RT www.artantis.info ntis

Luoghi
Campania
CAM_Contemporary Art Museum Casoria
Museo Emblema Terzigno
Da vedere
le mostre in Italia
Jean Calogero
Cesare Berlingeri
Photo
Maurizio Galimberti
Profili
Alberto Biasi
Pino Chimenti
Renato Lipari
Ciro Palumbo
A
BIMESTRALE D’ARTE 0
www.artantis.info
RT Antis
i n f o
novembre dicembre duemiladieci distribuzione gratuita

Renato Birolli
Autunno, 1955
olio su tela, cm 73x94
FERNANDEZ ARMAN
PABLO ATCHUGARRY
ENRICO BAJ
SIMON BENETTON
FAUSTO BERTASA
ALBERTO BIASI
MARIO BIONDA
RENATO BIROLLI
DAVIDE BRAMANTE
PIETRO CONSAGRA
ROBERTO CRIPPA
DADAMAINO
FRANCESCO DE ROCCHI
GIANNI DOVA
AGOSTINO FERRARI
OMAR GALLIANI
JOHN HOYLAND
WILFREDO LAM
MARCO LODOLA
TRENTO LONGARETTI
GEORGES MATHIEU
ZORAN MUSIC
MARCELLO PALMINTERI
MARIO RADICE
MAURO REGGIANI
OMAR RONDA
EMILIO SCANAVINO
TURI SIMETI
MARIO TOZZI
GIANNI VILLORESI
HELIDON XHIXHA
GILBERTO ZORIO
Galleria Ferrari
Via Matteotti, 25 - 24047 Treviglio (Bg)
Tel. +39 0363 43395
www.galleriaferrari.it
info@galleriaferrari.it
DRAGOARTECONTEMPORANEA
Via Consolare, 177 - 90011Bagheria (Pa)
www.drago-arte.it info@drago-arte.it
MIMMO PALADINO
Senza titolo 2010
tecnica mista su carta, cm 40x30

A
BIMESTRALE D’ARTE 0
novembre dicembre duemiladieci
Artantis.info
Bimestrale d’arte
www.artantis.info
info@artantis.info
Direttore artistico
Vincenzo Silvano
vincenzo@artantis.info
Redazione
Federica Plaitano
Pierpaolo Russo
Francesco Verolino
Hanno collaborato a questo numero
Alessio Bondioli
Serenella Di Marco
Loredana Di Pietro
Leone Salvatore Emblema
Graziella Melania Geraci
Gianfranco Labrosciano
Giovanna Gabriella Pagano
Marcello Palminteri
Giuseppe Viviano
Progetto grafico
Studio eMmePi
studioemmepi@artantis.info
Editore
Artantis.Associazione Culturale, Napoli
www.associazioneartantis.org
Stampa
Officine Grafiche
Francesco Giannini & Figli S.p.a, Napoli
www.artantis.info
RT Antis
i n f o
La collaborazione ad Artantis.info è da considerasi del tutto gratuita
e non retribuita. In nessun caso si garantiscono la restituzione dei
materiali giunti in redazione. Gli scritti pubblicati impegnano solo la
responsabilità dell’autore. Senza preventiva autorizzazione è vietata
ogni riproduzione integrale e parziale di testi ed immagini.
Anno 1, Numero 0. In attesa di registrazione presso il Tribunale di Napoli
© 2010 Artantis.Associazione Culturale, Napoli
EDITORIALE
Carissimi amici,
mi permetto, se possibile, una confidenza. Non è facile,
soprattutto in un momento come questo, guardare
all’orizzonte dell’arte come a un mare aperto
dove si vorrebbe navigare, sotto un cielo sereno. Il
cielo, in verità, è alquanto scuro e il mare è appena
scrutabile. Mi riferisco, naturalmente, alle difficili
condizioni in cui versa una quotidianità di mercato
davvero instabile e quanto mai insicura che purtroppo
impedisce tutti di gettare uno sguardo fiducioso
al futuro. Tuttavia l’orizzonte va ri-creato perché
questo è il destino dell’arte, che deve procedere
verso il futuro non secondo un sogno ma secondo
il suo diritto. Certo, la morsa della crisi economica
richiederebbe l’intervento di maghi, cartomanti e
via dicendo, per consentire a una rivista di arte di
crescere e svilupparsi. Malgrado tutto, però, noi ci
proviamo. Proviamo, cioè, a trasformare i nostri diritti
d’arte in idee e progetti. Tutto ciò che troverete
nelle pagine seguenti ne è un esempio, e noi siamo
orgogliosi di poter esserne gli araldi.
Con tanti auguri di una vostra attenta e prolungata
lettura.
Artantis.Associazione Culturale
Vincenzo Silvano
In copertina
Cesare Berlingeri
Deposito di stelle, 2010
tecnica mista su tele piegate, cm 88x135x72
Le mostre
In galleria
a cura di Alessio Bondioli
4
Jean Calogero
La prima antologica a Catania
di Serenella Di Marco
6
Maurizio Galimberti
ovvero dell’istantanea emozionante
di Giuseppe Viviano
16
Ciro Palumbo
La porta del sogno
di Giovanna Gabriella Pagano
26
Cesare Berlingeri
Corpi e piegature
di Gianfranco Labrosciano
8
Alberto Biasi
Una poetica di rigore
di Marcello Palminteri
18
Osso Mastrosso Carcagnosso
Enzo Patti e il codice svelato
di Gianfranco Labrosciano
30
Luoghi. Campania
CAM_Contemporary Art Museum
di Graziella Melania Geraci
10
Pino Chimenti
L’infinitamente complesso
di Loredana Di Pietro
21
L’intervista
Piero Drago. Editore e gallerista
a cura della Redazione
32
Luoghi. Campania
Il museo Emblema
di Emanuele Leone Emblema
12
Renato Lipari
Euro e pittura
di Gianfranco Labrosciano
24
Domenico Zora
34
Tina Lupo
36
Nadjia Chekoufi
38
Artisti in vetrina
43
SOMMARIO
ARTA ntis.info
3

MOSTRE
ARTA ntis.info
4
a cura di Alessio Bondioli
Gradisca d’Isonzo (Go)
Spazzapan a Torino
Le collezioni Accati e Villa
Galleria Regionale d’Arte
Contemporanea “Luigi Spazzapan”
Via Cesare Battisti, 34
Fino al 15 gennaio 2011
Martina Franca (Ta)
Giuseppe Chiari
Fondazione Noesi per l’Arte
Contemporanea - Palazzo Barnaba
Via Principe Umberto, 49
Fino al 9 gennaio 2011
Milano
Salvador Dalì
Il sogno si avvicina
Palazzo Reale
Piazza del Duomo, 12
Fino al 30 gennaio 2011
Milano
John Baldessari
The Giacometti Variations
Fondazione Prada
Via Antonio Fogazzaro, 36
Fino al 26 dicembre 2010
Modena
Lo spazio del sacro
Galleria Civica d’Arte Moderna
Corso Canalgrande, 103
Fino al 6 marzo 2011
Napoli
Marisa Albanese
Spyholes & Grand Tour 2.0
Museo di Capodimonte
Via Di Miano, 2
Fino al 9 gennaio 2011
Pieve di Cento (Bo)
Alfredo Pini
Immagina
MAGI 900
Via Rusticana, 1
Fino al 12 dicembre 2010
Pisa
Joan Mirò
I miti del Mediterraneo
BLU-Palazzo d’arte e cultura
Via Gian Battista Bertossi, 9
Fino al 23 gennaio 2011
Pordenone
Corrado Cagli
E il suo magistero
Parco-Pordenone Arte Contemporanea
Via Gian Battista Bertossi, 9
Fino al 30 gennaio 2011
Rivoli (To)
Exibition Exibithion
Castello di Rivoli
Piazza Mafalda Di Savoia
Fino al 9 gennaio 2011
Roma
Nunzio
Eighties are Back!
MACRO-Museo d’Arte
Contemporanea di Roma
Via Gian Battista Bertossi, 9
Fino al 12 dicembre 2010
Roma
Vincent Van Gogh
Campagna senza tempo. Città Moderna
Complesso del Vittoriano
Via di San Pietro in carcere
Fino al 6 febbraio 2011
Roma
CoBrA e l’Italia
GNAM-Galleria Nazionale d’Arte
Contemporanea
Viale Delle Belle Arti, 131
Fino al 13 febbraio 2011
Rovereto (Tn)
Dana Schutz
Young in the Future
MART
Corso Angelo Bettini, 43
Fino al 9 gennaio 2011
Sasso Caveoso (Mt)
Kengiro Azuma
MUSMA-Museo della scultura
contemporanea Matera
Via San Giacomo
Fino al 29 gennaio 2011
Traversetolo (Pr)
Renato Guttuso
Passione e realtà
Fondazione Magnani Rocca
Via Fondazione Magnani Rocca
Fino al 8 dicembre 2010
Rovereto (Tn)
Dana Schutz
Young in the Future
MART
Corso Angelo Bettini, 43
Fino al 9 gennaio 2011
Venezia
Tony Cragg
In 4d
Galleria d’Arte Moderna di Ca’ Pesaro
Santa Croce, 2076
Fino al 9 gennaio 2011
Acqui Terme (Al)
Fausto Melotti
L’angelo necessario
Galleria Repetto
Via Amendola, 21/ 23
Fino al 12 dicembre 2010
Bolzano
Giovanni Frangi
Ring-A-Ring-O’Roses
Antonella Cattani Contemporary Art
Rosengartenstrasse, 1A
Fino al 20 dicembre 2010
Bologna
Antonio Scarabozzi
Antologica 1965-2008
P420 Arte Contemporanea
Piazza Dei Martiri 1943-1945, 5/2
Fino al 8 gennaio 2011
Genova
Corrado Zeni
Babel
Guidi&Schoen
Vico Della Casana, 31R
Fino al 18 dicembre 2010
Livorno
Giuseppe Uncini
A carte scoperte
Galleria Giraldi
Piazza Della Repubblica, 59
Fino al 29 gennaio 2011
Milano
Eva Marisaldi
Un classico moderno
Nicoletta Rusconi
Corsa Venezia, 22
Fino al 8 dicembre 2010
Milano
Salvatore Fiume
Un classico moderno
Galleria Artesanterasmo
Via Cusani, 8
Fino al 19 febbraio 2011
Napoli
Antonio Riello
Tarokki
The Apartment
Vico Belledonne a Chiaia, 6
Fino al 15 gennaio 2011
Napoli
Gianni Moretti
Intermittenza
Changing Role - Main Space
Via Chiatamone, 26
Fino al 4 dicembre 2010
Novara
Paolo Serra
Opere recenti
Changing Role - Main Space
Corso Giuseppe Garibaldi, 29
Fino al 6 gennaio 2011
Padova
Claudio Verna
Il colore dietro le quinte
Anfiteatro Arte
Via Ognissanti, 33
Fino al 18 dicembre 2010
Palermo
Alessandro Bazan
Mezzogiorno
Galleria Bianca
Discesa San Domenico, 4
Fino al 31 dicembre 2010
Palermo
Luciano Pasquini
Sguardi lievi
Galleria Giuseppe Alcamo
Via Marchese Ugo, 28A
Fino al 11 dicembre 2010
Salerno
Paolo Scirpa
L’utopia praticabile
Ophen Virtual Art Gallery
Via Salvatore Calenda, 105D
Fino al 6 gennaio 2011
Torino
Afro
Opere
Galleria Mazzoleni
Piazza Solferino, 2
Fino al 15 gennaio 2011
Venezia
Monocromia
Nelle profondità del colore
Anti Gallery
Via Mestrine, 58
Fino al 10 febbraio 2010
Verona
Emilio Isgrò
La Costituzione cancellata
Boxart Gallery
Via dei Mutilati, 7A
Fino al 29 gennaio 2011
Vicenza
Francesco Bocchini
Tutti vivi tutti morti. Tutti rivivi tutti rimorti
Andrea Arte Contemporanea
Corso Andrea Palladio, 165
Fino al 5 febbraio 2011
IN GALLERIA
ARTA ntis.info
5

DA VEDERE
ARTA ntis.info
6
Jean Calogero
di Serenella Di Marco
La prima antologica a
Catania
Catania dedica la prima grande retrospettiva al pittore
catanese, naturalizzato francese, Jean Calogero (1922-
2001): il 23 ottobre si è inaugurata, infatti, presso la Galleria
d’Arte Moderna alle Ciminiere la mostra dal titolo
“Jean Calogero. L’antologica”, che ha visto la collaborazione
di diversi enti. Su iniziativa dei figli Massimiliano e
Patrizia, promossa dalla Provincia Regionale di Catania,
e con il patrocinio del Ministero per i Beni e le Attività
Culturali, della Regione Siciliana, della Provincia Regionale
di Catania, del Comune di Catania - Assessorato
alla Cultura e Grandi Eventi, del Comune di Acicastello
e del Museo Diocesano di Catania, l’esposizione è stata
realizzata dall’associazione Culturale SpazioVitale In, con
la curatela scientifica di Carmelo Strano.
a sinistra, dall’alto
Acicastello 1990
olio su tela, cm 102x71
Catania, il Duomo 1975
olio su tela, cm 80x128
Shells 1949
olio su tela, cm 60x76
Sostenitore di Jean Calogero, in Francia, dove si era trasferito
giovanissimo nel dopoguerra, è stato Maximilien Gauthier
che già nel 1954 scorgeva nelle sue prime sperimentazioni
pittoriche “cette luminositè pathétique, inesplicabile”,
un trattamento della luce patetico, passionale, e quindi
intraducibile. La pittura costituisce il mezzo congeniale
per rappresentare un mondo di passaggio, un mondo di
mezzo, tra la Sicilia e la Francia, in un momento storico
delicato per l’Europa. Formatosi all’Ecole Des Beaux-Arts,
assorbe la lezione parigina e si confronta ben presto con
le suggestioni figurative della capitale francese. La fortissima
carica visionaria e la potente matrice immaginativa di
Calogero sposano l’ancoramento dualistico nei confronti
della doppia patria, siciliana e francese, condizione che lo
renderà celebre in campo internazionale, e per cui si accattiverà
l’attenzione non solo di diverse gallerie francesi,
ma anche statunitensi e giapponesi: sono del 1952 e del
1953 le mostre presso l’ Associated American Artists di New
York e presso la James Vigevano Galleries di Los Angeles,
riconoscimenti critici significativi che hanno determinato
l’acquisizione successiva di diverse opere del maestro da
parte del Museo d’Arte Moderna di Parigi, il Museo di Tolone,
il Museo d’Arte di Tokyo, il Museo D’Arte Moderna di
New York, facendolo figurare tra i nomi più rappresentativi
della cultura figurativa italiana dell’ultimo cinquantennio.
Premiato con la Grande Medaglia d’Argento a Parigi, nel
1959 entra a far parte del catalogo internazionale dell’arte
Benezit tra i più autorevoli della pittura mondiale. Diversi
critici hanno poi seguito la sua carriera, divisa per molto
tempo tra la Francia e il ritorno ad Acicastello: George Waldemar
(1956), Francois Christian Toussaint (1957), Leonardo
Sciascia (1969) e poi in tempi più recenti Vanni Ronsisvalle
(1977), Vito Apuleo (1979) e Francesco Gallo (1985), fino
al più recente ritratto che ne ha fatto Vincenzo Di Maria. I
suoi dipinti indagano con levità e curiosità un immaginario
fantastico, in cui risuona un’eco surrealista che ha rilevato
lo stesso Sciascia: “Calogero è un surrealista quale poteva
nascere in Sicilia […] sfugge totalmente la vita reale”. Carmelo
Strano, per il catalogo della mostra, invece, gli attribuisce
un diverso temperamento artistico, più calibrato, tendente
verso una ricomposizione equilibrata e pacifica delle
parti fenomeniche sulla tela, anche le più inconciliabili:
“Occorre l’incursione nella psicologia del profondo. Ossia
un’attitudine (si direbbe, con Riegl, una “volontà d’arte”)
Il duello 1982
olio su tela, cm 130x130
La sorpresa 1999
olio su tela, cm 71x102
fortemente introspettiva, spontaneista nella propria follia.
[…] Sotto questo aspetto, Calogero rimane molto mediterraneo,
molto solare e soleggiato per essere un vero, seppure
tardivo, surrealista” (da “Oltre l’isola. Il basso continuo
dell’Etna”). Castelli e architetture fantastiche fuse a paesaggi
tardo-medievali o futuribili, personaggi silenti e arlecchini
malinconici, tra lo stupore di ottocentesche figure
femminili e cavalli addobbati a festa: la superficie della tela
lievita e l’horror vacui prende il sopravvento, affrescando
un mondo del sogno di un acceso cromatismo. Questo l’alfabeto
del maestro catanese, celebrato per la prima volta
con la grande antologica che comprende un centinaio di
dipinti e che sarà possibile visitare fino al 12 dicembre.
23 ottobre - 12 dicembre 2010
Galleria d’Arte Moderna - Le Ciminiere
Viale Africa/Piazzale Asia - 95129 Catania
www.jc2010.it
ARTA ntis.info
7

DA VEDERE
ARTA ntis.info
8
Corpi e piegature
2005 - 2010
Cesare
Berlingeri
Se l’arte è la radicale rottura di un corpo capace di “fare
mondo” col mondo circostante, quella di Cesare Berlingeri
si sostituisce addirittura allo spazio del mondo e ne
trova uno alternativo, inquietante e ambiguo, tanto esteso
quanto può espandersi la sua opera, tanto indefinito
quanto concreta è la materia del manufatto, che si realizza
e si presenta come un accadimento, una specie
di incidente non previsto ma necessario e assolutamente
inevitabile. Come a dire, un corpo dell’arte, come lui
stesso definisce taluni lavori quando spiega che non si
tratta più di definire un corpo nell’arte, ma di dar forma
al corpo stesso dell’arte, alla sua sostanza e al suo stesso
libero accadere, o essere, fuori da ogni schema e da
qualsiasi pregiudizio. Insorgono, allora, e si manifestano
con tutta la potenza dell’apparizione, dei fatti o eventi
artistici che si palesano quasi come corpi umani ma che
tali non sono, e che tuttavia meravigliano per la loro fisica
materialità. L’irruenza della loro corporeità, anzi, è così
sorprendente da creare una situazione ultima e definitiva,
di Gianfranco Labrosciano
a sinistra, in senso orario
sopra
Avvolgere il giallo 2005
Corpo nero 2005
olio e pigmento su tela piegata, cm 49x45x45 tecnica mista su tela piegata, cm 110x58
Senza titolo 2007
carbone su tela piegata, cm 83x80x16
L’ombra 2006
tecnica mista su tela piegata, cm 78x67
Tre frammenti 2006
tecnica mista su tela piegata, cm 53x47
Senza titolo 2007
tecnica mista su tela piegata, cm 64x54x7
courtesy Galleria Perlini Arte, Reggio Calabria
da scacco matto, allo stesso destino del mondo, o della
storia dell’arte, che è la stessa cosa, che non può non
palesarsi, o rivelarsi, secondo l’atteggiamento spiegatisi
nell’opera di Berlingeri. Bisognerebbe vederli, questi corpi,
fissati nell’immobilità della materia ma dinamici, che
richiamano alla mente certi torsi di un Rodin, o certi non
finiti di Michelangelo, tanto sono dotati di interna energia
palpitante. Solo che lì la superficie è graffiata, lavorata
dalla gradina e la forma, pur sempre di un corpo umano,
è sbozzata e non ancora ultimata. Qui invece la superficie
è morbida e vellutata come una pietra levigata dall’acqua
di un fiume, e la forma è definita, compiutamente
disegnata e composta. Ma è l’energia che è simile, la potenza
plastica insita nella materia che pare sprigionarsi in
ogni momento fino a estendersi in ogni direzione. Quanto
alla pittura, le sue opere, si tratti di geometrie intuitive o di
magmatiche sostanze primigenie, di piegature progressive
di superfici trasparenti, di grandi tele arrotolate in involucri
di colore o ridotte, di piega in piega, a fagotti contenenti
una materia più sordida e muta, come il tempo,
o il silenzio, o il puro colore che assorbe e vivifica la materia
del mondo, sono pur sempre corpi, e anche quando
traccia su di essi segni e disegni di una elementare, ingenua
e assolutamente libera frammentarietà, il tentativo,
peraltro riuscito, è sempre lo stesso che sta alla base della
sua operazione plastica. Dare un corpo a una forma di
pittura totalizzante, iconica, se si vuole, dell’universo, con
tutta la carica emblematica del suo ineluttabile mistero.
Una mostra di Cesare Berlingeri è attualmente allestita
negli spazi della Galleria d’Arte ELLEBI di Cosenza, e si
protrarrà fino al 2 dicembre. Nel marzo 2011 una personale
a cura di Marcello Palminteri sarà ospitata presso la
Galleria Caffè Guerbois di Palermo.
Senza titolo 2007
olio su tela piegata, cm 67x57x4
courtesy Galleria Perlini Arte, Reggio Calabria
Corpo rosso 2005
olio e pigmento su tela piegata
cm 67x57x4
Corpo bianco 2005
olio e pigmento su tela piegata
cm 104,5x62
2 ottobre - 2 dicembre 2010
Ellebi Galleria d’Arte
Via Riccardo Misasi, 99 - 87100 Cosenza
www.galleriaellebi.com
ARTA ntis.info
9

CAM
LUOGHI campania
ARTA ntis.info
10
Contemporary Art Museum
Casoria
di Graziella Melania Geraci
Cosa differenzia un museo di arte contemporanea da un
altro? Quali sono le caratteristiche di uno spazio da ricordare
rispetto ad un altro che entra nell’oblio? Seguendo
quello che è il significato assoluto di un’istituzione museale,
attribuire valori assoluti a determinate peculiarità è sicuramente
un rischio, si può facilmente cadere nella banalità
o nell’anacronismo. Nuovi valori sono stati attribuiti
al vecchio e polveroso contenitore di opere d’arte, non
più scatola di oggetti ma vivace centro culturale. Questa
la premessa per una moderna visione del museo che si sviluppa
in modalità eterogenee legate anche a fattori ambientali
e sociali. La sorpresa è ancora maggiore quando
nessuno dei due elementi citati favorisce lo sviluppo di un
polo culturale che riesce comunque a superare le barriere
contestuali per divenire crogiolo di idee internazionali.
Il CAM_Contemporary Art Museum di Casoria, in provincia
di Napoli, è riuscito in poco più di 5 anni di attività,
ad abbattere la poco felice ubicazione intessendo una
fitta rete di rapporti con artisti e istituzioni in quasi tutto il
mondo. Fondato e diretto da Antonio Manfredi, il museo
di Casoria opera come centro sperimentale e come gate
aperto all’attualità dell’arte contemporanea non legata
alla commercializzazione. Pittura, scultura, installazioni,
foto, arte digitale sono i linguaggi presenti nella collezione
permanente del CAM che annovera nel suo corpus
più di 1000 opere provenienti da 80 nazioni differenti. La
struttura del museo è underground, ricavata dai locali
tecnici di una scuola, si mostra come un enorme open
space bianco di circa 3.000 mq. Lo spazio appare libero
da condizionamenti di percorsi di visita e permette la libera
fruizione delle opere. In occasione delle mostre, che
si susseguono mediamente ogni tre mesi, gli allestimenti
trasformano il museo e le opere cambiano ubicazione,
offrendo così aspetti sempre nuovi al visitatore . Ogni mostra
viene pensata, analizzata e soprattutto studiata per
una diffusione sul territorio e per portare ad un più vasto
pubblico informazioni sui linguaggi contemporanei, come
la fotografia e i video, o sulle tecniche classiche, come la
pittura. Sempre pronto a dare spazio alle nuove tendenze
Casoria Contemporary Art Museum
Veduta di alcune sale ed esterno
dell’arte, il CAM agisce però al di fuori dei circuiti ufficiali,
non facendosi influenzare dal mercato e dalle politiche
commerciali. Così la continua ricerca in diversi ambiti artistici
vede accostate nel museo opere di artisti giovani e
meno giovani, famosi, storicizzati o sconosciuti e ignorati,
tutto all’insegna di un’arte espressione di territorialità o di
un pensiero. Il CAM ha lanciato più di una volta riflessioni
sul sociale, affrontando tematiche forti e talvolta anche
scottanti. Da CAMorra alla visione delle opere sofferte e
colorate di AfriCAM, dalla Politik alla Censured, dalla società
dell’abuso di Wonderland fino ad arrivare alla Frantumazione
italiana, tutte mostre apprezzatissime anche
dai non addetti ai lavori e una selezione delle cui opere
Melita Coute
Rose, 2004
capelli sintetici, specchio, cm 65x50x70
nella pagina a fianco, in basso
George Lilanga
Senza titolo, 2004
cera su tessuto, cm 97x83
Huang Yan
Senza titolo, 2004
fotografia, cm 109x82
a destra
Kivuthi Mbumo
Senza titolo, 2009
olio su tela, cm 30x30
Fitsum Berhe Woldelibanos
Moses, 2009
acrilico su tela, cm 119x119
Metka Erzar
La mappa celestiale, 2005
acrilico su tela, cm 140x256
a sinistra
Renato Barisani
Curve nello spazio, 2004
ferro laccato, cm 400x100x150
è sempre esposta al CAM. La collezione permanente del
CAM presenta tutti i linguaggi artistici contemporanei ma
il museo di Casoria è particolarmente noto agli artisti e
al mondo virtuale per aver costituito in pochi anni una
delle migliori e più ricche collezioni d’arte digitale e multimediale
internazionale e per aver affrontato, tra i primi,
il tema della fruizione e della conservazione di opere. Il
Museo si prefigge di essere luogo di incontro e di scambio,
un punto di riferimento culturale, vivace e stimolante
ma soprattutto uno spazio di sperimentazione e ricerca.
Con ampi programmi di iniziative culturali rivolte ai visitatori
(dalle mostre ai convegni), il CAM svolge ormai una
funzione promotrice di comprensione delle modalità, del-
le tecniche e dei significati dei linguaggi contemporanei
spaziando dalla pittura al digitale focalizzando la propria
attenzione sulle corrette modalità di fruizione. A tal fine
il Museo si è dotato di un archivio/centro di documentazione
che offre la possibilità di consultare per ricerche
di settore circa 5000 testi. Inoltre la programmazione didattica
del museo è volta al coinvolgimento delle scuole,
attraverso percorsi ludici, e degli adulti che desiderano
avvicinarsi all’arte contemporanea. Numerosi sono gli
strumenti utilizzati a tal fine come la connessione con
web cam in real time che ha permesso il collegamento
in diretta con strutture museali e università del nord Europa
per discutere proprio della circolazione, della libertà
e della diffusione dell’arte multimediale. In occasione di
alcune serate inaugurali non è mancata la diretta su canali
web, che ha consentito di ampliare virtualmente la
presenza dei visitatori internazionali. Lo stesso dicasi per
le immancabili performance, ormai parte dell’espressione
contemporanea e che si offrono in ogni occasione
diverse, interessanti e coinvolgenti. Un fiore all’occhiello
del museo è la collezione degli artisti napoletani che dal
secondo dopoguerra hanno influenzato l’arte locale.
Una ricchezza unica nella fattispecie, che accosta i grandi
maestri ai giovani talvolta scoperti ed esposti al CAM
prima di diventare nomi di rilievo per gallerie e musei italiani.
Il tutto in un museo internazionale con artisti che la
gente incontra in occasione delle mostre e che portano
il loro contributo dal mondo alla scatola delle meraviglie
a Casoria, al CAM.
Cam_Contemporary Art Museum
Via Duca D’Aosta 63A - 80026 Casoria (Na)
www.casoriacontemporaryartmuseum.com
ARTA ntis.info
11

LUOGHI
campania
ARTA ntis.info
12
Il museo
emblema
EMBLEMA
di Emanuele Leone Emblema
Il primo embrione del Museo Emblema nasceva nel 2000
per il volere dello stesso artista di creare a Terzigno, sua
città natale, un luogo riservato all’educazione, allo studio
ed alla diffusione dell’arte contemporanea. La Casa-Museo
di Salvatore Emblema ospita su una superficie di oltre
600 mq una documentata raccolta di tele che raccontano
una ricerca pittorica lunga cinquant’anni. In più, è
presente un grande parco di sculture dove hanno trovato
posto alcune tra le importanti “Structure” in rete metallica,
degli anni ’70, i grandi monoliti in legno dipinto degli
anni ’90 e le più recenti opere in pietra. Il tassello principale
nella struttura educativa del Museo è senz’altro il laboratorio
educativo. Uno spazio espressamente dedicato
ai bambini ed agli studenti, per lo svolgimento di attività
didattiche e dimostrazioni pratiche dei processi di lavorazione
artistica. Nell’intuizione dello stesso Emblema tra le
priorità di questo museo c’è soprattutto l’insegnamento
del valore di “trasparenza”, inteso non solo come concetto
culturale, ma anche e sopratutto come fatto di vita,
di comportamento, di interazione e condivisione con l’altro.
Da questo presupposto, tanta attenzione dedicata,
nei programmi del Museo, all’educazione giovanile in un
territorio difficile come quello napoletano. Per perseguire
al meglio tale scopo nasce nel 2008 il LEEP (Laboratorio
Etico/Estetico Permanente), la punta più avanzata ed
operativa del museo. Oltre alle attività nelle quali i bambini
entrano in contatto con i colori, le terre, e tutti gli strumenti
più o meno tipici del “fare arte”, il Museo è in grado
di mostrare agli studenti degli Istituti ad indirizzo artistico e
tecnico, particolari ed innovativi processi di lavorazione
delle terre vulcaniche e di fusione dei metalli, sfruttando
gli attrezzatissimi laboratori d’arte applicata messi in essere
dai due figli dell’artista. Il modus operandi del Museo
nell’approcciare didatticamente l’arte contemporanea
tiene conto che nelle scuole, soprattutto nei cicli delle
elementari e delle medie, questa disciplina è relegata ai
margini delle priorità d’insegnamento, e spesso con brevi
cenni a finitura dell’ultimo anno di scuola. I moduli forma-
Salvatore Emblema
in una foto del 2000
a destra
Terrae motus 1985
terre vulcaniche su juta, cm 300x600
sotto
Museo Emblema
sculture in ferro nel giardino del museo
e veduta di alcune sale
Museo Emblema
una lezione all’interno di una installazione
scultorea di Salvatore Emblema
tivi elaborati nel corso di anni studio, anche presso i migliori
musei americani ed europei, individuano dei nuclei
tematici che, partendo da argomenti tratti dalle normali
ore curriculari, come l’arte preistorica, la statuaria classica,
la prospettiva brunelleschiana o il barocco italiano,
tracciano una linea evolutiva o isolano quei meccanismi
estetici ancora validi e vivi nelle opere d’arte contemporanea
e nella ricerca di Emblema in particolare. Degna di
menzione è anche l’attività svolta direttamente presso le
scuole con lezioni frontali e laboratori pratici propedeu-
tici alle visite guidate al Museo. Grazie a questa azione
costante e progressiva, negli ultimi due anni molte scuole
del napoletano ed alcune Accademie di Belle Arti hanno
lasciato al Museo Emblema la gestione annuale di aule
speciali e corsi dedicati all’arte del ‘900. All’interno dei
locali del museo è messa, inoltre, a disposizione degli studenti
e degli appassionati una fornita biblioteca artistica
ed un emeroteca specializzata consultabile gratuitamente,
in vista di preparazioni di esami e tesi di laurea di argomento
storico artistico. Di notevole incremento negli ultimi
Senza titolo 2004
terre vulcaniche su tela detessuta, cm 300x300
a sinistra
Salvatore Emblema 1980
realizzazione di alcune grandi tele
ARTA ntis.info
13

ARTA ntis.info
14
anni è stata anche l’attività espositiva dedicata ai talenti
emergenti o alle realtà più affermate dell’arte italiana,
con concept curatoriali innovativi ed eventi che spesso
cercano una via alternativa al vernissage comunemente
inteso, per una fruizione culturale che sia allargata e
consapevole di un territorio, spesso non incline all’accettazione
delle forme artistiche più moderne. Esemplare di
questo approccio è la doppia personale “Luce Trame
Vita” che ha visto il giovane ma affermato duo TTozoi
accostare la loro ricerca informale sulle muffe alle trasparenze
di Emblema. Il Museo è sede dal 2006 anche
dell’Archivio Generale, un ufficio dedicato alla raccolta,
alla catalogazione ed alla tutela della ricerca e delle
opere di Salvatore Emblema. La sezione Archivio, diretta
sotto il controllo unanime di tutti gli eredi dell’artista, è
l’organo che garantisce e certifica sul complesso della
produzione dell’artista. Svolge, inoltre, compiti di supervisione
storico-documentaria sulla redazione del Catalogo
Generale. Anche l’attività dell’archivio si è posta, negli
anni, come una irrinunciabile guida per i collezionisti ed
un supporto per tutti quegli operatori del mondo dell’arte
che hanno bisogno di raccogliere notizie e certificazioni
sull’artista di Terzigno. L’archivio Emblema che annovera
oltre 2000 collezionisti registrati, adopera i più moderni
sistemi di catalogazione e sarà, dopo l’uscita del definitivo
Catalogo Generale, il primo archivio artistico italiano
completamente digitalizzato e consultabile in rete grazie
ad un sistema di password nominali rilasciate ai possessori
delle opere ed agli studiosi che, previa ogni garanzia di
riservatezza, ne facciano richiesta. Per l’archivio, fin dai
suoi primi passi è stato di vitale importanza annullare la
distanza che solitamente si viene a creare tra le persone
che desiderano ricevere informazioni e certificazioni sulle
opere d’arte e l’istituzione che si occupa di fornirne, in un
mondo spesso pieno di pregiudizi e sospetti come quello
dell’arte contemporanea. Stabilendo un rapporto che è
essenzialmente basato sulla fiducia, la trasparenza ed
una assoluta partecipazione per tutti i collezionisti che si
affidino ai servizi dell’archivio.
Autoritratto 1958
terre colorate e ceneri su juta, cm 200x180
sotto a sinistra, in senso orario
Emblema Opificio
bracciale in bronzo, fermacarte in metallo
vassoi in pietra lavica
All’interno della struttura museale è attivo, infine, l’Emblema
Opificio, azienda che dal 1987 lavora nel campo
del design internazionale, realizzando una ricerca
tesa ad innovativi e non convenzionali processi di lavorazione
dei materiali. Pezzi unici e serie limitate per complementi
d’arredo, oggetti d’arte applicata e gioielli si
affiancano in questa realtà, ad una lavoro sviluppato
a tutto tondo sull’architettura e sull’arredamento contemporaneo.
Ad Emblema Opificio ed ai suoi laboratori
di oreficeria in particolare è dedicata la nuova sede distaccata
del Museo Emblema, operativa dal 2010 nel
centro urbano di Terzigno.
Museo Emblema
Via Vecchia Campitelli - 80026 Terzigno (Na)
www.salvatoreemblema.it
KATYANDREEVA www.kandreeva.com
Ciclisti
olio su tela, cm 40x50
G A L L E R I A
S I M M I
Via dei Soldati, 20/27 - 00186 Roma
Tel. 06.6875613 - 06.6874684 - 06.6868890
E-mail: stefanosimmi@msn.com

PHOTO
ARTA ntis.info
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Maurizio
GALIMBERTI
ovvero
dell’istantanea emozionante
di Giuseppe Viviano
Maurizio Galimberti non è un fotografo. O perlomeno non lo è
nel senso convenzionale del termine, non limitandosi semplicisticamente
a rappresentare la realtà. Egli stesso si definisce
un artista della fotografia, o meglio un “Istant Artist”, perché
nei suoi scatti insegue la vibrazione emozionale. Il suo nome è
legato alla fotografia istantanea, quella particolare fotografia
che consente di vedere i risultati subito dopo lo scatto. E - cosa
di non poca importanza per l’autore - di poter intervenire in
fase di sviluppo sulla superficie impressionabile, facendovi pressione
con uno stilo, al fine di ottenere effetti originali e irripetibili.
Quella di Galimberti è una vicenda artistica costantemente
votata alla ricerca. Una ricerca stilistica e di contenuti che
aderisce a forme di rappresentazione di una realtà soggettivamente
interpretata, in cui gli elementi fisici, pur conservando
la loro plasticità e riconoscibilità, sono trasfigurati dalla volontà
e dall’azione dell’artista. Leitmotiv di questa ricerca è la creatività,
che contraddistingue e identifica le opere. Maurizio
Galimberti si avvicina alla fotografia sperimentando dapprima
con una Widelux a pellicola tradizionale, dotata di obiettivo
rotante per panoramiche, e a partire dal 1983 passa definitivamente
alla Polaroid a sviluppo istantaneo, il mezzo espressivo
che contribuirà alla formazione e allo sviluppo della sua cifra
stilistica. Egli padroneggia il mezzo fotografico ed è consapevole
delle sue potenzialità espressive. Della Polaroid lo affascina,
oltre all’immediatezza dello sviluppo, la resa delle tonalità
cromatiche tipica della pellicola. Intraprende allora un intenso
percorso di sperimentazione, tuttora in atto, che rivelerà il valore
artistico di questo autore e che nei primi anni Novanta gli
consentirà di iniziare un rapporto di collaborazione con Polaroid
Italia, di cui diventerà il testimonial ufficiale. Sin dai primi
approcci con la fotografia, la produzione di Galimberti risente
degli echi dei movimenti avanguardisti del secolo scorso.
Sono il Cubismo e, principalmente, il Futurismo e il Dadaismo,
a influenzare i suoi primi lavori, le panoramiche realizzate attraverso
un obiettivo rotante. Lo stesso artista ha dichiarato in più
occasioni di ispirarsi al futurista Umberto Boccioni e al dadaista
Marcel Duchamp, e di avere in Picasso un punto di riferimento
essenziale. Delle avanguardie storiche, l’artista viene attratto
dal concetto della scomposizione della forma su piani visivi diversi,
già applicata dai cubisti alla dimensione spaziale, per la
possibilità di rappresentare lo stesso soggetto non solo da punti
di osservazione differenti, e dunque con prospettive differen-
Ready made:
Tessera Ordine Goliardico, Napoli 2010
courtesy The Apartment Contemporary Art, Napoli
Ready made:
Italia 2010
courtesy The Apartment Contemporary Art, Napoli
ti, ma anche in momenti diversi, operando in tal modo sulla
dimensione temporale. Attraverso un’evoluzione graduale e
ragionata, che trae spunto da movimenti artistici che hanno
segnato un’epoca per poi svilupparsi in maniera autonoma e
originale, comincia a delinearsi quello stile inconfondibile che
caratterizzerà la produzione dell’artista, passando dalla fotografia
singola ai famosi mosaici in cui le immagini sono disposte
su piani visivi sfalsati e scomposte in frammenti, talvolta numerosi.
Soggetti ricorrenti dei mosaici sono i ritratti, i paesaggi urbani,
gli elementi architettonici. La tecnica del mosaico, già
utilizzata da autori come David Hockney e Lucas Samaras, viene
reinterpretata in modo personale nei ritratti. I primi mosaiciritratti
risalgono alla fine degli anni Ottanta, con composizioni
di due o tre immagini. In seguito Galimberti applica alla comune
Polaroid un “collector”, ossia una scatola in grado di ottenere
immagini a grandezza naturale, e realizza opere composte
anche da un gran numero di istantanee seguendo uno
schema ricorrente: inizia a fotografare dall’alto al basso e da
sinistra a destra, appoggiando il “collector” al volto, attento
a valorizzare le peculiarità dei soggetti e a coglierne l’anima,
quindi ordina in sequenza le immagini. Una creazione a mano
libera, la sua, impulsiva, alimentata dall’esperienza e dall’emozione
che egli stesso sente nel momento in cui fotografa. L’artista
ha eseguito ritratti di star internazionali del cinema, del
mondo della moda, dello spettacolo, dello sport, della cultura,
della politica e persino della religione. Ha “scomposto”, tra gli
altri, personaggi come Robert De Niro, Catherine Zeta Jones,
George Clooney, Jonnhy Depp, Lady Gaga, guadagnandosi il
primo posto nella classifica dei foto-ritrattisti italiani stilata dalla
rivista Class nel 1999; le emozioni più forti, però, le vive quando
ha a che fare con personaggi del mondo della cultura, Mario
Luzi o Norberto Bobbio ad esempio, che si mostrano nella
loro vera natura, senza resistenze né sovrastrutture. La stessa
tecnica è utilizzata nei mosaici più recenti raffiguranti ambienti
urbani: veri e propri reportage che presentano un luogo o un
edificio-simbolo della città da un punto di vista insolito, o meglio
da molteplici punti di vista. Una ricerca che ha portato
alla pubblicazione di volumi a tema, come “Metacittàfisica”,
che raccoglie mosaici di varie città europee, “Napoli Istantanea”,
“A Journey to Italy - Viaggio in Italia”. Galimberti ha una
particolare attenzione per gli edifici, sia per i monumenti con
cui si identifica una città che per i palazzi dell’economia, della
Mosaico Galleria Umberto, Napoli
Polaroid, cm 120x60
courtesy The Apartment Contemporary Art, Napoli
a destra
Mosaico Roby
Polaroid, cm 120x50
collezione privata
cultura, della fede, del potere. I mosaici, più delle foto singole,
non lasciano spazio all’improvvisazione: richiedono un piano
progettuale e si caratterizzano per l’intenzionalità. Sono lavori
di un certo rigore, che risentono della formazione tecnica del
loro autore, maturata durante gli studi da geometra e affinata
sul campo nei cantieri edili di famiglia. Di particolare suggestione
è inoltre la recente produzione di “ready made” che
richiama, ancora, la poetica dadaista. L’osservazione del quotidiano
e l’analisi di oggetti comuni presenti nei luoghi di vita
vissuta, profondamente intrisi di valori emozionali, conducono
l’artista lombardo a una promettente sperimentazione su materiali
e prodotti già utilizzati, trasformati in oggetti altri e investiti
di nuovi significati. Egli opera su cartoline e materiali pubblicitari,
mappe e carte geografiche, vecchi documenti, giornali
e riviste, buste e carta da pacchi affrancata e bollata, pagine
e biglietti su cui si leggono messaggi lontani nel tempo, ne
fotografa un frammento, quello che l’istinto e l’esperienza gli
suggeriscono, e vi applica l’istantanea ottenuta, non prima di
averla manipolata in fase di sviluppo come nel suo stile classi-
co. Il risultato è un nuovo prodotto, un’opera d’arte che splende
di luce propria, in cui due piani materici, semantici e temporali
convivono e si fondono in un’armonia di segni, linguaggi
e messaggi. Un timbro, personalizzato con il nome dell’artista
e datato, viene posto a suggello dell’atto creativo, fornendo
all’opera un ulteriore elemento di connotazione temporale.
L’intervento dell’artista trae origine da un istinto emotivo, dal
sentimento che suscitano gli oggetti sui quali agisce, le piccole
cose della vita di tutti i giorni concettualmente assimilabili agli
“oggetti d’affezione” di Man Ray, nell’intimo bisogno di riappropriarsene
per mezzo dell’atto creativo. Anche nell’era del
digitale, Galimberti continua ad esprimersi attraverso la tradizionale
Polaroid per le straordinarie possibilità di manipolazione
intenzionale che la pellicola a sviluppo istantaneo offre nel
breve lasso di tempo che intercorre tra lo scatto e il momento
il cui l’immagine si è fissata.
Maurizio Galimberti
vive e lavora tra Meda (MB), Peschiera del Garda(VR) e Parigi
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PROFILI
ARTA ntis.info
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Alberto BIASI
una poetica di rigore
di Marcello Palminteri
L’integrità dell’opera di Alberto Biasi (Padova, 1937) è
scandita da una cifra stilistica inconfondibile e coerente,
pregnante e persuasiva, che da oltre un cinquantennio lo
pone tra gli artisti più interessanti del panorama non solo
nazionale. Unanimamente considerato tra i maggiori esponenti
dell’Arte Cinetica e Programmata, Biasi è artista che
non ama le classificazioni: “Se proprio mi si vuole etichettare,
- dichiara in una recente intervista - vorrei essere catalogato
e distinto per quello che effettivamente sono, cioè
per la mia ricerca poliedrica ... quindi artista cinetico, ma
anche optical, anche programmato, soprattutto gestaltico,
insomma un artista caleidoscopico, iniziatore dell’arte
interattiva, creatore di opere che non rappresentano ma
diventano, costruttore di contenitori d’energia, di strumenti
che interagiscono con chi li guarda, dando origine a immagini
e forme virtuali, non cinetiche, si badi bene, ma dinamiche”.
Costante, nel suo lavoro, è la ricerca di un equilibrio
compositivo la cui razionalità strutturale non si esaurisce nella
sola dimensione volumetrica; una razionalità che si accompagna,
sempre, ad una interiorità che evidenzia l’assimilazione
poetica come sentimento liberatorio. Infatti, se
Dinamica visuale triangolare 1965
tecnica mista, cm 100x115x4,5
Distorsione gialla 1965
tecnica mista, cm 130x110x4
a destra
Contrazione-Espansione 1987-1994
tecnica mista, cm 70x104x3
sotto
Rompere il cerchio 2001
tecnica mista, cm 50x45x3
da un punto di vista tecnico rivela un sorprendente mestiere,
necessario a chi, come lui, opera in ambiti di precisione
e rigore, dal punto di vista emotivo rivitalizza una sintassi che
si presenta senza cedimenti, densa di valori appartenenti
all’universo dell’uomo e alle sue discipline. Negli anni Sessanta,
anni inquieti e di intensa sperimentazione, la volontà
di scoperta, la necessità di confronto, porteranno l’artista
a formare il Gruppo N (1959, con il quale opererà sino al
‘67); più tardi sarà tra i promotori di Nuove Tendenze (1961)
e tra i fondatori di Arte Programmata (1962). Il superamento
della pittura tradizionalmente intesa, avverrà con l’ausilio
di strutture lamellari in pvc, prismi di cristallo, plexiglas
e altri materiali utili ai “congegni” visivi immaginati dall’artista.
Tuttavia Alberto Biasi non rinnegherà mai la pittura; il
senso del colore, del resto, dà la dimensione dell’amore e
del rispetto che l’artista nutre per essa. E lo si ravvisa nelle
variazioni cromatiche, nelle sovrapposizioni, nel fascino
misterioso delle sue forme su materiali trasparenti, nel rapporto
tra movimento e staticità negli assemblaggi. Di più.
Dopo gli anni di sperimentazione “di gruppo”, terminata la
carica propulsiva del lavoro d’insieme, ovvero quando la
ricerca di Biasi proseguirà “da solista”, la pittura invaderà
il campo emergendo con rinnovata potenza: il suo lavoro
assumerà un inconfondibile ritmo musicale, armonico, polifonico;
giallo e ocra, celeste e azzurro, rosa e rosso, grigi e
neri, fino a riflettere i suoi moti in una ondulazione di linee
che nel tempo e soprattutto nelle opere più recenti, amerà
sempre meno il rigore lineare e sempre più la diffusione
cromatica, attraverso una deformazione che si specifica in
una personalissima stilizzazione. Ne sono prova alcuni parti-
colari elementi linguistici: l’organizzazione della complessità
strutturale, la tendenza alle stratificazioni visive che mutano
percettivamente le superfici, la disposizione della gamma
dei colori, l’attenzione ad evitare gerarchie cromatiche;
un modo per superare il vincolo di sincronie troppo rigide
come antidoto all’irrigidimento dell’articolazione formale.
Esaminare il corpus della sua opera, permette di comprendere
come il genio della forma abiti nell’artista veneto e
come esso sia capace di concretizzare uno stile capace
di elaborare un vasto repertorio immaginifico il cui vigore
formale e cromatico si agita in ogni composizione, non
negando mai i lati emozionali del suo intervento. Potremmo
dire che Biasi riesce a far coincidere le verità della
geometria con le verità della natura e dell’idea, sorprendendoci
attraverso l’opera d’arte grazie alla concretezza
immediata con la quale si propone, con un vitalismo pulsante
e la perfetta disponibilità nei confronti dell’esperienza
visiva di chi guarda. E’ in virtù di queste regole, di
questa poetica di rigore, che l’opera di Alberto Biasi riesce,
come un contrappunto, un canone o una fuga, a destare
assai presto l’impressione di una espressività sentita e vissuta,
lirica ed elegiaca, come solo alla musica è concesso.
Alberto Biasi
vive ed opera a Padova
ARTA ntis.info
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RENZO MEZZACAPO
w w w. m e z z a c a p o . i t
G A L L E R I A
DEI RAVVIVATI
Tre elefanti rosa, 2009, olio su tela, cm 120x60
Via Leonardo da Vinci, 7 -57025 Piombino (Li)
Tel 0565 221314 Fax 0565 261891
E-mail gallcom@interfree.it
CHIMENTI
Pino
Mimetismo di un essere grazioso in sintonia con il proprio osservatorio esistenziale 1999
tempera e acrilico su carta, cm 18x13
Neo condottiero della fiction con ombelico etnico 2000
tempera e acrilico su carta applicata su cartone, cm 36,5x67
di Loredana Di Pietro
l’infinitamente complesso
Pino Chimenti appartiene alla generazione di artisti
che, nati intorno alla metà del secolo scorso, si sono
trovati a dover fare i conti, negli anni Settanta, con il
recupero della rappresentazione e della figurazione
in pittura dopo la tensione informale che aveva attraversato
l’arte nel decennio precedente. A seguito di
un esordio concettuale avvenuto alla metà degli anni
settanta, la pittura di Chimenti sviluppa, con il ciclo di
Fabule mitopoietiche, un’inclinazione fantastica e vagamente
astratta, in cui il dato di realtà non è del tutto
tralasciato, ma ricomposto e trasfigurato liberamente
attraverso le dinamiche della favola e del sogno. Si
tratta di un ciclo di opere dalle dimensioni contenute,
caratterizzate da una figurazione minutissima e accurata,
sorta di microcosmi in cui il segno allude, senza mai
definirla compiutamente, ad una realtà vista, pensata,
decantata. Si pensi ad opere come Uccello/sasso che
vegeta nelle acque materne, del 1981, o Poeta, nuvola
e musa, del 1986, in cui sembra di leggere in trasparenza
la lezione di Paul Klee - “rendere il visibile” 1 e non riprodurlo.
Il mondo pittorico di Chimenti si struttura quindi
nei territori del gioco e dell’immaginazione, nutrendosi
di libera associazione in un movimento che vuol essere
insieme ludico e ironico. Ciò appare evidente già dalla
scelta dei titoli delle opere, come Amore primitivo con
smorfia leggera (1987) o Entelechia di un consumatore
ordinato (1988): didascalie vagamente descrittive che,
nell’aggancio obliquo e improbabile con la realtà raffigurata,
appaiono esse stesse elementi poetici, esornativi.
L’opera di Chimenti esprime qui la “volontà di tessere
un racconto dove entrino in gioco fattori disparati - ora
ironici e giocosi, ora magici e mitici”, come ha scritto
Gillo Dorfles 2 , in cui “personaggi - tra il surreale e il ludico,
tra il grottesco e l’affabile - si trastullano in mezzo a ghirlande
di forme variopinte, di marezzature cromatiche, di
sottili estroflessioni magnetiche, sempre sostenute da un
minuzioso grafismo” 3 , nel quale però la dimensione pittorica
resta quella prevalente, al di là della divagazione
poetica, in una tensione intesa a recuperare la valenza
iconica e squisitamente ornamentale della pittura: “la
ricerca di raffinate sfumature, di inattesi incastri cromatici,
l’utilizzazione di superfici a trattini, punteggiate, zigzagate,
fa di molte di queste opere delle vere e proprie
antologie ornamentali” 4 . E tale tendenza appare riconfermata,
e ulteriormente affinata, nel successivo ciclo
Entelechie immaginifiche realizzato negli anni Novanta.
In queste opere, molte delle quali di più grandi dimensioni,
le superfici si accendono di più meditati accostamenti
cromatici, in una composizione organizzata e minutamente
articolata, come in Curiosità acquatiche e
PROFILI
ARTA ntis.info
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ARTA ntis.info
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sonore di un uccello-ponte (1992) o Rotte confuse di un
giocoliere celeste (1995). Proprio in questo periodo fa la
sua apparizione, accanto a temi già noti come il libero
riassemblaggio di elementi della natura (uccelli) o quello,
sempre presente, del viaggio celeste (raffigurato nei
simboli, spesso ricorrenti, di sole e luna), la riflessione sulla
modernità, esemplificata nell’accostamento tra dimensione
arcaica e cibernetica. Si pensi ad opere come Il
mio giocattolo del futuro (1990) o Danza apotropaica
con asta virtuale (1995). In esse, mitologie antiche e moderne
si alternano liberamente, con la libertà immaginativa
che presuppone un’analoga distanza dal mito figurato,
trasfigurato favolisticamente. Tale tema sarà più
compiutamente sviluppato nelle opere del periodo più
recente. Gli anni a cavallo del millennio, con il ciclo dei
Cartigli Ermetici, vedono altresì l’ampliarsi dello spazio
pittorico in un continuum che tutto contiene e fagocita:
seguendo la traccia semantica delle intitolazioni, il cosmo
figurativo di Chimenti diventa mappa dell’anima,
del suo continuo mettersi in relazione con il mondo per
ricondurre tutto a se stessa. Osservatori dell’anima, magie
della memoria, voluttà dionisiache, sino al grande
affresco dei Cartigli iridescenti della memoria guerriera
con ombre colorate vagamente gioiose/giocose (2001),
tutto sembra rifarsi a una dinamica esistenziale che affronta
l’icastica varietà dei casi e delle forme del mondo
ricomponendola in un insieme figurativo eterogeneo e
variopinto ma connesso ed unitario. Il soggetto dell’opera
impegna tutta la tela, lasciando pochissimo spazio a
quella superficie colorata, neutra o contrastante, che in
precedenza si definiva come margine o confine del soggetto
stesso. Qui non c’è dicotomia o dialettica, tutto è
assimilato in uno spazio concepito come “tutto-pieno”
il cui codice figurativo, come è stato detto, “affonda
le sue radici nell’Oriente pittorico” 5 . Nel periodo più recente,
tale compattezza figurativa conosce una nuova
disgregazione secondo le dinamiche della dialettica e
della relazione. Con il ciclo Nuove icone dell’invisibile
(in cui il titolo scavalca l’allusione per farsi vera e propria
chiave esegetica) Chimenti sembra mettere in scena
una drammaturgia dell’essere, in cui (come in ogni
drammaturgia che si rispetti) due elementi figurativi, raddoppiamento
e rovesciamento della medesima figura,
dialogano tra loro: sono gli amanti immaginifici, i gemelli
cyborg dall’unico ombelico, le figure simbiotiche
(i ricorrenti simbionti) che definiscono una ineliminabile
relazione del sé, una sua necessità di rispecchiamento e
riconoscimento. Ancora una dinamica esistenziale forse,
ma aperta alle inquietudini e alle incertezze del collettivo:
ricompare il tema del futuro (Rivisitazioni nostalgiche
di due guerrieri simbiotici del futuro, 2003) e della sua
convivenza, in un’alterità irrisolvibile, con tutto quanto è
immanente - l’archetipo e l’origine, adombrata nell’elemento
ombelicale. Nel Dittico dell’identità con simbionti
sopra
Dittico dell’identità con simbionti immaginifici vagamente industriosi 2003
tempera e acrilico su tavola, cm 70x200
sotto
Danza apotropaica con asta virtuale 1995
tecnica mista su cartone, cm 35x50
immaginifici vagamente industriosi (2003) due figure vagamente
cavalleresche, armate di spada, si fronteggiano
ai lati di un elemento centrale che sembra essere
una giostra: uno scontro di elementi che la figurazione
(l’essere composti dalle medesime parti) e l’intitolazione
dell’artista definiscono come identici, come articolazioni
di una medesima identità. Quello che Chimenti mette in
scena qui, a uno degli estremi della sua vicenda artistica,
è uno scontro impossibile - eppure necessario - dell’uno
con il sé stesso ed insieme altro da sé, in una dimensione
dicotomica che sola può garantire il perpetuarsi dell’immaginazione,
della memoria e dell’oblio, dell’affettività
e del distacco, dell’esistenza in tutte le sue parti infinitamente
complesse e minute che la pittura dell’artista ha
saputo indagare con puntualità soave e immaginifica.
1 Luca Beatrice, L’ornamento non è delitto. Elogio della pittura di Pino
Chimenti, in Catalogo mostra personale, L’Idioma Centro d’Arte, Ascoli
Piceno, 2008
2 Gillo Dorfles, Microcosmi, in Pino Chimenti. Microcosmi, Edizioni Gabriele
Mazzotta, Milano, 2010
3 Gillo Dorfles, Op. cit.
4 Gillo Dorfles, Pino Chimenti, in Catalogo mostra personale, L’Idioma
Centro d’Arte, Ascoli Piceno, 1991
5 Giorgio Cortenova, La carezza della fabulazione, in Catalogo mostra
personale, Forum Artis Museum, Montese, Modena, 1997
Pino Chimenti
vive ed opera a Spezzano Albanese (Cs)
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PROFILI
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Lipari
Renato
euro e pittura
di Gianfranco Labrosciano
Nel caos di una materia caratterizzata da un movimento
tanto leggero e sintetico quanto aggrovigliato ed
espanso, generatore di una grandiosa, granulosa sostanza
filiforme simile a una grata-struttura pittorica, il
linguaggio di Renato Lipari si autoproclama come generatore
di senso, e perfino di ordine, su una superficie
informe ma ordinata e unitaria, di una regolare complessità
il cui risultato non è altro che la continua mescolanza
di un unico segno vermicolante che amplifica sia l’impatto
visivo che emozionale. L’elemento di base, allora,
ossia il segno-motore, aziona una macchina estetica di
un cromatismo semplice che ripete i medesimi toni pur
in gradazioni diverse nelle complesse architetture di una
texture che muta continuamente ed è sempre la stessa,
nel gioco infinito di una metamorfosi straniante che implode
ed esplode in un evento visivo che pare accadere
all’istante, frutto di un hic et nunc imprevisto e inevitabile
e invece non altrimenti elaborato che dalle leggi intrinseche
di una tecnica a lungo sperimentata e perfezionata.
Isola 2008
euro triturati e ferro spinato su tela, cm 50x50
a destra
Emersioni 2009
euro triturati su tela, cm 30x20
sopra
Allegro con brio 2009
euro triturati su tela, cm 40x50
sotto da sinistra
Verticale 2008
euro triturati e ferro spinato su tela
cm 50x50
Andante 2009
euro triturati su tela
cm 30x30
a destra
Onde 2009
euro triturati su tela, cm 60x80
Ovvero, accade ma si produce non spontaneamente,
ma in virtù di una singolare procedura estetica e di una
tavolozza creata da un insolito tessuto che sebbene triturato,
sfilacciato e ridotto a pochi motivi cromatici, è
e resta il fattore essenziale, ineliminabile dell’intero processo
creativo, l’euro, senza il quale la ricerca di Renato
Lipari sarebbe, per così dire, senza materia. Una materia,
alla fine, ispessita e compressa, come addensata in
grumi di particelle elementari reticolanti e intrecciantisi
in territori capaci di “fare mondo” unitario e composito,
come un respiro regolare. Questo in rapporto all’immagine.
Concettualmente l’opera si estende nelle forme che
la abitano, per quelle stratificazioni di toni che sembrano
agitarsi e muoversi come nuvole, tra i rivoli sottilissimi della
carta utilizzata in frammento (l’euro) a cui non è estraneo
il luccichio offerto dalla filigrana e che qui assume
importante valenza cromatica. Talvolta, tuttavia, il senso
gioioso che pure appartiene a questo pittura, vira verso
una concettualità ora drammatica, ora di denuncia,
per l’inclusione di un elemento esterno, sempre di natura
filiforme, costituito dalla materia del ferro spinato, che indurisce
la trama del reticolo pittorico e le conferisce un
significato pesante, tragico e inquietante. Probabilmente
allude a spazi recintati, claustrati, entro i quali l’uomo
contemporaneo è costretto a vivere senza possibilità di
fuga ed evoca altri spazi, oltre i confini del segno, di più
ampie e illimitate libertà. Sono, probabilmente, gli spazi
angusti nei quali l’individuo è prigioniero a causa dello
stesso danaro - l’euro - o dei miti negativi di cui la società
contemporanea non riesce a liberarsi. Quel ferro spinato,
allora, diventa piuttosto protezione e difesa, una sorta di
trincea nella quale ci si rinserra per garantire un equilibrio
che altrimenti sarebbe compromesso. In ogni caso è un
elemento inquietante che si propone come un lacerto
di possibilità esistenziale in un “campo” che, sebbene
amorfo, si presenta omologato e incapace di estendersi
in maniera diversa. Il fatto stesso che spesso, in queste
opere, il colore non raggiunga tonalità diverse da quelle
consuete sta a indicare, probabilmente, non certo l’impossibilità
dovuta alla materia propria che viene triturata
(che Lipari supera mescolando frammenti di tagli diversi)
ma soprattutto la volontà di indicare, attraverso una
contrastata monocromia, il senso di un appiattimento
esistenziale. Questa la ricerca, peraltro già largamente
sperimentata, di un elaboratore di merce preziosa che
diventa, per l’azione alchemica di quella “cosa inutile”
che è l’arte, prodotto estetico a partire dall’impiego del
danaro, col quale, ironia della sorte, dovrebbe essere
acquistata la stessa opera.
Renato Lipari
vive ed opera a Palermo

PROFILI
ARTA ntis.info
26
Ciro PALUMBO
la porta del sogno
di Giovanna Gabriella Pagano
Ciro Palumbo, nato a Zurigo nel 1965 ma di origine campana,
pittore e scultore, vive e lavora a Torino; dopo aver
intrapreso inizialmente la professione di disegnatore pubblicitario,
sin dai primi anni Novanta si dedica esclusivamente
all’attività pittorica. Costante punto di riferimento,
essa sarà per lui un faro nella notte che lo guiderà tra i
meandri sconosciuti della sua mente per poi riportalo lì
dove tutti l’attendono, sulla tela, ovvero il luogo in cui
svela e rivela, a noi semplici fruitori del suo fare, ciò che
di più nascosto cela il suo estro artistico e ciò che lo tiene
saldamente ancorato tra i voli pindarici della sua fantasia.
La tela bianca è, come l’artista stesso ci racconta,
“la porta del mio sogno, le mie colonne d’Ercole oltrepassate
le quali mi tuffo nel mondo immenso ed immaginifico
del sogno, il mondo che con la sua unicità e la sua
inafferrabilità è la ragione vivente del mio essere artista
Isolata 2010
olio su tela, cm 60x70
La Dea creatrice 2010
olio su tela, cm 50x70
a sinistra
Mi è apparso un sogno 2010
olio su tela, cm 50x40
sotto
La stanza del circo 2010
olio su tela, cm 30x30
sopra
La stanza della magia 2010
olio su tela, cm 40x50
a destra
Il luogo dell’oracolo 2010
olio su tela, cm 50x50
poiché mi permette di esplorare e di comunicare i meravigliosi
voli della fantasia”. Sarà questa fantasia quindi, i
suoi pensieri, le sue angosce, le sue speranze e, ancora,
i suoi giochi, la sua allegria mista alla nostalgia, la precisa
pennellata unita alla cura maniacale del dettaglio, la
chiarezza delle linee e i precisi tagli prospettici, l’assenza
di umane presenze e gli immensi spazi vuoti che ci presenteranno
i temi a lui più cari. Palumbo si impone nel
panorama artistico italiano riuscendo a trovare un punto
di incontro, un sottile equilibrio tra un linguaggio di dechirichiana
derivazione e la variegata e vasta moltitudine
di pittura figurativa. Reinterpretando, infatti, gli insegnamenti
di De Chirico e Savinio (ma anche di Fabrizio Clerici),
con i quali intesse dei legami artisticamente evidenti
e manifesti, colloca le sue pitture in un contesto a lui più
noto, più familiare, attraverso i rimandi alla sua terra tanto
amata e alle sue capacità immaginative. Così le opere
di Ciro Palumbo, da spazio fisicamente circoscritto,
divengono proiezione di una dimensione che oscilla tra
vero e onirico per espandersi verso una surrealtà illimitata.
In esse si alternano variegati e simbolici soggetti che costantemente
in dialogo fra loro alternano e scandiscono
l’arte di Palumbo, definito a ragione un “affabulatore di
momenti astorici e atemporali” (Vittorio Sgarbi). Così, da
stanze magiche (La stanza della magia) a stanze da un
soffitto assente o infinito (Mi è apparso un sogno), ammiriamo
statue classiche o templi dimenticati ricolmi di giochi
(La Dea creatrice) che da luogo inviolabile e sacro
per eccellenza si trasformano in un non-luogo dove tutto
può accadere: come quando sopraggiunge un cavallo
(Il Gioco della guerra) ricolmo di oggetti e colori che
da archetipo motivo di sventura si trasforma in veicolo di
messaggio positivo e di allegria. Elemento quasi sempre
presente, che fa da sfondo o da cornice, è il mare, infinito
mare che altro non è, per Palumbo, l’orizzonte dove
proiettare le nostre speranze e, anche, le nostre paure
(Il luogo dell’oracolo). Chi non si è mai perso nei propri
pensieri osservando il fascino delle onde, che vanno e
vengono, indipendentemente da ciò che accade dentro
e fuori di noi? È forse anche questo ciò che vuole
comunicarci? Certo vuole darci uno spunto, un motivo
in più per riflettere o per suggerirci, in silenzio, che quel
mare o quelle isole non saldamente ancorate (Isolata),
vagano insieme a noi, ai nostri pensieri più reconditi, ci
accompagnano nella nostra ricerca intima e profonda
che dura tutta una vita, attraverso un viaggio per cui si
parte sapendo già che la meta non è se non il viaggio
stesso. Così, come i protagonisti delle opere di Palumbo,
anche noi vaghiamo, attirati e catturati da posti magici,
atmosfere incantate e luoghi surreali. Affascinati e sedotti
da oggetti improbabili, ma dipinti come credibili, essi divengono
il punto focale che attira il nostro sguardo, conducendolo
silenziosamente dietro una tenda (La stanza
del circo) che si discosta appena, lasciando intravedere
quel poco che basta per riportarci indietro, al punto di
partenza. Si spalanca un senso di inquietudine e malinconico
richiamo ad un lontano passato che si intreccia
con un gioco di presenza-assenza, lasciando spazio ad
una pittura che si nutre dei contrasti di luce-ombra, una
pittura fiabesca, che rimanda ad un ulteriore significato,
ad un grado di esistenza che Adriano Olivieri ha definito
atemporale, astorico e indefinibile, appunto Metafisica.
Ma nello stesso tempo è anche una pittura che scava
dentro noi stessi perchè a noi, sempre, si rivolge. Questo
il messaggio dell’arte di Ciro Palumbo. Un “messaggio”
che è alla base della sua “progettualità immaginativa
nella visione del mondo” (Enrico Crispolti); l’artista, infatti,
ancora una volta ci suggerisce tacitamente ciò che
Francesca Bogliolo sintetizza in poche parole: “la pittura
è un vascello che conduce ad un’isola sconosciuta, che
in realtà si trova dentro noi stessi”.
Ciro Palumbo
vive ed opera a Torino
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maria giovanna peri
galleria caffè guerbois
via valdemone 35 abc 90144 palermo
telefono +39 091.305004 cellulare +39 339.4204529
w w w . g u e r b o i s . i t
nei locali adiacenti alla galleria è aperto il nuovo
spazio caffè guerbois ceramiche d’autore
in esposizione ceramiche dei maestri di caltagirone

LIBRI
ARTA ntis.info
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OSSO MASTROSSO E CARCAGNOSSO
ENZO PATTI
di Gianfranco Labrosciano
e il codice svelato
Se un codice è un insieme di segni e di comportamenti
chiusi in una sorta di camera oscura che occorre illuminare
per disvelarne i contenuti, l’operazione estetica
di Enzo Patti sulla leggenda di Osso, Matrosso e Carcagnosso
offre una chiave, uno strumento visivo che traduce
in immagini un mondo oscuro e impenetrabile e ne
svela i particolari e le regole nascoste, tenute segrete,
che vengono alla luce e si scoprono come i nodi di una
matassa che, sbrogliandosi, si dipana. Intanto, le lettere
di un alfabeto criptico, più vicino all’impaginato numerico
di un’antica, sepolta civiltà. E già l’artista ci aveva
abituati alla sua scrittura straniante e misteriosa allorché,
riscoprendo e lavorando attorno all’arte cappera, aveva
riscoperto in altri cicli estetici il fondamento di una
scomparsa civiltà i cui reperti, rinvenuti a Favignana,
erano la metafore di un’altra, incomprensibile e inaccessibile
realtà. Ma lì il rimando era all’arte. Qui è al delitto,
alla morte e alla distruzione devastante. Certo, Enzo
Patti è uno scopritore di segni e si comporta con l’isola di
Dopo il giuramento, una stretta di mano più un bacio al capo società ...
Enzo Ciconte, Vincenzo Macrì, Francesco Forgione
Osso, Mastrosso Carcagnosso
Immagini, miti e misteri della ‘ndrangheta
prefazione di Nino Buttitta
illustrazioni di Enzo Patti
Rubbettino Editore
ISBN 978-88-498-2762-0
Asso di coppe e due di bastoni ...
Osso sbarcò in Sicilia e non andò più oltre, Mastrosso oltrepassò lo stretto e si
fermò in Calabria, Carcagnosso proseguì il viaggio e raggiunse la Campania...
Favignana come l’archeologo nei riguardi del territorio.
La scava e la studia. E se un segnale, un reperto, una
qualunque traccia viene alla luce ecco che la mitizza e
finanche la razionalizza, in un certo senso sublimandola,
sebbene con l’ausilio di quello strumento alchemico che
è l’arte. In questo caso, però, non si tratta di mitizzare ma
di raccontare una triste leggenda, e l’artista raggiunge
un duplice scopo: rendere vieppiù leggendaria l’isola
di Favignana e dire la verità ingannando, poiché l’arte,
alla fine, altro non è che la capacità di ingannare per
dire la verità, che è la stessa cosa. L’inganno, allora, è nel
castello-fortezza che non è una dimora principesca ma
una prigione nefasta, tre nodi che non sono di un fazzoletto
ma di tre padri fondatori delle più abominevoli nefandezze,
Osso, Matrosso e Carcagnosso,ovvero mafia,
‘ndrangheta e camorra, una ciotola di pane che però è
cotto nel vino, l’albero delle tredici foglie come i tredici
signori dell’onorata società dello sgarro, e via dicendo.
Un lungo catalogo, insomma, di appunti visivi per rendere
palese un segno oscuro, anzi, un sistema di segni e
di rapporti convergenti in un insieme solo all’apparenza
irrazionale, ma in realtà prodotto in tutte le declinazioni
di una sottocultura religiosa, materiale e folkloristica
Guardandoli più da vicino si vedeva ch’erano tre cavalieri ...
Sul tavolino c’era una cassetta, pure di noce finissimo, e dentro la cassetta
c’erano tre spade tutte d’oro, incrociate e legate insieme ...
il cui unico scopo era e resta quello della sopraffazione,
della violenza e della più cieca barbarie. Per questo
giudico lo sforzo di Enzo Patti assolutamente prezioso. Se
si osservano i disegni con i quali l’artista siciliano ha da
poco illustrato Osso, Matrosso e Carcagnosso, il volume
di Enzo Ciconte, Francesco Forgione e Vincenzo Macrì
edito da Rubbettino, si evince chiaramente come negli
sguardi, nei gesti e persino negli oggetti rappresentati
circoli un’aria sinistra, bieca, torva e triste, minacciosa e
“cattiva”. La quale, sostanzialmente, è il giudizio dell’artista
di aperta condanna, e il freddo alone che circonda
taluni soggetti - per tutti, si veda la tavola rappresentante
il bacio del giuramento - pur nel sapiente dosaggio
delle ombre e dei chiaroscuri che evidenziano masse e
volumi, nel deciso tratteggio incrociato e nell’uso magistrale
del pennino, rivela pur sempre l’animus dell’uomo,
ostile, sebbene coinvolto per forza di cose, all’oggetto
rappresentato.
Rubbettino Editore
www.rubbettino.it
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L’INTERVISTA
ARTA ntis.info
32
LIBRI D’ARTE? LIBRI ILLUSTRATI? NARRATIVA?
PIERO DRAGO
a cura della Redazione
Libri d’arte? Libri illustrati? Narrativa? Il confine appare
vago, si sa, e su questo equivoco giocano i volumi che,
da qualche anno, sono pubblicati e distribuiti da un gallerista/editore
che mette insieme alcuni tra i migliori scrittori
italiani ed i più rinomati artisti visivi per dare alle stampe
una interessante collana. Esempi? Mimmo Paladino,
Lucio Del Pezzo, Giosetta Fioroni, Fausto Gilberti, Marco
Cingolani, Concetto Pozzati hanno lavorato all’illustrazione
di racconti creati da scrittori del calibro di Raffaele
La Capria, Dacia Maraini, Paolo Nori, Roberto Alajmo.
Il risultato? Volumi interamente stampati a colori, carta
piacevole al tatto, sapiente miscuglio di parole e immagini:
bei libri, insomma.
Per farci raccontare come nascono questi volumi abbiamo
incontrato l’editore Piero Drago (che è anche un
gallerista, come dicevamo; le opere realizzate per le illustrazioni
dei libri vengono infatti esposte negli spazi della
galleria Drago Artecontemporanea) e gli abbiamo rivolto
alcune domande.
Giosetta Fioroni
Acquaforte e puntasecca
per “Colapesce” di Raffaele La Capria
editore e gallerista
Mimmo Paladino
Acquaforte
per “4 storie d’amore” di Raffaele La Capria
Dacia Maraini
Un sonno senza sogni
Illustrazioni di vari artisti
a sinistra, dall’altro
Frederic Tuten
Autoritratto con Sicilia
Illustrazioni di Mimmo Paladino
Raffaele La Capria
4 Storie d’amore
Illustrazioni di Mimmo Paladino
sotto
Raffaele La Capria
Colapesce
Illustrazioni di Giosetta Fioroni
Maurizio Padovano
Santi, folli e animali
Illustrazioni di Lucio Del Pezzo
Daniela Gambino
Le cattive abitudini
Illustrazioni di Marco Cingolani
Buongiorno Piero. Quanta fatica vi costeranno questi volumi!
Non era più semplice la stampa di cataloghi d’arte
come fanno tutti i galleristi?
Buongiorno a voi. Non so, in realtà, se sarebbe più semplice
realizzare cataloghi, non ci ho mai messo mano. So
che per me sarebbe certo più noioso e so, come sanno
bene tutti quelli che si occupano d’arte, che la maggior
parte dei cataloghi delle gallerie d’arte finiscono nei
magazzini delle gallerie stesse o peggio nella spazzatura.
Gli unici che conservano i cataloghi (a parte, poche,
luminose eccezioni che riguardano cataloghi ben fatti)
sono i clienti che hanno comprato una delle opere riprodotte.
Realizzando dei veri e propri libri, con una distribuzione
vera in libreria, riusciamo ad arrivare ad un pubblico
a cui non avremmo accesso con i cataloghi ed in più
c’è il piacere della lettura. Quanti leggono i saggi critici
dei cataloghi? Si sa già come va a finire: il critico scelto
(e pagato) dalla galleria per il suo articolo cosa vuoi che
dica dell’artista? Che è un asino?
In cosa consiste, concretamente, il tuo lavoro?
Essenzialmente nel cercare di fare pochi errori. Mi trovo
tra le mani materiale prezioso: testi spesso inediti di scrittori
che stimo ed opere originali realizzate appositamente
per illustrare il racconto. Si tratta di mettere insieme, in
maniera armoniosa, queste due parti e di farlo tenendo
conto del tipo di carta che abbiamo scelto, del giusto
posizionamento di ciascuna opera all’interno della narrazione,
della eventuale necessità, dolorosa, di non inserire
una delle opere per non interrompere la continuità
della lettura. Poi, più prosaicamente, correggere le bozze,
fare arrivare in tempo i libri ai distributori, contattare
le librerie per la presentazione dei libri, organizzare in galleria
una mostra delle illustrazioni che sia accessibile e
godibile anche da parte di chi non compra il libro.
I libri Drago Edizioni dove si possono trovare?
Abbiamo una discreta distribuzione nella maggior parte
delle regioni italiane. Tieni conto che trattandosi di edizioni
limitate non riusciamo a coprire tutte le librerie. Ma
ogni libreria o biblioteca italiana, se vuole, può ordinare
Roberto Alajmo
Le ceneri di Pirandello
Illustrazioni di Mimmo Paladino
Paolo Nori
Esattamente il contrario
Illustrazioni di Fausto Gilberti
i nostri libri presso il distributore di riferimento o, laddove
non ci fosse distribuzione, direttamente dal nostro sito internet.
Il sito è un ottimo strumento di distribuzione, molti
lettori e appassionati d’arte preferiscono comprare direttamente
in questo modo i nostri libri.
Alcune delle vostre edizioni contengono, in edizione limitata,
una incisione o una serigrafia dell’artista che ha
illustrato il libro. C’è ancora un collezionismo di grafica
d’autore?
Davo dire, che sì, ci sono ancora molti appassionati di
grafica d’autore. Le incisioni e le serigrafie che proponiamo
agli appassionati hanno la particolarità anch’esse
di essere pensate e realizzate in riferimento al testo
che abbiamo sottoposto all’artista. Forse questo permette
all’artista di esprimersi meglio, di essere meno ripetitivo
e di offrirci quindi grafiche e opere che danno
al collezionista la sensazione di trovarsi davanti ad opere
“ben pensate”. Inoltre la presenza delle incisioni rende
più semplice per noi la possibilità di tenere il prezzo dei
libri ad un livello accettabile.
Progetti? Prossime uscite?
Molte cose in cantiere, ma di molte non posso ancora
parlare non avendo la certezza che si realizzeranno.
Sono più i libri che restano nella mia immaginazione che
quelli che si pubblicano davvero. Tra le cose che quasi
certamente vedranno la luce c’è un bel libro in edizione
bilingue (italiano ed inglese, per la distribuzione negli
Stati Uniti) di Frederic Tuten, uno scrittore americano di
origini italiane che, tradotto in undici lingue nel mondo
non era mai stato pubblicato in Italia. Sta preparando
le illustrazioni per il racconto Mimmo Paladino e come
sempre quando si tratta di un così grande artista, sono
convinto che mi proporrà delle opere strepitose.
Drago Edizioni
www.dragoedizioni.it
ARTA ntis.info
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Domenico ZORA
www.domenicozora.it
Si puo dire che ogni scultura di Zora sia un fenomeno di
esperienza che adatta stile e sensibilità alla situazione concreta
dell’opera, che è incontro specifico di forma e contenuto,
interessato ora alla metafora ora alla somiglianza,
ma senza un articolato interesse naturalistico quale e quello
che lo caratterizza ogni opera rimarrebbe priva dello
spiccato senso plastico che la personalizza. Una poetica
complessa la sua, sia dal punto di vista dei soggetti scelti
di volta in volta, sia da quello dei materiali, dei modi di
lavorazione e delle patine con cui esprimerli; ma spesso
Zora preferisce lo sviluppo diffuso di una tematica, con la
qualità di materiali che sono lavorati con senso di durata
come opere che vogliono e riescono a sfidare il tempo. (…)
L’idea di bellezza che egli caratterizza viene da lontano,
quasi da una condizione antropologica di siciliano nato e
vissuto in un mondo di bellezza che si trova dappertutto,
in un territorio stratificato di scultura, pittura e architettura
che finisce per essere imprinting, continuato dall’istruzione
artistica più importante del mondo, in cui non si e mai
spezzato il filo della continuità e della legittimità, anche a
dispetto del forte differenziale introdotto dal nostro tempo,
diventato veloce consumatore di scuole e tendenze stilistiche,
portate al limite della loro capacita espressive. (…)
Non si tratta di un’idea statica di bellezza, ma di una complessa
attività di ricerca, che Zora porta avanti con i mezzi
espressivi della contaminazione, di elementi emulsionati da
una sapiente attività inventiva. Nel suo lavoro compositivo
Zora prende spunto da momenti diversi che vengono resi
omogenei dalla capacità di tradurre la forma materiale in
forma spirituale per poi riportarla in una forma “altra” che
è quella dell’arte. (...)
(...)“Mi riferisco qui alla scena di tragedia e di trionfo che è
data dalla mattanza di tonni, vista nel momento del sacrificio,
nel bagno di sangue. Un rito oltre che un mito, fatto di
gesti, di uomini, di ripetizioni ossessive che servono a scandire
il movimento della macchina di morte, ma senza che in
essa vi sia senso di offesa, di violenza mentale, ma solo una
ieratica e paradossale affermazione di vita. Zora ha lavorato
a questa scena collettiva con una grande forza d’invenzione,
facendo fare un salto di qualità all’evento, immortalandolo,
prima della sua inevitabile scomparsa e consegna al
Omaggio a Carla Fracci: Giulietta Insieme (Maternità) Il Satiro danzante La grande mattanza (part.)
Studio
Via G.Rossini, 5 - 90030 Altofonte (Pa)
Telefax 091.438923 - domenicozora@libero.it
museo, del lavoro inteso come fatica emblematica del dare
la morte per permettere la vita. Zora ha composto un semicerchio
dove avviene la scena e si incrociano i movimenti
rituali dei pescatori, obbedienti alle prescrizioni disciplinari,
con quelli scomposti delle bestie marine che annegano
nel sangue il momento della loro involontaria passione. Si
tratta di un bassorilievo che non ha nulla di oleografico
e di decorativo, ma corrisponde ad una funzione sociale
che l’arte conserva in occidente, senza per questo cadere
nella sociologia, nell’essere al posto di un’altra cosa. (...)
Francesco Gallo
“Zora. Tunisi Cartagine”
Campo Edizioni d’Arte, Alcamo 2002

Il figlio della Luna 2009
tecnica mista su tela, cm 70x70
TinaLUPO
www.kultrunmuseum.it
Aspirazioni letali 2009
tecnica mista su tela, cm 70x70

Contatti
E-mail jiache@libero.it
Telefono 0039 339.5416542
M.E.T. L’opera nera
tecnica mista, cm 200x200x8
Nadjia Chekoufi
Nadjia Chekoufi è un artista
costantemente in movimento. Il suo
istinto di ‘’viaggiatore viaggiante’’
l’ha portata in giro per il mondo:
si è fermata più a lungo ad Algeri,
Parigi, Londra e Firenze dove ha
scelto di vivere e lavorare. Le sue
opere sono state esposte in Italia
e all’estero, in particolar modo nei
Paesi mediterranei.
La vita è un Caos. E il Caos ha la sua bellezza. Anzi, proprio nell’intrecciarsi infinito delle sue possibilità, acquista il fascino
misterioso di ciò che non si vede, ma c’e. Nadjia Chekoufi attraverso la sua pittura, i suoi colori, ci offre il fascino di un apertura
sull’infinito. L’armonia che si coglie immediatamente nei suoi quadri è frutto di una ricerca continua, a volte anche dolorosa, che
passando attraverso percorsi tortuosi e tormentati, raggiunge il suo compimento in una espressione in cui domina l’armonia e la
pittrice stessa sembra riconciliarsi con l’Universale. L’osservatore viene introdotto nel mondo dell’inconscio e, allo stesso tempo,
del manifesto. Ed è bello il viaggio che ci suggerisce attraverso la notevole forza dei suoi colori e l’energia che essi sprigionano;
è un viaggio nel profondo che è in ciascuno di noi. Nadjia Chekoufi esplora il formale ed entra pienamente nell’astrazione con
opere sature di colore e di luce. L’attenzione rivolta al colore suscita una forte partecipazione emotiva ed emerge una visione
folgorante della vita in un percorso alla ricerca dell’armonia. Nadjia Chekoufi dipinge tele grandi, quasi a voler essere dentro
la suo pittura, per astrarsi da se stessa ed entrare nell’opera. La sua visione del mondo viene elaborata in interiore e travalica
l’esperienza tangibile portando l’osservatore verso una realtà fatta di linee e colori che si producono dall’energia contenuta
in tutti gli esseri. E’ una pittura concettuale ed emozionale allo stesso tempo, ci apre la porta ad altri spazi, in cui è pregnante
l’idea di trasmutazione evolutiva.
Caterina Trombetti poetessa
L.E.A. L’opera bianca
tecnica mista, cm 200x200x8

C o n t e m p o r a n e a
associazione artistica artantis www.associazioneartantis.org
Fiera XIV Fiera d’arte d’arte contemporanea contemporanea
FORLI’ 5,6,7,8 NOVEMBRE 2010
ANNA LAURA MILLACCI
LELLO BAVENNI
MARIA ELENA BOSCHI VITTORIA SALATI
SILVIA CATURANO
SILVIA CATURANO
AMANDA NEBIOLO
SANTINA PELLIZZARI
DONATELLA SALADINO
PATRIZIA BAUDINONOME
STEFANIA VASSURA
MIRO GABRIELE
EMANUELE GENTILE
LUCIANO BASILE
PATRIZIA BAUDINO
LELLO BAVENNI
MARIA ELENA BOSCHI
SILVIA CATURANO
CARLO DEZZANI “DEJAN”
ANGELO DE FRANCISCO
STEVEN DE GROSS
MARTINA DI BELLA
MIRO GABRIELE
EMANUELE GENTILE
ANDREA GIORGI
LIDIA JEVREMOVIC
DIANA KIROVA “DAK”
ALBA KORA
HEDY MAIMANN
MASSIMO MELICCHIO
ANNA LAURA MILLACCI
AMANDA NEBIOLO
DAVIDE PACINI
SANTINA PELLIZZARI
ALEX PRETI
LAURA RONDININI
MARIA TERESA SABATIELLO
FULGEN SABATIER
DONATELLA SALADINO
VITTORIA SALATI
FRANCO SPACCIA “FRANCO’S”
STEFANIA VASSURA
FRANCESCO VENTURA

Mariateresa AIELLO
Luciano BASILE
Patrizia BAUDINO
Paolo BENEDETTI
Adelio BONACINA
Luca CORONA
Tonino DAL RE
Iolanda DENTE
Elisabetta FONTANA
Andrea GELICI
Emanuele GENTILE
Patrizia GIUSTI
Lidia JEVREMOVIC
Diana KIROVA “DAK”
Alba KORA
Alexandra MACIAC
Rossella MONTAGNA
Michele MONTALTO
Piero MOTTA
Lùcia PAGANINI
Santina PELLIZZARI
Tamara PODRYA
Maria Teresa SABATIELLO
Fulgen SABATIER
Donatella SALADINO
Vittoria SALATI
Daniela SELLINI
Franco SPACCIA “FRANCO’S”
Bruno VALLINO
Anatoliy ZHUTARYUK
ARTISTI IN VETRINA

michelemontalto
Palermo
Telefax 091.475007 - Tel. 091.213398
Cell. 389.9222997
E-mail: commerciale@agenziamontalto.it
Veduta di Palermo (da Francesco Lojacono) 2004
olio su juta, cm 140x90
LUCA CORONA
139CBN 2008
stoffa, fascette, cm 36x56 TONINO
Via della Liberazione, 12
31030 Dosson di Casier (Tv)
Tel. 393.1307282 - 327.2461266
Internet: artecorona.mosaicglobe.com
E-mail: coronaquadri@gmail.com
Ponte sullo stretto tra presente e futuro 2009
olio su tela, cm 140x90
L’inverno 2008
tecnica mista su faesite, cm 86x56
Il sogno del Vescovo
olio su tela
Malìa
olio su tela
Stille della Vita
olio su tela
Contatti
Dr. Luigi Barbato
studioso dell’opera di Tonino del Re, autore del testo sull’opera dell’artista “Il profumo della rosa azzurra”
E-mail: giginobarbato@yahoo.it
DAL RE

PIERO
MOTTA
Burocrazia, 2009
ferro riciclato, impasti cementizi, ceramica, cm 40x40x5
Particolare dell’opera
www.mottapiero.it
motpi@tiscali.it
MARIA TERESA
SABATIELLO
LaMiaEva
acrilico su pietra marina, cm 31x21x31
LaMiaEva
acrilico su pietra marina, cm 31x21x31
Laboratorio Il CarRo di MarTe
Via Battaglia, 1 - 84070 S. Nicola di Centola (Sa)
www.ilcarrodimarte.eu
info@ilcarrodimarte.eu
skype: maryesa1
cellulare: +39 320.5724838
facebook: maria teresa sabatiello
Desaprendiendo
acrilico su tela
No me Hables de Paz
acrilico su tela
Zandunga III
acrilico su tela
www.fulgensabatier.com
FULGEN SABATIER

ALBA KORA
Solitudine 2010, olio su tela, cm 50x70
R O S S E L L A
MONTAGNA
www.rossellamontagna.it
roxmont@libero.it
Prossime presenze espostive
Brescia
albanakora@hotmail.it
8 ottobre - 20 novembre
Expo Young Showcase 001, Museo Magma, Roccamonfina (Ce)
28 ottobre - 4 novembre
Il piacere “dal colore alla forma”, Galleria Consorti, Roma
2 - 30 novembre
Rassegna d’Arte Contemporanea, Museo d’Arte Moderna “G. Sciortino”, Monreale (Pa)
12 - 15 novembre
Arte Fiera, Padova (Galleria Giò Art, Pad. 8)
Sogno 2010, olio su tela, cm 70x50
ALICE
olio su tela, cm 60x80
TAMARA
PODRIA
Una rosa, 2009
olio su tela, cm 40x30
Fiore, 2010
olio su tela, cm 30x40
Internet: tamarapodrya.narod.ru
E-mail: imperia_platinum@yahoo.it
Skype: tamara_podrya
Der Sommerabend 2007, acrilico su tela, cm 100x50
Fata Morgana 2007, acrilico su tela, cm 73x60
www.anatoliyzhutaryuk.narod.ru
anatoly_zhutariuk@yahoo.it
ANATOLIY ZHUTARYUK

Homo Digitalis 2010
tecnica mista su tela, cm 60x80
E M A N U E L E
G E N T I L E
PAOLO BENEDETTI
Enduro 2009
acrilico su tela, cm 100x100
Via dei pini, 23 - 00038 Valmontone (Rm) Tel. 334 3478587
www.paolo-benedetti.net - paolobenedetti2@inwind.it
Senza titolo 2010
tecnica mista su tela, cm 30x30
Metropoli 2009
acrilico su tela, cm 100x80
ORISTANO
+ 39 327.5705509
www.emanuelegentile.net
emanuele.gentile-lika@poste.it
L’Esseno, 2008
tecnica mista, cm 70x50
Vibrazioni, 2009
tecnica mista, cm 100x90
Via Roma, 136 - 37040 S. Stefano di Zimella (Vr)
tel +39 0442.490535 cell. +39 339.2096685
e-mail: santinapellizzari@alice.it
Risveglio emozionale, 2010
tecnica mista, cm 60x50
Senso di colpa, 2009
tecnica mista, cm 70x60
SANTINA PELLIZZARI

MARIATERESA
AIELLO
La stanza dell’amore: Trinità dei Monti a Roma, 2010
acrilico su tela, cm 70x50
La stanza del desiderio: Certosa di Padula, 2009
acrilico su tela, cm 70x50
Via Rocco Chinnici, 12 - 87100 Cosenza
Tel. 0984.393917 - Cell. 339.1429017
E-Mail: mtaiello@gmail.com
DONATELLA
SALADINO
Alla più bella, 2010
acrilico e olio su tela, cm 70x50
Pandora, 2010
acrilico e olio su tela, cm 70x50
Via Libero Grassi n. 6
94100 Enna
Tel. 0935.20006 - Cell. 340.6113619
donatellasaladino@alice.it
www.maciacartgallery.it
info@maciacartgallery.it
Fascino
olio su tela, cm 100x120
Il dubbio
olio su tela, cm 150x100
Mediterranea
olio su tela, cm 100x100
Ricordo
olio su tela, cm 100x100
Piazza Salvo D’Acquisto, 1/5
30010 Camponogara (Venezia)
Tel. 389.645.7770 - 345.686.9640
AlexandraMACIAC

e l i s a b e t t a
Profumo d’autunno
tecnica mista su tela, cm 100x70
w w w . e l i s a b e t t a f o n t a n a . i t
www.elisabettafontana.it
info@elisabettafontana.it
+39 329.8708319
f o n t a n a
Profumo di muschio
tecnica mista su tela, cm 100x70
andrea
gelici
La traccia, 2010
olio su tavola cm 100x60
Ritorno, 2010
olio su tavola cm 30x100
www.andreagelici.it
andrea.gelici@teletu.it
PATRIZIA GIUSTI
Sandra ovvero la cacciatrice di draghi
olio su cartone, cm 100x70
Omaggio a Rodolfo Valentino
olio su cartone, cm 70x50
(Pinacoteca “Rodolfo Valentino”, Castellaneta)
Cellulare 347.0723258
Internet: http://web.mac.com/patriziagiusti
E-mail: giusti.patrizia@gmail.com

LUCIANO BASILE
www.lucianobasile.it
|Campo di girasoli, 2009
olio su tela, cm 50x60
|Giorno d’estate, 2010
olio su juta, cm 50x60
Luciano Basile
Giugliano in Campania (Na)
e-mail: luciano-basile@alice.it
telefono: + 39 328.3609278
|Vacanza a Perdifumo, 2010
olio su tela, cm 50x60
|Tetti sul mare, 2009
olio su tela, cm 60x50
Franco Spaccia
Ulivo secolare, 2010
olio su tela, cm 60x80
Desideria, 2010
olio su tela, cm 80x80
FRANCO’S
Vaso con mimose, 2010
olio su tela, cm 70x50
Romantica, “I colori dell’autunno”, 2010
olio su tela, cm 50x70
www.francospaccia.it
francos.atelier@francospaccia.it
VITERBO - Tel. 377.1082265

VITTORIA SALATI & Vanni Mondadori
Fiamme
tavola incisa a mano, acrilico, vernice protettiva, cornice, cm 60x95
Petali
tavola incisa a mano, acrilico, vernice protettiva, cornice
cm 80x80
Vortice
tavola incisa a mano, acrilico, vernice protettiva, cornice
cm 80x80
www.vittoriasalati.com
telefono 02.95308185 cellulare 349.4707155
vittoriasalati@alice.it
Bagnina, 2008
acrilico su tela, cm 90x70
Be careful, watch your back, 2009
acrilico, francobolli e glitter su tela, cm 60x80
Lidia Jevremovic
Batman City (Gotham), 2007
acrilico, olio e glitter su tela, cm 62x78
Toro, 2008
acrilico, olio e glitter su tela, cm 50x60
studio Via Roma, 162
58017 Pitigliano GR
telefono +39 0564 614133
cellulare +39 347 7211605
internet www.lidiajevremovic.it
e-mail info@lidiajevremovic.it

Daniela
Sellini
Il pennacchio
matite colorate e tempera su mdf, cm 57x42
La donna dai guanti bianchi
matite colorate e tempera su mdf, cm 60x45
COMISO (RG)
Tel. +39 320.6791014
E-mail: flowerangelblue@yahoo.it
SI ESEGUONO OPERE SU COMMISSIONE
patrizia
baudino
B-SIDE COLLECTION
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TORINO
Iolanda
Dente
Affresco
Bassorilievo
xoomer.virgilio.it/decorazioni.art
artartigianato@gmail.com
+39 393.1799887
Lùcia
PAGANINI
I potenti del mondo
La guarigione
www.luciapaganini.it
lucia.pa@virgilio.it

DAK Diana Kirova
Ambizione, 2010
acrilico su tela, cm 25x35
w w w. d a k w e b . i t
diana.kirova@tiscali.it
cellulare: +39 333.4174274
Il Forum: in volo insieme, 2010
acrilico su tela, cm 40x50
ART Antis
www.artantis.info
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nel prossimo numero
info@artantis.info
i n f o
BRUNO
VALLINO
Usseaux, 2010
olio su tela, cm 60x60
La sosta dopo il pascolo, 2010
olio su tela, cm 60x70
internet www.vallinobruno.it
e-mail vallino.b@alice it
telefono +39 347.1062979
Papaveri, 2009
acrilico su tela, cm 130x50
Papaveri, 2009
acrilico su tela, cm 60x150
Via Lavello 1F - 23801 Calolziocorte LC
Tel. 0341.646307 - Cell. 3381272826
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adeliobonacina@alice.it
ADELIO BONACINA

In permanenza
Luca Alinari
Pietro Annigoni
Fernandez Arman
Armodio
Franco Beraldo
Nuccio Bolignano
Dino Buffagni
Bruno Ceccobelli
Giorgio Chiesi
Michele D’Avenia
Walter Davanzo
Gian Paolo Dulbecco
Raimondo Ferlito
Alessandro Finocchiaro
Virgilio Guidi
Renato Lipari
Marco Lodola
Enrico Lombardi
Pino Manzella
Sante Monachesi
Vladimir Pajevic
Marcello Palminteri
Luciano Pasquini
Achille Perilli
Silvestro Pistolesi
Salvatore Provino
Saverio Robberto
Remo Squillantini
Luciano Pasquini
sguardi lievi
13 novembre - 11 dicembre 2010
Inaugurazione
sabato 13 novembre, ore 18,00
Sarà presente l’artista
Catalogo in galleria
Galleria Giuseppe Alcamo
Via Marchese Ugo, 28 A - 90141 Palermo
+39 334.2481948 - 338.7615479
www.galleriagiuseppealcamo.com
info@galleriagiuseppealcamo.com