Dossier de presse - Cirque du Soleil

Dossier de presse

Présentation du spectacleVéritable retour aux sources pour le Cirque du Soleil ® , lespectacle KOOZA révèle la performance humaine danstoute son ampleur et dans toute sa fragilité, mêlée à unhumour « bouffon » décapant, ancré dans la traditiondes premiers films comiques. KOOZA ravive l’émotion etles sensations de la piste en réunissant deux traditionscircassiennes : la performance acrobatique et les artsclownesques.« Le spectacle traite des contacts humains et du concept dedualité – le bien et le mal, la lumière et la noirceur, expliquele metteur en scène David Shiner. Les personnages sontdrôles et amusants, le monde dans lequel ils évoluent estléger et ouvert. »KOOZA relate l’histoire de l’Innocent, un solitaire mélancoliquequi cherche sa place dans le monde. L’Innocent est entouréd’une bande de personnages drôles et cocasses, comme leRoi, le Trickster, le Heimloss, le Touriste tonitruant et sonchien maboul.Entre rire et sourire, force et fragilité, tumulte etharmonie, KOOZA explore les thèmes de l’identité, dela reconnaissance et du pouvoir. Le spectacle présenteun univers visuel empreint d’exotisme où se mêlentsurprise et frisson, dépassement et audace, étonnementet complicité.Le nomKOOZA est inspiré du mot sanscrit « koza », qui signifie« boîte », « coffre » ou « trésor ». Ce nom traduit le conceptde « cirque en boîte » sur lequel repose le spectacle. L’actionde KOOZA démarre dans une boîte d’où surgit, tel un diableà ressort (ou « jack-in-the-box »), l’un des personnagesprincipaux, nommé le Trickster. Ce n’est que le début d’unesuite ininterrompue de surprises et de rebondissements.

NumérosCharivariContortionDuo unicycleLes 19 artistes de la troupe maison donnent leton dès le début du spectacle en exécutant unesuite impressionnante de numéros qui allientgymnastique acrobatique, changements decostumes ultrarapides et figures aériennescréées au moyen de trampolines miniaturesencastrés dans la scène. Parmi les momentsforts du numéro : pyramides humaines,envolées aériennes et plongeons audacieuxdans un cercle de tissu inspiré du nalukauq – lejeu traditionnel inuit de la couverture – et destoiles de réception qu’utilisaient les pompiers.Équilibre sur chaisesInsufflant une énergie nouvelle à leurdiscipline, les jeunes contorsionnistespropose un numéro rythmé et moderneinédit, tant par la vitesse d’exécution quepar l’originalité des mouvements et lespositions invraisemblables qu’ellesexécutent. Sur un plateau rotatif, ellesfont preuve d’une harmonie et d’unsynchronisme peu communs pour créer destableaux insolites d’une beauté saisissante.Fil de ferUn deuxième passager monte à bord del’unicycle et donne ainsi une nouvelle saveurà un numéro classique de la piste. Enmouvement perpétuel, le porteur faitvirevolter sa partenaire au-dessus de lui, sansjamais cesser de pédaler. Étonnant de grâce,ce pas de deux sur une seule roue conjugueéquilibre, contrôle, force et complicité.Main à MainAvec une précision implacable, un équilibristeempile huit chaises les unes sur les autrespour créer une tour de près de 7 mètres. Il setient en équilibre avec une grâce et unemaîtrise appliquées, démonstration éloquentedes possibilités du corps humain au sommetde la forme physique et musculaire.Quatre funambules gravitent dans les airssur deux fils de fer superposés en diagonaleà 4,5 m et à 7,5 m au devant de la scène.Tantôt assis sur des vélos, tantôt juchés surune perche installée sur les épaules de deuxartistes, tantôt en équilibre sur une chaiseposée sur la perche, les quatre fildeféristesexécutent leurs numéros en ajoutant leurpoids aux 3 000 kg (6,600 livres) de tensionsur chacun des câbles.Avec force et souplesse, deux artistesen contact permanent bougent de façonà peine perceptible et prennent des positionsqui témoignent d’un sens de l’équilibreinfaillible. Dans leur quête de l’harmonieparfaite, ils misent sur leur sensibilitéet leur concentration.

Manipulationde cerceauxPlanche sautoirRoue de la mortL’artiste lance dans les airs un nombreétourdissant de cerceaux, créant des figuresqui dépassent l’entendement. En plus defaire passer ses objets volants d’une main àl’autre, l’artiste les lance avec une précisionépoustouflante. Cette performance, d’unniveau de difficulté inégalé, est reconnuecomme étant l’un des meilleurs numéros decerceaux au monde.Solo trapèzeQuatorze artistes exécutant des quintuplessauts avec vrilles sont projetés à 9 mau-dessus de la scène par une planche àbascule. Et ce n’est que le prélude à unesérie d’acrobaties encore plus spectaculairesque les acrobates effectuent en échasses.Pesant 727 kg 1,600 livres), la roue de la mortde KOOZA tourne à une vitesse déconcertante,activée par la seule force des deux artistesqui s’élancent dans les airs et se déplacentdans le sens de la roue – et même en sensinverse – pour défier la gravité. Comme lesfils de fer, la roue de la mort est installée endiagonale au-dessus de la scène afin de briserla symétrie habituelle et de rapprocher aumaximum le public de l’action. Les deuxacrobates font preuve d’un aplomb et d’unsynchronisme stupéfiants.Dans un numéro tout en finesse, uneartiste se balance sur un trapèze installéde cour à jardin, au-dessus de la scène –une innovation qui confère une dimensionnouvelle à cette discipline. Mais le numérova bien au-delà de sa scénographie ou del’agilité de la trapéziste. Un brin rebelle,celle-ci interagit avec le Trickster, faisantmonter d’un cran l’intensité dramatiquede son numéro.

Les personnagesLe Trickster L’Innocent Le RoiLes ClownsCharmeur et sophistiqué, leTrickster est un être sublime, rapideet agile, un génie qui sait tout dumonde de KOOZA, car il en estl’auteur. Il apparaît et disparaît à saguise, et chaque fois qu’il entre enscène, il y a de l’électricité dans l’air.Il a créé ce monde pour l’Innocent,sur qui il garde un œil bienveillant.Il le taquine, joue de son pouvoir surlui, mais c’est le subconscient del’Innocent qui mène la danse…L’Innocent est un solitaire, naïf etmélancolique, emporté dans lemonde du Trickster. Son regard puret candide dévoile une apparentefragilité d’enfant. Il est avide deconnaître ce nouveau monde quivient à lui, mais dès qu’il use dupouvoir du Trickster, il découvre ununivers imprévu et déroutant, refletde son âme.HeimlossLe Roi, c’est le roi des fous, le plusburlesque de tous les personnages.La chevelure ébouriffée et lacouronne capricieuse, il tentedésespérément de se fairerespecter par plus fou que lui…Le Chien maboulLes deux Clowns de la cour sontles valets, les sots du Roi, complicesindispensables des aventuresabracadabrantes du Royaumede KOOZA.Chef des rouages mécaniques dumonde souterrain de KOOZA, le trèsétrange Heimloss vit sous la scèneet donne vie à ce monde caché.Dans ce monde de fous, même leChien est maboul ! Il court aprèstout le monde, jappe et estimpossible à maîtriser ; le motdressage lui est parfaitementinconnu... Mais comme tous lesautres, il s’attache à L’Innocentet devient son compagnon enjouéet extravagant.

CostumesPour créer les costumes de KOOZA, Marie-Chantale Vaillancourta puisé son inspiration dans le roman graphique, la bandedessinée, les films de voyage dans le temps et l’espace, leBaron Munchaüsen et Mad Max. L’inspiration vient aussides tableaux de Gustav Klimt (les couleurs rouge et or),de l’Inde et de l’Europe de l’Est. Cet univers visuel naïf,empreint d’une saveur exotique et intemporelle, évoquele monde des jouets, les soldats de plomb et les livres pourenfants, tout en faisant un clin d’œil espiègle à Alice aupays des merveilles et au Magicien d’Oz.Les nombreux effets de transformation de costumess’inspirent des méthodes utilisées par les magicienset les transformistes depuis des lustres. Dans le numérode Charivari, les costumes passent du doré au rouge en unefraction de seconde. Le défi n’est pas tant le changementde costumes, mais le fait que les artistes font de l’acrobatieet se tiennent en équilibre en même temps : ils ne disposentque de leur pouce pour activer la transformation !Marie-Chantale Vaillancourt a fait développer des instrumentsde percussion moulés au carbone pour les costumes desSquelettes. Ces instruments ressemblent à des os et produisentun son d’os creux lorsque les artistes les frappent les uns contreles autres pour créer un rythme musical.Le costume du Chien maboul est un véritable orchestre surpattes : le manipulateur doit pouvoir bouger les oreilles, sortiret rentrer la langue, saliver, lever la patte et bouger la queue.Le costume Cape de rat donne l’illusion que des rats courent toutle long du corps d’un artiste jusqu’au sol, avant de disparaîtredans une trappe. La technique retenue s’inspire du mécanismede stores vénitiens. Le costume compte 150 faux rats.• Dans le spectacle, on compte plus de 175 costumes et prèsde 160 chapeaux, soit plus de 1 200 éléments de costumeau total, en comptant les chaussures, les accessoires, lesperruques, etc.• Les décorations des manteaux lumineux sont composéesde DEL moulées dans une résine translucide diffusant lalumière. Le matériau du manteau est tissé au moyen defibre optique. Il a fallu environ 60 heures pour fabriquerun seul manteau lumineux dans ce tissu délicat et 30heures pour confectionner le chapeau lumineux assorti.• Un costume d’armée contient plus de 400 flapettesen tissu métallisé, cousues individuellement et créantun effet d’armure.

MusiqueLa musique de KOOZA est composée de plusieursinstruments de musique dont le son est inspiré de laculture pop de l’Occident, du funk des années 70 à lamusique orchestrale – tout en faisant de nombreusesincursions dans la musique traditionnelle indienne del’Inde. Ce mélange de rythmes crée une atmosphèreunique et intime tout en accompagnant à merveille lesnuméros et enchaînements du spectacle.La musique nous connecte aux personnages qui évoluentdans un monde imaginaire où les formes et les styles semélangent naturellement.• Six musiciens accompagnent les différents numérossur scène ; deux chanteuses font également partiede la distribution.• Les instruments utilisés sont les suivants : trompette,trombone, basse, percussions et clavier.

ScénographieL’espace scénique de KOOZA évoque une place publiquequi se métamorphose en piste de cirque. La scène, dontla configuration offre une vue à 260 degrés, recréel’atmosphère et les sensations de la piste. Le conceptscénographique repose sur les notions de simplicité et detransparence ; même l’appareillage acrobatique, la structuredu chapiteau et les musiciens sont mis en évidence. Le butultime est de maintenir l’attention du spectateur sur laperformance acrobatique et le jeu des artistes.• La scène est dominée par un élément central, le Bataclan,une énorme tour qui, en se déplaçant, ouvre et refermel’espace scénique.• L’étage d’entrée de piste du Bataclan, qui sert aux entréeset aux sorties de scène, est entouré d’escaliers menant àl’étage central, lequel est dédié à l’orchestre. L’étagesupérieur évoque un campement bédouin.• La décoration du Bataclan s’inspire de la culture hindoue,des autobus pakistanais et des bijoux indiens.• L’énorme tissu (appelé « Void ») qui surplombe le Bataclanest imprimé d’un motif composé de nervures de feuilles,lui conférant son aspect organique.• Les grandes voiles qui encadrent le Bataclan s’ouvrentet se referment comme les pétales d’une fleur. Elles sontmanipulées par deux personnes au moyen d’un systèmede cordes et de poulies.• La patine de la scène – un ciel étoilé – donne l’impressionqu’on entre dans une nébuleuse. La carte du ciel,correspondant au jour de la première performancepublique du spectacle, est peinte sur le plancher de scène.• La scène est bordée d’éclairages encastrés qui projettentune lumière douce sur les visages des artistes, rappelantles feux de la rampe du théâtre du 19 e siècle.• La patine de la scène – un ciel étoilé – donne l’impressionqu’on entre dans une nébuleuse. La carte du ciel,correspondant au jour de la première performancepublique du spectacle, est peinte sur le plancher de scène.• La scène est bordée d’éclairages encastrés qui projettentune lumière douce sur les visages des artistes, rappelantles feux de la rampe du théâtre du 19 e siècle.

Biograhies des concepteursGuy LalibertéFondateur et GuideGuy Laliberté est né à Québec, en 1959. Accordéoniste, échassier et cracheur de feu, il fonde,avec le soutien d’un noyau de complices, le premier cirque d’origine québécoise de réputationinternationale. Visionnaire audacieux, M. Laliberté sait reconnaître et cultiver le talent desamuseurs publics de la Fête foraine de Baie-Saint-Paul pour créer, en 1984, le Cirque du Soleil.Premier artisan du métissage des cultures et des disciplines artistiques et acrobatiquesqui caractérise le Cirque du Soleil, Guy Laliberté a été, depuis 1984, le guide de l’équipe deconcepteurs lors de la création de tous les spectacles. Il a ainsi contribué à élever les arts ducirque au rang des grandes disciplines artistiques.Le Cirque du Soleil est aujourd’hui une entreprise internationale par la composition de sonorganisation, par ses influences et par l’étendue de ses activités. Guy Laliberté se retrouveà la tête d’une entreprise qui déploie ses projets et ses réalisations sur six continents.En octobre 2007, Guy Laliberté réalise un deuxième grand rêve : il crée ONE DROP, unorganisme visant à contrer la pauvreté en favorisant l’accès durable à l’eau potable. Ceprojet, qui s’inscrit au cœur même de la survie des êtres humains et des sociétés partout surla planète, est né des mêmes valeurs qui l’animent depuis les débuts du Cirque du Soleil : laconviction que ce que l’on donne à la vie nous revient et que chaque geste individuel peutfaire toute la différence.En septembre 2009, Guy Laliberté est devenu le premier explorateur privé canadien del’espace. Sa mission avait pour but de sensibiliser l’humanité aux questions liées à l’eau surla planète. Sous le thème L’eau pour tous, tous pour l’eau, cette première mission sociale etpoétique dans l’espace visait à sensibiliser le public au moyen d’une approche artistique :une émission spéciale de 120 minutes diffusée sur le Web et regroupant diverses prestationsartistiques dans 14 villes sur 5 continents, incluant la Station spatiale internationale.Prix et distinctionsEn 2008, Guy Laliberté reçoit un doctorat honoris causa de l’Université Laval, à Québec.L’année précédente, Guy Laliberté est triple lauréat du Grand prix de l’entrepreneur d’Ernst& Young en remportant les honneurs des volets régional, national et international de ceprestigieux programme de reconnaissance. En 2004, la Gouverneure générale du Canada remetà Guy Laliberté l’insigne de l’Ordre du Canada, la plus haute distinction du pays. La mêmeannée, son nom figure au palmarès des cent personnes les plus influentes de Time Magazine.Guy Laliberté est également honoré par le groupe Condé Nast, en 2003, dans le cadre du NeverFollow Program, un hommage aux créateurs et aux innovateurs. En 2001, il est nommé GrandMontréalais par l’Académie du même nom. En 1997, Guy Laliberté reçoit l’Ordre national duQuébec, la plus haute distinction décernée par le gouvernement du Québec.

David ShinerAuteur et metteur en scène« Le clown transforme les faiblesseshumaines les plus profondes en humour.C’est un anarchiste qui peut se permettrede transgresser les règles. »David Shiner aime faire rire les gens, mais il prend le métier de clown bien au sérieux. « Leclown nous permet de rester en contact avec ce qu’il y a de plus sacré en chacun de nous,raconte-t-il. Sur le plan du jeu, le métier de clown est extrêmement exigeant. Le clown est enproie à une nostalgie lancinante, sans cesse à la recherche du sens de son existence, de laplace qu’il occupe dans le monde. »Le clown et metteur en scène David Shiner a fait ses débuts dans le métier comme mime àParis. Sa carrière a décollé véritablement en 1984 lorsque son talent a été révélé au Festival duCirque de Demain. Il a ensuite collaboré à de nombreuses compagnies, dont le Cirque Roncalli,en Allemagne, et le Cirque Knie, en Suisse, créant également un duo avec le célèbre clown etmime René Bazinet.La première collaboration de David Shiner avec le Cirque du Soleil remonte à 1990, momentoù il s’engage comme artiste dans Nouvelle Expérience. Il participera à la tournée canadienneet américaine de ce spectacle pendant 19 mois, faisant ensuite escale à Las Vegas pendantune année. David Shiner est peut-être le plus notoire des clowns du Cirque du Soleil grâce àses numéros : il traverse la foule en enjambant littéralement les spectateurs, et crée un fauxfilm muet mélodramatique avec la participation de quatre spectateurs. Nouvelle Expériencea d’ailleurs été capté sur film pour le réseau HBO en 1991. Ses autres prestations télévisuellescomprennent de nombreux passages à l’émission The Tonight Show. KOOZA fut la premièrecollaboration de David Shiner à titre d’auteur et metteur en scène suivi de Banana Shpeel.David Shiner a fait ses débuts au cinéma en 1992, incarnant un clown dans Lorenzo’s Oil.L’année suivante, il servait de faire-valoir à Bill Irwin dans le film Silent Tongue de SamShepard. Bill Irwin et lui ont par la suite créé le spectacle duo sans paroles Fool Moon, unesoirée de « folie inspirée » qui a tenu l’affiche de 1992 à 1999, y compris trois passages àBroadway. Fool Moon s’est mérité un prix Tony pour « meilleure performance live » en 1999,un prix Drama Desk pour « meilleure expérience autonome » et un prix du Outer CriticsCircle pour « réalisation exceptionnelle de l’année ».En 2000, David Shiner a créé le rôle de « Cat in the Hat », l’hôte et le guide de la comédiemusicale Seussical à Broadway. À l’aide d’une bourse de la Pugh Foundation, il crée unspectacle au ACT Theatre de Seattle qu’il transformera plus tard en un spectacle solointitulé David Shiner in the Round.« KOOZA traite des contacts humains et du concept de dualité – le bien et le mal, la lumièreet la noirceur, relate David Shiner. Les personnages sont drôles et amusants, le monde danslequel ils évoluent est léger et ouvert, mais le spectacle approfondit aussi certaines idéesfondamentales : la peur, l’identité, la reconnaissance et le pouvoir. »David Shiner est né à Boston, au Massachusetts, en 1953.

Serge RoyDirecteur de la création« KOOZA est un rapprochement vers lasimplicité, l’humanité et l’intimité d’un cirquetraditionnel. C’est un spectacle convivial quirappelle les arts de la rue, un mélange degymnastique acrobatique et d’arts clownesquesprofondément ancré dans les arts du cirque ettrès proche des origines du Cirque du Soleil. »Serge Roy faisait partie de la famille du Cirque du Soleil avant même la naissance del’entreprise en 1984. Issu d’une famille de musiciens – son père était saxophoniste dans lemilieu florissant du cabaret à Montréal – Serge Roy a hérité d’un intérêt marqué et d’undon naturel pour la musique. Il a touché au métier de chanteur et enregistré un tube durantson adolescence. Mais avant même la parution du disque, il aspirait déjà à une carrière plusvalorisante sur les plans artistique et personnel.Serge Roy a exploré diverses avenues, faisant des études en théâtre et jouant de la batteriependant quelques années, mais le véritable moment de déclic surviendra lorsqu’il sera envacances dans la foisonnante communauté artistique de Baie-Saint-Paul. Il frayera avec GuyLaliberté et Gilles Ste-Croix, qui organisaient à l’époque les spectacles qui allaient mener,quelques années plus tard, à la fondation du Cirque du Soleil. « J’ai soudain compris que jevenais de trouver ma place », dit-il.Après avoir travaillé en tant que régisseur du spectacle Cirque du Soleil de 1984 à 1985, SergeRoy a quitté l’entreprise pour se consacrer à d’autres projets. De retour en 1989, il a assumé lerôle de directeur de la tournée nord-américaine de Nouvelle Expérience, fonction qu’il occuperaégalement pour Saltimbanco en 1992 et en 1993.Serge Roy retournera travailler sur d’autres projets pendant deux années, mais il ne peutrésister à l’attrait du Cirque. En 1995, Gilles Ste-Croix fait appel à ses qualités de leader,l’invitant à se joindre à la tournée nord-américaine et japonaise d’Alegría en tant quecoordonnateur artistique. La même année, il ralliera la troupe de Saltimbanco en Europedans le même rôle et deviendra le directeur artistique de Quidam.Deux années plus tard, Serge Roy transporte ses pénates à Las Vegas pour assumer lacoordination artistique de Mystère. C’est en tant que directeur artistique qu’il se joindra, peuaprès, à l’équipe de Dralion, au moment de la création du spectacle ; il y restera durant lespremières années de la tournée nord-américaine. En 2003, il renouera avec Saltimbanco àtitre de directeur artistique. Deux années plus tard, il se voit confier son plus grand défi : ladirection de création de KOOZA. KOOZA fut la première collaboration de Serge Roy à titre deDirecteur de Création suivi de Banana Shpeel.Pour Serge Roy, KOOZA représente la fusion de deux traditions circassiennes : les artsclownesques et la performance acrobatique. « Ces traditions sont intimement liées l’une àl’autre depuis des lustres, explique-t-il. Elles font partie d’un seul et même monde : les artsdu cirque. KOOZA est un rapprochement vers la simplicité, l’humanité et l’intimité d’uncirque traditionnel. C’est un spectacle convivial qui rappelle les arts de la rue, un mélange degymnastique acrobatique et d’arts clownesques profondément ancré dans les arts du cirqueet très proche des origines du Cirque du Soleil. »Serge Roy est né à Montréal, en 1957.

Stéphane RoyScénographe« J’ai voulu capter l’essence même du cirque encréant un environnement scénographique quioffre une réelle proximité avec les spectateurs,où le danger est palpable. Un espace scénique oùtout se fait dans la simplicité et la transparence :même l’appareillage acrobatique, la structure duchapiteau et l’orchestre sont mis en évidence. »Influences familiales et amitiés de jeunesse : tout destinait Stéphane Roy à signer les décorsdes spectacles du Cirque du Soleil. Au contact d’un père architecte et d’une mère activeen théâtre, il a acquis et développé ce regard à la fois social et artistique sur l’espace quicaractérise ses créations. Plus tard, il a côtoyé, à Baie-Saint-Paul, plusieurs des amuseurspublics qui allaient devenir les piliers du Cirque du Soleil.Depuis l’obtention de son diplôme en scénographie de l’École nationale de théâtre du Canada,en 1988, Stéphane Roy a participé, comme scénographe ou directeur artistique, à une centainede productions présentées à Montréal comme à l’étranger, dont Oncle Vania avec la CompagnieJean Duceppe et La Mouette au Théâtre du Nouveau Monde, en 2006. De plus, depuis 1995,il a été le scénographe de plusieurs productions de la compagnie de danse contemporaine deréputation internationale La La La Human Steps. Actif principalement en théâtre et en danse,il a également travaillé en cinéma, en télévision, en publicité et dans le secteur des variétés.Le Cirque du Soleil compte également parmi les principaux lieux de création de StéphaneRoy. Cette collaboration, initiée lors de la création du spectacle Dralion, s’est consolidéeavec Varekai, Zumanity et Zarkana. « Au théâtre, explique-t-il, la scénographie concrétise lediscours de l’auteur et le regard du metteur en scène. Au Cirque du Soleil, j’ai découvert la pageblanche. Il s’opère, à chaque nouvelle création, une mise en abîme complète où aucune porten’est fermée aux concepteurs. Le processus de création est libre et ouvert ».Les réalisations de Stéphane Roy lui ont valu plusieurs prix et distinctions. Il a ainsi reçu,en 1989, le Prix de la révélation de l’année, toutes catégories, décerné par l’Associationquébécoise des critiques de théâtre. En 1992, le même organisme l’honorait du Prix de lameilleure scénographie. Son talent a également été récompensé par le Conseil des arts dela Communauté urbaine de Montréal, l’Académie canadienne du cinéma et de la télévisionet l’Académie québécoise du théâtre.« J’ai voulu capter l’essence même du cirque en créant un environnement scénographiquequi offre une réelle proximité avec les spectateurs, où le danger est palpable. Un espacescénique où tout se fait dans la simplicité et la transparence : même l’appareillage acrobatique,la structure du chapiteau et l’orchestre sont mis en évidence. »Stéphane Roy est né en 1963, à Québec.Marie-Chantale VaillancourtConceptrice des costumes« Les costumes puisent leur source dans leroman graphique, la bande dessinée, les filmsde voyage dans le temps et l’espace, du Baronde Munchaüsen à Mad Max. L’inspirationvient aussi des tableaux de Gustav Klimt,de l’Inde et de l’Europe de l’Est. »Marie-Chantale Vaillancourt a signé, depuis près d’une vingtaine d’années, la conceptiondes costumes d’un grand nombre de productions, tant au théâtre qu’en danse, à l’opéra etau cinéma, qui ont fait le tour de la planète, en réussissant avec doigté le maillage des deuxdisciplines auxquelles elle appartient : le design de mode et la scénographie.Depuis 1989, Marie-Chantale Vaillancourt est une fidèle collaboratrice de Robert Lepage,ayant participé à la création de nombreuses productions, dont Les sept branches de la rivièreOta, La géométrie des miracles, La face cachée de la lune, la tournée Growing Up de Peter Gabriel,La trilogie des dragons et le spectacle KÀ du Cirque du Soleil.Marie-Chantale Vaillancourt a accumulé les accolades au fil des ans, au Québec comme dansle reste du Canada. Elle s’est entre autres mérité deux Masques de la conception de costumesen 1999 et en 2005, ainsi que de nombreuses nominations, notamment aux prix Genies etJutras pour sa collaboration au long-métrage Nô de Robert Lepage.Avec KOOZA, Marie-Chantale Vaillancourt signe sa deuxième collaboration avec le Cirque duSoleil, en tant que conceptrice des costumes.« Même si KOOZA n’est pas qu’un spectacle de clowns, explique Marie-Chantale Vaillancourt,on y trouve de nombreux rôles incarnés par des acteurs comiques. Il fallait éviter les clichéset la caricature et miser plutôt sur des archétypes de personnages universels et intemporels.Une esthétique bédéiste s’est tout de même imposée, mais filtrée à travers le regard naïf dupersonnage principal de l’Innocent ».« Les costumes puisent leur source dans le roman graphique, la bande dessinée, les films devoyage dans le temps, des Aventures du Baron de Munchaüsen à Mad Max. L’inspiration vientaussi des tableaux de Gustav Klimt, de l’Inde et de l’Europe de l’Est. Cet univers visuel naïf,exotique et intemporel, évoque le monde des jouets, les soldats de plomb et les livres pourenfants, tout en faisant un clin d’œil espiègle à Alice au pays des merveilles et au Magicien d’Oz. »Marie Chantale Vaillancourt est née en 1967, à Sept-Îles (Québec).

Jean-François CôtéCompositeur« J’ai puisé mon inspiration dans les culturesmusicales pop de l’Occident – du funk desannées 1970 à la musique orchestrale – touten faisant de nombreuses incursions dans lamusique traditionnelle indienne. Je fais aussiun clin d’œil à la musique du cinéma des années1940 et 1950, une époque que j’affectionne toutparticulièrement. »Clarence FordChorégraphe« Les chorégraphies sont un mélange de styleset d’inspirations qui a mené à la création d’unlangage distinctif chargé d’émotion, d’énergieet de tension dramatique. »Claviériste, compositeur et musicien électronique depuis les années 1980, Jean-François Côté esttrès actif sur la scène musicale de Los Angeles. Musicien autodidacte, il a enchaîné les collaborationsavec de nombreux artistes et groupes québécois innovateurs. Ce prolifique musicien, qui possède unrare instinct pour brosser des tableaux musicaux où les styles s’entremêlent, est toujours à l’affût denouvelles sonorités, ayant tracé sa propre route et développé, au fil des ans, un style bien à lui.Joueur de hockey durant son adolescence, Jean-François Côté a découvert la musique à l’âge de16 ans, frayant avec des groupes rock et soul sur la scène montréalaise aux commandes de sonclavier. À la même époque, Jean-François Côté a décroché un emploi au Cirque du Soleil commegardien de sécurité sur le tout premier spectacle de l’entreprise intitulé Cirque du Soleil. « La nuit,se rappelle-t-il, je me glissais discrètement derrière le clavier du compositeur René Dupéré pourfaire de la musique et parfaire ma technique. »Plusieurs années plus tard, un soir où il accompagnait l’interprète Julie Masse sur la scène duSpectrum de Montréal, il attire l’attention du compositeur Benoit Jutras qui a signé la musiquede nombreux spectacles du Cirque du Soleil. Cette rencontre mènera à la première collaborationde Jean-François Côté avec le Cirque en tant que chef d’orchestre sur Mystère et «O». Dans lafoulée de cette association, il conçoit l’environnement sonore de la séquence de tambours Taikodu film Imax du Cirque du Soleil « Journey of Man ».À titre de compositeur de la musique de KOOZA, Jean-François Côté se retrouve à nouveau dansun lieu de création qu’il qualifie des plus stimulants. « Malgré sa grande taille, dit-il, le Cirque aconservé sa vocation première: la création de spectacles de grande qualité. Le degré de libertédont jouissent les créateurs est inégalé. »Pour exprimer le côté humain et drôle de KOOZA, Jean-François Côté a procédé à un habilemétissage des formes. « J’ai puisé mon inspiration dans les cultures musicales pop de l’Occident –du funk des années 1970 à la musique orchestrale – tout en faisant de nombreuses incursionsdans la musique traditionnelle indienne. Je fais aussi un clin d’œil à la musique du cinéma desannées 1940 et 1950, une époque que j’affectionne tout particulièrement. »Jean-François Côté est né en 1968, à Montréal.Clarence Ford est un prolifique danseur, chorégraphe, enseignant et réalisateur torontois dont lescréations ont rayonné partout au Canada, aux États-Unis et ailleurs dans le monde. Ce partisaninconditionnel de la collaboration a côtoyé le légendaire James Brown et imprimé sa marque enstylisant les vidéoclips de Robbie Williams et de la formation Barenaked Ladies, entre autres.À cinq ans, Clarence Ford s’imaginait joueur de hockey professionnel. À l’école secondaire, il aparticipé à des compétitions d’athlétisme, battant le record interscolaire du 100 m et obtenantdu coup des bourses d’athlétisme américaines. Il découvre la danse à l’âge de 17 ans, et sacarrière d’artiste de scène prend son envol au moment où il se joint à Soul Express, une formationmusicale qui a réalisé des tournées partout au Canada et participé à des galas et des émissionstélévisées, dont une émission spéciale sur le réseau CBC qui leur a été consacrée.Au plan stylistique, Clarence Ford est un innovateur. Il est un des premiers chorégraphes en Amériquedu Nord à intégrer les arts de la rue et le hip hop au patinage artistique. Ses chorégraphies ontmené deux patineurs sur la première marche du podium aux Jeux olympiques. Il a chorégraphiénombre d’émissions spéciales telles que Stars on Ice et travaillé avec des patineurs de renomméemondiale, dont Kurt Browning, Scott Hamilton, Victor Kraatz et Shae-Lynn Bourne. Il a aussi signé leschorégraphies d’émissions télévisées de remise de prix Juno, Genie et Gemini.Chorégraphe auprès des grands studios de film – notamment DreamWorks, Universal etMiramax –, Clarence Ford a fait le tour du monde, travaillant entre autres à Los Angeles, auxAntilles et en Europe. Son nom figure au générique de films comme The Ladies Man, avec WillFerrell, The Tuxedo, mettant en vedette Jackie Chan et Jennifer Love Hewitt, Gossip, avec KateHudson, et Undercover Brother, avec Eddie Griffin et Billy Dee Williams.En plus de signer la chorégraphie d’une quarantaine de publicités, Clarence Ford a produit, réalisé etchorégraphié des défilés de mode ainsi que de nombreux événements spéciaux, y compris le défiléde mode de Reebok diffusé sur la chaîne Fashion Television. Les formations musicales ArrestedDevelopment, Soul Decision (avec C hristina Aguilera et N*SYNC), Soul Decision et Sugar Jones ontaussi fait appel à ses talents de producteur, de réalisateur et de chorégraphe.Clarence Ford n’en est pas à sa première collaboration avec le Cirque du Soleil. En 1997, la chorégrapheDebra Brown l’invitait à prendre part aux ateliers de création de La Nouba, qui intègre certaines de seschorégraphies. Il participait ensuite à la formation générale aux studios du Cirque à Montréal.Les chorégraphies de KOOZA puisent leur inspiration dans la culture pop urbaine, la « danseexcentrique » vaudevillesque, le jazz et les arts de la rue. « Les chorégraphies sont un mélangede styles et d’inspirations qui a mené à la création d’un langage distinctif chargé d’émotion,d’énergie et de tension dramatique », explique-t-il.Clarence Ford est né à Toronto, en 1956.

Martin LabrecqueConcepteur des éclairages« L’un de mes défis a été d’accentuer lesexpressions faciales des acteurs comiques –essentielles à l’appréciation de leur jeu – sansbriser l’équilibre d’ensemble ni compromettrel’esthétique du spectacle. »La feuille de route de Martin Labrecque comprend une centaine de productions théâtrales. Il acontribué au succès critique de plusieurs créations québécoises dont L’homme en lambeaux,en 2001, pour laquelle il remporte un prix pour la conception des éclairages. En 2003, il estcoauteur, avec Patrice Dubois, d’un spectacle sur la vie d’Orson Welles, Everybody’s Welles pourtous, honoré du Masque de la meilleure production Montréal. Il décroche deux autres Masquesen 2005 et en 2007 pour les éclairages de Le peintre des madones et Hosanna, mises en scènepar Serge Denoncourt. Ses tableaux de lumière ont récolté une dizaine de nominations.Un habitué des arts du cirque, Martin Labrecque a collaboré aux spectacles Rain et Nomadedu Cirque Éloize auprès du metteur en scène Daniele Finzi Pasca, qui a aussi signé le spectacleCorteo. En plus de Corteo et KOOZA, Martin à aussi conçu les éclairages de Viva elvis etMichael Jackson THE IMMORTAL World Tour pour le Cirque du Soleil.KOOZA marque la première incursion de Martin Labrecque dans l’univers clownesque dumetteur en scène David Shiner. Résumant le mandat qu’on lui a conféré, le concepteur deséclairages raconte : « David m’a dit d’emblée : “Je veux qu’on voie mes clowns”. J’ai donc vouluenvelopper les artistes, accentuer les expressions faciales des acteurs comiques – essentiellesà l’appréciation de leur jeu – sans briser l’équilibre d’ensemble ni compromettre l’esthétiquedu spectacle. Le défi était d’autant plus important qu’il s’agit d’une scène à 280 degrés. »Martin Labrecque est né en 1972, à Montréal.Jonathan DeansCo-concepteur de son« Au plan sonore, mon mandat est detransporter les spectateurs au cœur d’unmonde singulier – l’univers clownesque deDavid Shiner. »Jonathan Deans, l’un des concepteurs de son les plus sollicités dans le monde du théâtremusical, signe, avec Viva ELVIS, la conception sonore de son treizième spectacle du Cirquedu Soleil. Celui qui a façonné les ambiances sonores de Saltimbanco, «O», Mystère, La Nouba,Zumanity, KÀ, Corteo, LOVE, KOOZA, Wintuk, CRISS ANGEL Believe et OVO est stimulé parla démarche de création évolutive « work-in-progress » du Cirque du Soleil et par l’étroitecollaboration qui se noue au sein de l’équipe de créateurs.Acteur dès la tendre enfance, Jonathan Deans éprouve une fascination pour l’électronique etle son. C’est à l’âge de 15 ans, foulant déjà les planches avec la Royal Shakespeare Company,qu’il mettra son intérêt pour le son au service du théâtre. Après un périple comme ingénieurdu son dans le milieu de la musique, notamment chez Morgan Studios où il frayera avec desartistes de renom tels que Cat Stevens, Paul Simon et Rick Wakeman, il renoue avec le théâtrepar l’entremise du Royal Opera House (Covent Garden) et se voit confier le mixage sonore dela comédie musicale A Chorus Line. Un succès n’attendant pas l’autre, il devient opérateursonore pour une douzaine de productions, y compris Evita, Cats, Bugsy Malone et The Soundof Music.Le succès de Jonathan Deans venant aux oreilles des producteurs du « West End », il devientconcepteur de son pour la comédie musicale Marilyn; s’ensuivront, entre autres, Time, LesMisérables et Mutiny, Jean Seberg, puis Ragtime, Fosse, King David, Damn Yankees, Taboo,Brooklyn, Lestat, Pirate Queen et Young Frankenstein sur Broadway.Ses diverses réalisations comme concepteur de son lui ont valu de nombreux prix. En1998 notamment, au moment où il mettait au point l’environnement sonore de La Nouba,Jonathan Deans a reçu le Entertainment Design Award de la production de l’année pour sacontribution au spectacle «O»..Pour Jonathan Deans, les spectacles permanents et les spectacles de tournée sont deux mondesdistincts au plan sonore. La beauté du grand chapiteau réside dans l’intimité qui s’installe entreles artistes et le public. « Les aspects techniques sont différents, explique-t-il, mais l’expériencesonore, les idées, le jeu de textures et la superposition de sons et de musique sont identiques.Pour KOOZA, mon mandat est de transporter les spectateurs au cœur d’un monde singulier –l’univers clownesque de David Shiner. »Jonathan Deans est né en Angleterre et vit actuellement aux États-Unis.

Leon RothenbergCo-concepteur de son« J’aime penser que mon approche de laconception sonore est teintée d’une certainesensibilité et d’une certaine musicalité. »Les réalisations de Leon Rothenberg en tant que concepteur de son sont imprégnées desacquis d’une solide formation en composition musicale et en programmation. En 1995,il suit des cours de musique classique de l’Inde du Nord à l’école Sangit Mahabharati, àMumbai, en Inde. Deux années plus tard, il décroche un double baccalauréat en musique eten informatique à l’Oberlin College, en Ohio. Il complète sa formation, en 2002, en obtenantune maîtrise en beaux-arts avec spécialisation en conception sonore au California Instituteof the Arts.« J’aime penser que mon approche de la conception sonore est teintée d’une certainesensibilité et d’une certaine musicalité, commente-t-il. Je savais tout jeune que je voulais fairecarrière en musique. Je jouais de plusieurs instruments, mais je consacrais aussi beaucoupde temps à faire des expériences avec un magnétophone à bobines. Au collège, je composaisde la musique pour des concerts, mais je me suis rendu compte que la composition et laconception sonore au théâtre me permettait de collaborer avec plein d’artistes. »Leon Rothenberg a enseigné l’« écoute créative » et la conception sonore avant de prendre part, entant qu’ingénieur de production et concepteur, à des créations universitaires et communautairesen Californie du Sud. Ses talents ont attiré l’attention du milieu, notamment au Mark TaperForum de Los Angeles, mais aussi ailleurs en Californie et à New York. En 2003, il a conçu lestableaux sonores d’une méga-production de King Lear présentée à Los Angeles et en France. Cetteproduction complexe se déroulait dans plusieurs immeubles. Il a aussi participé à la réalisation denombreux films d’animation expérimentaux.Jonathan Deans, le concepteur de son de plusieurs spectacles du Cirque du Soleil, a eu vent destalents du jeune concepteur. Leur première collaboration remonte à la création du spectacleKÀ. Leon Rothenberg a également secondé Jonathan Deans sur les spectacles Corteo et LOVE.KOOZA marque sa première collaboration avec le Cirque en tant que concepteur de son, rôlequ’il assume en duo avec Jonathan Deans.« Jonathan et moi avons exploré de nouvelles techniques afin que l’espace sonore enveloppeles spectateurs tout en préservant l’impression d’intimité. »Leon Rothenberg est né en 1974, à Boston (Massachusetts).Danny ZenConcepteur des équipementset des gréements acrobatiques« Dans KOOZA, les numéros aériens sont dehaut calibre. Pour les mettre pleinement envaleur, j’ai misé sur la simplicité, la fluiditéet la légèreté à tout point de vue. »En 1990, Danny Zen s’enrôle au Cirque du Soleil comme soudeur et assembleur aux ateliers deLongueuil. Au cours de la même année, il participe à la toute première tournée européenneavec Le Cirque Réinventé, puis avec Nouvelle Expérience où il cumule les fonctions de soudeur,assembleur, mécanicien et chef placier. Il participe à la tournée de Saltimbanco, en 1992, commetechnicien de tente. Tout en étant responsable technique du studio de création, Danny Zen aaussi mis ses connaissances techniques à contribution lors de la création des spectacles Alegría,Mystère, Quidam, Dralion, Varekai, «O», La Nouba et KÀ. De plus, il été chef gréeur pour Quidamen 1996.À partir de 1993, Danny Zen travaille au développement du studio de création tel qu’il estaujourd’hui. À titre de chef gréeur et de responsable technique, c’est en grande partie grâceà son travail innovateur qu’ont été créées et établies les normes existantes du Cirque duSoleil en matière de formation des gréeurs et de sécurité des artistes et des techniciens.Ayant également travaillé à l’École nationale de cirque, Danny Zen a, au fil des ans et desproductions, participé à la conception de la plupart des éléments acrobatiques aériens del’univers du Cirque du Soleil.Après Corteo, KOOZA marque la deuxième collaboration de Danny Zen à un spectacle duCirque du Soleil comme concepteur des gréements acrobatiques, Zarkana étant sa toutedernière collaboration.Pour ne pas détourner l’attention des spectateurs de l’essentiel, l’équipe de KOOZA a vouluréduire au minimum les manipulations sur scène et éviter le recours à l’automation. « DansKOOZA, explique Danny Zen, les numéros aériens sont de haut calibre. Pour les mettrepleinement en valeur, j’ai misé sur la simplicité, la fluidité et la légèreté à tout point de vue. »Danny Zen est né en 1965, à Saint-Luc, en Montérégie (Québec).

André SimardConcepteur de performancesacrobatiques« KOOZA est un retour aux origines du Cirquedu Soleil. L’effort humain – la performancehumaine à l’état brut – est exploré dans touteson ampleur et dans toute sa fragilité. »André Simard et le Cirque du Soleil sont faits l’un pour l’autre. Celui qui met sa quête effrénéedu dépassement au service de la créativité incarne, pour le Cirque, la fusion idéale entre lesaptitudes physiques et l’approche esthétique de la performance.André Simard collabore avec le Cirque du Soleil depuis 1987. Il crée alors pour le spectacleNouvelle Expérience un numéro de trapèze ballant qui enclenche une véritable révolution dans lemouvement aérien de haute voltige. Les prouesses acrobatiques des artistes évoluant entre cielet terre, dans une salle ou un chapiteau, prennent sous sa signature des allures de ballets fluides.Entre 1989 et 2000, treize des numéros qu’il a conçus pour le Cirque du Soleil, l’École nationalede cirque ou pour sa propre compagnie artistique, le Studio de création les gens d’R, ont étérécompensés dans des festivals réunissant les meilleurs artistes de cirque du monde entier.Le Cirque du Soleil a fourni à André Simard la plateforme dont il avait besoin pour transformerses numéros aériens en véritables œuvres d’art. C’est à lui que les nouveaux arts du cirque doiventla création de la discipline du tissu aérien, en 1995. Le numéro du « bateau » dans le spectacle«O» est un autre exemple de ses innovations technologiques et chorégraphiques issues de sacollaboration avec le concepteur d’appareils acrobatiques Jaque Paquin. Plus généralement,André Simard a conçu la majorité des numéros aériens des treize spectacles du Cirque du Soleilprésentés actuellement dans le monde.Depuis plus de 30 ans, André Simard réussit avec bonheur le maillage des trois universauxquels il appartient, soit les beaux-arts, le sport d’élite et le cirque. En effet, au débutdes années 1970, André Simard a mené simultanément une carrière au sein de l’Équipenationale de gymnastique du Canada et des études à l’Institut des arts graphiques deMontréal. Au moment où il préparait sa participation aux Jeux Olympiques d’été de 1972,à Munich, il entraînait des clowns et autres amuseurs publics au Centre Immaculée-Conception à Montréal, le précurseur de l’École nationale de cirque de Montréal. « Jecherche constamment à marier les règles de biomécanique, utilisées dans l’entraînementsportif, à la puissance évocatrice des arts de la scène », dit-il. Cette approche a égalementmarqué son enseignement à l’École nationale de cirque de Montréal, puis au Centrenational des arts du cirque de Châlons-sur-Marne et à l’École nationale de Cirque de Rosnysous-Bois,tous deux situés en France.En 1995, il fonde le Studio de création les gens d’R, à Montréal. Ce projet artistique estpour André Simard l’occasion de pousser encore plus loin l’expression de l’émotion par lemouvement aérien. En 2001, la troupe présentait en première mondiale, à Venise, le spectacleÉchos, créé à l’invitation des organisateurs de la célèbre Biennale.André Simard éprouve une fascination pour les airs : « Je vole beaucoup dans mes rêves, confiet-il.Je ne pense plus pouvoir voler à mon âge, mais ça fait encore partie de moi. Planer et volerdans les airs, c’est dans mon sang. C’est quelque chose que je peux très bien imaginer. »Avec KOOZA, dans lequel le risque, le courage mais aussi la fragilité du moment de l’acrobatesont à l’avant-plan, André Simard baigne plus que jamais dans son élément.« Ce spectacle est un retour aux origines du Cirque du Soleil. L’effort humain – la performancehumaine à l’état brut – est exploré dans toute son ampleur et dans toute sa fragilité. »André Simard est né en 1945, à Montréal.

Florence CornetConceptrice des maquillages« J’ai exploré les textures inspirées du Moyen-Orient et de l’Afrique, où on a recours au doré,aux bijoux, au brillant et à la terre. J’ai adoptéune signature qui privilégie la spontanéité dugeste, qui accentue l’asymétrie des traits etleur côté instinctif et rituel. »Depuis plus de vingt ans, Florence Cornet explore mille et une manières de toucher le public aumoyen de ses maquillages.Après avoir complété des études au Collège de Sainte-Foy (Québec) au début des années1980, Florence Cornet a suivi des cours de maquillage auprès du scénographe gaspésien YvanGaudin ; cette expérience l’éveille à son futur métier. Elle continue donc sa formation auprès deMikie Hamilton et de son école Mytho Maquillages. Avant même d’atteindre l’âge de vingt ans,elle entame une carrière prolifique dans sa discipline.Cultivant ses multiples intérêts, Florence Cornet se rend en France en 1985 pour y suivre un stageen maquillage. Cela l’amène, entre autres, au Festival mondial de la marionnette où elle assumerale double rôle de directrice artistique et de scénographe d’un spectacle multiculturel. Au fil desans, elle cumulera une impressionnante feuille de route dans les domaines du maquillage, ducostume, de la direction artistique et de la marionnette, collaborant notamment à quelque 200productions au Québec. Le Théâtre Petit à Petit, le Théâtre du Trident, le Théâtre de la Licorne et leThéâtre du Nouveau Monde comptent parmi ses principaux lieux de création. Elle a collaboré avecdes metteurs en scène québécois de renom, dont Serge Denoncourt, Dominic Champagne, ClaudePoissant, Wajdi Mouawad, Denise Guilbault, Michel Lemieux et Victor Pilon.En plus d’enseigner le maquillage depuis une vingtaine d’années dans diverses écoles de théâtreainsi qu’à l’École nationale de cirque de Montréal, Florence Cornet a œuvré en cinéma et entélévision, notamment en tant que chef maquilleuse de la télésérie Hommes en quarantaine. En2000, elle est en nomination pour un Prix Gémeaux (meilleurs maquillages) pour sa collaborationau film Une âme immortelle de Cine Qua Non Film, réalisé par Bernar Hébert.Florence Cornet n’en est pas à ses premières armes avec le Cirque du Soleil. Elle a participé auspectacle KÀ en 2004 et à quelques événements spéciaux à titre d’assistante aux maquillages.Elle signe, avec KOOZA, sa première création à titre de conceptrice des maquillages.Dans ses concepts de maquillage, Florence Cornet a misé sur une facture naturelle et libre.« J’ai exploré des textures inspirées du Moyen-Orient et de l’Afrique, où on a recours au doré,aux bijoux, au brillant et à la terre. J’ai adopté une signature qui privilégie la spontanéité dugeste, qui accentue l’asymétrie des traits et leur côté instinctif et rituel. »Québécoise d’adoption depuis l’âge de cinq ans, Florence Cornet habite Montréal depuis unevingtaine d’années. Elle est née en 1963, à Toulon, dans le sud de la France.Rogé FrancoeurConcepteur des accessoires« KOOZA est une incursion dans le mondeimaginaire de David Shiner. Le jeu des acteurscomiques est de haut niveau et, à ce titre,l’accessoire ne doit jamais éclipser le personnage.J’ai le souci constant de la simplicité, del’ergonomie et de l’intégration aux décorset aux costumes. »Si Rogé Francœur rêvait d’être chanteur ou comédien lorsqu’il était jeune, c’est plutôt derrièrela scène que sur les planches qu’il a fait sa marque, notamment au cinéma, au théâtre et entélévision. Après avoir fait des études en arts visuels au Québec et participé à des ateliers libres desculpture à l’Université York de Toronto, il s’installe à Montréal. Dès lors, il s’aperçoit qu’il pourraitmettre à profit ses talents dans les domaines du théâtre et du cinéma.Rogé Francœur s’intègre rapidement dans le monde du spectacle. Il collabore à plusieurs films entant que maquettiste et concepteur d’accessoires. Son nom figure notamment au générique deTaming of the Demons, d’Émile Radok (1985), une expérience qui s’avèrera déterminante dansson choix de carrière. Il a aussi contribué son regard tridimensionnel aux films Agaguk, de JacquesDorfmann (1990-1991), Zelda, de Pat O’Connor (1993), et Screamers, de Christian Duguay (1995).En 1996, Rogé Francœur participe à une exposition sur le cinéma à Tokyo – Cinéma AvenueJapon – comme assistant à la conception et à la réalisation des maquettes de présentation. Dès1996, le concepteur des accessoires exerce son métier par l’entremise de son propre laboratoirede création, l’Atelier Rogé Francœur. Depuis six ans, soucieux de faire bénéficier la relève de sonexpérience, il enseigne la conception d’accessoires, la fabrication de maquettes et la peinturescénique au Cégep de Saint-Hyacinthe.La première collaboration de Rogé Francœur avec le Cirque du Soleil remonte à 1992. Cette annéelà,il a travaillé à la création de Saltimbanco auprès de la conceptrice de costumes DominiqueLemieux. De 1993 à 1994, il conçoit et réalise les accessoires pour les spectacles Mystère et Alegríaen collaboration avec le scénographe Michel Crête. Depuis 2003, il agit à titre de consultant pourdes projets de recherche-développement. KOOZA marque sa première véritable collaboration entant que membre de l’équipe de création.C’est l’expérience de Rogé Francœur avec les clowns du spectacle Alegría qui a d’abord attirél’attention du Cirque du Soleil. « KOOZA est une incursion dans le monde imaginaire de DavidShiner, explique-t-il. Le jeu des acteurs comiques est de haut niveau et, à ce titre, l’accessoire nedoit jamais éclipser le personnage. J’ai le souci constant de la simplicité, de l’ergonomie et del’intégration aux décors et aux costumes. »« Lorsque je conçois un accessoire, dit Rogé Francœur, ma démarche est plutôt impressionniste.L’accessoire n’est véritablement révélé que lorsqu’il est vu dans le contexte global du spectacle. »Rogé Francœur est né en 1963, à Macamic, en Abitibi (Québec).

Faits saillantsKOOZA• KOOZA a tenu sa première mondiale à Montréal, Québec,au Canada en avril 2007; depuis, le spectacle a visité plusde 31 villes dans trois pays différents.• KOOZA a célébré sa 1 000e représentation à Santa Monica,Californie, aux États-Unis en 2009, sa 1 500e représentation àTokyo, au Japon en 2011 et sa 2 000e représentation à Dallas,Texas, aux États-Unis.• Plus de 4 millions de personnes ont vu KOOZA depuissa création.Distribution et équipe d’arrière-scène :• La distribution artistique et l’équipe d’arrière-scène deKOOZA comprend des personnes de 24 nationalitésdifférentes (la distribution en représente 18 au total);elles viennent d’Argentine, d’Australie, d’Autriche, duBélarus, de Bosnie-Herzégovine, du Brésil, de la Bulgarie,du Canada, de la Chine, de la Colombie, de l’Espagne,des États-Unis, de la France, de la Grande-Bretagne, de laHongrie, de l’Inde, du Japon, du Kazakhstan, de la Moldavie,de la Mongolie, des Pays-Bas, de la Roumanie, de la Russieet de la Suisse;• Les langues les plus utilisées sont évidemment le françaiset l’anglais, mais plusieurs autres langues sont aussi parléessur le site : le chinois, l’espagnol, le russe, etc.;• 170 personnes voyagent avec la tournée à temps plein,notamment 53 artistes et près de 120 employés etaccompagnateurs officiels (épouses, maris et enfants);• La tournée compte en grande majorité sur les distributeurslocaux pour s’approvisionner en biens essentiels, soitla nourriture et les boissons, le biodiésel, la glace, lamachinerie, les services bancaires, le service de messagerieet de transport ainsi que la collecte du recyclage et desdéchets. Tout cela permet d’appuyer l’économie locale parla même occasion;• Dans chaque ville, la tournée engage environ 120 travailleurslocaux pour des rôles variés, soit ceux d’hôtes, de placiers,de contrôleurs de billets, de réceptionnistes, de sous-chefs,de responsables à la boutique, etc. Il y a également plus de100 personnes appelées à aider au montage et démontagedu site et du chapiteau;• La cuisine emploie un gérant de la cuisine de façonpermanente en tournée et trois cuisiniers;• L’école sur le site compte deux professeurs à temps pleinet cinq élèves;• Deux personnes en médecine de la performance sontau service de la distribution artistique (soit un superviseuret un thérapeute) et voyagent avec la tournée;• L’équipe des costumes compte quatre personnes qui prennentsoin de plus de 1 000 pièces de costumes à temps plein.

Village en mouvementLe village ambulant du Cirque du Soleil comprend le Grand Chapiteau, la tente artistique, la billetterie, la cuisine, l’école, lesbureaux, les entrepôts et bien plus encore. Le site, entièrement autonome sur le plan de l’alimentation électrique, compteuniquement sur un approvisionnement local en eau et à des installations de télécommunications pour subvenir à ses besoins.Le site• Il faut 9 jours pour monter et 3 jours pour démonterles installations.• 60 camions sont nécessaires pour transporterle spectacle de villes en villes.• Le Grand Chapiteau, la tente artistique et la tente VIPRouge ont une température contrôlée en tout temps.Le Grand Chapiteau• Le Grand Chapiteau peut accueillir un peu plusde 2 600 spectateurs.• La toile de la tente et ses 11 tunnels pèsent environ5227,3 kg (11,500 livres).• Le Grand Chapiteau compte 18 morceaux de toilede vinyle ignifugée et a été fabriqué à Bordeaux, enFrance, par la société Voileries du Sud-ouest, réputéedans le monde entier pour ses grands chapiteaux.• Le Grand Chapiteau a une hauteur de 56 mètres et undiamètre de 51 mètres.• Le Grand Chapiteau est soutenu par quatre mâtsd’acier d’une hauteur d’environ 25 mètres.• 17,000 mètres carrés sont nécessaires à l’installationdes infrastructures.La tente d’entrée• Il y a une seule grande tente d’entrée où l’onretrouve comptoirs à souvenir ainsi que des pointsde restauration.La tente VIP Rouge• La tente VIP Rouge peut accueillir jusqu’à 250 invitéset être réservée à titre privé.La tente artistique• La tente artistique abrite un espace pour les costumes,les loges des artistes, une aire d’entraînement toutéquipée ainsi qu’une salle de physiothérapie.La cuisine• La cuisine est la plaque tournante du village. On y sert300 repas par jour, six jours sur sept et elle se veut le lieude rencontre de tous les membres de la tournée (artisteset employés).

Cirque du Soleil en brefDe la vingtaine de saltimbanques qui le constituaient àses débuts en 1984, le Cirque du Soleil est une entreprisequébécoise de divertissement artistique de haute qualitéqui compte 5 000 employés, dont plus de 1 300 artistes,provenant de plus d’une cinquantaine de pays différents.Le Cirque du Soleil a entraîné dans son rêve plus de100 millions de spectateurs, dans plus de trois cents villesdans plus d’une quarantaine de pays sur six continents.L’entreprise a établi son Siège social international à Montréal.Pour plus d’information sur le Cirque du Soleil visitezcirquedusoleil.com.La missionLa mission du Cirque du Soleil est d’invoquer l’imaginaire,provoquer les sens et évoquer l’émotion des gens autourdu monde.Création du Cirque du SoleilTout a commencé à Baie-Saint-Paul, une petite municipalitésituée près de la ville de Québec, au Canada, au débutdes années 80. Les membres d’une troupe de théâtre derue fondée par Gilles Ste-Croix (Les Échassiers de Baie-Saint-Paul) déambulent sur des échasses, jonglent, dansent,crachent le feu et jouent de la musique. Ces jeunes amuseurspublics, dont Guy Laliberté (le fondateur du Cirque duSoleil), impressionnent déjà et intriguent les résidentsde Baie-Saint-Paul.La troupe fonde ensuite Le Club des talons hauts puis,en 1982, organise La Fête foraine de Baie-Saint-Paul, unévénement culturel où des amuseurs publics de partoutse donnent rendez-vous pour échanger et animer pendantquelques jours les rues de la petite municipalité. La Fêteforaine est reprise en 1983 et en 1984. Le Club des talonshauts se fait remarquer. Guy Laliberté, Gilles Ste-Croix etleurs complices nourrissent dès lors un rêve fou : créer uncirque québécois et amener cette troupe à voyager autourdu monde.En 1984, le Québec célèbre le 450e anniversaire de la découvertedu Canada par Jacques Cartier, et on cherche un spectaclepour faire rayonner les festivités dans toute la province.Guy Laliberté présente alors un projet de spectacle, nomméCirque du Soleil, et réussit à convaincre les organisateurs.Le tout premier spectacle du Cirque parcourt donc le Québec.L’entreprise n’a jamais cessé ses activités depuis !STATISTIQueS GÉNÉRALeS• En 1984, 73 personnes travaillaient pour le Cirque duSoleil. L’entreprise compte aujourd’hui 5 000 employésdans le monde entier, dont plus de 1 300 artistes.• Le Siège social international, établi à Montréal,compte à lui seul près de 2 000 employés.• On retrouve plus de 100 corps de métier au Cirquedu Soleil.• Plus de 50 nationalités sont représentées au seinde l’entreprise et 25 langues différentes sont parléesparmi les employés et les artistes.• Plus de 100 millions de spectateurs ont vu unspectacle du Cirque du Soleil depuis 1984.• Près de 15 millions de personnes verront un spectacledu Cirque du Soleil en 2013.• Depuis 1992, le Cirque du Soleil ne reçoit plusaucune subvention gouvernementale ou privéepour ses opérations.

En 2013, Le Cirque du Soleilprésentera simultanément19 spectacles différents :SPECTACLES EN TOURNÉE DANS LES ARÉNASEuropeEurope/Moyen-OrientAfriqueSPECTACLES EN TOURNÉESOUS LE GRAND CHAPITEAUAmérique du Nord/EuropeEurope/Japon/AsieAmérique du SudEurope/Amérique du SudEuropeAustralieAmérique du NordAmérique du Nord

TMSPECTACLES FIXESTreasure Islandà Las VegasBellagioà Las VegasNew York-New YorkHotel & Casinoà Las VegasWalt Disney World ® Resortà Orlando, en FlorideMGM Grandà Las VegasThe Mirageà Las VegasLuxorà Las VegasARIA Resort & CasinoCityCenterà Las VegasMandalay Bay,à Las VegasAlegría, Amaluna, Corteo, Dralion, KÀ, KOOZA, La Nouba, Mystère, «O», OVO, Quidam, TOTEM, Varekai, Zarkana, Zumanity – the Sensual Side of Cirque du Soleil, Cirque du Soleil, Logo Soleil, sont des marques de commerce détenues par Cirque du Soleil et utiliséessous licence. LOVE est une marque de commerce détenue par The Cirque Apple Creation Partnership et utilisée sous licence. The Beatles est une marque de commerce détenue par Apple Corps Limited. CRISS ANGEL et Believe sont des marques de commercedétenues par Criss Angel et utilisées sous licence. Michael Jackson THE IMMORTAL World Tour est une marque détenue par Cirque Jackson I.P., LLC. Marques employées sous licence. Michael Jackson ONE est une marque détenue par Cirque Jackson I.P., LLC.Marques employées sous licence. Le nom et l’image de Michael Jackson ainsi que toutes les marques de commerce, logos et autres reproductions y afférents sont détenus par Triumph International, Inc. et employés sous licence. © 2010 Cirque Jackson I.P., LLC.

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