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DA VEDERE ARTA ntis.info Il Guggenheim L’avanguardia americana 1945-1980 di Massimiliano Alberico Grasso La difficoltà maggiore per un fruitore che si avvicina al mondo dell’arte è concepire e far propria un‘opera astratta o informale. Da sempre la domanda più frequente che ci si pone è cosa voglia trasmettere l’artista con un determinato tipo di lavoro, privo di figure, di forme, di elementi ben decodificabili. Per gli addetti ai lavori verrebbe spontaneo affermare che, dinnanzi ad un’opera, qualsiasi sia la natura, bisognerebbe lasciarsi andare, mettere da parte il razionale e lasciare libero sfogo al sentimento. In poche parole: far propria l’opera con cui si è entrati in contatto. Purtroppo, nella maggior parte dei casi, lo spettatore privo di conoscenza, ma comunque sensibile, non riesce a relazionarsi nelle modalità più semplici come quelle appena descritte. Oggi viviamo in un tempo in cui la conoscenza della storia in generale si è fermata, o meglio, si è preoccupata di istruire e tramandare quello che ha interessato una parte del nostro tempo, creando quasi un limite invalicabile che non va oltre la barriera della Seconda Guerra Mondiale. Successivamente è come se la storia si fosse fermata e di conseguenza anche il tempo. La causa sarebbe da ricercare in quella più lontana formazione primaria che, non curante dei processi storico-evolutivi succedutisi dalla seconda metà del Novecento, ci ha resi insensibili e mal predisposti a recepire le trasformazioni socio culturali che, all’avviso di molti, potrebbero apparire irrilevanti ma che, al contrario, hanno modificato l’assetto globale e socio-culturale del mondo attuale. Per l’arte il discorso non è poi così differente. Infatti, effettuando un’analisi temporale, l’Astrattismo con tutte le correnti ad esso collegate, resta una tecnica assai recente, che si diffonde a partire dai primi decenni del XX sec. L’espressione massima esplode tonante a partire dagli anni ‘50 con il confluire di diverse correnti culturali nell’Espressionismo Astratto, tipico movimento americano. 8 Gift, The Mark Rothko Foundation, Inc., 1986 ture cromatiche date dai gesti spontanei tipici del lavoro di 9 Quest’anno è possibile usufruire di un approfondimento culturale in grado di illustrare in maniera esauriente il percorso evolutivo dell’arte e delle avanguardie che hanno caratterizzano gli anni compresi tra il 1940 e il 1980. Infatti con il nuovo anno si apre una la stagione dedicate alle grandi mostre internazionali. Dal 7 febbraio è visitabile al Palazzo delle Esposizioni di Roma Il Guggenheim. L’avanguardia Americana 1945-1980: sessanta capolavori della collezione permanente della Solomon R. Guggenheim Foundation. La mostra, curata da Lauren Hinkson, ripercorre quasi quarant’anni di tendenze contemporanee che caratterizzarono la seconda metà del ‘900, con opere dei più grandi maestri dell’avanguardia americana. Più di 50 gli artisti in esposizione come Jackson Pollock, Mark Rothko, Roy Linchtenstein, Andy Warhol, Richard Serra, Chuck Close. Mark Rotko (1903-1970) Untitled, 1947 olio su tela, cm 121x90,1 Solomon R. Guggenheim Museum, New York Il Guggenheim. L’avanguardia americana 1945-1980, con le opere di questi artisti, effettua in maniera dettagliata e assai meticolosa, una panoramica significativa sulla storia artistica del paese, rimarcando in maniera sostanziale i movimenti dell’arte statunitense, dall’Espressionismo Astratto alla Pop Art, dal Minimalismo al Post Minimalismo, dall’Arte Concettuale al Fotorealismo. Attraverso una straordinaria selezione (proveniente dall’intero circuito Guggenheim, Solomon Guggenheim di New York, Peggy Guggenheim di Venezia, Guggenheim Museum di Bilbao), di opere pittoriche, scultoree, fotografiche, viene esaminato un particolare periodo segnato da sfide radicali senza precedenti, contro quella tradizione consolidata dell’arte canonica troppo statica per il XX secolo. La mostra è divisa in sei sezioni. Il percorso si avvia con gli anni immediatamente successivi alla seconda Guerra Mondiale, quando l’Espressionismo Astratto iniziò a diffondersi attirando le attenzioni internazionali su un gruppo di artisti attivi a New York, così da rendere gli Stati Uniti il centro globale dell’arte moderna. Nelle prime sale ci si confronta con gli approcci ancora ingenui di questo gruppo di giovani talentuosi che iniziavano a relazionarsi con l’astrattismo. Infatti L’Espressionismo Astratto convogliava in esso, una fervida cerchia di correnti culturali, tanto da rendere New York la capitale dell’avanguardia. Molti dei nomi presentati in mostra devono il proprio successo alla Art of This Century, celebre galleriamuseo fondata da Peggy Guggenheim, nipote del più famoso Solomon. Ella ebbe un ruolo fondamentale nel panorama artistico di quegli anni, contribuendo con la sua galleria a creare un luogo ideale per il dialogo tra due generazioni a confronto: quella proveniente dagli artisti dell’avanguardia Jackson Pollock (1912-1956) Untitled (Green Silver), 1949 smalto e vernice alluminio su carta applicata su tela, cm 57,8 x 78,1 Solomon R. Guggenheim Museum, New York Gift, Sylvia and Joseph Slifka, 2004 europea, rifugiatisi in America per sfuggire alla guerra, e la giovane generazione formata da nomi ancora sconosciuti ai più, come William Baziones, Arshile Gorky, Robert Morherwell, Jackson Pollock e Mark Rothko. Un gruppo diventato collettivamente noto come New York School. La terza sezione è occupata dalle nuove tendenze della pittura astratta degli anni ‘50 , dove gli artisti come Frank Stella o Kenneth Noland si distaccarono dalla corrente espressionista della New York School per volgere la ricerca sui valori fondamentali della pittura e i suoi elementi: linea, campitura, forma, colore. Prediligendo la geometria e la precisione, evitarono le sfuma- Pollock o de Kooning. Il percorso continua giungendo agli anni ‘60 e all’avvento della Pop Art. Rinnegati nuovamente i principi della scuola di New York, lontani dalle ideologie estetiche naturali da essa professata, pionieri della new art come Andy Warhol e Roy Linchenstein decisero di sconvolgere sfrontatamente il panorama culturale, facendo dell’estetica mediatica il punto di forza di un nuovo movimento che segnerà il corso della storia dell’arte. Il mondo commerciale, la stampa commerciale, il prodotto industriale, seriale, entrano prepotentemente nell’arte figurativa. Ciò che ne deriva è un artefatto figlio della politica di mercato, imitazione o mistificazione, di una società consumistica. Provocazione e critica della cultura popolare. Quinta e sesta sezione della mostra sono dedicate alle correnti che caratterizzarono primi anni sessanta: il Minimalismo, il Post minimalismo, l’Arte Concettuale e i primi collezionisti che si appassionarono al nuovo concetto di arte ( Robert Mangoll, Robert RYman, Dan Flavin, Donald Judd). Tra gli italiani emerge la figura del conte Giuseppe Panza di Biumo, che concentrò nella residenza di famiglia a Varese una delle più vaste collezioni di opere minimaliste, postminimaliste, concettuali. Tra le tante eredità della Pop Art va ricordata la pittura foto realista a cui è dedicata la sezione finale della mostra. Artisti come Robert Bechtle, Tom Blackwell, e Richard Estes ricorrono alla fotografia per documentare le informazioni, successivamente trasposte su tele di grandi dimensioni, realizzata con la tecnica ad olio e riprodotte a mano con precisione estrema. Nel perseguire obiettivi molto vicini il Fotorealismo deve molto alla Pop Art, differenziandosi però dal non voler trasmettere messaggi provocatori e ironici, ma bensì un’obiettività paragonabile alla neutralità meccanica della fotografia. Roy Lichtenstein (1923-1997) Grrrrrrrrrrr!!, 1965 olio e magna su tela, cm 172,7 x 142,5 Solomon R. Guggenheim Museum, New York Gift of the artist, 1997 Andy Warhol (1928-1987) Orange Disaster #5, 1963 smalto acrilico e serigrafia su tela cm 269,2 x 207 Solomon R. Guggenheim Museum, New York Gift, Harry N. Abrams Family Collection, 1974 Charles Bell (1923-1997) Gum Ball No. 10: “Sugar Daddy”, 1975 olio su tela, cm 167,6 x 167,6 Solomon R. Guggenheim Museum, New York Purchased with funds contributed by Stanley and Sheila Cooper, 1975 Il Guggenheim. L’avanguardia americana 1945-1980, ennesima lodevole iniziativa firmata Palazzo delle Esposizioni e Guggenheim. Quest’ultima dal 1937 attraverso la Solomon R. Guggenheim Foundation, si dedica alla promozione della comprensione e conoscenza dell’arte moderna e contemporanea. Attualmente fanno parte del circuito il Guggenheim Museum di New York, Peggy Guggenheim Collection di Venezia, Guggenheim Museum di Bilbao, The Deutsche Guggenheim di Berlino. 7 febbraio - 6 maggio 2012 Palazzo delle Esposizioni Via Nazionale, 194 - 00184 Roma www.palazzoesposizioni.it
DA VEDERE ARTA ntis.info 10 FAUSTO MELOTTI M A D R E N A P O L I di Pasquale Lettieri Continua presso il MADRE a Napoli la grande mostra antologica dedicata a Fausto Melotti (Rovereto 1901 - Milano 1986) a cura di Germano Celant e organizzata in collaborazione con l’Archivio Fausto Melotti. Riconosciuto da tempo, sia a livello nazionale che internazionale, come i suoi contemporanei Alexander Calder, Alberto Giacometti, Louise Bourgeois e Lucio Fontana, quale figura chiave nell’ambito della scultura moderna e contemporanea, Melotti si è contraddistinto per essere stato, sin dagli inizi degli anni trenta, tra i più significativi protagonisti del rinnovamento e dello sviluppo del linguaggio plastico e materico. La particolare capacità con cui l’artista è riuscito a coniugare la tradizione classica con gli interessi per le avanguardie europee, la conoscenza scientifica con una particolare sensibilità musicale, il talento scultoreo con quello di ceramista, la raffinata abilità letteraria e creatività poetica con la ricercatezza del disegnatore, sono tutte qualità che hanno contribuito ad affermarlo come uno dei talenti artistici più rilevanti del XXI secolo. 200 opere tra terrecotte, maioliche e gessi, sculture a tecnica mista e in ferro, ceramiche e lavori in inox, disegni e bozzetti, tracciano il percorso scultoreo di Melotti più strettamente legato al mondo delle arti visive. Seppure incentrata prevalentemente sulle sculture e i bassorilievi, l’esposizione al MADRE, fornisce l’occasione per una lettura approfondita e analitica della complessa figura di Melotti contraddistintosi per la particolare versatilità linguistica che gli ha permesso di attraversare i diversi campi della pittura, della scultura, della ceramica, della poesia, del disegno e della musica. Un universo di poesia e di musica plastica che sarà messo in storia e in racconto dall’intreccio e l’osmosi di un artista come Melotti e le vicende della cultura italiana moderna e internazionale. Intrecciati a queste sequenze, le sale del museo ospitano altri attraversamenti scultorei di Melotti legati a materiali come l’inox oppure affidati alla produzione di vasi e di oggetti in ceramica, tra cui spettacolari rilievi in cui il colore quanto le figure arrivano a formare storie e immagini sorprendenti: “Un agitarsi tra le essenze riconosciute di un codice scultoreo, oscillante tra il registro materiale e l’impeto mentale, tra la memoria e la ricerca, che permette a Melotti di attuare spostamenti linguistici continui, che forniscono un incanto sistematico al suo paesaggio d’artista” (Celant). Melotti si rifugia nell’intimità La sposa di Arlecchino 1979 ottone, gesso, tessuto, carta, cm 153x63x55 Senza titolo 1950 ceramica smaltata, cm 52x51,7x7,2 delle piccole cose, fatte in ceramica e cotte nella piccola muffola nello studio, quasi volesse riconoscere l’agonia e la fine di un esemplarità umanistica, spostando così l’attenzione dal mondo classico delle forme e dei grandi ideali ad una nuova soggettività, che ora è legata ad una concezione naturalistica e favolistica tra essere e mondo. fino al 9 aprile 2012 MADRE Museo d’Arte Donna Regina Via Luigi Settembrini, 79 - 80139 Napoli www.museomadre.it Angelo Pitrone Licata, 2009 Dagli scatti di due noti fotografi siciliani d’origine, Cayetano Arcidiacono e Angelo Pitrone, viene presentata nel Giugno del 2011 a Cordoba la mostra dal titolo “Palermo Cordoba andata e ritorno”. Nati nella prima metà del 900, il primo si trasferisce già negli anni ‘50 in Argentina, il secondo invece rimarrà nella sua regione d’origine (vive ad Agrigento) insegnando Storia e tecnica della fotografia all’Università di Palermo. Cayetano Arcidiacono e Angelo Pitrone, entrambi nati in una terra ricca di storia, cultura e tradizioni, utilizzano il medium della fotografia come strumento per restituire e restituirci ciò che di magico e intimo i loro occhi hanno saputo cogliere nell’osservare i posti e i luoghi da loro vissuti o semplicemente osservati. Come protagonisti di un viaggio silenzioso Arcidiacono ci dà la possibilità di entrare nell’intimo connubio che con un solo scatto riesce a creare tra sé e le infinite forme e geometrie che la natura possiede. Forme pure, delicate e soffuse riescono contemporaneamente ad essere forti, incisive e ad emergere in maniera netta da uno sfondo quasi assente, ma dalla contemporanea sensazione di stordimento provata già al primo sguardo. Utilizzando un linguaggio binario, apparentemente semplice, ma in realtà costruito su una dialettica dei contrasti, il bianco e nero di Arcidiacono evoca nella nostra mente e nei nostri occhi una sensazione soave, di silenzio e calma (Rio Mendoza) mista quasi ad una leggera inquietudine (Tranquera) data da cieli cupi e distese illimitate. A questa ricerca equilibrata e controllata e al rigore di un linguaggio bicolore si accostano le fotografie di Angelo Pitrone, rigorosamente a colori. Formatosi nei primi anni ‘70, anche lui muove i primi passi tra il bianco e il nero, accostandosi però fin da subito al mondo della fotografia dai toni vivaci e vitali. Nel caso di “Palermo Cordoba andata e ritorno”, mostra riproposta alla Galleria X3 di Palermo ritroviamo tutta la sicilianità da lui sempre ricercata. Come due treni che viaggiano su due binari paralleli anche Pitrone, come Arcidiacono, ci restituisce distese, scorci e infinite geometrie, ma stavolta indagando “tra le smorfie di un paesaggio che pare raccontare una primordialità mai superata”, come ricorda Emilia Valenza nella presentazione delle mostra. Il colore cattura il nostro sguardo, ci ancora davanti scatti che si trasformano in dimensione religiosa (Licata 2009), si fanno portavoce di una densità materica tipica dell’informale (Comiso, Strada Provinciale 7) o ci riportano nell’entroterra siciliano silenzioso, incompleto ma pieno di significati celati CayetanoArcidiacono AngeloPitrone Palermo/Cordoba AR di G. Gabriella Pagano (Stazione di Butera). Tale percorso iniziato in Argentina termina a Palermo, dove il 22 Gennaio alle ore 18.00, alla Galleria X3 si è inaugurata l’omonima mostra “Palermo Cordoba andata e ritorno” curata da Emilia Valenza ed Ezio Ferreri, accompagnata da un catalogo della collana “I tascabili dell’arte”, edito da Ezio Pagano. Attraverso un corpus di 15 opere si sono messi nuovamente a confronto i due fotografi siciliani d’origine, ma osservatori del mondo di adozione. Cayetano Arcidiacono Tranquera Cayetano Arcidiacono Rio Mendoza ARTA ntis.info PHOTO 11
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