Ecran Total - Le P'tit Ciné

1
Ecran Total
2004
Cinéma Arenberg
1 6 JUIN . . . 14 SEPT
90 films . 90 jours . 900 séances
une autre façon de passer l’été
Belgique - Belgïe
PP
BUREAU DE DÉPOT :
1030 Bruxelles 3
1 - 3209
Edition spéciale
n° 003 / juin 2004

LA COMMUNAUTÉ FRANÇAISE DE BELGIQUE
WALLONIE-BRUXELLES
soutient la production et la diffusion du cinéma
LES DOCUMENTAIRES…
LES LONGS MÉTRAGES DE FICTION…
LES COURTS-MÉTRAGES DE FICTION ET D’ANIMATION…
COMMUNAUTÉ FRANÇAISE DE BELGIQUE
Centre du Cinéma et de l’Audiovisuel
2
44 boulevard Léopold II
B-1080 Bruxelles
T +32 (0)2 413 22 19
F +32 (0)2 413 20 68
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L’été, les vacances, le soleil : franchement, il y a mieux
à faire que d’aller se cloîtrer dans une salle obscure à
mater de vieux films…
Pensez donc à toutes les activités que vous rateriez en
achetant un ticket pour aller It’s a Wonderful Life de
Capra (de plus, vous l’avez déjà vu cinq fois) : un bon
pique-nique dans le bois de la Cambre, une promenade
le long du canal, une partie de badminton dans l’arrièrecour
de votre appart, un verre entre amis à la terrasse
d’un café du Plattesteen,…
Franchement, il y a mieux à faire. De toute façon, vous
êtes déjà membre du vidéo-club en bas de votre rue,
et votre chaîne publique préférée a rediffusé Baby Doll
la semaine dernière… Dead or Alive de Takashi Miike ?
Pfff. Déjà visionné lors d’une séance délirante au BIFFF.
Et puis c’est qui, ce Mathieu Amalric ? Encore un auteur
dont les films sont soldés chez Carrefour ?
Franchement, il y a mieux à faire que cet Ecran Total. 80
films, de toute façon c’est trop. Comment choisir entre
Sacré Graal des Monty Python, Punishment Park de Peter
Watkins et Turning Gate de Hong Sang-soo ? Il faudrait
bien tous les voir, parce que ces films sont excellents, mais
LES INÉDITS
p.4
LES CLASSIQUES
p.28
CYCLE
MONTY PYTHON
p.48
3
Ecran Total
CYCLE
GUS VAN SANT
p.52
CARTE BLANCHE
MATHIEU AMALRIC
p.58
CYCLE
ELIA KAZAN
p.66
que faire quand le temps presse, et qu’à la télé ils passent
Koh-Lanta, “La Finale”, et puis la rediff’ de “24 Heures
Chrono”, version marathon (de 1h00 du mat’ à 1h00
du mat’, le lendemain) ? Et c’est quand que l’Arenberg
se décidera à sortir sa propre carte “Unlimited”, qu’on
puisse aller voir quatre films par jour, et même sauter de
l’un à l’autre si l’un d’entre eux est d’un ennui mortel ?
Franchement, l’Ecran Total, c’est sympa, mais pourquoi
qu’ils inventent pas une nouvelle formule, du genre
“cinoche à la piscine, avec matelas gonflables en guise de
fauteuils” ? Voilà une bonne idée : on reluquerait Jeanne
Moreau dans Mademoiselle en sirotant un Daïquiri, puis,
le temps d’un petit plongeon, on enchaînerait sur The
Brown Bunny de Vincent Gallo. Une fois tout sec, un petit
Elephant en guise d’eskimo, avant l’apothéose Gloria,
splendide film de John Cassavetes. Après telle détente, ne
nous resterait plus qu’à revenir tous les jours en maillot de
bain, avec l’écran total en tube, pour se faire les 76 autres
films encore au programme.
Pas de panique : le festival dure cette année un mois de
plus (du 16 juin au 14 septembre). De quoi devenir parfait
maître nageur, et surtout, parfait cinéphile…
CYCLE
DOCUMENTAIRES
p.74
LES REPRISES
p.80
DEATH OR ALIVE
(TRILOGIE)
p.96
HORAIRES
p.98
AZ
p.106

4
LES INÉDITS

5
24 Hour Party People
Michael Winterbottom fait preuve, une fois de plus, de
son éclectisme avec cette évocation exubérante de la
scène rock anglaise entre 1976 et 1992 : l’action se passe
à Manchester, berceau du groupe Joy Division, du label
Factory Records et de la discothèque l’Haçienda, dont
24 Hour Party People raconte la genèse et la saga, sous la
houlette du promoteur Tony Wilson. La principale qualité
du film est d’épouser par sa forme même le rythme,
le style et la folie de la musique dont il parle. Tony Wilson
est donc le lien naturel d’une narration éclatée : ce présentateur
de télévision excentrique eut l’un des chocs de
sa vie en assistant à un concert des Sex Pistols, et décida
de consacrer sa vie au rock. Grâce à l’interprétation volcanique
de Steve Coogan, lui-même vedette de la télévision
anglaise, l’énergie fiévreuse du film et son humour
déjanté sont adroitement canalisés. La photo de Robby
Müller emploie au mieux de ses possibilités l’image mal
définie de la DV, dans un tourbillon qui raccorde sans
mal avec les prises de vues authentiques de l’époque.
Yann Tobin, Positif
Et effectivement, on ressort de 24 Hour Party People aussi
hagard qu’un Happy Mondays déboulant d’une nuit de
bamboche à l’Haçienda : impression d’assister, aux premières
loges, à des scènes gravées dans les livres d’histoire,
de rigoler en première main de légendes colportées
et magnifiées par le temps, de revisiter en Technicolor
MICHAEL WINTERBOTTOM
une nostalgie déjà sépia. L’occasion, aussi, de se rappeler
comment l’audace et la veine d’une poignée d’hommes,
leur incompétence élevée en philosophie et le souffle
violent de l’air du temps peuvent suffire, dans une ville
de province, à soulever des montagnes.
Jean-Daniel Beauvallet, Les Inrockuptibles
•
Het vaste duo Michael Winterbottom (regie) en Frank Cottrell
Boyce (script) schetst met 24 Hour Party People (2002) de rol
van Tony Wilson in de opgang (late jaren zeventig) en het verval
(vroege jaren negentig) van de muziekscène in Manchester.
Het wervelend verhaal – met de klassieke dosis seks, drugs
en rock ’n roll – wordt verteld door Tony Wilson (uitstekend
vertolkt door Steve Coogan), een energieke en gefrustreerde
tv-presentator die zijn unieke stempel op het medium wil drukken.
Wilson, geïnspireerd door de punkbeweging, richt Factory
Records op (met ondermeer Joy Division, later New Order, en
de Happy Mondays). Hij staat ook mee aan de wieg van The
Hacienda, een club die qua reputatie niet moest onderdoen
voor de Newyorkse Studio 54. 24 Hour Party People is een
swingende komedie, die duidelijk maakt waarom Manchester
op dat moment the place to be was. M.V.
INÉDIT
RÉAL : MICHAEL WINTERBOTTOM
SC : FRANK COTTRELL BOYCE
PHOTO : ROBBY MÜLLER
MUS : SEX PISTOLS,
HAPPY MONDAYS, JOY DIVISION,
NEW ORDER, THE BUZZCOCKS,
THE CLASH, DURUTTI COLUMN,
A GUY CALLED GERALD, 808 STATE
PROD : REVOLUTION FILMS
AVEC :
STEVE COOGAN, JOHN THOMSON,
LENNIE JAMES,
SHIRLEY HENDERSON
ROYAUME-UNI, 2001, 112’,
COULEUR, VO ST FR

C’est l’histoire d’une famille désaxée dans les faubourgs
de Tel-Aviv (Haïfa), qui tente de survivre depuis la mort
du père, piqué par une guêpe alors qu’il était allergique...
Dafna a bien du mal avec ses quatre enfants : Ido
trompe son ennui en s’amusant à sauter du haut d’une
piscine vide, Yair sèche les cours pour se faire un peu
d’argent de poche dans le métro (il distribue des tracts
déguisé en souris), Maya chante dans un groupe de
rock et s’occupe de Bar, sa petite sœur, quand sa mère
travaille la nuit à l’hôpital comme sage-femme. Noir
comme tableau, mais le pire encore est à venir : lorsque
Ido, en plein délire acrobatique, s’écrase tragiquement
sur le sol, et passe plusieurs jours dans le coma... Un
événement douloureux qui pourtant se révélera bénéfique
pour Dafna et sa petite famille, car c’est dans le
drame – dicton connu – qu’on se serre le plus souvent
les coudes. “Je voulais montrer combien une expérience
collective, aussi tragique soit-elle, peut changer notre
perception des choses et des autres, explique le réalisateur
(dont c’est le premier film). Et surtout prouver que
l’amour, dans telle situation, reste le meilleur remède à
la douleur.” Loin d’être misérabiliste et putassier, Broken
Wings se veut d’abord un émouvant plaidoyer en faveur
de l’amour familial – un sentiment noble traité ici avec
gravité mais sans pompiérisme, bref de façon crédible et
pertinente. C’est aussi l’occasion pour Nir Bergman de
brosser le portrait d’une jeunesse israélienne fragilisée
6
Broken Wings
NIR BERGMAN
par la guerre, qui craint l’avenir mais tente vaillamment
de garder la tête haute. Pour ces jeunes, l’espoir est
grand de pouvoir un jour déployer leurs ailes, même
si parfois c’est la chute, même si parfois leur envol est
freiné sous le poids du joug social, politique et familial.
G.E.
•
Broken Wings (Knafayim Shvurot) speelt zich af in Haifa, de
geboortestad van regisseur Nir Bergman. Met dit knap en met
veel humor geobserveerde ironisch melodrama over een disfunctionele
Israëlische familie tekent hij voor een opgemerkt en
inmiddels meermaals gelauwerd langspeelfilmdebuut. De chaos
ten huize van de met wanhoop en schuldgevoelens kampende
Ullmans is voornamelijk te wijten aan de plotse dood van de
vader. Moeder Dafna zit met een depressie, terwijl haar vier kinderen
zich in de steek gelaten voelen. Vooral de oudste dochter
Maya heeft het moeilijk met haar nieuwe verantwoordelijkheid
omdat ze met een hoop frustraties zit. Het opmerkelijkste aan
deze intieme film is dat Bergman de huidige politieke context
mijdt om zich uitsluitend te concentreren op de emotionele
claustrofobie van deze zelfdestructieve familie uit de middenklasse.
Een hartverwarmende weepie ! L.J.
INÉDIT
RÉAL & SC : NIR BERGMAN
PHOTO : VALENTIN BELONOGOV
MUS : AVI BELLELI
PROD : ASSAF AMIR
(NORMA PRODUCTIONS)
AVEC :
ORLY ZILBERSCHATZ-BANAI,
MAYA MARON, NITAI GVIRTZ,
DANIEL MAGON, ELIANA MAGON
ISRAËL, 2002, 87’, COULEUR,
VO ST BIL

7
The Brown Bunny
The Brown Bunny se résume à un motif décliné en
moments dérisoires : Vincent mange chinois, Vincent se
mouille le visage, Vincent pisse, remonte sa braguette,
passe son jean, l’enlève, a un slip bleu, prend de l’essence,
se fait sucer. Et surtout : conduit, taille la route, avale au
volant de son inséparable van noir les centaines de milliers
de kilomètres qui le conduiront à Los Angeles, Californie.
Pour épingler ce genre d’entreprise, une étiquette est disponible
au rayon acteur-réalisateur : ego surdimensionné.
Mais si Vincent fictionnalisé en Bud prétendait à l’infini, il
ne se plierait pas aux limites du plan. Or Bud est le premier
à buter sur l’opacité que figure son visage. Lui-même ne
sait pas trop ce qu’il fait, absence à soi qui le dédouble, le
met en retard sur ses gestes. Lui-même ne prémédite pas
de dire à cette Violet de station-service combien il aime
son visage, ni de l’emmener avec lui ni de redémarrer
sans crier gare pendant qu’elle se prépare. Quelques villes
plus loin, même manège avec Rose, la prostituée, embarquée
puis débarquée sur un égal coup de tête. Point
d’exhibitionnisme, mais une manière de sérigraphie, de
duplication d’un sujet constant dans des environnements
variables. Et de fait The Brown Bunny manque à chaque
seconde se dissoudre dans ses espaces dépeuplés, et
Bud, qui seul le porte, s’abolir dans le monde des choses.
Expérimental, puisque le mot brûle les lèvres, Gallo ne
l’est véritablement qu’à cette aune, expérimentant le mort
dans le vivant et réciproquement, portant l’un au point où
VINCENT GALLO
il s’exténue dans l’autre. A la fois home- et road-movie,
empruntant équitablement au bricolage vidéo et au
grand cinéma des années 1970, The Brown Bunny tente
une précieuse connexion entre deux sillons. Film qui ne
veut pas en être un, et pourtant n’y coupe pas, supérieur
à la somme de ses vides, ouvrant la veine mineure à un
horizon de puissance.
d’après François Bégaudeau, Cahiers du Cinéma
•
Vincent Gallo (Amerikaans van Siciliaanse afkomst) is een man
van vele gaven: schilder, professioneel motorrijder, muzikant
(hij heeft nog samen met Jean Michel Basquiat in een band
gespeeld), model, schrijver, acteur, regisseur… Al die talenten
en meer worden gecombineerd in de Vincent Gallo’s ‘one man
production’ The Brown Bunny (2003). Gallo speelt Bud Clay,
een professionele motorrijder op zoek naar zijn ware liefde, Daisy
(Chloë Sevigny). Vermits het daarmee niet echt wil opschieten,
zoekt hij op de vijfdaagse motortrip van New Hampshire naar
Californië dagelijks een surrogaat. Gallo heeft een reputatie: hij
is the man you love to hate, met een cultstatus. The Brown Bunny
(die volgens Gallo op dat moment nog niet compleet af was) werd
uitgejouwd in Cannes. Het is niet de eerste keer dat zo’n film
later de status van meesterwerk krijgt. M.V.
INÉDIT
RÉAL, SC & PHOTO :
VINCENT GALLO
MUS : TED CURSON,
JEFF ALEXANDER GORDON,
LIGHTFOOT, JACKSON C. FRANCK
PROD : VINCENT GALLO
PRODUCTIONS, WILD BUNCH,
KINÉTIQUE INC.
AVEC :
VINCENT GALLO, CHLOË SÉVIGNY
ÉTATS-UNIS, 2003, 120’,
COULEUR, VO ST FR

8
La Chose publique
La Chose publique raconte que ce n’est pas facile de
vivre avec un cinéaste, dès lors qu’il a tendance à porter
à l’écran public des choses privées. Que ce n’est pas un
paradis non plus pour le cinéaste, dévorant ainsi la vie
des autres. Il dit aussi que la toute-puissance de la création
est dans ce geste de transgression. À la condition
nécessaire que la transgression soit à la hauteur de ce
qu’elle transgresse. Question de point de vue : l’actrice
Julia assène au cinéaste Philippe que le film qu’il est en
train de tourner, le Lit national, est une vraie saloperie et
autres synonymes de la trahison. Le cinéaste Philippe lui
répond que ce film est un film d’amour.
Il y a donc, coup assez classique, deux films dans le film.
Moins classique, il y a aussi un vrai vertigo qui tient tout
autant au yo-yo entre vidéo et cinéma qu’à leur emploi
peu à peu troublé. Alors qu’à l’origine du film, l’image
claire et nette (le cinéma, la noblesse de l’art) semble
réservée à la fiction et l’image crado (la vidéo, le docu
comme tiers-état) au réel, bien vite, entre ce film de
devant et ce film de derrière, il n’y a plus de domaine
réservé : un brouillage qui n’est pourtant pas brouillon.
“Mais je m’égare”, pourrait dire la voix off de La Chose
publique qui, gloire à lui, n’est pas un film naturaliste.
Amalric se demande : “Où placer le degré zéro de la
réalité ?” De fait, on se penche vers son film non pas
tant pour se demander quand est-ce que c’est vrai,
mais comme on tend l’oreille dans un restaurant à la
MATHIEU AMALRIC
conversation d’à côté. Cette futilité joyeuse n’interdit
pas la politique, le film se nichant in situ de la dernière
présidentielle et distribuant quelques coups de pied au
cul bien venus. En latin, qu’il est doux de perdre en compagnie
d’Amalric, la chose publique se dit res publica,
c’est-à-dire république.
d’après Gérard Lefort, Libération
•
Na Mange ta soupe (1997) en Le stade de Wimbledon (2002)
is La chose publique de derde film van Mathieu Almaric, de
acteur/regisseur die dit jaar als voorzitter van de jury van de
kortfilmcompetitie van Clermont-Ferrand nog in de kijker kwam,
omdat er geen prijs toegekend werd. Deze erg autobiografische
film maakt deel uit van Arte’s tiendelige serie ‘Masculin-
Féminin’ en Almaric neemt die opdracht van Arte ook als uitgangspunt
voor een film-in-de-film over politieke gelijkheid.
Drie weken voor de start van de opnamen verneemt de regisseur
(een alter ego voor Almaric) echter dat zijn vrouw, die ook
de hoofdrol vertolkt, een relatie met iemand anders heeft. Het
project evolueert in een totaal andere richting. Almaric geeft
zich volledig bloot in deze subtiele, grappige en inventieve tragikomedie,
een reflectie over het artistieke creatieproces, een
proces dat echter zijn betekenis verliest wanneer de liefde en
het intieme beginnen te wankelen. L.J.
INÉDIT
RÉAL : MATHIEU AMALRIC
SC : MATHIEU AMALRIC,
CHRISTINE DORY,
MARCELO NOVAIS TELES
PHOTO : ISABELLE RAZAVET
MUS : RODOLPHE BURGER
PROD : ARTE FRANCE, GMT
PRODUCTION,
LES FILMS DU POISSON
AVEC :
JEAN QUENTIN CHÂTELAIN,
ANNE ALVARO, MICHÈLE LAROQUE,
BERNARD MENEZ
FRANCE, 2003, 87’,
COULEUR, VOF

9
Elle est des nôtres
Christine Blanc vit de petits boulots intérimaires. Sa
place, dans le monde, n’est de ce fait pas vraiment
définie : en stand-by perpétuel, elle éprouve bien des difficultés
à frayer avec ses semblables, qui la connaissent
seulement “de passage”, au boulot comme en-dehors.
Elle tente pourtant de prendre contact, en s’inventant
une vie (celle des autres) avec l’espoir d’être enfin
regardée. En vain. Elle devra tuer pour se faire accepter,
parce que le meurtre, selon Siegrid Alnoy, permet
de sortir du rang et de changer le cours du monde.
L’ordinaire ainsi bouleversé, c’est toute sa vie qui se
voit chamboulée : Christine trouve enfin un travail fixe,
un petit copain et, par là, une nouvelle assurance. Mais
l’inspecteur du coin mène l’enquête. Elle est des nôtres
n’est pas seulement un film d’une incroyable tension
dramatique, c’est aussi, et surtout, un saisissant tour de
force stylistique : chaque plan tente ainsi de redéfinir la
grammaire cinématographique, sans qu’il s’agisse pour
autant d’esbroufe formelle ou d’arrogance plastique.
Montage au scalpel, caméra virevoltante (tout y passe :
zooms, panoramiques, travellings, flous, accélérations,
etc.), délires sonores à tout va (gros plans, bruits,
silences, bourdonnements, etc.) : Siegrid Alnoy impose
un style unique qui trouve sa source dans le cinéma
soviétique des années vingt et la vidéo expérimentale
– un cinéma de la forme et de la matière, qui raconte
une histoire mais n’oublie pas le poids symbolique de
SIEGRID ALNOY
l’image. Quant aux personnages, s’ils semblent d’abord
figés dans ces décors de zoning industriels et de malls
déserts, ils n’ont finalement rien d’anormal : à cet égard
Sasha Andres, impressionnante dans son rôle de “tueuse
du quotidien”, est une actrice à suivre. A la fois conte
mystique et politique, œuvre formelle sans compromis
et chronique urbaine désenchantée, Elle est des nôtres
dévoile une cinéaste hors du commun. G.E.
•
”Het basiselement van deze film is de reële wereld, zoals die
gecreëerd door de economie. Zij heeft de wereld in een steriel,
braakliggend land en de maatschappij in een woestijn getransformeerd”,
aldus cineaste Sigfried Alnoy over haar debuut Elle
est des nôtres. Christine (een formidabele Sasha Andres) is
een gevoelige, 35-jarige interimsecretaresse uit de streek van
Annecy die het leven langs haar heen voelt glippen. Ze verlangt
naar vrienden en gezelschap, maar dat wil niet lukken, ook al
verzint ze dingen omtrent haar privé-leven om toch maar normaal
over te komen. Haar emotionele isolatie leidt op een dag
tot zinloos geweld, een daad waaruit ze de energie en de kracht
put om verder te leven. ”De geboorte van een cineaste”, schreef
de Franse pers over deze intense, klinische en ontregelende
studie met burleske kantjes over vervreemding. L.J.
INÉDIT
RÉAL : SIEGRID ALNOY
SC : SIEGRID ALNOY,
FRANÇOIS FAVRAT,
JÉRÔME BEAUJOUR
PHOTO : CHRISTOPHE POLLOCK
MUS : GABRIEL SCOTTI
PROD : BC FILMS
AVEC :
SASHA ANDRES,
CATHERINE MOUCHET,
CARLO BRANDT, ERIC CARAVACA
FRANCE, 2003, 100’,
COULEUR, VOF

Des enfants jouent dans les bois, à boire l’eau qui ruisselle
des branches, à cache-cache, à rouler dans l’herbe
folle, à se battre, à se balancer au bout d’une corde, à
détacher les chevaux d’un adulte qui se repose... Errant
tels quatre petits diables à la frimousse rougie par la brise
septentrionale, ils finissent leur course folle le long d’une
voie ferrée. C’est la fin de la première partie. Filmée
dans un noir et blanc somptueux, cette escapade enfantine
rythmée de quatre cents coups frappe directement
par sa poésie : de ces plans en apesanteur, de ces focales
inhabituelles, de ces jeux de lumière impressionnistes on
retient d’abord la grâce et la pureté, comme en écho
au charme fébrile de l’enfance, période de rêve(s) et
d’innocence. Jusque-là, Le Faisan d’or pourrait presque
passer pour un documentaire sur la vie de gosse au
Kirghizstan, avec l’œil de Vigo et de Kalatozov. Puis
débute la seconde partie, “la Route de la Soie”. Dans un
train qui roule vers une destination inconnue se croisent
une petite dizaine de personnages autour d’un dessinateur
idéaliste qui croque la vie à pleines dents (et pleine
page). Pour cet artiste que « seule la vie exalte » et que
“l’amour fait voler”, mieux vaut suivre sa propre voie
que celle tracée par les autres, au risque d’être “chassé
du paradis” avant même d’y pénétrer. En ce sens tous les
passagers qui l’entourent semblent coincés à jamais dans
une existence sans espoir ni plaisir. Ainsi cette mère qui
refuse que sa fille “pourrisse comme elle sur cette putain
10
Le Faisan d’or
MARAT SARULU
de ligne”, métaphore ferroviaire de la fatalité et d’un certain
défaitisme auxquels personne ne semble réchapper,
à part l’artiste. Éjecté (logiquement) du train par une
bande de malfrats, le peintre rencontre alors les quatre
enfants le long du chemin de fer. Le train, lui, continue
son voyage... Le film prend fin. Un faisan vole, et du
ciel se dessine l’étendue sans fin de la steppe kirghize.
Comme le peintre, l’oiseau ne pense pas au lendemain.
“Parce qu’un but à atteindre peut vous faire perdre votre
âme, mais la vie en elle-même, jamais”. G.E.
•
De Kirgische steppe. Vier kinderen spelen aan de rand van een
spoorweg, een spoorweg die parallel loopt met de legendarische
oude zijde route. Onder de leiding van Urmat hebben deze
arrogante en brutale bengels hun dorpje in de bergen verlaten
om hun geluk elders te beproeven. Ze dromen ervan om een
konvooi te nemen, weg van de immense vlaktes. Maar het leven
van Urmat neemt een totaal andere wending wanneer hij met
een van een trein geworpen artiest geconfronteerd wordt.
Het adembenemend mooi gefotografeerde De gouden fazant
(Altyn Kyrghol), vorig jaar in Nantes bekroond, kan zowel
wat de stijl als de ruwe poëzie betreft, vergeleken worden
met Beshkempir (De geadopteerde zoon), de film van Aktan
Abdykalykov waarvan regisseur Marat Sarulu het scenario
schreef. “Alleen al voor de schitterende zwart-witbeelden mag
deze film niet gemist worden”, dixit Libération. L.J.
INÉDIT
ALTYN KHYRGOL
RÉAL & SC : MARAT SARULU
PHOTO : KADIRJAN KIDIRALIEV
MUS : BAKTYBEK ALISHEROV
AVEC :
BUSURMAN ODURAKAEV,
TYNAR ABDRAZAEVA,
MUKHAMBET TOKTOBAEV,
KABATAI KYZY ELMIRA,
TAALAY IMANALIEV
KIRGHIZSTAN-KAZAKHSTAN, 2001,
75’, NOIR ET BLANC, VO ST FR

Commencé en 1979, au moment du coup d’État militaire
qui aboutit à l’exécution de l’ex-Premier ministre Ali,
Khamosh Pani relate en fait toute l’histoire du Pakistan.
Suivant le parcours d’Aïcha, une veuve, mère de Salim,
un grand adolescent, qui vit dans une petite ville,
la réalisatrice Sabiha Sumar tente d’égrener, jusqu’à
l’exhaustivité, la succession de chocs traumatiques qui
ont fait l’histoire du pays. Bientôt, la vie de la petite
communauté, encore quasi féodale, est bouleversée par
l’irruption de militants fondamentalistes qui relèguent les
femmes derrière de hautes murailles entourant les maisons
ou les écoles et qui exacerbent l’hostilité entre communautés,
puisque Charkhi, la ville d’Aïcha, est un lieu
saint sikh. Au fur et à mesure que Salim se rapproche de
la cause des intégristes, le récit dévoile le passé d’Aïcha,
atrocement marqué par les massacres de la partition, en
1948. Cette violence omniprésente fournit au film son
énergie, et Sabiha Sumar, en laissant une large part à la
musique et à la chronique provinciale, parvient à donner
profondeur et humanité à la société et aux personnages
qu’elle décrit. Et parce qu’elle a réussi à faire d’Aïcha un
personnage assez complexe et attachant, la révélation
du secret de cette femme frappe avec violence. De toute
évidence, Khamosh Pani mènera une vie double. En
Occident, il ne suscitera probablement que peu de polémiques
(il a reçu le Léopard d’or à Locarno), confortant
plutôt les vues de ses spectateurs. Au Pakistan, Sabiha
11
Khamosh Pani
SABIHA SUMAR
Sumar s’apprête à le montrer – en vidéo faute de salles
– dans toutes les provinces du pays, proposant à ses spectateurs
une image d’eux-mêmes, leur faisant découvrir
par là même l’une des raisons d’être du cinéma.
Thomas Sotinel, Le Monde
•
Net als in Osama wordt ook in het Pakistaanse Khamosh Pani
(Silent Waters) het thema van het islamitisch fundamentalisme
en de vrouwelijke verdrukking aangesneden. De in New York
opgeleide regisseuse Sabiha Sumar won er vorig jaar de
Gouden Luipaard mee op het Festival van Locarno, terwijl de
Indische actrice Kiron Kher ook een prijs voor haar vertolking
kreeg. Deze waardige en mooi gefotografeerde kroniek speelt
zich af in Charkhi, een vreedzaam dorpje in de Punjab-regio. In
Pakistan, we spreken 1979, is net de staat van beleg afgekondigd
en het land is op weg om een moslimstaat te worden. De
weduwe Ayesha (Kher) leeft van het pensioen van haar man,
terwijl ze ook Koran-lessen aan jonge meisjes geeft. Haar leven
komt in een dramatische stroomversnelling terecht, wanneer
haar 18-jarige zoon Saleem in de ban van het fundamentalisme
komt. Naar waar gebeurde feiten. L.J.
INÉDIT
SILENT WATERS
RÉAL : SABIHA SUMAR
SC : PAROMITA VOHRA
PHOTO : RALPH NETZER
MUS : MADAN GOPAL SINGH,
ARSHAD MAHMUD
PROD : VIDHI FILMS, UNLIMITED/
FLYING MOON
AVEC :
KIRRON KHER, AAMIR MALIK,
ARSHAD MAHMUD,
SALMAN SHAHID
PAKISTAN, 2003, 99’,
COULEUR, VO ST BIL

Ceux qui se demandent de temps à autre à quoi tient la
réussite d’un film n’ont souvent qu’une réponse : à un fil.
Quand un cinéaste casse volontairement ce fil, le tord, le
rompt pour que plus rien ne soit relié à grand-chose, estil
possible que ce film soit réussi ? La réponse est oui, et la
preuve est donnée par Marc Recha. Il a ainsi jeté les sept
moutures de son scénario au moment de tourner, réécrivant
au fur et à mesure. Ne semble plus lui importer que
la rencontre d’un morceau de temps et d’un bout de pellicule.
Ce qui détermine désormais le cinéma de Recha,
c’est l’endroit qu’il aura choisi pour placer sa caméra et
y regarder vivre douze personnages dont on ne sait rien
a priori, qui ne tiennent ensemble qu’éphémèrement, et
que la tramontane rapproche, pour un temps.
Au centre, il y a la vieille, qui a connu la guerre civile et
qui va bientôt crever ; puis Éric, qui répare un peu tout et
surtout les mécaniques ; Axel, qui a braqué un cinéma et,
désormais, bosse avec Éric. Il y a Sophie, la contrôleuse
du train, au moment du passage à la frontière espagnole.
Il y a Gérard, qui est venu par le train du matin et repartira
par celui du surlendemain.
En résulte un film irrésumable. Qui, loin de nous laisser
interdits, nous laisserait plutôt innocents. Innocents aux
mains vides, cela va de soi. Un innocent de cinéma, c’est
moins quelqu’un qui n’a rien fait (et sur lequel il n’y a pas
grand-chose à dire) qu’une personne qui vit dans l’attente
passive d’une inévitable culpabilité. Chez Recha,
12
Les Mains vides
MARC RECHA
c’est une menace perpétuelle qui se tient dans l’entredeux
du bien et de la faute. Les Mains vides a trouvé à
Port-Vendres l’endroit de cet entre-deux : ville limitrophe
(France/Espagne) en laquelle Recha voit la révélation de
la condition humaine : là pour passer.
d’après Philippe Azoury, Libération
•
Een van de hoofdrollen in het Catalaanse Las Manos Vacías
(De lege handen) wordt door Olivier Gourmet vertolkt, vorig
jaar in Cannes nog bekroond voor Le fils van de gebroeders
Dardenne. Maar de echte hoofdrol in deze licht surrealistische
en poëtische film, waarin de gekruiste lotgevallen van een
twaalftal even burleske als wanhopige mannen en vrouwen
in het symbolisch gebruikte grensstadje Port-Vendes gevolgd
wordt, is misschien wel voor een papegaai weggelegd. Of voor
een mysterieus lijk ?
Alle geheimen worden niet prijs gegeven in deze vierde film van
Marc Recha. Dat maak juist de charme uit van deze enigmatische
ensemblefilm over het leven in een kleine gemeenschap,
geplaagd door verlangens, angst en eenzaamheid. De melancholie
en humor van Otar Iosseliani en Jacques Tati zijn nooit
ver weg, terwijl Recha opnieuw bewijst dat hij uitgesproken
formeel talent is. L.J.
INÉDIT
LAS MANOS VACÍAS
RÉAL : MARC RECHA
SC : MARC RECHA, MIREIA VIDAL,
NADINE LAMARI
PHOTO : HÉLÈNE LOUVART
MUS : DOMINIQUE A, MIKE YOUNG
PROD : JBA PRODUCTIONS,
EDDIE SAETTA SA
AVEC :
OLIVIER GOURMET, EDUARDO
NORIEGA, PIERRE BERRIAU,
MIREILLE PERRIER
FRANCE-ESPAGNE, 2003, 130’,
COULEUR, VO ST FR

13
Memories of Murder
Corée du Sud, province de Gyunggi, 1986 : une jeune
femme est retrouvée assassinée dans un fossé le long
d’un champ. Peu de temps après, une nouvelle victime
est découverte, tuée de manière similaire. Très vite est
avancée la thèse d’un serial-killer, le premier que connaît
le pays. Deux policiers locaux sont en charge de l’affaire,
qui n’hésitent pas à magouiller des pistes et accuser des
innocents par manque de preuves. Débarque alors un
détective de Séoul, qui compte bien mettre de l’ordre
dans ce dossier foutraque. Memories of Murder n’est pas
un “serial-killer movie” comme les autres : pas d’hémoglobine
ici ni de suspense haletant – on est plutôt dans
la pochade décalée, la comédie au vitriol. C’est que les
deux flics qui mènent l’enquête n’ont rien des policiers
modèles : ils forment au contraire un beau couple de
ripoux sans principes, qui tabassent d’innocents pigeons
et falsifient les preuves pour à tout prix plaire à leur chef.
Ce qui nous donne d’hilarantes scènes d’embrouille,
comme celle de la rencontre avec leur collègue de
Séoul, qu’ils prennent pour le serial killer. Cet humour
noir en pleine enquête criminelle frappe d’autant plus
que l’action se déroule en 1986, soit à l’époque de la dictature
militaire. Memories of Murder apparaît donc aussi
comme une critique acerbe du régime alors en place,
connu pour ses méthodes peu orthodoxes en matière
policière. Basé sur des faits réels (“le Jack l’Éventreur
coréen”), Memories of Murder a fait un carton l’année
BONG JOON-HO
dernière en Corée du Sud. Et même si en Europe les
noms des trois acteurs qui tiennent le haut de l’affiche
nous sont inconnus (alors qu’ils sont là-bas des stars), il
est rafraîchissant de constater qu’on peut encore réaliser
un bon polar avec, à la place du sang, une bonne dose
de détachement. G.E.
•
Voor het grappige en aangrijpende Memories of Murder
(Salinui chueok), bekroond in San Sebastian en op het politiefilmfestival
van Cognac, heeft regisseur Joon-Ho Bong zich
laten inspireren door de nooit opgehelderde zaak over de eerste
officiële seriemoordenaar van Zuid-Korea die tussen 1986 en
1991 een klein dorp in de buurt van Seoul teisterde. In eigen
land was deze zwarte en grimmige komedie, die zich voornamelijk
concentreert op de rivaliteit tussen de politiedetectives
die met de zaak belast zijn, een van de grootste bioscoopsuccessen
ooit.
Dat succes heeft de film ook te danken aan zijn sociaal-historische
ondertoon. Het vaak schokkende en adembenemend
gefotografeerde Memories of Murder gaat namelijk in op het
repressieve politieke klimaat dat er toen heerste onder de
dictatuur van president Chun Doo-hwan, waardoor een degelijk
onderzoek niet mogelijk was. L.J.
INÉDIT
SALINUI CHUEOK
RÉAL : BONG JOON-HO
SC : BONG JOON-HO,
SHIM SUNG-BO
PHOTO : KIM HYUNG-KOO
MUS : IWASHIRO TARO
PROD : SIDUS CORPORATION
AVEC :
SONG KANG-HO, KIM SANG-KYUNG,
PARK HAE-IL, KIM ROI-HA
CORÉE DU SUD, 2003, 129’,
COULEUR, VO ST BIL

Inde, fin des années 1940. Fin d’une époque : les studios
de Bombay, fleuron de l’industrie cinématographique
la plus prolifique du monde, ont sombré sous la concurrence
sauvage d’affairistes à la recherche de profits
rapides. Travailler pour les nouveaux venus ou s’improviser
producteurs : c’est pour cette seconde solution
qu’optent la plupart. Parmi eux, Guru Dutt, Raj Kapoor,
Mehboob Khan, Bimal Roy, purs produits des studios,
où ils ont débuté. C’est la première fois en Inde qu’une
poignée d’ex-salarymen conquièrent leur indépendance
et exercent un contrôle total sur leurs films, du scénario
au final cut. Une décennie à peine après l’Indépendance
(1947), les priorités se portent vers la construction d’un
cinéma déroulant le scénario idéologique d’une nation
balbutiante, encore sous le traumatisme de la partition
pakistanaise. Le “all-India film” répond aussi à une
autre nécessité, d’ordre commercial. Pour les nouveaux
producteurs, l’indépendance artistique va de pair avec
une vulnérabilité financière qui les voue à des succès
d’amplitude nationale. C’est sans doute Mehboob Khan
qui a donné à ces injonctions contradictoires (des films
sociaux à grand spectacle) leur forme la plus grandiose.
Grand admirateur de Cecil B. DeMille, Khan s’est illustré
dans divers genres (mélodrame mondain dans Andaz,
film d’aventures dans Mangala, fille des Indes), mais c’est
Mother India qui donne la pleine mesure de son talent.
Cette fresque paysanne de plus de trois heures offre à
14
Mother India
MEHBOOB KHAN
la superstar Nargis son meilleur rôle, celui de la mère
courage Rhada. Ruinée par un usurier, abandonnée par
son mari, obligée d’élever seule ses deux fils, Rhada n’est
pas un personnage mais une allégorie : couvert de boue
et de sueur, son corps est celui de l’Inde toute entière, et
son sacrifice celui de toute une nation.
Elisabeth Lequeret, Cahiers du cinéma
•
Mother India, ook bekend onder z’n hindoe titel Bharat Mata,
werd in 1957 gemaakt door de Indische regisseur Ranjankhan
Mehboobkhan, kortweg Mehboob Khan. Met deze film, één van
de laatste uit zijn rijkgevulde carrière, schetst de regisseur een
portret van India’s harde dagelijkse realiteit op het platteland.
Om haar zoon en schoondochters huwelijk te financieren, leent
een arme vrouw geld van een woekeraar. In ruil moet zij voor
lange tijd een gedeelte van haar oogst afstaan. In een gemeenschap
waar haast niemand kan lezen, is de kans op misbruik
erg groot : de familie moet veel meer van hun schrale oogst
afstaan dan gepland. Mother India is een aangrijpend verhaal
over de moed en waardigheid waarmee de schoondochter
Radha (vertolkt door actrice Nargis) in een onrechtvaardige
feodale maatschappij een ongelijke strijd voert om een waardig
bestaan voor haar familie. M.V.
INÉDIT
BHARAT MATA
RÉAL : MEHBOOB KHAN
SC : WAJAHAT MIRZA, S. ALI RAZA
PHOTO : FAREDOON A. IRANI
MUS : NAUSHAD
PROD : MEHBOOB KHAN
AVEC :
NARGIS, SUNIL DUTT,
RAJENDRA KUMAR, RAAI KUMAR,
KANHAIYALAL, JILLOO MAA
INDE, 1957, 172’,
COULEUR, VO ST FR

Une histoire d’amour entre un simplet sorti de prison
et une handicapée abandonnée par sa famille : voilà
le genre de scénario qui a priori n’était pas du tout
gagné d’avance. Rares en effet sont les films réussis sur
un sujet si sensible. En général s’agit-il seulement d’un
moyen certain (et odieux) pour le cinéaste lambda de
faire la preuve de son empathie envers ces gens que la
vie n’a pas “épargnés”… D’un racolage abject qui confond
cinéma et voyeurisme, ces films n’ont d’important
que leur puritanisme hypocrite. Heureusement, Oasis
déroge à cette règle parce que Lee Chang-dong met
d’abord en scène une bouleversante histoire d’amour,
au lieu de trop appuyer là où ça fait mal : le pathétique
de bon ton, qui donne bonne conscience quand à la
fin du film nos yeux pleurent et compatit notre cœur.
Ce qui frappe donc ici, c’est tout simplement l’amour
authentique qui naît entre ces deux êtres : ils s’aiment
vraiment – et c’est en fin de compte ce qui touche le
plus, puisque cet amour parvient à éclipser tout le reste
(le handicap de l’une, la simplicité d’esprit de l’autre,
et bien sûr le dégoût et la méchanceté des gens qui les
entourent). Certaines scènes montrent ainsi Gong-Ju
(la femme) devenir tout à coup “normale”, comme si
l’amour qu’elle éprouvait pour Jong-Du (l’homme) la
transcendait un instant et lui rendait sa beauté d’origine.
Oasis est ainsi basé sur le principe de la confusion :
des apparences, des sentiments (leur scène d’amour est
15
Oasis
LEE CHANG-DONG
interprétée par la famille comme un viol), des destinées
(Jong-Du a séjourné en prison à la place de son frère),
des interprétations (l’actrice qui joue Gong-Ju n’est pas
handicapée), des histoires. La seule vraie certitude,
c’est le refus du cinéaste de verser dans le sensationnalisme
et la thèse. Oasis est avant tout un très beau film
d’amour, ni plus ni moins. Et c’est là l’essentiel. G.E.
•
Een origineel en hartverscheurend amour fou-verhaal, zo zou
men het Zuid-Koreaanse Oasis kunnen samenvatten. Jong-du
is een zwakbegaafde, net uit de gevangenis ontslagen. Hij is
veroordeeld voor een vluchtmisdrijf, maar eigenlijk zat zijn
broer achter het stuur. Het eerste wat de impulsieve Jong-du
doet als hij terug op vrije voeten is, is een bezoek brengen aan
de familie van het slachtoffer dat hij zou hebben doodgereden.
Daar ontmoet hij Gong-ju, de cerebraal gehandicapte dochter.
Tussen deze twee verschoppelingen ontstaat een merkwaardige
en passionele liefdesband.
Oasis werd vorig jaar in Venetië meermaals bekroond, onder
meer met de prijs voor de beste actrice. De prestatie van de
jonge Moon So-Ri is dan ook ronduit briljant. “Geen enkele
recente film heeft de geheime taal van twee verliefde outcasts
zo helder vertaald”, aldus de pers over deze opmerkelijke film
van Lee Chang-Dong, inmiddels minister van Cultuur. L.J.
INÉDIT
RÉAL & SC : LEE CHANG-DONG
PHOTO : CHOI YOUNG-TAEK
MUS : LEE JAE-JIN
PROD : EAST FILM PRODUCTION,
UNIKOREA, ETC.
AVEC :
SOL KYUNG-GU, MOON SO-RI,
AHN NAE-SANG,
RYOO SEUNG-WAN,
CHU GUI-JEONG, KIM JIN-JI,
SOHN BYUNG-HO, YOON GA-HYUN
CORÉE DU SUD, 2002, 132’,
COULEUR, VO ST FR

16
La Petite Prairie aux bouleaux
En 1943, déportée à Birkenau (c’est la prairie aux bouleaux),
Marceline Loridan avait quinze ans. En 1959,
son témoignage marque Chronique d’un été de Rouch
et Morin. “Quand je racontais la déportation, je ne
pleurais pas. Il y avait des techniciens qui pleuraient”,
confia-t-elle alors à P.L. Thirard (Les Lettres françaises,
9/11/1961). Puis elle fait équipe avec Joris Ivens. A
75 ans, elle signe son premier film, le retour au camp
d’une survivante. C’est une fiction à maturation lente,
aux acteurs parfaits, Anouk Aimée (Myriam) d’abord.
Projection idéale de Marceline, la comédienne porte à
incandescence le cri “Je suis vivante” que la cinéaste
lui fait lancer sur l’espace muet de ce qui fut un camp
de la mort. Pour en arriver là, il a fallu que Myriam
accomplisse plusieurs retours, à Paris avec d’anciennes
déportées, à Cracovie avec le généalogiste qui la guide
vers l’appartement de son enfance. Au camp, enfin.
Elle s’y introduit en douce, dépouillée de ses châles
: “C’est chez moi”, dit-elle. Son errance y éveille la
curiosité d’un jeune Allemand. La cinéaste réussit l’impensable,
rendre plausible le dialogue entre un petit-fils
de SS et cette survivante qui se libère de la culpabilité
de l’oubli. L’enjeu du film est la vérité d’une mémoire
que le “devoir” ne contraint pas. Comme Voyages de
Finkiel l’a suggéré, la valeur de la mémoire tient à son
articulation avec le présent. En 1959, ils pleuraient en
filmant Marceline. Aujourd’hui, sans images d’archives,
MARCELINE LORIDAN-IVENS
tourné par un bel automne dans une Pologne méfiante,
son film émeut. Pensé au présent, sa facture et sa portée
sont magnifiques.
Éric Derobert, Positif
•
Marceline Loridan-Ivens is het bekendst als de weduwe van de
Nederlandse documentaire meester Joris Ivens. In La petite
prairie aux bouleaux (een literaire vertaling van het Poolse
woord Birkenau) blikt ze terug op die periode in haar leven toen
ze opgesloten zat in de Duitse concentratiekampen.
”Ik heb deze film gemaakt, omdat ik op 75-jarige leeftijd aan
de laatste etappe van mijn leven begin en al de mensen die,
zoals ik, de kampen overleefd hebben, een voor een aan het
verdwijnen zijn”, aldus Loridan-Ivens. ”We moeten er over
spreken, want binnenkort wordt de Shoah in de scholen
bestudeerd een apart fenomeen, een stuiptrekking van de
geschiedenis, zoals de Honderdjarige Oorlog.” Een aangrijpende
getuigenisfilm, zonder een greintje pathos, over de
horror van de holocaust met Anouk Aimée, zelf van joodse
afkomst, in de rol van Loridan-Ivens. L.J.
INÉDIT
RÉAL & SC :
MARCELINE LORIDAN-IVENS
PHOTO : EMMANUEL MACHUEL
PROD : CAPI FILMS, HÉRITAGE FILM
AVEC :
ANOUK AIMÉE, AUGUST DIEHL,
ZBIGNIEW ZAMACHOWSKI
FRANCE, 2003, 91’,
VO ST BIL

17
Retour à Kotelnitch
En 2000, Emmanuel Carrère part effectuer un premier tournage
à Kotelnitch, petite ville située à huit cents kilomètres
à l’est de Moscou, sur les traces d’un prisonnier de guerre
hongrois qui avait passé là cinquante-cinq ans, enfermé
dans un hôpital psychiatrique. Pendant ce premier séjour,
il rencontre un couple intrigant, Ania, francophile mythomane,
et son fiancé Sacha, officier local du FSB. Il revient à
Kotelnitch deux ans plus tard. Ania est devenue mère entretemps.
Et puis, à l’automne 2002, Carrère apprend que la
jeune femme et son bébé ont été sauvagement assassinés
par un fou. Il retourne une troisième fois à Kotelnitch. Son
travail prend alors une nouvelle direction. Centré sur la
mère d’Ania, ce dernier matériau met en scène une famille
russe d’aujourd’hui, frappée par le malheur et s’efforçant
de mettre des mots sur l’inexplicable. Pour Carrère, le choc
est terrible à double titre, puisque le “projet” du film consistait
à attendre qu’il se passe quelque chose et que voilà,
quelque chose s’était passé, qui d’une certaine façon faisait
enfin exister le film. Du coup, l’écrivain cinéaste s’attelle,
sur le banc de montage, moins à dresser un mausolée à la
mémoire de la défunte qu’à ordonner une réflexion, par
l’image, sur sa place à lui. Retour à Kotelnitch apparaît ainsi
comme une enquête sur la manière dont le cinéaste est
travaillé par son film, son passage progressif de l’observation
distanciée (et parfois ironique) à son incorporation dans
l’histoire qu’il cherche à nous raconter. Et c’est dans le dernier
tiers du film que surgit une autre histoire, plus intime,
EMMANUEL CARRÈRE
celle du grand-père maternel du cinéaste, émigré géorgien
qui a disparu à Bordeaux en 1944. C’est à ce moment que le
film bascule vers son objet latent : Carrère est aussi revenu à
Kotelnitch pour mettre un point final à une histoire familiale,
la sienne. Son film pourrait alors n’être qu’un objet clos
sur lui-même. Il s’en dégage pourtant l’impression inverse.
Venu enterrer symboliquement un aïeul qu’il n’a pas connu,
le cinéaste se retrouve devant la tombe d’une jeune femme
qui lui était étrangère, et dont il finit par porter le deuil. La
mélancolie qui s’en dégage fait de ce Retour à Kotelnitch un
voyage troublant à la lisière du monde des vivants.
d’après Emmanuel Chicon, L’Humanité
•
De Franse schrijver, gewezen Positif-criticus en documentaire
filmmaker Emmanuel Carrère, onder meer bekend van Classe de
neige en L’Adversaire, gaat in Retour à Kotelnich op zoek naar
zijn Russische origine. Dat doet hij in het gelijknamige stadje uit
de titel, gelegen op 8OO kilometer van Moskou. Aanvankelijk was
het de bedoeling om de zoektocht naar een Hongaarse oorlogsgevangene,
opgesloten in een psychiatrische instelling, op filmband
vast te leggen. Omwille van de aangrijpende gebeurtenissen die
Carrère ter plekke overkwam, namelijk de ontmoeting met een
jonge mythomane die later brutaal vermoord wordt, evolueerde het
project evenwel in een totaal andere richting. Net als de toeschouwer
voelt ook Carrère zich verloren in het contact met de familie
van Anna, maar het resultaat is een intieme, aangrijpende en even
mysterieuze als fascinerende autobiografische radiografie. L.J.
INÉDIT
LA PROJECTION
DU 23 JUIN À 19H10
SERA SUIVIE D’UNE RENCONTRE
AVEC LE RÉALISATEUR
RÉAL : EMMANUEL CARRÈRE
PHOTO : PHILIPPE LAGNIER
MUS : NICOLAS ZOURABICHVILI
PROD : LES FILMS
DES TOURNELLES, ROISSY FILMS
FRANCE, 2003, 105’,
COULEUR, VO ST FR

Avancer sans pouvoir deviner ce qui sera dit dans la
minute qui suit, où l’on sera et avec qui, c’est le plaisir
que l’on retirait du cinéma très singulier de Jean-Claude
Biette, réalisateur et critique, disparu brutalement en
juin 2003. Biette faisait du spectateur un flâneur sans
boussole, tout juste guidé par une petite musique de
mots intrigants, promesses d’escapades fortuites et de
rencontres avec des atypiques, comme ces frères Saltim,
banquiers tirés à quatre épingles. Frédéric, le cadet,
est fringant à condition qu’on parle argent, tandis que
Bruno, plus spirituel, s’accorde le plaisir de financer un
théâtre. Gravitent autour de ce tandem leur nièce, confectionneuse
de chaussures et comédienne géniale, leur
mère par trop attachante, et un gérant de restaurant qui
trafique la nuit venue.
Du Fouquet’s à la banlieue parisienne en passant par
Berlin, le film chemine tranquillement, au gré d’une
logique qui tient à rester secrète. Qu’importe la finalité
de tout cela, les dialogues sont un régal. Les personnages,
récitants de leur propre vie, disent leurs tracas et leurs
desiderata, dissertent aussi bien sur la cuisine que sur
Oncle Vania. Ici, on devise, on radote, parfois on n’écoute
que d’une oreille ou bien l’on parle tout seul ; le vrai personnage
à l’honneur ici, c’est la langue, mieux, le multilinguisme
(car il y a de l’anglais, de l’italien, de l’allemand).
Peu à peu, les thèmes de ce drôle de cirque poético-financier
où théâtre de la vie et vie du théâtre ne font qu’un
18
Saltimbank
JEAN-CLAUDE BIETTE
affleurent : le désir de trouver son rôle et de bien le jouer,
la difficulté d’en changer, le poids de la représentation
sociale. Pas facile de vivre dans le monde d’aujourd’hui,
de plus en plus mouvant et rapide, où ce qui est acquis
ne dure plus, où le travail exclut les sentiments, où l’art
dépend plus que jamais de l’argent. Théorique, politique,
esthétique, le cinéma de Biette ? Oui, mais sous une forme
légère, jamais absconse, une sorte d’incitation constante à
la curiosité et au gai savoir.
Jacques Morice, Télérama
•
Saltimbank is de laatste film van de juni vorig jaar overleden
Franse cineast Jean-Claude Biette (°1942), bekend van onder
meer Trois ponts sur la rivière. Samen met Serge Daney geldt
hij ook als de geestelijke vader en stichter van het filmtijdschrift
‘Trafic’. De titel van deze ludieke, Pirandello-achtige
komedie over de dunne scheidingslijn tussen leven en theater
slaat op twee rijke broers, de Saltims. Samen runnen ze de
familiale bank, maar Bruno, de oudste van de twee, heeft ook
een uitgesproken liefde voor het theater (hij werp zich op als
mecenas). Terwijl hij het nicht (rol vertolkt door Jeanne Balibar)
van zijn ex-vrouw ervan probeert te overtuigen om in ‘Esther’
van Racine mee te spelen, tracht Frédéric op zijn beurt haar te
overhalen om zijn assistente te worden. Het begin van een plot
vol mini-intriges over de relatie kunst/geld met talrijke heerlijke
en fijnzinnige dialogen. L.J.
INÉDIT
RÉAL & SC : JEAN-CLAUDE BIETTE
PHOTO : CRYSTEL FOURNIER
MONT : CLAUDINE MERLIN
PROD : GEMINI FILMS
AVEC :
JEAN-CHRISTOPHE BOUVET,
JEAN-MARC BARR,
JEANNE BALIBAR,
MICHELINE PRESLE
FRANCE, 2003, 92’,
COULEUR, VOF

Des tableaux en … première vision, pourrait-on dire, en
empruntant au cinéma une de ses expressions les plus
typiques. Le peintre italien Carlo Pizzichini expose pour
la première fois en Belgique et c’est précisément une
salle de cinéma qui l’accueille.
D’autre part, le titre Prima visione fournit aussi la clef de
lecture du travail de Carlo Pizzichini pour qui la peinture
est, depuis vingt ans, quête et découverte d’espaces
vierges de tout regard, de toute signification immédiate.
Carlo Pizzichini inonde ses toiles d’une écriture frénétique
- véritable mutinerie des signes et des couleurs
- insouciante de tout repentir. Le geste de la main y est
rapide, les accélérations brusques, les pauses subites.
Fureur de peindre où l’instinct se dispute inlassablement
avec la raison…
Que Carlo Pizzichini peigne l’étendard pour le Palio di
Siena (il en a eu l’honneur en 1991), ou qu’il s’engage
dans de vastes décorations murales pour des demeures
particulières ou pour le siège de sociétés internationales,
19
16.06 > 31.07
SALLE D’EXPOSITION DE L’ARENBERG • TENTOONSTELLINGSZAAL
Tous les jours de 14 à 22h / Alle dagen van 14 tot 22u
(ENTRÉE LIBRE - GRATIS TOEGANG)
Carlo Pizzichini
Prima Visione
(Capriccio Toscano)
son œuvre manifeste sans cesse une même foi dans l’Art
comme “décoration et vie”, c’est à dire illumination et
accompagnement nécessaires de nos existences.
La ville de Siena et sa région, avec son paysage enchanteur
et sa culture artistique séculaire servent de toile de
fond à sa peinture. On pourrait même dire que c’est
grâce à l’attachement profond de Carlo Pizzichini à son
lieu d’origine qu’une effusion passionnelle et lyrique
pénètre son art : comme si, derrière ses signes véhéments,
se cachaient le brin d’herbe et la motte desséchée
des pentes douces de la campagne siennoise !
Carlo Pizzichini est né à Monticiano (province de
Siena) en 1962, vit et travaille à Siena et Zurich. Une
rétrospective de son œuvre s’est tenue au Parlement
Européen de Strasbourg en 1993.
Avec le soutien de / Met de steun van : Banca Monte Paschi Belgio; Azienda Agraria Le
Chiuse di Sotto di Gianni Brunelli, Montalcino, importatore Selezione Vini Italiani,
Zonhoven; Metaltex Belgio

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La culture. C’est leur passion, c’est leur mission.
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Il fait trop chaud
dehors, la deux passe
l’été au cinéma.
LA DEUX SOUTIENT L’ÉCRAN TOTAL ET LE CINÉMA DES GALERIES.
20
Attendez-vous à plus
DEUX FOIS PLUS DE PLAISIR

21
Le Serviteur de Kali
Inde, principauté de Travancore, dans les années quarante.
Sukamari “Kaliyappan” (“Serviteur de Kali”) est le
bourreau officiel du prince et de la déesse Kali, “Origine
de tout” et mère protectrice des Indiens. Obligé de vivre
à l’écart de la société, Sukamari bénéficie en retour des
largesses du prince et d’avantages financiers après chaque
pendaison. Une fois utilisée, la corde est conservée par le
bourreau, parce que ses cendres ont le pouvoir de guérir
les malades. Au début du film on apprend que Sukamari a
récemment exécuté un innocent : depuis lors le bourreau
noie son chagrin et sa culpabilité dans l’alcool. Quand un
émissaire du prince arrive chez lui pour le prévenir d’une
prochaine pendaison, son sang ne fait qu’un tour : pour
lui, cette exécution sera la dernière, parce que trop lourd
est le poids du péché et trop grande sa tristesse… C’est à
ce moment que le film prend une toute autre tournure,
des plus inattendues : alors qu’on croyait pouvoir suivre
tranquillement le récit jusqu’à son terme, Gopalakrishnan
lui fait subir un virage en épingle narratif qui remet tout en
cause. Car la veille de l’exécution, un des geôliers décide
de raconter une histoire au bourreau pour l’arracher à sa
torpeur éthylique : l’histoire d’amour entre une jeune bergère
et un flûtiste, dans un décor de conte digne des fables
de La Fontaine. En un spectaculaire tour de main scénaristique,
Gopalakrishnan retourne donc l’intrigue de son
film et pose un éclairage nouveau sur les véritables raisons
de l’angoisse du bourreau. Est-il nécessaire d’en dire plus
ADOOR GOPALAKRISHNAN
sous peine de déflorer l’intérêt principal de ce film, par
ailleurs d’une beauté plastique fascinante ? Mieux vaut
préserver le suspense. Et se laisser porter par ce superbe
conte, plus politique qu’il n’y paraît (la question posée
étant celle de la “responsabilité individuelle et collective”,
à la veille de la révolution menée par Gandhi). G.E.
•
Adoor Gopalakrishnan (°1941) geldt als India’s meest eminente
hedendaagse filmmaker.
In Nizhalkkuthu (De dienaar van Kali) trekt hij van leer tegen
de doodsstraf. Centraal staan de pijn en de schuldgevoelens
van Kaliyappan, een professionele beul die voor de prinselijke
staat van Tavancore anno 1940 werkt.
Om zijn schuldgevoelens te minimaliseren, schenkt de ‘thampuran’
of de heerser, vaak gratie. Die gratie is evenwel zo
getimed, dat het bericht pas enkele minuten na de executie in
de gevangenis toekomt. De beul, die van heel wat privileges
geniet, blijft alleen achter met zijn wroeging, dilemma’s en
moraal, zeker als hij weet dat hij een onschuldige gedood
heeft. Gopalakrishnans nauwgezette vertelling is een ‘intelligent
en ontroerend relaas over vrije wil, noodlot, maatschappij
en schuld.’ De film maakt ondertussen deel uit van Amnesty
Internationals globale campagne tegen de doodstraf. L.J.
INÉDIT
NIZHALKKUTHU
RÉAL & SC : ADOOR
GOPALAKRISHNAN
PHOTO : RAVI VARMA,
SUNNY JOSEPH
MUS : ILAYARAJA
PROD : ADOOR GOPALAKRISHNAN
PRODUCTIONS / ARTCAM
INTERNATIONAL
AVEC :
ODUVIL UNNIKRISHNAN,
SUKUMARI, REEJIA,
THARA KALYAN
INDE, 2002, 92’,
COULEUR, VO ST FR

22
Sylvia Kristel – Paris
Blanc parasite. Puis gros plan d’une femme d’âge
moyen, de dos. Elle allume une cigarette puis se retourne
et fixe l’objectif. C’est Sylvia Kristel. “Emmanuelle”.
Film érotique des années septante qui connut un succès
considérable à l’époque (neuf millions de spectateurs
en huit ans d’exploitation). L’actrice commence alors à
parler de sa carrière, qui débuta à Paris en 1972 : son
corps disparaît pour laisser la place à des images de la
ville. “Je parlais à peine français, genre ‘Papa fume une
pipe’” Elle raconte en voix off ses rencontres décisives
avec Brialy, Vadim, Chabrol, tandis que sur l’écran défilent
la Seine, la tour Eiffel, le boulevard Saint-Michel,
Saint-Germain-des-Prés et ses cinémas de quartier.
Très vite se crée une ambiguïté “entre l’enregistrement
objectif de la ville par la caméra panoptique et le récit,
fragmenté et subjectif ”. Puis surgissent un nouveau
blanc et le même plan de l’actrice fumant face-caméra.
Le récit recommence, sur d’autres images parisiennes,
mais les anecdotes ont changé : Sylvia Kristel reparle de
son début de carrière, mais de manière sensiblement
différente. La question que nous pose Manon de Boer,
vidéaste expérimentale d’origine hollandaise, c’est celle
de la représentation, de la vérité et de la mémoire :
Sylvia Kristel nous ment-elle ou bien, tout simplement,
a-t-elle du mal à se souvenir ? Mais d’abord, s’agit-il
vraiment de Sylvia Kristel ? En quoi cette femme aux
traits tirés apparaît-elle comme l’actrice qu’on connaît ?
MANON DE BOER
À la fin du film, on voit une dernière fois la fumeuse,
avant qu’elle sorte du cadre pour disparaître à jamais.
Que s’est-il donc passé ? Tout cela n’était-il qu’une projection
illusoire de mon imagination ? C’est là tout le
mérite et l’intérêt de Sylvia Kristel – Paris : insister sur le
caractère éphémère de l’image, montrer que le cinéma
est un art de la fugue… Mais la vie elle-même n’est-elle
pas un point de fuite ? G.E.
•
De Nederlandse actrice Sylvia Kristel werd in de jaren 70
wereldberoemd dankzij de Emmanuelle-seksfilms.
Sylvia Kristel – Paris is een fascinerende biografie waarin
de in een streng-calvinistisch milieu opgegroeide Kristel,
ook lange tijd Mevrouw Hugo Claus, vertelt over de woelige
periode van het begin van haar carrière, toen ze als jong
meisje in de Parijs filmwereld belandde. Het opmerkelijke
aan dit document is dat Manon de Boer, een visuele artiest
die haar hart aan Brussel verpand heeft, Kristel haar verhaal
twee keer laat vertellen, telkens met verschillende accenten.
Met haar video- en filmportretten, waarin ze zich vooral
bezighoudt met het thema geheugen en herinnering, wil De
Boer in de eerste plaats immers aantonen hoe beelden in
het persoonlijke en/of collectieve geheugen zijn opgeslagen,
hoe denkbeeldig elk zelfbeeld is en ‘hoe machteloos
we tegenover een haperend geheugen staan.’ L.J.
INÉDIT
RÉAL : MANON DE BOER
AVEC :
SYLVIA KRISTEL
BELGIQUE, 2003, 50’,
SUPER 8 ON BETACAM,
VOF, ST ANGLAIS

L’intérieur d’un métro. Parmi les navetteurs aux regards
vides, une jeune fille au physique ingrat, Marcia. Elle est
vendeuse dans une boutique de lingerie. Morosité du
train-train quotidien. Montage parallèle : Mao et Lénine,
deux lesbiennes “no future”, traînent dans les rues en
quête de petits larbins pour satisfaire leur soif d’anarchie.
Après quelques minutes dans un silence pesant, les trois
personnages se rencontrent : Mao veut faire l’amour à
Marcia, “parce qu’elle lui plaît”. Rejet en bloc de la “victime”,
qui pourtant cache mal son attirance pour cette
fille sans fards ni tabous, si différente d’elle mais garante
d’un univers du tout-est-permis, où l’urgence de l’instant
(le titre) ne tient même pas de la gageure. Kidnappée à
son corps (plus ou moins) défendant, Marcia va découvrir
alors qu’elle aussi peut séduire, et de là s’épanouir
de manière inattendue. Sous les attraits d’un road-movie
qui voit les trois filles se toiser pour mieux s’étreindre,
Tan de Repente bifurque alors vers la chronique douceamère
d’une vie qui s’écoule sans hâte, comme si l’action
du début laissait la place à davantage d’ampleur et
de plénitude. C’est la deuxième partie du film, quand
le trio se pose chez la tante de Lénine, où vivent aussi
deux autres locataires – un jeune étudiant et une artiste
célibataire. Moments volés de la vie quotidienne argentine,
qui montrent les trois filles sous un jour différent,
parce qu’entre-temps leur course effrénée s’est muée
en attente contemplative : maintenant qu’elles goûtent
23
Tan de Repente
DIEGO LERMAN
à la quiétude d’une vie communautaire et/ou familiale,
les voilà sujettes à de nouveaux espoirs, voire à de nouveaux
choix de vie. Mais il est déjà temps pour elles de
repartir à l’aventure. En ce sens Diego Lerman ne donne
à voir qu’un univers de possibles parmi tant d’autres. De
sa fin ouverte le film tire toute sa force. Et de la mise en
scène (le noir et blanc, d’une âpreté magnifique) et des
acteurs (étonnants), toute sa splendeur. G.E.
•
Aan de recente golf van nieuwe en uitstekende Argentijnse
films komt voorlopig geen einde en in het geval van Tan de
Repente kan het alleen maar toegejuicht worden dat deze film
nu eindelijk ook in ons land vertoond wordt.
Diego Lermans indrukwekkende debuut situeert zich immers
in de lijn van Jim Jarmuschs Stranger Than Paradise. Deze
in somptueus zwart-wit gefotografeerde roadmovie vertelt het
verhaal van Marcia, een ietwat ronde en verlegen verkoopster
in een winkel in Buenos Aires die in een gestolen taxi op reis
vertrekt met twee jonge lesbische punkmeiden die luisteren
naar de naam Mao en Lenin!
De 26-jarige Lerman begint zijn film, die zich afspeelt tegen de
achtergrond van de Argentijnse financiële crisis, als een sinistere
thriller, maar al snel evolueert zijn voortdurend verrassende
minimalistische kroniek tot een stijlrijke romantische komedie
met een genereuze humane toets. L.J.
INÉDIT
RÉAL : DIEGO LERMAN
SC : DIEGO LERMAN, MARIA MEIRA
PHOTO : LUCIANO ZITO,
DIEGO DEL PIANO
MUS : JUAN IGNACIO BOUSCAYROL
PROD : LITA STANTIC
PRODUCCIONES, NYON CINÉ
AVEC :
TATIANA SAPHIR, CARLA CRESPO,
VERONICA HASSAN,
MARCOS FERRANTE,
MARIA MERLINO,
BEATRIZ THIBAUDIN
ARGENTINE, 2000, 94’,
COULEUR, VO ST FR

Un chalutier dans la nuit. Le capitaine, Salvatore, est
un type nerveux, il a donné l’ordre à l’équipage de
s’avancer en dehors des eaux territoriales italiennes, en
direction de la zone africaine. Bien que l’équipage soit
contre, il obéit au patron. Mais la pêche miraculeuse
tourne à la gabegie, les gardes-côtes tunisiens les prennent
en chasse, il faut couper les filets pour se tirer vite
au milieu des balles. D’où Tornando a casa, retour au
bercail, plus tôt que prévu, avec la cale à moitié vide. Ce
n’est que le début des ennuis. Le film décrit dans un style
laconique le dense entrelacs des difficultés qui étouffent
les personnages. Ces difficultés ne viennent pas de nulle
part, elles résultent de ce que “dans notre société, close
et hostile, les pauvres font naître entre eux une guerre
aveugle, une guerre de haine dépourvue de toute solidarité”,
comme le dit le cinéaste. Les Napolitains veulent
prendre le poisson des Tunisiens qui veulent venir vivre à
Naples où personne ne veut d’eux. Les exploités finissent
toujours par tenter de se faire exploiteurs, les rapports de
forces s’imbriquent dans un champ social où les individus
n’ont que la dureté à partager. Déstabilisant. Marra
affirme n’avoir jamais donné de scénario à ses acteurs,
les mettant à brûle-pourpoint face aux situations à jouer.
C’est sans doute ce qui donne aux séquences leur force
déstabilisante, tous voyant par le truchement de la fiction
remonter à la surface souvenirs amers, rages anciennes,
désirs brutaux. Scotto D’Antuono et Abdel Aziz forment
24
Tornando a casa
VINCENZO MARRA
un duo héroïque et taiseux, Naples et la mer sont filmées
sans apprêt, grises et chiffonnées. La dernière partie du
film, une étonnante permutation d’identité renversant
les enjeux migratoires, donne un tour de vis romanesque
au récit qui parvient encore à créer de l’idéal.
d’après Dider Péron, Libération
•
Enkele Napelse vissers doorkruisen met hun boot clandestien
de territoriale wateren tussen Sicilië en Noord-Afrika op zoek
naar meer vis. Vooral de kapitein Salavator stelt zich nogal roekeloos
op en speelt met het leven van zijn vissers. Op een dag
krijgt de Tunesische politie de vissersboot in de gaten.
De 31-jarige regisseur Vincenzo Marra laat in zijn debuutfilm
Tornando a casa het verhaal van deze Siciliaanse vissers
parallel lopen met het lot van enkele clandestiene Tunesische
immigranten die dromen van Fort Europa. Hierdoor groeit zijn
mooie, bittere en met niet-professionele acteurs en zonder
scenario opgenomen film uit tot een aangrijpend sociaal
drama, zwevend tussen documentaire en fictie, in de lijn van
het neorealisme (genre La terra trema van Visconti). “Je kan de
film vergelijken met een soort mediterrane Ken Loach, zonder
pathos, tegelijk concreet en universeel”, aldus Libération. L.J.
INÉDIT
RÉAL & SC : VINCENZO MARRA
PHOTO : RAMIRO CIVITA
MUS : ANDREA GUERRA
PROD : AMEDEO PAGANI,
GIANLUCA ARCOPINTO
AVEC :
SCOTTO D’ANTUONO,
SALVATORE IACCARINO,
GIOVANNI IACCARINO, ABDEL AZIZ
ITALIE, 2001, 90’,
COULEUR, VO ST FR

Turning Gate s’ouvre un triste soir de pluie, à bord d’un
taxi. Le téléphone portable de Gyung-soo sonne deux
fois. Le premier coup de fil lui apprend qu’il n’obtiendra
pas le rôle qu’il attendait. Ce n’est pas qu’il soit mauvais
comédien. Simplement, le public ne l’aime pas. Il
ne reconnaît pas bien la voix du second interlocuteur,
un vieil ami éméché qui l’invite à Chuncheon. Mais le
voyage se poursuivra au-delà ; sur la route, il rencontrera
deux femmes : une belle danseuse et une mystérieuse
admiratrice. Surtout, il retrouvera, puis perdra l’amour
et la mémoire. Turning Gate est sans doute l’œuvre la
plus drôle du cinéaste, et son plus grand succès en Corée
à ce jour. On pourrait voir le héros et le film comme une
jolie bulle portée au hasard du vent. Sauf que la candeur
de cette bohème n’est qu’illusion, que ces femmes ne
sont pas si innocentes, et que la bulle de Turning Gate
renferme un labyrinthe aussi diabolique que celui de La
Vierge mise à nu par ses prétendants. La dérive du héros
contraste avec l’extrême précision de la mise en scène.
Hong Sang-soo place systématiquement son personnage
dans des situations d’équilibre précaire. Isolé dans une
partie du cadre, il semble qu’il ait toujours une rue à
traverser, une ligne ou une limite à franchir. Chaque
plan nous invite à un basculement inéluctable, chaque
instant ressemble à une transition. Il faudra attendre la
dernière image pour comprendre que le parcours de
Gyung-soo, les moments les plus triviaux de son voyage,
25
Turning Gate
HONG SANG-SOO
les rencontres d’un coup d’œil… le poussaient vers une
situation précise. Que s’est-il passé ? On aimerait pouvoir
revoir Turning Gate à l’envers mais il est trop tard. Hong
Sang-soo préfère nous laisser seul, avec notre gueule de
bois, planté avec son héros dans la beauté du doute : de
“l’autre côté d’un souvenir obscur”.
d’après Adrien Gombeaud, Positif
•
De Zuid-Koreaan Sang-soo Hong heeft zich met films als
The Day A Pig Fell Into The Well en Virgin Stripped Bare By
Her Bachelors op korte tijd een reputatie opgebouwd als een
cineast die subtiel thema’s bespeelt als de eenzaamheid
en de onmogelijkheid tot het communiceren. Turning Gate
(Shaengwalui balgyeon), de titel is een referentie naar een
oude Koreaanse legende, volgt Gyung-soo, een werkloze acteur
die Seoul verlaat om een bezoek te brengen aan zijn vriend
Sungwoo, een schrijver uit Chuncheon. Hij maakt er kennis met
Myunh-sook, een sculpturale danseres die zich obsessioneel tot
hem aangetrokken voelt.
Met dit elegant en formeel sierlijk drama over verlangen en
afstoten, zijn meest grappige film totnogtoe, bewijst Sang Soo
Hong opnieuw dat hij de meest vernieuwende regisseur van de
jonge Zuid-Koreaanse film is. Zijn stijl roept zowel het universum
van Edward Yang als Hou Hsiao-hsien op. L.J.
INÉDIT
SAENGHWALUI BALGYEON
RÉAL & SC : HONG SANG-SOO
PHOTO : CHOI YOUNG-TAEK
MUS : WON IL
PROD : MIRACIN KOREA
AVEC :
KIM SANG-KYUNG, YEA JI-WON,
CHU SANG-MI
CORÉE DU SUD, 2002, 115’,
COULEUR, VO ST FR

“En juillet 2001, une fillette accompagnée de sa mère,
professeur d’histoire de renom, traverse des millénaires
de civilisation à la rencontre de son père” : dès l’incrustation
du début du film, tout est posé. “S’il n’y a plus
de Père, à quoi bon raconter des histoires ? Raconter,
n’est-ce pas toujours chercher son origine ?”, s’interrogeait
Roland Barthes. Cette odyssée vers les origines se
fera sur un paquebot parti de Lisbonne pour Bombay,
dont le capitaine est un Américain d’origine polonaise
(John Malkovich). Partout, il y a une fable, un mythe,
une légende à raconter : “Les sirènes sont des femmespoissons
qui suivaient les caravelles et encourageaient
les marins à découvrir l’inconnu.” Nos deux sirènes, bien
réelles, nous entraînent, elles aussi, dans leur sillage pour
un périple des plus didactiques, rythmé par le plan du
bateau fendant les flots. Mais ce tour de Méditerranée
en bateau avec une enfant va prendre un autre tour.
Trois femmes très belles et célèbres sont montées lors de
trois escales. Ces trois passagères incarnent trois mythes
modernes : l’argent, l’apparence, la chanson populaire.
Le capitaine les invite à sa table, et la conversation prend
d’emblée le ton de la confidence. Dès lors, le film aborde
des rivages qui dépassent la simple parabole et s’engage
sur le chemin de la mélancolie. Éloge de la lenteur, de
la conversation, comme rempart contre la tristesse et la
barbarie. Mais Manoel de Oliveira retourne aussitôt la
situation. Les Barbares sont parmi nous pour annihiler
26
Un film parlé
MANOEL DE OLIVEIRA
nos illusions, pour nous réveiller de notre confort intellectuel
de civilisés. Et dans un geste rageur mu par un
instinct de mort fort surprenant, le cinéaste portugais
de conclure son récit symbolique en quatre minutes
chrono, avec une économie de moyens proprement
stupéfiante. On reste bouche bée.
d’après Jean-Baptiste Morain, Les Inrockuptibles
•
Eminence grise van de Portugese cinema, Manoel de Oliveira
(de Oliveira is inmiddels 96 jaar oud, maar levert gemiddeld
toch nog een film per jaar af), maakte met Um Filme
Falado (2003) een film waarin de dialoog centraal staat (de
titel betekent zoveel als ‘gesproken film’). De film start in
Lissabon en volgt een aantal passagiers tijdens een cruise op
de Middellandse zee. Terwijl we genieten van de prachtigste
vergezichten, worden we bovendien getrakteerd op een aantal
interessante conversaties : deze film is een absolute lekkernij
voor iedereen ‘die iets met taal heeft’. De beschaafd doorkabbelende
(doorbabbelende?) film staat in schril contrast met het
onverwachte, explosieve einde. Een aantal bekende ‘hoofden’
verschijnen in cameo-rolletjes: Irene Papas, John Malkovich en
Catherine Deneuve zijn er een paar van (ieder spreekt z’n eigen
moedertaal). M.V.
INÉDIT
RÉAL & SC : MANOEL DE OLIVEIRA
PHOTO : EMMANUEL MACHUEL
PROD : GÉMINI FILMS,
MIKADO FILMS, MADRAOGA FILMS
AVEC :
LEONOR SILVEIRA, C
ATHERINE DENEUVE,
JOHN MALKOVICH, IRÈNE PAPAS,
STEFANIA SANDRELLI
PORTUGAL/ITALIE/FRANCE,
2003, 96’, COULEUR, VO ST FR

Au début l’on pense être emporté malgré nous dans un
film aux allures d’enquête sociologique. Lukas (Denis
Podalydès), sociologue émérite installé à Paris, mène
une série d’entretiens dans le cadre d’une étude sur le
célibat dans le Béarn, sa région d’origine. Pressé par son
promoteur qui l’ordonne de boucler son article au plus
vite, Lukas s’enlise pourtant très vite dans une réflexion
sentimentale qui l’écarte de son propos scientifique. En
cause, une vieille amie d’enfance, Isabelle (Natacha
Régnier), qui réveille en lui de vieux démons personnels
: alors qu’il s’absente quelques minutes pendant
l’interview de son ancienne copine d’école, celle-ci
profite de l’occasion pour lui avouer sa flamme, par
magnétophone interposé. Commence alors pour Lukas
une toute autre enquête, avec en point de mire non plus
les affres théoriques de la solitude en Gascogne, mais sa
propre destinée, partagée entre son devenir quotidien
(sa carrière/sa copine à Paris) et son désir d’un retour au
“vert paradis des amours enfantines” (Isabelle/le Béarn).
Le film prend alors les allures d’une chronique sentimentale
où le doute et l’équivoque deviennent matières
à suspense : Lukas osera-t-il s’avouer son attirance pour
Isabelle ou continuera-t-il à se voiler la face ? D’autant
que sur cette trame romantique se tisse encore une autre
histoire, un autre malentendu, en la personne de Simon
(Clovis Cornillac), l’ex-fiancé d’Isabelle. Pour Lukas c’est
évident : Simon aime toujours Isabelle, et vice versa
27
Vert Paradis
EMMANUEL BOURDIEU
– c’est ainsi du moins qu’il a décodé le message de la
cassette. Avec ce film, Emmanuel Bourdieu tente de
montrer qu’un quiproquo peut bouleverser la vie et les
certitudes d’un homme, si pragmatique soit-il (Lukas,
rappelons-le, est sociologue). Vert Paradis apparaît dès
lors comme un film frustrant : celui d’un homme et d’une
femme qui ont raté leur histoire d’amour (leur vie ?) par
simple méprise. Peu rassurant, mais souvent prétexte,
comme ici, à (très) bon film. G.E.
•
Lucas (Bruno Podalydès) is een jonge Parijse socioloog. Tijdens
een enquête over het celibaat in het zuidelijke Béarn, valt
hij op twee vrienden uit zijn geboortedorp, Isabelle (Natacha
Régnier) en Simon (Clovis Cornillac). Tien jaar geleden zijn ze
willen trouwen, maar om een of andere redenen is dat toen niet
doorgegaan. Lucas probeert ze opnieuw bij elkaar te brengen.
Hij is er zich echter niet van bewust dat Isabel stilletjes op hem
verliefd aan het worden is. Vert Paradis is een sentimentele
suspensefilm over een ongelukkige liefde, getekend Emmanuel
Bourdieu, trouwe medewerker van Arnaud Desplechin, bekend
als scenarist van Place Vendôme en zoon van de invloedrijke
socioloog Pierre Bourdieu. L.J.
INÉDIT
RÉAL : EMMANUEL BOURDIEU
SC : EMMANUEL BOURDIEU, DENIS
PODALYDÈS, MARCIA ROMANO
PHOTO : YORICK LE SAUX
MUS : GRÉGOIRE HETZEL
PROD : ARCAPIX, ARTE FRANCE
AVEC :
DENIS PODALYDÈS,
NATACHA RÉGNIER,
CLOVIS CORNILLAC,
EMMANUELLE RIVA,
NICOLAS SILBERG,
CAROLINE PROUST
FRANCE, 2003, 98’,
COULEUR, VOF

28
LES
CLASSIQUES

29
La Bataille d’Alger
7 octobre 1957. Les parachutistes du colonel Mathieu
entrent dans la Casbah. Ils viennent s’emparer d’Ali La
Pointe, le chef guérillero du Front de libération nationale.
Retour en arrière. 1er novembre 1954. Un message
du Front de libération nationale lance la bataille d’Alger.
L’escalade terroriste démarre. Les tortures se multiplient.
Les troupes françaises parviennent à arrêter les principaux
chefs de la guérilla. La bataille d’Alger est une
victoire pour les troupes françaises. Pourtant… Trois ans
plus tard. La révolution gronde dans les rues de Casbah,
tandis que la population algérienne réclame son indépendance.
1964. L’Algérie a gagné son indépendance.
Saadi Yacek s’est battu pour libérer son pays et veut
mettre sur pied un film retraçant ces années de lutte.
Il monte une coproduction entre l’Algérie et l’Italie, et
contacte trois metteurs en scène italiens : Francesco Rosi,
Luchino Visconti, Gillo Pontecorvo. Ce dernier accepte.
1966. La délégation française boycotte la présentation
de La Bataille d’Alger au festival de Venise – ce qui ne
l’empêche pas de repartir avec le Lion d’Or. Le gouvernement
interdit la sortie du film en France. Ce n’est
qu’en 1971 que le film obtient son visa d’exploitation en
France. A la suite de pressions politiques et de menaces
de bombes, il est très vite retiré des écrans. L’histoire de
La Bataille d’Alger rebondit le 27 août 2003. Comme le
révèle un article du Monde, le Pentagone américain a
convié officiers d’état-major et civils à une projection
GILLO PONTECORVO
privée du film. En clair, le haut commandement américain
tente d’étudier les erreurs de l’occupation française
en Algérie afin de trouver une issue aux drames suscités
par la présence des troupes américaines en Irak. Selon
Garry Casimir, spécialiste : “Le film peut être vu comme
une expérience de cinéma-vérité de ce qui se passe
quand une nation occidentale s’impose d’elle-même au
peuple musulman.”
Dossier de presse
•
La Battaglia di Algeri (1966) is een film die naar verluidt
momenteel in politieke kringen druk wordt bekeken (het
Pentagon zou er tips uithalen om met het verzet in Irak om
te gaan). Maar het is eerst en vooral één van de weinig echt
geslaagde politieke films uit de jaren zestig. Een bijzonder
krachtige en realistische film (gefilmd in pseudo-documentaire
stijl met weinig of geen beroepsacteurs) waarbij regisseur Gillo
Pontecorvo erin is geslaagd, zonder vooroordeel beide partijen
in de strijd om de onafhankelijkheid van Algerije te tonen (na
meer dan een eeuw waren de Algerijnen de Franse overheersing
meer dan zat). Centraal staan een aantal moslimleiders,
de charismatische Franse kolonel die de Franse troepen leidt
en de talloze bomaanslagen die vooral onschuldige slachtoffers
maken. Een gegeven van alle tijden en momenteel bijzonder
actueel, inderdaad. M.V.
CLASSIQUE
LA BATTAGLIA DI ALGERI
RÉAL : GILLO PONTECORVO
SC : FRANCO SOLINAS
PHOTO : MARCELLO GATTI
MUS : ENNIO MORRICONE,
GILLO PONTECORVO
PROD : IGOR FILM, CASBAH FILMS
AVEC :
BRAHIM HAGGIAG, JEAN MARTIN,
SAADI YACEF
ITALIE-ALGÉRIE, 1965, 123’,
NOIR ET BLANC, VO ST FR

30
Boccace ‘70
DE SICA, VISCONTI, FELLINI, MONICELLI
Vittorio De Sica (La Loterie : 1), Luchino Visconti (Le
Travail : 2), Federico Fellini (La Tentation du docteur
Antonio : 3), Mario Monicelli (Renzo et Luciana : 4).
Dans les années soixante, le principe du film à sketches fit
les beaux jours de la comédie à l’italienne (Les Monstres
de Dino Risi), mais permit également aux producteurs de
réunir au même générique les noms de grands cinéastes
dans des films très chics. Sous l’égide de Carlo Ponti, cinq
ans avant Les Sorcières de son rival De Laurentiis, le gratin
de Cinecitta se prête à l’exercice du court métrage.
Loin de moderniser les contes du Décaméron, dont il ne
s’inspire absolument pas, Boccace ‘70 ne retient de l’écrivain
que l’idée de dégager une morale d’un argument
scabreux. Transposition d’une nouvelle de Maupassant
dans le monde de l’aristocratie milanaise moderne, Le
Travail de Visconti est un chef-d’œuvre. Le cinéaste met
en scène Romy Schneider en jeune comtesse décidant
de faire payer ses charmes à un mari volage qui l’a
épousée pour son argent. Derrière le raffinement inouï
des images, Visconti propose une vision marxiste du
couple et raille le pouvoir aliénant de l’argent et des
carcans sociaux. La Tentation du docteur Antonio inaugure
la période baroque et onirique de Fellini, qui porte
à l’écran ses phobies et ses fantasmes sexuels. Le film
reste à jamais célèbre grâce à une Anita Ekberg géante
échappée d’un panneau publicitaire qui poursuit de ses
assiduités un prude notable dans des décors urbains
factices. La direction artistique est superbe, le propos
légèrement fumeux. Le segment de De Sica en chute
libre n’a aucun intérêt. Quant à celui de Monicelli, il fut
supprimé des copies françaises en raison du manque de
notoriété de l’auteur du génial Pigeon. La réédition inespérée
de Boccace ‘70 en version intégrale répare ainsi
une vieille injustice.
Olivier Père, Les Inrockuptibles
•
In Boccaccio ‘70 (1962) verfilmen drie van Italië’s beste en
meest toonaangevende regisseurs elk één van Boccaccio’s
erotische vertellingen (ieder met zijn favoriete leading lady).
In Federico Fellini’s Le tentazioni del dottor Antonio prikkelt
Anita Ekberg de overspannen verbeelding van een dokter.
Eerste kleurenfilm voor Fellini en een teken van de dingen
die nog komen gingen. Romi Schneider (opgegroeid en opengebloeid
sinds Sissi) schittert in Il lavoro, LuchinoVisconti’s
bittere pareltje over een vrouw (Schneider) die wraak neemt
op haar overspelige minnaar. En Vittorio De Sica en ‘zijn’
Sophia Loren doen met La riffa wat ze later nog vaak met
succes zullen herhalen : een pittige komedie maken met een
temperamentvolle madame in de hoofdrol. De lichtverteerbare
moraal van Boccaccio ‘70 : waar liggen de seksuele grenzen
van elkeen en hoe die te herkennen. M.V.
CLASSIQUE
SC : CESARE ZAVATTINI (1), LUCHINO
VISCONTI, SUSO CECCHI D’AMICO (2),
FEDERICO FELLINI, FLAIANO, PINELLI
(3), GIOVANNI ARPINO, ITALO CALVINO,
SUSO CECCHI D’AMICO (4)
PHOTO : OTELLO MARTELLI (1),
G. ROTUNNO (2), O. MARTINELLI (3),
ARMANDO NANNUZZI (4)
MUS : ARMANDO TROVAJOLI (1),
NINO ROTA (2, 3), PIERO UMILIANI (4)
PROD : CONCORDIA, CINERIZ,
FRANCINEX, GRAY FILMS
AVEC :
SOPHIA LOREN, LUIGI GIULIANI,
ALFIO VITA (1), ROMY SCHNEIDER,
TOMAS MILIAN, PAOLO STOPPA (2),
ANITA EKBERG, PEPPINO
DE FILIPPO (3), MARISA SOLINAS,
GERMANO GILIOLI (4)
ITALIE, 1962, 208’,
COULEUR, VO ST FR

Cat People a été réalisé très rapidement ; l’ensemble, y
compris la musique, le montage et tout, a coûté 130 000
dollars. Un jour, Val Lewton m’a appelé pour me dire
que « le patron de la RKO, Charles Koerner, était à une
réception hier soir et quelqu’un lui a dit : “Pourquoi ne
feriez-vous pas un film qui s’appellerait Cat People ?”. Et
Koerner a dit à Lewton : “J’y ai pensé toute la nuit et ça
m’a empêché de dormir.” Alors Koerner lui a demandé
de faire le film.
Nous avons concocté l’histoire d’une fille qui est obsédée
par les félins, qui se transforme elle-même en féline.
Il y a une scène en particulier dont tout le monde parle :
l’héroïne se trouve dans une piscine couverte déserte,
la nuit, et son ennemie, la fille qui se transforme en léopard,
rôde le long de la piscine, on voit des ombres sur le
mur et on éprouve un sentiment de terreur. Pour obtenir
le sentiment exact de claustrophobie, nous avons choisi,
dans un immeuble existant de Los Angeles, une piscine
qui ressemblait à l’intérieur d’une boîte à chaussures,
avec les murs blancs, un plafond bas et de puissants
reflets lumineux provenant de l’eau. Nous pensions qu’il
fallait suggérer l’horreur plutôt que la montrer. L’ombre
du grand félin qu’on voyait sur le mur de la piscine était
en réalité celle de mon poing. Nous avions une grande
lampe à arc équipée d’un diffuseur dans la piscine, et il
fallait que nous tournions la séquence en une matinée.
Nous avons essayé d’obtenir l’effet exact de l’ombre dif-
31
Cat People
JACQUES TOURNEUR
fuse de toutes les façons possibles, et en fin de compte,
c’est moi qui ai fait cette ombre. C’est comme cela qu’il
faut faire les films : il faut improviser. Si vous êtes trop
bien organisé, ça n’est pas bon. Le film a été réalisé
pendant la guerre ; et pendant la guerre, pour je ne sais
quelle raison mystérieuse, le public adore avoir peur.
Inconsciemment nous aimons tous avoir peur, et en
temps de guerre ce sentiment est intensifié.
Jacques Tourneur
•
Horrorfilms zijn zo oud als het medium zelf. En vermits ‘de oudjes’
technisch gezien nog niet zo sterk genoeg in hun schoenen
stonden, vonden ze andere, en zeer afdoende middelen om het
publiek de stuipen op het lijf te jagen. Kijk maar hoe inventief
Jacques Tourneur ‘wat je niet ziet, is des te schrikwekkender
(de verbeelding aan de macht, als het ware)’ aanwendt in Cat
People (1942). Tourneur beschikte over een piepklein budget,
maar zijn interpretatie van het klassieke weerwolfthema was en
is bepaald indrukwekkend (Paul Schrader maakte veertig jaar
later een nieuwe versie met Nastassja Kinski, een popdeuntje
van David Bowie en een ‘hommage’ aan Tourneurs beroemde
‘zwembadscène). Simone Simon is de Newyorkse ontwerpster
die afstamt van een oeroud geslacht katvrouwen. Tom Conway
is de psychiater die het allemaal afdoet als onzin, tot hij iets
scherps voelt... M.V.
CLASSIQUE
LA FÉLINE
RÉAL : JACQUES TOURNEUR
SC : DEWITT BODEEN
PHOTO : NICHOLAS MUSURACA
MUS : ROY WEBB
PROD : VAL LEWTON (RKO)
AVEC :
SIMONE SIMON, KENT SMITH,
TOM CONWAY, JANE RANDOLPH
ÉTATS-UNIS, 1942, 73’,
NOIR ET BLANC, VO ST BIL,
COPIE NEUVE

Les films de Cronenberg racontent tous la même histoire
: un organe qui, un beau matin, prend les devants, se
révolte contre le corps et dérègle les fonctions normales
d’un organisme. C’est de nouveau ce sujet qu’il traite
dans The Dead Zone. L’histoire d’un instituteur ordinaire
qui, après un accident de voiture, se réveille à l’hôpital,
handicapé, après être resté cinq ans dans le coma.
Commencent alors de longues séances de rééducation
et surtout l’envie de renouer contact avec les autres.
C’est au moment où il entame cette prise de contact
par le geste le plus banal qui soit (une poignée de main)
qu’il s’aperçoit qu’il ne pourra jamais plus faire partie de
l’humanité. Il est un voyant et il se réveille avec un don
qu’il n’a pas désiré, inhumain à son corps défendant. Les
autres le savent, mais lui refuse de mettre son pouvoir
à contribution. Il vit en reclus chez son père, puis seul,
coupé du monde. Ce qui est beau dans The Dead Zone,
c’est la façon qu’a Cronenberg de filmer l’humain à hauteur
d’étrangeté, puis l’inhumain à hauteur d’homme. Le
cinéaste s’intéresse moins au réapprentissage d’un corps
handicapé qu’il ne se soucie d’enregistrer avec une
remarquable précision la réponse d’un corps qui ne veut
rien savoir de ses nouvelles possibilités tout en se voyant
obligé, avec le temps, de se régler sur ses lois.
The Dead Zone est bien plus qu’une étape importante
dans la carrière d’un cinéaste, un virage bien négocié
après l’échec commercial de Videodrome là où, sur
32
The Dead Zone
DAVID CRONENBERG
Stephen King, beaucoup de cinéastes se sont cassé le
nez. C’est un beau film, superbement maîtrisé et qui a
surtout le mérite de nous révéler une nouvelle dimension
à laquelle le cinéma de Cronenberg ne nous avait
pas habitués : la direction d’acteur, étonnante de justesse
(la présence de Brooke Adams devant un Christopher
Walken réellement impressionnant) et cette superbe
aisance à filmer une scène intimiste au fil d’une continuité
dialoguée.
d’après Charles Tesson, Cahiers du cinéma
•
Stephen King kan geen boek plegen of het wordt verfilmd. Dat
was pakweg twintig jaar geleden ook al zo. Toen verfilmde
David Cronenberg The Dead Zone (1983). De overgang van
Kings pen naar het grote scherm is – om het zacht uit te
drukken – niet altijd succesvol verlopen, maar Cronenberg
is zelf ook genoeg out there (denk maar aan Videodrome of
Dead Ringers) om een interessante adaptatie te garanderen.
Christopher Walken – altijd een plezier om aan het werk te zien
– is de man die uit een lange coma ontwaakt met een paranormale
gave. Met een blik in de toekomst kan hij misschien wel
het leven van anderen redden, maar niet noodzakelijk zichzelf.
Hiermee geconfronteerd, wordt het tijd voor de ultieme opoffering
(lees : de wereld verlossen van corrupte president to be
Martin Sheen). Klinkt misschien een beetje déjà vu, maar de
finale kreeg een frisse, originele twist. M.V.
CLASSIQUE
RÉAL : DAVID CRONENBERG
SC : JEFFREY BOAM,
D’APRÈS LE ROMAN DE
STEPHEN KING
PHOTO : MARK IRWIN
MUS : MIKAEL KAMEN
AVEC :
CHRISTOPHER WALKEN,
BROOKE ADAMS, MARTIN SHEEN,
TOM SKERRITT, HERBERT LOM
ÉTATS-UNIS, 1984, 103’,
COULEUR, VO ST FR, COPIE NEUVE

33
The Ghost and Mrs. Muir
Veuve depuis peu, Lucy Muir quitte sa belle-famille
pour aller vivre avec sa fillette au bord de la mer.
Contrairement aux souhaits de l’agent immobilier, elle
tient à louer un cottage qui a la réputation d’être hanté
par le fantôme du capitaine Daniel Clegg. Loin d’être
terrorisée, Lucy est fascinée à l’idée d’habiter avec un
fantôme. Un soir, il lui apparaît.
L’un des chefs-d’œuvre de Mankiewicz et l’un des plus
beaux films hollywoodiens. Dans ce troisième film réalisé
pour la Fox, qu’il n’a pas écrit lui-même, dont il a
seulement corrigé le scénario, peaufinant notamment le
personnage de Miles Fairley, Mankiewicz s’exprime aussi
profondément que dans les œuvres qu’il a tirées de ses
propres scripts. The Ghost of Mrs Muir offre un alliage
rare, presque unique, entre l’expression d’une intelligence
déliée et caustique et un goût romantique de la
rêverie s’attardant sur les déceptions, les désillusions de
l’existence. Le film n’appartient à aucun genre connu et
crée lui-même son genre pour raconter, avec une poésie
déchirante, la supériorité mélancolique du rêve sur la
réalité, le triomphe de ce qui aurait pu être sur ce qui a
été. C’est également un film sur la solitude, sur ces âmes
insatisfaites et rêveuses à qui la solitude justement ouvre
la voie vers la connaissance de la nature, vers une forme
lointaine et presque immatérielle de bonheur. Tous les
éléments de la mise en scène, des acteurs au décor,
des dialogues à la photo, sont superbes et marqués du
JOSEPH L. MANKIEWICZ
sceau de la perfection. Sublime partition de Bernard
Herrmann. Accompagnant la méditation de l’auteur,
elle souligne jusqu’à le faire exploser parfois le lyrisme
contenu de l’œuvre. Grâce à elle, par exemple, les plans
de mouettes et de vagues, ceux où Gene Tierney marche
le long de la plage, qui indiquent le passage du temps,
figurent parmi les plus beaux du film alors qu’ils auraient
pu en être les plus banals.
Jacques Lourcelles, Dictionnaire du cinéma
•
Gene Tierney is de jonge weduwe uit het Engeland van Queen
Victoria, die zich in haar nieuwe woonst aan zee niet van haar
stuk laat brengen door de geest van een kapitein (ook al slaat
die bovendien ruwe taal uit). Niet helemaal verwonderlijk als je
weet dat de geest de vorm aanneemt van de always dashing Rex
Harrison. Hiermee zijn meteen de titelpersonages en acteurs uit
The Ghost and Mrs. Muir, een charmante spookromance uit
1947 van Joseph L. Mankiewicz, geïntroduceerd. Hoewel weduwe
en geest het uiteindelijk uitstekend met elkaar kunnen vinden,
is een romance nog niet voor nu. Mrs. Muir moet eerst haar
plaatsje in de wereld ontdekken. Ondertussen kan Manckiewicz
mijmeren over de invloed die het verleden op het heden heeft
en de relatie tussen doden en levenden. Een piepjonge Nathalie
Wood heeft een klein rolletje als Tierneys dochtertje. M.V.
CLASSIQUE
L’AVENTURE DE MME MUIR
RÉAL : JOSEPH L. MANKIEWICZ
SC : PHILIP DUNNE,
D’APRÈS LE ROMAN DE R.A. DICK
PHOTO : CHARLES LANG
MUS : BERNARD HERRMANN
AVEC :
GENE TIERNEY, REX HARRISON,
GEORGE SANDERS, EDNA BEST,
VANESSA BROWN, NATALIE WOOD
ÉTATS-UNIS, 1947, 104’,
NOIR ET BLANC, VO ST FR

C’est une histoire d’amour entre un garçonnet de sept
ans et une femme, Gloria, qui en a cinquante. Toute
l’ambiguïté de leurs rapports, outre les péripéties dramatiques
qui les jettent l’un contre l’autre, vient de cette
étonnante différence d’âge. À sa sortie, le film fut désavoué
par les amateurs de Cassavetes. Gloria est pourtant
un film somptueux, une histoire de gangsters transfigurée
en duo d’amour, une symphonie de dialogues criards et
de couleurs saturées.
Une jeune femme énervée descend de l’autobus et
rentre chez elle avec un caddie. Dans l’appartement, les
engueulades commencent. Son mari est quelque chose
comme le comptable de la mafia. Il a fait un double de
leurs opérations dans un petit livre et il a peut-être été
voir la police. À partir de là, tout se précipite. La panique
gagne l’appartement, on devine que les tueurs vont arriver.
Au dernier moment, la mère traîne son marmot dans
les bras de Gloria, la voisine. Le père lui dit que c’est lui
l’homme de la famille maintenant, et que le petit livre
sera sa protection. On le pousse de force chez Gloria, et
les deux portes se referment.
Dans tout autre film, on verrait les tueurs assassiner la
famille. Dans Gloria, on fait complètement l’impasse sur
cette séquence. C’est donc avec le jeune orphelin que
Cassavetes construit son film. Gena Rowlands joue la
femme avec son humanité et sa fantaisie insensée, Juan
Adames est le môme.
34
Gloria
JOHN CASSAVETES
Accompagnés par le saxophone plaintif de Tony Ortega
et la bande-son sentimentalement violoneuse de Bill
Conti, le garçonnet et la femme apprennent à se connaître,
courent, se cachent, tirent, tuent. Gloria devient une
mère déchaînée sans même l’avoir voulu. Mieux que
deux amants, ces deux-là nous entraînent à leur suite. On
sort de Gloria à bout de souffle. Vaincu.
Louis Skorecki, Libération
•
Gena Rowlands is nooit een echte Hollywood-ster geworden,
maar ze is ongetwijfeld een grote actrice. Ze heeft meerdere
indrukwekkende en ontroerende vertolkingen neergezet, vaak
in films van haar echtgenoot John Cassavetes. In Gloria
(1980) speelt ze een ietwat bitse dame die dik tegen haar
zin met het zoontje van de buren wordt opgezadeld, als diens
familie grotendeels door gangsters wordt uitgemoord. Op haar
rustige, professionele manier draagt Gena Rowlands de hele
film, dit keer geen hartbrekend, maar eerder hartverwarmend
(misdaad)drama. Gloria en het jochie worden immers dikke
vrienden en de gangsters kunnen maar beter uitkijken als de
moederleeuw in haar wakker wordt. John Cassavetes is niet
langer bij ons, maar zijn weduwe duikt nog hier en daar in een
film op. Ondermeer in het dit jaar te verschijnen The Note Book,
onder regie van haar zoon, Nick Cassavetes. M.V.
CLASSIQUE
RÉAL & SC : JOHN CASSAVETES
PHOTO : FRED SCHULER
MUS : BILL CONTI
PROD : SAM SHAW
AVEC :
GENA ROWLANDS, JUAN ADAMES,
JULIE CARMEN
ÉTATS-UNIS, 1980, 123’,
COULEUR, VO ST BIL

Le succès de Brian de Palma repose sur un malentendu.
Il n’est découvert qu’en 1975, avec Phantom of the
Paradise, puis ses deux thrillers hitchcockiens, Sisters et
Obsession, sortent deux ans plus tard. De Palma a pourtant
réalisé, entre 1960 et 1970, six films (The Wedding
Party ; Murder à la Mod ; Greetings ; Dionysus in ’69 ; Hi,
Mom ! et Get to Know Your Rabbit), quatre courts métrages,
autant de documentaires, tous inédits en France.
Comme le montre Greetings, la révolution sexuelle,
l’assassinat de Kennedy et l’engagement américain au
Vietnam influencent davantage le cinéma de De Palma
que sa découverte de Vertigo, Fenêtre sur cour d’Alfred
Hitchcock ou du Voyeur de Michael Powell. Tourné en
1968 en deux semaines, Greetings reflète la mentalité de
l’époque, mélangeant naïveté kitsch et cynisme sur le
discours de la classe politique américaine. A cela s’ajoute
le goût pour le voyeurisme du personnage principal,
interprété par Robert De Niro, ici dans son premier rôle
vedette. “Je veux passer du pop art au peep art [art du
voyeurisme]”, avance-t-il opportunément dans le film,
phrase qui deviendra la pierre angulaire de l’art poétique
de De Palma. La séquence de Greetings où l’un des
personnages utilise le corps nu d’une fille pour expliquer
le trajet des balles qui ont tué le président Kennedy est
l’une des plus fortes du cinéma de De Palma. C’est une
tentative folle, et condamnée à l’échec, de décortiquer
un faisceau d’images, pour accumuler des preuves sans
35
Greetings
BRIAN DE PALMA
jamais pouvoir toucher à la vérité. Greetings inaugure
le scepticisme grandissant de De Palma vis-à-vis de son
pays et la fin de sa croyance dans une supposée innocence
des images. Trente-six ans plus tard, le film n’a pas
vieilli. Dans sa dénonciation du discours politique et du
fonctionnement pervers de la télévision, il se pourrait
même qu’il arrive à l’heure.
Samuel Blumenfeld, Le Monde
•
In 1968 droeg regisseur Brian De Palma op zijn eigenzinnige
manier een steentje bij aan het op dat moment alomheersende
anti-establishmentgevoel. De Palma schreef en regisseerde
Greetings, een low budget-komedie waarin de draak
wordt gestoken met hippies, de oorlog in Viëtnam, de moord
op JFK en... amateurfilmers. Niet alleen De Palma was op
dat moment nog volop in de experimenteerfase (en op weg
naar het grote werk). Robert De Niro, toen nog een onbekend
broekje, test in meer dan één ‘vroege’ De Palma (waaronder
deze) de acteertechnieken uit – opgestoken in Stella Adler’s
Workshop – die hem niet veel later wereldberoemd zullen
maken. Het lot van Jonathan Warden, die samen met Gerrit
Graham en De Niro het trio vrienden uit Greetings uitmaakt,
was minder fortuinlijk: Warden verdween na Greetings compleet
in de obscuriteit. M.V.
CLASSIQUE
RÉAL : BRIAN DE PALMA
SC : BRIAN DE PALMA,
CHARLES HIRSCH
PHOTO : ROBERT FIORE
MUS : ERIC KAZ, J. STEPHEN
SOLES, ARTIE TRAUM
PROD : WEST END FILMS
AVEC :
ROBERT DE NIRO, JONATHAN
WARDEN, GERRIT GRAHAM,
RICHARD HAMILTON
ÉTATS-UNIS, 1968, 90’,
COULEUR, VO ST FR

36
It’s a Wonderful Life
Ce sublime conte de Noël est le film le plus riche et le
plus complet de Capra. Il combine non seulement la
comédie et le drame mais fait appel au romanesque, à
la poésie et même au fantastique pour relater l’histoire
d’une destinée reliée à toutes les autres destinées de
la communauté où elle se déroule et, par extension, à
l’humanité tout entière. Le propos du film est d’ailleurs
beaucoup plus de raconter l’histoire de ce lien que celle
d’un individu. Dans les trois premiers quarts du film,
Capra se révèle habile, prenant, parfois touchant. Dans
le dernier quart, il se surpasse et le spectateur s’aperçoit
qu’il n’a pas seulement affaire à un excellent film comme
Capra en a réalisé beaucoup, mais à un chef-d’œuvre,
tel que les meilleurs réalisateurs en donnent un ou deux
dans toute leur carrière. Ce dernier quart amène le
héros à revoir ce qui s’est passé jusque-là sous un autre
point de vue. En lui permettant de contempler pendant
quelques instants un monde où il ne serait pas né, Capra
et son bon ange Clarence l’obligent à sentir le caractère
irrémédiable de chacun de ses actes. Comme, pour la
plupart, il s’agit d’actes utiles et inspirés par le bien, le
fait de les supprimer de la surface de la Terre devient
une véritable catastrophe. Mais, au-delà de la bonté du
personnage, c’est bien le caractère de responsabilité
absolue de chaque action humaine qui est ici démontré
à travers l’infinité des réactions en chaîne qu’elle a
déclenchée. Si Capra était un pessimiste (et son héros
FRANK CAPRA
un anti-héros), It’s a Wonderful Life serait le film le plus
noir de l’histoire du cinéma, une sorte d’Invraisemblable
vérité en pire. L’interprétation de James Stewart est
l’une des plus étonnantes de sa carrière : elle donne au
film à la fois sa crédibilité de base et son couronnement
ultime dans l’authenticité et l’émotion ; on ne voit guère
d’autre acteur qui aurait pu incarner aussi naturellement
George Bailey.
d’après Jacques Lourcelles, Dictionnaire du cinéma
•
Het hoeft echt geen kerstmis te zijn om van It’s a Wonderful
Life te genieten. Frank Capra’s onweerstaanbare smartlap
uit 1946, over een ingoede man, George Bailey (James
Stewart), die financieel gezien zo in de problemen komt dat
hij zelfmoord overweegt, werkt net zo goed op een mooie
zomeravond. Want van die zelfmoord komt niks in huis, daar
zorgen engel-in-training Clarence en een paar van George’s
goeie vrienden wel voor. Dat de ‘wie goed doet, goed ontmoet’-boodschap
duimendik op deze tijdloze klassieker ligt,
doet niets af aan z’n charme. De beginscène waarin Clarence
van de Goede Heer een briefing krijgt over de man die hij moet
redden, is nog steeds even grappig. En we dagen iedereen
uit geen tranen in de ogen te krijgen, tijdens de finale waarin
(ondermeer) de hardwerkende Clarence eindelijk z’n langverdiende
vleugels krijgt. ’t Leven kan mooi zijn... M.V.
CLASSIQUE
LA VIE EST BELLE
RÉAL : FRANK CAPRA
SC : FRANCES GOODRICH,
ALBERT HACKETT, JO SWERLING,
D’APRÈS LA NOUVELLE DE
PHILIP VAN DOREN STERN
PHOTO : JOSEPH WALKER,
JOSEPH BIROC
MUS : DIMITRI TIOMKIN
PROD : RKO, LIBERTY FILMS
AVEC :
JAMES STEWART, DONNA
REED, HENRY TRAVERS, LIONEL
BARRYMORE, GLORIA GRAHAME,
THOMAS MITCHELL
ÉTATS-UNIS, 1946, 130’, NOIR
ET BLANC, VO ST BIL, COPIE NEUVE

Genet avait écrit une histoire, pour s’amuser, pour se
venger, pour se défouler, parce qu’il avait besoin de dire
certaines choses, de dénoncer, de démasquer ce qu’il
hait : la benoîte hypocrisie des biens pensants. Et tous
ceux qui avaient lu Les Bonnes ou Le Balcon se disputèrent
le scénario. Vaine rivalité. On décréta finalement
que c’était intournable. Le sujet était atroce. Dans un village
morne et perdu, les êtres sont retournés lentement
à une vie immobile, dominée par le souci de la récolte
ou du bétail. Trois personnages : le maire, le brigadier
et l’institutrice [Jeanne Moreau] émergent du troupeau.
Dans cette fadeur à relents moisis surgit soudain un beau
mâle, puissant, sauvagement libre parce qu’il n’a que des
besoins très simples. Il gagne sa croûte en donnant sa
sueur, tâcheron dans les coupes forestières, et le plaisir
lui est apporté à domicile, sans même qu’il le sollicite,
par des femmes qu’il attire par son magnétisme animal.
On n’a pas le droit d’être si simplement sain et heureux.
Les femmes se jalousent, les hommes sont jaloux, et alors
que la seule présence de ce taureau réveille les appétits
et les haines, des malheurs s’abattent sur le pays. Une
ferme est inondée, une récolte flambe. Mademoiselle
l’institutrice se dévoue avec un zèle peut-être suspect
sur les lieux sinistrés. Qui donc peut soupçonner qu’elle
y savoure l’âpre joie de la destruction, cependant quelle
dirige vers le bel Italien la rancune du village ? L’étranger
de malheur est traqué comme une bête et c’est hale-
37
Mademoiselle
TONY RICHARDSON
tant, suant de fatigue et d’angoisse que Mademoiselle
le découvre et connaît avec lui une sauvage nuit
d’amour… Jeanne Moreau est exacte au rendez-vous de
son plus étrange personnage : Mademoiselle, la monstrueuse
et fascinante héroïne de Jean Genet. Le film qui
a scandalisé le XXe Festival de Cannes.
(Communiqué de presse de l’époque)
•
De Britse regisseur Tony Richardson is vooral bekend als vader
van de ‘Angry Young Man’-beweging, die met welgemikte
trappen tegen het heersende establishment een frisse wind
door de Britse cinema en theater joeg. Mademoiselle (1966),
gebaseerd op een script van Jean Genet en Marguerite Duras,
is dan ook geen hersenloos entertainment. Het is een bitter
drama dat je aan het denken zet over vreemdelingenhaat,
vrouwenhaat en seksualiteit als wapen. Jeanne Moreau speelt
met schrikwekkende overtuiging de seksueel gefrustreerde
oude vrijster, een lerares (vandaar de titel) die voor niks terugdeinst
om het onderwerp van haar verlangen (een goedogende
Italiaanse seizoenarbeider, vertolkt door Ettore Manni) volledig
in haar macht te krijgen. De schitterende fotografie van David
Watkins helpt de bittere pil – reken maar niet op een happy end
– enigszins te verzachten. M.V.
CLASSIQUE
RÉAL : TONY RICHARDSON
SC : MARGUERITE DURAS,
D’APRÈS JEAN GENET
PHOTO : DAVID WATKINS
PROD : OSCAR LEWENSTEIN,
PROCINEX, WOODFALL
AVEC :
JEANNE MOREAU, ETTORE MANNI,
JACQUES MONOD, GÉRARD
DARRIEU, PIERRE COLLET
FRANCE-ROYAUME UNI, 1966, 105’,
NOIR ET BLANC,
VOF ST NL, COPIE NEUVE

38
The Merry Widow
Rarement cité parmi ses œuvres majeures, The Merry
Widow représente pourtant une quintessence du cinéma
de Lubitsch. Son mélange chéri d’opérette désuète
et de comédie contemporaine (“Après tout, nous
sommes en 1885 !”, lance ironiquement l’héroïne) est
porté à un point de perfection absolue. Lubitsch en
fait cependant une fable cruelle où la manipulation
amoureuse ne peut plus se distinguer des vertiges
de la passion, et laisse les personnages quelque peu
hagards. C’est le film le plus cher réalisé à Hollywood
jusqu’alors : grâce aux moyens illimités qu’Irving
Thalberg met à sa disposition, c’est le Lubitsch le plus
opulent de la période parlante, libre de jouer à l’infini
sur l’opposition thématique du noir et du blanc dans
des décors et des costumes de rêve. Tout Lubitsch est
là, sans restriction : sa construction favorite en trois
actes, reflétée dans les trois temps d’une valse qui
est jouée à trois reprises, ses mouvements géométriques
obsessionnels verticaux (escaliers), horizontaux
(portes et fenêtres) et circulaires (danses), sa remise
en cause des conventions qu’il prend néanmoins au
sérieux (des animaux de basse-cour perturbent défilés
et cérémonies ; le roi menacé enveloppe sa couronne
dans du papier journal ; dans le duo de “Vilia”, Danilo
prend son domestique pour doublure, et Sonia défaille
de désir), sa maîtrise du casting qui contredit le stéréotype
par la surprise permanente : chaque habitant de
ERNST LUBITSCH
Marsovie, par exemple, a un accent différent. Jeanette
MacDonald se surpasse, ses minauderies deviennent
poèmes, ses trémolos incitent à la réflexion et son sens
du timing comique est un régal.
N.T. Binh et Christian Viviani, Ernst Lubitsch
•
The Merry Widow (1934) is regisseur Ernst Lubitsch’s
betoverende filmversie van de klassieke operette van Franz
Léhar. Het is een charmante fantasie waarvan de prelude in
het fictieve Marsovië is gezet en de rest van het sprookje zich
in Parijs afspeelt. De rijke weduwe Sonia (Jeanette MacDonald)
– die grotendeels de financiering van het kleine koninkrijk
voor haar rekening neemt – is immers naar Parijs verhuisd
en de adel gooit alle wapens – lees, Maurice Chevalier – in
de strijd om te voorkomen dat ‘hun’ weduwe een vreemdeling
huwt. Champagne, mooie jurken en betoverende muziek voor
iedereen! De film was een voor die tijd superdure affaire en
wonderproducer Irving Thalberg en MGM ‘scheurden er hun
broek aan’, maar zeventig jaren later kunnen wij dankzij hen
nog steeds van deze ‘moeder van alle musicals’ met de ongeevenaarde
‘Lubitsch touch’ genieten. M.V.
CLASSIQUE
LA VEUVE JOYEUSE
RÉAL : ERNST LUBITSCH
SC : ERNST VAJDA, SAMSON
RAPHAELSON, D’APRÈS L’OPÉRETTE
DE FRANZ LEHÁR, VICTOR LEON
ET LEO STEIN
PHOTO : OLIVER T. MARSH
MUS : FRANZ LEHÁR
PROD : ERNST LUBITSCH
POUR MGM
AVEC :
MAURICE CHEVALIER,
JEANETTE MACDONALD,
EDWARD EVERETT HORTON,
UNA MERKEL, GEORGE BARBIER
ÉTATS-UNIS, 1934, 99’,
NOIR ET BLANC, VO ST BIL

Gregory Arkadin, orgueilleux comme Charles Foster
Kane, cynique comme le troisième homme, fier comme
George Amberson, est bien un personnage wellesien.
La route qui l’a conduit à la fortune est jonchée de
cadavres encore tièdes. Ayant compris que le douteux
trafiquant Van Stratten ne courtise sa fille que dans le
but d’en apprendre plus long sur lui et de le faire chanter,
il le charge de reconstituer son fabuleux itinéraire dont
il feint d’avoir perdu la mémoire ; le vieux milliardaire
profite de l’opération pour assassiner tous les complices
et témoins de son tumultueux passé, au fur et à mesure
qu’ils sont retrouvés par Van Stratten.
Tout au long du film, nous suivons ce dernier dans son
enquête qui le mène dans toutes les villes du monde :
Mexico, Vienne, Paris, Madrid. Les personnages sont
plaqués contre les murs d’appartements réels et la
caméra de Welles, naguère si mobile, doit calmer sa
fièvre et les filmer en contre-plongées, écrasés par des
plafonds ceux-là inévitables. Une fête espagnole où les
invités dissimulent leur visage derrière des masques
à la Goya nous donne la nostalgie d’un temps qui ne
reviendra plus : celui où la puissante RKO donnait
carte blanche à un jeune homme de vingt-cinq ans
pour réaliser comme il l’entendait son premier film,
Citizen Kane. La liberté fut perdue brutalement, puis
patiemment reconquise à force de volonté, mais les
moyens d’aujourd’hui ne sont pas même ceux d’un
39
Mr. Arkadin
ORSON WELLES
petit western hollywoodien. Orson Welles aborde à son
tour le cinéma “bouts de ficelle”, celui des cinéastes
maudits. Qu’importe alors la facture et si les idées priment
l’exécution, admirons les idées puisqu’elles sont
vraiment admirables ! Dans ce beau film, on retrouve,
derrière chaque image, le souffle d’Orson Welles, son
grain de folie et son grain de génie, sa puissance, son
éclatante santé et sa corpulente poésie.
d’après François Truffaut, les Films de ma vie
•
Er zijn nogal wat punten van overeenkomst tussen Orson
Welles’ meesterlijke debuut Citizen Kane, en deze Mr. Arkadin
(in het Verenigd Koninkrijk uitgebracht als Confidential Report)
uit 1955. Gregory Arkadin (Welles, himself) is een selfmade
miljonair met een gat in z’n geheugen. Hij huurt ene Guy Van
Stratten (Robert Arden) in om licht op zijn verleden te werpen.
Blijkbaar is dat nogal dubieus want er beginnen doden te vallen.
Mr. Arkadin is, net als Citizen Kane, het portret van een man die
door zijn verleden is geobsedeerd. En Gregory Arkadin is net als
Charles Foster Kane tegelijkertijd fascinerend en afschrikwekkend
in zijn obsessie voor rijkdom en macht. Welles schreef
zelf het scenario voor deze complexe film noir over macht en
corruptie die, via inventief gebruik van licht, camera en decors
extra beklemmend wordt gemaakt. M.V.
CLASSIQUE
CONFIDENTIAL REPORT
RÉAL & SC : ORSON WELLES
PHOTO : JEAN BOURGOIN
MUS : PAUL MISRAKI
PROD : WARNER-MERCURY
PRODUCTION, EA
AVEC :
ORSON WELLES, ROBERT ARDEN,
PAOLA MORI, MICHAEL REDGRAVE,
AKIM TAMIROFF
FRANCE-ESPAGNE, 1955, 99’,
NOIR ET BLANC, VO ST BIL,
COPIE NEUVE

40
Les Nuits de Cabiria
Billy Wilder tenait Cabiria pour le meilleur Fellini et
le chef-d’œuvre absolu du cinéma. A sa sortie en
Amérique, le succès du film était tel que Broadway
s’emparait aussitôt du personnage de la petite putain au
grand cœur joué par Giulietta Masina pour en faire une
comédie musicale, Sweet Charity, adaptée à son tour
par Hollywood dans une mise en scène de Bob Fosse,
où Shirley MacLaine tenait le rôle principal. La France,
elle, avait boudé le film qui se déroule dans un milieu
très déshérité, celui des prostituées miséreuses de Rome,
qui n’ont rien de glamour. L’Église, toujours en difficulté
avec Marie-Madeleine, s’était en effet déchaînée et, en
Italie où le Vatican pouvait alors (en 1957) exercer son
droit de veto sur les films, non seulement la sortie des
Nuits de Cabiria avait été interdite mais il était question
de brûler le négatif. Accablé, Fellini avait puisé dans son
génie, et exécuté un plan qui demeure le sommet de
toutes les ruses anti-censure. La hiérarchie catholique
italienne possédait à l’époque un élément vaguement
cinéphile : l’archevêque de Gênes, capable de distinguer
les qualités artistiques d’un film, mais néanmoins
très attaché à la morale vaticane. Sur les conseils d’un
ami jésuite, Fellini l’appelle, obtient de lui montrer le
film et organise une projection dans une petite salle de
quartier, mais très tard, à minuit passé, au motif qu’il faut
attendre la fin normale de programmes. Le prélat arrive
fatigué. Il s’installe dans un fauteuil aux côtés du jésuite
FEDERICO FELLINI
et, comme prévu, ne tarde pas à s’endormir. Son voisin
le réveille alors à de rares moments choisis, quand passent
sur l’écran des processions ou des images sacrées.
Convaincu au réveil que Les Nuits de Cabiria ont été
injustement condamnées, le cardinal plaide et obtient
une levée partielle de l’interdiction.
Alain Riou, Le Nouvel Observateur
•
Dit jaar staan er 1 1/2 Fellini op het programma. Zijn aandeel
in Boccaccio 70 en deze Le Notti di Cabiria (uit 1957).
Cabiria (Fellini’s echtgenote en muze Giulietta Masina) is het
klassieke hoertje met het gouden hart (en een mooi huisje
en een gezonde bankrekening) dat alsnog hoopt in een harde
wereld (en ergens in een achterbuurt van Rome) ware liefde te
vinden. Helaas...Cabiria wordt vooral bestolen, belogen en bijna
vermoord. Maar daarom niet getreurd. Cabiria blijft hopen. Het
is moeilijk niet binnen de vijf minuten door Cabiria’s charme te
worden ingepakt. Masina heeft daar, kijk maar naar La Strada,
een aardig handje van weg. Dankzij Massina, een mooie bijrol
van François Périer en de uistekende regie van Federico Fellini
werd Le Notti di Cabiria een groot succes. Een musicalversie,
Sweet Charity (uit 1969 van Bob Fosse met Shirley MacLaine)
was het logische gevolg. M.V.
CLASSIQUE
LE NOTTI DI CABIRIA
RÉAL : FEDERICO FELLINI
SC : FEDERICO FELLINI,
ENNIO FLAIANO, TULLIO PINELLI
PHOTO : ALDO TONTI,
OTELLO MARTELLI
MUS : NINO ROTA
PROD : DINO DE LAURENTIIS,
LES FILMS MARCEAU
AVEC :
GIULIETTA MASINA,
AMEDEO NAZZARI,
FRANÇOIS PÉRIER, FRANCA MARZI,
DORIAN GRAY
ITALIE-FRANCE, 1956, 115’,
NOIR ET BLANC, VO ST FR

41
The Panic in Needle Park
1971, Schatzberg reçoit le script de The Panic in Needle
Park, une œuvre d’une rare violence adaptée du roman du
journaliste James Mills. Il le refuse dans un premier temps,
puis quand il apprend que Pacino est intéressé par le film,
il revient sur sa décision. Schatzberg connaît son parcours :
l’Actor’s studio et le théâtre, mais seulement un petit rôle
à son actif dans un film. La Fox estime Pacino trop vieux
– trente et un ans – pour le personnage de Bobby. Schatzberg
insiste et Pacino décroche le contrat après audition. The
Panic in Needle Park apparaît comme une œuvre naturaliste,
typique de ce que l’on appelle l’Âge d’argent du cinéma
américain. Pas de musique (seuls les bruits quotidiens de la
rue viennent rythmer la vie des protagonistes), un budget
dérisoire, une large place à l’improvisation, ce qui n’est pas
sans rappeler le cinéma de John Cassavetes. Seringues, coke,
héro, shoots, gros plans de veines éclatées, tout y passe. Rien
ne nous est épargné, les héros doivent tout endurer. Dans ce
coin du West Side, endroit unique à Manhattan où l’on peut
se procurer de la came sans s’aventurer dans Harlem, Bobby
et Helen traînent leurs misères avec une véracité qui n’a rien
à envier au cinéma vérité. Chacun symbolise une béquille
pour l’autre. Chacun enfonce l’autre toujours davantage
dans le sordide. […]. Le film, surtout visuel, laisse peu de
place aux dialogues. Les joies et les peines se lisent dans les
visages et les actes. Les yeux et les corps sont les miroirs de
cette descente aux enfers réaliste. Schatzberg a passé de longues
heures à se documenter. “Si j’apprends quelque chose,
JERRY SCHATZBERG
le public doit également être de la partie”, explique le réalisateur
qui a bénéficié, sur le plateau, de l’expérience de l’acteur
Kiel Martin, ancien junkie. Des scènes telles que l’overdose
de Bobby ou le shoot de Chico nous projettent dans l’image.
Les fausses promesses pour décrocher, des projets toujours
repoussés au lendemain, le déni de l’accoutumance, le spectateur
ressent l’impuissance des personnages. Un sentiment
encore rehaussé par les jeux de caméra de Schatzberg,
notamment ses gros plans empreints de claustrophobie ou
encore son téléobjectif qui suit Bobby en quête de came dans
les rues de New York.
Dave Garver
•
Needle Park was in de vroege jaren zeventig een kruising in West
Manhattan waar heroïne werd verhandeld. Het was geen gezonde
plaats om rond te hangen en zeker niet de plaats waar je verliefd
wil worden. Het overkomt Helen (The Excorcist’s Kitty Winn) in The
Panic in Needle Park, een ijzersterk ‘liefde en pijn’-drama in
documentaire stijl van Jerry Schatzberg uit 1971. Helen valt voor
verslaafde Bobby (een als altijd uitstekende Al Pacino), wat betekent
dat ze ook voor drugs valt. Als toeschouwer kan je niet anders
dan machteloos toekijken hoe de diepmenselijke personages van
kwaad tot erger verglijden. Als Helen op een gegeven moment uit
Needle Park wegwil, zegt Bobby enkel: “Dit is waar ik woon”. De
documentaire stijl waarin de film is gemaakt – met een soms wat
beverige camera – draagt bij aan het grimmige realisme van de
film, waar alsnog plaats is voor een sprankeltje hoop. M.V.
CLASSIQUE
PANIQUE À NEEDLE PARK
RÉAL : JERRY SCHATZBERG
SC : JOAN DIDION ET JOHN
GREGORY DUNNE,
D’APRÈS LE LIVRE DE JAMES MILLS
PHOTO : ADAM HOLENDER
PROD : GADD PRODUCTIONS
ET DIDION-DUNNE
AVEC :
AL PACINO, KITTY WINN,
ALAN VINT, RICHARD BRIGHT,
KIEL MARTIN, RAUL JULIA
ÉTATS-UNIS, 1971, 109’,
COULEUR, VO ST FR

42
The Private Life of Sherlock Holmes
Cette aventure de Sherlock Holmes n’est pas l’adaptation
d’un roman de Conan Doyle, ni une relecture parodique
du plus célèbre des détectives. Le scénario original de
Wilder et de son complice I.A.L. Diamond explore les
zones d’ombre de la vie de Sherlock Holmes (sa cocaïnomanie,
son célibat suspect et sa cohabitation ambiguë
avec le Docteur Watson) et le plonge dans une ténébreuse
enquête qui l’emmène sur les bords du Loch Ness. (…)
La rencontre entre Holmes, génie du vrai et du faux,
misanthrope sentimental, observateur solitaire des passions
humaines, et Wilder, son double artiste et farceur, fait des
étincelles. Le film marque l’apogée de la collaboration
entre le cinéaste et le décorateur Alexandre Trauner, qui
recrée l’univers de Sherlock Holmes avec un luxe inouï. Un
chef-d’œuvre d’intelligence, d’élégance et d’humour triste.
Olivier Père, Les Inrockuptibles
Toute la vérité, rien que la vérité. Une lettre posthume du
Docteur Watson lève le voile sur le mystère le plus brumeux
de l’Angleterre victorienne, Sherlock Holmes, tandis
que le générique exhume un à un les attributs fétiches
du héros de Conan Doyle. Pour la mémoire collective, le
détective londonien projette aussitôt l’image d’un corps
reptile, les épaules agrafées à une cape en tweed, un
profil aquilin rehaussé d’une pipe et d’une visière. Quel
homme de cœur se cache derrière l’analyste? Le portrait
bétonné et un rien obsolète recèle-t-il des craquelures
BILLY WILDER
insoupçonnées? C’est à cette zone tourmentée que
Billy Wilder et I.A.L. Diamond dédient leur escapade
européenne la plus curieuse et la plus mésestimée. (…)
L’intrigue délicieusement régressive à base de tutu, canaris,
nains, acide chlorhydrique et monstre du Loch Ness,
a de quoi faire tressaillir plus d’un holmesien. Billy Wilder
déride la prose de Conan Doyle en expédiant le couple
Holmes-Watson sur les rails du slapstick et de la parodie.
(…) Près de trente ans après leur confection, les poupées
gigognes de Billy Wilder intriguent toujours autant.
Danielle Chou, filmdeculte.com
•
Het lijkt een doorsnee Sherlock Holmes-avontuur. Een schone
Brusselse onbekende op zoek naar haar vermiste echtgenoot
wordt gedropt in het huis van de befaamde speurneus. De
plot, die ondermeer vermiste dwergen en dubieuze monniken
inhoudt, voert hen naar het meer van Loch Ness. Maar als Billy
Wilder de Sherlock Holmes-legende onder handen neemt, krijg
je er gegarandeerd een andere kijk op. Uit The Private Life
of Sherlock Holmes (1970) blijkt dat Holmes’ privé-leven
interessanter is dan zijn meest opzienbarende zaak. Bekeken
door de ogen van zijn vriend Dr. Watson (een grappige Colin
Blakely), blijkt Holmes (Robert Stephens) een romanticus die in
cocaïne soelaas zoekt voor een gebroken hart en soms eerder
door toeval dan door deductie een zaak openbreekt. Ondanks
gevoelig ingekort door United Artists, blijft dit Wilder op z’n
best. De score is van Miklos Rozsa. M.V.
CLASSIQUE
LA VIE PRIVÉE
DE SHERLOCK HOLMES
RÉAL : BILLY WILDER
SC : BILLY WILDER, I.A.L. DIAMOND
PHOTO : CHRISTOPHER CHALLIS
MUS : MIKLOS ROSZA
PROD : MIRISCH/PHALANX/U ART
AVEC :
ROBERT STEPHENS,
CHRISTOPHER LEE, COLIN BLAKELY
GRANDE-BRETAGNE, 1970, 130’,
COULEUR, VO ST FR

43
The Return of the Pink Panther
Un dosage presque impalpable de burlesque, d’humour,
de charme et de suspense mathématique avait fait de la
Panthère rose l’une des plus jolies comédies en couleurs
de toute l’histoire du cinéma. Il est visible que Blake
Edwards a su d’emblée qu’il ne pourrait pas nouer une
seconde fois cet écheveau où la désinvolture et la folie
douce s’alliaient à une percutante rigueur. Aussi n’a-t-il
cherché à tricher ni avec le passé ni avec le public :
Christopher Plummer n’a pas l’élégance de David Niven
et le comopolitisme de Cortina d’Ampezzo ne pouvait
être remplacé par le swinging London, bien loin lui
aussi. C’est donc Peter Sellers qui soutient tout le poids
du film. Après la scène techniquement et plastiquement
fort belle du vol, l’inspecteur Clouseau (mis à pied pour
son incompétence !) nous apparaît sous les traits d’un
gardien de la paix parisien, vétilleux envers un musicien
faux aveugle, tandis que derrière eux se déroule un holdup
dont il ne s’avise même pas. L’intervention du Shah
de Lugash le restitue brutalement à sa dignité d’autrefois.
Le film se concentre dès lors sur le récit de ses “exploits”,
plus malencontreux les uns que les autres. Les gags font
appel tantôt à des recettes éprouvées, tantôt à ce comique
de situation issu du dialogue pris au pied de la lettre,
dont les Marx Brothers avaient donné l’exemple, mais
que la schizophrénie de Clouseau rend particulièrement
efficace. On salue au passage la reprise de gestes célèbres,
tel celui de s’appuyer avec emphase sur un objet
BLAKE EDWARDS
glissant. Le domestique oriental obstiné à enseigner à
son maître les finesses du karaté donne à Edwards l’occasion
d’une parodie magistrale, espérons-le définitive, des
films de Bruce Lee. La fin, excellente, est amenée par le
personnage hystérique d’un supérieur hiérarchique de
Clouseau, qui peu à peu sombre dans la démence en
décidant de l’exterminer, et au contraire lui sauve la vie
à l’instant d’y parvenir. Bref, ce film sympathique n’est
nullement indigne de son auteur, si malchanceux que ce
dernier ait semblé ces dernières années.
d’après Gérard Legrand, Positif
•
Sequels hebben overwegend een kwalijke reputatie. “Laten we
de formule even uitmelken en het succes van nummer één xmaal
overdoen”. Wel, voor The Return of the Pink Panther
(uit 1975) gaat dat alvast niet op (Blake Edwards regisseerde
uiteindelijk een zevental Pink Panthers. En voor wie er nog
steeds niet genoeg van heeft: voor volgend jaar staat een
prequel - niet geregisseerd door Edwards – op het programma,
met Steve Martin die de inmiddels overleden Peter Sellers
als Inspecteur Clouseau zal vervangen). Er kan nog steeds
gelachen worden. Ah, die heerlijke Inspecteur Clouseau/Sellers
die ‘feun’,‘reum’ en ‘leurd’ mompelend, alom onheil stichtend
op zoek gaat naar een gestolen diamant (of zoals zijn arme,
veelgeplaagde baas het stelt: “In vergelijking met Clouseau was
Attilla De Hun een Rode Kruis-vertegenwoordiger”). Er wacht
Steve Martin voorwaar een zware taak. M.V.
CLASSIQUE
LE RETOUR
DE LA PANTHÈRE ROSE
RÉAL : BLAKE EDWARDS
SC : BLAKE EDWARDS,
FRANK WALDMAN
PHOTO : GEOFFROY UNSWORTH
MUS : HENRY MANCINI
PROD : BLAKE EDWARDS,
TONY ADAMS
AVEC :
PETER SELLERS, CATHERINE
SCHELL, CHRISTOPHER PLUMMER,
HERBERT LOM, BURT KWOUK
GRANDE-BRETAGNE, 1975, 115’,
COULEUR, VO ST FR

44
River of No Return
C’était au temps où Preminger ne donnait pas encore
dans les grandes machines : il réalisait des films qui
passaient pratiquement inaperçus et la production américaine
n’aurait pas donné cher de ce metteur en scène
[…]. La fascination premingérienne qui fut à la source
de tant de gloses, jamais elle ne fut plus évidente que
dans ces chroniques aigres-douces, ces longues et lentes
marches d’un homme vers une femme ou d’une femme
vers un homme, Laura, Un si doux visage, River of No
Return, Bonjour tristesse.
River of No Return, c’est la merveilleuse combinaison chimique
de Robert Mitchum, Marilyn Monroe et du fleuve
qui ne cesse de rythmer cette romance feutrée. Le fleuve,
qui, à l’époque, prit une nouvelle dimension grâce
à ce format dont personne, avant Preminger, n’avait su
déceler les possibilités, le CinemaScope. Il faut regretter
que Preminger n’ait réalisé qu’un seul western, car, dans
cet espace bouillonnant, il a su glisser cette sorte de
désenchantement singulier qui vient droit de ce coin
d’Europe où il a vu le jour. “L’amour est le voyageur de
la rivière sans retour”, dit la chanson du film. Dans cette
aventure de l’homme et de la femme qui accomplissent
leur apprentissage sur les eaux en furie, Preminger a inscrit
tant de tendresse et de pudeur qu’on oublie presque
que le personnage principal n’est autre que le torrent,
photographié comme jamais torrent ne l’a été.
Jean Wagner, le Western
OTTO PREMINGER
Ce western au ton heureux nous donne, à chaque vision,
l’impression de passer des vacances. On sort de là trempé,
fourbu, affamé, dans l’euphorie. Marilyn Monroe,
cinémascopiquement cadrée comme jamais elle ne le
fut, y créait le personnage le plus délicieux de sa carrière
et y interprétait admirablement des chansons anthologiques
(“One Silver Dollar”, “Down in the Meadow”,
“I’m Gonna File My Claim”) avant de se faire masser par
Robert Mitchum.
Jean-Pierre Coursodon et Bertrand Tavernier,
50 ans de cinéma américain
•
In 1954 maakte Otto Preminger die, als het op stijl aankwam
altijd al moeilijk onder één noemer was te vatten, de enige western
uit zijn carrière. The River of No Return is trouwens geen
doorsnee-western : het is meer een psychologisch drama dat zich
afspeelt tegen een Wild West-achtergrond. Marilyn Monroe is de
saloonzangeres die weduwnaar Robert Mitchum inhuurt om haar
verdwenen pseudo-echtgenoot op te sporen. De avontuurlijke
tocht op een vlot op de rivier uit de titel biedt het drietal – de
van Mitchum’s personage vervreemde zoon maakt ook deel
uit van het gezelschap – niet alleen gelegenheid om elkaar én
zichzelf beter te leren kennen, maar helpt hen ook in het reine te
komen met gebeurtenissen uit het verleden. De chemistry tussen
Mitchum en Monroe gecombineerd met de adembenemende
locatie zorgen voor eersteklas amusement. M.V.
CLASSIQUE
RIVIÈRE SANS RETOUR
RÉAL : OTTO PREMINGER
SC : FRANK FENTON,
D’APRÈS UNE HISTOIRE DE
LOUIS LANTZ
PHOTO : JOSEPH LA SHELLE
MUS : CYRIL MOCKRIDGE,
LIONEL NEWMAN
(PAROLES DES CHANSONS :
KEN DARBY)
PROD : STANLEY RUBIN (FOX)
AVEC :
ROBERT MITCHUM,
MARILYN MONROE,
RORY CALHOUN, TOMMY RETTIG
ÉTATS-UNIS, 1954, 91’,
COULEUR, ST FR

La scène se déroule quelques mois après qu’un homme
américain a posé pour la première fois le pied sur la
Lune. C’est au milieu des terrils, dans le décor noir
d’une région minière filmée dans un sale 16 mm gonflé,
sur fond sonore de pelleteuses, que débute Wanda. Une
petite bonne femme blonde (Barbara Loden) se réveille
avec peine dans une maison en préfabriqué. Habillée de
blanc, coiffée de ses bigoudis, la voilà qui traverse le paysage,
petit point clair sur la terre charbonneuse, comme
une astronaute flottant au-dessus de la cendre lunaire.
Où va-t-elle si vaguement, Wanda ? Divorcer, laisser sans
combat ses enfants à la charge de leur père, et dire bien
gentiment merci au juge avant de partir errer dans une
Amérique que la réalisatrice dépouille de toute trace de
folklore, offrant l’image dégraissée d’un pays sans âme
et sans dieu, semblable à toutes les régions ouvrières du
monde. Wanda rencontre bientôt “M. Dennis”, un voleur
de dernière zone qui sue l’angoisse, le désespoir, la
médiocrité et se refuse à exprimer le moindre sentiment.
M. Dennis va prendre en main Wanda et lui redonner
un peu visage humain. Car Wanda est sans force, étrangère
au monde. Elle se croit morte, nulle, stupide. Nos
antihéros, Bonnie and Clyde antononiens, Zampano et
Gelsomina du Middle West, préparent un coup. Foireux,
bien sûr. Barbara Loden, comme on parle d’écriture
blanche en littérature, a un filmage blanc, d’où naît soudain
l’émotion, crue, à vif. Dans Cinquante ans de cinéma
45
Wanda
BARBARA LODEN
américain, Coursodon et Tavernier écrivent : “Wanda est
un film où l’on a froid, où une gifle fait mal longtemps,
où l’on a peur d’oublier l’ordre qu’on vous donne.”
Wanda est bien cela, un cri de désespoir muet, un autoportrait
d’autant plus violent qu’il est retenu, un portrait
de femme angoissé et sans concession, une description
accablée des exclus du capitalisme. Chef-d’œuvre sec et
intemporel, Wanda n’a pas pris une ride.
d’après Jean-Baptiste Morain, Les Inrockuptibles
•
Iemand zei over Barbara Loden: “Het is jammer dat zij maar
één film kon maken, terwijl haar echtgenoot er meer dan
twintig heeft gemaakt”. Die ‘iemand’ was duidelijk geen fan
van Elia Kazan, maar wel van zijn jonggestorven echtgenote.
Barbara Loden is de regisseur, schrijver en titelfiguur van
Wanda (1971). Het werd inderdaad haar enige film (als regisseur,
ze acteerde in meerdere films, ondermeer in Kazans
Splendor in the Grass). Het werd ook een klein meesterwerk.
In de beste ‘Europese traditie’ beschrijft deze Amerikaanse
road movie – gemaakt met een piepklein budget – de trieste
lotgevallen van Wanda, een vrouw met weinig opleiding en
een rampzalige smaak als het op mannen aankomt. Loden
werd een art house darling, maar haar vroege dood (ze was
nog geen vijftig) en – volgens boze tongen – Kazans naijver,
betekenden het einde van een beloftevolle carrière. M.V.
CLASSIQUE
RÉAL & SC : BARBARA LODEN
PHOTO : NICHOLAS T. PROFERES
PROD : FOUNDATION
FOR FILMAKERS
AVEC :
BARBARA LODEN,
JOHN MICHAEL HIGGINS
USA, 1970, 102’,
COULEUR, VO ST FR

46
The Woman in the Window
The Woman in the Window, film important dans la carrière
américaine de Fritz Lang, fait doublet avec Scarlet Street
(remake de La Chienne de Renoir), dont il partage les trois
acteurs principaux (Edward G. Robinson, Joan Bennett,
Dan Duryea), le directeur photo (Milton Krasner) et
l’ambiance de tragédie “criminelle”. Lang y montre un
homme de son âge (mûr), le professeur Wanley, fasciné
par le portrait d’une femme et séduit par son modèle
(1944 fut l’année de la fascination par les portraits, puisque
ce fut aussi celle de Laura, de Preminger). Par hasard
(mauvais hasard), par faiblesse, une aventure apparemment
sans conséquence tournera au meurtre. Rarement
avec autant d’intensité le cinéaste aura joué de l’ambiguïté
de ses personnages, du méli-mélo d’innocence et
de culpabilité qui dort en chacun, et poussé le spectateur
à s’identifier à un criminel. Rarement aussi le réalisme
manié par Lang (avec sa touche de fantastique) n’aura été
aussi inquiétant. La déchéance d’un homme mûr et arrivé
était-elle le cauchemar de Fritz Lang ? Toujours est-il que
ce sera encore le thème de Scarlet Street, le film qui suivit
The Woman in the Window.
Édouard Waintrop, Libération
Lang transforme le mélodrame policier en une représentation
des mécanismes de l’inconscient. Le portrait
montre une femme que l’on aimerait rencontrer de la
même façon que le spectateur rêve de rencontrer la
FRITZ LANG
femme dont l’image le fascine sur l’écran. Toute cette
fiction implique une double “aventure” où l’idée de sexe
se mêle à celle de la mort en une commune culpabilité.
Wanley a été le spectateur du mécanisme de son inconscient,
tout comme le public a subi le film dans la salle
de cinéma.
Noël Simsolo, Fritz Lang
•
Brave huisvader Edward G. Robinson werpt één blik op The
Woman in the Window en zijn ordentelijke leventje loopt
meteen compleet uit de hand. Een onschuldige flirt met een
mysterieuze schoonheid draait uit op een moord, waarnaar het
onderzoek wordt geleid door zijn beste vriend. Het was een
goed jaar voor de film noir én voor Robinson, die in 1944 ook
in Billy Wilder’s Double Indemnity schitterde. Al is Robinson ditkeer
niet de jager maar de prooi. Volgens regisseur Fritz Lang
vertelt zijn uitstekende Freudiaanse thriller ‘een universeel
verhaal: iedere man kan in zulk een nachtmerrie verzeilen’.
Vraag is of het onverwachte happy Hollywood-einde ook voor
iedereen is weggelegd. De al bij al onschuldige femme fatale
wordt vertolkt door ‘vaste’ Fritz Lang-muze Joan Bennett, wiens
carrière in 1951 werd gekortwiekt toen zij bij een moordzaak
betrokken raakte. M.V.
CLASSIQUE
LA FEMME AU PORTRAIT
RÉAL : FRITZ LANG
SC : NUNNALLY JOHNSON,
D’APRÈS LE ROMAN DE J.H. WALLIS
PHOTO : MILTON KRASNER
MUS : ARTHUR LANGE
PROD : NUNNALLY JOHNSON (RKO)
AVEC :
EDWARD G. ROBINSON,
JOAN BENNETT,
RAYMOND MASSEY, DAN DURYEA
ÉTATS-UNIS, 1944, 99’,
NOIR ET BLANC, VO ST BIL,
COPIE NEUVE

Hollywood s’est toujours intéressé aux talents étrangers.
Ernst Lubitsch, Fritz Lang, Victor Sjöstrom, F.W. Murnau,
Alfred Hitchcock commencèrent leur carrière cinématographique
dans leurs pays d’origine et la continuèrent
avec génie aux États-Unis. Le succès de Blow-Up incita
les dirigeants de la Metro-Goldwyn-Mayer à donner carte
blanche à Antonioni, cette confiance se traduisant déjà
par un budget de trois millions de dollars mis à la disposition
du cinéaste italien. Le tournage eut lieu dans le plus
grand mystère. Antonioni choisit comme vedettes deux
inconnus et Zabriskie Point est un témoignage fulgurant
sur l’Amérique de la fin des années soixante. Les étudiants
y sont au bord de la révolution. Policiers et étudiants s’affrontent
violemment sur les campus et contrairement à ce
qui se passe en Europe, les uns et les autres n’hésitent pas
à ouvrir le feu. Antonioni décrit donc une Amérique en
feu dans laquelle on achète une arme comme un paquet
de cigarettes et où voler un avion semble un jeu d’enfant.
A côté de cette Amérique bouillonnante, Antonioni choisit
la Vallée de la mort, célèbre pour ses paysages désertiques.
Ce choix est un symbole : c’est le retour à la terre
américaine, sauvage et intacte, et c’est aussi un hommage
à l’un des plus grands metteurs en scène américains Erich
von Stroheim qui y situa la fin de son film Les Rapaces.
Dans ce cadre aussi particulier, un couple dépouillé,
physiquement et intellectuellement, va vivre une passion
sans retenue, créant subitement autour de lui ses propres
47
Zabriskie Point
MICHELANGELO ANTONIONI
fantasmes. Mais la société prendra sa revanche sur ces
deux amants et je vous laisse découvrir comment mourra
l’un d’eux, tué (on aurait presque envie de dire exécuté)
par cette société qui semble elle-même en plein désarroi.
La fin du film sera une apocalyptique description de
l’explosion d’une luxueuse maison, véritable création de
l’Amérique moderne, que l’on verra s’atomiser dans le
ciel californien.
André Moreau, L’Express
•
Na Blow-up, zijn uitstap in het Londen van de Swinging Sixties,
trok regisseur Michelangelo Antonioni de Amerikaanse woestijn
in om daar zijn anti-establishment-ding te doen. Het resultaat
werd Zabriskie Point (1969). We volgen nieuwkomer Mark
Frechette als de revolterende student die, nadat hij onterecht
van de moord op een agent wordt beschuldigd, met een
gestolen vliegtuig de woestijn intrekt. Daar - dit zijn immers de
jaren zestig – neemt hij psychedelische drugs en bedrijft hij de
vrije liefde alvorens naar Los Angeles terug te keren. Hoewel
Antonioni’s bikkelharde aanval op het meedogenloze materialisme
van de Amerikaanse samenleving niet door iedereen werd
geapprecieerd, werd de film – alleen al om de verbluffende
finale – een klassieker. Frechette nam Antonioni’s anarchistische
boodschap ten harte – hij draaide later de gevangenis in
na een bankoverval. M.V.
CLASSIQUE
RÉAL & SC :
MICHELANGELO ANTONIONI
PHOTO : ALFIO CONTINI
MUS : THE ROLLING STONES,
THE YOUNGBLOODS, ETC.
PROD : CARLO PONTI, MGM
AVEC :
NICK FRECHETTE, DARIA RALPRIN,
ROD TAYLOR, KATHLEEN CLEAVER
ÉTATS-UNIS, 1969, 111’,
COULEUR, VO ST BIL

48
CYCLE
MONTY PYTHON

Il fallait certes du talent, mais il fallait surtout être gonflé.
Nous sommes en 1975, l’Angleterre agonise sous le chômage
et toute l’Europe se lamente. Graham Chapman,
lui, se déguise en roi Arthur et se présente à la porte du
château accompagné de Patsy sa servante, alias Terry
Gilliam – “C’est moi, Arthur ! Fils de Pendragon, du
château de Camelot. Roi des Britanniques, vainqueur
des Saxons et souverain de toute l’Angleterre !” Le garde
Michael Palin lui ouvrirait bien la porte, si la présence de
ces deux noix de coco accrochées à sa selle n’était pas
si étrange, et l’objet du premier dialogue de la première
scène du premier film des Monty Python, parfait résumé
du reste de leur carrière : absurde, délirante, inventive,
jamais vue et, surtout, puisqu’il ne s’agit que de ça, à se
tordre de rire. Bien sûr, n’en déplaise aux puristes, ces
fous d’Anglais ont pris de l’âge. Bien sûr, c’est un humour
bavard (pas plus que celui de Woody Allen), croquignolesque,
absurde et épuisant. Mais John Cleese, Graham
Chapman, Michael Palin, Terry Jones, Terry Gilliam et
Eric Idle ont été les premiers. Les premiers à s’en prendre
à tout ce qui bouge – bon goût, bourgeois, religieux,
puissants, Belges –, les premiers à revendiquer le plaisir
d’être fous, la recherche de la pure déconne malgré
des moyens et des talents exceptionnels. Les premiers à
avoir donné au “nonsense” ses lettres de noblesse. A six,
ils se partagent tous les rôles : le roi, les chevaliers, les
villageois, les femmes, les gardes et quelques têtes qui
49
Sacré Graal
TERRY GILLIAM & TERRY JONES
traînent. Comme d’habitude, leurs dialogues débités à
cent à l’heure, intraduisibles et pourtant traduits, restent
des perles. Le secret des Monty Python tenait peut-être
dans leur militantisme. Quoi qu’il advienne, quelles que
soient les circonstances, il faut toujours regarder du
côté illuminé de la vie, comme ils le sifflotaient tous à
l’enterrement de Graham Chapman. “Always look at the
bright side of life”.
Olivier Van Vaerenbergh, Le Soir
•
Goed nieuws voor fans van absurde humor. Het Britse, prettig
gestoorde Monty Python-gezelschap is in town (ze zijn met
maar liefst drie films vertegenwoordigd op het festival). De
oudste bijdrage is Monty Python and the Holy Grail (uit
1974). Zoals de titel al doet vermoeden, is het dit keer de
legende van Koning Arthur die eraan moet geloven. Niet te
geloven wat Arthur en zijn moedige ridders van de Ronde Tafel
allemaal moeten doorstaan tijdens hun zoektocht naar de
Heilige Graal. Als het voor U niet gek genoeg kan zijn, is deze
door Python-leden Terry Gilliam en Terry Jones geregisseerd
parodie as good as it gets. Maar één voorbeeld : ridders die
‘ni’ zeggen en later evolueren tot ridders die tot voor kort ‘ni’
zegden (wat ons aan het wispelturige gedrag van een zekere
‘prins’ herinnert) en omgekocht moeten worden met moeilijk
te lokaliseren struikgewas... M.V.
MONTY
PYTHON
MONTY PYTHON
AND THE HOLY GRAIL
RÉAL : TERRY GILLIAM,
TERRY JONES
SC : GRAHAM CHAPMAN,
JOHN CLEESE, TERRY GILLIAM,
TERRY JONES, ERIC IDLE,
MICHAEL PALIN
PHOTO : TERRY BEDFORD
MUS : NEIL INNES
PROD : PYTHON PICTURES
AVEC :
GRAHAM CHAPMAN, JOHN CLEESE,
TERRY GILLIAM, TERRY JONES,
ERIC IDLE, MICHAEL PALIN
ROYAUME-UNI, 1975, 91’,
COULEUR, VO ST FR

Attention, chef-d’œuvre ! Chef-d’œuvre de vrais iconoclastes
libertaires, les seuls depuis les Marx Brothers.
Une médication cinématographique à prescrire en
urgence et sans modération à tout dépressif qui se
connaît ou s’ignore. C’est-à-dire à tous. Plongez dans
ce fatras génial de bonnes idées visuelles et de grandes
trouvailles de mise en scène, cela changera votre vie,
votre regard sur la vie. Car la chose est grandiose,
frontale, indémodable et sacrément drôle. C’est une
accélération d’intelligence, de délire, de pertinence,
de surréalisme et de vulgarité traitée en finesse. Satire
loufoque sur le ridicule de l’existence et de la mort,
passant à la moulinette la religion, le mariage, la guerre,
l’armée, la pauvreté, la naissance, la paresse, les snobs,
l’éducation, l’identité, les rapports sociaux, les plaisirs
du sexe... l’humanité en général. Grand prix du jury au
Festival de Cannes en 1983, Le Sens de la vie est une
orgie de sketches inénarrables exposant une révolte
d’agents d’assurance dans un immeuble qui se transforme
en paquebot, un cours d’éducation sexuelle dans
une école anglaise, un quartier protestant surpeuplé,
un homme se goinfrant jusqu’à l’éclatement, la guerre
des Zoulous, une école militaire, une transplantation
d’organes…
Bref, c’est le sens de la vie et le parti d’en rire. Inventer
autour du vrai pour retrouver le vrai vrai. Là est peutêtre
le secret des Monty Python planchant aérienne-
50
Le Sens de la vie
TERRY GILLIAM & TERRY JONES
ment ou aquatiquement sur “Pourquoi sommes-nous
là ? Que signifie la vie ? Dieu est-il vraiment réel ou y
a-t-il des doutes ?” Leur délire est sans limite.
Fabienne Bradfer, Le Soir
•
Monty Python’s the Meaning of Life (1983) gaat over euh,
de zin van het leven. Bijzonder ambitieus opzet van ‘de satirische
zes’. Bijzonder geslaagd, ook. Én stout. En verfrissend
politiek incorrect, zoals we onze jongens wel vaker aan de
slag hebben gezien. Geen enkel heilig huisje blijft overeind. Via
een aantal waanzinnige sketches worden we van ‘het wonder
van de geboorte’ (piece of cake in Yorkshire) uiteindelijk naar
een preview geleid van wat ons – volgens de Pythons – in de
hemel te wachten staat. Wat er tussen ligt? Dat moet U zelf zien
om het te geloven (hint: onthullende seksuele voorlichting op
school en een bijzonder explosieve vreetpartij...slechte smaak
op z’n best!). De proloog is een op zichzelf staande kortfilm van
Terry Gilliam (denk Brazil), een parodie op de oude zeeroversfilms,
waarbij een eerbiedwaardige Engelse bank een aanval op
Wall Street waagt. M.V.
MONTY
PYTHON
MONTY PYTHON’S
THE MEANING OF LIFE
RÉAL : TERRY JONES & GILLIAM
SC : GRAHAM CHAPMAN, JOHN
CLEESE, TERRY GILLIAM, ÉRIC IDLE,
TERRY JONES, MICHAEL PALIN
PHOTO : PETER HANNAN
PROD : JOHN GOLDSTONE
AVEC :
GRAHAM CHAPMAN, JOHN CLEESE,
TERRY GILLIAM, ÉRIC IDLE,
TERRY JONES, MICHAEL PALIN,
CAROL CLEVELAND
ROYAUME-UNI, 1983, 107’,
COULEUR, VO ST BIL

“L’Église d’Angleterre n’est pas une religion, c’est une
sorte de Country Club qui sanctifie les modes de vie du
conformisme.” Signée John Cleese (c’est le plus grand
en taille des Monty Python), cette petite phrase suffit à
rappeler l’amour mutuel que se vouent ces deux institutions,
l’Église et les Python. Avec La Vie de Brian, le
sextuor de comiques le plus génial fourni par la Grande-
Bretagne signe sans doute son œuvre la plus aboutie.
Fondé sur l’histoire la plus célèbre de l’humanité, le film
nous propose pas moins qu’un mythe alternatif. Et si tout
ce qu’on nous a fait croire sur le passage de Jésus Christ
sur notre planète avait eu lieu de façon légèrement différente
? Ainsi, tout est revisité par les Python. De l’arrivée
des rois mages à la crucifixion, en passant par le sermon
sur la montagne, Jésus, le “vrai”, doit partager la vedette
avec un personnage plutôt sympathique, parfois un peu
benêt, devenu Messie malgré lui : Brian ! Irrésistible de
drôlerie, le film se révèle à l’usage finalement moins
blasphématoire qu’on ne pouvait le penser. Ce sont
plutôt la bêtise, le conformisme, le moutonnisme ou
la lâcheté des différents personnages qu’ils mettent en
scène qui semblent amuser les auteurs. Lesquels ont dû
bien s’amuser durant le tournage, puisque si Graham
Chapman (décédé depuis) est Brian à l’écran, les cinq
autres Monty Python interprètent à eux seuls quasiment
tous les autres rôles. Apeurés par le sujet et surtout par
son traitement iconoclaste, les producteurs originels ont
51
La Vie de Brian
TERRY JONES
lâché les Monty Python peu de temps avant le tournage.
C’est finalement George Harrison, fan de la première
heure, qui est venu à la rescousse. L’ancien Beatle avait
déclaré à l’époque : “Financer La Vie de Brian est le seul
moyen pour moi d’être sûr de pouvoir découvrir sur un
grand écran un nouveau film des Monty Python.”
St.St.
•
Met Mel Gibsons zwaar op de hand zijnde The Passion of the
Christ fris in het geheugen, is dit een lichter verteerbare evangeliefilm
wellicht een welkome afwisseling. Leg ‘het leven van
Christus’ in handen van het illustere Monty Python-zestal en het
resultaat, Monty Python’s Life of Brian (uit 1979) werd een
compleet hilarisch vertelsel over de lotgevallen van de arme
stakker Brian (vertolkt door de inmiddels overleden Graham
Chapman) die in het stalleke naast dat van de Messias werd
geboren. “Always look at the bright side of life” krijgt Brian aan
het kruis te horen. De ‘fluitserenade’ is maar één van de vele
komische hoogtepunten. Of zoals één filmrecensent het stelde:
“Your funny bone is overdue for a tuneup”! Alle Python-leden
nemen zoals gewoonlijk verschillende personages voor hun
rekening. Voor Michael Palin zijn dat er maar liefst negen. M.V.
MONTY
PYTHON
LIFE OF BRIAN
RÉAL : TERRY JONES
SC : GRAHAM CHAPMAN, JOHN
CLEESE, TERRY GILLIAM, MICHAEL
PALIN, ÉRIC IDLE, TERRY JONES
PHOTO : PETER BIZIOU
MUS : GEOFFREY BURGON
PROD : GEORGE HARRISON,
ORION PICTURES
AVEC :
GRAHAM CHAPMAN, JOHN CLEESE,
TERRY GILLIAM, MICHAEL PALIN,
ÉRIC IDLE, TERRY JONES,
GEORGE HARRISON
ROYAUME-UNI, 1979, 94’,
COULEUR, VO ST FR

52
CYCLE
GUS VAN SANT

53
Drugstore Cowboy
Dans Drugstore Cowboy, son troisième long métrage,
Gus Van Sant raconte la drôle de vie d’un jeune camé,
depuis ses hold-ups dans les pharmacies jusqu’à sa tentative
de désintoxication à la méthadone. En compagnie
de ses copains de dérive dont sa petite amie et son
“second”, à la fois idolâtre et soumis, notre antihéros
sillonne les routes américaines. La caméra sans cesse
inventive du cinéaste évite parfaitement le double piège
classique de ce type de sujet : le voyeurisme et aussi la
complaisance. Cet étrange road-movie jalonné de seringues
est une sorte d’Alice’s Restaurant de la génération
shootée – il faut dire que le film d’Arthur Penn sentait
bien plus l’herbe que l’héro – qui nous fait partager toutes
les sensations du personnage principal, ses angoisses,
ses doutes, ses crises de manque, en passant par ses exaltations,
certes éphémères mais très communicatives. A
l’opposé dans son traitement de l’exceptionnel Requiem
For A Dream, ce film original et culotté nous montre à
quel point un junkie “professionnel” doit être audacieux,
imaginatif et aussi témoigner d’un sens aigu de la stratégie
s’il veut éviter la souffrance du manque. Pas de problème
pour notre homme qui possède toutes les qualités
requises. Matt Dillon, absolument parfait dans le rôle, a
trouvé là sans doute son personnage le plus passionnant
à interpréter depuis Rumble Fish. Enfin, ultime cerise sur
le gâteau de ce long métrage plus que recommandable,
la courte mais décisive apparition à la fin de l’histoire de
GUS VAN SANT
William S. Burroughs. Voir l’immense écrivain américain
dans le rôle d’un curé camé jusqu’à la gauche, débitant
des propos mi-philosophiques mi-humoristiques est un
plaisir qu’il ne s’agit pas de se refuser.
St.St.
•
Als de boodschap ‘drugs = ellende’ na The Panic in Needle
Park nog niet volledig was doorgedrongen, helpt Drugstore
Cowboy (1989) je wel uit je onwetendheid (of vice versa).
Niet dat regisseur Gus Van Sant de moraalridder uithangt, de
beelden spreken voor zichzelf (de film is trouwens gebaseerd
op de autobiografie van een drugverslaafde). Dat Matt Dillon en
Kelly Lynch (ze lijken wel Bonnie & Clyde aan de heroïne) en de
rest van de cast schitterend acteren, helpt natuurlijk ook. Dillon
is één van een groepje verslaafden (en bijzonder bijgelovig
bovendien) die hun dagen doorbrengen met apotheken overvallen,
wegrennen voor de politie en scoren. Er is absoluut niets
glamoureus aan het dagelijks leven van een drugverslaafde,
zoveel wordt al snel duidelijk. Beatnik hogepriester William
S. Burroughs, die zelf ook een stevige appetijt voor heroïne had,
speelt een...junkiepriester. M.V.
GUS
VAN SANT
RÉAL : GUS VAN SANT
SC : GUS VAN SANT, DANIEL YOST,
D’APRÈS LE ROMAN DE
JAMES FOGLE
PHOTO : ROBERT YEOMAN
MUS : ELLIOT GOLDENTHAL
PROD : NICK WECHSLER,
KAREN MURPHY, AVENUE PICTURES
AVEC :
MATT DILLON, KELLY LYNCH,
JAMES LEGROS,
HEATHER GRAHAM, JAMES REMAR,
WILLIAM S. BURROUGHS
ÉTATS-UNIS, 1989, 100’,
COULEUR, VO ST BIL

Eu égard à ses médailles, son titre imposant et sa source
d’inspiration, la tuerie du lycée américain de Columbine
en 1999, on pourrait s’attendre à quelque chose de
massif, une force de frappe, une sorte de blockbuster
d’auteur. Or le film vous étreint immédiatement de sa
délicatesse et sa douceur, avec ses ciels d’automne sur
fond de “Sonate au clair de lune” et ses mouvements
de caméra fluides comme ceux d’un œil flottant, porté
par le vent. Ce jour-là, un garçon aux cheveux presque
aussi jaunes que son T-shirt arrive au lycée comme s’il
y habitait depuis toujours. Une fille boulotte erre en
solitaire près des terrains de sport. Un adonis interrompt
son heure de football américain pour rejoindre sa
petite amie à l’autre bout du campus. Trois filles lookées
Jennifer Lopez le dévorent des yeux à son passage. Un
apprenti photographe cherche des modèles parmi les
condisciples. C’est presque rien, mais c’est aussi tout
le mystère et toute la beauté du teen-age, assurance
radieuse ou envie lancinante de rentrer sous terre, cool
attitude ou détermination fervente à accomplir tel but
personnel.. Jusqu’à l’inéluctable, le cinéaste filme les
meurtriers exactement de la manière dont il filme tous
leurs condisciples : Alex s’applique à jouer la “Lettre à
Élise” comme Elias, le photographe en herbe, se concentre
sur ses clichés. Le monstre, ce n’est pas quelqu’un.
C’est l’instant X du passage à l’acte, la seconde qui vous
transforme à jamais en bourreau. Mais cette seconde, si
54
Elephant
GUS VAN SANT
elle est montrable, demeure impensable. La légende de
l’aveugle et de l’éléphant se vérifie évidemment : tourner
sans fin autour de la chose ne permet pas d’en déterminer
la nature. L’humilité du cinéaste en la matière est
absolue, mais là réside précisément la puissance du film :
traiter tout le monde en adultes et ne rien dissimuler de
ces abîmes que la réalité, si souvent, nous ouvre.
Louis Guichard, Télérama
•
Gus Van Sant is al z’n hele carrière gefascineerd door hoe
jongeren de wereld zien en hun plaats erin vinden. Plaats
van gebeuren is dit keer een middelbare school in Portland,
Oregon (Van Sants woonplaats). Voor sommige scholieren
is de school best leuk, voor anderen is het de hel. Maar er
is meer : twee studenten plannen een schietpartij (of zoals
iemand zei : ‘They are going to Columbine the school’). Van
Sant, die net als in Gerry zeer improviserend te werk ging,
volgt zijn ‘acteurs’ – bijna zonder uitzondering scholieren
zonder acteerervaring – in wat een ordinaire schooldag lijkt,
maar voor sommigen de laatste dag van hun leven zal blijken.
Van Sant neemt geen standpunt in. De titel, Elephant (2003),
verwijst naar een oud, boeddhistisch verhaal dat duidelijk
maakt hoe de verklaring voor iets enorm complex vaak gereduceerd
wordt tot de individuele ervaring. M.V.
GUS
VAN SANT
RÉAL & SC : GUS VAN SANT
PHOTO : HARRY SAVIDES
MUS : HILDEGARD WESTERKAMP
PROD : PIE FILMS, HBO,
MENO FILM, FEARMAKERS STUDIOS
AVEC :
ALEX FROST, JOHN ROBINSON,
ELIAS MCCONNELL, ÉRIC DEULEN,
NICOLE GEORGE,
BRITTANY MOUNTAIN
ÉTATS-UNIS, 2003, 81’,
COULEUR VO ST BIL

Aucun titre, pas de générique. On distingue vaguement
deux silhouettes dans une vieille Mercedes cabossée.
D’où viennent ces deux jeunes gens ? Où vont-ils ? Ils
marchent et très vite se perdent. Ces deux bonshommes
s’appellent Gerry et le film est le strict récit (la description
plutôt) de leur balade dans le désert. Gerry inaugure le
travail sur les durées que Gus Van Sant prolongera l’année
suivante avec Elephant. Dans Gerry, les deux égarés
sont écrasés par le soleil et l’immensité. Ils avancent mais
ils ne bougent pas, les paysages défilent, eux font du surplace.
Pris “entre la réserve cool et la panique muette”,
les deux Gerry sont là, ici et maintenant, et c’est tout. Ils
sont perdus, et ils n’en font pas un drame. Devant ces
grands blocs de durée, on se doute que Gus Van Sant
s’expose au reproche de formalisme. Or Gerry, comme
Elephant, est un film bouleversant. Dans les deux films,
le drame est là, il plane, il aura lieu, il a déjà eu lieu,
marchons avec. Il n’y a plus qu’à bien se tenir, sans hurlement
ni crise d’hystérie. Mais ce qui rend Gerry encore
plus attachant dans l’œuvre de Gus Van Sant est que
celui-ci se débarrasse de tout attirail pour se concentrer
sur son unique sujet : l’amitié. Gerry raconte une histoire
de fraternité qui touche profondément au processus
d’inspiration du cinéaste qui fonctionne par fratries :
la maison Phoenix, River (My Own Private Idaho), Rain
(Even Cowgirls Get the Blues) et Joaquin (To Die For), la
famille Affleck (Ben dans Good Will Hunting, Casey ici),
55
Gerry
GUS VAN SANT
ou la relation existant réellement entre Matt Damon et
Casey Affleck. Ici, à aucun moment ils ne se séparent
pour multiplier les chances de survie. Impossible donc
de décider du rapport de forces jusqu’au bout, jusqu’à
cette fin inattendue, acte de folie pure. Casey Affleck
vient chercher son compagnon, il est au bord de la mort,
le soleil se lève à la verticale. L’ami offre la mort rapide, il
accompagne celui qui ne peut souffrir de mourir seul.
d’après Stéphane Delorme, Cahiers du cinéma
•
Gus Van Sant wordt een man van weinig woorden. Dat wordt
ook duidelijk in z’n nieuwste, Elephant, eveneens te zien op
dit festival. Maar in het geval van Gerry (2002) is hij daar niet
alleen verantwoordelijk voor. De schaarse dialoog in/en het
script werd mee geleverd door acteurs Matt Damon en Casey
Affleck. Damon en Affleck zijn twee vrienden, ze heten blijkbaar
allebei Gerry, die samen op een wandeltocht in de woestijn
gaan. ‘Gerry’ blijkt ook zoveel als ‘vergissing’ te betekenen,
en dat is exact waar deze film over gaat : de verstrekkende
gevolgen van een kleine misstap. De Gerry’s dwalen af van het
wandelpad en verdwalen. En zonder eten of water kom je in
een woestijn redelijk snel in levensgevaar. De oeroude vrees te
verdwalen in een vijandelijke omgeving wordt versterkt door de
beelden van de uitgestrekte, onherbergzame landschappen en
de summiere dialoog. M.V.
GUS
VAN SANT
RÉAL : GUS VAN SANT
SC : CASEY AFFLECK,
MATT DAMON, GUS VAN SANT
PHOTO : HARRIS SAVIDES
MUS : ARVO PÄRT
PROD : MY CACTUS
AVEC :
CASEY AFFLECK, MATT DAMON
ÉTATS-UNIS, 2002, 103’,
COULEUR, VO ST BIL

Anima -Lune 186x241 25/05/04 13:23 Page 1
© Cinémathèque française
m a d
Chaque mercredi, le MAD, Magazine des Arts et du
Divertissement. Tous les arts, toutes les cultures, toute
l’actualité du cinéma, de la musique, des arts plastiques,
de la littérature et de la danse. Sans oublier l’indispensable
agenda des spectacles et le programme
complet des films et festivals à l’affiche ...
56
Le Mad. On n’a encore rien trouvé de
mieux depuis l‘invention du cinéma.
Le Soir, j’ai envie de savoir.

To Die For commence par une mise en scène : Suzanne
Stone s’adresse à la caméra pour nous raconter son
histoire. On comprendra plus tard qu’elle se filme ellemême,
en vidéo. Des unes de journaux défilent. On
comprend qu’elle est mêlée à la mort de son mari. Sur
un plateau de télévision genre reality show (encore une
mise en scène), ses parents et beaux-parents témoignent.
Nous allons tout savoir. All about Suzanne Stone : il y a
du Mankiewicz dans cette narration en spirale arrière.
Depuis le formidable Drugstore Cowboy, Gus Van Sant,
cinéaste inventif et tourmenté, avait de plus en plus
tendance à se regarder filmer. La veine classique de ce
travail de commande l’oblige à une rigueur qui lui va
plutôt bien. Il se laisse envahir, envoûter par le personnage
de Suzanne Stone, et le tour est joué. Mais pour
qu’il le soit vraiment, il fallait une actrice qui s’engage à
fond, “prête à tout” elle aussi. Nicole Kidman est celle-là
à contre-courant de ses rôles précédents. Comment une
jeune femme aussi ravissante peut-elle ainsi cristalliser
la haine du spectateur à mesure que le film avance ?
En incarnant tout simplement la parfaite arriviste : une
odieuse petite provinciale du New Hampshire, qui rêve
de devenir star de la télé. Prête à tout, elle ira trop loin,
sans jamais douter. Gus Van Sant épouse la perversité de
son personnage, et c’est ce qui rend parfois son film irritant.
La délectation avec laquelle il distille le venin sans
jamais faire craquer le vernis pastel de la little America
57
To Die For
GUS VAN SANT
est pourtant contagieuse. Sous sa panoplie de poupée
Barbie, l’héroïne devient le symbole presque ordinaire
d’un nouveau “rêve” américain : se figer dans une image
froide et bleutée. La fin de l’histoire vaut d’ailleurs son
pesant d’ironie, mais elle ne rassure pas. Au détour de
ce faux documentaire déguisé en fiction lisse aux images
léchées, Van Sant nous dit bien que ce rêve est un vrai
cauchemar.
François Gorin, Télérama
•
Nicole Kidman had in 1995 al een Oscar moeten krijgen voor
haar rol in To Die For, Gus Van Sants gitzwarte komedie over
de nefaste gevolgen van mediageilheid. Kidman is meesterlijk
als Suzanne Stone, een domme kip met maar één doel voor
ogen: op tv komen. Volgens Suzanne word je daardoor een
beter persoon, vermits iedereen kan zien wat je doet. Juist,
ja. Haar echtgenoot – die haar carrière niet voldoende steunt
– vermoorden, doet ze nog net niet op tv. Die daad laat ze
over aan een naïeve, tot over z’n oren verliefde student (een
heerlijke Joaquin Phoenix in één van z’n eerste rollen sinds z’n
naamwijziging – voorheen heette hij Leaf Phoenix). De onfortuinlijke
echtgenoot wordt vertolkt door Matt Dillon. Soms vraag
je je af of hij écht om zeep is gebracht. Waar is hij in godsnaam
gebleven? Alvast niet in Elephant, Van Sants recente drama
over schietpartijen op school. M.V.
GUS
VAN SANT
PRÊTE À TOUT
RÉAL : GUS VAN SANT
SC : BUCK HENRY
PHOTO : ÉRIC ALAN EDWARDS
MUS : DANNY ELFMAN
PROD : LAURA ZISKIN, RANK,
COLUMBIA
AVEC :
NICOLE KIDMAN, MATT DILLON,
JOAQUIN PHOENIX,
ALISON FOLLAND, CASEY AFFLECK,
ILLEANA DOUGLAS, DAN HEDAYA
ÉTATS-UNIS, 1995, 106’,
COULEUR VO ST BIL

58
CARTE
BLANCHE
À
MATHIEU
AMALRIC
Mathieu Amalric viendra présenter
l’ensemble de sa programmation
lors de la projection de Il était une fois un merle chanteur
le samedi 26 juin à 18h40

C’est l’histoire d’un éveil. Celui d’une jeune femme qui
vit en 1879, à l’époque de la renaissance culturelle du
Bengale, du grand bouillonnement des esprits, du règne
incontesté d’une intelligentsia qui ressemble comme
une sœur à l’intelligentsia russe décrite par Tchekhov à
la même époque. Dans le monde entier, en cette fin du
XIX e siècle, des idéalistes rêvent à un monde nouveau
et croient à la noblesse du travail. “On nous appelle les
riches oisifs, dit le mari de Charulata, je veux prouver
le contraire.” Et ce riche bourgeois consacre son temps
et sa fortune à La Sentinelle, un petit journal politique
contestataire qu’il a créé. La Sentinelle, Bhupati l’avoue,
est “le rival” de Charulata. Lui qui souhaite l’épanouissement
de son peuple, n’a pas le temps de se soucier
de celui de sa femme. Pourtant, il a reconnu en elle
des dons d’écrivain. Charulata est poète. Alors Bhupati
demande à Amal, un jeune cousin venu habiter chez eux
et qui se destine lui-même à la littérature, de pousser sa
femme à écrire. Mais, peu à peu, l’amitié fraternelle que
Charulata porte à son cousin va se transformer en un
autre sentiment qu’elle mettra longtemps à reconnaître.
“Ce sont les demi-ombres, les notes à peine audibles
que je veux capter et explorer”, a écrit Satyajit Ray. C’est
exactement ce qu’il fait ici. L’éveil de Charulata à la vie,
à l’amour, à l’art – poussée par le dépit amoureux, elle
va enfin oser écrire – nous est conté avec une délicatesse
extrême, sur la pointe des sentiments. Et les personnages
59
Charulata
SATYAJIT RAY
ne montrent pas moins de délicatesse. Satyajit Ray est à
la fois le peintre du temps qui passe et de l’immuable. Il
décrit moins des actes qu’il nous donne à sentir la durée.
Car la vie pour lui n’est pas tissée d’événements mais
d’instants. Et chacun d’eux est un morceau d’éternité.
Claude-Marie Trémois, Télérama
•
Charulata (1964) is het titelpersonage uit Satyajit Rays
– algemeen beschouwd als één van India’s toonaangevende
regisseurs – meest tedere en ontroerende film. Charulata
leeft in het India van rond 1870 een eenzaam bestaan. Haar
echtgenoot, die al zijn tijd in z’n werk investeert, realiseert
zich dat ze ongelukkig is en vraagt zijn schoonbroer haar
gezelschap te houden. De jonge schrijver maakt een verborgen
passie in haar wakker. Charulata roept herinneringen
op aan (verfilmingen van) het werk van Henry James of
Anton Tsjechov, maar is geïnspireerd op een verhaal van de
Bengaalse schrijver Rabindranath Tagore. Het is een gracieus,
elegant, zelfs grappige pareltje (zij het met een bijzonder ernstige
ondertoon). Ray neemt niet alleen de tijd om z’n verhaal
te vertellen, een verademing in deze overspannen tijden, hij
haalt bovendien het beste uit zijn talentvolle cast. M.V.
CARTE
BLANCHE
RÉAL, SC & MUS : SATYAJIT RAY
PHOTO : SUBRATA MITRA
PROD : RD BANSAL,
A NORMAN-GHOSAL
AVEC :
MADHABI MUKHERJEE,
SAILEN MUKHERJEE,
SOUMITRA CHATTERJEE
INDE, 1964, 117’,
NOIR ET BLANC, VO ST BIL

60
Il était une fois un merle chanteur
Le premier long métrage de Iosseliani est de ceux qui
attirent tout naturellement les sympathies, à l’image de
son héros, personnage merveilleusement farfelu, charmeur
et charmant, de ceux qui, par leur seule présence,
mettent un rayon de soleil dans la vie des autres. Nous
voilà avec ce musicien bohème à cent lieues du réalisme
socialiste. Avec Guia, en tout cas, nous sommes loin du
“héros positif ” cher à la culture stalinienne. Au contraire,
sommes-nous mis en présence d’un personnage – antihéros
par excellence – foncièrement non conformiste,
et qui sera en l’occurrence un perpétuel sujet d’étonnement.
Guia Agaladze, dont on nous raconte une
journée qui, par accident, sera peut-être sa dernière, fait
profession de timbalier dans l’orchestre philharmonique
de Tbilissi, capitale de la Géorgie. Le je-m’en-foutisme
amusé qu’affiche notre timbalier à l’égard d’une profession
strictement alimentaire lui vaut même d’être, au
moment où nous faisons sa connaissance, sérieusement
menacé de renvoi. Or, il s’avérera très vite, à le suivre
dans les rues d’une Tbilissi mi-orientales, mi-méridionales,
que ce “mauvais sujet” est un être rare, cultivant,
comme un don inné, un certain art de vivre, et dispensant
autour de lui son poids de bonheur. Aimant les femmes
et aimé d’elles, fait pour divertir et se divertir, connaissant
le prix de l’amitié, et dès lors apprécié de tous,
Guia, ce bon à rien, ce papillon un peu fou, cet amuseur,
ce voltigeur, cet évaporé, nous est présenté comme le
OTAR IOSSELIANI
plus indispensable, le plus précieux, le plus riche en
somme, des hommes. Tourné en noir et blanc dans les
lieux mêmes où se passe l’action, dans un style proche à
tout prendre de l’ex-nouvelle vague française ou encore
des films tchèques de l’époque du Printemps de Prague,
Il était une fois un merle chanteur est une œuvre illuminée
comme par un sourire permanent, comme par une aura.
Un film en état de grâce.
Maurice-Émile Palme, Le Peuple
•
De percussionist van het orkest van Tbilissi heeft de slechte
gewoonte om precies op het moment te arriveren dat hij zijn
enkele slagen moet plaatsen, of het nu om een repetitie of
concert gaat. Hij is dan ook zorgeloos man, vrij van alle sociale
verplichtingen, die zijn dagen doorbrengt met zijn vrienden
muzikanten en met het versieren van meisjes. Kortom, een
dromerige, ondoorgrondelijke, maar sympathieke held, die zich
stilletjes door het leven in slaap laat wiegen.
Het poëtisch-burleske Er was eens een zingende merel
(Iko shashvi mgalobeli) is een van de vroege films van de
Georgische, maar inmiddels naar Frankrijk uitgewezen cineast
Otar Iosseliani. Deze vederlichte, intimistische kroniek in zwartwit
werd indertijd door de Russische autoriteiten voor export
verboden en vormt uiteraard een blauwdruk voor Iosseliani’s
later werk (van Adieu, plancher des vaches over Chasse aux
papillons tot Lundi matin). L.J.
CARTE
BLANCHE
MATHIEU AMALRIC
VIENDRA PRÉSENTER
L’ENSEMBLE DE
SA PROGRAMMATION
LE SAMEDI 26 JUIN À 18H40
RÉAL & SC : OTAR IOSSELIANI
PHOTO : ABESALOM MAÏSOURADZE
MUS : TAÏMOURAZ BAKOURADZE
PROD : Z. CHKHAIDZE
AVEC :
GUELA KANDELAKI, GOGUI
TCHEIDZE, IRIN DJANDIERI
URSS (GÉORGIE), 1970, 85’,
NOIR ET BLANC, VO ST FR

61
Mes petites amoureuses
Quelques mois de la vie d’un garçon, aux environs de
sa quatorzième année. Ainsi pourrait-on (grossièrement)
résumer le film. Quatorze ans, c’est l’âge où l’on est mal
dans sa peau. Où il faut sortir du monde relativement
protégé de l’enfance pour aborder seul, sans carte
et sans boussole, le territoire inconnu des adultes et,
dépendant de ce territoire, cet enclos réservé, fascinant
qu’on brûle de connaître, l’enclos des filles. Plus grave
que ces bagatelles – c’est l’autre aspect du film –, il y a
le reste. Le reste, c’est-à-dire la découverte par Daniel
du monde extérieur, des “autres”, de ce qu’on appelle
la société, avec ses lois et ses rouages. La Maman et la
Putain était un film de paroles. Mes petites amoureuses
est un film de regards. Martin Loeb, le jeune garçon qui
incarne Daniel, ne joue pas (ne singe pas le naturel) et
parle à peine. Il se contente d’être présent, de regarder.
Regard parfois glacial, gênant à force d’acuité et de
perspicacité. Ce n’est pas un monde déformé, travesti
par des yeux d’enfant, que Daniel nous fait découvrir,
c’est la réalité nue, dépouillée de ses voiles et de ses oripeaux.
Cette réalité, Daniel l’examine comme un objet
insolite. Il s’en approche avec sérieux et méfiance. Elle
l’attire et le blesse. Il la désire et la repousse. S’il fallait
trouver à Jean Eustache des maîtres, c’est à Bresson et
à Renoir qu’on penserait. Comme Bresson, Eustache
filtre, décante, refuse le sentimentalisme, le vérisme, la
décalcomanie du réel. Janséniste à sa manière, Eustache
JEAN EUSTACHE
dresse un constat parfois cruel. Mais sous la froideur
des images percent (ce qui nous rapproche de Renoir)
l’humour et la tendresse. Film lucide, dont la dureté est
celle de la lucidité. Film à l’image du petit homme qui
le traverse. Parfois triste, jamais geignard. Ce n’est pas
facile de vivre, mais enfin on ne pleure pas tous les jours.
Et, quand les petites amoureuses sont gentilles, il arrive
même que le Père Noël ait les yeux bleus.
d’après Jean de Baroncelli, Le Monde
•
Mes petites amoureuses (uit 1974) is een bedrieglijk
charmant, maar beklijvend semi autobiografisch verhaal
– gebaseerd op regisseur Jean Eustache’s herinneringen aan
zijn eigen adolescentie – over een jongeman die, opgegroeid
bij z’n oma, nu wordt versast naar een grootstad om bij z’n
moeder en haar minnaar te gaan leven. In een jaar tijd evolueert
hij van een schuchtere, intelligente plattelandsjongen
tot een luidruchtige tiener, die school voor een stom baantje
moet inruilen en rondhangt met de verkeerde vrienden.
Eustache, die zich wellicht nooit goed in zijn vel heeft gevoeld
(hij pleegde zelfmoord in 1981), raakt thema’s aan die elke
(mannelijke) tiener herkent, of ex-tiener zich herinnert. De
moeizame omgang/communicatie met het andere geslacht,
ondermeer (wat zich in dit geval uit in ‘als ze ‘nee’ zeggen,
bedoelen ze ‘ja’-wangedrag). M.V.
CARTE
BLANCHE
RÉAL & SC : JEAN EUSTACHE
PHOTO : NESTOR ALMENDROS
MUS : CHARLES TRENET,
THÉODORE BOTREL
PROD : ELITE FILM
AVEC :
MARTIN LOEB, INGRID CAVEN,
JACQUELINE DUFRANNE,
MAURICE PIALAT
FRANCE, 1974, 123’,
COULEUR, VOF

62
Nous ne vieillirons pas ensemble
Maurice Pialat a déjà quarante-sept ans quand il réalise
Nous ne vieillirons pas ensemble qui n’est que son second
long métrage. En filmant l’histoire douloureuse d’une
relation amoureuse qui s’épuise jusqu’à la destruction,
le futur cinéaste de Loulou et de A nos amours trouve là
ce qui allait devenir son style. Filmant au plus près des
sentiments humains, sans jamais en minimiser la cruauté,
le cinéaste nous offre une œuvre dure, physique qui livre
une vérité instantanée. La relation passionnelle, narcissique,
complaisante qui unit le cinéaste Jean (Jean Yanne)
et la secrétaire Catherine (Marlène Jobert) donne lieu à
une saisissante chronique de l’ambiguïté des sentiments
humains où “je t’aime” et “je te hais” ne font plus qu’un.
Avant de devenir un film, Nous ne vieillirons pas ensemble
est un livre, un livre autobiographique. Cet aspect a conditionné
toute la fabrication du film pour Maurice Pialat
qui déclarait à l’époque : “J’ai toujours pensé qu’il fallait
pour ce film des acteurs qui aient une réelle ressemblance
avec les protagonistes de la véritable histoire. Jean
Yanne, je le crois du moins, a une certaine ressemblance
morphologique avec moi. Et Marlène Jobert ressemble
beaucoup au personnage qui a réellement vécu cette
histoire.” Couronné d’un prix d’interprétation masculine
au Festival de Cannes en 1972, Jean Yanne trouve là un
de ces rôles qu’il adorait interpréter, celui du Français
salaud mais non dépourvu d’humanité qu’il nous avait
déjà proposé dans deux excellents Chabrol, Le boucher
MAURICE PIALAT
et Que la bête meure. Face à lui, Marlène Jobert nous
livre sans doute la performance la plus émouvante de
sa carrière.
St. St.
•
“...will you still need me, will you still feed me, when I am
sixty-four...”. Of was het sixty-five? Anyway...The Beatles zongen
het al, en het staat hoog op de wensenlijst van de meeste
koppels: samen oud worden. Jammer, maar helaas, het is Jean
en Catherine (Jean Yanne en Marlène Jobert) niet gegund. In
Nous ne viellirons pas ensemble, een autobiografisch liefdesdrama
van Maurice Pialat uit 1972, zien we hoe er op de
relatie van minnaars Jean en Catherine (Jean is getrouwd, maar
niet met Catherine) na zes jaar behoorlijk sleet begint te komen.
Het afscheidsproces – dat op gang komt tijdens een gezamelijke
trip – uit zich in emotionele uitbarstingen van verdriet,
frustratie en woede. Pialat wordt wel eens met Ingmar Bergman
vergeleken. Dat wordt duidelijk in de manier waarop Pialat de
twee geliefden portretteert : ze zitten in een val waaruit ze zich
niet kunnen, niet willen vrijmaken. M.V.
CARTE
BLANCHE
RÉAL & SC : MAURICE PIALAT
PHOTO : LUCIANO TOVOLI
MUS : JOSEPH HAYDN
PROD : LIDO FILMS, EMPIRE FILMS
AVEC :
MARLÈNE JOBERT, JEAN YANNE,
MACHA MÉRIL, CHRISTINE
FABREGA, JACQUES GALLAND,
MUSE DALBRAY, PATRICIA
PIÉRANGELI, MAURICE RISCH
FRANCE, 1972, 106’,
COULEUR, VOF ST NL

63
Punishment Park
En 1970, tandis que les États-Unis s’embourbent au
Vietnam, Nixon décrète l’état d’urgence. Les opposants
à la politique du gouvernement susceptibles de mettre
en danger la sécurité intérieure du pays par des actes
de terrorisme (pacifistes, déserteurs, anarchistes) sont
aussitôt placés en détention et jugés expéditivement par
un tribunal civil. A l’énoncé de sentences pouvant aller
jusqu’à vingt ans de prison, les jeunes condamnés ont
la possibilité de commuer leurs peines en trois jours à
Punishment Park, un centre de redressement situé dans
le désert californien. Là-bas, les gardiens laissent miroiter
la liberté aux détenus qui parviendront – à pied, sans
eau ni nourriture – à rallier le drapeau américain situé
à plusieurs dizaines de kilomètres, en pleine fournaise.
Peter Watkins est l’inventeur du documentaire spéculatif,
ce que l’on pourrait appeler des actualités virtuelles, qui
s’attachent à la réalité probable d’un événement qui n’a
pas eu lieu à des fins évidemment démonstratives. Cet
acharnement à mettre en scène cette pseudo-réalité
nécessite un très savant – et indiscernable – dispositif que
Watkins a perfectionné de film en film : interprétation
non professionnelle, filmage caméra à l’épaule, regardscaméra,
etc. Punishment Park atteint une dimension
paranoïaque extrême, devenant une entreprise fascinante
de perversité. Les motivations de Watkins sont claires :
démontrer que le gouvernement républicain retourne à
la barbarie. La paranoïa traverse donc les deux camps :
PETER WATKINS
Nixon et ses sbires, effrayés par quelques agitateurs inoffensifs,
et les gauchistes, résignés à souffrir le martyre en
se faisant courser comme des lapins. Mais pas question
pour Watkins de fouiller dans les poubelles de l’actualité.
Le cinéaste préfère utiliser une phobie primitive, un
tabou (le gibier humain) pour étayer son raisonnement à
propos d’une nation molochéenne dévorant ses enfants,
monstrueuse anticipation de cannibalisme politique.
d’après Olivier Père, Les Inrockuptibles
•
Peter Watkins is een Brits regisseur die momenteel in
Scandinavië woont en werkt als documentair filmer, maar in de
jaren zestig en zeventig vooral naam maakte met pseudo-documentaires
(en één relatief succesvolle langspeelfilm, Privilege,
uit 1967). Eén daarvan is Punishment Park (uit 1971). Een
groepje hippies wordt door soldaten door de woestijn geëscorteerd
in wat een bizar spelletje lijkt. Een nieuwsploeg (onder
leiding van Watkins) maakt een reportage van het gebeuren
(en moet ondertussen toezien dat de soldaten ‘zich gedragen’).
Naar het einde van de trip beginnen de spanningen op te
lopen. En het is daar dat de lijn tussen fictie en realiteit begint
te vervagen. Zijn de – meestal amateurs – nog steeds aan het
acteren, of wordt het uithoudingsvermogen aan beide zijden
echt op de proef gesteld? Zelden vertoond en een voorsmaakje
van de huidige realityTV-epidemie. M.V.
CARTE
BLANCHE
RÉAL & SC : PETER WATKINS
PHOTO : JOAN CHURCHILL,
PETER SMOKLER
MUS : PAUL MOTIAN
PROD : SUSAN MARTIN
AVEC :
JIM BOHAN, CARMEN ARGENZIANO,
STAN ARMSTED,
FREDERIK FRANKLYN
ÉTATS-UNIS, 1971, 88’,
COULEUR, VO ST FR

64
Richter, l’insoumis
Richter dans la neige à Moscou. Son visage, ce sourire
imperceptible : comment décrire l’impression d’insolence,
de jeunesse solaire ? Quel charme ! Image en noir et
blanc, au tout début du film de Bruno Monsaingeon, un
portrait de musicien comme on n’en voit pas souvent. On
a toujours envie – une furieuse envie – de revoir cette
silhouette dont l’énergie semble un défi au temps. Le
“jeune homme incroyablement intense” a pourtant vieilli,
et c’est au soir de sa vie, déjà malade et amaigri, que le
pianiste légendaire lit pour Monsaingeon des extraits de
son Journal. Parfois il s’arrête. Silence, une remarque.
Le même humour tranchant ! Est-ce son origine complexe
(russe et allemande, deux pères) qui a donné une
distance à cet homme “indifférent aux événements, à la
politique, aux louanges et aux biens” ? Sviatoslav Richter
a traversé quatre-vingt-deux ans d’histoire soviétique en
n’étant ni musicien officiel ni dissident. Enfance douloureuse,
apprentissage du piano iconoclaste, l’ardent jeune
homme s’impose aussitôt. Le film de Bruno Monsaingeon
est une œuvre qui communique l’esprit du musicien, cette
planète où ne compte que la recherche de l’interprétation
parfaite. C.H., Le Monde
Richter parle évidemment beaucoup de musique, avec
une franchise assassine. Si Britten a droit à des mots doux,
Prokofiev est déclaré “capable de vous buter contre un
mur”. Quant à Karajan, c’est “une vrai mule”. A com-
BRUNO MONSAINGEON
parer avec le torrent de louanges que ses pairs pianistes
décernent à Richter : Rubinstein voit en lui un musicien
“colossal qui chante avec son piano” et Gould rend hommage
à “l’un des communicateurs les plus puissants de
son époque”. Mais la grande surprise de ce documentaire
est de découvrir un Richter bon vivant, à rebours de son
image austère et de son penchant à l’autodénigrement
(“Je ne m’aime pas, voilà tout”, reconnaît-il au terme du
film). Surprise et bonheur de voir le pianiste en perruque
jouant le rôle de Liszt ou débouchant une bouteille de
champagne… S.G., Libération
•
De Rus Sviatoslav Richter (1915-1997) geldt al een van
de grootste pianisten aller tijden. In documentaire Richter,
l’insoumis (Richter, de weerspannige) van Bruno Monsaingeon
doorbreekt hij de stilte en spreekt deze anticonformist, die
publiciteit meed als de pest, voor het eerst vrijuit over zijn wilde
kindertijd, zijn opleiding in Odessa, zijn debuut als concertpianist
in een land gefolterd door oorlog en de Stalin-terreur en
zijn ontmoetingen met de allergrootsten, waaronder Prokofiev,
Horowitz en Rubinstein. Autodidact Richter, een van de reuzen
van de twintigste eeuw, werpt zich hier op als een geboren en
ontwapenend verteller en zijn kijk op zijn tumultueus leven is
tegelijk scherp en helder. Het resultaat is een adembenemend
portet, doorweven met archiefmateriaal uit de jaren dertig en
talrijke zeldzame, onuitgegeven concertopnamen. L.J.
CARTE
BLANCHE
RÉAL : BRUNO MONSAINGEON
MUS : BACH, LISZT,
PROKOFIEV
AVEC :
SVIATOSLAV RICHTER
FRANCE, 1998, 158’,
COULEUR, VO ST FR

Les figures criminelles ont toujours exercé sur le cinéma
une attraction intense, assurément productive et bien
souvent ambiguë. De L’enfer est à lui à Seven, en passant
par La Nuit du chasseur, L’Ombre d’un doute, Bonnie and
Clyde et Pierrot le fou (pour ne citer que quelques titres
marquants), les portraits ne manquent pas de ces bandits
à la gâchette facile. Du livre qui lui révéla le parcours
de Roberto Succo, Cédric Kahn a retenu d’abord la
précision dans le récit des faits. Le jeune réalisateur de
Bar des rails, de Trop de bonheur et d’une adaptation
marquante du roman d’Alberto Moravia, L’Ennui, nous
invite à suivre non seulement la cavale finale du tueur,
mais aussi l’enquête menée par un gendarme français. Il
nous emmène dans l’intimité des victimes de Succo, et
dans celle de sa petite amie, une adolescente. Cette multiplication
des points de vue élargit le propos en même
temps qu’il place le film à l’abri de toute identification
manipulatrice. Kahn ne fait pas du hors-la-loi un héros,
ni une victime de la société. Il ne le réduit pas non plus
à un monstre sans âme. Il nous invite plutôt à regarder
le crime et le criminel en face, droit dans les yeux. Pour
y apercevoir, peut-être, l’abîme d’une folie meurtrière
comme l’être humain peut parfois en être saisi, et dont
aucune explication socio-psychologique ne saurait totalement
percer l’épais et terrifiant mystère. Servi par des
interprètes très vrais (dont Stefano Cassetti, dans le rôletitre),
Roberto Succo bénéficie d’une mise en scène inspi-
65
Roberto Succo
CÉDRIC KAHN
rée, jouant avec rigueur de la distance et de la proximité.
Cédric Kahn s’y acquitte remarquablement du double
impératif cinématographique et moral qui était le sien
en abordant le film. Peu de réalisateurs avant lui avaient
réussi cette délicate balance, sans lecture idéologique ni
fascination morbide.
Louis Danvers, Le Vif-L’Express
•
De ‘andere’ Kahn-film op het programma, naast Feux rouges,
is Roberto Succo (2001). Succo (schitterende vertolking van
nieuwkomer Stefano Casseti) is een man met een serieus
probleem. Soms charmant – waardoor teveel jonge vrouwen
uiteindelijk voor hem door de knieën gaan - soms extreem
gewelddadig, trekt hij een spoor van dood en vernieling door
een mooi stukje van Europa. Roberto Succo is het zwaardere
werk – denk C’est arrivé près de chez vous – maar daarom
niet minder interessant. Of zoals iemand opmerkte: “Het lijkt
enkel voor Fransen weggelegd met zulke film te komen aandraven:
emotioneel, uitdagend, krachtig, maar nooit goedkoop
of sentimenteel”. Regisseur Cédric Kahn beperkt er zich toe te
registreren: het innemen van een standpunt laat hij aan de toeschouwer
over. Geen sinecure, als je weet dat serimoordenaar
Roberto Succo echt heeft bestaan. M.V.
CARTE
BLANCHE
RÉAL : CÉDRIC KAHN
SC : CÉDRIC KAHN,
D’APRÈS LE LIVRE DE
PASCALE FROMENT
PHOTO : PASCAL MARTI
MUS : JULIEN CIVANGE
PROD : AGAT FILMS, DIAPHANA
FILMS, EX NIHILO, FRANCE 3
AVEC :
STEFANO CASSETTI,
ISILD LE BESCO,
PATRICK DELL’ISOLA,
VINCENT DENERIAZ
FRANCE, 2001, 124’,
COULEUR, VOF

CYCLE
ELIA KAZAN

A Face in the Crowd
Marcia Jeffries, la nièce du directeur de la petite station
de Pigott, dans l’Arkansas, mène une enquête dans
divers milieux pour l’émission “Un homme dans la
foule”. Elle se rend à la prison et découvre un vagabond
poète, Lonesome Rhodes, incarcéré pour ivresse et tapage
nocturne. Marcia fait débuter Lonesome dans son
émission et, très vite, Rhodes conquiert les auditeurs. La
télévision de Memphis l’engage. Il a un tel impact sur le
public et un tel succès que son ambition ne connaît plus
de bornes. S’il dénonce d’abord les shérifs corrompus, il
finit par créer un corps d’élite réactionnaire. Son mépris
pour Marcia et pour son public le mènera à sa perte.
Un film remarquable, peut-être le meilleur de Kazan. Ce
conte moral sur la brusque ascension et la chute tout
aussi précipitée d’un quidam via les médias est d’une
richesse, d’une férocité et d’une sagacité inouïes. En parfaite
symbiose, Kazan et son scénariste Budd Schulberg
n’ont eu qu’un souci, traquer la vérité et capter l’air du
temps. Ils y ont pleinement réussi. Tout fait vrai parce
que tout est vrai. Andy Griffith est un vrai chanteur, la
ville décrite est la véritable ville de Pigott dans l’Arkansas,
la musique a été écrite par un authentique chanteur
country, et les auteurs ont engagé des gens de la partie
originaire de Memphis et assisté à deux séances chez
un groupe de publicitaires. Un souci de véracité aussi
scrupuleux ne pouvait que porter ses fruits, et ce portrait
corrosif de l’Amérique de 1957 reste parfaitement d’ac-
67
ELIA KAZAN
tualité un demi-siècle plus tard : mythe du succès à tout
prix, publicité ridicule et pourtant efficace, dangers de la
télévision qui privilégie les apparences, statut honteusement
privilégié des amuseurs publics… rien de tout cela
– malheureusement sans doute – ne sent la naphtaline.
Guy Bellinger, Guide des Films
•
A Face in the Crowd (1957) was de manier waarop Elia
Kazan met mediageilheid en de perverse macht van de media
afrekent. De titel is de naam van een radioprogramma en z’n
ster is Lonesome Rhodes (een overtuigende Andy Griffith), een
boerenkinkel uit Arkansas die z’n snelgroeiende populariteit
niet aankan en uitgroeit tot ‘a demagogue in denim’. Neem
het hem maar eens kwalijk. Populariteit was toen, net als nu,
een verplichting. Patricia Neal is Marsha Jeffries, Lonesome’s
manager en liefje, die aanvankelijk als een Stepford wife naar
haar mannetje opkijkt, maar uiteindelijk onnuchtert (Walter
Matthau zit daar voor iets tussen). Waardoor in de finale, net als
in A Streetcar Named Desire, een radeloze man een vrouwennaam
schreeuwt. De film roept herinneringen op aan Network,
Bob Roberts en aan alle volksmenners die zich‘de stem van het
volk’ aanmeten voor eigen gewin. M.V.
ELIA KAZAN
UN HOMME DANS LA FOULE
RÉAL : ELIA KAZAN
SC : BUDD SCHULBERG
PHOTO : HARRY STRADLING,
GAYNE RESCHER
MUS : TOM GLAZER
PROD : ELIA KAZAN
(NEWTON PRODUCTIONS)
AVEC :
ANDY GRIFFITH, PATRICIA NEAL,
ANTHONY FRANCIOSA, WALTER
MATTHAU, LEE REMICK
ÉTATS-UNIS, 1957, 123’,
NOIR ET BLANC, VO ST FR

68
A Streetcar Named Desire
Ce film marque la première adaptation à l’écran de
Tennessee Williams et de son univers. Pour Kazan c’est
également un pas en avant puisque c’est une première
approximation de son univers, relativement éloigné de
celui de Williams mais encore plus étranger au monde
des films Fox tournés jusque-là. Entre le réalisme de
Gentleman’s Agreement et l’onirisme de A Streetcar
Named Desire, il finira par trouver un compromis dans
ses œuvres les plus harmonieuses. Mais on voit par une
de ses déclarations en quoi l’œuvre de Williams pouvait
le fasciner : “C’est le premier dramaturge qui ait osé
décomprimer certains refoulements de l’âme américaine
avec autant d’insistance et de poésie. Ses plaidoiries,
sur le plan sexuel, équivalent à une croisade antiraciste,
pour qui sait voir, et entendre.” L’analyse la plus précise
du film par Roger Tailleur (Elia Kazan, Seghers) explique
les aspects les plus outranciers du film : “Comme les
Grecs tiraient de crimes leurs mythes et leurs tragédies,
Williams nourrit les siens de vices. Beaucoup plus qu’un
réaliste, poétique ou non, c’est un symboliste moral,
de la lignée bien américaine, sinon de la stature des
Hawthorne, Melville et Poe. Il est cependant une forme
de réalisme chez Williams, à laquelle Kazan ne pouvait
rester insensible. C’est celle qui préside à la conception
de personnages dépourvus des étiquettes morales de la
tradition ou du répertoire ; ni bons ni méchants chez
lui, ni de juges ni de condamnés, seules des personnes
ELIA KAZAN
réelles, inévitablement sexuées, parfois dotées de conscience
sociale, à l’ontologique ambiguïté. Si le ‘train
électrique’ de Kazan prend en 1950 l’allure du tramway
williamsien, c’est moins pour ralentir que pour bifurquer
quelque peu. Car le plus célèbre voyageur du nouveau
véhicule, Marlon Brando, apporte avec lui les éclats
d’un jeu volcanique, et toute une science inégalée du
paroxysme qui seront inséparables désormais du discours
de l’auteur.”
Roger Boussinot, Encyclopédie du cinéma
•
Met de verfilming van Tennessee Williams’ A Streetcar Named
Desire introduceerde Marlon Brando in 1951 zowel Method
Acting als het fenomeen Brando (in doorkijk t-shirt!) bij het
brede filmpubliek. Voorheen had hij de rol van onweerstaanbare
bruut Stanley Kowalski, die de dromen en de eerbaarheid van
zijn geestelijk fragiele schoonzus ruineert, al met veel succes
op Broadway gebracht. Vivien Leighs vertolking van neurotische,
zuidelijke tanende schone Blanche ‘I always depended on the
kindness of strangers’ Dubois werd met een Oscar beloond.
Regisseur Elia Kazan had de grootste moeite dit beladen drama
– gesitueerd in zwoel New Orleans - uit de tengels van de Legion
of Decency (lees: de censuur) te houden. Van impact gesproken:
op het Tennessee Williams-festival in New Orleans wordt nog
jaarlijks de beste ‘Hey Stella!’-kreet bekroond. M.V.
ELIA KAZAN
UN TRAMWAY NOMMÉ DÉSIR
RÉAL : ELIA KAZAN
SC : TENNESSEE WILLIAMS
PHOTO : HARRY STRADLING
MUS : ALEX NORTH
PROD : CHARLES K. FELDMAN,
WARNER BROS
AVEC :
VIVIEN LEIGH, MARLON BRANDO,
KIM HUNTER, KARL MALDEN
ÉTATS-UNIS, 1950, 124’,
NOIR ET BLANC, VO ST BIL

America, America
Aussi étrange que cela puisse paraître, et aussi différents
soient-ils, une identique rupture unit Giono à Kazan.
L’écrivain a dû connaître la prison, la mise à l’index, la
honte attachée à son nom, pour changer radicalement
de manière, tordre le cou à un lyrisme encombrant, et
introduire du scepticisme là où l’on ne trouvait que de la
crédulité. Pareillement, en rompant avec un maximum
de publicité ses liens avec le parti de sa jeunesse, le Parti
communiste, et en se refusant à l’acte d’héroïsme en face
du maccarthysme, Kazan ne fait pas que changer d’opinion
(après tout, c’est son droit absolu), il change de
style. Et à la certitude larmoyante de ses premiers films
répond désormais une incertitude enfiévrée. De sorte
qu’America, America, qui retrace l’odyssée des émigrants
grecs du début du siècle, ne tire pas sa puissance émotionnelle
de relents nostalgiques, mais de son actualité
immédiate. Car rien n’est plus neuf que de fuir le crime
pour finir soi-même criminel. America, America, c’est la
boîte de Pandore. Quand on l’ouvre, le pire survient. Et
le pire contraint ce jeune Grec, si pur, si désintéressé, en
ses débuts dans l’existence, à tendre la main, à quêter
le “quarter” qui, s’imagine-t-il, lui permettra d’humilier
son prochain. Voilà pourquoi America, America n’est que
la provisoire conclusion de son enquête sur ses racines,
et, en l’espèce, sur l’Amérique tout entière. Pour l’achever,
il y faudra le meurtre du père (L’Arrangement), le
sacrifice des fils (Les Visiteurs), et la mise en doute de la
69
ELIA KAZAN
machinerie qui aura, à son corps défendant, permis à
l’illusion critique d’exister (Le Dernier Nabab). Mais c’est
dans America, America, qui célèbre, par son approche
volontairement documentariste, la fin du romanesque,
que tout aura été dit : à savoir que la trahison est dans
la nature même de l’homme. Pour l’attester, Kazan aura
payé le prix fort.
d’après Gérard Guégan, Dictionnaire mondial des films
•
Veel van Elia Kazans werk is biografisch. Zo ook America,
America (1963). Avraamelia Kazanjoglou was Elia’s oom. Op
het einde van de 19e eeuw wil hij Turkije, waar de Griekse
minderheid wordt onderdrukt, inruilen voor het Beloofde Land
(Amerika). Dat lukt hem uiteindelijk, maar zowel vertrekken
uit Turkije, als immigreren in Amerika loopt niet van een leien
dakje (al zal hij uiteindelijk wel een aantal familieleden laten
overkomen, wellicht ook de kleine Elia en z’n ouders). De film
schetst een schitterend en – in zekere zin – tijdloos portret van
emigranten: een eeuw later zijn mensen nog steeds bereid hoge
offers te brengen op hun zoektocht naar een beter bestaan.
De schitterende fotografie is van Haskell Wexler (die ook het
camerawerk voor In the Heat of the Night, One Flew over the
Cuckoo’s Nest en vele, vele anderen deed). De cast bestaat
veelal uit getalenteerde nobele onbekenden. M.V.
ELIA KAZAN
RÉAL & SC : ELIA KAZAN
PHOTO : HASKELL WEXLER
MUS : MANOS HADJIDAKIS
PROD : ELIA KAZAN,
CHARLES S. MAGUIRE
(WARNER BROS)
AVEC :
STATHIS GIALLELIS, FRANK WOLFF,
HARRY DAVIS, ELENA KARAM
ÉTATS-UNIS, 1963, 168’,
NOIR ET BLANC, VO ST FR

70
DROITS DE CINÉ : 30 FILMS POUR UNE DÉCLARATION
www.liguedh.org
La Ligue des droits de l’Homme, en collaboration avec le Cinéma Arenberg,
lancera, en septembre prochain, son ciné club mensuel : “Droits de Ciné”.
Le concept : 30X1 film pour illustrer chaque article
de la Déclaration universelle des droits de l’Homme.
Les films : manga humaniste, fantastique visionnaire, comédie sociale...
tous les goûts du cinéma!
Quand ?
Tous les 4 e jeudis du mois, à 21h30.
POUR ÊTRE TENU INFORMÉ DU PROGRAMME ET RECEVOIR DES
INFORMATIONS SUR LES FILMS, ENVOYEZ UN MAIL AVEC, EN MENTION DANS L’OBJET,
“DROITS DE CINÉ” À L’ADRESSE dmorelli@liguedh.be

The Arrangement
L’autobiographie d’Elia Kazan, Une Vie (Grasset, 1989),
s’ouvre sur la question d’une épouse inquiète : “Pourquoi
es-tu en colère ?” Tous les films de Kazan bouillonnent
de rage et de remords, mais seul The Arrangement prend
soin de répondre à cette question, avec une précision
clinique. En 1968, sous le choc de la mort brutale de
sa femme, Molly, Kazan se lance dans la rédaction d’un
roman à clés, rongé par une culpabilité fiévreuse et
agressive. Un best-seller. Il en tire immédiatement un
film, parcouru par la même énergie du désespoir. Eddie
(Kirk Douglas), publicitaire brillant et autodestructeur, ne
trouve pas dans la reconnaissance publique l’apaisement
auquel il aspire. Un accident de voiture – masque commode
d’une tentative de suicide – le plonge dans une
remise en question radicale. S’il importe de souligner la
dimension autobiographique de The Arrangement, c’est
que toute l’œuvre d’Elia Kazan repose sur la nécessité de
se confesser. Mais, alors que Sur les Quais ou Les Visiteurs
traitent de la dénonciation d’autrui, The Arrangement est
conçu comme une dénonciation de Kazan par lui-même.
Avec une brutalité étonnante, il dénonce sa propre réussite
financière et artistique comme la récompense d’une
trahison inacceptable. Dans cette Amérique-là, plus de
rédemption possible : Eddie devra payer le prix de ses
arrangements avec sa conscience. La beauté du cinéma
de Kazan tient à cette fascination pour la crise, l’ébranlement
et la destruction. Le drame qui se joue sous nos
71
ELIA KAZAN
yeux est psychologique, bien sûr, mais le souci constant
du cinéaste est de lui trouver une traduction physique. Il
invente avec The Arrangement une forme neuve, fondée
sur des ruptures constantes de ton et de rythme. Déçu de
n’avoir pu convaincre Marlon Brando d’incarner Eddie, il
semble se méfier de Kirk Douglas et le filme avec une sorte
de crispation qui, au bout du compte, porte le film. C’est
là le secret le plus intime que recèle The Arrangement :
cette histoire est celle d’une haine de soi créatrice.
d’après Florence Colombani, Le Monde
•
Elia Kazan. Er zijn weinig namen in de filmwereld die zoveel
gemengde gevoelens oproepen als die van Elias Kazanjoglou,
geboren in Constantinopel in 1909 uit Griekse ouders, die
naar de Verenigde Staten emigreerden toen Elias nog een
Eliasje was. In het door paranoia geregeerde Amerika van de
Koude Oorlogsjaren was Kazan namelijk één van de eersten
om ‘namen te noemen’ voor de House UnAmerican Activities
Committee. De Blacklist ruineerde de carrière van meer dan
één collega. Maar Kazan was meer dan dat. Hij was een groot
theater- en filmregisseur. Er staan zes van zijn films op het
programma. The Arrangement (1969) is de ‘jongste’ (Kazan
maakte er nog twee, voor hij beginjaren tachtig het filmen voor
bekeken hield. Hij overleed in september van 2003). Gebaseerd
op Kazans eigen autobiografische roman. Met Kirk Douglas,
Faye Dunaway en Deborah Kerr. M.V.
ELIA KAZAN
L’ARRANGEMENT
RÉAL & SC : ELIA KAZAN
PHOTO : ROBERT SURTEES
MUS : DAVID AMRAM
PROD : ELIA KAZAN,
CHARLES H. MAGUIRE
AVEC :
KIRK DOUGLAS, FAYE DUNAWAY,
DEBORAH KERR, RICHARD BOONE
ÉTATS-UNIS, 1969, 125’,
COULEUR, VO ST FR

Elle est mignonne, la petite. Tellement mutine qu’on se
demande, des fois, si ce ne serait pas un garçon. Les
filles ne sont pas comme ça. C’est même un principe
génétique, une hypothèse théorique minimale, que de
considérer que les filles, toutes les filles, sont gentilles.
Les vicieuses, ce sont toutes des garçons. Pour Tennessee
Williams, pas de doute, Baby Doll est un homme. Pour
Kazan, c’est une autre paire de manches. Il aimait les
filles, le vieux. Avec Carroll Baker, la caméra fait des
aller-retour, elle se permet des caresses interdites. Elle
est vierge ou pas, la petite ? Allez savoir, avec les filles.
Ce qui est sûr, c’est que le petit garçon de Tennessee
Williams, là, c’est devenu une fille. Elle aguiche, elle
suçote, elle miaule. Deux hommes, un violeur matois
(Eli Wallach), un mari cocu (Karl Malden), amoureux
fous d’une fillette à déflorer d’urgence. Ça, c’est ce que
dit la caméra de Kazan à la fillette alanguie. Ouvre-moi
les cuisses, petite. C’est ce qu’elle dit, la caméra. Avec
gros effets languissants, elle soupire, elle râle. Faut dire
que Kazan ne fait pas dans la dentelle. Il n’est pas du
genre subtil, le Turc. Derrière la caméra, heureusement
il y a un autre homme qui regarde la petite fille. C’est
Boris Kaufman, le frère méconnu de Jean Vigo, maître
des lumières de L’Atalante et de La Fièvre dans le sang.
Comme James Wong Howe, Boris Kaufman est l’un
des très rares chefs opérateurs de génie du cinéma hollywoodien,
ce qu’on appelle un auteur. Il n’y en a pas
72
Baby Doll
ELIA KAZAN
des tonnes. Il sait que les femmes, toutes les femmes,
sont gentilles. Il sait aussi que le cinéma, c’est juste une
jolie lumière sur les fesses d’une jolie fille.
d’après Louis Skorecki, Libération
•
“He bit off more, than he can chew” wordt er achter de rug
van Archie Lee (Karl Malden) gefluisterd. De oudere, kalende
Lee – inderdaad niet meteen de droomprins op z’n witte paard
voor een jong meisje – kreeg meer dan hij zich wellicht wenste,
toen hij de duimzuigende Baby Doll (Carroll Baker) huwde. Om
maar één ding te noemen: met het wicht slapen mag niet tot ze
twintig is. Tel daar diepe depressie in de katoenindustrie en een
Siciliaanse rivaal met wraakgedachten bij en alle componenten
voor een intens drama over seksueel verlangen en frustratie in
het diepe zuiden van de Verenigde Staten zijn aanwezig. Met
Baby Doll (1956) verfilmde Elia Kazan opnieuw Tennessee
Williams (twee van zijn eenakters). Gewild of niet, is de film
bovendien een onthutsend document over een Amerika waarin
rassenongelijkheid eerder als een feit werd vastgesteld dan
werd aangeklaagd. M.V.
ELIA KAZAN
RÉAL : ELIA KAZAN
SC : TENNESSEE WILLIAMS
PHOTO : BORIS KAUFMAN
MUS : KENYON HOPKINS
PROD : ELIA KAZAN,
TENNESSEE WILLIAMS
AVEC :
CARROLL BAKER, KARL MALDEN,
ELI WALLACH, MILDRED DUNNOCK,
R.G. ARMSTRONG
ÉTATS-UNIS, 1956, 114’,
NOIR ET BLANC, VO ST FR

Splendor in the Grass
Kansas, 1928. Le fils d’un pétrolier, Bud Stamper, est
passionnément amoureux de Deanie Loomis, une jeune
fille d’une famille assez pauvre. Sa mère recommande
à celle-ci de rester pure et lui parle du devoir conjugal
comme d’une épreuve douloureuse qui fait partie de la
destinée malheureuse des femmes. Bud, n’en pouvant
plus de devoir “respecter” Deanie, lui dit qu’il préfère
cesser de la voir. L’un des films les plus importants de
Kazan, tourné volontairement dans les environs de New
York, contre Hollywood. Cela pour des raisons morales
et à des fins d’économie. C’est d’abord le triomphe,
la quintessence de la direction d’acteurs style Actors’
Studio, et une sorte d’adieu quasi définitif à ce style.
De longues scènes, prolongées au-delà de ce que leur
strict contenu dramatique exige, découpées et montées
pour que l’acteur et le corps de l’acteur soient rois,
montrent des personnages malades, frustrés, névrosés
dont l’angoisse naît lentement, monte, explose, ou bien
n’explose pas et, dans ce cas, les détruit encore plus
irrémédiablement. Ce style de direction d’acteurs n’est
apte qu’à décrire des univers en décomposition qu’un
bouleversement de valeurs va bientôt balayer. Il chante
avec une intensité parfois poignante une décadence qui
n’a même pas eu sa grandeur. Transplanté ailleurs, il
devient vite odieux et d’une complaisance insoutenable.
Ici, il est parfaitement adapté au sujet “historique” traité
par le script de William Inge : à savoir les ravages du
73
ELIA KAZAN
puritanisme dans l’âme de l’Amérique des années trente
vus à travers toutes les couches, riches et pauvres, de la
société ; ses rapports avec la maladie mentale et donc
avec la psychanalyse ; les tragédies individuelles qu’il
engendre et l’espèce de bonheur déchirant (qui n’est
pas le bonheur) auquel parviendront, avec le temps,
les survivants. A cet égard, la dernière scène du film
– retrouvailles entre Natalie Wood et Warren Beatty – est
la plus belle de toute l’œuvre de Kazan.
Jacques Lourcelles, Dictionnaire du Cinéma
•
Deanie (Natalie Wood) en Bud (mooie jongen Warren Beatty
in zijn filmdebuut) zijn verliefd. Maar in een stadje in Kansas
– waar zijn vader een hoge piet is en de hare niet – in de
jaren twintig, is dat niet zo eenvoudig. Seks voor het huwelijk ?
Uitgesloten! Deanie kan wachten (“No Bud, we musn’t!”), Bud
niet. Daar komt dus gegarandeerd ellende van. Splendor in
the Grass (de titel is geleend bij William Wordsworth) uit 1961,
is Elia Kazans sombere visie op de Amerikaanse maatschappij
die volgens Kazan wordt geregeerd door hypocrisie, puritanisme
en materialisme. Het is ook een aandoenlijk verhaal (een
zakdoek zal geen overbodige luxe blijken) over de pijn van het
opgroeien en afscheid nemen van jeugdidealen. Kijk uit naar
Kazans echtgenote Barbara Loden (de regisseur/actrice van
Wanda, ook te zien op dit festival), die de rol speelt van “bad
girl” Ginny, Buds zus. M.V.
ELIA KAZAN
LA FIÈVRE DANS LE SANG
REAL : ELIA KAZAN
SC : WILLIAM INGE
PHOTO : BORIS KAUFMAN
MUS : DAVID AMRAM
PROD : ELIA KAZAN
(NEWTON PRODUCTIONS), WARNER
AVEC :
NATALIE WOOD, WARREN BEATTY,
PAT HINGLE, BARBARA LODEN
ÉTATS-UNIS, 1961, 124’,
NOIR ET BLANC, VO ST BIL

Depuis bientôt huit ans, le P’tit Ciné mène une des
rares actions concrètes en faveur du documentaire
en Communauté française avec la projection d’une
quarantaine de films par an, le plus souvent en présence
du cinéaste et accompagnés d’un débat ou
d’une animation.
Depuis deux ans, le cinéma Arenberg accueille le P’tit
Ciné pour une de nos projections mensuelles. Cette
année, vous avez pu y découvrir un bon nombre de
films documentaires qui sont pour la plupart sortis
en salles en France. C’est le cas d’Histoire d’un secret,
Dix-sept ans, No Pasaran, Derrida, De Guerres Lasses,
ou le dernier film de Rithy Panh, S-21, la machine de
mort khmère rouge.
Vous êtes nombreux à entendre parler de ces films
quand ils sortent en France au détour d’un article de
Libé, du Monde ou des Inrocks ou d’une interview
sur France Inter ou France Culture. Et vous êtes aussi
nombreux à nous demander quand ils vont sortir
en salles en Belgique. Mais au-delà des projections
ponctuelles que nous organisons, ils ne sont malheureusement
jamais distribués ici. La Belgique n’est pas
la France, ni en termes de “marché culturel”, ni en
termes de relais dans la presse, d’aide à la diffusion
du documentaire en salles ou d’équipement en matériel
de projection numérique léger.
74
CYCLE
DOCUMENTAIRES
LE P’TIT CINÉ
DOCUMENTAIRE SUR GRAND ÉCRAN
Notre vocation a toujours été celle de passeurs plutôt
que de distributeurs mais cet été, en collaboration
avec l’Écran Total et le cinéma Arenberg, nous allons
revenir sur quelques-uns des films documentaires
marquants de notre programmation de l’année, en
leur donnant le temps de vivre sur les écrans.
Ce sera l’occasion de voir ou revoir Dix-sept ans de
Didier Nion, d’Histoire d’un secret de Mariana Otero
et de S-21, la machine de mort khmère rouge du
cinéaste cambodgien Rithy Panh. Et pour ceux qui
n’ont pas loupé une seule projection du P’tit Ciné
cette année, nous avons deux petites perles inédites :
Comizi d’amore de Pier Paolo Pasolini, une succulente
enquête sur la sexualité italienne des années
soixante et Bright Leaves de Ross McElwee, qui est
assurément un des documentaristes américains les
plus intéressants du moment.
Le P’tit Ciné
rue du fort, 5 - 1060 Bruxelles
tél/fax : +32 2 538.17.57
e-mail : leptitcine@belgacom.net
www.leptitcine.be

Vétéran américain du documentaire (Six O’Clock
News, Sherman’s March, etc.) qu’il arpente depuis
la fin des années soixante-dix, Ross McElwee a
pour particularité d’associer régulièrement petite et
grande histoires, celle de son entourage et de son
pays fusionnant dans des récits intimes et éloquents,
construits avec habileté. De ce point de vue, Bright
Leaves fait un peu figure d’aboutissement, ou de
point de non-retour : réalisé, écrit, commenté, monté
et produit par Ross McElwee, le film mélange passé
et présent, comme fiction d’emprunt et réalité, ou
introspection et grand déballage, pour remonter la
piste d’une saga familiale tourmentée, selon laquelle
l’arrière grand-père du réalisateur aurait été un
riche propriétaire de plantations de tabac, floué
par un concurrent déloyal. Résultat, le premier finit
dans l’anonymat, quand le second allait devenir un
puissant industriel, respecté et admiré dans toute
l’Amérique. La preuve ? Bright Leaves, un mélo
tourné en 1950 par Michael Curtiz qui, par Gary
Cooper et Patricia Neal interposés, évoquerait la destinée
à la fois tragique et romanesque de sa famille.
Ross McElwee, guidé par un sens de l’autodérision
proche de Woody Allen, étale ses incertitudes avec
une complaisance n’ayant d’égale que la subtilité
salutaire qui les véhicule. Oscillant sans cesse entre
fierté et amertume, il ausculte aussi, au passage, une
75
Bright Leaves
ROSS McELWEE
Amérique profonde, sa Caroline du Nord natale, sur
laquelle il porte un regard affectueux qui passe parfois,
là encore, par l’ironie.
Gilles Renault, Libération
•
Bright Leaves laat zich nog het best omschrijven als een
‘historische roman in uitvoering’. Dit vorig jaar in Cannes
warm onthaalde document van de door Frederik Wiseman en
D.A. Pennebaker beïnvloede documentaire filmmaker Ross
McElwee, begint met de zoektocht van Elwee naar zijn overgrootvader,
een geruïneerde tabaksbaron, een figuur waarop
Gary Cooper zich inspireerde voor zijn rol in Bright Leaf, een
door Michael Curtiz gerealiseerde Hollywood-melodrama.
In de loop van McElwee’s onderzoek naar zijn eigen roots,
wordt het echter duidelijk dat hij met een enorm schuldgevoel
zit, omwille van de rol die zijn familie in het populariseren van
de kankerstokjes gespeeld heeft, terwijl hij eigenlijk ook ergens
treurt om het verdwenen familiefortuin.
Bright Leaves mengt de intimistische sfeer van home-movies
met sociale satire en de reflectieve kant van een historisch
essay. “Een intelligente en vaak hilarische film”, dixit The New
York Times. L.J.
DOCU
LA SPLENDEUR DES MCELWEE
RÉAL, SC, IMAGE, COMMENTAIRE :
ROSS MCELWEE
MONT : ROSS MCELWEE,
MARK MEATTO
PROD : ROSS MCELWEE,
HOMEMADE MOVIES,
LINDA MORGENSTERN
ÉTATS-UNIS, 2003, 107’,
VO ST FR

Micro à la main, Pasolini interroge les Italiens sur leur
sexualité : d’où viennent les bébés ? De la cigogne, d’une
fleur du bon dieu, de l’oncle de Calabre. Les femmes se
sentent-elles les égales des hommes ? La virginité est-elle
importante ? Pasolini se définit ici comme un “commisvoyageur”
qui parcourt l’Italie, du Sud au Nord, pour
sonder les idées et les mots des Italiens sur la sexualité
et démonter la culture “petite bourgeoise” des années
soixante.
Le problème est abordé en quatre grandes parties :
l’éducation sexuelle, l’homosexualité, le divorce, la prostitution.
Alberto Moravia et Cesare Musatti donnent leur
point de vue de penseurs progressistes sur les questions
abordées.
Avec la malice clairvoyante qu’on lui connaît, Pasolini se
montre ici en direct tel qu’en lui-même : subtil, provocateur,
débusqueur de contradictions et un brin cabotin. Et
loin de prétendre à une quelconque “objectivité”, il ne
76
Comizi d’Amore
PIER PAOLO PASOLINI
se cache d’aucune appréciation sur ce que révèlent avec
une affligeante unité la plupart des opinions émises.
•
Pier Paolo Pasolini reisde door het land en registreerde hoe
Italië (in 1965) over seks dacht. Hij vraagt kinderen waar baby’s
vandaan komen en mannen of voor hen maagdelijkheid een
must is. Hij vraagt vrouwen hoe ze tegenover scheiding staan.
Zelf homoseksueel, krijgt hij ook een aantal denigrerende
opmerkingen over homoseksuelen te verteren. De documentaire
Comizi d’Amore, waarin een iets andere maar daarom niet
minder boeiende Pasolini voor het voetlicht treedt, maakt duidelijk
hoe verschillend er in het land over seks wordt gedacht
en, meer algemeen, hoe mensen maar met veel moeite hun
schaamte kunnen overwinnen als het over zulk een onderwerp
gaat (het maakt ook duidelijk dat er qua seksuele opvoeding
nog flink wat werk aan de winkel was). Pasolini vroeg ook de
opinie van enkele bekende Italianen. Dichter Giuseppe Ungaretti
en journaliste Oriana Fallaci, ondermeer. M.V.
DOCU
ENQUÊTE SUR LA SEXUALITÉ
RÉAL, ENTRETIEN
ET COMMENTAIRE :
PIER PAOLO PASOLINI
IMAGE : MARIO BERNARDO,
TONINO DELLI COLLI
SON : O. DE ARCANGELIS,
C. RAMUNDO
MONT : NINO BARAGLI
PROD : ALFREDO BONI, ARCO FILM
AVEC :
CESARE MUSATTI,
ALBERTO MORAVIA
ITALIE, 1963-1965, 90’,
NOIR & BLANC, VO ST FR

Un objet comme ça, on n’en croise pas souvent dans une
vie de critique. Dix-sept ans est un documentaire tout
simple et très carré qui trouve sa place dans notre imaginaire
aux côtés de mythologiques fictions : celles des
tout premiers Truffaut, celles des derniers Rossellini ou
celles des actuels Dardenne. De ses premiers récits (il a
alors 13-14 ans) à sa première voiture, Jean-Benoît nous
accroche ferme à son sillage buté, et parfois contre son
gré : une part de la magie du film tient dans le rapport
sinon agressif du moins souvent tendu entre celui qui
tient la caméra et son modèle. La fermeté du premier et
la nature récalcitrante du second, qu’elles soient tacites
ou explicites, forment hors champ un ping-pong aussi
poignant que savoureux.
Olivier Séguret, Libération
Jean-Benoît est fou de joie. Il vient d’être accepté
dans un garage comme apprenti mécanicien, le métier
dont il a toujours rêvé. Il a deux ans pour obtenir son
diplôme. Deux ans pour dompter la révolte pulsionnelle
qui l’habite, dépasser son aversion pour l’autorité
et échapper à “une vie de merde” qu’il connaît
trop bien. Deux ans durant lesquels Didier Nion l’a
accompagné, patiemment, pour qu’ils fassent ensemble
ce très beau film initiatique. Progressivement,
77
Dix-sept ans
DIDIER NION
il gagne sa place dans la vie privée de son héros,
dans l’univers qu’il s’est construit avec la formidable
Héléna, adolescente d’une maturité inouïe qui tient à
la fois le rôle d’amoureuse, d’ange gardien et de mère.
Dix-sept ans aurait pu être une tragédie. C’est un film
sur le miracle de l’amour.
Isabelle Regnier, Le Monde
•
De 17-jarige Jean-Benoît heeft een droom die hem al sinds
zijn kindertijd bezighoudt: een in vrachtwagens gespecialiseerd
mechanicus worden. Maar alvorens het zo ver komt, moet hij er
eerst voor zorgen dat het opnieuw rustig wordt in zijn kop, want
het voortdurend gekibbel met zijn moeder, de zelfmoord van
zijn vader en het leven in een foyer heeft voor stevige littekens
gezorgd (“J’ai le mal au fond de moi”).
Het magnifieke Dix-sept ans is een intens ducumentair verslag
over het leven van deze arme adolescent uit de buurt van
Rouen. Gedurende twee jaar volgde regisseur Didier Nion, zelf
een gewezen houtbewerker, het doen en laten van Jean-Benoît.
Hij stelde zich daarbij als een soort substituutvader op, omdat
hij een vergelijkbaar parcours achter de rug heeft. Het is juist
die relatie die dit portret over een adolescent, gevangen tussen
revolte en bewustwording, zo speciaal maakt. L.J.
DOCU
RÉAL, IMAGE : DIDIER NION
SON : PASCALE MONS
MONT : CATHERINE ZINS
MONT SON & MIXAGE :
JEAN MALLET
PROD : MILLE ET UN FILMS
FRANCE, 2003, 83’,
COULEUR, VOF

78
Histoire d’un secret
Quand j’ai eu quatre ans et demi, ma mère a disparu.
Notre famille nous a dit à ma sœur et à moi qu’elle était
partie travailler à Paris. Un an et demi plus tard, notre
grand-mère nous avouait qu’elle était morte d’une opération
de l’appendicite. Par la suite durant notre enfance
et notre jeunesse, notre père ne nous parla pas de notre
mère, sauf pour nous répéter qu’elle avait été une peintre
et une femme extraordinaires. Il avait enfermé ses
tableaux dans un placard et rangé les photos dans un
tiroir qu’il nous était interdit d’ouvrir.
Si j’ai parfois désobéi, je n’ai jamais vraiment manifesté
une grande curiosité pour celle qui avait été ma mère
et dont je ne reconnaissais même pas le visage sur les
photos. Il y a sept ans, quand notre père se décida enfin
à nous parler de notre mère, ce fut pour nous révéler les
circonstances réelles de son décès.
Ce secret que mon père avait porté seul pendant vingtcinq
ans l’avait empêché de nous raconter la vie et l’œuvre
de notre mère. En rompant ce tabou, il nous rendait
notre mère. Mais ces mensonges successifs avaient effacé
de ma mémoire jusqu’au souvenir de sa disparition. J’ai
éprouvé alors la nécessité de reconstruire cette histoire
MARIANA OTERO
et de retrouver celle qui m’avait été doublement arrachée
par la mort et par le secret. Elle était peintre, je suis
cinéaste. Faute de souvenirs, ce sont ses tableaux qui
peuvent avec le cinéma me conduire jusqu’à elle.
Mariana Otero
•
De documentaire filmmaakster Mariana Otero was vier jaar toen
ze haar moeder verloor. De familie vertelt Mariana echter dat
haar moeder naar Parijs vertrokken is om er te gaan werken.
Ongeveer een jaar later geeft haar grootmoeder toe dat ze
aan een appendicitis gestorven is. In al die jaren blijft haar
vader zwijgen als een graf. In Histoire d’un secret probeert
Mariana Otero, aan de hand van gesprekken met haar vader,
haar grootmoeder, haar tante, haar oom en haar zus (de actrice
Isabel Otero), te achterhalen wat er werkelijk met haar moeder,
een schilderes die op het punt stond om door te breken,
gebeurd is. Ze doet dat rustig en met veel respect, hoe pijnlijk
de waarheid ook is (Clotilde Otero stierf aan de gevolgen van
een clandestiene abortus).
Een waardige en delicate enquêtefilm, schommelend tussen
documentaire en fictie, die veel meer is dan een mooie hommage
aan Mariana’s moeder. L.J.
DOCU
RÉAL : MARIANA OTERO
IMAGE : HÉLÈNE LOUVART
SON : PATRICK GENET
MONT : NELLY QUETTIER
MUS : MICHAEL GALASSO
PROD : ARCHIPEL 35
FRANCE, 2003, 95’,
COULEUR, VOF

79
S-21,
La Machine de mort khmère rouge
Au Cambodge, sous les Khmers rouges, S-21 était le
principal “bureau de la sécurité”. Dans ce centre de
détention situé au cœur de Phnom Penh, près de 17 000
prisonniers ont été torturés, interrogés puis exécutés
entre 1975 et 1979. Trois d’entre eux seulement sont
encore en vie.
S-21, la Machine de mort khmère rouge tente de comprendre
comment le Parti communiste du Kampuchéa
démocratique a organisé et mis en œuvre sa politique
d’élimination systématique. Pendant près de trois ans,
Rithy Panh et son équipe ont entrepris une longue
enquête auprès des rares rescapés, mais aussi auprès
de leurs anciens bourreaux. Ils ont convaincu les uns et
les autres de revenir sur le lieu même de l’ancien S-21,
actuellement reconverti en musée du génocide, pour
confronter leurs témoignages.
Les mots ne suffisent pas pour décrire ce qui s’est passé
là. L’implacable minutie de la machinerie du meurtre
planifié échappe à l’entendement. Comme si la conscience
refusait d’appréhender, et donc de mettre des
mots d’aujourd’hui sur l’indicible. Mais il reste les preuves
– les photos, les archives, les lieux – qui font ressurgir
RITHY PANH
les mots d’autrefois. Il y a aussi la mémoire enfouie
profondément dans les corps, celle des gestes et des
routines… qui peuvent surgir de l’inconscient comme
dans un cauchemar.
•
De Cambodjaanse regisseur Rithy Panh brengt ons in S21:
The Khmer Rouge Killing Machine naar Tuol Sleng ofwel
tuchtkamp 21 in Pnomh Penh, nu een vervallen gebouw, maar
ooit, tussen 1975 en 1977, de plaats waar tienduizenden
vermeende dissidenten, zowel mannen, vrouwen als kinderen,
door de Rode Khmer gefolterd, verkracht en vermoord werden.
Vann Nath en Chum Mey, twee slachtoffers die het kamp hebben
overleefd, worden in dit aangrijpend document opnieuw in
contact gebracht met hun voormalige bewakers.
Hun vroegere beulen zijn onverstoorbare mannen die geen
greintje berouw tonen. Ze kunnen of willen geen antwoorden
geven op de beleefde, maar hardnekkige vragen over hoe ze
zulke onmensen zijn kunnen worden.
Panhs ontluisterende en indrukwekkende S21 hoort zonder
twijfel thuis in dezelfde categorie als Claude Lanzmans monumentale
Shoah. L.J.
DOCU
RÉAL : RITHY PANH
IMAGE : PRUM MESAR, RITHY PANH
MONT : MARIE-CHRISTINE
ROUGERIE, ISABELLE ROUDY
SON : SEAR VISSAL
PROD : CATI COUTEAU,
DANA HASTIER, ARTE FRANCE
FRANCE-CAMBODGE, 2002, 101’,
COULEUR, VO ST FR

80
LES REPRISES

Après trois films questionnant le passé d’Israël, Amos Gitai
revient au présent : l’action d’Alila se situe aujourd’hui à
Tel-Aviv. Et la cité bigarrée, pagailleuse, pourrait bien
être le personnage principal du récit.
Des nouvelles de Tel-Aviv, et donc des nouvelles d’Israël.
Le problème de tout film israélien contemporain est
de coexister avec l’antienne quotidienne des journaux,
processus de paix sans cesse interrompu, cercle infernal
des représailles et de la peur. Chez Amos Gitai, cinéaste
dont on connaît l’engagement, le spectateur européen
a tendance à chercher des clés pour comprendre l’actualité
qui n’y sont peut-être pas. Quitte à méconnaître,
souvent, ce qui fait sens pour le public israélien. On
oublie peut-être trop volontiers que Gitai est d’abord un
observateur, son passé de documentariste l’atteste. Alila
est une histoire d’espace et de promiscuité. Dans un
appartement du sud de Tel-Aviv, qui jouxte un parking,
architecture mal fichue, absence totale d’intimité, coexistent
tant bien que mal une dizaine de personnages, solitaires
ou en couple. Le cinéaste les suit en longs plansséquences,
soigneusement composés, les travellings
latéraux qu’il affectionne lui permettant de passer littéralement
à travers les murs. En vrac voici donc un rescapé
de la Shoah, sa domestique philippine, des Chinois qui
bossent au noir, un couple adultère, un entrepreneur
dont le fils vient de déserter et que sa femme a quitté
pour prendre un jeune amant, des magouilleurs, des flics
81
Alila
AMOS GITAI
bureaucrates, la frustration permanente des uns et des
autres, leur mésentente continuelle, vues à travers des
saynètes tour à tour cocasses ou plus dramatiques. On y
lirait volontiers que l’identité israélienne n’est plus tout à
fait ce qu’elle était, que la coexistence floue d’individus
divers, inaptes à communiquer, l’a diluée, transformée.
À condition, bien sûr, que cette vue en coupe d’un
immeuble soit celle de la société tout entière.
d’après Aurélien Ferenczi, Télérama
•
De Israëlische filmmaker Amos Gitai heeft zich een reputatie
opgebouwd met sociaal-kritische films. Zijn bekendste film is
wellicht nog altijd Kadosh. Alila, losjes gebaseerd op de roman
‘Returnig Lost Loves’ van Yehoshua Knaz, is een bijtende,
Altmaneske studie van het chaotische leven in een armzalig
appartementsgebouw in een blakend Tel Aviv waar een twaalftal
personages worden gevolgd. Tot de bewoners behoren
onder meer een jonge soldaat die uit het leger gedeserteerd
is, zijn ruziënde en gescheiden ouders, een nymfomane, een
Filippijnse meid en een overlevende van de holocaust.
Het absorberende Alila, het Hebreeuws voor verhaalplot, is
misschien minder politiek expliciet in vergelijking met Gitai’s
recentste films zoals Kedma en Yom Yom, maar de toon van
deze duik in de etnische smeltkroes van Israël blijft sterk antiautoritair.
L.J.
REPRISE
RÉAL : AMOS GITAI
SC : AMOS GITAI, MARIE-JOSÉ
SANSELME, D’APRÈS LE ROMAN
DE YEHOSHUA KENAZ
PHOTO : RENATO BERTA
MP PRODUCTION, AGAV HAFAKOT,
ETC.
AVEC :
YAËL ABECASSIS,
URI RAN KLAUZNER,
HANNA LASLO,
RONIT ELKABETZ, AMOS LAVIE
FRANCE-ISRAËL, 2003, 120’,
COULEUR, VO ST FR

83
American Splendor
SHARI SPRINGER BERMAN & ROBERT PULCINI
Connaissez-vous Harvey Pekar ? Harvey Pekar lui, en
revanche, nous connaît par cœur. Boule de poil maugréant
en marcel blanc cracra tout en caressant son
début de calvitie, il lui arrive même de nous ressembler :
même appartement en bordel, même collectionnite
aiguë de livres, de disques incunables, de comics dégénérés,
mêmes névroses à répétition, semblable inutilité
en tout : la vie du côté des hypocondriaques, le monde
vu par les nerds, l’univers par ceux qui le défont. L’avenir
appartient-il aux inadaptés ? Harvey en a un temps
douté. Il a végété pendant des années comme documentaliste
dans un hôpital de Cleveland où personne, hormis
un semi-débile, ne prenait au sérieux sa passion pour les
78 tours de blues. Jusqu’au jour où Pekar a rencontré
Robert Crumb dans une foire aux vinyles. Heureusement
pour lui, Crumb fut son ange et son mentor, le premier
à mettre en dessins les antiaventures de son ami, ces
comics bâtis sur son quotidien qu’il baptisera ironiquement
American Splendor et qui feront de lui un héros de
la contre-culture.
Crumb a eu droit à son film il y a six ans. Andy Kaufman
aussi, et c’était le chef-d’œuvral Man on the Moon de
Forman, porté jusqu’aux cieux par Jim Carrey. Les fillettes
de Ghost World, la bd de Daniel Clowes, sont elles aussi
passées à l’écran l’an dernier. Et voici enfin American
Splendor. Ses deux réalisateurs mordus ont superposé
les éléments de la vie de Pekar, l’adaptation littérale de
certains de ses strips, à des interventions directes et détachées
de Pekar en personne, filmé aujourd’hui, revenu
de tout : de la contre-culture, de la célébrité, des médias,
du cancer. Fort de ce contrechamp entre le véritable
Pekar et le génial Paul Giamatti qui l’incarne à l’image, le
film s’épaissit sans perdre l’indispensable patine seventies
qui en accroît le charme.
d’après Philippe Azoury, Libération
•
“Ordinary life is pretty complex stuff”. Maak kennis met
Harvey Pekar, Amerikaans fenomeen. Sinds 1976 brengt
Pekar jaarlijks een stripboek uit, onder de algemene titel
American Splendor, waarin de prickly poëet op een even
zwartgallige als grappige wijze de uitdagingen van zijn dagelijkse
leven beschrijft. Filmmakers echtpaar Shari Springer
Berman en Robert Pulcini, helemaal in de ban van Pekar,
besloten een film te wijden aan de compulsieve lezer en verzamelaar,
jazzliefhebber en waardeloze huisman. American
Splendor (2003) werd een bijzonder geslaagde combinatie
van fictie (met een schitterende Paul Giamatti – waar is zijn
Oscar?) als de ‘film’ Harvey Pekar en de ‘strip’ Harvey (getekend
door stripgroten als Robert Crumb, Frank Stack en Joe
Sacco) en de échte Harvey (geïnterviewd in de film en met
archiefbeelden van Pekar bij David Letterman). M.V.
REPRISE
RÉAL : SHARI SPRINGER BERMAN,
ROBERT PULCINI
SC : SHARI SPRINGER BERMAN,
ROBERT PULCINI,
D’APRÈS LES BANDES DESSINÉES
DE HARVEY PEKAR
ET JOYCE BRABNER
PHOTO : TERRY STACEY
MUS : MARK SUOZZO,
EYTAN MIRSKY
PROD : HBO FILMS,
FINE LINE PICTURES
AVEC :
PAUL GIAMATTI, HOPE DAVIS,
JAMES URBANIAK, JUDAH
FRIEDLANDER, HARVEY PEKAR
ÉTATS-UNIS, 2003, 101’,
COULEUR, VO ST BIL

Sec, concert, direct, Les Égarés est un pur film de metteur
en scène, parvenant à imprimer à chaque composante
de son film (corps, objets, paysage, situation dramatique
de convention) une couleur et un timbre particuliers,
comme passés au travers d’un film totalement personnel.
L’entêtement à être soi, et à ne faire que ce qu’on souhaite,
fût-ce dans une bulle, c’est précisément le sujet des
Égarés. Odile (Emmanuelle Béart), mère et institutrice,
adulte professionnelle, fuit sur les routes [c’est la guerre]
avec ses deux gamins. Il y a Philippe, le mauvais enfant,
trop précoce pour son âge, qui juge sa mère avec dureté
et s’occupe de sa petite sœur comme un parent. Et il y a
Cathy, dont la relation chimérique au monde donne au
film sa voix off et sa coloration de conte. Cathy a peur du
diable, qui emporte les enfants. Mais il n’y a pas d’ogre
dans Les Égarés. Sur le chemin de cette jeune Lillian
Gish et des deux orphelins sur lesquels elle veille, on
ne trouve, virtuellement, qu’un jeune amant (Gaspard
Ulliel), avec laquelle la petite famille tombe dans un trou
et recompose une micro-société déracinée, à l’abri de
tout. Que serait La Nuit du chasseur, ses sous-bois et ses
rivières, ses nuits à la belle étoile et ses refuges, une fois
soustrait le personnage de Robert Mitchum ? Mais la plus
grande menace qui pèse sur cette petite communauté
déracinée, c’est tout simplement le principe de réalité,
qui fait toujours retour. En une heure trente, Téchiné
a su camper avec une rare acuité cet émouvant pha-
84
Les Égarés
ANDRÉ TÉCHINÉ
lanstère, cette société sans père et sans loi, et tous les
horizons utopiques (sexuels, existentiels) qu’elle dégage.
Et il donne aussi une force dramatique impressionnante
à l’éclatement de cette bulle, lorsqu’elle bute sur les
arêtes de la réalité. Ce qui est terrible, ce n’est pas de
s’égarer, mais bien que toujours le monde finisse par
vous retrouver.
Jean-Marc Lalanne, Cahiers du cinéma
•
André Téchiné’s Les égarés (2003) ademt een beetje de sfeer
van Roman Polanski’s The Pianist. Al is in dit geval de waanzin
van de oorlog meer op het achterplan aanwezig. Er is dan
ook meer sprake van een liefdes- dan van een oorlogsdrama.
Emannuelle Béart is de jonge weduwe Odile die in 1940 het
oorlogsgeweld in Parijs wil ontvluchten met haar twee jonge
kinderen. Ze moet een beroep doen op Yvan, een vroegrijpe
zestienjarige die ze niet volledig vertrouwt, maar voldoende
overlevingstechnieken heeft voor vier. Ze belanden in een verlaten
buitengoed, waar de erotische spanning tussen Odile en
Yvan groeit. Les égarés is alweer een mooie Téchiné geworden,
met totaal geloofwaardige personages die worden overspoeld
door de verwarring en onzekerheid van het dagelijkse leven (en
bovendien : wie anders doet zulke grootse dingen met ‘kleine’
acteurtjes ?). M.V.
REPRISE
RÉAL : ANDRÉ TÉCHINÉ
SC : GILLES TAURAND,
ANDRÉ TÉCHINÉ D’APRÈS
LE GARÇON AUX YEUX GRIS
DE GILLES PERRAULT
PHOTO : AGNÈS GODARD
MUS : PHILIPPE SARDE
PROD : FIT PRODUCTIONS,
FRANCE 2 CINÉMA, SPICE FACTORY
LIMITED
AVEC :
EMMANUELLE BÉART,
GASPARD ULLIEL,
GRÉGOIRE LEPRINCE-RINGUET
FRANCE, 2003, 95’,
COULEUR, VOF ST NL

L’Esquive est un film rusé qui sait porter en lui un puissant
effet de réel, mais c’est aussi une fiction, affichée,
rappelée sans cesse à le rester. Il faut croire, pourtant,
que les cités n’ont pas encore droit, dans l’inconscient
collectif, à accéder à cette zone précise de notre histoire :
le romanesque. Après La Faute à Voltaire, son premier
film, Abdellatif Kechiche s’est lancé dans l’entreprise de
remixer le parlé caillera avec Les Jeux de l’amour et du
hasard. Partant de là, le postulat pourrait passer pour
scolaire : quelques ados répètent du Marivaux avant la
kermesse de fin d’année, en tenue, ceci devant leurs
classes ou en bas des immeubles. L’Esquive n’est ni un
film en gros sabots sur les rapports du théâtre et de la vie,
ni un (joli) film sur l’adolescence en émoi : il s’attache à
l’imposture et à son corollaire, les codes de la vie qui
serrent comme des cadres et dans lesquels sans armure
on étouffe. Exactement comme chez Marivaux, tiens
donc… Et ici, comme au XVIII e siècle, l’armure, c’est le
verbe. Lydia, la belle héroïne, est à ce jeu assez forte,
jusqu’à la schizophrénie. Elle sait dire Marivaux sans
accent. La question de l’âge de la langue est devenue
obsolète. Tout n’est qu’affaire de volonté. Or la volonté
individuelle est bien ce qui manque aux Francs-Moisins
ou aux 4000, où tout se règle en clan, si bien qu’il arrive
à Kechiche de filmer une gentille affaire de cœur entre
ados (“T’as cassé ?”, “Tu la kiffes toujours ?”) en parodie
de deal mafieux, avec intervention des flics. On prend
85
L’Esquive
ABDELLATIF KECHICHE
alors la mesure de ce qui s’est joué sous nos yeux : tout
ça, c’était écrit. Oui, Marivaux comme le reste, qui vaut
pour premier registre d’une mutation généralisée de la
langue. Le cinéma, ça sert donc à ça : photographier
dans un flash tout ce qui vit à très grande vitesse.
Philippe Azoury, Libération
•
“L’esquive gaat beslist een referentie worden”, schreef Le
Monde over deze zowel in Frankrijk als bij ons enthousiast
onthaalde film van Abdellatif Kechiche, de acteur uit André
Téchiné’s Les innocents die enkele jaren geleden sterk
debuteerde met La faute de Voltaire, een film over ‘les sanspapiers.’
Het energieke en in Saint-Denis opgenomen L’esquive breekt
namelijk met de clichés zoals we die kennen van films die zich
in de populaire Parijse buitenwijken of HLM-cité’s afspelen.
In deze grappige en indringende komedie over de dromen
en verlangens van enkele dolende adolescenten, wordt er
bijvoorbeeld niet over drugs, gesluierde meisjes of gedwongen
huwelijken gesproken, maar wel over liefde en theater.
“Ik heb in de eerste plaats de verbale agressiviteit willen
demystifiëren”, aldus Kechiche over zijn uitstekende en met
veel tact geobserveerde film. L.J.
REPRISE
RÉAL : ABDELLATIF KECHICHE
SC : ABDELLATIF KECHICHE,
GHALIA LACROIX
PHOTO : LÜBOMIR BAKCHEV
PROD : LOLA FILMS,
JACQUES OUANICHE, CINÉ CINÉMA
AVEC :
OSMAN ELKHARRAZ, SARAH
FORESTIER, SABRINA OUAZANI,
NANOU BENHAMOU
FRANCE, 2002, 117’,
COULEUR, VOF

Antoine (Jean-Pierre Darroussin) se fait une joie de
rejoindre ses enfants en vacances. Hélène, sa femme
(Carole Bouquet), est en retard. Il en profite pour boire
quelques bières. Il fait chaud en cette fin d’après-midi…
Lorsqu’ils prennent enfin la voiture, l’alcool et la chaleur
commencent à faire effet.
Avec Feux rouges, Cédric Kahn confirme une maîtrise
digne des plus grands. Dès les premiers plans, il pose
l’aspect très ordinaire de son héros, employé moyen,
heureux de quitter un travail peu valorisant pour des
vacances en famille. Dans cet univers, qui est aussi le
nôtre, le physique simple, et presque quotidien, de Jean-
Pierre Darroussin accentue l’effet de reconnaissance
et, donc, d’identification, qui va nous aider à suivre sa
descente aux enfers. Mais cette simplicité est un leurre
car, dehors, le paysage change. De Paris à la province.
Du jour à la nuit. D’une bière à trois grammes dans le
sang. D’un monde à l’autre, en somme, les couleurs ne
sont plus les mêmes, la réalité a basculé et nous avec.
Mais quand ? Au troisième verre ? A l’apparition de cet
étrange personnage qui oblige Antoine à reprendre un
whisky ? Au moment de quitter l’autoroute ?
Peu importe. Qu’il s’agisse d’un virage vers le film noir,
d’un détour vers le fantastique ou d’une altération de
la réalité due à l’alcool… Car, ce qui compte, en ces
troubles contrées, est que l’on navigue à la lisière des
genres, sur une corde raide, où Cédric Kahn, toujours
86
Feux rouges
CÉDRIC KAHN
à la limite de la rupture, réussit un magnifique numéro
d’équilibriste. Rupture de tons, d’une part, entre les trois
blocs narratifs du film (suspense, fantastique et thriller),
et, rupture humaine, d’autre part, pour ce couple bourgeois,
proche de l’implosion, et, surtout, pour Antoine et
ses tendances suicidaires.
d’après Marc Petit, Fluctuat.net
•
Feux rouges (2004) is de meest recente film van de jonge
schrijver-regisseur Cédric Kahn. De film is gebaseerd op een
roman van Georges Simenon, wat gewoonlijk een garantie biedt
op suspens, zwarte humor, scheeflopende relaties en tragische
helden. Jean-Pierre Darrousin, die hier duidelijk maakt dat hij
niet enkel als ensemble-acteur z’n mannetje kan staan, en de
immer heerlijke Carole Bouquet zijn een echtpaar in de problemen
op een overdrukke autostrade op weg naar het zomerkamp
van de kinderen. Hij drinkt, dus staat hij inmiddels aan het
staartje van haar prioriteitenlijst. Ze krijgen ruzie, zij verdwijnt,
hij pikt een lifter op. Is een drama in wording de enige manier
om hun huwelijk te redden? Naast een afdoende thriller is Feux
rouges (het gevaar is nooit ver weg) vooral een exploratie van
liefde en intimiteit en wat je moet investeren om een succesvolle
relatie op te bouwen. M.V.
REPRISE
RÉAL : CÉDRIC KAHN
SC : CÉDRIC KAHN, LAURENCE
FERREIRA-BARBOSA, GILLES
MARCHAND, D’APRÈS LE ROMAN
DE GEORGES SIMENON
PHOTO : PATRICK BLOSSIER
MUS : CLAUDE DEBUSSY
PROD : ALICÉLEO, GIMAGES FILMS
AVEC :
JEAN-PIERRE DARROUSSIN,
CAROLE BOUQUET,
VINCENT DENIARD,
CHARLINE PAUL,
JEAN-PIERRE GROS
FRANCE, 2003, 106’,
COULEUR, VOF

87
Histoire de Marie et Julien
Julien fait un rêve : il rencontre Marie. Un an auparavant,
dans une soirée, Marie et Julien sont tombés amoureux
l’un de l’autre, mais tous deux étaient pris à l’époque.
Maintenant, ils sont libres. A son réveil, Julien croise
justement Marie dans la rue. Ils se donnent rendez-vous,
mais elle ne vient pas (apparition/disparition, présence/
absence : érotisme de l’intermittence). Elle réapparaîtra
pourtant. Julien et Marie vont s’aimer, et le film prendra
souvent le ton banal et/ou réjouissant de l’amour au quotidien
(qui fait la force du film). Mais un poids pèse sur
Marie, un abîme la sépare de Julien, qu’elle ne sait pas
comment combler. Comme dans tous les couples ? Marie
est amenée à disparaître… et à réapparaître, comme
les fantasmes refoulés, les blessures mal cicatrisées (ou
mal cicatrisantes). Grâce à l’amour, elle parviendra à
triompher de la mort. Mais peut-être ne s’agit-il que d’un
rêve… Un conte pour adultes. Rien de neuf : la cinéma a
toujours eu le chic de faire son miel des histoires les plus
“bêtes”. Rivette, cinéaste gothique par excellence, en tire
un film intense et étonnant sur l’amour fou, la mort, la
terreur et la délivrance, nous entraîne subrepticement
sur les chemins de l’irrationnel et du fantastique, avec
une telle subtilité qu’on jurerait que tout cela est naturel.
Le film atteint à un parfait équilibre entre préoccupations
intimes, respect des codes du genre fantastique,
vérité psychologique et questionnement sur le cinéma,
ce point de fusion où tout fait sens, plus précisément
JACQUES RIVETTE
où tout va dans le même sens. Ce parfait équilibre à un
nom : maturité. On pourrait aussi l’appeler classicisme,
avec tout ce qu’il y a de paradoxal à résumer par ce mot
le film d’un cinéaste dont le nom est tellement lié à l’idée
de modernité au cinéma.
d’après Jean-Baptiste Morain, Les Inrockuptibles
•
De jongste film van Jacques Rivette, Histoire de Marie et
Julien, dateert eigenlijk al van 1975. Samen met zijn assistente
Claire Denis was Rivette indertijd immers al begonnen
aan de opnamen van die film, met in de voornaamste rollen
Albert Finney en Leslie Caran. Na drie draaidagen legde Rivette
de opnamen echter stil, omwille van een ‘technisch KO van de
regisseur’. Dat geaborteerde project zou bij Rivette voor heel
wat wroeging zorgen, een wroeging die hem dertig jaar lang is
blijven achtervolgen. Twee jaar geleden werd het scenario van
de film echter uitgegeven en bij het nalezen van de drukproeven
ontstond de idee om het project opnieuw op te starten, deze
keer met Emmanuelle Béart in de hoofdrol.
In vergelijking met Va Savoir is dit amour fou-drama opnieuw
opvallend somber van toon, maar de inmiddels 76-jarige Rivette
regisseert hier voor het eerst erotische scènes die volgens
Cahiers du Cinéma tot de mooiste en meest inventieve van de
filmgeschiedenis behoren. L.J.
REPRISE
RÉAL : JACQUES RIVETTE
SC : JACQUES RIVETTE,
PASCAL BONITZER,
CHRISTINE LAURENT
PHOTO : WILLIAM LUBTCHANSKY
PROD : PIERRE GRISE
PRODUCTIONS, ARTE FRANCE
CINÉMA, VM PRODUCTIONS,
FMB 2 FILMS, CINEMAUNDICI
AVEC :
EMMANUELLE BÉART, JERZY
RADZIWILOWICZ, ANNE BROCHET,
BETTINA KEE
FRANCE-ITALIE, 2003, 145’,
COULEUR, VOF

88
My Life Without Me
Anne va mourir. Elle n’a que vingt-trois ans et la
tumeur se propage vite. Il ne lui reste que quelques
semaines. Le temps de vivre “vraiment” et de prévoir
ce que sera sa vie sans elle : celle de son mari, bon,
attentionné et volontaire, mais “pas à la hauteur” ; de
ses deux filles, Penny et Patsy, six et quatre ans ; de sa
mère (étonnante Deborah Harry) trop lasse et amère,
mais grâce à qui Anne et les siens peuvent vivre au
fond du jardin dans une caravane. Elle tait sa maladie
et, loin de s’apitoyer, elle liste les choses à faire.
Comme avant un départ, elle prévoit : dire à mes filles
que je les aime, trouver une nouvelle femme pour
Don, enregistrer mes messages pour les anniversaires
futurs, aller voir mon père en prison, coucher avec
d’autres hommes, rendre quelqu’un amoureux de
moi, dire ce que je pense… Et c’est la rencontre avec
Lee, le solitaire qui laisse couler les jours entre lecture,
musique et grands espaces. Elle découvre ses baisers,
sa peau, ses sentiments pour cet être qu’elle met en
mouvement. L’idée-force de ce film, lumineux et pâle
comme son actrice principale (Sarah Polley), c’est de
traiter de la mort en parlant surtout de la vie. Pas de
scènes d’hôpital douloureuses, juste un médecin timide
qui deviendra le passeur (vers la mort, mais aussi
vers la vie, après). C’est sobre, délicat, telles les petites
choses qui nous font sentir vivant : le goût d’un bonbon
au gingembre, le bruit de la pluie sur les feuilles,
ISABEL COIXET
la texture du lait, le toucher d’une écorce d’orange,
le froid sur la peau, ou les notes cristallines des verres
d’un musicien, juste là pour l’envol réussi du film.
d’après D.M., Positif
•
Het jaar is nog niet om, maar dit in het Engels opgenomen en
door Pedro Almodovars productiebedrijf El Deseo geproduceerde
My Life Without Me haalt beslist verschillende Top
tien-lijstjes.
Ann (een schitterende Sarah Polley) is een 24-jarige vrouw en
moeder van twee meisjes. Ze leeft samen met haar man in een
stacaravan in de tuin van haar moeder, een verbitterde vrouw
die kickt op Joan Crawford-films. En dan verneemt Ann plots
dat ze een fatale kanker heeft en dat ze nog maar twee of drie
maanden te leven heeft. Ze besluit tegen niemand iets te zeggen
en begint met het opstellen van een lijstje met de zaken die
ze nog wil doen voordat ze dood gaat.
Scenarist-regisseuse Isabel Coixet mijdt alle clichés, goedkoop
sentimetent en manipulerende pathos in dit oprecht, ontroerend
en gevoelig melodrama, een film die ‘zowel melancholie als
levenslust opwekt’. L.J.
REPRISE
RÉAL : ISABEL COIXET
SC : ISABEL COIXET,
D’APRÈS UNE NOUVELLE DE
NANCI ICINCAID
PHOTO : JEAN-CLAUDE LARRIEU
MUS : ALFONSO DE VILLALONGA
PROD : EL DESEO & MILESTONE
PRODUCTION INC
AVEC :
SARAH POLLEY, SCOTT SPEDMAN,
MARK RUFFALO, DEBORAH HARRY,
MARIA DE MEDEIROS
ESPAGNE-CANADA, 2003, 102’,
COULEUR, VO ST BIL

Nous sommes dans une petite ville reculée de l’Ouest
islandais, qui n’est pas sans faire écho à l’Ouest mythique
de l’Amérique. Seulement, le désert est de neige, l’aridité
de glace. Dans ce trou perdu, coupé en hiver du reste
du monde, la vie se résume pour Nói à peu de chose.
Une mère qui, réflexion faite, a dû se faire la malle depuis
belle lurette ; une grand-mère rabougrie, gentille mais
complètement tapée, qui réveille son petit-fils à coups
de carabine ; un père aux allures de rocker, qui noie
dans l’alcool son impuissance à faire quoi que ce soit, et
dont les conseils se résument à “Et surtout : les capotes.
Un enfant, c’est vite arrivé. Je suis bien placé pour le
savoir.” Pour Nói, dix-sept ans, filiforme, de grands yeux
vifs, pas un poil sur le caillou, des allures de dandy avec
sa chemise écossaise cintrée et son bonnet péruvien, il
s’agit surtout d’échapper à la monotonie. Avant tout,
ne pas prendre au sérieux cette microsociété trois fois
dérisoire, et faire à découvert ce que d’autres font sous
cape, dans leur temps libre ou en retraite : jouer. Le jeu
chez Nói est une attitude constante, une forme active
de résistance au monde absurde dans lequel les adultes,
qu’il toise d’une stoïque indifférence, cherchent à le
compromettre ; un mouvement ascendant, lyrique, qui
délivre le film de toute pesanteur. Sous le regard aiguisé
de cet adolescent éthéré, à travers chacun de ses gestes
contenus, impeccables de précision, les situations les
moins relevées prennent aussitôt su piquant : faire des
89
Nói albinoi
DAGUR KÁRI
crêpes, affronter un psychologue scolaire, chercher une
tombe sous la neige… Le personnage de Nói s’inscrit
dans la grande tradition des héros comiques : il tient d’un
Harry Langdon, d’un Buster Keaton pour le caractère
lunaire et secret ; d’un Charlot par cette attitude merveilleuse
qu’il a, par le seul trait de son esprit, de refuser
la misère du monde.
d’après Pascal Sennequier, Positif
•
Noi is helemaal geen albino, maar misschien is hij wel de
dorpsgek of een genie in vermomming? De 17-jarige Noi
droomt ervan om te ontsnappen uit zijn gevangenis, een dorp in
een afgelegen fjord in het noorden van Ijsland dat in de winter
volledig van de buitenwereld afgesloten is. Zijn vader zit zwaar
aan de drank en op school heeft hij voortdurend problemen. Een
ontmoeting met een meisje doet deze drop-out nog meer van
vluchten dromen. Maar zijn verschillende, onhandige pogingen
lopen telkens op mislukkingen uit, al zal dat ook wel met zijn
eigenzinnige natuur te maken hebben.
“Een dadaïst uit Ijsland”, “De revelatie van het jaar” of “Het
grote Ijslandse filmtalent”: het regende complimenten voor Noi
Albinoi, een op festivals onder de prijzen bedolven debuut van
Dagur Karl. Zijn heerlijke absurde fabel over de verveling en
revolte van een adolescente is dan ook een Kaurismaki-achtig
festijn van onderkoelde, zwarte humor. L.J.
REPRISE
RÉAL & SC : DAGUR KÁRI
PHOTO : RASMUS VIDEBAEK
MUS : SLOWBLOW
PROD : ZIK ZAK FILMPRODUKTION
AVEC :
TÓMAS LEMARQUIS,
THRÖSTUR LEO GUNNARSSON,
ELIN HANSDOTTIR,
ANNA FRIDIKSDOTTIR
ISLANDE, 2003, 93’,
COULEUR, VO ST BIL

90
Qui a tué Bambi ?
Gilles Marchand, coscénariste de Ressources humaines,
Harry, un ami qui vous veut du bien et Bon voyage, réalise
son premier long métrage, neuf ans après avoir remporté
le grand prix du festival de Clermont-Ferrand pour
un court intitulé Joyeux Noël. À l’origine de ce projet,
un cliché de roman de gare : dans un hôpital isolé, une
jeune infirmière est troublée par un beau chirurgien.
Trouble amoureux, sans doute, mais de peur mêlé. Car
des phénomènes étranges se produisent dans l’établissement
: des patientes se réveillent en pleine anesthésie,
d’autres disparaissent sans laisser de traces. La première
habileté de Gilles Marchand est simplement d’emboîter
les peurs. La crainte de l’opération se redouble d’une
frayeur provoquée par le médecin lui-même. Comment
savoir ce qui se passe quand on est endormi, qu’on
s’abandonne aux mains de l’équipe chirurgicale, qu’on
reste inconscient dans une salle de réveil ? Cet effroi est
ambivalent, le spectateur n’étant pas non plus étranger
au fantasme commun de la belle endormie offerte à
l’inconnu. Sur cette tension classique entre peur et attirance,
Qui a tué Bambi ? tient assez longtemps le public
en haleine, jusqu’à ce qu’une autre question fasse irruption,
magistralement mise en scène dans la séquence
du jeu du rêve. Un doute s’immisce alors, qui virtualise
l’enquête de notre petit chaperon rouge qui se prend soit
pour Cendrillon, soit pour Fantômette. Seule contre tous
les scepticismes, elle part à la conquête de ce château
GILLES MARCHAND
complexe aux princesses captives que devient l’hôpital.
Mais ses évanouissements ne trahissent-ils pas ses désirs
d’abandon ? Le film malmène le savoir, fait vaciller les
certitudes. Le soin apporté à la mise en scène est très
rassurant sur la capacité des jeunes cinéastes français
à réaliser des films de genre comme ce thriller, à la fois
intelligents et efficaces.
d’après Stéphane Goudet, Positif
•
Voor Qui a tué bambi ? greep regisseur Gilles Marchand voor
de titel terug naar de punksong ‘Who Killed Bambi’, wat meteen
aangeeft dat dit een film is waarin meer met ongemak dan met
onschuld geflirt wordt.
Marchand citeert Hitchcock, Fritz Lang en Lynch als zijn belangrijkste
invloeden. De vlag die de lading van deze intelligente en
met metaforische sprookjesmotieven doorweven psychologische
thriller dekt, is echter Harry, un ami qui vous veut du bien
van Dominik Moll. Marchand was coscenarist van Molls akelige
debuut, terwijl Moll voor dit sprookje over een sensuele aspirant-verpleegster
(revelatie Sophie Quinton) en een duivelse
dokter (Laurent Lucas), als regieraadgever optrad.
Het nare maar onderhoudende Qui a tué bambi ? speelt op een
verontrustende manier in op de angst voor medische narcose
en deze fraaie, ontregelende nachtmerrie is beslist een van de
betere Franse films van het afgelopen seizoen. L.J.
REPRISE
RÉAL : GILLES MARCHAND
SC : GILLES MARCHAND,
VINCENT DIETSCHY
PHOTO : PIERRE MILON
MUS : LILY MARGOT, CARLOS
DALTON, FRANÇOIS EUDES
PROD : HAUT ET COURT, M6 FILMS
AVEC :
SOPHIE QUINTON,
LAURENT LUCAS,
CATHERINE JACOB,
YASMINE BELMADI
FRANCE, 2003, 126’,
COULEUR, VOF ST NL

Scène d’ouverture. Plan fixe, interminable. Un homme
acculé au désespoir braque une bijouterie des beaux
quartiers de Téhéran, tue le gérant avant de se donner la
mort. Insupportable cri de détresse d’un pauvre homme
frappé par la misère, cet acte filmé avec retenue symbolise
la lente descente aux enfers d’une population trop
habituée aux humiliations d’un régime à deux vitesses
(les très riches / les très pauvres). La suite du film retrace
le parcours erratique d’Hussein jusqu’à cet horrible
dénouement, ou comment l’hypocrisie et les tares du
système conduisent le plus raisonnable des hommes à
franchir le pas vers la folie, jusqu’à la mort. Pour Jafar
Panahi, l’intérêt d’une telle histoire, aussi tragique soitelle,
tient dans les raisons qui poussent un être humain
à de telles extrémités, ou comment les erreurs d’un individu
accumulées au fil de l’existence peuvent l’amener à
commettre l’irréparable. En ce sens, Sang et or n’est pas
l’histoire d’un crime, mais celle de ses antécédents. Le
criminel ne serait donc pas Hussein (incroyable Hussain
Emadeddin, corps massif et mutique, à l’apparente placidité),
mais la société aliénante dans laquelle il tente,
tant bien que mal, de trouver sa place. Dans Le Cercle,
son précédent film, Jafar Panahi soulignait déjà la fatalité
sociale qui frappe le peuple iranien (dans ce cas-là, les
femmes). La métaphore du cercle illustrait l’enfermement
des femmes dans leur condition précaire. Dans
Sang et or, c’est le cadre de la bijouterie comme prison
91
Sang et or
JAFAR PANAHI
(comme impasse), et le plan fixe de la scène, qui signifie
l’enfermement social d’Hussein. Ces inventions de la
mise en scène s’expliquent par la censure : pour critiquer
la société iranienne, Panahi se doit d’utiliser des stratégies
détournées. Comme Hussein, le cinéma iranien
semble pris en embuscade. Il en devient d’autant plus
nécessaire et admirable, par sa force et son opiniâtreté.
G.E.
•
Voor Sang et or (Talaye Sorgh), vorig jaar in Cannes met de
prijs van de jury “Un Certain Regard” bekroond, vertrok de
Iraanse cineast Jafar Panahi (The Circle) van een door Abbas
Kiarostami geschreven scenario, gebaseerd op een faits-divers.
De film reconstrueert de escalatie van voorvallen die een incident
voorafgaan dat zal leiden tot de zelfmoord van Hussein,
een eenzame en vernederde pizzabesteller uit Teheran die zijn
buik vol heeft van de menselijke ellende en onrechtvaardigheid
en de groeiende kloof tussen rijk en arm waar hij dagelijks mee
geconfronteerd wordt.
Sang et or, gefilmd in de typische Iraanse realistische stijl die
ondertussen school gemaakt heeft, is een labyrintisch geconstrueerde
parabel die opvalt door zijn subtiele eenvoud, ook al
haalt Panahi sterk uit naar de hypocrisie binnen de gedesillusioneerde,
door sociale spanningen en klassenstrijd verdeelde
Iraanse maatschappij. L.J.
REPRISE
TALAYE SORKH
RÉAL : JAFAR PANAHI
SC : ABBAS KIAROSTAMI
PHOTO : HOSSEIN DJAFARIAN
MUS : PEYMAN YAZDANIAN
PROD : JAFAR PANAHI FILM
PRODUCTIONS
AVEC :
HUSSEIN EMADEDDIN,
KAMYAR SHEISSI, AZITA RAYEJI,
SHAHRAM VAZIRI
IRAN, 2003, 97’,
COULEUR, VO ST BIL

Comme beaucoup de films de Naomi Kawase, Shara
raconte une histoire de famille, de disparition, de deuil et
de renaissance. Deux petits garçons, Shun et Kei, jouent
dans les ruelles de leur quartier de Nara. Un jour, lors
d’une course-poursuite, Kei disparaît. Où, quand, pourquoi,
comment ? On ne le saura pas. Comment Shun
et sa famille vivent-ils le manque ? Comment ce trauma
initial travaille-t-il Shun et son rapport aux autres ? Ces
questionnements sont déjà remarquables en soi. Mais ce
qui ici est grand, stupéfiant, presque irréel de délicatesse
et de subtilité, c’est la façon dont Kawase s’approprie
ces motifs en cinéaste visitée par la grâce. La caméra de
Shara est toujours mobile, en mouvement, privilégiant
la figure du travelling avant. Au lieu de mettre en place,
de manière classique, un espace-scène de théâtre à trois
côtés (la caméra prenant la place du quatrième côté,
celle du cinéaste et des spectateurs), la caméra de Shara
fore l’espace du film, avance vers le fond-horizon sans
limite des plans, tourne parfois sur elle-même à 360°.
L’usage de la Steadycam ajoute à cette figure dominante
un aspect flottant, glissant, liquide, incertain, proche
d’une vision somnambulique, onirique. Tout concourt
ici a créer une espèce d’ultra-présence du réel et du
monde environnant, à rendre mystérieux et important
le moindre détail du quotidien, à faire entendre et voir
l’invisible, à transformer ce quartier de Nara en un
lieu frissonnant, hanté – par exemple par l’âme d’un
92
Shara
NAOMI KAWASE
enfant disparu. Car si la mise en scène à la fois totale
et elliptique de Kawase fait autant de bien qu’un bain
d’herbes parfumées, et semble nous permettre de voir et
de ressentir le monde avec une acuité décuplée, elle est
aussi une élégance, une pudeur, une façon d’évoquer les
sujets les plus dramatiques avec retenue.
d’après Serge Kaganski, Les Inrockuptibles
•
De derde film van Naomi Kawase, speelt zich net als Suzaku en
Hotaru af in haar geboortedorp Nara, een oude stad met een
rijke boeddhistische geschiedenis. Het subtiele, intimistische
Shara (Sharaoyjna), dat vorig jaar voor de competitie in Cannes
geselecteerd werd, peilt naar de verdrukte gevoelens, de shock
en verwarring van een familie, getroffen door de verdwijning
van Kei, de tweelingbroer van Shun.
Vijf jaar later hebben vader Taku, bezig met de organisatie
van het jaarlijkse Basara-straatfestival, de zwangere moeder
Reiko (rol van Kawase) en de 17-jarige introverte Shun het nog
steeds moeilijk met dat verlies. Dankzij een aantal gebeurtenissen,
waaronder een onthulling van de moeder, vindt iedereen
opnieuw zijn geluk.
Het visueel memorabele en van stemming adembenemend
mooie Shara is een heel serene, poëtisch-impressionistische
film vol hypnotiserende, kleurrijke rituelen. L.J.
REPRISE
RÉAL & SC : NAOMI KAWASE
PHOTO : YUTAKA YAMAKAZI
MUS : UA
PROD : YOSHIYA NAGASAWA
AVEC :
NAOMI KAWASE, KOHEI FUKUNAGA,
YUKA HYODO, KANAKO HIGUCHI,
KATSUHISA NAMASE
JAPON, 2003, 99’,
COULEUR, VO ST BIL

La maladie, lorsqu’elle se propage, réveille chez ceux
qu’elle habite de vieux souvenirs, ranime de vieilles
aigreurs, creuse de troubles remords. Face à la mort, le
malade ressent le besoin de tout remettre à plat, à l’image
de son corps qui gît sur un lit d’hôpital, de tout mettre
au clair, comme la lumière crue d’une chambre froide.
Avec Son frère, Patrice Chéreau prolonge cette tradition
narrative – presque une scène primitive – du rassemblement
familial autour d’un lit de mort, qui n’est autre
qu’un lien de vie. Comment vivre avec les autres, surtout
avec ceux que l’on croit aimer ? Comment partager avec
eux les secrets d’une souffrance ou d’un désir ? Défis auxquels
se confronte Thomas (Bruno Todeschini, impressionnant),
qui, apprenant que ses plaquettes de sang ne
fonctionnent plus, décide de revoir son frère Luc (Éric
Caravaca), disparu de son existence depuis longtemps.
Face à son frère se regardant mourir, Luc dépasse le
stade de la compassion, pour reconstruire un lien défait.
Et même si, au bout de la course, les pulsions de vie s’effondrent,
l’abandon aura été précédé d’une rédemption.
Pas celle d’un corps mais celle d’une volonté, pas celle
de la chair mais celle d’un désir. Dans cette confusion
sentimentale et physique, Chéreau s’autorise des instants
de répit, en s’attardant sur ses personnages. Comme ce
plan fixe de Thomas allongé sur son lit d’hôpital, auprès
des infirmières qui rasent ses poils de la tête aux pieds.
Dans ce long plan-séquence sourd et sensuel d’un corps
95
Son frère
PATRICE CHÉREAU
crucifié s’abandonnant aux femmes qui le remodèlent, le
cinéaste capte un instant de grâce. De la grâce, Son frère
ne manque pas, ne serait-ce par le parcours tortueux
qu’il impose avant la libération, par l’âpreté d’une mise
en scène risquée, aérienne et pleine de chair.
d’après Jean-Marie Durand, Les Inrockuptibles
•
Het vorig jaar in Berlijn met de Zilveren Beer bekroonde Son
frère is niet alleen een aangrijpend verhaal over het lijden van
een zieke man, het is ook een mooi portret over de verzoening
en de emotionele band tussen die zieke Thomas (Bruno
Todeschini) en zijn homoseksuele broer Luc (Eric Caravaca).
In Intimacy, Patrice Chéreau vorige film, zat de camera al
regelmatig heel dicht op de huid van de personages. Dat soms
nerveus kadreren geeft ook aan dit portret over de aftakeling
van de 30-jarige Thomas een ruwe, naturalistische urgentie.
Zonder een noot pathos gaat Chéreau in deze bijzonder sterke
film in op dat proces van lichamelijke degradatie en de impact
daarvan op familie en vrienden. Son frère is in de eerste plaats
echter een intens en indringend drama waarin op een heel
waardige manier het emotionele leven van twee mensen op weg
naar een confrontatie met de dood gescand wordt. L.J.
REPRISE
RÉAL : PATRICE CHÉREAU
SC : PATRICE CHÉREAU,
ANNE-LOUISE TRIVIDIC, D’APRÈS
LE ROMAN DE PHILIPPE BESSON
PHOTO : ÉRIC GAUTIER
MUS : ANGELO BADALAMENTI
PROD : AZOR FILMS, LOVE
STREAMS PRODUCTIONS,
ARTE FRANCE CINÉMA
AVEC :
ÉRIC CARAVACA,
BRUNO TODESCHINI, NATHALIE
BOUTEFEU, MAURICE GARREL,
CATHERINE FERRAN,
PASCAL GREGGORY
FRANCE, 2003, 95’,
COULEUR, VOF ST NL

(1)
DEAD OR ALIVE :
HANZAISHA
SC : ICHIRO RYU
PHOTO : HIDEO YAMAMOTO
MUS : KOJI ENDO
PROD : EXCELLENT FILM,
TOEI, DAIEI
AVEC :
RIKI TAKEUCHI, SHO AIKAWA,
RENJI ISHIBASHI,
HITOSHI OZAWA
JAPON, 1999, 105’,
COULEUR, VO ST FR
96
Trilogie
Dead or Alive
TAKASHI MIIKE
(2)
DEAD OF ALIVE 2 :
TÔBÔSHA
SC : MASA NAKAMURA
PHOTO : KAZUNARI TANAKA
MUS : CHU ISHIKAWA
PROD : EXCELLENT FILM,
TOEI, DAIEI
AVEC :
SHO AIKAWA, NORIKO AOTA,
EDISON CHEN,
KENICHI ENDO
JAPON, 2000, 97’,
COULEUR, VO ST FR
(3)
DEAD OR ALIVE :
FINAL
RÉAL : TAKASHI MIIKE
SC : HITOSHI ISHIKAWA,
YOSHINOBU KANO, ICHIRO RYU
PHOTO : HIDEO YAMAMOTO
MUS : KOJI ENDO
PROD : EXCELLENT FILM,
TOEI, DAIEI
AVEC :
SHO AIKAWA, MARIA CHEN,
RICHARD CHEN,
RIKI TAKEUCHI
JAPON, 2002, 90’,
COULEUR, VO ST FR

Dead or Alive plaque sur un régime de cinéma d’action
une multitude de genres que réunit un excès commun :
kung-fu, science-fiction, film de robots, horreur, parfois
jusqu’aux ramifications les plus extrêmes du porno et les
plus fauchées de la série Z. Mais Miike n’abdique jamais
devant la pauvreté de ses moyens. Preuve indéniable de
son talent plastique, mais plus encore, garantie que son
projet dépasse largement le nihilisme dont il est crédité.
Pourquoi une trilogie ? Miike répète qu’il en déteste le
principe. Cette commande l’a incité, selon ses dires, à
refuser la moindre continuité d’un épisode à l’autre.
Ainsi DOA 1 se réduit-il au duel d’un policier japonais
et d’un gangster chinois. DOA 2 reprend les mêmes
acteurs dans une relation d’amitié motivée par une
même enfance. DOA 3, ou Final les constitue replicants,
résistant ou lieutenant à la solde d’une dictature. Quelles
relations établir alors entre ces films ? Au moins trois. La
première est rythmique. Lançant l’effrayante machine
à images, le compte au départ de DOA 1 ramène toute
forme de revendication, sérieuse ou dérisoire, à une
même pulsation : la séquence qui suit, bien que confuse,
est toujours prête à articuler un redémarrage. Ainsi, la
série n’envisage jamais de se boucler. La seconde est un
principe de balance. Le terme désigne le jeu perpétuel
de deux éléments opposés et pourtant solidaires. La troisième
est celle que scande le titre. Survie grotesque, qui
fait jouer un ressort comique déjà vu : les deux personna-
97
ges meurent à chaque fin d’épisode, comme Kenny dans
South Park. Mais il est peut-être inutile de croire à cette
explication plus qu’à une autre : dans l’indiscernabilité à
l’écran du vivant et du mort, mille scénarios s’inventent
depuis toujours. Bons ou mauvais : le centre y est de
toute façon écarté, et une place égale accordée aux
vivants et aux fantômes, à la gravité et à la parodie.
d’après Antoine Thirion, Cahiers du cinéma
•
Hoewel de op digitale video opgenomen Dead or Alive-cyclus
van de maniakale veelfilmer en schockmeister Takashi Miike
(The Audition, Ichi The Killer) als een trilogie wordt voorgesteld,
gaat het hier wel degelijk om drie afzonderlijke films die inhoudelijk
niets met elkaar te maken hebben, tenzij een schokkend
amoreel universum en een koortsachtige, hoogstoriginele en
inventieve filmstijl.
Dead or Alive (1999) is een ultragewelddadige, flashy en met
adrenaline geladen anarchistische thriller over de strijd tussen
cops en yakuza-gangsters.
In het meer nostalgisch getinte Dead or Alive 2 : Birds (2000)
sluiten twee professionele killers en oude schoolvrienden
opnieuw vriendschap met elkaar.
Het futuristische Dead or Alive : Final (2002) concentreert dan
weer op de strijd tussen een louche homoseksuele drugkoning
en een rebelse guerillaleider. Of drie postmoderne actiefilms die
samen een profetisch meesterwerk vormen. L.J.

16.06 . mercredi
13h40 - Boccace ‘70 17h30 - Elephant 19h20 - Sacré Graal 21h10 - Oasis
14h10 - 24 Hour Party People 16h40 - The Ghost and Mrs Muir 19h10 - Elle est des nôtres 21h40 - Noi Albinoi
17.06 . jeudi
13h40 - Oasis 16h10 - Gloria 18h40 - The Merry Widow 21h10 - Sacré Graal
14h10 - S-21, la machine de mort… 16h40 - A Streetcar Named Desire 19h10 - The Ghost and Mrs Muir 21h40 - Feux rouges
18.06 . vendredi
13h40 - Sacré Graal 15h40 - Boccace ‘70 19h30 - Elephant 21h10 - La Petite Prairie aux bouleaux
14h10 - Elle est des nôtres 16h40 - 24 Hour Party People 19h10 - Feux rouges 21h40 - A Streetcar Named Desire
19.06 . samedi
13h40 - La Petite Prairie aux bouleaux 16h10 - Oasis 18h40 - Gloria 21h10 - The Merry Widow
14h10 - A Streetcar Named Desire 16h40 - Feux rouges 19h10 - Noi Albinoi 21h40 - The Ghost and Mrs Muir
20.06 . dimanche
13h40 - Elephant 16h10 - Sacré Graal 18h10 - La Petite Prairie aux bouleaux 20h10 - Boccace ‘70
14h10 - Noi Albinoi 16h40 - S-21, la machine de mort… 19h10 - 24 Hour Party People 21h40 - Elle est des nôtres
21.06 . lundi
13h40 - The Ghost and Mrs Muir 16h10 - The Merry Widow 18h40 - Oasis 21h10 - Gloria
14h10 - Feux rouges 16h40 - Elle est des nôtres 19h10 - A Streetcar Named Desire 21h40 - S-21, la machine de mort…
22.06 . mardi
13h40 - Gloria 16h10 - La Petite Prairie aux bouleaux 18h40 - The Merry Widow 21h10 - Elephant
14h10 - Noi Albinoi 16h40 - The Ghost and Mrs Muir 19h10 - S-21, la machine de mort… 21h40 - 24 Hour Party People
98
HORAIRES
PRIX DES PLACES / PRIJS VAN DE PLAATSEN
6,60 €
pas de réduction en après-midi /geen vermindering namiddag
•
REDUCTIONS / KORTINGEN
5,20 €
(Etudiants / Studenten & Seniors)
•
ABONNEMENT ECRAN TOTAL
50,00 €
VALABLE POUR 10 SÉANCES AU CHOIX / GELDIG VOOR 10 VOORSTELLINGEN NAAR KEUZE
Passage obligatoire par la caisse pour retirer les places /
De kaarten moeten wel steeds aan de kassa afgehaald worden

23.06 . mercredi
13h40 - La Petite Prairie aux bouleaux 16h10 - Il était une fois un merle… 18h40 - Elle est des nôtres 21h10 - Oasis
14h10 - A Streetcar Named Desire 16h40 - Feux rouges 19h10 - Retour à Kotelnitch 21h40 - S-21, la machine de mort…
24.06 . jeudi
13h40 - Gloria 16h10 - Elephant 18h10 - Boccace ‘70 22h00 - La Petite Prairie aux bouleaux
14h10 - The Ghost and Mrs Muir 16h40 - Noi Albinoi 19h10 - Greetings 21h40 - Retour à Kotelnitch
25.06 . vendredi
13h40 - The Merry Widow 16h10 - Gloria 18h40 - Oasis 21h10 - Elephant
14h10 - Retour à Kotelnitch 16h40 - A Streetcar Named Desire 19h10 - The Ghost and Mrs Muir 21h40 - Greetings
26.06 . samedi
13h40 - Oasis 16h10 - The Merry Widow 18h40 - Il était une fois un merle… 21h30 - Elle est des nôtres
14h10 - S-21, la machine de mort… 16h40 - The Ghost and Mrs Muir 19h10 - Feux rouges 21h40 - Sacré Graal
27.06 . dimanche
13h40 - Sacré Graal 15h40 - Boccace ‘70 19h30 - Elephant 21h10 - Gloria
14h10 - 24 Hour Party People 16h40 - Greetings 19h10 - The Ghost and Mrs Muir 21h40 - S-21, la machine de mort…
28.06 . lundi
13h40 - Elephant 16h10 - Oasis 18h40 - Gloria 21h10 - Il était une fois un merle…
14h10 - Feux rouges 16h40 - Retour à Kotelnitch 19h10 - 24 Hour Party People 21h40 - The Merry Widow
29.06 . mardi
13h40 - Il était une fois un merle… 16h10 - Sacré Graal 18h10 - La Petite Prairie aux bouleaux 20h10 - Boccace ‘70
14h10 - Greetings 16h40 - The Merry Widow 19h10 - Noi Albinoi 21h40 - The Ghost and Mrs Muir
30.06 . mercredi
13h40 - The Return of the Pink Panther 16h10 - A Face in the Crowd 18h40 - Elle est des nôtres 21h10 - Gloria
14h10 - S-21, la machine de mort… 16h40 - Noi Albinoi 19h10 - Sacré Graal 21h40 - Gerry
1.07 . jeudi
13h40 - Boccace ‘70 17h30 - Il était une fois un merle… 19h20 - Greetings 21h30 - Genres d’à côté
14h10 - Gerry 16h40 - Feux rouges 19h10 - Nous ne vieillirons pas ensemble 21h40 - Retour à Kotelnitch
2.07 . vendredi
99
13h40 - Greetings 15h40 - Boccace ‘70 19h40 - Il était une fois un merle… 21h30 - The Return of the Pink Panther
14h10 - Sacré Graal 16h40 - S-21, la machine de mort… 19h10 - Khamosh Pani 21h40 - Feux rouges
3.07 . samedi
13h40 - Elle est des nôtres 16h10 - Gloria 18h40 - The Return of the Pink Panther 21h10 - A Face in the Crowd
14h10 - Retour à Kotelnitch 16h40 - A Streetcar Named Desire 19h10 - Nous ne vieillirons pas ensemble 21h40 - Khamosh Pani
4.07 . dimanche
13h40 - Il était une fois un merle… 15h40 - Vert Paradis 18h00 - Boccace ‘70 22:00 - Greetings
14h10 - The Merry Widow 16h40 - Sacré Graal 19h10 - Gerry 21h40 - Nous ne vieillirons pas ensemble
5.07 . lundi
13h40 - A Face in the Crowd 16h10 - Greetings 18h10 - Noi Albinoi 20h10 - Boccace ‘70
14h10 - Nous ne vieillirons pas ensemble 16h40 - Retour à Kotelnitch 19h10 - S-21, la machine de mort… 21h40 - Khamosh Pani
6.07 . mardi
HEURE
DE SÉANCE
VOORSTELLING-
UUR !!!
13h40 - Vert Paradis 16h10 - The Return of the Pink Panther 18h40 - A Face in the Crowd 21h10 - Il était une fois un merle…
14h10 - Khamosh Pani 16h40 - Gerry 19h10 - A Streetcar Named Desire 21h40 - The Merry Widow

7.07 . mercredi
13h40 - America America 17h00 - Cat People 18h40 - Alila 21h10 - A Face in the Crowd
14h10 - Zabriskie Point 16h40 - Khamosh Pani 19h10 - Gerry 21h40 - American Splendor
8.07 . jeudi
13h40 - A Face in the Crowd 16h10 - Vert Paradis 18h40 - The Return of the Pink Panther 21h10 - Alila
14h10 - The Merry Widow 16h40 - Nous ne vieillirons pas ensemble 19h10 - Khamosh Pani 21h40 - Gerry
9.07 . vendredi
100
13h40 - Cat People 15h20 - America America 18h40 - Vert Paradis 21h10 - The Return of the Pink Panther
14h10 - Retour à Kotelnitch 16h40 - Zabriskie Point 19h10 - American Splendor 21h40 - The Private Life of Sh. Holmes
10.07 . samedi
13h40 - The Return of the Pink Panther 16h10 - A Face in the Crowd 18h40 - Histoire d’un secret 21h10 - Vert Paradis
14h10 - Gerry 16h40 - Retour à Kotelnitch 19h10 - The Merry Widow 21h40 - Nous ne vieillirons pas ensemble
11.07 . dimanche
13h40 - Alila 16h10 - The Return of the Pink Panther 18h40 - America America 22h00 - Cat People
14h10 - Nous ne vieillirons pas ensemble 16h40 - American Splendor 19h10 - The Private Life of Sh. Holmes 21h40 - Khamosh Pani
12.07 . lundi
13h40 - American Splendor 16h10 - Histoire d’un secret 18h40 - Cat People 20h30 - America America
14h10 - The Private Life of Sh. Holmes 16h40 - Gerry 19h10 - Retour à Kotelnitch 21h40 - Zabriskie Point
13.07 . mardi
13h40 - Vert Paradis 16h10 - Alila 18h40 - A Face in the Crowd 21h10 - Histoire d’un secret
14h10 - Khamosh Pani 16h40 - The Private Life of Sh. Holmes 19h10 - Zabriskie Point 21h40 - Retour à Kotelnitch
14.07 . mercredi
13h40 - Alila 16h10 - American Splendor 18h40 - Vert Paradis 21h10 - Roberto Succo
14h10 - Retour à Kotelnitch 16h40 - Khamosh Pani 19h10 - The Private Life of Sh. Holmes 21h40 - Zabriskie Point
15.07 . jeudi
13h40 - America America 17h00 - Cat People 18h40 - Histoire d’un secret 21h10 - Alila
14h10 - Zabriskie Point 16h40 - La Vie de Brian 19h10 - Khamosh Pani 21h40 - Le Serviteur de Kali
16.07 . vendredi
13h40 - Les Egarés 16h10 - Roberto Succo 18h40 - Alila 21h10 - Vert Paradis
14h10 - La Vie de Brian 16h40 - Nous ne vieillirons pas ensemble 19h10 - Zabriskie Point 21h40 - The Private Life of Sh. Holmes
17.07 . samedi
13h40 - Un film parlé 16h10 - America America 19h30 - Cat People 21h10 - American Splendor
14h10 - Khamosh Pani 16h40 - Zabriskie Point 19h10 - Le Serviteur de Kali 21h40 - Nous ne vieillirons pas ensemble
18.07 . dimanche
13h40 - American Splendor 16h10 - Alila 18h40 - Roberto Succo 21h10 - Histoire d’un secret
14h10 - The Private Life of Sh. Holmes 16h40 - Retour à Kotelnitch 19h10 - La Vie de Brian 21h40 - Les Egarés
19.07 . lundi
13h40 - Histoire d’un secret 16h10 - Le Serviteur de Kali 18h40 - America America 22h00 - Cat People
14h10 - Les Egarés 16h40 - The Private Life of Sh. Holmes 19h10 - Retour à Kotelnitch 21h40 - Khamosh Pani
20.07 . mardi
13h40 - Roberto Succo 16h10 - Un film parlé 18h40 - Cat People 20h30 - America America
14h10 - Le Serviteur de Kali 16h40 - Les Egarés 19h10 - Nous ne vieillirons pas ensemble 21h40 - La Vie de Brian

21.07 . mercredi
13h40 - Cat People 16h10 - Turning Gate 18h40 - Memories of Murder 21h10 - Roberto Succo
14h10 - La Vie de Brian 16h40 - Dix-sept ans 19h10 - The Private Life of Sh. Holmes 21h40 - Punishment Park
22.07 . jeudi
13h40 - It’s a Wonderful Life 16h10 - Memories of Murder 18h40 - Turning Gate 21h10 - The Arrangement
14h10 - To Die For 16h40 - Le Serviteur de Kali 19h10 - Les Egarés 21h40 - La Vie de Brian
23.07 . vendredi
101
13h40 - American Splendor 16h10 - It’s a Wonderful Life 18h40 - Roberto Succo 21h10 - Un film parlé
14h10 - Punishment Park 16h40 - To Die For 19h10 - Le Serviteur de Kali 21h40 -The Private Life of Sh. Holmes
24.07 . samedi
13h40 - The Arrangement 16h10 - Cat People 18h40 - It’s a Wonderful Life 21h10 - Turning Gate
14h10 - Zabriskie Point 16h40 - Les Egarés 19h10 - Punishment Park 21h40 - Dix-sept ans
25.07 . dimanche
13h40 - Turning Gate 16h10 - Roberto Succo 18h40 - The Arrangement 21h10 - Memories of Murder
14h10 - Le Serviteur de Kali 16h40 - The Private Life of Sh. Holmes 19h10 - Un film parlé 21h40 - To Die For
26.07 . lundi
13h40 - Roberto Succo 16h10 - The Arrangement 18h40 - American Splendor 21h10 - Sang et or
14h10 - Dix-sept ans 16h40 - La Vie de Brian 19h10 - To Die For 21h40 - Zabriskie Point
27.07 . mardi
13h40 - Memories of Murder 16h10 - Sang et or 18h40 - Turning Gate 21h10 - It’s a Wonderful Life
14h10 - The Private Life of Sh. Holmes 16h40 - Punishment Park 19h10 - Les Egarés 21h40 - Le Serviteur de Kali
28.07 . mercredi
13h40 - Histoire de Marie et Julien 16h30 - Dix-sept ans 18h40 - The Arrangement 21h10 - Wanda
14h10 - La Vie de Brian 16h40 - Un film parlé 19h10 - Punishment Park 21h40 - Les Egarés
29.07 . jeudi
13h40 - Wanda 16h10 - Memories of Murder 18h40 - The Dead Zone 21h10 - The Arrangement
14h10 - Punishment Park 16h40 - Tornando a Casa 19h10 - Un film parlé 21h40 - To Die For
30.07 . vendredi
13h40 - The Arrangement 16h10 - Histoire de Marie et Julien 19h00 - Dix-sept ans 21h10 - Turning Gate
14h10 - Tornando a Casa 16h40 - To Die For 19h10 - It’s a Wonderful Life 21h40 - La Vie de Brian
31.07 . samedi
13h40 - Memories of Murder 16h10 - The Arrangement 18h40 - Wanda 21h10 - The Dead Zone
14h10 - To Die For 16h40 - The Private Life of Sh. Holmes 19h10 - Tornando a Casa 21h40 - Un film parlé
1.08 . dimanche
13h40 - Turning Gate 16h10 - Wanda 18h40 - Histoire de Marie et Julien 21h30 - Dix-sept ans
14h10 - Les Egarés 16h40 - Punishment Park 19h10 - La Vie de Brian 21h40 - My Life Without Me
2.08 . lundi
13h40 - Turning Gate 16h10 - The Dead Zone 18h40 - Memories of Murder 21h10 - Histoire de Marie et Julien
14h10 - Sang et or 16h40 - My Life Without Me 19h10 - To Die For 21h40 - Punishment Park
3.08 . mardi
HEURE
DE SÉANCE
VOORSTELLING-
UUR !!!
13h40 - The Dead Zone 16h10 - Sang et or 18h40 - Turning Gate 21h10 - Wanda
14h10 - Un film parlé 16h40 - It’s a Wonderful Life 19h10 - The Private Life of Sh. Holmes 21h40 - Tornando a Casa

4.08 . mercredi
13h40 - It’s a Wonderful Life 16h10 - Wanda 18h40 - Memories of Murder 21h10 - Turning Gate
14h10 - Broken Wings 16h40 - The Dead Zone 19h10 - Sang et or 21h40 - Un film parlé
5.08 . jeudi
13h40 - Histoire de Marie et Julien 16h30 - Tornando a Casa 18h40 - Wanda 21h30 - Genres d’à côté
14h10 - Mr Arkadin 16h40 - Le Sens de la vie 19h10 - The Dead Zone 21h40 - Broken Wings
6.08 . vendredi
13h40 - Turning Gate 16h10 - Memories of Murder 18h40 - Mes petites amoureuses 21h10 - Wanda
14h10 - Sang et or 16h40 - Broken Wings 19h10 - Un film parlé 21h40 - The Dead Zone
7.08 . samedi
13h40 - Mes petites amoureuses 16h10 - Histoire de Marie et Julien 19h00 - Tornando a Casa 21h10 - Memories of Murder
14h10 - Bright Leaves 16h40 - Sang et or 19h10 - Le Sens de la vie 21h40 - Mr Arkadin
8.08 . dimanche
13h40 - Wanda 16h10 - Turning Gate 18h40 - Mr Arkadin 21h10 - It’s a Wonderful Life
14h10 - The Dead Zone 16h40 - Un film parlé 19h10 - Broken Wings 21h40 - My Life Without Me
9.08 . lundi
13h40 - My Life Without Me 16h10 - Mes petites amoureuses 18h40 - Histoire de Marie et Julien 21h30 - Turning Gate
14h10 - Un film parlé 16h40 - Bright Leaves 19h10 - Tornando a Casa 21h40 - Sang et or
10.08 . mardi
13h40 - Memories of Murder 16h10 - Wanda 18h40 - Turning Gate 21h10 - Histoire de Marie et Julien
14h10 - Le Sens de la vie 16h40 - Mr Arkadin 19h10 - Bright Leaves 21h40 - Tornando a Casa
11.08 . mercredi
13h40 - Splendor in the Grass 16h10 - Memories of Murder 18h40 - Wanda 21h10 - It’s a Wonderful Life
14h10 - My Life Without Me 16h40 - Mr Arkadin 19h10 - Le Sens de la vie 21h40 - The Dead Zone
12.08 . jeudi
13h40 - It’s a Wonderful Life 16h10 - Mes petites amoureuses 18h40 - Memories of Murder 21h10 - Wanda
14h10 - Broken Wings 16h40 - My Life Without Me 19h10 - La Chose publique 21h40 - Bright Leaves
13.08 . vendredi
13h40 - Mother India 17h00 - Le Faisan d’or 18h40 - It’s a Wonderful Life 21h10 - Splendor in the Grass
14h10 - Bright Leaves 16h40 - Les Nuits de Cabiria 19h10 - My Life Without Me 21h40 - Le Sens de la vie
14.08 . samedi
13h40 - Le Faisan d’or 15h20 - Mother India 18h40 - Wanda 21h10 - Memories of Murder
14h10 - Mr Arkadin 16h40 - The Dead Zone 19h10 - Bright Leaves 21h40 - La Chose publique
15.08 . dimanche
13h40 - Wanda 16h10 - It’s a Wonderful Life 18h40 - Splendor in the Grass 21h10 - Mes petites amoureuses
14h10 - La Chose publique 16h40 - Le Sens de la vie 19h10 - Les Nuits de Cabiria 21h40 - Broken Wings
16.08 . lundi
13h40 - Mes petites amoureuses 16h10 - Wanda 18h40 - Mother India 22h00 - Le Faisan d’or
14h10 - Les Nuits de Cabiria 16h40 - The Woman in the Window 19h10 - Mr Arkadin 21h40 - My Life Without Me
17.08 . mardi
13h40 - Memories of Murder 16h10 - Splendor in the Grass 18h40 - Le Faisan d’or 20h40 - Mother India
14h10 - The Woman in the Window 16h40 - La Chose publique 19h10 - Broken Wings 21h40 - Mr Arkadin
102
HEURE
DE SÉANCE
VOORSTELLING-
UUR !!!

18.08 . mercredi
13h40 - Mother India 17h00 - Le Faisan d’or 18h40 - Splendor in the Grass 21h10 - Broken Wings
14h10 - L’Esquive 16h40 - The Woman in the Window 19h10 - La Chose publique 21h40 - Le Sens de la vie
19.08 . jeudi
13h40 - Le Faisan d’or 15h20 - Mother India 18h40 - Mes petites amoureuses 21h10 - Drugstore Cowboy
14h10 - La Chose publique 16h40 - Le Sens de la vie 19h10 - Mademoiselle 21h40 - The Woman in the Window
20.08 . vendredi
13h40 - The Brown Bunny 16h10 - Broken Wings 18h40 - Le Faisan d’or 20h40 - Mother India
14h10 - Mr Arkadin 16h40 - L’Esquive 19h10 - Les Nuits de Cabiria 21h40 - Tan de Repente
21.08 . samedi
13h40 - Drugstore Cowboy 16h10 - Mes petites amoureuses 18h40 - The Brown Bunny 21h10 - La Bataille d’Alger
14h10 - Le Sens de la vie 16h40 - La Chose publique 19h10 - Tan de Repente 21h40 - Les Nuits de Cabiria
22.08 . dimanche
13h40 - Broken Wings 16h10 - Splendor in the Grass 18h40 - Mother India 22h00 - Le Faisan d’or
14h10 - The Woman in the Window 16h40 - Mr Arkadin 19h10 - L’Esquive 21h40 - Mademoiselle
23.08 . lundi
13h40 - Mes petites amoureuses 16h10 - Drugstore Cowboy 18h40 - Broken Wings 21h10 - The Brown Bunny
14h10 - Tan de Repente 16h40 - Mademoiselle 19h10 - Le Sens de la vie 21h40 - La Chose publique
24.08 . mardi
13h40 - La Bataille d’Alger 16h10 - The Brown Bunny 18h40 - Drugstore Cowboy 21h10 - Mes petites amoureuses
14h10 - Les Nuits de Cabiria 16h40 - Tan de Repente 19h10 - The Woman in the Window 21h40 - L’Esquive
25.08 . mercredi
13h40 - Saltimbank 16h10 - Broken Wings 18h40 - Comizi d’Amore 21h10 - Les Mains vides
14h10 - The Woman in the Window 16h40 - The Panic in Needle Park 19h10 - Mademoiselle 21h40 - Les Nuits de Cabiria
26.08 . jeudi
13h40 - Drugstore Cowboy 16h10 - Qui a tué Bambi? 18h40 - The Brown Bunny 21h10 - Broken Wings
14h10 - Charulata 16h40 - Shara 19h10 - Tan de Repente 21h40 - The Panic in Needle Park
27.08 . vendredi
13h40 - Son Frère 16h10 - Comizi d’Amore 18h40 - Drugstore Cowboy 21h10 - La Bataille d’Alger
14h10 - Les Nuits de Cabiria 16h40 - The Woman in the Window 19h10 - Charulata 21h40 - L’Esquive
28.08 . samedi
13h40 - Splendor in the Grass 16h10 - La Bataille d’Alger 18h40 - Les Mains vides 21h10 - Saltimbank
14h10 - L’Esquive 16h40 - Mademoiselle 19h10 - The Woman in the Window 21h40 - Tan de Repente
29.08 . dimanche
13h40 - The Brown Bunny 16h10 - Drugstore Cowboy 18h40 - La Bataille d’Alger 21h10 - Comizi d’Amore
14h10 - Tan de Repente 16h40 - Les Nuits de Cabiria 19h10 - Shara 21h40 - Charulata
30.08 . lundi
13h40 - Qui a tué Bambi? 16h10 - Saltimbank 18h40 - Broken Wings 21h10 - Drugstore Cowboy
14h10 - Mademoiselle 16h40 - Charulata 19h10 - L’Esquive 21h40 - The Woman in the Window
31.08 . mardi
13h40 - Comizi d’Amore 16h10 - Son Frère 18h40 - Saltimbank 21h10 - Splendor in the Grass
14h10 - The Panic in Needle Park 16h40 - Tan de Repente 19h10 - Les Nuits de Cabiria 21h40 - Mademoiselle
103

104

1.09 . mercredi
13h40 - La Petite Prairie aux bouleaux 16h10 - Son Frère 18h40 - Saltimbank 21h10 - Qui a tué Bambi?
14h10 - L’Esquive 16h40 - Mademoiselle 19h10 - Comizi d’Amore 21h40 - River of No Return
2.09 . jeudi
13h40 - Richter, l’insoumis 17h00 - Sylvia Kristel - Paris 18h40 - La Bataille d’Alger 21h30 - Genres d’à côté
14h10 - River of No Return 16h40 - Baby Doll 19h10 - Tan de Repente 21h40 - Shara
3.09 . vendredi
105
13h40 - Saltimbank 16h10 - Les Mains vides 18h40 - Qui a tué Bambi? 21h10 - Dead or Alive
14h10 - The Panic in Needle Park 16h40 - Charulata 19h10 - Mademoiselle 21h40 - La Petite Prairie aux bouleaux
4.09 . samedi
13h40 - La Petite Prairie aux bouleaux 16h10 - Saltimbank 18h40 - Dead or Alive II 21h10 - The Brown Bunny
14h10 - Mademoiselle 16h40 - Tan de Repente 19h10 - Baby Doll 21h40 - Charulata
5.09 . dimanche
13h40 - La Bataille d’Alger 16h10 - Richter, l’insoumis 19h20 - Sylvia Kristel - Paris 21h10 - Saltimbank
14h10 - Charulata 16h40 - River of No Return 19h10 - The Panic in Needle Park 21h40 - L’Esquive
6.09 . lundi
13h40 - Les Mains vides 16h10 - La Bataille d’Alger 19h00 - Wild Side (avant-première) 21h30 - Son Frère
14h10 - Shara 16h40 - Comizi d’Amore 19h10 - River of No Return 21h40 - Baby Doll
7.09 . mardi
13h40 - Qui a tué Bambi? 16h10 - The Brown Bunny 18h40 - La Petite Prairie aux bouleaux 21h10 - Dead or Alive III
14h10 - Baby Doll 16h40 - The Panic in Needle Park 19h10 - Charulata 21h40 - River of No Return
8.09 . mercredi
13h40 - River of No Return 16h10 - La Bataille d’Alger 18h40 - Les Mains vides 21h10 - La Petite Prairie aux bouleaux
14h10 - Qui a tué Bambi? 16h40 - Shara 19h10 - Comizi d’Amore 21h40 - Son Frère
9.09 . jeudi
13h40 - La Petite Prairie aux bouleaux 16h10 - River of No Return 18h40 - Richter, l’insoumis 22h00 - Sylvia Kristel - Paris
14h10 - Son Frère 16h40 - Baby Doll 19h10 - The Panic in Needle Park 21h40 - Comizi d’Amore
10.09 . vendredi
13h40 - Les Mains vides 16h10 - La Petite Prairie aux bouleaux 18h40 - Dead or Alive II 21h10 - La Bataille d’Alger
14h10 - Comizi d’Amore 16h40 - Qui a tué Bambi? 19h10 - The Brown Bunny 21h40 - Shara
11.09 . samedi
13h40 - River of No Return 16h10 - Les Mains vides 18h40 - Sylvia Kristel - Paris 20h20 - Richter, l’insoumis
14h10 - Baby Doll 16h40 - The Panic in Needle Park 19h10 - Qui a tué Bambi? 21h40 - The Brown Bunny
12.09 . dimanche
13h40 - La Bataille d’Alger 16h10 - La Petite Prairie aux bouleaux 18h40 - River of No Return 21h10 - Dead or Alive
14h10 - Shara 16h40 - Comizi d’Amore 19h10 - Son Frère 21h40 - Baby Doll
13.09 . lundi
13h40 - Richter, l’insoumis 17h00 - Sylvia Kristel - Paris 18h40 - La Bataille d’Alger 21h10 - River of No Return
14h10 - The Panic in Needle Park 16h40 - The Brown Bunny 19h10 - Shara 21h40 - Qui a tué Bambi?
14.09 . mardi
HEURE
DE SÉANCE
VOORSTELLING-
UUR !!!
13h40 - Sylvia Kristel - Paris 15h20 - Richter, l’insoumis 18h40 - Dead or Alive III 21h10 - Les Mains vides
14h10 - The Brown Bunny 16h40 - Son Frère 19h10 - Baby Doll 21h40 - The Panic in Needle Park

24 Hour
Party People p.5
MICHAEL WINTERBOTTOM - 1H52 - VO ST. FR
mercredi 16/6 14h10
vendredi 18/6 16h40
dimanche 20/6 19h10
mardi 22/6 21h40
dimanche 27/6 14h10
lundi 28/6 19h10
A Face
in the Crowd p.67
ELIA KAZAN - 2H03 - VO ST. FR
mercredi 30/6 16h10
samedi 3/7 21h10
lundi 5/7 13h40
mardi 6/7 18h40
mercredi 7/7 21h10
jeudi 8/7 13h40
samedi 10/7 16h10
mardi 13/7 18h40
A Streetcar
Named Desire p.68
ELIA KAZAN - 2H04 - VO ST. BIL
jeudi 17/6 16h40
vendredi 18/6 21h40
samedi 19/6 14h10
lundi 21/6 19h10
mercredi 23/6 14h10
vendredi 25/6 16h40
samedi 3/7 16h40
mardi 6/7 19h10
Alila p.81
AMOS GITAI - 2H00 - VO ST. FR
mercredi 7/7 18h40
jeudi 8/7 21h10
dimanche 11/7 13h40
mardi 13/7 16h10
mercredi 14/7 13h40
jeudi 15/7 21h10
vendredi 16/7 18h40
dimanche 18/7 16h10
America America p.69
ELIA KAZAN - 2H48 - VO ST. FR
mercredi 7/7 13h40
vendredi 9/7 15h20
dimanche 11/7 18h40
lundi 12/7 20h30
jeudi 15/7 13h40
samedi 17/7 16h10
lundi 19/7 18h40
mardi 20/7 20h30
American Splendor p.83
SHARI SPRINGER BERMAN ET ROBERT PULCINI
- 1H41 - VO ST. BIL
mercredi 7/7 21h40
vendredi 9/7 19h10
dimanche 11/7 16h40
lundi 12/7 13h40
mercredi 14/7 16h10
samedi 17/7 21h10
dimanche 18/7 13h40
vendredi 23/7 13h40
lundi 26/7 18h40
The Arrangement p.71
ELIA KAZAN - 2H05 - VO ST. FR
jeudi 22/7 21h10
samedi 24/7 13h40
dimanche 25/7 18h40
lundi 26/7 16h10
mercredi 28/7 18h40
jeudi 29/7 21h10
vendredi 30/7 13h40
samedi 31/7 16h10
Baby Doll p.72
ELIA KAZAN - 1H54 - VO ST. FR
jeudi 2/9 16h40
samedi 4/9 19h10
lundi 6/9 21h40
mardi 7/9 14h10
jeudi 9/9 16h40
samedi 11/9 14h10
dimanche 12/9 21h40
mardi 14/9 19h10
106
A-Z
La Bataille d’Alger p.29
GILLO PONTECORVO - 2H03 - VO ST. FR
samedi 21/8 21h10
mardi 24/8 13h40
vendredi 27/8 21h10
samedi 28/8 16h10
dimanche 29/8 18h40
jeudi 2/9 18h40
dimanche 5/9 13h40
lundi 6/9 16h10
mercredi 8/9 16h10
vendredi 10/9 21h10
dimanche 12/9 13h40
lundi 13/9 18h40
Boccace ‘70 p.30
COLLECTIF (DE SICA, FELLINI, MONICELLI,
VISCONTI) - 3H28 - VO ST. FR
mercredi 16/6 13h40
vendredi 18/6 15h40
dimanche 20/6 20h10
jeudi 24/6 18h10
dimanche 27/6 15h40
mardi 29/6 20h10
jeudi 1/7 13h40
vendredi 2/7 15h40
dimanche 4/7 18h00
lundi 5/7 20h10
Bright Leaves p.75
ROSS MCELWEE - 1H47 - VO ST. FR
samedi 7/8 14h10
lundi 9/8 16h40
mardi 10/8 19h10
jeudi 12/8 21h40
vendredi 13/8 14h10
samedi 14/8 19h10
Broken Wings p.6
NIR BERGMAN - 1H27 - VO ST. BIL
mercredi 4/8 14h10
jeudi 5/8 21h40
vendredi 6/8 16h40
dimanche 8/8 19h10
jeudi 12/8 14h10
dimanche 15/8 21h40
mardi 17/8 19h10
mercredi 18/8 21h10
vendredi 20/8 16h10
dimanche 22/8 13h40
lundi 23/8 18h40
mercredi 25/8 16h10
jeudi 26/8 21h10
lundi 30/8 18h40
The Brown Bunny p.7
VINCENT GALLO - 2H00 - VO ST. FR
vendredi 20/8 13h40
samedi 21/8 18h40
lundi 23/8 21h10
mardi 24/8 16h10
jeudi 26/8 18h40
dimanche 29/8 13h40
samedi 4/9 21h10
mardi 7/9 16h10
vendredi 10/9 19h10
samedi 11/9 21h40
lundi 13/9 16h40
mardi 14/9 14h10
Cat People p.31
JACQUES TOURNEUR -
1H13 - VO ST. BIL / COPIE NEUVE
mercredi 7/7 17h00
vendredi 9/7 13h40
dimanche 11/7 22h00
lundi 12/7 18h40
jeudi 15/7 17h00
samedi 17/7 19h30
lundi 19/7 22h00
mardi 20/7 18h40
mercredi 21/7 13h40
samedi 24/7 16h10

Charulata p.59
SATYAJIT RAY - 1H57 - VO ST. BIL
jeudi 26/8 14h10
vendredi 27/8 19h10
dimanche 29/8 21h40
lundi 30/8 16h40
vendredi 3/9 16h40
samedi 4/9 21h40
dimanche 5/9 14h10
mardi 7/9 19h10
La Chose publique p.8
MATHIEU AMALRIC - 1H27 - VO FR
jeudi 12/8 19h10
samedi 14/8 21h40
dimanche 15/8 14h10
mardi 17/8 16h40
mercredi 18/8 19h10
jeudi 19/8 14h10
samedi 21/8 16h40
lundi 23/8 21h40
Comizi d’Amore p.76
PIER PAOLO PASOLINI - 1H30 - VO ST. FR
mercredi 25/8 18h40
vendredi 27/8 16h10
dimanche 29/8 21h10
mardi 31/8 13h40
mercredi 1/9 19h10
lundi 6/9 16h40
mercredi 8/9 19h10
jeudi 9/9 21h40
vendredi 10/9 14h10
dimanche 12/9 16h40
Dead or Alive p.97
TAKASHI MIIKE - 1H45 - VO ST. FR
vendredi 3/9 21h10
dimanche 12/9 21h10
Dead or Alive II p.97
TAKASHI MIIKE - 1H37 - VO ST. FR
samedi 4/9 18h40
vendredi 10/9 18h40
Dead or Alive III p.97
TAKASHI MIIKE - 1H30 - VO ST. FR
mardi 7/9 21h10
mardi 14/9 18h40
The Dead Zone p.32
DAVID CRONENBERG - 1H43 - VO ST. FR /
COPIE NEUVE
jeudi 29/7 18h40
samedi 31/7 21h10
lundi 2/8 16h10
mardi 3/8 13h40
mercredi 4/8 16h40
jeudi 5/8 19h10
vendredi 6/8 21h40
dimanche 8/8 14h10
mercredi 11/8 21h40
samedi 14/8 16h40
Dix-sept ans p.77
DIDIER NION - 1H23 - VO FR
mercredi 21/7 16h40
samedi 24/7 21h40
lundi 26/7 14h10
mercredi 28/7 16h30
vendredi 30/7 19h00
dimanche 1/8 21h30
Drugstore Cowboy p.53
GUS VAN SANT - 1H40 - VO ST. BIL
jeudi 19/8 21h10
samedi 21/8 13h40
lundi 23/8 16h10
mardi 24/8 18h40
jeudi 26/8 13h40
vendredi 27/8 18h40
dimanche 29/8 16h10
lundi 30/8 21h10
Les Egarés p.84
ANDRÉ TÉCHINÉ - 1H35 - VO FR ST. NL
vendredi 16/7 13h40
dimanche 18/7 21h40
lundi 19/7 14h10
mardi 20/7 16h40
jeudi 22/7 19h10
samedi 24/7 16h40
mardi 27/7 19h10
mercredi 28/7 21h40
dimanche 1/8 14h10
Elephant p.54
GUS VAN SANT - 1H21 - VO ST. BIL
mercredi 16/6 17h30
vendredi 18/6 19h30
dimanche 20/6 13h40
mardi 22/6 21h10
jeudi 24/6 16h10
vendredi 25/6 21h10
dimanche 27/6 19h30
lundi 28/6 13h40
Elle est des nôtres p.9
SIEGRID ALNOY - 1H40 - VO FR
mercredi 16/6 19h10
vendredi 18/6 14h10
dimanche 20/6 21h40
lundi 21/6 16h40
mercredi 23/6 18h40
samedi 26/6 21h30
mercredi 30/6 18h40
samedi 3/7 13h40
107
L’Esquive p.85
ABDELLATIF KECHICHE - 1H57 - VO FR
mercredi 18/8 14h10
vendredi 20/8 16h40
dimanche 22/8 19h10
mardi 24/8 21h40
vendredi 27/8 21h40
samedi 28/8 14h10
lundi 30/8 19h10
mercredi 1/9 14h10
dimanche 5/9 21h40
Le Faisan d’or p.10
MARAT SARULU - 1H15 - VO ST. FR
vendredi 13/8 17h00
samedi 14/8 13h40
lundi 16/8 22h00
mardi 17/8 18h40
mercredi 18/8 17h00
jeudi 19/8 13h40
vendredi 20/8 18h40
dimanche 22/8 22h00
Feux rouges p.86
CÉDRIC KAHN - 1H46 - VO FR
jeudi 17/6 21h40
vendredi 18/6 19h10
samedi 19/6 16h40
lundi 21/6 14h10
mercredi 23/6 16h40
samedi 26/6 19h10
lundi 28/6 14h10
jeudi 1/7 16h40
vendredi 2/7 21h40
Gerry p.55
GUS VAN SANT - 1H43 - VO ST. BIL
mercredi 30/6 21h40
jeudi 1/7 14h10
dimanche 4/7 19h10
mardi 6/7 16h40
mercredi 7/7 19h10
jeudi 8/7 21h40
samedi 10/7 14h10
lundi 12/7 16h40
The Ghost
and Mrs Muir p.33
JOSEPH L. MANKIEWICZ - 1H44 - VO ST. FR
mercredi 16/6 16h40
jeudi 17/6 19h10
samedi 19/6 21h40
lundi 21/6 13h40
mardi 22/6 16h40
jeudi 24/6 14h10
vendredi 25/6 19h10
samedi 26/6 16h40
dimanche 27/6 19h10
mardi 29/6 21h40
HEURE
DE SÉANCE
VOORSTELLING-
UUR !!!
Gloria p.34
JOHN CASSAVETES - 2H03 - VO ST. BIL
jeudi 17/6 16h10
samedi 19/6 18h40
lundi 21/6 21h10
mardi 22/6 13h40
jeudi 24/6 13h40
vendredi 25/6 16h10
dimanche 27/6 21h10
lundi 28/6 18h40
mercredi 30/6 21h10
samedi 3/7 16h10
Greetings p.35
BRIAN DE PALMA - 1H30 - VO ST. FR
jeudi 24/6 19h10
vendredi 25/6 21h40
dimanche 27/6 16h40
mardi 29/6 14h10
jeudi 1/7 19h20
vendredi 2/7 13h40
dimanche 4/7 22h00
lundi 5/7 16h10
Histoire
de Marie et Julien p.87
JACQUES RIVETTE - 2H25 - VO FR
mercredi 28/7 13h40
vendredi 30/7 16h10
dimanche 1/8 18h40
lundi 2/8 21h10
jeudi 5/8 13h40
samedi 7/8 16h10
lundi 9/8 18h40
mardi 10/8 21h10
Histoire
d’un secret p.78
MARIANA OTERO - 1H35 - VO FR
samedi 10/7 18h40
lundi 12/7 16h10
mardi 13/7 21h10
jeudi 15/7 18h40
dimanche 18/7 21h10
lundi 19/7 13h40
Il était une fois
un merle chanteur p.60
OTAR IOSSELIANI - 1H25 - VO ST. FR
mercredi 23/6 16h10
samedi 26/6 18h40
lundi 28/6 21h10
mardi 29/6 13h40
jeudi 1/7 17h30
vendredi 2/7 19h40
dimanche 4/7 13h40
mardi 6/7 21h10

It’s a
Wonderful Life p.36
FRANK CAPRA -
2H10 - VO ST. BIL / COPIE NEUVE
jeudi 22/7 13h40
vendredi 23/7 16h10
samedi 24/7 18h40
mardi 27/7 21h10
vendredi 30/7 19h10
mardi 3/8 16h40
mercredi 4/8 13h40
dimanche 8/8 21h10
mercredi 11/8 21h10
jeudi 12/8 13h40
vendredi 13/8 18h40
dimanche 15/8 16h10
Khamosh Pani p.11
SABIHA SUMAR - 1H39 - VO ST. BIL
vendredi 2/7 19h10
samedi 3/7 21h40
lundi 5/7 21h40
mardi 6/7 14h10
mercredi 7/7 16h40
jeudi 8/7 19h10
dimanche 11/7 21h40
mardi 13/7 14h10
mercredi 14/7 16h40
jeudi 15/7 19h10
samedi 17/7 14h10
lundi 19/7 21h40
Mademoiselle p.37
TONY RICHARDSON -
1H45 - VO FR ST. NL / COPIE NEUVE
jeudi 19/8 19h10
dimanche 22/8 21h40
lundi 23/8 16h40
mercredi 25/8 19h10
samedi 28/8 16h40
lundi 30/8 14h10
mardi 31/8 21h40
mercredi 1/9 16h40
vendredi 3/9 19h10
samedi 4/9 14h10
Les Mains vides p.12
MARC RECHA - 2H10 - VO ST. FR
mercredi 25/8 21h10
samedi 28/8 18h40
vendredi 3/9 16h10
lundi 6/9 13h40
mercredi 8/9 18h40
vendredi 10/9 13h40
samedi 11/9 16h10
mardi 14/9 21h10
HEURE
DE SÉANCE
VOORSTELLING-
UUR !!!
Memories
of Murder p.13
BONG JOON-HO - 2H09 - VO ST. BIL
mercredi 21/7 18h40
jeudi 22/7 16h10
dimanche 25/7 21h10
mardi 27/7 13h40
jeudi 29/7 16h10
samedi 31/7 13h40
lundi 2/8 18h40
mercredi 4/8 18h40
vendredi 6/8 16h10
samedi 7/8 21h10
mardi 10/8 13h40
mercredi 11/8 16h10
jeudi 12/8 18h40
samedi 14/8 21h10
mardi 17/8 13h40
The Merry Widow p.38
ERNST LUBITSCH - 1H39 - VO ST. BIL
jeudi 17/6 18h40
samedi 19/6 21h10
lundi 21/6 16h10
mardi 22/6 18h40
vendredi 25/6 13h40
samedi 26/6 16h10
lundi 28/6 21h40
mardi 29/6 16h40
dimanche 4/7 14h10
mardi 6/7 21h40
jeudi 8/7 14h10
samedi 10/7 19h10
Mes petites
amoureuses p.61
JEAN EUSTACHE - 2H03 - VO FR
vendredi 6/8 18h40
samedi 7/8 13h40
lundi 9/8 16h10
jeudi 12/8 16h10
dimanche 15/8 21h10
lundi 16/8 13h40
jeudi 19/8 18h40
samedi 21/8 16h10
lundi 23/8 13h40
mardi 24/8 21h10
Mother India p.14
MEHBOOB KHAN - 2H52 - VO ST. FR
vendredi 13/8 13h40
samedi 14/8 15h20
lundi 16/8 18h40
mardi 17/8 20h40
mercredi 18/8 13h40
jeudi 19/8 15h20
vendredi 20/8 20h40
dimanche 22/8 18h40
108
Mr Arkadin p.39
ORSON WELLES -
1H39 - VO ST. BIL / COPIE NEUVE
jeudi 5/8 14h10
samedi 7/8 21h40
dimanche 8/8 18h40
mardi 10/8 16h40
mercredi 11/8 16h40
samedi 14/8 14h10
lundi 16/8 19h10
mardi 17/8 21h40
vendredi 20/8 14h10
dimanche 22/8 16h40
My Life
Without Me p.88
ISABEL COIXET - 1H42 - VO ST. BIL
dimanche 1/8 21h40
lundi 2/8 16h40
dimanche 8/8 21h40
lundi 9/8 13h40
mercredi 11/8 14h10
jeudi 12/8 16h40
vendredi 13/8 19h10
lundi 16/8 21h40
Noi Albinoi p.89
DAGUR KARI - 1H33 - VO ST. BIL
mercredi 16/6 21h40
samedi 19/6 19h10
dimanche 20/6 14h10
mardi 22/6 14h10
jeudi 24/6 16h40
mardi 29/6 19h10
mercredi 30/6 16h40
lundi 5/7 18h10
Nous ne vieillirons
pas ensemble p.62
MAURICE PIALAT - 1H46 - VO FR ST. NL
jeudi 1/7 19h10
samedi 3/7 19h10
dimanche 4/7 21h40
lundi 5/7 14h10
jeudi 8/7 16h40
samedi 10/7 21h40
dimanche 11/7 14h10
vendredi 16/7 16h40
samedi 17/7 21h40
mardi 20/7 19h10
Les Nuits
de Cabiria p.40
FEDERICO FELLINI - 1H55 - VO ST. FR
vendredi 13/8 16h40
dimanche 15/8 19h10
lundi 16/8 14h10
vendredi 20/8 19h10
samedi 21/8 21h40
mardi 24/8 14h10
mercredi 25/8 21h40
vendredi 27/8 14h10
dimanche 29/8 16h40
mardi 31/8 19h10
Oasis p.15
LEE CHANG-DONG - 2H12 - VO ST. FR
mercredi 16/6 21h10
jeudi 17/6 13h40
samedi 19/6 16h10
lundi 21/6 18h40
mercredi 23/6 21h10
vendredi 25/6 18h40
samedi 26/6 13h40
lundi 28/6 16h10
The Panic
in Needle Park p.41
JERRY SCHATZBERG - 1H49 - VO ST. FR
mercredi 25/8 16h40
jeudi 26/8 21h40
mardi 31/8 14h10
vendredi 3/9 14h10
dimanche 5/9 19h10
mardi 7/9 16h40
jeudi 9/9 19h10
samedi 11/9 16h40
lundi 13/9 14h10
mardi 14/9 21h40
La Petite Prairie
aux bouleaux p.16
MARCELINE LORIDAN-IVENS - 1H31 - VO ST. BIL
vendredi 18/6 21h10
samedi 19/6 13h40
dimanche 20/6 18h10
mardi 22/6 16h10
mercredi 23/6 13h40
jeudi 24/6 22h00
mardi 29/6 18h10
mercredi 1/9 13h40
vendredi 3/9 21h40
samedi 4/9 13h40
mardi 7/9 18h40
mercredi 8/9 21h10
jeudi 9/9 13h40
vendredi 10/9 16h10
dimanche 12/9 16h10
The Private Life
of Sherlock Holmes p.42
BILLY WILDER - 2H10 - VO ST. FR
vendredi 9/7 21h40
dimanche 11/7 19h10
lundi 12/7 14h10
mardi 13/7 16h40
mercredi 14/7 19h10
vendredi 16/7 21h40
dimanche 18/7 14h10
lundi 19/7 16h40
mercredi 21/7 19h10
vendredi 23/7 21h40
dimanche 25/7 16h40
mardi 27/7 14h10
samedi 31/7 16h40
mardi 3/8 19h10

Punishment Park p.63
PETER WATKINS - 1H28 - VO ST. FR
mercredi 21/7 21h40
vendredi 23/7 14h10
samedi 24/7 19h10
mardi 27/7 16h40
mercredi 28/7 19h10
jeudi 29/7 14h10
dimanche 1/8 16h40
lundi 2/8 21h40
Qui a tué Bambi ? p.90
GILLES MARCHAND - 2H06 - VO FR ST. NL
jeudi 26/8 16h10
lundi 30/8 13h40
mercredi 1/9 21h10
vendredi 3/9 18h40
mardi 7/9 13h40
mercredi 8/9 14h10
vendredi 10/9 16h40
samedi 11/9 19h10
lundi 13/9 21h40
Retour
à Kotelnitch p.17
EMMANUEL CARRÈRE - 1H45 - VO ST. FR
mercredi 23/6 19h10
jeudi 24/6 21h40
vendredi 25/6 14h10
lundi 28/6 16h40
jeudi 1/7 21h40
samedi 3/7 14h10
lundi 5/7 16h40
vendredi 9/7 14h10
samedi 10/7 16h40
lundi 12/7 19h10
mardi 13/7 21h40
mercredi 14/7 14h10
dimanche 18/7 16h40
lundi 19/7 19h10
The Return of
the Pink Panther p.43
BLAKE EDWARDS - 1H55 - VO ST. FR
mercredi 30/6 13h40
vendredi 2/7 21h30
samedi 3/7 18h40
mardi 6/7 16h10
jeudi 8/7 18h40
vendredi 9/7 21h10
samedi 10/7 13h40
dimanche 11/7 16h10
Richter, l’insoumis p.64
BRUNO MONSAINGEON - 2H38 - VO ST. FR
jeudi 2/9 13h40
dimanche 5/9 16h10
jeudi 9/9 18h40
samedi 11/9 20h20
lundi 13/9 13h40
mardi 14/9 15h20
River of No Return p.44
OTTO PREMINGER - 1H31 - VO ST. FR
mercredi 1/9 21h40
jeudi 2/9 14h10
dimanche 5/9 16h40
lundi 6/9 19h10
mardi 7/9 21h40
mercredi 8/9 13h40
jeudi 9/9 16h10
samedi 11/9 13h40
dimanche 12/9 18h40
lundi 13/9 21h10
Roberto Succo p.65
CÉDRIC KAHN - 2H04 - VO FR
mercredi 14/7 21h10
vendredi 16/7 16h10
dimanche 18/7 18h40
mardi 20/7 13h40
mercredi 21/7 21h10
vendredi 23/7 18h40
dimanche 25/7 16h10
lundi 26/7 13h40
S-21, la machine de
mort khmère rouge p.79
RITHY PANH - 1H41 - VO ST. FR
jeudi 17/6 14h10
dimanche 20/6 16h40
lundi 21/6 21h40
mardi 22/6 19h10
mercredi 23/6 21h40
samedi 26/6 14h10
dimanche 27/6 21h40
mercredi 30/6 14h10
vendredi 2/7 16h40
lundi 5/7 19h10
Sacré Graal p.49
TERRY JONES ET TERRY GILLIAM - 1H31 - VO
ST. FR
mercredi 16/6 19h20
jeudi 17/6 21h10
vendredi 18/6 13h40
dimanche 20/6 16h10
samedi 26/6 21h40
dimanche 27/6 13h40
mardi 29/6 16h10
mercredi 30/6 19h10
vendredi 2/7 14h10
dimanche 4/7 16h40
Saltimbank p.18
JEAN-CLAUDE BIETTE - 1H32 - VO FR
mercredi 25/8 13h40
samedi 28/8 21h10
lundi 30/8 16h10
mardi 31/8 18h40
mercredi 1/9 18h40
vendredi 3/9 13h40
samedi 4/9 16h10
dimanche 5/9 21h10
109
Sang et or p.91
JAFAR PANAHI - 1H37 - VO ST. BIL
lundi 26/7 21h10
mardi 27/7 16h10
lundi 2/8 14h10
mardi 3/8 16h10
mercredi 4/8 19h10
vendredi 6/8 14h10
samedi 7/8 16h40
lundi 9/8 21h40
Le Sens de la vie p.50
TERRY JONES ET TERRY GILLIAM - 1H47 - VO
ST. BIL
jeudi 5/8 16h40
samedi 7/8 19h10
mardi 10/8 14h10
mercredi 11/8 19h10
vendredi 13/8 21h40
dimanche 15/8 16h40
mercredi 18/8 21h40
jeudi 19/8 16h40
samedi 21/8 14h10
lundi 23/8 19h10
Le Serviteur
de Kali p.21
ADOOR GOPALAKRISHNAN - 1H32 - VO ST. FR
jeudi 15/7 21h40
samedi 17/7 19h10
lundi 19/7 16h10
mardi 20/7 14h10
jeudi 22/7 16h40
vendredi 23/7 19h10
dimanche 25/7 14h10
mardi 27/7 21h40
Shara p.92
NAOMI KAWASE - 1H39 - VO ST. BIL
jeudi 26/8 16h40
dimanche 29/8 19h10
jeudi 2/9 21h40
lundi 6/9 14h10
mercredi 8/9 16h40
vendredi 10/9 21h40
dimanche 12/9 14h10
lundi 13/9 19h10
Son Frère p.95
PATRICE CHÉREAU - 1H35 - VO FR ST. NL
vendredi 27/8 13h40
mardi 31/8 16h10
mercredi 1/9 16h10
lundi 6/9 21h30
mercredi 8/9 21h40
jeudi 9/9 14h10
dimanche 12/9 19h10
mardi 14/9 16h40
HEURE
DE SÉANCE
VOORSTELLING-
UUR !!!
Splendor
in the Grass p.73
ELIA KAZAN - 2H04 - VO ST. BIL
mercredi 11/8 13h40
vendredi 13/8 21h10
dimanche 15/8 18h40
mardi 17/8 16h10
mercredi 18/8 18h40
dimanche 22/8 16h10
samedi 28/8 13h40
mardi 31/8 21h10
Sylvia Kristel -
Paris p.22
MANON DE BOER - 0H50 - VO FR ST. ANG
jeudi 2/9 17h00
dimanche 5/9 19h20
jeudi 9/9 22h00
samedi 11/9 18h40
lundi 13/9 17h00
mardi 14/9 13h40
Tan de Repente p.23
DIEGO LERMAN - 1H34 - VO ST. FR
vendredi 20/8 21h40
samedi 21/8 19h10
lundi 23/8 14h10
mardi 24/8 16h40
jeudi 26/8 19h10
samedi 28/8 21h40
dimanche 29/8 14h10
mardi 31/8 16h40
jeudi 2/9 19h10
samedi 4/9 16h40
To Die For p.57
GUS VAN SANT - 1H46 - VO ST. BIL
jeudi 22/7 14h10
vendredi 23/7 16h40
dimanche 25/7 21h40
lundi 26/7 19h10
jeudi 29/7 21h40
vendredi 30/7 16h40
samedi 31/7 14h10
lundi 2/8 19h10
Tornando a Casa p.24
VINCENZO MARRA - 1H30 - VO ST. FR
jeudi 29/7 16h40
vendredi 30/7 14h10
samedi 31/7 19h10
mardi 3/8 21h40
jeudi 5/8 16h30
samedi 7/8 19h00
lundi 9/8 19h10
mardi 10/8 21h40

Turning Gate p.25
HONG SANG-SOO - 1H55 - VO ST. FR
mercredi 21/7 16h10
jeudi 22/7 18h40
samedi 24/7 21h10
dimanche 25/7 13h40
mardi 27/7 18h40
vendredi 30/7 21h10
dimanche 1/8 13h40
lundi 2/8 13h40
mardi 3/8 18h40
mercredi 4/8 21h10
vendredi 6/8 13h40
dimanche 8/8 16h10
lundi 9/8 21h30
mardi 10/8 18h40
Un film parlé p.26
MANOEL DE OLIVEIRA - 1H36 - VO ST. FR
samedi 17/7 13h40
mardi 20/7 16h10
vendredi 23/7 21h10
dimanche 25/7 19h10
mercredi 28/7 16h40
jeudi 29/7 19h10
samedi 31/7 21h40
mardi 3/8 14h10
mercredi 4/8 21h40
vendredi 6/8 19h10
dimanche 8/8 16h40
lundi 9/8 14h10
Vert Paradis p.27
EMMANUEL BOURDIEU - 1H38 - VO FR
dimanche 4/7 15h40
mardi 6/7 13h40
jeudi 8/7 16h10
vendredi 9/7 18h40
samedi 10/7 21h10
mardi 13/7 13h40
mercredi 14/7 18h40
vendredi 16/7 21h10
La Vie de Brian p.51
TERRY JONES - 1H34 - VO ST. FR
jeudi 15/7 16h40
vendredi 16/7 14h10
dimanche 18/7 19h10
mardi 20/7 21h40
mercredi 21/7 14h10
jeudi 22/7 21h40
lundi 26/7 16h40
mercredi 28/7 14h10
vendredi 30/7 21h40
dimanche 1/8 19h10
Genres d’à Côté
•
1 er juillet - 21h30
Deux de Werner Schroeter
(vo. fr. st. ang)
•
5 août - 21h30
The City of No Limits de Antonio Hernandez
(vo. st. bil)
•
2 septembre - 21h30
Le Soleil assasiné de Abdelkrim Bahloul
(vo. fr. st. nl)
110
Wanda p.45
BARBARA LODEN - 1H42 - VO ST. FR
mercredi 28/7 21h10
jeudi 29/7 13h40
samedi 31/7 18h40
dimanche 1/8 16h10
mardi 3/8 21h10
mercredi 4/8 16h10
jeudi 5/8 18h40
vendredi 6/8 21h10
dimanche 8/8 13h40
mardi 10/8 16h10
mercredi 11/8 18h40
jeudi 12/8 21h10
samedi 14/8 18h40
dimanche 15/8 13h40
lundi 16/8 16h10
The Woman
in the Window p.46
FRITZ LANG - 1H39 - VO ST. BIL / COPIE NEUVE
lundi 16/8 16h40
mardi 17/8 14h10
mercredi 18/8 16h40
jeudi 19/8 21h40
dimanche 22/8 14h10
mardi 24/8 19h10
mercredi 25/8 14h10
vendredi 27/8 16h40
samedi 28/8 19h10
lundi 30/8 21h40
CINÉMA ARENBERG
GALERIE DE LA REINE, 26 KONINGINNEGALERIJ
BRUXELLES 1000 BRUSSEL
RENSEIGNEMENTS ET HORAIRES :
02 512 80 63
WWW.ARENBERG.BE
EDITÉ PAR CINÉDIT ASBL
EDITEUR RESPONSABLE : THIERRY ABEL, 28
GALERIE DE LA REINE 1000 BRUXELLES
DIRECTION : THIERRY ABEL
EMAIL : INFO@CINEDIT.BE
•
ECRAN TOTAL
PROGRAMMATION : BERNARD NOËL –
INÈS DELVAUX – EMMANUEL GASPART
COORDINATION : BERNARD NOËL
RÉDACTION ET COMPILATION (TEXTES FR) :
GRÉGORY ESCOUFLAIRE, THIERRY HORGUELIN,
STÉPHAN STREKER
Zabriskie Point p.47
MICHELANGELO ANTONIONI - 1H51 - VO ST. BIL
mercredi 7/7 14h10
vendredi 9/7 16h40
lundi 12/7 21h40
mardi 13/7 19h10
mercredi 14/7 21h40
jeudi 15/7 14h10
vendredi 16/7 19h10
samedi 17/7 16h40
samedi 24/7 14h10
lundi 26/7 21h40
Wild Side
SÉBASTIEN LIFSHITZ
1H35 -VOF ST NL
lundi - 6/9 - 19h00
Avant-première
en présence
de l’équipe du film
RÉDACTION (TEXTES NL) : LUC JORIS,
MARTINE VANCUTSEM
CRÉDIT PHOTO :
LA CINÉMATHÈQUE ROYALE DE BELGIQUE
GRAPHISME : DESIGNLAB
UN GRAND MERCI À
JEAN-CHARLES TATUM POUR
SA PRÉCIEUSE COLLABORATION
•
AVEC LE SOUTIEN DE :
L’ÉCHEVINAT DE LA CULTURE
DE LA VILLE DE BRUXELLES,
LA COMMISSION COMMUNAUTAIRE FRANÇAISE
DE LA RÉGION BRUXELLOISE,
LA COMMUNAUTÉ FRANÇAISE DE BELGIQUE,
EUROPA CINEMAS - UNE INITIATIVE
DU PROGRAMME MÉDIA DES COMMUNAUTÉS
EUROPÉENNES.

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