dicembre 2012/gennaio 2013 - Il Rossetti

dicembre 

gennaio 

Stagione 2012-13 

Numero 2 - 1° dicembre 2012 

› Giselle 

› Trovarsi 

› I due fratelli 

› Il Teatrante 

› Shrek, The Musical 

› Aldo, Giovanni e Giacomo 

› Il Lago dei Cigni/Lo Schiaccianoci 

› Christmas with The Rat Pack 

› Ute Lemper in concerto 

› Cyrano de Bergerac 

› Ballet Revolución 

› La scuola delle mogli

2 dicembre dal 4 al 6 dicembre 

D O 

Sala 

M E N 

Assicurazioni 

I C A 2 D I C E M 

Generali 

B R E 2 0 1 DAL 2 4 AL 6 DICEMBRE 2012 

Sala Assicurazioni P O L I T E A M A R O S S E T T I - 

P O L I T E A M A R O S S E T T I - T R I E S T E 

Generali 

T R I E S T E 

www.ilrossetti.it 


info +39-040 -3593511 SALA ASSICURAZIONI GENERALI 


BALLET DAVID CAMPOS TROVARSI 

GISELLE 

di Luigi Pirandello 

abbonamento danza abbonamento prosa 

pagina 4 

pagina 6 

dal 12 al 16 dicembre 

DAL 12 AL 16 DICEMBRE 2012 

Sala Assicurazioni P O L I T E A M A R O S S E T T I - Generali 

T R I E S T E 



SHREK 

dal 21 al 23 dicembre 

Sala Assicurazioni Generali 

ALDO GIOVANNI 

il musical 

E GIACOMO 

abbonamento musical evento speciale 

pagina 12 

pagina 30 

Ute Lemper 

LAST TANGO IN BERLIN 

FROM BRECHT IN BERLIN TO THE BARS OF BUENOS AIRES 

Vana Gierig 

Pianoforte 

Tito Castro/ 

Marcelo Nisinman 

Bandoneon 

Tour organizzato 

in esclusiva italiana 

da Just in Time 

Mauro Diazzi 


info +39-040 -3593511 

I due fratelli 

di Alberto Bassetti 

scene e costumi 

di Pier Paolo Bisleri 

luci di Paolo Giovanazzi 

regia di 

Antonio Calenda 

con 

Adriano Braidotti 

Jacopo Venturiero 


info +39-040 -3593511 

P O dal L I T E 29 A M al A 30 R O S dicembre S E T T I - T R I E S T E DAL 3 AL 6 GENNAIO 2013 

dal P O3 L I T Eal A M A 6 R O Sgennaio S E T T I - T R I E S T E 



SALA ASSICURAZIONI GENERALI 

www.ilrossetti.it Sala Assicurazioni Generali Sala Assicurazioni Generali 

info +39-040 -3593511 

IL LAGO DEI CIGNI CHRISTMAS WITH 

LO SCHIACCIANOCI THE RAT PACK 

evento speciale abbonamento musical 

pagina 14 

pagina 16 

8 gennaio dal 9 al 13 gennaio 

MARTEDÌ Sala Assicurazioni 8 GENNAIO Generali 2013 DAL 9 AL 13 GENNAIO 2013 

P O L I T E A M A R O S S E T T I - T R I E S T E SALA , ASSICURAZIONI GENERALI Sala Assicurazioni P O L I T E A M A R O S S E T T I - TGenerali R I E S T E 



UTE LEMPER 

CYRANO 

DAL dal 15 15 AL al 19 19 GENNAIO gennaio 2013 





BALLET 

LAST TANGO IN BERLIN DE BERGERAC REVOLUCIÓN 

evento speciale abbonamento prosa abbonamento musical/danza 

pagina 18 

pagina 20 

pagina 22 

foto di Massimo Battista 

presidente Carla Boroni/direttore Angelo Pastore 

Franco Branciaroli 

Il Teatrante 

di Thomas Bernhard 

Traduzione di Umberto Gandini 

con: Tommaso Cardarelli, Valentina Cardinali, Melania Giglio, 

Daniele Griggio, Cecilia Vecchio, Valentina Violo 

Re g i a : Franco Branciaroli 

Scene e costumi: Margherita Palli 

Luci: Gigi Saccomandi 

con il sostegno di 

dal 4 al 23 dicembre dal 7 al 9 dicembre 

DAL 4 AL Sala 23 DICEMBRE Bartoli 2012 

P O L I T E A M A R O S S E T T I - T R I E S T E SALA , BARTOLI DAL Sala 7 Assicurazioni AL 9 DICEMBRE Generali 2012 



I DUE FRATELLI 

info +39-040 -3593511 IL SALA TEATRANTE 

ASSICURAZIONI GENERALI 

di Alberto Bassetti di Thomas Bernhard 

abbonamento prosa abbonamento prosa 

pagina 8 

pagina 10 

THE BALLET REVOLUCIÓN COMPANY E BB PROMOTION GMBH PRESENTANO 

PER LA PRIMA VOLTA IN ITALIA! 

FEAT. THE BALLET REVOLUCIÓN LIVE-BAND 

CON LE HIT DI SHAKIRA RICKY MARTIN 

J LO ENRIQUE IGLESIAS BEYONCÉ 

dal 23 al 27 gennaio 


LA SCUOLA 

DELLE MOGLI 

abbonamento prosa 

pagina 24

GISELLE 

coreografia e versione di David Campos 

direttore associato e Ballet Teacher 

Irene Sabas 

video di Joan Brobot 

Adattamento musicale di Llorens Peris 

costumi di Irene Sabas, David Campos 

luci di Kiko Planas 

con Aileen Gallinera (Giselle) e 

Alan Bottaini (Albrecht) 

e con Eva Basulto, Elline Damian, 

Karina Campos, Rachel Gil, Gwènnaelle 

Poline, Eduardo Espejo, Jerome 

Peytour, Carlos Pires, Alen Oleg 

Piskunovs, Natalia Chelpanova, 

Karin Fouz, Mirna Squire, Triana 

Botaya, Laila Sanz 

produzione Ballet David Campos 

Tour italianoorganizzato da 

Just in Time - Mauro Diazzi 

Politeama Rossetti 


2 dicembre 2012 

durata 1h 10’ senza intervallo 

4 

dom 2 dicembre ore 20.30 - t. DAN 

prezzo dei biglietti 

Platea A-B Interi € 40, ridotti € 37 

Platea C Interi € 37, ridotti € 34 

I Galleria Interi € 30, ridotti € 27 

II Galleria Interi € 26, ridotti € 24 

Loggione Interi € 12 

UNA LEGGENDA 

CHE ARRIVA DA 

LONTANO Per costruire 

il balletto che con straordinario 

successo andò in scena 

all’Opéra National de Paris il 

28 giugno 1841, il librettista 

e scrittore Téophile Gautier 

si ispirò al libro di Heinrich 

Heine De l’Allemagne che 

riportava, fra le altre, la leggenda 

delle Villi. I popoli slavi 

credono che le Villi siano spiriti 

di giovani donne che non 

trovano la pace eterna perché 

sono morte infelici: un’infelicità 

d’amore che continua a straziarle 

anche dopo il trapasso. 

Ogni notte, fra il tramonto e il 

primo sorgere del sole, queste 

anime tormentate, si aggirano 

per i boschi e le radure cercando 

coloro che le hanno tradite 

o abbandonate prima del 

matrimonio. Quando trovano 

i colpevoli, aiutandosi con dei 

magici rametti di vischio, li 

costringono a danzare fino allo 

sfinimento e alla morte. Solo 

così la sete di vendetta di queste 

spettrali fanciulle si placa e 

il loro spirito, finalmente trova 

requie. 

Questa triste leggenda riverbera 

la sua eco in diverse 

culture, molto lontane nel 

tempo e nello spazio: anche in 

Catalogna se ne trova traccia. 

Le ragazze morte di crepacuore 

o per la violenza di un 

uomo diventano “Mujeres de 

Agua”, donne d’acqua, e si 

comportano in maniera molto 

simili alle Villi di Heine. Ogni 

notte sorgono dal fondo di 

laghi e ruscelli per ottenere la 

loro vendetta sugli uomini che 

hanno fatto loro torto: sedotti 

e sfiniti dalla danza, verranno 

condotti sulle rive di quegli 

specchi d’acqua incantati, dove 

finiranno annegati. 

abbonamento danza

LA GISELLE DI DAVID 

CAMPOS La Giselle 

del coreografo spagnolo 

David Campos evoca proprio 

questa elaborazione della leggenda, 

e vedremo dunque che 

l’acqua nello spettacolo ha una 

presenza molto significativa. 

La rilettura da lui compiuta 

tiene fermamente conto dello 

sviluppo del balletto originale 

(di cui ritroveremo i momenti 

fondamentali) e usa naturalmente 

le splendide musiche di 

Adolphe Adam. La sua regia 

però palpita di attualità e 

concilia – come accade nello 

stesso linguaggio coreografico 

– classicità e modernità. 

A partire dalla concezione 

generale dell’opera: i concetti 

della violenza, del tradimento 

e della morte sono ripresi da 

David Campos e rielaborati fin 

dal plot. Una giovane donna 

muore a causa della violenza di 

un uomo. Non ci sono inganni 

né tradimenti se non l’uso 

della forza fisica di un uomo 

che domina. Non è una Giselle 

addolcita e nemmeno gentile: 

è semplicemente una giovane 

che ama vivere, uscire, divertirsi 

e cercare una felicità che 

verrà interrotta bruscamente, 

colpevolmente, prima del 

tempo. Questo vuole vendetta. 

Ma Giselle continuerà a cercare 

il suo amato anche oltre la 

morte. 

LA COMPAGNIA DI 

BALLO La Compañía 

de Ballet David Campos 

si esibisce per la prima volta 

sul palcoscenico del Politeama 

Rossetti proprio con Giselle, 

ma ha una storia punteggiata 

di successi nazionali e internazionali. 

È annoverata fra 

le eccellenze della danza in 

Spagna e fin da quando è stata 

fondata, nel 1999, ha coperto 

Trieste a Teatro - dicembre/gennaio 2012/13 

un vuoto molto importante nel 

panorama della danza di quel 

Paese: è stata infatti la prima 

compagnia di danza stabile. 

Dal punto di vista dello stile e 

della preparazione, si tratta di 

una formazione che unisce tendenze 

contemporanee al rigore 

e alla disciplina del balletto 

classico: ai suoi componenti è 

dunque richiesto di essere danzatori 

di ottima formazione, 

molto completi e versatili. 

LO STILE DI CAMPOS 

Nel linguaggio coreografico, 

come anche 

nella visione generale delle 

sue creazioni, David Campos 

predilige un approccio moderno, 

che – sul piano figurativo 

– molto si fa influenzare da 

visioni cinematografiche. I suoi 

balletti sono da intendere come 

veri e propri spettacoli, ricchi 

di piani di lettura, di spunti, di 

richiami alla cultura popolare 

degli anni Settanta da cui proviene, 

di citazioni. Ciò regala 

alle sue opere suggestioni particolari 

e una notevole forza 

comunicativa. A osservare 

le sue riletture di classici – a 

cui appartiene anche questa 

Giselle – si rimane colpiti da 

certi echi legati al cinema: ne 

La Bella Durmiente, le fate 

ricordano i Gremlins, ne Lo 

Schiaccianoci certe scene sembrano 

ispirate a Disney, anche 

il balletto che applaudiremo al 

Rossetti richiama in qualche 

modo – nella scena della festa 

iniziale – un mondo simile a 

quello dei ragazzi di Grease… 

Frammenti di una cultura di 

massa che lo aiutano a narrare 

e a coinvolgere con uno 

stile fresco e vitale, lontano 

dall’affettazione e dal sentimentalismo 

e che appassiona lo 

spettatore. 

di Ilaria Lucari 

DAVID CAMPOS 

Nato a Barcellona David Campos inizia 

la sua formazione nel campo della 

danza negli anni Settanta, quando balla 

nella compagnia del Liceu del maestro 

Joan Magriñà e, per un breve periodo, 

per la prima compagnia professionale 

catalana, il Ballet Contemporani di Ramon 

Solé. 

Dopo due anni passati all’Istituto del 

Teatro di Barcellona, va a Parigi per 

perfezionare i suoi studi alla scuola di 

balletto di Solagne Golovine. Una volta 

entrato nel Ballet Real de Flandres, una 

delle più grandi compagnie di danza del 

Belgio, lavora con coreografi prestigiosi 

come Jiri Kyliam, Nils Christie e Valery 

Panov, ballando come solista in tournée 

in tutta Europa, negli Stati Uniti, e come 

artista invitato persino in Asia. 

Nel 1987 ritorna a Barcellona e fonda 

assieme alla moglie, Irene Sabas (anche 

lei solista al Ballet Real de Flandres), 

una scuola specializzata nella danza 

classica, insegnando allo stesso tempo 

in vari conservatori di danza spagnoli e, 

come professore invitato, all’Università 

delle Filippine (al Master of Production 

Course). 

Nel 1999 fonda la sua compagnia di 

danza Ballet David Campos. Apprezzato 

dalla critica nazionale ed internazionale, 

crea spettacoli come il Codez Latinus 

(Carmina Burana), Velvet Wings, 

realizzato per il Ballet Manila delle Filippine, 

Rock Requiem e La Mascara 

de la Mort Roja, opera completa 

basata sul racconto di Edgar Allan Poe, 

collaborando col gruppo rock finlandese 

Apocalyptica. 

Nel 2003 debuttano a Barcellona, al 

Teatro Tivoli, tre nuove coreografie: 

Shubertina, Volveré a nacer e una 

nuova versione di Carmina Burana. 

L’anno seguente è presente a Santa Coloma 

de Gramenet ad uno dei festival 

della danza più importanti in Catalogna 

e presenta al Teatro Sangarra di Barcellona 

la produzione Eurasia, una coreografia 

che vuole avvicinare il dialogo 

tra Oriente ed Occidente attraverso la 

danza classica. 

Nel 2005, per le celebrazioni del quarto 

centenario del Don Quijote presenta 

al Festival Internazionale di Cap Roig 

una sua visione particolare dell’opera 

sulle musiche di Minkus. Attualmente 

la sua compagnia è in tournée con vari 

spettacoli, tra i quali Giselle, e ottiene 

un grande successo grazie all’originalità 

e l’innovazione delle sue coreografie, 

oltre che alla tecnica dei suoi ballerini, 

non solo in Spagna, ma anche in numerosi 

festival internazionali. 

5

TROVARSI 

di Luigi Pirandello 

adattamento e regia Enzo Vetrano 

e Stefano Randisi 

scene e costumi di Mela dell’Erba 

luci di Maurizio Viani 

video di Alessandra Cianelli 

con Mascia Musy 

e Angelo Campolo, 

Giovanni Moschella, 

Ester Cucinotti, Antonio Lo Presti, 

Marika Pugliatti, Monia Alfieri, 

Luca Fiorino 

produzione E. A. R. Teatro di Messina 

in collaborazione con 

Daf – Teatro dell’Esatta Fantasia 



dal 4 al 6 dicembre 2012 

durata 2h e 15’ con intervallo 

mar 4 dicembre ore 20.30 - turno PRI 

mer 5 dicembre ore 16.00 - turno E 

giov 6 dicembre ore 20.30 - turno A 


Platea A-B Interi € 29, ridotti € 24/20 

Platea C Interi € 21, ridotti € 17/15 

Gallerie Interi € 12 

6 

IL CONFLITTO 

PIRANDELLIANO FRA 

ESSERE E APPARIRE 

Composto nel 1932 e messo 

in scena a Napoli, Trovarsi è 

uno degli ultimi drammi di 

Pirandello ed affronta la tematica 

cara all’autore dell’identità 

in relazione all’essere e 

all’apparire. Non è però fra 

i suoi testi più rappresentati, 

probabilmente a causa della 

sua astrazione quasi metafisica. 

Ciononostante è un’opera 

suggestiva, pervasa dalle 

possenti emozioni che scaturiscono 

dalla vicenda dell’attrice 

Donata Genzi e del suo giovane 

innamorato, Elj, incapaci di 

conciliare le esigenze della 

vita e quelle dell’ideale artistico. 

Nell’allestimento firmato 

da Enzo Vetrano e Stefano 

Randisi – personalità registiche 

fra le più interessanti nel teatro 

italiano, molto competenti e 

Personaggi Interpreti 

Donata Genzi, attrice Mascia Musy 

Elj Nielsen Angelo Campolo 

Il conte Gianfranco Mola Giovanni Moschella 

Elisa Arcuri Ester Cucinotti 

Carlo Giviero Antonio Lo Presti 

La marchesa Boveno Marika Pugliatti 

Nina, sua nipote Monia Alfieri 

Volpes Luca Fiorino 

creative nell’universo pirandelliano 

– il plot viene molto 

asciugato, diventa più incisivo 

e sobrio e la dimensione metafisica 

si trasforma in un punto 

di forza della messinscena, 

connotata da grande intensità 

poetica. 

Nel testo c’è anche un’evocazione 

biografica di Pirandello, 

che da un lato si sente vicino 

all’attrice che sacrifica la 

propria vita in nome dell’arte 

(egli stesso confidò, a proposito 

della propria esistenza 

«ho dimenticato di vivere»), 

dall’altro racchiude nella figura 

della protagonista un monito a 

Marta Abba sua giovanissima 

attrice e musa. Per lei lo scrittore 

provò sempre un desiderio 

incompiuto di amore carnale e 

il terrore che qualcuno, potesse 

portargliela via. Trovarsi che 

Marta Abba avrebbe recitato, 

sembra prospettarle proprio i 


Foto di Tommaso Le Pera

ischi di un amore giovane e 

impetuoso. 

LA SINOSSI Il pubblico 

l’ammira per la palpitante 

verità con cui 

tratteggia i personaggi, ma 

spettegola sul fatto che non 

abbia mai conosciuto nella 

realtà quell’amore che sa 

restituire in scena con tanta 

emozione. Invece Donata Genzi 

– celebre attrice – è una donna 

frustrata dall’assenza di sentimenti 

veri nella propria vita: 

agli amici, una sera, confida 

dolorosamente di non riuscire 

a “trovarsi” in nessuna delle 

tante figure che interpreta sul 

palcoscenico. Ma in quella 

stessa occasione entra nella sua 

vita Elj, giovane scandinavo, 

ribelle, spericolato che la trascina 

quella notte stessa in una 

rischiosa avventura in barca: 

il vento li fa naufragare, Elj le 

salva la vita e le fa conoscere 

l’amore, la passione a cui presto 

si abbandonano. Ma i due 

si rivelano anche molto diversi: 

Elj viaggia nella vita come in 

mare, spinto dalla sregolatezza 

del vento e desidererebbe che 

Donata lo seguisse, abbandonando 

il teatro. La donna è 

tentata, ma decide di recitare 

un’ultima volta, anche davanti 

a Elj, prima di affrontare la 

nuova vita. Quella sera, per la 

prima volta, mentre recita gesti 

d’amore, comprende la profonda 

differenza fra il teatro e 

il suo vero sentire: differenza 

che le permette finalmente di 

“trovarsi”, di essere contemporaneamente 

attrice e donna 

innamorata. Elj invece si sente 

tradito, turbato da quella 

rappresentazione tanto simile 

alla loro intimità di coppia e 

rifiuta Donata e il suo progetto 

esistenziale ed artistico. La 

donna, nonappena trovata la 


propria pienezza, è condannata 

nuovamente alla solitudine. 

LA POETICA DEI 

REGISTI Vetrano e 

Randisi hanno costruito 

lo spettacolo secondo un taglio 

attuale, quasi bergmaniano, 

che evidenzia la modernità del 

dramma di Donata Genzi: vive 

in effetti le lacerazioni di una 

donna la cui affermazione professionale 

provoca conflitti con 

la sua vita privata, solitudine, 

incomprensione. «C’è un prologo 

– scrivono i registi – in cui 

Donata, dopo una vita piena di 

successi teatrali e di solitudine 

amorosa, scende le scale di un 

faro sul mare dove abbiamo 

recluso Elj, anche lui solo e 

spezzato, dopo la sua grande 

delusione. E la visita che la 

vecchia attrice fa al suo giovane 

amante le permette di rivivere, 

tornando giovane anche 

lei, tutta la storia d’amore, le 

gioie, i tormenti, le esaltazioni 

e le delusioni passate con lui. I 

luoghi del racconto diventano 

astratti, con un denominatore 

comune che sono quelle sedie 

da teatro, circondate da immagini 

più sognate che reali, che 

hanno a che fare sempre, insistentemente, 

col mare». 

GLI ATTORI Un cast 

coinvolgente e concentrato 

interpreta lo 

spettacolo: una molto lodata 

Mascia Musy affronta con 

forza introspettiva la figura di 

Donata, regalandole umanità, 

dolorosa complessità e tensione. 

Al suo fianco, tratteggia 

Elj in tutta la sua passione 

ribelle, potente e fragile Angelo 

Campolo, che il pubblico dello 

Stabile ha già applaudito in 

recenti spettacoli di produzione 

come Picasso e la ragazza 

rapata e Ultimo Giorno. 

ENZO VETRANO 

E STEFANO RANDISI 

È dal 1976 che Enzo Vetrano e Stefano 

Randisi, attori, autori e registi teatrali, 

lavorano assieme. Nel 1982 al Teatro 

Daggide di Palermo, loro città natale, 

affrontano un teatro di gruppo che li 

porta verso scelte di improvvisazione e 

drammaturgia collettiva, come l’audace 

esperimento di Gioco Daggide. 

Per dieci anni i due dirigono e recitano 

all’interno della “Coperativa Nuova Scena 

del Teatro Stabile di Bologna” scrivendo 

anche i testi portati in scena, tra 

i quali una trilogia di spettacoli ispirati 

a fatti e personaggi siciliani: con questo 

lavoro vincono il Premio Palermo per il 

Teatro nel 1988. 

Nel 1995 fondano l’associazione culturale 

“Diablogues” che li porta verso 

spettacoli di ricerca teatrale e musicale: 

l’anno successivo mettono in scena Beethoven 

nei campi di Barbabietole. 

Inizia poi, tra il 1997 e il 1999 una collaborazione 

con vari artisti, che li riporta 

a lavorare in Sicilia, prima a Messina dove 

riscoprono l’opera di Nino Martoglio 

con Martogliata e L’arte di Giufà, 

poi a Palermo col Festival del Novecento. 

La collaborazione dal 1999 con “Le belle 

bandiere” di Elena Bucci e Marco Sgrosso 

indirizza Vetrano e Randisi verso uno 

studio dei testi classici, e ciò porta il loro 

teatro sperimentale anche nei teatri di 

tradizione. A questo periodo risalgono 

spettacoli come Il Berretto a sonagli 

di Pirandello, Anfitrione di Plauto/Molière/Kleist, 

Il Mercante di Venezia di 

Shakespeare e Le smanie per la villeggiatura 

di Goldoni. 

Vetrano e Randisi hanno proseguito la 

loro carriera formando una compagnia 

che lavora sul teatro di Luigi Pirandello, 

cui partecipa anche il Teatro Stabile 

di Sardegna. Nel 2007 hanno vinto il 

Premio Eti - Gli Olimpici del Teatro con 

Le smanie per la villeggiatura e due 

anni dopo si sono guadagnati un posto 

nella terna finalista con Pensaci, Giacomino! 

Con lo spettacolo I giganti 

della montagna (2009), invece, hanno 

vinto il Premio Le Maschere del Teatro 

Italiano nel 2011. 

Nel 2010 hanno ricevuto il Premio Hystrio 

- Associazione Nazionale Critici 

Teatrali per il loro lavoro sui classici e in 

particolare sulla rilettura dei testi pirandelliani. 

Nella motivazione del premio i 

giudici commentano «Vetrano e Randisi 

ci insegnano che la scena ha labili confini 

e che spesso è arbitrario dividerla in 

sperimentazione, avanguardia, tradizione 

o altro, perché, quando è grande, è solo 

e soltanto teatro». 

7


di Alberto Bassetti 

scene e costumi di Pier Paolo Bisleri 

luci di Paolo Giovanazzi 

regia di Antonio Calenda 

con Adriano Braidotti 

e Jacopo Venturiero 

produzione Teatro Stabile 

del Friuli Venezia Giulia 

in collaborazione con 

Fondazione Premio Teatrale 

Nazionale Vallecorsi 




durata 1h senza intervallo 

Per gli orari e i turni delle varie recite 

fare riferimento al calendario di pag. 26 

Prezzo dei biglietti 

Posto unico Interi € 19, ridotti € 16 

Last minute Interi € 12 

8 

ALBERTO BASSETTI, 

PREMIATO AUTORE 

ITALIANO 

Alberto Bassetti è uno degli 

autori più vicini al Teatro 

Stabile del Friuli Venezia 

Giulia: scrittore fecondo e 

fantasioso, ha raccolto successo 

come drammaturgo ma 

s’impegna anche nella scrittura 

di testi per la radio, in adattamenti 

e riscritture (l’ultima 

confezionata per lo Stabile 

riguarda L’Affarista di Balzac), 

recentemente anche in ambito 

cinematografico e documentaristico 

(i suoi due primi lavori 

sono andati entrambi in onda 

su Rai Due per Geo&Geo). I 

suoi testi teatrali ritraggono 

con incisività le utopie e le 

lacerazioni dei singoli in una 

società contemporanea contraddittoria 

e spesso fagocitante. 

Posseggono però sempre 

una dimensione alta, universa- 

le, un messaggio su cui riflettere 

una volta usciti da teatro: 

rispondono a questi dettami 

La tana, La gabbia, Harem, 

Le due sorelle, Sopra e sotto 

il ponte, Venditori d’anime… 

Testi spesso ospitati anche a 

Trieste e premiati sia all’estero 

che sul territorio nazionale, 

destino comune anche all’ultima 

creazione, I due fratelli. 

Insignito del primo premio alla 

57° edizione del Vallecorsi, il 

testo ha colpito l’autorevole 

giuria per la fluidità e bellezza 

della scrittura e per il coraggio 

di fare argomento teatrale di 

temi complessi e rischiosi come 

quello del fine vita. 

QUANDO “VANNO 

IN SCENA” TEMI 

DELICATI 

I due fratelli si apre quasi 

sottovoce, venato da temi 

che appartengono alla vita 

abbonamento prosa & altri percorsi 

Foto di Massimo Battista

di ognuno e increspano le 

nostre anime di inquietudini, 

dolorosi dubbi, riflessioni in 

equilibrio pericoloso fra estremo 

egoismo ed amore… E se 

tali venature sono all’inizio 

appena accennate, presto incidono 

profondamente – nello 

sviluppo della scrittura partecipe 

e raffinata di Bassetti 

– divengono brucianti come 

ferite, perfettamente colte 

da Antonio Calenda in una 

regia sensibile e attenta a ogni 

vibrazione, capace di porre in 

evidenza ciascuno dei difficili 

temi drammaturgici: dilemmi 

del “fine vita”, la dignità degli 

anziani, il peso della disabilità 

nelle realtà familiari, la 

crisi… Verità dolorose con cui 

la vita spesso ci costringe a 

confrontarci e con cui il teatro 

– ribadendo il proprio ruolo 

fondamentale di specchio della 

società, di fulcro di riflessione 

e di confronto collettivo – ci 

aiuta a misurarci. 

CONFRONTO 

ESISTENZIALE FRA 

DUE FRATELLI 

Marco fa ritorno nella casa 

di famiglia dopo un’assenza 

molto prolungata, durante 

la quale il padre – rimasto 

vedovo – si è lasciato precipitare 

prima in una sorta 

di depressione e poi in una 

grave malattia che lo sta rendendo 

sempre più assente e 

sofferente. Lo assiste il figlio 

maggiore, Andrea. Lo stato 

dell’anziano genitore, è motivo 

dell’incontro-scontro fra i 

due fratelli, che presto coinvolge 

tutto tutta la loro vita: 

il passato, l’infanzia, i sogni, 

le utopie, le frustrazioni, la 

felicità… Entrambi hanno alle 

spalle un cammino difficile, 

affrontato ognuno a proprio 

modo: Andrea, il fratello mag- 


giore ha cercato di rispondere 

a tutte le aspettative familiari, 

sacrificando i propri aneliti di 

libertà ai traguardi sognati per 

lui dalla madre e dal padre. 

Ha preso moglie, avuto figli e 

ora li sente come legami angusti. 

Ha rinunciato a un sogno 

d’amore e seguito il padre in 

azienda e ora lo accudisce, e si 

sente responsabile anche della 

ditta sull’orlo del fallimento. 

Marco è stato esonerato da 

simili pressioni dalla sua stessa 

sfortuna: è nato con una 

menomazione, un lieve ritardo, 

crisi epilettiche… Il fratello lo 

ha protetto fin da bambino e 

sostenuto anche nella decisione 

di fare volontariato nelle 

missioni. Adesso Marco è forte 

di una serenità fondata sulle 

sue semplici pretese, sulle 

esperienze di vita in India, e 

sulla fede. Andrea ne ha quasi 

rabbia. E il peso del padre sofferente 

e della crisi dell’azienda 

lo conducono a una scelta 

estrema che scaturisce da 

momenti di potente suspance. 

I 

PROTAGONISTI 

Per l’interpretazione di 

due caratteri tanto complessi 

e veri, Calenda ha scelto 

due attori la cui crescita 

ha seguito con attenzione: 

Jacopo Venturiero e Adriano 

Braidotti. Il pubblico li ha 

apprezzati spesso (il primo 

è stato il giovane aviatore in 

To be or not to be, il secondo 

un ottimo Arlecchino ne I due 

gemelli veneziani, entrambi 

hanno lavorato ne L’inventore 

del cavallo…) e avrà modo 

di conoscerne un profilo più 

drammatico nella recitazione 

tesa e concentratissima, pronta 

ad aprirsi ad abbandoni di 

tenerezza o a momenti di sofferto 

pathos, che è stata loro 

richiesta in quest’occasione. 

ANTONIO CALENDA 

E LA DRAMMATURGIA 

CONTEMPORNAEA 

Fin da quando ha assunto la direzione 

del Teatro Stabile regionale, Antonio 

Calenda ha indirizzato l’ambito fondamentale 

della produzione e quello della 

programmazione nella linea di una profonda 

attenzione per la drammaturgia 

contemporanea. 

Il direttore arrivò a Trieste nel 1995 e subito 

espresse alcuni titoli di grande senso 

e forte valenza attuale: Il visitatore 

di Eric Emmanuel Schmitt, la produzione 

Turcs tal Friùl di Pier Paolo Pasolini 

firmata da De Capitani, lo struggente Le 

ultime lune di Furio Bordon, con Marcello 

Mastroianni. In primavera, fu varato 

anche il primo “Festival della Drammaturgia 

Contemporanea”, rassegna che 

fu un evento per la città e che suscitò 

l’interesse della stampa più accreditata e 

delle istituzioni a livello nazionale. 

Una vetrina che rappresentò – rinnovandosi 

per alcuni anni – decine e decine 

di titoli di autori viventi, spettacoli 

che invadevano il Politeama Rossetti e 

gli altri spazi cittadini, teatrali e non, in 

una sorta di “festa del teatro attuale” 

che – nell’offrire visibilità a tanti talenti 

della scrittura – ci ricordava il senso e 

la necessità forte del palcoscenico, quale 

fulcro della riflessione e della discussione 

sulla società, sull’uomo e sulle sue 

contraddizioni. 

In quella cornice furono conosciuti nomi 

destinati a farsi largo nel modo del teatro 

come Marco Paolini, che vi presentò 

il suo Il racconto del Vajont e si crearono 

le basi e la sensibilità per poter 

sostenere successivamente un’intera 

stagione dedicata alla contemporaneità, 

intitolata “altripercorsi”. 

Oggi, il Teatro Stabile del Friuli Venezia 

Giulia, è in Italia fra quelli che più hanno 

realizzato nel campo della drammaturgia 

dei viventi, che trova grande spazio nei 

cartelloni di ospitalità e ha visto nascere 

interessantissimi itinerari sul piano della 

creazione di spettacoli inediti. Basti citare 

l’avventura affascinante nella drammaturgia 

di Claudio Magris, che ha visto 

Calenda confezionare lavori d’elevato 

spessore: La Mostra, per cui Roberto 

Herlitzka ha ottenuto il Premio Ubu, 

Lei dunque capirà con Daniela Giovanetti 

applaudito in molti paesi europei 

e a New York, e la suggestiva versione 

open air dei due monologhi Il Conde e 

Le Voci, di cui è stato protagonista Kim 

Rossi Stuart. 

Con I due fratelli di Bassetti si avvia 

quest’anno un’esperienza volta alla stanzialità 

che offre una sequenza di pièce 

contemporanee a lunga tenitura, che 

metteranno in luce anche potenzialità 

artistiche corregionali. 

9

IL TEATRANTE 

di Thomas Bernhard 

traduzione di Umberto Gandini 

scene e costumi di Margherita Palli 

luci di Gigi Saccomandi 

suono di Hubert Westkemper 

regia di Franco Branciaroli 

con Franco Branciaroli, Daniele 

Griggio, Tommaso Cardarelli, 

Valentina Violo, Valentina Cardinali, 

Melania Giglio e Cecilia Vecchio 

produzione CTB Teatro Stabile di 

Brescia Teatro de Gli Incamminati 





durata 2h con intervallo 

ven 7 dicembre ore 20.30 - turno B 

sab 8 dicembre ore 20.30 - turno C 

dom 9 dicembre ore 16.00 - turno D 





10 

BERNHARD IL 

PESSIMISTA 

Vissuto fra il 1931 e 

il 1989, l’austriaco Thomas 

Bernhard appartiene a quella 

generazione d’autori a cui la 

Storia, oltre forse alla vicenda 

esistenziale privata, ha reso 

impossibile guardare il mondo 

con una qualche prospettiva 

positiva. La sua scrittura – 

feconda, ironica, intrisa di una 

vitalità che la rende amata 

– rappresenta uno degli esempi 

più alti della letteratura 

contemporanea europea, ma 

anche uno dei più pessimisti. 

Non c’è salvezza per Thomas 

Bernhard: non possiamo guardare 

con speranza all’uomo, 

né alla bellezza, né all’arte… 

Nulla: c’è solo l’attesa di una 

sempre più prossima apocalisse, 

che paradossalmente si 

annuncia mentre la società si 

muove inconsapevole, nei modi 


Bruscon Franco Branciaroli 

Il locandiere Daniele Griggio 

Ferruccio, figlio di Bruscon 

Tommaso Cardarelli 

Sarah, figlia di Bruscon Valentina Violo 

Erna, figlia dei locandieri 

Valentina Cardinali 

La signora Bruscon Melania Giglio 

La locandiera Cecilia Vecchio 

grotteschi del vaudeville. 

Il suo teatro – che si compone 

di una ventina di testi, pubblicati 

fra gli anni Settanta 

e Ottanta – rappresenta con 

precisione tale assunto: ha al 

proprio centro eroi destinati al 

fallimento, burberi e impegnati 

in duri soliloqui che denunciano 

frustrazioni ed insensatezze. 

Una categoria cui risponde 

appieno Bruscon, protagonista 

de Il teatrante. 

LA RICERCA 

DI FRANCO 

BRANCIAROLI 

Non è scontato portare sulla 

scena un eroe del teatro di 

Thomas Berhard: l’autore non 

ha mai reso facile la vita agli 

interpreti dei suoi ruvidi protagonisti. 

Rappresentano però 

sublimi cavalli di battaglia 

per attori consapevoli e capaci, 

com’è Franco Branciaroli. 

abbonamento prosa

Interprete mai prevedibile, 

talentuoso, irregolare dona ad 

ogni sua prova un segno inatteso: 

gli spettatori dello Stabile 

regionale lo hanno verificato 

non solo nelle sue apparizioni 

recenti (come l’originalissimo 

Don Chisciotte o Servo di 

scena) ma anche nei grandi 

spettacoli di produzione in cui, 

diretto da Antonio Calenda, ha 

ottenuto risultati memorabili, 

protagonista del brechtiano 

Vita di Galielo e di Edipo Re. 

Ora inserisce la figura di 

Bruscon nell’ambito di una 

riflessione sul Teatro e sul 

suo rapporto con la società 

attraverso la Memoria che ne 

è l’elemento fondamentale. 

Dopo l’esordio al Salzburger 

Festspiel, nel 1985 (anno della 

composizione del testo) per 

la regia di Claus Peymann 

che lo riallestì con il medesimo 

cast anche a Bochun e al 

Burgtheater di Vienna, sono 

state rare le rappresentazioni 

de Il teatrante. 

LA SOLITUDINE DEL 

TEATRANTE 

Sia la trama che la 

stessa struttura del testo di 

Bernhard isolano il protagonista, 

come a voler evidenziare 

ulteriormente la sua già chiara 

condizione esistenziale e mentale: 

basti pensare che drammaturgicamente, 

Il teatrante 

è costruito quasi del tutto dal 

monologare di Bruscon, scritto 

addirittura senza punteggiatura. 

Un possente fluire in cui le 

battute, poche e scarne degli 

altri personaggi, si inseriscono 

come flash, senza possibilità di 

sviluppo. 

Bruscon è un attore megalomane 

di origini italiane, in 

tour attraverso l’Austria con 

una compagnia composta 

per lo più da suoi familiari. 


Ebbene sono loro i primi a non 

comprenderlo, a preoccuparsi 

solo della mera sopravvivenza, 

e a farlo sentire solo con le 

proprie aspirazioni d’artista, 

con le proprie frustrazioni e 

con il proprio ego smisurato 

d’autore. Contro ogni accenno 

di buon senso, s’impunta 

nel voler mettere in scena un 

proprio pretenzioso dramma, 

che nessuno riesce a capire: 

La ruota della storia. Vi sfilano 

tutti i grandi, da Cesare 

a Napoleone, da Stalin a 

Madame Curie e tutti dalla 

gloria cadranno nel nulla… 

Tema pesante da affrontare, 

soprattutto se ci si ritrova 

in un paesino di provincia 

austriaco, dove meno di trecento 

anime vivono beate fra 

allevamenti di maiali e ricordi 

hitleriani; soprattutto se la 

messinscena non avverrà fra i 

velluti del palcoscenico, ma in 

una locanda squallida la cui 

pista da ballo è stata adattata 

agli attori. Depresso da questo 

scenario, Bruscon ci travolge, 

come un fiume in piena, con 

uno sfogo delirante e divertente 

che nulla risparmia: inveisce 

contro la famiglia priva 

di talento artistico, contro la 

moglie dalla salute malferma, 

contro l’arte e il teatro, 

addirittura contro il clima, 

contro quell’Austria (detestata 

dallo stesso Bernhard) ipocrita 

rispetto al proprio passato 

nazista… A sopportare tanta 

mortificazione, lo aiuterebbe 

di certo una sala piena e 

plaudente: ma qui – già nei 

panni di Napoleone – il povero 

Bruscon incontra il suo inevitabile 

fallimento. Un fulmine 

incendia la chiesa del paese, 

gli spettatori si distraggono, 

accorrono e l’attore rimane 

solo davanti alla platea vuota. 


THOMAS BERNHARD 

Thomas Bernhard nasce a Heerlen, in 

Olanda, nel 1931; orfano di padre, vive 

prima con la madre a Vienna, successivamente 

col nonno materno nei pressi 

di Salisburgo, ed infine si trasferisce a 

Traunstein (in Germania), dove inizia 

anzitempo gli studi. Qui viene discriminato 

in quanto austriaco e questa 

situazione, sommata al crescente conflitto 

con la madre, lo porta a desideri 

di suicidio già in giovane età. Su consiglio 

di un assistente scolastico viene 

affidato ad un istituto di rieducazione 

in Turingia, dove viene educato al rigore 

e al nazismo, entrando a far parte del 

Convitto Nazionalsocialista di Salisburgo 

nel 1943. 

Durante i bombardamenti (1944) Thomas 

Bernhard abbandona Salisburgo, 

per poi ritornarci e iniziare l’apprendistato 

in un negozio di generi alimentari, 

continuando allo stesso tempo lo studio 

del canto e della musica. Ha appena 

vent’anni quando, malato di pleurite e 

di tubercolosi polmonare, viene ricoverato 

in sanatorio, dove fa la conoscenza 

di Hedwig Stavianicek, l’amica alla quale 

dedica la prima raccolta di articoli per 

il “Demokratisches Volksblatt” e il “Salzburger 

Volksblatt” di Salisburgo. 

Nel 1950, sotto gli pseudonimi di Thomas 

Fabian e Niklas van Herleen vengono 

pubblicati i primi racconti, seguiti 

dal “Der Schweinehuter”, che segna 

l’inizio di una nuova stagione artistica 

dedicata alla prosa, ai romanzi e ai poemi. 

Compie alcuni viaggi all’estero e, 

dopo un periodo di malattia, decide di 

studiare come attore al Mozarteum di 

Salisburgo, per poi iniziare a lavorare 

come autore indipendente. Pubblica 

nel 1963 “Gelo”, che lo fa vincere il 

Premio Julius Campe. L’anno successivo 

esce “Amras”, il suo romanzo più 

apprezzato, ambientato nell’omonima 

cittadina austriaca, mentre nel 1970, 

con la sua prima opera teatrale, “Una 

festa per Boris”, compie una svolta 

verso il teatro. 

Costituita da una ventina di pièce 

scritte negli anni ’70-’80, la sua drammaturgia, 

porta in scena una serie di 

paranoici, malati, visionari, protagonisti 

senza sviluppo psicologico che vengono 

attratti dal fallimento e dal degrado 

morale, che li porta e gesti estremi 

come il suicidio. Thomas Bernhard è 

stato molto criticato nel suo paese, 

soprattutto in seguito a “Piazza degli 

Eroi” (1988), una dura narrativa 

in contro l’Austria, che invece è stata 

molto apprezzata all’estero. 

11


Shrek Nicolas Tenerani 

Fiona Alice Mistroni 

Ciuchino Emiliano Geppetti 

Lord Farquaad Piero Di Blasio 

Pinocchio 

Teen Fiona - Biscotto - Elfo 

Marco Stabile 

Claudia Campolongo 

Draghessa - Brutto anatroccolo 

Valentina De Giovanni 

Peter Pan Giulio Pangi 

Papà orso - Thelonius Alessandro Arcodia 

Mamma orsa - Mamma orca Manuela Tasciotti 

Capitano delle guardie 

Pasquale Girone Malafronte 

Baby Fiona - Bebè orso Fiorella Nolis 

La Strega - Regina Lilian Elisa Colummi 

Bianconiglio - Il Pifferaio Magico Marco Trespioli 

Lupo Andrea Attila Felice 

Porcellino grande Davide Dal Seno 

Porcellino - Re Harold Daniele Derogatis 

Porcellino piccolo Michelangelo De Marco 

Fata Beatrice Baldaccini 

SHREK - THE MUSICAL 

tratto dal film della 

DreamWorks Animation 

e dal libro di William Steig 

testo e canzoni di 

David Lindsay-Abaire 

musica di Jeanine Tesori 

scene e costumi di Luisa Spinatelli 

coreografie di Valeriano Longoni 

regia di Ned Grujic 

e Claudio Insegno 

con Nicolas Tenerani, Alice Mistroni 

produzione LV Spettacoli 





mer 12 dicembre h. 20.30 turno M 

gio 13 dicembre h. 17.00 t. libero 

ven 14 dicembre h. 20.30 turno O 

sab 15 dicembre h.16.00 turno FAM 

sab 15 dicembre h. 20.30 turno N 

dom 16 dicembre h. 16.00 turno P 




I Galleria Interi € 30, ridotti € 27/15 

II Galleria Interi € 26, ridotti € 24/15 


12 

SHREK IN MUSICAL 

PIACE AI GRANDI E 

AI BAMBINI 

Al cinema, lo sanno tutti, 

Shrek è stato così bravo da 

meritare l’Oscar… Come se 

non bastasse, nel 2005, si è 

classificato al top tra i cento 

migliori film d’animazione, 

dopo I Simpson, Tom e Jerry, 

South Park e Toy Story. I 

quattro film su Shrek hanno 

totalizzato 200 milioni di 

entrate e 1,3 miliardi di dollari 

di incassi… 

Ma nel musical Shrek è ancora 

più bravo! L’Orco verde infatti 

è riuscito a creare uno spettacolo 

che certo, attrae i suoi piccoli 

fans, ma diverte e intriga 

moltissimo gli appassionati di 

musical. Lo dimostrano le cifre 

record che lo accompagnano 

fin dal debutto, avvenuto a 

Seattle nel settembre 2008: 

tre mesi dopo il sipario si alza 

a Broadway, dove il musical 

registra 441 performance, 37 

anteprime, 606.280 spettatori 

e un incasso di 46.361.426 di 

dollari. Il tour negli Stati Uniti 

partito non si è ancora concluso. 

A Londra si va in scena 

al Theatre Royal Drury Lane 

nel 2011 ed è sold out fino al 

2013, mentre a Parigi lo ha 

applaudito il numero record di 

50.000 spettatori… 

E finalmente, l’Orco sboccato 

e burbero arriva in Italia, in 

un allestimento fedele all’originale 

internazionale, in cui i 

piccoli ritrovano i loro beniamini 

ma il pubblico adulto, 

quello che ama il musical, si 

diverte con il sarcasmo che 

vena costantemente lo show. 

Lo spettacolo infatti, oltre alla 

favola, contiene un’infinità di 

sottotesti che gli spettatori più 

preparati sanno riconoscere: 

l’ironia beffarda di Shrek pren- 

abbonamento musical

de di mira l’assurdità di certe 

fiabe e regala stoccate ad altri 

musical famosi... Riconoscerli 

è un gioco esilarante, ma da 

“esperti”! 

LA STORIA 

DELL’ORCO VERDE 

Frizzante ed esilarante, 

questa commedia musicale 

s’ispira ai personaggi del 

primo film d’animazione della 

Dreamworks e si svolge nel 

fantastico regno di Duloc: 

l’orco abita pacifico e solitario 

in una palude che improvvisamente 

si anima di una miriade 

di creature incantate espulse 

senza colpa dal regno di Lord 

Farquaad, un bassetto che 

vuole a ogni costo diventare 

re. Per riconquistare la pace 

della sua palude, Shrek si allea 

alle creature incantate e assieme 

al buffo amico Ciuchino 

affronta il Lord... Costui mira 

solo a sposarsi e diventare Re: 

per questo ha bisogno di una 

principessa. Pur di riavere la 

calma Shrek è disposto anche a 

recuperargli la principessa! Ed 

ecco che l’Orco si trova coinvolto 

in un’infinità di avventure 

e la più ardua sarà liberare 

la principessa Fiona, imprigionata 

in una torre e sorvegliata 

da un’intrattabile draghessa. 

LE MUSICHE 

«È stimolante, e allo 

stesso tempo difficile per 

i musicisti, affrontare i diversi 

generi musicali presenti nella 

partitura dello spettacolo» 

spiega Dino Scuderi, direttore 

musicale dello spettacolo. 

«Si va dal rock, al funky, al 

Rhythm & blues, ed ancora al 

country, al jazz, alle canzoni 

pop fino a sfociare nel sinfonico. 

Tutti stili o generi che 

vanno suonati dal vivo, e tecnicamente 

ed emotivamente in 


modi differenti» 

ITALIANA 

«Quella di Shrek è 

L’EDIZIONE 

una storia singolare 

che rompe gli schemi stilistici 

delle classiche favole, senza 

offendere i luoghi comuni che 

abbiamo sempre amato durante 

la nostra infanzia» osserva 

Claudio Insegno che con Ned 

Grujic firma la regia dell’allestimento 

italiano. «Il mio lavoro 

sul testo originale di David 

Lindsay-Abaire punta ad 

adattare personaggi, battute e 

situazioni al gusto del pubblico 

italiano. Ho cercato anche di 

ampliarle, senza però tradirne 

le linee fondamentali. Ho 

voluto far assaporare di nuovo 

il divertimento che abbiamo 

vissuto la prima volta che 

abbiamo visto il film. Tutto 

questo per creare un musical 

dal ritmo sempre incalzante, 

caratterizzato da una comicità 

spontanea, puntuale e mai 

sopra le righe o volgare. E così 

Shrek il Musical diventa uno 

spettacolo che diverte e cerca, 

a suo modo, di comunicare 

valori e temi importanti come 

il rispetto, l’amicizia e la dignità. 

Infatti, al grido di “Mostra 

quel che sei” gli eroi della 

nostra favola insieme all’orco 

Shrek e al suo inseparabile 

Ciuchino, diventano l’emblema 

di tolleranza, restituendo 

dignità a qualunque forma di 

diversità». A rendere lo spettacolo 

ancora più prezioso un 

cast di talenti italiani noti e di 

star da scoprire, che faranno 

molto parlare di sé: ricordiamo 

almeno Nicolas Tenerani 

(Shrek) e Alice Mistroni 

(Fiona), Emiliano Geppetti 

(Ciuchino) e i componenti dei 

Musical StarTs Elisa Colummi 

e Marco Trespioli. 


I NUMERI MUSICALI 

PRIMO ATTO 

1. Overture 

2. Big Bright Beautiful World 

Mamma Orca, Papà Orco, Shrek, Fiona, 

Re Harold, Regina Lilian 

3. Story Of My Life 

Guardie, Creature delle Fiabe 

4. The Goodbye Song 

Shrek, Creature delle Fiabe 

5. Don’t Let Me Go 

Ciuchino 

6. What’s Up Duloc? 

Lord Farquaad, Abitanti di Duloc 

7. I Know It’s Today 

Fiona Giovane, Fiona Teenager, Fiona 

8. Travel Song 

Ciuchino, Shrek 

9. Forever 

Draghessa, Ciuchino, Cavalieri 

10. This Is How 

a Dream Comes True 

Fiona, Shrek, Ciuchino, Draghessa 

11. Who I’d Be 

Shrek, Fiona, Ciuchino 

SECONDO ATTO 

1. Entr’acte 

2. Morning Person 

Fiona, Pifferaio Magico, Topi 

3. I Think I Got You Beat 

Fiona, Shrek 

4. Ballad of Farquaad 

Lord Farquaad, Thelonius, Guardie 

5. Make A Move 

Ciuchino, I Tre Topolini Ciechi 

6. When Words Fail 

Shrek 

7. Morning Person Reprise 

Fiona 

8. Build A Wall 

Shrek 

9. Freak Flag 

Creature delle Fiabe 

10. Big Bright Beautiful World Reprise 

Shrek 

11. I’m a Believer 

Tutta la compagnia 

13

Il Lago dei Cigni 

Balletto in 2 atti e 4 scene 

musiche di Pëtr Il’ic Ciajkovskij 

coreografie di Leonid Lavrovsky, 

riviste da Mikhail Lavrovsky 

costumi di Elik Melikov 

scene di Evgeny Gurenko 

direttore di palcoscenico Sergey 

Bugakov 

luci di Sergey Yurkin 

direttore Artistico Elik Melikov 

con Nadeja Ivanova/Anastasia 

Chumakova (Odette/Odile) 

con Dmitriy Smirnov/Andrey 

Shalin,/Alexandr Tarasov (Principe 

Siegfried) 

IL LAGO DEI CIGNI/ 

LO SCHIACCIANOCI 

Balletto di Mosca “La Classique” 

DIPARTIMENTO DELLA 

CULTURA DELLA CITTÀ DI 

MOSCA – MOSKONCERT 

con i primi ballerini del Balletto 

di Mosca: Nadeja Ivanova, Dmitriy 

Smirnov, Anastasia Chumakova, 

Andrey Shalin, Ekaterina Shalyapina, 

Alexandr Tarasov, Sergey 

Kuptsov 

Direttore Artistico Elik Melikov 

Tournée italiana organizzata da 

Mauro Giannelli Eventi 





sab 29 dicembre 

ore 20.30 “Il Lago dei Cigni” 

dom 30 dicembre 

ore 16.00 “Lo Schiaccianoci” 




I Galleria Interi € 30, ridotti € 27/20 

II Galleria Interi € 26, ridotti € 24/20 


14 

DUE SERATE CON 

IL BALLETTO DI 

MOSCA Ritorna al 

Teatro Stabile – dopo qualche 

stagione d’assenza – il Balletto 

di Mosca “La Classique” che 

per due serate consecutive 

ci farà rivivere il sogno della 

secolare tradizione della danse 

d’école, liberandola però dai 

ridondanti e obsoleti formalismi 

per riproporla rinnovata 

e adatta al pubblico odierno. 

Applaudita in Italia e all’estero 

dove è regolarmente in 

tour, la formazione fondata 

nel 1990 da Elik Melikov – 

che tuttora la dirige – e da 

Nadeja Pavlova, darà prova 

di grande crescita e della perfezione 

tecnica che la rende 

adatta ad affrontare i tioli più 

amati e complessi del grande 

repertorio. A Trieste verranno 

proposti Il Lago dei Cigni e Lo 

Schaccianoci. 

Lo Schiaccianoci 

Balletto in 2 atti 

musiche di Pëtr Il’ic Ciajkovskij 

coreografie di Marius Petipa 

riviste da Valery Kovtun 

costumi di Elik Melikov 

scene di Evgeny Gurenko 

direttore di palcoscenico Sergey 

Bugakov 

luci di Sergey Yurkin 

direttore Artistico Elik Melikov 

con Nadeja Ivanova/Ekaterina 

Shalyapina (Clara) 

con Alexandr Tarasov/Sergey 

Kuptsov (Principe) 

UNA COMPAGNIA 

DALL’OTTIMO 

REPERTORIO 

Il Balletto di Mosca “La 

Classique” ha in repertorio 

tutti i grandi capolavori del 

balletto dalla emozionante 

Trilogia Ciajkovskij (di cui 

ammireremo le prime due 

parti) a Giselle, Cenerentola, 

La Bayadère, Paquita, Don 

Chisciotte e Coppelia. E 

costante è il lavoro di allestimento 

di nuove creazioni che 

vanno ad arricchire questo già 

folto carnet. Per affrontare 

simili coreografie è fondamentale 

un assieme di qualità: 

la compagnia di Melikov è 

ricca di talenti. Annovera 

circa cinquanta elementi di 

elevato rango, provenienti 

dalle migliori scuole e accademie, 

dal Bolshoi di Mosca, 

dal Kirov di San PietroBurgo, 

dai Ballets Theatres di Kiev e 

eventi speciali

Odessa. 

Fra tutti spicca, dal 2006, 

la splendida étoile Nadeja 

Ivanova, ballerina affascinante 

per capacità interpretativa e 

padronanza tecnica. Dopo il 

diploma con lode alla Scuola 

di Danza dell’Opera di Perm, 

ha danzato con il Teatro 

dell’Opera di Ekaterinburg e 

con il Balletto Nazionale Russo 

ed ha meritato premi ambìti 

come il Prix de Lausanne ottenuto 

nel 1998. 

IL LAGO DEI CIGNI 

«Irraggiungibile composizione 

di Ciajkovskij per 

il Balletto dei Teatri Imperiali 

di San Pietroburgo, Il Lago 

dei Cigni non necessita di 

presentazioni: nella definitiva 

coreografia congiunta di 

Marius Petipa (I e III atto) e 

del suo allievo Lev Ivanov (II e 

IV atto, detti ‘atti bianchi’) del 

1895, raggiunge vette di rara 

finezza e maestria e continua 

a incantare il pubblico di tutto 

il mondo. 

Il Balletto “La Classique” 

ricostruisce filologicamente la 

coreografia originaria di Petipa 

e Ivanov attraverso il talento 

di 40 ballerini che in scena 

rievocano la storia d’amore tra 

Odette e il Principe Sigfried, 

sullo sfondo di scenografie 

tradizionali di impatto. 

Ritroveremo dunque nello 

svolgersi di un racconto “sulle 

punte” che commuove, tutti i 

tratti più affascinanti di questo 

balletto: le sfumature malinconiche 

e l’atmosfera lunare che 

accompagna l’arrivo di Odette, 

la maturazione romantica 

della figura del Principe, la 

virtuosistica contrapposizione 

nel ruolo di Odette/Odile fra 

il bianco e il nero, il Bene e 

Male, la purezza e la passione, 

la luce e la tenebra. 



Lo Schiaccianoci è uno 

dei capolavori ottocenteschi, 

per antonomasia 

adatto all’atmosfera natalizia 

e rappresenta l’ultima opera 

di Marius Petipa, tratta dal 

racconto di E.T.A. Hoffmann 

Schiaccianoci e il Re dei Topi. 

La partitura conta sull’afflato 

romantico di Ciajkovskij (che 

proprio in questa composizione 

sperimentò per la prima volta 

l’uso della celesta), mentre la 

coreografia è stata oggetto di 

molte rivisitazioni successive: 

famosa quella di George 

Balanchine per il New York 

City Ballet che nel 1954 divise 

per la prima volta il balletto in 

due parti, la realtà e il sogno. 

E – in tempi attuali – irraggiungibile 

quella del geniale 

coreografo londinese Matthew 

Bourne, apprezzata lo scorso 

anno dal pubblico del Rossetti 

in esclusiva italiana. 

La versione del Balletto di 

Mosca “La Classique” rimane 

fedele all’originale, emblema 

della tradizione ballettistica 

russa. La coreografia di Valery 

Kovtun ripercorre i passi di 

Petipa e di Ivanov con lo 

scopo di restituire lo splendore 

della veste tradizionale de Lo 

Schiaccianoci. I costumi di 

Elik Melikov e le scenografie 

di Evgeny Gurenko, completamente 

rinnovati, sono ricchi di 

dettagli che donano eleganza e 

pregio all’allestimento. 

I danzatori ci conquisteranno 

con i balli di bimbi, le deliziose 

caratterizzazioni delle 

bambole meccaniche, la battaglia 

di giocattoli tra i topi e 

i soldatini e il lieto fine, reso 

sublime dalla grazia e dal 

virtuosismo del grand pas 

de deux che rappresenta la 

summa dell’arte e del talento 

dei solisti. 

Il Lago dei cigni e Lo Schiaccianoci, 

entrambi musicati da Ciajkovskij, 

e con le coreografie originali dello 

straordinario coreografo russo 

Marius Petipa, sono tra i balletti 

più suggestivi di tutti i tempi e i 

loro passaggi più famosi sono ormai 

entrati nella storia. 


Il Valzer dei fiocchi di neve è uno 

dei momenti più celebri del balletto, 

che mostra il passaggio dalla realtà al 

sogno nel Regno delle Favole e che, 

grazie ai passi armoniosi e leggiadri e 

ad un suggestivo uso della luce, porta 

gli spettatori in una magica atmosfera 

invernale. 

Nel secondo atto vari divertissement 

attendono Clara e lo Schiaccianoci nel 

Regno delle Favole: fra questi c’è la 

sfilata delle danze tradizionali di varie 

nazioni. Conosceremo la Danza Spagnola, 

la Danza Araba, la Danza Cinese, 

che imitano lo stile tradizionale dei vari 

paesi. 

Tuttavia, la più conosciuta è di certo la 

Danza Russa, un ballo cosacco in due 

tempi molto rapido e dagli accenti molto 

marcati, scanditi dal tamburello che 

coinvolge con la sua grande energia. Alla 

fine della sfilata inizia il celebre Valzer 

dei Fiori, caratterizzato dai leggeri arabesque 

e le pirouettes, ed è probabilmente 

il tema più conosciuto dell’opera 

seguito dal Pas de Deux tra il Principe 

e la Fata Confetto. 


In ogni balletto classico, nel passo a 

due l’uomo riveste la funzione essenziale 

di porteur, per consentire alla 

ballerina di eseguire spettacolari evoluzioni 

tecniche: ne “Il Lago dei Cigni” ce 

ne sono due tra i più famosi. Si tratta 

del candido e romantico Pas de deux 

tra il Principe Siegfried e Odette, seguito 

da quello sensuale e affascinante del 

Cigno Nero (Odile), che in questo passaggio 

riesce a sedurre il Principe. Questo 

passo a due continua a stupire con 

i movimenti elegantissimi e la splendida 

coda, caratterizzata dal virtuosismo ottocentesco 

dei 32 fouettées consecutivi 

realizzati dalla ballerina. 

I divertissement della festa al castello 

anche qui sono celebrati con una serie 

di danze folkloristiche, tra cui: la bellissima 

Danza Spagnola, incalzante e 

coinvolgente, che accompagna a tempo 

di bolero i movimenti decisi e scenografici, 

la Danza Napoletana, con la 

ripresa delle melodie partenopee scandite 

dal battito del tamburello, ed infine 

la mazurka della splendida Danza 

Polacca. Infine, uno dei momenti più 

attesi è l’incantevole Pas de quatre 

che vede quattro “cignetti” tenersi 

per mano realizzando la loro splendida 

danza. 

15

CAST 

Stephen Triffitt (Frank Sinatra) 

Mark Adams (Dean Martin) 

Jay Marsh (Sammy Davis Jr) 

Joe-Van Haefter 

James Hearn 

Leanne Howell 

Frankie Jenna Sibthorp 

Michelle White 

Hannah Blake 

CHRISTMAS WITH 

THE RAT PACK 

regia e coregrafie di Mitch Sebastian 

scene di Sean Cavanagh 

supervisione vocale e musicale di 

Matthew Freeman 

con la “Rat Pack” Big Band 

e le Burelli Sisters 

produzione 

Paul Walden & Derek Nicol 



dal 3 al 6 gennaio 2013 


gio 3 gennaio h. 20.30 turno M 

ven 4 gennaio h. 20.30 turno O 

sab 5 gennaio h. 16.00 t.libero 

sab 5 gennaio h. 20.30 turno N 

dom 6 gennaio h. 16.00 turno P 







16 

BUON ANNO TRIESTE 

IN ESCLUSIVA 

ITALIANA 

The Rat Pack live from Las 

Vegas si inserisce nel cartellone 

Musical dello Stabile 

regionale quale grande evento 

internazionale: il modo più 

scintillante ed esclusivo (visto 

che si tratta anche dell’unica 

tappa italiana dello show) di 

iniziare il 2013. 

Non a caso, dunque, l’Associazione 

Commercianti al 

Dettaglio di Trieste – che da 

diverse stagioni collabora con 

il Rossetti per il proprio avvenimento 

benaugurale di inizio 

anno – ha scelto proprio la 

prima recita dello spettacolo 

quale metaforico dono alla 

città e ai suoi associati. Una 

serata di gala, dunque, quella 

del 2 gennaio, che coniugherà 

alla grande tensione artistica 

un po’ di frizzante mondanità. 

BAND 

Dominic Barlow (direttore musicale) 

Paul Fawcus 

Fiona Asbury 

Elizabeth Greenwood 

Francis White 

Andrew Watson 

Keith Hutton 

Andrew Brotherton 

Jeremy Ashby 

Giles Straw 

Bryan Davis 

UN “BRANCO DI 

RATTI” DALLE VOCI 

INDIMENTICABILI 

Ma cosa evocherà lo spettacolo, 

a cosa alluderà quel divertente 

“Rat Pack” del titolo? 

Fu l’attrice Lauren Bacall a 

definire così Frank Sinatra, 

Dean Martin e Sammy Davis 

Jr (a cui spesso si univano 

Joey Bishop e Peter Lawford) 

vedendoli rientrare in Hotel 

– in condizioni non propriamente 

impeccabili – dopo una 

“notte brava”. Letteralmente 

le erano sembrati “un branco 

di ratti”! Questo incredibile 

gruppetto – che racchiude 

in sé alcuni fra i talenti più 

alti della musica leggera 

del Novecento – era infatti 

innanzitutto una scanzonata 

compagnia di amici, che condividevano 

fra le loro passioni, 

quella immensa per la musica. 

E proprio da tale comparte- 

abbonamento musical

cipazione, dall’ironia e dalla 

vitalità che li univa, nacquero 

con bella spontaneità, le 

occasioni che li videro spesso 

fra gli anni Cinquanta e i 

Sessanta esibirsi assieme a Las 

Vegas. Serate in cui la perizia 

di questi artisti americani 

d’altissimo rango si fondeva 

con il feeling schietto e istintivo 

che scorreva fra loro, e 

si impreziosiva dell’atmosfera 

sfavillante dei teatri e degli 

hotel lussuosi di Las Vegas: i 

concerti del “Rat Pack” ebbero 

tale successo da diventare 

una delle principali attrazioni 

della città. E Sinatra, Dean 

Martin e Sammy Davis “esportarono” 

il loro entusiasmo 

anche in ambito cinematografico, 

riscuotendo anche qui il 

plauso del pubblico e della critica 

(fra i film girati assieme 

va menzionato almeno Colpo 

Grosso il cui remake è stato 

il campione d’incassi Ocean’s 

Eleven). 

THE BOYS ARE BACK 

IN TOWN! «I ragazzi 

sono tornati in città!»: 

un richiamo irresistibile per 

gli appassionati, che grazie 

ai sortilegi del paloscenico 

potranno per qualche sera 

ritrovare l’energia e il sound 

di quell’affascinante sodalizio. 

L’idea è di un produttore statunitense 

che in The Rat Pack 

live from Las Vegas ha riunito 

un repertorio indimenticabile, 

costituito da alcune fra le più 

belle canzoni americane del 

XX secolo, e le voci dei protagonisti 

originali, che rivivono 

in scena grazie all’interpretazione 

di un trio di ottimi 

cantanti. Ad essi si affiancano 

– per rendere lo show davvero 

travolgente e indimenticabile – 

numerosi musicisti e ballerini. 

Se per le platee americane 


l’esito positivo di questa sperimentazione 

poteva forse essere 

prevedibile, The Rat Pack live 

from Las Vegas ha però vinto 

anche in Europa: il pubblico 

londinese lo ha richiamato 

per ben otto stagioni nel West 

End. Prima di approdare a 

Trieste, lo spettacolo sarà ospite 

per il periodo natalizio nel 

Museum Quartier di Vienna. 

UN PROGRAMMA 

MUSICALE 

ENTUSIASMANTE 

Anche per le recite al 

Politeama Rossetti, gli artisti 

del Rat Pack hanno concepito 

un programma musicale 

con i fiocchi… di neve! 

Qualche canzone d’atmosfera 

natalizia, infatti, è d’obbligo 

e darà adito a momenti 

molto romantici oppure a 

incandescenti coreografie 

da eseguire in tenuta “da 

Babbo Natale”, obbedendo 

alla miglior tradizione festiva 

statunitense. E così sarà il 

momento di Christmas Jingle, 

The Christmas Song, di It’s 

The Most Wonderful Time Of 

The Year e di Have Yourself A 

Merry Little Christmas. Il resto 

della serata sarà intessuto da 

musiche meravgliose, che affascinano 

ogni generazione, per 

la loro sofisticata composizione, 

o per la loro energia… You 

Make Me Feel So Young, il brivido 

di I’ve Got You Under My 

Skin, That’s Amore e la giocosa 

Good Evening Mr Martin, la 

danzante Fly Me To The Moon 

e quello che possiamo considerare 

l’inno di “The Voice”: 

New York, New York. 

Interpretati con carisma e 

perizia, Frank Sinatra, Sammy 

Davis e Dean Martin ritorneranno 

come in un sogno 

condiviso, protagonisti per una 

notte. 

LE CANZONI 

1. Overture 

2. Christmas Jingle 

3. Come Fly With Me 

comp. Jimmy Van Heusen, Sammy Cahn 

4. You Make Me Feel So Young 

comp. Josef Myrow, Mack Gordon 

5. I’ve Got You Under My Skin 

comp. Cole Porter 

6. Once In A Lifetime 

comp. Newley and Bricusse 

7. Mr Bojangles 

comp. Jerry Jeff Walker 

8. Beginning To See The Light 

comp. Ellington, George, Hodges, James 

9. That’s Amore 

comp. Harry Warren and Jack Brooks 

10. Good Evening Mr Martin 

comp. Matthew Freeman 

11. Ain’t That A Kick In The Head 


12. Everybody Loves Somebody 

comp. Irving Taylor, Ken Lane 

13. The Christmas Song 

comp. Mel Torme and Bob Wells 

14. Baby It’s Cold Outside 

comp. Frank Loesser 

15. Jingle Bells 

16. Sam’s Song 

comp. Lew Qualding, Jack Eliot 

17. Style 


18. New York, New York 

comp. Fred Ebb and John Kander 

1. King Of The Road 

comp. Roger Miller 

2. Mambo Italiano 

comp. Bob Merrill 

3. Fly Me To The Moon 

comp. Bart Howard 

4. It’s The Most Wonderful Time 

Of The Year 

comp. Edward Pola, George Wyle 

5. Standin’ On The Corner 

comp. Frank Loesser 

6. You’re Nobody ‘Till Somebody 

Loves You 

comp. Russ Morgan, Larry Stock, James 

Cavanaugh 

7. Christmas Medley 

trad. arr. Matthew Freeman 

8. Marshmallow World 

comp. Carl Sigman and Peter DeRose 

9. Auld Lange Syne 

trad. arr. Matthew Freeman 

10. Mack The Knife 

comp. Kurt Weil and Bertold Brecht 

11. That’s Life 

comp. Dean Kay and Kelly Gordon 

12. Have Yourself A Merry Little 

Christmas 

comp. Hugh Martin 

17

LAST TANGO 

IN BERLIN 

FROM BRECHT IN BERLIN 

TO THE BARS 

OF BUENOS AIRES 

con Ute Lemper 

e con Vana Gierig (pianoforte) 

e Tito Castro/Marcelo Nisinman 

(bandoneon) 

tour organizzato in esclusiva italiana da 

Just in Time - Mauro Diazzi 



8 gennaio 2013 

durata 1h 30’ senza intervallo 

mar 8 gennaio h. 20.30 t.libero 







18 

UNA STELLA SENZA 

UGUALI Non sono 

molti gli artisti davanti 

ai quali la maggior parte degli 

aggettivi sembrano banali ed 

i superlativi insufficienti: Ute 

Lemper è fra questi. 

Non ha bisogno di stanchi 

artifici: a rapire le platee è 

sufficiente la sua voce tersa, 

estesa, educata al bello. Non 

sa cosa siano i cliché: sono 

inutili quando con intelligenza 

riesce a sedurre intellettualmente 

il pubblico con una 

parola, una pausa significativa, 

uno sguardo. 

È un onore e un prestigio per 

il Teatro Stabile del Friuli 

Venezia Giulia ospitare Ute 

Lemper, per la prima volta 

al Rossetti: sarà protagonista 

di un concerto che lascerà un 

segno indimenticabile. Una 

serata che chi ama la musica e 

il teatro non si lascerà sfuggire 

(come dimostra l’affluenza 

alle biglietterie), e che rappresenterà 

un’imperdibile lezione 

di stile per chi si affaccia oggi 

al mondo dello spettacolo. 

PERCHÉ VEDERE 

LAST TANGO IN 

BERLIN Solo una 

professionista carismatica e 

perfettamente completa può 

sostenere uno spettacolo come 

Last Tango in Berlin – from 

Brecht in Berlin to the bars 

of Buenos Aires: un viaggio 

di musica, parole, emozioni, 

atmosfere che conduce da 

Brecht a Piazzolla, attraverso 

un susseguirsi di brani (con 

una predilezione per il tango) 

assunti dal mondo spagnolo, 

francese, tedesco, inglese… 

Ute Lemper ne è interprete 

assoluta e conduttrice piacevolissima 

e seduttiva, capace 

eventi speciali

di stregare con il canto, di 

stupire continuamente trasformandosi, 

recitando in lingue 

diverse, intrattenendo, di 

ammaliare con il movimento, 

di conquistare con grinta, 

umorismo, sensualità. 

Luci addensate di fumo in 

un cabaret tedesco di primo 

Novecento: Ute Lemper è 

l’Angelo Azzurro di Ich bin 

von Kopf bis Fußauf Liebe 

angestellt, è Lili Marleen… 

Una uggiosa notte parigina 

le fa da sfondo, mentre passa 

allo struggimento di Jacques 

Brel in Ne me quitte pas e 

subito dopo la leggerezza inebriante 

di un boa di piume 

è sufficiente a introdurci 

alle sincopate sonorità jazz 

d’oltreoceano. C’è poi il teatro, 

il talento espressivo di 

Moritat von Mecky Messer di 

Kurt Weill e Brecht e l’approdo 

largo e tormentato nel 

porto di Buenos Aires, dove 

il bandoneon di Tito Castro 

(che accompagna la Lemper 

assieme a Vana Gierig al 

pianoforte) ci offre le vibrazioni 

del tango. L’artista, 

con la medesima sicurezza 

e delicatezza, diviene voce 

arrochita delle milongas, del 

sentimento profondo, doloroso 

di questa musica percorsa da 

passioni brucianti, nostalgie, 

abbandoni all’amore che solo 

gli artisti argentini sanno 

raccontare. Ma che un animo 

artistico generoso come quello 

della Lemper può arricchire 

di incredibili accenti. La sua 

voce di bellezza rare gorgheggia, 

trilla, si estende, si fa 

calda e suadente, un ardito 

strumento interpretativo, 

e passa morbidamente da 

Piazzolla, a Rota, a Moustaki, 

dalla Dietrich alla Piaf. Un 

concerto che è emozione allo 

stato puro. 


MUSICA, TEATRO 

E CINEMA, 

UNA CARRIERA 

STRAORDINARIA Nella 

sua carriera, Ute Lemper ha 

toccato una serie incredibile 

di traguardi: nata a Munster 

in Germania, ha studiato a 

Colonia e a Vienna entrando 

nel mondo dello spettacolo 

attraverso il musical. Nella 

produzione viennese di Cats 

è Grizabella. Si distingue talmente 

che viene scritturata a 

Berlino e a Parigi, dove vince 

il premio Molière come miglior 

attrice di musical. Alla fine 

degli anni Novanta – ormai 

forte di un’eccellente carriera 

da solista – ritorna al musical 

interpretando Velma nella produzione 

londinese di Chicago: 

ottiene l’Olivier e dopo il West 

End trionfa a Broadway e Las 

Vegas. 

La sua dutilità fa di lei anche 

un’ammirata danzatrice: 

Béjart crea per lei il balletto 

La mort subite e appare in 

Weill Revue con il Tanztheater 

di Pina Bausch. Ha fatto cinema, 

diretta da registi come 

Altman e Peter Greenaway. 

Ma è nella dimensione musicale 

che il suo talento si esprime 

perfettamente: i suoi concerti 

da solista sono richiesti in 

tutto il mondo, da teatri come 

La Scala e Il Piccolo Teatro 

di Milano, la Sydney Opera 

House, il Berliner Ensamble, 

il Lincoln Center a New York. 

Ha registrato per le maggiori 

case discografiche – in primis 

la Decca – e cantato accompagnata 

dalle migliori orchestre 

(dalla London Symphony alla 

Sinfonica di Berlino, dalla 

San Francisco Symphony 

Orchestra a quella di Chicago, 

all’Orchestra sinfonica della 

Radio di Parigi) ottenendo i 

massimi riconoscimenti... 

IL PROGRAMMA 

Il programma comprenderà una selezione 

dal seguente repertorio: 

Chiquillin de bachin (Astor Piazzolla) 

L’Accordéoniste (Michel Emer) 

Lili Marleen (Schulze/ Leip) 

Yo soy Maria (Astor Piazzolla) 

Buenos Aires (Astor Piazzolla) 

Soledad (Astor Piazzolla) 

Balada para un loco (Astor Piazzolla) 

Ich bin vom Kopf bis Fuss auf Liebe 

eingestellt ( Frederick Hollaender) 

Moritat von Mecky Messer (Kurt 

Weill/Bertolt Brecht) 

Lola ( Frederick Hollaender) 

Amarcord (Nino Rota) 

Chanson de Jacky (Jacques Brel) 

Ne me quitte pas (Jacques Brel) 

Amsterdam (Jacques Brel) 

Milord (Monnot/Moustaki) 

La Colombe (Jacques Brel) 

19

CYRANO 

DE BERGERAC 

di Edmond Rostand 

traduzione e adattamento di 

Tommaso Mattei 

scene di Andrea Taddei 

costumi di Alessandro Lai 

luci di Valerio Tiberi 

musiche di Andrea Farri 

collaborazione artistica 

e movimenti scenici di Nikolaj Karpov 

regia di Alessandro Preziosi 

con Alessandro Preziosi, Veronica 

Visentin, Emiliano Masala, Benjamin 

Stender, Massimo Zordan, 

Marco Canuto, Luigi Di Pietro 

produzione Teatro Stabile d’Abruzzo, 

Khora srl 






mer 9 gennaio ore 20.30 turno PRI 

gio 10 gennaio ore 20.30 turno A 

ven 11 gennaio ore 20.30 t.libero 

sab 12 gennaio ore 20.30 turno libero 

dom 13 gennaio ore 16.00 turno E 




I Galleria Interi € 20 , ridotti € 18/16 

II Galleria Interi € 12 

20 

ALESSANDRO 

PREZIOSI RITORNA 

AL ROSSETTI Sarà 

un’emozione per il pubblico 

ritrovare Alessandro Preziosi 

sul palcoscenico del Politeama 

Rossetti. E ancor più lo sarà 

per coloro che frequentando il 

teatro costantemente, hanno 

assistito all’imporsi di questo 

attore cui Antonio Calenda 

affidò nel 1998 il ruolo di 

Laerte in un importante 

allestimento di produzione 

dell’Amleto shakespeariano. 

Il direttore, dopo quella 

prova, ha puntato sempre più 

sul talento e l’intelligenza di 

Preziosi, scegliendolo per il 

ruolo di Oreste nelle tragedie 

classiche Coefore ed Eumenidi 

e per quello di Edmund nel 

Re Lear di Shakespeare. Ruoli 

importanti e “in crescendo”, 

che hanno lo hanno visto 

sempre più consapevole e pre- 


Cyrano De Bergerac Alessandro Preziosi 

Cristiano Benjamin Stender 

Rossana Veronica Visentin 

De Guiche Massimo Zordan 

Le Bret Emiliano Masala 

Regenau-Valvert Marco Canuto 

Lignere-cadetto Luigi Di Pietro 

Moschettiere-cadetto Francesco Civile 

Cuoco-cadetto Gianni Rossi 

Moschettiere-cadetto Salvatore Cuomo 

Dama-suora Sara Borghi 

Montfeury-Lisa-suora Natasha Truden 

ragazzo-suora Giannina Raspini 

venditrice-cadetto-suora Bianca Pugno Vanoni 

parato. Alla carriera teatrale 

Preziosi ha intelligentemente 

intrecciato fiction di livello e 

impegni cinematografici, mantenendo 

sempre in primo piano 

lo studio del teatro. Eccolo 

dunque ora arricchito e maturato, 

affrontare un capolavoro 

del teatro di tutti i tempi nella 

doppia veste di protagonista e 

regista: Cyrano de Bergerac. 

L’AUTORE Ispirato a un 

personaggio realmente 

esistito nella Francia 

del XVII secolo, Cyrano nasce 

dall’estro poetico del marsigliese 

Edmond Rostand, autore 

che sembrava destinato alla 

mediocrità fino al 27 dicembre 

1897, quando a Parigi 

debuttò il suo Cyrano de 

Bergerac. Prima aveva scritto 

poesie e per Sarah Bernhardt 

La princesse lointaine e La 

samaritaine, ben accolte ma 

abbonamento prosa

senza particolare clamore. 

L’esito del Cyrano de Bergerac 

invece superò ogni aspettativa, 

al punto che la sera stessa 

del debutto a Rostand fu 

consegnata la Legion d’Onore. 

Divenuto Accademico di 

Francia a soli 33 anni, dopo 

il successo de L’Aiglon, che 

ebbe nuovamente la Bernhardt 

quale protagonista, Rostand 

visse ricchissimo, tentando di 

ripetere il perfetto equilibrio 

fra romanticismo, storia e sentimento 

che resero incantevole 

il suo Cyrano.». 

La sinossi Cyrano de 

Bergerac è un nobile 

spadaccino e poeta, 

ammirato per essere invincibile 

e tagliente a colpi di spada 

come pure a moti di spirito. È 

coraggioso, spavaldo, ma timido 

in fondo, soprattutto nel 

confrontarsi con le donne: lo 

affligge infatti un naso molto 

brutto, e se con la scherma 

può vincere chi lo canzona per 

tale difetto, non trova invece 

il modo di vincere il proprio 

senso d’inadeguatezza davanti 

alla bella cugina Rossana, cui 

non sa dichiarare il proprio 

amore. 

Ignara di tali sentimenti, 

Rossana gli chiede di proteggere 

Cristiano de Neuvillette del 

quale è innamorata, anch’egli 

cadetto di Guascogna. 

Cristiano si rivela uomo affascinante 

d’aspetto, ma assolutamente 

povero d’animo: non 

sa esprimere con belle parole 

ciò che prova. Cyrano lo aiuta 

in questa poetica seduzione 

verbale, e nelle parole che gli 

suggerisce mette il proprio 

animo, soffocando lo strazio. 

Cristiano così può sposare la 

donna, a dispetto del Conte 

De Guiche che ambiva alla sua 

mano. La vendetta del Conte 


arriva presto, con Cristiano 

e Cyrano mandati al fronte: 

anche qui Cyrano continua a 

proteggere il ragazzo, sostituendosi 

a lui non solo nella 

scrittura, ma anche nella pericolosa 

spedizione delle appassionate 

lettere per Rossana. 

E quando Cristiano cade in 

battaglia, la sua lealtà verso 

l’amico e verso il sogno d’amore 

della cugina è tale, da fargli 

svelare solo in punto di morte 

– e involontariamente – che il 

cuore che palpitava in quelle 

parole d’amore era il suo. 

LA CONCEZIONE DEL 

REGISTA Il plot, il 

verso, il profilo eroico 

e delicato del protagonista 

fanno di questo capolavoro un 

testo adatto a conquistare ogni 

platea: la chiave di lettura di 

Preziosi ha voluto sottolineare 

il connubio di dignità e 

incapacità di amare e l’inadeguatezza 

che connotano il 

protagonista, ponendo in luce 

un suo profilo anche moderno, 

vicino ai giovani. «In questo 

solo apparente gioco d’amore 

– spiega Alessandro Preziosi – 

ho fornito a Cyrano una messa 

in scena che gli permettesse di 

muovere come un burattinaio 

i personaggi e le loro dinamiche 

fino a darci l’illusione di 

una storia scritta all’impronta 

solo per noi pubblico; così 

nell’adattamento del testo e 

nella rispettiva traduzione, 

ho cercato di far coesistere la 

prosa e la poesia relegando i 

versi alessandrini ad un gioco 

lezioso e risolutivo di certe 

questioni e cercando invece di 

dare respiro alla travolgente 

dimensione poetica del testo 

che va dritta allo spirito e 

all’anima di una donna per il 

cui amore si è disposti anche a 

morire». 

A COLLOQUIO CON 

ALESSANDRO PREZIOSI 

Sei di ritorno dal set cinematografico 

del film “Il Giudice” a Belgrado; 

quando ti capita di stare per 

molto tempo lontano dal teatro, 

come vivi questa mancanza? 

«Non sento la lontananza come una 

frustrazione perché ho deciso con maturità 

e consapevolezza di dedicare la 

mia vita al teatro. Lo vedo come una 

fidanzata che vive lontana da me, ma il 

sapere di amarla non mi impedisce di 

vivere serenamente la mia vita, perché 

so che ogni volta che la ritrovo la ripago 

di tutta la distanza. Il teatro è per me 

come l’immaginetta di Gesù nel portafoglio: 

è sempre con me.» 

Quando porti in scena un’opera, 

che rapporto hai con il testo? 

«Il primo che mi ha insegnato ad avvicinarmi 

ai testi è stato Antonio Calenda, 

che con il suo occhio critico è sempre 

riuscito a cogliere l’attualità di un’opera 

e a vederci la società d’oggi; poi, portando 

in scena personaggi come Oreste 

(in Coefore ed Eumenidi) o Edmund 

(nel Re Lear) sono stato letteralmente 

contagiato dall’importanza e dalla forza 

strepitosa della bellezza delle parole, 

ma soprattutto del modo in cui ogni 

singolo passaggio, e persino ogni singolo 

segno, nascondono un pensiero 

chiaro e ricorrente.» 

Hai voluto dare maggiore attualità 

anche a Cyrano. Il personaggio 

che interpreti ha una peculiarità: 

un naso grande. Nel rappresentarlo, 

hai scelto una strada diversa… 

«Delle orecchie gigantesche! A parte 

gli scherzi, non è stata una scelta facile, 

tanto che a poche ore della prima avevo 

2 nasi finti in tasca. Leggendo il testo 

mi sono reso conto che la bruttezza 

del personaggio faceva nascere gli stessi 

sentimenti di disagio che provavo io; 

così ho pensato che fosse il momento 

di mettersi una maschera, ma allo stesso 

tempo di levarsela. Mi sono messo 

un mantello, un cappello con la piuma, 

ma lasciato che dal mio viso trasparisse 

il vero malessere, identico a quello di 

un uomo che si sente brutto.» 

Qual è secondo te il messaggio 

che vuole trasmettere l’opera? 

«La storia di Cyrano è un monito per 

tutti i giovani d’oggi, ossessionati dal 

confronto con dei parametri stabiliti 

dalla società e che invece della propria 

debolezza dovrebbero fare una forza. Il 

Cyrano per me è l’esempio lampante, 

perché essere guasconi non vuol dire 

essere inconcludenti o attaccabrighe, 

come spesso si crede, ma vuol dire essere 

fieri di quello che si è.» 

21

BALLET REVOLUCIÓN 

produttore e regista creativo 

Mark Brady 

coproduttore Jon Lee 

coreografie di Aaron Cash, Roclan 

Gonzales Chavez 

costumi di Jorge Gonzalez 

direttore musicale Osmar Salazar 

Hernandez 

musiche suonate dal vivo dalla 

“Ballet Revolución Live-Band” 

produzione 

Ballet Revolución Company and 

BB Promotion GmbH 





mar 15 gennaio h. 20.30 turno M 

mer 16 gennaio h. 20.30 turno DAN 

gio 17 gennaio h. 20.30 t.libero 

ven 18 gennaio h. 20.30 turno O 

sab 19 gennaio h. 16.00 turno P 

sab 19 gennaio h. 20.30 turno N 







22 

BALLET REVOLUCIÓN: 

UNA PRIMA 

ITALIANA A TRIESTE 

Da diversi anni il Teatro 

Stabile del Friuli Venezia 

Giulia affianca al suo importante 

impegno nella produzione 

di spettacoli di prosa, una 

politica rilevante di scambio e 

confronto con l’estero: ciò ha 

portato a risultati un tempo 

impensabili, alla rappresentazione 

in una città relativamente 

piccola come Trieste – ma 

“strategica” per la sua cultura, 

la posizione geografica, nonché 

per la preparazione del 

suo pubblico – di spettacoli di 

livello internazionale (Cats, 

Swan Lake e Nutckraker 

di Matthew Bourne, Chess, 

Elisabeth solo per citare i titoli 

più sensazionali), proposti in 

anteprima e spesso in esclusiva 

per l’Italia. Questo dialogo con 

l’estero prosegue nella stagione 

2012-2013 e ha una punta di 

diamante in Ballet Revolución, 

esempio singolare di danza di 

straordinario livello, che la platea 

del Politeama Rossetti avrà 

l’onore di apprezzare per prima 

in Italia. 

Finora, Ballet Revolución è 

stato ospite di teatri prestigiosi 

in grandi capitali: lo spettacolo 

ha infatti debuttato in 

Australia nel 2011 e si è subito 

imposto come una delle novità 

più interessanti della stagione. 

Una fama confermata ad ogni 

tappa del tour mondiale che ha 

toccato il Sadler’s Wells, sala 

del West End londinese considerata 

fra i più nobili palcoscenici 

per la danza europea, e poi 

Vienna, Monaco, Francoforte, 

Berlino… 

In ogni platea la stampa ed il 

pubblico sono rimasti conquistati 

dalla particolare formula 

messa in atto dai coreografi 

abbonamento musical/danza

e dalla compagnia di Ballet 

Revolución. 

LA STRAORDINARIETÀ 

DELLA ESCUELA 

NACIONAL DE CUBA 

Forse è poco “esportata”, poco 

nota al grande pubblico, l’eccellenza 

della scuola di danza 

cubana: in realtà si tratta di 

una delle realtà più interessanti, 

con danzatori “forgiati” 

attraverso una precisione e 

un rigore tecnico rari. A ciò 

essi aggiungono un’anima 

incandescente, comunicativa, 

spontaneamente gioiosa: nella 

fusione di queste due dimensioni 

è da ravvisare la ineguagliabile 

e vincente formula su 

cui si fonda Ballet Revolución. 

I ballerini che ammireremo 

in scena sono selezionati fra i 

migliori talenti della leggendaria 

Escuela Nacional Cubana 

de Arte: atletici e preparatissimi, 

perfetti nel classico, ma 

profondamente versatili sono 

elemento irrinunciabile dello 

show, costruito in base alla loro 

eccezionale, incantevole leggerezza, 

velocità, potenza. 


BALLET 

REVOLUCIÓN “Ballet 

Revolución è fuoco in forma 

di danza”, “Il balletto non 

era mai stato così rovente”… 

i più accreditati media inglesi 

e tedeschi hanno salutato con 

simili titoli il debutto di questo 

spettacolo, completamente 

conquistati dal linguaggio 

coreografico nuovo, esplosivo, 

coraggioso di questa compagnia. 

Nelle note allo spettacolo 

si legge che quanto avviene in 

Ballet Revolución è inteso come 

una rivoluzione nel mondo 

della danza, ma anche come 

una possibile evoluzione. Una 

evoluzione giocata nel segno di 


una feconda “scomparsa” dei 

confini di stile e di genere: i 

coreografi Aaron Cash e Roclan 

Gonzales Chavez rompono 

infatti con le convenzioni per 

aprirsi a più fantasiosi orizzonti. 

Così la compagnia si esprime 

sperimentando e fondendo 

tecniche diverse, dal balletto 

classico al contemporaneo, 

dalla streetdance, all’hip-hop, 

al folklore: un linguaggio coreografico 

incredibilmente unico, 

un coinvolgente mix di accenti 

e di collegamenti fra danza 

cubana, tradizione spagnola e 

africana, tecnica di danza russa 

e ballo moderno. Luci prodighe 

di effetti, i costumi di un artista 

noto anche sulle passerelle 

milanesi e parigine quale Jorge 

Gonzalez completano il potenziale 

dello show che rapisce il 

pubblico fin dai primi brani 

e lo trascina in una partecipazione 

sempre più “totale”. 

Al momento dei bis, possiamo 

garantire che nessuno sarà più 

seduto al proprio posto! 

UNA COLONNA 

SONORA CHE 

VEICOLA ENERGIA 

Eseguita dal vivo dall’energica 

Ballet Revolución Live-Band, 

la partitura dello spettacolo 

si compone di un’irresistibile 

concatenazione di hit, intervallate 

da poetici momenti classici 

e da altri appassionati, come 

il tango moderno. Il risultato 

è toccante, trascinante: Chris 

Brown sfuma in un successo di 

Beyonce, Mas que nada lascia 

il posto a una hit di Shakira, 

Jennifer Lopez coinvolge e le 

suggestioni di Roxanne danno 

i brividi, come il Concerto di 

Aranjuez e si prosegue così, 

incantati dalla perfezione degli 

interpreti fino all’esplosione di 

dinamismo di She bangs, per 

festeggiare con Ricky Martin. 

PLAYLIST 

Don Quixote ............. Balletto Classico 

Cumbanchero ........ Rafael Hernandez 

Yeah 3x ............................... Chris Brown 

If I were a Boy ......................... Beyonce 

Single Ladies ............................ Beyonce 

Hero .................................Enrique Iglesias 

Mambo no 8 .......................Perez Prado 

Lola’s Mambo ........... Juan Luis Guerra 

Mas Que Nada .............Sergio Mendes 

Hips Don‘t Lie ............................Shakira 

On the floor .....................................J LO 

Santa Maria (Tango) ..Gotan Project 

Concierto de Aranjuez 

.......................................... Joaquin Rodrigo 

No Woman No Cry .........Bob Marley 

DJ Got us Fallin in Love Again 

.............................................................Usher 

Forget You ...................... Cee Lo Green 

Roxanne ............................................Sting 

Red Corvette ............................... Prince 

Purple Rain ................................... Prince 

She Bangs ...........................Ricky Martin 

DANZANO 

Marina Villanueva Arias (insegnante) 

Jesús Elías Almenares, 

Wuilleys Estacholi Silveira 

Dannys Gonzáles Medina, 

Juan Carlos Hernández Osma, 

Ariel Himeliz Mejca, 

Idania La Villa Palenzuela, 

Moisés León Noriega, 

Danilo Machado Meneses, 

Yuniet Meneses Solís, 

Yannier Oviedo Rivas, 

Yasser Pajares Rojas, 

Barbara Patterson Sánchez, 

Dayron Pérez Falero, 

Alejandro Pérez Fernandez, 

Lianett Rodriguez Gonzalez, 

Yasset Roldan Garciarena, 

Odeymis Torres Pérez, 

Jenny Sosa Martinez, 

Nadiezhda Valdes Carbonell 

BAND 

Osmar Salazar Hernandez (direttore 

musicale/basso), 

Tommy Garcia Rojas (tromba), 

Marcos Alonso Brito (chitarre), 

Luis Palacios Galvez (congas/percussioni) 

Carlos Gaytan Novoa (piano/tastiere) 

Rayner Lasserie Echegoy (batteria) 

Kristin Hosein (vocalist) 

Weston Foster (vocalist) 

23

LA SCUOLA 

DELLE MOGLI 

di Molière 

versione italiana di Giovanni Raboni 

scene di Jean-Marc Stehlé 

Catherine Rankl 

costumi di Catherine Rankl 

regia di Marco Sciaccaluga 

con Eros Pagni, Alice Arcuri, Roberto 

Alinghieri, Marco Avogadro, 

Massimo Cagnina, Pier Luigi Pasino, 

Roberto Serpi, Mariangeles Torres, 

Federico Vanni 

produzione 

Teatro Stabile di Genova 

Carlo Repetti (direttore) 

Marco Sciaccaluga (condirettore) 





durata 2h 30’ con intervallo 

mer 23 gennaio ore 20.30 turno PRI 

gio 24 gennaio ore 20.30 turno A 

ven 25 gennaio ore 20.30 turno B 

sab 26 gennaio ore 20.30 turno C 

dom 27 gennaio ore 16.00 turno D 





24 

EROS PAGNI RECITA 

MOLIÈRE Sommo e 

autorevole interprete: 

così Masolino D’Amico, critico 

de La Stampa definisce Eros 

Pagni, grande protagonista de 

La scuola delle mogli. Tutte 

le sue numerose ed eclettiche 

prove d’attore al Politeama 

Rossetti sono state lodevoli, 

ma in particolare dopo quelle 

recenti in Aspettando Godot 

di Beckett e – lo scorso anno 

– in Misura per Misura di 

Shakespeare, il pubblico dello 

Stabile lo attende con grande 

attenzione e altissime aspettative. 

Il personaggio che incarna 

in questa commedia, fu 

recitato dallo stesso Molière 

davanti a Luigi XVI e alla 

famiglia reale e da subito si 

rivelò per un ruolo capace di 

lasciare il segno, nell’immaginario 

del pubblico ma anche 

nella carriera di un attore. 


LA SCUOLA DELLE 

MOGLI Il personaggio 

di Arnolfo domina la commedia 

che Molière scrisse nel 

1662, vestendo di irraggiungibile 

vis comica un capolavoro 

di analisi psicologica e 

comportamentale che la società 

francese di allora in parte 

accolse sorridendo con complicità, 

in parte rifiutò duramente, 

accusando l’autore di 

oscenità. In effetti, Molière 

nell’opera prende di mira il 

compiacente perbenismo della 

società, racconta l’inesorabile 

contrasto fra i sogni individuali 

e il vero andamento 

della realtà venando probabilmente 

il copione di un certo 

autobiografismo. Attraverso 

Arnolfo infatti l’autore esorcizza 

un lato della propria 

vita di quarantenne, che 

proprio nello stesso anno del 

abbonamento prosa

debutto aveva preso in moglie 

la ventenne Armande Béjart, 

sorella – o forse figlia, addirittura 

– della sua amante 

Madeleine. 

LA SINOSSI Arnolfo, 

ricco borghese, è un 

uomo rigido e diffidente: 

soprattutto nei confronti 

delle donne e dell’istituzione 

matrimoniale. Guarda con 

disappunto i suoi contemporanei 

maritarsi con donne 

intelligenti e di spirito – un 

tratto attraverso cui Molière 

presagiva quel fermento intellettuale 

del mondo femminile 

che tanto avrebbe espresso 

dal Settecento in poi – e preferisce 

mirare a una moglie 

ingenua, addirittura ignorante. 

Una simile compagna lo 

proteggerà – confida all’amico 

Crisaldo, esterrefatto – da 

una moltitudine di menzogne, 

d’inganni e d’infelicità che 

provengono proprio dalla 

scelta di maritarsi con donne 

sbagliate. 

Allo stesso amico Arnolfo 

confida di aver trovato per sé 

una soluzione a tale problema: 

tredici anni prima, una 

madre tormentata da misere 

condizioni di vita, gli aveva 

infatti affidato la tutela di 

sua figlia, una bambina di 

allora quattro anni, ed egli 

l’ha chiusa in un monastero 

per farla crescere lontano 

dalle insidie della società e 

dalla tentazione corruttrice di 

ogni forma d’istruzione. Ora 

Arnolfo ritiene che sia giunto 

il tempo di sposare la giovane 

Agnès e la fa condurre in 

città. Non ha tenuto conto 

però che basterà lo sguardo 

di un giovane innamorato a 

risvegliare in Agnès natura, 

istinto, curiosità e perspicacia. 

L’innamorato in questio- 


ne sarà Orazio, figlio di un 

caro amico d’Arnolfo, appena 

giunto in città: il giovane 

– ignaro di chi sia il severo 

tutore dell’amata – trova in 

Arnofo un confidente e inconsapevolmente 

gli svela via via 

tutte le sue mosse con Agnès. 

Nonostante questo vantaggio, 

il naturale corso delle cose 

avrà la meglio sull’ostinazione 

del burbero Arnolfo, 

che si vedrà continuamente 

gabbato, fino a un’inattesa 

agnizione finale e alle conseguenti 

nozze felici fra Orazio 

e Agnès. 

IL REGISTA Marco 

Sciaccaluga, regista dello 

spettacolo, ha trasposto 

l’azione dal Seicento ai 

primi anni del Novecento «Ci 

è sembrato di leggere nella 

commedia l’esplicito rinvio a 

una realtà piccoloborghese e 

questo ci ha indotto a pensare 

a uno spazio che appartenesse 

soprattutto al tempo in 

cui la borghesia ha assunto 

uno specifico riconoscimento 

sociale. Poi tutto è venuto da 

sé, portando in primo piano, 

a sorpresa anche per noi, un 

clima da vaudeville cechoviano, 

in una scatola scenica che 

rinvia a un universo in cui si 

sente il profumo di baguette 

e il suono della fisarmonica, 

ma anche a piccole cose di 

cattivo gusto, a segreti nascosti, 

a orchi in agguato che 

cercano invano di condizionare 

lo sbocciare della natura. 

Ciò che veramente mi interessa 

è raccontare quella 

storia che Molière confina 

in un microcosmo privato, 

avendo però la capacità di 

farlo esplodere, in modo da 

investire anche la realtà contemporanea. 


LA SCUOLA 

DELLE MOGLI, 

UNA LUNGA QUERELLE 

«Dovrei mettermi in casa, io, una donna 

di spirito che non ha sulla bocca che 

la corte e i salotti, che scrive in versi e 

in prosa letterine galanti?»: questa è la 

domanda che si pone Arnolfo all’inizio 

della commedia La scuola delle mogli. 

Quest’opera, uno dei più grandi capolavori 

del drammaturgo francese per 

eccellenza, Molière, non appena apparve 

nei teatri parigini (1662) diede inizio ad 

una lunga battaglia tra l’autore e numerosi 

intellettuali e commediografi del 

periodo. 

La querelle nasce proprio da alcune 

delle frasi pronunciate dal protagonista, 

un uomo ormai anziano che educa la 

giovane Agnese col progetto di creare 

la moglie ideale; nel Seicento una presa 

in giro così esplicita dell’istituzione 

matrimoniale era giudicata scandalosa, 

e vista come un’immorale parodia dei 

comandamenti di Dio. 

Alle critiche per essersi ispirato ad 

opere come la novella di Scarron (La 

precauzione inutile) e alle accuse di 

oscenità, Molière risponde con una commedia: 

La critica della scuola delle 

mogli, nella quale precisa la sua poetica 

teatrale. Solo qualche mese dopo appare 

Zélinda o la vera critica della 

scuola delle mogli, replica di Donneau 

de Vise, uno dei suoi numerosi rivali. Tra 

questi si inserisce anche il drammaturgo 

Boursault, che nella sua Controcritica 

della scuola delle mogli inserisce una 

canzone esplicitamente derisoria di Molière 

e di sua moglie Madelaine Béjart; la 

risposta è la commedia L’improvvisazione 

a Versailles, una pungente messa 

in ridicolo della recitazione pomposa 

degli attori all’Hôtel de Bourgogne. 

La battaglia tra autori continua tra botta 

e risposta di commedie e critiche, giungendo 

al punto culminante in cui Montfleury, 

il direttore del teatro ridicolizzato 

da Molière, accusa quest’ultimo di 

aver sposato la sua stessa figlia, tuttavia 

lo scandalo viene messo a tacere dal re 

Luigi XIV. Dopo quasi due anni termina 

questa lunga disputa, con i versi di 

Nicholas Boileau, uno dei pochi che ha 

sempre sostenuto Molière, e che ne Le 

delizie della poesia galante loda La 

scuola delle mogli e il suo autore, vittima 

delle malignità di rivali invidiosi. 

Le numerose critiche non sono che una 

dimostrazione del grande successo riscosso 

dalla commedia sin dalla prima 

rappresentazione, grazie all’analisi di 

una società senza tempo che si inganna, 

credendo che regole inflessibili e 

dottrine possano reprimere gli istinti 

naturali di amore e libertà insiti nella 

natura umana. 

25

26 

SALA 

ASSICURAZIONI 

GENERALI 

ASPETTIAMO IL NATALE 

CON GLI ALPINI 

GISELLE ore 20.30 DANZA t. DAN 

TROVARSI 

ore 20.30 PROSA t. PRIME 

ore 16.00 PROSA turno E 

ore 20.30 PROSA turno A 

ore 20.30 PROSA turno B 

IL TEATRANTE ore 20.30 PROSA turno C 

SHREK, 

THE MUSICAL 

POOH 

IN CONCERTO 

BALLO 

AL SAVOY 

GALÀ 

ARTINSCENA 

ALDO, 

GIOVANNI 

E GIACOMO 

TOUR TEATRALE 

2012/2013 

34° FESTIVAL DELLA 

CANZONE TRIESTINA 

SETTE SPOSE 

PER SETTE FRADEI 


LO 

SCHIACCIANOCI 

ore 20.00 

ore 16.00 PROSA turno D 

ore 20.30 MUSICAL turno M 

ore 17.00 MUSICAL t. libero 

ore 20.30 MUSICAL turno O 

ore 16.00 MUSICAL t.FAM 

ore 20.30 MUSICAL turno N 

ore 16.00 MUSICAL turno P 

ore 21.00 EVENTI SPECIALI 

ore 20.30 

ore 20.30 




ore 20.30 

ore 20.30 



Dicembre 2012 

sabato 

1 

domenica 

2 

lunedì 

3 

martedì 

4 

mercoledì 

5 

giovedì 

6 

venerdì 

7 

sabato 

8 

domenica 

9 

lunedì 

10 

martedì 

11 

mercoledì 

12 

giovedì 

13 

venerdì 

14 

sabato 

15 

domenica 

16 

lunedì 

17 

martedì 

18 

mercoledì 

19 

giovedì 

20 

venerdì 

21 

sabato 

22 

domenica 

23 

lunedì 

24 

martedì 

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mercoledì 

26 

giovedì 

27 

venerdì 

28 

sabato 

29 

domenica 

30 

lunedì 

31 

ore 21.00 altri perc. 

ore 17.00 altri perc. 

ore 21.00 prosa BaA1 

ore 21.00 prosa BaPRI1 

ore 17.00 prosa BaE1 

ore 21.00 prosa t.libero 















SALA 

BARTOLI 

CRUCIFIGE 


calendario

SALA 

ASSICURAZIONI 

GENERALI 

CHRISTMAS 

WITH THE 

RAT PACK 

UTE LEMPER 

“LAST TANGO IN BERLIN” 

CYRANO DE 

BERGERAC 

SOCIETÀ 

DEI CONCERTI 

BALLET 

REVOLUCION 

SOCIETÀ 

DEI CONCERTI 

LA SCUOLA 

DELLE MOGLI 

Trieste a Teatro - dicembre ‘12/gennaio ‘13 

BUON ANNO TRIESTE ’13 



ore 16.00 MUSICAL t.FAM 




ore 20.30 PROSA t. PRIME 

ore 20.30 PROSA t. libero 

ore 20.30 PROSA t. libero 


ore 16.00 PROSA turno E 


ore 20.30 DANZA t. DAN 

ore 20.30 MUSICAL t. libero 




ore 20.30 PROSA t.PRIME 


ore 20.30 PROSA turno B 

ore 20.30 PROSA turno C 

ore 16.00 PROSA turno D 

Gennaio 2013 

martedì 

1 

mercoledì 

2 

giovedì 

3 

venerdì 

4 

sabato 

5 

domenica 

6 

lunedì 

7 

martedì 

8 

mercoledì 

9 

giovedì 

10 

venerdì 

11 

sabato 

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domenica 

13 

lunedì 

14 

martedì 

15 

mercoledì 

16 

giovedì 

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venerdì 

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sabato 

19 

domenica 

20 

lunedì 

21 

martedì 

22 

mercoledì 

23 

giovedì 

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venerdì 

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sabato 

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domenica 

27 

lunedì 

28 

martedì 

29 

mercoledì 

30 

giovedì 

31 

SALA 

BARTOLI 

27


info +39-040 -3593511 

DAL 10 MAGGIO 2013 

A TRIESTE! 

POLITEAMA ROSSETTI - TRIESTE 

SALA ASSICURAZIONI GENERALI

Con il successo di Ficarra&Picone, lo scorso 

19 novembre si è avviato al Politeama 

Rossetti una preziosa stagione di recital 

comici, che raggiungerà uno dei momenti 

più attesi fra il 21 e il 23 dicembre. 

Saranno di scena infatti tre grandi 

beniamini del pubblico, Aldo Giovanni e 

Giacomo, che in quest’occasione debuttano 

sul palcoscenico dello Stabile regionale, 

che li ospita in collaborazione con Azalea 

Promotion. 

Nuovo di zecca lo spettacolo di cui sono 

i protagonisti, e che arriva nei teatri 

italiani – presentato da Paolo Guerra 

per Agidi – a sette anni dal successo 

di Anplagghed, lo spettacolo dal 

vivo campione assoluto di incassi per la 

stagione teatrale 2005/2006, e dopo il 

successo cinematografico nel 2010 con 

La Banda dei Babbi Natale 

(biglietto d’oro 2011). 

Ancora una volta hanno scelto di affidare 

la regia del loro attesissimo ritorno ad 

Arturo Brachetti, il più grande trasformista 

del mondo, che già li ha diretti ne I Corti 

(1995), in Tel chi el Telun (1999) e 

in Anplagghed (2005). Squadra che 

vince non si cambia, dunque e il sodalizio 

fra Aldo, Giovanni e Giacomo è già fra 

i più solidi: pochi comici negli ultimi 

dieci anni hanno saputo inventare un 

linguaggio umoristico più felice, originale 

e amato. 

Formatisi come “trio” nel 1991, sono 

accomunati da una visione vivace e 

semplice della comicità, espressa attraverso 

irresistibili sketch, che sono sempre base 

della loro struttura, e per mezzo di un 

equilibrato ed efficace connubio tra l’immediatezza 

della battuta verbale e l’abilità 

mimica. Una comicità che – come si è già 

accennato – travalica con immutato successo 

i confini del palcoscenico per trovare 

nuovi ma coerenti strumenti espressivi al 

cinema, in televisione (da Mai dire 

news 

Finale d’anno all’insegna della comicità con il celebre trio siciliano 

Si ride con Aldo Giovanni & Giacomo 

Ancora pochi biglietti disponibili per lo spettacolo in scena dal 21 al 23 dicembre 


gol a Il circo di Paolo Rossi, al 

successivo Che tempo che fa dove 

erano ospiti fissi nel 2009) e recentemente 

anche nell’editoria che ha visto ben 

accolti i cofanetti di Anplagghed e 

de II meglio di Aldo Giovanni 

e Giacomo - televisione, teatro, 

cinema: 3 dvd e un libro firmato da 

Maurizio Porro. 

29

Giampiero Solari 

dirige “Steve Jobs” 

L’atteso monologo sarà alla Sala Bartoli dal 5 febbraio 

Si completa la squadra creativa de Il 

tormento e l’estasi di Steve 

Jobs, spettacolo di produzione dello 

Stabile regionale che porterà in scena 

– per la prima volta in Italia – un 

interessantissimo testo dello scrittore 

statunitense Mike Daisey. Al già annunciato 

il protagonista – Fulvio Falzarano 

– si aggiunge ora il nome di Giampiero 

Solari. Una figura importante nel teatro 

contemporaneo, che ha firmato dagli anni 

Novanta ad oggi alcuni dei maggiori 

successi comici e non solo del panorama 

teatrale italiano. 

Affascinato dal testo e dal progetto, Solari 

mette a disposizione dello Stabile la sua 

esperienza per indagare – attraverso le 

parole di Daisey e il talento di Falzarano 

– l’icona di Steve Jobs nelle sue luci e 

nelle ombre. Un tipo di teatro che si fa 

strumento di discussione viva e che ha 

suscitato reazioni polemiche cui sia la 

Apple che l’autore hanno dovuto rispondere. 

Daisey è un convinto “seguace del culto 

di Mac”: ripercorre entusiasta i traguardi 

30 

di Jobs esternando – in un divertente 

contrappunto – le sue (e nostre) smanie 

per ogni creazione con la “mela”. Dietro 

il successo però c’è altro. L’assemblaggio 

dei nostri preziosi computer avviene a 

Shenzen, in fabbriche dove non esistono 

diritti degli operai, dove piccole mani di 

dodicenni puliscono i vetri degli iPhone 

con una sostanza tossica... Fabbriche dove 

in nome del profitto 430.000 operai sono 

trattati da “ingranaggio umano” e dove 

il problema dei suicidi dei lavoratori 

si è affrontato installando reti sotto i 

capannoni. La denuncia di Daisey incide 

con rigore giornalistico, ma anche con 

sapiente uso della scrittura per la scena, 

lasciando spazio a momenti di leggerezza 

e di forte coinvolgimento. 

Da segnalare – per accondiscendere ad 

esigenze tecniche – uno slittamento della 

data del debutto dello spettacolo che non 

avverrà più il 29 gennaio, come inizialmente 

annunciato, ma martedì 5 febbraio. 

Le biglietterie del Politeama Rossetti 

forniranno tutti i dettagli al pubblico. 

inbreve 

I POOH RITORNANO 

AL ROSSETTI 

LUNEDÌ 17 DICEMBRE 

Appuntamento da non perdere, il 

17 dicembre, per i fan dei Pooh: in 

collaborazione con Azalea Promotion 

lo Stabile regionale offre una serata 

davvero speciale in cui il gruppo 

sarà in concerto per la prima 

volta accompagnato dalla Ensemble 

Symphony Orchestra, diretta dal 

maestro Giacomo Loprieno. 

Una dimensione nuova per il leggendario 

gruppo che si è preparato 

alla tournée – destinata a fare 

tappa nei maggiori teatri italiani 

– incidendo intanto un album che 

vede Roby, Dodi e Red al lavoro 

insieme a Danilo Ballo (che sta 

curando gli arrangiamenti), a Phil 

Mer (alla batteria) e la grande 

orchestra. 

«Per il titolo del disco non potevamo 

non utilizzare la parola “opera”, 

perché è proprio di questo che si 

tratta» raccontano Roby Facchinetti, 

Dodi Battaglia e Red Canzian. «È 

un progetto “veramente speciale“, 

artisticamente stimolante e per 

noi assolutamente unico… è facile 

immaginare quanto lavoro ci sia 

per inserire una grande orchestra 

all’interno di un “suono” così 

definito e “solido” come quello dei 

Pooh. Nel 1971 abbiamo pubblicato 

un disco che si intitolava Opera 

Prima (il nostro primo album 

con la CGD), nel 2012 pubblichiamo 

Opera Seconda». 

ilRossetti news

È nato in Friuli Venezia Giulia 

il movimento 1% per la cultura 

Teatri e associazioni uniti per chiedere una revisione dei tagli annunciati 

È una legge finanziaria con la scure 

quella che, per il 2013, rischia di 

abbattersi sul reparto culturale della 

Regione Friuli Venezia Giulia. Pesanti 

tagli sono infatti stati annunciati nelle 

ultime settimane dall’Assessore regionale 

alla cultura Elio De Anna: tagli 

del 64% sulla spesa culturale del FVG, 

con un bilancio 2013 che potrebbe 

passare dai 34,3 milioni complessivi a 

disposizione del 2012 a 12,5 milioni 

per l’anno in arrivo. 

La gravità della manovra 

annunciata ha determinato 

l’immediata mobilitazione 

di tutte le organizzazioni 

e le realtà che operano 

nel settore culturale del 

Friuli Venezia Giulia dove 

le associazioni a tabella 

rischiano l’azzeramento e 

gli enti primari un taglio 

lineare al 50%, fatti che 

determinerebbero l’inevitabile 

collasso di un 

intero sistema. 

Dal 19 novembre si è 

aggregato - con l’obiettivo 

comune di fermare 

i tagli ma anche per 

condividere con urgenza 

gli obiettivi sottoscritti 

in un documento unico 

che chiede nuove regole 

e strumenti per la razionalizzazione 

del sistema culturale in Friuli Venezia 

Giulia - il Movimento 1% per una 

nuova pagina della cultura in FVG a 

cui in queste ore stanno aderendo 

i teatri, i festival culturali, cinematografici 

e musicali, le associazioni 

culturali e dello spettacolo dal vivo. 

L’1% è la percentuale di risorse, 

sul totale del budget della Regione 


Friuli Venezia Giulia, che il neonato 

Movimento auspica possa essere messa 

a disposizione di un settore strategico 

per la vita sociale come quello della 

cultura. 

Il Movimento ha tenuto il 30 novembre 

scorso, al Visionario di Udine, 

un’assemblea aperta al pubblico per 

informare l’opinione pubblica sulla 

situazione e le conseguenze che i 

pensati tagli determinerebbero sulla 

vita culturale della nostra Regione. 

MOVI 

MEN 

TO 1% 

PER LA 

CU LTU RA 

IN FVG 

Ad oggi aderiscono al Movimento 

1%: 

ARTS Associazione Regionale Teatri e 

Spettacolo del FVG a.Artistiassociati 

Impresa di produzione Teatrale – 

Circuito Regionale Danza; C.T.A. Centro 

Teatro Figura e Animazione; CSS Teatro 

stabile di innovazione del FVG; Ente 

Regionale Teatrale del FVG; Il Rossetti 

Teatro Stabile del FVG; La Contrada 

Teatro Stabile di Trieste; Teatro 

Miela coop. Bonawentura; Teatro 

Stabile Sloveno; Teatro Comunale 

di Monfalcone con Teatro Verdi – 

Gorizia; C.E.C. Centro Espressioni 

Cinematografiche/Far East Film 

Festival; Cinemazero; Cineteca del 

Friuli; Le Giornate del Cinema 

Muto; Cappella Underground/ 

ScienceplusFictionFilm Festival; Alpe 

Adria Cinema/Trieste Film Festival; 

Associazione Maremetraggio; 

Premio Amidei; 

Palazzo del cinema 

di Gorizia; Chamber 

Music; Associazione 

Euritmica; Fondazione 

Luigi Bon; Nei Suoni 

nei Luoghi; Civica 

Accademia d’Arte 

Drammatica Nico Pepe; 

Teatro Club Udine; 

AssociazioneThesis/ 

Festival Dedica; 

Associazione Onde 

Mediterranee; 

Associazione Anno 

uno/Festival I mille 

occhi; Vicino/lontano 

Associazione culturale. 

Le adesioni al movimento 

sono comunque 

aperte ai soggetti culturali 

che non hanno 

ancora aderito. 

Alla manifestazione di Udine l’Assessore 

De Anna ha annunciato un 

alleggerimento del pesante taglio, 

grazie al reperimento di ulteriori 

risorse, non ancora sufficienti però 

a garantire il livello di finanziamenti 

assegnati nell’anno 2012. La 

finanziaria regionale sarà approvata 

in aula prima di Natale. 

31

Il Danceproject Festival 

dedicato a Lucia Joyce 

Appuntamento alla Sala Bartoli il 28 dicembre 

Lucia Joyce, figlia di James Joyce, nasce 

a Trieste il 26 luglio, del 1907. Viene 

ricoverata come malata di mente in 

diverse cliniche psichiatriche, dove muore 

ormai ottantenne, in Svizzera. 

Lucia inizia a danzare giovanissima e 

quando la sua famiglia si trasferisce a 

Parigi incontra e lavora con i grandi 

danzatori e coreografi dell’epoca. Per 

un breve periodo si fidanza con Samuel 

Beckett e respira l’atmosfera culturale 

di quegli anni. 

La sua danza segue lo stile modernista 

che prelude al nostro contemporaneo, 

ma la famiglia la ostacola nelle sue 

aspirazioni e la difficoltà a comunicare 

sia con il padre, che pure adora, sia con 

la madre, crea in lei grande insicurezze 

che sfociano in una instabilità psichica. 

Il suo male di vivere ha radici profonde, 

la sua solitudine esistenziale diventa per 

32 

lei insopportabile e il confronto con la 

figura paterna sempre più difficile… 

Nello spettacolo, nella nuda stanza di 

una clinica, Lucia Joyce ripercorre la 

sua vita e il suo amore per la danza. 

In scena un’attrice e una danzatrice con 

due differenti linguaggi – quello della 

danza e quello del teatro - svelano il 

mondo interiore di una donna che non 

ha mai potuto esprimersi in tutta la sua 

pienezza, il cui palpito di vita è rimasto 

soffocato, “senza respiro” appunto. 

Il testo originale è dello studioso Erik 

Schneider, la regia di Valentina Magnani, 

le interpreti sono Daniela Gattorno e 

Lorenza Masutto. 

Lo spettacolo, prodotto dall’ACTIS di 

Trieste, è il terzo appuntamento della X 

edizione del Danceproject Festival, che va 

in scena grazie al sostegno della Regione 

FVG alla Sala Bartoli il 28 dicembre. 

inbreve 

RITORNA IL PREMIO 

ARTINSCENA 

Ritorna il 19 dicembre il Premio 

Artinscena: in scena la FVG Mitteleuropa 

Orchestra diretta da Romolo Gessi, 

sulle cui note si esibiranno gli 

allievi dell’Accademia Internazionale 

Artinscena di Trieste, seguiti dall’insegnante 

Franca Desinio, su coreografia 

di Luigi Martelletta. Insieme a loro 

il grande ballerino di tango Miguel 

Angel Zotto con la compagnia “Tango 

por Dos” e il gruppo di flamenco 

di Elisabetta Romanelli. Alla serata 

prenderanno parte anche Tania Polla, 

Lucilla Spini, Andrea Binetti, Stefania 

Seculin, Marzia Postogna, Massimo Froli, 

Leonardo Zannier e l’étoile internazionale 

Raffaele Paganini. 

FESTIVAL DELLA 

CANZONE TRIESTINA 

IL 27 DICEMBRE 

Ritorna l’annuale evento canoro con la 

musicalità triestina che rinverdisce lo 

storico Concorso della Canzone Triestina 

d’Autore approdato al Rossetti nel 

lontano 1893 per lanciare nel tempo 

popolarissimi motivi come “Trieste mia” 

o “Canta San Giusto”. Questo 34.o 

Festival della Canzone Triestina presenterà 

12 nuovissime composizioni con 

brani ispirati alla tradizione e molti 

legati ai generi d’oggi tra linee “dance” 

e d’attualità. Dalle esibizioni in Zelig 

Lab e Colorado Lab sarà inoltre ospite 

il cabarettista-rivelazione Terenzio 

Traisci, finalista all’Italia’s Got Talent. 

Il Festival Triestino si svolgerà con la 

direzione artistica di Fulvio Marion, la 

collaborazione dell’Associazione M.E.T.A. 

Turisti, l’adesione dei Lions di Trieste 

che - per l’elevato impegno sociale 

- riceveranno l’annuale “Premio 

Triestinità”, riconoscimento di merito 

già conferito a Daniela Mazzucato, a 

Teddy Reno e a Lelio Luttazzi. 


newsdalmondo 

ROMAMILANOLONDRANEWYORKVIENNA 

IL CIRQUE 

DU SOLEIL 

PER JACKSON 

MILANO - Il tour mondiale dello 

show del Cirque du Soleil Michael 

Jackson THE IMMORTAL arriva 

in Italia a febbraio, dopo aver toccato 

con grande successo le più grandi città 

del mondo. Il mega tributo della celebre 

compagnia canadese sarà a Torino il 19 

febbraio e Milano al Forum di Assago il 

23 febbraio. 

BLAM, L’UFFICO 

PIù PAZZO 

DEL MONDO 

COPENAGHEN - Sta conquistando 

il pubblico e la critica danese uno degli 

spettacoli più originali visti sui palcoscenici 

europei nelle ultime stagioni: si tratta di 

Blam, originale mix di circo, clownerie, 

teatro fisico realizzato dalla compagnia 

islandese Neander. Un gruppo di impegati 

annoiati ammazza la routine dell’ufficio 

mettendo in scena spezzoni di celebri film, 

da Die Hard a Rambo, passando 

per ET e Il Padrino. Lo spettacolo è 

in scena al Republique di Copenaghen fino 

al 1° dicembre. 

LES MISÉRABLES 

ARRIVA 

AL CINEMA 

LOS ANGELES - C’è grande attesa 

per il debutto cinematografico del musical 

Les Misérables di Alain Boublil e 

Claude-Michel Schönber: negli Stati Uniti 

il film, diretto da Tom Hooper e interpretato 

tra gli altri da Hugh Jackman, 

Anne Hathaway e Russel Crowe, uscirà il 

giorno di Natale. I fan italiani del musical 

prodotto da Cameron Mackintosh dovranno 

invece aspettare fino al 31 gennaio. 


L’URAGANO 

SANDY NON 

RISPARMIA 

I TEATRI NEWYORKESI 

NEW YORK - Il devastante uragano 

Sandy che ha recentemente colpito la 

costa orientale degli Stati Uniti non ha 

risparmiato neanche il mondo del teatro: 

parecchie realtà newyorkesi hanno dovuto 

sospendere l’attività per parecchie settimane, 

e altre hanno subito gravi danni ai 

propri magazzini. Tra queste la New York 

City Opera e la Martha Graham Dance 

Company, che ha subito l’allagamento del 

proprio archivio storico e del magazzino 

dei costumi. I danni ammontano a svariate 

decine di migliaia di dollari. 

UN NUOVO 

SPREGELBURD 

PER RONCONI 

MILANO - Debutterà il 15 gennaio 

2013 al Teatro Strehler di Milano, la nuova 

produzione del Piccolo Teatro diretta da 

Luca Ronconi: dopo La Modestia (che 

arriverà al Rossetti dal 5 al 7 aprile) 

il regista affronterà un’altra opera del 

regista argentino Rafael Spregelburd, Il 

Panico, secondo episodio dell’eptalogia 

ispirata alla Ruota dei Sette Peccati 

Capitali di Bosh. 

IL MUSICAL DI 

CINDY LAUPER 

A BROADWAY 

NEW YORK - C’è grande attesa per 

il debutto a Broadway del primo musical 

di Cindy Lauper, la cantante americana 

autrice di numerose hit tra le quali True 

Colors. Ispirato al film Kinky Boots 

(Decisamente diversi), lo spettacolo inizierà 

le preview a Broadway il 3 marzo 2013 

dopo un tryout di successo a Chicago. 

THE BODYGUARD 

DIVENTA 

UN MUSICAL 

LONDRA - Debutta il prossimo 5 

dicembre all’Adelphi Theatre di Londra 

il musical The Bodyguard, tratto 

dal film che consacrò il successo di 

Whitney Houston. Lo spettacolo è 

prodotto da David Ian (di cui abbiamo 

visto al Rossetti Cats, Chicago 

e Grease) e da Michael Harrison 

(che a Trieste ha portato Chess). 

Protagonista dello spettacolo sarà l’attrice 

americana Heather Headley. 

PRISCILLA IN TV, 

A MILANO E A ROMA 

MILANO - È tornato in scena a 

Milano, al Teatro degli Arcimboldi, il 

musical Priscilla la regina del deserto, 

in cartellone anche al Rossetti di 

Trieste dal 10 maggio 2013. Il cast 

dello spettacolo è stato nell’occasione 

ospite di numerose trasmissioni 

televisive e resterà in scena nel capoluogo 

lombardo fino al 31 dicembre 

prossimo, prima di trasferirsi al Teatro 

Brancaccio di Roma, dove debutterà 

il 24 gennaio. Trieste sarà dunque la 

terza e ultima tappa del tour 2013. 

UN INEDITO 

DI ALAN BENNET AL 

NATIONAL THEATRE 

LONDRA - È in repertorio fino 

al 2 aprile al National Theatre di 

Londra People, la nuova pièce del 

commediografo inglese Alan Bennet: lo 

spettacolo, diretto da Nicholas Hytner, 

ha ottenuto notevoli consensi di critica 

grazie anche alle magistrali prove di 

Francis De La Tour e Selina Caddel. 

a cura di Stefano Curti 

33

A Natale regala 

le Stelle del Rossetti 

Ritorna l’abbonamento-strenna in 4 “formati” 

Le stelle di Natale 2012 

Stelle SMALL 6 stelle € 64,80 

Stelle MEDIUM 9 stelle € 97,20 

Stelle LARGE 12 stelle € 129,60 

Stelle UNDER 26 12 stelle € 84,00 

Sei già abbonato al Rossetti? 

Regala a un amico un abbonamento “Stelle di Natale 2012”, 

potrai ricevere subito per te un biglietto cortesia (2 euro) 

per uno degli spettacoli in programma a dicembre se acquisti 

uno SMALL, un MEDIUM, o un UNDER 26, 

oppure un abbonamento 12 stelle al prezzo di 24 euro 

se acquisti un LARGE. 

Ritorna anche quest’anno il tradizionale 

abbonamento strenna natalizio, in 4 diversi 

formati: SMALL (6 stelle), MEDIUM (9 stelle), 

LARGE (12 stelle) e UNDER 26 (12 stelle), 

a prezzi compresi tra i 64,80 euro e i 

129,60 euro. 

Quest’anno l’abbonamento è accompagnato 

da un regalo a tutti coloro i quali hanno 

già sottoscritto uno o più abbonamenti 

alla stagione del Teatro Stabile: acquistando 

un abbonamento stelle SMALL, MEDIUM o 

UNDER 26 sarà messo a disposizione un 

biglietto cortesia (al prezzo di 2 euro) per 

assistere a uno degli spettacoli in program- 

34 

ma nel mese di dicembre. Chi acquista 

invece un abbonamento Stelle LARGE avrà 

la possibilità di acquistare un ulteriore 

abbonamento 12 stelle all’incredibile prezzo 

di 24 euro. Gli abbonamenti saranno in 

vendita (anche online) fino a domenica 

23 dicembre e potranno essere utilizzati 

per tutti gli spettacoli in cartellone per i 

quali è previsto l’utilizzo delle stelle con le 

stesse modalità degli abbonamenti venduti 

a inizio stagione. Per maggiori informazioni 

è possibile rivolgersi alla biglietteria 

del Rossetti o a uno dei punti vendita 

convenzionati. 

PROSSIMAMENTE AL ROSSETTI 

John Osborne 

Ricorda con rabbia 

1-3 febbraio 2013 

Momix 

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Periodico del Teatro Stabile 

offerta valida esclusivamente per gli abbonamenti 

sottoscritti del dal Friuli 6 al 23 dicembre Venezia 2012. Giulia 

Gli abbonamenti con le stelle sono soggetti 

alle condizioni di vendita pubblicate nel 

depliant della stagione redazione 

2012-13. 

Il biglietto cortesia al prezzo di 2 euro 

deve essere Largo richiesto Giorgio e acquistato Gaber, 1 

contestualmente all‘acquisto dell‘abbonamento 

SMALL, MEDIUM 34126 e UNDER Trieste 26. 

L‘abbonamento al prezzo di 24 euro 

deve essere richiesto e acquistato 

contestualmente tel. all‘acquisto 040-3593511 

dell‘abbonamento 

LARGE 

e potrà essere intestato fax 040-3593555 

esclusivamente al titolare di un abbonamento 

alla stagione 2012-13 diverso da quello 

dell‘abbonamento www.ilrossetti.it 

“STELLE DI NATALE 2012”. 

info info@ilrossetti.it 

040 -3593511 

www.ilrossetti.it Anno XXI - numero 214 

1 dicembre 2012 

Aut. Tribunale di Trieste n° 846 

del 30.7.1992 

stampa 

Opera Villaggio del Fanciullo 

Tipografia, Trieste 

Imperial Ice Stars 

Swan Lake 

On Ice 

26 febbraio-3 marzo 

direttore responsabile 

Stefano Curti 

testi di Ilaria Lucari 

redazione 

Greta Petronio 

Martina Steffinlongo 

Frankenstein Jr 

Il Musical 

20-24 marzo 2013 


ci sono infiniti modi 

di essere presenti 

sulla scena. il nostro, 

storicamente, sta nel fare 

che ciò accada. molto, 

molto prima che il sipario 

si alzi generali è lì. 

Generali. dove c’è arte.

la cultura, 

quasi un processo di “geminazione” 

Leggere un libro. Visitare una mostra. Ascoltare un concerto. 

Raramente si pensa che si tratta di autentici “privilegi”: oggi condivisi 

da molti, ma ancora (anche se può apparire strano) preclusi ai più. 

La cultura, per progredire, richiede continue “chiavi di accesso”. 

Dalle più elementari (come il saper leggere) ad altre più so sticate, 

che la cultura stessa, quasi per “geminazione”, crea di continuo. 

Chiavi che ci consentono di scrutare orizzonti sempre più affascinanti 

e impegnativi (percepire l’enigma di una statua greca, di un quadro 

astratto o di un brano musicale, al di là della mera contemplazione). 

Chiavi che durano per sempre. Che af nano gusto e capacità di giudizio. 

Che non possiamo smarrire e che nessuno ci potrà mai rubare. 

Che potremo condividere e scambiare con altri. 

La cultura, innegabile segno di benessere sociale. Ma anche 

matrice di autentica felicità individuale. 

Ci sono in niti buoni 

motivi per incoraggiare 

e sostenere la cultura 

in tutte le sue 

migliori espressioni. 

La Fondazione 

lo crede da sempre. 

il colore del benessere sociale

dicembre 2012/gennaio 2013 - Il Rossetti

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