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Lo stile severo

Lo stile severo
Nel periodo compreso fra le guerre persiane e la metà del V sec. la
scultura attraversa un periodo di transizione dall’arte arcaica a quella
propriamente classica.
Il periodo severo è così chiamato perché dai volti delle statue
scompare il sorriso arcaico sostituita da un’espressione rigorosa che
non manifesta i sentimenti.
Inoltre la testa non è più schiacciata ma tondeggiante, offre la giusta
curvatura agli occhi e alla bocca.
I dettagli del volto acquistano spessore e carnosità, i capelli si
sciolgono in ciocche morbide; le linee che segnavano i fasci
muscolari non sono più semplici incisioni ma segni curvilinei che
accompagnano i volumi rotondeggianti delle masse.
Infine viene superata la rigida posa e comincia una effettiva ricerca di
movimento; le gambe si flettono le teste si inclinano.
L’uomo dell’epoca severa non è più un anonimo Kouros ma acquista
un’identità più specifica.

Sotade, Auriga
dal Santuario di Apollo di Delfi, 480-70 a.C.,
Bronzo, h. 180cm;
Delfi, Museo

L’Auriga.
Soggetto: L’atleta vittorioso. Faceva parte di un monumento che
commemorava una vittoria nella corsa delle quadrighe della città di Delfi
.
Nella base della statua era leggibile un’iscrizione con dedica al Dio
Apollo e il nome del vincitore (Polizelo, tiranno della città siciliana di
Gela).
La dedica ci permette di datare la statua 478-470 a.C.
Struttura dell’opera: Sia nella posa che nell’atteggiamento il soggetto
è studiato per comunicare un senso di imperturbabile sicurezza che
gli deriva dalla certezza di godere della protezione degli dei.
E’ rivestito di un lungo e pesante abito di lana che crea ampie pieghe
diritte come una colonna scanalata di un tempio.
Il gesto di tenere le briglie è privo di tensione.
La testa è un po’ ruotata, ma lo sguardo è fermo ravvivato dalla lucida
pietra colorata delle iridi.
Particolari: -Molto curato la resa di muscoli, tendini, le lunghe ciglia, i
riccioli dei capelli.
I particolari venivano rifiniti col bulino solo dopo la fusione della statua,
così da ottenere una maggior precisione nei dettagli più minuti. In
quest’opera si realizza insieme alla conquista di un certo realismo
anche la ricerca di perfezione assoluta.

I Tirannicidi ,Marmo. h. 1,95 m. II secolo d.C.
(da un originale del V secolo a.C.).
Collezione Farnese.

I Tirannicidi
Il 514 a. C. è ricordato dalla storiografia greca come l’anno
dell’uccisione di Ipparco, figlio del tiranno Pisistrato, e
succeduto alla morte di questi insieme al fratello Ippia alla
guida della polis di Atene.
Gli autori del tirannicidio, che restituiva al popolo ateniese
la piena autonomia legislativa e governativa, erano i nobili
Aristogitone ed Armodio che furono, in un primo
momento, immortalati in un gruppo scultoreo opera
dell’artista Antenor.

Il gruppo di Antenor venne portato in Persia da Serse nel 480 a. C.
Il monumento, simbolo della nuova Atene, venne subito sostituito
dopo la sconfitta dei persiani con nuove statue opera di Kritios e
Nesiotes (di cui possediamo all’archeologico napoletano due
pregevoli copie d’età romana)
Il gruppo, il cui originale greco si data al 477 a.C. circa, quindi nel
periodo finale del momento “Severo” si contraddistingue per il
modellato vigoroso, in esso si notano volontà di potenza e sprezzante
coraggio.
I due tirannicidi sono rappresentati non in visione frontale ma di tre
quarti, Aristogitone, il più anziano, pone la gamba ed il braccio sinistro
in avanti come a fare da scudo, barriera, al giovane Armodio che
brandisce con la mano destra la lama.

Efebo di Kritios (sec. V a. C.; Atene, Museo dell'Acropoli).

L’Efebo di Kritios
L’efebo di Kritios è un’opera da inquadrare intorno al 480
a. C. , quindi contemporanea al gruppo dei Tirannicidi.
La costruzione strutturale del fanciullo è però ancora
labilmente legata all’esperienza arcaica dei Kouroi attici,
dai quali riprende una certa rigidezza nell’impostazione
spaziale,
Ma la fissità arcaica è l'orizzontalità delle linee è presto
superata; la testa dell'efebo ruota lievemente mentre la
gamba destra si flette abbassando il fianco.
Nell’Efebo si realizza quella che definiremo la stasi su
una sola gamba, posizione che deriva dalla osservazione
diretta della reale postura umana.

La conquista della posizione chiastica segna,
nell'evoluzione della scultura greca, l'emanciparsi degli
artisti dalla innaturale rigidezza connessa alle
rappresentazioni dei Kouroi. Una caratteristica questa
ereditata dalla lezione dell'arte egiziana.
L'arcaica ieraticità di quelle raffigurazioni plastiche, con la
loro rigidità appena intaccata dall'avanzamento di una
gamba, è ora superata da un ritmo più disinvolto.
La statica frontalità arcaica si scioglie in un gioco di
equilibri dinamici contrapposti.

Zeus di Capo Artemision,
Bronzo, h.209 x l. 210 cm.;
Atene, Museo Nazionale

Zeus Saettante di Capo Artemision
Di qualità inferiore rispetto all’Auriga fu rinvenuto al largo di
capo Artemision nella Grecia sett.
Anch’esso tuttavia con la sua equilibratissima
interpretazione dell’azione del lancio, esprime la volontà di
definire il corpo e i suoi atteggiamenti secondo un ideale
che supera la misura umana.
A differenza dell’Auriga di Delfi, solennemente statico come
una statua di culto, la possente figura di Zeus è colta in
un’azione plastica e dinamica, nella quale un istante di
immobilità precede l’esplosione del gesto mortale.

Le braccia sono aperte e tese, il torso ruotato nell’azione di
caricamento , le gambe si aprono a compasso nella
caratteristica disposizione su piani perpendicolari – la
sinistra di fronte, la destra di profilo- di cui la tradizione
severa si serve per comunicare l’idea dello slancio in
avanti .
La muscolatura dell’addome e del torso è ben indicata, ma
senza esasperazione, come se lo scultore volesse
suggerire una forza controllata e razionale, perché Zeus
non annienta i suoi avversari con la brutalità ma con il
potere che gli viene dalla sua natura di principe degli dei..

Zeus di Capo Artemision, Particolare

Ciò che colpisce in questa figura è l’espressione di
superiore, compassato distacco, l’atarassia (“assenza di
passioni”) del dio che guarda dall’alto le cose del mondo,
interviene e punisce ma non è coinvolto nelle vicende dei
mortali, e non lascia trapelare né rabbia né odio, solo un
freddo, inesorabile senso di giustizia.
Questa è la percezione della divinità che tutto il mondo
greco aveva nei decenni iniziali del V sec. a. C. e che gli
artisti dello stile severo materializzano nelle loro opere con
inimitabile sapienza e con evidente, sincera pietà .