Sam Francis - Agnellini Arte Moderna

SAM FRANCIS

SAM FRANCIS

SAM FRANCIS

SAM FRANCIS 

Galleria Agnellini Arte Moderna, Brescia 

21 Aprile / April - 14 Luglio / July 2012 

Mostra e catalogo a cura di / 

Exhibition and catalogue curated by 

Dominique Stella 

Roberto Agnellini 

Il catalogo è stato realizzato con il contributo di / 

This catalogue has been created with contributions from 

Sam Francis Foundation, California 

Direttore / Director 

Roberto Agnellini 

Direttrice artistica / Art director 


Organizzazione / Organisation 

Coordinamento / Coordination 

Giancarlo Patuzzi 

Segreteria / Secretary 

Corinna Turati 

Direzione commerciale / Commercial direction 

Ugo Ruggeri 

Ufficio stampa / Communication 

Spaini & Partners 

Progetto grafico / Graphic project 

Tipografia Camuna S.p.A. - Brescia 

Redazione / Editing 

Domenico Pertocoli 

Traduzioni / Translations 

In italiano / To Italian: Silvia Denicolai 

In inglese / To English: Timothy Stroud 

Fotografie delle opere / Artworks photos 

© Fabio Cattabiani 

Testo / Text 

© Dominique Stella, Agnellini Arte Moderna 

Opere / Artworks 

© Sam Francis Foundation, California / 

Artists Rights Society (ARS), New York 

Un particolare ringraziamento a / 

Special thanks to 

Debra Burchett-Lere, Sam Francis Foundation, 

Director 

Linda and Guy Pieters 

Famiglia Donati 

Si ringraziano inoltre / Thanks to 

On. Avv. Adriano Paroli, 

Sindaco della Città di Brescia 

Avv. Andrea Arcai, Assessore alla Cultura 

e al Turismo della Città di Brescia 

Lanfranco Cirillo 

Armando Donati 

Mario Dora 

Alessandro Medici 

Angelo Medici 

Cesare Medici 

Ettore Marchina 

Roberto Morigi 

Marc Pauwels 

Roberto Pellizzari 

Fabrizio Pivari 

Marco Setti 

Marinella Spagnoli 

Beth Ann Whittaker-Williams 

Comune di Brescia 

Assessorato alla Cultura 

e al Turismo 

Copertina / Cover 

Progetto di murale per la Chase Manhattan Bank 

(particolare), 1959 

Study for the Chase Manhattan Bank Mural 

(detail), 1959 

Pagina 2 / Page 2 

Sam Francis nel suo studio di Broadway / 

in Broadway studio, New York, 1959 

Photo Eliane Boardman 

© Sam Francis Foundation, California / 

Artists Rights Society (ARS), New York 

La mostra è stata realizzata con il sostegno di / 

The exhibition is realized with the support of

Sommario / Contents 

9 Sam Francis: il colore per passione 

13 Sam Francis: Colour as Passion 


17 Opere / Works 

Apparati / Appendix 

85 Notizie biografiche 

89 Biographical Notes


Sam Francis: il colore per passione 

Alle pagine precedenti / 

Previous pages 

Untitled (particolare / detail), 

1980 

Acrilico su carta / Acrylic on paper 

76,5 x 57,5 cm 

SF80-1146 

© Sam Francis Foundation, 

California / Artists Rights Society 

(ARS), New York 

In alto / On top 

Sam Francis in studio, 

Venice, 1989 

Foto / Photo by Nico Delaive 




di Sam Francis nasce all’inizio degli anni 

Cinquanta in un contesto che vede esplodere 

l’espressionismo negli Stati Uniti. L’egemonia 

che l’America conquista dopo la seconda 

L’arte 

guerra mondiale le accorda un’autorità di diritto 

che s’impone in arte come in politica e che si manifesta, 

in un primo tempo, attraverso la messa in discussione 

dei canoni e degli stereotipi nei quali si riconosce l’intellighenzia. 

L’esempio europeo non è più di rigore e artisti come 

Pollock, Rothko e de Kooning rivendicano una libertà 

creativa che sconvolge il comportamento e la mentalità artistica, 

rifiutando il soggetto esterno come fonte d’ispirazione 

per riconoscere come referente soltanto l’espressione informale 

e gestuale che scaturisce dalla profondità dell’essere. 

Sam Francis è californiano, non appartiene dunque alla 

scena newyorchese. Ma anch’egli sviluppa nei suoi dipinti 

una nuova estetica del colore, una nuova concezione della 

tela, del gesto, che s’inscrive nei vari movimenti della sua 

epoca, iniziati e sviluppati da artisti quali Rothko, Pollock, 

de Kooning, Kline, più anziani di lui e riconosciuti come 

fondatori dell’espressionismo astratto americano. Egli 

condivide le idee di questi pittori, che spingono la creazione 

lontano dai canoni rinascimentali, considerando la tela 

come un territorio di sogno e di espressione. Nessuna figura, 

nessuna composizione, ma un vasto campo d’azione 

che il corpo accompagna in un gesto ampio e sciolto, favorendo 

un lavoro spontaneo cui viene attribuita la formula 

“action painting”. 

È Jackson Pollock che dà il via a questo movimento negli 

Stati Uniti. Le sue grandi tele coperte di colore sgocciolato 

o esploso offrono allo spettatore l’opportunità di una riflessione 

interiore. La trama complessa dei colori enfatizza 

la superficie della tela, così come la stessa tecnica pittorica. 

L’occhio non è sedotto da una particolare zona del dipinto, 

né sospinto oltre la cornice dell’opera. Vi è ben poca 

evidenza esplicita di rappresentazione del mondo dietro 

la tela. Il dripping è una tecnica, e la tecnica diventa arte. 

Ne risultano opere pittoriche straordinarie, dense di colori 

gettati sulla tela in spessi strati di pittura. L’artista dipinge 

per terra perché, come dice lui stesso: “Per terra sono più 

a mio agio. Mi sento più vicino al quadro, ne faccio parte 

maggiormente; in questo modo posso camminarci intorno 

ed entrare letteralmente nel quadro.” 1 Non c’è paesaggio né 

contesto. “Io sono la natura!” dice Pollock. 

Rothko, benché classificato nel movimento espressionista 

astratto, rifiuta la definizione fuorviante di action painter. 

Per la sua arte, che delimita campi di colore, suona più 

appropriato il termine “colorfield painting”; nelle sue tele 

monumentali c’è un’ispirazione spirituale e meditativa che 

assorbe l’osservatore. La dimensione dell’opera è necessaria 

all’espressione pittorica. 

A sua volta Willem de Kooning sviluppa una propria tecnica 

personale e diventa, insieme a Jackson Pollock, l’emblema 

dell’action painting; egli modella la sua pittura a colpi 

di spatola o di lama. La sua gestualità comporta colature 

e schizzi di colore. L’opera, anche se terminata, ha quindi 

un sapore di incompiutezza che l’immaginario dello spettatore 

può intendere a modo suo. È così che de Kooning 

9

interpreta l’action painting. E a poco a poco questo lavoro 

ambiguo affascina e s’impone come un’altra forma di 

espressionismo astratto. 

Dai suoi predecessori Sam Francis raccoglie la lezione della 

colorfield e dell’action painting, prediligendo però Pollock 

rispetto a de Kooning o a Rothko. Certo, come molti artisti 

degli anni Cinquanta e Sessanta, anch’egli può essere 

accostato a tutte queste tendenze del momento: astrazione 

lirica, espressionismo astratto, tachisme, action painting, 

colorfield painting, altrettante influenze che si ritrovano 

nella sua opera senza che nessuna, tuttavia, possa essergli 

attribuita in modo esclusivo. Di ognuna egli esplora le 

possibilità estetiche e soggettive. E al di là di quel contesto 

pittorico, in cui si inserisce perfettamente, il suo percorso 

e le sue scelte gli conferiscono una singolarità che lo 

contraddistingue. 

Nella realizzazione delle sue opere predominano un andamento 

e un’esperienza di vita singolari che costituiscono il 

fermento di un lavoro originale, segnato dalla rivelazione 

intima del colore e della luce; questa gli s’impone in occasione 

di un incidente che determinerà le sue scelte in pittura. 

Nel 1944, infatti, mentre è arruolato nell’esercito come 

aviatore, il suo aereo precipita nel deserto. Un lungo ricovero 

in ospedale lo spinge verso una sorta di passatempo 

che presto diventerà una passione: l’iniziazione al disegno 

e alla pittura, di cui riconosce la capacità salvatrice che gli 

permette di ritrovare l’equilibrio e la salute. L’esperienza del 

deserto segnerà per sempre il suo immaginario e diverrà la 

principale fonte d’ispirazione del suo lavoro. La luminosità 

accecante di quelle distese sabbiose a perdita d’occhio 

genera spazi infiniti di cui è impossibile scorgere i confini. 

Questo sentimento di totale dissoluzione delle forme e 

delle tonalità nell’uniformità mutevole del colore della sabbia, 

che cattura le minime sfumature di un cielo torrido, 

crea la forma specifica della sua arte. Questa è basata sulla 

predominanza di uno sfondo pittorico spesso bianco oppure 

beige chiaro, sospinto ai confini dell’opera da schegge 

di colori luminosi. L’infinita grandezza dello spazio cattura 

alle sue estremità la natura incandescente di un’aria schizzata 

di luci vibranti. 

L’apprendistato della luce passa attraverso un’iniziazione 

all’arte che Sam Francis, uscito dall’ospedale, intraprende 

studiando arte a Berkeley e poi, nel 1946, a San Francisco, 

dove segue i corsi di Clyfford Still. Questo pittore lo impressiona 

per il suo stile risolutamente “organico”, di cui 

Sam Francis coglie quella caratteristica indefinibile che rende 

Still un maestro dell’espressionismo astratto americano. 

Questi considerava la pittura come una fusione: “Non ho 

mai voluto che il colore fosse colore – diceva –. Non ho 

mai voluto che la texture fosse texture, o che le immagini 

diventassero forme. Volevo che tutto si fondesse in uno 

spirito vivente.” 2 L’insegnamento di Still maturerà in Sam 

Francis un’espressività più lirica, più poetica, pur conservandone 

l’essenza fondamentale: la vitalità. 

L’Europa rappresenta, in seguito, la seconda tappa della sua 

iniziazione. Tra il 1950 e il 1961 egli dimora a lungo a Parigi, 

nonostante frequenti soggiorni a New York e in California 

e viaggi intorno al mondo tra il 1957 e il ’59 che lo 

portano in Messico, India, Thailandia, Hong Kong e Giappone, 

dove si ferma diverse volte per lavorare. 

La sua prima mostra ha luogo presso la Galerie Nina Dausset 

a Parigi nel 1952. I suoi primi lavori monocromi, realizzati 

a Parigi, sono nati lontano dall’influenza informale, 

ma presto egli si avvicina alla tradizione della colorfield 

painting americana, privilegiando nei suoi quadri le tinte 

piatte, pur adottando quel “colore suggestivo” che prende 

in prestito da pittori come Monet, Gauguin e Matisse 

passando per Bonnard. Il ciclo delle Ninfee di Monet, 

in particolare, colpisce la sua immaginazione. Ne apprende 

l’organizzazione dello spazio pittorico a partire da macchie 

colorate giustapposte, componendo una trama vaporosa 

che crea un’illusione di atmosfera, pur prediligendo la 

superficie piana della tela. La memoria di Monet si avverte 

nell’introduzione di valori cromatici intensi, che Sam Francis 

applica in accostamenti fluidi colanti in ciocche colorate. 

Già nel 1950 dichiarava: “Io faccio del Monet tardivo 

sotto una forma pura.” 3 

Matisse, al quale si sente umanamente più vicino poiché 

condivide con lui l’esperienza della malattia come catalizzatrice 

dell’arte, è un altro maestro di cui accoglie la lezione 

di un cromatismo contrastato e potente, accentuato da 

un’intensa luminosità. Sam Francis ne assimila le innovazioni 

in materia di colore e di bidimensionalità, che contribuiscono 

alla purificazione della forma e soprattutto del 

gesto. Matisse appartiene a quest’area postimpressionista 

che concentra la propria ricerca sulla luce, particolarmente 

presente in un quadro come Luxe, calme et volupté. Essa 

è fondamentale in questa tela, restituita dalla diffrazione 

dei colori. In Matisse sfrutta tutte le possibilità del colore: 

le sue zone d’ombra sono blu, le luci arancio e rosso; usa 

solamente colori vivi, primari: rosso, giallo, blu, e complementari: 

arancione, verde e viola; li dispone a modo suo 

per far vivere la sua luce. 

10 SAM FRANCIS

È questa stessa vibrazione che Sam Francis ricerca: luci e 

colori devono emergere dalla tela producendo una sensazione 

esplosiva che rappresenti la respirazione del mondo. 

Su tele spesso di grande formato prende a prestito e mescola 

diverse tecniche: dripping, all-over, tachisme, termine riferibile 

al caso della creazione: la forma è tache (macchia) 

sottomessa al caso, e nasce spontaneamente. Come Pollock, 

Sam Francis si concentra esclusivamente sullo sfondo, 

escludendo qualsiasi figura. Tende così a semplificare i 

suoi piani e realizza un grande lavoro sul colore utilizzando 

anche il nero, che considera un “non-colore”. L’artista spinge 

all’estremo l’esplosione della figura dando avvio a una 

tecnica della dissoluzione. In alcune sue tele questa pratica 

giunge a rendere liquida la figura, il che si traduce in colature 

verticali di pittura, una sorta di reticolo, di ragnatela, 

che collega le forme-macchie tra loro. 

Sempre in Sam Francis il colore nasce dallo sfondo, che 

può essere bianco o color sabbia, in riferimento al deserto 

che aveva segnato il suo immaginario. L’immensità dello 

spazio, lo spessore dell’aria assorbita dalla luminosità violenta 

del sole che irradia il cielo onnipresente, diventano 

fonte d’ispirazione e portano a una costruzione pittorica 

che nasce dallo spazio e dall’infinitamente bianco... L’uniformità 

della tela bianca, dove il color sabbia si confonde 

con il cielo, lo induce a dipingere partendo dallo sfondo, 

luogo dell’infinito in pittura. Da lì nasce il seguito del 

suo percorso: se l’infinito viene dallo sfondo, allora non 

c’è bisogno di dipingere figure, perché ciò che interessa è 

“lo spazio tra le cose”. Sopprimendo le figure Sam Francis 

sopprime il finito per conservare solo l’infinito; le sue opere 

allora non sono altro che un frammento d’infinito che 

prosegue ben al di là della tela. 

Questa apparente certezza suscita anche una serie di domande. 

Il bianco dominante, particolarmente presente nelle 

opere dipinte tra il 1957 e il 1961, ricorda la magnificenza 

di questo colore che contiene tutti gli altri, ma il cui 

valore simbolico resta ambiguo e pone l’immaginazione a 

confronto con il grande mistero dell’universo. Domande 

fondamentali: questa energia è lo spazio o l’assenza di spazio? 

È il pieno o il vuoto? Esprime una nostalgia o un compimento? 

Un timore o una speranza? Altrettanti dubbi filosofici 

si profilano nella rivelazione dell’opera che l’artista 

pone come un enigma. Questo si può risolvere nel riconoscimento 

di una forza positiva e vitale emanante dal colore. 

Alcuni, come Jean-François Lyotard, vi individuano la 

parte dell’ombra, in un saggio dedicato a Sam Francis intitolato 

Lezione di tenebre, in cui il filosofo francese illustra 

la dialettica del nulla e interroga il nulla. È, evidentemente, 

una questione di fede... 

A illustrare questa filosofia pittorica in mostra vi è una 

grande tela, Senza titolo del 1967, di 240 x 180 cm, che 

nasce dalla cornice dipinta contenente il bianco dell’infinito 

racchiuso nel contorno dei colori. Enigmatica, concettuale 

e gestuale, quest’opera potrebbe intitolarsi “Concetto 

spaziale”. 

Il coinvolgimento fisico dell’artista nella sua opera, così 

come lo spazio creato, libero e aperto, intrinseco alla tecnica 

dell’all-over, appaiono come altrettanti elementi che 

rimandano alla pittura americana successiva alla seconda 

guerra mondiale. Sam Francis adotta un’astrazione lirica 

e gestuale senza tuttavia accordare un primato al dinamismo 

del gesto. Il suo spazio, attraversato dal colore, diventa 

esso stesso colore: “Lo spazio è colore” scrive l’artista. 

Per lui il colore è la vera sostanza, il punto di partenza, 

che non è né il disegno né la linea. Il lavoro di Sam Francis 

è, dunque, basato essenzialmente sul colore. L’uso della 

pittura acrilica permette all’artista di realizzare colature e 

spruzzi, ma soprattutto rende possibili giochi di trasparenze 

che conferiscono alle sue opere una caratteristica luminosità. 

Le macchie di colore appaiono allora come schegge 

attraversate dalla luce e rivelano una delle preoccupazioni 

maggiori dell’artista, “meno interessato al gioco della luce 

che alla sostanza di cui è fatta”. 4 Spesso relegate al margine 

dell’opera, queste proiezioni di colore assumono l’aspetto 

di una cornice e interrogano i limiti della superficie, negata 

virtualmente dalla pratica dell’all-over. Costituiscono anche 

indici, segni che permettono di circoscrivere la superficie 

interna dell’opera. 

Lo stesso Sam Francis ha spiegato che egli considerava 

“questa zona centrale non come uno spazio vuoto ma come 

una forma monumentale, definita da brani di colore 

stretti e frammentati ai bordi”. Lungi dal giocare il ruolo 

passivo di sfondo, dunque, questo spazio appare come 

il soggetto stesso del dipinto. Garante dell’ordine e della 

disciplina della composizione, la distesa bianca (o biancosabbia), 

né vuota, né sterile, è un luogo di tensione e di dinamismo 

che affascina lo spettatore. 

Quest’opera è anche tipica del periodo in cui l’artista ha 

prolungato i suoi soggiorni nell’atelier di Santa Monica. Il 

periodo tra il 1963 e la fine degli anni Sessanta è infatti segnato 

dall’esplosione del colore. Esso s’impone nella luce 

californiana, brillante e persino accecante, che segna la tela 

con le sue schegge luminose. La drammaturgia del rosso 

11

si contrappone all’esplosione vitale del giallo e alla pienezza 

del blu. Il bianco occupa il centro dell’opera, relegando 

il colore ai margini. 

Negli anni Settanta l’artista s’interessa all’esoterismo e alla 

teoria junghiana dell’inconscio, dipingendo tele più suggestive 

e fin quasi più figurative. La sua pittura acquisisce 

mistero e magia. La superficie bianca è saldamente delimitata. 

Il volume atmosferico non è più veramente vuoto, 

ma inquadrato da bande di colori mescolate che ne limitano 

l’espansione. S’impone un rettangolo bianco, che 

Sam Francis chiama “buco dell’infinito”. Un’ansia indicibile 

s’insinua nell’opera, ristretta, strozzata attorno a un 

punto centrale che cattura l’energia vitale. È in questo periodo 

che l’artista realizza la serie delle Pitture mandala, 

forme meditative e magiche concentrate attorno a un piccolo 

quadrato bianco delimitato da masse colorate, invalicabili 

e inquietanti. I mandala sono le porte che conducono 

sul cammino dell’inconscio, aperte sulle profondità 

insondabili dell’essere. Le opere di Sam Francis conservano 

tuttavia un carattere diafano ed etereo, di cui troppo spesso 

si dimentica quanto sia il risultato di un instancabile lavoro 

formale sulla materia pittorica e il suo supporto. Parlare 

di “lavoro” a proposito delle pitture di Sam Francis, dall’aspetto 

così fluido e aereo, lungi dall’essere una contraddizione, 

appare come l’esito del formidabile corpo a corpo 

portato avanti nel corso della sua vita e che gli ha permesso 

di conquistare l’immaterialità della sua pittura. 

A partire dal 1975 uno dei suoi metodi più abituali consiste 

nel reticolare la superficie del quadro in modo uniforme 

utilizzando una quadrettatura, per stendere poi la pittura 

con il rullo ed eseguire ulteriori ritocchi a mano. Così 

la trama racchiude il bianco in un reticolato colorato. 

Poi, verso la fine degli anni Settanta e nel corso degli anni 

Ottanta, Sam Francis riconquista la pienezza del suo gesto, 

ritrovando l’equilibrio organico che congloba l’intera 

superficie della tela. La struttura persiste, addirittura si 

consolida, come per difendersi dall’abisso delle profondità. 

La pittura diventa gestuale e perfino “frivola”, secondo 

Lyotard, come se l’artista volesse escluderne ogni drammaturgia, 

privilegiando il piacere del gesto che “non impegna 

l’animo”. 

Questo aspetto della sua opera, l’infinitamente bianco che 

già dalle prime tele introduce l’opera di Sam Francis nel 

campo analitico e simbolico, così come le molteplici sfaccettature 

del suo lavoro sono state oggetto di un saggio di 

Jean-François Lyotard pubblicato per la prima volta nel 

1992 con il titolo Sam Francis. Leçon de ténèbres: “Like the 

Painting of a Blind Man” . 5 Lyotard, famoso soprattutto per 

le sue teorie riguardo al postmodernismo e al suo impatto 

sulla società, ha analizzato il linguaggio specifico di alcuni 

artisti contemporanei in una serie di saggi, dedicati in particolare 

a Marcel Duchamp, Karel Appel e Sam Francis. 6 Il 

suo linguaggio filosofico rivela l’aspetto complesso e profondamente 

spirituale racchiuso nell’arte di Sam Francis. 

Le sue riflessioni illuminano l’opera dell’artista californiano 

di una luce che mette in rilievo la ricerca di un’immaterialità 

contenuta nel soffio quasi invisibile del messaggio 

pittorico. Secondo Lyotard “l’opera di Sam Francis rende 

omaggio alla meraviglia del visibile e testimonia l’enigma 

della visione”. E in queste sue riflessioni poetiche il filosofo 

spiega la varietà sottile del significato dei colori nella pittura 

di Sam Francis. 

La potenza dell’opera di Sam Francis ha trovato un’espressione 

altrettanto suggestiva nel lavoro che l’artista ha sviluppato, 

nel corso della sua vita, sulla carta: dripping, 

all-over, tachisme, trame reticolate s’impongono in modo 

altrettanto convincente su un supporto che l’artista ha 

sempre usato. Infatti, Sam Francis amava lavorare sulla carta: 

questa gli consentiva una maggior libertà e la sua consistenza 

fibrosa offriva un supporto che interagiva con la 

pittura, conferendo all’opera un aspetto più organico, più 

profondo. Diceva infatti l’artista: “La carta è assai più bella 

della tela. È più profonda. Mi piace il modo in cui la pittura 

scivola nelle sue fibre.” Numerosi esempi di questa tecnica 

sono visibili in mostra, sprigionando la loro magia colorata, 

esplosiva, vitale. 

1 

Jackson Pollock, My Painting, in Pollock. Painting, a cura di Barbara 

Rose, Agrinde Publications, New York, 1980, p. 65. 

2 

David Kuperberg, Clyfford Still, The Art Story Foundation, New 

York, 2012. 

3 

Risposta di Sam Francis a una domanda a proposito del suo lavoro, 

citata in una lettera di Bernard Schultze ad Annelise Hoyer 

dell’agosto 1967. 

4 

Alain Yver in jazz.blog4ever.com 

5 

Edizione originale, The Lapis Press, Los Angeles, 1992. 

6 

Jean-François Lyotard, Writings on Contemporary Art and Artists, 

Leuven University Press, 2010. Sam Francis. Leçon de ténèbres / Lesson 

of Darkness è il secondo di una serie di cinque volumi che riuniscono 

gli scritti più importanti di Lyotard (1924-1998) sull’arte 

contemporanea e gli artisti. 

12 SAM FRANCIS


Sam Francis: Colour as Passion 

The art of Sam Francis first took form at 

the start of the 1950s in the midst of the 

explosion of expressionism in the United 

States. The power that America had enjoyed 

since World War II gave it the authority 

to impose its law in art as in politics. This first took 

form in the questioning of the canons and stereotypes by 

which the members of the intelligentsia recognized one another. 

European values and attitudes no longer prevailed 

and artists like Pollock, Rothko and de Kooning generated 

a creative freedom for themselves that disrupted the established 

artistic approach and mentality by rejecting external 

subjects as their sources of inspiration, instead recognizing 

only informal and gestural expressiveness from deep within 

the self as their reference. 

As a Californian, Sam Francis was not part of the New 

York scene. However, he developed a new aesthetic based 

on colour, and a new conception of the canvas and physical 

gesture within the different art currents of his period 

brought into being by such artists as Rothko, Pollock, de 

Kooning and Kline. They were all older than him and recognized 

as founders of American abstract expressionism. 

He shared their ideas, which rejected the age-old canons 

as the origin of the creative act and considered the canvas 

as a territory where dreams and expression could be manifested. 

Neither figures nor composition were incorporated, 

and the canvas was viewed as a vast field of action in 

which the artist performed physically using generous, flowing 

gestures: the result was a spontaneous form of art that 

went by the name of “action painting”. 

Jackson Pollock was the initiator of the movement in the 

United States. His enormous canvases covered with drips 

and explosions of paint prompt the observer to reflect on 

what he or she is gazing on. The complex interlacing of colours 

emphasizes the surface of the canvas and the pictorial 

application of the medium. The eye is not attracted to 

any particular zone of the painting, nor directed outside 

the frame, and there is little explicit evidence of representation 

or reality underlying the image. Dripping was simply 

a technique and the technique became art. It produced 

extraordinary works dense with colours thrown onto the 

canvas in thick layers of paint. Pollock painted his canvases 

spread out on the ground because, as he said: “On the 

floor I am more at ease. I feel nearer, more a part of the 

painting since this way I can walk around it, work from 

the four sides and literally be in the painting.” 1 There is 

neither landscape, nor context: “I am nature!”, Pollock is 

saying to us. 

Although Rothko is also classified as an abstract expressionist 

artist, he refused the alienating definition of action 

painter. His art, based on large fields of colour in monumentally 

sized works, was described by the American term 

“colorfield painting” and was founded on a spiritual and 

meditative inspiration that absorbs the observer into the 

painting. Monumentality was a necessary feature of Rothko’s 

pictorial expression. 

With Jackson Pollock, Willem de Kooning was a twin emblem 

of action painting. He too created his own technique, 

carving the paint with a spatula or blade and creating runs 

and spurts of colour with his gestures. His finished canvases 

aroused a feeling of incompleteness in the observer that 

called into action the individual’s imagination. This ambiguity 

was de Kooning’s interpretation of action painting, 

which gradually came to establish itself as a form of abstract 

expressionism. 

In relation to the work of his elders, Sam Francis’s output 

was most closely linked to that of colorfield and action 

painting, and his personal preference was for Pollock 

rather than either de Kooning or Rothko. Of course, like 

that of many artists during the 1950s and 1960s, Francis’s 

painting could be related to all the currents of that period: 

lyrical abstraction, abstract expressionism, tachism, action 

painting and colorfield painting are all reflected in his output, 

but without any single one of them being predominant. 

He explored the aesthetic and subjective possibilities 

that each of them offered. Beyond the pictorial context 

that he fell so perfectly within, his development and choices 

conferred a uniqueness on his work that distinguishes it 

from all other artists. 

The process that underlay the production of his works 

13

was unique to him and marked by a personal experience 

that acted rather like a leavening agent on his creative 

method. The event was an accident that came to determine 

his pictorial preferences and to reveal to him the 

intimate nature of colour and light. In 1944, while a pilot 

in the US military, his plane crashed in the desert. A 

long period spent in hospital led him to take up drawing 

and painting as a pastime but these rapidly turned into a 

passion. He later recognized them as the cipher through 

which he was able to recover his health and mental stability. 

His experience in the desert marked his imagination 

for ever and became the major inspiration of his work. 

The dazzling brightness of the endless desert sand underlay 

the unbounded spaces of his paintings. The unique 

characteristic of his production is the sensation given of 

the absolute dissolution of form and tonalities within the 

shifting uniformity of the sandy colour that captures the 

tiny nuances of a torrid sky. His art is based on the predominance 

of the ground – often white or light beige in 

colour – that drives the bursts of luminous colours to the 

edges of the work. The endless grandeur of space captures 

in its periphery the incandescent nature of air spattered 

with vibrant lights. 

The first stage of his apprenticeship in art occurred when 

he signed up for art studies at Berkeley, then in 1946 at 

San Francisco on leaving hospital. His course there was 

given by the artist Clyfford Still. 

Francis was impressed by Still’s resolutely “organic” style, 

notably the indefinable novelty of his oeuvre that made 

him one of the masters of American abstract expressionism. 

Still considered painting to be an amalgamation of elements: 

“I never wanted color to be color. I never wanted 

texture to be texture, or images to become shapes. I wanted 

them all to fuse together into a living spirit.” 2 Still’s teachings 

were reflected in the work of Sam Francis in his more 

lyrical and poetic expressiveness, while retaining its fundamental 

essence of vitality. 

The second stage of Sam Francis’s apprenticeship was represented 

by the periods of time he spent in Europe. Between 

1950 and 1961 he stayed for long periods in Paris 

broken by visits to New York and California, and trips 

to Mexico, India, Thailand, Hong Kong and Japan between 

1957 and 1959, where he stopped on several occasions 

to paint. His first exhibition was held at the Galerie 

Nina Dausset in Paris in 1952. His first monochrome 

works, executed in Paris, were far from informal, but he 

very quickly returned to the American colorfield tradition 

of large blocks of colour, while also borrowing the 

notion of “couleur suggestive” from painters like Monet, 

Gauguin, Matisse and Bonnard. His imagination was 

powerfully struck by Monet’s cycle of Water Lilies. He employed 

the same technique of composing a wraithlike relationship 

across the pictorial space between juxtaposed 

taches of colour, thus creating an illusion of atmosphere 

whilst emphasizing the surface of the canvas. Monet’s influence 

is also seen in Francis’s use of intense chromatism, 

which he applied in fluid juxtaposed taches from which the 

colour ran. He is said to have stated in 1950: “I make the 

late Monet pure.” 3 

Sharing with Matisse the experience of sickness as a catalyst 

for art, Francis felt he had a close relationship with the 

French master. He was influenced by Matisse’s use of powerful, 

contrasting colours accentuated by intense brightness 

and assimilated Matisse’s innovations in colour and twodimensionality 

that contribute to the purification of form. 

Matisse was a member of the post-impressionist sphere 

that concentrated its research on light, which is especially 

evident in Luxe, calme et volupté and made manifest by the 

diffraction of the colours. In this painting, Matisse used 

dots like deft brushstrokes; the shadows are blue, the lights 

orangey and red. He only employed bright, primary colours 

(red, yellow, blue) and their complementaries (orange, 

green and violet), arranging them carefully so as to 

bring life to the light. 

It was this same vibration of colours that Sam Francis was 

experimenting with; he wanted the light and colour to rise 

out of the canvas in an explosive sensation that represented 

the process of life in the world. In his often large format 

paintings he mixed a variety of techniques: dripping, 

all-over and tachism. The name of this last practice refers 

to the element of chance in pictorial creation: the tache 

(from the French word for “stain”) takes its form entirely 

randomly and spontaneously. Like Jackson Pollock, Sam 

Francis focused exclusively on the ground, excluding any 

figuration. Thus his planes tended to be simplified and his 

large works would be based on colour, including black, 

which Francis thought of as a “non-colour”. He took the 

explosion of form to its furthest point and thus initiated 

the technique of dissolution. In some of his canvases, this 

practice renders figures liquid, which he translated into 

vertical runs of paint to create a sort of grid or web that 

connects the forms-taches together. 

Colour in Francis’s works arises from the ground, which in 

turn was either white or sand-coloured in reference to the 

14 SAM FRANCIS

desert that was so strongly present in his imagination. The 

immensity of space and the intensity of the air absorbed 

by the intense, omnipresent sunlight became his source of 

inspiration and led to a pictorial construction characterized 

by space and the infinitely white. The uniformity of 

the white canvas, where the white sand merges with the 

sky, led him to paint forwards from out of the background, 

the place that in painting represents infinity. Logically, the 

development from this starting point was that, if infinity 

comes from out of the background, then there is no need 

to paint figures as what interested him as an artist was “the 

space between things”. By suppressing figures, Sam Francis 

suppressed the finite, leaving only the infinite. Thus his 

paintings are simply a fragment of the infinity that continues 

beyond the edges of the canvas. 

This apparent certitude also aroused a number of questions. 

The dominant and magnificent white – which was 

particularly present in his paintings between 1957 and 

1961 – reminds us that it contains all the other colours but 

that symbolically it is ambiguous and places man’s imagination 

in confrontation with the mystery of the universe. 

It induces a series of fundamental questions: is the energy 

represented by the white space or the absence of space? Is 

it filled or empty space? Does it express nostalgia or fulfilment? 

A fear or a hope? The creative process in Francis’s 

paintings gives rise to as many philosophical doubts as the 

enigmas that the artist poses himself. These uncertainties 

might be resolved in the recognition of the positive and vital 

force that emanates from colour. The author Jean-François 

Lyotard suggested that the colour in the artist’s paintings 

represents darkness, in an essay on Sam Francis titled 

Lesson of Darkness, which illustrates the dialectics of nothing 

and questions nothingness. Resolution of the uncertainties 

is clearly a question of faith! 

A large canvas in the exhibition (Untitled, 1967, 240 x 180 

cm) illustrates this pictorial philosophy. The work develops 

from the outside, from the painted frame that encloses the 

white of infinity between the coloured forms: enigmatic, 

conceptual and gestural, this painting might easily go by 

the title of “Spatial Concept”. 

The artist’s physical involvement with the creation of this 

work, and the free, open space that is intrinsic to the allover 

technique, are both characteristic of American postwar 

painting. Sam Francis incorporated lyrical, gestural 

abstraction in his work without, however, attributing primary 

importance to the dynamism that gesture created. 

Shot through by colour, the space itself becomes colour. 

He wrote: “Space is color.” For him, color is the true substance, 

the starting point that is neither design nor lines. 

His work is, therefore, based fundamentally on colour. The 

use of acrylics allowed him to create runs and spurts of 

paint but, above all, it made possible the assimilation of 

degrees of transparency that gave his paintings their luminosity. 

The stains of colour take on the appearance of darts 

shot through with light and are illustrative of the artist being 

“less interested in the play of light than the substance 

it is made of” 4 . Often relegated to the edges of his works, 

these projections of colour appear like a frame and raise 

doubts about the limits of the surface, which is itself virtually 

negated by the all-over technique. They can also be 

thought of as indices or signs that allow the circumscription 

of the internal surface of a work. 

Sam Francis explained that he considered “this central zone 

not as an empty space but as a monumental form, defined 

by shreds of color packed and fragmented at the edges”. So, 

far from playing the passive role as the background, it becomes 

the subject of the painting. Imbuing the composition 

with order and discipline, the white (or sandy-white) 

expanse, which is neither empty nor sterile, is a place characterized 

by tension and dynamism. 

This painting is also representative of the artist’s extended 

stay in his studio in Santa Monica. His production during 

the years from 1963 to the end of the decade is marked by 

the outpouring of colour. In the light of southern California, 

brilliant and even dazzling colour asserted itself in luminous 

flashes on his canvas. The drama of red is countered 

by the vital explosion of yellow and the plenitude of 

blue. White occupies the centre of the works, pushing colour 

to the edges. 

During the 1970s Sam Francis became interested in the 

Jungian theory of the unconscious and esotericism, with 

the result that he began to paint more suggestive and even 

figurative works. The act of painting gained in mystery and 

magic. The white surface became firmly locked and the atmospheric 

volume was no longer really empty but framed 

by bands of mixed colours that limit the white’s expansion. 

A white rectangle, which Francis called the “hole of 

infinity”, took centre-stage and this strangled central point 

captured vital energy while the locked painting was encroached 

upon by an inexpressible anxiety. In Francis’s art, 

this point marked the representation of the unconscious, 

with suffocation and strangulation becoming evident. His 

15

series of Mandala Paintings are meditative, magical forms 

concentrated around a small white square bounded by tightly 

packed, disturbing masses of colour. The mandalas are 

doorways that open onto the tunnels of the unconscious 

that lead us to the unfathomable depths of our being. His 

works, however, continued to be shot through with a diaphanous 

and ethereal character that we too often forget is the 

result of unflagging formal work on the pictorial matter and 

its support. The “work” involved in Francis’s apparently fluid 

and airy paintings, which is not a contradiction in terms, 

represents nothing but the artist’s lifelong tussle with his materials 

to conquer immateriality in painting. 

From 1975, one of his most commonly used methods was 

to create a grid across the surface of the painting and then 

pass the paint across the canvas with a roller. The next steps 

would be carried out by hand. The framework clasped the 

white in a lattice of colour. 

Towards the end of the 1970s and during the following decade, 

Sam Francis recaptured the plenitude of gesture in his 

painting and the organic balance that encompasses the surface 

of the canvas. The grid structure persists and even hardens 

as though to defend itself from the abyssal depths. His 

painting became gestural and even “frivolous”, according to 

Lyotard, as if the artist had wished to lock out all sense of 

drama and emphasize the pleasure of the gesture that “no 

longer engaged the soul”. Like the white infinity that introduced 

Francis’s work into the analytical and symbolic field, 

this aspect of his oeuvre, like the multiple facets of his painting, 

became the subject of an essay by Jean-François Lyotard 

published in 1992 with the title Sam Francis. Lesson of Darkness: 

“Like the Paintings of a Blind Man”. 5 A well-known philosopher, 

in particular for his opinions on postmodernist 

thought and its impact on society, Lyotard analysed the artistic 

language of certain twentieth-century artists in a series 

of essays, most notably on Marcel Duchamp, Karel Appel 

and Sam Francis. 6 Lyotard’s essay reveals the complex and 

highly spiritual aspects of Francis’s painting and the subtle 

variety in his use of colour. His reflections illuminate the artist’s 

work and highlights the Californian’s search for immateriality 

in the almost invisible breath of the pictorial message. 

In Lyotard’s opinion, “the work of Sam Francis pays homage 

to the visible marvel and bears witness to the visual enigma”. 

The power of Sam Francis’s art found an equally expressive 

outlet in the work that he produced throughout his 

life on paper, in which the techniques of drippings, allover, 

tachism and grids were all employed. Francis loved 

to work on paper on account of the greater freedom it offered, 

and the fact that its fibrous consistency interacted 

with the paint to give the finished work a deeper and more 

organic quality. He said: “Paper is much more beautiful 

than canvas. It’s deeper. I like the way that the paint slips 

into the fibres.” The exhibition contains numerous examples 

of his paper works, with their explosive, vigorous and 

colourful magic. 

1 

Jackson Pollock, My Painting, in Pollock. Painting, edited by 

Barbara Rose, Agrinde Publications, New York, 1980, p. 65. 

2 

David Kuperberg, Clyfford Still, The Art Story Foundation, New 

York, 2012. 

3 

Sam Francis in response to a question about his work. Stated in 

a letter from Bernard Schultze to Annelise Hoyer in August 1967. 

4 

Alain Yver in jazz.blog4ever.com 

5 

First ed. The Lapis Press, Los Angeles, 1992. 

6 

Jean-François Lyotard, Writings on Contemporary Art and Artists, 

Leuven University Press, 2010. Sam Francis. Leçon de ténèbres / 

Lesson of Darkness is the second of a series of five volumes of the 

most important texts by Lyotard (1924-1998) on modern art and 

artists. 

16 SAM FRANCIS

Opere / Works

Senza titolo/Untitled, 1949 

Acquarello su carta 

Watercolor on paper 

30,5 x 24,5 cm 

Firmato e datato dall’artista a matita sul retro/Signed with date by the artist 

in pencil on verso: “Sam Francis 1949” 

Timbrato sul retro con il logo/Stamped on verso with the Sam Francis Estate 

logo 

SF49-075 

Provenienza/Provenance: 

The Estate of the artist, California (1994) 

Gallery Delaive, Amsterdam (2000) 

Esposizioni/Exhibitions: 

Galleria Agnellini Arte Moderna, Brescia, “Sam Francis”, 21/04-14/07/2012, 

cat. p. 19 (ill. colori) 

18 © Sam Francis Foundation, California / Artists Rights Society (ARS), New York

Senza titolo/Untitled, c. 1950-1990 

Acrilico, gouache, inchiostro e tempera su carta 

Acrylic, gouache, ink and tempera on paper 

43 x 35,5 cm 

Senza firma né data/Unsigned and undated 

Timbrato sul retro con il logo e il facsimile della firma/Stamped on verso 

with the Sam Francis logo and facsimile signature stamps 

SF50-191 




Collezione privata, Milano 


Collezione privata, Rovigo, Italia 






Inchiostro su carta 

Ink on paper 

62 x 49,5 cm 

Firmato e datato dall’artista a matita sul retro/Signed with the date by the 

artist and inscribed in pencil on verso: “Sam Francis 1952 Paris” 

Timbrato sul retro con il logo/Stamped on verso with the Sam Francis 

Estate logo 

SF52-001 



Gallery Delaive, Amsterdam 






Gouache e acquarello su carta 

Gouache and watercolor on paper 

74,9 x 55,9 cm 

Firmato sul retro in penna blu/Signed on verso in blue pen: “Sam Francis” 

SF56-212 


Gimpel Fils, Ltd., Londra 

Private East Coast Collection, USA (1961) 

Galleria Agnellini Arte Moderna, Brescia (2010) 


MiArt 2011, Milano, 07-11/04/2011, Galleria Agnellini Arte Moderna, stand 

E11, pad. 3 

ArtVerona 2011, Verona, 06-10/10/2011, Galleria Agnellini Arte Moderna, 

stand B16 

Galleria Agnellini Arte Moderna, Brescia, “Italia-America. Il Novecento a 

confronto”, 24/09-01/10/2011 







94 x 182 cm 

Firmato e datato dall’artista sul retro/Signed, with the date by the artist and 

inscribed on verso: “Painted by me in 1957 Sam Francis” 

SF57-063 


Gimpel Fils Gallery, Ltd., Londra 

Collezione privata, Londra 

Collezione privata 

Collezione privata, Padova 



Tokyo Department Store Gallery, Shibuya, Tokyo, “The adventure 

of Today’s Painting: The Art of Sam Francis and Toshimitsu Imai”, 

15-20/10/1957; poi Kintetsu Department Store Gallery, Osaka, novembre 1957 

Gimpel Fils Gallery, Londra. Collector’s choice VIII, May 1958 

Warwick Art Trust, Londra, “Sam Francis in Britain”, novembre-dicembre 

1984, cat. n. 3 

Chiostro S. Francesco, Udine, “Afro Italia-America incontri & confronti”, 

25/11/2006-18/3/2007, cat. p. 217 

Galleria Agnellini Arte Moderna, Brescia, “Opere Grandi Grandi Opere”, 

2/10/2010-26/02/2011, cat. p. 59 




Senza titolo/Untitled (Composition no. 6), 1959 



67,5 x 101 cm 

Firmato sul retro in penna a sfera/Signed and inscribed on verso in ballpoint 

pen: “Sam Francis #6” 

SF59-257 


Kasmin Gallery, Londra 

Collezione privata, San Francisco 

André Emmerich Gallery, New York 



USIS Gallery, American Embassy, Londra, “Modern American Painting”, 

26/05-10/06/1961 

André Emmerich Gallery, New York, “Sam Francis: The Early Years 1955- 

1963”, 10/06-03/07/1986 e 02/09-11/10/1986 

André Emmerich Gallery, New York, “Selected Works II from the Gallery’s 

Collection”, 27/04-17/05/1989 




Progetto di murales per Chase Manhattan Bank/Study for the Chase Manhattan Bank Mural, 1959 

Gouache su carta 

Gouache on paper 

53,34 x 251,46 cm 

Senza firma né data; timbrato sul retro con il logo e il facsimile della firma / Unsigned and undated; stamped on verso with the Sam Francis 

Estate logo and facsimile signature stamp 

SF59-089 


The Estate of the artist, California 

Manny Silverman Gallery, Los Angeles (1999) 

American Contemporary Art Gallery, Munich 

Neuhoff Gallery, New York 

Collezione privata, New York 



André Emmerich Gallery, New York, Sam Francis: “Paintings on Paper”, 6-29/01/1983 

André Emmerich Gallery, New York. “Sam Francis: New Work” 8/11-1/12/1984 

Manny Silverman Gallery, Los Angeles. “Sam Francis in New York 1958-1960”, 1/05-28/6/1997 

American Contemporary Art Gallery, Munich. “Sam Francis: Works from 1953 – 1969”, 9/10/1998-30/01/1999; exhibition catalogue, p. 8-9 (ill) 

Centro Culturale Candiani, Mestre, Italia. “Jackson Pollock: The Irascibles and the New York School”, 23/2/03-30/06/2002; 

exhibition catalogue, n°71, p. 151 (ill) 

MiArt 2011 – Milano, dal 07-11/04/2011 – Galleria Agnellini Arte Moderna – stand E11 pad. 3 

Galleria Agnellini Arte Moderna, Brescia. “Italia America il Novecento a confronto”, 24/09-01/10/11 

ArtVerona 2011 – Verona, dal 06-10/10/2011 – Galleria Agnellini Arte Moderna – stand B16 

Galleria Agnellini Arte Moderna, Brescia, Italy. “Sam Francis”, 21/04-14/07/2012, cat. pp. 30-31 (ill. colori) 

Pubblicazioni/Publications: 

Jackson Pollock: The Irascibles and the New York School, Milan, Italy: Skira, 2002, cat. 71, p. 152, illus. 


Senza titolo/Untitled (Blue, Black and Green), 1959 



42,5 x 35 cm 

Firmato e datato dall’artista a matita sul retro in pittura blu/Signed, with the 

date by the artist on verso in blue paint: “May 1959” 

SF59-462 








Acquarello e acrilico su carta 

Watercolor and acrylica on paper 

cm. 51,35 x 35,56 

Firmato e datato dall’artista sul retro/Signed, with the date by the artist on 

verso: “Sam Francis 1960” 


Estate logo 

SF60-1126 








Senza titolo/Untitled, 1960/90 

Acrilico su carta 

Acrylic on paper 

24 x 21,5 cm 

Non firmato, datato sul retro dall’assistente/Unsigned; dated on verso by 

studio assistant: “1960” 


with the Sam Francis Estate logo and facsimile signature stamps 

SF60-1143 








Senza titolo/Untitled, c. 1960 

Acquarello su carta 

Watercolor on paper 

30 x 20,6 cm 

Senza firma né data/Unsigned and undated 


with the Sam Francis Estate logo and facsimile signature stamps 

SF60-1192 








Santa Barbara (Blue Balls), 1962 

Gouache su carta, 

Gouache on paper 

23,5 x 33 cm 

Firmato e datato dall’artista a matita sul retro/Signed, with the date by the 

artist on verso in pencil: “Sam Francis 1962” 


Estate logo stamp 

SF62-035 





Galerie Beyeler, “Sam Francis”, Fiera di Basilea 1977; cat. n. 24 





Acrilico e acquarello su carta, 1963 

Acrylic and watercolor on paper 

27,5 x 23,5 cm 

Firmato e datato dall’artista sul retro/Signed, with the date by the artist on 

verso: “Sam Francis 1963” 

SF 63-322 


Gallery Delaive, Amsterdam (c.1992) 

Galerie Wild, Zurigo (1993) 






Senza titolo/Untitled (Edge Painting), 1967 

Acrilico su tela 

Acrylic on canvas 

240 x 180 cm 

Senza firma né data; timbrato sul retro con il logo e il facsimile della firma/ 

Unsigned and undated; stamped on verso with the Sam Francis Estate 

logo and facsimile signature stamps 

Catalogue Raisonné n. SFF.479 

SFP67-20 



Gallery Delaive, Amsterdam 

Baukunst Galerie, Colonia 

Collezione privata, Belgio (2009) 

Guy Pieters Gallery, Belgio 


Tokyo Central Bijutsukan Gallery, “Sam Francis”, con Minami Gallery, 

Tokyo, 10-30/05/1968, brochure (no ill.); poi Gutai Pinacotheca Osaka, 

02-17/06/1968 

Smith Andersen Gallery, Palo Alto, California, “Sam Francis: Four Decades”, 

27/02-23/04/1988 

University Art Museum, University of California, Berkeley, 

“Sam Francis: 1994. Distinguished Alumnus Award Exhibition”, 

brochure (no ill.) 

Galerie Jean Fournier, Parigi, “Sam Francis: Edges 1962-1970”, 

12/03-30/04/1999 

Baukunst Galerie, Colonia, “Sam Francis: Bilder der 60er Jahre”, 

08/02-27/03/2001 

Fundación Bancaja, Valencia, “La Espiritualidad del vacío/The Spirituality of 

the Void”, 02/10/2001-07/01/2002; cat. p. 121 e copertina (ill. colori) 



Bibliografia/Literature: 

Dedication Kusuo Shimizu and Minami Gallery, Minami Gallery, 

Tokyo,1985, cat. p. 70 (ill.) 





39 x 49 cm 

Senza firma né data; timbrato sul retro con il facsimile della firma/Unsigned 

and undated; stamped on verso with the Sam Francis facsimile signature 

stamp 

SF74-773 








Senza titolo/Untitled (Study for Cover to Hilde Kirsch Feschrift), 1977 



76,3 x 31 cm 




SF77-138 








Senza titolo/Untitled, c. 1980/1990 



76,5 x 57,5 cm 




SF80-1146 











38 x 18,4 cm 




SF83-100 








Senza titolo/Untitled, c. 1985/1990 



39 x 47 cm 




SF85-503 











38,7 x 33 cm 

Senza firma; timbrato sul retro con il logo e il facsimile della firma/ 

Unsigned; stamped on verso with the Sam Francis logo and facsimile 

signature stamps 

Datato sul retro in rosso dall’assistente/Dated on verso, by studio assistant, 

in red: “1985” 

Catalogue Raisonné n. SFF. 1192 

SFP85-172 





André Emmerich Gallery, New York, “Sam Francis: Miniatures”, 12/1997 

Gallery Delaive, Amsterdam, Museum Jan van der Togt, Amstelveen, 

“Sam Francis: Remembering 1923-1994”, 8/11/2004-9/01/2005; cat. 

pp.104-105, 112 (ill. b/n e col.) 



Bibliografia/Literature: 

Sam Francis, Galleria Il Gabbiano, Roma, 2000; cat. p. 45 (ill.) 





71,5 x 21,5 cm 





SFP85-32 











47 x 34 cm 




SF86-809 











111 x 111 cm 

Senza firma; timbrato sul retro con il logo e il facsimile della firma/Unsigned; 

stamped on verso with the Sam Francis Estate logo and facsimile 

signature stamps 

Datato sul retro con matita colorata dall’assistente/Dated on verso, by 

studio assistant, in colored pencil: “top 1986” 


SFP86-41 


The Estate of the artist, California 

Collezione privata (acquistata tramite Bruk Kahan Gallery, Boca Raton, 

Florida) 

Collezione privata New York 

Collezione privata, Roma 



Museum of Modern Art, Toyama, Giappone, “Sam Francis”, con Nantenshi 

Gallery, Tokyo, 23/04/-19/06/1988, cat. n. 14, p. 50 (ill. colori); poi Museum 

of Modern Art, Seibu Takanawa, Karuizawa, 04/08-04/09/1988; Museum 

of Modern Art Shiga, 10/09/-16/10/1988; Ohara Museum of Art, Kurashiki, 

25/10-27/11/1988; Setagaya Art Museum, Tokyo, 25/02-26/03/1989 


stand P4-Q5 


stand B16 

Galleria Agnellini Arte Moderna, “Italia America. Il Novecento a confronto”, 

24/09-01/10/2011 

Brescia Arte Moderna e Contemporanea, 28/11/2011, Galleria Agnellini 

Arte Moderna, stand 15/16 







81,5 x 56 cm 




SF87-141 








Senza titolo/Untitled, c. 1987-1988 



33 x 24 cm 





SF87-184 








Senza titolo/Untitled (Red Augusto), 1987 



106,6 x 86,3 cm 

Firmato e datato dall’artista con pennarello nero sul retro/Signed, with date 

by the artist on verso in black marker: “Sam Francis 1987” 


SFP87-120 






Museun of Modern Art, Toyama, “Sam Francis”, con Nantenshi Gallery, 

Tokyo, 23/04-19/06/1988; cat. n. 21, p. 56 (ill. colori); poi Museum of 

Modern Art, Seibu Takanawa, Karuizawa, 04/08-04/09/1988; Museum of 

Modern Art Shiga, 10/09-16/10/1988; Ohara Museum of Art, Kurashiki, 

25/10-27/11/1988; Setagaya Art Museum, Tokyo, 25/02-26/03/1989 

Galerie Jean Fournier, Parigi, “Sam Francis: une exposition pour nos anniversaires”, 

16/03-26/04/1991 

Gallery Delaive, Amsterdam, “Sam Francis: A Selection of Paintings 1946- 

1992”, 18/12/2010-20/02/2011; cat. p.45 (ill. colori) 







33 x 24 cm 





SF88-266 






Gallery Delaive, Amsterdam, “Sam Francis: A Selection of Paintings 1946- 

1992”, 18/12/2010-20/02/2011; cat. p. 51 (ill. colori) 







33 x 24 cm 





SF88-264 






Galleria il Gabbiano, Roma, “Sam Francis”, con Manny Silverman Gallery, 

Los Angeles, 28/11/1998-febbraio 1999; cat. n. 28 (ill. colori) 

Galerie Koch, Hannover, Germania, “Sam Francis: Werke von 1958-1992”, 

4/09-09/10/2010, brochure (no ill.) 







30,5 x 45 cm 




SF89-119 











49 x 28 cm 





SFP90-26 





Page Gallery, Seoul, “The Painter Sam Francis”, con Galerie Son, Berlino, 

03/03-30/04/2011 







170 x 134 cm 





SFP90-29 





Gallery Delaive, Amsterdam, “Sam Francis: The Unknown Works from 

1990s”, 19/11-23/12/2005; cat. p. 68 (ill. colori) 







86 x 76 cm 




SF92-102 








Apparati / Appendix


in collaborazione con 

Debra Burchett-Lere, 

Sam Francis Foundation © 

Notizie biografiche 

Sam Francis nel suo studio, 

Tokyo, 1974 circa / 

Sam Francis in his studio, 

Tokyo, circa 1974 




Sam Francis, nato nel 1923 a San Mateo, 

California, è morto nel 1994 a Santa Monica, 

California. 

Dopo aver inizialmente studiato psicologia e 

medicina, in seguito studia pittura con Clyfford 

Still, prima di recarsi a Parigi, dove rimane 

dal 1948 fino al 1950 frequentando l’Académie 

Léger. Nel 1952 tiene la sua prima 

mostra personale a Parigi e incontra esponenti 

dell’informale francese. Accettato come 

esponente della giovane avanguardia 

europea, presenta il suo lavoro in diverse 

esposizioni a Parigi, Londra e Berna. La partecipazione 

a Twelve Americans, mostra allestita 

al Museum of Modern Art di New York 

nel 1956, lo fa notare anche in America. 

Durante questo periodo la sua produzione 

passa da composizioni con campiture pittoriche 

monocrome a “isole di colori” brillanti 

su tele bianche. La sua modalità grafica 

di stendere la pennellata e il carattere lirico 

del suo colore fluido avvicinano Francis 

all’arte dell’Estremo Oriente, che egli studia 

intensamente. Nel 1957 viaggia in India, 

Thailandia e Giappone, esponendo a Tokyo 

e Osaka. 

Dopo irrequieti spostamenti tra Parigi, la 

sua città natale e altre grandi città, Francis 

torna in California nel 1962, stabilendosi 

dapprima a Santa Barbara e prendendo 

poi uno studio a Venice, Santa Monica, nel 

1963. Nel corso degli anni Sessanta sviluppa 

un proprio stile ben riconoscibile di dripping 

spontaneo e gestuale. Lavora stendendo 

colori a olio, acrilici e acquarelli sulla tela 

e sulla carta con movimenti circolari e creando 

effetti di spruzzo. Nelle sue “grid pictures” 

degli anni Settanta la superficie pittorica 

è coperta con strutture rettangolari. 

Francis non è solo un illustre esponente 

dell’action painting; egli esplora le più varie 

tecniche artistiche, come la litografia, l’acquaforte 

e il monotipo, e la sua passione 

per la grafica d’arte lo spinge nei primi anni 

Ottanta a condurre interessanti esperimenti 

in questo campo. Caratteristiche di questa 

fase sono composizioni espressive suddivise 

in più parti, talvolta con colature di vernice. 

Negli ultimi anni Sam Francis si impegna 

anche in committenze per dipinti murali di 

grandi dimensioni. 

1946-1958 

Sam Francis dipinge e studia a San 

Francisco, in California, dopo che un 

incidente aereo e problemi di salute 

lo costringono per anni in ospedale. 

Si diploma nel 1949 e nel 1950 riceve 

il bachelor’s degree alla University of 

California di Berkeley. Tra il 1950 e il 1958 

vive e lavora principalmente a Parigi, 

compiendo viaggi in Messico, in Giappone, 

in vari paesi d’Europa e negli Stati Uniti. 

1952 

Prima mostra personale alla Galerie Nina 

Dausset di Parigi. 

1955 

Mostra personale alla Galerie Rive Droite 

di Parigi. 

1956 

Partecipa alla mostra Twelve Americans 

al Museum of Modern Art di New York. 

Mostre personali: Galerie Rive Droite, 

Parigi; Zoe Dusanne Gallery, Seattle; 

Martha Jackson Gallery, New York; 

Galerie Ad Libitum, Anversa. 

Il “Time Magazine” descrive Francis 

come “il miglior pittore americano 

nella Parigi di oggi”. 

1957 

Viaggia in Giappone e dipinge un murale 

per la Sogetsu School di Tokyo. Mostre 

personali: Zoe Dusanne Gallery, Seattle; 

Gimpel Fils, Londra. 

1959 

Affitta uno studio a New York e 

intraprende la realizzazione di un murale 

per la Chase Manhattan Bank di Pasadena, 

California. Mostra personale al Pasadena 

Art Museum, trasferita poi al San 

Francisco Museum of Art e al Seattle Art 

Museum. 

Sam Francis sposa la pittrice Teruko Yokoi; 

nasce la loro figlia, Kayo. 

1960-1966 

Vive e lavora a Berna, in Svizzera, durante 

un altro periodo di cure in ospedale. 

Divorzia da Teruko Yokoi. 

Mostre personali: Kunsthalle, Berna, 

trasferita poi al Moderna Museet, 

Stoccolma; Minami Gallery, Tokyo; 

Kornfeld and Klipstein, Berna; Galerie 

Benador, Zurigo; Esther Bear Gallery, 

Santa Barbara. Partecipa a Documenta III 

a Kassel, esponendo i pannelli murali di 

Basilea. 

Nel 1962, dimesso dall’ospedale, torna in 

California, soggiornando dapprima a Santa 

Barbara e poi a Santa Monica. Acquista 

una proprietà e vi progetta un nuovo 

studio al 345 di West Channel Road a 

Santa Monica, che diventa la sua dimora 

permanente. Mantiene anche lo studio di 

Parigi finché non viene demolito nel 1983. 

Nel 1966 crea la performance Sky Painting 

nella baia di Tokyo. 

Sposa Mako Idemitsu e nasce il loro figlio 

Osamu. 

1967 

Mostre personali alla Pierre Matisse 

Gallery di New York, al Museum of 

Fine Arts di Houston, poi trasferita allo 

University Art Museum di Berkeley. 

Crea un’altra performance, Snow Painting, 

a Naibara, in Giappone. 

1968 

Riceve una laurea ad honorem dalla 

University of California di Berkeley. 

Mostre personali: Centre National d’Art 

Contemporain, Parigi; Kunsthalle, Basilea; 

Minami Gallery, Tokyo. 

1969-1972 

Nel 1969 nasce il terzo figlio di Francis, 

Shingo. 

Crea tele murali per la Nationalgalerie di 

Berlino. Mostre personali: Andre Emmerich 

Gallery, New York; Nicholas Wilder Gallery, 

Los Angeles; Los Angeles County Museum 

of Art, Los Angeles; Martha Jackson 

Gallery, New York; Felix Landau Gallery, 

Los Angeles. 

Crea The Litho Shop, Inc. per stampare 

e distribuire le proprie opere grafiche a 

tiratura limitata. 

1972-1973 

Mostre personali: Albright-Knox Art 

Gallery, Buffalo, trasferita poi alla Corcoran 

Gallery, Washington; Whitney Museum 

of American Art, New York; Museum of 

Fine Arts, Dallas; Oakland Museum of 

Art, Oakland; University Museum of Art, 

Stanford. 

1973-1974 

Vive e lavora soprattutto a Tokyo. Mostre 

personali: Idemitsu Art Museum, Tokyo; 


1975-1977 

Mostre personali: Nicholas Wilder Gallery, 

Los Angeles; Galerie Jean Fournier, Parigi; 

Andre Emmerich Gallery, New York; 

Richard Gray Gallery, Chicago; Kornfeld 

and Klipstein, Berna; Smith Andersen 

Gallery, Palo Alto, California. Inizia una 

serie di collaborazioni a monotipi con 

Garner Tullis. 

85

1977-1978 

Mostre personali: Louisiana Museum of 

Art, Humlebaek, Danimarca, trasferita poi 

al Centre Pompidou, Parigi, Liljevalchs 

Konsthall, Stoccolma, e Israel Museum, 

Gerusalemme. 

1978 

Mostre personali: Nicholas Wilder Gallery, 

Los Angeles; Otis Art Institute, Los 

Angeles. 

1979 

Mostra personale all’Institute of 

Contemporary Art, Boston, itinerante poi 

a Taiwan, Hong Kong, Filippine, Corea 

e Giappone a cura dell’ US International 

Communication Agency. Altre mostre 

personali: Galerie Jean Fournier, Parigi; 


Brooke Alexander Gallery, New York. 

1980 

Mostre personali: Abbazia di Senanque, 

Gordes, Francia; Los Angeles County 

Museum of Art, Los Angeles; Riko Mizuno 

Gallery, Los Angeles; James Corcoran 

Gallery, Los Angeles; Smith Andersen 

Gallery, Palo Alto. 

Divorzia da Teruko Idemitsu. È eletto 

nel Board of Trustees del Museum 

of Contemporary Art di Los Angeles. 

1981 

Mostre personali: Andre Emmerich 

Gallery, New York; Ace Gallery, Los 

Angeles; Ruth Schaffner Gallery, Santa 

Barbara, California. Allestisce uno 

studio temporaneo a San Leandro, 

California, per dipingere un murale 

per il San Francisco Museum of Art. 

1982 


Gallery, New York; Nantenshi Gallery, 

Tokyo; Richard Gray Gallery, Chicago. 

1983 

Crea un murale per l’aeroporto di San 

Francisco. Mostre personali: Andre 

Emmerich Gallery, New York; Galerie 

Kornfeld, Berna; Smith Andersen Gallery, 

Palo Alto; Fondation Maeght, Saint-Paul de 

Vence; Studio Marconi, Milano; Colorado 

State University, Fort Collins; Galerie Jean 

Fournier, Parigi; John Berggruen Gallery, 

San Francisco; Nantenshi Gallery, Tokyo. 

È nominato “Commandeur de l’Ordre des 

Arts et des Lettres” dallo Stato francese. 

1984 

Fonda la Lapis Press. Mostre personali: 


Cantor-Lemberg Gallery, Birmingham, 

Michigan; Robert Elkon Gallery, New 

York; Knoedler Gallery, Londra. 

1985 

Mostre personali: Galerie Kornfeld, Berna; 

Galerie Jean Fournier, Parigi; Nantenshi 

Gallery, Tokyo; Richard Gray Gallery, 

Chicago. Completa il murale per 

il San Francisco Museum of Art. 

Sposa Margaret Smith in Giappone. 

1986 


Gallery, New York; Galerie Jean Fournier, 

Parigi; Nantenshi Gallery, Tokyo. Gli viene 

commissionato un dipinto murale per 

il soffitto dell’Opéra Nationale, Théâtre 

Royal de la Monnaie, Bruxelles. 

Nascita del quarto figlio, Augustus. 

Acquista uno studio a Palo Alto, ma tiene 

anche lo studio di Santa Monica. 

1987 

Mostre personali: Knoedler Gallery, 

Londra; Andre Emmerich Gallery, New 

York; Pamela Auchincloss Gallery, Santa 

Barbara; Heland Thorden Wetterling 

Galleries, Stoccolma; Manny Silverman 

Gallery, Los Angeles; Galerie Pudelko, 

Bonn. 

1988 



Parigi; Nantenshi Gallery, Tokyo; Smith 

Andersen Gallery, Palo Alto; Greenberg 

Gallery, St. Louis, Missouri; National 

Gallery, Seul; Toyama Museum, Giappone, 

itinerante poi a Seibu, Takanawa, 

Karuizawa, Shiga, Ohara, Murashiki, 

Setagaya, Tokyo. 

1989 



Parigi; Bernard Jacobson Gallery, Londra; 

Linda Farris Gallery, Seattle; Knoedler 

Gallery, Londra. Lavora a Manchester, 

in Inghilterra. 

1990 

Mostre personali: Associated American 

Artists, New York; Gallery Delaive , 

Amsterdam; Heland Wetterling Gallery, 

Stoccolma; Ogawa Art Foundation, Tokyo; 

Talbot Rice Gallery, Edimburgo. Acquista 

una proprietà e affitta uno studio nella 

California settentrionale, a Pt. Reyes 

Station. Continua a tenere gli atelier 

di Santa Monica e Venice. 

1991 

Mostre personali: Galerie Kornfeld, Berna, 

Galerie Jean Fournier, Parigi; James 

Corcoran Gallery, Los Angeles; Gagosian 

Gallery, New York; Centre Regional d’Art 

Contemporain Midi-Pyrénées, Toulouse 

Labège, Francia. 

1992 

Mostre personali: Galerie Daniel Papierski, 

Parigi; Museum van der Togt, Amsterdam; 

Kukje Gallery, Seul. Pubblicazione di 

The Prints of Sam Francis. A Catalogue 

Raisonné a cura di Connie Lembark, 

edito da Hudson Hills Press. 

1993 

Mostre personali: Kunst- und 

Ausstellungshalle der Bundesrepublik 

Deutschland, Bonn; Galerie Pudelko, 

Bonn; Bobbie Greenfield Gallery, Venice; 

Michel Cohen Gallery, New York; Ochi 

Gallery, Ketchum, Idaho; Manny Silverman 

Gallery, Los Angeles; Galerie Iris Wazzau, 

Davos; Museum of Contemporary Art, 

Los Angeles. Gli viene commissionato 

un importante dipinto per il Parlamento 

tedesco a Bonn. Dona dieci opere 

al Museum of Contemporary Art 

di Los Angeles. 

1994 

Mostre personali: Long Fine Art, New 

York; Gallery Delaive, Amsterdam; Bobbie 

Greenfield Gallery, Venice; Galerie Jean 

Fournier, Parigi; Galerie Proarta, Zurigo; 


Nantenshi Gallery, Tokyo; Richard Gray 

Gallery, Chicago; University Art Museum, 

University of California, Berkeley; Galerie 

Kornfeld, Berna. Daco-Verlag Günter Bläse 

di Stoccarda pubblica un’ampia monografia 

sui monotipi di Sam Francis. Riceve il 

“Distinguished Alumnus Award” dalla 

University of California, Berkeley. 

L’artista muore a Santa Monica, California. 

Dopo la sua morte viene fondata la Samuel 

L. Francis Foundation, Inc. (conosciuta 

anche come Samuel L. Francis Art 

Museum, Inc. o Sam Francis Foundation) 

che si occupa non solo dei diritti legali, 

ma anche di “studiare, documentare, 

proteggere e perpetuare il suo lascito 

creativo”. Ogni anno si tengono numerose 

mostre di Sam Francis in tutto il mondo 

(circa un centinaio tra il 1994 e il 2010) 

e il suo lavoro continua a riscuotere 

grande successo. 

Tra le principali mostre personali: 

1995 

Los Angeles County Museum of Art, 

Los Angeles; Andre Emmerich Gallery, 

New York; Manny Silverman Gallery, 

Los Angeles; Grunwald/UCLA/Armand 

Hammer Museum, Los Angeles; 

Kunstverein Ludwigsberg, Francoforte; 

Musée du Jeu de Paume, Parigi. 

1996 

Smith Andersen Gallery, Palo Alto; 

Sogetsu Art Museum, Tokyo; Gallery 

Delaive , Amsterdam; Gagosian Gallery, 

Beverly Hills; Guy Pieters Gallery, Knokke; 

86 SAM FRANCIS

Galerie Michael Haas, Berlino; Galerie 

Proarta, Zurigo. 

1997 

Frederick M. Weisman Museum of Art, 

Pepperdine University, Malibu, trasferita 

poi ampliata alla Fundación Caja de Madrid 

in Spagna; Andre Emmerich Gallery, 


Los Angeles; Museo d’Arte, Mendrisio; 

Gallery Delaive, Amsterdam. 

1998 

Thomas Segal Gallery, Baltimora; Fundació 

Miró, Barcellona; Guy Pieters Gallery, 

Knokke; Gallery Delaive, Amsterdam; 

Galleria Il Gabbiano, Roma. 

1999 

Leslie Sacks Fine Art, Los Angeles; Robert 

Green Fine Arts, Mill Valley, California; 

Galleri Faurschou, Copenaghen; Ikon Ltd. 

Contemporary Art, Santa Monica; Manny 

Silverman Gallery, Los Angeles; Galerie 

Jean Fournier, Parigi; Baukunst Galerie, 

Colonia. 

2000 

Galleri GKM Siwert Bergstrom, Malmö; 

Richard Gray Gallery, New York e Chicago; 

Gallery Delaive, Amsterdam; Lawrence 

Rubin Greenberg Van Doren Fine Art, New 

York; Galleria Il Gabbiano, Roma; Idemitsu 

Museum of Arts, Osaka e Tokyo. 

2001 

Guy Pieters Gallery, Saint-Paul de Vence; 

Alan Cristea Gallery, Londra; Galerie 

Proarta, Zurigo; Brian Gross Gallery, 

San Francisco; Lawing Gallery, Houston. 

documentari di Sam Francis vengono 

acquisiti dal John Paul Getty Art Museum 

Research Institute di Los Angeles. 

2006-2007 

Kunstmuseum, Bern; Galerie Flintholm, 

Verster Skerninge, Danimarca; Robert 

Green Gallery, Mill Valley, California; 

Galerie Jean Fournier, Parigi; Galerie LC, 

Parigi. 

2008 

Jack Rutberg Fine Arts, Los Angeles; 

Galerie Proarta, Zurigo; Galleria San Carlo, 

Milano; Galleria Repetto, Acqui Terme. 

2009 

College of the Canyons Art Gallery, 

Santa Clarita, California; American 

Contemporary Art Gallery, Monaco di 

Baviera; Smith Andersen North, San 

Rafael, California; Leslie Sacks Fine Art, 

Los Angeles; Samuelis Baumgarte Galerie, 

Bielefeld; L&M Arts, New York; Bernard 

Jacobson Gallery, Londra; Gallery Delaive, 

Amsterdam; Guy Pieters Gallery, Knokke. 

2010-2011 

Galerie Proarta, Zurigo; Helly Nahmad 

Gallery, New York; Danubiana Art 

Museum, Bratislava; Coskun Fine Art, 

Londra; Galerie Koch, Hannover; Galerie 

Jean Fournier, Parigi; Gallery Delaive, 

Amsterdam; Galerie Thomas Modern, 

Monaco di Baviera; Page Gallery, Seul; 

Tibor de Nagy Gallery, New York. 

2012 


2002-2004 

Galerie Pudelko, Bonn; Las Vegas Art 

Museum, Las Vegas; Galerie Thomas, 

Monaco di Baviera; Galerie Boisserée, 

Colonia; Galerie Iris Wazzau, Davos; 

Musée d’Art et d’Histoire, Friburgo; Ace 

Gallery, Beverly Hills; Artemis Greenberg 

Van Doren Gallery, New York; Robert 


Broadbent Gallery / Robert Sandelson 

Galleries, Londra; Santa Monica 

Community College, Santa Monica; 

Gallery Delaive, Amsterdam; Baukunst 

Galerie, Colonia; Galerie Thomas, Monaco 

di Baviera; American Contemporary 

Art Gallery, Monaco di Baviera; Galerie 

Proarta, Zurigo. Lo Idemitsu Museum of 

Arts di Tokyo organizza una grande mostra 

itinerante in sei musei giapponesi. 

2004-2005 

Grande retrospettiva al Museum Jan 

van der Togt di Amstelveen, in Olanda, 

in collaborazione con la Gallery Delaive 

di Amsterdam. Nel 2005 gli archivi 

87

in collaboration with 

Debra Burchett-Lere, 

Sam Francis Foundation © 

Biographical Notes 

Sam Francis, born in 1923 in San Mateo, 

California, died in 1994 in Santa Monica, 

California. 

The artist originally studied psychology and 

medicine. Turning to art, he studied painting 

under Clyfford Still before going to Paris, 

where he stayed from 1948 until 1950, attending 

the Académie Léger. In 1952 he had 

his first one-man-show in Paris and met exponents 

of French informel. Accepted as a 

member of the young European avant-garde, 

he showed his work at exhibitions in Paris, 

London and Bern. The participation in Twelve 

Americans, an exhibition mounted in New 

York by the Museum of Modern Art in 1956, 

made Francis well-known in America too. 

During this period his style changed from 

compositions with the picture surface covered 

in monochrome values to brightly coloured 

“islands of colour” on white canvases. 

His calligraphic handling of brushwork 

and the lyrical character of his fluid colour 

now linked Francis with Far Eastern art, 

which he studied intensively. In 1957 he 

travelled around the world, visiting India, 

Thailand and Japan. His work was shown 

at exhibitions in Tokyo and Osaka. 

After moving restlessly between Paris, 

his home, and other great cities, Francis 

returned to California in 1962, settling at 

first in Santa Barbara and then establishing 

a studio in Venice, Santa Monica in 1963. 

During the 1960s Francis developed his 

own distinctive style of spontaneous and 

gestural dripping. He guided oils, acrylic and 

watercolours across his canvases with circling 

and spraying movements. In his 1970s 

“grid pictures” the surface is covered with 

rectangular structures. 

Francis was not only a distinguished exponent 

of action painting. He also explored 

media such as lithography, etching and 

monotype. His preoccupation with printmaking 

led to the production of attractive 

experimental work in the early 1980s. 

Forcefully expressive compositions in several 

parts, some of them with running paint, 

are the hallmark of these years. In his final 

phase, Francis executed commissions for 

large-scale murals. 

1946-1958 

Sam Francis paints and studies in San 

Francisco area, California after plane 

crash and illness hospitalizes him for 

years. Receives B.A. degree in 1949 and 

M.A. degree in 1950 from University of 

California, Berkeley. Between 1950 and 

1958 he lives and works primarily in Paris, 

France, with travels to Mexico, Japan, 

Europe, and USA. 

1952 

First solo exhibition at Galerie Nina 

Dausset, Paris. 

1955 

Solo exhibition at Galerie Rive Droite, 

Paris. 

1956 

Included in Twelve Americans show at the 

Museum of Modern Art, New York City. 

Solo exhibitions: Galerie Rive Droite, Paris, 

France; Zoe Dusanne Gallery, Seattle, 

Washington; Martha Jackson Gallery, New 

York City; Galerie Ad Libitum, Antwerpen. 

Time Magazine describes Francis as “the 

hottest American painter in Paris these 

days”. 

1957 

He travels to Japan and paints a mural 

for the Sogetsu School, Tokyo. Solo 

exhibitions at Zoe Dusanne Gallery, 

Seattle, Washington, and Gimpel Fils, 

London, England. 

1959 

He rents additional studio in New York 

City and begins work on Chase Manhattan 

Bank mural, Pasadena, California. Solo 

exhibition at Pasadena Art Museum, 

travelling to San Francisco Museum 

of Art and Seattle Art Museum. 

Sam Francis marries the painter Teruko 

Yokoi; birth of their daughter, Kayo. 

1960-1966 

Lives and works in Bern, Switzerland, 

during another period of hospitalization. 

He divorces Teruko Yokoi. 

Solo exhibitions: Kunsthalle, Bern, travelling 

to Moderna Museet, Stockholm; Minami 

Gallery, Tokyo; Kornfeld and Klipstein, 

Bern; Galerie Benador, Zurich; Esther 

Bear Gallery, Santa Barbara, California. 

Group exhibition at Documenta III, Kassel, 

Germany (Basel mural panels are shown). 

In 1962, after release from hospital, he 

moves back to California, first staying in 

Santa Barbara and then Santa Monica. He 

purchases property and designs new studio 

at 345 West Channel Road, Santa Monica, 

which becomes his permanent home base. 

He maintains studio in Paris until it is razed 

in 1983. In 1966 he creates Sky Painting 

performance over Tokyo Bay, Japan. 

He marries Mako Idemitsu; birth of their 

son Osamu. 

1967 

Solo exhibitions at Pierre Matisse 

Gallery, New York; Museum of Fine Arts, 

Houston, Texas, travelling to University 

Art Museum, Berkeley, California. Creates 

another performance work, Snow Painting, 

in Naibara, Japan. 

1968 

He receives honorary Ph.D. from 

University of California, Berkeley. 

Solo exhibitions: Centre National d’Art 

Contemporain, Paris; Kunsthalle, Basel; 


1969-1972 

Birth of Francis’ third child, Shingo (1969). 

He creates mural-sized canvas for the 

Nationalgalerie, Berlin. Solo exhibitions: 


Nicholas Wilder Gallery, Los Angeles; 


Los Angeles; Martha Jackson Gallery, 

New York; Felix Landau Gallery, 

Los Angeles. 

Establishes The Litho Shop, Inc. to print 

and publish his own limited edition prints. 

1972-1973 

Solo exhibitions: Albright-Knox Art Gallery, 

Buffalo, travelling to Corcoran Gallery, 

Washington, D.C.; Whitney Museum 

of American Art, New York; Museum 

of Fine Arts, Dallas; Oakland Museum 

of Art, Oakland; University Museum of Art, 

Stanford. 

1973-1974 

Lives and works primarily in Tokyo. Solo 

exhibitions: Idemitsu Art Museum, Tokyo; 


1975-1977 

Solo exhibitions: Nicholas Wilder Gallery, 

Los Angeles; Galerie Jean Fournier, Paris; 


Richard Gray Gallery, Chicago; Kornfeld 

and Klipstein, Bern; Smith Andersen 

Gallery, Palo Alto, California. Begins series 

of collaborations on monotypes with 

Garner Tullis. 

1977-1978 

Solo exhibitions: Louisiana Museum 

of Art, Humlebaek, Denmark, travelling 

to Centre Pompidou, Paris, Liljevalchs 

89

Konsthall, Stockholm, and Israel Museum, 

Jerusalem. 

1978 

Solo exhibitions: Nicholas Wilder Gallery, 

Los Angeles; Otis Art Institute, Los Angeles. 

1979 

Solo exhibition at Institute of 

Contemporary Art, Boston, 

Massachusetts, travelling to Taiwan, 

Hong Kong, Philippines, Korea and Japan 

under the US International Communication 

Agency. Solo exhibitions: Galerie Jean 

Fournier, Paris; Andre Emmerich Gallery, 

New York; Brooke Alexander Gallery, 

New York. 

1980 

Solo exhibitions: Abbaye de Senanque, 

Gordes, France; Los Angeles County 

Museum of Art; Riko Mizuno Gallery, 

Los Angeles; James Corcoran Gallery, 

Los Angeles; Smith Andersen Gallery, 

Palo Alto. 

He divorces Teruko Idemitsu. He is 

elected to Board of Trustees at Museum 

of Contemporary Art, Los Angeles. 

1981 

Solo exhibitions: Andre Emmerich Gallery, 

New York; Ace Gallery, Los Angeles; 

Ruth Schaffner Gallery, Santa Barbara, 

California. He establishes temporary 

painting studio in San Leandro, California, 

to paint a mural for the San Francisco 

Museum of Art. 

1982 


New York; Nantenshi Gallery, Tokyo; 

Richard Gray Gallery, Chicago. 

1983 

Completion of mural for San Francisco 

Airport. Solo exhibitions: Andre Emmerich 

Gallery, New York; Galerie Kornfeld, Bern; 

Smith Andersen Gallery, Palo Alto; Fondation 

Maeght, Saint-Paul de Vence, France; Studio 

Marconi, Milan; Colorado State University, 

Fort Collins; Galerie Jean Fournier, Paris; 

John Berggruen Gallery, San Francisco; 

Nantenshi Gallery, Tokyo. He receives 

prestigious “Commandeur de l’Ordre 

des Arts et des Lettres” from France. 

1984 

Forms Lapis Press to publish books. 


New York; Cantor-Lemberg Gallery, 

Birmingham, Michigan; Robert Elkon 

Gallery, New York; Knoedler Gallery, 

London. 

1985 

Solo exhibitions: Galerie Kornfeld, Bern; 

Galerie Jean Fournier, Paris; Nantenshi 

Gallery, Tokyo; Richard Gray Gallery, 

Chicago. Completion of mural for the 

San Francisco Museum of Art. 

He marries Margaret Smith in Japan. 

1986 


New York; Galerie Jean Fournier, Paris; 

Nantenshi Gallery, Tokyo. He receives 

commission to paint ceiling mural for 

the Opéra Nationale, Théâtre Royal de la 

Monnaie, Brussels. Birth of Francis’ fourth 

child, Augustus. He purchases studio 

space in Palo Alto, and maintains working 

studios in Santa Monica. 

1987 

Solo exhibitions at Knoedler Gallery, 

London; Andre Emmerich Gallery, 

New York; Pamela Auchincloss Gallery, 

Santa Barbara, California; Heland Thorden 

Wetterling Galleries, Stockholm; Manny 


Pudelko, Bonn. 

1988 



Nantenshi Gallery, Tokyo; Smith Andersen 

Gallery, Palo Alto; Greenberg Gallery, St. 

Louis, Missouri; National Gallery, Seoul; 

Toyama Museum, Japan, travelling to 

Seibu, Takanawa, Karuizawa, Shiga, Ohara, 

Murashiki, Tokyo. 

1989 



Bernard Jacobson Gallery, London; 

Linda Farris Gallery, Seattle; Knoedler 

Gallery, London. He works in Manchester, 

England. 

1990 

Solo exhibitions: Associated American 

Artists, New York; Gallery Delaive, 

Amsterdam; Heland Wetterling Gallery, 

Stockholm; Ogawa Art Foundation, Tokyo; 

Talbot Rice Gallery, Edinburgh. 

He purchases properties and rents studio 

in Northern California at Pt. Reyes Station. 

Still maintains several working studios in 

Santa Monica and Venice, California. 

1991 

Solo exhibitions: Galerie Kornfeld, Bern; 

Galerie Jean Fournier, Paris; James 

Corcoran Gallery, Los Angeles; Gagosian 

Gallery, New York; Centre Regional d’Art 

Contemporain Midi-Pyrénées, Toulouse 

Labège, France. 

1992 

Solo exhibitions: Galerie Daniel Papierski, 

Paris; Museum van der Togt, Amsterdam; 

Kukje Gallery, Seoul. Publication of The 

Prints of Sam Francis. A Catalogue 

Raisonné edited by Connie Lembark, 

published by Hudson Hills Press. 

1993 

Solo exhibitions: Kunst- und Ausstellungshalle 

der Bundesrepublik Deutschland, Bonn; 

Galerie Pudelko, Bonn; Bobbie Greenfield 

Gallery, Venice; Michel Cohen Gallery, New 

York; Ochi Gallery, Ketchum, Idaho; Manny 


Iris Wazzau, Davos, Switzerland; Museum 

of Contemporary Art, Los Angeles. Major 

painting is commissioned for the German 

Parliament building, Bonn. Donation of ten 

paintings to the Museum of Contemporary 

Art, Los Angeles. 

1994 

Solo exhibitions: Long Fine Art, New 

York; Gallery Delaive, Amsterdam; Bobbie 

Greenfield Gallery, Venice; Galerie Jean 

Fournier, Paris; Galerie Proarta, Zurich; 


Nantenshi Gallery, Tokyo; Richard Gray 

Gallery, Chicago; University Art Museum, 

University of California, Berkeley; Galerie 

Kornfeld, Bern. Daco-Verlag Günter Bläse, 

Stuttgart, publishes major monograph 

on monotypes. He receives the 

“Distinguished Alumnus Award” 

from University of California, Berkeley. 

Sam Francis dies in Santa Monica, 

California. In the wake of the artist’s 

death, the Samuel L. Francis Foundation, 

Inc. (also known as the Samuel L. Francis 

Art Museum, Inc. or the Sam Francis 

Foundation) was founded. The Foundation 

not only serves as his official estate, 

but also has a mission “to research, 

document, protect and perpetuate the 

creative legacy” of the artist. Each year, 

many exhibitions of Sam Francis’s works 

are proposed around the world (quite a 

hundred between 1994 and 2010) and his 

work is going on to get success. 

Among his major solo exhibitions: 

1995 


Los Angeles; Andre Emmerich Gallery, 


Los Angeles; Grunwald/UCLA/Armand 

Hammer Museum, Los Angeles; 

Kunstverein Ludwigsberg, Frankfurt; 

Musée du Jeu de Paume, Paris. 

1996 

Smith Andersen Gallery, Palo Alto; 

Sogetsu Art Museum, Tokyo; Gallery 

Delaive, Amsterdam; Gagosian Gallery, 

Beverly Hills; Guy Pieters Gallery, Knokke, 

Belgium; Galerie Michael Haas, Berlin; 

Galerie Proarta, Zurich. 

1997 

Frederick M. Weisman Museum of Art, 

Pepperdine University, Malibu, travelling 

90 SAM FRANCIS

in expanded form to Fundación Caja 

de Madrid, Spain; Emmerich Gallery, 


Los Angeles; Museo d’Arte, Mendrisio, 

Switzerland; Gallery Delaive, Amsterdam. 

1998 

Thomas Segal Gallery, Baltimore, 

Maryland; Fundació Miró, Barcelona; Guy 

Pieters Gallery, Knokke; Gallery Delaive, 

Amsterdam; Galleria Il Gabbiano, Rome. 

1999 

Leslie Sacks Fine Art, Los Angeles; Robert 


Galleri Faurschou, Copenhagen; Ikon Ltd. 

Contemporary Art, Santa Monica; Manny 


Jean Fournier, Paris; Baukunst Galerie, 

Cologne. 

2000 

Galleri GKM Siwert Bergstrom, Malmö; 

Richard Gray Gallery, New York and 

Chicago; Gallery Delaive, Amsterdam; 

Lawrence Rubin Greenberg Van Doren 

Fine Art, New York; Galleria Il Gabbiano, 

Rome; Idemitsu Museum of Arts, Osaka 

and Tokyo. 

2001 

Galerie Guy Pieters, Saint-Paul de Vence, 

France; Alan Cristea Gallery, London; 

Galerie Proarta, Zurich; Brian Gross 

Gallery, San Francisco; Lawing Gallery, 

Houston. 

2006-2007 

Kunstmuseum, Bern; Galerie Flintholm, 

Verster Skerninge, Denmark; Robert Green 

Gallery, Mill Valley, California; Galerie Jean 

Fournier, Paris; Galerie LC, Paris. 

2008 

Jack Rutberg Fine Arts, Los Angeles; 

Galerie Proarta, Zurich; Galleria San Carlo, 

Milan; Galleria Repetto, Acqui Terme, Italy. 

2009 

College of the Canyons Art Gallery, 

Santa Clarita, California; American 

Contemporary Art Gallery, Munich; Smith 

Andersen North, San Rafael, California; 

Leslie Sacks Fine Art, Los Angeles; 

Samuelis Baumgarte Galerie, Bielefeld, 

Germany; L&M Arts, New York; Bernard 

Jacobson Gallery, London; Gallery Delaive, 

Amsterdam; Guy Pieters Gallery, Knokke. 

2010-2011 

Galerie Proarta, Zurich; Helly Nahmad 

Gallery, New York; Danubiana Art 

Museum, Bratislava; Coskun Fine Art, 

London; Galerie Koch, Hanover; Galerie 

Jean Fournier, Paris; Gallery Delaive, 

Amsterdam; Galerie Thomas Modern, 

Munich; Page Gallery, Seoul; Tibor 

de Nagy Gallery, New York. 

2012 


2002-2004 

Galerie Pudelko, Bonn; Las Vegas Art 

Museum, Las Vegas; Galerie Thomas, 

Munich; Galerie Boisserée, Cologne; 

Galerie Iris Wazzau, Davos, Switzerland; 

Musée d’Art et d’Histoire, Freiburg, 

Switzerland; Ace Gallery, Beverly 

Hills; Artemis Greenberg Van Doren 

Gallery, New York; Robert Green Fine 

Arts, Mill Valley, California; Broadbent 

Gallery / Robert Sandelson Galleries, 

London; Santa Monica Community 

College, Santa Monica; Gallery Delaive, 

Amsterdam; Baukunst Galerie, Cologne; 

Galerie Thomas, Munich; American 

Contemporary Art Gallery, Munich; 

Galerie Proarta, Zurich. Idemitsu 

Museum of Arts, Tokyo, organizes major 

exhibition that travels to six museums 

in Japan. 

Alle pagine seguenti / 

Following pages 

Untitled (particolare / detail), 

1989 

Acrilico su carta / 


30,5 x 45 cm 

SF89-119 

2004-2005 

Major retrospective exhibition at Museum 

Jan van der Togt, Amstelveen, The 

Netherlands (organized with Gallery 

Delaive, Amsterdam). 

In 2005, documentary archives of the 

artist’s estate acquired by the John Paul 

Getty Art Museum Research Institute, 

Los Angeles. 

91

Finito di stampare nel mese di aprile 2012 

presso Tipografia Camuna S.p.A. - Breno/Brescia 

Centro Stampa di Brescia 

Pubblicazione stampata con assenza di esalazioni alcooliche 

Sistema Cesius ® brevetto Philip Borman Italia

Sam Francis - Agnellini Arte Moderna

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