Lola Italiana - Teatro Out Off

Progetti speciali

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Programma
7 e 8 maggio
Violet
di Carro del Teatro Nuovo
con Marianna Troise, Elena Papulino,
Enzo Iorio, Riccardo Veno,
Paola De Crescenzo e Ornella Vinti
Coreografia Marianna Troise
11 e 12 maggio
Shangai Neri
di Parco Butterfly
con Julia Anzilotti, Roberta Gelpi,
Francesco Recami, Marinella Salerno
e Virgilio Sieni
Coreografia Virgilio Sieni
13-15 maggio
Lontani dal Paradiso
di Antonio Syxty
Collaborazione Drammaturgica
Giuliano Corti
con Paolo Cosenza, Paola Nervi,
Lorenzo Loris
Decorazioni auto Milo Sacchi
Decorazione pavimento Mino Bertoldo
Tema musicale originale Andrea Libretti
Sonorizzazione Hubert Westkamper
Consulenza luci Gigi Saccomandi
Regia Antonio Syxty
14 e 15 maggio
Esercizi
con Enzo Cosimi e Tere O’Connor
Musiche originali Diane Martel
e Pierluigi Castellano
Disegno luci Stefano Pirandello
Coreografia e regia
Enzo Cosimi e Tere O’Connor
18 e 19 maggio
I brandelli della Cina
che abbiamo in testa
di Albe di Verhaeven
con Ermanna Montanari, Luigi Dadina,
Giuseppe Tolo, Marco Martinelli Gabrieli
e Roberto Barbanti
Testo e regia Marco Martinelli Gabrieli
21 e 22 maggio
Codice
di Krypton
con Gianni Balsamo, Alessandra Petitti
e Monica Salvi
Regia Giancarlo Cauteruccio
Violet: «(…) La danzatrice che apre il suo
Violet raccoglie gioiosamente grappoli di ciliege.
E ripete questo suo gesto bucolico alla
fine, quando un'immagine forte e ironica compare
a siglare tutto il cammino compiuto nello
spettacolo. È una figura statuaria, rigonfia di
costumi indossati uno sull'altro - e potrebbe
essere Isadora Duncan - che si accascia a
terra stremata, esangue mentre una nevrotica
insegnante di danza tedesca ripete, in
tedesco, che quella sarà "la sua ultima danza".
Metaforicamente, Marianna Troise vuole rappresentare
la fine di un'epoca che corre sul
crinale pre e postbellico. Ma c'è dell'altro nel
suo spettacolo colorato, caldo. C'è un gruppo
di allievi (bravissimi tutti gli interpreti) che
nella scuola della schizzante maestra tedesca
si diverte, soffre e teme la guerra. Ci sono
mille sfumature alcune insistite altre potenzialmente
intense. Violet, del resto, è un profumo
misto. La sua essenza di base è la morbidezza
(…)».
Marinella Guatterini
da "l'Unità", 10 maggio 1987
Shangai neri: «(...) Shangai è un antico e celeberrimo
gioco da condursi con bastoncini e
assai difficile perché esige riflessi pronti e
dura attenzione. L'aggettivo neri, nel caso, è
Sussurri o Grida
Movimenti nel nuovo teatro italiano
Quarta edizione
con il contributo del Comune di Milano Settore Cultura e Spettacolo,
Eti Ente Teatrale Italiano
dal 7 al 22 maggio 1987
accoppiato perché ad attendere al gioco sono
degli attori ciechi, con dei grandi occhiali
neri, i quali con il loro udito straordinario e
la loro acuita sensibilità percepiscono i movimenti
dei bastoncini (...). Sfuggendo a una
vera trama narrativa, Shangai neri è uno di
quegli spettacoli che si presentano come un
coacervo di invenzioni e di umori, come uno
sfaccettato prisma in cui anche la danza, una
danza molto libera, vi fa capolino ma come
riportata ad uno stato di dilatazione. Uno
spettacolo, a ben vedere, di rifiuto e contrapposizione,
derisorio e pietoso, ascetico e a
suo modo sognatore, "crudele" comunque per
lo sconvolgimento che arreca all'ordine costi-
Albe di Verhaeven in I brandelli della Cina che abbiamo in testa
1986.1987

tuito e proprio per questo pronto a comunicarci
dei bizzarri "frisson" anche se ancora
gli manca una vera unità di stile (...)».
Domenico Rigotti
da "Avvenire", 14 maggio 1987
Esercizi: «(...) Inghiottiti ed espulsi dall'oscurità
a tempi alterni, Cosimi e O'Connor
sezionano la realtà a passi di danza
scomponendola in catene di movimenti, isolando
la pantomima degli atti quotidiani in
quadri rapidi e precisi. Tra una dissolvenza
e l'altra s'insinuano gli scherzi quasi cinematografici
del ralenti e dell'accelerazione:
l'essere umano sdoppiato è ripreso alla
moviola in posizioni che si sgranano gesto
dopo gesto o si inseguono rapidissime, come
dentro una vecchia comica rivista col
filtro dell'ironia. Così quelli che in apparenza
sono soltanto esercizi di stile si trasformano
in messaggi gelidi, inquietanti, ammorbiditi
appena dalla complicità del silenzio
(...)».
Beatrice Masini
da "il Giornale", 16 maggio 1987
Codice: «(...) La ragnatela di immagini e
spazi intessuta dai segnali luminosi è l'esca
Parco Butterfly in Shangai Neri
intrigante che trascina i tre protagonisti in
questo viaggio in cui cercano di sostenersi
reciprocamente. Adesso si infittisce e si
anima: il motore di un elicottero, gli "spari"
accecanti del laser e i tre che si dimenano
in una prospettiva di linee mossa dal palpito
di un cuore tecnologico. L'odissea (o il
naufragio?) dei tre prosegue sostenuta
dalle sonorità di un sintetizzatore esuberante.
Citazioni di architetture barocche e
costruzioni avveniristiche appiattiscono la
scena, ne allargano la cornice usuale e si
sovrappongono come su un foglio. I tre combattono
con la consistenza palpabile del raggio
verde (sembra un ventaglio, una superficie
solida capace di cambiare forma): braccia,
teste, gambe e mani sbucano e risalgono
in superficie come sullo specchio immobile
di uno stagno. Poi le superfici dei triangoli
luminosi si allargano, ricongiungendosi
e formando l'imbuto che cala sulla platea. Le
pareti di questa galleria si stringono: il
gioco si fa un po' claustrofobico, ma, niente
paura, è tutto programmato: il codice è fatto
di numeri, l'unica lingua che il computer è
in grado di comprendere».
Giampaolo Spinato
da "il Giornale", 23 maggio 1987
Enzo Cosimi e Tere O’ Connor in Esercizi
167

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Programma
Sezione poesia
a cura di Milo De Angelis
15 ottobre
Nadia Campana e Marco Molinari
16 ottobre
Ivano Fermini e Giovanna Sicari
17 ottobre
Giusi Busceti e Marco Tornar
Letture di: Cristina Alziati, Mino Bertoldo,
Giosé Bonucci, Claudia Botta, Milo De
Angelis, Giovanni Turci, Luigia Sorrentino
Sezione teatro danza
a cura di Marinella Guatterini e Oliviero
Ponte di Pino
dal 21 al 25 ottobre
La crociata dei bambini
e
Miracolo della Rosa
di Danio Manfredini
Collaborazione Andrea Mazza
Regia e interpretazione Danio Manfredini
dal 28 al 30 ottobre
Svelando
di Trifase
Interpreti Cecilia Gallizia, Jutta Joksch-Bell,
Flavia Marini e Claudia Mizrahi
Coreografia Cecilia Gallizia
Circa Dracula
di Trifase
Interpreti Barbara Bianchin,
Marta Boschetti, Susanna Cerutti,
Cecilia Gallizia, Flavia Marini,
Claudia Mizrahi e Donata Zocca
Coreografia Cecilia Gallizia
31 ottobre e 1 novembre
Sonja
di Trifase
Interpreti Susanna Cerutti, Cecilia Gallizia
e Claudia Mizrahi
Coreografia Cecilia Gallizia
Sezione Drammaturgia
a cura di Ettore Capriolo con il patrocinio
della Civica Scuola d’Arte Drammatica
Paolo Grassi
dal 3 all’8 novembre
Viaggi Interrotti
di Sabrina Mancini
con Paola Salvi e Mauro Malinverno
Musiche originali Philippe Bodin
Regia Cristina Pezzoli
Contatto
di Paola Galassi
con Paola Bigatto, Paola Bonesi
e Cristina Sanmarchi
Regia Paola Galassi
dal 10 al 15 novembre
Chimica Alchemica
di Marta Conti
con Tommaso Ragno, Bruna Rossi
e Michele Rovini
Regia Marta Conti
dal 17 al 22 novembre
T’as vu Françoise
di Roberto Petrolini
Collaborazione alla regia
Danielle Maxent e Massimo Polledri
diretto e interpretato da Roberto Petrolini
Omini
di Pietro Farneti e Renato Gabrielli
con Pietro Farneti, Renato Gabrielli,
Massimiliano Speziani e Cristina Terzoli
Regia Pietro Farneti
Limitrofie
Quinta edizione
con il contributo del Comune di Milano Settore Cultura e Spettacolo,
Comune di Milano Zona 20
Dal 15 ottobre al 21 novembre 1987
Danio Manfredini in La crociata dei bambini
1987.1988

«Voglio innanzitutto ringraziare gli amici, i
giovanissimi amici del teatro Out Off. So che
in molti si sono chiesti come mai io, Testori,
abbia accettato il loro invito. Il tempo tuttavia
prova che non sono solo gli estremi ogni
tanto, o quasi sempre, si toccano, ma che
quelli che si pensavano essere estremi opposti,
in verità, crollati certi equivoci, si rivelano
cammini e bisogni paralleli. Ho conosciuto
questi amici qualche mese fa, in occasione
di un convegno e, improvvisamente, ci siamo
sentiti toccati reciprocamente: io dalle loro
parole, loro, immagino, un po’ dalle mie. Abbiamo
capito che avevamo punti comuni e
abbiamo continuato a vederci. Poi m’hanno
chiesto se me la sentivo di tenere un ciclo di
conversazioni come questa, se avevo qualche
cosa da dire. Io qualche cosa da tentare di
dire ce l’ho. E allora eccoci qui, in questo spazio,
in questo teatro che è quello che io desidererei,
per come amo il teatro. Ho bisogno
di una totale nudità. Il luogo teatrale che
amo non ha niente a che vedere con il teatro
di oggi. È un luogo che si inventa ex novo,
ma appoggiandosi su una lontanissima tradizione.
E l’esito è appunto la spoliazione del
teatro. (…) Il teatro - quando vive veramente
e non quando viene fatto sopravvivere forzosamente
- non è nato per essere un’illustrazione
di ciò che è stato, o un’esercitazione
che si presume debba essere, è nato ed è
sempre vissuto, nei momenti in cui è stato se
stesso, per essere un atto estremo. Un atto
senza il quale la vita dell’uomo non manca
tanto di un luogo di conservazione del teatro,
o dei suoi testi, ma manca di qualcosa
che riguarda proprio la vita, che riguarda la
totalità terribile, che riguarda la tragedia e
la gloria dell’esistere umano».
Giovanni Testori
«(…) Un po' per giocarsi la sua perenne battaglia
contro "l'orgoglio", un po' per spiegare
come un autore di teatro di parola come lui
abbia scelto proprio la sede di un teatro
immagine per parlare, Testori racconta del
suo incontro a un convegno, dell'interesse
che ne era nato, degli incontri frequenti
negli ultimi mesi, di uno spettacolo del gruppo
che pur essendo molto diverso dalla sua
idea di teatro, almeno in apparenza, lo aveva
Giovanni Testori
La parola come
Tre incontri sulla scrittura con Giovanni Testori
in collaborazione con la Provincia di Milano Assessorato alla Cultura
11, 18 e 25 gennaio 1988
intrigato moltissimo; e arriva a teorizzare
"non solo che gli estremi talvolta si toccano,
ma che a eliminare certi ostacoli e incomprensioni
si scopre che erano sempre stati
paralleli". (…) La sala, un capannone elegantemente
dipinto in grigio, con uno spazio
nudo su cui si affaccia una gradinata di
sedie di plastica, e in questa occasione solo
un tavolino per il conferenziere, "somiglia
molto alla mia idea di teatro spoglio", "un
1987.1988
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teatro che è essenzialmente celebrazione, in
cui non ci sono spettatori ma partecipanti e
gli attori sono officianti di una sorta di rito.
Con questa immagine del teatro/chiesa siamo
entrati nel pieno della conferenza. Per
Testori, infatti, quello di Strehler o di Ronconi
non è teatro vero, è piuttosto decorazione,
un'attività esclusivamente estetica e
quindi non sufficientemente fondata. Che
cos'è il teatro vero, allora? Lo scrittore usa
due immagini. Il suo primo ricordo di infanzia,
in un paese dov'era in villeggiatura,
quello di un uomo arrestato e ammanettato
fra due carabinieri che gli disse qualche cosa
che forse non sentì o non ricorda: una bocca
aperta per salutare o forse per bestemmiare.
E poi la Figura stampata sul cartoncino di
invito, un quadro di Francis Bacon dove si
vede solo una macchia di sangue su un pavimento
sgombro. Ecco, quella traccia di sangue,
"quel lacerto di essere umano", la testa
decapitata di Giovanni Battista, insomma il
corpo umano nella sua fragilità, è per Testori
il senso della parola teatrale».
Ugo Volli
da "la Repubblica", 13 gennaio 1988
«(…) L'altra sera, per il primo dei tre incontri
all'Out Off, seduto dietro un piccolo tavolo,
dove fissava attentamente l'immagine di
Francis Bacon, un particolare di Blood on
the Floor, che fa da cartoncino di presentazione,
Testori interpretando quel grumo di
sangue, ne faceva sentire non solo il dramma,
ma anche lo sconcerto, perché proprio
dal sangue bisogna partire per arrivare alla
parola, soprattutto a quella del palcoscenico.
Non si tratta di un rito iniziatico, ma
purificatorio, dato che la parola teatrale ha
bisogno di rinascere, di far sentire sul palcoscenico
nudo, simile ad un altare, la
forza della comunicazione e non la debolez-
za del nulla, di restituire sacralità all'uomo
che l'ha persa. Non può sottoporsi, però, a
spoliazioni di comodo: la sua nudità deve
possedere la forza della materia, che è poi
quella del corpo, fatto di anima e di sangue.
Il sangue potrebbe essere anche l'immagine
del nostro tempo, un'immagine di violenza,
di sopraffazione: la parola deve essere violenta,
ma non violentare, deve concedersi
nella sua assenza originaria per pervenire
ad un'estensione cosmica, senza trucco,
senza abbellimento, senza furore estetico,
ma col suo suono della propria libertà (…)».
Andrea Bisicchia
da "Avvenire", 13 gennaio 1988
«(…) Un uomo, seduto a un tavolino in una
stanza spoglia, mette a nudo la propria esperienza
e attraverso di essa interroga i presenti.
È già un esempio di un teatro che non
concede margini per imbellettamenti e
distrazioni, limitandosi all'essenziale: una
parola, un corpo. È forse questa anche l'idea
di teatro che Testori sente in questo momento
il più congeniale per illustrare le sue intuizioni
su un teatro necessario, in un percorso
appassionato e polemico (contro il "teatro
degli arredatori", categoria in cui rientrano
anche Ronconi e Strehler, e contro la mediazione
delle traduzioni che mortificano la
forza e la violenza poetica dell'originale),
ricollegandosi spesso alla propria memoria
personale, intima, a volte volutamente fuori
dai canoni, a volte strabordante di autentico
pathos. (…) Una drammaturgia vissuta con
tutta la forza, la disperazione, la scomoda
autenticità di quel grumo informe che è la
vita per fare della scena il luogo in cui è possibile
"riconoscere la propria catena per ritrovare
la propria libertà"».
Oliviero Ponte di Pino
da "l’Unità", 24 gennaio 1988
Giovanni Testori
1987.1988

Programma
Dal 9 al 13 maggio
A Sangue Freddo
della Compagnia Teatrale Solari-Vanzi
ispirato a In a cold blood
di Truman Capote
con Alessandra Vanzi, Marco Solari,
Thorsten Kirchhoff e Ermanno Ghisio Erba
Testo Alessandra Vanzi
Regia Marco Solari e Alessandra Vanzi
Dal 16 al 18 maggio
Martèn (L’uomo delle onde)
di Piccolo Parallelo Porto Atlantide
con Marco Zappalaglio, Enzo G. Cecchi
e Luca Boschi
Regia Enzo G. Cecchi
Dal 19 al 21 maggio
Fratello Maggiore
di e con Virgilio Sieni
Dal 25 al 27 maggio
L’uomo capovolto
di e con Leo De Berardinis
Dal 30 maggio al 4 giugno
Miracolo della Rosa
Liberamente ispirato al romanzo
di Jean Genet
Elaborazione del soggetto,
Regia e interpretazione Danio Manfredini
«(...) Dal libro intitolato A sangue freddo
(1965) di Truman Capote, Alessandra Vanzi
e Marco Solari hanno tratto gli elementi
su cui si basa l'interessante spettacolo che
inaugura Sussurri o grida.
Sgombrato il campo da qualsivoglia linearità
e coerenza narrativa, la compagnia ha pensato
bene di approfondire dialetticamente il
rapporto tra l'esplorazione dei labili confini
tra normalità e follia e un possibile itinerario
percettivo. Il primo combacia con il dichiarato
campo tematico su cui si concentrano tutti
i loro sforzi; e il secondo, affrontato mutuando
modi e tecniche dal linguaggio cinematografico,
tende a catapultare sullo spettatore
una forte dose di interrogativi ed emozioni
senza necessariamente cadere negli asfittici
meccanismi dell'iperrealismo. Così la storia
dei due assassini, la loro violenza gratuita ci
è raccontata per frammenti e flash-back che,
falsando ogni prospettiva cronologica, dotano
la narrazione di una convenzione temporale
autonoma. Che ci permette di essere
imbrigliati, nei momenti più riusciti, in una
trasfigurazione per niente rassicurante, capace
di elevare i dati della cronaca a quesiti
sostanziali (...)».
Giampaolo Spinato
da "la Repubblica", 11 maggio 1988
«In una manifestazione programmaticamente
dedicata al "nuovo teatro", merita attenzione
particolare l'ospitalità di spettacoli realizzati
da gruppi giovani, impegnati nella
ricerca teatrale, interessati ai confronti tra i
linguaggi e a rappresentazioni non accademiche.
Così, il secondo appuntamento di Sussurri
o grida riserva agli spettatori uno spettacolo
molto malinconico e molto interessante
di tre attori anagraficamente giovani, riuniti
in gruppo a Bologna da sei anni e finora
mai arrivati a Milano. (Piccolo Parallelo) Un
tappeto di ghiaia con il colore della sabbia,
grandi catini di plastica sparsi qua e là, buio,
candele, acqua: è la terra desolata dove si
incontrano i tre fratelli, Martèn, come da generazioni
viene chiamata nel paese questa
strana famiglia di contadini. Cesco, il più
grande dei fratelli, è rimasto a casa, nella fattoria
del padre per svolgere il ruolo di capofamiglia
in una solitudine al limite dell'emarginazione.
Ciandri, il secondo, è un bellimbu-
Sussurri o grida
Movimenti nel nuovo teatro italiano
Quinta edizione
con il contributo del Comune di Milano Settore Cultura e Spettacolo,
Eti Ente Teatrale Italiano
Dal 9 maggio al 4 giugno 1988
sto che ha preferito la città, per questioni di
grandi ambizioni anche se per ora ha raccolto
solo fallimenti. La famiglia si riunisce per
il matrimonio di Andrea, il più piccolo dei fratelli,
un disadattato, fragile e spaventato.
Tutti e tre ci stanno dinnazi, quasi immobili,
a raccontare un loro mondo trasognato, emozionato,
sotterraneo, come sospeso in un sogno
oscuramente disperato e forse già cancellato
da una realtà che ha perso l'antica
genuinità contadina ma non ha l'arroganza
della vita urbana.(...)»
Anna Bandettini
da "la Repubblica", 18 maggio 1988
«(...) L'uomo capovolto, assolo totale di Leo
De Berardinis che è stato in scena all'Out
Off, è un esempio lampante del fatto che il
Virgilio Sieni in Fratello Maggiore
1987.1988
171

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vero teatro abbia bisogno molto più di eticità
che di mezzi. Solo, in una scena illuminata
da candele, con il pubblico seduto in cerchio,
de Berardinis ha evocato la situazione
di chi è ormai separato dal fluire della vita
e proprio per questo ha piena coscienza del
suo amore per l'esistenza. L'arte (parolachiave
che chiude il monologo) dà la possibilità
all'attore non solo di mostrare l'esistenza
come è ma anche come potrebbe
essere.(...) Con eccezionale capacità evocativa,
tecnica vocale e presenza scenica, De
Berardinis ha ricordato al pubblico che fare
teatro di ricerca significa in primo luogo
avere qualcosa da dire. Come si dice in
L'uomo capovolto "tutto un mondo è
morto," non tutto il mondo».
Maria Paola Cavallazzi
da "l’Unità", 29 maggio 1988
«(...) In Fratello maggiore, Virgilio Sieni
sperimenta e inventa giocando sul senso
della danza e sulla danza come segno, in
una sorta di grammatica di base con qualche
beffarda sottolineatura surrealista.
Trentatre secche sequenze di gesti e movimenti,
separati da stacchi di buio, in un
rifiuto quasi ascetico di virtuosismi e atletismi,
nella rinuncia a ogni tentazione
descrittiva, in una sorta di calligrafia
gestuale fatta di movimenti minimi, intrecciati
di ripetizioni, slanci e bruschi arresti:
una invitante (anche se raffinata) facilità,
esemplare e coinvolgente. (...) Inno al rapace
mette invece in scena il terzetto di attori-danzatori
che formano Parco Butterfly:
accanto a Virgilio Sieni (camicia blu con
arabeschi dorati), questa volta ci sono anche
Roberta Gelpi (in bianco, con pantaloni
ampiamente svasati) e Julia Anzilotti (con
un rosso abito vagamente neoclassico ). Sul
tappeto di danza incombono minacciosa-
mente sospesi dall'alto, lunghi e acuminati
pali di legno. (...) Alla precisione da geometrico
arabesco del duo Gelpi-Sieni si contrappongono
gli interventi "caldi" ed emotivamente
pregnanti di Julla Anzilotti: una
sorta di contrappunto esistenziale, tra
angosce solitarie e ansia di comunicazione,
alla rigorosa e misteriosa geometria della
"pura" danza, costruita per accumulo di
indizi che sembrano rimandare a chissà
quale linguaggio misterioso e perduto. Il
risultato di questa contrapposizione è una
sorta di rito astratto, coreografato con raffinatezza
e maturità espressiva, distaccato
e insieme toccante: mai ossessivo, costruito
per progressivi slittamenti di atmosfere
e tensioni, a volte spezzate da segni e gesti
forti. (…)»
Oliviero Ponte di Pino
da "il Manifesto", 3 giugno 1988
«È arrivato l'appuntamento con la scrittura
di Jean Genet e l'atmosfera di Sussurri o
grida si carica di crudezza e sentimento, di
violenza ma anche di passione. Dopo il successone
di Leo De Berardinis (era L'uomo
capovolto in scena la scorsa settimana) la
rassegna dell'Out-Off chiude infatti l'interessante
programma di questa edizione '88
con Miracolo della rosa, secondo romanzo
di Jean Genet scritto prima dei grandi successi
(e scandali) delle opere teatrali. (...)
Danio Manfredini ne ha fatto uno spettacolo
rarefatto, come sospeso in una dimensione
immaginaria, estraneo ad esagerate
ambizioni e spesso molto ironico; racchiuso
in uno spazio scenico povero circolare,
davanti a un grande e bel fondale dipinto
(da Manfredini) come se dovesse descrivere
un girone dell'inferno dantesco e poi abitato
da pochi oggetti, un sedile, una rosa... La
vita nel carcere è un intreccio di episodi: è
violenza quotidiana che si trasforma in apocalisse
o in grande amore. (...) Miracolo
della rosa è infatti uno spettacolo di vibrazione,
di dettagli, di sensazioni e di sguardi
più che di caratterizzazioni o interpretazioni
esibite. E qui sta la forza del suo contagio
e la bravura del suo interprete: nel mantenere
sul filo sfuggente dell'ambiguità l'immoralità
tanto ostentata di Genet, un'immoralità
che non è mai riuscita a sottrarsi al
suo carico di umanità».
Anna Bandettini
da "la Repubblica", 2 giugno 1988
Leo De Berardinis in L’uomo capovolto
1987.1988

Programma
21 e 22 ottobre
Ciuffi d’erba lungo i muri
delle strade di campagna.
Il tempo scorre calmo e monotono
di Giancarlo Cardini
Dal 24 al 29 ottobre
Notturni
di Virgilio Sieni
con Virgilio Sieni, Roberta Gelpi
e Francesca Della Monica
Coreografia Virgilio Sieni
Dal 3 al 5 novembre
Portrait de l’artiste en saltimbanque
Istallazione/performance di
Roberto Taroni e Silvia Fiorentino
Dall’8 al 13 novembre
Lola Italiana
di Angela Scarparo
con Angela Scarparo, Barbara Agosti
e Franco Piperno (non ha partecipato)
Lola Italiana: «Da sei anni l'Out Off, la cantina
teatrale milanese che sopravvive da più di
un decennio tra debiti e varie difficoltà, organizza
una rassegna dichiaratamente "sperimentale",
Limitrofie, generalmente snobbata
dalla critica. Tra i quattro spettacoli di questa
edizione c'è quello di Angela Scarparo,
quasi-esordiente non priva di qualità: tra tutte,
la rabbia autentica e una straripante capacità
d'invenzione linguistica. Il suo spettacolo
s'intitola Lola Italiana, e sarebbe destinato
ad annegare nell'indifferente flusso dell'informazione
di routine, come è accaduto
pochi giorni prima per l'intenso ed esemplare
assolo di Virgilio Sieni, o per i lavori di Giancarlo
Cardini e Roberto Taroni, praticamente
ignorati dalla stampa. Ma per la sua "opera
seconda", Angela Scarparo ha un asso nella
manica: tra gli attori in locandina figura
infatti Franco Piperno. (…) Solo che, al momento
opportuno, alla prima, Piperno semplicemente
non c'è: in scena vediamo solo
Barbara Agosti nel ruo-lo di spalla e Angela
Scarparo che, in un rude e sbrigativo numero
di cabaret, se la prende ironicamente con
spettatori, critici e fotografi che "sono venuti
solo per vedere il professore"».
Oliviero Ponte di Pino
da "il Manifesto", 13 novembre 1988
«Lola Italiana nelle interviste a Piperno doveva
essere la storia di tre donne legate tra
loro da sentimenti contrastanti nei confronti
di un uomo protagonista di importanti e
drammatiche vicende pubbliche. Nella presentazione,
invece, avrebbe dovuto essere la
storia di una attricetta frustrata e mediocre,
vessata dalla madre che la vorrebbe famosa
e vincente. Sulla scena l'attricetta fallita si
è inventata un partner di richiamo così da
muovere pubblico e stampa. Qui la realtà si
intreccia con la finzione e il pubblico ha
realmente apostrofato l'attrice con le stesse
parole scritte da lei sul copione: "Non siamo
venuti a vedere lei che non è nessuno, ma il
professore". (…) "Per quanto riguarda - ha
aggiunto l'autrice - Piperno la scelta è caduta
su di lui perché è un uomo che le ferite le
porta sul corpo e sono evidenti ed è la ciccia
giusta per i denti del pubblico e dei giornalisti.
La Cuccarini non avrebbe avuto la stessa
presa. (…) Certo è che, per quanto riguarda
il lavoro presentato all'Out Off, la cronaca
prevale sullo spettacolo e l'unico sapore
della serata è quello di una performance provocatoria
giocata espressivamente in modo
ingenuo e a tratti confuso».
Magda Poli
dal "Corriere della Sera, 11 novembre 1988
Limitrofie
Sesta edizione
con il contributo del Comune di Milano Settore Cultura e Spettacolo
Dal 21 ottobre al 13 novembre 1988
Angela Scarparo
1988.1989

174
«Doveva esserci Franco Piperno, leader multiprocessato
del ‘68 romano e dell’Autonomia
come grande attrazione dello spettacolo Lola
Italiana di e con Angela Scarparo all’Out Off.
E invece il "comunista intercontinental"
(definizione ripetuta spesso nello spettacolo)
non si è fatto vedere. Al suo posto, un cane
vivo e uno di cartapesta, una ragazza seminuda
e immobile di schiena, e due personaggi
parlanti per una mezz’ora scarsa (...). La
beffa era soprattutto per noi, per i giornalisti
venuti a vedere Piperno in scena (...). Chi ci
rimette non è Angela Scarparo, che è "une
artiste" e può farsi beffe di chi le pare. Ma
l’Out Off ha una responsabilità nei confronti
del suo scarsissimo pubblico, dell’informazione
e degli enti pubblici che lo finanziano».
Ugo Volli
da "la Repubblica, 11 novembre 1988
Lola Italiana: «C'è stato un evento, dall'8 al
15 novembre, che ha raggiunto le pagine di
spettacolo di tutti i giornali, ma su cui pochi
hanno riflettuto abbastanza. La vicenda si
compone di quattro tempi. Nel primo, un'attrice-autrice
di teatro, Angela Scarparo, prepara
un testo da mettere in scena al milanese
Out Off, uno dei più seri luoghi di sperimentazione
degli ultimi anni in Italia. Nel
secondo, Angela e compagni decidono di
annunciare alla stampa che una comparsa
dell'opera sarà Franco Piperno, ex leader di
Autonomia negli anni cupi dell'Italia recente.
I giornali non si lasciano sfuggire l'occasione:
alle eventuali due righe con cui avrebbero
presentato la prima preferiscono un vero e
proprio lancio. (…) Terzo atto. Piperno non
c'è, la pièce ha un argomento diverso da quello
raccontato, e Angela Scarparo dice che la
commedia consiste proprio nel fatto che spettatori
e critici parlano di un lavoro solo se
questo aderisce al linguaggio dello scoop.
(…) I critici presenti sono furiosi. E danno
luogo al quarto atto. Nei due giorni successivi,
si scagliano contro l'Out Off, ma soprattutto
qualcuno stroncando la performance di
Piperno, evidentemente non avendo visto lo
spettacolo e ignorando quel che era capitato
(...). Ora, noi pure non abbiamo assistito
all'opera e può darsi benissimo che Lola italiana
fosse una schifezza. Così come dobbiamo
concedere a ciascuno il diritto di considerare
Piperno un mascalzone. Il diritto che si
vorrebbe conservato è però quello all'informazione,
che vien prima del giudizio sul bello
e sul brutto, e sul bene e sul male. Questo
diritto, invece, non c'è più. Ma non (...) perché
i giornali o i giornalisti siano in malafede.
È soprattutto la struttura stessa dell'informazione
che spinge a fatti come quello che
abbiamo raccontato (...)».
Omar Calabrese, Paolo Fabbri
da "Panorama" , 23 dicembre 1988
Lola Italiana: «In nome della Beffa, io sottoscritta
Angela Scarparo dichiaro che quando
con Barbara Agosti ho consapevolmente
deciso di allestire il primo atto di Lola italiana
su un palcoscenico diverso da quello dove
la farsa è stata poi effettivamente consumata,
ho preso pure in seria considerazione
l'eventualità che gli inconsapevoli attori necessari
al coronamento dell'opera non si
sarebbero prestati al ruolo nel modo dovuto.
C’era, come dire, il rischio che per cinismo,
insolenza o avvedutezza le casuali quanto
necessarie comparse si affidassero un po'
troppo a loro stesse, a scapito di quel che io,
cialtronescamente, mi aspettavo di vedere.
(...) A proposito invece dell'articolo comparso
su la Repubblica (...) laddove dice ‘si può
scommettere dunque che l'Out Off non perseverà
sulla strada delle falsificazioni', e in questo
caso parlo per me da sola: se prevedessi
soltanto la possibilità di non poter più operare
dei gesti di maleducazione o se sentissi in
me esaurita anche solo in parte la volontà
che ho di continuare a 'beffare' mi dedicherei
più volentieri ad un ufficio impiegatizio o alla
carriera forense (...)».
Angela Scarparo
Giancarlo Cardini
1988.1989

Programma
Dal 10 al 14 maggio
Transteatro
Notti Bianche
Testo e regia di Fabrizio Bartolucci
Dal 17 al 21 maggio
Stalker
La Naturale Finzione
di Tommaso Landolfi
Regia Gabriele Boccacini
Dal 23 al 25 maggio
Out Off
La Luna
di e con Loriano Della Rocca
Regia Paolo Asso
Dal 26 al 28 maggio
Drama Teatro
Nestra
di Danilo Montaldi
Regia Alessandro Tognon
Dal 31 maggio al 4 giugno
Akroama
L’ultimo ballo di Balloi Caria
Testo e regia Lelio Lecis
Dal 7 all’11 giugno
Pietre del fulmine - suono della pietra
di e con Roberta Gelpi
e Francesca Della Monica
«Nello spazio scenico completamente spoglio,
agisce un solo attore, Loriano Della
Rocca, sostenuto dalla regia di Paolo Asso.
Insieme i due artisti hanno rielaborato una
favola dei fratelli Grimm in cui si narra
come gli abitanti di un paese rubino la luna
per poter avere, invece dell'oscurità, luce
anche di notte.
(...) Una tale trama si ricollega direttamente
al mito di Proserpina e alle origini del tea-
tro e della tragedia. Una sottile tragicità
aleggia, infatti, nello spettacolo, attraverso
la tensione espressa dai movimenti dell'attore,
la ripetizione ossessiva di frasi e situazioni,
il reiterato confronto tra la luce che
porta conoscenza e benessere e l'ombra.
Rivolgendosi al pubblico, entrando e uscendo
dalla narrazione, Della Rocca sa mantenere
alta la tensione per circa un'ora, coadiuvato
solo da un assai parco uso delle luci
e da una musica come d'organetto, che si
avverte in lontananza».
Maria Paola Cavallazzi
da "l’Unità", 25 maggio 1989
«Si sta svolgendo al Teatro Out Off la sesta
edizione della rassegna Sussurri o grida -
Movimenti nel nuovo teatro. (...) Il primo
appuntamento in cartellone è stato con il
gruppo Transteatro di Fano che ha presentato
Notti bianche, ispirato e tratto dal
celebre romanzo di Fiodor Dostoevskij. (...)
La recitazione vive di sussurri, di toni lievi
che unitamente a una gestualità sospesa tra
sonno e veglia contribuiscono ad offrire una
lettura intimistica del romanzo di Dostoevskij.
Lo Stalker Teatro di Torino ha proposto,
come secondo appuntamento della rassegna,
La naturale finzione, uno spettacolo
ispirato all'opera di Tommaso Landolfi.
Lo spettacolo attraverso una recitazione
forzata, un uso del trucco quasi espressionista,
cerca di restituire quell'atmosfera in
bilico tra Kafka, Gogol e Poe, ammantata da
una vena surrealista e fantastica che si
respira nei racconti di Landolfi. (...) Il terzo
incontro è stato con Loriano Della Rocca,
attore kantoriano che ha partecipato a
importanti spettacoli del grande regista
polacco.
(...) Solo sulla scena Loriano Della Rocca dà
voce, volto e gesti ai numerosi personaggi
Sussurri o grida
Movimenti nel nuovo teatro italiano
Sesta edizione
con il contributo del Comune di Milano Settore Cultura e Spettacolo,
Eti Ente Teatrale Italiano
Dal 10 maggio all’11 giugno 1989
della favola, offrendo qua e là momenti recitativamente
felici».
Magda Poli
dal "Corriere della Sera", 27 maggio 1989
«(…)L'ultimo sogno di Balloi Caria, che
debuttò nel 1983 al Festival di Spoleto tratta
della storia di un pastore (Balloi Caria)
violento e ribelle che viene accecato dalla
sua donna (Paska), la quale a sua volta
sogna di abbandonare l'isola che la tiene
prigioniera, aiutata in questa impresa da
un'amica a cui è legata da un sentimento
che supera l'amicizia. Un dramma sardo,
quindi - ma anche il dramma di un'intera
società, quella contadina - costruito su elementi
folklorici (balli, canti, processioni) e
su reinvenzioni di segni vocali e musicali
che danno un quadro di una Sardegna di
cinquanta anni fa».
Franco Manzoni
dal "Corriere della Sera", 30 maggio 1989
«(...) L'Out Off (...) nella sua rassegna (...) ha
saputo assemblare con organica intelligenza
spettacoli di diversa provenienza, ma con
una matrice comune: la pagina letteraria,
trasposta in credibilissima versione drammaturgica.
È il caso delle Notti bianche dostoievskiane,
dove dai sogni del protagonista
(...) scaturisce, fatta tutta interiore, la vicenda
di un amore impossibile che qualcuno forse
ricorderà nella versione cinematografica
di Visconti (...)».
Roberto Carusi
da "Rocca", 1 agosto 1989
1988.1989
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Programma
Sezione Teatro/Musica
6-8 Ottobre
Tautovox
per soprano, contralto, trombone, nastro
magnetico, live electronics e immagini
Musiche Giancarlo Schiaffini
Testo Pasquale Santoli
Immagini Alfredo Profeta
Soprano Sabina Macculi
Contralto Lucilla Galeazzi
Trombone Giancarlo Schiaffini
20-22 ottobre
Tam Teatro Musica
Tre giorni e mezzo Assolo per voce
di Laurent Dupont
Messa in scena e musiche Michele Sambin
Sezione Attore/Laboratorio
10 ottobre
Out Off
Non io
di Samuel Beckett
con Isabella Fiore
12 ottobre
L’uomo dal fiore in bocca
di Luigi Pirandello
con Antonio Basilisco
Laboratorio Teatrale Gente di Teatro
diretto da Raul Manso
14 ottobre
Opening
di e con le allieve del Laboratorio Teatrale
della Civica Scuola Media A. Manzoni
di Milano
Coordinamento testi e regia Paolo Asso
Sezione Teatro/Danza
2-5 novembre
Spotz Danza Video Computer
Performance mixed media in 16 spotz
di Avventure in Elicottero Productions
Video Scenografia Claudio Prati
Coreografia e costumi Ariella Vidach
Sezione Teatro/Ricerca
24-29 ottobre
Piccolo Parallelo/Porto Atlantide
Squarci (In cenere)
Progetto "Folk ti trai"
con Marco Zappalaglio e Enzo G. Cecchi
Testo e regia Enzo G. Cecchi
7-19 novembre
La lampada verde
da August Strindberg
di e con Luigi Pistillo
Tautovox: «(...) Questa esperienza di teatro
musicale coinvolge un soprano, un contralto
(le brave Sabina Macculi e Antonella Costanzo)
un trombone (lo strumento di Schiaffini);
live electronics e le immagini che si succedono
su un piccolo schermo e che formano
una sorta di contrappunto al testo. E il testo
racconta di una segreteria telefonica, chiamata
appunto Tautovox, così sofisticata da
potersi sostituire alla persona stessa che
dovrebbe servirsene (...).
L’alienazione alla macchina "intelligente"
crea situazioni di divertita ironia approdando
però ad un finale amaro, carico di inquietanti
interrogativi. La musica, coerentemente
con l'ampiezza delle esperienze di
Schiaffini, non vuole essere "a una dimensione":
c'è una scrittura vocale condizionata
dalla volontà di far comprendere il testo e
quindi piuttosto semplice, con molto parlato
e aperture cantabili di sapore ironico; c'è
una elaborazione elettronica che, pur servendosi
di macchine non eccessivamente
sofisticate, contribuisce a creare situazioni
musicali di notevole densità, e c'è la parte
Limitrofie
Settima edizione
Con il contributo del Comune di Milano Settore Cultura e Spettacolo
Dal 6 ottobre al 19 novembre 1989
del trombone, magistralmente interpretata
dall'autore (...)».
Paolo Petazzi
da "l'Unità", 8 ottobre 1989
Tre giorni e mezzo: "(...) Sospeso tra movimento,
danza, espressione corporea ed evocazione
di atmosfere, il lavoro di Sambin - in
scena da solo - intesse un raffinato gioco di
immagini, realizzato anche sul registro sonoro
e musicale attraverso un sofisticato uso
dell'amplificazione. Spettacolo da "sentire"
più che da capire. Tre giorni e mezzo approfondisce
anche gli sperimentali itinerari del
performer, e in particolare l'utilizzo della voce
come tessuto musicale (...).
Più ermetico il riferimento all'Apocalisse secondo
Giovanni, di cui gli autori rivendicano
comunque la contiguità compositiva».
Giampaolo Spinato
da "la Repubblica", 20 ottobre 1989
Squarci (In cenere) «Enzo G. Cecchi e
Marco Zappalaglio possono diventare un
altro binomio campione della nostra emarginazione
teatrale, come Remondi & Caporossi
e Santagata & Morganti. Col loro gruppo
(Piccolo Parallelo-Porto Atlantide) hanno dato
indicazioni di una linea proletaria, da contemperare
con le tentazioni bifronti della
concretezza contadina di Marten, la loro
prova più felice, e del teatro omosessuale di
Jeannot, ispirato a Genet.
Ora, presentando Squarci (In cenere) nell'annuale
rassegna Limitrofie dell'Out-Off
sembrano decisi a saltare il fosso verso ambizioni
più metafisiche».
Franco Quadri
da "la Repubblica", 29-30 ottobre 1989
1989.1990

Programma
9-12 maggio
Piccolo Parallelo Porto Atlantide
La notte del temporale
con Enzo G. Cecchi, Giovanni Battista
Storti e Marco Zappalaglio
Testo e regia Enzo G. Cecchi
16-19 maggio
Tee Teatroeuropaesperimenti
Blendung
liberamente ispirato
ad Auto da fè di Elias Canetti
Realizzato e interpretato da
Maurizio Cardillo, Massimo Cattaruzza
e Nadia Malverti
Drammaturgia Mario Giorgi
23-26 maggio
Cada Die Teatro
Bella da Morire
di Giancarlo Biffi
con Alessandro Mascia
e Pierpaolo Piludu
Scena, regia, scelte musicali
Giancarlo Biffi
30 maggio-2 giugno
Teatro Studio 3
Finale di Partita
di Samuel Beckett
con Carlo Bruni, Achille Roselletti,
Silvia Bevilacqua e Giorgio Pangaro
Regia Francesco Torchia
La notte del temporale: «(...) Lo spettacolo -
e il lavoro del gruppo - continuano a muoversi
su due piani paralleli. Da un lato, personaggi
contemporanei immersi nel presente,
piccole schegge di sociologia e antropologia:
in questo caso un attore più o meno disoccupato,
più o meno in crisi (Marco Zappalaglio):
è un ufficiale di polizia che riesce a
conciliare la sua vita "normale" - il lavoro di
tutore dell'ordine, la famiglia - agli slanci
omosessuali (Giovanni Battista Storti).
Dall'altro, il contrappunto di una dimensione
rituale, arcaica, che si condensa in una figura
mitica, quella del "portatore d'acqua". (Enzo
Cecchi). È lui a contrassegnare il tempo e
lo spazio con gesti antichi e oggetti in qualche
modo legati al passato di una civiltà contadina
(...). Questa materialità si contrappone
al mondo fatto solo di parole in cui affondano
i due protagonisti (...): uno stillicidio di
paradossi e battute, di attacchi e fughe, di
finti cinismi e reale indifferenza, di sesso e
emotività, di tenerezza e orgoglio.
Anche se siamo di fronte a un amore - o a
un'infatuazione - omosessuale, ci troviamo
più vicini al sentimentalismo che non ai
piaceri forti e un po’ maudit della trasgressione
(...)».
Oliviero Ponte di Pino
da "il Manifesto", 26 maggio 1990
Finale di Partita: «Francesco Torchia, regista
del Teatro Studio 3 di Perugia ha scelto
con la collaborazione di Silvia Bevilacqua
Finale di Partita inserito in un progetto
Beckett che successivamente toccherà Non
io e Testi per nulla. E il testo in un atto di
Beckett - sicuramente fra i migliori in assoluto
dell'autore e di tutto il teatro del Novecento
- letto nella sua cruda essenzialità,
sottolineandone la circolarità del finale, si
è confermato lo spettacolo di maggior successo
e affluenza di pubblico.
(...) Immerso nel buio, lo spazio qua e là
rischiarato a volte dalla pila di Clov, lo speltatore
- Hamm viene affidato ad una percezione
più dilatata del testo giocato su di
un'emozione più sottile ma più radicale.
Uno spettacolo intenso e vibrante dove Carlo
Bruni ha dato anima e corpo a Clov in
Sussurri o Grida
Movimenti nel nuovo teatro italiano
Settima edizione
Con il contributo del Comune di Milano Settore Cultura e Spettacolo
Dal 9 maggio al 2 giugno 1990
risposta alla voce registrata di Hamm
(Achille Roselletti) del quale compare ad un
certo punto la famosa poltrona a rotelle».
Fabio Battistini
da "HYSTRIO", aprile 1990
Enzo G. Cecchi in La notte del temporale
Cada Die Teatro in Bella da morire
1989.1990
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Programma
9-14 ottobre
Il Teatro Dell’arca
Il re muore
di Eugene Ionesco
Regia Tadeusz Bradecki
18-21 ottobre
Out Off, Vecchio Mulino,
Yellow Springs Institute
For Elettra
Adattamento e regia Loriano della Rocca
23-25 ottobre
Teatro Scientifico di Verona
Apostrofe-Antigone, oratorio profano
di E. Maria Caserta
27-29 ottobre
Avventure in Elicottero
X Pray o la giornata di miss x
di Ariella Vidach
con Ariella Vidach e Claudio Prati
31 ottobre-4 novembre
Melodramma
Elektra
di e con Cinzia Bauci
Musiche Mauro Sabbione eseguite dall’autore
6-11 novembre
Il Politecnico
Polaroid
Testo e regia Amedeo Fago
13-18 novembre
Out Off
La vergogna
di Danio Manfredini
con Luisella del Mar, Paola Manfredi
e Danio Manfredini
Regia Danio Manfredini
Il re muore «(…) Questo lavoro la regia del
polacco Tadeusz Bradecki ha voluto stigmatizzare
l'astrattezza del quadro lasciando
l'ambiente nudo, senza quinte e fondali.
Unico arredo di scena un seggiolone, una
poltrona da paraplegico, una porta senza
infissi spostata qua e là a simulare entrate
e uscite. I bravi attori sono liberi di dare
forma alla parola di lonesco, ricorrendo sia
al registro comico che a quello tragico,
come i diversi ruoli richiedono. Il grottesco,
presente fin dall'inizio quando viene
annunziato al re che morirà entro la fine
dello spettacolo, si trova sorretto oltre che
da un testo magistrale, anche da una scrittura
di scena che giustamente sottolinea la
commistione fra tragedia e commedia. La
lettura esistenzialista che la regia fa dell'opera
cerca di isolare, con l'aiuto della
musica di Malher, le parole e i gesti per dar
loro il massimo rilievo, ed è ben servita dall'eccellenza
interpretativa degli attori mai
presi da guizzi istrionici (...)».
Luca Marchesi
da "Letture", gennaio 1991
«Il mito di Elettra, acme solenne e tragico
dell'Orestiade di Eschilo, torna ad interrogare
ed allettare i giovani teatranti in due dei
sette allestimenti di Limitrofie: For Electra,
in scena fino a domenica e Elektra, l'"operetta"
che il Melodramma presenterà a fine
ottobre. Il prototipo custodisce le lontane
radici dell'ineluttabilità del destino e dell'ereditarietà
della colpa, leitmotiv ricorrenti della
storia della drammaturgia e non solo di
quella (...). Loriano Della Rocca ha cercato
per il suo For Electra quella dimensione
visionaria e rituale appresa alla scuola di
Kantor. Una narrazione che squaderna fisicamente
i testi del mito (Hofmannstal, Euripide,
Sofocle e Sartre), ricelebrandolo in
Limitrofie
Ottava edizione
Con il contributo del Comune di Milano Settore Cultura e Spettacolo
Dal 9 ottobre al 18 novembre 1990
un'azione teatrale in cui Roberta Fossati e
Massimo Tarducci recitano il "teatro di
Oreste ed Elettra". Qui lo stesso autore e regista
impersona il coro che introduce e guida
lo svolgimento dei 15 quadri, sedendosi fra il
pubblico e riguadagnando la scena per dare
l'imbeccata ai suoi attori (...). E il momento
più interessante, quando la Fossati recita
"Se fossi Elettra...", meriterebbe un approfondimento
per l'autenticità e il vuoto che
esprime».
Giampaolo Spinato
da "la Repubblica", 20 ottobre 1990
«(...) Il miracolo della rosa mi aveva fatto
innamorare di questo poeta milanese, con
La Vergogna confermo il mio tributo a chi
sa ferire se stesso per condividere con gli
altri la bellezza. Lo spettacolo ha avuto una
gestazione di quasi due anni, due anni passati
da Manfredini, Luisella Del Mar e Paola
Manfredi a lavorare leggendo e rileggendo
tutto Pasolini e tutto Genet: quello di Danio
è in realtà un canto d'amore dedicato a loro
(...). In un immaginario rapporto con Genet,
Mandredini gli spiega che ha avuto il bisogno
di innestare sulla sua opera quella di
Pierpaolo Pasolini, un altro che ha vissuto
e consumato con passione quello che comunemente
viene chiamato "male", la fratellanza
tra le due "vite violente" ne ha consentito
la simbiosi. La Vergogna ha il sapore
della grande opera lirica, del grande
melodramma».
Lay
da "Harta", aprile 1991
1990.1991

Programma
7-16 maggio
Produzione Farneto in collaborazione con
Gsa Teatrale Fontemaggiore
Memorandum
Regia Maurizio Schmidt
17-19 maggio
Ariele laboratorio
Hongos
di Alberto Capitta
21-26 maggio
Out Off
Qudrato bianco su fondo bianco
di Roberto Traverso
con Raffaella Boscolo, Johnny Gable
e Andrea Novicov
Spazio scenico e regia Roberto Traverso
28 maggio-2 giugno
Marcido Marcjdoris e Famosa Mimosa
Canzonetta
Studio da "I Persiani" di Eschilo
4-9 giugno
Sosta Palmizi
Qual dolor… qual?
di Giuditta Cambieri
Memorandum: «(...). Maurizio Schmidt suggerisce
una lettura oggettiva dove anche le
didascalie sono battute del coro da cui, di
volta in volta, fuoriescono i personaggi (il
direttore di un grigio ministero, il suo vice,
gli impiegati...) coinvolti nell'arrogante imposizione
del nuovo linguaggio, in un crescendo
di controlli e conflitti. L'ombra orwelliana
del Grande Fratello e più prosaici
rimandi ad atmosfere kafkiane speziano di
inquietudine le semplici geometrie della
storia (...)».
Giampaolo Spinato
da "la Repubblica", 15 maggio 1991
Sussurri o grida
Movimenti nel nuovo
teatro italiano
Ottava edizione
Con il contributo del Comune di
Milano Settore Cultura e Spettacolo
Dal 7 maggio al 9 giugno 1991
1990.1991
Programma
2-6 ottobre
Duchamp - Basaglia
«La Mariée mise à nu par ses
Célibataires, meme» (Le Grand Verre)
con Susanna Costaglione, Paola Tonello
e Patrizia Zanco
Ideazione, scena
e regia Giorgio Fabbris
11-13 ottobre
L’Associazione Arcà
Arianna e il labirinto
Testo e coreografie Karin Elmore
15-20 ottobre
C.P.T. Politecnico
in collaborazione con
la Compagnia Teatro d’Arte
Produzione De Cerasis
di e con Mario Prosperi
22-27 ottobre
Out Off in collaborazione con la Scuola
D’Arte Drammatica Paolo Grassi
di Milano
Il calapranzi
di Harold Pinter
Traduzione di Laura del Bono
con Nicola Rignanese e Antonio Albanese
Progetto scenografico Michele Sigurani
Realizzazione Fabrizio Palla
e Gianpiero Grecchi
Costumi Enza Bianchini
Luci Gigi Saccomandi
Regia Giampiero Solari
29-31 ottobre e 5-10 novembre
L’Associazione Culturale Gente di Teatro
Delirio
Liberamente ispirato all’opera pirandelliana
di Raul Manso
con Antonio Basilisco e Mirko Napoletano
2-3 novembre
Sposalizio Oriente Occidente, Fatià
di Francesca Limoli e Maria Rita Bonfiglio
Musiche Ruggero Tajè
Regia Angela Marchionni
Conversazione musicale Oriente Occidente
Musiche Ruggero Tajé
e Ahmed Ben Dhiad
«Il calapranzi (The Dumb Waiter, letteralmente
"Il Cameriere Muto" scritto nel 1956
da Harold Pinter) è la metafora di un rapporto
di amicizia vissuto in una cornice di solitudine
di due individui chiusi claustrofobicamente
ognuno nella propria esistenza. Ben e
Gus sono due killer che, chiusi in un sotterraneo,
attendono l'ordine per commettere
l'ennesimo assassinio. Nella versione originale
Pinter li fa parlare in Cochney, slang della
periferia di Londra (...). Nel nostro allestimento
siamo partiti cercando di costruire
due personaggi che avessero la stessa valenza
di isolamento e emarginazione di quelli
inglesi, reinventandoli però sulla base delle
singolari caratterizzazioni fatte dai due attori:
entrambi gli interpreti sono di origine
meridionale e hanno così potuto utilizzare
come materiale di lavoro il loro dialetto nativo.
I personaggi così scaturiti sono due italiani,
Benito e Gustavo, da tempo emigrati in
Inghilterra ma che in più sono... spietati killer.
Il nuovo slang che ne è nato non ha ovviamente
nulla a che fare con il Cockney di
Pinter ma è un misto di inglese e dialetto del
sud. Infine così come sono evidenti i riferimenti
dell’autore ai film di gangster degli
anni ’50, anche la nostra versione "strizza
l’occhio" ai "polizieschi" dei giorni nostri».
Luca Marchesi
da "l’Unità", 17 ottobre 1991
Limitrofie
Nona edizione
Con il contributo del Comune di Milano Settore Cultura e Spettacolo
Dal 2 ottobre al 10 novembre 1991
1991.1992
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Programma
28 aprile-3 maggio
Teatroinaria
Nero di luna (Autunno)
di Nico Garrone
da Tommaso Landolfi
Regia Alessandro Berdini
5-10 maggio
Teatro Scientifico di Verona
Sogni pirandelliani
Il presidente Schreber
A cura di Ezio Maria Caserta
12-17 maggio
Marcido Marcidoris e Famosa Mimosa
Musica per una Fedra moderna
Studio della Fedra
di Lucio Anneo Seneca
di Marco Isidori
19-24 maggio
Florian Centro Art
Kazak
di Gian Marco Montesano
26-31 maggio
Out Off
La "mirabil vita"
Liberamente tratto dai drammi
di Rosvita Gandersheim
Regia Paola Manfredi
«(…) La mirabil vita è ispirata alle opere
teatrali di Rosvita. Chi era costei? Era una
monaca benedettina vissuta nel X secolo
lungamente ospite del monastero di Gandersheim,
che concorse a rendere famoso come
storica della casa di Ottone I e, soprattutto
come autrice di otto Leggende agiografiche
e di sei drammi che vengono definiti edificanti,
perché la monaca letterata e scrittrice
trattò anche di temi scabrosi con meravigliosa
semplicità e con luminoso candore.
(…) Di esse, Paola Manfredi non ha tratto
molto, ma quanto bastava come segnale di
una inventività e di una scrittura; dico la
scena centrale, arditissima e toccante: quella
di Abraham, un monaco, zio di Maria, una
giovane che, abbandonata la Tebaide, si è
trasferita in un lupanare.
Abraham la va a trovare e la converte,
riportandola a casa. Lungo, casto e tenerissimo
episodio, qui esposto in una scena di
iconografia medievale».
Odoardo Bertani
da "Avvenire", 4 giugno 1992
«(…) Kazak è uno spettacolo dell'espressionismo
socialista; un lavoro da Agitprop
creato da un ex-militante della lotta armata
contro lo stato borghese.
Lo spettacolo porta come titolo il nome del
protagonista, Kazak, un cane guardiano a
un campo di rieducazione sovietico. Il gulag
è stato smantellato, gli altri cani addestrati
alla sorveglianza dei prigionieri e al loro
recupero in caso di fuga, se non si sono
defilati sono stati abbattuti, ormai inutili.
Kazak è rimasto, incapace di comprendere
la fine della sua missione, la fine del servizio
della causa per la quale ha vissuto con
assoluta dedizione.
(…) Kazak e i suoi amici cani sono interpretati
ovviamente da uomini. (...) Con movimenti
lenti, passi di marcia e ondeggiamenti
della testa, gli attori si differenziano
dagli attori uomini. (...) Il clima è visionario,
mirante all’esclusione di tutto ciò che
potrebbe contaminare il contenuto. Lo spettacolo
è chiuso in quello che vuole comunicare
direttamente (...): il suo messaggio è
netto e ben definito (...).
(…) Il trionfo finale di stendardi rossi, dopo
un periodo di buio chiude degnamente uno
spettacolo che vuole solo essere veicolo di
Sussurri o grida
Movimenti nel nuovo teatro italiano
Nona edizione
Dal 28 aprile al 31 maggio 1992
un significato politico (...)».
Luca Marchesi
da "Letture", giugno 1992
«(…) Quasi provocatoriamente, Marcido
Marcidoris sceglie di tradurre la propria
recitazione in "colonna sonora" e di concentrare
tutto il lavoro sul cesello di questa,
spiazzando magari chi si attendeva dal gruppo
l’ennesima invenzione scenografica
attorno a cui far germinare il "canto" strascicato
della recitazione. Così Lauretta Dal
Cin (Fedra), Maria Luisa Abate (la nutrice),
Ferdinando D’Agata (Ippolito) e Corrado
Parodi (Teseo) appaiono ingabbiati sotto
archi di metallo e prestano tutta la gamma
di sonorità disponibili alla partitura diretta
da Marco Isidori (che "dice" anche la parte
del Nunzio), accucciato davanti agli interpreti.
(…) C’è in questa ricerca l’intenzione
di giungere a un modello di rappresentazione
moderna in cui l’individualità dell’attore
sia superata e la fisicità si accompagni alla
sonorità allo stato puro. Le premesse sono
audaci, i procedimenti ed i risultati stimolanti.
Nell’austero decòr scenico studiato
da Daniela Dal Cin, i brani senechiani
risuonano alternando in chi ascolta interesse,
fastidio, curiosità».
Giampaolo Spinato
da "la Repubblica", 15 maggio 1992
1991.1992