RTAntis - Artantis.info
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Da vedere.Viste<br />
le mostre in Italia<br />
Salvatore Provino<br />
Il Guggenheim<br />
L’avanguardia americana<br />
Fausto Melotti<br />
Yayoi Kusama<br />
Photo<br />
Aniello Barone<br />
Cayetano Arcidiacono<br />
Angelo Pitrone<br />
Il racconto<br />
Ignazio Apolloni<br />
La materia poteva<br />
non esserci<br />
A<br />
BIMESTRALE D’ARTE 7<br />
www.artantis.<strong>info</strong><br />
RT Antis<br />
i n f o<br />
gennaio febbraio duemiladodici distribuzione gratuita<br />
In copertina<br />
Salvatore Provino
Il grande Maestro (Part.)<br />
acrilico su doppia pannellatura<br />
Studio<br />
Via Nostra Signora della Scala, 49<br />
10023 Chieri (To) Tel. +39 320.7680015<br />
VITTORIOVARRE’<br />
www.varreart.com<br />
i n f o @ v a r r e a r t . c o m<br />
RENATO LIPARI<br />
Fondamenta S. Biagio 795<br />
Giudecca 30133 Venezia<br />
Tel 041.7241182 - 340.8798327 Fax 041.989614<br />
www.giudecca795.it<br />
Movimento, 2011<br />
euro triturati su tela<br />
cm 18x24
A<br />
BIMESTRALE D’ARTE 7<br />
gennaio febbraio duemiladodici<br />
<strong>Artantis</strong>.<strong>info</strong><br />
Bimestrale d’arte<br />
www.artantis.<strong>info</strong><br />
<strong>info</strong>@artantis.<strong>info</strong><br />
Direttore responsabile<br />
Beniamino Daniele<br />
Direttore artistico<br />
Vincenzo Silvano<br />
vincenzo@artantis.<strong>info</strong><br />
Hanno collaborato a questo numero<br />
Ignazio Apolloni<br />
Martha Mary Friel<br />
Massimiliano Alberico Grasso<br />
Giovanna Grossato<br />
Araxi Ipekjian<br />
Gianfranco Labrosciano<br />
Pasquale Lettieri<br />
Silvia Neri<br />
Marcello Palminteri<br />
Barbara Rotta<br />
Vincenzo Silvano<br />
Paolo Tricase<br />
Progetto grafico e impaginazione<br />
www.zeroottounografica.it, Napoli<br />
artantis@zeroottounografica.it<br />
Editore<br />
<strong>Artantis</strong>.Associazione Culturale, Napoli<br />
www.artantis.it - <strong>info</strong>@artantis.it<br />
Stampa<br />
Officine Grafiche<br />
Francesco Giannini & Figli S.p.a, Napoli<br />
La collaborazione ad <strong>Artantis</strong>.<strong>info</strong> è da considerasi del tutto gratuita<br />
e non retribuita. In nessun caso si garantiscono la restituzione dei<br />
materiali giunti in redazione. Gli scritti pubblicati impegnano solo la<br />
responsabilità dell’autore. Senza preventiva autorizzazione è vietata<br />
ogni riproduzione integrale e parziale di testi ed immagini.<br />
Anno 3, Numero 7. Registrazione: Tribunale di Napoli<br />
© 2012 <strong>Artantis</strong>.Associazione Culturale, Napoli<br />
www.artantis.<strong>info</strong><br />
RT Antis<br />
i n f o<br />
EDITORIALE<br />
Questo settimo numero di <strong>Artantis</strong>.<strong>info</strong> (che è anche il<br />
primo di quest’anno), è il prodotto tangibile della continuità<br />
dell’impegno che l’Associazione che ho l’onore di<br />
dirigere porta avanti con coraggio e convinzione. Sono<br />
tanti gli obiettivi che ci siamo posti per la valorizzazione<br />
dell’arte e degli artisti contemporanei. Non a caso stiamo<br />
potenziando la nostra presenza nel territorio nazionale,<br />
con una massiccia presenza nelle principali fiere,<br />
nelle mostre, in presentazioni e appuntamenti d’arte.<br />
Non solo: l’organizzazione di un nutrito ciclo di eventi<br />
(ben pubblicizzati in questo numero) ci ha permesso di<br />
conoscere da vicino realtà diverse, aprendo la porta a<br />
scambi culturali che, ne sono certo, porteranno a significativi<br />
risultati. Come sempre, pertanto, ringrazio tutti gli<br />
artisti (sempre più numerosi), i galleristi, gli appassionati<br />
che ci seguono in questa nostra avventura. E ringrazio,<br />
naturalmente, tutti i lettori, a cui ricordo di rinnovare la<br />
loro fiducia attraverso l’abbonamento annuale. Per un<br />
nuovo anno … con <strong>Artantis</strong>!<br />
<strong>Artantis</strong>.Associazione Culturale<br />
Vincenzo Silvano<br />
In copertina<br />
Salvatore Provino<br />
Un profeta, 2006<br />
olio su tela, cm 150x100<br />
courtesy dell’artista<br />
Mostre<br />
a cura di AgendArte Studio.it<br />
www.agendartestudio.it<br />
4<br />
Salvatore Provino<br />
Effetti collaterali<br />
di Marcello Palminteri<br />
6<br />
Enrico Mitrovich<br />
Il giardino segreto<br />
di Giovanna Grossato<br />
12<br />
Il Racconto<br />
La materia poteva non esserci<br />
di Ignazio Apolloni<br />
16<br />
Il Guggenheim<br />
L’avanguardia americana 1945-1980<br />
di Massimiliano Alberico Grasso<br />
8<br />
Aniello Barone<br />
Photo<br />
di Pasquale Lettieri<br />
13<br />
Biblioteca del mercato<br />
L’economia dell’arte contemporanea<br />
di Marta Mary Friel<br />
20<br />
Fausto Melotti<br />
MADRE Napoli<br />
di Pasquale Lettieri<br />
10<br />
Yayoi Kusama<br />
al Centre Pompidou<br />
di Silvia Neri<br />
14<br />
Palermo Cordoba / AR<br />
C. Arcidiacono - A. Pitrone<br />
di G. Gabriella Pagano<br />
11<br />
Primo Piano<br />
24<br />
Enrico Meo<br />
di Gianfranco Labrosciano<br />
32<br />
Rita Fasano<br />
di Gianfranco Labrosciano<br />
36<br />
Maria Rosa Scalco<br />
di Araxi Ipekjian<br />
38<br />
Bios Vincent<br />
a cura della redazione<br />
SOMMARIO<br />
ARTA ntis.<strong>info</strong><br />
3
ARTA ntis.<strong>info</strong> MOSTRE<br />
4<br />
a cura di AgendArte Studio.it<br />
www.agendartestudio.it<br />
ALESSANDRIA<br />
Giò Pomodoro<br />
Il percorso di uno scultore 1954-2001<br />
Palazzo del Monferrato e sedi varie<br />
Via San Lorenzo 21<br />
Fino al 30 aprile 2012<br />
ANCONA<br />
Le mouvement sculpté<br />
Il movimento scolpito<br />
Museo Tattile statale Omero<br />
Via Tiziano, 50<br />
fino al 30 aprile 2012<br />
FANO<br />
Pier Luigi Nervi<br />
L’architettura molecolare<br />
Palazzo Corbelli<br />
Via Arco d’Augusto, 47<br />
Fino all’8 gennaio 2012<br />
AOSTA<br />
Andy Warhol<br />
Dall’Apparenza alla Trascendenza<br />
Centro Saint-Benin<br />
via Bonifacio Festaz, 27<br />
Fino al 31 marzo 2012<br />
BERGAMO<br />
Il Belpaese dell’arte<br />
Etiche ed estetiche della nazione<br />
GAMeC<br />
Via San Tomaso, 53<br />
Fino al 19 febbraio 2012<br />
| Andy Wharol<br />
CATANZARO<br />
Enzo Cucchi<br />
Opere<br />
MARCA - Museo delle Arti Catanzaro<br />
via Alessandro Turco, 63<br />
Fino al 1 aprile 2012<br />
CHIETI<br />
Keith Haring<br />
Il murale di Milwaukee<br />
Galleria Gruppo Credito Valtellinese<br />
Corso Magenta n. 59<br />
Fino al 19 febbraio 2012<br />
FERRARA<br />
Joaquin Sorolla<br />
Giardini di luce<br />
Palazzo dei Diamanti<br />
Corso Ercole I D’Este, 21<br />
Fino al 17 giugno 2012<br />
GENOVA<br />
Van Gogh<br />
e il viaggio di Gauguin<br />
Palazzo Ducale<br />
Piazza Matteotti, 9<br />
Fino al 15 aprile 2012<br />
| Paul Gauguin<br />
MILANO<br />
La Transavanguardia<br />
Italiana<br />
Palazzo Reale<br />
Piazza del Duomo, 12<br />
Fino al 4 marzo 2012<br />
| Francesco Clemente<br />
MILANO<br />
Pixar<br />
25 anni di animazione<br />
Villa Manin<br />
Via di Passariano di Codroipo<br />
Fino al 14 febbraio 2012<br />
NAPOLI<br />
Rock Off<br />
2<br />
PAN-Palazzo delle Arti<br />
Via dei Mille, 60<br />
Fino al 26 febbraio 2012<br />
PRATO<br />
Mario Mariotti<br />
Opere<br />
Centro per l’Arte contemporanea Luigi Pecci<br />
Via della Repubblica, 277<br />
Fino al 30 aprile 2012<br />
| Mario Mariotti<br />
RAVENNA<br />
Francesco Bombardi<br />
Oniriche migrazioni<br />
Museo Nazionale<br />
Via Fiandrini<br />
Fino al 29 aprile 2012<br />
ROMA<br />
Kim Minjung<br />
Il segno della luce<br />
MACRO Testaccio<br />
Piazza Orazio Giustiniani<br />
Fino al 4 marzo 2012<br />
ROMA<br />
Ludovico Quaroni<br />
Disegni e schizzi<br />
Museo delle Arti del XXI Secolo<br />
Via Guido Reni, 4A<br />
Fino al 4 marzo 2012<br />
| Ludovico Quaroni<br />
TORINO<br />
Josef Koudelka<br />
Traces<br />
Fondazione Merz<br />
Via Limone 24<br />
Fino all’8 aprile 2012
DA VEDERE<br />
ARTA ntis.<strong>info</strong><br />
salvatore<br />
p r o v i n o<br />
effetti collaterali<br />
di Marcello Palminteri<br />
Il percorso pittorico di Salvatore Provino, ben testimoniato<br />
dalla mostra in corso a Palermo nei saloni del piano nobile<br />
di Palazzo Sant’Elia (a cura di Ezio Pagano, testo in catalogo<br />
di Giorgio di Genova, coordinamento di Vincenzo<br />
Di Tanto) racconta di una personalissima interpretazione<br />
della fenomenologia naturale, concentrata nel perimetro<br />
di opere che dalle piccole alle grandissime dimensioni,<br />
riferiscono di un artista originalissimo ed autentico. L’astrazione<br />
è per Provino il luogo dove condensare la sua percezione<br />
del mondo e l’emozione, dove è materialmente<br />
possibile, attraverso l’artificio, allargare l’esperienza del<br />
vero che ci circonda, liberando le convenzioni tecniche<br />
dalla “tirannia” della “ri-produzione”, per generare nuove<br />
immagini, nuove ipotesi del visto e del vissuto. Un tuffo nel<br />
caos, come direbbe Deleuze, capace di produrre un collasso<br />
dei codici della rappresentazione; un momentaneo<br />
crollo che non significa rinuncia alla figurazione che, anzi,<br />
riappare in forma di sensazione, area di nuove possibilità<br />
e germinazione di nuova vita. Lo spazio del quadro diventa<br />
allora lo spazio dell’evento; vale a dire ciò che accade<br />
all’improvviso e mostra il mondo in modo nuovo e diverso<br />
segnando il momento di un incontro travolgente che<br />
prende alla sprovvista, proprio perché si verifica in modo<br />
imprevedibile. In tal senso il lavoro dell’artista siciliano si<br />
caratterizza per la disponibilità che offre e per essere il<br />
frutto maturo di una poetica in cui ciò che è sulla tela non<br />
è solo immagine ma anche vicenda strettamente legata<br />
alla biografia e, per questo, capace di annullare ogni distinzione<br />
tra arte e vita. E’ contemporaneamente traccia<br />
e rinascita, parte di una dualità tra l’ideale dell’arte e il<br />
pragmatismo dell’essere. Al di là, solo una idealizzazione<br />
proteiforme in cui l’artista mette a fuoco il “soggetto”<br />
del dipinto, spesso segnalato nel titolo (Caro Rembrandt,<br />
Nell’Isola di Vulcano, Un profeta, Dal Cavaliere Azzurro,<br />
Gola di luce nei corpi, …) che metterà in evidenza l’inclusione<br />
del suo lavoro nel campo della mitologia, della<br />
6<br />
storia, dell’appartenenza geografica, creando in ogni<br />
opera quegli “Effetti Collaterali” che è il titolo più appro- 7<br />
Gola di luce nei corpi 2005<br />
priato che questa mostra poteva possedere. La tela è il<br />
olio su tela, cm 150x100<br />
territorio conflittuale in cui texture, contrasti, sfumature,<br />
toni, nella loro opposizione si scontrano e dove la carica<br />
delle forze contrarie si scioglie nel riposo. Per questo l’opera<br />
di Salvatore Provino perviene sempre ad una struttura<br />
che non perde mai di vista una solida finalità pittorica,<br />
una armonia interna assolutamente musicale, come avviene,<br />
per esempio, nella musica di Luciano Berio, dove<br />
elementi tanto diversi tra loro si assestano nelle tessiture<br />
della scrittura s<strong>info</strong>nica. Il segno, come una precisa orchestrazione,<br />
si dilata sulla superficie, l’arricchisce di cromatismi<br />
vivificati da impasti densi e filamentosi, che manifestano<br />
un chiaro carattere metamorfico, un movimento<br />
di trasformazione che agisce dall’interno. Spazi e forme si<br />
fondono in atmosfere ora di acquosa trasparenza, ora di<br />
impalpabili fiamme, quasi in contrapposizione alla fisicità<br />
di cui l’opera stessa è impregnata. Così Provino propone<br />
la sua visione del mondo. Questi gli “effetti collaterali”<br />
dell’arte e della sua vita di artista.<br />
Nell’Isola di Vulcano 2006<br />
olio su tela, cm 100x100<br />
Dal Cavaliere Azzurro 2008<br />
olio su tela, cm 50x40<br />
Alba 2008<br />
olio su tela, cm 200x150<br />
Caro Rembrandt 2006<br />
olio su tela, cm 200x150<br />
fino all’8 aprile 2012<br />
Palazzo Sant’Elia<br />
Via Maqueda, 81 - 00134 Palermo<br />
www.provincia.palermo.it
DA VEDERE<br />
ARTA ntis.<strong>info</strong><br />
Il Guggenheim<br />
L’avanguardia americana 1945-1980<br />
di Massimiliano Alberico Grasso<br />
La difficoltà maggiore per un fruitore che si avvicina al mondo<br />
dell’arte è concepire e far propria un‘opera astratta o <strong>info</strong>rmale.<br />
Da sempre la domanda più frequente che ci si pone è<br />
cosa voglia trasmettere l’artista con un determinato tipo di<br />
lavoro, privo di figure, di forme, di elementi ben decodificabili.<br />
Per gli addetti ai lavori verrebbe spontaneo affermare che,<br />
dinnanzi ad un’opera, qualsiasi sia la natura, bisognerebbe<br />
lasciarsi andare, mettere da parte il razionale e lasciare libero<br />
sfogo al sentimento. In poche parole: far propria l’opera<br />
con cui si è entrati in contatto. Purtroppo, nella maggior parte<br />
dei casi, lo spettatore privo di conoscenza, ma comunque<br />
sensibile, non riesce a relazionarsi nelle modalità più semplici<br />
come quelle appena descritte. Oggi viviamo in un tempo<br />
in cui la conoscenza della storia in generale si è fermata, o<br />
meglio, si è preoccupata di istruire e tramandare quello che<br />
ha interessato una parte del nostro tempo, creando quasi un<br />
limite invalicabile che non va oltre la barriera della Seconda<br />
Guerra Mondiale. Successivamente è come se la storia<br />
si fosse fermata e di conseguenza anche il tempo. La causa<br />
sarebbe da ricercare in quella più lontana formazione primaria<br />
che, non curante dei processi storico-evolutivi succedutisi<br />
dalla seconda metà del Novecento, ci ha resi insensibili e mal<br />
predisposti a recepire le trasformazioni socio culturali che,<br />
all’avviso di molti, potrebbero apparire irrilevanti ma che, al<br />
contrario, hanno modificato l’assetto globale e socio-culturale<br />
del mondo attuale. Per l’arte il discorso non è poi così<br />
differente. Infatti, effettuando un’analisi temporale, l’Astrattismo<br />
con tutte le correnti ad esso collegate, resta una tecnica<br />
assai recente, che si diffonde a partire dai primi decenni del<br />
XX sec. L’espressione massima esplode tonante a partire dagli<br />
anni ‘50 con il confluire di diverse correnti culturali nell’Espressionismo<br />
Astratto, tipico movimento americano.<br />
8 Gift, The Mark Rothko Foundation, Inc., 1986<br />
ture cromatiche date dai gesti spontanei tipici del lavoro di<br />
9<br />
Quest’anno è possibile usufruire di un approfondimento culturale<br />
in grado di illustrare in maniera esauriente il percorso<br />
evolutivo dell’arte e delle avanguardie che hanno caratterizzano<br />
gli anni compresi tra il 1940 e il 1980. Infatti con il<br />
nuovo anno si apre una la stagione dedicate alle grandi<br />
mostre internazionali. Dal 7 febbraio è visitabile al Palazzo<br />
delle Esposizioni di Roma Il Guggenheim. L’avanguardia<br />
Americana 1945-1980: sessanta capolavori della collezione<br />
permanente della Solomon R. Guggenheim Foundation.<br />
La mostra, curata da Lauren Hinkson, ripercorre quasi quarant’anni<br />
di tendenze contemporanee che caratterizzarono<br />
la seconda metà del ‘900, con opere dei più grandi maestri<br />
dell’avanguardia americana. Più di 50 gli artisti in esposizione<br />
come Jackson Pollock, Mark Rothko, Roy Linchtenstein,<br />
Andy Warhol, Richard Serra, Chuck Close.<br />
Mark Rotko (1903-1970)<br />
Untitled, 1947<br />
olio su tela, cm 121x90,1<br />
Solomon R. Guggenheim Museum, New York<br />
Il Guggenheim. L’avanguardia americana 1945-1980, con le<br />
opere di questi artisti, effettua in maniera dettagliata e assai<br />
meticolosa, una panoramica significativa sulla storia artistica<br />
del paese, rimarcando in maniera sostanziale i movimenti<br />
dell’arte statunitense, dall’Espressionismo Astratto alla Pop<br />
Art, dal Minimalismo al Post Minimalismo, dall’Arte Concettuale<br />
al Fotorealismo. Attraverso una straordinaria selezione<br />
(proveniente dall’intero circuito Guggenheim, Solomon<br />
Guggenheim di New York, Peggy Guggenheim di Venezia,<br />
Guggenheim Museum di Bilbao), di opere pittoriche, scultoree,<br />
fotografiche, viene esaminato un particolare periodo<br />
segnato da sfide radicali senza precedenti, contro quella tradizione<br />
consolidata dell’arte canonica troppo statica per il<br />
XX secolo. La mostra è divisa in sei sezioni. Il percorso si avvia<br />
con gli anni immediatamente successivi alla seconda Guerra<br />
Mondiale, quando l’Espressionismo Astratto iniziò a diffondersi<br />
attirando le attenzioni internazionali su un gruppo di artisti attivi<br />
a New York, così da rendere gli Stati Uniti il centro globale<br />
dell’arte moderna. Nelle prime sale ci si confronta con gli approcci<br />
ancora ingenui di questo gruppo di giovani talentuosi<br />
che iniziavano a relazionarsi con l’astrattismo. Infatti L’Espressionismo<br />
Astratto convogliava in esso, una fervida cerchia<br />
di correnti culturali, tanto da rendere New York la capitale<br />
dell’avanguardia. Molti dei nomi presentati in mostra devono<br />
il proprio successo alla Art of This Century, celebre galleriamuseo<br />
fondata da Peggy Guggenheim, nipote del più famoso<br />
Solomon. Ella ebbe un ruolo fondamentale nel panorama<br />
artistico di quegli anni, contribuendo con la sua galleria a<br />
creare un luogo ideale per il dialogo tra due generazioni a<br />
confronto: quella proveniente dagli artisti dell’avanguardia<br />
Jackson Pollock (1912-1956)<br />
Untitled (Green Silver), 1949<br />
smalto e vernice alluminio su carta applicata su tela, cm 57,8 x 78,1<br />
Solomon R. Guggenheim Museum, New York<br />
Gift, Sylvia and Joseph Slifka, 2004<br />
europea, rifugiatisi in America per sfuggire alla guerra, e la<br />
giovane generazione formata da nomi ancora sconosciuti ai<br />
più, come William Baziones, Arshile Gorky, Robert Morherwell,<br />
Jackson Pollock e Mark Rothko. Un gruppo diventato collettivamente<br />
noto come New York School. La terza sezione è<br />
occupata dalle nuove tendenze della pittura astratta degli<br />
anni ‘50 , dove gli artisti come Frank Stella o Kenneth Noland<br />
si distaccarono dalla corrente espressionista della New York<br />
School per volgere la ricerca sui valori fondamentali della<br />
pittura e i suoi elementi: linea, campitura, forma, colore. Prediligendo<br />
la geometria e la precisione, evitarono le sfuma-<br />
Pollock o de Kooning. Il percorso continua giungendo agli<br />
anni ‘60 e all’avvento della Pop Art. Rinnegati nuovamente i<br />
principi della scuola di New York, lontani dalle ideologie estetiche<br />
naturali da essa professata, pionieri della new art come<br />
Andy Warhol e Roy Linchenstein decisero di sconvolgere<br />
sfrontatamente il panorama culturale, facendo dell’estetica<br />
mediatica il punto di forza di un nuovo movimento che segnerà<br />
il corso della storia dell’arte. Il mondo commerciale, la<br />
stampa commerciale, il prodotto industriale, seriale, entrano<br />
prepotentemente nell’arte figurativa. Ciò che ne deriva è un<br />
artefatto figlio della politica di mercato, imitazione o mistificazione,<br />
di una società consumistica. Provocazione e critica<br />
della cultura popolare. Quinta e sesta sezione della mostra<br />
sono dedicate alle correnti che caratterizzarono primi anni<br />
sessanta: il Minimalismo, il Post minimalismo, l’Arte Concettuale<br />
e i primi collezionisti che si appassionarono al nuovo<br />
concetto di arte ( Robert Mangoll, Robert RYman, Dan Flavin,<br />
Donald Judd). Tra gli italiani emerge la figura del conte<br />
Giuseppe Panza di Biumo, che concentrò nella residenza<br />
di famiglia a Varese una delle più vaste collezioni di opere<br />
minimaliste, postminimaliste, concettuali. Tra le tante eredità<br />
della Pop Art va ricordata la pittura foto realista a cui è dedicata<br />
la sezione finale della mostra. Artisti come Robert Bechtle,<br />
Tom Blackwell, e Richard Estes ricorrono alla fotografia per<br />
documentare le <strong>info</strong>rmazioni, successivamente trasposte su<br />
tele di grandi dimensioni, realizzata con la tecnica ad olio<br />
e riprodotte a mano con precisione estrema. Nel perseguire<br />
obiettivi molto vicini il Fotorealismo deve molto alla Pop Art,<br />
differenziandosi però dal non voler trasmettere messaggi<br />
provocatori e ironici, ma bensì un’obiettività paragonabile<br />
alla neutralità meccanica della fotografia.<br />
Roy Lichtenstein (1923-1997)<br />
Grrrrrrrrrrr!!, 1965<br />
olio e magna su tela, cm 172,7 x 142,5<br />
Solomon R. Guggenheim Museum, New York<br />
Gift of the artist, 1997 Andy Warhol (1928-1987)<br />
Orange Disaster #5, 1963<br />
smalto acrilico e serigrafia su tela<br />
cm 269,2 x 207<br />
Solomon R. Guggenheim Museum, New York<br />
Gift, Harry N. Abrams Family Collection, 1974<br />
Charles Bell (1923-1997)<br />
Gum Ball No. 10: “Sugar Daddy”, 1975<br />
olio su tela, cm 167,6 x 167,6<br />
Solomon R. Guggenheim Museum, New York<br />
Purchased with funds contributed by Stanley and Sheila Cooper, 1975<br />
Il Guggenheim. L’avanguardia americana 1945-1980, ennesima<br />
lodevole iniziativa firmata Palazzo delle Esposizioni e<br />
Guggenheim. Quest’ultima dal 1937 attraverso la Solomon<br />
R. Guggenheim Foundation, si dedica alla promozione della<br />
comprensione e conoscenza dell’arte moderna e contemporanea.<br />
Attualmente fanno parte del circuito il Guggenheim<br />
Museum di New York, Peggy Guggenheim Collection<br />
di Venezia, Guggenheim Museum di Bilbao, The Deutsche<br />
Guggenheim di Berlino.<br />
7 febbraio - 6 maggio 2012<br />
Palazzo delle Esposizioni<br />
Via Nazionale, 194 - 00184 Roma<br />
www.palazzoesposizioni.it
DA VEDERE<br />
ARTA ntis.<strong>info</strong><br />
10<br />
FAUSTO MELOTTI<br />
M A D R E N A P O L I<br />
di Pasquale Lettieri<br />
Continua presso il MADRE a Napoli la grande mostra antologica<br />
dedicata a Fausto Melotti (Rovereto 1901 - Milano<br />
1986) a cura di Germano Celant e organizzata in collaborazione<br />
con l’Archivio Fausto Melotti. Riconosciuto da<br />
tempo, sia a livello nazionale che internazionale, come i<br />
suoi contemporanei Alexander Calder, Alberto Giacometti,<br />
Louise Bourgeois e Lucio Fontana, quale figura chiave<br />
nell’ambito della scultura moderna e contemporanea,<br />
Melotti si è contraddistinto per essere stato, sin dagli inizi<br />
degli anni trenta, tra i più significativi protagonisti del rinnovamento<br />
e dello sviluppo del linguaggio plastico e materico.<br />
La particolare capacità con cui l’artista è riuscito<br />
a coniugare la tradizione classica con gli interessi per le<br />
avanguardie europee, la conoscenza scientifica con una<br />
particolare sensibilità musicale, il talento scultoreo con<br />
quello di ceramista, la raffinata abilità letteraria e creatività<br />
poetica con la ricercatezza del disegnatore, sono tutte<br />
qualità che hanno contribuito ad affermarlo come uno<br />
dei talenti artistici più rilevanti del XXI secolo. 200 opere tra<br />
terrecotte, maioliche e gessi, sculture a tecnica mista e in<br />
ferro, ceramiche e lavori in inox, disegni e bozzetti, tracciano<br />
il percorso scultoreo di Melotti più strettamente legato<br />
al mondo delle arti visive. Seppure incentrata prevalentemente<br />
sulle sculture e i bassorilievi, l’esposizione al MADRE,<br />
fornisce l’occasione per una lettura approfondita e analitica<br />
della complessa figura di Melotti contraddistintosi per<br />
la particolare versatilità linguistica che gli ha permesso di<br />
attraversare i diversi campi della pittura, della scultura,<br />
della ceramica, della poesia, del disegno e della musica.<br />
Un universo di poesia e di musica plastica che sarà messo<br />
in storia e in racconto dall’intreccio e l’osmosi di un artista<br />
come Melotti e le vicende della cultura italiana moderna<br />
e internazionale. Intrecciati a queste sequenze, le sale del<br />
museo ospitano altri attraversamenti scultorei di Melotti<br />
legati a materiali come l’inox oppure affidati alla produzione<br />
di vasi e di oggetti in ceramica, tra cui spettacolari<br />
rilievi in cui il colore quanto le figure arrivano a formare<br />
storie e immagini sorprendenti: “Un agitarsi tra le essenze<br />
riconosciute di un codice scultoreo, oscillante tra il registro<br />
materiale e l’impeto mentale, tra la memoria e la ricerca,<br />
che permette a Melotti di attuare spostamenti linguistici<br />
continui, che forniscono un incanto sistematico al suo paesaggio<br />
d’artista” (Celant). Melotti si rifugia nell’intimità<br />
La sposa di Arlecchino 1979<br />
ottone, gesso, tessuto, carta, cm 153x63x55<br />
Senza titolo 1950<br />
ceramica smaltata, cm 52x51,7x7,2<br />
delle piccole cose, fatte in ceramica e cotte nella piccola<br />
muffola nello studio, quasi volesse riconoscere l’agonia<br />
e la fine di un esemplarità umanistica, spostando così<br />
l’attenzione dal mondo classico delle forme e dei grandi<br />
ideali ad una nuova soggettività, che ora è legata ad una<br />
concezione naturalistica e favolistica tra essere e mondo.<br />
fino al 9 aprile 2012<br />
MADRE Museo d’Arte Donna Regina<br />
Via Luigi Settembrini, 79 - 80139 Napoli<br />
www.museomadre.it<br />
Angelo Pitrone<br />
Licata, 2009<br />
Dagli scatti di due noti fotografi siciliani d’origine, Cayetano<br />
Arcidiacono e Angelo Pitrone, viene presentata nel<br />
Giugno del 2011 a Cordoba la mostra dal titolo “Palermo<br />
Cordoba andata e ritorno”. Nati nella prima metà del 900,<br />
il primo si trasferisce già negli anni ‘50 in Argentina, il secondo<br />
invece rimarrà nella sua regione d’origine (vive ad<br />
Agrigento) insegnando Storia e tecnica della fotografia<br />
all’Università di Palermo. Cayetano Arcidiacono e Angelo<br />
Pitrone, entrambi nati in una terra ricca di storia, cultura e<br />
tradizioni, utilizzano il medium della fotografia come strumento<br />
per restituire e restituirci ciò che di magico e intimo<br />
i loro occhi hanno saputo cogliere nell’osservare i posti e<br />
i luoghi da loro vissuti o semplicemente osservati. Come<br />
protagonisti di un viaggio silenzioso Arcidiacono ci dà la<br />
possibilità di entrare nell’intimo connubio che con un solo<br />
scatto riesce a creare tra sé e le infinite forme e geometrie<br />
che la natura possiede. Forme pure, delicate e soffuse<br />
riescono contemporaneamente ad essere forti, incisive e<br />
ad emergere in maniera netta da uno sfondo quasi assente,<br />
ma dalla contemporanea sensazione di stordimento<br />
provata già al primo sguardo. Utilizzando un linguaggio<br />
binario, apparentemente semplice, ma in realtà costruito<br />
su una dialettica dei contrasti, il bianco e nero di Arcidiacono<br />
evoca nella nostra mente e nei nostri occhi una<br />
sensazione soave, di silenzio e calma (Rio Mendoza) mista<br />
quasi ad una leggera inquietudine (Tranquera) data da<br />
cieli cupi e distese illimitate. A questa ricerca equilibrata<br />
e controllata e al rigore di un linguaggio bicolore si accostano<br />
le fotografie di Angelo Pitrone, rigorosamente a<br />
colori. Formatosi nei primi anni ‘70, anche lui muove i primi<br />
passi tra il bianco e il nero, accostandosi però fin da subito<br />
al mondo della fotografia dai toni vivaci e vitali. Nel caso<br />
di “Palermo Cordoba andata e ritorno”, mostra riproposta<br />
alla Galleria X3 di Palermo ritroviamo tutta la sicilianità<br />
da lui sempre ricercata. Come due treni che viaggiano su<br />
due binari paralleli anche Pitrone, come Arcidiacono, ci<br />
restituisce distese, scorci e infinite geometrie, ma stavolta<br />
indagando “tra le smorfie di un paesaggio che pare raccontare<br />
una primordialità mai superata”, come ricorda<br />
Emilia Valenza nella presentazione delle mostra. Il colore<br />
cattura il nostro sguardo, ci ancora davanti scatti che si<br />
trasformano in dimensione religiosa (Licata 2009), si fanno<br />
portavoce di una densità materica tipica dell’<strong>info</strong>rmale<br />
(Comiso, Strada Provinciale 7) o ci riportano nell’entroterra<br />
siciliano silenzioso, incompleto ma pieno di significati celati<br />
CayetanoArcidiacono AngeloPitrone<br />
Palermo/Cordoba AR<br />
di G. Gabriella Pagano<br />
(Stazione di Butera). Tale percorso iniziato in Argentina<br />
termina a Palermo, dove il 22 Gennaio alle ore 18.00, alla<br />
Galleria X3 si è inaugurata l’omonima mostra “Palermo<br />
Cordoba andata e ritorno” curata da Emilia Valenza ed<br />
Ezio Ferreri, accompagnata da un catalogo della collana<br />
“I tascabili dell’arte”, edito da Ezio Pagano. Attraverso un<br />
corpus di 15 opere si sono messi nuovamente a confronto<br />
i due fotografi siciliani d’origine, ma osservatori del mondo<br />
di adozione.<br />
Cayetano Arcidiacono<br />
Tranquera<br />
Cayetano Arcidiacono<br />
Rio Mendoza<br />
ARTA ntis.<strong>info</strong> PHOTO<br />
11
VISTE<br />
ARTA ntis.<strong>info</strong><br />
12<br />
Enrico Mitrovich<br />
Galleria Ghelfi Vicenza<br />
Il giardino segreto<br />
di Giovanna Grossato<br />
La preziosa piccola mostra (poco più di una ventina di dipinti<br />
a olio) recentemente conclusasi alla Galleria Ghelfi di Vicenza<br />
dal romantico titolo “Il giardino segreto” è stata un’occasione<br />
per dimostrare di nuovo l’intelligente, sensibile cultura<br />
pittorica di Enrico Mitrovich. Artista veneto (Vicenza 1962) dotato<br />
fine e poetica ironia, egli si serve per esprimere la sua<br />
visione del mondo, oltre al tradizionale cromatico olio su tela,<br />
di titoli sustanziali, che contengono <strong>info</strong>rmazioni scientifiche<br />
ed oggettive con valore traslato. Parte integrante dell’opera,<br />
le sommesse citazioni per nulla saccenti o didascaliche,<br />
sono tratte dalla realtà contemporanea, mediate da una<br />
riflessione leggera e profonda insieme e vanno a costituire<br />
la struttura fondativa di questa serie di dipinti. Nel catalogo<br />
che accompagna la mostra e che include un testo di Francesco<br />
Mezzalira, “Elogio del giardino”, Mitrovich stesso rivela<br />
il significato metaforico del “The secret garden”, mutuato dal<br />
romanzo di Frances H.Burnett: se si sostituiscono alle varietà<br />
arboree i quadri, una galleria o una collezione d’arte può trasformarsi<br />
in un giardino di cui un bravo gallerista, un curatore<br />
o un collezionista diviene giardiniere. Egli, scegliendo con<br />
cura le piante, riuscirà sia a valorizzarne le singole qualità in<br />
un contesto non originario (lo studio dell’artista), sia ad armonizzarne<br />
la presenza come insieme. Anche questa capacità<br />
di Mitrovich nel cogliere “affinità elettiva fra due discipline diverse,<br />
la botanica e la pittura” è un’attitudine di chi sa guardare<br />
prima ancora che rappresentare. Comune ai bambini,<br />
ai poeti e agli artisti, l’istinto di lasciarsi condurre dalla curiosità<br />
e dall’immagamento è una caratteristica del fare e del pensare<br />
di Mitrovich: un po’ scienziato e un po’ visionario, consapevole<br />
che - come scrisse il grande architetto Louis Khan-<br />
“Il senso della meraviglia è così importante per noi perché<br />
precede la conoscenza. Precede la cultura.” Oltretutto con<br />
la sua opera Mitrovich entra, senza l’aria di volerci entrare,<br />
anche nel vivo di un dibattito molto presente oggi a livello<br />
globale, relativo alle responsabilità etiche di figure (galleristi,<br />
curatori, collezionisti, istituzioni, mecenati, mercanti e, ovviamente,<br />
artisti) che, a diverso titolo, si muovono sulle opere<br />
d’arte. Del tutto congrui, dunque, i titoli che l’artista assegna<br />
ai propri dipinti: dettagliati e circostanziati, essi non coinvolgono<br />
solamente i soggetti naturalistici, che hanno tuttavia<br />
da parte di Mitrovich un’attenzione particolare, ma anche gli<br />
atteggiamenti umani. O, per meglio dire, i diversi aspetti della<br />
natura umana e animale, fortemente interlacciati tra loro, si<br />
offrono all’osservazione artistico-scientifica di Mitrovich. Così<br />
è per gli uccelli - cardellini, pettirossi e lucherini - variamente<br />
impegnati in importanti attività come il Gruppo di cardellini<br />
che visita l’Erbario Sabbati (olio su tela, cm 217x145); oppure<br />
protagonisti, assieme agli uomini, di veri e propri narrazioni<br />
Surf<br />
Una delle tante possibili accezioni del verbo to surf<br />
olio su tela, cm 34x44<br />
Un lucherino visita il giardino segreto di Demetra<br />
Demetra è la dea delle piante. Nel suo giardino segreto protegge e coltiva<br />
piante che la paleobotanica ritiene estinta da 400 milioni di anni<br />
olio su tela, cm 35x46<br />
epiche come in All Blacks Haka against a European Robin.<br />
Anche rinoceronti, zebre, pulcini, pesci o bulldog hanno un<br />
importante ruolo in questa stramba ma acutissima “comedie<br />
humaine” e, naturalmente, a maggior ragione, la stessa razza<br />
umana, come in Visita al Louvre. Ritratto virile in restauro. Malgrado<br />
l’impostazione surreale dei temi, Enrico Mitrovich risulta<br />
un grande interprete della modernità e fa ciò che un artista<br />
deve: parlare, dipingendo, di cose del suo tempo. Le sue<br />
opere intrise di un acuto zeitgeist si pongono come immagine<br />
pittorica intensamente vissuta: l’olio su tela, secondo la più<br />
classica tradizione, interpreta i miti moderni con un linguaggio<br />
perfettamente coerente e dice la sua opinione, affilata, difforme<br />
ma non forzata, priva di ovvietà e, a volte, sottilmente<br />
coinvolta e sofferente. Con un lessico scabro ma di grande di<br />
tenuta espressiva ed estetica, privo di ammiccamenti, anche<br />
quando sembra averne: nel tenero pettirosso in equilibrio su<br />
un soffione. Anche qui si tratta di una piccola analisi sul mondo:<br />
Surf è il titolo dell’olio su tela, cm 44x34. Sottotitolo: “Una<br />
delle tante possibili accezioni del verbo to surf”.<br />
Galleria Ghelfi<br />
Contra’ Pescherie Vecchie, 29 - 36100 Vicenza<br />
www.galleriaghelfi.com<br />
Nell’ambito della sezione “Attori, artisti, poeti al MANN”<br />
della XVII edizione degli “Incontri di Archeologia”, al Museo<br />
Archeologico di Napoli è stata allestita la mostra<br />
fotografica “LITERNUM” del fotografo napoletano Aniello<br />
Barone, organizzata dal Servizio Educativo della Soprintendenza<br />
Speciale per i Beni Archeologici di Napoli<br />
e Pompei di intesa con la Provincia di Napoli, territorialmente<br />
competente per l’area del Foro dell’antica città<br />
romana, e curata da Antonello Scotti. Il luogo dal quale<br />
nasce e prende il titolo questo lavoro è Liternum, sito<br />
Aniello BARONE<br />
Attori, artisti, poeti al MANN<br />
XVII Ed. Incontri di Archeologia<br />
di Pasquale Lettieri<br />
archeologico presso Lago Patria, frazione del comune<br />
di Giugliano in Campania, nella provincia di Napoli, dal<br />
2009 Parco Archeologico. Qui Barone ha “ritratto” l’unica<br />
colonna che svetta sui restanti reperti. Archeologia romana<br />
o industriale, tempio di preghiera o tempio di lavoro,<br />
casa di dei o di fatiche, eternità o tempo? Queste sono<br />
alcune delle domande che ci si pone osservando questo<br />
trittico. Il lavoro è allestito in modo da essere “scoperto”,<br />
rendendo le tre immagini, per come sono state “accomodate”<br />
nello spazio, reperti per lo sguardo. Le tre grandi<br />
foto sono infatti, al centro della sala, rivolte verso la parete<br />
di fondo, e lo spazio utile per guardarle è ridotto al<br />
minimo. Lo spazio diventa elemento dialogante con le<br />
immagini e con chi, guardandole, le pensa. L’ambiente,<br />
cantiere entropico, trasforma il movimento costitutivo<br />
delle tre immagini in orizzonte metastorico. Si forma, così,<br />
un metodo assiomatico per riconoscersi in quanto operai<br />
di traduzione, scopritori. Colonna o ciminiera, reperto o<br />
rudere? Forse, totem residuale della fabbrica della storia.<br />
Aniello Barone, stimato tra più bravi fotografi italiani,<br />
è nato e vive a Napoli. Compiuti gli studi di sociologia,<br />
ha cominciato a dedicarsi alla sua ricerca antropologica<br />
sulle realtà urbane e suburbane dell’area metropolitana,<br />
con uno sguardo speciale agli sviluppi e ai processi evolutivi<br />
dell’immigrazione e delle periferie. Ha esposto i suoi<br />
lavori in varie e prestigiose sedi estere e insegna Sociologia<br />
della Fotografia all’Accademia di Belle Arti di Napoli.<br />
La Napoli di Aniello Barone è la personale visione di un<br />
territorio geograficamente marginale, dei suoi non-luoghi<br />
sempre al centro di progetti di trasformazione e riqualificazione.<br />
Lontano dall’idea di considerare la sua città in<br />
preda a un’emergenza permanente, Barone è in controtendenza<br />
nella ricerca costante della vita che pulsa in un<br />
universo urbano dove è sempre possibile scovare segnali<br />
di un’umanità di passaggio. L’interesse per le subculture,<br />
l’ambiente e la marginalità sociale che da sempre caratterizza<br />
la sua ricerca, si associa a un’esplorazione della<br />
propria terra, condotta attraverso suggestioni improvvise,<br />
accostamenti anche imprevisti, in cui è sempre rintracciabile<br />
un segnale del vivere collettivo comune a tutte le<br />
grandi metropoli del nostro pianeta.<br />
ARTA ntis.<strong>info</strong> PHOTO<br />
13
OLTRECONFINE<br />
ARTA ntis.<strong>info</strong><br />
14<br />
YayoiKusama<br />
In Francia la prima retrospettiva dell’artista giapponese<br />
Parigi Centre Pompidou<br />
di Silvia Neri<br />
“La mia vita è un puntino perso tra migliaia di altri punti”<br />
Yayoi Kusama<br />
Al Centro Pompidou di Parigi abbiamo ammirato la prima<br />
retrospettiva francese dedicata alla giapponese Yayoi Kusama<br />
(1929): un omaggio all’artista che con la sua arte ha<br />
influenzato molto lo sviluppo dell’arte contemporanea. La<br />
capitale francese è solo la prima tappa del viaggio che<br />
questa esposizione toccherà: a seguire il Museo Reina Sofia<br />
a Madrid, la Tate Modern a Londra e il Whitney Museum<br />
of American Art a New York. Ogni città tratterà in maniera<br />
distinta il lavoro di Kusama: esposti in mostra a Parigi centocinquanta<br />
lavori che ripercorrono cronologicamente le<br />
opere e i periodi dagli esordi ai giorni nostri, ossia dal 1949<br />
al 2011. L’esposizione mette in luce il topos ricorrente nella<br />
carriera dell’artista: il punto. Ossessiva allucinazione di un ricordo<br />
d’infanzia legato alla madre, il punto diventa motivo<br />
chiave della sua poetica. Dopo gli studi alla scuola d’arte<br />
di Tokyo, nel 1958 Kusama si trasferisce a New York dove<br />
ha inizio il periodo di massima sperimentazione: dalla pittura<br />
alla scultura, dalla performance al video, un crescendo<br />
di idee della società contemporanea entrano nell’arte. Le<br />
prime sperimentazione sono sul colore dove le grandi tele<br />
monocrome dichiarano l’intento ossessivo e maniacale<br />
della ricerca artistica intorno al punto. Dal 1961 Kusama<br />
inizia a produrre sculture composte da materiali tessili che<br />
assumono l’essenza dell’accumulazione, ossia di quel processo<br />
di reperimento e assemblaggio di oggetti e, nel caso<br />
di Yayoi Kusama, di articoli uguali a se stessi, incollati vicini e<br />
ripetuti all’infinito. L’esigenza di manifestare le sue ossessioni<br />
si attua in un’espansione che trova espressione nell’istallazione<br />
fino ad arrivare al 1966, data della prima performance.<br />
Sono gli anni che preludono il ‘68 e il clima trasgressivo<br />
politico e sessuale non può fare a meno di entrare nei<br />
suoi lavori e divenire arte: l’amore, il corpo, la politica e la<br />
società sono i temi che ricorrono in questa fase artistica.<br />
Dopo il rientro in Giappone nel 1973, Kusama turbata da un<br />
fragile stato mentale, realizza in questo buio periodo collages<br />
e morbide installazioni. Negli anni ‘80 e ‘90, l’artista<br />
giapponese inizia a creare polittici di grande formato, tele<br />
che suggeriscono l’espansione infinita del campo visivo<br />
e perseguono così l’idea di ripetizione e infinito. In mostra<br />
sono presenti anche le installazione, tra cui spicca quella<br />
realizzata nel 1993 per la Biennale di Venezia dove l’artista<br />
Veduta della mostra<br />
Centre Pompidou, Parigi (10 ottobre 2011 - 9 gennaio 2012)<br />
era stata invitata ad allestire il padiglione giapponese: si<br />
tratta di un’esperienza sensoriale all’interno di uno spazio<br />
che tende all’infinito grazie al processo di ripetizione dello<br />
specchio applicato su ogni parete. La mostra, è un percorso<br />
dentro un’artista: Yayoi Kusama ha studiato, realizzato<br />
e vissuto l’arte, ha colpito per le sue ossessioni, ha impressionato<br />
con le performance, ha reso il pubblico partecipe<br />
del suo mondo grazie alle installazioni. Interessanti gli ultimi<br />
dipinti dell’artista: una serie di trentuno opere realizzate<br />
ponendo la tela orizzontalmente e dipingendo come nella<br />
tradizione della calligrafia orientale. All’età di 82 anni, la<br />
geniale Yayoi Kusama lavora dall’ospedale psichiatrico in<br />
cui è ricoverata. Questa esposizione racconta come le trasposizioni<br />
allucinogene e ossessive dell’artista siano per lei<br />
la cura alla stessa malattia che l’affigge: un mondo a pois<br />
che altera la percezione del mondo creando rassicurante<br />
smarrimento nella continua ripetizione all’infinito. Yayoi Kusama,<br />
genio e follia.
IL RACCONTO<br />
di IGNAZIO APOLLONI<br />
16<br />
La materia<br />
poteva non esserci<br />
In quel torno di tempo avevo ben altro da fare che occuparmi<br />
di arte. I miei interessi spaziavano dai viaggi verso<br />
la luna, per i quali mi stavo diligentemente allenando,<br />
alla collezione certosina di microrganismi da allevare in<br />
provetta. Non disdegnavo altresì l’allevamento di cuccioli<br />
di cani bastardi che andavo raccattando quando le<br />
loro mamme decidevano di abbandonarli al loro destino.<br />
Cosa volete dunque che mi importasse andare per<br />
mostre, partecipare al rito del taglio del filo di lana per<br />
essere tra i primi a rimanere imbambolato davanti all’ultimo<br />
reperto recuperato in mare o vedere sorgere dal nulla<br />
un miracolo della natura dal greto di un fiume. L’ho già<br />
detto, lo ripeto. Ci sono nel momento del quale parlo più<br />
urgenze che stati di estasi da conquistare per sentirsi a<br />
posto con la coscienza; più progetti per il futuro che non<br />
per il passato. Bando perciò alle chiacchiere e dedichiamoci<br />
a essi.<br />
Eppure, mi rimordeva dentro qualcosa di indefinibile, da<br />
togliermi spesso il sonno. In tali casi mi alzavo dal letto, mi<br />
infilavo il berretto di lana (la mia casa di allora non aveva<br />
riscaldamento), <strong>info</strong>rcavo gli occhiali, davo uno sguardo<br />
distratto alle mie provette e quindi - comodamente seduto<br />
in poltrona - cominciavo a sfogliare libri d’arte. Ad<br />
affascinarmi ovviamente erano i volti e i sorrisi delle donne<br />
rinascimentali, i preziosi ornamenti, i monili scelti con<br />
cura dai vari pittori per mettere in risalto grazia e bellezza.<br />
Per me l’arte era quella e non altro. Tutt’al più potevo<br />
fare qualche eccezione inglobandoci le figure ieratiche<br />
dell’Alto Medioevo perché le legavo al verso dal titolo<br />
tanto gentile e tanto onesta pare. Una volta fatto il pieno<br />
me ne tornavo a letto più ricco e più lieto di esserci in<br />
Pietro Consagra<br />
La materia poteva non esserci, 1986<br />
Fiumara d’Arte, Castel di Tusa (ME)<br />
Foto di Giuseppe Viviano<br />
questo mondo. Quasi quasi mi dispiaceva di dovere ritornare<br />
alla mia professione di astronauta e ai miei hobby.<br />
Poi però il pentimento. Senza le mie cure addio provette<br />
e cani bastardi. Se non proprio l’umanità ne avrebbero<br />
sofferto i microrganismi e le povere bestie.<br />
Andai avanti così per molto tempo. Partecipai a voli<br />
spaziali, mettendo in una occasione persino i piedi sulla<br />
luna. Le prossime mete sarebbero state Marte o Venere<br />
(manco a dirlo io propendevo per Venere ma toccava ai<br />
direttori dell’Ente Spaziale scegliere sicché non essendo<br />
un ganimede avevo ben poco da sperare). Cosa perciò<br />
di più esaltante che non potere dire sono stato a S. Pietroburgo<br />
e mi sono prostrato, messo anzi in ginocchio in<br />
segno di adorazione davanti a quelle opere d’arte. Nel<br />
primo caso, sarebbero venuti giornalisti a intervistarmi (ed<br />
io a farmi pregare; oggi no, rinviamo a domani; sto definendo<br />
il modellino di navicella spaziale su cui ci imbarcheremo<br />
la prossima volta noi cinque, i già selezionati).<br />
Nel secondo, a nessuno sarebbe venuto in mente di cercare<br />
di sapere cosa ne penso di Benozzo da Forlì, fosse<br />
anche gente di Forlì.<br />
Finché però un bel giorno senza che l’avessi programmato,<br />
diversamente dalle mie abitudini, mi scopro curiosamente<br />
interessato all’arte contemporanea. Era semplicemente<br />
accaduto che andando a curiosare nel greto di<br />
un fiume da quelle parti chiamato non so perché fiumara<br />
- ci trovo un bel museo e nella parte secca un manufatto<br />
pare dedicato alla bellezza. In verità non è male, con<br />
tutte quelle volute, il contrasto di grigio e nero in felice<br />
connubio (non male il connubio) con l’azzurro del cielo<br />
e il color sabbia dei ciottoli. Si respira peraltro tutt’intorno<br />
aria di festa, ed infatti odo augelli far festa. A tutta prima<br />
la cosa mi sconvolge perché mette in discussione il<br />
mio senso estetico legato a moduli arcaici, poi ci prendo<br />
gusto. Sospendo pertanto la ricerca di microrganismi e<br />
cuccioli di cani bastardi che mi avevano condotto dalle<br />
parti di Tusa; tiro fuori la macchina fotografica e l’album<br />
da disegno; rivolgo gli occhi al cielo per trovare la giusta<br />
ispirazione, ed ecco che mi ritrovo con tutto il necessario<br />
per potere anch’io realizzare una scultura da fare pendant<br />
con quella di Pietro Consagra e da titolare La materia<br />
poteva non esserci.<br />
Abbastanza soddisfatto della mia improvvisa decisione di<br />
buttare alle ortiche quanto fin qui ha costituito il motivo<br />
principale del mio orgoglio; con l’atteggiamento tipico<br />
del neofita; con la baldanza che sopraggiunge quando<br />
si è sicuri di sé e ci si sente definitivamente fuori dal guado<br />
mi dirigo adesso più sicuro di prima verso il mio destino. Gli<br />
esempi di conversione non mancano. I successi nemmeno.<br />
Ricordo di aver sentito di un pilota di otto volante, andato<br />
in pensione con le ossa rotte dopo un volo di ottanta<br />
metri con tutto il carrello che si era sganciato, il quale<br />
si era dato a inventare vari tipi di paracadute diventando<br />
in tal modo famoso. Perché allora non io?<br />
Capivo però come non fosse facile entrare nel gotha degli<br />
uomini illustri, artisti di fama, senza avere prima inventato<br />
uno stile: tanto più che allora ero un povero in canna.<br />
Mi guardo perciò in giro, frequento gallerie, ostento, mi<br />
presento vestito di jeans laddove invece ci sono solo uomini<br />
in frac. Manco a dirlo la cosa colpisce. C’è chi mi<br />
osserva con simpatia (specialmente le signore), chi con<br />
sussiego epperò ben celato tanto da potersi prendere<br />
per benevolenza. Intuisco allora: questo è il mio momento!<br />
lascia perdere la scienza e datti all’arte. Nelle circostanze<br />
di cui sopra ovviamente non potevo che darmi a<br />
un’arte povera di mezzi se non di risultati. Ecco allora che<br />
invento l’arte povera.<br />
Fu un colpaccio. Fu quasi uno slam in faccia a quei signori:<br />
rubicondi quanto a viso e soliti giocarsi a bridge un<br />
mucchio di quattrini. Essendo ad ogni modo quasi tutti<br />
galleristi presero a corteggiarmi, a darmi suggerimenti<br />
sul come intanto uscire dalle ambasce in cui mi trovavo<br />
stante che ormai non sono più se non uno scienziato<br />
senza prospettive (e nemmeno più un allevatore di cani<br />
bastardi) e tuttavia non ancora diventato un artista. Da<br />
parte mia li ascolto - rinserrandomi però nel più assoluto<br />
mutismo vuoi per non lasciare intendere quali saranno le<br />
mie mosse, vuoi perché ancora non ho molto da dire. In<br />
verità qualche idea ce l’ho, non sono comunque pronto<br />
a farla collaudare e brevettare. Attendo perciò tempi migliori<br />
e finalmente questi arrivarono.<br />
Fu il momento in cui la gente cominciò a disfarsi di abiti<br />
dismessi considerandoli stracci; caterve di gonne lunghe<br />
fino ai piedi buttate via perché è sopraggiunta la moda<br />
alla Mary Quant; calze di nylon ancora impacchettate<br />
che finiscono al macero perché le donne adesso amano<br />
scoprirsi le gambe e ci manca poco che escano senza<br />
mutandine per far capire dove esattamente finisce il tronco<br />
e da dove si dipartono gli arti preposti alla deambulazione.<br />
Per dirla tutta sopravenne una sorta di massacro<br />
del come eravamo, del come era l’arte e in prospettiva<br />
cosa dovesse intendersi per arte. Io però, divenuto letteralmente<br />
invasato; calato nel ruolo di artista a tutto tondo<br />
(non male il tutto tondo), non mi curo se non di dovere<br />
dare di me l’immagine di un poveretto vestito di stracci<br />
per restare perfettamente nel ruolo assegnatomi da quegli<br />
sponsor. Mi si disse però di lì a poco che quella specie<br />
di mia perenne performance - nel senso di uno che<br />
cammina nelle strade quasi fosse uno straccione - aveva<br />
un precedente già codificato, la cosidetta arte brut. Che<br />
dunque mi dessi una mossa e dessi maggiore sostanza<br />
all’arte povera.<br />
È una parola! mi dico. Datemi uno spunto! gli dico, e vi<br />
solleverò il mondo! Quei lor signori, purtroppo per me, non<br />
erano interessati a vedere sollevato il mondo ma a vedersi<br />
rientrare nel gioco delle parti presentando al pubblico<br />
di critici d’arte, storici dell’arte, fenomenologi di stili e intenditori<br />
vari il fenomeno vivente, cioè io, visto nella veste<br />
di collezionista di stracci (come dire stracciarolo) capace<br />
di creare cumuli di senso compiuto con magliette, camicette,<br />
giacchette, cappotti fuori moda da stupire persino<br />
coloro che se ne erano privati: ci si attendeva anzi che<br />
venissero in massa alle mostre per recuperare le loro cose,<br />
parlando addirittura di refurtiva. Mi dovetti pertanto dar<br />
da fare con vernici e colori, tinture e solventi a scolorire,<br />
creare sfumature, alterare la struttura del tessuto per renderlo<br />
irriconoscibile. L’ebbi ovviamente vinta. Non ci furono<br />
santi che tengano, l’ebbi vinta. E con me quei signori<br />
che avevano elargito i loro capitali.<br />
Da allora vivo da nababbo tra lussi e crociere; abiti firmati;<br />
scarpe dalla suola di cuoio e dalla tomaia di vitellina<br />
da latte: rigorosamente vitellina mica vitello; camicie di<br />
seta aperte sul petto per fare ventilare i peli (sono infatti<br />
uno che ha tanti peli sul petto e non ha peli sulla lingua);<br />
orologi costruiti apposta per me, portati con disinvoltura<br />
stante che sono assicurato con i Lloyds; un cottage sulla<br />
costa atlantica degli Stati Uniti e uno su quella del Pacifico,<br />
avessi voglia di andare a caccia di foche o per un<br />
safari fotografico a caccia di leoni marini. Quando mi incontrano<br />
i miei colleghi di un tempo - ancora alla ricerca<br />
di tracce di acqua o di ghiaccio su Marte - mi domandano<br />
come va, ed io: Va! Va! anzi La va! Eccome se la va!<br />
Se poi mi domandano cosa abbia potuto farmi declinare<br />
l’invito di mettere per primo piede su Marte per dedicarmi<br />
così impudentemente all’arte (ovvio che loro non<br />
capiscono niente di generi o stili e perciò evito di menzionare<br />
il mio anche perché non riuscirebbero a capire)<br />
racconto del mio iniziale flirt con l’arte avvenuto in quel di<br />
Tusa, esattamente nel greto della fiumara che ne porta il<br />
nome: attonito davanti a un’opera mastodontica che ha<br />
cambiato l’assetto morfologico di tutta la zona divenendo<br />
ad un tempo un’icona. Non potevo certamente però<br />
ispirarmi a quel monumento alla bellezza per fare fortuna.<br />
Dovevo creare un genere, o meglio uno stile nuovo a beneficio<br />
della fenomenologia; di qui l’invenzione dell’arte<br />
povera. Se vogliono quindi anche loro il successo smettano<br />
di ricercare molecole o microrganismi nell’Universo.<br />
Molto di più gliene verrà se daranno anche loro vita<br />
a qualcosa di stupefacente perché questo è ciò che si<br />
aspetta la gente.<br />
Ignazio Apolloni<br />
vive ed opera a Palermo<br />
ARTA ntis.<strong>info</strong><br />
17
Premio Speciale “ITALY 150° ART FAIR”<br />
mostra degIi artisti finalisti<br />
3 - 27 marzo 2012<br />
Inaugurazione<br />
3 marzo 2012, ore 18.00<br />
Palazzo Zenobio per l’Arte<br />
Collegio Armeno Moorat - Raphael<br />
Fondamenta del Soccorso, 2596 - Dorsoduro<br />
30123 Venezia<br />
ART IN THE CITY VENICE<br />
1° PREMIO INTERNAZIONALE<br />
PITTURA_SCULTURA_FOTOGRAFIA<br />
| veronica alghisi | alessandro attombri | silvio balestra | marino benigna | giuseppe borsoi<br />
| tommaso brogini | mario cangini | isabel carafi | maya cetkovic | carmine ciccarini<br />
| paolo emilio cosenza | guerrino dirindin | giovanni valter dotto | tiziano furlan<br />
| martino gaudiano | adriana ghiraldo | ermanno giacetti | ursula huber<br />
| bruna lanza | milvia lauro | enzo leanza | renato lipari<br />
www.ar t-inthecity.it<br />
Premio Speciale “ITALY 150° ART FAIR”<br />
mostra degIi artisti finalisti<br />
3 - 27 marzo 2012<br />
Inaugurazione<br />
3 marzo 2012, ore 18.00<br />
Palazzo Zenobio per l’Arte<br />
Collegio Armeno Moorat - Raphael<br />
Fondamenta del Soccorso, 2596 - Dorsoduro<br />
30123 Venezia<br />
ART IN THE CITY VENICE<br />
1° PREMIO INTERNAZIONALE<br />
PITTURA_SCULTURA_FOTOGRAFIA<br />
| cristina maulini | annunziata medico | anna moro | antonio murgia | silvio natali<br />
| constantin stan neacsu | luca pattina | lisa perini | romana prinoth | loredana raciti<br />
| giordano sala | riccardo schiavon | fausto segoni | maria pia settin<br />
| arpinè sevagian | mariangela sforza | antonio sgarbossa | choi yoon sook<br />
| paola valori | lucienne vescovo | silvia viganò | alex volpi<br />
www.ar t-inthecity.it
LIBRI<br />
LA BIBLIOTECA<br />
DEL MERCATO<br />
ARTA ntis.<strong>info</strong><br />
20<br />
L’economia dell’arte contemporanea<br />
Mercati, strategie e star system<br />
Anche in tempi bui per l’economia globale, il mercato internazionale<br />
dell’arte continua a regalare un po’ di luce,<br />
soprattutto quando entra in scena l’arte contemporanea,<br />
come dimostrano i risultati delle aste londinesi recentemente<br />
conclusesi. In Italia i dati sono, per il momento,<br />
un po’ meno entusiasmanti anche a causa di una serie di<br />
vincoli fiscali e normativi che frenano lo sviluppo di questo<br />
mercato, come peraltro recentemente sottolineato<br />
anche da uno studio condotto dall’’Istituto Bruno Leoni<br />
(Indice delle Liberalizzazioni 2011). I numeri presentati da<br />
Nomisma ad Artefiera parlano di giro d’affari complessivo<br />
dell’arte in Italia di quasi 1,4 miliardi di euro - comprensivi<br />
del sommerso valutato in 470 milioni - cioè poco più<br />
dell’1% a livello internazionale e, anche nel nostro Paese,<br />
circa il 43% del giro d’affari riguarda il segmento moderno<br />
e contemporaneo. “Le “ragioni economiche” dell’arte<br />
contemporanea sono indiscutibili, se non, addirittura,<br />
imprescindibili. La dimensione artistica ed estetica, di per<br />
sé non spiega lo sviluppo impetuoso e globale del mercato<br />
dell’arte contemporanea. Le opere d’arte, soprattutto<br />
quelle di arte contemporanea, sono beni economici,<br />
al contempo “beni di lusso” e “beni di investimento”,<br />
in una combinazione che trova difficilmente riscontro in<br />
altri settori industriali o finanziari” scrive Federico Lalatta<br />
di Costerbosa nella prefazione di “L’economia dell’arte<br />
contemporanea. Mercati, strategie e star system” di Alessia<br />
Zorloni, ricercatrice di The Boston Consulting Group. E<br />
non è dunque un caso che anche gli studi di economia<br />
dell’arte abbiano subito un boom negli ultimi anni come<br />
dimostrano sia la ricca attività convegnistica, sia i numerosi<br />
centri di studio e di consulenza messi in piedi a presidio<br />
della materia, sia il fermento editoriale di cui il libro della<br />
Zorloni è il più recente esito. Una mappa economica ragionata<br />
del complesso sistema dell’arte contemporanea<br />
però, in Italia, ancora mancava e il volume conduce il lettore<br />
attraverso una serie di temi di grande attualità anche<br />
con l’ausilio di una serie di utili schede di confronto tra Paesi<br />
sulle diverse politiche di valorizzazione del contemporaneo.<br />
Si parte da una tassonomia ragionata dei mercati<br />
dell’arte e dei suoi agenti per arrivare a capire su quali<br />
piazze conviene oggi comprare, quali sono le distorsioni<br />
di Martha Mary Friel<br />
e i rischi della crescente interazione tra mercato dell’arte<br />
ed economia dello star system, quali le logiche sottese ai<br />
movimenti sul mercato di grandi aziende e istituti di credito<br />
per la creazione delle proprie corporate collections.<br />
Non manca poi una parte dedicata all’investimento in<br />
arte e alla domanda speculativa: un tema questo particolarmente<br />
sentito oggi - è stato recentemente al centro<br />
anche del 2° Summit Arte e Cultura del Sruppo 24 Ore<br />
- vista la crescente attenzione degli investitori e del mondo<br />
degli affari a questo mercato e alla moltiplicazione,<br />
soprattutto a Est, delle piazze d’offerta.<br />
Alessia Zorloni<br />
L’economia dell’arte contemporanea<br />
Mercati, strategie e star system<br />
Franco Angeli editore<br />
isbn 9788856844948<br />
Euro 27,00<br />
ANTONELLACUCINELLI<br />
antonellacucinelli@virgilio.it<br />
cell. +39 340.7275084<br />
STEFANIAVASSURA<br />
Roma<br />
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Cell. 338.9294901<br />
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www.sitohd.com/stefaniavassura<br />
MIROGABRIELE<br />
Piazzale Labicano, 2007<br />
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Cell. 329.8061863<br />
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www.sitohd.com/mirogabriele
RENZOTONELLO Via Riva di Mezzodì, 2 - 13881 Cavaglià (BL)<br />
Cell. +39 349.8313833<br />
www.renzotonello.it<br />
(…) Le opere di Renzo Tonello, sospese tra sogno<br />
e realtà, rappresentano una grande galleria tematica<br />
che illustra il mondo dell’uomo in tutte le sue<br />
declinazioni, riuscendo a creare con le sue immagini<br />
spesso oniriche e simboliche una costruzione che<br />
parte dal subconscio dell’essere umano e riesce a<br />
coglierne l’essenza.<br />
Ogni immagine rientra in un’articolata narrazione<br />
esistenziale che nei toni, nei colori e nelle sfumature<br />
ci racconta una storia, ci parla della vita, restituendoci<br />
attraverso un segno vivo e malinconico un’atmosfera<br />
o uno stato d’animo.<br />
Un mondo nascosto di misteri | 2009<br />
olio su tela, cm 100x70<br />
Quella di Tonello è una pittura figurativa che non<br />
rinuncia però alla sperimentazione, sia attraverso<br />
le raffinate sovrapposizioni tonali e cromatiche, sia<br />
nella preferenza accordata al bianco e nero, colori<br />
che divengono un mezzo con cui dilatare la portata<br />
semantica del soggetto rendendo immediatamente<br />
comprensibile il suo messaggio più profondo. (…)<br />
Tricolore | 2011<br />
olio su tela, cm 100x70<br />
Paolo Levi<br />
Equilibrio instabile | 2006<br />
olio su tela, cm 100x100<br />
Un seme: fiorisca e fruttifichi | 2007<br />
olio su tela, dittico, cm 100x100 (dittico)<br />
www.russofrancesco.it<br />
Contatti<br />
Via Roma, 57<br />
81038 Trentola Ducenta (CE)<br />
Telefono e fax: 081.8145896<br />
Cellulare: 338.9660298<br />
E-mail: fra.russ@libero.it<br />
FRANCESCO RUSSO
ARTA ntis.<strong>info</strong> PRIMO PIANO<br />
24<br />
Enrico<br />
Il gatto Meo<br />
di Gianfranco Labrosciano<br />
Spesso ho considerato il gatto Meo - l’artista Enrico Meo -<br />
durante le sue partenze migratorie per la città e il sistema<br />
ultrapreciso col quale calcola le sue rotte di spostamento.<br />
Ho conosciuto la misura della sua ruota di attività, cioè i<br />
ritmi quotidiani di attività/riposo, e, alla fine, il suo “sentire”<br />
il ritmo del tempo. Così l’ho visto vagare fra le sagome di<br />
edifici antichi e fissare con occhi lunatici serrande abbassate<br />
o muri rabberciati, pezzi di intonaco caduti e superfici<br />
abrase dal tempo, e, nel centro storico della città, montagne<br />
di rifiuti e cose vecchie accatastate in vicoli e viuzze<br />
in cui la vita pareva abbandonata. Nelle sue scorribande<br />
l’ho visto sostare lungamente in una piazza o su un muretto<br />
assolati, e ho considerato questo: è amico del sole,<br />
della luna e delle pietre. Ma che fa il gatto Meo quando<br />
si arresta al’improvviso e scruta, osserva, fissa gli oggetti?<br />
Il gatto Meo pensa … pensa. Forse passeggia dentro il<br />
suo cervello come se fosse in casa sua, mite, leggiadro,<br />
forte, un bel gatto. Così direbbe Baudelaire. O è proprio<br />
lui, il gatto Meo che, come direbbe Baudelaire, di fronte<br />
all’oggetto si distende, tenero e discreto, e pensa … “la<br />
nostra società sta distruggendo i gatti. Tra pochi anni non<br />
ce ne saranno più. Il dio degli animali, allora, ci chiederà<br />
il conto su ciò che abbiamo fatto ai nostri fratelli. Certo,<br />
siamo stati Dante e Shakespeare, ma intanto abbandoniamo<br />
questi nostri disperati fratelli.” Chi sono poi questi gatti,<br />
questi fratelli che se ne vanno in giro col loro far niente e<br />
attraversano le strade del mondo come se non ci fossero,<br />
senza chiedere niente a nessuno se non , forse, di essere<br />
solamente riconosciuti? Forse sono come gli artisti, coloro<br />
che vivono ai margini, o sulla soglia, in ogni caso sul confine,<br />
sulla zona indistinta che segna il trapasso fra il visibile e<br />
l’invisibile … I gatti, allora, sono delle icone. Sublimi immagini<br />
di una bellezza capace di sollevarci, di rapirci e di trasportarci<br />
altrove. Ma siamo in grado noi, gettati in questo<br />
duro mondo d’inamovibili relitti d’inquietudine, di fissare e<br />
ritenere ancora l’icona? Oppure, ci meritiamo l’icona? O<br />
meglio, siamo in grado di pensare in termini iconoclastici?<br />
E soprattutto, siamo in grado di dipingere una nuova icona?<br />
E’ un affare di percezione fra lo spazio circostante e<br />
la sacralità dell’io cogitante. Qualcosa che dia un senso<br />
al numero, all’esattezza matematica e alla generale legge<br />
dell’emozione, quest’ultima comunemente chiamata<br />
Anima. “Come faremo, noi gatti, così teneri e indifesi, noi<br />
animali sbandati, dispersi, malinconici e tristi, a farci riconoscere<br />
da questi disperati fratelli che chiamiamo uomini?”<br />
Questo pensa il gatto Meo mentre passeggia solitariamente,<br />
e se pensando va un metro più in là nessuno se ne accorge,<br />
perché è un gatto … E’ una creatura presente ma<br />
Il gatto sul tetto<br />
acrilico su tela<br />
Gatto<br />
acrilico su tela<br />
continuamente assente, che sta altrove. E’ qui, con tutta<br />
la sua concreta presenza e al contempo non c’è, perché<br />
subito sparisce e si dilegua. Come l’arte, che c’è e non c’è,<br />
occupa lo spazio con una data forma e subito si trasforma,<br />
in maniera cangiante, ambigua, misteriosa, enigmatica,<br />
spesso inafferrabile, come il gatto.<br />
Enrico Meo<br />
vive ed opera a Grottaglie(TA)<br />
ITINERA 2011.2012<br />
NOVE CITTÀ D’ARTE NOVE GALLERIE VENTI ARTISTI CONTEMPORANEI<br />
agrigento.arezzo.firenze.imola.napoli.palermo.roma.torino.venezia<br />
Una mostra itinerante in nove città d’arte. Venti artisti dagli stili e dalle tecniche diverse si confrontano,<br />
dialogano in mondi che si sfiorano, si allontano fino a ricongiungersi in un’unica orbita<br />
comune: la passione e l’amore per l’arte. Un iter che nasce come connubio di culture e come<br />
forma di conoscenza. Individuando tanti piccoli mondi a sé, di seguito la lettura dell’universo di<br />
Itinera 2011.2012<br />
MONDI DEL DISEQUILIBRIO David Ambrosio. Volti come statue deturpati da segni che vogliono<br />
cancellare l’immagine fotografica stessa. L’arte diventa atto: il segno mette a tacere l’immagine,<br />
annulla la mente, copre gli occhi ... Prima viene la traccia dell’artista poi la rappresentazione.<br />
Francesco Russo. Mondi vegetali e umani che cercano un accordo, un equilibrio difficile da sostenere:<br />
nel figurativo dell’artista catturare la realtà è determinante per capire il mondo, ma forse<br />
quest’ultimo diventa irraggiungibile e allora l’artista toglie nell’opera alcune parti dipingendo<br />
sull’immagine stessa come se il colore fosse levato, strappato. Tiziana Pannunzio. Soggetti che nascondono<br />
un mistero o un segreto, le opere della Pannunzio sono scatti rubati al mondo, ma scatti<br />
pericolosi, che si muovono nell’atto, fermano un’azione che al tempo stesso o rimane sospesa o<br />
indica come il tempo scherzi col fuoco o con le sue stesse ore.<br />
IL MONDO DELLA FORMA Maria Elena Boschi. La ceramica raku dona armonia, antichità, traducendosi<br />
nell’essere e nel divenire dei piccoli mondi rappresentati, come una poesia, un haiku<br />
giapponese. Domenico Zora. Le figure di bronzo di Zora catturano forme femminili che scivolano<br />
nel sottile equilibrio dell’etere, le sculture sviluppano verticali, modellano il movimento in un gioco<br />
armonico, come le pose di una ballerina, diventano poesia della materia. L’artista dona la leggerezza<br />
al bronzo e ne trova l’etereo divenire.<br />
MONDI DA FAVOLA Alberto Besson. Il colore sapientemente abbinato a forme geometriche armoniche<br />
genera la figura umana, il paesaggio, l’animale. Una ricerca che individua il mondo all’interno<br />
delle cose e lascia che cavalchino la fantasia in costante dialogo con la realtà. Gisele Carneiro<br />
“Gica”. Il colore come gioia e allegria porta nel mondo delle favole di Gica, un mondo sognato,<br />
rincorso e in parte vissuto nell’infanzia. Nel ripetersi del soggetto in una stessa opera scopriamo la<br />
pregnanza del colore e delle sue tonalità che giungono a una semplice ricerca figurativa. Come<br />
una bambina danza sulle onde del colore. Luigi Pacifico. L’incanto di una favola, di un mondo<br />
nascosto nella fantasia di un bambino, si fa arte nella mente e nelle mani di Pacifico. Nel Castello<br />
della mente soggiace la ricchezza dell’infanzia, del sogno, della notte e dei suoi blu, che indicano<br />
che è l’ora di andare a letto, perché è giunto il momento della favola. Donatella Saladino. La favola<br />
oltre il mondo reale scivola tra passato e presente, coglie l’antico, gli interni medievali, e cerca il<br />
fanciullo in ogni fruitore. Il colore si fa poesia e la tela diviene racconto. Betty Seminario. Cattura la<br />
festa e la gioia del popolo peruviano in degli assemblaggi di colori vivi e armonici che scivolano in<br />
mondi da favola. Hanna Scheriau. La seta assorbe il colore e come un evento nascosto poi esprime<br />
i suoi raggi di luce abbandonando il fato nei giardini dell’essere dell’artista. Nelle sue opere gli<br />
universi scivolano tra realtà e favola. Maurizio Muscettola. Ogni soggetto annuncia una storia. In<br />
Ogni opera il fruitore immagina insieme all’artista figurativo un evento, che si fa ironico, beffardo<br />
nell’assurdo dell’effimero.<br />
IL MONDO DELLA MATERIA Elisabetta Fontana. Dove l’epidermide dell’uomo e delle cose affascina<br />
l’artista, nei supporti vive la materia che si raggrinzisce e implica il mutare nel tempo di ogni soggetto.<br />
La materia diventa visione e annuncio di un’altra vita: una vita organica e invisibile a occhio<br />
nudo, che Fontana ne trapela l’arrivo e l’esistenza ai nostri occhi. Renato Lipari. Gli euro triturati<br />
su tela giocano con la realtà italiana, delineando uno scandalo e nello stesso tempo l’originalità<br />
dell’atto artistico che si può configurare in un accenno di Arte Povera.<br />
IL MONDO FIGURATIVO PER IL QUOTIDIANO Giuseppe Lettere. Gioca col figurativo, con la realtà,<br />
con i volti e le cose. Un mondo che contiene un messaggio e una ricerca. Un mondo che si fa<br />
metafisico e al contempo reale e famigliare. Pino Manzella. L’antico pervade i soggetti quotidiani,<br />
in un iter che si fa “capriccio” di tecniche e di soggetti. Arpinè Sevagian. Le sue processualità<br />
implicano un atto artistico che blocca similitudini e parvenze tra l’essere umano e la natura, fatta<br />
di conchiglie, coralli, piume … una ricerca del mondo per carpirne i segreti e gli ossimori che ne<br />
fanno parte.<br />
LA CREAZIONE DI UN UNIVERSO Simona Marigliano. Dall’optical forme geometriche e volti si insinuano<br />
nel reale per giocare col colore, con la linea e col pensiero. Un universo immaginato, astratto,<br />
costruito tra la ragione e il sentimento di stupire e incantare. Cinzia Quadri. Quando un volto<br />
può rivelare un universo dove si nasconde una poesia, ecco che la Quadri cattura la percezione<br />
umana nelle sue tecniche sapientemente distillate sui suoi supporti e centellinate nei suoi colori<br />
così come nel bianco e nero. Margherita Rancura. Rancura crea un universo privato, racchiuso<br />
nel sogno di giardini incantati, nella leggerezza di un pensiero, nell’armonia del colore. Nei suoi oli<br />
filtrati sulla tela come organismi viventi, il fitomorfo annuncia il vero e l’incanto.<br />
Questa è Itinera 2011.2012. Una mostra. Nove città d’arte. Nove gallerie. Venti artisti contemporanei.<br />
Una mostra: o, forse, qualcosa di più.<br />
Barbara Rotta, Torino, 21 gennaio 2012<br />
DAVID AMBROSIO<br />
ALBERTO BESSON<br />
MARIA ELENA BOSCHI<br />
GISELE CARNEIRO GICA<br />
ELISABETTA FONTANA<br />
GIUSEPPE LETTERE<br />
RENATO LIPARI<br />
PINO MANZELLA<br />
SIMONA MARIGLIANO<br />
MAURIZIO MUSCETTOLA<br />
LUIGI PACIFICO<br />
TIZIANA PANNUNZIO<br />
CINZIA QUADRI<br />
MARGHERITA RANCURA<br />
FRANCESCO RUSSO<br />
DONATELLA SALADINO<br />
HANNA SCHERIAU<br />
BETTY SEMINARIO<br />
ARPINÈ SEVAGIAN<br />
DOMENICO ZORA<br />
w w w . a r t a n t i s . i t<br />
A BIMESTRALE D’ARTE<br />
RT Antis<br />
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Vernice Art Fair<br />
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X ed. Fiera d’arte contemporanea<br />
FORLI’ 23 24 25 MARZO 2012<br />
ADA VALISENA<br />
ALONDRA DALI ROMERO<br />
AMALIA DI SANTE<br />
ILARIA GACCETTA<br />
ANGELO DE FRANCISCO MAZZACCARA<br />
ANNA GATTO<br />
FEDERICA VEGGIATO<br />
RAFFAELLA BELTRAMI<br />
ELISA ZINI<br />
ANTONIO ARMANO<br />
ARPINE’ SEVAGIAN<br />
DONATELLA SALADINO<br />
FRANCESCO SENISE<br />
MAURIZIO MUSCETTOLA<br />
MIMMO CORRADO<br />
ANNA MARCHI<br />
MICHELE AFFATATO<br />
SARA LOVARI<br />
GABRIELLA DE FILIPPIS<br />
MICHELE MARCIELLO<br />
MARZIA ATTAGUILE<br />
RENATO BETTONI<br />
NELLO FESTA<br />
SERGIO DI MATTIA<br />
MICHELA STROLLO<br />
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X ed. Fiera d’arte contemporanea<br />
FORLI’ 23 24 25 MARZO 2012<br />
Vernice Art Fair
Vernice Art Fair<br />
artantis.spazio per l’arte www.artantis.it<br />
X ed. Fiera d’arte contemporanea<br />
FORLI’ 23 24 25 MARZO 2012<br />
LELLO BAVENNI<br />
MARGHERITA RANCURA<br />
LISBETH DAL POZZO D’ANNONE<br />
MARIA ELENA BOSCHI<br />
MARIA FERRARA<br />
MARIA TERESA SGUEGLIA<br />
MARIO FONTANA<br />
MARIO PATERLINI<br />
MARIA GRAZIA FIORE MARISA CORTESE<br />
ERMES RICCI<br />
FRANCESCO D’ADAMO<br />
ANTONELLA CUCINELLI<br />
GABRIELLA TOLLI<br />
ALEXANDER PIANTA<br />
ANNA GIARGONI<br />
GIULIA GORCOVA<br />
GIUSEPPE FIGLIUZZI<br />
GLORIA PARISOTTO<br />
GIOVANNI MANGANARO LUCA BRAGLIA<br />
LE THUY AI (MARY)<br />
artantis.spazio per l’arte www.artantis.it<br />
X ed. Fiera d’arte contemporanea<br />
FORLI’ 23 24 25 MARZO 2012<br />
Vernice Art Fair
“Selvaggia”<br />
AMELIA<br />
DEL VECCHIO<br />
Patricia DEL MONACO<br />
w w w . p a t r i c i a d m a r t . i t<br />
E-mail: patriciadmart@libero.it<br />
Tel. 06.5010066 - Cell. 389.9886133<br />
“Esmeralda”<br />
Cell. 333.7618788<br />
annameliadv@virgilio.it<br />
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Dal ciclo: “Venditrici d’amore”<br />
Gilda, 2011<br />
tecnica mista su tela, cm 60x120<br />
ANTONELLACUCINELLI<br />
antonellacucinelli@virgilio.it<br />
cell. +39 340.7275084<br />
Fuga attraverso il Maghreb<br />
scultura polimaterica<br />
LÙCIA<br />
PAGANIN<br />
Incomunicabilità<br />
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Via Fratelli Bandiera Sud, 18 - 56023 Cascina (PI)<br />
Cell. 347.4843990<br />
lucia.pa@virgilio.it
ARTA ntis.<strong>info</strong> PRIMO PIANO<br />
32<br />
Rita Fasano<br />
di Gianfranco Labrosciano<br />
Le Opere di Rita Fasano sono pareti segnate da lenti attraversamenti<br />
e sedimentazioni della materia che le hanno<br />
come scavate, solcate e graffiate e sulle quali insiste, impregnandole<br />
di un sapore arcaico e primitivo, una sostanza<br />
astorica e completamente immateriale che si spalma, si<br />
stende e si distende sulle superfici con una temperatura, direi,<br />
siderale, di un’astrofisica alterità capace di afferrare e<br />
trasportare in mondi roteanti, desertici, nei quali solo il silenzio<br />
pare resistere all’interno di tremanti e fluttuanti universi,<br />
o brandelli, o segmenti o lacerti di possibilità esistenziali: il<br />
Tempo. Forse è la parete di ogni grotta di cui è cosparso il<br />
territorio sul quale l’artista vive, che, invisibile texture della<br />
sua tela infinita, di un’ <strong>info</strong>rmale, astratta vuotezza e totalizzante<br />
pienezza, intesse le opere grumo su grumo, nodo su<br />
nodo per disegnare, alla fine, l’intricato reticolo esistenziale<br />
di chi raccoglie, nella sua finitezza, le scorie di un tempo<br />
infinito e contempla dalla sua soglia limitata, da questi<br />
muri finiti, appunto, altre, sconfinate immensità, e certo la<br />
tecnica dell’incisione lungamente praticata dall’artista è<br />
lo strumento che consente di penetrare oltre la barriera di<br />
questi invisibili mondi, ma certamente è un attraversamento<br />
temerario e solenne, effettuato con lucida razionalità,<br />
con spirito di indagatore e di esploratore di mondi non ancora<br />
perlustrati quello che ci troviamo di fronte, che ci afferra<br />
e ci trasporta lontano. E ci sentiamo attratti, attirati nei<br />
vortici e negli effetti di sbandamento che producono queste<br />
tremolanti superfici di Rita Fasano, in cui tutto si muove<br />
come sotto l’effetto di una vibrazione energetica tellurica<br />
capace di smuovere e rimuovere la materia, o la terra, o<br />
la creta umana, fino a dissolverla in una grande, <strong>info</strong>rmale<br />
vuotezza. Un <strong>info</strong>rmale che ci costringe, però, a soggiornare<br />
nell’opera, che è il pregio di queste rappresentazioni<br />
solcate da una densa corposità materica, attraversata da<br />
un pastosa materialità ma cosparsa da tinte delicate, riverberi<br />
di luci e colori quasi acquerellati che la fanno lievitare<br />
fra un tipo di <strong>info</strong>rmale gelato, quasi bloccato nelle anse di<br />
un tempo ancestrale che pare rappresentare, e la qualità<br />
di un <strong>info</strong>rmale caldo, emozionale, di una libera gestualità<br />
colta, forse, sotto la spinta, l’imprinting diretto di una necessità<br />
impellente che chiede di essere liberata.<br />
Rita Fasano<br />
vive ed opera a Mesagne (Br)<br />
Sedimentazioni<br />
della materia<br />
Meditazione<br />
affresco, cm 180x100<br />
Attesa<br />
affresco, cm 55x35<br />
www.art-inthecity.it<br />
ART IN THE CITY VENICE<br />
1° PREMIO INTERNAZIONALE<br />
PITTURA_SCULTURA_FOTOGRAFIA<br />
Premio Speciale “ITALY 150° ART FAIR”<br />
mostra degIi artisti finalisti<br />
Veronica Alghisi<br />
Alessandro Attombri<br />
Silvio Balestra<br />
Marino Benigna<br />
Giuseppe Borsoi<br />
Tommaso Brogini<br />
Mario Cangini<br />
Isabel Carafi<br />
Maya Cetkovic<br />
Carmine Ciccarini<br />
Paolo Emilio Cosenza<br />
3 - 27 marzo 2012<br />
Inaugurazione<br />
3 marzo 2012, ore 18.00<br />
Guerrino Dirindin<br />
Giovanni Valter Dotto<br />
Tiziano Furlan<br />
Martino Gaudiano<br />
Adriana Ghiraldo<br />
Ermanno Giacetti<br />
Ursula Huber<br />
Bruna Lanza<br />
Milvia Lauro<br />
Enzo Leanza<br />
Renato Lipari<br />
Cristina Maulini<br />
Annunziata Medico<br />
Anna Moro<br />
Antonio Murgia<br />
Silvio Natali<br />
Costantin Stan Neacsu<br />
Luca Pattina<br />
Lisa Perini<br />
Romana Prinoth<br />
Loredana Raciti<br />
Giordano Sala<br />
Palazzo Zenobio per l’Arte<br />
Collegio Armeno Moorat - Raphael<br />
Fondamenta del Soccorso, 2596 - Dorsoduro<br />
30123 Venezia<br />
Segreteria organizzativa ART IN THE CITY<br />
Via Roma, 11 - 31020 Villorba (TV)<br />
Tel. +39 0422 1781460 - +39 340 3356420<br />
www.art-inthecity.it - <strong>info</strong>@art-inthecity.it<br />
Riccardo Schiavon<br />
Fausto Segoni<br />
Maria Pia Settin<br />
Arpinè Sevagian<br />
Mariangela Sforza<br />
Antonio Sgarbossa<br />
Choi Yoon Sook<br />
Paola Valori<br />
Lucienne Vescovo<br />
Silvia Viganò<br />
Alex Volpi
“Insieme per l’Arte”, progetto artistico ideato e realizzato dalla pittrice armena Arpinè<br />
Sevagian vede l’unione di un gruppo di artisti legati dalla passione per l’Arte.<br />
Diverse sensibilità e personalità che si manifestano in un modo autonomo e individuale<br />
ma armonizzate da un’unica inclinazione. Percorsi diversi ma paralleli: si parte<br />
da una figurazione metafisico-surrealista che nasce dall’inconscio, per passare<br />
alla fotografia emozionale, fino ad arrivare all’<strong>info</strong>rmale d’azione. La meta è quella<br />
di un’arte non fatta di provocazioni arroganti ma di sentimenti in un contesto unico<br />
ma allo stesso tempo singolo di “Nuovo Quadro Contemporaneo”. Araxi Ipekjian<br />
Arpinè Sevagian<br />
Roma<br />
arpynukka@alice.it<br />
www.equilibriarte.net/arpysevagian<br />
Allegoria della Vita, 2012<br />
(Sayat Nova in Veste di Natura)<br />
processualità miste su tela<br />
cm 40x60<br />
Al Mazzaglia<br />
Pedara (Catania)<br />
contatti@almazzaglia.it<br />
www.almazzaglia.it<br />
Borgo surreale III, 2011<br />
acrilico, tempera grassa e oro su tavola<br />
cm 40x50<br />
Claudio Bonaccorsi<br />
San Giovanni la Punta (Catania)<br />
boclau@gmail.com<br />
www.claudiobonaccorsi.it<br />
La vela, 2007<br />
stampa fotografica su tela<br />
cm 50x70<br />
Mario Paterlini<br />
Poviglio (Reggio Emilia)<br />
mario.paterlini@alice.it<br />
www.mariopaterlini.it<br />
Milano<br />
olio su tela<br />
cm 200x100<br />
Mimmo Corrado<br />
Pisa<br />
dcorrado@tiscali.it<br />
www.mimmocorrado.com<br />
Marina di Zambrone, 2010<br />
olio a spatola su tavola<br />
cm 40x50<br />
Giuseppe Figliuzzi<br />
Torino<br />
figliuzzi.giuseppe@libero.it<br />
www.figliuzzi.com<br />
Spiccare il volo, 1998<br />
tecnica mista su tavola<br />
cm 46x46<br />
“Insieme per l’Arte”, progetto artistico ideato e realizzato dalla pittrice armena Arpinè Sevagian<br />
vede l’unione di un gruppo di artisti legati dalla passione per l’Arte. Diverse sensibilità<br />
e personalità che si manifestano in un modo autonomo e individuale ma armonizzate<br />
da un’unica inclinazione. Percorsi diversi ma paralleli : si parte da una pittura emozionale legata<br />
al desiderio di rappresentazione soggettiva della realtà e non semplicemente oggettiva,<br />
per passare alla pittura <strong>info</strong>rmale, fino ad arrivare alle manipolazioni tecnomanuali. La<br />
meta è quella di un’arte non fatta di provocazioni arroganti ma di sentimenti in un contesto<br />
unico ma allo stesso tempo singolo di “Nuovo Quadro Contemporaneo”. Araxi Ipekjian<br />
Fabiola Murri<br />
Pescara<br />
fabiolamurri@yahoo.it<br />
www.fabiolamurri.com<br />
117, 2011<br />
acrilico<br />
cm 120x120<br />
Giovanni Manganaro<br />
Moiano, Vico Equense (Napoli)<br />
giovannimanganaro@gmail.com<br />
www.manganaropit.it<br />
Luciano Alberti<br />
Roma<br />
alberti_luciano@libero.it<br />
Campo di tulipani<br />
olio su forex<br />
cm 60x50<br />
Dalla serie: “Barriere”, 2002<br />
tecnica mista su tavola<br />
cm 95x85<br />
Luciano Alessi<br />
Ortezzano (Ascoli Piceno)<br />
alessiluciano@alice.it<br />
www.alessiartistiche.com<br />
www.lucianoalessi.wordpress.com<br />
Da “L’infinito” di Leopardi, 2000<br />
olio a spatola su cartone<br />
cm 50x60<br />
Anna Lisa De Marianis<br />
Martano (Lecce)<br />
lisadm1986@libero.it<br />
www.equilibriarte.net/member/14115<br />
Oblò, 2011<br />
acrilici e smalti su tela<br />
cm 40x40<br />
Lello Bavenni<br />
Vico Equense (Napoli)<br />
lello@bavenni.it<br />
www.bavenni.it<br />
Melograno sul tavolo in giardino, 2008<br />
tecnica mista ed elaborazione digitale<br />
cm 74x72
ARTA ntis.<strong>info</strong> PRIMO PIANO<br />
36<br />
Maria Rosa<br />
Scalco<br />
di Araxi Ipekjian<br />
Le sabbie dell’anima<br />
incontrano la materia<br />
Maria Rosa Scalco ha sempre cercato, nel suo esprimersi<br />
attraverso le infinite possibilità che il fare artistico può<br />
concedere, di avvalersi di materiali naturali e tecniche<br />
semplici, finché l’incontro con la sabbia (straordinaria e affascinante<br />
nel suo modo di presentarsi nel contesto della<br />
natura tangibile) le ha permesso di arrivare a definire una<br />
tecnica di sovrapposizione al colore che l’ha appagata<br />
e stimolata nel lavoro di ricerca tecnica e cromatica e in<br />
quello parallelo di raccolta delle sabbie, che provengono<br />
da tutte le parti del mondo. Le sue linee sono semplici e<br />
nitide, perché così è il materiale usato, e tutte le particolari<br />
mutazioni di colore nella percezione dell’opera sono dovute<br />
ai materiali naturali mescolati alle sabbie: frammenti<br />
di corallo, conchiglie sminuzzate, gusci calcarei, microscopiche<br />
alghe, briozoi, minerali vari come pirite, quarzo … e<br />
poi la bellissima sabbia di Baratti, ricca di pirite che brilla<br />
se colpita da luce naturale o artificiale. Più Maria Rosa fa<br />
uso di questo materiale, più impara a conoscerlo e a interagire<br />
con esso, e più lo ama, più lo sente profondamente<br />
suo e radicato in sé ed ecco che nasce la passione, il trasporto<br />
a “dipingere con le sabbie”, abbinando, secondo<br />
la sua personale sensibilità, colori e granelli di luce e non<br />
solo. Origini dissimili, quindi, eterogenee, molteplici, differenziate:<br />
sabbie, polveri, terre provenienti da diversi angoli<br />
del mondo e fra loro difformi per luogo, vita e storia. Attraverso<br />
le mani di Maria Rosa Scalco acquistano nuova esistenza<br />
in opere equilibrate, ben bilanciate, stabili,uniformi,<br />
armoniose,misurate e controllate in ogni forma e colore.<br />
Composizioni dai toni intensi, incisivi, ma allo stesso tempo<br />
tenui, delicati. Forme lineari legate all’idea di spazio e tempo,<br />
scandite dai ritmi della natura nelle sue fasi essenziali.<br />
Stagioni dell’anima e del cuore di un’artista del sentimento<br />
che si traducono in immagini, in icone sensibilizzate. L’anima<br />
di Maria Rosa incontra la materia attraverso lo sguardo<br />
dei sentimenti più profondi del proprio “Io” e attraverso i<br />
suoi sensi ne racconta l’essenza più radicata che porta in<br />
sé. Sabbia dell’Isola d’Elba, bianchissime sabbie brasiliane,<br />
rossi mattone delle ocre di Rousillon vengono trascinate<br />
su di un piano, come trasportate dal vento della passione<br />
dell’artista che le fa esistere di nuova sostanza per mezzo<br />
di linee, frammenti, punti in continua e costante magica<br />
connessione …<br />
Maria Rosa Scalco<br />
Via Wagner, 46 - 41122 Modena<br />
Tel. 059.280737 - Cell. 333.8317227<br />
mariarosascalco@libero.it<br />
www.mariarosascalco.it<br />
Contrasti 2009<br />
acrilico e sabbia su tela, cm 50x50<br />
Giocando 2007<br />
dittico, acrilico e sabbia su tele, cm 50x50<br />
Stratificazioni 2012<br />
acrilico e sabbia su tela, cm 30x90<br />
Il risveglio<br />
acrilico su tela, cm 100x100<br />
PAOLAMINELLO<br />
10 - 22 marzo 2012<br />
inaugurazione sabato 10 marzo 2012 ore 18.00<br />
presentazione di giuseppe viviano<br />
galleria caffè guerbois<br />
via valdemone 35 abc 90144 palermo<br />
w w w. g a l l e r i a c a f f e g u e r b o i s . i t<br />
RISVEGLIO<br />
mostra organizzata in<br />
collaborazione con<br />
ART Antis<br />
BIMESTRALE D’ARTE<br />
i n f o<br />
www.artantis.<strong>info</strong>
ARTA ntis.<strong>info</strong> PRIMO PIANO<br />
38<br />
Palazzo Reale, Sala Duca di Montalto<br />
14 gennaio - 3 febbraio 2012<br />
Palermo<br />
BIOS Vincent<br />
Il muro ha un suono<br />
a cura della Redazione<br />
Il muro ha un suono è la prima personale dell’artista BIOS Vincent<br />
a Palermo dopo l’esperienza artistica in Cina, le recenti<br />
mostre a Boston e Berlino e la collocazione presso la società<br />
Polimeri Europa dell’ENI della sua reinterpretazione del cane<br />
a sei zampe, simbolo della nota azienda. Una mostra fortemente<br />
voluta dalla Regione Sicilia e dalla dottoressa Anna<br />
Rosa Venturini, presidente dell’Associazione Sicilia Promotion,<br />
per celebrare, nelle prestigiose sale del Palazzo dei Normanni,<br />
l’atteso ritorno dell’artista nella sua terra d’origine. E<br />
BIOS, per l’occasione, inventa un percorso nuovo e inusuale<br />
per gli spazi delle Sale Duca di Montalto, una sorta di labirinto,<br />
che avvolge i visitatori in spire materiche dalle forti cromie<br />
che prendono il sopravvento e costringono il pubblico<br />
partecipante a una profonda riflessione. “Una mostra che è<br />
quasi una performance e che sono molto soddisfatto di ospitare<br />
nelle Sale Duca di Montalto a Palazzo Reale”, afferma<br />
Francesco Cascio, presidente della Fondazione Federico II<br />
e dell’Assemblea Regionale Siciliana. La sua straordinaria e<br />
inusuale pratica artistica, sempre in bilico tra pittura e installazione,<br />
trova nei pannelli termoacustici realizzati da URSA,<br />
azienda italiana leader in Europa nella produzione e commercializzazione<br />
di pannelli isolanti per l’edilizia, il supporto<br />
fisico e concettuale per le opere realizzate per la mostra, un<br />
modo per assemblare i materiali più disparati - pittura, oggetti<br />
di riciclo, plastiche, tessuti, cemento - in composizioni<br />
che vanno dalle piccole alle grandi dimensioni per un lavoro<br />
artistico di forte impatto visivo ed emotivo. Pannelli cosparsi<br />
di cemento o lasciati quasi a vivo e perforati da proiettili<br />
di vari calibri, Magnum, piombini, Lupara: di fronte a questi<br />
muri la domanda che ci si pone è proprio che suono possano<br />
contenere, il sibilo lacerante e invisibile di uno sparo o delle<br />
risposte mai date, dei doni inaspettati, una speranza disillusa<br />
o un ricordo cancellato. “BIOS dilata la dimensione temporale<br />
con tutti gli strumenti che conosce: spatole, pennelli, reti,<br />
proiettili, plastiche, tessuti, cemento e grovigli di materia, oggetti<br />
- afferma la curatrice della mostra Martina Cavallarin e<br />
aggiunge - “La sua arte appare da autodidatta, ma è mutuata<br />
invece da un preciso percorso culturale, da codici antichi<br />
come la grafica o la letteratura medievale, le incisioni,<br />
l’arte sacra e un immaginario visionario; la ricostruzione e la<br />
protezione della memoria si apre una strada nella superficie<br />
di cemento, prepotentemente, come le pallottole che la trafiggono,<br />
per espandere il silenzio e non smarrire il ricordo”. È<br />
un pittore bulimico BIOS, ed energetico. Un artista performativo<br />
la cui ricerca personale indaga nella dimensione del sociale<br />
e si concentra su temi spigolosi: l’aborto, l’ecologia, le<br />
sopraffazioni, la violenza, le barriere fisiche e mentali. “Quelli<br />
di Vincent sono i muri della vita che raccontano la storia degli<br />
uomini che l’hanno vissuta.” - scrive l’architetto Michele<br />
Premoli Silva, che ha realizzato il progetto espositivo - “Chi è<br />
stato in luoghi di combattimento o di conflitto trova i segni di<br />
ciò che è avvenuto anche a distanza di anni. Spesso questi<br />
segni sono sui muri delle case dove raffiche di proiettili hanno<br />
Lettera al silenzio 2011<br />
polistirene, cemento, sparo, cm 265x289<br />
Dodici 2011<br />
polistirene, cemento, sparo, cm 265x312<br />
Amen 2011<br />
polistirene, cemento, sparo, cm 265x312<br />
inciso il loro alfabeto. Restano lì a ricordare che tra quel muro<br />
e chi sparava probabilmente sono state interrotte delle vite<br />
e Vincent ha scelto di raccontare la vita del Mondo proprio<br />
attraverso il muro”.<br />
BIOS Vincent<br />
vive ed opera tra la Cina e Milano<br />
www.biosvincent.com<br />
FRANCESCOCAU<br />
Sculture di animali<br />
legni vari<br />
(…) Sono nato ad Assemini. La mia carriera è un po’ come una fiaba sarda<br />
a conclusione felice. Cresciuto in una società rurale quale era allora la vita<br />
asseminese, sin da giovanissimo ho ammirato, stupito, le forme di tronchi<br />
e radici levigate nelle foci dei fiumi dallo scorrere dell’acqua o contorte<br />
dai venti. (…) Piante che a volte assumono sembianze animalesche e a<br />
volte umane. (…) Procuratomi un coltellino ed affascinato da tanta bellezza<br />
spontanea, incominciai ad eseguire i primi lavori. In seguito incominciai ad<br />
avere contati con vari maestri scultori sardi che m’insegnarono i segreti di<br />
un mondo fino ad allora a me sconosciuto …<br />
Via Zara, 2 - 09302 Assemini (CA)<br />
Tel. 070.2041388 - Cell. 340.2585752<br />
cau.francesco@tiscalinet.it<br />
artweb@hotmail.com<br />
ORFEOCARPINELLI<br />
Le due cortigiane, 2009<br />
tarsie di colore e terre acriliche su tela, cm 100x80<br />
Largo Pietro Manni, 2C - 05100 Terni<br />
Tel. 0744.59949 - Cell. 338.2684325<br />
orfeo.carpinelli@tiscali.it<br />
www.fiaft.it<br />
PAOLAPAGNOZZI<br />
Incanto, 2010<br />
matita su carta, cm 48x33<br />
Via Piano Int. C2 - 82017 Pannarano (BN)<br />
Cell. 347.8783274<br />
pagnozzipaola@gmail.com<br />
ROCCOPACI<br />
A Cava D’Aliga<br />
olio su tela, cm 40x40<br />
Caltanissetta<br />
roccoarte@libero.it<br />
www.roccopaci.it
RENATOLIPARI<br />
Tracce, 2011<br />
Ferro spinato ed Euro triturati su tela, cm 50x50<br />
<strong>info</strong>@renatolipari.it<br />
www.renatolipari.it<br />
ART Antis<br />
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il nuovo bimestrale d’arte<br />
prenota la tua pagina<br />
nel prossimo numero<br />
<strong>info</strong>@artantis.<strong>info</strong><br />
ANNAGATTO<br />
Legame ancestrale, 2011<br />
olio su tavola, cm 110x59<br />
Contatti<br />
anna-gatto@libero.it<br />
www.triluna.net<br />
i n f o<br />
LORENATOTOLO<br />
Impalpabili sensazioni metangeliche<br />
tecnica mista, cm 100x120<br />
Ancora stamane mi rapisce l’immagine vaga e<br />
lontana di quel terribile paesaggio che nessun<br />
uomo vide mai ... com’è pieno di miracoli il sonno.<br />
Riccione (Rn)<br />
Cell. 338.5276072<br />
lorena.t@email.it<br />
www.lorenatotolo.com<br />
ALESSANDROGAMBETTI<br />
Us and Them, 2011<br />
tecnica mista su tela, cm 100x120x4<br />
Alessandro Gambetti<br />
pittura, arte digitale, fotografia, graphic design<br />
Monteroni d’Arbia (SI) - E-mail: alessandro.gambetti@tin.it<br />
www.certaldonet.com/alex<br />
www.artwanted.com/alessandro.gambetti<br />
www.blurb.com/user/store/galex59<br />
www.it.touchofart.eu/en/Alessandro-Gambetti<br />
SILVESTROCASTELLANI<br />
Il pensiero dell’occhio<br />
tempera con oro e argento su tavola telata, cm 90x70<br />
Via S. Giovanni in Ghiaiolo, 5 - 61029 Urbino (PU)<br />
Tel. 0722.320709 - Cell. 346.8016840<br />
silvestro.castellani@hotmail.it<br />
LAURAVENTURI<br />
Tra due fuochi, 2010<br />
acrilico e collage, cm 100x143<br />
Via O. Gentileschi, 6 - 56123 Pisa<br />
Cell. 347.9695184<br />
lauraventuri05@yahoo.it<br />
www.artintheworld.net/drupal/it/category/artists/painters/venturilaura<br />
www.equilibriarte.org/lauraventuri05
M I C H E L E F R E N N A<br />
Tempio della Concordia, Agrigento<br />
mosaico, cm 50x40<br />
Il tempio<br />
mosaico<br />
Via Archimede, 102<br />
90139 Palermo<br />
Telefax 091.332629<br />
Michele Frenna, siciliano nato ad Agrigento ed operante<br />
a Palermo, è certamente un artista unico nel<br />
panorama dell’arte non solo italiana. Impegno e<br />
passione, fanno di Michele Frenna un mosaicista<br />
dallo stile inconfondibile e la semplicità comunicativa<br />
della sua produzione artistica è la prova della<br />
sincerità di tutta la sua opera che sa parlare con<br />
esemplare chiarezza, rivelandosi come esempio<br />
di verità in un mondo sempre più votato al caos<br />
e all’effimero. Tutti i temi trattati da Michele Frenna,<br />
siano essi di carattere figurale, paesaggistico<br />
o religioso, ci narrano della sua partecipazione<br />
autobiografica, capace di rendere ogni sua opera<br />
un tassello della sua propria vita e della sua esperienza<br />
di uomo e di artista; le opere qui pubblicate,<br />
dedicate alla sua città natale, stanno a dimostrarlo<br />
con esemplare chiarezza. Paolo Tricase<br />
MARGHERITARANCURA<br />
In volo, 2012<br />
olio su tela a spatola e pennello, cm 70x90<br />
Via Giuseppe Verdi, 3 - 45014 Porto Viro (RO)<br />
Tel. 0426.633356 - Cell. 346.6313397<br />
margherita.rncura@alice.it<br />
www.gigarte.com/margheritaart<br />
NICOLETTAASTORI<br />
Ciottoli<br />
acquerello, cm 30x40<br />
Pittrice, è autrice di 82 disegni pubblicati nel<br />
volume di A. Bonelli “Gli antichi amboni italiani<br />
capolavori di scultura” (Milano, 2008)<br />
Casc. Coste della Chiesa, 1 - 26867 Somaglia (LO)<br />
Cell. 335.8091498<br />
nicoletta.astori@alice.it<br />
CONCEPCIONGARCIA SANCHEZ<br />
Panza II, 2009<br />
olio su tela, cm 70x50<br />
La poetica di Concepcion Garcia Sanchez si esplica attraverso<br />
immagini legate all’universo femminile che vengono tradotte in<br />
pittura con toni e forme leggere e delicate. (Araxi Ipekjian)<br />
Contatti<br />
Cell. 348.0369298<br />
concepciongarciasanchez@ymail.com<br />
ANNAZAMOLO<br />
Sguardo<br />
pittura acrilica su stucco, cm 60x60<br />
Via San Francesco, 13 - 33020 Amaro (UD)<br />
Cell. 340.6289310<br />
annazamolo@libero.it<br />
http://digilander.iol.it/annazamolo
acquaariafuocoterra<br />
AnnaGatto<br />
10 - 22 marzo 2012<br />
inaugurazione sabato 10 marzo 2012 ore 18.00<br />
presentazione di giuseppe viviano<br />
galleria caffè guerbois<br />
via valdemone 35 abc 90144 palermo<br />
w w w. g a l l e r i a c a f f e g u e r b o i s . i t<br />
mostra organizzata in<br />
collaborazione con<br />
ART Antis<br />
BIMESTRALE D’ARTE<br />
i n f o<br />
www.artantis.<strong>info</strong><br />
Dopo il grande successo di pubblico e di critica delle precedenti edizioni, si<br />
rinnova anche quest’anno, dal 15 al 20 marzo, negli spazi espositivi della<br />
Stazione Leopolda di Pisa, il singolare e atteso evento d’Arte Contemporanea<br />
“PisArt Expo - Edizione 2012”.La Rassegna, promossa ed organizzata<br />
dall’Associazione IdeArtecav centro arti visive di Pisa, propone un vasto ed<br />
eterogeneo spaccato della produzione di oltre 100 artisti provenienti dalla<br />
Toscana, dall’Italia e dall’estero che esporranno più di 1.000 opere. Suddivisa<br />
in stand, si presenta con una logistica ben articolata dove l’accoglienza<br />
ed il senso estetico, consentono ai visitatori di apprezzare al meglio le capacità<br />
stilistiche, tecniche ed espressive degli artisti partecipanti.<br />
All’interno della manifestazione, come da tradizione, gli spazi collaterali dedicati<br />
ad importanti rappresentanti dell’arte contemporanea. Di particolare<br />
interesse:<br />
lo spazio dedicato ai “Post-Macchiaioli e pittori labronici tra ‘800 e<br />
‘900 in Toscana”; la personale “Il figurativismo cromatico di Dino<br />
Pelagatti” dedicata al noto pittore Livornese, lo spazio Arte-scuola, con<br />
la presenza del Liceo Artistico “F. Russoli” di Pisa e Cascina; le opere<br />
degli “Egol’ artisti” della scuola del M° Lorenzo Terreni; i pittori dell’Associazione<br />
Circolo arti figurative “Il Ghibellino” di Empoli; la selezione<br />
di opere degli artisti dell’Associazione “Renesans” provenienti da<br />
Zamosc - Polonia; e sempre dalla Polonia, le opere selezionate al Concorso<br />
Nazionale della Satira “Manifattura della Satira”, promosso dalla città<br />
di Zyrardów.<br />
Assolutamente da non perdere l’incontro con la scrittrice Veronica Niccolai<br />
che presenterà l’ultima sua opera “Sofia” edito da Ibiskos editrice<br />
Risolo di Empoli; e la Prima Edizione della Rassegna di Mail-Art dedicata<br />
agli allievi delle scuole secondarie di 1° grado della Provincia di Pisa. Il<br />
tema di questa edizione, su ci si cimenteranno tutti i ragazzi delle numerose<br />
scuole inviate è “Pisa e il suo Territorio”.<br />
Nello spazio segreteria, sarà sempre presente un rappresentante dell’Associazione<br />
per assistenza ed <strong>info</strong>rmazioni. Fino ad esaurimento saranno disponibili<br />
i cataloghi delle passate edizioni della rassegna.<br />
Per gli espositori e i visitatori, all’interno dell’ampio complesso che costituisce<br />
l’insieme dell’Ex Stazione Leopolda, sono presenti Bar e Ristoranti, dove<br />
e possibile gustare piatti tipici della cucina Toscana.<br />
La Rassegna, aperta al pubblico dalle ore 17.00 di Giovedì 15 marzo, sarà<br />
presentata ufficialmente, alla presenza delle autorità cittadine e addetti di<br />
settore, il 17 marzo alle ore 17.30 con intervento critico del Prof. Ilario<br />
Luperini.<br />
GABRIELLADE FILIPPIS<br />
Grattacieli sul lago, 2010<br />
acrilico e carta di giornale su doppio pannello di mdf<br />
cm 28x65<br />
Contatti<br />
Cell. 3384144780<br />
g-defilippis@libero.it<br />
www.gabrielladefilippis.it<br />
FRANCOCECCONI<br />
Tra sogno e realtà<br />
bronzo, cm 90x60<br />
Via Carlo Marx, 1A - 56020 Staffoli (PI)<br />
Tel. 0571.37528 - Cell. 349.6073004<br />
cecconi.franco@libero.it<br />
www.francocecconi.net
Ossessione 4 | 2011<br />
acquerello su carta, cm 50x70<br />
P A O L O<br />
T E R D I C H<br />
M a u r i z i a<br />
D ’ I p p o l i t o<br />
Acqua 25 | 2011<br />
olio e acrilico su tela, cm 80x90<br />
Piazza Cittadella, 11 - 29100 Piacenza<br />
Cell. +39 335.5923181 - +39 346.7808680<br />
p.terdich@tiscali.it - p_terdich@yahoo.com<br />
www.paoloterdich.it<br />
a sinistra<br />
Paesaggio 54 | 2009<br />
tecnica mista, acrilico,<br />
stagnole multicolore<br />
cm 32x39<br />
a destra<br />
Fiori sul mare | 2010<br />
collage con stagnole multicolore<br />
cm 21,5x59,5<br />
Contatti<br />
Latisana (Udine)<br />
mauridipo@gmail.com<br />
ROSANNAGRISORIO<br />
Frammenti Ligneari - In Albis, 2011<br />
sculture in gesso di piccole dimensioni<br />
calchi diretti dalla superficie dell’albero di leccio<br />
La poetica di Rosanna Grisorio è quella del frammento di<br />
ricordo attraverso una rappresentazione acromatica di brandelli<br />
di materia che mediante una nuova forma impressa su quella<br />
d’origine danno vita ad un nuovo sé. (Araxi Ipekjian)<br />
Contatti<br />
Cell. 349.6179665<br />
rosypeace@libero.it<br />
GIOVANNIMANGIACAPRA<br />
Arte astrazione, movimento giallo, 2009<br />
tecnica mista, cm 80x80<br />
Via Lago Lucrino, 64 - 80147 Napoli<br />
artegiovanni@virgilio.it<br />
www.giovannimangiacapra.it<br />
GIULIAOCCORSIO<br />
La memoria dei cellulari<br />
grafica digitale<br />
Via Valsugana, 40 - 20900 Monza (MB)<br />
Tel. 039.741619<br />
giulia@giuliaoccorsio.it<br />
www.giuliaoccorsio.it<br />
NIETTAD’ATENA<br />
Atleta: La ruota, 2010<br />
bronzo, cm 43x35<br />
Via Aspromonte, 38 - 89127 Reggio Calabria<br />
<strong>info</strong>@niettadatena.it<br />
www.niettadatena.it
fabio<br />
saranno inoltre esposte opere di<br />
antonio carlino<br />
giulia la guardia<br />
noemi russotto<br />
duilio scalici<br />
Studenti del Liceo Artistico<br />
Giuseppe Damiani Almeyda di Palermo<br />
marabello<br />
monocromie dell’altrove<br />
a cura di alessandro ammirata<br />
24 marzo - 14 aprile 2012<br />
inaugurazione sabato 24 marzo 2012 ore 18.00<br />
presentazione di Isabella Barcellona<br />
galleria caffè guerbois<br />
via valdemone 35 abc 90144 palermo<br />
w w w. g a l l e r i a c a f f e g u e r b o i s . i t<br />
TINA LUPO<br />
Anelito, 1988<br />
metallo bianco brunito, cm 50x33x20<br />
SCULTURE<br />
www.kultrunmuseum.it