cecile bart, isabelle bralet, marie-claude bugeaud, barbara dasnoy ...

Galerie Jean Greset
7, rue Rivotte
25000 Besançon
EXPOSITION COLLECTIVE
AUTOUR DE LA COULEUR ET DE LA CREATION AU FEMININ
CECILE BART, ISABELLE BRALET, MARIE-CLAUDE BUGEAUD, BARBARA DASNOY,
DOMINIQUE DE BEIR, GABRIELE CHIARI, ANNE EMERY, CECILE MEYNIER, VERA MOLNAR,
AURELIE NEMOURS, BARBARA PUTHOMME, ESTELLE REGENT, CHRISTINA RENGGLI, CAROLE
RIVALIN, ANNE ROCHETTE, ANNIE-PAULE THOREL
DU 20 MARS AU 27 AVRIL 2013
VERNISSAGE MERCREDI 20 MARS, 16H - 21H
Galerie Jean Greset
7 rue Rivotte / F-25000 Besançon
du mardi au samedi de 10h-12h et de 14h-19h et sur rendez-vous.
Tel : +33(0)3 81 81 38 52 / Port. :+33(0)6 80 21 33 03
Suite de l’exposition à
l’Espace Zéro, l’infini- Jean Greset / 3 rue du clos - F 70150 Etuz /sur rendez-vous.
Dans le cadre des événements :
-Déviation 2
-Inauguration du Frac Franche-Comté
Ouvertures exceptionnelles :
Galerie Jean Greset - Besançon
Jeudi 4 avril — 10h-12h et 14h-21h
vendredi 5 avril — 10h-12h et 14h-19h
samedi 6 avril — 10h-12h et 14h-19h
dimanche 7 avril — 10h-12h et 14h-17h
Espace Zéro, l’infini – Jean Greset - Etuz
Samedi 6 avril — 10h-18h et dimanche 7 avril — 10h-16h
1

Cécile BART
Née à Dijon en 1958.
Vit et travaille à Marsannay-la-Côte.
Peintures/écrans
peinture sur Tergal plein jour
sur châssis aluminium
1999-2010
Galerie Jean Greset
On connaît l’œuvre de Cécile Bart essentiellement par ses Peintures/écrans, abondamment commentées
depuis le début des années 1990. Globalement, sa démarche artistique consiste à construire des interactions
spatiales de la peinture avec son lieu d’accueil par la translucidité de plans colorés, et le spectateur prend la
mesure du lieu en saisissant les fluctuations visuelles ainsi créées par son propre déplacement. Cécile Bart a
souvent souligné elle-même que ses toiles laissent filer l’instant comme au cinéma, et son travail affirme ainsi
la prépondérance du regard au présent dans l’achèvement du tableau.
“Être peintre ne veut pas dire analyser les composantes de la peinture (…) Ce n’est pas le « support-surface » qui
est intéressant, mais comment ça regarde, où se trouvent les gens, quelle attention ils portent au monde ”,
précise l’artiste.
Certes, Cécile Bart révèle avec d’autres artistes (de Gerhard Richter à Laurent Saksik), l’expérience picturale
abstraite dans une relation impure avec celle du monde réel. Mais sa peinture crée le mouvement par le transparaître
plutôt que par la réflexion, et l’artiste considère simultanément le tableau comme outil visuel, ce qui la
rapproche davantage de Daniel Buren. Surtout, Cécile Bart reste attachée au « fait main », refusant tout
caractère industriel et systématique à sa production. Elle recouvre ses toiles translucides de fines couches
superposées, et veut toujours “maintenir ces deux composantes, la peinture et l’espace, au même niveau. Plus
je joue avec l’architecture (…) plus j’affirme concurremment la peinture ”, explique l’artiste. Malgré l’apparente
mélancolie que suggère cet obscurcissement du monde par les jeux d’écrans, l’expérience de l’ombre et de
l’absorbement proposée par les peintures/écrans se distingue fondamentalement de celle de vitres colorées et
lisses, qui incluent le spectateur à l’image par son reflet. Chez Cécile Bart, pas de miroirs : la granulosité de
l’écran détermine tout autant une hallucination cinématographique qu’une déréalisation des choses. Entre réel
et fiction, l’artiste suggère au spectateur marcheur de réinventer le monde, et pas de s’y perdre par
éblouissement ou par engloutissement de sa propre image.
Depuis 2004, la présence de l’œuvre de Cécile Bart se renforce par une réflexion plus large sur la
nature et la fonction de l’écran. Le Tergal plein jour, privilégié depuis vingt ans, n’est plus le seul support de ses
couleurs. Dans les récents Toros, Lisses et Coulisses, tout se passe en effet comme si le tissu, soudain vu en très
gros plan, avait perdu ses fils de chaîne, laissant les plans acquérir une dynamique vibratoire linéaire. Les effets
de rideau des Coulisses et des Toros opèrent toujours le passage réversible entre surface des écrans et
profondeur scénique, modulé selon l’angle de vue ; mais l’harmonie des fils colorés rythme l’espace davantage
par l’alternance du vide et du plein (l’ajour) que par le net et le flou. Dans les Toros, les surfaces définies par les
fils verticaux de coton-laine définissent un espace cylindrique : les écrans sont toujours ouverts au regard, mais
ils définissent ici une zone fermée à la marche. A la problématique des peintures/écrans sur le proche et le
2

lointain (devant/derrière) s’ajoute un questionnement proche de la sculpture sur le dedans et le dehors. Avec
ces cages qui ne peuvent contenir personne, la question de l’altération et de l’altérité est maintenant
envisagée par Cécile Bart non seulement par une écriture de l’ombre et du passage, encore mise en œuvre
récemment dans Extérieur jour au Centre d’art Faux Mouvement de Metz, mais elle se formule également
selon une écriture du volume par la rayure. En d’autres termes, aux relations de l’écran pictural avec le nuage,
la peau et la notion d’infini, s’ajoutent des relations plus tranchantes avec le parasitage de la vision dans le
monde contemporain. Ainsi se développe actuellement selon des modalités nouvelles l’importance accordée
depuis toujours par Cécile Bart à l’attention et à la position du spectateur pour penser ce qu’il voit : par ce
travail du fil coloré, l’artiste crée une tension inédite entre surface, corps et lieu, qui confirme l’intérêt de son
œuvre comme acte de résistance à la normalisation du visible.
www.cecilebart.com
3

Isabelle BRALET
Née à Besançon en 1967.
Professeur agrégé d’Arts appliqués.
« Dubitade a®me », 2013
Impression numérique sur papier
baryté perforé à la carabine,
acrylique
La photographie s’offre à moi comme un outil de recherche et d’expérimentation. J’utilise un petit format
numérique qui me permet à la fois d’être réactive, proche du sujet, et d’explorer la matière du pixel.
J’aime l’image, tant graphique que photographique, cherchant à brouiller les pistes, avec des photographies qui
se font parfois dessins ou peintures. J’aime la magie de l’image, le fait qu’elle ne se donne pas à lire d’emblée,
s’affiche ou s’efface selon la distance ou la concentration du spectateur, et qu’elle forme comme un millefeuille
sémantique, égrenant au passage quelques révérences à l’histoire de l’art.
L’exposition de mon travail me permet de questionner le rapport à l’espace et au regardeur, la photographie
passant, selon le sujet, du format boîte d’allumette à celui de l’affiche XXL. Mes photographies flirtent souvent
avec le corps : peaux impressionnistes, poils gribouillés, petit pas de danse d’un faune, grimace sculpturale,
dépouille, blessure. Elles sont voyage dans la matière corporelle, jeu entre offrande et retrait, entre attraction
et répulsion, entre microcosme et macrocosme.
4

Marie-Claude BUGEAUD
Pull rouge dans l’atelier, 2011
Dim. : 146x114 cm
Vit et travaille à Malakoff
Marie-Claude Bugeaud trace, colle, coupe. Son art est celui du dessinateur : art du trait qui incise et sépare, qui
délimite et fend, art dont la justesse ne se mesure qu'à l'aune de ce que chacun de ses traits détruit, qu'à
l'aune de cette blessure que chaque trace inflige au monochrome premier.
Marie Claude Bugeaud coupe dans la couleur, instaure l'espace par un simple trait qui fait d'un blanc, ou d'un
bleu, ou de quelque autre couleur non plus un aplat mais un espace soudain poreux. Son art est celui du
peintre qui s'empare de tous ce que le tableau – et disant le mot tableau je pense ici à la chose autant qu'à son
histoire, qu'à sa mémoire qui gît dans chacun de ses composants matériels – lui offre. Pour elle peindre est un
combat, mais un combat d'autant plus fort qu'il se doit d'être discret. L'artiste n'aime pas l'ostentation ; dans
aucun domaine. Et cette « justesse » dont je parlais, ce mot si difficile à définir, mais qui pourtant convient
tellement à son art, c'est bien cela : faire naître le tableau d'un combat, faire naître le tableau d'un
renoncement à la beauté qui doit, dans l'acte même de peindre, se dissimuler peu à peu dans la forme qui
vient. Est juste le tableau qui semble être né sans effort. Est exact le trait que l'on dirait tracé d'un seul geste,
comme s'il était la trace d'une impulsion première, sans repentir. Ici, sans doute, se situe la frontière entre ce
que l'on pourrait appeler le trait vivant et ce qu'il faut donc, par opposition, appeler le trait mort. Est vivant ce
trait qui, tel un vaisseau sanguin, irrigue la toile jusqu'à animer la moindre de ses parties. Est mort celui qui,
trop adroit, trop maîtrisé, immobilise soudain ce qui devait être vie, mouvement, rythme musical d'une fugue
qui ne tolère pas de fin. Dans l'atelier, lorsqu'il s'agit, comme aujourd'hui, de choisir parmi ce qui a été fait, afin
de composer un ensemble à exposer, c'est cela qui est le guide : abandonner le figé, ce qui, avec le temps, ne
bouge plus, abandonner ce qui n'a pas cette qualité vibratile du vivant, abandonner le mort donc, et réunir le
vivant.
marieclaude.bugeaud.free.fr
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Barbara DASNOY
Vit et travaille à Besançon
Née en Allemagne – Etudes de 1967 à 1971, puis enseignante dans le Palatinat
Etudes en France de 1972 à 1978 (DNSEP)
« La peinture de Barbara Dasnoy accomplit un geste d’extraction, elle dégage des formes, des structures du
visible non perceptibles au premier regard, elle traduit en couleur en trait obliques, horizontaux, en taches,
marbrures et hachures les « signes silencieux » qu’elle repère et déchiffre à force d’observation, de méditation,
elle les conduit vers la clarté, les rend lisibles.
Sans titre, sans nom, sans qualificatif, sans aucun indice- mais pas sans puissance ni présence. Puissance du
dépouillment, de la blancheur lumineuse, vigueur d’une harmonie austère, présence vive et vierge par la voie
d’absence. Là le palpable devient caresse : caresse du blanc sur fonds gris, rouille, noir, caresse de blancheur à
fleur du regard- et c’est ainsi que par ondes discrète la caresse du visible donnée à l’invisible se retourne , et
l’invisible vient affleurer en un soupir de neige, la peau du visible.
Le phrasé pictural de Barbara Dasnoy, alliant la rigueur et la délicatesse, fait entendre les couleurs du silence »
Extrait de « Geste d’extraction », Sylvie Germain, 2007
www.barbara-dasnoy.fr
Sans-titre, 2012
Tempera et huile sur toile
Dim : 162x114 cm
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Dominique de BEIR
Née en 1964
Vit, travaille à Paris et en Picardie
Représentée par La Galerie Particulière, Paris
Les choses que je fais en ce moment ne trouvent pas une nomination précise, mais je peux au moins dire
qu'elles ressemblent à des éléments de construction.
Ce sont des plans d'épaisseur variable que je déplie et que j'agence, en quelque sorte une logique de
l'épuisement et de la soustraction, trouver une organisation à un ordre qui se serait perdu
En regardant cet amas de cartons éventrés, de polystyrènes striés, comment ne pas avouer que je dois
beaucoup au trou et à l'acte de percer. Un événement personnel me conduisant à l'apprentissage de l'écriture
braille a été déclencheur de ce processus qui se développe toujours aujourd'hui.
Plus qu'un geste opérant une blessure, cette attaque radicale correspond d'abord à un exutoire calmant, une
litanie agitée.
www.dominiquedebeir.com
Polystyrène peint et impact
dim.: 120x80cm
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Gabriele CHIARI
Née à Hallein(Autriche) en 1978.
Vit et travaille à Paris.
Les aquarelles de Gabriele Chiari mettent en place des protocoles de réalisation associant anticipation, contrôle
et hasard. En effet, l’artiste recourt à des principes rigoureux d’organisation du travail : unité des formats et de
la couleur (une seule par aquarelle, préalablement choisie), mode opératoire déterminé par un protocole établi
à l’avance.
« Les grands formats, les papiers d’important grammage correspondent à une double exigence : celle de la
justesse de l’échelle, du rapport entre la forme, sa couleur, sa texture et le rectangle de papier ; celle de
l’artiste envers le support, auquel elle fait subir un nombre important de manipulations mettant à l’épreuve sa
résistance matérielle. Ces œuvres résultent en effet d’un long entretien avec le médium, ses matériaux -
papier, pigment, eau - et leurs transformations. »
www.gabrielechiari.at
Aquarelle, 2010
encre sur papier,
Dim. :73x110 cm
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Anne EMERY
Je suis artiste plasticienne et je travaille sur les images.
Je travaille sur la présence et l’absence. Ajouter, soustraire. J’effectue des mises en présence en distinguant des
éléments que je peins et des mises en distance en choisissant dense pas représenter ces éléments dans leur
entier. Je recompose le visuel en travaillant sur la notion d’extrait et de détail. Des fragments deviennent des
indices susceptibles de suggérer au spectateur la forme entière. Toute narration est improbable. Vrai ou faux,
les images apparaissent ou disparaissent. Parlantes ou muettes, les images vivent entre l’abstrait et le figuratif,
simple sens ou double sens, vérité ou mensonges, réalité ou fiction? Je m’intéresse à l’idée de début et de fin
d’une image : les limites nettes ou floues d’une surface, d’un trait, d’une pensée. Je désoriente parce que le
narratif, contexte ou sujet de mes toiles, parle mais ne raconte rien. Libres de leur représentation, je crée des
mouvements silencieux, de passage.
Anne EMERY (Paris) (...) Des portraits de passantes qui ne donnent de l’identité de ces femmes qui marchent
aucun indice. Pas de traits, pas d’expression, mais des attitudes, qui suscitent un si fort sentiment de familiarité
que l’on croirait les connaître. On le croit, mais c’est faux. On a envie de dire quelque chose de ces femmes,
mais c’est impossible, à moins de confondre portrait et autoportrait, et de désigner par identité cette sensation
qu’entre elles et nous c’est une expérience commune du monde qui fait lien. (...) Pierre Wat
Sur les candélabres et luminaires des rue du centre-ville de Lacanche, les œuvres de 2 artistes remarquables
dans leur démarche, la qualité de leur travail et l’accessibilité de leurs projets ont exposées sur des kakemonos
(bannières) arrimés à des potences flexibles.
www.anneemery.fr
Trait Rouge, 2009
acrylique et huile sur toile
Dim. :89x116 cm
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Cécile MEYNIER
QUARTZ
Grès émaillé, 2012
Multiple de 4 pièces.
Édition ISBA 2012 dans le cadre
des résidences céramique.
Collage, 2012
papier Canson Vivaldi
50 cm x 65 cm
2010
«Mon travail peut être qualifié de peinture ou/et de sculpture sans jamais pourtant en employer les moyens
traditionnels qui leurs sont propres.
Au contraire, j’utilise davantage des techniques plus sauvages et vulgaires (non précieuses) du travail en
bâtiment par exemple et du bricolage.
L’impulsion et la spontanéité du geste sur les lieux où j’ai l’opportunité
d’intervenir deviennent alors ma matière première et mon médium,
et le lieu mon support. Toujours à la recherche de l’incident,
du déraillement qui va emmener les choses juste «à côté»
de là où elles sembleraient ou pourraient se trouver.»
2012
Après relecture de cet extrait de 2010 je me rend compte aujourd’hui
que mon travail à évolué du fait d’occuper dorénavant un atelier (collectif
et lieu d’exposition, Toshiba House à Besançon). Cela engendre une influence de taille sur les pièces
dorénavant marquées par une forme de domesticité
de l’espace de travail et son volume. Je n’interviens plus que de manière
in situ et spontanée mais fabrique des pièces en atelier, dans le temps,
que je réinjecte dans des installations au moment de l’exposition.
Une valeur d’objet autonome et indépendant de toute situation devient
plus évidente à travers sculptures, peintures, dessins et photographies.
Dorénavant, chaque pièce se présente comme une variante de l’autre,
ou sa poursuite, par la réinsertion de chutes de ces dernières dans
de nouvelles fabrications. Cette appropriation de la chute issue
des différentes étapes de fabrication devient un cercle vicieux, infernal
où plus rien ne s’arrête. C’est par l’exploitation de ces éléments accidentels que s’affirme la forme. Je parle
davantage d’accident que de hasard car
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ce dernier ne part de rien, alors que l’accident lui, est issu d’un acte amorcé, c’est une déviance du but de cet
acte.
La prise en compte de ces éléments accidentels au même titre que ce qui
est sous contrôle génère une improbabilité de la forme finale qui m’échappe presque mais qui, une fois
articulée avec le reste prend sens. Je suis à un moment donné guère éloignée du spectateur, comme si l’objet
fini me prenait par surprise et de manière inattendue.
Cette dualité dans le faire et du coup formelle est ce qui m’attire
au quotidien. Un goût incontestable pour des formes simples, géométriques, radicales, minimales voire
austères et autoritaires comme pour des formes plus naturelles, sauvages, vulgaires, populaires, primitives.
Une dualité entre artificiel/naturel, nature/culture, précieux/sauvage, white cube/black box, peinture
abstraite/peinture en bâtiment, bien fait/mal fait, Renaissance/
Baroque, sacré/vulgaire...
C’est toujours la friction entre ces états à priori opposés qui m’excite
et nourri mon travail au point d’en devenir le moteur, lui donnant au final
un genre baroque et minimaliste à la fois.
Cécile Meynier
http://ducygne.com/cecile-meynier
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Vera MOLNAR
Née en 1924
Artiste hongroise
Vit et travaille à Paris (depuis 1947).
Vera Molnar suit l’enseignement classique de l’Ecole des beaux-arts de Budapest et obtient
son diplôme de professeur d’histoire de l’art et d’esthétique en 1947. En 1976, elle fait sa
première exposition personnelle à la galerie de l’Ecole Polytechnique de Londres, et travaille
en 1979 à l’Atelier de Recherche des Techniques Avancées au Centre Georges Pompidou à
Paris. En 2004, a lieu Als das Quadrat noch ein Quadrat war, rétrospective pour son 80ème
anniversaire, au Musée Willhem - Hack, Ludwigshafen en Allemagne. Avec Aurélie Nemours,
elle participe également à l’exposition Elles au Centre George Pompidou de Paris, mai 2009-
février 2011.
Son art se caractérise par la peinture abstraite géométrique. En 1960, elle participe à la
fondation du GRAV (abréviation de Groupe de Recherche d’Art Visuel) et expose ses œuvres
pour la première fois avec le groupe Konkrete Kunst à Zurich. Dès lors, ses premiers travaux
sur ordinateur débutent. Ainsi en 1968, elle produit un art programmé mathématiquement.
http://www.veramolnar.com/
Dispersé A, 2006,
Acrylique sur plexiglass
Dim. : 40x40 cm
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Aurélie NEMOURS
Partage primaire,
1957, Huile sur toile
Dim. : 27x19.5cm
Artiste française (1910/2005)
Dès 1929, elle commence à étudier l’histoire de l’art à l’Ecole du Louvre. En 1937, inscrite dans l’atelier du
graphiste Paul Colin, elle apprend à dessiner et parfait son apprentissage à l’Académie d’André Lhote et dans
l’atelier de Fernand Léger (1948-1950). Sa première exposition a lieu en 1946 au Salon d’art sacré. En 1957, elle
adhère au groupe ESPACE (défense d’un art non figuratif s’inscrivant dans l’espace réel). En parallèle à son
travail de peintre, elle s’essaie à la poésie. En 2004, le Centre Georges Pompidou, présente une
rétrospective de son œuvre, sous le titre de : Rythme, nombre, couleur. Elle est exposée dans l’exposition Elles
à Beaubourg, mai 2009-février 2011. Son travail tend vers l’abstraction en 1949, dès lors elle effectue des
recherches sur le jeu des lignes, les surfaces colorées, les angles, les formes géométriques, horizontales et
verticales. Elle déclare : "le vertical fécondant l'horizontal est le seul impact de notre vie terrestre." Son œuvre
s’inscrit dans le courant de l’art construit. Puis petit à petit, elle décide d’aller vers l’essentiel : le noir et blanc
et la couleur. Vers 1965, le carré devient le format unique de son œuvre. L’année 1988, signe le début de ses
séries Polychrome, Monochrome, Quatuor et Colonne.
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Barbara PUTHOMME
Réserve, 2011
Plume et technique mixte
Doctorat de Philosophie. Vit et travaille à Besançon
Le travail de Barbara Puthomme tient une place singulière dans les nouvelles mouvances de l’art
contemporain. Déjà montré dans plusieurs expositions en France, il étonne par son originalité. Tout d’abord
par la présence de matériau peu utilisé comme la plume. Si la référence en la matière peut être Rebecca Horn,
ici ce sont la profusion et l’exclusive qui s’imposent.
Barbara Puthomme fait des paysages de plumes. Ceux-ci sont ici présentés sous la forme de miniatures, mais
aussi dans un format plus imposant comme le paysage noir. La disposition dans des boîtes transparentes isole
le paysage en lui conférant une certaine préciosité. En même temps la nature de cadre, souvent fait de boîtes
détournées de leur usage, renvoie à une certaine fragilité. La plume elle-même relève de ce même
détournement. Barbara Puthomme nomme ces objets des reliques.
14

Estelle REGENT
Née en 1986 à Besançon.
Jeune artiste pluridisciplinaire vit et travaille à Besançon.
Depuis quelques années j’engage une démarche artistique autour de l’idée de nature, une recherche en liaison
avec le monde naturel. Transdisciplinaire dans ma pratique je vais à la fois travailler la peinture, le collage,
élaborer des installations, une sorte de polyvalence voulue, aimant dans la création le changement et
l’adaptation de ma démarche a un moment précis pour une pièce précise.
La nature s’est révélée à moi comme une évidence. Elle est présente partout et à la fois effacée. Ayant vécu à la
campagne dans mon enfance, le monde « naturel » m’a donné les clefs des grands espaces. L’observation est
primordiale dans l’élaboration de mon travail et c’est à travers la photographie que j’observe la réalité du
monde extérieur et place mon point de vue. J’aborde tous mes travaux par la photographie, qui peut prélever,
capturer les éléments du réel, ses instants, l’éphémère, le présent qui n’est déjà plus.
La photographie comme médium de base à toutes mes recherches ; elle est le point de « démarrage » de mes
expériences. A travers elle, c’est une certaine image du réel que je vais pouvoir transformer, une certaine
représentation du monde que j’aurai choisi.
Observation puis expérimentation ; l’innovation dans les choix de mon travail résulte d’une quête de nouvelles
matières et procédés, qui donneront une réalité nouvelle à l’idée, au concept de départ.
La rencontre puis l’interaction avec la (ou les) matière prend une place majeure dans l’élaboration de mon
travail, avec comme aboutissant une installation où matière, situation et perception se rencontrent.
http://estelleregent.canalblog.com
Arborescences
2010, Glycéro sur papier
Dim : 90x114 cm
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Christina RENGGLI
Née en 1948 à Zürich
Twin Folder 01-2012
Dim: 56 x 160 x 18 cm
Artiste suisse
Vit et travaille à Wallisellen près de Zürich.
De 1966 à 1988, Christina Renggli a suivi des cours de peinture et de sculpture dans diverses écoles d’art. Puis
de 1992 à 1994, elle suit une formation en art et création thérapeutiques. En 2005 qu’elle commence à créer
ses sculptures à partir de grilles de métal.C'est dans les usines que Christina Renggli trouve ses matériaux pour
travailler : des grilles de métal simples, galvanisées. Son critère est la malléabilité : elle doit être capable de
courber les grilles toute seule à l’aide de ses mains. Le carré est un élément de base de son travail. Christina
Renggli veut «voir» avec ses mains, capturer la perception émotionnelle en un réseau visuellement observable,
et reconstruire les impulsions pour le mouvement. Ses objets apparaissent comme des formulations gestuelles,
des articulations d’un potentiel qui renient l’immobilisme.
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Carole RIVALIN
Carole RIVALIN est diplômée de l’École des Beaux-arts de Rennes (DNSEP 1997). Elle vit et travaille
actuellement à Nantes. Elle a obtenu la bourse d’aide individuelle à la création de la DRAC Pays de la Loire en
2008, et une aide à la mobilité de la Région Pays de la Loire la même année. Elle montre son travail depuis une
dizaine d’années lors d’expositions collectives et personnelles. Ses recherches ont également pris forme lors de
résidences en France et à l’étranger. Après avoir enseigné dans plusieurs écoles d’art, elle est aujourd’hui
directrice de L’Ecole Municipale d’Arts Plastiques de Cholet.
« Carole Rivalin accumule les dessins, au crayon à papier, au stylo bic, au crayon de couleur ou encore
numériques, imprimés au traceur à jet d’encre. Tous ont en commun d’être une succession de lignes
juxtaposées, all over. (…)
Assez naturellement donc, sculptures et installations accompagnent très tôt les recherches graphiques de
l’artiste. Combinant monumentalité et légèreté, jeux contextuels et point d’équilibre autonome, les volumes de
Carole Rivalin conservent cependant le principe linéaire comme dimension fondamentale… »
Extrait de texte d’Eva Prouteau pour l’exposition Number Seven,
galerie Sébastien Ricou, Bruxelles.
A travers ses diverses interventions artistiques-sculptures, dessins, vidéos, Carole Rivalin développe une
réflexion sur l’espace, la lumière, la circulation, le déplacement, qui s’énonce sous la forme de variations. Le
processus de travail reste identique : une forme se répète afin de (re)construire un espace. La couleur, ses
variétés et leur modification en sont le fil conducteur, mais c’est la lumière qui est au centre des
préoccupations de l’artiste. C’est elle qui définit un espace chronologique à parcourir, à traverser.
http://www.carolerivalin.com/
Dessins double, 2012
Dim. :100x70 cm
17

Anne ROCHETTE
Anne Rochette née à Oullins en 1957 est une sculptrice française.
Ma tête dans les nuages, 2008
Dim : 73 x56 cm
Anne Rochette sort à 22 ans diplômé de l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris, mention
"sculpture". Elle part ensuite accomplir un Master of Arts à la New York University (1982). Sa première
exposition personnelle se tient à New York en 1990 : elle exposait dans cette ville depuis 1984 et son travail fut
salué par le New York Times1. En France, c'est le Musée des beaux-arts de Mulhouse qui accueille en 1996 son
exposition intitulée carnet "(entre)", saluée par la critique2. Ces dernières années, Anne Rochette expose le
plus souvent à l'étranger (Inde, Thaïlande, Berlin, Australie) où la singularité de son univers et l'originalité de
ses formes ne manquent pas d'être remarquées3. Depuis 1993, elle enseigne à l'ENSBA.
Les sculptures et installations d'Anne Rochette ont pour la plupart rapport à l’enfance où entrent en
correspondances les jeux de transparence, de reliefs, de superpositions, de mouvements (répétitions,
liquidité), ainsi que les jeux de couleurs et de mélange. Certains de ses volumes s'inscrivent dans la lignée des
travaux de Louise Bourgeois : sensualité, corporalité, érotisme, et sens magique s'interpellent pour donner
naissance à un univers narratif d'une rare densité.
18

Annie-Paule THOREL
Annie Paule Thorel est née en 1954 à Rouen.
Après avoir travaillé pendant vingt ans à la radio, elle se consacre essentiellement à la peinture depuis 1998. A
cette époque elle s’installe en Bourgogne. Elle est productrice-journaliste pendant quinze ans (1981-1997) de «
Haute Tension » et de « Femmes à la Une » à RFI, ce qui l’amène à voyager en Afrique et au Proche Orient. Elle
réalise aussi des documentaires pour France Culture. Elle est aujourd’hui consultante pour Académie RFI-
France 24-MCD. Très jeune elle rencontre Pierre Tal Coat et un lien d’amitié les lie durant les dernières années
de la vie du peintre. Ses visites à la Chartreuse Dormont la marqueront durablement. La peinture d’Annie
Paule Thorel se développe dans le champ de l’abstraction, subtile synthèse entre Pierre Tal Coat et les récents
courants de la peinture. Son travail montre son attachement au statut du tableau, avec une attention
particulière à la qualité de la surface, ce qui l’amène à principalement utiliser l’encaustique, technique
ancestrale et peu répandue. Elle réalise un vitrail commandé par la DRAC pour l’église de Gerland en 2007.
Ces dernières années, son travail a été visible à L’Atelier Cantoisel en 2007 et 2008, à l’Art dans les Chapelles
en 2008, à la galerie L’Agart à Amilly en 2011, au Centre d’ Art Contemporain de Châtellerault en 2011-2012, à
la galerie Jean Greset en 2012.
http://anniepaulethorel.com/
Linya n°13
Encaustique sur toile
Dim. : 45x55 cm
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