Recensione di Giuseppe Reggini - Sanremo Arte 2000

L’artista Reggini Giuseppe
nel suo studio di San Marino
L’artista Reggini Giuseppe
premiato a Sanremo
dal console di San Marino
Avv. Domenico Morganti
Reggini Giuseppe nasce
il 13 aprile 1952 a
Serravalle Rep. di San
Marino. Fin da piccolo
dimostra particolare interesse
per l'arte ma solo
all'età di vent'anni inizia
la sua attività di pittore.
La sua formazione artistica
è autodidatta di genere
figurativo moderno.
Le tecniche usate sono
olio, acrilico acquerello e
miste, inizia con la pittura
ad olio ritraendo paesaggio,
ma non soddisfatto va
alla ricerca di qualcosa di
nuovo e particolare.
"Ha una personalità indipendente"
dice il cav.
Casimiro Dell'Arco Talarico
"in equilibrio tra il concetto
astratto e la descrizione
figurative delle cose.
Reggini ha trovato nelle lineografie uno strumento
molto efficiente per raccontare il proprio intricato
mondo interiore, iniziando da soggetti che sarebbero
capaci di identificarsi con segni ideografici, egli è andato
sempre più liberandosi da una rappresentazione
veramente simbolica per accedere alla materialità della
forma visiva, il che gli da licenza di presentare un
discorso dove i legami con la realtà, propria, della natura
umana, si fanno più attendibili".
Caratteristica principale del Reggini è il colore. Infatti
egli usa colori chiari e accesi che danno ai suoi quadri una
luce calda e irreale. Anche i ritratti di donna, costante di
quasi tutti i suoi dipinti, sono rappresentati come un
mosaico con tante tessere colorate, quasi volesse racchiudere
la naturale bellezza dell'arcobaleno nelle
armoniose e sensuali forme del corpo femminile.
Abbandona la pittura per un lungo periodo e la
riprende in questi ultimi anni e partecipa a varie
mostre e rassegne internazionali: Al 10° Festival
Internazionale della pittura contemporanea di
Sanremo nel dicembre 2002 partecipa e viene premiato
con l'opera "Pioggia di luna" che ha attratto l'attenzione
di molti, compreso il Presidente della Giuria
dott. Vito Cracas che descrive così l'opera: "Il desiderio
atavico di ogni essere, che vede nella luna la compagna
alla solitudine, è quello di ritrovarsi nelle fantasie
animate dalla sua donna ideale, vagheggiate nell'infanzia
e sviluppate nei desideri dell'età matura.
Questi pathos esternato con suadente cromatismo,
nel rivelare la propria intimità, comunica l'immediato
impatto nella realtà virtuale che ciascuno si costruisce.
Un rifugio in cui è piacevole potersi ritrovare.
Al primo impatto, la tecnica inconsueta, può anche
disorientare perché non si è adusi al linguaggio personalizzato
da Reggini che si serve della diversità delle
tonalità nelle pigmentazioni adoperate per esacerbare
la lussureggiante e rigogliosa natura per poi, per l'evidente
contrasto nelle raffigurazioni dei diversi atteggiamenti
del prototipo donna, scomporle per dare quasi la
sensazione tattile della variegata e poliedrica personalità
che avvince e frastorna il richiamato compagno del
suo peregrinare. Un contrasto evidentemente voluto, in
quanto riesce a rendere partecepi i patemi dell'essere in
un linguaggio proprio, sempre più raffinato e duttile
nell'elaborazione personale, che fa incentrare l'attenzione
sui contenuti espressi in forma di impatto immediato
su cui si ritorna riflessivamente...
Il crogiolarsi nelle proprie sperimentazioni è tipico di
chi non ha idee chiare e si sforza di attrarre l'attenzione
con espedienti. Per Reggini è vero il contrario: si
serve di tante esperienze, sperimentate e rielaborate in
una pigmentazione figurale dal contrasto visivo della
linea tondeggiante, allungata nelle fluenti chiome, con
quella squadrata delle tessere cubiche, diversificate da
studiate affinità tonali, in una caleidoscopica mescolanza
che fa avvertire inusuali sensazioni di messaggi insiti
espressi dalle donne che evidenziano particolari stress
esistenziali in una spazialità onirica e fantastica.
Le sue composizioni sono storie di tensioni latenti di
cui visualizza particolari fotogrammi pescati nel subconscio.
Un moderno e razionale linguaggio artistico
capace di attrarre la distratta attenzione facendo
seguire all'impatto piacevole mediante impressioni.
Amale per sempre, loro sono la vita...altrimenti il vento se le porterà via
2004 - acrilico su tela cm. 40x81
1

Nell'arte non vi sono strade nuove o vecchie ma esperienze
valide, collegate ai tempi vissuti, interpretate da
artisti che con sensibile razionalità li evidenziano nel
loro linguaggio consono agli addetti che si sforzano di
farli recepire meglio dopo il comprensibile impatto
emotivo. Reggini,
nel perseguire la sua
ricerca, è tra questi,
il tempo, galantuomo,
ne attesterà la
valenza."
Ricordi...1963 - acrilico su tela cm. 50x70
2
Sorella luna...fammi sognare 2002
acrilico su tela cm. 40x80
Dedicato a
Giuseppe Reggini
Visionando i lavori
di Giuseppe
Reggini si coglie
immediatamente la
novità del linguaggio
figurativo di un
artista potente e
sognatore che usa il
vigore del colore e
la lucidità quasi
metafisica della tessitura,
per realizzare
elaborazioni cariche
di desiderio e di
pathos. Lo stile sicuro,
inconfondibile,
mai esitante, si
destreggia fra astrazione
geometrica e
figurazione tramite
un suo curioso procedimento
che
seziona e sfaccetta
talvolta il centro
intorno al quale è
costruito l’insieme
dell’opera, altre
volte un particolare
quale può essere un
uccello che vola tra i
rami scheletrici di
alberi che si stagliano
su uno sfondo
acromatico o una
minuscola donna
che si perde nel sogno di un paese sospeso nel vuoto o
ancora una minuta porzione di campo della quale
emergono fiori che copiano la policromia delle celle da
cui si alzano; è questo un primo”fil rouge” che lega la
sua produzione artistica: così l’artista partendo da
immagini che attingono da una realtà mediata da uno
spirito romantico e sognatore riesce a sottrarsi a quanto
una storica consuetudine ha fatto corrispondere con
la tradizione figurativa per approdare a una personale
rielaborazione dei principi geometrici nella quale la
forma viene scomposta come le case di una scacchiera
variopinta senza però che mai sia persa di vista la preminenza
della figura.
Questo suo modo di fare pittura si arricchisce delle
ricerche dei contrasti tra colore e luce, tra forma e
spazio con risultati tali da implicare effetti visivi che
attirano immediatamente con curiosa attenzione e
comunicano al fruitore, sia occasionale che professionista,
la tensione creativa attraverso un copioso
impianto cromatico.
Proprio per questi caratteristici interessi di ordine
ottico che affiorano dalle sue creazioni, nelle quali il
legame tra lo spazio e la luce appare essenziale, la
sua pittura coniuga raffinatezza e composizione geometrica
in una intelaiatura strutturale tale da esaltare
una sempre più serrata sintesi dei fattori espressivi,
una sobria e rigorosa selezione dei valori ed evidenziando
una ferma concentrazione sui valori
essenziali di grande efficacia emozionale in un processo
che rientra appieno nella situazione culturale di
quelle nuove indicazioni che furono avanzate per
mostrare alla pittura nuove soluzioni visive nell’evolvere
del dibattito apertosi tra astratto e figurativo.
Dal fermo carattere dell’artista deriva la continuità
delle sue esperienze, mai influenzate dall’effimero
delle mode, ma sempre fedeli ad una concezione estetica
dalla quale scaturiscono vigorose suggestioni etiche
e profonde emozioni che una sana e spontanea
carica di poesia traduce in forme geometriche vivacizzate
all’interno dalla comparsa di simboli primordiali.
La sua evoluzione artistica rivela un percorso assai
interessante che si espande da immagini basate su
linee e colori quali strumenti rivelatori di profonde
emozioni a paesaggi che assumono un chiaro significato
di spazio partendo da distese nelle quali le macchie
di colore dei fiori accendono il verde e il bruno
della terra, passando per prati verdi dai quali svettano
alberi frondosi divenendo, attraverso una progressiva
semplificazione che accentua i caratteri

essenziali, testimonianze della memoria ingabbiate
nella incantata scacchiera del tempo rivelando così
una chiara discendenza dai padri dell’astrattismo
modulata però, da una regola del tutto autonoma e
personale. Sono alberi, i suoi, che non vengono celebrati
nei loro aspetti stagionali, ma per lo più si ergono
sottili nei tronchi, con scarsi rami spogli che si stagliano
su uno spazio indefinito percosso dalla sferza
del fulmine oppure dominato da un astro egoista
che non illumina la scena, ma luce solo per sé stesso.
Indubbiamente questa immagine ricorrente è la nitida
traduzione in forma visiva dell’interiorità dell’artista,
di un ideale pulito che non lascia spazio ad equivoci
evocando il fascino del silenzio e della solitudine
e reminiscenze di atmosfere vagamente surreali.
Un secondo “fil rouge” che non può assolutamente
passare inosservato è l’elemento femminile che ricorre
in buona parte della sua produzione, ma non viene
logorato in un facile pittoricismo bensì diventa occasione
di ricercate semi-astrazioni ben indirizzate verso una
definizione essenziale della realtà attraverso l’individuazione
dei valori lineari, plastici e espressivi del corpo
femminile che acquisisce accezioni pure e metaforiche
che ne trascendono l’esistenza terrena e mirano esclusivamente
ai contenuti invisibili che esso comporta.
Giuseppe Reggini possiede tutta la stoffa per trasferire
sulla tela i caratteri espressivi dell’essenza femminea
con una sorta di estasi contemplativa: buon gusto, fervore,
estro, si accompagnano alle qualità tecniche cui si
sommano innate propensioni poetiche; con un raro
senso grafico modula il colore con astuzia e rivela un
temperamento tonale che felicemente si sposa con il
vigore lineare.
L’ artista utilizza il nudo femminile con una calda sensualità
del tutto scevra da torbido voyeurismo: il suo
scomporre la figura in un mosaico geometrico di tessere
policrome vela la crudezza della nudità in un inusuale
contrasto con la fluidità e la naturale sinuosità del
corpo femminile; la morbidezza ed il fluire delle lunghe
chiome conferisce
a quei
corpi ora
distesi, ora
sognanti, ora
contemplativi;
una
dimensione
impalpabile
che richiama
alla memoria
simbologie
dimenticate o
volutamente
sepolte nell’inconscio.
La
donna: custode
della vita,
strega che
uccide; angelo
della casa,
demone tentatore
che si
intrufola nei
cuori per disunire;
virgineo
ideale ispiratrice
di artisti
e poeti, laida
mercificatrice
del proprio
corpo sono
sfaccettature
contrapposte
di una stessa
pietra, luminose
e brillan-
Scene di caccia 1971
acquerello e china su carta cm. 35x51
Magico autunno 2000 - acrilico cm. ???
ti da un verso, oscure e torbide dall’altro che attraggono
e spaventano nel contempo l’animo dell’ artista e
quei tasselli caleidoscopici sono proprio il mezzo che
l’artista usa per donare forma ed immagine a questi
pensieri, a queste emozioni che lo sconvolgono. La
donna che ammalia dell’uomo, la donna che sottomette
l’uomo, la donna che si appropria dello spirito vitale
dell’uomo e lo svuota: sono le paure primordiali del
maschio, retaggio atavico che si personifica nella figurazione,
anch’essa atavica, della donna che si accompagna
al serpente.
Ma la dolcezza dell’arte dona pace al cuore turbato
e allora ecco che la donna ritorna eterea, simbolo che
si rinnova nella memoria con l’ abbandono ai più dolci
ricordi, trasferito in opere che sono la proiezione di
un sogno sospeso in una dimensione immateriale, in
uno spazio indefinito permeato di un vago appannamento
dorato ove il colore viene ridotto in polvere di
stelle che intride e impasta in una penombra rarefatta
e ignota nella quale il pittore vive le proprie percezioni
e rintraccia le motivazioni della sua poetica.
Ed è così che, unendo tecnica e cuore, Giuseppe
Reggini ha assunto una sua inconfondibile fisionomia
che gli ha permesso la caratterizzazione di un linguaggio,
il raggiungimento di uno stile fatto di illusioni
strappate ai sogni.
Mario Saccoccia
Lucia 2000 - acrilico su tela cm. 70x90 (Autorizzazione e materiale per la pubblicazione fornito dall’artista)
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