venerd 4 - Centro Sperimentale di Cinematografia

1-5 aprile Luci e ombre dell’espressionismo
6-11 aprile Obiettivo Argentina: uno sguardo al cinema contemporaneo
12-16 aprile Nuvole in paradiso. Viaggio nel cinema finlandese
17-20 aprile Printemps du cinéma français. Caroline Champetier. La donna con
la macchina da presa
22-23 aprile Un regista “inesorabile”. Omaggio a Fritz Lang
24 aprile Dalla Via Appia all’Oriente. Davide Mancori, la Jinko
Communications e i suoi documentari: pillole di mondo
25-29 aprile Schermi di piombo. Il terrorismo nel cinema italiano
30 aprile Carta bianca a… Paolo Mereghetti
1-5 aprile
Luci e ombre dell’espressionismo
«L’occhio dell’espressionismo non guarda all’esterno. È interiore e mira a penetrare ciò che è
dentro. Non gli spetta il compito di riprodurre la realtà, ma di raffigurarla come l’individuo la sente
e vede, cioè ricrea, dentro di sé. […] Una espressione che raggiunge l’intensità attraverso la
deformazione».
Mario Verdone
Fiorito in Germania tra gli anni Dieci del Novecento e l’avvento del nazismo,
l’espressionismo tedesco ha le sue radici nel romanticismo e nel wagnerismo ed è un
fenomeno complesso e multidisciplinare, che investe diversi campi artistici e si
sviluppa nell’arte, nel teatro e nell’architettura prima ancora che nel cinema. Il film
che afferma definitivamente la tendenza espressionista del cinema tedesco è Il
gabinetto del dottor Caligari di Robert Wiene (1919), che addirittura ha fatto parlare
di “caligarismo”. Ed è impossibile non citare Metropolis (1926) di Fritz Lang, un film
culto, che ha arricchito l’espressionismo cinematografico di motivi sociali, futuristi,
costruttivisti. La rassegna presenta, accanto a questi due titoli fondamentali, i
principali film espressionisti, cercando di dar conto delle tendenze e degli autori
principali: da Wiene a Murnau, da Pabst a Lang, da Leni a Martin, da Rye a Jutzi, da
Dupont a Oswald. Un’occasione per (ri)scoprire l’immensa innovazione estetica,
etica e linguistica portata da questa che è una delle principali correnti artistiche del
Novecento.
Come nota Paolo Bertetto, «l’irruzione antirappresentativa della dimensione
dell’immaginario e dell’allucinazione, la subordinazione della traccia referenziale alla
visione ipersoggettiva non acquisterebbero una forza di impatto così rilevante se non
si inserissero in un processo complessivo di ridefinizione dello statuto estetico, del
sistema di segni e del funzionamento del cinema. L’antiphysis, la ricostruzione totale
del profilmico, la produzione di una totalità visivo-cinetica apertamente illusoria e
illusionistica, il suo carattere di artificialità e di arbitrarietà, costituiscono, all’inizio
degli anni Venti, all’interno dell’istituzione cinematografica, un’ipotesi filmica
radicalmente diversa dalle strutture dell’universo visivo-cinetico ufficiale. Accanto –
e contro – al modello americano di funzionalizzazione reciproca della narratività,
della spettacolarità e della impressione di realtà, e prima dell’esperienza sovietica di
dialettizzazione dell’immagine e di costruzione attraverso il montaggio di un cinema

di idee innervato al pathos (e al di là dell’esperienza dell’avanguardia
cinematografica, ovviamente rilevante sul piano dell’immaginario, ma secondaria sul
piano dell’istituzione e del mercato cinematografico), il modello del cinema
espressionista rappresenta la rottura di due degli effetti fondamentali su cui si era
definito il cinema: l’impressione di realtà e l’identificazione nel processo percettivo,
cioè le possibilità di assimilazione immediata dello spettacolo filmico al reale e di
rimozione del carattere di finzione del cinema».
La rassegna è curata dalla Cineteca Nazionale in collaborazione con l’Università di
Roma “La Sapienza”. Si ringraziano, per il prezioso aiuto: la Cineteca di Bologna, il
Museo Nazionale del Cinema di Torino, la Cineteca Italiana di Milano, la Friedrich
Wilhelm Murnau Stiftung di Wiesbaden, la Deutsche Kinemathek di Berlino e il
Nederlands Filmmuseum di Amsterdam.
I film proiettati nell’ultimo spettacolo saranno accompagnati dal vivo dal Maestro
Antonio Coppola, dal 1975 specialista, noto in tutto il mondo, nella creazione,
realizzazione ed improvvisazione di colonne sonore per il cinema muto.
In occasione della retrospettiva, il Centro Sperimentale di Cinematografia pubblica
inoltre il libro L’espressionismo e il cinema tedesco, a cura di Paolo Bertetto, con
saggi di Jacques Aumont, Ester De Miro D’Ayeta, Claudine Eizykman, Thomas
Elsaesser, Jesús González Reqena, Jean-Louis Leutrat, Leonardo Quaresima,
Giovanni Spagnoletti.
martedì 1
ore 16.30
Abwege (Crisi, 1928)
Regia: Georg Wilhelm Pabst; sceneggiatura: Adolf Lantz, Ladislaus Vajda, Helen
Gosewisch; fotografia: Theodor Sparkuhl; interpreti: Gustav Diessl, Brigitte Helm,
Hertha von Walther, Jack Trevor, Fritz Odemar, Nico Turoff; origine: Germania;
produzione: Erda Film Berlin; durata: 100’
Trascurata dal marito, troppo preso dal lavoro, una donna progetta di fuggire con il
suo ammiratore segreto. Il marito però riesce ad impedire la fuga. La donna, per
ripicca, una sera si reca di nascosto in un locale notturno, dove soccombe al fascino
di un giovane boxeur. «L’azione è ridotta alla sua espressione più semplice, tutta
risiede nel modo in cui è presentata. Gli autori della sceneggiatura […] hanno
potuto trarre da questo soggetto banale una quantità di situazioni interessanti. Ciò
che caratterizza l’atmosfera del film è il fatto che al centro dell’azione vi sia una
scena che in un film più movimentato passerebbe facilmente inosservata. La donna è
in casa di un pittore e non sa se lo ama o no. Bussano alla porta: è il marito, che lei
odia perché le preferisce il suo lavoro. Il pittore non vuole aprire, ma lei glielo
ordina. Allora, con un gesto brutale, essa si spoglia e appare seminuda davanti agli
occhi sconvolti del marito. Il film è stato condotto con tanta abilità che questa
situazione ha qualcosa di sensazionale e di impressionante» («Licht Bild-Buhne», n.
212, 1928).
Copia proveniente dal Museo Nazionale del Cinema di Torino

ore 18.30
Varieté (Varietà, 1928)
Regia: Ewald Andreas Dupont; sceneggiatura: Leo Birinski, E. A. Dupont; fotografia:
Karl Freund, Carl Hoffmann; interpreti: Georg Baselt, Emil Jannings, Maly
Delschaft, Lya de Putti, Warwick Ward, Georg John; origine: Germania; produzione:
Universum Film; durata: 99’
È la storia di un trapezista che, con la moglie, manda avanti un baraccone del lunapark.
Un giorno accoglie una ragazza sola, se ne innamora, fugge con lei e si
ricostruisce una vita assieme a un altro saltimbanco. Quando scopre che la ragazza e
l'amico lo tradiscono, uccide lui e si costituisce. «Se paragoniamo l’atmosfera del
luna park di Varieté con quella della fiera di Caligari o con quella assai più
artificiale del Gabinetto delle figure di cera, scorgiamo finalmente il segreto del
talento di Dupont: egli ha il dono di cogliere e di fissare forme fluttuanti che
cambiano in continuazione sotto l’effetto della luce e del movimento. […] Si tratta
indubbiamente di un “impressionismo” che conserva le tracce del suo passaggio
attraverso l’astrazione espressionista» (Lotte Eisner).
Copia proveniente dalla Cineteca Italiana
Accompagnamento dal vivo del Maestro Antonio Coppola
ore 20.30
Incontro con Paolo Bertetto e Sergio Toffetti
Nel corso dell’incontro sarà presentato il libro L’espressionismo e il cinema tedesco,
a cura di Paolo Bertetto
a seguire
Der Verfluchte (Il maledetto, 1921)
Regia: Franz Osten [Franz Ostermayr]; sceneggiatura: Ernst B. Fey; fotografia: Franz
Koch; interpreti: Violetta Napirska, Ila Loth, Lotte Lorring, Fritz Greiner, Max
Schreck, Karl Wüstenhagen; origine: Germania; produzione: Münchener
Lichtspielkunst A.G.¸ durata: 58’
Il film, di ambientazione esotica, che mescola India e Sud America, racconta la storia
di Enrico il quale, spinto dalla furia vendicativa, si macchia dei più efferati delitti
tanto da meritarsi il soprannome de “Il maledetto”. Motivo di tanto odio è l’omicidio
della madre. Viene accusato il padre, il quale per l’occasione viene torturato,
umiliato ed esiliato. Una volta scoperto che il vero assassino della madre è il
governatore del Sud America, Il maledetto può finalmente placare la sua sete di
vendetta. Ma a confondere i suoi piani, è una graziosa e dolce fanciulla, figlia del
governatore. La pellicola, conservata presso gli archivi della Cineteca Nazionale, è
attualmente l’unica esistente del film e, rispetto alla versione registrata con il visto di
censura tedesco, suddivisa in 6 atti, è composta solo da 4 parti. Il lavoro di
preservazione e restauro del positivo nitrato d’epoca, imbibito e virato, ha permesso
la realizzazione di una copia, stampata con il metodo Desmet, che viene proiettata
per la prima volta in occasione della presente rassegna. Il ritrovamento di questo
film non solo permette di mostrare al pubblico un’opera, che si credeva scomparsa,

ma è anche una preziosa testimonianza dell’arte recitativa dell’attore, che ha
incarnato in maniera magistrale e indimenticabile il Nosferatu di Murnau, Max
Schreck, qui nella parte del Raja.
Ingresso gratuito
a seguire
Von morgens bis Mitternacht (Dal mattino a mezzanotte, 1920)
Regia: Karlheinz Martin; sceneggiatura: Herbert Juttke, K. Martin; fotografia: Carl
Hoffmann; interpreti: Ernst Deutsch, Erna Morena, Roma Bahn, Adolf Edgar Licho,
Hans Heinrich von Twardowski, Frida Richard; origine: Germania; produzione: Ilag
Film Berlin; durata: 65’
Il cassiere di banca di una piccola città ruba una grossa somma di denaro e si tuffa
nei divertimenti della grande città, senza però trovare veramente il proprio ideale di
vita. Una suora dell’esercito della salvezza, a cui egli si confida, lo ferma
denunciandolo alla polizia. «Qui tutte le scenografie, e persino i volti e i costumi
degli attori, erano stati striati di righe o animati da macchie bianche o scure, a
rappresentare luci e ombre sovrapposte. Ma anziché rafforzare i volumi delle forme,
questo artificio ne cancellò i contorni. […] Resta un effetto sorprendente per l’epoca:
la corsa della “sei giorni”, filmata come lo farà più tardi “l’avanguardia”.
Anamorfosati, resi simili a sfaccettature scintillanti, grazie alla magia delle
illuminazioni e all’uso, inconsueto per l’epoca, della lente deformante, corridori
ciclisti si lanciano, si deformano, per non essere più che il simbolo stesso della
velocità, nel vortice quasi astratto della corsa. Non c’è tanto da stupirsi di fronte a
questa sequenza avanguardistica ante litteram: già nel 1916, quel grande pioniere
che era l’attore e regista Paul Wegener aveva definito, in una conferenza su Le
possibilità artistiche del cinema, una specie di “kinetische Lyrik”, ossia di “lirismo
cinematografico”, ispirato alla tecnica della fotografia» (Lotte Eisner).
Copia proveniente dalla Cineteca di Bologna - Ingresso gratuito
Accompagnamento dal vivo del Maestro Antonio Coppola
mercoledì 2
ore 17.00
Unheimliche Geschichten (Storie inquietanti, 1919)
Regia: Richard Oswald; sceneggiatura: R. Oswald, Robert Liebmann; fotografia: Carl
Hoffmann; interpreti: Anita Berber, Reinhold Schünzel, Conrad Veidt, Hugo Döblin,
Paul Morgan, Georg John; origine: Germania; produzione: Film AG; durata: 109’
In una libreria antiquaria tre personaggi ritratti (la Morte, il Diavolo e la Fanciulla)
si animano e cominciano a leggere alcuni libri. La ricetta è collaudata ed è quella
del film a sketch che, data la brevità di ogni episodio, autorizza a moltiplicare i
momenti sensazionali. Ma il film sfrutta innanzitutto quello che non è ancora una
ricetta: il terrore (è il primo dei Gruselfilme, dei film “dell'orrore”). Inoltre, Oswald
ha saputo cogliere l'atmosfera “caligaresca” dell'epoca in anticipo rispetto alla sua
piena definizione e ha saputo legare il terrore alla plasticità dell'immagine, e a volte
a una certa semplificazione grafica. Unheimlich è un'antica parola della lingua

tedesca cui nel 1919 un celebre articolo di Freud riconosce la capacità di designare
gli stessi processi psichici messi in gioco dallo schermo “demoniaco”. Del resto, si
sa che non esiste un suo preciso equivalente nelle lingue latine, nessuna parola che
ne renda l'ambiguità fondamentale per cui Unheimlich, ciò che è strano, può essere a
volte identico al suo opposto Heimlich, ciò che è familiare.
(Dal saggio di Jacques Aumont pubblicato nel libro-catalogo della retrospettiva)
Copia proveniente dalla Deutsche Kinemathek di Berlino
ore 19.00
Faust (1926)
Regia: Friedrich Wilhelm Murnau; soggetto: dalle opere omonime di Goethe,
Marlowe e dal Volksbuch tedesco; sceneggiatura: Hans Dyser; fotografia: Carl
Hoffmann; interpreti: Gösta Ekman, Emil Jannings, Camilla Horn, Frieda Richard,
Wilhelm Dieterle, Yvette Guilbert; origine: Germania; produzione: UFA; durata:
120’
«La potenza dell’espressione plastica prende chiaramente il sopravvento sulla trama,
in questo dramma che ogni spettatore conosce. I suoi contemporanei lo hanno
apprezzato, e noi stessi lo apprezziamo come una sorta di melodramma visivo, ma
dove la messa in scena svolge il ruolo della partitura. Quali che siano, infatti, la
forza e la profondità del tema, come ce l’hanno consegnato il Volksbuch e il dramma
di Goethe – che, a parte l’episodio della peste, il film segue da vicino -, i meriti da
attribuire al “soggetto” sono evidentemente minori qui che nelle due opere di
Murnau immediatamente precedenti, [...] in cui è evidente l’impronta dello
sceneggiatore Carl Mayer. Il fatto che Murnau, appunto, abbia fatto a meno, questa
volta, della collaborazione di Mayer dovrebbe consentirci di cogliere meglio, allo
stato puro, l’arte della sua messa in scena. In questo film [...] Murnau, all’apice
della sua carriera, ha saputo e ha potuto mettere in atto tutti i mezzi capaci di
assicurargli [il] dominio totale dello spazio [...]. Tutte le forme, tanto quelle dei volti,
dei corpi, degli oggetti che quelle dei paesaggi o degli elementi naturali [...], sono
modellate o rimodellate in modo personale con una consumata perizia dell’effetto.
Mai opera cinematografica ha contato così poco sul caso» (Eric Rohmer).
Copia proveniente dalla Cineteca di Bologna
ore 21.15
Das Cabinett des dr. Caligari (Il gabinetto del dottor Caligari, 1920)
Regia: Robert Wiene, soggetto e sceneggiatura: Carl Mayer, Hans Janowitz;
fotografia: Willy Hameister; interpreti: Werner Krauss, Conrad Veidt, Lil Dagover,
Friedrich Feher, Hans Heinz von Twardowski, Rudolf Lettinger, Rudolf Klein
Rogge; origine: Germania; produzione: Decla, Filmgesellschaft; durata: 80’
Due uomini passeggiano in un giardino. Uno di essi, Francis, racconta la storia del
dottor Caligari, che esibisce in un baraccone da fiera il sonnambulo Cesare,
personaggio in grado di predire il futuro. Ad Alan, amico di Francis, predice una
morte imminente, e infatti, la notte stessa, il giovane viene pugnalato. Dopo altri
strani accadimenti, Francis scopre che Caligari è il direttore di un manicomio e che

ha ipnotizzato Cesare per commettere degli omicidi. Lo fa quindi catturare. Il film
torna poi alla scena iniziale per rivelare che Francis è pazzo e che la sua storia è
solo un’allucinazione. «Contrariamente alle affermazioni di Janowitz, Kracauer e
Lang, il lavoro di Wiene perfeziona la sceneggiatura e realizza un film che è “un
sistema di ambiguità complesso in cui la realtà e l’apparenza, la verità e la
menzogna, si intrecciano in maniera assolutamente inestricabile» (Paolo Bertetto).
Copia proveniente dalla Cineteca di Bologna
Accompagnamento dal vivo del Maestro Antonio Coppola
giovedì 3
ore 17.00
Genuine (1920)
Regia: Robert Wiene; soggetto e sceneggiatura: Carl Mayer; fotografia: Willy
Hameister; interpreti: Fern Andra, Albert Bennefeld, Lewis Brody, John Gottwt;
Ernst Gronau, Hans Heinrich von Twardowski; origine: Germania; produzione:
Decla-Bioscop Ag; durata: 105’
Genuine è una sacerdotessa sanguinaria che viene comperata in un mercato
orientale di schiavi da un vecchio Pigmalione moderno, il quale però se ne innamora
al punto di rinchiuderla in una strana gabbia di vetro inaccessibile ai visitatori. La
donna riesce a convincere un giovane barbiere a tagliare la gola al padrone e, una
volta libera, diventa una temibile supervamp che porta alla rovina tutti gli uomini
che incontra.
Copia proveniente dalla Cineteca di Bologna
ore 19.00
Raskolnikow (Delitto e castigo, 1923)
Regia: Robert Wiene; soggetto: dal romanzo Delitto e castigo di Fédor Dostoievskij;
sceneggiatura: R. Wiene; fotografia: Willi Goldberger; interpreti: Grigorij Chmara,
Pavel Pavlov, Maria Germanova, Michail Tarsanov, Maria Kryzanovskaja, Elisavet
Skulskaja; origine: Germania; produzione: Lionardi Film, Neumann Produktion;
durata: 141’
Dopo il capolavoro Il gabinetto del dottor Caligari e il mediometraggio horror gotico
Genuine, Robert Wiene si cimenta con il celebre romanzo di Fédor Dostoevskij,
senza rinunciare al suo stile peculiare: scenografie teatrali deformate, traiettorie
sghembe, luci fortemente contrastate che riflettono sullo schermo cinematografico i
conflitti interiori dei personaggi, vittime di manipolazioni e sdoppiamenti. «Il film
include alcune inquadrature dove scenografia e personaggi sembrano veramente
sorgere dall’universo di Dostoevskij e interagire in una sorta di allucinazione
reciproca» (Lotte Eisner).
La copia è stata restaurata dal Nederlands Filmmuseum. Negli archivi del
Nederlands Filmmuseum furono trovati a più riprese diverse parti del film in nitrato,
per un totale di 2700 metri. La versione originale era di 3168 metri. La copia del
Nederlands risultava essere la più lunga esistente, poiché le altre versioni conservate
negli archivi di Berlino, Monaco, Bruxelles erano di 1900 metri. Dopo varie ricerche

si è appurato che le tre versioni di 1900 metri provenivano tutte dalla copia
conservata al Gosfilmfond di Mosca. Purtroppo il Gosfilmfond non era più in
possesso del nitrato originale, ma la qualità fotografica della copia moscovita era
migliore, dal momento che le altre erano un suo duplicato. La copia del Nederlands e
quella del Gosfilmfond presentavano sostanziali differenze dovute dal fatto che la
stessa scena era stata ripresa con due macchine da presa differenti e dunque due
angoli di ripresa diversi. In altri casi la stessa scena era costituita da ciak diversi; in
altri ancora erano presenti differenze di montaggio. A fronte di questi problemi il
lavoro di ricostruzione ha cercato di risolvere le incongruenze privilegiando il
rispetto delle differenze all’integrazione forzata tra le due copie.
Copia proveniente dal Nederlands Filmmuseum
ore 21.30
Nosferatu, eine Symphonie des Grauens (Nosferatu il vampiro, 1922)
Regia: Friedrich Wilhelm Murnau; soggetto: dal romanzo Dracula di Bram Stoker;
sceneggiatura: Henrik Galeen; fotografia: Fritz Arno Wagner; interpreti: Max
Schreck, Gustav von Waggenheim, Greta Schröder, Alexander Granach, Max
Nemetz; origine: Germania; produzione: Prana Film; durata: 106’
«Scritto da Henrich Galeen che s’ispirò liberamente al romanzo Dracula (1897) di
Bram Stroker, cambiando nomi e posti per non pagare i diritti d’autore: dal suo
castello nei Carpazi il vampirico conte Orlock, chiuso nel suo sarcofago, si fa
trasportare nel 1838 a bordo di una nave al porto di Brema dove si diffonde la peste.
[…] È il più grande film vampiresco di tutti i tempi. Senza ricorrere alla
manipolazione dello spazio, tipica dell’espressionismo, Murnau sceglie la
concretezza e il rischio degli scenari naturali, ricorrendo a mezzi più specificamente
cinematografici (angolazioni, montaggio, immagini in negativo, ecc.) e a una fitta
rete di richiami metaforici e simbolici. Nella sua complessità si presta a diverse
letture in chiave psico-sociologica, metafisico-esistenziale, romantico-dostoevskiana,
psicoanalitica» (Morandini).
Copia proveniente dalla Cineteca di Bologna
Accompagnamento dal vivo del Maestro Antonio Coppola
venerdì 4
ore 17.00
Metropolis (1926)
Regia: Fritz Lang; soggetto e sceneggiatura: Thea Von Harbou, F. Lang; fotografia:
Karl Freund, Günther Rittau; interpreti: Brigitte Helm, Alfred Abel, Gustave
Frölhich, Rudolph Klein-Rogge, Heinrich Georg, Fritz Rasp, Theodor Loos; origine:
Germania; produzione: UFA, durata: 149’
Metropolis è una città del futuro dominata da Fredersen ed è divisa in settori: in alto
la classe dirigente, in basso gli operai ridotti in stato di semischiavitù. Gli operai
hanno come leader una giovane e bella ragazza, Maria, di cui si innamora Freder,
figlio del dittatore. Per rompere l’unità degli operai, Fredersen fa costruire al mago
Rotwang un robot, sosia di Maria, perché semini discordia, ma questo incita invece

gli operai alla rivolta e alla distruzione. Toccherà alla vera Maria e a Freder
riconciliare le parti, ponendo le basi per un nuovo ordine sociale garantito dalla
religione cristiana.
L’immaginario di Metropolis fonde suggestioni diverse, legate alla tradizione
culturale cristiana e alla scienza, all’alchimia e alla storia della mitologia,
elaborando scene e fantasmi di chiaro impianto psicanalitico, in cui il demoniaco e il
peccato si intrecciano con il modello edipico e l’ossessione della madre perduta.
Inoltre Lang realizza «una sinfonia visiva complessa e raffinata attraverso la
combinazione di differenti procedimenti linguistici, valorizzando tutte le potenzialità
della messa in scena, e articolando la produzione di effetti monumentali e la ricerca
sperimentale e visiva più avanzata» (Paolo Bertetto).
Copia proveniente dalla Friedrich Wilhelm Murnau Stiftung di Wiesbaden
ore 19.45
Metropolis (1926)
durata: 83’
Si tratta della versione colorata e musicata in chiave rock del celebre film di Fritz
Lang. «Nel 1984 il musicista Giorgio Moroder ha confezionato una nuova versione
di Metropolis di 87’, virata in vari colori e accompagnata da una colonna sonora
rock con canzoni, tra gli altri, di Freddy Mercury e Pat Benatar, che tenta di
ricostruire l’impatto spettacolare che il film ebbe sugli spettatori dell’epoca»
(Mereghetti).
ore 21.30
Der müde Tod (Destino, 1921)
Regia: Fritz Lang; soggetto e sceneggiatura: Thea Von Harbou e F. Lang; fotografia:
Errich Nietzchmann, Hermann Salfrank, Fritz Arno Wagner; interpreti: Lil Dagover,
Walter Janssen, Bernhard Goetke, Rudolf Klein-Rogge; origine: Germania;
produzione: Decla-Bioscop; durata: 106’
Una fanciulla e il suo innamorato arrivano in una locanda, dove vengono raggiunti
da un misterioso straniero che porta via con sé il giovane. La ragazza li rintraccia e
chiede che le venga restituito il fidanzato, ma lo straniero, personificazione della
Morte, le chiede in cambio di salvare la vita di un altro essere umano. Viene quindi
trasportata in tre epoche e paesi differenti: una città araba, la Venezia del
Rinascimento e una Cina fantastica. La fanciulla non riesce nel suo compito;
preferirà morire per poter raggiungere il suo amato.
«Bisogna [...] riconoscere nella narrazione di Lang una nozione che fu il primo ad
applicare – per quanto ne sappiamo – sin dal 1921, ovvero in un’epoca in cui i
migliori si limitavano a seguire lo sviluppo originario del racconto o cercavano la
liberazione artistica nell’impressionismo della camera. Mi riferisco al montaggio
intuitivo di cui il più semplice esempio si trova in apertura di Der müde Tod».
(Georges Franju)
Copia proveniente dalla Friedrich Wilhelm Murnau Stiftung di Wiesbaden
Accompagnamento dal vivo del Maestro Antonio Coppola

sabato 5
ore 16.00
Dr. Mabuse, der Spieler. 1. Teil: Der Grosse Spieler - Ein Bild unserer Zeit
(Dottor Mabuse, il giocatore. Parte I: Il grande giocatore - Un ritratto della nostra
epoca, 1922)
Regia: Fritz Lang; soggetto: da un romanzo di Norbert Jacques; sceneggiatura: Thea
von Harbou, F. Lang; fotografia: Carl Hoffmann; scenografia: Otto Hunte, Stahl-
Urach; interpreti: Rudolf Klein-Rogge, Bernhard Goetzke, Alfred Abel, Aude Egene
Nissen, Gertrud Weicker, Paul Richter; origine: Germania; produzione: Uco Film;
durata: 161’
Aiutato dalla ballerina Cara Carozza, il dott. Mabuse, un supercriminale dai poteri
ipnotici e dai mille volti, è alla testa di una banda internazionale della malavita.
«Definito dal suo autore “un documento del mondo attuale”, il film ebbe due
sottotitoli, per le due parti in cui fu diviso (…). Il personaggio di Mabuse,
apprendista stregone e superuomo del male, compare successivamente sotto
travestimenti diversi. Tutti gli elementi narrativi (società segrete, ipnotismo, violenze,
tradimenti) appartengono al repertorio del serial d’avventura e alle convenzioni del
poliziesco d’azione, già sperimentati da Fritz Lang in Die Spinner. Qui però il
regista adotta una rappresentazione realistica, solo a tratti memore
dell’espressionismo» (Nepoti).
Copie provenienti dalla Friedrich Wilhelm Murnau Stiftung di Wiesbaden
Accompagnamento dal vivo del Maestro Antonio Coppola
ore 19.00
Dr. Mabuse, der Spieler. 2. Teil: Inferno, ein Spiel von Menschen unserer Zeit
(Dottor Mabuse, il giocatore. Parte II: Inferno, un gioco degli uomini della nostra
epoca, 1922)
Regia: Fritz Lang; soggetto: da un romanzo di Norbert Jacques; sceneggiatura: Thea
von Harbou, F. Lang; fotografia: Carl Hoffmann; scenografia: Otto Hunte, Stahl-
Urach; interpreti: Rudolf Klein-Rogge, Paul Richter, Bernhard Goetzke, Alfred Abel,
Aud Egene Nissen, Gertrud Weicker; origine: Germania; produzione: Uco Film;
durata: 116’
Sembra che Mabuse stia per trionfare, ma la polizia interviene in tempo e irrompe
nella sua casa sgominando la banda di criminali. Mabuse viene scovato solo dopo
alcuni giorni, in preda alla follia, nel sotterraneo che serviva da laboratorio agli
invisibili falsari, e condotto al manicomio.
«Se ancor oggi è possibile presentare per quattro ore filate i due episodi di Mabuse
(un tempo presentati in due riprese) senza che il pubblico si stanchi, è grazie alla
precisione del montaggio. Si sa che il giovane Ejzenštejn, ammirato, aveva scrutato,
analizzato, smontato e rimontato le inquadrature di questo film per individuarne tutti
i meccanismi. Il fatto è che tutto è stato previsto in questo montaggio ingegnoso, e
che ogni immagine implica l’altra, dando senso a quella, insostituibile, che sola può

seguirla. Così si stringe la catena delle avventure, portando la suspense al suo
apice» (Lotte Eisner).
Copie provenienti dalla Friedrich Wilhelm Murnau Stiftung di Wiesbaden
Accompagnamento dal vivo del Maestro Antonio Coppola
ore 21.00
Das Testament des Dr. Mabuse (Il testamento del Dottor Mabuse, 1933)
Regia: Fritz Lang; soggetto e sceneggiatura: Thea von Harbou; fotografia: Fritz Arno
Wagner; musica: Hans Erdmann, Franz R. Friedl, Walter Sieber; montaggio: Lothar
Wolff ; interpreti: Rudolf Klein-Rogge, Oscar Beregi, Theodor Loos, Karl Meixner,
Otto Wernicke; origine: Germania; produzione: Nero-Film AG; durata: 122’; v.o.;
sott. it.
Ultimo film tedesco di Lang, finito di girare poco dopo l’incendio del Reichstag e
l’avvento di Hitler al potere, Das Testament des Dr. Mabuse non si può non leggere
come metafora della situazione politica e sociale del tempo, a cui il regista attribuirà
in seguito un deciso messaggio antinazista. Il film, proibito alla sua uscita (uno dei
censori scriverà: «Per gli elementi comunisti, potrebbe essere un vero e proprio
manuale di preparazione e di esecuzione di atti terroristici»…) approfondisce il
personaggio di Mabuse in una direzione precisa, poiché la volontà di dominio del
criminale del 1922 diventa il delirio di onnipotenza di chi arriva a dire «Lo Stato
sono io». Vero e proprio testamento cinematografico (per il regista, che andrà in
esilio, per la grande stagione dello Schermo Demoniaco, per la libertà del cinema
tedesco in generale), il film rimane uno dei capolavori più amati di Lang.
Copia proveniente dal Goethe Institut
6-11 aprile
Obiettivo Argentina: uno sguardo al cinema contemporaneo
L’Argentina è senza dubbio uno dei Paesi latino-americani più significativi sotto il
profilo della produzione cinematografica, come dimostrano i riconoscimenti
internazionali raccolti dai giovani autori come dai veterani. Il cinema argentino
riflette molto efficacemente le contraddizioni del Paese ed è il campo nel quale si
confrontano le voci più sensibili ed autorevoli del dibattito culturale interno di questi
ultimi anni. Con questa rassegna si intende offrire una panoramica della recente e più
qualificata produzione argentina di lungo e cortometraggi, mettendo in particolare in
evidenza i titoli premiati nei principali festival internazionali e presentando
esclusivamente film inediti in Italia, che saranno proposti al pubblico nella versione
originale con sottotitoli italiani.
Rassegna a cura di Andrea Morini e Alberto Morsiani, con la collaborazione di Erika
Angiolini, promossa da Cineteca del Comune di Bologna, Associazione Circuito
Cinema di Modena, Mostra Internazionale del Cinema Libero in collaborazione con
Centro Sperimentale di Cinematografia-Cineteca Nazionale, Museo Nazionale del
Cinema di Torino, Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA),
Ambasciata della Repubblica Argentina in Italia.

domenica 6
ore 17.00
Illuminados por el fuego (2005)
Regia: Tristán Bauer; soggetto e sceneggiatura: T. Bauer, Miguel Bonasso, Edgardo
Esteban, Gustavo Romero Borri; fotografia: Javier Julia; musica: Federico Bonasso,
León Gieco; montaggio: Alejandro Brodersohn; interpreti: Gastón Pauls, Pablo Riva,
César Albarracín, Hugo Carrizo, Virginia Innocenti, Juan Leyrado; origine:
Argentina; produzione: Canal + España, INCAA, Universidad Nacional de San
Martín; durata: 100’; v.o.; sott. it.
Il suicidio di un compagno d’armi porta in superficie i vecchi ricordi di un uomo. Il
film mostra una realtà che è stata dimenticata per molti anni in Argentina. Un
governo militare che dovrebbe essere finito sta cercando di restare al potere
attraverso un peccato imperdonabile: il sangue delle giovani reclute. L’Argentina
riconquisterà le isole, ma solo quando la gente finalmente capirà ciò che è accaduto
e perché è accaduto. Premio Orizontes Latinos a San Sebastian 2005.
ore 19.00
Familia rodante (2004)
Regia: Pablo Trapero; soggetto e sceneggiatura: P. Trapero; fotografia: Guillermo
Nieto; musica: Hugo Diaz, León Gieco, Juaujo Soza; montaggio: Ezequiel
Borovinsky; interpreti: Graciana Chironi, Nicolás López, Liliana Capurro, Ruth
Dobel, Marianela Pedano, Bernardo Forteza; origine: Argentina; produzione: Lumina
Films, Paradis Films, Pandora Filmproduktion, Videofilmes Produçoes Artisticas,
Axiom Films, Buena Onda, Matanza Cine, Pol-Ka Producciones; durata: 103’; v.o.;
sott. it.
Un road movie paesano intelligente e scanzonato. La nonna compie 84 anni, grande
festa in giardino. Arriva una telefonata che annuncia l’imminente matrimonio di una
nipote: nonna sarà testimone e tutta la famiglia dovrà partecipare. Inizia un lungo
viaggio da Buenos Aires ad una zona rurale al confine col Brasile, a bordo di uno
scalcinato camper, e ne succedono di tutti i colori. Un film che strappa più di una
risata, ma che al contempo riesce a trasmettere il malessere di una famiglia coi suoi
piccoli grandi drammi.
ore 21.00
Il cinema del Csc
Tao (1999)
Regia Edo Tagliavini; sceneggiatura: E. Tagliavini, Roberto Scarpetti; fotografia:
Gianni Cigna; montaggio: Clelio Benevento; musica: Marco Benevento; scenografia:
Ivana Gargiulo; costumi: Luca Canfora, Emilio Ortu Lieto; suono: Stefano Campus;
organizzatore: Michela Giovinetti; interpreti: Clive Griffith, Marco Mario De Notaris,
Valeria Sanna, Angela Sapeva; origine: Italia; produzione: Csc; durata: 17’
In un futuro non troppo lontano, America ed Europa si sono unite in una
confederazione democratica, chiudendo le porte al resto del mondo. L’unica
possibilità che hanno gli extracomunitari-terzomondisti per poter entrare in questa

nuova società “civile” ed “evoluta”, è quella di partecipare a Tao, un gioco
televisivo violento e popolarissimo. La puntata di oggi vede fronteggiarsi per la
Green Card, l’albanese Dan e la russa Rak…
a seguire
Madres (2007)
Regia: Eduardo Félix Walger; soggetto e sceneggiatura: E. F. Walger; montaggio:
origine: E. F. Walger; Argentina; durata: 120’; v.o.; sott. it.
Le sciarpe bianche delle madri dei desaparecidos sono il simbolo universale della
lotta per i diritti umani. Il terrorismo di Stato in Argentina era basato sulla
scomparsa forzata delle persone. L’amore per i figli assenti le spingeva a superare la
paura e le muoveva nel centro economico e politico del paese, confrontandosi
disarmate con un potere totalitario e brutale. Oggi esse conservano l’identità dei
loro figli con il grido «30.000 detenuti scomparsi, presenti, ora e sempre!». Premio
Orizontes Latinos, San Sebastian 2007.
lunedì 7
chiuso
martedì 8
ore 17.00
Illuminados por el fuego (replica)
ore 19.00
El otro (2007)
Regia: Ariel Rotter; soggetto e sceneggiatura: A. Rotter; fotografia: Marcelo
Lavintman; montaggio: Eliane Katz; interpreti: Julio Chávez, María Onetto, María
Ucedo, Inés Molina, Arturo Goetz, Osvaldo Bonet; origine: Argentina; produzione:
Aquafilms, Celluloid Dreams, Selavy, AireCine; durata: 83’; v.o.; sott. it.
É la storia di un avvocato di Buenos Aires che, in viaggio di lavoro fuori città, decide
improvvisamente di assumere l’identità di varie persone e di passare due giorni fuori
da se stesso, dalle proprie responsabilità. Il ritorno a casa lo vedrà (forse) maturato.
Un percorso di formazione, un personaggio in fuga, in balìa degli eventi, sbandato e
perplesso. Orso d’Argento per miglior film e miglior attore protagonista al Festival
di Berlino 2007.
ore 20.45
Il cinema del Csc
Sole (2003)
Regia Michele Carrillo; soggetto e sceneggiatura: M. Carrillo, Barbara Rossi
Prudente; fotografia Marco Grazia Plena; scenografia: Marcela Iriarte Villalobos;
costumi: Tiziano Musetti, Veronica Pietrini; montaggio: Cristina Flamini; suono:
Daniele Turchetta; musica: Francesco Volpicelli; interpreti: Gianluca Izzo, Fabio Del

Prete, Danilo Salvi, Mirko Nasta, Enrietta Fontana; organizzazione: Teresa Biondi;
origine: Italia; produzione: Csc, Rai Cinema; durata 20’
Una torrida giornata estiva, in un sud degradato ed irreale, quattro ragazzini
incontrano una prostituta di colore. Così una giornata uguale a tante altre, per uno
di loro si trasforma in un momento di scoperta e crescita.
a seguire
El aura (2005)
Regia: Fabián Bielinsky; soggetto e sceneggiatura: F. Bielinsky; fotografia: Checco
Varese; musica: Lucia Godoy; montaggio: Alejandro Carrillo Penovi, Fernando
Pardo; interpreti: Ricardo Darín, Dolores Fonzi, Pablo Cedrón, Nahuel Pérez
Biscayart, Jorge D’Elía, Alejandro Awada; origine: Argentina; produzione: Aura
Films, Canal + España, Davis-Films, Naya Films, Patagonik Film Group, Tornasol
Films, Productores Asociados, Televisión Española; durata: 134’; v.o.; sott. it.
Un tranquillo, cinico tassidermista, sofferente di attacchi epilettici, è ossessionato
dal commettere il delitto perfetto. Pretende che i poliziotti siano troppo stupidi per
scoprirlo una volta che sia stato effettuato e che i criminali siano troppo stupidi per
eseguirlo nel modo giusto: è convinto di poterlo realizzare grazie alla sua memoria
fotografica e alla sua abilità strategica. Miglior film per i critici argentini, premio
Fipresci al Festival dell’Havana.
mercoledì 9
ore 17.00
El otro (replica)
ore 19.00
Derecho de familia (2005)
Regia: Daniel Burman; soggetto e sceneggiatura: D. Burman; fotografia: Ramiro
Civita; musica: César Lerner; montaggio: Alejandro Parysow; interpreti: Daniel
Hendler, Arturo Goetz, Eloy Burman, Julieta Díaz, Adriana Aizemberg, Jean-Pierre
Reguerraz; origine: Argentina; produzione: BD Cine, Classic Film, Paradis Films,
Wanda Visión; durata: 102’; v.o.; sott. it.
Ariel Perelman ha seguito le orme paterne ed è diventato avvocato, ma non si è mai
sentito troppo legato al mondo dell’avvocatura e non ha mai lavorato serenamente
con il padre, un uomo capace di adattarsi ad ogni situazione e che da quando è
rimasto vedovo si è dedicato completamente al suo lavoro. Finché un giorno
Perelman Sr. chiede ad Ariel di passare più tempo insieme… Miglior film per i critici
qrgentini. Miglior film al Festival di Mar del Plata. Miglior film e miglior regia
all’Alba Film Festival.
ore 21.00
Il cinema del Csc
Monna Lisa (1999)

Regia: Matteo Delbò; sceneggiatura: M. Delbò, Andrea Virilli; fotografia: Mario
Amura; montaggio: Stefano Pasetto; suono: Luca Novelli; scenografia: Federica
Russo, Giuliano Pannuti; costumi; Sonia Salvatori; organizzatore: Federica Verani;
interpreti: Sandro Dori, Silvia Ferreri, Victor Cavallo, Andrea Sasso; origine: Italia;
produzione: Csc; durata: 27’
Ignazio, custode di uno sfasciacarrozze, vive solo, chiuso dentro uno spazio di
rottami d’auto e ferri arrugginiti, innamorato dell’immagine di Monna Lisa. Per
conto di una banda di piccoli malviventi tiene segregata una ragazza dell’est. Lo
sfasciacarrozze si ribella e la libera.
a seguire
El custodio (2005)
Regia: di Rodrigo Moreno; soggetto e sceneggiatura: Rorido Moreno; fotografia:
Bárbara Álvarez; musica: Federico Jusid; montaggio: Nicolas Goldbart; interpreti:
Julio Chávez, Osmar Núñez, Marcelo D’Andrea, Elvira Onetto, Cristina Villamor,
Luciana Lifschitz; origine: Argentina/Francia/Germania/Uruguay; produzione:
Rizoma Films, Ctrl Z Films, Zarlek Producciones; durata: 95’; v.o.; sott. it.
Secco, inquietante e impeccabile ritratto di un guardaspalle grigio e mediocre,
Rubén, un personaggio insignificante che passa inosservato nell’ombra di un
ministro che deve accompagnare dovunque (anche al bagno). Moreno costruisce un
interessante saggio sopra il punto di vista, sopra quello che la macchina da presa
mostra e quello che occulta, sopra quello che il protagonista vede o ascolta. Un
cinema costruito sulle piccole osservazioni, sui minimi indizi, sui silenzi, in cui la
critica politica (sul vuoto della politica) affiora sempre sullo sfondo, come il
guardiaspalle del titolo.
giovedì 10
ore 17.00
Familia rodante (replica)
ore 19.00
XXY (2007)
Regia: Lucia Puenzo; soggetto: Sergio Bizzio; sceneggiatura: L. Puenzo; fotografia:
Natasha Braier; musica: Andrés Goldstein, Daniel Tarrab; montaggio: Hugo Primero,
Alex Zito; interpreti: Riccardo Darin, Valeria Bertuccelli, Germán Palacios, Carolina
Pelleritti, Martín Piroyansky; origine: Argentina/Francia/Spagna; produzione:
Historias Cinematograficas Cinemania, Pyramide Films, Wanda Visión; durata: 86’
Alex è una ragazza di quindici anni diversa dalle altre che nasconde un segreto.
Poco tempo dopo la sua nascita, per proteggerla, i suoi genitori hanno deciso di
lasciare Buenos Aires e di andare ad abitare in una casa di legno isolata tra le dune
della costa uruguayana. Ora, per la prima volta, la sua famiglia sta aspettando una
visita. Una coppia di amici li sta per raggiungere da Buenos Aires insieme al figlio
Álvaro, un ragazzo di 16 anni. L'uomo è un famoso chirurgo plastico che si è fatto
convincere ad affrontare questo viaggio soltanto per la curiosità professionale nei

confronti di Alex. Gran Premio della Semaine Internationale de la Critique al
Festival di Cannes 2007 e premio per il miglior regista esordiente al Festival
Internazionale del Cinema di Edimburgo.
ore 20.45
Il cinema del Csc
Prima della fucilazione (1997)
Regia: Salvatore Mereu; sceneggiatura: S. Mereu, Luca Pellegrini; soggetto: tratto da
Lettere a Fanni di Salvatore Mannironi; fotografia: Nicolas Franik; scenografia:
Dimitri Capuani; montaggio: Fulvio Molena; musica: coro di Nuoro; suono:Antonio
Ricossa; interpreti: Ivano Marescotti, Fausto Siddi, Flavia Casana, Massimo
Sarchielli; origine: Italia; produzione: Csc; durata: 14’
L’ultimo giorno di vita di Antonio Pintore, primo condannato a morte in Sardegna
durante il fascismo.
a seguire
Estrellas (2007)
Regia: Federico León, Marcos Martinez; soggetto e sceneggiatura: F. León, M.
Martinez; origine: Argentina; durata: 64’; v.o.; sott. it.
Il film è girato alla Villa 21, una bidonville di Barracas nella periferia di Buenos
Aires, e ne svela uno spaccato ironico, disilluso e fantasioso. Realizzato con i soldi
che León ricevette dal prestigioso Premio Rolex per un suo lavoro teatrale tratto da I
demoni di Dostoevskij, il film riesce in maniera leggera e acuta a mostrarci le varie
declinazioni della povertà in una sorta di documentario crudo per l’analisi della
realtà e ironico nei suoi cenni fantascientifici.
venerdì 11
ore 17.00
Cama adentro (2004)
Regia: Jorge Gaggero; soggetto e sceneggiatura: J. Gaggero; fotografia: Javier Julia;
montaggio: Guillermo Represa; interpreti: Norma Aleandro, Norma Argentina,
Marcos Mundstock, Claudia Lapacó, Elsa Berenguer, Monica Gonzaga; origine:
Argentina; produzione: Aquafilms, Filmanova, Libido Cine; durata: 83’; v.o.; sott. it.
Un dramma ambientato a Buenos Aires durante la crisi economica agli inizi del
2000. Racconta della relazione tra Beba, esponente ricca di temperamento della
classe medio-alta argentina, impoverita dalla crisi e costretta a vendere prodotti di
bellezza porta a porta, e la sua fedele cameriera Dora. Miglior Opera Prima per i
critici argentini. Premio Speciale della Giuria al Sundance Film Festival. Premio
Fipresci a Toulouse.
ore 19.00
Derecho de familia (replica)
ore 21.00

Il cinema del Csc
In casa d’altri (2003)
Regia: Paolo Tripodi; soggetto e sceneggiatura: Federico Fanelli, Giuliano Miniati, P.
Tripodi; fotografia: Marco Gualtieri; scenografia: Dionisia Cirasola; costumi:
Veronica Pietrini; montaggio: Eleonora Cao; suono: Emiliano Tirocini; musica:
Giulia Cozzi; interpreti: Ekaterina Kopnina, Maria Pia Calzone; organizzazione
Corrado Lorefice; origine: Italia; produzione: Csc, Rai Cinema; durata: 16’
Una giovane donna ucraina lavora come domestica e badante a tempo pieno. Ansia e
malinconia attraversano la sua ultima giornata di lavoro.
a seguire
Selezione di cortometraggi 2005-2007
v.o.; sott. it.
Al sol en bici di Grupo Humus (2007 - 15’)
a seguire
Otakus di Andrés Borghi (2007 - 8’)
a seguire
Infamia di Juan Cordón e Maxi Blanco (2007 - 15’)
a seguire
Ay! Latinoamerica di Ricardo Pieterbag (2007 - 24’)
a seguire
Septimo piso di Federico Peretti (2007 - 6’)
a seguire
Amor autoadhesivo di Pablo Barbieri e Leticia Christoph (2007 - 11’)
a seguire
Hoy no estoy di Gustavo Taretto (2007 - 8’)
12-16 aprile
Nuvole in paradiso. Viaggio nel cinema finlandese
La Cineteca Nazionale è lieta di ospitare una preziosa retrospettiva dedicata alla
storia del cinema finlandese, dagli anni Trenta ad oggi, per scoprire un cinema ed un
paese ancora poco conosciuti in Italia, nonostante il successo di alcuni autori di fama
internazionale, come Aki Kaurismäki. La rassegna itinerante raccoglie undici titoli
fra i più significativi, presentati in diverse città italiane: prima a Bologna e poi a
Torino, Roma e Milano. Undici film che valgono come passaporto per un’esotica
cultura nordica e che sono stati scelti sulla base della loro rappresentatività di epoche
e linguaggi, della loro appartenenza di genere e, non da ultimo, della loro bellezza.

Come precisa Peter von Bagh, «i film finlandesi riflettono una quantità di abitudini,
dettagli di cultura materiale e sociale, comportamenti legati a un’appartenenza di
classe, indizi di come funzionano le relazioni familiari, e così via. Ci restituiscono la
vibrante presenza di luoghi, case, paesaggi che non esistono più, o sopravvivono in
modi profondamente alterati. Ci rendono testimoni, ad esempio, della graduale
disintegrazione del paesaggio rurale, un tempo prospero e vitale, oggi solo una
scheletrica periferia di tragica emarginazione». Ed anche oggi, dopo che Kaurismäki
«senza cedere ad alcun compromesso e senza il sostegno di macchine pubblicitarie, si
è imposto nel mondo come cineasta geniale», e che «le platee straniere hanno
cominciato a lasciarsi conquistare dai timidi e impacciati e quasi afasici personaggi di
Kaurismäki», va detto che «sono questi i tratti che hanno da sempre dominato
l’immagine del cinema finlandese».
La rassegna – curata da Guy Borlée e Peter von Bagh, in collaborazione con Merja
Mäkelä e Sanna Maria Martin – è promossa da Cineteca di Bologna e Mostra
Internazionale del Cinema Libero in collaborazione con Finnish Film Archive di
Helsinki, Centro Sperimentale di Cinematografia-Cineteca Nazionale, Museo
Nazionale del Cinema di Torino e Cineteca Italiana. L’evento, patrocinato dal Centro
Finlandese di Promozione del Turismo, dagli Amici di Villa Lante al Gianicolo e
dall’Associazione Finlandese Suomi-Seura di Roma, è realizzato con il contributo
dell’Ambasciata di Finlandia a Roma.
Il libro Nuvole in Paradiso. Una guida al cinema finlandese di Peter von Bagh viene
pubblicato in italiano in una versione aggiornata in occasione della rassegna (Edizioni
Cineteca di Bologna) e sarà disponibile da maggio nelle principali librerie italiane.
sabato 12
ore 17.00
Sellaisena kuin sinä minut halusit (Come tu mi volevi, 1944)
Regia: Teuvo Tulio; soggetto: Ahti H. Einola; sceneggiatura: Nisse Hirn; fotografia:
Olavi Gunnari, Eino Heino, Gunnar Juselius, Auvo Mustonen, Esko Töyri;
montaggio: Teuvo Tulio; musica: Tapio Ilomäki; interpreti: Marie-Louise Fock, Ture
Ara, Kunto Karapää, Lauri Korpela, Annie Sundman, Ida Salmi; origine: Finlandia;
produzione: Teuvo Tulio; durata: 99’; v.o.; sott. it.
Lo schema base di un film di Teuvo Tulio: una ragazza lascia la campagna per la
città e viene sedotta. Seguono, di norma, passione, abbandono, rimorso, vita grama
ed espiazione. Tulio è per eccellenza l’autore di melodrammi del cinema finlandese:
le sue opere incrociano audacia visionaria e dura critica sociale. «Lo splendore
sensuale delle immagini incanta, mentre l’immagine del maschio finlandese che
emerge da Come tu mi volevi è senza pietà. […] La ragazza è l’immagine della
Finlandia, che ha subito la guerra e la disfatta, è spezzata, è l’ombra di se stessa –
ma ha conservato in sé un’immagine ideale di pace e di felicità» (von Bagh).
ore 19.00
Ombre in Paradiso (Varjoja paratiisissa, 1986)

Regia: Aki Kaurismäki; soggetto e sceneggiatura: A. Kaurismäki; fotografia: Timo
Salminen; montaggio: Raija Talvio; scenografia: Pertti Hilkamo, Heikki Ukkonen;
interpreti: Matti Pellonpää, Kati Outinen, Sakari Kuosmanen, Esko Nikkari, Kylli
Köngäs, Pekka Laiho; origine: Finlandia; produzione: Mika Kaurismäki; durata: 71’;
v.o.; sott. it.
Fredde albe a Helsinki, pancetta fritta a colazione in squallidi bar, bidoni della
spazzatura da raccogliere e svuotare. Poi, nella vita di Matti Pellonpää, arrivano
umili sogni infranti e l’amore silenzioso di Kati Outinen, cameriera fuggita con la
cassa: un film con i più carismatici attori del cinema di Kaurismäki. Il regista «ha
descritto una Finlandia marginale, un mondo di sfortunati e di perdenti, di cui i suoi
film colgono la luce magica, la sofferenza autentica, la compassione profonda e
l’umorismo – con un fantastico senso dello stile. […] Primo titolo della trilogia
kaurismakiana sui lavoratori» – cui seguono Ariel e La fiammiferaia – «è una delle
più sensibili descrizioni di vita proletaria mai realizzate […] nella profondità e ai
margini d’una Finlandia colonizzata, una Finlandia da terzo mondo – descrizione
immersa in un potente, già inconfondibile umanismo, condito di sovrana ironia e
gelido sprezzo per la burocrazia e il potere» (von Bagh).
ore 21.00
Juha (1937)
Regia: Nyrki Tapiovaara; soggetto: dal romanzo omonimo di Juhani Aho;
sceneggiatura: Heikki Aho, Björn Soldan, N. Tapiovaara; fotografia: Olavi Gunnari,
Björn Soldan; montaggio: Heikki Aho, Björn Soldan; interpreti: Hannes Närhi, Irma
Seikkula, Walle Saikko, Tuulikki Paananen, Aino Haverinen, Ida Kuusela; origine:
Finlandia; produzione: Heikki Aho; durata: 96’; v.o.; sott. it.
Da uno dei più celebri romanzi finlandesi, un’ossessione d’amore portata sullo
schermo anche da Stiller (versione muta del 1919) e da Kaurismäki (nel 1999,
versione non meno muta). Ma il vero capolavoro è questo di Nyrki Tapiovaara. Un
uomo quasi vecchio e innamorato come un bambino. Una moglie giovane e vergine.
Un vagabondo che la seduce e la porta via, verso una sorta di barbaro harem
nordico. Lo strazio romantico prende alla gola, mentre intorno riluce la struggente
bellezza del creato (acque trasparenti, alte betulle, nuvole gonfie). Tapiovaara fu una
sorta di Jean Vigo scandinavo: girò cinque film, fondò il primo cineclub del paese
(Projektio), con forte ispirazione d’avanguardia, morì in guerra a ventinove anni – il
genio spezzato del cinema finlandese. «Un classico triangolo romantico […] diventa
presto una tragedia cinematografica alta, grazie alla profondità di sguardo con cui
osserva questi personaggi privi di qualsiasi artificio e grazie a un potente senso della
natura» (von Bagh).
domenica 13
ore 17.00
Incontro moderato da Andrea Morini con Fernando Solanas e Eduardo
Almirantearena

a seguire
Argentina latente (2007)
Regia: Fernando Solanas; origine: Argentina; durata: 97’; v.o.; sott. it.
Il film, considerato l’ultima parte di una trilogia iniziata con Memorie del sottosuolo,
a differenza dei due precedenti che erano un documento storico sulla crisi finanziaria
e sociale in Argentina agli inizi di questo secolo, è una scommessa ottimistica sul
presente e le future generazioni. Solanas viaggia in varie parti del paese e visita
organizzazioni nazionali generalmente sconosciute alla popolazione. Il film
documenta la situazione tecnologica, energetica e scientifica del paese in un modo
assai accurato. Più esplicitamente, il film espone il messaggio che se si è cittadini
argentini si è stati sottoposti a un lavaggio del cervello da parte della propaganda in
modo da sentirsi inferiori al resto del mondo. Il film cerca di confutare questa
propaganda.
Ingresso gratuito
ore 19.30
Mieheke (Surrogato di marito, 1936)
Regia: Valentin Vaala; sceneggiatura: Hilja Valtonen, V. Vaala; fotografia: Theodor
Luts; montaggio: Valentin Vaala; interpreti: Tuulikki Paananen, Tauno Palo, Uuno
Laakso, Regina Linnanheimo, Hilja Jorma, Helmer Kaski; origine: Finlandia;
produzione: Matti Schreck; durata: 75’; v.o.; sott. it.
Una commedia screwball coi fiocchi. Per guadagnarsi un posto da segretaria, una
donna deve fingere di avere un marito e trova uno sconosciuto che si presta, ma,
poiché lui è il bel tenebroso del cinema finlandese Tauno Palo, le conseguenze sono
prevedibili. Valentin Vaala è un regista raffinato, Lubitsch il suo nume tutelare.
Attenzione allo strepitoso design: non c’è da stupirsi, sono gli anni in cui maestri
finlandesi come Alvar Aalto e (dall’America) Eero Saarinen rivoluzionano il
modernismo con le loro sinuose invenzioni. «Il film portava a compimento la
missione così formulata dai suoi sceneggiatori: “L’era moderna deve essere
inventata”. Il frizzante intreccio richiama dozzine di commedie borghesi europee
degli stessi anni, ma una singolare prospettiva femminile attribuisce al film un
sapore tutto suo: il regista Vaala amava ricorrere al lavoro di sceneggiatrici.
Mieheke è firmato dall’autrice di best-seller Hilja Valtonen, che […] seppe dar voce
al risentimento sociale delle donne» (von Bagh).
ore 21.00
Komisario palmun erehdys (Il mistero Rygseck, 1960)
Regia: Matti Kassila; soggetto: dal romanzo di Mika Waltari; sceneggiatura: M.
Kassila; fotografia: Olavi Tuomi; montaggio: Elmer Lahti; musica: Osmo Lindeman;
interpreti: Joel Rinne, Elina Pohjanpää, Matti Ranin, Leo Riuttu, Leo Jokela, Elina
Salo; origine: Finlandia; produzione: T.J. Särkkä; durata: 103’; v.o.; sott. it.
Il migliore tra i film che hanno per protagonista il commissario Palmu, serie
amatissima negli anni Sessanta. Classico delitto nella camera chiusa: un produttore
cinematografico viene trovato morto nella vasca da bagno. «Un genere nuovo di

detective-film ironico, dove la combinazione di scatenata parodia e vere indagini
produce un effetto irresistibile – non ultimo per via dei brillanti attori» (von Bagh).
Di grande atmosfera una Helsinki in bianco e nero, percorsa da brividi di musica
jazz: una visione di città che Kaurismäki cita tra le proprie fonti.
lunedì 14
chiuso
martedì 15
ore 17.00
Ajolähtö (Batti e corri!, 1981)
Regia: Mikko Niskanen; sceneggiatura: Matti Ijäs, M. Niskanen; fotografia: Jukka
Lampinen, Henrik Paersch, Keijo Venho, Jarmo Villebrand; montaggio: Tuula
Mehtonen, Lena Paersch; interpreti: Sami Aarva, Markku Hannula, Kauko Hynninen,
Ville-Pekka Kiviranta, Tuulikki Kuorikoski, Lis Laviola; origine: Finlandia;
produzione: Alf Hemming, Mikko Niskanen; durata: 104’; v.o.; sott. it.
Tra i più personali e importanti registi finlandesi tra gli anni Sessanta e Ottanta,
autore del “leggendario” Eight Deadly Shots (crime-movie rurale lungo oltre cinque
ore), Mikko Niskanen osserva con angoscia un mondo che ha perso le proprie radici.
«Il tema ricorrente dei suoi film è lo stesso che ossessiona la società finlandese in
generale: la scomparsa di un antico mondo rurale sostituito da un altro. Questo
processo viene descritto con tale emozione che lo spettatore finisce per sospettare
che il regista si abbandoni a una parallela, febbrile ricerca delle proprie radici. […]
I tre ragazzi di Ajolähtö lasciano il loro villaggio natale per andare a lavorare in
Svezia: destino di tutta una generazione, sullo sfondo di una campagna che ha
perduto il suo aspetto familiare» (von Bagh).
ore 19.00
Tuntematon sotilas (Il milite ignoto, 1955)
Regia: Edvin Laine; soggetto: dal romanzo omonimo di Väinö Linna; sceneggiatura:
Juha Nevalainen; fotografia: Osmo Harkimo, Antero Ruuhonen, Olavi Tuormi, Pentti
Unho, Kalle Peronkoski; montaggio: Osmo Harkimo, Armas Vallasvuo; scenografia:
Aarre Koivisto; interpreti: Kosti Klemelä, Heikki Savolainen, Reino Tolvanen,
Veikko Sinisalo, Âke Lindman, Pentti Siimes; origine: Finlandia; produzione: T.J.
Särkkä; durata: 140’; v.o.; sott. it.
Dal capolavoro di Vaino Linna, uno dei più grandi film di guerra mai realizzati. La
guerra è la Guerra di Continuazione, che dilagò nella Finlandia dei primi anni
Quaranta, presa nell’ambigua alleanza con la Germania nazista. «L’arco degli
eventi assume una drammatica densità, dai momenti relativamente tranquilli della
“guerra di posizione” (quando ancora le manovre potevano sembrare escursioni in
tempo di pace) al terrificante cataclisma che ciecamente coinvolge tutto, esseri
umani e natura. Il film trascorre da un’atmosfera rilassata e naturale alle più acute
manifestazioni di nevrosi, terrore e follia» (von Bagh).

ore 21.30
Juurakon Hulda (Hulda di Juurako, 1938)
Regia: Valentin Vaala; soggetto: dall’omonimo dramma di Hella Wuolijoki;
sceneggiatura: V. Vaala, Jaakko Huttunen; fotografia: Armas Hirvonen; montaggio:
V. Vaala; scenografia: Ossi Elstelä; interpreti: Irma Seikkula, Tauno Palo, Topo
Leistelä, Hugo Hytönen, Ossi Elstelä, Vappu Ela; origine: Finlandia; produzione:
Risto Orko; durata: 81’; v.o.; sott. it.
La ragazza di campagna Hulda va a Helsinki, si impiega come cameriera presso un
giovane parlamentare, lavora, studia, dispiega il suo ironico buon senso, arriva a
farsi strada nella politica ufficiale e lungo la strada, naturalmente, trova l’amore.
«Nel 1997 il festival di La Rochelle presentò una serie di film di Vaala. I
commentatori entusiasti furono d’accordo: “dimenticate Capra, Cukor, McCarey – e
fate largo a Valentin Vaala!”» (von Bagh). In effetti, quanta magica sintonia con la
miglior commedia americana: il motivo ricorrente dei servi più saggi dei loro
padroni, l’energica mozione femminista, l’incrocio di classi, lo schema romantico.
Tanta sintonia che, dallo stesso dramma di Hella Wuolijoki, per trent’anni figura
eminente della cultura finlandese, Hollywood trasse nel 1947 un film con Loretta
Young, e, negli anni Sessanta, una serie televisiva di largo successo.
mercoledì 16
ore 17.00
Evakko (Il profugo, 1956)
Regia: Ville Salminen; soggetto: dal romanzo omonimo di Unto Seppänen;
sceneggiatura: V. Salminen, Jussi Talvi; fotografia: Unto Kumpulainen; montaggio:
Nils Holm; scenografia: Ville Salminen; interpreti: Santeri Karilo, Linda Lampinen,
Aino-Maija Tikkanen, Eila-Kaarina Roine, Tauno Söder, Kaarlo Wilska; origine:
Finlandia; produzione: Mauno Mäkelä; durata: 96’; v.o.; sott. it.
Insieme a Tuntematon sotilas (Il milite ignoto), è il monumento antimilitarista del
cinema finlandese. Si parla di anni tra i più drammatici nella storia del paese: i
primi anni Quaranta, nei quali la Carelia, tormentata regione di confine, venne
annessa all’Unione Sovietica e migliaia di famiglie si trovarono nella bufera di un
esodo forzato. «Nonostante la portata storica del soggetto, il film ha un tono
sommesso, una qualità intimista. Una barca tra grandi fiocchi di neve, un gatto sulla
neve: sono le immagini-chiave di un film dominato da un’atmosfera onirica (di sogno
e d’incubo) che trova splendida resa visiva – e da una malinconia di cui si è detto
che è profonda come la notte» (von Bagh).
ore 19.00
Jäniksen vuosi (L’anno della lepre, 1977)
Regia: Risto Jarva; soggetto: dal romanzo omonimo di Arto Paasilinna;
sceneggiatura: R. Jarva, Kullervo Kukkasjärvi, A. Paasilinna; fotografia: Juha-Veli
Äkräs, Antti Peippo, Erkki Peltomaa; montaggio: Risto Jarva, Matti Kuortti, Tuula
Mehtonen; scenografia: Matti Marttila; interpreti: Antti Litja, Kauko Helovirta,

Markku Huhtamo, Paavo Hukkinen, Juha Kandolin, Kosti Klemelä; origine:
Finlandia; produzione: Kullervo Kukkasjärvi; durata: 123’; v.o.; sott. it.
Dal romanzo di Arto Paasilinna, accolto con attenzione anche in Italia (edizioni
Iperborea). «È la storia di un pubblicitario che un bel giorno decide di sottrarsi
all’infernale ingranaggio della sua professione. Un uomo di successo, socialmente
appagato, che molla tutto. […] Il tema ecologico, sempre caro a Jarva, attraversa
tutto il film come una sovrana forza della natura. Questa variante delle storie di
transfughi e di salti nel vuoto è tanto più commovente e singolare se consideriamo
che il solo compagno del protagonista, Antti Litja (magistrale la sua interpretazione),
non è altri che un leprotto» (von Bagh).
ore 21.15
Koirankynnen leikkaaja (L’artiglio del cane, 2003)
Regia: Markku Pölönen; soggetto: dal romanzo omonimo di Veikko Huovinen;
sceneggiatura: M. Pölönen; fotografia: Kari Sohlberg; montaggio: Jukka Nykänen;
musica: Vesa Mäkinen; interpreti: Peter Franzén, Taisto Reimaluoto, Ahti Kuoppala,
Ville Virtanen, Risto Salmi, Timo Lavikainen; origine: Finlandia; produzione: Kari
Sara; durata: 99’; v.o.; sott. it.
Gli anni Duemila del cinema finlandese guardano al passato. «Markku Pölönen ha
affrontato con ottimi risultati il delicato rapporto tra letteratura e cinema. Nel suo
film, il caporale ferito alla testa nella seconda guerra mondiale è un giovane invalido
mite e allo stesso tempo smarrito, “un uomo diviso nel mondo razionato”, come l’ha
definito lo scrittore Veikko Huovinen. Il film è un toccante racconto di sopravvivenza,
e approda a un punto di vista significativo: i veri eroi del paese sono gli svantaggiati.
Pölönen dà il meglio di sé sullo stesso terreno che Huovinen predilige come
scrittore: nel descrivere la natura umana e i personaggi con comprensione, con
gentilezza, con rispetto» (von Bagh).
17-20 aprile
Printemps du cinéma français. Caroline Champetier. La donna con la macchina
da presa
Siamo ormai alla quinta edizione del Festival Printemps du cinéma français. Da
cinque anni il Cinema Trevi accompagna questa manifestazione che vuole attirare
l’attenzione del pubblico romano su artisti ancora non abbastanza conosciuti in Italia
sebbene rappresentino il cinema francese attuale: Olivier Assayas, Arnaud
Desplechin, Lucas Belvaux, ecc. Quest’anno, il Festival compie una svolta,
mantenendo fede all’ambizione di suscitare una vera curiosità per il cinema francese,
di svegliare un amore assopito per dei film che hanno interessato la critica e che di
sicuro faranno anche appassionare il pubblico. Giovani registe emergenti saranno
invitate presso la Villa Medici mentre il Cinema Farnese mostrerà in anteprima
italiana film che in Francia hanno riscosso successo. Al Cinema Trevi verrà a
presentare il suo lavoro Caroline Champetier, una direttrice della fotografia
imprescindibile nel cinema recente, francese e non. Il ruolo del direttore della
fotografia è decisivo in ogni tappa del processo di creazione di un film. È all’incrocio

tra tecnica e inventiva. Con le mani sulla macchina da presa e all’ascolto del regista, a
monte e a valle della realizzazione del film: del quadro, dell’immagine, della visione
del girato, fino al bilanciamento dei colori. È in questo modo che, per riprendere
parole a lei care, Caroline Champetier ha sempre «accompagnato» un autore, si è
sempre «impegnata» nei film per i quali ha lavorato. È in questo modo che negli
ultimi 20 anni ha lavorato con grandi cineasti, francesi e non solo (Jean-Luc Godard,
Jacques Rivette, Jacques Doillon, André Techiné, Benoît Jacquot e Philippe Garrel,
ma anche la coppia Jean-Marie Straub e Danièle Huillet, Nobuhiro Suwa, Robert
Altman, Amos Gitaï). Ha lavorato, inoltre, con la giovane generazione di registi
francesi, alla cui notorietà ha contribuito (Arnaud Desplechin, Laetitia Masson e
Xavier Beauvois). Caroline Champetier ha selezionato alcuni suoi film che presenterà
al Cinema Trevi dialogando con Eugenio Renzi, critico dei Cahiers du Cinéma, e
incontrando il pubblico e alcune cineaste. Tra queste, Sabina Guzzanti, per la quale
ha curato la fotografia de Le ragioni dell’aragosta. Insieme a lei commenterà questa
collaborazione transalpina.
A cura di Florence Ferran, Stéphane Solier, Eugenio Renzi, Frédéric Sicamois
(Associazione Regards/Sguardi), il festival Printemps du cinéma français è
organizzato sotto l’egida del Servizio culturale dell’Ambasciata di Francia in Italia, in
collaborazione con Centro Sperimentale di Cinematografia-Cineteca Nazionale,
Académie de France à Rome - Villa Medici, Università “La Sapienza” di Roma e
Università Roma Tre.
Il programma completo sui siti: www.ambafrance-it.org e www.france-italia.it
giovedì 17
ore 18.00
Plus tard tu comprendras... (2008)
Regia: Amos Gitaï; soggetto: tratto dal romanzo omonimo di Jérôme Clément;
sceneggiatura: A. Gitaï, Marie-José Sanselme, Dan Franck; fotografia: Caroline
Champetier; musica: Louis Sclavis; montaggio: Isabelle Ignold; interpreti: Hippolyte
Girardot, Jeanne Moreau, Emmanuelle Devos, Dominique Blanc, Daniel Duval,
Denise Aron-Schropfer; origine: Francia/Germania; produzione: Image et
Compagnie, NDR; durata : 90’; v.o.; sott.it.
Victor viene a sapere che una parte della sua famiglia è stata deportata durante la
seconda guerra mondiale. Cerca di saperne di più interrogando sua madre. Plus tard
tu comprendras... adatta al piccolo schermo la biografia di Jérôme Clément, direttore
del canale tematico Arté. Il film è stato presentato al 58° festival di Berlino (2008)
nella sezione Berlinale Special.
ore 19.40
Incontro con Caroline Champetier
ore 20.30
Promised Land (Terra promessa, 2004)

Regia: Amos Gitaï; soggetto e sceneggiatura: A. Gitaï, Marie-José Sanselme;
fotografia: Caroline Champetier; musica: Simon Stockhausen; montaggio: Isabelle
Ingold, Isabelle Mongald, Kobi Netanel; interpreti: Anne Parillaud, Hanna Schygulla,
Diana Bespechny, Rosamund Pike, Amos Lavi, Alla An; origine: Francia/Gran
Bretagna/Israele; produzione: Agav Films; durata: 90’; v.o.; sott.it.
Attraverso il deserto tra l’Egitto e l’Israele, una delle frontiere più sorvegliate al
mondo, delle prostitute vengono introdotte clandestinamente e rivendute sul mercato
di Ramallah. «Con Caroline Champetier abbiamo cercato di filmare in modo che
l’incertezza della macchina da presa incontrasse l’incertezza imposta a queste
donne» (Gitaï). «Il trentesimo lungometraggio di Amos Gitaï e forse il suo migliore»
(Philippe Azoury).
ore 22.30
Toute une nuit (1992)
Regia: Chantal Akerman; sceneggiatura: C. Akerman; fotografia: Caroline
Champetier; montaggio: Luc Barnier; interpreti: Frank Aendenboom, Natalia
Akerman, Véronique Alain, Paul Allio, Jacques Baudin, François Beukelaers;
origine: Francia; produzione: Paradise Film e Avidia Films; durata: 90’; v.o.; sott. it.
Amanti insonni, tante coppie diverse o la moltiplicazione di una sola. Pochi dialoghi,
una sottile ironia, e un vero campionario di gesti, costumi, pratiche amorose degli
anni Ottanta. Toute une nuit è una commedia sentimentale trattata come una
coreografia: un ballo appassionato fino al termine del desiderio.
venerdì 18
ore 18.00
Soigne ta droite (Cura la tua destra, 1987)
Regia: Jean-Luc Godard; fotografia: Caroline Champetier; montaggio: Christine
Benoît; interpreti: Jacques Villeret, Jane Birkin, François Périer, Dominique
Lavanant, Pauline Lafont, Eva Darlan; produzione: JLG Films, Xanadu Films, Rtsr,
Gaumont; origine: Francia-Svizzera; durata: 82’; v.o.; sott. it.
Film per situazioni, gag, immagini. Folle rilettura de L’Idiota di Dostoevski. Il
“Principe” (Godard stesso) è un regista che deve girare un film. L’“Uomo”
(François Périer) gli impone di terminarlo in fretta. L’“Individuo” (Jacques Villeret)
è l’eroe di una storia senza né capo né coda. Imperdibile esperimento del Godard
anni Ottanta. In Cura la tua destra il regista continua la ricerca di One+one e Je vous
salue Marie : rompere la narrazione attraverso il testo letterario (Beckett, Malraux,
ma anche Racine, Lautrémont e qualcun altro) e ricomporla filmando la creazione
musicale (Rita Mitsouko).
ore 19.30
Incontro con Caroline Champetier e Anne-Marie Faux
ore 20.30
Hic rosa, partition botanique (2006)

Regia: Anne-Marie Faux; fotografia: Kamel Belaïd; montaggio: Sébastien Descoin;
voce: A-M. Faux, Anne Sabatelli; origine: Francia; durata: 56’; v.o.; sott.it.
La corrispondenza dal carcere di Rosa Luxembourg con Sonia Liebknecht e Mathilde
Wurm, tra il giugno del 1916 e l’ottobre del 1918. Con grande generosità estetica la
regista Anne-Marie Faux materializza l’evasione poetica del leader rivoluzionario:
la natura, il canto degli uccelli, il colore dei fiori.
ore 22.00
Sobibor 14 octobre 1943 16 heures (2001)
Regia: Claude Lanzmann ; fotografia: Caroline Champetier; montaggio: Chantal
Hymans; interpreti: Yehuda Lerner, C. Lanzmann (voce); origine: Francia; 95’; v.o.;
sott. it.
Nel campo di sterminio nazista di Sobibor, il 14 ottobre 1943 alle ore 16, un gruppo
di circa sessanta detenuti fomenta una ribellione e fugge dal lager. Nel 1979 Claude
Lanzmann aveva filmato il racconto di uno dei protagonisti della rivolta: Yahuda
Lerner. Quell’intervista, insieme alle immagini dei luoghi degli eventi, riprese da
Caroline Champetier nel 2001, formano il dispositivo, semplice e impeccabile, di
questo film.
sabato 19
ore 16.00
Ponette (1996)
Regia; Jacques Doillon; sceneggiatura: J. Doillon; fotografia: Caroline Champetier;
musica: Philippe Sarde; montaggio: Jacqueline Lecompte; interpreti: Victoire
Thivisol, Delphine Schiltz, Matiaz Bureau Caton, Marie Trintignant, Xavier
Beauvois, Aurelie Verillon; origine: Francia; produzione: Le Films Alain Sarde,
Region Rhoane, Alpes Centre National de la Cinematographie Canal +; durata: 97’;
v.o.; sott. it.
Ponette ha quattro anni; vive in un collegio di montagna, dove attende il ritorno
della madre, morta in un incidente automobilistico. Affidata alla zia, non si rassegna
alla perdita, convinta del suo ritorno. «Jacques Doillon filma con un’intelligenza
rara la conversione di tante credenze in una fede, toccando vette di sublime
ingenuità» (Roth Laurent). Coppa Volpi a Victoire Thivisol alla Mostra del Cinema
di Venezia (1996).
ore 18.00
Incontro con Caroline Champetier e proiezione di estratti commentati
ore 20.00
Un couple parfait (2005)
Regia: Nobuhiro Suwa; sceneggiatura: N. Suwa; fotografia: Caroline Champetier,
musica: Haruyuki Suzuki; montaggio: Dominique Auvray, Hisako Suwa; interpreti:
Valeria Bruni Tedeschi, Bruno Todeschini, Natalie Boutefeu, Jacques Doillon;

origine: Francia/Giappone; produzione: Comme des Cinemas, Bitters End; durata:
104’; v.o.; sott. it.
Nicolas (Bruno Todeschini) e Marie (Valeria Bruni Tedeschi) stanno divorziando. Il
viaggio che intraprendono per partecipare al matrimonio di una coppia di amici è
forze l’ultimo che fanno insieme. «Suwa è l’erede del cinema moderno. Qui
ripercorre, reinventandolo, il percorso di Rossellini, di Godard e di Garrel»
(Emmanuel Burdeau). Premio speciale della giuria e premio C.I.C.A.E./Arte & Essai
alla 58ma edizione del Festival Internazionale del film di Locarno (2005).
ore 22.00
H Story (2001)
Regia: Nobuhiro Suwa; fotografia: Caroline Champetier; musica: Haruyuki Suzuki;
montaggio: N. Suwa; interpreti: Béatrice Dalle, Kou Machida, Hiroaki Umano, N.
Suwa, C. Champetier, Michiko Yoshitake; origine: Giappone; durata: 111’; v.o.; sott.
it.
Un regista (Nobuhiro Suwa) vuole girare il remake di Hiroshima mon amour.
Un’attrice francese (Béatrice Dalle) impara il testo di Duras, entra nel ruolo che fu
di Emmanuelle Riva. Ma la ripetizione è interrotta da buchi di memoria. «H Story è
un film su ciò che manca. Nel film c’è her story, ma poco dell’his story e certamente
nulla dell’history» (Stéphane Bouquet).
domenica 20
ore 17.00
Le ragioni dell’aragosta (2007)
Regia: Sabina Guzzanti; sceneggiatura: S. Guzzanti, Luca Bandirali; fotografia:
Caroline Champetier; musica: Riccardo Giagni, Maurizio Rizzuto; montaggio: Clelio
Benevento; interpreti: S. Guzzanti, Antonello Fassari, Cinzia Leone, Francesca
Reggiani, Stefano Masciarelli, Pierfrancesco Loche; origine: Italia; produzione:
Ambrafandango, Secol Superbo, Sciocco Produzioni; durata: 90’
Un pescatore di aragoste contatta Sabina Guzzanti per sensibilizzarla sullo
spopolamento del mare nella Sardegna occidentale. Inizialmente non interessata,
l'attrice si entusiasma quando scopre il passato di operaio alla Fiat del pescatore.
Non solo, ma allestire uno spettacolo per attirare l'attenzione dei media sulle
aragoste potrebbe essere l'occasione per riunire la banda di Avanzi dopo 15 anni.
Senza contare che Pierfrancesco Loche, una delle colonne del gruppo di allora, si è
trasferito nel villaggio di Su Pallosu e sarebbe felice di ospitarli. Inizia così
un'avventura artistica e umana esaltante ma anche densa di ostacoli.
ore 18.30
Incontro con Caroline Champetier e Sabina Guzzanti
ore 20.00
En avoir (ou pas) (1995)

Regia: Laetitia Masson; soggetto e sceneggiatura: L. Masson; fotografia: Caroline
Champetier; montaggio: Yann Dedet, Babeth Si Ramdane; interpreti: Sandrine
Kimberlain, Arnaud Giovaninetti, Roschdy Zem, Claire Denis, Daniel Kiberlain,
Nathalie Villeneuve; origine: Francia; produzione: CPL, Dacia Film; durata: 90’;
v.o.; sott. it.
Boulogne-sur-Mer. Alice, 26 anni, manutentrice in una fabbrica di pesci è licenziata.
Lascia il suo compagno e se ne va. Lione. Bruno, 27 anni, operaio solitario, si rifugia
presso il proprio amico Joseph, portiere d’hotel. Una sera, nota al bar una giovane
dall’aspetto misterioso. È Alice. «Il tono del film, realismo sociale tinto di umorismo,
deve molto all’immagine di Caroline Champetier» (Toulza Pierre-Olivier).
ore 22.00
Le petit lieutenant (2005)
Regia: Xavier Beauvois; soggetto e sceneggiatura: X. Beauvois, Cédric Anger,
Guillaume Bréaud, Jean-Eric Troubat; fotografia: Caroline Champetier; montaggio:
Martine Giordano; interpreti: Nathalie Baye, Jalil Lespert, Roschdy Zem, Antoine
Chappey, X. Beauvois, Jacques Perrin, Patrick Chauvel; produzione: Why Not
Productions; durata: 110’; v.o.; sott. it.
Appena uscito dall’accademia di polizia, il “tenentino” Antoine Derouère è
assegnato alla “police judiciarie” di Parigi. Durante un’inchiesta viene pugnalato a
morte. Questo quarto lungometraggio di Xavier Beauvois è secco e preciso. Nessuna
concessione al pathos o alla macchietta poliziesca, ma un convincente spaccato
umano e sociale. Evento speciale in apertura della II edizione delle “Giornate degli
autori”, Mostra del Cinema di Venezia 2005. Premio Cesar (2006) come miglior
attrice protagonista a Nathalie Baye.
lunedì 21
chiuso
22-23 aprile
Un regista “inesorabile”. Omaggio a Fritz Lang
Ancora oggi è difficile trovare un modo per descrivere Fritz Lang che sia più
appropriato della celeberrima frase di Truffaut: «Una parola sola per qualificarlo:
inesorabile. Ogni inquadratura, ogni movimento di macchina, ogni taglio, ogni
spostamento degli attori, ogni gesto ha qualcosa di decisivo, di inimitabile». Capace
come pochi di unire un’incredibile forza espressiva a un’inesausta tensione morale,
nonché di lasciare una traccia profonda nell’immaginario degli spettatori, Fritz Lang
appare tuttora un autore di grande modernità, anche grazie a una filmografia che,
affrontando le situazioni produttive più disparate, ha saputo sempre conservare una
coerenza e un’autenticità ammirevoli.
In occasione della riproposta al Cinema Trevi dei classici espressionisti del regista, è
sembrato doveroso rendergli un breve omaggio che attraversi agilmente una carriera
quarantennale, alternando i titoli del periodo tedesco a quelli hollywoodiani e
mescolando classici assoluti come M - Il mostro di Düsseldorf o Gardenia Blu con

arità come Harakiri, presentato nella versione restaurata per la prima volta a Roma,
o Il vendicatore di Jess il bandito, suo primo film a colori. Chiude la rassegna un
capolavoro del noir come La donna del ritratto, che sarà introdotto al pubblico da
Vieri Razzini.
La rassegna è promossa dal Centro Sperimentale di Cinematografia-Cineteca
Nazionale e dall’Associazione Culturale La Farfalla sul Mirino. Un ringraziamento
particolare per averla resa possibile va alla Cineteca Griffith di Genova, alla Cineteca
Italiana di Milano, alla Cineteca di Bologna, alla Cineteca Sarda e alla Lab80.
martedì 22
ore 16.30
Harakiri (1919)
Regia: Fritz Lang; soggetto: da Madame Butterfly di John Long e David Belasco;
sceneggiatura: Max Jungk; fotografia: Max Fassbender; Paul Biensfeldt, Lil Dagover,
Georg John, Meinhardt Maur, Rudolf Lettinger, Erner Hübsch; origine: Germania;
produzione: Decla Bioscop; durata: 85’; did. it.
Quarto film realizzato da Lang (e secondo superstite), Harakiri è stato considerato a
lungo perduto, fino al recente ritrovamento di una copia presso il Nederlands
Filmmuseum. Ad un primo restauro, per alcuni versi lacunoso, ne è seguito un
secondo, realizzato dalla Cineteca di Bologna con tecniche più sofisticate, che ha
restituito tutto il suo fascino a un’opera da subito acclamata come tra le migliori
prove giovanili di Lang. Traendo ispirazione dalla storia di Madame Butterfly,
all’epoca spesso rivisitata sul grande schermo, il regista riesce ad esplorare alcuni
dei temi che lo accompagneranno per tutta la sua carriera, primi fra tutti il rapporto
tra colpa e punizione e l’ineluttabilità del destino. Una rarità assolutamente da
riscoprire nella versione restaurata, presentata a Roma per la prima volta.
Copia restaurata proveniente dalla Cineteca di Bologna
ore 18.10
Spione (L’inafferrabile, 1928)
Regia: Fritz Lang; soggetto e sceneggiatura: Thea von Harbou, F. Lang; fotografia:
Fritz Arno Wagner; musica: Werner R. Heymann; direzione artistica: Otto Hunte,
Karl Vollbrecht; interpreti: Rudolf Klein-Rogge, Gerda Maurus, Lien Deyers, Louis
Ralph, Craighall Sherry, Willy Fritsch; origine: Germania; produzione: Fritz Lang
Film, UFA; durata: 100’; did. ingl.
Dopo la prima guerra mondiale, il falso paralitico Haghi guida un’organizzazione
spionistica internazionale specializzata nell’impadronirsi di documenti segreti. Tra le
spie c’è la bella Sonja, che s’innamora dell’agente britannico 326 e finisce per
aiutarlo a scampare a un attentato e a sconfiggere il perfido Haghi. Dopo
Metropolis, il regista sembra tornare ai temi del Mabuse, come dimostra la figura del
protagonista e la trascinante cadenza narrativa tipica del feuilleton e dei romanzi
pulp. Grazie a un’abilità registica con pochi eguali e una serie di invenzioni
memorabili, il film ha anche il merito di anticipare molte idee e situazioni che in

seguito diventeranno i pilastri del genere spionistico. Indimenticabile la sequenza
finale.
Copia proveniente dalla Cineteca Griffith
ore 20.00
M (M - Il mostro di Düsseldorf, 1931)
Regia: Fritz Lang; soggetto e sceneggiatura: Thea von Harbou, F. Lang; fotografia:
Fritz Arno Wagner; musica: tratta dal “Peer Gynt” di Edvard Grieg; montaggio: Paul
Falkenberg; interpreti: Peter Lorre, Otto Wernicke, Gustaf Gründgens, Ellen
Widmann, Paul Kemp, Theo Lingen; origine: Germania; produzione: Nero-Film AG;
durata: 100’; v.o.; sott. it.
Terrorizzata da un maniaco che violenta e uccide bambine, l’intera città si mobilita
alla ricerca del mostro, finché le forze dell’ordine si ritrovano a collaborare con la
gente comune e la malavita: la caccia darà i suoi frutti ma l’epilogo sembra volgere
in tragedia. Primo film sonoro di Lang, M è considerato a buon diritto uno dei suoi
capolavori, sorretto da un’interpretazione magistrale di Peter Lorre nei panni di uno
dei primi serial killer della storia del cinema. «Forte rivendicazione dell’inviolabilità
della libertà umana, per quanto mostruoso ne possa essere il depositario, M è anche
un magistrale esercizio di stile, un modello assoluto di regia considerata come
un’equazione tra tutti gli elementi costitutivi del film. Il minimo particolare è pieno di
significato, le inquadrature si intersecano, secondo un ordine infallibile, come le
linee di forza di un campo magnetico» (Claude Beylie).
Copia proveniente dalla Cineteca Italiana di Milano
ore 22.00
The Return of Frank James (Il vendicatore di Jess il bandito, 1940)
Regia: Fritz Lang; soggetto e sceneggiatura: Sam Hellman; fotografia: George
Barnes; musica: David Buttolph, Charles Henderson, Herbert W. Spencer;
montaggio: Walter Thompson; interpreti: Henry Fonda, Gene Tierney, Jackie
Cooper, Henry Hull, John Carradine, J. Edward Bromberg: origine: Usa; produzione:
Twentieth Century-Fox Film Corporation; durata: 92’; v.o.; sott. it.
Prima opera a colori e primo western per Fritz Lang, il film è una sorta di sequel di
Jess il bandito di Henry King, di cui riprende l’azione dopo la morte del
protagonista: quando i responsabili dell’uccisione di Jesse vengono graziati, infatti,
il fratello di quest’ultimo, Frank, decide di vendicarsi, inseguendoli ovunque insieme
a un giovanissimo compagno. Lang raccoglie la sfida di Hollywood e si confronta
con il genere americano per eccellenza, disimpegnandosi con classe: anche grazie a
un cast d’eccezione, in cui primeggiano Henry Fonda e una giovane Gene Tierney
(al suo esordio assoluto), The Return of Frank James è un western credibile e
appassionante, capace di una riflessione non banale sui retroscena storici e politici
legati all’epopea del west. Pellicola rarissima, da non perdere per i cultori del
regista.
mercoledì 23

ore 16.00
Cloak and Dagger (Maschere e pugnali, 1946)
Regia: Fritz Lang; soggetto: Boris Ingster, John Larkin dal romanzo omonimo di
Corey Ford e Alastair MacBain; sceneggiatura: Ring Lardner Jr., Albert Maltz;
fotografia: Sol Polito; musica: Max Steiner; montaggio: Christian Nyby; interpreti:
Gary Cooper, Lilli Palmer, Robert Alda, Vladimir Sokoloff, J. Edward Bromberg,
Marjorie Hoshelle; origine: Usa; produzione: Warner Bros; durata: 106’
Quando ormai la seconda guerra mondiale volge al termine, i servizi segreti
americani inviano in Svizzera uno scienziato, Alvah Jesper, per raccogliere
informazioni sulle ricerche del Terzo Reich sulla bomba atomica. Jesper fa la
conoscenza di un collega italiano, costretto a lavorare per i nazisti che gli hanno
rapito la figlia. Ultimo dei film antinazisti del regista (dopo Man Hunt, Hangman
Also Die e Ministry of Fear) Cloak and Dagger rimane un gioiello di suspense e di
precisione registica, affidato per di più al carisma dell’interpretazione di un Gary
Cooper ai vertici della carriera. Il finale previsto originariamente, in cui il
protagonista fa una violenta requisitoria contro l’incubo dell’atomica, venne
censurato dalla Warner Bros, visto il clima politico che di lì a poco avrebbe condotto
alla guerra fredda.
Copia proveniente dalla Cineteca Griffith
ore 18.00
House by the River (Bassa marea, 1950)
Regia: Fritz Lang; soggetto: dal romanzo House by the River di A.P. Herbert;
sceneggiatura: Mel Dinelli; fotografia: Edward Cronjager; musica: George Antheil;
montaggio: Arthur Hilton; interpreti: Louis Hayward, Jane Wyatt, Lee Bowman,
Dorothy Patrick, Ann Shoemaker, Jody Gilbert; origine: Usa; produzione: Republic
Pictures; durata: 88’
Uno scrittore fallito strangola la sua domestica, colpevole di aver respinto le sue
avances sessuali: tenterà di far cadere i sospetti sul fratello, che lo aveva aiutato a
nascondere il cadavere, ma non saprà resistere alla tentazione di utilizzare la storia
per scrivere finalmente un libro di successo. Grazie alla produzione a basso costo
dell’indipendente Republic, Lang riesce a girare in piena libertà uno dei suoi noir
migliori, claustrofobico e notturno, in cui sono dispiegate con una forza notevole le
sue ossessioni sul sesso e sulla colpevolezza, sulla violenza e le contraddizioni
dell’animo umano.
Copia proveniente dalla Cineteca Sarda
ore 19.40
The Blue Gardenia (Gardenia Blu, 1953)
Regia: Fritz Lang; soggetto: Vera Caspary dal suo racconto Gardenia; sceneggiatura:
Charles Hoffman; fotografia: Nicholas Musuraca; musica: Raoul Kraushaar;
montaggio: Edward Mann; interpreti: Anne Baxter, Richard Conte, Ann Sothern,
Raymond Burr, Jeff Donnell, Richard Erdman; origine: Usa; produzione: Warner
Bros; durata: 90’

Da poco lasciata dal fidanzato, una telefonista si reca a un appuntamento con un
famoso disegnatore. Dopo essersi ubriacata e averne respinto le avance, la donna
perde i sensi, ma la mattina dopo scopre che l’uomo è stato ucciso. Convinta in un
primo momento di essere lei stessa l’assassina, sarà aiutata da un intraprendente
giornalista a risolvere il mistero. Dopo un periodo di disoccupazione dovuto al
Maccartismo, che lo aveva inserito nella lista nera come “comunista potenziale”,
Lang torna al lavoro con quello che sulla carta doveva essere un piccolo film
commerciale, ma che nelle sue mani diventa un noir di altissimo livello, teso e ben
scritto, girato con uno stile inconfondibile. Notevole la fotografia di Nicholas
Musuraca, preso in prestito dalla RKO, mentre la canzone Gardenia Blu è cantata da
Nat “King” Cole, che appare anche in un cameo.
ore 21.20
Presentazione del film di Vieri Razzini
a seguire
The Woman in the Window (La donna del ritratto, 1944)
Regia: Fritz Lang; soggetto: dal romanzo Once off Guard di J.H. Wallis;
sceneggiatura: Nunnally Johnson; fotografia: Milton R. Kranser; musica: Arthur
Lang; montaggio: Gene Fowler Jr; interpreti: Edward G. Robinson, Joan Bennett,
Edmond Breon, Raymond Massey, Dan Duryea, Frank Dawson; origine: Usa;
produzione: Christie Co. International Pictures, RKO Radio; durata: 99’; v.o.; sott. it.
Partita la famiglia per le vacanze, un tranquillo professore di criminologia si imbatte
per caso in una donna bellissima, il cui ritratto, ammirato nella vetrina di un
negozio, aveva colpito la sua fantasia. Quella che sembra essere una banale
avventura, però, si trasforma presto in un incubo fatto di misteri e delitti. Un classico
del noir di tutti i tempi, sospeso tra realismo e suggestioni oniriche, in cui il regista
viennese torna ancora una volta a interrogarsi sul labile confine che separa
innocenza e colpevolezza, svelando l’ipocrisia nascosta dietro la maschera della
rispettabilità borghese. Straordinario il cast, con Robinson e la Bennett in testa, e
decisivo l’apporto creativo di alcuni grandi nomi di Hollywood, come Nunnally
Johnson per la sceneggiatura e Milton Kranser per la fotografia.
Copia proveniente dalla Lab80
giovedì 24
Dalla Via Appia all’Oriente. Davide Mancori, la Jinko Communications e i suoi
documentari: pillole di mondo
Davide Mancori, autore della fotografia, membro della A.I.C. e produttore
indipendente, erede di una grande dinastia di cinematografari, i Mancori (il padre
Sandro e gli zii Alvaro e Guglielmo), con la sua casa di produzione la Jinko
Communications, ha realizzato una serie di documentari, in giro per il mondo, dalla
Patagonia all’India, dal Giappone all’Eritrea, dalla Cina al Brasile, che vengono
presentati al Cinema Trevi, alcuni in anteprima nazionale. Una vocazione
cosmopolita, in linea con le attuali tendenze del cinema mondiale, sempre più volto

ad abbattere barriere (e in controtendenza, invece, con la situazione italiana), che è
attestata anche dal lungometraggio The Mark (2003), un horror movie nato da un’idea
di Andrea Materia e prodotto insieme alla spagnola Filmax S.A., distribuito in Italia
dalla Universal Pictures e venduto in diversi continenti, tanto da diventare un
fenomeno di culto per gli amanti del genere. La nuova idea su cui sta lavorando la
Jinko è non a caso un film, Dreamfactory, da girare in Cina, ultima frontiera del
cinema (e del commercio) mondiale. Del progetto Jinko Communications, nato a
Roma, sull’Appia Antica, fanno parte, oltre a Davide Mancori, Rollo Martins,
Stefano Carbone (autori, sceneggiatori e registi) ed Enrico Idrofano (videomaker e
produttore da oltre 30 anni), ai quali successivamente si sono aggiunti il manager
Ezio Prosperi, esperto di distribuzione in campo internazionale, e il poeta Giovanni
Lupi, i quali, a diverso titolo, hanno contribuito alla realizzazione dei documentari in
programma in questa rassegna.
Proiezioni a ingresso gratuito
ore 18.00
Il cammino della carità (2007)
Regia: Enrico Idrofano; riprese e montaggio: E. Idrofano; collaborazione alla regia:
Roberto Campili, Rollo Martins; voci narranti: Franca Salerno, Anna Giampiccoli,
Annibale Grasso; organizzatore generale: Ferdinando Paladini; origine: Italia;
produzione: Congregazione Figlie della Carità del Preziosissimo Sangue; durata: 50’
Tommaso Maria Fusco vive nella Campania dell’Ottocento, tra Borboni,
Garibaldini, colera, peste e terremoti. Tra avvenimenti e mutamenti che cambieranno
per sempre l’Italia e il suo meridione. Ma chi era Tommaso? Non è facile raccontare
la vita di un uomo. Tommaso Maria Fusco era un santo. Dalla nascita. Da quando
bambino dona la sua camicia a un mendicante. Da quando appena sacerdote si
dedica ad alleviare la miseria umana: orfani, diseredati, anziani, ammalati, fanciulli
bisognosi. Apre scuole, orfanotrofi e fonda la Congregazione delle Figlie della
Carità del Preziosissimo Sangue.
Questo documentario è un viaggio dalla Campania agli Usa, dal Brasile all’India,
dalla Nigeria e alle Filippine, luoghi in cui le suore di Tommaso Maria Fusco
continuano la sua opera come messaggere di carità, uguaglianza e pace.
ore 19.00
Tokyo No Omisoka (2003)
Regia: Rollo Martins; direttore della fotografia: Davide Mancori; musica: Ruichi
Sakamoto; montaggio: Enrico Idrofano; origine: Italia; produzione: Jinko
Communications LTD; durata: 40’
«Cosa facciamo quest’anno a Capodanno? Una festa tra amici? Un locale? Sai che
ti dico? Andiamo a Tokyo!». Tre giorni a Tokyo. Settantadue ore sono talmente
poche da non doversi sforzare neanche di dover comprendere un popolo; ci si può
accontentare di cogliere le sensazioni di un villaggio di pescatori diventato una città
di undici milioni di abitanti. Del villaggio antico Tokyo conserva i riti sacri con i
bastoncini, i simboli del buddhismo, le uova nere bollite con i vapori solforosi. Della

città di undici milioni di abitanti ha i treni veloci che collegano in pochi minuti le
immense periferie al centro, i grattacieli, la frenesia che raramente si scinde dalla
modernità. E poi, a Capodanno, i 108 rintocchi della campana del tempio che
rappresentano i 108 desideri terreni da cui purificarsi. Viene da pensare che tre
giorni sono pochi per capire se la purificazione avviene allontanandosi dai desideri o
esaudendoli tutti.
ore 19.45
Patagonia 8500 kms por la ruta (2003)
Regia: Rollo Martins; aiuto regia: Stefano Carbone; voce narrante: Cesare Rascel;
direttore della fotografia: Davide Mancori; musica: Huella Pampa, Herb Alpert, Billy
Cobham, Al Di Meola, Pat Metheny, Andreas Vollenweider, Lost Tribe, Michael
Brecker; montaggio: Enrico Idrofano; origine: Italia; produzione: Jinko
Communications LTD - Video & Click Roma; durata: 32’
Il Perito Moreno, la Troquita de Esquel, la Cueva de las Manos. È il suono di questi
nomi leggendari la colonna sonora di un percorso lungo le strade polverose, i vivi
colori, i rumorosi silenzi della Patagonia. Tessere di un mosaico esteso quanto la
fantasia: l’Armadillo, i Leoni Marini, il Bosco pietrificato, la Isla Grande. E alla fine
del viaggio, dopo aver visto la Tierra del Fuego e Capo Horn, al confine del mondo,
poco prima del tradizionale “The end”, tra le foto che accompagnano i titoli di coda,
facciamo attenzione a quella di una scritta su un cartello tra la gente. Potrebbe
essere la giusta conclusione del percorso: «Tutti vogliono cambiare il mondo, ma
nessuno vuole cambiare se stesso». Miglior documentario al 61° Festival
Internazionale del Cinema di Salerno.
ore 20.30
Incontro moderato da Marco Giusti con Davide Mancori e Rollo Martins
a seguire
Un uomo, il cinema. Alvaro Mancori (2007)
Regia: Rollo Martins; aiuto regia: Giovanni Lupi; direttore della fotografia: Davide
Mancori; operatore: Enrico Idrofano; musica: Marcello Giombini, Ennio Morricone;
montaggio: Giovanni Lupi; origine: Italia; produzione: Jinko Communications LTD;
durata: 14’
Alvaro Mancori è il sibilo delle macchine da presa in azione, la pellicola liscia e
lucente che trattiene le immagini, il cestino all’ora di pranzo. Alvaro Mancori è il
rumore dei cavalli al villaggio Elios, Frank Kramer invece di Gianfranco Parolini,
l’azione di Sergio Leone, il sogno di Federico Fellini. Alvaro Mancori è un
operatore, un autore della fotografia, un produttore che ha contribuito a far grande
il cinema italiano con la creatività e l’umiltà. È un “cinematografaro” e ne va fiero.
a seguire
Cina in viaggio (2007)

Regia: Rollo Martins, Giovanni Lupi; voce narrante: Claudio Capone; direttore della
fotografia: Davide Mancori; operatore: Enrico Idrofano; musica: Tang Liangxing,
The Guo Brothers & Shung Tian, Pat Metheny (Devil Dee version); montaggio: R.
Martins, G. Lupi; interpreti: Monica Mazzitelli, Silvia Parisi; origine: Italia;
produzione: Jinko Communications LTD - Video & Click Roma; durata: 27’
In Cina si mangiano gli spaghetti, si lanciano i nastri sugli alberi, si fanno volare gli
aquiloni. In Cina si viaggia, si viaggia verso lo sviluppo, si viaggia verso la
“crescita” economica ad ogni costo. Con questo documentario tentiamo una sintesi
tra le piccole abitudini quotidiane di un popolo e le sue aspirazioni di grandezza, tra
lo sguardo individuale e il sentimento collettivo. Viaggiare attraverso una nazione
che è a sua volta in viaggio può far perdere l’equilibrio, a meno che non si adotti una
prospettiva diversa, quella del Tempo.
Anteprima nazionale
a seguire
Gabbiani (2008)
Regia: Rollo Martins, Giovanni Lupi; voce narrante: Bianca Ciocca; direttore della
fotografia: Davide Mancori; operatore: Enrico Idrofano, Donatella Altieri;
montaggio: R. Martins, G. Lupi; origine: Italia; produzione: Jinko Communications
LTD - Video & Click Roma; durata 30’
Tra Terra e Terra il confine è sangue. Tra sangue e sangue il confine, liquido,
scompare. Il documentario racconta l’infinito conflitto tra Etiopia ed Eritrea e il
solitario volo di due gabbiani verso il mare. Una giovane donna africana prepara il
caffè, nero. Il suono delle onde muta urla e spari in eco lontano. Il caffè è pronto:
può essere versato.
Anteprima nazionale
25-29 aprile
Schermi di piombo. Il terrorismo nel cinema italiano
Schermi di piombo. Il terrorismo nel cinema italiano, dopo essere stato un libro,
diventa la prima e la più completa retrospettiva (che proseguirà a maggio) delle opere
che hanno affrontato il tema dei terrorismi e della violenza politica, con particolare
riferimento ai quattro decenni di storia repubblicana fatta di lotta armata, trame nere,
attentati, sequestri, attacchi al “cuore dello Stato”, bombe nelle piazze e sui treni,
servizi segreti deviati, tentati Golpe, ecc, ecc.
Il quadro che la retrospettiva traccia – approfondito ulteriormente da un convegno
accademico organizzato dall’Università Roma Tre insieme con la Cineteca Nazionale
e programmato per la giornata dell’8 maggio – evidenzia una certa iniziale latitanza
di “grandi firme” dietro ai film che, soprattutto negli anni Settanta, hanno tentato di
affrontare la questione della violenza politica e del terrorismo, come se «una sorta di
presbiopia [avesse impedito] di guardare il vicino, districarne le forze e capirne le
dinamiche ideologiche» (Brunetta). Bisogna infatti attendere l’inizio degli anni
Ottanta, il momento in cui, a sinistra come a destra, la lotta armata va
progressivamente a spegnersi (non senza aver lasciato sull’asfalto altri morti), per

vedere apparire sulla scena cinematografica i primi film d’autore sul terrorismo. Nel
frattempo, a tentare una presa diretta sugli anni di piombo é stato un altro tipo di
cinema, meno autoriale e più popolare. Gli ultimi anni Sessanta e i primi Settanta
costituiscono infatti il periodo storico in cui il cinema italiano, confidando ancora su
un apparato industriale che si dissolverà di lì a poco a causa dell’avvento della tv
commerciale, riesce ancora a fare affidamento sui generi per dare vita ad un consumo
“di denuncia” che si configura come l’altra faccia del cinema civile dei Rosi e dei
Petri. Sono soprattutto la commedia satirica e il poliziesco all’italiana a raccogliere da
subito la sfida di fotografare le tensioni e i drammi che sconvolgono il Paese sotto
forma di violenza politica tra “opposti estremismi”, di vero e proprio terrorismo, ma
anche di stragismo e di piani eversivi originati da sezioni deviate dello Stato.
Allo scopo, dunque, di dare conto della reale entità, stratificazione e articolazione del
fenomeno “schermi di piombo”, si vuole offrire al pubblico la totalità delle
declinazioni che la macchina-cinema ha utilizzato per fissare su pellicola la storia di
quegli anni, nella consapevolezza che un discorso composito, articolato e
approfondito su quella stagione possa emergere solo dalla somma delle suggestioni,
dei suggerimenti, degli sprazzi di verità che ciascuna opera, anche in minima parte, è
stata in grado di offrire.
La retrospettiva, organizzata dalla Cineteca Nazionale, ideale continuazione della
rassegna Schermi in fiamme. Il cinema della contestazione, è curata da Christian Uva,
autore del volume Schermi di piombo. Il terrorismo nel cinema italiano (Rubbettino,
2007), in collaborazione con Pierpaolo De Sanctis.
venerdì 25
ore 17.00
La macchina ammazzacattivi (1948)
Regia: Roberto Rossellini; soggetto: Eduardo De Filippo, Fabrizio Sarazari;
sceneggiatura: Sergio Amidei, Franco Brusati, Liana Ferri, R. Rossellini, Giancarlo
Vigorelli; fotografia: Tino Santoni; musica: Renzo Rossellini; montaggio: Luigi
Rovere; interpreti: Giovanni Amato, Clara Bindi, Marilyn Buferd, Camillo Buonanni,
Pietro Carloni, John Falletta; origine: Italia; produzione: Universalia; durata: 80’
«Celestino riceve in dono dal Santo protettore del paese un apparecchio fotografico
fatato che consente, riprendendone l’immagine, di far letteralmente “sparire” dalla
circolazione tutti i “cattivi”. Inizialmente certo della propria buona fede e del
proprio buon diritto a ripulire il piccolo mondo della sua quotidianità, il personaggio
si ritrova progressivamente divorato dai dubbi fino a scoprire che la “macchina
ammazzacattivi” è in realtà uno strumento diabolico messogli in mano da Satana in
persona camuffato da santo protettore. Con la consueta immediatezza di un cinema
capace di “mostrare” ancor prima che di “dimostrare”, Roberto Rossellini mette in
evidenza i rischi (cui molti all’epoca indulgevano) della compilazione di liste
ideologiche di “buoni” e di “cattivi”. Per Rossellini infatti – e la sua resta forse una
delle più nette condanne del “terrorismo” – si rivela impossibile trasferire nel
sociale una spinta etica individuale se questa non viene “condivisa”, perché senza
questa morale “dialogata” la delega all’azione che il singolo si attribuisce è

condannata allo scacco dal proprio stesso orgoglio. Anche se il film non fa alcun
riferimento esplicito al terrorismo, ne ritroviamo dunque delineate alcune delle
“figure” centrali, come la dialettica tra “azione e pentimento”, il mito dell’azione
definitiva, il narcisismo dell’assunzione di responsabilità globale, il pentimento come
lavacro purificatore, la confessione ed, eventualmente, il tradimento» (Toffetti).
ore 19.00
Il terrorista (1963)
Regia: Gianfranco De Bosio; soggetto e sceneggiatura: G. De Bosio, Luigi
Squarzina; fotografia: Lamberto Caimi, Alfio Contini; musica: Piero Piccioni;
montaggio: Carla Colombo; interpreti: Gian Maria Volonté, Philippe Leroy, Giulio
Bosetti, Raffaella Carrà, José Quaglio; origine: Francia/Italia; produzione: 22
Dicembre Cinematografica, Galatea, Societé Cinématographique Lyre; durata: 100’
«In sintonia con la tradizione cinematografica del dopoguerra, quest’opera conclude
il ciclo dei film resistenziali sul periodo fascista. Al centro della vicenda è la figura
di Renato Braschi (Gian Maria Volonté, maschera ricorrente degli “schermi di
piombo”), esponente del Partito d’Azione e capo di un gruppo di partigiani deciso a
proseguire le azioni di sabotaggio nella Venezia della Repubblica di Salò, nonostante
l’invito dei superiori alla prudenza e alla sospensione degli attentati. «È la prima
volta che il termine “terrorista”, come sostantivo riferito ad una specifica condizione
umana e politica, fa la sua apparizione in ambito strettamente cinematografico»
(Fantoni Minnella). Importante è infatti nel film il rilievo conferito alla delicata
questione semantica relativa alla parola “terrorismo”, definizione, come è noto,
fermamente respinta dagli ex brigatisti e da loro attribuita a chi abbia utilizzato
l’esplosivo e la violenza indiscriminata tipica dello stragismo. Paradigmatica la
scena in cui si vedono raccolti intorno ad un tavolo i rappresentanti del Comitato di
Liberazione Nazionale all’indomani di un sanguinoso attentato compiuto dai
partigiani ai danni dei tedeschi: da un lato siedono i Liberali, che si dichiarano
favorevoli ai sabotaggi ma non alle azioni terroristiche con morti e bombe, dall’altro
l’esponente del Partito d’Azione, secondo il quale il vero terrorismo è quello dei
tedeschi e delle loro rappresaglie» (Uva).
ore 21.00
Colpo di stato (1968)
Regia: Luciano Salce; soggetto: Ennio De Concini; sceneggiatura: E. De Concini, L.
Salce; fotografia: Luciano Trasatti; musica: Gianni Marchetti; montaggio: Sergio
Montanari; interpreti: Steffen Zacharias, Dimitri Tamarav, Silvano Spadaccino,
Orchidea De Santis, Bebert H. Marboutie, Anna Casalino; origine: Italia; produzione:
Vides Cinematografica; durata: 105’
La lunga lunga notte dello scrutinio elettorale del 1972 secondo le menti geniali di
Salce e De Concini, che immaginano un’impennata imprevista dei voti conquistati
dal partito comunista. Libero esperimento cinematografico figlio del ’68 italiano,
seriamente danneggiato da una distribuzione a dir poco fantasma che ha portato alla
sparizione quasi totale del film. Salce mischia una satira politica beffarda, quasi

sempre lontana dagli schemi sicuri della commedia all’italiana del periodo, al
cinema-verité, al film-inchiesta, al film nel film, al film corale (con tanto di coro
greco a commentare i passaggi narrativi principali), frantumando la trama in un
susseguirsi delirante di situazioni, avvenimenti, dinamismi.
Prodotto dopo mille difficoltà con un budget ridotto lungo un anno di duro lavoro,
Colpo di stato è certamente tra i film più ambiziosi e preziosi di Luciano Salce, da
riscoprire urgentemente.
sabato 26
ore 17.00
Mordi e fuggi (1972)
Regia: Dino Risi; soggetto e sceneggiatura: Ruggero Maccari, D. Risi, Bernardino
Zapponi; fotografia: Luciano Tovoli; musica: Carlo Rustichelli; montaggio: Alberto
Gallitti; interpreti: Marcello Mastroianni, Oliver Reed, Carol André, Lionel Stander,
Nicoletta Machiavelli; origine: Italia/Francia; produzione: Compagnia
Cinematografica Champion, Les Films Corona; durata: 113’
«È curioso che l’affacciarsi per la prima volta sul grande schermo di questioni
riguardanti la cronaca politica dei comunisti combattenti sia avvenuta per mezzo del
grandangolo tagliente della personalissima “commedia psichiatrica” di Dino Risi.
[…] In Francia segnò l’occasione di una riscoperta critica della filmografia del
regista, mentre da noi fu snobbato e guadagnò pochissimo. Mordi e fuggi (slogan
delle Brigate Rosse del primo periodo, quello del sequestro Sossi per sottoporlo a un
“processo proletario” e delle punizioni simboliche ai capetti di fabbrica) è una
satira sociale, che mette a raffronto il “coniglio borghese e il leone
extraparlamentare”, l’industrialotto di prodotti farmaceutici Marcello Mastroianni,
vigliacchetto che si crogiola nel comodo tepore della cuccia della sua classe sociale,
e un professore di sociologia nonché militante filo-operaista di un gruppuscolo
rivoluzionario, che ha la stazza cinghialesca e la febbrile veemenza di un Oliver
Reed che ricorda vagamente Prospero Gallinari» (Guastella).
ore 19.00
Terminal (1975)
Regia: Paolo Breccia; soggetto e sceneggiatura: P. Breccia; fotografia: Gianni
Bonicelli; musica: Giovanna Marini; montaggio: Sergio Nuti; interpreti: William
Berger, Mirella D’Angelo, Niccolò Piccolomini, Rossella Or, Giuliana Calandra,
Ezio Marano; origine: Italia; produzione: Cooperativa Bocca di Leone; durata: 110’
Apologo sul tema del potere e sui mezzi forti per conquistarlo, avvolto in una
struttura da giallo che lavora il cinema politico di quegli anni in uno scenario
futuristico dagli echi vagamente kafkiani. «All’epoca mi interessava un tipo di
cinema metaforico, ma da una parte in cui la metafora fosse contenuta all’interno di
una struttura convenzionale. […] Avevo fondamentalmente due archetipi – esistenti
sia nella letteratura sia nel cinema – sulla cui variazione, rivisitazione volevo
lavorare: il tema del sosia e il tema di Jekyll & Hyde. Mischiando le due cose,
arrivai alla storia del film, uno che entra nella vita di un altro…» (Breccia). Nella

colonna sonora si segnalano ben quattro pezzi dei Perigeo, storico gruppo jazzprogressive
italiano.
ore 21.00
Donna è bello (1974)
Regia: Sergio Bazzini; soggetto: S. Bazzini; sceneggiatura: S. Bazzini, Silvano
Agosti; fotografia: Mario Masini; musica: Ruggero Cini; montaggio: Silvano Agosti;
interpreti: Andréa Férreol, Joe Dallessandro, Marino Masé, Daniela Metternich, Piero
Gerlini, Massimo Sarchielli; origine: Italia/Germania/Francia; produzione: P.A.C.,
Hermes Film Synchron, Société Générale de Production; durata: 94’
Ottavia è moglie di un contadino comunista, Enea, e madre di un ritardato mentale,
Piero, avuto col padrone. La donna lavora, infatti, come cameriera nella casa di un
conte fascista implicato nelle cosiddette “trame nere”. Mentre il marito è assente,
Ottavia ospita un giovane neofascista dinamitardo. Tra i due nasce un torbido
rapporto sessuale. Due amici del terrorista, venuto a trovarlo, dimenticano nella
casa pillole micidiali. Esordio alla regia di Sergio Bazzini, valente sceneggiatore per
Ferreri, Samperi, Bellocchio, con il montaggio di Silvano Agosti (che collabora alla
sceneggiatura), Donna è bello «mescola il Kamasutra alle piste nere, lo scemo del
villaggio agli attacchi da sinistra contro il PCI, i peti alla dinamite; e per buona
misura fa mangiare un feto da un cane» (Kezich). Invisibile da anni.
domenica 27
ore 17.00
San Babila ore 20: un delitto inutile (1976)
Regia: Carlo Lizzani; soggetto: C. Lizzani, Mino Giarda; sceneggiatura: Ugo Pirro,
M. Giarda, C. Lizzani; fotografia: Pier Giorgio Pozzi; musica: Ennio Morricone;
montaggio: Franco Fraticelli; interpreti: Daniele Asti, Grazia Baccari, Pietro
Brambilla, Brigitte Skay, Gilberto Squizzato, Giuliano Cesareo; origine: Italia;
produzione: Produzioni Thousand Associate; durata: 105’
«Film ricalcato sulla vicenda di Alberto Brasili, giovane di sinistra ucciso il 25
maggio 1975 a Milano da cinque neofascisti. Come raccontato da Lizzani, l’errore
fatale di Brasili e della sua fidanzata, riconoscibili come “compagni” per il modo di
vestire, fu quello di attraversare una zona notoriamente “nera” della città e di
sfiorare un manifesto dell’MSI. È per questo che il regista è particolarmente attento
al dato sociologico, in particolare ai “costumi” e agli accessori fatti indossare dai
suoi personaggi. Il film, più che per un’approfondita indagine sociale o
antropologica, si fa ricordare per il tratteggio dell’iconografia del fascistello
“sanbabilino” (a Roma si sarebbe trattato del “pariolino”), con la sua faccia pulita,
gli occhiali da sole Rayban “a goccia”, il giubbotto di pelle nera e le calzature di
ordinanza di ogni buon camerata (gli stivali “Camperos”). Fondato sull’impiego
delle riprese in loco (spesso rubate in mezzo alla folla) e della “macchina a mano”,
l’impianto estetico si caratterizza per uno stile che asseconda l’aggressività dello
spaccato umano descritto, un universo giovanile in stile Arancia meccanica in cui al
drugo kubrickiano si sostituisce il camerata che, con la connivenza della polizia,

spadroneggia nella sua zona marciando al passo dell’oca, sognando di arrivare ad
una vera guerra contro il nemico “rosso” e desiderando ardentemente conoscere
cosa si prova quando si compie una strage...» (Uva).
ore 19.00
Gruppo di famiglia in un interno (1974)
Regia: Luchino Visconti; soggetto: Enrico Medioli; sceneggiatura: Suso Cecchi
D’Amico, E. Medioli, L. Visconti; fotografia: Pasqualino De Santis; musica: Franco
Mannino; montaggio: Ruggero Mastroianni; interpreti: Burt Lancaster, Helmut
Berger, Silvana Mangano, Claudia Marsani, Stefano Patrizi, Elvira Cortese; origine:
Italia/Francia: Rusconi Film, Gaumont International; durata: 121’
Un anziano professore vive nel palazzo di famiglia circondato dai suoi libri e dai
suoi ricordi, un equilibrio spezzato dall’arrivo, nell’appartamento sopra il suo, di
una donna e della sua “strana” famiglia, l’amante, il figlio e la fidanzata del figlio.
Della quale alla fine, volente e nolente, entra a far parte… «Gruppo di famiglia in un
interno, una delle opere maggiori di Luchino Visconti, forse la sua più sofferta, la più
intima. Ancora una volta, come in Senso, come nel Gattopardo, l’individuo e la
Storia, l’uomo e la società. […] Una metafora della morte, perciò. Ma anche il
“punto” sui vecchi e i giovani, sulla società e la morale, sulla politica e sull’arte. In
Italia e dappertutto. Proposti in un film che è “teatro da camera” e che, quasi sulle
orme di Lupu-Pick e di Mayer, è, in certi momenti anche Kammerspielfilm, un
dramma fra cinque personaggi, una tragedia in un interno, fra quattro pareti.
Affannoso, turbinoso, allucinato, travolgente; duramente realistico nei suoi modi,
nelle sue cadenze; angosciosamente simbolico, emblematico, nei suoi significati»
(Rondi). In questo ritratto dell’Italia post ’68 affiorano, come scheletri negli armadi,
le ombre delle trame nere.
ore 21.15
L’attentato (1962)
Regia Luigi Perelli; soggetto e sceneggiatura: L. Perelli; fotografia: Ettore De
Tomasi; interpreti: Gianluigi Crescenzi, Stefano Satta Flores, Maurizio Tocchi,
Settimia Ercolino; origine: Italia; produzione: Csc; durata: 9’
Attentato dinamitardo contro una sezione romana del P.C.I. ad opera di un gruppo di
giovani neofascisti, che si ritrovano nella stanza di uno di essi dopo il fatto. Una
donna è rimasta ferita e lotta fra la vita e la morte. L’esecutore materiale
dell’attentato, figlio di un fascista ucciso dai partigiani, non si dà pace per le sorti
della donna e ripensa a tutta l’operazione, voluta dagli altri per scuotere il partito e
smuovere alla rivoluzione i fascisti “all’acqua di rose” («Le nostre bombe daranno
fiducia»). E ripensa alla propria esistenza, comprendendo che l’insegnamento del
padre, con la sua morte, non è la vendetta, ma piuttosto non lasciarsi “infinocchiare
dalla stessa gente” che l’ha portato alla morte. Esce dalla stanza e se ne va
definitivamente, dando un calcio al passato, mentre un altro lo segue cercando di
fargli cambiare idea e il terzo, obbedendo al padre che lo educato con libri sulla
cultura fisica e il culto del duce (commentando l’attentato il padre, senza sapere che

anche il figlio era coinvolto, aveva dichiarato che bisognava buttarne una al giorno
di bombe), s’appresta a lasciare l’Italia. Il primo film che indaga sugli ambienti della
destra neofascista, mettendo in luce caratteri e influenze familiari, e probabilmente,
in assoluto, il primo film che tratta il tema del terrorismo. Luigi Perelli vanta una
lunga carriera come documentarista, sempre attento alle vicende politiche di tutto il
mondo, oscurata dalla fama televisiva per La piovra (dalla terza alla settima serie).
a seguire
La polizia ha le mani legate (1974)
Regia: Luciano Ercoli; soggetto: Mario Bregni; sceneggiatura: Gianfranco
Calligarich; fotografia: Marcello Gatti; musica: Stelvio Cipriani; montaggio: Angelo
Curi; interpreti: Claudio Cassinelli, Arthur Kennedy, Franco Fabrizi, Sara Sperati,
Bruno Zanin, Francesco D’Adda; origine: Italia; produzione: P.A.C.; durata: 100’
«Impostato su un attentato (qui ad un hotel milanese) che riprende quello vero
accaduto nel 1969 a Piazza Fontana, dunque un film apparentemente dedicato
esplicitamente alle stragi del terrorismo nero. Apparentemente però, perché
l’impostazione di denuncia è alla fine stritolata dal solito schema narrativo del
poliziesco: il rapporto conflittuale tra il commissario ed il magistrato incaricato
delle indagini, quello ambiguo tra il commissario ed una studentessa universitaria, la
scoperta della talpa all’interno delle istituzioni, la presenza del solito ricatto emotivo
[…] Certo c’è un’attenzione maggiore nel disegno dei giovani attentatori che
assumono i lineamenti di figli di papà sbandati e disorientati […]. Questi ragazzi
frequentano gli ambienti universitari, hanno la durezza dei gangster e la goffaggine
dei pivelli» (Uva).
lunedì 28
chiuso
martedì 29
ore 17.00
Poliziotti violenti (1976)
Regia: Michele Massimo Tarantini; soggetto: M. M. Tarantini, Adriano Belli;
sceneggiatura: A. Belli, M. M. Tarantini, Franco Ferrini, Sauro Scavolini; fotografia:
Giancarlo Ferrando; musica: Guido e Maurizio De Angelis; interpreti: Henry Silva,
Antonio Sabato, Ettore Manni, Silvia Dionisio, Ettore Manni, Claudio Nicastro;
origine: Italia; produzione: Staff Professionisti Associati, Capitol International;
durata: 92’
Le trame eversive dei servizi segreti italiani deviati, dell’esercito e della destra
imprenditoriale e finanziaria. Il film di Tarantini intreccia il poliziottesco classico
con il cinema d’impegno civile, proponendosi come una variazione su tema del
seminale La polizia ringrazia di Stefano Vanzina. «Quello che, al momento di
ordinare lo scioglimento di Ordine Nuovo (23 novembre 1973), il ministro degli
Interni Paolo Emilio Taviani aveva definito “il pericolo di un rigurgito fascista, se
non addirittura nazista” si affaccia anche in Poliziotti violenti di Tarantini, dove il

maggiore dei parà Henry Silva, spedito a Roma e sotto stretta sorveglianza per avere
denunciato certe magagne dell’esercito, scopre un traffico di armi orchestrato per
scopi destabilizzanti da una fantomatica multinazionale» (Curti).
ore 18.45
Milano trema: la polizia vuole giustizia (1973)
Regia. Sergio Martino; soggetto e sceneggiatura: Ernesto Gastaldi; fotografia:
Giancarlo Ferrando; musica: Guido e Maurizio De Angelis; montaggio: Eugenio
Alabiso; interpreti: Luc Merenda, Richard Conte, Silvano Tranquilli, Carlo Alighiero,
Martine Brochard, Luciano Bartoli; origine: Italia; produzione: Compagnia
Cinematografica Champion, Dania Film; durata: 103’
«Nella Milano dei tempi di Calabresi, Luc Merenda è un ispettore radiato dalla
polizia per i suoi metodi sbrigativi e per il suo anticomunismo. Ma seguita a lottare
contro i malviventi e scopre un giro capeggiato da un alto funzionario della Questura
e da un editore fascista. I due cercano di corromperlo perché vada dalla loro parte,
ma Merenda spara. Verina Glassner al tempo sul “Monthly Film Bulletin” lo bollò
di fascismo alla Callaghan facendo notare certe battute di Merenda sugli anarchici e
sui comunisti. Per far parlare una ragazza le mostra la foto di una donna incinta
morta commentata da un terribile “Ti piace l’inizio della rivoluzione? Non è certo
una gran bella bandiera per il Cremlino”. [...] La risposta del tempo di Martino:
“Sono stato tra i primi a fare un film sulla polizia, un film che conteneva anche dei
riferimenti all’attualità, al caso Calabresi. Ma il valore politico di questi film è
sempre abbastanza relativo, hanno sempre una matrice qualunquista, di destra, cioè
si vede il poliziotto, il commissario che in uno stato democratico è molto limitato,
non gli vengono dati mezzi adeguati. E allora cerca di farsi giustizia da sé e ci
riesce”» (Giusti).
ore 20.45
Incontro moderato da Pierpaolo De Sanctis e Christian Uva con Sergio Bazzini,
Paolo Breccia, Mario Bregni, Massimo Felisatti, Mino Giarda, Carlo Lizzani,
Sergio Martino, Luigi Perelli, Sergio Nuti
a seguire
La polizia accusa: il servizio segreto uccide (1974)
Regia: Sergio Martino; soggetto: Massimo Felisatti, Fabio Pittorru; sceneggiatura: M.
Felisatti, F. Pittorru, S. Martino, G. Couyoumdjan; fotografia: Giancarlo Ferrando;
musica: Luciano Michelini; montaggio: Eugenio Alabiso; interpreti: Luc Merenda,
Mel Ferrer, Delia Boccardo, Michele Gammino, Paola Tedesco, Gianfranco Barra;
origine: Italia; produzione: Dania Film, Flora Film, Medusa Distribuzione; durata:
98’
«Siamo nel regno delle cimici negli uffici, [...] delle talpe nelle forze di polizia, dei
servizi segreti che spiano le mosse della pubblica sicurezza e prevengono i movimenti
dei commissari. [...] È un film “di sinistra” e porta l’evidente firma di Massimo
Felisatti e Fabio Pittorru, cronisti dell’impegno poliziesco che, sulle tracce dello

scrittore americano Ed McBain, hanno inventato le avventure della Squadra Mobile
capitanata dal commissario Solmi, riscuotendo successo sia nel campo letterario
[...], sia in quello televisivo [...]. Felisatti e Pittorru, per il film di Martino, hanno
rielaborato la trama di Telefoni sotto controllo, il secondo racconto lungo contenuto
[in] Violenza a Roma, mettendolo in rapporto al caso di Guido Giannettini, agente
dell’ufficio “Z” del SID, giornalista del “Secolo d’Italia” coinvolto nella strage
della Banca dell’Agricoltura a Piazza Fontana. Sergio Martino, di solito abbastanza
compassato e impersonale, ha stavolta sufficiente ironia per strizzare l’occhio agli
spettatori e cercare di far lievitare il film al di là della pura e semplice esposizione
dei fatti: si mette hitchcockianamente in primo piano nella sequenza del campo
paramilitare fascista, rende immediatamente sospettabile il personaggio del capo dei
servizi segreti, affidandolo alla maschera di un Tomas Milian [...]. Questa
rappresentazione di neofascisti con le radici tra i colletti bianchi dei funzionari e le
barbe lunghe dei sottoproletari ha comunque una sua fanatica evidenza e gli autori
sono tra i pochi che hanno avuto abbastanza coraggio per mettere in scena un campo
paramilitare di nostalgici fascisti» (Uva).
Ingresso gratuito
mercoledì 30
Carta bianca a… Paolo Mereghetti
Un nuovo appuntamento al Cinema Trevi: “Carta bianca a…”, da un’idea di Goffredo
Fofi e Paolo Mereghetti, volta a valorizzare le passioni più nascoste dei critici italiani
e a soddisfare quindi la curiosità dei cinefili grazie al recupero di capolavori
dimenticati o, comunque, di film meritevoli di essere rivisti. Carta bianca quindi a
Paolo Mereghetti, critico del «Corriere della Sera», da sempre nostro collaboratore
“ombra” con le schede del suo fortunatissimo dizionario, punto di riferimento per chi
scrive di cinema.
«Comprimere in soli tre titoli i “guilty pleasures” di una lunga frequentazione
cinematografica è praticamente una tortura. E fermarsi ai titoli italiani non aiuta per
niente. Anzi, aumenta i tormenti. Così ho deciso di darmi regole ancora più strette,
limitando la mia scelta agli anni Cinquanta, cioè agli anni più belli ma anche meno
conosciuti del nostro cinema.
Poi, però, ho dovuto fare i conti anche con l’impossibilità (o la difficoltà) di trovare
certi film. E così, aspettando di poter finalmente disporre di una copia a colori de La
Nave delle donne maledette di Matarazzo o di un positivo proiettabile di Papà
diventa mamma di Fabrizi o di Noi due soli di Girolami, Metz e Marchesi, ho scelto
tre film per cercare di rendere un po’ di giustizia a registi e filoni ancora troppo
dimenticati. Il culto di Leonviola è coltivato, ahimé, solo da pochi, spregiudicati
pionieri, quello di Gora regista ha abbattuto qualche steccato ma procede a fatica,
quello di Soldati ha dovuto aspettare il centenario della nascita per ricevere un po’
dell’attenzione che merita. Ma quello che mi piace sottolineare è che tutti e tre i film
scelti – Noi cannibali, Febbre di vivere e Fuga in Francia – offrono tre declinazioni
diverse del melodramma, un genere troppo volte sbrigativamente condannato e

invece meritevole di una ben maggiore attenzione. Soprattutto se si vuole capire
davvero buona parte della storia del cinema italiano e dei suoi rapporti con gli
italiani».
Paolo Mereghetti
ore 17.00
Fuga in Francia (1948)
Regia: Mario Soldati; soggetto e sceneggiatura: Carlo Musso, Ennio Flaiano, M.
Soldati; collaborazione alla sceneggiatura: Mario Bonfantini, Emilio Cecchi, Cesare
Pavese; fotografia: Domenico Scala; musica: Nino Rota; montaggio: Mario Bonotti;
interpreti: Folco Lulli, Rosi Mirafiore, Mario Vercellone, Giovanni Dufour, Enrico
Olivieri, Pietro Germi; origine: Italia; produzione: Lux Film; durata: 104’
«Dopo la Liberazione, il tentativo di fuga verso Grenoble dell’ex gerarca Riccardo
Torre (Lulli) e di suo figlio Fabrizio (Olivieri) si intreccia con quello di tre operai
che vogliono emigrare clandestinamente in Francia, il sognatore Gino (Vercellone),
il disilluso Tembien (Germi) e il “tunisino” (Du Four), il più allegro e superficiale
dei tre. [...] Insolito e coraggioso thriller politico, [...] costruito sapientemente su due
dei grandi temi sociali di quegli anni: il fascismo non ancora rimosso e
l’emigrazione come unica prospettiva concreta per trovare lavoro. Un’opera da
rivalutare per il cinema italiano e una svolta personale per Soldati che, con uno stile
a metà strada tra il neorealismo e l’espressionismo made in Usa (possibili le
influenze di Welles), vivifica la sua eleganza compositiva con inquadrature dai tagli
irregolari e dall’illuminazione contrastata, con riprese dal basso di primi piani e
soffitti incombenti, legati tra loro da un montaggio carico di tensione drammatica.
Folco Lulli giganteggia nel ruolo di un fascista senza rimorsi, cinico e crudele (che
lo scenografo e costumista Piero Gherardi fa vestire sempre con un inquietante
cappottone nero), vera anima dannata di un mondo che sembra ancora
appartenergli, ma altrettanta bravura mette Pietro Germi nel disegnare il ritratto
dolente del reduce Tembien [...] e Soldati nel raccontare la figura del piccolo
Fabrizio, a cui la giovanissima età non risparmierà un drammatico confronto con la
crudezza della vita» (Mereghetti).
ore 19.00
Noi cannibali (1953)
Regia: Antonio Leonviola; soggetto: A. Leonviola; sceneggiatura: A. Leonviola,
Gian Gaspare Napolitano, Giuseppe Mangione, Daniele D’Anza; fotografia: Aldo
Giordani; musica: Bruno Maderna; montaggio: Roberto Cinquini; interpreti: Silvana
Pampanini, Folco Lulli, Milly Vitale, Vincenzo Musolino, Giuseppe Porelli, Gildo
Bocci; origine: Italia; produzione: Excelsa Film, Slogan Film, Marea Film; durata:
90’
«Una ballerina d’avanspettacolo, Virginia (Pampanini), e un marginale che si
arrangia col contrabbando, Aldo (Musolino), si mettono insieme sperando di rifarsi
una vita: lei deve continuamente respingere le avances degli uomini (bellissima la
sequenza della festa popolare durante la quale il ballo si trasforma in una specie di

stupro collettivo), lui fatica a trovare a lavoro. [...]. Straordinario melodramma
sceneggiato dal regista con Gian Gaspare Napolitano, Giuseppe Mangione e Daniele
D’Anza, che si stacca per forza di stile e d’astrazione dalla produzione corrente di
quegli anni. Ambientato tra i baraccati del porto di Civitavecchia (dove il lavoro
dello scenografo Luigi Scaccianoce si fonde perfettamente con le riprese del vero), il
film sa evitare l’ottimismo ideologico di certo neorealismo e il moralismo
consolatorio di tanti melodrammi [...]. Recuperando una lezione di stile che viene
direttamente dal cinema degli anni Trenta (Clair, Pabst), Leonviola racconta la
disperazione senza uscita di chi si sente destinato alla sconfitta con uno stile molto
controllato (certe inquadrature, specie dei panorami industriali, ripropongono la
lezione della pittura metafisica) e in questo modo evita gli eccessi didascalici che
potrebbero derivare dall’uso di elementi dichiaratamente simbolici [...].
Straordinario il lavoro di Aldo Giordani sul colore, “filtrato nel Ferrania squillante
che illustra la passionalità di una Pampanini da bidonville”, assolutamente
convincente in uno dei più bei ruoli di tutta la sua carriera. [...]. Leonviola è la
maschera che all’inizio del film fa entrare lo spettatore nel teatrino di varietà»
(Mereghetti).
ore 21.00
Febbre di vivere (1953)
Regia: Claudio Gora; soggetto: liberamente tratto dal dramma Cronaca di Leopoldo
Trieste; sceneggiatura: Suso Cecchi D’Amico, L. Trieste, Lamberto Santilli, Filippo
Mercati [Luigi Filippo D’Amico], C. Gora; fotografia: Enzo Serafin, Oberdan
Troiani; musica: Valentino Bucchi; montaggio: Mariano Arditi; interpreti: Massimo
Serato, Marina Berti, Anna Maria Ferrero, Marcello Mastroianni, Sandro Milani
[Alessandro Mancinelli-Scotti], Nyta Dover; origine: Italia; produzione: P.A.C.
(Produzione Artistica Cinematografica); durata: 110’
«Ribelle e amorale, Massimo (Serato) si vede costretto a confrontarsi con le proprie
azioni quando scopre che la fidanzata Elena (Ferrero) è incinta e Daniele
(Mastroianni), che lui aveva tradito, esce di prigione. Per cavarsi d’impiccio cerca di
piegare ai propri voleri il giovane Sandro (Milani) e l’ex fidanzata Lucia (Berti), ma
questa volta l’esito delle sue azioni sarà ben più tragico. Uno dei più insoliti e
crudeli film dei primi anni Cinquanta, che tra i primissimi punta l’obiettivo su
personaggi di giovani borghesi ai margini del bel mondo romano. [...] il film rivela,
dietro una trama non perfettamente controllata e qualche dialogo un po’ troppo
letterario, un moralismo acre e spregiudicato, decisamente controcorrente per quegli
anni (per esempio parlando di aborto – cui Massimo costringe Elena – come di una
pratica molto conosciuta nella rispettabile, e religiosa, borghesia). Problemi
finanziari rallentarono le riprese iniziate nel 1951 e permisero la distribuzione del
film solo due anni dopo» (Mereghetti).