Recueil des Assises des métiers d'art 2019

RECUEIL DES ASSISES
DES MÉTIERS D’ART
ENSEMBLE,
MOBILISONS-NOUS
POUR LES
MÉTIERS D’ART
ASSISES DES MÉTIERS D’ART
Tables-rondes, conférences, ateliers,
rencontres et échanges en dialogue avec des experts.
Un événement organisé par Ateliers d’Art de France
28-29 JUIN 2019 – PERPIGNAN

ASSISES DES MÉTIERS D'ART
28 ET 29 JUIN 2019
PALAIS DES CONGRÈS
DE PERPIGNAN

À PROPOS D’ATELIERS D’ART DE FRANCE
La mission d’Ateliers d’Art de France est de faire connaître le rôle et la
place des métiers d’art dans notre société. Seul syndicat professionnel
réunissant l’ensemble des 16 domaines des métiers d’art, il fédère plus de
6 000 professionnels sur le territoire national, de l’atelier unipersonnel à la
manufacture d’art. Créé il y a plus de 150 ans, il représente et défend les 281
métiers d’art dans leur diversité et contribue au développement économique
du secteur, en France et à l’international.
• Ateliers d’Art de France porte la voix des professionnels vers les
pouvoirs publics pour favoriser la structuration du secteur. Le syndicat
a ainsi permis la promulgation de la loi Artisanat, Commerce et TPE du 18
juin 2014 reconnaissant l’existence à part entière du secteur économique
des métiers d’art et l’arrêté ministériel du 24 décembre 2015 fixant la liste
officielle des 281 métiers d’art. Depuis, Ateliers d’Art de France continue
son combat et se fait aujourd’hui l’ambassadeur de la création d’une
branche professionnelle métiers d’art et de la transmission des savoirfaire,
à travers une politique de formation adaptée.
• Ateliers d’Art de France favorise la croissance économique des
ateliers d’art, à travers l’organisation de salons et d’événements internationaux.
A ce titre, il a développé des circuits de commercialisation
incontournables et est le 1 er vecteur du développement du secteur :
– MAISON & OBJET*, créé en 1949 en tant que Salon des ateliers d’art
– Le Salon International du Patrimoine Culturel, relancé en 2011 et
aujourd’hui premier carrefour d’affaires du secteur du patrimoine
– RÉVÉLATIONS, la biennale internationale des métiers d’art et de la
création, lancé en 2003
– EMPREINTES, ouvert en 2017, plus grand concept store des métiers
d’art d’Europe et 1 ère plateforme de vente en d'objets métiers d'art. .
• Ateliers d’Art de France contribue au rayonnement des métiers d’art
en France et en Europe, notamment via les revues et ouvrages de sa
Maison d'éditions, l’organisation du Festival International du Film sur les
Métiers d’Art ou la participation depuis près d’une dizaine d’années au
World Craft Council Europe, portant la voix de la France auprès de cette
organisation dont la vocation est de renforcer la place de métiers d’art
au cœur de la vie économique et culturelle européenne.
Fédérateur, lanceur de débats et ferme défenseur des ateliers, au service
du patrimoine et de la création, Ateliers d’Art de France est un espace de
réflexion et d’innovations, comme l’illustre le travail de ses commissions
professionnelles et sociales qui réunissent les meilleurs experts du secteur.
Elles contribuent à faire du syndicat un lieu d’échange des professionnels
des métiers d’art avec les institutionnels, les pouvoirs publics et la
société au service de la structuration du secteur.
• Les 4 commissions statutaires professionnelles ont été créé en
2014 à la suite de la loi ACTPE qui a posé le périmètre du secteur et
son caractère intrinsèquement artistique :
– La commission Artistes-Auteurs
– La commission Artisans d’Art
– La commission Manufactures d’Art
– La commission Patrimoine
Leur objectif est de veiller plus particulièrement aux intérêts matériels et
moraux, tant individuels que collectifs, des professionnels des métiers d’art
relevant de son champ d’intervention. Elles ont pour rôle :
– De suivre les évolutions économiques, sociales, juridiques et fiscales
– De réaliser toute étude relative à leur objet
– De centraliser les demandes des professionnels et de formuler les préconisations
les concernant.
• Les 2 commissions statutaires sociales ont été créées en 2016 dans
le prolongement des quatre premières commissions :
– La commission Solidarité qui a pour objet de mettre en œuvre les
missions d’information, de prévention, de conseil et d’aide, qui constituent
une prise en charge globale de la solidarité à tous les moments de la vie
du professionnel des métiers d’art
– La commission Formation a pour objet la prise en charge par Ateliers
d’Art de France des questions relatives à la formation et à l’apprentissage
dans les métiers d’art.
*MAISON&OBJET, ORGANISATEUR SAFI, FILIALE D’ATELIERS D’ART DE FRANCE ET DE REED EXPOSITIONS FRANCE
2 Assises des Ateliers d’Art de France des 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

SOMMAIRE
Préambule et introduction des thématiques des Assises des métiers d’art 2019 p. 4
Discours d’ouverture des Assises de la Présidente d'Ateliers d’Art de France p. 6
I L’IDENTITÉ PROFESSIONNELLE p. 9
II L’ENGAGEMENT p. 43
Conclusion des Assises p. 63

PRÉAMBULE
C’est à Perpignan que nous nous sommes réunis
en Assises des métiers d'art, les 28 et 29 juin au
Palais des Congrès. Les Assises sont toujours un
fort moment collectif et un grand moment d’expression
pour notre communauté.
Près de 400 adhérents étaient présents lors de ces
journées placées sous le signe de l’engagement,
du militantisme et de l’unité collective.
Nos dernières Assises se sont tenues les 25 et 26
juin 2016, à Saint-Malo. Nous venions d’obtenir
de formidables avancées législatives qui ont
permis la reconnaissance pleine et entière de
notre secteur : il s’agit de la loi ATCPE du 18
juin 2014 1 , qui donne une définition de nos
métiers d’art, inscrit dans la création artistique,
et de la loi LCAP du 16 juillet 2016 2
qui reconnaît la pluralité d’exercice de nos
métiers d’art.
Depuis, nous avons continué notre combat et
sommes à l’initiative de différentes actions :
• À l’été 2018, nous avons produit et remis
au ministère du Travail ainsi qu’à plusieurs
parlementaires en charge d’une mission sur
les métiers d’art, le rapport « La branche
professionnelle des métiers d’art, au service
d’un secteur d’avenir », qui indique le
besoin de création d’une branche professionnelle
des métiers d’art, seul moyen de développement
du secteur dans la continuité du
dispositif législatif depuis 2014.
• Nous avons formulé 12 propositions d’actions
dont le secteur a besoin pour garantir
son développement en France et à l’échelle
de tous ses territoires.
• À l’occasion de Révélations 2019, nous avons
produit et signé avec le Word Craft Council
Europe, le Manifeste Crafting Europe et les
6 mesures de son Plan d’intervention pour
garantir la survie et le développement des
métiers d’art auprès des futures générations.
De nombreuses attentes de professionnels
restent encore en suspens et c’est dans un
contexte de réformes gouvernementales, sources
d’interrogation pour notre secteur, et qui vont parfois
à l’encontre des avancées que nous avons
impulsées, que ces Assises se sont tenues. Nous
avons collectivement échangé autour des défis
actuels et exprimé les besoins, attentes et aspirations
de notre communauté. Les réflexions que
nous avons menées ont permis de nourrir la stratégie
qui sera la nôtre dans les prochains mois
et de dégager des perspectives d’avenir pour
l’ensemble du secteur des métiers d’art.
Conférences, tables-rondes, prises de parole et
ateliers de travail sont venus rythmer ces Assises
où chacun a pu partager ses expériences, ses
idées et faire entendre sa voix. Ces Assises 2019
ont été l’occasion de prendre conscience de
notre identité, de nos valeurs communes et de la
force collective que nous représentons.
C’est autour du thème « le futur des métiers
d’art : ensemble et maintenant » que tous les
participants ont contribué aux riches et intenses
échanges.
Deux thématiques ont servi de fil conducteur à
ces deux journées :
• Le premier thème interrogé était celui de
l’identité et plus particulièrement de l’identité
professionnelle des métiers d’art :
quel portrait dresser de notre communauté ?
Quelles spécificités nous définissent, nous
rassemblent et nous différencient des autres
secteurs ?
• Le second thème abordait l’engagement :
comment soutenir nos métiers, notre secteur ?
Quels sont les différents modes d’engagement
possibles pour les professionnels des
métiers d’art, à titre individuel et collectif ?
Aude Tahon,
Présidente d’Ateliers d’Art de France
1. LOI ATCPE (ARTISANAT, AU COMMERCE ET AUX TRÈS PETITES ENTREPRISES)
2. LOI LCAP (LIBERTÉ DE LA CRÉATION, À L'ARCHITECTURE ET AU PATRIMOINE)
4 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

CHAQUE THÉMATIQUE A ÉTÉ TRAITÉE EN 3 TEMPS :
1 Le temps d’expertise où quatre intervenants
sont venus partager leur réflexion et
présenter les résultats de leurs travaux ;
2 Le temps de réflexion collective avec une
table-ronde, des ateliers de travail en
groupe et des échanges avec la salle ;
3 Le temps des sondages pour exprimer notre
état d’esprit, nos positions et ainsi dégager
les priorités de notre action collective.
Ce recueil a pour objectif de rassembler les différents
temps qui ont rythmé nos Assises et qui
constituent notre vision partagée sur nos métiers
et notre secteur, afin d’en garder mémoire et de
les partager avec le plus grand nombre.
Ces deux jours journées ont montré que notre
communauté des métiers d’art est forte, unie et
déterminée à se battre pour la reconnaissance
et le développement de son secteur.
L’énergie des débats qui nous ont animés
témoigne de notre volonté de prendre la parole
pour nous approprier notre destin et structurer
notre avenir. •
Préambule du recueil des Assises
5

DISCOURS D'OUVERTURE
DES ASSISES : AUDE TAHON
PRÉSIDENTE D'ATELIERS D'ART DE FRANCE
Aude Tahon est créatrice textile.
Première femme élue à la tête d’Ateliers
d’Art de France, syndicat professionnel
des métiers d’art en France, elle déploie
depuis 2016 son énergie au service de
l’ensemble des ateliers d’art pour renforcer
leur rayonnement et leur développement
économique en France
et à l’international. Elle exerce son
deuxième mandat consécutif depuis
octobre 2019.
6 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

Journée du 28 juin
(La séance est ouverte à 9 h 40 sous la présidence de Mme Aude Tahon.)
DISCOURS DE
LA PRÉSIDENTE
Mme Aude TAHON, PRÉSIDENTE
— Bonjour à tous. Êtes-vous prêts à vivre cette
aventure des Assises des métiers d’art ?
Merci à tous d’être là pour ce moment fort de
notre vie associative et syndicale, d’autant plus
fort que nous allons tous travailler ensemble
pour préparer notre avenir. Je sais que la fête va
être belle !
Nous voici réunis ici, à Perpignan, « le centre cosmique
de l’univers », sous le regard surréaliste de
Salvador Dali.
Dans son Journal d’un Génie, paru en 1963, Dali
déclarait : « c'est toujours à la gare de Perpignan
que me viennent les idées les plus géniales de ma
vie. » Voilà de quoi donner le ton de ces Assises
pour notre communauté : un temps de ressource
et de création collective, tous ces échanges entre
nous, ces envies de débats qui nous animent
tous, qui sont si précieux pour nous approprier
notre destin.
C’est ensemble que nous puisons notre force.
C’est ensemble que nous allons recharger notre
énergie, pour offrir à nos métiers d’art un bel avenir,
un avenir qui nous appartient, à la hauteur de
nos espoirs et de nos rêves.
Quelle période vivons-nous ? Que représentent
les métiers d’art en 2019 ? De quoi
avons-nous besoin pour aborder l’avenir ? Ce
sera l’objet de tous nos débats.
Avant cela, je vous propose de redécouvrir
ensemble le chemin parcouru par notre communauté,
chemin qui nous amène ici, en 2019, au
centre du monde.
(Projection d’une vidéo montrant l’évolution
de la communauté des professionnels des
métiers d’art.)
Qu’avons-nous vécu ? Quelle est notre histoire ?
Notre histoire collective est faite d’avancées, de
reculs, de déceptions et de batailles gagnées.
Salvador Dalí devant la gare de Perpignan en 1965
Nous venons d’une longue lignée de professionnels
de métiers d’art qui, ensemble, se sont battus
pour nous donner les moyens d’exister, d’être
reconnus, de nous développer.
Personnellement, je ne cesse de redécouvrir cette
histoire et de m’en nourrir grâce à nos archives,
nos écrits passés et présents, mais aussi parce que
notre histoire se raconte et se transmet oralement
entre nous.
Un livre vient d’être publié sur Jacques Blin. Il était
céramiste, président d’Ateliers d’Art de France
pendant vingt ans, de 1971 à 1992. Les mandats
étaient bien longs à l’époque, n’est-ce pas ?
C’était une autre époque !
J’ai découvert avec bonheur ses pièces aux lignes
ingénieuses, modernes, ses décors d’oiseaux sur
fond bleu. Je découvre son œuvre syndicale et
une vie donnée à l’aventure collective.
À cette époque, les débats internes à notre communauté
étaient denses, tout comme aujourd’hui.
Nos collègues s’interrogeaient sur notre gouvernance
interne et débattaient pour exister dans un
monde où l’industrie était en train de nous reléguer
au placard.
Le Conseil d’administration était composé uniquement
de céramistes. Il faut attendre 1965 pour que
les métiers d’art dans leur ensemble accèdent à la
gouvernance. Conscients de leur existence et de
leur avenir commun, l’ensemble des métiers d’art
s’est organisé pour faire sa place dans le monde.
C’est ainsi que notre histoire s’est construite, au plus
près de la réalité de chacun de nos ateliers, dans
le débat, et en se prenant en main.
C’est une histoire à la fois individuelle et collective.
Les occasions de rencontres, entre collègues,
avec les associations et tous les acteurs
des métiers d’art, telles que nos journées en région
ou lors des salons, ont forgé notre conscience
collective. Ces rencontres multipliées trouvent
leur point culminant aujourd’hui, dans nos Assises.
Que représentons-nous aujourd’hui, en 2019 ?
C’est en juillet 2018 que j’ai proposé au Conseil
d’administration d’organiser ces Assises qui nous
réunissent aujourd’hui.
Discours de la Présidente
7

C’était plusieurs mois avant que n’explose la crise
des Gilets Jaunes, qui a secoué l’ensemble de la
société, avec cet énorme besoin d’être acteur de
sa propre vie, de prise de parole et de débats,
que nous avons vue surgir dans tous les coins de
la France.
Nous sommes au contact des évolutions
sociales. Nous en ressentons les tensions et les
aspirations. Nous, nous représentons une voie
possible de réalisation de soi. Nos métiers d’art
entrent en résonnance avec les aspirations profondes
qui traversent notre société. Nous représentons
des alternatives à un monde morne,
uniformisé, dénué de sens et d’intelligence
humaine. Parce que nos ateliers sont source d’innovation
et de propositions créatives, parce que
la société est en quête de valeurs, d’alternatives
aux marchés de la consommation de masse,
d’alternatives dans le monde du travail, nous
sommes devenus incontournables.
Nous faisons rêver. Nous sommes
« le Centre du Monde » !
Vous aurez perçu, comme moi, l’abondance
des termes qui se répandent : « pièces uniques »,
« créatives », « faites à la main », « fabriquées
artisanalement », « sur mesure », de « fabrication
locale », « en circuit court »... Nous n’avons pas
attendu ces termes marketés pour exister. De
fait, la création par le travail de la matière nous
ancre dans ces valeurs depuis des millénaires,
ce qui nous permet d’être force de proposition
et tournés vers l’avenir.
Nous n’avons pas attendu que la société nous
redécouvre. Nous avons été actifs pour rendre
visibles nos ateliers et notre secteur des métiers
d’art. Nous nous sommes organisés collectivement
pour atteindre nos marchés. Nous avons
rendu nos métiers désirables.
Nous avons réalisé un rêve, en partage avec
nos anciens, en obtenant des lois, une définition
reconnaissant nos métiers d’art inscrits dans le
champ de la création artistique et la reconnaissance
d’un secteur économique global. Ces
lois sont le socle dont nous avions besoin pour
construire notre avenir.
Aussi, dans ce contexte propice pour nos
métiers d’art, qu’attend donc l’État pour donner
les moyens à notre secteur de se structurer, dans
la continuité des lois mises en place en 2014,
2015, 2016 ?
La période actuelle ne manque pas de combats.
Nous vivons une séquence de réformes portées
par le gouvernement, qui vont à l’encontre des
avancées et du socle que représentent les lois
qui définissent notre secteur.
Face à ces réformes, nous avons travaillé activement
et nous avons remis, à l’été 2018, aux
différents ministères et acteurs concernés, un
rapport sur notre secteur de métiers d’art. Ce
rapport demande aux pouvoirs publics la création
d’une branche professionnelle de métiers
d’art. Cette branche professionnelle correspond
à notre réalité, à ce que nous représentons tous
ensemble ici. Elle est la seule voie qui permettra
le développement du secteur.
Quels que soient les arbitrages de l’État, nous
continuerons à nous battre pour améliorer nos
conditions de vie professionnelle, et c’est là tout
l’enjeu de ces Assises en 2019.
Compter sur nous-mêmes, nous prendre en
main, c’est ce que nous avons toujours fait. Notre
destin est entre nos mains. Les temps des débats
et de discussions entre nous, c’est ce qui nous
a permis de nous unir, de prendre conscience
de notre famille, de nos valeurs, de mettre en
marche notre communauté.
Nous seuls pouvons exprimer ce que sont nos
attentes et nos besoins : montrer sans relâche
la réalité de notre secteur et notre apport dans
ce pays, prendre la parole et faire entendre la
voix des professionnels de métiers d’art, porter
les questions vitales de développement qui se
jouent pour nos milliers d’ateliers, voilà le rôle
d’Ateliers d’Art de France. Voilà notre responsabilité.
Ces Assises sont portées par une équipe d’administrateurs.
Chacun d’eux est un professionnel
engagé dans son métier. Chacun est pénétré de
la mission que nous lui avons confiée. Ils forment
une équipe prête à défendre notre maison, à
défendre nos métiers d’art. Ils méritent notre respect
et nos applaudissements.
(Présentation de Chantal Lumineau, Jean-Pascal
Lheureux, Sophie Guyot, Dominique Bréard,
Daniel Pelegrin, Gilles Foray, Marie Pastorelli,
Pascale Mestre, Julien Truchon, Véronique
Achard et Stéphane Galerneau.)
Nous allons engager nos Assises. Elles vont être
un grand moment d’expression pour notre communauté,
des femmes et des hommes déterminés
à veiller sur leur bien commun.
Nous sommes là pour dire qui nous sommes,
pour exprimer notre engagement, pour exprimer
le militantisme qui nous anime, pour garantir
notre développement collectif, pour faire exister
notre secteur de métiers d’art.
Je vous remercie.
(Applaudissements.) •
Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

I
L’IDENTITÉ
PROFESSIONNELLE
Force est de constater l’élan de la société civile
vers les métiers d’art, par soif de connaissances
et de repères essentiels : soif de connaître et de
respecter le patrimoine commun et l’environnement,
de savoir comment s’élaborent les
œuvres et de pousser la porte des ateliers.
Les professionnels de métiers d’art sont les porteurs
et les garants d’une vision de la société
qui fait des choix pour son avenir, invitant à
vivre autrement : restaurer, conserver, créer,
transmettre, durer ! Ces valeurs profondes des
métiers d’art sont à contre-courant de la vision
économique actuelle favorisant la production
de masse et le jetable qui ne permettent pas
d’identifier ce qui est précieux.
Cette première journée des Assises a permis
aux professionnels d’exprimer leur vision des
métiers d’art et la formidable alternative qu’ils
représentent pour la société.
Cette journée a ainsi exploré le thème de l’identité
à travers l’œil d’un grand témoin, Stéphane
Rozès, politologue, maître de conférences à
Sciences Po. Sa conférence introductive « Les
métiers d’art et l’imaginaire français, un dialogue
intime et permanent », a permis de poser
les termes du débat interrogeant les valeurs du
secteur dans la séquence politique actuelle, ainsi
que le potentiel qui s’en dégage pour aborder
l’avenir.
Des ateliers de travail ont ensuite pris place afin
de recueillir les avis et les expériences des participants
sur ce sujet.
L’intervention de Fabien Petiot, historien de l’art et
designer, proposait un état des lieux du « Craft »
et de ses pratiques aujourd’hui, leurs évolutions
et leurs diversités à travers le monde.
Puis, une table ronde a réuni experts et professionnels
témoignant de diverses expériences
et expérimentations menées en matière de
formation. Ce dialogue abordant la création,
cœur des débats, mais aussi l’innovation et le
digital, a mis en lumière les atouts et les failles du
système actuel.
À l’issue de la restitution des travaux en ateliers
et d’un temps consacré au débat avec Stéphane
Rozès, un sondage des professionnels de métiers
d’art participants a été effectué, dévoilant en filigrane
les valeurs intrinsèques du secteur
I. L'Identité professionnelle: présentation du thème
9

L’identité professionnelle : présentation du thème p. 9
1. Sondage auprès des participants p. 11
2. « Les métiers d’art et l’imaginaire français, un dialogue intime et permanent » p. 14
Par Stéphane Rozès
Questions et partage d’expériences p. 20
3. Synthèse des ateliers p. 20
4. « Le Craft et ses pratiques » p. 24
Par Fabien Petiot, historien de l’art, designer
Questions et partage d’expériences p. 29
5. Table ronde : « Qu’est-ce qui constitue notre identité professionnelle ? » p. 32
Intervention de Franck Massé p. 32
Intervention de Jesus Angel Prieto p. 34
Intervention de Christine Browaeys p. 35
Intervention d’Inès Mesmar p. 39
Intervention de Daniel Pelegrin p. 40
6. Synthèse des débats par Stéphane Rozès, grand témoin p. 41
10 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

SONDAGE AUPRÈS
DES PARTICIPANTS
1
Mme Aude TAHON, PRÉSIDENTE
— Ces deux journées intenses, que nous allons
vivre ensemble, seront animées par Philippe Loiseau
et son équipe. Philippe, voulez-vous me
rejoindre ?
M. Philippe LOISEAU.
— Bonjour et merci de m’accueillir parmi votre
comité professionnel. Je suis toujours un peu
impressionné d'intervenir devant vous.
Maintenant, je vous connais depuis 2012.
J’ai appris à vous connaître et à apprécier les
personnes et les personnalités que vous êtes.
J’avoue que c’est passionnant de vous côtoyer.
Je suis très heureux d’être ici.
Pour ceux qui découvrent ces Assises, je précise
que mon rôle est simplement d'animer ces
deux jours en conciliant les impératifs de temps,
le nombre de participants que vous êtes et le
plaisir que vous avez assez naturellement à vous
retrouver et à échanger.
Je vais être un peu celui qui fait la police des
Assises. En effet, ces Assises, comme à l'accoutumée,
vont alterner des interventions de
personnes que nous avons invitées et qui vont
partager avec vous leurs réflexions et le travail
qu’elles ont pu conduire. Nous aurons une table
ronde cet après-midi à laquelle nous avons également
invité des professionnels, des personnes
qui vous connaissent et qui travaillent sur les
métiers d'art, à partager elles aussi les résultats
de leurs travaux. Il y aura surtout des échanges
en plénière.
Enfin – et ce ne sera pas le moindre –, il y aura
des ateliers, tant ce matin que demain matin.
Nous aurons un temps d'échange sur des sujets
qui sont importants puisque, au fond, les Assises
sont également un moment où le collectif que
vous représentez se retrouve et pense au futur.
Comme à chaque fois, ce travail collectif nourrit
la stratégie et la vision d'Ateliers d'Art de France
pour les années qui suivent les Assises. C'est
effectivement un moment essentiel.
Je ne serai pas seul pour animer les échanges,
je serai avec cinq autres intervenants. Certains
d’entre vous ont déjà découvert les rapporteurs,
qui vont vous aider et vous assister pendant ces
travaux. Vous serez choyés, sinon supportés
dans cet exercice. Des animateurs sont également
présents pour vous aider.
Comme à l'accoutumée, nous démarrons ces
Assises par une nouvelle conférence plénière.
Pour cette intervention introductive, Ateliers d'Art
de France a souhaité inviter M. Stéphane Rozès
qui est un politologue et un spécialiste des courants
d’opinions. Il est maître de conférences à
Sciences Po. Il travaille vraiment sur l’imaginaire
français.
Pourquoi l'avoir invité ? Je vous avoue qu’il y a
quelques mois, les bouleversements qui ont traversé
et secoué la société française nous ont interpellés.
C’est parce qu’il s’intéresse à ce qu’il convient
d’appeler l’opinion et, en ce qui le concerne, en
particulier les imaginaires nationaux.
Au fond, la question qui se pose est : comment
les collectifs que nous formons se projettent
dans la réalité, la façonnent et la transforment
en permanence pour donner un sens et agir sur
elle, comme vous le faites avec la matière. C'est
pour ces raisons que nous avons jugé intéressant
d’associer à ces Assises de quoi est fait notre
imaginaire contemporain et en quoi les métiers
d'art entrent en résonnance avec lui.
C’est à cette question que nous avons invité Stéphane
à répondre. Je l'invite à vous rejoindre.
(Applaudissements.)
Avant de lui donner la parole, il y aura deux
temps. Nous avons l'habitude de sonder la
communauté que vous formez et qui est réunie
dans cette salle. Nous allons faire un sondage,
comme nous l’avons fait dans d'autres Assises.
Avant toute chose, nous avons un film à découvrir
: un micro-trottoir qui a été réalisé au cours
d'échanges qui ont eu lieu en région avec les
adhérents au printemps. Nous avons demandé
aux adhérents qui étaient présents leur vision du
moment que vous vivez aujourd'hui.
(Projection d’une vidéo.)
M. Philippe LOISEAU
— Ce micro-trottoir va servir de cadre aux
questions qui vont animer nos échanges au cours
de ces deux jours : d’une part, la question de
l’identité professionnelle qui est constitutive et qui
légitime la revendication du droit professionnel
et, d'autre part, cette question de l’engagement
collectif pour défendre les intérêts qui sont les
vôtres.
Cela permet aussi d’illustrer le cadre même de
ces échanges, de ces Assises. La confrontation
et le débat sont au cœur de la dynamique de ce
jour. Les interventions que nous vous proposons ont
pour vocation de nourrir cette analyse, ces débats
et cette confrontation. Le maître-mot de ces Assises
est bien de penser cette structure à partir d'un cadre
où chacun peut s’exprimer, où il y a des échanges
et où la tenue du débat est possible.
Avant de donner la parole à Stéphane, je voudrais
tout d’abord souligner qu’il y a eu ces
échanges au printemps. Maintenant, vous êtes
tous réunis.
Stéphane a longuement été sondeur à l’institut
CSA, où il mène des études. Du coup, nous nous
sommes dit qu’avant de lui donner la parole, il
était important que vous puissiez vous exprimer.
Les boîtiers de vote n’ont pas uniquement vocation
à être utilisés au cours de l’Assemblée
générale. Vous allez pouvoir vous en servir dès
maintenant afin de répondre à certaines questions
qui, je l’espère, éclaireront Stéphane Rozès
sur vos positions par rapport à certains sujets.
Cela lui permettra de nourrir son intervention.
Les boîtiers de vote sont prêts. Nous pouvons
passer au sondage. Le mode d'emploi des boîtiers
de vote est simple. Même moi, j’ai réussi à
le comprendre !
(Explication du mode d’emploi des boîtiers
de vote.)
Certaines questions n’ont qu’un choix possible,
mais pour d’autres questions, vous pourrez choisir
plusieurs items.
(Test des boîtiers de vote lors d’une question 0.)
I.1. Sondage auprès des participants
11

QUESTION 1
Quel est le terme qui illustre le mieux l'état d'esprit de la
société dans la période actuelle, selon vous ?
QUESTION 2
Quel est le terme qui illustre le mieux votre état d'esprit
en tant que professionnel des métiers d'art aujourd'hui ?
L'inquiétude
67,1 %
L'engagement
33,6 %
Le repli
23,7 %
L'inquiétude
20,9 %
2,8 %
L'engagement
La solidarité
20,9 %
2 %
La solidarité
La confiance
20,6 %
0,8 %
La confiance
4 %
Le repli
QUESTION 3
Estimez-vous que, dans la société française, les métiers
d'art sont parfaitement reconnus, assez reconnus, peu
reconnus ou pas reconnus du tout ?
QUESTION 4
De votre point de vue, les métiers d’art contribuent
principalement au développement économique de la France,
à la vie culturelle et à la création française, au rayonnement
de la France à l'étranger ou à la dynamique des territoires ?
Peu reconnus
65,9 %
À la vie culturelle et à la création française
63 %
Assez reconnus
25,3 %
18,5 %
À la dynamique des térritoires
7,6 %
Pas reconnus du tout
14,2 %
Au développement de la France à l'étranger
1,2 %
Parfaitement reconnus
4,3 %
Au développemnt économique de la France
12 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

QUESTION 5
Selon vous, le secteur des métiers d'art va-t-il croître et se
développer, demeurer stable ou décliner ?
QUESTION 6
Sur qui devons-nous compter principalement pour
promouvoir les métiers d'art ?
Croître et se développer
57,7 %
Nos clients
41,6 %
Demeurer stable
30,6 %
27,5 %
Les départements et les communes
Décliner
11,7 %
Les médias
12,4 %
11,2 %
Les mécènes, les fondations et les musées
l'État
7,3 %
QUESTION 7
Quel est le terme le plus approprié pour qualifier notre
activité professionnelle ?
QUESTION 8
Quelle est, selon vous, la principale difficulté à laquelle
notre secteur professionnel demeure confronté ?
Création
45 %
36,1 %
L’absence d’un statut unifié social et fiscal
Savoir-faire
30,9 %
29,3 %
La difficulté à développer l’économie des métiers d’art
Authenticité
12,4 %
16,1 %
L’absence d’une branche professionnelle des métiers d’art
7,2 %
Indépendance
8,4 %
L’absence d’un label propre à valoriser le secteur des métiers d’art
2,4 %
Innovation
5,2 %
La disparité des politiques menées à l’échelon des Régions
2 %
Laboratoire de recherche
4,8 %
L’absence d’une politique de formation adaptée
aux besoins du secteur
I.1. Sondage auprès des participants
13

INTERVENTION DE
STÉPHANE ROZÈS
Politologue, maître de conférences à
Sciences Po Paris et HEC, Stéphane
Rozès a dirigé l’institut de sondage
CSA avant de devenir en 2009 président
de la société de conseil Cap
(Conseils, analyses et perspectives).
Il a accompagné plusieurs hommes
politiques de différents bords en tant
que consultant, intervient régulièrement
dans les médias et contribue à des
ouvrages collectifs sur des questions
politiques et sociétales.
14 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

« LES MÉTIERS D’ART ET
L’IMAGINAIRE FRANÇAIS,
UN DIALOGUE INTIME ET
PERMANENT »
2
PAR M. STÉPHANE ROZÈS
M. Stéphane ROZÈS
— Je vous remercie de votre accueil et de votre
confiance pour écouter et échanger avec vous.
Effectivement, comme Philippe Loiseau m’y invite
à brûle-pourpoint, je dirai qu’il y a, au fond, de
façon suffisamment indicative, la manière dont
vous voyez la société française, la façon dont
vous percevez le regard de la société française
sur vous et vos propres ressentis et analyses sur
ce qu'est votre profession avec ses atouts, ses
difficultés et ses enjeux.
À brûle-pourpoint, vous avez tout à fait raison
de décrire la société française comme étant très
pessimiste. Nous sommes les plus pessimistes au
monde dans les études internationales.
Or, dans les analyses internationales, on voit
bien que, quoique dégradé, le système économique
et social français est, contrairement à ce
que pensent les Français, tout à fait avantageux.
Il vaut mieux être un salarié français qu'un salarié
allemand, en termes de couverture sociale et
de politique de redistribution. Les Français ne le
voient pas, mais c'est la réalité. Philippe Loiseau
a rappelé que mon travail, depuis 35 ans, est
d'analyser les comportements des Français et de
nos amis étrangers et d'essayer de comprendre
la façon dont fonctionnent les sociétés.
Cela veut dire que le pessimisme français n'a
pas essentiellement de raisons économiques
et sociales. Cela traversera le propos qui est
le mien sur ce que vous êtes et votre rapport
aux sociétés.
Selon moi, les raisons sont culturelles : nos
façons d'être et de faire à nous, Français, ne
correspondent pas à ce qui semble peu à peu
s'imposer dans le monde et en Europe, et qui
semble être vécu comme une contrainte par
nos compatriotes.
Mme la Présidente, Aude Tahon, a mentionné
le mouvement des Gilets Jaunes que nous
avons pu connaître, au début, soutenu par 80 %
des Français. Le pessimisme des Français est
absolument réel.
En même temps, votre état d’esprit – et on pouvait
s’y attendre, sinon vous ne seriez pas là – est
personnellement combatif. Vous mettez en avant
l'engagement pour un gros tiers d'entre vous et
ensuite, la confiance, la solidarité et l’inquiétude.
Vous mettez en avant le repli pour les Français,
mais vous n'êtes pas du tout dans le repli. Au pire,
vous pouvez être pessimistes concernant la situation
qui est la vôtre, mais vous êtes combatifs,
même si vous êtes éventuellement pessimistes.
Tout d'abord, ce qui vous caractérise est que
vous êtes en mouvement. À juste titre, vous estimez
que vous n'êtes pas reconnus. Pourtant,
dans la question suivante, vous voyez votre
apport au plan culturel et de la dynamique
des territoires.
Vous verrez que mon propos essaie d'expliquer
cette contradiction. Comment se fait-il que vous
apportiez à la société et que vous ne soyez pas
reconnus ? Je vais même plus loin : non seulement
vous apportez à la société, mais en ce
moment, les Français apprécient ce que vous
êtes. Mon propos essaiera de rendre compte
de ce paradoxe apparent.
Ce qui est très intéressant, c'est que les deux tiers
d'entre vous estiment que votre profession va se
développer à l'avenir. Vous voyez les obstacles,
mais vous sentez bien que quelque chose porte
vos métiers d'art, nonobstant les difficultés. Nous
y reviendrons lors des débats.
Dans les apports, vous mettez en avant essentiellement
les dimensions culturelles et le développement
des territoires par ailleurs. Vous ne
mettez pas tellement en avant la dimension
économique alors même que, dans la question
d'après, vous indiquez que vous comptez tout
d'abord sur vos clients. Vos clients sont vos principaux
atouts avec les collectivités territoriales.
Au fond, qu'est-ce qu’un client pour les métiers
d'art ? Ce n'est pas seulement un consommateur,
c’est quelqu'un qui investit dans quelque chose
qui va au-delà du produit qu'il acquiert. C'est là
que, pour nous, Français, un peu cartésiens, il y
a d’un côté la valeur économique et de l'autre,
l'art et la culture.
À juste titre, vous ressentez bien, dans votre exercice
professionnel que vous dédiez aux métiers
d’art, que vous mettez à disposition des produits
que vous avez vous-mêmes façonnés en travaillant
des matériaux et que les personnes qui les
acquièrent mêlent à la fois l'usage de ce que
vous produisez et une valeur immatérielle tout à
fait décisive, qui fait votre singularité. D'ailleurs,
c'est ainsi que vous caractérisez la spécificité de
vos métiers : c'est tout d'abord la création à 45 %
et ensuite, le savoir-faire.
Les difficultés principales sont celles qu’Ateliers
d'Art de France essaie de lever : la question du
statut et de la branche.
Les deux combats sont liés en ce que le sujet est
de convaincre les pouvoirs publics, alors même
que vous ne leur faites pas confiance. C'est ce
qu'il faut prendre en compte : spontanément,
vous ne faites pas confiance aux pouvoirs
publics, mais les batailles pour les convaincre
doivent être médiées par ce qu’il se passe
dans la société, ce qui agite la société et votre
capacité à convaincre les responsables et les
élus, non seulement au plan local, mais aussi au
plan national.
I.2. Les métiers d’art et l’imaginaire français, un dialogue intime et permanent
15

Pour cela, vous êtes considérablement aidés
par le moment que nous traversons aujourd'hui,
parce que c'est un moment où les Français
regardent avec intérêt, mais aussi avec une
grande aspiration, toutes les valeurs que vous
pouvez représenter.
Il existe un paradoxe essentiel, pour un observateur
comme moi des évolutions de la société,
dans une tentative de compréhension des raisons
de ces évolutions que vous devez ressentir
au quotidien. Il a été dit dans le petit film que,
alors que vous travaillez chacun dans vos ateliers,
vous avez besoin de vous retrouver. Dans
un pays qui, depuis la Guerre des Gaules de
César, est marqué par un très fort individualisme,
on ne peut pas faire l'impasse sur la question
essentielle dans les communautés nouvelles :
qu'est-ce qui rassemble les individus ? Quel est
le sens qu’ils ont entre eux et qui fait qu'ils font
une société ?
Dans vos exercices professionnels, vous êtes
sans doute le métier ou un des métiers dans lesquels
chacun est confronté aux matériaux, aux
objets et aux clients. La figure de l'atelier, pour
moi, est passionnante. En même temps, vous
éprouvez le besoin de vous rassembler.
Vous voyez bien l'intérêt qui se porte vers vous. Je
vais essayer d’en rendre compte et d'expliquer
pour quelles raisons on vous aime et même, on
vous copie, on vous concurrence ; pour quelles
raisons d'autres prétendent faire ce que vous
faites ou ressembler à ce que vous faites.
La Présidente Aude Tahon a évoqué dans une
métaphore la phrase de Dali sur la gare de Perpignan.
On pourrait penser que c'est un propos
un peu optimiste et volontariste de dire que vous
êtes le centre de quelque chose. Effectivement,
les métiers d'art sont au centre de ce à quoi
aspirent les Français dorénavant, plus soudés
par une crise singulière qui n'est pas seulement
une crise économique et sociale, mais aussi une
crise de sens et de représentation.
Peut-être n'est-il pas inutile, avant d’aborder
la singularité française et ce moment de début
de XXIe siècle, de partager mon ressenti sur les
valeurs que vous portez et qui remontent loin
dans l'histoire universelle. En commençant par
réfléchir avec les équipes, j'ai beaucoup écouté
ce que vous étiez, ce qui remontait des études,
de vos travaux antérieurs et, moi aussi, je me suis
livré à un petit listing des valeurs que vous pouviez
incarner.
Je les énumère rapidement. Vous me direz lors
du débat si j’ai oublié quelque chose. Il s’agit
du geste artisanal et artistique, de la beauté, de
la créativité, de la singularité, de l'authenticité,
de la durabilité, de la capacité de réaliser le
potentiel humain et matériel et de l'importance
de la transmission.
J'ai été très frappé par les propos de l'un d'entre
vous, parlant des questions de transmission dans
les différentes sociétés et dans vos métiers d'art.
C’est aussi la coopération et le lien social.
Tout ce que vous représentez est véritablement
au centre de ce qui fait la solidarité humaine,
du sapiens particulièrement, dans la mesure
où, comme nous sommes conscients que nous
allons tous mourir, que nous sommes mortels, il
faut donner sens à ce qui fait nos communautés
humaines. Nous essayons d’être dépassés par
les objets que nous faisons. Cela se fait depuis
la nuit des temps, si on remonte aux grottes de
Lascaux. Il y a ce souci humain de faire quelque
chose au-delà du langage, au-delà de la figuration.
On souhaite faire passer la question
du beau.
La deuxième réflexion consiste à vous faire
mesurer à quel point, dans le monde, les Français
se singularisent par ce que vous faites, vous.
J'avais réalisé il y a huit ans avec HEC, Ernst &
Young, W & Cie et Havas, une étude internationale
sur la façon dont les leaders économiques
et d’opinion des quinze pays les plus développés
dans le monde voyaient les 25 pays les plus
développés. Des questions très précises étaient
posées à ces leaders économiques et d’opinion,
concernant leur appréciation sur la globalisation
et sur l'image de chacun des pays.
Le pays qui arrivait en premier, en termes de
création artistique, était la France. On doit forcément
s'interroger. Qu’est-ce qui fait que dans
le monde, la France arrive comme étant le pays
de la création artistique ? Qu'est-ce qui fait que
les autres voient des choses qui, pour nous,
semblent habituelles ou usuelles et qui, du coup,
ne se distinguent pas ?
Dans le film et de façon générale, il y a la question
de qui vous êtes, de l’identité de vos métiers
et de vos branches, qui justifierait un statut. Vous
êtes ancrés et fichés depuis des siècles dans ce
qui fait la singularité française, dans ce qui fait
que les métiers d'art sont inscrits dans l'imaginaire
français.
Je crois que cela vient des caractéristiques
de notre pays depuis la nuit des temps. Nous
sommes inscrits dans l'Europe, dans mare nostrum
qui est, depuis le départ une sorte d'atelier
d'art où, dans un même espace géographique
limité, se côtoient des peuples divers culturellement,
de sorte que ces peuples, pour sans
cesse guerroyer, se regardent, s'observent, se
copient, chaque peuple essayant de faire mieux
que l'autre.
Nous assistions à un dîner hier, pendant lequel
on faisait observer qu’il y avait eu les druides et le
christianisme et que les religions se succédaient
les unes après les autres sur les mêmes sites. Il y
a déjà un environnement européen à la France,
qui fait que l'Europe est perçue dans le monde
comme étant le lieu de la pensée occidentale
et d’une certaine forme de rapport à l’art, à la
création artistique et aux métiers d’art.
Singulièrement, en France, dès le départ, il y a
des Celtes, des Latins et des Germains. La France
n'a pas d'origine, contrairement à ce que l’on
pense souvent. C'est parce qu'elle n'a pas
d'origine que, pour assembler des diversités qui
nous sont consubstantielles, durant des siècles,
les Français ont développé un génie propre qui
est de s'approprier le réel, de s’assembler au
travers de la façon de se projeter. On se projette
dans l'espace. Malraux disait que les Français
avaient toujours besoin d’embrasser le monde :
les croisades, les guerres napoléoniennes,
les colonies ou l’Europe, comme la France en
grand. Pour nous, il est naturel d'aller à l'autre
bout du monde. Plus qu’un autre peuple, sauf
peut-être les Américains, il nous est naturel de
nous projeter dans l'espace.
Nous avons besoin de nous projeter dans le
temps. Les Français progressent. Au XVIIIe siècle,
nous avons pensé la philosophie des Lumières.
Il y a eu le progrès, la Déclaration universelle
des droits de l'Homme, une forme d’universalité.
Nous avons une façon de penser et de produire
un geste artistique qui explique que nous soyons
le premier pays dans l'industrie du luxe. Pourquoi
le luxe est-il associé à la France ? Pourquoi estce
la France qui est la première dans le luxe ?
C’est pour les mêmes raisons. Pour assembler la
diversité qui est la nôtre, nous avons des modalités
de ressenti émotionnellement, de pensée,
de création, d'innovation et de recherche qui
font que, sans cesse, nous partons du réel, mais
nous avons besoin d'un écart de projection par
rapport au réel, comme vous dans vos ateliers.
Quand vous avez un matériau, vous allez en
faire quelque chose. Vous en avez une idée ;
elle peut changer peu à peu. Il y a cette façon
française singulière, qui est ce que j'appelle
l'imaginaire français.
16 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

D'autres peuples fonctionnent différemment. Je
ne crois pas avoir le temps de parler du rapport
des Allemands au design.
La solidarité française, c'est cela. Cela se
retrouve partout : dans la caricature sous Rabelais
; dans la façon de faire de la poésie tel le
Parnasse ; dans la façon de philosopher avec
Descartes qui pense que l'esprit est au-dessus
du corps, séparé du corps ; dans la poésie de
Boileau ou dans la musique de Rameau qui voit
le beau comme étant partie liée à la raison, permettant
de dépasser l'immédiateté.
Cela se retrouve dans le fait d’avoir la meilleure
école de mathématiques du monde. Les mathématiques
sont la discipline qui, par l'abstraction
du chiffre, dirait le vrai alors que la physique
serait l'immédiat, le prosaïque.
C’est évidemment l’impressionnisme.
C'est la musique française, la légèreté de la
musique française pour répondre à la légèreté
de la peinture de Watteau et de Fragonard.
Il y a, dans le génie français, un rapport qui fait
qu’on voit le réel, mais toujours avec une aspiration
au dépassement, à l'écart au réel. On va
donc préférer le beau — ou plutôt l'idée du beau
— à des choses purement prosaïques, quitte à
ce qu’une diplomate américaine dise que les
Français sont le seul peuple qui peut dire : « J'y
crois en théorie, mais pas en pratique ».
Vous, vous associez l’idée du beau avec la
pratique. C'est ce que vous faites dans votre
atelier et c'est ce qui attire les personnes à vous.
Pourquoi ? C’est justement parce que vous n'êtes
pas seulement fichés au cœur de l'imaginaire
français.
Que se passe-t-il en ce début de XXIe siècle,
qui explique que, plus qu’il y a 20 ou 30 ans,
on revient vers ce que vous êtes et ce que
vous faites ?
Dans le monde entier, les peuples se replient
parce qu'ils sont tous bousculés dans leur imaginaire
par les modalités de la globalisation économique,
financière et numérique. Les modalités
de la globalisation déstabilisent tous les peuples
dans leur façon différente, selon les peuples, de
concevoir le bon, le juste et l'efficace. L'efficace
serait retiré du bon et du juste. En réaction, les
peuples reviennent à leur forme primitive, d’où
le renfermement des peuples.
Pourquoi ce phénomène se produit-il ? C’est
justement parce que l'individu contemporain
était un individu très scindé. Il faisait des choses
et il pensait le contraire. Il voulait bénéficier de
ce qu'apporte la globalisation, en ayant le dernier
iPhone et, en même temps, comme salarié,
il était déstabilisé par la globalisation. La personne
a des aspirations et, éventuellement, fait le
contraire. Elle rêve à un autre type de monde et,
en même temps, pour survivre dans celui où elle
est, elle a le sentiment d'être embarquée dans
des logiques qui la dépassent.
C'est un individu scindé qui est dorénavant touché
par la crise du capitalisme financier et par
l'inquiétude climatique et écologique.
Cet individu scindé recherche l'authenticité. Il
recherche la cohérence. Il recherche un chemin
vertueux où les exercices professionnels
pourraient être en cohérence avec l’idée qu'on
se fait de la façon dont devraient fonctionner
les choses.
Évidemment, les différentes industries, dont
l'industrie du luxe, ont bien repéré votre singularité.
Vos ateliers sont des sites de cohérence
bien plus resserrée entre le produit et ce qu’il
veut dire, ce qu’il porte. Cela explique ce que
font les autres secteurs économiques. Ce n'est
pas qu'ils se disent qu’il faut piquer les valeurs
des ateliers d'art, mais ils sentent le mouvement
dans la société. Il se trouve que vous êtes là et
que, dorénavant, les personnes vous regardent
différemment ; elles se disent que ce que vous
portez est un chemin d'avenir, qu'il faudrait que
l'ensemble de la société puisse ressembler à ce
que vous portez au quotidien.
Entre le geste artisanal que vous représentez et le
néolibéralisme, on peut entendre tous les termes.
Le néolibéralisme est le virtuel et vous, vous travaillez
sur les matériaux. Le néolibéralisme, c'est
les procédures et vous, vous êtes dans le geste.
Le néolibéralisme, c’est l'utilité immédiate et vous,
vous êtes dans le beau. Le néolibéralisme, c'est
la reproductibilité et vous êtes dans la créativité.
C'est la standardisation et vous êtes dans
la singularité. C’est l’obsolescence et vous êtes
dans la livrabilité. C’est l'exploitation et vous êtes
dans la réalisation du potentiel humain et matériel.
C’est la communication et vous êtes dans la
transmission. C’est la valorisation et vous êtes
dans la création de valeurs. C’est la concurrence
alors que vous êtes dans le lien social.
Ces écarts, ces antagonismes de valeur à valeur
font que, spontanément, on vous voit bien de
façon différente quand on pense à ce que vous
faites. Vous incarnez un travail humain, celui où
l'homme se confond au matériau au sein de son
atelier et non celui où la technique et le marketing
dominent l'homme et son travail.
Je termine avant le second rappel à l'ordre de
Philippe Loiseau. Pourquoi n’êtes-vous pas suffisamment
repérés, protégés et valorisés, nonobstant
ce que vous représentez ?
Je crois qu'il y a tout d'abord une raison structurelle
: comme ce que vous représentez remonte
loin dans l'histoire, on a le sentiment qu’au fond,
ce que vous faites est un peu intemporel, que
cela existera toujours quoiqu'il arrive.
En outre, comme les décideurs sont des techniciens
ou des technocrates, ils vous voient un peu
comme une sorte de conscience malheureuse
du cours des choses. Les consciences malheureuses,
on y pense quand on est devant un beau
tableau, quand on est dans la nature ou qu'on
écoute une belle musique et, une fois que c'est
passé, c'est business as usual. L'image que vous
représentez pourrait inciter à dire que, de toute
façon, cela a toujours existé et cela existera toujours,
selon un principe où tout cela est intemporel
et éternel.
Il y a peut-être une autre raison. Moi-même,
j'avoue que je me suis laissé berner lors des tout
premiers échanges avec vous. C'est, me semblet-il,
la chose suivante : évidemment, quand les
décideurs pensent au secteur qui est le vôtre,
puisque nous sommes dans l'imaginaire français
cartésien qui consiste à toujours ranger les
personnes dans des petites cases, c’est comme
pour un jardin à la française : on pense de façon
très binaire. Dans la bataille qui est la vôtre pour
vous faire reconnaître, il y a d'un côté l'industrie
du luxe et de l'autre, les métiers d'art.
Vous dites que vous êtes singuliers et que vous
n’êtes pas une industrie. Vous êtes l'humus de
l'industrie, mais pas l'industrie.
Que se passe-t-il ? Par la force des choses, on
vous voit comme des artistes plus que comme
des métiers d'art. Cela veut dire que, spontanément,
dans les discussions, quand vos représentants
mènent la bataille à Paris ou à Bruxelles
pour faire avancer la cause qui est la vôtre – la
branche et le statut – dans la représentation
mentale de vos interlocuteurs, il y a d'un côté
l'industrie du luxe, dont la conception varie
selon les acteurs de l'industrie du luxe, mais qui,
comme son nom l'indique, est tout de même une
industrie et, de l’autre côté, il y a vous, qui seriez
des artistes. On mésestime le fait que s’il y a une
partie artistique dans ce que vous faites, vous
êtes des entrepreneurs. Vous n'êtes pas des
artistes maudits, ce qui fait que, de toute façon,
I.2. Les métiers d’art et l’imaginaire français, un dialogue intime et permanent
17

vous serez reconnus un jour. Non, vous êtes des
métiers. Vous êtes une branche.
Il faut bien poser les questions du modèle économique
et de sa capacité à perdurer et à se
déployer. J’ai l’intuition que la plupart de vos
interlocuteurs mésestiment cette dimension,
comme moi au tout début en vous écoutant, je
la mésestimais.
Entre l'industrie et l'artiste, il y a les métiers d'art.
Vous êtes cette singularité qu'il faut déployer, de
sorte de constituer tout d'abord la singularité de
ce que vous êtes dans les représentations de vos
interlocuteurs et décideurs.
En un mot, vous avez raison d'être là et d'être
optimistes au sujet de votre avenir. Mon intuition
est que votre optimisme est déjà porté par
ce que je viens de dire. Vous constatez bien le
mouvement vers vous.
Seulement, il faut maintenant faire comprendre
aux interlocuteurs et aux pouvoirs publics, que ce
soit au plan local ou national, que vous êtes des
métiers, que vous êtes une branche. Il faut poser
la question de l'environnement économique, du
modèle économique de vos métiers, de sorte
que vous puissiez déployer encore ce que vous
êtes dans le temps et aussi dans l'espace, parce
que vous êtes fichés au cœur de ce qui fait la
représentation du génie français.
Je vous remercie. J'ai peut-être été un peu long
et caricatural. Je crois que nous avons une demiheure
pour échanger entre nous.
(Applaudissements.)
M. Philippe LOISEAU
— Merci, Stéphane Rozès.
QUESTIONS ET PARTAGE
D’EXPÉRIENCES
M. Philippe LOISEAU
— Il est 11 h 05. Nous sommes dans une
logique de gestion du temps. Cela étant, pour
lancer les questions, nous avons constitué des
groupes miroirs qui ont vocation à amorcer les
échanges. Ce matin, nous allons y consacrer un
temps plus limité que prévu, mais cet après-midi,
nous reviendrons sur les questions que vous pouvez
poser.
Du côté des groupes miroirs qui sont en charge
des amorces, y a-t-il des questions que vous souhaiteriez
poser à Stéphane Rozès ?
INTERVENANTE DU GROUPE MIROIR
— Nous avons récolté auprès des participants
des réactions sur le fait d'avoir des statuts équivalents
par rapport à l'ensemble de la société,
sur des revalorisations et sur le fait que les revendications
de branche ne sont pas forcément
prioritaires.
Une première question concerne la façon de
résoudre le paradoxe de faire rêver sans faire
pitié ou sans se mettre en position d’assisté sur le
plan économique.
Deuxièmement, comment pérenniser cet intérêt
vers les métiers d'art après l'effet de mode ?
AUTRE INTERVENANTE
— Une question et une réaction autour de la
fragilité des savoir-faire : comment les pérenniser
et conserver, sachant qu’ils sont liés à des
identités uniques ?
Effectivement, en rebond, c'est la question d’effet
de mode. Si la société française a compris
le sens de notre travail et de nos valeurs, que
faut-il faire maintenant ? Le combat serait de
mettre en lumière le modèle économique que
nous portons.
Une dernière question est plus philosophique :
qu’est-ce que le beau ? Peut-on ou faut-il
le définir ?
M. Stéphane ROZÈS
— Je voudrais vous faire partager mes
convictions.
Le mot vient d'être utilisé deux fois, mais ce n'est
pas un « effet de mode ». Si l'analyse du mouvement
vers vous est juste, ce n'est pas un effet
de mode, mais un effet profond. Il ne tient pas
à vous, même si vous faites beaucoup d’efforts
au quotidien, ainsi que vos représentants. C’est
pour ces raisons fondamentales que l’on vous
regarde différemment. C'est lié à ce que nous
traversons en ce début de XXIe siècle. Ce sont
des questions de fond.
C’est une façon de répondre ; il ne s'agit pas
que vous fassiez pitié, pas du tout ! Au contraire,
il faut que vous expliquiez aux décideurs qu’il est
frappant qu’à ce point, ils ne comprennent pas
ce que nous nous disons là.
En général, ils sont un peu limités. Ils pensent que
les sociétés sont faites par les choses et que les
Effectivement, étant en charge de la tenue de
la réunion et des Assises, j'en suis le principal
gardien du temps. Je l’assume !
Stéphane Rozès va rester toute la journée avec
nous et interviendra à nouveau en clôture de
cette journée. Il a souhaité participer aux ateliers,
justement pour vous écouter et continuer à
nourrir son propos. •
Les participants des Assises réunis en ateliers
18 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

choses font les hommes. Ils pensent que l'économie
fait la société. Ils sont un peu perdus en ce
moment, car ils ne comprennent plus ce qu’il se
passe. Ce sont les populistes, les nationalistes,
les Gilets Jaunes. Ils sont désemparés pour
comprendre ce qu’il se passe dans le monde
et en France.
Il ne faut surtout pas faire pitié. Au contraire, il faut
leur faire comprendre ce qu’il se passe maintenant,
en les accompagnant dans leur réflexion.
Dans leur tête, les Français sont sur un autre type.
Ils aspirent à autre chose. Ceux qui n'en ont pas
les moyens peuvent régresser, bien sûr, mais, au
fond, alors même qu'ils régressent, ils aspirent à
autre chose : ce que vous représentez au quotidien.
Il faut expliquer qu’il ne faut pas faire pitié
et qu’il n'y a pas de raison de faire pitié. Vous
n’embarquerez personne par la pitié.
Vous-mêmes, vous n'êtes pas venus à Perpignan
sous ce thème, en disant que vous n’êtes
pas reconnus, que vous êtes peu de choses. Au
contraire, vous êtes venus à Perpignan parce
que vous êtes conscients de ce que vous êtes et
de votre apport. Pour les Français, c'est pareil.
Quand les personnes ont un discours larmoyant,
elles restent chez elles. Les personnes se mettent
en mouvement quand elles sentent, au fond
d’elles-mêmes, que quelque chose n'est pas
valorisé et n’est pas compris.
Je suis absolument en désaccord avec l'idée que
le mouvement vers vous serait un phénomène
de mode. Vous devez mettre en avant que vous
représentez un potentiel inexploité pour le pays
et pour les territoires. Si on n'y prend pas garde,
non seulement le potentiel inexploité ne sera pas
valorisé, mais vos métiers pourraient être en difficulté.
C'est à partir du potentiel positif que vous
représentez que vous vous déployez.
Je termine par l'idée du beau. Il varie selon les
civilisations. Chez nous, en France, le beau est
toujours associé à la raison. Si vous reprenez
tous les textes, le beau est un dépassement qui
permet non seulement de se retrouver émotionnellement
dans quelque chose, mais dont on
pense aussi que cela correspond à quelque
chose qui fait sens. Le beau n'est pas seulement le
point d'arrivée de ce que vous faites, de ce que
fait un artiste, mais le cheminement. C'est l'idée
que ce qui va ressortir est un dépassement de
quelque chose qui donne sens à la vie. Le beau
est ce qui donne sens à la vie et, au fond, qui fait
qu'on peut accepter de mourir. Plus exactement,
pour oublier qu'on va mourir, il faut faire du beau.
C'est ce qui anime et distingue l'homme de l'animal.
C'est ce qui fait qu’au fond, la vie vaut la
peine d'être vécue.
(Applaudissements.)
M. Philippe LOISEAU
— Merci, Stéphane. Je propose que nous nous
arrêtions. Tu reviendras en fin de journée pour
reprendre les échanges.
Je vais introduire la deuxième partie de la matinée,
dédiée à des échanges et à des débats
entre vous. Ce qui va nous conduire tout au long
de cette journée est bien la question de l’identité
professionnelle.
Au fond, comme Stéphane Rozès l’a rappelé
lors de son intervention, c'est sur ce socle que
se constitue votre identité professionnelle singulière
et spécifique. C’est sur ce socle que peut
se légitimer la revendication d'être une branche
professionnelle à part entière et, du coup, une
filière de formation, un statut social unifié, etc.
C'est un ensemble cohérent et consistant et,
quand un élément manque, il est forcément difficile
à porter.
L'élément-clef est, me semble-t-il, cette question
d'identité professionnelle. Au fond, qu’est-ce qui
constitue votre identité professionnelle, quels
types de savoirs, de savoir-faire et de savoirêtre
? Qu’entend-on par savoir-être ? C’est le
courage, la ténacité, la créativité et le sens de
l'excellence. Ce sont des savoir-être.
Au-delà même de ces savoirs – savoir-faire et
savoir-être –, il y a aussi les valeurs professionnelles
que vous avez en partage et qui constituent
votre identité professionnelle. Quelles
valeurs avez-vous en partage ?
Stéphane Rozès ne me contredira pas. Les
valeurs sont simplement des savoir-faire qu’une
communauté a reconnus dans le passé, et au fur
et à mesure de son expérience, comme suffisamment
efficients pour faire des normes d’action,
des valeurs et des règles de conduite. Une valeur
est simplement un savoir-faire qui a été, au fur et
à mesure du temps, reconnu par la communauté
constitutive comme une norme d’action qu'elle a
transformée en vertu.
La question qui nous animera au cours de ces
débats portera sur les savoirs, le savoir-faire,
le savoir-être et les valeurs professionnelles
qui constituent le ciment de notre identité
professionnelle.
Comme lors de ces précédentes Assises, comment
ces échanges vont-il concrètement s'organiser
? Après la pause, vous serez appelés à
rejoindre vos groupes d'échange.
(Explications concernant l’organisation)
Les échanges et les débats entre vous dureront
une heure. Vos rapporteurs partageront les résultats
de vos échanges avec les animateurs. Après
le déjeuner, nous ferons une restitution de ce qui
est ressorti de vos échanges au cours de cette
matinée. Après le déjeuner, je reviendrai vers
vous pour tenter d’en faire la synthèse.
Vous travaillerez sur deux sujets différents. Les
groupes ne travailleront donc pas exactement
sur les mêmes sujets.
Une partie d’entre vous travaillera sur les savoirs
et les valeurs qui vous définissent en propre.
Quels sont les savoirs, savoir-faire, savoir-être
et les normes fonctionnelles qui constituent votre
singularité aujourd’hui ? Parmi ceux-là, quels sont
ceux qui font écho aux défis du présent auxquels
faisait référence Stéphane Rozès ?
L'autre partie travaillera sur les savoir-faire qu’il
est essentiel, de notre point de vue, de pérenniser,
de consolider et de défendre, ce sur quoi il
ne faut rien lâcher, et sur les savoir-faire à développer
ou renforcer.
Autrement dit, la société se transforme. Les transformations
de la société traversent le secteur des
métiers d'art. On parle de digitalisation, mais pas
seulement. Quels savoirs devrez-vous faire évoluer,
développer et initier pour que cette identité
professionnelle se pérennise et constitue, dans
le futur, une réponse aux questions qui vous sont
posées en tant que secteur des métiers d'art ?
Un groupe travaillera plutôt sur le présent et le
futur. L’autre groupe travaillera sur ce qui vous
singularise et sur la façon dont cela fait écho
aux aspirations de la société, dont parlait
Stéphane Rozès.
Les domaines sont assez denses et le challenge
n'est pas si évident pour vous, mais les rapporteurs
vont vous briefer ; cela va bien se passer. Je
vous propose de nous retrouver dans 20 minutes
pour que vous puissiez rejoindre vos ateliers. Je
vous souhaite une bonne pause.
(La séance, suspendue à 11 h 20,
est reprise à 14 h 45.) •
I.3. Synthèse des ateliers
19

3
SYNTHÈSE
DES ATELIERS
M. Philippe LOISEAU
— Soyez les bienvenus pour engager cet
après-midi des Assises.
Nous allons reprendre la réflexion engagée ce
matin sur l'identité professionnelle des métiers
d'art, identité professionnelle qui est la vôtre, qui
est légitime et qui a vocation à être une branche
professionnelle. Elle est constituée des savoirs,
des savoir-faire, des savoir-être et des valeurs
professionnelles que vous avez en partage, quel
que soit votre exercice : verrier, mosaïste, céramiste,
maroquinier, plumassière, etc. Les savoirfaire
sont nombreux.
Les valeurs et les savoirs nous rassemblent. C’est
sur ceux-là que nous avons choisi de travailler
au cours de cette matinée.
Les échanges ont été très denses. J'ai vu que les
animateurs avaient du mal à clore les débats.
Comme il y a eu beaucoup d’échanges, l'exercice
de synthèse sera difficile. Je vais me prêter
au difficile jeu de rassembler ce qui s'est dit et
je vais vous proposer une synthèse, par nature
partielle. Elle n'aura pas l’ambition d'être exhaustive.
J'espère au moins que la tonalité, les mots,
les expressions et les idées qui sont revenus le
plus souvent au cours de nos échanges seront
restitués ici.
La production existe et est conservée. Toutes
les notes prises sont évidemment à disposition
d'Ateliers d'Art de France. Cela constitue le vrai
matériel de synthèse.
Il y avait deux zones de questionnement, deux
thématiques en parallèle. Je les ai un peu mélangées.
Du coup, l’idée est de répondre aux questions,
mais pas forcément dans l'ordre dans
lequel elles ont été posées.
Quand nous ferons référence à la question :
« À quels défis contemporains et à quels défis
de la société les métiers d'art peuvent-ils
répondre ? », nous retrouverons cette question
de l'accélération et du rapport au temps.
Le reste des savoirs sont essentiellement des
savoir-être.
Pour faire écho aux propos de Stéphane Rozès
ce matin, on a beaucoup insisté sur la dimension
émotionnelle. La part de l’émotion, de l’émotionnel
est un élément caractéristique.
On parle beaucoup d'intelligence émotionnelle.
On la recherche désespérément chez les
salariés, chez les cadres et chez les managers.
On développe beaucoup l’intelligence émotionnelle
dans les entreprises. Cette intelligence
émotionnelle dont les entreprises sont en quête
est déjà ancrée chez vous. C’est un savoir qui
vous constitue et vous singularise en tant que tels.
QUELS SONT LES SAVOIRS, SAVOIR-FAIRE, SAVOIR-ÊTRE ET LES
VALEURS PROFESSIONNELLES QUI CONSTITUENT LES MÉTIERS
D’ART ET QUI LÉGITIMENT LA REVENDICATION D’UNE BRANCHE
PROFESSIONNELLE À PART ENTIÈRE ?
Cela a commencé par cette question : quels
sont les savoirs, les savoir-faire, les savoirêtre
et les valeurs professionnelles qui,
aujourd'hui, vous définissent le mieux ? Il y
a évidemment les savoir-faire et, essentiellement,
des valeurs et des savoirs.
Autrement dit, ce qui vous caractérise quand
vous parlez de vous-mêmes et que vous partagez,
me semble-t-il, c'est à l’évidence la maîtrise
de la transformation de la matière, toute
cette relation à la matière, le dialogue avec la
matière, l'écoute de la matière, sa connaissance
intime. Ce sont des termes et des expressions qui
sont revenus de façon constante, de même que
le geste, la maîtrise, la recherche du geste juste.
Un terme récurrent que nous retrouvons à plusieurs
reprises est le fait de transmettre. Cette
question de la transmission est au cœur même
des savoir-faire des métiers d'art. Autrement dit,
ce n'est pas seulement « savoir-faire » mais aussi
« transmettre ». C'est un héritage caractéristique
et spécifique à vos professions. À part chez les
enseignants – c'est ce qui les définit principalement
–, cette notion de transmission se retrouve
en particulier chez vous et pas forcément dans
d'autres organisations, quand on pose la
même question.
Le deuxième savoir-faire ou savoir-être très particulier
est revenu à plusieurs reprises. C'est le
rapport au temps. Les animateurs ont entendu
et retenu que ce rapport au temps est ce qui
ramène au réel et au présent, dans un monde
qui est plutôt caractérisé par une accélération.
Le rapport au temps est à la fois un mode de faire
et un mode d’être qui vous caractérise en propre.
Les autres savoir-être sont liés à l’indépendance,
à la polyvalence, à la liberté et surtout à la prise
de risque, à l’audace, à l’engagement et à la
combativité. Nous retrouvons des notions que
nous avons déjà évoquées ce matin. Vous êtes
dans des métiers qui se caractérisent par cette
capacité à prendre des risques, à être audacieux.
C'est cette vertu qui rend le risque possible.
Il s’agit de s'engager au prix de difficultés
économiques et d’être combatif, c’est-à-dire de
dépasser les contraintes de toutes natures qui
sont les vôtres pour persévérer dans votre être,
donc pour vous réaliser.
L'authenticité, la sincérité, la sensibilité et l'intégrité
sont d'autres valeurs citées par les groupes.
Un point revient dans les différents propos : les
valeurs sont liées au travail. Il y a en quelque
sorte une forme de réhabilitation. Je ne pense
pas que le travail ait été déshabilité. Il existe une
forme de valorisation des valeurs associées au
travail, que ce soit des valeurs liées au « bien
faire », à l'excellence, à l'accomplissement du
geste et à sa maîtrise ou des valeurs de travail qui
sont intimes à une communauté professionnelle
comme la vôtre et qui sont, comme dans toutes
les communautés professionnelles constituées,
20 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

l'unité devant la matière, devant la forme et
devant la tâche.
Ces valeurs liées au travail sont effectivement
constitutives de vos savoir-être, de ces valeurs
professionnelles que vous véhiculez et qu’on
retrouve de façon constante tout au long des
propos et dans tous les groupes qui ont pu
s'exprimer.
Comment les préserver ? C’est aussi un point
récurrent.
La meilleure façon de préserver ces valeurs est
d'investir dans la transmission, bien entendu.
Cela va presque de soi.
Paradoxalement, c'est aussi de se confronter
aux autres. Beaucoup l’ont dit : se confronter
aux autres, ce n'est pas simplement se confronter
à ses pairs, c'est aller au-delà, c’est-à-dire
se confronter à d'autres professions qui sont
proches ou, parfois, éloignées de vous. Les
architectes et les designers ont été cités. Il s’agit
de voir de quelle façon, dans ce dialogue et
cette confrontation aux autres, on va pouvoir
préserver et capitaliser sur les savoir-faire qui
sont constitutifs.
La question posée à l’autre groupe était la suivante
: « Quels sont, dans vos métiers, les
savoirs ou les valeurs professionnelles
qu’il est essentiel de réaliser ou de mettre
en valeur, car ils vous caractérisent ? »
Il n'y a pas de divergences ; au contraire, cela
converge.
On vous a posé deux questions sous des angles
différents et les réponses ont été les mêmes : on
retrouve la connaissance intime de la matière,
la maîtrise du geste technique, la recherche du
beau, la créativité vécue et appréciée. Certains
ont dit que c’était une sorte de processus
en constante transformation. La créativité n'est
pas un acquis, mais un processus dans lequel
on s’engouffre et qui porte.
Il a été question de cultiver l'imaginaire. On retrouve
cette idée de cultiver son ouverture d’esprit.
Il y a également, et cela ne vous surprendra pas,
car nous en avons parlé précédemment, le fait
de savoir transmettre. Il est important de préserver
ce savoir de la transmission et de le mettre en
valeur, parce qu’il est constitutif de notre communauté
professionnelle. Il s'agit bien de s’impliquer
dans la formation des futurs professionnels.
De façon corollaire, cela signifie aussi – et c’est
un vrai enjeu – de pouvoir identifier ce qui est
constitutif d'un professionnel, de quoi sont faites
les compétences d'un professionnel. La transmission
n’est pas seulement transmettre un savoir,
c'est aussi la reconnaissance d'un savoir acquis,
d’un répertoire de savoirs acquis. Ce besoin de
formalisation du répertoire du savoir acquis fait
partie des enjeux de préservation et de pérennité
des savoirs constitutifs des métiers d'art.
Comment ? Deux thèmes reviennent.
Tout d'abord, ce sont des formations. C'est un
constat largement partagé : une formation plus
valorisante et plus consistante pour les individus,
et pas seulement les jeunes publics. Il s’agit de
faire en sorte que ce ne soit pas un choix par
défaut, mais bien un choix délibéré de choisir
un métier d'art. Cela suppose aussi des actions,
tout un travail dont la communauté doit s'emparer.
Comment agir pour que, très tôt, cela puisse
être un débouché professionnel et une source
d'inspiration pour les jeunes ?
Le deuxième axe est celui de la collaboration,
du « faire avec », du « faire ensemble ». Il vous
semble que la meilleure façon de pérenniser et
de mettre en valeur vos métiers est tout simplement
quand vous faites avec, quand vous faites
ensemble, quand vous êtes dans des schémas
de coopération, quand vous créez des occasions
de partage. Cette thématique du partage,
de la déclaration, de la mise en réseau, de la
confrontation avec d'autres pratiques, d’autres
métiers et d'autres savoirs vous semble stratégique,
parce que constitutive de la pérennité de
vos savoirs. J'ai trouvé cela extrêmement instructif.
La troisième question posée est la suivante :
quels sont les savoirs, les savoir-faire et les
savoir-être qu’il est crucial de développer ?
J’imagine que la synthèse ne surprendra personne.
Cela tourne autour de quatre ou cinq
axes, dont trois sont revenus de façon permanente
et concourante.
Il s’agit tout d'abord de la question du digital.
Quand on parle de digital, il s’agit de l'ensemble
des outils qui sont à la fois des outils de réseaux,
de mise en relation et des outils de promotion et
I.3. Synthèse des ateliers
21

de vente. Ce sont à la fois des outils sociaux et
des outils de diffusion.
Pour vous, le digital n'est pas un risque.
Certains se sont dit que la question du digital
risquait de faire perdre le lien intime et narratif
avec les clients. L’échange est distancié, dématérialisé.
Il y a quelque chose de propre à nos
métiers : ce lien de narrativité avec le client. On
risque de le perdre.
Pour d'autres, ce n'est pas forcément un risque.
C'est une opportunité d’élargissement de la diffusion,
de vente et d’acquisition du produit.
Le digital n’entame en rien la singularité du lien,
car le lien est toujours possible. Le digital est
aussi un outil de sociabilité relative. En tout état
de cause, cela dépend de ceux qui le gèrent et
de ceux qui s'y intègrent. Le digital ne fait pas
perdre la singularité du lien. En tout cas, il n'est
pas vécu comme un risque.
Vous dites aussi que ce n'est pas forcément votre
truc d'être geek. Du coup, cela voudrait dire que
le développement digital pourrait s'appuyer
sur des ressources mutualisées. Autrement dit,
plutôt que chacun devienne un geek, il s’agit
de confier cela à des geeks, de s’appuyer
sur des personnes qui savent plutôt que de le
faire soi-même. Cela peut être des missions de
développement de ce support digital auprès
des internautes.
Le digital est aussi un moyen de mettre en œuvre
des formations dématérialisées. On connaît les
grosses plateformes universitaires d’accès aux
connaissances qui proposent des massive open
online courses (MOOC), des cours en ligne.
Toutes les universités ont énormément investi
dans la capacité d’ouverture de leurs savoirs et
de leurs cours. La formation aux métiers d'art peut
emprunter partiellement le digital pour certains
sujets et certaines thématiques, pour se déployer
à moindre coût et de façon plus massive.
Le digital permet à la fois d'éduquer et de s'éduquer.
Cela pourrait permettre de matérialiser ce
réseau qui mutualise à la fois les professionnels
des métiers d’art, les clients, les collectionneurs,
les prescripteurs et les designers. C'est aussi
une façon de créer une communauté ouverte
qui fédère un ensemble d'acteurs et de parties
prenantes autour de la galaxie des métiers d'art.
On retrouve cette idée constante de coopération,
de mutualisation, de liens, de reliance entre
les acteurs.
Le deuxième grand morceau consiste à développer
des matériautèques. C'est sans doute un
lien plus direct qu'il faudrait nouer avec les ingénieurs
qui créent et développent ces nouveaux
matériaux. Autrement dit, il serait intéressant de
se rapprocher, d'avoir un lien plus constant et
plus direct avec ceux qui sont à l'origine des
matériaux, de pouvoir nouer ce dialogue afin
d’introduire ces nouveaux matériaux dans son
propre répertoire créatif.
Pourquoi ce lien avec les ingénieurs ? Cela
introduit le troisième pavé. C'est aussi par souci
de cohérence écologique du matériau. Travailler
avec les ingénieurs, c'est aussi maîtriser
la consistance et la cohérence écologique
des matériaux qu'on mobilise. C'est s’impliquer
dès la conception du matériau dans le futur du
matériau lui-même. Autrement dit, on ne peut pas
être responsable et se revendiquer comme étant
des métiers soucieux de l’écologie si on ne se
préoccupe pas du destin des produits que l’on
fabrique et des matériaux qu'on utilise. Le sujet de
la gestion de la fin de vie du produit, du destin du
matériau lui-même est revenu dans les échanges.
Cette question écologique est apparue
comme une constante. Il y a eu beaucoup de
suggestions. Est-ce qu'on ne pourrait pas mutualiser
la fabrication et l’usage des emballages ?
On fait référence à l’énorme consommation
d'emballage des pièces sur les salons, aux
grosses dépenses d’externalités qui sont produites
simplement quand on transporte, positionne,
déballe, etc. Qu’est-ce qu’on fait ?
Ce sont peut-être des questions de détail, mais
elles illustrent la conscience forte de cette double
dimension qui est celle de l’éco-conception – ce
terme a été utilisé – et de l’éco-responsabilité.
Cela signifie que nous communiquons auprès de
nos clients que nous sommes des militants écologiques
dans la façon dont nous fabriquons nos
objets, à la différence de l’industrie.
C'est bien d'avoir des valeurs écologiques,
mais c'est mieux de les transmettre aux clients
à travers le produit. Autrement dit, on peut aussi
sensibiliser les clients à la question écologique
parce qu’elle est véhiculée également par la
22 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

narration qui entoure les produits. Nous pouvons
aussi éduquer et sensibiliser nos clients et pas
simplement revendiquer le fait d’être écologiste.
On peut être dans un acte écologique et pas
simplement dans un discours écologique. Cela
veut dire qu’il y a, de ce point de vue, des enjeux
d'éducation et aussi de communication.
La question qui revient assez régulièrement, et
dont la portée est plus large que simplement
écologique, est de réfléchir à un label distinctif.
Quel label pourrait-on imaginer qui soit distinctif,
lisible par le public et qui qualifie le produit,
l'œuvre ainsi que le professionnel et sa façon de
faire ? Cette idée de labellisation, de garantie
au client, de spécifier non seulement le produit,
mais aussi celui qui l'a réalisé, est revenue
assez souvent.
Enfin, pour moi, c’est un savoir-être. Je le trouve
extrêmement intéressant, même s’il a été cité de
façon très marginale. Dans un groupe, il a été
dit qu’il serait bien de savoir analyser collectivement
nos difficultés et nos échecs, car c’est la
meilleure façon d’avancer. Dans l’industrie, on
appelle cela l'amélioration continue. Ce processus
de retour sur expérience continu, progressif
et exigeant est vécu comme la seule façon de
progresser dans un collectif organisationnel.
Cela a été posé. Je trouve que c’est un savoirêtre
: savoir analyser en collectif ce qui nous est
rendu difficile, les contraintes qui sont les nôtres
et les échecs, parce que c'est ce qui nous permet
de progresser. C’est donc un savoir-faire
qui nous dessine et qui nous permet de construire
notre futur et notre avenir. Ce processus d'apprentissage
par l'expérience est collectif, pas
seulement individuel.
Enfin, la dernière question posée à une partie
des « ruches » était la suivante : « quels sont les
trois principaux défis auxquels doit faire face
la société et quelles réponses les métiers
d'art peuvent-ils apporter à ces interpellations
qui sont celles de la société ? »
Beaucoup de choses sont remontées. C'est très
riche. Je vais m'efforcer de faire un exercice
de synthèse.
Tout d'abord, il s’agit de répondre au défi de
l'hyperconsommation et du jetable. Cela passe
par le fait que les métiers d'art privilégient, par
nature, une consommation raisonnée et aussi
parce que le beau a une vertu intrinsèque. Je
fais référence aux propos de Stéphane Rozès. Le
beau a comme vertu intrinsèque d’être le versus
même de l’hyperconsommation, parce que le
beau fige. Il appelle la lenteur, la distance, le
recul, la méditation. Le beau est l'opposé même
de l'hyperconsommation.
De ce point de vue, le beau est presque une
valeur politique dans un monde où on s'oublie.
Je faisais référence à cette mort qui nous attend
tous. On s’oublie aussi par l’hyperconsommation.
On règle le problème ou pas par le beau
ou par la consommation et l’oubli de soi. C’est
ce que Pascal avait appelé le divertissement.
Le deuxième élément est de renouer avec le
respect du travail. Cette valeur ancienne est,
pour vous, très contemporaine. Dans un monde
où on voit se développer les bullshit jobs et les
emplois précaires, un salariat en quête de sens,
un respect du travail et de ce qui est constitutif du
travail est pour vous une réponse contemporaine
à un enjeu où chacun a du mal à se retrouver :
qu’est-ce que je vais faire de ma vie ?
A priori, le travail reste la manière de se réaliser
la plus démocratique. Pour se réaliser comme
sportif, il faut être bon. Cela m'a complètement
échappé ! À part le travail, il n'y a pas d'autre
façon aussi démocratique de se réaliser. De
ce point de vue, les valeurs de travail que vous
développez sont une réponse à une question
très contemporaine.
Une autre réponse est liée à l'accélération du
temps. Vous vous inscrivez par nature dans une
forme de lenteur. C'est le temps de la matière, du
travail. C'est l'ancrage dans les racines du temps
qui sont, en soi, révolutionnaires. Autrement dit,
par rapport à un processus d’accélération, de
renouvellement et de culture de la vitesse, cette
culture de la lenteur est une réponse à une perte
de soi qui caractérise la société contemporaine.
Enfin, trois dimensions apparaissent. Elles
répondent toutes à quelque chose de l'ordre de
l'humanisme.
Pour vous, innover, c'est certes combattre la standardisation,
mais c’est aussi valoriser la singularité
de la personne. C’est un humanisme au sens
que cela met en avant le respect de la personne
dans son intimité, dans sa capacité à être.
C'est donner du sens dans un environnement
profondément déshumanisé. La Présidente en a
parlé ce matin.
C'est reconnecter avec l'humanité et lutter
contre les pessimismes, parce que l'artisanat
d'art est une forme de capacité de résilience, de
confiance que supposent toujours l'acte créateur
et le parti-pris du risque. Autrement dit, on ne peut
pas être créateur et prendre le parti du risque si
on ne sait pas être résilient et si on ne sait pas
avoir confiance dans les autres et dans l'avenir.
C'est aussi une réponse au sondage de ce matin
qui était, en soi, assez déprimant puisqu’il évoquait
une société marquée plutôt par le dépit, le
repli et l'inquiétude.
Enfin, la dernière qualité – qui est sans doute une
forme de réponse – est la sensibilité, la force de
l'émotion et l'intuition intime, qui sont autant de
vecteurs de ré-enchantement et de réhumanisation
du monde.
Je pense avoir tout dit sur ce qui figurait dans
mes notes. Je finirai simplement par une expression
formulée par un groupe et qui fait référence
aux propos de Stéphane Rozès de ce matin. En
conclusion, vous êtes des Indiens aux plumes de
phénix. Cette définition m'a beaucoup plu et je
terminerai par elle.
Je vous remercie.
(Applaudissements.)
Nous allons poursuivre l'après-midi autour de
cette question de l'identité professionnelle. •
I.4. Le Craft et ses pratiques
23

INTERVENTION DE
FABIEN PETIOT
Historien de l’art et designer, Fabien
Petiot nourrit ses créations de ses
connaissances théoriques, mais aussi
de ses collaborations avec des artisans
d’art. Il est co-auteur de Crafts,
Anthologie contemporaine pour un
artisanat de demain, un recueil de 65
textes dédiés à la production artisanale
et à son rôle dans la société contemporaine.
Outre son activité de création,
il enseigne dans plusieurs écoles d’art
appliqué.
24 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

« LE CRAFT ET
SES PRATIQUES »
4
M. Philippe LOISEAU
— Afin de poursuivre la réflexion qui a été engagée
lors des ateliers, nous avons choisi de découper
cet après-midi en deux temps principaux.
Le premier temps comprend des témoignages
issus de pratiques et d'horizons extrêmement
différents et qu’il nous a semblé intéressant de
réunir, car nous avons pensé que ces réflexions
allaient vous être utiles pour que vous puissiez
prendre ce recul qu’est toujours ce moment privilégié
des Assises, pour penser votre action,
continuer à bâtir et à écrire votre histoire.
Dans une première partie, je vous propose un
entretien, comportant quelques questions que
j’ai préparées, avec Fabien Petiot que j'invite à
nous rejoindre sur scène.
(Applaudissements.)
INTERVENTION
DE FABIEN PETIOT
M. Philippe LOISEAU
— Fabien Petiot est historien d'art et designer.
Il a codirigé avec Chloé Braunstein-Kriegel un
ouvrage que vous avez peut-être vu, car il est en
diffusion dans la librairie du Palais des Congrès.
Il est assez volumineux et s'appelle Crafts,
anthologie contemporaine pour un artisanat
de demain. Ce livre a été publié avec le soutien
de la fondation Michelangelo. Il a reçu le prix
du Salon du livre et de la Revue d’art du Festival
de l'histoire de l'art.
J'avais envie de poser une première question
à Fabien. Ce livre a été présenté en France au
mois d'avril. Il est assez récent. Pouvez-vous nous
dire en quelques mots ce qui vous a conduit,
avec Chloé Braunstein-Kriegel, à codiriger un
ouvrage qui fait près de 700 pages et qui est
tout entier consacré au Craft ?
M. Fabien PETIOT
— Il fait 700 pages, sans illustrations. Vous pouvez
le repérer sur la table de la très belle sélection
de livres des éditions Ateliers d'Art de France.
Je vous remercie de votre invitation.
Voici ce qui nous a motivé à faire cet ouvrage,
Chloé et moi : lorsqu'on nous a demandé de
diriger un workshop pour réfléchir sur la question
de l'artisanat et de l’inscription de l'artisanat dans
la modernité (ce genre de questions qui ont tendance
à être récurrentes et qui, parfois, peinent
à trouver des réponses très satisfaisantes), nous
avons vu que très peu d'ouvrages, de littérature,
de textes, de réflexions en langue française
étaient disponibles. Quand nous avons voulu
regarder ce qui se faisait sur l’artisanat d’art et
les métiers d’art, en termes de littérature, nous
avons vu qu’il y avait un livre déjà ancien, datant
des années 80, écrit par un sociologue, Bernard
Zarca. Le livre d’Anne Jourdain n'était pas
encore publié à ce moment-là, en 2011.
J'ai traversé la Manche pour voir, au Victoria
and Albert Museum, une exposition qui s'appelait
The power of making : the importance
of being skilled. Cela signifie non seulement
« talentueux » et « riche d’un savoir-faire » mais
aussi « très habile ».
Philippe Loiseau, animateur des Assises
I.4. Le Craft et ses pratiques
Dans cette exposition, on voyait un profil se dessiner
chez cette nouvelle génération qui sortait
des écoles d'art, d'artisanat d'art et de design.
Les personnes étaient au croisement du savoirfaire
traditionnel, qu’elles revisitaient, et des nouvelles
technologies, en répondant également à
des questions sociétales. Le point de départ était
à l’origine les métiers d'art. Au fur et à mesure que
nous regardions, ne serait-ce que du côté de la
librairie du VAM, nous nous rendions compte
qu’il y avait énormément de choses en langue
anglaise et à quel point les différents contextes
25

qui existaient, lorsqu’on commençait à sortir des
frontières françaises, conduisaient à énormément
de sujets.
Nous nous sommes demandé comment nous
pourrions englober ces différentes échelles et
ces différentes structures. Le mot « Craft » s'est
imposé afin de parler aussi à un public anglosaxon
et englober ces différentes cultures, ces
différentes identités et ces différentes idées.
À travers ce livre sans illustrations, composé
de 65 textes que nous avons pu récolter et
accompagner d’essais, nous avons voulu valoriser
la réflexion qui se fait pour aujourd’hui et
pour demain sur le Craft. Il s’agissait également
d’avoir une démarche prospective et pas
une anthologie historique qui remonterait à
l’Antiquité, par exemple.
C’était aussi une manière d'établir une « carte au
trésor », de se faire cartographe et de donner un
état des lieux de ce qui se fait aujourd'hui et de
ce qui se fera peut-être demain. Tout cela peut
inspirer des développements à venir.
M. Philippe LOISEAU
— Je vais faire des réflexions un peu « boule à
facettes ». J'ai pris des éléments qui me paraissaient
intéressants et susceptibles de pouvoir
être partagés dans le cadre de ces Assises.
Ce sont des questions en fragments, que je vais
vous adresser.
En lisant certains des articles de contribution à
cet ouvrage, je me suis dit que chaque pays avait
sa culture, sa tradition des métiers d'art. L’ouvrage
développe cette idée que chaque pays
réserve une certaine place aux métiers d’art, à
la façon dont il entend en assurer la pérennité,
voire même aux enjeux qu'il lui prête ou à
la façon de les utiliser dans sa propre stratégie
de développement. On peut penser à des pays
aussi différents que le Japon et les États-Unis.
Peut-on avoir, à travers les contributions de ce
livre, un regard sur les différentes façons qu'ont
aujourd'hui les pays de réserver une place aux
métiers d'art et aussi, éventuellement, de poursuivre
des intentions, à travers l'entretien, la préservation
et le développement des métiers d'art ?
M. Fabien PETIOT
— Il arrive que l'Indien aux plumes de phénix se
retrouve déplumé. C'est l’un des risques, et non
des moindres.
Nous souhaitions aussi embrasser des questions
contemporaines : la crise migratoire, la question
de la tragédie environnementale que nous
vivons aujourd'hui et la question de la révolution
numérique. Comment le Craft répond-il à toutes
ces questions ?
Nous étions face à une très grande diversité. Les
valeurs de l'artisanat pouvaient être totalement
phagocytées comme elles pouvaient être aussi
porteuses de projets assez formidables, du point
de vue des réponses sociétales.
Vous m’avez demandé quelle image véhicule le
Craft selon les différents contextes. On peut avoir
un effet loupe, exacerbé à travers les expositions
universelles. Ce n'est pas quelque chose de très
récent. Ces expositions ont pour vocation de
vendre, pas nécessairement les produits de l'industrie
ou les produits artisanaux, mais de vendre
l'image d'une nation. C'est ce qu'on appelle le
soft power ou le nation branding. Autrement dit,
il existe des agences entières dont le cœur de
métier est de vendre l'image d'un pays.
C’est une chose que l’on voit beaucoup au
Japon, par exemple, à travers certaines expositions.
Cela a été le cas de l’exposition de 1851.
William Morris, adolescent, a refusé d'entrer
dans l’exposition du Cristal Palace ; il a peutêtre
fait une erreur, car ce n’était pas des produits
industriels qui étaient présentés, mais des produits
artisanaux, pour faire oublier la violence de
l’industrialisation de l'Angleterre à cette époque.
A Shanghai, en 2010, on pouvait voir les luthiers
de Cremona derrière une vitre. Ils pouvaient parfois
jouer quelques notes au violon. Tout cela
racontait une certaine image de l'Italie, une sorte
de dolce vita italienne à travers l'artisanat.
L'artisanat sert à un soft power, à l’image d'une
manière de vivre d'un pays.
Cette manière d'utiliser ou, en tout cas, de mettre
en avant l'artisanat, de le prendre comme une
vitrine, a permis au pouvoir autoritaire chinois
de condamner et de porter un coup redoutable
à une céramique de grès rouge en Chine, très
célèbre. Aujourd'hui, celle-ci est totalement
réhabilitée et devient la vitrine du régime. Une
manufacture de céramique tantôt sert des intérêts
et tantôt sert de bonne conscience ou de
vitrine à ce pouvoir chinois.
Un autre exemple est celui de Taiwan. Ce sont
des objets que vous avez peut-être pu voir au
moment de Révélations, il y a quelques semaines.
Taiwan est cette usine du monde qui est plutôt
synonyme du made in Taiwan, de tout ce qui
est électronique. Taiwan avait perdu ses savoirfaire.
Aujourd'hui, un centre de recherche combiné
à des ateliers, NTCRI, permet des résidences
et de faire revivre des savoir-faire autour du
bambou, par exemple.
C'est aussi une politique, mais pas au sens du
détournement politique. C’est une manière de
renouer avec ses racines et ses savoir-faire pour
aller dans quelque chose de très prospectif et
d’ouvert sur le reste du monde, puisque de nombreux
pays peuvent être représentés ici. Il y a des
Suédois, par exemple.
Il y a aussi quelque chose qui n’est pas illustré
là : une sanctuarisation des métiers d'art avec
les trésors nationaux vivants, comme c’est le cas
au Japon et dans les autres pays.
Ces effets de loupe nous intéressaient lorsqu’ils
sont montrés, exposés, quand il s’agit de quelque
chose de visible.
Vous voyez, à travers ma réponse un peu longue,
qu'il y a de nombreuses manières de caractériser
le Craft à travers le monde. Tout cela dépend
de contextes.
Il existe un autre phénomène qui n’est pas moins
important : c’est la manière dont les Arts and
Crafts ont pu avoir un impact considérable
sur l'artisanat d'art dans le monde. Les Arts
and Crafts ne sont pas seulement l’idée d’une
œuvre d'art totale qui valoriserait le travail ou les
matériaux. C'est aussi une manière, pour William
Morris, d'embrasser une question beaucoup
plus large, notamment la pollution des rivières
sous l’ère victorienne, par exemple. Il était écologiste
avant l’heure. Il embrasse des questions
sociétales extrêmement larges avec cet outil
qu’est le Craft, l’artisanat.
On voit aujourd’hui des féministes dans des
marches contre Trump, qui n’est pas un très
grand féministe. En se réappropriant l'univers
domestique associé à la femme, par la broderie,
par des œuvres collectives, notamment liées
au textile, elles manifestent aussi un certain point
de vue politique, au sens très large. Cela se fait
aussi dans cette filiation avec les Arts and Crafts.
Cela se fait enfin à travers une intégration aux
départements universitaires aux écoles d'art. Des
recherches, des thèses et des colloques sont souvent
organisés dans des écoles anglosaxonnes,
notamment aux États-Unis. Je pense au Warren
Wilson Collège, dont nous avons pu interviewer
l'actuelle directrice. Il y a un master de critical
studies sur le Craft. On pourrait dire la même
chose d'une école qui est une communauté Arts
and Crafts mise en place dans les années 20 :
la Cranbook Academy d’où sont sortis les plus
26 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

grands artisans d'art américains et également les
plus grands designers.
C'est quelque chose de très multi-facettes. C'est
la raison pour laquelle il m'est très compliqué
aujourd’hui de dire qu’il existe une identité universelle
de l’artisanat d'art. Pour moi, ce n'est pas
quelque chose de forcément très pertinent.
En tout cas, quelque chose est une évidence :
il y a une agilité à embrasser son époque, à
embrasser un contexte très particulier et à y
trouver des réponses. Cet outil, c'est le Craft,
l’artisanat d’art.
M. Philippe LOISEAU
— L’ouvrage évoque aussi la notion d’artisanat
diffus. Cette idée, telle que je la comprends, est
que l’artisanat d'art, ses valeurs, ses façons d’être et
ses pratiques infusent la société. C’est un sujet que
nous avons largement développé depuis ce matin.
Dans le même temps, il existe un risque que les
repères se brouillent et que ce qui constitue le
socle de l'identité professionnelle des métiers
d'art se liquéfie ou perde de sa substance, le
secteur étant accaparé par d'autres acteurs qui
poursuivent des fins étrangères aux métiers d'art.
Je pense notamment au secteur du luxe, dont
nous avons parlé ce matin.
Selon vous, que peut-on entendre quand on parle
d'artisanat diffus ? Si tant est que la question ait du
sens, est-ce un risque ou une opportunité ?
M. Fabien PETIOT
— Ce sont les deux. C’est très amusant. Pour
Chloé et moi, l’artisanat diffus est quelque chose
d’extrêmement positif. Je n'imaginais pas que
cela puisse avoir une autre tonalité.
Nous avons tout fait dans ce livre pour ne pas
essayer de faire des comparaisons ou de porter
de quelconques jugements. Au contraire, vous
devez avoir une diversité.
L’artisanat diffus est un terme qu'on emprunte
à Enzo Mari, un designer qui avait reçu une
commande au tout début des années 80 pour
mettre en valeur l’artisanat, notamment italien.
Il avait constitué une exposition qui s'appelait
Dov’é l’artigiano. Ce n’est pas « où peut bien
se trouver l'artisan » mais « là où se trouve l'artisan
». D’après la lecture d’Enzo Mari, il se trouve
présent dans les ateliers pour les maquettes de
l'industrie automobile, dans la verrerie, dans
l’industrie chimique. C'est lui qui réalise les
prototypes pour certains objets de design. Il se
trouve évidemment dans les ateliers de tapis en
Iran et également du côté de la mode et de la
vannerie, sur un grand nombre de plateaux de
télé. Il y a vraiment une diffusion des savoir-faire
qui servent des contextes beaucoup plus larges
que leur seul contexte premier, si tant est qu’il y
ait un contexte premier.
En tout cas, c’est la capacité de cet artisanat à
s'adapter à de nombreux domaines différents.
Dans le même temps, avec cet artisanat diffus, le
principe de Craft a été largement détourné. Un
hamburger, un jean, une bière, une barbe ou tout
ce que vous voulez peut être crafted, artisanal. Il
n’y a évidemment rien d'artisanal dedans, ni sa
production, ni sa distribution, ni les valeurs que
cela accompagne, ni les conséquences que
cela peut avoir.
On est vraiment là dans ce que nous avons
appelé le craft washing en nous inspirant du
green washing. Le green washing, c’est peindre
une chaise en vert et dire que c’est écologiste.
Ce n'est pas parce qu'elle est en vert qu’elle est
environnementalement saine et vertueuse. Le
craft washing est cette manière de détourner
n'importe quoi en lui mettant une étiquette Craft
Art. Il faut le dénoncer énergiquement.
La lecture qu’on peut avoir en plus, pour essayer
d'être malgré tout un peu constructif et un peu
optimiste, c'est de se dire que les valeurs se diffusent,
comme cela a été dit précédemment.
L’artisanat diffus va aussi en ce sens.
L’artisanat se diffuse. Le problème, comme le dit
Andrea Branzi, un autre designer, est qu’à force
de se diffuser et de travailler, par exemple, pour
l’industrie, l'artisanat perd un peu de son identité
de modèle culturel. Branzi met cela sur la table.
À un moment, l'artisanat est-il encore l'artisanat
lorsqu'il travaille pour d'autres ? Évidemment, la
collaboration est passionnante et enrichissante
pour tout le monde, mais à quel point est-on
encore soi-même quand on se compromet,
en tout cas en tant que modèle culturel ? C’est
Branzi qui le dit.
Un autre auteur est Garth Clark qui demande
si, à force de courir après le modèle de l’art
contemporain, le Craft américain est un autre
art contemporain ou toujours de l'artisanat. La
question est posée.
On peut également déduire une troisième chose
de ce genre de pratique : le modèle industriel, tel
qu'il existe, est peut-être arrivé en bout de course.
En tout cas, il s'essouffle. Il recherche une légitimité,
une certaine image. Ce questionnement
est très intéressant. Quand on veut absolument
mettre l'artisanat en valeur avec une notion d'authenticité
alors qu’on est un industriel, quelque
chose ne va pas !
Heureusement, on peut également se retourner
vers William Morris qui a cette vision très large
et très diffuse de conception de l’artisanat. On
peut aussi apercevoir, dans cette filiation avec
William Morris, avec cette vision politique au
sens large, dans les nouvelles générations qui
sortent des écoles d’art, d’artisanat et d’arts
appliqués, une nouvelle réponse pour concilier
les savoir-faire industriels et artisanaux. C'était
déjà le cas avec la Werkbund allemande, avec
Peter Behrens dans les années 20. C’est le cas
aujourd’hui avec les personnes qui réfléchissent
à l’obsolescence, aux questions de production et
de valeur accordée à l'objet, à l’obsolescence
programmée, etc.
Nous étions vraiment convaincus que l’artisanat
diffus était quelque chose de positif. J’espère
vous en avoir un peu plus convaincus.
L’artisanat diffus est un espace de rencontre. L’illustration
qui figure ici est celle de makers. Sontils
des artisans, des designers ou des geeks ?
Je n'en sais rien. En tout cas, ils vont faire de la
céramique imprimée. La main est à distance. Le
four va venir perturber ce qui pouvait paraître
très digital. La réponse se fait avec un parfumeur.
Subitement, cette céramique imprimée devient
le support de la diffusion d'une fragrance. C’est
peut-être très anecdotique. En tout cas, cet artisanat
diffus ne reste pas dans l'atelier du céramiste.
Il rencontre l'univers d’un parfumeur. C’est
un exemple d’artisanat diffus.
QUESTIONS ET PARTAGE
D’EXPÉRIENCE
M. Philippe LOISEAU
— La salle aura l'opportunité de poser des
questions. Nous nous adresserons tout d'abord
au groupe miroir, puis à l’ensemble de la salle.
Nous changeons de sujet. Ateliers d'Art de
France promeut notamment l'idée de l'atelierécole.
Plusieurs auteurs abordent dans votre
ouvrage ce déplacement de l’école dans l’atelier
et, parfois, de l'atelier dans l'école.
Du coup, quelles expériences avez-vous pu
recenser, ici ou dans d’autres pays, relatives à ces
déplacements croisés de l'atelier dans l'école ou
de l’école dans l'atelier, puisque cette thématique
de la transmission a été beaucoup mobilisée
I.4. Le Craft et ses pratiques
27

par les adhérents présents, comme l’un des éléments-clefs
de la pérennité de ce secteur ?
M. Fabien PETIOT
— Ces questions occupent un des quatre
chapitres de notre livre. Il est consacré à cette
question de l’éducation, qui nous a passionnés.
En même temps, c'était quelque chose de totalement
inévitable quand on voyait autant de textes
émerger sur ces sujets.
Ce sujet de l’atelier-école n'est pas complètement
nouveau. Dès les années 1860, en Finlande,
un certain Uno Cygnaeus met en place le
début d'un système pédagogique qui s’appelle
le Sloyd. Il consiste à mettre un établi au sein
de l'école, pour que les élèves apprennent en
faisant. C'est quelque chose de complémentaire
à l’apprentissage classique à l’école, dès le plus
jeune âge. 20 ans après, cela va se répandre en
Suède, avec Otto Salomon, et aux États-Unis.
On n'est pas dans la perspective de former de
futurs artisans. On forme de futurs consommateurs.
On forme des personnes qui vont savoir
de quelle façon est fait un objet, quel sens cela
a de faire un objet, dans quelles conditions,
pour quelle raison on le fait, etc. C’est une sorte
de mise en pratique immédiate par le « faire »
de toutes ces questions que l'on peut agiter, de
manière plus ou moins abstraite.
À l'origine, au XIXe siècle, il s’agissait de garçons
qui travaillaient le bois sur leur établi. Aujourd'hui,
cela porte sur la façon dont les garçons et les
filles travaillent ensemble et sur la façon dont plusieurs
générations peuvent travailler ensemble.
C'est devenu relativement un classique.
Gottfried Semper ou Henry Cole, qu'on a
oubliés par rapport à Morris, avaient amené
cette idée de rapprocher musée, manufacture,
atelier et école, notamment en Allemagne,
parce qu'ils étaient allés voir ce qu’il se passait
en Angleterre du côté des Arts and Crafts.
Si cela pouvait paraître très étonnant, c'est devenu
un classique, car toute école de design et
d'arts appliqués qui se respecte joue constamment
sur cette combinaison, cette complémentarité
entre faire de la recherche et faire de la
recherche matérielle.
Il y a des signes plutôt inquiétants concernant l'encouragement
à l’apprentissage, notamment des
métiers d'art. Je ne le connais pas assez bien en
France pour citer quelque chose de très précis,
mais en Angleterre, le Craft Council a lancé un
manifeste « Our futur is in the making », en disant
qu’il fallait absolument se saisir de ces questions.
En revanche, il y a des signes encourageants
avec des expériences que nous avons voulu
mettre en avant. C'est le cas avec Manufacto qui
en est à sa 4e ou 5e édition, avec la fondation
Hermès et les Compagnons du Devoir. Ils vont
dans des écoles pour sensibiliser des élèves aux
questions des métiers d'art.
C'est également tout un champ qui s'appelle
« la recherche interventionnelle ». Cela arrive
lorsqu'un verrier rencontre, dans le cadre de
l’équivalent d'un CHU à Londres, le département
de chirurgie réparatoire, puisque les greffes de
peau peuvent se faire de manière stable et
pérenne, sur des moules en verre, des matrices
en verre, des moulages de nez par exemple.
C'est ce qu'on appelle également le design
deal, l’architecture expériencielle. Elle est mise en
œuvre dans les grands ateliers de L’Isle-d’Abeau,
pas très loin de Lyon. Plutôt que de rester devant
leur écran d’ordinateur ou leur feuille de papier,
des étudiants en architecture vont faire leur propre
matériau, fabriquer leurs propres briques de terre
et construire à l'échelle 1, parce que les lieux le
permettent. Au fur et à mesure qu’ils le font, ils
découvrent des solutions bénéfiques à leurs
propres dessins. C'est quelque chose d'assez
fascinant à observer.
Mon dernier exemple est celui des Compagnons
du Devoir. Nous avons retranscrit l’interview
de Grégoire Talon dans notre ouvrage.
Les Compagnons du Devoir sont investis dans le
programme Manufacto. Des chaudronniers vont
aussi être capables de transposer leur savoirfaire
sur un chantier pour la mise en place d’éoliennes,
parce qu’un département sur la question
des énergies renouvelables s'est mis en place
chez eux. Ils vont également être capables de
faire de la recherche sur les alternatives au cuir,
sur le cuir connecté ou les matériaux connectés,
par exemple. Nous en parlerons peutêtre
ensuite.
Une quatrième illustration est qu’ils ont la capacité
d'accueillir des migrants afghans et de les former
à des métiers qui manquent cruellement en
France. Subitement, il y a aussi cette dimension.
Est-ce politique ? En tout cas, cet outil permet de
répondre à des enjeux sociétaux qui sont loin
d'être résolus aujourd'hui.
M. Philippe LOISEAU
— La dernière question est en lien avec votre dernier
propos. L'artisanat d'art est également porteur
de réponses ou il pose des questions sur certains
sujets sociétaux, voire politiques. C'était l’un des
sujets des ateliers. Cela peut être l’économie solidaire,
les nouvelles formes d'inclusion et d'urbanité,
l’intelligence collective ou le travail en réseau.
C'est une dimension à laquelle sont consacrées
de nombreuses contributions dans votre
ouvrage. Pouvez-vous nous en donner des
exemples ? En quoi l'artisanat d'art peut-il être
également un projet politique ou, en tout cas,
une façon d’interpeller les questions politiques ?
M. Fabien PETIOT
— Je le dirais si je voulais vous faire plaisir
aujourd’hui, mais nous ne sommes pas totalement
naïfs au point de penser qu’on va changer
le monde en n'utilisant que des choses artisanales
et des démarches artisanales.
En revanche, il nous est vraiment apparu que cet
outil qu’est le Craft, l'artisanat d'art, est un modèle
de réponse extrêmement inspirant. Est-ce un
risque ? Est-ce une chance ? Évidemment, cela
peut être phagocyté, mais comme beaucoup
d’autres choses. Cela peut être une vraie chance.
Je citerai plusieurs exemples. Il y en a énormément
dans notre livre. Pour donner une réponse
un peu plus courte que les autres, je m’appuierai
sur des images.
J’utiliserai encore un anglicisme. Les social green
business sont des entreprises qui ont vocation à
s'inscrire dans un rôle social et aussi environnemental.
Elles sont soit social soit green.
C'est le cas avec Awen Delaval, un ingénieur
français installé au Cambodge, qui a découvert
dans les cultures lacustres que la fleur de lotus
est cueillie et qu’on laisse pourrir les 3 mètres de
tiges qui sont sous l’eau. Quand on casse cette
tige, on peut en extraire une fibre incroyable qui
permet d'obtenir une soie végétale, ce qui est
aberrant. Elle peut être travaillée uniquement
dans les 48 heures. Après, la tige n'est plus utilisable.
Cela donne un matériau avec des qualités
exceptionnelles et aussi la capacité, pour une
communauté de femmes, d'avoir accès à l'alphabétisation
et à un statut plus valorisant que
celui qu’elles ont aujourd'hui.
Autre réponse que nous avons pu mettre en
avant : c’est un atelier appelé Unto this last. L’ouvrage
de John Ruskin avait très largement inspiré
les Arts and Crafts et William Morris. Unto this
last est dans l'est de Londres. Plutôt que de faire
appel à du mobilier qui viendrait de l’autre bout
de la terre, on revient à certaines manufactures
en ville, des ateliers, des menuiseries de quartier,
qui permettent, avec l'équipement numérique,
de fonctionner sous forme d'emballages à plat
que l’on appelle le flat pack, de réduire les coûts
28 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

de pollution liés au transport et de venir travailler
avec l'artisan pour customiser et personnaliser
certaines pièces. C'est aussi une autre manière
d'envisager cet outil.
Ces modèles entrepreneuriaux ont aussi cette
dimension environnementale et sociale.
En deuxième point, c’est aussi un modèle de
réponse en termes de « vivre ensemble ». Je crois
que le terme a été prononcé précédemment.
Parmi les très nombreux projets d'un collectif
appelé Assemble, je vous laisse découvrir ce qui
est peut-être le projet le plus photogénique. Avec
Assemble, en Angleterre, on est à mi-chemin entre
l'ONG, l’architecture, le design et l'artisanat, au
profit de maisons de quartier, au profit d’une
innovation sociale qui permet de réintégrer.
Ce matin, le constat a été fait par rapport à la
situation française. On sait combien le thatchérisme
a fait du mal à ce pays. De nombreuses
personnes sont laissées-pour-compte. Vous
voyez une réponse très globale, mais à une
échelle locale, donnée par l'outil artisanat.
Une autre réponse, dans ce même état d’esprit,
est la Fabrique Nomade, dont nous aurons
l’occasion de reparler avec Inès Mesmar. Cet
homme mis en avant sur l'affiche n’est pas seulement
un réfugié. Il voyage avec un savoir-faire
qui était le sien avant qu’il soit contraint à l'exil.
Comment valoriser ce savoir-faire ? C'est extrêmement
émouvant et utile. Je ne peux en dire
que du bien, même si j’ai dit qu’on ne jugeait pas.
Une autre expérience concerne un atelier de
menuiserie à Berlin, qui permet de s'inscrire dans
un cycle de formation pour les réfugiés. Je vous
laisse découvrir tout cela. Je pourrai répondre si
des questions vont dans ce sens.
Enfin, c'est une manière, une fois de plus, de
répondre localement à des questions globales
et à des questions locales. C'est le cas avec une
artiste textile appelée Claudy Jongstra, qui travaille
une laine issue d’une race ovine locale,
dans le nord des Pays-Bas. Elle a un jardin de
plantes tinctoriales. Cela lui permet de s'inscrire
dans la pérennité d’un patrimoine naturel
local. À la fin, elle travaille le feutre pour de très
grandes compositions qui s'inscrivent dans l'espace
public. D’une certaine manière, la boucle
est bouclée.
Je pense également à l'atelier Luma qui se trouve
à Arles. Il a permis d'établir une cartographie des
ressources humaines et matérielles et des savoirfaire,
de manière à connecter les artisans, les
ingénieurs et les designers pour mettre en place
des bioplastiques, un travail autour de la vannerie,
pour résoudre le problème de pollution des
algues qui envahissent les marais en Camargue,
pour réfléchir à une cuisine collective, à l’usage
des terres considérées comme des déchets par
des carrières de sable, etc.
Il s’agit de voir comment raconter une histoire
locale et comment répondre à de vrais enjeux
locaux, qui sont aussi des enjeux globaux.
Mes réponses ont été un peu longues. J’ai
hâte d’entendre vos questions et vos avis. Pour
résumer mon propos, je dirai que nous avons
souhaité mettre en avant une boîte à outils qui
peut être inspirante et qui n'est pas uniquement
consacrée aux métiers d'art, même si ceux-ci font
évidemment partie des sujets qui sont abordés.
Nous avons voulu mettre en avant la question
d’une cartographie, d’une boîte à outils, d’une
mise en réseau des talents, quels qu’ils soient,
pour répondre à des enjeux qui nous concernent
tous ; il ne s’agit pas seulement de nos différents
métiers et de nos différentes chapelles.
(Applaudissements.)
M. Philippe LOISEAU
— Merci.
Je m’adresse au groupe miroir. Avez-vous travaillé
sur des questions ?
INTERVENANT DU GROUPE MIROIR
— Des questions viennent en écho et en réaction
à ce qui vient d’être dit, plutôt sous l’angle du
métier, notamment en rapport avec le design. Le
Craft actuel n'est-il pas trop au service du design
et de l’image du designer ?
En complément, par réaction, on propose que les
artisans d'art soient capables d'intégrer la réflexion
sur la fonctionnalité de leurs objets, sous-entendu
sans attendre que les designers le fassent.
Sur le plan interculturel, une question serait
ouverte : pourquoi, selon vous, les artisans d'art
au Japon, en Corée et en Extrême-Orient, d’une
façon générale, ont-ils un statut de trésor national
vivant ? Est-ce un phénomène historique, culturel
? Pouvez-vous développer dans ce sens ?
M. Fabien PETIOT
— Je vous remercie. C'est très dense. Nous
allons commencer par le design.
Évidemment, le design, sans beaucoup de
pincettes, s'est emparé de l'artisanat pour le
reprendre à son compte. J'ai récemment visité
l'exposition de la designer textile d’Hella Jongerius
aux Galeries Lafayette, qui ont une fondation
à Paris. Elle raconte le métier à tisser. Elle
a mis en place une manière comme cela de se
rattacher à une histoire qui n’est pas forcément
celle du design.
J'ai une conception du design un peu particulière,
car j’estime qu’un silex préhistorique est du
design. Cela répondait à une fonction ; il y avait
un savoir-faire et c’était un objet d'échange. La
question du design n'est pas récente.
En revanche, dans un deuxième temps, de la
même manière que pour l'artisanat diffus dont
j’ai parlé précédemment, on peut évidemment
critiquer la récupération à tous crins de l’artisanat.
On peut s'y opposer avec énergie, mais on
peut aussi tirer d’autres types de constats.
Je constate que les designers formés dans les
écoles de design industriel ne travailleront jamais
pour l'industrie et que les designers – je parle de
ma génération et de celle d’après – sont à la
recherche d’une forme de supplément d'âme,
ce qui, intellectuellement, n’est pas forcément un
concept très satisfaisant.
De fait, l'industrie n'a pas répondu à cette exigence.
Il y a un plaisir inouï de la part des designers
à pouvoir travailler par eux-mêmes ce qui,
jusqu’à présent, n’était pas forcément la matière
et ce qui n’était pas forcément non plus une évidence.
Ils ont plaisir à retrouver des savoir-faire
artisanaux auxquels ils avaient tourné le dos. C'est
quelque chose qui a commencé à se dessiner
dans les années 80, pour certains, et qui a été
vraiment exacerbé dans les années 2000, notamment
avec la Design Academy d’Eindhoven.
À l'inverse, beaucoup d'artisans – et je pense à
l’école Boulle qui avait ouvert un département
design – souhaitaient aussi s'intéresser à la question
de la conception.
Pour rejoindre votre remarque, évidemment,
les artisans n'ont pas attendu les designers
pour penser « conception ». J’interviens chez
les Compagnons du Devoir, notamment chez
les boulangers-pâtissiers. Ce n’est pas le même
domaine, mais peu importe. On n'a pas attendu
un designer se disant designer culinaire pour
réfléchir à la forme d'une tarte aux fraises ou
d’un éclair au chocolat. Ce qui nous importe est
la complémentarité.
Ce franchissement de frontière peut être intéressant
pour tous, du moment que c'est respectueux
des uns et des autres. C’est ce que j’essaie
chaque fois de valoriser.
I.4. Le Craft et ses pratiques
29

C'est là que la génération makers est extrêmement
intéressante à observer. Vouloir embrasser
des questions sociétales, des questions liées aux
nouvelles technologies, aux savoir-faire artisanaux,
à la conception et au design, va peut-être
durer très peu de temps ; nous devrons peut-être
faire un erratum dans quelque temps et le glisser
dans l’ouvrage. En tout cas, il me semble qu'il se
passe quelque chose d’extrêmement stimulant.
Je vais passer à la troisième question : celle
des trésors vivants au Japon. Cela ne concerne
pas que le Japon, mais aussi la Thaïlande et
d'autres pays.
Cela accompagne l'après-guerre et l'humiliation
vécue par les Japonais avec la défaite.
Ils étaient dans l'axe fasciste, avec la coalition
avec l’Allemagne et les fascistes. Cette humiliation
vécue par le Japon s'est répercutée de
différentes manières.
La question de la valorisation du patrimoine et
des savoir-faire japonais, au moment de l’occupation
américaine, s'est traduite par ce type
de démarche consistant à sanctuariser certains
savoir-faire.
Une fois de plus, ce n'est ni bien ni mal. La question
n'est pas d’ordre moral ou qualitatif. La question
est de savoir à quel moment ces traditions
sont capables d'évoluer, de se projeter dans un
avenir. Voilà ce qui est intéressant.
Je ne sais pas si j’ai répondu à toutes les questions.
M. Philippe LOISEAU
— Y a-t-il d'autres échos ?
INTERVENANT DU GROUPE MIROIR
— Dans les échos qu’on trouve dans le groupe,
on se demande si l’artisanat est un prétexte ou
une caution à des questions sociales, sociétales
ou humanitaires, ou s’il reste périphérique.
La question qui va avec cette interrogation
serait : quelle différence faites-vous entre un
artisan d'art craftman et un designer maker ?
(Rires.)
M. Fabien PETIOT
— Y a-t-il encore beaucoup de questions
comme cela ? C'est le jeu !C’est un prétexte, oui
et non. Il y a aussi un effet de loupe.
J’ai parlé d’un outil. Excusez-moi. Il n’est peutêtre
pas très valorisant de dire que l’artisanat est
un outil ; mais dans ma bouche, au contraire,
c’est valorisant.
Non, ce n'est pas un prétexte. C'est une manière
de se demander pour quelle raison, alors qu'il y
a quelques années l'artisanat était à la limite du
ringard, il devient subitement un sujet, au point
d'être récupéré par les hamburgers, jeans et
autres bières. C'est intéressant de poser cette
question d'un point de vue sociologique, d’un
point de vue d’historien, d’un point de vue de
designer, de politique. C’est parce qu’à travers
ce modèle de l'artisanat, se joue une possible
réponse aux questions et aux défis qui nous
attendent. Ce n'est pas un prétexte.
Ce livre est une cartographie des solutions,
des démarches inspirantes qui sont parties de
l'artisanat, parfois pour y revenir et parfois pour
répondre à d’autres contextes que ce domaine.
Il y avait un autre point dans la question : le
lexique. Cela a été une question épineuse pour
nous. Certains parlaient de « manustrie » pour
des établissements qui étaient à la limite de la
manufacture et de l'industrie. Certains préfèrent
« crafteur » à « craftman ».
Évidemment, les mots sont extrêmement importants.
Ils permettent de définir et aussi de classer.
Ce n'est pas par facilité ni pour faire une jolie
pirouette. Nous avons souhaité ne pas chercher
une définition figée, mais à valoriser les porosités
sans faire une classification, un peu comme des
personnes qui chassent les papillons et qui les
mettent dans des petites boîtes.
Concernant la révolution des makers, tout le
monde s’entend autour du terme maker, sauf les
makers. Certaines personnes refusent les termes
« fab lab ». Tout le monde se bagarre.
Nous avons préféré observer les solutions et les
expériences concrètes que cela peut produire
et pas les questions lexicales.
M. Philippe LOISEAU
— Avant de conclure cette séquence, y a-t-il
d'autres questions que vous souhaiteriez poser
ou des observations que vous aimeriez partager ?
M. Fabien PETIOT
— Ce qui est intéressant avec cette fameuse
génération maker, c’est que non seulement elle
a une maîtrise – on peut discuter du faire –, mais
aussi des lectures.
Le design s'est beaucoup dépolitisé. Il y a
William Morris, mais, au fond, il y a une dépolitisation
du design et, d’une certaine manière,
des producteurs. Il est intéressant de voir ces
questions revenir et de voir à quel point une
réponse globale peut être offerte à partir de
lectures assez denses, extérieures et étrangères
au domaine premier de l'artisanat.
M. Pascal GEOFFROY
— Vous avez répondu en partie à ma question.
Par rapport au devenir de nos métiers, ce matin,
Stéphane Rozès a bien mis en évidence l'opposition
entre le néolibéralisme et les éthiques de
nos métiers.
Vous venez de répondre. Dans vos exemples,
vous citez beaucoup de circuits courts, avec un
respect de l'environnement, un recyclage des
matériaux, etc. Je pense que l'avenir des métiers
d'art va passer par là. À l’époque où certains
veulent exporter très loin un savoir-faire, comme
c'est le cas de l’industrie du luxe par exemple,
nous, artisans d'art, nous restons modestes et
essayons de favoriser ces circuits courts. Je
pense que tout le monde y gagne.
M. Fabien PETIOT
— Je vous remercie.
Je ne sais pas si l'image que je voulais montrer à
la fin a pu s’afficher. Un collectif appelé Rotor se
trouve au Benelux. Il a mis en place un réseau de
récupérateurs de matériaux. Ce système de mise
en réseau est disponible pour les architectes, les
artisans et les designers.
Au même titre, il existe un lieu appelé La Réserve
des arts. C’est une ressourcerie située à Pantin.
Elle récupère des cuirs d’ateliers, dans l’industrie
du luxe par exemple.
À mon avis, tout reste à faire en termes de réseau.
Cela signifie aussi que ces architectures rurales,
ces grandes exploitations ont des architectures
vides, qui peuvent être des lieux disponibles pour
donner des réponses : des lieux de recherche,
des lieux d’innovation, pour recréer de l'économie
localement et travailler cette cartographie
qu’il reste à mettre en place. C'est un
grand chantier.
Il nous est apparu que depuis longtemps, et c'est
encore davantage le cas aujourd’hui – c’est
pour cela que c'est une chance et pas un risque
de voir les valeurs se diffuser –, l'artisanat de l’art
a plus que jamais son mot à dire là-dedans. Ce
n'est pas un petit satellite ou une tour d’ivoire
qu’on apercevrait à l’horizon. C'est l’un des participants
principaux de cette mise en réseau.
UN INTERVENANT DANS LA SALLE
— Le marketing s’est toujours nourri de l’air du
temps. Il n'est donc pas étonnant qu'il cherche à
30 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

écupérer les valeurs de l'artisanat. Ce n’est pas
pour cela que l’industrie devient de l’artisanat.
Avez-vous une idée de la façon dont on pourrait
développer une vraie culture du sur-mesure, c'està-dire
de donner l'idée aux personnes qu'elles
peuvent avoir, un jour, un objet fait pour elles ?
M. Fabien PETIOT
— Il y a de nombreuses réponses. Il y a aussi
des formes de contradiction. Il faut bien admettre
que, quand on est un rempart entre la consommation
de masse et la standardisation pour faire des
pièces uniques à un certain coût, on est rattrapé
par une réalité liée à la distribution. Certaines
choses sont parfois compliquées à conjuguer
avec un idéal. C’est ce que William Morris a
vécu de plein fouet. C’est que le Wiener Versteckte
a vécu également à Vienne, de manière
assez cruelle. Cet artisanat d’un très grand raffinement,
qui était destiné au plus grand nombre, a
été rattrapé par des questions économiques.
Quelqu’un pourrait, à juste titre, me contredire.
Plutôt que d’acheter 20 objets faits à l’autre
bout de la terre et qui ne coûtent rien, je pourrais
acheter un objet qui me parle, que je vais
conserver, transmettre et qui, évidemment, a une
tout autre valeur.
Ai-je une recette toute faite à vous transmettre ?
Je n’en suis pas certain. Je pense que de nombreuses
réponses sont possibles. Il me semble
que cela commence par l’éducation et pas
seulement des artisans. En s’inspirant du Sloyd,
par exemple, il s’agit de comprendre de quelle
façon un objet est fait, avec quoi il est fait et d’où
il vient. Cela éviterait d’entendre des choses
comme « matériau écologique ». Un matériau
écologique, cela n’existe pas. Cela existait
quand les Indiens d’Amérique du Sud trempaient
leurs pieds dans le caoutchouc pour s’en faire
des chaussures.
INTERVENANT DANS LA SALLE
— Un silex.
M. Fabien PETIOT
— C’est le drame de la filière pierre en France,
qui demande extrêmement peu d’énergie et qui
génère extrêmement peu de pollution dite grise,
contrairement au béton qui fait disparaître le
sable et qui génère une pollution terrible. Encore
faut-il que la filière pierre trouve une réponse.
Aujourd’hui, elle est de plus en plus pertinente et
audible, heureusement.
La question de l’éducation me paraît essentielle.
Je trouve que ce qu’il se passe chez les Compagnons
du Devoir est absolument passionnant. Il
y a des choses à regarder.
La question de la distribution est aussi quelque
chose d’intéressant à revisiter. Une démarche
consiste à accompagner localement des innovateurs
culturels, des entrepreneurs capables
de s’inscrire localement et de générer une économie
locale. Les histoires qu’ils nous racontent
singularisent leur production.
Il y a énormément de réponses. Selon moi, la
meilleure réponse est de travailler ensemble.
Cela va peut-être paraître naïf. C’est pour cette
raison que les terminologies et les chapelles
m’intéressent assez peu. Je suis plutôt ouvert à
ce qu’elles collaborent. Cela fait un peu bénioui-oui
de dire cela, mais j’en suis convaincu.
Lorsque vous regardez, en Italie du Nord, la
manière dont ils se sont constitués, à des échelles
familiales ou de clusters, c'est une autre réponse.
Il s’agit, à des échelles locales, de se spécialiser
à travers un matériau. On est plus fort ensemble
et cela permet de donner une production, qui
peut être à la fois singulière et accessible. Il existe
de nombreuses manières de faire.
Je pense que mon esprit d’escalier va continuer à
fonctionner, mais je vous donne la parole.
Mme Claire FRECHET
— Je suis céramiste. Je voulais simplement
rebondir sur les propos de ce matin et sur ce que
vous venez de dire à propos du dilemme entre le
militantisme écologique, le circuit court, etc.
Personnellement, je fais des pièces uniques
sculpturales que je suis obligée de vendre à
l'autre bout du monde, à des happy fews qui
sont les riches de ce monde. Les objets coûtent
cher. Je suis en contradiction avec les valeurs
dont on parle. On oppose au néolibéralisme
nos valeurs de singularité, d’honnêteté, etc.,
mais je vends à des néolibéraux qui sont des
personnes qui projettent leur voyage sur Mars,
sinon je ne les vendrais pas. C'est mon drame.
C'est un paradoxe que je partage avec beaucoup
d’entre nous.
Nous parlons beaucoup de circuit court. Nous
avons envie d'être ancrés dans notre territoire et
dans notre matière, car nous avons ce rapport,
mais nous avons un modèle économique qui est
celui de 2019.
Je suis un peu étonnée qu’on parle de militantisme
écologique et de toutes ces valeurs qu’on met à
l'inverse du néolibéralisme. Moi, je travaille avec
le néolibéralisme, même si je ne le souhaite pas.
M. Fabien PETIOT
— Je n'ai pas parlé de militantisme écologique.
Mme Claire FRECHET
— C'était une réaction à ce qui a été dit ce matin.
M. Fabien PETIOT
— Cela peut paraître un peu difficile à avaler,
mais les solutions se concrétisent lorsque, économiquement,
une viabilité se dessine. C’est le
cas des exemples que j’ai cités précédemment.
Pour les green business ou les social business,
s’il n’y avait pas de business, il n'y aurait pas de
social ni d’environnemental. Cela n’en fait pas
des vilains ultralibéraux et capitalistes. Cela
peut être un paradoxe, mais c'est aussi quelque
chose qui permet de faire vivre plus ou moins
harmonieusement l'entreprise et une société à
l'échelle locale.
Les traversées sont pleines de contradictions.
Cela n'empêche pas, quand on vend à l’autre
bout du monde à des prix qui ne sont pas forcément
abordables, d'accompagner d’autres
projets à côté.
Quelle image puis-je utiliser : la boîte à outils ou
la carte au trésor ? Je pense que nous sommes
tous un peu des couteaux suisses, pour continuer
les métaphores. Nous sommes aussi capables,
à côté de ce qui fait notre rémunération, d’avoir
d’autres activités.
M. Philippe LOISEAU
— Je vous propose de fermer temporairement le
sujet de débat avec Fabien Petiot. Nous aurons
ensuite une autre table ronde avec d’autres intervenants
et d’autres témoins, pour nous permettre de
poursuivre le débat, de le nourrir et de l’enrichir.
Je vous remercie pour vos témoignages.
(Applaudissements.)
Nous organisons une pause de quelques
minutes et nous nous retrouvons en salle, toujours
pour parler de ce sujet de l’identité professionnelle
qui formera la dernière séquence de
l’après-midi. Nous aurons ensuite un retour de
Stéphane Rozès.
(La séance, suspendue à 16 h 17, est reprise à
16 h 40.) •
I.5. Table ronde
31

5
TABLE RONDE :
« QU’EST-CE QUI CONSTITUE
NOTRE IDENTITÉ
PROFESSIONNELLE ? »
(Cette table ronde a donné la parole à six intervenants
d’horizons variés : Jean-Cassien Billier,
Inès Mesmar, Daniel Pelegrin, Franck Massé,
Jesus Angel Prieto, Christine Browaeys.)
M. Philippe LOISEAU
— Je vous remercie de reprendre place
sans tarder avant de continuer cette séance
d'échanges.
Pour cette dernière séquence de la journée et
avant de conclure avec Stéphane Rozès, nous
allons poursuivre cette réflexion collective entamée
sur l'identité des métiers d'art, des savoirs et
des valeurs qui en font la singularité.
Pour poursuivre et conclure ce sujet, avant d'engager
un tout autre sujet demain, je vais inviter
5 témoins à venir nous rejoindre.
Christine Browaeys est spécialiste des matières
textiles et auteur de deux ouvrages, l’un appelé
Les enjeux des matériaux textiles et, plus récemment,
un autre ouvrage sorti il y a quelques
mois et qui s’intitule La matérialité à l'ère digitale
– L’humain connecté à la matière. C’est un
ouvrage extrêmement intéressant qui invite à la
réflexion : en quoi le digital transforme la relation
à la matière, en quoi le digital transforme la
relation et l’expérience qu’on peut avoir avec la
matière. C’est notamment au titre de cet ouvrage
que nous avons invité Christine Browaeys à venir
témoigner parmi nous.
La deuxième invitée de cette table ronde est
Inès Mesmar qui est fondatrice et directrice de
La Fabrique Nomade, une association dont la
raison d’être est de lever les freins qui empêchent
un migrant d’exercer son vrai métier, qui est celui
d’artisan d'art. Elle interviendra également
demain sur l'autre thématique. En préparant ces
Assises, lors de nos échanges, il est apparu que
cette expérience d’insertion passant par la restauration
de l’identité professionnelle était une
vision révélatrice de ce qu’est l'identité professionnelle
pour celui qui est accompagné et pour
les artisans d’art français qui les accompagnent.
Le troisième invité est Franck Massé qui est
directeur de l’AFEDAP, une école parisienne de
formation à la joaillerie, qui prend en compte
l’ensemble de la chaîne de valeur, de la prise
en compte de la demande jusqu’à la création du
bijou. Cette école mobilise comme enseignants
exclusivement des artisans d’art, c’est-à-dire des
professionnels.
Le quatrième invité est Jesus Angel Prieto qui
est enseignant à la Massana, une école d’art
barcelonaise. Il est responsable du 3 e cycle de
formation dans des postgraduates. Il défend
des positions assez singulières sur ce qu’il est
important de transmettre aujourd’hui aux futurs
professionnels. C’est une vision de la société que
nous trouvons intéressant de partager avec lui.
C'est un peu le local de l’étape, puisque nous
sommes à Perpignan qui est aussi en Catalogne.
Il est chez lui, au fond !
Enfin, Daniel Pelegrin est ébéniste et sculpteur
en Ardèche. Il est administrateur d'Ateliers d'Art
de France. À l’évidence, il a lui aussi des choses
à dire et un témoignage à partager en tant que
professionnel des métiers d’art sur les thématiques
que nous allons aborder au cours de cette
dernière séquence.
Généralement, on pose une même question à
toutes les personnes et elles répondent toutes.
Cette fois, nous gardons le principe de la boule
à facettes. Chacun vient avec un regard particulier.
C’est ce regard que je vais sonder à travers
les questions que je vais poser.
Je vais tout d'abord m’adresser à Franck Massé
et ensuite, à Jesus Angel Prieto.
INTERVENTION
DE FRANCK MASSÉ
Directeur de l’AFEDAP (Association pour
la Formation et le Développement des Arts
Plastiques), école innovante de bijouterie
contemporaine située à Paris
M. Philippe LOISEAU
— Franck, vous êtes directeur d'une école de
formation à la joaillerie, qui prépare des adultes
au métier de joaillier et qui affiche certains partis-pris
pédagogiques affirmés.
Nous avons vu que le sujet de la transmission
était un enjeu essentiel de pérennisation et de
développement des métiers d'art.
J'avais envie de revenir sur ces partis-pris pédagogiques
qui sont les vôtres et sur les constats
qui vous ont conduits à les mobiliser. Quelle
approche, quelle stratégie et quelle logique
utilisez-vous dans votre école de joaillerie ?
Comment préparezvous des adultes ou des
jeunes adultes à exercer ce métier extrêmement
technique ?
M. Franck MASSÉ
— Je voudrais corriger deux informations.
Premièrement, c'est une école de bijouterie. La
joaillerie est spécifique au travail de la pierre.
Cela n’exclut pas le travail de la pierre, mais c’est
plus largement la bijouterie.
Deuxièmement, je partage la direction avec
deux de mes collègues : Caroline Poincignon et
Marie-Pierre Ginestet, ici présente.
AFEDAP veut dire Association pour la formation
et le développement des arts plastiques.
La particularité du travail réalisé à l'AFEDAP est
qu’à l'origine, en 1993, nous avions créé cette
association sur l'impulsion de Jean-Jacques
32 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

Victor, qui était un sculpteur. Le lieu avait vocation
à former des adultes qui n'avaient plus accès
aux enseignements et aux apprentissages des
métiers d'art en France.
Le propos pédagogique, d'après ce que j'ai
entendu aujourd’hui aux Assises, relèverait de
la signification de ce que pourrait être l'atelier
dans l'école. Je préciserai en disant les ateliers
dans l'école.
L'origine de ce lieu est particulière. Des professionnels
se sont associés pour créer un programme
pédagogique et accompagner les
adultes dans l'apprentissage d'un métier. Ce
sont des professionnels et pas des enseignants
qui sont à l'origine de ce lieu.
M. Philippe LOISEAU
— Quels sont les axes de votre pédagogie ?
Quels types de savoirs, de savoir-faire ou savoirêtre
privilégiez-vous ? Quel est votre objectif
pédagogique ? Quand ils ressortent de votre
école, que savent-ils, que maîtrisent-ils ? Comment
pensent-ils ?
M. Franck MASSÉ
— Nous essayons de les révéler dans leur
potentiel. C'est un apprentissage autant technique
qu’artistique ou sensible.
Nous partons du principe que l'apprentissage
de l'expression est un apprentissage à
part entière.
Très concrètement, les exercices sont ciblés sur
des difficultés techniques de plus en plus complexes.
Nous demandons à chaque personne
qui suit la formation de personnaliser son exercice
afin de pouvoir l'investir. Cela lui permet
de dépasser la simple étape de l'apprentissage
et de la maîtrise du geste pour entrer dans une
dimension qui valorise sa recherche, sa sensibilité
et, progressivement, son identité. Il bénéficie
du même coup de la réponse de tous ses collègues
qui apportent une différence les plaçant
respectivement dans une position les uns par
rapport aux autres.
M. Philippe LOISEAU
— Qu’est-ce qui a motivé le fait qu'un groupe
de professionnels se rassemble ? C’est une initiative
d'un collectif de professionnels et pas une
intention de l'État ou d’une région. C'est aussi ce
qui est étonnant dans votre école.
M. Franck MASSÉ
— C'est tout d'abord une énergie. Quand j’ai
parlé d'impulsion précédemment, c’était vraiment
autour de Jean-Jacques Victor que se sont
mobilisées les envies.
Cela relève aussi d'un constat : en France, il y a
l'apprentissage technique d'un côté et l’apprentissage
artistique de l’autre côté. Les deux étaient
peu réunis au sein d’une formation.
J’ai déjà cité le dernier point : les adultes
n'avaient plus accès à la formation.
M. Philippe LOISEAU
— Quel est le profil des apprenants ? Pourquoi
n’ont-ils plus accès à la formation ? Sont-ils
en reconversion ?
M. Franck MASSÉ
— Oui. Il s’agissait d’adultes en reconversion.
Après, se sont joints des étudiants dont certains
s’étaient engagés dans des voies universitaires,
qui étaient allés au terme de ces études ou pas
et qui se découvraient des envies plus grandes
d'apprendre un métier concret, de pouvoir
concevoir et réaliser des choses.
M. Philippe LOISEAU
— Ce sont des formations qui durent un an,
six mois ?
M. Franck MASSÉ
— La première année, les formations duraient
un an. À l'issue de cette première année, les
étudiants nous ont demandé s’il pouvait y avoir
une deuxième année. En 26 ans, nous avons
Daniel Pelegrin, Jesus Angel Prieto et Franck Massé
I.5. Table ronde
33

construit des modèles d’accompagnement vers
différentes orientations de la créativité.
La créativité peut s'inscrire dans la technique,
dans l’expression, dans la conception. Les formations
ont été développées dans ce sens.
Pour des personnes qui souhaiteraient intégrer
les entreprises au premier niveau, la formation
est très courte, sur neuf mois.
Pour les personnes qui veulent créer leur entreprise,
avec les adultes qui, par ailleurs, ont des
acquis généraux et de maturité, la formation est
proposée en deux ans.
M. Philippe LOISEAU
— Deviennent-ils tous des bijoutiers, des joailliers
? Sans parler de succès, quel est le destin
des professionnels qui viennent à l'AFEDAP ?
M. Franck MASSÉ
— Nous avons mené, il y a une dizaine d'années,
une étude pour savoir quels avaient été
les résultats de ces formations. Plus de 80 % des
personnes se sont inscrites dans les métiers d'art.
À peu près 50 % des personnes créent leur entreprise,
parmi les adultes, et 50 % intègrent des
entreprises existantes.
M. Philippe LOISEAU
— Nous aurons l'occasion de revenir, y compris
à travers les questions qui pourront vous être
posées, sur cette expérience extrêmement originale
et intéressante d’école de formation à la
bijouterie-joaillerie. L’AFEDAP est une initiative
de professionnels et c’est un atelier dans l'école.
C'est un angle extrêmement intéressant.
INTERVENTION DE
JESUS ANGEL PRIETO
Enseignant à la Massana,
école barcelonaise d’art et de design
M. Philippe LOISEAU
— Je m'adresse à un autre enseignant qui est
dans un autre univers : la Massana. Vous pourrez
présenter en quelques mots ce qu’est la Massana
à Barcelone.
J'ai une question, mais je ne sais pas si vous
pourrez y répondre. Quelle place occupent les
artisans d'art en Catalogne et plus largement,
en Espagne ? Nous avons parlé de la représentation
dans certains pays. L'Espagne est à
30 kilomètres. En deux mots, quelle observation
avez-vous de l'artisanat d'art en Espagne ?
M. Jesus Angel PRIETO
— Pardonnez-moi mon français. J'espère ne
pas détruire votre langue. Pour un Catalan,
le français est parfois un peu difficile. Vous
me corrigerez.
Je vous remercie de m’avoir invité.
L'école Massana est une école de la municipalité
et de l’État catalan. Elle a été créée en
1929 par un philanthrope qui voulait donner
une formation artistique de métier à des jeunes
ouvrières de l'industrie.
L'école, qui est très ancienne, a été créée comme
école de design textile. Après, elle a continué
comme école des beaux-arts.
Avec d’autres personnes, ce philanthrope a eu
cette idée de créer une école dédiée à cette
formation. Notre école a trois lignes : arts visuels,
arts appliqués et design.
Pour répondre à la seconde question, en
Espagne en général, cela fait seulement cinq
ans qu'on parle de cela.
L'artisanat a été touché par le franquisme. Franco
a fait de l’artisanat une réponse contre le communisme
et le capitalisme. C’est curieux. Quelquefois,
les dictateurs sont très créatifs !
(Rires.)
Le pays n'avait pas une forte industrie. L'artisanat,
c’était l’industrie espagnole. Il y avait des
formations aux métiers domestiques pour les
femmes. On faisait beaucoup de choses dans
ce domaine, mais on a laissé tomber.
Que s’est-il passé ? Quand sont arrivées les
années 60 à Barcelone, l'idée était que la
modernité, c'était le design. L'artisanat était
quelque chose de très ancien et très lié à l’idéologie
franquiste. Cela a beaucoup marqué notre
relation avec l'artisanat.
Dans cette idée de design comme nouvelle
esthétique moderne, comme modernisation de
l’industrie faite par un beau design, avec le fonctionnalisme,
nous avons été très influencés par
le Bauhaus et par le multiforme. En fait, le design
catalan, c’est très allemand, mais je n’en parlerai
pas ici, parce qu’alors là !... C'est notre bagarre
au sujet de l'identité.
L'identité artisanale est plus intéressante, mais
le point de vue du design est que l'artisanat est
une chose ancienne. Notre musée de l'artisanat
catalan est dans le Musée ethnologique
de Barcelone, à côté des objets de coiffure…
Mais nous sommes très fiers de notre Musée du
Design ! C'est comme cela.
À la fin des années 60, la contreculture s’est tournée
vers l'artisanat, juste par réaction politique
contre la consommation et l’industrie. Cela a
généré une situation très intéressante. À ce
moment-là, il y avait encore cette idée folklorique
de l'artisanat classique. L'artisanat, qui était
une contre-culture, est presque tombé parce
qu’à la fin, c’était devenu un artisanat de foire
pour les villages, avec très peu de qualité, etc.
Il y a eu ensuite une bonne ligne : le design est
sorti des écoles d'art, avec de nouvelles formations
qui ont mélangé la volonté d'être un art et la
volonté de rester sage avec le design. Pour finir,
il y a eu les makers, etc.
M. Philippe LOISEAU
— Je vous remercie pour cette présentation de
la place de l'artisanat d'art en Espagne.
Quel est le projet pédagogique de votre école
et surtout, quels professionnels cherchez-vous
à former ? En pariant sur quelles compétences,
quels savoirs, quelles qualités personnelles ?
Quels professionnels formez-vous ? À quoi les
formez-vous ? Qu’avez-vous envie qu'ils partagent,
voire qu'ils défendent ou qu'ils incarnent ?
M. Jesus Angel PRIETO
— C'est compliqué parce que c'est une formation
pour le futur. Il faut toujours avoir une idée de
prospective. Quelques écoles sont dans l'idée
de suivre la ligne du marché et de la société.
D’autres écoles essaient d’avoir un style plus
ouvert, mais c’est un risque.
Dans notre école, c'est très clair, il y a trois lignes :
les arts visuels, le design et les arts appliqués.
Le design, c'est la culture du projet.
Les arts visuels, c'est la culture de l’investigation,
au sens très ouvert. C’est la recherche
des artistes.
Les arts appliqués sont le processus.
Dans la partie qui est celle qui nous intéresse le
plus, nous sommes très concernés par le fait de
ne pas perdre la centralité de l’atelier, c’est-àdire
de faire avec les mains. Mais c’est un vrai
problème, car chez nous, le système n’est pas
34 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

comme chez vous : il nous oblige à avoir des
enseignants full time.
Pendant les années 70, 80 et 90, on permettait
encore que des professionnels dans les
domaines du design, des arts visuels et des arts
appliqués viennent deux jours à l’école et trois
jours en atelier. Cela faisait un très bon mélange
de connaissances. Maintenant, c'est triste.
Nous avons de très bons professeurs, mais ils
ne peuvent mettre les ateliers en marche que le
dimanche et le samedi.
Cela ne veut pas dire que cela dévalue les
formations, car ils font de grands efforts pour
ne pas perdre le contact, mais il est vrai que
cela a un peu limité notre capacité à faire des
démarches en atelier. Nous n’avons pas encore
une bonne solution.
Nous avons des formations professionnelles de
deux années, parmi lesquelles se trouvent des
formations complètes de joaillerie artistique,
peinture, sculpture et céramique, et une formation
universitaire unique en Espagne en art
et design dans laquelle, à la fin d'études multidisciplinaires
très universitaires, ils peuvent se
spécialiser en arts appliqués, en arts visuels, en
design et en graphisme.
À la fin, il existe un troisième niveau en arts appliqués
contemporains, avec une très forte présence
en atelier, à presque 75 %. Ces études se
présentent surtout comme une volonté de savoir
comment on peut faire avec les arts appliqués :
si vous voulez savoir ce qu'on peut faire avec
les arts appliqués, venez chez nous. On parle,
on discute et on voit ce qu'on peut faire. En face,
il y a le système capitaliste, avec une situation
sociale terrible. Qu'est-ce qu’on doit faire par
rapport à cela ? Les arts appliqués sont-ils utiles
pour répondre à cela ? C'est là-dessus que
nous travaillons.
M. Philippe LOISEAU
— Pouvez-vous développer ce point ? Il paraît
intéressant d’entendre la vision que vous proposez
de la société et le projet politique dans
lequel vous engagez les futurs professionnels.
M. Jesus Angel PRIETO
— Moi-même, depuis les années 90, je fais une
matière qui s'appelle l’éco-sociologie. Quand
on fait cette matière, on réfléchit au sujet des
limites de la planète. Quelle est la capacité de
réaction de la terre par rapport à notre consommation
? C'est difficile. Ce n’est pas seulement
sur le changement climatique. Cela nous porte
à des conclusions quelquefois terribles. Cela
provoque chez nous une volonté de réagir de
façon très forte.
Je pense justement que les métiers d'art sont une
très bonne réponse. On doit travailler dans cette
proximité de la production. On est en connexion
avec la matière et c'est une très bonne réponse
du point de vue écologique.
Dans les ateliers de ce matin, on a parlé de solidarité,
de liberté et de savoir-vivre. C'est une
chose curieuse. Dans les ateliers que j’ai faits ce
matin, je m'imaginais que, si ce groupe de travail
était constitué de professionnels de la gestion
et de l'économie, il n'y aurait pas eu les mêmes
réponses. Il y avait une force existentielle très vive.
Nous sommes ici parce que nous voulons vivre
de cette façon. Dans les autres professions, les
gens font leur métier et ensuite, ils vivent d’une
autre façon. Nous, nous sommes toujours dans
notre atelier. Quand nous sommes mariés, nous
sommes terribles, car pour nos compagnons,
c’est difficile à supporter. Mais c’est une façon
d’entendre la vie.
Qu’est-ce qu’on peut faire avec cela ? Je
ne sais pas. Pour finir, je dirai une phrase de
Richard Sennett, que j’aime beaucoup : « Pour
faire face à cette crise physique, nous sommes
obligés de changer les choses que nous produisons
et notre façon de les utiliser. Nous devons
apprendre une autre façon de construire les
bâtiments, d’utiliser les transports et de concevoir
des rituels qui nous habituent à économiser.
Nous devons devenir de bons artisans de
l'environnement ».
Cette phrase est non seulement un défi, mais
aussi une capacité à répondre.
(Applaudissements.)
M. Philippe LOISEAU
— Je trouvais intéressant que Jesus Angel-
Prieto témoigne.
Dans le principe de la boule à facettes, nous
allons mobiliser un autre sujet qui a été largement
évoqué au cours de ces ateliers : l'émergence du
digital. Ce sujet a été abordé lors des échanges
en ateliers. Est-ce que cela constitue un risque ou
une opportunité en termes de savoir-faire ou de
savoir-être pour l’artisan d’art ? Par conséquent,
est-ce que cela constitue un risque ou une opportunité
en termes d’identité professionnelle ?
Pour répondre à cette question, nous trouvions
intéressant d'inviter Christine Browaeys, en raison
de son ouvrage et de la recherche qu'elle
a conduite concernant l’évolution du rapport à
l’ère digitale.
INTERVENTION DE
CHRISTINE BROWAEYS
Ingénieur et sociologue du travail, texturgiste,
fondatrice du cabinet de conseil T3Nel (TIC,
Textiles, Technologies Nouvelles) visant à
développer des synergies entre le textile et les
nouvelles technologies
M. Philippe LOISEAU
— La première question que je vais vous poser
est la suivante : en quoi le digital transforme-t-il
la relation à la matière ? Cette transformation
est-elle synonyme de transformation du savoirfaire
mobilisé par le professionnel ? La question
est de savoir si le digital transforme cette
relation à travers la recherche que vous avez
conduite. Est-ce synonyme d’une transformation
du savoir-faire également mobilisé par l’artisan
d’art, par exemple ?
Mme Christine BROWAEYS
— Je vais tenter de répondre à cette question.
Je vais me présenter. Je suis un peu le vilain petit
canard ici, car j’ai un parcours d’ingénieur, de
designer, de maker, d'artisan. Au départ, mon
parcours est passé par les mathématiques. J’ai un
parcours d’ingénieur dans le numérique depuis
dix ans. Je me suis reformée au textile. C'est la
raison pour laquelle j'ai voulu croiser ces deux
domaines du numérique et de la matière dans
cet ouvrage cité précédemment.
Quand j'étais dans le numérique, pendant des
années, une question m’a taraudée : sur les
réseaux, on ne transmet que des choses qui
relèvent de l’ouïe ou de la vue. Tout ce qui relève
d'une sensation proche – le toucher, le goût et
l'odorat – n'a pas sa place aujourd’hui.
L'idée de cet ouvrage m'est venue à travers une
lecture très revigorante d’un ouvrage de François
Dagognet, qui date de 1985 et qui s’appelle
Rematérialiser. Je me suis dit : bon sang, qu'est-ce
qu'on peut en penser en 2018-2019 ? J’ai décidé
d’essayer de faire quelque chose.
Je vais répondre à la question.
Aujourd'hui, dans l’univers des ingénieurs, on
parle plus facilement de matériaux que de
matières. Il y aurait beaucoup à dire à ce sujet.
Les matériaux, aujourd'hui, sont de plus en plus
I.5. Table ronde
35

Christine Browaeys
36 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

complexes, de plus en plus hybrides. Ils sont souvent
le fruit de calculs numériques savants. En fin
de compte, on peut dire qu’aujourd'hui, les matériaux
correspondent à une quantité de calculs
et d'informations numériques. Si vous prenez la
fabrication additive pour générer une forme, elle
passe par un logiciel. Ce sont des calculs.
Dans le même temps, nous sommes de plus en
plus immergés, pauvres humains, dans un monde
digital. Nous interagissons aujourd'hui non seulement
entre nous – c'est une chance –, mais
aussi avec des objets et, de plus en plus, avec
des données. Tout cela se mélange et se brouille.
Nous sommes un peu perdus.
Cela dit, une chose est assez extraordinaire : le
fait de pouvoir réfléchir à un objet, à la conception
d'un objet très en amont de sa réalisation.
C'est le cas dans l’architecture aussi. Les designers
ont des problèmes de récupération de
leur métier. Tout le monde a des états d'âme à
ce sujet.
Mon univers est plutôt le textile. On peut faire un
raccourci entre habit et habitat : une enveloppe
textile qui nous enveloppe et qu'on connaît
depuis l'origine des temps. Le textile est vraiment
une matière ouverte. Ce sont des fibres creuses.
Depuis quelques années, à travers mon métier,
je réfléchis beaucoup à la notion de textile intelligent,
de textile connecté et de textile interactif.
On s'aperçoit de plus en plus que la limite de la
matière, en tant que forme, n'a plus vraiment de
sens aujourd'hui parce que, dès qu'on parle de
connexion, on va bien au-delà de la matière. On
parle beaucoup plus de relation à la matière.
Ce qui fait de plus en plus sens aujourd’hui, c'est
ce terme de définition de la matière en tant que
relation, c’est-à-dire la relation qu’on a avec
cette matière.
Un rapprochement se fait tout doucement entre
les physiciens et les chimistes, qui travaillent sur
la matière en tant que structure, et les personnes
(dont vous faites partie) qui ont la sensation de
cette matière, qui ont l’émotion de cette matière.
Cette dimension prend sens aujourd'hui.
La relation à la matière, aujourd'hui, est complètement
transformée. Elle est beaucoup plus
multiple. On peut presque dire que la bipolarité
qu'on avait, aussi bien en architecture que
dans le domaine de la fabrication d'un objet, la
notion de profondeur, d’épaisseur, d'extérieur et
d'intérieur, a tendance à s'émousser pour aller
explorer de nouveaux champs complètement
différents.
Pour revenir à l'exemple de l'artisan, aujourd'hui,
avec tous ces nouveaux outils qui sont la fabrication
additive ou la découpe laser, on a la possibilité
de travailler la matière de façon différente.
On peut travailler la pierre de façon beaucoup
moins classique. On peut ne pas avoir une
approche de la forme telle qu’elle se faisait de
façon traditionnelle, mais partir vers des géométries
complètement différentes.
Aujourd’hui, le digital est plutôt un catalyseur
de création. Ce n'est pas une fin en soi, mais
quelque chose dont il faut se saisir.
Nous avons parlé de communautés, de mise en
relation. Ce sont des choses dont il faut se saisir.
La difficulté, c'est qu'ils sont actuellement dans
une période interdisciplinaire. Il faut être un
expert en tant qu'artisan, un expert de la matière,
de la sensation de la matière, et aussi être un
expert pour savoir appréhender toutes ces technologies
afin de pouvoir combiner les deux et
trouver sa place dans l'ensemble. Aujourd'hui,
tout le monde a accès aux mêmes bases d'information.
Tout le monde cherche des matériaux
différents. Tout le monde essaie de se différencier.
Il faut avoir le maximum d'atouts afin de
pouvoir faire cette personnalisation qui va faire
la rencontre avec le bel objet.
M. Philippe LOISEAU
— Du coup, le digital au sens large est-il un enrichissement
ou un appauvrissement du répertoire
à disposition du créateur ou de l'artisan ?
Mme Christine BROWAEYS
— C'est les deux. C’est un enrichissement, car
comme pour un peintre, il y a davantage de
palettes, d'outils.
Le risque est la normalisation. On le voit déjà
dans les échanges que nous avons entre nous sur
les réseaux sociaux. Derrière, ce sont des outils,
des logiciels et des imprimantes 3D qui ont tous
leurs marques. Des études menées récemment
permettent d'authentifier un objet en fonction de
la marque d’imprimante 3D qui l’a produit. Il y a
des petites différences entre les objets, mais on
est tout de même enfermé.
À partir du moment où on utilise une technologie,
c'est la matérialité de la technologie. On
pense que le numérique est quelque chose d’immatériel,
d'évaporé, mais derrière, la machine
est tout ce qu'il y a de plus physique. Elle a un
système qui fait fonctionner tous ses éléments. À
ce niveau, on raisonne en termes d'horloge, de
construction et d'architecture d'ordinateur. Tout
cela est très contraignant. C'est à cela qu'il faut
faire attention.
La robotique permet presque de remplacer certains
gestes, mais il est évident qu'on ne remplacera
pas l'intelligence humaine.
M. Philippe LOISEAU
— Nous avons évoqué un autre angle : l'apport
du digital dans la transformation des savoir-faire.
Pouvez-vous donner des exemples de ce type
de contribution que le digital peut apporter,
dans la transmission proprement dite des savoirfaire
?
Mme Christine BROWAEYS
— Je voudrais juste revenir sur une illustration
que j’ai oublié de commenter. C'est une
girouette. Elle a été faite par un graveur mathématicien
qui habite dans la Drôme. Je le connais,
car j’y habite aussi.
On voit cette recherche chez les artistes et chez
les artisans, pour aller plus loin et connaître
les sciences qui sont derrière, les sciences des
matériaux ou des mathématiques. Cela peut
être une source d'inspiration pour aller vers de
nouvelles géométries.
Pour répondre à votre question, je dirai qu’aujourd'hui,
la transmission est quelque chose de
très interactif, qu’il ne faut pas confondre avec
la notion de conservation.
On a fait des essais au début du digital, consistant
à enregistrer des gestes dans le domaine
artistique musical, de la danse, de l'apprentissage
du piano et du violon. On a conçu des
grandes vidéothèques avec des bases de
données et de connaissances. C'est très à plat,
deux dimensions. On le voit sur un écran. Ce
n'est pas interactif, on est très passif devant
cette chose.
Aujourd'hui, il y a des avancées dans le domaine
de la mémorisation et de la captation du geste.
Des recherches sont menées au centre de robotique
de l’École des Mines de Paris. Dans le
cadre de la sauvegarde du patrimoine immatériel,
ils font des essais. Ils mettent des capteurs
pour scanner les gestes d'artisans dans le
domaine de la poterie. C’est un domaine où il
n’y a pas beaucoup d'outils. C'est relativement
simple. On met des capteurs sur les bras, sur
les squelettes et on enregistre les mouvements.
Après, on modélise tout cela. La personne en
apprentissage va essayer de reproduire les
gestes à l'identique de ce qui a été modélisé et
elle sera corrigée.
I.5. Table ronde
37

Mme Christine BROWAEYS
— J’ai un parti-pris par rapport au textile. Pour
moi, c’est une matière très « émotionnelle », très
multi-sensorielle qui, étant donné sa proximité
avec le corps humain, permet de capter des
émotions.
Je peux vous présenter cette image d'un vêtement
fait par Jenny Tillotson, une artiste designer
textile qui est aussi experte dans le domaine
des neurosciences. Elle travaille beaucoup sur
la captation de l'émotion de la personne et, en
lien avec les émotions, sur le fait de développer
des sensations de nature olfactive. Au fur et à
mesure que les émotions changent, les parfums
seront différents. Cela peut être des sensations
lumineuses. On va vraiment travailler sur les ressentis,
les sensations du corps, sur ce qui va être
transmis de façon interactive aux personnes de
l’entourage. C'est un peu particulier, car ce qui
relève de l'émotion est quelque chose d'intime.
Il y a beaucoup de recherches dans le domaine
de l'intelligence artificielle. Les neurosciences
travaillent de pair avec l’intelligence artificielle.
Ce n'est pas nouveau. J’en ai fait quand je travaillais
dans le médical, au début de ma carrière
à Montpellier, pour essayer de travailler les
images. À cette époque, les moyens de calcul
faisaient défaut. Aujourd’hui, ils existent.
Inès Mesmar
Cela a ses limites. Ce n’est pas ce qui va remplacer
la transmission maître-apprenti, car derrière,
il y a une histoire. L’apprentissage n'est jamais
une reproduction à l'identique. Il y a une assimilation,
une refondation par la personne qui
récupère les acquis.
Pour moi, l'apprentissage, c'est l’histoire d’un
individu qui essaie de prendre la suite d’une
histoire. Il essaie de reprendre les gestes d'un
maître d'apprentissage, mais il ne fera jamais la
même chose, et heureusement ! C’est un individu
différent qui a une sensation de matière, une
imagination matérielle, comme disait Bachelard.
Il a une histoire par rapport à la matière, qui va
être la sienne.
Les recherches en robotique permettent de travailler,
de rabâcher, de répéter un geste pour
essayer de l'acquérir, mais ce n'est pas ce qui
va faire la transmission de l'histoire de ce geste.
M. Philippe LOISEAU
— Cette fois aussi, la réponse est partielle et
très limitée. Le champ possible du digital dans
ce domaine ne remplace jamais la transmission
physique ni la pédagogie.
Mme Christine BROWAEYS
— Il y a aussi une dimension dont je n’ai pas
parlé : la dimension éthique. Le geste est quelque
chose de personnel. Capter un geste avec du
digital pour le mémoriser et le transmettre, pour
moi, est presque un vol d'identité. C'est quelque
chose qui me gêne beaucoup. C'est un bon sujet
de discussion.
M. Philippe LOISEAU
— Enfin, vous travaillez sur de nouveaux matériaux
textiles. Par curiosité, pouvez-vous nous
donner des illustrations de nouveaux matériaux
textiles sur lesquels vous travaillez ou que vous
promouvez ?
Il faut à tout prix qu'on ait la maîtrise de l'humain,
avec toutes ces nouvelles technologies. Ce qui
me fait un peu peur aujourd'hui, c'est la perte
d'identité, le défaut de sensation et, peutêtre plus
chez les jeunes, le fait de ne pas savoir déterminer
ce qui relève de la sphère individuelle, de
la sphère propre, quelque chose qui concerne
le moi.
Nous avons précédemment parlé de la société
de consommation, etc. En fin de compte, il y a
une perte de la différenciation entre quelque
chose qui nous construit, qui nous identifie, qui
est notre histoire d’individu, et ce qui relève
d'une sphère beaucoup plus large. Avec tous
ces moyens, le danger est que cette frontière
s'émousse un peu trop.
M. Philippe LOISEAU
— Je vous remercie.
Nous passons à une tout autre perspective et à
une tout autre frontière. Je m'adresse à Inès Mesmar,
fondatrice de la Fabrique Nomade.
(Applaudissements.)
38 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

INTERVENTION
D’INÈS MESMAR
Fondatrice de La fabrique NOMADE, une
association qui œuvre à valoriser et favoriser
l’insertion professionnelle des artisans migrants
et réfugiés en France
M. Philippe LOISEAU
— Dans le cadre de la Fabrique Nomade,
vous avez l’expérience de ce qu’est l’identité
professionnelle d’artisan que la personne a dû
abandonner, voire sacrifier lors de son arrivée
en terre étrangère. Les images parlant souvent
plus qu’un long discours, vous avez choisi d'illustrer
vos propos en les introduisant par un film, que
vous allez présenter.
Mme Inès MESMAR
— Bonjour à tous. Je m’appelle Inès Mesmar.
J’ai fondé l'association la Fabrique Nomade.
Je dirai juste un mot sur l'association et sa mission.
Elle a été créée en 2016. Elle a maintenant trois
ans. Elle a pour mission de valoriser et favoriser
l'insertion professionnelle d’artisans réfugiés
et migrants. Toute notre démarche se base sur
l’identité professionnelle que nous venons restaurer
à travers différentes actions.
Je suis vraiment honorée d'être là aujourd'hui.
C'est cette identité professionnelle qui nous
réunit aujourd'hui et ici. Je suis vraiment ravie
qu’Ateliers d'Art de France nous aient invités pour
partager cela avec vous.
Le film est le portrait que nous avons réalisé de
l’un de nos artisans, Abou Dubaev, qui est staffeur-stucateur.
Il a plus de trente ans de métier. Il
est tchétchène et il est arrivé en France en 2015. Il
a fait partie de la première génération d'artisans
que nous avons accompagnés.
Je vous laisse découvrir ce film.
(Projection du film.)
(Applaudissements.)
Mme Inès MESMAR
— Ce film m’émeut toujours beaucoup.
Tous les artisans que nous avons à la Fabrique
Nomade sont des femmes et des hommes qui ont
fait le choix difficile de quitter leur pays, mais qui
n'ont pas forcément choisi de perdre leur métier
et ce qu’ils sont. L'identité professionnelle est une
partie de soi.
À la Fabrique Nomade, nous avons la conviction
que restaurer cette identité professionnelle permet
de se reconstruire personnellement. Nous
le voyons depuis trois ans que nous accompagnons
ces artisans dans ce cheminement, sur ce
chemin qu’ils construisent pas à pas pour retrouver
l’exercice de leur métier en France.
Ces personnes sont face à plusieurs freins : la
barrière de la langue, l'absence de réseau, la
non-reconnaissance de leurs compétences et de
leur expérience professionnelle dans leur pays.
Pour elles, c’est, de fait, un redémarrage à zéro.
Elles méconnaissent le marché dans lequel elles
s'intègrent aujourd'hui.
Je peux prendre une image très simple : c'est une
plante qu'on a déracinée et, sur le parcours, elle
est morte, mais il reste une graine bien cachée,
bien enfouie. Quand ils intègrent la Fabrique
Nomade, nous essayons de chercher cette
petite graine qui est endormie et que la migration
a bien enfouie. Nous allons nourrir cette
graine de manière à ce qu'elle puisse retrouver
un espace, un territoire, un ancrage. Nous espérons
– et nous le voyons chaque fois – qu’elle
germe et qu’ensuite, elle deviendra une fleur.
C’est le travail que nous faisons.
Nous accompagnons différents métiers à la
Fabrique Nomade. Nous sommes ouverts à
tous les savoir-faire, quel que soit le niveau de
langue des personnes.
Nous venons apporter un cadre, un espace de
travail, de production, de partage et d'échange
avec des professionnels, qu'ils soient artisans ou
designers. C’est également un espace d'apprentissage
de la langue française, parce que
c'est nécessaire, et aussi un accès à la culture au
sens large : découvrir des musées, rencontrer des
artisans, visiter des ateliers. Il s’agit de leur permettre
peu à peu d'accéder à cet environnement
qui les entoure, de mieux le comprendre. Quand
ils arrivent, il leur est complètement méconnu.
M. Philippe LOISEAU
— En voyant le film, lors de la préparation de
ces Assises, je me suis demandé, par contraste
avec les échanges précédents, s’il n'existait pas
une identité professionnelle transculturelle et fondée
sur un langage universel. Ils se comprennent
sans se parler. Cela signifie qu’ils partagent un
langage, un registre qui dépasse les frontières
et qui réunit les artisans d'art, quelles que soient
les cultures et les traditions. C’est le sentiment que
cela donne. Je voulais que vous réagissiez sur ce
point.
Mme Inès MESMAR
— Nous voyons quelque chose de très fort
quand nous les accompagnons : s’ils arrivent à
avancer et à dépasser cette barrière, c’est tout
d'abord grâce à l’énergie qu'ils trouvent dans
la pratique de leur métier. C’est vraiment à cela
que nous essayons de les raccrocher. Nous
allons les chercher au fond d'eux-mêmes, car
parfois, les freins sont très importants et les blocages
sont nombreux. Ce sont des personnes
vraiment vulnérables, qui vivent dans des centres
d'hébergement. Elles sont dans des situations
extrêmement complexes, avec des enfants,
des familles. Quand elles arrivent à la Fabrique
Nomade, les choses ne sont pas simples.
Nous allons nous appuyer sur leur métier, sur ce
qui leur apporte du sens et de l’énergie. Cela
leur permet de dépasser toutes ces barrières,
toutes ces difficultés, d'avoir cette forme de
résilience que nous allons retrouver chez tous
les artisans, cette combativité face à l'adversité
qu'ils rencontrent. C’est déjà très fort. Grâce à
cette énergie qu'ils trouvent, ils arrivent à s'ouvrir,
à développer des liens et à se reconstruire à travers
cela.
L'ADN qu'on peut retrouver est commun à
celui des artisans. Le savoir-faire artisanal n'a
ni couleur ni origine. Il a pour point commun
ce langage de la main. N'importe quel artisan
partage cela avec un artisan qu'il pourrait rencontrer
dans un autre pays. Il y a un lien très fort
à la matière et au geste.
Vous avez précédemment parlé de l'intelligence
émotionnelle. Il y a cela en eux. Beaucoup de
personnes perdent pied dans la société parce
que, bien qu’elles aient sauvé leur vie en venant
ici, elles ont perdu cette âme qui leur donne du
sens à la vie.
Ce que nous défendons à travers la Fabrique
Nomade, le travail que nous portons, c’est qu'un
emploi n'est pas juste un emploi, c'est aussi pour
pouvoir se réaliser. Ce sont des personnes qui
ont des aspirations professionnelles, qui ont
aussi des rêves et qui ont également besoin
de se réaliser dans un nouveau pays. C’est ce
cheminement.
Tout le travail que nous faisons en essayant de
créer un réseau autour d'eux, de designers,
d’artisans et de professionnels, c’est pour eux et
avec eux, afin de reconstituer cette communauté
de métiers et de professionnels qui partagent
des valeurs communes. Vous en avez parlé. Je
le retrouve vraiment dans le travail que nous
menons avec les artisans. Il s’agit de retrouver
un sens et de faire en sorte que cette plante
I.5. Table ronde
39

puisse retrouver une racine dans cette nouvelle
terre avec d’autres plantes, d’autres voisins et
d’autres artisans.
M. Philippe LOISEAU
— Je remercie pour ce témoignage.
(Applaudissements.)
Vous serez demain avec nous pour témoigner de
l'autre sujet qui nous occupera demain : l’engagement.
À l'évidence, la Fabrique Nomade est
un exemple d’engagement dans la communauté
des artisans d'art en particulier.
INTERVENTION
DE DANIEL PELEGRIN
Ébéniste et sculpteur en Ardèche et
administrateur d’Ateliers d’Art de France
M. Philippe LOISEAU
— Je termine en donnant la parole à Daniel
Pelegrin. Il est ébéniste, artisan d'art et administrateur
à Ateliers d'Art de France. J’aimerais avoir
son point de vue sur ce qui a été abordé au cours
de ces échanges et savoir de ce qu’il a envie
de partager, comment il réagit et il raisonne par
rapport à tout ce qui s'est dit au cours de cette
journée, en particulier cet après-midi.
M. Daniel PELEGRIN
— Ce matin et cet après-midi, on a beaucoup
parlé d'humanité. Je ne pense pas qu'il y ait
beaucoup d'entreprises du CAC 40 qui osent,
quand elles font des colloques ou du management,
parler des individus et de l'humain.
En même temps, nous sommes des entreprises,
des chefs d'entreprise. Nous sommes en capacité
de mettre au cœur de l'humain. C’est notre
manière de vivre. Notre volonté à tous est de
vivre notre métier, de vivre de notre métier et de
transmettre notre métier.
Dans la société d'aujourd'hui, nous en arrivons à
une situation paradoxale : nous aurions besoin
de dépoussiérer nos ateliers qui devraient
rentrer dans une innovation inéluctable, pour
ne pas disparaître. Si nous faisons un simple
retour en arrière, nous voyons que nous avons
traversé tous les siècles. Si nous avons traversé
tous les siècles, c'est que nous avons apporté
de l'innovation.
J'ai visité l'exposition Toutankhamon. Je suis ébéniste.
Pour faire le siège de Toutankhamon, on a
modifié les outils. On nous a apporté une précision
pour gagner un temps dans l'exécution.
Mais je ne peux pas faire mieux que ce siège
qui a été réalisé : c’était une prouesse humaine.
L'industrialisation est arrivée à la fin du XIXe
siècle. Cela fait donc un siècle. Ateliers d'Art de
France, c'est 150 ans d'histoire. Il faut les mettre
en rapport.
Alors que l'économie de marché était le point
incontournable, la finalité de toutes les sociétés,
elle est en panne. On voit bien que de plus
en plus de personnes contestent l'économie de
marché et le productivisme. Ce sont vraiment des
gâchis monstrueux.
Il y a eu une intervention pour dire que nous
étions dans l’économie de marché. La transition
énergétique et écologique ne vise pas à faire
des écolos de première zone. Le néolibéralisme,
c'est le mensonge, la falsification, l’exploitation,
la simulation et la piètre qualité. À partir de là,
nous vivons effectivement dans une société où
nous sommes dans une économie de marché.
Nos valeurs ne peuvent pas être transposées.
Fondamentalement, je pense que, dans nos
métiers, il faut que nous restions véritablement sur
la transformation de la matière. Il ne faut pas être
déconnecté de la matière. C'est indispensable.
Nous avons besoin de revenir sur ce qui fonde
nos métiers. C’est un temps long. Il ne faut pas
être frustré par rapport à cela. On nous dit que,
pour que les métiers d'art existent demain, il faut
qu’ils réduisent leurs coûts, qu'ils travaillent plus
vite et qu’ils travaillent a minima pour vendre les
objets dans les musées à 10 balles, 20 balles ou
30 balles. Nous ne sommes pas dans ce monde.
Nous avons évidemment besoin de faire des
productions, d’être aussi dans le quantitatif, de
pouvoir nourrir notre création, mais fondamentalement,
notre métier s'exerce dans un temps long,
avec des doutes, des avancées, des échecs et
de la réflexion.
C'est par la transformation de la matière que
vient l'idée. Ce n'est pas l'idée qui fait l'objet.
Cela n’a jamais été ainsi. Quand on transforme
la matière, on se dit qu’on peut y aller. Avant, on
n'y allait pas.
Je dis cela parce qu’au niveau des territoires, on
nous fait des belles promesses : on pourrait nous
aider à monter des ateliers ici et là, des fab labs,
etc. Je n'ai rien contre l'intelligence artificielle,
bien au contraire. Il y a des prouesses extraordinaires
au niveau médical et dans les communications.
Mais la finalité n’est pas de dire que
notre horizon dépendrait de fab labs. Qu'est-ce
que cela apporte à l'humain ? Si cela se retourne
contre l'humain, c'est négatif, c'est un poison. Le
fab lab est comme de la pharmacopée : il y a le
pire comme le meilleur.
Je reviens sur ce besoin d’être sur nos territoires
pour vraiment faire entendre ce que nous
sommes face aux institutions, afin que, véritablement,
on ne pense pas à notre place et qu’on
n'agisse pas à notre place. On veut trop souvent
faire notre bonheur à notre place. Cela ne
fonctionne pas !
Daniel Pelegrin
Nous avons eu nos avancées de 2014-2016.
Avec les anciens administrateurs et toute la
famille des professionnels des métiers d'art,
40 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

6
nous avons fait un bond extraordinaire en 2014
et 2016 pour faire reconnaître nos métiers. Il ne
faut pas sous-estimer cet acquis extraordinaire.
Mais un député dont je tairai le nom a fait un
rapport. Il aime tellement nos métiers que ce n'est
pas la peine de le citer. Nous sommes de nouveau
en guerre. On nous fait attendre.
Je pense que nous avons besoin de nous reconsidérer
nous-mêmes, de refonder notre identité
professionnelle.
J'ai trouvé, dans les discussions des groupes
et dans l'intervention de Stéphane Rozès, des
appuis très importants. Ne pensons pas que
nous pourrions être un palliatif ou un supplétif.
Nous sommes une identité à part entière. C'est
ce qui fait notre force et notre existence.
Nous ne sommes pas là pour témoigner
dans la société. Nous ne voulons pas témoigner.
Je vais répéter ce que j'ai dit au début :
nous sommes là pour vivre notre métier, vivre
de notre métier et transmettre notre métier
dans sa totalité et sa globalité.
(Applaudissements.)
SYNTHÈSE DES DÉBATS
PAR STÉPHANE ROZÈS,
GRAND TÉMOIN
M. Philippe LOISEAU
— Je vous remercie.
Il est bientôt 18 h 00. Nous devons nous arrêter. Il
y a encore la journée de demain pour poursuivre
les échanges.
Je vais demander à Stéphane Rozès de bien
vouloir revenir sur scène et de relever ce défi
de proposer une conclusion en dix minutes.
C'est jouable !
M. Stéphane ROZÈS
— La vie est mal faite : quand on demande du
temps, on n'en a pas et, quand on sent qu'on va
être concis, il faudrait l'occuper.
(Rires.)
Justement, la question du temps et de votre rapport
au temps est sans doute ce que j'aurai appris
le plus en vous écoutant.
Mon propos de ce matin visait à vous restituer
et à essayer d'analyser la façon dont la société
vous voyait, et d’expliquer ce paradoxe de
constater que, précisément, en ce moment, elle
se tourne vers vous, vers ce que vous représentez,
vers ce qu'elle devine que vous représentez.
Dans le même mouvement, les gouvernants ne
semblent pas très attentifs à créer les conditions
qui vous permettent de vous déployer.
Le travail en atelier – vous utilisiez l'expression de
ruche –, votre identité à partir de vos savoir-être
et savoir-faire, le propos très intéressant et fantastique
sur le Craft et les débats de cet après-midi
me font tirer deux enseignements principaux
supplémentaires, qui font que je repartirai différemment
de la façon dont j'étais arrivé, comme
si j'étais un matériau entre vos mains.
(Applaudissements.)
Vous avez travaillé ce matin en ruche, en étant
vous-mêmes votre propre objet d'interrogation
et de transformation.
En suivant plus un groupe, en allant voir rapidement
ce qu’il se disait à l'étage et en écoutant la
synthèse de Philippe Loiseau, j'ai compris à quel
point vous étiez un matériau composite, dans la
mesure où vous êtes des métiers assez divers, des
expériences de gestes très diverses.
Pourtant, très clairement, il y a une homogénéité
qui vous traverse et qui justifie le fait de parler de
métiers d'art. À l'étage où j’ai été, quand je suis
allé voir la responsable, j’ai été frappé de voir
qu'il n'y avait pas véritablement de différence
entre les groupes. Cela veut donc dire qu'il existe
une homogénéité. Comme l’a dit Philippe Loiseau,
cette homogénéité vient du geste et de l’être, de
ce que vous faites et de ce que vous êtes. Cela
justifie déjà le fait que vous soyez protégés.
Le point qui m'a le plus frappé – et vous venez
encore de le dire, monsieur –, c'est la question
du rapport au temps, qui fait que non seulement
vous avez une identité professionnelle venant de
cette homogénéité, mais aussi que votre identité
constitue un noyau. Ce sont, avec tâtonnements,
les expériences de notre ami catalan étranger.
Les expériences d'autres secteurs sont passionnantes.
On sent que les sociétés tâtonnent. Elles
essaient de changer de paradigme entre les
visions du bonheur. Un prix Nobel d'économie
américain disait, il y a 40 ans, que le bonheur
était de gagner 10 $ de plus que son beau-frère.
On sent bien qu'on est passé à autre chose.
On doit passer à autre chose, mais en même
temps, la vie continue. Il faut payer les fins de
mois. La question est celle-ci : sera-t-il possible
de tuiler les choses entre ce qu'on a dans la tête
comme aspiration et ce que l’on fait ?
Il existe deux façons de se sortir du trouble actuel
qui est la limitation des ressources de la planète,
notamment au travers de la crise climatique.
Il y a la façon régressive, qui est de se construire
une justification de ce que l'on a en tapant contre
l'autre avec un grand A : l'étranger, la femme, le
mécréant, tout ce qui ne serait pas nous.
Il y a une façon civilisée, comme souvent, de
travailler sur soi, dans les limites.
Du coup, j'ai été frappé par ce que vous mettez
tous en avant : c’est le fait d’avoir un rapport
au temps dans votre processus de création de
valeur, absolument différent des autres. Vous
l'avez dit, ce rapport différent au temps vient du
fait que votre expérience humaine de créateur
vous amène à vous confronter à un matériau. Ce
matériau a ses contraintes et ses limites. Le pro-
I.6. Synthèse des débats
41

cessus de transformation qui est le vôtre s'inscrit
à l'intérieur des limites du matériau.
Je dirai presque que vous ne travaillez pas
seulement le matériau, mais que vous travaillez
avec le matériau. Vous intégrez, par votre
connaissance et par le geste, le fait de travailler
sur une ressource qui a ses propres logiques,
ses propres lois, ses propres contraintes et son
propre rapport au temps. Vous intégrez donc la
question des limites.
Il y a donc une cohérence totale entre votre quête
du beau et votre activité. Vous créez et vous vous
produisez dans un processus de transformation,
mais qui n'est pas illimité. Je n’aime pas le terme
« sous contrainte ». Il est sous logique ou sous
conversation avec les limites et les matériaux.
Je me disais, à vous écouter, que pour sortir de
la tension, vous créez et vous produisez. Si on
est dans une logique productiviste, on dit qu’il
faut repousser les barrières du temps et être hors
limites. Or, justement, le sujet est qu’on ne peut
plus être hors limites.
Je vous remercie de votre attention.
(Applaudissements.)
M. Philippe LOISEAU
— Cette journée d’Assises n’est pas terminée.
Vous avez rendezvous à 20 h 30 au Couvent
des Bernardins afin de poursuivre sous une autre
forme vos échanges et vos débats.
Je vous propose que nous nous retrouvions dans
cette même salle demain, à 9 h 30, pour aborder
le deuxième terme structurant de ces Assises :
l'engagement, avec d'autres intervenants et
d'autres ateliers. Bonne soirée et à demain.
(Applaudissements.)
(La séance, suspendue à 18 h 00, est reprise le
29 juin à 9 h 43.) •
Une dialectique s'opère entre la création, parce
que vous êtes dans des métiers d'art et sur des
matériaux, et un phénomène de production singulière,
de sorte que je créerai un néologisme
pour dire votre activité : vous créez et produisez,
vous êtes des créants et des produisants.
Ce n’est pas très beau. Je dirai que vous êtes des
« artisanants ». Au fond, ce que vous faites, c’est
transformer quelque chose sous contrainte de la
limite. C’est cette contrainte de la limite qui fait le
beau. C’est comme des artistes, qui se fixent des
limites. C'est à l'intérieur d'une structure limitée
qu’on déploie le beau, l'inventivité. En musique,
c'est clair : c'est la forme qui fait qu'à l'intérieur,
le fond se déploie.
Quand vous avez à dire au plan local, national
ou européen pour quelles raisons il faut
défendre vos métiers, au travers de la revendication
d'une branche ou d'un statut, ce n'est
pas seulement pour vous, mais parce que les
métiers d'art, en « artisanant », sont un prototype.
Vous êtes le prototype ou les précepteurs d'une
humanité qui doit transformer la planète, qui est
son matériau. Votre exercice professionnel au
quotidien est la possibilité de créer de la valeur
matérielle et immatérielle en étant soucieux des
ressources ou en conversant avec les matériaux
sur lesquels vous travaillez, comme la société
qui est confrontée à ce défi écologique et au
souci d’essayer de trouver d'autres modes de
production, de consommation et de développement
économique.
Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

II
L’ENGAGEMENT
La question de l’engagement constitue un enjeu
primordial pour la structuration et l’avenir du
secteur des métiers d’art.
Ateliers d’Art de France regroupe en son sein
des professionnels des métiers d’art qui écrivent
ensemble depuis plus de 150 ans l’histoire collective
du secteur.
Chacun d’entre eux a à cœur de transmettre ses
savoir-faire et son choix de métier qui est également
un choix de vie et de valeurs. Cette longue
histoire de transmission comprend également
des combats initiés depuis de longues années,
chacun se faisant le passeur de batailles pour la
préservation du secteur. L’engagement est ainsi
viscéralement au cœur de l’état d’esprit du professionnel
de métiers d’art, il constitue l’outil vital
et le lieu de reconnaissance d’une communauté
de métiers d’art.
Cette émulation collective se reflète également
dans l’incroyable investissement des associations,
des écoles et des élus locaux qui participent
à préserver et à faire rayonner les métiers
d’art, vitaux au développement de nos territoires.
La participation de près de 400 professionnels
des métiers d’art lors de ces Assises témoigne
de cet engagement des adhérents en faveur de
l’amélioration des conditions de vie professionnelle
et en tant qu’acteurs de son devenir.
Cette seconde matinée s’est déroulée avec la
contribution de Jean-Cassien Billier, philosophe
et maître de conférences, et d'Inès Mesmar,
fondatrice de La Fabrique Nomade, qui ont partagé
leur expérience et apporté leur analyse
sur le sujet.
Des ateliers de travail ont ensuite proposé deux
façons d’aborder l’engagement :
• Les thèmes d’engagement et les modes
d’action qu’Ateliers d’Art de France
pourraient renforcer ou initier ;
• Les thèmes d’engagement et les modes
d’action que les professionnels de métiers
d’art pourraient porter au niveau local,
dans leur environnement.
À l’issue de la restitution des travaux en ateliers,
Jean-Cassien Billier et Inès Mesmar sont revenus
sur scène pour délivrer une synthèse des
échanges et de leur perception du dynamisme
et des valeurs portées par le secteur et une
communauté des professionnels.
II. L'Engagement : présentation du thème
43

L’Engagement : présentation du thème p. 43
1. « Quel(s) engagement(s) ensemble et maintenant ? » p. 45
– Conférence de Jean-Cassien Billier, maître de conférences p. 45
Sorbonne-Universités – Sciences Po
– Conférence d'Inès Mesmar, fondatrice de La Fabrique Nomade p. 49
2. Synthèse des ateliers p. 53
3. Sondage auprès des participants p. 56
44 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

1
Journée du 29 juin
QUEL(S) ENGAGEMENT(S),
ENSEMBLE ET MAINTENANT ?
M. Philippe LOISEAU
— Bonjour à tous.
Une nouvelle journée d’apports et d’échanges
nous attend. L’Assemblée générale ordinaire se
tiendra en seconde partie de l’après-midi.
D’ici là, nous verrons un thème relativement
engageant : c’est justement l’engagement. Ce
thème vous concerne et vous avez énormément
de témoignages et d’éléments à apporter, ne
serait-ce que parce que votre présence au cours
de ces Assises témoigne de votre engagement,
à la fois vis-à-vis de votre communauté professionnelle
et visà-vis des Ateliers d’Art de France.
Les ateliers qui vous seront proposés en deuxième
partie de matinée vous proposeront
deux façons d'aborder cette question de
l’engagement :
• les engagements pour lesquels Ateliers
d’Art de France et la chambre syndicale se
mobilisent et pourraient se mobiliser : quels
champs d'action faut-il renforcer ou développer
en termes d'engagement de la part
de la chambre syndicale ?
• les engagements que, en tant qu'individus et
que collectifs, vous pourriez mobiliser à votre
niveau, dans votre environnement.
Nous serons dans cette double dimension de
l'engagement collectif et institutionnel et de l’engagement
individuel de proximité. C’est sur ces
deux thèmes que nous vous inviterons à échanger,
à vous confronter et à débattre au cours de
ces ateliers.
Avant d'entamer ces ateliers, nous écouterons
deux témoignages très différents, mais complémentaires.
Le premier sera celui du philosophe Jean-Cassien
Billier, qui est maître de conférences à la
Sorbonne et à Sciences Po. Il va venir au cœur
de cette notion d’engagement. Il se propose de
vous apporter certains repères, en écho avec
la communauté professionnelle que vous êtes.
Ce sera un propos philosophique et en lien avec
votre réalité. Pourquoi parler d'engagement, à
un moment où l'engagement est parfois considéré
comme une valeur ou une vertu du passé ? Je
suis suffisamment âgé pour penser que, quand
j'étais jeune, à peu près tout le monde se posait
la question de l'engagement.
Je ne suis pas sûr que mes enfants se la posent
de la même façon. C’est une valeur du passé,
certains préférant le statut de passager clandestin
: autant que les autres s’engagent et
que je bénéficie des acquis qu’ils réussissent à
conquérir pour moi. D'autres, doutant de l'efficacité
d'un mode d’action collectif, privilégient
le chacun pour soi ou la participation ponctuelle
et des modes d'action aussi évolutifs que cognitifs,
comme cela peut arriver à notre époque
contemporaine.
Nous aurons le témoignage d’un philosophe et,
dans un second temps, un autre témoignage. Il
s’agit de celui d'une personne que vous connaissez,
qui est déjà intervenue hier après-midi : Inès
Mesmar, fondatrice et directrice de la Fabrique
Nomade. Elle témoignera d'exemples concrets
d'engagements dans l’univers professionnel des
métiers d’art. Elle illustrera assez simplement cet
engagement possible parmi d’autres, dans le
métier et la communauté qui est la vôtre et au
profit d'une cause ou d'un bien commun plus
large, plus transverse et plus sociétal.
Je demande à Jean-Cassien de me rejoindre.
(Applaudissements.)
Avant de lui donner la parole, je vous propose
de regarder ensemble un micro-trottoir réalisé
comme ceux d’hier, au cours des rencontres en
province qui se sont déroulées au printemps.
Cette thématique de l’engagement a été abordée
avec les participants à ces réunions, lors
de ces rencontres organisées en région. Nous
allons découvrir ces témoignages.
(Diffusion du micro-trottoir.)
M. Philippe LOISEAU
— Bonjour, Jean-Cassien Billier. Je pense que
ce micro-trottoir pose bien le cadre du débat de
cette matinée. Vous avez la parole.
INTERVENTION DE
JEAN-CASSIEN BILLIER
Maître de conférences en philosophie morale
et politiques à l’université Paris Sorbonne et à
Sciences Po Paris et spécialiste en éthique et
éthique appliquée.
M. Jean-Cassien BILLIER
— Je vous remercie. Bonjour à tous.
(Applaudissements.)
Ne m’applaudissez pas déjà ! Un philosophe à
9 h 30 du matin, c'est un peu terrifiant.
(Rires.)
D’un autre côté, je me sens un peu chez moi, car
j’ai cru comprendre que la nuit a été longue, ce
qui est souvent le cas pour mes étudiants à la
Sorbonne ou à Sciences Po. Je me sens dans
ma situation habituelle.
Je remercie la Présidente, Aude Tahon, de
m'avoir invité et Philippe Loiseau également.
Je vais essayer de vous dire quelques propos
extrêmement simples sur l’engagement et, un
peu bizarrement, à votre sujet. C’est bizarre, car
en principe, vous vous connaissez mieux vousmêmes
que moi, je vous connais.
Je vais dire quelques mots sur la façon d'appréhender
à la fois l’engagement et l'engagement
spécifique dans votre métier, qui apparaît très
nettement dans le micro-trottoir précédent. Visiblement
– et c’est évident –, vous vivez tous votre
II.1. Conférence de Jean-Cassien Billier et Inès Mesmar
45

travail comme un travail-vocation, un travail-passion
et pas comme un travail tout court.
Pour essayer d’en parler, je vais partir d'une
petite histoire liée à la grande histoire, qui est
narrée par un de mes philosophes favoris : Bernard
Williams, un philosophe britannique. Il
l’a appelée « le cas Gauguin ». Tout le monde
connaît Gauguin et vous mieux que moi. Cela
tombe bien pour nous aujourd’hui : ce peintre
français a également été, comme vous le savez,
céramiste. Il a fait des vases en grès à une certaine
époque de son existence.
Le cas Gauguin est narré par Williams, à partir
d’une simplification de la biographie de Gauguin.
C'est le moment bien connu où Gauguin
abandonne sa famille et la France et s'en va à
Tahiti, parce qu'il pense qu’il va pouvoir renouveler
son inspiration. Il coupe les ponts et il part.
C'est une forme d'engagement radical.
Ce cas Gauguin donne lieu à quatre petites
analyses, quatre remarques très simples de la
part de Bernard Williams, surtout les premières.
La première est qu'il n'y a pas d'engagement
sans risque, dans n'importe quel domaine. S'il
n'y a absolument aucun risque, ce n’est pas de
l'engagement ou alors c'est un engagement pour
Première dame de France ou star de cinéma en
mal de notoriété. Si vous vous engagez pour une
cause à laquelle tout le monde adhère, vous ne
risquez absolument rien. C'est cosmétique. L'engagement
suppose une prise de risque.
Deuxièmement, l’engagement est toujours un
engagement dans le temps, dans deux sens du
terme. C’est dans le temps long, car s'engager
pour 15 secondes ou 5 minutes ne fait pas sérieux.
Quand on pense à des engagements, ce sont des
engagements dans la vie conjugale, dans la vie
amoureuse ou dans la vie religieuse. Si vous dites
que vous allez vous engager pour 90 minutes,
cela ne va pas ou cela laisse planer le doute sur
le sérieux de votre engagement. L'engagement
suppose de se lancer dans le temps long, de
prendre le risque de partir dans le temps long.
Ensuite, il y a le fait que le temps, c'est aussi de
l'intensité. L’engagement correspond à un temps
long et aussi à un temps de l'intensité. Quand je
m'engage, je vis à fond ou, du moins, j'essaie de
vivre à fond une activité et quelque chose. Il y a
à la fois la longueur et l'intensité.
La troisième analyse de Williams est proprement
de la philosophie de Williams. C'est un concept
qu'il a inventé : moral luck, la fortune morale.
Cela a scandalisé plein de philosophes, mais
cela me plaît bien. Il consiste à dire que, dans
la vie, on ne sait pas ce qu’il va se passer. Tout
repose en grande partie sur ce que les anciens
appelaient la fortune, le hasard. Il peut y avoir
des bonnes et des mauvaises fortunes.
Que peut-il se passer quand Gauguin part ? De
nombreuses choses peuvent se produire.
Il peut devenir le Gauguin que nous avons
connu, c’est-à-dire renouveler complètement
son inspiration et peindre des toiles formidables.
En deuxième solution, le bateau fait naufrage.
Il meurt. Il n’y a pas de toile, mais ce n'est pas
de sa faute.
En troisième solution, il perd ses mains dans un
accident au cours de la traversée. Une fois de
plus, ce n’est pas de sa faute.
Dans la dernière solution, il ne meurt pas, il ne perd
pas ses mains et il arrive à Tahiti, mais rien ne se
passe comme prévu : il n'est pas à la hauteur de
ce qu'il pensait pouvoir trouver en lui-même. Il est
en partie responsable, mais en même temps, tout
cela fait partie du risque de la création.
Williams a voulu dire par là que les décisions les
plus graves de nos existences sont sous-déterminées.
En termes plus simples, cela signifie qu’elles
ne sont justifiées qu’après coup par ce qui va
arriver. En réalité, la justification rationnelle n'est
jamais complète. Il y a toujours quelque chose en
nous, dans ce qu’il y a de plus grave dans notre
existence, qui dépend d’autres choses que nous.
On peut en tirer plusieurs conséquences.
Une conséquence toute simple est que cela peut
modérer notre fierté au sujet de toutes nos grandes
réussites, parce qu'il y a une part de hasard.
Ce qui est encore plus intéressant, c’est que cela
peut modérer notre culpabilité, nos regrets et nos
remords quand nous pensons, parfois à tort, ne
pas avoir été à la hauteur de ce que nous pensions
faire. Après tout, il y a aussi de la moral luck,
de la fortune morale.
La dernière conséquence correspond au grand
concept de Williams, qu’il a appelé l’intégrité.
Dans le fond, on ne peut pas maîtriser tout cela.
On peut simplement tenter de maîtriser sa cohérence
biographique. Il appelle cela la vertu
d'intégrité : ne pas se prostituer, ne pas trahir les
idéaux pour lesquels on vit.
Quand on s'engage, on pense qu'on doit
accepter des risques, accepter parfois de ne
pas avoir un retour sur investissement existentiel
ou financier avant cinq , dix ou vingt ans. On
accepte cela, car on se dit que cela en vaut le
coup. On ne sait pas comment cela peut tourner.
Cela peut mal tourner. En revanche, il y a une
vertu : l’intégrité. Je ne me prostitue pas. Je pense
que je dois m’engager et respecter quelque
chose : les principes pour lesquels je vis.
Williams dit que cette intégrité a deux petites
caractéristiques.
La première est qu'être fidèle à ses principes ne
peut pas être mécanique. Cela ne peut être que
par tentative de cohérence biographique. Je
n'applique pas des devoirs automatiquement
envers moi-même. Simplement, je suis attentif à
moi, à la création de moi. Pour un créateur, cela
se confond avec la création de son œuvre. C'est
plutôt une construction de cohérence.
Deuxièmement, être fidèle à soi et à ses principes
ne veut pas dire être psychorigide. Être
psychorigide est plutôt une pathologie. Cela
veut dire que j'admets que je peux modifier mes
engagements, mais que je le fais de façon autonome,
de façon réflexive.
On peut considérer que cette vertu de l'intégrité
est la vertu par excellence du créateur d'art et
du créateur tout court. Si vous ne croyez pas à
quelques-uns de vos engagements existentiels et
esthétiques, vous ne croyez pas en celui ou en
celle que vous êtes. C'est très embêtant.
Pour vous tous, visiblement, la vie et l'œuvre
s'entrecroisent. C'est la vertu par excellence de
l'engagement et aussi la vertu par excellence, à
mon avis, du créateur d'art.
Maintenant, je sors de Williams pour vous
faire part de minuscules analyses modestes qui
découlent de ma visite à la Biennale, au Grand
Palais à Paris, et de ce qui m'a semblé ressortir
de cette visite concernant les caractéristiques
de l'engagement du créateur d'art. J'en vois plusieurs.
Je vais vous les énumérer.
La première caractéristique est que c'est un
engagement dans la matière. Cette matière
devient du matériau. Il s’agit d’une ou plusieurs
matières qui deviennent un ou plusieurs matériaux
que vous travaillez.
Ce rapport à la matière saute aux yeux. C'est
la grande différence, peut-être – je m’engage
sur un terrain qui n’est pas ma spécialité – avec
le design, qui me semble être plutôt du côté du
dessin, du dessin abstrait à partir de l'extérieur
de la matière.
46 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

Jean-Cassien Billier
II.1. Conférence de Jean-Cassien Billier et Inès Mesmar
47

Ce qui est frappant quand on se promène dans
les allées de la Biennale, c’est la présence des
matières. L'engagement est un engagement
dans la matière, qui devient matériau.
Il y a eu mille analyses sur le sujet. Vous avez
peut-être lu quelques-uns des livres les plus intéressants
récemment sur la question, notamment
celui d'un Américain, Matthew Crawford, appelé
Shop Class as Soulcraft, qui a été traduit bizarrement
en français par un titre un peu clinquant,
mais plutôt pas mal : Éloge du carburateur.
C’est un philosophe qui est aussi mécanicien de
motos, ce qui est rassurant.
Dans son livre, il dit quelque chose que je trouve
extrêmement simple et pertinent. Quand on a
affaire à de la matière, on doit se plier aux exigences
d'objets qui ont leur propre façon d'être,
non négociable. Il cite un passage magnifique
d’une philosophe britannique, Iris Murdoch :
« C'est comme quand j'apprends le russe, une
langue étrangère ». Si je fais l’apprentissage du
russe, je vois que cette langue a une structure qui
commande le respect. Je ne peux la changer.
En revanche, je peux parler avec une langue.
Nous sommes libres à l'intérieur d'une structure.
Nous évoluons dans cette structure. Quand je
fais l'apprentissage et que je joue avec cette
structure, elle est non négociable, sinon ce n'est
plus du russe.
De la même façon, on peut dire que ce qui est
frappant dans votre travail avec la matière,
c'est quelque chose comme une intimité avec
la matière, qui révèle des potentialités de la
matière, mais apparemment, sans la forcer. Il
semble qu’il y a une structure non négociable
dans chacune des matières. On ne peut pas la
changer. On ne peut pas dire que le fil de fer
devient subitement du feutre.
En revanche, une chose est incroyablement
frappante pour un observateur totalement naïf
et extérieur comme moi : on a l'impression que,
subitement, les potentialités qui sont dans la
matière sont révélées par un très long engagement
dans l’intimité de la matière.
Ce que je vais faire est abominable et injuste :
je vais citer. En préparant cette conférence, j’ai
compulsé le catalogue de la Biennale. Tout
m’a frappé. J’en donne quelques exemples : le
bureau Wave de l'ébéniste Pierre Renart, que
j'ai trouvé absolument incroyable ; les bijoux en
feutre Night and Day d'Evelyne Alice Bridier ; les
grandes prairies en ardoise de Sabine Fillit ; les
coffrets et les boîtes à cigares de Walter Bellini
en ébène du Gabon.
Il y a toutes ces matières : ébène, ardoise, feutre.
Je n'avais jamais imaginé que le feutre puisse
devenir un bijou. Je n'avais jamais imaginé que,
dans un coffret, le mystère ne soit pas à l'intérieur.
Quand on a un coffret, on se dit toujours que
ce qui est mystérieux est dedans. En voyant le
coffret, je me suis dit que ce qui était mystérieux
n’était pas dedans, mais le coffret lui-même.
Comment cela a-t-il pu arriver ? Cela m'a énormément
frappé.
À mon avis, l'engagement est là. Vous êtes tous
engagés dans des matières. C’est parfois une
seule et parfois plusieurs, mais c'est une caractéristique
absolument profonde.
La deuxième caractéristique, c'est l'engagement
dans le corps. C'est un peu banal parce que,
bien sûr, vous travaillez avec votre esprit. C’est
toujours un corps-esprit.
Vous n'avez évidemment pas affaire avec la
matière en général, la matière abstraite qui
n’existe pas. C'est une matière de physicien.
Vous avez affaire à quelque chose de lourd, de
pesant, de rugueux, de lisse, de froid, de chaud.
Vous avez affaire à quelque chose qui se touche
avec la main.
Un livre magnifique d'un sociologue, Richard
Sennett, traduit récemment sous le titre Ce que
sait la main, est consacré au savoir de la main. Il
cite, par exemple, les propos d'une jeune femme
qui fait l'apprentissage du métier de souffleur de
verre. Il montre que c'est un très long apprentissage
des gestes du corps, la façon dont le corps
finit par se mettre en contact avec cette matière
et par faire en sorte que ce qui pourrait être une
sorte de poche visqueuse et informe de verre, qui
pourrait retomber en rien du tout, par des gestes,
d'un seul coup, prend forme.
Il y a aussi le livre qui m'a été conseillé par
Philippe Loiseau et que j’ai lu avec passion. Il
a été publié récemment. C’est un livre d’Arthur
Lochmann, appelé La vie solide – La charpente
comme éthique du faire, consacré à la charpente.
Il y a des passages magnifiques,
notamment un très long passage sur la façon
d’apprendre à utiliser une scie. Lochmann dit que
travailler avec une scie est un geste qui implique
une multitude de parties du corps. C'est long
à apprendre. Cela ne se fait pas en quelques
minutes. Tout le corps travaille la matière.
Matthew Crawford, toujours le même, mais dans
un livre plus récent qui s'appelle Contact, prend
aussi l'exemple des souffleurs de verre. Il parle
cette fois de l'aspect communicationnel. Dans le
fond, le corps n'est pas uniquement ce qui met en
contact avec la matière, mais ce qui me permet
de communiquer. Pourquoi ? Il explique dans
un long passage que, dans l'atelier de verrerie
– que certains d’entre vous connaissent bien
mieux que moi, car je n'ai jamais mis les pieds
dans un atelier de verrerie, mais j'ai lu le livre –,
cela va trop vite pour communiquer de façon
verbale. Il faut communiquer par gestes, par
le corps, car on n'a pas le temps de parler. La
matière va trop vite, le geste va trop vite. Cela
passe par le corps.
Évidemment, la transmission est au cœur des
métiers d'art.
La transmission, disent-ils tous, n'est pas l'explication.
C'est la monstration : je montre le geste.
Je transmets en montrant par le corps, beaucoup
plus qu'en écrivant un traité pour expliquer comment,
en 19 étapes, je souffle du verre ou je fais
telle ou telle chose. C'est un engagement dans
le corps.
Ensuite, c'est un engagement dans une tradition.
C'est extrêmement frappant : vous êtes tous inscrits
dans des matières qui sont travaillées, pour
certaines, depuis la nuit des temps ou des siècles,
avec des façons de faire qui sont inscrites dans
les traditions.
La tradition a souvent mauvaise presse, ce qui est
dommage. Il faut comprendre ce que veut dire
vraiment une tradition. Elle repose sur trois éléments
qui la caractérisent principalement.
La première chose est qu’on a l'idée globale
d'une vérité qui doit être transmise. Cette idée
est qu’on s'oppose à l'ignorance, à l'oubli, à
l'erreur. Des choses ont été découvertes avant
nous, par des anciens. Il ne faut pas l'oublier. Il
faut le transmettre, sinon ce serait de l'oubli, de
l'ignorance, de l'erreur.
La deuxième caractéristique est que cette
vérité doit être transmise consciemment,
volontairement. En d’autres termes, un comportement
routinier, machinal n'est pas une tradition.
Une tradition est vécue consciemment,
volontairement.
La troisième caractéristique est peut-être pour
moi la plus importante : la tradition n'est pas forcément
la reproduction à l’identique, le maintien
opiniâtre du passé. C'est le propre du traditionalisme
et pas de la tradition. La tradition est
quelque chose qui, au contraire, rend possible
la re-création.
Cette tradition est une valeur. Dans ma spécialité
qui est plutôt l'éthique et la philosophie
48 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

morale, c'est une valeur. On l'appelle parfois
une valeur de second ordre, au sens où l’on dit
qu’être chevaleresque ou galant est une valeur
traditionnelle.
La tradition est une valeur sur une valeur. C'est
une valeur qui se porte sur d'autres valeurs, qui
vient les colorer.
C'est une valeur qu'on appelle épaisse. Dans
notre spécialité, en philosophie morale, on
oppose souvent les valeurs minces et les valeurs
épaisses. Mince, c'est par exemple bon : si vous
dites de quelqu'un qu’il est bon, vous ne le décrivez
pas. C’est hyper-abstrait. Si vous dites qu’il
est chevaleresque, galant, etc., vous pouvez
voir la personne. Cela comporte un élément
descriptif.
La tradition, c'est épais. C'est une valeur. C’est
épais, car on peut voir des comportements qui
vont avec la tradition. Ces comportements vont
avec d’autres valeurs, car les valeurs, comme les
ennuis, volent en escadrille. Ils ne sont jamais
isolés. La tradition va avec la ferveur, l’intensité et
l’humilité. J'apprends tout d'abord et je transmets.
Cela va avec la piété aussi, au moins d’un point
de vue religieux.
La tradition, c'est ce qui vous inscrit dans un temps
long. C’est ce qui fait qu'être un artisan créateur
d'art n'est pas être flexible. C'est ce que dit Sennett
quelque part. C’est magnifique. Je crois que
Crawford le dit aussi.
C'est le contraire de l'idéologie moderne du
travailleur flexible : le travailleur qui n’a aucune
spécialité et qui est supposé pouvoir être flexible.
Il doit faire des tâches et d'autres, comme si tout
pouvait s'apprendre très vite. Être créateur
d’art, c'est un long apprentissage. Ce n'est pas
flexible. C’est dans une tradition.
Est-ce que cette tradition est le contraire de
la créativité ? Je ne le pense pas. Il y a une
tension féconde.
Tout d'abord, il peut exister une tradition de créativité.
La tradition du créateur d’art, c'est d’être
dans un long métier qui, depuis toujours, encourage
la créativité.
C'est aussi parce qu’on ne peut pas créer, c’està-dire
innover, par rapport à rien. Pour innover,
il faut le faire par rapport à quelque chose, donc
par rapport à une tradition.
Le fait qu'il y ait une tension entre les deux
est plutôt pas mal. Pourquoi pas même une
contradiction ?
Nietzsche a dit, dans une de ses phrases un peu
lyriques dont il avait le secret : « On n’est fécond
qu’à condition d’être plein de contradictions ».
Dans le fond, qu'il y ait des contradictions entre
les deux est peut-être le cœur de la fécondité.
Il me reste exactement 2 minutes et 20 secondes
pour vous dire l'essentiel. Ce sera difficile. Je vais
être bref.
J’évoquerai le dernier engagement dans le
métier. C'est un métier-passion, un métier-vocation.
Je pense que vous êtes pris dans une
double contrainte.
Au XIXe siècle, il y a eu une vague romantique
avec ce que, personnellement, j'appelle un
mensonge romantique, consistant à dire que
l'art devrait être complètement différent de tout
le reste, n'ayant plus rien à voir avec les artisans,
l’utilité et l'industrie. C'est mensonger à bien
des égards parce que l'artiste supposé pur est
sans doute une chimère. En tout cas, c'est une
construction sociale.
Cette différenciation, qui a été analysée en
sociologie, a donné des résultats très bizarres :
l'idée qu'il y aurait d'un côté des artistes, qui
seraient dans l'intensité pure de la vocation, et de
l'autre, des catégories qui seraient les artisans,
l'industrie, etc.
Il y a une double contrainte, car on demande
à l'artisan d'art d’être socialement ce qu’il est,
c’est-à-dire que vous êtes dans l'intensité de la
vocation. Si vous me disiez que vous le vivez
comme un travail routinier, cela ne paraîtrait
pas crédible. Il me semble que c'est presque
une pesanteur sur vous. Je pense que vous vivez
authentiquement cela de cette façon, mais une
telle demande sociale peut être pesante, car
dans le même temps, il n'y a pas la reconnaissance
en tant qu’artiste à l’état supposé pur. C'est
le résultat de la différenciation posée à la fin du
XIXe siècle.
Tout cela se heurte à l'identité de l'artisan créateur
d'art, qui est à la fois un artiste et un artisan,
à la fois dans le métier et dans la vocation, à la
fois dans un régime qui est celui du métier et dans
un régime qui est celui de la vocation, à la fois
dans le régime de l'art et dans le régime de l'utile.
Or, cette identité est séculaire : elle remonte au
moins au Moyen-Âge, pour ne pas dire aux
temps les plus reculés.
L'engagement, à mon sens, est l'engagement
dans une identité par-delà les siècles. Vous êtes
l'incarnation d'un phénomène qui a été provisoirement
rompu à la fin du XIX e siècle, de façon
sans doute superficielle : l'identité profonde du
créateur d'art.
Être engagé dans cette identité, c'est personnel
et c’est forcément collectif. Que vous le vouliez
ou non — mais je pense que vous le voulez
puisque vous êtes là aujourd’hui —, vous êtes
engagés dans la formation d'une identité collective
ou plus exactement dans le maintien,
l'institutionnalisation d’une très ancienne identité
collective.
À votre plus vif soulagement, je vais m'arrêter. Je
vous remercie de m'avoir écouté.
(Applaudissements.)
M. Philippe LOISEAU
— Merci, Jean-Cassien pour votre intervention.
Je ferai une simple ponctuation pour introduire
Inès Mesmar qui va illustrer des formes d’engagement
à travers la Fabrique Nomade.
Cet effet en miroir entre le propos de Jean-Cassien
Billier et le propos d’Inès Mesmar nous
paraissait intéressant pour introduire les ateliers.
Ils resteront tous les deux parmi nous. Comme
Stéphane Rozès hier, ils participeront aux ateliers
et reviendront en début d’aprèsmidi, après ma
synthèse, pour entrer à nouveau en dialogue
avec ce qu’ils auront entendu de vos échanges
et vous faire un retour. Il s’agit de faire en sorte
que ce soit un moment d’échange et de dialogue,
pas simplement un moment de conférencier
qui vient et qui repart.
Je laisse la parole à Inès Mesmar.
(Applaudissements.)
INTERVENTION
D’INÈS MESMAR
Mme Inès MESMAR
— Bonjour à tous. Je suis vraiment ravie d’intervenir
une seconde fois auprès de vous sur le
thème de l’engagement.
Pour reprendre les propos qui ont été expliqués
par Jean-Cassien Billier, le mot qui a résonné en
moi est le mot « exister ». Exister pleinement, c’est
effectivement dans la longueur, énormément
dans l’intensité et c’est prendre aussi beaucoup
de risques.
II.1. Conférence de Jean-Cassien Billier et Inès Mesmar
49

Il y a quatre ans, j'ai découvert par hasard des
broderies empilées dans l’armoire de ma mère,
les unes sur les autres, dans un coin. À cet instant
précis, j'ai découvert son histoire et son métier :
elle était brodeuse dans la médina de Tunis, un
métier qu'elle a abandonné quand elle est arrivée
en France il y a 46 ans.
C'était un métier qu'elle affectionnait. Elle brodait
avec passion ses fils de couleurs sur des linges
de maison. Découvrir cela, alors que j’avais
35 ans, a été bouleversant. Découvrir qu’elle a
mis sous silence ses compétences m’a amenée
à me questionner. C’est le point de départ de
mon engagement. Il est intimement lié et inscrit
dans cette histoire personnelle et familiale. C’est
l’histoire de ma mère que je porte et qui me porte
à travers toutes les actions que je mets en place
et le travail que je fais à la Fabrique Nomade.
Il m'a aussi permis de découvrir une énergie
immense que je déploie tous les jours, une
énergie qui déplacerait des montagnes. Le plus
incroyable, au-delà de cette énergie, est de
voir que cela avait entraîné l'engagement de
tant d'autres personnes qui m'ont rejointe, qui
ont choisi d’avancer avec moi et d'œuvrer pour
cette cause.
Inès Mesmar
Pour vous parler d'engagement, avant de vous
présenter les différentes formes d'engagements
à la Fabrique Nomade, je suis amenée à vous
parler de mon engagement personnel. Il est intimement
lié à mon parcours, à mon histoire de
vie. En fait, je ne présente jamais mon parcours
et mon histoire dans les conférences et dans des
rencontres. C'est le sujet de cette table ronde
qui m'amène à vous le présenter. Je le partage
avec vous avec beaucoup de sincérité et je vous
demande d’accueillir cela avec bienveillance.
Je suis une femme issue de l'immigration. Mes
parents ont quitté la Tunisie dans les années
60 pour s’installer tout d’abord à Limoges, puis
en région parisienne. Mon père a été appelé
par la France quand elle a eu besoin de maind'œuvre.
Il a suivi une formation de charpentier,
puis il a exercé le métier de menuisier. Ma mère
l’a rejoint et elle s'est consacrée à l’éducation
de ses six enfants.
Je suis née dans un quartier populaire. J'ai grandi
à La Courneuve, dans la cité des 4000. J’ai eu la
chance de grandir dans un quartier où il y avait
beaucoup de nationalités très différentes, où se
brassaient beaucoup de cultures. Cette diversité
culturelle fait partie de mon ADN.
Pourtant, j'ai grandi avec cette idée qu'il fallait
effacer toute différence, entrer dans un moule,
essayer d’être un peu comme tout le monde.
C’était une injonction à être discret, presque
invisible, à s'effacer.
Par la suite, j’ai suivi un parcours universitaire dans
les sciences humaines. J’ai appris le métier d'ethnologue
que j’ai exercé en France et à l’étranger.
J’ai ensuite évolué dans ma formation professionnelle.
J’ai accompagné des professionnels de
l'urbanisme et de la construction dans le développement
de leurs compétences et/ou dans
leur reconversion, et ce, jusqu’en 2015.
À défaut d'avoir pu aider ou accompagner ma
mère à retrouver son identité et peut-être à occuper
la place qu'elle aurait pu avoir, j’accompagne
d'autres artisans pour la retrouver, afin
qu’eux puissent le faire avant qu'il soit trop tard.
Mon engagement a représenté quatre ans
d'investissement bénévole pour développer
ce projet et y travailler corps et âme. C’est pour
cela que je parle d’intensité. J'ai découvert en
moi cette énergie et j’ai surtout vu que les choses
étaient possibles.
Depuis 2017, la Fabrique Nomade a accompagné
25 artisans dans 14 métiers différents
venus de 16 pays du monde, soit une diversité
tant culturelle que de savoir-faire. Ils ont produit
plus de 600 objets.
Nous avons organisé plusieurs dizaines d’événements
de promotion, de rencontres et de
conférences.
Aujourd’hui, la Fabrique Nomade fait rayonner
ces savoir-faire au Viaduc des Arts à Paris, dans
le XIIe arrondissement, dans ce haut lieu de la
création, au côté d'autres artisans. C'est une très
grande fierté.
Vous pouvez voir la remise du prix de
la Réciprocité.
50 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

Nous accompagnons des artisans sélectionnés
pour la maîtrise de leur savoir-faire et leur motivation,
la passion de leur métier.
La Fabrique Nomade réunit quatre salariés et
des jeunes volontaires engagés dans un service
civique, qui ont choisi de vivre l’expérience de
l’engagement citoyen pendant huit mois au sein
de l'association.
Elle est également épaulée par plusieurs
dizaines de bénévoles venus d’horizons différents
: des photographes, des vidéastes, des
professionnels de la communication et du marketing,
des designers, des artisans, des directeurs
artistiques, des consultants. Ils sont tous là pour
des raisons bien différentes, avec des parcours
vraiment variés. Ce qui les réunit, c'est cette envie
de faire grandir ce projet, d’aider ces artisans
à renouer avec une partie d'eux-mêmes, en
quelque sorte de contribuer à rendre un monde
un peu plus juste, meilleur.
Les formes d'engagement à la Fabrique
Nomade sont vraiment multiples. Je vais en présenter
quelques-unes.
À la Fabrique Nomade, nous développons
avec nos artisans des collections d'objets intitulés
« traits d'union ». Nous en sommes à notre
4 e collection. Cette collection est une première
étape sur le chemin de leur métier. Elle leur permet
de renouer avec leur savoir-faire et de se
frotter au marché français.
Nous avons souhaité que ces collections
puissent se créer en collaboration avec d’autres
professionnels et de pair à pair, notamment avec
des designers et des artisans. L’objectif est de
permettre cet apprentissage, la découverte
de cet environnement économique et culturel
qu'ils ne maîtrisent pas et de le faire dans un lien
humain, avec des professionnels comme eux.
Le film que je vais vous présenter se déroule lors
de la première journée de collaboration professionnelle
entre artisans et designers. C'est
le point de départ de leur collaboration. C'est
un temps de rencontre, au cours duquel ils vont
faire connaissance et découvrir les réalisations
de chacun.
Les artisans d'art et les designers sont des acteurs
importants dans le dispositif de formation. Ils
s'engagent bénévolement à soutenir les artisans
pendant la formation.
Les artisans d’art interviennent comme un soutien
précieux. Ils réalisent des évaluations techniques
des artisans en début de formation. Ils
soutiennent les binômes artisans/designers pendant
les phases de conception et de production.
Ils prêtent leurs outils et, parfois, ils en font don.
Quand c'est nécessaire, ils nous prêtent aussi
leurs espaces de travail. Ils nous apportent une
connaissance de leur métier, de la réalité de leur
métier. Ils nous ouvrent les portes de leur atelier.
Ils nous donnent une meilleure connaissance du
marché, des acteurs. Ils nous ouvrent aussi leurs
réseaux et leurs contacts. Ils participent également
à l’insertion professionnelle en accueillant
nos artisans en stage ou directement en les
embauchant, en leur proposant un travail.
Les designers sont complémentaires. Ils interviennent
dans la co-création des objets avec
les artisans. Leur rôle est de mettre en lumière le
savoir-faire des artisans à travers la création d’un
objet. Ils ont également pour mission, à travers
cette collection, d’amener l’artisan à adapter
son savoir-faire au marché, à en comprendre
les codes esthétiques d’exigence et à lui faire
découvrir la démarche de création. En effet, c'est
un métier que les artisans découvrent. Souvent,
ils ne le connaissent pas.
Un véritable dialogue se noue entre les artisans
que nous accompagnons, les artisans d’art français
et les designers. Tout cela crée la force des
objets que nous proposons.
Ils interviennent ensemble lors de temps de
workshop, des temps vraiment dédiés et intensifs.
Leur travail est vraiment accompagné
par un comité de direction artistique au sein
de la Fabrique Nomade. Les artisans en sont
parties prenantes.
Depuis 2017, vingt-cinq designers et dix artisans
d'art se sont engagés à nos côtés. On voit les
collaborations de designers et d'artisans.
J'en viens à notre engagement en tant qu'association
– je développerai les autres – à travers
les actions que nous portons et qui sont deux
actions principales : la création des collections,
leur promotion et les ateliers de pratique artisanale.
Ce sont des ateliers-cours animés par
nos artisans.
Parce que le projet de la Fabrique Nomade
interpelle, nous faisons entrer l'artisanat dans
différents lieux, qui sont parfois assez éloignés
de cette pratique.
À travers les actions que nous portons sous un
angle assez particulier, qui est celui du prisme
de la migration, nous participons, à notre petit
niveau, à faire rayonner et à partager ces métiers
à travers nos artisans.
Nous étions invités au Palais de Tokyo à présenter
nos collections et à initier les visiteurs à
découvrir les métiers de nos artisans. Nous avons
animé des ateliers de céramique, de tissage et
de vannerie.
Voici les différents événements que nous avons
pu organiser et auxquels nous avons pu participer
: les D’Days et le lancement de la 3 e collection
de la Fabrique Nomade au Viaduc.
L'autre engagement est celui des participants
aux ateliers de pratique artisanale. Les artisans
vont animer des ateliers de transmission de
savoir-faire. L’acte de transmettre est extrêmement
important dans ce qui constitue le fait d'être
artisan. Nous avons trouvé que c'était un moyen
intéressant pour permettre aux artisans de pratiquer
la langue française, de développer du
lien social et, à travers cet échange, de pouvoir
gagner en confiance et en valorisation. Dans
l'échange avec l'autre, ils retrouvent ce qu’ils sont
et surtout, la valeur du travail qu’ils ont perdu.
On voit Lhamo Jigme, qui est perlière d'art, initier
une femme à la création de perles de verre.
Abou Dubaev, que nous avons vu hier, anime un
atelier de stuc et marbre.
L’atelier de tissage est animé par Burhan Husseini,
qui est un lissier afghan.
Wadie Haddad anime un atelier de vannerie.
Qu'il s'agisse d'une démarche d'entreprise ou
d'une démarche d'un particulier, ils ont été plus
de 500 à soutenir concrètement les artisans dans
leur insertion professionnelle. C'est un temps de
transmission, d'échanges et de rencontres.
La première motivation des personnes qui participent
aux ateliers est la mission sociale de l'association,
puis vient l'initiation à un savoir-faire.
Ceux qui s'engagent à nos côtés sont aussi des
personnes qui participent à nos actions financièrement,
puisque les ateliers sont un moyen de
soutenir l’association : par ce biais, nous finançons
nos actions, nos matériels et tout le dispositif
que nous mettons en place.
(Projection d’une vidéo.)
Il y a également, pour parler d'engagement et
poursuivre sur ce thème, l'engagement des artisans
migrants. Vous pouvez vous dire que c'est
peut-être un peu surprenant de parler d'engagement,
mais c’est tout de même le cas.
II.1. Conférence de Jean-Cassien Billier et Inès Mesmar
51

Les artisans font un choix difficile en poursuivant
leur métier. Il faut se remettre dans le contexte :
leur situation est loin d'être simple au moment où
ils arrivent. C'est un choix extrêmement engageant.
Quand ils le font, c'est par passion pour
leur métier. Ce n'est pas sans sacrifice.
La formation est, certes, gratuite, mais il y a une
contrepartie : accepter de redémarrer de zéro,
accepter de reprendre la posture d’apprenant
et de stagiaire quand on était un artisan bien
établi et reconnu dans son pays, accepter
d’intégrer de nouvelles façons de faire et de
penser, accepter de se remettre en question, de
s’ouvrir. Cela nécessite non seulement un engagement,
mais aussi une forme de résilience et
d’implication.
L’engagement des artisans va plus loin qu'une
démarche individuelle : ils s'engagent également
à construire une communauté d'entraide,
de soutien entre pairs. Les anciens qui quittent la
formation et qui trouvent un emploi partagent
leur expérience auprès des nouveaux pour les
conseiller, les soutenir, développer des liens
entre eux et plus largement avec leur réseau
professionnel, c’est-à-dire avec d’autres artisans.
Nous avons créé un comité des artisans qui réunit
l'ensemble des promotions. Un représentant a
été élu et il siège au sein du Conseil d’administration
en tant que vice-président de l'association.
Il anime ce réseau d’artisans, il fait remonter des
besoins et des idées et il participe à la réflexion
concernant nos actions.
Pour nous, c'est extrêmement important qu’ils
puissent être partie prenante de ce travail et de
cette réflexion. Nous ne pouvons pas être à leur
place et penser tout comme il faut. Ils participent
vraiment à la vie de la structure. L'objectif est
qu'ils puissent, avec d’autres artisans qui nous
rejoignent, être parties prenantes de ce projet
et créer ainsi un cercle vertueux.
On les voit dans le cadre de missions de travail
et lors d'une réunion avec les artisans de
l'association.
Les acteurs des métiers d'art sont très importants
et essentiels pour la Fabrique Nomade. Nous
avons souhaité dès le départ nous inscrire dans
cet écosystème afin que nos actions puissent
être portées auprès des professionnels et des
différents acteurs du secteur.
Grâce au soutien des Ateliers de Paris, de l’IN-
MA, de la Chambre des métiers, du pôle des
métiers d’art d’Est Ensemble et des acteurs du
design, nous avons fait rayonner ces savoir-faire
lors de salons professionnels, d'événements destinés
au grand public et aussi aux professionnels.
Nous avons participé à la biennale Émergence,
au Carrousel des métiers d’art et de la création,
aux Journées des métiers d'art et aux D’Days.
Aujourd’hui, l’invitation d’Ateliers d’Art de
France pour ses Assises est aussi une forme
d'engagement à nos côtés, car cela nous aide
à faire connaître l’association et à faciliter les
liens que nous pourrons développer avec elle
et avec vous. Je tiens à remercier Ateliers d'Art
de France pour cette belle opportunité et cette
main tendue.
Je reviens rapidement sur les actions que nous
développons.
Nous proposons un dispositif de formation
certifiant et pragmatique. Il leur permet de
développer leurs compétences et de s’adapter
au marché.
Nous avons une activité de fabrication d'objets.
Les artisans vont créer des objets, vitrines de leur
savoir-faire, en collaboration avec des artisans
et des designers. Ils font des activités de transmission
par le biais d’ateliers de pratique artisanale.
En guise de conclusion, je dirai que, comme nous
venons de le voir, les modalités d'engagement
sont multiples. Les motivations pour s’engager
sont propres à chacun et sont évidemment
uniques. Elles sont le résultat d'un parcours de vie
et de choix personnels. Chacun trouve un sens
dans son engagement et y met une énergie qui
le nourrit, en réalité.
Je me souviens que, lors d'une formation, un
coach a dit : « On croit généralement que s'engager,
c'est aider les autres, mais très souvent,
s’engager, c'est aider soi-même ». L’accès à
soi passe souvent par les autres. On s'inscrit
aussi dans un engagement pour répondre à un
besoin personnel.
J'espère que ma présentation vous aura donné
envie de vous engager. S’engager, c'est bien
sûr donner de son temps et de son énergie, mais
c'est aussi recevoir énormément.
À la Fabrique Nomade, nous accueillons toutes
les énergies. Vous l’aurez compris, les artisans
que vous êtes ont toute leur place pour nous
soutenir, agir et s’engager. Nous avons besoin
de vous. Venez nous voir. Nous avons laissé des
plaquettes à l’entrée. Venez nous rencontrer et
poser des questions, échanger ou juste partager
un mot. Vous n'êtes pas obligés de vous engager
directement. Nous sommes là toute la journée.
J’ai déjà échangé avec certains d’entre vous hier.
Nous sommes là pour échanger et découvrir
vos métiers.
Nous sommes vraiment ravis. Merci beaucoup.
(Applaudissements.)
M. Philippe LOISEAU
— Merci, Inès.
J'espère que ces deux regards très différents ont
été très complémentaires et qu’ils vont permettre
de nourrir et d'enrichir l’échange que vous pourrez
avoir en atelier.
Je vous rappelle les thèmes de ces ateliers qui
vont vous occuper pendant cette seconde partie
de matinée :
- Quels engagements et modes d'action Ateliers
d’Art de France pourrait-il soit renforcer, soit
confirmer, soit initier ? Sur quel terrain la chambre
syndicale doit-elle continuer le combat qui est
le sien ou de quels autres thèmes pourrait-elle
s'emparer ?
- Et surtout, quels sont les thèmes d'engagement
et les modes d'action que vous-mêmes, en tant
que collectif et en tant que personne, vous pouvez
porter à votre niveau, au niveau local, dans
votre environnement pour ne pas souffrir de ce
syndrome dont nous avons parlé précédemment
et qui est celui du passager clandestin ?
Comme hier, vous rejoindrez vos ateliers après
la pause. Nous nous retrouverons en début
d'après-midi pour une synthèse de ces ateliers et
un retour de Jean-Cassien Billier et Inès Mesmar
sur ce qu’ils ont pu entendre de vos échanges et
de vos débats.
Bon atelier et à tout à l'heure.
(Applaudissements.)
(La séance, suspendue à 10 h 50, est reprise à
14 h 08.) •
52 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

SYNTHÈSE
DES ATELIERS
2
M. Philippe LOISEAU
— Nous engageons la dernière séquence de
ces Assises avant d’ouvrir l'Assemblée générale
et de redonner le relais à la Présidente.
Comme hier, je vais présenter un exercice de
synthèse. C’est difficile et imparfait, comme vous
le savez. J’irai tout de suite à l'essentiel.
Pour mémoire, le thème des échanges de cette
fin de matinée était l'engagement de chaque
professionnel dans son métier. Jean-Cassien
Billier y a fait référence.
Votre premier engagement est presque vocationnel.
C’est celui qui vous implique tous
les jours.
C'est également l’engagement au service de la
communauté des métiers d'art. Cela peut être
aussi au service de la communauté entière et
un engagement plus sociétal dans le monde où
vous vivez. Une illustration vous en a été donnée
par l'engagement d’Inès Mesmar avec la
Fabrique Nomade.
C'est le résultat à la fois d’une démarche individuelle,
personnelle et collective.
Dans la synthèse que je vais faire, c'est toute la
question. Comment peut-elle être à la fois collective,
c’est-à-dire portée par un collectif et l’institution,
et aussi individuelle ? Comment chacun
peut-il s'engager ?
Deux thèmes d'échanges vous étaient proposés.
1 Quel thème d'engagement Ateliers d'Art de
France pourrait-il renforcer, accentuer ou
investir et selon quelle forme d’action ?
2 Quels thèmes d'engagement votre communauté
et vous, individuellement, pourriez-vous
mobiliser au niveau local, dans
votre environnement et sous quelle forme ?
Il y avait une question préalable : êtes-vous
vous-mêmes engagés ? Vous l’êtes à l’évidence
puisque vous êtes ici. La réponse n’avait pas
besoin d’être formulée puisque votre présence
en soi est un engagement.
Avez-vous d'autres engagements à titre personnel
? À l'évidence, oui. Il y a beaucoup d'engagements
professionnels, de participations et
d'implications dans des associations inter-métiers
ou dans le cadre de votre discipline.
Des adhérents ont également témoigné d'engagements
plus sociétaux, que ce soit auprès
de réfugiés ou dans des univers très différents
comme les ANAP, l’intervention thérapeutique.
On parle d'art-thérapie. Dans certains engagements,
le geste technique devient un moyen de
remédiation thérapeutique.
Certains artisans d'art sont engagés dans des
démarches plus thérapeutiques auprès de personnes
en situation de handicap.
Il y a des engagements de découverte et de
sensibilisation du public à la matière, des engagements
qui visent à faire connaître qui vous êtes,
ce que vous êtes et à sensibiliser le public à qui
vous êtes et à vos œuvres.
Il y a des actions au quotidien de solidarité professionnelle
entre professionnels, que ce soit
entre artisans, en termes de mutualisation ou de
secours concernant non seulement les outils, les
moyens et les ressources, mais aussi les compétences,
c'est-à-dire des échanges croisés de
compétences.
Un thème est récurrent : il y a des engagements
concernant le réemploi des matériaux et l'abandon
d'autres matériaux jugés plus nocifs pour la
santé ou plus impactants pour l'environnement.
Il existe donc un véritable engagement et une
réflexion de votre part. Peut-on travailler avec
des matériaux déjà utilisés ? Comment peut-on
les réemployer ? Est-ce que d'autres méritent
d’être mis de côté ?
Il y a bien une culture d’engagement et une
expérience d'engagement au sein de cette
communauté.
Quels sont les engagements qui pourraient
être portés par l’institution, c’est-à-dire par la
chambre syndicale, et ceux qui pourraient être
portés à titre individuel ?
À l'origine, quand j'ai construit ma feuille, j'avais
les deux chapitres. En travaillant avec les animateurs,
nous nous sommes aperçus qu'il était
compliqué de les séparer en deux chapitres, car
les deux dimensions sont consécutives l’une de
l’autre. C’est un point important : il est très difficile
de séparer l'action institutionnelle de l'engagement
individuel. Nous allons le voir. Je pense que
c'est l’un des messages de ces ateliers.
Le principal engagement, celui qui est dominant,
qui revient et qui est une constante, est de poursuivre
la revendication d'un statut unifié, social
et fiscal et, du coup, la revendication d'une
branche. Cet engagement vise à faire connaître
l'identité professionnelle des métiers d'art.
Cette poursuite de la lutte, de la démarche
revendicative est attendue d'Ateliers d'Art de
France. Il s’agit aussi de se demander comment
on pourrait utiliser ou exploiter mieux la maison
d'édition et les revues par une diffusion plus large
pour soutenir cette dynamique, faire connaître
les métiers d’art, la profession et le secteur économique
qui est le vôtre.
Il s’agit aussi de se demander de quelle façon
chacun, à son niveau, peut aider et supporter
cette action institutionnelle. Certains se sont
dit qu’il serait peut-être intéressant d'avoir, à
leur niveau, des outils, des supports de communication
qu'ils pourraient utiliser dans les
boutiques-ateliers, dans les ateliers, dans des
espaces où le public est reçu, afin de faire
connaître la chambre syndicale. On peut être
porteur de cette parole sans la défendre en permanence
dans la relation avec le client. L’idée
serait de réfléchir à des outils, à des visuels qui
permettent, dans les ateliers, de porter cette visibilité
et ces messages.
Cela peut être aussi, de façon très simple et
individuellement, de militer pour accentuer l'audience
d'Ateliers d'Art de France et de recruter
de nouveaux professionnels afin d'élargir le
socle des adhérents. Chacun peut s'engager
simplement dans des logiques de cooptation
II.2. Synthèse des ateliers
53

afin d'élargir le socle et l'audience de la
chambre syndicale.
Le deuxième axe mis en avant ne va pas vous
surprendre, car il a été amplement développé
hier : c'est la question de la formation et de la
transmission. Autrement dit, il peut y avoir à la
fois un engagement collectif et un engagement
individuel auprès des filières de formation. Chacun
peut intervenir dans ces filières de formation
pour dynamiser le secteur et préparer les
futurs professionnels.
Quelqu'un a dit qu’au Canada, il existait un
répertoire des professionnels susceptibles
d’intervenir dans les lieux d’enseignement. On
tient à jour la liste des volontaires qui peuvent
intervenir lors des différentes opportunités de
transmission d'enseignement.
J'ignorais cet élément. Je vous le restitue comme
nous l’avons entendu. Cela supposerait également
que le pourcentage du chiffre d'affaires
que chaque professionnel peut réaliser dans
le cadre de ses activités de formation soit
augmenté, qu'il ne soit pas plafonné comme il
l'est aujourd'hui.
Cela supposerait aussi que la chambre syndicale,
c’est-à-dire l’institution, noue des partenariats
avec les acteurs de la formation. On pense
à l’Éducation nationale, mais on pourrait ouvrir
le spectre. On pourrait penser aussi à l'Enseignement
supérieur, comme c'est le cas aux États-
Unis. Il s’agirait d’ouvrir des partenariats avec
l’Éducation nationale, l'Enseignement supérieur
ou les autres filières de formation afin de permettre
aux adhérents de s’impliquer.
C'est un point sur lequel je vais revenir. Dans l'esprit
des participants, la condition de possibilité
d'engagement local suppose, de votre point
de vue, que l'institution fasse peser ou utilise son
poids institutionnel pour ouvrir les portes. Chacun
se demande ce qu’il peut faire à son niveau : « je
ne suis pas assez équipé », « je suis seul », « même
si nous nous réunissons à quelques-uns, ce n'est
pas nous qui allons peser pour être acteurs de
la transmission et la formation »...
Comment l'institution œuvre-t-elle ? C'est une
action à deux niveaux : je ne peux m'engager
dans cette pratique de la formation et de la
transmission que si l'institution m’aide à ouvrir les
portes, passe des partenariats et des accords et
rend possible cette implication.
L'autre grand sujet de débat concernant l'engagement
ne vous surprendra pas non plus, car il a
été amplement développé hier : c’est le développement
durable et l’éco-responsabilité.
Il y a eu une petite remarque concernant les
Assises : il y a beaucoup de plastiques et de
jetables. Autrement dit, il faudrait être attentif
à diminuer la part du jetable et l’usage des
plastiques, y compris dans l'organisation
d'un événement.
L'idée est que l’engagement peut se traduire
par la prise de conscience de l'impact environnemental
des activités. On retrouve cette idée
de partenariat avec les fournisseurs pour des
emballages respectueux de l'environnement.
Ne pourrait-on pas imaginer une logistique plus
écologique dans la gestion des salons, qui sont
souvent appréhendés de façon individualisée ?
Ne pourrait-on pas imaginer, chacun acheminant
son matériel dans le cadre de son atelier,
de mutualiser les moyens afin de diminuer l'empreinte
écologique de l’ensemble de ces translations
de produits et de personnes ?
C'est aussi la traçabilité des produits. Comment
Ateliers d'Art de France pourrait-il contribuer à
54 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

assurer cette traçabilité des matériaux, des produits
utilisés ? On retrouve cette idée de labellisation
dont nous avons parlé hier.
Une suggestion est faite : il serait bien que ces
différents domaines de réflexion et d'investissement
dans le développement durable
et l’éco-responsabilité se traduisent dans le
cadre d'un forum d'échanges ou, en tout cas,
dans une modalité qui soit collective : qu'on
puisse partager, réfléchir et « brainstormer » sur
la façon de changer collectivement les choses
et d’avancer sur ce terrain du développement
durable et de l’éco-responsabilité. Ce n'est pas
une initiative individuelle, mais une dynamique
collective. Cela suppose qu'on puisse échanger
globalement.
Le quatrième axe est sans doute celui qui a suscité
le plus d’échanges et de débats : comment
renforcer l'action d'Ateliers d'Art de France à
l’échelon local ou régional afin de soutenir ce
désir d’engagement, de visibilité et d’affirmation
collective, dans un contexte où les relations avec
les régions ou les territoires sont parfois asymétriques
? Nous servons parfois de faire-valoir
aux régions et à leurs élus, mais nous ne bénéficions
pas toujours de retours des mêmes élus ou
leaders d’opinion.
Quel type d'action peut-on conduire, de ce
point de vue ? Comment Ateliers d'Art de France
peut-il nous aider à être beaucoup plus présents
et plus agissants aux niveaux local et régional ?
Par exemple, nous pourrions être des ambassadeurs
locaux d'Ateliers d'Art de France et, ce
faisant, nous pourrions intervenir auprès des
élus politiques, des leaders d’opinion locaux,
des jeunes publics ou dans le recrutement de
ce qu’on appelle les sponsors, c'est-à-dire des
acteurs un peu puissants qui adhèrent à notre
cause, la supportent et la soutiennent.
Nous pourrions aussi nous engager sur le plan
politique, dans des mandats électifs locaux
qui nous permettraient de peser sur la vie de
la cité, plutôt que de la subir et d'être passifs.
Cela supposerait que cette forme d'engagement
local soit plus ponctuelle, fondée sur des
collectifs plus larges et moins institutionnalisés
ou personnalisés. Autrement dit, l'engagement
territorial, auprès des territoires, pourrait peutêtre
reposer sur plus de personnes, être plus
à géométrie variable en fonction des opportunités,
des acteurs et des interlocuteurs, plutôt
qu’être institutionnalisé et reposer uniquement sur
quelques personnes.
Ces sujets de discussion sont revenus dans
les échanges. Il y a aussi des illustrations très
concrètes. On pourrait multiplier des tombées
de tapisserie afin d'élargir la visibilité, d’incarner
ce que nous sommes, notre identité professionnelle,
prendre des initiatives à notre niveau, qui
augmentent notre visibilité et nourrissent nos liens
avec le public.
Cela pourrait être aussi la façon d’investir et de
mutualiser des lieux, notamment les territoires et
les villes. J'en sais quelque chose, car j’ai habité
une partie de ma vie près de Villefranche-de-
Rouergue. Je peux vous dire que le centre-ville
ne ressemble plus à rien.
Comment investir et mutualiser les lieux, soit dans
le cadre d'Ateliers d'Art de France, soit dans le
cadre de notre propre action ? Notre implication
et notre engagement passent par la contribution
à l'animation du territoire en prenant des
initiatives, en pesant sur les élus, en investissant
et en mutualisant des lieux, en développant des
boutiques éphémères, etc. Les formes d'engagement
sont multiformes.
Si je devais synthétiser le message, je dirais que
cela me rappelle la question que l’on a toujours
un peu à l’esprit et qui est celle de Kennedy : « Ne
vous posez pas la question de ce que l'Amérique
peut faire pour vous, mais de ce que vous
pouvez faire pour l'Amérique ». De ce point de
vue, il est clair que chacun y est prêt.
Cependant, l'enjeu concernant l'engagement,
tel que nous l’avons retenu avec les animateurs,
serait alors : comment Ateliers d'Art de France
peut-il faciliter l'engagement collectif et comment
la prise de risque individuelle pourrait-elle
être soutenue par la prise de risque collective ?
Je reprends les termes de Jean-Cassien Billier ce
matin. Comment le maillage, la mise en réseau
et l’action institutionnelle peuvent-ils faire que le
« nous » engage et rende possible le « je » ? C'est
ce que nous avons choisi de retenir.
Sans doute était-ce une synthèse un peu ramassée.
La question qui nous a semblé traverser tous
les débats était celle-là : qu’est-ce qui va faire
que l'action du « nous » rendra possible l'action
du « je ».
J'ai fini cette synthèse. Je vous remercie.
(Applaudissements.)
Avant de passer à nouveau la parole à
Jean-Cassien et à Inès, nous nous sommes dit
que nous allions faire un sondage sur l'engagement
et vous poser des questions qui rassemblent
à la fois les sujets évoqués et d'autres dont nous
n’avons pas forcément parlé.
Il s’agit plutôt d’avoir une photographie, au-delà
de tous ces échanges, de ce qu'est l'engagement
aujourd'hui dans ce collectif, au sein d'Ateliers
d'Art de France et de façon plus générale. •
II.2. Synthèse des ateliers
55

3
SONDAGE AUPRÈS
DES PARTICIPANTS
56 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

QUESTION 1
Parmi les sujets sociétaux actuels, quel serait pour vous
celui qui justifierait que l’on s’engage ?
QUESTION 2
Existe-t-il des thèmes « d’intérêt général » sur lesquels la
communauté professionnelle pourrait témoigner de son
engagement ?
81,6 %
Le développement durable et l’écologie
53,9 %
L’aide aux plus démunis ou aux personnes en situation de fragilité
37,3 %
L’égalité femmes-hommes
75,2 % Le développement durable et l’écologie
51,0 %
La traçabilité et la provenance des produits
46,2 %
L’aide aux plus démunis ou aux personnes
en situation de fragilité
36,4 %
L’accueil et l’intégration de migrants
43,3 %
La sauvegarde et la restauration du patrimoine
35,5 %
La traçabilité et la provenance des produits
L’égalité femmes-hommes
36,2 %
23,5 %
La sauvegarde et la restauration du patrimoine
26,2 %
L’accueil et l’intégration de migrants
QUESTION 3
En dehors de votre engagement à Ateliers d’Art de
France, êtes-vous impliqués à titre personnel dans une
autre forme d’engagement ?
QUESTION 4
Quelles sont les actions d’Ateliers d’Art de France
sur lesquelles vous seriez prêts à vous engager
personnellement ?
59,4 %
74,8 % Associatif
Participer à des actions à l’échelon local
20,1 %
Aucun
15 %
Syndical
12,1 %
Politique
11,2 %
ONG
53,8 %
Promouvoir les outils mis en œuvre par Ateliers d’Art de France
au bénéfice de la communauté
47,2 %
S’impliquer dans des actions de conseil ou d’appui
auprès de collègues
46,7 %
S’impliquer dans la formation des futurs professionnels
42 %
Participer à des actions à l’échelon régional
30,2 %
Participer à des actions auprès des pouvoirs publics
au bénéfice du secteur
II.3. Sondage auprès des participants
57

58 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

CONCLUSION
DES ASSISES
M. Philippe LOISEAU
— Au fond, vous avez signé votre charte
d'engagement. Il n'y a plus qu’à le faire, maintenant.
Vous avez voté, c'est bon ! Je vois que
les membres du Conseil d'administration sont
contents de cet engagement collectif.
Je vais inviter Jean-Cassien et Inès à venir tous
les deux sur scène. La consigne était qu'ils participent
à vos ateliers et qu'ils vous écoutent.
Maintenant, ils vont dire ce qui les a marqués,
ce qui les a touchés, ce qu’ils ont retenu et de
ce qu’ils ont envie de partager avec vous de ce
temps d’ateliers, d'échanges et de débats lors de
cette seconde partie de matinée.
Je vous laisse la parole.
Mme Inès MESMAR
— Je vous remercie. J’ai tourné parmi toutes les
tables d'échanges. C’était très intéressant, riche
et vivant. J'ai pu faire la connaissance de certaines
personnes.
J'ai noté, à travers tous ces échanges, une petite
solitude parfois au niveau local et aussi un
besoin très important d'ouverture, d'échange et
de liens. Ce sont des choses qui sont ressorties
assez souvent.
Un autre point très important était la communication
et la recherche de reconnaissance, cet
aspect d'être reconnu de tous, de s'ouvrir vers les
autres, de faire connaître et de porter la parole,
tout en gardant votre singularité et votre identité.
C’est vraiment l'idée d'aller vers l'autre, de faire
connaître et de porter tout ce que vous avez
en vous et qui est votre raison d'être. Cela m'a
bien marquée.
À différents échelons du territoire, que ce soit
au niveau local ou au niveau national, des institutions,
des pairs, de l'Éducation nationale et
aussi de l’école, il y a un point assez important
sur la formation, avec ce besoin de maillage sur
le territoire. Cela pose notamment la question
des délégués régionaux. J’ai entendu des questions
concernant leur place et leur rôle, leurs liens
avec les artisans dans les territoires et la façon
dont tout cela entre en relation.
Il y a eu la question des outils pouvant être mis à
disposition pour que tout cela puisse se fédérer,
se réunir, pour pouvoir concrétiser des actions
ensemble.
Il y avait aussi l'idée de porter des projets collectifs,
collaboratifs.
J’ai entendu plusieurs personnes évoquer le sujet
du forum qui a existé à un moment donné. J’ai
trouvé que c'était intéressant.
Concernant l'aspect communication et défense
de la profession, en termes de statut et de protection
sociale, il s’agit de pouvoir se renforcer,
d’avoir une identité protégée, qui fait union et
qui donne une certaine force, avec un langage
commun.
C’est aussi la reconnaissance du métier, avec ce
pouvoir que peuvent avoir les artisans en termes
de reconnaissance, de prise en considération
de leurs besoins et de ce qu’ils ont envie de partager
et de construire.
J’ai beaucoup entendu parler de la question de
la formation et de l'engagement, en lien avec
l’aspect de la transmission. C’était très intéressant.
De nombreuses personnes concrétisent leur
engagement à travers leur profession. Il s’agit de
transmettre, d'accueillir des stagiaires, d’accompagner,
d’aller dans des écoles sensibiliser les
plus jeunes à vos métiers, de pouvoir partager
cela avec d'autres pour les sensibiliser à ce qui
vous touche et qui vous passionne, à travers cette
formation et l’acte de transmission.
Il y a aussi la question de la formation des formateurs,
en imaginant peut-être des formats plus
dématérialisés.
Je vous restitue des idées que j'ai entendues et
qui m'ont touchée, que nous avons partagées
avec les deux personnes qui sont avec moi à la
Fabrique Nomade. C’était très intéressant. Les
profils sont très différents.
Voilà ce que j'ai retenu. Je vous remercie.
(Applaudissements.)
M. Jean-Cassien BILLIER
— J’ai écouté moi aussi. Je n'ai pas pu aller dans
tous les ateliers.
L'engagement vaut par ce à quoi on s'engage.
L'engagement en tant que tel n'a pas beaucoup
de valeur. Si un cambrioleur ou un nazi est à moitié
engagé, c'est mieux, car ils font moitié moins
de dégâts. Ce qui compte dans l’engagement,
c’est à quoi vous vous engagez, à quelle valeur.
La grande question est : à quoi êtes-vous engagés
? Au nom de quoi ?
En vous écoutant, cela m’a fait penser à un de
mes livres fétiches en ethnologie, parce que c’est
l’une des disciplines que j’adore. C’est un livre
de Malinowski, un grand classique. Il y a un
phénomène qu’il a appelé la Kula, du nom d’un
phénomène magnifique qu’il a observé dans les
années 20 dans les îles Trobiand qui sont dans
le Pacifique occidental, au nord-est de la Nouvelle-Guinée.
Des bateaux partent dans le sens
des aiguilles d'une montre, car les îles dessinent
une sorte de cercle. Ils partent avec un coquillage
d’une certaine couleur et ils l’apportent à
l’île suivante. Les dignitaires prennent ce coquillage,
montent dans leur bateau et l’apportent
à l’île suivante. Dans le même temps, un autre
coquillage d’une autre couleur est apporté par
d’autres qui dessinent la même chose, mais dans
le sens inverse des aiguilles d’une montre.
Cela a plongé Malinowski dans un abîme de
perplexité. Il s’est demandé ce que c’était. Le
coquillage a cette propriété qu’on ne peut rien
en faire : on ne peut pas le vendre, on ne peut
pas le garder chez soi, on ne peut pas le posséder,
on ne peut pas le détruire et on ne peut
même pas le donner. On ne peut en faire qu’une
seule chose : le recevoir et le transmettre. C'est
tout simplement l'identité de cette communauté.
Je pense que vous êtes confrontés à cela. Tout
d'abord, votre engagement est vis-à-vis de
vous-mêmes. C'est un engagement envers une
chose que vous ne pouvez ni vendre, ni donner,
ni détruire. Vous ne pouvez faire qu'une seule
chose : la recevoir et la transmettre.
À mon avis, il y a trois choses.
Conclusion des assises
59

Premièrement, il y a le patrimoine des métiers
d'art. Beaucoup d’entre eux remontent à des
milliers d'années.
Deuxièmement, il y a l'esprit de la création. J'ai dit
ce matin que la tradition n'était pas le contraire
de la création. Être dans un métier d’art, c’est être
créatif. Vous devez transmettre aux générations
futures l'esprit de la création.
Troisièmement, ce qui m’a beaucoup frappé,
c’est un autre aspect de la matière dont j’ai
parlé ce matin : recevoir et transmettre la matière,
c'est-à-dire les matières, l’éco-responsabilité.
Vous recevez les matières et vous allez les transmettre.
Je suis assez frappé par la responsabilité
écologique.
J'ai découvert le programme Argile circulaire :
c’est l’'idée de la circularité de l'argile entre des
pratiques et un territoire.
J'ai entendu aussi, dans des ateliers, la thématique
du recyclage des matériaux pour qu'ils
ne soient pas perdus et pour ne pas polluer
non plus.
Je pense que cela fait partie – de façon nouvelle,
car ce n’était sans doute pas le cas il y a des
siècles et sans doute pas non plus il y a quelques
dizaines d’années – de ce que vous avez
comme obligation de recevoir et de transmettre.
À partir de ce livre fameux de Malinowski,
un ethnologue français a tiré l'idée non moins
fameuse de la triple obligation du don, au sens
que l’obligation est créée par le don. Il y a une
triple obligation : donner, recevoir et rendre.
Nous la connaissons tous. Quand vous invitez
quelqu'un chez vous, vous êtes obligés de recevoir
et de rendre. C'est parti pour un cycle qui va
peut-être durer éternellement.
En tout cas, il existe une sorte de triple obligation
qu’on avait appelée, dans les années 20, un fait
social total, un fait social fondamental. Vous êtes
dans un fait social fondamental qui est que vous
recevez, vous transmettez et vous rendez. Vous
êtes dans une problématique à la fois de transmission
et de création.
L'institution naturelle émerge spontanément et
prend la forme qu'elle a déjà, qui existe déjà :
les ateliers d'art. L'institution se formalise. Elle est
libre, autonome, forte et indépendante.
Elle peut parler avec les pouvoirs publics et –
je l’espère – obtenir un statut fiscal et juridique.
C’est un peu comme le procès Brancusi, dans
les années 20 aux États-Unis, qui avait permis
à Brancusi d'obtenir un statut juridique pour ses
œuvres d'art ; cela passe peut-être par des combats
de ce type.
Tout cela est fondamental. Vous devez, avec
votre institution, combattre et obtenir ces statuts.
N'oubliez jamais pourquoi vous combattez,
pourquoi vous vous êtes engagés. À mon sens,
la réponse est très simple. Je la vois de façon
un peu poétique. Elle est dans la transmission
dont je parlais il y a trois minutes, mais je pense
qu’elle est plus grande que cela. Vous participez
à quelque chose qui est plus grand que vous et
que nous, et qui est l’art. En philosophie esthétique,
on a souvent dit que l'art rendait le monde
habitable. À mon sens, votre engagement,
c'est de rendre le monde habitable. La forme
juridique que vous allez donner pour défendre
cet engagement est une forme nécessaire, mais
votre engagement est tout d'abord de rendre le
monde habitable.
Je vous remercie.
(Applaudissements.)
M. Philippe LOISEAU
— Merci, Jean-Cassien Billier et Inès Mesmar,
pour ce retour, ce témoignage à partir de ce que
vous avez entendu et vécu au sein des ateliers.
Il me reste à rendre ce qu'on m'a donné, c'està-dire
la parole, et à la donner à la Présidente
que j'invite sur scène pour entrer dans une autre
séquence, un autre temps de ces deux jours : le
temps de l'Assemblée générale.
(La séance est levée à 14 h 45.) •
Cette triple obligation est un fait social. C'est une
sorte d’émergence naturelle d'une institution, ce
qui est formidable.
Je pensais naïvement que le statut fiscal et légal
était entièrement clair en France depuis très longtemps.
J'ai découvert récemment, grâce à ces
Assises, que c'était loin d’être le cas, malheureusement.
J’espère que cela va l’être.
60 Assises des métiers d’art – 28 et 29 juin 2019, Palais des Congrès de Perpignan

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