DIC - Associazione Arte Mediterranea

A s s o c i a z i o n e A r t e M e d i t e r r a n e a
M e n s i l e d ’ i n f o r m a z i o n e d ’ a r t e d e l l ’ A s s o c i a z i o n e A r t e M e d i t e r r a n e a - a n n o I I I N ° 2 8 d i c e m b r e 2 0 0 9
in mostra
Caravaggio e Bacon
Fare Mondi: la Biennale di Venezia
Luzzati e Rodari. I segni della fantasia
archeologia
Il mondo antico era a colori
curiosART
Il “Martirio di sant’Orsola”
l’ultimo dipinto del Caravaggio
O c c h i o a l l ’ A r t e - p a g i n a 1
dedicato a...
Edward Hopper

OCCHIO all’ARTE
Mensile culturale edito dalla
Associazione Arte Mediterranea
Via Dei Peri, 45 Aprilia
Tel.347/1748542
Email: occhioallarte@artemediterranea.org
Web: www.artemediterranea.org
Aut. del Tribunale di Latina
N.1056/06, del 13/02/2007
Fondatori
Antonio De Waure, Maria Chiara Lorenti
Cristina Simoncini
Amministratore
Antonio De Waure
Direttore responsabile
Rossana Gabrieli
Responsabile di Redazione
Maria Chiara Lorenti
Redazione
Maria Chiara Lorenti, Cristina Simoncini, Giuseppe
Di Pasquale, Eleonora Spataro, Giuseppe Grasso
Collaboratori
Alba Giulia Casciotta, Alessandra Matera, Luigia
Piacentini, Paolo Boccardi, Stefania Servillo
Responsabile Marketing
Cristina Simoncini
Composizione e Desktop Publishing
Giuseppe Di Pasquale
Stampa
Associazione Arte Mediterranea
Via Dei Peri, 45 Aprilia
Tutti i diritti riservati.
E’ vietata la riproduzione anche parziale
senza il consenso dell’Editore.
I n c o p e r t i n a :
E d w a r d H o p p e r
“ B o y a n d M o o n ” , ( I l r a g a z z o e l a l u n a ) ,
1 9 0 6 - 1 9 0 7
dall’associazione
fotografia
in mostra
in mostra
in mostra
dedicato a...
archeologia
curiosART
occhio al libro
occhio all’Artista
arte nel mondo
in mostra
gli appuntamenti
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Vetrina degli artisti
O c c h i o a l l ’ A r t e - p a g i n a 2
Il Progetto Aquilone di Paolo Boccardi
S o m m a r i o
Robert Mappletorphe. La perfezione nella forma
di Giuseppe Grasso
Michelangelo architetto a Roma di Alba Giulia Casciotta
Caravaggio e Bacon: due geni di epoche diverse alla
Galleria Borghese di Stefania Servillo
Fare Mondi: la Biennale di Venezia 2009
di Eleonora Spataro
Edward Hopper di Maria Chiara Lorenti
Il mondo antico era un mondo a colori
di Luigia Piacentini
Il “Martirio di sant’Orsola” l’ultimo dipinto del
Caravaggio di Cristina Simoncini
“Da risorse umane a persone” di Stefano Greco
di Rossana Gabrieli
Ricordo di Marco Paniccia di Antonio De Waura
L’arte del vetro di Murano di Giuseppe Di Pasquale
Luzzati e Rodari. I segni della fantasia
di Eleonora Spataro
A p a r t i r e d a l n u m e r o d i o t t o b r e , O c c h i o a l l ’ A r t e d a r à l a
p o s s i b i l i t à a t u t t i g l i a r t i s t i d i p u b b l i c a r e u n a l o r o o p e r a .
P e r i n f o r m a z i o n i r i v o l g e r s i a l l a s e g r e t e r i a d e l l ’ A s s o c i a z i o n e
A r t e M e d i t e r r a n e a i n v i a d e i P e r i 4 5 o a l 3 4 9 . 7 7 9 0 0 9 7 .

Il Progetto Aquilone
L’Associazione Arte Mediterranea per il Progetto Aquilone
di Paolo Boccardi
Ad Aprilia alcune classi della Scuola
primaria e dell’infanzia del II
Circolo Didattico (Scuole Monte
Grappa e Campo di Carne), alle
quali in questi ultimi anni si è aggiunta
una classe del Liceo Scientifico A. Meucci,
partecipano al Progetto Aquilone. Questo
progetto, nonostante sia attivo da 18 anni,
non è conosciuto alla maggioranza dei
nostri concittadini come dovrebbe esserlo.
In verità, ad Aprilia, sono tante le iniziative
e le associazioni che meriterebbero una
visibilità maggiore, sia per l’importanza
delle tematiche che affrontano, sia
per i successi che ottengono. La
visibilità, a nostro avviso,
è una delle questioni
più importanti: infatti,
tramite l’informazione, ed
in particolare la notizia
“positiva”, si instaura un
clima di opportunità e
fattività che permette ad
un insieme di persone di
essere comunità ed operare
nel sociale e per il sociale,
ed Aprilia più di ogni cosa
ha bisogno di questo, di
diventare comunità.
Tornando al progetto, la
nostra associazione ha
avuto modo e la fortuna di
conoscerlo semplicemente
per la casualità di avere
tra i propri iscritti genitori
e bambini che frequentano o hanno
frequentato la Scuola elementare Monte
Grappa, una delle scuole che collabora al
Progetto Aquilone. Abbiamo così saputo
del grande lavoro fatto in questi anni, della
realizzazione, grazie anche al contributo
italiano, del Centro educativo “Officina do
Saber”, uno degli obiettivi che il progetto
si proponeva, e che oggi ospita 12 gruppi,
per un totale di 300 alunni e 16 educatori.
Abbiamo raccolto fondi per la gestione
ordinaria ed di emergenza di questi centri
culturali, abbiamo avuto modo di sapere
degli scambi di lavori tra i bambini e dei
contatti telefonici tra i ragazzi italiani e
brasiliani, delle giornate spese insieme
agli educatori brasiliani in visita in Italia
in occasione degli scambi culturali. Tra gli
argomenti affrontati: il lavoro minorile, il
razzismo, la diversità, i diritti dei bambini,
l’altruismo e l’accoglienza, la musica, la
pittura, ecc.. Valori che anche la nostra
associazione condivide e persegue,
ovviamente tramite il nostro modo di
dialogare, ovvero l’arte.
Ma cosa si propone il Progetto Aquilone?
In estrema sintesi, l’obiettivo è di
risponde ad una doppia sfida: “in Brasile
quella di restituire un futuro a bambini
che vivono nella povertà, nella violenza
e nell’emarginazione; in Italia quella di
educare le generazioni del disincanto
e dell’indifferenza nella fiducia che
un mondo solidale è necessario e
possibile.” (tratto dal documento di
presentazione del progetto, curato dal
Movimento cooperazione educativa).
Ad oggi i partecipanti al progetto sono
molto soddisfatti dei risultati, ma
hanno notato, negli anni, una minore
efficacia delle azioni messe in campo per
rispondere alla seconda sfida, il “ritorno
in Italia”, di vitale importanza per tutti
noi, specialmente ora che ci aspettiamo
grandi confronti su tematiche quali la
salute, l’ambiente, la disponibilità ed il
diritto ai beni vitali quali l’acqua e l’aria,
O c c h i o a l l ’ A r t e - p a g i n a 3
d a l l ’ a s s o c i a z i o n e
l’assistenza ai meno fortunati. Il progetto,
ad Aprilia, si è aperto alla collaborazione
di altre associazioni quali ad esempio
Senza Confine ed Arte Mediterranea
(Natale 2005), proprio nell’auspicio a
condividere questa esperienza ed i valori
che porta con se. Da quest’anno, al fine
di dare maggiore visibilità al progetto, la
nostra associazione attiverà una serie di
linee di lavoro ed iniziative atte a dare
maggiore risalto al Progetto Aquilone.
Questo nostro progetto, che si chiamerà
“Volo a Vela” è già iniziato nell’ambito
della programmazione scolastica della
Scuola d’Arte, vedrà, inoltre, una parte
della nostra area web
( w w w . a r t e m e d i t e r r a n e a .
org) dedicata per
darene informazioni ed
aggiornamenti, con news
e foto, e tutti i riferimenti
per chi volesse collaborare.
Sarà importante avere
un riscontro della
partecipazione di tutti
voi per darci maggiore
forza e rinnovata fiducia,
per continuare in questo
cammino. Oltre alla
collaudata programmazione
che già si fa nelle scuole
con i bambini, nell’ottica
di dare maggiore risalto
all’iniziativa anche al di
fuori dell’ambito scolastico,
organizzeremo per questo nuovo anno
2009-2010, insieme alle associazioni
che vorranno partecipare (alcune le
abbiamo già incontrate ed hanno dato una
disponibilità di massima a collaborare),
una serie di eventi con il tema conduttore
“Il Brasile”; con il coordinamento
degli amici del Progetto Aquilone,
organizzeremo, sul territorio apriliano,
mostre, cicli di lezioni di storia dell’arte
relativi ad artisti sudamericani, giornate
al parco, ecc. Vi terremo informati
attraverso il sito dell’Arte Mediterranea
ed i giornali locali.
Nella speranza di incontrarvi presto vi
auguriamo buona pittura e grandi successi.

Da sinistra: “Thomas, 1986” e “Lisa Marie 1987”, © Robert Mapplethorpe Foundation
Robert Mapplethorpe. La perfezione nella forma
A Firenze una grande mostra sul più trasgressivo dei fotografi
di Giuseppe Grasso
Durerà fino al 10 gennaio 2010 la
mostra dedicata al grande fotografo
americano Robert Mapplethorpe, nel
ventennale della sua morte, presso
la Galleria dell’Accademia di Firenze. E’ la
prima volta che le opere di questo artista
della fotografia, di fama internazionale,
vengono esposte in questo tempio dell’arte
classica, conosciuto nel mondo come il
“Museo di Michelangelo” per la presenza di
alcuni lavori del maestro del Rinascimento.
Sorprendentemente si scoprono molti
aspetti in comune tra Mapplethorpe e
Michelangelo. In particolare si tratta della
ricerca di equilibrio e di rigore geometrico
nei volumi definiti dalla luce o scolpiti nel
marmo, cosa che emerge esplicitamente
nelle parole dell’artista americano: “Cerco
la perfezione nella forma. Un soggetto
piuttosto che un altro non fa differenza.
Cerco di catturare quello che mi appare
scultoreo”.
Mapplethorpe si procurava la “materia
prima” nel suo angolo della City newyorchese,
ponendo sullo stesso piano tutti i soggetti:
dai frequentatori dei salotti ai partecipanti
alle pratiche sadomaso, dalle donne
culturiste ai neri che usava come modelli,
dagli oggetti di uso comune ai fiori recisi.
Tuttavia era il suo studio il laboratorio di
creatività, dove egli organizzava, in modo
meticoloso, ogni aspetto delle sedute
di posa. Nulla doveva essere casuale o
spontaneo; tutto era sotto il suo controllo:
luci, posizioni dei modelli, sfondi. Come
dichiarava lo stesso Mapplethorpe “essere
fotografato da me diventa un evento…è tutto
completamente sotto il mio controllo. Non ci
sono istantanee. Nulla è lasciato al caso. Tra
me e il mio soggetto si realizza una sorta di
performance”. Un attenzione ossessiva per i
dettagli che continuava anche dopo lo scatto,
in camera oscura e persino nella scelta delle
cornici, che disegnava personalmente.
In questa ricerca formale di armonia e di
bellezza i soggetti non sono solo le statuarie
O c c h i o a l l ’ A r t e - p a g i n a 4
f o t o g r a f i a
fattezze dei fotomodelli, ma anche nature
morte e particolari, come braccia, schiene,
sederi e genitali maschili. Egli documenta,
da protagonista, il clima trasgressivo
della New York degli anni Ottanta, con le
sue notti omosessuali, i festini a base di
droghe e alcool e lo rappresenta mostrando
sfacciatamente organi sessuali e “attrezzi
di piacere”, utilizzati per pratiche erotiche.
Come ha recentemente scritto Germano
Celant, ci si trova dinanzi ad “una passione
per una visione carnale del mondo, che ha
trovato nell’equilibrio e nella simmetria,
una maniera classica di trattare argomenti
erotici e esistenziali, arrivando a costruire
immagini fotografiche che diventano pitture
e sculture”.
Robert Mapplethorpe, “La perfezione nella
forma”. Firenze, Galleria dell’Accademia,
fino al 10 gennaio 2010

In alto: Domenico Cresti da Passignano“Michelangelo presenta al papa il modello per il completamento di
San Pietro”, 1618;” incisore del xvi secolo “Cortile di palazzo farnese”, 1560
Michelangelo architetto a Roma
Le linee che costruiscono la realtà
di Alba Giulia Casciotta
Dallo scorso 6 ottobre fino al 7 febbraio
2010 è possibile visitare, presso i
Musei Capitolini a Roma, un’importante
mostra incentrata sull’attività di
architetto svolta da Michelangelo.
Viene esposto per questo evento un ampio
e completo ventaglio di disegni originali,
dallo schizzo di studio al progetto, legati ad
architetture esistenti e non, realizzati dai primi
anni fino al concludersi dell’attività di questa
incomparabile personalità del Rinascimento.
Inoltre sono presenti rielaborazioni grafiche e
plastici realizzati da conoscitori e studiosi delle
creazioni michelangiolesche; opere in grado
di venirci in aiuto nello scandagliare questo
aspetto meno noto del maestro.
Una mostra ricca di materiale questa, che
restituisce un quadro affascinante di cos’era
per Michelangelo l’architettura, e ci permette di
conoscere ancor più nel profondo la sua opera.
Bisogna tener presente comunque che si tratta
di disegni tecnici; seppur alcuni di riscontrabile
O c c h i o a l l ’ A r t e - p a g i n a 5
In basso: Anonimo”Capitolii novi descriptio”, 1620; modello ligneo
michelangiolesco della cupola di San Pietro, veduta dall’interno
i n m o s t r a
bellezza, molti sono appena dei bozzetti di
studio, opere dunque che potrebbero essere di
difficile lettura per un pubblico non specialistico
e privo di un’adeguata conoscenza.
Per non ridurre la visita ad una lunga salita di
scale e un breve giro per dei saloni contornati da
disegni è meglio dunque andare accompagnati da
chi già comprende questo linguaggio, non sempre
istintivamente decifrabile, o con un proprio
bagaglio di conoscenze tale da permettere una
libera e pregevole acquisizione di sapere.

Da sinistra: Caravaggio “Madonna dei palafrenieri”, 1605; Francis Bacon “Head VI”, 1949
e certamente innovativo pur ponendosi come
obiettivo lo spettatore come protagonista tiene ben
poco in considerazione le aspettative e le esigenze
di quest’ultimo. È stato chiaramente detto che non
ci sono forti legami che uniscono le due personalità
trattate ma avendo voluto affiancarle ci si sarebbe
quanto meno aspettati di trovare un percorso
omogeneo che mettesse a confronto soggetti simili,
in realtà ciò non accade (se non in una stanza con
dei ritratti) ed inoltre lungo il percorso troviamo
trattati distintamente i due artisti. Le opere non
dialogano tra loro né per soggetto né per tecnica
né per approccio alla realtà, ci si domanda quali
siano le basi che abbiano portato a tale allestimento
poiché attraverso lo stesso questo resta oscuro.
I dipinti di Francis Bacon sono di forte impatto,
generalmente intellettualistici, ripropongono
all’osservatore un moto d’attrazione-repulsione
accentuata dalla presenza d’un vetro che
neutralizza la matericità dell’opera, una sensazione
che probabilmente è riconducibile all’ossessione
che lo stesso autore confessa d’avere nei confronti
di alcuni importanti dipinti del passato come il
ritratto del papa Innocenzo X di Velàsquez; queste
opere sarebbero di certo state maggiormente
apprezzate a confronto col suddetto Velàsquez (che
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i n m o s t r a
Caravaggio e Bacon: due geni di epoche diverse alla Galleria
Borghese
I grandi artisti non dialogano
di Stefania Servillo
La Galleria Borghese s’impegna ad ospitare
grandi mostre, dopo Raffaello (2006), Canova
(2007) e Correggio (2008) è ora la volta
del Caravaggio che viene suggestivamente
affiancato da un artista del XX secolo quale è
Francis Bacon; un’esposizione che sarà visitabile
fino al 24 Gennaio.
“Caravaggio Bacon” è stata particolarmente
attesa, c’è stato un gran clamore pubblicitario che
certamente ha acceso la curiosità soprattutto per
l’accostamento così inusuale, è certo che fin da un
primo sguardo i due geni ci sembrano molto distanti,
non solo storicamente, ma anche concettualmente,
esteticamente ed intellettualmente.
Come ci viene ben spiegato la mostra non propone
un vero confronto tra i due artisti; non vi è rapporto
d’interdipendenza né di rimandi e d’altronde
Bacon ha sempre espresso esplicitamente il suo
disappunto all’idea d’accostare le sue opere a
quelle dei “Maestri del passato”.
Il fine ultimo è non condizionare lo spettatore
e renderlo l’assoluto protagonista della scena
auspicando un’esperienza visiva unica nel suo
genere… certamente lo sarà, difficilmente un
visitatore si sarà sentito più disorientato e confuso.
La mostra che tenta un approccio quasi sperimentale
si trova alla Galleria Doria Pamphili a Roma); quanto
all’inserire opere dell’artista del XX secolo in stanze
in cui troneggia la presenza del Bernini con l’”Apollo
e Dafne” o “Il ratto di Proserpina” è quanto meno una
mossa azzardata che rischia di mettere in ombra lo
stesso Bacon. Anche Caravaggio in questa mostra
soffre non poco, dipinti ideati per luoghi specifici
come la Chiesa di Sant’Agostino, per citarne una, di
certo non possono rendere al meglio delle proprie
possibilità una volta decontestualizzate, mentre
per le altre opere proposte i problemi inerenti
l’illuminazione creano fastidi non indifferenti ai
visitatori per l’osservazione dell’intero dipinto;
l’assenza poi, di un dipinto come il “San Giovanni
Battista” che dovrebbe risiedere proprio alla
Borghese sembra davvero fuori luogo soprattutto
visto che è stato sostituito da una piccola stampa
su carta semplice applicata su un pannello.
È da ricordare, comunque, che osservare opere di
Francis Bacon, purtroppo, non è sempre semplice
e se si è amanti dell’arte contemporanea si
apprezzeranno certamente quelle proposte in
Galleria; d’altro canto i modernisti non si faranno
scappare l’occasione di una nuova visita ad una
delle migliori collezioni presenti a Roma quale è la
Borghese.

Miquel Barcelò; Wolfgang Tillmans; Chen Zhen; Laura de Santillana
Fare Mondi: la Biennale di Venezia 2009
di Eleonora Spataro
Nelle sedi del rinnovato Palazzo delle
Esposizioni, ai Giardini, e dell’Arsenale,
la 53. Esposizione Internazionale
d’Arte di Venezia ha totalizzato più di
360.000 ingressi. L’estensione del percorso
espositivo che ha raccolto tutte le forme
artistiche: installazioni, video e film, scultura,
performance, pittura e disegno, e la filosofia
che ha caratterizzato Fare Mondi, conclusasi nel
mese di novembre, hanno catalizzato un grande
interesse nei confronti della Biennale 2009.
“Un’opera d’arte è più di un oggetto, più di una
merce. Rappresenta una visione del mondo, e,
se presa seriamente, deve essere vista come
un modo di “costruire un mondo”. Pochi segni
tracciati su un foglio, una tela appena dipinta,
una complessa installazione, possono essere
paragonati a diversi modi di fare mondi. La
forza della visione non dipende dal tipo o dalla
complessità degli strumenti messi in gioco.”
Una mostra, quindi, secondo il curatore
Daniel Birnbaum, all’insegna dell’esplorazione
del processo creativo che regala stupore e
curiosità. Più di 90 artisti da tutto il mondo hanno
O c c h i o a l l ’ A r t e - p a g i n a 7
i n m o s t r a
contribuito con le loro opere ad alimentare
questa vocazione. Molte delle installazioni, veri
e propri luoghi da attraversare, giocano con
l’illusione creata da fasci di luce o delle spie
luminose di semplici elettrodomestici, labirinti
che conducono a proiezioni, foreste primordiali
da percorrere al buio.
Straordinario l’allestimento nella sede
dell’Arsenale, dove quest’anno si trovava il
padiglione italiano, che ha mostrato al fruitore
nuove possibilità di dialogo tra l’arte e l’attività
di recupero di strutture dismesse.

Da sinistra: Morning Sun (Sole del mattino), 1952; Soir Bleu, 1914; Girlie Show, (Lo spogliarello), particolare 1941
Edward Hopper
Il maestro del Neorealismo americano in mostra per l’Europa
di Maria Chiara Lorenti
Cantore della borghesia americana,
non così nobile come in Sargent né
così algida come in Whistler, Edward
Hopper si distacca dalle influenze
impressionistiche francesi per recuperare
la narrazione disillusa di una realtà
colta nella sua accezione più ordinaria.
All’apparenza il nucleo centrale della sua
opera è incentrato sulla rappresentazione
della quotidianità del ceto medio americano
degli anni ‘50, giornate tipo di un borghese
piccolo piccolo, raffigurate nei momenti
meno ufficiali, attimi rubati con occhio
disincantato, banali interpretazioni
teatrali, ma che si nobilitano attraverso
il pennello poetico dell’artista, una poesia
celata, intimista, ermetica, che trasforma
l’interno di un bar di notte, “nighthawks”,
nell’esaltazione della solitudine urbana,
la fredda luce del neon artificialmente
rimarca il senso di non comunicazione
dei tre avventori, che, seduti per un
ultimo drink, si chiudono in un mutismo
ambiguo, impenetrabile a qualsiasi accenno
relazionale. Il taglio ardito della prospettiva
ci permette un’osservazione globale dello
spazio, scandito da un rapporto simbiotico
tra esterno ed interno, ove la desolazione di
una strada deserta, debolmente illuminata,
si contrappone all’isolamento dell’animo
dei clienti, separati solo da un diaframma
vitreo.
I suoi soggetti sono improntati
sull’incomunicabilità reciproca tra persona
e persona, tra soggetto ed oggetto, tra
figura ed ambiente.
Protagonista femminile assoluta, sua moglie
Jo, ispiratrice, modella e coordinatrice del
lavoro del marito, che condivideva, essendo
lei stessa pittrice.
La meticolosità di Hopper nella preparazione
pittorica di ogni opera è documentata da
un’infinità di disegni preliminari, ricchi
di appunti scritti, ove annotava il colore
ed il cambiamento delle tonalità da usare
a seconda dell’ombra portata e propria
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d e d i c a t o a . . .
del soggetto, un complesso procedimento
mentale che portava alla stesura definitiva,
dove spesso all’ultimo momento modificava
la scena ambientata, eliminando particolari
che ne disturbavano l’essenzialità e la
purezza delle linee.
La solitudine, la melanconia della società
postbellica vengono inscenate mediante il
rapporto tra uomo e natura, ove l’angoscia
dell’uno diviene messaggio nell’altra,
mostrandosi in perfetta sintonia.
Tagli di luce che dovrebbero spezzare la
linearità severa, ne accentuano invece
il senso di estraneità tra soggetto ed
ambiente, e la luce da complemento diviene
protagonista, rubando la scena al soggetto
ritratto, penetra da porte e finestre,
s’insinua nella stanza e s’irradia sul corpo
avvolgendolo, manifestandosi attraverso un
sapiente accostamento cromatico, come
si evince in particolar modo in “Morning
sun, A woman in the sun, Western motel,
Summertime” ed in molte altre.

Come egli stesso ebbe a dire, in una
significativa dichiarazione di poetica
artistica: “il mio ideale in pittura è
sempre stato la trascrizione più
esatta possibile delle impressioni
più intime che mi suscita la natura.
Se questo è un fine irraggiungibile,
allora lo è anche la perfezione, e
questo vale per ogni ideale pittorico
ed ogni attività dell’uomo”.
Un anno prima della sua morte,
Hopper si congedò dal suo
pubblico con l’ultimo dipinto “Two
Comediants”, ove raffigurò se
stesso e la moglie in costume
da Pierrot nell’atto d’inchinarsi
sul palcoscenico, alla fine della
rappresentazione teatrale, davanti
ai loro spettatori, in un virtuale
saluto di commiato. Il quadro è il
testamento artistico di un uomo
che ha passato la vita ad osservare
e a registrare le sensazioni e le
emozioni di una società che volente
o nolente lo coinvolgeva. “La vita
interiore di un uomo è un regno vasto
e variegato e non riguarda solo dei
piacevoli accordi di colore, forma e
disegno. Il termine ’vita‘ come lo si
usa in arte, è qualcosa che non si
può disprezzare, perché coinvolge
tutta l’esistenza: l’arte deve reagire
all’esistenza, non evitarla. La
pittura deve occuparsi in modo più
completo e meno evasivo della vita e
dei fenomeni della natura, per poter
tornare ad essere grande”.
La mostra Edward Hopper, la sua
prima grande esposizione antologica
in Italia, comprensiva di più di 150
opere, è presente al Palazzo Reale di
Milano sino al 24 gennaio prossimo,
dopo di che, per chi l’avesse persa,
sarà visibile nella capitale presso
il Museo Fondazione Roma, dal 16
febbraio al 13 giugno, in ultimo, per
finire il suo tour europeo, dal 24
giugno al 17 ottobre, si potrà visitare
alla Fondation Hermitage di Losanna.
O c c h i o a l l ’ A r t e - p a g i n a 9
d e d i c a t o a . . .

O c c h i o a l l ’ A r t e - p a g i n a 1 0
a r c h e o l o g i a
Da sinistra: Ulisse e le sirene (50-75 d.C.), da Londra; Ritratto femminile (100-130 d.C.), da Hawara, oasi del Fayyum; Le tre Grazie da Napoli
Il mondo antico era un mondo a colori
L’arte della pittura romana come trampolino per la pittura occidentale,dal Rinascimento
fino all’Ottocento.
di Luigia Piacentini
Le Scuderie del Quirinale, dal 24 settembre
2009 al 17 gennaio 2010, ospitano “Roma.
La pittura di un impero”, interamente
dedicata, per la prima volta, alla pittura
della Roma antica. La pittura romana è stata
sempre considerata come imitazione di quella
greca, purtroppo quasi del tutto perduta; in
effetti il modello d’ispirazione era ellenistico,
e faceva riferimento soprattutto al periodo
di Alessandro Magno (356-323 a.C.). Con il
tempo però Roma ha elaborato stili del tutto
personali e adeguati alle esigenze del pubblico
a cui era rivolta quest’arte: i romani più ricchi.
Le decorazioni parietali vengono classificate
in quattro stili: il primo stile imita il marmo;
il secondo crea in maniera illusionistica spazi
ampi con architetture e scene articolate; il
terzo stile si caratterizza per le decorazioni
di figure ed elementi architettonici poste ai
limiti degli ambienti ed il quarto comprende
particolarità dei tre stili precedenti. La mostra
passa in rassegna sei secoli,dal I a.C. al V
d.C., che vedono l’Impero Romano nascere e
svilupparsi,dall’avvento di Giulio Cesare fino
all’inizio della pittura paleocristiana. Circa
cento opere organizzate in cinque sezioni
per ricostruire la complessità di questa arte
figurativa che dipende sì da quella greca ma
non in maniera del tutto passiva e che ispirerà
i grandi pittori moderni a partire da Raffaello.
Le opere sono tutte prestiti provenienti dai
più importanti siti archeologici e musei del
mondo,tra cui il Louvre, il British Museum, i
musei archeologici di Monaco, Francoforte,
Zurigo ma anche Napoli, il Museo Nazionale
Romano, i Musei Vaticani e i Musei Capitolini di
Roma.
Il pubblico potrà rendersi conto di quanto fosse
alto il livello qualitativo della pittura romana e
potrà anche capire il rapporto tra l’antico ed il
moderno. Sul fronte della concezione spaziale, i
romani distribuivano gli oggetti liberamente nello
spazio, senza rigide costrizioni prospettiche. In
tal modo non esiste fusione tra spazio e oggetti,
che sembrano essere disposti l’uno a fianco
all’altro. Paesaggi bucolici e agresti, vedute
di ville e santuari rurali, vedute di giardini e
scene mitologiche (Polifemo e Galatea, Ercole e
Telefo, Perseo e Andromeda), figure di menadi,
ninfe e satiri, scene di vita quotidiana e scene
erotiche arricchiscono i colori delle pareti.
La parte finale dell’esposizione documenta la
ritrattistica nell’Impero; per la prima volta si
potranno ammirare alcuni esempi di ritrattistica
ad affresco, a mosaico o su vetro, accanto ai
più celebri ritratti del Fayyum, risultato della
fusione di due tradizioni: quella delle pratiche
e dell’arte funeraria dei Faraoni e quella della
ritrattistica romana. Questa mostra vuole anche
ribadire e sottolineare che per pittura romana
non si intende solo quella di Pompei, Ercolano o
di Ostia ma che per pittura di un impero si deve
intendere anche quella tardo-antica che arriva
fino a Costantino e Teodosio (IV secolo d.C.). La
sede delle Scuderie è un ottima base per questa
mostra con le sue ampie sale ma la luce lascia
Ritratto maschile (età adrianea 117-138 d.C.) , da Hawara,
oasi del Fayyum
a desiderare: i faretti che illuminano le opere
creano giochi di ombre sulle pareti decorative
oscurando particolari e figure. Alcune opere
sono posizionate troppo in alto, tanto da non
permettere una visione completa e adeguata
ma soprattutto degna di questi capolavori
attuali anche nel 2009.
Roma. La pittura di un impero.
Roma, Scuderie del Quirinale
24 settembre 2009-17 gennaio 2010

Asinistra: “Martirio di sant’Orsola”, 1609 e a destra, in basso: particolare. A destra, in alto: “Cattura di Cristo nell’orto”, 1601, particolare
classica a tre quarti il Merisi cattura le due figure
chiave, l’unno infuriato sulla sinistra dopo aver
scagliato la freccia e sulla destra Orsola ancora in
piedi mentre guarda sconvolta il petto, aggiungendo
tre astanti sulla destra: un soldato di spalle dalla
corazza lucente che osserva la ragazza, un’altra
figura con cappello e un viso pallido e sconvolto.
La grandezza del dipinto sta tutta nell’attimo colto: in
un buio intenso ed irreale una luce netta da destra
illumina il martirio; la freccia appena scoccata e già
conficcatasi nel petto della santa la sta portando
alla morte; Orsola assume un’espressione del tutto
sconosciuta in arte fino a quel momento (ritrovabile
probabilmente solo nelle foto di guerra dei reporters)
che è quella leggermente sconcertata che hanno le
persone nell’istante prima di spirare, le sue mani
comunicano in modo evidente il dramma e cercano
quasi di trattenere la vita che sfugge; la figura
sulla destra, sgomenta, è nell’atto di raccoglierla
mentre l’uomo col cappello allunga una mano quasi a
bloccare il dramma. Il capo unno poi, dal meraviglioso
pettorale e dai vestiti ricchi di effetti di luce molto
complessi, preso nell’istante dello scoccare della
freccia, non è più una terribile figura di aguzzino
ma un altro uomo sconfitto; ormai anziano ma
non grottesco, disprezzato dalla negazione della
santa, ispira solo una grande tristezza come di chi,
impotente di fronte al rifiuto, sfoga l’impotenza con
la violenza; uno dei piccoli perdenti della vita.
Ed infine, sopra la spalla della santa, un altro volto
sconvolto, una maschera bianca e cadaverica quasi
come quella di Orsola (la testa all’indietro, la bocca
O c c h i o a l l ’ A r t e - p a g i n a 1 1
c u r i o s A R T
Il “Martirio di Sant’Orsola” l’ultimo dipinto del Caravaggio
di Cristina Simoncini
Se andrete a visitare la mostra Caravaggio-
Bacon, di cui parliamo estesamente
nell’articolo dedicato a pagina 6, potrete
ammirare uno dei capolavori dell’ultimo
Caravaggio, uno dei quadri più impressionanti
della sua intera produzione pittorica: si tratta del
“Martirio di Sant’Orsola”, probabilmente l’ultimo
dipinto del pittore.
Fu commissionato nel 1609 dal principe genovese
Marcantonio Doria, riportato dopo un lungo studio
d’archivio con certezza alla mano del maestro, fu
eseguito dal pittore con molta rapidità, probabilmente
perchè in procinto di ripartire per Porto Ercole dove
avrebbe svolto le pratiche per la grazia. Si dice
che la tela non fosse perfettamente asciutta per
la partenza per Genova e che fosse stata messa
da ignari servitori ad asciugare al sole, perdendo
quindi di vividezza cromatica. La tela tratta di uno
degli episodi più singolari del primo martirologio
cristiano: la storia vedeva coinvolti un re bretone,
una regina siciliana, un ex pontefice e undicimila
vergini cristiane in viaggio, compresa Orsola. Le
undicimila vergini furono massacrate dagli Unni alle
porte di Colonia, anche se il loro capo, colpito dalla
bellezza della santa, le aveva fatto una proposta
di matrimonio. Quando questa aveva rifiutato il
barbaro, disprezzato, le scagliò contro una freccia
uccidendola. Se i pittori, in passato, con diverse
difficoltà create dalla storia, avevano mostrato la
tendenza ad indugiare sul panorama per mostrare
il massacro completo (vedi Carpaccio), Caravaggio
prese decisamente un’altra strada. Nell’inquadratura
aperta, sollevato sulle punte mentre si appoggia ad
un bastone). Non è difficile riconoscervi Caravaggio
nel suo ultimo autoritratto, prima della terribile fine,
in una spettrale ripresa del giovane che, nel quadro
“Cattura di Cristo nell’orto”, di otto anni prima,
teneva sollevata la lanterna per dare un’occhiata
alla cattura di Cristo.
I riferimenti sono molti: Orsola è riconoscibile
come la sorella di Lazzaro o la madre della natività
di Palermo e forse era una modella portata con
se dalla Sicilia; i gesti potenti evocano altri suoi
ultimi capolavori; i rapporti umani espressi, frutto
della rapidità di esecuzione alla quale era arrivato
e che permetteva una libertà e una profondità di
introspezione mai raggiunta prima lavorando con
tableau vivant, sono incredibilmente complessi e
naturali mentre i rapporti spaziali si caricano di una
forte valenza onirica; il colore infine quasi slabbrato
e sfatto, che segue un disegno non più perfettamente
definito, più che il reale sembra suggerire le emozioni
ed il pathos.
Ecco così un’occasione unica per ammirare il dipinto,
innovativo rispetto la più conosciuta produzione
del pittore, contornato da un singolare fascino
magnetico ed enigmatico, e che vale da solo il prezzo
del biglietto (anche perché difficilmente fruibile
in quanto conservato a Napoli presso la Banca
Commerciale Italiana)
Fonte: engrammi.blogspot.com

“Da risorse umane a persone” di Stefano Greco
di Rossana Gabrieli
Francoangeli ha pubblicato nel 2009 un
testo prezioso per quanti si occupano
di cultura del lavoro in Italia. Si tratta
di un libro dal titolo “Da risorse
umane a persone”, in cui l’autore, Stefano
Greco, psicologo, consulente di direzione
aziendale, formatore e conferenziere,
spiega che, nell’arco di un decennio, “[…]
Ricordo di Marco Paniccia
di Antonio De Waure
E’
consuetudine per l’Associazione
“Arte Mediterranea” e naturalmente
per “Occhio all’Arte”, ricordare ed
evidenziare tutti gli artisti che con
le loro attività hanno lasciato una traccia nei
luoghi che hanno vissuto.
Il ricordo o la segnalazione di tali artisti
rappresenta anche la storia culturale e
sociale del territorio, quindi un momento
importante di crescita per Aprilia. Il loro
lavoro è una risorsa per il futuro e la loro
memoria rappresenta un monito ed uno
stimolo.
A tal proposito, sento la necessità di ricordare
Marco Paniccia; nella sua breve esistenza ha
dato molto sia in campo sociale che artistico.
Le sue opere rimangono la testimonianza
tangibile dell’amore intenso per il mosaico e
le persone hanno subito una specie di
metamorfosi kafkiana diventando risorse
umane. La mutazione si è poi completata
di recente con la sigla HR, pronunciata con
quell’accento americano che oggi va tanto
di moda nei titoli delle fiction mediche e
criminali. Naturalmente, non è una questione
soltanto di parole. All’espressione risorse
umane corrisponde, infatti, un progressivo
degrado del concetto di persona nelle più
diverse sfere sociali, dal lavoro alla politica,
all’istruzione, alla salute, all’ambiente,
all’economia, in Italia come nel resto del
mondo. Questo libro vuole raccogliere la
sfida del ritorno alle persone nel senso
del concreto recupero della centralità del
loro valore nelle organizzazioni e negli altri
sistemi sociali”.
Il libro di Stefano Greco sarà presentato il
prossimo 22 gennaio alla Sala Manzù della
Biblioteca del Comune di Aprilia, all’interno
di un convegno, patrocinato dall’Assessorato
alla Cultura ed alla Pubblica Istruzione,
dal titolo “Over 40: troppo giovani per la
pensione, troppo vecchi per lavorare?
Disoccupazione e precariato in età
per quello che ha rappresentato.
“ […]E così oggi, i mosaici di Marco guidano
il nostro sguardo mettendo a fuoco la
nostra mente aiutandoci a scoprire accenti,
modulazioni di colori che, forse, prima non
percepivamo. L’articolazione visuale delle
opere diventa trasparente e ci si rivela
infinitamente piu’ ricca di emozioni e di
spiritualità. L’opera si legge con l’identica
semplicità con la quale è stata ideata, senza
freddi calcoli razionali. Essa è padrona degli
spazi, percorre l’infinito, apre gli animi del
pensiero.” Questo ha scritto il Maestro
Ruotolo a proposito di Marco e penso che
abbia veramente centrato il vero senso
dell’artista e dell’uomo.
Trasmettere il valore di ciò che si è e farlo
in maniera trasparente e limpido, significa
O c c h i o a l l ’ A r t e - p a g i n a 1 2
o c c h i o a l l i b r o
matura”, a cui interverranno, alla presenza
dell’assessore Renzi, oltre all’autore del
libro, anche il sociologo Stefano Giusti,
autore del testo “Non ho l’età”, già recensito
nei mesi scorsi dalla nostra rubrica, ed altri
esponenti dell’Associazione ATDAL - Over 40,
che si occupa di problematiche connesse
con la realtà degli ultraquarantenni che si
ritrovano improvvisamente senza lavoro, in
un momento di scarsa riconvertibilità nel
mondo del lavoro, proprio per via dell’età
anagrafica.
“La tematica del convegno appare di
grande attualità – commenta l’assessore
Patricia Renzi – e ci sembra quanto meno
doveroso che il nostro Comune patrocini
questo evento. Oltretutto, il mondo della
cultura si interroga sulle possibili soluzioni
che si offrono alle persone che, ormai
oltre i quarant’anni, si ritrovano nella
non piacevole situazione di disoccupati.
Per questo faremo sì che siano presenti
al tavolo dei relatori anche esponenti del
mondo dell’imprenditoria. Nostro interesse
è favorire il dialogo ed il confronto tra le
parti sociali”.
o c c h i o a l l ’ A r t i s t a
renderlo comprensibile e offrirlo a tutti
semplicemente.
Ci regala nelle sue opere tanti input che
oggi dovremmo cogliere e fare nostri; lo
ringraziamo, anche se non lo abbiamo mai
conosciuto ma nelle sue opere abbiamo
colto l’essenza della sua persona. I suoi
lavori parlano per lui e vivono per lui , e noi
dobbiamo solo ascoltare.
Il suo ricordo viene rinnovato ogni anno con
un concorso a premi intitolato “Premio Marco
Paniccia”; quest’anno ricorre la IV Edizione
che sarà sicuramente accompagnata da
grande successo.
Per chi avesse intenzione di partecipare e
chiedere informazione potrà farlo visitando
il sito:
www.cnalatina.it

L’arte del vetro di Murano
di Giuseppe Di Pasquale
Fin dai tempi antichi l’uomo ha sempre prestato al
vetro un’attenzione quasi mistica, attribuendo
alle trasparenze di questo materiale qualcosa
di magico e soprannaturale. I maghi delle
leggende solevano predire il futuro attraverso una
sfera di cristallo, chimici ed alchimisti studiavano i
prismi alla continua ricerca della pietra filosofale
che tramutasse il metallo in oro; una magia che
nasce dal fuoco, alla stessa maniera con cui il fuoco
partoriva, nella credenza popolare, l’Araba Fenice,
il mitologico uccello dalle piume d’oro, sinonimo di
bellezza.
Ancor oggi, al visitatore che va a Murano, si
ripresentano gli stessi scenari che nei secoli hanno
ispirato scrittori e leggende. Infatti la struttura
delle fornaci è rimasta inalterata nel tempo, e
la tecnologia è presente solo in piccoli dettagli,
tutto ciò è dovuto all’attaccamento che i maestri
hanno sempre dimostrato verso le tradizioni che,
come un orologio, hanno sempre scandito il tempo
negli oltre mille anni di storia del vetro a Venezia.
Si “battono” le stesse canne e si usano gli stessi
strumenti che vengono forgiati sapientemente nelle
officine fabbrili sorte nell’isola che, insieme ad
altre piccole attività, ne hanno fatto uno dei centri
dell’imprenditoria veneziana.
Le origini dell’arte vetraria a Venezia risalgono a
prima dell’anno mille e ciò è confermato anche da
un documento in cui viene menzionato un monaco
benedettino, tale Domenico detto “Fiolario”
(Phiolario), un fabbricante di fiale per uso casalingo.
Non si ha nessuna certezza sulla forma di queste
fiale, non essendone arrivata nessuna, ne intera, ne a
frammenti, ai giorni nostri. Possiamo solo ipotizzarne
l’aspetto da alcuni documenti iconografici. La tecnica
di lavorazione era quella della soffiatura eseguita
con quegli strumenti che le attività vetrarie tardoromane
avevano tramandato. Si può presumere che
inseguito le tecniche si siano affinate a Venezia più
che altrove in Europa per i contatti commerciali che i
Veneziani avevano con il vicino Oriente e, soprattutto
con i paesi di antica tradizione vetraria quali i fenici,
i siriani e gli egiziani. Tale tradizione, rinnovata nelle
celebri fornaci islamiche, costituì un’occasione per
ricomporre conoscenze e tecniche occidentali ed
orientali, così da conferire alla produzione lagunare
quelle particolarità che l’hanno resa così importante
nel mondo nel corso dei secoli. Ancor oggi tale
produzione è ai vertici mondiali per qualità della
produzione e rinnovamento di forme.
Intanto la vecchia Amurianum, così era stata
denominata l’isola in onore di una delle porte di
Altino, cresceva di prestigio tanto da non essere
considerata una delle isole di Venezia, ma godeva di
una certa indipendenza dalla Signoria. Tale privilegio
le venne assegnato in virtù dell’attività delle fornaci
che si erano lì installate e, conseguentemente, per
l’importanza economica che Murano cominciava
ad avere nel tessuto sociale della Serenissima.
Con l’editto dogale promulgato dal Doge Tiepolo nel
1291, l’isola di Murano fu dichiarata vera e propria
area industriale e divenne ben presto anche la
capitale della produzione vetraria mondiale. Il doge
era rappresentato da un Podestà affiancato da un
consiglio popolare detto Arengo; tra gli altri privilegi
che le furono assegnati si ricordano il Libro d’Oro,
dove erano iscritte le maggiori famiglie, il conio
delle “oselle”, la conservazione del simbolo (il gallo
che porta in groppa la volpe e tiene nel becco
una serpe) e la straordinaria concessione che le
famiglie muranesi avevano di imparentarsi con
i nobili veneziani. L’affinità fra Venezia e Murano è
curiosamente testimoniata anche dalla morfologia
delle due “città”, che presentano gli stessi campi,
calli, rii interni e addirittura il Canal Grande che
le attraversa. Si é sentita la necessità, poi, di
costituire un ordinamento del ciclo produttivo,
dall’acquisto delle materie prime, alla formazione
delle maestranze e alla difesa del prodotto.
La trascrizione di queste regole, dal latino classico
O c c h i o a l l ’ A r t e - p a g i n a 1 3
a r t e n e l m o n d o , i l m o n d o d e l l ’ a r t e
Da sinistra, in senso orario: fornace per la lavorazione del vetro; vaso realizzato a “vetro sommerso”; brocca con decorazioni a smalto, fine sec. XV; creazioni di Luciano Gaspari
(1913) (disegno)- Salviati & C. (esecuzione); Giovanni Tommasi “Scarpetta in filigrana di vetro”; calice in cristallo soffiato, ornato di ansette decorate da morise, fine XVI - inizio XVII
secolo; coppa su piede in cristallo soffiato a stampo, decorata da fili blu applicati a caldo, XVI secolo
a un linguaggio più usuale, avviene prima della
metà del ‘400 con la stesura e approvazione
delle “Mariegole della arte dei verieri de Muran”,
conservata al Museo Correr di Venezia, rilegato con
una copertina di velluto e argento (rilegatura del
XVII sec.), le pagine manoscritte e la raffigurazione
di S.Antonio Abate, protettore, sul frontespizio.
Alla categoria dei vetrai che si dedicavano ai vetri
soffiati o cavi, si aggiunsero, poi, gli specchieri,
fabbricanti di lastre da specchio, ma anche per
quelle da finestre con la ben nota tecnica dei rui
(rulli) legati a piombo; la categoria dei margheritieri,
fabbricanti di perle o conterie. Il nome conteria si
pensa venisse dall’usanza di trattarle quasi come
denaro contante considerata la sua larga diffusione
nei paesi dove la Repubblica Serenissima praticava il
commercio. Tutte le specialità erano rappresentate
nel consiglio interno che veniva eletto ogni anno, ed
era composto da proprietari di fornaci e i maestri. Il
consiglio detto Comparto, eleggeva due Soprastanti,
che avevano l’incarico di vegliare nel rispetto delle
leggi. Tali rappresentanti facevano riferimento al
Gastaldo Maggiore. All’arte dei vetrai in genere, si unì
in seguito il comparto sussidiario degli “Stazionieri”,
cioè venditori ai quali veniva affidato l’incarico dello
smercio dei prodotti. Attorno alle fornaci nascevano
le gerarchie che governavno l’attività produttiva
della “piazza” con i maestri, garzoni e garzoneti,
serventi e serventini e, i non meno importanti
forcelanti, figure queste che erano alle dirette
dipendenze del maestro al quale prestavano sempre
un doveroso rispetto, vedendo in lui non solo un
insegnante, ma, soprattutto, un maestro di vita.
Per maggiori approfondimenti sulla storia di Murano
e del vetro vi consigliamo di visitare i seguenti links:
www.vitrum.it - www.netnz.com - www.glassway.org
www.museiciviciveneziani.it
Fonte: www.doge.it

Luzzati e Rodari. I segni della fantasia
Due giganti del mondo dell’infanzia nel cuore di Villa Borghese
di Elonora Spataro
«Signor maestro che le salta in mente?
Questo problema è un’astruseria,
non ci si capisce niente:
trovate il perimetro dell’allegria,
la superficie della libertà.
il volume della felicità... [...]
Saremo certo bocciati!
Ma il maestro che ci vede sconsolati:
«Son certo problemi di stagione.
Durante le vacanze
troverete la soluzione».
(“Problemi di Stagione”, Gianni Rodari).
La semplicità e il guizzo magico della narrazione
di Gianni Rodari e la libertà del segno di Lele
Luzzati si rincontrano a Roma, in una mostra
alla ludoteca Casina di Raffaello, nel cuore
di Villa Borghese. L’esposizione racconta del
sodalizio tra i due nato, nel 1962, in occasione
del film d’animazione Il castello di carte. Testi,
filmati, bozzetti e una serie di laboratori dedicati
ai bambini per testimoniare la passione comune
per il mondo dell’infanzia alimentata dallo stesso
approccio creativo. I bambini sono immersi
nella quotidianità ed è attraverso l’ordinario
che le storie di Rodari danno la possibilità, a
chi le legge o le ascolta, di elaborare la realtà
e di arrivare allo straordinario attraverso il
gioco, l’ironia e l’immaginazione. I segreti delle
cose di ogni giorno, mediate dal linguaggio dei
suoi racconti, si traducono nelle illustrazioni di
Luzzati; immagini che danno il ritmo alla storia,
rafforzano la narrazione ma allo stesso tempo
introducono elementi di invenzione. A particolari
fortemente descrittivi, dove si rintraccia il
percorso del testo, si alterna la spontaneità del
O c c h i o a l l ’ A r t e - p a g i n a 1 4
i n m o s t r a
Illustrazioni di Lele Luzzati tratte da “Fiabe lunghe un sorriso” di Gianni Rodari
tratto capace di lasciare spazio al gioco della
materia, al colore e alle deformazioni. “Quando
illustro un libro, oltre che a commentare un
testo con tratti e colori, cerco anche di avere un
rapporto con la pagina scritta, dare un ritmo al
volume stesso”. (Lele Luzzati)
Luzzati e Rodari. I segni della fantasia
dal 5 dicembre 2009 al 28 febbraio 2010
Orari di apertura per le scuole
martedì - venerdì 9.15, 10, 10.45 e 11.30;
per il pubblico martedì - venerdì 15, 16 e 17,
sabato, domenica e festivi 10, 11, 12, 15, 16, 17 e 18;
per gli adulti martedì - domenica 14
Info e prenotazioni 060608 tutti i giorni dalle
9.00 alle 21.00
per il pubblico il numero di partecipanti non deve
superare le 15 unità di cui 10 prenotati da call
center e 5 sul posto.

Eventi da non perdere
P e r s e g n a l a r e u n e v e n t o s c r i v i a :
occhioallarte@artemediterranea.org
Adriano Bisetti. Mostra personale di opere di intarsio
Ristorante “Isole”, Aprilia
Anzio e Nerone
Villa Adele, Anzio(Roma)
fino al 16 gennaio 2010
Divus Vespasianus - Il bimillenario dei Flavi
Colosseo - Curia (Fori imperiali) - Criptoportico neroniano
(Palatino), Roma
fino al 10 gennaio 2010
Michelangelo architetto a Roma
Musei Capitolini, Roma
fino al 7 febbraio 2010
Il potere e la grazia - I santi patroni d’Europa
Palazzo Venezia, via del Plebiscito 118, Roma
fino al 10 gennaio 2010
Caravaggio-Bacon
Galleria Borghese, piazzale Scipione Borghese 5, Roma
fino al 24 gennaio 2010
Roma - La pittura di un impero
Scuderie del Quirinale, via XXIV Maggio 16, Roma
fino al 10 gennaio 2010
La riscoperta di Dada e Surrealismo
Complesso del Vittoriano, Roma
fino al 7 febbraio 2010
Calder
Palazzo delle esposizioni via Nazionale 194, Roma
fino al 14 febbraio 2010
Gli anni di Grace Kelly, principessa di Monaco
Palazzo Ruspoli, Roma
fino al 28 febbraio 2010
Federico Zeri - Dietro l’immagine - Opere d’arte e
fotografia
Museo civico archeologico, via dell’Archiginnasio 2, Bologna
fino al 10 gennaio 2010
Boldini nella Parigi degli impressionisti
Palazzo dei diamanti, corso Ercole I d’Este 21, Ferrara
fino al 10 gennaio 2010
Robert Mapplethorpe - La perfezione nella forma
Galleria dell’Accademia, via Ricasoli 58-60, Firenze
fino al 10 gennaio 2010
Inganni ad arte - Meraviglie del trompe-l’oeil
dall’antichità al contemporaneo
Palazzo Strozzi, piazza Strozzi, Firenze
fino al 24 gennaio 2010
Il paesaggio disegnato - John Constable e i maestri
inglesi nella raccolta Horne
Museo Horne, via dei Benci 6, Firenze
fino al 30 gennaio 2010
Il mondo di Quentin Blake
Museo Luzzati, area Porto antico 6, Genova
fino al 10 gennaio 2010
Edward Hopper
Palazzo Reale, piazza Duomo 12, Milano
fino al 24 gennaio 2010
United Artists of Italy
Fondazione Stelline, corso Magenta 61, Milano
fino al 31 gennaio 2010
Shunga - Arte ed eros in Giappone
nel periodo Edo
Palazzo reale, piazza Duomo 12, Milano
fino al 31 gennaio 2010
Il Nuovo dopo la Macchia. Origini e affermazione del
naturalismo toscano
Polo espositivo ex Terme Tamerici, parco delle Terme,
Montecatini Terme (Pistoia)
fino al 18 gennaio 2010
Gli anni ’80 - Il trionfo della pittura - Da Schifano a
Basquiat
Serrone della Villa reale e Arengario, viale Brianza 2 e
piazza Roma, Monza
fino al 14 febbraio 2010
Johnnie Shand Kydd
Madre - Museo d’Arte contemporanea Donna Regina, via
Settembrini 79, Napoli
fino al 15 febbraio 2010
Telemaco Signorini e la pittura in Europa
Palazzo Zabarella, via San Francesco 27, Padova
fino al 31 gennaio 2010
Scultura futurista 1909-1944 - Omaggio a Mino Rosso
Galleria civica Cavour, piazza Cavour, Padova
fino al 31 gennaio 2010
Da Velázquez a Murillo. Il secolo d’oro della pittura
spagnola nelle collezioni dell’Ermitage
Castello visconteo, viale XI Febbraio 35, Pavia
fino al 17 gennaio 2010
Chagall e il Mediterraneo
Blu palazzo d’arte e cultura, lungarno Gambacorti 9, Pisa
fino al 17 gennaio 2010
Lo stile dello zar - Arte e moda tra Italia e Russia dal
XIV al XVIII secolo
Museo del tessuto, via Santa Chiara 24, Prato
fino al 10 gennaio 2010
O c c h i o a l l ’ A r t e - p a g i n a 1 5
g l i a p p u n t a m e n t i
Lena Liv - Hekhalòt
Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci, viale della
Repubblica 277, Prato
fino al 10 gennaio 2010
Gianni Colombo
Castello di Rivoli, piazza Mafalda di Savoia, Rivoli
(Torino)
fino al 10 gennaio 2010
Capolavori della modernità. La collezione del
Kunstmuseum Winterthur
Mart - Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e
Rovereto, corso Bettini 43i, Rovereto (Trento)
fino al 10 gennaio 2010
Federico Barocci (1535-1612) - L’incanto del colore
Una lezione per due secoli
Complesso museale Santa Maria della Scala. piazza Duomo
2, Siena
fino al 10 gennaio 2010
Luxus - Il piacere della vita nella Roma imperiale
Museo d’antichità, via XX Settembre 88c, Torino
fino al 10 gennaio 2010
Vedute veneziane. Canaletto, Guardi e dodici vedute
dalle collezioni della Pinacoteca albertina di Torino
Museo di arti decorative - Fondazione Accorsi via Po 55,
Torino
fino al 10 gennaio 2010
Leonardo - L’Uomo vitruviano fra arte e scienza
Gallerie dell’Accademia, campo della Carità 1050, Venezia
fino al 10 gennaio 2010
Capolavori futuristi alla collezione Guggenheim
Peggy Guggenheim Collection, Dorsoduro 704, Venezia
fino al 31 dicembre 2009
Teatro San Carlino Villa Borghese-Pincio-viale dei
Bambini, Roma
Programma dicembre 2009
I TRE PORCELLINI:
sabato 5 dicembre ore 16.30; domenica 6 ore 11.30 e 16.30
CANTO DI NATALE:
martedì 8 dicembre 2009 ore 11:30 e 16:30
sabato 12 dicembre 2009 ore 16:30
domenica 13 dicembre 2009 ore 11:30 e 16:30
sabato 19 dicembre 2009 ore 16:30
domenica 20 dicembre 2009 ore 11:30
LO SCHIACCIANOCI :
sabato 26 ore 16.30;
domenica 27 ore 11.30 e 16.30
L’Associazione Arte Mediterranea organizza, al mattino, pomeriggio e sera, corsi di:
• Disegno
• Disegno per bambini
• Acquerello
• Olio
• Intarsio
• Decorazione
• Anatomia per artisti
• Prospettiva per artisti
• Illustrazione di favole
• Teoria della percezione e psicologia della forma
V i a D e i P e r i , 4 5 A p r i l i a - T e l . 3 4 7 / 1 7 4 8 5 4 2 - www.artemediterranea.org

N a s c e Occhio all’Arte Multimedia
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Trattamento ÊÊÊÊÊÊPerÊappuntamentoÊ cicatrici acneiche
Depilazione
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TRATTAMENTI
SHIATSU
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Rimozione SHIATSU capillari
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Rimozione tatuaggi
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i n o s t r i s p o n s o r
TRATTAMENTI
SHIATSU
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