prins claus journal 1 opmaak - Prince Claus Fund

Contents/ 

Contenu 

p. 2 Organisation of the Prince Claus Fund / 

Organisation de la Fondation Prince Claus 

p. 4 The Prince Claus Fund Journal 

Introduction by the Editors 

p. 5 Le Journal de la Fondation Prince Claus 

Avant-propos de la rédaction 

p. 6 Profile of the Prince Claus Fund 

p. 7 Profil de la Fondation Prince Claus 

p. 8 The 1997 Prince Claus Awards 

Marlous Willemsen 

p. 12 Zimbabwean Lives: the Visual Arts, 

Books and National Development 

Yvonne Vera 

p. 17 An Architecture for a Latitude 

Bruno Stagno 

p. 21 Faut-il encore souhaiter le développement? 

Gomdaogo Pierre Nakoulima 

p. 27 Développements actuels en relation avec 

le trafic illicite des biens culturels en Afrique 

Shaje’a Tshiluila 

p. 30 Le temps des écrivains: des livres et 

des racines 

Abdelkader Djemaï 

p. 35 Works of Art / 

Oeuvres d’art 

p. 48 For the Transcultural Record 

Paul Gilroy 

p. 55 Internationalism and the Arts: 

Theory and Practice 

Els van der Plas 

p. 59 Activities supported by the 

Prince Claus Fund / 

Activités soutenues par la 

Fondation Prince Claus 

Recent publications / 

Publications récentes 

Prince Claus Fund Journal #1 1

Board of the Prince Claus Fund / 

Comité de Direction de la Fondation Prince Claus 

HRH Prince Claus of the Netherlands, 

Honorary Chairman 

Professor Anke Niehof, Chairperson 

Professor of Sociology at the Agricultural University, 

Wageningen 

Adriaan van Dis, Vice-Chairman 

Writer 

Radinck Jan van Vollenhoven, Treasurer 

Policy Advisor, Netherlands Ministry of Foreign Affairs, 

The Hague 

Dr. Louk de la Rive Box, Secretary 

Director of the European Centre for Development 

Policy Management, Maastricht 

Dr. Piet Hein Houben 

Former Ambassador of the Netherlands 

Professor Lolle Nauta 

Professor Emeritus of Social Philosophy at the 

University of Groningen 

Anil S. Ramdas 

Essayist 

Edith Sizoo 

International Coordinator of Réseau Cultures et 

Développement, Brussels, Belgium 

Professor Adriaan van der Staay 

Professor of Cultural Politics and Cultural Critique at 

the Erasmus University, Rotterdam 

Peter Struycken 

Artist 

Office / Bureaux 

Els van der Plas, Director 

Cora Taal, Executive Secretary 

Marlous Willemsen, Policy Officer 

Nicole Planjer, Projects Coordinator 

Fernand Pahud de Mortanges, Documentation 

Coordinator 

Organisation 

International Advisory Board / 

Conseil International 

Dr. Richard E. Leakey,promoter of culture, 

Nairobi, Kenya 

Joséphine Ouédraogo, Director of the Centre 

africain de la femme, Addis Ababa, Ethiopia 

Dr. Selma Al-Radi, American Insitute for Yemeni 

Studies, Sana’a,Yemen; New York, USA 

1998 Prince Claus Awards Committee / 

Comité des Prix Prince Claus pour 1998 

Professor Adriaan van der Staay, Chairman, 

member of the Board of the Prince Claus Fund 

Professor Charles Correa,architect, 

New Delhi, India 

Emile Fallaux,President of the Hubert Bals Fonds, 

Amsterdam, the Netherlands 

Mai Ghoussoub, Director of El-Saqi Publishers and 

Bookshop, London, UK; Beirut, Lebanon 

Gaston Kaboré, film director, Ouagadougou, 

Burkina Faso 

Gerardo Mosquera, curator and art critic, 

Havana, Cuba 

1998 Committee for Third-party Activities / 

Comité des Activités des Tiers pour 1998 

Ritseart ten Cate, Director of Dasarts,Amsterdam, 

the Netherlands 

Huib Haringhuizen,Artistic Director of the Soeterijn 

Theatre,Amsterdam, the Netherlands 

Edith Sizoo, member of the Board of the 

Prince Claus Fund 

Peter Struycken, member of the Board of 

the Prince Claus Fund 

The policy of the Prince Claus Fund is based on 

the outcome of the conference ‘Culture and 

Development’, held in the Palace Noordeinde, 

The Hague, the Netherlands, from 8 to 10 May 

1997. Among the participants were intellectuals 

from various parts of the world: Professor Gelia 

Castillo, development expert from the Philippines, 

the Israeli philosopher Professor Avishai 

Margalit, Professor Achille Mbembe, historian 

based in Senegal, the Cuban art critic and curator 

Gerardo Mosquera, Rosalie Ouaba, expert on 

women and development from Burkina Faso, 

Marie-Angélique Savané, Senegalese expert on 

women and development, and the Ghanaian 

philosopher Professor Kwasi Wiredu. In addition, 

the Honorary Chairman and the members of the 

Board of the Prince Claus Fund and the Fund’s 

Director participated. 

From the left, standing between 

the columns: Avishai Margalit, 

Nicole Planjer, Lolle Nauta, 

Anil Ramdas, Piet-Hein 

Houben. From the left, standing 

on the stairs: 

Gelia Castillo, HRH Prince 

Claus of the Netherlands, 

Rosalie Ouaba, Gerardo 

Mosquera, HM the Queen 

of the Netherlands, 

Els van der Plas, Edith Sizoo 

Next row, from the left: 

Anke Niehof, Marie- 

Angélique Savané,Achille 

Mbembe, Kwasi Wiredu, 

Adriaan van Dis, Peter 

Struycken. Back row, from the 

left: Adriaan van der Staay, 

Louk de la Rive Box 

Les résultats de la conférence ‘Culture et développement’, 

qui a eu lieu au Palais Noordeinde à La 

Haye aux Pay-Bas du 8 au 10 mai 1997, forment la 

base du plan de la politique à suivre de la Fondation 

Prince Claus. Parmi les participants se 

trouvaient le Président d’honneur et les membres 

du Comité de direction de la Fondation et la 

directrice, ainsi que des intellectuels de tous les 

coins du monde. 

2 Prince Claus Fund Journal # 1 Prince Claus Fund Journal #1 3

The Prince Claus Fund Journal reflects the aims 

of the Prince Claus Fund and highlights its activities. 

The Fund seeks to provide a global platform 

for intellectual debate concerning shared values 

within an intercultural framework. It supports 

discussion and stimulates exchanges in the field 

of the arts and the humanities. The Fund – and 

likewise the Journal – acts as an interested 

listener, a partner in discussion and a catalyst for 

interesting developments. The Prince Claus Fund 

Journal reports on the outcome of activities 

initiated, supported and stimulated by the Fund. 

It also contains information on events in which 

the Fund was in some way involved. The Fund 

sees it as its task to publicise the thoughts and 

ideas represented by projects of high quality and 

inventiveness, in order to disseminate these 

throughout the world. The bilingual Journal is not 

a periodical. It appears when appropriate or 

necessary in the opinion of the Fund. The Journal 

is distributed internationally. 

The Prince Claus Awards for 1997 were announced 

on 19 December 1997 at the Royal Palace in 

Amsterdam, the Netherlands, as described in the 

first article in this issue. During this ceremony the 

Zimbabwean writer and Director of the National 

Gallery of Zimbabwe in Bulawayo, Yvonne Vera, 

gave a poetic presentation entitled ‘Zimbabwean 

Lives: Visual Arts, Books and National Development’, 

in which she emphasises the important 

role of visual art and literature in development. Her 

speech is published as the second article. One of the 

winners of a 1997 Prince Claus Award, the 

architect Bruno Stagno from Costa Rica, contributes 

his essay on syncretism of contemporary and 

tropical architecture in Central America, entitled 

‘An Architecture for a Latitude’, stressing the 

importance of intercultural dialogue within a 

contemporary architectural framework. One of 

the first conferences the Fund supported was the 

conference ‘Crisis and Development: the Role of 

Intellectuals’, presented in Abidjan, Ivory Coast, 

from 19 to 22 March 1997. The conference 

attracted African philosophers from all over the 

world. The contribution by one of the participants, 

Gomdaogo Pierre Nakoulima from Burkina Faso, 

can be read in this Journal: ‘Faut-il encore 

souhaiter le développement?’. In addition to the 

conference on African philosophy, the Fund 

contributed to the ICOM conference held in 

The Prince Claus 

Fund Journal 

Introduction by 

the Editors 

The Prince Claus Fund 

believes that globalisation 

need not take place at the 

expense of individual 

identity. Nor should a 

strong individual identity 

stand in the way of a 

cosmopolitan world 

citizenship. On the basis of 

these principles 

the Fund stimulates and 

supports culture and 

development at local, 

national and international 

levels, focusing on 

countries in Latin America 

(including the Caribbean), 

Asia and in particular 

Africa. 

December 1997 in Amsterdam on the important 

theme ‘Développements actuels en relation avec 

le traffic illicite des biens culturels en Afrique’. 

One of the participants, Shaje’a Tshiluila from the 

National Museum of Kinshasha, Congo, has 

written an essay on the Congolese jurisprudence 

relating to this illegal traffic, a subject which also 

Yvonne Vera touches on in her speech. The 

writers’ festival ‘The Time of the Writer’, on 

literature in the African continent, was also an 

interesting gathering of intellectuals and writers 

and most worthy of the Fund’s support. The 

Algerian writer Abdelkader Djemaï, one of the 

participants at the festival held in March 1998 in 

Durban, South Africa, comments on this meeting. 

The Fund embarked on its publication policy in 

1997 by supporting a major publication, the 

catalogue of the 1997 Biennale in Johannesburg, 

South Africa, entitled ‘Trade Routes: History and 

Geography’. The London-based Paul Gilroy wrote 

‘For the Transcultural Record’ for the catalogue, 

an essay which is entitled to a wider international 

audience. Also touching on the visual arts in the 

non-Western world is the paper read by the 

Director of the Fund, Els van der Plas, on 

‘Internationalism and the Arts: Theory and 

Practice’. It was given at the conference ‘Visions 

of African Cultural Co-operation and Development’, 

organised from 30 March to 2 April 1998 

in Stockholm, Sweden, as an agora to the Unesco 

conference on the power of culture. 

This Journal also includes reviews and announcements 

of certain projects supported by the Fund. 

Finally it presents short résumés of recent publications 

relating to non-Western culture. 

The artworks featured in this issue, are by artists 

who have had work displayed in the office of the 

Prince Claus Fund in The Hague, the Netherlands, 

during 1997 and 1998. 

Le Journal de la Fondation Prince Claus reflète les 

objectifs de la Fondation et met en lumière ses 

activités. La Fondation entend créer un espace, au 

niveau mondial, où il sera possible de débattre des 

valeurs communes que partagent les différentes 

cultures; elle soutient les discussions et stimule 

les échanges dans le domaine des arts et des 

sciences humaines. La Fondation – ainsi que le 

Journal – se considère comme un interlocuteur 

attentif, et aimerait jouer un rôle de catalyseur 

pour des projets pertinents. Le Journal tient ses 

lecteurs au courant des activités entreprises et 

encouragées par la Fondation. Il publie également 

des informations concernant les manifestations 

culturelles auxquelles elle a pris part d’une 

manière ou d’une autre. L’une des tâches de la 

Fondation est de faire connaître et de répandre à 

travers le monde les idées, les visions, qui sont à la 

base de différents projets culturels marqués par 

leur grande qualité et originalité. Le Journal 

bilingue n’est pas un périodique. Il paraît, non 

pas à date fixe, mais lorsque la Fondation le juge 

bon ou nécessaire. Il est diffusé à échelle 

internationale. 

Les Prix Prince Claus pour 1997 ont été décernés 

le 19 décembre 1997 au Palais Royal d’Amsterdam 

(Pays-Bas), comme en rend compte le 

premier article de ce numéro. Pendant la cérémonie, 

Yvonne Vera, écrivain de Zimbabwe et 

directrice de la National Gallery de Zimbabwe 

à Bulawayo, insista dans une conférence fort 

poétique, intitulée ‘Zimbabwean Lives: the Visual 

Arts, Books and National Development’, sur le 

rôle important que jouent les arts visuels et la 

littérature dans le développement national. Son 

discours constitue le second article de ce numéro. 

L’architecte Bruno Stagno, de Costa Rica, l’un des 

lauréats du Prix Prince Claus, consacre sa contribution 

au syncrétisme entre architecture contemporaine 

et architecture tropicale en Amérique 

latine. Dans cet article, intitulé ‘An Architecture 

for a Latitude’, il souligne l’importance du dialogue 

interculturel dans le domaine de l’architecture 

contemporaine. 

L’un des premiers colloques financés par la 

Fondation s'intitulait ‘Crise et développement: le 

rôle des intellectuels’; il eut lieu à Abidjan, Côte 

d’Ivoire, du 19 au 22 mars 1997 et réunit des 

philosophes africains du monde entier. On peut 

lire dans ce journal la communication de l’un des 

Le Journal de 

la Fondation 

Prince Claus 

Avant-propos de 

la rédaction 

La Fondation Prince Claus 

est convaincue que la 

mondialisation ne doit pas 

nécessairement se faire 

aux dépens de l'identité 

individuelle. Une forte 

identité individuelle ne 

devrait pas non plus 

constituer un obstacle 

pour devenir citoyen du 

monde. C'est sur la base 

de ces principes que la 

Fondation stimule et 

soutient des activités dans 

le domaine de la culture 

et du développement, aux 

niveaux local, national et 

international, notamment 

dans les pays de 

l’Amérique latine 

(y compris les Caraïbes), 

de l’Asie et tout particulièrement 

de l’Afrique. 

participants, Gomdaogo Pierre Nakoulima, de 

Burkina Faso: ‘Faut-il encore souhaiter le développement?’ 

Outre le colloque sur la philosophie 

africaine, la Fondation a apporté son soutien 

financier au colloque de l’ICOM qui a eu lieu à 

Amsterdam en décembre 1997 et qui traitait 

du sujet crucial: ‘Développements actuels en 

relation avec le trafic illicite des biens culturels 

en Afrique’. L’un des participants, Shaje’a Tshiluila, 

du Musée national de Kinshasa (Congo) a écrit 

une étude sur la jurisprudence congolaise en 

rapport avec ce trafic illégal, sujet qu’Yvonne Vera 

aborde également dans son discours. Le festival 

littéraire intitulé ‘Le Temps des écrivains’, consacré 

à la littérature du continent africain, fut, là 

encore, une manifestation stimulante, réunissant 

des intellectuels et des écrivains, et qui méritait 

entièrement le soutien de la Fondation. Ce festival, 

organisé à Durban, Afrique du Sud, en mars 

1998, est commenté ici par l’un des participants, 

l’écrivain algérien Abdelkader Djemaï. 

La Fondation a lancé sa politique éditoriale en 

1997 en accordant son soutien à une publication 

majeure, le catalogue de la Biennale de 1997 à 

Johannesburg (Afrique du Sud) intitulé ‘Trade 

Routes: History and Geography’. Paul Gilroy, de 

Londres, publie dans ce catalogue une étude 

intitulée ‘For the Transcultural Record’ qui 

devrait intéresser un large public international. 

En mars 1998, a eu lieu à Stockholm (Suède), le 

colloque ‘Visions of African Cultural Co-operation 

and Development’ lors du congrès de l’UNESCO 

portant, lui, sur le pouvoir de la culture. Els van 

der Plas, directrice de la Fondation, a participé à 

ce colloque de Stockholm en y présentant une 

communication sous le titre ‘Internationalism 

and the Arts: Theory and Practice’, réflexion qui 

traite, là encore, des arts visuels dans le monde 

non-occidental. 

Ce journal contient également des rapports quant 

à différents projets soutenus par la Fondation et 

annonce ceux à venir. Il propose enfin des 

comptes-rendus de publications récentes concernant 

la culture du monde non-occidental. 

Les œuvres d’art reproduites dans ce numéro 

proviennent d’artistes dont l’œuvre a été exposée 

dans les locaux de la Fondation Prince Claus à La 

Haye (Pays-Bas) entre 1997 et 1998. 


The Prince Claus Fund stimulates and supports 

activities in the field of culture and development 

by granting awards, funding and producing 

publications and by financing and promoting 

networks and innovative projects. Support is 

given both to persons and to organisations 

notably in African, Asian and Latin American 

countries. Equality, respect and trust are the 

essential parameters of such partnerships; quality 

and innovation are the preconditions for support. 

The Prince Claus Fund for Culture and Development 

was established to mark the 70th birthday of 

hrh Prince Claus of the Netherlands on 6 

September 1996. It represents an appreciation of 

his lifelong efforts stressing the importance of 

culture in international co-operation and of his 

achievements in this field. 

The Fund adopts a broad and dynamic approach 

to culture, based on the concept of constant 

change. Culture is those values and processes 

which invest life with meaning through 

professional artistic achievements and academic 

work in the humanities. The Fund’s chief interest 

is in the development of ideas and ideals, the 

manner in which people give form to these ideas 

and ideals and the manner in which such ideas 

and ideals give form to society. 

The Fund stimulates exchanges between 

purveyors of culture, notably in non-Western 

countries, exchanges designed to push back both 

national and disciplinary frontiers. Such 

exchanges encourage critical reflection on one’s 

own culture and that of others, and at the same 

time generate cultural self-confidence. The Fund 

also hopes to contribute to a critical reflection on 

the cultural foundations of international cooperation. 

The Prince CLaus Fund envisages a worldwide 

platform for the intellectual debate on shared 

values, in the form of meetings, discussions, 

lectures and publications. All too often this debate 

is dismissed as useless and unnecessary. 

Appreciation and stimulation will attract greater 

recognition and esteem, facilitating the 

propagation of important ideas. 

The Fund is especially interested in supporting 

rising artists and budding intellectuals. 

Profile of the 


The Fund’s activities are fourfold: 

Awards 

In order to support artistic and intellectual initiatives 

of high quality and strong social commitments, 

the Prince Claus Fund annually grants a 

varying number of awards as an expression of 

appreciation of an individual, a group or an 

organisation. Each year the Fund invites persons 

active in the field of culture and development to 

propose candidates for an award. 

Exchanges 

With the aim of stimulating the worldwide 

cultural debate, the Fund encourages exchanges 

on topics related to culture and development. The 

Fund supports intercultural networks and the 

organisation of conferences and meetings at 

various venues, primarily in Africa, Asia and Latin 

America. Initiatives will be taken by the Fund in 

this connection and requests for support will also 

be taken into consideration. 

Publications 

It is the policy of the Fund both to produce and to 

support publications, which address significant 

issues in the field of culture and development. 

The Fund also supports intercultural translation 

programmes. 

Third-party activities 

This includes support for activities and initiatives 

of third parties which are in line with the policy 

adhered to by the Fund, focusing on innovation 

and experiment. 

La Fondation Prince Claus encourage et soutient 

des activités dans le domaine de la culture et du 

développement, en décernant des prix, en 

subventionnant et en publiant des ouvrages et en 

encourageant la création de réseaux et de projets 

novateurs. La Fondation accorde son soutien à des 

personnes et à des organismes, notamment en 

Asie, en Amérique latine et plus particulièrement 

dans les pays africains. Égalité, respect et confiance 

mutuels sont les principes fondamentaux 

d’un tel partenariat; qualité et originalité sont les 

conditions préalables au soutien accordé. 

La Fondation Prince Claus pour la Culture et le 

Développement a été créée à l’occasion du 70e 

anniversaire de S.A.R. le Prince Claus des Pays- 

Bas, le 6 septembre 1996; il s’agissait d’honorer 

son œuvre et ses efforts constants pour faire 

reconnaître le rôle fondamental de la culture dans 

le cadre de la coopération internationale. 

La Fondation a opté pour une approche large et 

dynamique du phénomène culturel. Elle part du 

principe que la culture est en constante mutation. 

La culture désigne les valeurs et les processus qui 

donnent sens à la vie à travers des réalisations 

artistiques et des travaux universitaires dans le 

domaine des sciences humaines. La Fondation 

s’intéresse tout particulièrement au développement 

d’idées et d’idéaux, à la manière dont une 

société leur donne forme et, inversement, comment 

ils la modèlent. 

La Fondation stimule les échanges entre tous ceux 

qui créent la culture sous une forme ou une autre, 

notamment dans les pays non-occidentaux. Ces 

échanges permettent de dépasser les frontières, 

géographiques ou académiques. Ces échanges 

favorisent une réflexion critique réciproque sur 

chacune des cultures engagées dans ce partenariat 

et donne en même temps naissance à une prise 

de conscience culturelle. La Fondation espère 

ainsi contribuer à une réflexion critique plus 

générale concernant les fondements culturels de 

la coopération internationale. La Fondation Prince 

Claus se propose de créer un espace mondial 

pour un débat d’idées sur les valeurs partagées, et 

ceci sous la forme de ren contres, de discussions, 

de conférences et de publications d’ouvrages. Ce 

débat est trop souvent considéré comme inutile et 

superflu. Lui accorder une importance permet 

au contraire de valoriser les différentes cultures 

et de diffuser des idées fondamentales. 

Profil de la Fondation 


La Fondation soutient tout particulièrement des 

artistes débutants et de jeunes intellectuels. 

La Fondation distingue quatre types de soutien: 

Prix 

Pour soutenir des projets artistiques et intellectuels 

de haut niveau, marqués par un engagement 

social important, la Fondation Prince Claus 

décerne chaque année des prix (dont le nombre 

peut varier), exprimant ainsi son estime pour un 

individu, un groupe ou un organisme. La Fondation 

invite des personnes et des organismes à lui 

proposer des candidats. 

Échanges 

Afin d’apporter son concours au débat culturel 

dans le monde, la Fondation stimule les échanges 

dans le domaine de la culture et du développement. 

La Fondation soutient l’organisation de 

réseaux interculturels et de colloques ou rencontres 

en divers endroits, et tout particulièrement 

dans les régions défavorisées. La Fondation prendra 

elle-même des initiatives mais étudiera aussi 

en même temps les propositions qui lui seront 

soumises. 

Publications 

La Fondation se propose de publier et de subventionner 

des ouvrages qui traitent d’importants 

problèmes actuels dans le domaine de la culture 

et du développement. Elle soutient également des 

programmes interculturels de traduction. Ici 

encore, la Fondation prendra elle-même des initiatives 

mais étudiera aussi en même temps les 

propositions qui lui seront soumises. 

Activités de tiers 

Cette catégorie comprend le soutien à des activités 

conformes à la politique de la Fondation et qui ont 

un caractère original et novateur. 


The Prince Claus Fund concluded the year 

1997 with the presentation of the 1997 Prince 

Claus Awards.This major event, which took 

place at the Royal Palace in Amsterdam on 

19 December 1997, attracted considerable 

attention from the national and international 

media. 

The 1997 Prince Claus Awards 

The Prince Claus Awards recognise and encourage 

excellent achievements in the field of culture and 

development. The awards are presented to artists 

and intellectuals working in the field of culture and 

to organisations engaged in cultural research or the 

promotion and dissemination of culture. Recipients 

are based in African, Asian, Latin American and 

Caribbean countries. An award acknowledges the 

laureate’s contribution to cultural quality and 

diversity, to cultural preservation or critique and 

change. It honours the high quality of the 

achievement, the courage and the wider social 

impacts of the activity. 

On 9 December 1997 the first Prince Claus 

Awards were presented at the Royal Palace in 

Amsterdam. hrh Prince Claus of the Netherlands, 

Honorary Chairman of the Board of the Fund, 

presented the principal award of USD 100,000 to the 

Zimbabwe International Book Fair, represented by 

Director Trish Mbanga. Despite its modest financial 

means, the Harare-based Fair has grown into an 

important and independent meeting-place for 

publishers, writers, poets and translators, as well as 

for actors, dancers, singers and other performers. 

Commending the Zimbabwe International Book 

Fair hrh Prince Claus of the Netherlands said: 

‘The Zimbabwe International Book Fair works 

with great enthusiasm on behalf of African 

literature and publishing. The steadily growing 

production and dissemination of books in Africa, 

and the renown and popularity of African writers, 

are heavily indebted to the Fair’s activities. This is 

an extremely important development to which the 

Zimbabwe International Book Fair makes a 

substantial contribution, for literature is what 

stimulates the people’s sense of self. Writing 

down one’s history, one’s imaginings, one’s ideas 

about the future, has consequences for the de- 

8 Prince Claus Fund Journal # 1 

pri nce 

M C M 

c l a u s 

X C 

a wards 

V I I 


The ten 1997 laureates: 

The Zimbabwe 

International 

Book Fair 

CODESRIA 

Index on Censorship 

Malangatana Valente 

Ngwenya 

Joseph Hanson Kwabena 

Nketia 

Sardono W. Kusumo 

Jim Supangkat 

Bruno Stagno 

Abdeljelil Temimi 

Ernest Wamba-dia-Wamba 

page 9 

Award recipient Joseph 

Hanson Kwabena Nketia 

(left) and Kofi Ghanaba, the 

Divine Drummer, at the 

reception on the occasion of 

the award presentation in 

Ghana 

velopment of society and individuals. Special 

attention is paid to the so-called ‘zones of silence’: 

areas where writers and philosophers live who 

have no access to the international book market. 

The Zimbabwe International Book Fair offers a 

platform to those who write in their native tongue, 

in languages which are not widely understood. 

The Fair’s diverse and not exclusively mainstream 

character is reflected in the translation programme 

it has initiated. The themes selected by the 

Fair demonstrate its engagement. ... Not only does 

the Fair push back frontiers, it also crosses them.’ 

On the same day nine awards of USD 20,000 each 

were presented by the Dutch Ambassadors in the 

countries where the laureates live and work. 

A special book on all the award-winners was 

published. 

The Senegalese Council for the Development of 

Social Science Research in Africa (CODESRIA) 

received an award for maintaining and promoting 

an independent, and non-governmentally directed 

academic environment. Ethiopian sociologist 

Zenebeworke Tadesse wrote in her laudation: 

‘It is safe to conclude that Codesria’s most 

important achievement is its ability to nurture a 

critical African voice toward trends and processes 

in the continent and beyond.’ 

The magazine ‘Index on Censorship’, UK, received 

an award for its defence of freedom of speech in 

literature and academic writing, especially in many 

of the countries on which the Fund focuses. 

The Mozambican writer and biologist Mia Couto 

praised his countryman and award-winner, the 

artist and performer Malangatana Valente 

Ngwenya: ‘Malangatana’s work and voice travelled 

throughout the world, showing that there was still 

hope, that there was an African nation which 

wanted not only to receive but had something to 

give – its contribution to culture. … Guided by his 

wise hand, our future dreams fly.’ 

The award given to musicologist and composer 

Joseph Hanson Kwabena from Ghana was for 

cross-fertilising African traditional and contemporary 

musical forms. 

Dance was honoured in the person of the 

Indonesian dancer and choreographer Sardono 

W. Kusumo, who builds bridges between international 

dance, local Indonesian traditions of 

dance and the national social debate. The 

Indonesian dance critic Sal Murgiyanto called

CODESRIA staff after the 

presentation of a 1997 

Prince Claus Award to 

their organisation by the 

Netherlands Ambassador in 

Senegal, HE G.J.H.C. Kramer 

HRH Prince Claus presenting 

the Principal 1997 Prince 

Claus Award to the 

Zimbabwe International Book 

Fair, represented by Director 

Trish Mbanga 

photo: Fotobureau Thuring 

The Netherlands 

Ambassador in Indonesia, 

HE P. Brouwer, presenting a 

1997 Prince Claus Award to 

Sardono W. Kusumo 


Ambassador in Indonesia, 

HE P. Brouwer, presenting a 

1997 Prince Claus Award 

to Jim Supangkat 

him ‘a true cultural traveller and an agent of 

change’. 

Chilean-born architect Bruno Stagno, based in 

Costa Rica, received an award for promoting 

traditional tropical building techniques and 

combining them with modern techniques. 

Art critic and curator Jim Supangkat of Indonesia 

was presented with an award for guarding and 

interpreting Indonesian fine arts within the 

international context. ‘Jim Supangkat shows a 

keen interest in hybridisation in the fine arts, but 

is also able to hold his ground on the bifurcation 

of dichotomies, in the face of the tension that was 

part and parcel of the shift in meaning of 

established concepts and terms.’ This was the 

commendation from Indonesian philosopher, 

poet and art collector Toety Heraty Noerhadi. 

Historian Abdeljelil Temimi from Tunisia was 

described by the Turkish historian Ekmeleddin 

Ihsanoglu as ‘a staunch believer in scientific 

complementarity between the Arab countries and 

in academic and cultural dialogue with Turkey, 

Europe and America’. He received an award for 

building these academic bridges. 

Congolese-born philosopher Ernest Wamba-dia- 

Wamba, living and working in Tanzania, received 

an award for his commitment to the socially 

engaged philosophical debate within Africa and 

was described by his colleague Mahmood 

Mamdani as ‘a scholar of great depth and 

conviction, as … a human being of great warmth 

and gentility. … He is forever negotiating many 

boundaries and yet is – to use a word that he loves 

to use with passion – intensely aware of his own 

historical and cultural, and therefore political 

moorings.’ 

The 1997 Prince Claus Awards Committee 

consisted of Chairman Adriaan van der Staay, 

Professor of Cultural Politics and Cultural 

Critique at Erasmus University in Rotterdam and 

former Director of the Social and Cultural 

Planning Office in Rijswijk, Lolle Nauta, Emeritus 

Professor of Social Philosophy at Groningen 

University, and Anil Ramdas, essayist. 

In addition to the texts commending the winners, 

the publication on the 1997 awards also presents 

the report by the Jury and an analysis of the 

achievements of the Zimbabwe International 


Ambassador in Costa Rica, 

HE H. Gajentaan, presenting a 

1997 Prince Claus Award 

to Bruno Stagno 


Ambassador in Tunisia, 

HE H.V. Baron Bentinck van 

Schoonheten, presenting a 


Abdeljelil Temimi, in the 

presence of the Tunisian 

Minister of Culture, HE 

Abdelbaki Hermassi 

photo:Tahar Argoubi 


Ambassador in Tanzania, 

HE S. Leenstra, presenting a 


Ernest Wamba-dia-Wamba 

photo: Semu Mkakyanjala 

Anke Niehof, Chairperson of 

the Board of the Prince Claus 

Fund, announcing the 1997 

Prince Claus Awards 


Book Fair by the Director of the Prince Claus 

Fund. The book also includes articles by the two 

speakers at the award presentation at the Royal 

Palace in Amsterdam. The Ghanaian philosopher 

Kwasi Wiredu contributed an extended version of 

his lecture ‘African Philosophy and Intercultural 

Dialogue’. Yvonne Vera, Zimbabwean writer and 

Director of the National Gallery of Zimbabwe in 

Bulawayo published ‘A Voyeur’s Paradise … 

Images of Africa’. 

The 1997 Prince Claus Awards publication was 

presented to the guests at the award ceremonies 

in Amsterdam, Dakar, London, Maputo, Accra, 

Jakarta, San José, Tunis and Dar es Salaam, and 

was sent to individuals and organisations active 

in the cultural field all over the world. 

For further information on the 1997 Prince Claus Awards 

publication, see p. 65 


On the occasion of the announcement of the 

1997 Prince Claus Awards and the presentation 

of the principal award at the Royal Palace in 

Amsterdam on 19 December 1997, Yvonne 

Vera, writer and Director of the National 

Gallery of Zimbabwe in Bulawayo, delivered 

the following speech: 

Zimbabwean Lives: the Visual Arts, 

Books and National Development 

Artists are like cockroaches – besides being flatbellied 

and creepy, they hang upside down on 

walls and ceilings. From here, their vision is 

constantly swirling; their knowledge based on 

eavesdropping upon half sentences and hearsay. 

However, this kind of visual artist insists on a 

double antenna held firmly to the ground. 

As custodians of a growing Zimbabwean heritage 

in the National Gallery in Bulawayo, we are tasked 

with the creative and intellectual discipline to 

select, to nurture and to commend outstanding 

works of visual art, and to generate and improve 

upon existing talent, to train and develop artistic 

skills, to educate, to empower, and mostly, to 

celebrate. Our duty is to preserve and display 

pivotal products of our artistic endeavour. The 

mounting of any exhibition depends upon 

originality and a sincere dedication. We rely on a 

detailed and sensitive attention to the history and 

purpose of each of our gallery events. 

The relationship between the object, whatever it 

may be, and the organisation of the space within 

which it is held, are vital issues in the communication 

achieved. The viewer and the message of 

the exhibition are the main components in 

considering the gallery experience. Often there 

are intense beauties realised and profound 

emotions aroused. The gallery must be an able 

mediator. It must offer an invitation. Its function 

is to dissolve barriers between art and its 

audience. If we are esoteric and new, we must 

explain the necessity for our difference, even if 

only to ourselves. We must understand our own 

identity before we offer it; we must accept the 

nation’s understanding of our images. There 

must be dialogue. 

In my experience it is clear that whatever its 

mode, art refuses to be irrelevant. The stark 


Yvonne Vera 

Yvonne Vera, Zimbabwean 

writer and Director of the 

National Gallery of 

Zimbabwe in Bulawayo, doing 

her speech 


abstraction of a stripe across a canvass, the 

realism of overturned garbage cans in Makokoba, 

are each realisations of internal observation. We 

see, we touch, we breathe. The harsh complexity 

of our realisations forms a shadow, pure and 

resonant, on the visual space. 

An art gallery is an educational institution. It 

must teach. Where material is lacking, it is our 

duty to improvise, to identify and develop 

materials that will fulfil our aspirations. We 

cannot be dormant or complacent. The best work 

need not depend on elaborate and long 

deliberation; the product can be as sudden and 

complete as the inspiration that produces it. 

However, our task too is to encourage reflection 

on the process of art, on the history that enables it, 

on the influences and traditions that foster its 

unique resolution and endurance. Artistic insight 

is enriched by the close attention to the 

immediate, to our social environment. These 

sights impinge on the artist as complete worlds; 

the fragments become entire experiences. For 

example, the portions snatched from opaque bus 

windows become stimuli for creative endeavour – 

the view from a falling ladder, the man in a pink 

hat leading a goat, the sound of a bursting tyre, 

the dead man with the hand in his pocket. This is 

visual art and its inspiration in Zimbabwe as a 

developing community. However, as we celebrate 

the visual arts in Zimbabwe today, I am still 

stunned. Perplexed and awed by my visit a few 

months ago to the Museum Rietberg in Zurich. 

This intriguing museum is set on a breathtaking 

hill, which forms the magnificent Rieter Park. 

Villa Wesendonck, now the famous Rietberg, was 

built in 1857 and for a long time was the cultural 

centre of Zurich. The German composer Richard 

Wagner (1813-1883) lived here for several months. 

In 1952, this villa became a museum of 

‘Masterpieces of World Art’, specifically, non 

European art. It represents the art of Asia, Africa, 

the Americas and Oceania, bequeathed to the City 

of Zurich by Baron Eduard von der Heydt. My 

interest was firmly in the African Art collection. 

This collection is truly splendid, beautifully 

arranged in dramatically lit rooms. I felt drawn to 

each object, each with a remarkable and enduring 

presence, distinct, thoroughly satisfying. I felt 

elated, and moved slowly around each piece 

transposed, and strained hard to catch every

morsel from Lorenzo Homburg, who had allowed 

me a personal tour. He identified each piece as 

though he had just encountered it and hung to it 

with every breath. I understood. We walked 

together, representing two worlds, two galleries in 

separate continents. It is the act of possession 

only, of the objects of art surrounding us, which, 

unstated, we continued to negotiate. This 

argument followed us like a current, around the 

sedate rooms. When you have seen these amazing 

African masks and bodies, so finely displayed, it is 

easy not to ask any further question: each piece 

enjoys a full advantage and is viewed in a 

charming and magical atmosphere by visitors 

from throughout the world. 

I paused and looked through the large clear 

windows; the landscape tumbled downward in 

rich foliage of a yellowing, reddening autumn. 

Tall graceful trees and echoes of a somewhat blue 

sky lay in between. I imagined, as any dispossessed 

person would, the miraculous return of these 

objects to Africa. At first I felt confused; though 

the National Gallery in Bulawayo is unique and 

deserving, it seemed I would need to perform 

some dramatic act to show how much better I 

would not only preserve but show the pieces. This 

is part of the argument in the return of African 

objects to their ancestral ground. How well can 

they be kept and with what degree of affection? 

I travelled therefore, in my mind’s eye, and built 

an astounding gallery at the top of that flat hill at 

the Matopos. The Matopos are a spectacular 

heritage in Zimbabwe. They form a panorama of 

rocks that stretch for miles. 

My guide walks straight into a large mask from 

the Dogon in Mali. My heart is pounding. This is 

a Picasso or any of the moderns and to see this in 

a lived sense, rather than to theorise, is liberating. 

It is spectacular, not Picasso, but this lesson for 

the moderns discovered in African masks which 

gave them a new form, new lines, and a boldness 

they could not have invented or underestimated. 

The features are dramatic and far from naturalistic 

– nothing sedate, the exaggeration of every 

aspect of the body, and yet, how very true. 

That flush of a rare sadness returns, and I am 

disheartened that African art had to be interpreted 

as modern, as European even, before it could 

secure any advantage. And even then, it has 

struggled, argued, fought for its own precedence 

and quality. Yet, in all its fantastic surprise and 

wonder, it is a precursor for every modern artist – 

an encounter that nullified past convictions. This 

considered, I felt the emotional power of each 

piece, its sometimes rough and worn surface, its 

broken elements, and its ant-eaten vitality. 

Thoughts whirled, inconsistent, in my charmed 

mind. And again that rare sadness, the kind 

unexplainable amid such tantalising harmonies. 

A curious agony. So different because it is new to 

the mind – the African collection had been 

prepared so carefully, so sensitively, and with a 

thorough knowledge of the uniqueness of each 

object. Was there any reason to return these 

objects to Africa? Who would benefit and how? 

Each caress was evident – if there was a shadow 

from any piece, it had been carefully monitored, 

toned to bring out the essential character of each 

object. I was intrigued and mesmerised. Indeed, 

there was a timelessness about every figure. A 

visit somewhere, someplace, somehow. No longer 

in Zurich with the imposing pillars and embossed 

cornices. It was possible to see the vast universe of 

ritual and play, the potency of life that these 

figures embodied. I envied an African world, 

which had engendered, with an innate and 

flourishing ability, such an unmatched confluence 

of reason and aesthetic. I saw the marvellous 

complexity of the philosophies of that world, and 

felt humbled, yet clearer of vision. And yes, a 

stirring, of pride, in being connected however 

remotely to this ancient world. A heritage in the 

visual arts had been presented to me. I am sure 

there are many more such treasures throughout 

the world. In this unique museum, within the 

figures, some no more than ten centimetres, was 

the resonance of birth and death and flight; of 

blindness, sky and tree; of laughter, anger and 

discovery. A world not of opposites. The question 

of restitution, and of African art in the Diaspora, 

is a continuing puzzle that concerns all of us 

working in development. 

As Director of the National Gallery of Zimbabwe 

in Bulawayo, I talk of visual arts and development 

of Zimbabwean communities. However, as a 

novelist, my interest is also in the importance of 

books and of creating a reading culture for the 

enhancement of Zimbabwean lives. While – 

through a post-independence nostalgia for lost 

languages, speech patterns and traditional values 

– much importance is placed, and should be 

placed, on oral culture – folk tales, narratives, 

proverbs and inherited wisdom and values – there 

is importance in developing permanent information 

systems and ‘memory banks’ that are more 

easily accessed. 

This is not to deny that writing itself may change 

speech in the same way that, for example, sewing 

machines interrupt the perfection of certain hand 

crafts, or that a saw modifies the pattern in the 

making of masks and traditional stools. Nothing 

supersedes the internal values of things held in 

the hand – wet Mopani bark peeling through 

one’s hand, held tightly between fingers, the 

scents lapping towards these same patient hands, 

lingering, the liquid drying upon the fingers, the 

season slowly savoured. Nothing replaces this 

primary and vital contact. All that precedes 

technologies is purer to the memory. However, 

we cannot truthfully say that the use of a fork 

changes the taste of food. Writing must save 

speech and that which is cultural within it. This is 

Children at Barham Green 

School waiting to borrow 

books on a mobile library, 

Bulawayo, Zimbabwe 

not a hostile interdependence but one which has 

evolved naturally, given our historical circumstance. 

Writing is a technology. We need not 

regard it with suspicion. Our task is to involve this 

technology in addressing our fears, and our most 

pressing fear, the harshest, is loss – of environment 

and of self. As a technology, writing must be 

made not only to develop the self, but also the 

environment. I refer to environment in its 

ecological and its social sense. Writing is script, 

and a language, and a palpable record. 

Books need to be more accessible. When 

introduced with proper intention, a democratic 

relationship can be established between books 

and readers. The hierarchy that sometimes 

attends oral situations of exchange of wisdom and 

information is not as evident in a reader-book 

situation where the text, lacking as it does feet, 

arms, legs or eyes, can be told to be quiet, its pages 

flipped, turned, torn and even burnt. I cannot 

imagine doing the same unspeakable evil to my 

grandmother no matter how much I might find 

her argument inadequate. I am not encouraging 


the tearing down of books, but ideas within books 

can be examined, ideas can be torn down without 

desecrating the book itself. This is the inevitable 

fate of anything written – it waits to be examined. 

If I disagree with a book, I write another book to 

talk back to the book I have a quarrel with. Part of 

the challenge of education is just this – to help 

books talk back at each other. One of the most 

crucial books in the development of African 

identity, for example, Chinua Achebe’s ‘Things 

Fall Apart’, talked back, very eloquently to Joseph 

Conrad’s ‘Heart of Darkness’. There is no need to 

discuss who won that argument. Achebe’s example 

demonstrates that the natural idiom of a 

language, and the defence of a culture and an 

identity, can all be carried through writing. 

The Zimbabwe Rural Libraries and Resource 

Development Programme has done much to 

improve the situation of book availability in rural 

communities and the development of literacy. 

With assistance from Finland and Canada, as well 

as many other international organisations, much 

progress has been achieved in attempting to 

found a library system that meets the challenges 

of rural communities while retaining a link with 

World Library Systems. The use of donkey-drawn 

carts defeats the difficulty introduced by lack of 

usable road networks. No doubt that such services 

will soon become common and expected in our 

rural communities. Generally, the absence of 


Story session in the Young 

People’s Library, 

Bulawayo, Zimbabwe 

libraries in rural communities led to obstacles in 

the development. There is the absence of reliable 

and current information on health, services, 

education, local and world affairs; reduced 

diligent study and research methods; lack of 

information on individual rights and obligations 

and tenets of citizenship and discipline; lack of 

knowledge on health issues, the control and even 

anticipation of epidemics; lack of exchange of 

information on development schemes and projects. 

With this regard, my gratitude to the Prince Claus 

Fund, their focus on development, and their 

particular attention to Zimbabwe, is inexpressible. 

We hope that their support will reach the 

rural communities of our country. The success of 

any project of support will depend on how far it 

responds to the direct needs of the majority of the 

community; these are usually the most silenced, 

the least powerful, the unheard. 

I am referring to rural communities, to those who 

are unable to read and write, to those with no 

access to visual art materials, to children and 

young unestablished artists, and to women 

especially. The Zimbabwe International Book Fair 

has chosen ‘Children’ as a theme for 1998 – I 

applaud them and wish them success in their 

coming endeavour. 

In conclusion – I wish to emphasise the role of 

visual art in development, especially in communities 

where reading and writing is not widespread. 

To encourage self-expression, communication, 

deliberation on conflict and cultural experience; to 

explore histories; to understand bodies; to prepare 

reactions and responses; to initiate discovery; to 

promote growth and awareness; to believe in the 

taste of food; to live with caution; to die with 

abandon; to seek shelter in our dreams – the 

visual arts, the writing culture, dance and music 

form a vital mosaic in our effort at recovery. 

Further information from:The National Gallery of 

Zimbabwe in Bulawayo, 75 Main Street / Leopold 

Takawera Avenue, PO Box 1993, Bulawayo, Zimbabwe, 

fax: +263-963343 

The architect Bruno Stagno, working in Costa 

Rica, received a 1997 Prince Claus Award for 

combining concepts from tropical architecture 

with concepts of contemporary international 

architecture and in recognition of the personal, 

syncretic style, which he has developed.This style 

is stimulated and applied at the Institute for 

Tropical Architecture in San José, of which 

Stagno is the founder and Director. 

An Architecture for a Latitude 

The assimilation of international influences by 

adaptation to local conditions creates a distinctive 

style of architecture. Within this concept certain 

elements are given precedence. It stresses the 

importance of the natural environment, the built 

context, the materials available, the basis of 

cultural identity, mood and of magic sense, the 

splendour and brightness of the sun, the 

transparent sky with its iridescent colours, the 

pristine light that becomes glowering and 

dramatic before the storm, the blue hills. In short, 

these are the elements which characterise the 

spaces of a tropical latitude. By linking these 

elements I have been able, for more than 20 years, 

to study the significance of Costa Rican architecture 

and to develop the concept of environmental 

syncretism. It is the synthesis of a process and 

attitude which integrates external, appropriated 

values into local architecture, in order to improve 

and strengthen the unique character of the location. 

Only those influences are selected which can be 

adapted to traditional tropical architecture in a 

natural manner and which will enrich it. 

This may indeed be a continuous cultural process, 

one that has existed since the beginning of time, 

but it has also caused us to clarify just what we 

want, as we near the end of a century, characterised 

by the appearance of universal doctrines. 

In order to counteract this trend, it becomes 

necessary to promote general emancipation from 

this universalism. In my case, I propose my 

utopia – one that exists simultaneously with those 

of others on the planet. The architecture of this 

utopia considers factors of the local environment 

and reinforces their expression, so that the image 

of the latitude is strong and unique. The expression 

of tropical architecture should communicate 

the following: 

Bruno Stagno 

Morphological informality: the informality of 

traditional tropical architecture springs from 

the fact that it is independent of monolithic 

systems of thought and dogmatic systems of 

images. This can be interpreted as a sign of 

emancipation that, at the same time, reflects a 

respect for the immediate context. 

A sensation of openness: open spaces which, 

through their transparency promote cross-ventilation 

and integrate with the vegetation. Such 

spaces are particularly suited to this latitude. 

They are high spaces, under steep, sloping roofs, 

creating a distinct interior in spite of their openness. 

Architecture of materials: the cheap construction 

materials widely used today are concrete 

blocks, which we leave exposed in order to 

avoid maintenance. This tectonic appearance 

also conveys a distinct expression. I have also 

combined brick and concrete as a means of 

rescuing an ancestral construction technique. 

Shade in interior spaces: with clear skies and 

transparent, brilliant natural light, it is necessary to 

create interior shade that relaxes the eye. The long 

overhangs and protective roofs producing shade 

through the windows, allow people to relax in 

comfort. 

Expressive synthesis: an analysis of traditional 

architecture should lead to the revival of the 

elements that contribute in large measure to the 

expression of such architecture: the slope of the 

roof to carry water away quickly; the long overhangs 

providing shade and protection; the 

openings for breezes which dehumidify and 

refresh; textured walls. All these elements confer 

character and expression and have been constants 

throughout various periods of traditional tropical 

architecture. 

In this concise outline of Costa Rica’s architectural 

history, taking housing as the subject of the 

analysis, I should like to demonstrate how 

buildings have been adapted to the natural 

environments. 

Housing and Groupings of 

Pre-Columbian Populations 

In pre-Columbian times architecture was created 

under the thick foliage of the tropical forest. Walls 

of wooden sticks allowed breezes to pass through; 

high roofs made of vegetable material had deep 

overhangs to provide shade. The great mass of 


interior air, rapid removal of rainwater and a 

religious sense of spatial organisation are features 

which characterise this non-hermetic development 

of space. This confirms that there is no reason to 

create sealed spaces and artificial climates. 

The Colonial Period (1500-1821) 

It is interesting to compare the characteristics of 

the colonists and the indigenous people as 

exemplified by their forms of housing. The 

Spaniards introduced adobe which provided a 

new and adequate solution to the housing 

problem. The external facade of the house had few 

openings, while the interior was in the form of an 

open corridor, letting in nature and light. Other 

elements, which characterise this architecture, are 

the tiles, overhangs, and pavements and the 

wooden boards to drain away rainwater. 

The Republican Period (1821-1950) 

Around 1835, city life began to be influenced in 

many different ways by merchants and travellers. 

As a consequence, a new type of house appeared, 

a remarkable example of a harmonious integration 

of new design concepts presenting a 

specific form of architecture which was well 

ventilated and offered protection from rain and 

sun. The house with the zaguán (central 

vestibule) became the predominant dwelling type 

in the cities of the central plateau. It is characterised 

by the high central space letting in light 

and cross-ventilation. Another solution which 

emerged, influenced by the Garden City, is called 

the villa. It is a single, unattached house surrounded 

by gardens. It did not evolve from the 

adobe house but rather corresponded to imported 

models copied from the pages of catalogues and 

adapted to the climate and life of the users. 

The villa exemplifies an authentic architecture of 

syncretism. It represents international models 

modified in order to integrate them into the region 

until they finally became part of tradition. 

The Banana City (1899-1917) 

Far from the cities, banana plantations were large 

tracts of flat arable land, ready for exploitation. 

The huge multinational corporations had to think 

up production processes and methods of transportation. 

They also had to resolve the problem 

of housing thousands of workers. Banana plan- 


Bruno Stagno (1943, Chile): 

Agencia Banco, San José, 

Costa Rica, 1996 

Sala Exhibición Ford y 



page 19 



tations were veritable cities, with a complexity of 

spaces which included workers’ housing, schools, 

hospitals, churches, stores, ports for shipping the 

fruit produced and the American zone with its 

golf courses, clubs, luxury stores and landing 

strips. Banana plantation houses were built using 

local wood for the structure and skin and zinc 

sheeting for the roof. They were adapted empirically 

to their tropical environments by the addition of 

long overhangs which shielded the structure from 

the heavy rains and intense rays of the sun. 

Modern Architecture 

After World War II, the international architecture 

of the ‘Modern Movement’ exploded throughout 

the country, producing the first formal disorder in 

cities. This disorder resulted in a deviation from 

tradition. Everything that came from foreign 

countries was modern. However, nobody ever 

examined the fundamental beliefs of modernity. 

Local artists and intellectuals chose any modern 

aesthetic, but it could not be rooted in local social 

and cultural conditions. Thus, although the 

illusion of being universal by being modern was 

created, a global methodology produced negative 

results. Instead of integrating tradition and 

technology, concrete supplanted wood as the 

favoured material for construction. The long 

overhang was transformed into a thick, heavy 

cornice, the perforated facade was closed with 

cement blocks and fixed windows, and instead 

of being blended with the interior with its 

natural environment, the interior became hermetically 

sealed. 

Contemporary Architecture 

Contemporary Architecture is a positive attitude 

towards the significance of the latitude and its 

capacity to generate architecture. This new 

attitude consists of investigating the compromise 

between cultural patrimony and contemporary 

society. This will offer a form of architecture, 

which occupies the narrow zone between 

traditional tropical architecture and international 

avant-garde technologies – architecture balancing 

on the tenuous line between anachronistic kitsch 

copied from the past and ‘Third World high-tech’. 

In an effort to find a midway point, I am 

searching for a solution to the disparity which 

now exists – a solution which recognises the 

dynamism of the present while at the same time 

valuing tradition. In 1961, Paul Ricoeur proposed 

this duality in ‘Universal Civilisations and 

National Cultures’, when he remarked: ’In order 

to get on the road toward modernisation, is it 

necessary to jettison the old cultural past which 

has been the raison d’être of a nation...? Whence 

the paradox: on the one hand it has to root itself in 

the soil of its past, forge a national spirit, and 

unfurl this spiritual and cultural revindication 

before the colonist’s personality. But in order to 

take part in modern civilisation, it is necessary at 

the same time to take part in scientific, technical, 

and political rationality, something which very 

often requires the pure and simple abandon of a 

whole cultural past’. 1 

There is a new consciousness that returns to 

previous forms of cultural expression out of 

a respect for the environment. New buildings 

1. 

Frampton, Kenneth; 

Modern Architecture: a 

Critical History, Thames and 

Hudson Ltd., London, 1987, 

p. 313 

clearly communicate that they were inspired by 

the formal freedom of the traditional tropical 

architecture, sensibly reclaiming elements of its 

vocabulary and expressing them in a 

contemporary manner. In these buildings we 

recognise the architectural syntax that results 

from the incorporation of long overhangs, steep 

roofs, and low-maintenance materials, recognition 

of the past played by breezes and intense 

blinding light; in other words, the incorporation 

of elements linked to the latitude and what 

happens there. This modern integration allows a 

developing society to be part of a truly contemporary 

civilisation through the creation of its own 

means of expression with images linking its 

citizens to their place and time. This objective is 

perhaps the only universal ideal within architecture, 

although in order to be successful it 

requires both collaboration and compromise on 

the part of all cultures. 

An Architecture for a Latitude 

As we face ubiquitous synchronisation, we, as 

individual consumers of culture, must also 

interpret foreign influences and adapt and transform 

them into new, vibrant and unique forms. If 

we reject them outright, we reject evolution; if we 

accept them without question, we have succumbed 

to passive assimilation. We must therefore be 

open to outside influences, but carefully screen 

them in an active and conscious spirit, taking 

advantage of the possibilities but filtering out all 

unwanted effects. How then do we, as architects, 

attempt to give physical identity to an environment 

that is constantly pushing the bounds of 

that same identity? Herein lies the debate. 

Furthermore, as a global society, we have entered 

a new type of internationalism, one which is 

no longer based on a style or an aesthetic – 

a physical realisation – but which is a mood or an 

experience. It is characterised by the fax machine, 

the Internet and high-speed transportation. With 

the daily influx of traditions and cultures 

influencing our regional environments, that 

which defines and identifies a culture remains 

intangible, not on the human scale. The architecture 

of today should therefore look towards a 

tangible and stable influence which can individualise 

the various cultures of the world. 

Nature is the only influence that will not change, 


egardless of changes in culture and tradition. 

The Finnish architect Alvar Aalto said that 

‘architecture cannot disengage itself from natural 

and human factors, on the contrary, it must never 

do so. Its function, rather, is to bring ‘nature’ even 

closer to us.’ 2 This attitude is what will help us 

sustain cultural identities and rehumanise our 

forms of architecture. 

Returning to Paul Ricoeur: attempting to answer 

to his question opens a Pandora’s box of other 

questions which are even more difficult to 

answer. There is no correct answer, nor is there a 

prescribed method for navigating this complicated 

web. However, certain characteristics do exist 

that can be used individually and critically in 

order to evaluate architectural development. The 

most important of these is memory. Inherent in 

each person and each civilisation is a memory of 

experiences, customs, and traditions. 

The Mexican architect Luis Barragán believed so 

strongly in this storehouse of knowledge that he 

used it in order to define what is now considered 

to be the modern Mexican tradition. Together 

with this memory, there are two questions which 

will help us further define a positive direction for 

a coherent relationship. The first is ‘Do I feel 

comfortable in this space?’ and is concerned with 

the individual’s relationship within the context. It 

seeks to link the experiences of the individual, his 

likes and dislikes, whims and vices, with his 

personal recognition of place. The second 

question, ‘Does the space feel comfortable in its 

context?’, is a broader question relating to 

conditions, the fabric of the city. These questions 

embrace both tradition and the desire of a society 

to move forward. Neither of the two suggests 

restrictions and neither dictates a specific design 

process, but rather both demand a high level of 

critical appraisal and analysis. Both bring to light 

a series of personal and social experiences emanating 

from the collective memory of a culture and 

the individual memories of its inhabitants. 

The direction of many of these cultures towards a 

more interconnected world is evident, but a 

certain restraint must be maintained during the 

course of development. Globalisation, as we have 

learned from the mistakes of the past, is not a 

maintenance-free perpetual-motion machine. 3 Of 

course, technological progress and cultural evolution 

are inevitable. We should embrace these 


2. 

Pearson, Paul David; Aalto 

and the International Style, 

Whitney Library of Design, 

New York, 1978 

3. 

Branegan, Jay; in: TIME 

Magazine, March 4, 1996, 

p. 46 

developments, but we must be in control of what 

we accept and how; we must proceed at our own 

pace. If we allow the suppliers to dictate the pace, 

we will end up accepting much more than we 

need without having the capacity to absorb it. 

In an effort to control what we accept, I propose 

that we should reject the architectural fetishes 

exhibited today by ‘intelligent’ buildings. The 

electronic mechanisms which control climate and 

security isolate these buildings from their 

surroundings. The systems are very expensive 

and extremely sophisticated for a simple and poor 

society such as ours. Instead of these intelligent 

buildings however, it is preferable to have a 

foolish – or perhaps ‘ingenuous’ – architecture 

that at least is adapted to its location and recognisable 

as such. My buildings can be called intelligent 

in that they provide the same levels of comfort 

and efficiency to their users yet rely heavily on the 

tried and tested solutions of the past. 

When globalising markets try to flood the planet 

with avant-garde technologies and products, two 

clear outcomes are the dislocation of cultural 

tradition and, consequently, dislocation of 

architecture. For this reason, I have proposed the 

development of a more responsible attitude which 

gives precedence to the products of the latitude. 

Throughout history architects and builders have 

had to balance conceptual and technological 

influences in buildings and cities. These examples 

have inspired the formation of a present-day 

critical attitude, which is applicable to many of 

today’s cultures which find themselves on the 

receiving end of product distribution and 

hegemonic thought. Such ideas are also embraced, 

however, in developed countries. In a recent 

competition for a new building in Berlin, 

Germany, I proposed a new relationship between 

water and trees, similar to that found in the 

mangrove swamp of the tropical rainforest. I 

risked bringing simple ideas to a complex, 

developed situation; as it turned out the project 

presented a solution that could be understood and 

appreciated outside the tropical context. This is 

the creation of a contemporary architecture that 

does not imitate but instead allows various 

civilisations to find their own voices. 

Further information from: Institute for Tropical 

Architecture, PO Box 680-1007, San José, Costa Rica, 

fax: +506-2553084 

Le colloque ‘Crise et développement: le rôle 

des intellectuels’, organisé avec le soutien de 

la Fondation Prince Claus, a eu lieu du 19 au 

22 mars 1997 à l’occasion du dixième anniversaire 

d’une des rares revues philosophiques africaines, 

‘Quest’. Le but était de stimuler le débat 

philosophique africain et de discuter de la 

création d’un réseau de philosophes africains. 

Voici le texte du discours de Gomdaogo Pierre 

Nakoulima, présenté pendant ce colloque. 

Faut-il encore souhaiter le 

développement? 

En cette fin de 20 ème siècle où la famine et la 

misère sont encore le lot de près de trois quarts 

de la population mondiale une telle interrogation 

n’est-elle pas saugrenue? Poser une telle 

question c’est y répondre par la négative ou bien 

se taire. Mais si la réponse est négative, c’est 

parce que après la décolonisation politique qui 

avait permis le droit des peuples, on avait espéré 

que la prospérité pour tous, ce que l’on appelle le 

développement, allait suivre. Mais près de 

quarante ans après les indépendances, et à peu 

près autant d’années de politique de développement, 

le constat est là, clair et net: ‘C’est l’existence 

de ce que Serge Latouche appelle ‘les trois 

quarts mondes’, cette internationale de mendiants, 

de réfugiés, de proscrits, ces milliards de 

mal-nouris, mal-logés, bref ces éclopés du développement 

et de la modernité.’ 1 En Afrique près 

de quarante années de développement ne paraît 

donc pas souhaitable. L’échec de toutes les 

politiques de développement, des expériences 

volontaristes menées dans ce qu’on appelait le 

Tiers monde, la situation de déréliction dans 

laquelle nous nous trouvons ne militent-ils pas 

pour un rejet du développement, du moins le 

développement tel qu’il a été compris et conçu 

jusqu’ à maintenant? 

L’Afrique noire est mal partie. C’est en ces 

termes que René Dumont analysait la situation 

africaine en 1962. 2 Plus de trente cinq ans après, 

le pessimisme de l’ouvrage est toujours 

d’actualité. C’est en 1966 que Albert Meister 

publiait ‘L’Afrique peut-elle partir?’ où transparaissait 

aussi un pessimisme quant à l’avenir 

de l’Afrique. Il y affirmait en effet que ‘le 

démarrage sérieux d’une politique de dévelop- 

Gomdaogo Pierre 

Nakoulima 

1. 

Latouche, Serge; La planète 

des naufragés, 

La découverte,1991 

2. 

Dumont, René; L’Afrique noire 

est mal partie, 

Seuil, Paris, 1962 

3. 

Latouche, Serge; Faut-il refuser 

le développement?, PUF, 1986 

pement n’est pas encore possible. ... Une sorte 

de recolonisation de l’Afrique est, peut-être, en 

train de prendre place, dans laquelle les Etats- 

Unis prendraient la relève des anciennes 

puissances coloniales’. Le pessimisme affirmé 

de Dumont et le scepticisme faussement 

interrogatif de Meister contenus dans les titres 

de leurs ouvrages se déploient sur le fond d’un 

même commun dénominateur à savoir la 

certitude, quant à la direction, que l’objectif ne 

peut être atteint que si l’on change de direction, 

si l’on corrige le mauvais départ: le développement 

est synonyme de niveau de vie élevé, 

d’accès ou bien-être. Latouche précise que ‘il 

signifie en clair, pour les masses affamées du 

Tiers monde, une consommation comparable 

à celui de l’américain moyen et pour les 

gouvernements des pays humiliés, l’entrée dans 

le club des grandes puissances (avoir la bombe 

atomique)’. 3 

Une telle acceptation du développement pose 

qu’il n’y a de développement qu’occidental, que 

l’Occident est le prototype même du développement. 

Comment pouvait-il en être autrement 

puisque l’Occident, sûr de la supériorité de son 

développement, s’était lancé avec la colonisation 

dans une mission civilisatrice. Par conséquent 

tout ce qui n’est pas l’Occident est soit sousdéveloppé, 

soit mal développé. 

Depuis la douloureuse rencontre avec l’Europe, 

l’Afrique, précisons, la Négrafrique, est sousdéveloppée 

parce que l’Europe est considérée 

comme développée. Une abondante littérature a 

été produite pour décrire et cerner le sousdéveloppement 

en vue de sa résorption. Quelque 

variés que puissent être les discours tenus sur le 

sous-développement (on a parlé d’endo-, d’éco-, 

d’ethno-développement, de développement autocentré, 

authentique, autonome …) leur typologie 

fondamentale se réduit à un modèle unique: le 

développement véritable se ramène au modèle 

de consommation occidental, au statut lié à ce 

mode de vie, à la puissance magique des Blancs. 

Il est connu que l’économique est au coeur de la 

civilisation occidentale. Ce sont surtout des 

préoccupations économiques qui expliquent le 

phénomène colonial qui a bouleversé les organisations 

traditionnelles de la production et de la 

consommation et qui ont fait que l’Afrique est 

devenue partie prenante du marché mondial. Ce 


noyau dur de la civilisation occidentale conduira 

à une appréhension économique du sous-développement: 

un pays sous-développé est un 

pays dont les habitants ont un faible niveau de 

vie en raison notamment de l’insuffisance de la 

production et du faible développement de 

l’industrie. Ces facteurs sont aggravés par une 

croissance démographique plus rapide que 

la progression du revenu normal. Les causes 

clairement identifiées, après une telle caractérisation 

du sous-développement, oscillent entre 

ce que Axelle Kabou appelle une bouc-émissarisation 

(la domination des pays occidentaux) et 

une auto-accusation (la responsabilité des pays 

sous-développés). Les exemples sont légion. 

Dumont écrit ‘la situation générale n’est pas 

brillante, mais c’est nous qui avons poussé les 

Africains dans l’impasse où ils se trouvent’. 4 

Pisani ne s’éloigne pas de Dumont par ce constat 

‘dépenses somptuaires, mauvaise administration, 

corruption: l’Afrique a beaucoup gaspillé. 

Mais quel usage vraiment différent pouvait-elle 

faire du modèle et des instruments venus 

d’ailleurs? L’imaginaire social, les besoins, les 

outils, les techniques n’étaient pas ceux des 

Africains. Les mythes, les structures, les 

attitudes, les pratiques étaient inadaptés au 

continent auquel ils étaient apportés, en fait 

imposés de l’extérieur. La greffe a mal pris; 

l’organisme en a été atteint.’ 5 

Plus près de nous et récemment Kabou, faisant 

table rase de l’avertissement de Edem Kodjo 

selon lequel les Africains doivent éviter de 

tomber dans un piège de plus en plus manifeste 

que certains d’entre eux se tendent à eux-mêmes, 

celui du refus du développement, soutient avec 

véhémence que rien dans l’état actuel des 

recherches en matière de développement ne 

permet d’affirmer avec certitude que l’Afrique 

est mue par un indéniable désir de progrès. Elle 

ne s’embarrasse d’aucune précaution, d’aucune 

nuance pour soutenir ‘on ne peut s’empêcher 

d’être frappé par l’acharnement avec lequel les 

Africains refusent la méthode, l’organisation. Ils 

gaspillent leurs maigres ressources, sabotent 

tout ce qui pourrait fonctionner durablement au 

profit du plus grand nombre. Ils détestent la 

cohérence, la transparence, la rigueur. A tous les 

échelons (et c’est ce qui imprime à la dérive de 

l’Afrique son côté inquiétant), la faveur va 


4. 

Dumont, René; L’Afrique 

noire est mal partie, Seuil, 

Paris, 1962 

5. 

Pisani, E.; Pour l’Afrique, 

Odile Jacob, 1988 

6. 

Kabou, Axelle; Et si l’Afrique 

refusait le développement?, 

L’harmattan, Paris, 1991 

systématiquement au bricolage, à l’improvisation, 

à la navigation à vue.’ 6 

Les théoriciens de tous bords en acceptant 

la thèse du sous-développement de l’Afrique 

posaient tacitement ou explicitement que l’Occident 

est le modèle et que la solution du sousdéveloppement 

se trouve dans un mimétisme 

de l’Occident car le développement est conçu 

comme une simple course de rattrapage sur le 

plan économique des nations favorisées. Le sousdéveloppement 

est posé et compris comme un 

retard. Il y a sous-développement par rapport à 

autre chose qui est le développement dans son 

identification au modèle occidental, lui-même 

persuadé d’être le meilleur et, pour en référer à 

Latouche, jouant de la fascination qu’il exerce 

sur les élites et les peuples pour s’exporter au 

Sud et à l’Est. Le sous-développement est absence 

de développement c’est-à-dire d’occidentalisation. 

En dépit de l’identification de ses supposées 

causes, en dépit des quelques trente-sept ans 

d’histoire liée au développement, le retard n’a 

pas pu être comblé et la course de rattrapage se 

révèle être une course sans poteau d’arrivée. Le 

sous-développement est toujours là, marquant la 

fin des certitudes et le début des interrogations. 

Qu’est-ce que le développement? N’y a t-il de développement 

qu’occidental? Le développement 

synonyme d’occidentalisation est-il souhaitable? 

Est-il même possible dans les conditons dans 

lesquelles nous nous trouvons? 

C’est après la seconde guerre mondiale qu’une 

nouvelle acception du développement s’impose 

aux économistes et aux sociologues du développement. 

C’est à la biologie et la psychologie 

que nous devons cette nouvelle compréhension 

du développement. Ce vocable était 

attribué à l’enfant, à l’intelligence, à l’embryon. 

Longtemps confondu avec la croissance, le 

développement en sera distingué au 20 ème siècle 

au fur et à mesure que l’on attachait plus 

d’importance à la structure qu’à la taille. C’est 

ainsi que l’on a fini par appréhender le développement 

comme une croissance accompagnée 

d’une modification des structures, du système 

de régulation. 

Les économistes et les sociologues en procédant 

au transfert de cette compréhension du dévelop- 

pement de la biologie et de la psychologie aux 

faits sociaux n’ont pas tenu compte de l’hétérogénété 

même des champs d’application. Le 

biologique, le psychologique ne sont pas le social 

qui du reste n’est pas partout identique. 

Il est communément admis que le développement 

biologique d’un individu n’est pas un acte 

volontaire. L’ontogenèse résulte de l’exécution 

d’un programme intégralement inscrit dans 

l’ADN. Les économistes et les sociologues ont 

réalisé le transfert au prix de certaines distorsions: 

• d’abord ils ont pensé le développement en 

termes de modifications volontaires des 

structures de la société, de façon à la faire 

passer de la croissance au développement 

c’est-à-dire à une transformation de toute la 

société; 

• ensuite la confusion des indicateurs de développement 

avec ceux de la croissance européenne 

a conduit à identifier le développement 

à l’acccroissement de la production, 

au dégagement de surplus et à l’accumulation 

de capital. 

Le développement est devenu homogène. Il est 

identifié au développement objectivé de l’Occident 

qui n’est qu’une accumulation matérielle. 

Un pays pour se développer doit s’occidentaliser 

puisque les critères du développement sont 

ceux objectivés de l’Occident. Le développement 

ainsi conçu signifiera dès lors industrialisation, 

urbanisation auxquelles Latouche ajoute le 

nationalitarisme, l’imposition par les Etats à 

leurs citoyens d’une identité nationale abstraite 

et vide afin de lutter contre les identités culturelles 

des ethnies concrètes. Une abondante 

littérature existe sur les conséquences néfastes 

de cette perspective du développement qui sont 

entre autres: l’endettement, la paupérisation des 

pays, l’exode rural, le développement d’immenses 

bidonvilles, la criminalité etc. ... Mais 

l’insigne inconvénient de ce triptyque du 

développement s’appréhende dans l’ethnocide 

c’est-à-dire la mort culturelle qui est le stade 

suprême de la déculturation. C’est dans son 

rapport à l’acculturation que se comprend 

véritablement la situation de déculturation qui 

est le propre des pays dits sous-développés 

particulièrement ceux d’Afrique noire. Pour 

définir rapidement ces termes, l’acculturation 

7. 

Maurel, Christian; 

L’exotisme colonial, Robert 

Laffont, 1980 

s’entend comme un processus par lequel un 

groupe humain assimile tout ou une partie des 

valeurs culturelles d’un autre groupe humain. 

Elle est réussie quand le contact entre deux 

cultures se traduit par un échange qui n’altère en 

rien l’identité et la dynamique propres de chaque 

culture après intégration et assimilation des 

éléments étrangers. Aux antipodes de l’acculturation, 

la déculturation s’appréhende comme 

une dégradation, une perte de l’identité culturelle. 

Le contact entre deux cultures se traduit par 

un échange déséquilibré. La culture réceptive est 

envahie, menacée et au bout du compte meurt, 

c’est l’ethnocide. Dans le cas de bien de pays 

africains, la déculturation commence avec la 

colonisation, les débuts de l’occidentalisation du 

monde et se transforme en ethnocide avec la 

volonté de développement qui n’est rien d’autre 

qu’un processus d’occidentalisation. ‘Si on fait 

l’histoire des batailles’, écrit Christian Maurel, ‘le 

colonialisme a échoué. Il suffit de faire l’histoire 

des mentalités pour s’apercevoir qu’il est la plus 

grande réussite de tous les temps. Le plus beau 

fleuron du colonialisme, c’est la face de la 

décolonisation … 

Les blancs sont passés en coulisses, mais ils 

restent les producteurs du spectacle’. 7 Les 

‘éléments’ culturels qui envahissent la planète 

sont des productions du Nord: les images, les 

mots, les valeurs morales, les normes juridiques, 

les codes politiques, les critères de compétence, 

etc., nous proviennent des pays occidentaux par 

le biais des journaux, radios, télévisions, films, 

livres, disques, vidéos. Toutes les chaînes de 

télévision, toutes les radios, tous les journaux du 

monde sont abonnés à quatre agences qui ont le 

quasi monopole du marché de l’information. Il 

s’agit de Associated Press et United Press des 

USA, Reuter de la Grande Bretagne et de France 

Press. Dans un tel contexte c’est un véritable 

truisme que d’affirmer que toute créativité 

culturelle est asphyxiée chez les capteurs passifs 

de messages que nous sommes. Si créativité il y 

a, elle se déploiera dans une mimesis de 

l’Occident en tant que ses éléments culturels 

fascinent et en tant que l’on ne se saisit autrement 

que dans les catégories et par les catégories 

de l’Occident. 

Si la culture est ‘la réponse que les groupes 

apportent au problème de leur existence sociale’ 


pour emprunter la définition de Latouche, les 

politiques de développement qui ne reposent en 

général que sur des valeurs occidentales, sur un 

référentiel historique unique, signifient clairement 

que les pays africains n’ont plus de 

réponses propres à eux. Latouche écrit très 

justement ‘l’introduction des valeurs occidentales, 

celle de la science, de la technique, de 

l’économie, du développement, de la maîtrise de 

la nature sont des bases de déculturation. Il s’agit 

d’une véritable conversion. Les sociétés traditionnelles 

qui sont allergiques aux valeurs des 

Blancs sont purement et simplement éliminées 

par extermination ou dépérissement ‘naturel’. Le 

bon Indien a effectivement été un Indien mort 

alors qu’un Noir mort perdait toute valeur. Dans 

le cas de l’Indien l’ethnocide équivaut au 

génocide.’ 8 

Dans ‘y-a-t-il crise du développement’, Michel 

Alliot en dénonçant les faiblesses et les erreurs 

des théories des économistes, des sociologues du 

développement, laisse transparaître en filigrane 

le sens qui devrait revêtir un véritable développement, 

mettons, une véritable évolution vers le 

mieux-être. 9 Tout d’abord les sociologues et 

économistes du développement n’ont pas reconnu 

que le développement de chaque société 

s’inscrit dans un programme porté à des degrés 

divers par chacun de ses membres, et qui s’impose 

inéluctablement à leur représentation. Son 

contenu ne cesse de varier pour des raisons 

géographiques, démographiques, technologiues 

et historiques. Ensuite ils n’ont pas compris que 

chaque société poursuit ses propres objectifs, et 

que l’on ne peut mesurer le degré de satisfaction 

qu’elle obtient, que par rapport à ses objectifs. 

Enfin ils ont occulté le fait que chaque société vit 

dans un univers propre, que cet univers impose 

une logique particulière aux représentations de 

ses membres et des objectifs particuliers à leurs 

actions. 

Les conditions du développement ici énoncées, 

nous montrent de la façon la plus claire qui soit, 

qu’il n’y a pas un seul modèle de développement, 

qu’en matière de développement il n’y a pas de 

référentiel unique. Le mieux-être, le bien-être ne 

se décrète pas. Il s’invente au fur et à mesure 

dans l’effort continu pour aller vers un état jugé 

meilleur par les intéressés. Les aspirations de 

tous les peuples ne se résument pas uniquement 

8. 

Latouche, Serge; 

L’occidentalisation du 

monde, La découverte, 1992 

9. 

Alliot, Michel; ‘Y-at-il du 

développement’, dans: 

Communication au 

séminaire du GEMDEV, 

Paris, 24 mars 1984 

10. 

Latouche, Serge; Faut-il 

refuser le développement?, 

PUF, 1986 

à une accumulation matérielle, à un niveau de 

bien-être quantitativement répérable. Le développement 

qui prend cette signification est occidental 

et il faut convenir avec Latouche que ‘le développement 

est d’abord un paradigme occidental, 

avant d’être production de masse et de gadgets 

pour quelques-uns. Nous voulons dire par là, 

qu’il s’agit non seulement d’une expérience 

historique, faussement exemplaire, qui s’est 

produite d’abord en Europe de l’Ouest et s’est 

ensuite étendue ou réinventée dans quelques 

zones limitées, mais aussi d’un ensemble de 

cadres, de structures, de valeurs, liés à la culture 

hellénico-judéo-chrétienne. Le développement 

est d’abord un regard sur le monde qui vise à 

valoriser celui dont il émane et à dévaloriser 

l’autre. Le maquillage de ces valeurs en pseudomodèle 

permet de les faire accepter par l’autre.’ 10 

Le bien-être n’a pas toujours eu la même 

signification sous tous les cieux. Le bien-être 

synonyme de développement n’est dans nos 

contrées qu’une occidentalisation qui est une 

déculturation, une altération de notre créativité, 

par un mimétisme des modes et de pratiques 

occidentales, par une sujétion vis à vis d’une 

culture étrangère. Nos Etats, partant nos 

cultures, n’ont pas de réponses propres à eux, 

face à leurs problèmes baptisés sous-développement. 

La seule perspective, c’est le développement 

objectivé comme accumulation matérielle. 

Ce développement est la réponse des 

occidentaux face à leurs problèmes, c’est la 

traduction de leur aspiration au bien-être. C’est 

au 16 ème et 17 ème siècles qu’en Europe advient et 

nulle part ailleurs, la subjectivité objectivante et 

conquérante qui veut tout soumettre à ses 

normes. L’interprétation mathématique de 

l’étant est cette révolution de pensée qui 

inaugure, selon la périodicité familière aux 

historiens, les temps modernes et rend possible 

physique mathématique et machinisme. Le 

monde apparaît comme un objet sur lequel la 

pensée calculatrice dirige ses attaques. L’émergence 

de cette subjectivité de principe faisant 

face au monde soumis à des procédures 

d’objectivation, constitue la cause de la puissance 

occidentale, résultant de trois siècles de progrès 

indissolublement technique et scientifique, 

laquelle puissance révèle aujourd’hui la fragilité 

de la nature. Le développement est bien un 

paradigme occidental. Notre aspiration au bienêtre 

ne peut-elle pas être désignée autrement que 

par le terme de développement? L’expérience 

nous instruit que le développement n’est pas 

généralisable. L’avenir que nous devons nous 

inventer ne saurait, et ne pourrait, prendre la 

forme du développement, ce modèle occidental, 

irréalisable sous nos contrées. 

L’exemple japonais d’hier et celui des nouveaux 

pays industrialisés aujourd’hui, évoqués comme 

exemples de reproduction réussie de l’Occident, 

donc, comme exemples de développement, ne 

font que mettre en relief les causes de l’échec de 

la greffe en Afrique et la nécessité de faire ses 

adieux au développement. La réussite du Japon 

ne s’est pas opérée à partir d’une déculturation. 

Les Japonais n’ont jamais cessé de vivre selon les 

normes et la vision du monde propre à leur 

culture. Le Japon n’a jamais vraiment renié son 

passé et sa culture. Ce pays a énormément 

emprunté à l’Occident mais il ne l’a jamais imité 

servilement étant donné que l’imitation s’y était 

toujours soldée par un échec. L’échec, dans les 

années 1889 de l’introduction par les autorités 

d’une agriculture calquée sur le modèle 

occidental, conduisit à la mise en oeuvre sous le 

nom de technologie Meiji, d’un système fondé 

sur l’association des pratiques culturelles 

traditionnelles les plus performantes aux 

techniques efficaces de l’Occident. Autrement 

dit, cette technologie Meiji est une synthèse 

entre le savoir local et des éléments d’emprunt à 

l’Occident. 

La colonisation en Afrique n’a pas offert une 

possibilité de synthèse. Si la décolonisation a mis 

fin à une certaine domination européenne, elle 

n’a jamais signifié l’abandon des schémas 

européens de développement. La décolonisation 

n’a pas été suivie d’un rejet de l’occidentalisation. 

Les pays colonisés sont restés prisonniers 

du modèle occidental se hâtant de copier son 

mode de production, de consommation, d’organisation 

sociale et politico-administrative. Le 

processus de civilisation qu’entame la colonisation 

se poursuivra avec le développement, cette 

mimesis de l’occident, et avec les nouveaux 

agents de la domination que sont la science, la 

technique, l’économie et l’imaginaire sur lequel 

elles reposent, c’est-à-dire les valeurs de progrès. 

Ce qui n’a fait qu’accentuer la déculturation. On 

11. 

Latouche, Serge; 

L’occidentalisation du 

monde, La découverte, 1992 

12. 

Dahmani, Mohamed; 

L’occidentalisation des pays 

du Tiers monde, 

Economica, 1983 

ne peut que souscrire aux analyses percutantes 

de ‘l’Occidentalisation du monde’ selon lesquelles 

le ‘néocolonialisme avec l’assistance 

technique et le don humanitaire a fait beaucoup 

plus pour la déculturation que la colonisation 

brutale’. 11 

Le problème des pays pauvres, selon la nomination 

occidentale le sous-développement, n’est 

pas seulement un problème de famine et de 

misère mais aussi une perte de foi en l’avenir, 

une perte d’espoir et de perspective. L’impuissance 

des pays dits du Tiers monde à susciter 

une accumulation de capital pour élever le 

niveau de vie, à rechercher des solutions alternatives 

pour sortir de la misère, est essentiellement 

imputable au processus de destruction des 

structures engendré par la polique du développement 

car en inscrivant leur action dans le cadre 

du développement, ces pays n’ont fait qu’accentuer 

leur occidentalisation. Le développement est 

davantage un instrument de domination que de 

libération. 

La déculturation, risquons avec Jean Poirier le 

terme de disculturation, appréhendée comme la 

base fondamentale des problèmes des pays 

pauvres, résultant du développement, de l’occidentalisation 

du monde est essentiellement le 

fait des élites. L’Afrique a mal à ses élites. On 

peut en effet faire rebondir l’affirmation selon 

laquelle le chercheur, l’intellectuel lui-même est 

l’un des problèmes de l’Afrique tout en étant 

aussi l’une des sources potentielles des solutions. 

Le phénomène de disculturation est 

d’abord et essentiellement l’apanage des élites. Il 

faut en effet convenir avec Mohamed Dahmani 

que ‘ce sont les élites du Tiers monde, occidentalisées 

par leurs structures et leurs finalités, 

soucieuses d’organiser rationnellement les 

secteurs modernes qui ont pris l’initiative de ce 

processus de standardisation abandonnant ainsi 

les modes traditionnels.’ D’ores et déjà, ce ne 

sont plus les modèles locaux qui ont cours dans 

les enclaves développées ou ‘les oasis européanisées 

mais les modèles occidentaux importés’. 12 

La grande masse est marginalisée. En son sein, 

se repère comme une résistance à la tentation de 

l’Occident. Les élites nationales, les classes 

dirigeantes emportées par l’occidentalisation 

ont quelquefois fait preuve d’hostilité ouverte à 

l’égard de tout ce qui est tradition, culture locale 


car la civilisation occidentale a pris le caractère 

de promotion sociale. Elles n’ont fait que singer 

l’Occident. 

Il est aujourd’hui difficilement contestable que 

l’échec des pays du Tiers monde est largement 

imputable au mimétisme de l’Occident qui leur a 

fait quitter leur milieu originel pour un modèle 

qui n’a que peu d’attaches avec leur milieu 

naturel et humain. Cette mimesis des modèles 

de production et de consommation des pays 

développés a conduit aux bouleversements des 

habitudes, des traditions, des us et coutumes. Le 

Club de Rome a publiquement proclamé l’échec 

du modèle de développement mimétique. 

L’éradication des maux ne se fera donc pas par 

une mimesis de l’Occident, par un rattrapage en 

restant dans le sillage de l’Occident. Nous ne 

devons plus être des hallucinés de la société de 

consommation ou selon l’heureuse formulation 

de Vance Packard ‘des obsédés du standing’. Il 

faut faire le deuil du développement conçu 

comme une course de rattrapage des pays 

industrialisés, comme une simple croissance de 

PNB. L’impératif, la nécessité c’est de livrer un 

combat contre nous-mêmes et contre la 

domination extérieure pour qu’adviennent de 

nouvelles valeurs et pour qu’émerge une autre 

vision planétaire du bien-être. L’événement dont 

il faut souhaiter l’avènement c’est l’abandon du 

mythe du développement qui signifie moins un 

retour à l’ordre ancien, quels que soient sa 

richesse et ses équilibres, qu’une avancée vers de 

nouveaux sens à l’histoire. C’est à ce prix que le 

développement clés en main ne pourra s’autoriser 

que de tradition pour un ‘développement clés 

en tête’ selon le joli mot de Joseph Ki-Zerbo. 13 

Il faut oser dire non au développement synonyme 

d’occidentalisation. Nous connaissons les 

résultats de l’imitation. Pourquoi ne pas essayer 

la non-imitation? 

Il est possible, modestement, de contrer l’impérialisme 

du développement, ‘ce terrorisme du sens 

que l’Occident prétend donner à l’histoire’ 14 sous 

la forme de ce que Martin Heidegger appelle 

‘sérénité’ 15 , c’est-à-dire en reprenant mutatis 

mutandis ses propos: nous pouvons dire oui à 

une certaine forme d’occidentalisation (puisqu’il 

semble sinon impossible du moins difficile d’y 

échapper), nous pouvons en même temps lui 


13. 

Ki-Zerbo, Joseph; Le 

développement clé en tête, 

dans: La natte des autres: 

pour un développement 

endogène en Afrique, 

Codesria, Dakar, 1992 

14. 

L’expression est de Serge 

Latouche. 

15. 

Heidegger, Martin; 

Questions III, Gallimard, 

Paris, 1996 

dire non, en ce sens que nous l’empêchons de 

nous accaparer et ainsi de fausser, brouiller et 

finalement vider notre être. 

Renseignements supplémentaires au sujet du colloque: 

Université de Cocody, Département de philosophie, 09 

BP 301,Abidjan 09, Côte d’Ivoire, télécopie: +225-440776 

Pour s’abonner à la revue Quest: Université de 

Groningue, BP 72, 9700 AB Groningue, Pays-Bas, 

télécopie: +31-50-3637100 

La Fondation Prince Claus a accordé son 

soutien à ‘L’atelier sur la protection du 

patrimoine africain’, qui a eu lieu du 22 au 24 

octobre 1997 à Amsterdam aux Pays-Bas. 

Cet atelier a été organisé par l’ICOM (Conseil 

international des musées) dans le cadre de son 

programme AFRICOM, pour inventer des 

stratégies contre le trafic illicite d’objets d’art 

des pays africains et pour rendre le monde 

international des musées conscient de 

l’importance de la protection du patrimoine. 

Plusieurs musées sont actifs dans ce domaine 

depuis 1991 et ont apporté leur contribution à 

l’atelier; parmi ces musées, se trouve le Musée 

de Kinshasa au Congo sous la direction de 

Shaje’a Tshiluila. 

Développements actuels en relation 

avec le trafic illicite des biens culturels 

en Afrique 

Si l’on parcourt les quelques articles publiés dans 

un ouvrage collectif sur le trafic illicite des biens 

culturels en Afrique sous la responsabilité de 

l’icom, ce titre attire l’attention: ‘Eveiller la fierté 

populaire: une communauté malienne affronte 

les trafiquants d’art du passé’. 1 Ce titre, combien 

significatif, renferme tout un programme d’action 

car il devient de plus en plus évident que toute action 

de protection et de sauvegarde du patrimoine ne 

peut aboutir qu’avec l’implication des communautés 

locales, ou d’un personnel engagé lorsqu’il 

s’agit des biens conservés dans les musées. 

Peu avant les années d’indépendance, on remarque 

en Afrique Centrale des initiatives de 

regroupement comme l’Association du Musée 

des arts africains de l’Afrique équatoriale 

française à Brazzaville et la Société des amis 

du Musée du Congo belge. Ces associations 

s’assignent comme objectifs: l’acquisition, la 

collecte, la conservation et l’inventaire des objets 

ethnographiques, la lutte contre le trafic illicite et 

enfin la création des musées où seraient 

rassemblés pour le public les productions 

artistiques et artisanales. Mais comme ces 

associations n’avaient ni assise imposante au 

niveau de la population, ni texte juridique sur 

lesquels s’appuyer, elles n’ont pas pu résister aux 

événements qui ont bouleversé la majorité des 


1. 

MacIntosh, Rodewick; 

Eveiller la fierté populaire: 

une communauté malienne 

affronte les trafiquants d’art 

du passé, dans: Le trafic 

illicite des biens culturels en 

Afrique, ICOM, Paris, juillet 

1995 

2. 

Code de déontologie 

professionnelle, ICOM, 

Paris, 1994 

pays de la région à la suite de leur accession à la 

souveraineté nationale. 

Concernant le Congo-Kinshasa, beaucoup de 

musées ont, au cours de la période 1960-1965, 

soit perdu l’essentiel de leurs collections, soit ils 

ont purement et simplement disparu, du fait de la 

guerre civile dans laquelle était plongé le pays tout 

entier et aussi par manque d’un personnel formé 

et engagé. En effet, dans ce corps de métier à 

l’instar des médecins, des plombiers, le personnel 

ne peut être réduit à un simple niveau 

d’exécutant, mais il doit savoir que ‘la loyauté 

envers les collègues et envers le musée employeur 

est une responsabilité professionnelle importante’ 

et qu’en plus ‘la loyauté suprême est la 

loyauté envers les principes déontologiques 

fondamentaux, et la profession dans son 

ensemble’. 2 Ainsi, en plus de la disparition des 

objets conservés dans les musées privés ou 

publics, s’ajoute le pillage systématique des objets 

traditionnels par des collectionneurs et des 

marchands étrangers, qui durant une période 

trouble parcourent le pays en tous sens pour en 

prélever les plus anciens et les plus représentatifs. 

La création de l’Institut des musées nationaux par 

l’ordonnance-loi no. 70-089 du 11 mars 1970 

va améliorer cette situation, en ce sens que 

cette nouvelle institution a comme attributions: 

‘Assurer la protection des oeuvres d’art, des 

monuments ou objets dont la conservation 

présente au point de vue de l’histoire, de l’art ou 

de la science, un intérêt public, ainsi que les sites 

archéologiques’ et ‘administrer les musées appartenant 

à l’Etat, et inspecter, en vue d’en établir 

l’inventaire et d’assurer la conservation matérielle 

des objets qui les composent, les collections 

privées, permanentes et ouvertes au public, 

d’oeuvre, présentant un intérêt artistique, historique 

et archéologique’. Une année après, ce 

premier texte légal est complété par une autre 

ordonnance-loi no. 71-016 du 15 mars 1971 

relative à la protection des biens culturels. Ce 

document clair et concis règlemente le classement 

des biens mobiliers et immobiliers dont la 

conservation présente un intérêt public au point 

de vue de l’histoire, de l’art, de l’archéologie et de 

la science; il réglemente aussi la collecte et 

l’exportation des objets d’antiquité d’origine 

congolaise, ainsi que les fouilles et découvertes 

archéologiques. L’article 35 de cette ordonnance- 


loi régit l’exportation des objets d’antiquité. Nul 

ne peut, sans une autorisation du Ministre de la 

Culture, donnée après avis du Directeur Général 

de l’Institut des musées nationaux, exporter un 

objet d’antiquité non classé d’origine congolaise. 

’La demande d’autorisation doit être adressée au 

Directeur Général de l’Institut des musées 

nationaux. Elle doit contenir une description 

détaillée de l’objet, avec indication de ses 

dimensions, et être accompagnée d’une 

photographie de celui-ci, d’un format de 9 cm x 12 

cm au moins’. ‘Le Ministre de la Culture statue 

dans les quinze jours de la réception de la 

demande. L’autorisation ne peut être refusée que 

si l’Etat revendique l’objet. L’exercice du droit de 

revendication donne lieu au paiement d’une 

indemnité fixée à l’amiable ou à dire d’expert’. 

Cette disposition légale a permis aux professionnels 

oeuvrant au sein de l’Institut des musées 

nationaux, de mener un contrôle efficace sur le 

commerce d’art, ainsi que les aéroports et à 

certains points de sortie du pays. 

Mais le 15 mars 1975, le Ministre de la Culture 

prend un arrêté départemental no. 007/bur/ 

ceca/75 portant interdiction des exportations et 

du commerce d’objets d’antiquité congolais. Cet 

arrêté ministériel soumettait en plus l’exportation 

des objets d’artisanat à une autorisation liée au 

paiement d’une taxe de 10% de la valeur de l’objet. 

En réalité, un arrêté départemental ne peut 

abroger les dispositions légales, mais en fait il a 

rendu inopérant l’article 35 de l’ordonnance-loi 

no. 71-016 relative à la protection des biens 

culturels. L’exportation des objets d’antiquité est 

devenue clandestine et l’Institut des musées 

nationaux n’a plus traité les dossiers relatifs à 

l’exportation d’objets. En outre, l’ordonnance no. 

79-298 de 1979 déterminant l’assiette, les taux et 

les modalités de recouvrement des taxes et 

redevances administratives et judiciaires à percevoir 

dans le domaine de la culture et des arts, 

prévoit en son article 2, alinéa 6, une taxe de 10% 

calculée sur les recettes brutes totales, résultant de 

la vente d’oeuvres d’art et d’artisanat, tandis que 

l’alinéa 7 énonce l’instauration d’une autorisation 

d’exportation des oeuvres d’artisanat, contre une 

redevance. Enfin l’ordonnance-loi no. 87-013 du 

3 avril 1987 portant création d’un fonds de 

promotion culturelle complique la situation en ce 

sens que l’article 2 stipule que les ressources du 


Statuette Lwena, bois, rendu 

au Musée national d’anthropologie 

de l’Angola le 

28 octobre 1997, selon le 

verdict du tribunal de Paris 

du 24 juin 1997. En mars 

1996 la statuette avait été 

identifiée lors d'une vente 

publique à Saint-Germain-en- 

Laye (France); elle a été 

confisquée le 5 juillet 1996 

par l’Office central des biens 

culturels. 

photo: ICOM 

‘fonds de promotion culturelle’ proviennent d’une 

redevance ad valorem, et fixe celle-ci, parmi 

d’autres, à 5% de la valeur de chaque oeuvre d’art 

lors de son exportation. 

Cette confusion évidente au niveau des textes 

légaux, n’a pas permis la protection des objets de 

la culture matérielle, historique et artistique sur le 

terrain, cependant la cohésion du groupe des 

professionnels a garanti la sécurité des objets 

collectés et conservés dans les musées. Il est 

même arrivé que le conservateur, s’appuyant sur 

le code de déontologie de la profession refuse 

d’exécuter les ordres d’exportation d’objets 

émanant de la haute hiérarchie. Il convient 

cependant de souligner qu’à chaque période de 

crise une attention particulière doit être accordée 

à toute collection. Durant les années 1960-1965, 

les effets de la guerre civile n’ont épargné ni les 

collections dans les musées, ni le patrimoine 

culturel et historique sur le terrain. Les années 

que l’on peut considérer comme fastes pour 

l’Institut des musées nationaux l’ont été, grâce 

aussi à l’intervention d’une coopération multilatérale. 

Les incidents politiques qui ont mené 

au mois de juillet 1990 à la rupture brusque 

de cette coopération, ainsi qu’au départ précipité 

des coopérants conservateurs à l’Institut des 

musées nationaux, ont provoqué un déséquilibre 

sérieux au sein de l’Institut, et partant, la 

disparition de trois pièces majeures. La période 

qui a suivi fut fort trouble, puisqu’elle correspond 

à l’ambiance nouvelle de la démocratisation avec 

la quasi inexistence des institutions publiques. 

L’Institut des musées nationaux n’a pas échappé à 

la règle générale. Ne disposant plus de fonds pour 

fonctionner, et devant verser les salaires du 

personnel avec retard, cette institution a pu tenir, 

grâce à l’esprit de corps des professionnels qui ont 

su se mobiliser, afin d’instaurer un système de 

partenariat avec des organisations ayant les 

mêmes objectifs. Les mêmes causes produisant 

les mêmes effets, l’avènement de la Troisième 

République n’est pas passé sous silence. Puisque 

les références légales semblaient être banalisées 

et que le corps même des conservateurs était 

disloqué, on a ainsi enregistré les plus grosses 

pertes depuis la création de cette institution. Une 

sensibilisation importante est en train d’être 

menée auprès des décideurs, afin qu’en effort 

national soit mené quant aux textes légaux et 

quant à la profession, pour sauvegarder ce riche 

patrimoine qui participe au patrimoine mondial. 

Un parallèlisme intéressant peut être établi avec la 

situation qui prévaut de l’autre côté du fleuve 

Congo, à savoir au Congo-Brazzaville. Nous avons 

déjà mentionné la volonté affichée des associations 

des amis des musées qui, à la veille des 

indépendances, s’étaient déjà fixé la mission 

essentielle de sauvegarder le patrimoine national 

et de lutter contre le trafic illicite. Cet engagement, 

qui a permis la constitution d’une collection, 

n’a pas pu, hélas, résister à l’idéologie 

marxiste qui en 1978 fut à la base de la destruction 

du bâtiment du musée et au transfert des 

restes d’objets dans un petit local non conforme 

aux règles de sécurité et de conservation. Il 

convient de souligner ici que dans cette région de 

l’Afrique Centrale, les frontières administratives 

ne correspondent pas aux aires culturelles. Cela 

implique une circulation des personnes et des 

biens culturels, de part et d’autre des frontières 

artificielles très perméables. Et, Brazzaville et 

Kinshasa étant les deux capitales les plus 

rapprochées du monde, ce qui se passe d’un côté 

de la rive du fleuve Congo, a souvent de 

l’influence sur l’autre rive. Ainsi, les objets pillés 

ou volés dans l’une des deux villes sont exportés et 

vendus impunément dans l’autre ville. Les 

événements qui se sont déroulés en 1997 dans les 

deux villes confortent cette opinion. En effet, lors 

du pillage de l’Institut des musées nationaux au 

mois de mai 1997, quelques objets d’art ainsi que 

du matériel de bureau ont été récupérés chez les 

populations riveraines qui pratiquent la pêche 

entre les deux pays. Et, à la suite de la guerre civile 

qui a ravagé complètement la ville de Brazzaville, 

on a vu circuler sur le marché de Kinshasa un 

nombre impressionnant de biens pillés, allant 

d’ustensiles ménagers à des rayonnages entiers 

de bibliothèques. Ce cas spécifique des deux villes 

frontalières montrent suffisamment combien 

cette question de trafic illicite ne peut trouver une 

solution durable qu’avec l’implication des 

populations locales, des décisions légales sur le 

plan régional, et un engagement politique au 

niveau continental, car il est impératif qu’à l’aube 

du troisième millénaire, l’Afrique aborde la 

question du développement en partant d’un 

engagement culturel endogène. 

En effet, la maîtrise du futur comporte des 

Masque Nalinde, bois, sisal, 

perles de couleur, restitué à 

la Zambie après avoir été 

confié en juin 1966 à la police 

belge par son acquéreur qui 

l'avait repéré dans le 

catalogue de l’ICOM ‘Cent 

objets d’art africain volés et 

disparus’ 

photo: ICOM 

Trois têtes, terre cuite, 

rendues le 31 mai 1996 au 

Galerie Ile Ifé du Musée 

national au Nigéria, après 

avoir été découvertes par 

l’Office central de lutte 

contre le trafic des biens 

culturels. Ces trois têtes 

avaient été volées en 

novembre 1994 au Galerie. 

photo: ICOM 

exigences, à savoir, mieux saisir le présent tout en 

se référant au passé. Ce passé historique ne peut 

être escamoté. Il est symbiose de plusieurs 

données culturelles dans la mesure où pour la 

majorité des pays en Afrique, les notions de 

Nation-Etat sont issues de l’après-colonisation. 

Un nombre considérable d’Etats a été fabriqué à 

la suite de la Conférence de Berlin (1884-1885). 

Parler du patrimoine à protéger contre le trafic 

illicite exige une vision claire et large, puisque ce 

patrimoine comprend, non seulement les savoirs 

et savoir-faire des populations locales, mais 

également les acquis de la période coloniale qui 

font partie intégrante des nouvelles cultures 

appartenant aux jeunes nations. 

Renseignements supplémentaires: Musée de Kinshasa, 

a.b.s. Université de Kinshasa, BP 13933, Kinshasa 1, 

République Démocratique du Congo 

Renseignements supplémentaires sur l’atelier: ICOM 

(International Council of Museums), Maison de l’Unesco, 

1 Rue Miollis, 75732 Paris Cedex 15, France, 

télécopie: +33-1-43 067862, e-mail: secretariat@icom.org 


Abdelkader Djemaï était l’un des participants 

du festival ‘Le temps des écrivains’ du premier 

au 8 mars 1998 à Durban, en Afrique du Sud. 

Le festival était organisé par le ‘Center for 

Creative Arts’ lié à l’Université de Natal à 

Durban, avec le soutien de la Fondation Prince 

Claus. Le but du festival était de stimuler et de 

promouvoir la littérature africaine, d’étendre le 

réseau d’auteurs africains et de souligner que 

les écrivains jouent un rôle important à 

l’origine d’une démocratie. 

Le temps des écrivains à Durban: 

des livres et des racines 

Axée autour de la question de l’engagement, la 

rencontre de Durban a réuni écrivains 

francophones et anglophones pour un échange 

fondé sur la découverte et la confrontation des 

expériences. Elle a regroupé des écrivains 

djiboutiens/ Abdou-rahman Ali Waberi et Idris 

Youssouf Elmi, guinéen/Tierno Monenembo, 

algérien/ Abdel-kader Djemaï, français/Edouard 

Glissant, zimbabwéen/Yvonne Vera, sudafricains/Breyten 

Breytenbach, Farida Karodia, 

Zakes Mda, Marguerite Poland, Barbara Trapido, 

Lettie Viljoen, Ivan Vladislavic et nigérian/Wole 

Soyinka, le lauréat du Prix Nobel de Littérature 

1986. 

Les rapports qu’entretiennent ces écrivains avec 

les langues française, zoulou, anglaise ou 

afrikaans et avec leurs langues d’origine, rapports 

qui ne sont pas toujours ‘calmes’, ont montré la 

richesse, la diversité et les liens féconds qui 

naissent parfois de leurs croisements, de leurs 

interpénétrations, de leurs échanges. Dans ce 

contexte, la place de l’oralité et des cultures 

traditionelles a été abordée dans les discussions, 

parallèlement aux questions liées à la modernité, 

à l’identité, aux lignes de force de la littérature 

africaine et à certains courants comme celui de la 

négritude. Débats qui ont mis en évidence la 

fidélité aux racines, aux cultures d’origine, et la 

volonté manifeste, revendiquée, de demeurer 

ouvert au monde, à l’autre. 

Au cours de ces journées de Durban, où vécut le 

grand écrivain portugais Fernando Pessoa qui 

n’avait cessé de s’intéresser à l’altérité, le public a 

été convié à des lectures faites par les autres et à 

des expositions de gravures d’Eduardo Di Muro et 



Abdelkader Djemaï lors 

du festival ‘Le temps des 

écrivains’ 

photo: Nini van Driel 

de photos notamment sur Djibouti, ville qui avait 

accueilli, en mars 1997, des écrivains francophones 

et sud-africains. 

Baptisée ‘Le temps des écrivains’, cette manifestation, 

appelée sans doute à être renouvelée, 

vient souligner une fois encore, la nécessité d’une 

meilleure connaissance de la littérature africaine, 

de sa diversité, de ses contenus comme de ses 

formes, et ce pour favoriser notamment le 

dialogue des cultures et sortir de l’isolement des 

pays comme l’Afrique du Sud, longtemps coupée 

du continent. Cette rencontre, qui s’est déroulée 

sur les rives de l’Océan Indien, montre également 

la faiblesse de l’édition, de la diffusion, de la 

traduction et de la promotion du livre africain, 

confronté ici à la censure économique, tout aussi 

redoutable que la censure politique. L’encouragement 

de l’édition locale, une plus grande 

circulation du livre et des auteurs, un réseau plus 

étoffé de librairies, et un enseignement plus 

grand des littératures nationales dans les établissements 

scolaires et universitaires, ont été 

naturellement souhaités par l’ensemble des 

participants. 

Les débats et les tables rondes qui ont eu lieu 

devant un nombreux public, au Elizabeth 

Sneddon Theatre, ont mis en relief l’importance 

du rôle de la littérature, dans l’éveil des 

consciences, et dans la prise en compte des 

problèmes qui secouent les sociétés africaines. 

Tentant de répondre aux défis et aux paris 

qu’imposent, souvent d’une façon aiguë et 

urgente, les jeunes indépendances ou des 

régimes politiques basés sur la dictature, les 

écrivains vivent parfois, en ces périodes postcoloniales 

ou post-révolutionaires, des situations 

difficiles marquées par l’exil, la censure ou la 

répression violente. La plupart, s’ils se veulent 

témoins actifs dans le combat contre les injustices 

et les manquements à la liberté, n’en restent pas 

moins méfiants à l’égard des idéologies et des 

discours réducteurs qui pourraient nuire à la 

crédibilité et à la portée de leurs oeuvres. Ils 

n’oublient pas que leur qualité, leur authenticité 

passent aussi par la force de l’écriture, la 

dimension de leur esthétique et leur vision du 

monde. Leur volonté de s’inscrire dans l’universel 

demeure également une de leurs préoccupations 

tout autant que les problèmes et les conflits 

parfois meurtriers qui agitent nombre de pays, 

comme ceux liés à la mondialisation, à la crise 

économique et celle des valeurs et à la résurgence 

des fanatismes ethniques, raciaux ou religieux. 

Problèmes cruciaux, dont sont évidemment partie 

prenante les écrivains femmes auxquelles une 

table ronde fut consacrée. Elles ont, à leur tour, 

mis l’accent sur la nécessité de donner à l’art, 

parallèlement aux messages politiques qu’il veut 

véhiculer, les moyens de s’exprimer dans sa 

plénitude, loin de tout dogmatisme ou conformisme 

de mauvais aloi. Loin aussi de l’autodénigrement, 

de la complaisance dans le malheur 

et du rejet de la culpabilité sur les autres. Une 

littérature responsable, citoyenne, et qui contribuerait 

à l’avènement et au renforcement de la 

société civile en Afrique. 

Renseignements supplémentaires du festival: Center for 

Creative Arts, Université de Natal, Durban 4041,Afrique 

du Sud, télécopie: +27-31-2603074, 

e-mail: hull@mbt.und.ac.za 

Les extraits suivants du livre ‘31, rue de l’Aigle’, 

par Abdelkader Djemaï 1 , confirment le rôle 

important que la littérature et les écrivains 

peuvent jouer dans les débats politiques et 

sociaux: 

‘J’ai été chargé de rédiger le rapport sur R.D. Pour 

d’évidentes raisons de sécurité, on ne s’étonnera 

pas que les protagonistes du récit qui va suivre 

soient désignés par des sobriquets ou de fausses 

initiales. 

Wole Soyinka, le lauréat du 

Prix Nobel de Littérature 

1986, (à droite) et Pius 

Adesanmi, écrivain nigérien, 

lors du festival ‘Le temps des 

écrivains’ 

photo: Nini van Driel 

1. 

Editions Michalons, Paris, 

1998, pp. 13-19 et 77-81 

Ce rapport sera comme les autres: précis, clair, 

efficace. Rien ne sera négligé, chaque détail aura 

son importance, chaque mot sera pesé. J’aime le 

travail bien fait. Cela est devenu une manie chez 

moi, une seconde nature. 

Au début de ma carrière, j’avais, je l’avoue, des 

hésitations, des doutes et même, il faut le dire, des 

scrupules. Mais tout a fini par rentrer dans 

l’ordre, sereinement. 

Je continue de fouiller, de dénuder, de creuser 

plus loin, toujours plus loin, plus profond, jusqu’à 

l’os. La patience est une vertu, un moyen de faire 

ployer le temps, d’en faire un allié, une arme 

décisive. Une façon aussi de ménager son souffle, 

d’aiguiser la lame, le jugement, la sentence. 

Tout peut servir: l’émotion, la nostalgie, les 

rancoeurs, la haine, la culpabilité, la fatigue de soi 

et le dégoût des autres. Sans oublier les histoires 

de fesses, la délation, le ressentiment et la peur. 

Surtout la peur qui grignote, qui dévore, qui 

liquéfie. En somme, je m’intéresse à tout ce qui 

fait la matière, la trame, la fibre, les faiblesses, les 

failles des individus. 

Tout se fait aussi dans les règles. Celles, bien sûr, 

de l’enquête menée avec conviction, sans bruit. 

Oui, sans bruit, comme pousse ma plante que je 

regarde, parfois ému, croître dans le coin de mon 

salon, le plus humide, le plus exposé à la lumière. 

C’est un Ficus elastica robusta, un nom latin pour 

une fois pas trop compliqué. Une plante de 

caractère qui prend son temps – comme moi. 

Le climat d’ici, poisseux et lourd, semble, pour 

l’instant, lui convenir. Cela ne m’empêchera pas 

de la surveiller. On ne sait jamais, tout peut 

arriver. A moins d’une négligence de ma part, elle 

poussera sans histoire, belle et douce comme les 

seins d’une enfant. 

Tout à l’heure, je relirai le rapport de l’inspecteur 

Boratcho. Il me faudra, comme d’habitude, 

atténuer, gommer les excès qui nuisent à sa 

crédibilité. Son travail frôle parfois le règlement 

de comptes, le délire. 

Il m’aura fallu aussi corriger les fautes d’orthographe 

souvent grossières, retaper les phrases 

bancales de cette grande asperge aux yeux rougis 

par le mauvais whisky et le manque de sommeil. 

Des yeux de cochon d’Inde frileux, au poil 

graisseux et négligé. 

Je sais que, secrètement, il me hait. Non pour des 

raisons de syntaxe ou de rivalité meurtrière, mais 


parce qu’il en veut à tout le monde, depuis qu’il 

sait, le malheureux, que sa femme le trompe et 

que ses enfants le méprisent ouvertement. Ce qui 

ne l’empêche pas de me traiter, dans mon dos, 

d’enfant de putain, de minable détraqué et autres 

amabilités. Je préfère, là aussi par patience, 

l’ignorer. Une sage attitude que salue notre Grand 

Patron, soucieux de la tranquillité et de l’efficacité 

de nos services. De toute façon, l’inspecteur 

Boratcho ne tardera pas à être débarqué de cette 

maison qu’on appelle, entre nous , la Villa. 

Discrète, spacieuse et isolée, elle abrite, depuis 

une quinzaine d’années, nos bureaux. Elle est 

plantée au 31, rue de l’Aigle. Bien évidemment, 

cette adresse n’est pas la bonne. Quant à 

l’inspecteur Boratcho qui hante ses couloirs, il 

sera certainement versé dans les Archives d’une 

quelconque préfecture où il pourra toujours nous 

être utile. Dans notre difficile et précieux travail, 

rien ne se perd, tout, comme je l’ai dit, peut servir. 

Il s’agit pour nous de maîtriser la ville, de surveiller 

ses humeurs, de combattre ses mauvaises 

tentations et de neutraliser certaines gens tel ce 

R.D. dont j’ai en charge le dossier. Des criminels 

qui s’acharnent, avec leur propagande, leurs 

actions clandestines et leurs tromperies, à briser 

la quiétude de leurs semblables en leur faisant 

miroiter je ne sais quel paradis. ‘On ne peut faire 

confiance à personne, surtout pas aux dangereux 

rêveurs!’ répète à l’envi – et avec raison – le Grand 

Patron, l’oeil vif, les cheveux taillés en brosse, le 

front et la nuque nets. Un homme de terrain et 

d’expérience, au visage sec, rompu à tous les 

dangers, à tous les traquenards. A tous les complots, 

grands et petits, qui bourgeonnent dans 

cette ville si laide, si peuplée – un immense 

chancre, une vilaine métaphore de ce pays en 

proie à tous les démons, à toutes les vicissitudes. 

Le Grand Patron, qui traîne la jambe gauche – 

une séquelle de la guerre –, vient régulièrement 

me rendre visite dans mon bureau, au deuxième 

étage. Ma fenêtre donne sur un vaste jardin où 

repose depuis une éternité une vieille balançoire 

bleue aux flancs poussiéreux et au moyeu cassé. 

Une fois par mois, sauf en hiver, on y organise 

entre collègues de délicieux barbecues. 

En bas, près de la chaufferie, c’est la cave où 

officie en maître, le Chef Cuistot. Une tête carrée, 

avec des yeux minuscules et d’épais sourcils, 

vissée sur deux mètres cubes de viande et d’os. Il 


est réputé pour son art de bien assaisonner, avec 

ses grosses mains, nos clients les plus récalcitrants, 

les plus héroïques. 

Entre deux interrogatoires bien gratinés et une 

passionnante chasse aux rats, il prend la fourgonnette 

de service et fonce jouer au tiercé au bar 

du grand boulevard. Il mise toujours sur les 

chevaux qui portent des numéros impairs. 

Lorsqu’il gagne aux courses, ce qui lui arrive 

souvent, il inonde de bière ses deux mètres cubes, 

de bar en bar, jusqu’au petit matin. Il faut dire 

qu’il a le foie solide. Ce qui n’est pas mon cas. J’ai 

d’assez sérieux problèmes avec le mien. 

Il faudrait que j’arrête de manger gras, que je 

cesse de boire si je veux éviter le diabète, la 

saloperie qui dévore lentement ma mère sur son 

lit d’hôpital. 

C’est l’orteil de son pied droit qui est gravement 

atteint. Le médecin – un jeune aux yeux fatigués – 

m’a dit, d’une voix presque froide, qu’on risquait, 

à cause de la gangrène, de l’amputer. 

Hier, en quittant la Villa, je suis allé directement 

lui rendre visite. Elle était toujours pâle, immobile 

et muette sur son lit aux draps rêches. Une fois, 

elle a levé sa maigre tête vers moi quand j’ai 

ramassé les épluchures de fruits qui jaunissaient 

sur la petite table en fer. 

En sortant, j’ai revu le vieux fou qui suppliait à 

haute voix qu’on lui rende son foie. Il raconte 

partout qu’on le lui a lâchement dérobé alors 

qu’on l’opérait de l’appendicite. Depuis deux 

mois, il campe devant la porte de l’hôpital, 

hirsute, sale et pieds nus, le pantalon retroussé 

sur ses cuisses décharnées. 

Ce soir-là, en rentrant chez moi, avant de me 

coucher, j’ai délicatement arrosé, lavé et caressé 

les feuilles de ma plante. Je lui ai aussi parlé, un 

peu, pas beaucoup pour ne pas trop la fatiguer, car 

elle est en pleine période de croissance. En 

homme sensible, le Grand Patron me demande 

souvent de ses nouvelles. Puis nous passons aux 

choses ardues, moins reposantes et plus compliquées.’ 

‘C’est un jour de juillet, à 15h14 exactement, que 

l’inspecteur Boratcho et le Chef Cuistot ont enlevé 

R.D. avec la fourgonnette de service dont je 

n’indiquerai, par précaution, ni la couleur, ni la 

marque. Les faits ont eu lieu dans une rue 

déserte, près de la gare centrale. Il n’y a pas eu de 

témoin. Cet après-midi-là, malgré mes embarras 

gastriques, j’ai attendu patiemment la fourgonnette 

avant de la voir, par la fenêtre, remonter 

lentement l’allée menant jusqu’au perron de la 

Villa. 

Les portières ont claqué sèchement et je les ai 

entendus grimper l’escalier qui conduit à mon 

bureau. Les couloirs du 31, rue de l’Aigle, 

recouverts d’un papier à fleurs aux dessins un peu 

passés, renouaient avec l’effervescence des grands 

jours. J’ai reconnu la voix assoiffée du Chef 

Cuistot, excité par cette grosse prise qu’il tenait 

comme une vulgaire guenille par le revers de la 

veste, comme un des rats de sa cave. Puis, ma 

porte s’est ouverte et je me suis retrouvé face à 

face avec R.D. Il était là, avec son physique tout à 

fait ordinaire, sans mystère. De taille moyenne, 

les cheveux châtain clair, il portait un pantalon 

léger, une veste en toile bleue, une chemise à 

petits carreaux et des mocassins noirs. 

Cette fois, l’espace d’un bref regard, nous nous 

sommes mesurés, jaugés, affrontés. L’inspecteur 

Boratcho l’a alors méthodiquement fouillé. Il n’a 

rien trouvé sur lui, sinon un paquet de cigarettes à 

peine entamé, un vieux briquet en métal, un ticket 

de cinéma, et un portefeuille de cuir marron 

presque vide. Il contenait la photo en couleur de 

sa petite fille, plutôt gracieuse, avec son nez fin et 

droit, ses joues roses et sa frange de cheveux 

bruns. Elle avait les yeux verts de sa mère qui ne 

savait pas que son mari était maintenant dans nos 

locaux. Si elle l’apprenait, elle fumerait encore 

plus. 

Traînant sa jambe malade, l’oeil brillant et le 

sourire aux lèvres, le Grand Patron nous a rejoints 

quelques instants plus tard. Je le sentais libéré 

d’un grand poids, heureux et détendu comme 

après ses excitantes compétitions de tir. 

On nous a laissés seuls avec R.D. Il m’a paru 

serein, placide, presque indifférent à la catastrophe 

qui lui tombait sur le paletot. Pour lui – 

du moins voulait-il nous le faire croire –, son 

arrestation était le prix naturel à payer pour son 

audace à nous défier. 

J’avais tout de suite deviné qu’il était du genre 

digne et taciturne. Il n’a pas cherché à nous avoir, 

à nous entortiller avec des phrases lyriques 

truffées de principes ronflants et de grands 

sentiments. Des phrases en toc, vieillottes, ringardes, 

appartenant à la bimbeloterie du révolution- 

naire intransigeant et chimiquement pur. Il ne 

m’a pas non plus donné l’impression de vouloir 

jouer les héros, les supermen. Je l’ai haï pour tout 

ça et pour sa façon de ne pas montrer sa peur, 

cette bête effrayante et boulimique qui mange 

tout, même la pierre incassable, l’acier trempé et 

la volonté supposée inaltérable. 

Tout au long de ma carrière, j’en ai vu des 

individus, faibles et risibles, s’effriter à nos pieds 

en formant de minuscules tas gris et poussiéreux. 

Ils étaient tout juste bons à être ramassés à la 

petite cuillère. Certains ont perdu la raison, 

comme l’autre vieux fou qui recherchait obstinément 

son foie en errant à travers l’hôpital. 

R.D. m’a semblé plus jeune que le soir du 23 

novembre au bar du grand boulevard avec ses 

lumières blafardes, sa promiscuité et son 

atmosphère puant la mauvaise foi. Son visage 

était aussi plus clair, plus précis que sur la photo 

du dossier. Je l’avais eu souvent devant moi, bien 

avant qu’il ne mette les pieds dans mon bureau 

aux murs presque nus. 

Au fil des jours, mon rapport s’enrichissait de 

renseignements, de notes, de chronos, de mémos 

les uns aussi accablants que les autres. Un dossier 

irréprochable, bien ficelé. Un travail d’orfèvre. 

L’enquête, mon enquête, avait été menée avec 

précision : les faits, les planques, les filatures, les 

contacts, les liaisons, les conversations, les écrits 

de propagande, le minutage et les lieux où il 

complotait, tout était consigné, étudié, disséqué. 

Une mission implacable, conduite avec toute la 

maîtrise et la diligence nécessaires. 

Il ne manquait plus pour passer à l’action que 

deux noms importants et des adresses. Il ne nous 

restait, si j’ose dire, qu’à finaliser le dossier avec 

son principal intéressé. Jusque-là, impavide, 

modeste et valeureux, il nous faisait calmement 

face. Il avait la sérénité de ceux qui se savent 

aimés par leur mère et chéris par leurs épouses. Il 

se présentait comme un incontestable modèle 

d’endurance et d’abnégation. Une statue en 

granit, recouverte de dorures et de citations, un 

roc au milieu de la tourmente, inébranlable et 

orgueilleux. Il se croyait un homme, un vrai, sans 

peur et sans reproche, prêt à toutes les épreuves, à 

tous les sacrifices. Un grand et irréfutable martyr 

que le Chef Cuistot n’allait pas tarder à passer à la 

casserole.’ 



The artworks on the following pages are by artists 

who have had work displayed in the office of the 

Prince Claus Fund during 1997 and 1998. 

Works of Art / 

Oeuvres d’art 

Angèle Etoundi Essamba 

Romuald Hazoumé 

Ni Haifeng 

Nilton Moreira da Silva 

Ali M’roivili 

Claudio Goulart 

Les oeuvres d’art aux pages suivantes proviennent 

d’artistes dont l’oeuvre a été exposée dans les 

locaux de la Fondation Prince Claus en 1997 et 

en 1998. 


Angèle Etoundi Essamba 

(1962, Douala, Caméroun) est partie en France à 

l’âge de dix ans et a été élevée dans les banlieues 

de Paris. Après son baccalauréat elle a déménagé 

à Amsterdam où elle habite depuis 1982. Très 

jeune déjà, elle a découvert sa passion pour la 

photographie quand elle suivait des cours pour 

photographes professionnels à l’Ecole néerlandaise 

d’Apeldoorn aux Pays-Bas. Elle trouve son 

inspiration dans la société multi-culturelle. Elle 

est fascinée par le corps humain, devenu un 

thème central dans son travail. Elle cherche à 

exprimer les émotions, la fierté et la conscience 

d’être, plus qu’une simple beauté exotique et éclatante. 

Le thème ‘contraste-harmonie’ est central 

dans sa photographie, comme une femme noire 

vivant dans un monde blanc. Elle a choisi de 

peindre le monde en symboles de contrastes. 

Angèle Etoundi Essamba a présenté son travail à 

la Biennale de Johannesburg en Afrique du Sud 

en 1995, au Musée H. Johnson de l’art moderne 

d’Ithaca aux Etats-Unis en 1997 et à la Galerie 

Indigo à Boca Raton aux Etats-Unis en 1997. 


Cross-over, 1997 

photographie noir et blanc 

40 x 50 cm

Ni Haifeng 

(1964, Zhoushan, China) studied at the art academy 

in Hangzhou, one of the most progressive 

Chinese art institutes at a period of liberalisation 

in the People’s Republic. His critical and analytic 

attitude towards society characterises his work. 

He questions the way in which terms are taken for 

granted. A term relates only partially to the object 

it aims to characterise. Often normal usage 

conceals rather than describes. According to Ni 

Haifeng the materials of a work of art should be 

brought together in such a way that they trigger 

questions and associates in the viewer. ‘Five 

Portraits’ is a series of photographs, which has a 

penetrating effect on the spectator. Ni Haifeng 

took photographs of Austrian puppets, which he 

found in an attic. The contrast between the charm 

of a puppet and the cold stare of the doll’s face 

fascinated him. 

Ni Haifeng has shown his installations and 

photographs in many countries, such as China, 

Hong Kong, Germany and Australia. He participated 

in the exhibition China Avant-garde, which 

in 1993 travelled to Haus der Kulturen der Welt, 

Berlin, Germany, the Kunsthal, Rotterdam, the 

Netherlands, and the Museum of Modern Art in 

Oxford, UK. 


Five Portraits of the 

Unknown, 1997 

photography 

each 160 x 85 cm

Romuald Hazoumé 

est né en 1962, habite et travaille à Porto-Novo au 

Bénin. Il a été élevé dans une famille catholique 

pour laquelle la religion traditionnelle jouait un 

rôle important. Ce passé culturel est visible dans 

ses oeuvres qui se réfèrent à des cérémonies 

traditionnelles, à des totems et à des masques. 

Hazoumé traite les attributs originaux de la 

religion-vaudou comme si c’était une furie 

iconoclaste. Pour son travail il utilise du matériel 

jeté, qu’il trouve dans les rues d’Istanbul, de 

Porto-Novo ou d’Havana. Ce matériel symbolise 

la vie dans ces villes. Malgré des similitudes 

extérieures, selon Hazoumé, ces objets ne sont 

pas des masques; les masques sont des reflets de 

la vie quotidienne. Le sens de ses masques est 

opposé à celui des masques traditionnels qui 

donnent au porteur la possibilité de perdre, 

temporairement, sa personnalité. Les masques 

présentés ici, soulignent le caractère du porteur 

dans son milieu réel. Ses peintures montrent ‘les 

limites de l’invisible’ ou les valeurs symboliques 

en relation avec les signes de la langue Fa, un 

système divin de signes, utilisé il y a deux mille 

ans pendant des cérémonies de vaudou et par les 

orishas (dieux de la religion Yoruba). Hazoumé 

ne signe pas ses peintures pour maintenir la force 

de ces signes. 

Romuald Hazoumé a présenté son travail à la 

Biennale de Johannesburg en Afrique du Sud en 

1995, à la Biennale de Dakar au Sénégal en 1995, à 

la Biennale de Havana à Cuba en 1997 et au Musée 

Van Reekum à Apeldoorn aux Pays-Bas en 1998. 


Maçon, 1996 

média mixte 

26 x 12 x 6 cm 

Mowa, 1996 

média mixte 

30 x 16 x 24 cm 

Divorcée, 1996 

média mixte 

25 x 65 x 45 cm 

page 40 

Tire bouchon, 1996 

média mixte 

40 x 22 x 28 cm

Claudio Goulart 

(1954, Porto Alegre, Brazil) studied Visual Arts 

and Architecture. He employs a variety of media 

including installation, photography and photocopy. 

His work explores aspects of identity and 

memory. One of these themes is how identity is 

shaped by historical and contemporary images, 

such as prints, paintings, photographs, film, and 

television. The contrast of simplicity and complexity 

characterises the work of Goulart. Elements 

in his work are the conceptualisation and presentation 

of relations between life and death. 

‘Los Juguetes / The Toys’ is a series first shown 

in 1997 at the sixth Havana Biennial, Cuba. 

Goulart’s work was exhibited at locations throughout 

the old town centre. The series consists of 

self-portraits combined in different ways. 

Goulart also has had various exhibitions at 

Time Based Arts Gallery in Amsterdam, the 

Netherlands. In addition, he showed his work at 

the 1995 Havana Biennial, Cuba, and in the 

exhibition ‘In Fusion’ (1993) at the the Ikon 

Gallery in Birmingham and the South Bank 

Centre in London, UK. 


Los Juguetes / The Toys, 1997 

photocopy and collage 

21 x 21 cm

Nilton Moreira da Silva 

(1961, Rio de Janeiro, Brazil) studied at the art 

academy in Dusseldorf, Germany: international 

class 1995. He graduated at the art academy in 

Utrecht, the Netherlands, at the faculty of videoand 

media technology. In reaction to the hightech 

education, Moreira da Silva presents a more 

materialistic approach in his work. He was 

associated with the experimental theatre group 

Dogtroep in the music theatre Paradiso 

(Amsterdam, the Netherlands) in 1995. The work 

of Moreira da Silva is diverse and comprises 

paintings, installations and performances in 

which he finds an opportunity to combine electronic 

images and traditional expressions. 

Moreira da Silva has presented his work at various 

exhibitions, such as the Dutch Electronic Art 

Festival in Rotterdam, the Netherlands, in 1994, 

and in 1997 at the Africa Museum in Berg en Dal, 

the Netherlands, and the Royal Tropical Institute 

in Amsterdam. 


True Skin, 

isn’t it true that no form 

exists but within its limits, 

isn’t that the bloody truth 

1998 

wax assembly 

50 x 20 cm

Ali M’roivili 

(1961, Moroni, Comores) une éducation à la française, 

un mode de vie à l’africaine dans une 

famille musulmane, des parents divorcés. Tout 

cela a formé M’roivili. C’est un homme combatif. 

Dans son pays il a lutté aussi bien pour lui-même, 

en tant qu’artiste, que pour sa communauté. Cela 

ne lui a pas toujours réussi. Sous le régime actuel, 

par deux fois il a atterri en prison. Il décida de 

lancer un défi à ses rapports d’amour-haine avec 

son pays et partit en 1987 en France pour faire des 

études à l’Ecole nationale des arts de Cergy- 

Pontoise. En même temps il recherchait là-bas ses 

influences françaises, mais il ne se sentait pas 

chez lui dans la capitale française. A fin de ses 

études, en 1993, après avoir suivi pendant un an 

encore les cours de l’Institut des hautes études en 

arts plastiques de Paris, il décida encore une fois 

de changer de domicile, et choisit l’Académie 

royale des arts plastiques à Amsterdam aux Pays- 

Bas. Ici il a pu vivre – jusqu’ aujourd’hui – une 

période heureuse et instructive. 

Ali M’roivili a présenté ses oeuvres aux ateliers 

ouverts de l’Académie royale des arts plastiques 

d’Amsterdam aux Pays-Bas (1996), au Passage de 

rez à Paris en France (1996), à la Biennale d’art 

contemporain des Seychelles (1996) et au Musée 

d’art moderne à Oostende en Belgique en 1998. 


Décolonisation des images, 

images de la décolonisation, 

1997 

média mixte 

65 x 45 cm

The Prince Claus Fund supported the 

publication of the catalogue ‘Trade Routes: 

History and Geography’, accompanying the 

second Johannesburg Biennale, which took 

place from 12 October 1997 to 18 January 1998. 

This large-scale exhibition, accompanied by a 

conference, sought to promote an exchange of 

ideas by cultural philosophers, art critics, art 

historians and modern artists in order to 

review the cultural changes that have taken 

place in the 20th century and to consider those 

aspects which have contributed to these 

cultural changes; aspects such as race, 

nationalism, colonialism and post-colonialism. 

For the Transcultural Record 

Round the world? There is much in that sound to 

inspire proud feelings; but whereto does all that 

circumnavigation conduct? Only through numberless 

perils to the very point whence we started, 

where those that we left behind secure, were all 

the time before us. [Herman Melville; Moby Dick] 

Theories about culture come to mirror the broken 

world they initially strive to explain. There are too 

many well-fortified zones, bounded by deference 

to the authoritarian claims that origins can make, 

where purity is prized and mutability arouses fear 

and distrust. But there are also precious moments 

when concern with the mechanisms of cultural 

transmission and translation must become a 

priority, when the promiscuous anti-discipline 

associated with complex cultural dynamics 

rewrites the rules of criticism and appreciation in 

novel, emphatically post-anthropological codes. 

‘Trade Routes’ directs attention away from the 

issue of origins and towards the vectors of 

travelling modern culture: cramped bodies, 

bloody commodities, innocent objects, oppositional 

signals, broken codes, impure thoughts and 

hidden information. It suggests connections 

between capitalist enterprise and the development 

of modern knowledge and power, particularly 

the typology of races that once corresponded 

to the terminal points of trading activity. It 

conjures up the problem of culture’s routine and 

irreverent translocation. This is incompatible with 

the arcane desires of the butterfly collectors of 

alterity, who prefer their cultures integral and 


1. 

Werbner, Pnina and 

Modood, Tariq, eds.; 

Debating Cultural Hybridity, 

Zed Books, London, 1997 

2. 

Médecins Sans Frontières; 

World in Crisis: the Politics 

of Survival at the End of the 

20th Century, Routledge, 

London, 1997 

Paul Gilroy 

Moshekwa Mokwena Langa 

(1975, South Africa) 

No Title, 1995 

collage 

93 x 73 cm 

photo: Roger Wooldridge 

courtesy of Haus der 

Kulturen der Welt 

want their differences to remain absolute. 

Though their occasional appetite for national 

liberation and schemes for ethnic conservation 

sometimes disguises it, they are conservatives, in 

the most precise and technical sense of that term. 1 

Their increasingly influential position certainly 

offers no protection against the resurgent power 

of raciological thinking, with which it has often 

been covertly complicit. For that reason alone, 

their arguments need to be answered in an 

assertive cosmopolitical mode that concedes 

nothing to either the primordialisation or the 

reification of culture. 

Of course, the perils of globalisation have unleashed 

some urgent versions of national and 

ethnic absolutism. 2 They have been made all the 

more desperate and volatile by the destructive 

power of processes that flatten cultural and 

linguistic variation into the blander, more 

homogenous formations that provide fertile 

territory for consumerism to take root. Their 

fantasy of armoured particularity reaches out 

from its starting points in the overdeveloped 

world. It links rational raciology not just to 

xenophobia and nativism, but to timely new 

hostilities and anxieties directed at the forms of 

jeopardy that have taken shape more recently. We 

must recognise the special spell cast by the 

glamour of purity and identify the varieties of fear 

and hatred, directed not so much at the strange 

and the different, but with new intensity at those 

whose difference or strangeness persistently 

eludes capture by the social and political categories 

available to make sense of it. 

The anthropological tribunes of these complacent 

and ethnocentric conservatisms come equipped 

with culturalist alibis for the refusal of political 

concerns. I wish to speak against them from a 

different location, where the old game of cultural 

authenticity is harder to indulge in, and the 

profane components – from which selves are 

composed – are inescapably diverse. There is no 

purity around here, and the anxious desire for it is 

deeply distrusted as scarcely more than a dubious 

source of the cheapest political legitimacy. 

For almost thirty years, I have been gripped by a 

passionate obsession with listening to music, 

most of it produced in parts of the planet far from 

the corner that I inhabit. Their distant sources 

were not part of the pleasure they afforded me.

Whether they come to London from Cali, California, 

Trenchtown or Malaco, Mississippi, those 

tunes had to travel. Trafficking in them 

constituted an intricate circulatory network that 

overlapped with, but was not dominated by, the 

distributive systems of brash, indifferent aboveground 

commerce. In pleading against the charge 

of trivial consumerism, I would say that if that 

half-hidden web was remembered and reconstructed, 

it could usefully complicate our 

historical sense of Cold War capitalism, its 

cultural industries, and the dissidence they 

unwittingly formed and disseminated. My 

experience with these objects is part of living 

through the final commodification of the 

extraordinary cultural creativity born from the 

slave populations of the New World. I have 

watched their oppositional imaginings first 

colonised and then vanquished by the levelling 

values of the market that was once, but is no 

longer, stimulated by commerce in live human 

beings. Any lingering counter-values are seen 

today as a pseudo-transgressive adjunct to the 

official business of selling all sorts of things: 

shoes, clothes, images, sugared drinks. In a sense, 

the black vernacular cultures of the late 20th 

century were the death rattle of a dissident 

counter-power rooted, not so long ago, in the 

marginal modernity of racial slavery from which it 

had a conspicuous exit velocity. For a spell, plastic 

discs pasted with coloured paper labels and called 

‘records’ furnished unlikely and unanticipated 

vehicles for a restless, travelling sensibility. They 

became part of outer-national culture-making, 

and their history extends arguments about the 

role of communicative technologies in augmenting 

and mediating forms of social and political 

solidarity beyond the imagined communities 

achieved via the magical agencies of print and 

cartography. 

It is worth remembering that world of sound now 

that it has almost departed – dispatched by the 

forces of rampant iconisation. The slave’s aural 

bequest to the future was also notable for its 

interestingly dissonant relationship to the process 

of its own commodification. This can be defined 

by a pattern of conflict that reveals much about 

the incapacity of capitalism to instantly reconfigure 

the world according to the rhythm of its won 

insatiable appetites. Even in the fixed and frozen 

Moshekwa Mokwena Langa 

(1975, South Africa) 

No Title, 1995 

collage 

93 x 73 cm 

photo:Roger Wooldridge 


Kulturen der Welt 

forms demanded by the industrialisation of 

culture, dissident, transcendent music was 

produced and dispatched radically unfinished. Its 

openness anticipated the involvement of remote 

audiences. They were keen to make supplementary, 

but nonetheless essential, creative input 

into the social use rather than the privatised 

consumption of a culture that could be only 

partially objectified. Two warring aspects of the 

social life of these special objects became 

entangled. The cultural life of recorded sound did 

not reduce to the simple economic relations with 

which it was enmeshed. Indeed a whole tradition 

grew up around the idea that this music had a 

value beyond money, beyond the profits it made 

for those who sold it without regard to its ethical 

attributes, thinking – mistakenly – that they had 

its full measure. 

As this historic period draws to a close and even 

its best residual features fall prey to the culture of 

simulation and iconisation that impacts corrosively 

upon memory, time, and place, I am very 

conscious of having been shaped by a translocal, 

transcultural movement constructed on the ‘post- 

Bandung’ planetary scale revealed by the movement 

of these loaded commodities. I call them 

‘loaded’ to underline the historic supplement 

they carry in addition to either their use or their 

exchange values. To the children of post-colonial 

settlers, a utopian black culture that had travelled 

west to east, south to north, underscored the 

truths of a history of migration that was emotionally 

and politically close at hand, but not always 

spoken. Perhaps, like slavery, it enclosed a trauma 

that resisted being turned into speech or writing? 

Of necessity, it founded new communicative 

media, new vectors, and new hosts. 

Alert to the special relationship this subsubculture 

had established between art and 

artefact, I amassed recordings on vinyl and 

immersed myself in the ephemeral and disreputable 

scenes that surrounded them. I could and 

probably should have paused at the point where 

the printed and illustrated cardboard in which the 

music was clothed became as interesting to me as 

the sounds inscribed on the ridged surface of the 

plastic inside its seductive covers. Instead, I 

pressed forward, keen to comprehend the overall 

architecture of the non-national, cultural, and 

political formation to which these products 


ecame integral by their refusal of their official 

status as disposable and transient. The older, 

ethically-charged communicative pattern they 

consolidated was born from the hidden public 

spaces of black Protestantism, and then systematically 

adapted. It has been gradually crushed by 

new commodities, technologies, and desires. It is 

being replaced by a culture of simulation that 

changes the value of blackness in the globalised 

businesses of information, entertainment, and 

telecommunication. The supersession of the 

analogue by the digital is an appropriate symbol 

and symptom of these wider shifts. Blackness as 

abjection gives way steadily to blackness as 

vitality, eternal youth, and immortal dynamism. 

The ideal body of the black male athlete now 

supplies a ubiquitous key signature for this 

strange theme. An exemplary black physicality, 

mute and heroic, has been conscripted into 

service to build a militarised and nationalised 

version of planetary popular culture, in which the 

world of sports counts for more than that of 

supple, counter-public expressions improvised 

around the Gestalt of song and dance. 

The transnational black movement to which I 

affiliated was choreographed against the backdrop 

provided by the liberatory anticolonial violence of 

Cold War politics. Solidarity with those important 

struggles provided a perverse training for emergent 

post-modern sensibilities. That movement 

discovered a bridge between the overdeveloped 

world and the colonies. It announced the 

resulting political claims through the language of 

rights and justice. Even when we reassured 

ourselves that we were dealing with human rather 

than civil rights, the tension around this debt to 

modernity was plainly evident. Civil rights derived 

from sovereign states and artful government, 

whereas human rights sought legitimation from 

other, more usually moral and spiritual, sources. 

They were the authentic rights that the hybrid, 

populist art of Bob Marley and Peter Tosh assured 

us were worth standing up for. The new technologies 

of the free black self caught the post-colonial 

wind and were blown hither and thither, finding 

unexpected but nonetheless fertile resting places 

far from the territories where the mono-crop 

plantations had once been. They created and 

communicated an anti- and trans-national ecology 

of belonging, a vernacular anti-capitalism, and 


3. 

Hegel, G.W.F.; The 

Philosophy of History, trans. 

J. Sibree, New York 

Publications, Dover, 1956, p. 

99 

4. 

Clifford, James; Routes: 

Travel and Translation in the 

Late Twentieth Century, 

Harvard University Press, 

Cambridge, 1997 

most importantly, a body of distinctive critical 

ideas regarding the place of ‘race’ in relation to the 

goal of democracy and the workings of history, 

from which Africa and Africans had been 

excluded by the unsentimental law to which 

Hegel, when he considered that geography had 

become the natural amphitheatre in which the 

drama of History was to be played, gave such 

memorable expression: ‘at this point we leave 

Africa, not to mention it again’. 3 

These observations are intended to underline that 

the theories of interculture which are presently 

available do not assist in capturing half of the 

stories we need to consider. It is probably 

uncontroversial to suggest that globalisation 

needs a longer and more careful periodisation 

than it has received so far. However, it also needs 

to be made part of reckoning with modernity on a 

planetary rather than a parochial, Eurocentric 

scale. This latter task requires the specification of 

imperial and colonial modernities, conquest and 

plantation modernities. The issue of travel is 

frequently assigned to the margins of settlement, 

where the premise of cultural life is provided. It is 

made into the property of marginal people: 

migrants and refugees. To be sure, the idea that 

culture can travel has recently found a receptive 

audience, particularly among the international 

class in the overdeveloped countries. This deterritorialisation 

yields important insights, but 

there is always the suggestion that they have been 

too cheaply bought, too easily accomplished. 

Culture loses its adhesive qualities and the 

romanticisation of displacement emerges as a 

persistent danger. It can combine disastrously 

with a wilful forgetfulness about the constitutive, 

brutal force of imperial and colonial power. 

Unless we are careful, our reforms of the durable 

Hegelian scheme will end up by fitting culture 

into cracks between the fortified aggregations of 

the nation state that previously provided its 

primary repositories. There is more to be done in 

order to disabuse ourselves of the illusions that 

follow from a sedentary understanding of culturemaking. 

4 We do not have to be content with the 

halfway house provided by the idea of plural 

cultures. A theory of relational cultures, and of 

culture as relation, represents a more worthwhile 

resting place. That possibility is currently blocked 

by the banal invocation of ‘hybridity’, in which 

everything becomes equally and continuously 

intermixed, blended into an impossibly uniform 

consistency. In opposing that unhelpful sense of 

cultural process, it is essential to acknowledge and 

confront the eloquent arguments that have been 

made about the inescapability of ethnocentrism, 

about the necessity of being culture-bound. 

They assert a clean and logical split between 

particular ‘ethnic’ attachments that are seen as 

both inevitable and desirable and the vicious forces 

that take shape under the banners of ‘race’. 

If these two essentially dissimilar phenomena are 

linked, we are told, it is only by contingency. A 

long and authoritative pedigree descending from 

Levi-Strauss is claimed for these arguments, 

which routinely conceal their own political 

orientation behind a sham sophistication that 

marks the true connoisseur-ship of difference. 5 

The desire for a rooted cosmopolitanism is 

opposed to a trivial and merely political distaste 

for racism. The same motive is professed as the 

source of principled objections to the encroachments 

of empty postmodernism and banal 

cultural studies. 

I want to address the pessimism of the influential 

position from which Richard Rorty has reduced 

our options to the tense choice between 

privileging the group to which we belong and 

pretending an ‘impossible tolerance’ for the 

rebarbative practices of others, to whom one does 

not have to justify one’s beliefs. 6 It should not 

need to be said that one is not necessarily 

affiliated to some single, overarching group that is 

always able to claim a special and fundamental 

allegiance which wipes out all other contending 

claims. It is more important to appreciate that 

different groups are constituted on different bases 

that correspond to the various frequencies of 

address that play upon us and constitute our 

always incomplete identities in an unstable field. 

Against a priori ethnocentricity, I would argue 

that raciologies and nationalisms promote and 

may even produce certain quite specific types of 

collectivity, characteristically those that are 

hierarchical, authoritarian, patriarchal, and 

phobic about alterity. The failure to engage with 

nationalisms as a historically specific power that 

connects the pathologies of contemporary racist 

movements with the history of European 

raciology and ethnic absolutism is a substantive 

5. 

Geertz, C.; ‘The Uses of 

Diversity’, in: Michigan 

Quarterly Review, Ann Arbor, 

1986 

6. 

Rorty, Richard; Objectivity, 

Relativism and Truth, 

Cambridge University Press, 

Cambridge, 1991 

7. 

Griffin, Roger; The Nature of 

Fascism, Routledge, 

London, 1993 

weakness. The related refusal to engage with the 

specific qualities of raciological discourses, the 

solidarities and modes of belonging that they 

promote and the forms of kinship they both 

construct and project, compounds the problem. 

The mild and worthy ‘ethnocentrisms’, which we 

are told that we cannot and must not do without, 

are everywhere shown to be eagerly compatible 

with the palingenetic forms of populist 

ultranationalism that represent the mythic core of 

a generic, fascist minimum. 7 

The pious counterposition of ‘good’ ethnocentrism 

against ‘regrettable but exceptional’ 

racism is an empty charade favoured by those who 

opt to evade and mystify the moral and political 

responsibilities that fall to critical commentators 

in this most difficult of areas. Are we to accept 

that culture can be racialised and nationalised? 

The choices are clear. Are ethnic groups overwhelmingly 

national and ‘racial’? 

And on what scale is group solidarity to be 

practised and recognised: room, street, neighbourhood, 

city, region, state; blood-kin, specieskin, 

planetary-kin? Even if we were to accept the 

unitary, fundamentalist form of belonging to an 

‘ethnos’ outlined by Rorty and turned into 

catechism by his less sophisticated disciples, there 

is nothing to suggest that the boundaries around 

that version of monadic collectivity must 

inevitably coincide with the arbitrary political 

border of ‘ethnic’ groups. Belonging-together can 

make just as much sense either below or above 

that fateful threshold. Politics, sent packing by 

raciology, needs to be reactivated not closed down. 

This dispute over the status of culture, and its 

claims upon individuals, entails a further quarrel, 

with the way that politics is itself to be understood. 

Against the fashion that would reassign these 

sibling concepts, politics and culture, to separate 

and contradictory domains, I want to join them, 

or more accurately, to relish the fact that they are 

already inescapably joined both by the idea of 

politicised art and by the currently unfashionable 

notion of a politics of everyday life. Politics is still 

frequently conceived as though it too existed 

exclusively within the confines of closed national 

borders that are aligned precisely with those of 

sovereign governmental authorities. This idea can 

still hold, even when the official goal of multi- 


culturalism arrives to force a degree of reconceptualisation 

in the way that political pluralism is 

understood as a market, entire of itself. ‘Trade 

Routes’ is making a contribution to breaking that 

pattern of assumptions and exploring the translocal 

resources needed to put better theories of 

culture and its workings in place of the orthodoxies 

about its sedentary and national character 

that, apparently by default, come into play. 

Estrangement from the nation state has been 

consolidated by a contemporary mood in which 

the commitment to nationality as an overriding, 

ethically charged, or ethnic community has 

become harder to sustain. The political technologies 

that solicited national belonging are very 

different now than they were in the age of 

industrialised culture. And yet the dream of 

naturally national cultures is still alive in the 

midst of a phantasmagoria of invented traditions 

that does not allow the tidy separation of civic 

(good) and ethnic (bad) nationalisms. The resurgence 

of sport at the core of the ‘infotainment 

telesector’ is the most telling symptom of its 

renewed power. 

We have entered what is by Hegelian standards a 

condition of post-History in which Africa and its 

contemporary fate emerge as significant political 

and moral issues. The histories of imperial 

modernity, which will follow this long-overdue 

adjustment, offer a timely alternative to Eurocentrism, 

with its overly innocent notions doggedly 

pursuing the fantasy of progress without 

catastrophe. In grudging response to this new 

predicament, the nation state is still being 

defended as the least bad version of governmental 

practice. It is still presented as the only available 

arrangement for organising the essential task of 

administering justice and orchestrating longterm 

projects toward cultural recognition and 

economic redistribution. This, in my view, is an 

overly-defensive, unimaginative, and unnecessarily 

pessimistic response. It finds nothing 

worthwhile in the history that links modern 

commerce to the formation and development of 

race-thinking or in the extraordinary record 

of translocal movements, from abolitionism to 

Médecins Sans Frontières. 

Symptomatically, it concedes no influence to the 

power of feral art or of other patterns of culture – 

examples of solidarity and affinity that have 


worked, rather like my precious records, in wider 

orbits and founded translocal circuits, unpredicted, 

and underappreciated. A post-anthropological 

understanding of the human condition 

is only the most basic prize awaiting the 

reanimation of political culture simultaneously on 

sub- and supranational scales. 

For information on the publication ‘Trade Routes: History 

and Geography’, see p. 65 

© Prof. Paul Gilroy retains all copyrights of this article. 

Note:The illustrations accompanying this article have 

been selected by the editors. 

From 30 March to 2 April 1998 the Unesco 

intergovernmental conference on the ‘Power of 

Culture’ took place in Stockholm, Sweden. 

As an agora to this conference the seminar 

‘Vision of African Cultural Co-operation and 

Development’ was organised, seeking to discuss 

key issues of African cultural development for 

the 21st century.The event was also the occasion 

for the international launch of Ubuntu 2000, a 

pan-African initiative working in this field. 

At the invitation of the Bellagio Publishing 

Network, organiser of the conference, Els van 

der Plas, Director of the Prince Claus Fund, 

read the following paper. 

Internationalism and the Arts: 

Theory and Practice 

The world of the visual arts in the post-colonial, 

post Cold War and indeed even post-modernist 

era is characterised by certain specific features, 

which may serve as relevant starting-points for 

today’s discussion on internationalism and the 

arts, in theory and practice. 

Concepts and Definitions 

The terms ‘art’ and ‘modernity’ – and thus also 

‘modern art’ – are of Western origin. In this 

Western perception, art is regarded as the 

ultimate expression of the ultimate emotion. In 

this context the meaning of modernity is closely 

linked with evolutionary ideas. The logical 

consequence of a belief in human progress is that 

modern artists create their ultimate expressions 

of art in ivory towers and exhibit their works of 

genius in those Western ‘art temples’, the 

museums of modern art. The almost religious 

experience of these objects comes close to this 

higher ideal of ultimate emotional possibilities. 

This modernist concept is currently changing. It 

is a change that started roughly ten to fifteen years 

ago, especially through the influence of the art 

from non-Western countries and of art works 

created within multicultural societies in the 

Diaspora. Cultural relativism is making inroads in 

the art world. In fact it is better to talk of 

‘contemporary art’ rather than ‘modern art’ when 

referring to contemporary developments in the 

international art world, given the Western 

connotations of the term ‘modern’. 


The visual arts take many forms. In addition to 

the modern art I referred to above, there is 

popular art, fashion, ceramics and religious and 

animistic art from countries in Latin America, 

Africa and Asia. These forms of art are sometimes 

more popular in their own country than modern 

art is in the West. At the same time this is 

precisely the difference in comparison with the 

modernist definition of art given above. All of 

which goes to strengthen the case for using the 

term ‘contemporary art’ rather than ‘modern art’ 

as a way of including various contemporary 

developments in the art field around the world. 

Art History 

In the areas colonialised by the West, Westerners 

established academies of art. There a European 

system of academic art training was given (after 

the example of the 19th-century painter Joshua 

Reynolds) and modern art was taught from the 

Impressionists and the Cubists up to the time the 

colonists withdrew again, the 1950s. As a result 

artists in Latin America, Africa and Asia often 

know a great deal about Western modern art, 

especially up to the 1950s. Western art history 

therefore became a part of the history of the 

colonial areas. In that sense ‘back to the roots’ is 

not a contemporary idea, but rathera ‘neo-postcolonial’ 

attitude. 

On the one hand, there is a lack of knowledge in 

Europe and America of the art history and current 

developments in the arts in the various countries 

of Latin America, Africa and Asia. On the other 

hand, in non-Western areas there is sometimes a 

lack of up-to-date information on Western 

modern art. This makes the transfer of knowledge 

essential. It is just as important for a 

Mozambican artist to read ‘Art in America’ as it is 

for the Museum of Modern Art in New York 

to have ‘Revue Noire’ or the Zimbabwean 

magazine ‘Gallery’ in its library. The mutual lack 

of expertise needs to be corrected on both sides. 

The gaps in knowledge and expertise I have 

referred to, mean that art is not always assessed 

adequately and professionally or in its proper 

context. As a result it is not always easy to 

combine arts from various areas and bring them 

together in a balanced way, as can be done with 

other art forms. In literature, for example, this is 

stimulated by translating books and other works, 


in music by interpreting one another’s compositions 

and by trying out one another’s sounds, 

rhythms and scales, and in dance by the direct 

appeal of bodily expression. Visual art is often less 

accessible, particularly when we are seeking an 

international framework. 

An important intermediary for the visual arts is 

writing about art (art history, art criticism, 

documentation). It is a way of giving meaning to 

art. Art history and art criticism are not 

everywhere equally highly developed. In Africa, 

for example, the written word is by no means the 

essential force behind art production that it is in 

the West. In Africa, as in Asia, the masterapprentice 

relationship is an important manner 

by which knowledge and meaning are transferred. 

In the West, on the other hand, art training 

is sometimes regarded as an inferior way of 

becoming an artist, because of the premium that 

is placed on originality and individuality. 

Up to now the tradition of writing about art has 

been an almost unilaterally Western affair. This 

has meant that opening our doors to art from the 

non-West and criticising it has largely become a 

matter for the West, even in a global context. It is 

important to break this dominance. People like 

Jim Supangkat, Gerardo Mosquera, Ery Cámara, 

Salah Hassan, Okwui Enwezor and others are 

already doing this, but it is no easy task. After all, 

writing about art sprang from the idea that art is 

an individual form of expression. Its origins are 

with the Greeks and the Renaissance art historian 

Vasari who has shown an interest in the artist’s 

individuality, who described the man behind the 

painting, the genius behind the Mona Lisa. 

If writing and publishing about visual art are 

almost non-existent in a culture, it is important to 

ensure the art itself is properly documented, by 

means of exhibitions and books, or slides, 

photographs and the like. This information is 

easily distributed and may encourage more 

frequent international exhibitions, both in the 

West and in the non-West. The international 

nature of the Biennales in Venice and Kassel 

is still very much a one-way European and 

American trip. The Biennales in Istanbul, 

Havana, and Johannesburg are conglomerates of 

so-called Third World art which please the ‘Other 

Worlds’. As a result there is too little follow-up 

and recognition for them, and this is also a 


Shirin Neshat (1957, Iran): 

Grace under Duty, 1994 

black and white photography, 

ink 

130 x 106.6 cm 

courtesy of the artist 

Women of Allah, 1995 


ink 

144 x 101.5 cm 

courtesy of the artis 

page 43 

Allegiance with Wakefulness, 

1994 


ink 

127 x 101.4 cm 

courtesy of the artist 

question of power and respect. In the West, the 

influence and even presentation of non-Western 

art is sometimes experienced as a threat; after all, 

it means less power to the few. Moreover, it 

confronts curators with their lack of knowledge of, 

for example, Chinese contemporary art, and this 

undermines the domination of Western knowledge 

and expertise. Though it is not said in so 

many words that Western museums are full, 

implicitly this is the message that is conveyed. It is 

not easy to put your finger on it, because the 

reasons for not displaying certain art are always 

argued in terms of quality. And quality is a relative 

concept. 

Attempts at Redefinition 

The concept of ‘international art’ is capable of 

including many different concepts of art, from art 

as the most personal expression of the most 

personal emotion, art as a means of religious 

expression, to art as a social analyst and critic. In 

consequence distinctions between high art and 

low art, or between applied art and fine art may 

disappear. Of course there are differences in the 

way they are experienced and received, and it is a 

good thing that these are studied and given a 

name, but this discussion must be inclusive and 

conducted within the framework of art. 

While I am on the subject of art developments in a 

global context, I would prefer to talk of a ‘true 

internationalism’ in art rather than a ‘new internationalism’ 

as described by the Institute for New 

International Visual Arts in London. (After all, 

‘new’ is another product of the Western culture 

of originality). This true internationalism is 

concerned both with art in the multicultural 

society and with presenting Western and non- 

Western contemporary art on an equal footing in a 

variety of publications, exhibitions and activities. 

Can we find a similar definition of art in this 

international context? Let us try. An artist 

expresses an idea or an emotion by means of 

representation. He or she may be expressing a 

meaning or a feeling and may be transmitting it to 

a local, national or international community. An 

artist has the talent and skill to put this message 

or emotion in a form that places it on a higher 

plane than the purely personal, so that it appeals 

to a wider audience. 

Not all kinds of art require an international

framework. Indeed, some art objects acquire 

meaning in a particular local setting or in a 

defined situation. To me this is not at odds with 

the definition of a true internationalism. On the 

contrary, even the purely local representation is 

part of this internationalism. 

Concluding, I would like to make some recommendations. 

Exchange of information is essential. 

Documenting work, publishing catalogues for 

individual artists, and distributing this information 

is essential for a wide cultural forum. Support for 

this exchange of information and dialogue and the 

setting up of networks through workshops, web sites 

and exhibitions is vital. 

Building up knowledge and expertise is important 

for people’s own art history. Being aware of and 

acknowledging one’s own values and qualities is 

essential in order to understand and respect other 

forms of art from other cultures. This study and 

build-up of expertise could be supported both in 

the West (for example, by putting non-Western art 

history on the curriculum) and in the non-West. 

A practical proposal would be for each museum to 

seek a partner museum, somewhere in the world, 

from a different culture. The partners would have 

to keep each other informed by exchanging 

catalogues, information and newsletters, in order 

to keep their documentation systems up to date. 

This would create a stronger tie and a constant 

flow of information and would be a simple, 

effective way of maintaining and encouraging 

communication and an exchange of information 

at a professional level. 

It is in any case very important to operate at a 

professional level in the art world. Unfortunately 

the mediators of art from Ghana or Cambodia are 

sometimes amateurs from other professional fields, 

such as doctors, and the European artists who teach 

at academies in Nigeria or Costa Rica are often 

mediocre strays. It is vital that organisations that 

want to be involved in culture and art in various 

countries recruit professional people. 

It is important, in this international dialogue, to 

define why an organisation is interested in 

supporting or encouraging certain art forms or 

expressions. Intercultural dialogue must not be 

frustrated by the extraneous interests of, for 

example, the donor organisation, such as 

distributing information on Aids or combating 


Antonio Antonio Ole Ole (1951, Angola) Angola) 

Margem da da Zona Limite, 1994 

installation: mixed media; 

details 

photo: Jochen Littkemann 


Kulturen Kulturen der Welt 

1. 

Quotation from the 1997 

Prince Claus Fund Policy Plan 

illiteracy. Of course these are extremely important 

aims, which need funding and attention. No 

doubt many artists will support these aims on the 

basis of their own convictions and ideals, but they 

must not be brought in to do the ‘dirty work’ of 

foundations and funds which see this as a way of 

injecting new élan into their work (culture and 

development) and thereby use artists as their 

messenger boys. 

Writing about art, which is development through 

culture, should be stimulated in various areas. 

History, analysis and theory of art are important, 

as are dissemination of considered ideas and 

concepts on people’s own arts and art practices. 

It is important to use the right definitions and 

terminologies if we are to advance culturetheoretical 

discussions. Redefinition and reformulation 

of existing concepts is a way of 

encouraging a new dialogue. The Prince Claus 

Fund wants to be one of the participants in this 

dialogue, by supporting individuals, making 

awards, supporting intercultural dialogue and 

publishing books and catalogues. Let me 

conclude by stating our belief ‘that globalisation 

need not take place at the expense of individual 

identity. Nor should a strong sense of self stand in 

the way of cosmopolitan world citizenship.’ 1 

Further information on the conference from: 

Bellagio Publishing Network, the Secreteriat, 

20 Park End Street, Oxford OX1 1HU, UK, 

fax: +44.1865-244584, e-mail: bellpubnet@gn.apc.org 

Further information on Ubuntu 2000: 

Ubuntu 2000, National Arts Council Bld., 

PO Box 583 Newtown, Johannesburg, South Africa 

Activities supported by 

the Prince Claus Fund / 

Activités soutenues 

par la Fondation 


Recent publications / 



A 

Les ateliers de l’Institut de Gorée 

Activities supported by The Golden Du, a Surinamese Folk Opera 

Au Sénégal, premier atelier en mars et avril 1998; the Prince Claus Fund / Dating from the Days of Slavery 

trois autres ateliers en 1998 

Activités soutenues Surinam, on and around 1 July 1998 

Introduction par Souleyman Keita, peintre, qui a, par la Fondation Introduced by Thea Doelwijt, the writer and 

avec Chenjerai Hove et Breyten Breytenbach, Prince Claus 

director 

contribué à son organisation 

On and around 1 July 1998 a lavishly produced, 

The described events have 

La Fondation Prince Claus donne soutien à un 

historically founded spectacle, ‘The Golden Du’, 

taken place or will take place 

programme de quatre ateliers à l’Institut de Gorée au with the support of the was performed a number of times in Surinam. 

Sénégal. Six artistes, dont quatre sont africains et deux Prince Claus Fund. 

This was during the country’s commemoration of 

non-africains, ont participé dans le premier atelier à la 

the abolition of slavery 135 years ago. A group of 

Résidence Sabbatique de l’Institut. Souleyman Keita: 

women, the kotomisi, wearing the spectacular 

‘C’est très significatif, ces ateliers que nous organi- 

koto (skirts) and bedecked with jewellery, sang 

sons aujourd’hui à Gorée, au Sénégal; je peux 

songs written long ago – some of them poking fun, 

même dire en Afrique de l’Ouest. Nous avions eu, 

others vindictive – and performed flamboyant 

Breyten Breytenbach et moi, cette idée il y a huit ans 

dances now nearly forgotten. This is a pure folk 

de créer un atelier de gravure ou bien de lithogra- 

opera, a compelling musical performance with 

vure autour de quatre à cinq artistes. L’idée donne 

authentic costumes, presented by a total of 

une opportunité à beaucoup d’artistes qui ont 

eighteen women – singers, dancers, actresses and 

connu Gorée de se réunir autour d’un atelier d’art 

musicians. The original Du performances were 

pour réaliser un travail de recherche, de dialogue, et Souleymane Keita et le maître also special events; the slaves who appeared in 

échanger des techniques en gravure ou en litho- imprimeur Jan Jordan lors de them were there to show off the wealth and 

gravure. 

Chaque artiste reflète sa personnalité, l’endroit où il 

l’atelier, Institut de Gorée au 

Sénégal 

grandeur of the plantation owners and at the 

same time, in their singing and dancing, they had 

vit, le courant artistique qui est dans son 

to fight out feuds on behalf of their masters. The 

environnement. En général ce qui se passe au 

plantation owners, who created the general 

Sénégal et en Afrique de l’Ouest, c’est ce que 

prosperity by selling their coffee, sugar, cocoa and 

j’appelle le ‘retour aux sources’. On est en train de 

cotton, were permanently in conflict with the 

développer quelque chose. Moi-même je ne peux 

‘townees’, who held all the positions of influence. 

pas me dire que c’est de la peinture. 

‘The Golden Du’ takes place in the year 1835, 

Il y a un courant qui existe déjà depuis une dizaine 

when Prince Henry the Navigator arrived in 

d’années. Il y a une grande volonté de sortir de 

Surinam as a young midshipman on board the 

l’académisme à la recherche de quelque chose de 

frigate ‘De Maas’. Prince Henry was a younger 

plus personnel. Pour ne pas dire africain: je n’aime 

brother of King William III, who abolished slavery 

pas le mot ‘art africain’. Pour moi, ça n’existe pas; on 

on 1 July 1863. As was written at the time: ‘Prince 

fait ce que l’on sent et on ne peut pas dire que telle 

Henry, accompanied by the Governor, looked 

personne est plus africaine qu’une autre. Un 

with interest at the Du, which was to him a very 

Japonais peut venir séjourner en Afrique et faire 

strange spectacle.’ An interesting feature of the 

quelque chose sur un thème africain. 

Du is that it was used by the slaves to express 

Mais dire que l’on fait de l’art africain, c’est quelque 

criticism. The following song for example was 

chose que je ne comprends pas moi-même.J’ai 

sung in the presence of Prince Henry: ‘Yu sori en 

travaillé pratiquement toute ma vie à Gorée, je peux 

da bun, yu mu sori en da ogri tu.’ (You, Governor, 

dire que j’ai déjà quelques d’années d’expérience. 

you show him only good things, but you must also 

Et mon grand rêve c’était justement d’utiliser cette 

show him the bad things.) 

île comme un centre artistique. L’île s’y prête, j’ai 

At the beginning of this century the teacher T.A.C. 

rencontré un grand nombre d’artistes qui rêvaient Kwakabangi (for contribut- Comvalius researched the Du. He called it the 

de le faire. Et je crois que le rêve est en train de se ions from spectators and highest form of the song in Surinam and an 

concrétiser à travers cet atelier d’artistes.’ 

Renseignements supplémentaires: Institut de Gorée, 

Maison du Soudan, Rue des Batteries, Gorée, Sénégal, 

performers of a Du), 

around 1850, Surinam 

mahogony 

Museum Museon,The Hague, 

expression of true art. In what is known as the 

banya dance the dancers must show their legs ‘so 

that the nimbleness of the feet and the graceful 

télécopie: +221-8225476 

the Netherlands 

movements can be seen, especially during the 


most impressive scene, the swinging motion of the 

banya. And this is undeniably art.’ 

In ‘Iets over het Surinaamsch lied’ (Something 

about the Surinamese Song) (Paramaribo, 1922), 

Comvalius explains how the performance proceeds. 

First comes a greeting to the mother of the 

ground; then the musicians are introduced: the 

major, who strikes the kwakwa (a wooden bench) 

with two sticks; the mandron player (the mandron 

is a long drum); the pudya player (the pudya is a 

shorter but wider drum); the man with the 

triangle. And then the songs begin – songs which 

often poke fun at particular persons, songs full of 

colourful imagery. 

Father Rikken describes in his book ‘Ma Kakantrie’ 

(Mother Tree) (1907): ‘Encouraged by the Sisi 

and stirred by the music and song, His Majesty’s 

legs loosened up and to shrieks of laughter from 

the spectators he and the fiscal danced in a circle. 

The gentlemen were only playing a subordinate 

role, however, compared with the real players, so 

that they soon stopped. The King approached the 

kwakwabangi and with a majestic gesture placed 

the princely contribution of five guilders in the 

drawer. The others also came up and gave two or 

three guilders plainly for all to see. After they had 

all put their donations in the drawer, at a signal 

from the Pikinmama, the stepmother, the singing 

and acting ceased. It was midnight and time for 

the main interval.’ 

Further information from: Préprétheater, Plantage 

Kerklaan 23 boven, 1018 SZ Amsterdam, Netherlands, 

fax: +31-20-6232693 

Artists’ Workshops 

Uganda, 16 to 31 August 1998 

Trinidad, 8 to 23 January 1999 

Nigeria, 26 March to 8 April 1999 

The Prince Claus Fund will co-operate with 

Triangle Arts Trust, London, UK, setting up 

workshops for visual artists in Africa and the 

Caribbean. Triangle Arts Trust is the joint 

organisation of Gaswork Studios in London and 

the Bag Factory in Johannesburg, South Africa, 

and encourages excellence in the visual arts. It 

provides a stimulus and opportunity for artists to 

realise their potential. The concept of the Triangle 

workshops was developed by the sculptor 

Anthony Caro and Robert Loder, Trustee of 

Gasworks, in New York, USA, in 1982. Since then 

Artists’ workshops organised 

by Triangle Arts Trust: 

1991, Botswana 

UJAMAA, 1992, Maputo, 

Mozambique 

Malangatana Valente 

Ngwenya at the UJAMAA 

workshop 

Codesria staff in front of their 

office building 

workshops have been established in Africa, the 

Caribbean, India and the UK by groups of artists 

who have adopted the Triangle model. Over 1000 

mid-career artists have attended these workshops 

worldwide and, because of their success, the idea 

is spreading rapidly. While these workshops are 

locally financed and artist-led, the Trust plays an 

essential role in the establishment of workshops 

in new locations and in the co-ordination between 

workshops. Through the Gasworks Studios, the 

Trust fosters excellence in the visual arts by 

encouraging the exchange of practice and ideas. 

This concept will be realised in Nigeria, Uganda 

and Trinidad in 1998 and 1999 with the support 

of the Prince Claus Fund. 

The situation for artists in Nigeria is deteriorating. 

Many artists live in exile. Those artists who 

are left are desperate for the stimulus and 

connections with the outside world that are 

possible through Triangle workshops. Among the 

participants in the workshop in Nigeria will be 

Tony Okpe and Jacob Jarri, who have attended 

workshops elsewhere. 

Uganda became isolated during the years of Amin 

and Obote, when conditions for artists were 

dangerous and oppressive. It is only now that 

artists are emerging from the horrors of those 

years and are searching for ways of connecting 

with the wider world of art-making. Invited artists 

will come mainly from the region. 

Building on existing connections and with the 

help of Charlotte Elias who founded and manages 

Caribbean Contemporary Arts in Trinidad, a 

workshop in Trinidad will be established. Among 

the participants will be Steve Oudett and Che 

Lovelace. 

Further information from:Triangle Arts Trust, 

The Oval, 155 Vauxhall Street, London SE11 5RH, UK, fax: 

+44-171-5820159, e-mail: rbl@gasbag.demon.co.uk 

Intercultural Dialogue in Africa 

South Africa, 15 to 18 September 1998 

The Council for the Development of Social 

Science Research in Africa (CODESRIA) in Dakar, 

Senegal, in conjunction with the Center for 

African Studies and the Department of 

Anthropology at the University of Cape Town, 

South Africa, is organising a series of twelve 

workshops between 1998 and 2000 on the 

subject of the cultural history of Africa today. 


In order to promote an exchange and to stimulate 

intercultural dialogue on culture and development, 

the Fund will support one of the twelve 

workshops, ‘Cultural Creolisation and Cultural 

Isolation on the African Continent’, which highlights 

the present multicultural society in Africa 

and its benefits and problems. The workshop will 

take place from 15 to 18 September 1998 in the 

Center for African Studies in Cape Town. 

Further information from: Codesria,Avenue Cheikh Anta 

Diop,Angle Canal 4, Dakar, fax: +221-8-241289 

Announcement of the 1998 Prince Claus Awards 

The Netherlands, 9 December 1998 

The 1998 Prince Claus Awards will be announced 

at the Royal Palace in Amsterdam on 

9 December 1998. On this occasion the principal 

award of USD 100,000 will be presented. The programme 

will also include a speech on culture and 

the ways in which artists and intellectuals can 

contribute to positive social change, as well as a 

show of avant-garde African fashion. 

In addition to the principal award, the 1998 

Prince Claus Awards of USD 20,000 each, will be 

presented by the Netherlands Ambassadors in the 

countries where the laureates live and work. 

Further information from: Prince Claus Fund, 

Hoge Nieuwstraat 30, 2514 EL,The Hague, Netherlands, 

fax: +31-70-4274277, e-mail: prclausf@wxs.nl 

Fura, un spectacle de théâtre musical 

Au Mali et aux Pays-Bas, le 5 mars jusqu’au 

18 avril 1999 

‘La femme! / La tranquilité qui trouble / 

Un bien qui se met / Entre ton bien et toi 

Une lionne qui miaule / Ou une chatte qui rugit 

Une laideur qui séduit / Ou une beauté qui 

repousse / Que celles qui ont l’âge / De nos mères 

nous excusent / Que celles qui ont l’âge / 

De nos amours nous excusent / Que celles qui ont 

l’âge / de nos soeurs nous excusent / Egalement’ 

La Fondation Prince Claus apportera son soutien 

à la réalisation d’une production de théâtre 

musical à grande échelle, intitulée ‘Fura’, écrite et 

mise en scène par Abdoulaye Diarra. Il est le 

premier directeur et le fondateur de la Compagnie 

Théâtre National de Mali et, à partir de 1987, il est 

directeur de Kangara Production. ‘Fura’ signifie 

‘rituel’ et constitue une réflexion sur la place de la 


Oumou Sy (1952, Senegal) 

La femme-parfum 

dress, perfume bottles 

photo: Mamadou Touré 

Béhan 

femme dans la société en pleine mutation des 

pays d’Afrique occidentale. Dans un pays où la 

coutume a force de loi, une femme non excisée 

n’a pas sa place dans l’organisation sociale 

traditionelle. Se battre contre l’excision c’est 

braver la famille, le village, la société tout entière. 

Un très dur combat, qui provoque dans la société 

tout à la fois le rejet de la tradition et une hostilité 

à l’égard des transformations sociales. 

Les meilleurs artistes maliens contribueront à 

cette nouvelle pièce de théâtre musical. L’actrice 

et chanteuse Oumou Sangaré, de réputation 

internationale, jouera le rôle de la femme 

traditonelle. Elle est une grande combattante pour 

l’émancipation de la femme africaine en général 

et de la femme malienne en particulier. Fantani 

Touré, danseuse et chanteuse, est un jeune talent 

et jouera le rôle de la femme représentant la 

nouvelle génération. Zani Diabaté est l’un des 

plus grands percussionistes maliens, qui joue la 

guitare électronique, le djimbé et le bongolo, et en 

plus de ça il est danseur et comédien. Habib 

Dembele, dit le Guimba national, est aussi 

comédien et chanteur. Mais il est surtout un poète 

très respecté. Les lignes ci-dessus sont prises de 

son poème ‘Fidélité cravachée’. 

Renseignements supplémentaires:World Music Theatre 

Festival,Adelaarsweg 7, 1021 BM Amsterdam, 

Netherlands, fax: +31-20-6365569 

Cultural Exchange at Colloquia 

Guatemala, 1999 

The Prince Claus Fund will support Colloquia, a 

centre for contemporary art in Guatemala, which 

promotes the debate on the visual arts and 

stimulates artists. Colloquia was established in 

1996 by individual artists under the auspicies of 

the Patronato de Bellas Artes in Guatamala. It fills 

an urgent need, opening up new horizons to both 

artists and the public in Guatemala, finding new 

ways for them to experience, learn, communicate 

and participate in an cultural exchange and 

dialogue. The Board of Directors of Colloquia 

consists mainly of artists, such as Luis González 

Palma, the architect and photographer who was 

one of the founders. He is President of Colloquia. 

Rossina Cazali, art curator and critic, was also 

among the founders; she is Colloquia’s General 

Director. Among the other founding members 

are: General Secretary Irene Torrebiarte, photo- 

grapher, Treasurer Víctor Martínez, expert in 

Guatemalan art, and Valia Garzón, Cuban art 

critic and curator. Colloquia organises workshops, 

symposiums and conferences with invited artists, 

curators, art critics and art historians. A research 

project investigates Guatemalan and Latin 

American art. This will be compiled in a documentation 

centre and promoted and disseminated 

in an editorial project. The documentation 

centre collects publications and audiovisual 

material acquired from specialised centres in and 

outside Guatemala. Colloquia also organises 

exhibitions of contemporary art. 

Further information from: Colloquia, 5a Avenida 10-22, 

Zona 9, Guatemala CA, fax: +502-4783280, 

e-mail: colloquia@guate.net 

Irene Torrebiate (1970, 

Guatemala) 

Fruto del Sentido, 1998 

photography 

length: 3.5 m 

courtesy of Colloquia 


P 

Publications supported or published 

by the Prince Claus Fund 


Recent publications 


The Prince Claus Fund Journal 

Nka Journal of Contemporary African Art 

contains brief outlines and 

Introduced by Salah Hassan, one of the editors 

commentaries on publications 

Where no art history exists, critical journals and supported or published by the 

other related platforms are crucial to moulding its Fund.The Journal also seeks to 

discourse and involve all the intellectual processes draw attention to recent 

publications relevant to the 

that such an undertaking implies. In a newly 

debate on non-Western 

developing field like contemporary African art, a 

culture. 

critical journal should play a significant role in 

creating the very discourse of the discipline itself. 

‘Nka’ represents a step forward in that direction. It 

is an important initiative in the field of 

contemporary African and African Diaspora art, 

which has been neglected within the art historical 

debate. There is certainly a growing interest in 

the area of contemporary African and African 

Diaspora art and the modernist and postmodernist 

experience within this field. Yet most 

mainstream art periodicals have marginalised 

African and Diaspora arts in general, let alone the 

contemporary forms. The few journals which 

exist in the field of African art either focus 

primarily on the ethnographic and the so-called 

traditional or authentic art forms, or give a cursory 

and mostly superficial look at the contemporary 

forms. Hence, ‘Nka’ serves as an urgently needed 

platform, filling a serious gap in the field. It would 

be right to say that it has in a short period placed 

contemporary African art in a global perspective 

and brought significant aspects of contemporary 

African culture to the awareness of the world. As a 

serious cultural medium, ‘Nka’ has in its four 

years of existence made an appreciable difference Nka Journal of Contemporary 

in the life and career of numerous African artists, African Art 

especially those living in the continent who 

otherwise have little chance of receiving the 

visibility and support which they desperately need 

and deserve. It is the editors’ conviction that ‘Nka’ 

has made and will continue to make significant 

contributions to the intellectual dialogue on world 

art and the discourse on internationalism and 

multiculturalism in the arts. 

‘Nka Journal of Contemporary African Art’ is a 

biannual publication, six issues of which have 

appeared since it started with the autumn 

1994/winter 1995 issue. The seventh issue has 

been edited and designed and is on its way now to 

press. ‘Nka’ has established contacts and connec- The Halaqa Journal 

tions with African-based artists and art critics, 

academics, museums, galleries and other artrelated 

institutions. It is edited by three leading 

scholars, art critics and curators who are actively 

engaged in the field of contemporary African art: 

Salah Hassan, art critic and curator who is also 

Professor of Art History at Cornell University, 

Ithaca, USA, Olu Oguibe, a Nigerian artist, art 

historian and critic who holds the Stuart Golding 

Chair in African Art in the Department of Art at 

the University of South Florida, Tampa, USA, and 

founding editor Okwui Enwezor, a New Yorkbased 

curator, art critic and writer. 

The Prince Claus Fund supports Nka. 

For an annual subscription (2 issues): send a cheque or US 

bank draft for USD 18 (individual) or USD 34 (institution) 

to: Nka Publications, 247 Carlton Avenue, Brooklyn, NY 

11205, USA. If ordering outside the USA please add 15% 

of the subscription fee for shipping and handling. 

Further information from: Nka Journal of Contemporary 

African Art,The Mario Einaudi Center for International 

Studies, 170 Uris Hall, Cornell University, Ithaca, NY 

14850, USA, fax: +1-607-2545000, 

e-mail: nka@cornell.edu 

Visit Nka’s website at: www.nka.org 

The Halaqa Journal 

The Halaqa Journal is a bi-lingual quarterly (in 

Arabic and in English) on Yemeni culture, surveying 

the state of the arts, reviewing cultural 

events and presenting its rich cultural heritage. 

The first issue appeared in the spring of 1998, 

with the support of the Prince Claus Fund. 

Halaqa is the name of the Yemeni International 

Cultural Circle, a non-political, non-governmental 

association of artists and supporters of the arts 

in Yemen, which was established in the beginning 

of 1996. The Circle promotes and stimulates 

artistic activity in its broadest sense. It regularly 

organises exhibitions, international artists’ workshops, 

cultural festivals and poetry sessions. 

Visiting artists are welcome in the Halaqa House, 

which has an exhibition hall, a guest room and a 

printing room. 

The Halaqa Journal includes articles on a wide 

range of cultural activity, such as visual art, design, 

music, theatre, dance, literature, architecture and 

archaeology. It promotes interaction in the arts and 

exchanges between different cultures. It cooperates 

with artists from various regions, with 

international cultural organisations and galleries. 

The Halaqa Journal and the Circle both encourage 

talented individuals and promising movements 

and seek to contribute to the creation of an 

environment in which culture can prosper. It 

aims at promoting a critical view on culture and at 

strengthening cultural freedom and the rights of 

artists, in particular in Yemen. Among the editors 

are the Yemeni artist Mazhar Nizar and the Sana’abased 

Egyptian poet Zein El-Abedin Fouad. Both 

presented their work in the first issue. 

The Halaqa Journal can be ordered from:The Halaqa 

Cultural Circle, PO Box 481, Sana’a,Yemen 

Price: 500 YR or 4 USD 

Trade Routes: History and Geography (1997) accompanied 

the exhibition of work by international 

artists at the second Johannesburg Biennale, held 

from 12 October 1997 to 18 January 1998 in 

South Africa and organised by AICA (Africus 

Institute for Contemporary Art). In June 1996, 

the month in which aica was launched, the 

Nigerian curator and art critic Okwui Enwezor 

was appointed to the position of Artistic Director, 

and it was he who decided on the theme of ‘Trade 

Routes’. He was supported by his international 

curatorial team: Octavio Zaya, Colin Richards, 

Gerardo Mosquera, Kellie Jones, Hou Hanru and 

Yu Yeon Kim. The second Johannesburg 

Biennale follows the inaugural event in affirming 

the importance of a major international art 

event on the African continent, devoted to 

contemporary work. The catalogue presents the 

works on display in the six exhibitions of the 

Biennale, which together form a compelling 

testimony to the complex issues of globalisation. 

The more than 125 artists speak about culture at a 

time when culture is a beleaguered and contested 

notion. The contributing authors include David 

Koloane, Vasif Kortun, Juli Kristeva, Hannah le 

Roux, Olu Oguibe, Ivor Powell and Paul Gilroy. 

The article by the last-mentioned author is 

published on p. 48 of this Journal. 

The Prince Claus Fund was co-publisher of the 

catalogue. 

ISBN 0 620 21522 4, Price: app. ZAR 215 or USD 45 

The publication can be ordered from various bookshops 

in South Africa or from:Worldwide Books, 101 West 

Seneca Street, Ithaca, NY 14850, USA 

fax: +1-607-2720239 

in: Another Long March, 

Chinese Conceptual and 

Installation Art in the 

Nineties, 1997 

in:Trade Routes: History and 

Geography, 1997 

Works by award recipient 

Malangatana Valente Ngwenya, 

in:The 1997 Prince Claus 

Awards publication, 1997 

Another Long March, Chinese Conceptual and 

Installation Art in the Nineties (1997) is a publication 

on Chinese contemporary art accompanying 

an exhibition on this theme held from May to 

August 1997 at the Chassée Kazerne, Breda, the 

Netherlands. ‘Another Long March’ concentrates 

on artists living in China. The curators aimed to 

fill a void, at least partly, by concentrating the 

exhibition on an area of Chinese contemporary art 

little recognised in the West, perhaps because it 

seems so atypically Chinese: the development of 

conceptual and installation art in China itself. 

Installations by sixteen Chinese artists were presented. 

The book is the reverberation of a process 

that was set in motion, a testimony to the openness, 

honesty and involvement of all who worked 

on its realisation. ‘Another Long March’ is the 

first survey in the West of Chinese conceptual and 

installation art, presenting men and women 

artists, from the leading Chinese art centres of 

Beijing, Shanghai, Hangzhou and Guanghzou. 

The contributing artists were: Chen Shaoxiong, 

Chen Yanyin, Feng Mengbo, Geng Jianyi, Gu 

Dexin, Li Yongbin, Liang Juhui, Lin Tianmiao, 

Lin Yilin, Liu Xinhua, Ma Liuming, Wang 

Jianwei, Wang Youshen, Xu Tan, Yin Xiuzhen, 

Zhang Peili, Zhou Tiehai en Zhu Jia. Among the 

authors of the catalogue are Fei Dawei, Hou 

Hanru, Tang Di and Marianne Brouwer. 

The Prince Claus Fund was one of the sponsors 

of the exhibition and the catalogue. 

ISBN 90 9010781 9, Price: NLG. 67.50 

The publication can be ordered from: Fundament 

Foundation, PO Box 1068, 4801 BB Breda, Netherlands, 

fax: +31-76-5207635 

The 1997 Prince Claus Awards (1997) is the fullcolour 

book on the 1997 Prince Claus Awards. It 

highlights the award-winning organisations, such 

as the Zimbabwe International Book Fair and 

Codesria (Senegal), and the individual laureates, 

such as the Indonesian Jim Supangkat, the Costa 

Rican-based Bruno Stagno, the Ghanaian Joseph 

Hanson Kwabena Nketia and the Mozambican 

Malangatana Valente Ngwenya. The contributing 

authors include Roberto Segre (Brazil), Mia Couto 

(Mozambique), Zenebeworke Tadesse (Ethiopia) 

and Mahmood Mamdani (South Africa). 

Further information on the contents of the publication 

can be found in the article on the awards written by 


Marlous Willemsen, p. 8.To order: transfer NLG. 50 to the 

Prince Claus Fund, account number 60.30.55.559 of the 

ABN AMRO Bank,The Hague, Netherlands, or send a 

cheque to the Prince Claus Fund, Hoge Nieuwstraat 30, 

2514 EL The Hague, Netherlands. Please indicate your 

name and address clearly and mention ‘1997 awards 

publication’.The costs also cover postage to all locations. 

Avant-garde African Fashion 

A book will be published by the Prince Claus 

Fund surveying the state of fashion in Africa 

today. The publication will introduce leading 

designers working in the many fields of contemporary 

African fashion, such as dress, hairdressing, 

jewellery and body-painting. The book 

will also contain essays on the art of fashion 

design in Africa and on the role of fashion in the 

expression of identity. It will analyse the relation 

between contemporary design and traditional 

dress and will present a vision for the future of 

African fashion. 

Further information from: Prince Claus Fund, Hoge 

Nieuwstraat 30, 2514 EL The Hague, Netherlands, 

fax: +31-70-4274277, e-mail: prclausf@wxs.nl 

New from El Saqi Books, Beirut/London 

Sexuality in Islam (1998), by Abdelwahab 

Bouhdiba 

The work argues that Islam has a lyrical view of 

life in which sexuality enjoys a privileged status. It 

represents a permanent attempt to integrate the 

religious and the sexual, and the author examines 

the problem of whether this harmony of sexual 

ecstasy and religious faith is ever achieved in 

practice. Drawing on the immense body of 

literature devoted to the subject in Arabic, and 

also on many Western sources, he describes 

the place of sexuality in the traditional Islamic 

view of the world. Beginning with the Qur’an, 

Abdelwahab Boudhiba confronts the question of 

male supremacy in Islam and the strict separation 

of the masculine and the feminine. He 

gives an account of purification practices, of 

Islamic attitudes towards homosexuality, concubinage, 

legal marriage, and of sexual taboos laid 

down by the Qur’an. He assesses present-day 

sexual practices, including eroticism, misogyny 

and mysticism, and concludes that the ideal 

Islamic model of sexuality has been debased. The 


sexual alienation – and even oppression – of 

modern Muslim women is the result not of the 

Islamic vision of sexuality but of social and 

economic pressures. Abdelwahab Bouhdia is 

Professor of Islamic Sociology at the University of 

Tunis, Tunisia, where he is also Director of the 

Centre d’études et de recherches économiques et 

sociales. He is an advisor to international 

organisations such as Unesco and the un and to 

the Tunisian government on issues dealing with 

development and on human rights. 

ISBN 0 86356 086 5, Price: GBP 14.95 

To order: El-Saqi Books, 26 Westbourne Grove, London 

W2 5RH, UK, fax: +44-171-2297492; e-mail: 

101621.3533@compuserve.com 

Writing the Self.Autobiographical Writing in 

Modern Arabic Literature (1998) 

The subject of autobiography has been a dominant 

theme in literary theory and criticism in 

recent years. As a consequence, the parameters of 

what does or what does not constitute autobiography 

in literature have been greatly extended. 

‘Writing the Self’ presents the latest research on 

this subject by leading experts on modern Arabic 

literature. As such, it questions the view that 

autobiography has not been central to the literary 

tradition of the Arabs, a view which seems to 

suggest that autobiography is the preserve of 

West European Renaissance Man or Woman and 

their descendants. The chapters cover a broad 

spectrum of autobiographical material and range 

in time from the 17th century to the present day. 

They include travelogues as a category of autobiographical 

writing, as well as a wide variety of the 

more traditional retrospective prose histories of 

the self. One of the Arab world’s leading novelists, 

Edwar al-Kharrat, gives a personal account of 

fiction and autobiography; and novels, drama and 

poetry are all considered within the book’s overall 

theme. Women writers and Palestinian authors 

are also given due consideration. ‘Writing the 

Self’ is a provocative re-evaluation of the theory 

and practice of autobiography in modern Arabic 

literature and beyond. The book has been edited 

by Robin Ostle, Ed do Moor and Stefan Wild. 

ISBN 0 86356 727 4, Price: GBP 35 

To order: El-Saqi Books, 26 Westbourne Grove, London 

W2 5RH, UK, fax: +44-171-2297492; e-mail: 

101621.3533@compuserve.com 

Nouveauté des Nouvelles Editions Africaines 

du Sénégal 

Saison d’amour et de colère, poèmes et nouvelles 

du Sahel (1998) 

Au mois d’octobre 1997, vingt jeunes poètes et 

nouvellistes du Mali, du Burkina Faso, du Niger et 

du Sénégal se sont retrouvés à Bamako, au Mali, 

pour un atelier d’écriture d’une semaine sous la 

direction des écrivains Boubacar Boris Diop de 

Sénégal et Hélène Bezençon de Suisse. La mise 

en forme a été l’oeuvre des auteurs eux-mêmes. Il 

s’agit plutôt de mythologie personnelle et celle-ci 

gagne davantage à être vécue dans l’incertitude 

qu’à être offerte en spectacle. Les textes réunis 

dans cet ouvrage disent, avec la vigueur de la 

jeunesse, le mal à vivre d’un continent déserté par 

les joies simples de la vie. Les chants d’amour 

alternent avec les cris de colère mais jamais on ne 

renonce au rêve d’une société de justice et de 

liberté. L’ouvrage est issu de ce projet littéraire 

visant à offrir à de jeunes auteurs du Sahel la 

possibilité de se faire connaître du grand public. 

Les jeunes poètes sont Sophie Heidi Kam, 

Honorine Mare, Rosalie Nana, Patrick Poadiague, Publishers are invited 

Amara Malé Diallo, Aïssatou Guindo, Moussa to submit a review copy 

Mody Alzouma, Habib Demba Fall, Aminata of books relevant to the 

Ndiaye, Bassirou Niang, Oumar Sall et Aminata Prince Claus Fund. 

Sophie Dièye. Dièye (1973, Thiès, Sénégal), The Journal will include 

journaliste à ‘Sud Quotidien’, a écrit ‘Destroy reviews of selected 

System’. Le texte est écrit avec la vigueur de la publications. / 

jeunesse et avec les modes rap en tête: 

Les éditeurs sont priés 

de bien vouloir adresser 

‘Le Centre musical français avait offert au groupe à la Fondation Prince 

Destroy System Posse l’occasion de participer Claus, pour compte- 

enfin à un podium. Pour ces rappeurs, un petit rendu, tout ouvrage 

morceau de rêve allait se réaliser. Comme tous les susceptible d’intéresser 

artistes, les gars du Destroy System avaient besoin la Fondation. Le Journal 

de séances d’exhibitions, de flirts et de coït avec publiera des comptes- 

un public pour atteindre l’orgasme créatif. Et ce rendus d’ouvrages 

podium allait être leur lune de miel. Ils pourraient sélectionnés. 

enfin éjaculer leur fiel. 

Prince Claus Fund / 

A seize heures déjà, Demolition Boy était prêt. Fondation Prince Claus 

Prêt comme pour aller en guerre. Il avait mis ses Hoge Nieuwstraat 30 

‘Rangers’, de très lourdes chaussures de soldats 2514 EL,The Hague, 

noires et montantes. Dans ces pompes, il se Netherlands / La Haye, 

sentait l’âme d’un guerrier, peut-être même d’un Pays-Bas 

Kamikaze. 

phone: +31-70-4274303 

Ce grand Sahélien malingre de vingt deux berges fax: +31-70-4274277 

avait déserté la faculté de philosophie parce qu’il e-mail: prclausf@wxs.nl 

en avait ras-la-cervelle des théories mysticopolitico-sociologiques 

de la prétendue intelligentsia 

de son pays. 

Pour ce jeune homme d’enfer, tout leur bla-bla 

était pareil aux bondieuseries et aux charlataneries, 

ça ne marchait pas avec lui. Il voulait tout 

démolir parce qu’il trouvait le Système 

bordélique. A ses yeux tout était foutu. Il ne voyait 

partout que catastrophe et chaos, ça puait à plein 

nez le vice et l’injustice, ce vrai merdier de pays! 

Il comparait ce tas d’enfoirés, que sont les 

bonshommes au pouvoir, à un kleenex gorgé de 

morve humide et répugnante. Essayer de recycler 

ces individus-kleenex, c’était se taper des virus 

plein la gueule. 

Le seul truc qui marchait avec eux, c’était de les 

enfermer, ces foutriquets de politiciens. 

Et Wicked Sister partageait son opinion. Pour 

cette jeune fille de dix huit ans, obèse et 

ténébreuse, le rap était l’unique moyen de 

dégueuler son ras-les-tripes. Le Hip Hop était son 

crachoir. Sans cela, mademoiselle serait sûrement 

allée depuis longtemps se jeter sous le train 

‘Express-Dakar-Bamako’ pour être broyée sur les 

rails brûlants du Tiers monde plutôt que de se 

faire pute ou dealer de coke. 

Le troisième larron de Destroy System Posse, 

Black Splendid, était un connard de mec dont 

l’ultime ambition dans la vie était de ressembler 

trait pour trait à la star du Ragga: Shaba. Un jour, 

complètement disjoncté pour avoir trop forcé sur 

les lignes de coke, on l’avait pris pour un 

interprète de Mister Lover Man et depuis, 

monsieur faisait de la masturbation sociale, son 

fonds de commerce. …’ 

ISBN 2 7236 1117 5, Prix: autour de CHF 25 

Renseignements supplémentaires: Náwào Productions, 

Röntgenstrasse 4, 8005 Zurich, Switserland 



(1948, Oran, Algérie) est journaliste, biographe et 

romancier. Il vit depuis 1993 en exil en France 

avec sa femme et ses trois enfants. Disciple de 

Camus, il raconte l’Algérie présente et passée, 

une Algérie à la fois tendre et cruelle, où le chaos 

est souvent baigné de poésie, où les douces 

odeurs de l’enfance co-existent avec les odeurs 

âcres de l’Algérie d’ aujourd’hui. ‘Je ne sais pas 

où je vais’, dit-il, ‘mais je sais d’où je viens’. Ainsi 

entend-il témoigner, à travers la mémoire de 

l’écriture, de ce qui se passe là-bas, dans sa terre 

natale ensang-lantée, mais où il a gardé de 

profondes racines. 

Thea Doelwijt 

(1938, Den Helder, the Netherlands) writes plays 

and stories for both children and adults. In 

Surinam she was a member of the Moetete 

Writers’ Group (1968) and a co-founder of the 

Du Theatre (1970-1983). She is now living 

and working again in the Netherlands, having 

returned in 1983 after 22 years in Surinam. The 

country still forms the inspiration for all her work. 

Her research has resulted in several publications 

in Surinam. 

Paul Gilroy 

(1956, London, uk) is currently Professor of 

Sociology and Cultural Studies at Goldsmiths 

College in London. He is also associated with the 

programme in African and African American 

studies at Yale University, usa. His books include 

‘The Black Atlantic’, ‘Small Acts’ and ‘There Ain’t 

No Black in the Union Jack’. He was co-writer of 

‘The Empire Strikes Back’ and ‘Hendrix, Hip Hop 

and the Interruption of Thought’. A new publication 

about fascism, raciology and the ethics of 

anti-racism is almost completed. 

Salah Hassan 

(Juba, Sudan) is currently Assistant Professor of 

African and African Diaspora Art History and 

Visual Culture in the Africana Studies and 

Research Center at Cornell University, Ithaca, 

usa. After obtaining a b.a.. degree in 1976 from 

the University of Khartoum, Sudan, he received 

an m.a. in 1984 from the University of Pennsylvania, 

usa, and a Ph.D. in 1988. He is editor of 

‘Nka Journal of Contemporary African Art’, and 


Contributing authors / 

Auteurs participant 

à ce numéro 

serves as consulting editor for ‘African Arts’ and 

‘Atlantica’. He has published and contributed to 

many catalogues, books and magazines. 

Souleymane Keita 

(1947, Sénégal) a étudié à l’école des arts du 

Sénégal, section arts plastiques, études de céramique. 

Il a présenté son oeuvre entre autres à la 

Galerie des 4 vents à Dakar en 1995, à la Galerie 

Douala au Cameroun en 1997 et au Musée 

d’art moderne de Mexico en 1998. Ses oeuvres 

récentes ont fini par convaincre de la maîtrise 

technique d’un créateur qui refuse toute concession 

à la facilité. Mieux, son regard sur le monde, 

dépouillé de toute fioriture, a débouché sur le 

symbolisme du signe, clé du langage universel. 

Gomdaogo Pierre Nakoulima 

(1960, Bobo-Dioulasso, Burkina Faso) enseigne 

au Département de philosophie de l’Université 

de Ouagadougou, Burkina Faso, depuis 1991. Il a 

étudié a philosophie à l’Université des Sciences 

Humaines de Strasbourg en France, où il a 

soutenu en 1989 sa thèse de doctorat intitulée 

‘Le paradigme galiléen et sa mise en question dans 

le nouvel espace épistémologique’. Il a publié de 

nombreux articles sur la philosophie et l’histoire 

des sciences, l’écologie et la démocratie. 


(1960, Leiden, the Netherlands), Director of the 

Prince Claus Fund, is an art historian, curator 

and art critic. She is the founder and former 

Director of the Gate Foundation in Amsterdam 

(1988-1997), an organisation for intercultural 

exchange in the field of contemporary art. She 

lectures at various universities in the Netherlands, 

and has lectured at the Tate Gallery in 

London, uk, and at Cornell University, Ithaca, 

usa. She has contributed to various catalogues 

and art magazines such as ‘Art and Asia Pacific’ 

and ‘Third Text’. 

Bruno Stagno 

(1943, Santiago de Chile) studied at the School of 

Architecture at the Universidad Católica de Chile 

in Santiago. With a scholarship from the French 

government and the Fundación Yrarrázaval, he 

later settled in Paris and studied town planning 

and architecture at the Ecole des beaux arts, in the 

workshop run by Georges Candilis. He returned 

to Chile but emigrated to Costa Rica in 1973, 

where he has worked since as an independent 

architect. In 1994 he founded the Institute of 

Tropical Architecture in San José, which works on 

at the preservation of tropical architecture and the 

application of architectural syncretism. 


(1949, Likasi, Congo-Kinshasa) a fait des études 

d’anthropologie à l’Université Lovanium, à Kinshasa, 

et à l’Université nationale du Zaïre, et des 

études en sciences sociales à l’Université libre de 

Bruxelles en Belgique. Elle a obtenu un Certificat 

de gestion à l’Ecole internationale de Bordeaux en 

France. Actuellement Shaje’a Tshiluila est Directeur 

du Musée de Kinshasa et Professeur à 

l’Université de Kinshasa. 

Yvonne Vera 

(Bulawayo, Zimbabwe) is a novelist and the 

Director of the National Gallery of Zimbabwe in 

Bulawayo. Her collection of short stories 

‘Why Don’t You Carve Other Animals’ (1992) 

and her novels ‘Nehanda’ and ‘Without a Name’ 

(1995) were short-listed in the Commonwealth 

Writers Prize for 1993, 1994 and 1996 respectively. 

‘Without a Name’ won the Zimbabwe 

Publishers Literary Award; ‘Under the Tongue’ 

won the Commonwealth Writers Prize (African 

Region) in 1997, and the 1997 Zimbabwe 

Publishers Literary Award. Yvonne Vera has a 

Ph.D. of York University, Toronto, Canada. 


(1969, Velden, the Netherlands) works as a 

Policy Officer for the Prince Claus Fund. She 

studied Arabic Language and Culture at Utrecht 

University, the Netherlands, and Islamic Art at 

Otto Friedrich University in Bamberg, Germany. 

Before joining the Prince Claus Fund she managed 

the Centre of Islamic Culture of the Rotterdam 

Museum of Ethnology (1994-1997), the 

Netherlands, which runs partnerships with 

cultural organisations in the Middle East and 

North Africa. 


Extracts from the Prince Claus Fund Policy Plan, 1997 

All cultural policy provokes resistance.The Prince Claus Fund does not evade 

this issue, even if support may sometimes be interpreted as a political stance. 

That is why the Fund is interested in the ‘assertive’ element in a society: people 

who strive for ‘self-emancipation’, democracy and justice. 

The Fund intends to contribute to those activities of artists and intellectuals 

that will benefit cultural interaction. In this day and age, cultural products often 

bear an individual signature – a good reason for the Fund to support and 

protect individual quality and integrity.The arts are a case in point. 

The Fund intends to pay attention to cultural ‘experiments’ which link the 

familiar and the alien, i.e. to stimulate attempts to combine one’s own 

achievements with those of others.This implies a special interest in forging links 

between the ‘zones of silence’, the regions and cultural areas which do not 

feature in world news and receive scant attention elsewhere. 

The Fund is aware of the post-colonial situation in which an ‘imposed’ culture 

has become part of indigenous culture. This has resulted in cultural activities 

which generate new ideas and forge new contexts. The Fund recognizes the 

desire to rediscover and revaluate one’s own history, while old values are 

sometimes reinterpreted in new circumstances with new meanings. 


Extraits du plan de la politique à suivre de la Fondation Prince Claus, 1997 

Chaque politique culturelle appelle des résistances. La Fondation Prince Claus 

n’évitera pas de tels problèmes; même si le soutien sera parfois interprété 

comme une prise de position politique. Partant de ces données la Fondation est 

attentive aux ‘belliqueux’ d’une société, ceux qui aspirent à ‘l’auto-émancipation’, 

à la démocratie et à la justice. 

La Fondation veut contribuer aux activités des artistes et intellectuels qui 

profitent à l’interaction entre les cultures. De nos jours les produits culturels 

portent souvent la signature d’un individu, une bonne raison pour la Fondation 

de soutenir et de stimuler la qualité, l’originalité et l’intégrité du travail d’un 

individu. Cela vaut particulièrement pour le soutien à l’art. 

La Fondation prêtera attention aux ‘expérimentations’ culturelles qui uniront 

entre eux le connu et l’inconnu, ce qui signifie l’encouragement à l’effort de 

mêler ses propres acquis à ceux des autres. Elle accordera une attention 

particulière aux liens réciproques entre les ‘zones de silence’, les domaines et 

les sphères culturelles qui restent en dehors de l’actualité internationale et qui 

sont négligés. 

La Fondation est consciente de la situation post-coloniale dans laquelle une 

culture ‘imposée’ est devenue un élément de la culture propre. Cette situation 

a favorisé des activités culturelles qui sont à l’origine de nouvelles idées et qui 

créent de nouveaux liens. La Fondation reconnaît le souhait de redécouvrir et 

de revaloriser sa propre histoire alors que parfois, dans de nouveaux 

contextes, d’anciennes valeurs sont réinterprétées et acquièrent de nouvelles 

significations. 


yes! oui 

I would like to support the 


You can help the Prince Claus Fund to stimulate 

culture and development in Africa, Asia and Latin 

America (including the Caribbean), by transferring 

a minimum of USD 25 annually to the 

Fund’s bank account (see below). The Prince 

Claus Fund will use all donations to support 

cultural projects in the Third World aimed at 

positive social change. 

By supporting the Prince Claus Fund you support 

artists and intellectuals in situations in which they 

do not have the means or sufficient opportunity 

to express their views through works of art or 

publications.You create a worldwide platform for 

the intercultural debate on shared values, with a 

special focus on ‘zones of silence’ – regions and 

cultural areas which do not have good access to 

the rest of the world and receive scant attention. 

As a donor of the Prince Claus Fund you will of 

course receive the Prince Claus Fund Journal, 

which will keep you informed of the Fund’s 

activities. 

Please fill in the form and return it by mail, fax or 

e-mail to: 


Hoge Nieuwstraat 30 

2514 EL The Hague, Netherlands 

fax: +31-70-4274277 

e-mail: prclausf@wxs.nl 

account number 60.30.55.559 of the ABN-AMRO 

Bank,The Hague, Netherlands 


Culture is a 

basic need 

La culture est 

un besoin 

fondamental 

J’aimerais apporter mon 

soutien à la Fondation 


Vous pouvez soutenir la Fondation Prince Claus 

afin de contribuer à la réalisation de projets dans 

le domaine de la culture et du développement en 

Afrique, en Asie et en Amérique latine (y compris 

les Caraïbes) en versant chaque année 25 USD 

minimum sur le compte en banqe de la Fondation 

dont vous trouverez le numéro ci-dessous. La 

Fondation Prince Claus utilisera toutes les 

donations pour des projects culturels dans le 

Tiers monde aux fins d’un développement social 

positif. 

En apportant votre soutien à la Fondation Prince 

Claus, vous aidez des artistes et des intellectuels 

dans des situations où manquent moyens et 

possibilités pour exprimer leurs points de vue à 

travers des oeuvres d’art ou des publications. 

Vous aidez à créer un espace mondial pour un 

débat interculturel sur des valeurs partagées, 

espace qui embrassera en particulier des ‘zones 

de silence’, des régions et des domaines culturels 

qui ne sont pas suffisamment raccordés au reste 

du monde et ne reçoivent guère d’écoute. En tant 

que donateur de la Fondation Prince Claus vous 

recevrez bien entendu le Journal qui vous tiendra 

au courant des activités de la Fondation. 

Nous vous prions de bien vouloir remplir ce 

formulaire et de le retourner par courrier, télécopie 

ou courrier électronique à: 

Fondation Prince Claus 

Hoge Nieuwstraat 30, 2514 EL La Haye, Pays-Bas 

télécopie: +31-70-4274277 

courrier-é: prclausf@wxs.nl 

compte en banque: 60.30.55.559 

(ABN-AMRO Bank, La Haye, Pays-Bas)

prins claus journal 1 opmaak - Prince Claus Fund

You also want an ePaper? Increase the reach of your titles

Delete template?

Save as template?