Roman Ondak - Musée d'Art Moderne - Ville de Paris

Parcours de visite autonome
Roman Ondák
28 septembre au 16 décembre 2012
MUSEE D’ART MODERNE DE LA VILLE DE PARIS
11 Avenue du Président Wilson – 75116 Paris
Service Culturel Musée d’Art moderne de la Ville de Paris

Avant propos :
Ce livret a été conçu pour les responsables de groupes.
C’est un guide d’accompagnement destiné à la préparation de votre visite
autonome en fonction de votre projet pédagogique et de votre type d’approche.
Il propose un choix d’œuvres commentées et des clefs d’analyses d’œuvres,
pour prendre la parole en toute liberté devant les œuvres et faire participer
votre groupe.
Il comprend des extraits de textes de catalogue, de l’aide à la visite, ou
d’articles de presse…pour construire un parcours adapté au temps dont vous
disposez.
00 Introduction
Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris a proposé à Roman Ondák, l’un des
artistes phares de la scène artistique internationale, de concevoir une exposition
pour les espaces de l’ARC.
Le travail de Roman Ondák se développe généralement à partir du contexte dans
lequel il est invité à intervenir. En s’intéressant aux réminiscences, aux décalages
infimes ou aux apparences de déjà-vu, l’artiste accorde à la mémoire une valeur
centrale et offre un espace libre à l'imagination. L’exposition devient ainsi le
réceptacle d’expériences individuelles et collectives.
Au delà du principe d’une rétrospective, l’artiste entend offrir, avec cette exposition,
un panorama de ses recherches actuelles. La démarche de Roman Ondák vise à
créer des situations, des points de vue inhabituels à partir desquels le regard posé
sur le monde extérieur se transforme imperceptiblement.
Son travail s’inscrit depuis le début des années 1990 dans le sillage de l’art
conceptuel et de l’art minimal, tout en se confrontant aussi aux formes particulières
à l’Europe de l’Est. Une œuvre complexe en résulte, ouvrant sur différents niveaux
d’interprétation.
Roman Ondák est né en 1966, à Žilina (Slovaquie). Il vit et travaille à Bratislava.
Service Culturel Musée d’Art moderne de la Ville de Paris

01 Before Waiting Becomes Part of Your Life, 2010
Deux vidéoprojections, 24 vitrines, livres, catalogues
1 : 3’24, couleur, sonore, en boucle
2 : 4’16, couleur, sonore, en boucle
Galerie Martin Janda, Vienne
(Avant que l’attente fasse partie de votre vie)
Le thème de l’attente revêt un intérêt considérable pour Roman Ondák. Au lieu de la
voir comme une absence d’occupation, il l’envisage en tant qu’activité positive
incarnée par la file d’attente. Sa performance Good Feelings in Good Times (2003)
est un exemple particulièrement éloquent : elle présente une file d’attente créée
artificiellement. Il s’agit d’un clin d’œil au quotidien de la Tchécoslovaquie à l’époque
du communisme, dans les années 1970 et 1980, où Roman Ondák a grandi : les
queues devant les boutiques matérialisaient alors la situation économique du pays et
notamment l’articulation délicate entre l’offre et la demande.
L’installation Before waiting becomes part of your life, se compose de vingt-quatre
vitrines réalisées par l’artiste à partir de meubles récupérés en Slovaquie. Elles
contiennent des revues et articles de journaux relatifs aux performances d’Ondák sur
le thème de l’attente. L’ensemble est complété par deux vidéos présentant une
femme accompagnée de deux jeunes enfants – pour l’une d’elles, il s’agit de la
femme et des enfants de l’artiste. Tous patientent dans des lieux insolites (dans un
square, devant une entrée fermée, devant une petite porte en métal…) et la femme
semble enseigner aux enfants comment faire la queue correctement : la file d’attente
devient alors métaphore du développement, de la croissance.
Avec cette œuvre, Roman Ondák inscrit le thème de l’attente dans sa mythologie
personnelle : les vitrines bricolées font référence à la réappropriation d’objets, très
fréquente dans la Tchécoslovaquie communiste de son enfance, les archives
participent d’une rétrospective de son travail, tandis que la présence de la famille de
l’artiste achève de faire se croiser tous les plans (public, personnel, historique…)
Qui sont les personnes dans les queues ?
Roman Ondák :
« Les participants sont soit des volontaires, souvent recrutés dans des écoles
d’art, soit des acteurs. Et parfois, bien sûr, ce sont des personnes qui ne
savent pas qu’il s’agit d’une performance. Voir un groupe de gens patienter
suscite inévitablement des questions, cela peut avoir un côté clandestin, par
Service Culturel Musée d’Art moderne de la Ville de Paris

exemple. Quand on l’a fait à la foire de Frieze, le fait qu’un groupe s’agglutine
devant un stand provoquait immédiatement un attroupement qui devait avoir
des répercutions sur les ventes, mais comme il se défaisait aussi vite qu’il
s’était constitué, pour se reformer plus loin, le public était assez perplexe. A
Paris, la queue s’étendait dans la rue, devant les grilles de la Cité internationale
des arts qui jouxte le Mémorial de la Shoah, et inévitablement certaines
personnes ont pensé que c’était la file d’attente pour l’entrée du Mémorial et se
sont postées normalement derrière nous. » (Numéro # 71, Contre toute attente,
entretien avec Nicolas Trembley, mars 2006.
« Mon inspiration vient essentiellement de mon expérience « locale » »
Entretien : Roman Ondak avec Eric Mangion, Villa Arson Nice 2010
02 Untitled, 2005
Installation
Edition de trois exemplaires et une épreuve d’artiste
Collection Jörg Johnen, Berlin
Cette installation se compose d’un simple panneau blanc, maintenu par un fil tendu entre les deux
murs de la salle. On peut y lire : « DEADLINE POSTPONED UNTIL TOMORROW ». Le lecteur, qui
attend vraisemblablement qu’une information, même mystérieuse, lui soit révélée – voire qu’une
mission lui soit confiée – se trouve confronté à cette étrange réalité : la date limite est reportée jusqu’à
demain. Or, puisqu’aucune date n’est précisée, ce « lendemain » est perpétuellement reculé, et
l’attente devient infinie. Le seul point de repère auquel le visiteur puisse se rattacher est le souvenir
d’avoir lu ce message – une expérience singulière qu’il partage désormais avec les autres visiteurs.
03 Untitled (Post-it), 2005
Post-it et porte
Collection Gerwin Janke, Frankfurt
Une variation formelle sur le même thème.
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Cette salle regroupe 21 œuvres anciennes et récentes, réalisées entre 1991 et
2012. La mise en espace s’est organisée autour de Nest, première œuvre
accrochée. Roman Ondák s’est isolé un long moment dans cet espace avec les
objets juste sortis des caisses, pour créer, trouver la mise en relation des différentes
œuvres. L’accrochage a été réalisé minutieusement par l’artiste et l’équipe du
musée.
« Ce qui les décale de la réalité, ce n’est pas seulement qu’ils sont des
simulations de réalité, mais aussi que leurs fonctions spatiales et
psychologiques soient déplacées. » Standard - N°29, October/December 2010
http://www.timotheechaillou.com/conversations/roman-ondak/
Le parcours se compose de travaux de forme et d’échelle diverses, objets du
quotidien, manufacturés, objets assemblés, déplacés, détournés, transposés.
La suppression de la valeur d’usage de l’objet et son intégration dans l’espace du
musée crée un sens inédit, engendre une nouvelle signification.
« J’essaie de maintenir une certaine ambiguïté dans ma pratique, de manière à
ce que l’on ne puisse pas se contenter d’une unique interprétation. Pour
beaucoup de mes œuvres n’importe quelle analyse est susceptible d’apporter
un élément de compréhension, ou à l’inverse d’invalider une autre
interprétation. » Entretien : Roman Ondak avec Eric Mangion, Villa Arson Nice 2010
Le « ludisme » de l’œuvre : Le goût de l’artiste pour le jeu, l’amène à jouer avec les
mots, les titres, avec les idées. Ces œuvres sont pleines d’un humour surréaliste.
« L’humour est un outil pour exprimer mes pensées, comme un récipient qui
s’ouvre toujours un peu plus. Je transforme la simplicité d’une multitude de
situations quotidiennes grâce à un humour léger me permettant d’accéder à
des questions plus compliquées. L’humour rend la communication visuelle (ou
tout autre) plus facile. Des lacets défaits peuvent évoquer une protestation, la
plus légère possible, cependant à l’encontre de rien. » Standard - N°29,
October/December 2010 http://www.timotheechaillou.com/conversations/roman-ondak/
Roman Ondák aime particulièrement tous ces objets, plus particulièrement les
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pièces détachés des maisons, les objets qui racontent des histoires.
Sa passion c’est l’histoire, l’histoire de son pays, de sa famille de ses enfants et
comment cela peut se raconter à travers les objets.
Toutes les œuvres racontent une histoire, par bribes ou interrogations, une histoire
prise dans le mouvement de l’histoire de l’art, en rapport avec la vie et avec la
société moderne et contemporaine.
« […] les formes que j’utilise sont justes des convoyeurs apportant ce qui reste
au-delà de l’aspect formel. » Standard - N°29, October/December 2010
http://www.timotheechaillou.com/conversations/roman-ondak/
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04 Nest, 2012
Installation
Le nid (Nest) découvert dans une maison ancienne en démolition se love dans une
cheminée, reproduite à l’identique mais dans un autre matériau, en zinc peint.
(Matériau très léger)
Dans cette structure industrielle et minimaliste il y a une chose, qui a trait à l’univers
de l’enfance, de la famille.
Roman Ondak nous recommande de mettre nos mains de chaque coté de notre
visage, pour former des œillères nous permettant de mieux observer l’intérieur du
conduit. Si les autres visiteurs nous imitent, une action sera créée.
L’artiste aimerait que Nest soit « une des premières visions » de la salle.
05 I Turned the Window Handle, 2012
Installation
Deux poignets de fenêtre accrochées sur le mur.
La référence intuitive est du coté d’André Breton, auteur du Manifeste du surréalisme
en 1924, qui impute à l'objet trouvé le pouvoir de provoquer l'imaginaire, de produire
des images poétiques.
06 Trap, 1991
Installation
(Piège)
Assemblage incongru d’une toile blanche et d’un objet trouvé, qui perd ici sa
fonction d’usage. Un rond noir sur un rectangle blanc. Ces objets sans valeur ont une
fonction esthétique.
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07 Strayed Sputnik, 2012
Installation
Edition de trois exemplaires et une épreuve d’artiste
Le Spoutnik est un satellite, (mot russe pouvant être traduit aussi par « compagnon
de route »), ici le spoutnik est échoué, il est « pris » dans le béton, tombé, arrêté et
devient sculpture.
Le Spoutnik fait partie de la mythologie de la patrie socialisme triomphant (URSS).
http://fr.wikipedia.org/wiki/Spoutnik :
Spoutnik 1 a été le premier satellite artificiel de la Terre. Lancé par l'URSS et mis sur orbite le
4 octobre 1957, par la fusée R-7, conçue par les ingénieurs Sergueï Korolev et O. Lisovyi : pour des
raisons de secret et de sécurité, leurs noms ne sont pas dévoilés. Le KGB présente à la presse
occidentale Leonid I. Sedov, physicien membre de l'Académie des sciences de Russie, comme « le
père du Spoutnik ».
Il s'agissait d'une sphère de 58 cm de diamètre, pesant 83,6 kg. Satellisé sur une orbite elliptique à
une altitude comprise entre 230 et 950 km, il tournait autour de la Terre en environ 96 minutes.
Sa seule fonctionnalité a été l'émission d'un « bip-bip » sur les fréquences radio de 20,005 et
40,002 MHz.
Ce lancement fut vécu comme un véritable traumatisme par les États-Unis, plusieurs journaux
comparèrent cet évènement à un Pearl Harbor technologique. Il prouvait, selon eux, que les
Soviétiques possédaient la technologie pour envoyer un missile nucléaire sur le continent américain.
Si le lancement de Spoutnik 1 apparut comme un simple évènement, il a marqué le début de la course
entre les États-Unis et l'URSS pour la conquête de l'espace. Cet évènement symbolise donc le début
de la course à l'espace, qui prendra un nouvel essor avec le premier pas de Neil Armstrong sur la
Lune.
08 Retreat, 2012
Installation
Assemblage de deux éléments un parachute posé sur un cadre de table. Toujours la
même « logique » que pour le Souptnik, Roman Ondák détourne une chose faite
pour se déplacer dans l’espace en une installation figée, statique, au sol.
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09 Behind, 1998
Installation
Charnière ou fermoir à loquet sur un angle de mur. Détournement.
10 Two Walking in the Desert, 1991
Huile sur toile, fil de cuivre
Deux éléments récupérés assemblés.
11 Captured Void, 2012
Installation
(Le Vide capturé) Assemblage avec un panier à champignons. Un trou noir ? Une
chose invisible qui nous échappe ?
12 Drawer of the Enthusiast, 2012
Installation
(Le dessin de l’enthousiaste) Tiroir contenant les restes des poches de son fils. Est-
ce un portrait ?
Service Culturel Musée d’Art moderne de la Ville de Paris

13 Pit, 1991
Huile sur toile, photographie noir et blanc, fer blanc et grillage
Au départ Roman Ondák a étudié et pratiqué la peinture, ici il assemble une
photographie, une toile et du grillage, l’œuvre évoque le monde souterrain, sorte de
strate géologique…ou une tombe.
14 Outlined Stream, 2012
Installation
(Courant détourné)
Assemblage d’une chaine (évoquant un cours d’eau, un courant) et de pièces
détachées de conduits d’évacuation de vapeur…
15 Two Keyholes Facing Each Other, 2012
Installation
Deux caches serrures montées sur un socle. Un viseur ? L’artiste nous invite à
regarder par le trou de la serrure : Que voyons-nous ? Comment regarde t on ?
Comment percevons-nous ? …
Deux trous de serrures qui se font face, en référence au Baiser de Brancusi – et
l’appel à (se) regarder…
Service Culturel Musée d’Art moderne de la Ville de Paris

Constantin Brancusi (1876 1957), Le baiser, 1923-1925, Centre Pompidou MNAM
16 Sitting Door, 1998
Porte de bois découpée et charnière de piano
17 Elapsed Time, 2012
Installation
Une vitrine qui sert à protéger les objets contient un objet en verre cassé.
(Le temps passé)
18 Third Way, 2012
Installation
La troisième voie, ce titre n’a « aucun sens politique » affirme l’artiste.
19 Puddle, 2012
Installation
« Une flaque d’eau » associée à un siphon d’évier, es-ce un ready-made assisté ?
Figure référentielle de l’histoire de l’art du XXe siècle Marcel Duchamp (1887-1968)
crée le ready-made : il choisit un objet « tout fait » un porte-bouteilles, acheté au
BHV en 1913 et le nomme objet d’art. Le ready-made Porte-bouteilles est une œuvre
donnant plus à penser qu’à regarder. Il pose comme principe que l’idée a autant de
valeur que l’œuvre qu’elle peut générer. A l’écart de toute considération esthétique,
Duchamp rompt avec la « beauté moderne » et affirme « une beauté d’indifférence »
(Porte-bouteilles est présenté dans la 1ère salle de l’exposition L’art en Guerre)
20 Descending the Staircase, 2012
Installation
Galerie Martin Janda, Vienne
descending the staircase
Cette installation est réalisée à partir de la rampe d’escalier de la maison de ses
parents. Le titre (Descendant l’escalier) évoque une œuvre de Marcel Duchamp : Nu
descendant un escalier.
Service Culturel Musée d’Art moderne de la Ville de Paris

Commentaire de Marcel Duchamp au sujet du Nu descendant un escalier :
« Cette version définitive du Nu descendant un escalier, peinte en janvier
1912, fut la convergence dans mon esprit de divers intérêts, dont le cinéma,
encore en enfance, et la séparation des positions statiques dans les
chronophotographies de Marey en France, d'Eakins et Muybridge en
Amérique. Peint, comme il l'est, en sévères couleurs bois, le nu anatomique
n'existe pas, ou du moins, ne peut pas être vu, car je renonçai complètement
à l'apparence naturaliste d'un nu, ne conservant que ces quelques vingt
différentes positions statiques dans l'acte successif de la descente. Avant
d'être présenté à l'Armory Show de New York en 1913, je l'avais envoyé aux
Indépendants de Paris en février 1912, mais mes amis artistes ne l'aimèrent
pas et me demandèrent au moins d'en changer le titre. Au lieu de modifier
quoi que ce fût, je le retirai et l'exposai en octobre de la même année au
Salon de la Section d'or, cette fois sans opposition. (...) Je me sentais plus
cubiste que futuriste dans cette abstraction d'un nu descendant un escalier:
l'aspect général et le chromatisme brunâtre du tableau sont nettement
cubistes, même si le traitement du mouvement a quelques connotations futuristes. » Entretiens de
Marcel Duchamp avec le critique d’art, journaliste et écrivain français Pierre Cabanne – Paris, éd.
Belfond, 1967, rééd. Somogy, 1995.
Référence formelle :
J. E. Marey, Locomotion humaine (chronophotographie)
Service Culturel Musée d’Art moderne de la Ville de Paris
Passionné par la capture du mouvement, le physiologiste Jules-
Etienne Marey (1830-1904) met au point, en 1882, le fusil
photographique qui lui permet de photographier sur le vif un être en
mouvement. Il influencera des artistes du XX siècle comme Marcel
Duchamp ou Giacomo Balla.
21 Doorbell, 2012
Photographie trouvée par l’artiste et sonnette
R Ondák a trouvé cette photographie datant de l’époque de la Tchécoslovaquie il y a
2 ans, elle représente l’endroit où vivaient ses parents, son père travaillait dans les
montagnes. Leur maison était à l’emplacement exact de la sonnette.

22 Silence, Please, 2004
Installation
L’installation se compose d’un dessin du projet contenant cette phrase : « Des
gardiens de musée dans des uniformes des époques du passés, des années 40 » -
d’une chaise avec une veste de gardien de l’époque de la naissance de l’artiste et
d’un cartel (Silence Please, 1999-2004).
L’artiste prend continuellement des notes-esquisses qu’il expose, ici quelques coups
de crayon sur une performance possible.
Une performance de 1999 sur une situation que l’on peut rencontrer dans un musée,
l’évocation d’une présence et d’une l’absence.
23 Open Corner, 1997
Installation
Un groom, ferme porte automatique, semble fermer l’angle ouvert de la salle.
24 Within, 1998
Installation
Le loquet dans un coin du musée relie deux murs de Measuring the Universe
Service Culturel Musée d’Art moderne de la Ville de Paris

25 Measuring the Universe, 2007
Performance
Edition de deux exemplaires et une épreuve d’artiste
The Museum of Modern Art,
Fund for Twenty-First Century, New York
Roman Ondák, avec Measuring the Universe, évoque le désir de l’être humain de
prendre la mesure de l’univers. Cette œuvre, à la frontière de l’installation et de la
performance, sollicite de manière égale le personnel du musée et les visiteurs, qui la
construisent progressivement. Avec un feutre noir, un agent trace une ligne
horizontale pour marquer la taille des visiteurs qui le souhaitent et, à droite de cette
marque, le prénom du visiteur et la date de sa venue. Si le personnel du musée est
seul autorisé à écrire sur le mur, le visiteur peut choisir son emplacement. Ainsi, le
fossé qui sépare traditionnellement l’artiste et le profane est aboli. Le public fait partie
intégrante de la conception de l’œuvre, au lieu d’en être le simple témoin.
Measuring the Universe dévoile ce qui est habituellement invisible dans un musée :
les milliers de visiteurs. Désormais, leur présence sur un jour donné devient
palpable. Cependant, compte tenu du flux désordonné et de la circulation
imprévisible des visiteurs, il s’agit d’un « échantillon » du monde : la création est
éphémère et existe surtout dans l’esprit du public, d’autant plus qu’avec l’afflux des
visiteurs, les inscriptions se fondent dans une masse indéterminée, à l’instar de
l’individu qui n’est ni mesurable, ni stable, mais fluctuant.
Un acte personnel, tel qu’on le trouverait sur les murs d’une chambre d’enfant, est
donc hissé à l’échelle d’un musée. Ondák crée un espace d’expérimentation, de
réflexion, ainsi qu’un espace temporel.
« Chacune de mes œuvres illustre ma vie d’une manière ou d’une autre. Depuis
le début des années 90, et au fil des ans depuis la chute du communisme, j’ai
essayé de comprendre ma propre position, mon rôle individuel dans la société.
Mais je n’ai jamais souhaité documenter ces sentiments, ces principes de
manière littérale. Ce qui m’intéresse, c’est de les transformer en objets ou en
situations dotées de qualités plus abstraites, compréhensibles et perceptibles
dans divers contextes culturels. » Entretien : Roman Ondák avec Eric Mangion, Villa
Arson Nice 2010
Service Culturel Musée d’Art moderne de la Ville de Paris

26 Futuropolis, 2006
Serie de 100 dessins réalisés par des connaissances
et des prochesde Roman Ondák leur demandant de dessiner
leur vision de la “ville du futur”
Galerie Martin Janda, Vienne
Roman Ondák a invité sa famille et ses amis à réaliser des dessins sur le thème de
la ville du futur. Il en est résulté Futuropolis, une série de cent dessins présentée
dans l’exposition.
On remarque la variété de style de ces œuvres graphiques, mais aussi la multiplicité
des points de vue des créateurs, bien qu’ils aient tous reçu la même consigne de
départ. Dans certains dessins se côtoient des véhicules volants, des maisons
étranges, qui traduisent une conception du futur nourrie par les médias. L’artiste
aime à faire participer son entourage à ses œuvres.
En 2000, avec Common Trip, il avait déjà demandé à ses proches de réaliser des
dessins à partir des descriptions données des lieux qu’il avait visités.
Avec Futuropolis, il les laisse libres de s’exprimer à leur guise, niant par là même le
principe traditionnel de la marque de l’artiste en tant que preuve d’authenticité.
« En impliquant des gens extérieurs au système artistique, comme ceux issus de
mon entourage ou du public, j’aime provoquer des situations dans lesquelles ces
deux systèmes peuvent se fondre » Roman Ondák
27 Butterfly, 2007
Vidéoprojection, couleur, muet
Edition de cinq exemplaires et deux épreuves d’artiste
Une vidéo pour conclure l’exposition…
Service Culturel Musée d’Art moderne de la Ville de Paris

L’ARTISTE
“I think that I was creative from an early age, but I suppose one can say that about every
child. What I remember is that I wanted to change many things around me, to transform them
into something else. There’s a story from my childhood my parents like to tell: when I was
only tree years old I destroyed part of a wooden floor in the house by hammering fifty or so
nails into it in order to make a small fence for a little garden. Actually my parents weren’t
upset by this; rather they were quite surprised that despite my young age the fence had a
very orderly, rectangular shape. This story says something about how my parents supported
me in creating my own freedom and universe as an artist from the very beginning. During the
1970s and 1980s, all this inner idealism was slowly ground down and eroded by communist
corruption and the tricks of propaganda. So the belief that I could someday become an artist
seemed too idealistic.”
Roman Ondák Notebook, 2012, published on the occasion of the "Artist of the Year 2012" prize
awarded to him by the Deutsche Bank for his artistic work. Edited by Deutsche Bank, page 13.
« […] il (Roman Ondák) nous plonge en pleine période communiste et nous raconte
l’histoire de cet étudiant qui, une année après son entrée aux Beaux-arts de Bratislava, voit
le système renversé en novembre 1989, suite à la chute du mur de Berlin. « En deux mois,
tout a changé pour nous. Nous n’étions pas limités au réalisme et aux anciens, nous avions
le droit de faire des choix, mais aussi de découvrir l’art contemporain et l’art conceptuel,
interdits sous le communisme. » Dans cette période d’euphorie, il voyage, s’instruit, cherche
sa voie et se passionne pour le travail de Joseph Beuys et de Marcel Duchamp. Fasciné
comme ce dernier par les objets du quotidien, il les place dans un autre contexte et les vide
de leur matérialité. »
Article d’Anouchka Roggeman in L’œil, novembre 2012.
Service Culturel Musée d’Art moderne de la Ville de Paris

SES RÉFÉRENCES SONT DU COTE DE :
Voir le site de la galerie : http://www.gbagency.fr
Július Koller
Né en 1939 à Piestany, décédé en 2007.
A vécu et travaillait à Bratislava, Slovaquie.
L’œuvre de Július Koller questionne la possibilité d’une vie meilleure dans notre réalité
sociale et la mise en relation des êtres à travers l’art. Chaque pièce, chaque action est en
relation directe avec le monde réel : gestes décalés presque invisibles, entre imagination et
réalité, poésie et constat politique. Extrait de la page J Koller sur : http://www.gbagency.fr
Jiří Kovanda
Né en 1953 à Prague. Vit et travaille à Prague, République Tchèque.
Jiří Kovanda rejoint les artistes du mouvement 'body art' au milieu des années 70 et réalise
des actions (performances) minimales, discrètes dans les rues de Prague. L'activité passive
de Kovanda rejoint quelque peu le situationnisme. La plupart de ses actions corporelles se
déroulent dans la ville. Elles sont tellement intrusives qu’il est presque impossible de les
différencier de la vie réelle. A Prague dans les années 60, le mouvement Fluxus a trouvé un
écho. L'expérience politique du printemps de Prague s'est résumé en un nettoyage de
l'espace public. Jiri Kovanda utilise cet espace public comme une sphère mentale,
dématérialisée et la performance comme un processus de changement. Extrait de la page J
Kovanda sur http://www.gbagency.fr
Service Culturel Musée d’Art moderne de la Ville de Paris

POUR PREPARER VOTRE VISITE AUTONOME
La réservation est obligatoire au 01 53 67 40 80
Le groupe est limité à 30 personnes
Durée de la visite : environ 45 minutes
Billet couplé Bertille Bak/ Roman Ondák
Plein tarif : 5 € / Tarif réduit : 3,50 € / Demi-tarif : 2,50 €
Gratuit pour les moins de 14 ans
Horaires d’ouverture
Du mardi au dimanche de 10h à 18h
Nocturne le jeudi jusqu’à 22h (expositions seulement)
Fermeture le lundi et les jours fériés
L’exposition est accessible aux personnes à mobilité réduite
POUR UNE REFLEXION PLUS APPROFONDIE
Catalogue:
Roman Ondák Notebook, 2012, published on the occasion of the "Artist of the Year 2012" prize
awarded to him by the Deutsche Bank for his artistic work. Edited by Deutsche Bank.
Roman Ondák, Observations, 2012, Editor Roman Ondák, Published by Verlag der Buchhandlung
Walther König, Köln/Cologne
Guide Roman Ondák, Mousse Publishing, Verlag Der Buchhandlung Walther König
Sites :
http://www.gbagency.fr/#/fr/22/Roman_Ondak/
Service Culturel Musée d’Art moderne de la Ville de Paris