicamente con ese metal.
Estos instrumentos que previamente habían sido utilizados sobre todo
para comunicar, convocar o anunciar, experimentaron su propia evolución
musical hasta su introducción en la música culta hacia el siglo XV. Uno de
los primeros grandes ejemplos de ello es el realizado por el compositor
veneciano Giovanni Gabrieli, cuya obra es representativa de la transición
del Renacimiento al Barroco. Gabrielli innovó en las técnicas de los cori
spezzati (coros divididos), una técnica estereofónica que se hizo popular
hacia finales del siglo XVI y que utilizaron compositores como George
Frideric Haendel y Johann Sebastian Bach. Ésta consistía en distribuir las
voces, instrumentos o combinación de ambos a considerable distancia unos
de otros para producir un contraste tímbrico mayor y un juego con la arquitectura
sonora, especialmente de las iglesias. Gabrieli escribió las canzone
Primi toni I, Septimi toni II y Duodecimi a ocho voces, con esta perspectiva.
Estas proceden de una colección de 36 canzoni publicadas en 1608.
El carácter marcial de los instrumentos de viento se escucha en la majestuosa
obertura de Music for the Royal Fireworks que Haendel escribió
en 1749 para celebrar el fin de la Guerra de Sucesión Austriaca. Asimismo,
en la obertura de Egmont (1810) de Beethoven que se inspiró en la obra
homónima de Goethe (1787) sobre un líder de la rebelión contra Felipe II de
España a mediados del siglo XVI. Esta apoteósica obra de Beethoven marcó
una nueva etapa en el tratamiento musical de la tragedia que impresión
hondamente a Wagner, quien más tarde exploraría con su obra de arte total
la sublimación sonora del heroísmo.
Las fanfarrias son pequeñas piezas estruendosas que usualmente
anuncian o conmemoran algún acto heroico. La fanfarria de La Péri (1910)
de Paul Dukas aparece cuando Iskender, en la leyenda iraní, sale en busca de
la inmortalidad. Por su parte, la Fanfarria para un hombre común (1942)
de Copland rinde homenaje a los soldados fallecidos en la Segunda Guerra

Mundial. El título de esta obra que se volvería el estandarte sonoro del patriotismo
norteamericano, procede de un famoso discurso de Henry Wallace,
vicepresidente de Estados Unidos durante el conflicto bélico. Musicalmente
inspirada en esta obra y sin pretensiones feministas, la compositora estadounidense
Joan Tower escribió en 1986 la Fanfare for the Uncommon
Woman, dedicada a “las mujeres que toman riesgos”.
Notas:
Mariana Hijar Guevara
Timothy McKeown, director huésped
Nacido en Nueva York, donde tuvo una educación rica en actividades culturales,
Timothy McKeown comenzó el aprendizaje de la trompeta a los 8
años. Estudió una preparatoria especializada en artes escénicas antes de
ingresar a la Escuela de Música Juilliard, como alumno de William Vacchiano.
En 1979 tomó clases con el tubista Arnold Jacobs cuya influencia impulsó su
acceso al mundo profesional. Formó parte de la Orquesta Filarmónica de la
Ciudad de México y en en 1983 ingresó a la Sinfónica de Xalapa. En México,
ha tocado con diversas orquestas y ensambles de cámara y ha sido solista a
la trompeta y al corno da caccia. Con frecuencia imparte clases magistrales
y ha participado como director de ensambles de cámara y coordinador en
varios festivales musicales de México.
59

11_12 noviembre
Programa 7

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 11 de noviembre
8:00 pm
Domingo 12 de noviembre
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Sylvain Gasançon, director titular
Joaquín Rodrigo (1901-1999)
Concierto pastoral
I. Allegro
II. Adagio
III. Rondo
Duración aproximada: 25 minutos
Solista OFUNAM: Abraham Sáenz, flauta
Intermedio
Alban Berg (1885-1935)
Tres piezas para orquesta, Op. 6
I. Praeludium (Preludio)
II. Reigen (Baile)
III. Marsch (Marcha)
Duración aproximada: 20 minutos
Gustav Mahler (1860-1911)
Adagio de la Sinfonía núm. 10
Duración aproximada: 22 minutos
62

Joaquín Rodrigo (Sagunto, 1901 - Madrid, 1999)
Concierto pastoral
En el nutrido catálogo de obras para solista y orquesta del compositor
valenciano Joaquín Rodrigo, destacan las obras para una o más guitarras,
como el archiconocido Concierto de Aranjuez. Pero es acaso su Concierto
pastoral para flauta el que exige del solista la resistencia y despliegue técnico
más pronunciados.
Escrita para el famoso flautista irlandés James Galway, la pieza hace
un uso incesante de una figuración rápida y de difícil ejecución por toda la
extensión del instrumento, un auténtico tour de force para cualquier solista.
El virtuosismo del intérprete es puesto a prueba de forma diferente en el
movimiento central, el núcleo emotivo de la pieza y el más extenso de los
tres. Este conmovedor Adagio es interrumpido por un episodio con el carácter
de un scherzo que culmina en la cadenza esperada de cualquier obra
concertante, antes del retorno del material inicial. El más ligero Rondo final,
con el carácter de una danza, es especialmente evocador del campo y la vida
pastoril, lo cual compensa la complejidad del Adagio.
Alban Berg (Viena, 1885 - Viena, 1935)
Tres piezas para orquesta, Op. 6
En los Altenberg Lieder Op. 4 o las Cuatro piezas para clarinete y piano Op.
5, obras que anteceden inmediatamente a sus Tres piezas para orquesta,
Berg exploró diseños formales de extraordinaria brevedad, sin un desarrollo
temático robusto y de un sutil colorido de carácter casi francés. Todas estas
características fueron severamente criticadas por Arnold Schoenberg,
su antiguo profesor. Como respuesta a los duros comentarios del admirado
maestro, Berg se propuso escribir una obra orquestal de gran formato,
dedicada a Schoenberg, que finalmente se convirtió en su opus seis.
Este tríptico orquestal puede verse también como una sinfonía en los
cuatro movimientos tradicionales: el preludio tiene la función del tiempo
inicial; Reigen (título tomado de la novela homónima de Arthur Schnitzler),
con sus grotescas reminiscencias del vals, toma el papel de scherzo y movimiento
lento; y marcha, más compleja y densa, funge como el movimiento final.
Impregnada de la influencia de Mahler (el uso del martillo en la sección
de percusiones nos remite a su Sexta sinfonía) y las Cinco piezas para
63

orquesta de Schoenberg, la música de las Tres piezas está cargada de la
angustia presente al inicio de la Gran Guerra y anticipa la estética expresionista
de la ópera Wozzeck del compositor.
Gustav Mahler (Kalischt, 1860 - Viena, 1911)
Adagio de la Sinfonía núm. 10
Cuando la muerte alcanzó a Mahler el 18 de mayo de 1911, su Décima sinfonía,
comenzada al año anterior, se encontraba inconclusa. El compositor
sólo había logrado dejar el Adagio inicial en una forma razonablemente
completa, y quedaron solamente bosquejos, más o menos avanzados, para
los otros cuatro movimientos. Varios intentos de completar la sinfonía han
sido emprendidos desde entonces, algunos más afortunados que otros. En
esta ocasión, la OFUNAM presenta solamente la música terminada por el
compositor, en la edición autorizada por la Sociedad Internacional Gustav
Mahler de Viena.
Estructurado con un diseño multiseccional, el Adagio presenta la alternancia
de grandes bloques contrastantes, pero temáticamente conectados,
con un carácter meditativo y trágico que acaso refleja la crisis emocional y
de salud por la que pasaba el compositor en aquel momento. El lenguaje armónico
mahleriano alcanza en esta obra, posiblemente, su punto más avanzado.
Esto es especialmente evidente hacia el último cuarto del movimiento,
cuando un acorde conformado por nueve sonidos diferentes —extraordinariamente
disonante y sin precedentes en la música del compositor—, hace
su aparición como un grito atravesado por una larga nota aguda de la trompeta.
Inmediatamente después, la música encuentra de nuevo la calma y se
dirige a su resignada conclusión.
Notas:
Ricardo de la Torre
64

Abraham Sáenz, flauta
Durante su formación, Abraham Sáenz tomó clases con Armando Tarango,
Katherine Calvey, Laura Trainini y Natalia Valderrama, además de realizar
cursos de perfeccionamiento en Estados Unidos, Italia y Suiza. Ha
sido galardonado en concursos nacionales como el Concurso Nacional de
Flauta Gildardo Mojica, el Concurso del Conservatorio de Chihuahua y el
Concurso de Solistas del Festival Internacional de Flauta de Monterrey. Ha
sido integrante de la Orquesta Sinfónica de Xalapa, la Sinfónica Nacional,
la Filarmónica de Jalisco y la Filarmónica de Boca del Río. Ha participado
en el Festival de Flauta y Clarinete del Sur de Texas en Brownsville y
el Internacional de Flauta de Monterrey. Actualmente es concertista del
Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, flautista en la Orquesta
Sinfónica de Minería y flautista principal en la Orquesta Festival Urtext y la
Filarmónica de la UNAM.
La “Maldición de la Novena sinfonía” era una
superstición entre compositores que sostenía
que después de escribir su novena sinfonía,
morirían. Aunque sólo era un mito, Mahler lo
tomó como algo serio. De hecho, tituló su novena
como La canción de la tierra en lugar de
numerarla, y llamó a su siguiente obra como la
Novena sinfonía. Irónicamente, falleció mientras
escribía su décima sinfonía.
65

18_19 noviembre
Programa 8

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 18 de noviembre
8:00 pm
Domingo 19 de noviembre
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Sylvain Gasançon, director titular
Gustav Mahler (1860-1911)
Sinfonía núm. 9
I. Andante comodo
II. Im tempo eines gemächlichen Ländlers. Etwas täppisch und sehr derb
(A ritmo de un Ländler pausado. Algo torpe y muy burdo)
III. Rondo - Burleske
IV. Adagio
Duración aproximada: 82 minutos
Concierto dedicado a la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas
por sus 60 años
Mahler incorporó elementos melódicos del vals
Freuet euch des Lebens (Disfruta la vida) de
Johann Strauss II al comienzo de su Novena
sinfonía, estableciendo un vínculo temático con
la idea de aferrarse a los placeres de la vida a
pesar de la inevitabilidad de la muerte.
68

Gustav Mahler (Kalischt, 1860 - Viena, 1911)
Sinfonía núm. 9
La última sinfonía de Mahler está cargada de significado. Después de abordar
una y otra vez el tema de la vida y la muerte en sus obras, esta sinfonía es un
verdadero tratado al respecto. Fue escrita durante el último capítulo de su
vida, después de que su hija de 4 años muriera de difteria y de enfrentarse a
la noticia de que su corazón estaba fallando. Aunque ha sido tradicionalmente
interpretada como una despedida, el significado de esta sinfonía se queda
abierto para ser redescubierto por cada orquesta y cada escucha en cada nueva
interpretación. La obra no sólo es un viaje hacia el umbral de la muerte, es
también un profundo anhelo por la vida, una fuerza vital que se aferra a la
existencia hasta su inevitable final.
Esta monumental obra comienza con una melodía que crece desde las
profundidades y se va desarrollando en complejas variaciones, como un organismo
que se expande y se contrae hasta que se desvanece en el éter,
completando uno de los grandes hitos de composición sinfónica en la historia.
El segundo movimiento nos aterriza en la vida a través de otro de los
grandes amores de Mahler: las danzas, que también, después de florecer,
terminan disolviéndose hacia el final. El feroz tercer movimiento ha sido interpretado
como una premonición de la Gran Guerra que se asomaba en el
horizonte. Aquí la música no se disuelve, sino que se estrella violentamente.
Pero es en el último movimiento donde Mahler termina de sumergirnos
en sus cuestionamientos existenciales. Este movimiento no sólo es el
artista contemplando su propio fin, sino que también prefigura la muerte
del antiguo orden dominante que vendría acompañado con la guerra. Es el
último suspiro del Romanticismo musical y de la sociedad romántica que lo
vio florecer. Es el ocaso de la tonalidad. Todo ello se desvanece en el último
movimiento de la sinfonía, implacablemente lento, en el que Mahler poco
a poco desintegra todas las ideas musicales que desarrolló anteriormente,
transitando con plena conciencia y deliberación a través del espacio entre
sonido y silencio, entre sustancia y vacío. Hasta el último compás, que sólo
contiene una larguísima nota marcada con cuatro pes (pianissississimo) y
una palabra: ersterbend (muriendo).
Nota:
Elisa Schmelkes
69

25_26 noviembre
Programa 9

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 25 de noviembre
8:00 pm
Domingo 26 de noviembre
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Ludwig Carrasco, director huésped
Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Concierto para piano núm. 3 en do menor, Op. 37
I. Allegro con brio
II. Largo
III. Rondo. Allegro
Duración aproximada: 35 minutos
Gustavo Romero, piano
Intermedio
Anton von Webern (1883-1945)
Seis piezas para orquesta, Op. 6 (versión de 1928)
I. Langsam (Lento)
II. Bewegt (Movido)
III. Mässig (Moderado)
IV. Sehr mässig (Muy moderado)
V. Sehr langsam (Muy lento)
VI. Langsam (Lento)
Duración aproximada: 13 minutos
Richard Strauss (1864-1949)
Suite de El caballero de la rosa
Duración aproximada: 22 minutos
72

Ludwig van Beethoven (Bonn, 1770 - Viena, 1827)
Concierto para piano núm. 3 en do menor, Op. 37
Beethoven escribió el Concierto para piano núm. 3 en 1802, durante uno
de los periodos más sombríos de su vida. La irremediable sordera que
padecía se aguzaba alejándolo dolorosamente del mundo y provocándole
desdicha tal que habían nacido en él impulsos suicidas. En el íntimo
Testamento de Heiligenstadt, escrito meses después de haber concluido
el concierto, Beethoven expresa que el arte fue la razón por la cual no
puso fin a su vida: “Sólo el arte me ha detenido. Me parecía imposible dejar
este mundo antes de haber creado todo aquello que soy capaz de crear.”
Al igual que sucede en otras obras, esta aura de supervivencia destella
en el Concierto para piano en do menor, cuya tonalidad comparte con el
Concierto para piano núm. 24 de Mozart, al cual parece evocar en algunos
pasajes. El Allegro abre enérgicamente con una larga introducción orquestal
donde el primer tema se presenta para ser retomado posteriormente
por el piano en diversas ocasiones a lo largo de los tres movimientos. En
la parte central del nostálgico Largo, sobresale el diálogo onírico entre la
flauta y el fagot, ante el cual el piano parece responder en arpegios. La
obra culmina con un dinámico Rondo que hacia el final modula a modo
mayor, la tonalidad inicial de la obra.
Nota:
Mariana Hijar Guevara
Anton von Webern (Viena, 1883 - Mittersill, 1945)
Seis piezas para orquesta, Op. 6 (versión de 1928)
Las Seis piezas para orquesta Op. 6 de Anton Webern, compuestas cuando
tenía 26 años, fueron dedicadas a su maestro y amigo Arnold Schoenberg,
quien las dirigió en su estreno en Viena en 1913. Aunque inicialmente fueron
mal recibidas por el público vienés, estas obras han sido revalorizadas y actualmente
forman parte de los programas sinfónicos tanto en Europa como
en Estados Unidos.
Las seis piezas, breves todas ellas, son un trabajo altamente coherente
dentro de la nueva escuela que Webern emprendió de manera extraordinaria,
73

junto a Schoenberg y Berg. A pesar de su título poco revelador, la partitura
revisada en 1928 condensa seis momentos de intensa expresión en apenas
13 minutos.
Nota:
José Octavio Sosa
Richard Strauss (Múnich, 1864 - Garmisch-Partenkirchen, 1949)
Suite de El caballero de la rosa
El caballero de la rosa representa la cima del repertorio operístico de
Richard Strauss. Escrita luego de las fantásticas Salomé (1905) y Elektra
(1909), tuvo extraordinario éxito y pronto se convirtió en una de sus óperas
más representadas, incluso en nuestros días. En relación a ella, Strauss escribió:
“Quería escribir una ópera como Mozart, y lo hice”. El libreto realizado
por Hugo von Hofmannsthal se inspira en la novela libertina de Louvet
de Couvray, Les amours du chevalier de Faublas (1787), y en Monsieur de
Pourceaugnac (1669) de Molière. La historia se desarrolla en Viena a mediados
del siglo XVIII: la aristócrata Marschallin mantiene un romance con
Octavian, un atractivo conde más joven que ella. Pero el romance se ve interrumpido
cuando el barón de Ochs le pide a Octavian que le entregue a
Sophie, su prometida, una rosa de plata como símbolo de su compromiso.
Octavian y Sophie caen enamorados a primera vista y aquí inicia el idilio.
Esta suite fue realizada por el director de orquesta Artur Rodziński en 1944
y fue aprobada por el propio Strauss. Está integrada por cinco temas e inicia
de la misma forma que la ópera, con la introducción previa a que el telón se
levante. La segunda parte corresponde a una escena del acto tres, en la que
Octavian conoce a Sophie, y concluye con dos líricos valses, en los cuales
Strauss hizo una suerte de homenaje a la tradición del vals vienés.
Nota:
Mariana Hijar Guevara
74

Ludwig Carrasco, director huésped
Nacido en Morelia, Ludwig Carrasco cursó la licenciatura y la maestría en
música en las especialidades de violín y dirección de orquesta, así como
títulos de posgrado en musicología y gestión cultural. Se doctoró en dirección
orquestal por la Universidad del Noroeste en Estados Unidos. En
su carrera como director y violinista ha ofrecido conciertos en 31 países
de América, Asia y Europa. En 2023 fue designado director artístico de la
Orquesta Sinfónica Nacional de México. Anteriormente ha ocupado cargos
similares al frente de la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, la Filarmónica
de Querétaro y la Sinfonietta Prometeo en Estados Unidos.
Gustavo Romero, piano
Originario de San Diego, California, pero con raíces mexicanas, Gustavo Romero
descubrió su amor por el piano a los 5 años y desde entonces ha cautivado
al público con su talento excepcional. Romero ha actuado con renombradas
orquestas como la Filarmónica de Nueva York, la Filarmónica de Los Ángeles y
otras más en Italia, Reino Unido, Vietnam, China, Sudáfrica, España, República
Checa, Canadá, Alemania, Japón y México. A lo largo de su trayectoria ha ganado
el Concurso Internacional de Piano Clara Haskil en Suiza, la beca Avery
Fisher y el Premio América Musical para Jóvenes Artistas en Estados Unidos.
Durante más de dos décadas ha ofrecido conciertos en La Jolla, California,
con obras de Bach, Schumann, Mendelssohn, Debussy, Rajmáninov, Mozart y
Beethoven, entre otros compositores. Además de su carrera como intérprete
es profesor de piano en la Universidad del Norte de Texas.
Webern compuso las Seis piezas para orquesta
como un homenaje a su difunta madre. Pero,
curiosamente, la cuarta pieza, Marcia funebre,
refleja su admiración por Gustav Mahler y concentra
de manera concisa los gestos expresivos
de una marcha fúnebre al estilo mahleriano.
75

2_3 diciembre
Programa extraordinario
Concierto en clave de rumba

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 2 de diciembre
8:00 pm
Domingo 3 de diciembre
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
La Única, Internacional Sonora…
Iván López Reynoso, director huésped
La boa
Mi adiós
Perfume de gardenias
El mudo
Estoy pensando en ti
Hilos de plata
Pequeño
Noche inolvidable
Mi razón
Sombrita de cocales
Congoja
Urge
Bómboro quiñá quiñá
Luces de Nueva York
Amor de cabaret
Tita
¿Dónde estás Yolanda?
A muchos años
Conciertos organizados con el Patronato y la Sociedad de Amigos
de la OFUNAM
78

La Única, Internacional Sonora... es mucho más que una agrupación musical,
es un ícono de la cultura popular mexicana. Su música trasciende el tiempo y
sigue siendo parte del repertorio de las fiestas y celebraciones en todo el país.
La agrupación es reconocida por su estilo único, en el cual se entrelazan
los ritmos del danzón, la cumbia, la rumba, la salsa, el mambo, el bolero y
el chachachá, para crear una música contagiosa que invita a bailar y gozar.
Pero el sabor del baile lleva en sus letras anécdotas de lo más diversas,
historias de amor, desamor, de alegrías y desafíos de la vida cotidiana, en
especial en las grandes urbes como en la canción Luces de Nueva York,
aquella que relata la vida de cabaret, y que sería un clásico en cierto género
del cine mexicano en la década de los setenta.
Pero también la vida de las personas de a pie aparece en sus letras,
dedicadas por igual a los pequeños niños como a aquellos cuyos hilos de
plata se han asomado en su juventud. Temas como La boa, Perfume de
gardenias, Urge y ¿Dónde estás Yolanda?, se han convertido en verdaderos
clásicos en los bailes y espacios danzoneros como el Salón Los Ángeles en
la Ciudad de México.
Sus arreglos musicales sofisticados y la presencia de instrumentos como
el piano, los alientos y las percusiones le otorgan un sello distintivo a su sonido,
imposible de escuchar sin contagiarse de la pasión y la energía que transmite.
Así que prepárense para “mover el bote”, pues será inevitable, y eso mis
queridos amigos, tanto la Sonora como la OFUNAM ¡lo saben, lo saben!
Nota:
Montserrat Pérez-Lima
Jorge Zamora, conocido como “Zamorita”, destacó
como actor y comediante, pero también incursionó
en la música con la letra de la canción
Bómboro quiñá, quiñá. Ésta surgió durante el
rodaje de la película Tin-Tan, el hombre mono
(1963). Aunque la famosa frase no tiene significado,
sin este pegajoso estribillo, la historia de
la canción habría sido muy diferente.
79

Iván López Reynoso, director huésped
Originario de Guanajuato, Iván López Reynoso realizó sus estudios de violín
con Gellya Dubrova, de piano con Alexander Pashkov y de dirección
de orquesta con Gonzalo Romeu. Ha dirigido orquestas en España, Italia,
Alemania y México, y se ha presentado en los principales recintos de este
país. Tiene un especial interés en la ópera, y ha dirigido más de cuarenta
títulos y cuatro estrenos en México. Fue el primer mexicano en dirigir en
el Festival de Ópera Rossini de Pesaro en Italia. Desde 2020 es director artístico
de la Orquesta del Teatro de Bellas Artes y desde 2018 es director
invitado principal de la Oviedo Filarmonía. Recientemente ha dirigido en la
Ópera de Zúrich y en la Ópera de Santa Fe.
La Única, Internacional Sonora…
La Única, Internacional Sonora... sin duda es uno de los grupos más importantes
e influyentes de la música tropical latinoamericana del siglo XX. A
lo largo de más de seis décadas ha logrado ocupar un lugar en la memoria
popular de todo el continente a través de grabaciones que han prevalecido
a lo largo de varias generaciones. El grupo ha acumulado múltiples premios
y reconocimientos, como la inclusión en el Paseo de las Estrellas en Las
Vegas en 2016. En 2014, ganó un Grammy Latino, aunque para sus integrantes,
el reconocimiento más importante es el entusiasmo y cariño que
les brinda el público mexicano y de otros países donde se ha presentado.
En 2015, festejó los 60 años con un concierto en el Auditorio Nacional en
el que interpretó versiones tradicionales y sinfónicas de todo su repertorio.
Asimismo, grabó un disco en el que colabora con artistas invitados como
Mijares, Julieta Venegas, Cristian Castro, Paquita la del Barrio, Río Roma y
Gilberto Santa Rosa.
80

9_10 diciembre
Programa 10

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 9 de diciembre
8:00 pm
Domingo 10 de diciembre
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Enrique Diemecke, director huésped
Ana Lara (1959)
Ángeles de llama y hielo
Duración aproximada: 21 minutos
Intermedio
Gustav Mahler (1860-1911)
Sinfonía núm. 5
I. Trauermarsch. In gemessenem Schritt. Streng. Wie ein Kondukt
(Marcha fúnebre. Paso mesurado. Riguroso. Como procesión fúnebre)
II. Stürmisch bewegt. Mit grösster Vehemenz
(Agitado tormentoso. Con la mayor vehemencia)
III. Scherzo. Kräftig, nicht zu schnell
(Scherzo. Fuerte, no demasiado rápido)
IV. Adagietto. Sehr langsam (Adagietto. Muy lento)
V. Rondo. Finale
Duración aproximada: 68 minutos
82

Ana Lara (Ciudad de México, 1959)
Ángeles de llama y hielo
Mensajeros, heraldos, portadores de noticias, desde su primera mención
en el versículo 24 del tercer libro del Génesis, hasta sus apariciones a lo
largo del libro del Apocalipsis, todo tipo de ángeles pueblan las páginas
del Antiguo y del Nuevo Testamento. Ya desde el siglo VI el teólogo y
místico bizantino conocido como el Pseudo Dionisio los clasificó en serafines,
querubines, tronos, dominaciones, virtudes, potestades, principados,
arcángeles y ángeles, dependiendo de los servicios que cada uno de ellos
presta a Dios. Resplandecen en los versos del Paraíso de la Divina comedia
de Dante Alighieri, en las arquivoltas de las catedrales góticas, en los íconos
bizantinos y en la pintura occidental en general, ya sea como anunciadores,
guerreros o consoladores, o cantando y tocando instrumentos para
glorificar al Creador o a la Virgen María. En el cine se les ve sin ser vistos
por la gente en los filmes Las alas del deseo (1987) y ¡Tan lejos, tan cerca!
(1993) de Wim Wenders. En nuestra ciudad ocupan un lugar especial en el
monumento a Beethoven, que se encuentra en la Alameda Central, y en la
Columna de la Independencia. Pero en la música, su misteriosa existencia
nunca había sido expresada con tan poderosa elocuencia como en el poema
sinfónico de Ana Lara Ángeles de llama y hielo, inspirada en la serie
homónima de cuatro sonetos que el poeta mexicano Francisco Serrano
dedicara a la compositora.
Dividida en cuatro partes que se corresponden con cada uno de los
sonetos (Ángel de tinieblas, Ángel del alba, Ángel de luz y Ángel del ocaso)
Ana Lara aborda en Ángeles de llama y hielo el espíritu de cada poema, en
los que cada ángel anuncia un diferente momento del día y de la noche, a
través de texturas sonoras en las que los distintos grupos instrumentales
de una enorme dotación orquestal (metales, cuerdas, alientos, percusiones)
juegan un papel predominante en la construcción de atmósferas, que van
desde la más profunda oscuridad hasta la más radiante luminosidad a lo
largo de una inmensa estructura circular en la que la obra concluye con las
mismas sonoridades con las que inició.
83

Gustav Mahler (Kalischt, 1860 - Viena, 1911)
Sinfonía núm. 5
La muerte y el amor son los dos temas que bañan con su sombra y con su
luz las sonoridades de la Quinta sinfonía de Gustav Mahler. Por un lado,
las relaciones del compositor con la muerte comenzaron en su más tierna
infancia. De los catorce hijos que sus padres engendraron ocho murieron a
temprana edad. Su hermano Otto, trece años menor que él, se suicidó a los
22 años, y su hermana Leopoldine, tres años menor, murió a los 26, el mismo
año del deceso de sus padres. Para cuando Mahler comenzó la composición
de la Quinta, en 1901, la muerte había segado la vida de diez de sus familiares
directos (en 1907 se llevaría, además, a su hija María). Pero, por otro lado,
sería en ese mismo año que la sangre se le hizo “como de chocolate” en el
corazón al conocer a una de las mujeres más bellas, talentosas y fascinantes
de la sociedad vienesa, Alma Schindler, con quien no sólo experimentaría
la pasión amorosa, el matrimonio, la familia, sino también los tormentos, la
muerte y el sufrimiento.
No resulta nada extraño entonces que en la reflexión sinfónica que representa
su Quinta sinfonía, llevada a cabo en un momento de su vida en el
que se sabía con pleno dominio de su “técnica y poderes” composicionales,
Mahler se sintiera con la fortaleza de ánimo para enfrentarse al espectro de
la muerte y decidiera iniciar la obra con una inmensa Marcha fúnebre, cuyo
tema inicial ya había sido anunciado en la parte central del primer movimiento
de su Cuarta sinfonía. En ella, el ritmo de cortejo que fluye a lo largo
del primer movimiento es interrumpido en sendas ocasiones por fragmentos
en los que la ejecución apasionada cargada de desesperación y lamento
son exigencias explícitas señaladas en la partitura por el compositor. En el
segundo movimiento, que forma un todo con la marcha fúnebre, nuevos
temas entran en conflicto con otros ya citados en el primero, provocando
la sensación de ser el desarrollo de éste. Salvo en el lamento que ejecutan
los violonchelos sobre un redoble en el timbal después de la primera parte,
la textura en general se vuelve más densa y los contrastes de luz y sombra
más intensos. Entre estos contrastes, llama profundamente la atención la
irrupción hacia el final de un inmenso y luminoso coral en los metales, que
termina disolviéndose en la bruma de los oscuros materiales del principio
del movimiento.
Una danza de origen rústico muy popular en Viena, Suiza y el sur de
Alemania en la segunda mitad del siglo XVIII, llamada Ländler, emparentada
84

con el vals, sirve de base para la construcción del tercer movimiento, en el
que la Quinta da el giro de la oscuridad hacia la luz. En el cuarto movimiento,
el famoso Adagietto, Mahler desarrolla sobre el motivo principal de su
canción Ich bin der Welt abhanden gekommen (Me he alejado del mundo,
basada en un poema de Rückert), una de las formas de despliegue más prodigiosas
después de los vuelos alcanzados por Richard Wagner en Tristán
e Isolda (uno de cuyos Leitmotivs, el de la mirada, no sólo es la base para la
confección del motivo principal del movimiento, sino que se cita en la parte
central del mismo). El sentimiento depositado por Mahler en este movimiento
podría sintetizarse en los versos del Lied que lo inspira: “He muerto para
el estruendo del mundo y descanso en una región silenciosa. Vivo solo en mi
cielo, en mi amor, en mi canción”.
El último movimiento se abre con una cita melódica de su Lied Lob des
hohen Verstandes (Alabanza de un intelecto superior) que, más que ser un
préstamo propicio para desarrollar a partir de ella el carácter exultante del
final de la sinfonía, parece representar una clara alusión al sentido moral de
la historia contada en el texto de la canción (el concurso entre un cucú y un
ruiseñor, en el que el primero resulta vencedor por la decisión de un asno
que hace las veces de juez), a saber, que no importa cuántos asnos rechacen
el canto del ruiseñor para privilegiar músicas más digeribles y sencillas, el
ruiseñor no puede ni debe ir en contra de su propia naturaleza, de la misma
manera que el verdadero artista no debe traicionar su esencia haciendo
concesiones a las limitaciones de un público que sólo busca lo agradable en
el arte.
Notas:
Roberto Ruiz Guadalajara
85

Enrique Diemecke, director huésped
Originario de una familia de músicos, Enrique Diemecke aprendió a tocar el
violín con Henryk Szeryng. Estudió en la Universidad Católica de América en
la ciudad de Washington y con Charles Bruck en la Escuela Pierre Monteux.
Fue director general artístico y de producción del Teatro Colón en Argentina
y en 2022 cumplió 16 años al frente de la Filarmónica de Buenos Aires y 32
con la Sinfónica de Flint en Michigan, Estados Unidos. En México ha sido
director titular de la Orquesta Filarmónica de la UNAM y de la Sinfónica
Nacional; recientemente fue designado director titular de la Sinfónica del
Estado de Michoacán. Se ha presentado en Francia, Inglaterra, Estados
Unidos, España, Países Bajos, Rusia, China y otros países del mundo.
En 2020 se publicó el libro Enrique Arturo Diemecke. Biografía con música
de Mahler.
La Quinta sinfonía de Mahler alcanzó mayor
popularidad gracias a su aparición en la película
Muerte en Venecia (1971) del director italiano
Luchino Visconti. Inspirado en la novela de
Thomas Mann, Visconti capturó la melancolía y
el ocaso de la composición de Mahler, al mismo
tiempo que retrató al protagonista, Gustav von
Aschenbach, como una representación del propio
compositor alemán.
86

16_17 diciembre
Programa extraordinario
Concierto navideño
87

Sala Nezahualcóyotl
Sábado 16 de diciembre
8:00 pm
Domingo 17 de diciembre
12:00 pm
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Jesús Medina, director huésped
Niños y Jóvenes Cantores de la Facultad de Música de la UNAM
Patricia Morales, directora coral
George Frideric Haendel (1685-1759)
Selecciones de El Mesías
I. Obertura
II. Pifa (Sinfonía pastoral)
Duración aproximada: 6 minutos
Arcangelo Corelli (1653-1713)
Concerto grosso, Op. 6 núm. 8, Concierto de Navidad
I. Vivace - Grave - Allegro
II. Adagio - Allegro - Adagio
III. Vivace
IV. Allegro
V. Pastorale
Duración aproximada: 14 minutos
Miguel Bernal Jiménez (1910-1956)
Sonata de Navidad
Orquestación: Uberto Zanolli
I. Introito
II. Ofertorio. Pastoral con variaciones
III. Final. Tocatta
Duración aproximada: 15 minutos
88

Intermedio
Selección de villancicos
George Frideric Haendel (Halle, 1685 - Londres, 1759)
Selecciones de El Mesías
El bien conocido oratorio El Mesías de George Frideric Haendel relata en
música el nacimiento, pasión y muerte de Cristo, así como el triunfo de lo
divino sobre el pecado hacia el fin de los tiempos. Escrita en inglés por
un devoto anglicano, esta obra es una apasionada invitación a percibir
a Jesús como un mesías cercano a nuestra vida terrenal. De esta obra
escucharemos los dos únicos movimientos instrumentales. El primer movimiento,
la Sinfonía, introduce la obra con una obertura en el estilo francés,
es decir, una primera parte lenta seguida por una fuga. El segundo movimiento,
la pifa o sinfonía pastoral, pertenece a la mitad de la primera parte
de la obra, y en ella se presenta a los pastores que recibirán el anuncio del
nacimiento del Mesías.
En la Italia barroca se utilizaban las “pastorales” en composiciones navideñas
para representar a los pastores que fueron testigos del nacimiento de
Cristo. También conocidas como pifas, toman su nombre y forma de la música
de los pastores gaiteros (pifferari) que tocaban en las calles de Roma en
fechas cercanas a la Navidad. La música pastoral barroca generalmente se
compone de dos partes melódicas sencillas escritas en tiempo triple sobre
un acompañamiento de notas largas.
Arcangelo Corelli (Fusignano, 1653 - Roma, 1713)
Concerto grosso, Op. 6 núm. 8, Concierto de Navidad
Otra pastoral que se ha consagrado en la historia de la música fue estrenada
cincuenta navidades antes. En la Nochebuena de 1690 se interpretó por primera
vez una de las más apreciadas obras de Arcangelo Corelli, su Concierto
de Navidad, un concerto grosso, género barroco al que él contribuyó a
nombrar y desarrollar. Este tipo de obra alterna la textura de la orquesta
89

completa con una sección más pequeña, conocida como concertino, que en
su época eran solo dos violines y el bajo continuo.
En la época de Corelli había dos tipos de concerti grossi: da camera (de
cámara) y da chiesa (de iglesia). Aunque la música sacra suele ser vocal, estos
concerti da chiesa son ejemplos inusuales en la historia de la música: obras instrumentales
que se interpretan en una iglesia sin tener una función litúrgica. Se
escuchaban durante momentos como el ofertorio o la comunión para generar
un estado de contemplación. Por lo general tienen cuatro movimientos, pero
esta obra termina con un movimiento adicional: la Pastorale, con la que Corelli
corona la obra y que ha mantenido a este concierto vigente durante cuatro
siglos de navidades.
Miguel Bernal Jiménez (Morelia, 1910 - León, 1956)
Sonata de Navidad
Además de haber revitalizado el Conservatorio de las Rosas, fundado los
Niños Cantores de Morelia, publicado una revista de música sacra y haber
sido un músico e investigador con muchísima actividad, el compositor michoacano
Miguel Bernal Jiménez dejó un importante corpus de obra sacra
que a todas luces merece mayor atención. Devoto católico durante la época
de la Guerra Cristera, Bernal Jiménez estaba más interesado en escribir
música para la divinidad que en participar de las vanguardias estéticas
del momento. Esta obra, impecablemente compuesta, tiene un lenguaje
más afín a las obras barrocas de Haendel y Corelli que escuchamos
hoy. Fue escrita originalmente para órgano, pero en este concierto se
interpretará en la orquestación del compositor y director italo-mexicano
Uberto Zanolli.
Esta sonata tiene tres movimientos, todos ellos desarrollan motivos musicales
provenientes del himno barroco navideño Adeste fideles. El primero,
Introito, es un preludio libre que explora contrastes dinámicos y armónicos
a partir del motivo de Venite adoremus del himno original.
Fiel a la tradición, el segundo movimiento es una pastoral que sigue
todas las convenciones del género: melodías sencillas en tiempo triple sobre
notas largas. Esta pastoral, también sobre el tema de Venite adoremus, se
desarrolla a través de variaciones que exploran diferentes aspectos armónicos,
melódicos, rítmicos y tonales del tema original. La sonata cierra con una
90

Toccata muy organística que deja atrás la contemplación del movimiento
anterior en favor de la jubilosa celebración de la Navidad.
Villancicos
Desde que existe la Navidad se ha cantado música para celebrar y meditar
sobre el nacimiento de Cristo. Tenemos registro de himnos muy antiguos que
reflexionan sobre las controversias teológicas de los primeros siglos del cristianismo,
así como de una gran cantidad de cantos medievales en latín sobre
este tema. Pero, los cantos navideños populares tienen también una fuerte
influencia de aquellas tradiciones paganas practicadas alrededor de Europa,
en las que se cantaba de casa en casa por las calles para traer abundancia y
bendiciones a los anfitriones. En español, la palabra “villancico” simplemente
proviene de “villa”, es decir, es un canto del pueblo. Los villancicos no tenían
una asociación específica con la Navidad, pero sí tenían una connotación religiosa:
se cantaban villancicos en cada fiesta importante, generalmente como
parte de procesiones antes del servicio de vísperas. Las canciones de Navidad
se fueron modernizando y popularizando a través de los siglos. Hasta la fecha
siguen siendo una curiosa forma híbrida, entre lo sacro y lo popular, de cantos
que abarcan cuatro siglos y pueden escucharse igualmente dentro de casas,
iglesias, como en salas de conciertos.
Notas:
Elisa Schmelkes
Una de las piezas más emblemáticas de El Mesías
de Haendel es el Aleluya. Durante el estreno en
Londres en 1743, el Rey Jorge II se puso de pie
durante el coro del Aleluya, lo cual generó una reacción
en cadena entre los asistentes. Una tradición
que aún se conserva en las interpretaciones
navideñas en aquella ciudad.
91

Jesús Medina, director huésped
Nacido en Monterrey, Nuevo León, Jesús Medina cuenta con una destacada
trayectoria de más de 30 años. Realizó sus estudios con Enrique Diemecke
y Fernando Lozano en la Escuela Ollin Yoliztli y posteriormente en The
Pierre Monteux School en Estados Unidos con Charles Bruck. Ha sido director
titular de la la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, la Filarmónica
de la UNAM, la Sinfónica de la Universidad Autónoma de Nuevo León y
la Filarmónica de Jalisco. Se ha presentado en Estados Unidos, Singapur,
Francia, España, Italia, Canadá, Argentina y otros países. Ha dirigido en
salas de concierto alrededor del mundo como la Philharmonie de Berlín
y el Teatro Colón de Buenos Aires. Además ha sido galardonado con el
premio Gaviota de la Asociación Latinoamericana de Cronistas y el reconocimiento
de Mejor Director del Año otorgado por la Unión Mexicana de
Cronistas de Teatro y Música.
Niños y Jóvenes Cantores de la Facultad de
Música de la UNAM
El coro Niños y Jóvenes Cantores de la Facultad de Música de la UNAM
es uno de los grupos artísticos representativos de la institución universitaria,
cuyo propósito es la formación de jóvenes cantores capacitados para
interpretar obras de diferentes estilos y épocas, en especial, la difusión y
estreno de música coral para niños de compositores del siglo XX y XXI,
como Vladimir Kojoukharov, David Azurza, María Granillo y Mario Lavista.
La agrupación se ha presentado en diversas ciudades de México, además
de encuentros y festivales en Canadá, Colombia, Cuba, España, Estados
Unidos y Francia. En reconocimiento a su excelencia, el coro y su directora,
Patricia Morales, fueron galardonados por la Unión Mexicana de Cronistas
de Música y Teatro en 2001.
92

Patricia Morales, directora coral
Egresada de la Escuela Nacional de Música de la UNAM, actualmente
Facultad de Música (FaM), Patricia Morales cursó una maestría en interpretación
musical en la misma institución, dónde también da clases.
Es directora de Niños y Jóvenes Cantores de la FaM, coro con el que se ha
presentado en Canadá, Colombia, Cuba, España, Estados Unidos, Francia
y México. También está al frente del ensamble de varones DaCapo. Ha
recibido la presea Sor Juana Inés de la Cruz de la UNAM, un premio de la
Unión Mexicana de Cronistas de Teatro y Música, el premio Pedro de
Gante del Festival Internacional Cedros-UP y el premio de la Asociación
Nacional de Instituciones de Enseñanza de la Música.
93

94

Orquesta Filarmónica de la UNAM
Concertinos
Sebastian Kwapisz
Manuel Ramos
Violines primeros
Benjamín Carone
Ewa Turzanska
Erik Sánchez
Alma Osorio
Edgardo Carone
Pavel Koulikov
Juan Luis Sosa
José Juan Melo
Carlos Arias
Jesús Jiménez
Teodoro Gálvez
Jonathan Cano
Ekaterine Martínez
Roberto Bustamante
Toribio Amaro
Martín Medrano
Violines segundos
Osvaldo Urbieta*
Carlos Gándara*
Nadejda Khovliaguina
Elena Belina
Cecilia González
Mariano Batista
Mariana Valencia
Myles Mckeown
Miguel Ángel Urbieta
Héctor Robles
Cristina Mendoza
Oswaldo Soto
Ana Caridad Villeda
Juan Carlos Castillo
Benjamín Carone Sheptak
Violas
Francisco Cedillo*
Gerardo Sánchez*
Patricia Hernández
Jorge Ramos
Luis Magaña
Anna Arnal
Érika Ramírez
Juan Cantor Lira
Miguel Alonso Alcántara
Omar José Pérez
Roberto Campos
Aleksandr Nazaryan
Violonchelos
Valentín Lubomirov Mirkov*
Beverly Brown*
Jorge Ortiz
José Luis Rodríguez
Marta Fontes
César Martínez
Jorge Amador
Rebeca Mata
95

Lioudmila Beglarián
Rodolfo Jiménez
Contrabajos
Víctor Flores*
Alexei Diorditsa*
Fernando Gómez
Enrique Bertado
Héctor Candanedo
Claudio Enríquez
Jesús Hernández
Alejandro Durán
Flautas
Alethia Lozano*
Abraham Sáenz*
Jesús Martínez
Piccolo
David Rivera
Oboes
Rafael Monge*
Daniel Rodríguez*
Araceli Real
Patrick Dufrane
Clarinetes
Manuel Hernández Aguilar*
Edgar Lany Flores*
Austreberto Méndez
Alberto Álvarez
Fagotes
Gerardo Ledezma*
Manuel Hernández Fierro*
Rodolfo Mota
David Ball
Cornos
Silvestre Hernández*
Mateo Ruiz
Mario Miranda
Trompetas
James Ready*
Rafael Ancheta*
Humberto Alanís
Arnoldo Armenta
Trombones
Alejandro Díaz*
Enrique Cruz*
Alejandro Santillán
Trombón bajo
Diego Fonseca periodo meritorio
Tuba
Héctor López
Percusiones
Javier Pérez*
Abel Benítez
Arpa
Janet Paulus
Piano y celesta
Duane Cochran
* Principal
96

Edith Citlali Morales
Subdirectora Ejecutiva
Clementina del Águila
Enlace Artístico
Leonel Ramírez
Operación y Producción
Israel Alberto Sandoval
Coordinación Artística
Hipólito Ortiz
Roberto Saúl Hernández
Personal Técnico
Julia Gallegos
Asistente de la
Subdirección Ejecutiva
Erick Tapia
Apoyo en Archivo
Colaboradores de la Dirección
General de Música
Montserrat Pérez-Lima
Eduardo Garrido
Revisión de Contenidos
musica.unam.mx ofunam musicaunam
97

La difusión de la cultura se significa como uno de los objetivos esenciales de
nuestra máxima casa de estudios: la Universidad de la Nación. El Patronato
y la Sociedad de Amigos de la Orquesta Filarmónica de la UNAM se esfuerzan
por contribuir al fortalecimiento de dicho propósito, a partir de la
promoción y difusión de la música.
La misión del Patronato es coadyuvar con el desarrollo de la OFUNAM
y su optimización artística. Para lograrlo, apela a la generosidad de quienes
aman y disfrutan la música, así como de empresas e instituciones públicas y
privadas que se reconocen en este afán.
El Patronato y la Sociedad de Amigos de la OFUNAM constituimos una
gran familia. Nos hermana la música y seguiremos uniendo esfuerzos para
consolidar el prestigio de nuestra Orquesta.
Agradecemos su generosidad y patrocinio.
¡Bienvenidos a la Tercera temporada 2023 de la OFUNAM!
98

Patronato de la OFUNAM
Dr. Enrique Luis Graue Wiechers
Presidente Honorario
CONSEJO DIRECTIVO
Armando Jinich Ripstein
Presidente
Efrén Ocampo López
Vicepresidente
Jaime Arturo Coste Setién
Secretario
Fausto García López
Tesorero
Eugenia Meyer | René Solís Brun
Vocales
ASOCIADOS
Françoise Reynaud | Alain Gibersztein | Eduardo Lozowsky Teverow
Leonardo Curzio Gutiérrez | Marcos Cherem Entebi
HONORARIOS
Alfredo Adam Adam | Leopoldo Rodríguez Sánchez
Luis Rebollar Corona | José Visoso del Valle
Dalia Gómezpedroso Solís
Directora Ejecutiva del Patronato
99

Sociedad de Amigos de la OFUNAM
Alicia Ayala
Directora
Lorena Muñoz Hernández
Asistente Administrativa
Roberto Smith Cruz
Medios Electrónicos
Equipo Técnico del Patronato
Contacto
saofunam@unam.mx
Tel. 55 5622 7112
Amigos OFUNAM
www.amigosofunam.org
100

Amigos de la OFUNAM
Concertino
Lic. Ricardo Nassar Zacarías, In memoriam
Sara Jaet, In memoriam
Diego, Luz Elena y Efrén Ocampo
María del Carmen Poo
Prestissimo
Dr. Jaime P. Constantiner, In memoriam
Npsic. Erika Meza Dávlos
María del Consuelo Parra Abaunza y Carlos Enrique García Belina
Dr. Armando Torres Gómez
Presto
Anónimo (2)
Rafael Beltrán Rivera
Arturo Coste
Marcos Cherem Entebi
Alain Gibersztein
Aarón Jaet y Cecilia Baram
Ing. Miguel Jinich y Consuelo Ripstein de Jinich, In memoriam
Martín Kushner y Miriam Korsenng
Eduardo Lozowsky Teverow
Jorge Pérez de Acha Chávez
Proveedora Mexicana de Monofilamentos, S.A de C.V.
Maricarmen Uribe Aranzábal
Josefina y Gregorio Walerstein, In memoriam
Vivace
Anónimo (1)
Ing. Joaquín Ávila
Guadalupe Barrena Nájera
Familia Cantú Ramírez
101

María Luisa García Lozano, Yolanda Mireya y Luis Carrasco García
José Hanono Rudy
Luis Miguel Hernández Ramos
Julio A. Millán Bojalil
Rodolfo Rangel
Françoise Reynaud
Jesús Ruiz y Cecilia López
Dora Santos Bernard
Antonio Serrano Pueyo
René Solís Brun
Susana y Bernardo Stockder
Allegro
Anónimo (8)
Dr. Alfredo Adam Adam y Ma. Cristina Dájer
Alberto Atala
María Eugenia Basualdo
Martha E. Beltrán Sánchez, In memoriam
Fernando Canseco Melchor
CASS Abogados
Carlos Coronado
José León de la Barra Mangino
Desarrollos Inmobiliarios Laguna, S.A de C.V.
Carlos Fernando Díaz
María Victoria Flores Cruz Rodríguez
Dr. Mauricio y Magdalena Fortes
Dr. Gerardo Gamba Ayala
Fausto y Alicia García
Pedro García i Marsá
Familia García Valdés
Manuel Garnica Fierro, In memoriam
Ing. Santos Francisco Garnica Ramones
Melissa Golubov
Ing. Rafael Harari
Hilos Policolor, S.A.
Iván Jaso y Berta Rendón
Silvia Lemus
Lucía Lestrade
102

Martha Inés Mariela Marino
Claudine Moya Ponce
Sebastián Patiño Jiménez
Dr. Héctor Polanco y Dra. Nohemí Polanco
Sres. Luis y María Elena Rebollar
Alfonso Reynoso Martínez del Campo
Antonio Vladimiro Rivas
Francisco y María Teresa Sekiguchi
Jorge Manuel Valdez
Allegretto
Anónimo (4)
Marina Ariza
María Aurora Armienta
Jalil y Sarita Aspani
Penélope Atristaín
Celina Baqueiro
Linda y Nisso Béjar
Yomtov y Eugenia Béjar
Isabel y José Antonio Carrasco
Felipe Castro
Rocío L. Centurión
Eduardo y Mely Cohen
Carlos Cortés Carreño y Regina Millán Álvarez
Fernando de la Barreda
Servando de la Cruz Reyna
Efrén del Rosal
Gaby y Roberto Genis Sánchez
Nattie Golubov
Flavio González Rodríguez
Olga Hernández de la Fuente
Fausto José Hernández Pintado y Ana Reyes Retana de H.
César Holguín y Alberto Flores Villar
Ana Luisa Izquierdo de la Cueva
Ana Elena Lemus Bravo
Isabel Menocal
Oliverio Moreno
Hermenegildo Pérez
103

Arq. Oscar Pérez Huitrón
Aldo Pezzotti
Carlos Ríos
Margarita Roel
Luis Urquiza
Bernardo Velázquez Pallares
Judith Zubieta
Andantino
Anónimo (5)
Juan y Sophie Álvarez
Flora Botton Beja
Carey, Grisi, Harumi, Pumita
Renée y Elías Darwich
Alberto del Río Azuara
José Ramón Fernández Gro.
María Cristina Flores Leal
Gloria Frías
Lic. Francisco Fuentes Hungler
Javier Gaitán Rojas
Dr. León Green y Sra.
Olbeth Hansberg
Harmonia
Magdy Hierro
José Antonio Ibarra
Jorge Ibarra Baz
Dr. José Manuel Ibarra C.
Héctor H. Lima Álvarez
Eduardo J. López Morton S.
Carlos López Natarén
Juan José Lozano Pereda
Teresa Morán de Basave
Ricardo Carlos Moyssén
Horacio Perea Reyes
Irene Phillips Olmedo
Julieta Robles Castro
Marcela Rodríguez
Leopoldo Rodríguez Olivé
104

Dra. Liliana Rojas Velázquez
José Luis Salas Lizaur
Elena Solodkin
Maritxu Suárez de Miguel
Luisa Szachniuk Jaitt
Psic. Ethel Villanueva
Felipe Zámano
Andante
Anónimo (2)
Ana Victoria Alcántara
Joe y Lilia Amkie
Ing. Sergio Fernández Armendáriz
Myrna Gerson, In memoriam
Jesús Grajeda Vivero
Hellel Picciotto
Lic. Rafael y Stella Rayek
Larghetto
Anónimo (3)
Enrique Escobar Ángeles
Adagio
Anónimo (4)
Enrique Gonzalez Aguilar
Héctor Jalil Cejín
Salvador Vázquez Bader
Amiguitos de la OFUNAM
Mariana Constantino
Matías Rafael González Eguía
Mariana y Ana Sofía Polanco Ontiveros
Esteban Polanco Saldívar
105

ÚNETE Y PARTICIPA CON LOS AMIGOS DE
LA ORQUESTA FILARMÓNICA DE LA UNAM
El Patronato y Sociedad de Amigos de la OFUNAM es una asociación
civil cuyo objetivo es apoyar a nuestra orquesta, a fin de difundir la
música de los grandes compositores, clásicos y contemporáneos, ejecutada
por los mejores y más reconocidos intérpretes.
Nuestra misión es procurar fondos a fin de favorecer a la OFUNAM y sus
integrantes para:
• Acceder a una permanente formación musical a través de cursos de
perfeccionamiento, así como congresos y conferencias que los
enriquezcan profesionalmente;
• Apoyarlos en la adquisición de instrumentos musicales y el necesario
mantenimiento de los mismos;
• Contratar solistas nacionales y extranjeros de renombre internacional;
• Fortalecer sus incentivos laborales;
• Extender su presencia a un público cada vez más amplio.
Te invitamos a formar parte de los Amigos de la OFUNAM y disfrutar
de los múltiples beneficios que como amante de la música te ofrecemos.
Apoya a la orquesta que es motivo de orgullo para la UNAM y
para México.
Comunícate con nosotros: saofunam@unam.mx

30 SEP › 22 OCT 2023
ARTES VISUALES › CINE › DANZA › LITERATURA › MULTIDISCIPLINA › MÚSICA › ÓPERA › TEATRO

Recintos Culturales
José Luis Montaño Maldonado
Coordinador de Recintos
Gabriel Ramírez del Real
Coordinador Técnico
Aída Escobar Pérez
Asistente del Coordinador Técnico
SALA NEZAHUALCÓYOTL
Felipe Céspedes López
Coordinador
Melissa Rico Maldonado
Administradora
Cynthia Jiménez Alaniz
Jefa de Servicios
Pedro Inguanzo González, jefe de taller
G. Alejandro Celedón Granados
Iluminación
Julio César Colunga Soria, jefe de taller
Gerardo Arenas Elías
Audio
Manuel de Jesús Escobar Sánchez, jefe de taller
Jorge Alberto Galindo Galindo
José Revilla Manterola
Rubén Monroy Macedo
Alejandro Zavala Pérez
Técnicos de Piso
110

Dirección General de Música
José Wolffer
Director General
Valeria Palomino
Coordinadora Ejecutiva
Gabriela Peláez
Subdirectora de Programación
Edith Silva
Subdirectora de Difusión y Relaciones Públicas
Francis Palomares
Subdirectora de Operación
Rodolfo Mena
Jefe de la Unidad Administrativa
Abigail Dader
Gestión de Información
Paola Flores
Redes Sociales
Gildardo González
Logística
María Fernanda Portilla
Vinculación
Rafael Torres
Cuidado Editorial
Olivia Ambriz y Araceli Bretón
Asistentes ejecutivas
111

Universidad Nacional Autónoma de México
Enrique Luis Graue Wiechers
Rector
Leonardo Lomelí Vanegas
Secretario General
Luis Álvarez Icaza Longoria
Secretario Administrativo
Patricia Dolores Dávila Aranda
Secretaria de Desarrollo Institucional
Raúl Arcenio Aguilar Tamayo
Secretario de Prevención, Atención y Seguridad Universitaria
Hugo Concha Cantú
Abogado General
Néstor Martínez Cristo
Director General de Comunicación Social
Rosa Beltrán Álvarez
Coordinadora de Difusión Cultural

Universidad Nacional Autónoma de México
Dirección General de Música
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Programa general Tercera temporada 2023
Se terminó de imprimir en el mes de agosto de 2023
en los talleres de Diseño Integral
Rubén Ángel Gamborino Prieto
La Quebrada 309, Col. Narvarte Oriente,
C.P. 03020, Ciudad de México
Su composición se realizó con la familia tipográfica:
Metric: 10.5/14, 12/14, 16/14, 23/21
El tiraje consta de 5000 ejemplares más sobrantes para reposición.

PARA MÍ,
ESCRIBIR UNA
SINFONÍA ES
CONSTRUIR UN
MUNDO.
Mahler