Exposition La Peau de l'Ours - Galerie RABOUAN MOUSSION

Florence Cantié-Kramer
Kirill Chelushkin
JonOne
O l e g K u l i k
Kata Legrady
Luke Newton
Erwin Olaf
Dimitri Tsykalov
Ira Waldron
16 juin 31 juillet 2012 - 121 rue Vieille du Temple Paris 3 - www-galerie-rabouan-moussion.com
Exposition La Peau de l’Ours

Dimitri Tsykalov

L’exposition «La Peau de l’Ours» s’ouvre sur
l’œuvre Skin, de Dimitri Tsykalov.
Constituée de caisses à munitions vides venues
du monde entier, cet ours présente une
cartographie du marché d’armes.
Tant dans sa stature que par son sens, cette
œuvre pèse. La symbolique de l’ours, très forte
pour les russes, est ici mise à plat, et captive
notre regard.
Elle donne le la à l’exposition : il s’agit de mort,
d’animalité, de guerre. Les animaux qui sont
là, par anthropomorphisme, renvoient notre
reflet : mortels mais guerriers, on se fait la
peau.
Skin, 2011
caisses à munitions, métal
291 x 290 x 34 cm

Commando IV - Meat, 2008
Lambda print
205 x 160 cm

Revolver - Meat, 2008
Lambda print
120x160cm
Une violence extrême anime ces photographies: derrière la brutalité des sujets abordés (la guerre, la mort,
le terrorisme, les armes), la violence est celle de l’étal, de la crudité – celle de l’exposition. Il y a dans ces
images la monstration de la monstration, c’est-à-dire une pure idée de l’exposition. Le fait d’être exposé
cesse alors de signifier la gentillette action bourgeoise d’accrocher dans des galléries des tableaux ou des
photographies destinés à remplir l’espace vide au-dessus des commodes; peu importe que ces dernières
soient rustiques ou design, le bourgeoisisme est le même avec son espoir (heureusement) souvent déçu
de retour sur investissement. En exhibant la viande dans son rapport au meurtre et à l’abatage, du point de
vue unifié du tireur, de l’arme et de la cible, Dimitri Tsykalov expose le concept d’exposition. Ici, l’exposition
est le plus cru du plus cru. On est au-delà de la pornographie. Celui qui court à découvert sous les tirs à
balles réelles, celui qui se sent viande sur pattes, cible pour snipers, celui-là est exposé. C’est à ce genre de
risques que l’art nous expose lorsqu’il sort parfois, comme ici, de l’extension du design intérieur pour cadres
supérieurs ou de l’art spécialement calibré à destination des institutions culturelles.
Jean Yves Jouannais et Dominique Quessada, MEAT,
« Cadavre Exquis », Editions du Regard, 2007

Florence Cantié-Kramer

Florence Cantié-Kramer est une artiste française.
Son travail de sculpture trouve tout son sens au travers des matériaux utilisés : ils structurent son
corpus et lui donnent le côté solitaire, brut et poétique qui le caractérise. Le plomb, la cire, les néons,
les mots, sont en constante opposition et se répondent dans un dialogue incessant, faisant ressortir
tour à tour leur fragilité ou leur densité, leur naturel ou leurs artifices.
C’est un travail d’une grande sensualité, qui fait se heurter le sacré au profane :
Dans Deer Moults – des Mues de Cerfs sont auréolées de néons, suspendues à une stèle de plomb.
Les matières s’imbriquent sans rien perdre de leur caractère brut. Et si cela a tout l’air d’un massacre,
les bois ne sont que pourtant que des mues, comme si l’animal était – pour un temps au moins –
épargné par l’artiste en Diane chasseresse des temps modernes.
Le cerf mue, perd ses bois, quitte sa première peau ; c’est le seuil d’une nouvelle vie. L’artiste invite
le regardeur à en faire de même : abandonner son corps terrestre pour entrer dans un royaume
lunaire, guidé par Diane. La mythologie s’arrête là : la lumière n’a rien de lunaire, elle a la brutalité du
néon, sa fragilité aussi.
Par frottement entre les matériaux, Florence fait surgir de multiples sens. Cette œuvre est caractéristique
de son travail, elle recèle touts les thèmes de prédilection de l’artiste : une disparition synonyme
d’élévation, fragilité et sensualité, une réflexion sur la finalité de la vie…
Deer Moults, 2012
Plomb, mues de cerfs, néons
220 x 90 x 45 cm

La botte d’asperge présentée actuellement à la galerie
pourrait être sculptée dans l’albâtre ; c’est en fait de la
cire, déposée sur un socle de plomb. Ces matériaux si
différents s’unissent et se complètent dans un travail de
sculpture noble, à la fois brut et fragile.
Et si l’exposition est construite autour de la notion de
conflit, de guerre, cette œuvre apparaît comme une incitation
à la paix et au respect mutuel, en référence peutêtre
à Edouard Manet. Ce dernier, après avoir livré une
huile représentant une botte d’asperges, se vit offrir plus
d’argent qu’il n’en demandait. En effet, son collectionneur
(Charles Ephrussi) avait estimé juste de payer cette œuvre
à la hauteur du plaisir qu’elle lui procurait. Le peintre, pour
le remercier, lui adressa une nouvelle toile, indiquant qu’il
avait omis une asperge au sein de la botte…
Florence Cantié-Kramer travaille le matériau comme un
prétexte à l’élévation conceptuelle. Ainsi, la matière modulée
renvoie à l’idée, celle d’une dialectique générale entre
nature et culture qui l’apparente à l’Arte povera – bien
que l’artiste éprouve un désir de détachement quant à la
structure de ce mouvement.
Bundle of Asparagus, 2012
Cire, plomb
36,5 x 34,5 x 36,5 cm

Oleg Kulik

La priorité qui est donnée à tout ce qui est « naturel » dans la culture, rend possible à
Oleg Kulik de prétendre que chaque geste culturel – peu importe à quel point sa forme
puisse paraitre parfaite et élaborée – est né en raison de sa nature, et par conséquent
il a le droit de vivre.
Certes, un artiste fort doit s’engager à mettre au rebut les variantes qui s’égarent au-delà
de la clarté des grandes lignes. Pourtant, en règle générale, avec la perte de ces images
imprévues, la première esquisse se trouve privée en grande partie de sa chaleur et de
sa vitalité. L’artiste a-t-il le droit de tuer de sang-froid ces images animées, joyeuses, mais
bâtardes ? S’il ne le fait pas, où est leur niche écologique?
M. Bredikhina
Saint Sebastian and the Gooses, 1998
Performance. Photographie et détails
87 x 129 cm

JonOne
L’évolution de JonOne en tant qu’artiste contemporain est claire, et ce n’est que le début d’une exploration tridimensionnelle riche de promesses.
Pour JonOne, chaque expérimentation dans un nouveau domaine remet simultanément en question sa pratique créative et les associations faites dans son
travail.

Mirrors, 2012
acrylique sur papier, découpes aluminium
94,5 x 94,5 chacun
JonOne, artiste internationalement reconnu et pionnier du mouvement « Street
art » à ses début, traduit son intérêt pour la couleur, le mouvement, la forme et
la tridimensionnalité.
Pour JonOne, ces œuvres sont le reflet de la ville et de l’énergie qu’elle crée.
Son vif intérêt pour l’action de l’homme sur la matière s’exprime à travers son
exploration et son choix des matériaux - allant du plexi au bois en passant par
l’aluminium et l’acier, toujours avec l’esthétique très variée d’un foisonnement
urbain.
Cette richesse, et la superposition des matériaux sont pour JonOne une manière
de développer son style personnel aujourd’hui bien connu : « the abstract
painting », art abstrait.
Dans ses œuvres, les strates successives occupent un espace
tridimensionnel, insolent les formes individuelles
et en soulignent l’énergie.
Les éléments graphiques qui se mêlent et se superposent
recréent le geste de l’artiste, dans des mouvements
qui paraissent s’échapper du cadre.

Around Da World In One Day, 2012
Acrylique sur toile
178 x 184 cm
Ener Rockin’ On, 2012
Acrylique sur toile
144 x 105 cm

Crow’s Nest, 2012
Acrylique sur toile
186 x 200 cm

Kirill Chelushkin
Untitled, 2012
Mine de plomb et acrylique sur toile
205 x 215 cm

Untitled, 2012
Mine de plomb et acrylique sur toile
216,5 x 141 cm
Untitled, 2012
Mine de plomb et acrylique sur toile
210 x 140 cm

Untitled, 2012
Mine de plomb et acrylique sur toile
205 x 195 cm

Kirill Chelushkin, sculpteur, vidéaste et dessinateur, nous livre
la représentation d’un monde abandonné, non cartographié,
où la seule empreinte humaine, anonyme, réside dans les
constructions modernes : voitures, métros et ponts habitent
seuls désormais ces villes fantômes et se font véhicules de la
nostalgie.
Lorsqu’il dessine les Hommes, c’est dans une position brutale
et inconfortable : si l’un donne une gifle l’autre la reçoit, une
tempête de neige surprend des personnages en costume rayé
– oligarques ou prisonniers ? – une panne mécanique prend les
airs du réalisme socialiste pour mieux le faire reculer…
Les choses ne sont pas ce dont elles ont l’air, ces images laissent
l’empreinte d’une inquiétante étrangeté. Cette impression
ne vient pas seulement des sujets choisis par l’artiste. Elle est
aussi le fruit d’un traitement particulier de l’image : ces dessins
sur toile très contrastés mélangent mine de plomb et peinture,
ils sont grattés de traits raides, recouverts, troublés.
Kirill Chelushkin joue avec les textures du monde : reflets des
villes sous la pluie, boue du camion embourbé, lumière lunaire
diffusée par les lampadaires… Ce réalisme cataclysmique nous
renvoie à la fragilité de l’être face à un monde où la nature
reprend ses droits.
Untitled, 2012
Mine de plomb et acrylique sur toile
218 x 196 cm

Luke Newton

Luke Newton est un jeune artiste britannique
diplômé de Saint Martins School ; il est
aujourd’hui âgé de 26 ans
Il envisage le monde de l’art comme un vaste
terrain où frapper de son jeu de ping pong
les grandes figures artistiques de la société
contemporaine. Warhol et Duchamp sont sur
le même bateau, l’art tombe à l’eau. Qui restet-il
?
Dans un second degré permanent, il tourne
en dérision et relativise son rôle d’artiste dans
une société submergée par les images. Les
crayons dessinent des crayons, les souris sculptent
des souris… Et à travers eux l’artiste se
met en abîme.
Mouses, 2012
Bois
105 x 105 x 55 cm
Il réalise de l’Industrial Home Made, créant lui-même des « objets
d’usine », d’une précision chirurgicale. Les I-Pods prennent la forme
de silex, armes de poing moulées main pour entrer en chasse contre
les mass-médias – ou peut-être s’en défendre.
203 Staedlers, 2012
203 crayons Staedler
119,5 x 28 x 7,5 cm

Pour Luke Newton,
c’est en permanence
l’heure de la « recréation
». Il s’amuse
de tout et reste dans
la redécouverte perpétuelle
du monde
pictural et graphique
qui nous entoure : les
cigarettes ne tuent
plus, les paquets deviennent
des œuvres
et la galerie fait un
tabac.
Vue de l’exposition,
Luke Newton et JonOne

Kata Legrady s’est rapidement fait connaître avec la fameuse
série « Guns and Candies » débutée en 2008 ;
un ensemble d’oeuvres chatoyantes et surdimensionnées
qui explorait la double fascination de l’artiste pour les
armes de guerre et les friandises, en l’occurrence, des
Smarties. Enigmatiques, séduisantes et inquiétantes à la
fois, ces toutes premières oeuvres imprimaient notre rétine
pour y laisser une trace rémanente, tel un songe
tenace ou une vision méditative.
Selon l’artiste, les objets lui servent avant tout à composer
le portrait en creux d’une réalité qui n’est jamais
directement figurée ou représentée, mais apparaît toujours
masquée par ce qui la symbolise. C’est dans ce jeu
d’allusions directes et de suggestions implicites, dans ce
système d’apparition et d’occultation que se nouent le
sens et les enjeux d’un travail qui aujourd’hui emprunte
de nouveaux chemins et ouvre de nouveaux horizons.
Catwoman, 2011 (détail)
Original Gasmask, framed
81 x 81 x 40 cm
Kata Legrady

Government 1911 multicolor
Original gun with applicated candies
58 x 68 x 7 cm
L’autre méthode caractéristique du travail de Kata Legrady consiste à
engendrer des courts-circuits artistiques entre des signes, symboles et
objets, les plus à même selon elle d’éclairer et de révéler nos antagonismes
et nos paradoxes. L’amer se cache sous le sucré, Thanatos se
drape dans les attributs d’Eros. D’improbables accouplements accouchent
d’objets mutants : une arme de poing couverte de friandises,
une autre gainée de billets de banque, un masque recouvert par un
autre masque. L’ornement modifie ici radicalement la perception que
nous avons de l’objet initial. Le «motif décoratif» devient élément
perturbateur ou révélateur.
D. Rosenberg
Pineapple multicolor, 2008
Original grenade with applicated candies
25 x 15 x 15 cm

Erwin Olaf
Plague Doctor, 2011
Chromogenic print
80 x 60 cm

The Siege and Relief of Leiden
Prix Vermeer 2011
Cette pièce historique monumentale, composée de plusieurs scènes, portraits et natures mortes, relate un
événement majeur de l’histoire des Pays-Bas : le siège de la ville de Leyde par l’armée de Philippe II d’Espagne,
et sa libération par les rebelles hollandais appelés « Mendiant des Mers », le 3 octobre 1574.
Il faut analyser cette œuvre au regard d’une tradition séculaire de peinture d’histoire décrivant le même
épisode. Cette œuvre photographique d’Erwin Olaf fut présentée pour la première fois au public dans le
Musée Lakenhal de Leyde, confrontée aux œuvres classiques des peintres hollandais.
Vermeer fut en quelque sorte le premier photographe, puisqu’il travaillait à la lentille, en camera obscura.
Erwin Olaf se réfère donc explicitement aux compositions et aux formules iconographiques de la peinture,
s’inscrivant non seulement dans l’histoire de son pays, mais dans l’histoire de l’art au sens large. Erwin Olaf,
en hommage à Vermeer, retourne par la photographie contemporaine à une représentation picturale flamande,
introduisant la notion de « photographie historique ».
Le Siege de Leyde est l’événement clé marquant l’indépendance du peuple hollandais face à l’impérialisme
espagnol du 16ème siècle. Sous les ordres du général Francisco de Valdés, les troupes espagnoles avaient
alors assiégé Leyde en mai 1574 pour soumettre la population, la peste et la famine réduisant le nombre
des habitants de 6000 à 3000.
Pour libérer la ville, les « Mendiants des Mers » brisèrent les barrages, inondant les terres pour accéder à la
ville assiégée et mettre les espagnols en déroute.
Still Life (Spanish Abundance
scarcity in Leiden), 2011
Chromogenic print
80 x 60 cm

Ira Waldron

Le chasseur. La victime. Dieu. Le public.
Comme dans la musique Gospel, le « sacré » , la culture « pop » et le « profane » s’entrecroisent
à jamais .
Lorsque le public mange sa victime, il voit que son Dieu est content.
La victime peut être une bête. Nestor sacrifie un bœuf , Poseïdon et le public sont apaisés, le
Prince Télémaque peut continuer son voyage.
La victime peut être un homme. Afin que les navires d’Agamemnon puissent partir, Iphigène
doit mourir.
Il peut y avoir substitution. Dès qu’on constate qu’Abraham est sincère, son Dieu permet
qu’un agneau soit sacrifié au lieu d’Isaac. Mais lorsqu’il s’agit de Dieu lui-même, c’est son propre
fils qui doit mourir et non l’agneau. Dans les deux cas, le sacrifice doit être réel, il doit y
avoir beaucoup de sang et le spectacle terrible !
L’Antiquité s’empare de nous fortement. Des millions de Chrétiens continuent régulièrement
à ingérer le pain et le vin.
Parmi nous avons-nous oublié les mythes de nos aïeux ? Le sacrifice rituel, qui nous lie en
mangeant avec nos dieux, aurait-il perdu sa puissance sacrale?
En aucun cas. Les toréadors dans leurs costumes étincelants mettent les taureaux à mort
devant des arènes en extase. Des gentlemen anglais habillés en vestes rouges traversent le joli
paysage à la poursuite de leurs renards.
Mais nous qui n’approuvons pas le massacre public d’animaux innocents, nous aussi devons
manger. Comment allons-nous apaiser nos dieux ? Rien de plus banal que d’ouvrir une boîte
de consommé de boeuf, mais nous n’assisterions jamais a une corrida. Nos bêtes ne doivent
pas être achevées en public. Il ne nous reste donc que le sacrifice humain.
« Bêtes de scène ». Pour nous mettre en contact avec nos dieux, nos idoles doivent être mises
à mort, et leurs sacrifices doivent être publics et réels. « This is it ! » Lorsque la voiture en
excès de vitesse de la Princesse s’approche du tunnel du pont de l’Alma, les paparazzi doivent
s’acharner sur son corps agonisant. « The show must go on ! ».
This is It !, 2010
Black or White, 2011
Sculptures avec faons empaillés
70 x 30 x 40 cm / 53 x 29 x 40 cm
Ira Waldron
Garçon au pain, 2011
Photoghraphie
135 x 85 cm