Biennale di Scultura di Roma

RoMA
biennAle
di scultuRA

RoMA
biennAle
di scultuRA
24 maggio - 31 luglio 2011
Villa torlonia - casina Valadier
a cura di
gloria Porcella
lamberto Petrecca
TesTi di
lamberto Petrecca
gloria Porcella
carmine siniscalco
Paula stoeke
duccio trombadori
ProgeTTo graFico
e coPerTiNa
lisa camPoresi
ediTiNg e suPerVisioNe
ediToriale
maria Paola PoPoni
crediTi FoTograFici
carl deal iii
monica Palermo
mario Pizzi
mauro romano
Paula stoeke
uFFicio sTamPa
natalia di stefano
nilla zaira
segreTeria
orgaNizzaTiVa
barbara santolamazza
erika morganti
mareTTi ediTore ©
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copyright maretti editore 2011
tutti i diritti riservati
finito di stampare nel mese
di luglio 2011
isbn 978-88-89477-42-7
ParTNer
media ParTNer
RoMA
biennAle
di scultuRA
rassegna
internazionale
di scultura
roma 2011

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iNdice
l’inQuietudine della modernità:
l’“arte accessibile”
gloria Porcella
roma: città aPerta
senza confini
lamberTo PeTrecca
Quando arriVano
gli ‘ultra-PoP’
duccio Trombadori
global oPPortunities
Paula sToeke
la PrimaVerile a.r.g.a.m.
nel Verde dei Parchi
carmiNe siNiscalco
arTisTi inVitati
camilla ancilotto
romero britto
erika calesini
cracking art grouP
salVador dalì
giorgio de chirico
annamaria gelmi
alba gonzales
seward Johnson
giacomo manzù
mira maylor
sante monachesi
henry moore
maurizio orrico
hannu Palosuo
mauro Perucchetti
lorenzo Quinn
alfredo raPetti
alessandro reggioli
andrew rogers
Pierluigi slis
artisti selezionati da
a.r.g.a.m.
gioVanni balderi
nunzio bibbò
federico brook
enzo carnebianca
Venanzo crocetti
Paolo guiotto
alfio mongelli
sinisca
biograFie
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l’inQuietudine della modernità:
l’“arte accessibile”
siamo giunti finalmente alla presentazione della 1^ edizione della rassegna internazionale di scultura, un
lavoro che è durato quasi due anni con la finalità di portare a roma una mostra di opere monumentali da
esterno provenienti da tutto il mondo.
il mio interesse verso questo progetto è stato indirizzato dal valore che ha il contatto tra la gente e le opere
d’arte. Quando ci si imbatte, anche involontariamente, in una scultura contemporanea in una strada, in un
parco, in un luogo dove fino a poco tempo prima c’era solo verde o asfalto avviene un incontro-scontro
che crea emozione, voglia di discutere, nel bene o nel male. non è questo che importa, si parla di arte
come trasmissione, comunicazione di sensazioni, di quei contenuti emotivi che molto spesso anticipano nella
percezione immediata di un’opera quelli tecnico-artistici in senso stretto.
soprattutto nell’ambito “contemporaneo” il parere della gente comune, non in possesso di un equiparabile
bagaglio di conoscenze, dissente da quello dei critici e degli “addetti ai lavori”, semplicemente per una
questione di punto di vista, differente ma non necessariamente sbagliato. nell’organizzazione di questo evento,
ho scelto di abbracciare la posizione del pubblico, scegliendo opere dal forte impatto estetico e dai significati
provocatori. la rassegna, infatti, invita tutti a guardare senza pagare un biglietto, senza aver paura di toccare
un’opera d’arte ed essere ripresi, senza la paura di non poter fare una fotografia, perché si ha spesso il
piacere di farla abbracciati ad essa. Mi piace vedere la reazione delle persone e mi piace osservarle mentre
si identificano con il loro artista preferito, quello che lo rappresenta di più o lo fa sognare di più.
Per la prima volta la città si apre a percorsi artistici alternativi: segni, forme, materiali, tutto rimanda alle
questioni globali che accendono il dibattito culturale senza però dimenticare la lezione dei grandi maestri
del secolo scorso. Così le opere del Cracking art Group, di romero Britto, seward Johnson e Mira Maylor si
affiancano a quelle firmate da salvador dalì, Giorgio de Chirico e Giacomo Manzù, rivendicando il ruolo
della scultura all’interno dei paesaggi metropolitani. in una società dove anche l’arte è sempre più a portata
di click e legata a contesti virtuali, questa Biennale di scultura alla sua prima edizione invita l’osservatore
a riflettere sulla presenza fisica dell’opera come impareggiabile mezzo di comunicazione collettiva e come
testimonianza di un fare e di un operare artistico che trova il suo fondamento nel lavoro manuale.
dopo questa introduzione posso serenamente passare a parlare dei veri protagonisti della rassegna, con la
coscienza pulita di chi ha lavorato sodo per realizzare un bel progetto grazie all’aiuto di tanti: in primo luogo
degli artisti, la maggior parte dei quali hanno realizzato l’opera espressamente per questo evento, delle
Fondazioni de Chirico, Manzù e dalì che ci hanno prestato delle opere straordinarie, dell’archivio sante
Monachesi, delle due ambasciate di Finlandia ed israele che hanno promosso due artisti contemporanei

dei rispettivi paesi, all’a.r.G.a.M., l’associazione romana Galleria d’arte Moderna nata 40 anni fa e
che raccoglie le proposte e le novità artistiche della Capitale; grazie alle istituzioni, in primo luogo alla
Commissione europea, alla regione lazio ed al Comune di roma, grazie alla sculpture Foundation, la più
grande organizzazione americana, e del mondo, dedicata alla scultura, con mostre dei più famosi scultori
esistenti e proprietaria del più grande parco di opere scultoree mai realizzato prima.
Quattro le sezioni che compongono il circuito espositivo: Grandi Maestri (salvador dalì, Giorgio de Chirico,
Giacomo Manzù, sante Monachesi, Henry Moore), internazionali (romero Britto, seward Johnson, Mira
Maylor, Hannu Palosuo, Mauro Perucchetti, andrew rogers, lorenzo Quinn), Contemporanei (Camilla
ancilotto, erika Calesini, Cracking art Group, annamaria Gelmi, Maurizio orrico, alba Gonzales, alfredo
rapetti, alessandro reggioli, Pierluigi slis), a.r.G.a.M. (Giovanni Balderi, nunzio Bibbò, Federico Brook,
enzo Carnebianca, Venanzo Crocetti, Paolo Guiotto, alfio Mongelli, sinisca). la rassegna, inoltre, è presente
nel percorso espositivo della 54. esposizione internazionale d’arte, la Biennale di Venezia con uno speciale
spazio fotografico allestito sull’isola di san servolo dove vi è modo di ammirare le opere di alcuni tra gli
artisti invitati al contempo all’evento romano. sono, infatti, in tutto 10 le figure ospitate sia a roma che
alla Biennale arte veneziana, nel Padiglione italia, in quelli regionali ed in quelli nazionali: nunzio Bibbò,
erika Calesini, Cracking art Group, alba Gonzales, alfio Mongelli, Hannu Palosuo, lorenzo Quinn, alfredo
rapetti, Pierluigi slis, sinisca. Una manifestazione, dunque, che ha il sapore della rivincita verso quanti
“condannano” roma, volontariamente e non, ad un ruolo marginale all’interno dei circuiti dell’avanguardia
nell’arte.
Per concludere, non posso esimermi dal rispondere, con l’unico mezzo che ho a disposizione, ad alcune
polemiche strumentali che sono apparse su un quotidiano che ha voluto infangare il mio nome e quello della
Galleria Ca’ d’oro (protagonista nel settore dell’arte contemporanea nella Città di roma da quasi mezzo
secolo) con il solo scopo di denigrare questa 1^ edizione della rassegna internazionale di scultura.
il fatto di essere stata eletta consigliere municipale (quindi il primo gradino di un’eventuale carriera politica)
dal 2005 al 2008 è risultato l’unico appiglio disponibile ad una certa stampa “in vena di critiche” per
accusarmi di godere di appoggi politici che mi consentono di lavorare nel mondo dell’arte e della cultura, e
di negare di aver mai partecipato ad eventi internazionali. demeriti inveritieri e disinformazione che creano
altra disinformazione. Fortunatamente tutto ciò non ha avuto, e non ha, alcuna presa su chi conosce il mio
lavoro, chi ricorda il mio impegno nella promozione della cultura negli anni in cui ho ricoperto un ruolo
pubblico, e che danneggia inevitabilmente e volontariamente un’iniziativa come la rassegna internazionale
di scultura: vetrina pregiata per l’arte e la Città di roma.
abbandonando per un momento la discussione e le polemiche, posso affermare che, per effetto contrario,
questa costante demonizzazione del mio operato ha avuto due sole tangibili conseguenze: parlare di
una mostra di scultura sulla cui rilevanza artistica altri giornali non hanno avuto dubbi alcuno e, per quel
quotidiano, “meritarsi” una denuncia per diffamazione.
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Comunque serena durante tutta questa vicenda, mi sono sentita forte ogni giorno di più del fatto che sapevo
di realizzare un evento di qualità per la mia città, apprezzato da chi ha visitato consapevolmente la mostra
e da chi si è occasionalmente imbattuto in essa. Concludo con un ricordo che mi da certezza espressiva e di
pensiero: Giorgio de Chirico, uno dei più grandi artisti del ‘900 e testimone di nozze di mio padre, in vita è
stato molto criticato dagli stessi ambienti conservatori, mentre oggi è presente a testa alta a rappresentarci,
con onore ed indimenticabile bravura, in tutto il mondo… su ciò, ho sempre riflettuto, e su ciò continuerò
sempre a riflettere per non sbagliare.
gloria Porcella
Gloria PorCella ai Piedi
della sCalinata di Piazza
di sPaGna Con la sCUltUra
di Henry Moore

oma: città aPerta
senza confini
e’ il grande amore per la Città di roma che ci ha spinto a organizzare questa 1^ edizione della rassegna
internazionale di scultura.
roma la Città eterna, roma la città più bella del mondo. di sicuro roma, insieme ad atene, culla della storia,
dell’arte e della cultura in occidente.
Ma roma, rispetto ad atene, mostra una grande differenza. ad atene c’è l’acropoli e il Partenone. Poi più
nulla. e’ una città moderna. roma no. a roma c’è stata una tale e pressoché continua fioritura di arte e di
architettura nel corso dei secoli, tanto da testimoniare un indiscusso primato lungo tremila anni.
Gli artisti che si sono succeduti in questa grande, unica, opera d’arte che è la Città di roma, erano di volta
in volta dei contemporanei. Michelangelo, raffaello, Mantegna, Bernini, Borromini, ecc. erano contemporanei
dei Papi e dei cardinali loro committenti. Come spesso accade agli artisti contemporanei di ogni epoca,
a volte anche loro risultavano, come dire, troppo audaci, come nel caso di Michelangelo e degli affreschi
della sistina. Purtroppo poi, morto Michelangelo, un ottuso e bigotto personaggetto del Palazzo, amante
dei bassi intrighi da corridoio e affetto da stizzoso protagonismo - anche di questi, purtroppo, ce ne sono in
ogni epoca - riuscì a convincere le autorità vaticane dell’epoca a decretare la copertura delle pudenda dei
personaggi dipinti nel Giudizio Universale con i famigerati braghettoni rimasti tristemente a coprire l’arte di
Michelangelo fino all’ ultimo restauro terminato nel 1994, quando finalmente si decise di riportare alla luce
l’originale michelangiolesco rimuovendo i braghettoni. l’arte per fortuna è un’altra cosa.
s’impone allora una riflessione.
noi dobbiamo certamente proteggere i nostri tesori. a roma esiste il 1° Parco archeologico del mondo.
oltre a questa meraviglia ci sono tesori di inaudita bellezza e di inestimabile valore stratificatisi, come si
diceva, nei secoli. in più nei sotterranei di quasi tutti i Musei ci sono opere d’ arte per riempirne almeno
altrettanti. abbiamo tesori dappertutto. li dobbiamo proteggere.
Ma che cosa vuol dire veramente proteggere? la funzione di “proteggere” può, deve avere due valenze. da
un lato, senza dubbio, conservare e restaurare con competenza e rigore il meraviglioso patrimonio di cui
disponiamo. Ma accanto a questa, la funzione di “proteggere” ha anche una valenza dinamica, attiva. si
tratta di promuovere, stimolare, arricchire. Promuovere l’arte, stimolare la creatività, arricchire quel patrimonio
con altre opere così come è sempre stato per secoli; ed è anzi proprio per questo motivo che roma, a
differenza di atene e di ogni altra città del mondo, ha una bellezza che si è formata non in un solo periodo
storico ma lungo un arco di tremila anni. se ci si limita alla sola valenza del conservare, doverosa peraltro,
si fa torto alla nostra storia e alle generazioni future. Con questa rassegna internazionale di scultura abbiamo
voluto innanzitutto offrire una possibilità in più in tal senso.
Quattro sezioni: a) Grandi Maestri; b) internazionali; c) Contemporanei; d) sezione a.r.G.a.M.
non a caso la scelta di esporre sculture a cielo aperto si sposa con quanto già nel ‘400 angelo Poliziano andava
affermando quando sosteneva che l’architettura e la scultura, rispetto alle altre forme d’arte, godono
di un indubbio vantaggio in più. Godono della “ricezione nella distrazione”. infatti – diceva il Poliziano – il
contadino che ogni mattina porta il suo carretto di frutta e verdura dalla campagna al mercato cittadino, non
10|11
sa nulla di arte… ma ci
passa in mezzo e l’ arte
entra dentro di lui senza
che se ne accorga e ne
influenza, a lungo andare,
la sensibilità. in un
museo bisogna decidere
di andarci, fare la fila,
pagare un biglietto. la
convinzione invece che
delle sculture a cielo
aperto possano essere
fruite liberamente e continuativamente
da tutti e
che questa ricezione arrechi
beneficio a sempre
più larghe fasce di pub- laMBerto PetreCCa e Gloria PorCella dUrante la ConFerenza
blico, ci ha spinto a su- staMPa inaUGUrale della Biennale di sCUltUra a Casina Valadier
perare i vari, inevitabili
ostacoli che un’esposizione di tal genere sapevamo potesse comportare.
soprattutto per questo motivo siamo felici di collaborare con Gloria Porcella, da molti considerata, e a ragion
veduta, una pioniera della Street Art, arte in strada o a cielo aperto che dir si voglia. Già nel 1997
veniva presentata la prima mostra en plein air a roma in Piazza di spagna, a Via Condotti, a trinità dei
Monti e in Via Veneto e da quel momento la passione per l’arte in strada ha costituito un contrappunto
costante di un percorso professionale dispiegato sia in italia che all’estero. sempre collaborando con le
istituzioni, tanto italiane quanto straniere, sono state realizzate mostre e installazioni che hanno sempre raccolto
consensi da Berlino a Gsaadt, da Hannover (per l’expo Universale del 2000) a Cortina, da Venezia
alla Costa smeralda, da Milano a torino, da Montecarlo a Mondello, da Viterbo a riccione, da ancona
a strasburgo, per finire con una delle mostre più importanti mai realizzate negli ultimi vent’anni a Miami
Beach (Usa), città che da 10 anni è sede della famosa Fiera di arte Contemporanea Miami art Basel dove
sono state esposte 45 chiocciole giganti del collettivo artistico europeo Cracking art Group. e ogni volta
sono stati affrontati - e sempre superati - vari tipi di problemi, da quelli logistici e organizzativi a quelli,
come dire, più squisitamente legati all’establishment, al sistema. Ma se è vero, come è vero, che il compito,
la missione dell’ arte è quello di elevare le sensibilità, toccare e far vibrare quelle corde in fondo al cuore
che altre cose non possono neanche sfiorare, rivitalizzare le coscienze, allora ne sarà sempre valsa la pena.
e se è vero, come è vero, che il Bene Comune non è fatto solo di fattori economici, certo importanti, ma soprattutto
di sviluppo umano, etico e morale e che proprio su questo terreno l’arte può svolgere il suo compito
e dare il suo massimo contributo, allora l’arte o, ancor meglio, il Patrimonio artistico Comune devono per
forza rinnovarsi sempre ed arricchirsi di continuo.
allora forse cominceremo a pensare alla nostra terra, alle nostre Città, non come a un qualcosa che ci è
stato lasciato in eredità dai nostri Padri, ma come a un qualcosa datoci in prestito dai nostri figli. abbiamo
il dovere di restituirle migliori!
lamberTo PeTrecca

Quando arriVano
gli ‘ultra-PoP’
sagome voluminose occupano lo spazio e come punti di orientamento ne costellano la cavità. suggeriscono
il palpito di una vitalità primordiale e indefinita. ecco finalmente le ‘sculture’. eccoli, i corpi variamente progettati
per estensione del pensiero visivo in virtù di una passionalità mimetica e formale che scommette sulla
capacità di suscitare la metamorfosi emotiva di chi osserva o prende parte allo spettacolo.
noi oggi sappiamo, anche meglio di ieri, fino a che punto la scultura sia una ‘lingua morta’ (arturo Martini)
che però è in grado di fermentare un gioco plurimo di apparenze e di succedanei di creatività: dal corpo
elaborato a mano che ritaglia lo spazio dopo averlo occupato, assistiamo al gioco cinetico dei vari rivestimenti
(vedi Christo) o degli ‘happenings’, delle ‘performances’, delle diverse ‘macchine celibi’ (tinguely,
zorio) e di altre soluzioni visive che ci inducono a disarticolare la visione scultorea, la trasformano quasi
fino alla sua sparizione.
la simbiosi di esperienze e di virtualità espressive modulate dalla creatività contemporanea non reclama coerenza
compositiva e tantomeno rigore di enunciato poetico: l’oggetto estetico derivato può così associare
il movimento alla massa e all’energia, in alcuni casi quasi dissolvendo il tradizionale principio statico che
rende la scultura sinonimo di oggetto solido innestato nello spazio.
la virtù mitopoietica del materiale plastico, le manipolazioni elettroniche e gli ingrandimenti visivi ad opera
della telematica pubblicitaria rendono sempre più elastica la nozione di un’arte come la scultura: originariamente
muta, immobile e su tre dimensioni, e adesso invece tende sempre più ad assorbire ed a far sue le
diverse manipolazioni hi-tech.
tutto l’immaginario post-moderno (cinema, fiction, televisione, eccetera) è popolato di simili figure posticce,
fattoidi e fantocci animati, Golem e maschere artificiali che incarnano i più imprevedibili e arbitrari prodotti
della fantasia. Così antiche mitologie e modernissime narrazioni fantascientifiche si incrociano in una contaminazione
plurima come la segnaletica di un pandemonio incontrollato dell’immaginario collettivo e dello
scenario metropolitano
Cinema, fotografia, pubblicità, televisione, consumano ed incitano a rielaborare una nuova unità di misura
della pittura e della scultura: ecco l’emulsione spettacolare del nostro tempo, con i suoi eroi eponimi, impegnata
nel fare emergere, senza la minima distinzione, la fisionomia di un’arte corrispondente all’epoca
della osmosi planetaria, della concorrente civiltà del commercio, del capitalismo diffuso, della velocità immateriale
degli scambi e delle compatibilità economiche.
e fa un effetto piacevolmente distonico, cioè per nulla dissonante, di vedere un primo sintomatico accenno
al coro contemporaneo internazionale di “questi fantasmi”, cioè i derivati attuali della scultura, collocati in
mezzo al verde di roma, tra il Pincio e la Via nomentana in Villa torlonia, e selezionati con intelligente noncuranza
di stile e di intenzione espressiva a configurare il profilo di una sorta di ‘scultura-arte totale’, vale a
dire di un genere espressivo dove spazio, ambiente, natura e cultura, ‘tradizione del nuovo’ e immaginario
postindusriale si danno la mano in un dialogo ravvicinato.
12|13
il CritiCo-CUratore dUCCio troMBadori
e l’artista alFredo raPetti
Così parla il tempo uniforme e omologato del messaggio pubblicitario e dell’amalgama plastico (‘civiltà del
petrolio’) suggerendo elaborazioni visive che vagano nello spazio e si calano come strani apporti luminescenti
(vedi le enormi chiocciole plastico-degradabili del Craking art Group). Ma si guarda anche (pensando
alla distanza che separa il marmo della Venere di Milo dal clima ‘postmoderno’) alla gelatina Jelly Baby
di cui si serve l’italiano-londinese Mauro Perucchetti per modellare soggetti contemporanei in veste ‘paraneoclassica’
suggellando con ironia ‘kitsch’ la confezione delle sue sculture.
e pure enumerando con crescente stupore si assiste alla ricerca dell’effetto spettacolare come epicentro
dell’impresa espressiva di seward Johnson, sintomatico plasticatore al computer di un gigantesco ‘immaginario
in cinemascope’, emulo vagamente lirico degli oggetti elefantiaci studiati da Claes oldenburg. in
sequenza del gusto pop, declinato per attenzione ai temi ambientali ed ecologici, sorprendono le ideazioni
in vetroresina di Mauro Perucchetti, singolare interprete di un immaginario natural-surreale, e ancora di più
le spettrali quanto smisurate efflorescenze modellate da andrew rogers, figure vegetali di un esorcizzato
‘day after’, tanto quanto memori delle solitarie figurazioni dipinte di Georgia o’ Keefe.
il ritmo della land art dà il tono all’immaginazione visiva di molti autori, e la scultura sembra davvero
confermarsi come ‘campo allargato’ (‘expanded field’, per dirla con rosalind Kraus) dove convivono e si
riassumono tutti i problemi formali della materia e quelli della immaterialità, il pieno e il vuoto, l’orizzontale
e il verticale ed altre condizioni della rappresentazione del volume nello spazio.
e ancora la parodia pop dell’oggetto meccanico, del cartone animato, dell’immaginario ‘teenage’, si
mostrano in tutta la loro enfasi onirica nelle costruzioni in materiale ferrigno di erika Calesini, così come
nelle brillanti figurazioni in plastica di romero Britto, nei reticolati allegorici figurati da Pierluigi slis, nella
scultura-puzzle semovente messa in campo da Camilla ancilotto o nel gioco di sproporzioni messo in forma
da lorenzo Quinn, con la mini-Vespa toccata dalla mano di un incombente quanto invisibile Gulliver.
sono opere dal piglio brioso che giocano per lo più su di uno spirito parodistico che associa il sorriso
all’ambizione artistica per la ‘meraviglia’. in questa disposizione d’animo si rivela fino in fondo lo spirito di
una generazione contemporanea che ha messo dietro le sue spalle i rumori e i fragori del secolo appena trascorso,
non senza avere metabolizzato l’esperienza dei traumi e delle grandi illusioni delle generazioni passate.
siamo al cospetto di un “nihilismo dolce”, al pari della (fu) transavanguardia, come avrebbe detto il suo
mentore principale, achille Bonito oliva? non direi. Qui nemmeno il nihilismo, sia pure edulcorato, pare
abbia fatto il nido. si fa piuttosto strada una spensieratezza del tutto positiva, una sorta di artisticità rappacificata
col suo tempo, con una punta di ironia di natura ‘riformista’ e per nulla incline ad immaginare
scenari ‘apocalittici’ e ‘rivoluzionari’.
anche per questo, la rassegna internazionale di scultura di roma rappresenta un interessante termometro
dell’oscillazione del gusto contempraneo. la ‘scultura’ che si fa strada nel tempo delle nuove generazioni
ambisce a dialogare con gli appetiti, i desideri, le speranze della grande massa, ne condivide aspettative
e patrimonio immaginario, sollecita con modestia la possibilità di interagire senza violentare il gusto del
pubblico, alla pari del cinema e tanto più della televisione.
arte “ultra pop” potremmo dire, e non a caso segno di un modo internazionale di vedere (e di creare) che
ha il suo centro nella civiltà Usa. da questo punto di vista ancora più interessante si fa il raccordo tra la
dimensione “ultra-pop” e quella che la rassegna documenta come scultura operante nel segno della “tradizione
moderna”, declinando tanto il linguaggio della figurazione simbolica quanto quello della materia
e della pura astrazione.

Particolare, per esempio, è l’opera dell’israeliana Mira Maylor, con le sue modulazioni in vetro, che tiene
assieme motivazione etica ed estetica, tanto quanto l’astrazione simbolica di annamaria Gelmi; diversamente,
invece, dal gusto di puro cesellatore di forme essenziali come il finlandese Hannu Palosuo, o pure
dell’italiano alfredo rapetti, che sembra declinare una raffinata « estetica della scrittura » con le sue stele
punteggiate di ideogrammi immaginari. a queste variazioni sul tema dell’astrazione più o meno simbolica,
si accompagnano le opere di alba Gonzales, alessandro regioli e Maurizio orrico, che stilizzano la figurazione
per ottenere la sintesi di un simbolismo plastico dal sapore vagamente metafisico.
su una simile lunghezza d’onda, che tiene fermo alla ‘scuola della scultura’, oscillando tra astrazione e
simbolismo figurativo, si dispone anche la selezione di artisti operata da a.r.G.a.M.: a partire dalle forme
limpide, semplificate e stilizzate da sinisca, Mongelli, Brook e Balderi, per arrivare alle forme allusive potenziate
dall’energico plasticare di Guiotto, Carnebianca, e Bibbò, non senza dimenticare l’originale, estatica,
delicata maniera di dare forma alla figura femminile da parte di un grande maestro della scultura italiana
del ‘900 come Venanzo Crocetti.
discorso a parte,e in un certo senso più approfondito, meriterebbero i maestri del ‘900 chiamati a fare in
qualche maniera da ‘padrini’ a questa esposizione, pur senza voler indicare con la loro presenza una qualche
filiazione diretta con la contemporaneità: Giorgio de Chirico, salvador dalì, Giacomo Manzù, Henry
Moore e sante Monachesi.
se de Chirico e dalì segnano in modo esemplare il tempo di una civiltà che ha voluto immergersi con l’arte
nel mondo inesplorato e misterioso dei sogni, indicando in questo patrimonio di immagini la radice di ogni
autentica creazione, diverso ragionamento distingue l’opera a base naturalista di uno scultore come Henry
Moore, attento visitatore delle apparenze visibili ed autore di sintesi plastiche che celebrano la pienezza
della vita come nelle più solari composizioni di Picasso (le donne sulla spiaggia degli anni trenta) e di
Matisse (‘la danse’, ‘la joye de vivre’, e ‘luxe, calme et volupté’). distinta infine, ma non meno eccellente sul
piano naturalistico, risulta l’ironica cucitura di forme effettuata dal post-futurista sante Monachesi, che con il
suo ‘dittatore’ sintetizza una testa d’uomo in atto di arringare con voce piena (evidente allusione al ‘duce’)
in un gioco di curve, pieni e vuoti degna della migliore lezione espressiva di Balla e Boccioni.
Forte di questo ancoraggio al passato moderno dell’arte, la rassegna di roma non vuole avere l’ambizione
di fare ‘storia ragionata’ della varia e tormentata vicenda della scultura nel XX secolo. la presenza dei
maestri citati, oltre a segnalare singolari sintonie con l’opera dei contempranei, vuole soprattutto indicare le
linee guida di un progetto documentario che non si ferma solo ai nomi di questa occasione, bensì intende
crescere ed allargarsi, per dotare gli spazi e gli scenari metropolitani di roma di una sempre maggiore
attenzione sui capolavori della scultura, capitolo essenziale e testimonianza indispensabile per intendere
l’arte nella civiltà contemporanea.
duccio Trombadori
14|15
global oPPortunities
PaUla stoeKe, PriMo Piano
rome is a global mecca for people to come to be enriched by the ancient, whether it be architecture, cultural
history or the visual arts. Casting rome in a new light, as a destination for travelers, arts aficionados and
artists to encounter contemporary works of sculpture, is something quite extraordinary. this year’s premiere
exhibition of three-dimensional work is a tour de force in terms of range of style. Visitors are invited to
observe the dichotomy between dali’s rather familiar melting clock outside the Casina Valadier and the
surprising presences of the white marble superman and Batman in the courtyard by london sculptor Mauro
Perucchetti . these in turn contrast with the subtle and intricate webbing of the piece by Hannu Palosuo of
Finland. Mira Maylor, of israel, sets a contemplative mood with her canvas-like sculpture of pure white and
blue, while romero Britto, born in Brazil, stuns with his vivid colors. the 42 works of art on display guide
viewers through an array of emotions, proportions and materials that introduce the new and celebrate the
classical with a contemporary turn.
i believe that one of the most spectacular elements of what this show is destined to become has to do with
the intrinsic draw of the city of rome. rome offers an irresistible landscape for sculptors and curators.
Placing these diverse modern concepts amid the graceful antiquities of this fabled city – which acts like an
operatic stage setting – brings a regal quality to the art itself. it is a pleasure to experience the surreal scene
of gigantic pink snails (Cracking art Group, italy) living alongside the stone busts on pillars, as well as
Mussolini’s Palace at Villa torlonia playing host to a 25 foot tall figurative tribute to the close of World War
ii by seward Johnson (United states). When viewing andrew rogers’ (australia) sculpture from his floral
series a backdrop of the racing chariots from the iconic Vittoriano rooftop frame the scene. these are just a
few examples of these distinctive settings.
Under the guidance of curators Gloria Porcella and lamberto Petrecca, i believe we will watch this exhibition
grow into one of the most sought after venues for artists from every country, and one of the most anticipated
international showcases for the voice of contemporary sculpture.
Paula sToeke
the sculpture Foundation, inc. is a charitable and educational organization dedicated to providing exhibitions and contemporary
landmark public artworks for communities. the spectacular 35 acre sculpture park, Grounds For sculpture, in Hamilton, new Jersey
showcases a significant portion of works owned by tsF. the Collection, including more than 150 artists and currently valued at
over fifty million dollars, is on view in urban centers, small towns, regional parks, and cultural institutions worldwide. Visit www.
sculpturefoundation.org for additional details.

la PrimaVerile a.r.g.a.m.
nel Verde dei Parchi
invitato da Gloria Porcella e lamberto Petrecca, a nome dell’associazione Culturale Biennale di sculture
all’aperto, a collaborare con l’a.r.G.a.M. (associazione romana Gallerie d’arte Moderna) alla loro iniziativa,
non ho esitato ad accettare desistendo dalla decisione presa di non realizzare quest’anno la tradizionale
PriMaVerile roMana approdata alla sua diciannovesima edizione e per due anni consecutivi
realizzata senza alcun patrocinio e contributo istituzionale, per i noti tagli alla cultura talvolta indiscriminatamente
apportati. Conosco Gloria da anni, ne apprezzo le capacità organizzative, la volontà e l’attivismo
entusiasta, il suo non risparmiarsi nel portare a termine le iniziative nelle quali crede. e alla cui realizzazione
contribuisce con non diverso impegno professionale lamberto Petrecca, il suo socio, una new entry che
mi ha fatto piacere includere nel giro delle mie relazioni. la Ca’ d’oro, storica galleria della roma Centro,
della cui programmazione Gloria Porcella è responsabile insieme al padre, l’amico toni, fa parte tra l’altro
dell’a.r.Ga.M. e riprendere un rapporto di collaborazione con l’assessorato alle Politiche Culturali del Comune
di roma (ed ora anche del Centro storico), che insieme alla Comunità europea ed alla regione lazio
avrebbe sostenuto il progetto, era una possibilità offerta all’associazione dal binomio Porcella-Petrecca che
non poteva non essere apprezzata da me personalmente e dai miei colleghi a.r.G.a.M.
e così l’a.r.G.a.M. è stata coinvolta in questo progetto che, divenuto rasseGna internazionale di
sCUltUre all’aPerto e trasferitosi dalle piazze romane per cui era stato concepito alla Casina Valadier e
a Villa torlonia ha visto infine la luce, dopo alcune difficoltà di carattere soprattutto burocratico, e nel modo
migliore a mio avviso, in quanto le due sedi nelle quali sono state posizionate le sculture mi sembrano più
idonee, raccolte e sicure che non le piazze in precedenza selezionate.
Vorrei sottolineare che il contributo a.r.Ga.M. si è concretato nello scegliere alcuni scultori e suggerirli al
comitato organizzatore, prendere quindi i contatti con i singoli artisti, mettere a punto la scelta delle opere
e assicurarne la disponibilità per l’installazione, ma – dando a Cesare quel che è di Cesare – devo riconoscere
che il lavoro di posizionamento delle sculture e di organizzazione della conferenza stampa alla
Casina Valadier è stato svolto dall’associazione Porcella - Petrecca, per intero ed egregiamente nonostante
i problemi pratici di volta in volta insorti.
la selezione iniziale dell’a.r.Ga.M. è stata in fase di chiusura del progetto ridotta a otto scultori, in quanto
necessario eliminare qualche opera per le difficoltà del trasporto, materiali ed economiche. Gli artisti presenti
nella rassegna sono, in ordine alfabetico: GioVanni Balderi - nUnzio BiBBo’ - FederiCo BrooK
- enzo CarneBianCa - Venanzo CroCetti - Paolo GUiotto - alFio MonGelli - sinisCa.
tre di questi, nUnzio BiBBo’ - alFio MonGelli - sinisCa, sono presenti alla 54° Biennale di Venezia,
Padiglione italia, il primo al Museo di sophia, in Bulgaria, gli altri due a roma e a Palazzo Venezia. Gli artisti
scelti sono tutti noti in italia ed all’estero quali qualificati professionisti, sette vivono e lavorano a roma, ed
all’ottavo – Venanzo Crocetti –, uno dei più interessanti scultori del novecento italiano, più conosciuto forse
in Giappone che nella stessa italia, da pochi anni scomparso, è dedicato un prestigioso museo nella sua
residenza romana di Via Cassia. Federico Brook, argentino di nascita, italiano di acquisizione, è senz’altro
uno dei più significativi scultori stranieri residenti in italia, con un curriculum di tutto rispetto, vincitore di
16|17
concorsi e bandi nazionali e
internazionali. lo stesso afflato
internazionale traspare dalla
documentazione che accompagna
le opere di alfio Mongelli,
Presidente della rome University
of Fine arts, negli ultimi anni
particolarmente attivo anche in
Cina, artista che costringe la
scienza in involucri di metallo
per trasmetterla in strutture po-
da sinistra: toni PorCella, CarMine sinisCalCo, Pino CanGeMi, laMBerto PetreCCa,
etiche. decisamente internazio- Gloria PorCella, MassiMiliano MonteFUsCo, Carlo de roManis, PaUla stoeKe
nale, con circa 25 anni di soggiorni
negli stati Uniti, è sinisca, nato pittore, dal 1970 dedicatosi anche alla scultura, con 160 personali
in quattro continenti, creatore di foreste di acciaio e di totem che sono un trionfo della verticalità ed una
testimonianza di personale spiritualità. Paolo Guiotto è artista di nicchia, come pittore e come scultore, rappresentato
anche agli Uffizi e al MoMa di new york, presente in questa rassegna con un’opera – Il corpo
assente - che dalla sua prima presentazione al pubblico è entrato nella storia dell’arte. enzo Carnebianca,
portatore di un mondo visionario arricchito da un patrimonio culturale che le sue opere trasmettono direttamente
al fruitore, espone un’opera di complessità compositiva e difficile esecuzione, materia e spirito in una
spirale di bronzo. nunzio Bibbò si distingue dagli artisti della sua generazione per lo spirito di ricerca che
segna il lavoro dei suoi anni più recenti, dove è passato dai materiali tradizionali della scultura all’utilizzazione
di altri strumenti che includono catrame e arnesi riciclati, con risultati di particolare interesse e novità.
e per chiudere, citando il più giovane degli artisti a.r.G.a.M. di questa rassegna, presentiamo Giovanni
Balderi, attratto dalla purezza del bianco statuario, attento e raffinato cesellatore della materia, creatore di
forme appena suggerite ed accennate e pur ricche di sensualità.
e’ questa la prima rassegna internazionale di sculture all’aperto cui abbia partecipato l’a.r.G.a.M., altre
potrebbero seguire e la rassegna diventare una Biennale come in precedenza annunziato. io mi attengo al
presente, e senza ipotecare il futuro inviterei a tenere in considerazione gli sforzi che sono stati fatti per arrivare
oggi a questo risultato. si sarebbe forse potuto fare meglio e di più, non lo nego, se si fossero ottenuti
maggiori incentivi e incontrate minori difficoltà, ma già quanto è stato fatto va apprezzato nel suo giusto
valore perché ha arricchito la città, ha portato l’arte ad un pubblico non necessariamente di intenditori ed
intellettuali, ha dato la possibilità a degli artisti di uscire dai loro studi e dai luoghi deputati delle esposizioni
per presentarsi in luoghi pubblici, a tutti aperti, e di iniziare un nuovo dialogo con nuovi interlocutori. e non
è poco. Per questo con i miei colleghi ringrazio, a nome dell’a.r.Ga.M., l’associazione Culturale di Gloria
Porcella e lamberto Petrecca per averci dato la possibilità di contribuire a questo progetto estendendo il programma
della PriMaVerile a.r.G.a.M. 2011 alla presenza alla Casina Valadier e a Villa torlonia di artisti
proposti dall’associazione, in parte presentati anche al Museo Venanzo Crocetti, dove la nostra annuale
manifestazione ha debuttato prima di partire per la Cina per quindi ritornare entro il mese di giugno al
museo di partenza. Una PriMaVerile uscita dalle gallerie, approdata al museo, scesa quindi nelle piazze
ed esportata anche all’estero… e neanche questo è poco dal momento che, non in calendario quest’anno,
è rinata dall’inverno grazie ad un’inattesa telefonata di Gloria Porcella che ne auspicava e sollecitava la
presenza e la continuità.
carmiNe siNiscalco

arTisTi inVitati

PeCCato oriGinale
20|21
CaMilla
ancilotto

22|a

JUst For yoU
24|25
roMero
britto

azUl JUst For yoU
26|27

tHe BlaCK CarPet re(CyCle)
28|29
eriKa
calesini
54. esPosizione internazionale d’arte, la Biennale di Venezia

30|a

snails
32|33
CraCKinG
art grouP
54. esPosizione internazionale d’arte, la Biennale di Venezia

34|35

noBility oF tiMe
36|37
salVador
dalì

38|39
sUrrealist
Piano

Gli arCHeoloGi
40|41
GiorGio
de chirico

42|43

la Porta
44|45
annaMaria
gelmi

46|a

l’innesto
48|49
alBa
gonzales
54. esPosizione internazionale d’arte, la Biennale di Venezia

50|51

UnConditional sUrrender
52|53
seWard
Johnson

didasCalia
oPera
didasCalia
oPera
54|a

56|57

il FaUno
58|59
GiaCoMo
manzù

60|61

CoVer
62|63
Mira
maylor

64|65

il dittatore
66|67
sante
monachesi

68|69

Untitled, 1937
lead and Wire series
70|71
Henry
moore

72|a

il ViaGGiatore
74|75
MaUrizio
orrico

didasCalia
oPera
didasCalia
oPera
76|a

salotto
78|79
HannU
Palosuo
54. esPosizione internazionale d’arte, la Biennale di Venezia

80|a

Modern Heroes
MiCHelanGelo 2020
82|83
MaUro
Perucchetti

didasCalia
oPera
didasCalia
oPera
84|a

Jelly babies
86|a

la dolCe Vita
88|89
lorenzo
Quinn
54. esPosizione internazionale d’arte, la Biennale di Venezia

tHis is not a GaMe
90|91

lettera 2011
92|93
alFredo
raPetti
54. esPosizione internazionale d’arte, la Biennale di Venezia

didasCalia
oPera
didasCalia
oPera
94|a

saFety Heart arMoUr
96|97
alessandro
reggioli

98|99

UnFUrlinG
FroM oPtiMisM to HoPe
100|101
andreW
rogers

didasCalia
oPera
didasCalia
oPera
102|a

Cesare
104|105
PierlUiGi
slis
54. esPosizione internazionale d’arte, la Biennale di Venezia

106|107

artisti selezionati da a.r.g.a.m.

dal Mare al Cielo
110|111
GioVanni
balderi

112|113

il GUerriero
114|115
nUnzio
bibbò
54. esPosizione internazionale d’arte, la Biennale di Venezia

nUVola in GaBBia
116|117
FederiCo
brook

118|119

sPirale
120|121
enzo
carnebianca

122|123

Grande allieVa di danza
124|125
Venanzo
crocetti

126|127

il CorPo assente
128|129
Paolo
guiotto

130|131

enea
132|133
alFio
mongelli
54. esPosizione internazionale d’arte, la Biennale di Venezia

134|135

CoMPosizione di tre toteM
136|137
sinisca
54. esPosizione internazionale d’arte, la Biennale di Venezia

138|a
soNo sTaTi iNViTaTi alla
54. esPosizioNe iNTerNazioNale d’arTe
la bieNNale di VeNezia
nUnzio BiBBò
eriKa Calesini
CraCKinG art GroUP
alBa Gonzales
alFio MonGelli
HannU PalosUo
lorenzo QUinn
alFredo raPetti
PierlUiGi slis
sinisCa

iografie

CaMilla anCilotto
è nata a roma il 14 ottobre 1970. Vive e lavora tra la toscana e roma. nel 1993 comincia ad approfondire i suoi studi
artistici presso l’istituto europeo di design e la scuola delle arti ornamentali san Giacomo a roma. in quegli anni partecipa
a diverse mostre collettive nella Capitale. nel 1997 decide di arricchire il suo curriculum con un’esperienza di studio e
lavoro oltreoceano, a new york, presso la new york academy of art, dove consegue un diploma di MFa (Master in Fine
of art) con il massimo dei voti. a new york partecipa con successo a due collettive presso la Galleria “atmosphere”, nel
quartiere di Chelsea a Manhattan, e alla Galleria “stuio 4West”, dove riscuote il successo di pubblico e critica. l’artista
partecipa successivamente a due mostre collettive che la consacrano: “Bestiario”, con opere di Bruno Caruso, Giacomo
Porzano, e Vespignani affiancate da quelle firmate da giovani promesse; e una dedicata a rembradt, nel 2006, con artisti
di rilievo quali ennio Calabria, Kokocinski, Carlo Guarienti, Giuseppe Modica e altri. nel 2008, viene chiamata ad
esporre presso la Galleria davico di torino.
roMero Britto
nasce a recife, in Brasile, nel 1963 ed è un pittore, scultore e serigrafo neo-pop. stabilitosi a new york, Britto ha iniziato
a lavorare per strada a Coconut Grove, diventando famoso nella comunità. Ha realizzato i ritratti di roger Federer,
dustin Hoffman, del senatore ted Kennedy e di moltissimi altri personaggi del mondo della politica, del business e dello
spettacolo. si è affermato sulla scena artistica internazionale nel 1989, quando ha ricevuto da absolut Vodka l’incarico
di disegnare l’etichetta della bottiglia per una campagna pubblicitaria. subito dopo la campagna per absolut, lo stile
bizzarro da cartoni animati di Britto è stato richiesto dalle grandi società per realizzare grandi murales, sculture e loghi di
prodotti in tutto il mondo. recentemente, ha ricevuto commissioni da società come disney ed evian. Britto è stato nominato
ambasciatore delle arti dello stato della Florida. le sue opere sono apparse in numerose pubblicazioni in tutto il mondo.
Britto non si limita alla pittura su tela, ma ha disegnato anche loghi, mobili e costumi. Un’icona della cultura pop attuale,
romero Britto crea capolavori contemporanei che evocano uno spirito di speranza e trasmettono un senso di felicità. la
sua concezione artistica originale, definita “l’arte della guarigione”, unisce colori brillanti e soggetti vivaci ad elementi
compositivi del Cubismo. l’opera di Britto trasmette un’onestà che si riflette nel suo desiderio di usare colori ricchi di felicità.
eriKa Calesini
è nata nel 1974 a Cattolica. artista italiana con una personalità artistica di spicco nel trattare i materiali e nel suggerire
percorsi di riflessione artistica inusuali. Conclusi gli studi all’istituto statale d’arte a Pesaro, dopo vari corsi di specializzazione
in stilista di moda, inizia a lavorare in varie aziende come designer. ad un certo punto della sua vita, sente il
bisogno di avere un suo proprio spazio e crea una sua linea di accessori e abbigliamento, che distribuisce in negozi molto
importanti. la moda la porta a vedere strade diverse, alternative, le allarga gli orizzonti della creatività. a lei piace molto
l’arte. Una notte, improvvisamente, sente la voglia di piegare il ferro, di dare a questo metallo un’anima. e così comincia
a creare un grande albero che poi chiamerà “albero di luce”. Un materiale freddo e brutto come un vecchio ferro, può
avere un’anima. Una cosa impossibile che diventa possibile. interpretare l’anima nella materia, dare vita alle cose. e in
quel momento capisce che la sua strada è quella, così la Calesini dà vita e anima a tutto il resto.
le opere di sculture di erika non lanciano solo un messaggio ecologico e di sostenibilità ambientale, parlano di recupero
dei sentimenti, di riciclo dell’anima. la sua arte trabocca di umanità, di amore e di dolore, di sentimenti vissuti che si imprimono
indelebilmente sugli oggetti. in una parola, di nostalgia. Biciclette che divengono opere d’arte, puzzle-sculture e
icone di sapore pop si integrano, con risultati sorprendenti, dando vita a un evento unico nel suo genere, in cui la vivacità
dei colori e la creatività delle opere rendono possibile un nuovo approccio all’arte di sapore ludico ed innovativo.
CraCKinG art GroUP
la derivazione del termine Cracking art deriva dal verbo inglese to crack: schioccare, scricchiolare, spaccarsi, spezzarsi,
incrinarsi, cedere, crollare... “Cracking è il divario dell’uomo contemporaneo, dibattuto tra naturalità originaria e un futuro
sempre più artificiale”, proclama il collettivo di artisti che si nascondono dietro questo nome. Questa contrapposizione si
riflette nella scelta dei materiali (plastica riciclata) e quindi nell’impegno sociale e ambientale del movimento. il Cracking
art Group è attualmente composto da renzo nucara, Carlo rizzetti, Marco Veronese, alex, Kicco, William sweetlowe:
6 artisti internazionali che sin dal primo anno di nascita del movimento, avvenuto nel 1993, evidenziano l’intenzione del
142|143
gruppo di cambiare radicalmente la storia dell’arte attraverso un forte impegno sociale ed ambientale e l’uso rivoluzionario
ed innovativo di materie plastiche diverse ed evocative di un rapporto sempre più stretto tra vita naturale e realtà artificiale.
scelgono una modalità espressiva che unisce le logiche del gruppo a quelle dell’indagine individuale, che si concretizza
in azioni performative coinvolgenti, in cui animali colorati e decisamente fuori scala invadono i luoghi più vari, da quelli
deputati all’arte a quelli della vita più quotidiana, dai supermercati alle autostrade. la dimensione del gruppo non limita
l’espressione individuale degli artisti, che lavorano anche come singoli interpretando, ciascuno secondo le proprie urgenze,
le problematiche e le tensioni del nostro tempo, conferendo, “plasticosità” a tutto ciò di cui si occupano. la plastica,
frutto del Cracking catalitico (da cui il nome) che trasforma il petrolio in plastica, ha in sé le radici di una storia che dura
da millenni, quella dell’uomo e del suo mondo. Una storia piena di trasformazioni e di avvenimenti, un brano culturale
vastissimo e profondo, in cui natura umana, artificiale e ambientale si uniscono in una formula concettuale che ha sfidato
le norme attuali dell’arte contemporanea. riciclare la plastica significa sottrarla alla distruzione tossica e devastante per
l’ambiente, farne delle opere d’arte significa comunicare attraverso un linguaggio estetico innovativo ed esprimere una
particolare sensibilità nei confronti della natura.
salVador dalì
salvador domingo Felipe Jacinto dalì domènech, marchese di Púbol (Figueras, 11 maggio 1904 – Figueras, 23 gennaio
1989): un nome articolato per una personalità ancor più versatile. è stato pittore, scultore, scrittore, cineasta e designer.
il talento artistico di dalì ha trovato espressione in svariati ambiti artistici, dal cinema alla scultura e la fotografia, portandolo
a collaborare con artisti di ogni tipo. Faceva risalire il suo “amore per tutto ciò che è dorato ed eccessivo, la mia
passione per il lusso e la mia predilezione per gli abiti orientali” ad una auto-attribuita “discendenza araba”, sostenendo
che i suoi antenati discendevano dai Mori. dalì fu un uomo dotato di grande immaginazione ma con il vezzo di assumere
atteggiamenti stravaganti per attirare l’attenzione su di sé. Un comportamento che ha talvolta irritato coloro che amano la
sua arte tanto quanto ha infastidito i suoi detrattori, poiché i suoi modi eccentrici hanno in alcuni casi catturato l’attenzione
del pubblico più delle sue opere. era un abile disegnatore tecnico, ma è celebre soprattutto per le immagini suggestive e
bizzarre delle sue opere surrealiste. incontrò, tramite l’amico Mirò, i surrealisti e i dadaisti, dai quali si distingue tuttavia
per originalità di visione e spirito di indipendenza. Quando nel 1936 dalì partecipa all’esposizione internazionale surrealista
di londra, tiene la sua conferenza, intitolata “Fantômes paranoïaques authentiques”, vestito con tuta e casco da
palombaro. è arrivato tenendo in mano una stecca da biliardo con due levrieri russi al guinzaglio e si deve togliergli il
casco da palombaro perché è rimasto senza fiato. Commentò: “Ho solo voluto mostrare che mi stavo immergendo a fondo
nella mente umana”. nelle sue fantastiche composizioni, dalì immette con estrema abilità suggestive implicazioni della psicanalisi.
nel suo lavoro si è ampiamente servito del simbolismo. i suoi orologi e gli elefanti ne sono gli esempi più celebri.
GiorGio de CHiriCo
nasce in Grecia da una agiata famiglia italiana: il padre evaristo, ingegnere siciliano delle ferrovie, fu tra i principali
realizzatori della prima rete ferroviaria in Bulgaria ed in Grecia; la madre Gemma Cervetto apparteneva alla buona borghesia
genovese. nel 1891 ad atene nasce il fratello andrea alberto, che assumerà dal 1914 lo pseudonimo di alberto
savinio per la sua attività di musicista, letterato e pittore. Giorgio si iscrisse al Politecnico di atene per intraprendere lo
studio della pittura, studio che continuerà all’accademia di Firenze ed infine dal 1906 all’accademia delle belle arti di
Monaco di Baviera. in questo periodo conobbe la pittura di arnold Böcklin e dei simbolisti tedeschi. nell’estate del 1909
si trasferì a Milano dove rimase sei mesi, all’inizio del 1910, si recò a Firenze dove dipinse la sua prima piazza metafisica,
l’enigma di un pomeriggio d’autunno, nato dopo una visione che ebbe in Piazza santa Croce. nel 1911 de Chirico
raggiunge il fratello alberto a Parigi dove conosce i principali artisti dell’epoca, comincia quindi a dipingere quadri con
uno stile più sicuro. subisce l’influenza di Gauguin da cui prendono forma le prime rappresentazioni delle piazze d’italia.
tra il 1912 e il 1913 la sua fama si propaga, anche se ancora non ottiene un adeguato successo economico. in questo
periodo comincia a dipingere i suoi primi manichini. negli anni parigini, Giorgio dipinge alcune delle opere pittoriche
fondamentali per il ventesimo secolo. allo scoppio della prima guerra mondiale i fratelli de Chirico si arruolano volontari
e vengono inviati a Ferrara. dopo un primo periodo di disorientamento dovuto al cambiamento di città, Giorgio rinnova la
propria pittura, non dipinge più grandi piazze assolate ma nature morte con simboli geometrici, biscotti e pani. negli anni
cinquanta la sua pittura è caratterizzata da autoritratti in costume di tipo barocco e dalle vedute di Venezia. Muore a roma
il 20 novembre del 1978 al termine di una lunga malattia. Pochi mesi prima, il suo novantesimo compleanno era stato celebrato
in Campidoglio. avrà per sempre un legame speciale con roma, dove oggi in quella che fu la casa del maestro, nel
Palazzetto del Borgognoni a piazza di spagna, ospita la Casa Museo Giorgio de Chirico e la Fondazione a lui dedicata.

annaMaria GelMi
studia all’istituto d’arte di trento, all’accademia di Brera a Milano con Cantatore e all’accademia di Venezia con saetti.
tiene la sua prima mostra a trento alla galleria Mirana nel 1970. Usa materiali plastici come il plexiglas e il metacrilato
realizzando opere di scultura e installazioni che giocano sulla trasparenza, altre con interventi a china su, grandi fogli di
acetato, di figure geometriche elementari, che appese proiettano le ombre coinvolgendo lo spazio. nel 1978 viene invitata
per un soggiorno a Murano dove lavora il vetro con i maestri vetrai e realizza diverse opere. nei primi anni ottanta si
allontana dal lavoro minimalista, essenzialmente bianco e nero per usare il colore. i lavori che connotano questo periodo
sono memorie della storia, frammenti di architetture classiche, colonne, frontoni labirinti; tutti realizzati su carta Giapponese
intelata. negli anni novanta le architetture diventano solo un segno, un richiamo simbolico; il colore è più forte e fa
pensare lo spazio come condizione mentale di una visione diversa, ambigua e assoluta.
realizza in questi anni le sculture-installazioni in ferro, pietra e ottone (il giardino dell’altrove, il labirinto, Mistero sacro,
il giardino). dal 2000 presenta le sue opere su tela e le installazioni in ferro: nella Chiesa ss. Giacomo e Filippo andora,
alla Facoltà di teologia Università di innsbruck in austria, all’istituto italiano di Cultura di innsbruck e allo studio lattuada
a Milano. da allora la sua attività espositiva non si è mai interrotta, portandola in italia e all’estero.
alBa Gonzales
inizia il suo lavoro di scultrice nel 1973. dal 1975, data della sua prima mostra personale, lavora ininterrottamente nel
proprio studio stabile di roma e presso i laboratori di scultura della Versilia (Pietrasanta, Querceta, Carrara) per le opere
in marmo e per le fusioni in bronzo nelle fonderie di Pietrasanta e Verona. le opere in bronzo variano dalla dimensione di
bronzetto alle medie misure sino alle opere monumentali in marmo e materiali similari realizzati nella misura media sino a
quella monumentale. la sua dimensione nel mondo della scultura è a livello internazionale. il riconoscimento e l’appoggio
della critica è stato sempre costante. le sue opere si trovano presso musei, enti e collezionisti privati. nel 1989 ha fondato
il Museo di scultura all’aperto e “Pianeta azzurro”, Centro internazionale di scultura Contemporanea, e sede dell’omonimo
premio. le opere di alba Gonzales con l’evolversi della creatività si esprimono per tematiche partendo con figurazioni
antropomorfiche in “Uomini e totem”, che fondono in modo originale il senso del mito arcaico e del macchinismo moderno
(Uomo-macchina, 1979; Parabola di una macchina, 1982; Progetto Uomo, 1980; totem sincretistico, 1983) si ispira attraverso
numerosi totem tesi verso una fantasiosa geometria modulare, un’architettura sonora. sulle opere della Gonzales
ha scritto Vittorio sgarbi: “alba Gonzales è una modellatrice dalle doti inconsuete. le sue mani sono quanto mai sensibili
nel plasmare le forme per espanderle nello spazio in sinuose volumetrie figurative e, nelle sue prove più lontane nel tempo,
anche in strutture astratte geometricamente ordinate e pulsanti, vere e proprie scenografie di pietra. i suoi temi Gonzales
li svolge con moderna
seWard JoHnson
lo scultore americano seward Johnson, nato nel 1930, è considerato uno dei più originali artisti del nostro tempo. Più di
350 bronzi di Johnson sono presenti in collezioni private e musei in tutti gli stati Uniti, in Canada, in europa e in asia. da
diversi anni l’artista riempie le piazze delle città di tutto il mondo con statue raffiguranti gente comune indaffarata nelle
attività quotidiane. sono eseguite tramite un elaborato software che trasforma le immagini bidimensionali in modelli, i quali
vengono poi letteralmente stampati in tre dimensioni da una macchina collegata al computer. Come una sorta di déjá-vu
artistici, Johnson solitamente realizza le sue statue prendendo spunto da celebri dipinti del passato, come ad esempio
l’opera di Édouard Manet “le déjeuner sur l’herbe”. strategica la scelta del luogo dove espone le sue opere, che entrano
e rivelano una nuova identità degli spazi urbani. i suoi lavori entrano nella vita della città e della gente, costringono a riflettere
sui temi d’attualità e sul ruolo che l’arte può avere nella società. nella visione dell’artista “l’arte ha come specificità
quella di riuscire a toccare nell’uomo quelle corde interiori altrimenti inerti, farle vibrare, donare emozioni e nuove consapevolezze
per poi illuminare le altre sfere dell’agire, tanto nella sfera privata quanto in quella comune”. seward Johnson
ha un legame particolare con roma, dove è ospitato uno dei suoi lavori più “difficili” e tra i più grandi per dimensione: è il
gigante di alluminio dal titolo “the awakening”. l’unica altra fusione di questa scultura si trova a Washington, collocata in
occasione di una Conferenza internazionale di scultura più di due decenni fa. da allora il “gigante” è diventato un punto
di riferimento del panorama della città, come le visite al lincoln Memorial e alla Casa Bianca, ne è divenuta un simbolo.
144|145
GiaCoMo Manzù
Giacomo Manzù, pseudonimo di Giacomo Manzoni, (Bergamo, 22 dicembre 1908 – roma, 17 gennaio 1991) è stato uno
dei maggiori scultori italiani. Undicesimo figlio del calzolaio e sagrestano angelo Manzoni e della moglie Maria Pesenti,
impara presto a lavorare ed intagliare il legno. si avvicina all’arte durante il servizio militare, svolto a Verona (1927/’28),
dove studia le porte di san zeno e i calchi dell’accademia di Belle arti Gian Bettino Cignaroli. nel 1929 Manzù si trasferisce
a Milano, dove l’architetto Giovanni Muzio gli affida la decorazione della cappella dell’Università Cattolica. nel
1933, espone alla triennale di Milano una serie di busti che gli valgono numerosi apprezzamenti e l’anno successivo tiene
la sua prima mostra importante con il pittore aligi sassu, con cui condivide lo studio, alla galleria “Cometa” di roma. nel
1939 inizia a produrre una serie di bassorilievi in bronzo (stiacciato fiorentino), le deposizioni e le Crocifissioni per la
serie Cristo nella nostra umanità, in cui il tema sacro della morte di Gesù Cristo viene usato per simboleggiare prima la
brutalità del regime fascista e poi gli orrori della guerra. l’esposizione delle opere, tenutasi a Milano nel 1942, verrà severamente
criticata dalle autorità politiche ed ecclesiastiche. il suo nudo Francesca Blanc vince il premio della Quadriennale
di roma del 1943. la sua vita viene influenzata dalla permanenza a salisburgo fino al 1960. è in quella città che conosce
inge schabel, che diventerà la sua compagna di vita. lei e la sorella sonja diventano le modelle di tutti i suoi ritratti ed è
in quel periodo che inizia a lavorare alla realizzazione della Porta della Morte per la Basilica di san Pietro in Vaticano
(compiuta nel 1964). in particolare la porta vaticana, che impegna l’artista dal 1947 al 1964, diviene l’epicentro di una
poetica che nel dialogare con la tradizione ne rifiuta gli aspetti più strettamente accademici. nel 1964 Manzù va a vivere
in una villa nei pressi di ardea (roma), nella località di Campo del Fico nel comune di aprilia (lt), che oggi in suo onore
è stata ribattezzata Colle Manzù.
dopo circa dieci anni di bassorilievi, torna all’opera a figura intera realizzando in bronzo figure femminili che vanno dai ritratti
della moglie a temi più o meno scopertamente erotici come l’artista con la modella (rilievo), gli amanti e lo strip-tease.
in occasione del suo settantesimo compleanno, nel 1979, Manzù dona l’intera sua collezione (la “raccolta amici di
Manzù” fondata nel 1969 ad ardea) allo stato italiano. nel 1989, a new york, viene inaugurata di fronte alla sede
dell’onU l’ultima sua grande realizzazione, una scultura in bronzo alta 6 metri.
Mira Maylor
è un artista del vetro e scultrice israeliana che lavora nel suo studio a tel aviv. il suo lavoro varia dalle monumentali commissioni
a livello mondiale di opere d’arte pubblica, alle opere d’arte minori per collezionisti privati. Molti dei suoi lavori
sono realizzati esclusivamente in vetro, come il muro della sinagoga della residenza presidenziale di Gerusalemme. altre
opere combinano il vetro con materiali diversi, come accade per il lavoro presso la Hebrew University, a Gerusalemme. le
tecniche utilizzate sono molto diverse e variano dal vetro caldo alle tecniche di vetro freddo. Mira è già inclusa in diverse
importanti collezioni d’arte in tutto il mondo.
il suo lavoro si concentra, attraverso un punto di vista senza tempo, sulla cultura locale israeliana e si intreccia per dialogare
con il meccanismo di coscienza del simbolismo su diversi livelli. Questi elementi sono evidenti nelle sue opere pubbliche
come “let there Be light”. le sue opere vivono di significati stratificati e si prestano a varie interpretazioni. in questo senso
il vetro rappresenta il materiale ideale grazie alla capacità di dare impressioni diverse, talvolta opposte, e allo stesso
tempo di contenere e riflettere la luce.
sante MonaCHesi
l’artista nasce a Macerata nel 1910 e inizia la sua carriera artistica alla scuola d’arte Professionale di Macerata, studiando
con lo scultore de angelis dal quale apprende la tecnica dell’incisione su legno. nel 1932 aderisce al movimento di
aeropittura Futurista e fonda con tano, Peschi ed altri artisti maceratesi, il Gruppo Futurista “Umberto Boccioni”, che dà
vita ad un’intensa attività artistica di ricerca, ottenendo l’appoggio dello stesso Marinetti.
nel 1937 comincia un periodo molto intenso per Marchesi pittore: partecipa all’esposizione Universale di Parigi, è presente
alla Biennale di Venezia e alla Mostra itinerante di aeropittura Futurista, nel 1939 è alla Quadriennale di roma con l’
autorevole presentazione di Marinetti. intraprende un cammino attraverso le nuove esperienze artistiche europee, esplorando
le possibilità pittoriche dell’espressionismo, dei fauves e delle tendenze post-cubiste, affinando la sua istintiva sensibilità
cromatica. sempre attratto dalla ricerca di nuovi materiali, negli anni ‘60 scopre la gommapiuma e il polimetilmetacrilato,
con cui tenta di catturare il vuoto e creare forme in divenire. Fino alla sua morte, nel 1991, Monachesi realizza una serie
di progetti focalizzando la sua attenzione all’uso, in chiave artistica, di materiali frutto delle nuove tecnologie industriali.

Henry Moore
nasce nel 1898 a Castleford, nello yorkshire. suo padre è minatore ma lo incoraggia a studiare. Mostra un precoce
interesse per la scultura: ama intagliare il legno e modellare l’argilla. nel 1919 si iscrive alla scuola d’arte di leeds: è
l’unico studente di scultura. nel 1921, Moore vince una borsa di studio per il royal College of art di londra. Frequenta il
Victoria and albert Museum e il British Museum, dove si lascia affascinare dalle sculture messicane. nel 1925 è di nuovo
in viaggio con una borsa di studio del royal College: visita roma, Firenze, Pisa, siena, assisi, Padova, ravenna e Venezia.
si interessa soprattutto ai grandi maestri: Giotto, Masaccio, Michelangelo, donatello e Giovanni Pisano. nel 1928 riceve
la prima commissione pubblica: un rilievo in pietra per la sede centrale del Charles Holden’s new london transport.
il 1929 è l’anno della prima reclining Figure (Figura giacente) mentre nel 1930, Moore viene accolto nella “seven and
Five society”, una società composta da 7 pittori e 5 scultori, e partecipa alla Biennale di Venezia.
nel 1936, Moore si accosta ai surrealisti ed espone con loro alle new Burlington Galleries di londra. Partecipa anche
alla mostra sull’arte astratta e cubista, organizzata da alfred Barr al Moma di new york. nel 1937 entra a far parte del
gruppo surrealista londinese. nel 1948 diventa membro della royal Fine arts Commission (1948-1971). Vince il Primo
premio per la scultura alla Biennale di Venezia.
MaUrizio orriCo
nasce a Cosenza nel 1962. dopo varie esperienze artistiche in italia, e dopo frequenti viaggi negli stati Uniti nei primi
anni novanta, realizza una personale nel prestigioso spazio di leo Castelli a new york nel 1994. Contemporaneamente al
lavoro di ricerca pittorica si occupa di fotografia analogica e digitale e di altri mezzi espressivi quali scultura, installazione
e video art. al momento i protagonisti di questo percorso artistico sono gli animali: pecore, mucche e maiali.
Come cita il critico italo zannier docente di storia della fotografia all’Università di Venezia: “[… ]quella degli animali è
come l’immagine della guerra, dove il sangue non ha odore né temperatura, e persino il suo colore è “diverso”, in quanto
puro pigmento o pura luce”. la “raccolta” di orrico non è un “catalogo” di animali o una illustrazione della loro dinamica
fisica, come nella sperimentazione esplorata cronofotograficamente dai Marey, Muybridge, ann schultz negli ultimi decenni
dell’ottocento, con risultati tecnici che allora sbalordivano. Maurizio orrico, semmai, vuole “sbalordire” in altro modo,
cogliendo in sintesi i tratti fisionomici dell’animale, i loro sguardi interroganti, specialmente di buoi, pecore, maiali; animali
che orrico riesce persino ad antropizzare, e in una certa misura ad umanizzare.
infine, cerca amorosamente di scoprire forme nuove implicite in quegli animali, servendosi delle possibilità di selezione
e quindi di visualizzazione grafica concessa dalla tecnologia digitale e dal computer, in un tentativo ovviamente anche
pittorico, di esaltazione del colore, e infine di straniamento, ossia di liberazione dalla tradizione oggettiva della fotografia,
intesa come fac simile. è tra i fondatori e membro del Psl, Pluri sensorial laboratory, un laboratorio work in progress che
si occupa di tecniche agevolanti la riduzione di anomalie percettive.
attualmente vive e lavora tra la città natale, Milano e new york.
HannU PalosUo
nato nel 1966 a Helsinki in Finlandia. Ha vissuto a stoccolma e Berlino. nel 1989 è a roma con una borsa di studio,
dove frequenta la facoltà di lettere e Filosofia dell’Università degli studi “la sapienza” con l’indirizzo di “storia dell’arte
Moderna” e l’accademia statale di Belle arti. la Capitale diventa la sua residenza principale, eppure numerose sono le
esperienze di lavoro artistico in europa. l’ultima in ordine di tempo alla Cité international des arts: Parigi. le opere dell’artista
sono presenti in collezioni private ed istituzioni pubbliche in Finlandia, italia, Giordania, tunisia, Giappone, spagna,
Montecarlo, Uruguay, Hong Kong, argentina, Germania, turchia, svezia, Bosnia, Gran Bretagna, Giordania, Usa e, a più
riprese, anche in Giappone. la scelta culturale è acuta, non mero sfoggio di tecnica. Palosuo elabora un nuovo modo di
interpretare: « (...) comincia a muoversi tra mondi paralleli, l’oggetto-sedia dipinto quasi ad essere tangibile, la memoria
dell’ombra, lo sfondo, tutti eseguiti con media diversi (...) l’ombra stessa è dipinta, e lo sfondo è lasciato intatto, solo tela.
(Montonen 2008)». nel 2009, è alla 53.Mostra internazionale d’arte, la Biennale di Venezia, dove ha rappresentato
l’italia nel Padiglione della repubblica araba siriana a Palazzo zenobio.
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MaUro PerUCCHetti
artista italiano che vive e lavora a londra. recentemente, ha esposto alla Frieze art Fair londinese, nella zona di Marble
arch, una sua installazione: “Jelly Baby Family”. Molto vicino all’arte povera italiana al punto da essere considerato più
un artista “italiano” che un artista legato all’arte pop o minimalista americana. le sue sculture sono delle operazioni di
spigolosità ed eleganza nell’uso dei materiali e nell’organicità dell’opera che stupisce per grandezza e significato. riesce
a far emergere un forte gioco ironico dalle sue sculture.
l’artista utilizza come materia per i suoi lavori principalmente il Jelly Baby, gelatina che trasforma in figure pop minimali.
l’Halcyon Gallery di londra ha curato una mostra personale dell’artista lo scorso gennaio. nel frattempo l’installazione
“Jelly Baby Family” rimarrà a Marble arch fino ad aprile 2011. il progetto fa parte del Council City of sculpture Festival, in
cui convergeranno altre opere da parte di gallerie e artisti. Materiali amati dall’artista trapiantato a londra sono i cristalli
swaroskwi, che utilizza in maniera del tutto inusuale nelle sue sculture e che rappresentano riflessioni politiche o provocatorie
delle quali l’arte di Perucchetti è fortemente intrisa. Famose anche le sue sculture in plastica o le sue “riedizioni”
di classici dell’arte come “il david” di Michelangelo. Come Jeff Koons si muove con sicurezza e sfrontatezza, in maniera
dissacratoria, pungente e pop. dal 2002 ad oggi ha esposto in tutto il mondo, da londra, a Parigi, oslo, Vienna, Miami.
in italia, solo una volta, nel 2008, a Porto Cervo. Perucchetti si è guadagnato le critiche positive da parte del noto storico
dell’arte edward lucie-smith.
lorenzo QUinn
nato a roma nel 1966, è figlio dell’attore americano anthony Quinn e di iolanda Quinn (Jolanda addolori). è cresciuto tra
gli stati Uniti e l’italia, ma vive in spagna, a Barcellona. Ha incominciato a manifestare la sua attitudine artistica proprio a
roma, nei primi anni ottanta, al punto da intraprendere gli studi all’american academy of Fine arts di new york. attratto
anche dalla passione per la recitazione, incomincia a farsi conoscere come attore sul grande schermo, interpretando la
parte del pittore surrealista salvador dalì accanto a sarah douglas, nel 1991. dopo essersi personificato nei panni del
pittore catalano e aver ricevuto il premio come miglior attore al Film Festival di Biarritz, Quinn decide di allontanarsi gradualmente
dal cinema per dedicarsi al mondo dell’arte e, in particolar modo, alla scultura.
Michelangelo, Bernini, Jean-Baptiste Carpeaux e auguste rodin sono capisaldi indispensabili nell’evolversi della sua cifra
scultorea. ogni singola scultura nasce prima in forma scritta, sia essa poetica o letteraria e, successivamente, viene schematizzata
su carta e poi creata su un modello più piccolo.
Già all’età di ventun’ anni riesce a guadagnarsi l’attenzione della comunità artistica di new york e viene incaricato di fare
un’opera d’arte per le nazioni Unite. in seguito, viene selezionato per una campagna pubblicitaria per absolut Vodka.
Poco dopo, nel 1994, viene scelto per creare la scultura di sant’antonio per il Vaticano. l’opera è stata benedetta da Papa
Giovanni Paolo ii in piazza san Pietro, davanti a 35.000 persone, e inserito nella Basilica del santo, a Padova, per commemorare
l’ottavo centenario della morte del santo. nel 2005, due sculture hanno inaugurato l’aspire academy for sports
excellence, a doha, in Qatar. nel 2008 evolution, è stato scelto per inaugurare la nuova sede della Halcyon Gallery, a
Mayfair, londra. il suo progetto in corso, “the Globe of life”, che rappresenta i momenti più importanti della storia, sembra
destinata a essere la sua opera più importante fino ad oggi, con cinque sculture in bronzo monumentali. Quinn ha esposto
le sue opere in gallerie e musei di tutto il mondo
alFredo raPetti
nasce nel 1961 a Milano, città dove vive e lavora. il padre, Giulio, è in arte Mogol mentre il nonno materno è alfredo
de Pedrini, presidente dell’associazione arti Grafiche. Già da giovanissimo, proprio grazie al nonno, si accosta al mondo
dell’arte. e sarà sempre un crescendo artistico e professionale che lo porterà ad esporre in tutto il mondo, collaborando,
nel 1998, con il fotografo, Fabrizio Ferri, ad un serie di progetti multimediali a new york.
la sua opera scultorea è da intendere come un prolungamento tridimensionale del piano pittorico, caratterizzato da continui
segni di grafia. ed è proprio la scrittura che costituisce il leitmotiv dell’arte di rapetti, dai lavori pittorici a quelli scultorei.
la volontà di scrivere, di intagliare e impressionare la tela è alla base della sua ricerca artistica che senza dubbio dà
vita a un lavoro di elevata qualità artistica e di forte equilibrio formale. la bellezza, la piacevolezza estetica potrebbero
sembrare, a prima vista, l’unica qualità di questa pittura che sposa soprattutto il segno, la scrittura ricordandoci in qualche
modo l’arte della calligrafia che fu importata in europa da Mark tobey, dopo un lungo soggiorno in oriente. lo scritto

per rapetti non ha però alcun significato razionale ma assume una valenza fortemente simbolica dato che, come l’artista
stesso afferma, dentro le lettere, le parole ci siamo noi, con la nostra storia, la nostra vita senza le quali non potremmo
esistere, saremmo dimenticati come spesso succede oggi, nella totale incuria della storia dell’uomo, del suo passato e di
conseguenza del suo presente e possibile futuro. la musica è un altro elemento forte nelle opere di rapetti, non soltanto
perché figlio del “paroliere” Mogol, ma perché costituisce uno dei legami più forti tra la sua idea di arte e la creazione
artistica. le sue opere sono oggi battute nelle maggiori aste di arte contemporanea.
alessandro reGGioli
Vive e lavora a Firenze, dove è nato nel 1971. nel 1989, si è diplomato al liceo artistico e nel 1995 ha concluso gli
studi presso l’accademia di Belle arti di Firenze. Fra i suoi maestri si ricordano Giufietti e alessandro nocentini, poeta
elegantissimo dei fiori sfioriti. reggioli è un artista materico, lo scheletro del suo operare è squisitamente simbolico, o meglio
etico-simbolico, figlio anche di una passione esistenziale però frenata da un caparbio raziocinio. dal 1995 al 2010
ha esposto in mostre personali in città come roma, Milano, Firenze, Hong Kong. numerosissime sono le mostre collettive,
dal 1993 fino al 2008, nelle migliori gallerie d’arte italiane. di lui hanno scritto molti critici, facendo emergere la forza
materica, della quale ciascuna opera è, fortemente, intrisa. il giornalista rai Vincenzo mollica di lui ha scritto: «C’è un
cuore che batte nel pianeta terra e reggioli lo ha rappresentato, fermato, estratto per sottoporlo agli occhi degli umani che
lo avevano scordato, che non sentono più i suoi battiti, che non vivono il suo respiro. il cuore della terra che abbiamo fatto
ammalare, che vive da millenni e ancora resiste».
andreW roGers
andrew rogers è uno scultore australiano, le cui opere si trovano in tutto il mondo. Vive a Melbourne, dove opera come
artista a tempo pieno. è il creatore del più grande progetto di land art, intitolato “rhythms of life”, avviato nel 1998.
attualmente dispone di 46 strutture in pietra massiccia (geoglifi) in israele, Cile, Bolivia, sri lanka, australia, islanda,
Cina, india, turchia e nepal. Presto si aggiungeranno anche gli stati Uniti, il regno Unito, l’europa orientale e l’africa.
separatamente e insieme questi geoglifi formano un insieme unico di disegni sulla terra e, estendendosi in tutto il mondo,
collegano le persone con la storia e il patrimonio, promuovendo un messaggio di unione e pace. le sue opere sono state
presentate da personalità di fama mondiale come John Howard, Vincent Fox, efraim Katzir, richard Butler e simon Wiesenthal.
di particolare nota è il sito in Cappadocia, in turchia, dove a maggio del 2010 rogers ha completato il “time and
space”, parco geoglifo. le dodici strutture comprendono più di 10.500 tonnellate di pietra. Come delle metafore, queste
sculture rimandano al ciclo eterno della vita e della rigenerazione per l’intera umanità. dalle sue sculture di bronzo, invece,
si evince la capacità di rappresentare il movimento della materia in un “dialogo” tra pieno e vuoto, tra continui incastri con
uno slancio dinamico, armonico ed elegante.
PierlUiGi slis
nasce nel 1974 a Wuppertal, in Germania, ma vive e lavora a revine, (treviso). Writer professionista dal 1992, è tra i
fondatori de “ la Kremeria art Group”, collettivo di artisti con i quali ha realizzato opere di aerosol art per molte aziende
illustri. si definisce un “evoluzionista concettuale”, che si lascia ispirare dalla contemporaneità creando nuove forme. sviluppa
la ricerca artistica personale sulla riflessione e sull’analisi dei rapporti tra i pensieri generati dall’imperfetto e dalla
precarietà delle cose e dall’esistenza. si esprime con composizioni pittoriche ed installazioni, usando materiali poveri, residui
o materiali intrisi già di una storia. Ha realizzato installazioni e scenografie per la comunicazione aziendale di nomi
di rilievo nel panorama nazionale. nel 2010, partecipa al “tour” americano relativo alla mostra itinerante “omaggio a
Giorgio de Chirico”, organizzata dalla Fondazione Giorgio e isa de Chirico. Quella condotta da Pierluigi slis è pertanto
un’operazione di “metamorfosi del reale”, che afferma la sua forza espressiva nella pienezza e nell’intensità del segno,
accanto al graffitismo e alla fantasia.
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a.r.G.a.M
artisti selezionati da a.r.g.a.m.
l’assoCiazione roMana Gallerie d’arte Moderna (a.r.G.a.M.), nata nel 1972 a roma come a.G.a.r. (associazione
Gallerie d’arte romane), ha aderito in seguito al sindacato nazionale Mercanti d’arte Moderna divenuto
nel 1975 associazione romana Mercanti d’arte Moderna, oggi denominata associazione nazionale Gallerie d’arte
Moderna (a.n.G.a.M.). dal 1993 l’associazione ha assunto il nome di associazione romana Gallerie d’arte Moderna
(a.r.G.a.M.) con un proprio atto costitutivo ed un proprio statuto, operando quale sezione territoriale dell’a.n.G.a.M.
soltanto nel 1997, con l’assemblea del 20 gennaio, l’a.r.G.a.M. ha deciso, pur seguendo gli stessi fini di promozione
dell’arte moderna e contemporanea e di tutela della categoria, di gestirsi autonomamente nei confronti dell’associazione
nazionale con sede a Milano, al fine anche di rivendicare l’importanza di roma quale centro culturale in grado di presentare
proposte autonome nel campo dell’arte. l’associazione si è avvalsa della Presidenza di Claudio Bruno sakraischik
fino al 1986, di antonio Porcella dal 1986 al 1989, di Giuseppe Marino dal 1989 al 1992, e di Carmine siniscalco dal
1992. attualmente l’a.r.Ga.M. conta 30 gallerie associate.
dal 1993 sono state organizzate manifestazioni annuali nel nome di PriMaVerile roMana, secondo la formula divenuta
ormai tradizionale di mostre organizzate dalle gallerie partecipanti nei propri spazi espositivi su un tema adottato dall’assemblea
dell’associazione, con una stessa data di apertura e chiusura, un unico invito ed un unico catalogo, un ufficio
stampa ed un incontro-dibattito, in occasione della conferenza stampa per la presentazione del catalogo, con l’intervento
di galleristi, artisti ed addetti ai lavori.
dal 1997, anno della sua quinta edizione, la Primaverile a.r.G.a.M. ha avuto il patrocinio dell’assessorato alle Politiche
Culturali del Comune di roma e dal 1999 si è avvalsa anche, per la sua realizzazione, di un contributo dell’assessorato
stesso. dal 2005 l’associazione collabora con il Ministero dell’Università e della ricerca (MUr, già MiUr) ospitando nelle
gallerie partecipanti alla Primaverile, indipendentemente dal tema dell’anno, opere dei finalisti e vincitori del PreMio
nazionale delle arti indetto dal MUr.
Quest’anno alla sua sedicesima edizione, la Primaverile ha adottato come tema portante Prendere Posizione, indicativo
segnale dell’importanza che l’associazione riserva al coinvolgimento etico dell’opera d’arte ai problemi della società
di oggi. le opere sul tema, espressamente commissionate o raccolte dalle gallerie, saranno esposte al Museo Venanzo
Crocetti, che per il secondo anno consecutivo ospita iniziative dell’associazione, dal 22 aprile al 22 maggio. le opere dei
finalisti e vincitori del Premio nazionale delle arti 2007 saranno esposte dal 20 maggio al 20 giugno nelle sedi espositive
delle singole gallerie insieme alle proposte avanzate dalle gallerie stesse (personali o collettive sul tema). l’intera PriMa-
Verile sarà sul sito a.r.G.a.M. www.argam.net/org/it per la durata di un anno.
GioVanni Balderi
nasce nel 1970 a seravezza. nel 1984? nizia lo studio di ornato floreale e stile, presso la bottega del Maestro ornatista
ledo tartarelli. si diploma con due borse di studio all’istituto statale d’arte di Pietrasanta dal 1990 al ’94. Continua lo
studio di anatomia e modellato con lo scultore enzo Pasquini, maestro del neoClassico, poi iniziano le collaborazioni
con diversi studi d’arte di Pietrasanta, senza mai interrompere la personale ricerca espressiva. in australia nel 2001 tiene
i corsi di tecniche della scultura, a Brisbane. nel 2009 è tra gli artisti di “italian Festival of arts and Crafts” Betlemme-
Gerusalemme, in israele. le mostre personali lo portano a esporre in italia e anche all’estero, fino in alabama nel 2010
al “Montgomery Museum of Fine arts”. il 2010 è anche l’anno in cui partecipa alla prima “Biennale internazionale di
Grottaglie” a taranto, e a “Forte 2010 Vs” a Forte dei Marmi.
nUnzio BiBBò
nato nel 1946 a Castelvetere, in Val Fortore, è uno scultore e pittore italiano che segue gli insegnamenti di renato Marino
Mazzacurati, di emilio Greco e di Umberto Mastroianni. la memoria, la storia e la natura sono le tematiche guida
dell’artista, le sue fonti primarie d’ispirazione. dal 1969 ad oggi ha esposto in italia e all’estero. Fra le diverse opere
monumentali create da Bibbò, la più complessa viene terminata nel 1988, e si tratta della “Porta sui temi della vita di san
Paolo” realizzata per la Cattedrale di reggio Calabria. Ma la sua arte lo ha portato ad essere conosciuto e apprezzato
fuori dai confini nazionali e le sue opere sono oggi conservate in Bulgaria, in Germania, in inghilterra, negli stati Uniti.
Bibbò ha rafforzato il suo legame con reggio Calabria realizzando altre due opere monumentali: la “Porta del Bene” e la
“Porta del Male”, portali laterali del santuario di san Paolo a reggio Calabria.

FederiCo BrooK
nasce a Buenos aires nel 1933 ma dal 1956 si trasferisce in italia e sceglie di vivere a roma. inizia la sua carriera artistica
nel nostro paese: nel 1961 esegue due grandi opere in terracotta per il Palazzo del lavoro progettato da Pierluigi
nervi per l’esposizione “italia 61” di torino; nel 1963 a roma esegue una fontana in pietra, struttura latina; nel 1964
scolpisce un’altra fontana per la repubblica di san Marino e nello stesso anno esegue una scultura in pietra e bronzo
“totem”, che inserita nell’architettura sostiene il soffitto di cemento dell’ingresso della clinica “Villa Mafald” a roma. nel
1966 scolpisce il battistero della chiesa di san Martino Papa, a roma, ed esegue una fontana scultura per la nuova sede
della rai in viale Mazzini, “Macchina spaziale”. tra il 1973 e il 1974 progetta ed esegue il soffitto per la nuova sede del
Ministero delle Poste e telecomunicazioni nel quartiere eur di roma: si tratta di un modulo variabile in acrilico e metallo.
Brook è stato invitato alla Biennale di Venezia del 1962, con cinque grandi sculture, e poi nella sezione di scultura internazionale
della Biennale di Venezia del 1972. è stato nominato commissario alla Biennale di Venezia negli anni 1964,
1968, 1972, 1988 e 1990.?le sue opere si trovano in collezioni pubbliche, quali la Galleria nazionale d’arte Moderna
di roma, il Museo Ca’ rezzonico di Venezia, Gallerie Comunali di Macerata, anticoli Corrado; e private, in argentina,
Belgio, Brasile, Canada, Francia, Germania, inghilterra, italia, Messico, Panama, Perù, repubblica di san Marino, spagna,
stati Uniti, svizzera, Uruguay, Venezuela.
enzo CarneBianCa
nasce a roma nel 1948, dove vive e lavora. lo stile di Carnebianca si esprime in un mondo visionario di un surrealismo
intrigante. le sue raffigurazioni scultoree e pittoriche esprimono una mitologia intima, con esseri del subconscio: “antroposerpenti”,
spirali, le figure con il terzo occhio con i cefali delle proporzioni “atlantidee”. i suoi esseri semidivini ricordano
il tempo che fu o quello che sarà, nello spazio illuminato dal “sol turchese”. il suo percorso artistico inizia negli anni ‘60
allo studio di scenografia teatrale con il maestro Camillo Parravicini, e nel cinema negli studi di dino de laurentiis sulle
scenografie di Fred tuch. artista poliedrico, già dalla fine degli anni ’60 si dedica alla scultura, con le opere in legno, pietra,
ceramica e inquietanti figure in bronzo, che rimangono tra le sue creazioni più originali. è facile rintracciare le origini
del mondo fantastico di Carnebianca nelle popolate memorie di civiltà scomparse. Va considerato come il più coerente e
geniale prosecutore della linea fantastico-surrealista che, in italia, ha il suo inizio con alberto savinio, ma ha ovviamente
molti e motivati legami con il surrealismo europeo, soprattutto nella versione iper-figurativa di dalì.
Venanzo CroCetti
le potenzialità artistiche di Venanzo Crocetti si evidenziarono fin dalla fanciullezza, quando all’età di cinque anni disegnò
le pareti della sua abitazione con il carbone. Frequentando le scuole elementari, mise in risalto l’innata bravura nel
disegno. nel 1928, dopo alcuni anni difficili, si trasferì a roma, riuscendo ad attenuare le difficoltà economiche dopo
le gravi vicende famigliari. il suo nome cominciò a essere sempre più conosciuto mentre le sue opere, di pari passo, andavano
crescendo di valore. a vent’anni, grazie al premio assegnatogli dalla Galleria nazionale di Firenze, fu invitato
a partecipare alla Biennale di Venezia del 1934. nel 1946, a soli 33 anni, gli fu affidata la cattedra di scultura in seno
all’accademia di belle arti di Venezia. nel 1956, si trasferì a Firenze, dove aveva vinto il concorso per la cattedra di scultura
nell’accademia. nel 1965, concluse il lavoro (durato alcuni anni) per la “Porta dei sacramenti” nella Basilica di san
Pietro in Vaticano, opera inaugurata da Papa Paolo Vi, il 12 settembre 1965. Mantenne la presenza nelle più importanti
mostre e manifestazioni artistiche in italia, ma espose anche nella Mostra d’arte italiana di Parigi. in continua crescita, la
sua fama raggiunse un livello internazionale. Molti suoi lavori furono esportati all’estero, molti dei quali in Giappone dove
espose in varie mostre.
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Paolo GUiotto
nato a san donà del Piave, in Veneto, nel 1934. Ha frequentato la scuola d‘arte dei Carmini ed in seguito l‘accademia di
Belle arti della città lagunare. Ha iniziato ad esporre all‘inizio degli anni ‘60. dopo aver attraversato una lunga stagione
di lavori, mostre ed esposizioni nelle quali il principale mezzo espressivo rimaneva la pittura, solo nel1968 si è indirizzato
verso la scultura, realizzando quello che già all’epoca veniva considerato “un capolavoro in senso assoluto”: il corpo
assente. Ha collaborato anche con luchino Visconti, curando costumi e scene nell’opera “salome” di richard strauss, rappresentata
al Festival dei due Mondi di spoleto nel 1961. la sua attività espositiva lo ha visto presente in mostre personali
in numerose città italiane ed estere (roma, napoli, livorno, Como, Milano, Firenze, Padova, Parma, Venezia, amsterdam).
nel 1991, ha realizzato una mostra antologica a Palazzo Braschi, Museo di roma, dove ha esposto gran parte delle sue
opere, consentendo di cogliere pienamente tutta la ricchezza del suo percorso artistico. le sue opere si trovano in prestigiosi
musei come il Museo d‘arte Moderna di new york e la Galleria degli Uffizi di Firenze. sono opere che fanno parte
anche di collezioni private e pubbliche. Vive e lavora a roma.
alFio MonGelli
alfio Mongelli nasce a roma il 9 dicembre 1939. all’età di tredici anni, sceglie di intraprendere la carriera di artista, frequentando
prima l’istituto d’arte, sotto la guida di Pericle Fazzini, ettore Colla e di leoncillo, poi l’accademia di Belle arti
di roma. nel 1971, si aggiudica la cattedra di scultura all’accademia di Belle arti di Frosinone, di cui diventa il direttore
dal 1977 al 1984. Conosce e frequenta importanti maestri come lo scultore Giacomo Manzù. nel 1988, la soprintendenza
di roma lo celebra con una grande mostra al Museo nazionale di Palazzo Venezia a roma, presentata dagli eminenti
critici d’arte Pierre restany, rené Berger e Carmelo strano. negli anni novanta, prosegue e intensifica la sua attività
espositiva con mostre personali e collettive in tutto il mondo. nel 1992, in spagna è rappresentante unico della scultura
italiana all’expo Universale di siviglia (Palazzo italia) ed è invitato all’italian trade Center di new york, dove espone una
mostra ripresa dall’emittente americana Cnn per la rubrica “science e tecnologie”.
dal 2000 è presidente della r.U.F.a. - rome University of Fine arts (unica libera accademia di Belle arti di roma legalmente
riconosciuta). nel 2007, è invitato ad esporre all’Università di tsighua (Cina), academy of art and design, nella
seconda edizione della rassegna internazionale “arte e scienza
sinisCa
sinisca nasce a napoli nel 1929 e si trasferisce a roma nel 1946. residente negli stati Uniti dal 1976 al 2004. attualmente
vive a roma e spello, dove nel 2002 ha inaugurato la “Fondazione sinisca ac.”. autodidatta, ha seguito a napoli
studi classici e scientifici, ha lavorato a roma in un ufficio di statistica, alla iBM. si è dedicato, completamente, all’attività
artistica nel1958, dapprima come pittore e disegnatore ed in seguito, dal 1970, anche come scultore, affermandosi nello
stesso tempo quale scenografo, designer e creatore di gioielli. l’interesse di sinisca per la scultura diventa dal 1973 sempre
più profondo: dalla grande esposizione al Museo de arte assis Chateaubriand di san Paolo alla Mostra di strutture
all’aperto di Piazza Margana, a roma; dalla presentazione della «struttura sonora» al Museo d’arte Moderna di rio de
Janeiro al «Concerto per strutture» con musica elettronica organizzato a napoli e sorrento.
si è particolarmente interessato alla produzione di multipli, nel settore delle opere grafiche e delle strutture metalliche. Ha
viaggiato in europa, oriente e stati Uniti, con lunghi soggiorni di lavoro all’estero. Ha tenuto 166 esposizioni personali e
ha partecipato ad oltre 250 esposizioni collettive in italia e all’estero e a manifestazioni ufficiali nazionali e internazionali.