GUIDA AI CORSI 2009 2010 - Accademia Belle Arti di Brera

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GUIDA AI CORSI 2009 2010 

BRERA 

I NT ER N AZ I O NA L E 

ACCA D EM I A 

D 

I 

B E L LE 

B RER A 

A RT I 

D I 

M 

I L A N O 

Il presente volume è stato redatto sulla base d’informazioni fornite direttamente dai docenti. Si fa presente che programmi, 

insegnamenti e docenti possono comunque subire delle variazioni.


Coordinamento e cura 

Francesca Follia 

Redazione e segreteria organizzativa 

Francesca Follia 

Ayesha Frati 

Traduzione 

Elisabetta Solca 

Progetto grafico e impaginazione 

Piero Orsi 

Centro Stampa e Progetti 

dell’Accademia di Belle Arti di Brera 

Hanno collaborato: 

per le tabelle e per il progetto di copertina 

Greta Rosset e Gloria Peruchetti 

studentesse del corso di Graphic Design 

Scuola di Progettazione Artistica per l’Impresa 

docente Piero Orsi 

per l’impaginazione 

Daniela Colagiovanni 

tecnico didattico 

Editore 

Accademia di Belle Arti di Brera 

Via Brera, Milano 

Chiuso in redazione il 29 gennaio 2010. 

I materiali fotografici e testuali sono di proprietà di Accademia di Belle Arti di Brera, 

editore della presente pubblicazione.


INDICE 

Presentazione 5 

Organi di governo 6 

Dipartimenti - Nucleo di valutazione - Consulta studenti 7 

Cenni storici 8 

Raccolte storiche 10 

Historical background 11 

Bibliografia 13 

Offerta formativa 18 

Piani di studio: corsi di diploma di primo livello 20 

Piani di studio: corsi di diploma di secondo livello 40 

Programmi dei corsi 73 

Scuola libera del nudo e Scuola degli artefici 257 

Servizi - Iscrizioni - Informazioni 263 

Indice analitico per discipline 271 

Indice analitico per docenti 277 

Indice analitico Scuola libera del nudo e Scuola degli artefici 282

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Con questa edizione della Guida dello studente inauguro 

il mio primo anno come Direttore di questa Accademia 

che sono onorato di dirigere dopo aver insegnato 

per molti anni e aver collaborato alla vicedirezione con 

il mio predecessore. 

La Guida dello studente oltre a raccontare la storia della nostra Accademia, 

è uno strumento di orientamento sia per gli studenti della 

scuola secondaria sia per coloro che sono già iscritti ai corsi e 

possono così facilmente accedere a tutta l’offerta formativa. Insieme 

al Consiglio Accademico, ai Coordinatori, ai docenti 

e con il contributo dell’amministrazione siamo 

riusciti a portare avanti, prima con la sperimentazione 

e poi con l’approvazione ministeriale, un’offerta formativa 

innovativa con nuovi modelli didattici. 

Da sempre la nostra Accademia ha un alto tasso di 

internazionalizzazione, gli iscritti stranieri provengono 

da 49 paesi del mondo. Il progetto Erasmus, attivo 

ormai da numerosissimi anni, ha consentito lo 

scambio culturale con le più importanti istituzioni 

europee e internazionali a tutti i livelli, permettendo 

ai nostri studenti di farsi conoscere all’estero. L’Accademia 

di Brera, nel corso della sua storia, ha formato 

grandi artisti, l’obiettivo rimane sempre quello di 

continuare nella formazione artistica di qualità rendendola 

sempre migliore e adeguandola alle nuove 

esigenze del mondo del lavoro, senza mai dimenticare 

la tradizione. 

Lo sviluppo dei bienni ci consente, oggi, di confrontarci 

con il sistema universitario a livello paritario. 

E’ di questi giorni la novità della trasformazione del corso di perfezionamento 

in Teoria e pratica della terapeutica artistica in 

Biennio di secondo livello. Siamo l’unica Accademia in Italia a rilasciare 

un diploma accademico di secondo livello in Terapeutica 

artistica e a formare una figura professionale di Artista/terapista. 

Vogliamo continuare ad essere punto di riferimento della formazione 

artistica all’interno del territorio lombardo e italiano affinché 

continui il riconoscimento della produzione artistica dei 

nostri studenti, attestata dalla loro affermazione in tutto il mondo. 

Gastone Mariani


6 

ORGANI DI GOVERNO 

PRESIDENTE 

Gabriele Mazzotta 

DIRETTORE 

Gastone Mariani 

DIRETTORE AMMINISTRATIVO 

Anna Virno 

VICEDIRETTORE 

Ignazio Gadaleta 

VICEDIRETTORI AGGIUNTI 

Paola Salvi 

Dario Trento 

CONSULENTE DEL DIRETTORE 

Gabriele Giromella 

CONSIGLIO DI AMMINISTRAZIONE 

Presidente 

Gabriele Mazzotta 

Consiglieri 


Roberto Comotti 

Silvia De Rosa 

* In attesa di nomina 

Segretario 

Anna Virno 

REVISORI DEI CONTI 

Presidente 

Pietro Floriddia 

Componenti 

Elena Minnuichi 

Liana Serra 

CONSIGLIO ACCADEMICO 

Presidente 


Docenti 

Valerio Ambiveri 

Paola Ballesi 

Giuseppe Bonini 

Vito Bucciarelli 

Francesco Correggia 

Franco Marrocco 

Laura Panno 

Antonello Pelliccia 

Raffaella Pulejo 

Sandro Scarrocchia 

Studenti 

Fabio Bertozzi 

Erica Quida


7 

DIPARTIMENTI - NUCLEO DI VALUTAZIONE - CONSULTA STUDENTI 

DIPARTIMENTO DI ARTI VISIVE 

Preside 


Direttore della Scuola di Pittura 

Andrea B. Del Guercio 

Direttore della Scuola di Scultura 

Massimo Pellegrinetti 

Direttore della Scuola di Decorazione 

Giuseppe Sabatino 

Direttore della Scuola di Grafica 

Bernardino Luino 

DIPARTIMENTO DI PROGETTAZIONE 

E ARTI APPLICATE 

Preside 

Paolo Rosa 

Direttore della Scuola di Scenografia 

Tiziana Campi 

Direttore della Scuola di Restauro 


Direttore della Scuola 

di Progettazione Artistica per l'Impresa 


Direttore della Scuola di Nuove Tecnologie dell'Arte 

Ezio Cuoghi 

DIPARTIMENTO DI COMUNICAZIONE 

E DIDATTICA DELL' ARTE 

Preside 

Flaminio Gualdoni 

Direttore della Scuola di Discipline 

della Valorizzazione dei Beni Culturali 

Mariella Perucca 

Direttore della Scuola di Comunicazione 

e Didattica dell'Arte 


NUCLEO DI VALUTAZIONE 

Presidente 

Paola Ballesi 

Membri 

Enrico Ingrilli 

Giuseppe Maraniello 

CONSULTA STUDENTI 

Presidente 

Dario Micci 

Componenti 

Fabio Bertozzi 

Silvia De Rosa 

Cristiano Belotti 

Erica Quida 

Agnese Romanò 

Segretario 

Erica Dellafortuna


8 

Brera è un nome molto antico. Il termine braida, riferito 

a uno spiazzo erboso o una sterpaglia, contiene 

una radice linguistica longobarda. Su questo 

prato, a cominciare dal 1229, i frati Umiliati costruiscono 

la chiesa di Santa Maria e il loro convento che viene a 

delimitare quel brolo naturale. Con la soppressione dell’ordine, 

alla fine del Cinquecento, i Gesuiti occupano l’edificio 

e lo trasformano poi nell’imponente palazzo progettato da 

Francesco Maria Richini (1627-1658), imprimendo al complesso 

il carattere “educativo” che ancora oggi gli riconosciamo: 

collegio e scuola, orientati sul grande cortile porticato, a 

doppio ordine di logge, cui viene annessa una biblioteca, un 

giardino dei Semplici e una Specola. 

La storia del palazzo di Brera è una storia per fasi che insieme si 

succedono e si sovrappongono, modificandosi di segno, distinto 

ma affine, e anche la storia complessa di nuclei che progressivamente 

si aggregano intorno a un unico centro, cioè a 

quella funzione originale, quindi nel tempo parzialmente si dividono. 

Giusto dopo la soppressione della Compagnia di Gesù 

nel 1772, per la politica illuminata dell’imperatrice Maria Teresa, 

attorno all’asse concreto e simbolico della biblioteca, alla 

quale viene incorporata la cospicua libreria del conte Carlo 

Pertusati, il palazzo si converte in un edificio destinato alla 

pubblica educazione, sede delle principali istituzioni di cultura 

milanesi: oltre alle nuove scuole laiche (Ginnasio Inferiore e 

Superiore, Scuole Palatine), la Biblioteca Braidense, l’Osservatorio 

Astronomico e l’Orto Botanico, il Laboratorio di Chimica, 

la Società Patriottica di Agricoltura, cui si aggiunge per ultima 

l’Accademia di Belle Arti (1776), in un’armonica fusione enciclopedica 

di scienze, lettere ed arti. Con la costruzione del portale 

di entrata ad opera di Giuseppe Piermarini, primo 

professore di architettura, anche la facciata assume il suo 

aspetto caratteristico. L’arrivo dei Francesi e le riforme rivoluzionarie 

avviate a partire dal 1798 decidono di una nuova centralità 

per l’Accademia, in nome del “pubblico beneficio delle 

belle arti”, per opera del suo segretario, il pittore Giuseppe Bossi, 

singolare figura di intellettuale giacobino (1801-1807). E’ 

da questo momento che l’istituto, oltre che delle consuete dotazioni 

didattiche, viene corredato di una Galleria delle statue in 

gesso, di una Biblioteca specializzata per la formazione degli 

artisti, corredata anche di stampe e disegni, di un Archivio, di 

un Gabinetto Numismatico e del Museo di Antichità lombarde 

(opere provenienti da scavi cittadini o da monumenti milanesi 

danneggiati): materiali che in buona parte - tranne questi ultimi 

- risultano ancora presenti nelle raccolte dell’Accademia. 

CENNI STORICI 

Ma soprattutto è in questo periodo che, a seguito dell’incameramento 

dei beni ecclesiastici, si va delineando il primo nucleo 

di una nuova Galleria (1806), dove alle opere di pittura degli 

“antichi”, tolti dalle chiese, si affianca una Sala delle opere dei 

“moderni”, insieme a un Gabinetto dei Ritratti dei Pittori: i 

modelli del passato messi didatticamente a confronto con le invenzioni 

del presente. La grandiosa Pinacoteca, formata dai dipinti 

provenienti da tutto il territorio del regno d’Italia, 

inaugurata nel 1809, in occasione del compleanno di Napoleone, 

porta di necessità la realizzazione al primo piano di saloni 

Bassano Daniele. Giotto fanciullo. 

Premio di II grado per la scultura. Gesso (n. II.3.1). 

luminosi, destinati all’esposizione, tanto da inglobare, oltre ad 

alcune aule del convento gesuitico, anche - come è ancora visibile 

- la parte superiore dell’antica chiesa di Santa Maria, fino 

ad allora rimasta intatta. Il cortile di Brera per Stendhal, in visita 

nel 1816 al Museo, è più bello di quello del Louvre. A cominciare 

da questi anni, oltre che un palazzo, Brera diventa sempre 

più un luogo. Di lavoro, di studio, ma anche di visita e di transito. 

Lungo il loggiato del cortile principale, sullo scalone e nei 

corridoi del piano terreno, cresce una sorta di pantheon delle 

glorie patrie, già iniziato da Giuseppe Bossi, che ancora oggi 

conserva le lapidi e le statue dei principali scienziati, letterati


CENNI STORICI 

9 

zo. Così la grande statua del Marte pacificatore di Antonio Canova 

(1809), destinata in origine al Foro Bonaparte, collocata 

dal 1862 al centro del cortile, viene a suggellare l’immagine 

moderna dell’Accademia che ci è familiare, forte della sua 

ascendenza neoclassica. Durante il periodo romantico la reputazione 

dell’istituto resta altissima, per la presenza di artisti di 

spicco, come Francesco Hayez, e per le molteplici competenze, 

fra cui il controllo sulla pianificazione urbana e la tutela dei 

monumenti, attraverso la Commissione d’Ornato, e la raccolta 

di documentazione sulla storia dell’arte lombarda. Con la nascita 

della nazione italiana, inizia una progressiva perdita della 

autonomia e, simmetricamente alla decadenza d’uso dei 

modelli che erano serviti per l’apprendimento, comincia il trasferimento 

fuori dal palazzo di buona parte delle collezioni che 

vanno a incrementare i nuovi istituti museali della città: il Museo 

Patrio Archeologico, il Gabinetto Numismatico. Nel 1882 la 

Pinacoteca viene disgiunta dall’Accademia, quindi nel 1902 

una fetta della Galleria d’Arte Moderna passa al Castello Sforzesco. 

La riforma di Giovanni Gentile e, nel 1926, il distacco al 

Politecnico della Scuola di Architettura, assimileranno Brera a 

tutte le altre accademie. Comincia da questo punto la storia 

Francesco Hayez. Vittor Pisani liberato dal carcere e portato in trionfo. 

1867. Olio su tela. 

che legarono il proprio nome alla grandezza di Milano (Giuseppe 

Parini, Cesare Beccaria, ecc.) e dei maestri che insegnarono 

in Accademia (Giuseppe Franchi, Giocondo e Giacomo 

Albertolli, Pompeo Marchesi, ecc.). In questi stessi anni prende 

il via l’evento periodico delle Esposizioni di Brera, rassegna annuale 

delle opere migliori degli allievi e della produzione artistica 

contemporanea, italiana e straniera, riferimento 

privilegiato per collezionisti e mercanti, motore di un nuovo sistema 

delle arti. E in parallelo si diffonde la consuetudine di 

studi e gallerie dislocati per l’intero quartiere intorno al palaz- 

esclusiva dell’Accademia come scuola. Se questo confine e, non 

a caso, segna il limite di crescita delle raccolte storiche, rimane 

costante lungo il Novecento l’attrazione esercitata dall’istituzione, 

nell’alternarsi di personalità importanti che a Brera si 

formano e/o insegnano : Antonio Sant’Elia, Achille Funi, Carlo 

Carrà, Giacomo Manzù, Marino Marini, Mauro Reggiani, 

Francesco Messina, Luciano Minguzzi, Lucio Fontana, Fausto 

Melotti e, più di recente, Ennio Morlotti, Alik Cavaliere, Andrea 

Cascella, Dario Fo, Damiano Damiani, Guido Ballo. Tanto che, 

almeno fino a metà del secolo, si può dire Brera abbia rappresentato 

quasi una patria per tutti gli artisti.


10 

RACCOLTE STORICHE 

Fondi archivistici 

Archivio storico. 1430 faldoni e 195 registri. Riguarda tutte le attività dell’Accademia a partire dall’inizio dell’Ottocento: 

quella didattica, di promozione - Esposizioni -, quella di tutela, svolta fino all’inizio del Novecento - Esportazioni e Ornato 

città -. Quest’ultima sezione è uno strumento fondamentale per la progettazione del restauro. Per il Settecento la documentazione 

è conservata all’Archivio di Stato di Milano, Fondo Studi. In archivio si conserva il manoscritto delle Memorie di Francesco 

Hayez; alcune lettere autografe di soci onorari illustri. 

Fondo Ballo. Conserva la documentazione manoscritta e a stampa sull’arte italiana degli anni Cinquanta/Sessanta del Novecento, 

raccolta da Guido Ballo in preparazione dell’opera La linea dell’arte moderna. 

Biblioteca storica 

15.800 volumi, raccolti a partire dal 1805, cui sono da affiancare 3.500 volumi provenienti dal legato Ala Ponzoni, ora in deposito 

presso la Biblioteca Braidense. Si è formata a partire dal ricco nucleo di volumi di provenienza francese e inglese acquistati 

da Giuseppe Bossi. E’ costituita da trattatistica d’arte, iconologia cinque/seicentesca, repertori di primo Ottocento, riviste internazionali 

e cataloghi di musei e esposizioni di secondo Ottocento. Legati delle biblioteche di Francesco Hayez e di Camillo Boito, 

connessi alla storia dell’istituzione; del marchese Ala Ponzoni e di Giovanni Morelli. 

Collezioni artistiche 

Le collezioni si sono formate nell’ambito delle tre attività fondamentali dell’Accademia di cui si è accennato (dalle origini agli anni 

Venti del Novecento): educativa, espositiva, di documentazione e tutela. Alla prima si riferisce la cosiddetta suppellettile didattica: 

modelli (calchi in gesso, stampe, disegni originali, fotografie) e prove grafiche degli allievi, quindi le prove del Pensionato 

romano, disegni e opere di pittura e scultura. Alla seconda si connettono le opere risultate vincenti ai Grandi Concorsi, esposte alle 

mostre periodiche, e gli acquisti del fondo esposizioni. Con la terza si spiegano numerose donazioni e alcune permanenze di opere 

antiche, appartenenti originariamente alla Pinacoteca, prima della separazione nel 1882. 

Dipinti. 600 opere ca., di cui una cinquantina antichi, 100 novecenteschi, i restanti dell’Ottocento comprendenti opere dei 

concorsi di Brera (Premio Mylius, Canonica), lasciti, legati e donazioni all’Accademia (Hayez, Ala Ponzoni, Stampa, ecc.). 

Sculture. 800 opere ca., prevalentemente ottocentesche, tra cui 700 calchi didattici in gesso dall’antico e da modelli rinascimentali, 

e 100 fra modelli originali e sculture in marmo e terracotta, provenienti dalle esposizioni. 

Disegni. 6.300 fogli ca., sette/ottocenteschi, dei quali quasi 2.000 di architettura (prevalentemente concorsi, insieme a piccoli 

fondi, es. Quarenghi), 350 di scenografia (fratelli Galliari) e i restanti di figura: fra questi, 50 ca. accademie di nudo settecentesche 

di provenienza romana, quindi gli album Appiani, Bossi e Hayez. 

Stampe. 3.200 ca. fogli sciolti sette/ottocenteschi, fra i quali l’intero corpus di Raffaello Morghen, le incisioni “sceniche” acquerellate 

di Alessandro Sanquirico e numerosi. bulini e litografie di traduzione. 

Fotografie. 28.000 positivi, fra i quali, oltre agli acquisti Braun, Alinari, Brogi, Sommer e Moscioni, i lasciti Hayez (carte salate 

di Luigi Sacchi), Mongeri, Boito, Carotti e la fototeca di Gustavo Frizzoni. 

Raccolte storiche - Coordinatore: Francesca Valli - tel. 02-86955240. 

patrimoniostorico@accademiadibrera.milano.it. 

Archivio, biblioteca storica - Responsabile: Valter Rosa - tel. 02/86955240. 

archiviostorico@accademiadibrera.milano.it - bibliotecastorica@accademiadibrera.milano.it. 

Dipinti - Responsabile: Chiara Nenci. 

Sculture - Responsabile: Luisa Somaini. 

Disegni, stampe, fotografie - Responsabile: Francesca Valli. 

Arredo storico - Responsabile: Giuseppe de Juliis. 

Segreteria: Roberta Peccatiello.

nade (patio), in a double order of loggias, in which, a library, 

the garden of the “Semplici” and a Specola are annexed. 

The history of Brera’s building is a history divided into different 

phases that follow and fall together into each other 

changing their pattern, distinct but similar, a complex story 

of two nucleuses, that progressively gather around a single 

one, therefore through the time they partially divide themselves. 

Right after the suppression of the Company of Jesus in 

1772, thanks to the illuminated politic of the empress Maria 

Teresa, around the concrete and symbolic axle of the library, 

to which the conspicuous bookstore of the count Carlo Perguida_programmi_001-032 

13-03-2010 19:19 Pagina 11 

HISTORICAL BACKGROUND 

Brera is a very ancient name. The term braida, is 

referred to a grassy or a weed-covered land, in which 

there is a longobardic linguistic root. On this 

ground, since 1229, the monastic order of the friars 

“Umiliati” built the church of Saint Mary and their convent 

that limits that natural area. With the suppression of the 

order, at the end of the fourth century, the Jesuits occupy the 

building and transform it into the imposing building planned 

by Francesco Maria Richini (1627-1658), giving to the 

complex the “educational” character that is still present 

today: college and school, oriented towards the huge colon- 

11


12 

HISTORICAL BACKGROUND 

tusati is incorporated, the palace is converted into a building 

for public education, centre of the main cultural institutions 

and events of Milan: besides the new secular schools (Inferior 

and Superior Grammar school, Palatine Schools), the 

Braidense Library, the Astronomic Observatory, the Botanical 

Garden, the Chemistry Laboratory, the Patriotic Society of 

Agriculture, to which is added last but not least the Academy 

of Fine Arts (1776), in a harmonic encyclopaedic fusion of 

sciences, Letters and Arts. With the construction of the main 

entrance portal built by Giuseppe Piermarini, first architectural 

teacher, the façade assumes its characteristic aspect. 

The arrival of the French and their revolutionary reforms 

that began in 1798 decided the centralization of the academy, 

in the name of the “public benefit of the fine arts”, by 

the will of its secretary, the painter Giuseppe Bossi, unique 

figure of Jacobin intellectual (1801-1807). It’s since then, 

that the institute it’s equipped with a Gallery of chalk statues, 

with a specialized Library for the formation of the artists, 

also supplied with a collection of prints and sketches, with an 

archive, with a Numismatic Stamp Hall and with a Museum 

of Lombard Antiques (handcrafts coming from city excavations 

or from damaged Milanese monuments): materials 

that in major part - except these last ones - they still result 

present in the collection of the Academy. But most of all it’s 

in this period, after the confiscation of ecclesiastical goods, 

that slowly starts the first nucleus of a new Gallery (1806), 

where beside the works of antique painting removed from 

churches, is located a Room of modern works together with 

an Expo of the Portraits of various Painters: the models of 

the past are put didactically in comparison with the inventions 

of the present. The majestic Pinacoteca (Gallery), formed 

by paintings from the whole territory of the Italian Kingdom, 

inaugurated in 1809, in occasion of Napoleon’s birthday, 

brings to the realization of the first floor with bright 

spaces, destined to the exposure, in order to enclose some 

classrooms of the Jesuit convent and - as it is still visible 

today - the superior part of the ancient church of Saint 

Maria, until then intact. For Stendhal, visiting the Museum 

in 1816, Brera’s court it’s more beautiful than the Louvre’s 

one. Starting from these years, besides being a palace, Brera 

becomes more and more a place where to work, study, but 

also visit and transit. Along the open alley of the principal 

court, on the main staircase and in the corridors of the 

ground floor, grows a sort of pantheon of the country glories, 

already started by Joseph Bossi, that still today preserve the 

headstones and the statues of the principal scientists, literates 

that linked their own name to the greatness of Milan 

(Giuseppe Parini, Cesare Beccaria, etc.) and of the teachers 

that taught at the Academy (Giuseppe Franchi, Giocondo 

and Giacomo Albertolli, Pompeo Marchesi, etc.). In these 

same years takes place the periodical event of Brera’s Exposures, 

annual review of the student’s best works and of the 

contemporary artistic production, Italian and foreign, privileged 

reference for collectors and merchants, engine of a new 

system of the arts. At the same time it spreads the custom of 

studies and galleries displayed through the whole district 

around the building. The great statue of Antonio Canova’s 

“Marte pacificatore” (1809), destined in origin to the Foro 

Bonaparte, collocated since 1862 in the centre of the court, 

seals the modern image of the academy that it’s familiar for 

us, strong in its neoclassic ancestry. During the romantic 

period the reputation of the institute is very high, thanks to 

the presence of important artists, such as Francesco Hayez, 

and for the manifold competences, among which the control 

of the urban planning and the preservation of the monuments, 

through the Committee of Ornato, and the collection 

of documentation on the history of the art in Lombardy. 

With the birth of the Italian nation, a progressive loss of autonomy 

begins and, symmetrically to the decadence of the 

use of learning models, a good part of the collections are 

transferred to permit to increase the new museum institutes 

of the city out of the building: the Museum Patrio Archeologico, 

the Numismatic Cabinet. In 1882 the Pinacoteca is separated 

from the academy, therefore in 1902 a part of the 

Modern Art Gallery goes to Sforzesco Castle. The reform of 

Giovanni Gentile and, in 1926, the destination to the Polytechnic 

of the School of Architecture, will put Brera at the same 

level of all other academies. 

From now the exclusive history of the academy as a school 

begins. If this border, and not by chance, marks the limit of 

the historical collections growth, remains constant along the 

Nine hundred the attraction practiced by the institution, alternating 

important personalities that form themselves 

and/or teach in Brera: Antonio Sant’Elia, Achille Funi, Carlo 

Carrà, Giacomo Manzù, Marino Marini, Mauro Reggiani, 

Francesco Messina, Luciano Minguzzi, Lucio Fontana, Fausto 

Melotti and, later, Ennio Morlotti, Alik Cavaliere, Andrea 

Cascella, Dario Fo, Damiano Damiani, Guido Ballo. We can 

affirm that, at least until the half of the century, Brera had 

almost represented a country for all the artists.


BIBLIOGRAFIA 

Fonti 

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Comerio [...], Milano 1825 e Milano 1831. 

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Storia 

G. BELTRAMI, La Regia Accademia di Brera e le sue scuole d’arte: notizie storiche, Milano 1923 

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Brera: Atti (1896-1948), Milano 1948. 

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G. RICCI, Il luogo della cultura, dell’arte e della scienza: Brera, in La Milano del Giovin Signore. Le arti nel Settecento di Parini, 

catalogo della mostra (Milano, Museo di Milano) a cura di F. Mazzocca, Milano 1999, pp. 172-181. 

Raccolte storiche: studi e cataloghi 

C. Ricci, La Pinacoteca di Brera, Bergamo 1907 

E. TEA, La Biblioteca dell’Accademia delle Arti a Brera a Milano, Roma 1940. 

M.G. BORGHI, Note storiche riguardanti l’Archivio dell’Accademia di Belle Arti a Brera, in “Rendiconti dell’Istituto Lombardo di 

Scienze e Lettere”, LXXIX, 1945-1946, pp. 1-10. 

M.G. BORGHI, L’Accademia di Brera e il suo archivio di storia e d’arte, in Accademia di Brera: Atti (1896-1948), Milano 1948 

M.G. BORGHI, I disegni di Andrea Appiani nell’Accademia di Belle Arti di Brera in Milano, Milano 1948 

S. SAMEK-LUDOVICI, I disegni di Giuseppe Bossi nell’Accademia di Belle Arti di Brera, Milano 1948. 

S. SAMEK-LUDUVICI, I disegni di Francesco Hayez nell’Accademia di Belle Arti di Brera, Milano 1948. 

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Morelli: materiali di ricerca, a cura di M. Panzeri e G.O. Bravi, Bergamo 1987, pp,. 115-204 

Pinacoteca di Brera. Dipinti dell’Ottocento e del Novecento. Collezioni dell’Accademia e della Pinacoteca, a cura di F. Mazzocca, 

2 voll., Milano 1993-94. 

Le raccolte storiche dell’Accademia di Brera, a cura di G. Agosti e M. Ceriana, “Quaderni di Brera” 8, Centro Di, Firenze 1997. 

R. CASSANELLI, Boito e la fotografia nelle raccolte dell’Accademia di Brera, in Camillo Boito. Un’architettura per l’Italia unita, 

catalogo della mostra a cura di G. Zucconi e F. Castellani, Padova 2000, pp. 31-34. 

M. PIVETTA, La donazione Cernuschi dell’album Vallardi. Una raccolta di disegni di Andrea Appiani all’Accademia di Brera, 

“Annuario dei Musei Civici di Monza”, n. 0, 2000, pp. 88-94. 

Didattica, promozione e tutela 

G. MORAZZONI, Il pensionato di Roma dell’Accademia di Belle Arti di Milano, in Atti e memorie del III congresso storico lombardo, 

Milano 1939, pp. 479-507. 

C. ALBERICI, La Scuola d’Incisione dell’Accademia di Brera nel periodo neo-classico, “Arte Lombarda”, V (1959), 1 

C. ALBERICI, Fortunato Disertori professore d’incisione presso l’Accademia di Brera, Milano 1979 

M. C. GOZZOLI, Contributi alle esposizioni di Brera 1805-1859, in Istituzioni e strutture espositive in Italia. Secolo XIX: Milano, 

Torino, “Quaderni del Seminario di Storia della Critica d’Arte della SNS”, n.1, Pisa 1981, pp. 8-25 

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( Rancate, Pinacoteca Zust), a cura di L. Pedrini Stanga, Lugano 1992, pp. 21-27 

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della mostra ( Rancate, Pinacoteca Zust) a cura di N. Cavadini, Milano 1995, pp. 41-55. 

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cura di G. Zucconi e F. Castellani, Padova 2000, pp. 140-145. 

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Albertolli, catalogo della mostra ( Rancate, Pinacoteca Zust), a cura di E. Colle, F. Mazzocca, Milano 2005, pp.129-139 

D. Trento, Calchi e copie dalla Certosa di Pavia per la storia dell’arte lombarda, in La Certosa di Pavia e il suo museo. Ultimi 

restauri e nuovi studi, atti del convegno, Pavia 2005. 

D. Trento, La conservazione dei monumenti a Milano dall’amministrazione austriaca a Camillo Boito. in Dall’industria artistica 

alla conservazione dei manufatti: attualità di Alois Riegl, atti del convegno Accademia di Brera 2006, in corso di stampa. 

Studi sulla formazione degli artisti nell’ambito del Progetto Finalizzato CNR, Il tirocinio artistico a Brera 

nella prima metà dell’Ottocento. Progetto pilota per una bancadati per le accademie di belle arti. 

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Protoneoclassicismo al Neoclassicismo e le sue diramazioni nell’area italiana, atti del convegno Ravello 1997, Firenze 2001. 

F. VALLI, Scuola di Prospettiva 1800- 1860. Una ricerca sulla formazione artistica a Brera, “Disegnare idee e immagini”, VII 

(1997), 15, pp. 9- 20. 

R. CASSANELLI, Tra soppressioni austriache e requisizioni napoleoniche. Il ruolo di Mantova nella fondazione delle raccolte d’arte 

dell’Accademia di Brera, in L’abbazia di S. Benedetto in Polirone, atti del convegno di studi in occasione del bicentenario 

della soppressione napoleonica, 1998. 

S. SUSINNO, Le accademie di Domenico Corvi, in Domenico Corvi, catalogo della mostra (Viterbo, Museo della Rocca Albornoz), a 

cura di V. Curzi e A. Lo Bianco, Roma 1998, pp. 173- 189. 

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le accademie di belle arti, in “Bollettino d’Informazioni. Centro di Ricerche Informatiche per i Beni Culturali”, Scuola Normale 

Superiore di Pisa, VIII (1998), 1, pp. 7-20. 

F. VALLI, Modelli romani all’Accademia di Brera, in Domenico Corvi, catalogo della mostra (Viterbo, Museo della Rocca Albornoz), 

a cura di V. Curzi e A. Lo Bianco, Roma 1998, pp. 190- 197. 

F. VALLI, L. GOFFI, V. ILLIANO, Il tirocinio artistico a Brera nella prima metà dell’Ottocento. Progetto pilota di una bancadati per 

le accademie di belle arti, “Bollettino d’informazioni. Centro di Ricerche Informatiche per i Beni Culturali”, Scuola Normale di 

Pisa, VIII (1998), 1, pp. 7- 20. 

R. CASSANELLI, Giuseppe Bossi e la riforma dell’Accademia di Brera, in Ideologie e patrimonio storico-culturale nell’età rivoluzionaria 

e napoleonica. A proposito del Trattato di Tolentino, atti del convegno Tolentino 1997, Roma 2000, pp. 221- 250. 

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Giuseppe Parini, atti del convegno Milano 1999, Bologna 2000, pp. 1003-1021 

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Giuseppe Parini, atti del convegno Milano 1999, Bologna 2000, pp. 1023-1044. 

F. VALLI, La formazione all’Accademia di Brera, in Giovanni Battista Dell’Era (1765- 1799). Un artista lombardo nella Roma 

neoclassica, catalogo della mostra (Treviglio, Museo Civico) a cura di E. Calbi, Milano 2000, 45- 51. 

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e il Canton Ticino nell’Ottocento, catalogo della mostra (Rancate, Pinacoteca Cantonale Zust) a cura di M. A. Previtera e S. 

Rebora, Milano 2000, pp. 59- 63. 

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bene pubblico nella Milano napoleonica: dalla formazione accademica alle professioni. Ricerca funanziata dal Consiglio 

Nazionale delle Ricerche, nall’ambito “Progetto giovani 2000” 

C. NENCI, Materiali per la diffusione del classicismo in Europa tra Sette e Ottocento: i gessi nelle collezioni storiche dell’Accademia 

di Brera, in Science and technology for the safeguard of cultural heritage in the Mediterranean basin, atti del convegno 

Alcalà de Henares 2001, Roma 2001. 

C. NENCI, A.OLDANI, Il contributo degli incisori ticinesi alla stampa di diffusione di primo Ottocento, in Arte in Ticino 1803- 2003. 

La ricerca di un’appartenenza 1803- 1870, catalogo della mostra (Museo di Belle Arti, Lugano) a cura di R. Chiappini, Lugano 

2001, pp. 105- 123 

F. VALLI, C. NENCI, A.OLDANI, A headproject for data base of italian academies of fine arts, in EVA 2001Florence, Proceedings a cura 

di V. Cappellini e J. Hemsley, Bologna 2001, pp. 97-101. 

F. VALLI, L’Accademia di Brera negli anni di Giuseppe Bossi e la Francia, in De l’art au patrimoine. France et Italie: le transfert des 

modèles culturels et esthétiques a l’époque moderne, atti del colloque dell’Università di Grenoble 2000, Grenoble 2003, pp. 127-137. 

F. VALLI, Milano: le collezioni didattiche di Brera e il loro sistema, in Accademie e Accademismo 1770-1870, giornate di studi in 

ricordo di Stefano Susinno, Villa Medici, Roma 2003. 

F. VALLI, L’Accademia di Brera: un nuovo modello didattico, in Il primato della scultura : fortuna dell’antico, fortuna di Canova, 

atti della settimana di studi Bassano 2000, Città di Castello 2004, pp. 123-130C. NENCI, “Coll’opinione e coll’esempio”. Giuseppe 

Bossi e Canova, in Antonio Canova: la cultura figurativa e letteraria dei grandi centri italiani. Milano, Firenze, Napoli, 

atti della settimana di studi Bassano 2002, Bassano 2006. 

F. VALLI, “Con nostro vantaggio e con vostro onore”. Canova e l’Accademia di Brera in Antonio Canova: la cultura figurativa 

e letteraria dei grandi centri italiani. Milano, Firenze, Napoli, atti della settimana di studi Bassano 2002, Bassano 2006. 

Mostre e convegni relativi al patrimonio storico organizzati dall’Accademia 

La città di Brera, Belle arti in Accademia fra pratica e ricerca, catalogo della mostra (Milano, Arengario), Milano 1993. 

Città di Brera. Due secoli di scultura, catalogo della mostra (Milano, Accademia di Brera) a cura di G. M. Accame, C. Cerritelli, M. 

Meneguzzo, Milano 1995. 

Città di Brera. Due secoli di incisione, catalogo della mostra (Milano, Accademia di Brera) a cura di R. Bellini, L. Fersini, A. Musiari, 

F. Poli, S. Salvagnini, Milano 1996. 

Camillo Boito e il sistema delle arti, atti del convegno 1996, Padova 2002. 

Senso. Tra Camillo Boito e Luchino Visconti, atti del convegno 1997, Padova 2002. 

Città di Brera. Due secoli di progetto scenico, catalogo della mostra (Milano, Accademia di Brera) a cura di F. Valli, Milano 1997. 

Città di Brera. Due secoli di progetto scenico. Dalla prospettiva alla scenografia, catalogo della mostra (Milano, Accademia di 

Brera) a cura di G. Agosti e G. D’Amia, Milano 1998. 

Città di Brera. Due secoli di anatomia, catalogo della mostra (Milano, Accademia di Brera) a cura di R. Pulejo, Milano 1999. 

Città di Brera. La Scuola degli Artefici dell’Accademia di Belle Arti di Brera: una istituzione milanese, catalogo della mostra ( 

Milano, Palazzo Reale), Milano 2003. 

Città di Brera. Verso il museo. Opere dell’Accademia restaurate, a cura di V. Rosa, L. Somaini, D. Trento, F. Valli, Milano 2005. 

Pubblicazioni, cataloghi, convegni sulla storia dell’Accademia e del suo patrimonio, in collaborazione 

con altri enti e istituti 

Milano Brera 1859-1915. I premi Brera dalla Scapigliatura al Simbolismo, catalogo della mostra (Codogno-Milano) a cura di 

M. Varga, E. Longari, P.Thea, Codogno 1994, con il Comune di Codogno. 

Alle origini della fotografia. Luigi Sacchi lucigrafo a Milano. 1805-1861, catalogo della mostra (Roma, Calcografia Nazionale) 

a cura di M. Miraglia, Milano 1996, con l’Istituto Nazionale per la Grafica. 

Milano, Brera e Giuseppe Bossi nella Repubblica Cisalpina, atti del convegno organizzato da Istituto Lombardo Scienze e Lettere 

insieme a Accademia di Brera e Soprintendenza Beni Artistici e Storici 1997, Milano 1999. 

Milano pareva deserta…1848-1859. L’invenzione della patria., incontro di studio sulle arti organizzato da Accademia di Brera 

e Museo del Risorgimento 1998, Milano 1998 

Musei in attesa. I patrimoni storici delle accademie di belle arti, modelli e esperienze, giornata di studi, febbraio 2004, in collaborazione 

con il CNR 

G. BOSSI, Le Memorie di Giuseppe Bossi. Diario di un artista nella Milano napoleonica, a cura di C. Nenci, Milano, Iaca Book 2005




18 

OFFERTA 

FO 

Corsi di Diploma di Primo livello 


DIPARTIMENTO DI PROGETTAZIONE 



E DIDATTICA DELL’ ARTE 

Pittura 

Scultura 

Grafica 

Decorazione 

Scenografia 

Restauro 

Progettazione artistica per l’impresa 

Nuove tecnologie per l’arte 

Discipline della valorizzazione dei beni cultiurali 

Comunicazione e didattica dell’ arte


19 

O RMATIVA 

Corsi di Diploma di Secondo livello 

Pittura 

Scultura 


Grafica 

Decorazione 

Arti e antropologia del sacro 

Teoria e pratica della terapeutica artistica 

DIPARTIMENTO 

DI PROGETTAZIONE 


Scenografia 

Restauro 

Product design 

Fashion design 

Nuove tecnologie 

per l’arte 

Fotografia 

Costume per lo spettacolo 

Scenografia teatrale 

Scenografia cinematografica e televisiva 

Arti multimediali del cinema e del video 

Arti multimediali interattive e performative 


E DIDATTICA DELL’ ARTE 

Comunicazione creativa per i beni culturali 

Comunicazione e organizzazione per l’arte contemporanea


20 

PRIMO LIVELLO 

Obiettivi 

formativi 


SCUOLA DI PITTURA 

DIPLOMA ACCADEMICO DI PRIMO LIVELLO IN PITTURA 

I corsi di studio per il conseguimento del Diploma accademico di primo livello della Scuola di Pittura 

hanno l’obiettivo di formare competenze artistiche e professionalità qualificate che, tenendo 

conto del pluralismo dei linguaggi e delle innovazioni nelle tecniche, siano in grado di sviluppare 

la propria ricerca individuale nell’ambito della pittura legata alle tecniche della tradizione e alla 

sua elaborazione nel contesto della sperimentazione di nuovi linguaggi espressivi. 

I diplomati nei corsi di diploma della Scuola devono: 

• possedere un’adeguata padronanza tecnico - operativa, di metodi e contenuti relativamente ai settori 

di ricerca negli ambiti propri delle arti, delle tecniche e delle tecnologie della pittura al fine di progredire 

nell'acquisizione di una autonoma e personale consapevolezza della produzione artistica; 

• possedere strumenti metodologici e critici adeguati all’acquisizione di competenze dei linguaggi 

espressivi, delle tecniche e delle tecnologie più avanzate relative; 

• essere in grado di utilizzare efficacemente almeno una lingua dell’Unione Europea, oltre la lingua 

madre, nell’ambito precipuo di competenza e per lo scambio di informazioni generali; 

• possedere adeguate competenze e strumenti per la comunicazione e la gestione dell’informazione, 

in particolare con gli strumenti informatici. 

Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 

I diplomati della Scuola svolgeranno attività professionali in diversi ambiti, sia nella libera professione 

artistica, sia nel campo delle arti visive e nelle attività creative, nonché collaborando, in rapporto 

ai diversi campi di applicazione, alla programmazione, progettazione e attuazione degli interventi 

specifici della pittura, tanto nel campo degli strumenti legati alla tradizione, che delle 

nuove tecnologie e delle nuove espressioni linguistiche riscontrabili nelle manifestazioni nazionali 

ed internazionali. L’Accademia organizzerà, in accordo con enti pubblici e privati, gli stages e i 

tirocini più opportuni per concorrere al conseguimento delle specifiche professionalità e definiranno 

ulteriormente, per ogni corso di studio, specifici modelli formativi. 

Per essere ammessi al corso di Diploma accademico di primo livello occorre essere in possesso di un 

diploma di scuola secondaria superiore o di altro titolo di studio conseguito all'estero, riconosciuto 

idoneo. La selezione degli studenti ammessi al corso viene fatta su base di un esame di ammissione finalizzato 

all'individuazione delle qualità formali e delle competenze tecnico-artistiche possedute dal 

candidato, con particolare riferimento alle tecniche della rappresentazione e della progettazione. 

Tipologia della prova d'accesso: 

Le prove di ammissione prevedono: - un test a risposte multiple con domande al 50% di cultura generale 

e al 50% specifiche dell'area di competenza della Scuola; - prova di disegno dal vero, con uso, o non, 

di modelli viventi o di qualunque altro soggetto, a seconda delle scelte della Commissione; - prova grafica 

a tema libero consistente in uno o più elaborati realizzati utilizzando le tecniche più consone al candidato. 

Le prove si svolgeranno in giorni successivi e termineranno con un colloquio attitudinale. 

La prova finale si compone di: - un progetto artistico consistente nella produzione di elaborati su tema 

specificamente assegnato dal docente del corso della disciplina d'indirizzo cui lo studente risulta 

iscritto; - una tesi di carattere storico-teorico o metodologico o tecnico-artistico, sotto forma di saggio 

breve, in una delle discipline comprese nel curriculum didattico o nel piano personale di studi.


PRIMO LIVELLO 21 

Tipologia attività formative 

ATTIVITÀ FORMATIVE 

DI BASE 


CARATTERIZZANTI 


INTEGRATIVE O AFFINI 


ULTERIORI 

INSTALLAZIONI MULTIMEDIALI 

TEORIA E STORIA DEI METODI DI 

RAPPRESENTAZIONE 

PSICOLOGIA DELL’ARTE 

FENOMENOLOGIA DELLE ARTI 

CONTEMPORANEE 

TECNICHE E TECNOLOGIE DELLA PITTURA 

ANATOMIA DELL’ IMMAGINE 

ANTROPOLOGIA CULTURALE 

TECNICHE DELL’ INCISIONE - GRAFICA D’ ARTE 

COMUNICAZIONI MULTIMEDIALI 

DECORAZIONE 

DESIGN 

ELEMENTI DI FILOSOFIA CONTEMPORANEA 

FENOMENOLOGIA DEL CORPO 

FOTOGRAFIA 

DIGITAL VIDEO 

ILLUSTRAZIONE SCIENTIFICA 

METODOLOGIE E TECNICHE DELL’AFFRESCO 

PEDAGOGIA E DIDATTICA DELL’ARTE 

PROBLEMI ESPRESSIVI DEL CONTEMPORANEO 

SCENOGRAFIA 

SCULTURA 

CORSO DI DIPLOMA DI PRIMO LIVELLO IN PITTURA 

Attività formative 

ANATOMIA ARTISTICA 1 


STORIA DELL’ARTE MODERNA 

STORIA DELL’ARTE CONTEMPORANEA 1 


DISEGNO (PER LA PITTURA) 

ESTETICA 

PITTURA 1 

PITTURA 2 

PITTURA 3 

TECNICHE DELL’INCISIONE CALCOGRAFICA 

TECNICHE PITTORICHE 

CROMATOLOGIA 

9 

6 

6 

6 

9 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

9 

9 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

WORKSHOP 

STAGE 

SEMINARI 

STORIA DEL CINEMA E DEL VIDEO 

STORIA DEL DISEGNO E DELLA GRAFICA D’ ARTE 

STORIA DELL’ARTE ANTICA 

STORIA DELL’ARTE MEDIEVALE 

TECNICHE DEL MOSAICO 

TECNICHE E TECNOLOGIE DELLE ARTI VISIVE 

TECNICHE EXTRAMEDIALI 

TECNOLOGIA DELLA CARTA 

TEORIA DELLA PERCEZIONE E PSICOLOGIA 

DELLA FORMA 

TEORIA E METODO DEI MASS MEDIA 

ULTIME TENDENZE DELLE ARTI VISIVE 

BENI CULTURALI E AMBIENTALI 

ESTETICA DEL SACRO 

ESTETICA E STORIA DELL’ ARTE MUSULMANA 

ESTETICA DELLE RELIGIONI ORIENTALI 

STORIA DELLA RELIGIOSITÀ POPOLARE 

LITURGIA 

ICONOGRAFIA BIBLICA 

ARCHITETTURA SACRA 

ELEMENTI DI ARCHITETTURA E URBANISTICA 

QUESTIONI DI ESTETICA EBRAICA 

STORIA DELL’ARTE SACRA MODERNA 

E CONTEMPORANEA 

SEMIOLOGIA DEL CORPO 

Crediti Tot.Crediti 

9 

9 

6 

6 

6 

6 

6 

12 

12 

12 

6 

9 

9 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

9 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

48 

60 

6 


A SCELTA DELLO 

STUDENTE 

10 


OBBLIGATORIE 

ABILITÀ INFORMATICHE (OBBLIGATORIA) 

VERIFICHE DELLA CONOSCENZA DELLA LINGUA STRANIERA (OBBLIGATORIA) 

4 

4 

8 


PROVA FINALE 

10 

TOTALE CREDITI PREVISTI NEL TRIENNIO 180


22 

PRIMO LIVELLO 

Obiettivi 

formativi 


SCUOLA DI SCULTURA 

DIPLOMA ACCADEMICO DI PRIMO LIVELLO IN SCULTURA 

I corsi di studio per il conseguimento del Diploma accademico di primo livello della Scuola di Scultura 

hanno l’obiettivo di fornire competenze artistiche al fine di formare professionalità qualificate che, 

tenendo conto del pluralismo dei linguaggi e delle innovazioni nelle tecniche che caratterizzano la 

contemporaneità, siano in grado di sviluppare la propria ricerca individuale nell’ambito della scultura 

legata alle tecniche della tradizione e alla sua elaborazione nel contesto della sperimentazione di 

nuovi linguaggi espressivi. 


• possedere un’adeguata padronanza tecnico - operativa, di metodi e contenuti relativamente ai 

settori di ricerca negli ambiti propri delle arti, delle tecniche e delle tecnologie della scultura; 







Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 


artistica, sia nel campo delle arti visive e nelle attività creative, nonché collaborando, in rapporto ai diversi 

campi di applicazione, alla programmazione, progettazione e attuazione degli interventi specifici 

della scultura, tanto nel campo degli strumenti legati alla tradizione, tanto nel campo dell’architettura 

e dell’urbanistica, nel settore del restauro e delle nuove tecnologie e delle nuove espressioni linguistiche 

riscontrabili nelle manifestazioni nazionali ed internazionali. L’Accademia organizzerà, in accordo con 

enti pubblici e privati, gli stages e i tirocini più opportuni per concorrere al conseguimento delle specifiche 

professionalità e definiranno ulteriormente, per ogni corso di studio, specifici modelli formativi. 

Per essere ammessi al corso di diploma di primo livello occorre essere in possesso di un diploma di 

scuola secondaria superiore o di altro titolo di studio conseguito all'estero, riconosciuto idoneo. La 

selezione degli studenti ammessi al corso viene fatta su base di un esame di ammissione finalizzato 

all'individuazione delle qualità formali e delle competenze tecnico-artistiche possedute dal candidato, 

con particolare riferimento alle tecniche della rappresentazione e della progettazione. 


Le prove di ammissione prevedono: un test a risposte multiple con domande al 50% di cultura generale 

e al 50% specifiche dell'area di competenza della Scuola; una prova di disegno dal vero, con uso, o non, 

di modelli viventi o di qualunque altro soggetto, a seconda delle scelte della Commissione; una prova 

grafica a tema libero consistente in uno o più elaborati realizzati utilizzando le tecniche più consone al 

candidato. Le prove si svolgeranno in giorni successivi e termineranno con un colloquio attitudinale. 

La prova finale si compone di: - un un progetto artistico consistente nella produzione di elaborati su 

tema specificamente assegnato dal docente del corso della disciplina d'indirizzo cui lo studente risulta 

iscritto; - una tesi di carattere storico-teorico o metodologico o tecnico-artistico, sotto forma di 

saggio breve, in una delle discipline comprese nel curriculum didattico o nel piano personale di studi.



CORSO DI DIPLOMA DI PRIMO LIVELLO IN SCULTURA 

Tipologia attività formative Attività formative Crediti Tot.Crediti 


DI BASE 





DISEGNO (PER LA SCULTURA) 

TECNICHE DEL MARMO E DELLE PIETRE DURE 

ESTETICA 

SCULTURA 1 

SCULTURA 2 

SCULTURA 3 

TECNICHE DI FONDERIA 

TECNICHE DELLA SCULTURA 

TEORIA DELLA PERCEZIONE E PSICOLOGIA DELLA FORMA 


FORMATURA, TECNOLOGIA E TIPOLOGIA DEI MATERIALI 

TECNICHE DI MODELLAZIONE DIGITALE-COMPUTER 3D 

TEORIA E STORIA DEI METODI DI RAPPRESENTAZIONE 


DECORAZIONE 

COMUNICAZIONE MULTIMEDIALE 



FOTOGRAFIA 

DIGITAL VIDEO 


MODELLISTICA 

PITTURA 


PROGETTAZIONE DI INTERVENTI URBANI E TERRITORIALI 

SCENOGRAFIA 

VIDEOSCULTURA 

SOCIOLOGIA DELL’ARTE 


STORIA DEL DISEGNO E DELLA GRAFICA D’ARTE 


STORIA E TEORIA DEI NUOVI MEDIA 

TECNICHE DELLA CERAMICA 

TECNICHE DELL0 INCISIONE-GRAFICA D’ ARTE 

ULTIME TENDENZE NELLE ARTI VISIVE 


PLASTICA ORNAMENTALE 


9 

6 

6 

6 

6 

9 

6 

12 

12 

12 

9 

9 

6 

48 





9 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

60 


ULTERIORI 

SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 

6 



STUDENTE 

10 


OBBLIGATORIE 



4 

4 

8 


PROVA FINALE 

10 



24 

PRIMO LIVELLO 

Obiettivi 

formativi 

Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 


SCUOLA DI DECORAZIONE 

DIPLOMA ACCADEMICO DI PRIMO LIVELLO IN DECORAZIONE 

I corsi di studio per il conseguimento del Diploma accademico di primo livello della Scuola di decorazione 

hanno l’obiettivo di assicurare un’adeguata padronanza dei metodi e delle tecniche artistiche, 

nonché l’acquisizione di specifiche competenze disciplinari e professionali al fine di fornire ai discenti 

conoscenze e metodologie progettuali ed espressive nell’uso degli strumenti e delle pratiche artistiche, 

con riguardo agli strumenti tradizionali e alle nuove tecnologie. I corsi della Scuola si pongono l’obiettivo 

di conseguire le conoscenze generali e tecniche per la realizzazione di progetti, interventi sul territorio, 

opere ambientali, nonché sviluppare l’approfondimento e la ricerca sui linguaggi artistico visivi. 


• possedere un’adeguata formazione tecnico - operativa, di metodi e contenuti relativamente ai settori 

di ricerca negli ambiti propri delle arti, delle tecniche e delle tecnologie delle arti visive e plastiche 

con riferimento alla decorazione; 










specifici della decorazione, tanto nel campo degli strumenti legati alla tradizione, che delle 


ed internazionali. L’Accademia organizzerà, in accordo con enti pubblici e privati, gli stages e i tirocini 

più opportuni per concorrere al conseguimento delle specifiche professionalità e definiranno 








Le prove di ammissione prevedono: - test a risposte multiple con domande al 50% di cultura generale e 

al 50% specifiche dell'area di competenza della Scuola; - prova di disegno dal vero, con uso, o non, di 

modelli viventi o di qualunque altro soggetto, a seconda delle scelte della Commissione; - prova grafica 

a tema libero consistente in uno o più elaborati realizzati utilizzando le tecniche più consone al candidato. 

Le prove si svolgeranno in giorni successivi e termineranno con un colloquio attitudinale. 

La prova finale si compone di: - un progetto consistente nella produzione di elaborati su tema specificamente 

assegnato dal docente del corso della disciplina d'indirizzo cui lo studente risulta iscritto; 

- una tesi di carattere storico-teorico o metodologico o tecnico-artistico, sotto forma di saggio breve, 

in una delle discipline comprese nel curriculum didattico o nel piano personale di studi.



CORSO DI DIPLOMA DI PRIMO LIVELLO IN DECORAZIONE 



DI BASE 



DISEGNO (PER LA DECORAZIONE) 

ESTETICA 


STORIA DELL’ ARTE CONTEMPORANEA 1 


6 

6 

6 

6 

9 

6 

6 

45 



DECORAZIONE 1 

DECORAZIONE 2 

DECORAZIONE 3 

PLASTICA ORANMENTALE 


TECNICHE DELL’ INCISIONE CALCOGRAFICA 

TECNICHE E TECNOLOGIE DELLA DECORAZIONE 

12 

12 

12 

6 

6 

6 

9 

63 




STORIA DELLE TECNICHE ARTISTICHE 

STORIA DELLA DECORAZIONE 


CROMATOLOGIA 

CULTURA DEL PROGETTO 

ECODESIGN 

FOTOGRAFIA 


LANDASCAPE DESIGN 

METODOLOGIA DELLA PROGETTAZIONE 

METODOLOGIE E TECNICHE DELL’ AFFRESCO 

MODELLISTICA 

PITTURA 


SCULTURA 

SERIGRAFIA 


STORIA DELL’ ARTE MODERNA 

TECNICHE DELLA VETRATA 

TECNICHE DELL’ INCISIONE-GRAFICA D’ ARTE 

TECNICHE DI ANIMAZIONE DIGITALE 


TECNICHE MULTIMEDIALI DELLA DECORAZIONE 




PSICOLOGIA DELL’ ARTE 



6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 


ULTERIORI 

SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 

6 



STUDENTE 

10 


OBBLIGATORIE 


PROVA FINALE 



TOTALE CREDITI PREVISTI NEL TRIENNIO 180 

4 

4 

8 

10


26 

PRIMO LIVELLO 

Obiettivi 

formativi 


SCUOLA DI GRAFICA 

DIPLOMA ACCADEMICO DI PRIMO LIVELLO IN GRAFICA 

I corsi di studio per il conseguimento del Diploma accademico di primo livello della Scuola di Grafica 

hanno l’obiettivo di formare professionalità artistiche che, tenendo conto del pluralismo dei linguaggi 

e delle innovazioni tecniche e metodologiche che caratterizzano la contemporaneità, siano in grado di 

sviluppare la propria ricerca e produzione individuale sia nell’ambito della grafica d'arte e del disegno, 

legati alle tecniche della tradizione, sia nella elaborazione e nella sperimentazione della grafica multimediale 

e contemporanea, nella conservazione e nella catalogazione della stampa d’arte. 


• possedere adeguate conoscenze delle tecniche della rappresentazione nell’ambito della calcografia, 

xilografia, serigrafia, fotografia, computer grafica e delle tecniche di stampa, della conoscenza 

storica e metodologica dei processi grafici e della stampa d’arte; 

• possedere conoscenze e strumenti metodologici e critici adeguati all’acquisizione di competenze 

dei linguaggi espressivi, delle tecniche e delle tecnologie più avanzate relative; 





Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 




specifici della grafica, tanto nel campo degli strumenti legati alla tradizione, che delle 


ed internazionali. L’Accademia organizzerà, in accordo con enti pubblici e privati, gli stages e i 

tirocini più opportuni per concorrere al conseguimento delle specifiche professionalità e definiranno 


Per essere ammessi al corso di Diploma accademico di primo livello occorre essere in possesso di un 

diploma di scuola secondaria superiore o di altro titolo di studio conseguito all'estero, riconosciuto 

idoneo. La selezione degli studenti ammessi al corso viene fatta su base di un esame di ammissione finalizzato 




Le prove di ammissione prevedono: - test a risposte multiple con domande al 50% di cultura generale 

e al 50% specifiche dell'area di competenza della Scuola; - prova di disegno dal vero, con uso, o non, 

di modelli viventi o di qualunque altro soggetto, a seconda delle scelte della Commissione; - prova grafica 

a tema libero consistente in uno o più elaborati realizzati utilizzando le tecniche più consone al 

candidato. Le prove si svolgeranno in giorni successivi e termineranno con un colloquio attitudinale. 

La prova finale si compone di: - un progetto artistico consistente nella produzione di elaborati su tema 

specificamente assegnato dal docente del corso della disciplina d'indirizzo cui lo studente risulta 

iscritto; una tesi di carattere storico-teorico o metodologico o tecnico-artistico, sotto forma di saggio 

breve, in una delle discipline comprese nel curriculum didattico o nel piano personale di studi.



CORSO DI DIPLOMA DI PRIMO LIVELLO IN GRAFICA 



DI BASE 






DISEGNO (PER L’ INCISIONE) 


FOTOGRAFIA 




TECNICHE DELL’INCISIONE-GRAFICE D’ARTE 1 




LITOGRAFIA 

TECNICHE GRAFICHE SPECIALI 

XILOGRAFIA 


ESTETICA 


CROMATOLOGIA 

DECORAZIONE 

ILLUSTRAZIONE 


PITTURA 

SCRITTURA CREATIVA 

SCULTURA 

TECNICHE E TECNOLOGIA DELLA GRAFICA 

SERIGRAFIA 

STAMPA D’ARTE 


STORIA DELLA FOTOGRAFIA 

STORIA DELLA STAMPA E DELL’ EDITORIA 

TECNICHE CALCOGRAFICHE SPERIMENTALI 

DIGITAL VIDEO 







COMPUTER GRAPHIC 

TECNICHE DELL’ INCISIONE CALCOGRAFICA 2 


9 

6 

6 

9 

6 

6 

6 

12 

12 

12 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

9 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

9 

6 

6 

6 

6 

9 

9 

9 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

48 

60 


ULTERIORI 

SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 

6 



STUDENTE 

10 


OBBLIGATORIE 


PROVA FINALE 




4 

4 

8 

10


28 

PRIMO LIVELLO 

Obiettivi 

formativi 

DIPARTIMENTO DI PROGETTAZIONE E ARTI APPLICATE 

SCUOLA DI SCENOGRAFIA 

DIPLOMA ACCADEMICO DI PRIMO LIVELLO IN SCENOGRAFIA 

I corsi di studio per il conseguimento del Diploma accademico di primo livello della Scuola di Scenografia 

hanno l’obiettivo di assicurare un’adeguata padronanza dei metodi e delle tecniche artistiche, 

nonché l’acquisizione di specifiche competenze disciplinari e professionali al fine di fornire 

agli studenti conoscenze e metodologie progettuali ed espressive nell’uso degli strumenti della 

rappresentazione e delle pratiche artistiche, con particolare riferimento alla scenografia teatrale, 

televisiva e cinematografica, nonché alle tecniche di allestimento connesse alla comunicazione 

pubblicitaria e alla vetrinistica. I corsi della Scuola si pongono l’obiettivo di sviluppare le competenze 

nella pratica degli strumenti tecnologici espressivi, tradizionali e della contemporaneità, che 

riguardano l’uso e la gestione dello spazio e i principi della rappresentazione. 


• possedere un’adeguata formazione tecnico - operativa, di metodi e contenuti relativamente ai 

settori della scenografia, degli allestimenti, del costume per lo spettacolo; 


espressivi, delle tecniche e delle tecnologie più avanzate; 

Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 

I diplomati della Scuola svolgeranno attività professionali nei diversi ambiti pubblici e privati della 

scenografia teatrale, cinematografica e televisiva, degli allestimenti, del costume per lo spettacolo. 

Le Accademie organizzeranno, in accordo con enti pubblici e privati, gli stages e i tirocini più 

opportuni per concorrere al conseguimento delle specifiche professionalità e definiranno ulteriormente, 

per ogni corso di studio, specifici modelli formativi. 


scuola secondaria di secondo grado o di altro titolo di studio conseguito all'estero, riconosciuto idoneo. 

La selezione degli studenti ammessi al corso viene fatta su base di un esame di ammissione finalizzato 




L’esame consiste in un test di cultura generale, una prova grafica e un colloquio con i membri della 

commissione. 

La prova finale per il conseguimento del Diploma di primo livello, consiste nella presentazione di 

un progetto grafico e di una tesi scritta.



CORSO DI DIPLOMA DI PRIMO LIVELLO IN SCENOGRAFIA 



DI BASE 





DISEGNO ARCHITETTONICO DI STILE E ARREDO 

TEORIA E PRATICA DEL DISEGNO PROSPETTICO 

STORIA DELL’ARTE CONTEMPORANEA 

STORIA DEL COSTUME 

STORIA DELLA MUSICA E DEL TEATRO MUSICALE 

STORIA DELLO SPETTACOLO 

SCENOGRAFIA 1 

SCENOGRAFIA 2 

SCENOGRAFIA 3 

PROGETTAZIONE PER IL COSTUME 

REGIA 

SCENOTECNICA 

ILLUMINOTECNICA 

STORIA E TEORIA DELLA SCENOGRAFIA 

STORIA DELLE ARTI APPLICATE 



RAPPRESENTAZIONE ARCHITETTONICA DELLO SPAZIO SCENICO 

ALLESTIMENTO DEGLI SPAZI ESPOSITIVI 

ANATOMIA ARTISTICA 


APPLICAZIONI DIGITALI PER L’ARTE 

ESTETICA 

FOTOGRAFIA 

LETTERATURA E FILOSOFIA DEL TEATRO 

MODELLISTICA 





STORIA DELL’ARCHITETTURA E DELL’URBANISTICA 

TEATRO DELLA FESTA 

TEATRO DI FIGURA 

TECNICHE DI ELABORAZIONE PER IL COSTUME 





9 

9 

6 

6 

6 

6 

12 

12 

12 

9 

6 

9 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

42 

66 


ULTERIORI 

SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 

6 



STUDENTE 

10 


OBBLIGATORIE 


PROVA FINALE 




4 

4 

8 

10


30 

PRIMO LIVELLO 

Obiettivi 

formativi 


SCUOLA DI PROGETTAZIONE ARTISTICA PER L’IMPRESA 

DIPLOMA DI PRIMO LIVELLO IN PROGETTAZIONE ARTISTICA PER L’IMPRESA 

I corsi di studio per il conseguimento del Diploma accademico di primo livello della Scuola di Progettazione 

artistica per l’impresa hanno l’obiettivo di assicurare un’adeguata padronanza dei metodi 

e delle tecniche artistiche, nonché l’acquisizione di specifiche competenze disciplinari e professionali 

al fine di fornire ai discenti conoscenze e metodologie progettuali ed espressive nell’uso degli 

strumenti della rappresentazione e delle pratiche artistiche, con particolare riguardo alla comunicazione, 

al disegno industriale, al design, alla moda. I corsi della Scuola si pongono l’obiettivo di 

sviluppare le competenze progettuali e la pratica degli strumenti tecnologici espressivi, tradizionali 

e della contemporaneità, che riguardano l’uso e la gestione dello spazio e i principi della comunicazione 

e della rappresentazione. 


• possedere un’adeguata formazione tecnico - operativa, di metodi e contenuti relativamente ai 

settori del Graphic Design, della Comunicazione Pubblicitaria, della progettazione, degli allestimenti, 

del Product Design e del Fashion design; 



• possedere la conoscenza degli strumenti informatici e della comunicazione telematica negli ambiti 

specifici di competenza. 

Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 

I diplomati della Scuola svolgeranno attività professionali nei diversi ambiti pubblici e privati della progettazione 

orientata verso sbocchi professionali di nuova configurazione e di grande flessibilità nell’ambito 

delle varie tipologie applicative rivolte agli enti, ai musei, alla piccola e media impresa fino alla 

grande industria con riguardo soprattutto alla comunicazione pubblicitaria, all’organizzazione dello 

spazio come veicolo comunicativo, dall’ambientazione, all’allestimento, alla progettazione e all'articolato 

territorio connesso alla comunicazione d'impresa. L’Accademia organizzerà, in accordo con enti 

pubblici e privati, gli stages e i tirocini più opportuni per concorrere al conseguimento delle specifiche 

professionalità e definiranno ulteriormente, per ogni corso di studio, specifici modelli formativi. 








commissione. 

La prova finale finalizzata ad accertare il raggiungimento degli obiettivi formativi del corso di diploma, 

consiste nella presentazione di: - una produzione di carattere laboratoriale coordinata nell’ambito 

della disciplina d’indirizzo dello specifico corso di diploma sotto la guida di un docente responsabile; 

- un’elaborazione e conseguente esposizione di un saggio breve di carattere teorico predisposto 

in forma scritta o scritto grafica.





DI BASE 





CORSO DI DIPLOMA DI PRIMO LIVELLO IN PROGETTAZIONE ARTISTICA PER L’IMPRESA 


ARCHITETTURA DEGLI INTERNI 

DISEGNO TECNICO E PROGETTUALE 

MODELLISTICA 

RAPPRESENTAZIONE DELL’ARCHITETTURA 

STORIA DEL DESIGN 

STORIA DELL’ARCHITETTURA CONTEMPORANEA 


DESIGN 1 

DESIGN 2 

DESIGN 3 

ARCHITETTURA VIRTUALE 

GRAPHIC DESIGN 

TECNICHE DELLA MODELLAZIONE DIGITALE-COMPUTER 3D 

METODOLOGIA PROGETTUALE DELLA COMUNICAZIONE VISIVA 

DESIGN SYSTEM 

FOTOGRAFIA 

ARTI APPLICATE E TIPOLOGIA DEI MATERIALI 

ESTETICA 

FENOMENOLOGIA DELLE ARTI CONTEMPORANEE 


PRATICA E CULTURA DELLO SPETTACOLO 

PROGETTAZIONE DI ALLESTIMENTI 

PROGETTAZIONE SPAZI SONORI 





9 

9 

6 

6 

6 

6 

6 

12 

12 

12 

6 

9 

9 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

4 

6 

48 

60 


ULTERIORI 



STUDENTE 

SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 

6 

10 


OBBLIGATORIE 



4 

4 

8 


PROVA FINALE 

10 

TOTALE CREDITI PREVISTI NEL TRIENNIO 

180


32 

PRIMO LIVELLO 

Obiettivi 

formativi 


SCUOLA DI RESTAURO 

DIPLOMA ACCADEMICO DI PRIMO LIVELLO IN RESTAURO 

I corsi di studio per il conseguimento del Diploma accademico di primo livello della Scuola di Restauro 

hanno l’obiettivo di formare professionalità qualificate nell’ambito della conservazione, 

della manutenzione e del restauro del patrimonio artistico, provvedendo alla salvaguardia e alla 

valorizzazione del bene culturale. 


• possedere un’adeguata padronanza tecnico - operativa, di metodi e contenuti relativamente ai settori 

di ricerca negli ambiti propri della conservazione e delle tecniche e tecnologie del restauro; 

• possedere strumenti metodologici di intervento e diagnostici adeguati alle specifiche competenze 

professionali; 

• essere in grado di operare nelle istituzioni preposte alla gestione e alla manutenzione del patrimonio 

culturale e nelle organizzazioni professionali private operanti nel settore del restauro 

conservativo e del recupero ambientale; 





Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 

I diplomati della Scuola, che in base al D.M. 294/2000 - modificato con D.M. 420/2001 - ottengono 

la qualifica di “Collaboratore - Restauratore di Beni Culturali”, svolgeranno attività professionali in 

diversi ambiti inerenti sia alla libera professione nel campo della conservazione della manutenzione 

delle opere d’arte e del loro restauro, sia in contesti pubblici e privati dove necessiti la specifica 

figura professionale, quali sovrintendenze, musei, biblioteche, archivi, aziende e organizzazioni 

professionali operanti nel settore del restauro e della tutela. Le Accademie organizzeranno, in accordo 

con enti pubblici e privati, gli stages e i tirocini più opportuni per concorrere al conseguimento 

delle specifiche professionalità e definiranno ulteriormente, per ogni corso di studio, specifici modelli 

formativi. 

Per essere ammessi al corso occorre essere in possesso di un diploma di scuola secondaria di secondo 

grado o di altro titolo di studio conseguito all'estero, riconosciuto idoneo. La selezione degli studenti 

ammessi al corso viene fatta su base di un esame di ammissione finalizzato all'individuazione 

delle qualità formali e delle competenze tecnico-artistiche possedute dal candidato, con 

particolare riferimento alle tecniche della rappresentazione e della progettazione. 


L’esame consiste di un test di cultura generale (a risposta aperta), una prova grafica, una reintegrazione 

pittorica e una plastica. Le quattro prove si concludono con un colloquio con i membri 

della commissione. (Si veda anche Allegato A D.M. del 26.05.2009 n. 87) 

La prova consiste nella presentazione di un elaborato originale (tavole, testo, power point) relativo 

a un restauro alla cui esecuzione, totale o parziale, l’allievo/a abbia collaborato.



CORSO DI DIPLOMA DI PRIMO LIVELLO IN RESTAURO 



DI BASE 






ULTERIORI 

STORIA DELL'ARTE MEDIEVALE 

STORIA DELL'ARTE MODERNA 

STORIA DELL’ARCHITETTURA 

TEORIA E STORIA DEL RESTAURO 

LEGISLAZIONE DEI BENI CULTURALI 

DISEGNO E RILIEVO DEI BENI CULTURALI 

METODOLOGIE CHIMICO FISICHE 

RESTAURO DEGLI AFFRESCHI E DEI DIPINTI MURALI 

RESTAURO DEI DIPINTI SU TELA E SU TAVOLA 

RESTAURO DEI MATERIALI LAPIDEI 

RESTAURO DELLE TERRACOTTE DEI GESSI E DEGLI STUCCHI 

RESTAURO DELLA CARTA 

RESTAURO DEL LEGNO 

RESTAURO DEI METALLI 

TIPOLOGIA DEI MATERIALI 

METODOLOGIE CHIMICO FISICHE 2 

FOTOGRAFIA SCIENTIFICA 

STORIA DELL'ARTE ANTICA 

ESTETICA 

CHIMICA PROPEDEUTICA 

SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 

6 

6 

6 

6 

6 

8 

10 

12 

12 

12 

12 

12 

12 

12 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

48 

60 

4 



STUDENTE 

6 


OBBLIGATORIE 


PROVA FINALE 




4 

4 

8 

10


34 

PRIMO LIVELLO 

Obiettivi 

formativi 


SCUOLA DI NUOVE TECNOLOGIE DELL’ARTE 

DIPLOMA ACCADEMICO DI PRIMO LIVELLO IN NUOVE TECNOLOGIE DELL’ARTE 

I corsi di studio per il conseguimento del Diploma accademico di primo livello della Scuola di Nuove 

tecnologie dell’arte hanno l’obiettivo di assicurare un’adeguata padronanza dei metodi e delle 

tecniche nell’ambito della ricerca artistica rivolta all’uso e all’utilizzo delle nuove tecnologie mediali 

della comunicazione. 


• possedere un’adeguata formazione tecnico - operativa, di metodi e contenuti relativamente all’impiego 

artistico delle nuove tecnologie, conoscendo le tecniche multimediali e digitali che 

permettono di produrre opere e informazioni; 


espressivi, delle tecniche e delle tecnologie più avanzate relative, esercitando la sperimentazione 

artistica nei linguaggi tecnologici e multimediali specifici applicata ai settori delle arti visive 

digitali, multimediali, interattive e performative, del video e del cinema, e del web; 





Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 

I diplomati della Scuola svolgeranno attività professionali in diversi ambiti, inerenti sia alla libera 

professione artistica nel campo delle nuove tecnologie, sia collaborando, in rapporto ai diversi 

campi di applicazione, alla programmazione, progettazione e attuazione degli interventi specifici 

delle nuove tecnologie, dalla progettazione e realizzazione di opere audiovisive e multimediali interattive 

alla modellistica virtuale. 

Le Accademie organizzeranno, in accordo con enti pubblici e privati, gli stages e i tirocini più opportuni 

per concorrere al conseguimento delle specifiche professionalità e definiranno ulteriormente, 









commissione. 

La prova finale per il conseguimento del diploma di primo livello, consiste nella presentazione di 

un elaborato multimediale e di una tesi scritta.



CORSO DI DIPLOMA DI PRIMO LIVELLO IN NUOVE TECNOLOGIE DELL’ARTE 



DI BASE 






ULTERIORI 


DRAMMATURGIA MULTIMEDIALE 




FOTOGRAFIA 

TECNICHE AUDIOVISIVE PER IL WEB 

PROGETTAZIONE MULTIMEDIALE 

TECNICHE DI RIPRESA 

AUDIOVISIVI LINEARI 

DIGITAL VIDEO 

SISTEMI INTERATTIVI 

SOUND DESIGN 


TECNICHE DI DOCUMENTAZIONE AUDIOVISIVA 

COMPUTER GAMES 

COREOGRAFIA DIGITALE 


SEMIOTICA DELL’ ARTE 

METODOLOGIE DIDATTICHE DEI LINGUAGGI AUDIOVISIVI 

USO DEI SOFTWARE PER IL WEB 

TECNICHE DI MODELLAZIONE DIGITALE COMPUTER 3D 

SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 

6 

12 

6 

6 

6 

6 

9 

12 

9 

6 

6 

9 

9 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

42 

66 

6 



STUDENTE 

10 


OBBLIGATORIE 


PROVA FINALE 




4 

4 

8 

10


36 

PRIMO LIVELLO 

DIPARTIMENTO DI COMUNICAZIONE E DIDATTICA PER L’ARTE 

SCUOLA DI COMUNICAZIONE E VALORIZZAZIONE DEL PATRIMONIO ARTISTICO CONTEMPORANEO 

DIPLOMA ACCADEMICO DI 1° LIV. IN DISCIPLINE DELLA VALORIZZAZIONE DEI BENI CULTURALI 

Obiettivi 

formativi 

Il corso è finalizzato alla preparazione di figure capaci di inserirsi in tutte quelle attività di valorizzazione 

che sono complementari alla tutela operata dalle Soprintendenze. Mentre infatti nei corsi 

di laurea in Beni culturali delle università si forma il personale scientifico della tutela, in questo corso 

di Diploma accademico si formano professionisti che, avendo acquisito conoscenze teoriche e 

competenze progettuali, sono capaci di intervenire con preparazione specifica in tutte le attività e i 

progetti finalizzati al miglioramento della fruizione, della conoscenza e della comprensione del patrimonio 

archeologico, storico, artistico, achitettonico e peasaggistico. 

In particolare, gli studenti dovranno acquisire: 

• una conoscenza adeguata, sotto il profilo teorico, storico e normativo, del patrimonio culturale 

nel suo insieme e nelle sue diverse componenti; 

• una conoscenza generale dei processi della valorizzazione applicata alle singole componenti del 

patrimonio culturale; 

• le capacità ideative e le competenze tecniche necessarie allo sviluppo di progetti, anche complessi, 

nei diversi campi della valorizzazione. 

Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 

I diplomati possono agire nell’ambito specifico della valorizzazione sia come liberi professionisti 

con proposte di attività e progetti rivolte a tutti i soggetti pubblici cui compete la valorizzazione del 

patrimonio culturale, sia come dipendenti o consulenti di assessorati alla cultura di regioni, province 

e comuni, sia come progettisti di mostre, di allestimenti museali, di percorsi nel territorio, sia come 

collaboratori di fondazioni ed enti privati, di case editrici specializzate, di società per l’organizzazione 

di eventi culturali. 

Al corso si accede con diploma di scuola secondaria di secondo grado. E’ richiesta principalmente una 

buona cultura generale, mentre non è necessario possedere particolari abilità nel campo del disegno. 


La verifica dei requisito d’accesso avviene attraverso una prova scritta (test con quesiti a risposta 

multipla) e un colloquio attitudinale. 

Discussione di una tesi di carattere teorico o progettuale.



CORSO DI DIPLOMA DI PRIMO LIVELLO IN DISCIPLINE DELLA VALORIZZAZIONE DEI BENI CULTURALI 



DI BASE 



STORIA DELL'ARTE MEDIEVALE 



6 

9 

9 

9 

9 

42 





BENI CULTURALI E AMBIENTALI 1 (TEORIA E STORIA DEI BENI CULTURALI) 

BENI CULTURALI E AMBIENTALI 2 (TEORIE DEL PAESAGGIO) 

BENI CULTURALI E AMBIENTALI 3 (CORSO MONOGRAFICO) 

STORIA E DOCUMENTAZIONE DEI BENI ARCHITETTONICI 1 

STORIA E DOCUMENTAZIONE DEI BENI ARCHITETTONICI 2 

VALORIZZAZIONE DEI BENI ARCHEOLOGICI 

MUSEOLOGIA E STORIA DEL COLLEZIONISMO 

MUSEOGRAFIA 1 



FOTOGRAFIA PER I BENI CULTURALI 

BENI CULTURALI DELL’ETA CONTEMPORANEA 

COMUNICAZIONE E VALORIZZAZIONE DEI BENI ARCHIVISTICI 

MUSEOGRAFIA 2 

WEB DESIGN 


ECONOMIA E MERCATO DELL’ARTE 

ORGANIZZAZIONE DELLE ATTIVITA EDITORIALI 

ELEMENTI DI ICONOLOGIA E ICONOGRAFIA 

STORIA DELL’ARTE SACRA MODERNA E CONTEMPORANEA 





6 

6 

6 

9 

9 

6 

9 

9 

6 

6 

6 

9 

6 

9 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

66 


ULTERIORI 

SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 

8 



STUDENTE 

10 


OBBLIGATORIE 



4 

4 

8 


PROVA FINALE 

10 



38 

PRIMO LIVELLO 


SCUOLA DI DIDATTICA DELL’ARTE 

DIPLOMA ACCADEMICO DI PRIMO LIVELLO IN COMUNICAZIONE E DIDATTICA DELL’ARTE 

Obiettivi 

formativi 

Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

I corsi di studio per il conseguimento del Diploma accademico di primo livello della Scuola di Comunicazione 

e Didattica dell’arte contemporanea offrono una preparazione di base propedeutica a due 

principali profili: - da un lato hanno l'obbiettivo di assicurare una adeguata padronanza dei metodi e 

delle tecniche comunicative, nonché l’acquisizione di specifiche competenze artistiche e professionali 

al fine di fornire agli studenti conoscenze e metodologie di trasmissione e comunicazione delle 

modalità di realizzazione delle opere d’arte, della loro interpretazione e fruizione; - dall'altro, hanno 

lo scopo di sviluppare competenze teoriche e progettuali specificamente rivolte alla trasmissione dei 

saperi artistici, sia storeografici che espressivi, attraverso l'ideazione della gestione di percorsi laboratoriali 

- in presenza o a distanza - di didattica dell'arte. I corsi hanno inoltre l’obiettivo di fornire 

adeguata formazione per la gestione di spazi e strumenti per la divulgazione del patrimonio culturale, 

sia attraverso mezzi tradizionali sia attraverso le nuove tecnologie multimediali, con particolare 

riguardo al museo e agli eventi espositivi. 


• possedere un’adeguata formazione tecnico - operativa, di metodi e contenuti relativamente ai settori 

della comunicazione, degli allestimenti, della museologia e museografia e della didattica dell’arte; 

• possedere strumenti metodologici e critici adeguati all’acquisizione di competenze relative ai linguaggi 

espressivi, delle tecniche e delle tecnologie più avanzate- possedere conoscenze pedagogiche-didattiche 

ed ermeneutiche utili alla progettazione di specifici percorsi di apprendimento; 

• possedere buone competenze culturali e tecniche legate alle nuove tecnologie multimediali di comunicazione; 





I diplomati della Scuola svolgeranno attività professionali nei diversi ambiti pubblici e privati come 

specialisti in grado di operare con flessibilità, autonomamente e a fianco degli specialisti dei diversi 

settori del patrimonio culturale, con particolare riguardo all’aspetto comunicativo, sia nell’organizzazione 

e nell'allestimento di manifestazioni artistiche, sia nella curatela, nonché nella predisposizione 

dei supporti comunicativi degli eventi artistici (ufficio stampa, pubbliche relazioni ecc.). 

Potranno inoltre ideare e progettare percorsi laboratoriali di didattica dell'arte rivolti ad un ampia 

gamma di utenza pubblica e privata e offrire competenza specifica a progetti didattici di Formazione 

a Distanza. L’Accademia organizzerà, in accordo con enti pubblici e privati, gli stages e i tirocini 

più opportuni per concorrere al conseguimento delle specifiche professionalità e definiranno ulteriormente, 


Per essere ammessi al corso di Diploma accademico di primo livello occorre essere in possesso di un diploma 

di scuola secondaria di secondo grado o di altro titolo di studio conseguito all'estero, riconosciuto 

idoneo. La selezione degli studenti ammessi al corso viene fatta sulla base di un esame di ammissione 

e di un colloquio finalizzato all'individuazione delle competenze culturali possedute dal candidato. 


La prova di accesso consiste in un test a risposta multipla e in un colloquio teso ad accertare le competenze 

culturali e le motivazioni del candidato.



Tipologia 

della prova 

finale 

La prova finale prevede una tesi di carattere storico-teorico o metodologico-progettuale o tecnicoartistico, 

sotto forma di saggio breve, in una delle discipline comprese nel curriculum didattico o nel 

piano personale di studi. L'eventuale materiale di produzioneartistica allegato alla tesi sarà funzionale 

allo specifico carattere della tesi. 

CORSO DI DIPLOMA DI PRIMO LIVELLO IN COMUNICAZIONE E DIDATTICA DELL’ARTE 



DI BASE 






ULTERIORI 



ESTETICA 


CATALOGAZIONE E GESTIONE DEGLI ARCHIVI 




DIDATTICA DEI LINGUAGGI ARTISTICI 

METODOLOGIA E TEORIA DELLA STORIA DELL’ARTE 




DIDATTICA PER IL MUSEO 

TECNICHE EXTRAMEDIALI 1 

TECNICHE EXTRAMEDIALI 2 


STORIA E METODOLOGIA DELLA CRITICA D’ARTE 

TECNICHE ESPRESSIVE INTEGRATE 

DIDATTICA DELLA MULTIMEDIALITA 

DISEGNO 


SOCIOLOGIA DEI PROCESSI CULTURALI 





STORIA DELLA MODA 






TEORIA E STORIA DEI BENI CULTURALI 


SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

9 

6 

6 

6 

6 

9 

9 

9 

6 

6 

9 

6 

9 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

48 

60 

6 



STUDENTE 

10 


OBBLIGATORIE 


PROVA FINALE 




4 

4 

8 

10


40 

SECONDO LIVELLO 

Obiettivi 

formativi 


SCUOLA DI PITTURA 

DIPLOMA ACCADEMICO DI SECONDO LIVELLO IN PITTURA 

L’obiettivo del corso specialistico in Pittura è quello di fornire una formazione specifica nei codici 

propri del linguaggio della pittura unitamente ad una preparazione multidisciplinare nel campo 

dell’arte con particolare riferimento alle teorie, alle conoscenze, alle pratiche ed ai linguaggi dell’arte 

contemporanea. Il tema centrale su cui si impernia l’intera attività formativa è la maturazione 

nella creazione dell’opera intesa sia nella sua dimensione metodologica e progettuale sia in 

quella più propriamente operativa. Seguendo un percorso didattico volto alla conoscenza approfondita 

delle teorie, dei materiali e degli apparati tecnologici dell’arte, con le relative contaminazioni, 

il corso intende anche sviluppare capacità interpretative dei fenomeni complessi legati al 

mondo dell’arte, ai suoi contesti, alla sua diffusione, all’interpretazione del reale e dell’immagine 

contemporanea. A tal fine i laboratori si strutturano come luogo di esperienze in un precorso formativo 

specifico ma integrato che toccherà di volta in volta gli universi tematici di maggiore rilevanza. 

Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 

Le prospettive occupazionali sono quelle del mondo delle arti visive e delle professioni specialistiche 

ad esso collegate nel campo dell'operatività estetica ed artistica, della comunicazione e circolazione 

dell'arte. 

Possono iscriversi tutti coloro che sono in possesso di un Diploma accademico o di una laurea di 

primo livello. Il passaggio dal 1° al 2° livello, all'interno del Dipartimento di Arti Visive dell'Accademia 

di Brera, avviene in forma diretta. Per gli studenti provenienti da altri Dipartimenti, da altra 

Accademia, o da Facoltà Universitaria, il passaggio avviene tramite prova d'accesso. 


La prova di ammissione dal primo al secondo livello è finalizzata alla comprensione delle motivazioni 

e alla verifica delle attitudini ad intraprendere il corso di studi scelto. 

Consiste in un colloquio attitudinale con presentazione da parte del candidato di un proprio portfolio 

contenente opere e progetti, con qualunque tecnica ottenuti, e qualsiasi altra documentazione 

ritenuta utile ai fini dell'ammissione. 

La prova finale consiste nella discussione di una tesi costituita da una produzione artistica originale 

su specifico progetto integrato sotto l'aspetto laboratoriale, storico-critico e metodologico, svolta 

sotto la guida di due relatori, uno per la parte artistica, l'altro per la parte teorico-storico-critico o 

metodologica.


SECONDO LIVELLO 41 



DI BASE 






ULTERIORI 



STUDENTE 


PROVA FINALE 

CORSO DI DIPLOMA DI SECONDO LIVELLO IN PITTURA 




LINGUAGGI DELL’ ARTE CONTEMPORANEA 

ANTROPOLOGIA DELL’ ARTE 

FILOSOFIA DELL’ ARTE 

PITTURA 1 

PITTURA 2 



FOTOGRAFIA 

TECNICHE DELL’ INCISIONE-GRAFICA D’ ARTE 

ESTETICA DELLE ARTI VISIVE 

METODOLOGIE E TECNICHE DEL CONTEMPORANEO 

TECNICHE PERFORMATIVE PER LE ARTI VISIVE 


DECORAZIONE 

MORFOLOGIA E DINAMICHE DELLA FORMA 

ILLUSTRAZIONE 

FENOMENOLOGIA DELL’ IMMAGINE 


ECONOMIA E MERCATO DELL’ ARTE 


STORIA E METODOLOGIA DELLA CRITICA D’ ARTE 

DIGITAL VIDEO 

SEMIOTICA DELL’ ARTE 


ESTETICA E STORIA DELL’ ARTE MUSULMANA 



LITURGIA 




LETTERATURA BIBLICA 

ESTETICA EBRAICA 

SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 


6 

6 

6 

6 

6 

12 

12 

9 

9 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

30 

42 

6 

12 

12 

TOTALE CREDITI PREVISTI NEL BIENNIO 120


42 


Obiettivi 

formativi 


SCUOLA DI SCULTURA 

DIPLOMA ACCADEMICO DI SECONDO LIVELLO IN SCULTURA 

L’obiettivo del corso specialistico in Scultura è quello di fornire una formazione specifica nei codici 

propri del linguaggio della scultura unitamente ad una preparazione multidisciplinare nel campo 

dell’arte con particolare riferimento alle teorie, alle conoscenze, alle pratiche ed ai linguaggi 

dell’arte contemporanea. Il tema centrale su cui si impernia l’intera attività formativa è la maturazione 

nella creazione dell’opera intesa sia nella sua dimensione metodologica e progettuale sia 

in quella più propriamente operativa. 

Seguendo un percorso didattico volto alla conoscenza approfondita delle teorie, dei materiali e degli 

apparati tecnologici dell’arte, con le relative contaminazioni, il corso intende anche sviluppare 

capacità interpretative dei fenomeni complessi legati al mondo dell’arte, ai suoi contesti, alla 

sua diffusione, all’interpretazione del reale e dell’immagine contemporanea. 

A tal fine i laboratori si strutturano come luogo di esperienze in un precorso formativo specifico ma 

integrato che toccherà di volta in volta gli universi tematici di maggiore rilevanza. 

Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 



dell'arte. 



di Brera, avviene in forma diretta. Per gli studenti provenienti da altra Scuola, da altra Accademia, 

o da Facoltà Universitaria, il passaggio avviene tramite prova d'accesso. 



e alla verifica delle attitudini ad intraprendere il corso di studi scelto. Consiste in un colloquio 

attitudinale con presentazione da parte del candidato di un proprio portfolio contenente opere 

e progetti, con qualunque tecnica ottenuti, e qualsiasi altra documentazione ritenuta utile ai 

fini dell'ammissione. 




metodologica.



CORSO DI DIPLOMA DI SECONDO LIVELLO IN SCULTURA 



DI BASE 






ULTERIORI 



STUDENTE 

STORIA DELL'ARTE CONTEMPORANEA 


APPLICAZIONI DIGITALI PER LE ARTI VISIVE 


ELEMENTI DI MORFOLOGIA E DINAMICHE DELLA FORMA 

SCULTURA 1 

SCULTURA 2 

TECNICHE DEL MARMO E DELLE PIETRE DURE 



TECNICHE DELL’INCISIONE - GRAFICA D'ARTE 

ARCHITETTURA VIRTUALE 

PITTURA 

ECONOMIA E MERCATO DELL'ARTE 

ANTROPOLOGIA DELL'ARTE 

DIGITAL VIDEO 



FENOMENOLOGIA DELLE ARTI CONTEMPORANEE * 



FORMATURA, TECNOLOGIA E TIPOLOGIA DEI MATERIALI 

FOTOGRAFIA DIGITALE 


BENI CULTURALI AMBIENTALI 



ANATOMIA DELL’IMMAGINE 

SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 

6 

6 

9 

9 

6 

12 

12 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

30 

42 

6 

12 


PROVA FINALE 

12 



44 


Obiettivi 

formativi 


SCUOLA DI DECORAZIONE 

DIPLOMA ACCADEMICO DI SECONDO LIVELLO IN DECORAZIONE 

L’obiettivo del corso specialistico in Decorazione è quello di fornire una formazione specifica nei 

codici propri del linguaggio della decorazione unitamente ad una preparazione multidisciplinare 

nel campo dell’arte con particolare riferimento alle teorie, alle conoscenze, alle pratiche ed ai linguaggi 

dell’arte contemporanea. Il tema centrale su cui si impernia l’intera attività formativa è la 

maturazione nella creazione dell’opera intesa sia nella sua dimensione metodologica e progettuale 

sia in quella più propriamente operativa. 







Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 



dell'arte. 














metodologica.



CORSO DI DIPLOMA DI SECONDO LIVELLO IN DECORAZIONE 



DI BASE 






ULTERIORI 



STUDENTE 

VIDEO INSTALLAZIONI 

FILOSOFIA DELL'ARTE 

LINGUAGGI DELL'ARTE CONTEMPORANEA 

SEMIOTICA DELL'ARTE 

STORIA DELL'ARTE CONTEMPORANEA 1 

DECORAZIONE 1 

DECORAZIONE 2 






PITTURA 

SCULTURA 


FOTOGRAFIA 





TECNOLOGIE DELL'INFORMATICA 

FENOMENOLOGIA DELL'IMMAGINE 

DISEGNO (PER LA DECORAZIONE) 


SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 

6 

6 

6 

6 

6 

12 

12 

9 

9 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

30 

42 

6 

12 


PROVA FINALE 

12 



46 


Obiettivi 

formativi 


SCUOLA DI GRAFICA 

DIPLOMA ACCADEMICO DI SECONDO LIVELLO IN GRAFICA 

L’obiettivo del corso specialistico in Grafica è quello di fornire una formazione specifica nei codici 

propri del linguaggio della grafica unitamente ad una preparazione multidisciplinare nel campo 

dell’arte con particolare riferimento alle teorie, alle conoscenze, alle pratiche ed ai linguaggi dell’arte 

contemporanea. Il tema centrale su cui si impernia l’intera attività formativa è la maturazione 

nella creazione dell’opera intesa sia nella sua dimensione metodologica e progettuale sia in 

quella più propriamente operativa. 







Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 



dell'arte. 














metodologica.



CORSO DI DIPLOMA DI SECONDO LIVELLO IN GRAFICA 



DI BASE 






ULTERIORI 

STORIA DELL'ARTE CONTEMPORANEA (GRAFICA CONTEMPORANEA) 

GRAFICA D'ARTE TECNICHE CALCOGRAFICHE SPERIMENTALI 


SISTEMI EDITORIALI PER L'ARTE 


TECNICHE DELL'INCISIONE - GRAFICA D'ARTE 1 

TECNICHE DELL'INCISIONE - GRAFICA D'ARTE 2 




PROGETTAZIONE GRAFICA 


ILLUSTRAZIONE 



COMUNICAZIONE PUBBLICITARIA 


STORIA DELL'ARTE MODERNA 


DOCUMENTAZIONE FOTOGRAFICA 

SISTEMI EDITORIALI PER L'ARTE 




TECNICHE MODELLAZIONE DIGITALE-COMPUTER 3D 


SOUND DESIGN 

STORIA DELLA MUSICA CONTEMPORANEA 

STORIA E METODOLOGIA DELLA CRITICA D'ARTE 




ORGANIZZAZIONE DELLE ATTIVITA EDITORIALI 

ARTE DEL FUMETTO 

ELEMENTI DI GRAFICA EDITORIALE 

GRAFICA MULTIMEDIALE 

SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 

6 

9 

6 

6 

6 

12 

12 

6 

9 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

33 

39 

6 



STUDENTE 

12 


PROVA FINALE 

12 



48 



DIPLOMA DI SECONDO LIVELLO IN TEORIA E PRATICA DELLA TERAPEUTICA ARTISTICA 

Obiettivi 

formativi 

Le metodologie della Terapeutica Artistica, partendo dall’assunto teorico di base, di grande rilievo 

storico e culturale, che individua nell’espressione della creatività un potenziale curativo e maieutico, 

si propongono come modalità operative con la finalità di sostenere la crescita psicologica sia di 

individui provenienti da esperienze patologiche o traumatiche, sia di persone che aspirano a conservare 

e potenziare il proprio benessere psichico. Attraverso il connubio tra arte e scienze psicologiche, 

si sono poste le basi per lo sviluppo e l’applicazione di un nuovo significato di terapeuticità, 

comprendendo non più solamente l’atto medico all’interno di un rapporto diadico, ma anche la 

stessa funzione terapeutico-preventiva che le nuove strutture esprimono, in cui la creazione di nuovi 

spazi e di altre figure professionali si è dimostrata funzionale alla nascita di dinamiche positive. 

La richiesta di figure professionali atte alla conduzione di atelier nelle diverse strutture dell’area riabilitativa 

psichiatrica, preventiva, educativo-scolastica per l’infanzia e l’adolescenza, è in crescita. 

La formazione di nuove figure professionali deve quindi tener conto che alla base del percorso formativo 

è il linguaggio delle espressioni artistiche, la cultura del fare, unita alla preparazione sul 

piano delle discipline psicologiche ed educative. L’Accademia, istituzione per l’alta formazione artistica, 

è dunque in grado di attivarsi su questo progetto. 

Il corso ha l’obiettivo di: • promuovere la formazione di artisti terapisti, esperti del linguaggio visivo, 

ad elevato profilo professionale • sviluppare le capacità di riconoscere e gestire le situazioni problematiche, 

relative al disagio di natura psichica e/o socioambientale • preparare figure di sostegno 

in grado di interagire nel lavoro di equipe terapeutiche • promuovere la conoscenza della 

pratica artistica e delle possibilità di intervento nei processi teraupetici dell’espressione artistica presso 

medici, psicologi e psichiatri • sperimentare metodologie formative di tipo artistico, finalizzate 

ad una migliore conoscenza di sé, del proprio corpo e delle capacità espressive • valorizzare le risorse 

umane e la professionalità. 

Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 

La partecipazione al corso favorirà la libera professione e l’inserimento in contesti lavorativi di: 

• Servizi di Cura della Psichiatria (strutture psichiatriche riabilitative); 

• Operatori in ambito artistico pedagogico (educazione scolastica primaria); 

• Strutture di ambito preventivo (servizi dipartimenti alle politiche sociali); 

• Area disagio giovanile, prevenzione e recupero (comunità protette, recupero tossicodipendenti); 

• Area dell’handicap (centri socioeducativi); 

• Strutture geriatriche. 

Il corso si rivolge a candidati in possesso di diploma di laurea di 1° livello ( requisito minimo), provenienti 

sia da formazione artistica, sia da formazione letteraria che medico scientifica. 


La selezione per l’ammissione al corso avviene tramite colloquio orale motivazionale e sulla base 

della valutazione del curriculum vitae e studio nonché di un portafoglio personale contenente opere 

e progetti, realizzati con qualunque tecnica, e qualsiasi altra documentazione ritenuta utile ai fini 

dell'ammissione. 

Discussione del progetto di sintesi finale.



CORSO DI DIPLOMA DI SECONDO LIVELLO IN TEORIA E PRATICA DELLA TERAPEUTICA ARTISTICA 



DI BASE 






CROMATOLOGIA 1 

CROMATOLOGIA 2 

ANATOMIA DELL'IMMAGINE 

STORIA DELL'ARTE CONTEMPORANEA (DELLE ARTI PERFORMATIVE) 1-2 

PRINCIPI E TECNICHE DELLA TERAPEUTICA ARTISTICA 1 

PRINCIPI E TECNICHE DELLA TERAPEUTICA ARTISTICA 2 



STORIA E MODELLI DELL'ARTETERAPIA 1 

STORIA E MODELLI DELL'ARTETERAPIA 2 

PEDAGOGIA DELLA RELAZIONE E COMUNICAZIONE EDUCATIVA 

FONDAMENTI DI PSICHIATRIA 

PEDAGOGIA 

TECNICHE DEI MATERIALI 

TECNICHE DI ELABORAZIONE DEL COSTUME 

DIGITAL VIDEO 



ECODESIGN 

ARCHETIPI DELL'IMMAGINARIO 

DIDATTICA DEI LINGUAGGI ARTISTICI 1-2 

PROGETTAZIONE SPAZI SONORI 

PRATICHE CREATIVE PER L'INFANZIA 


ESTETICA 

ETNOPSICHIATRIA 

PSICOLOGIA DELL'ETA EVOLUTIVA 

FONDAMENTI DI NEUROPSICHIATRIA INFANTILE 

FONDAMENTI DI PSICOLOGIA 

STORIA E METODOLOGIA DELLA CRITICA D'ARTE 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

4 

4 

4 

4 

4 

4 

4 

6 

6 

6 

4 

6 

4 

6 

4 

6 

4 

4 

4 

6 

6 

4 

4 

30 

42 



STUDENTE 

10 


ULTERIORI 


PROVA FINALE 

SEMINARI - WORKSHOP - STAGE 

LABORATORIO DI TECNICHE TERAPEUTICHE INTEGRATE 

TIROCINIO 


4 

12


50 


Obiettivi 

formativi 



DIPLOMA ACCADEMICO DI SECONDO LIVELLO IN COSTUME PER LO SPETTCOLO 

ll corso di studi offre un percorso formativo destinato alla formazione di scenografi, di costumisti 

e di operatori specializzati con elevata preparazione per promuovere, sviluppare l’innovazione artistica 

e gestire la parte visiva di un evento. L 'idea-guida del corso è il riconoscimento delle complessità 

dello spettacolo e la necessità di apprenderne le diverse specificità tecniche e culturali. 

In particolare gli studenti devono: 

• possedere un' adeguata preparazione culturale e una valida formazione artistica tecnico-operativa 

di base relativa ai settori della scenografia, degli allestimenti, del costume per lo spettacolo 

• essere in grado di gestire in modo professionale la parte visiva di un evento ed essere capaci di 

proporre e sviluppare nuove espressioni scenografiche 

• possedere strumenti metodologici e critici adeguati all'acquisizione di competenze dei linguaggi 

espressivi e comunicativi, delle tecniche e dei contesti delle manifestazioni specifiche 


specifici di competenza 

• essere preparati sia al lavoro di gruppo sia ad operare in modo autonomo. 

Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 

l diplomati della Scuola svolgeranno attività professionali nei diversi ambiti pubblici e privati della 

scenografia teatrale, cinematografica e televisiva, degli allestimnti, del costume per lo spettacolo. 

Possono presentare domanda di iscrizione tutti coloro che sono in possesso di un Diploma accademico 

o di una laurea di 1° livello. Il passaggio dal 1° al 2° livello all'interno della Scuola di Scenografia 

dell'Accademia di Brera avviene in forma diretta per numero programmato. Per gli studenti 

provenienti da altra Scuola, da altra Accademia o da facoltà universitaria il passaggio avviene 

tramite prova d'accesso. 



e alla verifica delle attitudini ad intraprendere il corso di studi scelto. Gli esami di ammissione 

al diploma di secondo livello sono costituiti da un colloquio attitudinale con presentazione da 

parte del candidato di un proprio portfolio contenente opere e progetti. 

La prova finale consiste nella discussione di una tesi costituita da una produzione originale su specifico 

progetto integrato sotto l'aspetto laboratoriale, storico-critico e metodologico, svolta sotto la 

guida di due relatori, uno per la parte laboratoriale, l'altro per la parte teorico-storico-critico o metodologica.



CORSO DI DIPLOMA DI SECONDO LIVELLO IN SCENOGRAFIA INDIRIZZO COSTUME PER LO SPETTACOLO 



DI BASE 






ULTERIORI 

TECNOLOGIE E APPLICAZIONI DIGITALI 


REGIA 


COSTUME PER LO SPETTACOLO 1 

COSTUME PER LO SPETTACOLO 2 



TECNICHE SARTORIALI PER IL COSTUME 

TECNICHE DI ELABORAZIONE DEL COSTUME 

LIGHT DESIGN 

DESIGN DELL’ACCESSORIO 

TRUCCO E MASCHERA TEATRALE 




STORIA DELLA TELEVISIONE E DELLO SPETTACOLO TELEVISIVO 



EDITORIA PER IL FASHION DESIGN 


FOTOGRAFIA 

SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 

9 

9 

6 

6 

12 

12 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

30 

42 

6 



STUDENTE 


PROVA FINALE 

12 

14 



52 


Obiettivi 

formativi 



DIPLOMA ACCADEMICO DI SECONDO LIVELLO IN SCENOGRAFIA TEATRALE 

Il corso di studi si propone la formazione di scenografi, costumisti e di operatori specializzati con 

elevata preparazione per promuovere, sviluppare l’innovazione artistica e gestire la parte visiva di 

un evento. L'idea-guida del corso è il riconoscimento delle complessità dello spettacolo e la necessità 

di apprenderne le diverse specificità tecniche e culturali. 

In particolare devono: 









• essere preparati sia al lavoro di gruppo sia ad operare in modo autonomo. 

Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 


scenografia teatrale, cinematografica e televisiva, degli allestimenti, del costume per lo spettacolo 









Gli esami di ammissione al diploma di secondo livello sono costituiti da un colloquio attitudinale 

con presentazione da parte del candidato di un proprio portfolio contenente opere e progetti. 






CORSO DI DIPLOMA DI SECONDO LIVELLO IN SCENOGRAFIA INDIRIZZO TEATRO 



DI BASE 






ULTERIORI 



REGIA 


SCENOGRAFIA PER IL TEATRO 1 

SCENOGRAFIA PER IL TEATRO 2 

SCENOTECNICA 

DIRITTO, LEGISLAZIONE, ECONOMIA DELLO SPETTACOLO 


LIGHT DESIGN 

COSTUME PER LO SPETTACOLO 


STORIA (DEL COSTUME E) DELLA MODA 

STORIA DELL'ARCHITETTURA TEATRALE 


DRAMMATURGIA MULTIMEDIALI 




RENDERING 3D 


SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 

9 

9 

6 

6 

12 

12 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

30 

42 

6 



STUDENTE 


PROVA FINALE 

12 

12 



54 




DIPLOMA ACCADEMICO DI SECONDO LIVELLO IN SCENOGRAFIA PER IL CINEMA E LA TV 

Obiettivi 

formativi 

Il corso di studi offre un percorso formativo destinato alla formazione di scenografi, di costumisti, 

e di operatori specializzati con elevata preparazione per promuovere, sviluppare l’innovazione artistica 

e gestire la parte visiva di un evento. L 'idea-guida del corso è il riconoscimento delle complessità 

dello spettacolo e la necessità di apprenderne le diverse specificità tecniche e culturali. 

In particolare devono: 









• essere preparati sia al lavoro di gruppo sia ad operare in modo autonomo 

Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 


scenografia teatrale, cinematografica e televisiva, degli allestimenti, del costume per lo spettacolo 









Gli esami di ammissione al diploma di secondo livello sono costituiti da un colloquio attitudinale 

con presentazione da parte del candidato di un proprio portfolio contenente opere e progetti. 






CORSO DI DIPLOMA DI SECONDO LIVELLO IN SCENOGRAFIA INDIRIZZO CINEMA E TV 

Tipologia attività formative Attività formative Crediti Tot.Credi 


DI BASE 






ULTERIORI 



REGIA 


SCENOGRAFIA PER IL CINEMA E LA TV 1 

SCENOGRAFIA PER IL CINEMA E LA TV 2 


DIRITTO,LEGISLAZ.,ECONOMIA DELLO SPETTACOLO 

SCENOTECNICA 



LIGHT DESIGN 


STORIA (DEL COSTUME E) DELLA MODA 


TEORIA DEGLI AUDIOVISIVI 


DRAMMATURGIA MULTIMEDIALI 



TECNICHE DI RIPRESA E MONTAGGIO 

RENDERING 3D 

SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 

9 

9 

6 

6 

12 

12 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

30 

42 

6 



STUDENTE 


PROVA FINALE 

12 

12 



56 


Obiettivi 

formativi 


SCUOLA DI RESTAURO 

DIPLOMA ACCADEMICO DI SECONDO LIVELLO IN RESTAURO 

Il corso di studio del biennio per il conseguimento del Diploma accademico di restauro di secondo 

livello ha l’obiettivo di portare a completamento la formazione del restauratore. Il completamento 

consiste nell’approfondimento del percorso triennale di base e nella scelta di un indirizzo tra le diverse 

aree/ambiti specialistici attivati. Nelle more delle ulteriori definizioni applicative della normativa 

recente riguardante i profili professionali, le qualifiche e le modalità dell’insegnamento del settore 

del restauro (DM del 26.05.2009 n. 86 del Ministero per i beni e le attività culturali e DM del 

26.05.2009 n. 87 del Ministero per i beni e le attività culturali-Ministero dell’istruzione dell’università 

e della ricerca, pubblicati in GU 13.07 2009) il piano di studi del biennio intende configurarsi 

come adeguamento tra vecchio e nuovo ordinamento. La Scuola di restauro si fa carico di attivare i 

necessari percorsi perequativi, sottoponendoli agli organismi preposti. Gli esami dei corsi obligatori 

nel biennio sono undici. Il raccordo e il passaggio dal triennio di base al biennio di indirizzo è caratterizzato 

dal Laboratorio di Sintesi Finale, istruito secondo linee guida che fanno parte integrante 

del Regolamento didattico della Scuola e del corso. 

Il corso mira a far conseguire i seguenti obiettivi: 

• conoscenze superiori chimico fisiche per l’analisi diagnostica del degrado e dei dissesti, per la progettazione 

degli interventi, per lavalutazione delle alternative di intervento, delle tecniche idonee 

e delle modalità di esecuzione 

• approfondimenti della cultura storica e artistica 

• maturazione di una metodologia progettuale unitaria e di base per il restauro, ampliata e articolata 

per rispondere alle necessità tecniche di genere e di indirizzo prescelto 

• dimostrazione di raggiunta autonomia progettuale come momento qualificante del passaggio 

dall’analisi storico-critica, dal rilievo dei dati quantitativi e qualitativi, dall’indagine diagnostica, 

dalla stesura del programma di conservazione a quello specificamente professionale della definizione 

delle opzioni di intervento e cioè del progetto di restauro in tutte le sue articolazioni e gradi 

di specificazioni (di massima, di esecuzione e di realizzazione, preventivazione, capitolati, ecc.) 

• acquisizione delle conoscenze e istruzioni su sicurezza, organizzazione e conduzione di cantiere 

• conduzione di un intervento di restauro, totale o parziale e sua presentazione pubblica divulgativa 

e scientifica. 

Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

I diplomati del corso di Diploma accademico di secondo livello di Restauro ottengono il titolo di Diploma 

accademico specialistico in Restauro e potranno trovare collocazione in attività di progettazione 

e direzione di cantiere di restauro secondo le norme previste dalle leggi vigenti e quelle in itinere 

dei D.M. del 26.05.2009 nn. 86 e 87. L’Accademia di Brera organizzerà in accordo con il Ministero 

dell’Università, con il Ministero per i Beni e le attività culturali, gli enti di ricerca pubblici e privati, 

le organizzazioni di categoria, le imprese accreditate e certificate tutte le iniziative necessarie 

(stage, work-shop, tirocini) per completare la formazione quinquennale con la prova finale concorrente, 

secondo la più recente normativa, all’acquisizione dell’abilitazione all’esercizio della professione 

e, dunque, per l’attivazione dell’Esame di Stato. 

Per l’ammissione al corso di Diploma accademico in restauro di II livello è richiesto il superamento 

del Triennio di base (“idoneità”).



Tipologia 

della prova 

finale 

La prova finale per il conseguimento del Diploma accademico Specialistico in Restauro, a cui vengono 

assegnati 18 CFA/ECTS, consiste nella presentazione di un elaborato originale di progetto di 

restauro accompagnato da esemplificazione totale o parziale esecutiva. 

CORSO DI DIPLOMA DI SECONDO LIVELLO IN RESTAURO 



DI BASE 






ULTERIORI 



STUDENTE 


CHIMICA PER IL RESTAURO DELL’ARTE CONTEMPORANEA 

TECNICHE E TECNOLOGIE DELLA DIAGNOSTICA 

RESTAURO DELL'ARTE CONTEMPORANEA 1 

RESTAURO DELLA FOTOGRAFIA 

METODOLOGIE DEL RESTAURO 


RESTAURO AFFRESCHI E DIPINTI MURALI 

RESTAURO TELE E TAVOLA 

RESTAURO DELL’ARTE CONTEMPORANEA 2 


RESTAURO DEI MATERIALI LAPIDEI 2 

SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE, PREQUALIFICATIVI, INTENSIVI, ORIENTAMENTO 

LABORATORIO DI SINTESI FINALE 

RESTAURO DELL’ARTE CONTEMPORANEA 

RESTAURO DEL CINEMA E DEL VIDEO 

6 

6 

12 

12 

12 

9 

6 

12 

12 

12 

12 

12 

6 

6 

24 

39 

15 

12 


PROVA FINALE 

18 



58 


Obiettivi 

formativi 



DIPLOMA ACCADEMICO DI SECONDO LIVELLO IN PRODUCT DESIGN 

Tale corso ha l'obiettivo di formare professionalità artistiche e tecniche che, tenendo conto sia della 

tradizione delle arti applicate sia della cultura del disegno industriale e delle applicazioni al design 

delle nuove tecnologie, sappiano inserirsi nel mondo della produzione d'impresa, con piena 

consapevolezza intellettuale ed adeguati strumenti operativi. Il corso prepara specialisti della progettazione 

artistica in grado di realizzare in modo creativo prodotti di design che dovranno rispondere 

alle esigenze del rinnovamento del linguaggio, della committenza e del mercato. Studio dei 

materiali, ricerca e innovazione sono i cardini del corso che tende a definire una figura professionale 

di grande flessibilità, capace di collocarsi sia all'interno del nostro sistema produttivo (bottega 

artigiana, piccola-media impresa, grande industria), sia di lavorare come libero professionista. 

Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 

Il corso tende a definire una figura professionale di grande flessibilità, capace di collocarsi in ambiti 

diversi, dalla libera professione agli studi e alle società di progettazione, all'interno di un sistema 

produttivo diversificato: dalla impresa artigianale, alla piccola e media impresa, fino alla grande 

industria. 


o di una laurea di 1° livello. Il passaggio dal 1° al 2° livello all'interno della Scuola di Progettazione 

artistica dell'impresa dell'Accademia di Brera avviene in forma diretta per numero programmato. 

Per gli studenti provenienti da altra Scuola, da altra Accademia o da facoltà 

universitaria il passaggio avviene tramite prova d'accesso. 











CORSO DI DIPLOMA DI SECONDO LIVELLO IN PRODUCT DESIGN 



DI BASE 






ULTERIORI 

LANDSCAPE DESIGN 

URBAN DESIGN 


PSICOSOCIOLOGIA DEI PROCESSI CULTURALI 

PRODUCT DESIGN 1 

PRODUCT DESIGN 2 


DESIGN MANAGEMENT 

TECNOLOGIA DEI NUOVI MATERIALI 


ERGONOMIA DELLE ESPOSIZIONI 

ARTI APPLICATE E TIPOLOGIA DEI MATERIALI 

CONCEPT PLANING 


RENDERING 3D 

PACKAGING 

TEORIA DEL PAESAGGIO 

SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 

9 

9 

6 

6 

12 

12 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

30 

42 

6 



STUDENTE 


PROVA FINALE 

12 

12 



60 


Obiettivi 

formativi 



DIPLOMA ACCADEMICO DI SECONDO LIVELLO IN FASHION DESIGN 

Scopo del corso è quello di preparare specialisti della progettazione artistica dell’abbigliamento in 

grado di realizzare collezioni con una forte componente creativa, nelle quali trovino applicazione 

la manualità e la conoscenza di tecniche artigiano-industriali, applicate in forma espressiva e innovativa. 

Particolare attenzione sarà dedicata allo studio e alla ricerca di materiali tessili e non 

tessili al fine di trovare nuovi linguaggi formali multimetrici. Sarà inoltre valorizzato l’aspetto della 

comunicazione con lo studio e la progettazione di concepts divulgabili attraverso la rete. 

Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 

Il corso tende a definire una figura professionale di grande flessibilità, capace di collocarsi all’interno 

del nostro sistema produttivo costituito da diversi tipi di impresa: dalla bottega artigianale alla 

piccola-media impresa, fino alla grande industria. 


o di una laurea di 1° livello. Il passaggio dal 1° al 2° livello all'interno della Scuola di Progettazione 

artistica per l’impresa dell'Accademia di Brera avviene in forma diretta per numero programmato. 

Per gli studenti provenienti da altra Scuola, da altra Accademia o da facoltà 

universitaria il passaggio avviene tramite prova d'accesso. 











CORSO DI DIPLOMA DI SECONDO LIVELLO IN FASHION DESIGN 



DI BASE 






ULTERIORI 

AMBIENTAZIONE DELLA MODA 

DESIGN 

CONCEPT PLANNING 



FASHION DESIGN 1 

FASHION DESIGN 2 

MODELLISTICA (FIGURINO E MODELLO) 


CULTURA DEI MATERIALI DI MODA 

TECNICHE DELLA RAPPRESENTAZIONE 

SISTEMA DELLA MODA E NUOVE TENDENZE 

DESIGN DEGLI ACCESSORI 

ANTROPOLOGIA DELLA MODA 


TECNICHE DI ELABORAZIONE PER IL COSTUME 

FONDAMENTI DI MARKETING CULTURALE 

ANALISI COMPARATA TRA ARTE E MODA 

DESIGN DEL GIOIELLO 

SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 

6 

6 

6 

6 

6 

12 

12 

9 

9 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

30 

42 

6 



STUDENTE 


PROVA FINALE 

12 

12 



62 



SCUOLA DI NUOVE TECNOLOGIE PER L’ARTE 

DIPLOMA ACCADEMICO DI SECONDO LIVELLO IN ARTI MULTIMEDIALI DEL CINEMA E DEL VIDEO 

Obiettivi 

formativi 

Il corso di studi offre un percorso formativo destinato alla formazione di operatori artistici, con una 

elevata preparazione, qualificati per operare in tutte le forme delle arti multimediali digitali (animazione 

2D e 3D, cinema, video, dispositivi ed eventi interattivi, installativi e performativi, editoria 

e grafica multimediale, arti del web, teorie ed estetiche). L 'idea-guida del corso è il riconoscimento 

delle complessità di questi ambiti e la necessità di apprenderne le diverse specificità tecniche 

e culturali. 

Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 

I diplomati di questo settore potranno svolgere attività professionali ad alto contenuto espressivo e 

artistico nei diversi ambiti tecnologici e nelle diverse forme di ibridazione tra questi e le discipline 

tradizionali. 


o di una laurea di 1° livello. Il passaggio dal 1° al 2° livello all'interno di Dipartimento di 

Progettazione ed Arti Applicate dell'Accademia di Brera avviene in forma diretta per numero programmato. 

Per gli studenti provenienti da altra Scuola, da altra Accademia o da facoltà universitaria 

il passaggio avviene tramite prova d'accesso. 













DI BASE 






ULTERIORI 



STUDENTE 


PROVA FINALE 

CORSO DI DIPLOMA DI SECONDO LIVELLO IN ARTI MULTIMEDIALI DEL CINEMA E DEL VIDEO 


PROGETTAZIONE DEGLI SPAZI SONORI 




PROGETTAZIONE MULTIMEDIALI 

TECNICHE DI MONTAGGIO 

ELEMENTI DI PRODUZIONE VIDEO 


TEORIA ED ANALISI DEL CINEMA ED AUDIOVISIVO 

SOCIOLOGIA DEI NUOVI MEDIA 


NET ART 


FOTOGRAFIA 

ORGANIZZAZIONE E PRODUZIONE ARTE MEDIALE 

ELEMENTI DI STORIA DELLA COMUNICAZIONE SOCIALE 

REALTA VIRTUALI E PARADIGMI DELLA COMPLESSITA 

SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 


9 

9 

6 

6 

12 

12 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

30 

42 

6 

12 

12 



64 




DIPLOMA ACCADEMICO DI SECONDO LIV. IN ARTI MULTIMEDIALI INTERATTIVE E PERFORMATIVE 

Obiettivi 

formativi 

Il corso di studi offre un percorso formativo destinato alla formazione di operatori artistici, con una 

elevata preparazione, qualificati per operare in tutte le forme delle arti multimediali digitali (animazione 

2D e 3D, cinema, video, dispositivi ed eventi interattivi, installativi e performativi, editoria 

e grafica multimediale, arti del web, teorie ed estetiche) L 'idea-guida del corso è il riconoscimento 

delle complessità di questi ambiti e la necessità di apprenderne le diverse specificità tecniche 

e culturali. 

Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 

I diplomati di questo settore potranno svolgere attività professionali ad alto contenuto espressivo ed 

artistico nei diversi ambiti tecnologici e nelle diverse forme di ibridazione tra questi e le discipline 

tradizionali. 


o di una laurea di 1° livello. Il passaggio dal 1° al 2° livello all'interno di Dipartimento di 

Progettazione ed Arti Applicate dell'Accademia di Brera avviene in forma diretta per numero programmato. 

Per gli studenti provenienti da altra Scuola, da altra Accademia o da facoltà universitaria 

il passaggio avviene tramite prova d'accesso. 













DI BASE 






ULTERIORI 



STUDENTE 


PROVA FINALE 

CORSO DI DIPLOMA DI SECONDO LIVELLO IN ARTI MULTIMEDIALI INTERATTIVE E PERFORMATIVE 

Attività formativa 

PROGETTAZIONE DEGLI SPAZI SONORI 




REGIA 

PROCESSI E TECNICHE DELLO SPETTACOLO MULTIMEDIALE 

PROGETTAZIONE SOFTWARE INTERATTIVI 

ESTETICA DELLE INTERFACCE 

TECNICHE PERFORMATIVE DELLE ARTI VISIVE 

NET ART 



FOTOGRAFIA 

ORGANIZZAZIONE E PRODUZIONE ARTE MEDIALE 


ELEMENTI DI STORIA DELLA COMUNICAZIONE SOCIALE 

REALTA VIRTUALI E PARADIGMI DELLA COMPLESSITA 

SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 


9 

9 

6 

6 

12 

12 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

30 

42 

6 

12 

12 



66 


Obiettivi 

formativi 



DIPLOMA ACCADEMICO DI SECONDO LIVELLO IN FOTOGRAFIA 

Il corso ha l’obiettivo di formare un artista/fotografo. Ha inoltre l’obiettivo di: 

• formare un professionista capace di proporre soluzioni creative e innovative nei diversi settori 

professionali. Cioè un professionista con una cultura visiva, concettuale e fotografica. 

• favorire conoscenze delle metodologie e dei contenuti delle discipline e garantire un'elevata padronanza 

delle tecniche e degli strumenti specifici della progettazione e della realizzazione di 

prodotti della fotografia; 

• sviluppare un'attitudine all'innovazione che consideri i cambiamenti sociali, le dinamiche di 

mercato, nonché le opportunità offerte dallo sviluppo tecnologico. 

Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 

Le prospettive occupazionali sono quelle offerte dall'articolato mondo della fotografia: 

commerciale; editoriale; artistica 


o di una laurea di 1° livello. L'ammissione al corso avviene tramite prova d'accesso. 


La prova di ammissione è finalizzata alla comprensione delle motivazioni e alla verifica delle attitudini 

ad intraprendere il corso di studi scelto. Gli esami di ammissione al diploma di secondo livello 

sono costituiti da un colloquio attitudinale con presentazione da parte del candidato di un 

proprio portfolio contenente opere e progetti, con qualunque tecnica ottenuti, e qualsiasi altra documentazione 

ritenuta utile ai fini dell'esame. 






CORSO DI DIPLOMA DI SECONDO LIVELLO IN FOTOGRAFIA 



DI BASE 






ULTERIORI 

STORIA DELLA FOTOGRAFIA (CONTEMPORANEA) 


STORIA DELLA CRITICA FOTOGRAFICA 

ESTETICA DEI NEW MEDIA 


DIREZIONE DELLA FOTOGRAFIA 

FOTOGRAFIA (LABORATORIO DI PROGETTAZIONE INTEGRATA) 

FOTOGRAFIA (LABORATORIO DI PROGETTAZIONE FOTOGRAFICA) 

FOTOGRAFIA (STILL-LIFE) 

FOTOGRAFIA (RITRATTO E MODA) 

FOTOGRAFIA (ARCHITETTURA E PAESAGGIO) 

FOTOGRAFIA (REPORTAGE) 


FOTOGRAFIA (COMUNICAZIONE SOCIALE) 


SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 

6 

6 

9 

9 

12 

9 

12 

9 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

30 

42 

6 



STUDENTE 


PROVA FINALE 

12 

12 



68 


Obiettivi 

formativi 


SCUOLA DI COMUNICAZIONE E DIDATTICA DELL’ARTE CONTEMPORANEA 

DIPLOMA ACCADEMICO DI SECONDO LIVELLO IN DIDATTICA PER L’ARTE 

Il corso ha come obbiettivo la formazione di operatori che abbiano adeguate conoscenze storiche, 

culturali, capacità tecniche e competenze tecnologiche per la comunicazione, la promozione e 

l'organizzazione degli eventi artistici. Il diploma pone le basi per due profili professionali: 

• il primo rivolto al mondo dell'arte e ai suoi luoghi di esposizione, studio e conservazione; 

• il secondo alla didattica dell'arte per le scuole e per il museo. 

Tale corso fornisce alla figura del manager degli eventi culturali (curator) conoscenze teorico-pratiche 

specialistiche e una preparazione specifica per comprendere i complessi meccanismi relativi 

al sistema dell'arte nelle sue dinamiche operative, nella gestione delle risorse e nella sua offerta 

culturale. Il futuro curator sarà in grado di ideare, organizzare e comunicare eventi artistici per 

musei, gallerie, istituzioni pubbliche e private e disporrà delle necessarie competenze per l'editoria 

d'arte, la didattica museale e l'ordinamento di archivi e biblioteche. 

Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 

I diplomati del corso svolgeranno attività professionali nei diversi ambiti pubblici e privati come 

specialisti in grado di operare con flessibilità nei vari settori del sistema dell'arte, con particolare 

riguardo all'aspetto promozionale, organizzativo, comunicativo delle manifestazioni artistiche e 

dei grandi eventi per i quali saranno in grado di fornire sia la curatela che i supporti comunicativi 

necessari (ufficio stampa, pubbliche relazioni ecc.). 

In accordo con enti pubblici e privati, saranno organizzati gli stages e i tirocini più opportuni per 

concorrere al conseguimento delle specifiche professionalità: attività didattiche di supporto a manifestazioni 

artistiche, coadiutore nell'ambito dell'organizzazione e della gestione museale pubblica 

e privata, esperto in organizzazione e allestimento di manifestazioni artistiche, ufficio stampa 

e pubbliche relazioni, curatore di biblioteche e videoteche specializzate in arte, redattore per 

editoria in riviste d'arte, collaboratore qualificato per la conduzione di gallerie d'arte private. 

Diploma accademico o diploma di laurea di primo livello nelle seguenti classi di laurea: L-1 Beni 

Culturali, L-5 Filosofia; L-10 Lettere; L-11 Lingue; L-17 Scienze dell’architettura L-19 Scienze dell’educazione 

e formazione; L-20 Scienze della comunicazione. 


Accesso diretto per i diplomati di primo livello in Comunicazione e didattica dell’arte anche provenienti 

da altre accademie del sistema AFAM. Colloquio per i diplomati di primo livello delle altre 

scuole del sistema AFAM e per i laureati provenienti da altre facoltà universitarie finalizzato ad accertare 

l’adeguato livello di conoscenza sul sistema dell’arte contemporanea e sulla storia dell’arte, 

in particolare moderna e contemporanea. 

La prova finale prevede una tesi di carattere storico-teorico o metodologico-progettuale o tecnicoartistico, 

sotto forma di saggio breve, in una delle discipline comprese nel curriculum didattico o 

nel piano personale di studi.



CORSO DI DIPLOMA DI SECONDO LIVELLO IN COMUNICAZIONE E ORGANIZZAZIONE PER L'ARTE CONTEMPORANEA 



DI BASE 






ULTERIORI 

APPLICAZIONI DIGITALI PER L 'ARTE 

FENOMENOLOGIA DEGLI STILI 


FILOSOFIA DELL'ARTE 



STORIA DELLA PEDAGOGIA 


MUSEOLOGIA E GESTIONE DEI SISTEMI ESPOSITIVI 1 

MUSEOLOGIA E GESTIONE DEI SISTEMI ESPOSITIVI 2 



MUSEOLOGIA DEL CONTEMPORANEO 

ANTROPOLOGIA DELLE SOCIETA COMPLESSE 



EDITORIA PER L'ARTE 

LEGISLAZIONE DEL MERCATO DELL'ARTE 

LINGUAGGI MULTIMEDIALI 

INFORMAZIONE PER L'ARTE:MEZZI E METODI 

RELAZIONI PUBBLICHE 





SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

30 

42 

6 



STUDENTE 


PROVA FINALE 

12 

12 



70 



SCUOLA DI COMUNICAZIONE E VALORIZZAZIONE DEL PATRIMONIO ARTISTICO CONTEMPORANEO 

DIPLOMA ACCADEMICO DI SECONDO LIV. IN COMUNICAZIONE CREATIVA PER I BENI CULTURALI 

Obiettivi 

formativi 

Fine del corso è formare professionisti di alta specializzazione nell'ambito della comunicazione, 

principale leva della valorizzazione del patrimonio culturale. Il corso colma una lacuna nella formazione 

universitaria, dove la valorizzazione è vista soprattutto sotto l'aspetto gestionale e manageriale, 

mentre i corsi di comunicazione sono rivolti alle imprese o all'informazione e non considerano 

il settore dei beni culturali. Esso oggi richiede forme di comunicazione innovative per 

parlare al pubblico attraverso strumenti e linguaggi che, senza tradire la correttezza dei contenuti 

informativi e le pecularità del patrimonio, sappiano anche emozionare e coinvolgere. Il corso, richiamandosi 

alla ricerca creativa che caratterizza le accademie, risponde a questa specifica esigenza 

realizzando i seguenti obiettivi formativi: 

• conoscenza delle attività nelle quali si attuano forme di comunicazione essenzialmente creative; 

• apprendimento delle discipline che consentano di acquisire un dominio teorico dei processi di 

comunicazione che abbiano per oggetto i beni culturali; 

• elaborazione di progetti integrati di comunicazione, che costituiscano la sperimentazione ‘sul 

campo’ di un approccio innovativo alla valorizzazione.. 

Prospettive 

occupazionali 

Requisiti 

d’accesso 

Tipologia 

della prova 

finale 

Lo specialista della comunicazione per i beni culturali, dotato di una spiccata attitudine ad affrontare 

in modo innovativo e inventivo i problemi posti dai diversi momenti della valorizzazione dei 

beni culturali, padroneggiando molteplici linguaggi e forme creative di comunicazione, trova occupazione 

come professionista creativo nella progettazione di programmi di comunicazione museale, 

nell’ideazione e realizzazione di mostre, di parchi archeologici, naturalistici o letterari, di 

percorsi per il turismo culturale, di campagne di promozione, di eventi, di specifiche iniziative e 

attività di comunicazione. 

Il corso si rivolge, oltre che ai diplomati in Discipline della valorizzazione dei beni culturali (che 

hanno accesso diretto), a studenti che abbiano già acquisito nei precedenti percorsi di primo livello, 

presso istituzioni Afam o università, almeno le conoscenze e le competenze di base relative al 

patrimonio culturale o a suoi settori specifici, o ad aspetti della comunicazione e della valorizzazione 

(classi delle lauree triennali L-1, L-3, L-5, L-10, L-17, L-19, L-20, L-21, L-42). 


Il possesso dei requisiti di accesso, per gli studenti che non hanno accesso diretto, è accertato attraverso 

una verifica costituita da un colloquio attitudinale. 

Discussione di una tesi di carattere teorico o progettuale.





DI BASE 






ULTERIORI 



STUDENTE 


PROVA FINALE 

CORSO DI DIPLOMA DI SECONDO LIVELLO IN COMUNICAZIONE CREATIVA PER IBENI CULTURALI 


INTERACTION DESIGN 


SCRITTURA CREATIVA (NARRATIVA) 

RELAZIONI PUBBLICHE 

COMUNICAZIONE ESPOSITIVA 

COMUNICAZIONE E VALORIZZAZIONE DELLE COLLEZIONI MUSEALI 

SEMIOLOGIA E RETORICA DEI SISTEMI ESPOSITIVI 


MULTIMEDIALITA PER I BENI CULTURALI 

VALORIZZAZIONE DEI BENI ARCHITETTONICI E PAESAGGISTICI 


PEDAGOGIA E DIDATTICA DELL'ARTE 

PROGETTAZIONE DI SPAZI SONORI 



STORIA DELL'ARCHITETTURA E DELL'URBANISTICA 


METODOLOGIA E TEORIA DELLA STORIA DELL'ARTE 

STORIA E METODOLOGIA DELLA CRITICA D’ARTE 



ANTROPOLOGIA DELL'ARTE 


SEMINARI 

WORKSHOP 

STAGE 


9 

9 

6 

6 

9 

9 

6 

9 

9 

6 

9 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

6 

30 

42 

6 

9 

12 




PROGRAMMI


74 

PROGRAMMI 

1°LIV 

ALLESTIMENTO DEGLI SPAZI ESPOSITIVI 

Luca Ghirardosi 

2°LIV 

AMBIENTAZIONE MODA 

Angelo Ghilardi 

“Trasformazioni temporanee” così è 

stata chiamata una sezione, dedicata 

agli allestimenti di mostre ed eventi, 

di una recente edizione della Biennale 

Architettura, il meglio dell’architettura 

provvisoria. Questo settore della 

progettazione coinvolge sicuramente figure professionali come 

architetti e designer e credo a pieno diritto anche scenografi. 

Il corso si propone di stimolare l’attenzione degli studenti su 

questa possibilità progettuale; vale a dire la trasformazione parziale 

o totale, attraverso pochi misurati interventi o efficaci invasioni 

di spazi, di edifici industriali, padiglioni fieristici, gallerie, 

chiese, stazioni ferroviarie, utilizzando gli strumenti tipici 

del lavoro dello scenografo: forma, materia, colore, luce e movimento. 

Punti focali saranno il contenuto tematico dell’esposizione e la 

fruizione del pubblico. Sottolineando l’analogia al progetto scenografico 

teatrale: testo, musica, coreografia e spettatore. Mettendo 

in evidenza quanto sia fondamentale, dato il tema e il 

luogo, l’efficacia del progetto per la comunicazione e il coinvolgimento 

del visitatore che dovrà essere guidato, stimolato, sorpreso, 

emozionato all’interno del percorso espositivo. 

Il corso ha carattere di laboratorio ed è così strutturato: 

una prima parte propedeutica che attraverso linee teoriche ed 

esempi concreti, mira a fornire allo studente gli strumenti fondamentali 

per la scelta, la comprensione e la valutazione delle 

problematiche dal punto di vista operativo. 

Una seconda parte che propone una sperimentazione progettuale 

guidata, preferibilmente di gruppo; a partire dal tema, sarà 

indagato lo spazio e la sua organizzazione, fino alla definizione 

particolareggiata del progetto espositivo, eventualmente 

anche l’immagine grafica e la comunicazione esterna dell’evento. 

Il corso propone come obbiettivi formativi: 

lo sviluppo della creatività e 

l’acquisizione di una professionalità 

nella progettazione, che consentono 

di formare nuove figure in grado di 

identificarsi nei molteplici settori 

della moda. Nella sfera del Fashion, la figura dello space-designer, 

si colloca in ambiti creativi ed interpretativi. La complementarietà 

tra il mondo della Moda e dello Spettacolo determina 

una contaminazione costante tra le due realtà, dalle quali 

scaturiscono i nuovi scenari dell’arte e della comunicazione 

visiva. 

Programma specifico 

Il fenomeno Moda, nel suo continuo evolversi, riflette costantemente 

le metamorfosi del pensiero sociale, politico e culturale 

del momento, definendo la contemporaneità, ma anche delineando 

il futuro. L’acquisizione di un’ampia conoscenza dei mezzi 

e delle tecnologie adeguati alle esigenze del sistema moda, costitusce 

uno dei punti di rilievo dell’offerta formativa. 

Sulla base dei concetti suesposti, il programma-progetto intende 

attuarsi in tre fasi, configurandosi in un processo d’interventi rivolti 

all’analisi dei fenomeni culturali contemporanei: 

A) individuazione delle componenti che costituiscono in una visione 

globale l’universo Moda. 

B) organizzazione e trattazione degli elementi con esercitazioni 

ed interventi nel campo. 

C) identificazione personale e professionale nel sistema. 

Argomenti trattati: i luoghi in cui si muove, a chi si rivolge, i temi 

che sviluppa, tipologie delle manifestazioni, comportamento 

della luce, regia, colonna musicale, fotografi, cineoperatori, vetrinisti, 

campagne pubblicitarie e vendite, allestitori, struttura 

delle manifestazioni. 

Modalità d’esame 

Presentazione del percorso progettuale completo, ideazione - 

sviluppo - definizione. 

Bibliografia 

• MARIO PRAZ, La filosofia dell’arredamento, Longanesi, Milano, 

1945, 1964, 1981. • ROBERTO ALOI , Esposizione: architetture 

- allestimenti, U. Hoepli editore, Milano, 1960. • SERGIO PO- 

LANO , Mostrare, l’allestimento in Italia dagli anni Venti agli 

anni Ottanta, Edizioni Lybra Immagine, Milano 1988.• JOSEP 

M. MONTANER, Nuovi Musei, Editoriale Jaka Book, Milano 1990. 

• BRUNO MUNARI, Fantasia, Laterza, Roma-Bari 2006. • JOHN 

BERGER, Sul guardare, Bruno Mondadori, Milano 2003.


PROGRAMMI 75 

1°LIV 

ANALISI DEL TERRITORIO 

E PROGETTAZIONE DEL PAESAGGIO 

Danilo Lisi 

1°LIV 


Clara Bonfiglio 

Il corso è un insegnamento complementare 

nel quale si affrontano temi 

inerenti la progettazione ambientale, 

con particolare attenzione all’uso di 

tecnologie intelligenti, tecniche innovative 

e materiali riciclabili. 

Nella prima fase, teorica, si analizzano esperienze di architettura 

ecologica e si gettano le basi per una corretta lettura delle varie 

tecniche di rappresentazione del territorio. Successivamente 

gli allievi scelgono un’area vasta su cui intervenire con una 

proposta, che va dalla progettazione paesaggistica nella trasformazione 

del territorio, fino alla cultura del verde urbano con 

l’ideazione di parchi urbani e suburbani. I criteri progettuali, in 

ogni caso, saranno sempre ispirati all’ottenimento della piena 

“Sostenibilità Ambientale” dell’intervento. 

Bibliografia: 

• DOMINIQUE GAUZIN-MULLER, Architettura sostenibile, Ambiente, 

2003. • FILIPPO PIZZONI, Il giardino, arte e storia, Elemond 

1997. • JOHN HEDGECOE, PATRICK TAYLOR, Lo spirito del giardino 

Mondadori, 1998. • FULVIO IRACE, EMILIO AMBASZ, Una Arcadia 

tecnologica, Skira 2004. • PIERLUIGI NICOLIN, Dizionario dei 

Nuovi Paesaggisti, Skira, 2004. 

Anatomia come analisi e riflessione 

critica dell’opera. Il corso vuole porre 

l’attenzione ai problemi del linguaggio 

artistico. Linguaggio artistico come 

insieme strutturato di ‘SEGNI’, 

entità astratte, convenzionali, arbitrarie 

che danno la possibilità di organizzare i concetti visivi, le idee 

e i pensieri. Il percorso storico dell’idea dell’arte di tutti i tempi 

e in particolare modo le nuove domande, le nuove aperture e 

possibilità linguistiche che il ‘900 ci ha delineato saranno i riferimenti 

culturali dell’indagine analitica che condurremo. 

Linguaggio come artificio retorico, una sorta di mnemotecnica, 

che fa risalire dal sensibile all’astratto, dalla fisicità dalla cosa ai 

procedimenti mentali che presiedono alla formazione dell’arte 

stessa. Molti artisti hanno spostato i procedimenti da un piano 

espressivo- rappresentativo ad un piano riflessivo di ordine metalinguistico. 

L’atteggiamento analitico assunto come linguaggio 

stesso da molti artisti degli anni ‘70 è diventato un ‘a priori’ 

fondamentale per chi si avvicina all’arte, sia nel produrla, sia nel 

fruirla o ‘semplicemente’ raccontarla. L’analisi del processo artistico 

non può escludere il fare.il punto di partenza è indifferente, 

si parte da qualsiasi cosa.Il come si fa determina e qualifica il 

fare stesso. Attraverso la ‘lettura’ e la discussione collettiva, all’interno 

del laboratorio, dei lavori presentati periodicamente 

dagli studenti, si vuole entrare nella specificità disciplinare dei 

rispettivi campi operativi, condurre uno scambio culturale ed 

emotivo ed una riflessione critica attraverso l’analisi dei segni 

che organizzano la forma. 

Incontri e dibattiti con artisti e critici e la frequentazione dei 

musei cittadini (e non) e delle gallerie private consentono, inoltre, 

una informazione e una conoscenza dei linguaggi che partecipano 

a rappresentare il sistema dell’arte contemporanea. 

Il corso monografico dell’anno accademico 2009/10 affronterà i 

cambiamenti e i temi che il decennio 1970 /1980 ha dato vita, ai 

dibattiti culturali e alle esperienze artistiche che ne sono la testimonianza. 

Bibliografia 

• UMBRO APOLLONIO, Futurismo, Mazzotta, 1970. • MAURIZIO CAL- 

VESI, Il Futurismo, l’arte nella società, Fratelli Fabbri, 1976. • 

Futurimo Futurismi, catalogo della mostra, Venezia,Mazzotta, 

1986 • MAURIZIO CALVESI, Il Dadaismo, l’arte nella società, Fabbri, 

1976• HANS RICHTER, Dada, Mazzotta, 1966. • PATRICK WAL- 

DBERG, Surrealismo, Mazzotta, 1967.


76 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Pier Luigi Buglioni 

1°LIV 


Marina Falco 

“Immaginare è tutto, sapere è niente” 

ANATOLE FRANCE 

Laboratorio di ricerca 

“Anatomia Artistica come problema 

della conoscenza dell’uomo-artista”. 

L’Anatomia Artistica è la più classica 

tra le discipline artistiche. È il confronto con il corpo e con se 

stessi e, dunque, fondamentale e straordinario è il suo contributo: 

un legame profondo e indissolubile sul quale ciascun individuo 

può formare la propria ricerca e la propria “realtà”. La 

storia di un passato, che su di essa ha costruito carattere, memoria 

e significato; di un presente, che ne rivendica la propria 

appartenenza, rimettendola continuamente in discussione; di 

un futuro, che non può assolutamente farne a meno, alla disperata 

ricerca, come siamo, di risposte e di “perché”… 

“Autoritratti in viaggio” è lo spazio editoriale che documenta 

parte del lavoro. 

Bibliografia 

Le pubblicazioni più recenti sono: 

• Quando le farfalle avevano le ali, 1998-1999. • Alla riscoperta 

del corpo, 1999-2000. • Ciò che resta di un quadro, 

2000-2001. • E. BONCINELLI, P. L. BUGLIONI, Punto di incontro, 

2000-2002. • P. L. BUGLIONI, S. GRONCHI, P. PARINI, Operazioni 

percettive, 2001-2002. L’utopia dell’identità, 2002-2003. L’impero 

fallito, 2002-2003. Dal corpo al corpo, 2003-2004. Sussurri 

e grida, 2004-2005. La memoria del presente, 2006-2007. Lo 

specchio dell’arte, 2007-2008. 

Nel corso del xx secolo la contaminazione 

dei linguaggi artistici ha tracciato 

sinergicamente traiettorie di 

amplificazione e dilatazione dei confini 

corporei, grazie anche all’apporto 

delle nuove tecnologie. Il processo di 

mutazione antropologica in atto vede il corpo più che mai come 

oggetto/soggetto reale d’innovazione e reinvenzione costante. Il 

corpo diventa, quindi, unità base della comunicazione sociale e 

l’itinerario di studio ipotizzato proporrà un’analisi degli elementi 

che formano questo linguaggio, partendo dal concetto di 

specularità tra micro e macrocosmo. 

La formulazione degli argomenti e degli ambiti di studio, scaturisce 

dal presupposto di tracciare una linea di continuità tra i 

contenuti di pertinenza della materia e le problematiche legate 

al concetto di corpo nella contemporaneità degli eventi artistici. 

Il rapporto tra il passato e il presente è stato impostato individuando 

nel “simbolo” la traccia di un percorso di analisi, o 

meglio, di decodificazione del complesso di significati che il 

corpo ha sempre incarnato e rivestito. La proposta di questi territori 

di studio consente di dilatare gli ambiti di ricerca con 

un’angolazione differente per ogni indirizzo specializzante. 

L’utenza interessata svilupperà un processo di elaborazione e 

approfondimento dei contenuti e una produzione artistica in 

rapporto alle specifiche competenze degli indirizzi di provenienza. 

L’obiettivo di base sarà individuato nella capacità di organizzare 

un percorso coerente dal punto di vista metodologico, 

fornendo ai discenti sia gli ambiti d’indagine e approfondimento, 

sia le indicazioni di carattere tecnico- strumentale. L’attività 

di laboratorio sarà impostata sull’analisi e la ricerca della morfologia 

esterna del corpo umano. La produzione artistica legata 

all’esercizio tecnico- pratico sarà condotta prettamente dal nudo 

(per comprendere le ragioni della posa e del movimento) e 

dalla struttura scheletrica, fondamentale per la comprensione 

delle proporzioni e dei criteri di rappresentazione e interpretazione 

del corpo nell’antropometria. 

Bibliografia 

• MARCO BUSSAGLI, L’uomo nello spazio, Medusa, Milano. 

2005.• DESMOND MORRIS, La scimmia nuda, Tascabili Bompiani, 

Roma 2003. • LUCIANA DEODATO, Il linguaggio della moda, 

Rubettino, Catanzaro, 2000.


PROGRAMMI 77 

1°LIV 


Cristina Galli supplente Mario Carchini 

1°LIV 


Guido Pertusi 

L’analisi della forma, in riferimento al 

modello reale, diviene occasione di 

un’indagine strutturale approfondita, 

pretesto per mettere in discussione una 

visione convenzionale e banalizzante 

dell’oggetto e dell’opera in generale. 

L’anatomia artistica come scienza dell’osservazione dove la figura 

umana diventa pretesto di rielaborazione e di riappropriazione 

della dinamica del segno e della dimensione grafica e pittorica 

è strumento di analisi, che prende in considerazione i modelli 

rappresentativi della figura umana nell’ambito delle arti visive. 

La ricognizione e l’indagine morfologica avvengono decodificando 

i codici stilistici necessari allo studente per acquisire le capacità 

tecniche e critiche per affrontare autonomamente il tema 

della figura e della forma. 

Il corso si articola in due fasi: un primo momento di rielaborazione 

dei canoni proporzionali funzionali della forma uomo , 

nella seconda fase le conoscenze acquisite diverranno il supporto 

e lo strumento per la gestione della forma tramite lo spazio. 

Lo scopo è quello di fornire al discente una precisa conoscenza 

osteologica e miologica che egli sarà in grado di ricostruire in 

modo assolutamente autonomo e con un’attenzione particolare 

rivolta alla qualità e alla tensione del segno. 

Il corso si prefigge di sollecitare una nuova grammatica della visione 

e della rappresentazione del corpo. 

Il corso si struttura in lezioni frontali teoriche e seminari inerenti 

alla tematica del corpo che va inteso come struttura formale e 

come evento fenomenologico. 

Le lezioni di laboratorio e la frequenza sono ritenute fondamentali 

per l’applicazione delle tematiche proposte e per lo sviluppo 

del lavoro di ogni singolo progetto. 

Il programma del corso è teso ad approfondire 

lo studio del corpo umano 

attraverso l’osteologia, l’artrologia, la 

miologia e la morfologia esterna, nonché 

l’uso, l’espressione e la rappresentazione 

di tali scienze all’interno delle 

esperienze artistiche. Quest’ultime saranno analizzate mediante 

un percorso di de-strutturazione analitica delle forme. In 

particolar modo sarà approfondito lo studio degli elementi combinatori 

che compongono il testo visivo. Saranno quindi indagati 

i processi cognitivi e le complesse relazioni alla base dell’attività 

percettiva, nonché le strutture linguistiche a sostegno del 

superamento della sostanza fisica e della corporeità dell’immagine: 

dal disegno al segno, dal segno al disegno. 

L’obiettivo è quello di fornire allo studente una precisa conoscenza 

che gli permetterà, attraverso la conseguente esperienza 

laboratoriale, una concreta presa di coscienza del suo operare. 

Naturalmente, tale indagine strutturale ha quale scopo, la riflessione 

della propria attività di ricerca e il superamento della pura 

rappresentazione. Nell’ambito delle attuali espressioni culturali, 

si tenderà a ricollocare e definire i processi tecnici ed artistici 

quali strumenti di ricerca e analisi. 

Modaltà della didattica 

Contemporaneamente alla parte generale del programma, sarà 

sviluppata una ricerca individuale, in cui ogni studente, attraverso 

una metodologia specifica basata sull’analisi sia concettuale 

sia strutturale del proprio lavoro, dovrà elaborare un argomento 

(concordato col docente) d’intervento, le loro tracce e i 

loro riferimenti culturali. Gli argomenti di ricerca quindi, 

dovranno tener conto sia di una contestualizzazione teoricoanalitica 

quale supporto critico del proprio lavoro, sia di una 

chiara ed esaustiva argomentazione a carattere scritto-grafico o 

tridimensionale che metta in evidenza la processualità, il livello 

e il grado raggiunto da ogni studente attraverso l’evoluzione 

della propria esperienza. 

Sono previsti durante l’anno accademico dei seminari con l’intervento 

di professionisti del settore artistico e della ricerca scientifica 


L’esame prevede un colloquio nel quale lo studente dovrà commentare, 

esporre e argomentare la propria ricerca. La cartella, 

completa degli elaborati svolti durante le attività di laboratorio 

e pertinente alla ricerca svolta, è necessaria ai fini dell’esame.


78 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Paola Salvi 

1°LIV 


Laura Tonani 

Struttura e morfologia del mondo vivente. 

Rappresentazione, interpretazione, 

elaborazioni artistiche. 

Il corso si articolerà nei vari momenti 

teorico, di laboratorio, di ricerca ed 

elaborazione artistica attraverso tre linee 

principali di studio: introduzione metodologica alla conoscenza 

della struttura e della morfologia del corpo umano e delle 

varie forme del mondo vivente; storia e teoria dei modelli di 

rappresentazione; anatomia della forma e interpretazione fenomenologica 

del corpo umano. 

L’intento metodologico di base è quello di condurre il discente, 

attraverso gli anni di corso, ad un approccio dialettico, sia teorico 

che espressivo, con i temi del Corpo e della Corporeità, 

della Forma e del concetto di Natura e con le loro molteplici 

interpretazioni. L’acquisizione o la verifica (a seconda degli 

studi di provenienza) delle nozioni osteologiche, miologiche e 

artrologiche - che saranno considerate formazione elementare 

- si accompagnerà nei primi due anni al laboratorio di disegno, 

tecnica da sempre propria dell’Anatomia artistica, in cui l’intento 

sarà quello del progressivo affrancamento dall’abitudine 

descrittiva per privilegiare l’evoluzione espressiva del segno, 

primo momento questo di una più personale progettualità artistica 

che lo studente potrà elaborare in un successivo anno di 

corso. La maturazione della manualità sarà supportata dall’ampliamento 

degli orizzonti teorici attraverso lezioni di carattere 

seminariale che porranno in evidenza come dall’antichità 

ai giorni nostri l’uomo si sia rappresentato secondo tipologie 

figurative che, pur attingendo i propri modelli dall’arte, esprimono, 

e/o contribuiscono a definire, il sistema filosofico ed epistemologico 

di un’epoca. 

Argomento di approfondimento: la rappresentazione del volto. 

Fenomenologia del corpo sensoriale. 

Il Corpo si apre all’esperienza del mondo 

attraverso le sue capacità sensoriali. 

Il nostro corpo attribuisce qualità sensoriali 

alle cose percepite del mondo 

“sentendole e sentendosi” su di loro. E 

il nostro corpo è la risposta in carne, sangue, ossa e nervi, ad un 

mondo che lo impegna. L’immagine scientifica del corpo-organismo, 

ci consegna un’idea di sensorialità (molto lontana dalla sensibilità 

artistica) differenziata e organizzata secondo un principio 

di relazione tra causa ed effetto. É utile ricordare che il significato 

etimologico originario di estetica, aisthesis, è sentire. La sensibilità 

della carne trasporta l’esperienza sensoriale del mondo, come nel 

processo alchimistico, sul piano immaginale. La sensorialità è in 

stretta fratellanza con l’immaginazione. L’artista restituisce nell’opera 

la sintesi di questo processo. È attraverso l’alchimia sinestesica 

che l’esperienza del mondo si trasforma in gesto espressivo. 

Secondo la psicoanalisi il vissuto estetico per eccellenza, il sentimento 

del bello, ha una sua ontogenesi nello sviluppo del bambino. 

L’intento del nostro corso è quello di ridefinire un modello 

didattico dell’anatomia artistica intorno ad uno degli argomenti 

più importanti della formazione artistica. 

Bibliografia 

• GASTON BACHELARD, Psicanalisi delle acque. Purificazione, 

morte e rinascita, Red Edizioni, Como. 1987. • UMBERTO GALIM- 

BERTI, Il Corpo, Feltrinelli, Milano, 1983. • M. MERLEAU-PONTY, 

Fenomenologia della percezione, a cura di Andrea Bonomi, Il 

Saggiatore, Milano 1965. • M. MAZZOCUT-MIS, Voyeurismo tattile, 

Un’estetica dei valori tattili e visivi, Il Melangolo, Milano, 2002. 

• FRANCO RELLA, Ai confini del corpo, Feltrinelli, Milano, 2000. 


Orale e verifica finale del lavoro svolto durante l’anno accademico 

e già sottoposto a verifiche intermedie. 

Tesi: Devono essere scritte e accompagnate da adeguato corredo 

iconografico, con apparato di note e valida e aggiornata bibliografia. 

Gli argomenti di tesi rispecchieranno il corso nel suo indirizzo 

generale e nei suoi interessi fondamentali di ricerca. 

Visite mostre: gli studenti sono tenuti ad un’aggiornata conoscenza 

della ricerca artistica attuale, mentre per gli eventi espositivi 

più strettamente attinenti agli argomenti del corso si organizzeranno 

visite di gruppo con i docenti. 

Bibliografia 

Bibliografia specifica verrà assegnata durante il corso.


PROGRAMMI 79 

1°LIV 


Tiziana Valzelli 

1°LIV 


M. Letizia Cariello 

Nell’ambito di una ricerca che ruoti 

attorno al concetto di forma e allo sviluppo 

dell’arte del disegno, allo studio 

delle morfologie e degli spazi connessi 

alla progettazione di opere artistiche, 

ci proponiamo di sviluppare una ricerca 

che interagendo con gli aspetti costruttivi, strutturali e visivi del 

fare arte, unisca nel dialogo, da sempre aperto ma oggi ancor più 

manifesto i concetti di uomo, natura e spazio. Vogliamo riferirci 

più ampiamente al momento in cui la forma trapassa o ritorna ad 

essere il punto di contatto tra arte-natura e scienza. 

Si tratta di analogie e somiglianze, influssi da ricercarsi anche 

attraverso “l’occhio dello spirito” per gettare uno sguardo su 

quella interpretazione della natura che nel rapporto con l’uomo 

e nella relazione esperienza-ragione, come Leonardo, prosegue 

nel corso della storia sul terreno di una fondazione concreta nel 

rifiuto delle ipotesi (Bacone), per giungere a fissarsi ai giorni nostri 

su di una visione multiforme e complessa dei fenomeni. Con 

tali motivazioni il corso di Anatomia Artistica vuole porsi sia come 

luogo di ricerca teorica che come laboratorio nel quale potranno 

convergere tutte le molteplici discipline che vedono in 

questo progetto un’affinità. 

Bibliografia 

BACHELARD G., La teffa e il riposo. Le immagini dell’intimità, Red 

edizioni, 1994 • FRANZINI E., Arte e mondi possibili. Estetica e interpretazione 

da Leibniz a Klee, Guerini studio, 1994 • GAMBAZZI 

P., L’occhio e il suo inconscio, Cortina, 1999 

• MAZZOCOUT, MIS M., I percorsi delle fonne, i testi e le teorie, B. 

Mondadori, 1997 • MERLEAU, PONTY M., l’occhio e lo spirito, SE, 

1989 • MILANI R., L’arte del paesaggio, il Mulino, 2001 

• MOISO F., GOETHE: La natura e le sue forme, Mimesis, 2002 

• RELLA F., Metamorfosi. Immagini del pensiero, Feltrinelli, 1984 

Il rifiuto. 

Un progetto sul rifiuto, inteso come 

azione positiva e come oggetto di riflessione 

senza conclusioni immaginando 

la vita (intesa come opera) di 

Camille Claudel e di Elizabeth I Tudor, 

all’interno del programma sperimentale denominato “Fermenti” 

di cui al progetto didattico firmato dai professori Stefano 

Pizzi e Nicola Salvatore (CFR). 

IL RIFIUTO: un gesto oppure ciò che rimane di un processo. 

Il corso propone all’attenzione degli studenti il “Rifiuto” fra i 

processi di cambiamento, situandolo in una accezione concettuale 

dello stesso ed evidenziandone le positività in quanto gesto 

di esordio in un percorso di comunicazione ed (auto)rappresentazione. 

Al centro di questa indagine si pone il corpo, coerentemente 

con quanto richiede la specificità stessa dell’insegnamento 

di anatomia. 

Allo scopo di attivare una consapevolezza ed una partecipazione 

totale degli studenti, il corso non proporrà in via diretta un modello 

formale, ma metterà a disposizione dei veri e propri ingredienti 

concettuali, auspicando l’attivazione di quel processo fermentativo 

da cui prende il titolo l’intero programma sperimentale 

che si svolgerà quest’anno nell’aula 8 dell’Accademia. 

Si tratterà nello specifico di una serie di letture non omogenee fra 

loro per campo disciplinare di appartenenza, a significare anche 

nei fatti la molteplicità dei nutrimenti nonchè degli ingredienti 

che costituisce nei fatti la realtà del raggio di “ispirazione” del 

lavoro dell’arte. 

Gli agenti fermentanti il processo di ricerca saranno i volti; le vite; 

le modalità di due donne appartenute a due momenti storici 

diversi: Camille Claudel, scultrice, ed Elisabeth Tudor, sovrana. 

Agli studenti verrà richiesta l’acquisizione attiva dei singoli ingredienti-stimoli 

loro proposti, una rilettura critica del lavoro 

precedente; un’esplorazione del tema monografico da rappresentarsi 

in un’opera finale da sottoporre all’esame contestualizzandola 

con l’illustrazione critica del processo a cui ricondurla. 

Bibliografia 

• RUDOLPH M.BELL, La Santa Anoressia, Laterza, Roma Bari, 

1998. • JACQUES LE GOFF, Il corpo nel Medioevo, Laterza, Roma 

Bari, 2008. • FRANCO FORNARI, Il codice vivente, Bollati Boringhieri, 

Torino, 2001. • CAMILLE CLAUDEL, Corrispondenza, Abscondita, 

Milano, 2008. • ELISABETTA I D’INGHILTERRA, Lettere ai 

fidi e agli infidi, Archinto, Milano, 1988.


80 

PROGRAMMI 

2°LIV 

ANATOMIA DELL’IMMAGINE 

Tiziana Tacconi 

1°LIV 


Antonella Pierno 

“Il corpo è un carniere di segni, il segno 

è un corpo disincarnato” (J. Baudrillard). 

L’arte come segno del corpo: 

il gesto- atto materiale ed anatomico 

con il quale l’artista diventa espressione 

di uno stato d’animo, esplosione di 

una carica di energia e di una pulsione interiore che assume anche 

un deciso valore simbolico. 

Il gesto, azione che attraversa la tela, ampio o contratto, nervoso, 

solenne, lento o istantaneo, diventa segno che si trasforma e 

si arricchisce di sfumature ed interpretazioni personali, declinato 

in mille modo diversi, tutti espressivi di diverse visioni del 

mondo, confermandosi linguaggio basico universale che travalica 

ogni confine di natura culturale o personale. 

Dal segno della pittura in rapporto tra struttura e colore e materia, 

ci si sposta sul piano del progetto scultoreo, si incontrano 

segni plastici legati alla memoria espressiva del corpo 

Rito, teatro, dramma, danza, comportano una particolare manipolazione 

del corpo: ornamenti abbigliamenti, pitture, tatuaggi, 

scarificazioni, possono segnare tappe significative nella 

vita di un individuo. I riti di passaggio sono principalmente la 

storia del corpo… corpo anatomico, organico, psichico, simbolico… 

che torna ad essere protagonista nell’arte contemporanea, 

in un percorso terapeutico diventano una grande possibilità 

di comunicazione. 

Corso teorico: fondato sul reciproco scambio e sulla creatività 

dell’ascoltare-interpretare, è rivolto a tutti gli studenti del Biennio 

di Perfezionamento in Teoria e pratica della Terapeutica artistica; 

1) Laboratorio pratico: Ricerche sperimentali sul disegno: 

esercitazioni pratiche sull’espressività e la percezione del 

movimento, asse corporeo , linea di gravità. Confronto tra corpo 

e ambiente. 2) Incontri individuali : dai vari argomenti trattati 

gli studenti prenderanno spunto per il loro lavoro artistico, 

il progetto sarà discusso e concordato con il docente e sarà consigliata 

una bibliografia essenziale sull’argomento. 

Valutazione: Per sostenere l’esame gli studenti dovranno presentare 

gli elaborati prodotti e una tesina scritta che sarà oggetto 

di discussione. 

Bibliografia 

• JEAN-LUC NANCY, All’ascolto, Cortina Editore, 2004. • MACDONALD 

CRITCHLEY, Il linguaggio del gesto, Il pensiero scientifico Editore • 

MADDALENA MAZZOCUT - MIS, Tatto e passione, Percorso antologicocritico. 

• MIRCEA ELIADE, Immagini e simboli, Jaca Book, 2003. 

Il modello rappresentativo della figura 

umana nelle arti visive del Novecento. 

Il corso è organizzato in modo da permettere 

allo studente l’acquisizione di 

un metodo espressivo per consentire 

una corretta e completa lettura ed interpretazione della figura 

umana e del modello vivente. A tal fine vengono esemplificate le 

procedure con cui gli artisti più rappresentativi della ricerca figurativa 

del secolo scorso hanno realizzato la propria produzione. 

Per una analisi approfondita delle componenti stilistiche si procederà 

durante le lezioni alla produzione di immagini e i risultati 

di tutto il lavoro svolto in laboratorio costituirà parte integrante 

dell’esame finale. Agli studenti saranno fornite dispense e 

bibliografie adeguate al contenuto della ricerca svolta. Durante 

gli incontri verranno esemplificati i canoni ed i criteri propri degli 

artisti presi in esame. 

Programma 

Introduzione al rapporto con l’immagine artistica figurativa attraverso 

il disegno. 

- Le tecniche di rappresentazione e le tecnologie. 

- L’immagine globale e la morfologia nella dinamica della forma. 

- Il rapporto numerico e la costruzione di un codice. 

- L’analisi della rappresentazione artistica e la rilettura: la tecnica 

e il rapporto con la realtà. 

- Il modello vivente e la conoscenza della parte fisica. 

- Il corpo in movimento e la percezione dello spazio. 

- La rappresentazione interpretativa della figura umana. 

- Dall’analisi alla sintesi attraverso la forma. 

- Il progetto interpretativo attraverso la ricerca personale. 

Il corso è finalizzato al raggiungimento di precisi traguardi che 

vengono concordati con gli studenti tenendo conto delle necessità 

e delle potenzialità personali e quindi sono possibili differenti 

percorsi in base alle singole esigenze. 

Bibliografia 

•UMBERTO GALIMBERTI, Il corpo. • MANLIO BRUSATIN, Storia delle 

immagini. • FILIBERTO MENNA, La linea analitica dell’arte 

moderna.


PROGRAMMI 81 

1°LIV 


Maria Virginia Cardi 

1°LIV 


Riccardo Notte 

Percorsi e metodi di una disciplina 

trasversale. 

La ricerca antropologica é il prodotto 

di un’acquisizione lentissima, che solo 

nella seconda metà dell’Ottocento 

assume uno statuto scientifico. L’Antropologia, 

come scienza, (e non come filosofia) nasce in Europa: 

da qui i suoi limiti, nella pretesa di offrire prospettive conoscitive 

di tipo assolutistico; mentre nell’acquisizione di una 

consapevolezza critica, nella tensione conoscitiva costruisce la 

sua ricchezza, ricercando in un moderno umanesimo la sua vocazione. 

Dal mondo antico alla contemporaneità verranno tracciati il 

pensiero, gli orientamenti e le direttive di questa disciplina al fine 

di indagare alcuni temi portanti che trovano nell’attualità 

una cruciale emergenza. Antropologia, dunque, quale prospettiva 

di comprensione del mondo, per vivere nel mondo. 

Il corso propone inoltre un indice di argomenti per esplorare 

eventi, problematiche, metodi, modelli teorici. I temi e le riflessioni 

in discussione saranno accompagnati durante le lezioni 

da bibliografie specialistiche, letture e materiali visivi. 

Umanesimo e antropologia / Antropologia come cura / Antropologia 

ed etica / Antropologia e filosofia / L’ antropologia e i saperi per 

l’uomo / L’ottica antropologica nella valutazione delle tradizioni e 

della memoria / Antropologia e patrimonio culturale / La letteratura 

e la visione antropologica: Dickens / Per un avvio allo studio delle 

mentalità e della psicologia collettiva: nascita ed evoluzione di 

un ambito di ricerca / Antropologia e psicanalisi: territorio e strumenti 

di un sapere per vivere / Una riflessione sulla dialettica Uomo 

- Natura, sulla relazione necessaria e inalienabile con il proprio 

spazio naturale. Come la pensano a riguardo i “selvaggi”? / Antropologia 

e politica: strumenti, aperture, sguardi. 

Bibliografia 

• P. MERCIER, Storia dell’Antropologia, Bologna, il Mulino, 

1996. • C. TULLIO-ALTAN, Manuale di Antropologia culturale, 

Milano, Bompiani (ed. orig.1971). • U. Fabietti, Antropologia 

culturale, Roma-Bari, Laterza, 2001. • F. BRAUDEL, Il mondo attuale, 

Torino, Einaudi, ( ed.orig. 1963). • L. FEBVRE, La terra e 

l’evoluzione umana, Torino, Elnaudi,1980.•M.V. CARDI Il rituale 

del serpente, Ravenna, Longo, 1997. • F.REMOTTI, Contro 

l’identità, Bari Laterza, 2001. • V.LANTERNARI, Ecoantropologia, 

Bari, Dedalo, 2003. • C. LÉVI-STRAUSS, Razza e Storia e altri studi 

di Antropologia, Torino, Einaudi, 1974. • F. REMOTTI, Prima 

Lezione di antropologia, Bari, Laterza, 2001. 

Il corso verte sullo spazio artificiale e 

sull’uomo artificiale. 

Un connubio stringente tra l’habitat 

modificato dall’intelligenza tecnologica 

e i corpi-menti che lo immaginano, 

lo modellano, lo costruiscono, 

lo percorrono e lo consumano. 

Lo spazio mentale artificiale. 

- La rivoluzione copernicana della pubblicistica moderna e contemporanea. 

- Analisi della Macromacchina. 

- Analisi di alcuni tipi (archetipi) di habitat artificiale: la città 

automatica, la città alveare, la città astronave, pianeta, arca o 

città labirinto, la città virtuale e intelligente, la città divina o 

città infernale, l’anticittà. 

- La condizione connettiva. 

L’uomo artificiale e l’artificio umano. 

- Analisi delle proiezioni psichiche inconsce. 

- L’automa e l’androide quali particolari proiezioni psichiche. 

- La trasformazione del paradigma robotico nel Novecento. 

- Nuovo prometeismo. 

- Incorporazioni dell’artificiale. 

Il medium robot. 

- L’avatar e il paradiso virtuale. 

- Il robot e la vita artificiale. 

- L’eugenetica, ovvero la vita senza sofferenza né morte. 

- Cultura ferro/carbonio. 

- Prohibita Imago. 

Promesse salvifiche. 

- Noosfera, meccanosfera, elettrosfera. 

- Geni e memi. 

- Concetto di embodiment 

Bibliografia 

• RICCARDO NOTTE, YOU ROBOT. Antropologia della vita artificiale, 

Vallecchi, Firenze, 2005. • RICCARDO NOTTE, Machina ex machina, 

Bulzoni, Roma, 2008.


82 

PROGRAMMI 

2°LIV 

ANTROPOLOGIA DELL’ARTE 

Maria Virginia Cardi 

2°LIV 

ANTROPOLOGIA DELLE SOCIETÀ COMPLESSE 

Riccardo Notte 

Le culture e le arti: materiali, simboli, 

forme dello spazio; documenti visivi 

e didattica delle immagini. 

L’antropologia visiva e la sua storia. 

Saranno indagate le origini della ricerca 

antropologica visuale attraverso 

alcuni repertori iconografici in particolare propri dell’illustrazione 

e della grafica provenienti dai taccuini di viaggio, o dai testi 

manoscritti e a stampa di interesse naturalistico ed etnografico 

fino all’nizio del ‘900. Le immagini e i musei cartacei. 

Nascita delle grandi collezioni naturali ed etnografiche L’evolversi 

della fotografia e della filmografia documentaria. Le immagini 

hanno ben espresso i diversi intenti e contenuti dell’antropologia, 

che da ancella della conquista e della colonizzazione 

Ë divenuta strumento di conoscenza, non solo, di partecipazione 

di esperienze e di scambio culturale. Alcuni aspetti della filmografia 

documentaria extraeuropea. 

E’ prevista, inoltre, per gli studenti che siano interessati ad un approfondimento 

operativo, la produzione di documentazioni fotografiche 

o video (realizzati in digitale) sui temi affrontati nel corso, 

preventivamente studiati ed elaborati con l’insegnante. 

Il corso verte sullo spazio artificiale e 

sull’uomo artificiale. Un connubio 

stringente tra l’habitat modificato dall’intelligenza 

tecnologica e i corpimenti 

che lo immaginano, lo modellano, 

lo costruiscono, lo percorrono e lo 

consumano. Il programma del biennio consiste nell’approfondimento 

di alcuni argomenti del programma del triennio. 

Gli studenti per sostenere l’esame dovranno leggere due testi e 

dimostrare di conoscere gli argomenti del corso. 

Bibliografia 

• P. CHIOZZI, Antropologia visuale, Casa Usher, Firenze, 1984. • 

P. CHIOZZI, Manuale di Antropologia visuale, Unicopli, Milano, 

1993. • M.CANEVACCI, Antropologia della comunicazione visiva, 

I giorni cantati, Roma, 1990.


PROGRAMMI 83 

2°LIV 


Cristina Fumagalli 

1°LIV 


Renzo Piccinin 

Affrontiamo l’evoluzione del mondo 

della comunicazione, imposta dall’affermarsi 

delle tecnologie informatiche 

e telematiche, attraverso l’esame di alcuni 

concetti chiave: testo e ipertesto, 

multimediale e ipermediale, Internet e 

web. Studiamo prodotti multimediali e siti web legati all’editoria, 

prendendo in considerazione gli aspetti di produzione, organizzazione, 

trasmissione e fruizione dei contenuti, con particolare 

approfondimento del tema della scrittura per il web. Non si trascurerà 

la teoria della comunicazione, il marketing del prodotto, 

l’analisi del consumatore finale e tutte le normative che regolano 

il diritto d’autore. 

Individuare comportamenti errati nelle presentazioni visive, selezionare 

gli elementi non verbali utili per il miglioramento dell’aspetto 

durante una presentazione, sono solo alcuni dei temi 

che verranno affrontati. Il modulo dunque si prefigge l’obiettivo 

di rendere in grado lo studente di archiviare materiale documentativi, 

come foto, documenti, riprese video, trasportandoli su 

supporti adeguati e conoscere inoltre, i processi di elaborazione 

di cdrom, realizzazione ed aggiornamento dei siti. 

L’obiettivo del corso è quindi quello di esporre i principali aspetti 

legati all’utilizzo delle tecnologie dell’Informazione e della 

Comunicazione, con un riguardo specifico e “pratico” a Internet 

e al World Wide Web. Un’attenzione particolare è rivolta all’acquisizione 

di un buon livello di manualità con i principali software 

e linguaggi per il webdesign. 

Si introducono i concetti di ipertesto, multimedia, ipermedia, 

interfaccia, interazione, web, sito e portale; i linguaggi di marcatura; 

il linguaggio HTML/XHTML, i fogli stile CSS; i modelli 

di qualità del web e i concetti di usabilità e accessibilità delle interfacce 

uomo macchina. 

Si apprendono criteri di progettazione di ipertesti, che si mettono 

in pratica sia nelle esercitazioni, sia tramite un progetto di 

sito internet, che deve essere sviluppato per la parte pratica dell’esame. 

Il corso, che ha carattere laboratoriale, 

riguarda sostanzialmente la resa 

formale che i sistemi digitali permettono 

della composizione scenografica. 

Oltre alle mere esercitazioni, il tema 

sviluppato dallo studente sarà 

scelto di preferenza tra i lavori affrontati nel corso di Scenografia 

in modo da poter concentrare l’impiego didattico sugli 

aspetti che colmano di suggestioni la composizione: colore, textures 

e illuminazione. 

L’accento sull’aspetto metodologico è imprescindibile per impostare 

il rapporto con le dotazioni strumentali sotto un profilo 

spiccatamente creativo piuttosto che tecnico: questo non esclude 

dalle lezioni frequenti spiegazioni procedurali e tecniche, ma 

permette la codifica di soluzioni specifiche non omologabili alle 

tradizionali forme di rappresentazione. L’emozione che l’idea 

scenica intende creare viene restituita secondo modelli e soluzioni 

progettuali che solo il digitale rende possibile. 

Le stesse “utilità” utilizzate in fase progettuale possono essere 

sfruttate nella realizzazione della scenografia vera e propria così 

da poter ottenere una perfetta corrispondenza tra ideazione e 

realizzazione. 

Gli argomenti trattati riguardano il bozzetto di scena, le tavole 

tecniche e il modello plastico virtuale: l’estensione e l’approfondimento 

dipendono essenzialmente dalle capacità individuali 

dello studente. 

La condizione minima per poter sostenere l’esame consiste nell’elaborazione 

dei bozzetti e delle tavole tecniche, dimostrando di 

saper sostenere autonomamente la ricerca e la resa scenografica. 

Bibliografia 

• FRANCESCO DI NOCERA, Che cos’è l’ergonomia cognitiva, Carocci, 

2004 • P. FERRI, Teoria e tecniche dei nuovi media. Pensare, 

insegnare, formare e lavorare nell’epoca della rivoluzione 

digitale, Guerini & Associati, Milano 2002. • J. RIFKIN, 

L’era dell’accesso, Mondadori, Milano 2000. 

Verrà messa a disposizione degli studenti una dispensa appositamente 

realizzata per essere di supporto al corso.


84 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Eleonora Zullo 

1°LIV 

ARCHETIPI DELL’IMMAGINARIO 

Giulio Calegari 

Il corso esprime le problematiche che 

ne hanno determinato il progetto - risponde 

a delle precise esigenze emerse 

in questi ultimi anni. 

Il Corso racchiude i contenuti essenziali 

al raggiungimento degli obiettivi 

dell’insegnamento delle tecniche digitali rapportate all’arte 

presentando la disciplina per argomenti, ciascuno dei quali 

comprende: 

- un’esposizione teorica coinvolgente e problematica 

- una sintesi operativa e sperimentale 

- un primo gruppo di esercizi semplici 

- un ricco repertorio di esercizi. 

1)gli studenti impareranno a conoscere tutte le nuove attrezzature 

dai Computer alle stampanti, dalle foto camere digitali al 

photoshop 

2) elaboreranno, attraverso programmi, immagini digitali di 

ricerca di location per la realizzazione di menabò pubblicitari e 

per il lavoro creativo in genere. 

3) svilupperanno i progetti ideati nei corsi fondamentali prendendo 

come spunto bozzetti, tavole tecniche e plastici. In questa 

fase il corso assume un indispensabile ruolo considerando 

che i vari linguaggi visivi oggi non possono prescindere dal digitale 

in quanto esso rappresenta un mezzo e non un fine, è lo 

strumento più rapido per raggiungere i risultati desiderati. 

Nella sua fase conclusiva saranno affrontate tematiche che andranno 

oltre gli aspetti tecnici, ciò vuol dire conoscere i formati 

dei file, lo spettro della luce visibile e il significato di una conversione 

da RGB (rosso, verde, blu) a CMYK (ciano, Magenta, giallo, 

nero), l’importanza della cattura dell’immagine attraverso le 

varie fonti di illuminazione con riferimento al teatro, ai concerti, 

alla TV ecc. Le diverse forme di rappresentazione, nell’ambito 

delle esercitazioni laboratoriali saranno oggetto di verifica e di 

valutazione. 

Parte generale 

Il corso si propone di cogliere, in alcune 

manifestazioni culturali preistoriche 

ed etnografiche, quegli archetipi 

del linguaggio celati nel 

nostro quotidiano, ma in grado di rivitalizzare 

il nostro immaginario. Attraverso la conoscenza e 

l’approfondimento di documenti ed esperienze etnoarcheologiche, 

verranno”scavati” ed enucleati momenti espressivi per rincuorare 

e fecondare il nostro linguaggio contemporaneo. 


Il programma del presente anno scolastico si articola in una serie 

di lezioni teoriche e dimostrative ed in momenti di riflessione 

e progettazione. Verranno eventualmente effettuate uscite sul 

terreno in luoghi di natura o cultura. In particolare si cercherà 

di cogliere il linguaggio invisibile che si cela nei documenti 

preistorici e di riconoscere il tempo-manufatto. Verranno indagate 

le radici dimenticate del linguaggio “multimediale”ed il 

tema della memoria. A tale scopo si approfondirà il rapporto tra 

l’immagine e la narrazione orale, con un approccio all’antropologia 

delle forme mnemoniche. Nello svolgimento del programma 

si coglieranno spunti di dialogo tra il tempo e il luogo 

ed esempi di territorializzazione e interazione con l’ambiente 

dall’archeologia alla contemporaneità. 

Bibliografia 

• EUGENIO,TURRI, Il paesaggio come teatro, Marsilio. • GILBERT 

DURAND, Le strutture antropologiche dell’immaginario, Dedalo. 

• ELEMIRE ZOLLA, Le maraviglie della natura, Marsilio. 


Presentazione di elaborati digitali; (i più rappresentativi svolti 

alla fine del corso - corredati da CD o DVD)


PROGRAMMI 85 

2°LIV 

ARCHETIPI DELL’IMMAGINARIO 

Maria Rosa Calabrese 

1°LIV 


Filippo De Filippi 

- ARCHÈ-TIPOS. Filone di Alessandria. 

- Gli Archetipi dell’ inconscio collettivo (Carl Gustav Jung). 

- Alla ricerca dell’ Uno (J. Wolfgang Goethe). 

- Immagini archetipiche e loro influenza nella psiche individuale 

e collettiva. 

- L’ energia psichica: il visibile e l’ invisibile. 

- Immagini, linguaggio, corpo, opera. 

- Dare senso alla parola e dare parola ai sensi. 

Bibliografia 

Tre testi a scelta 

• FILONE D’ ALESSANDRIA, De vita contemplativa (se interessati 

chiedere alla docente). • C .G .JUNG, Gli archetipi dell’ inconscio 

collettivo, Boringhieri. • R. STEINEr, Le opere scientifiche di 

Goethe, Fratelli Melita, Genova. • MIRCEA ELIADE, Immagini e 

simboli, Jaca Book. • JEAN S. BOLEN, Gli dei dentro all’ uomo, 

Astrolabio. • Le dee dentro la donna, Astrolabio. • U. GALIM- 

BERTI, Miti del nostro tempo, Feltrinelli. 

Il corso viene impostato sulla base di 

lezioni che esploreranno l’architettura 

di interni dalla sua “nascita” nei 

primi dell’ ottocento fino ai giorni nostri 

e da un’attività di laboratorio nella 

quale sarà elaborato un progetto 

basato sulla natura stessa del corso: nucleo abitativo per fruitori 

poco abbienti. Il corso è semestrale ed è strutturato in due fasi: la 

prima teorica e la seconda laboratoriale. 

I fase 

Analisi della storia dell’architettura in rapporto agli spazi interni 

partendo dagli inizi dell’ottocento fino alla situazione contemporanea, 

tramite lezioni frontali correlate da immagini. 

II fase 

Laboratorio: dove verrà analizzato l’aspetto progettuale della materia 

per il quale lo studente elaborerà un progetto completo per 

l’esecuzione di uno spazio di propria ideazione, attingendo dalle 

lezioni tenute nella prima fase. È richiesta la conoscenza di Autocad 

per eseguire gli elaborati grafici richiesti per l’ esame. A questo 

proposito saranno anche tenute lezioni propedeutiche per l’avviamento 

all’utilizzo del programma sopra citato, tenute durante le 

ore di laboratorio nella prima fase del corso.


86 

PROGRAMMI 

2°LIV 


MIchele Premoli 

1°LIV 

ARTE APPLICATA E TIPOLOGIA 

DEI MATERIALI (Metalli) 

Geremia Renzi 

Il corso assume nelle sue determinazioni 

fondamentali il carattere di un 

approccio interdisciplinare alla cultura 

architettonica legata alle vicende 

delle religioni, con lo scopo di contribuire 

al formarsi negli studenti di un 

patrimonio di competenze riferito in primo luogo alla lettura e 

comprensione dello spazio. 

Lettura e comprensione dello spazio da intendersi tout-court, in 

quanto istanza che prescinde da determinate specificità, che 

precede quindi i contenuti di determinati ambiti per meglio 

consentire, partendo da un discorso più generale di passare ad 

approfondimenti tematici più circostanziati. 

L’architettura, quindi, vista nell’insieme dei suoi complessi nessi 

disciplinari, delle sue interazioni con il territorio (città e paesaggio) 

in un concorso di vicende storiche e apporti disciplinari 

specifici, declinati nel campo del rapporto con le tre grandi 

religioni monotetiste. 

La vastità dell’argomento delineato impone, anche per le esigenze 

funzionali di un insegnamento legato a percorsi didattici sull’arte 

sacra, di operare una sintesi significativa che nel valorizzare 

l’oggetto privilegiato non trascuri importanti questioni di fondazione 

disciplinare ed epistemologica; si è ritenuto quindi di 

proporre un percorso per campionature significative (se così si 

può dire) che fornisca al contempo indicazioni in ordine a coordinate 

più generali e spunti specifici per aspetti più particolari. 

Il corso vuole condurre lo studente ad 

assumere un approccio non convenzionale 

alla genesi dell’opera. Partendo 

dalla propria esperienza come uomo/essere 

vivente, basandosi sul proprio 

modo di essere si creerà un rapporto 

unico fra se stessi e il materiale che condurrà all’esecuzione 

dell’opera. Portare gentilmente il metallo a fondersi e rimodellarsi 

per rispecchiare nell’immagine del sé superiore esistente 

in ogni individuo. Nell’intendimento così indicato verrà gettato 

in questo corso, un abbozzo di concezione teosofica del mondo, 

si tratta di esperienze accessibili a chiunque sia deciso a seguire 

un cammino verso un certo grado di conoscenza assumendo un 

giusto atteggiamento di fronte alle cose con un sano pensare e 

un sano sentire, per poter comprendere le vere cognizioni del 

mondo traendone e facendo di esse una solida base. 

Bibliografia 

• RUDOLF STEINER, La missione universale dell’arte, Editrice 

Antrosopofica, Milano.


PROGRAMMI 87 

1°LIV 

AUDIOVISIVI LINEARI 

Francesca Della Monica 

1°LIV 

BENI CULTURALI DELL’ETÀ CONTEMPORANEA 

Chiara Nenci 

Il Corso si propone lo studio e la messa 

a punto delle metodologie di investigazione 

e di rilevamento dei ritmi e 

dei tempi del paesaggio sonoro; 

l’approfondimento delle tematiche della 

sinestesia nella percezione della realtà 

acustica e visiva - il toccare con “orecchio” il senso dello spazio, 

il vedere differenti cromatismi del suono o del rumore. Parallelamente 

saranno studiati i differenti sistemi e i parametri delle notazioni 

non convenzionali dell’evento sonoro nei diversi contesti 

culturali. 

Lo sviluppo, quindi del rapporto artistico tra segno e suono. Una 

sezione di studio verrà poi dedicata all’esame dell’acustica vocale 

nei differenti ambienti; naturale,sociale, relazionale ed artistico. 

Verrà indagato il rapporto tra suono/rumore e gesto che lo produce 

in ambiti culturali tradizionali e in ambito performativo. 

Infine, questo complesso di analisi del rapporto tra suono e 

imagine porterà all’esame e alle metodiche della composizione 

della drammaturgia muiscale in ambito teatrare, filmico, documentaristico 

e multimediale. 

• C. BOLOGNA, Flatus vocis, Bologna, 1992, Il Mulino. • M. CHION, 

L’audiovisione. Suono e immagine nel cinema, trad. it., Lindau, 

Torino, 2001. • A. COLIMBERTI, A. MAYR, G. MONTAGANO, L’ascolto del 

tempo - Musiche inudibili e ambiente ritmico, Firenze, 1995. 

• A. COLIMBERTI, Ecologia della Musica, 2004. • M. DI DONATO, L’occhio 

che ascolta. Studi sui rapporti suono-immagine nella forma 

cinematografica, Lithos, Roma. • ERNST H. GOMBRICH, Il senso 

dell’ordine, Milano, 2000, Leonardo Arte. • DANIELE LOMBARDI, 

Spartito Preso, Firenze, 1981, Vallecchi. • DANIELE LOMBARDI, Scrittura 

& Suono, Roma, 1984, Edipan. • S. MICELI, Musica e Cinema 

nella cultura del Novecento, Sansoni, Milano, 2000. • V. RAMA- 

GLIA, Il suono e l’immagine. Musica, voce, rumore e silenzio nel 

film, Dino Audino Editore, Roma, 2004. • R. MURRAY SCHAFER, Il 

paesaggio sonoro, Ricordi-Unicopli, Milano 1985. • R. MURRAY 

SCHAFER, The Tuning of the World, 1977. • R. MURRAY SCHAFER, Manuale 

di Acustica Ecologica, Barry Truaxi, 1978. • R. MURRAY 

SCHAFER, Comunicazione Acustica, 1985. • La drammaturgia 

musicale, a cura di L. Bianconi, Bologna, il Mulino, 1986, 1994. 

Occupare lo spazio, reinterpretare il 

paesaggio. 

Il corso intende esplorare le relazioni 

tra la natura e le arti nell’età moderna, 

attraverso le più significative evoluzioni 

della storia dell’architettura 

dei giardini e del binomio artificiale/naturale. Lo scopo è di offrire 

allo studente le basi storico-critiche per la comprensione del 

complesso panorama che vede oggi inscenarsi negli spazi verdi 

un dialogo tra arte, architettura e paesaggio in continua trasformazione 

ma carico di antichi significati simbolici e narrativi. 

Nell’affrontare l’antitesi retorica fra il dominio dell’artista e la sottomissione 

della natura, il corso seguirà una struttura cronologica 

a partire dall’epoca moderna, ma procederà per esplorazioni capaci 

di illustrare problematiche specifiche, quali: pittoresco, arcadico 

e sublime nel Settecento; giardino eclettico e parchi urbani; postmoderno 

e ritorno al classico; land art e finalità ecologica; arte 

oper air, parchi d’arte contemporanea, etc. 

Un efficace ausilio didattico alla trattazione degli argomenti sarà 

ricercato nella rappresentazione cinematografica dei giardini, 

attraverso l’analisi seminariale di alcuni film d’autore che verranno 

indicati al momento della presentazione del corso. 

Bibliografia 

All’interno di una bibliografia sull’argomento estremamente vasta, 

sarà segnalata all’inizio del corso una selezione di testi per 

la preparazione generale e concordata con gli studenti un’ulteriore 

traccia in funzione dell’argomento che ciascuno intenderà 

affrontare. Per gli studenti del corso di Restauro interessati a un 

approfondimento pertinente, si indica il testo: 

• L. SCAZZOSI, Il giardino opera aperta. La conservazione delle 

architetture vegetali, Alinea, Firenze, 1993.


88 

PROGRAMMI 

1°LIV 



1°LIV 

CATALOGAZIONE E GESTIONE DEGLI ARCHIVI 

D’ARTE CONTEMPORANEA 

Rachele Ferrario 

Obiettivo didattico del corso, che è a 

carattere monografico, è indagare, attraverso 

l’approfondimento di un tema 

ogni anno diverso, il senso e il valore, 

nel passato e per l’oggi, del patrimonio 

di arte e natura, cultura e storia 

che costituisce un orizzonte della memoria individuale e collettiva. 

In particolare, le lezioni sono finalizzate prevalentemente 

a mettere gli studenti in condizione di acquisire gli strumenti 

critici necessari per cogliere gli aspetti simbolici e le elaborazioni 

teoriche di quella trama di opere d’arte, città, paesaggi, tracce 

e segni lasciati dagli uomini nel passato, sulla quale si è costituita 

l’identità culturale che contraddistingue la civiltà in cui e di 

cui viviamo. 

Nell’anno accademico 2009-2010, il corso ha per titolo “Luoghi 

del viaggio”. Il viaggio è stato per secoli la forma entro la quale 

avveniva l’incontro con paesaggi, monumenti, città opere d’arte. 

Nel dominio dell’industria turistica è oggi sempre più difficile 

viaggiare autenticamente. Il corso vuole indagare le profondità 

del viaggio, che assume lo statuto di «metafora assoluta», 

soffermandosi su alcuni suoi tratti. Le prime lezioni prendono in 

considerazione la spazialità, concentrandosi sulla relazione tra 

viaggio e paesaggio profilata in alcuni autori d’impostazione fenomenologica. 

La riflessione si distende poi su alcuni “luoghi” 

del viaggiare - lo spaesamento, l’ospitalità, l’erranza, la temporalità, 

la nostalgia, il naufragio, il ritorno - cogliendone le risonanze 

in testi poetici, narrativi e cinematografici. 

Bibliografia 

La preparazione del colloquio d’esame si basa sugli appunti 

delle lezioni e sui testi letti e commentati in aula forniti dalla 

docente durante il corso, da integrare con: 

• FRANCO RIVA, Filosofia del viaggio, Città Aperta, Troina (Enna), 

2005. 

Il corso, dopo una attenta analisi delle 

questioni metodologiche e tipologiche 

sulla natura e sull’impostazione 

di un archivio d’arte contemporanea, 

prevede l’approfondimento dei diversi 

metodi di gestione e della finalità dell’archiviazione. 

Durante le lezioni verranno affrontati i seguenti 

argomenti: 

- Finalità dell’archiviazione: il documento. 

- Gli archivi riferiti a un periodo della storia dell’arte: gli archivi 

d’arte contemporanea, archivi generici, archivi personali. 

- Le sezioni dell’archivio: biblioteca, emeroteca, fondi, catalogazione, 

organizzazione eventi. 

- Catalogazione dei documenti e delle opere: documenti fotografici, 

patente d’autenticità. 

- L’informatizzazione dei dati: archivio cartaceo, archivio informatizzato 

Il corso prevede l’analisi delle diverse tipologie di archiviazione 

con esemplificazioni di alcuni tra i principali archivi (o fondazioni) 

d’arte contemporanea a carattere personale, generico, 

privati e istituzionali. Una parte delle lezioni sarà dedicata ai 

Decreti legislativi che regolano il funzionamento e la gestione 

dei documenti. 

Gli argomenti sono accompagnati da lezioni pratiche ed esercitazioni 

e - dove possibile - visite specifiche a strutture istituzionali 

sedi di archivi. 

Esami 

Gli studenti al colloquio orale dovranno dimostrare di avere appreso 

le tecniche di impostazione e gestione dell’archivio d’arte 

contemporanea. Le esercitazioni elaborate in aula rientreranno 

nella valutazione finale.


PROGRAMMI 89 

2°LIV 

CHIMICA PER IL RESTAURO 

DELL’ARTE CONTEMPORANEA 

Jacopo Osticioli 

1°LIV 

CHIMICA PROPEDEUTICA 

Barbara Masala 

L’obiettivo è quello di fornire le necessarie conoscenze per comprendere 

la chimica dei materiali nei “Beni Culturali”: composizione, 

reattività, processi di invecchiamento etc. In particolare, 

il programma è focalizzato sui materiali utilizzati nell’arte contemporanea, 

le loro caratteristiche fisiche, chimiche e problemi 

di compatibilità con i materiali dell’opera d’arte. I prodotti organici 

nei “Beni Culturali”: impieghi, classi di composti, reattività 

in relazione all’invecchiamento e alla reversibilità, compatibilità 

con altri materiali presenti. I solventi organici e le problematiche 

connesse con il loro impiego. I materiali pittorici: pigmenti 

e leganti. Vernici e smalti. Prodotti per la conservazione ed il 

restauro dei Beni Culturali: adesivi, consolidanti, stucchi e protettivi. 

Brevi cenni sulla composizione chimica, proprietà chimiche e 

chimico-fisiche dei materiali lapidei, ceramici, dei vetri, della 

carta, del legno e delle fibre tessili naturali. 

Bibliografia 

• CHAINTORE OSCAR E RAVA ANTONIO, Conservare l’arte contemporanea. 

Problemi, metodi, materiali, ricerche, Mondadori 

Electa, (collana Arte contemporanea), 2005. • SHASHOUA YVONNE, 

Conservation of Plastics - Materials science, degradation 

and preservation, Butterworth-Heinemann, 2008. • MATTEINI 

MAURO E MOLES ARCANGELO, La chimica nel restauro. I materiali 

nell’arte pittorica, Nardini editore,2007. • CAMPANELLA ET AL., 

Chimica per l’arte, edizioni Zanichelli, 2007. • JOHN S. MILLS 

AND RAYMOND WHITe, The Organic Chemistry of Museum Objects, 

Butterworth-Heinemann, 2000. 

Lo scopo del corso è quello di fornire le 

primissime conoscenze di tutta la chimica 

per meglio comprendere i materiali 

dell’arte vecchi e nuovi. Esso è così 

articolato: 

Descrizione dell’atomo e quindi descrizione 

della tavola periodica degli elementi. 

Legame chimico: legame ionico, covalente, metallico ed intermolecolare. 

Composti chimici con riferimenti ai colori di natura organica e 

inorganica. 

Reazioni chimiche: acido-base, ossidoriduzioni, fotocatalitiche 

e catalitiche. A ciascun tipo di reazione sono associati esempi riguardanti 

il degrado dei materiali dell’arte. 

Caratterizzazione di elementi inorganici ed organici. 

Nozioni di chimica organica: idrocarburi (cere), composti funzionali 

(solventi), zuccheri, grassi, proteine. 

Macromolecole di sintesi: resine, colle, plastiche. 

Il discorso viene quindi poi completato con la descrizione di alcuni 

materiali. 

All’inizio delle lezioni viene fornito agli studenti un CD contenente 

la dispensa del corso.


90 

PROGRAMMI 

1°LIV 

COMPUTER GAMES 

Carlo Gioventù 

1°LIV 


Antonio Belluscio 

Conoscenze preliminari richieste 

Utilizzo del PC. 

Finalità ed obbiettivi 

Il corso si propone di fornire una panoramica 

sulla storia dei videogiochi 

dagli anni 70 fino ad oggi. Saranno 

affrontati elementi di analisi del videogioco dal punto di vista 

tecnico, estetico e sociologico. Si avrà inoltre la possibilità di 

realizzare un MOD su un videogioco di ultima generazione, ovvero 

di sfruttare un prodotto commerciale modificandolo per poter 

realizzare: 

- Una versione personale della grafica di gioco 

- Una livello di gioco 

- Un video interattivo (o anche non interattivo) col il motore del 

gioco, detto MACHINIMA 

In via sperimentale e facoltativa si studierà la programmazione 

mediante C# e XNA di Microsoft. 

Metodi 

Lezioni frontali seguite da ore di laboratorio per la fase di Modding 

e studio di programmazione di C#. 

Strumenti 

Personal Computer PC compatibile (opzionale). 


Per sostenere l’esame ogni studente potrà, a sua scelta: 

- consegnare una tesina su un prodotto videoludico di sua scelta, 

illustrandone un aspetto riguardante ai temi trattati durante 

le lezioni. 

- Realizzare un MOD su un videogioco. 

- Creare un Machinima. 

- Realizzare un Videogioco. 

Internet 

L’indirizzo è: www.mentezero.com 

E-mail 

carlogioventu@hotmail.com 

Bibliografia 

• Web. 

Introduzione generale 

L’influenza delle tecnologie digitali nel 

campo della grafica non si è limitata a 

rendere più semplice e veloce ciò che 

era già possibile. Perfino gli strumenti 

software che nelle finalità e nel modello 

d’interazione fanno diretto riferimento alle tecniche tradizionali 

hanno aperto possibilità difficilmente percorribili senza il 

computer. I formati e le caratteristiche proprie del digitale hanno 

permesso anche alla grafica di confrontarsi con la dimensione 

temporale e l’hanno spinta verso nuove tipologie di artefatti visivi 

attraverso la generazione procedurale o combinatoria e l’uso dell’interattività. 

Programma 

Il corso parte dall’analisi dei principali modelli di rappresentazione 

numerica del testo e delle immagini (grafica raster e vettoriale) 

in relazione alle possibilità di composizione ed elaborazione 

che questi permettono. Le modalità di realizzazione non 

direttamente manuali vengono introdotte trattando i principi 

della generazione automatica (grafica generativa) e combinatoria 

(basata su collezioni di immagini o di dati). Le possibilità di 

animazione, con gli interessanti sviluppi della motion graphics, 

vengono evidenziate affrontando il concetto di interpolazione, la 

sua implementazione e le sue applicazioni. L’uso dell’interattività 

viene introdotto mostrando alcune tecniche alla base della 

grafica reattiva o partecipata. 

In tutti i casi la componente tecnica viene sempre trattata in relazione 

alle possibilità estetiche che apre analizzandone originali 

esempi d’uso. 

Bibliografia 

• DARIO RUSSO, Free Graphics. La grafica fuori dalle regole 

nell’era digitale, Lupetti, Milano, 2006. • LEV MANOVICH, Il linguaggio 

dei nuovi media, Edizioni Olivares, Milano, 2002.


PROGRAMMI 91 

2°LIV 

COMUNICAZIONE ESPOSITIVA 

Ercole Negroni 

1°LIV 

COMUNICAZIONE E VALORIZZAZIONE 

DEI BENI ARCHIVISTICI 

Elisabetta Susani 

Il corso ha per oggetto la creatività rivolta 

alla soluzione di richieste di enti 

di gestione del patrimonio culturale, 

attraverso la progettazione innovativa 

di esposizioni. 

Due caratteristiche definiscono in modo 

saliente il corso. La prima è che esso risponde a richieste di 

esposizioni, temporanee o museali, presentateci da istituzioni di 

tutela e gestione del patrimonio culturale, da enti locali o da altri 

soggetti pubblici o privati. La seconda è che il processo di elaborazione 

progettuale cura in modo particolare la ricerca di soluzioni 

creative e innovative sia per quanto riguarda l’ideazione, sia per 

quanto attiene all’articolazione dei percorsi espositivi e agli strumenti 

comunicativi. Entrambe le caratteristiche sono connesse 

all’obiettivo principale del corso, che è consentire agli studenti, 

riuniti in gruppi di progettazione, di compiere sotto la guida del 

docente una reale esperienza professionale nella quale riversare le 

attitudini creative e le informazioni acquisite. 

Il percorso didattico muove dall’analisi approfondita delle sollecitazioni 

pervenute, delle caratteristiche del committente e dei 

destinatari finali dell’esposizione. Dalla discussione si elabora 

per affinamenti successivi la scelta del progetto da sviluppare, 

acquisendo, nella misura necessaria, le informazioni specifiche 

sul tema dell’esposizione attraverso una fase di ricerca e l’eventuale 

intervento degli esperti disciplinari.Il progetto vero e proprio 

riguarda la definizione di una strategia comunicativa adeguata, 

l’impostazione concettuale generale e la sua traduzione 

in un percorso espositivo, la ricerca e l’invenzione dei mezzi più 

opportuni per comunicare ai destinatari i contenuti concettuali 

individuati. In ogni fase progettuale, viene sollecitata una continua 

revisione auto-critica basata sulla valutazione dell’efficacia 

comunicativa delle soluzioni via via elaborate. 

L’esame consiste nella discussione del progetto finale, che è rappresentato 

un dossier istruttorio iniziale e da una serie di elaborati. 

Definitivamente tramontata l’immagine 

obsoleta che soleva identificare i 

beni archivistici con ammassi di carte 

vetuste conservate in antri polverosi e 

inospitali, gli archivi ci appaiono oggi 

piuttosto come scrigni da scoprire, 

laboratori culturali ove fervono attività e iniziative che solo vent’anni 

fa sarebbero state considerate assolutamente fuori luogo. 

Il corso si compone pertanto di un modulo teorico atto alla formazione 

di base sul tema, strutturato con lezioni ex cathedra riguardanti 

i criteri fondativi della disciplina archivistica e gli 

standard internazionali di catalogazione, ampiamente recepiti 

dagli strumenti di descrizione archivistica approntati e utilizzati 

dalle istituzioni italiane preposte alla tutela dei beni culturali. 

Dedotte dall’analisi critica di una selezione di significativi casi di 

studio, recenti o in fieri, le linee guida teoriche e operative per 

l’ideazione e la redazione di un progetto di valorizzazione e comunicazione 

di questa particolare categoria di beni, gli studenti 

disporranno degli elementi necessari allo studio di una propria 

proposta. Suggerita o concordata con l’insegnante, si tratterà comunque 

di una ipotesi di reale fattibilità, applicata ad un caso 

concreto, riguardante indifferentemente un archivio pubblico o 

privato. 

Durante il corso sarà indicata una bibliografia generale comune 

a tutti gli studenti, affiancata dalla bibliografia specifica consigliata, 

rispondente alle esigenze del singolo e alle peculiarità 

presentate dal progetto che ha scelto di sviluppare. 

L’esame verterà sui contenuti del modulo teorico di base, verificherà 

l’apprendimento dei riferimenti di carattere generale e le 

specifiche metodologiche di indirizzo del progetto di valorizzazione, 

nonché la loro traduzione in un progetto realizzabile, costruito 

su dati e informazioni reperiti e verificati dallo studente 

con una ricerca condotta ad hoc.


92 

PROGRAMMI 

2°LIV 

COMUNICAZIONE E VALORIZZAZIONE 

DELLE COLLEZIONI MUSEALI 

Ercole Negroni 

Il corso ha per oggetto la metodologia 

sistematica secondo la quale affrontare 

la progettazione dell’allestimento 

di mostre in spazi espositivi reali. 

Obiettivo principale del corso è l’acquisizione 

dei criteri concettuali e 

delle metodologie operative per l’ideazione, l’impostazione e 

l’elaborazione del progetto d’insieme di una mostra per il grande 

pubblico. Il genere di esposizione alla quale si lavora nel corso 

può variare in una gamma molto ampia, che comprende mostre 

storiche, storico-artistiche, archeologiche, fino alla 

trasposizione espositiva di testi letterari. 

Qualunque sia la tipologia prescelta, ciò che ha maggior risalto 

nel corso è la riflessione sull’iter progettuale e la sua applicazione, 

che deve rispondere a regole definite per procedere in modo 

sistematico e costruire un allestimento efficace. 

Il processo inizia con la definizione del tema e del titolo della 

mostra, che deve rispecchiare l’intenzione dei proponenti, la tipicità 

dell’oggetto esposto ed i criteri generali che s’intendono 

adottare per l’esposizione. Il passo successivo prevede la costruzione 

di una mappa concettuale della mostra, per definire una 

serie di ‘blocchi’ omogenei, che saranno disposti in uno schema 

generale dell’esposizione, secondo un ordine gerarchico, che 

prevede la suddivisione tra blocchi tematici principali, secondari 

e ‘sacche’ di approfondimento.. 

Ciascun blocco costituisce all’incirca una sezione della mostra e 

può prevedere ulteriori suddivisioni al suo interno; occorre inoltre 

aggiungere blocchi introduttivi e conclusivi della mostra, come 

pure pause, transizioni tra una sezione e l’altra e opportune 

digressioni. 

Successivamente, lo schema individuato viene trasferito in una 

sede espositiva reale, e dà luogo alla progettazione dell’allestimento 

vero e proprio, valutando ogni soluzione adottata alla luce 

delle domande fondamentali che ogni progettista deve porsi e 

porre al committente: motivazione della scelta del soggetto, la 

scelta dei destinatari e di conseguenza la scelta del linguaggio 

adottato. 

2°LIV 


Antonio Caronia 

Introduzione 

Il corso si propone di inquadrare in 

maniera storico-teorica le tematiche 

della comunicazione orizzontale nella 

società contemporanea, con particolare 

riferimento alle novità introdotte 

dal digitale. Esso intende fornire 

una conoscenza evolutiva dei media, partendo da una critica 

delle teorie del linguaggio e dai differenti approcci teorici riguardanti 

il rapporto fra linguaggio, comunicazione e società. 

Programma 

1. La natura del linguaggio. 

Linguaggio e ìnatura umanaî. 

Linguistica e semiotica. 

Critica della concezione denotativa del linguaggio. 

2. Parola e immagine 

L’uomo orale e l’uomo alfabetico. 

Dicotomia tra parola e immagine nelle società della scrittura. 

Dai mass media alla cultura digitale. 

Le ìimmagini programmateÑ di Flusser e le ìimmagini dialetticheÑ 

di Benjamin. 

3. DÈtournement, fake, nomi collettivi 

Concetto e pratica di dÈtournement nell’Internazionale situazionista. 

Pratiche di fake e nomi collettivi nella controcultura e 

nei movimenti di opposizione radicale. 

Fantascienza e guerriglia mediatica. 

Bibliografia 

• VILÈM FLUSSER, La cultura dei media, Bruno Mondadori, 2004 

[in alternativa id., Per una filosofia della fotografia, Bruno 

Mondadori, 2006]. • Autonome a.f.r.i.k.a. gruppe, Luther Blissett, 

Sonja Br¸nzels, Comunicazione-guerriglia. Tattiche di 

agitazione gioiosa e resistenza ludica all’oppressione [1997], 

DeriveApprodi, Roma, 2001. • Antonio Caronia, Universi quasi 

paralleli, Cut-up 2009.


PROGRAMMI 93 

2°LIV 


Ambrogio Borsani 

2°LIV 

CONCEPT PLANNING 

Sita Trini Castelli 

Artisti e comunicazione di massa. 

Grandi personaggi del cinema, dell’arte 

e della letteratura si sono dedicati 

alla creazione di messaggi pubblicitari. 

In questo corso si prenderà 

in considerazione il lavoro di registi 

come Ridley Scott, Wenders, Fellini, Olmi, di scrittori come Bontempelli, 

Pessoa, Marinetti, D’Annunzio, Campanile e altri. 

Si affronteranno i linguaggi utilizzati nell’espressione artistica e 

in quella commerciale, si valuterà l’impegno di alcuni scrittori 

nella costruzione di messaggi pubblicitari e l’improvvisazione di 

altri. Quanto hanno portato gli artisti di nobile nell’arte commerciale 

e quanto hanno perso in questa impresa? Il corso analizzerà 

le modificazioni dei segni nel passaggio dalla comunicazione 

alta alla pubblicità, sullo sfondo di un’epoca in cui l’opera 

d’arte si presta a essere riprodotta e manipolata all’infinito. 

Il messaggio pubblicitario in rapporto alle tecniche della creatività, 

i maestri dell’arte, della letteratura e della pubblicità visti 

nel momento dell’invenzione. E’ possibile creare un messaggio 

o un lavoro artistico aiutandosi con dei metodi preordinati? 

Bibliografia 

• PAOLA SORGE, Pubblicità d’autore, Rai-Eri. • JEAN BAUDRIL- 

LARD, Il sogno della merce, Editori di Comunicazione. 

“Tutte le immagini sono buone, a 

condizione di sapersene servire”. 

GASTON BACHELARD, 

La poétique de l’espace. 

Fare concept planning significa soffermarsi 

con spirito analitico sulle sensazioni evocate dalla manipolazione 

di una materia, sul suono onomatopeico di una 

parola, sull’identificazione di una problematica ricorrente ma 

normalmente sotto alla soglia della percezione cosciente. 

Tali stimoli, se opportunamente colti, possono costituire un originale 

punto di partenza per un “discursum” (“il correre qua e 

là”) finalizzato al raggiungimento di una meta concettuale o 

alla realizzazione di un progetto vero e proprio. 

Il corso propone un percorso bidirezionale tra astrazione e concretezza 

del progetto che affronti anche gli aspetti più tecnici 

della sua realizzazione (tempi / costi / risorse); in tal modo la 

creatività e il suo prodotto possono essere ricondotti a scelta 

consapevole e come tali sviluppati, supportati e presentati nel 

modo più appropriato. 

Verranno quindi illustrati gli strumenti atti a comunicare 

un’idea - un concept - e, prima ancora, a strutturarla per trasformarla 

in prodotto artistico o per restituirle spessore concettuale, 

qualora il progetto nasca direttamente dal rapporto concreto 

tra individuo e materia. 

Bibliografia 

• V. CODELUPPI, Il potere della marca, Bollati Boringhieri, 2001. 

Altri testi verranno segnalati nel corso delle lezioni.


94 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Roberto Castello 

2°LIV 


Paola Giorgi 

Programma generale 

Il corso si propone di fornire gli elementi 

di base per affrontare la progettazione 

e la realizzazione di eventi performativi 

che integrano l’azione dal vivo 

in ambienti audio/video. 


Un’introduzione ai linguaggi performativi contemporanei attraverso 

la visione e il commento di video di repertorio e l’ascolto 

di musiche e readings poetici. 

Osservazioni sulla sintassi e sulle implicazioni narrative e comunicative 

del corpo attraverso l’analisi delle forme e dell’articolazione 

spazio temporale dell’azione. 

Introduzione ai sistemi di controllo audio, luci e video e alla loro 

sincronizzazione e gestione integrata attraverso i sistemi MIDI. 

Progettazione di un evento performativo. 

Realizzazione e prove delle performances. 

Presentazione pubblica delle esercitazioni. 

Bibliografia 

• SALLY BANES, Tersicore in scarpe da tennis – la post-modern 

dance, Ephemeria Editrice, (ephemeria@libero.it), Macerata, 

1993. • ROSELEE GOLDBERG, Performance Art - From futurism 

to the present, World of art, 1995 (Thames and Hudson, 30 Bloomsbury 

Street, London WCIB 3QP). 

La caratteristica saliente del biennio specialistico in Costume 

per lo spettacolo è la didattica a progetto. Nel corso dei due semestri 

saranno proposte agli allievi occasioni di collaborazione 

a progetti di messa in scena, con autori e registi diversi, per il 

teatro musicale, per il teatro danza e il teatro di parola, accogliendo 

e condividendo una ricchezza di ricerca espressiva sempre 

più multimediale e interculturale. 

Il vocabolario della tradizione e del mestiere del costumista deve 

modularsi in scelte progressive e incidenti con lo spettacolo in 

corso, assumere i corpi degli interpreti come fattore performativo, 

lo spazio reale e la luce con le dimensioni ipertestuali e scenografiche 

aperte, eventualmente, da altri linguaggi e tecniche 

audio-visuali. In altre parole, l’invenzione di tessuti di ricerca 

inediti e la ricerca sartoriale “cucita addosso al personaggio” , la 

materia e i gesti artigianali “recitano” con una produzione di 

immagini virtuali spesso in doppio e comunque in relazione scenica. 

Il corso mantiene tutto il carattere laboratoriale che lo ha 

caratterizzato nei sei anni precedenti: i “percorsi al contrario”, 

per destrutturare gli stereotipi e riattingere la sostanza emotiva; 

il rinvenimento di tracce e frammenti di una stratificazione culturale 

per nuove tessiture e decorazioni significanti; l’uso dei 

pentoloni per la tintura come crogiuolo alchemico; il lavoro di 

gruppo che favorisce la partecipazione e il confronto critico, manifesta 

le risorse individuali , insegna a gestire la creatività collettiva 

e tenderà ad impostare una nuova capacità di relazione 

tra immagini e componenti attive dello spettacolo. L’esame consiste 

nella rielaborazione individuale e nella comunicazione documentata, 

del percorso svolto e condiviso. 

Bibliografia 

La bibliografia e le indicazioni per la ricerca iconografica saranno 

indicate di volta in volta in rapporto ai temi di progetto. 

In ogni caso: 

• JEAN-JACQUES WUNENBURGER, Filosofia delle immagini, Einaudi. 

• MANLIO BRUSATIN, Storia dei colori, Einaudi. • PETER BRO- 

OK, Il teatro e il suo spazio, Feltrinelli.


PROGRAMMI 95 

1°LIV 

CROMATOLOGIA 

Roberto Casiraghi 

1°LIV 

CROMATOLOGIA 

Maria Ferrari 

Acquisire la consapevolezza del colore, 

nella piena libertà dei linguaggi, 

attraverso il singolo fare e l’incontro 

di artisti che hanno trovato e trovano 

nella dimensione cromatica, la propria 

identità. 

- luminosità 

- percezione 

- frequenza 

- armonia 

- saturazione 

- contrasto 

- simultaneità 

La forza espressiva del colore e le sue ragioni attraverso gli artisti. 

I colori: suoni per lo sguardo…tra scienza e creatività. 

Bibliografia 

• J. W. GOETHE, La teoria del colore, a cura di Renato Troncon, 

Il Saggiatore. • PHILIP BALL, Colore, Una biografia, Bur. • MAN- 

LIO BRUSATIN, Storia dei colori, Einaudi. 

Il corso si propone di fornire linee 

guida teoriche e pratiche tali da consentire 

allo studente un uso consapevole 

della grammatica del colore e 

dei possibili sviluppi nei vari settori 

d’applicazione. 

Contenuti generali 

Cenni di fisica del colore - Introduzione al fenomeno percettivo-cromatico. 

L’uso dei modelli cromatici nelle teorie del colore: da Leonardo 

a Newton, da Goethe a Munsell e al Natural Colour System. 

L’esperienza soggettiva nella teoria dei colori di W. Goethe. I colori 

del mondo animico-spirituale negli studi di R.Steiner. 

La teoria dei colori di J. Itten, le armonie cromatiche, i sette contrasti, 

la spazialità dei colori: - Le trasparenze cromatiche - Caratteri 

psicologici dei colori - Combinazioni creative di colore. 

Parallelamente agli argomenti proposti possono essere sviluppati 

percorsi di ricerca a carattere individuale o di gruppo in relazione 

alle specificità delle scuole d’appartenenza. 

Le uscite didattiche in occasione di mostre, eventi, visite a musei 

o collezioni e gli interventi esterni di artisti o esperti del settore 

sono da considerarsi parte integrante del programma. 

Nell’attività di laboratorio sono previste esercitazioni e sperimentazioni 

in merito agli 

argomenti trattati. La produzione laboratoriale è oggetto di verifiche 

periodiche e 

costituisce elemento di valutazione. 

Bibliografia 

• J. HITTEN, Arte del colore, Il saggiatore. • W. GOETHE, La teoria 

dei colori, Il saggiatore. • J. TORNQUIST, Colore e luce, Istituto 

del Colore.


96 

PROGRAMMI 

1°LIV 

CROMATOLOGIA 

Maria Cristiana Fioretti 

1°LIV 

CROMATOLOGIA 

Dany Vescovi 

Il corso intende analizzare le tecniche 

espressive e le poetiche artistiche 

attraverso lo studio dei problemi della 

percezione cromatica. Con la fase 

teorica si approfondirà la conoscenza 

dell’uso dei colori, con la fase tecnico-pratica 

si sperimenterà il laboratorio concepito come centro 

di coordinamento didattico sperimentale con verifiche tecnicopratiche, 

dibattiti e visite a mostre presso musei e gallerie. 


Storia dell’uso del colore dalla Preistoria alla Contemporaneità, 

analizzando nei vari periodi storici le opere d’arte più rappresentative 

e confrontarle tra loro. 

Parte specifica 

- Il colore e la luce, l’armonia, la struttura, lo spazio, la forma. 

Teoria impressionistica. Teoria espressionistica. 

- Contrasti di colore: colori puri, chiaro-scuro, freddo-caldo, 

complementari, simultaneità, quantità, qualità. 

- Accordi cromatici. 

- Realizzare un progetto bidimensionale o tridimensionale 

usando artisticamente il colore, materiali, tecniche e strumenti, 

secondo l’evoluzione della ricerca individuale. 

Nell’ambito delle attività didattiche si svilupperà un progetto 

artistico “Light-Colour” con la Royal University College of Fine 

Arts di Stoccolma. 

Bibliografia 

• W. GOETHE, La teoria dei colori, Il saggiatore. • J. ITTEN, Arte 

del colore, Saggiatore. • W. KANDINSKY, Lo spirituale dell’arte, 

De Donato. • J. TORNQUIST, Colore e luce, Istituto del Colore. 

Verranno distribuite dispense su argomenti trattati dal docente. 

Il corso sarà svolto in modo aperto, 

senza vincoli di natura tecnica o tematica. 

Il progetto di lavoro sarà concordato 

individualmente con percorsi 

autonomi e specifici, in comune progettualità 

con le discipline di indirizzo 

e sviluppato nell’arco del semestre. Approfondimento nell’ambito 

del colore come elemento primario del fare artistico 

con particolare attenzione per le ricerche nell’arte contemporanea 

degli ultimi decenni. 

Fase tecnico - pratica. 

Analisi e sperimentazione dei materiali: supporti per le diverse 

tecniche pittoriche, supporti fotografici e di stampa, preparazione 

dei supporti, colori naturali e sintetici, materiali organici e 

inorganici. Utilizzo dei media attuali. Lo scopo tecnico - pratico 

è teso a definire le possibilità tecniche in funzione realizzativa 

del lavoro e alle potenzialità espressive in relazione alla ricerca 

contemporanea. 

Sono previste visite a mostre temporanee e/o permanenti presso 

musei, spazi pubblici, gallerie private e fiere dell’arte. Nell’arco 

del corso verranno programmate delle verifiche, al fine di concordare 

l’evoluzione della ricerca individuale. 


Verifica e discussione dei temi concordati e sviluppati durante il 

corso. 

Bibliografia 

• W. GOETHE, La teoria dei colori, Il Saggiatore, 1999. • J. ITTEN, 

Arte del color, Il Saggiatore, 2002. • A. BARCOLLI, Teoria del campo, 

Sansoni, 1971. • R. ARNHEIM, Arte e percezione visiva, 

Feltrinelli, 1971. • A. GARAU, Le armonie del colore, Hoepli, 2003. 

• L. GREGORY, Occhio e cervello, Raffaello Cortina Editore, 1998. 

• J. ALBERS, Interazione del colore, Il Saggiatore, 2005. • M. BRU- 

SATIN, Storia dei colori, Einaudi, 1999. • M. BRUSATIN, Ombre, 

Einaudi, 1996. • A. FROVA, Luce colore visione, Rizzoli Superbur 

Scie. • J. TORNQUIS, Colore e Luce, Hoepli, 1983. • P. BALL, Colore, 

Bur, 2004. • I. ROMANELLO, Il colore: espressione e funzione, Hoepli, 

2006. • M. MERLEAU-PONTY, L’occhio e lo spirito, Se, 1989. • D. 

BATCHELOR, Cromofobia, Storia della paura del colore, Il Leonardo, 

Mondadori 2001. 

Ulteriori indicazioni bibliografiche saranno fornite nell’arco 

dell’anno in base alle singole esigenze e necessità. 

e-mail: danyvescovi@ababrera.it


PROGRAMMI 97 

2°LIV 

2°LIV 

CROMATOLOGIA 

Tiziana Tacconi 

CULTURA DEI MATERIALI DI MODA 

Livia Crispolti 

“Il colore, prima di essere una qualità 

dell’oggetto, si annuncia all’esperienza, 

come un atteggiamento del 

corpo e in virtù di cui esso si costituisce 

in quanto rosso, blu, verde…” 

MERLEAU-PONTY 

Il colore è un’esperienza del corpo, dell’anima e del mondo. 

L’esperienza del colore, intesa come “vissuto” è il luogo in cui 

si manifestano fenomeni, “ciò che appare”. 

La capacità di comprendere il senso degli eventi, che si mostrano 

alla coscienza senza alcuna mediazione, accoglie la definizione 

di “visione” come possesso di una qualità dell’immaginazione. 

Husserl afferma che “ogni visione originalmente 

offerente è una sorgente di conoscenza”. Questa “visione originalmente 

offerente” è il contenuto, ovvero il fenomeno come 

dato immediato dell’esperienza creativa. 

La conoscenza che si instaura tra il corpo ed il “colorato” è la 

possibilità di rendere visibile “lo spazio immaginale”. 

Da un punto di vista fenomenologico, i sentimenti hanno la 

forma, il colore e l’odore del corpo che li contiene e che a suo 

modo li mostra. Parlare della fenomenologia e psicologia del 

colore significa confrontare la concezione filosofica e il principio 

di esperienza. 

Tale principio ha i suoi fondamenti culturali nel mondo dell’arte. 

Laboratorio del colore. 

Quando “vedo, penso e faccio”, colgo nel suo apparire, la mia 

coscienza. Il colore può essere colto come una sequenza continua, 

un’affettività che si rende visibile e comunica attraverso 

l’immagine. 

Nel Laboratorio del colore avremo modo di puntare l’attenzione 

soprattutto sulla nozione di “vissuto” come un puro aggregato 

sommativo di sensazioni tattili, cromatiche, visive in genere, gustative 

ed olfattive. Il colore in quanto forza espressiva, materia 

corporea, annuncia la presenza, di un’unicità incarnata. 

Colore come traccia di un corpo vibrante, di una pelle tesa, del 

sangue che scorre, del vuoto interno che agisce. 

L’esperienza del colore procede nella direzione dell’altro. 

Il colore è la presenza in noi dell’altro, è il contatto con l’essere. 

La conoscenza delle emozioni sarà il risultato della somma delle 

stimolazioni provocate dalla forza espressiva del colore. 

Il corso ha l’obiettivo di indagare i diversi 

ambiti di saperi della cultura tessile. 

Allo studio storico, tecnico e merceologico 

dello specifico si affiancheranno 

approfondimenti didattici sui 

temi: 

- del colore come strumento di progettazione e di espressione; 

- delle differenti realtà produttive industriali e artigianali; 

- della “Fiber Art”, forma d’arte che utilizza la fibra come strumento 

di linguaggio artistico; 

- dei crediti e dei debiti del tessile verso l’arte. 

Fanno parte integrante del corso visite ad opifici, aziende, musei 

ed esposizioni del settore. 

Ai fini dell’esame sarà richiesto allo studente un elaborato scritto 

su di un tema concordato durante le lezioni. 

Bibliografia 

• M. BRUSATIN, Storia dei colori, Einaudi, Torino, 1981. • R. POM- 

PAS, Texile design, Hoepli, Milano, 1994. • L. LUZZATTO, R. POMPAS, 

I colori del vestire, Hoepli, Milano, 1997. • M. SCHOESER, Tessuti 

del mondo, Skira/Rizzoli, Milano, 2003.


98 

PROGRAMMI 

2°LIV 


Sergio Maria Calatroni 

1°LIV 

DECORAZIONE 

Rosa Maria Cimino 

Il tema portante del corso di quest’anno 

è dedicato ad un laboratorio progettuale 

di gruppo, che ha come tema 

il progetto di una: “ Clinica Odontoiatrica 

Interattiva con norme e certificazioni 

Uni En Iso 9000”. Una clinica 

Odontoiatrica moderna, luogo di specialità, di specializzazione, 

di formazione, di comunicazione con l’esterno tramite un sistema 

informatizzato, che offre un controllo e un monitoraggio degli 

interventi clinici, da parte degli utenti e degli specialisti, delle 

Università in Italia e all’estero. 

La clinica da sistema chiuso del sapere medico, diventa un sistema 

aperto a disposizione di tutti. È l’idea di condivisione del 

sapere e delle risorse che accoglie il bisogno dell’integrazione e 

della documentazione dei dati multidisciplinari di conformità 

attraverso le norme di certificazione - Certimedica. Il progetto di 

diffusione della cultura della Qualità e della Ricerca a beneficio 

delle organizzazioni che operano nel settore e dei pazienti. 

P.01. Pre-progetto con tutte le diverse fasi di elaborazione. 

P.02. Linee guida del laboratorio progettuale con realizzazione 

di tavole tecniche e realizzazione del disegno e dalla modellistica 

3D. 

P.03. Gli studenti sono chiamati a dare forma definitiva al progetto 

esecutivo in gruppo. 

Lo scopo primario del corso è di attualizzare 

i sistemi linguistici ed operativi 

in rapporto ai metodi praticati 

dalla ricerca contemporanea. 

Attraverso la Decorazione si è tradizionalmente 

perseguito un fine di abbellimento 

e arricchimento di oggetti di uso comune, così come 

di più complesse realizzazioni. 

A questo intento di valorizzazione si è spesso affiancato, nell’arte 

più colta così nell’artigianato popolare, un chiaro proposito 

di rendere il fatto decorativo lo strumento di espressioni di messaggi. 

Il percorso didattico individua le diverse fasi di ideazione 

e progettazione di “oggetti” che implicano lo studio della decorazione. 

Oggetti di uso comune che nella fantasia creativa diventano 

elementi di richiamo al di fuori del suo contesto codificato, 

ma che abbiano invece quella creatività ludica ed 

espressiva di un nuovo quotidiano Il corso sarà strutturato con 

lezioni teoriche e pratiche-progettuali, con ideazione di un tema 

che il discente svilupperà all’interno del corso annuale. 

L’esame verterà sulla presentazione e discussione degli elaborati 

realizzati con la relativa relazione. 

Bibliografia 

• G. PIVA, Manuale pratico di tecniche pittoriche, Milano, ed.Hoepli; 

• B. MUNARI, Arte come mestiere, Bari, ed. Laterza; • P. VALÉRY, 

Scritti sull’arte, Tea Arte; • C. SIMIC, Il cacciatore di immagini, 

Adelphi; • H. MILLER, Dipingere è amare, Abscondita.


PROGRAMMI 99 

2°LIV 

DECORAZIONE 


1°LIV 

DECORAZIONE 

Sergio Nannicola 

Il progetto ed il senso dell’opera. 

La superiorità della vista rispetto ad 

ogni altra esperienza dei sensi è uno 

dei tratti più persistenti della cultura 

occidentale moderna soprattutto nell’epoca 

del primato della tecnica. 

Tuttavia il prevalere delle immagini non ha esaurito la necessità 

di una nuova alleanza verbo-iconica, non ha cioè ancora 

cancellato la relazione dialettica fra parola e immagine, parola 

e cosa. L’arte contemporanea ha poi riportato allo scoperto la 

necessità di una ritorno al senso dell’opera ed alla sua scrittura, 

insieme alle parole ancora insondate che il pensiero e la riflessione 

sull’arte oggi esprimono. Il nuovo agire dell’arte porta 

con sé la necessità di svelare l’enigma che le tecnologie 

mediali pongono all’interno dei paradossi e le singolarità dell’esperienza 

artistica. Affrontare quindi la questione dell’opera 

significa non solo esporre un proprio segno, gesto, ma esporsi al 

senso stesso dell’esposizione, mettere in luce cioè l’essenza stessa 

dell’opera. Il senso stesso dell’arte riparte da una contingenza 

poetica che sia capace di comprendere la realtà in cui si vive 

e al contempo esplorare nuovi universi visivi. Il destino del contemporaneo 

è ancora una possibilità di accesso a quel reale che 

sfugge alla vista e che parte da parole nuove per poter svelare il 

presente oggi così frantumato, indicibile ed invedibile. Qui la 

parola non è solo il materiale stesso dell’arte che si iscrive nel 

corpo o nel supporto ma è segno di un dire indicibile, riconoscenza 

di ciò che è stato e che ancora permane, parola dicente 

intorno all’inaudito, all’inascoltato a ciò che non si lascia vedere 

da subito e che pure è visibile. 

Nel biennio lo studente metterà in “esposizione” ciò che rappresenta 

il nucleo della sua esperienza espressiva, estetica, poetica. 

Il corso concluderà e svilupperà quelle tematiche affrontate nel 

triennio in un orizzonte progettuale destinato a confrontarsi e a 

costruire ipotesi di rapporto con il mondo reale dell’arte, del suo 

“sistema” e dei suoi apparati di diffusione . 

Il programma del corso si svolge essenzialmente 

sul concetto di laboratorio, 

inteso come luogo di confronto 

teorico e di produzione artistica. 

Il laboratorio è concepito come spazio 

multidisciplinare di incontro-scontro 

fra esperienze e linguaggi del fare differenti. 

Il corso prevede lo studio teorico, pratico, tecnico e tecnologico, 

dei fenomeni legati al mondo della decorazione contemporanea. 

Nel corso del triennio sarà possibile acquisire capacità e competenze 

nell’ambito della creatività attraverso un piano di studio 

personalizzato calzante alle esigenze e alle predisposizioni individuali. 

Con tali presupposti si potranno realizzare progetti 

orientati verso i diversi settori disciplinari: dal semplice oggetto 

al design, dalla pittura alla fotografia, dal video all’installazione, 

dalla performance alle video-proiezioni all’utilizzo della luce 

nell’oggetto e nell’architettura. 

La diversità e la complessità dei risultati conseguiti nell’ambito 

degli studi consentiranno l’attivazione di analisi e dibattiti sui 

temi affrontati, al fine di mettere in evidenza i diversi aspetti del 

lavoro prodotto. Il percorso formativo al termine di ogni annualità 

si arricchirà di esperienze sul campo ritenute imprescindibili, 

quali: mostre, stages, incontri con artisti, operatori del settore, 

ecc., con l’obbiettivo di rendere evidente la strada a tutti coloro 

che si apprestano a percorrere il sentiero dell’arte. 

“Il fine di questo metodo non è di dare formule programmatiche, 

ma di individuare e pensare se stessi nella complessità delle 

cose. Non è di dare la ricetta capace di ingabbiare il reale, ma 

di sensibilizzare lo studente alle insidie nascoste sia in quella 

malattia dell’intelletto che crede che il reale possa lasciarsi racchiudere 

nell’idea, sia in quella malattia della razionalità che 

crede che il reale possa esaurirsi in un sistema coerente di idee. 

Il suo metodo di lavoro prevede che l’attenzione sia rivolta solo 

a quel genere di cose che sono contemporaneamente evidenti e 

oscure”(Vincenzo Ferrari) 

Bibliografia 

Verrà indicata durante il corso un’ ampia bibliografia di testi, 

cataloghi e materiale documentario.


100 

PROGRAMMI 

1°LIV 

DECORAZIONE 

Marco Pellizzola 

1°LIV 

DECORAZIONE 

Carlo Tognolina 

La programmazione ha l’obiettivo di 

far comprendere agli studenti gli aspetti 

del rapporto dell’opera con lo spazio, 

inteso come ambiente espositivo, come 

spazio urbano e come ambiente naturale. 

Nel corso del triennio gli studenti 

dovranno progettare e realizzare una serie di interventi legati a specifici 

contesti, partendo da una libera ideazione e da tematiche e 

problematiche assegnate dal docente in funzione di particolari iniziative. 

Per ottenere le competenze adeguate, gli studenti si dovranno 

confrontare con diverse tecniche, per sviluppare le capacità 

manuali di realizzazione e per avere consapevolezza delle potenzialità 

dei diversi materiali a supporto della progettazione. 


Si partirà dal disegno come fondamento ideativo e progettuale 

per procedere con la conoscenza e l’esercizio di diversi linguaggi 

visivi, il cui insegnamento sarà approfondito attraverso esperienze 

di laboratorio e corsi seminariali tenuti da specialisti. Durante 

il corso dovranno essere realizzati almeno tre progetti in 

tutte le fasi. 

Agli studenti sarà data l’opportunità di partecipare alla realizzazione 

di un progetto di intervento in grande scala per il Parco Nord 

di Milano attraverso stages di mosaico ceramico in cantiere. 

Bibliografia 

La bibliografia di riferimento sarà scelta e segnalata durante 

l’anno in funzione dei progetti prescelti. 

Premesso che il senso unitario della 

Decorazione si ritrova nell’alveo della 

grande tradizione dell’arte, la sua realtà 

attuale invece si ritrova frammentata 

in una varietà di discipline 

che comprendono l’architettura, la 

scenografia, il teatro, la pittura, la scultura, la pubblicità, il design, 

l’urbanistica, la grafica, ecc. (dove peraltro ognuna di queste 

specificità si trova attualmente a relazionarsi con la potenzialità 

d’uso dei nuovi strumenti tecnologici e ad una grande 

varietà di nuovi materiali), per cui si ritiene necessario, per 

mantenere aperte tutte queste possibilità di ricerca e di sperimentazione, 

un approccio alla Decorazione che sia di tipo metodologico. 

Attraverso una ricognizione nell’ambito dei settori di ricerca esistenti 

delle arti e delle tecnologie delle arti visive e plastiche, si 

individueranno preliminarmente gli ambiti che possono essere 

ricondotti alla specificità della Decorazione considerando comunque 

che la sua attualità, anche in rapporto agli sbocchi professionali, 

implica un costante aggiornamento dei metodi e dei 

contenuti in funzione di una realtà che è in continuo cambiamento. 

In questo corso si propone dunque una pratica che consenta allo 

studente, di iniziare a sondare e a approfondire quegli aspetti 

della Decorazione che sono l’oggetto innanzitutto di un proprio 

interesse favorendo così un iniziale rafforzamento delle sue convinzioni 

e della propria identità personale ed espressiva, per poi 

avviare un confronto con il docente e gli altri studenti, atto a 

maturare una maggiore consapevolezza e autonomia espressiva, 

nonché una capacità di lettura critica dei linguaggi visivi e del 

proprio lavoro. Inoltre si favoriranno l’approccio e l’uso delle 

tecniche multimediali in funzione progettuale e la conoscenza 

dei materiali adeguati alla realizzazione delle opere.


PROGRAMMI 101 

2°LIV 

DESIGN 

Barbara Loddo 

1°LIV 

DESIGN 

Giuseppe Ulian 

Il corso si propone di fornire agli studenti 

le competenze fondamentali, gli 

strumenti e le metodologie per l’approccio 

e l’indagine della complessa 

fenomenologia del Design, realtà attualmente 

identificabile, in un esteso 

sistema multifocale: un insieme interconnesso di prodotti, servizi, 

relazioni che esplicano specifici valori culturali, sociali ed 

economici, caratterizzati da una costante tensione verso l’innovazione. 

Si vuole di rendere accessibili i mezzi per comprendere le logiche 

delle dinamiche in atto e orientare verso una pratica progettuale 

efficace, consapevole e coerente col contesto di riferimento. 

La scelta per la didattica è un programma basato sullo studio per 

progetti, supportato da lezioni teoriche introduttive alle modalità 

progettuali e ai temi fondamentali del design in tutte le sue 

specificità. 

Il focus del corso è sulla modalità operativa della progettazione 

di design e le tematiche affrontate saranno trasversali ai differenti 

ambiti di applicazione del disegno industriale e la comunicazione 

del progetto, considerato parte integrante dello stesso, 

costituirà un momento importante della didattica. 

L’impegno progettuale richiesto agli studenti durante le esercitazioni 

sarà graduale: si partirà dall’esame di case history di prodotti 

significativi per l’introduzione dell’ottica articolata del sistema 

prodotto, fino alla definizione di un’esperienza progettuale 

compiuta in tutte le sue parti. 

Il percorso si basa su un presupposto 

fondamentale: considerare il progetto 

non solo come disegno o composizione 

ma , anche e soprattutto, come 

una storia, un racconto, un percorso 

mentale reso limpidamente visibile. 

Al centro di questa visione deve essere posta l’originalità formale 

e di contenuto. Spesso però risulta difficile capire quando un 

oggetto contenga reale innovazione oppure sia solo il prodotto 

di un banale virtuosismo formale. Il corso si pone così come un 

percorso mentale attraverso il quale identificare possibili criteri 

di lettura e di progetto avendo sempre come orizzonte la volontà 

di dare fondamento etico al fare progettuale. 

Programma 

Verranno affrontati parallelamente i temi fondanti della disciplina 

e i problemi legati alla tecnologia e alle metodologie di 

progetto. Alle lezioni monografiche a cadenza settimanale verranno 

affiancate esercitazioni e seminari con discussioni sugli 

elaborati prodotti dagli studenti durante il corso. 

Bibliografia 

• RENATO DE FUSCO, Storia del design, Bari, Laterza, 1985 ed edizioni 

successive. • ENZO MARI, Progetto e passione, Torino, Bollati 

Boringhieri, 2001. • MAURIZIO VITTA, Il progetto della bellezza. Il 

design fra arte e tecnica, 1851-2001, Torino, Einaudi, 2001. 

Bibliografia 

• T. MALDONADO, Disegno Industriale: un riesame, Feltrinelli 

Editore, Milano, 2008. • P. BERTOLA e E. MANZINI, Design Multiverso, 

Edizioni POLI. design, Milano, 2004. • B. MUNARI, Da cosa 

nasce cosa, Editori Laterza, Bari, 2007.


102 

PROGRAMMI 

1°LIV 

DESIGN 

Roberto Semprini 

2°LIV 

DESIGN DEL GIOIELLO 

Filomena Antonia Stelitano 

Questo corso intende sollecitare e sondare 

le capacità pro-gettuali di matrice 

istintiva che fanno parte della dote 

naturale di ogni individuo. 

Obiettivi 

L’obiettivo principale del corso è lo sviluppo 

e il potenziamento di quelle capacità progettuali latenti 

attraverso l’esperienza diretta del fare e sviluppare nello studente 

la consapevolezza di un proprio linguaggio espressivo all’interno 

di un progetto reale. 

Didattica 

Dopo una prima serie di lezioni teoriche svolte sul design d’autore, 

la trattazione delle principali problematiche avverrà in maniera 

personalizzata attraverso le revisioni sul tema assegnato. 

Tema 

L’argomento assegnato vuole indagare quali siano oggi i bisogni 

inespressi alla luce dei cambiamenti sociali e di costume in atto. 

In quest’ottica il progetto dovrà essere preceduto da una ricerca 

che lo studente svilupperà con la metodologia ritenuta più opportuna 

ma comunque valida, al fine di individuare quei bisogni 

latenti e non ancora codificati. 


Per sostenere la prova d’esame, lo studente deve aver sostenuto 

almeno un numero di revisioni pari ad un terzo, della totalità 

delle ore di lezione. 

La presentazione di una tesina in formato A4 contenente lo svolgimento 

del tema, dalla ricerca, agli schizzi, ai disegni esecutivi. 

La realizzazione di un modellino di studio in scala o al vero. 

Un’ambientazione fotografica dell’oggetto in formato diapositiva. 

Bibliografia 

• ANDREA BRANZi, Il design italiano dal 1964 al 1990. • ROBER- 

TO SEMPRINI, E tutto cominciò dalla spirale. 

Nell’ambito più ampio del Fashion 

Design, l’insegnamento è volto alla 

formazione di figure professionali in 

grado di saper progettare e realizzare 

gioielli, affinchè pratiche solitamente 

considerate meramente artigianali 

possano conseguire livelli d’eccellenza attraverso il valore aggiunto 

dalla consapevolezza progettuale dell’artista inserito nel 

sistema moda. 

Gli studenti dovranno acquisire: 

saperi di carattere storico riguardanti l’evoluzione culturale e materiologica 

del gioiello con particolare riferimento alla contemporaneità; 

conoscenze relative alle tecnologie specifiche dei 

materiali, sviluppando metodologie di progettazione e capacità di 

realizzazione del prototipo privilegiando le dinamiche di sviluppo 

della forma, dalla natura alla struttura autonoma dello stesso; saperi 

e abilità tecnologiche nell’uso di materiali convenzionali e 

sperimentali, coniugando la preziosità delle materie nobili con la 

potenza simbolica di elementi poveri assunti da contesti di natura. 

Si praticheranno le tecniche di base, relative all’uso delle attrezzature 

e degli strumenti, per la lavorazione dei metalli preziosi 

mediante la preparazione delle leghe, la fusione, la laminazione 

e la trafilatura, l’uso della pressofusione, con sconfinamenti 

nella sperimentazione di nuove modalità operative e nuove dimensioni 

e caratteri del linguaggio del gioiello d’artista tangenti 

se non coincidenti con le dinamiche della scultura. Gli studenti 

saranno indotti ad elaborare percorsi di ricerca autonomi 

fondati su processi creativi consapevoli anche delle logiche di 

funzionalità ed ergonomia nonchè di quelle del marketing e dei 

trend. Gli studenti dovranno esperire direttamente i modi di divulgazione 

del prodotto nel sistema della moda, il rapporto con 

la critica, e soprattutto la progettazione, la redazione e la realizzazione 

di un catalogo. Le attività potranno concludersi con 

l’allestimento di una mostra o la partecipazione a sfilate. 


Presentazione e discussione delle operazioni svolte dallo studente 

durante l’anno accademico, dai progetti alle realizzazioni. 

Bibliografia 

• ANTONIO BISACCIA, Mena Stelitano. Anatomia e Architettura 

dell’ornamento, Femia, Marina di Gioiosa Jonica, 1999. • EN- 

RICO CRISPOLTI, Immaginazione aurea. Artisti-orafi e orafi-artisti 

in Italia nel secondo Novecento, Silvana Editoriale, Cinisello 

Balsamo, 2001. • LUISA SOMAINI e CLAUDIO CERRITELLI, Gioielli 

d’artista in Italia 1945-1995, Electa, Milano, 1995.


PROGRAMMI 103 

2°LIV 

DESIGN DELL’ACCESSORIO PER IL COSTUME 

M. Carla Ricotti 

2°LIV 


Ampelio Bucci 

Il corso permette di acquisire un approccio 

metodologico nella progettazione 

degli accessori legati al costume 

attraverso una conoscenza storica e 

uno sviluppo delle capacità di sintesi 

della forma e delle tipologie stilistiche. 

L’autonomia nella ricerca dell’idea, nel disegno e nel modello 

tramite l’uso di tecniche di rappresentazione grafiche e 

realizzative saranno alla base di questo percorso. 

Ogni soggetto trattato prevede una parte teorica attraverso 

un’analisi storico-sociale e la sua evoluzione stilistica durante i 

secoli e le varie culture. Si valuteranno insieme gli aspetti formali 

attraverso lo studio dei vincoli tecnici legati alla realizzazione, 

all’esigenza di funzionalità, di indossabilità, di utilizzo 

specifico etc. Si tratterà ogni accessorio graficamente come un 

vero e proprio “progetto”, vale a dire dai primi schizzi sino a 

giungere ad un esecutivo finale passando attraverso disegni tecnici,visioni 

tridimensionali, realizzati tramite tecniche grafiche 

e pittoriche differenti (graffite, chine, matite colorate, pantoni, 

acquerelli, tempere, acrilici). Ogni progetto prevede la scelta di 

differenti materiali e delle diverse tecniche di realizzazione. Il 

tutto supportato contemporaneamente da immagini di ricerca 

individuale (ricerche storiche, ricerche metodologico-progettuali). 

Attraverso momenti di laboratorio si cercherà di realizzare l’idea 

partendo dall’elaborato grafico alla creazione dell’oggetto vero e 

proprio. Per ogni argomento trattato si avranno riscontri concreti 

attraverso visite presso artigiani e fornitori che da anni lavorano 

nella realizzazione di questi accessori per il teatro e il cinema. 

Il corso è centrato sui fattori di successo 

del Made in Italy e sul contributo 

che il design (product o fashion) deve 

dare oggi alle imprese nella competizione 

crescente del mondo globalizzato. 

Si esamineranno quindi nel corso 

le innovazioni che i settori della moda e del design hanno introdotto 

nelle logiche d’impresa e negli strumenti di marketing, per 

affrontare i cambiamenti continui dei mercati : le nuove segmentazioni 

dei mercati; le produzioni a rete dei distretti; la gestione 

dell’offerta globale; il rapporto designer/impresa; l’estetica, 

la sensorialità, l’emozione; il passaggio dai bisogni ai desideri; 

l’esperienza come nuovi fattori di scelta e d’acquisto da parte 

dell’individuo/consumatore attuale. 

Bibliografia 

• AMPELIO BUCCI, L’impresa guidata dalle Idee. Management 

della Moda e del Design, Edizioni Domus Academy, Milano 

1992. Riedizione aggiornata Arcipelago Edizioni, Milano, 2003, 

Prefazione di Luciano Benetton. • AMPELIO BUCCI, Moda a Milano 

: Stile e impresa nella città che cambia, Editrice Abitare Segesta, 

Milano, 2002. 

Bibliografia 

• G. SIMMEL, La moda, Oscar Classici Mondadori, Milano, 1988. 

• J. ITTEN, Arte del colore, Ed. Il Saggiatore, Milano, 2004. • TI- 

BOR, MAIRA KALMAN, (un) Fashion, Booth-Clibborn Editions 

London. •A. Fukai, Fashion in colors, Cooper-Hewitt National 

Design Museum, Assouline Publishing Editor, New York, 2004. 

• AA.VV. Radical Fashion Edited by C.Wilcox, London, 2001. 

• H.KODA, Extreme Beauty, The body transformed, Published 

by Metropolitan Museum of Art N.Y., New York, 2001. • F. MUL- 

LER Excentriques, Editions du Chene - Hachette-Livre, Paris, 

2001. • AA.VV. New Theatre Words, Executive Editor Olle Soderberg, 

Sttf, Amsterdam, 1995.


104 

PROGRAMMI 

1°LIV 

DESIGN SYSTEM 

Clara Mantica 

1°LIV 

DIDATTICA DEI LINGUAGGI ARTISTICI 

Dacia Manzoli 

Il Design System italiano, che ha il 

suo fulcro a Milano, è il più grande distretto 

al mondo dove il design nella 

sua accezione di progetto si intreccia 

trasversalmente con arte, grafica, artigianato, 

product, moda, eventi culturali, 

media , tecnologie, istituzioni, sistema fieristico, editoria , 

scuole, commercio. Conoscere il sistema e frequentarlo aiuta lo 

studente a costruire la propria mappa di conoscenze e riferimenti 

al fine di dirigere ricerche e interessi orientando il percorso formativo 

e professionale secondo le proprie vocazioni, capacità e 

valori. 

Attraverso percorsi guidati si visitano luoghi e distretti della città 

che appartengono al sistema milanese del design; si intervistano 

professionisti, si incontrano protagonisti . Gli studenti 

scelgono in base ai propri interessi le realtà da indagare e di cui 

compilare le schede che vanno ad arricchire la Guida del “Milano 

design system” redatta dagli studenti del dipartimento dal 

2005 ad oggi e continuamente aggiornata. Primo obbiettivo 

della guida è fare scoprire la ricchezza di risorse disponibili nel 

territorio milanese, la maggior parte degli studenti le ignora e, 

dunque, non ne gode. Secondo obbiettivo é facilitare l’orientamento 

dei giovani dentro un sistema complesso. Terzo è quello 

di sollecitare ciascun giovane a cercare la propria strada, a meglio 

comprendere e dirigere il proprio percorso formativo, a 

identificare propri interessi e riferimenti al fine di costruire, nel 

tempo, una mappa del sistema originale e a propria misura. 

Le voci della Guida sono: Arte, Artigianato, Arti applicate, Autoproduzioni 

, Associazioni, Comunicazione, Design, Enti e Fondazioni, 

Fiere, Giovani – Opportunità, Informazione, Interior, 

Milano, Negozi, Scuole,Servizi,Sostenibilità,Ricerca, Tecnologie 

e Materiali. 

Il corso privilegerà la sperimentazione, lo studio e l’elaborazione 

di attività di laboratorio legati all’arte contemporanea. Una 

educazione e una didattica dell’arte contemporanea non può 

non essere anche una “pratica dell’arte”, tesa alla formazione di 

una cultura visiva, per acquisire una familiarità con i linguaggi 

artistici. 

Fondamentale è partire dalla lettura di un’opera d’arte, per capire 

quali sono i linguaggi utilizzati dall’artista. Il corso si propone 

di analizzare opere di artisti contemporanei senza tralasciare 

i riferimenti all’arte antica e moderna, per arrivare a sperimentare 

i linguaggi dell’arte in prima persona, facendone 

esperienza attiva, viva. L’obbiettivo è che gli studenti giungano a 

essere in grado di proporre laboratori su artisti e temi delle arti 

visive. Si privilegerà un approccio metodologico che parta dall’opera 

come testo e come pretesto. 

All’interno del corso verranno proposte visite a mostre e musei. 

Potranno essere realizzati incontri ed esperienze nell’ambito di 

Dipartimenti Didattici di musei esterni al territorio milanese e, 

in particolare, presso la Galleria d’Arte Moderna di Bologna. 

Bibliografia 

• CLARA MANTICA con gli studenti del Dipartimento di progettazione 

artistica per l’impresa, Design System, • Sistema Design 

Milano, a cura Politecnico di Milano, editrice Segesta, Milano. 

• AA VV Milano distretto del design, Edizioni Il sole 24 ore, Milano. 

• AA VV Milano made in design. Scaricabile da www.milanomadeindesign.com.


PROGRAMMI 105 

2°LIV 


Gisella Vismara 

2°LIV 


Gisella Vismara 

Il corso, partendo dal concetto di museo, 

è finalizzato all’apprendimento 

delle teorie pedagogico-artistiche alla 

base dei diversi interventi educativi 

attuati nei maggiori musei italiani 

ed europei, nonché alla comprensione 

del fine delle attività educative museali. 

In particolare, tale materia si propone di analizzare le origini e 

gli sviluppi della didattica per il museo, rilevando l’importanza, 

per i suoi fondamenti teorici, del rapporto tra: estetico ed artistico, 

educazione ed arte, apprendimento ed attività laboratoriali. 

Il corso affronterà le diverse “scuole di pensiero” storiche che 

sono la base teorica dei differenti interventi didattico-educativi 

praticati oggi all’interno delle sezioni didattiche e dei dipartimenti 

didattici di gallerie e musei. Si farà cenno ad alcuni padri 

del pensiero educativo, quali: Steiner, Read, Dewey e Stern; 

si approfondiranno le teorie pedagogico-educative alla base del 

metodo Bruno Munari e quelle di pedagogia dell’arte di Marco 

Dallari, con un’analisi della metodologia didattica applicata 

nei diversi poli museali italiani. Il programma, inoltre, prenderà 

in considerazione alcune sezioni didattiche tra le più significative 

ed esemplificative dei differenti approcci alla didattica per 

il museo (MART di Rovereto, MAMbo di Bologna, Pecci di Prato, 

Palazzo Reale di Milano, Castello di Rivoli, Papesse di Siena, 

Scuderie del Quirinale di Roma,etc…). 

Il corso prevedrà anche una parte progettuale in cui gli studenti 

saranno invitati ad elaborare un percorso didattico per adulti, 

relativo ad una Collezione museale da loro scelta. 

Infine, il programma prevedrà necessariamente visite ad alcune 

sezioni didattiche e, quindi, l’intervento di alcuni esperti del 

settore volte ad illustrare le attività e i progetti del museo in cui 

operano. 

Bibliografia 

• M. DALLARI e C. FRANCUCCI, L’esperienza pedagogica dell’arte, 

La Nuova Italia, Firenze, 1998. • Education through art. I musei 

di arte contemporanea e i servizi educativi tra storia e 

progetto, a cura di C. De Carli, Mazzotta, Milano, 2003. • F. MA- 

RIOTTI, La Musa stupita. Infanzia e fruizione dell’arte, Electa, 

Milano, 2008. 

Il programma, per il Biennio specialistico, sarà articolato, sia 

dal punto di vista contenutistico che bibliografico, nello stesso 

modo di quello previsto per il Triennio in Comunicazione e Didattca 

dell’Arte, in quanto, per la specializzazione biennale, 

Didattica per il museo può essere inserita nel piano di studi solo 

come materia affine. 

Il corso, partendo dal concetto di museo, è finalizzato all’apprendimento 

delle teorie pedagogico-artistiche alla base dei diversi 

interventi educativi attuati nei maggiori musei italiani ed 

europei, nonché alla comprensione del fine delle attività educative 

museali. 

In particolare, tale materia si propone di analizzare le origini e 

gli sviluppi della didattica per il museo, rilevando l’importanza, 

per i suoi fondamenti teorici, del rapporto tra: estetico ed artistico, 

educazione ed arte, apprendimento ed attività laboratoriali. 

Il corso affronterà le diverse “scuole di pensiero” storiche che 

sono la base teorica dei differenti interventi didattico-educativi 

praticati oggi all’interno delle sezioni didattiche e dei dipartimenti 

didattici di gallerie e musei. Si farà cenno ad alcuni padri 

del pensiero educativo, quali: Steiner, Read, Dewey e Stern; 

si approfondiranno le teorie pedagogico-educative alla base del 

metodo Bruno Munari e quelle di pedagogia dell’arte di Marco 

Dallari, con un’analisi della metodologia didattica applicata 

nei diversi poli museali italiani. Il programma, inoltre, prenderà 

in considerazione alcune sezioni didattiche tra le più significative 

ed esemplificative dei differenti approcci alla didattica per 

il museo (MART di Rovereto, MAMbo di Bologna, Pecci di Prato, 

Palazzo Reale di Milano, Castello di Rivoli, Papesse di Siena, 

Scuderie del Quirinale di Roma,etc…). 

Il corso prevedrà anche una parte progettuale in cui gli studenti 

saranno invitati ad elaborare un percorso didattico per adulti, 

relativo ad una Collezione museale da loro scelta. 

Infine, il programma prevedrà necessariamente visite ad alcune 

sezioni didattiche e, quindi, l’intervento di alcuni esperti del 

settore volte ad illustrare le attività e i progetti del museo in cui 

operano. 

Bibliografia 

• M. DALLARI e C. FRANCUCCI, L’esperienza pedagogica dell’arte, 

La Nuova Italia, Firenze, 1998. • Education through art. I musei 

di arte contemporanea e i servizi educativi tra storia e 

progetto, a cura di C. De Carli, Mazzotta, Milano, 2003. • F. MA- 

RIOTTI, La Musa stupita. Infanzia e fruizione dell’arte, Electa, 

Milano, 2008.


106 

PROGRAMMI 

2°LIV 

DIGITAL VIDEO 

Valerio Ambiveri 

1°LIV 

DIGITAL VIDEO 

Anna Maria Monteverdi 

Il corso è volto a preparare lo studente 

sul linguaggio dell’opera audiovisiva 

ed apprendere i fondamenti del 

video-editing non lineare. 

Il corso è strutturato in tre momenti. 

Teoria 

Una lezione settimanale su argomenti inerenti al cambiamento 

ontologico dell’immagine (dal lato della produzione e quello della 

fruizione), avvenuti col nascere e lo svilupparsi delle tecnologie. 

Saranno presi in esame i mutamenti determinati dall’evolversi 

della fotografia, del cinema, della televisione e dei nuovi sistemi di 

comunicazione, dell’era digitale e dell’informatica. 

Laboratorio 

Progettazione, elaborazione e produzione dell’opera video. 

Lo studente è invitato a presentare un progetto o un’idea che 

prenda le mosse dalla propria esperienza creativa declinata al 

linguaggio e alla sintassi del video. 

Verrà seguito sia l’aspetto teorico-concettuale della struttura 

dell’opera, sia la parte tecnica dell’editing e della post-produzione 

del materiale acquisito. 

Esercitazioni 

Per gli studenti che necessitino di conoscenze di base della pratica 

del video-editing saranno previste delle esercitazioni propedeutiche 

tenute dal tecnico di laboratorio. 

Nei rientri mensili previsti nel primo semestre, saranno svolte 

delle lezioni tecniche sulla terminologia, gli standard, i sistemi 

video e la struttura dei software di video-editing. 


Si presenta l’opera video prodotta durante le lezioni, in formato 

DVD-video con relativa copertina completa dei dati, stampa del 

disco, ed eventuale libretto di accompagnamento. 

Alla fine delle lezioni dell’anno accademico si dovrà consegnare 

una breve relazione su argomenti affrontati nelle lezioni teoriche. 

Il corso intende indagare l’utilizzo del 

digital video nell’ambito dello spettacolo, 

sia in forma di videocreazione 

originale di ispirazione teatrale, sia in 

forma di apparato audiovisuale (e relativi 

sistemi di interazione attoremacchina) 

con funzione drammaturgica inserito all’interno di 

spettacoli dal vivo. A partire dai fondamentali testi di estetica dei 

media di Lev Manovich e di Rosalind Krauss il corso esplorerà alcune 

significative esperienze artistiche internazionali (Motus, 

Xlab, William Kentridge, Robert Lepage, Giacomo Verde) confrontandone 

tecniche e poetiche. 

Bibliografia per frequentanti 

• A. M.MONTEVERDI, O. PONTE DI PINO, Nuovi media: nuovo teatro, 

Milano, Il principe costante, 2007. • ALESSANDRO AMADUCCI, Il 

video digitale creativo, Ed. Nistri-Lischi, Pisa, Collana Mediamorfosi, 

2003. 

Ai frequentanti verrà richiesto un approfondimento su uno specifico 

lavoro videoteatrale a scelta tra le proposte inserite nella 

sezione Teatro e Nuovi Media di www.ateatro.it. 

Bibliografia non frequentanti 

• A. M. MONTEVERDI, O. PONTE DI PINO, Nuovi media: nuovo teatro, 

Milano, Il principe costante, 2007. • G. VERDE, Artivismo 

tecnologico, Pisa, BFS, 2007. • A. M. MONTEVERDI, Il teatro di Robert 

Lepage, Pisa, Bfs, 2004. 

A scelta uno dei seguenti saggi: 

• R. KRAUSS, Reinventare il medium (solo il saggio su Kentridge), 

Milano, Mondadori, 2006. • A. M. MONTEVERDI, A. BALZOLA, Le 

arti multimediali digitali, Milano, Garzanti, 2004. 

Bibliografia 

Al termine di ogni lezione teorica sarà fornita una bibliografia 

specifica. Si consigliano alcune letture sui problemi della contemporaneità. 

• PETER SLOTERDIJK, Non siamo ancora stati salvati, Bompiani. 

• JEAN BAUDRILLARD, Il patto di lucidità o l’intelligenza del male, 

Raffaello Cortina editore. • HAL FOSTER, Il ritorno del reale, 

Postmedia.books.


PROGRAMMI 107 

1°LIV 

DIGITAL VIDEO 

Bruno Muzzolini 

2°LIV 

DIREZIONE DELLA FOTOGRAFIA 

Davide Tranchina 

Questo corso si sviluppa lungo le traiettorie, 

non sempre rettilinee, sulle quali 

si costituisce l’operatività artistica e la 

costruzione di un’opera, con particolare 

attenzione alla contemporaneità, alla 

sua relazione con gli artisti degli 

ultimi anni e all’ineludibile interazione che si è venuta a creare 

con le innovazioni tecnologiche, con le possibilità di manipolazione 

del mondo e delle immagini. L’arte video per propria natura si 

manifesta con un linguaggio articolato in continua metamorfosi 

che delinea un orizzonte fluttuante, aperto e versatile, sensibile a 

sollecitazioni trasversali. Di pari passo sollecita un rapporto tra 

opera, autore e fruitore, innestando una dinamica di partecipazione 

condivisa al senso dell’arte, della sua mondanizzazione e del 

suo significato. 

Parte teorica 

La parte teorica del corso prevede lo studio e l’analisi del lavoro 

video prodotto dagli artisti dagli anni settanta a oggi, con l’obbiettivo 

di stimolare gli studenti all’approfondimento delle modalità 

operative e alle poetiche degli artisti che ne hanno reinventato 

il linguaggio. 

Parte pratica 

Ideazione e presentazione di un progetto teorico e di uno storyboard 

Produzione e organizzazione delle riprese 

Postproduzione e utilizzo di programmi per montaggio audio - 

video (Adobe premiere Final Cut) 

Progetto di installazione: con particolare attenzione alle modalità 

fruitive dell’opera e al rapporto con lo spazio espositivo scelto ) 

Modalità d’esame. 

L’esame si svolgerà attraverso la presentazione e la discussione di 

un lavoro video sviluppato dallo studente durante l’anno, 

Bibliografia 

• VALENTINI VALENTINA, Le storie del video, Roma, Bulzoni Editore, 

2003. • DANIEL BIRNBAUM, Cronologia, Milano, PostmediaBooks 

2007. • MICHAEL RUSH, Video art, London, 2007. 

Verranno inoltre fornite bibliografie specifiche in base al progetto 

di ogni studente, monografie di artisti, mostre collettive e rassegne 

e testi di carattere teorico. 

Finalità 

Il corso intende analizzare la specificità del linguaggio fotografico 

perché lo studente possa acquisire una maggiore consapevolezza 

dello strumento che intende utilizzare. 

Si sottolinea il fatto che questo è un corso che considera il mezzo 

fotografico come il filo rosso che ha attraversato l’arte, modificandola 

profondamente, dalla sua origine ai giorni nostri. Il 

programma didattico pone l’accento sull’aspetto culturale della 

fotografia, attraverso un approccio interdisciplinare di relazioni 

con altre forme espressive come la letteratura, la pittura, la scultura, 

l’installazione, il cinema e il video. 

L’attività didattica è concepita come un laboratorio teorico e pratico 

per consentire allo studente di sviluppare un pensiero visivo 

personale attraverso un uso eterogeneo del mezzo fotografico. 

Non è da intendersi come un corso di fotografia analogica e digitale, 

ma come un percorso di riflessione che permetta allo studente 

di individuare gradualmente la propria zona d’interessi in 

linea con le proprie attitudini. Ogni studente deve imparare a 

pensare e a sviluppare un tema precedentemente discusso, individuando 

gli strumenti più idonei, arrivare a produrre un lavoro 

completo sotto ogni punto di vista. 

La messa in scena nella fotografia contemporanea. 

Per messa in scena s’intende la costruzione di un modello concreto 

o virtuale che non esiste nella realtà, creato per essere rappresentato 

fotograficamente. Verrà analizzato il lavoro di artisti contemporanei 

di diverse generazioni che hanno realizzato opere con 

questa intenzione per una riflessione teorica sulla natura stessa 

del linguaggio fotografico in relazione ad esempi tangibili. 

L’immagine fotografica con la sua apparente fedeltà al dato reale 

costituisce un sistema di rappresentazione unico e complesso. 

E’ sulle analisi delle specificità della fotografia che è pensato 

il programma didattico in modo che lo studente arrivi a maturare 

un pensiero critico, autonomo e consapevole, su questo 

mezzo espressivo. 

Il programma del corso si articola in due fasi principali, una di 

tipo propedeutico e l’altra di tipo progettuale. 

Bibliografia 

• Arte e Fotografia, a cura di David Campany, Phaidon Press, London, 

2006. • Future Images, a cura di Mario Cresci, Federico Motta 

editore, 2009. • Vitamin PH: New Perspectives in Photography, 

introduzione di T. J. Demos, Phaidon Press, London, 2006.


108 

PROGRAMMI 

2°LIV 

DIRITTO, LEGISLAZIONE ED ECONOMIA 

DELLO SPETTACOLO 

Sergio Rigutto 

1°LIV 

DISEGNO 

Pietro Capogrosso 

Obiettivi 

Fornire le conoscenze di base relative 

alle valutazioni economiche che le 

scelte “Artistico/Scenografiche” comportano 

rispetto alle più complessive 

esigenze finanziarie dello spettacolo. 

Sviluppare un approccio metodologico alla fase creativa per finalizzarla 

ad una adeguata soluzione progettuale nel quadro dei 

più complessivi limiti budgetari e normative circa la salute e la 

sicurezza nei cantieri. 

Programma 

Analisi dei progetti relativi a specifiche tipologie sceniche ( Teatro 

- Televisione - Cinema - Pubblicità - Eventi - Mostre Stands - 

Convention ecc.) in relazione ai diversi campi di applicazione. 

Valutazioni, per le varie tipologie di spettacolo, dell’influenza 

della progettazione scenica sulla formazione dello stanziamento 

complessivo. 

Sviluppo dei progetti scenici con predisposizione di: Capitolati - 

Analisi Tempi e Metodi di realizzazione con riferimento al mercato 

- Computi Metrici - Preventivi - Piani di lavorazione. 

Allestimenti scenici: D.Lgs 81/2008 - Sicurezza e salute del lavoro; 

Valutazione dei rischi; Normative per la salute e sicurezza nei 

cantieri temporanei o mobili e negli appalti - Piani operativi di 

sicurezza (POS). 

Interazioni economiche conseguenti alla corretta analisi tra 

progetto scenico, Regia, Luci, Riprese audio e Video. 

Ricadute economiche dei piani di produzione (Tempistica: allestimenti 

scenici, luci, riprese, montaggi/smontaggi, post-produzione). 

Didattica del Corso 

Lezioni in aula. Visita guidata a Studi televisivi allestiti. Incontri 

con esperti di settore. 

Metodo di valutazione 

Valutazione continua ed esame finale. 

Il disegno riveste un ruolo primario, intimamente 

connesso all’invenzione a 

all’elaborazione di immagini pittoriche, 

plastiche, elaborazioni fotografiche, 

ecc. 

Territorio delle possibilità e della sperimentazione 

di intuizioni successivamente sviluppate di progettualità 

dell’opera, di pratica quotidiana, capacità di farsi linguaggio 

espressivo immediato. 

Attraverso il disegno è possibile rileggere le esperienze artistiche 

del passato e delle esperienze più contemporanee, nei diversi settori 

di ricerca, pittura, scultura, design, illustrazione o architettura… 

Bibliografia 

• L’arte del disegno nel novecento italiano, Laterza.


PROGRAMMI 109 

1°LIV 

DISEGNO 

Walter Cascio 

1°LIV 

DISEGNO 

Italo Chiodi 

Il disegno nel suo molteplice apparire e 

configurarsi si propone come struttura 

primaria, originaria, unitaria nella sua 

veloce necessità di accadere, ponendosi 

in diretto contatto con l’istintività, 

l’immediatezza e l’intimità dell’essere 

artista. Altresì è inteso come riproduzione, descrizione metaforica, 

bozzetto. Essendo il disegno particella elementare dell’espressività 

della forma e dello spazio si pone come soggetto e protagonista del 

fare artistico moderno e contemporaneo e il corso di prefigge di 

esserne strumento d’indagine e approfondimento in coerenza con 

la ricerca di un linguaggio personale. 

Gli elementi istruttivi e grammaticali saranno il: segno - gesto - 

tratto - macchia - simmetria - asimmetria - equilibrio - contraddizioni 

- chiaro - scuro - stasi - dinamica - ritmo - scansione - 

densità - rarefazione - il pieno e il vuoto - volume - la forma - la 

luce; nozioni che verranno trattate individualmente tramite dialogo 

sui singoli elaborati. 

Sarà segnalata ampia documentazione sugli argomenti trattati 

durate lo svolgimento del corso. 

Bibliografia 

• MANLIO BRUSATIN, Storia delle linee, Ed. Piccola Biblioteca, Einaudi, 

1993. • MANLIO BRUSATIN, Storia delle immagini, Piccola 

Biblioteca, Einaudi, 1989. • ERWIN PANOFSKI, La prospettiva 

come forma simbolica, e altri scritti, Feltrinelli, 1991. 

Il corso si prefigge due obbiettivi che 

sono alla base del concetto stesso di disegno: 

l’uno è l’immediatezza di traduzione 

dell’idea, sensazione ed emozione 

nella sintesi del simbolo grafico 

(di-segno), l’altra è l’elaborazione 

nell’autonomia espressiva del proprio universo poetico, attraverso 

la comprensione dei valori tecnici (disegno). Questi due 

aspetti (l’emozione e la regola) si collocano appunto nella prima 

fase di formazione artistica. Sono l’ossatura dell’essere artista 

e ne dà le basi. Saranno studiati nel corso dell’anno i vari 

aspetti che lo contraddistinguono, oltre naturalmente ad una ricerca 

di un linguaggio personale, con uno sguardo attento ai disegni 

degli artisti e l’infinita varietà di modi stilistici e tecnici 

che li hanno contraddistinti. Gli obiettivi didattici riguardano lo 

studio delle tecniche del disegno, la comprensione del supporto 

come luogo mentale di vita delle forme, la valorizzazione dello 

sguardo e dell’osservazione, imparando a decodificare i significati 

e i significanti semantici del linguaggio segnico. 

Bibliografia 

• GIUSEPPE DI NAPOLI, Disegnare e Conoscere, Einaudi. • JOHN 

BERGER, Sul Disegnare. • K.CLARK, ll nudo, Neri Pozza editore. 

• U.GALIMBERTI, Il corpo, Feltrinelli. • T. MACRÌ, Il corpo postorganico, 

Costa & Nolan. • F. A. MIGLIETTI, Identità mutanti, Costa 

& Nolan. • H. FOCILLON, Vita delle forme, PBE. • F. CAROLI, 

Storia della fisiognomica, Leonardo. • A. BOATTO, L’autoritratto 

moderno da Goya a Warhol, Laterza. • P. FLORENSKIJ, La 

prospettiva rovesciata e altri scritti, Gangemi. • P. FLORENSKIJ, 

Lo spazio e il tempo nell’arte, Adelphi. • UMBERTO CURI, La forza 

dello sguardo, Bollati Boringhieri.


110 

PROGRAMMI 

1°LIV 

DISEGNO 

Eva Olah 

1°LIV 

DISEGNO 

Maria Teresa Padula 

La ricerca dell’armonia e della bellezza 

attraverso il corpo umano. 

1. Rielaborazione creativa della figura 

con la presenza del modello o della 

modella vivente in varie posture 

con schizzi rapidi, da più punti di vista 

della stessa figura umana (uso di matita, china cm 21X30) 

2. Rapporti proporzionali, costruzioni, prospettiva frontale, laterale, 

di tre quarti, scorci nello studio e rappresentazione della figura 

umana da modello o modella vivente (uso di matita, sanguigna, 

crete ecc; cm. 50x70). 

3. Ambientazione della figura umana dal vero. Studio graficocompositivo. 

(sanguigna, carboncino, ecc.; cm. 70x100). 

4. Esercitazione di copia dal vero di mani, piedi ed altri particolari, 

anche ingranditi della figura umana da modello o modella 

vivente (cm. 70x100). 

5. Studio del chiaroscuro attraverso l’analisi dei volumi nelle varie 

condizioni di luce-ombra sulla modella o modello vivente valorizzando 

il segno grafico e la padronanza dei mezzi (cm. 

70x100). 

6. Scelta di tagli compositivi attraverso lo studio del drappeggio 

e la sua relazione con la figura umana vivente (cm. 70x100). 

7. Copia dal vero del busto, la testa, il ritratto del modello o modella 

vivente (cm. 50x70; cm. 70x100). 

8. Recupero individuale (sulla tavola luminosa) dei contorni 

compositivi già completati della figura, ricavando così dei nuovi 

“modelli” da sviluppare con tecniche grafiche differenti, avendo 

come modello di partenza il primo disegno personale (tecniche 

grafiche e misure liberamente scelte). 

9. Lezioni teoriche , verifiche periodiche, visite alle mostre d’arte 

in Milano. 

I vari argomenti sopra citati della materia servono affinché ogni 

studente sappia sviluppare una propria “voce” espressivo-personale-artistica 

nel disegno della figura del nudo. 

Il corso si sviluppa con una prima indagine sulla conoscenza 

tecnico-artistica del disegno di ogni singolo studente, provenendo 

loro da formazioni diverse. 

Obiettivo sarà formare l’allievo alla conoscenza base del disegno: il 

segno, il tratto, l’inquadratura, la osservazione, il volume, la forma. 

Ogni studente sarà seguito in modo 

individuale attraverso dialoghi e confronti continui. 

Il disegno essendo base per qualsiasi esperienza artistica(vedi 

monografie di artisti) è anche fondamentale per un confronto 

trasversale con esperienze artistiche come grafica, architettura, 

scultura, pittura, scenografia. 

Saranno affrontate tecniche come pastelli, matite, inchiostri, carboncini 

su supporti di vario tipo, dalla carta scenografica a fogli di 

acetato. L’elaborazione finale del progetto sarà la prova per sostenere 

l’esame. 

Bibliografia 

La bibliografia verrà presentata durante il corso in funzione di ogni 

singolo studente e a ogni progetto prescelto. 

Bibliografia 

• Leonardo da Vinci, Giunti. • M. C. Escher, Taschen. • E. OLAH, 

Disegni, Guelfi, Verona.


PROGRAMMI 111 

1°LIV 

DISEGNO 

Lucia Parma 

1°LIV 

DISEGNO 

Gianluigi Rocca 

Il disegno come riflesso e metafora 

dell’artista. L’ importanza del vedere. 

Il primo momento di azione della 

creazione di un’opera d’arte si riferisce 

allo sguardo, cioè al modo o ai diversi 

modi con cui si guardano le cose. 

Lo sguardo dell’artista penetra qualsiasi cosa come se fosse 

definitiva scomponendola, ricomponendola e trattandola, sia essa 

preziosa o banale con la medesima cura e attenzione. Disegnare 

permette di disciplinare questo processo, ed è una tecnica 

che si apprende attraverso una gamma limitata di componenti 

basilari e che conduce alla possibilità globale e completa di vedere. 

L’elemento portante del corso è l’applicazione delle singole 

strategie in forma ripetuta e approfondita. 

Il corso si sviluppa con precise modalità tecnico-pratiche, impostato 

principalmente su un fattore di acquisizione del proprio 

tratto personale. 

Dopo un attenta analisi di impostazione e conoscenza fisico-tecnica 

del gesto (inteso come azione primaria che genera una linea 

nella sua forma primitiva di base) si passerà, attraverso una 

lunga serie di esercizi mirati, alla trattazione di tutte le tecniche 

fondamentali del disegno in ogni loro aspetto. Tutto ciò per concepire 

e sviluppare nella sua totalità l’espressione, la forma, il 

volume e la plasticità del linguaggio dei segni. 

Strategie tecnico - pratiche di apprendimento 

Tecnologia del disegno - terminologia e materiali del disegno - 

analisi e conoscenza del linguaggio non verbale dell’ arte - percezione 

dei contorni - percezione della forma attraverso lo spazio 

negativo e le forme positive - definizione della composizione 

e dei formati - ricerca dei rapporti e delle proporzioni attraverso 

il modulo - misurazione a vista nello spazio prospettico - studio 

delle proporzioni nel ritratto - apprendimento dei valori di luce 

e ombra, valori tonali, tratteggio e volume. 

• R. ARNHEIM, Arte e percezione visiva, Feltrinelli, 1981. • L. FA- 

BRO, Arte torna arte, Einaudi, 1999. • J. CAMERON, La via dell’artista, 

Longanesi, 1992. • G. BATESON, Mente e natura, Adelphi, 

1984. • B. EDWARDS, Ascoltare l’ artista che è in noi, Longanesi, 

1986. • F. POLI, Arte contemporanea, Electa, 2003.


112 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Paolo Bernardi 

Un poeta confuciano andò un giorno 

da un maestro Zen, Hui-T’ang, a chiedergli 

quale fosse il segreto del suo insegnamento; 

in risposta, il maestro gli 

citò uno dei detti di Confucio:«Pensate 

che vi nasconda qualcosa, o miei discepoli? 

In verità non ho nulla da nascondervi». 

Poiché Hui-T’ang non gli permise di fare altre domande, il poeta 

se n’andò molto sconcertato; ma qualche tempo dopo i due fecero 

insieme una gita in montagna. Mentre passavano accanto a un 

arbusto di alloro selvatico il maestro si volse al suo compagno e gli 

chiese: «Senti il suo odore?» e alla risposta: «Sì» ribatté: «Là, io 

non ho nulla da nasconderti!» Subito il poeta fu illuminato. 

Programma 

Ricerca Studio e Analisi Storica degli Ordini Architettonici degli 

Stili e degli Arredi d’Epoca. Apprendimento del Disegno degli Ordini 

Architettonici, degli Stili e degli Arredi. Apprendimento delle 

tecniche consone alla rappresentazione, descrizione e interpretazione 

dei soggetti trattati. Sviluppo di tavole raffiguranti: 

piante, prospetti e sezioni, in scale adeguate, di Architetture e Arredi, 

finalizzate ad una progettazione che tenga conto degli 

aspetti esecutivi e realizzativi della progettazione scenografica. 

Bibliografia 

• N. PEVSNER, J. FLEMING, H. HONOUR, Dizionario di architettura, 

Einaudi. • SYDNEY H. AUFRÈRE, Description de l’Egypte, Bibliothèque 

de l’image. • I. BAROZZI DA VIGNOLA, Ordini di architettura civile, 

Pubblicati da C.Amati, Vallardi Editore. • DE M. ALBERT 

RACINET, L’ornament polichrome, Bookking International Paris. 

• C. PAOLINI, A. PONTE, O. SELVAFOLTA, Il bello ritrovato. Gusto, ambienti, 

mobili dell’Ottocento, De Agostini. • OWEN JONES, Grammaire 

de l’ornement, Editions Florilege. 

1°LIV 


Antonio Ciurleo 

L’attuale contesto sociale, particolarmente 

evolutivo, si fonda su nuove 

motivazioni e modalita’ operative, percorrendo 

le tappe della trasformazione 

comunicativa. Lo studio analitico del 

lessico architettonico (nell’esplicazione 

del concetto di stile e di arredo) non è un semplice atto del 

comprendere, ma una vera e propria traduzione da un codice visivo 

ad un codice cognitivo, simbolico, verbale. 

L’intero percorso formativo, promuove una didattica di sintesi 

tra gli insegnamenti “teorico-culturali” e “pratico-operativi”, 

lavorando sull’identità di una “figura professionale” che ad una 

conoscenza tecnica, unisce capacita’ creative, artistiche e manageriali. 

L’impostazione del programma del corso, comprende sia l’aspetto 

“ideativo” della stessa disciplina, che quello “tecnico-esecutivo”, 

affrontando per fasi lo sviluppo delle ipotesi progettuali. La 

rappresentazione grafica, costituisce uno strumento espressivo 

indispensabile (sia per rappresentare l’ambiente, sia per progettarne 

le trasformazioni) essa svolge non solo il ruolo di mezzo di 

comunicazione, ma è anche al tempo stesso, “medium” per la 

“lettura” della realtà. 

L’organizzazione percettiva risulta di fondamentale importanza, 

in quanto consente di decodificare gli elementi del “reale”; si 

terranno pertanto lezioni (in maniera complementare) sull’individuazione 

delle componenti del “linguaggio visivo”, anche in 

riferimento alle “strategie del comunicare”. 

Il relativo criterio didattico, identifica le caratteristiche di svolgimento, 

nell’intenzione di fornire ai discenti, particolari approfondimenti 

inerenti al “metodo progettuale” (considerando i fini 

sociali e mirando all’effettiva possibilita’ di verifica). 

Le attività tecnico-operative, dovranno essere il risultato di un 

metodo di lavoro fondato sulla conoscenza dei processi e dei 

mezzi, in modo da valutare particolarmente “l’intento” ed il “sistema”, 

oltre al complessivo esito finale. 

Bibliografia 

• SUSAN YELAVICH, Architettura d’interni contemporanea, Phaidon 

Italia, 2008. • AA.VV. Eksedra, disegno, rilievo, progetto, comunicazione 

visiva, Caracol, 2007. • PIETRO DEL VAGLIO, Abitare 

le emozioni, Masso delle Fate, 2006. • HOPPEN KELLY, Lezioni di stile, 

Logos, 2005. • MARIO PRAZ, La filosofia dell’arredamento, Tea, 

1993. • ENRICO MORTEO, Grande atlante del design dal 1850 a 

oggi, Mondadori Electa, 2008. • DINA RICCÒ, Sentire il design. Sinestesie 

nel progetto di comunicazione, Carocci, 2008.


PROGRAMMI 113 

1°LIV 


Davide Petullà 

Obiettivo del corso è fornire allo studente 

strumenti e modalità utili alla 

indagine critica ed alla riproposizione 

progettuale dell’immagine architettonica 

e di arredo. 

La prima parte del corso è un esercizio 

di lettura e restituzione grafica. Esercizio all’interno del quale 

si affronta il problema dell’osservazione dell’immagine, la 

competenza relativa alla conoscenza di base del disegno, la geometria 

descrittiva, la modalità di restituzione in progetto, la consapevolezza 

delle personali abilità espressive e capacità di indagine. 

A questa prima fase propedeutica segue l’approfondimento 

della Stilistica, lo studio analitico di un tema e delle variabili ad 

esso relative, le modalità di sintesi legate alla interpretazione 

scenografica. Il percorso di lavoro approfondisce concetti come 

rilievo ed indagine comparata. Conclude il programma la sintesi 

progettuale degli esecutivi, la documentazione delle ragioni 

reali, storiche e geometriche dell’architettura indagata, la proposta 

di una ricostruzione plastica. 

Al centro del percorso di ricerca dell’anno accademico 2009/10 

lo studio e la ricostruzione di parti degli ambienti di una dimora 

barocca di Milano. 

Sintesi degli argomenti specifici trattati. 

Costruzioni geometriche di base, proporzioni, scale, normalizzazione, 

quotatura, allineamenti in architettura, proiezioni ortogonali, 

proiezioni assonometriche. Rilievo, progetto di massima, 

esecutivi, progetto definitivo, tecniche di rappresentazione grafica 

applicate. Approfondimento di elementi architettonici di base, 

glossario fondamentale, comparazione e riconoscibilità degli 

stili ed applicazione nell’arredo. 

Bibliografia 

• I. CEDOLA e M. PETRI, Free hand design, progettare disegnando 

prodotti, giocattoli gioielli, ecc., Alinea editrice, Firenze, 

2006. • S. BORASO, Il linguaggio grafico nel disegno industriale, 

Armando editore, Roma, 2004. • M. BINI, Ricordi di 

architettura. Disegni e Progetti alla fine del XIX secolo, Alinea 

editrice, Firenze, 1990. • N. SALA e G. CAPPELLATO, Viaggio matematico 

nell’arte e nell’architettura, presentazione di M. Botta, 

Franco Angeli, 2003. 

1°LIV 


Davide Petullà 

Il corso è finalizzato allo studio dei metodi e delle tecniche fondamentali 

di rappresentazione dell’architettura, e si propone di 

far acquisire agli allievi la padronanza pratica dei metodi e delle 

tecniche del rilievo. Nel laboratorio si alternano momenti teorici 

di studio che mirano alla comprensione della specificità degli 

esempi da esaminare a produzioni grafiche che spingono 

nella direzione della ricerca personale di una propria capacità di 

elaborazione e sintesi progettuale. Altro obbiettivo la raccolta di 

documenti di repertorio utili alla comprensione del tema trattato, 

segue il rilievo inteso come strumento scientifico di conoscenza, 

strumento di lettura e riproduzione relativa di un documento 

di sintesi, il progetto definitivo, che contiene 

informazioni geometriche dimensionali e stilistico-tematiche. 

Al centro della proposta di lavoro dell’a.a. 2008/08 il rilevamento 

del Salone Napoleonico di Brera. 

Di seguito in sintesi gli argomenti delle lezioni. 

Principi generali di geometria descrittiva, proiezioni ortogonali 

e proiezioni assonometriche applicazioni, tecniche di rilievo, la 

strumentazione tradizionale e quella recente, l’uso della fotografia 

per il rilievo, restituzione grafica, quotatura dei rilievi, 

scale metriche e scale grafiche, simbologia e convenzioni grafiche, 

catalogazione del materiale di ricerca, stesura finale del 

progetto definitivo, riproducibilità. 

Bibliografia 

• M. T. BARTOLI, Le ragioni geometriche del disegno architettonico, 

Alinea editrice, Firenze, 1997. • M. BINI, Ricordi di architettura. 

Disegni e progetti alla fine del XIX secolo, Alinea editrice, 

Firenze, 1990. • I. CEDOLA e M. PETRI, Free hand design. 

Progettare disegnando prodotti, giocattoli, gioielli, ecc., Alinea 

editrice, Firenze, 2006.


114 

PROGRAMMI 

1°LIV 

DISEGNO GEOMETRICO-ARCHITETTONICO 

Serena Zen 

2°LIV 


Ippolito Calcagnini Estense 

Corso propedeutico per recupero debito 

formativo. 

Il corso è concepito in forma di laboratorio 

aperto, atto a fornire allo studente 

la basi geometriche e progettuali 

essenziali: presupposti di studio e di 

acquisizione tecnica che intendono porre la fondamenta per una 

futura formazione professionale dello studente. 

Il corso si propone di seguire due punti fondamentali: 

- impegno costante dello studente (a cui sarà richiesta la presenza 

obbligatoria). 

- acquisizione dei fondamenti geometrici grazie ai quali, a fine 

corso, sarà possibile progettare e sviluppare, in maniera completa, 

una personale idea scenografica, composta da tavole tecniche, 

bozzetti e modellino finale. 

Mi auguro che da questo programma di insegnamento possa maturare 

la curiosità e la passione per il lavoro, così affascinante e 

allo stesso tempo complesso come quello dello scenografo. 

A seguire elenco i punti fondamentali del programma didattico: 

1- Conoscenza degli elementi fondamentali del teatro (nomenclatura 

delle varie parti del palcoscenico e praticabili). 

2- Ideazione di un composto di solidi praticabili ( pianta, prospetti 

frontali e laterali, proiezione assonometrica di un tipo - 

isometrica o monometrica -, con teoria delle ombre). 

3- Introduzione alla prospettiva della scatola scenica di un teatro 

generico di prosa. 

4- Traduzione prospettica del composto di solidi praticabili all’interno 

della scatola scenica. 


Trattazione sintetica a livello concettuale-L’Attività 

Professionale - La Normativa 

- Il Progetto - I rapporti con i 

Fornitori - Trattazione analitica - Impostazione 

metodologica generale - 

Sviluppo d’Ipotesi progettuale - Applicazione ad uno o più Interventi 

progettuali. 

Laboratorio 

Applicazione della metodologia di ricerca, analisi e valutazione 

ad uno o più “Eventi” significativi, individuati nell’ambito di 

applicazione dell’Attività Didattica. 

Esecuzione di elaborati grafici con applicazione di criteri e metodologie 

di rappresentazione grafica per progettazione di massima 

ed esecutiva - Relazione di Progetto - Redazione di Capitolato 

e Computo metrico estimativo. 

Con particolare riferimento agli “Obiettivi primari” del Corso 

ed agli “Ambiti d’applicazione” dello stesso, l’Attività Didattica 

si svilupperà nell’articolazione di lezioni frontali, eventuali interventi 

esterni da parte di esperti o professionisti del settore e di 

attività di laboratorio. 

Bibliografia 

• Il nuovissimo Manuale dell’Architetto, Direttore scientifico 

Luca Zevi, Mancosu Editore, 2006. • PIERGUIDO SOPRANI, Codice 

della sicurezza, Il Sole 24 Ore, Edizione aggiornata, Normativa 

di riferimento (Specifica ed emanata dagli Organi di controllo). 

Elaborazioni personali realizzate partendo dall’elemento iniziale 

della pedana praticabile già nei punti precedenti. Aggiunta di 

elementi dipinti e plastici e di effetti visivi e luministici diversi. 

Ricerca fotografica e manuale di materiali scenografici utilizzabili 

nella realizzazione scenica finale (mattoni, metalli arrugginiti, 

plastica, legno, etc…). 

Realizzazione plastica della scena. Modellino finale.


PROGRAMMI 115 

1°LIV 


Ada Ghinato 

2°LIV 


Mario Cresci 


Il Corso introduce le nozioni fondamentali 

per acquisire la procedura e 

la tecnica per la rappresentazione del 

reale: dal processo d’elaborazione 

dell’idea, alle procedure progettuali, 

fino alla rappresentazione del progetto. Indica i criteri di raccolta 

del materiale significativo all’approfondimento analitico 

e al controllo tematico. Addestra alle fasi di sviluppo progettuale 

attraverso l’approccio sistemico delle variabili di progetto: la 

dimensione, la complessità e la scala di approfondimento. 


Momento analitico: percorso graduale di conoscenze relativo ai 

metodi dell’elaborazione e della rappresentazione attraverso 

delle esercitazioni da svolgersi in aula. Temi proposti: analisi 

degli aspetti geometrici e proporzionali di strutture naturali 

significative e lettura delle componenti formali e tecniche di 

forme esemplari del design. Momento conoscitivo della rappresentazione 

attraverso la modalità dello schema, dello schizzo, 

del rilievo, del disegno tecnico e dell’illustrazione. 

Momento progettuale: elaborazione dei disegni di studio e dei 

disegni definitivi, rappresentazione dei particolari tecnici e stesura 

esecutiva del prototipo. Temi proposti: sviluppo di un progetto 

che segue le norme di partecipazione di un Bando di 

Concorso. Sviluppo di un progetto che parte dall’analisi di una 

struttura naturale. 

Fasi del lavoro: 

acquisizione delle informazioni attraverso l’analisi e la documentazione 

dei caratteri formali, rilievo grafico della struttura, 

esecuzione del progetto, dal generale al particolare tenendo conto 

degli operatori che intervengono nel processo di realizzazione. 

Struttura didattica: 

L’insegnamento si svolge attraverso lezioni di supporto alle 

diverse fasi di sviluppo del lavoro, attraverso seminari tematici 

e attraverso l’assistenza al disegno. 

Bibliografia 

Informazioni e riferimenti saranno indicati dalla docenza durante 

le lezioni. 

Il Corso pone l’attenzione su alcuni 

aspetti teorici e operativi che identificano 

nel mezzo fotografico la possibilità 

da parte degli studenti di essere 

maggiormente sensibili alla Fotografia 

intesa non solo come strumento di 

rappresentazione del reale, ma ancor prima, nella sua complessità, 

come parte costitutiva di scrittura e di segno dello statuto 

delle immagini. 

“Vedere per pensare e per conoscere” in funzione di una rappresentazione 

visiva coniugata con l’immaginario soggettivo di chi 

agisce nell’atto della ripresa è anche un modo per acquisire capacità 

di osservazione e di lettura delle immagini. Questo, ai fini 

didattici, è un passaggio propedeutico per intendere la Fotografia 

come: documento, comunicazione, informazione e opera. 

Essa è anche il “filo rosso” che ha attraversato le arti dalla prima 

metà dell’ottocento alle avanguardie storiche del Novecento 

sino ad oggi e che ha contribuito alla nascita di una nuova dimensione 

percettiva e comunicativa del mondo; un “foglio 

mondo” (Peirce e Sini) in cui si depositano il senso delle immagini 

e delle cose. Il programma del Corso prevede una serie di lezioni 

dedicate alla storia della Fotografia connessa alla storia 

dell’arte e ad alcuni momenti emblematici di particolare rilevanza 

teorica in cui il nuovo linguaggio, unitamente al Cinematografo, 

ha predisposto gli scenari culturali del Novecento con 

particolare attenzione alle poetiche delle avanguardie storiche e 

contemporaneamente allo sviluppo sociale dei sistemi di comunicazione 

e d’informazione dei nuovi media. La seconda parte 

del corso prevede l’elaborazione fotografica di un piccolo libro 

d’immagini che ogni studente dovrà realizzare sulla base di un 

tema prescelto e in particolar modo motivato sulla base delle 

proprie esperienze personali rispetto ai temi discussi come: il 

tempo, la luce, la dimensione delle cose, il punto di vista, lo spazio, 

l’architettura, l’ambiente urbano ed extraurbano, la natura, 

i luoghi ecc. 

Bibliografia 

• PETER GALASSI, Prima della Fotografia, Boringhieri. • PIERRE 

SORLIN, I figli di Nadar, Einaudi.


116 

PROGRAMMI 

2°LIV 


Andrea Balzola 

1°LIV 

ECODESIGN 

Maria Teresa Illuminato 

Il significato etimologico di “drammaturgia” 

è “scrivere (o progettare) 

delle azioni”. Termine usato tradizionalmente 

in ambito teatrale per indicare 

il lavoro di scrittura dei copioni 

da portare in scena, oggi comprende 

un campo molto più vasto di possibilità. La drammaturgia 

multimediale è una pratica artistica di ideazione e progettazione 

per tutte le forme espressive (teatro, cinema, video, fumetto, 

animazione, arti visive) che utilizzano le tecnologie digitali dei 

new media secondo modalità narrative e/o performative. 

La parte generale del corso introduce gli studenti a una conoscenza 

storica e teorica dell’evoluzione di questa disciplina, oggi 

sempre più centrale nella produzione multimediale, dalle sue 

origini teatrali, attraverso le metamorfosi introdotte dalle avanguardie 

artistiche storiche, dal cinema, dalla televisione e in 

particolar modo dal mondo contemporaneo del video digitale, 

computer e della Rete. Le lezioni teoriche si integrano con un 

laboratorio di scrittura e progettazione creativa finalizzata 

alla produzione multimediale. 

Questo laboratorio avrà uno sviluppo nel secondo semestre con 

il workshop di disegno (a cura dello sceneggiatore Riccardo 

Pesce) che prevede la realizzazione finale di uno storyboard. 

L’esame, consiste la presentazione di un progetto creativo multimediale, 

accompagnato da un breve testo teorico. È obbligatoria 

una buona conoscenza dei libri in bibliografia. 

Il corso avrà anche un laboratorio di drammaturgia tecno-teatrale, 

aperto agli studenti di Scenografia, con un programma 

interdisciplinare in collaborazione con il corso di Scenografia 

per altri indirizzi, del Prof.Giovanni Bruno, nell’ambito del 

progetto europeo da lui coordinato SINERGIE ATTIVE, del Dipartimento 

di Progettazione e arti applicate in collaborazione 

con l’Accademia di Vienna. 

Per comunicazioni e continuità didattica con gli studenti esiste 

una mailing list del corso: dramamedia@yahoogroups.com. 

Sito personale del docente: www.andreabalzola.it. 

E-mail: andreabalzola@ababrera.it 

Il corso di Ecodesign o Design compatibile 

è una nuova opportunità sperimentale 

espressiva e formativa per gli 

studenti dell’Accademia di Brera sensibili 

alla salvaguardia e alla riqualificazione 

ambientale. 

L’obiettivo del corso sarà creare un oggetto di Design oppure un 

capo d’abbigliamento o un accessorio-moda con materiali riciclati. 

Il percorso didattico avviene attraverso una preliminare 

operazione di individuazione e recupero di materiali e oggetti 

ormai dimessi dalla società, destinati al macero o ad uno smaltimento 

difficoltoso e inquinante a sua volta. La tappa successiva 

sarà quella dell’intervento artistico, nel quale confluiranno le 

più diverse competenze e discipline, per riqualificare gli scarti 

come veri e propri oggetti d’arte. Si inaugurerà così un sistematico 

metodo di ricerca, di analisi e tassonomia capillarmente aggiornata 

sui nuovi materiali prodotti in Italia e poi facilmente 

scartati. Ognuno di essi potrà costituire una sfida concettuale e 

creativa per lo studente che sarà autore della sua metamorfosi 

artistica: da rifiuto a risorsa. Da risorsa a opera d’arte. L’individuazione 

e la sperimentazione del materiale eco-compatibile sarà 

parte stessa del processo creativo dell’opera. Al fine di accrescere 

le capacità interpretative, espressive e di interrelazione con 

i complessi linguaggi artistici, nonché filosofici, scientifici e 

d’altro genere inevitabilmente coinvolti nella “questione ecologica”, 

sono previsti incontri con stilisti, designers, tecnici esperti 

e imprenditori legati dal fil-rouge dell’interesse per l’ambiente. 

Inoltre per arricchire il corso di utilissimi aggiornamenti sono 

previste visite dirette nelle fabbriche e nell’industrie, al Salone 

del Mobile, Moda in, Material connexion e a Fashion work. 

Bibliografia 

• ALASTAIR FUAD-LUKE, The Eco-Design handbook, Logos, 2003. 

• CARA BROWER, Experimental Ecodesign: Produck, Architecture, 

Fashion, Rotovision, 2005. • Riciclo: la doppia vita delle 

cose, Ministero dell’ambiente e della tutela del territorio, Edizioni 

Tempi, 2005. • GUIDO VIALE, Un mondo usa e getta, 

Feltrinelli, Milano, 2000. 

Bibliografia 

• A. BALZOLA e A. MONTEVERDI, Le arti multimediali digitali, 

Garzanti, 2° edizione, 2007. • A. BALZOLA, Una drammaturgia 

multimediale, Editoria & Spettacolo, 2009. • A. BALZOLA e R. 

PESCE, Story-board. Arte e tecnica, Dino Audino editore, 2009.


PROGRAMMI 117 

2°LIV 


Francesco Poli 

2°LIV 


Stefano Moreni 

Il corso è incentrato sull’analisi del sistema 

dell’arte contemporanea dalle 

sue origini ad oggi. 

Le strutture mercantili; il ruolo dei galleristi, 

dei critici, dei collezionisti, dei 

curatori di musei; il rapporto fra istituzioni 

culturali e mercato; le fiere dell’arte, le aste, l’editoria d’arte. 

Bibliografia 

• F. POLI, Il sistema dell’arte contemporanea, Laterza, 2006. 

Il mercato dell’arte e le sue regole costituiscono non semplicemente 

il luogo di scambio delle opere d’arte bensì il terreno di 

definizione dell’opera d’arte stessa. Il mercato può essere interpretato 

come un limite in costante autodeterminazione fra opera 

e oggetto non artistico, un filtro particolarmente significativo 

fra queste due realtà in costante dialogo reciproco. 

Conoscere i meccanismi del mercato dell’arte e le leggi che lo 

governano consente quindi di esplicitare uno dei modi di attribuzione 

di valore con la quale viene individuata una particolare 

classe di oggetti. L’analisi valore di scambio consente quindi 

di interpretare uno dei meccanismi culturali che reggono l’impianto 

stesso dell’operare artistico, con particolare riferimento 

alla situazione presente. 

Infatti il mercato ha progressivamente acquisito un ruolo sempre 

più incisivo soprattutto in riferimento all’arte contemporanea, 

trasformandosi da strumento di semplice misurazione di valore di 

scambio a strumento stesso di individuazione dell’opera. 

Il termine stesso di contemporaneo da un lato pare essere strettamente 

interconnesso ad una visione della realtà dove la dimensione 

economico/finanziaria gioca un ruolo fondamentale 

nella definizione del modello culturale stesso. Dall’altro esso indica 

un problematico rapporto con la storia – intesa come origine 

del presente - e con il futuro - inteso come destino dell’operare 

artistico stesso. 

Il corso si propone di analizzare con particolare attenzione il 

momento di consumo dell’opera d’arte, inteso non tanto come 

fruizione estetica ma come momento dell’annullamento del valore 

economico dell’opera, che pare essere un destino necessario 

per la sopravvivenza dell’opera d’arte medesima. 

Bibliografia 

La bibliografia è indicativa – i testi per l’esame verranno confermati 

durante il corso 

• T. TAMPIERI, La vendita di opere d’arte fra tutela e mercato, 

CLUEB, 2006. • O. VELTHUIS, Talking Prices: Symbolic 

Meaning of Prices in the Market for Contemporary Art, 

Princeton University Press, 2007. • Artforum, numero dedicato 

al mercato dell’arte, Aprile 2008. • A. DAL LAGO e S. GIORDANO, 

Mercanti d’aura, Il Mulino, 2006. • R. DEBRAY, Vita e morte 

dell’immagine, Il Castoro, 1999. • G. AGAMBEN, Che cos’è il 

contemporaneo?, Nottetempo, 2008. • S. SETTIS, Futuro del 

“classico”, Einaudi 2004. • M. AUGÈ, Che fine ha fatto il 

futuro. Da non luoghi al nontempo, Eleuthera, 2009.


118 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Danilo Lisi 

Il corso di “Elementi di Architettura ed 

Urbanistica” è un insegnamento complementare 

rivolto agli studenti del 

triennio di scenografia, in cui vengono 

affrontati temi inerenti il rapporto tra 

lo spazio architettonico e lo spazio scenografico. 

L’allievo sceglie uno spazio urbano in cui intervenire 

con una proposta di nuova edificazione, restauro o di arredo urbano. 

Nella prima fase vengono svolte tutte le ricerche propedeutiche 

alla ipotesi progettuale che verrà elaborata nella seconda parte. 

Ricerca storica: relazioni, rappresentazioni iconografiche, sviluppo 

urbanistico ricerca ambientale: situazione stato di fatto, 

documentazione fotografica. 

Ricerca architettonica e strutturale: rilievo, planimetrie, piante, 

prospetti, particolari, analisi del degrado. 

Successivamente gli allievi dovranno presentare un progetto, sull’area 

analizzata, con elaborati particolareggiati fino alla scala di 

dettaglio. 

Bibliografia 

• R. KRAUTHEIMER, Architettura sacra paleocristiana e medioevale, 

Bollati Boringheri, 1993. • M. BIRIDELLI, Piazza S. Pietro, 

Laterza, 1981. • B. ZEVI, Sapere vedere l’urbanistica, Einaudi, 

1981. • D. WIECZOREK, Camillo Sitte e gli inizi dell’urbanistica 

moderna, Jaca Book, 1994. • R. KIER, Lo spazio della città, 

Clup, 1982. 

2°LIV 

ELEMENTI DI MORFOLOGIA E DINAMICHE DELLA FORMA 

Roberto Rossi (Roberti) 

Il corso ha come argomento principale 

di riferimento la formulazione che 

J. Wolfgang Goethe ha dato dell’idea 

di Morfologia così come si è formata e 

sviluppata nell’ambito dei suoi studi 

scientifico-natura1istici e nella sua 

opera poetica e letteraria. 

Si porrà l’attenzione sull’inquadramento storico (gli anni a cavallo 

tra il secolo 18° e 19°) e sull’evoluzione degli studi morfologici 

in tutti gli anni successivi fino ai nostri giorni. 

Verranno valutate e approfondite, per quanto concesso dai limiti 

di tempo, le interpretazioni date dagli studiosi di metà e fine 

‘800, fino ai moderni. ed ai contemporanei, con la loro influenza 

su pensiero e cultura, tenendo presente anche che ogni punto 

che apparirà vitale agli. studenti potrà essere la vera partenza 

del corso. 

Verranno comunque presi in considerazione il sorgere e lo svilupparsi 

del pensiero e della ricerca goethiana per quanto riguarda 

l’interpretazione della F o r m a nelle sue accezioni linguistiche 

e concettuali attraverso i termini della lingua tedesca 

Form, Bildung, Gestalt, cosi çome esplicitamente dichiarato da 

Goethe nel corso delle sue ricerche e dei suoi studi. 

Invece di inseguire un risultato, si cercherà di impostare un problema 

che ci permetta di formulare delle ipotesi, chiaramente 

dichiarate come tali, e di indagare un metodo di ricerca. Lo scopo 

sarà di iniziare uno studio che ci faccia partecipare ad un tutto 

che, come ha detto Burckhardt, “…miri a raggiungere un 

mezzo di formazione e di godimento che duri tutta la vita nella 

convinzione che ciò che è importante per noi solo noi lo potremo 

trovare”. 

Lo studente dovrà presentarsi all’esame con una breve relazione, 

seguendo idealmente il metodo goethiano di ricerca e studio anche 

nei riflessi che ha avuto sulla cultura moderna (Klee, Wittgenstein, 

Nietzsche, T. Mann, Luckaçs, Aby Warburg). 

Le lezioni saranno accompagnate da dispense 

Bibliografia 

• J.W.GOETHE, Gli scritti Scientifici, vol. I e vol. II, a cura di Emilio 

Ferrario, Bologna, 1996-1999. • J.W.Goethe, Aforismi sulla 

natura, a cura di Mazzino Montinari, Milano,1994. • F. Moiso, 

Goethe tra arte e scienza, Milano, 2001. • AA.VV., Goethe scienziato, 

a cura di Giulio Giorello e Agnese Grieco, Torino, 1998. 

• G. Baioni, Classicismo e rivoluzione. Goethe e la rivoluzione 

francese, Napoli 1998.


PROGRAMMI 119 

2°LIV 

ELEMENTI DI PRODUZIONE VIDEO 

Gianfilippo Pedote 

2°LIV 

ERGONOMIA DELLE ESPOSIZIONI 

Luigi Bandini Buti 

L’insegnamento si propone di far conoscere 

gli elementi caratterizzanti della 

produzione audiovisiva, con un’attenzione 

rivolta alle opere che dichiarano 

esplicitamente un’intenzione artistica 

Verranno utilizzati e studiati ‘casi’ di 

film o video di particolare valore artistico per capire l’importanza 

che giocano gli aspetti di progettazione, pianificazione, organizzazione, 

nella creazione di opere di questo genere. 

Con l’intento di fornire un’esperienza pratica del lavoro di produzione 

per la realizzazione di film e video, attraverso il quale 

comprendere quanto ‘la produzione’ sia determinante per la 

realizzazione di un progetto, verranno sviluppati progetti specifici 

di film o video elaborati dagli studenti, seguendo le modalità 

più funzionali che il lavoro di produzione può fornire al progetto 

nel processo di realizzazione, in particolare in queste fasi 

caratterizzanti del lavoro di produzione. 

Lo sviluppo di un progetto (progettazione, scrittura, preventivo 

di costo, piano finanziario, adattamento di un progetto alle risorse.finanziarie). 

La pre-produzione (organizzazione della produzione, location, 

casting, problemi contrattuali e di diritti). 

La fase di realizzazione (riprese filmate e sonore). 

La post-produzione (montaggio, effetti, inserimento eventuale 

di elementi grafici o di animazione, edizione finale). 

La creazione di un piano di promozione in relazione al pubblico 

di riferimento (mercato). 

Quest’anno le esercitazioni sviluppate durante il corso guarderanno 

in particolare al “cinema di montaggio” (l’uso di materiali 

pre-esistenti nella realizzazione di un film, archivi, repertori 

e altro) e all’uso espressivo del suono. 

Bibliografia 

• D. MAGGIONI E A. ALBERTINI, Filmmaker Digitale, Hoepli, 2008. 

Dispense e materiali vari. 

Un prodotto o un ambiente può essere 

definito ergonomico quando, nei 

vari momenti della sua vita (ideazione, 

realizzazione, utilizzo, dismissione), 

non solo non provoca danni ma 

genera condizioni di benessere psicofisico 

in tutti coloro che entrano in contatto con esso. 

Infatti se un prodotto è atto ad evitare solamente o principalmente 

il danno o la malattia, si può dire che è rispettoso degli 

obiettivi dell’igiene del lavoro o della medicina del lavoro, ma 

non di quelli dell’ergonomia. 

Argomenti delle lezioni 

Ergonomia di correzione/ergonomia di concezione. 

Il progetto ergonomico. 

Progettare per l’uomo. 

L’uomo. 

Significato del soggettivo come conoscenza. 

Aspetti individuali - psicologia cognitiva. 

L’ergonomia oltre l’antropometria: le indagini dell’usabilità e 

della gradevolezza. 

Le esposizioni. 

Attività didattica 

Durante e parallelamente alle lezioni, verrà richiesto agli studenti 

lo sviluppo di un tema che avrò lo scopo di verificare operativamente 

quanto appreso in linea teorica. 

Il tema scelto sarà un tema ponte fra il fare artistico e l’utilità: 

Analisi di una sede espositiva. 

Verranno valutati gli strumenti utilizzati per effettuare una 

comunicazione efficace verso le varie categorie di utenti. 

L’esame si baserà sulla conoscenza dei temi trattati nel libro di 

testo (verificata oralmente e mediante un test) e dal voto conseguito 

nella ricerca. 

Bibliografia 

• L. BANDINI BUTI, Ergonomia del prodotto, Sole 24 Ore, Milano, 

2001. • L. BANDINI BUTI, Ergonomia degli uffici, Sole 24 Ore, Milano, 

2001.


120 

PROGRAMMI 

1°LIV 

ESTETICA 

Giuseppe Bonini 

1°LIV 

ESTETICA 

Corinna Ferrari supplente Antonio Tumulillo 

I contenuti del corso riguardano la 

disamina e la conoscenza del repertorio 

relativo ai concetti e alle tematiche 

teoriche che sono state nel tempo 

a fondamento della creazione artistica. 

Comportano pertanto la determinazione, 

nelle loro trasformazioni storiche, di alcune idee quali, 

fra le tante, la Bellezza, l’armonia, la grazia, il gusto, 

l’imitazione, la natura, l’ingegno, la fantasia, l’immaginazione, 

il sublime, le “belle arti”. Ed ugualmente comprendono 

una riflessione intorno al ruolo dell’artista nei diversi secoli, al 

significato della tecnica nella produzione delle immagini, ai 

rapporti fra arte e letteratura e a tutto quanto inerente a queste 

problematiche. 

Arti espressive ed arti costruttive nella Grecia antica. Il concetto 

di techné. Bellezza afroditica e senso del tragico. I Pitagorici, il 

numero e l’armonia. I Sofisti e l’importanza della retorica. Socrate: 

la bellezza del sapere. Platone. Il mondo delle idee; Eros 

e bellezza; l’arte come illusione e la poesia come “divina mania”. 

Aristotele: materia e forma, atto e potenza; la Poetica; arte 

e natura. Arte e bellezza nell’Ellenismo (Stoici, Epicurei, 

Scettici). Pseudo Longino e il sublime. L’estetica medioevale: la 

bellezza come manifestazione del divino. Neoplatonismo e neoaristotelismo. 

Il Rinascimento e le teorie artistiche di Leon 

Battista Alberti, Leonardo, Michelangelo. Il dibattito sulla figura 

dell’artista e la gerarchia delle arti. L’estetica manierista: la 

maniera, grazia e bellezza, arte e poesia. Le Vite del Vasari. La 

Poetica di Aristotele nella II metà del ‘500 fra teatro e letteratura. 

Le nuove categorie estetiche del ‘600 e il Barocco. Poussin e 

le idee classiciste dell’Accademia di Francia. Dibattito sulla supremazia 

fra antichi e moderni. La bellezza in età illuminista. 

Concetti di gusto e sublime. Kant e la Critica del giudizio. L’artista 

come genio. La bellezza e l’anima romantica. La nascita 

del brutto. Nietzsche: apollineo e dionisiaco. 

Estetica è un insegnamento fondamentalmente 

filosofico, che si interroga sul 

senso della bellezza e sulla genesi della 

creazione artistica. 

Il corso monografico si svolge intorno 

al nodo tematico e ai molteplici risvolti 

del rapporto tra “Romanticismo e Modernità”, la condizione 

in cui siamo immersi, e che ci riguarda, e la forza che ci 

fa essere al mondo. La bellezza è una qualità delle cose, un sentimento 

intimo e personale, o un carattere particolare delle relazioni 

umane, l’originale fisionomia dell’opera culturale, l’impronta 

speciale di una civiltà? 

Per superare l’esame è richiesta - oltre all’ approfondimento degli 

argomenti trattati nel corso delle lezioni - la conoscenza degli 

scritti di Charles Baudelaire e di Eugene Delacroix, e di un testo 

a scelta tra quelli indicati in bibliografia. E’ necessario, 

inoltre, che durante lo svolgimento del corso ogni studente compia 

una verifica su una parte dei testi prescelti, che sarà oggetto 

di una valutazione, da integrare con quella dell’ esame finale. 

Gli studenti che ritenessero scarsa o incerta la loro preparazione 

filosofica ed estetica, possono sostituire, o affiancare, il testo a 

scelta con il manuale di F. Restaino, Storia dell’Estetica moderna 

Utet, Torino, 1991, che si consiglia di suddividere in più verifiche, 

fino a un massimo di quattro, da sostenersi prima della 

conclusione del corso. 

Bibliografia 

Testi base: • CHARLES BAUDELAIRE, Scritti sull’arte, Einaudi, Torino, 

1981. • EUGÈNE DELACROIX, Scritti sull’arte, Se edizioni, Milano, 

1986. 

Testi a scelta: • WALTER BENJAMIN, Angelus novus, Einaudi, 1976. 

• ROBERTO CALASSO, La folie Baudelaire, Adelphi, 2008. • CHAR- 

LES TAYLOR, Il disagio della modernità, Laterza, 1999. 

Bibliografia 

• E. FRANZINI-M. MAZZOCUT MIS, Estetica. I nomi, i concetti, le 

correnti, Bruno Mondadori, Milano, 1996 (in particolare pp:13- 

59 e la Parte II. I nomi dell’estetica, pp. 149-367). • U. ECO, Storia 

della bellezza, Bompiani, Milano, 2004. 

Un libro di approfondimento a scelta tra quelli indicati durante 

il corso.


PROGRAMMI 121 

2°LIV 

ESTETICA DEI NUOVI MEDIA 

Viviana Gravano 

2°LIV 


Pierangelo Sequeri 

Il corso attraverserà i diversi aspetti del rapporto tra fotografia e arti 

visive e performative dalla fine della II Guerra Mondiale 

all’inizio del XXI secolo. La fotografia contemporanea dagli anni 

Cinquanta si è declinata in relazione a quasi tutti i movimenti 

d’arte degli ultimi sessant’anni. Il corso declinerà tutte le accezioni 

che l’immagine fotografica ha prodotto partendo da alcuni 

temi chiave: testimonianza/documentazione, quotidiano, fiction, 

landscape, bodyscape. 

- Ruolo del reportage all’interno della fotografia “artistica”: dal 

“rifiuto” dell’immagine della fotografia informale ai docufiction 

di Eugene W.Smith. 

- L’impatto della letteratura real life dalla Beat Generation a 

Raymond Carter sulla fotografia, attraverso la “Bop Photography” 

di Robert Franck e la pittura cinematografica di Edward 

Hopper. 

- Pop Art da Andy Warhol fino al rapporto con la postproduzione 

delle immagini pubblicitarie da David Hockney a Richard 

Prince e Barbara Krueger. 

- Utilizzo della Photoboot da parte degli artisti. 

- Nascita e sviluppo della fotografia di fiction e quindi della staged 

photography. 

- Decostruzione del corpo e (ri)nascita del corpo come ricerca di 

multi-identità tra fotografia analogica e fotografia digitale. 

- Ritorno della diary photography nei linguaggi del postmoderno. 

- Invenzione del paesaggio metropolitano. 

- Paesaggio contemporaneo nell’esperienza italiana da Basilico 

a Mimmo Iodice a Mario Giacomelli. 

- Fotografia e cinema. 

- Fotografia e video. 

Bibliografia 

• FEDERICA MUZZARELLI, Formato tessera, Bruno Mondadori, Milano, 

2003. • CLAUDIO MARRA, Le idee della fotografia. La riflessione 

teorica dagli anni Sessanta a oggi, Bruno Mondadori, 

Milano, 2005. • VIVIANA GRAVANO, Paesaggi attivi. Saggio contro 

la contemplazione, Costa&Nolan, Milano, 2008. • GEORGES DI- 

DI-HUBERMAN, Immagini malgrado tutto, Raffaello Cortina, 

Milano, 2005. • SUSAN SONTAG, Il kit della morte, (romanzo), 

Einaudi, 1973. 

Il corso persegue l’obiettivo di attrezzare 

la cognizione storica e teorica dei 

nessi fra elaborazioni del pensiero religioso 

ed estetiche della creazione artistica. 

L’impianto didattico tiene in 

evidenza quattro direttrici: a) contestualizzazione 

filosofico-teologica dell’arte occidentale-cristiana; 

b) poetiche del sacro nella prospettiva dell’antropologia culturale; 

c) teorie estetiche attuali circa il nesso fra arte e sacro; d) 

problematica contemporanea dell’espressività religiosa nell’arte. 


L’Ospite, il Perturbante. 

Il pensiero dell’Ospitale approfondisce attualmente i suoi nessi 

con la drammatica del Perturbante (Lévinas, Derrida). Il sacro 

stesso, secondo la celebre formula di Rudolf Otto, è fascinans e 

tremendum: porta estasi e beatitudine, ma anche inquietudine e 

angoscia. La nozione freudiana del Perturbante, (Das Unheimliche), 

in alcune riletture recenti (Lacan, Zizek), è appunto chiamata 

in causa come utile chiave di approccio all’ambivalenza 

del rapporto fra identità e alterità, nelle pratiche occidentali dell’ospitalità. 

La nostra ricerca si propone di acquisire i termini 

della percezione di questa ambivalenza all’interno dell’estetica 

dell’arte sacra. 

Bibliografia 

• A. CAROTENUTO, FREUD il perturbante, Bompiani, Milano, 2002. 

• S. TARTER, Evento e ospitalità. Lévinas, Derrida e la questione 

straniera, Cittadella, Assisi, 2004. • T. MCNULTY, The Hostess. 

Hospitality, Femininity and the Expropriation of Identity, 

University of Minnesota Press, Minneapolis, London, 2007.


122 

PROGRAMMI 

2°LIV 


Paola Ballesi supplente Francesca Marelli 

2°LIV 

ESTETICA DELLE INTERFACCE 

Emanuele Quinz 


Il corso di Estetica delle arti visive intende 

affrontare le principali questioni 

teoriche elaborate dalla riflessione estetica 

novecentesca, evidenziando l’indissolubile 

intreccio che lega l’indagine 

storico-filosofica e critica all’esercizio delle arti. 


La prima parte del corso intende offrire un percorso di orientamento 

storico nell’ambito dell’estetica contemporanea mettendo 

a confronto alcuni dei più significativi esponenti del dibattito filosofico 

e critico novecentesco (Benjamin, Adorno, Grrenberg, 

Krauss, Danto, Derrida) intorno al ruolo e allo statuto delle arti 

visive nell’ambito della contemporaneità. 

Nella seconda parte del corso, di natura monografica, si affronter‡ 

un percorso di riflessione sulla natura dell’immagine fotografica, 

indagandone il ruolo decisivo nella critica al modernismo 

e l’importanza nella ridefinizione dello statuto teorico-disciplinare 

della storia dell’arte (da Aby Warburg ai Visual Culture 

Studies), con particolare riguardo al tema dell’atlante di immagini. 

Bibliografia 

• Alle origini dell’opera d’arte contemporanea, a cura di G. Di 

Giacomo e C. Zambianchi, Laterza, Roma-Bari, 2008. • Thinking 

Photography, a cura di Victor Burgin, London, 1982. • R. VALTOR- 

TA, Il pensiero dei fotografi, Bruno Mondadori, Milano 2008. 

Tradizionalmente si definisce l’interfaccia 

come la superficie che mette in 

contatto due (o più) sistemi eterogenei. 

Tecnicamente, l’interfaccia é un 

dispositivo che assicura la comunicazione 

tra due sistemi informatici diversi 

ed esegue principalmente delle operazioni di transcodifica 

e di gestione del flusso di informazioni. Ma questa nozione può 

essere estesa al di là degli ambiti specifici. Più generalmente, si 

può chiamare interfaccia ogni superficie di contatto, di relazione 

non tra due oggetti, ma tra due soggetti. 

La nostra relazione all’ambiente che ci circonda è sempre più 

caratterizzata dalla presenza delle tecnologie digitali e mediata 

dal complesso delle interfacce. 

Grazie a questa mediazione e all’emergenza di un’estetica inclusiva, 

partecipativa, interattiva, l’esperienza artistica riesce a 

recuperare una forma di immediatezza. 

Questo paradosso (tra mediazione e immediatezza, ma anche, 

ad un livello più profondo, tra distanza e implicazione, tra 

identità e alterità) costituirà il filo conduttore del corso. 

Il campo di esplorazione privilegiato sarà quello della convergenza 

tra le poetiche sonore e musicali contemporanee e le sperimentazioni 

legate alle tecnologie digitali nell’ambito delle 

performing arts e della danza in particolare.


PROGRAMMI 123 

2°LIV 


Gabriele Mandel 

Arte islamica: essenza, qualità, contemporaneità. 

Le grandi correnti culturali 

islamiche oggi ed i loro influssi 

sulle arti occidentali. Il concetto 

del bello e dell’arte nell’Islam: Tradizione, 

simbolo e scienza. 

Nella seconda parte della lezione (proiezione di cento diapositive) 

vengono mostrati gli elementi dell’architettura e della decorazione 

islamica (geometrica, calligrafica, vegetale), nonché 

l’organizzazione ritmico simbolica della città e i valori mistici 

della simmetria. 

L’arte islamica e i suoi influssi in Occidente: gli Orientalisti romantici, 

gli imitatori, le imitazioni nei paesi islamici nel XIX° 

secolo. Pittori musulmani in Occidente e pittori occidentali islamizzanti 

nel XX° secolo. Ascendenza del Sufismo nelle arti occidentali. 

Arte musulmana oggi: l’area del Bacino mediterraneo e del Crescente 

Fertile. 

Arte musulmana oggi: l’area turca, l’area iraniana e l’area indiana. 

2°LIV 

ESTETICA E STORIA DELL’ARTE MUSSULMANA 

Gabriele Mandel 

1. Il concetto del bello e dell’arte nell’Islam. 

2. Simbolo, numero, architettura. Nella seconda parte della lezione 

(proiezione di cento diapositive) vengono mostrati gli 

elementi caratteristici della decorazione geometrica islamica, e 

dei parati con piastrelle di varie forme “numerogeometriche”. 

3. Calligrafia, espressione dell’Invisibile. Nella seconda parte 

della lezione (proiezione di cento diapositive) vengono mostrati 

gli elementi caratteristici della calligrafia islamica, e 

tutte le sue varie applicazioni nel parato architettonico, nella 

scultura, e nelle molte forme dell’illustrazione e delle calligrafie 

su carta. 

4. Il Sufismo in cento immagini (il concetto del pensiero mistico 

viene esposto in una sequenza organica di simboli, azioni 

ed opere d’arte sino alla sublimazione dell’Invisibile) e: “riassunto 

dell’Arte islamica negli elementi tipicizzanti la città”. 

Bibliografia 

La bibliografia completa sarà indicata durante il corso. 

Bibliografia 

La bibliografia completa sarà indicata durante il corso.


124 

PROGRAMMI 

1°LIV 

ETICA DELLA COMUNICAZIONE 

Cristina Muccioli 

2°LIV 

ETNOPSICHIATRIA 

Vanna Berlincioni 

Questo corso organizzato semestralmente, 

intende arricchire il quadro 

teorico critico dell’offerta formativa 

dell’Accademia. L’approccio è filosofico, 

essendone l’Etica una questione 

principe, ma lo svolgimento dei temi 

proposti e accolti, si intrama necessariamente con l’Estetica, la 

Storia dell’arte, le Scienze umane quali l’Antropologia. 

Tre gli argomenti base di quest’anno, l’Empatia come nuova 

categoria teoretica per riflettere sulla comunicazione e sui modi 

di agirla (etica); la contemporaneità del mito, cioè la mitizzazione 

della realtà comunicata e percepita; l’Ermeneutica, o 

arte dell’interpretazione del testo. 

Bibliografia 

I testi fondamentali sono: 

• LAURA BOELLA, L’empatia nasce nel cervello? La comprensione 

degli altri tra meccanismi neuronali e riflessione filosofica, 

un saggio contenuto nel volume Neurofenomenologia, 

Le scienze della mente e la sfida dell’esperienza cosciente. 

Bruno Mondatori, 2006. • ROLAND BARTHES, I miti d’oggi, con un 

saggio di U. Eco, Einaudi. • H. G. GADAMER, La responsabilità 

del pensare, saggi ermeneutici, VeP Università. 

Altri testi affrontati in relazione alle risposte e alla sensibile interazione 

dei partecipanti, sono: 

• H. G. GADAMER, Verità e Metodo. • J. P. Sartre, In difesa dell’Intellettuale. 

• Talmud e Antico Testamento, con la collaborazione 

di un’allieva israeliana.• S. FREUD, L’avvenire di un’illusione. 

Le lezioni si articoleranno in tre parti. 

Nella prima ci si soffermerà sulla nozione di individuo e di identità 

confrontando il modo di concepire l’individualità nella cultura, 

nella psicologia e nella psicopatologia occidentale, con 

quella vigente in altre culture. Si approfondiranno quindi le differenze 

tra il modo di concepire la malattia da parte del soggetto 

occidentale, sempre più isolato e solitario, e quanto accade 

nelle società tradizionali dove il soggetto è altrimenti diffuso e 

articolato con il gruppo di appartenenza. 

Nella seconda parte si affronterà il tema del corpo come primo 

ed più naturale strumento dell’uomo, il più naturale oggetto 

tecnico e allo tempo mezzo tecnico. “Lavorandolo” come un 

qualsiasi materiale, gli si conferiscono le forme che il suo gruppo/società 

ha convenuto circa il vivere comune. In particolare si 

discuterà del significato della pelle nelle varie culture, dei “segni 

sul corpo” e delle body modifications, categoria in cui rubrichiamo 

tutte le pratiche che modificano in qualsiasi modo il corpo, 

alterandone la forma originale (Tattooing, Piercing, Scarification, 

Cutting, Branding, Peeling, Implants, Amputation, ecc.). 

Una terza parte riguarderà l’argomento dell’uso rituale della 

maschera applicata sul volto, con particolare riferimento al suo 

utilizzo durante le danze tradizionali e nei riti di possessione in 

alcune culture africane. 

Alcune lezioni saranno accompagnate dalla visione di materiali 

etnografici inerenti ai temi indicati.


PROGRAMMI 125 

2°LIV 

FASHION DESIGN 

Nanni Strada 

2°LIV 

FASHION DESIGN 

Francesca Liberatore 

Nell’ambito del vasto panorama delle 

scuole di moda il biennio di perfezionamento 

in Fashion Design dell’Accademia 

di Belle Arti di Brera si distingue 

e caratterizza per la sua specificità 

di Moda Design collegata alle più 

recenti correnti di Fashion/Art e Fashion/Architettura. L’approfondimento 

di questi nuovi linguaggi della creatività si inserisce 

in un più vasto programma interdisciplinare che dovrebbe preparare 

lo studente a meglio inserirsi nel variegato mondo delle 

professioni in continua evoluzione. L’offerta del biennio vuole rispondere 

a questa necessità e proprio per questo è aperta a studenti 

di moda e di discipline affini. 

Il corso, nella sua fase preliminare, indaga e approfondisce il 

concetto di “moda design” in contrapposizione a quello tradizionale 

di stilismo. Prendendo in analisi le manifestazioni presenti 

e passate della corrente moda-arte e dei suoi rappresentanti 

più significativi (e l’influenza che questi hanno anche sulla 

produzione di moda), ne analizza la metodologia progettuale 

sulla base di una documentazione ragionata. Sviluppa una conoscenza 

critica e la lettura dei linguaggi della moda in tutte le 

sue manifestazioni al fine di guidare nella collocazione di una 

creazione o un prodotto nel suo giusto posizionamento. Sono 

presi in considerazione i sistemi produttivi e le tecniche più innovative 

di creazione dell’abito. 

Date queste premesse, saranno svolte delle prove di verifica della 

comprensione degli argomenti proposti che si concluderanno 

in un’esercitazione di progetto su un tema dato. Il lavoro dovrà 

comprendere la ricerca iconografica, la formulazione di un 

concept, il disegno e la realizzazione di uno o più abiti nonché 

la sua visualizzazione e la presentazione in tecnica digitale e la 

sua discussione con supporto grafico in quaderno di progetto. 

L’Eleganza dell’Ibrido,Un secolo di moda dal busto all’arte-moda 

,Arte e moda-Moda e museo,Abitare l’abito 

L’abito spogliato dal corpo,Linguaggi paralleli dell’architettura 

e del fashion design,Nuova sartoria ”high-tech” 

Bibliografia 

• Collezione memorie della moda, Chanel, Dior, Alaja, Vionnet, 

Yves Saint Laurent, Balenciaga, Lanvin, Poiret, Schiaparelli, 

Yamamoto, Mugler, Pucci, Octavo Editore. • GILLO DOR- 

FLES, Mode e modi, Gabriele Mazzotta Editore, Milano, 1979. 

• BIANCHINO, BUTAZZI, MOTTOLA MOLFINO, QUINTAVALLE, La moda italiana. 

Dall’antimoda allo stilismo, Electa Editrice, Milano, 

1985. • Skin + Bones, Parallel Practices in Fashion and Architecture, 

Thames and Hudson, 2003. 

Il corso verte sullo sviluppo della creatività 

e delle doti tecniche dello studente, 

in concordanza ad aspetti pratici 

e percezioni estetiche, dei quali il fashion 

designer deve tener conto al fine 

di raggiungere un appropriato equilibrio 

tra idee immaginative e considerazioni professionali, che 

permetta una chiara comprensione ed esperienza nel generare, 

sviluppare e realizzare idee creative e personali. Tali formulazioni 

dovranno incorporare concetti di design ugualmente classici e 

originali su uno standard professionale, supportando in maniera 

riflessiva i cambiamenti della moda, interpretando le richieste e 

applicando soluzioni innovative alle problematiche del design. 

Lo studente sarà incoraggiato a esplorare e sviluppare i propri 

punti di forza e approcci alla materia con domande individuali 

e risposte sperimentali attraverso lezioni in aula e studio indipendente. 

L’interesse si concentrerà soprattutto sullo sviluppo del design e 

della capacità di interpretare le idee della ricerca (composta di 

fotografie, disegni, scritti) ottenendo un’esperienza pratica di 

come un approccio sperimentale e 3D al disegno possa aprire 

nuove possibilità. 

La ricerca consisterà in una tangibile informazione: indumenti, 

finiture, dettagli, stoffe, tele, silhouette, tecnici, per creare un 

valido statement innovativo e intelligente. 

Successivamente nella costruzione dell’abito si dovrà dimostrare 

di saper utilizzare il drappeggio sul manichino e il cartamodello 

come strumento per sviluppare il design e non solo come 

uno strumento tecnico, con la realizzazione di almeno 2 outfits. 

Il processo deve essere registrato nel portfolio che comprende: la 

proposta della collezione; la presentazione dei disegni scelti con 

relativi tecnici e tessuti; i lavori prodotti durante il corso come 

risultato critico includendo sketchbooks in appropriata presentazione. 

Dovrà emergere quindi: individualità e doti creative e 

pratiche nel generare e realizzare le proprie idee; una creativa 

esplorazione dell’immaginario, con colori e doti di presentazioni 

appropriate; la capacità di generare e comunicare idee in 

maniera efficace usando forme visive; la consapevolezza della 

cultura visiva contemporanea e della moda e l’abilità nel valutare 

il design attraverso prospettive contemporanee e storiche; 

un approccio flessibile e abilità di imparare da una varietà di tipi 

di impulsi; rigore personale nell’abilità di lavorare secondo 

scadenze.


126 

PROGRAMMI 

2°LIV 

FENOMENOLOGIA DEGLI STILI 

Laura Lombardi 

1°LIV 


Paola Manusardi 

Oggetto dell’insegnamento è l’acquisizione 

degli strumenti di interpretazione 

dei fenomeni artistici del XX secolo, 

con particolare attenzione ai decenni 

appena trascorsi fino all’oggi, secondo 

prospettive di indagine interdisciplinare. 

Le lezioni si svolgeranno due volte alla settimana nel secondo 

semestre (giovedì dall 14 alle 16 e venerdì dalle 12 alle 13). Si precisa 

che trattandosi di materia introdotta quest’anno, il corso si rivolge 

agli studenti del primo anno del biennio. Per quelli già iscritti 

al secondo - solo per quest’anno - il corso da seguire sarà quello di 

fenomenologia delle arti contemporanee (per ulteriori informazioni 

rivolgersi al prof. Federico. Ferrari). 

Corso dell’A.A. 2009-2010: “QUALE STILE”? Per stile si intende 

“l’insieme dei caratteri che distinguono dalle altre una determinata 

forma espressiva” (N. Abbagnano). La storia dell’arte ha 

elaborato dalla seconda metà dell’Ottocento e nel corso del XX 

secolo, diversi modi di definire e classificare, in base a tipologie 

e orientamenti critici differenti tra loro, lo stile di un’epoca o di 

un artista. Ma esiste ancora questa possibilità? Cosa significa, 

oggi, “stile” riferito alle espressioni d’arte contemporanea? Siamo 

veramente arrivati alla “sparizione dell’arte”?(Baudrillard), 

“dopo la fine dell’arte”? (Danto). O la conseguente “fine della 

storia dell’arte” può determinare “la libertà dell’arte?” (Belting). 

Quale è la grandezza dell’arte attuale? (Perniola). Il corso 

intende percorrere alcuni indirizzi critici ed estetici degli ultimi 

decenni per cogliere le sfaccettature di un dibattito, tra 

“postmodernità”, “surmodernità” e “altermodernità”, che tenta 

di definire lo statuto dell’arte del nuovo millennio: un’epoca 

nella quale i concetti di originalità e di creazione decadono a favore 

di una “post-produzione” (Bourriaud) delle opere del passato, 

di cui si inventano, decontestualizzandole, nuovi usi. 

Il corso si propone di esplorare, attraverso 

l’utilizzo delle diverse tecniche 

espressive e performative, tematiche 

inerenti la fenomenologia del corpo, 

con particolare riferimento al corpo 

vissuto (Leib), soggetto-oggetto dell’arte, 

e all’esperienza percettiva, quale funzione psichica soggettiva 

sottesa all’esperienza estetica. Strutturato come percorso 

di ricerca sull’identità corporea individuale, esso offre spunti di 

riflessione e approfondimento in ambito pedagogico ed arte-terapeutico. 

Articolato in lezioni teoriche e laboratori guidati, verterà 

sui seguenti argomenti: 

Il senso del corpo proprio; strutturazione dell’immagine corporea. 

La autorappresentazione. 

Il corpo tra presenza e assenza: l’ombra; il riflesso; l’impronta. 

Il corpo sensoriale: sensazione e percezione. Dall’estetica alla 

sinestetica: sinestesie nell’arte. Laboratori sensoriali. 

Gusto e disgusto. Arte e cibo. 

La voce e il silenzio del corpo. Il corpo come espressione e la parola. 

Del guardare: valori tattili e visivi. 

L’universo tattile e cutaneo. La pelle, involucro dell’Io corporeo. 

Psicogenesi dell’Io-pelle; varianti narcisistiche e masochistiche. 

La pelle delle immagini. 

Verso un paesaggio interiore. Aperture, orifizi, ferite. L’esperienza 

del piacere e del dolore nell’arte e nella cultura occidentale. 

La visione ermetica del corpo come fucina alchemica. Teoria 

degli elementi, teoria tetraumorale, temperamenti. 

L’immaginazione alchemica: rispecchiamento nel colore e nella 

materia. 

Simbolismo del corpo umano e immagini archetipiche: albero e 

scala; caverna e labirinto; ruota e mandala; androgino e ibrido. 

Metamorfosi del corpo. Isteria ed estasi. 

Bibliografia 

• U. GALIMBERTI, Il corpo, Feltrinelli, Milano, 2002. • M. MERLE- 

AU-PONTY, Fenomenologia della percezione, Il Saggiatore, Milano, 

1965. • S. FERRARI, Lo specchio dell’Io. Autoritratto e psicologia, 

Laterza, Roma, Bari, 2002. 

Per ogni tematica trattata verranno fornite indicazioni bibliografiche 

specifiche.


PROGRAMMI 127 

1°LIV 


Rachele Ferrario 

Lo spazio dell’artista. Il corso si rivolge 

agli studenti del primo livello per i 

piani di studio di Decorazione, Design, 

Didattica dell’arte, Pittura e Scultura. 

Il corso introduce alla fenomenologia 

delle arti. Dai cinque concetti fondamentali 

di Heinrich Wölfflin agli studi di Panofsky sulla 

prospettiva come forma simbolica, dall’invenzione della stampa a 

caratteri mobili analizzata da McLuhan, alla scoperta dell’elettromeccanica 

e alla teoria della relatività, dalla meccanica 

quantistica all’era di internet. Questa parte del corso fornisce allo 

studente gli strumenti per orientarsi nell’ambito degli studi sulla 

fenomenologia delle arti con particolare attenzione al “come” 

l’arte e gli artisti hanno tradotto con le opere i “fenomeni culturali” 

del loro tempo. Una parte importante del corso è dedicata 

all’analisi dello “spazio” in cui l’artista crea, rappresenta o interagisce; 

“spazio”, dunque, come metafora dell’opera, ma anche 

del suo autore e dei suoi mezzi espressivi. 

Bibliografia 

• H. WÖLFFLIN, Concetti fondamentali della storia dell’arte, 

Neri Pozza, Vicenza, 1999. • E. PANOFSKY, La prospettiva come 

forma simbolica e altri scritti, Feltrinelli, 2001. • M. MC LU- 

HAN, La galassia Gutenberg, Armando Editore, 1976. • R.E. 

KRAUSS, L’originalità dell’avanguardia e altri miti modernisti, 

Fazi editore, 2007. • H. MOLOTOCH, Fenomenologia del tostapane. 

Come gli oggetti quotidiani diventano quello che 

sono, Scienza e idee, Cortina Editore, Milano, 2008. • G. DIDI- 

HUBERMAN, Storia dell’arte e anacronismo delle immagini, 

Bollati Boringhieri, 2007. 

Le altre voci bibliografiche saranno indicate durante il corso 

1°LIV 


Federico Ferrari 

La fenomenologia delle arti contemporanee 

è quella disciplina che cerca 

di mostrare come le arti - le differenti 

arti - abbiano compreso se stesse nella 

contemporaneità. Suo presupposto 

è che, da almeno due secoli, non si 

possa identificare un’opera d’arte se non a partire da una riflessione 

critica sul suo statuto (con la fine dei canoni della tradizione, 

è solo a partire da un gesto critico e/o teorico che si può 

definire cos’è arte e cosa non lo è). 

La riflessione critica in questione, per ragioni storiche ed essenziali, 

è fondamentalmente di stampo filosofico. Il corso ha 

quindi una doppia finalità ed è, di conseguenza, suddiviso in 

due differenti momenti. Se da una parte, infatti, s’intende creare 

un’adeguata consapevolezza dell’evoluzione delle differenti 

scuole teoriche della contemporaneità in rapporto al tema delle 

arti, dall’altra, si vuole analizzare l’evoluzione di alcuni temi 

chiave per una comprensione non ingenua delle arti contemporanee 

e dell’artista, e del ruolo che essi rivestono all’interno della 

società. 

Il corso ogni anno affronta in modo monografico un tema. In 

linea generale, fa da sfondo alla trattazione monografica un ripensamento 

della storia dell’arte al di là del rischio che sempre 

essa corre di fossilizzarsi, di divenire il museo statico di un patrimonio 

culturale, in cui tutto è già stato deciso, classificato, 

posizionato. Presupposto di questa riflessione critica è la presa 

d’atto che, soprattutto negli ultimi decenni, si è assistito a una 

perdita sempre più grande del senso di una storia, di una tradizione 

di provenienza, da assecondare o da contestare. L’arte, oggi, 

sembra sorgere e vivere in un vuoto di memoria. Da qui l’esigenza 

di ripensare il rapporto tra arte, critica, storia e creazione, 

alla luce di una reale conoscenza del tempo che, inevitabilmente, 

porta a una sua rimessa in gioco radicale.


128 

PROGRAMMI 

2°LIV 


Laura Lombardi 

L’arte contemporanea esaminata in 

una prospettiva che ha per oggetto le 

problematiche relative alle teorie e 

alle poetiche alla base dei fenomeni 

artistici, ma anche i criteri di valutazione 

e di analisi degli stessi, con la 

proposta di alcuni strumenti metodologici per una lettura critica 

dell’opera d’arte. Gli studenti che seguono il corso sono invitati 

a svolgere per l’esame una ricerca, facendo riferimento ad 

una bibliografia specifica, concordata con la docente a seconda 

dell’indirizzo del proprio biennio di specializzazione. 

Il viaggio 

Il corso affronta il tema del viaggio nell’epoca contemporanea, 

indagando come il suo significato sia mutato in una società globalizzata 

nella quale il ‘muoversi verso’ un altro luogo si compie 

secondo dinamiche inevitabilmente diverse rispetto a quelle 

degli artisti viaggiatori di altri periodi storici. Proprio dal confronto 

dialettico e serrato tra la concezione del ‘viaggio’, dal Rinascimento 

al secondo dopoguerra, ma soprattutto nei nostri decenni, 

fino all’oggi, e dall’analisi dei linguaggi scelti dagli artisti 

per tradurre tale esperienza, si potranno cogliere analogie e persistenze 

di motivi di fondo, ma anche le diversità che segnano la 

riflessione contemporanea intorno a questo tema. La funzione 

del viaggio (di studio, di ritorno alle origini, di riflessione sulla 

diversità e sulla omologazione della civiltà contemporanea, di 

partecipazione alle tematiche della ecosostenibilità) o talvolta 

anche del non-viaggio, del viaggio solo virtuale, come primo 

motore della poetica e della pratica artistica, sarà indagata a 

partire da una selezione di immagini di opere e di video, tesa a 

mettere in luce i diversi stili, ed i codici espressivi usati. Il corso 

si nutrirà di riferimenti alla letteratura ed al cinema ma anche 

alla sociologia e all’antropologia. Le lezioni si svolgeranno nel 

secondo semestre. 

2°LIV 

FENOMENOLOGIA DELL’ IMMAGINE 

Romano Gasparotti 

Poiesis della parola e Poiesis dell’immagine. 

Rilke, Klee, Celan, Magritte. 

Bibliografia 

• R. M. RILKE, Tutti gli scritti sull’arte 

e la letteratura, Bompiani, Milano, 

2008. • P. KLEE, La confessione creatrice e altri scritti, Abscondita, 

Milano, 2004. • P. KLEE, Diari 1898-1918, Il Saggiatore, 

Milano, 1990. • P. CELAN, La verità della poesia. “Il Meridiano” 

e altre prose, Einaudi, Torino, 2008. • R. MAGRITTE, Tutti 

gli scritti, voll. I e II, Abscondita, Milano, 2003, 2005. • M. DO- 

NÀ, Il mistero dell’esistere. Arte, verità e insignificanza nella 

riflessione teorica di René Magritte, Mimesis, Milano, 2006. 

• V. VITIELLO, I tempi della poesia. Ieri/Oggi, Mimesis, Milano, 

2007. • J. LUC NANCY, Tre saggi sull’immagine, Crinopio, Napoli, 

2002. • R. GASPAROTTI, Figurazioni del possibile. Sul contemporaneo 

tra arte e filosofia, Cronopio, Napoli, 2007. • M. 

PERNIOLA, L’arte e la sua ombra, Einaudi, Torino, 2000. • P. CAP- 

PELLETTI, L’inafferrabile visione. Pittura e scrittura in Paul 

Klee, Jaca Book, Milano, 2003. 

Bibliografia 

• CLAUDIO SPADONI e TULLIOLA SPARAGNI, L’artista viaggiatore. Da 

Gauguin a Klee, da Matisse a Ontani, catalogo della mostra 

(Ravenna), Silvana Editoriale, Cinisello Balsamo, Milano, 2009. 

• LUCA QUATTROCCHI e ORSOLA MILETI, Erranti Wanderers, Erranti 

nella videoarte contemporanea, catalogo della mostra (Siena), 

Silvana Editoriale, Cinisello Balsamo, Milano, 2008. • MARC 

AUGÉ, Non luoghi: introduzione a una antropologia della 

surmodernità, (Parigi 1992), Eleuthera, Milano, 1993.


PROGRAMMI 129 

2°LIV 

FENOMENOLOGIA DELL’IMMAGINE 

Andrea Lissoni 

2°LIV 

FILOSOFIA DELL’ARTE 

Federico Ferrari 

Parte 1 

La parata come forma e metafora 

delle arti contemporanee. 

Il corso esplora di anno in anno questioni 

che riguardano implicazioni 

teoriche relative agli immaginari e ai 

dispositivi, facendo riferimento al percorso e alle opere significative 

di autori o di artisti visivi la cui attività di ricerca vive sul 

confine fra cinema, video, arte contemporanea, performing arts 

e nuove sonorità. 

Il corso si pone come assi di confronto: 

- il problema della rappresentazione del reale 

- l’opera come forma potenziale di testimonianza del reale e i suoi 

limiti e, in particolare, il paesaggio identitario “altro”. 

È centrale la definizione di “territorio” (alluso, evocato, rappresentato). 

Dopo l’analisi dell’opera di Johan van der Keuken nel 2004, 

quella di Steve McQueen, Gus Van Sant ed Eija-Liisa Ahtila nel 

2005, il percorso nell’esigenza di “rappresentare”attraverso 

un’altra idea di documentario del cineasta Amos Gitai nel 2006, 

fra 2007 e 2008 ci si è concentrati sulle relazioni cinema/arte 

contemporanea problematizzando la nozione di “dispositivo”, 

quella di mostra come “dispositivo, medium e territorio”, quella 

di “opera come rivelatore”, il “fermo-immagine” come strategia 

e, infine, la definizione di immaginario ed il concetto di “terza 

memoria”. 

Il corso di Filosofia dell’arte è da considerarsi 

un corso avanzato che presuppone 

la conoscenza di base dei temi 

della storia dell’estetica e rudimenti 

di filosofia. Le nozioni di base 

saranno quindi considerate, almeno 

in parte, come già acquisite. Il lavoro si svolgerà prevalentemente 

in forma seminariale, con un ruolo attivo da parte degli 

studenti. Ci si dedicherà a un esercizio di lettura e approfondimento 

tanto di concetti chiave della riflessione filosofica quanto 

alla descrizione e interpretazione delle immagini, utilizzando, 

di volta in volta, metodologie provenienti dal campo filosofico, 

iconografico, iconologico, psicanalitico, semiotico. Saranno 

possibili visite alla Pinacoteca di Brera e/o a collezioni e mostre 

temporanee. 

Il corso 2009-10 sarà dedicato alla parata. Forma maggiore ed 

emergente delle ricerche artistiche del presente (praticata da artisti 

come, fra gli altri, Matthew Barney, Francis Alys, Jeremy Deller, 

Philippe Parreno, Arto Lindsay,…), la parata, nelle sue varie 

articolazioni - dal corteo alla sfilata, da quella militare a quella 

dance, di rivendicazione dei diritti di identità di genere o di provenienza 

- mette in gioco tutti gli assi su cui si incentra tradizionalmente 

il corso: l’immagine-movimento, l’immaginario, lo 

spazio pubblico, la rappresentanza e la rappresentazione, l’identità 

e il ruolo dell’artista. 

Bibliografia 

La bibliografia verrà specificata ulteriormente lungo il corso, ma 

sono considerati fondamentali: 

• N. MIRZOEFF, Introduzione alla cultura visuale, Meltemi, 

Roma, 2006. • AA.VV., Gli anni zero - Atlante di un decennio 

condensato, a cura di C. Antonelli, Isbn Edizioni, Milano, 2009. 

• H. FOSTER, Il ritorno del reale, Postmediabooks, Milano, 2005.


130 

PROGRAMMI 

2°LIV 

FONDAMENTI DI PSICHIATRIA INFANTILE 

Elena Molinari 

L’attività rappresentativa: definizione 

di un processo nella costruzione della 

psiche e nella ristrutturazione del sé. 

Le modalità rappresentative dei bambini: 

cenni del loro sviluppo nella storia 

della psicologia. 

Lo strutturarsi del disegno infantile in rapporto alla costituzione 

della psiche e al processo creativo 

Gli aspetti strutturali del disegno infantile: la forma, il colore, la 

composizione, il medium. 

Gli apporti della psicologia dinamica con particolare riferimento 

all’opera di M. Milner, D. Winnicott, W. Bion 

L’osservazione attraverso il disegno del bambino sano: metodi e 

utilizzo della ricerca qualitativa. 

Esercitazione in aula e presentazione di ricerche. 

Il corpo nell’esperienza creativa infantile 

Bambini con patologie organiche: possibili utilizzi terapeutici 

del disegno e delle esperienze rappresentative. Presentazione di 

una ricerca svolta in un ospedale pediatrico. 

Bambini affetti da difficoltà relazionali: aspetti peculiari della 

rappresentazione. Presentazione di materiale clinico. 

Il disegno e il gioco come strumenti per osservare le trasformazioni 

in atto. Rapporto tra disegno infantile e arte. 

Supervisione di esperienze di tirocinio. 

Durante il corso sarà posta particolare attenzione alla relazione 

terapeutica ed ai fattori specifici che possono favorire il ripristino 

dei processi creativi e di guarigione nei bambini e negli adolescenti. 

2°LIV 

FONDAMENTI DI PSICHIATRIA. 

Fausto Petrella, Fabrizio Pavone, Paolo Risaro 

Corso introduttivo alla scienza del pensiero e del comportamento 

umano, nell’ambito della sofferenza mentale grave e del suo 

trattamento, mantenendo al centro del discorso la persona, in 

quanto unità bio-psico-sociale originale e irripetibile. Speciale 

attenzione è rivolta al contesto storico-culturale della diagnosi e 

delle cure, alle dinamiche di gruppo, alla relazione interpersonale 

e al trattamento riabilitativo, particolarmente in rapporto 

alle arti. 

La Personalità e i suoi problemi 

Schizofrenia e disturbi mentali gravi 

Quadri clinici della psicosi 

Disturbi dell’umore 

Generalità sulle psicosi 

Generalità sulle nevrosi 

La riabilitazione psichiatrica 

Il teatro in riabilitazione psichiatrica 

Bibliografia 

• A. CHESHER, Il laboratorio delle attività teatrali. • H.F. ERICK- 

SON ELLENBERGER, La scoperta dell’inconscio. Boringhieri. • R.P. 

LIEBERMANN, La riabilitazione psichiatrica. Cortina. • F. PETREL- 

LA, Turbamenti affettivi e alterazioni dell’esperienza, Cortina. 

Bibliografia 

• A. FERRO, La tecnica della psicoanalisi infantile, Raffaello 

Cortina, 1992, • T. GIANI GALLINO Il mondo disegnato dai bambini. 

L’evoluzione grafica e la costruzione dell’identità, 

Giunti, 2008 • C. GOLOMB, L’arte dei bambini, Raffaello Cortina, 

2002.


PROGRAMMI 131 

2°LIV 

FONDAMENTI DI PSICOLOGIA 

Michele Oldani 

2°LIV 

FOTOGRAFIA 

Paola Di Bello 

Il corso si propone l’obiettivo di affrontare il tema della creatività 

dal punto di vista psicanalitico. Per Freud l’artista riesce ad 

esprimere i contenuti del proprio inconscio attraverso la sublimazione, 

meccanismo che permette di trasformare una pulsione 

sessuale o aggressiva verso una meta con caratteristiche diverse 

e che può configurarsi in una dimensione artistica o intellettuale. 

La creatività ha quindi origine nel tentativo di superamento 

di una tensione psichica. 

Per Jung creativo è colui che riesce ad emanciparsi “dalla stretta 

e dall’ostacolo di quanto è personale” divenendo in questo modo 

interprete di quei motivi universali dell’umanità presenti nell’inconscio 

di ogni individuo. 

Il confronto tra queste due ipotesi permette di riflettere sul concetto 

di crescita e di guarigione di un individuo. 

Bibliografia 

• S. FREUD, Tre saggi sulla teoria sessuale. • S. FREUD, Il disagio 

della civiltà. • G. JUNG, L’energia psichica. 

Il corso ogni anno si pone un diverso 

tema di riflessione. Intorno a questo tema 

il corso si svolge con modalità laboratoriali, 

ovvero, intorno a spunti, 

visioni e idee dell’arte che utilizza la 

fotografia come mezzo privilegiato, 

verranno realizzati dei lavori dagli studenti. 

La progettazione sarà integrata, ovvero verranno coordinate 

alcune lezioni tenute da professionisti chiamati a collaborare 

con il laboratorio intorno al tema scelto. Il tema di quest’anno 

è “Il paesaggio sociale”. 

I professionisti invitati saranno: Sara Rossi e Armin Linke. 

Il metodo di lavoro riguarda essenzialmente la progettazione. 

Cosa? Come? Non è cosa fai, ma come lo fai. Non ci sono belle 

fotografie, ma ci sono bei progetti, bei pensieri e buone intenzioni, 

nonché idee geniali. 

Il progetto fotografico è: 

- idee 

- primi tentativi 

- verifica, analisi e visione deli primi tentativi 

- approfondimenti del progetto con letture, ascolti, visioni 

(nella musica, nella letteratura, nella filosofia, nell’estetica, 

nell’arte, nella fotografia, etc.) 

- realizzazione del progetto 

- editing e montaggio 

- presentazione 

Il corso avrà come finalità la realizzazione di una mostra o di una 

pubblicazione e ogni lezione sarà sostenuta dai materiali prodotti 

dagli studenti che serviranno come punto di partenza per lezioni 

di carattere tecnico/pratico, teorico/linguistico, storico/analitico. 

Bibliografia: 

• SUSAN SONTAG, Sulla fotografia, Einaudi, 1973 • FRANCO VACCA- 

RI, L’inconscio tecnologico, Agorà, 1997 • UGO MULAS, Le Verifiche, 

Einaudi 1972.


132 

PROGRAMMI 

1°LIV 1°LIV 2°LIV 

FOTOGRAFIA 

FOTOGRAFIA 

Roberto Rosso 

Alessandra Spranzi 

La fotografia non nasce nell’ottocento, 

la fotografia si rivela fin dal primo 

momento in cui l’uomo sente la necessità 

di riprodurre sulle caverne le 

proprie immagini, che per vere necessità 

di sopravvivenza, vuole che siano 

la precisa realtà del suo essere. Da quel momento si sono evoluti 

i mezzi, non le necessità. 

Attraverso l’evoluzione della comunicazione visiva cercheremo 

di comprendere il linguaggio nascosto della fotografia, passando 

inevitabilmente attraverso gli appuntamenti fondamentali 

della storia dell’arte fino ad indagare il vero aspetto dell’ultima 

frontiera della comunicazione, il digitale. 

Metteremo quindi in atto una sessione di riprese, per comprendere 

come la fotografia sia un “incidente” quotidiano e non un 

virtuosismo tecnologico. 

Bibliografia 

• C. MARRA, Fotografia e pittura nel Novecento. Una storia senza 

combattimento, Bruno Mondadori, Milano, 1999. • W. KANDIN- 

SKY, Lo spirituale nell’arte, Bompiani, Milano, 1994. • A. GILARDI, 

Storia sociale della fotografia, Bruno Mondatori, Milano, 2000. 

Triennio. Fotografia. 

La fotografia è un modello storico e 

immaginario complesso, un linguaggio 

mutevole, articolato, in relazione 

continua con altre forme di espressione 

e linguaggio, come la letteratura, il 

cinema, il video, l’installazione, l’architettura, la ricerca antropologica 

e sociale. 

Il programma si sviluppa intorno alla riflessione e discussione 

su che cosa sia la fotografia, come leggerla, come usarla, come 

sviluppare un modo personale di utilizzarla per poter realizzare 

i propri pensieri. 

Gli studenti dovranno realizzare un progetto concordato con il 

docente e discusso collettivamente, sotto forma di libro, in cui 

confluiranno le conoscenze acquisite 

Bibliografia 

• CLÉMENT CHÉROUX, L’errore fotografico, Einaudi, 2009. • RO- 

LAND BARTHES, La camera chiara, Einaudi, 2003. • ROSALIND 

KRAUSS, Teoria e storia della fotografia, Bruno Mondadori, 1996. 

Ed eventuali altri libri in relazione agli argomenti che si svilupperanno 

durante le lezioni. 

Biennio. Metodologia progettuale. 

Quale fotografia? Quale storia? 

La fotografia è data per scontata. La fotografia, una volta interrogata, 

ci sfugge, si sottrae alla nostra comprensione e catalogazione. 

Più ci avviciniamo, più la si allontana da noi. Cercheremo quindi 

di girarle intorno, realizzando degli esercizi che ci porteranno a ricominciare 

da capo ad interrogarla e ad interrogarci. 

Il risultato di queste indagini sarà poi raccolto in un libro o contenitore 

adatto, che sarà pensato e realizzato a seconda della specificità 

del singolo lavoro. 

La parola, sotto forma di testo o semplicemente didascalia e titolo, 

sarà parte importante del progetto. 

Obbiettivi formativi: sviluppare nello studente la capacità di leggere 

e utilizzare la fotografia nella sua complessità, cioè come 

linguaggio, come mezzo di riflessione privilegiato per indagare 

la realtà e raccontare storie. 

Bibliografia 

• CLÉMENT CHÉROUX, L’errore fotografico, Einaudi, 2009. • RO- 

LAND BARTHES, La camera chiara, Einaudi, 2003. • ROSALIND 

KRAUSS, Teoria e storia della fotografia, Bruno Mondadori, 1996. 

Ed eventuali altri libri in relazione agli argomenti che si svilupperanno 

durante le lezioni.


PROGRAMMI 133 

2°LIV 

FOTOGRAFIA (ARCHITETTURA E PAESAGGIO) 

Cesare Somaini 

2°LIV 

FOTOGRAFIA (LABORATORIO 

DI PROGETTAZIONE INTEGRATA) 


Il corso si svilupperà in tre parti. La 

prima sarà costituita da lezioni frontali 

in cui verrà definito l’ambito della 

fotografia di paesaggio e che cosa ha 

significato in passato e che cosa significa 

oggi, con illustrazione di esem-pi 

significativi presi da libri sull’opera di grandi maestri o da altre 

pubblicazioni. 

La seconda prevede due o tre uscite collettive sul campo (ci recheremo 

in località da me prescelte per le loro caratteristiche 

ambientali e per la varietà di possibilità di ricerca espressiva) 

con gli studenti per affrontare insieme le difficoltà,le opportunità 

che il territorio può offrire e le tecniche per risolvere alcuni 

problemi che si dovessero presentare. Se sarà possibile un coordinamento 

con il corso di fotografia e architettura potrà essere 

utile un confronto con il docente di tale corso per identificarne i 

confini e le sovrapposizioni. 

La terza prevede l’analisi del lavoro svolto dagli studenti e la proposizione 

di soluzioni per presentare e completare il loro lavoro. 

Sarà richiesta la presentazione di un portfolio di immagini stampate 

(preferibile) o su supporti digitali per la valutazione del 

lavoro. 

I progetti dovranno essere individuali e solo su mia specifica autorizzazione 

di gruppo. 

Il corso ogni anno si pone un diverso 

tema di riflessione. Intorno a questo tema 

il corso si svolge con modalità laboratoriali, 

ovvero, intorno a spunti, 

visioni e idee dell’arte che utilizza la 

fotografia come mezzo privilegiato, 

verranno realizzati dei lavori dagli studenti. 

La progettazione sarà integrata, ovvero verranno coordinate 

alcune lezioni tenute da professionisti chiamati a collaborare 

con il laboratorio intorno al tema scelto. Il tema di quest’anno 

è “Il paesaggio sociale”. 

I professionisti invitati saranno: Sara Rossi e Armin Linke. 

Il metodo di lavoro riguarda essenzialmente la progettazione. 

Cosa? Come? Non è cosa fai, ma come lo fai. Non ci sono belle 

fotografie, ma ci sono bei progetti, bei pensieri e buone intenzioni, 

nonché idee geniali. 

Il progetto fotografico è: 

- idee 

- primi tentativi 

- verifica, analisi e visione deli primi tentativi 

- approfondimenti del progetto con letture, ascolti, visioni 

(nella musica, nella letteratura, nella filosofia, nell’estetica, 

nell’arte, nella fotografia, etc.) 

- realizzazione del progetto 

- editing e montaggio 

- presentazione 

Il corso avrà come finalità la realizzazione di una mostra o di una 

pubblicazione e ogni lezione sarà sostenuta dai materiali prodotti 

dagli studenti che serviranno come punto di partenza per lezioni 

di carattere tecnico/pratico, teorico/linguistico, storico/analitico. 

Bibliografia: 

• SUSAN SONTAG, Sulla fotografia, Einaudi, 1973 • FRANCO VACCA- 

RI, L’inconscio tecnologico, Agorà, 1997 • UGO MULAS, Le Verifiche, 

Einaudi 1972.


134 

PROGRAMMI 

2°LIV 

FOTOGRAFIA 

Joe Oppedisano 

2°LIV 


Agustin Sanchez 

Ritratto e Moda. 

Il corpo umano è stato la frontiera o 

“il campo di battaglia” per le arti 

visive negli ultimi decenni. Ora il 

ritratto s’impone come nuovo limite, 

terreno di confronto e scontro di stili 

e tendenze, tra documentazione e ricerca artistica 

Il corso si apre con un po’ di storia del ritratto fotografico nel suo 

percorso dallo storico tradizionale al contemporaneo. 

Il corso nella sua articolazione investe la macchina fotografica 

nei vari formati ed ottiche , materiale sensibile ed illuminazione 

naturale ed artificiale in studio. 

La conoscenza dell’illuminazione degli ambienti in interno ed 

esterno è un elemento fondante per la creazione delle atmosfere 

desiderate. 

Il corso verterà sulle varie tipologie di illuminazione e qualità 

della luce al fine di comprendere il rapporto dei contrasti. 

Nel corso si imparerà ad incorporare styling composizione e si 

assimilerà il rapporto soggetto - cliente - fotografo scoprendo 

nuovi metodi per mettere in scena un ritratto e per costruire un 

rapporto con il soggetto in modo tale da catturare “momenti intimi” 

dello stesso che ne rivelano il carattere. 

Il corso verterà sul ritratto nel mondo dell’Arte in ambito commerciale 

ed editoriale. 

La finalità del corso è quella di sviluppare la visione personale 

di ogni studente (con vari esempi da creare) attraverso letture 

presentazioni e critiche e di sensibilizzarlo alla comprensione 

delle metodologie. 

Esame finale 

Produzione di una seria di ritratti con vari tipologie 

Attività integrative. Visite a mostre 

Bibliografia 

• MATTEO FOCHESSATI eSANDRA SOLIMANO, In Faccia al Mondo, il 

ritratto contemporaneo nel medium fotografico, Museo d’Arte 

Contemporanea di Villa Croce. • VINCENZO IZZO, Faccia d’artista, 

Artemisia Edizioni. • ITALO ZANNIER, Il sogno della fotografia, 

Skirà, Milano, 2006. • MICHELE SMARGIASSI, Un autentica 

bugia, Contrasto, Roma, 2009. • ROLAN BARTHS, Camera Chiara. 

• SUSAN SONTANG, On Photography. 

Dall’Atomo al Bit. 

Il corso sviluppa un percorso formativo 

che propone allo studente un ampio 

panorama di metodologie e di tecniche, 

che gli forniscono una solida base 

per affrontare, controllare e gestire tutte 

le fasi di produzione di un opera (concepita con l’utilizzo dei 

new media) sperimentando nuove forme della rappresentazione e 

della narrazione. 

Contenuti generali 

Dopo un ciclo di lezioni introduttive orientate a fornire panorama 

e basi metodologiche del lavoro il corso sarà strutturato in 

forma di laboratorio. Gli studenti concorderanno con il docente 

un progetto. Durante l’attività di progetto, e al raggiungimento 

di precisi obiettivi, ogni studente parteciperà ad incontri di revisione 

con il docente, per discutere le scelte effettuate e gli eventuali 

problemi da risolvere. 

Nel corso del laboratorio verrà data particolare enfasi all’impostazione 

metodologica del progetto e all’analisi dei requisiti. 

Metodologia 

1 - Introduzione - I computer al servizio dell’utente . 2 - I computer 

come “strumento creativo”. 3. - I computer “strumento multimediale”. 

4 - Project media. 

Progettazione e realizzazione di un progetto concordato con il 

docente. 

Bibliografia 

• MARSHALL MCLUHAN, Gli strumenti del comunicare, Il Saggiatore 

1999. • NICHOLAS NEGROPONTE, Essere digitali, Sperling Paperback, 

2004. • Il corpo tecnologico, a cura di Pier Luigi Capucci, 

Baskerville, Bologna, 1994. 

Bibliografia consigliata 

• BRUNO MUNARI, Arte come mestiere, Laterza, Roma-Bari, 2006. 

• EUGENIO TURRI, Il paesaggio come teatro. Dal territorio vissuto 

al territorio rappresentato, Marsilio, Venezia, 2006. • BAL- 

ZOLA eMONTEVERDI, Le arti digitali multimediali, Garzanti, 

2004. • NICOLAS BURRIAUD, Postproduction. Come l’arte riprogramma 

il mondo, Postmedia, Milano, 2004. • PIERLUIGI CA- 

PUCCI, Arte e tecnologie, Ediz. dell’ortica, 1996. • Il luogo dello 

spettatore. Forme dello sguardo nella cultura delle immagini, 

a cura di Antonio Somaini, Vita e Pensiero, 2005.


PROGRAMMI 135 

2°LIV 

FOTOGRAFIA E COMUNICAZIONE SOCIALE 

Rossella Bigi 

1°LIV 

FOTOGRAFIA PER I BENI CULTURALI 

Marco Baldassari 

La fotografia di interni tra il 1930 e oggi. Il paesaggio domestico, 

gli ambienti, gli oggetti, le persone, le relazioni con la famiglia 

e con l’ambiente, le condizioni sociali ed economiche, la vita 

privata, sono gli aspetti rilevanti dei lavori fotografici esaminati 

durante l’anno. 

Il corso si propone di fornire allo studente, attraverso esempi di 

serie fotografiche che abbiano come soggetto gli interni domestici, 

un vasto panorama sulle condizioni di vita, sul gusto, sui 

riti collettivi, sui comportamenti di vari strati sociali in diversi 

paesi (fra cui Stati Uniti, varie nazioni dell’America Latina, Regno 

Unito, Francia, Spagna, Giappone e Cina, ecc.) a partire dagli 

anni Trenta fino agli ultimi anni. 

Questo tipo di ricognizione viene ad assumere un grande valore 

sia per la storia del reportage e della ricerca artistica in fotografia, 

sia per la conoscenza delle vicende storico-sociali, soprattutto nel 

confronto fra paese e paese nel periodo storico preso in esame. 

Basterebbe pensare al programma della FSA nei primi anni 

Trenta rispetto al lavoro che conducono vari fotografi contemporanei 

sulla provincia degli Stati Uniti per rendersene conto. Dal 

problema dell’integrazione razziale al “sogno americano” , dalla 

povertà al consumismo, lavori fotografici di grandi maestri 

hanno, forse prima del cinema, raccontato questi temi salienti . 

Attraverso un’esplorazione e registrazione “ ravvicinata” dell’evoluzione 

sociale, la foto di interni offre spesso un’idea più 

precisa - rispetto al normale reportage in esterni- della psicologia 

delle persone che vivono negli ambienti rappresentati. Le 

persone insieme agli oggetti di cui si circondano diventano elementi 

di una visione non superficiale del paesaggio umano. 

I fotografi studiati con particolare attenzione durante l’anno saranno: 

1 - Fotografi americani da Walker Evans, Bruce Davidson a Wiliam 

Eggleston, Larry Sultan e Bette Yarnelle Edwards. 

2 - Fotografi inglesi da Bill Brandt a Martin Parr. 

3 - Fotografi giapponesi: ad esempio Takashi Yasumura e Iraki 

Sawa. 

4 - Fotografi cinesi: Leoung - Chi - Wo. 

5 - Oltre a fotografi italiani, francesi e tedeschi. 

Bibliografia 

Il corso verrà illustrato da una apposita dispensa. 

La Storia della Fotografia attraverso 

l’evoluzione delle tecniche di ripresa e 

stampa, indagine sui metodi di lavorazione 

dell’800, in particolare per le 

campagne di rilevamento sui siti archeologici 

e la fotografia nelle città. 

La struttura del corso prevede la conoscenza delle basi nelle tecniche 

fotografiche prevalentemente digitale, la realizzazione 

con camere digitali di esercitazioni legate alla riproduzione 

dell’opera d’arte, piana e volumetrica, per l’impostazione delle 

luci ed il loro utilizzo. 

Misurazioni della luce con esposimetri manuali esterni ed 

interni alle fotocamere, tecniche per il bilanciamento del bianco.Tecniche 

di rilevamento sulle singole fasi di restauro di 

manufatti artistici, analisi teorica e tecnica dei metodi di indagine 

non distruttiva, luce radente, U.V., reflettografia all’infrarosso, 

RX. 

Si realizzano riprese presso Chiese o altri monumenti in città per 

affinare la conoscenza delle tecniche applicate a varie situazioni 

di ripresa, sculture, dipinti, bassorilievi, affreschi, pale d’altare, 

architetture. 

Regole di composizione dell’inquadratura, confronti ed esempi 

sulle foto nel campo della scultura antica e moderna, la riproduzione 

di documenti, le riprese di dipinti su ogni tipo di supporto, 

la fotoriproduzione su stativo. 

Tecniche di base per le lavorazioni in camera oscura, sviluppo 

pellicole, stampa della carta chimica. 

Acquisizioni di immagini digitali nei vari formati e loro utilizzo, 

elaborazioni di immagini digitali in particolare con photoshop. 

Si apprende l’uso di apparecchiature professionali,come fotocamere 

di medio formato,fotocamere speciali per architettura, 

fotocamere a banco ottico. 

Bibliografia 

• JEAN-CLAUDE LEMAGNY/ANDRÈ ROUILLE, Storia della Fotografia, 

Sansoni Editore. • HELMUR GERNSHEIM, Le Origini della Fotografia. 

• ELECTA TOM ANG Fotografia Digitale. Strumenti e tecniche 

avanzate, Mondadori. 

Per la parte della fotografia tecnico-scientifica. 

• Raffaello, la rivelazione del colore, Edifir. • Opificio delle 

Pietre Dure, Edifir.


136 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Jurgen Becker 

2°LIV 

FOTOGRAFIA (STILL-LIFE) 

Ivo Balderi 

Il corso si prefigge lo scopo di fornire 

agli allievi le conoscenze sufficienti per 

superare in modo autonomo le difficoltà 

che si devono affrontare quando 

si decide di far eseguire una fotografia 

scientifica nel campo dell’ arte. L’allievo 

impara a leggere gli interventi invasivi nel restauro di opere d’ 

arte (pittoriche e non) utilizzando fotografie eseguite con le tecniche 

dell’ infrarosso e UV (Luce di Wood). 

Durante il corso il discente dovrà partecipare con continuità alle 

sessioni teoriche e alle prove pratiche. 

Per gli studenti interessati, parte del corso è dedicato all’ analisi 

dei metodi fotografici del passato (collodio, gomma bicromatata, 

dagherrotipo ecc.) con la finalità di conoscerne le tecniche 

per affrontare gli interventi di restauro. 

Nel corso dell’ esame l’ allievo dovrà dimostrare di padroneggiare 

gli strumenti e di conoscere i processi di realizzazione delle 

immagini, individuando le tecniche e i materiali più idonei 

allo svolgimento dei temi proposti. 

Indice degli argomenti 

Elementi di ottica applicati alla fotografia. 

La luce. 

La fotocamera. 

La pellicola e la stampa. 

La fotografia e le opere d’arte. 

Storia della fotografia: le tecniche del passato. 

Bibliografia 

• ANSEL ADAMS, Il negativo, La stampa, La fotocamera, Vol. 1, 

2, 3, Zanichelli, 1987. • STEPHEN ANCHELL eBILL TROOP, The film 

developing cookbook, Plastic comb, 1998. • LAURIE WHITE, Infrared 

handsbook photography, 2001. • Near Infrared Digital 

Photography Tutorial. • WILLIAM CRAWFORD, L’ età del collodio, 

Cesco Ciappa editore. 

Ulteriori riferimenti bibliografici verranno forniti durante il 

corso. 

Il programma del corso intende preparare 

gli allievi alla realizzazione di 

fotografie still-life, natura morta, lasciando 

all’allievo la libertà di esprimere 

i suoi sentimenti, sensazioni della 

vita, le opinioni e il pensiero attraverso 

la composizione, la luce e l’inquadratura tutti elementi 

importanti che aiutano alla formazione del “fotografo artista”. 

Si affronterà anche l’aspetto commerciale della fotografia stilllife 

diretti da lay-out e anche lo still-life di carattere documentativo 

come la riproduzione di un quadro o di una scultura. 

Qui di seguito alcuni punti del percorso che l’allievo dovrà seguire. 

Still-Life, natura morta, riflessioni su questo genere di fotografia 

e visione di alcuni esempi. Gli oggetti nell’immaginario collettivo 

e nell’interpretazione personale. 

La luce. La temperatura colore. Sistemi d’illuminazione e schemi 

base di illuminazione, illuminazione mista. Gelatine di conversione, 

gelatine, colore. 

L’esposimetro. Macchine fotografiche piccolo medio e grande formato 

e loro utilizzo. Pellicola e digitale. 

L’allestimento del set fotografico per la realizzazione di una foto 

still-life. La sicurezza personale e degli altri sul set fotografico. 

L’inquadratura con macchine fotografiche piccolo medio e 

grande formato. Il banco ottico: basculaggi e decentramenti. Misurazione 

della luce sul set fotografico e determinazione dell’esposizione 

sul piano pellicola. Realizzazione di uno o più 

still-life a interpretazione personale. Realizzazione di uno stilllife 

seguendo un lay out. La riproduzione e interpretazione di 

un’opera pittorica. 

La riproduzione e interpretazione di un’opera scultorea. Still-life 

e macrofotografia, realizzazione di un esempio. Editing / 

Post-produzione. Still-life applicato al web, realizzazione di un 

esempio.


PROGRAMMI 137 

1°LIV 


Piero Orsi 

1°LIV 


Carlo Orecchia 

Argomento del corso è il design per la 

comunicazione visiva: immagine coordinata 

e immagine del prodotto, graphic 

design per l’editoria, grafica di 

pubblica utilità, advertising. 

Il programma è finalizzato allo sviluppo 

della capacità e organizzazione della prassi progettuale. Si 

articola in una serie di lezioni propedeutiche volte all’acquisizione 

delle nozioni tecnico-teoriche indispensabili al lavoro di progettazione, 

e in esercitazioni operative in cui si affrontano situazioni 

reali nelle quali interviene la professionalità del designer. 

In particolare si affronteranno, nelle diverse annualità, le seguenti 

linee tematiche: 

Editoria. 

- Libro, giornale e rivista: collane e copertine, formati di stampa, 

gabbie, impaginazione e legatoria. 

Lettering. 

- Morfologia, tipologia, stili, misure, composizione, storia della 

scrittura. 

Programmi di corporate identity. 

- Elementi base quali marchio e/o logotipo, colori e letteringi 

istituzionale, e le loro applicazioni su tutti i mezzi della comunicazione 

visiva: dalla carta da lettere al merchandising, dalla 

segnaletica ai mezzi di trasporto, dall’immagine dei prodotti al 

packaging, annunci per la pubblicità; il tutto sarà raccolto con 

le giuste regole codificate in un “manuale operativo”. 

Nozioni di marketing. 

Colore. - Teoria, riproduzione delle immagini e uso delle selezioni. 

Il laboratorio di informatica prevede l’apprendimento e la conoscenza 

dei seguenti software: Adobe Photoshop, Adobe In Design, 

Adobe Illustrator, Adobe Acrobat Professional, Quark Xpress, Microsoft 

Office; uso dello scanner. 

Sono previsti incontri con professionisti del settore. 

Nel vasto settore dell’Iconografia cristiana 

la Bibbia gode il privilegio di essere 

il cespite iconografico più ricco e 

più frequentato, ma paradossalmente 

si presenta anche come il tribunale in 

cui è pronunziata la più severa condanna 

della iconografia stessa. A partire da questo nodo paradossale, 

la parabola dell’iconografia biblica si articola in tradizioni 

conflittuali ed orientamenti molteplici, che vanno dal più radicale 

aniconismo alle devote espressioni didattico-popolari dei cicli narrativi, 

passando attraverso le forme più dotte e complesse delle sistematizzazioni 

tipologiche” o i riferimenti più sottili ed allusivi del 

linguaggio simbolico o astratto. Tale parabola è specchio, a sua 

volta, delle oscillazioni della qualità spirituale dell’esperienza cristiana 

nelle diverse stagioni della sua storia e documento delle variazioni 

stilistico tecniche delle pratiche artistiche. Il corso mira a 

evidenziare queste correlazioni attraverso 

l’illustrazione storico delle varietà tipo logiche dell’iconografia 

biblica, al fine di coglierne leggi, finalità, funzioni per un suo 

utilizzo nella pratica contemporanea. 

Bibliografia 

• JAN VAN LAARHOVEN, Storia dell’arte cristiana, Ed. Bruno 

Mlondadori, Milano, 1999. • JUAN PLAZAOLA, Arte cristiana nel 

tempo. Storia e significato, Vol. I Dall’ Antichità al Medioevo, 

Vol. II Dal Rinascimento all’Età contemporanea, San Paolo, 

Cinisello Balsamo, 200I-2002. • HUBERT SCHRADE, Bibliche figurazioni, 

in Enciclopedia Universale dell’Arte, coll. 548-584 

più illustrazioni tavv. 333-348. 

Bibliografia 

• G. FEDERLE, Elementi di progettazione grafica, Clitt. • B. MU- 

NARI, Da cosa nasce cosa, Laterza. • E. HERRIGEL, Lo Zen e il tiro 

con l’arco, Adelphi. Ulteriori testi saranno indicati e messi a 

disposizione durante il corso.


138 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Domenico Nicolamarino 

2°LIV 

ILLUSTRAZIONE 

Aldo Spoldi 

Il corso si articola in due parti complementari. 

1. Composizione luminosa: struttura e 

spazialità della visual performance. 

2. Progettazione luminosa: laboratorio 

lighting dimensioni. 

- Cenni storici e analisi dei vari linguaggi dall’Entertainment 

alla Lighting Building; 

- Esercizio professionale confronto con le varie associazioni di 

categoria: World ETF, PLASA, AIDI, ASSIL, APIAS, ESTA, 

ELDA,VPLT, STLD, SBTD; 

- Presentazione delle varie exhibition international: SIB di 

Rimini, PLASA di Londra, Prolight+sound e Light Building di 

Francoforte, ShowTec di Berlino, Intel-WLS di Milano. 

- Antologia della luce: analisi e lettura dei progetti. 

- Anatomia dell’occhio e percezione. 

- Grandezze fotometriche. 

- Sorgenti luminose, sistemi a LEDs e Laser. 

- Calcolo di base. 

- Lighting equipment - corpi illuminanti statici e moving light 

per i due ambiti di applicazione. 

- Multivision design, sistemi interattivi per VJ e sistemi ORAD 

per la produzione televisiva. 

- Lighting control desk e dimmer. 

- Sistemi di protocollo DMX 512 USITT e altri sistemi di Management 

Light Building. 

- Apparecchiature per effetti, fibre ottiche, light piping e strutture 

reticolari. 

- Simulazione su modelli e software per la progettazione. 

- Principali normative per la progettazione (confronto e limiti). 

- Architettura della luce: teatrale, cinetelevisivo, scenografia 

ambientale, architainment live e communication. 

- Confronto con professionisti e aziende produttrici di attrezzature 

con consultazione cataloghi. 

- Bibliografia e portali della luce. 

Nell’ambito delle attività didattiche si svilupperà un progetto 

artistico “Light-Colour” con la Royal University College of Fine 

Arts di Stoccolma. 

Il corso intende sottolineare gli stretti 

rapporti formali che intercorrono 

tra l’evoluzione stilistica dell’illustrazione 

ed i grandi movimenti dell’arte 

e le trasformazioni delle società. Tanto 

l’illustrazione che l’arte seguono i 

progressi delle tecniche di rappresentazione fornite dalla collettività. 

Il termine illustrazione è legato all’invenzione del torchio 

e fino al XV secolo arte ed illustrazione per lo più si identificano. 

L’illustrazione non è un’arte minore. Tutta l’arte è stata 

l’illustrazione di testi ed i testi l’illustrazione dell’arte. In tal 

senso questo corso prosegue e sviluppa la continuità didattica 

con i corsi tenuti gli anni precedenti (“Cultura del progetto” e 

“Tecniche e tecnologie della pittura”) impegnati a spiegare 

l’evoluzione delle tecniche artistiche (tempera, olio, acquarello, 

fotografia, digitale…), delle macchine da disegno (macchina 

di Plinio, di Durer, camera oscura e chiara, lanterna magica, 

computer…) e delle filosofie e culture contemporanee (Medioevo, 

Rinascimento, Moderno, Postmoderno…). La raccolta 

di tali lezioni, elaborate poi con il prof. Nicola Salvatore e lo 

chef Gualtiero Marchesi, è in via di pubblicazione. Per ora lo 

studente si può avvalere del libro-dispensa “Lezioni di educazione 

estetica” e “Cristina Show - Frammenti di vita” ed. Skira 

e Fondazione Ambrosetti Arte Contemporanea. In quanto è da 

molti riconosciuto che il termine illustrazione designi la riproduzione 

a stampa di un artefatto grafico-pittorico originale, le 

lezioni verranno arricchite con la presentazione di tecniche (xilografia, 

calcografia, litografia, serigrafia...) e macchine (torchio, 

ingranditore,…) da riproduzione. Proprio perché riprodotto 

e moltiplicato ad arte il mondo postmoderno si presenta 

come un’enorme illustrazione. L’illustrazione è l’aura dell’epoca 

contemporanea ed il paradigma della realtà spettacolare: 

l’opera d’arte totale, l’opera d’arte per tutti. A tale proposito è 

consigliato il capitolo “Lezione n. 9 - Il circo e il toro” dal libro 

del filosofo virtuale Andrea Bortolon “Lezioni di filosofia morale- 

L’arte di diventare diavoli” ed. Skira e Fondazione Ambrosetti 

Arte Contemporanea, 2003. 

Bibliografia 

• FRANCESCO BIANCHI, Architettura della luce, Roma, Edizioni Kappa, 

1998. • DOMENICO NICOLAMARINO, Guida all’illuminazione, 

Milano, Edizione Tecniche Nuove, 2008. • DOMENICO NICOLAMARI- 

NO, Miscellanea della luce [dispensa preparata dal docente].


PROGRAMMI 139 

2°LIV 


Pier Luigi Buglioni 

2°LIV 

INFORMAZIONE PER L’ARTE: MEZZI E METODI 

Angela Madesani 

L’occasione di sperimentare un nuovo 

corso di Illustrazione scientifica che 

dal corpo umano si possa estendere a 

qualunque altro corpo esistente in natura, 

è sinonimo e prerogativa dell’anatomia 

artistica e della stessa “ricerca” 

che da sempre abbiamo vissuto e condiviso con tutti gli 

studenti. 

Una disciplina, un percorso che, oltre a ritrovare le risposte utili 

a soddisfare impieghi e destinazioni, sappia riscoprire forme, caratteri, 

regole, funzioni e attività di ciascun corpo. 

Uno studio, un confronto attivo e dinamico che ogni studente potrà 

svolgere liberamente decidendo scelte e strategie. 

Bibliografia 

La bibliografia verrà assegnata durante il corso. 

Il corso prevede una parte teorica e una 

parte pratica con esercitazione scritta. 

Gli studenti, infatti, per potere sostenere 

l’esame dovranno fornire uno scritto-recensione 

su un artista da concordare 

(con la docente sono stati visitati 

quattro studi di artisti e fotografi). 

Per la parte teorica a lezione sono stati analizzati linguaggio e 

contenuti di alcuni importanti saggi: 

R. Longhi, Carlo Carrà. 

R. Longhi, Morandi exit. 

C. Greenberg, La pittura di tipo americano in C.Greenberg, Arte 

e cultura, Allemandi, 1991. 

H. Rosenberg, L’arte è un modo speciale di pensare in H. Rosenberg, 

L’arte è un modo speciale di pensare, Allemandi, 2000. 

H. Rosenberg, Intervista di H.Rosenberg a Willem De Kooning 

in H. Rosenberg, L’arte è un modo speciale di pensare, Allemandi, 

2000. 

H. Rosenberg, Rothko in H. Rosenberg, La s-definizione dell’arte, 

Feltrinelli, 1977. 

Carla Lonzi stralci da Autoritratto, De Donato, 1969. 

Lettura e analisi in aula di alcune riviste italiane di arte contemporanea: 

Flash Art, Tema Celeste, Titolo, Arte, Il Giornale 

dell’Arte, Juliet. Delle riviste si richiede la conoscenza di alcuni 

cenni storici.


140 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Carlo Bernardini 

1°LIV 

INTERACTION DESIGN 

Marco Negroni 


Il programma del corso verte su una 

serie di lezioni teoriche con videoproiezione 

di immagini documentative 

riguardanti le ricerche sperimentali 

con la luce nelle arti visive dal 1930 

ad oggi, analizzando l‘opera di oltre ottanta artisti, da Moholy- 

Nagy a Thomas Wilfred, da Zdenek Pesanek, Gyula Kosice, Lucio 

Fontana, Abraham Palatnik, Dan Flavin, Gianni Colombo, James 

Turrell fino ad Olafur Eliasson. Artisti che utilizzando la luce 

elettrica come elemento cardine nell’evoluzione del linguaggio, 

possono essere riuniti in una linea scientifica ideale, che 

lungo tutto il ‘900 ci conduce fino a questi primi anni del nuovo 

secolo, trovando attraverso un mezzo privo di corporeita` proprio 

l’elemento unificante ed essenziale a muoverci su quel crinale 

che divide nella nostra percezione lo stato reale delle cose 

da quello ipotetico o illusorio. 

La luce puo` espandere oppure far nascere lo spazio, sia in presenza 

sia in assenza di pareti o superfici che lo delimitano. 


Il programma indaga i principali artisti multimediali con l’ausilio 

di videoproiezioni di immagini documentative riguardanti 

le ricerche visive da Nam June Paik a Wolf Vostell, da Bill Viola 

a Fabrizio Plessi. Seguirà un laboratorio con proiezione di 

immagini sui nuovi materiali innovativi come le fibre ottiche, i 

fili elettroluminescenti, le superfici elettroluminescenti, il luminex 

e il litracon. Il laboratorio è finalizzato alla discussione e 

realizzazione di progetti, disegni, progetti virtuali ed installazioni, 

analizzando la strutturazione dell‘opera nello spazio. 

Il raggio di indagine oltre agli elementi del linguaggio visivo 

intrinseco, si incentra su ciò che é intorno all’opera, quindi al 

progetto ambientale dell’opera stessa ed alla sua collocazione 

ed illuminazione nello spazio. 

Tutti i sistemi tecnologici prevedono 

uno scambio di dati tra l’uomo e la 

macchina. 

Il disegno di questa interazione è 

l’oggetto dell’Interaction Design. 

Il corso di Interaction Design vulole 

introdurre alla progettazione e all’analisi delle interazioni tra 

l’uomo e i sistemi tecnologici. Lavorare in quell’area del vissuto 

quotidiano dove avviene un costante scambio di dati con apparati 

di ogni genere, siano questi informazioni che riceviamo 

tramite computer o dati che inviamo attraverso telecomandi. 

Il percorso didattico si articola in quattro fasi: tre obbilgatorie e 

una facoltativa: 

- Una serie di lezioni frontali di introduzione al tema del design 

delle interazioni. 

- Una serie di lezioni frontali in cui vengono presentate opere, 

progetti e case history. 

- Una fase operativa in cui gli studenti, a gruppi di due, debbono 

produrre un progetto esecutivo per la realizzazione di un 

sistema interattivo finalizzato ad un’installazione museale, 

completo di tempi di realizzazione e costi. Il metodo di lavoro 

consiste in revisioni settimanali attraverso presentazioni powerpoint 

dello stadio di avanzamento del lavoro e redazione 

finale del documento di progetto 

- La prototipazione (facoltativa e seguita da un tutor) dei migliori 

progetti eaborati. 

Bibliografia: 

• ELVERIO MAURIZI, Il Grav, Multigrafica Editrice, Roma, 1991. • 

L’arte degli anni ’50 ’60 ’70, Collezione Panza, Jaka Book 

1999. • JAN BUTTERFIELD, The art of light + Space, Abbeville 

Press, 1993. • FRANK POPPER, Art of the electronic age, Thames 

and Hudson, 1993. • LUCILLA MELONI, Gli ambienti del gruppo 

T, Silvana Editoriale, 2004. • MARCO MENEGUZZO, ZERO 1958- 

1968 Tra Germania e Italia, Silvana Editoriale 2004. • OLA- 

FUR ELIASSON, The weather project, Edited by Susan May, Tate, 

2003. • JULIO LE PARC, Luz e Movimento, Pinacoteca di S.Paolo, 

2003.


PROGRAMMI 141 

1°LIV 



2°LIV 



Obiettivo del corso è quello di avvicinare 

lo studente alla lettura del territorio 

nella complessa dimensione del 

rapporto uomo-ambiente, finalizzata 

all’acquisizione di una metodologia 

critica del saper “guardare” e leggere 

la realtà con “occhi diversi”, esaminando e approfondendo 

l’analisi delle relazioni che sussistono tra Arte, Architettura, Urbanizzazione 

e Territorio. 

Argomenti trattati. 

Leggere e conoscere il territorio. Concetti di luogo; il luogo naturale-artificiale; 

i non luoghi. Il paesaggio, sublime-pittoresco. 

L’ambiente, la città diffusa. Verde pubblico-privato, il parco, il 

giardino. L’arte pubblica. La rappresentazione. 

La fotografia come cultura progettuale. L’uso della fotografia 

come esercizio di codificazione e classificazione della realtà urbana 

tesa a focalizzare l’attenzione sull’interazione tra attività 

umane e lo spazio dell’ambiente pubblico. 

Bibliografia 

• GUY COOPER eGORDON TAYLOR, Giardini per il futuro, Logos 

Art, 2000. • LUIS BARRAGAN, Electa, Burle Marx, T & H. • PAUL 

COOPER, Giardini new tech, Ed. Archivolto. 

“La metamorfosi dello spazio in luogo”. Ispirandosi alla natura, 

come elemento bioilogico indinspensabile e di armonia, la moderna 

teoria dell’architettura ha sollecitato e favorito il progetto 

del paesaggio, ma le reali trasformazioni del territorio hanno generato 

una grande quantità di aree vuote i terrain-vague, non 

sempre recuperate dall’attività del paesaggista. 

L’obiettivo didattico tende a promuovere nello studente la capacità 

di riconoscere e comprendere le nuove problematiche urbane e 

le mutazioni in cors nella città contemporanea, assunte sotto il 

termine di metropoli. L’ambito operativo della ricerca riguarderà 

casi di studio significativi come l’uomo, l’ambiente costruito e 

l’ambiente naturale, tra loro connesse in un duplice rapporto uomo-ambiente 

costruito e ambiente costruito - ambiente naturale. 

Ciascuna di queste realtà interagisce con le altre,comportando 

modifiche reciproche. 

Le lezioni indagheranno temi e figure del progetto contemporaneo 

del paesaggio attraverso l’assunzione di opportuni riferimenti 

culturali e progettuali per un approfondimento conoscitivo 

di significative esperienze sviluppate in ambito nazionale ed 

inernazionale. 

La natura dell’arte. 

L’uscita dal quadro, il ritorno alla natura, il paesaggio come protagonista. 

Imaestri della progettazione ambientale: L. Barragan, B. Marx, 

I.Noguchi. 

La Land art. Land art americana ed europea. 

Landscape design negli U.S.A. 

In America l’attività del paesaggista si è sviluppata in parallelo 

ai movimenti artistici, che hanno rappresentato fonte di ispirazione 

e di modelli. Es. minimalismo, land art, pop art, astrattismo 

ecc. 

Città e verde: Hortus Conclusus, il giardino, il giardino segreto. 

Biografia 

• M.HEIDEGGER, Saggi e discorsi. • NORBERG-SCHULZ, Genius loci. 

• M.AUGÈ, Non luoghi. •R.MILANI, Arte del paesaggio.


142 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Gian Carlo Borellini 

2°LIV 

LETTERATURA BIBLICA 

Carlo Orecchia 

Descrizione del processo attraverso cui 

si è manifestata in Italia la tutela del 

patrimonio storico-artistico. Il corso 

si propone di far conoscere quali materiali 

propedeutici sono disponibili 

per un apprendimento veloce, tuttavia 

adeguato, dei beni culturali e paesaggistici, in particolare per 

questioni connesse alla qualificazione del ricco patrimonio italiano 

e alla produzione normativa di riferimento, non solo sotto 

l’aspetto squisitamente procedurale, ma anche etico\scientifico. 

Argomento delle lezioni sono, pertanto, le Soprintendenze, la loro 

genesi, la storia e l’elaborazione giuridica prodromica e successiva 

all’insediamento delle medesime, con specifica attenzione 

all’economia della tutela e ai processi che definiscono 

l’assetto di un territorio (dilatabile ai processi di produzione e alle 

continue trasformazioni della società); le raccomandazioni, 

al riguardo, di un architetto - storico, paesaggista, urbanista, 

progettista, ‘antiriduzionista’ militante - (recentemente) scomparso; 

della prassi protezionistica negli uffici periferici del Ministero 

(raccomandazioni tecnico\scientifiche comprese); le (necessarie) 

interrelazioni tra l’ex L.1089\39 - difesa monumentale, 

storico e artistica - e l’ex L.1497\39 - difesa del paesaggio - (entrambe 

confluite nel recente Decreto Legislativo 42\2004, “Codice 

dei beni culturali e del paesaggio”, ma ancora attuali nella 

loro capacità “nutritiva”); la necessità di far precedere comunque 

qualsiasi provvedimento di tutela da un’accurata indagine 

conoscitiva (catalogazione et alia). 

La letteratura biblica è stata definita 

il “grande codice” della cultura occidentale. 

Questo vale non solo per i 

contenuti storici, etici, simbolici che 

emergono dai suoi testi e che hanno 

condizionato in modo determinante 

la storia delle forme spirituali dell’Occidente (arte, letteratura, 

filosofia, religione, costume), ma anche per i dibattiti confessionali 

che ha suscitato, i conflitti interpretativi che ha provocato, 

le prat1che esegetiche e critiche che ha stimolato. Il corso, funzionale 

al programma del Dipartimento di “Arti e Antropologia 

del sacro”, attraverso la sensibilizzazione a queste complesse 

problematiche nelle loro coordinate essenziali,mira in modo 

specifico a favorire una conoscenza di questo “grande codice” 

che consenta appunto la decodificazione,a livello iconografico 

ed iconologico, del ricco repertorio figurativo di ispirazione biblica, 

in cui si è storicamente espressa la cultura cristiana. 


Sono elementi determinanti ai fini della valutazione la partecipazione 

all’attività didattica, la conoscenza dei contenuti trattati 

nelle lezioni e quelli inclusi nella bibliografia orientativa (che 

sarà suggerita durante il corso). La presentazione di una ricerca 

di carattere consuntivo, seppur facoltativa, concorrerà a determinare 

il voto finale. Durante il semestre sono previste uscite 

didattiche, distribuzione di materiale accademico, dispensa riassuntiva.


PROGRAMMI 143 

1°LIV 

LETTERATURA E FILOSOFIA DEL TEATRO 

Sara Fioretta 

2°LIV 

LINGUAGGI DELL’ARTE CONTEMPORANEA 

Elisabetta Longari 

Il corso è articolato in due parti: la prima ha carattere generale, 

propedeutico: in essa si affrontano gli elementi del linguaggio 

teatrale, le sue caratteristiche formali e teoriche, si analizzeranno 

i fattori della comunicazione teatrale e le problematiche relative 

alla sua specificità: in una società fortemente “spettacolarizzata” 

come la nostra, in cui l’identità del teatro sembra 

smarrita, o sbiadita, o incerta, che significato ha l’esperienza 

(dal punto di vista del pubblico) e la prassi (dal punto di vista 

dell’autore e regista) del teatro? Che cosa significa ri–collocare 

il teatro entro l’ambito “antico” del rito? E il teatro, con la sua 

complessità e ricchezza di linguaggi diversi, può ri–creare mondi, 

offrire modelli di interpretazione significativi e incisivi nella 

realtà contemporanea? 

La seconda parte, che ha carattere monografico e laboratoriale, 

avvierà lo studente alla lettura e interpretazione dell’opera di Ionesco 

e al momento cruciale, sul piano filosofico, linguistico e 

letterario, del teatro dell’assurdo, che spezza e stravolge l’antica 

identità di parola e gesto come fondamenti imprescindibili del 

personaggio del teatro occidentale. 

Il corso intende inoltre offrire agli studenti: 

1. una metodologia sicura per affrontare, leggere e interpretare 

un testo drammaturgico; 

2. un approfondimento su alcuni autori del Novecento che in 

modi diversi hanno messo in discussione la capacità comunicativa 

della parola 

3. un approfondimento su alcune questioni di teoria della letteratura 

e filosofia del linguaggio. 

Bibliografia essenziale 

• Annamaria Cascetta e Laura Peja, Ingresso a teatro, le Lettere. 

• Martin Esslin, Il teatro dell’assurdo, Abete. • Ionesco, Opera. 

Bibliografia 

• VICTOR TURNER, Dal rito al teatro, Il Mulino. • MARVIN CARLSON, 

Teorie del teatro, Il Mulino. 

I testi di e su Ionesco saranno forniti durante il corso. 

Posto che uno degli obiettivi principali 

del corso è favorire la dimestichezza di 

movimento degli allievi nel vasto territorio 

dell’arte contemporanea, che si 

presenta come un panorama particolarmente 

complesso e spurio tanto dal 

punto di vista delle tecniche quanto riguardo al pensiero estetico, 

come ogni anno è affrontato un tema preciso che funziona da pretesto 

d’indagine e che permette attraversamenti trasversali tra i 

diversi linguaggi espressivi. Quest’anno saranno analizzate diverse 

esperienze artistiche in cui la lettera, intesa proprio nella sua 

forma di missiva e considerata anche nella sua particolare declinazione 

illustrata (la cartolina), è utilizzata come dispositivo 

poetico e narrativo. 

Il ventaglio di esempi sarà ampio e vario: leggeremo e commenteremo 

il carteggio tra Kandinskj e Shoenberg, vedremo come Von 

Hofmannstal usi la forma della lettera in una finzione letteraria 

per parlare del mondo e della poesia ispirandosi all’esempio di 

Van Gogh che lo ha raggiunto, folgorato, salvato grazie alla sua 

intensità espressiva, leggeremo del lettere che Rilke scriveva alla 

moglie Clara da Parigi che trasudano amore per Cèzanne, vedremo 

diversi film tra cui Lettere da una sconosciuta di Max 

Ophüls, ispirato a un racconto di Stefan Zweig, Lettere da Ivo Jima 

di Clint Eastwood e Lettere di una religiosa portoghese di 

Eugène Green tratto dall’omonimo e anonimo testo seicentesco. 

Consideremo anche e soprattutto quelle forme ibride d’arte visiva 

come ad esempio la Narrative art (parleremo soprattutto di Sophie 

Calle che per la Biennale di Venezia del 2007 aveva commissionato 

a diverse altre donne l’analisi di un testo di una email che aveva 

ricevuto, il cui contenuto, a carattere strettamente privato, sostanzialmente 

coincideva con l’abbandono da parte del suo amante 

del momento) e l’Artivism (fenomeno spesso collettivo e anonimo 

di guerriglia in rete). 

Modalità d’esame: 

L’esame consta di due parti: la prima è l’elaborazione personale 

da parte del candidato di un discorso autonomo di approfondimento 

su un tema o un aspetto preventivamente concordato con 

me. L’approfondimento può essere tanto scritto, in forma di tesina, 

rispettando le regole tipografiche per la compilazione delle 

note e della bibliografia, quanto orale, in forma di breve lezione 

frontale, con l’ausilio di immagini e/o presentazioni in power 

point e/o video, tenuta in aula alla presenza degli altri iscritti al 

corso. La seconda parte dell’esame è una verifica delle cognizioni 

sull’arte contemporanea che avviene in sede d’appello. 

Bibliografia 

Da concordare a seconda degli interessi del candidato.


144 

PROGRAMMI 

1°LIV 

LITOGRAFIA 

Paola Parisi 

2°LIV 

LITURGIA 

Enrico Mazza 

La litografia raggiunge il suo massimo sviluppo nell’ottocento. Nei 

primi decenni di vita la litografia è stata adoperata per la diffusione 

di testi scritti, carte geografiche, vedute, soggetti naturalistici 

(animali, fiori, piante) e partiture musicali, fino ad allora scritte a 

mano. 

I maestri dell’800 sfrutteranno questa innovazione tecnica per 

i libri illustrati e per i libri d’artista. 

Ricchissimo anche il filone ottocentesco della satira politica e 

sociale. Ma senza alcun dubbio la litografia è uno degli elementi 

chiave per lo sviluppo del manifesto pubblicitario e del 

cartellone teatrale. 

Con la sua facile applicazione rivoluziona l’arte della stampa 

perché grazie all’immediatezza del segno ( fatta a matita grassa, 

gessetti e inchiostro litografico) l’artista disegna direttamente 

sulla pietra calcarea levigata.La semplicità nell’esecuzione 

del disegno e l’adattabilità al segno dell’artista rende la 

litografia una delle tecniche più versatili, tecnica si semplice 

ma non facile nella fase di stampa, dove grazie all’abilità dello 

stampatore si può ottenere una tiratura di circa un migliaio di 

copie.Si inizierà facendo conoscenza con le varie tipologie 

delle pietre calcaree la loro granitura. Il disegno effettuato con 

matite grasse o gessetti o inchiostro litografico, verrà acidato 

con una “preparazione” composta da gomma arabica ed acido 

nitrico dando inizio a quella che Senefelder chiamava “la vera 

stampa chimica”. Si passerà, infine, all’inchiostrazione della 

pietra con i rulli. Durante il corso si affronteranno diverse tecniche 

per la realizzazione della litografia. 

Dal bulino alla carta da trasporto, al frottage, alla fotocopia, 

alla maniera nera, al fondino colorato, al negativo, giungendo 

alla stampa in bianco e nero ed in quadricromia. 

Viene spiegato che cos’è la liturgia, la 

sua natura e le sue forme nel succedersi 

delle epoche culturali. Si dà particolare 

rilievo al rapporto tra la liturgia 

e le devozioni. 

In modo più specifico: che cos’è la liturgia 

secondo l’Antico e il Nuovo Testamento, la chiesa primitiva 

(i primi quattro secoli). Lo sviluppo del sacro nella liturgia 

medievale. In questo settore non c’è differenza tra le esigenze di 

una chiesa cattolica e quelle di una chiesa riformata, pur segnalando 

la diversità tra le varie chiese della riforma protestante. Il 

corso offre agli studenti i criteri per l’adeguamento liturgico degli 

edifici di culto secondo la Riforma liturgica introdotta nella 

chiesa cattolica dal Concilio Vaticano II. Inoltre, si illustrano i 

criteri per la creazione delle suppellettili e dell’arredo liturgici 

delle chiese. Un particolare riferimento al battistero, altare, ambone, 

calice, patena, ecc. Il metodo è squisitamente storico, per 

definire la funzione e la simbologia dei vari elementi. 

Bibliografia 

• GRANT ARNOLD, Creative Lithography, New York, 1971. • GARO 

ZANTREAZIAN eCLINTON ADAMS, The tamarind book of lithography: 

art e techniques, Los Angeles, 1970. • NEREO TEDESCHI, La litografia 

degli asrtisti, Verona, 1973. • D. PORZIO e R. TABANELLI, La 

litografia: duecento anni di storia, arte, tecnica, Milano, 

1982. • STEFANIA MASSARI e FRANCESCO NEGRI ARNOLDI, Arte e scienza 

dell’incisione, Roma, 1987. • SEGNO AMERICANO, Grafica anni 

60/70, Milano, 1987. • ANGELA OCCHIPINTI, La stampa originale, 

Milano 1996.


PROGRAMMI 145 

2°LIV 



1°LIV 

METODOLOGIA PROGETTUALE 

DELLA COMUNICAZIONE VISIVA 

Giuseppe Di Napoli 

Il corso verte sull’applicabilità della 

teoria dei valori di Riegl nel progetto 

di restauro. Si articola in tre momenti, 

che si concludono con esposizioni 

dei frequentanti in sedute seminariali 

plenarie e che vertono rispettivamente: 

a) sulle metodologie progettuali implicite o esplicitamente 

contenute nelle maggiori teorie del restauro; b) su casi/cantieri 

di restauro emblematici di una metodologia di restauro; c) su 

esercitazione di “progetto ponderato”, cioè di applicazione della 

teoria dei valori configgenti riegliana a casi specifici. 

Bibliografia 

• PIERO SANPAOLESI, Discorso sulla metodologia generale del 

restauro dei monumenti, Edam, Firenze, 1973. • S. SCARROC- 

CHIA e R. SPELTA , Il progetto di restauro e i suoi strumenti, Atti 

del II Corso di Perfezionamento in restauro architettonico, diretto 

da R. Ballardini, Istituto Universitario di Architettura di Venezia, 

Dipartimento di scienza e tecnica del restauro, Il Cardo, 

Venezia, 1996. • F.ALBERTI e S. SCARROCCHIA, Cultura della conservazione 

e istanze del progetto, Alinea, Firenze 1998. • A. 

RIEGL, Teoria e prassi della conservazione dei monumenti, a 

cura di S. Scarrocchia, Gedit, Bologna, 2003. • S. SCARROCCHIA, 

Il progetto di restauro come progetto ponderato, in “Architettura 

11”, cat. della Facoltà di Architettura “Aldo Rossi” dell’Università 

di Bologna, sede di Cesena, Il Vicolo ed. 2004, pp. 

114-117. • M. ANDALORO, La teoria del restauro nel 900 da 

Riegl a Brandi, Nardini, Firenze, 2006. • S. SCARROCCHIA, Gli 

strumenti della conservazione per il restauro dell’architettura 

contemporanea, In dialogo con Giuseppe Arcidiacono in 

“Recupero e Conservazione” n°72, 2006, pag.34-39. • S. SCAR- 

ROCCHIA, Riegl en la práctica. De la maestría en la conservación 

de los monumentos al proyecto de restauro archtectónico, 

in Alois Riegl: el culto moderno de los monumentos, su 

carácter y sus orígenes, 1 ed. antológica y comentada en 

español por Aurora Arjones Fernández, Sevilla, Junta de Andalucía, 

Consejería de Cultura, 2007. 

La comunicazione visiva attiva una 

particolare forma di pensiero imperniato 

sul ragionare per immagini, per 

forme, per relazioni spaziali, per analogie 

e per similitudini. Richiede la capacità 

di utilizzare procedimenti 

sintetici, nei quali più elementi, anche eterogenei, entrano simultaneamente 

in relazione tra loro al fine di configurare schemi, 

mappe, strutture, diagrammi, sequenze in grado di visualizzare e 

rappresentare il mondo, le cose e le loro reciproche relazioni in una 

forma assolutamente irriducibile, quanto irrinunciabile. 

La metodologia è la disciplina che studia i modi migliori che, in 

rapporto ai fini, alle conoscenze e ai mezzi disponibili, consentono 

di affrontare i problemi della comunicazione; essa, cioè, ha 

il compito di individuare i criteri e i metodi più efficaci nella ricerca 

delle soluzioni che garantiscono un mirato e sicuro esito 

comunicativo. 

Tematiche del corso 

I tre attori essenziali e i tre macro processi con la loro interazione 

danno luogo a Soggetto e Oggetto (percezione); Soggetto e 

Concetto (immaginazione); Concetto e Oggetto (comunicazione). 

La funzione monosemica dell’informazione grafica (segnale), 

quella polisemica della comunicazione visiva (segno) e 

quella pansemica dell’espressione artistica (simbolo). Le funzioni 

delle variabili visive nella costruzione dell’immagine grafica 

e delle invarianti percettive nel riconoscimento delle forme, Analisi 

critica della rispondenza dei sistemi di rappresentazione grafica 

rispetto alle differenti tipologie di referenti nella scala di iconicità 

(Moles). Le figure retoriche nella comunicazione visiva. 

Le metamorfosi della forma, della materia e della funzione dell’oggetto 

nell’arte e nel design. Dalla fenomenologia dei modi di 

apparenza dei colori, alla esegesi dei modi di vedere il colore, alla 

codificazione dei modi di stesura dei colori (invarianti pittoriche) 

Teorie e applicazioni dei fenomeni di intensificazione, assimilazione 

e contrasto cromatico nella comunicazione visiva; I 

colori acromatici, i colori cangianti, i colori ricordo e i colori 

immaginari nell’arte. 

Bibliografia 

•DI NAPOLI G.; Disegnare e conoscere. La mano l’occhio e il 

segno; Einaudi, Torino, 2004; •DI NAPOLI G.; Il colore dipinto. 

Teorie, percezione e tecniche; Einaudi, Torino, 2006 •SUSANI 

G.; Scienza e progetto; Marsilio, Padova, 1967.


146 

PROGRAMMI 

1°LIV 

METODOLOGIE CHIMICO FISICHE APPLICATE 

ALLO STUDIO DELLE OPERE D’ARTE 

Antonietta Gallone Galassi 

Le analisi scientifiche, metodi, validità, 

limiti. Le condizioni ambientali: 

microclima, illuminazione. 

Esami d’insieme: osservazioni dirette, 

al microscopio ottico e elettronico SEM, 

registrazione di immagini in luce visibile, UV e IR, radiografia X, riflettografia 

IR. 

Analisi puntuali: fluorescenza XRF, analisi alla microsonda 

elettronica SEM-EDSX, analisi microspettro-fluorimetrica in 

UV. Spettrometria di assorbimento atomico, spettrometria di 

assorbimento infrarosso FTIR, spettrometria di massa, spettroscopia 

Raman. Analisi termoigrometrica, analisi termica differenziale. 

Cromatografia, gascromatografia. 

Metodi di datazione: radiocarbonio, attivazione neutronica, termoluminescenza, 

dendrocronologia, tracce di fissione dell’U 

nei vetri. Pigmenti e leganti anacronistici. 

Prove di laboratorio: allestimento dei campioni (inglobamento 

in resina poliestere, sezionatura, levigatura, osservazioni al microscopio 

ottico), test microchimici, prove di colorazione. Esame 

e interpretazione di immagini, lettura e interpretazione di spettri 

e tabelle. 

Bibliografia 

• ANTONIETTA GALLONE, Analisi fisiche e conservazione, Milano 

1988. Dispense d’aggiornamento 2007-2008. • AA.VV, Artist’s 

pigments, vol. I, II. III. • JHONS S. MILLS eRAYMOND WHIT, The organic 

Chemistry of Museum Objects, Londra 1987. • NATIONAL 

GALLERY Tecnical Bullettin , Londra, nn. 1-26. • Studies in Conservation, 

IIC, Londra. 

Atti di congressi e cataloghi di mostre sull’argomento. 

Pubblicazioni a disposizione presso il Laboratorio. 

Si consiglia di non studiare su altri testi. 

1°LIV 


Mattia Matteucci 

Il corso si basa sull’analisi del film inteso come prodotto costituito 

da diverse variabili e componenti (storia, narrazione, messa in 

scena, montaggio, ritmo spazio-temporale, figura del regista, 

corpo degli attori). Questa analisi si proporrà di indagare le forme 

delle intenzioni del regista e si baserà principalmente sull’analisi 

di intere sequenze o di alcuni segmenti di sequenze di 

film.Il corso cercherà inoltre di focalizzarsi su quei percorsi cinematografici 

giocati sullo stretto rapporto tra narrazione e costruzione 

dell’immagine, tra autore e testo in modo tale da cercare 

di comprendere come le diverse componenti che costruiscono un 

film siano infine intimamente legate e come queste interagendo, 

impongano dei cambiamenti, a volte dei compromessi e degli 

adattamenti di una delle componenti in favore delle altre. Oltre 

a trattare una parte storica, che servirà principalmente allo studente 

per (ri)percorrere un cinema difficilmente visibile, il corso 

di Metodologie didattiche dei linguaggi audiovisivi cercherà di 

comparare alcune forme di messa in scena del passato con film 

contemporanei per cercare un filo conduttore continuo nell’evoluzione 

dell’estetica e del linguaggio cinematografico con sconfinamenti 

nel videoclip, nel cinema sperimentale. 

Bibliografia 

• FRANCESCO BALLO, Buster Keaton. One week, Lindau, Torino. 

• WALTER MURCH, In un batter d’occhi, Lindau, Torino.


PROGRAMMI 147 

2°LIV 

METODOLOGIE E TECNOLOGIE DEL CONTEMPORANEO 

Francesca Alfano Miglietti 

Un corso di territori corporali, una autosperimentazione 

che si colloca nei 

confini tra biologica, politica, teoria, 

nella necessità di una presenza che diventa 

discontinuità, caos, libertà, e che 

vive uno spazio e un tempo alterati. 

Corpi esposti, nella logica delle contaminazioni, degli intrecci, 

della pluralità di percorsi espressivi che attraversano e mutano il 

concetto di presenza corporea all’interno di una opera-vita che si 

inscrive costantemente sul proprio corpo. Una grande torsione che 

sperimenta altri canali espressivi, congegni di comunicazione che 

superano le concettualizzazioni astratte del linguaggio razionale 

per riaffermare e reinventare i linguaggi umiliati, repressi, oppressi 

i linguaggi della malattia, del caos, della follia, della discontinuità, 

i linguaggi dell’alterazione. 

E’ la possibilità di utilizzare il corpo in maniera in cui il disagio, 

la ribellione, l’alterità, diventano sistema di creazione, il sistema 

delle tensioni che abita liberamente il corpo estendendolo. Un 

corpo come struttura manipolabile pronta a ricevere al proprio 

interno innesti tecnologici che possano operare, agire, evolversi 

autonomamente, sostituendosi ad organi destinati al decadimento 

fisiologico. Un corpo pronto ad estendersi al ritmo del 

flusso e delle mutazioni. 

1°LIV 

METODOLOGIE E TECNICHE DELL’AFFRESCO 

Vincenzo Sorrentino 


Il corso è impostato secondo un criterio 

filologico attraverso cui la prassi 

viene elaborata direttamente dallo studio 

di quei trattati dell’arte in cui è significativamente 

descritta. 

Tracciato diacronico: età antica (tradizione vitruviana); età alto-medievale 

(tradizione monastica); età basso-medievale (tradizione 

cenniniana); età rinascimentale (tradizione vasariana) 

Tracciato sincronico: elaborazione della praxis denominata 

buon fresco, considerata come antonomastica; la natura della 

calce aerea e suoi mutamenti chimici; formazione dell’intonaco 

e tecniche dell’intonacatura; applicazione del velo a giornate; la 

fase pittorica in rapporto alla reazione di presa. Chimica dei colori. 

Tecnica del disegno per affresco (cartone): il primo riporto, 

il secondo riporto. 


La tecnica michelangiolesca nel Giudizio universale, all’interno 

della Cappella di Sisto IV. La tecnica del buon fresco e la tradizione 

giottesca nell’opera di Michelangelo. Il disvelamento dei 

colori in seguito al restauro.. Studio della composizione e moduli 

della rappresentazione apocalittica. 

Bibliografia 

• CENNINO CENNINI, Il libro dell’arte, 1390. • G. VASARI, Le Vite, 

1550. • PIER LUIGI DE VECCHI, Il Giudizio universale, Fonti iconografiche, 

Roma, 1986.


148 

PROGRAMMI 

1°LIV 

METODOLOGIE E TEORIE DELLA STORIA DELL’ARTE 


1°LIV 

MODELLISTlCA 

Luisa De Leo 

L’arte si guarda, si ascolta ma, anche, 

si legge, si scrive e si ordina secondo 

principi storicamente determinati. 

Obiettivo del corso è formare negli studenti 

la consapevolezza dei metodi e 

delle diverse prospettive critiche secondo 

cui l’arte viene raccontata, interpretata, codificata e insegnata. 

Il corso è concentrato sull’analisi dei testi e della letteratura critica, 

quindi sulla scrittura dell’arte più che sulla analisi delle opere. 

Il programma prevede una parte di lezioni frontali dedicate al 

formarsi della disciplina storico artistica in senso moderno da 

Vasari a Lanzi (da una storia imperniata sulle biografie d’artista 

alla definizione del concetto di “scuola” in senso geografico e 

storico stilistico), fino al metodo dei conoscitori e all’attribuzionismo. 

Il panorama critico dal Novecento al presente verrà svolto 

invece in modo seminariale e si baserà sulla discussione in 

aula dei testi assegnati di volta in volta. Attribuzionismo, puro 

visibilismo, iconologia, sociologia dell’arte e critica marxista, 

psicologia e psicoanalisi, semiologia e post strutturalismo, critica 

di genere sono le scuole e i metodi che informano la letteratura 

artistica nella quale gli studenti dovranno imparare a muoversi, 

confrontando e verificando in rapporto alle opere, limiti e 

pregi dei diversi approcci interpretativi. 

Il corso è rivolto principalmente agli studenti del triennio di Comunicazione 

e didattica dell’arte, e per l’andamento seminariale, 

è a numero chiuso ( max 15 studenti). Prevede inoltre letture 

ed esercitazioni su testi in lingua inglese. 

I contenuti scientifico-disciplinari riguardano 

il modello, sia nella versione 

di interpretazione rappresentazione di 

un elemento nel contesto reale, sia in 

quello di configurazione-rappresentazione 

conseguente a un’idea progettuale. 

Comprendono i fondamenti e la metodologia di progetto del 

modello, nelle diverse dimensioni scalari, in relazione ai materiali, 

alle tecniche costruttive, agli effetti e al livello comunicativo ed 

espressivo del modello che si vuole realizzare in rapporto all’uso 

cui è destinato. L’uso del modello, i tipi di modello e i linguaggi 

anche nel loro sviluppo storico. Il corso verrà articolato in due parti: 

una di lezioni teoriche e l’altra di esercitazioni di laboratorio. 

Bibliografia: 

• GIUSEPPE CENTO, Rilievo edilizio architettonico. Vitali Ghiande, 

Genova, 1959. • SERGIO CORRADESCHI, Come costruire un 

modello plastico ed architettonico, Di Baio, Milano, 1987. • 

CORRADO GAVINELLI, Storie di modelli esibitivi e critici, Alinea, 

Firenze, 1999. • LORENZO GONZA1ES e LUIGI BERTAZZONI, Modelli e 

prospettive, Hoepli, Milano,1990. • PIERO POLATO, Il modello 

nel designo, Hoepli, Milano, 1991. • FRANCA SALVERANI, La costruzione 

del modello architettonico, Di Baio, Milano,1992. 


L’esame consiste in un colloquio sulla bibliografia proposta. La 

valutazione finale terrà conto al 50% della partecipazione alla 

discussione in aula. Si fa presente che la parte seminariale del 

corso prevede obbligatoriamente la preparazione dei testi assegnati. 

Bibliografia 

• G. C. SCIOLLA, La critica d’arte del Novecento, UTET, Torino, 

1995. • R. PULEJO, Storia dell’arte e critica di genere negli Stati 

Uniti (1a e 2a parte) in “Meta”, n.11(1998) e n.12/13 (2000).


PROGRAMMI 149 

2°LIV 

MODELLISTlCA 

Rosita Onofri 

1°LIV 

MUSEOGRAFIA 

Takashi Shimura 

Il corso verte sullo sviluppo del design 

e della capacità di interpretare le idee 

della ricerca ottenendo così un’esperienza 

pratica di come un approccio 

sperimentale e 3d al disegno possa 

aprire nuove possibilità. Idee e tecniche 

innovative dovranno essere utilizzate per quelli che saranno 

gli abiti realizzati da presentare su modello vivente in concordanza 

con il corso di Fashion design 2. 

Ai ragazzi verranno consegnati i cartamodelli base propedeutici 

alla lavorazione dei capi della collezione. 

Nella costruzione dell’abito lo studente dovrà altresì dimostrare 

di saper utilizzare il drappeggio sul manichino e il cartamodello 

come strumento per sviluppare il design e non solo come uno 

strumento tecnico, assemblando la forma disegnata su carta e 

trasportandola in 3d, e anche di conoscere i procedimenti attraverso 

cui questa forma può essere ottenuta. 

Museografia I 

1) Introduzione al concetto di museografia. 

2) Base del progetto: l’importanza di conoscere l’oggetto da 

esporre, anche in relazione alle percezioni e misure del corpo 

umano; le modalità di presentazione e illustrazione del progetto 

alla committenza, attraverso il disegno (tecnica, precisione) e la 

tempistica; l’approfondimento del progetto, dal quale nasce l’originalità 

del progettista. 

3) Esercitazioni per fare un piccolo progetto con tema una piccola 

mostra: conoscenza e utilizzo dei materiali che si usano 

abitualmente per mostre e stand fieristici; apprendimento e 

ideazione di percorsi espositivi, minime distanze consigliate per 

visitare l’allestimento e l’altezza delle esposizioni. 

4) Presentazione, quale esempio, di lavori realizzati dal docente 

per capire come il progetto si sviluppa dall’idea alla realizzazione. 

5) Eventuale visita a una mostra con gli studenti. 

Museografia II 

1) Sulla base delle lezioni di Museografia I si esegue un progetto, 

più complesso del primo anno, con tema l’allestimento temporaneo 

o permanente per una Sala di Museo o Pinacoteca. 

2) Il lavoro è eseguito da piccoli gruppi. 

3) La scelta dei materiali è libera: il tipo di legno ignifugo, ferro, 

alluminio, vetro, ecc … 

4) Anche in queste lezioni vengono mostrati alcuni lavori eseguiti 

dal docente come esempi. 

5) Eventuale visita di un Museo con gli studenti. 

Per il corso di Museografia I e I è importante la frequenza, oggetto 

di valutazione.


150 

PROGRAMMI 

2°LIV 

MUSEOLOGIA E GESTIONE DEI SISTEMI ESPOSITIVI 

Marco Meneguzzo 

“Inside the White Cube: gallerie e galleristi 

oggi”. 

Il corso, che alterno all’indagine sul 

settore pubblico quella sul settore privato 

della diffusione e promozione dell’arte, 

quest’anno analizzerà gli aspetti 

privati della promozione, del mercato, e anche della commercializzazione 

del prodotto artistico. 

In questo senso, la galleria d’arte risulta essere ancora centrale 

nel sistema dell’arte, anche se affiancata – e mercantilmente 

superata – da altre attività, come le aste (di cui il corso si occuperà 

in una/due lezioni). 

Che cos’è una galleria d’arte? Come agisce oggi? Cosa è cambiato 

rispetto a qualche decennio fa? Esiste una geopolitica delle 

gallerie? 

A tutto questo cercherà di rispondere il corso, che usa la metafora 

del “White Cube” come essenza della galleria moderna, per 

indagare se esista anche una galleria diversa, postmoderna, che 

agisce secondo parametri diversi da quelli consolidati dalla precedente 

tradizione. 

1°LIV 


Chiara Nenci 

Vietato non partecipare: i musei attrazione. 

Il corso ripercorre le tappe più significative 

della storia del collezionismo e 

della moderna “forma” dei musei attraverso 

l’analisi dei presupposti culturali, 

sociali, politici ed economici che ne hanno accompagnato 

l’evoluzione. A seguito di una prima parte dedicata al 

momento cruciale del passaggio dalle raccolte a carattere privato 

alla nascita del museo modernamente inteso, a carattere pubblico, 

si sosterà particolarmente sul profilo dell’istituzione nel 

XX secolo, alla luce del significato e del ruolo assunti nell’età 

contemporanea dal museo, sempre più rivolto a sedurre e conquistare 

il pubblico trasformandosi in uno spazio culturale attraverso 

un continuo processo di desacralizzazione. 

Luogo privilegiato dell’osservazione saranno quegli esempi 

adatti a ripercorrere la storia di una tradizione comune e radicata 

nel passato di un’istituzione così antica e diffusa. Saranno 

delineati i tratti salienti di un percorso arricchitosi nel tempo di 

nuovi valori semantici, di teorie ed esperienze progettuali ormai 

storicizzate. 

Le mutazioni strutturali e funzionali dei musei di nuova e antica 

formazione forniranno inoltre lo spunto per una riflessione 

sul ruolo assunto dagli architetti nel rapporto opera d’arte/spazio 

architettonico, e sulle problematiche dei più recenti museilandmark, 

con riferimento ai linguaggi più significativi. 

Bibliografia 

• M.C.MAZZI, In viaggio con le muse. Spazi e modelli del museo, 

Firenze, 2008. • P.MARANI, R.PAVONI, Musei. Trasformazioni 

di un’istituzione dall’età moderna al contemporaneo, 

Venezia, 2006. • D. RYOUT, L’arte del ventesimo secolo. Protagonisti, 

temi correnti, parte V: L’artista e il suo pubblico, pp. 

335-407, trad. ital., Torino, 2002. 

A scelta uno dei testi seguenti: 

• E. DEL DRAGO, Centre George Pompidou, Milano, 2008. • Musei 

per il nuovo millennio, catalogo della mostra (Castello di 

Rivoli, Torino), Prestel editori, 2001. • L. BASSO PERESSUT, Musei. 

Architetture 1990-2000, Milano, 1999. • Museums. Next generation. 

Il futuro dei musei, a cura di P. Ciorra, D. Tchou, Edizioni 

del MAXXI di Roma, Milano, 2006.


PROGRAMMI 151 

2°LIV 

NET ART 

Domenico Quaranta 

1°LIV 

ORGANIZZAZIONE DELLE ATTIVITÀ EDITORIALI 

Paola Gallerani 

Il corso di Net Art si propone di fornire 

una panoramica, il più possibile 

completa, delle pratiche artistiche che 

nell’ultimo decennio si sono sviluppate 

in Rete, utilizzandola non solo 

come mezzo di distribuzione, ma anche 

come medium creativo. 

Il corso sarà strutturato in una panoramica storica della Net Art 

dai suoi albori fino agli ultimi esperimenti, e in una analisi dettagliata 

delle forme e dei linguaggi da essa utilizzati, per poi approfondire 

tre tendenze importanti: la Software Art, la Code Poetry 

e l’uso performativo della Rete. Le lezioni saranno organizzate 

come segue: 

- Storia della Net Art (Preistoria - anni Sessanta e Ottanta: telecomunicazioni, 

hacker, BBS; I primi progetti in Rete; Fonderie 

digitali, contesti, mailing list; net.art (1994 – 2000); La 

crisi del 2000; La net art nel nuovo millennio). 

- Forme, temi e linguaggi della net art (Narrazione e ipertesto; 

Multimedialità; Plagiarismo& remissaggio; Documentazione, 

visualizzazione di dati e database). 

- Software Art (Browser Art; Game Art; Arte generativa). 

- Code Poetry. 

- Net Performance & Media Activism. 

Bibliografia 

Come Bibliografia di riferimento, a parte la dispensa che verrà 

messa a disposizione a conclusione del corso, sono richiesti i seguenti 

volumi: • Marco Deseriis, Giuseppe Marano, Net.art. 

L’arte della connessione, Shake Edizioni, Milano 2003 (scaricabile 

in formato pdf dall’indirizzo: http://www.connessionileggendarie.it/NET.ART_Deseriis-Marano.zip). 

• AA.VV., Connessioni 

Leggendarie, catalogo della mostra, Ready-Made, Milano, 

2005. 

È invece considerata facoltativa la lettura dei seguenti testi: 

• RACHEL GREENE, Internet Art, Thames & Hudson, London 

2004. • DOMENICO QUARANTA, Net Art 1994 - 1998. La vicenda 

di ada’web, Vita e Pensiero, Milano, 2004. 


le basi necessarie per interagire 

col mondo dell’editoria, e specificamente 

l’editoria d’arte, disciplina fondamentale 

nel campo della valorizzazione 

dei beni culturali. 

Cenni storici sullo sviluppo dell’editoria, sul progresso tecnico 

dei mezzi di produzione (dal torchio alla stampa digitale) e sulle 

rivoluzioni del gusto grafico e tipografico saranno accompagnati 

da una riflessione critica sul ruolo dell’editore come mediatore 

culturale e sulle sfaccettature del “prodotto libro” come 

principale mezzo di diffusione delle idee. 

Verrà esaminata l’editoria d’arte, italiana e internazionale, dal 

dopoguerra ad oggi. Di questa saranno illustrati gli specifici politici, 

tecnici ed economici, ossia le caratteristiche distintive del 

libro illustrato relativamente a contenuti, produzione (rapporto 

testo e immagini) e mercato (costi e distribuzione). 

Saranno quindi esaminate le diverse tipologie di libro d’arte 

(guida, saggio, catalogo, monografia), e il libro stesso verrà 

analizzato in ogni sua parte costitutiva (struttura fisica, grafica 

e logica), illustrandone ogni fase di realizzazione (concezione, 

produzione, promozione, distribuzione, vita post-pubblicazione), 

anche attraverso interventi di professionisti del settore e visite 

“sul campo” (casa editrice Officina Libraria, fotolito, industrie 

tipografiche), volti a spiegare con aderenza alla realtà 

economico-produttiva i mestieri del libro. 

Un’esercitazione pratica in collaborazione con le Civiche Raccolte 

d’Arte Applicata di Milano su un progetto di pubblicazione 

completerà l’acquisizione degli strumenti fondamentali per 

l’elaborazione di prodotti editoriali. 

Il corso sarà corredato di una dispensa relativa agli argomenti 

storici e tecnici trattati; durante lo svolgimento delle lezioni il 

docente fornirà materiale illustrativo di corredo. 

Bibliografia 

• S. H. STEINBERG, Cinque secoli di stampa, Einaudi, Torino, 

1982. • G. FIORAVANTI, Il nuovo manuale del grafico, Zanichelli, 

Bologna, 2004.


152 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Antonio Cioffi 

1°LIV 

PITTURA 

Maurizio Arcangeli 

La pedagogia studia le dinamiche relazionali 

attraverso le quali è possibile 

intervenire in modo mirato nella trasmissione 

del sapere e dunque nella 

formazione della personalità. E’ una 

disciplina che poggia su presupposti filosofici 

fortemente connessi a scienze umane quali la psicologia, 

la sociologia o l’antropologia. Per questo, nel corso delle lezioni, i 

vari argomenti verranno affrontati prendendo in esame i contributi 

trasversali che tali scienze possono apportare alla definizione 

di una corretta didattica dell’arte e dell’estetica. 

Per quanto riguarda la definizione del termine “didattica”, esso 

denota l’insieme delle metodologie e delle tecniche utili all’insegnamento 

(o meglio alla trasmissione) di determinate 

competenze o abilità; queste, nel caso del curriculum di studi 

seguito in Accademia di Belle Arti, riguardano -da un lato- l’avvio 

all’espressione attraverso i vari linguaggi visivi, dall’altro 

l’approccio alla lettura (comprensione ed interpretazione) della 

cultura visuale nella sua complessità, con riferimento, oltre 

ovviamente alla storia dell’arte, alla totalità della cultura di 

massa contemporanea. 

Alcuni argomenti trattati nel corso delle lezioni: 

-La filosofia dell’educazione 

-Comunicazione, linguaggio e tecniche espressive 

-Semiologia del testo e del contesto 

-Sapere scientifico e sapere narrativo 

-Racconto, simbolo e forma simbolica 

-Pedagogia della fiaba e della favola 

-Gioco, creatività e pensiero divergente 

-Lo studio del disegno infantile 

-Identità personale e orientamenti psicopedagogici 

-L’impianto psicoanalitico nelle teorie di Freud e di Jung 

-Immaginario, mito tradizionale e cultura di massa 

-Le tecnologie multimediali nel campo educativo. 

Utilizzare oggi questo termine in riferimento 

alle esperienze artistico - visuali 

degli ultimi cent’anni, sarebbe 

molto riduttivo e modesto, per tutto 

quello che l’arte moderna e contemporanea 

hanno scoperto e praticato, 

costruendo nuovi linguaggi espressivi e utilizzando nuovi materiali 

per produrre opere. 

Determinando così un cambiamento di fruizione di esse e conseguentemente 

di: Concetto di opera. 

Riferendoci alle esperienze ed ai percorsi tracciati dall’arte moderna 

e contemporanea (dalle avanguardie storiche all’oggi), e 

alle problematiche che ad essa si riferiscono, il lavoro sviluppato 

all’interno del corso di Pittura di primo livello (triennio) si organizzerà 

nel tentativo Teorico/Pratico di prendere consapevolezza 

dei vari aspetti dei linguaggi dell’arte. 

- L’organizzazione del lavoro degli studenti sarà libera da vincoli 

(non organizzata su temi dati) e insegnamenti dogmatici. 

- Essi con la loro propria sensibilità, presa di coscienza e analisi 

dei linguaggi, seguiranno un percorso didattico individuale. 

- L’utilizzo di nessuna tecnica è escluso, tradizionale e/o innovativa 

che sia, strumenti informatici/digitali compresi: (computer, 

videocamera, fotografia, ecc...). Strumenti con potenzialità 

sia progettuali che di supporto per la costruzione e 

visualizzazione dell’opera compiuta. 

- Importante sarà poi la lettura di quei testi fondamentali utili 

ad iniziare discussioni che si trasformino in lavoro pratico, discussioni 

singole o collettive atte a sviluppare un dialogo con 

e tra gli studenti, intorno le loro idee e relativi problemi di realizzazione 

pratica del lavoro. 

- Avranno inoltre importanza, i suggerimenti di visite personali o 

collettive alle esposizioni di arte contemporanea, in spazi pubblici 

o gallerie private, (esposizioni di artisti contemporanei). 

- Sarà fondamentale la frequenza, per poter acquisire il numero 

di crediti necessari per sostenere l’esame di passaggio.


PROGRAMMI 153 

1°LIV 

PITTURA 

Xante Battaglia 

1°LIV 

PITTURA 

Italo Bressan 

La visione dell’artista-docente è Visuale 

ed affettiva. Nel senso che al di là del 

programma preferenziale si accettano 

tutte le forme ed espressioni artistiche 

purché di qualità o verso l’evoluzione. 

Così si segue singolarmente l’allievo, 

didatticamente ed artisticamente. La cattura dei realismi in pittura 

prima e con i mezzi meccanici poi (fotografia, computer, 

episcopio …), rientra nella mentalità di inserire l’artista nel nostro 

mondo della riproducibilità nel tentativo anche utopistico e 

poetico di evolverlo esteticamente e socialmente: (post-consumismo), 

la verità dell’artista e dei Santi. 

Su questa linea lo studente, ricapitolando la storia del disegno 

e della pittura arriva a dipingere iperrealisticamente per poi 

passare alla fotografia, riscattandola così a livello estetico. 

Caratteristica di questo corso, sarà lo studio approfondito del colore 

come elemento fondamentale e primario di tutta una serie 

di ricerche ed esperienze che hanno attraversato la nostra storia 

dell’arte. Osservazione ed analisi rivolta ai fenomeni visivi rispetto 

alla loro genesi. 

Articolato sviluppo grafico-disegnativo sul concetto di “realtà e 

rappresentazione” verso un “nuovo reale rappresentato”. 

Comparazione fra le varie tecniche espressive del disegno per 

formulare differenza e originalità della singola poetica. 

Il laboratorio sarà articolato su una sperimentazione di ricerca 

diretta delle varie tecniche pittoriche, della conoscenza e preparazione 

dei supporti, conoscenza iconografica, lettura e catalogazione 

delle varie componenti che formano l’immagine (colore, 

segno e materia) e integrazione di nuovi materiali all’interno 

della ricerca. 

Considerazioni sul concetto di spazio e spazialità in rapporto alla 

superficie e alla dimensione. 

Studio dei fenomeni indagati e prodotti dalla ricerca, in costante 

mutazione e sviluppo. 

Si richiede all’alievo, una decisa capacità di analisi critica, nei 

confronti del proprio lavoro rispetto al mondo e alla società di 

oggi, per sapersi confrontare con la nascita dei “nuovi linguaggi 

visivi” della contemporaneità. 

Bibliografia 

• L. VENTURI, Come si comprende la Pittura, Einaudi, Torino. 

• P. FRANCASTEL, Lo spazio figurativo dal Rinascimento al Cubismo, 

Einaudi, Torino. • H. FOCILLON, Vita delle forme, Einaudi, 

Torino. • G. BACHELARD, La poetica dello spazio, Dedalo libri.


154 

PROGRAMMI 

1°LIV 

PITTURA 


2°LIV 

PITTURA 


Finalità specifica del corso è lo studio 

della pittura. Un linguaggio conoscitivo 

autonormativo che nell’essenza 

cromatica fonda le sue strutture. Un 

processo logico di comunicazione ed 

espressione,con tutte le possibili aperture 

e derive poetiche, che nella consapevolezza della storia trova 

il proprio fondamento. Un mezzo espressivo inesaurito e inesauribile, 

che evolve il processo della spazialità in modi diversi: 

dalla plasticità evocata alla concretezza della bidimensionalità, 

dalla tridimensionalità dell’estroflessione o dello sfondamento 

all’estensione virtualizzante, fino all’ampiezza della dimensione 

ambientale. Un sistema operativo esteso che comprende l’eventuale 

utilizzo di nuovi media e nuove tecnologie. 

Si compiranno esperienze, di carattere teorico e pratico, con particolare 

riguardo all’ambito del colore, nell’analisi delle dinamiche 

di percezione, rappresentazione e presentazione. Tali 

esercitazioni costituiranno applicazioni di processi mentali e 

operativi entro le coordinate tipiche delle diverse tecniche di realizzazione, 

analizzate nei procedimenti e nei particolari aspetti 

disciplinari che ne regolano l’uso efficace e finalizzato. 

Si studierà l’opera d’arte come costruzione linguistica strutturata, 

le sue dimensioni spazio-temporali interne e le sue possibilità 

di relazione e d’espansione, dallo spazio privato a quello pubblico, 

dal colore della pittura alla città del colore. 

Bibliografia 

• MICHEL PASTOUREAU, Blu, Ponte alle Grazie, Milano, 2002. 

• GIUSEPPE DI NAPOLI, Il colore dipinto, Einaudi, Torino, 2006. 

• MICHEL PASTOUREAU, Dominique Simonnet. Il piccolo libro 

dei colori, Ponte alle Grazie, Milano, 2006. 

L’estensione virtualizzante e l’ampiezza della dimensione ambientale 

costituiscono il fondamento linguistico di esperienze aperte a 

tutto campo nelle dinamiche plastiche delle arti visive, con l’indagine 

dello spazio dell’opera, dell’opera nello spazio, intorno e oltre. 

L’arte oltre l’opera: le teorizzazioni e i dibattiti. 

Oltre il quadro: estroflessioni, sfondamenti e virtualità. 

Oltre il modellato e lo scolpito: costruzioni e prelievi oggettuali. 

Oltre lo sguardo: sinestesie e multimedialità. 

Oltre i confini: ready-made, extramedia, offmedia, intermedia, 

opera-ambiente, land-art, interventi sul territorio, happening, 

environment, installazione, site-specific, arte relazionale. 

Le realizzazioni: nei luoghi e per i luoghi. 

Pionieri in Italia: Balla, Fontana, Somaini, da Ricostruzione 

futurista dell’universo a Lo Spazialismo a Urgenza della città. 

Osservazioni su: Campo urbano, Volterra ’73, Operazione 

Arcevia, La Biennale 1976 / Arte come sociale. 

Il convegno Io arte ??noi città. Natura e cultura dello spazio 

urbano. 

Ambienti costruttivi, percettivi, relazionali, interattivi, immersivi, 

scultura, pittura, video, scrittura, luce, natura. 

Indicazioni di metodologie operative possibili per un laboratorio 

di ricerca e formatività ambientale verso l’arte, dal colore della 

pittura alla città del colore. 

Bibliografia 

• Io arte?? noi città. Natura e cultura dello spazio urbano, 

Gangemi Editore, Roma, 2006. • ICO PARISI, Utopia realizzabile. 

Attraverso l’integrazione delle arti, Franco Angeli Editore, 

Milano, 1978. • ENRICO CRISPOLTI e FRANCESCO SOMAINI, Urgenza 

della città, Mazzotta, Milano, 1972.


PROGRAMMI 155 

1°LIV 2°LIV 

PITTURA 

Renato Galbusera 

1°LIV 

PITTURA 

Alberto Garutti 

Il programma del corso si sviluppa a 

partire dall’affermazione della centralità 

dell’aula-laboratorio di pittura, 

come luogo di sintesi di processi 

teorici e pratici, che costituiscono l’essenza 

di questo insegnamento. 

L’attività pittorica si presenta come una galassia di modi ed atteggiamenti 

diversificati, e quindi come sistema complesso, la 

cui esplorazione è effettuata anche con visite a mostre e incontri 

con artisti. 

Il programma si basa sull’esame del curriculum formativo di 

ogni singolo allievo e attraverso colloqui, esercitazioni dal vero, 

lezioni frontali, incontri e visite, si arriva alla proposizione di 

progetti individuali. 

Il corso riserva particolare interesse alla dimensione pubblica 

dell’opera d’arte, attività che sarà svolta con un’apposita progettazione 

concordata con enti pubblici e soggetti privati. 

Facendo riferimento alle esperienze dell’arte 

contemporanea, e a tutte le possibili 

problematiche ad essa connesse, il 

corso si svilupperà nel tentativo di prendere 

coscienza dei metodi da essa praticati. 

Analisi delle strutture linguistico - 

visuali del testo artistico nel “farsi” dell’opera; il problema delle 

possibili combinazioni nella strategia delle pratiche comunicative; 

i cambiamenti che i linguaggi hanno subito nel tempo; la pluralità 

dei codici per la creazione di una grammatica interiorizzata della 

prassi artistica. Questa parte sarà tesa a sviluppare la consapevolezza 

delle regole esistenti, del loro uso e significato, sistematizzandola 

in un “modello” che metta in luce i meccanismi propri 

dei segni visivi che sono generatori di testualità. 

Il biennio specialistico approfondisce gli aspetti sopra citati, in 

particolare valorizza i diversi profili personali e le diverse finalità. 

Modalità operative 

Ogni allievo deve presentare un curriculum scolastico-artistico 

con il fine di chiarire le proprie aspettative e caratterizzare in 

termini di progetto il corso di studi. 

Considerando le diverse matrici di provenienza, si delinea per il 

primo anno una tematica comune di base, che si sviluppa come 

approfondimento delle tecniche del disegno e dei diversi linguaggi 

pittorici. 

Il programma si attua attraverso percorsi individuali, momenti 

di discussione, schede tecniche, visite guidate. 

Lo svolgimento del programma prevede la frequenza, che da accesso 

all’ottenimento dei crediti e lo svolgimento di verifiche per 

tutti gli anni di corso.


156 

PROGRAMMI 

1°LIV 

PITTURA 

Gaetano Grillo 

1°LIV 

PITTURA 


Il corso si fonda sulla comprensione e 

sullo sviluppo del linguaggio artistico 

inteso come percorso individuale misurato 

sulla conoscenza sia dei linguaggi 

della tradizione storica sia 

della ricerca contemporanea. Il corso 

è da intendersi non in maniera restrittiva, considerando la pittura 

come la conoscenza e la pratica che si avvalgono di tecniche 

legate allo specifico, bensì come processo di comprensione e di 

sperimentazione di modalità del fare arte, strutturate nella solida 

conoscenza del patrimonio che si ricava dal passato ma radicate 

inevitabilmente nel sentimento del contemporaneo con tutta 

la complessità e la libertà dei linguaggi. 

Obiettivo principale è quello di formare dei giovani operatori 

artistici, dotati di autonomia linguistica, buona formazione di 

base, originalità di pensiero, capacità analitiche, acutezza critica 

e disciplinata conoscenza delle modalità di presentazione 

della propria ricerca. 

La pratica artistica non può essere confusa con espressioni autodidatte, 

ingenue e indisciplinate ma deve essere intesa come 

ricerca strutturata e permeata di rigore e di senso. 

Gli studenti lavoreranno nel solco di una direzione didattica 

che contempla la “pratica del fare” come simmetrica e inscindibile 

dal pensiero, dalla riflessione e dalla spinta emotiva. 

Nel corso del triennio gli studenti dovranno studiare, sperimentare 

e criticare sino a raggiungere una propria maturità commisurata 

alla conoscenza delle istanze del contemporaneo. La 

pittura è intesa come il linguaggio artistico originario, nella cui 

pancia, però, il presente consente infinite declinazioni. La pittura 

è una pratica onnivora che si nutre di tutto, lo metabolizza e 

lo trasforma ogni volta in un “tutto nuovo”. 

Il programma affronta le problematiche 

della pittura tenendo conto delle 

esigenze individuali degli studenti. 

Prende in esame l’opera nel suo farsi 

con particolare attenzione alla fase progettuale 

ed ideativa del processo creativo 

stesso, con particolare attenzione a quei temi dove il fare artistico 

è scaturito da necessità intime e personali, non soltanto 

del visivo ma anche sonoro, tattile ed olfattivo. Non pone limiti 

semantici nell’individuazione dei temi che saranno personalizzati 

a seconda dei cicli e dalle esigenze che emergeranno dalle 

discussioni che si terranno durante tutto il semestre ed anche nel 

rientri settimanali, attraversando trasversalmente le problematiche 

della pittura, soprattutto per le ricerche avvenute negli ultimi 

25 anni, con tutti gli strumenti possibili, nuovi mezzi inclusi, 

senza porre limiti tra figurazioni o astrazioni. Lo studio dei 

“materiali della pittura”, con catalogazione degli stessi e le 

comparazioni necessarie alla comprensione delle sperimentazioni 

effettuate, anche in termini di produzione di “opere d’arte”, 

terrà presente tutte le complementarietà e le contaminazioni 

che la pittura ha subito ed influenzato nel complesso del 

panorama delle arti visive. 

Bibliografia 

Si lascia spazio alla lettura di testi già consigliati dai corsi teorici 

ma saranno segnalate pubblicazioni da consultare per un 

adeguato approfondimento delle ragioni teoriche legate alla 

propria ricerca visiva.


PROGRAMMI 157 

2°LIV 

PITTURA 


1°LIV 

PITTURA 

Stefano Pizzi 

La centralità dell’opera e dell’allievo costituiscono il cardine della 

programmazione volta al potenziamento delle discipline teorico 

e laboratoriali affini alla vocazione artistica dello studente, 

al quale verrà rivolto un progetto didattico personalistico. 

La proposta di un tema collettivo non dovrà così porre alcun vincolo 

ai percorsi individuali ma costituire un ulteriore motivo di 

specializzazione che potrà avvenire tramite la condivisione delle 

ricerche.Muovendosi dunque dalle precedenti esperienze linguistico 

- espressive l’allievo, durante il primo ciclo di incontri, potrà 

concentrarsi sugli aspetti progettuali, genesi dell’opera, che 

in un secondo momento vedrà la sua concreta realizzazione. Gli 

aspetti teorici, critici e laboratoriali, precedentemente affrontati, 

potranno dunque edificarsi nell’opera stessa che pone in rapporto 

dialettico l’esperienza individuale dello studente con il mondo 

dell’arte contemporanea e il suo sistema. In questa possibile 

estensione, dal perimetro dell’aula verso le gallerie e l’intorno 

pubblico e sociale, il biennio individua la propria identità di specializzazione 

e, laddove è possibile, di professionalizzazione che, 

durante il corso, trova spazio nei diversi momenti disciplinari. 

Nell’anno accademico 2009/2010 le 

cattedre di pittura dei professori Stefano 

Pizzi e Nicola Salvatore, nel rispetto 

delle afferenze e in accordo con i 

colleghi delle cattedre di base, caratterizzanti 

e affini, danno origine a un 

programma didattico sperimentale denominato “Fermenti” indirizzato 

verso qualsivoglia fonte di nutrimento, il cui scopo è 

quello di creare per l’appunto un processo di cambiamento. 

L’aula 8 verrà quindi trasformata in atelier permanente in funzione 

tutti i giorni della settimana, all’interno del quale nuovi 

e vecchi saperi ed altrettanti sapori verranno materialmente e 

dialetticamente rielaborati rapportandosi con l’attualità e il sociale, 

nonché con la storia e il suo enorme bagaglio di avvenimenti 

ed immagini, per essere riproposti con i mezzi espressivi 

dell’arte contemporanea. In tale ambito si svolgerà quell’attività 

di analisi,ricerca,discussione e sperimentazione atta a formulare 

nuovi linguaggi visivi. 

Saranno effettuate e richieste visite a esposizioni temporanee e 

permanenti presso musei e gallerie d’arte contemporanea pubbliche 

e private. Verranno altresì programmati incontri, dibattiti 

e lezioni con protagonisti del mondo culturale, enogastronomico 

e della società civile. 


discussione e motivazione del lavoro svolto durante l’anno con 

una commissione composta da tutti i docenti aderenti al progetto. 

Bibliografia 

• FRANCESCA ALFANO MIGLIETTI, Manuale delle passioni, Skira, 

Milano. • LOREDANA PARMESANI, L’arte del secolo, Skira, Milano, 

1998/2009. • GUALTIERO MARCHESI, NICOLA SALVATORE, ALDO SPOLDI, 

Il bello e il buono, Skira, Milano, 2009. • JORGE E PALOMA AMA- 

DO, La cucina di Bahia, Einaudi, Torino, 1998. • ALDO BUZZI, 

L’uovo alla kok, Adelphi, Milano, 1979. • DOGEN-UCHIYAMA RO- 

SHI, Istruzioni a un cuoco zen, Ubaldini, Roma, 1986.


158 

PROGRAMMI 

2°LIV 

PITTURA 

Stefano Pizzi 

1°LIV 

PITTURA 

Nicola Salvatore 

Sulla figura dell’artista e il suo ruolo 

di intellettuale all’interno della società 

viene sviluppato il programma formativo 

di questa cattedra. L’aula è 

pertanto intesa come uno studio all’interno 

del quale vengono materialmente 

e dialetticamente rielaborati i saperi acquisiti in ambito 

artistico visivo,rapportandosi quindi con la tradizione ed il suo 

enorme bagaglio di immagini,e tecnicamente utilizzati con i 

mezzi espressivi della contemporaneità.In tale ambito si svolge 

quell’attività di analisi,ricerca e sperimentazione atta a formulare 

un proprio linguaggio espressivo. 

In relazione al progetto “Isola Comacina” gli allievi saranno 

orientati a disseminare sul territorio una serie di opere che si 

rapportino con gli archetipi sacrali territoriali come concordato 

con la cattedra di Storia dell’Arte Contemporanea del prof.Andrea 

B. Del Guercio. 


permanenti presso musei,collezioni e gallerie d’arte contemporanea 

pubbliche e private. 


Presentazione-discussione del lavoro svolto. 

Bibliografia 


Milano, 2009. • ANDREA B. DEL GUERCIO, Arte cristiana contemporanea, 

Ancora, Milano, 2007. • LOREDANA PARMESANI, L’arte 

del secolo, Skira, Milano, 2009. 

Relativamente all’Anno Accademico 

2009/2010 la cattedra di pittura nel rispetto 

delle afferenze e in accordo con 

i colleghi delle cattedre di base, caratterizzanti 

e affini, dà origine a un programma 

didattico sperimentale denominato 

“Fermenti” indirizzato verso qualsivoglia fonte di nutrimento, 

il cui scopo è quello di creare per l’appunto un processo di 

cambiamento. 

L’aula 8, sede della “Trattoria da Salvatore”, verrà quindi trasformata 

in atelier permanente, in funzione tutti i giorni della 

settimana, all’interno della quale nuovi e vecchi saperi e altrettanti 

sapori verranno mentalmente e dialetticamente rielaborati, 

rapportandosi con l’attualità e il sociale, nonché con la storia 

e il suo enorme bagaglio di avvenimenti ed immagini, per essere 

riproposti con i mezzi espressivi dell’arte contemporanea. In 

tale ambito si svolgerà quell’attività di analisi, ricerca, discussione 

e sperimentazione atta a formulare nuovi linguaggi visivi. 


permanenti presso musei e gallerie d’arte contemporanea pubbliche 

e private. Verranno altresì programmati incontri, dibattiti 

e lezioni con protagonisti del mondo culturale, enogastronomico 

e della società civile. 


discussione e motivazione del lavoro svolto durante l’anno con 

una commissione composta da tutti i docenti aderenti al progetto. 

Bibliografia 


Milano. • LOREDANA PARMESANI, L’arte del secolo, Skira, Milano, 

1998/2009. • GUALTIERO MARCHESI, NICOLA SALVATORE, ALDO SPOLDI, 

Il bello e il buono, Skira, Milano, 2009. • JORGE E PALOMA AMA- 

DO, La cucina di Bahia, Einaudi, Torino, 1998. • ALDO BUZZI, 

L’uovo alla kok, Adelphi, Milano, 1979. • DOGEN-UCHIYAMA RO- 

SHI, Istruzioni a un cuoco zen, Ubaldini, Roma, 1986.


PROGRAMMI 159 

2°LIV 

PITTURA 

Nicola Salvatore 

1°LIV 


Alfred De Locatelli 

L’isola Comacina, minuscolo lembo di terra emerso dalle acque 

profonde del Lario, rappresenta un luogo d’interesse artistico per 

l’Accademia di Belle Arti di Brera a cui è legata per le sue vicende 

storiche gloriose e tragiche. Nel 1939 durante il periodo dell’architettura 

razionalista l’architetto Pietro Lingeri (nato a Tremezzo) 

realizzò su quest’isola tre villette oggi oggetto d’ammirazione 

e studio. 

La rilettura storica di questo importante momento, in particolare 

del razionalismo comasco e le sue figure emblematiche (Lingeri, 

Terragni, Sant’Elia), costituisce il punto di partenza del tema 

che verrà affrontato durante il corso. 

Lo studente potrà sviluppare la ricerca e lo studio con modalità 

proprie avvalendosi delle testimonianze culturali e storiche e potrà 

approfondirli ulteriormente attraverso visite su luogo. 

Il confronto, l’analisi e la discussione collettiva con il docente 

daranno luogo allo sviluppo di un proprio linguaggio creativo. 

Bibliografia 

• CARAMEL LUCIANO e Longatti Alberto, Archipittura, Interrelazioni 

fra le arti a Como nell’età del Razionalismo, Editore 

Cesarenani, 2005. • Lingeri Pietro, a cura di Chiara Baglione ed 

Elisabetta Susani, Electa, 2004. • NICOLA SALVATORE, ALDO SPOLDI, 

GUALTIERO MARCHESI, Il bello è il buono, Skira, 2009. 

Cannovaccio di ricerca: 

Cercare un soggetto all’interno dell’iconografia 

odierna o guardarlo in 

alcune bibliografie che permettano di 

svolgere una ricerca sia di forma che 

di contenuto. Prestare particolare attenzione 

ai linguaggi contemporanei e alle peculiarità che la 

contraddistinguono come il punto di vista, la catalogazione, la 

documentazione. 

Corso In cibo veritas. 

In questi ultimi anni varie discipline si sono incrociate scambiando 

i saperi e contaminandosi. Ed è così che il cibo fa arte e 

l’arte usa il cibo come tavolozza in tutte le sue sfumature organiche 

e non. Il rapporto dell’uomo con l’alimentazione può essere 

considerato analogo al suo rapporto con il linguaggio: entrambi 

appaiono “naturali”, seguono regole indiscusse e 

inconsce che vengono apprese dall’infanzia nell’ambiente familiare; 

come il linguaggio può modificarsi con il modificarsi 

dell’ambiente e riflettere determinate situazioni sociali, economiche 

e religiose. 

Argomenti che si consiglia di porre in attenzione; eccellenza, 

costo, modo di produzione, abbondanza e distribuzione, cerimoniale, 

forma e puro/impuro. 

Il cibo o l’aspetto dei fatti alimentari comunque non può essere 

ridotto a fatti di nutrizione, ne è testimonianza la decorazione 

che ha caratterizzato tutta la storia dell’arte. 

Nella comunicazione didattica desidero convincere che la ricerca 

e l’emozione creano spesso dei lavori interessati. 

Nel secondo semestre, con i rientri, verrà dato spazio al laboratorio 

in cui i partecipanti saranno chiamati all’interazione stimolando 

ulteriori intuizioni, ricordi, idee e saperi e finalmente 

realizzando il frutto della ricerca.


160 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Vito Natalino Giacummo 

1°LIV 


Romeo Leone supplente Nada Angela Divetta 

Il docente ritiene opportuno che gli allievi 

pervengano a risultati espressivi 

personali e originali, attraverso tale indagine 

storico-teorica, allo scopo di conoscere 

prima di operare, di rielaborare 

creativamente le conoscenze acquisite, 

mediante un opportuno utilizzo delle tecniche e dei linguaggi. Lo 

studente affronterà in fase operativa, tutte le tematiche della figurazione, 

passando da esperienze di rappresentazione realistiche a 

esperienze di pura astrazione, sviluppando abilità che indagano 

tecniche e procedimenti disparati, anche antitetici. 

Si ritiene inoltre necessario l’uso della fotografia, della cinematografia 

e della computer-art, quali linguaggi di recente acquisizioni 

e di estremo interesse per il futuro artista. Verranno eseguite 

visite guidate a mostre, musei, laboratori, ecc. 

Tecniche plastiche: modellazione dell’argilla in bassorilievo e 

tuttotondo. Scultura in marmo, gesso, pietra, legno, polistirolo, 

riproduzione mediante formatura. 

Tecniche pittoriche: imprimitura su supporti vari. 

Altre tecniche: fotoritocco digitale, previsualizzazione ,CAD, animazione 

e rendering di immagini, softimage, maya, fotografia. 

Le lezioni traggono spunto dal dibattito 

intorno all’arte contemporanea e 

dalle sue implicazioni con quella del 

passato, assumendo tale processo conoscitivo 

a fondamento metodologico 

della ricerca. Operatività e dialettica 

sono momenti immanenti per una formazione pratica e concettuale. 

La fase teorico-progettuale sarà oggetto di discussione collettiva 

anche con la partecipazione di altre discipline. 

Parte monografica 

“L’acqua come ornamento” naturale e costruito in relazione alle 

problematiche ambientali. Dall’oggetto al territorio: progettazione 

di installazioni, ambientazioni etc. 


Discussioni degli elaborati con riferimento alle questioni di natura 

tecnica e teorica dibattute durante il corso e oggetto dell’arte 


Bibliografia 

• G. DORFLES, Ultime tendenze dell’arte d’oggi, Feltrinelli. • 

H. GOMBRICH, Il senso dell’ordine, Einaudi. • H. FOCILLON, Vita 

delle forme, Einaudi. • AA. VV., Storia dell’arte ceramica, Zanichelli. 

• U. ECO, Come si fa una tesi di laurea. 

La bibliografia specifica sarà data durante il corso.


PROGRAMMI 161 

2°LIV 


Guido Lodigiani 

1°LIV 

PRATICA E CULTURA DELLO SPETTACOLO 

Giacomo Agosti 

Sistemi plastici monumentali ha come 

obiettivo della ricerca quello di ottenere 

qualità nell’ ideazione, nella 

realizzazione e nella valutazione di 

segni, forme, spazi d’arte monumentali; 

sensibilità nell’individuazione e 

nella valorizzazione del carattere dei luoghi; disposizione verso 

un equilibrato dialogo fra Scultura, Pittura ed Architettura. 

Per lo studente è utile frequentare il laboratorio c – poetica e 

progetto. L’ argomento del lavoro oggetto di valutazione è a 

scelta dello studente. In sede d’esame l’allievo presenterà la propria 

attività di ricerca; tratterà alcuni argomenti del programma 

specifico mostrando di aver approfondito il proprio studio 

su di una apprezzabile bibliografia. Elaborati richiesti: una 

scultura tridimensionale a carattere monumentale, proposta in 

scala, tenendo conto del progetto esecutivo e degli spazi di laboratorio 

disponibili. 

Titolo del corso: Un rispetto nuovo. 

Il corso ha natura laboratoriale; non 

esiste bibliografia perché lo studente 

è invitato ad attingere dal proprio bagaglio 

emotivo ed esperienziale. 

Attraverso una serie di esercizi, improvvisazioni 

e sperimentazioni, si vogliono saggiare le potenzialità 

dell’individuo e del gruppo. 

L’esame finale è un momento di ricapitolazione di quanto è 

maturato nel corso degli incontri. 

Arte pubblica come nuova occasione di relazione fra le arti negli 

esempi di alcune città europee. 

Bibliografia 

• M. MARINI, Pensieri sull’arte, Scheiwiller, Milano, 1998. • F. 

IRACE, P. MARINI, Luigi Caccia Dominioni, Marsilio, Venezia 

2002. • L. DALL’OLIO, Arte e Architettura, Testo e Immagine, Torino, 

1997. • A.A.V.V., ArchiScultura, Fondazione Beyeler, Basilea, 

2004. • L. PERELLI, Public Art, F. Angeli, Milano, 2006. • L. 

GALOFARO, Artscape, Postmedia, Milano, 2007.


162 

PROGRAMMI 

2°LIV 

PRATICHE CREATIVE PER L’INFANZIA 

Alessandro Baldanzi 

Il rapporto tra il mondo infantile e 

l’arte è vastissimo e investe diversi 

ambiti del sapere, delle professionalità 

e dei mestieri apparentemente distanti 

da quello educativo. Parlare di 

arte e di bambini potrebbe essere un 

valido pretesto per rivalutare l’arte come un immenso giacimento 

di esperienze e conoscenze. Il gioco come esperienza artistica 

e creativa, l’artista rende proprio questo connubio di elementi 

che si basano nel fare e nel disfare nello sperimentare relazioni 

inedite. Costruire concrete prospettive di avventura verso il nuovo, 

al diverso e quindi all’altro, la pratica creativa intesa come 

esperienza. 

Il tema è “La fiaba”, l’allievo imposterà una propria ricerca artistica 

nell’ambito di una fiaba scelta a piacere. Sarà un percorso 

creativo libero, non necessariamente relegato alla pagina di 

un libro per l’infanzia. Fantasia è anche fare a vanvera, a casaccio, 

è irregolarità. È invenzione e immaginazione. 

Perché una storia riesca a catturare l’attenzione del bambino, 

deve divertirlo e catturare la sua curiosità. Deve armonizzarsi 

con le sue ansie e le aspettative, in breve deve toccare tutti gli 

aspetti della sua personalità. Ed è per questo che la “fiaba popolare” 

viene presa come mezzo per riuscire ad arricchire e divertire 

sia bambini che adulti. 

I racconti provenienti da differenti culture analizzano i personaggi 

della storia come archetipi obbligandoci a interrogarci 

sul senso profondo della loro natura. Attraverso la sperimentazione 

ci avvicineremo al mondo dell’infanzia, cercando di mettere 

da parte tecnicismi esasperati ed eccessi di razionalità: “il 

miglior quadro è quello che la ragione non può ammettere” 

(Gruppo Co.Br.A.) 

Il corso verrà ripartito come segue: 

Morfologia della fiaba 

Cosa è un racconto di fate 

Segni e riti nella preistoria 

Il bianco e il nero,il pieno e il vuoto 

Identità e alterità del corpo, ibridi e metamorfosi 

Laboratori per bambini, l’esperienza di Munari 

Miti e riti tribali 

Bibliografia 

• BRUNO BETTELHEIM, Il mondo incantato. • VLADIMIR PROPP, Le 

radici storiche dei racconti di fate. • MARIE LOUISE VON FRANZ, 

Le fiabe interpretate. 

2°LIV 

PRINCIPI E TECNICHE DELLA TERAPEUTICA ARTISTICA 

Laura Tonani 

I annualità 

L’esperienza dell’autoritratto. 

L’autoritratto rappresenta un’esperienza 

fondamentale nel percorso arteterapeutico. 

L’espressione della propria 

immagine corporea risponde alla 

domanda “chi sono Io” e ci offre la possibilità di cogliere aspetti 

profondi dell’individuo che affiorano a volte inconsapevolmente. 

La nostra esperienza coglie l’idea di Corpo inteso come 

Leib. Nel corso della ricerca artistica del ‘900 abbiamo avuto 

esempi di straordinaria intensità. Gli artisti hanno superato 

l’idea di autorappresentazione, intesa come ricerca di verosomiglianza 

fisionomica, incontrandosi con l’immagine segreta 

della propria identità. Pertanto le forme espressive legate all’autoritratto 

hanno intrapreso la via della sperimentazione interdisciplinare. 

Nei territori di confine, tra pittura, teatro, body art, 

etc. coglieremo le sorprendenti interazioni con la terapeutica 

artistica. 

Bibliografia: 

• ALBERTO BOATTO, Narciso infranto. L’autoritratto moderno 

da Goya a Warhol, Laterza, Bari 1997. • EUGENIO BORGNA, Il volto 

senza fine, Le Lettere, Firenze 2004. • PATRIZIA MAGLI, Il volto 

e l’anima. Fisiognomica e passioni, Bompiani, Milano 1996. 

II annualità 

Corpo, materia e processi creativi. 

Il ruolo prettamente maieutico dell’artista terapista presuppone 

una profonda conoscenza del rapporto esistente tra immaginario 

materiale e processo creativo. 

Il progetto didattico propone, attraverso l’approccio alla poetica 

degli elementi di Gaston Bachelard, una riflessione intorno al 

“lavoro” cui l’immaginazione sottopone la materia del mondo, 

ritagliandovi le figure dei propri desideri. 

La sinergia tra immaginario e materia, nel suo farsi linguaggio 

tecnico e quindi espressione, concluderà il nostro percorso. 

Bibliografia: 

• GASTON BACHELARD, Psicanalisi delle acque. Purificazione, 

morte e rinascita, Red edizioni, Como 1987. • GASTON BACHELARD, 

Psicanalisi dell’aria. Sognare di volare. L’ascesa e la caduta, 

Red edizioni, Como 1988 • GASTON BACHELARD, La terra e le forze. 

Le immagini della volontà, Red edizioni, Como 1989 • DINO 

FORMAGGIO, Fenomenologia della tecnica artistica, Pratiche 

Editrice, Parma 1978. 

A disposizione degli studenti dispense e CD-R


PROGRAMMI 163 

2°LIV 

PROBLEMATICHE NEL RESTAURO 

DELL’ARTE CONTEMPORANEA 

Vittoria Castoldi 

1°LIV 



Il corso darà un’impostazione generale sulle problematiche legate 

alle profonde modificazioni che sono derivate dall’abbandono 

delle tecniche tradizionali e dei materiali delle “belle arti”. 

Questa parte sarà sviluppata soprattutto durante le visite a gallerie 

e mostre, dove sarà possibile verificare, con l’osservazione diretta 

delle opere, la profonda rottura che l’uso di materiali e tecniche 

che si differenziano profondamente da quelle tradizionali 

ha introdotto nel mondo della produzione artistica e che si riflette 

anche sulle scelte di intervento di conservazione. 

Come corso monografico saranno invece trattati due argomenti: 

- l’uso dei materiali plastici, caratterizzati intrinsecamente da 

instabilità e scarsa durata e che quindi pongono particolari 

problemi di conservazione e di restauro 

- la conservazione delle opere d’arte cinetica 

Per l’approfondimento dei temi trattati saranno fornite fotocopie 

di articoli (soprattutto in inglese, lingua di cui è richiesta 

una conoscenza di base). 

Le lezioni e le visite a mostre e gallerie sono, entrambe, parti essenziali 

del corso. L’esame valuterà la comprensione dei problemi 

proposti e la capacità di scelte critiche, elementi che gli studenti 

dovranno saper affrontare in modo autonomo in funzione 

di un approccio alla professione di restauratore. 

Le problematiche del contemporaneo o 

di ciò che chiamiamo arte contemporanea 

toccano nodi complessi del fare 

dell’arte e del pensiero sull’arte. 

Il mondo dell’arte è costantemente attraversato 

da flussi di saperi, da un 

pluralismo sia nelle intenzioni che nelle modalità. Questioni relative 

all’ambiente, alla città, alla società, all’economia globale, 

alle dinamiche relazionali diventano oggetto d’indagine e di ricerca 

da parte degli artisti i quali sono sempre più attenti a ciò 

che oggi le nuove tecnologie offrono sia da un punto di vista dell’innovazione 

che da quello della ricerca estetica dei nuovi materiali. 

L’avvento del contemporaneo spinge l’arte ad affrontare 

problemi che hanno a che fare non solo con l’universo della rappresentazione 

o della dimensione estetica ma anche con quello 

di uno sviluppo solidale e compatibile e con società multiculturali 

sempre più complesse e globalizzate.Il corso intende affrontare 

tali svincoli e tali problematiche fornendo agli studenti un 

panorama adeguato intorno alle temperie del contemporaneo 

ma soprattutto fornendo loro una conoscenza su quelle che sono 

le dinamiche interpretative e sociologiche che caratterizzano 

la processualità artistica contemporanea rispetto a quella modernista 

sia da un punto di vista delle immagini che da quello 

della riflessione critica al confine con la storia, dal protomodernismo, 

alle nuove avventure tecnologiche e mediali. A tale fine il 

corso prenderà in esame i tre concetti decisivi e fondamentali per 

la comprensione delle problematiche attuali: moderno, postmoderno 

e contemporaneo con una vasta panoramica dei percorsi 

artistici, delle contaminazioni e dei linguaggi espressivi. 

La lettura delle immagini proposte sarà sempre accompagnata 

da una riflessione storico critica, di movimenti artistici, situazioni, 

aspetti, problematiche e contesti culturali in atto. 

Bibliografia 

• ARTHUR DANTO, Dopo la fine dell’arte. L’arte contemporanea 

ed il confine con la storia, Bruno Mondadori, Milano, 2008. • 

ULRIC BECK, Verso una seconda modernità, Carocci, Roma, 

2001. • FREDERIC JAMESON, Postmodernismo, Fazi Editore, Roma, 

2007. • GIANNI VATTIMO, La fine della modernità, Garzanti, 

Milano, 1991. • JEAN FRANCOIS LYOTARD, La condizione postmoderna, 

Feltrinelli, Milano, 1985. • JEAN BAUDRILLARD, Il 

delitto perfetto, Cortina, Milano, 2002. • PAUL VIRILIO, La bomba 

informatica, Cortina , Milano, 2000.


164 

PROGRAMMI 

2°LIV 

PROCESSI E TECNICHE PER LO SPETTACOLO 

MULTIMEDIALE 

Daniele Paolin 

2°LIV 


Guenzi Carlo 


Il presente corso si propone di approfondire 

la conoscenza specifica di tematiche 

e metodologie inerenti gli aspetti 

della realizzazione tecnica di progetti 

per lo spettacolo e l’analisi delle 

diverse tipologie scenografiche in rapporto a spazi organizzati teatrali 

o performativi sulla base di specifiche finalità operative strutturate 

nel panel del corso di Regia Multimediale al quale il corso 

fa riferimento. 


Il corso prevede una serie di lezioni sull’evoluzione degli spazi 

performativi, in particolare quelli dello spettacolo, sulle tecniche 

di rappresentazione e di inserimento dei progetti intermediali in 

ambienti strutturati e storicamente destinati alla performance o 

in ambienti privi di tali caratteristiche e sulla metodologia tecnica 

applicata al progetto. Particolare attenzione verrà posta sui 

materiali indispensabili ai processi istallativi, sul loro corretto 

utilizzo e sulla loro evoluzione. Si arriverà, attraverso un lavoro 

seminariale, quindi, allo studio ed alla formulazione di un progetto 

completo su tema concordato (con il corso di Regia) che 

dovrà necessariamente presentare tutti gli elementi e caratteristiche 

indispensabili per una attendibile fattibilità. 

Bibliografia 

• F. CRUCIANI, Lo spazio del teatro, Gius. Laterza & Figli, Roma- 

Bari, 1992. • Teatro corpo architettura, a cura di G. Consonni, 

Laterza, Bari-Roma, 1998. • Fuori scena, a cura di R. Testa, R. 

Grozio, Marsilio Editori, Venezia, 2003. 

Obiettivo del corso è l’individuazione di 

alcuni temi che si prestano all’applicazione 

di metodologie teorico-pratiche 

per la progettazione di allestimenti. 

Viene individuato un complesso edilizio 

comprendente corpi di fabbrica 

antichi che devono essere ristrutturati e dei quali esiste già un rilievo; 

si sono ipotizzate delle destinazioni d’uso compatibili come 

tempo libero, ricettivo-residenziale, alberghiero, professionale. 

Saranno oggetto di valutazioni e confronto il rapporto con 

la preesistenza storica, i temi della continuità e modernità, la 

rappresentazione di uno spazio con una sua qualità che significa 

anche attraverso i materiali e la loro disposizione. L’intervento 

di ristrutturazione implica anche la sistemazione degli spazi 

esterni dove esistono vincoli qualitativi di tipo ambientale, di rispetto 

e integrazione delle preesistenze storiche. 

Si farà uso di un repertorio vasto di materiali anche con alternative 

per qualità, prezzo, prestazioni, relativamente a pavimenti, 

scale, soffitti, materiali di rivestimento, divisori interni ed esterni, 

porte, finestre, illuminazione, impianto elettrico e di riscaldamento, 

servizi igienico-sanitari. Per quanto riguarda il progetto 

degli spazi esterni si farà riferimento alle essenze proprie 

del parco del Lambro, alla tradizione dei giardini storici presenti 

in Brianza e documentati da numerose pubblicazioni, così come 

alle realizzazioni internazionali recenti di parchi.


PROGRAMMI 165 

1°LIV 


Alberto Prina 

1°LIV 


Takashi Shimura 

Sintesi del programma 

La grande tradizione italiana del design 

d’arredo si amplia alle moderne 

necessità dell’allestimento fieristico, 

dei locali del commercio, delle attrezzature 

e allestimenti museali. 

Si è venuta a creare una nuova figura professionale: quella del 

progettista di allestimenti e di eventi dove questi ultimi presentano 

essenziali problemi di scenografia. 

Il progettista di allestimenti si è trovato così ad assumere un importante 

ruolo, soprattutto nel settore fieristico, dovendo essere 

in grado di gestire l’intero processo di ideazione, progettazione 

e realizzazione. 

Il corso si sviluppa partendo da un percorso storico (dai primi 

anni del ‘900 fino ai giorni nostri) per arrivare, dopo una investigazione 

sui principali sistemi di realizzazione, alle recenti 

tecniche di comunicazione e di marketing. 

La realizzazione di un progetto completo di allestimento che 

parte dal brief di progetto e discute le scelte di concept comunicazionale, 

conclude il corso. 

Sulla base delle lezioni di Museografia I e II, si fa eseguire un 

progetto (quale ipotesi, idea) per una esposizione permanente 

nella Sala di un Museo o Pinacoteca. 

Per poter seguire questo corso è necessario avere già frequentato 

i corsi di Museografia I e II. 

- Il progetto è individuale o di gruppo (in relazione al numero 

degli studenti). 

- E’ prevista la visita a un Laboratorio museotecnico. 

- La progettazione delle vetrine, espositori e la stessa Sala, si basa 

sullo studio approfondito degli oggetti da esporre in relazione 

alle necessità di: conservazione, climatizzazione, illuminazione, 

informazione didascalica. 

- Definizione del percorso espositivo e delle vie di fuga in caso di 

emergenza e di quanto attiene alla sicurezza. 

- Alcuni argomenti del corso sono esemplificati da lavori realizzati 

dal docente. 

Lo scopo del Corso è portare ogni studente alla concreta possibilità 

di eseguire un progetto realizzabile. 

Per il corso di Progettazione di Allestimenti è oggetto di valutazione: 

l’originalità, l’approfondimento del progetto, il disegno 

tecnico e il modo di presentazione, la tempistica del lavoro, la 

frequenza al corso.


166 

PROGRAMMI 

2°LIV 

PROGETTAZIONE DI INTERVENTI URBANI 

E TERRITORIALI 

Felice Martinelli 

Il corso, nelle sue diverse articolazioni 

teorico/laboratoriali, propone una 

indagine zigzagante ed un’attenta 

lettura dei fondamenti della rappresentazione, 

materiali e tecniche legati 

all’esperienza della ricerca artistica 

e al suo legame con la committenza pubblica e privata. 

Un processo conoscitivo accelerato e rappresentativo che ha come 

obiettivi: 

- l’acquisizione di strumenti utili ad esplorare con curiosità le 

ragioni delle forme, i diversi segni e linguaggi delle dinamiche 

espressive e tipologie strutturali (artista e “collaboratori”, 

luogo, opera, committenza); 

- sensibilizzare l’allievo alle diverse tematiche, individuando, 

con professionalità, risposta ai quesiti posti. 

Dal know how introduttivo al metamorfico e non rettilineo carattere 

del contemporaneo, affinando conoscenza critica e qualità 

progettuale. 

Da verifiche cadenzate ed esercitazioni generalizzate, individuali 

e/o collettive, a carattere didattico, si perviene gradualmente 

a progetti ed elaborati personali applicando quanto analizzato 

in fase teorica. 


Lo studente è tenuto a sostenere un colloquio attraverso il quale 

si verifica la conoscenza degli argomenti trattati durante la 

didattica svolta e l’autonomo approfondimento acquisito utilizzando 

la bibliografia via via indicata; inoltre, lo studente presenta 

gli elaborati che caratterizzano la scena progettuale e relaziona 

su di un argomento specifico concordato con il docente. 

Bibliografia 

• G.CELANT, Arti e Architettura, Skira, 2004. • Arte Ambientale. 

Collezione Gori, U. Alemanni, 1993. • G.CELANT, L’inferno 

dell’arte italiana, materiali 1946/64, Costa&Nolan, 1990. 

Durante il corso verranno fornite ulteriori e precise indicazioni. 

2°LIV 

PROGETTAZIONE DI SOFTWARE INTERATTIVI 

Daniele Suffritti 

Finalità ed obbiettivi 

La possibilità di accedere ad informazioni 

relative all’ambiente in cui si 

muove un performer o uno spettatore 

consente a un artista di realizzare 

opere sensibili al loro comportamento 

fornendo così diversi livelli di interattività. Il corso studia vari 

metodi con cui accedere a queste informazioni attraverso sensori 

di vario genere o tramite riconoscimento ottico e ne propone 

metodi di l’elaborazione al fine di realizzare opere interattive. 


Il programma prevede, con una serie di lezioni laboratoriali, di 

fornire gli strumenti necessari all’utilizzo della piattaforma software 

Max/MSP/Jitter. Saranno studiate alcune tecniche di riconoscimento 

ottico, analisi e riconoscimento della silhouette, elaborazione 

video, utilizzo del canale alpha, di apparati MIDI, 

ricezione e invio di messaggi MIDI, interazione con Flash MX. 

Si analizzeranno i principali sensori disponibili nonché il loro 

utilizzo nelle installazioni per dialogare con l’ambiente circostante. 


Il colloquio orale sugli argomenti del corso dovrà essere completato 

con un progetto di tipo interattivo, accompagnato da un 

elaborato cartaceo di 10/30 pagine che analizzi il progetto negli 

aspetti teorico-artistici e ne descriva il progetto tecnologico 

motivando le scelte effettuate. 

E-mail danielesuffritti@alice.it 

Bibliografia 

Manuali di MAX/MSP/Jitter, dispense fornite durante il corso.


PROGRAMMI 167 

2°LIV 


Piero Orsi 

2°LIV 


Tullio Brunone 

Progettazione grafica è la naturale evoluzione 

del corso di Graphic Design del 

primo livello. Durante l’anno verranno 

ripresi i metodi di lavoro e approfonditi 

gli sviluppi del processo creativo. 

Il corso affronta i diversi aspetti della 

comunicazione visiva: dalla progettazione e realizzazione di messaggi 

pubblicitari, di prodotti editoriali, fino ai più recenti procedimenti 

per la comunicazione d’impresa, il progetto dell’identità 

visiva di musei, esposizioni, siti archeologici, luoghi della cultura, 

ecc., compresa la grafica di pubblica utilità. 

Sono previsti incontri con professionisti del settore. 

Bibliografia 

Sarà indicata durante il corso. 

Questioni teoriche 

Gli sviluppi e le articolazioni teoriche 

che i nuovi media hanno introdotto 

nelle arti visuali a partire dalle prime 

esperienze degli anni ‘50. Riferimenti 

al percorso storico delle tecnologie 

e alle esperienze fondamentali. I primi utilizzi della tecnologia 

nell’ambito della ricerca artistica. Il rapporto fra arte e sviluppo 

tecnico, continuità/cambiamento nel rapporto fra arte e tecnologia. 

L’immagine elettronica contemporanea. Il tempo, la 

materia, il segno, la luce nell’immagine digitale. La multimedialità, 

il rapporto sempre più articolato fra discipline e strumenti 

operativi. Interattività: la navigazione all’interno dell’opera, 

l’installazione, il corpo ed i sensi nel coinvolgimento. 

L’opera in rete, internet come scenario, il motore internet. Il 

controllo totale del progetto. 

Laboratorio 

Lo sviluppo del progetto sotto l’aspetto tecnico e informatico, 

fattibilità. La presentazione del progetto. Schemi e rappresentazioni. 

La questione dei software e delle applicazioni (Director, 

Flash, Final Cut, Premiere, EyesWeb, Softimage, Avid ecc. Scrittura 

di software, operazioni ibride, le interfacce. Nel primo segmento 

del corso (aspetto teorico) si affrontano gli aspetti teorici 

e storici fornendo le informazioni fondamentali per la 

conoscenze necessarie in un progetto che preveda l’utilizzo delle 

tecnologie. II secondo aspetto (il laboratorio) corrisponde 

alla fase realizzativa del progetto in tutti gli aspetti essenziali, 

riflettendo sulle questioni strettamente legata ai significati, attribuendo 

notevole importanza al senso del lavoro ed alle giustificazioni 

teoriche.


168 

PROGRAMMI 

2°LIV 


Paolo Rosa 

2°LIV 

PROGETTAZIONE DI SPAZI SONORI 

Hubert Westkemper 

Finalità e obiettivi 

II corso affronta i percorsi e le trasformazioni 

di un’area definibile come 

“post-cinematografica”. Lo sviluppo 

della cultura digitale, l’introduzione 

di nuove tecniche di produzione determinano 

il formarsi di nuove estetiche e di un diverso rapporto 

di visione con lo spettatore. Elementi che aprono anche a ricerche 

orientate verso proiezioni simultanee su più schermi, 

alla moltiplicazione e spazializzazione dei contesti narrativi, 

all’interattività, alla introduzione di inedite concezioni di montaggio. 

Inoltre invitano ad una dialettica tra componenti fiction 

e non fiction, fra approccio saggistico, documentaristico e narrativo. 

Tutto alla luce delle esperienze passate e recenti di cinema 

sperimentale e d’artista, video e ambientazioni d’autore. 

Tema di ricerca 

Nell’ambito di un’estetica che privilegia la relazione piuttosto 

che la forma, il gesto acquisisce una funzione centrale. Ma più 

che di gesto dell’artista, oggetto della ricerca sperimentale in altri 

momenti storici, si parla di gesto dello spettatore. Il gesto 

dunque oltre a significare per il suo proporsi visivo, diviene tramite 

per la valorizzazione di una dimensione tattile. Al senso 

lungo della vista si associa il senso corto del gesto; alla percezione 

si accorpa l’esperienza diretta. Il toccare più che il vedere 

produce una responsabilità del fare e nelle tracce che esso deposita 

c’è il senso della sua conseguenza. Del resto nella logica dei 

dispositivi interattivi, lo spettatore è chiamato in causa direttamente 

e il progettista/artista nel farlo si pone consapevolmente 

il problema di determinare comportamenti. 

La parte teorica del corso rifuarda elementi 

basi della fisica del suono, della 

psicoacustica e dell’acustica ambientale 

per arrivare a comprendere 

su quali parametri agire nella creazione 

di uno spazio virtuale e per simulare 

movimento. Parallelamente affronteremo il funzionamento 

dei microfoni e le regole base per la ripresa del suono, il 

funzionamento delle casse acustiche e i vari sistemi di diffusione 

del suono, la teoria e pratica dei sistemi audio 3-D compreso 

sistemi multicanale e l’audio binaurale. 

In forma laboratoriale ci dedicheremo al sound-design, utilizzando 

un sistema di Hard-Disc Recording con vari plug-in per 

registrare, editare ed elaborare musiche, suoni e voci potenzialmente 

finalizzati a spettacoli, cinema, mostre, musei, istallazioni 

sonore e/o multimediali, radiodrammi, internet. 

Operatività 

Si richiede la progettazione di un’opera che rispetti metodologie 

e tematica indicata, prodotta con uno dei linguaggi segnalati, 

tenendo in considerazione i fattori di fattibilità e di sostenibilità 

necessari alla sua realizzazione finale. 

E-mail: rosa@studioazzurro.com 

Bibliografia 

• A. MELUCCI, Passaggio d’epoca, Feltrinelli. • M.CARBONI eP. 

MONTANI, Lo stato dell’arte, Laterza. • Arte tra azione e contemplazione, 

a cura di S.Vassallo e A. di Brino, ETS. • A. BALZO- 

LA e A. M. MONTEVERDI, Le arti multimediali digitali, Garzanti. 

• V. VALENTINI, Le pratiche del video e le storie del video, Bulzoni. 

• C. SINI, J. DERRIDA, STUDIO AZZURRO, Pensare l’arte, Motta.


PROGRAMMI 169 

1°LIV 

PSICOLOGIA DELL’ARTE 

Roberto Galeotti 

2°LIV 

PSICOLOGIA DELL’ETÀ EVOLUTIVA 

Alessandra Miazza 


Nascita della psicologia dell’arte. La 

psicologia dell’arte alla luce delle 

principali teorie psicologiche: contributi 

teorici ed empirici. La “misurazione” 

dell’esperienza estetica: l’estetica 

informazionale e matematica. L’avanguardia artistica e la 

psicologia dell’arte. Sviluppi recenti della psicologia dell’arte: il 

modello cognitivista e psicofisiologico dell’esperienza estetica e 

le teorie cognitivo-neuronali. 


La metodologia della ricerca artistica. Oggi il metodo non è più 

uno strumento per la soluzione pratica dei problemi ma, piuttosto, 

un insieme di regole di valutazione, ad esempio, della 

«razionalità» e dei «limiti» di teorie articolate. 

Spesso, anche al solo fine di scandalizzare, sono state evidenziate 

analogie procedurali fra arti e scienze, nessuno però ha mai 

tentato un’approccio storiografico alle teorie artistiche a partire 

dalle regole logiche del metodo. Si ignorano quindi le conseguenze 

- anche puramente teoriche - che potrebbero derivare 

dall’applicazione “radicale”, cioè fino alle estreme conseguenze 

logiche, del metodo alla ricerca artistica. A tale tema è dedicato 

l’approfondimento del corso. 

Bibliografia 

• P. Ferraris, Psicologia e arte dell’evento, Gangemi, Roma, 

2004. • S. Lombardo, L’avanguardia difficile, Lithos, Roma, 

2004. • U. Neisser, Cognition and Reality. Principles and Implications 

of Cognitive Psychology. Trad. it. Il Mulino, 1976, 

Bologna, 1993. • V. Ruggieri, L’esperienza estetica, Armando, 

Roma, 1997. 


Il corso ha lo scopo di fornire strumenti 

conoscitivi e di riflessione riguardanti 

lo sviluppo affettivo, cognitivo 

e sociale dalla nascita all’adolescenza. 

Particolare accento è posto sul 

sistema di relazioni bambino-adulto anche alla luce dei più recenti 

sviluppi della psicologia e della psicoanalisi. Vengono inoltre 

privilegiati gli aspetti relativi allo sviluppo delle attività grafiche 

sia in relazione alla dimensione affettiva che alla maturazione 

concettuale. 


Prima infanzia. La crescita e lo sviluppo letti all’interno di una 

matrice relazionale: il costituirsi di un “grembo psichico” materno, 

la capacità di contenimento e il bisogno del bambino di 

essere “compreso”, l’esperienza di frustrazione e l’emergere del 

pensiero, il complesso edipico. Sviluppo del linguaggio e sviluppo 

cognitivo. Creatività, pensiero divergente e senso di sicurezza. 

Fanciullezza. L’età di latenza: la rinuncia al “pensiero magico 

onnipotente” e il prevalere della “ragione” sui sentimenti. L’ingresso 

nella scuola: ansie e aspettative. L’evoluzione della rappresentazione 

grafica. 

Adolescenza. Una “seconda nascita”: la “centralità del corpo” e 

l’elaborazione di una nuova immagine di sé, l’ambivalenza e 

l’ambiguità rispetto agli oggetti d’amore, la conquista del senso 

si sé e l’innamoramento. Il gruppo dei pari e i “riti di passaggio”. 

Bibliografia 

• S.VEGETTI FINZI e A. M. BATTISTIN, A piccoli passi, 1994, Mondadori, 

Milano. • S.VEGETTI FINZI e A. M. BATTISTIN, I bambini sono 

cambiati, 1996, Mondadori, Milano. • S.VEGETTI FINZI e A. M. BAT- 

TISTIN, L’età incerta, 2000, Mondadori, Milano.


170 

PROGRAMMI 

2°LIV 

QUESTIONI DI ESTETICA EBRAICA 

Baharier Haim 

1°LIV 

RAPPRESENTAZIONE DELL’ARCHITETTURA 

Luca Scacchetti 

Ermeneutica biblica e pensiero ebraico. 

Per la tradizione ebraica, la Torah 

è un testo essenzialmente deittico, in 

attesa d’essere interpretato. Pertanto 

l’approccio ermeneutico avviene fondandosi 

tanto sui testi fondamentali 

dell’interpretazione ebraica: il Talmud e il Midrash, quanto sugli 

insegnamenti dei Maestri. 

L’architettura che per definirsi compiutamente, per divenire opera 

o manufatto reale è necessariamente collettiva, ovvero fatta 

da più persone, da più competenze, dal lavoro e dalla fatica di 

molti, di fatto viene governata o guidata da un sua prefigurazione 

grafica, da una sua rappresentazione preventiva. 

Tale pre-configurazione è però così esaustiva dell’immagine, 

delle funzioni, dello scopo e dei rapporti che l’opera instaurerà 

con l’intorno da divenire essa stessa architettura. 

Noi tutti osservando una rappresentazione di architettura, la nominiamo 

come architettura. 

E’ solo nella disciplina architettonica che il disegno ha un così 

alto valore sostitutivo, tanto da poter nominare esso stesso, il disegno, 

architettura così come l’edificio finito. 

E su questo scambio di significati continui: disegno – progetto - 

architettura costruita - architettura ridisegnata, che svolgeremo 

il nostro lavoro, occupandoci principalmente della sovrapposizione 

iniziale tra disegno e progetto, ovvero del disegno come 

rappresentazione preventiva, come prefigurazione di un dopo. 

Le prefigurazioni sono progressive, o progrediscono verso una 

sempre maggiore definizione e messa a punto delle idee. Ce ne 

occuperemo anche attraverso simulazioni progettuali, schizzi, 

disegni preliminari, disegni definitivi, disegni esecutivi, dettagli, 

modelli e così via. 

L’attenzione principale sarà data al disegno manuale o a quella 

forma di disegno non mediata da un computer ove il passaggio 

pensiero/mano è immediato e privo di filtri. 

Cercheremo di lavorare su ogni forma di disegno anche con interventi 

esterni di architetti ed illustratori e quindi anche con le 

forme più contemporanee di renderizzazione. 

Obiettivo del corso sarà anche il tentare di ricucire un rapporto 

storicamente fondamentale tra architettura ed Accademia di 

Belle Arti, ritrovando proprio nel disegno e nella rappresentazione 

il comune denominatore, l’elemento di rilancio e di connessione 

interdisciplinare. 

Bibliografia 

Collana Disegni e Schizzi, Motta Editore: 

• LUCA SCACCHETTI, Disegni 1983 - 2002 con saggi di P. Portoghesi 

e M. Brusatin. • ALESSANDRO ANSELMI, Piano superficie 

progetto 2004. • PAOLO PORTOGHESI, Disegni 1949 - 2003. • 

ADOLFO NATALINI, Disegni 1976 - 2001. • GAMBETTI & ISOLA, 

Schizzi 2001. • CARLO AYMONINO, Disegni 1972 - 1997. • ALDO 

ROSSI, Disegni 1990 - 1997. • GUIDO CANELLA, Disegni 1955 - 

2005.


PROGRAMMI 171 

2°LIV 

REALTÀ VIRTUALE E PARADIGMI DELLA COMPLESSITÀ 

Mario Canali 

2°LIV 

REGIA 

Ezio Cuoghi 

Il corso si propone di mostrare come 

le principali scoperte scientifiche del 

‘900, ed ancora di più l’introduzione 

dell’uso del computer, abbiano non 

solo determinato un nuovo modo di 

vivere e vedere il mondo, ma aperto 

prospettive inedite e prima inimmaginabili alla progettualità 

artistica. Dall’immagine di un mondo-orologio dominato da 

forze meccaniche e precisi movimenti di corpi incorruttibili, arriveremo, 

attraverso gli scenari aperti da principi, leggi e teoremi 

indicati come indeterminazione, relatività, caos, geometria 

frattale, complessità, a quell’iridescente e cangiante configurazione-mondo 

che caratterizza la nostra contemporaneità. Un 

mondo dove la deriva di linearità e sequenza rivela i disequilibri 

intelligenti della vita, aprendo all’arte nuovi scenari immaginativi. 

Una nuova visione del mondo. 

L’avvento del computer. 

La prospettiva digitale. 

Arte e paradigma della complessità. 

Bibliografia 

Oltre ad avvalersi delle dispense per una comprensione generale 

degli argomenti trattati durante il corso, lo studente dovrà scegliere 

almeno uno tra i seguenti testi: 

• JOHN BROCKMANN, La terza cultura - Oltre la rivoluzione 

scientifica, Garzanti, 1995. • FRITJOF CAPRA, La rete della vita, 

Bur, 1997. • MORRIS MITCHELL WALDROP, Complessità - Uomini 

e idee al confine tra ordine e caos, Instar Libri, 2002. 

Altri testi, non obbligatori, saranno indicati durante il corso e 

serviranno allo studente da riferimento per approfondire eventualmente, 

a sua scelta, un’area specifica del corso ai fini della 

realizzazione del suo progetto. 

L’approccio teorico, così come la prassi 

operativa, della regia costituisce da 

sempre un riferimento importante nella 

produzione di eventi estetici che 

sanno ricondurre ad un progetto unitario 

la necessità di utilizzare contemporaneamente 

linguaggi comunicativi diversi e differenziabili. 

Questa caratteristica rende oggi alla funzione registica una particolare 

consonanza con la produzione estetica della contemporaneità. 

Infatti, oggi la manipolazione dei linguaggi, dei materiali, 

degli ambiti, dei codici, appare il procedere indicato e riconosciuto 

dell’operare estetico e del suo processo creativo. In questa prospettiva, 

la regia ridisegna la propria funzione e il suo rapporto 

con il mondo delle arti, a cui le nuove tecnologie consentono territori 

di sperimentazione ampi e di sicuro interesse. 

Il corso di regia si propone dunque l’obiettivo di esporre questa 

attitudine teorica, metodologica e progettuale, senza eludere la 

verifica sperimentale dell’operare concreto. 

L’approfondimento delle specificità estetiche, linguistiche e tecniche 

dei diversi mezzi di espressione come il teatro, il cinema, 

la televisione e i nuovi media, ne rappresenterà l’approccio sistemico, 

al fine di considerarne e sperimentarne le possibilità di 

interazione comunicativa nella dimensione estetica oggi riconosciuta 

come multimedialità o intermedialità. 

Internet 

Per l’approfondimento di alcuni argomenti consultare i siti: 

www.studiocanali.com e www.arcnaut.it


172 

PROGRAMMI 

2°LIV 

1°LIV 

REGIA 

Francesco Micheli 

REGIA 

Loredana Putignani 

«Può esistere il teatro senza spettatori? 

Ce ne vuole almeno uno per parlare di 

spettacolo. E così non ci rimane che 

l’attore e lo spettatore. Possiamo perciò 

definire il teatro come “ciò che avviene 

tra lo spettatore e l’attore”. Tutto il resto 

è supplementare - forse necessario, ma supplementare». 

JERZY GROTOWSKI 

Il corso, nel tentativo di fornire strumenti e stimoli sulla Regia 

intesa come Arte dello sguardo, è diviso in tre parti principali. 

Sezione storica 

Si approfondiscono aspetti della storia dello spettacolo, con particolare 

riferimento alla fenomenologia del teatro lirico italiano e 

alla nascita della regia nel Novecento. 

Bibliografia 

• COLETTI, Da Monteverdi a Puccini, Einaudi. • JERZY GROTOW- 

SKI, Per un teatro povero, Bulzoni Editore. 

Sezione monografica 

Elementi di drammaturgia: “L’Orlando Furioso di L. Ariosto 

raccontato da I. Calvino”, Oscar Mondadori. 

A partire dall’analisi critica del capolavoro letterario del Rinascimento 

italiano tramite la mediazione di un altro grande 

scrittore conterraneo del Novecento, daremo vita a un progetto 

scenico che dia spazio, corpo e suono a quelle pagine. 

Sezione laboratoriale 

Accanto agli ormai consueti “cantieri”, in via di definizione, 

con teatri milanesi e non, dedicheremo una parte del corso a 

progetti di drammaturgia individuali a partire da un testo non 

teatrale (sceneggiature e romanzi). Di seguito l’elenco dei testi 

tra cui operare la propria scelta. 

Bibliografia 

Romanzi: • HARUKI MURAKAMI, La Ragazza dello Sputnik, Einaudi. 

• AGOTA KRISTOF, La Trilogia della città di K., Einaudi. 

Film: • Persona di Ingmar Bergman. • Dogville di Lars Von 

Triers. 

Le tre sezioni del corso saranno oggetto di verifica in sede d’esame. 

La frequenza è vivamente consigliata: chi fosse impossibilitato 

a partecipare è obbligato alla redazione col docente di un 

programma apposito. 

L’obiettivo del corso è orientato in una 

prima fase all’analisi della nuova 

drammaturgia internazionale della 

scena, negli spazi differenziali che lo 

spettacolo occupa nella contemporaneità. 

Dalla decodificazione dell’immagine, 

allo sviluppo del testo-contesto, nell’acquisizione di essenziali 

strategie compositive, per l’attivazione di una formazione 

dello sguardo e nella fondante costituzione di un personale 

metodo di lavoro del discente; l’impronta digitale che segna 

la sottile differenza nell’elaborazione della macchina attoriale. 

De-strutturazione, scomposizione dei piani narrativi, sotto-partitura, 

tecniche corporee e tradizioni attoriali extraeuropee, confluiscono 

nelle problematiche del rappresentare e nell’indagine 

degli elementi che determinano il concetto di regia. Lo studente 

è coinvolto attivamente nei diversi piani della costruzione scenica, 

anche nel laboratorio Arte della Performance, connesso 

al corso, tenuto appositamente in palcoscenico. Si analizzano i 

nuovi modi di concepire le pratiche attoriali-performative, ripercorrendo 

alcuni fondanti interventi critici del Novecento, negli 

innesti delle nuove tecnologie come mezzi elettronici connessi al 

corpo. La pre-esistenza dell’attore. Un processo incentrato sul 

recupero della spaziatura delle cose, del volume dei corpi e della 

voce, per far riemergere il sacro rapporto con lo spazio, nella sua 

assolutezza. Il tessuto spaziale nella dimensione sonora e nel 

senso della luce, partendo da ciò che teatro non è, ma lo alimenta. 

Nel Tradi-mento della Tradi-zione, la riflessione è rivolta 

ai processi di corpo-memoria e alle varie possibilità d’integrazione 

di linguaggi e comportamenti, in connessione con 

alcune esperienze di teatro al presente. Un filo sanguigno da 

Shakespeare a Kane, rinvenibile nei Blasted della nuova drammaturgia 

inglese, così come Sofocle in Beckett, nell’azzeramento 

della rappresentazione, come un incendiarsi qui ed ora della 

Tradizione. 

Bibliografia 

La bibliografia verrà fornita nel corso delle lezioni. 

Videografia, filmati, documentari, interviste. 

I cinque sensi del teatro. 

Abramovic / Baush / Bene / Bergman / Brook / Barba / Beck / 

Beckett / Kantor / Grotowskij / Pasolini / Herzog, / Martone / 

Neiwiller / Tarkovskij. 

Visioni di Teatro contemporaneo


PROGRAMMI 173 

1°LIV 

RESTAURO DEGLI AFFRESCHI E DEI DIPINTI MURARI 

Elisabetta Attorrese 

Obiettivi formativi 

Fornire agli studenti le basi teoriche della disciplina con una serie 

di conoscenze inerenti alla conservazione, alla manutenzione, 

al restauro dei dipinti murali e dotarli dei necessari 

strumenti di approfondimento e di aggiornamento, seguirli nell’apprendimento 

delle tecniche di intervento e nell’acquisizione 

delle abilità manuali necessarie. 

Programma 

Il corso prevede una serie di lezioni teoriche abbinate all’attività 

pratica di laboratorio e di cantiere sul restauro dei dipinti 

murali. Le lezioni teoriche seguiranno il presente programma: 

- Storia dei materiali impiegati e delle metodiche adottate nella 

tecnica di esecuzione dei dipinti murali attraverso la lettura delle 

fonti, delle testimonianze documentarie e lo studio dei casi. 

- Sistemi di documentazione e schedatura dello stato di fatto di 

un’opera e della tecnica esecutiva. 

- Il degrado dei materiali: le cause e i processi di deterioramento. 

Sistemi di identificazione e documentazione. 

- Sistemi diagnostici di approfondimento. 

- Tecniche di intervento di conservazione, di manutenzione e restauro: 

sistemi di consolidamento degli intonaci e della pellicola 

pittorica, di pulitura, di trattamento o rimozione di elementi 

non idonei, di stuccatura delle lacune e di integrazione con 

grandi neutri. Metodi e tecniche per l’integrazione pittorica. 

- Esempi di progettazione e realizzazione di restauri di dipinti 

murali e stucchi attraverso la video proiezione di documentazioni 

fotografiche e di indagini diagnostiche. 

Le lezioni pratiche si svolgeranno dapprima nei laboratori dell’accademia 

e prevedono la realizzazione di campioni di tecnica 

desunti dalla precettistica tecnica e in seguito presso cantieri 

di restauro di dipinti murali seguiti dalla Soprintendenza 

competente. L’approccio alla parte pratica sarà sempre preceduto 

da un’introduzione teorica finalizzata a rendere più comprensibile 

la fase operativa. 

Bibliografia 

Indicazioni particolari sulle sezioni da approfondire, dispense, 

fotocopie mirate all’approfondimento delle sezioni trattate saranno 

fornite agli studenti durante il corso. 

2°LIV 

RESTAURO DEGLI AFFRESCHI E DEI DIPINTI MURALI 

Anna Lucchini 

Pitture murali 

Il corso prevede delle lezioni teoriche 

e pratiche sul restauro delle pitture 

murali. 

Gli argomenti trattati sono di seguito 

specificati. 

- Storia della tecnica pittorica murale ( affresco, pittura a calce, 

tempera a uovo e a olio, encausto, encausticazione). 

- Cause e processi di deterioramento. 

- Indagini diagnostiche. 

- Tecniche di conservazione e restauro. 

- Teoria di restauro. 

- Discussione su alcuni metodi di intervento. 

Le esposizione saranno supportate da materiale fotografico. 

Le lezioni saranno integrate da visite a Chiese e Musei, cantieri 

di restauro. 

Le lezioni pratiche prevedono: 

Riproduzione di opere d’arte - disegno a tratto lineare. 

Riproduzione di un affresco trecentesco. 

Riproduzione di una pittura a calce. 

Riproduzione di un graffito. 

Selezione cromatica. Astrazione cromatica. 

Strappo degli affreschi eseguiti dagli allievi. 

Restauro di un affresco strappato ( pulitura, trasporto su supporto 

rigido, stuccatura, restauro pittorico. 

Esperienza in un cantiere di restauro. 

Bibliografia 

• CENNINO CENNINI, Il Libro dell’Arete o Trattato della pitture, a 

cura di Fernando tempesti. • P. Mora, L. MORA, P. PHILIPPOT, La 

conservazione delle pitture murali, Editrice Compositori, 

1999. • G. BOTTICELLI, Tecnica e Restauro delle pitture murali, 

Ed. Polistampa, Firenze, 1980. • Tecniche di esecuzione e 

materiali costruttivi, Dimos. parte 1°, 1978. Istituto Centrale 

per il Restauro. • Fattori di deterioramento. Dimos, parte 11°. 

• O. CASAZZA, ll Restauro Pittorico, N. Nardini Ed.


174 

PROGRAMMI 

1°LIV 

RESTAURO DEI DIPINTI SU TELA E TAVOLA 

Sacha Julia Maria Adamo 

1°LIV 


Luciano Formica 

Il corso di restauro dei dipinti su tela 

e tavola riassumerà nel piano delle lezioni 

teoriche e nelle esercitazioni ed 

esperienze pratiche, tutte quelle esperienze 

che promanano dalla grande 

tradizione del Restauro e dalle nuove 

intelligenze. Sarà corpo d’indagine l’utilizzo e la pratica sperimentale 

delle tecniche della tradizione ed il raffronto con le 

nuove tecnologie, sia nell’aspetto delle tecniche che in quello dei 

materiali. È imprescindibile l’approccio al restauro attraverso 

l’analisi della materia di supporto e di manifestazione dell’immagine, 

la conoscenza delle quali sarà oggetto di analisi in un 

ciclo di lezioni propedeutiche in cui, peraltro saranno raffrontate 

le tecniche artistiche ed i materiali del passato e quelli significativi 

dell’arte contemporanea, espresso secondo i dettami della 

tradizione, (dipinti su tela,tavola, masonite, acrilici, etc.). 

Il corso si alternerà in tre aspetti; uno propedeutico di studio sulle 

tecniche artistiche e sulle principali branche del restauro con 

connotazione teorica; un secondo aspetto riguarderà le esercitazioni 

laboratoriali, sul recupero delle opere ed infine, nei limiti 

delle disponibilità tecniche, quello della sperimentazione. 

Il corso è propedeutico all’acquisizione 

della capacità di comprendere le 

problematiche poste dal restauro di un 

manufatto in materiale lapideo delle 

linee guida per impostare un progetto 

di intervento con la qualità e le modalità 

richieste dalle competenti Soprintendenze delle basi pratiche 

per l’esecuzione, con la guida di un restauratore, di interventi di 

conservazione e restauro. 

Le lezioni teoriche saranno dedicate ai seguenti argomenti: 

- caratteristiche dei materiali lapidei, con particolare attenzione 

a quelli utilizzati in Lombardia 

- tecniche di lavorazione e di lucidatura 

- stesure di colore 

- tradizionali metodi di protezione della pietra in esterno 

- cause di degrado in interno ed in esterno. 

- influenza degli inquinanti atmosferici e dei passati interventi 

di conservazione 

- la pulitura 

- la sigillatura e l’integrazione delle lacune 

- il consolidamento 

- la riconversione della solfatazione 

- l’applicazione di protettivi 

Saranno effettuati stage su cantieri per sopperire alla mancanza 

di un laboratorio interno. 

Bibliografia 

• AA.VV., Restauro del marmo. Opere e problemi, OPD Quaderni 

dell’Opificio delle pietre dure, 1986 • AA.VV., I colori del 

bianco Policromia nella scultura antica, Roma, 2004. • L. 

Borgioli, Polimeri di sintesi per la conservazione della pietra, 

Padova, 2002. 

Saranno fornite inoltre fotocopie di articoli da Atti di congressi e 

riviste.


PROGRAMMI 175 

2°LIV 


Augusto Giuffredi 

1°LIV 

RESTAURO DEI METALLI 

Florence Caillaud 

Laboratorio 

Esercitazioni finalizzate alla conoscenza dei materiali lapidei 

della tradizione itraliana ed in particolare dell’area lombarda. 

Di ogni materiale vengono testate le caratteristiche tramite verifiche 

sui tempi e i modi di lavorazione. Parallelamente a questa 

fase vengono verificate, tramite esercitazioni, le tecniche tradizionali 

il taglio in diretta, la definizione della forma, la levigatura. 

Particolare attenzione è posta alla conoscenza degli attrezzi 

e degli strumenti di lavoro. A questa prima parte seguono 

simulazioni sia di degrado che di intervento di assemblaggio e 

consolidamento. 

Il programma tende a fornire quegli strumenti conoscitivi indispensabili 

per poter affrontare la lettura del manufatto storico, 

dello stato di degrado e la valutazione dei principali interventi 

conservativi. 

Lezioni teoriche 

Le lezioni forniscono supporto teorico a quanto viene verificato 

nel laboratorio. Agli allievi vengono fornite quelle cognizioni di 

carattere tecnico con continui riferimenti all’utilizzo storico dei 

materiali e dell’impiego nella produzione delle opere d’arte. 

Particolare attenzione viene posta nella presentazione delle problematiche 

relative a errate messe in opera dei materiali sia in 

epoca storica sia attualmente; sul degrado naturale e su quello 

provocato da cause antropiche. 

Programma teorico 

Natura e proprietà dei metalli. Metalli 

antichi e metalli moderni. Tecniche 

tradizionali e moderne di lavorazione 

dei metalli. Corrosione e deterioramento 

dei manufatti metallici. Conservazione 

e restauro dei manufatti metallici 

Programma di dadattica applicata 

Grazie alla collaborazione con la Soprintendenza Archeologica 

della Lombardia, si svolgeranno esercitazioni pratiche di restauro 

e conservazione su oggetti metallici archeologici. 

Sono in corso di organizzazione altre esercitazioni su metalli di 

tipologia diversa. 

Documentazione 

La documentazione viene fornita tramite fotocopie o mail, oppure 

archiviata sul computer della scuola. 

Valutazione multipla 

- Esame teoria fine 1° semestre (entro gennaio). 

- Valutazione attività laboratoriale. 

- Valutazione ricerca personale (data a scelta 1° o 2° sem). 

Bibliografia 

• PETER ROCKWELL, Lavorare la pietra, NIS, Roma,1992. • GIO- 

VANNI AMOROSO, Trattato di scienza della conservazione dei 

monumenti, Alinea, 2002.


176 

PROGRAMMI 

1°LIV 

RESTAURO DEL LEGNO 

Duilio Tanchis 

2°LIV 

RESTAURO DELL’ARTE CONTEMPORANEA 

Giovanna Scicolone 

Il Corso di Restauro del Legno dovrà 

alternarsi in una serie di lezioni teorico-pratiche 

che forniscano all’allievo 

le conoscenze necessarie per poter 

affrontare, progettualmente e operativamente, 

un intervento di restauro 

su manufatti artistici che abbiano il legno come supporto, (manufatti 

lignei policromi) o come materia-immagine (boiserie, 

scultura lignea, etc..). Verranno prese in considerazione le opere 

appartenenti al patrimonio storico, e non sarà trascurata la 

produzione dell’arte contemporanea. Si affronteranno le problematiche 

legate ai nuovi materiali cosi largamente usati e forieri 

di problematiche complesse e scarsamente indagate. 

Il corso affronta le fondamentali problematiche teoriche, deontologiche 

e tecnico-metodologiche relative al restauro dell’arte 


Si esplorano le più significative esperienze internazionali a partire 

dagli anni ‘50, si analizzano le attrezzature specifiche introdotte 

per le nuove esigenze, si studiano i materiali di origine sintetica 

- adesivi, consolidanti e protettivi attualmente in uso, con 

particolare attenzione alle loro caratteristiche fisico - chimiche, 

comportamentali e di degrado ed alla conoscenza di quei meccanismi 

di presa e di quelle proprietà prestazionali che determinano 

la capacità di utilizzarli correttamente. Vengono inoltre 

studiati i materiali costitutivi dell’arte polimaterica e come si redige 

un condition report, attraverso lo studio dello stato di conservazione 

degli elementi costitutivi inusuali per se stessi e nella 

loro costruzione eterogenea. 

Parte essenziale del corso è l’acquisizione di una peculiare metodologia 

di progettazione dell’intervento di restauro su materiali 

di recente produzione, progettazione che deve poter essere 

basata su fondamenti scientifici e che non fa riferimento a ricette 

o procedure tradizionali ripetitive ma si basa sulla corretta impostazione 

delle fasi di studio preliminari al lavoro pratico. 

Infine saranno analizzate le modalità di imballaggio, trasporto 

e documentazione finalizzata al restauro così come le nuove figure 

professionali che si occupano di arte contemporanea. 

Bibliografia 

I testi di studio, in italiano e inglese, saranno accompagnati anche 

da un elenco di opere e articoli il cui approfondimento è 

consigliato. Si ritiene comunque essenziale la partecipazione alle 

lezioni, proprio per la specificità dei contenuti che devono introdurre 

a una particolare metodologia di approccio.


PROGRAMMI 177 

2°LIV 


Maria Chiara Palandri 

2°LIV 

RESTAURO DELLA FOTOGRAFIA 

Lorenza Fenzi 

Lo scopo del corso è di arrivare alla conoscenza dei materiali cartacei 

e alle problematiche della loro conservazione. Si articolerà 

nei seguenti punti: 

- La carta come supporto e strumento nell’Arte Contemporanea. 

- Cenni sulle tecnologie di fabbricazione della carta 

- Metodi di caratterizzazione dei supporti cartacei 

- I processi di degrado (degrado chimico, fisico e biologico) 

- Il degrado degli inchiostri e dei pigmenti 

- Gli inchiostri ferro gallici 

- Introduzione alle metodologie di restauro: disinfezione e disinfestazione, 

deacidificazione 

- Interventi preliminari al restauro 

- La scheda di restauro e documentazione 

- Test preliminari 

- I materiali per il restauro 

- Le attrezzature 

- I “vecchi restauri”: invecchiamento e rimozione dei nastri adesivi 

- I montaggi 

- Problematiche particolari: grandi formati, carte trasparenti 

- Le nuove metodologie: gli enzimi 

Nel corso del Laboratorio di restauro si procederà alla stesura di 

un progetto di restauro che comprenderà tutte le metodologie di 

analisi ed intervento: 

I progetti vengono svolti in collaborazione con gli altri docenti 

per le problematiche inerenti alla documentazione fotografica 

e alle analisi di laboratorio. 

Il corso intende affrontare le problematiche relative alla conservazione, 

manutenzione e restauro del materiale fotografico attraverso 

un percorso di pratica di laboratorio, che permetta agli 

studenti di affrontare progetti ed interventi reali. 

Il percorso di laboratorio partirà dalla corretta identificazione 

del materiale e delle tecniche fotografiche affrontate, dallo studio 

dei degradi tipici dei materiali costitutivi e dalla contestualizzazione 

del fototipo rispetto alla sua provenienza, per arrivare 

alla stesura di un progetto di conservazione ed intervento che 

rispetti la tipicità dell’oggetto fotografia. 

Il riferimento costante sarà alle linee guida e normative in uso 

a livello internazionale relative alla conservazione e manipolazione 

del materiale fotografico. 

Alla pratica verrà affiancato lo studio teorico della storia delle 

tecniche fotografiche, dei criteri di prevenzione e manutenzione, 

dei corretti parametri ambientali, delle caratteristiche dei 

contenitori e degli arredi per la gestione di un fondo fotografico 

nelle sue possibili tipologie. 

Scopo del corso è quello di far acquisire allo studente, oltre alle 

necessarie capacità e competenze manuali e tecniche, al corretto 

utilizzo di attrezzatura e materiali, alla capacità di gestione 

di uno spazio laboratoriale, una visione d’insieme delle problematiche 

d’archivio e gli strumenti teorico pratici per la loro risoluzione. 

Bibliografia 

Testi obbligatori: 

• S. BERSELLI L. GASPARINI, L’archivio fotografico, Zanichelli. • 

Fotografia Storia e riconoscimento dei procedimenti fotografici, 

a cura di L. Scaramella, De Luca editore. 

Testi consigliati: 

• Le vocabulaire technique de la photographie, a cura di A. 

Cartier Bresson, Marval. • B. LAVEDRINE, G.P. Gandolfo, S. Monod, 

A guide to the preventive conservation of photograph collection, 

Getty Conservation Institute. • B. LAVEDRINE, (Re)Connaitre 

et conserver les photographies anciennes, CTHS. • W. CRAW- 

FORD, L’età del collodio, Cesco Capanna. • J. REILLY, Care and 

Identification of 19th Centaury Photographic Print, Kodak 

Publication. • H. WILHELM, The Permanente and Care of Color 

Photograph. Traditional and Digital Color Prints, Colors Negatives, 

Slides and Motion Pictures, Preservation Publishing 

Company.


178 

PROGRAMMI 

1°LIV 

RESTAURO DELLE TERRECOTTE, STUCCHI E GESSI 


1°LIV 

SCENOGRAFIA PER ALTRI INDIRIZZI 

Giovanni Bruno 

Laboratorio 

Esercitazioni finalizzate alla conoscenza dei seguenti materiali: 

gesso, scagliola, calce aerea (grassello e calce idrata), calce idraulica, 

cemento. Di ogni legante vengono testate le caratteristiche 

tramite verifiche sui tempi e i modi di lavorazione. 

Parallelamente a questa fase vengono verificate, tramite esercitazioni, 

le tecniche tradizionali. Per il gesso i sistemi di formatura, 

forma persa, a tasselli di argilla e di gesso, stampi in gomma. 

Per le calci e il cemento la modellazione in diretta, il colaggio in 

stampi il montaggio di elementi prefabbricati. Particolare attenzione 

È posta alla conoscenza degli attrezzi e degli strumenti di 

lavoro. A questa prima parte seguono simulazioni sia di degrado 

che di intervento di assemblaggio e consolidamento. 

Il programma tende a fornire quegli strumenti conoscitivi indispensabili 

per poter affrontare la lettura del manufatto storico, 

dello stato di degrado e la valutazione dei principali interventi 

conservativi. 

Lezioni teoriche 

Le lezioni forniscono supporto teorico a quanto viene verificato 

nel laboratorio. Agli allievi vengono fornite quelle cognizioni di 

carattere tecnico con continui riferimenti all’utilizzo storico dei 

materiali e dell’impiego nella produzione delle opere d’arte. 

Particolare attenzione viene posta nella presentazione delle problematiche 

relative a errate messe in opera dei materiali sia in 

epoca storica sia attualmente; sul degrado naturale e su quello 

provocato da cause antropiche. 

Bibliografia 

• FRANCESCA VALLI, Gessi dell’Accademia di Brera, storia e didattica, 

in Gipsoteche, realtà e storia a cura di Mario Guderzo, 

Atti del convegno internazionale di studi, Possagno, 2006. • AU- 

GUSTO GIUFFREDI, Manuale delle tecniche di formatura e fonderia, 

Alinea editrice, Firenze, 2006. • AUGUSTO GIUFFREDI, Note 

tecniche sui calchi in gesso e sul loro restauro, in Un museo 

ritrovato, Litograf, Reggio Emilia, 2005. • SEVERINA RUSSO, La 

gipsoteca dell’Accademia di Belle Arti di Carrara, storia della 

collezione, Società editrice Apuana, Carrara. • FLORIANA SPAL- 

LA, Calchi in gesso e formatura, in Catalogo della Ditta Fumagalli 

e Dossi, Milano. 

1° Parte: 

Il quotidiano e le sue notizie saranno 

il tema drammaturgico preso in esame, 

la scelta del luogo e dello spazio 

è prevista in uno spazio di cm.1000 x 

2000 x 500h, la scelta musicale avrà 

per tema il paesaggio sonoro circostante al luogo scelto, amplificato 

e composto con programmi informatici, sarà necessaria 

la presenza di una azione performativa, un modellino in scala 

1:20, foto digitali dello stesso e fotocomposizione del lavoro ambientato. 

Con le foto ricavate dalla nota precedente si dovrà 

creare un piccolo video artistico di presentazione con durata 

massima di n. 4 minuti, la scelta musicale sarà valutata a seconda 

della necessità della proposta visiva. 

2° Parte: 

La drammaturgia di riferimento del progetto multimediale che 

prendiamo in considerazione è “Democrazia” di Andrea Balzola. 

Un progetto interattivo che dialoga con un luogo anonimo 

ed essenziale. 

La sensibilità di costruire un ambiente, installazione o ambientazione 

che prevede la possibilità ad un unico attore di dialogare 

con se stesso e con la sua interfaccia. Un gioco delle parti e il 

confronto ritmico di due voci della stessa attrice. Lo sceneggiatore 

autore dei testi (prof: Andrea Balzola) si confronta con la 

proposta visiva e con il progetto - regia seppur virtuale in qualità 

di co-regista assieme allo studente esecutore e il professore 

di riferimento al corso. L’azione performativa quindi ci chiede 

un rapporto di integrazione e di coinvolgimento totale da parte 

dell’autore - regia e messinscena. Gli studenti che si accingono 

a questa proposta devono davvero essere coinvolti e coesi alla 

continua e pressante voce del testo che talvolta si modifica alla 

necessità dello sviluppo scenico performativo nel rigore esecutivo 

del progetto.


PROGRAMMI 179 

1°LIV 

SCENOGRAFIA 

Tiziana Campi 

1°LIV 

SCENOGRAFIA 

Roberto Comotti 

Obiettivi formativi e contenuti 

Il linguaggio della scenografia, la 

figura dello scenografo ed il modo di 

progettare cambiano nel tempo, si 

adeguano ai nuovi mezzi di comunicazione. 

Va chiarito che nella progettazione 

il valore di certi passaggi obbligati e le operazioni utili 

ad inquadrare le prime idee, sono fondamentali per formare e 

articolare una griglia intellettuale in cui inserire e muovere le 

diverse fasi del progetto. 

L’attività del corso prevede un iter atto a formare figure in grado 

di rispondere a richieste di creatività e professionalità legate 

all’attualità. Indispensabile l’acquisizione di una sicura metodologia 

progettuale, imprescindibile dalla ricerca storico iconografica 

e dalla elaborazione di un’idea. 

I luoghi dello spettacolo saranno studiati nelle loro componenti 

e nel fondamentale rapporto con luce/colore/immagine. 

Saranno analizzati lo spazio nei suoi valori reali e il confronto 

tra realtà oggettiva e soggettiva, ovvero con i propri modi di percepire 

le relazioni. 

I progetti previsti saranno impostati seguendo un percorso che 

prevede lo studio analitico dei testi e l’individuazione della relazione 

con suono/tempo/azione/dialoghi/simboli. Ne sarà data 

forma attraverso il contenuto ed una personale interpretazione 

del taglio registico. L’individuazione di una chiave di lettura 

dovrà rispondere non solo ad un atteggiamento razionale e critico 

ma anche intuitivo e creativo. 

Bibliografia 

• P. BOSISIO, Teatro dell’occidente, ed. Universitarie di Lettere, 

Economie, Diritto, Milano, 1995. • O.G. BROCHET, Storia del teatro, 

Marsilio. • A. NICOLL, Lo spazio scenico, Bulzoni 1971. • 

CHEVALIER - GHEERBRANT, Dizionario dei simboli, Rizzoli. • B. 

MELLO, Trattato di scenotecnica, Gorlich, 1962. • P. BROOK, Il 

teatro e il suo spazio, Feltrinelli, 1962. • R. ARNHEIM, Arte e percezione 

visiva, Feltrinelli. • S. D’AMICO, Storia del teatro drammatico, 

Garzanti. • F. CRUCIANI, Lo spazio del teatro, Laterza, 

1998. • M. MASETTI, La prospettiva scenica e tridimensionale, 

Pitagora, Bologna, 2009. • M. LIVIO, La Sezione Aurea, Bur, 

2009. • G. DI NAPOLI, Disegnare e crescere, Einaudi, 2004. • G. 

DI NAPOLI, Il colore dipinto, Einaudi, 2006. 

Questa scuola di scenografia intende 

svolgere durante questo anno accademico 

un corso che si propone di formare 

validi progettisti, capaci di affrontare 

tutte quelle esperienze e quelle attività 

che il settore dello spettacolo richiede. 

- Nel primo anno di corso, gli allievi dovranno acquisire la conoscenza 

del luogo teatrale, la sua evoluzione storica e, con una 

serie di esercitazioni, dovranno apprendere la metodologia della 

progettazione dello spettacolo, che deve essere basata su valide 

cognizioni tecniche e culturali. 

- Nei successivi due anni di corso, il procedimento metodologico 

acquisito permetterà agli allievi di sviluppare soluzioni e tecniche 

di rappresentazione grafica e di visualizzazione di tutte le 

forme dello spettacolo. Gli studenti si eserciteranno nella composizione 

scenografica scegliendo, secondo i loro personali e particolari 

interessi, tra una serie di testi teatrali indicati dal docente. 

Bibliografia 

Si elencano solo alcuni testi a carattere generale, per testi specifici 

e monografie si rimanda all’elenco dettagliato che verrà 

esposto in aula. 

• S. SERIO, Il libro secondo di prospettiva, Parigi, 1545. • N. 

SABBATICI, Pratica di fabricar scene e machine ne’ teatri, Ravenna, 

1637-38 (ed. a cura di E. Povoledo), Roma 1955. • A. NI- 

COLL, The development of theatre, London 1927 (ediz. it. Lo 

spazio scenico, Firenze, 1971). • M. FAGIOLO, La scenografia, 

Firenze, 1973. • F. PERELLI, Storia della scenografia, Roma, 

2002. • E. POVOLEDO, Scenografia, voce della Enciclopedia Universale 

dell’Arte, Firenze, 1964. 

Per tutti i problemi relativi a centri, correnti, personaggi, autori, 

si rimanda all’Enciclopedia dello spettacolo, Roma 1954-62.


180 

PROGRAMMI 

1°LIV 

SCENOGRAFIA 

Grazia Maria Manigrasso 

1°LIV 

SCENOGRAFIA 



Obiettivo del corso e’ quello di acquisire 

una metodologia progettuale che 

consenta, in ogni occasione, di poter 

affrontare in modo autonomo e professionale 

qualsiasi problema inerente 

l’allestimento scenografico. Si portano a conoscenza gli elementi 

fondamentali della scenografia e si approfondisce 

l’organizzazione prospettico-compositiva governata dalle regole 

geometriche di prospettiva centrale ed accidentale attraverso 

schizzi, bozzetti, modelli e plastici in scala. Si insiste, particolarmente, 

sulla sperimentazione ed approfondimento di varie 

tecniche grafiche, pittoriche e visive per giungere alla personalizzazione 

di un proprio linguaggio espressivo. Punto stabile e 

cardine del corso è, comunque sempre, una approfondita formazione 

culturale, una seria preparazione progettuale e critica 

unite ad un costante impegno e ad una assidua frequenza. 


Analisi ed approfondimento dei problemi inerenti la progettazione 

scenica nello spazio teatrale ed in quello cinematografico. 

Analisi delle problematiche nella diverse tipologie d’ambientazione 

con approfondimento storico, culturale e tecnico. 

Realizzazioni scenografiche per il teatro e per il cinema. Sviluppi 

dei progetti secondo tecniche tradizionali ed in computer 

grafica, progettazione 2D e 3D, effetti speciali e spazio virtuale. 

Bibliografia 

• A. ARTAUD, Il teatro ed il suo doppio, Einaudi. • D. BABLET, La 

scena e l’immagine. • J. BECK, La vita del teatro, Einaudi. • 

P. BROOK, Il teatro ed il suo spazio, Feltrinelli. • V. MARCHI, Scenotecnica, 

scenografia, (Enc.Treccani). • F. MAROTTI, Lo spazio 

scenico, Bulzoni. • C. METZ, Linguaggio e cinema, Bompiani. 

• A. PAGLIARO, Il disegno dello spazio scenico, Hoepli • 

G. RICHELLI, L’orizzonte della scena nei teatri, Hoepli. • J. SVO- 

BODA, I segreti dello spazio teatrale, UBU Libri. 

Il corso viene concepito in forma di laboratorio 

aperto alla progettazione e 

alla realizzazione di testi e di tematiche 

con attinenza allo spettacolo. 

Gli argomenti di studio verranno trattati, 

discussi ed elaborati in modo da 

suggerire all’allievo le linee ed i moduli atti a raggiungere una 

corretta progettazione scenografica, in cui la documentazione e 

l’approfondimento critico non vadano disgiunti da una sollecitazione 

creativa. 

Su questi presupposti di studio e di acquisizione tecnica si intendono 

porre le basi per una formazione professionale dello 

studente procedendo alla stesura dei programmi con occhio attento 

alle più svariate tecnologie che, nel mondo dello spettacolo, 

si vanno affermando con incalzante mutevole avvicendamento, 

dal teatro al cinema alla televisione. 

Due elementi verranno comunque fissati a fondamento del corso: 

in un primo luogo una metodologia critica di progettazione 

e sviluppo e, in pari tempo, un impegno costante da parte dello 

studente, unito ad un’assidua frequenza delle lezioni. 

Si vorrebbe che la metodologia di cui sopra, si affermasse come 

risultato di una fusione di acquisizioni culturali e di nozioni 

tecniche, supportate dalla necessaria fantasia ed intuizione. 

E sarà proprio lo studio delle varie discipline dello spettacolo 

che, corredando il corso di scenografia, offrirà allo studente il 

bagaglio culturale necessario per un ottimale sviluppo della sua 

formazione professionale. 

In questo senso non ci saranno preclusioni di sorta ed il programma 

didattico spazierà dall’indagine sulle origini e sulle 

forme acquisite dalla tradizione fino ai risultati della più stimolante 

sperimentazione.


PROGRAMMI 181 

1°LIV 

SCENOGRAFIA 

Enrico Mulazzani 

1°LIV 

SCENOGRAFIA 

Emiliano Viscardi 

Laboratorio di progettazione e composizione 

scenografica. 

Per consentire agli studenti del triennio 

di raggiungere una conoscenza 

globale della progettazione scenografica 

tale da permettere loro una certa 

attività professionale e possedere gli strumenti necessari per scegliere 

eventualmente la specializzazione nel biennio successivo, 

intendo suddividere i contenuti secondo questa scansione temporale: 

i primi due anni, essendo propedeutici, saranno dedicati 

allo studio dello spazio teatrale fornendo agli studenti gli 

strumenti tecnici di base. Si affronteranno poi la progettazione 

lirica e televisiva con visite a teatri e studi. 

Durante il terzo anno, affinché gli studenti abbiano un quadro 

più vasto della scenografia in tutte le sue sfaccettature, si passerà 

alla progettazione di spot televisivi, sfilate di moda e di tutti 

gli eventi che potranno rivelarsi utili agli obiettivi prefissati. 

Terminati i tre anni lo studente avrà una preparazione di base 

sufficiente in uno specifico settore che dovrà poi approfondire 

nel biennio di specializzazione. 

Indirizzo Video-Cinema 


Il corso considererà la complementarità 

di due metodologie, analitica e 

sintetica, fondendole ed integrandole 

in varia misura, per giungere alla formazione 

dello scenografo come figura poliedrica, non solo capace 

di pensiero creativo – estetico, ma dotato di sicure competenze 

tecniche, applicative, cognitive e logistiche. Una figura 

dotata di abilità progettuali idonee all’allestimento teatrale, televisivo 

e cinematografico, ma anche utili alla realizzazione di 

mostre; musei ed altri tipi di presentazione visiva; garante dell’evento 

visivo ed estetico, della comunità e delle corrispondenze 

fra scena e oggetto, spazio ed attore, parola, gesto, movimento. 

Primo anno 

Corso di preparazione al progetto scenografico: 

Progettazione di un impianto scenografico a tema: (scenafissa). 

YUKIO MISHIMA “Madame De Sade” 

Secondo anno 

Esercitazioni propedeutiche alla progettazione scenografica per 

la televisione. Progettazione per un Varietà televisivo 

Terzo anno 

Progetto per produzione cinematografica in teatro di posa e in 

esterno: 

Giorgio Strelher “I Mémoire di Carlo Goldoni”. 

Bibliografia 

- Primo anno. • G. RICHELLI, La rappresentazione prospettica 

e il progetto scenografico, 1999. • B. MELLO, Trattato di scenotecnica, 

Gorlich. • A PAGLIANO, Il disegno dello spazio scenico. 

Prospettive illusorie ed effetti luminosi nella scenografia teatrale, 

Hoepli, 2002. 

- Secondo anno. • AA.VV., Fare la televisione oggi. Tecniche 

produzione, Lupetti, 1996. • V. DEL PRATO, Manuale di Scenografia. 

Cinema, televisione, teatro, NIS, 1990. • NIGRI-CARBO- 

NE, Cappellini e Licheri, Kappa. 

- Terzo anno. • R. NEPOTI, L’illusione filmica, Manuale di fil-


182 

PROGRAMMI 

2°LIV 

SCENOGRAFIA PER IL CINEMA E LA TV 

Armando Nobili 

2°LIV 

SCENOGRAFIA TEATRALE 

Antonio Mastromattei 

Composizione scenografica per la televisione. 

Spazi - esigenze - regole della scenografia 

televisiva. Gli studi. L’esterno. I 

grandi eventi. 

Vincoli nella progettazione della scenografia 

(condizionamento imposto dallo spazio disponibile 

alla scenografia dei diversi programmi). 

Studio della scenografia per un programma definito. 

Studio della scenografia per un programma scelto. 

Bozzetto - modellino - elaborati tecnici (pianta rapporto 1:50 - 

alzati e sezioni rapporto 1:20). Capitolato e preventivo. 

Incontri con professionisti nel campo della TV (registi, direttori 

della fotografia, scenografi, autori ecc.). 

Sopraluoghi in studi usati per la realizzazione di programmi 

TV. Sopraluoghi in ditte che lavorano alla realizzazione di scenografie 

televisive. 

Tecniche, materiali e tempi di realizzazione. Critica di lavori TV 

esistenti ed attualmente in onda. Aspetti tecnici ed artistici. 

Nel primo anno del biennio si affronteranno cinque temi scenografici. 

Un tema si svilupperà durante la realizzazione del lavoro 

interdisciplinare “Orlando Furioso”. Gli altri quattro temi 

fanno invece parte del normale corso. La scelta dei testi e delle 

partiture è programmata in modo da coprire i vari generi teatrali 

(prosa, lirica, operetta, musical, balletto). 

Partendo dal presupposto che l’obiettivo principale del biennio 

sia quello di informare lo studente di quelle che sono le regole 

ed i vincoli della professione, mi è sembrato indispensabile legare 

ogni lavoro ad un preciso luogo teatrale: 

il teatro greco-romano, i teatri della II metà del ‘500, i teatri 

della I metà del ‘600 i teatri del Settecento e dell’Ottocento il 

teatro moderno i grandi spazi all’aperto – arene e stadi. 

Gli accoppiamenti in contrasto o in simbiosi sono: 

- “Aspettando Godot” o “Finale di Partita” di S. Beckett. Luogo: 

teatro greco o romano, Olimpico di Vicenza, teatro di Sabbioneta, 

teatro Farnese di Parma. 

- “Don Giovanni” di W. A. Mozart o “Barbiere di Siviglia” di 

G. Rossini. Luogo: un teatro italiano settecentesco o ottocentesco 

con palcoscenico non ristrutturato. 

- Operetta o Musical (titoli da concordare). Luogo: teatro degli 

Arcimboldi, Regio di Torino. 

- “Aida” di G. Verdi o Turandot di G. Puccini. Luogo: Arena di 

Verona, stadio. 

Ogni studente potrà scegliere un titolo ed un luogo teatrale tra 

quelli proposti. 

In parallelo con il lavoro di progettazione è prevista un’attività 

di ricerca e informazione: analisi dei materiali e delle tecniche 

realizzative; rapporto con il regista e con le altre professionalità 

presenti nella formazione di uno spettacolo. A supporto dell’approfondimento 

di questi temi si organizzeranno incontri con 

vari operatori presenti nel mondo del teatro.


PROGRAMMI 183 

1°LIV 

SCENOTECNICA 

Filippo De Filippi 

2°LIV 

SCENOTECNICA 

Angelo Lodi 

Il corso si basa sulla scenotecnica teatrale 

di base intesa come tecnica e teoria 

nell’uso di materiali e strutture, 

all’interno del teatro e spazi similari 

Il corso è semestrale ed è strutturato 

in tre fasi laboratoriali correlate da lezioni 

teoriche frontali dove verrà analizzato l’ambito della materia 

all’interno dell’ambito teatrale. 

Fase 1. 

Rilevo architettonico in scala 1:20 di ambiti architettonici composto 

da piante, sezioni, prospetti e particolari, se necessari, in 

scala adeguata. Possibilità di lavoro in gruppo. 

Fase 2. 

Prospettiva architettonica centrale da allestire all’interno di uno 

spazio teatrale generico con argomento il rilievo architettonico 

della I fase, scala 1:20. Lavoro singolo. 

Fase 3. 

Modello in scala 1:20 della prospettiva eseguita nella II fase in 

materiale tipo cartoncino monocromatico o a scelta dello studente. 

Lavoro singolo. 

Verrà tenuto anche un corso propedeutico per l’utilizzo di Autocad 

per poter eseguire i disegni richiesti tramite computer all’interno 

delle ore a disposizione. 

Scenotecnica accompagna il progetto 

scenografico fin dagli inizi della storia 

del teatro. 

Negli anni immediatamente precedenti 

il 1500, in Italia attori dilettanti 

rappresentavano commedie classiche 

su scene decorate con tende dipinte, su nudi palchi nelle 

piazze dei mercati o nelle sale dei palazzi nobiliari. 

Alla fine del ‘500 gli spettatori paganti avrebbero assistito a spettacoli 

in cui le scene riccamente dipinte cambiavano in continuazione, 

illuminate con luci colorate e con macchinismi teatrali 

stupefacenti. Così, nel corso di un solo secolo, grazie alla 

scenotecnica, il teatro passava dal mondo medievale al mondo 

moderno. 

Lo scopo del corso consiste nell’affiancare gli allievi durante il 

progetto scenografico, approfondendo la conoscenza degli elementi 

fondamentali che consentono di rendere realizzabile 

un’idea di scena. La scenografia è una scienza esatta e risponde 

a regole di architettura e matematica senza le quali non si 

regge. Per ben comprendere questo, oltre alle lezioni teoriche 

sarà necessario mostrare agli allievi le fasi successive al progetto 

scenografico preparato in studio, e cioè la sua realizzazione 

pratica. A tale scopo faremo una serie di lezioni dove verrà mostrato 

il mondo dei laboratori dove vengono realizzate le scene 

per il teatro. 

La proiezione di diapositive e filmati, la visione di campionature 

e cataloghi di materiali e la testimonianza diretta di professionisti 

del settore, aiuteranno gli allievi a meglio comprendere 

che il progetto scenografico non è fine a se stesso ma deve essere 

pensato per essere realizzato, messo in opera e per questo passare 

per le mani di numerosi professionisti di varie discipline. 

Per approfondire questo concetto, che è l’argomento portante 

del corso, serviranno alcune visite in veri laboratori scenografici 

e in spazi destinati ad accogliere il progetto, quali, palcoscenico 

di teatro, ecc. 

Parallelamente, procederemo ad una analisi dei progetti degli 

allievi, visti sempre sotto l’ottica della fattibilità e non del lato 

artistico. 

Per concludere il percorso didattico, ciascun progetto analizzato 

dovrà essere accompagnato dai disegni esecutivi degli elementi 

scenici, campionatura dei materiali delle varie superfici, 

eventuali elementi tecnologici da inserire nella scena e eventuali 

particolari decorativi e pittorici.


184 

PROGRAMMI 

2°LIV 

SCENOTECNICA 

Alessandra Picchi 

1°LIV 

SCENOTECNICA 

Elena Amadio 

analisi dei progetti 

Questo corso di scenotecnica si propone 

di stimolare negli studenti il desiderio 

di sperimentazione e di ricerca 

volti a sviluppare nuove espressioni 

scenografiche. Il corso sarà diviso in 

due parti: lezioni teorico/pratiche e 

Lezioni teorico/pratiche 

Si intende impostare questa parte su 3 punti cardine: 

Lezioni teoriche sui vari materiali (Power Point) 

Esposizione sulla cattedra di materiali vari da “toccare con mano” 

Visite nei laboratori di realizzazioni scenografiche (falegnamerie, 

carpenterie,tappezzerie….) 

Lezioni teoriche sulla luce indiretta (inserita nella scenografia) 

Esempi con immagini di applicazioni scenografiche (Power 

Point) 

Esempi pratici di reazione dei materiali alla luce 

Eventuale lezione in compresenza con professore di Light Design 

sulla luce diretta ed indiretta e suo effetto sulla scenografia. 

Visita negli studi televisivi con presenza del Direttore della Fotografia 

Analisi dello spazio. 

Esempi di scenografie televisive (Power Point) ed analisi delle 

varie problematiche legate allo spazio 

Visite nei vari studi televisivi per analisi di spazi diversi. 

Analisi dei progetti 

Affiancando gli studenti nel progetto scenografico cercheremo 

di fornire tutti gli strumenti tecnici utili a sviluppare un personale 

linguaggio espressivo: seguiremo una metodologia che, 

partendo dal disegno tecnico approderà a delle scelte precise di 

utilizzo di determinati materiali. 

Questa parte del corso si svolgerà in assoluta sinergia con il docente 

di scenografia televisiva e di scenografia cinematografica. 

Si prenderanno in considerazione i singoli progetti che gli studenti 

decideranno di realizzare con i professori sopracitati e si 

analizzeranno nella parte caratterizzata da questo corso. 

Obiettivo del corso è fornire agli studenti 

un metodo per l’approccio allo 

sviluppo scenotecnico di un allestimento: 

che si tratti di dover sviluppare 

un proprio progetto o di un altro 

scenografo oppure realizzare un allestimento 

su bozzetti storici, lo scenotecnico deve leggere, capire 

e immaginare come mettere in opera il soggetto e, nella pratica, 

saper redigere tavole tecniche che siano esaustive di tutte le informazioni 

necessarie per la realizzazione scenica. In questo 

senso il disegno tecnico diventa un “discorso” approfondito per 

gli addetti ai lavori e come tale deve essere completo in ogni sua 

parte. Lo sviluppo tecnico reso graficamente ha una sua logica, 

una sua genesi, un suo racconto ben preciso e questo sarà principalmente 

il fine ultimo del corso. 

Le lezioni saranno teoriche e pratiche ed investiranno prevalentemente 

il campo della realizzazione scenica teatrale. La parte 

teorica illustrerà la struttura e la nomenclatura delle varie parti 

della scatola teatrale; le componenti degli elementi di scena e le 

modalità di assemblaggio. La parte pratica verterà su tre esercitazioni 

distinte. 

1) La realizzazione di un “abbecedario” delle lezioni teoriche 

raccolte e personalizzate dagli studenti, e di semplici esercitazioni 

di restituzione prospettica. 

2) Redazione di tavole tecniche inerenti la restituzione prospettica 

di bozzetti all’italiana e di un proprio progetto del corso 

di scenografia. 

3) Sviluppo tecnico di tutte le componenti per l’allestimento completo. 

Gli argomenti che verranno trattati, sia nella parte teorica che 

nella parte pratica, saranno gli elementi costitutivi dell’esame finale. 

Bibliografia 

La bibliografia verrà suggerita durante le lezioni 

alessandrapicchi@ababrera.it


PROGRAMMI 185 

1°LIV 


Angela Occhipinti 

2°LIV 


Davide Pinardi 

Scrittura creativa - il libro d’artista. 

“Il libro come campo di sperimentazione”. 

Libro - contenitore, libro - oggetto, 

libro - opera, libro - calcografico 

- litografico - xilografico. 

Parola e immagine unico luogo: la 

percezione acustica diventa scrittura e la percezione ottica diventa 

disegno che si fondono per costruire un libro che a volte diventa 

oggetto-scultura con un rapporto quasi fisico nel codificare 

in altro modo i termini della comunicazione. Lettere 

alfabetiche, ideogrammi, corsivi, immagini, geroglifici vengono 

combinati in modo da scuotere il linguaggio e la lettura d’uso 

abituale, così da raddoppiare l’intensità del messaggio e ribaltare 

i significati. Alle immagini vengono accostate scritte a volte 

con sapore di contrasto, come stimolo per chi guarda. La “poesia 

e scrittura visuale”, dove i segni che significano se stessi e rimandano 

ad altro da sé, permette interpretazioni mutevoli e diventa 

suggerimento per la creatività dei giovani studenti. 

Il libro d’artista ha alle spalle una lunga storia e le sue radici fioriscono 

con intensa evidenza nel periodo del primo Novecento, 

soprattutto nelle avanguardie storiche. La sua nascita, pur nella 

scia delle esperienze delle avanguardie storiche europee d’inizio 

secolo, è fatta risalire all’inizio degli anni Sessanta. Come oggetto 

d’arte, spesso mantiene l’aspetto tradizionale, ma cambia la 

struttura e la funzione. Il testo è inteso come possibilità di trasmissione 

del pensiero e il segno-scrittura si svuota di ogni valore 

simbolico e vive diverse realtà e differenti dimensioni. Le pagine 

stampate con testo-segni, immagini, colori e forme del libro 

d’artista diventano un viaggio attraverso l’arte: è un raccontato 

che racchiude il pensare, guardare, narrare e conservare. 

Il libro d’artista quasi sempre circola attraverso i canali di distribuzione 

di massa e raggiunge un pubblico più vasto, annullando 

ogni idea aristocratica dell’opera d’arte. Gli artisti hanno 

utilizzato questo mezzo come autonoma opera d’arte e 

hanno modificato e contaminato la tradizionale struttura del 

libro che ha cominciato a vivere in simbiosi con gli orientamenti 

della pittura, della scultura e delle tecniche incisorie in 

tutte le loro evoluzioni. E’ un genere espressivo indipendente 

che da sempre attrae gli artisti più significativi dell’avanguardia 

internazionale come Man Ray, Marcel Duchamp, Andy Warhol, 

Munari, Isgrò, Lam, Tilson, ecc.. i quali anche attraverso 

questo mezzo hanno segnato capitoli fondamentali nel percorso 

dell’arte contemporanea. 

Durante le fasi del corso sarà data una bibliografia adeguata secondo 

le necessità individuale dello studente. 

Nel corso si tratteranno alcune delle 

regole essenziali e delle metodiche di 

base che facilitano la realizzazione di 

un’opera di scrittura narrativa (anche 

in una prospettiva multimediale). 

Per “opere di scrittura narrativa” 

s’intendono le forme testuali più varie: romanzi, racconti, soggetti 

cinematografici, fumetti, copioni teatrali o sceneggiature. 

Così pure- per certi aspetti- articoli, relazioni, saggi, discorsi e 

progetti che puntano a costruire messaggi con elementi di 

“universalità”. Si evidenzierà quale sia l’elemento fondante di 

ogni testo narrativo: il suo collocarsi all’interno di un mondo 

compiutamente rappresentato. E come, per rappresentare tale 

mondo, si debba costruirlo (se si tratta di fiction) o ricostruirlo 

(se si tratta di un mondo reale) nelle sue articolazioni principali: 

il topos (i suoi luoghi) il logos (i suoi linguaggi) l’ethos (i 

suoi valori collettivi) l’epos (la sua memoria) il genos (i suoi legami 

interni) il telos (le finalità autopercepite) il chronos (il 

suo essere nel tempo). Si mostrerà come ogni storia, individuale 

e collettiva, prima ancora di venir compiutamente ideata e 

poi sceneggiata debba essere necessariamente collocata in quello 

specifico mondo che la contiene e la giustifica. 

Bibliografia 

• F. Truffaut, Il cinema secondo Hitchcock, Pratiche, ed. varie 

• D. Pinardi, Il mondo narrativo, Lindau 2006. • C.T. Altan, 

Gli Italiani in Europa, Mulino 1999. 

Due testi a scelta: 

• AA.VV., Il grande manuale di scrittura creativa, Editrice Nord, 

1999. • S. CHATMAN, Storia e discorso, Saggiatore, 2003. • C. VO- 

GLER, Il Viaggio dell’eroe, Audino 1999. • V. J. PROPP, Morfologia 

della fiaba, Einaudi 2000. • L. FORLAI, A. BRUNI, Come raccontare 

una grande storia, Audino. 1996. • R. MC KEE, Story, 

International Forum Roma, 2000. • S. CHATMAN, Storia e discorso, 

Saggiatore, 2003.


186 

PROGRAMMI 

1°LIV 

SCULTURA 

Guido Lodigiani 

1°LIV 

SCULTURA 

Giampiero Moioli 


Scultura “corpo d’amore”. 

Lo studente è posto di fronte alla realtà 

con il compito di disegnare, modellare 

e scolpire secondo il proprio 

intendimento. Un percorso artistico 

di valore ha origine nello studio della storia della scultura e nella 

visione diretta delle opere ma si arricchisce particolarmente 

nell’analisi critica dei risultati attualmente raggiunti dalle 

molteplici espressioni delle arti. Quanto uno vive, penetra 

nell’animo e talvolta torna in superficie anche in forme originali. 

Sono previsti i seguenti laboratori: a – disegno da scultore. 

b – pratiche del mestiere dello scultore. c – poetica e progetto. 

Lo studente, che avrà acquisito i crediti di frequenza 

necessari per iscriversi all’esame e avrà predisposto una sintetica 

relazione di progetto con immagini (cartaceo e CD), tenendo 

conto del programma specifico, presenterà in sede d’esame 

gli elaborati prodotti nei laboratori (disegno, pratiche, poetica) 

ed esporrà i contenuti del proprio percorso artistico, anche in riferimento 

ad opportune ricerche bibliografiche. 


L’ identità – creazione artistica come testimonianza. 

Bibliografia 

• D. LAJOLO, A Floriano Bodini, uomo e scultore in A.A.V.V., Bodini 

Zigaina per un amico, Montrasio Arte, Milano, 2004. • A.A.V.V., 

Due Secoli di Scultura - La Città di Brera, Fabbri, Milano, 1995. 

• H. MOORE, Sulla Scultura, Abscondita, Milano, 2002. • E. BIAN- 

CHI, La differenza cristiana, Einaudi, Torino, 2006. • J. CLAIR, La 

responsabilità dell’artista, U. Allemandi, Torino, 1998. • M. HEI- 

DEGGER, Corpo e Spazio, Il nuovo melangolo, Genova, 2000. • C. 

PIROVANO, Disegno e Scultura nell’ arte italiana del XX° secolo, 

Società La Permanente, Milano, 1994. • R. KRAUSS, Passaggi, B. 

Mondadori, Milano, 1998. • G. TESTORI, La cenere e la carne, Le 

lettere, Firenze, 2002. • M. AUGÈ, Non luoghi, Elèuthera, Milano, 

1993. • L. PERELLI, Public Art, F. Angeli, Milano, 2006. 

Il corso si sviluppa in due parti complementari: 

le lezioni frontali e il laboratorio 

progettuale e/o plastico. 

Nelle lezioni teoriche si affronta lo studio 

delle metodologie di artisti contemporanei. 

Nel laboratorio lo studente progetta e realizza un oggetto plastico 

tridimensionale; negli incontri e nelle discussioni con il docente 

vengono approfondite le idee e fornite le indicazioni per lo 

svolgimento laboratoriale. 

Lezioni teoriche. 

Il corso sarà incentrato sui rapporti fra la tridimensionalità concreta 

e virtuale e sugli effetti di questo rapporto sulla progettazione 

artistica e scultorea. 

Si partirà dai materiali e dalle tecniche tradizionali per arrivare 

alle forme espressive e progettuali contemporanee. 

- I materiali tradizionali: terracotta, gesso cemento e gessi ceramici, 

metalli. 

- I materiali contemporanei: plastiche, schiume e poliuretani; 

laser led e fibre ottiche. 

- Il processo progettuale: lo spazio della scultura, la progettazione 

e le tecniche di modellazione tridimensionale digitale. 

Lo sviluppo di programmi di modellazione tridimensionale sofisticati 

e open source come Blender favorisce sempre più le possibilità 

di espressione creativa e artistica e quelle di comunicazione 

multimediale e porta a un passaggio diretto dalla progettazione 

alla realizzazione dell’opera. Dal punto di vista progettuale 

Blender è essenziale sia per le sue possibilità di espressione diretta 

e di espansione della creatività artistica sia come veicolo per 

entrare in altre dimensioni tridimensionali: nei mondi virtuali o 

progetti in via di sviluppo come Project Wonderland, in quelli 

della fisica simulata e dell’interattività. L’obiettivo è quello di 

evidenziare i contatti fra virtuale e reale nel processo di progettazione; 

un interscambio fra mondi che apre la strada a nuove interpretazioni 

della tridimensionalità scultorea e architettonica e 

a nuove figure professionali. 

Bibliografia 

• MARIO GEROSA, Rinascimento virtuale, Roma, 2008. • JOHN 

BEARDSLEY, Earthworks and beyond, New York, 2006. • AMY 

DEMPSEY, Destination art, London, 2006. 

www.blender.org www.albertiniemoioli.it


PROGRAMMI 187 

1°LIV 

SCULTURA 

Vito Bucciarelli supplente Vittorio Corsini 

1°LIV 

SCULTURA 

Stefania Albertini 


Il Novecento è stato il secolo dallo 

Sguardo Lungo, una Tecnica che ha 

mirato a realizzare una visione Globalizzante, 

Unitaria, del Fuori e dal di 

Fuori . 

Uno Sguardo che pone la sua messa a fuoco in uno - Spazio 

Iperbolico - a dodici miliardi di anni luce. Spazio dove la Scienza 

ha posto in questo fine inizio secolo, l’origine dell’Universo e 

della materia. Differentemente dai miti antichi che pongono 

nella ciclicità e nelle distanze durevoli e mutevoli l’apparizione 

della figura,la Tecnica in quest’epoca, ha prodotto nell’unità del 

Tempo Reale l’immagine e il suo apparire. Il corso è strutturato 

come Laboratorio Multitecnico, intendendo per “Tecnica sia 

l’universo dei mezzi (tecnologie) che nel loro insieme compongono 

l’apparato tecnico, sia la razionalità che presiede al loro 

impiego in termini di funzionalità ed efficienza”.(U Galimberti, 

Psiche e Techne) Chiarito storicamente che la scultura non è solo 

l’arte e la tecnica dello scolpire, e che etimologicamente l’Arte 

e “Tèkhené” sono la stessa realtà, possiamo fondare paradossalmente 

una nuova “Certezza”: Tutte le Tecniche sono la 

Scultura.Da qui la necessità di pensare un modello di laboratorio 

che sviluppa, la conoscenza della “MATERIA”, il suo rapporto 

con il linguaggio Tecnologico, Meccanico, Elettronico,con i 

loro strumenti e con l’attuale ricerca artistica. I materiali, scelti 

attraverso lo studio e una riflessione critica sull’ importanza del 

loro utilizzo,nelle esperienze dell’Arte del Novecento, saranno 

oggetto di esercitazioni per gli studenti. Lo studio diretto sul corpo 

“ modello” consente di approdare alla conoscenza del corpo 

sensoriale, e sottolineare la differenza tra l’ oggetto inanimato e 

il corpo organico vivente. 


Una conversazione sulla ricerca fatta e sul lavoro presentato. 


Il corso privilegia l’idea di una specificità 

della scultura intesa come arte 

che più delle altre manifesta una sua 

materialità e spazialità ma anche 

una flessibilità operativa fuori dai 

contesti tradizionali della disciplina. 

Dalla comprensione dei procedimenti tecnici si arriverà a quella 

del linguaggio dei materiali e delle loro proprietà sensoriali 

come momento di precisazione dell’ espressività dell’artista e 

come possibilità di liberare la scultura dal suo peso materiale 

verso la leggerezza della creatività e del libero pensiero. 


Il corso è articolato in 3 momenti fra loro complementari: teoria, 

laboratorio, revisioni. 

Attraverso una serie di lezioni teoriche con proiezioni di immagini 

e video verranno evidenziati i percorsi metodologici e progettuali 

di alcuni artisti e analizzate tecnologie e tipologie di alcuni 

materiali, da quelli tradizionali ai nuovi materiali plastici. 

Durante l’anno verranno organizzati alcuni “Quick Lab”: i laboratori 

- attraverso materiali e temi sempre diversi proposti dal 

docente in modo estemporaneo - indirizzeranno l’allievo verso 

la realizzazione di elaborati spontanei per spazi flessibili ed elastici 

e tesi a privilegiare l’intuizione artistica immediata. 

Tale idea si contrappone al lento processo progettuale. 

Bibliografia e DVD 

• CECILIA CECCHINI, Plastiche: I materiali del possibile, Alinea 

editrice, Firenze, 2004. • MIKE ASHBY, KARA JOHNSON, Materiali e 

Design, Casa Editrice Ambrosiana, Milano, 2005. • ANDY GOL- 

DSWORTHY, Rivers and Tides, absolute Medien, dvd. 

Bibliografia 

La Bibliografia sarà data durante le lezioni teoriche.


188 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Carmelo Zullo 

1°LIV 

SCULTURA 

Alessandra Porfidia 

Il corso si propone di preparare lo 

studente alle conoscenze specifiche 

dei materiali e delle tecniche che attengono 

alla loro lavorazione, esso è 

complementare al corso fondamentale 

di scultura. 

Fasi operative principali 

- Conoscenza di tutti i materiali utilizzati in scultura e aderenza 

alle valenze semantiche che si vogliono perseguire. 

- Studio dei materiali utilizzati nel passato e nell’epoca contemporanea. 

- Organizzazione dello spazio operativo e strumenti di lavoro. 

- Incidenze delle arti plastiche in rapporto alla loro collocazione. 

- Studio degli esiti progettuali e metodologici in rapporto ai materiali 

utilizzati nel nostro tempo. 

Si approfondiranno tematiche tese a sperimentare tecniche e materiali 

rispondenti all’idea progettuale precedentemente concordata 

con il docente. 


Gli studenti dovranno presentare un’opera scultorea e una ricerca 

scritta riferite al materiale scelto, dovranno sostenere un 

colloquio in cui esporre le loro motivazioni e le metodologie 

tecniche utilizzate per la realizzazione dell’opera prodotta. 

Bibliografia: 

• PHILIPPE CLÈRIN, Manuale di scultura (tecniche-materiali-realizzazioni). 

• NINO CARUSO, Ceramica Viva, ed. Hoepli. • ADRIANA 

BAGLIONI, Nuovi materiali leggeri per l’architettura. • FRANCESCO 

DE BARTOLOMEIS, La tridimensionalità nell’arte contemporanea. 

Cos’è scultura oggi? Attraverso quali 

specificità - di ambito, di linguaggio, 

di forme - è possibile connotarla? Ha 

una propria identità che la rende riconoscibile 

e distinguibile dagli altri 

linguaggi in cui si declina l’arte? 

Il corso esplorerà alcune risposte a queste domande. 

Metodologicamente, il corso parte dalle esperienze più classiche 

per indagare successivamente le nuove forme ed i nuovi linguaggi 

che nel corso del tempo hanno connotato l’opera degli 

artisti più recenti. 

La materia ha costituito uno degli orizzonti fondamentali della 

scultura contemporanea: si è scoperta direttamente in essa 

l’espressività poetica, ma oggi l’uso di nuove processualità e 

nuove tecnologie ha favorito uno sguardo ancora più illimitato 

e aperto per la scultura. 

Il rapporto dialettico e di sinergia con la Forma e con lo Spazio 

resta tuttavia condizione determinante e imprescindibile in 

questa declinazione dell’arte. 

Nelle lezioni teoriche saranno trattati temi come: 

- La percezione: percezione visiva e percezione tattile, sensorialità. 

- Il concetto di relazione. 

- La poetica della materia: dalle materie plastiche alla materia 

elettronica. 

- La tecnica e il modo. 

- La stabilità e il moto, lo spazio e l’ambiente, l’interno e l’esterno. 

- La forma e il tempo. 

- La creazione e la distruzione. 

Ma anche temi come l’identità ed il ruolo dell’artista, la passione, 

il sentire, il mercato, la banalità, la comunicazione, il senso, 

ecc. 

Gli allievi saranno coinvolti in progetti finalizzati, individuali o 

di gruppo: mostre, concorsi e simposi pratici e teorici a tema. 

Bibliografia 

• ROSALIND KRAUSS, Passaggi - Storia della scultura da Rodin 

alla Land Art, Bruno Mondadori, Milano 1998. • YVES-ALAIN 

BOIS, ROSALIND KRAUSS, L’informe, Bruno Mondadori, Milano 

2003. • MARIO PERNIOLA, Del sentire, Einaudi, Torino 1991.


PROGRAMMI 189 

1°LIV 

SCULTURA 

Roberto Rocchi 

1°LIV 

SCULTURA 

Filippo Scimeca 

Il contemporaneo dell’arte è oggi un mondo complesso dove 

l’interazione tra i molteplici linguaggi, le contaminazioni socio-culturali, 

e l’uso di nuove tecnologie, portano la scultura ad 

oltrepassare quel limen di tradizione che l’hanno originata. Il 

corso dovrà essere uno strumento di indagine con riflessioni su 

cosa è la scultura contemporanea? come si manifesta nelle sue 

diversità? Nella parte iniziale della didattica si affronterà tutto 

ciò che è il processo tecnico-artistico-laboratoriale basilare in 

tutte le sue diverse metodologie operative per arrivare a un indagine 

sui linguaggi contemporanei nelle sue molteplici rappresentazioni 

linguistiche. 

Si affronteranno temi come la figura nel suo processo evolutivo 

- l’oggetto scolpito o modellato - la materia nella sua bellezza 

intrinseca - l’opera in relazione allo spazio - l’opera creata attraverso 

la forma - l’opera creata attraverso il concetto - il desiderio 

dell’artista. 

Saranno indispensabili esperienze esterne, nello specifico visite 

a poli museali e laboratori artistici che permettano una più approfondita 

formazione su tutto ciò che è arte oggi. 

Bibliografia 

• RUDOLF WITTKOWER, La scultura raccontata da Rudolf Wittkower 

dall’antichità al novecento, Einaudi. • MARIO DE MI- 

CHELI, La scultura del novecento, UTET. • MASSIMO MODICA, Che 

cosa è l’estetica?, Editori riuniti. 

L’insegnamento non può essere tradotto 

in formule predeterminate, essendo 

chiaro che qualsiasi modo di 

operare è continuamente soggetto ad 

una reinvenzione, di opera in opera, 

di momento in momento: è un “fare 

inventando il modo di fare”. Lo studente sarà quindi indirizzato 

verso un tipo di professionalità che prevede un costante impegno 

progettuale, finalizzato a studiare e definire la spiritualità 

e l’estetica di una forma e i rapporti che legano l’intervento 

dello scultore allo spazio-ambiente cui si riferisce. Gli esercizi 

hanno lo scopo di distogliere l’allievo dalla pratica di ripetizioni 

manieristiche di schemi e stereotipi guidandolo a un esame 

analitico e particolareggiato della realtà, attraverso il quale gli 

sarà gradualmente possibile trovare personali metodi di approccio 

con i problemi della forma e dello spazio. I soggetti, le tecniche 

operative e i materiali sono liberi e stabiliti di volta in volta 

dal docente del corso perché lo studente, in piena ed assoluta 

libertà, possa crescere nel cammino dell’arte e sviluppare le proprie 

idee ricercando la propria via nella scultura contemporanea. 

Il corso mira inoltre alla crescita progettuale-realizzativa 

dove vengono analizzati e sensibilizzati i problemi tecnico-percettivi, 

l’estetica delle forme e l’equilibrio delle masse nello spazio. 

Sarà puntualizzata la storia della scultura con particolare 

attenzione alle forme moderne e contemporanee. Infine, coadiuvato 

da personalità del mondo della cultura e dell’arte, saranno 

approfonditi, con conferenze, proiezioni di diapositive, 

visite a mostre e viaggi culturali, i momenti artistici più significativi 

del nostro tempo. 

Bibliografia 

• C. MALTESE, Le tecniche artistiche, Mursia. • E. H. GOMBRICH, 

Arte percezione e realtà, Einaudi. • R. ARNHEIM, Arte e percezione 

visiva, Feltrinelli. • M. JAMMER, Storia del concetto di 

spazio, Feltrinelli.


190 

PROGRAMMI 

1°LIV 

SCULTURA 

Paolo Gallerani 

2°LIV 


Nicolé Gravier 

I contenuti disciplinari del corso riguardano teorie e metodi, tecniche 

e strumenti relativi alla produzione artistica con specifico 

riferimento ai linguaggi delle discipline plastiche nei loro aspetti 

fondativi e in rapporto alle mutazioni generatesi nel contemporaneo. 

I contenuti, sviluppati in termini teorici, operativi e laboratoriali 

si riferiscono su un versante, 

ai problemi dello spazio e del luogo: scultura e luogo, il luogo 

mancante, scultura e utopia, nomadismo e migrazioni. 

Sull’altro versante i contenuti sono sviluppati in relazione al rapporto 

tra i linguaggi plastici, la dimensione temporale e lo spazio 

dell’azione: costruzione che perdura e costruzione effimera; rapporti 

tra arte colta e produzione popolare; il corpo: il corpo e i suoi 

prolungamenti, ambiente e azione, corpo e tecnologie, il corpo sociale. 

Se viene riconosciuta, nei confronti della totale frammentazione 

della ricerca artistica attuale nel settore delle arti plastiche, la 

necessità di un processo di riconoscimento dei caratteri specifici 

e fondativi della disciplina, si analizzano contemporaneamente, 

anche con l’organizzazione di seminari e incontri, le interazioni 

tra la scultura e le aree disciplinari connesse: architettura, pittura, 

design, musica, scrittura, area dello spettacolo, area delle 

nuove tecnologie. 

Negli anni di corso è prevista l’attuazione di Workshop di scultura 

presso Università straniere collegate dal Progetto Erasmus e in 

Italia dove ha luogo annualmente dal 1995 un Simposio presso 

le Cave di pietra e i Laboratori nei Monti Berici (Vicenza). 

Stabilita la necessità di una formazione culturale complessa interna 

e esterna all’Accademia, caratteristica del corso è l’essere 

basato sulla pratica laboratoriale e di ricerca individuale svolta 

all’interno dell’Aula Laboratorio di Scultura, dotata anche di sistemi 

di comunicazione multimediale, in quanto si ritiene di 

straordinaria importanza formativa il confronto delle esperienze 

tra i partecipanti al gruppo classe ormai sempre più multinazionale. 

Si propongono riflessioni e lavori che 

porteranno a: 

una rappresentazione simbolica del 

sé, un autoritratto dell’anima, legato 

in parte all’utilizzo del simbolismo 

del corpo o delle diverse parti del corpo, 

come traduzione dei molteplici stati d’animo e della propria 

interiorità; relazioni e interrelazioni con la Natura e i suoi elementi; 

relazioni con l’Altro o con il proprio alter ego; 

riflessioni filosofiche legate al concetto “vita-morte-rinascita” 

ecc.; aspetti della Donna (o di se stesso) in relazione al Tempo, 

al simbolismo lunare, ai cicli della vita/crescita e morte/rinascita; 

fecondità/maternità con riferimenti ai culti della Terra/Madre 

e ai grandi miti della Dea Madre come matrice di vita; notte, 

sogno, inconscio, contemplazione e immaginazione in riferimento 

alla sua storia e ai ricordi personali. 

Nel lavoro finale, presentato come un’opera conclusa, lo studente 

utilizzerà i diversi mezzi appresi per sviluppare il proprio 

tema quale disegno, segno, scrittura creativa, fotografia, collage 

e utilizzo simbolico del colore.


PROGRAMMI 191 

2°LIV 


Paola Salvi 

2°LIV 

SEMIOLOGIA E RETORICA DEI SISTEMI ESPOSITIVI 

Mariella Perrucca 

Il corso, che si svolgerà in lezioni teoriche 

e attività di laboratorio, prevede 

l’acquisizione sintetica dei contenuti 

e dei metodi della semiologia, dalle 

teorizzazioni di Ferdinand de Saussure 

alla ricollocazione operata da 

Roland Barthes, attraverso i rapporti con le varie forme del pensiero 

e delle conoscenze del Novecento e fino alla specifica individuazione 

di una semiologia del corpo (U. Galimberti) ed alla 

successiva dialettica sino ad oggi. 

Le teorie generali proprie della semiologia, con focalizzazione 

sui temi del corpo e della corporeità, saranno ricondotte alle arti 

visive sia come sistema linguistico, sia nell’ambito di specifici 

movimenti, sia come espressione soggettiva. 

In tal senso corpo e corporeità saranno affrontati nella loro prevalenza 

simbolica, ossia come luogo polivalente (e ambivalente) 

di iscrizione simbolica, con riguardo specifico all’atto creativo 

delle diverse arti visive e della comunicazione visuale. 

L’attività laboratoriale comprende sia l’analisi di opere d’arte 

sia l’esercizio creativo, anche in relazione con i temi di ricerca 

artistico/tecnica del discente. 

Saranno temi particolari del corso i seguenti: 

- originarietà del corpo 

- corpo e mito 

- corpo come luogo di ambivalenza simbolica 

- corpo e polivalenza simbolica 

- corpo e natura/corpo e cultura 

- corpo come “mondo minore” 

- corpo e società 

- corpo e linguaggio 

- corpo e comunicazione visiva. 

Bibliografia 

Per la parte più generale di semiologia saranno fornite dispense 

riassuntive delle teorie dei principali autori (C. S. Peirce, F. de 

Saussure, R. Barthes, U. Eco); per la parte di analisi di opere e 

movimenti artistici si farà ricorso a testi monografici e cataloghi. 

Saranno comunque testi di riferimento: 

• JULIEN OFFROY DE LA METTRIE, L’uomo macchina, Milano, 

1990. • ANDRÉ LEROI-GOURHAN, Il gesto e la parola, Torino, 1990. 

• U. GALIMBERTI, Il corpo, Milano, 2002 (e successivo aggiornamento). 

L’insegnamento vuole offrire, attraverso 

una serie di lezioni teoriche, le 

nozioni, prevalentemente semiotiche 

e retoriche, necessarie per l’elaborazione 

di strumenti critici finalizzati 

all’analisi e alla valutazione di testi 

complessi quali le mostre e i musei. 

Le nozioni acquisite in aula, e assimilate mediante esercitazioni 

guidate, consentono agli studenti l’elaborazione individuale 

di alcuni strumenti di analisi, che sono messi a punto attraverso 

applicazioni “sul campo”, e che potranno essere impiegati 

nella valutazione critica della comunicazione e di mostre e musei, 

come pure nelle diverse fasi della loro progettazione. 

Alcuni tra gli argomenti trattati nelle lezioni sono: gli elementi 

del processo di significazione; le funzioni comunicative di Jakobson; 

la nozione relazionale di segno da de Saussure a Barthes; 

la relazione significante/cosa e l’isologia significante/significato; 

la semiosi, da Peirce a Eco; la funzione segnica e la 

costituzione asintotica dell’oggetto; paradigma e sintagma; la 

nozione semiotica di testo; testo e interpretazione; la deriva interpretativa 

per Jacques Derrida e i decostruzionisti; la polemica 

di Eco e la distinzione tra uso e interpretazione; la cooperazione 

interpretativa e la libertà del lettore ‘vigilata’ dal testo; l’articolazione 

delle tre intentiones in Eco; i sistemi espositivi come 

testi; le funzioni comunicative nei sistemi espositivi; oggetti 

esposti ed oggetti espositivi; la semiosi nei sistemi espositivi; il 

problema dell’esplicitazione degl’interpretanti; la retorica e le 

sue parti; la retorica nei sistemi espositivi; la teoria del paratesto 

letterario in Gérard Genette e l’analisi paratestuale dei sistemi 

espositivi. 

La prova d’esame consiste in un colloquio che, a partire dalla 

discussione degli elaborati preparati dallo studente, tocca i diversi 

argomenti delle lezioni. Per la preparazione dell’esame, lo 

studente si basa sugli appunti, sulle indicazioni bibliografiche 

fornite nello svolgimento del corso e sui testi analizzati in aula 

e disponibili presso il centro fotocopie.


192 

PROGRAMMI 

2°LIV 

SEMIOTICA DELL’ARTE 

Gabriele Perretta 

1°LIV 

SERIGRAFIA 

Silvia Vaccaneo 

Finalità e obbiettivi 

La semiotica visiva indaga, inoltre, 

che cosa sono i segni delle opere e come 

acquistano la proprietà di trasmettere 

i significati: ossia, i modi in 

cui sono intesi dal parlante, fanno riferimento 

a cose e idee e sono interpretati dall’ascoltatore. Lo 

scopo della teoria semiotica visiva è di associare il significato 

dei segni (cioè l’oggetto che indicano) con il processo di assegnazione 

dei significati. Le metodologie della semiotica del testo 

visivo hanno applicazioni importanti in tutti i campi dell’arte 

e delle arti. 


Durante il corso saranno affrontati dal punto di vista della semiotica 

del testo, alcuni temi oggi molto discussi nella riflessione 

sull’opera d’arte: ritratto e autoritratto, immagine pittorica e 

immagine digitale, struttura mediale dell’immagine, installazione 

tradizionale e installazione multimediale, fotografia e foto 

in rete, scrittura visiva, paradigmi concettuali del segno visivo, 

performance, procedimento e processo, attualità dell’happening, 

intertestualità diffusa, bidimensionalità, tridimensionalità 

e spazialità viva e virtuale, paradosso tra lingua e linguaggio 

nel visivo, ecc… 

Bibliografia 

La bibliografia completa del corso e le letture consigliate verranno 

fornite durante le lezioni. 

I contenuti disciplinari comprendono 

la totalità delle operazioni inerenti la 

riproduzione iterativa dei grafismi su 

differenti tipologie di supporti, tramite 

il trasferimento di differenti tipologie 

di elementi di contrasto e si avvalgono 

del procedimento di stampa permeografica (la serigrafia). 

Investono l’analisi dell’originale artistico da riprodurre, per arrivare, 

mediante i processi grafici idonei e la realizzazione di 

prematrici, matrici e forme di stampa all’elaborato stampato. 

Comprendono: le selezioni manuali e/o fotografiche, le forme di 

stampa realizzabili per via manuale, fotografica, meccanica e 

elettronica e/o mediante qualsiasi altra tecnica compatibile. Includono 

la conoscenza teorica di base, gli studi sui materiali 

quali la carta ed i differenti supporti idonei alla stampa serigrafica, 

gli inchiostri specifici, i procedimenti tecnici e le differenti 

metodologie di stampa, la ricerca, la sperimentazione e la realizzazione 

di elaborati grafici seriali. Implicano possibili interazioni 

con le altre tecniche di stampa. 


L’esame consiste nella presentazione degli elaborati artistici 

stampati e della relativa documentazione tecnica - quali studi, 

selezione e prove colore - oltre ad una verifica scritto-grafica inerente 

gli argomenti trattati. 

Bibliografia 

Testi di cultura visiva, di grafica e di tecniche di stampa. 

• Grafica, scienza, tecnologia ed arte della stampa, Ghiorzo 

editore, Milano, 1986.


PROGRAMMI 193 

2°LIV 

SISTEMA EDITORIALE PER L’ARTE 

Giacinto Di Pietrantonio 

Il sistema dell’arte è una delle questioni 

più interessanti e dibattute dell’arte 

moderna e contemporanea, anzi 

è la premessa necessaria nella quale 

l’arte si afferma, si veicola, si distribuisce 

e si socializza. Non a caso esso 

è diventato un punto di riflessione cruciale su cui Marcel Duchamp 

ha fondato il suo rivoluzionario lavoro che ha informato 

e continua a informare migliaia di artisti e non solo. 

Tuttavia, il sistema dell’arte non è solo una questione della contemporaneità, 

ma qualcosa che nasce già nell’antichità almeno 

a partire dal secolo XVII con la nsacita delle mostre. In questo 

senso credo bisogna tenere presenti due volumi durante il corso: 

“Art diary” giuda dell’arte, o come diceva Warhol: “La Bibbia 

dell’arte” e “La nascita delle mostre” di Francis Haskell. Di questo 

universo mondo parlerà il corso che vuole analizzare le figure 

diverse che compongono tale sistema, mentre altri libri 

verrano consigliati durante lo svolgimento delle lezioni. 

2°LIV 

SISTEMI MODA E NUOVE TENDENZE 

Maurizio Cavezzali e Valentina Sartorio 

Il corso è suddiviso in 3 parti che si prefiggono lo scopo di fornire 

agli studenti le basi teoriche e pratiche necessarie a capire i 

meccanismi e il funzionamento dell’attuale sistema moda italiano. 

Parte 1 

Studio, analisi e discussione dei diversi approcci di studio sulla 

moda dell’ultimo secolo: 

sociologia della moda e dei consumi, analisi delle teorie dei più 

autorevoli sociologi contemporanei e non, che hanno dedicato 

parte dei loro studi al fenomeno della moda. 

Approccio antropologico. Approccio psicologico. 

Parte 2 

Sitema moda Italia con analisi parallela del sistema moda USA 

e del sistema moda Francia. Al termine delle lezioni teoriche 

verrano analizzate delle case histories dove esperti del settore e 

nuovi brand porteranno la loro testimonianza. 

Parte 3 

Trattandosi di un corso con frequenza obbligatoria, gli esami si 

baseranno sulla discussione di un progetto di ricerca, che verrà 

assegnato ad ogni studente. I progetti di ricerca verranno assegnati 

dopo una serie di “esplorazioni sul campo” effettuate per 

dimostrare, spiegare e verificare la diffusione delle nuove tendenze 

all’interno delle subculture giovanili e di conseguenza 

nell’intero sistema moda. 

Durante il corso sarà data agli studenti la possibilità di partecipare 

a manifestazioni e mostre inerenti agli studi svolti. 

Bibliografia 

Lettura consigliata: 

• VANNI CODELUPPI, Che cos’è la Moda, Carocci editore. 

Durante il corso verranno proiettate e distribuite le slide di supporto 

alle lezioni.


194 

PROGRAMMI 

1°LIV 

SISTEMI INTERATTIVI 

Rudy Mirko Melli 

2°LIV 



Le teorie alla base della Visione Artificiale 

permettono di realizzare un’interazione 

basata sui movimenti del 

corpo nascondendo la tecnologia e 

rendendola, quindi, più naturale e 

diretta. Per questo scopo vengono affrontate 

molteplici discipline e studiate tecniche di elaborazione 

di segnali audio e video, alla base della percezione umana. 

Il corso è organizzato in una serie di lezioni frontali di teoria 

sulle attuali tecnologie informatiche, sulla formazione dell’immagine, 

l’elaborazione e l’estrazione della silhouette, a cui segue 

una parte di lezioni in cui gli studenti possono sperimentare 

le tecniche appena apprese scoprendo una piattaforma di 

programmazione visuale. Inoltre, durante il corso gli studenti 

realizzano l’elaborazione progettuale di un’installazione o performance 

applicando le teorie apprese a lezione. 

Attraverso le conoscenze di base della teoria della formazione 

dell’immagine, dell’elaborazione e della sua interpretazione si 

scoprirà come trasformare una telecamera in un sensore interattivo. 

Saranno analizzati gli strumenti software utilizzati nella realizzazione 

di sistemi interattivi. Si studieranno le tecniche per il riconoscimento 

della silhouette dell’attore, riconoscimento dei 

punti di colore, composizione mediante il canale alpha, chroma 

key, elaborazioni grafiche, interazione con altri sistemi tramite 

protocollo MIDI, interazione con sensori ambientali esterni, 

interazione con sistemi per vj e strumenti musicali. Si 

analizzeranno le tecniche avanzate che permettono di estrarre 

automaticamente conoscenza dall’ambiente circostante l’installazione: 

color blob tracking e motion detection. 

Bibliografia 

Dispense fornite durante il corso 

Aspetti socio-culturali della rivoluzione 

digitale. 

Tecnologia e società sono legate fra 

loro da quel rapporto biunivoco cosi 

ben delineato da Mc Luhan quando 

affermò nel 1960, che mentre l’uomo 

cambia il mondo grazie alla tecnologia, essa a sua volta cambia 

altrettanto radicalmente l’uomo, il suo modo di vivere e di rapportarsi, 

il suo immaginario e la sua stessa visione del mondo. 

Di tutte le grande rivoluzioni tecnologiche, quella digitale è certamente 

una delle più radicali, superiore probabilmente - per la 

sua pervasività - a quando lo fu a suo tempo l’invenzione della 

stampa. 

Le idee e i valori fondamentali su cui si è costruita e si regge la 

nostra società stanno subendo un veloce e talvolta traumatico 

cambiamento: concetti basilari dello spirito del tempo novecentesco 

(idee di individuo, storia, autore, opera, se non addirittura-ancor 

più radicalmente- di spazio e di tempo, di visibile ed 

invisibile) trascinando nella loro attuale metamorfosi l’intera 

struttura sociale ed economica in cui viviamo, mentre nuovi 

modelli di partecipazione (come la pratica dello sharing) delineano 

nuove forme di identità sociali. 

Scopo del corso è quello di affrontare le tematiche relative alle 

trasformazioni culturali dovute al diffondersi delle nuove tecnologie 

digitali – in particolare sotto l’aspetto della comunicazione 

- all’interno della società contemporanea, sia attraverso i 

contributi critici dovuti agli studiosi internazionali del fenomeno, 

sia attraverso l’analisi diretta dei documenti sociali che essa 

produce. 

Nella dialettica culturale fra media tradizionali e nuovi media, 

si delineeranno vari nuclei tematici, corrispondenti agli argomenti 

trattati nei vari incontri.


PROGRAMMI 195 

1°LIV 


Antonio Caronia 

Introduzione 


gli elementi essenziali per la 

comprensione del rapporto fra tecnica, 

linguaggio e immaginario nelle 

varie culture umane, in particolare in 

quella industriale e postindustriale, così da aiutare l’allievo a 

esplicitare le possibilità degli strumenti tecnici che impara ad 

usare, e a divenire consapevole delle loro valenze espressive. 

Parte I 

I fondamenti dell’antropologia filosofica. 

L’immaginario e il linguaggio nel loro legame con la tecnica. 

Il dibattito sulla tecnica nella filosofia del Novecento. Organo, 

ambiente e macchina nell’antropologia filosofica tedesca da 

Nietzsche a Heidegger. L’uomo come animale “aperto al mondo” 

e “incompleto”. 

La sistemazione dell’antropologia filosofica di Arnold Gehlen. Il 

concetto di “esonero”. 

L’uomo come “animale tecnico” e “costruttore di mondo”. Il ruolo 

della tecnica nei mezzi di comunicazione in Marshall McLuhan. 

Inadeguatezza della visione della tecnica come protesi nell’era del 

digitale. La tecnologia come mondo: una nuova teoria? 

Parte II 

L’uomo artificiale 

Laboratorio di lettura e analisi del testo sul tema dell’uomo artificiale, 

con inquadramento storico (dalla cibernetica di Wiener 

al postumano) e la lettura guidata di uno o più romanzi relativi 

al tema. 

2°LIV 


Loredana Parmesani 

Le lezioni saranno improntate all’analisi di quei periodi moderni e 

postmoderni in cui l’aura tipica dell’opera d’arte tradizionale viene 

persa nella sua riproduzione tecnologica. Il problema è leggere 

lo sviluppo culturale del XX secolo e del periodo contemporaneo 

confrontando l’opera artistica con i prodotti industriali e i media. 

Nel caso della Pop Art un rimando a McLhuan può mettere in 

luce i rapporti che questo movimento intrattiene con l’immagine 

pubblicitaria e la comunicazione di massa. Nel caso dell’Arte 

Povera un riferimento alla Scuola di Francoforte può servire 

ad illustrare il potere dell’arte come negativo in relazione all’industria 

culturale. Nel caso dei Graffiti un riferimento alle 

teorie del simulacro di Baudrillard è utile per riportare l’arte ad 

una convivenza sociale con le immagini derealizzate della città. 

Nel caso del Postmoderno una particolare attenzione alle 

teorie di Bell e Lyotard è importante per ricondurre l’immagine 

ad una sua grammatica interna ma priva del grande racconto 

dell’umanesimo. Verranno inoltre approfonditi gli ultimi dieci 

anni della ricerca estetica alla luce delle nuove innovazioni tecnologiche 

e dei new media. La dimensione iperestetica che caratterizza 

la contemporaneità, insieme alla sempre più diffusa 

massificazione della comunicazione del progetto estetico, inducono 

ad una riflessione sulle modalità e sui luoghi dove tale 

progetto si colloca. 

Bibliografia 

La bibliografia sarà fornita durante il corso. 

Bibliografia 

• MARSHALL MCLUHAN, Gli strumenti del comunicare, (parte 

prima, parte seconda capp. 8-9 e 25-33), Il Saggiatore, 2001. 

• ANTONIO CARONIA, Il cyborg. Saggio sull’uomo artificiale, ultima 

edizione, Shake, 2008. 

Un romanzo a scelta fra quelli dell’elenco fornito a lezione.


196 

PROGRAMMI 

1°LIV 

SOCIOLOGIA DELL’ARTE 


1°LIV 

SOUND DESIGN 

Andrea Cera 

Il corso mette a fuoco la funzione sociale 

delle forme artistiche nelle diverse 

culture prese in considerazione, 

dal passato -non solo occidentale- fino 

ai giorni nostri, evidenziando come 

l’espressione artistica sia sempre 

stata una forma narrativa e simbolica di molteplici istanze culturali, 

politiche, religiose e psicologiche. 

Il solido riferimento alle ormai classiche analisi di Hauser, costituisce 

la base per una riflessione che -nella società attualesappia 

riconoscere, oltre alle dinamiche di mercato dell’arte 

contemporanea, la nascita di una serie di nuove agenzie espressive 

e comunicazionali che -particolarmente negli ambiti connessi 

alle nuove tecnologie - richiede lo sviluppo di forme affatto 

nuove di inedite professionalità creative. 

L’esame, orale, prevede lo studio de La Storia Sociale dell’Arte 

di Arnold Hauser (Einaudi 1977 o altre edizioni) e la preparazione 

di un approfondimento tematico concordato col docente. 

Il corso propone una panoramica delle 

tecniche di produzione e scrittura 

del suono utilizzate in paradigmi artistici 

non legati alla frontalità e direzionalità 

tipiche del concerto. In particolare 

sarà preso in considerazione 

il linguaggio legato al mondo della Sound Art e delle installazioni 

audio. 

Ogni incontro si articolerà in cinque momenti: 

1) presentazione di uno o più lavori di alcuni artisti storici (dal 

dopoguerra agli anni ‘80: Cage, Lucier, Tudor, Reich, LaMonte 

Young, Minard, Leitner, Eno...). 

2) presentazione di uno o più lavori di artisti dagli anni ‘90 a 

oggi. 

3) presentazione dettagliata di un lavoro del docente, approfondendo 

gli aspetti tecnici e organizzativi (incompatibilità tra il 

processo creativo e la gestione del budget, problemi di realizzazione, 

montaggio, tenuta nel tempo, rapporto con il pubblico, 

etc...). 

4) laboratorio su aspetti pratici della produzione del suono con 

particolare attenzione all’utilizzo di Audacity, free-software 

per registrazione, montaggio ed editing audio. Presentazione 

di esempi di sound design tratti dal cinema hollywoodiano 

dagli anni ‘70 ad oggi. 

5) presentazione e discussione dei lavori dei partecipanti.


PROGRAMMI 197 

1°LIV 

STAMPA D’ARTE 

Chiara Giorgetti 

1°LIV 


Francesco Ballo 

Il corso si pone l’obiettivo di fornire 

informazioni aggiornate sul mondo 

della stampa d’arte, di far conoscere e 

sperimentare i mezzi e gli strumenti 

operativi associando gli aspetti teorici 

e pratici legati al fare artistico. 

Il corso si sviluppa in due parti, una laboratoriale, l’altra teorico 

- visiva, entrambe volte allo sviluppo di un progetto grafico 

da realizzarsi attraverso le diverse fasi ideative e tecnico-sperimentali. 

Gli argomenti trattati nelle lezioni frontali saranno quelli inerenti 

alla grafica d’arte contemporanea, la stampa d’arte come 

ibrido, l’ingresso del digitale, l’avvento delle nuove tecnologie e 

la relazione con i media tradizionali. Saranno analizzati progetti 

di artisti che hanno utilizzato i metodi della stampa d’arte 

(William Kentridge, Vik Muniz, Chuck Close, Richard Hamilton, 

Edward Ruscha, Kiki Smith, Sol LeWitt, Tacita Dean, John 

Baldessari, Felix Gonzalez-Torres). Nella parte laboratoriale del 

corso: la stampa fotografica a contatto e da negativo, l’emulsione 

fotosensibile, la stampa alla gomma, il clichè-verre, il toner 

transfer. 

Bibliografia 

• Printshow.it rivista digitale sulla stampa d’arte e il libro 

d’artista, www.printshow.it • ROSALIND KRAUSS, Reinventare il 

medium. Cinque saggi sull’arte d’oggi, Bruno Mondatori, Milano, 

2005. • Art On Paper, rivista dedicata all’arte contemporanea 

su carta, inglese, Darte Publishing LLC, New York, www.artonpaper.com. 

Il corso di Storia del Cinema e del Video 

concentra la propria attenzione 

sulla visione, sulla rilettura e sull’analisi 

dei film esaminati. 

Quest’analisi approfondita verte sul 

découpage (la riscrittura del film) di 

intere sequenze o di alcuni segmenti di sequenze. 

La composizione dello spazio inquadrato, spazio mediante il 

quale è costruita l’immagine filmica. 

Il ritmo spaziotemporale del film. 

La durata delle inquadrature. 

La funzione del montaggio. 

Il rapporto immagine-suono. 

Un’accurata verifica di come è strutturato un film. 

In particolare quest’anno le figure centrali del corso saranno: 

Clint Eastwood e Don Siegel. 

Il cinema esemplare di un autore totale quale Don Siegel nella 

Hollywood degli anni Cinquanta, Sessanta e Settanta, attraverso 

il suo autore-simbolo Clint Eastwood. 

Inoltre un omaggio a Truffaut con L’Histoire d’Antoine Doinel. 

E la visione di alcuni film underground di filmmakers USA. 

Bibliografia 

La bibliografia verrà presentata durante le lezioni.


198 

PROGRAMMI 

2°LIV 


Francesco Ballo 

1°LIV 

STORIA DEL COSTUME 

Lorella Giudici 

Il metodo utilizzato durante le lezioni teoriche è l’analisi del linguaggio 

dell’autore esaminato, partendo proprio dal testo-film. 

Rivedere il film più volte. Studiarlo con attenzione, soffermandosi 

soprattutto sulla messa in scena (cioè il momento delle riprese) 

e sul montaggio delle sequenze e delle inquadrature. 

La ricerca si concentra sulla composizione dello spazio inquadrato, 

sul fuoricampo e sul rapporto conseguente di spazio-tempo. 

Durata delle inquadrature. Ritmo spaziotemporale del film 

analizzato. 

Quest’anno 2009-2010 lo studio riguarda la visione, la rilettura 

e l’analisi di alcuni film del cinema muto dalle origini (Lumière, 

Edison, Méliès) alla fine degli anni Venti (Boris Barnet, Mauritz 

Stiller). 

Confronto e relazioni con l’analisi dell’opera di Straub-Huillet, 

Brakhage, Godard, Snow, Carmelo Bene. 

Verrà svolto anche un seminario sulla realizzazione di un video: 

come si inventa un film. Dall’idea di base alla regia e al montaggio. 

Bibliografia 

La bibliografia verrà presentata durante il corso. 

L’oriente nell’arte, nella società, nel 

teatro, nel costume e nella letteratura 

europea tra XIX e XX secolo. Il caso 

Gustav Klimt. 

Intorno alla metà dell’Ottocento, con il 

colonialismo, le esplorazioni e le Esposizioni 

Universali, in Occidente cominciano ad arrivare notizie, oggetti, 

immagini e racconti che descrivono e documentano le terre 

più lontane: Turchia, Marocco, Cina, e per ultimo il Giappone. Tutte 

queste grandi culture, seppure all’inizio in modo indistinto una 

dall’altra, lasceranno tracce importanti nel teatro, nelle arti visive, 

nella letteratura, nel cinema, nella moda e nel costume dell’Europa 

del tempo. 

È cosa risaputa che molti reali, uomini politici, letterati e artisti 

si sono fatti fotografare in abiti orientali o che alcuni di loro indossavano 

kimono come vestaglie da camera. E ancora, il ventaglio 

è tra gli oggetti più usati dalle signore di Parigi, di Londra o 

di Vienna, mentre le sete – a fondo turchese, blu o oro –, decorate 

con fiori e uccelli orientali, divengono delle splendide tappezzerie 

nei salotti della borghesia europea. Nelle arti, poi, 

l’oriente apporta degli interessanti sviluppi formali e simbolici 

influenzando per un certo periodo la ricerca di tanti artisti: da 

Ingres a Delacroix, da Van Gogh a Matisse, da Wisthler a Klee. 

Uno degli esempi più eclatanti è sicuramente quello della pittura 

di Gustav Klimt, il maestro dell’oro. Il corso, attraverso l’analisi 

delle opere degli artisti e la lettura dei romanzi e dei libretti 

d’opera del tempo, aiuterà a contestualizzare e a capire meglio 

la portata di un fenomeno che ha contribuito a cambiare il linguaggio 

delle arti e a mutare i gusti del tempo. 

Bibliografia 

• G. KLIMT, Lettere e testimonianze, a cura di Elena Pontiggia, 

Abscondita, Milano, 2005. • Una monografia economica di 

quelle in commercio su Gustav Klimt. • Un libro a scelta tra 

quelli che verranno indicati durante le lezioni. Indispensabili 

gli appunti del corso.


PROGRAMMI 199 

1°LIV 


Anty Pansera 

1°LIV 

STORIA DEL DISEGNO E DELLA GRAFICA 

Anna Mariani 

Il corso, tende a far conoscere ai discenti 

la peculiarità del design italiano, 

dalle sue origini, al suo crescere 

ed affermarsi nel XX secolo. Dalla definizione 

del termine “design”/”disegno 

industriale”, nel susseguirsi dei 

decenni al ruolo del “designer”: come, nel corso del tempo, si sono 

andate modificando e quali i rapporti con le arti decorative/applicate 

(dibattito arte/industria, nel nostro Paese). 

Si è utilizzato anche il “filo rosso” delle Esposizioni Universali 

(da quella Londra del 1851) e delle Biennali/Triennali di Monza, 

nonché le figure esemplari di alcuni progettisti (Giò Ponti, 

Marcello Zizzoli, Bruno Munari….) per meglio cogliere questa 

storia che dovrebbe avere più spazio in questi studi. Particolare 

attenzione al tema della luce made in Italy. 

Alcune mostre allestite nel corso di questi mesi (in Triennale e 

a Palazzo Reale a Milano) hanno poi offerto l’opportunità di altre 

riflessioni. 

Di fatto il percorso proposto si è mosso da ieri a oggi e da oggi a 

ieri, con il supporto di un ricchissimo apparato iconografico 

(fornito agli studenti) e a precise indicazioni bibliografiche. 

Bibliografia 

• AA.VV., Il dizionario del design italiano, Cantini editore, 1995. 

• A. PANSERA, Il disegno industriale italiano, Laterza, 1993. 

Per l’esame, gli studenti dovranno presentare il “Diario” delle 

lezioni con i loro approfondimenti degli argomenti più specificatamente 

affrontati nonché dimostrare la conoscenza della 

storia del disegno industriale italiano nel corso del XX secolo. 

Il testo e l’immagine: illustrazione, 

descrizione, evocazione, segno. 

L’incontro fra testo letterario o poetico 

e la sua raffigurazione ha dato vita 

ad una vicenda che ha coinvolto 

nel tempo artisti, poeti, scrittori, editori. 

La riflessione proposta, attraverso esempi dell’epoca moderna 

e contemporanea, sviluppa tematiche che hanno nella 

pagina scritta e nel libro il loro punto di incontro privilegiato. 

Al libro illustrato del primo Novecento (livre de peintre) in cui 

testo e immagine dialogano separatamente, si affiancano negli 

anni Sessanta il libro d’artista (artist’s book) per il quale l’artista 

progetta, scrive e ‘illustra’, e la tipologia del libro oggetto. 

Nel dipanarsi di questa storia, di cui vedremo indizi e precursori 

nell’arte prima del Novecento, si assiste al mutamento del 

ruolo dell’artista da illustratore al servizio dell’editoria a creatore 

che considera il libro non più soltanto mezzo di diffusione 

di esperienze linguistiche e supporto di parole e immagini, ma 

“ricettacolo di esperienze reali”, nelle molteplici varianti che 

non sempre hanno consentito una definizione critica univoca e 

concorde. 

La storia dell’illustrazione costituisce solo un primo capitolo di 

questo viaggio nelle immagini, nelle parole e nei segni. L’illustrazione 

non va intesa infatti soltanto come apparato decorativo 

al contenuto del libro, ma come luogo in cui si manifestano 

gli stimoli visivi ispirati dalla parola. L’artista interpreta un testo 

attraverso le innumerevoli gradazioni fra descrizione ed evocazione. 

Le avanguardie della prima metà del Novecento, attraverso la 

scomposizione del testo nelle sue forme primarie (parole e lettere), 

conferiscono alla scrittura una nuova valenza figurativa. 

Le ricerche della seconda metà del Novecento vedranno nella 

poesia un “mondo di segni” fino a configurare una estetica delle 

parole, proponendo una sintesi nuova di scrittura e immagine, 

mediante lo sconfinamento di generi e linguaggi. 

Bibliografia 

La bibliografia sarà comunicata durante il corso.


200 

PROGRAMMI 

2°LIV 

STORIA DELLA CRITICA DELLA FOTOGRAFIA 

Roberto Cassanelli 

1°LIV 

STORIA DELLA DECORAZIONE 

Valeria Tassinari 


Linee di sviluppo della critica fotografica. 

La nascita dell’idea di fotografia e i “padri fondatori” (Niépce, 

Daguerre, Bayard). W.H.F. Talbot, The Pencil of Nature (1844- 

46). La nascita della critica fotografica in Francia e in Italia 

(Lacan e “La Lumière”). Baudelaire, Nadar e il Salon del 1859. 

Amatorialità, pittorialismo e la trattatistica tecnica. Stieglitz e 

Camera Work. I Bragaglia e la Fotodinamica futurista. Das 

neue Sehen: la fotografia nella Germania di Weimar (L. Moholy-Nagy 

e il Bauhaus; Walter Benjamin). Atget e la fotografia 

documentaria. Heinrich Schwarz e la nascita della storiografia 

fotografica. Newhall e la mostra al MOMA del 1937. Il secondo 

dopoguerra: la pratica sociale (P. Bourdieu). Mulas, Verifiche. 

Barthes. Tra strutturalismo e postmoderno, decostruzione e 

analisi discorsiva (Krauss). Fotografia e gender studies (A. Solomon-Godeau). 


Le origini della critica fotografica in Italia: da Lamberto Vitali a 

Carlo Mollino. 

Lettura e analisi della “Piccola storia della fotografia” di Walter 

Benjamin (1931). 

Bibliografia 

• CLAUDIO MARRA, Le idee della fotografia. La riflessione teorica 

dagli anni sessanta a oggi, Milano, Bruno Mondadori, 2001 

(e successive ristampe). • JOHN SZARKOWSKI, The Photographer’s 

eye (1966), trad. it., L’occhio del fotografo, Milano, Five Continents, 

2007. • JAMES ELSKINS (ed.), Photography Theory, London, 

University College Cork-Routledge, 2007, pp. 3-49. • WAL- 

TER BENJAMIN, «Piccola storia della fotografia» (1931), in L’opera 

d’arte nell’epoca della sua riproducibilità tecnica. Arte e 

società di massa, prefazione di C. Cases, Torino, Einaudi, 1966, 

pp. 57-78, ora anche in Opere complete, a c. di R. Tiedemann e 

H. Schweppenhäuser, IV, Scritti 1930-1931, Torino, Einaudi, 

2002, pp. 476-491. • A. GUNTHERT, M. POIVERT (a cura di), Storia 

della fotografia, Milano, Electa, 2008. 

Il corso intende fornire una definizione 

del termine “decorazione” attraverso 

l’analisi critica del concetto 

di azione decorativa. L’articolazione 

prevalentemente monografica delle 

lezioni si propone infatti di indagare 

l’identità, le potenzialità applicative e la vocazione specifica del 

concetto di decorazione così come esso è stato definito nella tradizione 

artistica, ovvero non come mero “ornamento” ma piuttosto 

come intervento attivo sui luoghi, volto cioè a ridefinirne 

o potenziarne forma e funzione, intervenendo dunque sulla 

specifica identità dello spazio in cui l’artista si trova ad operare 

in relazione a diversi contesti ( fisici, architettonici, urbani, ambientali, 

virtuali, socio-culturali, comunicativi, simbolici, funzionali, 

di committenza, di fruizione). 

Attraverso la lettura e l’analisi critica di alcuni dei più importanti 

fenomeni storico-artistici e stilistici, e attraverso l’osservazione 

di numerose opere emblematiche (selezionate con criterio 

tematico e diacronico nella storia delle arti alla preistoria ad 

oggi) si giungerà dunque a riflettere sulla peculiarità della decorazione 

come intervento progettuale e materiale negli spazi, 

sulla sua trasversalità rispetto alle diverse tecniche e materie 

dell’arte, e sulla sua centralità nella storia della cultura artistica 

di ogni tempo, per far maturare nello studente la consapevolezza 

della rilevanza che essa può ancora assumere nel momento 

attuale. Per affinare le indispensabili abilità di lettura e 

sensibilità critiche sulla relazione tra opere e contesti, le lezioni 

in aula saranno alternate a visite guidate nella città di Milano, 

con contestuali esercitazioni. 

Bibliografia 

L’elevato numero di opere analizzate suggerisce l’utilizzo di opere 

a carattere manualistico per la preparazione generale. 

Testi specifici dovranno essere concordati singolarmente per 

ogni percorso d’esame, in funzione dell’argomento che ogni studente 

intenderà approfondire.


PROGRAMMI 201 

1°LIV 


Anna Maria Amonaci 

2°LIV 


Anna Maria Amonaci 


Storia della fotografia. Dagli esordi 

all’età contemporanea. 

Il corso, di indirizzo propedeutico, percorre 

le principali vicende della storia 

della fotografia dalla metà del Cinquecento, 

quando comparvero le prime raffigurazioni della camera 

ottica, fino ai nostri giorni. Le lezioni saranno condotte con una 

lettura comparativa della storia dell’arte, considerando inizialmente 

il terreno culturale in cui si svilupparono le ricerche che 

condussero alla messa a punto della macchina fotografica. 


Argomenti trattati: 

la camera ottica e il vedutismo sei-settecentesco: sulla via della 

scoperta. Le sperimentazioni (1839-50): il dagherrotipo e il callotipo 

in età tardoromantica. La diffusione della fotografia 

(1850-70): le differenti linee della fotografia francese e di quella 

britannica. L’esplorazione fotografica del West negli Stati 

Uniti e l’esaltazione della natura. La prima maturità della fotografia 

(1870-1914): la rivista “Camera Work”. La fotografia e le 

avanguardie (1910-30). La fotografia tra le due guerre. Il fotogiornalismo 

negli Stati Uniti: le campagne fotografiche della 

Farm Security Administration; l’agenzia Magnum. Il dopoguerra: 

la fotografia e l’arte Informale. Il Neorealismo italiano e la 

fotografia. Gli anni Sessanta e Settanta. Le sperimentazioni pop 

e concettuali. Dagli anni Ottanta al 2000: la fotografia nel contesto 

postmoderno. 

Bibliografia 

Manuali di riferimento da integrare con i testi relativi agli argomenti 

trattati durante il corso. 

• B. NEWHALL, Storia della fotografia (1° edizione 1937, riveduta e 

ampliata 1982), 1° ed. italiana Einaudi, Torino, 1984. • I. ZANIER, 

Storia e tecnica della fotografia, Laterza, Bari, 1982. • New History 

of Photography, a cura di M. Frizot (1° ed. 1994), Stampa italiana 

Amilcare Pizzi, Cinisello Balsamo, (Mi), 1999. • S. BRIGHT, Art 

Photography Now, Thames & Hudson, London, 2005. • U. GROSE- 

NICK e T. SEELIG, Photo Art. The New World of Photography (1° edizione 

tedesca, Dumont Buchverlag, Cologne 2007), Themes & 

Hudson, London, 2008. 


La fotografia italiana negli anni Quaranta e Cinquanta del Novecento. 

Il corso intende offrire strumenti metodologici di lettura storico-critica 

attraverso un argomento circoscritto che varia ogni 

anno della storia della fotografia dal dopoguerra ai giorni 

odierni. Esso mira all’approfondimento della materia, per la 

quale è prevista una conoscenza di base della storia fotografica 

in generale che lo studente può acquisire dal corso propedeutico 

svolto nel primo ordinamento. 

La qualità formale e la ricchezza espressiva delle immagini, caratterizzanti 

la fotografia italiana dei decenni Quaranta e Cinquanta, 

saranno indagate tramite le fonti editoriali più salienti del tempo 

(rassegne, annuari, riviste), poste in relazione con i fatti artistici e 

cinematografici coevi, nell’intento di seguire lo svolgersi di un 

preciso clima culturale, denso di energie esistenziali. 


Il corso si svolge seguendo il succedersi cronologico delle pubblicazioni 

fotografiche più significative poste in relazione alla 

produzione culturale del periodo. Gli studi recenti sono da supporto 

alle fonti. 

Bibliografia 

• Otto fotografi italiani d’oggi, Istituto d’arti Grafiche, Bergamo 

1942. • E. F. SCOPINICH, Fotografia. Prima rassegna dell’attività 

fotografica in Italia, Domus, Milano, 1943. • G. VANNUCCI ZAULI, Il 

bello fotografico, Giannini, Firenze, 1945. • Il manifesto del 

Gruppo “La Bussola”, in “Ferrania”, n. 5 (maggio), 1947. • C. 

MOLLINO, Il messaggio della camera oscura (1° ed., Giovanni 

Chiantore, Torino 1949), Adarte, Torino, 2006. • P. STRAND e C. ZA- 

VATTINI, Un paese, Giulio Einaudi, Torino, 1955. • Foto annuario 

italiano 1953-54, G.G. Gorlich, Milano, 1953. • Foto annuario 

italiano 1955-56, G.G. Gorlich, Milano, 1955. • Foto annuario 

italiano 1958, G.G. Gorlich, Milano, 1958. • G. TURRONI, Nuova 

fotografia italiana, Schwarz, Milano, 1959. • I. ZANNIER, Neorealismo 

e fotografia, Art&, Udine, 1987. • M. MIRAGLIA, Il Novecento 

in fotografia e il caso torinese, Hopefulmonster, Torino, 2001.


202 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Livia Crispolti 

1°LIV 

STORIA DELLA MUSICA E DEL TEATRO MUSICALE 

Roberto Favaro 

Il corso si propone di esaminare le 

nozioni fondamentali della Storia 

della Moda dalla preistoria al contemporaneo, 

in rapporto all’evolversi, 

nel corso dei secoli, delle idee e del 

pensiero economico produttivo; ai 

cambiamenti del gusto e all’incidenza del progresso scientifico. 

Finalità dell’insegnamento è sviluppare nello studente la consapevolezza 

del ruolo sociale della moda, e la capacità di ricerca 

critica autonoma, che porti ad analizzare il sistema moda 

nella sua complessità. 

Particolare attenzione sarà data ai temi: 

- delle differenze fra i generi maschile e femminile, 

- dei comportamenti sociali: quello imitativo e quello distintivo, 

- delle contaminazioni tra i generi e delle personalizzazioni 

della moda. 

Il corso si avvarrà di una strumentazione tecnica e informatica. 

Parte integrante del corso sono le visite didattiche a collezioni, 

musei, fiere e aziende del settore. 

Modalità d’esame: discussione degli argomenti studiati dallo 

studente durante l’anno accademico e consegna a fine corso di 

un elaborato scritto, su un tema concordato, corredato di apparati 

grafici e fotografici su supporto tradizionale o informatico. 

Bibliografia 

• V. MAUGERI e A. PAFFUMI, Storia della moda e del costume, Calderini, 

Bologna, 2005. • E. FIORANI, Abitare il corpo: la moda, 

Lupetti, Milano, 2004. • G. SIMMEL, La moda, Editori riuniti, Roma, 

1985. 

La bibliografia sarà integrata durante il corso, con riferimenti 

per ciascun argomento affrontato. 

Parte monografica. Spazio e tempo: 

meccanismi e funzioni del linguaggio 

musicale. Rapporti con le altre 

arti. 

Il corso prevede, oltre a una introduzione 

propedeutica al linguaggio 

musicale, un approfondimento dei rapporti tra musica e altri 

percorsi artistici a partire dalle due questioni centrali di tempo 

e spazio. L’obiettivo è quello di evidenziare le potenzialità rappresentative, 

sceniche, descrittive, ambientative, psicologiche, 

narrative della musica. L’obiettivo ulteriore è quello di maturare 

una consapevolezza delle connessioni tra musica e diversi 

linguaggi dell’arte e della comunicazione. Oltre a toccare gli 

ambiti della pittura e delle arti plastiche (sempre in relazione 

alla musica) il corso verterà su tre aspetti specifici: la musica e 

l’architettura; la musica nel romanzo; la musica nell’opera cinematografica. 

Parte generale. Le musiche del cambiamento. 

La parte generale del corso è dedicata alla Storia della musica. 

Questa sarà affrontata contestualmente alla parte monografica, 

servendo da esemplificazione e verifica dei diversi meccanismi 

del linguaggio musicale. In particolare si presterà attenzione alle 

musiche del cambiamento e della differenza. Si affronteranno 

così, dalla prospettiva musicale, le tematiche del Simbolismo e 

dell’Espressionismo, del Futurismo e del Neoclassicismo, della 

Nuova Oggettività e del Surrealismo, del minimalismo e della 

neoavanguardia. 

Bibliografia 

• R. FAVARO e L. PESTALOZZA, Storia della musica, Warner Bros., Milano, 

1999. • A. COPLAND, Come ascoltare la musica, Garzanti, 

Milano, 2001. • O. KAROLIY, La grammatica musicale, Einaudi, 

Torino. • R. FAVARO, La musica nel romanzo italiano del ‘900, 

Ricordi, Milano, 2003. • M. CHION, L’audiovisione, Lindau, Torino, 

1998.


PROGRAMMI 203 

2°LIV 

STORIA DELLA PEDAGOGIA 

Paolo Mottana 

2°LIV 


Giovanni Trabucco 

Filosofia immaginale e didattica artistica. 

Il termine immaginale individua 

quella regione delle immagini - visioni, 

figure, simboli, archetipi -, provenienti 

da un altrove che oltrepassa la 

cognizione razionale, tra il visibile e l’invisibile, tra il tangibile 

e l’immateriale, secondo l’interpretazione prima di Henry Corbin 

e poi di James Hillman. Educare allo sguardo nel rispetto di 

una filosofia immaginale significa promuovere un’autentica 

sovversione della postura che il soggetto intrattiene nei confronti 

delle cose e del mondo. 

Il corso intende sensibilizzare a guardare e vivere l’arte, non più 

dall’esterno e “di fronte”, ma da una distante intimità, come 

dice Rainer Maria Rilke affinché, proprio in virtù dell’abbandono 

di una visuale che ordina e dispone, lo “spazio interiore del 

mondo” cui l’opera d’arte allude, accetti di manifestarsi . Vuole 

reinsegnare a riaccostarsi a opere la cui visione ha fatto 

emergere dalla superficie delle cose il loro sfondo e la loro fodera 

invisibile, cioè il tessuto dei rapporti soggiacenti che le radicano 

e le orientano, compiendo in tal modo un atto di ritrovamento, 

una scoperta. 

Saranno proposti esercizi di visione e comprensione organizzati 

secondo regole precise: di pazienza, lentezza e soprattutto fedeltà 

all’immagine, cercando di ridurre il più possibile la proiezione 

delle proprie precomprensioni. Esercizi che richiederanno, 

specie all’inizio, discesa più che elevazione, abbandono, presa di 

contatto con la parte più fluida e femminile della cognizione, 

appunto quella immaginativa. 

Una tale operatività si ritiene possa restituire all’arte la sua potenza 

trasformatrice e possa essere riproposta nella didattica artistica 

così come in qualsiasi forma di accostamento alle opere 

nelle più diverse sedi espositive o didattiche onde favorire una 

profonda e coinvolgente esperienza del fatto artistico. 

Il corso si colloca tra l’antropologia 

filosofica e l’antropologia teologica, 

articolando una fenomenologia della 

vita effettiva, una fenomenologia dell’emozione 

sacra e delle sue manifestazioni, 

e la figura religiosa diffusa, 

caratterizzata dalle forme praticate della “devozione”, che plasma 

e insieme è plasmata dai simboli effettivi nei quali essa si 

produce. Si considera il rapporto non accidentale tra il modo di 

esprimere e di rappresentare la fede e la verità stessa della fede. 

Ciò giustifica l’interesse di un’analisi della religiosità popolare 

dal punto di vista di una estetica teologica e, viceversa, l’ingresso 

alla questione più generale del rapporto tra estetica e teologia 

secondo l’approccio caratteristico della religiosità popolare. 

Si giustifica, non soltanto storicamente, la pertinenza della distinzione 

tra la religiosità “popolare”, la quale esprime il carattere 

effettivo dell’atto religioso, e la religiosità “cólta”, che ne 

indica la forma veritativa, mettendo in evidenza il significato 

autentico della vita effettiva. L’accettazione di un approccio 

estetico ad entrambe, come il più pertinente a restituire la forma 

esperienziale del riconoscimento della verità di Dio nell’unità 

della coscienza effettiva dell’uomo, implica la rilevanza 

del momento pratico, ossia la attuazione della libertà. Si suggerisce 

perciò che vada superata e risolta la contrapposizione tra 

religiosità “popolare” e religiosità “colta”, così come tra pietà 

polare e liturgia, a favore del mantenimento della loro distinzione 

nella sintesi poetica dell’atto religioso concreto. 

Bibliografia 

• G. PANTEGHINI, La religiosità popolare. Provocazioni culturali 

ed ecclesiali, Padova, 1995. • C. PRANDI, La religione popolare 

fra tradizione e modernità, Brescia, 2002. • J. RIES (dir.), Trattato 

di Antropologia del Sacro, I, Le origini e il problema 

dell’homo religiosus, Milano, 1989. • P. SEQUERI, Estetica e teologia. 

L’indicibile emozione del sacro: R.Otto, A. Schönberg, 

M. Heidegger, Milano, 1993.


204 

PROGRAMMI 

1°LIV 

STORIA DELLA STAMPA E DELL’EDITORIA 

Rolando Bellini 

Stamperie ed editori d’arte in Italia 

(e no) tra ultimo dopoguerra e contemporaneità: 

un excursus emblematico. 

Coniugare la “storia della stampa” a 

quella “dell’editoria” d’arte: quest’azzardo 

paradossale è il cruccio e il pregio del corso che evita, da 

sempre, le cronistorie per abbozzare un paradigma indiziario post 

1945 il cui focus è sull’Europa e soprattutto, per consentire agli 

studenti di toccare con mano, l’Italia e Milano. Si discuterà dell’eredità 

dei processi grafici e di stampa tradizionali, incluse 

xilografia e serigrafia, per approdare alle nuove tecniche di stampa 

e giungere all’opera digitale, proponendo confronti mirati con 

la coeva editoria d’arte. E anche su quest’ultima abbozzeremo 

analogo paradigma indiziario. Infine, approfondiremo l’esame 

dell’attività degli atelier di grafica ed editoria d’arte più significativi. 

A Milano l’approdo di tutti gli artisti attratti dalla grafica 

d’arte era - ed è tutt’oggi - l’Atelier Giorgio Upiglio, a Firenze si 

può indicare invece la Stamperia d’Arte e Scuola Internazionale 

de Il Bisonte, fondata da Maria Luigia Guaita, a Roma come pure 

a Torino, si vedrà (Bulla o Masoero, per esempio?). Ne deriverà 

una storia meno auricolare. 

Ai fini dell’esame: si richiede a tutti gli iscritti la lettura dei testi 

consigliati, integrata di volta in volta da altre specifiche letture, 

e la visita, individuale o di gruppo, di almeno due o tre musei 

italiani d’interesse ai fini del corso (di cui si darà elenco indicativo). 

Infine, tutti sono tenuti a svolgere un “lavoro” concordato 

con i rispettivi docenti di grafica, a ribadire la priorità formativa 

del “fare” sul “dire”. 

Gli studenti ERASMUS sono invitati a concordare personalmente 

con il docente le modalità del proprio esame, facendo eventuale 

riferimento al proprio Paese di origine. 

Bibliografia 

Bibliografia di primo orientamento (altra verrà segnalata di 

volta in volta): 

• Le tecniche in piano. Litografia, Serigrafia, a cura di Ginevra 

Mariani, Istituto Nazionale per la Grafica e De Luca ed., Roma, 

2006. • ENZO DI MARTINO, La grafica d’arte. La storia, le tecniche, 

i protagonisti, Editalia, Roma, 2008. • MARIA CRISTINA 

PAOLUZZI, Stampa d’arte. La storia, le tecniche, i capolavori delle 

opere grafiche dalle origini all’epoca contemporanea, 

Modadori, Milano, 2003. • La città dell’editoria. Dal libro tipografico 

all’opera digitale (1880-2020), a cura di Giorgio 

Montecchi, Skira, Milano, 2001. • ANTONY GRIFFITHS, Prints and 

Printmaking: An Introduction to the History and Techniques, 

British Museum Publications, London, 1996. 

1°LIV 


Tiziana Valzelli 

Partiamo dal presupposto di non 

analizzare in modo schematico, come 

soli elementi costruttivi che si sono 

evoluti nel tempo, quel che l’uomo, 

attraverso le forme architettoniche 

è riuscito ad edificare, ma a guardare 

l’architettura e l’urbanistica come una fonte di dialogo, 

utilizzata per approfondire i rapporti che legano gli esseri viventi 

allo spazio e al tempo, dando così significato all’esistenza e alla 

storia umana. Un dialogo continuo tra luogo naturale e luogo 

artificiale, dove da sempre l’uomo è inteso come unità di misura, 

interprete di somiglianze e analogie, di continuità e metamorfosi. 

Dove l’indagine morfologica delle forme si amplia attraverso 

lo studio dei modelli e della topologia, interprete quest’ultima 

come afferma C. Norberg Schulz: «non di distanze 

permanenti, angoli o aree ma di rapporti di vicinanza, separazione, 

successione, recinzione e continuità». Sarà proprio con il 

delinearsi di queste categorie che potremo affrontare in modo 

più critico l’analisi dell’evoluzione e con essa la moderna progettazione. 

Le lezioni si articoleranno attraverso il seguente programma di 

studio: 

- Luogo naturale e luogo artificiale: il paesaggio tra natura e 

territorio. 

- Concetto di spazio: interno ed esterno, la casa natale e quella 

onirica 

- Lo spazio percettivo: il labirinto tra orientamento e movimento 

- Lo spazio esistenziale: la nascita del genius loci, il giardino 

nella storia 

- Dai monumenti sepolcrali alla forma e potenza ateniese. 

- Dall’architettura curvilinea romana alla città medievale: lo sviluppo 

verticale da Gropius a Sir Norman Foster 

- Compostezza rinascimentale e dinamismo barocco, da Borromini 

a Calatrava. 

Bibliografia 

• C. NORBERG-SCHULZ, Architettura: presenza, linguaggio e luogo, 

ed. Skira, 1996 Milano. 

A seguito di ogni lezione verrà suggerita una bibliografia approfondita 

sull’argomento.


PROGRAMMI 205 

2°LIV 

STORIA DELLA TELEVISIONE 

E DELLO SPETTACOLO TELEVISIVO 

Renzo Salvi 

1°LIV 


Flaminio Gualdoni 

Il corso si propone, in primo luogo, di 

puntualizzare – su conoscenze già 

acquisite o mancanti – gli elementi 

basilari di informazione sulla nascita 

della televisione: dagli esperimenti di 

mera tecnologia di fine Ottocento alle 

sperimentazioni europee di trasmissione già operative negli 

anni Venti/Trenta del Novecento, sino alle trasmissioni sistematiche, 

nei due continenti a maggior sviluppo economico, iniziando 

dagli anni Quaranta/Cinquanta. 

Il costituirsi su scala planetaria e nella situazione italiana della 

società “affluente” e “di massa” anche per il tramite degli 

strumenti radiofonici e televisivi del comunicare rappresenterà, 

invece, il secondo blocco tematico del corso, facendo perno sull’evolversi 

del sistema radiotelevisivo nazionale, con qualche 

raffronto con altri Paesi, e descrivendo, secondo logiche interpretative, 

tipologie e generi di programma, palinsesti e rapporti 

col pubblico, finalità della presenza televisiva nei primi trent’anni 

di storia televisiva: sino alla rottura di sistema rappresentata 

dall’irrompere di televisioni locali e private e del successivo 

strutturarsi del duopolio. 

I percorsi attraverso gli anni gli anni Ottanta e Novanta, condotti 

(non necessariamente in cronologia) sino alla ricognizione 

della situazione odierna avverranno attraverso scorrimenti 

interni a ciascuni “generi2 televisivi ed al loro mutare, sovente, 

in macro-generi: da prosa e sceneggiati alla fiction, da Telescuola 

all’edutaiment, dal telegiornale e dall’inchiesta sul 

campo all’infotaiment, dal dibattito al talk-show, dai festival 

(anche per “voci nuove”) ai talent-show, dai viaggi nella realtà 

(Viaggio nella valle del Po, Viaggio al Sud) ai reality. 

Il costituirsi ed il mutare del rapporto tra comunicazione televisiva 

e pubblico verrà posto come elemento di contrappunto in 

ciascuna delle tre articolazioni tematiche del corso. 

Corso monografico. Classicismo e scoperta 

dell’antico. 

Dal “cortile delle statue” di Giulio II 

al collezionismo antiquario, dalla 

nascita dell’idea di museo al mito di 

Pompei, l’idea di classico come unità 

di misura dell’arte occidentale tra Rinascimento e Novecento, 

nelle esperienze degli artisti e nella riflessione degli studiosi. 

Saranno affrontati i seguenti temi, affrontati in parallelo alla 

storia delle scoperte archeologiche e degli studi antiquari: 

- Il cortile del Belvedere, gli scavi, i calchi, le copie 

- Michelangelo, Raffaello, Bramante e il classico 

- Vasari e gli altri: Bembo, Pino, Paleotti, Armenini 

- Il Seicento, dai Carracci a Bellori 

- Winckelmann e il Neoclassicismo 

- Canova, David, Ingres, Hayez 

- Classicismo del Novecento: da Rodin all’arte astratta 

I materiali di supporto alle lezioni sono reperibili liberamente 

nel sito www.flaminiogualdoni.com, sezione “Repertorio”. 

Bibliografia 

• S. SETTIS, Futuro del ‘classico’, Einaudi, Torino, 2004. 

• J.J. WINCKELMANN, Il bello nell’arte, Einaudi, Torino, 2008. 


Per sostenere l’esame è obbligatoria la conoscenza delle linee generali 

della materia, dal miceneo al tardo-antico. 

Bibliografia 

• F. Gualdoni, Arte Classica, Skira, Milano, 2007.


206 

PROGRAMMI 

2°LIV 


Adriano Antolini Altamira 

1°LIV 


Rolando Bellini 

La fotografia all’interno delle ricerche 

artistiche del Novecento 

Il programma si propone di fornire 

allo studente un panorama dell’utilizzo 

della fotografia, del montaggio 

fotografico, del film sperimentale e 

del cinema d’artista, all’interno del quadro dell’arte figurativa 

del Novecento: a partire dalle Avanguardie Storiche (in particolare 

Futurismo, Dadaismo e Surrealismo) fino alle correnti degli 

ultimi anni. Saranno esaminati in modo particolarmente 

attento quegli sviluppi della fotografia che hanno anticipato 

l’arte concettuale, l’arte concettuale in senso stretto e le sue derivazioni 

più prossime; infine i momenti successivi agli anni 

Settanta in cui si riscontri un’eredità delle correnti prese in eseme 

o la loro trasformazione in qualcosa di diverso, nel quadro 

di una società soggetta a rapide e continue mutazioni. 

I momenti esaminati con particolare attenzione durante l’anno 

saranno: 

1) Gli anni Dieci e il Dadaismo 

2) Il fotomontaggio negli anni Venti, nell’ambito del Bauhaus, 

del Dadaismo berlinese, del Costruttivismo russo e nel Surrealismo 

3) Il movimento Neodada negli anni Cinquanta, l’Happening, 

il Nouveau Réalisme, Fluxus, la Pop Art, la Mec Art, ecc. 

4) Minimal e Conceptual Art, Arte Povera e Processuale, Land e 

Body Art, Performance e Comportamento. 

5) Narrative Art e contaminazioni tra fotografia e pittura nei 

tardi anni Settanta 

6) Gli anni Ottanta e Novanta e i nuovi indirizzi della fotografia 

di ricerca 

7) Fotografia e globalizzazione 

Excursus artistico anni Cinquanta e 

Sessanta, like a Little Wing. 

“Little Wing” di Hendrix, canzone arcinota, 

titolo anomalo per un corso di 

storia dell’arte contemporanea braidense 

focalizzato su anni ’50 e ’60. 

Ma corrisponde al clima degli anni compresi tra ultimo dopoguerra 

e Sessantotto, fervidi di proposte anche solo focalizzando 

Milano: M.A.C. e dintorni 1948 e1952-‘59, (vedi almeno il catalogo 

Electa 1984, in 2 tomi, con saggio di L. Caramel) Manifesto 

Blanco 1946 di L. Fontana e Primo Manifesto dello spazialismo 

(Milano, 18 marzo 1948), Proposte di un regolamento, 

cioè le direttive per il “Movimento Spaziale” (2 aprile 1950) e gli 

ultimi esiti passando per proposte individuali quali Mimmo Rotella, 

Piero Manzoni, Dadamaino, Aricò o Ceretti, o uno scultore 

come Alik Cavaliere, gli aniconici puri o il teorico dei concretisti, 

Gillo Dorfles, i nuovi figurativi e citazionisti o ancora, la brillante 

falange del “nuovo realismo” di Pierre Restany che aveva fatto 

di Milano la seconda patria; nuovi arrivi da Oriente come 

Hsiao Chin, eccentrici multatimi come Emilio Tadini o Bruno 

Munari, ma anche Sottsass jr., Alessandro Mendini, altri nomi 

ancora. 

Ai fini dell’esame: si richiede a tutti gli iscritti la lettura dei testi 

consigliati, integrata di volta in volta da altre specifiche letture, 

e la visita, individuale o di gruppo, di almeno due o tre musei 

italiani d’interesse ai fini del corso (di cui si darà elenco indicativo) 

o di esposizioni temporanee inerenti tematiche afferenti 

quanto trattato nel corso (di cui si darà segnalazione). Infine, 

tutti sono tenuti a svolgere un “lavoro”, individuale o di 

gruppo, concordato personalmente con il docente. 

Gli studenti ERASMUS sono invitati a concordare personalmente 

con il docente le modalità del proprio esame, facendo eventuale 

riferimento al proprio Paese di origine. 

Bibliografia 

Bibliografia di primo orientamento (altra verrà segnalata di 

volta in volta): 

“Il Verri”, 1961: Giulio C. Argan (Salvezza e caduta dell’arte 

moderna) e Francesco Arcangeli (Un naturalismo moderno) 

“Il Verri”, 1968: Germano Celant (Arte povera) 

• Bruno Munari, Artista e designer, Laterza, Roma-Bari, 1971 

e 2008. • Italo Calvino, Esattezza, in Lezioni americane, pp. 

73 e sg., Oscar Mondatori, Milano, 2002. • Enrico Crispolti, Come 

studiare l’arte contemporanea, alcuni capitoli, Donzelli, 

Roma 2005.


PROGRAMMI 207 

1°LIV 


Claudio Cerritelli 

Scritti d’artista, materiali degli anni 

Settanta (terza parte). 

Il corso documenta la rilevanza degli 

scritti d’artista sia come affermazione 

dell’individualità di ogni singolo 

autore sia come contributo alla generale 

riflessione intorno alle problematiche del contemporaneo. 

Gli scritti degli artisti si pongono come riflessione poetica, analisi 

ideologica, invenzione progettuale ma anche come approfondimento 

di modalità tecniche utili a verificare il rapporto tra 

teoria e pratica dell’arte. Viene così indicata una prospettiva di 

lettura che pone in evidenza le differenze e le affinità tra diversi 

modi di affrontare l’arte nella complessità delle sue intenzioni 

comunicative. 

Durante il corso saranno commentati testi teorici di artisti afferenti 

alle seguenti aree di ricerca: 

- Arte Concettuale 

- Body Art 

- Performance 

- Video Arte 

- Land Art 

- Pittura Analitica 

- Scultura Costruttiva 

- Istallazioni Ambientali 

1°LIV 


Giulio Ciavoliello 

Opera come pensiero. 

A partire dai primi anni del ‘900, e in 

particolare negli ultimi 50 anni, l’arte 

concentra e diffonde pensiero. L’arte, 

anche quando non si pone come 

concettuale, diventa una specie di filosofia 

concreta. L’opera si eleva sempre di più dalla dimensione 

materiale. Forme, processi, comportamenti, ambienti sollecitano 

riflessioni. L’arte, nel continuo tentativo di “rendere 

visibile l’invisibile”, emoziona, appaga, inquieta, sollecita, elevando 

il nostro grado di consapevolezza. 

Nel corso delle lezioni, con il supporto fondamentale delle immagini, 

si affrontano momenti, situazioni, personaggi che 

hanno caratterizzato l’arte dall’ultimo dopoguerra fino al momento 

attuale. 

Data la natura del corso (è richiesta un’assidua frequenza), ci 

si rivolge a studenti che hanno già conoscenze di base riguardo 

all’arte del XX secolo. Nelle lezioni non si affrontano orientamenti 

artistici in linea generale ma si punta ad approfondirne 

aspetti specifici e situazioni snodo. 

Bibliografia 

Non esistendo una pubblicazione che corrisponde al corso, durante 

le lezioni sono via via indicati dei testi utili allo studio. 

Verso la conclusione del corso, una volta definito un elenco di 

pubblicazioni, lo studente può sceglierne alcuni che diventano 

materia d’esame.


208 

PROGRAMMI 

2°LIV 



Monographie / Biographie, un approccio analitico-esistenziale. 

Il binomio arte vita da sempre percorre la storia della cultura. 

Fatto sta che nel considerare l’arte giustamente ci soffermiamo 

sulla forma. Tuttavia, molti linguaggi si possono comprendere 

meglio attraverso la conoscenza di aspetti riguardanti la vita e le 

situazioni esistenziali in cui si producono. Il corso esamina opere 

di artisti, gruppi, orientamenti che, dal Dopoguerra ad oggi, si 

prestano a tale tipo di lettura. 

Data la natura del corso (è richiesta un’assidua frequenza), ci si 

rivolge a studenti che hanno già conoscenze di base riguardo all’arte 

del XX secolo. Nelle lezioni non si affrontano orientamenti 

artistici in linea generale ma si punta ad approfondirne aspetti 

specifici e situazioni snodo. 

Bibliografia 


le lezioni sono via via indicati dei testi utili allo studio. Verso 

la conclusione del corso, una volta definito un elenco di pubblicazioni, 

lo studente può sceglierne alcuni che diventano materia 

d’esame. 

1°LIV 


Antonio d’Avossa supplente Lorella Giudici 

La luce, la forma, lo spazio. 

Medardo Rosso, Costantin Brancusi, 

Lucio Fontana. 

“Ciò che importa per me nell’arte, è 

di far dimenticar la materia” scrive 

Medardo Rosso (1858-1928). E ancora 

“Quando io faccio un ritratto non posso limitarlo alle linee 

della testa perché questa testa appartiene a un corpo, si trova in 

un ambiente che esercita un’influenza su di lei, fa parte di un 

tutto che non posso sopprimere”, “Si è finalmente compreso che 

non si può arrestare l’aria, così come non si potrà mai istituire 

frontiere”. E’ da queste riflessioni che nasce Madame X (1896), 

una tra le sculture più enigmatiche e magiche di tutta l’arte del 

XX secolo. Non è un volto, ma un ricordo; non è materia ma apparizione 

fugace di un’emozione, alito di vita, fiotto di luce. Nel 

1923 Brancusi (1876-1957) scolpisce Neonato: un gesso oviforme 

mutilato da un brusco taglio geometrico su una delle facce. 

Non ci sono protuberanze, increspature o irregolarità della superficie, 

è assolutamente perfetto, per dirla con le parole di 

Pound, è “forma pura”. Alla IX Triennale del 1951, dopo aver 

dissacrato la tela con lame e punteruoli per andare anche oltre 

la terza dimensione, Fontana (1899-1968) si presenta con un 

arabesco di luce al neon che non solo dialoga in modo del tutto 

nuovo con lo spazio, ma quello spazio lo sostanzia. 

Il corso si propone di approfondire la figura e l’arte dei tre maestri, 

cogliendone i segreti punti di contatto e le evidenti differenze, 

con particolare attenzione all’analisi concreta delle loro opere. 

Intende inoltre affrontare, attraverso le loro esemplari 

esperienze, i concetti di luce, forma e colore nella scultura del 

XX secolo. 

Bibliografia 

• M. ROSSO, Scritti sulla scultura, Abscondita, Milano 2003. 

• C. BRANCUSI, Aforismi, Abscondita, Milano 2001. • Una monografia 

o un catalogo monografico a scelta su ciascuno dei tre artisti. 

Ulteriore bibliografia verrà segnalata durante le lezioni.


PROGRAMMI 209 

2°LIV 


Andrea Del Guercio 

1°LIV 


Giovanni Iovane 

Il corso affronta, all’interno di un percorso 

triennale, la centrale presenza 

espressiva dei materiali diventati rapidamente 

e strutturalmente fattori innovativi 

nella cultura dell’arte contemporanea; 

sin dalla stagione delle 

avanguardie storiche si afferma la presenza sperimentale di nuovi 

materiali di supporto con valore di innovazione dei processi 

linguistici e dei sistemi formali, per cui l’attività didattica ne individua 

la storia, ne ripercorre le diverse tappe di affermazione e 

di trasformazione. Si afferma un percorso creativo caratterizzato 

da volontà di ricerca e aspirazione al collegamento con gli sviluppi 

tecnico-scientifici che hanno segnato la storia del XX secolo; 

si osserva in questo paesaggio l’affermazione di un sistema 

dell’arte caratterizzato dalla conoscenza tecnica, dalla produzione 

industriale e quindi da essa ad una diversa cultura dell’arte; 

gli eventi scientifici ed i sistemi tecnologici assumono autonomia 

espressiva, apportano un contributo inedito nella concezione 

totalizzante della tradizione per riequilibrare su basi di confronto 

e di analisi il rapporto tra Arte e Vita. 

Ogni lezioni sarà dedicata alle opere testimoni di una crescente 

cultura artistica fondata sul patrimonio tecnologico della società 

umana ed attenta al patrimonio esperenziale della società. 

Le lezioni sono dedicate a quegli autori che sin dalla metà del 

XIX hanno rivolto la loro attenzione alle culture primitive, allo 

sviluppo dei costumi e dei sistemi artistici per giungere alla società 

tecnologica di oggi; lo sviluppo didattico approfondisce i 

processi di innovazione interpretativa del patrimonio ereditato 

dagli artisti delle Avanguardie Storiche ed in grande evidenza 

nella stagione contemporanea con le seconde avanguardie internazionali. 

Bibliografia 

• FILIBERTO MENNA, La linea analitica dell’arte moderna, Einaudi. 

• ANDREA B. DEL GUERCIO, I materiali dell’arte contemporanea, 

Dispense, Agrifoglio Edizioni. 

Lungo lo sviluppo del Corso vengono fornite le Dispense utili allo 

studio ed alla preparazione dell’esame. 

Soggetti smarriti. 

Sulla scorta del tema monografico 

dello scorso anno, “Oggetti smarriti”, 

basato sulle strategie della memoria 

nell’arte contemporanea, il corso dell’anno 

accademico 2009-2010 si baserà 

essenzialmente su una variazione, alla lettera, del soggetto 

in questione. 

Il corso si articolerà sulla pratica recente di riscoperta, o di riesumazione, 

di artisti scomparsi o dimenticati (ad es. Mina Loy, 

Lee Lozano, Jas Ban Ader) ma anche sulla rilettura di temi, immagini 

e motivi del 900 che hanno subito il medesimo processo 

di brillante apparizione, rapida eclissi...e successiva riscoperta 

o restituzione. 

Tra quest’ultimi si segnalano, sempre come esempio, la “morte 

dell’autore”, la “crisi del soggetto” e la scelta, peraltro occasionale, 

dell’anonimato nella presentazione di opere d’arte e persino 

in occasione di mostre personali (“Volker Bradke” di Gerhard 

Richter). 

Bibliografia 

• HAL FOSTER, ROSALIND KRAUSS, YVE-ALAIN BOIS, BENJAMIN BUCHLOH, 

Arte dal 1900, Zanichelli, Milano, 2006. 

Dispense, realizzate con la prof.ssa Filipa Ramos, saranno distribuite 

durante il corso. 

Letture consigliate 

• JEAN-FRANÇOIS LYOTARD, L’inumano, Lanfranchi, Milano, 2001. 

• FREDRIC JAMESON, Postmodernismo, ovvero la logica culturale 

del tardo capitalismo,Fazi, Roma,2007. • ENRIQUE VILA- 

MATAS, Bartleby e compagnia, Feltrinelli, Milano, 2009. • RO- 

LAND BARTHES, Saggi critici, Einaudi, Torino, 2002. • GIOVANNI 

IOVANE, FILIPA RAMOS, Oggetti smarriti. Crisi della memoria 

nell’arte contemporanea, Silvana ed., Milano 2009.


210 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Elisabetta Longari 

1°LIV 

Storia dell’arte contemporanea 

Marco Meneguzzo 

Posto che uno degli obiettivi principali 

del corso è sviluppare e promuovere 

la capacità di lettura delle opere 

d’arte e favorire la dimestichezza di 

movimento degli allievi nel vasto territorio 

dell’arte contemporanea, che 

si presenta come un panorama particolarmente complesso e 

spurio tanto dal punto di vista delle tecniche quanto riguardo al 

pensiero estetico, come ogni anno è affrontato un tema preciso 

che funziona da pretesto d’indagine e che permette attraversamenti 

trasversali anche tra i diversi linguaggi espressivi. 

Sotto il titolo L’opera d’arte totale sono raggruppabili diverse 

esperienze estetiche relative ad una delle maggiori utopie dell’arte 


Il concetto d’opera d’arte totale nasce nell’Ottocento con il teatro 

musicale di Wagner, per passare poi in Russia al compositore 

Schriabin, al pittore Kandinskij (di cui leggeremo i testi contenuti 

nell’”Almanacco del Cavaliere Azzurro”, soprattutto il 

Suono giallo, pièce teatrale basata sulla sinestesia) e agli artisti 

produttivisti per poi seguire il suo percorso variegato e più o 

meno evidente durante tutto il secolo “breve”. 

Gli esempi novecenteschi d’opera d’arte totale sono numerosi: 

la Ricostruzione futurista dell’universo di Balla e Depero, il 

Merzbau di Schwitters, la scuola del Bauhaus, l’happening, 

l’impegno sociale ed ecologico di Beuys, la deriva di Debord e 

dei situazionisti e il più vicino fenomeno dell’ Artivism, forma 

anonima e spesso collettiva di arte in rete. Molti saranno anche 

gli esempi cinematografici. 

Il corso monografico di quest’anno 

verte sull’arte degli anni Ottante del 

XX secolo. Prendendo sopunto dalla 

grande mostra sugli anni Ottanta, 

ideata dal docente per la Villa Reale di 

Monza, il corso analizza prima il contesto 

culturale, inserito a sua volta in quello scenario socio-politico 

in grande movimento (fine del Comunismo, blocco Est- 

Ovest, ecc.): in questo lungo preamobolo si considera soprattutto 

l’avvento della cosiddetta Era Postmoderna. In seguito l’analisi 

più spefcifica delle discipline artistiche, suddivise per zone geopolitiche 

e culturali, evidenzierà la posizione fdi primato dell’arte 

e della pittura italiana, la compresenza dell’arte tedesca nello 

scenario internazionale, per arrivare alle esperienze statunitensi. 

Lezioni di supporto sul design, sul fumetto, sul graffitismo,a 

ccompagneranno il corso monografico, così come una serie di 

commenti su testi fondamentali della cultura d’allora. 

Un workshop della durata di un mese, tenuto da Pino Farinotti 

sul cinema di quegli anni, accompagna il corso. 


L’esame consta di due parti: la prima è l’elaborazione di un discorso 

autonomo di approfondimento su un tema concordato. 

L’approfondimento può essere tanto scritto, in forma di tesina, 

quanto orale, in forma di breve lezione frontale, con l’ausilio di 

immagini e/o presentazioni in power point e/o video. La seconda 

parte dell’esame è una verifica delle cognizioni sull’arte contemporanea 

che avviene in sede d’appello e si basa sul manuale 

prescelto e obbligatorio: Denis Riout, L’arte del XX secolo, 

Einaudi, Torino 2002. 

Bibliografia 

• ELISABETTA LONGARI, Chiamata collettiva in Cristina Casero, a 

cura di Elena Di Raddo, Anni Settanta: l’arte dell’impegno. I 

nuovi orizzonti culturali, ideologici e sociali nell’arte italiana, 

Silvana, Milano, 2009. • ANGELO TRIMARCO, L’opera d’arte 

totale, Luca Sossella, Roma, 2001.


PROGRAMMI 211 

1°LIV 


Chiara Nenci 

1°LIV 


Francesco Poli 

Occupare lo spazio, reinterpretare il 

paesaggio. 

Il corso intende esplorare le relazioni 

tra la natura e le arti nell’età moderna, 

attraverso le più significative evoluzioni 

della storia dell’architettura 

dei giardini e del binomio artificiale/naturale. Lo scopo è di offrire 

allo studente le basi storico-critiche per la comprensione del 

complesso panorama che vede oggi inscenarsi negli spazi verdi 

un dialogo tra arte, architettura e paesaggio in continua trasformazione 

ma carico di antichi significati simbolici e narrativi. 

Nell’affrontare l’antitesi retorica fra il dominio dell’artista e la sottomissione 

della natura, il corso seguirà una struttura cronologica 

a partire dall’epoca moderna, ma procederà per esplorazioni capaci 

di illustrare problematiche specifiche, quali: pittoresco, arcadico 

e sublime nel Settecento; giardino eclettico e parchi urbani; postmoderno 

e ritorno al classico; land art e finalità ecologica; arte 

oper air, parchi d’arte contemporanea, etc. 

Un efficace ausilio didattico alla trattazione degli argomenti sarà 

ricercato nella rappresentazione cinematografica dei giardini, 

attraverso l’analisi seminariale di alcuni film d’autore che verranno 

indicati al momento della presentazione del corso. 

Gli argomenti dei corsi riguardano la 

storia dell’arte moderna e contemporanea 

dalla fine del XIX secolo fino ai 

nostri giorni. Ogni anno viene scelto 

un tema specifico: corsi monografici 

su artisti di grande rilievo, sulle principali 

tendenze delle avanguardie storiche e del secondo dopoguerra, 

su temi e problematiche critiche di particolare importanza. 

Gli ultimi due corsi sono stati: La Metafisica e Nuovi spazi 

e nuovi materiali (le ricerche degli anni ‘60/’80). 

Si richiede una conoscenza generale dell’arte in particolare 

quella contemporanea. 

Bibliografia 

• Arte contemporanea. Le ricerche internazionali dagli anni’50 

ad oggi, a cura di F. Poli, Edizioni Electa, 2006. • F. POLI, 

La scultura del Novecento, Laterza, 2006. • Arte moderna. 

Dal post-impressionismo all’informale, a cura di F. Poli, Electa, 

2007. 

La bibliografia specifica verrà indicata all’inizio del corso. 

Bibliografia 

All’interno di una bibliografia sull’argomento estremamente vasta, 

sarà segnalata all’inizio del corso una selezione di testi per 

la preparazione generale e concordata con gli studenti un’ulteriore 

traccia in funzione dell’argomento che ciascuno intenderà 

affrontare. Per gli studenti del corso di Restauro interessati a un 

approfondimento pertinente, si indica il testo: 

• L. SCAZZOSI, Il giardino opera aperta. La conservazione delle 

architetture vegetali, Alinea, Firenze, 1993.


212 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Elena Pontiggia 

1°LIV 


Luisa Somaini 

Il corso si divide in due parti e l’esame 

verterà su entrambe. 

I parte 

Il Doganiere Rousseau e Edward 

Hopper: realismo magico e realismo 

metafisico. 

Considerato il padre dei naïf, ma ben diverso da loro, il Doganiere 

Rousseau (Laval 1844 - Parigi 1910) è un artista più famoso 

che conosciuto. Poco compresa è la sua opera, che infrange le regole 

dell’arte, ma ne rispetta le leggi. E poco nota è la sua vita, 

segnata dalla miseria, dai lutti (perde prematuramente due mogli 

e sei figli) e perfino dal carcere. La sua pittura è caratterizzata da 

un realismo venato di stupore, che l’ha fatto considerare il padre 

del realismo magico del Novecento. 

Edward Hopper (Nyack 1882 - New York 1967), uno dei maestri 

della pittura americana del Novecento al quale Milano dedica 

una vasta mostra a Palazzo Reale, è stato invece il padre, in 

America, di un realismo metafisico, cioè di un modo di rappresentare 

la realtà di tutti i giorni facendo intravedere, nelle pieghe 

di quella realtà, una dimensione di mistero, un oltre, qualcosa 

di meno immediato e di più grande. 

Il corso analizza i concetti di realtà nei due artisti. 

Bibliografia 

• HENRI ROUSSEAU, Lettere e scritti, a cura di Elena Pontiggia, 

Abscondita, Milano 2009. • EDWARD HOPPER, Scritti, interviste, 

testimonianze, a cura di Elena Pontiggia, Abscondita, Milano 

2000. • ELENA PONTIGGIA, Modernità e classicità, Bruno Mondadori, 

Milano 2008. 

II parte 

Dall’oggetto all’idea: un cammino nell’arte contemporanea. 

A ventisei anni Marcel Duchamp (1887-1968) accantona tele e 

pennelli per concentrasi sull’oggetto ready made. Dal suo studio 

non escono più ritratti, nudi o paesaggi ma scolabottiglie, orinatoi, 

appendiabiti e ampolle di vetro colme di aria di Parigi. Oggetti 

banali, cose comuni che stanno lì a testimoniare non più la 

materia, non più la forme e nemmeno se stessi, ma l’idea, non il 

fare ma il pensare. Il corso si propone di partire da Duchamp per 

analizzare quella parte di esperienze contemporanee che hanno 

scelto di esprimere le idee attraverso la negazione delle cose e il nichilismo 

della materia: dal Dadaismo al New Dada, dall’arte concettuale 

all’arte povera fino alla singolare ricerca di Joseph Beuys. 

Bibliografia 

• MAN RAY, Duchamp, inserto del “Corriere della Sera”, Skira, 

Milano 2004. 

Si consiglia la consultazione di un buon manuale di Storia dell’Arte 

del Novecento (es. Electa, Bompiani, Principato…) 

La somiglianza per contatto. 

Archeologia, Anacronismo e modernità 

dell’impronta. Canova, Rodin, 

Duchamp, Y. Klein, Nauman, Whiteread. 

Relegata da Giorgio Vasari nella sfera 

minore delle arti meccaniche, adibite alla semplice riproduzione, 

l’impronta ha tuttavia larga fortuna nella pratica scultoria 

degli artisti moderni e contemporanei, anche quando i loro 

principi estetici sembrano sconfessarla. Rioccupa la scena con i 

gessi di Canova a Possagno, e dilaga in Rodin, che pure la giudica 

una “piaga cancerosa dell’arte”. Bisognerà attendere Duchamp 

per vederla trionfare nel ready-made, sostenuta da una 

concezione estetica che rivendica il gesto riproduttivo, invece di 

abiurarlo, con l’obiettivo di “rompere con l’imitazione classica 

senza tuttavia negare la somiglianza”. Il filosofo e storico dell’arte 

Georges Didi-Huberman, invita oggi a riflettere sull’importanza 

di questa pratica, a partire dalla preistoria, all’alba 

della figurazione. Il modo più ancestrale di dar luogo a una forma 

dispiega qui le valenze del suo anacronismo di perfetta immagine 

dialettica: parla del contatto (il piede che sprofonda 

nella sabbia) e della perdita (l’assenza del piede); trasforma le 

condizioni essenziali della somiglianza e della rappresentazione; 

solleva la questione del rapporto tra la tecnica e il tempo, fra 

la memoria e il presente; rivela gli intrecci di temporalità eterogenee 

di cui si compone ciascuna immagine. 

Il corso offre molteplici occasioni di riflessione sul laboratorio 

di maestri del passato, come Antonio Canova, condotto attraverso 

il recente recupero del calco di Napoleone come Marte pacificatore 

conservato nelle raccolte dell’Accademia di Brera, e di 

oggi, come Bruce Nauman, Leone d’oro alla Biennale di Venezia 

2009 per Topological Gardens, allestito nel Padiglione degli 

Stati Uniti. 

Per l’esame gli studenti sono tenuti a portare almeno 2 testi a 

loro scelta, tra quelli indicati durante il corso, oltre al saggio di 

Didi-Huberman . 

Bibliografia 

• L’empreinte, a cura di G. Didi-Huberman, Centre Georges 

Pompidou, 19 febbraio-19 maggio 1997, cat. Editions du Centre 

Georges Pompidou, Parigi, 1997.


PROGRAMMI 213 

2°LIV 


Dario Trento 

1°LIV 

STORIA DELL’ARTE MEDIOEVALE 

Giuseppe de Juliis 

Pinacoteca di Brera, la terza età. 

Da gennaio 2010 una trasformazione 

del Palazzo di Brera a lungo progettata 

sembra essere entrata in fase realizzativa. 

L’Accademia di Belle Arti è destinata 

a trasferire in altra sede gran 

parte della propria attività didattica mentre la Pinacoteca è chiamata 

a occupare gli spazi da essa lasciati. Due istituzioni storiche 

di Milano cambiano radicalmente la loro forma in una trasformazione 

che è bene seguire in tutte le sue implicazioni per 

aiutarla a concludersi nel modo migliore. 

La Pinacoteca di Brera è nata nel 1806 nel sistema di musei ideato 

da Giuseppe Bossi, è stata ridefinita nel 1809 e ha conosciuto 

continui assestamenti e accrescimenti fino a quando, a partire 

dal 1882, si è trasformata in organismo culturale autonomo. 

Portata alla forma attuale di grande collezione di pittura italiana 

nel 1902 e arricchita e aggiornata lungo tutto il XX secolo, 

con la mutazione in corso è destinata a rinnovare profondamente 

la sua forma e la sua vocazione, fornendo una esposizione assai 

aumentata di opere dell’Ottocento e una collezione unica e 

straordinaria di arte italiana del ventesimo secolo. La nuova Pinacoteca 

presenterà un profilo unico nell’ambito dei grandi musei 

italiani e internazionali: potrebbe diventare una grande raccolta 

di capolavori in un contenitore spettacolare, secondo lo stile 

internazionale in voga, o un laboratorio di storia e di civiltà e 

italiano e milanese. 

Il corso lavorerà per la seconda ipotesi, impegnandosi perché ad 

essa contribuisca attivamente l’Accademia. Sarà aperto al contributo 

di studiosi e ricercatori e a quanti, tra le istituzioni presenti 

nel Palazzo di Brera, vorranno collaborare. 

Bibliografia 

• D. TRENTO, La Pinacoteca di Brera. Una storia milanese, in 

“Dialoghi internazionali”, n. 9, dicembre 2008, pp. 147-167. • 

AA. VV., Brera 1809. Ricostruzione dell’allestimento della Pinacoteca 

di Brera, animazione digitale, versione a cura di M. 

Negroni e studenti dell’Accademia di Brera presentata il 2 dicembre 

2009. • Pinacoteca di Brera, Catalogo della collezione di 

pittura, 9 voll., Electa, Milano 1988 - 1996. 

John Ruskin e il Medioevo. 

Il corso si propone di offrire un percorso 

di lettura sull’arte del medioevo 

attraverso gli scritti, le testimonianze 

e i disegni di uno dei massimi critici 

d’arte di tutti i tempi, John Ruskin 

(Londra 1819 - Brantwood 1900). Figura centrale del periodo 

romantico per l’interpretazione del pensiero medioevale, a lui 

spetta il grande merito di aver riscoperto lo stile gotico e i pittori 

cosiddetti ‘primitivi’. 

Pensatore, esteta, paesaggista, artista viaggiatore e fotografo, il 

suo nome viene spesso associato a Venezia, alle Alpi, alla Toscana 

e alle cattedrali francesi. Fra il 1840 e il 1882 compì ben sette 

viaggi in Italia. Venezia e Firenze furono le città che lo affascinarono 

maggiormente e ad esse Ruskin dedicò due memorabili 

‘guide’, The Stones of Venice (Le pietre di Venezia) nel 1851 

e Mornings in Florence (Mattinate fiorentine) nel 1875, che, 

illustrate dai suoi splendidi disegni e acquerelli, si sono dimostrate 

dei testi fondamentali per conoscere la sua interpretazione 

della cultura e dell’arte medioevale. 

Questi saggi con le relative immagini rappresentano una sorta 

di manuale sul quale impostare le lezioni del corso propedeutico 

e successivamente quelle del corso monografico. 

Il corso monografico intente esaminare il pensiero di Ruskin 

che, partendo dal concetto di sublime e dal rapporto tra natura 

e arte, pone l’accento sul ruolo fondamentale dell’artista nel 

medioevo. Questi è visto dal critico come un profeta, uno “scriba 

di Dio”, poiché sa cogliere e raffigurare nelle sue opere l’essenza 

stessa della verità divina attraverso l’osservazione della 

realtà naturale. 

Bibliografia 

• J. RUSKIN, Le pietre di Venezia, Introduzione di J. Rosenberg, Milano, 

BUR, 2008. • J. RUSKIN, Mattinate fiorentine, a cura di 

Alberto Rossetti, Milano, BUR, 2008. • I dagherrotipi della collezione 

Ruskin, a cura di Paolo Costantini e Italo Zannier, Venezia 

Arsenale editrice, 1986. • J. RUSKIN, Viaggi in Italia 1840-1845, 

a cura e con prefazione di Attilio Brilli, Firenze, Passigli editori, 

1985. • R. HEWISON, Ruskin a Venezia, Venezia, La stamperia di 

Venezia, 1998. • J. RUSKIN, Pittori moderni, a cura di G. Leoni, introduzione 

di G. Leonelli, voll.I, II, Torino, Einaudi, 1998.


214 

PROGRAMMI 

1°LIV 

STORIA DELL’ARTE MEDIOEVALE 

Annunziata Pani 

1°LIV 


Marcella Anglani 

Giotto e la cultura artistica del Trecento. 

Il corso presenta una ricostruzione 

analitica della situazione artistica italiana 

del Trecento seguendo il tracciato 

degli spostamenti di Giotto nella 

penisola ed analizzando le sue innovative soluzioni figurative. 

Tra la fine del ‘200 ed i primi decenni del ‘300, l’arte di Giotto 

esplode con grande energia. Giotto è il grande rivoluzionario 

che, pur nutrito della cultura e della religiosità medievale, 

inaugura nell’arte figurativa una rivalutazione dell’uomo e 

della sua esperienza terrena. 

Temi come la rappresentazione tridimensionale dello spazio,il 

recupero del naturalismo dell’immagine e della figura umana, 

l’introduzione di una dimensione affettiva della pittura divennero, 

grazie a Giotto, caratteristiche fondamentali della cultura 

pittorica occidentale moderna. 

L’attenzione si sposterà, poi, sui seguaci di Giotto,dall’insegnamento 

di Giotto, infatti, si sono irradiate le scuole e le tendenze 

dell’arte italiana. Dal filone maggiore dei fiorentini, ai riminesi, 

alle declinazioni senesi e napoletane, alla variante naturalistica 

dei lombardi. Sarà presa in esame, in particolare, l’attività 

di Giovanni da Milano, l’artista lombardo, attivo in Toscana 

tra il sesto ed il settimo decennio del trecento, che seppe coniugare 

la lezione giottesca con le influenze gotiche di provenienza 

transalpina. 

Parigi da David a Gauguin. 

Il corso si propone di indagare movimenti 

artistici e culturali, presenze, 

avvenimenti che hanno animato la 

vita culturale parigina facendo sì che 

Parigi diventasse capitale dell’arte 

del XIX secolo. Il corso si articolerà su due livelli, si cercherà di 

dare un inquadramento generale in modo da offrire agli studenti 

gli strumenti per cogliere temi, problematiche e passaggi 

cruciali che hanno caratterizzato la trasformazione delle pratiche 

artistiche nell’Ottocento, mentre una lezione la settimana si 

concentrerà sulla letteratura artistica del periodo ( trattati teorici 

testi di critica riflessioni estetiche commenti critici e scritti 

di artisti) e sulla lettura di testi di filosofi e letterati del Novecento 

che hanno ripensato all’arte di alcuni protagonisti dell’arte 

francese cogliendone aperture e potenzialità (vedi per esempio 

George Bataille o Michel Foucault per Manet) . 

Bibliografia 

Testi di base per l’arte dell’Ottocento: 

• G.C.ARGAN, L’arte Moderna, Sansoni, Roma, 1992. • WERNER 

HOFMANN, I fondamenti dell’arte moderna, Donzelli editore, 

Milano, 200, vol 1. • L. NOCHLIN, Il realismo nella pittura europea 

del XIX secolo, Einaudi, Torino, 1971. 

Bibliografia 

• Giotto e il Trecento “Il più sovrano maestro stato in dipintura”, 

a cura di A.Tomei, Skira. • Giovanni da Milano 

“Capolavori del Gotico fra Lombardia e Toscana”, a cura di D. 

Parenti, Giunti, Firenze, 2007. • G. PREVITALI, Giotto e la sua bottega, 

Milano, 1967. • DARIO FO, Giotto non Giotto, F. C. Panini, 

2009. • G. PISANI, I volti segreti di Giotto, Rizzoli, Milano, 2008. 

• A. HAUSER, Storia sociale dell’Arte, vol. I, Einaudi, Torino.


PROGRAMMI 215 

1°LIV 


Francesco Porzio 

1°LIV 



Arte e artisti nel Rinascimento. 

Nella prima parte il corso analizzerà 

lo sviluppo e le diverse accezioni del 

concetto di Rinascimento, con particolare 

attenzione all’area italiana, 

fornendo gli elementi essenziali della 

sua storiografia a partire dagli studi classici di Burckhardt e 

Thode. Attraverso l’evoluzione di questo concetto lo studente potrà 

rendersi conto del significato storico dell’arte e della cultura 

moderna nella fase di formazione e potrà giudicarne le implicazioni 

nel presente. 

Nella seconda parte, concentrandosi soprattutto sul pieno Rinascimento, 

il corso accennerà alla dimensione storico-politica, 

sociale e culturale del fenomeno attraverso la disamina, fra gli 

altri, di autori come Machiavelli e Castiglione. In seguito si passerà 

all’analisi delle vicende artistiche quattrocentesche attraverso 

teorici come Alberti e Vasari e artisti come Donatello, Mantegna 

e Piero della Francesca. Seguirà una breve panoramica 

dell’arte italiana del Cinquecento (soprattutto Roma, Firenze e 

Venezia), sia sul versante classico sia su quello anticlassico. 

Questa parte sarà dedicata in modo particolare alla pittura e alla 

scultura, ma non mancheranno cenni alla formazione e allo 

sviluppo dell’architettura moderna fra Quattro e Cinquecento. 

Nella terza e conclusiva parte le lezioni saranno dedicate al tema 

dell’emancipazione della figura dell’artista dalla condizione 

di artigiano nel corso del Rinascimento, al progressivo superamento 

della bottega medievale e al nuovo ruolo dell’artista 

nella società moderna. L’illustrazione di questo importante passaggio 

storico permetterà allo studente di conoscere le origini di 

una figura creativa e professionale i cui contorni sono ancora 

in larga parte attuali. 

Bibliografia 

La bibliografia di riferimento, ben più ampia dei due testi qui 

indicati per ragioni di spazio, verrà fornita durante le lezioni. 

• J. Burckhardt, La civiltà del Rinascimento in Italia, ed. it. 

Firenze, Sansoni 1992. • R. e M. Wittkower, Nati sotto Saturno, 

ed. it. Torino, Einaudi 2005. 

Effimero Barocco. 

Perno teorico dell’arte barocca in Italia 

è l’idea del mondo come spettacolo 

e la concezione di una fruizione 

che coinvolge i cinque sensi. Il prodotto 

di queste idee non solo nell’iconografia 

ma anche nello stile e nel modo di comunicare le immagini, 

ha effetti rivoluzionari per le arti visive e reintroduce 

nelle arti visive il concetto greco dell’arte come coreia, l’idea 

classica dell’arte in cui immagine, suono, danza e parola si intrecciavano 

tra loro nella pratica spettacolare del teatro. 

Le immagini barocche seducono, convincono, illudono, ingannano 

attraverso il ricorso a regole di comunicazione della retorica 

antica dedicate alla facoltà dell’attore di muovere nello 

spettatore gli affetti che si vogliono provocare attraverso una 

messa in scena drammatica e convincente delle passioni. Di qui 

la centralità dello spettatore sollecitato ad un coinvolgimento 

attivo dei cinque sensi e intrigato intellettualemente nei complicati 

concetti che le opere mettono in scena. 

Al di là dei problemi di stile, tematiche quali l’effimero, il concetto, 

la spettacolarità, l’intreccio dei linguaggi espressivi rimandano 

ad assonanze con le pratiche dei linguaggi dell’arte 

contemporanea. Il corso muove, infatti, da opere ed artisti della 

contemporaneità ripercorrendo a ritroso una ideale genealogia 

dei linguaggi artistici. 

L’esame finale consiste in un colloquio orale. 

Bibliografia 

(N.B.: La bibliografia dettagliata sugli artisti o le opere oggetto 

delle lezioni frontali, verrà fornita all’inizio del semestre.) 

I testi di riferimento sono: 

• La Festa a Roma. Dal Rinascimento al 1870, a cura di M. 

Fagiolo, cat. esp., Roma, 1997. • M. FAGIOLO M. L. MADONNA, Barocco 

romano e Barocco italiano: il teatro, l’effimero, l’allegoria, 

Roma 1985. 

Il manuale consigliato è • DORFLES, BUGANZA, STOPPA, Storia del’arte, 

vol. 2, Atlas, Bergamo, 2008. 

Per i frequenti riferimenti ad artisti ed opere contemporanee si 

suggerisce inoltre: • DENYS RIOUT, L’arte del ventesimo secolo, 

Einaudi, Torino, 2002.


216 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Valter Rosa 

1°LIV 


Paolo Thea 


Nell’attuale fase di crisi della disciplina 

storico-artistica, il corso muove 

dall’intento di riconferire un senso 

forte a questo insegnamento in 

un’ottica mirata a perseguire gli 

obiettivi didattico-formativi di un’accademia di belle arti. Pertanto, 

in luogo di un corso monografico di taglio specialistico, 

si ritiene utile un coinvolgimento degli studenti sull’intero arco 

della storia dell’arte attraverso l’approfondimento di questioni 

fondamentali. 


L’arte nei luoghi della sua produzione tra Settecento e primo 

Novecento. 

Il corso intende proporre una linea della Storia dell’arte raccontata 

dal punto di vista della cultura e del modo di operare degli 

artisti. L’idea di fondo è che la comprensione di un’opera d’arte 

possa trarre notevole vantaggio dalla conoscenza del milieu 

professionale dell’artista: ritratti e autoritratti nello studio, case 

d’artista, atelier, accademie, luoghi di esposizione costituiranno 

dunque gli oggetti privilegiati - ma non i soli - di un percorso 

di studio volto ad evidenziare le condizioni materiali di produzione 

dell’opera, i metodi e gli strumenti di lavoro, i riferimenti 

culturali, il gusto personale e il sistema di valori, la volontà di 

autorappresentazione e le strategie commerciali. 

Nella parte introduttiva, quale utile richiamo di nozioni, concetti 

ed esperienze artistiche precedenti, verranno proposti alcuni 

“casi” opportunamente scelti fra la fine del XV e il XVII secolo 

(ad esempio Mantegna, Giulio Romano, Leone e Pompeo 

Leoni, Rubens, Pietro da Cortona). 

È tuttavia dopo la Rivoluzione francese che la questione del 

“luogo di lavoro” risulta strategica e centrale come dimostrano 

dipinti, sculture e architetture che hanno segnato la storia dell’arte 

dell’Ottocento e che verranno esaminati a partire dalla 

letteratura artistica coeva. Su questo s’incentrerà la maggior 

parte del corso che si concluderà con l’esame di alcuni sviluppi 

novecenteschi del tema. 

Bibliografia 

• SILVIA BORDINI, L’Ottocento. 1815-1880, Carocci editore, Roma, 

2002. • Arte e artisti nella modernità, a cura di Antonello 

Negri, Jaca Book, Milano, 2000. 

Un manuale di Storia dell’arte. 

Dispensa finale e altre indicazioni bibliografiche durante lo svolgimento 

del corso. 

Tale sezione consiste nella manualistica 

di cui è richiesta la conoscenza e 

si può suddividere nel seguente modo: 

1°anno: dall’arte antica al Gotico Internazionale; 

2° anno: dal Quattrocento 

al Settecento; 3°anno: dall’Ottocento 

all’arte contemporanea. 


L’arte del primo Rinascimento. 1400-1492 

Nelle lezioni sarà esaminata la produzione pittorica, grafica, architettonica 

e scultorea del primo Rinascimento italiano a Firenze, 

Ferrara, Urbino, Roma, Padova, Venezia, Napoli e Milano 

e il Sud Italia dal primo ’400 al 1492, momento della morte 

di Lorenzo il Magnifico a Firenze. Il periodo si divide in due fasi 

che vanno grosso modo dal 1400 al 1460 e dal 1460 al 1492. 

La prima è esclusivamente fiorentina e ha questi temi: Brunelleschi, 

l’antico e la scoperta della prospettiva. Masaccio e Donatello. 

La seconda generazione dell’Umanesimo (Beato Angelico, 

Paolo Uccello, Filippo Lippi Domenico Veneziano, Andrea Del 

Castagno), Leon Battista Alberti e i suoi trattati. 

Poi a cominciare da Padova la cultura rinascimentale si diffonde 

in tutta Italia, a Ferrara, Urbino, Venezia, Milano, Messina e 

il Sud, Venezia. 

Bibliografia 

Per la preparazione si può utilizzare uno qualsiasi dei manuali 

in circolazione, possibilmente ad eccezione dell’Adorno. A scopo 

puramente indicativo, perché via via negli anni ne sono usciti 

altri e nuove edizioni con integrazioni di quelli esistente con integrazioni 

di quelli indicati, si consigliano i seguenti: 

• G. C. ARGAN, Storia dell’arte italiana, Sansoni. • BAIRATI e FI- 

NOCCHI, Arte in Italia, Lœscher. • BERTELLI, BRIGANTI, GIULIANO, 

Storia dell’arte italiana, Electa. • DE VECCHI eCERCHIARI, L’arte 

nel tempo, Bompiani. • H. E. GOMBRICH, La storia dell’arte, 

Einaudi o Mondadori. • M. CALVESI, Storia dell’arte contemporanea, 

Fabbri. • L. VINCA MASINI, L’arte nel tempo, Giunti. 

Indirizzo e-mail: paolo.thea@libero.it


PROGRAMMI 217 

1°LIV 


Dario Trento 

2°LIV 

STORIA DELL’ARTE SACRA MODERNA 

E CONTEMPORANEA 


Venezia laboratorio della pittura: 

Giorgione e Carpaccio 

Dopo secoli di isolamento culturale e 

dopo essersi costruita uno stato territoriale 

con l’annessione del territorio 

veneto, tra la fine del Quattrocento e i 

primi anni del Cinquecento Venezia diventa una delle metropoli 

europee della pittura. Si intensificano i passaggi degli artisti e 

gli scambi delle opere, nasce un ceto colto di collezionisti e una 

società di artisti locale. Nel giro di pochi decenni su tutti si impone 

il cadorino Tiziano Vecellio, destinato a diventare il più 

prestigioso pittore europeo, stipendiato dall’imperatore Carlo V. 

Con lui la pittura veneziana assume la cifra culturale che l’ha 

resa celebre per secoli e immediatamente identificabile in tutti i 

musei del mondo. 

Lavorando sulla fase iniziale di questo ciclo culturale il corso intende 

scavare sulla ricchezza di opzioni culturali operanti a Venezia 

in quel frangente. Prendendo come termini di paragone 

due artisti tra loro profondamente diversi, Giorgione e Carpaccio, 

intende mettere a fuoco le diverse opzioni e culture approdate 

in Laguna e a confronto nei laboratori dei diversi artisti. Negli 

stessi anni transitano o lavorano a Venezia il trevigiano Lorenzo 

Lotto, i lombardi Giovanni Agostino da Lodi e Andrea Solario e il 

norimberghese Albrecht Dürer. 

Le biografie parallele dei due artisti contemporanei offriranno 

un accesso a quel cantiere, e permetteranno di percorrerne gli 

intrecci, gli scambi, le contaminazioni, gli scontri. 

Il Corso si caratterizza attraverso un 

rapporto stretto e di confronto tra la 

creazione artistica e lo spazio sacro, 

nei termini di appartenenza ai valori 

di contemporaneità, sia nelle fasi di 

progettazione che di collocazione;si 

tratta cioè di un ampio progetto di studio e di ricerca aperto al 

confronto interconfessionale, proiettato sul patrimonio iconografico 

delle grandi religioni monoteiste, ed attento al confronto 

con il sistema liturgico dell’edificio sacro cristiano, dalla 

Chiesa alla Cappella, dall’Altare all’Abside, dal Sagrato al Fonte 

Battesimale. 

Il Corso approfondisce i passaggi espressivi che a partire dalle 

Avanguardie Storiche hanno significativamente contribuito a rifondare 

una nuova cultura dell’Arte Sacra, osserva gli eventi artistici 

più recenti ed elabora una vasta campionatura di eventi 

progettuali. 

Bibliografia 

• A. B. DEL GUERCIO, Arte Cristiana Contemporanea, Ediz. Ancora, 

Milano, 2006. • A. B. DEL GUERCIO, Arte Sacra, la funzione 

e la riflessione, Ediz. Raccolto, Milano, 2004. • AA.VV. Le 

cattedrali d’Arte, Ediz Prada, Milano, 1998. 

Bibliografia 

• Il Rinascimento a Venezia e la pittura del Nord ai tempi di 

Bellini, Dürer, Tiziano, a cura di B. Aikema e B. L. Brown, Bompiani, 

Milano, 1999. • S. SETTIS, La “Tempesta” interpretata, 

Einaudi, Torino, 2005. • M. DAL POZZOLO, Giorgione, Motta, Milano, 

2009 • R. LONGHI, Carpaccio. Vita di un documentario 

d’arte, a cura di P. Scremin, Allemandi, Torino, 1991. • M. SER- 

RES, Carpaccio studi, Hopefulmonster, Torino, 1990. • V. SGARBI, 

Carpaccio, Fabbri, Milano, 1994.


218 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Annunziata Pani 

1°LIV 


Giuseppe de Juliis 

Il corso si propone di offrire uno spaccato 

delle complesse, diversificate e 

nuove esperienze che caratterizzano il 

panorama artistico-culturale fra ’800 

e ‘900 . 

In un’ottica di lettura parallela ed 

integrata di architettura e arti figurative, artigianato e arti 

decorative, verranno trattate le maggiori tendenze e personalità: 

dalla crisi dell’eclettismo del secondo Ottocento alla ricerca 

dell’‘opera d’arte totale’ messa in atto dalla rivoluzionaria sperimentazione 

dell’Art Nouveau nelle sue molteplici declinazioni 

locali. L’Art Nouveau, diffuso in Europa e negli Stati Uniti tra 

il 1880 e il 1910, ha trovato espressione in un’ampia gamma di 

arti applicate, dal design d’interni alla produzione di mobili, 

dalla grafica all’arte della lavorazione dei metalli, del vetro e 

della ceramica, dai disegni su stoffa all’illustrazione di libri. 

Un’avventura artistica internazionale tra rivoluzione e reazione, 

tra cosmopolitismo e provincia, tra effimero, ‘sublime’ e 

stravagante. 

Bibliografia 

Appunti delle lezioni 

• KLAUS JURGEN SEMBACH, Art Nouveau, L’utopia dell’armonia, 

Taschen, 2007. • GABRIELE FAHR BECHER, Art Nouveau, Konemann, 

2004. • LARA VINCA MASINI, Il Liberty, Art Nouveau, 

Giunti Editore, 2000. • GIULIANO SERAFINI, Art Nouveau, Le arti 

decorative alle origini del Moderno, Giunti Editore, Milano. 

• ART DOSSIER, Art Nouveau, Giunti Editore, Milano. • G.C. AR- 

GAN, L’arte moderna 1770/1970, Il Modernismo, Sansoni, 

1975. 

Corso propedeutico 

La storia del mobile italiano dal Medioevo 

al Rinascimento. 

Il corso si propone di mettere in evidenza 

lo stretto rapporto tra le cosiddette 

arti maggiori e arti minori (definite, 

queste ultime, anche arti decorative, arti applicate oppure 

arti industriali). Questo tipo di indagine, valida per tutte le 

epoche, lo è ancor più per il Rinascimento, quando, ad esempio, 

la relazione tra architettura e arredo ligneo era molto stretta. I 

legnaioli, che nei documenti antichi vengono ricordati come 

“maestri di prospettiva”, e gli architetti erano entrambi responsabili 

dell’apprendistato dei giovani alle regole matematiche, 

cosicché nelle botteghe fiorentine del Quattrocento non vi era 

nessuna differenza tra manufatto artistico e manufatto artigianale. 

Corso monografico 

La sagrestia delle messe nella cattedrale di Santa Maria del fiore 

a Firenze: un esempio illustre di arredo del quattrocento 

Dopo aver trattato nella parte propedeutica i momenti salienti 

della produzione lignea fiorentina del Quattrocento, il corso monografico 

analizzerà un particolare complesso, la Sagrestia delle 

Messe nella cattedrale di Firenze, nel quale sono presenti tutte 

le caratteristiche, soprattutto sul piano tecnico, di una bottega 

specializzata nella produzione di manufatti lignei. Le pareti della 

Sagrestia sono rivestite di intarsi eseguiti, a partire dal 1436, 

da un gruppo di maestri sotto la direzione di Agnolo di Lazzaro, 

e tra essi il pittore Giovanni detto lo Scheggia, fratello di Masaccio, 

e il legnaiolo e architetto Antonio Manetti, l’esecutore dei 

modellini in legno del Brunelleschi. Dopo una lunga interruzione, 

i lavori verranno ripresi a partire dal 1463 fino a tutto il 1468 

da Giovanni da Gaiole e Giuliano da Maiano, ai quali si ipotizza 

che si affiancarono artisti quali Maso Finiguerra, Mino da 

Fiesole, Alesso Baldovinetti a Antonio del Pollaiolo. A Giuliano 

da San Gallo spettano i quattordici putti con ghirlande a coronamento 

delle decorazioni parietali e a conclusione dell’opera. 

L’arredo ligneo della Sagrestia delle Messe ci offre uno splendido 

esempio di collaborazione stretta tra grandi artisti dell’epoca, 

che presentavano i progetti e i disegni preparatori, e maestranze 

di altissimo livello esecutivo. 

Bibliografia 

• MARGARET HAINES, La sagrestia delle messe del Duomo di Firenze, 

Cassa di Risparmio di Firenze, 1983.


PROGRAMMI 219 

2°LIV 


Chiara Guardoni 

1°LIV 

STORIA E DOCUMENTAZIONE DEI BENI ARCHITETTONICI 


Il Comico e il teatro. 

Il corso si propone di analizzare le 

forme di elaborazione del Comico in 

alcuni generi teatrali. A tal scopo verranno 

in primo luogo approfondite le 

tipologie comiche più comuni, con riferimento 

a testi e alla tradizione teatrale; successivamente 

l’analisi spazierà sui problemi relativi alla comicità dal punto di 

vista della relazione con il pubblico, il personaggio, la messa in 

scena. 

Particolare attenzione verrà prestata all’analisi dei meccanismi 

della comicità nei diversi generi teatrali, sia dal punto di vista 

dell’elaborazione drammaturgica, che della rappresentazione. 

L’esame prevede una parte orale che verte sugli argomenti del 

corso, una tesina di max 20 cartelle su un argomento concordato 

con il docente, e l’analisi di uno spettacolo della stagione 

in corso (struttura drammaturgia, scenografia, materiali paratestuali). 

Il cammino formativo proposto si configura 

come una promenade architecturale 

concepita per condurre lo 

studente alla scoperta dell’architettura 

e della città occidentale. 

Partendo dalle più antiche culture 

sbocciate sulle sponde del mediterraneo e giungendo fino all’Illuminismo, 

il primo corso è dedicato allo studio delle opere e 

delle teorie che testimoniano lo sviluppo del linguaggio classico, 

analizzando i contributi degli architetti italiani ed europei e gli 

interventi urbani che ne determinarono l’ampia diffusione, unitamente 

alla longeva tradizione e alle multiformi sfaccettature e 

declinazioni. 

La finalità del corso non si esaurisce nello studio dei lineamenti 

della disciplina, nell’acquisizione di un bagaglio di conoscenze 

e riferimenti ritenuti imprescindibili, ma si esplica nell’individuazione 

e nella comunicazione di metodologie di riconoscimento 

e di analisi che contribuiscano alla crescita della coscienza 

critica. 

Bibliografia 

La bibliografia verrà fornita durante il corso.


220 

PROGRAMMI 

2°LIV 

STORIA E DOCUMENTAZIONE DEI BENI ARCHITETTONICI 


Dalle radicali trasformazioni prodottesi in epoca neoclassica, 

che annunciano la nascita della società industriale, agli esiti 

della rivoluzionaria stagione delle avanguardie e dell’innovativa 

esperienza del Movimento Moderno, fino alle radici della contradditoria 

contemporaneità, rintracciabili nelle metropoli d’oltreoceano 

(international style, postmodern, high tech), al fine di 

comprendere le ragioni del successo planetario dell’internazionalismo. 

La promenade architectural incominciata con il primo corso continua, 

riservando peculiare attenzione al confronto tra gli orientamenti 

storiografici condivisi e consolidati e le interpretazioni più 

attuali, consapevolmente immerse nella contemporaneità e interessate 

agli aspetti ancora irrisolti del racconto storico. 

Le modalità d’esame consistono in due prove scritte in itinere e 

una prova orale, atte a verificare l’apprendimento dei contenuti 

proposti e discussi durante le lezioni ex cathedra. É richiesto 

l’approfondimento personale, da effettuarsi sul manuale di storia 

dell’architettura, nonchè su letture ad hoc, selezionate in sintonia 

con le conoscenze pregresse e le specifiche attitudini ed esigenze 

degli studenti. Constatati il preoccupante incremento 

dell’“analfabetismo architettonico” e l’inadeguatezza dei manuali 

reperibili in commercio, documentati ‘dossier tematici’, 

ideati e realizzati quali strumenti integrativi del corso, illustrati 

con un repertorio di immagini prevalentemente raccolte e scattate 

dal docente durante i propri viaggi di studio. 

2°LIV 

STORIA E MODELLI DELL’ARTE TERAPIA 

Giorgio Bedoni 

I visionari: gli autori, le opere. Rassegna critica, metodologie di 

approccio a queste immagini. 

Arte e psicopatologia. Arte e psicoanalisi. Outsider Art e Art Brut: 

gli autori, gli studi critici. 

L’arte terapia: la storia, i linguaggi, le dinamiche terapeutiche, 

il setting artistico. 

Approccio all’immagine in arte terapia: dai modelli “storici” la 

proposta del Modello Iconologico Integrato. 

Linguaggi dell’arte, esperienza estetica, percorsi di cura a mediazione 

artistica. 

I visionari: repertori iconografici e collezioni in Europa. 

Linguaggi dell’arte (le Avanguardie storiche) e psicopatologia, 

nozione e studi critici in tema di Art Brut e Outsider Art. 

L’approccio fenomenologico: un percorso storico- critico attraverso 

gli autori. 1) Uno psichiatra di fronte all’immagine: Walter 

Morgenthaler; 2) Aldilà della psichiatria e dell’estetica: L’opera 

innovatrice di Hans Prinzhorn. 

La prospettiva psicoanalitica. 1) Creatività e psicosi: forma e significato 

negli scritti di Ernst Kris (il contributo della Psicologia 

dell’Io); 2) Esperienza estetica, creatività, arte come terapia alla 

luce della teoria delle relazioni oggettuali: Donald Winnicott, 

Marion Milner. 

Linguaggi dell’arte (l’arte del secondo dopoguerra) e arte terapia, 

con particolare riferimento ai caratteri costitutivi del setting 

artistico. 

Il Modello Iconologico Integrato: lettura dell’immagine in Arte 

terapia. 

Bibliografia 

• G. BEDONI, Visionari. Arte, sogno, follia in Europa. Selene Ed, 

Milano, 2004. • G. BEDONI, B. TOSATTI, Arte e psichiatria. Uno 

sguardo sottile. Mazzotta, Milano, 2000. • G. HUBERMAN, L’immagine 

insepolta, 2002. • Aby Warburg, la memoria dei fantasmi 

e la storia dell’arte. Bollati Boringhieri, Milano, 2006.


PROGRAMMI 221 

1°LIV 

STORIA E TEORIA DEI NUOVI MEDIA 

Fabio Zanzotto 

1°LIV 

STORIA DELLA SCENOGRAFIA 

Luca Scarlini 

Teoria e metodi della comunicazione culturale. 

Il corso parte da una programmazione didattica poliennale. 

Intende affrontare attraverso una prospettiva storico-metodologica 

i problemi relativi ai sistemi della comunicazione, verbale e 

visiva, che hanno al centro dell’interesse la presentazione e la 

promozione della risorsa culturale e in particolare artistica. Per 

affrontare in maniera appropriata questo argomento bisogna 

pero tener conto anche di altri elementi strettamente collegati. 

Infatti va necessariamente considerata l’influenza della comunicazione 

stessa e delle applicazioni che sono state fatte del prodotto 

artistico per gli scopi più diversi. A questo vanno aggiunte le relazioni 

strette con i cambiamenti della società, della politica, 

dell’economia, senza trascurare l’evoluzione scientifica, tecnica 

e più recentemente tecnologica. Si tratta quindi di una materia 

molto vasta e complessa, per cui diventa necessario selezionare, 

anche ai fini didattici, alcune situazioni che delineano in modo 

chiaro i procedimenti e le applicazioni. 

Bibliografia 

La bibliografia verrà fornita in base agli argomenti trattati durante 

le lezioni. 

Il corso è strutturato in due parti: la 

prima, monografica, è dedicata alla 

storia della scenografia nei suoi fondamenti 

principali dal Rinascimento 

ad oggi, a partire da una conoscenza 

essenziale delle mutazioni del luogo 

teatrale nel corso dei secolo ‘500-‘700, nell’elaborazione della 

scena all’italiana, influente in tutta Europa, per poi passare agli 

esiti seguenti, mutati nel corso del tempo, fino agli esperimenti 

delle avanguardie Novecentesche, che di questo spazio fecero a 

meno, proponendo soluzioni sempre diverse, a seconda delle differenti 

possibilità di utilizzo e delle scelte dei seguenti movimenti 

di ricerca, da Gordon Craig a Stranislavkisj e Mejerhol’d. Il 

corso specialistico sarà dedicato all’allestimento dell’opera lirica, 

nella definizione della storia del melodramma negli ultimi 

due secoli. L’itinerario partirà dagli allestimenti verdini, nella 

definizione delle istruzioni sceniche, nuova modalità di definizione 

di una protoregia, attraverso i modelli di Puccini, giungendo 

al Novecento nella sequenza di diverse sperimentazioni 

provate tra scena e cinema. Il corso prevede la visione di numerosi 

materiali, che costituiscono materia d’esame e la cui visione 

è quindi obbligatoria, trattandosi molto spesso di film o video 

rari e di difficile reperibilità. 

Bibliografia 

Corso monografico 

• FRANCO PERRELLI, Storia della scenografia, Carocci, Roma. 

Corso specialistico 

• BRUNO BARILLI, Il paese del melodramma, Adelphi, Milano. 

• PETER BROOKS, L’immaginazione melodrammatica, Pratiche, 

Parma. 

La lettura di entrambi i testi è obbligatoria


222 

PROGRAMMI 

1°LIV 

TEATRO DELLA FESTA 

Ferruccio Bigi 

1°LIV 

TEATRO DI FIGURA 

Gabriele Giromella 

“La festa, considerata come evento 

pubblico (di una comunità o di un 

gruppo ristretto di persone) è fra 

Quattro e Settecento - in contesti molto 

diversi fra loro - una forma emblematica 

dell’immaginazione, quella 

in cui le arti tutte potevano sperimentare tecniche e invenzioni e 

manifestarsi compiutamente con lo scopo di produrre in primo 

luogo meraviglia e stupore. 

Essa offriva agli artisti la straordinaria occasione di “provare” 

quel che l’immaginazione suggeriva loro con una maggior libertà 

rispetto alle commissioni ordinarie (libertà di progetto, libertà 

dall’idea di monumento, “povertà” relativa di materiali etc.). 

Duplice è l’aspetto della festa, statico e dinamico; e duplice è il 

suo “tempo”: il tempo fisso e il tempo del moto; e ognuno di questi 

aspetti interessa l’invenzione architettonica. Nella forma mobile 

della processione e della cavalcata, la voga dei carri, divenuti 

carri di trionfo, finisce col conferire un carattere monumentale 

al loro apparato. E nella forma fissa, i palchi e le logge, coperti 

di stoffe e adorni di statue e di emblemi, erano in realtà espressioni 

architettoniche originali. 

Così la città diventava una città di pura finzione, realizzando la 

propria proiezione immaginaria, e in particolare il proprio travestimento.” 

Il programma si sviluppa attraverso lezioni frontali, incontri vis 

a vis e momenti laboratoriali 

Progetto: giardino effimero, costruzione di artifici realizzati 

esclusivamente con materiali naturali quali: verde da potatura, 

piante, legno, prato in rotoli, pietre, acqua, ecc. 

Temi: naturale - artificiale, la distinzione fra naturale e artificiale 

- fra ciò che è “naturalmente divenuto” e quel che è “tecnicamente 

prodotto” - è costitutiva della storia umana. Naturalia et 

mirabilia, La meraviglia come chiave di lettura della natura, 

uno sguardo meravigliato come momento di conoscenza. 

Funzione: l’apparato scenografico deve essere pensato autoportante, 

praticabile e deve funzionare sia di giorno che di sera; è 

organizzato con un ingresso, un percorso interno e un uscita; il 

Il corso recupererà il percorso storico 

del teatro di figura creando una “nuova 

strada”, fatta di analisi dei caratteri 

fisionomici e corporali, di analisi 

strutturale dei movimenti, di equilibri 

e di percorsi costruttivi atti a creare 

nuovi personaggi, nuovi allestimenti e ulteriori possibilità di 

realizzare degli spettacoli. Esso si articolerà nella progettazione 

e realizzazione di un tema. Il prodotto finale, risultato di una selezione 

dei lavori svolti dagli allievi, farà parte del progetto complessivo 

di realizzazione dello stesso spettacolo. Le fasi di lavoro 

comprenderanno: lo studio dei personaggi nell’aspetto poetico e 

funzionale al meccanismo; lo studio dei costumi dei personaggi 

e loro progettazione; lo studio dell’ambientazione scenica e la 

progettazione della “baracca”/teatrino in cui si svolgerà la storia, 

con riferimento alla tipologia estetica e a quella tecnico-costruttiva 

che metta in risalto la sua caratteristica “itinerante” 

(valutazione di pesi, dimensioni, costi…). 

In laboratorio saranno eseguiti i fantocci, sulla base della conoscenza 

del legno e delle sue caratteristiche meccaniche, tenendo 

presente la concezione di leggerezza e d’equilibrio, con le strumentazioni 

e i materiali a disposizione. Gli stessi fantocci saranno 

oggetto di sperimentazioni con materiali di ricerca alternativi. 

Seguiranno la fase di rifinitura, legata alla colorazione e alla 

scelta delle varie patine, e la fase di vestitura-assemblaggio. 

Si svolgeranno esercitazioni sull’animazione dei diversi personaggi 

e momenti scenici e una documentazione fotografica delle 

varie fasi di lavoro che ogni allievo presenterà raccolto in una 

cartella. Gli elaborati costituiranno un archivio interno all’Accademia, 

utili per ulteriori studi e a cui attingere per realizzare 

nuovi spettacoli.


PROGRAMMI 223 

1°LIV 

TECNICHE AUDIOVISIVE PER IL WEB 

Norberto Serana 

1°LIV 

TECNICHE CALCOGRAFICHE SPERIMENTALI 

Riccardo Galleni 

Il corso, che si articola in lezioni teorico-pratiche da 3 ore ciascuna, 

intende introdurre lo studente alla creazione del software 

nelle parti progettuale e realizzativa, con particolare attenzione 

al mondo multimediale, sia in ambiente web che in quello applicazioni. 

Scopo non secondario del corso è anche aprire allo studente la 

possibilità di vedere come immaginare e progettare software da 

sé, senza i limiti imposti dai normali programmi commerciali 

che, seppur potentissimi e di uso obbligato, a volte rischiano di 

costringere la visione dell’utente alle proprie tecnologie. 

Nella parte teorica di ogni lezione sono introdotte le basi di conoscenza 

per la creazione del software: comprendere la struttura 

del mondo pc e del sistema operativo, ambientarsi in un ambiente 

di rete, capire con che mezzi e protocolli si interfacciano 

sistemi anche molto differenti, capire come realizzare aggiunte 

ad un programma esistente, stabilire un linguaggio comune per 

scambiarsi documentazione tecnica e progetti operativi. 

Nella parte pratica, che lo studente svolge in linguaggio Java sul 

proprio elaboratore o su quelli della struttura, si realizzano progetti 

di esempio che guidano alla comprensione nell’utilizzo del 

software: eventi, interfacce utente, lancio di programmi esterni, 

animazioni, trattamento di immagini, audio, web, giochi e numeri 

casuali, mutua comunicazione di programmi in rete 

tcp/ip, disegno di forme, eccetera. 

Il corso di Tecniche calcografiche sperimentali 

ricalca il progetto “Segno e 

superfice” presentato in «Foward» 

(con il coordianamento di Carlo Presicci, 

1999-2000). 

Il progetto è un prologo per uno studio 

del segno virtuale e tratta dell’immagine e del suo rovescio. 

L’intento è di indagare il segno calcografico nelle sue relazioni 

tra superfice, incavo, e stampa attraverso le nuove tecnologie per 

ricavare l’importanza del rilievo e le potenzialità del segno inciso. 

La ricerca approfondisce la relazione tra segno e superfice, 

l’ombra del segno e la dilatazione dell’immagine nel suo rovescio 

Il corso si propone la sperimentazione dei nuovi materiali come 

calchi in silcone, scansioni digitali e lavorazione con macchine 

CNC. 

E’ infine da considerare parte integrante del corso la prova d’esame, 

nel quale il singolo oppure un piccolo gruppo di studenti, 

oltre alla prova orale, crea una propria piccola applicazione: immaginandola, 

progettandola, realizzandola.


224 

PROGRAMMI 

2°LIV 

TECNICHE DEL MARMO, DELLE PIETRE 

E DELLE PIETRE DURE Massimo Pellegrinetti 

Il corso intende ampliare la panoramica 

sulla conoscenza dei materiali 

lapidei studiandone le qualità specifiche 

per reinserirle in un linguaggio 

più vasto e contemporaneo. 

Attraverso lezioni teorico-pratiche ci 

si approprierà della capacità di comprensione e lavorazione del 

materiale; l’obbiettivo è l’inserimento di questo in un contesto 

più ampio, a disposizione della propria poetica artistica. 

Tra gli argomenti che verranno approfonditi: le origini; l’impiego 

nella storia; gli aspetti meno apparenti e la duttilità del 

materiale; l’energia delle pietre nella bioarchitettura e nell’arte 


La bibliografia sarà indicata durante le lezioni. 

1°LIV 


Vincenzo Ceccarelli 

Il corso di tecniche musive approfondirà 

lo studio e l’analisi del linguaggio 

musivo pavimentale e parietale 

antico. 

I anno 

a) Approfondimento della tecnica musiva, 

studio dei materiali, taglio, texture, 

composizione, andamenti e colore. 

b)Elaborazioni ed esercitazioni con materiali naturali policromi 

su motivi antichi con l’uso della tecnica a rivoltatura su 

carta ed esercitazioni con materiali artificiali quali paste vitree, 

smalti, con fase diretta su supporto ligneo. 

II anno 

Il secondo anno del corso studierà ed approfondirà le problematiche 

del mosaico moderno, contemporaneo e delle sue applicazioni: 

dal rapporto sempre più stretto con l’architettura, con il 

design, con la scultura e l’arredo urbano. 

Il corso affronterà lo studio e la sperimentazione dei nuovi materiali 

e delle nuove tecnologie; la preparazione dei cartoni da 

eseguirsi con posa diretta e a rivoltatura con predisposizione dei 

piani di fase e della relativa sezionatura dei disegni. 

Bibliografia 

• FIORENTINI RONCUZZI I., L’arte e tecnologia del mosaico, Longo 

Editore, Ravenna, 1971 • FIORENTINI RONCUZZI I., Mosaico: 

materiali,tecniche e storia, M. W. e V Editore • FIORENTINI RON- 

CUZZI I., Materiali e tecniche dalle origini a oggi, Longo Editore, 

Ravenna • G. SEVERINI, Lezioni sul mosaico, Longo, Ravenna, 

1988 • BERTELLI C., Le Mosaiques, Bordas, Parigi, 1989 • A. 

CROVATO, I pavimenti alla veneziana, Edizioni Grafi, Treviso 

1989 • KATHERINE M.D. DUNBABIN, Mosaics of the Greek and Roman 

world, Cambridge Un.


PROGRAMMI 225 

1°LIV 


Maria Cristina Camino 

2°LIV 

TECNICHE DELLA RAPPRESENTAZIONE 

Francesca Liberatore 

Questo corso si svolge in entrambi i semestri. 

Ogni anno affrontiamo un tema, 

uguale per ogni disciplina di 

afferenza, (decorazione, pittura, scultura, 

design). Da questo nasce un confronto 

che contribuisce ad ampliare il 

proprio punto di vista. 

Quest’anno il tema monografico sull’oggetto - simbolo che viene 

consegnato ai vincitori dei vari festival, manifestazioni, gare, 

siano esse del mondo delle arti o dello sport: il “Premio”. 

Naturalmente prenderemo visione di quanti più possibili premi: 

la storia,le curiosità e il loro aspetto formale. Si potrà scegliere 

di modificare l’originale oppure cambiarlo del tutto. 

Ma si potrà anche inventare un premio, oltre che nel suo aspetto, 

anche nella sua destinazione. 

Immaginare di poter indirizzare un premio per indicare qualcosa 

che merita una attenzione particolare… anche nei suoi 

accessi contrari e negativi (vedi l’ironia del tapiro). 

Per ogni informazione è necessario partecipare alla presentazione 

del corso che si svolgerà nelle prime giornate di apertura 

dell’Accademia. 

cristinacamino@ababrera.it 

Il corso verte sullo sviluppo della creatività 

e delle doti tecniche dello studente, 

in concordanza ad aspetti pratici 

e percezioni estetiche, dei quali il 

fashion designer deve tener conto: 

l’uso del colore; il senso 3D e la silhouette; 

la sensibilità ai materiali e ai tessuti; la capacità nel disegno 

di moda come abilità nello sviluppare idee in forme visive e 

l’illustrazione; la presentazione. 

Essendo il disegno il fondamentale mezzo comunicativo dello 

stilista, l’illustrazione di moda assumerà un particolare rilievo 

attraverso il disegno dal vivo in aula, il design work, la ricerca 

e osservazione personale. 

Le istruzioni nel disegno includono la comprensione, la consapevolezza 

e la sintonia del corpo umano in relazione al movimento, 

tramite l’applicazione di linee, la presentazione di materiali, 

mood, informazioni tecniche ma soprattutto l’inserimento 

del colore (tenendo conto del modo in cui il colore influisce sui 

fattori della composizione - l’unità, l’enfasi, l’equilibrio, il contrasto 

- e sulle emozioni - può essere drammatico, catturare attenzione 

o stimolare desiderio). 

Il portfolio deve consistere in una tangibile informazione del 

percorso svolto durante il corso, allo stesso tempo molto personale 

e professionale, che includa esercitazioni in classe, sperimentazioni 

individuali, sviluppo di silhouette, schizzi e illustrazioni 

finali. 

Lo studente dovrà mostrare pertanto: individualità e una serie di 

doti creative e pratiche nel generare e realizzare le proprie idee; 

confidenza nella propria identità creativa; creativa esplorazione 

dell’immaginario, con colori e doti di presentazioni appropriate 

al soggetto; capacità di generare e comunicare idee in maniera 

efficace usando forme visive; consapevolezza della cultura visiva 

contemporanea e della moda; approccio flessibile e immaginativo 

nel lavoro e abilità di imparare da una varietà di tipi di impulsi; 

rigore personale nell’abilità di lavorare secondo scadenze.


226 

PROGRAMMI 

2°LIV 


Giuseppe Di Gennaro 

2°LIV 


Massimo Mazzone 

I materiali sono la “carne” dell’opera 

d’arte, hanno la loro storia, caratterizzano 

da sempre civiltà e culture. 

Sono segni tangibili del progresso tecnologico 

di un popolo: nascono, vivono 

e tramontano, sono oggetto di curiosità 

e di mode. Il corso si propone di approfondire, indagare 

e sperimentare il concetto di materialità dell’opera d’arte, ponendo 

grande attenzione ai materiali classici e moderni: creta, 

gesso, cera, ferro, pietra, cartapesta, legno, gomma siliconica, 

alginati e materiali plastici. 

Una delle modalità peculiari dell’artista è “conoscere facendo”. 

In questo modo nasce l’esigenza di approfondire la conoscenza 

della storia, della valenza antropologica, dello sviluppo processuale, 

delle qualità dei materiali, le proprietà fisiche e chimiche, 

le tecniche di lavorazione, la tossicità e la durata nel tempo. 

Oggi la conoscenza dei materiali classici e moderni dell’arte, 

unita alla padronanza dell’uso delle tecniche e della lavorazione 

avanzata degli stessi, sono fattori indispensabili per chi 

vuole pervenire a nuove forme e contenuti. In questo modo 

l’artista potrà cogliere l’anima della materia, realizzandone il 

sogno ancestrale, intimo e segreto. 

Alle lezioni frontali seguono quelle di laboratorio, dove si analizzano 

e si sperimentano alcuni materiali e alcune tecniche 

come l’impronta sul piano, l’impronta sugli oggetti e l’impronta 

sul corpo, ecc. 

Esame: tesina (su supporto cartaceo o digitale) di un progetto 

precedentemente concordato, e commentare gli elaborati prodotti. 

Bibliografia 

• N. CARUSO, Ceramica viva, Hoepli, Milano, 2003 • P. DI GEN- 

NARO, I modi della scultura, Hoepli, Milano, 1997 • E. FIORANI, 

Leggere i materiali, Lupetti, Milano, 2000 • M.Pugliese, Tecnica 

mista, Bruno Mondatori, Milano, 2006 • L. AMOROSI, e T. TUR- 

CO, il gesso. Lavorazione, trasformazione, impieghi, Hoepli, 

Milano, 1985. 

Il progetto didattico sarà articolato su 

un tema specifico, Cultura del progetto 

e Scultura Costruita. 

10 lezioni sulla Cultura del progetto 

applicata alla didattica delle tecniche 

della Scultura Costruita dal progetto, 

al modello, all’opera, in diversi ambiti che sono nell’ordine: 

3 lezioni sulla relazione economico-politica del contesto attuale, 

ambiente, territorio, globalizzazione, mercato, rapporto Pubblico/privato, 

ecc. 

7 lezioni su ambiti particolari: 

- territorio geografico(macroregioni) 

- ambito urbano(città) 

- ambito centri storici(città storica) 

- ambito archeologico(soprattutto italiano) 

- ambito naturale(parchi) 

- ambito naturale(giardini) 

- ambito teatrale/performativo 

3 sopralluoghi in laboratori convenzionati, e/o workshop monotematici 

su tecniche specifiche eventualmente con specialisti 

da individuare. 

2 lezioni specifiche sulle tecniche di comunicazione per l’organizzazione 

e auto promozione (plastica)del lavoro svolto. 

15 lezioni totali in 45 incontri in presenza(settimanale). 

Come è tradizione, saranno fornite gratuitamente, all’inizio dell’Anno 

Accademico, le dispense del corso (in inglese e spagnolo 

per studenti stranieri). 

Bibliografia 

• AAVV, Arte architettura territorio, Roma, 2008 • AAVV Attualità 

del corpo nella performance, Roma, 2009 • A. Martini, 

Scultura lingua morta, Milano, 1945 • www.materia.nl 

massimomazzone@hotmail.com


PROGRAMMI 227 

1°LIV 

TECNICHE DELL’INCISIONE - GRAFICA D’ARTE 

Alessandra Angelini 

La valorizzazione del rapporto tra manualità 

e tecnologia e l’individuazione 

di nuove forme della Grafica d’Arte, 

rappresentano gli obbiettivi che il corso 

si propone. 

Accanto allo studio delle principali metodologie 

tradizionali riguardanti il linguaggio della stampa d’Arte, 

sarà incoraggiata l’ideazione di opere che esprimano nuove 

sensibilità creative attraverso la sperimentazione di diverse modalità 

di progettazione con l’uso delle nuove tecnologie digitali e di 

materiali innovativi. 

Particolare attenzione sarà rivolta alla ricerca di procedimenti 

compatibili con il rispetto dell’ambiente. 

Il percorso didattico, vedrà un confronto costante tra docente e 

studente, in merito alla progettualità artistica e ai procedimenti 

necessari alla realizzazione delle opere, e si concretizzerà in momenti 

teorici e attività laboratoriali, indirizzate alla realizzazione 

di un progetto che costituirà prova finale per il terzo anno. 

Aree di ricerca 

Nel triennio lo studente potrà approfondire, una o più tra le seguenti 

aree: 

Ideazione grafica: segno e disegno in rapporto allo spazio grafico. 

Elementi di tipografia, layout, impaginazione. 

Tecniche sperimentali per la matrice e per la stampa: Incisione 

della lastra con raggi UVA; tecniche di stampa fotografica a contatto 

(cianotipia, gomma bicromata, forostenopeico…). 

Utilizzo di software di grafica per l’elaborazione delle matrici in 

digitale, anche con strumenti di interazione come la tavoletta 

grafica. 

Progettazione grafica del colore e dei differenti sistemi di stampa 

manuale e digitale. 

Nuove applicazioni grafiche attraverso la sperimentazione di 

materiali alternativi: plastiche, tessuti, legno, ecc. 

Linguaggi associati: fusioni tra la stampa d’Arte e differenti media: 

fotografia, video, grafica digitale, mirati alla creazione di 

“opere grafiche ibride”. 

Le diverse configurazioni dell’opera d’arte grafica: edizioni d’Arte, 

work in progress, installazioni, realizzazione di opere grafiche 

tridimensionali, opere grafiche multimediali. 

Materiali e tecniche eco compatibili. 

1°LIV 


Gaetano Bacco 

L’obiettivo del corso è l’acquisizione di 

conoscenze specifiche in ordine alla disciplina 

della grafica d’arte. 

Il percorso didattico si propone di analizzare 

i fenomeni pertinenti al settore 

della stampa d’arte, attraverso elaborazioni 

che mirano ad individuare i possibili sistemi grafici, 

quali parti integranti nei linguaggi di rappresentazione. Tale finalità 

è raggiunta attraverso un percorso metodologico che alterna 

momenti propositivi di carattere teorico e progettuale a sperimentazioni 

legate alle tecniche della stampa d’arte. 

Tale percorso pone l’attenzione su problematiche legate al significato 

del segno, inteso come valore autonomo, correlato alla 

funzione dell’immagine stampata, per giungere poi ad un 

più cosciente convincimento delle qualità poetiche che circondano 

l’opera grafica. 

Particolare attenzione si pone all’intricato panorama della sperimentazione 

e alle proposte moderne e contemporanee con approfondimenti 

relativi al significato di spazio, luce e colore. 

Bibliografia 

• R. ARNAHEIM, Arte e percezione visiva, Feltrinelli, Milano. • P. 

KLEE, Teoria della forma e della figurazione, Feltrinelli, Milano. 

• P. BELLINI, Dizionario della stampa d’arte, L. Vallardi ed. 3°.


228 

PROGRAMMI 

2°LIV 


Gaetano Bacco 

Il corso si propone di sviluppare conoscenze 

legate alla comunicazione e 

rappresentazione dell’immagine, mediante 

l’acquisizione di metodologie 

di approccio ideativo al fine di un 

progetto grafico. Una trasformazione 

dovuta alla naturale evoluzione tecnologica, nel campo della 

comunicazione, che ha fornito un nuovo tipo di rapporto estetico, 

diverso dalla comunicazione dell’arte tradizionale e dalle valutazioni 

a noi consuete. La grafica d’arte contemporanea, accogliendo 

le nuove sollecitazioni e in continuità con la propria 

storia, ha proposto criteri alternativi di valutazione sul piano 

della visione, considerando stimolante e di particolare interesse 

la dialettica sviluppatasi all’interno dei processi elaborativi, quali 

lo sviluppo delle capacità di immaginazione, la creatività, il 

segno grafico e sue declinazioni, lo spazio, l’ambiente, il luogo 

e il non luogo. Essa interagisce con i nuovi linguaggi propri della 

comunicazione e della rappresentazione; pone questioni che 

vengono analizzate nel loro insieme, integrate, modificate e rapportate 

al campo della sperimentazione legata alla ortodossia 

del fare. 

Quanto sopra detto nella sua complessità vuole analizzare: metodi 

di composizione e sistemi di rappresentazione, dalle applicazioni 

di tecniche disegnative a quelle che fanno riferimento 

alla tradizione della stampa d’arte, a procedimenti monitipici, a 

strumenti fotografico - digitali di alto profilo tecnologico. Il tema 

centrale che emerge riguarda la poetica dello spazio, luogo 

particolare nel quale ha origine l’immaginazione che diventa 

parola, segno, forma. 

In definitiva l’opera è il risultato di una complessa combinazione 

in cui l’artista rimane unico soggetto irripetibile nella sua 

creatività. Il progetto tende a valorizzare le singole individualità 

nel rispetto del pluralismo delle idee e della libertà di espressione. 

Le ricerche stesse saranno coordinate in un unico obiettivo e 

nella logica di progettualità condivise. 

Bibliografia 

• G. BACHELARD, La poetica dello spazio, Dedalo, Bari, 2006. 

• A. VETTESE e G. DORFLES, IL novecento, Atlas, Milano, 1999. 

• R. ARNAHIM, Arte e percezione visiva, Feltrinelli, Milano. 

• E. SCANAVINO, Il progetto dell’irrazionale, Il Naviglio, Milano. 

• S. GENZINI, Elementi di semiologia, Carocci, 2002. 

1°LIV 


Nicoletta Braga 

Esprimersi attraverso i segni, è qualcosa 

che ha a che vedere con la natura 

prima dell’uomo; si potrebbe dire che 

la storia dell’uomo non è altro che la 

storia di una comunicazione mediante 

segni che configurano mondi attraverso 

epoche e tecnologie diverse, mantenendo però intatta la potenzialità, 

la carica del segno stesso. Il segno attraversa tutte le discipline 

artistiche (danza, pittura, poesia visiva, architettura ecc.), ed 

il corso mostrerà una panoramica di tali incontri. 

Il segno quindi, può essere inteso come traccia del proprio passaggio, 

come capacità di autoaffermazione e autodeterminazione. 

La potenzialità del segno nelle sue molteplici configurazioni 

(verbale, visive, iconico ecc.), di intessere relazioni, ma 

anche di dar vita ad immagini complesse, costituisce il territorio 

della creazione artistica. 

Le tecnologie offrono o incanalano percorsi, aprono nuove possibilità, 

sono la nostra realtà contingente, avvicinano ciò che è 

lontano ed allontanano ciò che è prossimo. 

Il Corso si propone di investigare ed approfondire le relazioni 

che legano lo “spazio grafico” e l’ambiente urbano nelle sue 

molteplici implicazioni, tenendo presente anche che lo spazio 

urbano, la città contemporanea, le problematiche sociali, la politica, 

la libertà di pensiero, i conflitti, diventano nell’espressione 

artistica attuale, un nodo cruciale di indagine. 

Attraverso un’analisi degli elementi di base della comunicazione 

del linguaggio grafico verrà avviato un processo creativo volto 

all’elaborazione di un percorso dove il segno sarà il veicolo per 

la costruzione di una progettualità e di una didattica mirata. 

A partire dell’elaborazione personale dello studente relativa agli 

argomenti di base, sarà indicato un percorso tale da consentire 

al discente uno sviluppo ed un approfondimento. A tal fine sarà 

indicata una bibliografia all’interno della quale lo studente dovrà 

sviluppare teoricamente i temi affrontati. 

Nello specifico saranno trattati i seguenti punti: 

il multiplo; segno gesto e corpo; corpo e città; pelle degli edifici; 

tecniche di rappresentazione; analisi compositiva; immagine e 

società; strumenti della grafica moderna e contemporanea. 

nicolettabraga@hotmail.com


PROGRAMMI 229 

1°LIV 


Luce Delhove 

Dalla tradizione alle nuove tecnologie 

della grafica 

Dopo oltre 500 anni di tecniche tradizionali: 

xilografia, calcografia, litografia, 

serigrafia, nel campo della 

grafica recentemente si cerca di eseguire 

ed ottenere delle immagini con metodi e tecnologie più 

adatte ad esprimere le nuove espressioni artistiche, con l’uso di 

materiali diversi sia per le matrici che per il supporto di stampa. 

L’insegnamento delle nuove tecnologie è abbinato all’esperienza 

conoscitiva personale di ciascun partecipante al corso, con 

un processo di crescita che porterà l’allievo alla conoscenza dei 

cambiamenti culturali, sociali ed espressivi. 

La revisione del lavoro degli allievi verrà svolta più volte, con discussione 

individuali e di gruppo. 

I anno 

Introduzione alle diverse tecniche dell’arte della stampa e apprendimento 

delle tecniche della xilografia e della calcografia. 

L’arte della stampa. La stampa a rilievo. La stampa ad incavo. 

Realizzazione di un book professionale. 

II° anno 

Approfondimento delle tecniche storiche con l’inserimento del 

colore nelle tecniche xilografiche e calcografiche. Sperimentazione 

di materiali diversi e nuovi per la matrice. Scelta dei vari 

tipi di carta e altri supporti adatti all’impressione della matrice. 

Ogni studente potrà realizzare per la fine dell’anno un’edizione 

d’arte o un progetto personale approvato dal docente. 

La stampa a rilievo. La stampa ad incavo. Il libro d’artista. 

III anno 

Dal torchio alla stampa digitale, dalle tecniche antiche alle nuove 

tecniche sperimentali dell’arte della stampa, per realizzare 

non solo stampe bidimensionali, ma progetti tridimensionali 

quali sculture e installazioni. 

Tecniche sperimentali dirette: incisione su materiali plastici, 

incisione su gesso pietra e carta, trapano elettrico e elettropunte,pirografia, 

collografia, assemblaggio, découpage , tecnica di 

Goetz, cellocut, stampa a secco, materiale di recupero, matrici in 

resina fusione metalli. 

Tecniche sperimentali indirette: acquaforte e acquatinta sperimentale, 

fotoincisione, trasferimento di immagini, tecnica di 

Hayter,monotipo, stampa digitale, la xerografia. 

2°LIV 


Luce Delhove 

I luoghi della col’arte. 

Dalla bidimensione alla tridimensione. 

Dal torchio alla stampa digitale, dalle tecniche antiche alle nuove 

tecniche dell’arte della stampa, per realizzare non solo stampe 

bidimensionali, ma progetti tridimensionali: sculture, installazioni 

e libri d’artista. 

Lo studente iscritto al biennio dovrà presentare un progetto di 

ricerca dedicato a “I luoghi della comunicazione dell’arte”. 

L’isola Comacina potrebbe essere un interessante opportunità di 

studio, ricerca e lavoro per restituire all’isola la sua funzione di 

luogo d’arte, costruire nuovi obiettivi e affermare l’appartenenza 

dell’isola all’Accademia di Belle Arti di Brera. Il corso intende 

sviluppare delle capacità legate al mondo dell’arte e all’interpretazione 

del reale e dell’immagine contemporanea. 

Il laboratorio sarà un luogo di scambio di opinioni e di confronto 

aperto a nuove idee ed esperienze. Ogni allievo svilupperà un progetto 

personale in riguardo alle sue esperienze di studio e di 

lavoro, preparando una parte progettuale legata al tema scelto per 

realizzare una pubblicazione e creando una o più opere. Opere 

che potranno inventarsi utilizzando tutte le tecniche legate alla 

grafica d’arte: disegno, acquarello, tempera, calcografia, xilografia, 

serigrafia, litografia fino alle tecniche contemporanee, 

sperimentali affini e alle tecniche di stampe fotografiche e digitali. 

Saranno programmati incontri con artisti contemporanei, 

editori, stampatori, storici dell’arte, direttori di musei, galleristi. 

Gli studenti saranno direttamente coinvolti nell’organizzazione 

di eventi espositivi ed editoriali predisposti all’interno ed all’esterno 

dell’istituzione e potranno svolgere stage presso istituzioni 

pubbliche e private. 

A ogni allievo sarà assegnato uno spazio individuale per la progettazione, 

le attività espressive e la realizzazione del proprio lavoro.


230 

PROGRAMMI 

2°LIV 


Bernardino Luino 

L’obiettivo per gli iscritti sarà lo sviluppo 

del proprio linguaggio grafico 

come elemento necessario per realizzare 

cartelle di grafica, libri d’artista, 

libri illustrati per l’editoria, opere singole 

motivate da particolari esigenze 

creative in relazione ai percorsi dei singoli allievi. 

In maniera particolare i progetti per l’anno accademico in corso(2009-10), 

dovranno inserirsi nel grande progetto del Biennio 

di Arti Visive: I luoghi dell’arte. 

La proposta del corso verterà sulle stampe monumentali 

Bibliografia 

La bibliografia sarà consegnata insieme al programma definitivo. 

1°LIV 


Laura Panno 

Nei musei prestigiosi del mondo sono 

conservate intere collezioni di opere 

d’arte grafica. Come opere grafiche, 

oltre ad opere ottenute con tecniche 

di stampa xilografiche, calcografiche, 

ecc. si intendono anche i disegni 

dei Maestri antichi, moderni e contemporanei. Il disegno nella 

totale complessità, preannuncia la particolare affinità formale 

con l’opera d’arte originaria dell’Artista (Pittura, scultura, 

architettura). Dopo il Novecento nel contemporaneo si valorizza 

il lavoro grafico degli artisti non limitando l’uso delle tecniche 

ma evidenziando anche le opere su carta ottenute con 

mezzi fotografici digitali e tecniche multimediali di stampa. 

Anche la carta fotografica per il mondo artistico digitale viene 

classificata collezionabile come supporto della ricerca visiva, 

nonostante l’insicurezza della sua longevità. L’obbiettivo del 

corso è di lavorare insieme per comprendere e apprendere un 

metodo di lavoro e ricerca che consenta allo studente di produrre 

con maturità tecnica e compositiva l’opera d’arte. Acquisire 

nella propria ricerca la consapevole intensità poetica. 

Il corso prevede una serie di lezioni frontali, teoriche con esempi 

dimostrativi di opere “capolavori” e di percorsi adottati come 

ricerca da vari artisti (dalla grafica giapponese a Matisse, dalle 

incisioni di A. Mantegna al contemporaneo W. Kentridge). Nella 

Grafica d’arte contemporanea vengono ampliate ed usate tutte 

le tecniche dell’incisione: dalla calcografia alla multimedialità 

i confini si allargano sino all’uso generoso di tecniche miste. La 

conoscenza della preziosità dei tipi di supporto, cartacei o altro 

subentrano necessariamente nella cultura artistica si tratti di 

una ricerca concettuale o fisica. 

Tutti gli esempi di personalità artistiche del mondo dell’arte, 

del passato e del contemporaneo contribuiscono alla scoperta 

delle proprie radici di ricerca e affinità elettive.


PROGRAMMI 231 

1°LIV 



Gli studenti dovranno acquisire conoscenze 

storiche e capacità di lettura 

dei linguaggi visivi, sviluppando la 

consapevolezza linguistica del mezzo 

espressivo grafico, secondo i vari metodi 

e processi, che prevedono le fasi 

progettuali, l’esecuzione di matrici e i diversi procedimenti di 

stampa, attraverso l’uso delle tecniche della tradizione e delle 

tecnologie digitali e multimediali. 

Lo studio della complessità semantica del segno consentirà la 

riconoscibilità delle diverse tipologie dell’arte della grafica che si 

estendono dall’opera unica alla produzione seriale, dal disegno 

alla stampa.Si analizzerà la logica dell’arte della stampa in 

rilievo e in cavo nelle sue varie articolazioni. Saranno considerate 

le specificità degli strumenti e le diversità dei materiali 

occorrenti alla preparazione, incisione, inchiostrazione e 

impressione a stampa delle matrici di legno (di filo e di testa) e 

quelle di metallo.Le metodologie sperimentali potranno riferirsi 

alle varianti delle tecniche tradizionali, alle applicazioni digitali 

e alla grafica per il web.Gli studenti dovranno esperire direttamente 

i modi di divulgazione e fruizione dell’immagine grafica 

nel sistema dell’arte contemporanea, con l’allestimento di una 

mostra, il rapporto con la critica, e soprattutto la progettazione, 

la redazione e la realizzazione del proprio catalogo, attraverso 

l’esperienza della stampa offset e della comunicazione virtuale. 

2°LIV 



Lo strumento linguistico della Grafica d’Arte costituirà il fondamento 

di progettualità estese di esercizio della ricerca e della 

produzione artistica. 

L’autonoma sperimentazione dello studente-artista sarà indotta 

e incentivata. Nell’ambito del progetto corale di tutto il biennio 

di Arti Visive, ispirato all’Isola Comacina, si condurranno esperienze 

di segno in segno, attraverso le dinamiche del progetto, 

verso realizzazioni di comunicazione. 

Bibliografia 

• http://it.wikipedia.org/wiki/Isola_Comacina. • MENA STELITA- 

NO, Natura del colore nella grafica d’arte, Femia, Marina di 

Gioiosa Jonica, 2005. 

Bibliografia 

• MENA STELITANO, Segni in-formazione, Femia, Marina di Gioiosa 

Jonica, 2002. • MENA STELITANO, Natura del colore nella 

grafica d’arte, Femia, Marina di Gioiosa Jonica, 2005. • DAVID 

BANN, La stampa oggi. Tecniche, materiali, processi, Logos, 

Modena, 2007.


232 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Tiziano Campi 

Compiere un atto creativo è una delle 

condizioni più complesse e avventurose 

per un uomo, teso a mantenere 

integro quello spessore umanistico 

che non istruisce all’applicazione ma 

che ispessisce la coscienza dell’arte. 

Parte laboratoriale 

L’orientamento del corso è quello di passare con gli allievi 

attraverso queste tre fasi del percorso formativo: conoscenza, 

coscienza, lavoro - identità, che attraverso un’intensa attività di 

laboratorio permetta di impadronirsi di tutte quelle modalità 

tecniche e pratiche particolarmente indispensabili a questo 

orientamento. Fare, anzi, saper fare con tutti quei necessari 

approfondimenti tecnici e teorici che di volta in volta a seconda 

delle esigenze si renderanno necessari. Una sorta di corpo a 

corpo con il lavoro ed i suoi problemi di comunicazione e di 

linguaggio. 

Di grande importanza saranno visite ad esposizioni e lezioni 

che tengano accesa la riflessione sulla storia dell’arte e sul contemporane, 

inteso come pluralità di linguaggi e possibilità 

espressive che le nuove tecnologie ci indicano. 

Credo che una volta analizzati e praticati questi fondamenti sia 

possibile intraprendere anche professionalità non strettamente 

artistiche ma che sulla base di questa consapevolezza saranno 

in grado di elevare la qualità di ogni loro applicazione. 

Parte tecnica 

Incisione diretta: puntasecca, maniera nera, rotelle, punzoni. 

Incisione indiretta: acquaforte, acquatinta, cera molle, maaniera 

a zucchero e pittorica. 

Tecniche sperimentali: incisione con elettropunte ed attrezzi 

meccanici, collografia, paste acriliche, carborundo. 

1°LIV 


Ilaria Masetti 

Per facilità d’esposizione si individuano 

due parti del corso. 

Una teorica, introduttiva, sui temi, i 

procedimenti e metodi della Grafica 

d’arte. Una pratica e progettuale, di 

ricerca ed elaborazione artistica, dedicata 

alla progressiva conoscenza e familiarità con la prassi di 

laboratorio. 

Obbiettivo del corso sarà fornire la conoscenza delle diverse Tecniche 

dell’ incisione finalizzate alla realizzazione di opere a stampa. 

Le tecniche tradizionali, adeguatamente approfondite, saranno 

affiancate dall’uso di nuovi materiali e metodologie che consentano 

un ampio campo di sperimentazione verso l’ espressività del 

linguaggio grafico in quanto valore autonomo. 

Lezioni inerenti la storia dell’ Incisione atte a puntualizzare i 

temi, le modalità, le terminologie proprie del linguaggio grafico. 

Discussione dei progetti, come 1’ esecuzione di una cartella, 

una prima tiratura in un numero limitato di copie od il prototipo 

di un libro illustrato. 

Laboratorio: 

Introduzione ai materiali, agli strumenti e alle attrezzature 

- le maniere di incisione diretta: puntasecca, abrasioni, mezzotinto 

- le maniere indirette: acquaforte, acquatinta con riserva a colofonia, 

a sale, con spray, ceramolle 

- dimostrazioni dei procedimenti di stampa, dallo studio della 

carte inchiostri, alla registrazione della pressione dei torchi 

- stampa alta, ad incavo, con fondini, con mascherine, a secco, 

con più inchiostrazioni per ottenere una differenzazione di colori 

su di una sola lastra e quadricromia calcografica: stampa 

a colori con più più matrici. 

Materiali bibliografici e illustrativi saranno messi a disposizione 

degli studenti durante il corso. 

Bibliografia 

• F. SALAMON, Il conoscitore di stampe. • S. MASSARI e F. NEGRI AR- 

NOLDI, Arte e scienza dell’ incisione. • J. DAWSON, Stampa d’arte. 

Corso avanzato di grafica professionale.


PROGRAMMI 233 

1°LIV 


Massimo Petringa 

Il corso è dedicato all’apprendimento delle principali tecniche 

incisorie. 

Presentazione e analisi dei materiali e degli strumenti impiegati 

nella pratica incisoria, con particolare attenzione ai procedimenti 

in cavo, sia diretti ( puntasecca, maniera nera, bulino, rotelle), 

sia indirette (acquaforte, acquatinta, vernice molle, maniera a 

zucchero, maniera pittorica, e loro varianti). Lo sviluppo e l’interpretazione 

delle tecniche è condotto in considerazione 

dell’esigenza espressiva di ogni singolo studente. Il lavoro è svolto 

in collaborazione con il docente, dagli studi preliminari, alla preparazione 

della lastra, alla stampa finale. 

Sostegno teorico sulla storia delle tecniche, con particolare riferimento 

agli artisti e suggerimenti bibliografici, saranno consigliati 

durante il corso. 

Esame 

Presentazione di una cartella e colloquio di verifica sul lavoro 

svolto. 

2°LIV 

TECNICHE DI DOCUMENTAZIONE VIDEO 

Jacqueline Ceresoli 

Mappatura dei luoghi della trasformazione 

di Milano 

1 - Milano Museo di Archeologia Industriale 

all’aperto: identificazione 

dei luoghi. 

2 - Milano 1910-2010 cent’anni di 

storia dell’Aem e della trasformazione della città. 

3 - ciclo di visite guidate: Visita e documentazione audio visiva 

del quartiere Bovisa, Bicocca Aree ex Marelli, Aree ex Falck, 

Iulm- Ravizza ex Om ,Tortona ,Ansaldo,Savona, Lambrate, Ex 

Officine del volo Caproni, City Life Sempione, Isola- Garibaldi - 

Progetto Porta Nuova . Rho Pero. 

Sono previste visite a: Museo Alt Alzano Lombardo ( Bg), Museo 

della Fotografia Cinisello Balsamo, a Milano: Fondazione Arnaldo 

Pomdoro, Hangar Bicocca, Museo del Novecento. 

Sono previsti incontri con gli artisti che operano nello spazio urbano. 

Esame: 

Gli studenti dovranno realizzare un video che documenta la trasformazione 

del luogo prescelto e realizzeranno audioguide da 

ascoltare mentre si cammina. Le audioguide “Walkscapes: camminare 

come pratica cognitiva ed estetica” forniranno informazioni 

sull’identità dei luoghi e sui cambiamenti in atto nell’ attesa 

dell’ Expo 2015. 

Bibliografia 

• J. CERESOLI, La nuova scena urbana, Cittàstrattismo e urban 

art, Franco Angeli, Milano, 2005. • F. CARERI, Walkscapes camminare 

come pratica estetica, Giulio Einaudi, Torino, 2000. • G. 

NUVOLATI, Lo sguardo vagabondo. Il flaneur e la città da Baudelaire 

ai postmoderni, Il Mulino, Bologna 2006.


234 

PROGRAMMI 

2°LIV 


Nadia Rognoni 

1°LIV 

TECNICHE DI RIPRESA 

Giuseppe Baresi 

Il corso si strutturerà in due parti: la 

prima esclusivamente teorica e la seconda 

orientata all’applicazione pratica. 

La parte teorica prevede lo studio accurato 

delle opere realizzate nel tempo, 

per ricercare in loro le caratteristiche della materia, del colore 

e delle superfici. In questa fase si esamineranno i manufatti 

degli artisti che hanno dato un’impronta significativa alle loro 

fusioni. Saranno analizzate, con adeguato approfondimento, sia 

le diverse tecniche di preparazione alla fusione che i vari metodi 

di rifinitura dei pezzi. 

Particolare attenzione sarà posta anche allo studio delle superfici, 

nonché ai sistemi di patinatura, doratura e colorazione delle 

opere fuse. Una volta acquisite, si trasferiranno le conoscenze 

teoriche nelle attività pratiche. 

Saranno sperimentate e analizzate le varie tecniche di lavorazione, 

attraverso la costruzione di più tipi di stampi, fino a realizzare 

almeno un modello pronto per la fusione. 

Tali attività saranno eseguite utilizzando anche esperienze e spazi 

direttamente in laboratori e/o fonderie. 

Al termine del corso lo studente dovrà produrre una fusione coerente 

con il proprio percorso artistico,cercando di applicare nella 

realizzazione dell’opera le tecniche apprese, nella maniera 

più idonea e più adatta alla tipologia dell’opera. 

La bibliografia sarà fornita durante il corso. 

Tecniche di ripresa 

Il pre cinema, dalla fotografia al cinema. 

Evoluzione delle tecnologie per le 

immagini in movimento. 

Cronologia e racconto degli sviluppi di 

una tecnica e relativi rapporti con i linguaggi. 

Mezzi da ripresa nel campo cinematografico e televisivo. 

Dai supporti cinematografici al video analogico e digitale. I formati 

cinematografici dal s/8 al 35mm. Telecamere e sistemi di 

registazione video dal 2” al Digitale DV - HDTV. 

La composizione del quadro. Fissità e movimenti di macchina. 

Il piano sequenza. Tecniche e linguaggi di ripresa. I supporti per 

muovere una camera. 

Basi di illuminotecnica. 

Confronto tra tecnologie complesse - il presente digitale - e un 

fare artigianale da non perdere di vista. 

Percorso nelle diverse tecniche e poetiche attraverso la visione e 

la lettura di alcuni film e video di formati e generi diversi (fiction 

e non-fiction). Visione e scomposizione di alcune sequenze 

estratte da opere cinematografiche, video di registi, artisti e sperimentatori. 

Bibliografia 

• D.BORDWELL e K.THOMSON, Cinema come arte, Editrice Il Castoro. 

• SANDRA LISCHI, Il linguaggio del video, Carocci Editore. 

• LEV MANOVICH, Il linguaggio dei nuovi media, Olivares.


PROGRAMMI 235 

2°LIV 


Nicoletta Braga 

2°LIV 


Giuseppe Di Gennaro 

Laboratorio di arti espressive integrate 

- grafica. 

L’esperienza pratica del fare artistico 

come processo cognitivo ed una profonda 

attitudine dialogica, sono le basi 

sulle quali è impostato il laboratorio 

di arti espressive integrate. L’arte come desiderio di approfondire 

e sviluppare l’orientamento cognitivo può incoraggiare 

l’esercizio delle capacità vitali sotto varie forme, come aspetto ludico, 

come comportamento esplorativo, come linguaggio simbolico, 

come metafora, come espressione della propria soggettività, 

come necessità ecc. Attraverso un’ esperienza prevalentemente 

corporea il laboratorio di arti espressive integrate focalizza le 

possibilità del segno e del gesto in relazione allo spazio sensoriale 

“grafico- espressivo”, indagando la stratificazione delle diverse 

percezioni: fisiologico-gestaltica, psicologico-proiettiva, ed in 

particolar modo fenomenologica, cioè degli affetti, della vita 

emozionale, della concezione dello spazio estetico come spazio 

psicofisiologico. 

Nello specifico saranno presi in considerazione i seguenti punti: 

- Esercizi di visualizzazione: Gestalt- figure ambigue, pattern 

geometrici. 

- Esercizi di grafica pratica e topologica in relazione al corpo : il 

punto nello spazio, la linea, parallele e ortogonali diagonali 

nella tridimensione, composizione in uno spazio dato. 

- Linea - corpo: il segno corporeo totale; analisi del segno grafico 

secondo le sue articolazioni corporee. 

- Composizione in uno spazio dato. 

- Esercizi di deprivazione sensoriale. 

- Esercizi di produzione di texture grafiche con differenti tecniche 

e materiali. 

Bibliografia 

• R. L. GREGORY, Occhio e Cervello, Il Saggiatore Milano, 1966. 

• W. REICH, Ascolta, Piccolo Uomo, Sugarco Edizioni Milano, 

1973. • E. BORGNA, Noi siamo un colloquio, Milano, 2005. • M. 

MERLEAU PONTY, La natura, Raffaello Cortina Editore, Milano, 

1996. 

Dispense in fotocopia. 

Il corso si propone, attraverso la conoscenza 

dei materiali, degli strumenti e 

delle tecniche, di svolgere una riflessione 

sull’immagine-forma, delle impronte 

sugli oggetti e dell’impronta 

sul corpo umano, al fine di considerare 

la corporeità quale elemento centrale della ricerca. 

Nella prima fase si utilizzano materiali classici come la creta e il 

gesso, successivamente materiali più sofisticati e di alta definizione 

come l’alginato e le gomme siliconiche, eseguendo delle 

“istantanee tridimensionali” con la tecnica dell’impronta. 

Si intende cosi fare un percorso che analizzi l’espressività dell’ 

”oggetto” e che stimoli l’interesse dell’allievo con l’impronta di 

frammenti del corpo (mani, piedi e viso), a riflettere sulle proprie 

forme, arrivando ad un sentire più ampio e profondo, che va 

oltre l’apparenza e l’ esattezza dei particolari. Si creano cosi i 

presupposti di un coinvolgimento totale, che liberi creatività ed 

espressività e faccia emergere le diverse identità. 

Costante è il riferimento agli artisti e alle poetiche del novecento 

e della contemporaneità. 

Alle lezioni frontali seguono quelle di laboratorio, dove si analizzano 

e si sperimentano i materiali e le tecniche; il laboratorio è 

il luogo dove la corporeità dell’ allievo si pone in posizione di 

ascolto; tutti i sensi concorrono a raggiungere l’obiettivo che non 

è l’opera d’arte, bensì il processo che facilita la ricerca del sé. 

A metà percorso è programmata una verifica degli elaborati, al 

fine di puntualizzare gli obiettivi prefissati. 

Si prevedono visite a musei, mostre, laboratori e studi di artisti. 

Bibliografia 

• G. BACHELARD, Il diritto di sognare, Dedalo, Bari, 1987. • 

Scienza dei materiali dentali, a cura di E. Bruna e L. Re, Stardust, 

Milano, 1991. • N. CARUSO, Ceramica viva, Hoepli, Milano, 

2003. • P. CLERIN, Manuale di scultura. Tecniche, materiali, 

realizzazioni, Sovera Multimedia, Roma 1995. • A. 

CONTENTI, Nel regno della cartapesta e del barocco, Adda, Bari, 

1986. • P. DI GENNARO, I modi della scultura, Hoepli, Milano, 

1997. • E. FIORANI, Leggere i materiali, Lupetti, Milano, 

2000. • H. FOCILLON, Vita delle forme, Elogio della mano, Einaudi, 

Torino, 1990. • Textures. La caratterizzazione visiva e 

tattile delle superfici, a cura di C. Gavinelli, Zanichelli, Bologna, 

1976.


236 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Antonia Beduschi 

Verranno approfondite, sperimentate 

concretamente, all’interno di una serie 

di opere d’arte, le diverse tecniche 

della pittura, o con essa contaminate 

(acquarello, tempera, acrilico, smalto, 

dripping, ecc.)senza per questo 

giungere ad una determinazione meccanicistica: le tecniche devono 

rimanere dialogo, poiché l’arte è linguaggio e comunicazione 

poetica. Ogni tecnica deve rimanere elastica, inventiva, 

dunque sperimentale. 

Gli studenti dovranno rendersi consapevoli dell’evolversi di certe 

tecniche a partire dall’inizio del ‘900, e del fatto che dopo l’arte 

degli anni ‘70, si è assistito ad una serie di contaminazione fra 

tecniche propriamente pittoriche e materiali e tecnologie avanzate,collage, 

ready-made, happening,mezzi di comunicazione 

di massa, la fotografia e il video. 


Allo studente viene richiesta la conoscenza delle tecniche considerate, 

dal punto di vista teorico e pratico, delle opere considerate 

contestualmente. 

Bibliografia 

• JUDIT COLLINS, JOHN WELKELMAN, DAVID CHANDLER, DAVID ANFAND, Le 

tecniche dei pittori moderni, Londra Rusconi editore, Londra 

1983, e Sidney 1984. 

2°LIV 


Remo Salvadori 

“se l’incontro fra uomini è la figura 

del tempo, ogni apparire dell’arte all’ora 

è incontro”. 

Osservare - interiorizzare - elaborare 

- individualizzare - esercitare - 

sviluppare - creare: 

costituiscono il fondamento di una “pratica cruda” volta a illuminare 

i processi di avvicinamento e di formalizzazione. 

Il lavoro su di sé, il lavoro insieme agli altri, il lavoro per il 

corso: è la triade che darà carattere e sostanza al tempo condiviso. 

La propria attitudine accolta nella fragranza del momento è luce 

per l’incontro, “Spazio in più”. 

La voce, il suono, l’acqua, i colori, i metalli, sono un’invito all’esplorazione 

della natura delle sostanze, un territorio aperto, 

uno sguardo possibile, un’orizzonte: deserto e arcobaleno. 

Marco Aurelio: I ricordi 

Epitteto: Il manuale 

Omar Kayyam: Quartine 

Rudolf Steiner: L’essenza dei colori 

Ludwig Wittgenstein: Osservazioni sul colore 

Wassily Kandisky: Sguradi sul passato 

Rainer Maria Rilke: Lettere a un giovane poeta 

Ananda K. Coomaraswamy: Il grande brivido 

Renè Dumal: Il monte analogo 

Carl Gustav Jung: Lettere sogni riflessioni 

Carlos Martin Aris: Silenzi eloquenti 

Giò Ponti: Amate l’archittetura 

Rbert Graves: La dea bianca 

Claudio Magris: Danubio 

Testi di riferimento saranno proposti individualmente


PROGRAMMI 237 

1°LIV 

TECNICHE E TECNOLOGIE DELLA DECORAZIONE 

Giuseppe Sabatino 

Il corso si divide in due parti fondamentali: 

la prima parte contempla lo 

studio di tutte le tecniche classiche 

come doratura, laccatura, foglia oro, 

finto marmo e preparazione tele e telai; 

la seconda parte con l’utilizzo di 

nuove tecnologie come ad esempio video-installazioni, tecniche 

digitali (computer e macchine fotografiche) utilizzo di materiali 

comtemporanei come plex, alluminio, metalli vari, fibre ottiche 

ecc. 

1°LIV 


Roberto Casiraghi 

Cosa dire è come dire 

nella necessità di sentire 

quel che non si può annunciare 

tornare consapevole 

dove inconsciamente eri 

sapendo che vedere 

non è come guardare. 

...disporsi al fare, determinarne l’alchimia... tecniche: strumenti 

del proprio pensare 

Bibliografia 

• RUDOLF ARNHEIM, Entropia e arte. Saggio sul disordine e l’ordine, 

Nuovo Politecnico/Einaudi. • GEORGE STEINER, Grammatiche 

della creazione, Garzanti. • N. SENZAKi e P. REPS, 101 storie 

Zen, Adelphi. • ITALO CALVINO, Lezioni americane,Oscar 

Mondadori. • PHILIP BALL, Colore: una biografia, Bur.


238 

PROGRAMMI 

1°LIV 


Teresa Iaria 

1°LIV 


Leonida De Filippi 

Materiali, procedimenti e sperimentazioni: la tecnica come strumento 

concettuale e operativo, elemento fondamentale nella 

realizzazione fisica di idee, progetti e poetiche. 

Il corso seguirà un orizzonte di ricerca interdisciplinare sui metodi 

progettuali e operativi delle opere d’arte contemporanea, in 

limine tra arte, scienza e tecnologia. Un percorso mobile e articolato, 

che analizzerà le sperimentazioni degli artisti che hanno 

trasformato l’opera d’arte da statica a dinamica, da unicum 

a riproducibile, da oggetto di contemplazione a oggetto di partecipazione. 

Una riflessione sul linguaggio, sulle visioni materiali 

e immateriali per acquisire uno strumento critico atto ad affrontare 

l’ideazione e la progettazione di nuovi sistemi di rappresentazione. 

Bibliografia 

• Arte Contemporanea e tecniche, a cura di Silvia Bordini, Carocci 

editore, Roma, 2009. • ROSALIND KRAUSS, Reinventare il 

medium. Cinque saggi sull’arte d’oggi, a cura di E.Grazioli, 

Bruno Mondatori, Milano, 2005. • ROSALIND KRAUSS, L’arte nell’era 

Postmediale Marcel Broodthaers, ad esempio, postmediabooks, 

2005. • Connessioni Inattese, Crossing tra arte e 

scienza, a cura di Ignazio Licata, Politi Editore 2009. • STEPHEN 

WILSON, Information Arts: Intersections of Art, Science, and Technology, 

MIT press, 2002. 

I contenuti teorici e le metodologie 

pratico-laboratoriali sono finalizzati 

alla sperimentazione dei nuovi media 

nelle arti visive. Si articolano in aspetti 

metodologici, concernenti l’ideazione, 

la progettazione e la realizzazione 

di un’opera d’arte come fattore conclusivo; l’analisi del 

processo che tende ad evidenziare nella fase progettuale i diversi 

linguaggi e l’integrazione dei vari media che ne determinano un 

unico risultato percepibile; l’acquisizione delle procedure tecniche 

e la conoscenza dei nuovi mezzi di rappresentazione. 

Particolare attenzione sarà rivolta all’arte contemporanea e soprattutto 

alle più attuali forme di sperimentazione attraverso 

l’utilizzo dei vari media, dalla pittura alla fotografia, al video, al 

cinema fino alla realtà interattiva. 

L’esame conclusivo si articola sulla presentazione dei lavori sviluppati 

durante il semestre. 

Bibliografia 

• MARIO PERNIOLA, L’arte e la sua ombra, Einaudi, Torino, 

2000. • MARIO PERNIOLA, Contro la comunicazione, Einaudi, 

Torino, 2004. • UMBERTO GALIMBERTI, Psiche e tecne. L’uomo 

nell’età della tecnica, Feltrinelli, 1999. • VILÉM FLUSSER, La cultura 

dei media, Bruno Mondadori, 2004. • VALENTINA DE ANGE- 

LIS, Arte e linguaggio nell’era elettronica, Bruno Mondadori, 

2000. • HEIRICH SCHWARZ, Arte e fotografia, Bollati Boringhieri, 

Torino, 1992. • ELIO GRAZIOLI, Corpo e figura umana nella fotografia, 

Bruno Mondadori, Milano 1998. • MANLIO BRUSATIN, 

Storia delle immagini, Einaudi 1989. • ROSALIND KRAUSS, Reinventare 

il medium, Bruno Mondadori 2004. • E. H. GOMBRICH, 

Arte e illusione, Leonardo Arte 2002. • E. H. GOMRICH, J. HO- 

CHBERG, M. BLACK, Arte, percezione e realtà, Einaudi 1978. • FI- 

LIBERTO MENNA, La linea analitica dell’arte moderna, Einaudi, 

1983. 

Si consiglia, inoltre, la consultazione di alcune riviste di arte 

contemporanea quali: Artforum, Kunstforum, Il Giornale dell’Arte, 

Flash Art, Arte Mondadori, Tema Celeste, Segno, Espoarte.


PROGRAMMI 239 

1°LIV 


Davide Nido 

2°LIV 


Flavio de Marco 

Il programma si basa sullo studio e l’analisi dei nuovi linguaggi 

nell’arte contemporanea, sulla ricerca e l’approfondimento 

dell’opera d’arte, sulle nuove tecniche, i nuovi materiali e le 

nuove tecnologie della rappresentazione artistica. All’interno del 

panorama artistico nazionale e internazionale ogni studente dovrà 

scegliere un artista e decodificarne l’opera, analizzandone la 

tecnica e il significato. 

Nel corso del semestre saranno previste lezioni frontali affiancate 

ad una attività laboratoriale. 

Il corso si articola in quattro fasi: 

- ricerca e analisi di artisti moderni e contemporanei; 

- scelta dell’artista e di una o più opere; 

- scelta dei materiali e reinterpretazione dell’opera; 

- verifica finale. 

Sono previste visite a mostre e musei con finalità didattiche 

Conoscenza dei concetti di “media” e di “extramedia” nell’arte. 

Lo sguardo come “media”: visione, analisi e scomposizione di 

un’esposizione. L’arte come “extra”: visione, analisi e scomposizione 

di un’opera. 

Analisi di un’opera d’arte 1: dalla parola alla forma (premesse, 

concetti, scritti/processi, azioni, materiali). 

Analisi di un’opera d’arte 2: la forma nello spazio (l’opera prima 

e dopo l’esposizione). 

Analisi dell’esposizione 1: dallo spazio neutro allo spazio espositivo 

(caratteristiche, potenzialità, limiti, trasformazioni di uno 

spazio). 

Analisi dell’esposizione 2: l’opera nello spazio (l’esposizione come 

equilibrio tra sottoesposizione e sovraesposizione). 

Analisi dell’esposizione 3: artista, opera, spettatore. 

Identificazione e costruzione di una mostra: progetto, selezione, 

esposizione. 

Conoscenza delle principali espressioni artistiche contemporanee. 

Visione delle principali esposizioni presenti in città durante 

l’anno accademico.


240 

PROGRAMMI 

1°LIV 

Tecniche grafiche speciali 

Silvia Vaccaneo supplente Paolo Di Vita 

Come ogni attività creativa, il design è 

connesso intimamente al concetto di 

trasformazione e questo pone delle domande 

sul ruolo che deve assumere la 

cultura del progetto di fronte alla velocità 

delle mutazioni in atto. 

La modernità, come processo continuo, implica il continuo aggiornamento 

di regole e procedure progettuali, la capacità di trasferire 

prassi e modelli concettuali e di trovare modalità creative 

e compositive nello scambio tra campi e discipline differenti. 

Il graphic design è l’ambito progettuale che si occupa di tradurre, 

teorie dell’organizzazione visuale, tecniche grafiche e processi 

industriali in progetti di comunicazione destinati ad una fruizione 

intersoggettiva. 

La finalità del corso è quella di delinerare una figura di progettista 

grafico “responsabile” capace di confrontarsi con i vari settori 

di intervento del graphic design, e di progettare artefatti visivi 

che possano contribuire a migliorare la qualità delle relazioni 

sociali, produttive, ambientali. 

Dopo una breve introduzione al “basic design” gli studenti sperimenteranno 

la tipografia come spazio che da forma e struttura 

al progetto di comunicazione. Attraverso l’uso di diversi approcci 

disciplinari, legati all’area della comunicazione visiva, 

gli studenti dovranno mediare conoscenze teoriche e prassi operative 

al fine di sviluppare idee e applicazioni progettuali: grafica 

editoriale, sistemi di identità visiva, grafica delle interfacce, 

packaging, sistemi di orientamento visivo. 

1°LIV 

TECNICHE MULTIMEDIALI DELLA DECORAZIONE 

Pier Natale Guzzetti 

Lezioni. La multimedialità e l’antropologia 

delle sue manifestazioni più 

attuali. La decorazione non solo come 

ornamento plastico-pittorico ma come 

storico luogo della technica curiosa 

e delle indagini più fantasiose e 

multi-disciplinari dell’uomo. Decorazione come segno nell’ambiente 

e nella città. Particolare attenzione alle sinergie tra arti visive 

e luce, macchine, suoni. Multimedialità, biologia e sistemi 

non lineari. Ausilio di videoproiezioni che documentano ricerche 

sperimentali artistiche, tecniche e scientifiche antiche. moderne 

e contemporanee. 

Laboratorio 

Conoscenza e uso di elementi analogici, ibridi, digitali utili alla 

realizzazione di progetti dei singoli studenti divisi, per competenze, 

in tre livelli. 

- Base: Power Point, Photoshop, Illustrator, Bryce, Poser. Realizzazione 

di elaborati grafici, fotografici modellazione 3d e semplici 

animazioni. 

- Intermedio: Painter, Amorphium, Flash. Uso di semplici integrati 

elettronici per effetti luminosi e sonori. Presentazione digitale 

di progetti ambientali pittorici, plastici, multimediali. 

- Avanzato: Toon Boom, 3d Studio, Cinema 4d. Programmi per 

la generazione di bio-decorazioni: Cellular Automata, Ultra 

Fractal, Organic Art, Fractal Music, Color Life Sound. Uso di 

elementi analogici e digitali per la progettazione di installazioni 

luminose e sonore. Elementi di robotica per la realizzazione 

e programmazione di macchine creative. 

Bibliografia 

• P. MC COURDUCK, Aaron’s Code.New York, Freeman & Co, 1991. 

• M. STAFFORD, Devices of wonder. Los Angeles, Getty Research 

Institute, 2001. • H. STEEB, The Nonlinear Workbook. London, 

World Scientific Publishing, 2002. • S. WILSON, Information 

Arts. Cambridge, MIT Press, 2002. • L. MOURA, Symbiotic Art, Lisboa, 

Fundacao Ciencia & Tecnologia, 2004. • S. ZIELINSKI, Deep 

Time of the Media, Cambridge, MIT Press, 2006.


PROGRAMMI 241 

2°LIV 


Mauro Folci 

1°LIV 


Giovanni Bruno 


Il performativo assoluto 

La performatività come modus operandi 

dell’arte e come espressione della 

potenza specifica della natura 

umana. Il corso intende lavorare proprio 

a partire da questa ‘potenza’ che è forza indeterminata, pura 

dinamis che precede ogni azione ed ogni enunciazione. Vedremo 

i modi e i luoghi in cui essa maggiormente si manifesta, 

per esempio nelle dinamiche relazionali, nei giochi linguistici, 

nella comunicazione fatica e in certe patologie del linguaggio, e 

come certe ricerche dell’arte utilizzino la performance come 

pratica corporea necessaria ad una ridefinizione del reale. 

Ci sono delle letture di base che vengono fortemente consigliate 

per avere un quadro di ciò che si intende in questo corso per performativo: 

da un punto di vista antropologico, Victor Turner, Antropologia 

della performance, che utilizza la performance come 

griglia interpretativa per illustrare le fenomenologie 

‘liminoidi’, cioè quelle zone di confine e passaggio da situazioni 

culturali e sociali definite a nuove aggregazioni che ne modificano 

l’assetto. Da un punto di vista filosofico, Paolo Virno, 

Quando il verbo si fa carne, che riflette il rapporto tra potenza 

e atto nella formazione dell’autocoscienza a partire dal performativo 

assoluto che presiede ogni opera di enunciazione. Da un 

punto di vista linguistico, John L. Austin, Come fare cose con le 

parole, che ha segnato una svolta dalla concezione del linguaggio 

inteso come descrizione del mondo alla concezione del linguaggio 

come azione. A fianco di queste letture di base se ne aggiungono 

altre determinate da una o più figure che il corso 

specifico annuale intende approfondire. 

I disegni sono gli occhi delle idee, i colori 

sono girandole che sprigionano 

energia e forza il cui volano sono le 

tecniche. Le tecniche sono alfabeti di 

lingue vive, la casa dove abitano racconti 

e sentimenti. 

La superficie dello spazio circoscritto ospita le idee, i contenuti e 

la magia che si realizzeranno attraverso il connubio tra l’espressione 

il gesto e il suo vocabolario tecnico-visivo. 

L’alfabeto tecnico in questo suo divenire ha una forte ragion d’essere 

non solo nelle tecniche archetipe tradizionali, ma soprattutto 

in una lettura di sperimentazione il cui senso compiuto riconosca 

nelle “tecniche diverse” l’utilizzo di qualsiasi mezzo creativo. 

Lo studio che questo corso propone é quello di formulare un ventaglio 

più ampio possibile di tecniche pittoriche tradizionali e 

non, suggerite da un tema comune a tutti gli studenti: 

“Alfabetica–mente - Numerica–mente” 

Alfabetica–mente e numerica–mente lettere e numeri della mente 

è il tema che la disciplina di “Tecniche pittoriche” affronterà 

nell’ anno Accademico 2009 - 2010, primo semestre. 

Lettere e numeri sono perle da infilare in collane, splendide convenzioni 

per misurare e descrivere il tempo, raccontarlo, amarlo, 

odiarlo. 

Il tempo si colora con i colori naturali della vita, in ogni età si 

assumono i colori delle stagioni e delle aspettative, i colori dell’ingenuità 

della fanciullezza. I numeri degli anni, prima sono 

singoli, poi diventano doppi, sembrano non crescere in quel primo 

periodo di quel tempo in divenire. 

Quando si misura il tempo non passa mai, quando lo dimentichi 

scappa di mano, tutto è colore e tutto è verde. 

Gli impegni con la vita crescono e siamo chiamati a rispondere 

a dure prove, colori scuri talvolta ci avviluppano e ci sottraggono 

la felicità, compagna e amica dei tempi migliori. 

Vedere per sentire, il viaggio dentro al colore ha bisogno di una 

certezza definita o intuita della via maestra, il disegno indica la 

geografia del luogo. 

Cosa possiamo aspettarci dalla magia dell’alfabeto che compone 

e decostruisce ritmi ed armonie ? 

Rilievi e ricordi di sogni che si avverano, sudore profumato e cemento 

elastico sono i modi migliori per raccontare la nostra vita. 

Solo simboli e solo segni da riempire e colorare in fondo, ma con 

la consapevolezza della loro importanza.


242 

PROGRAMMI 

1°LIV 

1°LIV 


Walter Cascio 


Giorgio Catani 

Sulle proprietà tecnico-espressive. 

Il corso è indirizzato agli studenti il 

cui interesse sia rivolto ad indagare le 

proprietà artistiche degli elementi tecnico-espressivi. 

Il metodo didattico, laboratoriale, si 

propone come propedeutico per chi vuole acquisire dimestichezza 

con le pratiche artistiche o di approfondimento per coloro che 

ritengono incentivare la sperimentazione e la conoscenza degli 

elementi di base pittorica. 

Lo sviluppo del programma sarà coerente e conseguente all’utilizzo 

dei modi espressivi adottati. Non vi sono preclusioni di carattere 

formale ed espressivo in quanto l’attenzione è rivolta solo 

alle precipue qualità tecniche, affrontate con il doppio registro 

della teoria e della pratica. Una particolare attenzione sarà dedicata 

alla preparazione e realizzazione dei supporti artistici più 

idonei su cui lavorare. 

Bibliografia 

• GINO PIVA, Manuale pratico di tecnica pittorica, Ulrico Hoepli, 

Milano, 1980. 

La bibliografia più esaustiva sarà indicata durante lo svolgimento 

delle lezioni. 

Ma cosa credete che sia fare arte, se non partire per un non 

so, dove l’unica certezza è il viaggio e non l’approdo. 

Segno - Forma - Colore 

Il progetto del percorso didattico si muove attraverso constatazioni 

riflessive-compositive-propositive sulla dimensione contemporanea 

della pittura. Dal fascino dell’alchimia coloristica 

che ha regalato e regala all’arte visiva la “contemplazione”, e 

quindi la profondità intima del vedere, si arriva all’oggi attraverso 

la velocità-chimica delle componenti coloristiche distribuite 

ormai in qualsiasi supermarket. Venendo a mancare la culla del 

laboratorio (storico) l’artista contemporaneo si appropria, così, 

della mercificazione del prodotto, lavorando sull’infinito spazio 

della suggestione, dell’armonia e dell’invenzione poetico-visiva. 

Risulta singolare oggi che, mentre viene sempre più utilizzato 

un nuovo alfabeto codificato del linguaggio multimediale - floppy 

disk, chip, cd-rom, - rendendo così obsoleti termini come pellicola 

e macchina da presa, nella pittura ci si ostini a riprendere 

continuamente in mano l’alfabeto del sillabario - a,b,c - ed a 

muovere riflessioni dubitative sui più veloci dizionari dei nuovi 

possibili termini sulla pittura (del dipingere). 

Per tali motivazioni, si propone di saltare non il mare ma il fossato 

creativo che andrebbe a rimarcare quei confini superati tra 

“l’altro ieri e il possibile domani” in maniera eccessiva e pedissequa 

rispetto allo spirito del tempo contemporaneo. Il lavoro è 

così svolto sulla manipolazione dell’immagine e sulle diverse 

plastificazioni della forma. Questo percorso più che un laboratorio 

diventa una palestra mentale-visiva propositrice dell’oggi. La 

pittura vive di attualità nella misura in cui non si sposta a lato, 

ma in quanto affronta senza complessi le contraddizioni suggestive-riflessive 

del percorso contemporaneo prendendone il ritmo 

stesso del consumo e della velocità e, nello stesso tempo, regalando 

suggestione e melodia compositiva. 

L’arte non è più allora ciò che crede l’uomo comune, cioè 

una sorta di ispirazione che viene da chissà dove, che procede 

a caso, non presenta altro che l’esteriorità pittoresca delle 

cose. È la ragione stessa ornata dal genio, ma che segue un 

cammino necessario e retto da leggi superiori. 

ÉUGÈNE DELACROIX


PROGRAMMI 243 

2°LIV 

TECNICHE SARTORIALI PER IL COSTUME 

Maria Antonietta Tovini 

1°LIV 


Margherita Labbe 

Il corso si prefigge lo scopo di fornire gli elementi base per affrontare 

la realizzazione di un costume dal bozzetto alla sua 

completa realizzazione sartoriale. Si vorrebbe, pertanto, che gli 

studenti arrivassero ad acquisire un’ adeguata conoscenza dei 

cartamodelli storici, la relativa terminologia tecnica e le competenze 

per i diversi modi di confezione relative alla funzione del 

costume. 

Attraverso lo studio del costume storico e delle sue parti costitutive 

(tessuti, tipologie di ricami, passamanerie e merletti) gli studenti 

avranno a disposizione competenze specifiche per progettare 

e realizzare un costume dal modello al tessuto. 

Programma 

Studio di modelli storici. 

Leggere un bozzetto, dal capitolato al preventivo, per la realizzazione 

del costume. Realizzazione sartoriale del bozzetto, rapporto 

tra il modello storico e l’interpretazione del costumista, come 

tradurre il disegno in costume. Schede misure. 

Realizzazione di cartamodelli e dei modelli in tela. 

Lavori di gruppo: studio tessuti storici; studio dei ricami, dei 

pizzi e delle passamanerie; studio della biancheria e relativa documentazione. 

Lavori individuali: elaborazione di tessuti con tecniche sartoriali; 

dalla forma storica alla contemporanea. 

Bibliografia 

• NORAH WAUGH, Diagrammi dei modelli femminili: The cut of 

women’s clothes 1600-1930, ed. N.Y., 1985. • NORAH WAUGH, 

Diagrammi dei modelli maschili: The cut of men’s clothes 

1600-1900, ed. London, 1985. • NORAH WAUGH, Diagramma 

del busto femminile: Corsets and crinolines, ed. N.Y., 2004. • 

R.LEVI PISETZKY, Il costume e la moda nella società italiana, 

Einaudi, 1978. • M. PASTOUREAU, La stoffa del diavolo, Il melangolo, 

1993. • A. GIGLI MARCHETTI, Dalla crinolina alla minigonna, 

Clueb 1995. 

La conoscenza della carta quale supporto 

che riceve il segno e con esso interagisce, 

è premessa indispensabile 

ad un uso consapevole delle tecniche 

grafiche. Il foglio è ad un tempo campo 

visivo e luogo di conservazione del 

segno, quindi la scelta del materiale cartaceo riveste pari importanza 

rispetto alla tecnica con cui il segno viene impresso. Il corso 

propone un itinerario storico, tecnologico e creativo sulla carta, 

sia come supporto, sia come materiale che assume una 

propria autonomia linguistica, in relazione al processo che l’origina. 

Programma 

Alla trattazione teorica sulle proprietà chimico-fisiche e sui procedimenti 

produttivi, fa riscontro la sperimentazione di tecniche 

artigianali di formazione, collatura, finitura e filigrane. Le attività 

di laboratorio prevedono esperienze comuni e percorsi differenziati, 

concordati individualmente, in relazione alle proposte 

degli iscritti. 

Quest’anno la produzione artistica sarà finalizzata alla realizzazione 

di elaborati che nascono in relazione con testi poetici di 

autori contemporanei. Il progetto “Da verso” contempla la partecipazione 

ad alcuni reading, la lettura di un testo poetico e lo 

studio di un lavoro a tema. 

Si prevede anche l’approfondimento della composizione d’impasti 

cartacei presso la Stazione Sperimentale per Carte, Cartoni 

e Paste per Carta di Milano. 

Sta per terminare la selezione di lavori per la collettiva In-on paper, 

che si terrà in giugno 2010. 

Argomenti specifici trattati nelle lezioni: 1) Cenni storici; 2) Caratteristiche 

della carta, materie prime ed ausiliarie; 3) Valori 

espressivi ed estetici; 4) La macchina continua; 5) Principali tipi 

di carta; 6) Conservazione e restauro; 7) Filigrane. 

L’esame consiste in un test di verifica sugli argomenti trattati e 

nella presentazione di un lavoro realizzato in laboratorio. 

Bibliografia 

• GIORGIO BOTTO MICCA, Carta, in Enciclopedia della Stampa, 

vol. III, Sansoni, Torino, 1978. • AA.VV., Conoscere la carta, 

Ente Nazionale per la Cellulosa e la Carta, Roma, 1997. • PIER- 

RE-MARC DE BIASI, La carta. Avventura quotidiana, Electa-Gallimard, 

Trieste, 1999.


244 

PROGRAMMI 

2°LIV 

TECNOLOGIA E APPLICAZIONI DIGITALI 

Francesca Biral 

Parte teorica. 

Lo sviluppo dei concetti di ibridazione 

delle forme artistiche, interattività 

con lo spettatore, narrativa non lineare, 

immersione in una realtà virtuale. 

Cenni di storia dei rapporti tra Teatro 

e Arte Digitale: uso del video, multimedia e realtà virtuale nella 

scenografia teatrale. Scenografie televisive con usi particolari del 

video, scenografia e film. 

Parte pratica. 

Acquisizione degli strumenti informatici per la realizzazione di 

bozzetti scenografici digitali. Tecniche di rappresentazione su 

computer per il teatro, il cinema, la televisione ed eventi (sfilate 

di moda, concerti, ecc.). Approfondimento sui software 2D, 3D e 

di montaggio video digitale. 

Esercitazione: bozzetti 2D e 3D, video wall. 

Bibliografia 

Video-lezioni dell’insegnante. 

• G. CARTER E C. WHITE, Computer Visualisation for the theatre, 

2003. • A. PIZZO, Teatro e mondo digitale, 2003. • C. BISHOP, Installation 

Art, 2005. • C. PAUL, Digital Art, 2003. • C. TOWNSEND 

(ED.), The Art of Bill Viola, 2004. 

1°LIV 


DELLA FORMA 


Questo corso, oltre a fornire un’informazione 

generale sulle basi tradizionali 

della disciplina in questione, si 

propone di suscitare una nuova riflessione 

su alcuni argomenti oggi frequentemente 

ad essa collegati, come 

il problema del riconoscimento (ad es. di un viso), della generalizzazione 

(ad es. riconoscimento di un certo tipo di oggetto, 

anche dove cambino dimensione o colore), il problema del riconoscimento 

di oggetti in presenza di uno sfondo, la comprensione 

di concetti astratti come Forma, ecc. Si propone inoltre di 

fornire alcune nozioni sul concetto di Memoria, il rapporto fra 

immagini reali e immagini mentali, il problema della Coscienza. 

Tali riflessioni trovano puntuali riscontri in recenti testi di 

neurologi e neuropsichiatri come Gerald M. Edelman, Giulio Tononi 

e Roberto Damasio. 

Un ultimo approfondimento riguarderà il problema di come i 

mezzi di diffusione e comunicazione dell’immagine abbiano 

cambiato il nostro approccio percettivo e culturale con il mondo. 

In questo senso, l’arte contemporanea ha già, sia pure intuitivamente, 

suggerito una serie di interpretazioni a questo scenario, 

che il corso si propone di affrontare anche per suscitare una 

risposta creativa da parte degli allievi. 

Bibliografia 

• DAVID KATZ, La psicologia della forma, Boringhieri, Torino, 

1979. • ROBERTO DAMASIO, L’errore di Cartesi, Adelphi, Milano. 

• EDELMAN eTONONI, Un universo di coscienza, Einaudi, Torino, 

2000. • ADRIANO ALTAMIRA, Area di Coincidenza, Nuovi Strumenti, 

Brescia, 2001. • ADRIANO ALTAMIRA, La vera storia della 

fotografia concettuale, Area Imaging, Milano, 2007.


PROGRAMMI 245 

1°LIV 


DELLA FORMA 



Il corso verte sulle principali teorie 

della percezione e sulle diverse problematiche 

teoriche, storiche ed empiriche 

che ad esse si collegano. Particolare 

attenzione è dedicata a quegli 

argomenti comuni alla ricerca psicologica e a quella artistica: 

partecipazione, evento, interattività, spontaneità solo per citarne 

alcuni. 


L’approfondimento del programma 2007-2008 è dedicato alla 

percezione dell’oggetto “iperambiguo”. Iperambigui sono quegli 

oggetti la cui interpretazione non è del tutto codificata e che, 

per ciò, dimorano in uno spazio della coscienza – individuale e 

collettiva – labile e fluttuante, soggetto a continui cambiamenti. 

Saranno presentate e discusse le componenti attive in questa 

percezione, da quelle culturali a quelle storiche e psicologiche 

con particolare riguardo all’estetica eventuale dell’oggetto iperambiguo. 

Bibliografia 

• P. FERRARIS, Psicologia e arte dell’evento, Gangemi, Roma, 

2004. • J. J. GIBSON, The Ecological Approach to Visual Perception. 

Trad. it. Il Mulino, Bologna, 1999. • S. LOMBARDO, L’avanguardia 

difficile, Lithos, Roma, 2004. • U. NEISSER, Cognition 

and Reality. Principles and Implications of Cognitive Psychology. 

Trad. it. Il Mulino, Bologna, 1993. • V. RUGGIERI, L’esperienza 

estetica, Armando, Roma. 

1°LIV 


DELLA FORMA 

Rosanna Guida 

Il corso presenta le teorie che spiegano 

il funzionamento dei nostri sensi e 

della percezione. Oltre alla Teoria della 

Gestalt vengono proposti spunti di 

riflessione offerti dai più recenti studi 

riguardanti le neuroscienze e la psicologia. 

I concetti esposti vengono esemplificati attraverso l’analisi 

di opere d’arte antiche e contemporanee prodotte in diversi 

ambiti disciplinari, fra cui la pittura, la grafica, la scultura, la 

scenografia, l’architettura e il design. 

Lo studio fenomenologico della sensorialità rende lo studente 

consapevole e capace di controllare con essenzialità le variabili 

della comunicazione legata al suo prodotto. 

In quest’ottica la docente ritiene che il corso sia di carattere propedeutico 

e ne consiglia la frequenza durante il primo anno degli 

studi accademici. 

Il corso si snoda e si sviluppa attraverso lezioni ex cathedra a cui 

lo studente partecipa in forma collettiva e attraverso sessioni di 

“collaborative learning”, durante le quali lo studente partecipa 

a workshop collettivi e laboratori individuali di apprendimento, 

coordinati dalla docente. 


L’esame prevede un’interrogazione che riveli le conoscenze dell’allievo 

riguardo agli aspetti teorici istituzionali e la creazione 

di un prodotto realizzato dall’allievo da solo o in gruppo. 

Bibliografia 

• R. GREGORY, Occhio e cervello, Raffaello Cortina editore. • R. 

ARNHEIM, Arte e percezione visiva, Feltrinelli. • E. GOMBRICH, Arte 

e Illusione, Einaudi. • G. KANISZa, Grammatica del vedere, 

il Mulino. • T. BUZAN, Dessine-moi l’intelligence, les editions 

d’organisation. • P. KLEE, Teoria della Forma e della Figurazione, 

Feltrinelli. • M. CANOVACCI, Antropologia della comunicazione 

visuale, Meltemi. • W. LIDWELL, K. HOLDEN, J. BUTLER, 

Principi universali del design, ed. Logos. • A. MARCOLLI, Teoria 

del Campo, Vol. I. • J. TORNQUIST, Luce e Colore, Ikon. • A. 

WEIL-BARAIS, L’homme cognitif, PUF. • S. ZEKI, La visione dall’interno, 

Bollati Boringhieri.


246 

PROGRAMMI 

2°LIV 

TEORIA E ANALISI DEL CINEMA E AUDIOVISIVO 

Luca Mosso 

1°LIV 


Lorenzo Taiuti 

Teoria e pratiche del documentario 

contemporaneo. 

Il corso prende in esame alcune delle 

più interessanti espressioni del documentario 

contemporaneo e le inserisce 

in una prospettiva storica e teorica. 

Stretto tra cinema narrativo, televisione, sperimentazione, arti 

visive e performance, il film di non-fiction è oggi un avanzato 

laboratorio di sperimentazione audiovisivo: il suo ricorrente 

sconfinamento in territori contigui richiede un’analisi pluridisciplinare 

che renda conto dei debiti con le altre forme espressive, 

senza per questo rinunciare alla centralità cinematografica 

del genere: per quanto commisto di altre forme, nella nostra prospettiva 

il documentario rimane all’interno della tradizione cinematografica. 

Insieme a misurati riferimenti al cinema del passato, l’interesse 

principale sarà rivolto ad autori contemporanei come Peter Watkins, 

Victor Kossakovsky, Nicolas Philibert, Errol Morris, Ulrich 

Siedl, Leonardo Di Costanzo, senza trascurare alcune delle 

espressioni più sintomatiche del documentario di consumo (Il 

popolo migratore, La marcia dei pinguini, ecc.). 

Gli aspetti teorici e storici verranno sempre messi a confronti con 

gli elementi pratici della realizzazione del documentario che saranno 

oggetto di lezioni specifiche e di incontri con registi, produttori 

e tecnici. Con loro verranno messe a fuoco alcune questioni 

essenziali del cinema documentario: l’analisi della realtà 

(e del suo mito) e l’individuazione del referente, la posizione 

dell’autore e il dilemma della “distanza giusta”, la costruzione 

dei “personaggi”, la drammaturgia e l’autorialità nel documentario. 

Bibliografia 

Testo di riferimento: • BILL NICHOS, Introduzione al documentario, 

Il Castoro, Milano, 2006. 

La bibliografia completa verrà fornita nel corso delle lezioni. 

Il corso di Teoria e Metodo dei Mass 

Media studia e pratica i rapporti fra 

l’Arte contemporanea e i linguaggi 

mediatici quali il Video, l’Immagine 

digitale, la Realtà Virtuale, i Linguaggi 

della Rete. 

Il Corso tende a creare conoscenza dello scenario mediatico in 

cui si colloca l’arte oggi e a definire termini di apprendimento e 

uso a fini artistici delle tecnologie digitali. Il Corso di Mass Media 

analizza le varie applicazioni nel campo delle tecniche riproduttive 

tecnologiche, del Video e dei Nuovi Media delineando il 

paesaggio mediatico e preparando all’applicazione teorica e 

pratica dei nuovi linguaggi digitali in un arco che va dal video 

digitale creativo all’applicazione estetica dei Nuovi Media nelle 

modalità dell’interattività, dell’Immagine Virtuale, della comunicazione 

via Rete. Il corso ricostruisce attraverso la visione di 

documentazioni audiovisive la storia delle esperienze artistiche 

mediatiche dalle avanguardie storiche a oggi attraverso le varie 

correnti in un percorso che va dal Cinema d’artista alla Videoarte 

e alle applicazioni dell’informatica. 

Il Corso richiede un lavoro video o un’applicazione digitale secondo 

i dipartimenti scelti. Saranno svolti lavori pilota di ricerca 

con realtà esterne. 

Bibliografia 

• L. Taiuti, Corpi Sognanti- L’Arte nell’epoca delle tecnologie 

digitali, Edizioni Feltrinelli 2001. • L. Taiuti, Multimedia - 

L’Incrocio dei linguaggi comunicativi, Edizioni Meltemi, Roma. 

Il libro contiene un DVD con numerose clip audiovisive e 

schede informative con immagini. 

E-mail: md3169@mclink.it


PROGRAMMI 247 

1°LIV 

TEORIA E PRATICA DEL DISEGNO PROSPETTICO. 

Lidia Bagnoli 

Il corso si propone di approfondire la 

conoscenza dei rapporti tra fotografia 

e prospettiva. 

Si intende con questo acuire l’osservazione 

di una realtà fotografata dallo 

studente, il quale deve sviluppare 

una capacità d’osservazione che sia funzionale alla trasformazione 

di uno spazio reale in uno spazio scenografico per il cinema 

o il teatro. 

L’opera architettonica o la realtà urbana fotografata dallo studente 

viene letta nelle sue regole prospettiche che la compongono 

per essere poi restituita nelle sue misure reali attraverso l’applicazione 

della fotogrammetria elementare. 

La rappresentazione dei prospetti in scala adeguata sarà consona 

a regole di rappresentazione riconosciute. La progettazione 

dell’intervento scenografico partirà dai prospetti ricavati e si rapporterà 

alla foto iniziale che sarà utilizzata come documentazione 

per una “location” cinematografica. Il bozzetto sarà in tecnica 

libera ma avrà il rigore necessario al riconoscimento del 

fotogramma di partenza. 

Successivamente, la trasposizione dell’idea scenografica dall’ambito 

cinematografico a quello teatrale attraverso un’analisi 

delle diverse finalità e regole prospettiche che guidano i due luoghi, 

permetterà di applicare altre regole prospettiche che in questo 

modo non saranno studiate astrattamente come esercitazioni 

accademiche, ma avranno un’applicazione pratica in un 

lavoro di progettazione scenografica che deve tener conto del 

rapporto con lo spettatore e le problematiche spaziali connesse ai 

due spazi. 

Il corso prevede necessariamente cenni generali su varie pratiche 

prospettiche che tengano conto del diverso livello di preparazione 

degli studenti attraverso lo studio di testi storici ed esercitazioni 

appropriate. 

1°LIV 

TEORIA E PRATICA DEL DISEGNO PROSPETTICO 


Prima ancora di essere pensato, percepito 

e rappresentato, lo spazio è dal 

nostro corpo consaputo, poiché con il 

suo orientamento e con i suoi movimenti 

polarizza l’intorno imponendogli 

l’anisotropa dialettica dei sei lati 

del mondo: destra-sinistra, avanti-dietro, alto-basso. Il disegno 

prospettico dello spazio consiste in un procedimento grafico 

incentrato su delle norme che vennero codificate quando arte e 

scienza, all’ombra della cultura umanistica, integravano le loro 

metodologie per perseguire un fine conoscitivo comune: quello 

di trascrivere, mediante un procedimento geometrico, la formazione 

dell’immagine retinica delle cose, così come appaiono nello 

spazio reale, in una rappresentazione grafica. 

Il corso tratta i vari sistemi di rappresentazione piana delle cose 

vedute da lungi, (Piero Della Francesca), a partire dai fondamenti 

enunciati da Euclide nel 300 a. C. Verranno esaminati alcuni 

esempi di rappresentazioni dello spazio, dalla prospettiva 

naturalis, alla prospettiva artificialis, formalizzata nella“costruzione 

legittima” da F. Brunelleschi, L. B. Alberti e P. Della 

Francesca nel primo Rinascimento; dalle prospettive curiose 

delle anamorfosi alle prospettive solide, accelerate e rallentate; 

dalla camera oscura alla macchina fotografica, dalla lanterna 

magica al cinema, al fine di far emergere che, tanto le immagini 

realistiche e fedeli, quanto quelle fantastiche ed illusorie approntate 

nella storia della pittura e della scenografia, comprese 

quelle delle animazioni digitali e della realtà virtuale e interattiva, 

sono tuttora costruite in gran parte per mezzo di impianti 

teorici e geometrici di tipo rinascimentale. 

Tra gli obiettivi del corso vi sono: saper rilevare tutti gli indizi 

percettivi della profondità e tradurli in indizi grafico-pittorici; 

saper utilizzare tutti i principali metodi di rappresentazione prospettica 

dello spazio; saper realizzare con tecniche adeguate 

un’immagine o un modello tridimensionale in cui siano coesi e 

integrati elementi dello spazio percepito con lo spazio immaginato, 

dello spazio abitato con lo spazio rappresentato, dello 

spazio costruito con lo spazio sognato… 

Bibliografia 

• E. Panofsky, La prospettiva come “forma simbolica” e altri 

scritti, Feltrinelli, Milano, 1961. • L. P. De Simoni, Spazio prospettico, 

Bonacci, Roma, 1976. • G. Di Napoli, Disegnare e conoscere. 

La mano, l’occhio e il segno, Einaudi, Torino, 2004.


248 

PROGRAMMI 

1°LIV 

TEORIA E STORIA DEI BENI CULTURALI 


Obiettivo didattico del corso, che è di 

carattere istituzionale, è dare una conoscenza 

sufficientemente articolata 

delle coordinate concettuali che hanno 

contribuito a costruire l’idea attuale 

di ciò che è un bene culturale: 

idea che costituisce la chiave di volta di ogni pratica di conservazione, 

tutela e valorizzazione. Contrariamente a quanto si potrebbe 

pensare, il concetto di bene culturale, pur così diffuso, è 

tutt’altro che univoco e condiviso; è semmai una nozione “plurale” 

e problematica. Scopo del corso è dunque ripercorrere la 

storia della sua formazione mettendone in luce le principali matrici 

attraverso lezioni ex cathedra, nelle quali si privilegia l’esame 

diretto delle fonti primarie, mostrando il rilievo per la costituzione 

della nozione di bene culturale di testi filosofici, storiografici, 

saggi teorici e documenti storici di diversa natura. 

Le lezioni tengono conto delle tre principali direttrici lungo le 

quali gradualmente si è mossa l’attribuzione di un valore particolare 

a categorie di oggetti da sottrarre alla dispersione, al deterioramento 

o alla distruzione. Dalle prime concezioni embrionali 

formulate nell’età classica, attraverso la progressiva 

elaborazione dell’idea di «antichità e belle arti», si è giunti infatti 

alle più compiute teorie contemporanee del bene culturale 

grazie all’apporto delle teorie estetiche e delle riflessioni sull’arte, 

al progressivo articolarsi della visione della storia e del passato 

quale dimensione temporale costitutiva del patrimonio e, più 

recentemente, allo sviluppo delle diverse concezioni della cultura. 

Infine, nell’anno accademico 2008-2009, si tratteranno con 

particolare approfondimento alcuni presupposti teorici del dibattito 

più recente, soprattutto in relazione all’immagine del patrimonio 

culturale nell’attuale fruizione di massa. 

Bibliografia 

• A. C. QUATREMÈRE DE QUINCY ET ALII, Lo studio delle arti e il genio 

dell’Europa, Bologna, Accademia Clementina, Minerva 

Edizioni, 2004. • ANDREA EMILIANI ET ALII, Il patrimonio artistico, 

Milano, Touring Club Italiano, 1979. • SALVATORE SETTIS, Patrimonio 

S.p.A. L’assalto al patrimonio culturale, Torino, Einaudi, 

2002. 

1°LIV 



Il corso si svolge seguendo due linee 

fondamentali: 

Esposizione Universale. L’arte alla prova 

del tempo dal XV al XXI secolo. 

Si tratta di un corso che parla dell’universalità 

dell’arte che in quanto tale 

rappresenta le novità di sempre perché “Tutta l’arte è contemporanea” 

(Gino De Dominicis). 

Una storia e una teoria dei sistemi di rappresentazione dell’arte 

raccontata attraverso oltre 100 opere, che vanno dal XV al XXI secolo. 

Racconto non lineare, ma diviso in otto sezioni o miniracconti 

che affrontano alcune tematiche universali trattate nei secoli 

da artisti antichi, moderni e contemporanei. Periodi diversi 

si confrontano per mettere alla prova i metodi di rappresentazione 

e presentazione di argomenti eterni e sempre diversamente 

affrontati. 

Si tratta di sezioni: Esposizione Universale del Potere, Esposizione 

Universale del Quotidiano, Esposizione Universale della 

Vita, Esposizione Universale della Morte, Esposizione Universale 

della Mente, Esposizione Universale del Corpo, 

Esposizione Universale dell’Odio, Esposizione Universale dell’Amore, 

in cui le opere di Giovanni Bellini, Bergognone, Sandro 

Botticelli, Vittore Carpaccio, Vincenzo Foppa, Lorenzo Lotto, 

Pisanello, Tintoretto, Cosmè Tura si specchiano e confrontano 

con quelle di Christo, Francesco Clemente, Felice Casorati, Marcel 

Duchamp, Giorgio De Chirico, Gino De Dominicis, Medardo 

Rosso, Jimmie Durham, Gilbert & George, Ilya Kabakov, Joseph 

Kosuth, Maria Lai, Marisa Merz, Pino Pascali, Luigi Ontani, Ettore 

Spalletti, Jeff Wall, Gilberto Zorio, Mario Airò, Stefano Arienti, 

Simone Berti, Roberto Cuoghi, Meschac Gaba, Margherita 

Manzelli, Diego Perrone, Pietro Roccasalva, Ben Vautier fra gli 

altri. 

Ieri e oggi, il prima e l’ora, il classico e il moderno si fronteggiano 

per sottolineare le influenze e le relazioni esercitate dal passato 

sul presente e viceversa, perché se è vero che la nostra eredità 

produce contemporaneità, è altresì vero che anche la 

contemporaneità produce, rileggendolo, il nostro passato. 

Il corso mette in discussione i presupposti stessi dell’universalità 

in favore della località warholiana: “Solo il locale può aspirare 

all’universale”. (Andy Warhol). 

Per questa parte si userà il libro di AVV Esposizione Universale 

a cura di Giacinto Di Pietrantonio, Cambi Editore. 

Bibliografia 

Indicazioni bibliografiche saranno date durante il corso. 

giacinto.dipietrantonioi@gmail.com 

Per ulteriori informazioni visitare il sito: www.g-d-p.net


PROGRAMMI 249 

1°LIV 


Valter Rosa 

1°LIV 

TEORIA E STORIA DEL RESTAURO 



La consapevolezza dell’origine, della 

evoluzione, del valore storicamente determinato 

e del significato simbolico 

dei metodi di rappresentazione è da 

considerarsi un prerequisito del lavoro 

progettuale e artistico, finalizzato a un impiego “scientifico” degli 

strumenti di controllo dello spazio. 

Come introduzione al corso, le prime lezioni forniranno nozioni 

generali e informazioni bibliografiche essenziali sulla storia 

della prospettiva (con particolare riferimento alla codificazione 

albertiana nel De pictura), dell’assonometria, della geometria 

descrittiva e dei principali metodi di rappresentazione. 


Rappresentazione artistica e rappresentazione scientifica in 

età moderna e contemporanea. 

Il corso è incentrato sull’indagine delle forme della rappresentazione 

nell’arte e nella scienza del Settecento e dell’Ottocento. Interrogando 

i diversi ambiti della pittura, della scultura, dell’architettura, 

della teoria artistica e dell’estetica, della letteratura e delle 

scienze esatte, principalmente nei contesti inglese, tedesco, francese 

e italiano, si cercherà di mettere in luce il terreno d’incontro 

fra arte e scienza, non solo sul piano della divulgazione teorica 

(un caso celebre nel XVIII secolo è quello di Francesco Algarotti), 

ma soprattutto attraverso la nuova consapevolezza dell’esperienza 

visiva e i modelli spaziali comuni che informano le rispettive 

rappresentazioni dell’uomo, della natura e dell’universo. 

Parte istituzionale: lineamenti fondamentali 

della disciplina; teoria disciplinare 

della conservazione dei monumenti 

di Alois Riegl. 

La Scuola viennese di conservazione 

dei monumenti; tutela e moderno in 

Max Dvorak; teoria del restauro di Cesare Brandi; carte del 

restauro; casi paradigmatici. 

Bibliografia 

• C. BRANDI, Teoria del restauro, Einaudi, Torino, 1984. • C. 

BRANDI, Il restauro: teoria e pratica 1939-1986, a cura di M. 

Cordaro, Editori riuniti, Roma, 1996. • A. CONTI, Storia del restauro 

e della conservazione delle opere d’arte, Electa, Milano, 

2002. • A. RIEGL, Teoria e prassi della conservazione dei monumenti, 

a cura di S. Scarrocchia, Gedit, Bologna, 2003. • S. 

SCARROCCHIA, Oltre la storia dell’arte. Alois Riegl vita e opere di 

un protagonista della cultura viennese, Christian Marinotti, 

Milano, 2006. • La teoria del restauro nel Novecento da Riegl 

a Brandi, a cura di M. Andaloro, Nardini, Firenze, 2006. • S. 

SCARROCCHIA, Max Dvofiák. Conservazione e Moderno in Austria 

(1905-1921), Franco Angeli, Milano, 2009. • Dossier su 

Camillo Boito in Ananke, n. 57, 2009. 

Bibliografia 

• MICHAEL BAXANDALL, Ombre e lumi, Einaudi, Torino, 2003. 

• MARTIN KEMP, La scienza dell’arte. Prospettiva e percezione 

visiva da Brunelleschi a Seurat, Giunti, Firenze, 1994 (in particolare 

le pp. 150-182, 245-285 e 315-356). 

Dispensa finale e altre indicazioni bibliografiche durante lo svolgimento 

del corso.


250 

PROGRAMMI 

1°LIV 

TEORIE DEL PAESAGGIO 


1°LIV 

TIPOLOGIA DEI MATERIALI 

Alfred De Locatelli 

Obiettivo didattico del corso è offrire gli 

strumenti per una comprensione profonda 

del paesaggio, essendo l’idea di 

bene ambientale assai limitativa. Il 

paesaggio è infatti, secondo la celebre 

definizione di Rosario Assunto, l’ambiente 

naturale in quanto, «è oggetto di esperienza estetica e soggetto 

di giudizio estetico». Lo studente è pertanto chiamato ad 

acquisire una padronanza sufficiente delle categorie che nel corso 

del tempo sono state elaborate per pensare la natura esteticamente 

connotata e il suo correlativo artistico, il giardino, cogliendone i 

principali sviluppi teorici attraverso l’esame diretto delle fonti primarie: 

testi filosofici e lato sensu teorici, unitamente a documenti 

poetici, letterari, figurativi e, quando possibile, musicali. 

Il percorso didattico muove dal farsi proto-paesaggio del mondo 

naturale nell’orizzonte del pensiero greco e della sua rappresentazione 

poetica che dà luogo alla prima fissazione dei topoi che 

riceveranno la denominazione di loucs amoenus e locus asper. 

Trattando poi le diverse concezioni della natura esteticamente 

connotata nel mondo latino, prende il massimo rilievo la “rifondazione” 

virgiliana, messa a riscontro con l’idea ciceroniana di 

seconda natura. Il paesaggio medievale è visto in relazione al 

pensiero simbolico e alla dicotomia tra “quotidiano” e “meraviglioso”, 

ma anche al farsi strada di una sorta di accentuazione 

dello sguardo, che sottende anche alcune rappresentazioni letterarie 

ed esperienze figurative. Particolare attenzione riceve la figura 

di Petrarca, quale “inventore” di una sorta di teoria dello 

sguardo, che si coglie tanto nel Canzoniere, quanto nell’enigmatica 

salita al Ventoux. Dalla teorizzazione rinascimentale è 

possibile cogliere una nuova e complessa idea di natura e matura 

la considerazione della sua eccedenza estetica, che presiede 

anche all’elaborazione delle teorie del giardino come luogo simbolico 

e terza natura. Le idee di paesaggio e di giardino, nella loro 

mutua implicazione, sono poi esaminate alla luce delle diverse 

categorie elaborate dalla riflessione estetica. Le lezioni si 

concludono con l’analisi approfondita del pensiero sul paesaggio 

e il giardino nel Novecento e fino a oggi, considerando prevalentemente 

le opere di alcuni filosofi di area tedesca, l’estetica 

del paesaggio di Rosario Assunto e le teorie dei principali esponenti 

della cosiddetta scuola culturalista francese. 

Bibliografia 

• PAOLO D’ANGELO, Estetica della natura, Laterza, Roma-Bari, 

2001. • ROSARIO ASSUNTO, Ontologia e teleologia del giardino, 

Guerini e Associati, Milano, 1988. • JEAN-MARC BESSE, Vedere la 

Terra. Sei saggi sul paesaggio e la geografia, Bruno Mondadori, 

Milano, 2008. 

Cannovaccio di ricerca 

Cercare un soggetto all’interno dell’iconografia 

odierna o guardarlo in 

alcune bibliografie che permettano di 

svolgere una ricerca sia di forma che 

di contenuto. Prestare particolare attenzione 

ai linguaggi contemporanei e alle peculiarità che la 

contraddistinguono come il punto di vista, la catalogazione, la 

documentazione. 


E’ richiesto: 

Un diario scrittografico che testimoni lo sviluppo del progetto; 

La realizzazione di disegno, foto, collage e scritti che indichino 

alcune delle fasi intermedie della ricerca pratica (sono tavole da 

intendersi come progressive elaborazioni del soggetto inizialmente 

scelto). 

La realizzazione del proprio elaborato. 

La presentazione di un file contenete alcune immagini dell’esecutivo 

a 300 dpi, un testo descrittivo max 10 righe corpo 12 e una 

breve biografia dello studente. 

Corso “In cibo veritas”. 

In questi ultimi anni varie discipline si sono incrociate scambiando 

i saperi e contaminandosi. Ed è così che il cibo fa arte e 

l’arte usa il cibo come tavolozza in tutte le sue sfumature organiche 

e non. Il rapporto dell’uomo con l’alimentazione può essere 

considerato analogo al suo rapporto con il linguaggio: entrambi 

appaiono ‘naturali’, seguono regole indiscusse e inconsce 

che vengono apprese dall’infanzia nell’ambiente familiare; 

come il linguaggio può modificarsi con il modificarsi dell’ambiente 

e riflettere determinate situazioni sociali, economiche e 

religiose. 

Argomenti che si consiglia di porre in attenzione; eccellenza, costo, 

modo di produzione, abbondanza e distribuzione, cerimoniale, 

forma e puro/impuro. 

Il cibo o l’aspetto dei fatti alimentari comunque non può essere 

ridotto a fatti di nutrizione, ne è testimonianza la decorazione 

che ha caratterizzato tutta la storia dell’arte. 

Nella comunicazione didattica desidero convincere che la ricerca 

e l’emozione creano spesso dei lavori interessati. 

Nel secondo semestre con i rientri verrà dato spazio al laboratorio 

in cui i partecipanti saranno chiamati all’interazione stimolando 

ulteriori intuizioni, ricordi, idee e saperi e finalmente realizzando 

il frutto della ricerca. Durante le lezioni verrà proiettato 

del materiale audio e video e verranno indicate alcune tecniche 

pittoriche e plastiche ad altro utili alla realizzazione dei progetti.


PROGRAMMI 251 

2°LIV 


Roberto Mestroni 

2°LIV 


Marcella Anglani 

1. Il trucco speciale e la differenza dal trucco beauty. Utilizzo 

dei materiali per lo special make-up estemporaneo ed effetti 

di make-up semplici. 1.1 Creare una modifica di un naso 

con la Plastilina da trucco (dimostrazione). 1.2 Creare una 

ustione con la gelatina da trucco (dimostrazione). 1.3 II lattice 

prevulcanizzato (dimostrazione). 

2. Le calotte. 2.1 Creazione di una calotta in Lattice. 2.2 Creazione 

di una calotta in vinile. 2.3 Tecnica di applicazione e colorazione 

di una calotta per simulare una testa calva (dimostrazione). 

3. Life masks. 3.1 Dimostrazione di un calco del viso parziale 

con realizzazione replica in gesso. 3.2 Tipi di gesso e relativa 

espansione. 3.3 Miscelazione. 3.4 Agenti di distacco. 3.5 Materiali 

per la fibratura e il rinforzo. 3.6 Positivi e negativi . 3.7 Sottosquadri. 

3.8 Chiavi di riscontro. 3.9 Come creare una copia Master 

con eliminazione sottosquadri. 

4. Modellare realisticamente una protesi (parte frontale) in 

prospetica. 4.1 Spessore del modellato. 4.2 Fonti per stampi della 

texture di pelli. 4.3 Le pieghe. 4.4 Formatura del modellato. 

4.5 Tagli di bordo e zona flash. 4.6 Canali di sfogo. 

5. I materiali più comuni utilizzati nella realizzazione delle 

protesi. 5.1 II lattice prevulcanizzato (dimostrazione). 5.2 II 

Poliuretano flessibile(dimostrazione). 5.3 II Foam Latex (teoria). 

5.4 Le Gelatine prostetiche (teoria). 

6.Invecchiamento. 6.1 Pittorico I Teatrale (dimostrazione). 6.2 

Tiraggio pelle con il lattice (dimostrazione). 6.3 Invecchiamento 

con protesi parziali (dimostrazione). 

7. Tecnica di applicazione di una protesi totale in foam latex. 

7.1 Lavaggio (dimostrazione). 7.2 Riparazione. 7.3 Adesivi 

per le applicazioni: Spirit Gum, Duo Surgical, Adesivo medico siliconico, 

Pros Aide. 7.4 Copertura linee di stampaggio. 7.5 II 

BONDO. 7.6 Pre-colorazione: vari metodi. 7.7 Il P.A.X. 7.8 Tecniche 

per incollare le protesi sui viso. 7.9 Make-up per colorare le 

applicazioni sulla pelle. 

Laboratorio/glossario di idee sul contemporaneo. 

Partendo da concetti chiave legati alla 

contemporaneità, (postcoloniale, 

ibrido, globalizzazione, complessità, 

rizoma, postfordismo, network, spazio 

pubblico) si cercherà di dare una lettura dell’arte degli ultimi 20 

anni, dalla caduta del muro di Berlino e dalla mostra les Magiens 

de la terre tenuta al Centre George Pompidou Parigi nel 

1989, all’ultima Biennale di Venezia. 

Il corso non seguirà tuttavia un andamento cronologico, bensì 

per tematiche, modalità che apre alla possibilità di innescare 

percorsi trasversali e di lasciare emergere interferenze, congiunture 

e punti di vista differenti che si producono vicendevolmente. 

Il carattere reticolare del corso presuppone una partecipazione 

attiva degli studenti, ognuno dovrà, partendo da un punto 

qualsiasi, riuscire a creare una propria mappa concettuale, da 

condividere con gli altri, che diventerà argomento di partenza 

per l’esame finale. 

Bibliografia 

La bibliografia specifica sarà data durante il corso. 

Manuale di partenza. 

• H. FOSTER, R.KRAUSS, Y.A. BOIS, B.H.D. BULOCH, Arte dal Novecento, 

pp. 617-689, Zanichelli, Bologna, 2007.


252 

PROGRAMMI 

1°LIV 



1°LIV 


Cloe Piccoli 

Opera come pensiero 

A partire dai primi anni del ‘900, e in 

particolare negli ultimi 50 anni, l’arte 

concentra e diffonde pensiero. L’arte, 

anche quando non si pone come 

concettuale, diventa una specie di filosofia 

concreta. L’opera si eleva sempre di più dalla dimensione 

materiale. Forme, processi, comportamenti, ambienti sollecitano 

riflessioni. L’arte, nel continuo tentativo di “rendere visibile 

l’invisibile”, emoziona, appaga, inquieta, sollecita, elevando il 

nostro grado di consapevolezza. 

Nel corso delle lezioni, con il supporto fondamentale delle immagini, 

si affrontano momenti, situazioni, personaggi che hanno 

caratterizzato l’arte dall’ultimo dopoguerra fino al momento 

attuale. 

Data la natura del corso (è richiesta un’assidua frequenza), ci si 

rivolge a studenti che hanno già conoscenze di base riguardo all’arte 

del XX secolo. Nelle lezioni non si affrontano orientamenti 

artistici in linea generale ma si punta ad approfondirne aspetti 

specifici e situazioni snodo. 

Bibliografia 


le lezioni sono via via indicati dei testi utili allo studio. Verso 

la conclusione del corso, una volta definito un elenco di pubblicazioni, 

lo studente può sceglierne alcuni che diventano materia 

d’esame. 

Arti visive, culture giovanili e musiva. 

Le sottoculture giovanili, per lo più 

inconsapevolmente, hanno adottato 

modalità espressive proprie delle avanguardie 

e delle neo-avanguardia. 

L’arte degli ultimi decenni, a sua volta, 

è stata influenzata o è risultata vicina a pratiche musicali e 

giovanili. Il corso affronta questo scambio infinito. 

In elenco i punti principali su cui si fonda il corso 

Musica, rumore e ambiente. 

Sonorità urbane: confluenza sociale e consumo. 

Rock: il suono non è l’unico elemento. 

Bianco, nero, meticcio: la cultura afro-americana nelle arti contemporanee. 

Evoluzione tecnologica e sviluppi creativi. 

Conflitti generazionali: controculture e subculture. 

L’abito fa il monaco: valore delle apparenze e senso delle superfici. 

Laboratorio Grande Mela: concentrazione e diffusione a New 

York. 

Grandi capitali e province inquiete. 

Bibliografia 

La bibliografia del corso si costituisce strada facendo. 

E’ necessaria la frequenza.


PROGRAMMI 253 

1°LIV 

URBAN DESIGN 

Alberto M. Prina 

1°LIV 

VALORIZZAZIONE DEI BENI ARCHEOLOGICI 

Massimo Cardosa 

Sintesi del programma 

Il corso si propone di fornire all’allievo 

un panorama delle situazioni critiche 

degli agglomerati urbani con particolare 

riguardo agli elementi di arredo 

urbano e fornire gli strumenti 

intellettivi utili per possibili progetti. 

Il corso inizia con una prima parte dedicata ad una visione generale 

di quali sono state le idee fondanti della città moderna e 

le principali utopie urbane. 

Si sviluppa in seguito con una analisi delle forme della città, della 

sua pelle, del rapporto fra la città storica e le periferie, delle 

piazze e delle strade. 

Il tema del rapporto fra città ed arte pubblica, città ed architettura, 

luoghi dello spettacolo e del commercio conclude la parte 

teorica. 

Un progetto di massima di intervento di arredo urbano su un 

luogo cittadino reale proverà la capacità di intervenire in modo 

“curativo” e creativo su uno specifico problema di recupero estetico 

e funzionale. 

Questo progetto-ricerca sarà collegato al concorso di arredo urbano 

indetto dalla rivista “Urban design” dal titolo Bus stop, i 

luoghi dell’attesa. 


Principi base della materia: cos’è l’archeologia, 

cos’è un bene archeologico, 

in cosa consiste il suo valore, cosa si 

intende per valorizzazione e come si 

sono evoluti nel tempo questi concetti. 

Problematiche relative alla musealizzazione e alla valorizzazione 

dei reperti archeologici: i principi base del restauro archeologico, 

le modalità di esposizione e di realizzazione di un apparato 

illustrativo e/o didattico. Esame contestuale di alcuni allestimenti 

museali a carattere archeologico e loro trasformazione nel 

corso del tempo. 

La valorizzazione dei monumenti antichi e delle aree archeologiche: 

protezione e conservazione dei resti di strutture antiche; le 

coperture delle aree archeologiche; “ricomposizioni” e anastilosi; 

i conflitti tra valorizzazione, fruizione e conservazione. 


La valorizzazione delle collezioni di sculture antiche dal Rinascimento 

ad oggi. 

Le dietae statuariae (“dimore destinate alle statue”) e i giardini 

della nobiltà romana in età rinascimentale e barocca; i primi 

musei di sculture antiche, pubblici e privati, tra XVIII e XIX secolo; 

l’esposizione delle sculture antiche nei musei archeologici 

contemporanei. 

Un esempio: la Collezione Ludovisi da Villa Ludovisi al Museo 

Nazionale Romano a Palazzo Altemps. 

Il restauro delle sculture antiche da Bernini ad oggi; problematiche 

legate ai restauri storicizzati delle sculture antiche tra conservazione 

e “derestauro”. 

Bibliografia 

Sono indispensabili gli appunti delle lezioni. Per indicazioni generali 

ed approfondimenti alcuni capitoli dai volumi seguenti 

(altri ne saranno indicati durante le lezioni): 

• A. MOTTOLA MOLFINO, Il libro dei musei, Umberto Allemandi & 

C., Torino, 2003. • C. RENFREW eP. BAHN, Archeologia. Teorie, 

metodi, pratica, Zanichelli, Bologna, 2006. • A. CARANDINI, Storie 

dalla terra, Einaudi, Torino, 2000. • A. MELUCCO VACCARO, Archeologia 

e restauro, Viella, Roma, 2000.


254 

PROGRAMMI 

1°LIV 

VALORIZZAZIONE DEI BENI ARCHITETTONICI 

E PAESAGGISTICI 

Susani Elisabetta 

1°LIV 

Video Scultura 

Gianpaolo Mazzoni 

Il tema affrontato dal corso attiene 

congiuntamente agli aspetti concernenti 

l’ambiente e agli elementi che 

compongono il paesaggio antropizzato. 

Un mosaico complesso ed eterogeneo 

di inscindibili testimonianze di 

natura documentaria e monumentale, rispetto al quale occorre 

modulare il concetto di valorizzazione, onde scagionarne la traduzione 

in progetti generici, inefficaci, superati, utopici. 

L’attribuzione di valore si impone come imperativo dal quale potranno 

scaturire gli orientamenti necessari alla ineludibile selezione 

imposta dalla ricerca di senso, alimentata da fondamenti 

teorici quanto da uno sguardo aperto, curioso, disincantato sulla 

realtà che ci circonda e dalla comprensione delle contraddizioni 

e dei condizionamenti della società contemporanea. 

Attraverso lezioni ex cathedra ed esercitazioni in itinere su specifici 

casi di studio, da svolgere singolarmente, ci si interroga su cosa 

valorizzare, su come e perché. Si indaga il rapporto tra quantità e 

qualità. Si valuta l’incidenza del fattore “rischio”, che impone di 

considerare prioritariamente il dove e quando intervenire. 

Muovendo dalla Convenzione sulla protezione del patrimonio 

mondiale culturale e naturale (Onu, 1972) e dal repertorio 

dei siti protetti (lista del patrimonio dell’umanità Unesco), il 

campo di osservazione privilegiato non sarà evidentemente solo 

l’ambito italiano; escursioni in ambito europeo ed extraeuropeo 

consentiranno di estendere l’orizzonte all’‘altrove’, incontrando 

contesti quali Egitto, Tamil Nadu, Namibia e Brasile, in relazione 

alle esperienze dirette e agli studi personalmente condotti dal 

docente. 

Il corso esplora, attraverso la creatività 

dei videoartisti, la capacità di generare 

un crossover fra le varie espressioni 

artistiche al fine di convogliarle 

in un’unica esperienza. 

Un corso che, scisso da legami con la 

tradizione, formula nuove vie d’espressione e comunicazione 

dove arte e tecnologia si fondono alla ricerca delle nuove realtà 

del nostro tempo. 

Bibliografia 

• MARIO RUSSO, Polygonal Modeling, Basic and Advanced Techniques, 

Wordware Publishing Inc., U.S., Novembre 2005. 

• SCOTT SPENCER, ZBrush Character Creation, Advanced Digital 

Sculpting, Wiley, 2008. • ARNDT VON KOENIGSMARCK, Virtual 

Vixens 3D Character Modeling and Scene Placement, Focal 

Press, 2007.


PROGRAMMI 255 

1°LIV 

WEBDESIGN 

Marco Negroni 

1°LIV 

XILOGRAFIA 

Federico Vescovo 

Tutte le interfaccie con le quali navighiamo 

in Internet sono disegnate secondo 

delle regole che rispondono a 

requisiti estetici, di comunicazione, di 

leggibilità, di navigabilità, di compatibilità 

tecnologica, di styling. Il Webdesign 

è la disciplina, a cavallo tra la grafica e la programmazione, 

che si occupa di questo. 

L’obbiettivo del corso è condurre attraverso una fase di alfabetizzazione 

fino alla progettazione e realizzazione di un sito web 

correttamente progettato, pubblicato e funzionante. 

Il percorso didattico si articola nelle seguenti fasi: 

- Una serie di lezioni frontali di introduzione alle regole di progettazione 

web e di usability. 

- Una serie di lezioni pratiche sul linguaggio html che conducono 

fino alla realizzazione di un impaginato complesso esclusivamente 

con l’utilizzo del codice (senza editor). 

- Una serie di lezioni pratiche sull’utilizzo dell’editor Macromedia 

Dreamweaver che conducono fino alla realizzazione di un 

sito completo. 

- La realizzazione individuale (con revisione settimanale) di un 

sito web personale. 

Ai fini dell’esame è necessario: 

- aver superato una prova scritta di impaginazione tramite codice. 

- aver superato una prova scritta di realizzazione tramite editor. 

- aver consegnato e pubblicato sul web il proprio sito correttamente 

funzionante. 

Disponibili su web, gli studenti hanno a disposizione tre dispense, 

una copia di tutte le lezioni frontali e tutti gli esercizi svolti in 

classe. 

Obiettivo del corso è di concorrere con a 

formare “il modo di vedere” dello studente 

che dovrà rendersi evidente in 

una serie di elaborati. Assecondando le 

scelte dell’allievo si favoriranno i tentativi 

d’avvicinamento del proprio acerbo 

modo di espressione con quello pienamente raggiunto nell’ opera 

di maestri contemporanei o del passato. 

Il corso si propone di abituare lo studente a motivare le proprie 

ragioni espressive rendendolo consapevole, tramite la relazione 

con la tradizione, delle origini del proprio linguaggio fino all’identificazione 

di un autonomo segno in grado di restituire 

un’adeguata espressione del mondo contemporaneo. Inoltre, si 

consiglierà, per favorire la formazione e lo sviluppo di un personale 

repertorio di segni, agli studenti che ne mostrino il desiderio 

e l’attitudine, lo “studio dal vero” sia direttamente incidendo 

che trasformando materiale,disegnato o dipinto dal vero in incisione 

xilografica. A tale studio dal vero si cercherà di restituire la 

sostanziale importanza speculativa d’esperienza in presa diretta”, 

così da riscattarlo dalle abitudini di un uso soltanto imitativo 

per riconsegnarlo ad un complesso metodo di conoscenza e di 

espressione. Gli allievi saranno sollecitati, attraverso visite a gallerie 

private e pubbliche, frequentazione di biblioteche o della 

sconfinata riserva telematica a raccogliere ed organizzare materiale 

scritto ed illustrato che essi ritengano pertinente alla loro 

ricerca, fornendo al termine del corso ed in sede di esame una 

sorta di “giornale di bordo” capace di rappresentare e riproporre 

i momenti principali del proprio approfondimento. All’organizzazione 

ed alla coerenza di tale materiale sarà attribuita non 

minore importanza che quella dovuta agli elaborati xilografici 

in senso stretto. Quanto alle tecniche si preferiranno, di norma, 

formati medi, l’uso di tavole di legno di filo, compensati, linoleum, 

medium density e strumenti di intaglio di tipo tradizionale. 

Le prime prove saranno senz’altro in bianco e nero, propedeutiche 

all’introduzione delle tecniche del chiaroscuro e del 

colore. 

Bibliografia 

• L. BIANCHI BARRIVIERA La xilografia in L’incisione e la stampa 

originale, Xilografia dal 400 al 900, percorso storico artistico 

sui fondi della Biblioteca estense, Modena, 1993. • RUDOLF 

ARNHEIM, Arte e percezione visiva, Feltrinelli.


256 

PROGRAMMI 

FORMATURA 

Paolo Delle Monache 

1°LIV 

Rappresentazione architettonica dello spazio scenico 

Elmar Giacummo 

Il corso di Formatura ha tra i suoi obiettivi quello di fornire il necessario 

supporto alle cattedre di scultura per quanto riguarda i 

calchi in gesso (forme a perdere e positivi) dei modelli realizzati 

nelle diverse scuole. 

Questo nell’intento di creare una collaborazione che faciliti la 

didattica dei corsi fondamentali, andando incontro alle esigenze 

degli allievi e dei colleghi delle cattedre di scultura. 

Il corso di Formatura quindi è prevalentemente pratico e cerca 

di sanare quelle lacune tecniche che a volte gli allievi hanno. 

Sono previsti, oltre al gesso, l’uso di materiali quali resine, gomme 

siliconiche e cere. 

Tra le esperienze di questo corso rientra anche quella della fusione 

a cera persa. 

Non che il corso di Formatura rappresenti un doppione del corso 

di Tecniche della fonderia, semplicemente la include inquanto 

uno degli aspetti che fanno parte del bagaglio di conoscenze 

di un formatore e di uno scultore. 

Pertanto gli allievi iscritti al corso di Formatura avranno modo di 

frequentare una fonderia artistica durante l’anno accademico. 

Questo è da intendersi da un duplice punto di vista e nella libertà 

di scelta degli iscritti: da una parte la fonderia sarà il luogo in 

cui gli allievi, futuri artisti, seguiranno i passaggi necessari a far 

divenire di bronzo i loro modelli; dall’altra il laboratorio in cui 

conoscere quei mestieri, quali i ritoccatori di cere, i cesellatori, i 

formatori e i patinatori, che potrebbero diventare per gli stessi allievi 

una professione futura. 

Il corso di Formatura vuole (anche) essere un tramite tra chi vede 

nell’Accademia un tirocinio in cui apprendere un mestiere e 

desideri approfondirlo a contatto con realtà e maestranze altamente 

specializzate. 

Il corso fornisce allo studente le conoscenze 

relative all'uso di software atti 

a realizzare simulazioni architettoniche 

tridimensionali, elaborati artistici, 

come sculture, scenografie virtuali 

e quant'altro si possa realizzare nel 

campo della computer grafica. 

I software utilizzati saranno principalmente 3ds max con l'ausilio 

di Adobe Photoshop, Premiere e vari Plug-in per ottenere effetti 

aggiuntivi. 

Lo studente affronterà le varie fasi di progettazione, quali la modellazione, 

l'applicazione di materiali, l'illuminazione di interni 

e di esterni, animazione e rendering dell'elaborato. L'excursus 

creativo inizierà con la modellazione classica per poi arrivare a 

quella poligonale e NURBS. I materiali virtuali elaborati in un 

editor di immagini, quale Photoshop, verranno poi inseriti in 

3ds max negli appositi canali. Al risultato così ottenuto si aggiungeranno 

le luci standard o fotometriche, passaggio finale 

che permetterà di eseguire il rendering usando l'algoritmo standard 

scanline o mentalray per una resa fotorealistica. 

Il corso ha valenza trasversale in quanto fornisce competenze 

spendibili in qualsiasi indirizzo di studio dell'Accademia di Belle 

Arti e si rivolge anche a coloro che, pur non avendo una formazione 

in merito, desiderano realizzare un prodotto che soddisfi 

le esigenze del mercato con competenza e qualità.


PROGRAMMI DEI CORSI 

DELLA SCUOLA LIBERA DEL NUDO 

E SCUOLA DEGLI ARTEFICI


258 

SCUOLA LIBERA DEL NUDO E SCUOLA DEGLI ARTEFICI 

CONCEZIONI TECNICHE DEI MAESTRI 

DEL PRIMO NOVECENTO ITALIANO 

Graziella Sarno 

DISEGNO 

Sabina Capraro Colantuoni 

Prima parte. Studio delle tecniche pittoriche 

e copie dei grandi pittori del primo 

Novecento italiano come: De Chirico, 

Carrà, Sironi, Moranti, Castrati, 

Campigli. 

Seconda parte. Interpretazioni pittoriche 

di testi letterari, poetici e biblici. 

Durata. Due anni a carattere propedeutico 

aperto a tutti e uno di perfezionamento 

formativo. 

Contenuti del Corso. Disegno dai primi 

schemi assiali e funzionali fino alla 

modulazione di segno per la trasmissione 

di valori plastici e pittorici e conseguente sviluppo 

critico per l’organizzazione e la formulazione di elementi della 

libera composizione. 

Mezzi utilizzati. Grafite, fusaggine, carbone pressato, pastello, 

creta, pastelli a cera, ad olio, acquarelli chine ed altri mezzi 

meccanici utili per lo sviluppo di tutti gli argomenti con interpretazione 

formale nel disegno. 

Parte speciale. Copia di frammenti e particolari decorativi in 

gesso; copia di modelli anatomici; copia di statue in gesso e figura 

dal vero; interpretazione grafica su carta; interpretazione 

grafica su parete; interpretazione e analisi dei ritmi compositivi.


SCUOLA LIBERA DEL NUDO E SCUOLA DEGLI ARTEFICI 259 

DISEGNO ANATOMICO 

Maria Tcholakova 

DISEGNO ARCHITETTONICO 

Serena Laura Forti 

Contenuti del corso. 

1) Studio dell’anatomia, divisa in due 

sezioni fondamentali: a) struttura e 

organizzazione della parte scheletrica, 

cranio, rachide, gabbia toracica, arti 

superiori ed inferiori, studio e articolazioni; 

b) descrizioni, funzioni e caratteristiche della parte muscolare 

dal corpo umano in fase statica e dinamica. 

2) Copia dal vero inserendo le problematiche della composizione, 

luce, prospettiva,rapporti e proporzioni tra i vari elementi del 

corpo. 

Finalità. 

a) sviluppare le capacità di osservazione nella prima fase del disegno; 

b) percezione dei volumi; c) costruire la figura umana 

inserendola nello spazio attraverso il linguaggio plastico ed 

espressivo. 

Il disegno architettonico e la geometria 

descrittiva sono competenze fondamentali 

per chi opera nel campo 

delle Arti Visive. La loro conoscenza 

porta alla comprensione del valore 

delle forme nello spazio, in un’estensione 

che va dalla forma reale, cioè percepita dalla visione ottica, 

alla forma creata dalla fantasia. 

Il corso ha come obiettivo l’insegnamento dei metodi fondamentali 

di rappresentazione propri della geometria descrittiva, proiezioni 

ortogonali, assonometria, prospettiva, intesi come strumenti 

tecnici e concettuali per la codificazione e per l’elaborazione 

degli oggetti nello spazio, e l’insegnamento delle nozioni 

base per la progettazione architettonica, dal rilievo alle tecniche 

di rappresentazione, dall’interpretazione dell’opera edificata - 

reale o ideale - al controllo del segno grafico. 

Programma del corso. 

Costruzioni geometriche (archi; volte; ordini architettonici; colonne, 

paraste, rastremazione della colonna; raffronto fra i cinque 

ordini architettonici, secondo l’interpretazione del Vignola). Proiezioni 

ortogonali; proiezioni assonometriche; prospettiva centrale 

e accidentale; teoria delle ombre (sorgente luminosa, a distanza 

finita, e infinita; incidenza del raggio luminoso; ombra propria 

e ombra portata; ombre prospettiche). 

Esercitazioni progettuali in ex tempore, atte a verificare le nozioni 

di rappresentazione acquisite.


260 


DISEGNO DEL MODELLO 

Massimo Zuppelli 

DISEGNO PER PITTURA 

Jacopo Cascella 

Varie sono le tecniche insegnate ma 

unico rimane il programma: copia dal 

vero da modello vivente. L’importanza 

di questa scuola e di un tale metodo/programma 

è evidenziato dalle più 

significative rivoluzioni artistiche che, 

specialmente nel secolo appena concluso, hanno scosso alla radice 

l’arte occidentale e sono nate prendendo come punto di riferimento 

il corpo umano da anatomizzare. Il che vuol dire che 

le scelte artistiche di rilievo non possono essere operate se non 

prendendo in considerazione la figura umana e la sua armonia, 

compenetrando sfondo e figura in un abbraccio inscindibile dove 

il corpo umano è analizzato, sezionato, reinventato secondo 

un criterio compositivo e non più organico, con l’intento di rappresentare 

un nuovo ideale di bellezza. Ne sono un esempio le 

opere di Seurat, di Signac, di Paul Cesanne per non parlare di 

quelle di Braque e di Picasso. Massimo Zuppelli, nato a Orzivecchi 

(BS) nel 1939, vive e lavora da circa 15 anni a Milano dove 

insegna, presso l’Accademia di Brera, alla Scuola Libera del Nudo. 

Ha al suo attivo diverse personali in varie città. Le sue opere 

sono state esposte, tramite la Quadriennale di Roma nei musei 

nazionali de Il Cairo, Atene, San Paolo, Parigi, Kracovia e Tokio. 

Ha esposto con una sala alla trentasettesima Biennale di Venezia 

e alla successiva. Ha vinto i premi: Bevilacqua - La Masa, Montedison 

e il Morgan’s Paint. 

Per un primo approccio alla pittura si 

comincia con il disegno dal vero con i 

nostri modelli, partendo dall’impostazione 

compositiva, per arrivare ad un 

disegno compiuto, per chi è più esperto 

cerco di colmare le lacune e di approfondire 

la personale espressione. 

La attenzione è rivolta non tanto ad un disegno accademicamente 

corretto quanto ad un disegno armonico, intendendo con 

questa accezione la valorizzazione del talento e della personalità 

dei singoli. Vengono cioè enfatizzare le capacità creative e 

sfrondate le ridondanze che soffocano la loro migliore espressività. 

Intendo l’insegnamento del disegno come base per la pittura 

per rendere palese alla coscienza dei singoli la loro creatività.


SCUOLA LIBERA DEL NUDO E SCUOLA DEGLI ARTEFICI 261 

ILLUSTRAZIONE 

Elisabetta Golinelli 

INCISIONE 

Matteo Giannini 

Il corso è strutturato in modo da fornire 

indicazioni di base per l’illustrazione, 

dai primi schemi assiali e funzionalii 

fino alla modulazione del segno 

per la trasmissione di valori plastici 

e uso del colore per la trasmissione 

dei valori pittorici per la stampa. 

Parte speciale. 

Elementi di cromatologia per la stampa; visualizzazione a carattere 

grafico con l’introduzione di aspetti elementari di impianto; 

composizioni su temi liberi e dettati da analisi di testi già illustrati; 

composizione grafica dal bozzetto al definitivo; analisi tecnica 

e critica del processo illustrativo. 

Il corso di illustrazione si propone di accompagnare gli studenti 

nella creazione di un personale “portfolio”. 

I soggetti degli esercizi sono scelti accuratamente per raggiungere 

una duplice finalità: migliorare da un lato la capacità di rappresentazione 

attraverso il disegno ed il colore secondo le modalità 

proprie dell’illustrazione realistica con applicazioni nella moda, 

nell’illustrazione botanica e naturalistica, nell’editoria, e stimolare 

dall’altro le capacità creative degli studenti attraverso l’analisi 

e la personale interpretazione di temi progettuali tratti da realizzazioni 

di autori rilevanti, in ambito grafico ed editoriale. 

Gli esercizi pratici vengono periodicamente integrati da approfondimenti 

tecnici, relativi ai passaggi necessari alla riproduzione 

in stampa di un originale illustrato. 

Il corso rivolto agli studenti degli Artefici, 

del Nudo e del Propedeutico è strutturato 

in due principali tronconi volti a 

far acquisire una metodologia professionale 

verso la ricerca iconografica e 

verso le tecniche dell’incisione e dell’intaglio. 

Inizialmente lo studente è libero di confrontarsi con i 

propri interessi culturali e artistici e imparare le nuove tecniche 

espressive. 

Una discreta attenzione dovrà essere rivolta agli artisti che si sono 

cimentati con le tecniche dell’incisione dal Pollaiuolo fino 

agli ultimi movimenti come ad esempio la Transavanguardia. 

Successivamente, sulla base dei primi lavori grafici eseguiti e degli 

studi storico artistici compiuti tra cui visite a mostre interessanti 

e aggiornamenti in Internet, viene stabilito e motivato con 

l’aiuto dell’insegnante uno stile, una maniera con cui egli dovrà 

rendere riconoscibile e personale la propria opera, evolvendosi in 

maniera professionale. 

Lo studente potrà interessarsi a qualsiasi forma espressiva dal Figurativo 

all’Astratto purchè in maniera seria e continuativa e 

coerente. Per quanto riguarda le tecniche il corso inizia con l’apprendimento 

della puntasecca (anche su plexiglass, con l’ausilio 

di trapano) in seguito l’acquaforte, l’acquatinta, la cera molle, 

la maniera nera, il monotipo e la stampa a uno o più colori. 

Inoltre si potranno eseguire lavori in linoleumgrafia a uno o più 

colori che potranno essere propedeutici a un eventuale approfondimento 

in xilografia. Particolare interesse viene rivolto al 

campionario delle carte da stampa.


262 


SCENOGRAFIA 

Serena Zen 

TECNICHE DEL DISEGNO 

Luciana Manelli 

Il corso di Scenografia è concepito in 

forma di laboratorio aperto, atto a fornire 

allo studente la basi geometriche e 

progettuali essenziali: presupposti di 

studio e di acquisizione tecnica che intendono 

porre le fondamenta per una 

futura formazione professionale dello studente. 

Il corso si propone di seguire due punti fondamentali: 

- impegno costante dello studente (a cui sarà richiesta la presenza 

obbligatoria). 

- acquisizione dei fondamenti geometrici grazie ai quali, a fine 

corso, sarà possibile progettare e sviluppare, in maniera completa, 

una personale idea scenografica, composta da tavole tecniche, 

bozzetti e modellino finale. 

Mi auguro che da questo programma di insegnamento possa maturare 

la curiosità e la passione per il lavoro, così affascinante e 

allo stesso tempo complesso come quello dello scenografo. 

A seguire elenco i punti fondamentali del programma didattico: 

- Conoscenza degli elementi fondamentali del teatro (nomenclatura 

delle varie parti del palcoscenico e praticabili). 

- Ideazione di un composto di solidi praticabili ( pianta, prospetti 

frontali e laterali, proiezione assonometrica di un tipo - isometrica 

o monometrica -, con teoria delle ombre). 

- Introduzione alla prospettiva della scatola scenica di un teatro 

generico di prosa. 

- Traduzione prospettica del composto di solidi praticabili all’interno 

della scatola scenica. 

- Elaborazioni personali realizzate partendo dall’elemento iniziale 

della pedana praticabile gi nei punti precedenti. Aggiunta di elementi 

dipinti e plastici e di effetti visivi e luministici diversi. 

- Ricerca fotografica e manuale di materiali scenografici utilizzabili 

nella realizzazione scenica finale (mattoni, metalli arrugginiti, 

plastica, legno, etc…). 

- Realizzazione plastica della scena. Modellino finale. 

Durata: due anni a carattere propedeutico 

aperto a tutti e uno di perfezionamento 

formativo. 

Contenuti del Corso 

Tecniche del disegno. Disegno dai primi 

schemi assiali e funzionali fino alla 

modulazione di segno per la trasmissione di valori plastici e 

pittorici e conseguente sviluppo critico per l’organizzazione e la 

formulazione di elementi della libera composizione. 

Mezzi utilizzati: grafite, fusaggine, carbone pressato, pastello, 

creta, pastelli a cera, ad olio, acquarelli chine ed altri mezzi meccanici 

utili per lo sviluppo di tutti gli argomenti con interpretazione 

formale nel disegno. 

Parte speciale. 

Copia di solidi geometrici; copia di argomenti naturalistici; copia 

di statue in gesso; interpretazione grafica su carta; interpretazione 

grafica su parete; interpretazione con analisi dei valori 

tonali e timbrici.


SERVIZI ISCRIZIONI INFORMAZIONI


264 

BIBLIOTECA 

La Biblioteca degli studenti dell’Accademia possiede circa 

20.000 volumi e numerosi periodici, riviste specializzate e 

di settore. 

Ospita circa sessanta posti a sedere. La ricerca può essere 

effettuata sia sui cataloghi a schede, sia sul catalogo on line 

(OPAC). I libri devono essere richiesti al personale incaricato 

presso il bancone distribuzione. Il prestito è consentito 

solo ai docenti. Nella Sala di lettura sono collocati 

nove computer a disposizione degli utenti, sia per le ricerche 

in Internet, sia per eseguire lavori personali legati all’attività 

didattica. 

Orario: 

La biblioteca è aperta agli studenti e ai docenti dell’Accademia 

dal lunedì al giovedì dalle h. 9:00 alle h. 17:10. 

Il venerdì dalle h. 9:30 alle 15:10. 

Telefono: 0286955234-242 

E.mail: biblioteca@accademiadibrera.milano.it 

biblioteca2@accademiadibrera.milano.it 

Responsabile: Francesca Follia 

Collaboratori: Mara Bertocci, Valentina Bolchini, Maria 

Pia De Nardis, Gianni Gallinaro, Salvatore Salute.


265 

UFFICIO INTERNAZIONALE SOCRATES/ERASMUS 

L’Ufficio Internazionale di Brera fornisce le informazioni 

su: possibilità di studio all’estero, Istituti partner d’Europa, 

pubblicazioni relative all’Unione Europea, Ministero dell’Istruzione 

Università e della Ricerca, Ministero degli Affari 

Esteri. Periodicamente l’Ufficio pubblica un compendio 

di tutte le opportunità di scambio interuniversitario e 

aggiorna sul sito internet: www.accademiadibrera.milano.it 

l’elenco degli Istituti partners europei. 

Informazioni / For information: 

Angela Occhipinti, coordinatore. 

Elisabetta Solca. 

Orario / Opening hours: 10.00-12.00/15.00-16.00. 

E.mail : erasmus@accademiadibrera.milano.it. 

All’indirizzo “http://erasmus.indire.it” sarà attivo l’Erasmus 

Caffè, comunità virtuale degli studenti Erasmus. 

INTERNATIONAL OFFICE SOCRATES/ERASMUS 

The Brera International Office provides information on: 

all possibilities of studying abroad, Institutions from all 

over the world, relevant publications of the European 

Union, of the Italian Ministry of Education, University 

and Research, and that of Foreign Affairs. 

Periodically the Office publishes an overview of all opportunities 

of interuniversity exchanges and adjourns on the 

website www.accademiadibrera.milano.it the European 

Partners Institutes list. 

On the web site “http://erasmus.indire.it” all Erasmus students 

can find the virtual community Erasmus Caffé. 

DIPLOMA DI PRIMO LIVELLO 

MODALITÀ DI ISCRIZIONE AGLI ESAMI DI AMMISSIONE 

Requisiti d’accesso 

Per essere ammessi ad un Corso di Diploma di I livello occorre essere in possesso di un diploma di Scuola secondaria superiore 

o di altro titolo conseguito all’estero riconosciuto idoneo dall’Accademia nel rispetto degli accordi internazionali. 

E’ possibile iscriversi al test di ammissione, e stampare il MAV per il relativo pagamento esclusivamente collegandosi 

mediante internet al sito dell’accademia (www.accademiadibrera.milano.it) seguendo le istruzioni della procedura 

“segreteria on line”. 

Documentazione da presentare il giorno della prima prova del test di ammissione, muniti di un documento valido di 

riconoscimento: ricevuta originale di pagamento della tassa governativa su c/c 1016. 

In mancanza di uno dei suddetti documenti non sarà possibile sostenere il test. 

MODALITÀ DI SVOLGIMENTO DEGLI ESAMI D’AMMISSIONE 

Gli esami di ammissione al corso di diploma accademico di primo livello sono costituiti da due prove ed un colloquio. 

PRIMA PROVA PER TUTTE LE DISCIPLINE 

Prova di cultura generale, composta da un test formato da 100 domande ( di cui 50 di cultura generale e 50 specifiche 

della materia) con 5 risposte tra le quali individuare quella esatta. 

SECONDA PROVA SPECIFICA 

■ Pittura, Scultura, Decorazione, Grafica. 

Copia dal vero consistente nella copia di modelli viventi e non o di qualunque soggetto a scelta del candidato. 

Prova grafica libera consistente in uno o più elaborati a libera interpretazione, con contenuti e scelta delle tecniche a 

cura del candidato. 

■ Scenografia. 

Extempore e sviluppo di un progetto 

ISCRIZIONI AMMISSIONI ESAMI ISCRIZIONI


ISCRIZIONI AMMISSIONI ESAMI ISCRIZIONI AMMISSIONI ESAMI ISCRIZIONI 

266 

■ Progettazione artistica per l’impresa (design), Restauro, Nuove tecnologie per l’arte. 

Prova grafica specifica indicata dalla commissione e prova grafica libera consistente in uno o più elaborati a libera 

interpretazione, con contenuti e scelte delle tecniche a cura del candidato. 

Le prove sono finalizzate all’individuazione delle qualità formali e delle competenze tecnico-artistiche possedute dal 

candidato, con particolare riferimento alle tecniche della rappresentazione e della progettazione a seconda degli indirizzi 

scelti. 

■ Comunicazione e valorizzazione del patrimonio artistico, Didattica dell’arte. 

Non è prevista la seconda prova specifica 

■ Per tutti. 

Colloquio attitudinale. I candidati che abbiano superato complessivamente le due prove, sono ammessi ad un colloquio 

attitudinale finalizzato a verificare la corrispondenza tra le aspettative del candidato e l’articolazione dell’offerta didattica 

- formativa in rapporto sia ai piani di studio che alla collocazione nel mondo del lavoro e/o nel sistema dell’arte. 

Se la verifica non è positiva, la struttura didattica competente può indicare specifici obblighi formativi aggiuntivi da 

soddisfare entro il I anno di corso. Le strutture didattiche competenti possono proporre attività formative propedeutiche 

ai fini del conseguimento di un adeguata preparazione iniziale. La frequenza alla disciplina, superiore al 60% del 

monte ore, e il superamento dell’esame finale, annullerà il debito. 

MODALITÀ DI ISCRIZIONE AL PRIMO ANNO 

Possono iscriversi solo gli studenti che abbiano superato il test di ammissione presso l’Accademia di Brera. 

Le iscrizioni al primo anno sono aperte dalla data di pubblicazione dei risultati del test. Non possono iscriversi gli studenti 

che abbiano superato il test di ammissione presso altro istituto. 

Lo studente, dopo aver effettuato il pagamento della prima rata, presenterà in segreteria i seguenti documenti, con 

esclusione di quelli eventualmente già presentati per il test di ingresso: 

- Domanda di iscrizione stampata dalla segreteria on line e scaricabile anche dal sito dell’Accademia, sezione Modulistica, 

debitamente sottoscritta. 

- Ricevuta delle tasse governative (bollettino cc. 1016). 

- Autocertificazione del titolo di studio stampata dalla segreteria on line. 

La domanda di iscrizione verrà ritirata e ritenuta valida soltanto se completa del documento sopra indicato. 

Solo gli studenti in regola con il pagamento dei contributi e della retta di frequenza possono usufruire dei 

servizi dell’Accademia. 

In particolare lo studente non in regola con detti pagamenti non ha diritto a frequentare corsi, sostenere esami, 

richiedere certificati, discutere la tesi, chiedere il trasferimento ad altro istituto e utilizzare il servizio segreteria 

studenti on line. 

MODALITÀ DI ISCRIZIONE AGLI ANNI SUCCESSIVI (PRIMO LIVELLO) 

Le iscrizioni agli anni successivi vengono effettuate esclusivamente on line. 

Lo studente, dopo aver effettuato il pagamento della prima rata, consegnerà in segreteria i documenti indicati. 

Contributi, retta di frequenza, modalità di pagamento: 

vedi in Home page, SERVIZI / SEGRETERIA / Tasse e contributi. (Cliccare sul link: Tasse e contributi). 

MODALITÀ DI ISCRIZIONE SOLO PER TESI/ESAME FINALE 

La sessione di febbraio è considerata come ultimo appello dell’anno precedente, pertanto gli studenti che hanno sostenuto 

positivamente tutti gli esami previsti dal proprio piano di studi, devono iscriversi al nuovo anno accademico uni-


267 

camente per sostenere l’esame di tesi, versando una quota di euro 427,33 (tramite MAV da scaricare dal profilo on line 

dello studente), oltre alle tasse governative per un importo di euro 72,67 (da versare sul c/c 1016 intestato all’ Agenzia 

delle Entrate Ufficio – Roma 2). 

DIPLOMA DI SECONDO LIVELLO 

MODALITÀ D’ISCRIZIONE AGLI ESAMI DI AMMISSIONE 

Requisiti d’accesso 

Possono iscriversi tutti coloro che sono in possesso di un diploma di primo livello. Ammissione con riserva: Solo per 

gli studenti dell’Accademia di Brera, (come da Regolamento Didattico Titolo IV, 9/1) “lo studente può essere ammesso 

“con riserva” anche se consegue il titolo di I livello nell’ultima sessione dell’anno accademico precedente, purché 

al momento dell’iscrizione abbia terminato tutti gli esami e il conseguimento del titolo avvenga nell’ultima sessione 

dell’anno precedente. Ove ciò non accada l’iscrizione al Corso di studio decade. 

Il passaggio dal 1° al 2° livello della stessa scuola, all’interno dei corsi svolti presso l’Accademia di Brera, avviene in forma 

diretta, cioè senza colloquio attitudinale. Per gli studenti dell’Accademia di Brera provenienti da altra scuola e per gli 

studenti provenienti da altra Accademia o Università, e comunque in possesso di diploma di 1° livello, il passaggio avviene 

tramite un colloquio attitudinale, secondo quanto previsto dalla scuola per la quale si richiede l’iscrizione. 

L’iscrizione al colloquio attitudinale, che è l’unica prova di ingresso per l’ammissione al biennio, è possibile esclusivamente 

via internet, collegandosi al sito dell’accademia (www.accademiadibrera.milano.it) e registrando i propri dati 

anagrafici, e seguendo le istruzioni della procedura “segreteria on line”. Documentazione da presentare il giorno 

del colloquio attitudinale: per l’ammissione, muniti di un documento valido di riconoscimento. 

• Ricevuta originale del pagamento della tassa governativa sul c/c postale 1016. 

In mancanza di uno dei suddetti documenti non sarà possibile sostenere il colloquio attitudinale per l’ammissione. 

MODALITÀ DI SVOLGIMENTO DEGLI ESAMI DI AMMISSIONE 

L’esame di ammissione consiste in un colloquio attitudinale finalizzato alla comprensione delle motivazioni ed alla 

verifica delle attitudini ad intraprendere il corso di studi scelto, secondo quanto previsto dalla scuola per la quale si richiede 

l’iscrizione. 

Il candidato potrà presentare un portfolio comprensivo di: tavole (dipinti, disegni sculture o altro)-lavori a computerfotografie- 

ricerche/tesi su argomenti pertinenti l’area artistico visiva- lavori presentati a concorso- documentazione 

varia 

MODALITÀ DI ISCRIZIONE AL PRIMO ANNO 

Le iscrizioni al primo anno sono aperte dalla data di pubblicazione dei risultati del colloquio attitudinale. Possono 

iscriversi solo gli studenti che abbiano superato il colloquio attitudinale di ammissione presso l’Accademia di Brera. 

Lo studente, dopo aver effettuato il pagamento della prima rata, presenterà in segreteria i seguenti documenti, con 

esclusione di quelli eventualmente già presentati per il colloquio attitudinale di ammissione: 

- Domanda di iscrizione stampata dalla segreteria on line e scaricabile anche dal sito dell’Accademia, sezione Modulistica, 

debitamente sottoscritta 

- Ricevuta del pagamento delle tasse governative (bollettino cc. 1016) 

La domanda d’iscrizione verrà ritirata e ritenuta valida soltanto se completa del documento sopra indicato. 

Si ricorda allo studente che deve improrogabilmente compilare e confermare on line la certificazione del reddito (la 

ISCRIZIONI AMMISSIONI ESAMI ISCRIZIONI AMMISSIONI ESAMI ISCRIZIONI


ISCRIZIONI AMMISSIONI ESAMI ISCRIZIONI AMMISSIONI ESAMI ISCRIZIONI 

268 

segreteria acquisirà direttamente dall’applicazione la stampata dell’autocertificazione). 

Solo gli studenti in regola con il pagamento delle tasse e dei contributi possono usufruire dei servizi dell’Accademia. 

In particolare lo studente non in regola con detti pagamenti non ha accesso ai servizi di segreteria studenti on line, non ha 

diritto a frequentare corsi, sostenere esami, richiedere certificati, discutere la tesi, chiedere il trasferimento ad altro istituto. 

Contributi, retta di frequenza e modalità di pagamento: 

vedi in Home page, SERVIZI / SEGRETERIA / Tasse e contributi. (Cliccare sul link: Tasse e contributi). 

MODALITÀ DI ISCRIZIONE AGLI ANNI SUCCESSIVI 

Le iscrizioni agli anni successivi vengono effettuate esclusivamente on line. Lo studente, dopo aver effettuato il pagamento 

della prima rata, presenterà in segreteria i seguenti documenti: 

Entro il 30 giugno in segreteria andrà consegnata la ricevuta del pagamento delle tasse governative c/c 1016. 

Solo gli studenti in regola con il pagamento delle tasse e dei contributi possono usufruire dei servizi dell’Accademia. In particolare 

lo studente non in regola con detti pagamenti non ha accesso al servizio di segreteria studenti on line, non ha diritto 

a frequentare corsi, sostenere esami, richiedere certificati, discutere la tesi, chiedere il trasferimento ad altro istituto. 

MODALITÀ DI ISCRIZIONE SOLO PER TESI/ESAME FINALE 

La sessione di febbraio è considerata come ultimo appello dell’anno precedente, pertanto gli studenti che hanno sostenuto 

positivamente tutti gli esami previsti dal proprio piano di studi, devono iscriversi al nuovo anno accademico unicamente 

per sostenere l’esame di tesi, versando una quota di euro 427,33 (tramite MAV da scaricare dal profilo on line 

dello studente), oltre alle tasse governative per un importo di euro 72,67 (da versare sul c/c 1016 intestato 

all’Agenzia delle Entrate Ufficio – Roma 2). 

TRASFERIMENTI: MODALITÀ DI ISCRIZIONE PER TRASFERIMENTO AD ANNI SUCCESSIVI AL PRIMO 

Le iscrizioni agli anni successivi al primo, per gli studenti provenienti da altro istituto, avvengono solo per trasferimento. 

Occorrerà pertanto iscriversi presso l’Istituto di provenienza e chiedere il nulla osta. La domanda di trasferimento 

da altra Accademia, anche da quelle straniere, indirizzata al Direttore didattico, deve pervenire all’Accademia di Brera 

entro il 30 settembre di ogni anno accademico. 

Alla domanda di trasferimento deve essere allegato il curriculum scolastico svolto, con relativi esami sostenuti e CFA 

acquisiti. Per le domande provenienti da Accademie non statali dovrà inoltre risultare allegato, a cura degli organismi 

direttivi, dettagliato programma per ogni singola disciplina seguita corredato dal monte orario di insegnamento. 

Il candidato dovrà presentare un portfolio con l’eventuale documentazione di lavori svolti davanti ad una Commissione 

che ne valuterà la congruità all’anno richiesto il giorno lunedì 5 ottobre 2009, alle ore 10.00 presso la sala napoleonica 

dell’Accademia di Brera. Il Consiglio della competente struttura didattica delibera il riconoscimento degli 

studi svolti presso l’Accademia di provenienza, con l’indicazione: 

a. di eventuali debiti formativi e percorsi integrativi o propedeuticità allorquando si riscontrino elementi di non congruità 

tra curricula pregressi e piani di studio attivi presso l’Accademia di Brera; 

b. di eventuali crediti formativi allorquando si riscontrino eccedenze fra curricula pregressi e piani di studio attivati 

dall’Accademia di Brera. 

Gli studenti che richiedono il trasferimento da altre Accademie debbono comunque essere in possesso del titolo di studi 

richiesto per l’accesso ai diversi indirizzi. 

I crediti formativi vengono conformati ai CFA dell’Accademia di Belle Arti di Brera. 

Per gli studenti provenienti da altre università la struttura didattica competente delibera il riconoscimento dei crediti 

per quelle discipline che risultino presenti in ambedue i piani di studio. 

In caso di ammissione lo studente pagherà le tasse all’Accademia di Brera.


INTERRUZIONI: MODALITÀ DI ISCRIZIONE AGLI ANNI SUCCESSIVI. 

L’interruzione va richiesta alla Direzione con inoltro dell’apposita modulistica scaricabile dalla sezione modulistica 

del sito. In caso di interruzione del corso di studi di 1 o più anni, lo studente è tenuto a versare, oltre alla prevista tassa 

e contributi per l’anno di iscrizione, anche euro 200 per ogni anno di interruzione. Gli anni di interruzione non 

possono essere superiori ai 5 anni. La ripresa del percorso di studi va comunicata alla Direzione con l’apposito modulo 

scaricabile dalla sezione modulistica del sito. 

CORSI PROPEDEUTICI 

Il corso propedeutico è un corso formativo interno, annesso alla Scuola degli Artefici e alla Scuola del Nudo, con durata 

annuale, che prepara all’ingresso nei corsi istituzionali dell’Accademia di Brera. 

Possono iscriversi al Corso Propedeutico: 

I candidati non ammessi ai corsi di 1 livello durante l’esame di ammissione. 

Alla fine dell’anno accademico, i candidati con frequenza superiore al 60%, sosterranno un esame che, in caso di esito 

positivo, gli permetterà l’iscrizione diretta ai corsi ex istituzionali dell’Accademia di Brera (pittura, scultura, decorazione, 

scenografia e grafica). 

Il corso propedeutico è aperto anche agli studenti che lo vogliono frequentare non avendo sostenuto l’esame di ammissione 

come libera formazione. Per questa tipologia di utenza non è prevista l’ammissione diretta all’Accademia. 

Il corso propedeutico può essere utilizzato anche da candidati ammessi al 1 e al 2 livello con debiti formativi per il recupero 

dei debiti , come previsto ai sensi dell’art. 8/1, comma 5 e 6 del Regolamento Didattico dell’Accademia di Brera: 

“5. Se la verifica non è positiva, la struttura didattica competente può indicare specifici obblighi formativi aggiuntivi 

da soddisfare entro il I anno di corso. 6. Le strutture didattiche competenti possono proporre attività formative 

propedeutiche ai fini del conseguimento di un’adeguata preparazione iniziale….” 

La frequenza alle disciplina, superiore al 60% del monte ore, e il superamento dell’esame finale, annullerà il debito. 

MODALITÀ DI ISCRIZIONE 

E’ possibile iscriversi dopo aver effettuato il pagamento della prima rata. 

Per le modalità di iscrizione e di pagamento dei contributi e della retta di frequenza : rivolgersi in segreteria. (per i 

moduli vedi anche nel sito: Segreteria/modulistica). 

Lo studente, dopo aver effettuato il pagamento della prima rata, presenterà in Segreteria i seguenti documenti, con 

esclusione di quelli eventualmente già presentati per il test di ingresso: 

• Domanda di iscrizione , scaricabile dalla sezione Modulistica del sito www.accademiadibrera.milano.it 

• Fotocopia attestante il pagamento della rata unica 

SCUOLA LIBERA DEL NUDO E ALLA SCUOLA DEGLI ARTEFICI 

MODALITA’ DI ISCRIZIONE AL PRIMO ANNO E SUCCESSIVI 

Alla Scuola Libera del Nudo e degli Artefici si accede sostenendo un esame di ammissione, consistente in una prova 

grafica. Al termine del corso di studi triennale non viene rilasciato un diploma ma un attestato di partecipazione. I 

corsi non prevedono l’obbligo di frequenza. I certificati saranno rilasciati solo per gli usi consentiti dalla legge. 

E’ possibile iscriversi ai test di ammissione e stampare i MAV per il relativo pagamento esclusivamente collegandosi 

269 

ISCRIZIONI AMMISSIONI ESAMI ISCRIZIONI AMMISSIONI ESAMI ISCRIZIONI


ESAMI ISCRIZIONI AMMISSIONI E 

270 

mediante internet al sito dell’accademia (www.accademiadibrera.milano.it) seguendo le istruzioni della procedura 

“segreteria on line”. 

Documentazione da presentare il giorno della prima prova del test di ammissione: 

Modulo di iscrizione stampato dalla segreteria on line e scaricabile anche dalla sezione modulistica del sito ,debitamente 

sottoscritto. Ricevuta del pagamento delle tasse governative c/c 1016. 

ISCRIZIONE AGLI ANNI SUCCESSIVI 

Le iscrizioni agli anni successivi vengono effettuate solo on line. 

Contributi e retta di frequenza: vedi in Home page, SERVIZI / SEGRETERIA. Cliccare sul link Tasse e contributi. 

UDITORI: MODALITÀ DI ISCRIZIONE 

E’ possibile iscriversi come uditori alla frequenza di discipline teoriche , fino a un massimo di tre. 

L’iscrizione deve avvenire: 

per discipline del 1 semestre entro il 12 ottobre 

per discipline del 2 semestre entro il 1 marzo 

Per quanto non precisato o per informazioni più dettagliate rivolgersi alla Segreteria nella sede di via Brera, 

28, Milano; oppure al seguente indirizzo E-mail: Iscrizione@accademiadibrera.milano.it; vedi anche in Orari 

Segreteria nel sito dell’Accademia.


INDICE ANALITICO PER DISCIPLINE


272 

INDICE ANALITICO PER DISCIPLINE 

74 Allestimento degli spazi espositivi - Luca Ghirardosi 

74 Ambientazione moda - Angelo Ghilardi 

75 Analisi del territorio e progettazione del paesaggio - 

Danilo Lisi 

75 Anatomia artistica - Clara Bonfiglio 

76 Anatomia artistica - Pierluigi Buglioni 

76 Anatomia artistica - Marina Falco 

77 Anatomia artistica - Maria Cristina Galli 

77 Anatomia artistica - Mario Carchini 

77 Anatomia artistica - Guido Pertusi 

78 Anatomia artistica - Paola Salvi 

78 Anatomia artistica - Laura Tonani 

79 Anatomia artistica - Tiziana Valzelli 

79 Anatomia artistica - Maria Letizia Cariello 

80 Anatomia artistica - Tiziana Tacconi 

80 Anatomia artistica - Antonietta Pierno 

81 Antropologia culturale - Maria Virginia Cardi 

81 Antropologia culturale - Riccardo Notte 

82 Antropologia dell’arte - Maria Virginia Cardi 

82 Antropologia delle società complesse - Riccardo Notte 

83 Applicazioni digitali Per l’arte - Renzo Piccinin 

83 Applicazioni digitali Per l’arte - Eleonora Zullo 

84 Applicazioni digitali Per l’arte - Cristina Fumagalli 

84 Archetipi dell’immaginario - Giulio Calegari 

85 Archetipi dell’immaginario - Maria Rosa Calabrese 

85 Architettura degli interni - Filippo De Filippi 

86 Architettura sacra - Michele Premoli 

86 Arti applicate e tipologia dei materiali - Geremia 

Renzi 

87 Audiovisivi lineari - Francesca Della Monica 

87 Beni culturali dell’età contemporanea - Chiara 

Nenci 

88 Beni culturali e ambientali - Mariella Perucca 

88 Catalogazione e gestione degli archivi - Rachele 

Ferrario 

89 Chimica per restauro dell’arte contemporanea 2 

livello - Jacopo Osticioli 

89 Chimica propedeutica - Barbara Masala 

90 Computer games - Carlo Gioventu’ 

90 Computer graphics - Antonio Belluscio 

91 Comunicazione e valorizzazione dei beni archivistici - 


91 Comunicazione e valorizzazione delle collezioni 

museali - Ercole Negroni 

92 Comunicazione espositiva - Ercole Negroni 

92 Comunicazione multimediale - Antonio Caronia 

93 Comunicazione pubblicitaria - Ambrogio Borsani 

93 Concept planning - Sita Trini Castelli 

94 Coreografia digitale - Roberto Castello 

94 Costume per lo spettacolo - Paola Giorgi 

95 Cromatologia Roberto Casiraghi 

95 Cromatologia - Maria Ferrari 

96 Cromatologia - M.Cristiana Fioretti 

96 Cromatologia - Dany Vescovi 

97 Cromatologia - Tiziana Tacconi 

97 Cultura dei materiali di moda - Livia Crispolti 

98 Cultura del progetto - Sergio Calatroni 

98 Decorazione - Rosa Maria Cimino 

99 Decorazione - Francesco Correggia 

99 Decorazione - Sergio Nannicola 

100 Decorazione - Marco Pellizzola 

100 Decorazione - Carlo Tognolina 

101 Design - Barbara Loddo 

101 Design - Giuseppe Ulian 

102 Design - Roberto Semprini 

102 Design del gioiello 2°livello - Filomena Antonia 

Stelitano 

103 Design dell’accessorio (per il costume) M.Carla 

Ricotti 

103 Design management - Ampelio Bucci 

104 Design system - Clara Mantica 

104 Didattica dei linguaggi artistici - Dacia Manzoli 

105 Didattica per il museo - Gisella Vismara 

105 Didattica per il museo - Gisella Vismara 

106 Digital video - Valerio Ambiveri 

106 Digital video - Annamaria Monteverdi 

107 Digital video - Bruno Bruno 

107 Direzione della fotografia - Davide Tranchina 

108 Diritto, legislazione ed economia dello spettacolo - 

Sergio Rigutto 

108 Disegno - Pietro Capogrosso 

109 Disegno - Walter Cascio 

109 Disegno - Italo Chiodi 

110 Disegno - Eva Olah 

110 Disegno - Maria Teresa Padula 

111 Disegno - Lucia Parma 

111 Disegno - Rocca 

112 Disegno architettonico di stile e arredo - Gianluigi 

Bernardi Paolo 

112 Disegno architettonico di stile e arredo - Antonio 

Ciurleo 

113 Disegno architettonico di stile e arredo - Davide 

Petulla’ 

113 Disegno e rilievo dei beni culturali - Davide Petulla’ 

114 Disegno geometrico-architettonico (corso propedeutico 

per recupero debito formativo) - Serena Zen 

114 Disegno tecnico e progettuale - Ippolito Calcagnini 

115 Disegno tecnico e progettuale - Ada Ghinato 

115 Documentazione fotografica - Mario Cresci 

116 Drammaturgia multimediale - Andrea Balzola


INDICE ANALITICO PER DISCIPLINE 273 

116 Ecodesign - Maria Teresa Illuminato 

117 Economia e mercato dell’arte - Francesco Poli 

117 Economia e mercato dell’arte - Stefano Moreni 

118 Elementi di architettura e urbanistica - Danilo Lisi 

118 Elementi di morfologia e dinamica della forma - 

Roberto Rossi 

119 Elementi di produzione video - Gianfilippo Pedote 

119 Ergonomia delle esposizioni - Luigi Bandini Buti 

120 Estetica - Giuseppe Bonini 

120 Estetica - Corinne Ferrari 

120 Estetica - Antonio Tumulillo 

121 Estetica dei new media - Viviana Gravano 

121 Estetica del sacro - Pierangelo Sequeri 

122 Estetica delle arti visive - Paola Ballesi 

122 Estetica delle arti visive - Francesca Marelli 

122 Estetica delle interfacce - Emanuele Quinz 

123 Estetica delle religioni orientali - Gabriele Mandel 

123 Estetica e storia dell’arte mussulmana - Gabriele 

Mandel 

124 Etica della comunicazione - Cristina Muccioli 

124 Etnopsichiatria - Vanna Berlincioni 

125 Fashion design 1 - Nanni Strada 

125 Fashion design 2 - Francesca Liberatore 

126 Fenomenologia degli stili - Laura Lombardi 

126 Fenomenologia del corpo - Paola Manusardi 

127 Fenomenologia delle arti contemporanee - Rachele 

Ferrario 

127 Fenomenologia delle arti contemporanee - Federico 

Ferrari 

128 Fenomenologia delle arti contemporanee - Laura 

Lombardi 

128 Fenomenologia dell’immagine 2 liv. - Romano 

Gasparotti 

129 Fenomenologia dell’immagine - Andrea Lissoni 

129 Filosofia dell’arte - Federico Ferrari 

130 Fondamenti di neuropsichiatria infantile - Elena 

Molinari 

130 Fondamenti di psichiatria - Paolo Risaro 

130 Fondamenti di psichiatria - Fabrizio Pavone 

131 Fondamenti di psicologia - Michele Oldani 

131 Fondamenti di psicologia - Valentina Martinelli 

131 Fotografia - Paola Di Bello 

132 Fotografia - Roberto Ross0 

132 Fotografia - Alessandra Spranzi 

133 Fotografia (laboratorio di progettazione integrata) - 


133 Fotografia (architettura e paesaggio) - Cesare Somaini 

134 Fotografia (ritratto e moda) - Joe Oppedisano 

134 Fotografia digitale - Augustin Sanchez 

135 Fotografia (comunicazione sociale) - Rossella Bigi 

135 Fotografia per i beni culturali - Marco Baldassari 

136 Fotografia (still life) - Ivo Balderi 

136 Fotografia scientifica - Jurgen Becker 

137 Graphic design - Piero Orsi 

137 Iconografia biblica - Carlo Orecchia 

138 Illuminotecnica - Domenico Nicolamarino 

138 Illustrazione - Aldo Spoldi 

139 Illustrazione scientifica - Pierluigi Buglioni 

139 Informazione per l’arte: Mezzi E Metodi - Angela 

Madesani 

140 Installazioni multimediali - Carlo Bernardini 

140 Interaction design - Marco Negroni 

141 Landscape design - Antonello Pelliccia 

141 Landscape design - Antonello Pelliccia 

142 Legislazione dei beni culturali - Gianni Carlo Borellini 

142 Letteratura biblica - Carlo Orecchia 

143 Letteratura e filosofia del teatro - Sara Fioretta 

143 Linguaggi dell’arte contemporanea - Elisabetta Longari 

144 Litografia - Paola Parisi 

144 Liturgia - Enrico Mazza 

145 Metodologia della progettazione - Sandro Scarrocchia 

145 Metodologia e teoria della storia dell’arte - Raffaella 

Pulejo 

146 Metodologia progettuale della comunicazione visiva - 


146 Metodologie chimico-fisiche - Antonietta Gallone 

147 Metodologie didattiche dei linguaggi audiovisivi - 

Mattia Matteucci 

147 Metodologie e tecniche del contemporaneo - 

Francesca Alfano Miglietti 

148 Metodologie e tecniche dell’affresco - Vincenzo 

Sorrentino 

148 Modellistica - Luisa De Leo 

149 Modellistica (figurino e modello) - Rosita Onofri 

149 Museografia 1 - Takashi Shimura 

150 Museologia e gestione dei sistemi espositivi 1 - Marco 

Meneguzzo 

150 Museologia e storia del collezionismo - Chiara Nenci 

151 Net art Domenico Quaranta 

151 Organizzazione delle attività editoriali Paola Gallerani 

152 Pedagogia e didattica dell’arte - Antonio Cioffi 

152 Pittura - Maurizio Arcangeli 

153 Pittura - Santo Battaglia 

153 Pittura - Italo Bressan 

154 Pittura - Ignazio Gadaleta 

154 Pittura - Ignazio Gadaleta 

155 Pittura - Renato Galbusera 

155 Pittura - Alberto Garutti 

156 Pittura - Gaetano Grillo 

156 Pittura - Franco Marrocco


274 


157 Pittura - Franco Marrocco 

157 Pittura - Stefano Pizzi 

158 Pittura - Stefano Pizzi 

158 Pittura - Nicola Salvatore 

159 Pittura - Nicola Salvatore 

159 Plastica ornamentale - Alfred De Locatelli 

160 Plastica ornamentale - Vito Giacummo 

160 Plastica ornamentale - Romeo Leone 

160 Plastica ornamentale - Nada Angela Divetta 

161 Plastica ornamentale - Guido Lodigiani 

161 Pratica e cultura dello spettacolo - Giacomo Agosti 

162 Pratiche Creative Per l’infanzia - Alessandro Baldanzi 

162 Principi e tecniche della terapeutica artistica 1 - Laura 

Tonani 

163 Problematiche nel restauro dell’arte contemporanea - 

Vittoria Castoldi 

163 Problemi espressivi del contemporaneo - Francesco 

Correggia 

164 Processi e tecniche per lo spettacolo multimediale - 

Daniele Paolin 

164 Progettazione di allestimenti - Carlo Guenzi 

165 Progettazione di allestimenti - Alberto Prina 

165 Progettazione di allestimenti - Takashi Shimura 

166 Progettazione di interventi urbani e territoriali - Felice 

Martinelli 

166 Progettazione di software interattivi - Daniele Suffritti 

167 Progettazione grafica - Piero Orsi 

167 Progettazione multimediale - Tullio Brunone 

168 Progettazione multimediale - Rosa Paolo 

168 Progettazione spazi sonori - Hubert Westkemper 

169 Psicologia dell’arte - Roberto Galeotti 

169 Psicologia dell’età evolutiva - Alessandra Miazza 

170 Questioni di estetica ebraica - Haim Baharier 

170 Rappresentazione dell’architettura - Luca Scacchetti 

171 Realtà virtuali e paradigmi della complessità - Mario 

Canali 

171 Regia - Ezio Cuoghi 

172 Regia - Francesco Micheli 

172 Regia - Loredana Putignani 

173 Restauro degli affreschi e dei dipinti murari - 

Elisabetta Attorrese 

173 Restauro degli affreschi e dei dipinti murari - Anna 

Lucchini 

174 Restauro dei dipinti su tela e tavola - Sachac Adamo 

174 Restauro dei materiali lapidei - Luciano Formica 

175 Restauro dei materiali lapidei - Augusto Giuffredi 

175 Restauro dei metalli - Florence Caillaud 

176 Restauro del legno - Duilio Marco Tanchis 

176 Restauro dell’arte contemporanea - Giovanna Scicolone 

177 Restauro della carta - Mariachiara Palandri 

177 Restauro della fotografia - Lorenza Fenzi 

178 Restauro delle terrecotte, dei gessi e degli stucchi - 


178 Scenografia - Giovanni Bruno 

179 Scenografia - Tiziana Campi 

179 Scenografia - Roberto Comotti 

180 Scenografia - Maria Grazia Manigrasso 

180 Scenografia - Gastone Mariani 

181 Scenografia - Enrico Mulazzani 

181 Scenografia - Emiliano Viscardi 

182 Scenografia (per il cinema e tv) 1 - Armando Nobili 

182 Scenografia (per il teatro) - Antonio Mastromattei 

183 Scenotecnica - Filippo De Filippi 

183 Scenotecnica - Angelo Lodi 

184 Scenotecnica - Alessandra Picchi 

184 Scenotecnica - Elena Amadio 

185 Scrittura creativa - Angela Occhipinti 

185 Scrittura creativa - Davide Pinardi 

186 Scultura - Guido Lodigiani 

186 Scultura - Giampiero Moioli 

187 Scultura - Vito Bucciarelli 

187 Scultura - Vittorio Corsini 

187 Scultura - Stefania Albertini 

188 Scultura - Carmelo Zullo 

188 Scultura - Alessandra Porfidia 

189 Scultura - Roberto Rocchi 

189 Scultura - Filippo Scimeca 

190 Scultura - Paolo Gallerani 

190 Semiologia del corpo - Nicole Gravier 

191 Semiologia del corpo - Paola Salvi 

191 Semiologia e retorica dei sistemi espositivi - Mariella 

Perucca 

192 Semiotica dell’arte - Gabriele Perretta 

192 Serigrafia - Silvia Vaccaneo 

193 Sistema editoriale per l’arte - Giacinto Di Pietrantonio 

193 Sistema della moda e nuove tendenze - Maurizio 

Cavezzali 

194 Sistemi interattivi - Rudy Melli 

194 Sociologia dei nuovi media - Antonio Cioffi 

195 Sociologia dei processi culturali - Antonio Caronia 

195 Sociologia dei processi culturali - Loredana Parmesani 

196 Sociologia dell’arte - Antonio Cioffi 

196 Sound design - Andrea Cera 

197 Stampa d’arte - Chiara Giorgetti 

197 Storia del cinema e del video - Francesco Ballo 

198 Storia del cinema e del video - Francesco Ballo 

198 Storia del costume - Lorella Giudici 

199 Storia del design - Anty Pansera 

199 Storia del disegno e della grafica d’arte - Anna Mariani 

200 Storia della critica della fotografia - Roberto Cassanelli


INDICE ANALITICO PER DISCIPLINE 275 

200 Storia della decorazione - Valeria Tassinari 

201 Storia della fotografia - Anna Maria Amonaci 

201 Storia della fotografia ii liv. - Anna Maria Amonaci 

202 Storia della moda - Livia Crispolti 

202 Storia della musica e del teatro musicale - Roberto 

Favaro 

203 Storia della pedagogia - Paolo Mottana 

203 Storia della religiosità popolare - Giovanni Trabucco 

204 Storia della stampa e dell’editoria - Rolando Bellini 

204 Storia della televisione e dello spettacolo televisivo - 

Renzo Salvi 

205 Storia dell’architettura e dell’urbanistica - Tiziana 

Valzelli 

205 Storia dell’arte antica - Flaminio Gualdoni 

206 Storia dell’arte contemporanea - Adriano Antolini 

206 Storia dell’arte contemporanea - Rolando Bellini 

207 Storia dell’arte contemporanea - Claudio Cerritelli 

207 Storia dell’arte contemporanea - Giulio Ciavoliello 

208 Storia dell’arte contemporanea - Giulio Ciavoliello 

208 Storia dell’arte contemporanea - Antonio D’avossa 

208 Storia dell’arte contemporanea - Lorella Giudici 

209 Storia dell’arte contemporanea - Andrea Del Guercio 

209 Storia dell’arte contemporanea - Giovanni Iovane 

210 Storia dell’arte contemporanea - Elisabetta Longari 

210 Storia dell’arte contemporanea - Marco Meneguzzo 

211 Storia dell’arte contemporanea - Chiara Nenci 

211 Storia dell’arte contemporanea - Francesco Poli 

212 Storia dell’arte contemporanea - Elena Pontiggia 

212 Storia dell’arte contemporanea - Luisa Somaini 

213 Storia dell’arte contemporanea - Dario Trento 

213 Storia dell’arte medievale - Giuseppe De Juliis 

214 Storia dell’arte medievale - Annunziata Pani 

214 Storia dell’arte moderna - Marcella Anglani 

215 Storia dell’arte moderna - Francesco Porzio 

215 Storia dell’arte moderna - Raffaella Pulejo 

216 Storia dell’arte moderna - Valter Rosa 

216 Storia dell’arte moderna - Paolo Thea 

217 Storia dell’arte moderna - Dario Trento 

217 Storia dell’arte sacra moderna e contemporanea - 


218 Storia delle arti appilcate - Annunziata Pani 

218 Storia delle tecniche artistiche - Giuseppe De Juliis 

219 Storia dello spettacolo - Chiara Gualdoni 

219 Storia e documentazione dei beni architettonici 1 - 


220 Storia e documentazione dei beni architettonici 2 - 


220 Storia e modelli dell’arte terapia - Giorgio Bedoni 

221 Storia e teoria dei nuovi media - Fabio Zanzotto 

221 Storia e teoria della scenografia - Luca Scarlini 

222 Teatro della festa - Ferruccio Bigi 

222 Teatro di figura - Gabriele Giromella 

223 Tecniche audiovisive per web - Norberto Serana 

223 Tecniche calcografiche sperimentali - Riccardo Galleni 

224 Tecniche del marmo e delle pietre dure - Massimo 

Pellegrinetti 

224 Tecniche del mosaico - Vincenzo Ceccarelli 

225 Tecniche della ceramica - Mariacristina Camino 

225 Tecniche della rappresentazione - Francesca Liberatore 

226 Tecniche della scultura - Giuseppe Di Gennaro 

226 Tecniche della scultura - Massimo Mazzone 

227 Tecniche dell’incisione - Grafica d’arte - Nicoletta 

Braga 

227 Tecniche dell’incisione - Grafica d’arte - Alessandra 

Angelini 

228 Tecniche dell’incisione - Grafica d’arte - Gaetano 

Bacco 

228 Tecniche dell’incisione - Grafica d’arte - Gaetano 

Bacco 

229 Tecniche dell’incisione - Grafica d’arte - Luce Delhove 

229 Tecniche dell’incisione - Grafica d’arte - Luce Delhove 

230 Tecniche dell’incisione - Grafica d’arte - Bernardino 

Luino 

230 Tecniche dell’incisione - Grafica d’arte - Laura Panno 

231 Tecniche dell’incisione - Grafica d’arte - 


231 Tecniche dell’incisione - Grafica d’arte - 


232 Tecniche dell’incisione calcografica - Tiziano Campi 

232 Tecniche dell’incisione calcografica - Ilaria Masetti 

233 Tecniche dell’incisione calcografica - Massimo Petringa 

233 Tecniche di documentazione audiovisiva - Jacqueline 

Ceresoli 

234 Tecniche di fonderia - Nadia Rognoni 

234 Tecniche di ripresa - Giuseppe Baresi 

235 Tecniche espressive integrate - Nicoletta Braga 

235 Tecniche espressive integrate - Giuseppe Di Gennaro 

236 Tecniche e tecnologie delle arti visive - Antonia Beduschi 

236 Tecniche e tecnologie delle arti visive - Remo Salvadori 

237 Tecniche e tecnologie della decorazione - Giuseppe 

Sabatino 

237 Tecniche e tecnologie della pittura - Roberto Casiraghi 

238 Tecniche e tecnologie della pittura - Teresa Iaria 

238 Tecniche extramediali - Leonida De Filippi 

239 Tecniche extramediali - Davide Nido 

239 Tecniche extramediali - Flavio De Marco 

240 Tecniche grafiche speciali - Paolo Di Vita 

240 Tecniche grafiche speciali - Silvia Vaccaneo 

240 Tecniche multimediali della decorazione - 

Pier Natale Guzzetti


276 


241 Tecniche performative per le arti visive - 

Mauro Folci 

241 Tecniche pittoriche - Giovanni Bruno 

242 Tecniche pittoriche - Walter Cascio 

242 Tecniche pittoriche - Giorgio Catani 

243 Tecniche sartoriali per il costume - 

Maria Antonietta Tovini 

243 Tecnologia della carta - Margherita Labbe 

244 Tecnologie e applicazioni digitali - Francesca Biral 

244 Teoria della percezione e psicologia della forma - 





Rosanna Guida 

246 Teoria e analisi del cinema e dell’audiovisivo - 

Luca Mosso 

246 Teoria e metodo dei mass media - Lorenzo Taiuti 

247 Teoria e pratica del disegno prospettico Lidia Bagnoli 

247 Teoria e pratica del disegno prospettico - 


248 Teoria e storia dei beni culturali - Mariella Perucca 

248 Teoria e storia dei metodi di rappresentazione - 


249 Teoria e storia dei metodi di rappresentazione - 

Valter Rosa 

249 Teoria e storia del restauro - Sandro Scarrocchia 

250 Teorie del paesaggio - Mariella Perucca 

250 Tipologia dei materiali - Alfred De Locatelli 

251 Trucco e maschera teatrale - Roberto Mestroni 

251 Ultime tendenze nelle arti visive - Marcella Anglani 

252 Ultime tendenze nelle arti visive - Giulio Ciavoliello 

252 Ultime tendenze nelle arti visive - Cloe Piccoli 

253 Urban design - Alberto Prina 

253 Valorizzazione dei beni archeologici - Massimo Cardosa 

254 Valorizzazione dei beni architettonici e paesaggistici - 


254 Videoscultura - Gianpaolo Mazzoni 

255 Web design - Marco Negroni 

255 Xilografia - Federico Vescovo 

256 Formatura - Paolo Delle Monache 

256 Rappresentazione dell’architettura - Elmar Giacummo


INDICE ANALITICO PER DOCENTI


278 

INDICE ANALITICO PER DOCENTI 

174 Sachac Adamo - Restauro dei dipinti su tela e tavola 

161 Giacomo Agosti - Pratica e cultura dello spettacolo 

187 Stefania Albertini - Scultura 

147 Francesca Alfano Miglietti - Metodologie e tecniche del 

contemporaneo 

184 Elena Amadio - Scenotecnica 

106 Valerio Ambiveri - Digital video 

201 Anna Maria Amonaci - Storia della fotografia 

201 Anna Maria Amonaci - Storia della fotografia II liv. 

227 Alessandra Angelini - Tecniche dell’incisione - Grafica 

d’arte 

214 Marcella Anglani - Storia dell’arte moderna 

251 Marcella Anglani - Ultime tendenze nelle arti visive 

206 Adriano Antolini - Storia dell’arte contemporanea 

244 Adriano Antolini Altamira - Teoria della percezione 

e psicologia della forma 

152 Maurizio Arcangeli - Pittura 

173 Elisabetta Attorrese - Restauro degli affreschi e dei 

dipinti murari 

227 Gaetano Bacco - Tecniche dell’incisione - Grafica d’arte 

228 Gaetano Bacco - Tecniche dell’incisione - Grafica d’arte 

247 Lidia Bagnoli - Teoria e pratica del disegno prospettico 

170 Haim Baharier - Questioni di estetica ebraica 

162 Alessandro Baldanzi - Pratiche creative per l’infanzia 

135 Marco Baldassari - Fotografia per i beni culturali 

136 Ivo Balderi - Fotografia (Still life) 

122 Paola Ballesi - Estetica delle arti visive 

197 Francesco Ballo - Storia del cinema e del video 

198 Francesco Ballo - Storia del cinema e del video 

116 Andrea Balzola - Drammaturgia multimediale 

119 Luigi Bandini Buti - Ergonomia delle esposizioni 

234 Giuseppe Baresi - Tecniche di ripresa 

153 Santo Battaglia - Pittura 

136 Jurgen Becker - Fotografia scientifica 

220 Giorgio Bedoni - Storia e modelli dell’arte terapia 

236 Antonia Beduschi - Tecniche e tecnologie delle arti visive 

204 Rolando Bellini - Storia della stampa e dell’editoria 

206 Rolando Bellini - Storia dell’arte contemporanea 

90 Antonio Belluscio - Computer graphics 

124 Vanna Berlincioni - Etnopsichiatria 

112 Gianluigi Bernardi Paolo - Disegno architettonico di 

stile e arredo 

140 Carlo Bernardini - Installazioni multimediali 

135 Rossella Bigi - Fotografia (comunicazione sociale) 

222 Ferruccio Bigi - Teatro della festa 

244 Francesca Biral - Tecnologie e applicazioni digitali 

75 Clara Bonfiglio Anatomia artistica 

120 Giuseppe Bonini - Estetica 

142 Gianni Carlo Borellini - Legislazione dei beni culturali 

93 Ambrogio Borsani - Comunicazione pubblicitaria 

226 Nicoletta Braga - Tecniche dell’incisione - Grafica d’arte 

235 Nicoletta Braga - Tecniche espressive integrate 

153 Italo Bressan - Pittura 

107 Bruno Bruno - Digital video 

178 Giovanni Bruno - Scenografia 

241 Giovanni Bruno - Tecniche pittoriche 

167 Tullio Brunone - Progettazione multimediale 

103 Ampelio Bucci - Design management 

187 Vito Bucciarelli - Scultura 

76 Pierluigi Buglioni Anatomia artistica 

139 Pierluigi Buglioni - Illustrazione scientifica 

175 Florence Caillaud - Restauro dei metalli 

85 Maria Rosa Calabrese - Archetipi dell’immaginario 

98 Sergio Calatroni - Cultura del progetto 

114 Ippolito Calcagnini - Disegno tecnico e progettuale 

84 Giulio Calegari - Archetipi dell’immaginario 

225 Mariacristina Camino - Tecniche della ceramica 

179 Tiziana Campi - Scenografia 

232 Tiziano Campi - Tecniche dell’incisione calcografica 

171 Mario Canali - Realtà virtuali e paradigmi della 

complessità 

108 Pietro Capogrosso - Disegno 

77 Mario Carchini - Anatomia artistica 

81 Maria Virginia Cardi - Antropologia culturale 

82 Maria Virginia Cardi - Antropologia dell’arte 

253 Massimo Cardosa - Valorizzazione dei beni archeologici 

79 Maria Letizia Cariello - Anatomia artistica 

92 Antonio Caronia - Comunicazione multimediale 

195 Antonio Caronia - Sociologia dei processi culturali 

109 Walter Cascio - Disegno 

242 Walter Cascio - Tecniche pittoriche 

95 Roberto Casiraghi - Cromatologia 

235 Roberto Casiraghi - Tecniche e tecnologie della pittura 

200 Roberto Cassanelli - Storia della critica della fotografia 

94 Roberto Castello - Coreografia digitale 

163 Vittoria Castoldi - Problematiche nel restauro dell’arte 

contemporanea 

242 Giorgio Catani - Tecniche pittoriche 

193 Maurizio Cavezzali - Sistema della moda e nuove 

tendenze 

224 Vincenzo Ceccarelli - Tecniche del mosaico 

196 Andrea Cera - Sound design 

233 Jacqueline Ceresoli - Tecniche di documentazione 

audiovisiva 

207 Claudio Cerritelli - Storia dell’arte contemporanea 

109 Italo Chiodi - Disegno 

207 Giulio Ciavoliello - Storia dell’arte contemporanea 

208 Giulio Ciavoliello - Storia dell’arte contemporanea 

252 Giulio Ciavoliello - Ultime tendenze nelle arti visive 

98 Rosa Maria Cimino - Decorazione


INDICE ANALITICO PER DOCENTI 279 

152 Antonio Cioffi - Pedagogia e didattica dell’arte 

194 Antonio Cioffi - Sociologia dei nuovi media 

196 Antonio Cioffi - Sociologia dell’arte 

112 Antonio Ciurleo - Disegno architettonico di stile e arredo 

179 Roberto Comotti - Scenografia 

99 Francesco Correggia - Decorazione 

163 Francesco Correggia - Problemi espressivi del 

contemporaneo 

187 Vittorio Corsini Scultura 

115 Mario Cresci - Documentazione fotografica 

97 Livia Crispolti - Cultura dei materiali di moda 

202 Livia Crispolti - Storia della moda 

171 Ezio Cuoghi - Regia 

208 Antonio D’avossa - Storia dell’arte contemporanea 

85 Filippo De Filippi - Architettura degli interni 

183 Filippo De Filippi - Scenotecnica 

238 Leonida De Filippi - Tecniche extramediali 

213 Giuseppe De Juliis - Storia dell’arte medievale 

218 Giuseppe De Juliis - Storia delle tecniche artistiche 

148 Luisa De Leo - Modellistica 

159 Alfred De Locatelli - Plastica ornamentale 

250 Alfred De Locatelli - Tipologia dei materiali 

239 Flavio De Marco - Tecniche extramediali 

209 Andrea Del Guercio - Storia dell’arte contemporanea 

217 Andrea Del Guercio - Storia dell’arte sacra moderna e 

contemporanea 

229 Luce Delhove - Tecniche dell’incisione - Grafica d’arte 

229 Luce Delhove - Tecniche dell’incisione - Grafica d’arte 

87 Francesca Della Monica - Audiovisivi lineari 

256 Paolo Delle Monache - Formatura 

131 Paola Di Bello - Fotografia 

133 Paola Di Bello - Fotografia ( Laboratorio di 

progettazione integrata) 

2226 Giuseppe Di Gennaro - Tecniche della scultura 

237 Giuseppe Di Gennaro - Tecniche espressive integrate 

146 Giuseppe Di Napoli - Metodologia progettuale della 

comunicazione visiva 

247 Giuseppe Di Napoli - Teoria e pratica del disegno 

prospettico 

193 Giacinto Di Pietrantonio - Sistema editoriale per l’arte 

248 Giacinto Di Pietrantonio - Teoria e storia dei metodi di 

rappresentazione 

240 Paolo Di Vita Tecniche grafiche speciali 

160 Nada Angela Divetta Plastica ornamentale 

76 Marina Falco Anatomia artistica 

202 Roberto Favaro - Storia della musica e del teatro 

musicale 

177 Lorenza Fenzi - Restauro della fotografia 

95 Maria Ferrari - Cromatologia 

120 Corinne Ferrari - Estetica 

127 Federico Ferrari - Fenomenologia delle arti contemporanee 

129 Federico Ferrari - Filosofia dell’arte 

88 Rachele Ferrario - Catalogazione e gestione degli archivi 

127 Rachele Ferrario - Fenomenologia delle arti 

contemporanee 

143 Sara Fioretta - Letteratura e filosofia del teatro 

96 M.Cristiana Fioretti - Cromatologia 

241 Mauro Folci - Tecniche performative per le arti visive 

174 Luciano Formica - Restauro dei materiali lapidei 

84 Cristina Fumagalli - Applicazioni digitali per l’arte 

154 Ignazio Gadaleta - Pittura 

154 Ignazio Gadaleta - Pittura 

155 Renato Galbusera - Pittura 

169 Roberto Galeotti - Psicologia dell’arte 

245 Roberto Galeotti - Teoria della percezione e psicologia 

della forma 

223 Riccardo Galleni - Tecniche calcografiche sperimentali 

151 Paola Gallerani - Organizzazione delle attività editoriali 

190 Paolo Gallerani - Scultura 

77 Maria Cristina Galli - Anatomia artistica 

146 Antonietta Gallone - Metodologie chimico-fisiche 

155 Alberto Garutti - Pittura 

128 Romano Gasparotti - Fenomenologia dell’immagine 

74 Angelo Ghilardi - Ambientazione moda 

115 Ada Ghinato - Disegno tecnico e progettuale 

74 Luca Ghirardosi Allestimento degli spazi espositivi 

160 Vito Giacummo - Plastica ornamentale 

256 Elmar Giacummo - Rappresentazione dell’architettura 

197 Chiara Giorgetti - Stampa d’arte 

94 Paola Giorgi - Costume per lo spettacolo 

90 Carlo Gioventu’ - Computer games 

222 Gabriele Giromella - Teatro di figura 

198 Lorella Giudici - Storia del costume 

208 Lorella Giudici - Storia dell’arte contemporanea 

175 Augusto Giuffredi Restauro dei materiali lapidei 

178 Augusto Giuffredi - Restauro delle terrecotte, dei gessi e 

degli stucchi 

121 Viviana Gravano - Estetica dei new media 

190 Nicole Gravier - Semiologia del corpo 

156 Gaetano Grillo - Pittura 

205 Flaminio Gualdoni - Storia dell’arte antica 

219 Chiara Gualdoni - Storia dello spettacolo 

164 Carlo Guenzi - Progettazione di allestimenti 

245 Rosanna Guida - Teoria della percezione e psicologia 

della forma 

240 Pier Natale Guzzetti - Tecniche multimediali della 

decorazione 

238 Teresa Iaria - Tecniche e tecnologie della pittura 

116 Maria Teresa Illuminato - Ecodesign 

209 Giovanni Iovane - Storia dell’arte contemporanea


280 


243 Margherita Labbe - Tecnologia della carta 

160 Romeo Leone - Plastica ornamentale 

125 Francesca Liberatore - Fashion design 2 

225 Francesca Liberatore - Tecniche della rappresentazione 

75 Danilo Lisi - Analisi del territorio e progettazione 

del paesaggio 

118 Danilo Lisi - Elementi di architettura e urbanistica 

129 Andrea Lissoni - Fenomenologia dell’immagine 

101 Barbara Loddo - Design 

183 Angelo Lodi - Scenotecnica 

161 Guido Lodigiani - Plastica ornamentale 

186 Guido Lodigiani - Scultura 

126 Laura Lombardi - Fenomenologia degli stili 

128 Laura Lombardi - Fenomenologia delle arti 

contemporanee 

143 Elisabetta Longari - Linguaggi dell’arte contemporanea 

210 Elisabetta Longari Storia dell’arte contemporanea 

173 Anna Lucchini - Restauro degli affreschi e dei dipinti 

murari 

230 Bernardino Luino - Tecniche dell’incisione - Grafica 

d’arte 

139 Angela Madesani - Informazione per l’arte: mezzi e metodi 

123 Gabriele Mandel - Estetica e storia dell’arte mussulmana 

123 Gabriele Mandel - Estetica delle religioni orientali 

180 Maria Grazia Manigrasso - Scenografia 

104 Clara Mantica - Design system 

126 Paola Manusardi - Fenomenologia del corpo 

104 Dacia Manzoli - Didattica dei linguaggi artistici 

122 Francesca Marelli - Estetica delle arti visive 

180 Gastone Mariani - Scenografia 

199 Anna Mariani - Storia del disegno e della grafica d’arte 

156 Franco Marrocco - Pittura 

157 Franco Marrocco - Pittura 

131 Valentina Martinelli - Fondamenti di psicologia 

166 Felice Martinelli - Progettazione di interventi urbani e 

territoriali 

89 Barbara Masala - Chimica propedeutica 

232 Ilaria Masetti - Tecniche dell’incisione calcografica 

182 Antonio Mastromattei - Scenografia (per il teatro) 

147 Mattia Matteucci - Metodologie didattiche dei linguaggi 

audiovisivi 

144 Enrico Mazza Liturgia 

226 Massimo Mazzone - Tecniche della scultura 

254 Gianpaolo Mazzoni - Videoscultura 

194 Rudy Melli - Sistemi interattivi 

150 Marco Meneguzzo - Museologia e gestione dei sistemi 

espositivi 1 

210 Marco Meneguzzo - Storia dell’arte contemporanea 

251 Roberto Mestroni - Trucco e maschera teatrale 

169 Alessandra Miazza - Psicologia dell’età evolutiva 

172 Francesco Micheli - Regia 

186 Giampiero Moioli - Scultura 

130 Elena Molinari - Fondamenti di neuropsichiatria 

infantile 

106 Annamaria Monteverdi Digital video 

117 Stefano Moreni - Economia e mercato dell’arte 

246 Luca Mosso - Teoria e analisi del cinema e 

dell’audiovisivo 

203 Paolo Mottana - Storia della pedagogia 

124 Cristina Muccioli - Etica della comunicazione 

181 Enrico Mulazzani - Scenografia 

99 Sergio Nannicola - Decorazione 

91 Ercole Negroni - Comunicazione e valorizzazione delle 

collezioni museali 

92 Ercole Negroni - Comunicazione espositiva 

140 Marco Negroni - Interaction design 

255 Marco Negroni - Web design 

87 Chiara Nenci - Beni culturali dell’età contemporanea 

150 Chiara Nenci - Museologia e storia del collezionismo 

211 Chiara Nenci - Storia dell’arte contemporanea 

138 Domenico Nicolamarino - Illuminotecnica 

239 Davide Nido - Tecniche extramediali 

182 Armando Nobili - Scenografia (per il cinema e tv) 1 

81 Riccardo Notte - Antropologia culturale 

82 Riccardo Notte - Antropologia delle società complesse 

185 Angela Occhipinti - Scrittura creativa 

110 Eva Olah - Disegno 

131 Michele Oldani - Fondamenti di psicologia 

149 Rosita Onofri - Modellistica (figurino e modello) 

134 Joe Oppedisano - Fotografia (ritratto e moda) 

137 Carlo Orecchia - Iconografia biblica 

142 Carlo Orecchia - Letteratura biblica 

137 Piero Orsi - Graphic design 

167 Piero Orsi - Progettazione grafica 

89 Jacopo Osticioli - Chimica per restauro dell’arte 

contemporanea 

110 Maria Teresa Padula - Disegno 

177 Mariachiara Palandri - Restauro della carta 

214 Annunziata Pani - Storia dell’arte medievale 

218 Annunziata Pani - Storia delle arti appilcate 

230 Laura Panno - Tecniche dell’incisione - Grafica d’arte 

199 Anty Pansera - Storia del design 

164 Daniele Paolin - Processi e tecniche per lo spettacolo 

multimediale 2° 

144 Paola Parisi - Litografia 

111 Lucia Parma - Disegno 

195 Loredana Parmesani - Sociologia dei processi culturali 

130 Fabrizio PavoneFondamenti di psichiatria 

119 Gianfilippo Pedote - Elementi di produzione video 

224 Massimo Pellegrinetti - Tecniche del marmo


INDICE ANALITICO PER DOCENTI 281 

e delle pietre dure 

141 Antonello Pelliccia - Landscape design 

141 Antonello Pelliccia - Landscape design 

100 Marco Pellizzola Decorazione 

192 Gabriele Perretta - Semiotica dell’arte 

77 Guido Pertusi - Anatomia artistica 

88 Mariella Perucca - Beni culturali e ambientali 

191 Mariella Perucca - Semiologia e retorica dei sistemi 

espositivi 

248 Mariella Perucca - Teoria e storia dei beni culturali 

250 Mariella Perucca - Teorie del paesaggio 

233 Massimo Petringa - Tecniche dell’incisione calcografica 

113 Davide Petulla’ - Disegno architettonico di stile e arredo 

113 Davide Petulla’ - Disegno e rilievo dei beni culturali 

184 Alessandra Picchi - Scenotecnica 

83 Renzo Piccinin - Applicazioni digitali per l’arte 

252 Cloe Piccoli - Ultime tendenze nelle arti visive 

80 Antonietta Pierno Anatomia artistica 

185 Davide Pinardi - Scrittura creativa 

157 Stefano Pizzi - Pittura 

158 Stefano Pizzi - Pittura 

117 Francesco Poli - Economia e mercato dell’arte 

211 Francesco Poli - Storia dell’arte contemporanea 

212 Elena Pontiggia - Storia dell’arte contemporanea 

188 Alessandra Porfidia - Scultura 

215 Francesco Porzio - Storia dell’arte moderna 

86 Michele Premoli - Architettura sacra 

165 Alberto Prina - Progettazione di allestimenti 

253 Alberto Prina - Urban design 

145 Raffaella Pulejo - Metodologia e teoria della storia 

dell’arte 

215 Raffaella Pulejo - Storia dell’arte moderna 

172 Loredana Putignani - Regia 

151 Domenico Quaranta - Net art 

122 Emanuele Quinz - Estetica delle interfacce 

86 Geremia Renzi - Arti applicate e tipologia dei materiali 

103 M.Carla Ricotti - Design dell’accessorio (per il costume) 

108 Sergio Rigutto - Diritto, legislazione ed economia dello 

spettacolo 

130 Paolo Risaro - Fondamenti di psichiatria 

111 Rocca - Disegno 

189 Roberto Rocchi - Scultura 

234 Nadia Rognoni - Tecniche di fonderia 

216 Valter Rosa - Storia dell’arte moderna 

249 Valter Rosa - Teoria e storia dei metodi di rappresentazione 

168 Rosa Paolo - Progettazione multimediale 

132 Roberto Rosso - Fotografia 

118 Roberto Rossi - Elementi di morfologia e dinamica della 

forma 

237 Giuseppe Sabatino - Tecniche e tecnologie 

della decorazione 

236 Remo Salvadori - Tecniche e tecnologie delle arti visive 

158 Nicola Salvatore - Pittura 

159 Nicola Salvatore - Pittura 

205 Renzo Salvi - Storia della televisione e dello spettacolo 

televisivo 

78 Paola Salvi - Anatomia artistica 

191 Paola Salvi - Semiologia del corpo 

134 Augustin Sanchez - Fotografia digitale 

170 Luca Scacchetti - Rappresentazione dell’architettura 

221 Luca Scarlini - Storia e teoria della scenografia 

145 Sandro Scarrocchia - Metodologia della progettazione 

249 Sandro Scarrocchia - Teoria e storia del restauro 

176 Giovanna Scicolone - Restauro dell’arte contemporanea 

189 Filippo Scimeca - Scultura 

102 Roberto Semprini - Design 

121 Pierangelo Sequeri - Estetica del sacro 

223 Norberto Serana - Tecniche audiovisive per web 

149 Takashi Shimura - Museografia 1 

165 Takashi Shimura - Progettazione di allestimenti 

133 Cesare Somaini - Fotografia (architettura e paesaggio) 

212 Luisa Somaini - Storia dell’arte contemporanea 

148 Vincenzo Sorrentino - Metodologie e tecniche 

dell’affresco 

138 Aldo Spoldi - Illustrazione 

132 Alessandra Spranzi - Fotografia 

102 Filomena Antonia Stelitano - Design del gioiello 

231 Filomena Antonia Stelitano - Tecniche dell’incisione - 

Grafica d’arte 

231 Filomena Antonia Stelitano - Tecniche dell’incisione - 

Grafica d’arte 

125 Nanni Strada Fashion design 1 

166 Daniele Suffritti - Progettazione di software interattivi 

91 Elisabetta Susani - Comunicazione e valorizzazione dei 

beni archivistici 

219 Elisabetta Susani - Storia e documentazione dei beni 

architettonici 1 

220 Elisabetta Susani - Storia e documentazione dei beni 

architettonici 2 

254 Elisabetta Susani - Valorizzazione dei beni architettonici 

e paesaggistici 

80 Tiziana Tacconi - Anatomia artistica 

97 Tiziana Tacconi - Cromatologia 

246 Lorenzo Taiuti - Teoria e metodo dei mass media 

176 Duilio Marco Tanchis - Restauro del legno 

200 Valeria Tassinari - Storia della decorazione 

216 Paolo Thea - Storia dell’arte moderna 

100 Carlo Tognolina - Decorazione 

78 Laura Tonani - Anatomia artistica 

162 Laura Tonani - Principi e tecniche della terapeutica


282 


artistica 1 

243 Maria Antonietta Tovini - Tecniche sartoriali 

per il costume 

203 Giovanni Trabucco - Storia della religiosità popolare 

107 Davide Tranchina - Direzione della fotografia 

213 Dario Trento - Storia dell’arte contemporanea 

217 Dario Trento - Storia dell’arte moderna 

93 Sita Trini Castelli - Concept planning 

120 Antonio Tumulillo - Estetica 

101 Giuseppe Ulian - Design 

192 Silvia Vaccaneo - Serigrafia 

240 Silvia Vaccaneo - Tecniche grafiche speciali 

79 Tiziana Valzelli - Anatomia artistica 

204 Tiziana Valzelli - Storia dell’architettura e dell’urbanistica 

96 Dany Vescovi - Cromatologia 

255 Federico Vescovo - Xilografia 

181 Emiliano Viscardi - Scenografia 

105 Gisella Vismara - Didattica per il museo 

105 Gisella Vismara - Didattica per il museo 

168 Hubert Westkemper - Progettazione spazi sonori 

221 Fabio Zanzotto - Storia e teoria dei nuovi media 

114 Serena Zen - Disegno geometrico-architettonico 

(corso propedeutico per recupero debito formativo) 

83 Eleonora Zullo - Applicazioni digitali per l’arte 

188 Carmelo Zullo - Scultura 

SCUOLA LIBERA DEL NUDO 

E SCUOLA DEGLI ARTEFICI 


258 Concezioni tecniche dei maestri del primo Novecento 

italiano - Graziella Sarno 

258 Disegno - Sabina Capraro Colantuoni 

259 Disegno anatomico - Maria Tcholakova 

259 Disegno architettonico - Serena Laura Forti 

260 Disegno del modello - Massimo Zuppelli 

260 Disegno per pittura - Jacopo Cascella 

261 Illustrazione - Elisabetta Golinelli 

261 Incisione - Matteo Giannini 

262 Scenografia - Serena Zen 

262 Tecniche del disegno - Luciana Manelli 


258 Sabina Capraro Colantuoni - Disegno 

260 Jacopo Cascella - Disegno per pittura 

259 Serena Laura Forti - Disegno architettonico 

261 Matteo Giannini - Incisione 

261 Elisabetta Golinelli - Illustrazione 

262 Luciana Manelli - Tecniche del disegno 

258 Graziella Sarno - Concezioni tecniche dei maestri del 

primo Novecento italiano 

259 Maria Tcholakova - Disegno anatomico 

262 Serena Zen - Scenografia 

260 Massimo Zuppelli - Disegno del modello

GUIDA AI CORSI 2009 2010 - Accademia Belle Arti di Brera

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