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PARIS - COTONOU - PARIS • GALERIE VALLOIS 35 & 41 • 2017 UNE ANNÉE SOUS LE SIGNE DU BÉNIN 

GALERIE VALLOIS 35 

35, RUE DE SEINE 75006 PARIS 

T : +33 (0)1 43 25 17 34 

VALLOIS35@VALLOIS.COM 

WWW.VALLOIS.COM 

PREMIÈRE ANNÉE NUMÉRO 7 

GALERIE VALLOIS 41 

41, RUE DE SEINE 75006 PARIS 

T : +33 (0)1 43 29 50 80 

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PARIS - COTONOU - PARIS

PARIS - COTONOU - PARIS • GALERIE VALLOIS • 2017 UNE ANNÉE SOUS LE SIGNE DU BÉNIN • 

Paris Cotonou Paris 

SOMMAIRE 

L'ÉDITO4 

LE BÉNIN ET LE MARCHÉ DE L’ART 5 

LES ÉCHOS DU CENTRE 6 

Résidences6 

Événements6 

Dons d'artistes8 

Des activités9 

PARIS-COTONOU-PARIS10 

Sixième vernissage10 

Au 35 rue de Seine 13 

Marius Dansou 14 

¬ ¬ Interview de Marius Dansou 15 

Roberto Diago 24 

Didier Viodé 34 

¬ ¬ Didier Viodé et Facebook 35 

Au 41 rue de Seine 44 

Jean-Baptiste Janisset 45 

¬ ¬ Interview de Jean-Baptiste Janisset 46 

Makef 56 

¬ ¬ Interview de Makef 57 

CRÉDITS & REMERCIEMENTS 68 

ON A BESOIN DE VOUS 69 

p. 3

Le Petit Journal 

des galeries Vallois 


L'ÉDITO 

LE BÉNIN ET LE MARCHÉ DE L’ART 

Depuis mars 2017, les Galeries Vallois des 35 et 41 rue 

de Seine inaugurent chaque mois une exposition dans 

le cadre de leur programmation annuelle « Paris-Cotonou-Paris 

». Déjà trente artistes exposés et huit encore 

attendus en novembre et décembre. Le point commun 

entre tous ces artistes, c’est qu’ils sont béninois ou, 

quand ils ne le sont pas, c’est qu’ils ont effectué un 

séjour au Centre Arts et Cultures de Lobozounkpa à 

Godomey (Bénin), ce lieu de résidence artistique, de 

création et d’échanges entre artistes béninois et étrangers, 

créé par Bob Vallois avec l’appui de ses amis du 

Collectif des Antiquaires de Saint-Germain-des-Prés, 

inauguré en 2015 et complété, la même année, par Le 

Petit Musée de la Récade. 

Le Centre n’est pas né par hasard au Bénin. Si l’attention 

du mécène Robert Vallois a été attirée par le Bénin c’est 

avant tout parce que la scène artistique contemporaine 

béninoise est d’une extraordinaire vitalité et diversité. 

Au cours de ces dernières années, des artistes africains 

ont atteint une reconnaissance mondiale et occupent à 

présent une place grandissante sur le marché de l’art. Le 

Bénin est aujourd’hui aux avant-postes de cette dynamique 

créative. Il bénéficie désormais d’une notoriété 

absolument justifiée et d’autant plus surprenante qu’il 

s’agit d’un des plus petits pays du continent africain. 

En ce mois d’octobre 2017, cinq artistes se partagent les 

cimaises et les différents espaces des deux galeries. Au 

41, deux artistes intrigants : un nouveau venu, Makef, 

béninois, qui, dessinant la nuit, avec une extrême 

minutie, sur les pages des vieux cahiers d’écoliers de 

ses enfants, nous entraine dans une rêverie poétique 

peuplée d’improbables personnages et d’étranges créatures, 

une rêverie qu’il nomme « Mes insomniaques 

et nuits d’errance ». Et puis, un jeune artiste français, 

Jean-Baptiste Janisset qui, dans une démarche également 

très originale, élabore un travail sur la mémoire, 

sur les traces de l’histoire, notamment coloniale « une 

manière (dit-il) d’évoquer l’histoire négrière et coloniale 

de la France, de Nantes, et de penser l’idée d’un 

retour/restitution des patrimoines et forces symboliques 

en Afrique ». Une démarche analogue, à sa 

façon, à celle qui a présidé à la création, dans l’enceinte 

du Centre, du Petit Musée de la Récade qui a bénéficié 

du don d’une cinquantaine d’importants objets appartenant 

au patrimoine culturel et historique du Bénin, 

acquis sur le marché occidental. 

Trois artistes partagent la galerie du 35 : peintre, photographe, 

vidéaste, auteur de bandes dessinées, Didier 

Viodé construit une œuvre marquée par une profonde 

empathie envers la souffrance d’autrui, notamment 

celle des réfugiés. Une œuvre où s’entrecroisent les 

questionnements politiques et existentiels. 

Marius Dansou est sculpteur et il est, à mon sens, une 

sorte de prestidigitateur. Son thème favori ce sont les 

coiffures féminines des Africaines, souples, légères et 

très élaborées. Pour les représenter et les sublimer, il 

utilise un des matériaux les plus rigides qui soient, le 

fer à béton. Et le miracle s’accomplit ! 

Roberto Diago vient de Cuba. Peintre, sculpteur, installateur, 

il a exposé dans plus de vingt pays à travers 

le monde et, aujourd’hui, il est, ainsi que le dit David 

Castener : l’un des artistes noirs américains les plus 

influents de notre temps, appartenant à une génération 

ouvertement engagée envers la négritude et l’antiracisme 

* . ■ 

André Jolly. Ancien attaché culturel et directeur de l’Institut Français de Cotonou. 

Vue du Petit Musée de la Récade en juillet 2017. 

* Extrait du texte de David Castener publié dans le catalogue de l’exposition de 

Roberto Diago à la Galerie Vallois en mai 2016. 

Je voudrais faire ici une remarque : les artistes béninois, 

dans leur grande majorité, vivent et travaillent au 

Bénin. À ce sujet, j’ai relevé dans le magazine Télérama 

du 15 mars 2017, sous la plume de Raoul Mbog, un 

article intitulé « L’avenir de l’art est en Afrique ». On 

pouvait y lire ceci : Inspirée par des pointures comme 

le camerounais Barthélémy Toguo ou le nigérian 

Yinka Shonibare, la nouvelle garde entend faire parler 

d’elle. Notamment à travers une esthétique volontiers 

provocatrice et politique, et des œuvres souvent en 

lien étroit avec l’actualité. Ces jeunes plasticiens font 

le pari de conquérir, eux aussi, le marché international 

de l’art tout en vivant et en créant dans leur pays 

[…], ils refusent de céder à la tentation de l’exil. Un 

constat auquel je souscris entièrement. Comme je partage 

les réflexions de Roxana Azimi (Le Monde Afrique, 

9 septembre 2015) : Une des principales richesses de 

l’Afrique : l’art. De Dakar à Kinshasa, de Cotonou au 

Cap, les artistes s’activent malgré l’absence de plateformes 

de production, le manque de moyens, de visibilité 

et de considération. 

Certes, les Galeries Vallois, depuis six ans, concourent à 

donner une visibilité large aux jeunes artistes béninois, 

aux 35 et 41 rue de Seine, mais aussi à travers d’autres 

institutions (Unesco et Musée Guggenheim de Bilbao 

en 2015, Centre d’art contemporain de Tanlay en 2016, 

Villa Arson à Nice cette année ainsi que le Musée africain 

de Lyon, la biennale de Lyon et la Casa de Àfrica 

à la Havane, Cuba) ou sur le marché de l’art (Art Paris 

Art Fair 2016 et 2017 au Grand Palais, AKAA 2016 et 

2017 au Carreau du Temple, Parcours des Mondes 2016 

et 2017 à Saint-Germain-des-Prés). Mais ces artistes 

doivent-ils pour autant s’en remettre à Bob Vallois 

pour « faire le job » ? J’ajouterais « leur job ». C’est 

à eux naturellement qu’il revient, en premier lieu, de 

conquérir le marché de l’art et, pour cela, d’être présents 

sur les nouvelles possibilités de communication 

qu’offre aujourd’hui Internet dans ce monde globalisé. 

S’il veut avoir une chance de s’y faire une place, l’artiste 

africain doit être connecté avec les réseaux artistiques 

du monde entier. 

Le numérique, la téléphonie cellulaire, Internet ont 

permis à l’Afrique, au cours des vingt dernières années, 

de dynamiser son développement et de faire un indéniable 

bond en avant. L’art est un liant social autant 

qu’un facteur de développement économique poursuit 

Roxana Azimi. De fait, les artistes sont à la fois la vitrine 

et le cœur de ce développement. C’est pourquoi leurs 

œuvres doivent être facilement accessibles sur Internet, 

à travers leur site personnel, les réseaux sociaux, des 

blogs et aussi (et surtout) des plateformes de production 

et de communication. Pour cela, les artistes doivent 

être solidaires, réunis en associations, en collectifs et, 

au moyen d’instruments informatiques performants, 

maintenir ensemble, donc en force, un contact permanent 

et actualisé avec les musées, les galeries, les revues 

d’art, les critiques d’art, les biennales, les foires d’art 

contemporain, les universités. 

En somme, comme le dit l’artiste ivoirien Paul Sika : 

Il ne faut pas juste produire de l’art, mais savoir l’offrir 

aux autres, le distribuer, l’envelopper. On doit être 

entrepreneurs. ■ 

André Jolly 

Prince Toffa lors de l'exposition "Stop Ma Pa Ta" à la Villa Arson à Nice. 

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LES ÉCHOS DU CENTRE 

RÉSIDENCES 

ÉVÉNEMENTS 

Formation Direction artistique : rôle et importance 

dans la carrière d’un artiste. 29, 30 & 31 

août. 

En collaboration avec Innov’artions. Fidèle Dossou – 

manager et président de l’association Premiers Pas – à 

formé les participants aux enjeux relatifs à la direction 

artistique. Ces temps de formation tentent d’apporter 

des solutions aux difficultés rencontrées par les différents 

acteurs du milieu artistique au Bénin. ■ 

Formation Régie générale. 6, 7, 8 & 9 septembre. 

En collaboration avec le festival Arts en couleurs (Premiers 

Pas). Cette formation, menée par Ozdok – régisseur 

professionnel togolais– visait à former les participants 

à la réalité et la complexité de ce métier. ■ 

¬ ¬ RÉSIDENCE #13 

Victor Boucon, Vanessa Rosa & Gérard Quenum ont 

rejoint Le Centre pour un mois de résidence de création. ■ 

Concert Gopal Das & Duo Yonnah. Samedi 5 août. 

Atelier jeune public : dessin. 8 & 9 septembre. 

En collaboration avec le festival Arts en couleurs (Premiers 

Pas). Animé par Djihouessi Laurencon, plus de 

quarante enfants ont participé à cet atelier. ■ 

Vanessa Rosa & Gérard Quenum au Centre. 

Vernissage de l’exposition Le Temps de Joël 

Pascal. Vendredi 1 er septembre. 

L’œuvre de Joël Pascal aborde inlassablement l’humain 

et sa relation au temps. Le Temps nous rappelle à notre 

condition, nous définit comme vivant. Entre paradoxes 

et ambigüités, l’artiste met en lumière la complexité qui 

lie l’être humain et le temps qui passe. Tant dans son 

processus de création que dans la dimension textuelle 

de son œuvre, Joël Pascal revient sur la confrontation 

des êtres et de leur passé, l’artiste laisse pressentir les 

tourments de l’Homme dans cette véritable course 

contre la montre qu’est la vie. L’œuvre de Joël Pascal 

nous télescope d’hier à aujourd’hui et nous invite à nous 

questionner sur notre manière d’envisager le futur. ■ 

La Nuit des Contes. Lundi 14 août. 

Dans le cadre de la célébration de la 8 e édition de la Journée 

du Patrimoine Immatériel, Le Centre et Mémoires 

d’Afrique ont collaboré afin de perpétuer la tradition de 

l’oralité. ■ 

Victor Boucon dans son atelier au Centre. 

Vanessa Rosa et Gérard Quenum, travail en cours au Centre. 

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p. 7




DONS D'ARTISTES 

¬ ¬ DON DE G. NEA 

Arrêtons est une installation composée d’une sculpture 

centrale surélevée, entourée de 33 masques. 

Cette œuvre est un écho aux multiples conflits armés qui 

persistent et éclatent chaque jour dans ce monde. Les 

2400 (appellation commune des machettes au Bénin) 

incarnent, par extension, toutes les armes utilisées qui 

perpétuent la destruction de vies humaines. 

Autour de cette sculpture centrale, les masques 

incarnent les êtres humains qui subissent ces violences : 

- Le blanc, incarne les êtres qui portent l’espoir et 

appellent à la paix. 

- Le rouge, représente ceux qui souffrent quotidiennement 

de la violence de ces guerres. 

- Les noirs symbolisent les victimes, ceux qui sont partis. 

- L’incolore, fait référence aux médias qui attisent ces 

conflits sans pour autant en révéler la complexité. 

L’artiste souhaite attirer l’opinion internationale sur 

ces évènements et leurs conséquences, tant sur le plan 

social, qu'économique et culturel. Arrêtons est un appel 

à la résilience face aux drames qui rythment nos quotidiens. 

■ 

¬ ¬ DON DE DJEKA 

Djeka revisite les classiques de la peinture occidentale, 

de l’antiquité à nos jours, en s’appropriant les nus de 

Raphaël, Ingres ou encore Matisse. Point de départ de 

ses créations, l’artiste y superpose une accumulation de 

fragments d’images, de matières, de textes et de dessins 

formant ainsi un palimpseste foisonnant. 

Les mêmes figures de femmes reviennent inlassablement, 

celles-ci sont des références directes aux statuaires 

Akan. Les Akans – dont est issue la Reine Abla 

Pokou (xviii e ) – ont pour caractéristique d’être un 

groupe ethnique dont les sociétés sont matrilinéaires, 

le femme revêt un rôle essentiel tant dans le domaine 

politique, économique que social. Dans cette dynamique, 

Djeka pose un regard quasiment divin sur la 

femme, sur celles qui donnent la vie, perpétuent les 

générations, transmettent le pouvoir et le savoir. 

Selon l’artiste, la globalisation tend à évincer les minorités 

et les traditions au profit d’une uniformisation des 

modes de fonctionnement et de pensée. Djeka invite 

à repenser la place des femmes dans nos sociétés, il 

affirme l’importance de déplacer le regard pour observer 

les différents systèmes qui ont fondé la complexité 

du continent africain. ■ 

DES ACTIVITÉS 

Les cours de salsa. 

Tous les samedis de 18h à 20h. ■ 

Ateliers de théâtre du Centre. 

Tous les samedis de 15h à 18h30. ■ 

Les heures de jeu, jeune public. 

Baby-foot, jeux de société et coloriage sont proposés aux 

enfants du Centre tous les samedis de 15h à 18h30. ■ 

Résidence #6 

Février 2016 

King Houndekpinkou, Jean-Baptiste Janisset 

Résidence #7 

Mai 2016 

Daphné Bitchatch, Franck Zanfanhouede, 

Aston 

Résidence #8 

Aout 2016 

Edwige Aplogan, Jérémy Guillon, Gratien Zossou 

Résidence #9 

Septembre 2016 

A-Sun Wu, Paloma Chang, Psycoffi 

Résidence #10 

Décembre 2016 

Marianna Capuano 


Janvier 2017 

Nazanin Pouyandeh, Meschac Gaba 

Hors programme 

Avril 2017 

Laurent Bruchet 


Mai 2017 

Ishola Akpo, Tété Azankpo, Julien Vignikin 


Juin 2017 

Sara de La Villejégu, Éric Bottero 


Juillet 2017 

Jean-Baptiste Djeka, Emile Gbede 


Septembre 2017 

Victor Boucon, Gérard Quenum, Vanessa Rosa 

Le club d’anglais pour les adhérents de la 

médiathèque 

Tous les mercredis de 15h à 17h. ■ 

LES RÉSIDENCES 

Résidence #1 

Novembre 2014 

Rafiy Okefolahan, Charly Djikou 

Résidence #2 

Février 2015 

Nathanaël Vodouhè, Rémy Samuz, Sébastien Boko 

Résidence #3 

Mai 2015 

Niko, Charly d’Almeida, Théodore Dakpogan 

Résidence #4 

Octobre 2015 

Christelle Yaovi, Bruce Clarke, Stéphane Pencréac’h 

Arrêtons, 2017. Installation (machettes, masques), 119 x 121 x 109 cm. 

Renaissance Femme I, 2017. Série Hommage aux anciennes générations. 

Acrylique, craie, pastel, sur toile, 100 x 53 cm. 

Résidence #5 

Décembre 2015 

Olga Luna, Vincent Brédif 

p. 8 p. 9




PARIS-COTONOU-PARIS 

La Galerie Vallois est très honorée d’avoir reçu la visite de l’Ambassadeur du Bénin en France, Monsieur Auguste Alavo, ainsi que de l’Ambassadeur délégué à l’Unesco, Monsieur 

Irénée Bienvenu Zevounou pour ses expositions de septembre. De gauche à droite : Monsieur Irénée Bienvenu Zevounou, l’artiste Edwige Aplogan, Monsieur Robert Vallois et 

Monsieur Auguste Alavo. 

Coco Fronsac lors du vernissage. 

¬ ¬ AU 41 

SIXIÈME VERNISSAGE 

Le 7 septembre, Paris-Cotonou-Paris inaugurait la rentrée 

avec la sixième édition de son programme 2017 

consacré à l'art contemporain africain, tout particulièrement 

du Bénin. 

Les deux expositions, hautes en couleurs, ont permis aux 

visiteurs d'admirer ; au 35 rue de Seine un ensemble foisonnant 

de masques Gélédé de Kifouli Dossou ainsi que 

les subtiles photographies retouchées de Coco Fronsac, 

puis au 41 rue de Seine les toiles et installations grandioses 

d'Edwige Aplogan associées aux étonnantes 

sculptures de Charly d'Almeida ■ 

Kifouli Dossou lors du vernissage. 

¬ ¬ AU 35 

Kifouli Dossou lors du vernissage. 

Installation d'Edwige Aplogan sur la façade du 41 rue de Seine. 

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De gauche à droite : Charly d'Almeida, Camille Bloc et Edwige Aplogan. 

du 5 au 28 octobre 2017 

Edwige Aplogan lors du vernissage. 

AU 35 RUE DE SEINE 

35 

Charly d'Almeida lors du vernissage. 

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MARIUS DANSOU 

INTERVIEW DE MARIUS 

DANSOU 

même avec le fer à béton sur les tresses et ça m’a encouragé 

à continuer. 

A J : Depuis quelques années, on assiste à une véritable 

reconnaissance internationale de l’art contemporain 

en Afrique, comment l’expliques-tu ? 

Au Bénin, et plus généralement en Afrique, la coiffure 

féminine a une fonction de langage social particulièrement 

élaboré. Selon la manière dont elle a structuré ses 

cheveux, la femme qui l’arbore indique ses intentions, 

son humeur. Des coiffures très codifiées au point de 

constituer un véritable « langage des coiffures ». L’une 

des plus explicites est nommée : « Si tu sors, je sors ». 

plusieurs expositions au Bénin, au Togo, au Sénégal, en 

Angleterre et en France. ■ 

André Jolly 

André Jolly : Comment est né ton intérêt pour les 

arts plastiques ? 

Marius Dansou : À la fin de mes études au lycée, je 

dessinais, je sculptais du bois de pirogue pour faire 

apparaître des visages. Puis j’ai intégré l’atelier de Dominique 

Zinkpè. A cette époque-là, il y a eu un moment 

important, ce fut le projet de Dominique, ‘’Boulv’Art 

– Les artistes dans la rue’’, un atelier à l’air libre, à la 

place de l’Étoile Rouge. J’ai participé, mais pas comme 

artiste, en fait je jouais le rôle de coursier. Quand il y 

avait besoin de quelque chose, c’est moi qui filais pour 

trouver et rapporter. Mais c’était la première fois que je 

voyais tant d’artistes travailler ensemble, des Béninois, 

des artistes étrangers. Il y avait une super ambiance et 

ça m’a vraiment motivé, donné l’envie de me lancer à 

mon tour. 

A J : Dans le bureau de Noël Vitin, à l’Institut Français, 

il y a y a un genre d’applique en métal sur le mur 

faite par toi. Elle date du moment où tu as commencé 

à travailler le fer ? 

M D : Comme je te l’ai dit, j’ai commencé avec des 

visages sculptés dans le bois de pirogue. Puis j’ai associé 

du métal, donc bois + métal, toujours pour représenter 

des visages. Puis, petit à petit, la matière métal 

s’est imposée à moi. Donc oui, ce travail dans le bureau 

de Noël, c’est à l’époque où j’ai commencé à travailler 

exclusivement sur le métal, avec le fer à béton. Lorsque 

je travaillais les masques en bois ou en fer, ma vision 

était en 2D. Depuis que les sculptures de têtes sont 

apparues, je modèle le fer en 3D. 

A J : En effet, ton travail a beaucoup évolué. Il est 

connu pour tes œuvres inspirées des coiffures féminines. 

Comment s’est produite cette évolution ? 

M D : C’est parce que nous avons beaucoup évolué. Au 

Bénin, par exemple, cette évolution est née, selon moi, 

avec des initiatives comme Boulv’Art en particulier. Les 

artistes se sont remis en question, ont été confrontés 

à d’autres artistes, à d’autres expériences. Si on prend 

par exemple Gérard Quenum, il avait fait une première 

installation. Depuis, il en fait d’autres, s’est lancé dans 

la peinture. Boulv’art, ça nous a beaucoup motivé. On a 

travaillé. Si l’Afrique est bien reconnue aujourd’hui, ça 

vient donc des artistes eux-mêmes. 

A J : A côté de ton travail d’artiste, tu as une autre 

activité qu’on peut résumer par le mot « Parking ». 

M D : Avec mes amis, on a remarqué qu’à Cotonou, il 

n’y a pas vraiment de lieu de rencontre pour les artistes, 

des endroits où ils puissent se retrouver pour discuter, 

échanger. D’où l’idée du « Parking », un bar qu’on a créé 

avec Benjamin Déguénon. Pas une simple buvette. On 

y accrochait des œuvres de plasticiens, il y avait aussi 

des musiciens, des chanteurs qui venaient s’y produire. 

Récemment, on a dû changer de place. Maintenant, 

c’est toujours le « Parking », mais on est dans un local 

plus grand qui comporte une salle d’exposition. C’est 

très récent, pour commencer, on a accroché des œuvres 

de nous-mêmes et de quelques amis. Mais je prévois, 

à la rentrée, de faire une première exposition avec un 

photographe. Et bien sûr de continuer avec l’ambiance 

musicale. ■ 

C’est en parcourant les albums photos de sa mère que 

Marius Dansou fut frappé par la dimension artistique 

et la grande variété des coiffures que celle-ci y arborait. 

Il y puise alors son principal sujet pour ses créations. Et 

c’est avec un matériau particulièrement viril, difficile à 

travailler, le fer à béton, utilisé d’ordinaire sur les chantiers 

de construction, qu’il édifie des sculptures inspirées 

des coiffures traditionnelles béninoises. 

Pour Marius, le fer n’est pas un fil à retordre. Il en fait 

un crayon, celui qui dessine, qui trace et qui relie. 

D’un côté, la tradition : ce langage des coiffures et le 

travail ancestral du fer, dans la continuité des forgerons 

royaux de l’ancien royaume du Dahomey et, de l’autre, 

la modernité et l’apparente légèreté de sculptures où le 

vide et le plein se répondent pour atteindre un esthétisme 

d’une grande délicatesse. 

Au-delà de ressusciter des coiffes du patrimoine, l’artiste, 

pris dans le tournis des formes, s’est mis à sculpter 

des coiffures au gré de son inspiration. Et par un 

retournement dont l’art a le secret, certaines sculptures 

se sont échappées de l’atelier et des salles d’exposition 

pour se percher sur les têtes de jeunes filles. 

C’est ‘’la nature qui imite l’art’’ soutenait Oscar Wilde.’’ 

(Saidou Alceny Barry , dans Bois Sacré, 2014) 

Ses travaux récents ont valu à Marius de participer à 

Coiffe béninoise, © Sophie Négrier. 

M D : En fait, l’idée m’est venue en voyant une photo 

de ma mère quand elle était jeune fille. Elle devait avoir 

dans les 25 ans. C’était l’époque des coiffures afro, mais 

là, c’était une coiffure très élaborée, très belle. Je me 

suis posé la question, le défi d’arriver à représenter ces 

tresses avec mon fer à béton. 

A J : Comment résous-tu l’apparente contradiction 

qu’il y a entre la rigidité du fer à béton et la souplesse, 

la flexibilité des tresses ? 

M D : J’ai beaucoup travaillé pour arriver à manipuler 

le fer à béton, à le dominer et à me l’approprier et à partir 

de là, à représenter toute la diversité et la souplesse 

des tresses africaines. 

A J : Est-ce qu’il y a des artistes qui t’ont influencé, aidé ? 

M D : Oui, il y a Dominique Zinkpè. J’ai intégré son 

atelier très tôt et comme je te l’ai dit, participé d’une 

certaine façon à Boulv’Art. Mais je ne suis pas, à vrai 

dire, influencé par son travail. C’est plutôt le personnage 

qui m’a impressionné, son énergie, sa façon de 

travailler, de penser, d’encourager les autres. J’ai aussi 

été impressionné par les photos de tresses du nigérian 

Okhai Ojeikere, son catalogue « Hairstyles », en noir 

et blanc, est étonnant et montre ces coiffures très élaborées 

crées par les Nigérianes. Mais j’ai découvert ces 

photos quand j’avais déjà commencé à travailler moi- 

p. 14 

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Sans titre, 2017. Fer à béton et aluminium. 

Sans titre, 2017. Fer à béton et aluminium, 125 x 60 x 65 cm. 

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Sans titre, 2016. Fer à béton et bois, 110 x 47 x 49 cm. 


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Je suis ?, 2017. Fer à béton et aluminium, 106 x 72 x 78 cm. 

Agbafa, 2017. Fer à béton et aluminium, 135 x 60 x 50 cm. 

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p. 22 p. 23




ROBERTO DIAGO 

Petit à petit, pendant les années 2000, les phrases lapidaires 

disparaissent. Diago devient moins ironique, plus 

profond. Il attache plus d’importance aux traits, aux 

couleurs, aux figures. Il épure ses compositions pour 

faire vibrer chacun de leurs éléments de tout leur sens. 

A côté des visages apparaissent des éléments centraux 

de l’environnement cubain. La mer, réservoir de ressources 

naturelles, frontière naturelle de l’île, demeure 

de cette divinité d’origine yoruba vénérée dans la santería 

cubaine qu’est Yemayá, voie privilégiée de communication 

associée aussi inévitablement au souvenir 

de la déportation des esclaves et à leur déracinement. 

La terre rouge et fertile de Cuba, source de richesse et 

de malheurs, raison ultime pour laquelle les esclaves 

furent amenés dans l’île, lieu où reposent néanmoins 

les ancêtres et auquel tous les cubains, Noirs, Blancs ou 

Mulâtres, sont résolument attachés. Le ciel bleu et clair 

des Caraïbes, ou son signe graphique « El cielo » surplombant 

beaucoup de ses compositions comme une 

promesse de vie meilleure. Et entre la mer, la terre et 

le ciel, une échelle dressée simplement qui fait communiquer 

ces trois éléments dans l’immanence joyeuse de 

la marelle. 

Sobre mis pasos 

Ma Négritude n'est ni une tour, ni une cathédrale, 

elle plonge dans la chair rouge du sol, 

elle plonge dans la chair ardente du ciel… 

Frantz Fanon, Peau noire masques blancs. 

Roberto Diago Durruthy (La Havane, 1971) n’est pas 

seulement une figure incontournable de l’art cubain. Il 

est également l’un des artistes noirs américains les plus 

influents de notre temps. Depuis plus de deux décennies, 

cet artiste d’une élégance exceptionnelle conçoit 

les nouvelles images de l’identité noire cubaine. Digne 

héritier de Wifredo Lam, Roberto Diago Querol (son 

grand-père) ou Manuel Mendive – maîtres cubains 

devenus célèbres pour avoir exploré le folklore et les 

religions afro-cubaines – Roberto Diago propose pourtant 

tout autre chose. Appartenant à une génération 

plus ouvertement engagée envers la négritude et l’antiracisme, 

il refuse d’oblitérer ces questions derrière 

la célébration angélique et surannée de la richesse 

culturelle du syncrétisme caribéen. Son œuvre se 

nourrit plutôt de l’expérience concrète des femmes et 

des hommes afro-descendants de l’île : la mémoire de 

l’esclavage, la discrimination raciale et les stéréotypes 

qu’ils endurent, la pauvreté extrême de certains, leur 

habitat et leur gagne-pain, leurs rêves et leurs joies. 

Le visage, la blessure et la cicatrice sont des signes omniprésents 

dans l’œuvre de Diago. Symboles de l’identité, 

du déracinement et de la souffrance, ils portent aussi en 

eux la promesse de la régénération et Diago les décline 

sous des formes aussi bien textuelles que figuratives et 

concrètes…/… 

Issu de la prestigieuse Academia San Alejandro en 1994, 

Diago vit ses débuts en tant qu’artiste dans un contexte 

économique et culturel complexe marqué par le début 

de la Période Spéciale, la redéfinition du régime socialiste, 

les émigrations massives et l’ouverture de Cuba au 

tourisme de masse. Parmi les débats suscités au cours 

de cette décennie, Diago est particulièrement sensible 

à la nouvelle question raciale…/… Il devient l’un des 

chefs de file du renouveau de la thématique noire dans 

la peinture cubaine et participe en 1997 à la célèbre 

exposition collective Queloides …/… 

Les années 1990 sont aussi décisives dans l’œuvre de 

Diago car les pénuries en fournitures artistiques l’obligent 

à se tourner vers des matériaux de récupération. Faisant 

de nécessité vertu, se penchant sur l’Arte povera par 

besoin plus que par choix esthétique, il apprend à créer 

en agençant les sacs de jute, les bois des palettes, les 

plaques déroulées des bidons d’essence, les tôles métalliques 

et les plastiques…/… A tel point que dans certaines 

compositions il se consacre uniquement à faire naître 

de la matière toutes les ressources plastiques et symboliques 

qu’elle contient sans recourir à la figuration. Il 

compose des supports à partir de morceaux de toile qu’il 

superpose et qu’il colle. Le maillage des petits rectangles 

de toile arrangés en cellules devient alors un symbole des 

tissus épidermiques. Il mélange la toile blanche à la toile 

de jute qu’il obtient à partir de sacs de café et de sucre 

- les deux denrées de l’ère esclavagiste de Cuba – et à 

travers ces compositions oxymoriques, mélange de raffiné 

et de vulgaire, de rugueux et de lisse, de brun et d’argenté, 

il obtient des tableaux formés, comme son pays, 

de toutes les nuances de blanc et de noir. D’autres compositions 

monochromes noires ou blanches ressemblent 

à des close up sur des peaux humaines. C’est alors que 

réapparaissent dans l’œuvre de Diago les chéloïdes, ces 

cicatrices boursoufflées qu’on a longtemps cru propres 

aux peaux noires. La chéloïde devient chez lui le symbole 

de l’identité noire, entendue comme blessure et cicatrisation 

expansive, créatrice…/… 

Roberto Diago invente sa propre grammaire qu’il n’hésite 

pas à conjuguer avec les genres classiques de la 

peinture. La nature morte devient, chez lui, l’image 

d’un pot de fleurs qui se répète ; soumis, comme un 

standard de jazz, à des variations incessantes. Ce 

motif évoque d’abord les offrandes florales que l’on 

fait aux orichas de la Santería ou les ngangas que les 

pratiquants d’une autre religion afro-cubaine, le Palo 

Monte, confectionnent pour contenir l’énergie de leurs 

divinités. Puis le vase se change progressivement en 

chaudron – peut-être un de ceux qu’on utilisait dans 

les centrales sucrières pour raffiner le jus de canne à 

sucre – et c’est de ce chaudron qu’émanent des fleurs 

aux tiges droites et aux pétales arrondis tels des bouts 

de pinceaux ; comme si de l’esclavage germait la possibilité 

de talents futurs. 

Le portrait dans l’œuvre de Diago est l’évocation d’un 

visage saisissable uniquement par ses contours. Aucun 

trait distinctif ne permet de reconnaître les héros des 

œuvres de Diago. L’identité du personnage y est effacée, 

rappelant peut-être la déculturation et la déshumanisation 

subies par les africains lorsqu’ils furent 

intégrés au système de la plantation. En outre, les personnages 

de Diago n’ont presque jamais de bouche et 

plongent ses compositions dans ce silence douloureux 

qu’est celui des vaincus, car les subalternes ne peuvent 

pas parler. Diago rend ainsi également impossibles les 

sourires blancs-banania que l’imagerie coloniale avait 

associés à l’innocence et à la candeur de ces supposés 

grands enfants. D’autres fois la tête est divisée en deux, 

fêlée par une blessure en tissu effiloché, ou alors par 

une tresse réparant cette blessure dans un répertoire 

infini d’identités brisées, d’identités recomposées et 

d’identités multiples. 

Roberto Diago maîtrise mieux que jamais la puissance 

expressive de son langage, comme en témoignent les 

compositions qu’il présente ici : des œuvres épurées, 

équilibrées, denses, d’autant plus légères d’apparence 

qu’elles sont chargées de significations. Sur mes traces 

est une invitation à le suivre sur le chemin qu’il se fraie 

à travers l’histoire de ses ancêtres et le présent de ses 

semblables, résolu à prendre la parole au nom de tous 

ceux qui ne la prendront pas. Son message acquiert 

une résonance universelle car à partir de la question de 

l’identité noire américaine, il aborde des sujets qui nous 

concernent tous désormais. ■ 

(Extraits du texte de David Castener publié dans le catalogue de l’exposition de 

Roberto Diago à la Galerie Vallois en mai 2016) 

p. 24 

p. 25




De la série El Alma de las Cosas, 2015. Métal assemblé, 50 x 50 x 7 cm. 

p. 26 p. 27






p. 28 p. 29




Sans titre, 2008. Métal assemblé, 70 x 70 cm. 

Sans titre, 2008. Métal assemblé, 70 x 70 cm. 

p. 30 p. 31




Sans titre, 2015. Technique mixte sur carton, 32 x 24 cm. 

Sans titre, 2015. Technique mixte sur carton, 32 x 24 cm. 

p. 32 p. 33




DIDIER VIODÉ 

Puis, avec les conflits du Moyen Orient et le déferlement 

des réfugiés syriens ainsi que l’augmentation de 

la vague migratoire en provenance d’Afrique, vient la 

série Les Exilés : 

« J'entrevois dans cette série le surgissement des 

figures de l'exil qui se succèdent jusqu'à l'immigré et 

l'émigré d'aujourd'hui pourchassés d'entre les frontières 

du monde actuel. De Ceuta a Melilia, dans les 

gorges du Lac Tanganyika, dans la fournaise du Sahara, 

sur les chemins ardus de l'existence, ces nomades d'un 

monde cruel, dans la gueule de la Méditerranée, dans 

ces eaux cruelles de nos Océans...L'infortune partout, 

la détresse comme ombre et leur souffrance en bandoulière 

sur les routes de l'espoir, dans ces deltas avec leurs 

peines et désespérances. Seule leur force depuis les 

temps immémoriaux. Seuls dans l'obscurité du devenir 

pour ne jamais revenir. J'entrevois dans ces ombres, la 

détermination vivace de ceux et celles qui démontrent 

encore, si besoin en était, que le nomadisme est le premier 

temps de l'Histoire des hommes qui écrivent avec 

leurs sueurs les attentes nouvelles sur les vagues de la 

haine et de la xénophobie terrifiantes, renouvelant ainsi 

les sillons et les contours de mondes nouveaux. Exilées 

sont nos ombres ténébreuses mais jamais nos aspirations 

lumineuses... » 

(Texte spontané de Cheikh Tidiane Diop). 

Depuis 2001, les toiles de Didier Viodé ont fait l’objet 

de 15 expositions individuelles et ont été présentes dans 

autant de collectives. Plusieurs de ses bandes dessinées 

ont été publiées et ses vidéos ont participé à divers évènements 

du genre. ■ 

C. T. D. : Mais « l’attente » est la sempiternelle problématique 

pour les Africains pour qui ce sont les autres 

qui viendront développer le continent. C’est une posture 

de résignation de la part des dirigeants politiques fainéants 

tenus dans l’incapacité de faire l’Histoire de nos 

pays par absence de vision doublée d’une non prise de 

conscience de nos ressources véritables. Ainsi souffrent 

les acteurs véritables du développement comme c’est le 

cas de la communauté des ARTISTES qui ne jouissent 

d’aucun cadre ni d’aucun relai pour faire éclore leur 

génie et contribuer au développement économique de 

nos pays. Il suffit de considérer le manque à gagner en 

tant que vecteur d’emplois et de richesses produites 

pour se rendre compte de l’absence de bon sens dans 

nos visions du développement et c’est la culture, sous 

nos cieux, qui en pâtit le plus. ■ 

31 mars – Échange entre Didier Viodé et Cheikh Tidiane Diop, Sociologue et 

écrivain, Secrétaire Général du Ministère Sénégalais de l’Économie. 

André Jolly 

DIDIER VIODÉ ET 

FACEBOOK 

Né en Côte d’Ivoire de parents béninois, Didier Viodé a 

obtenu son baccalauréat à Cotonou avant d’être admis 

à l’école des beaux-arts d’Abidjan l'INSAAC (Institut 

National Supérieur de l’Art et de l’Action Culturelle). 

En 2002, la Côte d’Ivoire traversant une instabilité 

politique, il émigre en France et poursuit sa formation 

à l'école des Beaux-arts de Besançon où il obtient son 

DNSEP en art en 2007. 

À Besançon il va se détacher de ses connaissances académiques 

et être plus libre dans ses recherches. Dans 

ses créations, il s'inspire de la rue, des médias, de ses 

rapports humains, et de son expérience personnelle de 

l'immigration. 

A côté de la peinture et de la bande dessinée, point 

de départ de ses créations picturales, il expérimente 

d’autres médiums : collage, photographie et vidéo. 

Didier Viodé a toujours été attiré par l’univers de la 

bande dessinée. Autodidacte dans ce domaine, il dessine 

pour raconter sa vision du monde. « Etranger sans 

rendez-vous », une bande dessinée réalisée suite aux 

émeutes de 2004 en Côte d’Ivoire nous plonge dans un 

dialogue sans jugement entre Kouassi l’exilé ivoirien et 

une jeune Française. 

Parallèlement, il coud un grand drapeau symbolique 

aux couleurs de la France et de la Côte d’Ivoire pour 

s’insurger contre la persistance de la « Françafrique ». 

En 2007, au cœur des débats sur l’immigration, il 

entame une série de peintures intitulées « Les Marcheurs 

». Ses personnages viennent de la rue, parlent 

de l’Afrique, d’ailleurs, de la France, des liens et des 

ruptures, dans une langue qui résonne contre le béton 

brut et rebondit dans un élan acrobatique propre à la 

jeunesse. Les toiles ne sont pas tendues sur des châssis, 

elles sont libres et composées de silhouettes humaines 

qui avancent dans le même sens au péril de leur vie. 

En 2008, il filme l’investiture de Barack Obama en 

direct sur sa télé avec une vieille caméra pour témoigner 

de ce qui paraissait impensable dans un pays où 

on n’imaginait pas un noir au pouvoir de sitôt. 

La présence de l’armée française au Mali depuis 2013 

dans la lutte contre le terrorisme l’amène à poursuivre 

son travail autour du drapeau : « Diptyque Flags, USA/ 

Iraq », « triptyque Flags, le MESSIE ». Il s’interroge 

sur le néocolonialisme et l’impérialisme. 

Au cours de la même année, s’intéressant à l’espace 

urbain, au mouvement et à la vitesse, il s’initie aux 

techniques du timelapse et réalise ses premières vidéos 

expérimentales City in motion et Vesontio. Puis il réalisera 

d’autres vidéos hyperlapses sur Paris et Marseille. 

En 2015, après les attentats de Charlie Hebdo, il décide 

de photographier des passants anonymes dans les rues 

afin de braver les amalgames et les peurs. 

Didier Viodé : Ce printemps, on fait l’éloge de l’art 

contemporain africain dans les presses parisiennes 

comme si on venait de découvrir à nouveau l’Afrique. 

Sérieux ! On ne foutait rien avant ? On roupillait tranquillement 

sous nos cocotiers pendant que les autres 

nations étaient réveillées ? En 1989, lorsqu’il y a eu l’exposition 

‘’Les magiciens de la terre’’, on parlait déjà de 

la nouvelle vague africaine. Ce fut pareil avec ‘’Africa 

Remix’’ en 2005. On ne devrait pas attendre les évènements 

nés de la volonté des dénicheurs et critiques 

européens pour qu’on nous montre comme des curiosités 

dans des lieux culturels prestigieux. L’Afrique est un 

Musée à ciel ouvert. De Dantokpa a Adjamé, de Lagos 

à Conakry pullulent des installations, des couleurs, des 

formes… L’esthétique est dans nos coeurs. Nos mécaniciens, 

soudeurs, maçons, menuisiers sont de véritables 

sculpteurs. On recycle tout avec peu… On vit avec l’art 

au quotidien. L’histoire de l’art africain, et des peuples 

oubliés, devrait être enseignée dans toutes les écoles 

d’art afin que les générations futures comprennent que 

nous sommes tous hantés par les mêmes questionnements. 

Il n’y a que la façon de procéder qui diffère d’un 

individu à l’autre. La ghettoïsation de l’art emprisonne 

l’art… Joseph Beuys disait « L’art, c’est la vie »… Vivons 

ensemble avec nos richesses culturelles sans spolier 

l’autre. Je ne voudrais offenser personne dans mes propos. 

Vive l’art sans frontières !!! 

Cheikh Tidiane Diop : Didier, il en est de l’art africain 

comme de l’état de tous les autres secteurs d’activité en 

Afrique traités sans réelle importance. Il s’ensuit un 

marasme délirant lié à l’absence de prise de conscience 

de la valeur réelle de nos potentialités économiques. En 

Afrique, hélas, c’est le problème que nous rencontrons, 

c’est-à-dire que rien n’a de valeur qu’une fois sorti du 

continent. Les occidentaux continuent à tirer les ficelles 

de cette créativité foisonnante sans que les artistes africains 

n’en soient considérés pour autant. 

D. V. : « Rien n’a de valeur qu’une fois sorti du continent 

» … Vraiment… Si seulement on pouvait se rendre 

compte de notre richesse. On ATTEND, comme tu l’as 

si bien décrit dans ton ouvrage « L’Afrique en attente ». 

On attend quoi même ? Merci pour ton regard. 

p. 34 

p. 35




Les danseurs du crépuscule, 2017. Encre et aquarelle sur papier, 60 x 42 cm. Les danseurs du crépuscule, 2017. Encre et aquarelle sur papier, 60 x 42 cm. 

p. 36 p. 37




Les Exilés, 2017. Acrylique sur toile libre, 80 x 100 cm. 

Les danseurs du crépuscule, 2017. Encre et aquarelle sur papier, 60 x 42 cm. 

Les Exilés, 2017. Acrylique sur toile libre, 80 x 100 cm. 

p. 38 

p. 39




Les Migrants, 2016. Encre sur papier, 50 x 65 cm. 

Les Migrants, 2016. Encre sur papier, 65 x 50 cm. 

Paysage de désolation, 2016. Encre sur papier, 50 x 70 cm. 

p. 40 

p. 41





Diptyque drapeaux USA/IRAQ, 2015. Acrylique sur toile, 100 x 100 cm. 


Le Vaillant, 2017. Encre et pastel sur papier, 42 x 30 cm. 

Le Vaillant, 2017. Encre et pastel sur papier, 42 x 30 cm. 

p. 42 

p. 43




JEAN-BAPTISTE JANISSET 

final l’éloigne toutefois de la sculpture aboutie. 

AU 41 RUE DE SEINE 

du 5 au 28 octobre 2017 

41 

Jean-Baptiste Janisset développe un travail en lien 

direct avec l’héritage colonialiste, tout autant en France 

qu’en Afrique, dans des pays comme le Cameroun, le 

Sénégal ou plus récemment le Bénin, ancienne colonie 

française du Dahomey. Sa pratique artistique est axée 

sur les traditions et croyances de ces peuples qui ont 

participé à l’Histoire de France …/.... Loin des visions 

folkloriques, il pose la question de l’altérité qui, souvent 

biaisée, est encore source de conflits. C’est nourri des 

écrits de l’ethnopsychiatre Tobie Nathan qu’il appréhende 

les coutumes de ces pays dans lesquels il procède 

à des prises d’empreintes de la statuaire. 

Après avoir étudié à l’École des Beaux-Arts de Dijon et 

s’être rendu une première fois au Sénégal puis au Bénin, 

il y retourne en compagnie de la théoricienne Emmanuelle 

Chérel spécialiste des questions post- coloniales. 

Un séjour décisif qui l’incite, alors qu’il a intégré les 

Beaux-Arts de Nantes, première ville de France à s’être 

enrichie avec le commerce triangulaire, à partir à la 

recherche d’indices sur cette période coloniale et esclavagiste 

qui subsistent encore aujourd’hui dans le paysage 

urbain, mais que plus personne ne remarque. 

Jean-Baptiste Janisset commence alors, sans aucune 

autorisation, à procéder à des prélèvements d’empreintes 

de sculptures ou d’éléments architecturaux de 

bâtiments historiques. Si son travail relève véritablement 

d’un geste de plasticien par la prise d’empreintes, 

la source de ses travaux est également liée à la représentation. 

Formé à l’École de la photographie Magenta 

à Lyon avant d’intégrer les Beaux-Arts, il développe un 

travail de sculpture qui a ce même rapport au positif et 

au négatif que la photographie. 

À Nantes, il moule La Femme de la rue Kervegan, en 

appliquant de la terre sur un mascaron représentant le 

visage d’une Africaine. Une technique spontanée, au 

procédé rapide, qui ne détériore pas l’élément d’origine 

et qui lui permet d’obtenir un négatif lui servant 

ensuite de matrice pour couler du plâtre. Le résultat 

La réaction plastique des éléments a plus d’importance 

qu’une éventuelle exactitude dans la retranscription de 

la forme initiale. Ce qui lui importe est de révéler l’essence 

de l’empreinte qu’il moule. Le tirage dépend de ce 

que les éléments eux-mêmes veulent en donner. Cette 

sensibilité aux signes qui nous environnent est née de 

sa rencontre avec Gabin Djimassé, chercheur et historien, 

intervenant pour l’exposition Vaudou à la Fondation 

Cartier. Par le geste de prélèvement d’empreintes, 

Jean-Baptiste Janisset dévoile, active ou réactive des 

signes perdus ou oubliés dans l’espace public. Ainsi, au 

Centre Arts et Cultures de Cotonou, il présente Terre de 

Mémoire (2016) une exposition regroupant des moulages 

en bronze de visages ou de symboles phalliques 

disposés sur des reproductions de photographies de 

sculptures qui ont reçu l’empreinte imprimée à l’échelle 

un. * 

Après s’être approprié le chantier de rénovation du 

Musée des Beaux- Arts de Nantes pour le transformer 

en atelier et espace d’exposition où il y présente, entre 

autres, Exuvie du musée, une installation composée 

de l’empreinte du blason de la Guilde des Armateurs, 

Jean-Baptiste Janisset explore Marseille, une des principales 

villes de France liée à la question coloniale. 

Une cité portuaire dans laquelle se dressent encore, 

et notamment aux abords de la gare Saint-Charles, de 

nombreuses sculptures suggestives. Il y prélève l’empreinte 

du visage d’une statue, allégorie de la femme 

africaine. Une figure à la fois de fécondité, d’un érotisme 

exotique et lascif et de toute la richesse du continent 

africain, qu’il présente sous un caisson en plexiglas 

récupéré sur le lieu même d’exposition (Désirons nous 

éveiller !, 2016, « OFF PAC ») cette même empreinte 

est à l'origine de l’œuvre Reine rose bleu présentée ce 

mois-ci à la galerie - voir pages 52-53. 

Travailler avec des éléments trouvés comme le cuivre 

dans les réserves du Musée des Beaux-Arts de Nantes, 

ou même parfois dérobés comme le renfort appartenant 

à l’ancien pédiluve de la gendarmerie de Nantes 

et dont il utilise le moulage au Sénégal, participe à cette 

alchimie constitutive de la pièce finale. Le moment de 

la découverte, la force animiste présente dans les objets 

ou les matériaux, la manière dont ils ont été récoltés, 

concourent à la dimension spirituelle de l’œuvre et à la 

connecter à des énergies immanentes. ■ 

Extraits de l’article du Point Contemporain #5 - juin / juillet / août 2017. 

Valérie Toubas et Daniel Guionnet. 

* Plus d'informations dans l'interview p. 46-47 et vues de l'exposition p. 54-55. 

p. 44 p. 45




INTERVIEW DE JEAN-BAPTISTE 

JANISSET 

Camille Bloc : L’Afrique est véritablement au cœur 

de ton travail d’artiste, d’où te vient cette passion pour 

le continent ? 

Jean-Baptiste Janisset : Je suis allé par curiosité 

dans un premier temps au Sénégal, à la rencontre 

d’un marabout. J’ai su de suite que j’allais y retourner. 

Actuellement j’y suis allé à huit reprises : Bénin, Gabon, 

Cameroun, Algérie, etc… J’aime quand je vais dans un 

pays parler de son histoire personnelle, généralement 

en lien avec celle de la France. Nous sommes dans un 

monde de plus en plus cosmopolite, où les religions, 

les cultures cohabitent et sont en mutation. J’essaie de 

comprendre le « vivre en harmonie », en me mettant 

dans des situations d’intense curiosité. 

C.B. : A quand remonte ce travail à partir de prises 

d’empreintes ? Peux-tu nous expliquer comment tu as 

élaboré ta démarche artistique ? 

J.-B. J. : Le travail d’empreinte m’est venu d’un projet 

au Sénégal en 2015. Mon projet s’est concentré sur 

la figure du lion, un symbole particulièrement fort au 

Sénégal qui participe d’un monde énigmatique, proche 

de l’irrationnel mais également lié à la nation sénégalaise, 

à ses imaginaires politiques et sociaux. Il était, 

avant la présence française dans cette partie du monde, 

l’animal symbolique du pouvoir. Avec l’Indépendance, 

il devint l’animal officiel de l’État sénégalais. 

J’ai emmené à Dakar le moulage d’un renfort de lion 

appartenant à l’ancien pédiluve de la gendarmerie de 

Nantes (place Aristide Bertrand, bâti au milieu du xix e 

siècle). Emporter le moule de cette figure de lion était 

une manière d’évoquer l’histoire négrière et coloniale 

de la France, de Nantes, et de penser l’idée d’un retour/ 

restitution des patrimoines et forces symboliques en 

Afrique. 

Ensuite, après avoir pris connaissance des cérémonies 

Simb, j’ai décidé d’en organiser une, le vendredi 13 

février, pour l’inauguration de l’aménagement des 13 

Lions en plâtre dans le jardin créé par le Falblab. Une 

vidéo de la cérémonie a été réalisée. 

Cette expérience repose avant tout sur des rapports 

humains et symboliques, autour de la figure du lion et 

l’organisation de la cérémonie. Elle m’amène à penser 

que l’activation d’événements enracinés dans la 

culture fertilise les mémoires collectives pour s’enraciner 

dans le présent. Un phénomène que l’on pourrait 

qualifier de régénération du patrimoine identitaire élevant 

les strates intimes voire les pensées spirituelles et 

religieuses des individus. Ou conduisant à un niveau 

de conscience spécifique, décrit par Henri Bergson «à 

savoir que la vie, ou la conscience, est un courant s’insérant 

dans la matière - le point de cette insertion étant 

«organisation», et visant à y introduire de la liberté.» 

(in La Conscience et la vie) 

C.B. : Fragments de matière endommagés, explosés 

à terre, espaces d’exposition vides et froids… La violence 

et la destruction sont au cœur de ton esthétique, 

pourquoi ? Qu’est-ce que tu espères provoquer chez le 

spectateur ? 

J.-B. J. : Cela peut paraitre violent, mais j’essaie de 

faire vibrer de manière fantomatique les spectres du 

passé. J’aime l’idée de perturber les sens du spectateur. 

Pour Gell, les objets d’art nous font imaginer les intentionnalités 

très variées qui sont liées à leur production 

; nous nous les représentons comme possédant 

eux-mêmes une intentionnalité propre. Cette théorie 

de l’art est fondée sur les récents développements de la 

psychologie cognitive concernant la capacité des êtres 

humains de se comprendre. 

C.B. : Tu es parti en résidence au Centre Arts et Cultures 

de Lobozounkpa l’année dernière et tu y as monté l’exposition 

« Terre de Mémoire », peux-tu nous en dire 

plus sur cette réalisation ? 

J.-B. J. : Dans des bribes de monuments, de sculptures, 

l’histoire peut se révéler, des souvenirs apparaître. Au 

Bénin, je commence par isoler un fragment de statue 

qui me semble signifiant. J’y applique un pain d’argile 

sur lequel se dessine un négatif imparfait, où je fais couler 

un moule de cire d’abeille. C’est la fonderie royale 

d’Abomey qui transforme le moulage en sculpture de 

bronze. A travers ces différentes étapes le négatif est 

modifié, déformé, il jouit d’une individualité propre. 

Semblable et distante de la sculpture dont il est extrait. 

L’œuvre porte en elle le contexte de sa production et de 

sa circulation. Elle n’est pas le résultat d’une appropriation 

culturelle mais d’un échange, très important à mes 

yeux. C’est pourquoi je travaille avec des personnes sur 

place tels que Désiré Kpassenom, frère du roi de l’actuel 

Royaume de Ouidah. 

Pour chaque prélèvement, un prêtre du Fâ intervient 

pour demander l’autorisation et créer des objets à même 

de voyager. 

Le Fâ est une géomancie divinatoire pratiquée par 

les populations du golfe du Bénin. C’est à la fois une 

méthode de prédiction de l’avenir, de lecture des phénomènes 

naturels et une doctrine initiatique, voie d’accès 

à la connaissance, guidée par des contes allégoriques. 

Intimement lié au vaudou, le Fâ guide les individus 

jusqu’après leur mort. 

Pour certains Béninois, sa pratique est une revendication 

culturelle, loin des religions exogènes telles que le 

christianisme ou l’islam, davantage répandues dans le 

pays aujourd’hui. 

J’explore la tradition vaudou en m’appuyant sur l’interprétation 

des grandes figures de l’art du Bénin, telles 

que la sculpture du Boconon (prêtre du Fâ) de Cyprien 

Tokoudagba, qui se trouve dans la forêt sacrée de Ouidah. 

Il est dit que ce lieu abrite l’âme du roi Kpassè, 

fondateur du royaume de Xwéda au xvii e siècle, devenu 

aujourd’hui la ville de Ouidah. Le roi se serait fait de 

nombreux ennemis en collaborant avec les négriers 

et en signant avec eux des accords de commerce. Il se 

serait transformé en arbre pour échapper à ses adversaires, 

donnant ainsi son caractère sacré à la forêt : elle 

abrite l’esprit du roi. ■ 

Ma première idée était d’organiser un événement, une 

cérémonie autour de moules en plâtre de cette figure en 

composant un espace de plusieurs sculptures mettant 

en scène la puissance du lion. 

Sur les conseils du centre culturel dakarois Ker Thiossane, 

les tirages de ce moule ont été réalisés par le centre 

de poterie associative Colombin (un centre accueillant 

des enfants sourds-muets et autistes). Il paraissait 

essentiel de faire participer des personnes sur place au 

processus de restitution. Les enfants ont donc fabriqué 

treize lions Gaïndé, en plâtre, peints selon leur goût. 

Bonne et due forme, 2016. Réserve du Musée des Beaux-Arts de Nantes. 

C.B. : Quelles sont tes influences, tes sources d’inspiration 

dans le domaine artistique ? 

J.-B. J. : Je suis passionné par les Arts anciens de toutes 

cultures. Au niveau de mes contemporains, j’apprécie le 

travail de Danh Vo, Urs Ficher, Mark Manders, Sarkis, 

Anselm Kiefer ou encore Jean Dubuffet. 

Le livre d’Alfred Gell, Art and Agency, m’intéresse beaucoup. 

Il est centré sur ce qui concerne l’aspect cognitif. 

Gell suggère de remplacer le concept d’esthétique par 

celui d’art, considéré comme un élément de la communication 

entre individus. 

Boconon. Bronze, impression sur bâche. 

p. 46 p. 47




Apache, 2017. Plâtre, plomb, argile, H. 162 cm. Moulage d'une partie de la Porte du Scrin. 

Porte du Scrin réalisée par Hugues Sambin en 1580, au Parlement de Bourgogne 

à Dijon. 

Apache, détails des moules. 

p. 48 

p. 49




Baby*Lys, 2017. Étain, zinc, cuivre, plâtre, 207 x 107 cm. Le moulage est issu d'une sculpture qui vient de Bitam (Gabon). 

A ce moment donné, j’étais convié à des funérailles. Je trouvais intéressant d’éveiller cette sculpture de la Maternité Allaitante qui est le Sceau de la République du Gabon. La 

statue se trouve dans un axe principal de Bitam. J’imagine qu’elle date des années 80… 

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Dog* Lys, 2017. Étain, zinc, cuivre, plâtre, transfert de couleurs, 83 x 59 cm. 

Étant Originaire de Saint-Etienne, je prenais du plaisir à mouler le visage du loup en métal qui est dans l’ancien square des Beaux-arts de Saint-Etienne. A ce moment, je venais 

de perdre mon chien. Cette représentation d’un chien en décomposition sur un parterre de fleurs de lys est une forme d’hommage. 

Reine Rose Bleu, 2017. Zinc, étain, cuivre, bois, plâtre, transfert de couleurs Sensibility, 164 x 82 cm. 

Sur l’escalier monumental de la gare de Marseille-Saint-Charles se trouvent deux groupes en pierre de Louis Botinelly et représentent Les colonies d’Afrique pour celui placé 

à l’ouest et Les colonies d’Asie pour celui situé à l’est. Les colonies sont représentées sous les traits de deux femmes qui se font face, allongées sur une banquette, deux enfants 

accompagnant chacune d’elles. Cette représentation s'inscrit dans la lignée de l’exposition coloniale de 1922 à Marseille. J’ai moulé le visage de la femme africaine et du singe qui 

est à ses côtés. 

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Terre de Mémoire. Exposition du 29 janvier au 30 mars 2016 / Le Centre Arts et Cultures, Cotonou 


Zomadonou . Bronze, impression sur bâche. 


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MAKEF 

INTERVIEW DE MAKEF 

Camille Bloc : Je voudrais tout d'abord insister sur 

ce support original : les cahiers d’écoliers. C’est sur 

ces mêmes cahiers que tu as toi-même commencé le 

dessin, pour lequel tu t’es pris de passion. Continuer 

à utiliser ce support une fois adulte est une démarche 

singulière : pourquoi ce choix ? 

Makef : Oui, je dessinais moi-même tout le temps dans 

les cahiers. Les pages des cahiers expriment la fragilité, 

la page peut se déchirer facilement. Ça a un rapport avec 

notre propre fragilité. Et les feuilles de cahiers de mes 

enfants, c’est ce que j’avais sous la main. Par la suite, 

j’ai fait appel aux cahiers de mes nièces et neveux, des 

enfants des voisins aussi. Dans ces cahiers, il y a souvent 

de petits dessins, je choisis et en dessinant dessus 

et autour, ça apporte une autre lecture. 

mets à chacun de se tourner vers sa propre enfance. 

C.B. : Est-ce que tu aimais beaucoup l’école ? 

M. : Oui, j’aimais beaucoup l’école. Avec les parents, on 

acquiert une certaine connaissance de la vie mais avec 

l’école, c’est un autre abordage de la vie. Oui, j’aimais 

beaucoup. 

C.B. : Tu as commencé la série en 2013, elle a pris 

beaucoup d’ampleur depuis… combien comporte-telle 

de feuillets à ce jour ? Tu as dit vouloir atteindre le 

chiffre de 100, pourquoi 100 ? 

M. : J’en suis à 95 terminés et d’autres commencés. J’y 

arrive. 100, c’est une façon de symboliser la maturité, 

c’est un siècle. Quand une personne atteint l’âge de 100 

ans, c’est symbolique de l’acquisition d’une très grande 

sagesse. 

C.B. : Qu’est-ce que tes enfants pensent de tes dessins ? 

M. : Ça leur fait plaisir de voir que ce travail est parti 

d’eux, de leurs dessins et écritures. – Effectivement, sa 

grande fille d’une dizaine d’années qui passait juste à 

ce moment-là, confirme d’un geste de la tête et d’un 

sourire. 

C.B. : Comment as-tu évolué dans ta pratique du dessin 

? 

M. : Je dessinais depuis l’enfance. Quand j’avais dans 

les 20 ans, j’ai rencontré l’artiste Magou qui m’a donné 

confiance et m’a encouragé à m’engager dans la pratique 

artistique. 

C.B. : Qu’est-ce que tu ressens aujourd’hui, lorsque tu 

dessines ? 

Artiste autodidacte, Makef (de son vrai nom Fulbert 

Makoutodé Énagnon) construit une œuvre singulière 

où se distinguent les très originaux dessins au stylo-bille 

de sa série Mes nuits insomniaques et quelques 

jours d'errance qualifiés d’un brin énigmatiques lorsqu’ils 

furent exposés pour la première fois en 2011. 

J’ai coutume de dire que c’est l’art qui est venu à moi. 

Depuis mon enfance, je dessine. J’ai commencé au primaire 

quand j’ai vu pour la première fois le maître dessiner 

au tableau. Une révélation. J’ai compris que ce n’était 

pas des machines qui faisaient les dessins des livres. 

Plus tard, comme d’autres, j’ai dessiné dans les cahiers du 

soir des copains qui n’aimaient pas trop dessiner. Il fallait 

faire 2 dessins, un sur la page Chant et un sur celle de 

Poésie. Parfois, ils me demandaient aussi d’écrire les textes 

car il fallait les calligraphier avec soin. Je me faisais payer 

pour ce travail. 

Vers 1987, j’ai commencé à peindre des scènes de la vie, 

avec des pirogues par exemple. Puis j’ai rencontré des 

gens qui m’ont encouragé, conseillé et motivé. 

Depuis quelque temps, je fais des dessins au stylo (23 x 

28,50 cm). Je les dessine la nuit sur les pages de cahiers 

d’école de mes enfants qui sont au primaire, de la maternelle 

à la huitième. Ils ont déjà dessiné, laissé une écriture. 

Moi, j’y ajoute la mienne, en dessinant exclusivement 

au bic, et je propose ainsi une autre lecture. C’est ça ma 

démarche. Parfois, j’éclaire une petite zone spécifique avec 

mon téléphone portable pour pouvoir me concentrer et 

dessiner très finement. Je les appelle ‘’Mes nuits insomniaques 

et quelques jours d’errances’’ ou encore ‘’Mes 

insomniaques et nuits nomades’’. J’en ai déjà une quarantaine. 

Mon projet : en faire 100 et les exposer côte à côte. 

Ce sera en quelque sorte ‘’Le mur de l’insomnie’’. 

Ce qui est présenté dans cette exposition d’octobre 2017, à 

la Galerie Vallois du 41 rue de Seine, c’est une partie de ce 

‘’Mur de l’insomnie’’, une rêverie à la fois onirique et poétique, 

certainement plus qu‘un brin énigmatique, où ses dessins 

se construisent parfois autour de ceux de ses enfants, 

où son écriture se mêle à la leur. En tout cas une œuvre très 

personnelle qui a fait l’objet d’une grande exposition de 

plus de trois mois à l’Institut Français de Cotonou à partir 

de juin 2017. Une exposition où, cette fois, furent présentés 

80 dessins du projet de Makef ainsi que 14 œuvres en couleurs 

– peintures acryliques sur toile, de plus grand format. 

Au-delà de la qualité de ses dessins d’une grande finesse, 

Makef apporte une importante contribution à la scène 

artistique béninoise par l’originalité de son travail. Il est la 

preuve que dans ce domaine des arts plastiques le Bénin 

est d’une étonnante diversité. Dans ce petit pays, il n’y a 

pas d’école d’arts, les artistes sont autodidactes. Mais cette 

absence d’école d’arts, que l’on pourrait au premier abord 

regretter, n’explique-t-elle pas que les artistes, échappant 

au risque difficilement évitable du formatage, plus libres 

dans leurs approches, produisent des œuvres extrêmement 

originales, surprenantes, qui retiennent de plus en plus 

l’attention des amateurs d’art contemporain, des critiques 

d’art, des collectionneurs, sur la scène internationale ? Et le 

travail de Makef contribue, avec talent, à la riche diversité 

des arts plastiques au Bénin. 

L’art, c’est le langage que tout le monde comprend. Même 

si je ne suis pas présent, quelqu’un peut voir un de mes dessins 

ou une toile, très loin, même aux Etats Unis et partager 

l’émotion avec moi. Et c’est aussi ce qui reste quand on 

a tout perdu. 

Depuis 7 ans, Makef a exposé à de nombreuses reprises au 

Bénin et en France. ■ 

André Jolly 

Pour le bien de la société, 2014. Stylo à bille sur cahier d'écolier, 28,5 x 23 cm. 

C.B. : Picasso disait avoir mis toute (s)a vie à savoir 

dessiner comme un enfant, est-ce que tu penses qu’il 

est nécessaire de conserver sa part d’enfance dans la 

pratique artistique ? 

M. : Je pense que c’est par l’innocence dans la création 

artistique qu’on se révèle. Les enfants sont perméables, 

ce qui sort d’eux est un point de départ pour quelque 

chose de beaucoup plus grand. Moi, ça me ramène à ma 

propre enfance et innocence. 

C.B. : Est-ce que c’est une manière de dédier tes créations 

à tes enfants ? Une façon de transmettre ton 

œuvre aux générations futures ? 

M. : Je ne fais pas spécialement mes dessins pour mes 

enfants, mais pour tout le monde. J’espère que la génération 

future pourra en tirer des enseignements. Je per- 

M. : C’est la sensation de quelqu’un qui se vide d’un 

trop-plein d’énergie, de sentiments. 

C.B. : Tu ne travailles que la nuit ? Ce n’est pas une 

souffrance d’être insomniaque ? 

M. : Oui, je travaille presque exclusivement la nuit, mais 

il peut m’arriver de terminer un dessin dans la journée. 

Avec la seule lumière de mon téléphone portable, je 

me concentre mieux sur les détails. Mes peintures, par 

contre, c’est dans la journée. Mais la nuit, on a la sensation 

d’être seul au monde. Tout est calme. On est en 

accord avec le cosmos. Ça facilite la libération des énergies. 

Je suis réellement insomniaque mais ce n’est pas 

une souffrance pour moi. 

C.B. : C’est une sorte de journal intime, cette série ? 

M. : C’est effectivement une série plus intime, plus 

personnelle peut-être que mes peintures en couleurs 

acryliques. Cette série, c’est une autre partie de moi qui 

dénote le besoin d’aller au-delà de ce que je faisais. 

C.B. : Quelles sont tes sujets d’inspiration ? Tout, j’ai 

l’impression… ? 

M. : Ma démarche part de l’homme, l’être humain. Il est 

toujours présent dans mes créations. Je le vois masqué 

et j’essaie d’aller voir derrière les masques pour trouver 

la personnalité qui se cache derrière l’apparence de 

chacun. 

C.B. : La spiritualité, le Vodoun, la religion sont très 

présents dans ton œuvre, c’est un reflet de la société ou 

c’est quelque chose qui est aussi important dans ta vie 

personnelle ? 

M. : La spiritualité, c’est un reflet de la société. L’ar- 

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tiste est un messager qui découvre des choses invisibles 

et les rend visibles. Donc, je suis conscient de la spiritualité, 

je circule dedans. Je sais ce qu’est le culte des 

vodouns, mais je ne suis pas initié. C’est le côté festif 

des cérémonies qui m’intéresse. 

C.B. : D’où vient ton goût pour le fantastique, les créatures 

imaginaires, les métamorphoses… ? 

M. : Le fantastique ça vient de mes rêves. J’essaie parfois 

de les transposer sur papier. Parfois aussi, j’ai l’impression 

de voir des choses que les autres ne voient pas 

et de les représenter. 

C.B. : Un motif m’a marquée par sa récurrence dans 

tes dessins : le poisson… 

M. : Le poisson est très présent dans la vie de tous les 

jours au Bénin. Ici, on est entre la mer et la lagune. 

Tous les jours, je vois des pêcheurs et des vendeuses 

qui portent des paniers de poissons fumés sur la tête. 

En passant sur le pont je vois des pêcheurs qui jettent 

leurs filets et les ressortent de l’eau avec des poissons. 

Tout ça est peut-être marqué dans mon inconscient. 

C.B. : La société béninoise que tu dépeins offre un 

contraste saisissant entre traditions et modernité. 

Quel regard portes-tu sur l’évolution du pays ? 

M. : Le pays évolue à grands pas mais ça ne veut pas 

dire que les traditions disparaissent. Même si les gens 

vivent à l’occidentale, ils vont toujours suivre les traditions, 

comme consulter le Fâ. Par exemple, mon père 

était polygame. Moi, je suis un enfant de sa première 

épouse. S’il y avait des choses qui n’allaient pas, elle 

allait consulter le devin, le Fâ, pour savoir si la seconde 

épouse ne lui portait pas préjudice à elle ou à ses enfants. 

Alors le devin ordonnait des cérémonies. Moi, je ne suis 

pas polygame, j’ai trois filles. Je suis protestant méthodiste 

mais j’ai mis un peu la religion à distance. ■ 

MES NUITS INSOMNIAQUES ET QUELQUES JOURS D’ERRANCE 

Merci à André Jolly qui a recueilli les réponses de l’artiste lors de son séjour à Cotonou. 

Vue de l'exposition Makef. Les insomniaques de mes nuits d'insomnie, à 

l'Institut Français de Cotonou, juin à septembre 2017. 

Ayatresse Coiffure, 2013. Stylo à bille sur cahier d'écolier, 28,5 x 23 cm. 

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Devant la croix, 2015. Stylo à bille sur cahier d'écolier, 28,5 x 23 cm. Gbè hin azin 2014. Stylo à bille sur cahier d'écolier, 28,5 x 23 cm. 

Bombe roulante, 2014-2015. Stylo à bille sur cahier d'écolier, 28,5 x 23 cm. 

Invocation, 2015. Stylo à bille sur cahier d'écolier, 28,5 x 23 cm. 

La petite au parapluie 2014. Stylo à bille sur cahier d'écolier, 28,5 x 23 cm. 

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La transformation, 2015. Stylo à bille sur cahier d'écolier, 23 x 28,5 cm. 

Le menuisier, 2015. Stylo à bille sur cahier d'écolier, 28,5 x 23 cm. 

Le prêtre du vodoun Dan, 2015-2016. Stylo à bille sur cahier d'écolier, 28,5 x 23 cm. 

Le pêcheur de poissons, 2014. Stylo à bille sur cahier d'écolier, 23 x 28,5 cm. 

Le visage, 2014. Stylo à bille sur cahier d'écolier, 28,5 x 23 cm. 

Sans titre, 2016. Stylo à bille sur cahier d'écolier, 28,5 x 23 cm. 

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p. 63




Le surnaturel, 2016. Stylo à bille sur cahier d'écolier, 23 x 28,5 cm. 

Les anciens, 2015. Stylo à bille sur cahier d'écolier, 23 x 28,5 cm. 

Sans titre, 2015-2016. Stylo à bille sur cahier d'écolier, 28,5 x 23 cm. 

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Un monde de fous, 2014. Stylo à bille sur cahier d'écolier, 28,5 x 23 cm. 

Une des réalités de ma société, 2015. Stylo à bille sur cahier d'écolier, 28,5 x 23 cm. 

Yèfounnou ou Le phénomène, 2015. Stylo à bille sur cahier d'écolier, 28,5 x 23 cm. Vends ton âme à qui tu veux, 2015. Stylo bic sur cahier d'écolier, 28,5 x 23 cm. Là-bas, 2015. Styloà bille sur cahier d'écolier, 28,5 x 23 cm. 

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PARIS - COTONOU - PARIS • GALERIE VALLOIS 35 & 41 • 2017 UNE ANNÉE SOUS LE SIGNE DU BÉNIN 



CRÉDITS & REMERCIEMENTS 

ON A BESOIN DE VOUS 

¬ ¬ DIRECTION DE PUBLICATION 

Camille Bloc 

Directrice Galerie Vallois 41 

Valentine Plisnier 

Coordinatrice des relations entre Paris et Cotonou 

Cédric Rabeyrolles Destailleur 

Directeur Galerie Vallois 35 

¬ ¬ TEXTES 

¬ ¬ REMERCIEMENTS 

Marion Hamard 

Responsable du pôle artistique & partenariats 

André Jolly 

Ancien Attaché Culturel et directeur de l’Institut Français 

de Cotonou 

Dominique Zinkpè 

Directeur du Centre 

Les salariés et les bénévoles du Centre 

Camille Bloc 

Directrice Galerie Vallois 41 

André Jolly 

Rédacteur invité pour Le Petit Journal vi 

¬ ¬ PHOTOGRAPHIES 

Louis Delbaere 

Jean-Baptiste Janisset 

Sophie Négrier 

Charles Placide 

Valentine Plisnier 

Rosmy Porter 

¬ ¬ CONCEPTION ET MISE EN PAGE 

Studio Louis Delbaere 

¬ ¬ IMPRESSION 

Grafiche Aurora 

Imprimerie 

Vérone ( Italie ) 

Imprimé à 1000 exemplaires 

p. 68

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