FORM-Orchestra Filarmonica Marchigiana ... - Pesaro Cultura

Comune di Pesaro 

Ente Concerti di Pesaro 

Ministero per 

i Beni e le Attività Culturali 

Regione Marche, Giunta Regionale, 

Assessorato alla Cultura 

Fondazione 

Cassa di Risparmio 

Banca Marche 

53ª STAGIONE 

CONCERTISTICA 

2012/13 

Teatro Rossini 

Pesaro 

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“Noi suoniamo e suscitiamo sentimenti” recita una celebre canzone di Paolo Conte. 

Risvegliare genuini sentimenti in un periodo in cui la sublimazione dell’ignoranza 

li ha narcotizzati, per sostituirli con puri istinti, è la sommessa intenzione dell’Ente 

Concerti nel proporre questa 53ª Stagione concertistica. 

La preziosa lacrima che appare anche nel manifesto di quest’anno rappresenta la 

sempre più intensa commozione che solo la musica può evocare. Una Stagione 

ad ampio spettro che off re una straordinaria molteplicità di proposte artistiche 

ognuna delle quali in grado di soddisfare le più diverse esigenze. Volutamente non 

menziono i protagonisti ed i contenuti di questa Stagione, i loro nomi ed i brani 

da essi eseguiti parlano da soli. Non vorrei che la lacrima che scorre languidamente 

su quel volto smarrito -altra mirabile opera del nostro Leonardo Cemak-, esprimesse 

la disperazione di una Città senza la musica, desertifi cata dai tagli sempre 

più feroci alla Cultura; ci troveremmo allora a vivere in un mondo che altro non 

sarebbe che una landa irrimediabilmente desolata. 

Guidumberto Chiocci Presidente Ente Concerti 

Senza la sentita partecipazione dell’Amministrazione Comunale - Assessorato alla 

Cultura e della Direzione dei Teatri, il contributo della Fondazione Cassa di Risparmio, 

Banca delle Marche, Carifano, Banca dell’Adriatico, e degli altri sponsor, 

questa stagione non avrebbe potuto essere allestita. 

L’Ente Concerti, interpretando anche la gratitudine dei quasi 10.000 spettatori 

della scorsa Stagione invernale e di quella estiva, sente il dovere di ringraziare tutti 

profondamente. *Un particolare ringraziamento alla “Fondazione Pescheria” per 

la preziosa collaborazione prestata per il concerto di Ramin Baharami. 

Ente Concerti di Pesaro

Indice 

Pag. 9 Katya e Marielle Labèque 

13 Gino Paoli & 

FORM-Orchestra Filarmonica Marchigiana 

15 I Virtuosi Italiani 

21 Ramin Baharami 

25 Daniil Trifonov 

29 Balletto Russo Di Anna Ivanova 

33 FORM-Orchestra Filarmonica Marchigiana 

Hubert Soudant 

Gabriella Sborgi 

37 André Mehmari 

Gabriele Mirabassi 


Giampaolo Maria Bisanti 

Stefan Milenkovich 


Donato Renzetti 

Roberto Cominati 


Igudesman & Joo 

53 I Solisti di Perugia 

Jin Ju 

57 Mountain Men 

59 Quartetto di Venezia 

63 Francesca Dego 

Francesca Leonardi 


Federico Mondelci 

Giuseppe Albanese 

71 Krystian Zimerman 

73 Gazzè / Marcotulli / Gatto

Giovedì 8 novembre 2012 ore 21.00 

KATYA E MARIELLE LABÈQUE pianoforte 

George Gershwin (1898-1937) 

3 Préludes (arrangiamento per due pianoforti di Irwin Kostal) 

Allegro ben ritmato e deciso 

Andante con moto e poco rubato 

Allegro ben ritmato e deciso 

Philip Glass (1937) 

Four Movements for two pianos 

Maurice Ravel (1875-1937) 

Ma Mère l’Oye 

Pavane de la Belle au bois dormant 

Les entretiens de la Belle et de la Bête 

Petit Poucet 

Laideronnette, Impératrice des Pagodes 

Le Jardin féerique 

Rhapsodie Espagnole 

Prélude à la nuit 

Malagueña 

Habanera 

Feria 

In un itinerario novecentesco che va dagli Stati Uniti alla Francia, la Stagione 

si apre con il più celebre e osannato duo pianistico del nostro 

tempo, che pur nella sua carriera ormai leggendaria, ha saputo continuamente 

aggiornare il repertorio fi no a ‘sollecitare’ i compositori di oggi 

ad arricchirlo ulteriormente. Le Labèque partono col loro concerto dagli 

Stati Uniti, con due lavori che mostrano la capacità dei compositori appartenenti 

a quella cultura di mescolare stimoli e generi diversi nella ricerca 

di un linguaggio defi nitivamente determinato e caratteristico. Il primo, 

Gershwin, rivisita a suo modo il principio dell’utilizzazione della musica 

popolare all’interno delle forme della tradizione colta, e scrive Preludi come 

questi (pubblicati nel 1927) nei quali però la scrittura fa aperto riferimento 

alle armonie blues e alle ritmiche jazz. Il secondo, Glass, ottant’anni dopo 

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prepara questi Four Movements for Two Pianos per il Festival pianistico della 

Ruhr (dove sono stati eseguiti da Dennis Russell Davies & Maki Namekawa 

nel 2008), un ampio aff resco nel quale tutti gli stimoli stilistici che caratterizzano 

l’arte dell’autore vengono come ordinati dalla struttura e dalla tecnica 

minimalista. 

Torniamo poi nella vecchia Europa, e più indietro nel tempo: a quel Ravel 

che in Ma Mère l’Oye, (1910) nella sua ricerca di chiarezza razionalizzante 

ed estetizzata, costruisce una delle più interessanti alternative all’impressionismo 

descrittivistico. Fu proprio l’autore a scrivere: “Il proposito di evocare 

in questi pezzi la poesia dell’infanzia mi portò naturalmente a semplifi care il 

mio stile e a raffi nare i miei mezzi espressivi”, ma su questa ‘semplifi cazione’, 

utile a narrare musicalmente le favole della tradizione, si stratifi ca anche una 

commovente e nostalgica rievocazione del mondo dell’infanzia, e i preziosismi 

timbrici ed armonici si mescolano ai toni quasi angosciati di un adulto che rilegge 

con consapevolezza gli antichi racconti. Alla stessa epoca (1908) appartiene 

anche la Rhapsodie Espagnole, nella quale l’autore attinge ispirazione 

dal proprio retroterra culturale (Ravel era di origine basca). Tuttavia, come nel 

brano precedente, lontanissimo anche qui è l’intento puramente descrittivo e, 

in particolare, lo ‘spagnolismo’ di maniera tanto di moda in Francia. I suoni, 

i colori e il mondo variegato e ‘primitivo’ della musica popolare spagnola servono 

al compositore infatti per approdare a un nuovo linguaggio musicale che 

raggiungerà i suoi esiti più splendidi negli anni successivi (con Bolero) e sarà 

persino la base della ricerca degli stessi autori spagnoli del Novecento. 

KATIA E MARIELLE LABÈQUE 

Figlie di Ada Cecchi (allieva di Marguerite Long), Katia e Marielle Labèque 

hanno iniziato la loro carriera musicale in giovanissima età raggiungendo 

fama internazionale con la Rapsodia in blu di Gershwin, che ha ottenuto 

uno dei primi Dischi d’oro della musica classica. Protagoniste di una carriera 

straordinaria con concerti in tutto il mondo a fi anco delle orchestre più prestigiose 

(fra cui Berliner Philharmoniker, Bayerische Rundfunk, Sinfoniche 

di Boston, Chicago e Cleveland, Gewandhausorchester di Lipsia, orchestre 

londinesi, Los Angeles Philharmonic, Philadelphia Orchestra, Staatskapelle 

di Dresda, Wiener Philharmoniker e Filarmonica della Scala) e coi direttori 

più celebri (Dutoit, Gardiner, Jarvi, Mehta, Ozawa, Pappano, Rattle, Salonen 

ecc.). Suonano nelle più importanti sale da concerto e festivals (Musikverein 

di Vienna, Musikhalle di Amburgo, Carnegie Hall, Royal Festival Hall, La 

Scala, Lucerna, Ludwigsburg, Proms di Londra, Ravinia, Ruhr, Tanglewood, 

Salisburgo ecc.) e, tra tutti, ricordiamo il clamoroso successo davanti ad un 

pubblico di 33.000 spettatori in un concerto gala con i Berliner Philharmoniker 

e Simon Rattle, alla Waldbuhne di Berlino.

Si affi ancano anche a complessi di musica barocca (Th e English Baroque Soloists, 

Giardino Armonico, Musica Antica e Venice Baroque e Age of Enlightenment) 

ma hanno avuto anche un costante rapporto con i maggiori 

compositori del nostro tempo, fra cui Andriessen, Berio, Boulez, Noesmans, 

Golijov, Ligeti e Messiaen. 

Hanno una propria casa discografi ca, KML Recordings, fondata per creare un 

ponte fra tutti gli stili di musica in epoca contemporanea, che ha pubblicato 

recentemente una nuova versione della Rapsodia in blu di Gershwin e di West 

Side Story di Bernstein; hanno anche una Fondazione (KML) il cui scopo è 

la ricerca e lo sviluppo del repertorio per duo pianistico, attraverso l’incontro 

di artisti di tutti i campi. 

Stanno lavorando al progetto Th e minimalist Dream House ispirato ai concerti 

del 1961 curati da La Monte Young nel loft di Yoko Ono: con altri 

interpreti provenienti sia dal rock che dalla classica si ritrovano per celebrare 

questo rivoluzionario nuovo movimento e le sue molteplici infl uenze. 

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Venerdì 30 novembre 2012 ore 21.00 * Concerto straordinario fuori abbonamento 

GINO PAOLI 

& FORM-Orchestra Filarmonica Marchigiana 

MUSICA SENZA FINE 

In collaborazione con Marche Jazz Network 

ed il contributo di Banca dell’Adriatico 

Con la partecipazione di Rosario Bonaccorso contrabbasso, 

Roberto Tarenzi pianoforte, Pasquale Angelini batteria 

Stefano Fonzi Arrangiamenti e Direzione 

Riconosciuto come uno dei più grandi rappresentanti della musica leggera 

italiana, Gino Paoli ha scritto e interpretato brani indimenticabili, quali 

Il cielo in una stanza, La gatta, Che cosa c’è, Senza fi ne, Sapore di sale, 

Una lunga storia d’amore, Quattro amici, Ti lascio una canzone, Averti addosso, 

Vivere ancora e tanti altri che ci verranno riproposti in questo concerto. 

Sempre pronto a nuove sfi de, oggi interpreta le sue canzoni accompagnato 

dall’Orchestra Filarmonica Marchigiana e da un trio jazz in una serata di grande 

musica che ripercorre le tappe più signifi cative di una lunga carriera. 

Le versioni dei brani, arrangiate dal M° Stefano Fonzi, innovative e piene di lirismo, 

lasciano spazio alle emozioni, che già negli anni ‘60 il “Gino nazionale” ci 

regalava, tornando indietro nel tempo, ma con un linguaggio sempre più attuale. 

GINO PAOLI 

Gino Paoli (nato a Monfalcone, in provincia di Gorizia, ma presto trasferito a 

Genova con la famiglia) è considerato uno dei padri della Canzone d’autore italiana: 

tra primi che, attenti alla lezione degli chansonnier francesi, iniziarono a 

scrivere proprie canzoni e a cantarsele, in un universo musicale all’epoca (fi ne 

degli anni ‘50) dominato da autori o interpreti ‘puri’. 

Dopo alcuni singoli di nessun successo incisi per la neonata etichetta Ricordi, 

Paoli scrive e canta “La gatta”, uno dei suoi classici. Il singolo vende in un mese 

appena un centinaio di copie, ma, inaspettatamente, alcune settimane dopo fi - 

nisce in classifi ca ed inizia a vendere benissimo. Siamo nel 1960. In quel periodo 

conosce Ornella Vanoni, attrice che desidererebbe cantare, per la quale scrive 

“Senza fi ne” che la lancia e che diviene un hit anche negli Stati Uniti, grazie a 

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Dean Martin e Ertha Kitt. Quindi è Mina, già cantante di un certo successo, convinta 

dal paroliere Mogol e sconsigliata da tutti gli altri, a incidere un’altra canzone 

dell’introverso autore, “Il cielo in una stanza”, ed è un vero trionfo. Nel 1961, Paoli 

pubblica senza successo il primo album, ma anche se la carriera da autore funziona 

molto più di quella di cantante, nel 1963 fa centro con uno dei grandi classici 

della canzone italiana, quella “Sapore di sale” direttamente ispirata dalla storia con 

Stefania Sandrelli. Dopo alcuni anni (ma siamo dopo il ’68) di inevitabile declino, 

Paoli ritorna al successo a metà degli anni ‘80 grazie a una tournèe (e un disco, 

“Insieme”) con Ornella Vanoni e ad album come “Averti addosso”, “Cosa farò da 

grande” e “L’uffi cio delle cose perdute”. Del 1991 sono le vendite record di “Matto 

come un gatto” e del singolo “Quattro amici al bar” mentre negli ultimi anni ha 

allargato i suoi orizzonti con le incursioni jazz, sul palco e in studio (con l’album 

“Milestones” del 2007) e le nuove canzoni dell’album “Storie” del 2009. 

FORM-ORCHESTRA FILARMONICA MARCHIGIANA 

L’Orchestra Filarmonica Marchigiana, fondata nel 1985 (dal febbraio del 2000, insieme 

alla Regione Marche e all’Università degli Studi di Ancona, Fondazione Orchestra 

Regionale delle Marche, FORM), è dal 1987 una delle dodici Istituzioni Concertistiche 

Orchestrali Italiane. Opera in regione con stagioni liriche e sinfoniche, rassegne 

cameristiche e concerti per le scuole ed è partner dei concorsi musicali internazionali 

regionali. Attenta alla valorizzazione dei compositori marchigiani, ha ideato “Le Marche 

Parco Europeo della Musica”. Dal 1998 è orchestra principale del Festival Snow 

& Symphony di St. Moritz, assieme a grandi solisti e giovani talenti. Numerose le 

apparizioni televisive e le incisioni discografi che: tra esse fi gurano pagine di Pergolesi, 

Strauss, Rossini, Mozart, Verdi, tutte guidate dal suo direttore artistico Gustav Kuhn.

Venerdì 7 dicembre 2012 ore 21.00 

I VIRTUOSI ITALIANI 

Alberto Martini maestro di concerto al violino 

Mario Folena fl auto solista 

Roberto Loreggian clavicembalo solista 

Antonio Vivaldi (1678-1741) 

Arsilda Regina di Ponto RV 700 

Sinfonia avanti l’opera 

La Verità in Cimento RV 739 

Sinfonia avanti l’opera 

Concerto op. X n. 2 in sol minore RV 439 “La notte” per fl auto, archi e 

basso continuo 

Largo 

Presto (Fantasmi) 

Largo 

Presto 

Largo (Il sonno) 

Allegro 

Concerto op. IV “La Stravaganza” n. 1 in si bemolle maggiore RV 383a per 

violino, archi e basso continuo 

Allegro 

Largo e cantabile 

Allegro 

Conc erto op. III “L’Estro Armonico” n. 8 in la maggiore per due violini, 

archi e basso continuo RV 522 

Allegro 

Larghetto e spirituoso 

Allegro 

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Georg Philipp Telemann (1681-1767) 

Don Quixotte TWV 55:G10 

Ouverture 

Johann Sebastian Bach (1685-1750) 

Concerto n. 3 in re maggiore BWV 1054 per clavicembalo e archi 

Senza indicazione di tempo 

Adagio 

Allegro 

Concerto Brandeburghese n. 5 in re maggiore BWV 1050 per fl auto, 

violino, clavicembalo e archi 

Allegro 

Aff ettuoso 

Allegro 

C’è una forma musicale che da fi ne Seicento si propaga in tutta Europa, 

una forma che aff onda le radici nel passato e che conoscerà un grande futuro: 

il concerto solistico. La contrapposizione di due gruppi nell’ambito 

della stessa esecuzione non era nuova, ma ora sono cambiate le cose, e al posto 

di due gruppi di ampiezza simile ora si confrontano un gruppo strumentale e un 

virtuoso, che si distingue da tutti gli altri per la sua bravura stabilendo una cesura 

tecnica tra sé e il resto degli esecutori e un rapporto diretto col pubblico stupefatto. 

Il concerto si struttura poi a inizio Settecento quando, complice anche il 

perfezionamento degli strumenti e il potenziamento delle loro possibilità tecniche 

si diff ondono, innanzitutto, i concerti per violino e poi, via via, quelli per fl auto e 

per altri strumenti. Diff usione questa che avviene dapprima in ambito veneziano, 

dove l’indagine più straordinaria in questo senso si produce nell’opera di Vivaldi 

(nelle splendide raccolte dell’Estro Armonico e della Stravaganza per violino, e 

dell’op. X per fl auto) e poi anche negli autori coevi del resto d’Europa, grazie alle 

stampe dei più celebri di questi lavori diff use in tutto il continente. 

Questo schema generale viene indagato a fondo in particolare da Bach che, 

prima di aff rontare questo genere in un gruppo di proprie composizioni, studia 

e trascrive proprio i capolavori italiani attraverso un lavoro intenso di revisione 

e di elaborazione. Pur accettando il modello egli non è però disposto a rinunciare 

alla propria visione del mondo, cioè alla fusione sotto il comune denominatore 

del contrappunto degli stimoli culturali che gli venivano dalle diverse

civiltà musicali del presente e del passato. Così la forma ‘all’italiana’, utilizzata 

nei concerti per violino e per clavicembalo, diviene un scheletro su cui innestare 

la forza della sua sapienza compositiva ed artistica e le sue esperienze musicali, 

dando vita a forme del tutto nuove che, come accade nei Concerti per cembalo 

e soprattutto nei Brandeburghesi, combinano variamente i modelli e danno 

all’orchestra un ruolo sinfonico che, se nel periodo di Bach poteva apparire un 

retaggio di un passato gotico e contrappuntistico, a noi, che conosciamo il successivo 

sviluppo del genere, si mostra come un profetico balzo in avanti verso 

una la concezione moderna. 

Il programma si completa con l’Ouverture da un lavoro per orchestra di Telemann 

che costruisce una sorta di ‘raccontino musicale’ divertente e originalissimo 

sulle avventure del “cavaliere dalla triste fi gura”. 

ALBERTO MARTINI 

Nato a Verona, diplomato presso il Conservatorio della sua città, si è poi perfezionato 

al Conservatorio di Ginevra. Si è esibito in Italia e all’estero nei festival 

più prestigiosi nella veste di concertatore, primo violino e direttore oltre 

che come solista, ed è stato primo violino di spalla con molte orchestre e con 

i più grandi direttori (da Muti a Chailly, da Chung a Sinopoli a Temirkanov). 

Nel 2009 ha esordito come solista alla Carnagie Hall di New York. Ha oltre 

50 Cd registrati come direttore e concertatore. Dal 1999 al 2006 è stato Direttore 

Artistico dell’Accademia I Filarmonici di Verona e dal 2006 è direttore 

artistico de I Virtuosi Italiani e delle loro stagioni veronesi. Ha collaborato 

come responsabile artistico dell’orchestra del Teatro Comunale di Treviso, ed 

è tutt’ora consulente esterno del Festival I Suoni delle Dolomiti. Dal 2007 al 

2010 è stato Direttore Artistico dell’Orchestra Sinfonica del Friuli Venezia 

Giulia. L’interesse verso il repertorio di confi ne lo ha portato alla realizzazione 

di importanti progetti con artisti di oggi (da Corea a Nyman, da Battiato 

a Glass tra gli altri). Insegna violino al Conservatorio di Verona, tiene masterclass 

in Italia e all’estero e fa parte delle commissioni dei più importanti 

concorsi internazionali di violino e di musica da Camera. Suona un prezioso 

violino C. F. Landolfi del 1751 gentilmente concesso dalla Fondazione Pro 

Canale di Milano. 

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ROBERTO LOREGGIAN 

Diplomato col massimo dei voti in organo e in clavicembalo, si è perfezionato 

al Conservatorio di L’Aja con Ton Koopman e ha suonato nelle più importanti 

sale italiane, in Europa e all’estero e per festival prestigiosi quali MITO, 

Sagra Malatestiana, Festival Pergolesi Spontini sia in veste di solista che di accompagnatore 

con numerosi solisti ed orchestre barocche. Ha registrato CD 

per Chandos, Tactus, Arts ecc. e sta registrando l’integrale di Frescobaldi. Ha 

vinto con le registrazioni delle musiche per cembalo di B. Pasquini (Chandos- 

Chaconne) e di G.B. Ferrini (Tactus) il Preis der deutschen Schallplattenkritik. 

Insegna presso il Conservatorio di Padova. 

MARIO FOLENA 

Diplomato in fl auto traverso e in traversiere con il massimo dei voti e la lode, 

si è perfezionato in corsi con Donington, Clemencic, Melkus e Rampal, collaborando 

poi con prestigiose orchestre (tra esse Orchestra da camera di Parigi, 

I Filarmonici di Verona, Accademia de li Musici, Orchestra da camera 

di Mantova ecc.). È stato inoltre primo fl auto di Novecento e oltre, gruppo 

fondato da Antonio Ballista. Dal 1982 è primo fl auto dell’Orchestra di Padova 

e del Veneto, con la quale svolge un’intensa attività concertistica e solistica 

in tutto il mondo e, come solista, collabora con le più importanti società da 

concerto italiane. Ha insegnato fl auto traverso barocco ai corsi estivi di musica 

antica della Fondazione Cini di Venezia, al Conservatorio di Padova e in 

quello di Parma. Tra le sue numerose registrazioni discografi che, quella delle 

Sonate ed Arie Geminiani per TACTUS assieme a Loreggian, ha vinto nel 

1997 il Referendum di Musica e Dischi come miglior disco di musica classica 

dell’anno. Mario Folena è vincitore, assieme a Roberto Loreggian, del Premio 

speciale Civiltà Veneta 2007 della Fondazione Masi. 

I VIRTUOSI ITALIANI 

Questo complesso, considerato un dei più attivi e qualifi cati del musicale internazionale, 

si è formato nel 1989 e da quel momento si esibisce con ottimi 

consensi di critica e di pubblico per i più importanti teatri e per i principali 

enti musicali. Ricordiamo, tra tutti, il Concerto per il Senato, quello “per la 

Vita e per la Pace” eseguito a Roma, Betlemme e Gerusalemme e trasmesso in 

Mondovisione, il Concerto in Sala Nervi alla presenza del Papa, la tournée in 

Sud America nei più importanti Teatri, il debutto alla prestigiosa Royal Albert 

Hall di Londra. L’ensemble collabora con solisti e direttori internazionali e ha 

una vasta attività discografi ca con oltre 100 CD registrati e 400.000 dischi 

venduti. Nel 2004 per l’integrale in prima assoluta dell’opera di Bonporti con 

Alberto Martini il gruppo ha conseguito i premi Choc de la Musique, Cinque

stelle –Premio Goldberg e Diapason d’ôr. Con grande attenzione riservata al 

coinvolgimento del pubblico e con una particolare attenzione ai giovani, i 

Virtuosi italiani mostrano da sempre interesse anche per il repertorio di confi 

ne e hanno collaborato con artisti quali Corea, Bregovic, Nyman, Einaudi, 

Battiato, Caine, Fresu. I Virtuosi sono ideatori e interpreti a Verona, città di 

residenza, di una Stagione giunta alla XIII edizione e di una Stagione di Musica 

Sacra. Dal 2011 il gruppo è complesso residente per la stagione concertistica 

nella Chiesa dell’Ospedale della Pietà a Venezia. L’impostazione artistica 

vede cardine il Konzertmeister primo violino Alberto Martini. Da ottobre 

2011 Pavel Barman ricopre il ruolo di direttore principale ospite. 

Credits: Maki Galimberti 

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Domenica 16 dicembre 2012 ore 18.00 ** Concerto fuori abbonamento 

RAMIN BAHARAMI pianoforte 

Recupero concerto Krystian Zimerman 

Concerto in collaborazione con la “Fondazione Pescheria” 

Domenico Scarlatti (1685-1757) 

Sonata in re maggiore K 282 

Johann Sebastian Bach (1685-1750) 

Suite inglese n. 2 in la minore BWV 807 

Preludio 

Allemanda 

Corrente 

Sarabanda 

Bourées I e II 

Giga 

Domenico Scarlatti 

Sonata in fa diesis maggiore K 319 

Sonata in re maggiore K 278 

Sonata in do maggiore K 159 

Johann Sebastian Bach 

Aria variata (alla maniera italiana) in la minore BWV 989 

Concerto nach italienischen Gusto BWV 971 

Vivo 

Andante 

Presto 

I 

due autori protagonisti qui non sono solo genericamente coevi, ma proprio 

coetanei (entrambi nati nel 1685) e, insieme, rappresentano due 

esempi splendidi della ricchezza e della varietà fornita dalle forme della 

musica per tastiera nel periodo più ricco e splendido del barocco. Il primo 

a presentarsi è un italiano, Domenico Scarlatti, che partito dall’esperienza 

operistica abbandona tutto per divenire maestro di musica dell’infanta 

Maria Barbara di Portogallo, con la quale si trasferisce in Spagna quando la 

fanciulla diventa regina in quel Paese, e che con le sue oltre 600 sonate non 

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solo compie un lavoro straordinario di sintesi estetica ed espressiva, ma sposta 

in alto l’asticella della tecnica cembalistica, là dove in pochi sapranno raggiungerlo 

in seguito. Ma davvero incredibile è il fatto che, mantenendo sempre 

uguale la forma utilizzata (un tempo solo, diviso a metà da un ritornello) 

Scarlatti riesce a variarne con abilità straordinaria i contenuti, affi dandosi a 

tutti gli spunti musicali possibili, dalla musica popolare spagnola alla fuga 

severa, dalle danze della suite alla dolce melodia quasi belcantistica. 

Ma alternato alla varietà sonatistica scarliattiana, dall’altro lato del palcoscenico, 

sta Bach, il quale invece esplora con la tastiera tutte le forme che erano 

state utilizzate fi no a quel momento, proponendo un incredibile e forse 

esempio di rilettura e risistemazione, ma anche in questo caso spingendosi 

in territori dove nessuno sarà in grado di seguirlo. Da un lato egli porta al 

massimo grado di stilizzazione, e quasi conclude, la vicenda secolare della 

suite per cembalo: con le Suites ‘Francesi’ le Partite e le Suites ‘Inglesi’, nelle 

quali la rigida successione di danze si arricchisce e si addensa grazie non solo 

all’aggiunta di brani ‘esterni’ alla suite (come, ad esempio, i preludi) e all’uso 

di una tecnica di grande diffi coltà, ma anche, e soprattutto, grazie all’uso del 

contrappunto che fi no a quel momento era stato accuratamente evitato da un 

genere considerato come disimpegnato. 

E se nel catalogo bachiano per tastiera non mancano le opere ‘didattiche’, 

quelle ‘teorico-dimostrative’ o quelle legate alle forme ‘libere’, negli ultimi 

anni di Lipsia egli recupera ancora forme ormai sfruttatissime, come il tema 

con variazioni e il concerto italiano per le quali egli riesce, grazie alla trama 

inesorabile del contrappunto e alla sua straordinaria apertura culturale, a trovare 

un nuovo futuro. 

RAMIN BAHARAMI 

Nato a Teheran nel 1976 ha studiato con Piero Rattalino al conservatorio 

di Milano e all’Accademia Pianistica di Imola, e con Wolfgang Bloser alla 

Hochschule für Musik di Stoccarda. Si è poi perfezionato con Alexis Weissenberg, 

András Schiff , Robert Levin and Rosalyn Tureck, grazie alla quale 

ha potuto approfondire l’interpretazione bachiana nel Novecento. Nel 

1998 ha debuttato al Teatro Bellini di Catania con tale successo da ricevere 

la cittadinanza onoraria; da quel momento si sono susseguite esibizioni 

presso le maggiori istituzioni musicali d’Italia, teatri, stagioni e prestigiosi 

festival internazionali (La Roque d’Anthéron”, Tallin Baroque Music Festival, 

Cantiere Internazionale d’Arte di Montepulciano Beijing Piano Festival, 

Strings Lucern, Festival di Bergamo e Brescia ecc.). Dal 1999, dopo le ‘Goldberg’ 

alla Sala Verdi di Milano ha presentato Partite, Concerti per tastiera 

e Variazioni in molte sale in Italia (Roma, Milano Firenze, Messina, Salerno, 

Pisa) e in Germania. In particolare le Variazioni sono state eseguite al

Quirinale e trasmesse in diretta su Radiotre. È anche a fi anco di prestigiose 

orchestre (Orchestra Verdi di Milano, Latvian Philharmonic Chamber Orchestra, 

European Chamber Orchestra, Janacek Philharmonic Orchestra, 

Kammerphilharmonie Stuttgart ecc.). Nel gennaio 2009 è stato insignito 

del Premio “Città di Piacenza-Giuseppe Verdi” dedicato ai grandi protagonisti 

della scena musicale, riconoscimento assegnato prima di lui a Riccardo 

Muti, Josè Cura, Leo Nucci e Pier Luigi Pizzi. Ramin Bahrami è considerato 

uno tra i più interessanti interpreti bachiani viventi a livello internazionale. 

Dopo l’esecuzione dei Concerti di J.S. Bach a Lipsia nel 2010 con la Gewandhausorchester 

e Chailly, la critica tedesca lo considera: “un mago del suono, 

un poeta della tastiera; artista straordinario che ha il coraggio di aff rontare 

Bach su una via veramente personale”. Incide esclusivamente per Decca- 

Universal e la sua discografi a è molto vasta: ricordiamo le Variazioni Goldberg 

(2004), le 7 Partite (2005), l’Arte della Fuga (2007), la raccolta “Ramin 

Bahrami plays Bach” (2009), le Suite Francesi (2010). Il disco con i cinque 

concerti per tastiera di Bach, con la Gewandhausorchester e Riccardo Chailly 

registrato a Lipsia (2011), ha avuto 5 stelle da Amadeus e le Suite Inglesi 

(2012) sono entrate nella classifi ca Nielsen della musica pop. Dal 2012 ha assunto 

la direzione artistica della Summer School of Musical Perfomance ideato 

insieme al produttore RAI Casimiro Lieto nel borgo dell’antica Caserta. 

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Domenica 6 gennaio 2013 ore 18.00 

DANIIL TRIFONOV pianoforte 

Franz Liszt (1811-1886) 

Frühlingsglaube (dai Dodici Lieder di Schubert) 

Die Stadt (da Schwanengesang di Schubert) 

Franz Schubert (1797-1828) 

Sonata in si bemolle maggiore D. 960 

Molto moderato 

Andante sostenuto 

Scherzo (Allegro vivace) 

Allegro, ma non troppo 

Fryderyk Chopin (1810-1849) 

Barcarola in fa diesis maggiore op. 60 

Studi op. 10 

n. 1 in do maggiore 

n. 2 in la minore 

n. 3 in mi maggiore 

n. 4 in do diesis minore 

n. 5 in sol bem. maggiore 

n. 6 in mi bem. minore 

n. 7 in do maggiore 

n. 8 in fa maggiore 

n. 9 in fa minore 

n. 10 in la bem. maggiore 

n. 11 in mi bem. maggiore 

n. 12 in do minore 

Schubert, Chopin e Liszt: tre autori che più lontani non potrebbero 

essere per concezione di scrittura e per ideali estetici. Eppure in questo 

programma si danno, e non casualmente, la mano. 

Liszt, per cominciare, il titano della tastiera che si avvicina all’intimismo 

dei Lieder di Schubert quasi in punta di piedi e riesce, nei suo adattamenti 

pianistici, a scovarne come pochi altri il senso vero e profondo. 

E poi, Schubert, con la Sonata D. 960, ultimo di quei capolavori che, con- 

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temporanei alle ultime sonate di Beethoven, costituiscono a quelle l’unica 

valida alternativa. “Questa composizione è diversa dalle altre - scrive Schumann 

- perché qui Schubert volontariamente rinuncia ad ogni novità brillante. 

La composizione scorre mormorando di pagina in pagina, sempre lirica, 

senza mai pensiero per ciò che verrà, come se non dovesse mai arrivare alla 

fi ne, interrotta solo qua e là da fremiti più violenti che tuttavia si spengono 

rapidamente”. E infatti questa Sonata in si bemolle è fi glia del clima culturale 

ed artistico della Restaurazione, specchio di un ambiente intimistico, lontana 

sia dagli ideali eroici e volitivi che dalla superfi ciale brillantezza del pianismo 

Biedermeier, pagina dove ogni pensiero viene interiorizzato in un messaggio 

personale, fatto di magia e di emozione, che l’autore rivolge ai pochi amici di 

casa o addirittura solo a se stesso. 

Infi ne Chopin, che torna a Liszt nella dedica degli Studi op. 10, vera e propria 

‘dichiarazione d’intenti’ del Polacco al mondo musicale. Accortosi dei limiti 

della tecnica tradizionale, a 23 anni, pubblica questi brani dove supera i metodi 

per pianoforte coevi e propone un compendio del suo stile: complice uno strumento 

sempre più disponibile presenta infatti le caratteristiche della sua estetica 

in una serie di composizioni che propongono ciascuno un elemento diff erente 

della tecnica pianistica, risolto comunque sempre nell’ambito dell’arte (il valore 

del suono, l’armonia allo stato puro, la polifonia, la ricerca della qualità timbrica…). 

Ma nonostante ciascuno di questi brani presenti una singola problematica, 

la raccolta si propone anche come ‘composizione’ unitaria, come un polittico 

fatto di tasselli strettamente collegati tra di loro in un crescendo di tensione e di 

emozioni che parte dalla pura armonia del primo studio per giungere alla carica 

eroica e rivoluzionaria dell’ultimo che, per concezione ed intensità di espressione, 

chiude il sipario come un vero e proprio aff resco pianistico. 

DANIIL TRIFONOV 

“L’altra notte l’ho riascoltato: possiede tutto e anche di più. Ciò che fa con le 

sue mani è tecnicamente incredibile. E anche il suo tocco! Tenero e demonico 

insieme. Non ho mai sentito nulla di simile”. 

(Martha Argerich al Financial Times, 8 luglio 2011) 

Nato in Russia, a Nizhny Novgorod, nel 1991 ha studiato dapprima alla Scuola 

Gnessin di Mosca nella classe di Tatiana Zelikman, già insegnante di altri nuovi 

talenti della scuola russa come Aleksej Volodin,. Dopo numerosi riconoscimenti 

in patria (tra cui quello al Concorso Skrjabin di Mosca), vince nel 2008 il concorso 

di San Marino col Terzo Concerto di Prokof’ev, a seguito del quale decide 

di perfezionarsi al Cleveland Institute of Music sotto la guida di Sergej Babajan. 

Nell’ottobre dello stesso anno si classifi ca terzo al Concorso Chopin di Varsavia 

(premio anche per la migliore esecuzione di una mazurca) ottenendo l’apprezza-

mento di Martha Argerich. Dal 2006 al 2009 ha studiato anche composizione 

e tuttora scrive musica per pianoforte, da camera e orchestrale. Nel maggio del 

2011 vince il Concorso Arthur Rubinstein di Tel Aviv, dove ottiene anche il 

premio per la migliore esecuzione di un brano di Chopin, il premio per la miglior 

prova di musica da camera e il premio del pubblico e, un mese dopo, vince 

il Concorso Čajkovskij di Mosca. Di grande impatto il suo CD per la Decca 

interamente dedicato a Chopin e quello pubblicato recentemente col Concerto 

di Čajkovskij con Valery Gergiev e l’Orchestra del Mariinsky. 

Ha all’attivo una splendida carriera concertistica che lo ha portato nei principali 

festival europei (Verbier, Montreux, Tivoli, Edinburgh, Lockenhaus, 

Klavier Festival Ruhr ecc.) e negli USA (nei festival di Blossom, Ravinia e 

Chautauqua) collaborando con grandi orchestre (Wiener Philharmoniker, 

London Symphony, BBC Philharmonic, Orchestra del Mariinsky, Concertgebouw 

ecc.) con grandi direttori quali Gergiev, Fedoseyev, Marriner, Mehta, 

Pletnev. Ha tenuto e tiene concerti presso sale prestigiosissime quali Barbican 

di Londra, Musikverein di Vienna, Salle Pleyel di Parigi, Carnegie Hall di 

New York, Suntory Hall di Tokyo, in Europa, Nord e Sud America, Medio ed 

Estremo Oriente. La stagione 2012-13 vedrà i debutti di Trifonov con molte 

tra le massime orchestre al mondo, tra cui Santa Cecilia (Battistoni) New 

York Philharmonic (Gilbert), Chicago Symphony (Dutoit), Boston Symphony 

(Guerrero), Cleveland (Gaffi gan), National Arts Centre (Zuckerman), 

Philharmonia (Maazel), Royal Philharmonic (Dutoit), Radio France (Znaider), 

Budapest Festival Orchestra (Takács-Nagy), e i ritorni con London Symphony 

e Mariinsky (Gergiev), Russian National (Summers, Pletnev), Warsaw 

Philharmonic (Wit). 

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Giovedì 10 gennaio 2013 ore 21.00 * Spettacolo straordinario fuori abbonamento 

BALLETTO RUSSO DI ANNA IVANOVA 

Sergej Sergeevič Prokof ’ev (1891-1953) 

ROMEO E GIULIETTA 

Coreografi e di Anna Ivanova 

Solisti: Anna Ivanova e Aleksander Alikin 

esecuzione su CD del Moscow Th eatre Festival Orchestra, direttore Yuri 

Emelianov Poliankovich 

La vicenda compositiva di Romeo e Giulietta si inquadra nella più ampia 

vicenda dello sviluppo del balletto in Unione Sovietica, in particolare 

tra gli anni Trenta e Quaranta del Novecento, epoca nella 

quale videro la luce proprio i grandi capolavori di Prokof’ev. Rivoluzionario 

nel modo in cui egli stravolge la struttura tradizionale attraverso uno stile 

defi nito “realismo romantico”, il compositore riesce con la sua musica angolosa 

e ritmica, ma spesso intensamente lirica, a ridurre all’essenzialità la 

rappresentazione. Secondo questa idealità Romeo e Giulietta, rappresentato 

per la prima volta a Brno nel dicembre 1938, costituisce un momento di 

equilibrio ideale tra le esigenze di un pubblico ancora aff ezionato alla tradizione 

del balletto ‘alla Čajkovskij’ e quella del compositore, appena tornato 

dall’Europa occidentale e quindi ormai in possesso di un linguaggio defi nitivamente 

lontano da quello del tardoromanticismo. Il dramma di Shakespeare 

è seguito fedelmente e ogni personalità, perfi no quelle dei personaggi 

di contorno, è sbalzata a tutto tondo nei suoi lineamenti psicologici da una 

musica che si piega e si adatta all’espressione di tutti gli aff etti, sempre attenta 

a mettere in luce la violenza del contrasto ideale della romantica vicenda 

dei due innamorati veronesi. 

I Atto. Piazza del mercato a Verona. Le nobili famiglie dei Capuleti e dei 

Montecchi sono rivali tra loro. Romeo (Montecchi) corteggia non corrisposto 

la cugina di Giulietta (Capuleti), e gli amici Mercuzio e Benvolio 

lo confortano. All’alba nasce un diverbio fra Tebaldo (Capuleti) e Romeo: 

inizia un cruento scontro tra le due fazioni fermato dall’intervento del Principe 

di Verona. Intanto, a casa Capuleti, a Giulietta viene presentato Paride 

cui è stata destinata in moglie. Giungono gli ospiti per il ballo che festeggia 

il compleanno della fanciulla, ballo al quale, mascherati, partecipano anche 

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Romeo, Mercuzio e Benvolio. Romeo è rapito da Giulietta ma è riconosciuto 

da Tebaldo che lo caccia. Alla fi ne della festa la fanciulla esce sul balcone e 

Romeo compare nel giardino: i due giovani si confessano il reciproco amore. 

II Atto. La nutrice di Giulietta consegna a Romeo un biglietto della giovane 

in cui lei accetta di sposarlo: il matrimonio viene celebrato da Frate Lorenzo 

nella speranza che l’unione faccia cessare le contese familiari. Sulla piazza del 

mercato però Tebaldo, provocato, uccide Mercuzio e Romeo, vendicando la 

morte dell’amico, viene esiliato. III Atto. All’alba i due sposi devono separarsi, 

Romeo si allontana, Giulietta rifi uta di sposare Paride e chiede consiglio a 

frate Lorenzo. Il frate le consegna una pozione che la farà sprofondare in un 

sonno simile alla morte, i genitori la seppelliranno nella tomba di famiglia 

e Romeo, avvisato dal frate tornerà e porterà Giulietta lontano da Verona. 

Giulietta acconsente, ma al mattino i genitori la trovano apparentemente senza 

vita. Nella tomba dei Capuleti arriva Romeo che, non avendo ricevuto il 

messaggio del frate, ritorna a Verona credendo l’amata morta. Nella cripta 

trova Paride e lo uccide, poi si avvelena. Giulietta si risveglia e trovando morto 

l’amato, si uccide a sua volta. 

BALLETTO RUSSO DI ANNA IVANOVA 

Il Teatro del Balletto Russo si basa sulle tradizioni della scuola del balletto 

classico russo. Il repertorio comprende i migliori balletti classici (Il lago dei 

cigni, La Bella Addormentata, Lo Schiaccianoci, Giselle, Romeo e Giulietta, 

Don Chisciotte ecc.) e un insieme di concerti di gala, la cui realizzazione riscuote 

da tempo un grande successo sia in Russia che all’estero. 

Formato da artisti che si distinguono per elevata professionalità, genio artistico, 

arte ed espressività (molti hanno vinto concorsi internazionali e premi 

prestigiosi in Russia e all’estero), il Balletto Russo partecipa frequentemente a 

prestigiosi festival di danza ottenendo sempre un grande successo di pubblico. 

I costumi e le scenografi e sono state create appositamente per il tour italiano 

sulla base dei canoni artistici del Grande Teatro Imperiale Russo e rispettano 

le regole tecniche e grafi che della classiche produzioni di Petipa. I coreografi 

e gli artisti del Balletto Russo si ispirano inoltre ai migliori maestri russi quali 

Semenova, Jacobson e Semenyaka e i loro successi sono il frutto dell’impegno 

minuzioso e artistico delle migliori tradizioni della Scuola di Ballo a Mosca. 

ANNA IVANOVA 

Laureata con la lode all’Accademia di coreografi a di Mosca nel 2000, fi no al 

2009 ha fatto parte del corpo di ballo del Bol’šoj. Ha inoltre lavorato con il 

Teatro d’opera e balletto di Odessa, con l’Opera Nazionale di Sofi a, con il 

Balletto classico russo di Gordeev, con il Teatro d’opera e balletto di Izhevsk,

con il Balletto del Teatro di San Pietroburgo, con il Teatro d’opera e balletto 

di Syktyvkar, con La Corona del Balletto Russo, con il Russian Imperial Ballet 

di Taranda e con il Teatro d’opera e balletto di Saratov. Ha partecipato a numerosi 

festival in Russia, Giappone, Grecia, Messico, Libano, Bulgaria, Croazia, 

Sud Africa, Brasile, Germania, Francia, Romania, Ungheria e Ucraina. 

Nel corso della sua carriera ha conseguito i numerosi riconoscimenti tra cui 

Premio speciale Grishko (1997) e Gran premio del Concorso Internazionale 

di Balletto in Lussemburgo (2003). Il repertorio di Anna Ivanova comprende 

tutti i classici del balletto russo ed europeo (da Il lago dei cigni a La bella addormentata, 

da Lo Schiaccianoci a Giselle) e celebri pas de deux (La Esmeralda, 

Don Chisciotte, La Sylphide, L’età d’oro del tango). Nel 2011 ha fondato 

grazie all’aiuto di sostenitori privati il Balletto Russo di Anna Ivanova, di cui 

è direttrice e solista principale. 

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Domenica 20 gennaio 2013 ore 18.00 


HUBERT SOUDANT direttore 

GABRIELLA SBORGI mezzosoprano 

Richard Wagner (1813-1883) 

Wesendonck Lieder 

Engel 

Stehe Still! 

Im Treibhaus 

Schmerzen 

Träume 

Franz Schubert (1797-1828) 

Sinfonia n.9 in do maggiore “La Grande” 

Andante-Allegro ma non troppo 

Andante con moto 

Scherzo (Allegro vivace) 

Finale (Allegro vivace) 

Nell’anno di Wagner, l’Ente Concerti sceglie di celebrare il grande 

drammaturgo tedesco con una pagina come i Wesendonck-Lieder 

sicuramente inconsueta ma importantissima per capirne a fondo 

il pensiero, preparata proprio negli anni in cui il musicista era dedito alla 

composizione di Tristan und Isolde. 

Mathilde Wesendonck aveva avuto a Zurigo col compositore un intenso 

contatto spirituale, una relazione profonda al punto da indurre Wagner a 

musicarne i versi in pochi mesi, tra il dicembre 1857 e il maggio 1858, 

cimentandosi in un genere che egli aveva trattato saltuariamente solo nella 

prima fase della sua attività artistica. Se lo stile più tipico di Wagner si rivela 

nell’andamento di melodia e armonia, spesso arditamente cromatica, la 

prassi compositiva del ciclo non sfugge alla tradizione tedesca negli accompagnamenti, 

che legano strettamente testo e musica (come le veloci sestine 

ascendenti di semicrome sfondo alla prima parte di ‘Stehe Still’ o i bicordi 

staccati in ‘In Treibhaus’, per imitare la pioggia), rivelando un aspetto inedito 

e ‘riservato’ di un artista noto come architetto di enormi amalgami 

orchestrali e di composizioni monumentali e grandiose. 

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Dall’altro lato del programma sta invece una pagina di un autore che, come 

Schubert, ha fatto proprio del Lied la sua forma preferenziale di espressione. 

“Chi non conosce questa sinfonia conosce poco Schubert” scrive Schumann, 

che aveva scoperto il capolavoro abbandonato in un cassetto quando nel 

1838, trasferitosi a Vienna, si era recato in pellegrinaggio a casa del compositore. 

“Egli - prosegue - mostratosi già sicuro nelle forme, ricco di fantasia e 

vario, aff errò anche la sinfonia. La sua divina lunghezza è come un romanzo 

di Jean Paul che non fi nisce mai, per non lasciar creare il seguito al lettore.” 

Gli ideali eroici e universali, che avevano contraddistinto il sinfonismo di 

Beethoven sono infatti coraggiosamente dimenticati da Schubert, che non 

sintetizza il passato né anticipa quella che sarà la strada della musica sinfonica 

successiva, ma esprime con la sua grandissima sensibilità tutta la stanchezza 

dell’epoca della Restaurazione, di un mondo desideroso per un poco di pensare 

solamente a se stesso. Per questa ragione il manoscritto rimase abbandonato 

nella casa del fratello del compositore che, alla sua morte, aveva raccolto le sue 

poche cose. Fu proprio Schumann a inviare la partitura a Mendelsshon che la 

propose con grande successo per la prima volta, fi nalmente, al Gewandhaus 

di Lipsia il 21 marzo 1840. 

HUBERT SOUDANT 

Nato a Maastricht (Olanda), dove ha studiato con Jean Fournet, dopo aver 

vinto premi in importanti concorsi internazionali (tra cui il Von Karajan a 

Berlino e il Cantelli a Milano), è diventato direttore principale della Nouvelle 

Orchestre Philharmonique de Radio France e dell’Orchestra Sinfonica 

di Utrecht. Ha iniziato così una brillante carriera internazionale col debutto 

nella lirica con l’Orchestra di Parma nel 1985. Nel periodo 1985-1988 è stato 

primo direttore ospite della Melbourne Symphony Orchestra e, dal 1994 al 

2004, direttore principale dell’Orchestre National des Pays de la Loire, dirigendo 

nello stesso periodo le più prestigiose orchestre europee e partecipando 

a festival internazionali quali Primavera di Praga, Festival di Vienna, Mostly 

Mozart Festival di New York, Festival Bruckner di Linz e Festival di Spoleto 

e Ravenna. Nel 1994 è stato nominato direttore principale dell’Orchestra del 

Salzburg Mozarteum dove è stato per quasi dieci anni primo direttore divenendone 

poi primo direttore ospite dal 2004, anno nel quale è stato nominato 

direttore principale della Tokyo Symphony Orchestra. Di grande successo 

è sia la sua interpretazione dei capolavori del classicismo viennese sia la sua 

versione del repertorio francese sia quella delle grandi Sinfonie di Bruckner e 

Mahler, mentre come direttore lirico il suo repertorio va da Mozart a Richard 

Strauss a Honnegger.

GABRIELLA SBORGI 

Attiva sia nel teatro d’opera che in ambito concertistico, Gabriella Sbrogi ha 

studiato a Milano, Londra Lugano, Nizza e Parigi e ha vinto poi il Concorso 

Th e Actor Singer Competition della William Walton Foundation, rappresentando 

l’Italia al Cardiff Singer of the World Competition. Con grande eclettismo 

passa dal teatro mozartiano a quello del Novecento, dal repertorio lirico 

e belcantistico alla musica da camera e sinfonica, ospite di enti concertistici 

quali Maggio Musicale Fiorentino, Accademia Chigiana, Biennale di Venezia, 

Festival di Brescia e Bergamo, Unione Musicale di Torino, Orchestra della 

Radio Svizzera Italiana, Orchestra da Camera di Mantova, Orchestra della 

Rai, Amici della Musica di Vicenza e Firenze, Orchestra Verdi di Milano, Sky 

Classica. Ha inciso Stabat Mater di Haydn, La Riconoscenza, Stabat Mater 

e Petite Messe Solennelle di Rossini, Dies Irae di Ferdinando Galimberti, Il 

Ciclo del Tempo di Giorgio Gaslini e Canti della Terra e del Mare di Sicilia 

di A. Favara. 


L’Orchestra Filarmonica Marchigiana, fondata nel 1985 (dal febbraio del 

2000, insieme alla Regione Marche e all’Università degli Studi di Ancona, 

Fondazione Orchestra Regionale delle Marche, FORM), è dal 1987 una delle 

dodici Istituzioni Concertistiche Orchestrali Italiane. Opera in regione con 

stagioni liriche e sinfoniche, rassegne cameristiche e concerti per le scuole ed 

è partner dei concorsi musicali internazionali regionali. Attenta alla valorizzazione 

dei compositori marchigiani, ha ideato “Le Marche Parco Europeo della 

Musica”. Dal 1998 è orchestra principale del Festival Snow & Symphony di 

St. Moritz, assieme a grandi solisti e giovani talenti. Numerose le apparizioni 

televisive e le incisioni discografi che: tra esse fi gurano pagine di Pergolesi, 

Strauss, Rossini, Mozart, Verdi, tutte guidate dal suo direttore artistico Gustav 

Kuhn. 

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Mercoledì 6 febbraio 2013 ore 19.00 

Concerto in Jeans 

ANDRÉ MEHMARI pianoforte 

GABRIELE MIRABASSI clarinetto 

MIRAMARI 

un progetto di Gabriele Mirabassi e André Mehmari 

Un incontro tra due grandi musicisti virtuosi del proprio strumento, 

due artisti che condividono una medesima visione eclettica della 

musica tale da conciliare un approccio rigoroso all’universo musicale 

erudito e una fertile immaginazione di improvvisazione propria della 

musica popolare. Un riscoprire e riscoprirsi insieme in una musica popolare 

cameristica del più alto livello, nella quale l’esplorazione estrema e il ricorso 

a un’erudita tecnica, li porta a scoprire nel clarinetto e nel pianoforte, sonorità 

nuove che si traducono in un discorso sonoro intelligente e sensibile. 

L’incontro tra Gabriele Mirabassi e André Mehmari nasce da un’affi nità musicale 

ma non solo. Tutto ebbe inizio nella bella Perugia, dove André venne 

per la prima volta come turista un paio di anni or sono. È qui che è nata 

l’idea di Miramari: Perugia e anche la visita a Venezia, un pellegrinaggio 

nelle terre e nella musica di Monteverdi hanno infatti portato alla composizione 

di brani quali Perugia Notturna, Um Dia em Assis, Quando em Gubbio. 

Città “invisibili” che prendono corpo, navigando attraverso melodie, 

armonie, oceani, mari, luci, ombre, pianto, cuore: tutto questo, unito ad 

una strabiliante tecnica nelle mani di due grandi musicisti. Il mare -racconta 

Mirabassi- educa al sentire e, come conseguenza, ai sentimenti. Anche 

nel cuore delle colline umbre lui è riuscito a trovare la sua “spiaggia”, il suo 

mare; la musica si “sente” e infatti possiamo usare la stessa parola per descrivere 

le azioni compiute dal cuore e dall’udito, per sentire e per udire ….. 

sarà perché la Fisica ci dice che la musica in realtà è un’immensa estensione 

delle onde? 

André presenta così il lavoro: “Gabriele mi ha raccontato che è arrivato per 

la prima volta in Brasile “attraverso” Minas Gerais. È arrivato dall’Umbria, 

una Regione dell’Italia centrale che, come Minas Gerais, non è bagnata 

dal mare. Era profondamente emozionato mentre vagava per la terra 

di Drummond e Ana Beatriz Barros. Sono rimasto aff ascinato ascoltando 

il suo racconto: invitato da Gabriele e dall’Egea in Italia, ho avuto l’op- 

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portunità magica di passare due settimane a Perugia. Dopo aver constatato 

la somiglianza di topografi a ed altri aspetti tra Umbria e Minas Gerais, ho 

pensato di proporre questo disco, nel quale abbiamo potuto esplorare questa 

affi nità e costruire un ponte ideale, con la musica, tra un paese e l’altro. 

Abbiamo registrato la maggior parte dei brani contenuti in questo CD durante 

la settimana di prove per l’uscita del mio Divertimento per clarinetto, 

pianoforte e fi ati , nel 2008, in Brasile. Nelle ore libere, da San Paolo ci spostavamo, 

in collina nel mio studio-casa, a registrare; “Vaidoso” e “Primeiro 

Choro de Lucas”, sono stati invece incisi successivamente, nel 2009, quando 

Gabriele è tornato in Brasile. Il disco è uscito a febbraio 2010 anche in Italia 

con l’etichetta Egea Records. 

ANDRÉ MEHMARI 

Pianista, compositore, arrangiatore e poliedrico strumentista brasiliano, lavora 

sia nella musica classica che in quella popolare. Le sue composizioni e i suoi 

arrangiamenti sono stati eseguiti da importanti orchestre brasiliane (OSESP) 

e da formazioni cameristiche quali la São Paulo String Quartet. Dopo gli 

studi in conservatorio e all’università, nel 1997 inizia a scrivere arrangiamenti 

per i più importanti eventi musicali a Sao Paulo vincendo l’anno successivo 

la Brazilian Popular Music Competition, il più importante premio nazionale 

per la musica popolare. Apprezzato dalla critica e dal pubblico, si esibisce in 

vari contesti live nelle più prestigiose sale da concerto brasiliane e alterna l’attività 

di polistrumentista a quella di compositore (al National Composition 

Competition Award vince il primo premio con il brano “Sinfonia Elegíaca”, 

nel 2004 ottiene un grande successo col CD “Lachrimae” che propone due 

“piano trio” con Mônica Salmaso, Dimos Goudaroulis e Luca Raele). La 

combinazione della tecnica di pianista classico e la fertilità creativa come arrangiatore 

fanno di Mehmari un musicista unico nel linguaggio, apprezzato 

anche in importanti festival ed eventi internazionali dove si esibisce anche 

alla guida della São Paulo State Wind Band di cui è nominato compositore. 

La sua carriera nell’ambito jazz e della musica popolare brasiliana continua 

a riscuotere grande attenzione ed unanimi riconoscimenti nei festival e nei 

concerti in tutto il mondo. 

GABRIELE MIRABASSI 

Diplomato al conservatorio di Perugia, ha inizialmente aff rontato la musica 

contemporanea collaborando con artisti come Cage o Andriessen per poi 

dedicarsi inizialmente al jazz tenendo concerti per i festival più importanti 

incidendo numerosi CD. Ha collaborato e collabora con artisti appartenenti 

agli ambiti più diversi ed eterogenei per stile e linguaggio (Rabih Abou Khalil,

Mina, John Cage, Ivano Fossati, Battista Lena, Riccardo Zegna, Enrico Pieranunzi, 

Roberto Gatto, Cristina Zavalloni, Trio madeira-brasil, Istituzione 

Sinfonica Abruzzese, Marco Paolini, Mario Brunello, Orchestra d’archi italiana 

solo per citarne alcuni).. 

Negli ultimi anni Mirabassi ha ampliato notevolmente il suo panorama di collaborazioni 

anche in altri ambiti di spettacolo: con Gianmaria Testa, con lo scrittore Erri 

De Luca (insieme al quale ha dato vita allo spettacolo Chisciotte e gli invincibili), 

quella con la cantante Barbara Casini e Monica Demuru (con lo spettacolo/concerto, 

a metà tra musica e teatro, Costruzione, dedicato alla fi gura di Chico Buarque). 

Nel 2008 ha pubblicato Canto di ebano, omaggio allo straordinario legno africano e 

alle appassionate mani (italiane) che lo trasformano in clarinetto e ha vinto il TopJazz 

come miglior disco dell’anno. 

Credits: Patricia Travassos 

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Venerdì 15 febbraio 2013 ore 21.00 


GIAMPAOLO MARIA BISANTI direttore 

STEFAN MILENKOVICH violino 

MILENKOVICH SUONA ČAJKOVSKIJ 

Pëtr Il’ič Čajkovskij (1840-1893) 

Concerto in re maggiore op. 35 per violino e orchestra 

Allegro moderato 

Canzonetta (Andante) 

Finale (Allegro vivacissimo) 

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) 

Sinfonia n. 39 in mi bemolle maggiore K. 543 

Adagio-Allegro 


Minuetto (Allegretto) 

Allegro assai 

Vissuto fra Mosca e Pietroburgo negli anni delle grandi dispute tra fi looccidentali 

e nazionalisti, Čajkovskij evitò di prendere posizione per l’una 

o l’altra parte, scegliendo una terza via che, senza sbandierare ideologie, 

coltivava i classici alla luce della propria particolare sensibilità. Proprio il Concerto 

per violino dimostra il valore d’arte di questa strana ambiguità poiché, pur riconducibile 

esternamente alla forma storica, è invece dominato da un senso della 

melodia carezzevole e sensuale che aff ascina immediatamente l’ascoltatore, superando 

gli scogli della rigida costruzione formale. Dolcissimi sono i temi del primo 

tempo, più volte proposti ed elaborati con grande libertà rapsodica; e anche il secondo 

tempo, con la sua semplice ‘canzonetta’, è dominato da una tenera nostalgia 

e da un magistrale uso delle ‘mezze tinte’. Il Finale, poi, dopo alcuni gesti di 

forza, rientra nei ranghi della poesia all’ingresso del solista, che subito si presenta 

con un melodismo piacevole e popolareggiante. Inutile dire che il tono elegiaco e 

la predominanza assoluta del violino obbligano l’orchestra a una presenza sempre 

discreta, pur con interessanti spunti solistici e buoni eff etti di colore. 

Contraltare al fascino del tardo Ottocento è la meraviglia degli ultimi capolavori 

sinfonici mozartiani, vertici di un percorso che, dallo stile galante di metà 

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Settecento, attraverso le prime istanze dello ‘Sturm und Drang’ e il recupero delle 

severità contrappuntisiche, giunge nelle tre ultime sinfonie del 1788 a applicare i 

principi di un nuovo senso costruttivo e tematico, fondamentale sia nell’itinerario 

estetico mozartiano che come punto di partenza per lo sviluppo della sensibilità 

sinfonica successiva. La prima delle tre, la Sinfonia K.543 costituisce la ‘dichiarazione 

di intenti’ di questo ultimo tratto di cammino, sia dal punto di vista timbrico 

che sotto il profi lo formale. Ad un solenne Adagio introduttivo, che sembra quasi 

l’apertura di un sipario, segue un Allegro che non presenta contrasti di rilievo e in 

cui la contrapposizione di caratteri voluta dalla forma tradizionale viene stemperata 

in una cantabilità serena. Il senso di gioco calibrato permane anche nel quieto Andante 

con moto successivo, che è costruito sull’alternanza tra i motivi esposti dai 

fi ati e quelli enunciati dagli archi. Ad un Menuetto di carattere paesano, in cui il 

Trio si distingue per il gioco di botta e risposta tra fl auto e clarinetto, segue poi il 

brillantissimo e luminoso Finale, monotematico ma ricchissimo nella sua cangiante 

vitalità tonale. 

GIAMPAOLO MARIA BISANTI 

Milanese, si è diplomato con il massimo dei voti nel 1997 e nel 1998 ha vinto lo 

Stage per Direttori d’Orchestra ai Pomeriggi Musicali di Milano. Ha debuttato 

oltre trenta titoli operistici (da Gluck a Mozart, da Verdi a Puccini) e diretto più di 

300 concerti con musica di repertorio e di avanguardia. 

Ha vinto numerosi concorsi internazionali tra i quali spicca il Dimitri Mitropoulos, 

grazie al quale ha potuto iniziare una carriera internazionale che lo ha portato 

sui principali palcoscenici italiani (Ravenna, Padova, Milano, Bologna, Venezia, 

Firenze, Napoli, Genova) e internazionali, in Europa, Giappone e Stati Uniti, in 

stagioni concertistiche ed operistiche e in importanti festival internazionali, sempre 

con grande successo di critica e pubblico. 

STEFAN MILENKOVICH 

Talento precoce, ha vinto il primo premio alla Jaroslav Kozian International Violin 

Competition all’età di sette anni. All’anno successivo risale il suo debutto discografi 

co, cui fanno seguito concerti in tutta Europa, Israele, Estremo Oriente, Sudamerica, 

Cina e Australia. 

Ha vinto diversi concorsi internazionali, quali Lipizer in Italia e Ludwig Spohr 

Competition in Germania; ha poi ottenuto la medaglia d’argento al Paganini di 

Genova, al Concorso di Indianapolis, al Tibor Varga in Svizzera e la medaglia di 

bronzo al Queen Elizabeth e alla Yehudi Menuhin Competition. 

Ha suonato come solista con prestigiose orchestre quali la Sinfonica di Berlino, 

Radio-France, la Nazionale del Belgio, quella del Teatro Bol’šoj, quella di Stato del 

Messico e di San Paolo (Brasile), la Orpheus Chamber Orchestra e l’Orchestre di

Melbourne sotto direttori quali Maazel, Oren e Fedoseyev. 

È stato protagonista di diverse trasmissioni televisive e radiofoniche in America e 

in Giappone e ha realizzato numerosi dischi col repertorio più celebre, da Paganini 

alle Sonate e Partite di Bach ai concerti di Mendelssohn e Kabalevsky. Nell’ ambito 

della musica da camera è invitato regolarmente alle Jupiter Chamber Music Series 

ed è fondatore e membro del Corinthian Piano Trio e, più recentemente, del Formosa 

Quartet. 

Impegnato nella didattica, nel 2002 è stato assistente di Itzhak Perlman alla Juilliard 

e al De Lay Institute, di New York, prima di accettare l’attuale incarico di 

Professore di violino all’Università dell’Illinois Urbana-Champaign (USA). 

È impegnato anche in cause umanitarie e nel 2003 gli è stato attribuito a Belgrado 

il riconoscimento Most Human Person. Ha inoltre partecipato a numerosi concerti 

patrocinati dall’UNESCO a Parigi, esibendosi al fi anco di Placido Domingo, 

Lorin Maazel, Alexis Weissenberg e Sir Yehudi Menuhin. 


L’Orchestra Filarmonica Marchigiana, fondata nel 1985 (dal febbraio del 2000, 

insieme alla Regione Marche e all’Università degli Studi di Ancona, Fondazione 

Orchestra Regionale delle Marche, FORM), è dal 1987 una delle dodici Istituzioni 

Concertistiche Orchestrali Italiane. Opera in regione con stagioni liriche e 

sinfoniche, rassegne cameristiche e concerti per le scuole ed è partner dei concorsi 

musicali internazionali regionali. Attenta alla valorizzazione dei compositori marchigiani, 

ha ideato “Le Marche Parco Europeo della Musica”. Dal 1998 è orchestra 

principale del Festival Snow & Symphony di St. Moritz, assieme a grandi solisti e 

giovani talenti. Numerose le apparizioni televisive e le incisioni discografi che: tra 

esse fi gurano pagine di Pergolesi, Strauss, Rossini, Mozart, Verdi, tutte guidate dal 

suo direttore artistico Gustav Kuhn. 

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Venerdì 1 marzo 2013 ore 21.00 


DONATO RENZETTI direttore 

ROBERTO COMINATI pianoforte 

Maurice Ravel (1875-1937) 

Concerto in sol maggiore per pianoforte e orchestra 

Allegramente, 

Adagio assai 

Presto 

Igor’ Fëdorovič Stravinskij (1882-1971) 

L’oiseau de feu suite dal balletto op. 20 (1945) 

I.Introduzione - Preludio e danza dell’Uccello di fuoco – Variazione dell’Uccello 

di fuoco 

II. Pantomima prima 

III. Pas de deux. L’Uccello di fuoco e Ivan Zarevič 

IV. Pantomima seconda 

V. Scherzo. Danza delle principesse 

VI. Pantomima terza 

VII. Rondò (Khorovod) 

VIII. Danza infernale 

IX. Ninnananna 

X. Inno fi nale 

Due maestri della ricerca timbrica sono affi ancati in un programma 

che ci conduce in un viaggio a Parigi, dentro il Novecento più affascinante. 

All’inizio è Ravel, che proprio grazie ai colori di una 

mobilissima orchestra si cimenta con una forma storica e prepara questo 

Concerto (pensato all’inizio come Rapsodia Basca) che rappresenta il suo 

defi nitivo passaggio al neoclassicismo razionalistico. Il primo movimento 

si contraddistingue per la vivacità ritmica, l’allegria e lo splendido gioco 

coloristico, mentre l’abbandono desolato del secondo movimento ci ricorda, 

nel ritmo ostinato e sempre scandito nel basso, una sorta di Passacaglia che 

ha riferimenti nel Concerto Italiano di Bach e nella Sonata di Stravinskij. 

Infi ne, il brevissimo e vorticoso fi nale ci riporta nel clima della ‘ronda basca’ 

da cui tutto il brano deriva. Il Concerto fu eseguito per la prima volta da 

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Marguerite Long, che lo presentò nel 1932 alla Sala Pleyel a Parigi riscuotendo 

l’enorme successo che ancora oggi l’accompagna. 

Anche la seconda parte del concerto ruota intorno a Parigi, dove nei primi 

anni del Novecento era esplosa la passione per la musica russa, e dove gli 

impresari avevano cominciato a commissionare lavori originali a compositori 

che incarnavano i nuovi gusti. Tra questi Sergej Diaghilev, fondatore dei Balletts 

Russes, artefi ce della nascita dei più celebri balletti creati in Europa in 

quegli anni, il quale era rimasto impressionato da alcuni lavori di Stravinskij 

e gli aveva chiesto le musiche per le coreografi e di Fokine sulla favola russa 

dell’Uccello di Fuoco. 

Nasce un brano miracoloso dove l’autore, per dare voce a tutte le magie del 

racconto fantastico, sviluppa le possibilità di un’orchestra gigantesca grazie 

alla quale egli può segnare un punto di ‘non ritorno’ nel suo percorso stilistico: 

da un lato infatti Uccello di Fuoco è il punto di arrivo del sinfonismo 

tardo-romantico, che sembra qui chiudere la sua storia, dall’altro è il punto di 

partenza per un nuovo mondo musicale di cui lo stesso Stravinskij sarà interprete 

negli anni immediatamente successivi. 

Il grande successo del lavoro, rappresentato nel 1910 all’Opéra, spinse l’autore 

a trarne tre Suites tra le quali questa, preparata a Los Angeles, la più lunga 

e completa, dove si ripropone tutto lo spirito misterioso, magico e irreale di 

questa fi aba di mondi lontani. 

DONATO RENZETTI 

Dopo aver studiato composizione e direzione d’orchestra a Milano, ha ottenuto riconoscimenti 

in importanti concorsi internazionali: Diapason d’Argento (1975 e 

1976), Gino Marinuzzi e Ottorino Respighi della Chigiana di Siena (1976), Ernest 

Ansermet di Ginevra (1978), Guido Cantelli della Scala di Milano (1980). Da allora 

la sua carriera ha alternato attività sinfonica, opera lirica e registrazioni discografi che. 

Ha collaborato con orchestre prestigiose tra le quali London Philharmonic, London 

Sinfonietta, English Chamber Orchestra e Philharmonia di Londra, Capitole 

de Toulouse, Filarmonica di Tokyo, Filarmonica di Buenos Aires, Orchestra di Stato 

Ungherese e le Orchestre RAI, Accademia Nazionale di Santa Cecilia e Orchestra 

della Scala. È stato invitato nei maggiori teatri lirici del mondo: tra essi Covent Garden 

di Londra, Opéra di Montpellier, Opera di Monaco di Baviera, Colon di Buenos 

Aires, Lyric Opera di Chicago, Opera di San Francisco, Metropolitan e Carnegie 

Hall di New York e in tutti i teatri italiani. È stato ospite dei festival internazionali 

di Glyndebourne, Spoleto e Pesaro. Nel 1987 con i complessi artistici dell’Arena di 

Verona ha tenuto una tournèe in Egitto dove per la prima volta a Luxor è stata rappresentata 

Aida di Verdi. È stato Direttore Principale dell’Orchestra Internazionale 

d’Italia, dell’Orchestra della Toscana e dell’Orchestra stabile di Bergamo e, per nove 

anni consecutivi, di Macerata Opera. Nel 1994 è stato nominato direttore principale

dell’Orchestra Stabile di Bergamo e della Filarmonica Veneta, nonché consulente artistico 

del Teatro Comunale di Treviso. La sua discografi a (per etichette quali Philips, 

Frequence, Fonit Cetra, Ricordi, Nuova Era e Dynamic) comprende opere di Mozart, 

Rossini, Donizetti, Verdi, Pergolesi, Čajkovskij, Schubert, Cherubini e Mayr. 

Manfred di Schumann, con l’Orchestra e il Coro della Scala (voce recitante Carmelo 

Bene), ha vinto il XIX Premio della Critica Italiana del disco. Ha registrato anche 

alcuni DVD tra i quali La fi glia del reggimento alla Scala e Cenerentola al Festival di 

Glyndebourne. Dal 2005 è direttore principale dell’Orchestra Sinfonica Portoghese 

del Teatro S. Carlo di Lisbona. 

ROBERTO COMINATI 

Nato a Napoli nel 1969, ha iniziato giovanissimo lo studio del pianoforte, 

ottenendo già dal 1976 riconoscimenti nei più importanti concorsi pianistici 

italiani. Dal 1984 ha studiato con Aldo Ciccolini all’Accademia Superiore di 

Musica Lorenzo Perosi di Biella e dal 1989 con Franco Scala all’Accademia 

Pianistica Incontri col Maestro di Imola. Vincitore del Concorso Internazionale 

Alfredo Casella di Napoli nel 1991, nel 1993 si è poi defi nitivamente 

imposto all’attenzione della critica e delle maggiori istituzioni concertistiche 

europee vincendo il Concorso Internazionale Ferruccio Busoni di Bolzano. 

Nel 1999 ha ottenuto il Prix Jacques Stehman del pubblico della RTFB e della 

TV5 France, nell’ambito del 

Concours Reine Elisabeth di Bruxelles. È stato ospite delle più importanti 

società concertistiche italiane e di istituzioni quali Teatro alla Scala, Comunale 

di Bologna, Fenice di Venezia, Maggio Musicale Fiorentino, San Carlo di 

Napoli, Accademia di Santa Cecilia di Roma, Orchestra Sinfonica Nazionale 

della Rai (partecipando anche alla tournée in Sudamerica diretta da Eliahu Inbal), 

Accademia Chigiana di Siena e Festival dei Due Mondi di Spoleto, e poi 

in Francia, negli Stati Uniti, al Festival di Salisburgo, a Berlino, in Inghilterra, 

Belgio, Olanda, Finlandia, Australia e Giappone. 

Ha collaborato con molti celebri direttori d’orchestra, fra i quali Rattle, Boreyko, 

Fleisher, Harding, Ahronovitch, Robertson, Lazarev. Ha inciso per 

Amadeus l’integrale pianistica di Ravel. 







è partner dei concorsi musicali internazionali regionali. Attenta alla valorizza- 

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Credits: Luigi Angelucci 

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zione dei compositori marchigiani, ha ideato “Le Marche Parco Europeo della 





Kuhn.

Sabato 16 marzo 2013 ore 21.00 


IGUDESMAN & JOO 

Aleksey Igudesmann violino 

Richard Hyung-Ki Joo pianoforte 

A BIG NIGHTMARE MUSIC 

Musiche di 

W.A . Mozart, S. Rachmaninov, J. Strauss, A. Vivaldi, J.S. Bach, L. van 

Beethoven, E. Morricone 

I 

musicisti Aleksey Igudesman e Hyung-ki Joo hanno travolto il mondo 

con i loro spettacoli che sono un’esilarante miscela di musica classica, 

commedia e cultura popolare. La coppia buca con naturalezza gli schermi 

televisivi dei Paesi più diversi ed è diventata un ‘caso musicale’ per gli 

oltre 15 milioni di contatti dei loro video su YouTube. Nel 2004, sulle tracce 

di maestri come Victor Borge e Dudley Moore, hanno creato la piccola rivoluzione 

chiamata A Little Nightmare Music e da allora, hanno suonato con 

le maggiori orchestre sinfoniche del mondo e in alcuni dei più importanti 

festival. Non solo i grandi nomi della musica classica (Ax, Kremer, Maisky, 

Mullova…) hanno fatto irruzione nei loro pazzi sketch musicali, ma 

anche leggende pop come Robin Gibb (Bee Gees), Midge Ure (Ultravox), 

Simple Minds. Hanno collaborato diverse volte con l’ex-James Bond Roger 

Moore per eventi dell’Unicef e di recente hanno calcato la scena con John 

Malkovich in “Th e Music Critic”. Nel 2010 la televisione pubblica ZDF ha 

trasmesso il loro documentario-show “Tutto quello che avete sempre voluto 

sapere sulla musica classica”. A loro agio tanto in una sala da concerto che in 

uno stadio gremito, Aleksey e Hyung-ki insieme coltivano il sogno di rendere 

la musica classica accessibile a un pubblico sempre più giovane e ampio. 

ALEKSEY IGUDESMAN 

Nato a Leningrado quando era molto piccolo, non ha vinto nessuna gara 

musicale, soprattutto perché non ha mai pensato di gareggiare. Durante gli 

anni di formazione alla prestigiosa Yehudi Menuhin School, Aleksey legge 

le opere complete di Bernard Shaw, Oscar Wilde e Anton Chehov, cosa che 

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non migliora la sua capacità di suonare il violino ma lo fa sentire stupidamente 

superiore ai suoi colleghi, meno intellettualmente dotati ma molto più disciplinati. 

Dopo aver studiato con Boris Kuschnir al Conservatorio di Vienna 

e aver sentito dire tante volte da tante persone che erano tanto preoccupati 

per il suo futuro, Aleksey inizia una carriera di successo come compositore, 

arrangiatore e violinista per il trio d’archi Triology. Registra diversi CD per 

la BMG; lavora a Hollywood con l’Oscar Hans Zimmer, suona con Bobby 

McFerrin, Julian Rachlin, Janine Jansen, Roger Moore e altri musicisti, meno 

famosi ma altrettanto bravi. 

Aleksey Igudesman scrive un sacco di musica. Spesso va a letto scrivendo e si 

alza scrivendo. A volte però si sente un po’ insicuro riguardo alla sua musica, 

anche se è pubblicata dalla Universal Edition, e prova a compensare con un 

comportamento assai estroverso. A dire il vero il suo psicologo gli dice che 

è insicuro su un sacco di cose. Ma Aleksey non ne è poi così sicuro. Aleksey 

Igudesman incontra sui banchi di scuola il suo partner musicale Richard 

Hyung-ki Joo. Dopo alcuni lievi dissapori, che costringono diverse persone a 

intervenire per impedire loro di spaccarsi sulla testa sedie e podi, Joo off re a 

Igudesman un piatto di “fi sh&chips”, off erta che Aleksey non può rifi utare. 

Nasce così una collaborazione pluriennale che culmina nella creazione di A 

Little Nightmare Music, spettacolo che portano in giro per il mondo accompagnati 

da una scia di risate. Dopo averli sentiti diverse volte, a Gidon Kremer 

viene voglia di unirsi al divertimento. E dopo un po’ anche Viktoria Mullova, 

Emanuel Ax, Martin Fröst, Felicity Lott e tanti altri musicisti irrompono sulla 

scena per farsi una risata, ma questa è un’altra storia … 

Aleksey Igudesman suona un violino Santo Seraphin del 1717, per gentile 

concessione della ERSTE BANK. 

HYUNG-KI JOO 

Hyung-ki Joo è nato. È britannico ma sembra coreano, o il contrario, 

o entrambe le cose. Lascia intuire per la prima volta il suo talento per la 

commedia mentre gli cambiano il pannolino. E il suo amore della musica 

poco dopo, quando i genitori lo trovano in un negozio di dischi dove ascolta 

per ore qualsiasi cosa, da Mozart ai Bee Gees. (Sebbene il compositore 

austriaco e il gruppo britannico non andrebbero mai confusi, capita spesso 

di sentire Hyung-ki cantare il “Don Giovanni” con lo stile di Barry Gibb). 

Hyung-ki prende le prime lezioni di pianoforte a otto anni e mezzo. Due 

anni dopo viene accettato alla scuola Yehudi Menuhin. Si ritrova tra genietti 

e bambini-prodigio ed è convinto che prima o poi lo cacceranno a pedate. In 

realtà non viene cacciato ‘fuori’ a calci, ma preso a calci ‘in giro’ per la scuola 

da insegnanti e compagni di studi, incluso Aleksey Igudesman. Dopo questa 

dolorosa esperienza, Joo inventa un nuovo modo di suonare il piano noto

come il Piano Karate. Per quanto diffi cili, gli anni della scuola raff orzano il suo 

amore per la musica. Presto si rende conto che il mondo della musica classica 

ha poco da spartire con lo spirito con il quale quella musica è stata composta. 

Inizia a sognare di poter trovare una strada per portare la grande musica a un 

pubblico diverso e più ampio. Un sogno che è diventato fi nalmente realtà con 

lo spettacolo “A Little Nightmare Music”. Hyung-ki - si scrive R-I-C-H-A- 

R-D e si pronuncia “Dick”- non si butta mai giù (scrivi J-O-O), anche se ha 

piccole mani (ma solo le mani sono piccole), e trova quindi diffi cile eseguire 

alcune parti del repertorio pianistico, come la musica di Rachmaninov, che 

aveva Grandi Mani. Malgrado questo piccolo ostacolo Hyung-Ki suona felicemente 

musica da camera, recital, concerti, le sue composizioni e qualsiasi 

alta cosa che abbia una parte per pianoforte.Oltre a suonare, comporre, ridere 

e lavarsi i denti a pazza velocità - e a scrivere commedie con il suo amico e 

complice di lunga data Aleksey Igudesman - la passione per l’insegnamento 

ha portato Joo a sviluppare un personalissimo seminario intitolato “Th e Inner 

and Outer ***** for a Musician”, che incoraggia i giovani musicisti ad aff rontare 

la vita e la musica con un approccio diverso. 

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Domenica 24 marzo 2013 ore 18.00 

I SOLISTI DI PERUGIA 

JIN JU pianoforte 

Concerto realizzato con il contributo di Carifano 

Benjamin Britten (1913 - 1976) 

Simple Symphony op.4 

Boisterous Bourée 

Playful Pizzicato 

Sentimental Saraband 

Frolicsome Finale 

Bela Bartók (1881-1945) 

Divertimento per orchestra d’archi 

Allegro non troppo 

Molto adagio 

Allegro assai 

Fryderyk Chopin (1810-1849) 

Concerto n. 1 in mi minore per pianoforte e orchestra op. 11 

Allegro maestoso 

Romanza 

Rondò 

L’amore verso il passato, utilizzato tuttavia in due modi e per due ragioni 

diff erenti caratterizza le due composizioni novecentesche della 

prima parte del concerto. 

Amore e ammirazione verso la lezione musicale rinascimentale e barocca (gli 

stessi che muovono Britten a istituire festival di musica antica), ma anche 

serenità e facilità mediata dall’ironia e dall’abilità costruttiva sono caratteristiche 

della Simple Symphony, abbozzata attorno alla metà degli anni Trenta. 

Scritta a poco più di vent’anni, essa utilizza temi abbozzati già nell’adolescenza, 

(da qui il titolo del brano e quelli, fantasiosi, dei singoli movimenti) 

ma mostra già perfettamente le caratteristiche dello stile di Britten, e in 

particolare l’eclettismo che mescola gli infl ussi più disparati, dal mondo antico 

fi no alle più moderne esperienze, il tutto grazie al recupero della forma 

della suite, nella quale però ogni movimento di danza viene ‘arricchito’ da 

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un aggettivo che ne sottolinea la fresca immediatezza e lo spirito giocoso. 

Sono ben altre, invece, le motivazioni per le quali Bartók recupera l’antica 

forma del ‘divertimento’ per archi: nel 1936 Paul Sacher, direttore di Basliea 

specializzato nella musica contemporanea, aveva richiesto all’autore un brano 

per la sua orchestra d’archi ed egli, in un terribile momento della sua vita, 

nel quale si apprestava a lasciare per sempre l’Europa, compone questa pagina 

modellata sulla forma e nello spirito degli antichi divertimenti preclassici 

dove, attraverso la fuga nel passato cerca la serenità e anziché esprimere nella 

musica la sua disperazione sembra volersene per un attimo distaccare. 

Perfettamente collocato nel suo tempo è invece il Concerto n. 1 di Chopin 

che nel 1830, nel pieno della carriera di concertista, compone questo brano 

solisticamente appariscente dove anziché proseguire sulla strada beethoveniana 

dell’integrazione tra pianoforte e orchestra, fa della tastiera la protagonista 

assoluta trasformando l’orchestra in una ‘spalla’ che cita i temi e sottolinea i 

cambi d’armonia. Se nel primo tempo Chopin aggira la rigida struttura della 

tradizione con una scrittura pianistica continuamente ornata e variata, nell’affascinante 

secondo sembra quasi scrivere per il pianoforte un’aria di belcanto 

mentre nell’ultimo costruisce un brillante ed appariscente Rondò che si rifà 

direttamente a quei temi ‘alla polacca’ (in questo caso un Krakowiak), che 

godevano di grandissimo favore presso gli ascoltatori. 

JIN JU 

Da quando, nel 2002, ha vinto il 3°Premio al Concorso Pianistico Internazionale 

Cajkovskij di Mosca, Jin Ju ha suscitato grandi consensi di pubblico e di 

critica (Twa Jackson ha scritto nel 2005 sul “Th e UKMetro” che Jin Ju è tra i 

più emozionanti giovani pianisti della scena concertistica internazionale). Prima 

e dopo si è comunque aff ermata in altre importanti competizioni: tra esse ricordiamo 

il Concorso Internazionale Rumeno di Bucarest e il China National Piano 

Competition (1996); l’UNISA International Piano Competition e il primo 

Concorso Pianistico Internazionale Th eodor Leschetizky (2000); il Beethoven 

Society Competition di Londra (2001), il Cajkovskij di Mosca (2002) e il Concorso 

Reine Elisabeth di Bruxelles (2003). Ha suonato nei cinque continenti in 

prestigiose sale da concerto come la Konzerthaus di Berlino e quella di Vienna, 

la Bridgewater Hall di Manchester, la Sala Grande del Conservatorio di Mosca 

e il Palais de Beaux Arts di Bruxelles e ha collaborato con varie orchestre fra cui 

la BBC Orchestra, la Belgian National Orchestra, l’Orchestra Philarmonique 

de Liege (Belgio). Dal 2010 ha un contratto di esclusiva con l’etichetta tedesca 

MDG: il primo CD dedicato a Schumann ha ricevuto importanti recensioni 

dalla critica internazionale, il secondo dedicato a Beethoven, Schubert e Czerny 

è già stato defi nito “una delle migliori incisioni se quest’anno”e ha ottenuto il 

premio per la registrazione solistica di autori dell’Ottocento.

I SOLISTI DI PERUGIA 

Dalla loro formazione, nel 2000, i Solisti di Perugia si sono caratterizzati per 

un repertorio che spazia dal Barocco fi no ad oggi. In cartellone per le più importanti 

società concertistiche italiane, il gruppo ha partecipato ad importanti 

festival in Italia e all’estero: Serate Musicali di Milano, Emilia-Romagna Festival 

Le Nuits de Suquet di Cannes, Scarlatti di Napoli, Sagra musicale Umbra, 

Festival delle Nazioni, Festival dei 2Mondi) collaborando con artisti come 

Amoyal, Canino, Dindo, Gasdia, Leister, Lethiec, ecc. Da qualche tempo il 

gruppo si confronta anche con la musica jazz collaborando a vari pogetti, tra 

i quali ricordiamo Omaggio a Charlie Parker con Francesco Cafi so, Italian 

lessons con Stefano Bollani, Tributo a Piazzolla con Juan Pablo Jofre, Puccini 

Jazz con Riccardo Arrighini e Nat King Cole Tribute con George Benson 

tutti per Umbria Jazz. La loro discografi a vanta oltre una ventina di titoli, per 

Camerata Tokyo, LaMaggiore, Umbria Jazz, Tactus sia in collaborazione con 

importanti solisti che con musicisti dell’ensemble stesso impegnati in ruoli 

solistici. Tra tutte ricordiamo il repertorio strumentale degli operisti italiani e 

Der tod und das Madchen di Schubert. 

Credits: Luigi Angelucci 

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Venerdì 5 aprile 2013 ore 19.00 

Concerto in Jeans 

MOUNTAIN MEN 

HOPE 

Mathieu Guillou chitarra 

Ian Giddey armonica 

Mathieu Guillou è un chitarrista francese, Ian Giddey un armonicista 

australiano. Insieme formano i Mountain Men, duo di base a 

Grenoble, dedito al blues. 

Al blues dei primordi, recuperando di questa musica il carattere rurale ed 

essenziale delle origini. 

“Spring time coming” del 2009 (15.000 copie vendute solo in Francia, e 

vendere di più di 15.000 album al giorno d’oggi è già uno spettacolo, ma 

quando non si è supportati dai media è davvero una conquista) è ad oggi 

il loro unico album, un album che ha loro procurato una nomination agli 

Awards della Blues foundation of Memphis e, soprattutto li ha fatti conoscere 

ed esibire in tutto il mondo, dagli USA alla Turchia, dal Canada alla 

Croazia, dalla Svezia al Burkina Faso, frequentando manifestazioni come il 

Festiblues di Montréal, Nancy Jazz Pulsations, o l’International Blues Challenge 

di Memphis, raccogliendo ovunque un successo straordinario sia – e 

questo è assolutamente scontato – da parte del grande pubblico che da parte 

dei più rigorosi ‘puristi’. 

Questo primo album ha imposto il loro stile asciutto e senza compromessi, 

basato sul suono graffi ante dell’armonica, sugli intricati arpeggi della chitarra 

e sull’emozione della voce. Ma con il recente, secondo lavoro “Hope”, i 

due hanno ampliato il loro spettro musicale: migliorate ulteriormente composizione 

ed esecuzione, pur mantenendo ben salde le fondamenta della 

loro musica nel blues delle origini, ora sfi orano i territori del rock e del 

pop, arrivando anche ad affi ancarsi ad un quartetto d’archi per ampliare la 

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gamma di colori e suggestioni che le loro canzoni, e in particolare quelle più 

romantiche, possono off rire. 

E in “Imidouane” il duo incontra il musicista del Burkina Faso Victor Demè 

per un incredibile viaggio verso nuove frontiere. 

Credits: Damien Luáon

Domenica 7 aprile 2013 ore 18.00 

QUARTETTO DI VENEZIA 

Andrea Vio violino 

Alberto Battiston violino 

Giancarlo di Vacri viola 

Angelo Zanin violoncello 

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) 

Quartetto in si bemolle maggiore K. 458 “La caccia” 

Allegro assai vivace 

Menuetto (Moderato) 

Adagio 

Allegro assai 

Paolo Marzocchi (1971) 

Il reticolo di Bravais 

Franz Schubert (1797 - 1828) 

Quartetto n. 14 in re minore D. 810 “La morte e la fanciulla” 

Allegro 


Scherzo (Allegro molto) 

Presto 

Tra Sette e Ottocento, con gli ultimi capolavori di Haydn e con quelli 

che Mozart presenta come suoi fi gli all’ “uomo celebre e carissimo”, 

il quartetto raggiunge la sua sistemazione e la connotazione defi nitiva. 

Sono infatti i quartetti di Haydn che spingono Mozart a tornare al 

genere dopo quasi dieci anni con sei brani (tra cui il K. 458, il cui sottotitolo 

è dovuto all’incipit iniziale) pubblicati a Vienna nel 1785 e accolti 

non troppo benevolmente dalla critica, abituata a tutt’altro stile. “Ci sono 

troppe belle cose in questi Quartetti, troppe perché l’ascoltatore possa respirare 

liberamente. Troppo piccanti. Quale palazzo potrebbe sopportarli? 

L’autore ha una eccessiva e accentuata inclinazione per il raro e l’inconsueto” 

scrive la critica, ancora abituata a un quartetto basato sulla piacevolezza e 

sulla semplicità. Ma Mozart aveva cambiato le prospettive, costruendo un 

intreccio di quattro parti collocate sullo stesso piano al fi ne di rappresentare 

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un pensiero astratto ed esteticamente elevato e facendone un campo di sperimentazione 

con potenzialità che sarebbero state pienamente sfruttate nei 

grandi capolavori di Beethoven. E mentre a Vienna, negli anni Venti, proprio 

Beethoven costruisce i suoi ultimi, trascendentali esempi nel genere, Schubert 

percorre una strada diversa trasformando il genere, divenuto da concerto, in 

una composizione lirico-intimistica, sostenuta sempre da una base costruttiva 

solida ma abilmente mascherata. In questo quadro si colloca il Quartetto 

D. 810 “La morte e la fanciulla”, del 1824 ma pubblicato solo nel 1831 da 

C. Czerny. Come in altri casi la composizione è una germinazione da un 

Lied con lo stesso titolo, il cui tema viene utilizzato per le variazioni centrali 

ma anche come ‘programma’ sinistro, contribuendo all’angoscia incombente 

che aleggia sull’intero lavoro, grazie alla scansione ritmica dattilico-spondaica 

(una lunga, due brevi / due lunghe) che è cellula base del primo tempo e, trasformata 

nello Scherzo, diventa come detto tema per le Variazioni e impulso 

parossistico nel fi nale, defi nito da alcuni una ‘Tarantella della morte’. 

Quasi a ricongiungere questi due mondi musicali così lontani e così vicini sta 

Reticolo di Bravais ispirato al principio geometrico (una struttura elementare 

denominata ‘cella primitiva’ determina lo sviluppo d’ogni sistema cristallino) 

escogitato nel 1845 dal cristallografo Auguste Bravais. Il brano, presentato in 

prima assoluta nel maggio 2011, realizzato musicalmente questo principio di 

reticoli con un canone a quattro voci attraverso il quale tutto pezzo consegue 

un suo interno equilibrio. 

QUARTETTO DI VENEZIA 

Rigore analitico e passione sono i caratteri distintivi del Quartetto di Venezia, 

ereditati da due scuole fondamentali dell’interpretazione quartettistica: quella 

del Quartetto Italiano sotto la guida di Piero Farulli e quella mitteleuropea 

del Quartetto Vegh, tramite i numerosi incontri avuti con Sandor Vegh e Paul 

Szabo. Della loro vocazione ai vertici più ardui del camerismo è testimone 

Bruno Giuranna che aff erma: “È un complesso che spicca con risalto nel pur 

vario e vasto panorama musicale europeo. La perfetta padronanza tecnica e la 

forza delle interpretazioni, caratterizzate dalla spinta verso un valore assoluto 

propria dei veri interpreti, lo pongono ai vertici della categoria e fra i pochissimi 

degni di coprire il ruolo dei grandi Quartetti del passato”. Sfogliando il 

volume delle testimonianze critiche, l’elogio più bello sembra quello formulato 

sul “Los Angeles Times” da Daniel Cariaga:”questo quartetto è più che 

aff ascinante,è sincero e concreto”. 

Il Quartetto di Venezia ha suonato nelle sale più importanti e per i maggiori 

festival internazionali in Italia e nel mondo: tra questi National Gallery a Washington, 

Palazzo delle Nazioni Unite a New York, Sala Unesco a Parigi, IUC 

a Roma, Serate Musicali di Milano, Kissinger Sommer, Klangbogen Vienna,

Palau de la Musica Barcellona, Tivoli Copenhagen, Societè Philharmonique 

a Bruxelles. È reduce da una lunga tournée in Sud America per il CIDIM 

che ha compreso Argentina, Brasile e Uruguay e ha avuto l’onore di suonare 

per Sua Santità Papa Giovanni Paolo II e per il Presidente della Repubblica 

Italiana. 

Il repertorio del complesso include, oltre a tutte le opere più celebri, lavori 

raramente eseguiti come i quartetti di Malipiero (premio della critica italiana 

come migliore incisione cameristica). La vasta produzione discografi ca 

include CD per Dynamic, Fonit Cetra, Unicef, Aura, Koch e recentissima è 

l’integrale dei quartetti di Cherubini per la DECCA. Numerose sono le registrazioni 

radiofoniche e televisive per emittenti nazionali in Europa, USA ed 

Estremo Oriente. 

L’ensemble collabora anche con artisti di fama mondiale tra i quali Bruno 

Giuranna, Quartetto Borodin, Quartetto Prazak, Piero Farulli, Paul Szabo, 

Oscar Ghiglia, Danilo Rossi, Dieter Flury, Pietro De Maria, Alberto Nosè. 

In occasione del venticinquesimo anniversario, il Quartetto di Venezia ha ottenuto 

l’alto riconoscimento del Presidente della Repubblica Giorgio Napolitano 

e nel 2013 festeggerà i primi 30 anni di attività artistica. Dall’agosto 

2010 Giancarlo di Vacri è la nuova viola del quartetto e sostituisce, dopo più 

di 25 anni di attività, Luca Morassutti. 

61

Domenica 21 Aprile 2013 ore 18.00 

FRANCESCA DEGO violino 

FRANCESCA LEONARDI pianoforte 

Claude Debussy (1862-1918) 

Sonata per violino e pianoforte 

Allegro vivo 

Intermède (Fantasque et léger) 

Finale (Très animé) 

Francis Poulenc (1899-1963) 

Sonata per violino e pianoforte 

Allegro con fuoco 

Intermède (Très lent et calm) 

Presto tragico 

Ludwig van Beethoven (1770-1827) 

Sonata op. 47 in la maggiore per violino e pianoforte “À Kreutzer” 

Adagio sostenuto - Presto 

Andante con variazioni 

Presto 

Il concerto compie un viaggio all’indietro e da due tra le più interessanti 

sonate del Novecento arriva dove la storia di questo duo è, in fondo, cominciata. 

Ad inizio Ottocento la sonata di moda era quella dove il violino 

era subordinato al pianoforte, e il suo ambito era quello dei salotti di cultura 

e non delle sale da concerto. Ma nel 1805 Beethoven appone alla Kreutzer 

questa dedica: “Sonata per pianoforte e violino obbligato, scritta in stile molto 

concertante, quasi come un concerto, composta e dedicata al suo amico 

R. Kreutzer da L. B., op. 47… La Sonata è scritta per un violinista valente”. 

Destinata “ad un violinista valente” (non a uno dei dilettanti che si trastullavano 

nei salotti) questa sonata costituisce quindi il punto di partenza per la 

nuova vita di questo storico ensemble, tale da divenire modello per tutti coloro 

che, nel Romanticismo in poi, avrebbero voluto dedicarsi al genere. Fino 

al Novecento, quando la ricerca stilistica porterà i compositori ad esplorare 

nuovi territori oppure a rivisitare il passato preclassico. È questo il caso della 

Sonata di Debussy (presentata 5 maggio 1917 a Parigi nell’ultima apparizione 

pubblica dell’autore), punto di arrivo di un compositore che qui associa la 

63

64 

sua ricerca sonora ad una nuova linearità di scrittura. “Ho scritto questa sonata 

solo per potermene sbarazzare: vi troverete le tracce di questo Demone della 

Perversità che ci spinge a cercare le idee che bisognerebbe abbandonare. È un 

interessante esempio di come si può scrivere in tempo di guerra”, scrive Debussy 

all’amico Godet che rispose: “In essa si trova tutto il tuo linguaggio, ma amichevolmente, 

con accenti semplici e diretti che rivelano la buona volontà di parlare 

con i propri fratelli qualunque sia la loro età. È una musica molto opportuna in 

un epoca in cui tutto chiama all’azione.”. Passano 25 anni, e nel 1942, in un clima 

storico e culturale mutato, anche Poulenc compone la sua Sonata, dedicata 

alla memoria di Federico Garcia Lorca; ed è lo stesso autore a parlarcene: “Trovo 

questa mia composizione non troppo malvagia: essa dimentica completamente 

l’onnipresente ed ‘eterna’ linea di violino-melodia tipica delle sonate francesi 

dell’Ottocento. Non si può ottenere un buon equilibrio sonoro tra i due strumenti 

così diversi se non li si tratta in maniera equilibrata, alla pari. Il violino 

‘prima donna’ che domina sopra gli arpeggi del pianoforte è terribile.” Così, in 

base a questi principi di equilibrio e moderazione Poulenc ci lascia questo piccolo 

gioiello, ulteriore esempio delle infi nite possibilità di questo ensemble così 

antico e così moderno. 

FRANCESCA DEGO 

Nata a Lecco e diplomata con lode e menzione speciale a Milano, si è già 

esibita da solista e in formazioni cameristiche in numerosi concerti sia in 

Italia che all’estero (Stati Uniti, Cina, Messico, Argentina, Uruguay, Israele, 

Inghilterra, Irlanda, Germania, Svizzera). Vincitrice di numerosi concorsi 

nazionali e internazionali, nel 2008 è stata la prima violinista italiana ad 

entrare in fi nale al Premio Paganini di Genova dal 1961 aggiudicandosi 

inoltre il premio speciale “Enrico Costa” riservato al più giovane fi nalista. 

Ha suonato da solista con importanti orchestre (Sinfonica di Milano, 

Orchestra di Sofi a, Arturo Toscanini, I Solisti di Rostov, Israel Sinfonietta 

ecc.) ed è molto attiva anche in ambito cameristico con grandi musicisti 

quali Accardo, Giuranna, Filippini, Petracchi e Meneses. Con Giuranna e 

Meneses ha inoltre recentemente partecipato a una tournée in Sud America 

suonando in sale prestigiose tra cui il Teatro Solis di Montevideo e il 

Teatro Coliseo di Buenos Aires. I suoi due CD, pubblicati nel 2005 e nel 

2006 dalla Sipario Dischi, hanno incontrato subito il favore della critica. 

Estratti di suoi concerti e registrazioni sono stati trasmessi in programmi televisivi 

in Italia, Germania, Stati Uniti e Israele, su RAI 3, Radio Classica, 

Radio Popolare e alla Radio della Svizzera Italiana. 

Nei prossimi mesi sarà impegnata in concerti e tournée in Italia, USA, Argentina, 

Perù, Libano, Austria, Belgio, Francia, Israele, Svizzera e Gran Bretagna. 

Francesca suona un prezioso violino Francesco Ruggeri (Cremona 1697) e il

Giuseppe Guarneri del Gesu’ ex-Ricci (Cremona 1734) per gentile concessione 

della “Florian Leonhard Fine Violins” di Londra. 

FRANCESCA LEONARDI 

Diplomata al Conservatorio di Milano con il massimo dei voti, lode e menzione 

d’onore, ha studiato composizione e si è diplomata in musica vocale 

da camera. Ha partecipato a master class e corsi di perfezionamento in Italia 

(Siena, Pescara) e a Londra (Master in Performance e Artist Diploma in Piano 

Accompaniment) e nel settembre 2011 le è stata assegnata dal Royal College 

of Music la borsa di studio Phoebe Benham come pianista accompagnatrice 

(Junior Fellow in Piano Accompaniment. Ha vinto concorsi pianistici nazionali 

ed internazionali, si è esibita come solista con diverse orchestre e ha tenuto 

recital in Italia, Europa e Giappone e inciso CD con Debussy e Chopin. 

È stata ospite di programmi radiofonici e ha tenuto recital in Italia (Ravello 

Festival, Amici della Musica di Padova e di Palermo, Unione Musicale di 

Torino), a Lugano e al Britten Th eatre di Londra. È stata di recente in tournée 

in Giappone (Hiroshima, Kyoto e Tokyo) dove è stata inoltre invitata a tenere 

una masterclass, e ha debuttato negli Stati Uniti (California) e in Sud America. 

Intensa è anche l’attività in ambito cameristico: collabora con strumentisti e 

cantanti e, con Francesca Dego, ha inciso tre CD (tra cui la prima incisione 

assoluta della musica per violino e pianoforte di Nicola Campogrande) accolti 

favorevolmente dalla critica. È docente di pianoforte presso la Trinity School 

di Londra. 

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Domenica 28 aprile 2013 ore 18.00 


FEDERICO MONDELCI direttore e sassofono solista 

GIUSEPPE ALBANESE pianoforte 

BLUE RHAPSODY 

Michael Nyman (1944) 

Where the Bee Dances per sassofono e orchestra 

Darius Milhaud (1892-1974) 

La Creation du Monde op. 81a 

Ouverture 

Le chaos avant la création 

La naissance de la fl ore et de la faune 

La naissance de l’homme et de la femme 

Le désir 

Le printemps ou l’apaisement 

George Gershwin (1898-1937) 

Rhapsody in Blue per pianoforte e orchestra 

Il viaggio nel Novecento proposto dal programma mette insieme un francese 

che scrive un balletto ‘primitivo’ nel quale utilizza i modelli della 

musica nera, un inglese che si serve della ‘mimal music’ per trasformare 

la danza delle api in un concerto per sax e un americano che mescola il jazz 

con la musica da concerto: tutto per far crollare in uno strepitoso gioco di 

specchi e di rimandi le barriere costruite tra generi musicali diff erenti. 

Si parte dalla Francia, perché francesi sono Milhaud e il luogo della ‘prima’ 

di Création du monde, proposta dai Balletti Svedesi a Parigi nel 1923. 

Tuttavia l’autore, reduce da un soggiorno al di là dell’Atlantico, utilizza in 

modo consapevole e programmatico i ritmi e melodie jazz e blues per abbattere 

l’eleganza della ‘musica colta’ e il perbenismo di ‘certi’ ascoltatori 

e, con un’orchestra “come quelle di Harlem”, descrive i diversi momenti 

della trama, dal caos iniziale all’apparizione di piante ed animali, dall’arrivo 

dell’uomo alla danza orgiastica fi no alla conclusione quasi sospesa. 

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Da Parigi a Londra, dal blues al minimalismo per Where the Bee Dances, una 

sorta di concerto per sassofono, in un solo movimento ma di straordinaria 

mutevolezza, che Nyman dedica all’abilità di John Harle, uno dei componenti 

della sua band. Il brano non manca di un originario intento descrittivo (il 

titolo fa riferimento al canto di Ariel nella Tempesta di Shakespeare “Where 

the bee sueks” e alla danza circolare delle api per indicare il luogo del nettare) 

che ne determina, anche aiutato dalla tecnica minimalistica, la struttura basata 

su una successione di quattro accordi. 

Infi ne, torniamo negli Stati Uniti, con una delle pagine più celebri di uno dei 

più celebri compositori americani, Gershwin, che, raggiunta la notorietà con le 

canzoni, utilizzò quel linguaggio in lavori di più ampio respiro come Rhapsody in 

blue, portando il jazz dalle sale da ballo alle sale da concerto. Anche in questo caso 

il brano ha una motivazione esterna: l’impresario Paul Withemann aveva infatti 

organizzato a New York “an experiment in modern music” per trasformare il jazz 

da musica di sottofondo a musica ‘da ascoltare’. Chiese al compositore un brano 

in stile jazz ma fatto come un brano classico, dove cioè l’orchestra eseguisse le note 

scritte senza improvvisare, ed egli preparò questa pagina col pianoforte ‘concertante’ 

la cui struttura, dopo l’iniziale celeberrimo glissato del clarinetto, procede 

per blocchi nell’alternanza di passi solistici e sezioni nelle quali la piena sonorità 

dell’orchestra ci avvolge in un caleidoscopio di colori e di ritmi vorticosi. 

FEDERICO MONDELCI 

Solista, camerista, direttore d’orchestra, docente e organizzatore, Federico 

Mondelci è da oltre trent’anni uno dei più apprezzati interpreti della scena 

internazionale. 

La sua carriera, iniziata dopo gli studi a Pesaro e a Bordeaux, lo ha portato 

anche a fi anco di prestigiose orchestre (Scala, Filarmonica di San Pietroburgo, 

BBC Philharmonic ecc.) in tutto il mondo, dove propone sia le pagine ‘storiche’ 

per il suo strumento che il repertorio contemporaneo, ambito nel quale 

esegue brani spesso a lui dedicati, di grandi autori del Novecento (da Nono a 

Kancheli, da Glass a Sciarrino, da Gentilucci a Fitkin). 

Fondatore dell’Italian Saxophone Quartet e dell’Italian Saxophone Orchestra, 

coi quali gira il mondo da oltre vent’anni, ha registrato per Delos, Chandos, 

RCA e INA i più importanti brani solistici, con orchestra e per ensemble. 

Sempre più rilevante è l’attività di direttore con orchestre e solisti di fama 

mondiale: tra i numerosi impegni per le prossime Stagioni ricordiamo, in 

Italia, il Festival delle Dolomiti e il Festival delle Nazioni e gli appuntamenti 

con le orchestre Toscanini, Tito Schipa, Sinfonica Siciliana e di Sanremo e 

all’estero, quelli con la Bangkok Symphony, la National Symphony Orchestra 

of Georgia e la Sinfonica di San Pietroburgo, dove è dal 2009 ospite regolare 

nella stagione diretta da Yuri Temirkanov.

GIUSEPPE ALBANESE 

Diplomato nel 1996 col massimo dei voti, la lode e la menzione d’onore presso 

il Conservatorio di Pesaro e nel 2003 diploma master all’Accademia Pianistica 

Internazionale di Imola, ha ottenuto prestigiosi riconoscimenti in concorsi 

internazionali (Premio Venezia, Busoni, Vendome). Unico pianista italiano 

della sua generazione ad essere invitato a suonare già in ben dieci Fondazioni 

Liriche italiane (Petruzzelli di Bari, Comunale di Bologna, Maggio Musicale 

Fiorentino, Carlo Felice di Genova, San Carlo di Napoli, Massimo di Palermo, 

Opera di Roma, Verdi di Trieste, Fenice di Venezia, Arena di Verona) ha 

suonato anche nelle sale più importanti del mondo (tra cui Konzerthaus di 

Berlino, Gulbenkian di Lisbona, St.-Martin-in-the-Fields e Steinway Hall di 

Londra, Metropolitan Museum e Rockefeller University di New York, Salle 

Cortot di Parigi, Mozarteum di Salisburgo) sia in recitals sia con direttori 

quali Conlon, Jurowski, Lombard, Pehlivanian, Soudant, Steinberg, Tabachnik, 

Tate, Valcuha, Webb. Di particolare rilievo i recenti inviti dell’Accademia 

di S.Cecilia, della RAI di Torino, del Festival MITO - SettembreMusica, di 

Yuri Temirkanov al Winter Arts Square Festival di San Pietroburgo, del Teatro 

Real di Madrid, dell’ Operahouse di San Francisco. 

Numerose le registrazioni discografi che con Schubert, Chopin, Schumann, 

Skrjabin, Szymanowski, MacDowell e Bartók. Singolare successo ha riscos- 

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so il CD monografi co con musiche di Debussy pubblicato a gennaio 2012 per 

il mensile Amadeus in occasione dell’anniversario dei 150 anni della nascita 

del compositore francese. Laureato con lode in Filosofi a, è stato docente di 

Metodologia della Comunicazione Musicale presso la Facoltà di Scienze della 

Formazione dell’Università degli Studi di Messina e, attualmente, è docente 

di pianoforte al Conservatorio di Pesaro. 







è partner dei concorsi musicali internazionali regionali. Attenta alla valorizzazione 

dei compositori marchigiani, ha ideato “Le Marche Parco Europeo della 





Kuhn.

Data da defi nire * Concerto straordinario fuori abbonamento 

KRYSTIAN ZIMERMAN pianoforte 

Auditorium Pedrotti, per espresso desiderio del Maestro 

PROGRAMMA DA DEFINIRE 

È 

un’occasione unica per ascoltare uno dei più grandi interpreti del 

mondo in un concerto nel quale la sua ricerca timbrica, la sua cultura 

musicale e la sua ineff abile bravura di artista trovano meravigliosa 

realizzazione. 

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Venerdì 24 maggio 2013 ore 21.00 ** Concerto fuori abbonamento 

GAZZÈ / MARCOTULLI / GATTO 

OVER TOUR 

Un viaggio di pura musica oltre i confi ni del pop e del jazz 

Concerto in collaborazione con 

Fano Jazz Network 

Concerto inserito in Jazz’in provincia 

Questo progetto nasce dalla curiosità reciproca di tre artisti di sperimentarsi 

in un concerto dove si abbattono i confi ni della musica, 

dove la contaminazione tra il pop e le sonorità jazz si fondono fi no 

a trovare un terreno comune. I brani più famosi di Max Gazzè diventano 

un motivo e un pretesto su cui improvvisare, standard jazz che appartengono 

all’immaginario collettivo vengono reinterpretati dalla voce di Gazzè, 

dal pianismo libero di Rita Marcotulli e dall’energica batteria di Roberto 

Gatto. Brani strumentali composti dalla stessa Marcotulli e Roberto Gatto 

completano un programma inedito e accattivante, dove il rock diluito nel 

jazz ancora una volta ci ricorda che la musica non esige barriere e può fl uire 

libera senza confi ni. 

MAX GAZZÈ 

Romano, dopo gli studi a Bruxelles, dove suona come professionista in vari 

gruppi, al rientro in Italia si dedica alla sperimentazione e alla composizione 

di colonne sonore. Dopo il primo CD (1996) Contro un’onda del mare 

(presentato nel tour di Franco Battiato) e il secondo album, La favola di 

Adamo ed Eva (1998) la sua popolarità si estende grazie alla partecipazione 

nel 1998 al Premio Tenco e, nel 1999, al Festival di Sanremo, dove presenta 

Una musica può fare. Del 2000 è il terzo album (Gadzilla) e nel 2001 

il quarto, Ognuno fa quello che gli pare, con grande varietà di soluzioni 

sonore e numerose collaborazioni: Paola Turci, Carmen Consoli, Francesco 

Magnelli dei CSI, Stephan Eicher. Tra 2001 e 2003 intensa è l’attività live 

(nei teatri, nei maggiori festival italiani e nei club) e dopo l’uscita di altri 

album ritorna ai tour live anche con progetti da solista. Nel 2008, Max Gaz- 

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zè torna al Festival di Sanremo con Il solito sesso cui fa seguito l’album Tra 

l’aratro e la radio e nell’ultimo anno ha presentato il suo album Quindi? in un 

tour proposto in numerosi teatri italiani. La curiosità verso linguaggi nuovi 

lo ha portato a vincere il Premio David di Donatello per la miglior canzone 

originale con Mentre dormi, inserito nella colonna sonora del fi lm campione 

d’incassi Basilicata Coast to Coast, produzione cinematografi ca di Rocco Papaleo, 

che ha visto il debutto di Max nei panni dell’attore. 

RITA MARCOTULLI 

Dopo gli studi al Conservatorio di Roma attorno ai vent’anni si avvicina alla 

musica brasiliana per poi approdare al jazz. Dai primi anni ’80 è presente sulla 

scena dei locali di jazz romani dove i giovani musicisti italiani si potevano 

esibire al fi anco di grandi stranieri di passaggio. Rita suona così con musicisti 

quali Chet Baker, Steve Grossman, Joe Lovano, Charlie Mariano, Tony 

Oxley, Michel Portal, Richard Galliano, Enrico Rava, Michel Benita, Kenny 

Wheeler, Bob Moses, Andy Sheppard. Votata come Miglior nuovo talento 

italiano dell’anno nel referendum della rivista Musica Jazz, l’anno seguente 

viene chiamata da Billy Cobham e da quel momento alterna propri progetti 

nel jazz (ad esempio con la cantante Maria Pia De Vito) a collaborazioni nella 

canzone (con Pino Daniele e Pat Metheny). La sua vasta discografi a comprende, 

tra l’altro, l’incisione in duo con Andy Sheppard (On Th e Edge Of A 

Perfect Moment), il piano solo Th e Light Side Of Th e Moon e il trio con Palle 

Danielsson e Peter Erskine. Nel 2008 ha pubblicato per Jazz Italiano Live, 

Us and them, Noi e Loro, omaggio ai Pink Floyd con Raiz, Fausto Mesolella 

cui è seguito un tour di grande successo. Nel 2011 ha pubblicato Variazioni 

sul Tema (S’ardmusic) con Luciano Biondini e Javier Girotto. Ha composto 

la colonna sonora del fi lm Basilicata Coast to Coast di Rocco Papaleo con la 

quale ha vinto, per la miglior colonna sonora, il Ciak d’Oro (2010), il premio 

della stampa cinematografi ca, il Nastro d’Argento (2011) e il David di 

Donatello. 

Rita Marcotulli collabora con scrittori, attori ed attrici tra cui Stefano Benni, 

Alessandro Benvenuti, Chiara Caselli, Lella Costa e Franca Valeri. Nel gennaio 

2012 ha vinto il Top Jazz, il più importante premio nel mondo del jazz 

italiano promosso dalla rivista Musica Jazz come Miglior Artista 2011. 

ROBERTO GATTO 

Roberto Gatto è un ‘esploratore’, che ha trasformato il suo strumento in una 

macchina in grado di muoversi nel tempo e nello spazio. Partendo dalla batteria, 

dal ritmo, dal battito, è riuscito a superare le gabbie di generi e stili, ha 

scritto, raccontato, sperimentato, visto, vissuto la musica in prima persona.

Dopo il jazz, ha scoperto poi tutta la musica, quella più raffi nata e intransigente, 

quella più leggera e cantabile e non ha avuto timore di mescolare 

le sue bacchette e la sua testa pensante a quella di molti musicisti e molto 

diversi tra loro tra i quali ricordiamo solo qualche nome: Bob Berg, Steve 

Lacy, Johnny Griffi n, George Coleman, Phil Woods, James Moody, Barney 

Wilen, Ronnie Cuber, Tony Scott, Paul Jeff rey, Joe Lovano, Curtis Fuller, 

Albert Mangelsdorff , Cedar Walton, Tommy Flanagan, Kenny Kirkland, Ben 

Sidran, Enrico Pieranunzi, Franco D’Andrea, John Scofi eld, Billy Cobham, 

Didier Lockwood, Richard Galliano, Joe Zawinul, Bireli Lagrene, Pat Metheny. 

Roberto Gatto è allo stesso tempo sideman e bandleader, sa insegnare e 

ascoltare, non si confonde con quelli che trasformano la musica in circo, ma 

allo stesso tempo sa divertire e divertirsi con grande entusiasmo. Celebrare la 

sua arte e il suo ingegno, raccontare, attraverso la musica la sua storia. 

75

Ente Concerti di Pesaro 

Anno di costituzione 1961 

Consiglio Direttivo 

Presidente 

Guidumberto Chiocci 

Direttore artistico 

Federico Mondelci 

Vicepresidente 

Marta Mancini 

Consiglieri 

Maria Luisa Biscuola 

Gilberto Calcagnini 

Bruno Consani 

Gigliola Gori 

Fulvio La Rosa 

Marina Salvi 

Segreteria 

Debora Gentiletti 

Uffi cio Stampa 

Elisa Delsignore 

Note ai programmi 

Maria Chiara Mazzi 

Comunicazione 

Leonardo Cemak 

Foto 

Luigi Angelucci 

Sito web: Angelucci Consulting 

Soci Ente Concerti 

Agostinelli Federico 

Albanesi Angela 

Albertoni Luigi 

Alessandrini Bruno 

Alessandroni Mirella 

Alessandroni Stefania 

Angelini Flavio 

Anselmi Alberto 

Anselmi Patrizia 

Antelmy Erica 

Arduini Germana 

Arghittu Mariella 

Babbucci Ornella 

Baldini Riccardo 

Baledelli Lucia 

Bargnesi M. Teresa 

Bartolomeoli Roberto 

Bartoloni Giuliano 

Bartoloni Spadoni Giusi 

Bartolucci Ebe 

Basili Roberto 

Battistoni Francesca 

Belli Lea 

Benelli Giovanna 

Benetti Barbara 

Bertani M. Cristina 

Bertozzini Ada 

Bertozzini Marcella 

Bettini Alessandro 

Bianchi Angela 

Bianchi Temellini Anna Maria 

Bianco Giovanni 

Bigazzi Maria Luisa 

Bischi Alessandro 

Bisetti Terenzi Maria Luisa 

Bisping Dorothea 

Blandini Alessandra 

Bocci Romeo 

Bogliolo Giovanni 

Bonaparte Andrea 

Bonazzoli Bianca 

Bonazzoli Remo 

Bontempi Giuliana 

Borghi Maria Clotilde 

Bruscoli Gabriella 

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78 

Bruscoli Letizia 

Busacca Graziella 

Caracciolo Gabriella 

Carbone Annamaria 

Catella Vera 

Cavallini Armida 

Carloni Esposito Renza 

Ceccolini Anna Maria 

Ceripa Lorena 

Chietera Giovanni 

Cinti Estella 

Coli Paolo 

Comandini Paolo Emilio 

Congiu Luigi 

Corsini Diottalevi Vittoria 

Cortesi Dovilia 

D’Agnillo Carla 

De Benedittis Agostino 

De Biagi Francesca 

De Feo Liliana 

De Negri Renata 

De Nicolò Maria Pia 

De Poda Enrica 

De Sabbata Giorgio 

Dell’Aquila Ardone Cosima 

Duchi Silvia 

Durazzi Emanuela 

Dopolavoro Banca Popolare 

dell’Adriatico 

Elia Luigi 

Emiliani Paola 

Ercolessi Silvana 

Falanga Eugenio 

Farina Ercole 

Fastigi Gabriella 

Fastigi Rosa 

Ferretti Fernanda 

Ferri Pio 

Filippone Erminia 

Fiocco Virginio 

Fioretti Annamaria 

Forlani Luca 

Fortini Maria Luisa 

Franca Fabrizio 

Francini Luciano 

Frezza Maria Grazia 

Frulli Elvira 

Galeazzi Ermes 

Gasperini Stefania 

Gaudenzi Massimo 

Gennari Annarita 

Gentilucci Anna 

Gessaroli Enrica 

Gevorgyan Narex 

Giamprini Simonetta 

Gorgoni Vittorio 

Gori Isabella 

Grazioli Manuela 

Graziosi Franco 

Gualandri Massimo 

Guglielmi Beatrice 

Guidelli Rita 

Iacchini Gabriella 

Iovino Luciano 

Lamaro Paolo 

Lanfernini Caterina 

Leonardi Maria Grazia 

Liguori M. Laura 

Lippolis Graziana 

Maestri Franca 

Magi Claudio 

Malpassi Fiammetta 

Marcucci Agla 

Mari Dino 

Mariani Alberta 

Mariotti Jacopo 

Masetti Marisa 

Masini Alessandro 

Missiroli Gino 

Montebarocci Angelo 

Muretto Franca 

Muretto Pietro 

Neri Ennio 

Nesci Emanuela 

Nesci Liana 

Nocitra Elisabetta 

Olmeda Giuseppe 

Ottaviani Gabriella 

Pagano Giuliana 

Pandin Irene 

Paolini Marco 

Paolini Mirella 

Patrignani Paola 

Perrotti M. Gabriella 

Picchi Roberto 

Pierantoni Marta 

Prestianni Biagio 

Raff aelli Maria Teresa 

Renzi Susanna 

Ridolfi Franco 

Rinaldi Gianluigi 

Ritossa Giovanni 

Rondina Paola 

Rosati Loretta 

Rossi Mancini Cristina 

Rossini Gordiano 

Russo Davide 

Salvaterra Meuccia 

Sassi Wanda 

Sbano Wanda 

Scardacchi Mauro 

Scilla Cristina 

Secchiaroli Maria Grazia 

Senigagliesi Michela 

Siepi Maria Letizia 

Solforati Patrizia 

Sorbini C. Augusto 

Sorbini Paola 

Sormani Elena 

Sormani Farina Paolo 

Spighi Cristina 

Staff olani Raff aella 

Surian Elvidio 

Surian Laura 

Taras Antonella 

Tecchi Danila 

Temellini Maria Letizia 

Tenella-Sillani Francesco 

Tondi Fiori Maria Antonietta 

Torre Maria Cristina 

Trelani Lidia 

Urbinati Paola 

Vaina Raff aella 

Valazzi Maria Eugenia 

Venturini Brunella 

Vitali Antonella 

Zini Annalisa 

Zoff oli Atos 

Zollia Carlo

Rinnovo abbonamenti 

Per abbonati alla precedente Stagione 

concertistica nei giorni 3 e 4 novembre 

presso il botteghino del teatro Rossini con 

orario 10-13 / 17-20 

Nuovi abbonamenti 

La vendita dei nuovi abbonamenti verrà 

eff ettuata, nei giorni 5, 6 e 7 novembre 

con orario 10-13 / 17-20 

Prezzi Posto di platea e posto di palco I 

e II ordine € 160, posto di palco di III 

ordine intero € 130, ridotto € 90 (palchi 

laterali), posto di palco di IV ordine intero 

€ 70, ridotto € 55 Le riduzioni sono 

riservate agli studenti fi no a 29 anni e agli 

spettatori oltre i 65 anni 

Vendita biglietti 

I biglietti disponibili saranno messi in 

vendita il giorno del concerto presso il 

botteghino del teatro Rossini con orario 

10-13 / 17 fi no all’inizio del concerto 

(concerti pomeridiani 10-13 / 16 fi no 

all’inizio del concerto). Dal secondo 

concerto in cartellone si potranno 

acquistare tutti i biglietti della stagione 

Prezzi Posto di platea e posto di palco di 

I e II ordine € 20, posto di palco di III 

ordine € 15 ridotto € 12, posto di palco di 

IV ordine € 12, ridotto € 10, loggione € 7 

Family ticket 3 ingressi, posti di platea, I 

e II ordine di palco € 40 

*Spettacoli straordinari 

Posto di platea e posto di palco di I e II 

ordine € 30, posto di palco di III ordine 

€ 25, posto di palco di IV ordine € 15, 

loggione € 10 

**Spettacoli fuori abbonamento 

Stessi prezzi della stagione 

Vendita online 

Una parte dei posti disponibili viene messa 

in vendita on line; l’acquisto si può eff ettuare 

visitando il sito www.vivaticket.it. 

L’acquisto on line comporta un aggravio del 

costo del biglietto in favore del gestore del 

servizio. 

Informazioni Ente Concerti 

Palazzo Gradari, Via Rossini 

0721 32482 

info@enteconcerti.it 

www.enteconcerti.it 

Informazioni Teatro Rossini 

Piazzale Lazzarini, Pesaro 

0721 387620 

(Biglietteria 0721 387621) 

La Direzione si riserva di apportare 

al programma le variazioni imposte 

da ragioni tecniche o da cause di forza 

maggiore 

L’Ente Concerti ringrazia 

Banca Marche 

Assindustria Consulting 

Banca dell’Adriatico 

Carifano Cassa di Risparmio 

di Fano 

Galleria di Franca Mancini 

Ristorante Bristolino 

Azienda Agricola Fiorini Strada 

dei Campioli 

Foresteria Agrituristica Fiorini 

79

FORM-Orchestra Filarmonica Marchigiana ... - Pesaro Cultura

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