American contemporary dance has evolved into many divergent ...

탭, 재즈, 힙합
미국의 현대 무용은 여러 가지 다양한 스타일로 진화했습니다. 각 언어
만큼이나 각각의 댄스는 서로 고유한 특성을 지니지만, 로망스어들이
라틴어에서 유래된 것과 마찬가지로 이렇게 다양한 댄스 스타일도 공통된
DNA 를 갖고 있습니다. 탭 댄스, 재즈 댄스, 힙합 댄스의 장르는 각기
다르지만 모두 음악에 중점을 둔다는 점이 같습니다. 즉, 리듬에 맞춰
반주음악을 표현한다거나, 탭 댄스의 경우에는 가끔 실제로 음악을
창작하기도 합니다. 이러한 세 가지 스타일은 또한 엔터테인먼트를
강조하는데, 보다 전통적인 방식으로 관객을 일 대 일로 참여시키거나, 탭
댄스 및 힙합 댄스에서 흔히 볼 수 있는 것처럼 다른 무용수들과 무대에서
경합을 벌이기도 합니다. 하지만 세 가지 스타일 모두 생동감 있고, 해석이
매우 자유로우며, 신체적, 표현적인 댄스 스타일로 용광로의 쇳물처럼 융합된
미국의 정신(melting pot spirit)을 가장 잘 반영합니다.
세 가지 댄스 스타일은 대부분 아프리카계 미국인 후손들에 의해 생겨났으며,
영국 식민지 제도에서 분파되었습니다. 힙합 댄스가 1970 년대에 시작된
역사가 그리 길지 않은 형태인 반면, 탭 댄스는 비교적 오래된 형태로,
시민권을 위한 오랜 항쟁 기간 동안 아프리카계 미국인들의 역할 변화와 동반
성장하였으며, 결과적으로 20 세기 재즈로 발전하였습니다.
탭 댄스
17 세기 중반 미국에서 시작된 탭 댄스는 노예들이 추던 서아프리카 댄스에서
진화한 형태로 아일랜드계 스텝 댄스 및 영국계 클로그 댄스 등, 영국 식민지
제도의 영향을 받았습니다. 역동성과 흐름을 강조하는 아프리카 및 테크닉과
발놀림을 강조하는 영국, 두 지역에서 영향을 받은 특성이 융합되었습니다.
서로 다른 두 지역의 두드러진 특징은 오늘날 폭넓고 다양한 탭 댄스에 대한
접근 방식에서도 여전히 찾아볼 수 있습니다.
탭 댄스의 성장은 일부분 예술에 대한 탄압에서 기인합니다. 1730 년대 노예
반란은 노예의 백인 주인들로 하여금 드럼의 사용을 금지하게 했는데, 이는
백인 주인들이 드럼을 혁명을 조직하는 데 사용하는 도구라 여겼기
때문입니다. 이런 이유로 풍부한 지략과 독창성을 보유한 사람들은 신체, 즉
보다 구체적으로 그들의 발을 사용하여 리듬을 표현하게 되었습니다. 18 세기
후반, 지그 댄스 경연 대회가 임시 방편으로 제작한 나무판자 “무대”에서
개최되었고, 가장 정교한 루틴(정해진 춤 동작)과 균형을 유지하며 현란한 춤
동작을 선보인 무용수들에게 상을 수여했습니다.

1800 년대 초중반 무렵 대단히 인기있었던 분장악극(Minstrel show)에는 흑인
분장을 한 백인(및 이후 아프리카계 흑인) 공연가들이 등장하여, 흑인의
행동을 풍자했는데, 이는 시대에 뒤떨어진 정치적 견해의 음유 시인들을
누르고 동시에 보드빌(Vaudeville)에서 인기를 얻은 아프리카 문화의 요소를
드러내는 역할을 했습니다. William Henry Lane(“Master Juba”로 널리
알려짐)은 당시 분장악극의 백인 공연가들 가운데 거의 찾아볼 수 없던 흑인
공연가였습니다. 한때 흑인 문화를 패러디하며 경의를 표했던 음유 시인은
산업과 자본 위주의 부와 농장과 노예로 대표되는 남부로 구성된 역사가 길지
않은 한 격동의 국가를 반영합니다. 1880 년대에 시작된 보드빌은 진지한
독백에서부터 곡예와 댄스에 이르기까지 다양한 공연을 선보였습니다. 몇몇
순회 공연이 열렸고, 극장 네트워크를 결성하여 입증된 공연은 조직화된
방식으로 여러 곳을 순회할 수 있었습니다.
1900 년 무렵, 탭 댄스의 형태는 클로그 댄스, 스텝 댄스, 벅 댄스, 또는 벅-
앤-윙 댄스로 여전히 알려져 있었습니다. 탭 댄스는 비록 본질적으로 차별을
받았지만 그 인기는 점점 늘어났습니다. 극장들은 순회 공연 네트워크를
형성하여 이 장르를 보급하는 데 촉매 역할을 했습니다. 극장 소유주 출연
예약 협회(Theater Owners’ Booking Association: TOBA)라 불리는 조직은 흑인
보드빌 극장들과 흑인 무용수들을 연결시켜 주었습니다. 브로드웨이의 인기도
계속 늘어나고 있었지만, 탭 댄스의 유산을 발전시킨 것은 보드빌이라 할 수
있습니다. 꾸준히 다변화하는 탭 댄스 영역은 확장되어 더욱 다양한 테크닉을
선보이는 전문 기술과 보다 훌륭한 개성을 표현하게 되었습니다.
20 세기의 가장 유명한 무용수들 가운데 Nicholas 형제(Harold 와 Fayard
Thomas)가 있었는데, 이들의 대담한 곡예(공중으로 뛰어 올라 다리를
일직선으로 펼치기, 밴드 위의 플랫폼 사이로 뛰어오르기)는 지켜보는 이들을
숨죽이게 했습니다. 무용수들이 짝을 이루어 공연하는 것은 한편으로
흑인들이 단독 공연을 하지 못하게 금지하는 규정의 결과로 생겨난 것입니다.
“Buck and Bubbles“(John “Bubbles” Sublett 와 Ford “Buck” Washington)는
우아한 턱시도와 피아노 반주로 자신들만의 특별함을 선보였고 격식없는 댄스
경연이 펼쳐진 할렘의 Hoofers 클럽에서 주로 공연했습니다. Bill “Bojangles”
Robinson 은 정중하고 산뜻한 세련미를 대표했으며, 그가 계단을 오르내리며
추는 춤은 그의 고유한 시그니처 댄스가 되었습니다.
1930 년대, 보드빌의 인기는 떨어지는 반면, 브로드웨이와 영화는 인기를
더해가고 있었습니다. 이는 Busby Berkeley 와 같은 이들이 만든 정교하고
화려한 작품들은 열정적으로 관객의 호응을 얻은 데 반해, 좀 더 사적인 즉흥
공연은 대중의 이목을 끌지 못했다는 의미였습니다. Ann Miller, Ray Bolger,
Donald O’Connor, Gene Kelly, 그리고 잊을 수 없는 Fred Astaire 및 자주 그의
파트너가 되었던 Ginger Rogers 와 같이 그 시대에 출연했던 공연가들은
여전히 탭 댄스의 아이콘으로 남아있습니다.

Kelly 와 Astaire 는 서로 매우 다른 주목할 만한 탭 댄스의 양대
거목이었습니다. Kelly 는 슬림하게 달라붙는 스포티한 의상을 입고 플리에를
깊게 하고 팔을 구부려 몸체에서 멀리 유지하는 동작으로 급성장하는 재즈와
탭 댄스를 융합하였습니다. 그는 테크니컬러 장편 서사 뮤지컬 영화 파리의
미국인(An American in Paris)에서 연기했듯이 미국을 의인화하는 듯한 자신감
넘치는 태도를 표출했습니다. Kelly 의 루틴에서 볼 수 있는 재즈 분위기는
브로드웨이와 영화에서 점차 주목받기 시작했습니다. 한편, Astaire 는 완전한
우아함과 품위를 갖추었습니다. 흔히 턱시도를 차려입고 정장용 모자나
지팡이를 함께 매치했던 그는 흑백 화면에서 컬러 화면으로 무리없이
발전했던 은막의 배우였습니다. Ginger Rogers 는 자주 그의 파트너가
되었으며, 그들은 로맨스, 유머, 미국의 낙관주의 및 안무의 독창성을
전형적으로 보여주었습니다.
탭 댄스는 20 세기 중반에 차츰 대중의 시야에서 사라졌지만, 학교와 다양한
축제에서 많은 옹호자들을 발견할 수 있었습니다. 탭 댄스의 스텝은 어느
정도 체계화되어 있고 그 용어는 표준화된 데 반해, 탭 댄스는 각각의 새로운
설명과 함께 꾸준히 진화하여 언제나 상당히 개인주의적인 댄스 형식으로
발전했습니다. 따라서 탭 댄스의 예술적 형태는 Jimmy Slyde, Charles “Honi”
Coles 및 John Bubbles 와 같은 탭 댄서들에 의해 존속되었습니다. 그 다음
세대에는 많은 여성 탭 댄서들이 등장했으며, 이들 중에는 Dianne Walker,
Brenda Bufalino, Lynn Dally 및 자신의 Word of Foot 조직을 통해 컨퍼런스를
주최하고 1980 년대와 그 이후 탭 댄스의 전통을 활기넘치게 이어온 Jane
Goldberg 가 있습니다.
그 후 얼마 지나지 않아, 새로운 세대의 열성 팬들은 탭 댄서인 Gregory
Hines 가 러시아 발레의 슈퍼스타 Mikhail Baryshnikov 와 영화 백야(White
Nights) 에서 댄스 경합을 벌이는 장면을 지켜보게 되었습니다. 그들 각자의
댄스 장르는 자신의 고국이 지닌 특성을 나타내는 것처럼 보이기도 했습니다.
Hines 는 스포츠의 열정, 기교 및 화면 상의 대단한 카리스마를 표출했습니다.
그는 수많은 사람들이 역대 가장 뛰어난 탭 댄서에 속한다고 여기는 젊은
Savion Glover 와 함께 젤리의 마지막 잼(Jelly’s Last Jam)(1992 년)에서 주연을
맡았습니다. Glover 는 뮤지컬 구조와 대위법을 강조하여 클래식을 포함한
다양한 분야의 음악에 맞춰 훨씬 더 복잡한 리듬을 완성합니다. 그는 1996 년
브로드웨이 쇼 브링 인다 노이즈 브링 인다 펑크(Bring in ‘Da Noise, Bring in
‘Da Funk)로 토니 시상식에서 최우수 안무상을 수상하였으며 또 다른 새로운
세대에 영감을 주었습니다.
미국 전역에서, 특히 세인트루이스, 시카고 및 보스턴과 같은 도시에서
축제가 열립니다. 1989 년에 시작된 '탭 익스트라바겐자(Tap Extravaganza)
공연은 미국 탭 댄스의 날(National Tap Dance Day)을 기념하며 매년 평생

공로상을 수상할 무용수를 선발합니다. 최근 몇 년간 점점 더 개성 있는
스타일의 현란한 동작을 보여주는 다양한 신세대 탭 댄서들이 등장했습니다.
이들 중에는 Max Pollack, Roxanne Butterfly, Tamango, Dormeshia Sumbry-
Edwards, Michelle Dorrance 및 탭 히트(Tap Heat)라는 단편 영화에서 탭
댄스계의 신화인 Arthur Duncan 과 나란히 출연한 Jason Samuels Smith 가
있습니다. [웹 버전에서 탭 히트(Tap Heat)를 클릭하면 비디오로 연결되는
링크가 나타나지만 링크가 있다는 것을 표시하기 위해 밑줄은 없습니다]
보다 폭넓은 대중 문화에서 브로드웨이 42 번가(42 nd Street)와 애니씽
고즈(Anything Goes)처럼 최근에 재공연된 작품들에서 볼 수 있듯이 탭
댄스는 브로드웨이에 영원히 존재합니다. 리버댄스(Riverdance)로 열풍을
몰고 온 아일랜드계 스텝 댄스 공연은 엄청난 인기를 입증했으며, 스텝
댄스를 무대화한 공연 작품들을 오프-브로드웨이에서 찾아볼 수 있습니다.
또한 두 가지 형태 모두 TV 의 일부 인기있는 댄스 프로그램과 재능 경연
프로그램에 이따금 등장합니다. 콘서트 댄스 공연 분야에서는 2012
DanceMotion USA 무용단인 Lynn Dally 의 Jazz Tap Ensemble 과 같은
무용단은 국내와 해외에서 공연을 합니다. 탭 댄스 장르는 철저히 안무를 짠
댄스와 음악의 즉흥 연주와 유사한 독창적인 즉흥 공연 형태 모두를 수용할
만큼 성장했습니다.
재즈
탭, 재즈, 힙합 댄스 중에서 재즈는 테크닉 면에서 가장 광범위한 장르입니다.
이 장르의 이름이 유래된 재즈 음악과 마찬가지로 재즈 댄스는 리듬과
역동성에 대한 개인적인 해석에 크게 의존합니다. 재즈의 계보는 드럼이
혁명을 조직하는 데 사용하는 도구라고 금지되면서 노예들이 자신의 신체와
발을 타악기로 사용하던 미국 역사의 초기에 시작된 탭 댄스와 그 맥락을
같이 합니다. 아프리카 댄스는 영국 식민지 제도의 댄스와 믹스되었으며,
격식없는 경연이 열렸습니다. 몇 가지 드문 경우를 제외하고 초기의 흑인들은
공연을 하도록 허가 받지 못했지만, 아프리카 문화는 음유 시인과 같은 널리
유행하는 엔터테인먼트 형태로 19 세기 후반에 그 인기가 상승했습니다.
20 세기가 시작될 무렵, 래그타임과 볼룸 오케스트라 및 빅 밴드 음악에 맞춘
댄스는 시사 풍자극(Darktown Follies, Ziegfeld Follies), 클럽(Hoofers Club,
Cotton Club, Savoy Ballroom), 뮤지컬 극장을 통해 대중의 인식 속에 확고한
자리매김을 했습니다. 1921 년 시사 풍자극 셔플 얼롱(Shuffle Along)에서는
코러스에 당대 최고 스타에 손꼽히는 Josephine Baker 를 출연시켰습니다.
린디 합(Lindy Hop)(이후 지르박이라고 함)과 같은 사교 댄스는 어떤 면에서는

많은 사람들이 아프리카 문화의 영향을 처음 받기 시작한 이 새롭게 등장한
보다 자유로운 스타일의 댄스에 대중이 접근하던 방식이었습니다.
재즈와 탭 댄스는 Bill “Bojangles” Robinson, Fred Astaire 및 Ginger Rogers,
그리고 Gene Kelly 와 같은 대가들을 통해 영화에 현저히 등장하며 그 인기를
확산시켰습니다. 브로드웨이에서는 주로 발레와 현대 무용의 안무를 담당하던
안무가들이 공연의 안무를 맡기 시작했는데, 이들 중에는 Agnes De Mille,
Donald McKayle, George Balanchine 및 Jerome Robbins 가 있습니다. 강한
재즈의 흔적은 손 끝을 구부리고 발꿈치를 나란히 모으는 패러럴
포지션(parallel position)과 구부린 손과 발처럼 이들 안무가의 클래식한 발레
레퍼토리를 통해 수면 위로 떠오르기 시작했습니다.
Robbins 의 웨스트 사이드 스토리(West Side Story)는 브로드웨이(1957 년)와
영화계(1961 년)에서 모두 히트를 기록하여 Robbins 와 Robert Wise 가 받은
최우수 작품상과 최우수 감독상을 포함하여 10 개의 오스카상을
수상했습니다. 웨스트 사이드 스토리의 댄스는 1995 년 뉴욕 시립
발레단(New York City Ballet)의 웨스트 사이드 스토리 모음곡(West Side Story
Suite)으로 압축되었으며, 이 발레단은 꾸준히 이를 공연하고 있습니다. 뉴욕
시립 발레단은 그 레퍼토리에 많은 Robbins 발레 작품을 선보이는데,
1958 년도 작품 뉴욕 수출품: 작품 재즈(New York Export: Opus Jazz)를
2005 년에 재공연한 바 있습니다. 이는 2010 년에 비평가들의 극찬을 받은
영화로 각색되었으며, 뉴욕시의 다양한 장소에서 댄스를 촬영했습니다.
Jack Cole 은 깊이 구부린 무릎, 축 처진 “강아지” 손, 컴퍼스 위치의 팔
움직임과 같은 차분함을 발산하는 대표적인 스타일로 많은 영화의 안무를
구성했습니다. 이는 Bob Fosse 의 동작과 아이디어가 같았는데, 그는
드라마틱한 디테일(관능적인 어깨, 골반의 현란한 동작)과 중산모 및 지팡이를
추가했습니다. Cole 의 댄서 중 한 명으로 많은 영화에 출연한 Matt Mattox 는
발레 수업의 구성을 거울 삼아 재즈 수업을 개발하였고, 매우 존경 받고
영향력 있는 교사이자 이러한 스타일의 지지자가 되었습니다.
현대 무용의 상승은 재즈의 더욱 서정적인 몇몇 선율과 잘 어울려 조화를
이루었습니다. Alvin Ailey 는 재즈를 공부하고 유명한 교사이자 안무가인
Lester Horton 과 공연을 한 후, 1958 년 자신의 무용단을 설립했습니다.
Ailey 는 재즈의 더욱 격식을 차린 일부 요소를 발레, 아프리카 댄스 및 현대
무용과 결합시켜 현재 국제적으로 유명한 자신의 무용단을 위한 레퍼토리를
창조하였으며, 계시(Revelations)는 Ailey 무용단의 대표 작품입니다.
그 무렵, 재즈 스튜디오와 강의는 상승추세에 있었습니다. 뉴욕에서 활동한
Luigi 는 심각한 사고 후 치료의 일환으로 실크처럼 부드러운 펄싱 스타일을
개발하였습니다. 비록 그 스타일은 무대에서 확실한 자리매김을 하지는
못했지만 그의 수업에는 많은 사람들이 모였습니다. 브로드웨이의 타임스

스퀘어에서 바로 북쪽에 위치한 Phil Black 의 스튜디오는 재즈 학생들을 위한
명소였습니다. 시카고의 Gus Giordano 는 재즈 장르의 강한 옹호자로, 미국
재즈 댄스 작품집(Anthology of American Jazz Dance)을 출간했으며 Jazz
Dance World Congress 를 창립하였습니다. Lynn Simonson 은 1983 년 뉴욕의
Dance Space Center 를 공동 설립했는데, 그곳에서 그녀의 유동적이고 추진력
있는 재즈 스타일이 유명해졌습니다(이 센터는 오늘날 Dance New
Amsterdam 으로 발전했습니다).
Twyla Tharp 는 비록 그녀가 Judson Church 포스트 모더니스트 시대 동안
추종자를 얻었다 하더라도 그녀의 레퍼토리는 너무 다양하고 깊이가 있어서
범주를 벗어납니다. 그녀의 몇 가지 댄스는 재즈로 묘사될 수 있는데, 힙을
흔들고, 사회적으로 용납되지 않는 비트닉한(beatnik) 태도와 장난기 많은
음악의 당김음이 나타납니다. 그녀는 또한 오페라 하우스들을 위한 대규모의
발레를 제작하였고, 무빙 아웃(Movin’ Out) 등의 브로드웨이에서 개막된
뮤지컬은 대성공을 거뒀습니다.
Lou Conte 는 1977 년 Hubbard Street Dance Chicago 무용단을 창설했으며,
이는 재즈 성향과 훌륭한 테크닉으로 현대적 레퍼토리를 공연하는 존경받는
무용단이 되었습니다. Conte 의 초기 안무에 기여한 공로 이외에도 그
무용단은 현재 선도적인 국제 춤 안무가들의 레퍼토리들을 선보입니다.
브로드웨이는 계속해서 Lynne Taylor-Corbett, Rob Marshall, Graciela Daniele
및 Susan Stroman 과 같은
인물들에 의해 뮤지컬 극장 재즈의 주요한 보고가 되고 있으며, 이들
대부분은 안무와 감독을 모두 담당합니다. 2012 년 DanceMotion USA
예술가인 Lar Lubovitch 와 Trey McIntyre 등, 많은 현대무용 안무가들은 일부
자신의 레퍼토리에 재즈의 요소를 포함시킵니다.
Michael Jackson 은 어렸을 때부터 팝스타였지만, MTV 가 마침내 그의
비디오를 방송하겠다고 수긍하자(그 이전에 MTV 는 흑인 예술가들의 공연을
방송하지 않았습니다), 해당 장르의 인기가 상승했습니다. 그의 뮤직 비디오
“비트 잇(Beat It),” “빌리 진(Billie Jean),” “스릴러(Thriller)”의 큰 성공은 일부분
Bob Fosse 및 다른 재즈 예술가들을 연상시키는 그의 마그네틱 댄스
때문이었습니다. 유 캔 댄스(So You Think You Can Dance)와 같은 최근 TV
리얼리티 프로그램의 댄스 붐과 더불어 “현대” 댄스는 재즈의 새로운 하위
장르가 되었습니다. 이는 Mia Michaels 와 같은 안무가들이 구성한 현대
무용과 재즈 스타일의 융합에 가깝다고 할 수 있는데, 서정적이며 어려운
테크닉을 사용하고 큰 도약과 수많은 스핀이 등장하며 드라마틱한 감성이
스며들어 있습니다. Broadway Dance Center 와 같은 댄스 스튜디오는 확립된
댄스 스타일과 더불어 이러한 장르를 그들의 수업 과정에 추가하였습니다.

브로드웨이는 재즈 안무가들의 주무대이지만, 다른 장르에서 알려진 일부 춤
안무가들도 최근 커다란 성공을 거두었습니다. 그 가운데 두 명을 지목하자면
80 년대에 포스트모던 안무가로 등장한 Bill T. Jones 와 펑크 발레로 유명한
Karole Armitage 가 있습니다. 이러한 예술가들 모두가 공유하는 것은 바로
리드미컬한 음악에 맞춰, 혹은 당김음에 맞춰 춤을 추면서 유대감과 흥을
즐기려는 마음입니다.
힙합
힙합 댄스는 다음의 네 가지 요소를 포함하는 보다 큰 동향의 한 갈래로
출현했습니다: 디제이, 엠씨, 브레이크 댄스, 그래피티. 힙합 댄스는
브롱스에서 뿌리를 내렸으며, 그곳에서 DJ Kool Herc 는 두 대의 턴테이블과
믹서를 사용하여 펑크 음악 중간에 브레이크 부분을 들려주고 길고 반복되는
기간 동안 이러한 샘플 비트 부분을 틀어주었습니다. 댄서들은 이러한
브레이크에 맞추어 특정한 율동을 개발했으며, 브레이크의 “b”를 따서 비-
보이, 또는 비-걸로 알려지게 되었습니다.
댄스 파티는 대단한 인기를 얻었고 결국 야외 공원에서 열리게 되었으며,
Kool Herc 의 댄서들과 파티 참석자들에게 전하는 권유와 구두 메시지 및
리듬은 랩의 발단이 되는 기초가 되었으며 엠씨(MC)로 진화하여 독특한
스타일과 주제를 발전시켰습니다. 흔히 랩의 문구는 시민 평등권 운동에서
기인한 정치적 견해나 불만을 표현했습니다. 이후 예술가들은 랩을 개인화할
수 있는 무제한의 자유를 얻었고 음악 산업에서 수익성 좋은 성공을 거둔데서
기인한 라이프 스타일의 선택을 반영하였습니다.
DJ Afrika Bambaataa 는 “힙합”이라는 용어를 만들었으며, 힙합은 뉴욕시와
특히 브롱스에 범죄가 만연하고 황폐화된 70 년대에 나타나기 시작했습니다.
브롱스는 마약과 범죄 조직으로 인해 거의 전쟁터가 되어버린 것 같았습니다.
하지만 무법에 대한 특정한 사고방식, 중산층 및 비즈니스 계층의 브롱스
지역 포기가 없었다면 힙합으로 성장할 씨앗이 뿌리내릴 비옥한 땅을 결코
발견하지 못했을 것입니다. 탈출구가 전혀 없었던 불안한 젊은이들은 다양한
힙합 장르에서 표출할 수단과 공통의 목적을 발견했습니다. 비록 잔인한
폭력은 음악 세계에 여전히 존재한다 하더라도 폭력으로 표출될 수도 있었던
것이 흔히 무용수들 사이의 경쟁으로 나타나게 되었습니다.
지하철 안과 밖에서 그래피티를 많이 볼 수 있었고, 낙서하는 이들은 누가 더
많은 영역에 낙서하는지를 두고 서로 경쟁을 벌이곤 했습니다. 이들은 먼

곳에서도 즉시 알아볼 수 있는 개성있는 스타일을 개발하였고, 대개 크고
이상한 형용 색색의 글씨와 시그니처 만화 이미지나 그래픽을 그렸습니다.
그래피티는 재산을 파손했지만, 이는 거리의 범죄 조직에 의해 유발된 훨씬
덜 살벌한 형태의 세력 다툼을 잘 보여주었습니다. 하지만 한편으로 Fashion
Moda 라 불리는 진보적인 브롱스 갤러리 덕분에 그래피티는 지하철에서
갤러리 벽으로 옮겨 갔습니다. 주요 낙서가들의 대부분은 Futura 2000, Keith
Haring 및 Dondi 처럼 자신의 힘으로 유명인사가 되었습니다. 길거리에서
벌이던 세력 다툼의 시각적인 표현에서 거액의 금액을 지불 받고 국제적으로
유통되는 상품으로의 변화는 힙합의 가장 대중적인 형태, 특히 음악을 통해
반향되어 울렸습니다.
DJ 들이 연주하는 격렬하고 반복적인 비트는 비-걸과 비-보이들 사이의 댄스
무대 경연에 도움이 되었으며, 이들은 즉흥적으로 자신들의 최상의 율동으로
군중을 압도하였습니다. 스타일은 기본적인 크로스-앤-홉 스텝인 탑락(Top
Rock)의 똑바른 자세로 시작했는데, 이는 움직이는 것처럼 보이지만 좁은
원의 범위(또는 사이퍼)가 제한을 주기 때문에 실제로는 한 곳에 머물러 있는
동작입니다. 기본적으로 한 곳에 정지된 상태로 머물러 있어야 하기 때문에
힙합 댄서들은 마치 움직이고 있는 것처럼 보이도록 창의력을 발휘해야
했습니다. 댄서들은 팝핑과 락킹(또는 스머핑) 및 과장된 멈춤 동작과 얼어
붙은 자세를 취하는 로보틱한 댄스 동작을 추가했습니다. 초창기 가장 유명한
그룹 가운데 1977 년 결성된 Rock Steady Crew 가 있었습니다.
힙합이라는 용어는 신체를 저속 기어로 바꾸어 흔히 발동작 또는 플로어
락킹(floor rocking)이라 불리는 플로어워크(floorwork)를 포함하여 프리즈(발은
높이 올린 상태에서 손과 팔로 지탱하는 얼어 붙은 자세)와 스핀을
표현했습니다. 스핀은 간단한 회전(펜슬)과 함께 머리에서 시작하여 점차
속도와 회전을 높였습니다. 댄서들은 엉덩이를 대고 돌다가 뒤집어진
거북이처럼 등을 중심축으로 삼고 어지러울 정도로 수차례 회전하거나 다리를
풍차처럼 돌리는 인상적인 윈드밀 동작을 취했습니다. 다른 형태의 댄스가
힙합 댄스 장르에 영향을 주었는데, 여기에는 탭 댄스 및 무용수들이 모든 팔
다리를 똑같이 사용하여 오른쪽을 위로 올리는 것만큼 자주 거꾸로 자세를
취하는 무예에서 유래된 브라질의 댄스 형태인 카포에이라가 포함되었습니다.
서부 지역 무용수들은 팝핑(popping), 스트러팅(strutting) 및
크럼핑(krumping)과 같은 고유의 뚜렷한 스타일을 개발했습니다.
대부분의 경우, 이러한 댄스는 현대 무용, 발레 및 탭 댄스 공연을 상연했던
전통적인 극장에서는 흔히 볼 수 없었습니다. 힙합 댄스의 변형된 형태는
1980 년대부터 일부 넓은 플랫폼에서 볼 수 있었습니다. MTV 에서 방송한
뮤직 비디오를 통해 대단한 인기를 얻은 Michael Jackson 의 스타일은 좀 더
재즈에 기반했지만, 이는 다른 흑인 예술가들에게 길을 열어 주었으며, 그의
그룹 댄스는 정확하게 동시에 움직여야 하는 정교하고 드라마틱한 루틴을

공연하는 오늘날의 일부 힙합 댄서들의 선도자가 되었습니다. 축제와 경연
대회는 이제 전세계 공연가들을 끌어 모았습니다.
폭넓게 선보인 힙합의 상업적인 버전은 1990 년대 촌극과 TV 버라이어티
쇼인 리빙 컬러(In Living Color)에서 볼 수 있었습니다. 이 쇼는 경쾌한 댄스를
연속적으로 선보인 정기적인 “플라이 댄서(fly dancers)” 그룹을 출연시켰는데,
여기에는 Jennifer Lopez 와 같은 미래 스타도 포함되어 있었습니다. 안무는
대단히 다양하고 가끔 재즈나 현대 무용이 혼합되었지만 무용수들은 흔히
대담한 신체적 특징, 뛰어오르는 발놀림, 힙합 댄스처럼 한 곳에 머무르는
컴비네이션을 선보였습니다. 팝 음악가들은 공연장에서 열리는 콘서트에서
유사한 댄스들을 정기적인 레퍼토리로 포함시키기 시작했습니다.
1990 년대, 공연단은 현대 무용단과 좀 더 유사한 패턴으로 형성되었습니다.
1992 년 펜실베니아주, 필라델피아에서 창설된 2012 DanceMotion USA
무용단인 Rennie Harris Puremovement,는 극장 무대에서 빠른 스텝과 큰 육상
동작을 선보였습니다. 최근 몇 년간 Harris 는 앨빈 에일리 아메리칸 댄스
씨어터(Alvin Ailey American Dance Theater)의 의뢰로 안무를 맡았으며, 힙합을
가장 존경 받는 현대 무용 레퍼토리의 하나로 이끌었습니다. Ana “Rokafella”
Garcia 는 공연에서 열성 팬들을 확보하며 주로 남성들이 우세한 분야에
잠식해 들어갔습니다. 그녀는 최근 여섯 명의 여성 브레이커들에 관한 내용을
다룬 All the Ladies Say 라는 영화를 제작했습니다.
1996 년 창설된 프랑스 무용단 Compagnie Kafig 는 전통적인 극장에서 힙합을
공연하는 선도적인 옹호자이며 무대 장식과 더불어 드라마틱한 문맥 내에
댄스 루틴을 포함시켰습니다. 개인들은 또한 필드에서 자신의 특별함을
선보였습니다. 뉴욕시 다운타운에 있는 극장들에서 입지를 구축한 공연
예술가 Danny Hoch 는 힙합 댄스 극장 페스티벌을 조직했습니다. Bill
Shannon 은 목발을 집고 댄스 공연을 펼쳐 힙합에 새로운 차원을
더했습니다. 브라질의 힙합 공연단 Grupo de Rua 는 개념적으로 야심차고
세련된 작품들에서 거리의 불쾌한 현실을 드러냅니다. 또한 아메리카 베스트
댄스 크루(America’s Best Dance Crew)라는 TV 경연 프로그램과 상대적으로
상업적인 형태의 유 캔 댄스(So You Think You Can Dance)에서 힙합이
등장합니다. 플래닛 비-보이(Planet B-Boy)라는 다큐멘터리 영화에서 볼 수
있듯이 힙합은 세계적인 현상이 되었습니다.
힙합은 그 모든 표현 형식에서 두 가지 사고 방식으로 진화했고 계속해서
주요 논쟁을 유발시킵니다. 힙합의 음악과 랩은 대개의 경우 대단히 수익성이
좋은 사업으로 발전했으며, 많은 예술가들은 좋든 나쁘든 간에 물질주의로
상징되는 자신의 성공을 여실히 보여줍니다. 시민의 평등권과 아프리카계
미국인들의 상태에 집중했던 힙합의 기원을 옹호하는 사람들이 여전히
있습니다. 그래피티는 오래 전에 인기가 급증했지만, 그것이 주요 붐을

일으키던 시기에 일부 예술가들은 거액의 수익을 벌었지만 나머지 예술가들은
무명으로 지냈습니다.
그에 반해서 힙합 댄스는 음악과 랩에서처럼 예술성을 활용하여 수익을 얻을
기회가 훨씬 적습니다. 힙합 댄스는 부가 가져다 줄 수 있는 유혹에 흔들리지
않은 채, 좀 더 순수한 상태로 남아 있을 가능성이 있습니다. 거리와
클럽에서 무대가 있는 극장으로 성공적으로 전환하는 것은 여전히 논란의
여지가 있습니다. 하지만 힙합 댄스 공연은 많은 사람들 사이에서, 힙합의
본래 모습인 거친 느낌을 그대로 간직하고 있는 지하철 및 타임스 스퀘어와
극장, 경연 대회, 클럽에서 계속 지속될 것입니다.
—Susan Yung

참조문헌
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2005 년, St. Martin’s Press, 뉴욕
http://www.daveyd.com/historyphysicalgrafittifabel.html
Giordano, Gus (저자/편집자), 미국 재즈 댄스의 작품집(Anthology of American
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Malone, Jacqui. 스텝핑 온 더 블루스(Steppin’ on the Blues), 1996 년,
University of Illinois Press, 어배너 및 시카고.
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The Story of American Vernacular Dance). 1994 년, Da Capo, 뉴욕.
Valis Hill, Constance. 미국의 탭 댄스: 문화사(Tap Dancing America: A Cultural
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