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L'
Sergio Padovani
apocalisse ti dona

L'
Sergio Padovani
apocalisse ti dona

“ ...dai diamanti non nasce niente, dal letame nascono i fior.”
F. De André, Via del campo.

Apocalypse suits
you!
Sergio Padovani and the
Circus of Earthly Delights
by Viviana Siviero
Lost Paradises are unknown,. Those who went there never came back, or
at least never talked about them. We have no certainties, only images, in
most cases fantasies, rarely prophecies. There are eyes that see places
otherwise ignored, inhabited by nymphs, sylphs, pygmies, salamanders
and other beings 1 which reveal themselves in their own diversity like magic
expressions, in any case abandoning rules. Children have have the gift of
sight; artists keep it and learn the art of showing it: the materialize it into
sound, into matter or hold on to some other ways of expression, creating,
each time a little Apocalypse.
Chapter 1: Beyond the looking glass, past the door and to other nowheres
2
Practice and poetry
Beyond the looking glass, past the door to other nowhere, where you may
often meet the Apocalypse.
In general belief, Apocalypse is something that follows history and precedes
nothingness, this is why it fits so many people: it is dark, making you
look thinner and it goes with everything. Apocalypse suits you especially
if interpreted in the right way, like Death in tarots. It symbolizes the end of
a cycle and announces the beginning of a new one. Sergio Padovani puts
on a horror show pleasantly, through his construction of freakish bodies
full of hermaphrodite stitching, falling skins that move along the border of
gender and age, in a space without space where hours come one after the
other and exist for themselves and not as a perpetual repetition of twentyfour.
His artistic practice, researched with a capable paintbrush, raises the
curtain that hides reality for every new work, revealing people made insecure
by their myopic banality, a court of fools collected around their own
deformed differences.
It would be easy to talk about excluded souls forced to live in a type of
“underworld”, a parallel and reassuring reality, where abnormality becomes
a rule merely because shared by most. It would be banal to talk about their
desire – which anyway seems palpable among so many obscure brush
strokes – to be accepted by those who radically follow the rules of shape
and essence. And only for the will of fate. The canvas, with its wooden
frame, defines a comparing space; the frame opens up like a window upon
a more complex reality which demands that we not look away.
In Padovani’s works there is an alternative and so much truer Wonderland;
the artist, like a solicitous White Rabbit, shows us the way to reach the
Queen of Heart’s unavoidable castle, representing the danger of comparison
and experience.
Cap. 2: Because I am someone else. If copper wakes up being a trumpet,
it has no fault 3
The characters
Arthur Rimbaud wrote: «Because I am someone else. If copper wakes up
being a trumpet, it has no fault. It seems obvious to me: I watch the blossoming
of my thought,: I look at it, I listen to it, I play the bow: the symphony
is deeply moved or it jumps out into the scene. 4 » in the same way,
Sergio Padovani does not feel the evoked characters to be his children. On
the contrary: he feels he is them. The features that spring from his skilful
paintbrush are the complex result of an idea generated by a combination
of deeds and frustrations, moments observed fleetingly and registered on
a subconscious and retinal level, later elaborated beginning with the artwork’s
punctum.
This detail, which makes the artwork intelligible and coincides with the
access point to the parallel universe, is what the eye must look for this
artist’s work: it is not necessarily a domineering element, or a predictable
.detail displayed by the main character. It is instead a delicate detail, like a
drop, a dress, a line or a jewel box, ready to declare itself to the spectator
without arrogance and to control his vision and his judgment in a subtle
and invisible way.
The figures chosen by Padovani as the main characters in the tale have feelings
they are afraid to feel. The artist seems to turn to them with a mix of
conflicting emotions: from love to melancholy sadness, from compassion
to uncontrolled happiness. He chooses not to paint a face or a body he has
experienced, but rather the carnal objectification of a deep and pressing
feeling that slowly emerges from the shade; he carries it out by means of
a paintbrush that strives primarily to keep alive the same emotion he felt
L’Apocalisse
dona!
ti
Sergio Padovani e il Circo
delle Delizie
di Viviana Siviero
I Paradisi perduti sono sconosciuti, chi ci è stato non ha fatto ritorno o
almeno non ne ha fatto parola. Su di essi non abbiamo certezze, ma solo
concrete immaginazioni, nella maggioranza dei casi considerate fantasia,
più raramente, profezie. Ci sono occhi che vedono luoghi altrimenti ignorati,
abitati da ninfe, silfi, pigmei, salamandre e altri esseri 1 che si rivelano
nella loro diversità come emanazioni magiche, comunque deroganti dalla
norma. Coloro che possiedono il dono di vedere sono bambini; quelli che
lo mantengono, imparando l’arte di mostrarlo, sono artisti: concretizzandolo
nel suono, nella materia o appigliandosi ad altri mezzi espressivi, per
creare, ogni volta, una piccola Apocalisse.
Cap.1: Al di là dello specchio, oltre la porta ed altri nessun dove 2
La pratica e la poetica
Al di là dello specchio, oltre la porta ed altri nessun dove, spesso si incontra
l’Apocalisse.
Nella credenza comune, l’Apocalisse è un fatto che segue la storia e precede
il nulla, per questo sta bene a molti: è oscura, quindi snellisce e va
un po’ su tutto. L’Apocalisse dona soprattutto se la si interpreta nel modo
giusto, come la Morte nei tarocchi, che simboleggia la fine di un ciclo
che prelude all’inizio di uno nuovo. Sergio Padovani mette in scena uno
spettacolo piacevolmente orrorifico, attraverso la costruzione di corpi mostruosi,
zeppi di ricuciture ermafrodite, di pelli cadenti che si muovono al
confine fra la riunione dei sessi e delle età, in uno spazio senza spazio dove
le ore si susseguono ed esistono in quanto tali e non in relazione al loro
essere ripetizione perpetua di ventiquattro. La sua pratica artistica, indagata
in punta di capace pennello, solleva ad ogni nuova opera quella quinta di
sipario che nasconde la realtà, scoprendo un popolo che la banalità miope
del quotidiano ha reso insicuro, una corte dei folli riunita attorno alle proprie
diversità deformi.
Sarebbe facile parlare di anime emarginate costrette a vivere in una sorta
di “mondo di sotto”, una realtà parallela e rassicurante dove l’anomalia è
diventata regola perché condivisa dai più. Sarebbe banale parlare di un
loro desiderio – che comunque risulta palpabile fra le molteplici pennellate
oscure – di accettazione da parte di coloro che si attengono radicalmente
alla regola per forma ed essenza. E per semplice volere del destino. La tela,
col suo riquadro ligneo, definisce uno spazio di confronto; la cornice si
apre come una finestra d’inquadratura su una realtà più complessa che ci
chiede di non fuggire con lo sguardo.
Nelle opere di Padovani c’è un Paese delle Meraviglie alternativo e molto
più vero; l’artista, come un diligente Bianconiglio, ci mostra la direzione per
raggiungere l’inevitabile castello della Regina di Cuori, che rappresenta il
pericolo dell’esperienza e del confronto.
Cap. 2: Perché Io sono un altro. Se il rame si sveglia tromba, egli non
ne ha nessuna colpa 3 .
I personaggi
«Perché Io sono un altro. Se il rame si sveglia tromba, egli non ne ha nessuna
colpa. Questo mi pare evidente: assisto allo sbocciare del mio pensiero:
lo guardo, l’ascolto: do un colpo d’archetto: la sinfonia si sommuove
nel profondo, o salta fuori sulla scena. 4 », scriveva Arthur Rimbaud Non diversamente,
Sergio Padovani non sente i personaggi che evoca come suoi
figli, piuttosto si sente loro: le sembianze che scaturiscono dal suo pennello
sapiente sono il risultato complesso di un’idea generata dalla combinazione
di azioni vissute e frustrazioni, momenti osservati fugacemente e registrati
a livello inconscio e retinico, che vengono poi elaborati a partire da quello
che è il punctum dell’opera.
Proprio questo particolare, che rende l’opera intellegibile e coincide col
punto d’accesso all’universo parallelo è ciò che l’occhio deve ricercare
nell’opera dell’artista: non è detto si tratti di un elemento prepotente, nemmeno
di uno scontato dettaglio sfoggiato dal protagonista, piuttosto un
dettaglio delicato, come una goccia, una veste, una linea o un o scrigno,
che si dichiarano allo spettatore senza prepotenza e ne manovrano visione
e giudizio in maniera sottile ed invisibile.
I personaggi scelti da Padovani come protagonisti della narrazione provano
sensazioni che temono di nutrire e l’artista sembra rivolgersi a loro
attraverso una miscellanea composita di sentimenti contrastanti che vanno
dall’amore alla tristezza malinconica, dalla compassione alla felicità più
sfrenata. L’artista non sceglie di dipingere un volto o un corpo del quale

at the moment of discovery. If all these charming cannonball women, jelly
little girls, oyster-boys, BFGs (Big Friendly Giants) Big Fishes, and all the
other bi-tonal marvelous circus freaks could express themselves through
sound, we would not hear agonizing screams or painful crying, but rather
shy whispers and discrete whimpering fluttering in a pure snow-like silence.
A delicate sound emitted while holding their breath with their heart
threatening to explode: their eyes focus on a point beyond the picture, they
look at the spectator begging him to understand and to stop the growth of
that sense of inadequacy’ which is so terribly cruel that nobody should
have to feel it.
Chapter 3: I asked: “what terrifies you most about purity?”. William
answered: “Hurry” 5 .
Time
White, Black, Payne’s Grey and Bitumen are Sergio Padovani’s four knights
of the Apocalypse. He does not execute his works starting with pencil studies
or photographic images: the idea is born in his mind from a set of experiences
which pile up as through the spout of a funnel. At a certain point
the soul becomes saturated with all these ever-changing affairs and the
nucleus of the work– the punctum – is spat out a detail around which, later,
the painting is made. From that moment on, the artist simply highlights
the event, positioning shadowy masses to bring out the brighter parts. Padovani
is not far from being a good light engineer busy with an important
theatrical piece: black flowing from the paintbrush functions as a marker
for the light and shows characters otherwise invisible. He continues doing
so until the painting declares its own completion, leaving its creator free to
follow a new emotion. Everything takes place at the right hurried pace, it
reveals itself in an open and obsessive timeframe where hours lose their
value both for the creature and for its creator. The fundamental principle revolves
around the need to follow an unconscious and unpredictable energy
which seems to establish a direct communication between the mind and
the painting.
Chapter 4: (Ab)normal life
The shot
That thin line which separates a normal from an abnormal existence may
consist of the elementary embrace of two parentheses, both in literary and
in real life. These are the defining rules that constitute the morphology of
what is acceptable and what is scary. Sergio Padovani organizes his brushworks
variegating the color scale from black to obscure, passing through
a grey made of faint, dense and bright matter. He does not want to impose
diversity on us, he rather carries out an extreme act of integration: by not
protecting his multi-sexed and deformed characters from comparison, forcing
his traumatic dolls to dance on some sort of stage, decadent despite
itself and framed by the canvas, he obliges the observer to watch and the
subject to show itself. Thus the two entities relate reciprocally, holding a
dialogue that would never have occurred otherwise. A gang of unbalanced
forms, anxious to be discovered, they come out of the dark wishing to free
themselves from the destiny which seems to have been chosen for them.
Although they are awkward, they cannot help but move; their eyes like eggs
bleached by hot water, eyes begging you to be eaten, to make the love empathy
total, and to be able to see the world from a different point of view…
Chapter 5: When hours become short and shadows betray the eye
The setting
“When hours become short and shadows betray the eye, one might sense
a different world” 7 . The landscape, familiar as it might seem, disappears
and transforms itself, becoming unrecognizable: by not putting fearful limitations
on it, it is sufficient to feel it as your own home. In shining light,
everyone who lives in this underworld may look isolated but appearances
can be deceptive: Sergio Padovani and his capable paintbrush surprise
those who “listen” to them. The leading color seems to be black but do
not be deceived by quantity: the main character is white, revealed through
the absence of color but intended as light, therefore the sum of all colors.
Its intangibility makes its opposite, shade, necessary and shadows back
up the leading character to let light and all its essential parts show its own
strength The same might be said about the absence of settings, clouded
by a background that destroys every detail: the artist seems more interested
in giving a general interpretation to details rather than colors. Many
influences can be found in Padovani’s work: the long shadows of German
movie expressionism, the warm contrast in silent movies of the 1920s
when music was played live by the orchestra in the theater, 1940’s aesthetics,
experiences lived indirectly through history books, Dutch painting
and the dark worlds described in certain children’s stories which fascinate
adults first of all. But most of all, music.
Chapter 6: While I was dreaming, I had a vision of mystery in the sky
The technique
That wich Odilon Redon declared by titling a famous work seems to be
true for Sergio Padovani as well: he started his artistic career as a music
ha avuto esperienza, ma la concretizzazione carnale di un sentimento profondo
e prepotente che lentamente emerge dall’ombra, attuandolo attraverso
una gestualità pittorica che tende in primis a mantenere viva la stessa
emozione provata dal creatore nel momento della scoperta. Se tutte queste
affascinanti donne cannone, bambine disciolte, bambini ostrica, GGG
(Grandi Giganti Gentili), Big Fish, questo circo bitonale di meravigliosi freak
potesse esprimersi attraverso il suono, non sentiremmo urla strazianti né
pianti addolorati, ma timidi sussurri e mugolii discreti, che svolazzano in
mezzo ad un silenzio candido come la neve. Un suono delicato che viene
emesso nel momento in cui ogni essere trattiene il fiato e dentro, il proprio
cuore, minaccia di scoppiare: gli occhi fissano un punto al di fuori del
quadro, guardano lo spettatore implorandolo di capire e fermare la crescita
di quel senso di inadeguatezza così crudele che nessuno merita di provare.
Cap. 3: “Cosa vi terrorizza di più nella purezza?”, chiesi. “La fretta”,
rispose Guglielmo 5 .
Il tempo
Bianco, Nero, Grigio di Payne e Bitume sono i quattro cavalieri dell’Apocalisse
di Sergio Padovani, il cui lavoro non si svolge a partire da studi a matita
o da immagini fotografiche: l’idea prende vita direttamente nella mente
dell’artista a partire da una serie di esperienze che vi si affastellano come
se entrassero dal becco di un imbuto. Ad un certo punto l’anima si satura
e da tutte quelle vicende che si modificano continuamente viene rigurgitato
un nucleo di lavoro – il punctum appunto - particolare attorno al quale,
poi, viene costruito il quadro. Da questo momento in poi, l’artista, semplicemente,
mette in evidenza l’avvenimento, attraverso il posizionamento di
masse ombrose che esaltano le parti da illuminare. Padovani non è lontano
dal fare di un bravo tecnico delle luci impegnato a seguire un’importante
opera teatrale: il nero che sgorga dal pennello funge da evidenziatore per
le parti di luce che vanno a mostrare personaggi altrimenti invisibili, fino a
quando non è il quadro stesso a dichiarare la propria conclusione, lasciando
libero il suo creatore di inseguire un nuovo sentimento. Tutto ciò si svolge
con la giusta fretta, che si palesa in un tempo sospeso ed ossessivo
in cui le ore perdono completamente il loro valore sia per la creatura, sia
per il suo creatore. Il principio fondamentale ruota attorno alla necessità
di seguire un’energia inconscia ed imprevedibile che sembra stabilire una
comunicazione diretta fra la testa ed il quadro.
Cap. 4: (Ab)normal life
L’inquadratura
Il confine di definizione che separa una vita normale da una vita anormale
può risiedere nell’elementare abbraccio di una parentesi, tanto nella vita
letteraria come in quella delle forme. Così sono le regole definitorie dei
modelli, che vanno a costituire la morfologia di ciò che è accettabile e
di ciò che è spaventoso. Sergio Padovani organizza le proprie pennellate
variando la gamma dei colori dal nero all’oscuro, passando per il grigio con
accenni di materia densa e lucente. La sua volontà non va nella direzione
dell’imposizione del diverso, si tratta più che altro di un gesto di integrazione
estremo e netto: non accettando di tenere al riparo dal confronto i
corpi multi-sessuati e deformi dei suoi personaggi, forzando le sue bambole
traumatiche a danzare, su di una sorta di palcoscenico, suo malgrado
decadente, inquadrato dal telaio del supporto, egli obbliga l’osservatore
a guardare e il soggetto a mostrarsi, in modo che le due entità entrino in
relazione reciproca, sostenendo un dialogo che altrimenti non si attuerebbe
mai. Una masnada di forme squilibrate, desiderose di essere scoperte,
emergono dall’oscurità col loro desiderio di emancipazione nei confronti
di un destino che pare aver deciso per loro. Nonostante siano impacciati,
non possono fare a meno di muoversi; i loro occhi somigliano a uova rese
bianche dall’acqua bollente, occhi del desiderio che ti chiedono di essere
mangiati per rendere totale l’empatia amorosa, per poter vedere il mondo
attraverso un punto di vista differente…
Cap. 5: Quando le ore si fanno piccole e le ombre tradiscono l’occhio
Lo spazio d’ambientazione 6
“Quando le ore si fanno piccole e le ombre tradiscono l’occhio può capitare
di avvertir intorno a sé un mondo altro” 7 Il paesaggio così come ci è
famigliare svanisce e si trasforma, rendendosi irriconoscibile: è sufficiente
non porre limitazioni paurose per sentirlo casa. In piena luce tutti coloro
che abitano questo sottosuolo, ci parrebbero degli emarginati, ma si sa,
l’apparenza inganna: Sergio Padovani e il suo sopraffino pennello fanno
lo stupore di chi li “ascolta”. Il colore predominante potrebbe sembrare il
nero ma non ci si deve lasciar ingannare dalla quantità: il vero protagonista
dell’inquadratura è il bianco, manifesto attraverso l’assenza di colore
ma inteso come luce, quindi somma di tutti i colori. La sua impalpabilità
rende necessaria la messa in gioco del suo opposto, l’ombra, che fa da
supporto al protagonista per permettere alla luce e a tutte le sue significanti
di mostrare la propria forza. Lo stesso vale per l’assenza di ambientazione,
obnubilata da uno sfondo che annienta qualunque particolare: la volontà
dell’artista sembra essere quella di indicare la strada di lettura più che di
dettagliarne la cromia. Molte sono le influenze: le ombre lunghe dell’espres-

composer, and only later came to painting. Painting is a complete tool: like
a piano, it requires no accompaniment. A few gestures offer an immediate
and complete vision. Sergio Padovani, dream after dream, opened his restless
windows onto an oneiric universe that had to be preserved, lighting
the extraordinary circus revealed through a process of more important than
final result itself. The process of titling painting completes the artwork,
imposing for the first time the artist’s point of view on the vision. As in
music, where “color” is given by melody which is the pictorial matter, while
lyrics, completed by rhythm and pitches, are like a title made of words
picked up among poetic but often desecrating sentences, as if it were a
new character.
Chapter 7: Eraserhead
The results
The mind has a process by which the most painful memories are sunk into
oblivion. This is the Apocalypse liable to be ours: the erasure of extraordinary
and prodigiously horrifying characters, which after being forgotten,
like gods, could hereafter close the doors that console them. David Lynch,
like Sergio Padovani, is a painter, a musician and a composer, besides
being a famous movie director, known for his visionary, oneiric and anguished
audio-connected pictures. In 1971 he made one of his first masterpieces:
Eraserhead, in which a quiet young man who lives with his fiancée
in a desolate industrial suburb, becomes the father of a mutant child. Lynch
never wanted to speak about the baby but the story tells that an embalmed
cow fetus was used to make it. Some say that Stanley Kubrick showed
Eraserhead during the shooting of Shining, just to trouble the actors. Sometimes
it is only a matter of form or suggestion but we must look for essence.
Sergio Padovani and his painting want us to accompany them into that
underground wonderland where, despite dark appearances, we are unlikely
to be maltreated. Let us accept the Apocalypse when it manifests itself, let
us open up to changes: we cannot know what will happen but maybe what
we call nothing is just our own fear. And we have to face and beat it.
1
H. Bosch + Paracelso, The garden of earthly delights. Treatise about nymphs,
sylphs, pygmies, salamander and other beings, Il giardino delle delizie. Trattato su
ninfe, silfi, pigmei, salamander e altri esseri, Stampa alternativa, 2003
2
Various references, in order: Lewis Carroll, Through the looking glass, and what
Alice found there, 1871; Neil Gaiman, Coraline, 2002; C.S. Lewis, The chronicles of
Narnia, 1950-1956; Neil Gaiman, Neverwhere, 19962;
3
Arthur Rimbaud, The prophet’s letter, 1871
4
Ibidem
5
Umberto Eco, The name of the rose, 1980
6
Neil Gaiman, Neverwhere, 1996
7
Ibidem
8
David Lynch, Eraserhead, 1971
sionismo cinematografico tedesco, il calore del contrasto nel cinema muto
degli anni ’20, musicato dall’orchestra in sala, l’estetica degli anni ’40,
le esperienze vissute indirettamente attraverso i trattati di storia, la pittura
fiamminga e il mondo oscuro di una certa narrazione intellettuale per l’infanzia
che affascina in primo luogo coloro che sono chiamati a veicolarla ai
più piccoli. Ma sopra a tutto la musica.
Cap. 6: Sognando vidi nel cielo una visione di mistero
La tecnica
Ciò che Odilon Redon affermò come esperienza titolando un suo celebre
lavoro sembra esser vero anche per Sergio Padovani, che ha cominciato
la propria ricerca artistica come compositore musicale, approdando alla
pittura solo in un secondo momento. La pittura è uno strumento completo,
come un pianoforte, che non necessita di alcun accompagnamento:
pochi gesti offrono uno spettro immediato e compiuto. Sergio Padovani,
sogno dopo sogno, ha spalancato le proprie finestre inquiete su di un universo
onirico che è necessariamente da preservare, illuminando quel circo
straordinario che si palesa attraverso un procedimento di creazione che
è più importante del risultato finale stesso. La titolazione dei lavori viene
infine a completare l’opera, imponendo per la prima volta il punto di vista
dell’artista sulla visione. È come per la musica, dove il “colore” è dato dalla
melodia che è la materia pittorica, mentre il testo – completato da ritmo
e toni – è come il titolo fatto di parole raccolte in frasi poetiche e spesso
dissacranti, come fosse un nuovo personaggio.
Cap. 7: La mente che cancella
Conclusioni
La mente possiede un meccanismo secondo cui i ricordi più dolorosi
devono essere consegnati all’oblio Ecco quale rischia di essere la nostra
Apocalisse: la cancellazione della conoscenza di personaggi straordinari ed
altrettanto prodigiosamente orripilanti, che se dimenticati, come le Divinità,
chiuderanno per sempre le porte di quell’aldilà che li conforta. David Lynch,
anch’egli pittore, musicista e compositore, oltre che celebre regista noto
per il proprio essere visionario onirico ed angoscioso di immagini fortemente
collegate al sonoro, nel 1971 realizzò uno dei suoi primi capolavori:
Eraserhead, la mente che cancella, in cui un giovane uomo tranquillo che
abita con la fidanzata in una desolata periferia industriale, diventa padre di
un bambino mutante. Lynch non ha mai voluto parlare del bambino ma la
leggenda dice che per realizzarlo fu utilizzato un feto di mucca imbalsamato.
Si racconta poi che Stanley Kubrick, fece proiettare in loop Eraserhead
durante la lavorazione di Shining, per trasmettere inquietudine agli attori. A
volte è solo una questione di forma o suggestione, ma è alla sostanza che si
deve guardare. Così, Sergio Padovani e la sua pittura desiderano prenderci
per mano, per accompagnarci in quel paese delle meraviglie sotterraneo
dove nonostante le apparenze di oscurità, difficilmente saremo maltrattati.
Accettiamo l’Apocalisse quando si presenta, apriamoci al cambiamento:
non sappiamo cosa capiterà dopo ma magari quello che chiamiamo il nulla
è solo la nostra paura, che va affrontata e vinta.
1
H.Bosch+Paracelso, Il giardino delle delizie. Trattato su ninfe, silfi, pigmei, salamandre
e altri esseri, Stampa alternativa, 2003
2
Rif. vari, nell’ordine: Lewis Carroll, Attraverso lo specchio e quel che Alice vi trovò,
1871; Neil Gaiman, Coraline, 2002; C.S. Lewis, Le cronache di Narnia, 1950-1956;
Neil Gaiman, Nessun Dove, 1996
3
Arthur Rimbaud, Lettera del veggente, 1871
4
Ibidem
5
Umberto Eco, Il nome della rosa, 1980
6
Neil Gaiman, Nessun dove, 1996
7
Ibidem
8
David Lynch, Eraserhead, 1971

adesso il dolce splendere oil and bitumen on canvas 25x30 cm 2011
annunciazione, la grande!
oil on canvas 80x120 cm 2011

due corpi sono una cattedrale oil and bitumen on canvas 30x40 cm 2011 misericordia e’ morta, viva misericordia! oil on canvas 30x40 cm 2011

totentanz tutta la notte, mon amour! oil on canvas 30x40 cm 2011 il regno, oppure il titolo potrebbe essere la gogna oil on canvas 60x60 cm 2011

sempre bello il calvario
oil and bitumen on canvas
50x60 cm 2011
la luna
oil and bitumen on canvas
100x150 cm 2011

noi siamo la citta’ fantasma e voi siete i lupi oil and bitumen on canvas 150x150 cm 2011
tutto maledettamente sbagliato oil on canvas 200x200 cm 2011

la stanza inquieta. enjambement oil on canvas 40x30 cm 2011
rivoluzione,cominci stanotte. enjambementi oil on canvas 40x30 cm 2011

vituperio. enjambement oil on canvas 40x30 cm 2011
la deriva bianca oil and bitumen on canvas 150x100 cm 2011

kammerspielhaus.atto I
kammerspielhaus.atto II
kammerspielhaus.atto III
oil and bitumen on canvas 20x40 cm 2011

idiamo ancora delle dimenticanze vespertine oil on canvas 25x30 cm 2011 purgatorio oil on canvas 25x30 cm 2011

empireo kapò erotica oil on canvas 25x30 cm 2011 attraverso le pareti sentiamo le citta’ lamentarsi oil on canvas 25x30 cm 2011

fine di questo quadro e delle ciance oil on canvas 50x60 cm 2011 siamo rari fiori folk oil on canvas 25x30cm 2011

il bianco e’ carezzevole oil and bitumen on canvas 25x30 cm 2011 sei aurora e dirupo oil on canvas 25x30 cm 2011

il lunedì è un requiem oil on canvas 25x30 cm 2011
il tuo forsennato amore da mattatoio
oil on canvas 80x120 cm 2011

la notte è fatta per sanguinare
oil on canvas
100x150 cm 2011
l’apocalisse ti dona
oil on canvas 80x120 cm 2011

Sergio Padovani
Born in Modena on April 25th 1972, he
lives and works in Modena.
He started his artistic career as a musician,
then he transformed his musical
perceptions into images.
His research lays its foundations on the
body and on its physical and moral inadequacy.
Its motionless and grotesque
revealing to human curiosity.
The narration of inexplicable researches
on corporeity, on its miseries and yet its
beauty, always and anyway.
The demanding of imperfection and its
self-satisfied purity.
Nato a Modena il 25 Aprile 1972, dove
vive e lavora .
Inizia la sua carriera artistica come musicista,
per trasformare le proprie ispirazioni
sonore in percezioni visive.
La sua ricerca ha fondamento nel corpo
e nell’inadeguatezza fisica e morale. Il
grottesco, immobile, rivelarsi al giudizio
dell’umana curiosità.
La narrazione dell’inesplicabile indagine
sulla corporeità, delle sue miserie e
della sua bellezza, sempre e comunque.
La rivendicazione dell’imperfezione e
della sua autocompiaciuta purezza.
Solo shows:
IIl tuo corpo è il dolce vilipendio - 29th January 2009/4th March
2009, Truffaut hall, Lo Sguardo dell’altro Gallery, Modena
Nessuna resurrezione per i bambini cattivi - 14th December
2007/16th January 2008, Lo Sguardo dell’altro Gallery, Modena
Group exhibitions:
ArteCremona - February 2011 Wannabee Gallery Milan
Marilyn No More - December 2010 Wannabee Gallery Milan
Step09 - November 2010 Wannabee Gallery Milan
Mostre personali:
Il tuo corpo è il dolce vilipendio - 29 gennaio 2009/4 marzo 2009,
Sala Truffaut, Galleria Lo Sguardo dell’altro, Modena
Nessuna resurrezione per i bambini cattivi - 14 dicembre 2007/16
gennaio 2008, galleria Lo Sguardo dell’Altro, Modena
Mostre collettive:
ArteCremona - febbraio 2011 Wannabee Gallery Milano
Marilyn No More - dicembre 2010 Wannabee Gallery Milano
Step09 - novembre 2010 Wannabee Gallery Milano
Tracce 2010 - July 2010, Sarzana Castle, Casina (RE)
Tracce 2010 - luglio 2010, Castello di Sarzana, Casina (RE)
Premio Combat - May 2010, Bottini dell’Olio, Livorno
Premio Combat - maggio 2010, Bottini dell’Olio, Livorno
Premio Internazionale Arte laguna - March 2010, Tese
Dell’Arsenale1,Venice
Premio Internazionale Arte laguna - marzo 2010, Tese
Dell’Arsenale1,Venezia
La bellezza e il disincanto - November 2009, Piccola Galleria, Asolo
(TV)
Way - May 2009, Kkien Atelier, Milan
Friction - July 2009, Spilamberto (MO)
Acqua – July-August 2008, Premio Vasto (palazzo d’Avalos, Vasto-CH)
Premio Arte 2007 - October/November 2007, Permanente palace, Milan
La bellezza e il disincanto - novembre 2009, Piccola Galleria, Asolo (TV)
Way - maggio 2009, Atelier Kkien, Milano
Friction - luglio 2009, Spilamberto (MO)
Acqua - luglio-agosto 2008, Premio Vasto (palazzo d’Avalos, Vasto-CH)
Premio Arte 2007 - ottobre/novembre 2007, palazzo della
Permanente, Milano
Una Quotidianità irreparabile - March 2008, Lo Sguardo dell’altro
Gallery, Modena
Una Quotidianità irreparabile - marzo 2008, Losguardodell’altro,
Modena
Le cinque variazioni - September 2006, Paradisino hall, Modena
Le cinque variazioni - settembre 2006, Sale del Paradisino, Modena

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Orari di apertura
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