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Italics. Arte italiana fra tradizione e rivoluzione,1968-2008
Palazzo Grassi, 27 settembre 2008 – 22 marzo 2009
“Italics. Arte italiana fra tradizione e rivoluzione, 1968-2008”
La mostra è organizzata da Palazzo Grassi,
in collaborazione con il Museum of Contemporary Art, Chicago
IN COPRODUZIONE
CON
PARTNER
ISTITUZIONALE

INDICE
1/ “Italics”: una panoramica della creazione contemporanea in Italia
François Pinault, Presidente di Palazzo Grassi
2/ “Italics”: dalle vertigini rivoluzionarie al mercato globale dell’arte
Monique Veaute, Amministratore Delegato di Palazzo Grassi
3/ Un'antica civiltà contemporanea
a cura di Francesco Bonami, Curatore della mostra
4/ Gli artisti in mostra (bio brevi)
5/ Il catalogo
6/ Palazzo Grassi
Palazzo Grassi: una storia veneziana
Da Gianni Agnelli a François Pinault
Il Consiglio di Amministrazione
Il Comitato d’Onore
Il Restauro di Palazzo Grassi realizzato da Tadao Ando
Gli orientamenti culturali di Palazzo Grassi
Gli “Incontri di Palazzo Grassi, aspettando Punta della Dogana”
Il Centro d’Arte Contemporanea di Punta della Dogana, François Pinault Foundation
7/ Il Museum of Contemporary Art, Chicago
8/ Biografie
François Pinault
Monique Veaute
Francesco Bonami
Tadao Ando
9/ Informazioni pratiche
10/ Contatti per la stampa
11/ Ringraziamenti
12/ Didascalie delle immagini del CD

1/
“Italics”:
una panoramica della creazione contemporanea in Italia
François Pinault, Presidente di Palazzo Grassi
Il viaggio nell’arte contemporanea, iniziato due anni fa a Palazzo Grassi, prosegue ora in Italia.
Dopo le prime esposizioni che ne hanno punteggiato l’itinerario, questa tappa è destinata a fare epoca,
poiché ho affidato a Francesco Bonami il compito di presentare la sua visione del panorama artistico
italiano degli ultimi quarant’anni.
Avendo cominciato a collezionare all’inizio degli anni settanta, sono sempre stato affascinato dalla
creatività degli artisti italiani, dall’Arte povera, di cui ho precocemente acquisito opere fondamentali,
fino alle installazioni iconoclaste di Maurizio Cattelan.
La selezione delle opere realizzata dal curatore mette in evidenza il contributo prezioso ma spesso
misconosciuto fornito dagli artisti italiani alla produzione plastica contemporanea.
Certo, l’arte non conosce frontiere, tuttavia questi ultimi, nutriti da un passato ricco e da un presente
vivace, posano ancora oggi uno sguardo particolare sul mondo che ci circonda.
L’esposizione che si svolge a Palazzo Grassi aspira a dare voce a questa specificità, da cui prende il
nome: “Italics. Arte italiana tra tradizione e rivoluzione, 1968-2008”.
Prodotta da Palazzo Grassi e dal Museum of Contemporary Art di Chicago, che ringrazio per la
collaborazione, Italics partirà in seguito alla volta degli Stati-Uniti. Voglio inoltre ringraziare i nostri
partner veneziani, in particolare il Sindaco di Venezia, Massimo Cacciari e tutto lo staff di Palazzo
Grassi.
François Pinault
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2/
“Italics”:
dalle vertigini rivoluzionarie al mercato globale dell’arte
Monique Veaute, Amministratore Delegato di Palazzo Grassi
Dopo due anni e mezzo di attività del “nuovo” Palazzo Grassi è il momento di vedere le cose
obiettivamente e considerare con un certo distacco l’arte italiana degli ultimi anni. Se le esposizioni
precedenti, dedicate alla Collezione François Pinault, “Where Are We Going?” e “Sequence 1”, hanno
rievocato rispettivamente, accennandovi brevemente, i movimenti storici (soprattutto l’Arte Povera) e
alcuni personaggi recenti dell’arte italiana, “Italics” ne disegna un ritratto inedito. Certo, si tratta di un
omaggio agli artisti italiani che durante gli ultimi quarant’anni hanno meritato la stima della loro eredità
storica, ma l’omaggio è inaspettato e coraggioso.
La retrospettiva – che si estende dal nord al sud della penisola e va dalla data mitica del 1968 a quella,
concretamente attuale, del 2008 – copre due generazioni di artisti e quarant’anni di scoperte.
Tra le molte retrospettive del passato è necessario ricordarne una che ha fatto epoca e cioè quella che,
nel 1995, il critico e teorico d’arte Germano Celant ha dedicato agli anni 1943-1968 al museo
Guggenheim di New York. Palazzo Grassi, con “Italics”, si compiace di inserirsi nella continuità di tale
approfondimento. Il 1968 segna al tempo stesso la fine dell’epoca seguita al boom del dopoguerra e
l’esplosione di una nuova era.
Se per gli artisti emergenti, molti dei quali non erano ancora nati, il 1968 è una data come tante altre, per
coloro che l’hanno vissuto con la passione noncurante e l’impertinenza ribelle che allora era nell’aria
rimane l’anno di tutte le libertà e di tutte le rotture.
Le decadi, con i loro movimenti artistici, si susseguono come se ognuna si affrettasse ad annullare le
tracce della precedente, con un’insistenza a volte deleteria nel distruggere ogni illusione passata per
costruire il nuovo dal nulla. La fine degli anni sessanta e l’agonia del sogno di “peace and love”, gli anni
settanta con le Brigate Rosse senza fiori nei cannoni e con l’ombra dei servizi segreti che facevano a
gara nell’intrallazzare. Seguono poi gli anni ottanta, gli yuppy e il loro edonismo reaganiano, una società
che è sempre meno interessata all’arte e sempre più al dio denaro.Tempi duri per i pionieri che, con
ostinazione, continuano nelle loro ricerche... Con l’avvento degli anni novanta, le correnti che dividono
l’ambiente artistico muoiono per rinascere in altre tendenze, come le neoavanguardie. Gestazione
dolorosa e spesso solitaria: la società si preoccupa maggiormente del mercato dell’arte, dove i prezzi
arrivano alle stelle, piuttosto che di prestare orecchio ai vagiti degli artisti neonati.
Si apre poi il XXI secolo, senza grande fasto, forse, ma con una nuova speranza.
Nelle sale sono molti i grandi nomi del passato recente. Mario Merz, protagonista ineguagliabile
dell’arte povera, nato nel 1922, militante antifascista le cui composizioni mischiano sulla tela balle di
fieno e tratti puri che emergono dall’intimo per riconciliare meglio l’Uomo con la Natura. Pino Pascali,
molto dotato d’ingegno, nato nel 1935 e falcidiato nel pieno della gioventù da un incidente in
motocicletta. Alighiero Boetti, nato nel 1940, che esegue disegni a matita su oggetti di uso comune.
Giberto Zorio, nato nel 1944, che costruisce i suoi lavori come organismi viventi che interagiscono
fisicamente e chimicamente con lo spettatore. Letizia Battaglia che fotografa l’indescrivibile, la
sofferenza mortale inflitta dalla mafia e il corteo coraggioso di coloro che rialzano la testa.
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Tutti questi eroi, del resto, hanno lasciato tracce della loro gioventù restituite da vecchi documenti del
1968* e hanno nutrito il terreno dei nuovi arrivati sulla scena contemporanea, come le sculture
dissacratorie di Maurizio Cattelan, le fotografie intimistiche di Luisa Lambri, le installazioni dinamiche
di Patrick Tuttofuoco.A volte è necessario essere volenterosi per seguire il filo del tempo, districare la
matassa delle dispute e le separazioni successive. Il tono virulento dei belligeranti non ha, tutto
sommato, alcunché di sorprendente perché ognuno degli artisti rivendica con forza la propria
interpretazione dell’epoca, e l’armonia, dato che è in piena gestazione, è necessariamente dissonante.
Nel 1968, nel fermento del momento, non erano minori le contraddizioni nell’interpretazione della
storia, in piena esplosione. Un esempio fra molti: mentre infuriavano gli scontri violenti tra studenti e
forze di polizia, Pier Paolo Pasolini, cantore di tutte le lacerazioni, stupì la sua cerchia prendendo
vigorosamente posizione a favore dei poliziotti,“figli del popolo senza diploma e senza difesa”, contro gli
studenti,“figli di papà” (cito:“Avete facce di figli di papà.Vi odio come odio i vostri papà”).
Ringrazio innanzitutto la Città di Venezia per la splendida accoglienza che ha riservato alle iniziative e
ai collaboratori di François Pinault, per la serena fiducia concessa, per la velocità e l’efficienza di cui ha
dato prova e per il clima di cordiale apertura in cui ogni avvenimento si è svolto. Un sentito
ringraziamento al nostro partner per l’esposizione, il Museum of Contemporary Art di Chicago, e a tutti
coloro che hanno volentieri prestato alcune delle loro opere. Ringrazio inoltre la società ARTIS, senza
dimenticare tutti gli altri sponsor senza i quali la nostra avventura veneziana non avrebbe potuto vedere
la luce. Grazie infine ai nostri staff, quello di Palazzo Grassi e quello di “Italics”.
Monique Veaute
Direttore di Palazzo Grassi
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3/
Un'antica civiltà contemporanea
a cura di Francesco Bonami, Curatore della mostra
Sull’“International Herald Tribune” del 20 giugno 2008 erano pubblicate due immagini tratte dai film
italiani vincitori a Cannes: Il Divo di Paolo Sorrentino e Gomorra di Matteo Garrone. Il fotogramma del
Divo è l’immagine di un uomo, Giulio Andreotti, sette volte primo ministro italiano, che cammina solitario
in un paesaggio quasi desertico. L’altro fotogramma è quello di due giovani camorristi a torso nudo che
sparano con fucili mitragliatori su una spiaggia. Queste due immagini sono le due rotaie che corrono
perfettamente parallele attraverso quarant’anni di storia italiana, sulle quali ho deciso di collocare il
treno della mostra che si intitola “Italics. Arte italiana fra tradizione e rivoluzione 1968-2008”.
Perché inserire queste due immagini arrivate all’ultimo momento in una riflessione iniziata molti anni fa
su come sia possibile raccontare la storia dell’arte italiana degli ultimi quarant’anni senza finire dentro
il solito labirinto della critica ufficiale? Il fotogramma del Divo e quello di Gomorra sono, nella loro
diversità, due immagini profondamente italiane ma anche, e finalmente, astratte o meglio universali.
Rappresentano molto della nostra contemporaneità ma sono al tempo stesso i simboli della crisi di
identità italiana, che è poi quella della civiltà occidentale nella sua essenza. Rappresentano il potere e
la violenza, l’ordine assoluto e il caos, la frigidità e la sensualità, l’eleganza e la volgarità. Coincidono
esattamente con i binari della tradizione e della rivoluzione, tenuti insieme con uno sforzo enorme dagli
artisti italiani che dal 1968 a oggi hanno lavorato nel tentativo disperato di far convergere queste due
forze determinanti nella trasformazione della cultura contemporanea del mondo occidentale. Lo
statista Aldo Moro,assassinato nel 1978 dai terroristi delle Brigate Rosse,aveva inventato per un certo
modo di fare politica la geniale definizione di “convergenze parallele”. Una definizione perfetta che può
essere usata anche per l’arte italiana sulla quale è costruita “Italics”. La rete dell’arte contemporanea
italiana è sempre stata un intricato sistema di direzioni diverse che partivano tutte dalla linea
principale che attraversava la tradizione dei grandi maestri del passato. Questo vettore ferroviario
dell’arte a un certo punto si è però diviso in tre linee diverse: due sono arrivate oltre il confine nazionale
mentre la terza è diventata una rete locale che riconduce sempre agli stessi luoghi. Le linee che hanno
varcato le frontiere italiane si chiamano arte povera e transavanguardia, mentre la rete locale porta, a
seconda delle diverse stazioni di arrivo, il nome di tutti quegli artisti che, per un motivo o per l’altro, non
sono mai riusciti a salire sul treno giusto.
La storia dell’arte italiana contemporanea o post-sessantotto è la storia del film I Vitelloni di Federico
Fellini,dove un gruppo di giovani è incapace di lasciarsi alle spalle la comodità deprimente e noiosa della
provincia per intraprendere il necessario viaggio alla scoperta del mondo. Solo uno dei protagonisti,
Moraldo,il più giovane del gruppo,alla fine riesce a partire, a liberarsi della devastante tranquillità della
famiglia e del rassicurante calore del branco. “Italics” è una mostra che vuole immaginare questi vitelloni
improvvisamente maturi, decisi a tuffarsi in un mondo che fino a oggi li ha ignorati. “Italics” è
fondamentalmente una domanda,un’inchiesta, un’esplorazione su più di cento artisti, che tutti insieme
rappresentano una sorta di grande civiltà contemporanea scomparsa e all’improvviso ritornata in
superficie, della quale ci domandiamo perché nel mondo si sappia così poco. Come è possibile che in
quarant’anni gli artisti italiani conosciuti all’estero si riducano a Fontana e Burri, i tredici dell’arte povera,
i tre della transavanguardia, per finire con Cattelan, Beecroft e Vezzoli? Venti in tutto.
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“Italics” è allora una fantasia e un’illusione? O addirittura un’invenzione? Ovviamente non credo che sia
nessuna di queste cose.“Italics” è un’indagine volta a individuare dove e quando parte dei vagoni del
treno italiano sono stati staccati e deviati su binari morti. “Italics” è la ricerca degli indizi necessari per
capire come mai artisti capaci di produrre opere eccezionali troppo spesso si siano persi o siano stati
abbandonati a loro stessi o gli sia stato fatto credere che il mondo era quello delle loro città, se non
addirittura quello dei loro studi. “Italics” cerca di trovare i veri colpevoli di un crimine, liberando gli artisti
che ingiustamente sono stati condannati alla marginalità. La tesi di “Italics” è che il vero DNA dell’arte
italiana è un altro. L’arte italiana, come gran parte della società, è stata violentata dal fondamentalismo
politico che ne ha soppresso gli istinti internazionali più forti. Mentre nel resto d’Europa si costruivano
musei, in Italia si pensava ad altro. Quando negli anni sessanta l’economia avrebbe consentito di
investire in infrastrutture museali, nessuno ha mosso un dito o investito una lira. Poi è arrivata la crisi e
il ratto della politica si è consumato a spese della cultura, ma la violenza peggiore è stata fatta all’arte
contemporanea. Molti artisti, subita inconsciamente questa violenza, l’hanno poi rimossa, chiudendosi
in se stessi. Solo quelli che si sono affidati a una famiglia sono riusciti in parte a superare il trauma. Ma
di quale famiglia stiamo parlando? Delle tante famiglie che hanno tenuto unita, e schiava al tempo
stesso, l’Italia: la famiglia politica, la famiglia religiosa, la famiglia criminale, la famiglia critica, la
famiglia borghese o quella imprenditoriale, quella terrorista o quella extraparlamentare. In fin dei conti,
una stessa famiglia con nomi diversi: PCI, DC, PSI, Mafia, Chiesa cattolica, Agnelli, arte povera,
transavanguardia, Autonomia Operaia, Lotta Continua, BR, NAR eccetera eccetera. Chi veniva
abbandonato dalla famiglia finiva di solito allo sbando. Non solo artisti contemporanei ma anche
registi, attori, musicisti, scrittori, architetti. “Italics” vuole provare a raccontare la storia di una civiltà
contemporanea scomparsa perché cresciuta fuori dalla famiglia. Una storia difficile da raccontare,
perché la famiglia in Italia non solo ha protetto i propri figli, ma li ha anche oppressi, e l’oppressione va
mano nella mano con la censura. Così la famiglia ha sempre tentato di raccontare la storia dei propri
figli per il timore che un racconto autonomo e più libero potesse indebolire il legame, se non rompere le
catene familiari. In Italia i figli rimangono figli anche quando diventano padri, rimangono figli anche
quando, dopo padri, diventano nonni e infine diventano morti. Anche da morto, il figlio italiano non è mai
libero. Ad esempio, a uno dei più grandi maestri del Novecento, è stato impedito, pur essendo morto, di
partecipare a questa mostra dalla figlia diventata madre del proprio padre, alla quale non piaceva il
racconto che “Italics” tenta di fare dell’arte italiana degli ultimi quarant’anni. Nel tentativo di proteggere
i propri figli dalle cattive compagnie, la famiglia culturale, intellettuale e artistica italiana ha finito per
isolarli dal mondo, condannandoli a una solitudine autoreferente. Allora la mostra è un tentativo forse
ingenuo di immaginare cosa sarebbe potuto accadere all’arte italiana se si fosse mossa come una
popolazione fatta di persone e non in piccoli branchi dove solo il capo poteva decidere il destino degli
altri. Dove solo padri, madri ed eredi, come monarchi minimi, avevano il potere di decidere il futuro dei
propri sudditi. Non solo, “Italics” vuole essere una proposta di riconciliazione culturale con il panorama
internazionale, facendo ascoltare voci raramente ascoltate.
Secondo il grande storico dell’arte Giulio Carlo Argan, le opere d’arte che fanno la storia dell’arte non
sono belle o brutte, ma “giuste”. Dipende da cosa si intende per “giusto”. A mio parere un’opera d’arte è
giusta se fa giustizia dei tempi in cui vive, se riflette in qualche modo la realtà che la circonda. Ma credo
che Argan intendesse qualcosa di diverso. Giusta per lui era un’opera concepita secondo certi criteri,
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certi parametri, certe direttive e forse all’interno di certe ideologie. Temo che l’arte contemporanea
italiana sia stata vittima di queste direttive e la storia dell’arte contemporanea scritta da Argan ne è una
dimostrazione, con i suoi molti vuoti e le sue molte omissioni. Si potrebbe allora dire che Argan sia stato
un po’ il “divo” del mondo dell’arte italiana,rimasta vittima del suo rigore critico. Il netto confine morale e
politico tracciato da Argan fra arte “giusta” e arte “sbagliata” ha creato un’anomalia italiana
responsabile dell’esclusione di molti artisti che per un motivo o per un altro rimanevano fuori da una
delle tante famiglie. Si potrebbe obiettare che Morandi, scomparso prima del confine anagrafico di
questa mostra, Fontana e Burri, contraddicono questa tesi familiare, ma forse più semplicemente
rappresentano le eccezioni che confermano la regola. In realtà questi tre giganti sono i testimoni della
nascita dell’artista italiano contemporaneo. Re Magi che portano all’artista italiano bambino, che
lavorerà tra gli anni settanta e novanta, tre doni: il gesto, la materia e l’oggetto. Doni che spesso si
riveleranno maledizioni, arrestando la crescita di linguaggi simbolici che in altri paesi troveranno una
maturazione più rapida. Dietro “Italics” non c’è una tesi ma una constatazione: il gruppo, di qualsiasi
natura fosse, ha avuto la meglio sull’individualità e l’identità dei singoli artisti. A questo si sono aggiunte
la mancanza di un sistema museale efficace e di accademie di belle arti aggiornate e aperte al dibattito
e la presenza di università in mano a baronie che hanno consentito unicamente lo sviluppo di una
visione rigida della storia dell’arte,inquadrata per la maggior parte dentro criteri “giusti”. Una critica
d’arte lucidissima ma eccessivamente ideologica e i difetti congeniti dell’artista italicus hanno creato
una situazione forse unica nel mondo dell’arte contemporanea occidentale: un paese con moltissimi ed
eccezionali talenti incapaci o impossibilitati a superare l’invisibile barriera che ha intrappolato l’arte
italiana dal 1968 a oggi. “Italics” non ha l’ambizione di riscrivere quarant’anni di storia, ma tenta di
fornirne un racconto diverso.
Il curatore in questo caso non è uno storico dell’arte né un critico, ma un esploratore, un antropologo, un
archeologo del presente, un astronomo che studia una galassia semisconosciuta. “Italics” è l’ipotesi di
un universo possibile. “Italics” non è una mostra costruita attorno ad alcuni nomi, ma attorno ad alcuni
lavori che non vogliono essere giusti in modo assoluto, ma giusti in relazione al panorama che li
conteneva, e in relazione ad altri lavori che sono presenti in mostra. La mostra è stata pensata come una
serie di incontri spesso tra sconosciuti, altre volte tra vecchie conoscenze, che però si scambiano
informazioni inedite dimenticando la cronologia. Le assenze anche gravissime che sicuramente ci
saranno non sono frutto di epurazioni sommarie, ma di un ragionamento sul lavoro degli artisti. In certi
casi l’assenza di artisti che alcuni considerano parte imprescindibile di un percorso italiano dipende dal
fatto di non aver individuato opere che potessero arricchire la discussione. “Italics” rimane legata alle
arti visive, non si addentra in territori ibridi come il design, il cinema, la moda o il teatro. Anche se una
figura come Romeo Castellucci del gruppo teatrale Socìetas Raffaello Sanzio ha letteralmente
trasformato il teatro italiano in arte contemporanea, come d’altronde, suo malgrado, ha fatto Carmelo
Bene con produzioni come Salomè. Includerli però avrebbe voluto dire raccontare una storia diversa, in
parte già scritta. Prendere il 1968 come anno di partenza è stata una scelta naturale, in parte personale
in parte storica. Personalmente il 1968 è l’anno nel quale, da tredicenne, inizio a prendere coscienza
della realtà sociale. Ma il 1968 è più che altro il primo anno condiviso dal mondo intero non attraverso
una guerra ma attraverso un terremoto culturale e sociale. Non c’è nazione al mondo in cui, in qualche
forma, non avvengano trasformazioni radicali. Il 1968 è l’anno in cui, in Italia, la tradizione viene messa
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ufficialmente in discussione e sotto processo, un processo che, come “Italics” proverà a dimostrare, non
si è ancora concluso. La tradizione, infatti, pur essendo stata il movente di tanti crimini commessi
contro l’innovazione, in Italia non è stata ancora condannata definitivamente. Nel gennaio del 1968,
inoltre, l’Italia viene devastata dal terribile terremoto del Belice, una scossa naturale che sembra voler
annunciare quella sociale, che seguirà da lì a pochi mesi. Infine, partendo dal 1968, la storia che “Italics”
prova a scrivere appare ancora una storia molto giovane. Si fosse partiti un decennio prima, si sarebbe
parlato di mezzo secolo, si sarebbe parlato di un’Italia di mezz’età, di un’Italia dove le vere contraddizioni
non erano ancora venute a galla in modo così eclatante.
Quarant’anni mi è sembrato un lasso di tempo “giusto”, anche perché sono l’anello di congiunzione di
due generazioni: quella di chi è nato subito dopo la guerra e quella di chi, come me, è nato agli albori del
boom economico. In quarant’anni si sovrappongono artisti, critici e politici. I figli vogliono essere padri,
ma i padri non rinunciano al loro ruolo, che tengono stretto tra i denti. Le comparse vogliono diventare
divi, ma i divi, con i capelli che iniziano a ingrigire, si ostinano a voler fare la parte dei giovani.
L’immaginazione per gli studenti ribelli deve andare al potere, ma chi questo potere lo tiene saldamente
in mano rifiuta di immaginare un potere diverso dal proprio. Nel 1968, l’Italia è, e lo sarà fino agli inizi
degli anni ottanta, un paese dove la lotta generazionale si trasforma in una tragica parodia di guerra
civile. Anche nell’arte gli schieramenti sono radicalmente opposti. La pittura, che, come il cattolicesimo,
è inseparabile dall’identità italiana, negli anni settanta viene messa al bando, così come andare in
chiesa diventa un gesto reazionario se non addirittura fascista. Nonostante queste leggi non scritte,
tuttavia, molta gente continuerà ad andare in chiesa, come molti artisti continueranno a dipingere, ma
tutti lo faranno in modo psicologicamente clandestino. L’esclusione della spiritualità e della pittura
dalla sfera collettiva provocherà un trauma latente nello sviluppo della cultura italiana. Sia religione sia
pittura torneranno negli anni ottanta ad affermarsi in modo reazionario attraverso comunità religiose
ottuse o movimenti artistici retrogradi come la transavanguardia o la pittura colta. Anche se la
transavanguardia, alla sua nascita, fa sperare in un recupero innovativo della pittura, l’innovazione è
destinata a essere ingoiata da un mercato dell’arte bulimico e da una critica autoreferenziale e
marginale che, anziché sviluppare l’idea di un luogo, l’Italia, come fabbrica di genialità internazionale,
ripiega sulla catastrofica idea del genius loci, ovvero del genio locale che ancora una volta viene protetto
esclusivamente dalla comunità chiusa del paesello d’origine e che finisce per trasformarsi nello scemo
del villaggio, nell’eterno vitellone. Francesco Clemente e Sandro Chia riescono a liberarsi, il primo
definitivamente, il secondo solo parzialmente, dalle catene della loro origine, trasformando l’identità
italiana da zavorra in mongolfiera per esplorare il mondo, da New York all’India. Ma il ritorno alla pittura,
che in altri paesi come la Germania o gli Stati Uniti ha sempre continuato a fare parte del dibattito fra
linguaggi diversi – Jasper Johns o Andy Warhol hanno condiviso la scena con il minimalismo di Richard
Serra o Donald Judd e Joseph Beuys con la pittura di Sigmar Polke o Gerard Richter – in Italia è vissuto
come una vendetta dell’effimero sull’opprimente impegno politico. Un artista visionario come Alighiero
Boetti, alla fine negli anni settanta, vede la pittura come un tradimento degli ideali della rivoluzione
artistica e politica esplosi con il ’68. Dipingere rappresenta una forma di distacco dalla realtà a cui gli
artisti dell’arte povera hanno sempre guardato con sospetto se non addirittura con disprezzo. Ma
dipingere, come pregare, sembra essere una necessità inalienabile dell’identità italiana, così, a metà
degli anni ottanta, molti artisti dell’arte povera si troveranno costretti a cercare un loro modo di essere
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pittori per poter stabilire un dialogo con un mondo dell’arte ipnotizzato dal ritorno selvaggio della
pittura. Boetti resisterà, non dipingerà mai, vaccinato dalla passione per il disegno, un mezzo
espressivo che consente di essere direttamente coinvolti con il presente e la cronaca. Anche Marisa
Merz alternerà sempre scultura e disegno, senza mai cadere nella trappola del quadro. Ma la pittura
rimane come la Chiesa una delle grandi madri della cultura italiana. Così, se la religione e la presenza
del Vaticano hanno, se non bloccato, almeno ritardato lo sviluppo di una cultura laica moderna e
contemporanea, e la pittura e il Rinascimento hanno rimandato la nascita di un’arte contemporanea
veramente libera di rinnovarsi, la rimozione forzata, negli anni settanta, di pittura e religione dal
panorama della società ha prodotto traumi che hanno impedito di leggere gli ultimi quarant’anni in
modo chiaro.
“Italics” mette sul lettino dell’analista l’arte italiana nel tentativo di capire meglio la sua storia fatta di
traumi rimossi. Traumi a volte nascosti dalla sindrome dell’ideologia politica, come nei Funerali di
Togliatti (1972) di Renato Guttuso, massimo genio locale ignorato dal resto del mondo ma beatificato
da quella chiesa-ombra che è stato in Italia il Partito Comunista Italiano. Oppure ferite sociali come la
Mafia, rese astratte nella materia nera e spaccata di un cretto di Alberto Burri o manifestate
chiaramente nelle foto di Letizia Battaglia, che non ha nulla da invidiare a giganti della fotografia
come l’americano Weegee. Traumi assorbiti dalla società dello spettacolo responsabile di aver
trasformato la televisione nell’unica realtà e verità accettabile dell’Italia contemporanea, che nei
video di Francesco Vezzoli si aggrappa però a miti di un intrattenimento più umano, come l’attrice di
cabaret Franca Valeri e l’alba della televisione di stato, la Rai. Il trauma dell’equivoco fatale che ha
confuso la sperimentazione e l’avanguardia con una ricerca estetica fine a se stessa o forse sfruttata
per rafforzare il luogo comune di un’eleganza italiana diffusa e tentacolare che ha ingabbiato
fenomeni come Dadamaino, Castellani, Alviani o Accardi, impedendo loro di sfidare sullo stesso
terreno i colleghi che lavoravano dall’altra parte dell’Atlantico. Il trauma di quel sottoproletariato
raccontato e idealizzato da Pasolini, rimosso dalle baraccopoli urbane e segregato nell’architettura
di periferie senza identità, come la cucina-tinello dello scoiattolo suicida di Maurizio Cattelan. Il
trauma di una micro-bohème locale, che ha impedito a un’artista come Carol Rama di diventare la
Louise Bourgeois italiana. Il ricatto della bellezza messa sempre in pericolo dall’ossessione e
dall’amore per il cibo, espresso così intensamente nella serie di disegni di Vanessa Beecroft sullo
spettro dell’anoressia, molto più efficaci dell’imbarazzante e prevedibile spettacolarità della
pubblicità di Oliviero Toscani con la ragazza scheletrica. Il trauma della demagogia psichiatrica, che
ha relegato un artista come Carlo Zinelli a caso clinico, mentre a Los Angeles un eccentrico come
Raymond Pettibon è diventato un eroe di gallerie e musei d’arte contemporanea. Il trauma di una
cultura, che, anziché cercare nella propria specifica intraducibilità l’occasione per diventare
universale, ha preferito diventare introversa, finendo per parlare a se stessa. “Italics” come i film Il
Divo e Gomorra, ma anche come i film di Antonioni o Fellini, senza l’arroganza di voler essere al loro
livello, ma rimanendo nei limiti e nella dimensione di una mostra di arte contemporanea, prova a
raccontare al mondo una storia diversa dell’arte italiana,una storia più universale e meno locale.
“Italics” tenta di rompere gli argini di un fiume che, per quarant’anni, ha corso dentro rive artificiali:
quella della politica culturale e quella della critica d’arte. “Italics” non vuole ricostruire un olimpo di
creta con le sue divinità, ma vuole offrire a un pubblico internazionale l’opportunità di scoprire un
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territorio nascosto, una grande e antica civiltà contemporanea rimasta sepolta sotto la cenere del
vulcano politico esploso nel 1968.
Il film “Italics” si apre con sei opere essenziali che ci conducono dentro il racconto dell’arte italiana,
complicato, affascinante ma anche ricchissimo. La prima opera è la fontana-autoritratto di Alighiero
Boetti. L’homo italicus nella sua essenza, con la mente che fuma come un vulcano pronto, appunto, a
esplodere provocando una rivoluzione. La seconda opera è una piccolissima roccia con un piccolissimo
ritratto a matita: è un lavoro di Gino De Dominicis. Il mito di Giotto, il mito dell’artista pastore, il mito della
mano che con un semplice gesto può trasformare la realtà. La terza opera è costituita dai nove corpi
coperti da un lenzuolo di Maurizio Cattelan, scolpiti in marmo bianco. Una scultura che collega con un
filo diretto la storia dell’arte alla cronaca del presente: da Bernini ai cadaveri dell’Iraq; l’estasi di santa
Teresa a confronto con l’eterna tragedia della follia umana. La quarta opera rappresenta le teste
mozzate del museo Lombroso di Torino nel film di Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi. Anche qui la
storia dell’arte – Caravaggio, Cellini – si aggancia alla storia contemporanea più recente, i video delle
decapitazioni degli ostaggi da parte dei terroristi islamici. La quinta opera è anche un suono, un rumore,
la piccola fontana di Marisa Merz. Dopo la violenza il miracolo, come nel film La fontana della vergine di
Ingmar Bergman. La sorgente come simbolico rifiuto della morte. La sesta opera è l’Italia d’oro
rovesciata di Luciano Fabro. Un’Italia non impiccata o a testa in giù, ma l’Italia raccontata da “Italics”. Un
mondo diverso, una civiltà contemporanea misteriosa che siamo stati abituati a osservare sempre dallo
stesso punto di vista, da nord a sud, uno stivale attaccato all’Europa come un’appendice. Ma così come
ce la mostra Fabro diventa un pianeta, una stella, una cometa inseguita come una premonizione da un
popolo di artisti nomadi nell’universo globale della società e della storia contemporanee.
Francesco Bonami, Chicago 2008
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4/
Gli artisti in mostra (bio brevi)
Carla Accardi
Nata a Trapani nel 1924. Vive e lavora a Roma.
Valerio Adami
Nato nel 1935 a Bologna. Vive e lavora a Parigi.
Getulio Alviani
Nato nel 1939 a Udine. Vive e lavora a Milano.
Pietro Annigoni
Nato nel 1910 a Milano. Morto nel 1988 a Firenze.
Giovanni Anselmo
Nato nel 1934 a Borgofranco d’Ivrea (Torino). Vive e lavora a Torino.
Alessandra Ariatti
Nata nel 1967 a Reggio Emilia. Vive e lavora a Borzano di Albinea (Reggio Emilia).
Stefano Arienti
Nato nel 1961 ad Asola (Mantova). Vive e lavora a Milano.
Micol Assaël
Nata nel 1979 a Roma. Vive e lavora a Roma.
Giorgio Avidgor
Nato nel 1932. Vive e lavora a New York.
Enrico Baj
Nato nel 1924 a Milano. Morto nel 2003 a Vergiate (Varese).
Nanni Balestrini
Nato nel 1935 a Milano. Vive e lavora a Parigi e Roma.
Rosa Barba
Nata nel 1972 ad Agrigento. Vive e lavora a Colonia.
Massimo Bartolini
Nato nel 1962 a Cecina (Livorno). Vive e lavora a Cecina.
12

Gianfranco Baruchello
Nato nel 1924 a Livorno. Vive e lavora a Roma.
Gabriele Basilico
Nato a Milano nel 1944. Vive e lavora a Milano.
Letizia Battaglia
Nata a Palermo nel 1935. Vive lavora a Palermo.
Vanessa Beecroft
Nata nel 1969 a Genova, vive e lavora a New York.
Simone Berti
Nato nel 1966 ad Adria (Rovigo). Vive e lavora a Milano.
Alighiero Boetti
Nato nel 1940 a Torino. Morto nel 1994 a Roma.
Agostino Bonalumi
Nato nel 1935 a Vimercate (Milano). Vive e lavora a Milano.
Monica Bonvicini
Nata nel 1965 a Venezia. Vive e lavora a Berlino e Los Angeles.
Alberto Burri
Nato nel 1915 a Città di Castello (Perugia). Morto nel 1995 a Nizza.
Pierpaolo Campanini
Nato nel 1964 a Cento (Ferrara). Vive e lavora a Cento (Ferrara).
Enrico Castellani
Nato nel 1930 a Castelmassa (Rovigo). Vive e lavora a Celleno (Viterbo).
Alice Cattaneo
Nata nel 1976 a Milano. Vive e lavora a Milano.
Maurizio Cattelan
Nato nel 1960 a Padova. Vive e lavora a New York.
Mario Ceroli
Nato nel 1938 a Castel Frentano (Chieti). Vive e lavora a Roma.
13

Sandro Chia
Nato nel 1946 a Firenze. Vive e lavora a tra Miami, Roma e Montalcino (Siena).
Francesco Clemente
Nato a Napoli nel 1952. Vive e lavora a New York.
Fabrizio Clerici
Nato nel 1913 a Milano. Morto nel 1993 a Roma.
Cesare Colombo
Nato a Lecco nel 1935. Vive e lavora a Milano.
Gianni Colombo
Nato nel 1937 a Milano. Morto nel 1993 a Melzo, Milano.
Enzo Cucchi
Nato a Morro d’Alba (Ancona) nel 1949. Vive e lavora a Roma.
Roberto Cuoghi
Nato nel 1973 a Modena. Vive e lavora a Milano.
Dadamaino
Nata nel 1935 a Milano. Morta nel 2004 a Milano.
Tano D’Amico
Nato a Filicudi (isole Eolie) nel 1942. Vive e lavora a Roma.
Enrico David
Nato nel 1966 ad Ancona. Vive e lavora a Londra.
Giorgio De Chirico
Nato nel 1888 a Volos, Grecia. Morto nel 1978 a Roma.
Gino De Dominicis
Nato nel 1947 ad Ancona. Morto nel 1998 a Roma.
Ra Di Martino
Nata nel 1975 a Roma. Vive e lavora a New York.
Salvatore Emblema
Nato nel 1929 a Terzigno (Napoli). Morto nel 2006.
14

Bruna Esposito
Nata nel 1960 a Roma. Vive e lavora a Roma.
Luciano Fabro
Nato nel 1936 a Torino. Morto nel 2007 a Milano.
Flavio Favelli
Nato nel 1967 a Firenze. Vive e lavora a Samoggia - Savigno (Bologna).
Gianfranco Ferroni
Nato nel 1927 a Livorno. Morto nel 2001 a Bergamo.
Tano Festa
Nato a Roma nel 1938 e morto nel 1988 a Roma.
Lucio Fontana
Nato nel 1899 a Rosario de Santa Fe (Argentina). Morto nel 1968 a Milano.
Giuseppe Gabellone
Nato nel 1973 a Brindisi. Vive e lavora a Milano.
Alberto Garutti
Nato nel 1948 a Galbiate (Lecco). Vive e lavora a Milano.
Francesco Gennari
Nato nel 1973 a Pesaro. Vive e lavora tra Milano e Pesaro.
Luigi Ghirri
Nato nel 1943 a Scandiano (Reggio Emilia). Morto nel 1992 a Roncocesi (Reggio Emilia).
Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi
Nato nel 1942 a Merano (Bolzano). Nata nel 1942 a Lugo di Romagna (Ravenna). Vivono e lavorano
a Milano.
Piero Gilardi
Nato a Torino nel 1942. Vive e lavora a Torino.
Domenico Gnoli
Nato nel 1933 a Roma. Morto nel 1970 a New York.
Massimo Grimaldi
Nato nel 1974 Taranto. Vive e lavora a Milano.
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Renato Guttuso
Nato nel 1911 a Bagheria (Palermo). Morto nel 1987 Roma.
Paolo Icaro
Nato a Torino nel 1936. Vive e lavora a Pesaro.
Mimmo Jodice
Nato a Napoli nel 1934. Vive e lavora a Napoli.
Maria Lai
Nata nel 1919 a Ulassai (Nuoro). Vive e lavora a Ulassai (Nuoro).
Luisa Lambri
Nata nel 1969 a Cantù (Como). Vive e lavora a Milano.
Ketty La Rocca
Nata nel 1938 a La Spezia. Morta nel 1976 a Firenze.
Leonardo Leoncillo
Nato nel 1915 a Spoleto (Perugia). Morto nel 1968 a Roma.
Domenico Mangano
Nato a Palermo nel 1976. Vive e lavoro tra Roma e Palermo.
Margherita Manzelli
Nata nel 1968 a Ravenna. Vive e lavora a Milano.
Gino Marotta
Nato nel 1935 a Campobasso. Vive e lavora a Roma.
Fabio Mauri
Nato a Roma nel 1926. Vive e lavora a Roma.
Fernando Melani
Nato nel 1907 a S, Piero Agliana (Pistoia). Morto nel 1985 a Pistoia.
Mario Merz
Nato nel 1925 a Milano, morto nel 2003 a Milano.
Marisa Merz
Nata nel 1931 a Torino. Vive e lavora a Milano.
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Maurizio Mochetti
Nato nel 1940 a Roma. Vive e lavora a Roma.
Carlo Mollino
Nato nel 1905 a Torino. Morto nel 1973 a Torino.
Liliana Moro
Nata a Milano nel 1961. Vive e lavora a Milano.
Ugo Mulas
Nato a Pozzolengo (Brescia) nel 1928 e morto a Milano nel 1973.
Bruno Munari
Nato nel 1907 a Milano. Morto nel 1998 a Milano.
Paolo Mussat-Sartor
Nato nel 1947 a Torino. Vive e lavora a Torino.
Ugo Nespolo
Nato nel 1941 a Mosso Santa Maria (Biella). Vive e lavora a Torino.
Gastone Novelli
Nato nel 1925 a Vienna. Morto nel 1968 a Milano.
Luigi Ontani
Nato a Montovolo di Grizzana Moranti (Bologna) nel 1943. Vive e lavora a Roma.
Giulio Paolini
Nato nel 1940 a Genova. Vive e lavora tra Torino e Parigi.
Pino Pascali
Nato nel 1935 a Bari, morto nel 1968 a Roma.
Luca Maria Patella
Nato nel 1934 a Roma. Vive e lavora a Roma.
Giuseppe Penone
Nato nel 1947 a Garessio (Cuneo). Vive e lavora tra Torino e Parigi.
Diego Perrone
Nato nel 1970 ad Asti. Vive e lavora ad Asti.
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Alessandro Pessoli
Nato a Cervia (Ravenna) nel 1963. Vive e lavora a Milano.
Gianni Piacentino
Nato nel 1945 a Coazze (Torino). Vive e lavora a Torino.
Michelangelo Pistoletto
Nato nel 1933 a Biella. Vive e lavora a Biella.
Paola Pivi
Nata a Milano nel 1971. Vive e lavora a Anchorage, Alaska, USA.
Emilio Prini
Nato a Stresa nel 1943. Vive e lavora a Roma.
Carol Rama
Nata a Torino nel 1918. Vive e lavora a Torino.
Pietro Roccasalva
Nato a Modica (Ragusa) nel 1970. Vive e lavora a Milano.
Mimmo Rotella
Nato a Catanzaro nel 1918 e morto a Milano nel 2006.
Andrea Salvino
Nato a Roma nel 1969. Vive e lavora a tra Roma e Berlino.
Salvo
Nato nel 1947 a Leonforte, Enna. Vive e lavora a Torino.
Salvatore Scarpitta
Nato a New York nel 1919. Morto a New York nel 2007.
Mario Schifano
Nato nel 1934 a Homs, Libia. Morto nel 1998 a Roma.
Marinella Senatore
Nata nel 1977 a Cava dé Tirreni, Salerno. Vive e lavora a Madrid (Spagna).
Ettore Sottsass
Nato a Innsbruck (Austria) nel 1917 e morto a Milano nel 2007.
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Emilio Tadini
Nato a Milano nel 1927 e morto a Milano nel 2002.
Patrick Tuttofuoco
Nato nel 1974 a Milano. Vive e lavora a Milano.
Giuseppe Uncini
Nato nel 1929 a Fabiano (Ancona). Morto nel 2008 a Trevi.
Emilio Vedova
Nato nel 1919 a Venezia . Morto nel 2006 a Venezia.
Francesco Vezzoli
Nato nel 1971 a Brescia. Vive e lavora a Milano.
Franco Vimercati
Nato nel 1940 a Milano. Morto nel 2001 a Milano.
Carlo Zinelli
Nato nel 1916 a San Giovanni Lupatoto, Verona. Morto nel 1974 a Chievo.
Gilberto Zorio
Nato a Adorno Micca (Biella) nel 1944. Vive e lavora a Torino.
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5/
Il catalogo
Electa pubblica il catalogo della mostra “Italics. Arte italiana fra tradizione e rivoluzione, 1968-2008”,
a cura di Francesco Bonami, inaugurando la collaborazione editoriale con Palazzo Grassi e il futuro
Centro d’Arte Contemporanea di Punta della Dogana a Venezia.
Realizzato su progetto grafico di Christoph Radl, con 200 illustrazioni a colori, il volume presenta oltre
150 opere di artisti che sono stati e sono oggi, tra i protagonisti dell’arte italiana, nell’ambito di una
analisi che attraversa i nostri ultimi 40 anni di storia. Propone un inedito ritratto dell’arte
contemporanea italiana, un viaggio che parte dalle rotture del ‘68, attraverso anni turbolenti e ricchi di
contraddizioni che hanno generato il nostro presente, e le opere di artisti noti, nuovi, dimenticati,
sconosciuti o trascurati.
I contributi critici (prima sezione) analizzano le tensioni e le correnti artistiche immergendole nel
contesto storico, sociologico e culturale che le ha generate. I saggi di Francesco Bonami, Guido
Guerzoni, Giuliano da Empoli, Francesco Manacorda e Paola Nicolin con ironia e disincanto delineano
la fruizione e i “modi di consumo” dell'arte contemporanea da parte dell'italiano e del turista medio dal
1968 ad oggi.
La selezione operata dal curatore Francesco Bonami, raccolta nella parte centrale del volume, presenta
opere che vanno dagli artisti storici, come Michelangelo Pistoletto, Gilberto Zorio, Mario Merz, a quelli
che oggi sono protagonisti della scena artistica italiana e internazionale, come Patrik Tuttofuoco, Ra di
Martino, Paola Pivi.
La terza parte del catalogo presenta una cronologia che sintetizza i principali eventi storici, politici,
sociali e di costume che dal 1968 ad oggi hanno delineato e continuano a caratterizzare il contesto da
cui l’arte ha tratto e trae ispirazione.
Chiudono il volume le biografie degli artisti in mostra.
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Catalogo Electa
Formato
24x28 cm
Pagine 300
Illustrazioni 200
Prezzo in libreria 50 €
Prezzo in mostra 39 €
A cura di Francesco Bonami
Sommario
25 Un’antica civiltà contemporanea
Francesco Bonami
33 Mediazioni e ricezioni della contemporaneità 1960-1990
Guido Guerzoni
53 Il “Core Business” della conservazione
Giuliano da Empoli
57 “Se la forma scompare la sua radice è eterna”
La rivolta dei poeti e degli inventori
Francesco Manacorda
63 Sragionare in lungo e in largo
Note sull’arte italiana oggi, tra ricerca dell’identità e ipotesi di spazio
Paola Nicolin
73 Catalogo
226 Regesto
234 Cronologia 1968-2008
A cura di Stefano Collicelli Cagol
278 Artisti in mostra
A cura di Cecilia Alemani, Vittoria Martini, Emanuela Mazzonis e Roberta Tenconi
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6/
Palazzo Grassi
Palazzo Grassi: una storia veneziana
L’architettura di Palazzo Grassi è attribuita a Giorgio Massari (1687-1766) che stava ultimando
all’epoca Ca’ Rezzonico, al di là del Canal Grande. Aveva in precedenza costruito la grande chiesa dei
Gesuati, sulla rive delle Zattere e quella della Pietà, sulla riva degli Schiavoni. A lui si deve anche la
facciata del museo dell’Accademia. La famiglia Grassi, originaria di Chioggia, aveva acquistato un
terreno situato in splendida posizione, la cui forma trapezoidale aveva il vantaggio di offrire un’ampia
facciata sul canale, magnificamente orientata a occidente. Curiosamente, le circostanze precise della
costruzione del palazzo sono poco conosciute. Si suppone che possa essere stata intrapresa nel 1740,
più probabilmente nel 1748, data in cui un testo segnala lavori di scavo e di preparazione di
fondamenta. Potrebbe essere stata ultimata dopo la morte dei committenti, quella di Anzolo Grassi nel
1758, più probabilmente quella del figlio Paolo nel 1772, mentre il decesso di Massari risale al 1766. Fu
dunque quasi contemporanea alla seconda tranche di lavori di Ca’ Rezzonico. È l’ultimo palazzo che
Venezia avrebbe costruito prima della caduta della Repubblica. Dopo la rapida estinzione della famiglia
Grassi, e in ogni caso della sua ricchezza, il palazzo andò incontro a una serie di avventure ed entrò a far
parte di patrimoni immobiliari più o meno fortunati che ne trasformarono più volte la destinazione.
Nel 1840, sotto il regno dell’imperatore d’Austria Ferdinando Primo, i fratelli Angelo e Domenico Grassi
cedettero il palazzo alla Società Veneta Commerciale di Spiridione Papadopoli, che lo rivendette quattro
anni dopo al tenore lirico Antonio Poggi, grande interprete del romanticismo italiano. Quasi subito, questi
lo cedette al pittore ungherese Józsej Agost Schöfft. Dopo la sua morte, avvenuta nel 1850, la seconda
moglie Giuseppina Lindlau vi stabilì per alcuni anni sotto il nome di Hôtel de la Ville uno di quegli alberghi
che già cominciavano a moltiplicarsi negli antichi palazzi veneziani. Nuovo cambiamento di proprietario
nel 1857, con l’acquisto da parte di un finanziere greco stabilitosi a Vienna, il barone Simeone de Sina, che
vi introdusse trasformazioni importanti. Per ragioni di stabilità, aggiunse quattro colonne al vestibolo,
distrusse una parte dei decori del XVIII secolo, divise la grande sala da ballo del primo piano nobile (e per
questo occultò l’affresco di Giambattista Canal Il trionfo della Giustizia incoronata dalla Gloria, allora
attribuito a Giambattista Tiepolo) per ricavare un’anticamera a volte ogivali, la sala del Trionfo di Nettuno
e Anfitrite, che il pittore austriaco Christian Griepenkerl illustrò con scene mitologiche e ornamenti rococò.
Mezzo secolo dopo, nel 1908, i suoi eredi vendettero nuovamente il palazzo, questa volta al celebre
industriale svizzero Giovanni Stucky, che aveva costruito dopo il 1896 i grandi mulini in mattone rosso
della Giudecca e che morì due anni dopo, nel 1810, assassinato davanti alla stazione di Venezia da un
suo operaio licenziato. Il figlio Giancarlo introdusse nell’edificio ascensori, elettricità, termosifoni.
Risalgono al suo intervento anche alcuni soffitti a cassonetti e cornici di legno dorato.
Giancarlo fece trasferire dal salone alla scala l’affresco di Giambattista Canal.
Alla morte di Giancarlo Stucky, nel 1943, il palazzo passò nelle mani di un altro grande industriale e
finanziere veneziano, Vittorio Cini che, dopo la morte del beneamato figlio, se ne separò nel 1949.
Il palazzo fu allora acquistato da una società immobiliare che, due anni dopo, vi stabilì un Centro
internazionale dell’Arte e del Costume, effettuando due interventi essenziali: la copertura del cortile
con una vetrata, e la sostituzione del vecchio pavimento eroso di lastre in pietra d’Istria con marmi
intarsiati e levigati. Il giardino fu distrutto e sostituito da un teatro all’aperto destinato ai ricevimenti e
alle sfilate di moda.
22

Da Gianni Agnelli a François Pinault
Palazzo Grassi viene acquistato nel 1983 dal gruppo Fiat, che ne affida la ristrutturazione all’architetto
milanese Gae Aulenti, allora all’apice della notorietà, diventando uno dei centri espositivi più prestigiosi
d’Europa. Sotto la guida di illustri direttori (tra cui Pontus Hulten, Paolo Viti ed altri) Palazzo Grassi
presenta ambiziose mostre di grande successo, dedicate all’arte e alla storia delle grandi civiltà, tra cui
(solo per citarne alcune): una grande retrospettiva nel 1986 dedicata al Futurismo, i Maya nel 1998, gli
Etruschi, Andy Warhol. L’ultima mostra dell’epoca Fiat, Dalí, chiude nel febbraio 2005. In seguito alla
morte di Gianni Agnelli, il gruppo Fiat decide di separarsi da Palazzo Grassi.
Nel maggio 2005, Palazzo Grassi viene acquistato da François Pinault. Viene costituita una nuova
società Palazzo Grassi S.p.A, che abbina François Pinault, azionista di maggioranza (80%) al Casinò
Municipale di Venezia, società a economia mista di cui è azionista la Città di Venezia, desiderosa di
rimanere associata allo sviluppo delle attività di Palazzo Grassi.
Il consiglio d’amministrazione
François Pinault, Presidente
Monique Veaute, Direttore e Amministratore Delegato
Patricia Barbizet, Amministratore
Jean-Jacques Aillagon, Amministratore
Isabelle Nahum-Saltiel, Amministratore
Guido Rossi, Amministratore in rappresentanza del Casino Municipale di Venezia
Il comitato d’onore
François Pinault, Presidente
Tadao Ando
Ruy Brandolini d’Adda
Frieder Burda
Teresa Cremisi
Jean-Michel Darrois
John Elkann
Timothy Fok-Tsun-Ting
Dakis Joannou
Chairman Lee Kun-Hee
Alain Minc
Alain-Dominique Perrin
Miuccia Prada
Giandomenico Romanelli
Ileana Sonnabend (†)
Jérôme Zieseniss
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Il Restauro di Palazzo Grassi realizzato da Tadao Ando
François Pinault ha chiesto al celebre architetto giapponese Tadao Ando di ristrutturare e
modernizzare Palazzo Grassi. Tadao Ando ha adottato uno stile sobrio e minimalista, che rispetta la
struttura storica del palazzo portandolo nel XXI secolo. Ha installato per esempio nelle sale espositive
cimase bianche, che mascherano le pareti senza toccarle; leur découpe rivela la cornice di marmo delle
porte. L’illuminazione – messa a punto con lo studio Ferrara-Palladino srl – è costituita da 1800 faretti,
inseriti in travi di alluminio che ospitano anche i dispositivi di sicurezza. La gamma cromatica dominata
da bianco e grigio conferisce alle sale l’atmosfera serena necessaria alla contemplazione delle opere
esposte. La vetrata dell’atrio è ora ricoperta da un velarium in fibre di vetro, che diffonde una luce chiara
e avvolgente, in linea con gli interventi di Tadao Ando.
Infine, le reception e gli spazi di servizio sono stati riorganizzati e fluidificati per offrire la massima
comodità ai visitatori.
Gli orientamenti culturali di Palazzo Grassi
In linea con la tradizione, Palazzo Grassi rimane fedele alla sua vocazione di luogo di presentazione di
grandi mostre temporanee.
Alcune si baseranno in tutto o in parte sulle risorse della Collezione François Pinault. Altre faranno
ricorso ai prestiti di collezioni pubbliche e private. La programmazione di Palazzo Grassi si sviluppa
lungo tre grandi assi:
- le mostre d’arte contemporanea,
- le mostre d’arte moderna, monografiche o tematiche,
- le mostre dedicate a grandi momenti della storia delle civiltà.
Gli incontri di Palazzo Grassi, aspettando Punta della Dogana
Nel mese di gennaio 2008 Palazzo Grassi ha avviato, in collaborazione con importanti istituzioni
accademiche di Venezia, quali l’Università Ca’ Foscari, l’Università IUAV, e con il supporto della
Fondazione IUAV, il ciclo di “Incontri di Palazzo Grassi, aspettando Punta della Dogana”. Gli incontri
hanno l’obiettivo di far conoscere al pubblico, soprattutto giovane, i grandi artisti del nostro tempo
presenti nella Collezione François Pinault, in vista dell’apertura del Centro d’Arte Contemporanea
François Pinault Foundation, che da giugno 2009 ne esporrà le opere e i capolavori.
Jeff Koons – 15 gennaio 2008
Michelangelo Pistoletto – 19 febbraio 2008
Martial Raysse – 18 marzo 2008
Richard Serra – 15 aprile 2008
Subodh Gupta – 21 maggio 2008
Franz West – 17 giugno 2008
Prossimo incontro:
Tadao Ando – 24 ottobre 2008
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Il Centro d’Arte Contemporanea di Punta della Dogana, François Pinault Foundation
La Punta della Dogana o Dogana de Mar, sede degli antichi depositi doganali accanto alla chiesa di
Santa Maria della Salute, è stata affidata in concessione alla Città di Venezia dallo Stato italiano, che ne
conserva la proprietà.
Nel 2007, la Città di Venezia ha scelto Palazzo Grassi come partner per la realizzazione del Centro d’Arte
Contemporanea di Punta della Dogana. François Pinault ha affidato il progetto di restauro all’architetto
Tadao Ando, che ha già realizzato il restyling di Palazzo Grassi.
L’edificio di Punta della Dogana si compone di una successione di ambienti che servivano come
magazzini per le attività doganali del commercio marittimo veneziano.
L’eccezionale posizione strategica, a controllo dell’ingresso del Canal Grande, l’affaccio frontale che
domina da un lato Piazza San Marco e dall’altro l’isola di San Giorgio Maggiore, mentre vicinissimi si
ergono la basilica di S. Maria della Salute ed il Seminario patriarcale, fanno di Punta della Dogana un
luogo simbolico di assoluta rilevanza.
Il progetto di Tadao Ando concettualmente mira a restituire all’edificio la sua logica architettonica: sei
navate principali orientate da un lato verso il Canale della Giudecca (sud) e dall’altro verso il canal
Grande (nord), che si susseguono e che man mano che ci si allontana dalla Chiesa della Salute
diminuiscono in lunghezza, sino a formare un triangolo.
Durante il secolo scorso l’edificio ha subito numerose alterazioni, di cui tener conto. In linea generale il
progetto di Ando prevede che tutte le partizioni aggiunte nel corso delle ristrutturazioni precedenti
vengano rimosse, al fine di ripristinare le forme originali della primissima costruzione. In particolar
modo, le pareti ritroveranno i mattoni a vista e saranno nuovamente visibili le capriate. Al centro
dell’edificio, tuttavia, sarà mantenuto in via eccezionale lo spazio quadrato ottenuto in epoca
successiva all’edificazione. È qui che si inserisce una struttura autoportante, una “scatola di
calcestruzzo” in grado di sostenere il peso, spesso ingente, delle opere d’arte contemporanea.
Nel rispetto del valore storico, artistico, culturale e simbolico di questo luogo, il progetto di Tadao Ando
mira a restituire a Punta della Dogana tutta la sua energia e fascino, attraverso l’incontro di elementi
antichi e nuovi che consentiranno all’edificio di riunire il passato, il presente e il futuro.
La partnership con la Città di Venezia per la gestione di Punta della Dogana avrà una durata, rinnovabile,
di 30 anni.
Palazzo Grassi e il Centro d’Arte Contemporanea di Punta della Dogana sono destinati a costituire un
insieme culturale coerente, nel quale ognuno dei due siti svilupperà una propria specifica individualità:
la Punta della Dogana ospiterà un centro d’arte contemporanea sostenuto dalla presenza permanente
della Collezione François Pinault; Palazzo Grassi conserverà, fedele alla propria tradizione, la propria
vocazione di luogo dedicato alla presentazione di grandi mostre temporanee, secondo una
programmazione alternata di arte contemporanea, arte moderna del XX secolo e storia .
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7/
Il Museum of Contemporary Art, Chicago
Tra le principali istituzioni museali di Chicago e i maggiori spazi espositivi del paese dedicati all’arte
contemporanea, il Museum of Contemporary Art presenta un ampio programma di mostre di artisti
nazionali e internazionali, dando una testimonianza della storia delle arti visive dal 1945 a oggi
attraverso pittura, scultura, fotografia, video, film e performance. Il museo ha la sua sede nel cuore del
Magnificent Mile, nei pressi della storica Water Tower. Il museo dispone di oltre 2700 metri quadri di
spazi espositivi, un auditorium da 300 posti, un gift e bookstore, un caffetteria e uno sculpture garden
affacciato sul lago Michigan. L’MCA è un istituzione senza scopi di lucro e fa parte dall’American
Association of Museums. È generosamente sostenuto dal suo consiglio di amministrazione, soggetti
privati e aziende, fondazioni pubbliche e private, enti governativi e locali tra cui l’Illinois Arts Council e il
City of Chicago Department of Cultural Affairs. Le sue attività sono possibili grazie al contributo del
Chicago Park District. I trasporti aerei sono garantiti da American Airlines, compagnia aerea ufficiale
del museo.
L’MCA si trova al 220 di Chicago Avenue, un isolato a est di Michigan Avenue. Il museo e lo sculpture
garden sono aperti da mercoledì a domenica dalle 10 alle 17 e martedì dalle 10 alle 20. Il museo è chiuso
il lunedì. Martedì ingresso libero grazie al contributo di Target. Ingresso: intero $10, ridotto $6 (studenti
e anziani), minori sotto i 12 anni, membri MCA e militari ingresso libero.
Tutte le informazioni sulle esposizioni, le attività e gli eventi speciali dell’MCA sono disponibili sul sito
www.mcachicago.org o al numero 312.280.2660
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8/
Biografie
François Pinault
Presidente di Palazzo Grassi
François Pinault è nato il 21 agosto 1936 a Champs-Geraux, in Bretagna (Côtes-du-Nord). Nel 1963
fonda a Rennes la sua prima impresa nel campo del commercio di legname e in seguito allarga questa
attività occupandosi di importazione, trasformazione e infine della distribuzione. Nel 1988 il gruppo
Pinault viene quotato in Borsa. Nel 1990 François Pinault decide di spostare le attività del gruppo dal
settore del legname e di orientarle verso il settore retail. Il gruppo acquisisce una dopo l’altra le società
CFAO (Compagnie Française de l’Afrique Occidentale), leader nell’Africa subsahariana, Conforama,
leader nel campo dell’arredamento e delle attrezzature per la casa e la società Au Printemps con le sue
affiliate tra le quali La Redoute, leader della vendita per corrispondenza. Il nome del gruppo diventa
Pinault – Printemps – Redoute (PPR) e aumenta il suo portafoglio di marchi con l’acquisto della FNAC,
leader nella distribuzione di prodotti culturali, di PUMA, leader nell’ambito dei prodotti sportivi; e nel
lusso con GUCCI GROUP, secondo gruppo mondiale del lusso con un portafoglio di marche prestigiose
quali Gucci, Yves Saint Laurent, Bottega Veneta, Sergio Rossi, Boucheron, Stella Mc Cartney, Alexander
Mc Queen, Bédat& co, Balenciaga. Parallelamente, Nel 1992 fonda Artemis, società di capitali
interamente controllata da François Pinault e dalla sua famiglia. Artemis controlla il gruppo PPR, ma
anche i vigneti di Bordeaux di Château-Latour, la Casa d’Aste Christie’s, il gruppo Le Point (il settimanale
Le Point, Histoire et Historia) e una partecipazione nel gruppo Bouygues in qualità di azionista di
controllo (settori delle costruzioni, delle telecomunicazioni e dei media) e nel gruppo Vinci. Infine
François Pinault è anche proprietario di una squadra di calcio della serie maggiore, lo Stade Rennais,
nonché titolare del Théâtre Marigny, a Parigi. François Pinault, uno dei più grandi collezionisti d’arte
contemporanea al mondo, ha rilevato nel 2005 il controllo della società Palazzo Grassi S.p.A. ed ha
ottenuto in concessione la gestione di Punta della Dogana a Venezia per la creazione di un nuovo Centro
d’Arte Contemporanea.
Monique Veaute
Amministratore Delegato di Palazzo Grassi
Nata a Tübingen, Germania, il 12 aprile 1951.
Dopo aver studiato Scienze Umane (sociologia, filosofia) all’Università di Strasburgo, inizia la sua
carriera come giornalista a Radio France nel 1977 e dal 1984 diventa responsabile degli eventi
internazionali a France Musique. Fonda e dirige nel 1982 la sezione Musica della Biennale di Parigi e
organizza nel 1984 l’apertura della Grande Halle de la Villette, partecipa alla creazione del Festival
Musica di Strasburgo, del quale è ancora consulente artistico.
Nel 1984, per richiesta di Jean-Marie Drot, Direttore di Villa Medici, crea a Roma il Festival di Villa
Medici, che nel 1986 diventa Fondazione Romaeuropa-arte e cultura, di cui è stata Direttore Artistico
sin dalla prima edizione e direttore Generale fino a 2007. Mantiene oggi la carica di Vice Presidente.
Dal 1989 al 1991, è Consigliere Tecnico per la cultura e gli audiovisivi del Presidente della Camera dei
Deputati in Francia; e dal 1992 al 1993 è Consigliere Culturale all’ Ambasciata di Francia a Lisbona. Dal
27

1999 al 2002, Consigliere Scientifico dell’Istituto Nazionale di Dramma Antico.
Da novembre 2004 a ottobre 2006 in Francia è stata incaricata dal Presidente della Repubblica come
Commissario Generale della francofonia, e da Gennaio a Ottobre 2007 è stata membro del gabinetto del
segretario generale.
Dal 2005 è membro del Consiglio di Amministrazione dell’Accademia di Francia a Roma.
Da settembre 2006, è la presidente del Centro Chorégraphique National de Créteil – Compagnie
Montalvo Hervieu.
Dal 2006 è membro del Comité d’ Etique pour la Publicité.
Monique Veaute è stata insignita in Francia del titolo di Chevalier des arts et lettres dal Ministro della
Cultura e ha ricevuto l’Ordre National du Mérite dal Ministro degli Affari Europei; in Italia è stata
insignita, nel 2006, del titolo di Cavaliere al Merito della Repubblica Italiana.
Da agosto 2007 Monique Veaute è Amministratore Delegato di Palazzo Grassi a Venezia ed è stata
recentemente riconfermata nel ruolo per tre anni.
Francesco Bonami
Curator Museum of Contemporary Art di Chicago, Curatore della mostra “Italics”.
Nato a Firenze nel 1955, è attualmente guest curator del Museum of Contemporary Art di Chicago, è
direttore artistico della Fondazione Sandretto Re Rebaudengo per l’Arte a Torino, di Pitti Discovery a
Firenze e del Centro di Arte Contemporanea Villa Manin. È anche direttore artistico di ENEL
Contemporanea, serie di commissioni pubbliche in varie città italiane. É redattore di arte
contemporanea per DOMUS e curatore della collana Supercontemporanea, edita da Electa. Nel 2003, è
stato direttore della 50a Biennale di Arti Visive di Venezia. Le ultime mostre di cui si è occupato sono:
“Universal Experience; Art, Life and The Tourist Life” al MCA di Chicago, alla Hayward Gallery di Londra e
al Mart di Rovereto, “La Dolce Crisi - Fotografia Italiana Contemporanea” al Centro d’Arte
Contemporanea di Villa Manin. Insieme a Carolyn Cristoph Bargajev è stato curatore de “La sindrome di
Pantagruel” nell’ambito della prima edizione di T - Torino Triennale. Ha organizzato per il MCA la prima
Antologica di Rudolf Stingel che si è poi spostata al Whitney Museum of American Art a New York e ha
ricevuto il secondo premio dell’AICA per le migliori personali nazionali del 2008. A Torino ha organizzato
“Alllooksame: arte da Cina, Corea, Giappone”; “Silence: Listen to the show”; “Stop and GO” (Video della
collezione Sandretto Re Rebaudengo) e “You prison: l’architettura riflette sullo spazio degli istituti
correttivi”. Per l’MCA e Palazzo Grassi ha curato “Italics: Arte Italiana fra tradizione e rivoluzione 1968-
2008” con oltre 100 artisti e 160 opere. Presso l’MCA sta curando la prima retrospettiva mondiale di Jeff
Koons con più di 50 opere dal 1985 al 2008, che sarà inaugurata nel maggio 2008. Attualmente lavora
per la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo e per la Tate Liverpool alla prima antologica di Glenn
Brown che aprirà nel giugno 2009.
Altri incarichi curatoriali: Consulente curatore per la mostra sull’Arte Povera organizzata dal Walker Art
Center e dalla Tate Modern a Londra, “Manifesta 3” a Lubiana, “Aperto 93” alla Biennale di Venezia,
“Tradition and Innovation: Italian Art since 1945” al National Museum di Seoul, la seconda Site Santa Fe
Biennal, Campo 95’, Campo 6, L.A. Times e “Common People” alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo
per l’Arte a Torino, “Vertical Time” alla Barbara Gladstone Gallery di New York, “Yesterday Begins
Tomorrow “ presso The Bard College for Curatorial Studies, “Unfinished History” al Walker Art Center di
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Minneapolis e al Museum of Contemporary Art di Chicago, “Examining Pictures” alla Whitechapel di
Londra e al Museum of Contemporary Art di Chicago, “Age Of Influence” al Museum of Contemporary Art
di Chicago, Uniform; per Pitti Immagine a Firenze; “Order and Disorder” al PS1 di New York, “The Fourth
Sex” con Raf Simons, e “Non toccare la donna bianca” per la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo per
l’arte.
Scrive regolarmente editoriali per Il Riformista, Vanity Fair Italia, Panorama First, La Gazzetta dello
Sport e il Corriere della Sera Firenze e collabora anche con altre pubblicazioni come The New York Times
Magazine e Artforum. Tra le sue pubblicazioni “Echoes: Contemporary Art at the Age of Endless
Conclusion” The Monacelli Press, “Cream” e la monografia di Maurizio Cattelan, editi da Phaidon Press.
Il suo primo romanzo “Lezioni di Fumo” è pubblicato da Marsilio Editore. Il libro sull’arte contemporanea
“Potevo Farlo Anch’io”, per Mondatori, è già arrivato alla 9a ristampa. Con Jeffrey Inaba e Giuliano da
Empoli sta lavorando al volume “Imparare da Venezia: il fato della città storica nell’era delle megalopoli”
che sarà pubblicato nel 2010.
Vive e lavora a New York dal 1987.
Tadao Ando
Architetto
Nato a Osaka nel 1941, Tadao Ando è un “autodidatta” dell’architettura, essendosi formato “sul campo”,
viaggiando per l’Europa durante gli anni sessanta. Affascinato da Le Corbusier, nel 1965 decide di
andare a conoscerlo di persona. Ma quando arriva a Parigi, Le Corbusier è appena morto e Tadao Ando
potrà solo ammirare le sue opere. Tornato in Giappone, nel 1969 apre il proprio studio e inizia a costruire
delle case essenziali, che rivelano la sua percezione fisica, vissuta, dell’architettura e la sua
inclinazione per le soluzioni pure, nelle quali la materialità sconfina nella spiritualità.
Si fa notare, i suoi incarichi aumentano. I suoi musei e le sue chiese testimoniano la continuità del suo
stile, ma rivelano anche la capacità di impadronirsi di un paesaggio del quale Ando, modellando la
scenografia dei percorso, riesce a rivelare l’essenza. Permeato di tradizioni giapponesi, del loro gusto
per il montaggio, per l’equilibrio, per la capacità di far parlare la materia per mezzo della luce, Ando ha
mutuato dalla tradizione del modernismo occidentale la purezza dei volumi e il nitore delle forme che
egli impiega per instaurare una dialettica tra l’interno e l’esterno, tra l’ombra e la luce, tra l’oggetto e il
contesto circostante. Nel 1995 Ando riceve il Pritzker Prize, una delle più alte onorificenze riservate agli
architetti. Devolve il premio agli orfani di Kobe, colpiti dal terremoto che in quello stesso anno ha in parte
distrutto la città.
29

9/
Informazioni pratiche
Palazzo Grassi
Campo San Samuele, 3231
30124 Venezia
Fermate di vaporetto : San Samuele (linea 2), Sant’Angelo (linea 1)
Tel/ +39 (0)41 523 16 80
Fax/ +39 (0)41 528 62 18
www.palazzograssi.it
Infoline : 199 139 139
Orari d’apertura
Italics. Arte italiana fra tradizione e rivoluzione, 1968-2008.
(27 settembre 2008 – 22 marzo 2009)
Aperto dalle ore 10 alle ore 19.
Chiusura della biglietteria alle ore 18.
Chiuso il martedì e nei giorni 24, 25, 31 dicembre 2008 e il 1 gennaio 2009
Ingresso
Intero: 15 euro con audioguida /10 euro biglietto semplice
Ridotto:
12 euro con audioguida / 8 euro biglietto semplice (gruppi di adulti da 15 a 25 persone, residenti nel
Comune di Venezia, militari con tesserino, associati ICOM, Venice Card Senior, possessori della Venice
Card Junior e Rolling Venice di oltre 26 anni, Dipendenti UniCredit)
10 euro con audio guida / 6 euro biglietto semplice (giovani da 7 fino a 18 anni, gruppi scolastici,
studenti fino a 26 anni, sordomuti, accompagnatore di persona disabile, Dipendenti Fnac e Gruppo
Pinault)
Gratuito: bambini fino a 6 anni accompagnati, 2 accompagnatori per ogni gruppo scolastico di 25
persone, 1 accompagnatore per ogni gruppo di adulti di 15 persone, Grandi Invalidi, Guide autorizzate
con patentino rilasciato dalla Provincia di Venezia, Giornalisti (con tessera stampa valida per l’anno in
corso)
Solo audioguida: 7 euro. Le audioguide sono disponibile in lingua italiana, francese e inglese.
Prenotazioni
(Circuito Vivaticket by Charta)
www.vivaticket.it
Telefonicamente dal lunedì al venerdì dalle 8 alle 20 e sabato dalle 8 alle 13.
Dall’ Italia/ 899.666.805
Dall'estero/ +39.0445.230313
Fax/ +39.0445.357099
30

Commissione di prenotazione: 1 euro
400 Punti vendita: elenco completo consultabile sul sito www.vivaticket.it
Circuito UniCredit
- Punti vendita UniCredit
- Filiali Unicredit Banca
- Filiali della Banca Popolare dell’Emilia Romagna
Visite guidate e Prevendita
Palazzo Grassi ha attivato una partnership con l’associazione Codess per proporre ai visitatori un
servizio di visite guidate in francese, italiano e inglese.
Su prenotazioni per gruppi o eventi speciali
Codess Cultura
www.codesscultura.it / prenotazioni@codesscultura.it
Tel/ +39 041 52 40 119
Fax/ +39 041 72 30 07
Senza prenotazioni
in italiano ogni domenica alle ore 10.30
in francese ogni I, III, V domenica del mese alle ore 11
in inglese ogni II, IV domenica del mese alle ore 11
Per altre informazioni, i visitatori possono anche rivolgersi a
Cooperative Guide Turistiche Venezia
Tel/ +39 041 52 09 0385
Fax/ +39 041 52 10 762
guide@guidevenezia.it
Didattica
La sezione didattica di Palazzo Grassi, a cura di Codess Cultura, in occasione della mostra “Italics. Arte
italiana fra tradizione e rivoluzione, 1968-2008” organizza una serie di attività dedicate al pubblico più
giovane di Palazzo Grassi : visite guidate e Laboratori didattici per i gruppi scolastici e Ateliers
domenicali per i bambini. L’intento di tutte queste attività è di instaurare un dialogo attivo e fecondo con
i visitatori in età scolare sull’arte contemporanea italiana, per stimolare la sensibilità dei più giovani
nell’approccio al contemporaneo.
Per informazioni e prenotazioni:
Sezione Didattica di Palazzo Grassi, a cura di Codess Cultura
Tel/ +39 041 240 1345, Fax/+39 041 240 1319
email/ scuole@palazzograssi.it
Per maggiori informazioni relative alle visite guidate per le scuole, gli insegnanti sono invitati a
conttatare la Sezione Didattica di Palazzo Grassi, Tel/ +39 041 240 1345, da lunedì a venerdì, dalle 9 alle
13, oppure tramite email/ scuole@palazzograssi.it.
31

Palazzo Grassi Shop
Situato al piano terra di Palazzo Grassi, il bookshop è affidato alla casa editrice Electa, specializzata
nella pubblicazione di libri d’arte e architettura. Questo spazio, interamente disegnato da Tadao Ando,
propone, oltre alla vendita dei cataloghi delle mostre di Palazzo Grassi, un’ampia gamma di volumi
d’arte e architettura, nonché prodotti esclusivi di merchandising.
Aperto dalle ore 10 alle ore 19.
Tel/+39 041 27 70 876 – +39 041 52 39 174
Palazzo Grassi Café
Al primo piano di Palazzo Grassi, con una splendida vista sul Canal Grande e sul Campo San Samuele, il
Palazzo Grassi Café, gestito da Irina Freguia, proprietaria del noto ristorante Vecio Fritolin, propone fra
le sue specialità un’ampia scelta di ricette veneziane.
Aperto dalle 10 alle 18.
Tel/+39 041 24 01 337
32

10/
Contatti per la stampa
Italia e corrispondenti
Paola Manfredi
Corso Italia, 8
20122 Milano
c/o Dandelio
Tel. +39 02 45485093
Cell. +39 335 5455539
press@paolamanfredi.com
Internazionale
Pauline de Montgolfier / Eva Dalla Venezia
Claudine Colin Communication
28 rue de Sévigné - 75004 Paris
Tel: +33 (0) 1 42 72 60 01
Fax: +33 (0) 1 42 72 60 01
pauline@claudinecolin.com
eva@claudinecolin.com
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11/
Ringraziamenti
Italics. Arte italiana
fra tradizione e
rivoluzione
1968-2008
Venezia, Palazzo Grassi
27 settembre 2008 –
22 marzo 2009
Mostra a cura di
Francesco Bonami
Con la collaborazione di
Cecilia Alemani
Emanuela Mazzonis
Catalogo
Electa
Progetto grafico
Christoph Radl
Grafica della mostra
BaldassarreCarpiVitelli, Roma
Audioguida
Antenna Audio, Roma
Didattica
Sara Moscatelli,
Codess Cultura, Venezia
Palazzo Grassi Shop
Electa
Palazzo Grassi Café
Ristorante Vecio Fritolin
Trasporti
Gondrand
Assicurazioni
Generali
Partner istituzionale
Mostra organizzata con
la collaborazione di
Con il contributo di
Mediation Event Carrier
Media partner
Palazzo Grassi
Consiglio d’amministrazione
François Pinault
Presidente
Monique Veaute
Amministratore delegato
Patricia Barbizet
Amministratore delegato
Jean-Jacques Aillagon
Amministratore
Isabelle Nahum-Saltiel
Amministratore
Guido Rossi
Amministratore
Comitato d’onore
François Pinault Président
Tadao Ando
Ruy Brandolini d’Adda
Frieder Burda
Teresa Cremisi
Jean-Michel Darrois
John Elkann
Timothy Fok Tsun-ting
Dakis Joannou
Lee Kun-hee
Alain Minc
Alain-Dominique Perrin
Miuccia Prada
Giandomenico Romanelli
Jérôme Zieseniss
Squadra
François Pinault
Presidente
Monique Veaute
Amministratore delegato e
direttore
Raimondo Ferraro
Direttore
Ufficio Mostre
Mélanie Adicéam
Claudia De Zordo
Marco Ferraris
Emanuela Mazzonis
Silvia Roman
Sviluppo
Ashok Adicéam
Noelle Solnon
Comunicazione
Anouk Aspisi
Paola Trevisan
Delphine Trouillard
Con Paola Manfredi, Milano
e Claudine Colin
Communication, Paris
Editoria
Marina Rotondo
Emmanuel Bérard
Amministrazione
Carlo Gaino
Silvia Inio
Assistenti della direzione
Suzel Berneron
Elisabetta Bonomi
Marina Scozzi (†)
Sicurezza
Antonio Boscolo
Luca Busetto
Andrea Greco
Gianni Padoan
Vittorio Righetti
Dario Tochi
Con la collaborazione di
Servizi generali
Angelo Clerici
Giulio Lazzaro
Massimo Veggis
Si ringrazia
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12/
Didascalie delle immagini del CD
AA1
Alessandra Ariatti
Lorenzo, 1995
Olio su tela
165 x 125 cm
Collezione Pareti
AB5 a-AB5 d
Alighiero Boetti
Tra sé e sé, 1987
4 opere - tecnica mista su carta intelata
150 x 100 cm ciascuna
Collezione Marco Noire e Silvia Chessa
ABU1
Alberto Burri
Nero Cretto, 1976
Acrylic and glue on Cellotex
144,7 x 243,8 cm
Collezione privata
Foto: Courtesy of Daniella Luxembourg Art, London
AS1
Andrea Salvino
Loin du Vietnam, 2007
Matita su tela
220 x 160 cm
Courtesy Antonio Colombo Arte Contemporanea, Milano
Foto: Paolo Vandrasch
BE1a-b
Bruna Esposito
Senza titolo, DVD per la proiezione di un ombra, 2005
Videoproiezione, 5’11”
Città Sant’Angelo, Museolaboratorio Ex Manifattura Tabacchi
Foto: Antonio Capone e Lagamon, Roma
BM2
Bruno Munari
Filopeso (doppio quadrato), 1981
Tubi in alluminio, corda colorata e piombo
240 x 50 x 60 cm
Mantova, Corraini Arte Contemporanea
Foto: Bruno Munari – Courtesy of Corraini
35

CR1
Carol Rama
Presagi di Birnam, 1970
Camere d'aria di bicicletta su cavalletto di ferro
180 x 120 x 60 cm
Courtesy Collezione Leo Katz, Bogotà (Colombia)
Foto: Pino dell'Acquila
D1 (nero)
Dadamaino
L’inconscio razionale, 1976-1977
Acrilico su tela
Cm 100 x 100
Padova, Collezione privata
Courtesy Arte Studio Invernizzi, Milano Foto Paolo Vandrasch
D2 (bianco)
Dadamaino
L’inconscio razionale, 1976-1977
Acrilico su tela
Cm 100 x 100
Padova, Collezione privata
Courtesy Arte Studio Invernizzi, Milano Foto Paolo Vandrasch
DG5
Domenico Gnoli
Chair, 1969
Acrilico e sabbia su tela
160 x 160 cm
Courtesy Fundacion Yannick y Ben Jakober, Maiorca
DM1a-d
Domenico Mangano
La storia di Mimmo, 1999-2000
Video, 8’43”
Courtesy l’artista e Magazzino d’Arte Moderna, Roma
DP1
Diego Perrone
La fusione della campana, 2008
Resina epossidica, ferro, polistirolo
210 x 210 cm
Courtesy Galleria Massimo De Carlo, Milano
ET1
Emilio Tadini
Color&Co., 1969
Acrilico su tela
100 x 81 cm
Courtesy Fondazione Marconi, Milano
36

FC2
Francesco Clemente
Il primo autoritratto – Self Portrait the First, 1979
Inchiostro e acquarello su carta intelata
111,8 x 147,3 cm
Zurigo, Collezione Bruno Bischofberger
Foto: Roland Reiter, Zuerich
FCL1
Fabrizio Clerici
Il labirinto, 1983
Olio su tavola
100 x 150 cm
Collezione privata, courtesy Archivio Fabrizio Clerici, Roma
FCL2
Fabrizio Clerici
Corpus Hermeticum, 1978
Olio su tavola
105 x 155 cm
Collezione privata, courtesy Archivio Fabrizio Clerici, Roma
FCL3
Fabrizio Clerici
Un istante dopo, 1978
Olio su tavola
100 x 150 cm
Collezione privata, courtesy Archivio Fabrizio Clerici, Roma
FF1
Flavio Favelli
Palco-Buffet, 2007
Piastrelle di pavimento, pulpita di chiesa, legno di radica
180 x 120 x 120 cm
Galleria Maze, Torino
FME10
Fernando Melani
Teatrino, 22 dicembre 1978
Legno, tubi di ferro, rete zincata elettrosaldata, DAS, filo di nylon, colori acrilici, vernice
52 x 53 cm
Pistoia, Casa Studio Fernando Melani
FV1_30_a/b/c (3 sequenze)
Francesco Vezzoli
An embroidered Trilogy, 1997-99
Video installazione, 12 minuti
Courtesy Francesco Vezzoli e Galleria Giò Marconi, Milano
37

GA1-a/b/c
Getulio Alviani
Interrelazione cromospeculare, 1969
Ambiente, materiali vari
210 x 420 x 420 cm
Accademia Carrara, Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea, Bergamo
Foto: Antonio Maniscalco
GAV 6
Giorgio Avigdor
#23. Sconosciuta Brandizzo 1, 1970
Cybachrome
20,5 x 30,2 cm
Courtesy Giorgio Avigdor
GAV7
Giorgio Avigdor
#24. Sconosciuta Brandizzo 2, 1970
Cybachrome
20,5 x 30,2 cm
Courtesy Giorgio Avigdor
GAV8
Giorgio Avigdor
#25. Sconosciuta Brandizzo 3, 1970
Cybachrome
20,5 x 30,2 cm
Courtesy Giorgio Avigdor
GAV9
Giorgio Avigdor
#26. Sconosciuta Brandizzo 4, 1970
Cybachrome
20,5 x 30,2 cm
Courtesy Giorgio Avigdor
GAV10
Giorgio Avigdor
#27. Sconosciuta Brandizzo 5, 1970
Cybachrome
20,5 x 30,2 cm
Courtesy Giorgio Avigdor
GB1
Gianfranco Baruchello
La Grande Biblioteca, 1976 - 1986
Teche di legno e Plexiglas
210 x 200 x 15 cm
Fondazione Gianfranco Baruchello, Roma
Foto: Claudio Abate, Roma
38

GBA1a-b
Gabriele Basilico
Contact, 1984
12 dittici
Stampa a getto d’inchiostro
Cm 77 x 60 cad
Courtesy Studio Guenzani, Milano
GC1
Gianni Colombo
Spazio elastico, 1967-1968
Elastici fluorescenti, motori elettrici, lampada di Wood
Cm 400 x 400 x 400
Milano, Archivio Gianni Colombo
GDE1
Gino De Domenicis
Untitled, 1992
Carboncino su tavola
100 x 60 Cm
Collezione privata, Milano
GDE3a-b
Gino De Dominicis
Senza titolo, 1994-1995
Pietra, pirite cubica, grafite
Cm 5,5 x 8,5
Venezia, Collezione Giovanni Michelagnoli
GF2
Gianfranco Ferroni
Pavimento. Lo studio, 1975
Tecnica mista su cartone su tavola
97 x 74,5 cm
Collezione privata, Monza
GG1a-c
Giuseppe Gabellone
L’assetato, 2008
Ferro, ferro zincato
Cm 120 x 49 x 28
Courtesy Studio Guenzani, Milano ; Galerie Emmanuel Perrotin, Parigi-Miami
GG3
Giuseppe Gabellone
Untitled, 1997
C-Print montata su alluminio
Cm 150 x 217
Collezione Frank Trust
39

GU1
Giuseppe Uncini
Sedia con ombra, 1968
Ferro tubolare, cemento, rete metallica
Cm 200 x 200 x 80
Courtesy Fondazione Marconi, Milano
LF1
Luciano Fabro
L'Italia d'oro, 1971
Bronzo dorato
92 x45 cm
Collection ARTIS
Foto: Collezione ARTIS; Ex-Collezione di Mrs. Margherita Stein
LFO1
Lucio Fontana
Ambiente Bianco, 1968
Panello in gesso con taglio
Cm 330 x 520 x 80
Fondazione Lucio Fontana, Milano
LG2-LG18
Luigi Ghirri
Rimini 1977 da "in Scala", 1977
17 stampe cromogeniche da negativo 24 x 36 mm
30 x 40 cm con cornice
Eredi di Luigi Ghirri
MC1
Maurizio Cattelan
All, 2008
9 sculture
Marmo bianco di Carrara
Dimensioni variabili
Courtesy l’artista e Marian Goodman, New York
MC3
Maurizio Cattelan
Bidibidobidiboo, 1995
Scoiattolo tassidermizzato , tecnica mista
58 x 50 x 50 cm
Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino
ML1
Maria Lai
Il telaio del mattino, 1968-1971
Legno, spago, sabbia
230 x 40 x 25 cm
Fondazione Banco di Sardegna
40

ML2
Maria Lai
Il Telaio della Terra, 1968
Legno, spago, sabbia
200 x 100 x 20 cm
Fondazione "stazione dell'arte" Ulassai (OG)
MM1
Margherita Manzelli
N, 2002
Grafite e acquarello su carta
57,5 x 76,5 cm
Milano, Collezione privata, courtesy Studio Guenzani, Milano
MMER1
Marisa Merz
Fontana, 2007
Piombo, acqua, motore – rosa del deserto
Cm 80 x 80
Collezione Merz
MP1
Michelangelo Pistoletto
Le trombe del giudizio, 1968
Alluminio
100 x 200 cm
Collezione Cittadellarte - Fondazione Pistoletto, Biella
Foto: P. Bressano
NB2
Nanni Balestrini
Sì alla violenza operaia,1972
Tecnica mista su tavola
100 x 154,5 cm
Collezione privata, Carpi (Modena)
PC1
Pierpaolo Campanini
Untitled, 2003
Olio su tela
Cm 155 x 170
Svizzera, collezione privata
Foto: Francesca Kaufmann
41

PC2
Pierpaolo Campanini
Untitled, 2003
Olio su tela
Cm 155 x 170
Courtesy Francesca Kaufmann, Milano
Foto: Francesca Kaufmann
PPI2
Pivi Paola
Untitled, 2005
Stampa fotografica montata su alluminio
93,5 x 142,2cm
Foto : Hugo Giendinning
Courtesy Galleria Massimo de Carlo
PPI3
Pivi Paola
Untitled, 2005
Stampa fotografica montata su alluminio
95,5 x 143cm
Foto : Hugo Giendinning
Courtesy Galleria Massimo de Carlo
PPI4
Pivi Paola
Untitled, 2005
Stampa fotografica montata su alluminio
85,8 x 133,6cm
Foto : Hugo Giendinning
Courtesy Galleria Massimo de Carlo
PPI5
Pivi Paola
Untitled, 2005
Stampa fotografica montata su alluminio
94,5 x 134,2cm
Foto : Hugo Giendinning
Courtesy Galleria Massimo de Carlo
PPI6
Pivi Paola
Untitled, 2005
Stampa fotografica montata su alluminio
99,5 x 148,8cm
Foto : Hugo Giendinning
Courtesy Galleria Massimo de Carlo
42

PPI7
Pivi Paola
Untitled, 2005
Stampa fotografica montata su alluminio
88,5 x 142,5cm
Foto : Hugo Giendinning
Courtesy Galleria Massimo de Carlo
PT1
Patrick Tuttofuoco
Walkaround, 2002
10 grattacieli, tecnica mista
Dimensioni variabili
My Private, Milano
RC1
Roberto Cuoghi
Senza titolo, 2006
Stampa e cartone e cera
Cm 58 x 42
Courtesy Galleria Massimo De Carlo, Milano
RG1
Renato Guttuso
I funerali di Togliatti, 1972
Acrilici e collage di carta stampate su carta incollata a quattro panelli di compensato
340 x 440 cm
MAMbo, Museo d'Arte Moderna di Bologna, deposito permanente della Direzione Nazionale
Democratici di Sinistra
S13
Salvo
Io sono il migliore, 1970
Lapide in marmo nero venato
80 x 90 cm
Courtesy 1000eventi
SA1
Stefano Arienti
Cassetto con strisce, 1987-1989
Carta stampata piegata (fumetti ) in cassetto di legno
Cm 39,5 x 46
Collezione Privata, Milano - Courtesy Studio Guenzani
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TD1a
Tano D’Amico
Roma 1974. Scontri per la casa a San Basilio, 1977
Stampa ai sali d’argento
50 x 60 cm
Courtesy Tano D’Amico
TD1b
Tano D’Amico
Bologna 1977. Assemblea al Palasport, 1977
Stampa ai sali d’argento
50 x 60 cm
Courtesy Tano D’Amico
TD1c
Tano D’Amico
Roma 1977. Dopo i funerali di Walter Rossi ucciso dai fascisti, 1977
Stampa ai sali d’argento
50 x 60 cm
Courtesy Tano D’Amico
TD1d
Tano D’Amico
2 Roma. La cancellata dell'Università il giorno della cacciata di Lama, 1977
Stampa ai sali d’argento
50 x 60 cm
Courtesy Tano D’Amico
TD1e
Tano D’Amico
Assemblea e foto di gruppo del '77, 1977
Silver salt print
50 x 60 cm
Courtesy Tano D’Amico
TD1f
Tano D’Amico
Roma 1977 Ragazza e carabinieri, 1977
Stampa ai sali d’argento
50 x 60 cm
Courtesy Tano D’Amico
TD1g
Tano D’Amico
Roma 1977 Il giorno che uccisero Giorgiana Masi, 1977
Stampa ai sali d’argento
50 x 60 cm
Courtesy Tano D’Amico
44

TD1h
Tano D’Amico
Roma 1977 Paolo e Daddo feriti e in fuga, 1977
Stampa ai sali d’argento
50 x 60 cm
Courtesy Tano D’Amico
TD1i
Tano D’Amico
Potrebbero essere fratelli. Roma '77, 1977
Stampa ai sali d’argento
50 x 60 cm
Courtesy Tano D’Amico
UN1a/b/c
Ugo Nespolo
Un supermaschio, 1975 - 1976
Video a colori
23’38 min
Collezione dell’artista
UN2
Ugo Nespolo
Molotov, 1968
Inchiostro d’India e dattiloscritto su tela
24 x 18 cm
Collezione dell’artista
VA1
Valerio Adami
Le docce pubbliche, 1969
Acrilico su tela
Cm 89 x 116
Courtesy Fondazione Marconi, Milano
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