Catalogo PDF - Tagliacozzo

Presentazione 

del 28° Festival 

Internazionale 

di Mezza Estate 

di Tagliacozzo 

Da ventotto anni il Comune di Tagliacozzo organizza 

la manifestazione estiva e continua, 

pur tra mille difficoltà, a reperire le risorse 

necessarie all’organizzazione e a valorizzare una 

produzione divenuta negli anni punto di riferimento 

nel territorio e per il territorio. 

Sotto il patrocinio dell’Agis ( Agenzia Generale Italiana 

dello Spettacolo), il Festival di Mezza Estate 

di Tagliacozzo fa parte di “Italia Festival”, insieme 

a Ravello, Stresa, Emilia Romagna, Intercity, Spoleto, 

Ravenna… 

L’Accademia Nazionale di Santa Cecilia concede 

per il quinto anno il suo patrocinio, ed è stata presente 

in ogni edizione: l’Orchestra Barocca, il Sestetto 

Stradivari, l’Ensemble di Ottoni della 

Accademia. 

I Teatro dei Colori di Avezzano e l’Associazione 

Amici del Festival di Mezza Estate continuano a 

collaborare e sostenere l’impegno per il festival. 

Abbiamo ospitato, in questi ultimi quattro anni 

anni, artisti di rango internazionale, come Gidon 

Kremer, Alessandro Carbonare, Aleksander Lonquich,, 

Roberto Prosseda, Francesco Cafiso, Fabrizio 

Bosso, Antonello Salis, Bobby Watson, 

Stefano Di Battista, e promosso giovanissimi talenti 

come i vincitori del Premio Pianistico “Roma” 

o del Premio Cajkovski. 

Abbiamo proposto programmi classici, tradizionali 

e novità assolute. 

Attenti alla storia del nostro territorio abbiamo allestito 

prime assolute, come l’esecuzione dell’opera 

di Saint-Saens, “ Ascanio”, ispirata alla 

storia di Ascanio De Mari, nato a Tagliacozzo. 

Abbiamo fatto eseguire, in collaborazione con il 

Coro Costanzo Porta di Cremona, per la prima 

volta, il Codice Tagliacozzo del 1600, custodito da 

quattro secoli presso il Convento di S.Francesco. 

Forti di questa interessante esperienza, l’edizione 

del 2012 vuole consolidare i risultati fin qui raggiunti 

seguendo le linee guida che hanno ispirato 

il progetto sul festival: la qualità dell’evento e della 

realizzazione di esso, la scelta ragionata dei luoghi 

di interesse storico artistico, ideali contenitori 

degli eventi, le collaborazioni prestigiose e necessarie,la 

promozione di giovani artisti. 

All’interno della programmazione, tutta di altissimo 

livello qualitativo, preme segnalare, dopo il 

Concerto della Banda Militare della Guardia della 

Finanza che utilizziamo per annunciare nella storica 

Piazza dell’Obelisco l’inizio del Festival, uno 

dei più prestigiosi complessi barocchi italiani: 

1

L’Europa Galante di Fabio Biondi. 

E poi, il Balletto del Teatro di Torino, l’Astra Roma 

Ballet, Guy Touvron, European Wind Soloists... 

E il jazz con Danilo Rea e i Bozen Brass. 

E “La Serva Padrona” di Pergolesi, nell’allestimento 

prodotto dall’Accademia Nazionale di Santa 

Cecilia in collaborazione con Roma Sinfonietta, per 

valorizzare i giovani di Opera Studio, la prestigiosa 

scuola di Renata Scotto. 

E il Teatro, con Sergio Castellitto e Margareth Mazzantini, 

con La Mansarda e con il Notturno d’autore... 

e con uno spettacolo eccezionale dedicato 

alla nostra poetessa, Petronilla Paolini Massimi. 

E, infine, la novità che realizza il desiderio più sentito: 

il coinvolgimento di giovani musicisti che collaboreranno 

alla direzione e alla produzione 

artistica del XXVIII Festival di Mezzaestate, acquisendo 

le capacità e le competenze che permetteranno 

loro di essere il futuro del Festival, grazie 

all’amministrazione che ha creduto in loro. 

Per concludere un nota sul pubblico,che nelle 

scorse edizioni ha dimostrato un adesione totale, 

sincera e al di sopra di ogni aspettativa e che, speriamo, 

continuerà ad apprezzare le scelte artistiche 

del Festival. 

Per continuare a crescere, perché crescita culturale 

vuol dire crescita economica, civile, ed etica. 

2 

Lucia Bonifaci 

Giuseppe Berardini 

Gabriele Ciaccia 

Direzione Artistica 

TAGLIACOZZOINFILM 

Per innamorarmi del cinema non c’è voluto 

molto. E’ bastato scoprire che esiste un 

posto in cui tanti diventano uno solo. Un 

luogo in cui, complice un buio primordiale, ci lasciamo 

scivolare, sottraendoci ai ritmi frenetici 

delle nostre vite quotidiane, per accogliere la luce 

della proiezione su un semplice schermo bianco 

che si trasforma improvvisamente nello specchio 

delle nostre esistenze. 

La solitudine della nostra poltroncina di velluto, 

della nostra sedia da arena estiva, del nostro posto 

nel mondo cede il passo alla sensazione esaltante 

della condivisione, della vita raccontata, dell’arte. 

Si tratta di una scoperta che, come ben sappiamo, 

ha origini lontane, in forme d’arte diverse ma che 

tanto hanno in comune con il cinema perché in 

gran parte lo nutrono: la musica, la danza, il teatro. 

Nell’antica Grecia, all’apice della sua espressione 

artistica, tra il quarto e il quinto secolo avanti Cristo, 

la tragedia rappresentava il massimo momento 

di condivisione sociale tra i cittadini della 

polis su temi che ancora oggi noi consideriamo 

universali e profondamente legati all’animo umano 

e alla relazione con gli altri. Il cinema oggi - come 

approfondiremo nell’incontro di domenica 5 agosto 

sullo sfondo scenografico di Piazza dell’Obelisco 

insieme a Giovanni Rizzoni, autore del libro 

“La democrazia al cinema” - è certamente la più 

“politica” delle arti, quella che più può essere in 

grado di occuparsi della polis, ovvero della comunità 

in cui viviamo.

Mi è sembrato naturale quindi, nel viaggio che mi 

ha condotto alla prima edizione di TAGLIACOZ- 

ZOINFILM - esperienza custodita nell’alveo accogliente 

del Festival Internazionale di Mezza 

Estate, del quale condivide l’ampio respiro di apertura 

al mondo e il desiderio di muoversi tra stili e 

generi, senza paura - puntare l’obiettivo su due 

aspetti che, nelle infinite forme che assumono 

nelle nostre esistenze, ne scandiscono ritmi, emozioni, 

cambiamenti: la solitudine e la partecipazione. 

Viviamo nell’epoca di internet, dei social network, 

che accompagnano solitudini metropolitane alla 

stessa velocità con cui attraversano lotte per la libertà 

di paesi vittime delle dittature o che sentono 

l’ineludibile chiamata al cambiamento. 

La comunicazione, l’informazione multimediale 

che ci appare ormai “totale e immediata” rischia 

di lasciare sempre più spesso solo il destinatario 

passivo, il singolo individuo nella sua stanza. 

Soli sono gli individui senza più diritti, sole le 

donne che non li hanno mai avuti e tanto si sono 

viste sfilare via in questi anni di ciò che con le unghie 

e coi denti avevano provato a conquistare. 

Soli sono i bambini, non solo gli orfani reali, ma 

anche quelli che sempre più spesso sono figli di 

genitori costretti dai tempi a restare, essi stessi, 

in una condizione di figliolanza prolungata illimitatamente. 

Sole le istituzioni abbandonate dai cittadini, 

i cittadini abbandonati dalle istituzioni. La 

solitudine della vecchiaia, apparente luogo comune 

che rischia di diventare la condizione più diffusa 

nel nostro paese in perenne calo 

demografico. La 

solitudine dello 

straniero, altra 

faccia della medaglia 

di un paese 

“anziano” come 

l’Italia, che rischia 

di restare isolato 

fin dalla nascita, 

dal momento che 

gli viene rifiutata 

la cittadinanza. La 

solitudine del nostro 

territorio, di 

un ambiente naturale 

e culturale tutto ancora da preservare. 

Ma solitudine anche come stato di grazia per la 

creatività, per la riflessione, per la visione lucida 

in una prospettiva di ricongiungimento con l’altro, 

prima o poi. 

Solitudine del poeta, del ricercatore, dello scienziato, 

di chi decide di aprirsi al mondo, di chi è giovane 

e di chi lo è stato. 

E poi, la partecipazione: l’incontro con l’altro, gli 

altri, in una visione di contatto che superi la simulazione 

virtuale. La volontà di essere presenti e 

contribuire a un progetto comune, di agire per gli 

altri, insieme agli altri. Lo sguardo sull’altro, lo 

sguardo dell’altro, il dialogo, la volontà di condividere 

un pezzo di strada, di salire e arrivare in cima 

insieme, di costruire qualcosa insieme. Raccontare, 

rendere partecipe della bellezza chi amiamo 

o chi ci viene incontro. Condividere la crisi e la fe- 

3

licità. Solidarietà e confronto. Partecipazione il cui 

valore è compreso attraverso la sua assenza e 

viene evocata a gran voce dagli eventi, da uno 

stato delle cose in continuo movimento, dagli individui 

che non possono più farne a meno. 

Seguendo queste ipotesi di percorso, 

TAGLIACOZZOINFILM - che nasce dalla volontà di 

Gabriele Venturini, Assessore alla Cultura e al Turismo 

del Comune di Tagliacozzo di restituire ai 

cittadini e ai frequentatori della cittadina marsicana 

la magia del cinema - punta ad essere una manifestazione 

artistica che trova nella rassegna cinematografica 

il suo cuore e traino per una serie di 

micro e macro eventi ad essa connessi che possano 

accompagnare gli spettatori in un viaggio 

unico, avvincente, sorprendente nel cinema, verso 

se stessi e verso gli altri. 

Come la mostra L’attimo neorealista: fotogrammi 

1941-1952, ospitata grazie alla preziosa collaborazione 

del Centro Sperimentale di Cinematografia, 

dedicata a uno dei momenti più alti del cinema 

italiano e mondiale, quel Neorealismo che seppe 

raccontare mirabilmente la tragica realtà di un 

Paese devastato dal secondo conflitto mondiale e 

di una popolazione ridotta allo stremo, ma mossa 

da grande umanità, volontà di riscatto e desiderio 

di lottare insieme per un futuro migliore. 

Le pellicole della rassegna - protagoniste indiscusse 

con la loro storia, il loro background, il valore 

degli autori - saranno riunite sotto un intreccio 

di stati d’animo, questioni antiche e scandagli 

nell’attualità. 

4 

In chiusura, faro più luminoso nell’orizzonte di riferimento 

di TAGLIACOZZOINFILM è naturalmente 

la città di TAGLIACOZZO stessa che, con la sua 

forza e la sua bellezza, mix miracoloso di natura, 

storia e arte, è stata fonte di ispirazione principale 

e costante di tutta l’iniziativa, nella prospettiva di 

un viaggio verso una dimensione sempre più consapevole 

di comunità di riferimento per il panorama 

culturale di tutto il territorio marsicano e 

abruzzese, grazie al bagaglio di umanità, vitalità, e 

desiderio di crescere ancora che attraversa lo 

sguardo della sua gente. 

Veronica Flora 

Curatore artistico 

TAGLIACOZZOINFILM 

Concorso Musicale 

Premio “Città di Tagliacozzo” 

All’interno del Festival di Mezza Estate 2012 

si svolgerà la I edizione del Concorso Musicale 

“Premio Città di Tagliacozzo”. 

Il concorso è rivolto agli allievi di strumenti a fiato 

dei Conservatori e Licei Musicali abruzzesi e nasce 

dalla volontà dell’Amministrazione Comunale e 

della Direzione artistica del Festival di promuovere 

la cultura musicale abruzzese e offrire ai giovani 

musicisti un sostegno in termini economici e di visibilità. 

Andrea Caretta 

Responsabile del Concorso

Saluto della 

Amministrazione 

Comunale 

di Tagliacozzo 

Il Festival Internazionale di Mezza Estate è un 

evento importantissimo non solo per Tagliacozzo 

ma per tutto il territorio. 

E’ una manifestazione internazionale che offre 

venti giorni di cultura e di arte ad altissimo livello. 

Il tutto è impreziosito dalla cornice architettonica 

che Tagliacozzo offre. 

Gli spettacoli saranno distribuiti nei loghi più suggestivi 

del paese: la Piazza dell’Obelisco, il Chiostro 

di San Francesco, la Piazzetta Tre Molini, la 

Chiesa di San Cosma e Damiano, il Teatro Talia, il 

Palazzo Ducale, che finalmente riaprirà i battenti. 

Quest’anno il Festival porterà degli elementi innovativi, 

infatti pur mantenendo l’impianto storico 

delle sezioni della Musica, Teatro e Danza, saranno 

introdotti un Premio Musicale “Città di Tagliacozzo” 

per strumenti a fiato, rivolto ai giovani musicisti 

dei Conservatori e delle scuole di musica 

Abruzzesi, e una rassegna cinematografica. 

Il tutto con la speranza che anche i giovani possano 

avvicinarsi a questa manifestazione così importante 

e così bella. 

Gabriele Venturini 

Assessore alla Cultura, al Turismo 

e allo Spettacolo 

Testo tratto dal video di presentazione del Festival, 

disponibile su YouTube all’indirizzo: 

http://youtu.be/61HGyrbsSsc 

Piazza dell’Obelisco 

5

Calendario 

Giovedi 26 Luglio | MuSICA 

Piazza Obelisco, ore 21.15 

Concerto di presentazione 

Banda Musicale della 

Guardia di Finanza 

Direttore: Ten. Col. M° 

Leonardo Laserra Ingrosso 

(Ingresso Libero) 

6 

Martedi 31 Luglio | MuSICA 

Chiesa SS.Cosma e Damiano, ore 21.15 

Fabio Biondi 

e Europa Galante 

(Biglietto € 5) 

Martedì 31 luglio | CInEMA 

Palazzo Ducale, ore 18.00 

“Aspettando Melancholia: 

la scienza introduce il cinema” 

Associazione culturale Estrellas y Planetas 


Mercoledi 1 Agosto | CInEMA 

Piazzetta Tre Molini, ore 21.15 

Melancholia 

di Lars von Trier 


Giovedì 2 agosto | CInEMA 


1001 Irans 

di Firouzeh Khosrovani 


Giovedi 2 Agosto | CInEMA 


una separazione 

di Asghar Farhadi 


Venerdi 3 Agosto | MuSICA 

Chiostro di San Francesco, ore 21.15 

Guy Touvròn e 

I Flauti di Toscanini 

Direttore: Paolo Totti 

Tromba: Guy Touvròn 

(Biglietto € 5)

Sabato 4 Agosto | TEATro rAGAzzI 

Teatro Talia, ore 17.00 

La fiaba dei tre 

desideri ridicoli 

Compagnia la Mansarda 

Drammaturgia: Roberta Sandias 

Regia: Maurizio Azzurro 


Sabato 4 Agosto | CInEMA 


Cesare deve morire 

di Paolo e Vittorio Taviani 

Dell’ammazzare il maiale 

di Simone Massi 

Cortometraggio di 7 min 


Domenica 5 agosto | CInEMA 

Piazza dell’Obelisco, ore 18.00 

Incontro con l’Autore: 

“La democrazia al cinema” 

di Giovanni rizzoni 


Domenica 5 Agosto | MuSICA 


La serva padrona 

Santa Cecilia 

opera Studio 

Ensemble roma Sinfonietta 

Direttore: Fabio Maestri 

Regia: Cesare Scarton 


Lunedi 6 Agosto | CInEMA 


Pina 

di Wim Wenders 


Martedi 7 Agosto | TEATro 


Mare al mattino 

reading con 

Sergio Castellitto 

e Margaret Mazzantini 

Dal romanzo omonimo di 

Margaret Mazzantini 


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Mercoledi 8 agosto | CInEMA 


zavorra e Cargo 

di Vincenzo Mineo 


Mercoledi 8 Agosto | DAnzA 


In Mozart + 

Free Chocolate Love 

BTT - Balletto del Teatro di Torino 


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Giovedi 9 Agosto | MuSICA 


Colours 

Bozen Brass Quintet 


Venerdi 10 Agosto| TEATro rAGAzzI 


Piccolo piccolissimo 

grande grandissimo 

Compagnia Teatro dei Colori 

Regia: Gabriele Ciaccia 


Venerdi 10 agosto | CInEMA 


Cadenas 

di Francesca Balbo 


Venerdi 10 Agosto | DAnzA 


Eleonora Duse 

arte, passione e mito 

Astra roma Ballet 

di Diana Ferrara 


Sabato 11 agosto | CInEMA 


Bakroman 

di Gianluca e Massimiliano De Serio 


Sabato 11 Agosto | TEATro 


Fatto Teatro un foglio 

al mio pensiero 

vita di Petronilla Paolini Massimi, 

fra 3 stanze, sonetti e madrigali 

Associazione Musamoi 

(Biglietto € 5)



Formato ridotto 

di Antonio Bigini, Claudio Giapponesi, 

Paolo Simoni 




Il libro della giungla 

orchestra Sinfonica Abruzzese 

e Sergio Bustric 

Direttore: Marcello Bufalini 

Da R. Kipling 


Lunedì 13 agosto | CInEMA 


“Dentro e fuori #occupyWallStreet: 

forme di partecipazione contemporanea 

tra nuovi media e cinema” 




La battaglia di Algeri 

di Gillo Pontecorvo 


Lunedi 13 Agosto | MuSICA 


Danilo rea 

Piano Solo 


Martedì 14 agosto | CInEMA 


Tahir Liberation Square 

di Stefano Savona 


Martedi 14 Agosto | MuSICA 


Anche il Bello 

deve morire! 

Simone Vallerotonda 

Tiorba e Chitarra spagnuola 


Mercoledi 15 Agosto | CInEMA 


Quasi amici 

di olivier nakache e Eric Toledano 


9

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Giovedi 16 Agosto | CInEMA 


Diaz 

di Daniele Vicari 


Venerdì 17 agosto | CInEMA 


The Dark Side of The Sun 

di Carlo Hintermann 




European Wind 

Soloists 




CorTIeGEnTILI 

Rassegna di cortometraggi sull’Aquila 

dopo il 6 aprile 2009 



Da Piazza Obelisco nel Centro Storico, ore 21.15 

notturno d' Autore 

un progetto di Federico Fiorenza 

e Antonia renzella 

Spettacolo itinerante per turni 

di spettatori ogni 25 minuti. 


Domenica 19 Agosto | DAnzA 


not(t)e di Tango 

Gioia Abballe y Simone Facchini (ballerini) 

Duo +2 Quartet 


Lunedi 20 Agosto | CInEMA 


riso amaro 

di Giuseppe De Santis 


Il programma potrà subire variazioni dovute a cause di forza maggiore. 

In caso di pioggia gli spettacoli si terranno nel Teatro Talia.

Eventi 

Tagliacozzoinfilm 

L’attimo neorealista: 

fotogrammi 1941-1952 

Mostra fotografica 

Dal 31 luglio al 20 agosto 2012 

Palazzo Ducale 

Già presentata con grande successo in Italia e all’Estero 

(a fine 2011 è ospitata all’Istituto Italiano di Cultura a Los 

Angeles per il 150° anniversario dell’Unità d’Italia), la 

mostra L’attimo neorealista: fotogrammi 1941- 

1952 approda a Tagliacozzo nell’ambito della prima edizione 

della manifestazione del Comune marsicano 

dedicata al cinema TAGLIACOZZOINFILM. 

L’esposizione si compone di 82 fotografie che ritraggono 

momenti di grande intensità tratti da 32 pellicole, scelte 

fra le più importanti opere del Neorealismo e fra alcuni 

dei film che ne anticiparono l’avvento (di qui l’arretramento 

al 1941 della data di partenza della selezione). 

Realizzata dalla Fondazione Centro Sperimentale di Cinematografia 

con la Fondazione Ente dello Spettacolo, 

la mostra rende omaggio a cineasti come Rossellini, Visconti, 

De Sica, De Santis, ancora oggi circondati da 

un’aura di leggenda, i cui film hanno descritto con impressionante 

realismo e grande maestria la condizione 

di un’Italia devastata dalla guerra, guardando con grande 

chiarezza e lucidità alla sua realtà politica e sociale. 

Elemento distintivo di questa esposizione è quello di essere 

composta esclusivamente da fotogrammi estrapolati 

dalle pellicole, non quindi fotografie di scena ma veri 

e propri istanti dei film. Questa scelta nasce dalla volontà 

di fornire una testimonianza significativa di uno dei momenti 

più alti della cinematografia italiana e mondiale, 

quel Neorealismo che seppe raccontare con sensibilità 

e partecipazione la tragica realtà di un Paese devastato 

dal secondo conflitto mondiale e di una popolazione ridotta 

allo stremo, ma anche la grande umanità e volontà 

di riscatto che il popolo italiano seppe dimostrare. 

Ecco allora immagini estrapolate dalle pellicole, in un 

bianco e nero di grande intensità emotiva che immortala 

l’indimenticabile Anna Magnani nella scena finale 

in Roma Città Aperta di Rossellini, le figure femminili 

vestite di nero della Terra trema di Visconti, fino allo 

sguardo disperato di Lamberto Maggiorani in Ladri di 

Biciclette di De Sica. 

La mostra, realizzata con il contributo dell’Archivio fotografico 

e iconografico della Cineteca 

Nazionale, vuole raccontare non solo la straordinaria 

bellezza delle situazioni, dei volti e dei paesaggi, ma 

anche il senso di un movimento artistico capace di aderire 

alla realtà italiana e contemporaneamente suscitare 

emozioni attraverso 

storie universali. 

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GIoVAnI 

ProTAGonISTI 

E’ evidente a Tagliacozzo l’accordo perfetto tra la cornice 

architettonica del centro storico e le “immagini in movimento” 

sullo schermo cinematografico. La suggestione 

suscitata da voci e suoni echeggianti nei diversi spazi - 

tanto timidamente nascosti quanto potentemente evocativi 

di epoche e storie diverse - della cittadina marsicana. 

Luoghi che hanno bisogno di tornare ad essere “abitati 

culturalmente”, respirati e vissuti dalla gente con la 

complicità dell’arte. E del cinema in particolare: necessario, 

oggi più che mai, alle falde della montagna, lungo 

le stradine tortuose del centro storico. 

Già, il cinema. L’arte popolare per eccellenza, l’arte del 

ventesimo e del ventunesimo secolo che apre una rinnovata 

era di commistione di stili e generi, di tecniche 

innovative. L’arte che spalanca la porta non più solo a 

una luce rappresentata, dipinta, scolpita, ma che strappa 

alla quotidianità la luce vera, la luce dell’immagine fotografica, 

scattata su una realtà di corpi in movimento così 

vicini alla realtà da sembrare veri: la storia e la favola, 

l’epica e la volontà documentaristica, commedia e tragedia, 

sacro e profano. 

L’arte consacrata dall’unicità e dall’originalità dello 

sguardo dietro la macchina da presa dei tanti autori affiancati 

dalle altrettanto numerose professionalità che 

convergono dentro un’opera d’arte a portata di tutti, vista 

per pochi soldi in piccole e grandi sale di proiezione in 

tanta parte del mondo. L’inizio di una nuova e antichissima 

modalità di narrazione. 

Il cinema che porta impressa sulla pellicola (e oggi sempre 

più spesso registrata su supporto digitale, e veicolata 

attraverso le tecnologie multimediali) la storia delle storie. 

Un amore, una guerra, la nascita, la morte. La vita 

12 

documentata, raccontata, deformata dall’occhio del regista, 

circondato dall’universo di mestieri che ancora 

oggi, in maniera diversa certamente rispetto a oltre un 

secolo fa, lo accompagnano nella creazione di un’opera. 

L’opera cinematografica. 

Qualcosa di diverso dal coinvolgimento voyeristico dello 

spettacolo teatrale, dalla fisicità trascinante di un opera 

di teatro-danza, dall’abbandono ritmico di un concerto, 

dalla memoria silenziosa della lettura durante un incontro 

letterario. Qualcosa di diverso eppure capace di riunire 

al tempo stesso tutti questi elementi insieme, scaraventarli 

a mille chilometri di distanza, parlando dialetti sconosciuti 

e raccontando vite che non saranno mai vissute. 

O che magari guardiamo in faccia ogni giorno. 

Proprio in forza di tutte queste caratteristiche e di tante 

altre, il cinema diventa il catalizzatore ideale per recepire 

un bisogno culturale ampio e complesso, ancora 

in gran parte non appagato, intimamente legato alla carica 

creativa innovativa, di ricerca e sperimentazione 

artistica che caratterizza un’ampia rappresentanza dei 

giovani tagliacozzani, marsicani, più in generale 

abruzzesi. 

Talento e sensibilità artistica suscitati nei giovani non 

solamente attraverso studi specifici e di genere, ma legati 

a una riflessione sempre più profonda sulla storia e sulle 

tradizioni locali in relazione alle realtà territoriali, nazionali 

e internazionali e agli eventi che - in una realtà sempre 

più glocal - li vedono coinvolti e proiettati in una 

partecipazione attiva nell’esperienza di TAGLIACOZZOIN- 

FILM. 

Sensibilità artistica talora coltivata in contesti apparentemente 

diversi (come quello scientifico, economico, sociale), 

ma nei quali, come accade da sempre, a 

manifestarsi in maniera inequivocabile è il bisogno di 

qualcosa che ci aiuti a ricercare - attraverso la manifestazione 

artistica - la natura, il mondo, gli altri, noi stessi. 

Una storia: “Buio”, Andrea Parente, luglio 2012

unPLuGGED 

Il cinema ama essere introdotto da arti sorelle. Come la 

musica. Soprattutto quando batte forte nel cuore di chi 

la scrive e chi la suona. Ad introdurre alcune proiezioni 

di TAGLIACOZZOINFILM ci saranno musicisti e cantautori 

di talento del territorio marsicano che scateneranno 

tutta la propria energia e passione per l’arte, la musica e 

il cinema in brevi, intensi omaggi ai film della rassegna. 

PATrIzIo DE LuCA 

Tagliacozzo 1996. Sulla staccionata (che ora non c’è più) 

davanti alla sala giochi (che ora non c’è più) con un 

gruppo di amici mette su il primo gruppo: i “Parca”. In 

seguito, nel 2003, avvia un altro epico progetto tra Tagliacozzo 

e Avezzano: i “Soft Marble”. Segue l’esperienza 

con la band “The Engine Drivers”, band tributo ai “The 

Who”. Attraverso il lavoro svolto con i “Soft Marble” e 

gli “Engine Drivers” affina la sua tecnica come cantante, 

circondato da musicisti di livello. Trasferitosi a Pescara, 

nel 2010 si unisce ai “Too Late To Wake”, con i quali, attualmente, 

sta lavorando a un LP in studio. 

Sabato 4 agosto 

Piazzetta Tre Molini,ore 21.15 

Giovedì 16 agosto 




GIAMPAoLo PICCInInI 

Cantante, musicista, poeta. 



Lunedi 20 agosto 


DEGuSTAzIonE 

FoToGrAMMA 

Il cinema, le stelle e il profumo inebriante di un buon 

vino locale. 

Prima delle proiezioni e dei principali incontri di TAGLIA- 

COZZOINFILM, sarà offerto agli spettatori un momento 

di degustazione enogastronomica, volta a sollecitare nel 

pubblico un approccio multisensoriale al film, a trovare 

nuove strade del gusto, tra visione e degustazione. 

Un momento di calda convivialità condivisa nell’attesa 

trepidante di immergersi nel buio della proiezione e proseguire 

il viaggio nella poesia del cinema. 

Partner di prestigio dell’iniziativa, che affonda vigorosamente 

le radici nel territorio marsicano, è la Cantina del 

Fucino. 

13

Tutti gli spettacoli 

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Giovedi 26 Luglio | MuSICA 


Concerto di presentazione 

Banda Musicale 

della Guardia 

di Finanza 

Direttore: Ten. Col. 

M° Leonardo Laserra Ingrosso 

G. Orsomando Cuore abruzzese 

Marcia sinfonica 

G. Rossini Il Barbiere di Siviglia 

(tr. A. Vessella) Sinfonia dall’opera 

R. Wagner La Cavalcata delle Walkirie 

(tr. G. Manente) dal III atto de La Walkiria 

R. Chapì El Tambor de Granaderos 

(tr. I. Egea) 

H. Zimmer Il Gladiatore 

(arr. F. Bernaerts) 

J. Williams Star wars 

(tr. J. de Meij) 

A. Marquez Danzón. 2 

(tr. J. Villodre) 

La Banda Musicale della Guardia di Finanza 

nasce ufficialmente nel 1926, riunendo in un'unica 

compagine strumentale le diverse fanfare che fin 

dal 1883 erano state istituite presso molti reparti 

del Corpo. 

Attualmente è un complesso artistico stabile composto 

da 102 elementi provenienti dai diversi conservatori 

italiani, accuratamente selezionati tramite 

concorso nazionale. 

Durante la sua lunga e intensa attività concertistica, 

la Banda si è esibita presso le più prestigiose 

istituzioni musicali italiane, quali l'Accademia Nazionale 

di Santa Cecilia, la Scala di Milano, il San 

Carlo di Napoli, il Teatro dell'Opera di Roma, il 

Massimo di Palermo, la Fenice di Venezia, il Petruzzelli 

di Bari, il Rossini di Pesaro, il Bellini di Catania 

e l'Ariston di Sanremo. La Banda del Corpo 

ha più volte collaborato con alcune delle più affermate 

orchestre sinfoniche italiane e internazionali, 

come quella della RAI di Roma, quella del Maggio 

Musicale Fiorentino - con la quale nel 1991 si è 

esibita in mondovisione in un concerto diretto da 

Zubin Metha - e quella del Festival dei Due Mondi 

di Spoleto, con la quale assieme al coro di Washington 

ha partecipato nel 1993 al concerto di chiusura 

del Festival. 

Recatasi ripetutamente all'estero, la Banda ha effettuato 

fortunate tournées in Germania, Lussemburgo, 

Svizzera, Belgio e Francia. Nel 2001, nel 

2002 e nel 2007 è stata invitata a New York in occasione 

delle celebrazioni per il Columbus Day, durante 

le quali, nel 2002, ha tenuto un 

applauditissimo concerto a Ground Zero, luogo 

simbolo della coscienza nazionale americana, nel 

quale fino ad allora si era esibita la sola Boston 

Symphony Orchestra. 

15

La Banda è stata diretta da illustri Maestri, quali 

Giuseppe Manente, Antonio D'Elia, insigne compositore 

e accademico di Santa Cecilia, Olivio Di 

Domenico, docente presso il Conservatorio di 

Roma, Fulvio Creux e Gino Bergamini. 

Dal 16 Aprile 2002, la Banda Musicale della Guardia 

di Finanza è diretta dal Maestro Tenente Colonnello 

Leonardo Laserra Ingrosso. 

Leonardo Laserra Ingrosso, nato ad Avetrana, in 

provincia di Taranto, ha compiuto gli studi musicali 

contemporaneamente a quelli universitari, diplomandosi 

in Musica Corale e Direzione di Coro 

presso il Conservatorio “Gioacchino Rossini” di 

Pesaro, in Composizione presso il Conservatorio 

“Niccolò Piccinni” di Bari, in Strumentazione per 

Banda e Direzione d’Orchestra presso il Conservatorio 

“Alfredo Casella” dell’Aquila. 

Dal 1991 al 1996 è stato docente di Composizione 

al Liceo Musicale “Giovanni Paisiello” di Taranto. 

Vincitore del Concorso Nazionale per l’insegnamento 

di Armonia e Contrappunto nei Conservatori 

di Musica di Stato, nel 2002 diventa Maestro 

Direttore della Banda Musicale della Guardia di Finanza. 

È regolarmente invitato come giurato a importanti 

concorsi nazionali e internazionali. 

16

Martedi 31 Luglio | MuSICA 

Chiesa SS.Cosma e Damiano, ore 21.15 

Fabio Biondi 

e Europa Galante 

Fabio Biondi, violino 

Andrea Rognoni, violino 

Antonio Fantinuoli, violoncello 

Giangiacomo Pinardi, tiorba 

Paola Poncet, cembalo 

“Apoteosi e Follia”: 

A.Vivaldi Sonata in re minore per due 

violini e basso "La Follia" 

F. Couperin Apoteosi di Corelli Grande 

Sonate en trio 

M.Mascitti Psyché 

Sonata per violino op.5 n.12 

*** 

A. Corelli Sonata per violino e basso 

La Follia in re minore 

CPE Bach Sonata per due violino e 

basso "Sanguineus et 

Malencholicus" 

Europa Galante 

Europa Galante nasce nel 1990 dal desiderio del 

suo direttore artistico, Fabio Biondi di fondare un 

gruppo strumentale italiano per le interpretazioni, 

su strumenti d’epoca, del grande repertorio barocco 

e classico.L’ensemble ottiene un grande 

successo fin dalla pubblicazione del primo disco, 

dedicato alla produzione concertistica vivaldiana 

(Premio Cini di Venezia, Choc de la Musique in 

Francia). Negli anni seguenti il gruppo colleziona 

un’eccezionale lista di riconoscimenti: 5 Diapason 

d’Oro, Diapason d’Oro dell’anno in Francia, premio 

RTL, nomina Disco dell’anno in Spagna, Canada, 

Svezia, Francia e Finlandia, Prix du disque, tra i 

tanti altri.Da allora Europa Galante si è esibita nelle 

più importanti sale da concerto e teatri del mondo. 

In Italia collabora con l’Accademia Nazionale di 

Santa Cecilia nel recupero di opere vocali del ‘700 

italiano. Nell’ambito di questa collaborazione, nel 

2009 è stata inaugurata la stagione a Roma con 

l’Oratorio di A. Scarlatti “La Santissima Annunziata”.Europa 

Galante si è anche impegnata nella 

diffusione del repertorio scarlattiano, con numerosi 

Oratori e Opere tra le quali, in collaborazione 

con il Festival Scarlatti di Palermo, Massimo Puppieno, 

Il Trionfo dell’Onore, Carlo Re d’Alemagna 

e La Principessa Fedele. 

Nel 2002, Fabio Biondi ed Europa Galante hanno 

ottenuto il Premio Abbiati della critica musicale italiana 

per l’insieme dell’attività concertistica e per 

l’esecuzione del Trionfo dell’Onore. Di nuovo nel 

2008 gli e' stato assegnato, insieme alla Compagnia 

Colla, il premio speciale Abbiati per Filemone 

e Bauci di Haydn, per l'originalità e il pregio della 

riscoperta di questo lavoro, che gli ha restituito il 

pieno splendore strumentale e vocale.Nel 2004 il 

Premio Scanno per la Musica è stato assegnato a 

17

Fabio Biondi ed Europa Galante in considerazione 

dei meriti acquisiti da questa ensemble, che è diventato 

uno dei gruppi musicali più autorevoli in 

campo internazionale. Oltre alle numerose date europee, 

Europa Galante sarà negli Stati Uniti per una 

lunga tournèe di undici concerti con la Mezzo Soprano 

Vivica Genaux in sedi prestigiose quali la 

Walt Disney Hall e la Carnegie Hall. 

18 

Fabio Biondi 

Nato a Palermo, Fabio Biondi inizia la sua carriera 

internazionale all'età di dodici anni, con i primi 

concerti solistici. A sedici anni viene invitato al Musikverein 

di Vienna per interpretare i Concerti per 

violino di Bach. Da allora collabora quale primo 

violino con i più famosi ensembles specializzati 

nell'esecuzione di musica antica con strumenti e

prassi esecutiva originali: la Cappella Real, Musica 

Antiqua Vienna, Il Seminario Musicale, La Chapelle 

Royale e i Musiciens du Louvre (sin dalla sua fondazione).Nel 

1990 la svolta decisiva: fonda Europa 

Galante. Il suo sviluppo musicale orientato verso 

un repertorio universale, ma anche incline alla riscoperta 

di compositori oggi poco eseguiti, si direziona 

verso una letteratura che copre trecento 

anni di musica. La sua produzione discografica lo 

conferma. Accanto alle Quattro Stagioni vivaldiane, 

Concerti Grossi di Corelli o le Sonate di 

Schubert, Schumann o Bach, si evidenziano gli 

sforzi (in veste direttoriale) tesi alla riscoperta 

degli oratori, serenate e opere di Alessandro Scarlatti 

(La Messa di Natale, Clori, Dorino e Amore, 

Massimo Puppieno e Il trionfo dell'onore) alle 

opere di Haendel (Poro), come al repertorio violinistico 

del '700 italiano (Veracini, Vivaldi, Locatelli, 

Tartini).Oggi, Fabio Biondi incarna il simbolo della 

perpetua ricerca dello stile, uno stile libero da condizionamenti 

dogmatici e interessato alla ricerca 

del linguaggio originale. Questa inclinazione lo 

porta a collaborare in veste di solista e direttore 

con orchestre quali: l’Orchestra di Santa Cecilia a 

Roma, Orchestra da Camera di Rotterdam, l’Orchestra 

dell’Opera di Nizza, l’Orchestra dell’Opera 

di Halle, Orchestra da Camera di Zurigo, Orchestra 

da Camera di Norvegia, Orchestra Mozarteum di 

Salisburgo, la Mahler Chamber Orchestra, etc. Nel 

2009 ha diretto l'orchestra del Teatro la Fenice, 

presentando l'Agrippina di Haendel con un cast di 

grande rilievo.Fabio Biondi è diventato, da marzo 

del 2005, direttore stabile per la musica antica 

della Stavanger Symphony Orchestra.Nella stagione 

2011/2012 Fabio Biondi dirigerà l’Orchestra 

della Svizzera Italiana, l’Orchestra Nazionale di 

Montpellier, così come l’Orchestra dell’Accademia 

Nazionale di Santa Cecilia, l’Ensemble Orchestral 

de Paris e la Tivoli Symphony Orchestra di Copenhagen. 

Dal 2011, Fabio Biondi è Accademico dell’Accademia 

Nazionale di Santa Cecilia. 

Fabio Biondi suona un violino ‘Andrea Guarneri’ 

(Cremona,1686). Suona anche un violino ‘Carlo 

Ferdinando Gagliano’ del 1766, già appartenuto al 

suo Maestro Salvatore Cicero, e affettuosamente 

messo a disposizione dall’omonima fondazione. 

19

Martedì 31 luglio | CInEMA 


“Aspettando 

Melancholia: 

la scienza introduce il cinema” 

Incontro di divulgazione scientifica sui pianeti 

extra solari in collaborazione con l’Associazione 

culturale 

Estrellas y Planetas 

Perché “cinema e scienza”? 

L’incontro nasce dalla volontà di TAGLIACOZZOIN- 

FILM di offrire al suo pubblico un punto di vista 

scientifico che faccia da contrappunto agli scenari 

apocalittici - sfondo ideale per l’indagine di natura 

filosofica sulla condizione di solitudine connaturata 

dell’individuo - messi in scena nel film Melancholia 

di Lars von Trier, in programma 

mercoledì 1 agosto. 

L’intervento sarà curato dalla Dott.ssa Annalisa Calamida, 

membro dell’E-ELT Science Office, che illustrerà 

il progetto “E-ELT” e i suoi obbiettivi 

scientifici, con particolare riferimento alla ricerca 

di pianeti extra solari. 

Lo European Extremely Large Telescope (E-ELT) 

sarà il più grande telescopio ottico-infrarosso del 

mondo. Con un diametro di 39 metri, E-ELT sarà 

20 

cento volte più sensibile dei migliori telescopi attualmente 

in funzione. 

E-ELT amplierà enormemente la nostra conoscenza 

dell’astronomia permettendo, per esempio, 

la scoperta di nuovi pianeti extra-solari simili alla 

Terra, lo studio delle prime stelle e galassie, e la

misura diretta dell’espansione dell’universo. Un 

tale telescopio potrebbe in futuro rivoluzionare la 

nostra percezione dell’Universo, come fece il telescopio 

di Galileo 400 anni fa. 

Il progetto è portato avanti dallo European Southern 

Observatory (ESO), un’organizzazione inter- 

governativa europea per promuovere la scienza e 

la tecnologia nel campo astronomico. 

L’Associazione culturale Estrellas y 

Planetas di Montecompatri (Rm), si occupa dal 

2009 di divulgazione della scienza con particolare 

riferimento all’astronomia antica e all’astrofisica 

contemporanea. 

Avvalendosi di uno staff altamente qualificato, costituito 

esclusivamente da professionisti della ricerca 

scientifica, l’associazione coordina ed 

organizza numerose attività; dal 2009 collabora 

alle attività didattiche e divulgative dell’INAF – Osservatorio 

Astronomico di Roma, organizza programmi 

didattici in collaborazione con importanti 

Istituti Superiori di Roma, organizza eventi scientifici 

per i suoi associati. 

Inoltre dal 2010 è nata una stretta collaborazione 

con il Comune di Sante Marie (Aq), a pochissimi 

chilometri di distanza da Tagliacozzo, grazie alla 

quale sono già state realizzate numerose iniziative; 

fiore all’occhiello di questa collaborazione è il nuovissimo 

Mu.M.A. (Museo Multimediale di Astrofisica) 

allestito presso Palazzo Colelli a Sante 

Marie. 

Il museo è visitabile previa prenotazione da gruppi 

organizzati. Dalla prossima stagione scolastica si 

avvierà un incremento delle attività che prevedranno 

anche eventi notturni con vere osservazioni 

astronomiche guidate da astronomi di 

importanti centri di ricerca italiani e stranieri. 

Info: www.estrellasplanetas.org 

21

Mercoledì 1 agosto | CInEMA 


Melancholia 

Danimarca, Svezia, Francia, Germania, 2011, 130 

min 

rEGIA Lars von Trier 

SCENEGGIATURA Lars von Trier 

FOTOGRAFIA Manuel Alberto Claro 

MONTAGGIO Morten Højbjerg, Molly Marlene 

Stensgaard 

PRODUZIONE Zentropa Entertainments 

DISTRIBUZIONE Bim 

CAST Kirsten Dunst (Justine), Charlotte Gainsbourg 

(Claire), Kiefer Sutherland, Alexander Skarsgård, 

Stellan Skarsgård, Charlotte Rampling, 

John Hurt, Udo Kier 

SINOSSI 

Justine sposa Michael nella lussuosa residenza di 

sua sorella Claire. Proprio in quei giorni il gigantesco 

pianeta Melacholia si sta avvicinando alla 

Terra e sta per schiantarvisi contro. Mentre Justine 

cerca rifugio nella certezza del matrimonio per 

sfuggire al terrore della fine, Claire non si rassegna 

all’ineluttabilità della morte… 

ABOUT 

Melancholia è il film “gancio” della rassegna, 

22 

quello che ha suggerito che TAGLIACOZZOINFILM 

ruotasse attorno al binomio solitudine-partecipazione. 

La visione apocalittica rispetto alle sorti 

dell’umanità su questa Terra è per il regista danese, 

come lo era stato all’epoca, mutatis mutandis, 

per suoi celebri predecessori - dallo Stanley 

Kubrick di 2001: Odissea nello spazio (1968) al 

Ridley Scott di Blade Runner (1982), dove è il futuro 

in sé ad essere apocalittico - una prospettiva 

speciale per indagare una condizione umana di solitudine 

connaturata quanto più essa è calata nella 

rete delle relazioni sociali - borghesi, nel caso dei 

protagonisti della storia - in relazione ad un ambiente 

circostante naturale vivo e ben più capace 

rispetto all’individuo di accettare e lasciarsi attraversare, 

modificando se stesso, dal cambiamento,

anche quando esso volge verso ciò che noi umani 

convenzionalmente chiamiamo “fine”. 

Con il suo spirito provocatorio, disturbing, e al 

tempo stesso profondamente sentimentale - “romantico” 

nell’ispirazione letteraria, musicale più 

classicamente tedesca ma ancor di più, dal punto 

di vista cinematografico, devotamente “viscontiana” 

che lo caratterizza - Lars von Trier propone 

un moderno affresco di apocalisse, con la sua particolare 

attenzione alla qualità femminile, espressa 

in particolare nelle finestre sull’animo rappresentate 

dalle due sorelle, Justine e Claire, specchio 

una dell’altra. Di fronte alla fine del mondo, la solitudine 

vissuta al limite della depressione di Justine 

(Kirsten Dunst) trova la sua dimensione 

ideale: il turbamento che sempre l’accompagna 

davanti a un infinito “leopardiano” si acquieta e ritrova 

un senso più umano di condivisione con l’altro. 

Tra i firmatari negli anni ’90 del manifesto del 

cinema DOGMA per un utilizzo nel cinema del digitale 

teso, al di là della finzione della messa in 

scena, alla rappresentazione delle possibili e diverse 

verità del contingente, von Trier anima l’ambiente 

naturale artefatto ma spietatamente 

autosufficiente che circonda le vite dei protagonisti 

reinterpretando l’immaginario pittorico, musicale, 

letterario di capolavori dell’arte - da John Everett 

Millais a Pieter Bruegel, da Richard Wagner a Caravaggio 

- traformandolo gradualmente in soggetto 

vivo, agente e dialogante con chi può 

finalmente ascoltarlo (Justine e il nipotino e, gradualmente, 

Claire). (Veronica Flora) 

FESTIVAL E PREMI 

Miglior film, migliori scenografie e miglior fotografia alla 

24esima edizione degli European Film Awards, l’Oscar 

europeo 

Kirsten Dunst, miglior attrice al Festival di Cannes 2011 

INTRODUCE IL FILM 

KATIA IPPASO 

(Giornalista, scrittrice, tiene seminari di critica 

teatrale, cinematografica e drammaturgia presso 

la Sapienza, Università di Roma) 

23



1001 Irans 

Spagna, Italia, 2010, 42 min 

rEGIA Firouzeh Khosrovani 

FOTOGRAFIA Paolo Guglielmo Sulpasso (Rome), 

Mehran Tamadon (Paris), David Rengel Borreguero 

(Madrid), Ivan Bricio (Madrid), Lukas Seibel 

(Chicago), Marcos Ruisaba (Tenerife), Firouzeh 

Khosrovani (San Diego) 

MONTAGGIO Babak Karimi 

MUSICA Mohammad Reza Mortazavi 

SUONO Paolo Segat 

ABOUT 

“Sono iraniana”. Dodici anni fa, quando sono arrivata 

in Italia, non ero consapevole del peso di 

quest’identità, complessa, irriducibile: per me era 

semplice, come respirare il proprio nome senza 

chiederne il senso. 

Improvvisamente mi sono ritrovata a dover sostenere 

tutto il carico di essere figlia di tre decenni di 

Rivoluzione Islamica. 

Come se fossi il prodotto di questo sistema, come 

se fossi costretta a indossare una maschera di 

rappresentanza ufficiale; ma non avevo le conoscenze, 

né le intenzioni, né la capacità di far fronte 

a quelle domande serrate che mi chiedevano di 

24 

chiarire nero su bianco il senso di quell’Iran islamizzato 

e tanto minaccioso agli occhi degli occidentali. 

Potrei dire che sono state le tante reazioni e domande 

che mi sono state rivolte nel corso della 

mia permanenza, in Italia e in Europa, a far sorgere 

in me la coscienza di un’identità da definire volta 

per volta e difendere. 

Vedevo bene come nell’Italia di quegli anni l’Iran 

era soprattutto un attore politico, che, volente o 

nolente, ero chiamata a rappresentare in modo 

tanto netto da non lasciar spazio a ombra di dubbio:giudicavano 

il mio paese, ma ero io stessa a sentirmi 

giudicata in prima persona, come se non intercorresse 

nessuna differenza tra la mia identità personale 

e l’identità generica del paese da cui 

provenivo. 

L’immagine che ha l’occidente dell’Iran è il frutto 

delle notizie che diffondono i mass media internazionali, 

o del cinema iraniano: entrambi hanno 

contribuito ai luoghi comuni più ricorrenti. Se la 

Persia millenaria era lo scenario da mille e una 

notte con i tappeti volanti, i fasti imperiali, la parola 

Iran ormai è associata al nero dei chador, l’islam 

politicizzato, agli ayatollah, al governo teocratico, 

le scuole coraniche e la bomba atomica. 

Questi stereotipi e le contraddittorie affermazioni 

degli europei sul mio paese mi hanno suggerito la 

necessità di realizzare un film sull’immaginario pittoresco 

o grottesco che l’Iran d’oggi evoca in occidente; 

che in alcune occasioni si avvicina alla 

realtà, altre volte ne riflette frammenti parziali o

addirittura se ne allontana, fino ad assurde fantasie. 

Il film raccoglie e confronta le differenti risposte 

spontanee all’affermazione d’identità “sono iraniana” 

oppure “sono persiana”. 

In vari paesi europei, il film intervista persone di 

diversa estrazione sociale e professionale - dal 

venditore ambulante al professore universitario. 

La prima domanda rivolta loro è che immagine associano 

alla parola Iran. 

Le loro reazioni variano dall’ammirazione per la 

ricchezza culturale (cinema, poesia, letteratura, patrimonio 

archeologico) alla disapprovazione per la 

censura sociale, la discriminazione sessuale e la 

repressione politica vista ad esempio durante le 

pacifiche manifestazioni del movimento “verde” 

dopo le contestate elezioni. 

Le voci raccolte nelle diverse lingue in cui si esprimono 

gli intervistati in Italia, Spagna, Gran Breta- 

gna e Francia, acquistano valore nell’alternarsi con 

le immagini selezionate. Rivoluzione, monarchia, 

guerra, paesaggi e vita quotidiana in Iran scorrono 

in foto e filmati che insieme illustrano e contrastano 

i giudizi espressi nelle interviste. 

Mille e un Iran, cerca di avvicinarsi all’Iran contemporaneo, 

un paese complesso di settanta milioni 

d’abitanti, con un profondo divario tra la 

società e la classe dirigente, che non rappresenta 

il comune sentire. Una realtà non riassumibile in 

visioni schematiche, parziali e monolitiche. (Firouzeh 

Khosrovani) 


BIANCA MARIA FILIPPINI 

(Professoressa di Letteratura Persiana, Università 

degli Studi della Tuscia di Viterbo, esperta di 

Cinema Iraniano) 

25



una separazione 

Iran, 2011, 123 min 

rEGIA Asghar Farhadi 

SCENEGGIATURA Asghar Farhadi 

FOTOGRAFIA Mahmoud Kalari 

MONTAGGIO Hayedeh Safiyari 

PRODUZIONE Asghar Farhadi 

DISTRUBUZIONE Sacher Distribuzione 

CAST Peyman Moadi (Nader), Leila Hatami 

(Simin), Sareh Bayat, Sarina Farhadi, Babak Karimi, 

Ali-Asghar Shahbazi, Shirin Yazdanbakhsh 

SINOSSI 

Nader e Simin hanno ottenuto il visto per lasciare 

l’Iran ma Nader si rifiuta di partire e lasciare il 

26 

padre affetto da Alzheimer. Simin intende chiedere 

il divorzio per partire lo stesso con la figlia Termeh 

e, nel frattempo, torna a vivere da sua madre. 

Nader deve assumere una giovane donna, Razieh, 

che possa prendersi cura del padre mentre lui lavora, 

ma non sa che la donna, molto religiosa, non 

solo è incinta ma sta anche lavorando senza il permesso 

del marito. Ben presto Nader si troverà 

coinvolto in una rete di bugie, manipolazioni e confronti, 

mentre la sua separazione va avanti e sua 

figlia deve scegliere da che parte stare e quale futuro 

avere... 

ABOUT 

C’è una paese sempre al centro dell’attenzione 

mondiale: l’Iran. E una ben nota censura, nel nostro 

caso cinematografica, che è solo uno dei tanti 

strumenti per mettere a tacere voci diverse, della 

politica come della cultura, come quella di Jafar 

Panahi, autore di film importanti come Il palloncino 

bianco (1995) e Il Cerchio (2000): otto ritratti 

di donne, otto storie di quotidiana sopravvivenza 

in una società estremamente codificata e punitiva 

per la condizione delle donne che stride con la magnificenza 

di un’eredità culturale antica come 

quella persiana e la vitalità della sua gente. 

Nei confronti di Panahi - condannato nel 2010 a 6 

anni di reclusione, con la preclusione di poter dirigere, 

scrivere e produrre film, viaggiare e rilasciare 

interviste sia all’estero che all’interno 

dell’Iran per 20 anni - Farhadi, autore di Una separazione, 

ha espresso, come moltissimi artisti a 

livello internazionale, solidarietà. Solidarietà a un

uomo e a un popolo che annovera alcuni dei più 

grandi registi della storia del cinema mondiale: 

Abbas Kiarostami, Mohsen Makhmalbaf e sua figlia 

Samira Makhmalbaf, Babak Payami, Bahman 

Ghobadi, l’illustratrice e regista Marjane Satrapi 

autrice dell’incantevole “Persepolis”, solo per citare 

i più noti. 

Asghar Farhadi conferma in questo film il talento 

già emerso in About Elly (2010) e un gusto particolare 

per la ricerca di una verità che, se anche esiste, 

non è mai una sola. Così, partendo 

dall’interrogativo di una ragazzina se scegliere di 

restare in Iran o se trasferirsi all’estero (distacco 

dalla propria terra solo “immaginato” nel film ma 

presente nelle sensazioni e nelle azioni dei protagonisti) 

Farhadi parla di altre storie di “separazione”, 

in cui i diversi muri più o meno virtuali 

eretti dalla società allontanano gli individui gli uni 

dagli altri, gli uomini dalle donne, i poveri dai ricchi, 

la legge dalla giustizia. Separazione che allontana 

dalla propria patria o, se vogliamo, 

nell’etimologia tedesca di heimat, dalla propria 

“matria”, in un gioco di parole che rivela il continuo 

oscillare della ragazzina protagonista tra la figura 

paterna e quella materna verso la formazione 

di una propria identità, nel contesto di un’universale 

incomunicabilità tra madre e figlia, schiacciate 

entrambe dal peso dei loro conflitti interiori, della 

condizione femminile in una società teocratica e 

maschilista, di cui è eccezione emblematica la figura 

umanissima del padre che si rivela più “femminile” 

di entrambe, nel loro continuo far ricorso 

alla razionalità per far fronte alle difficoltà di ogni 

giorno. 

Una separazione è un film universale perché, sebbene 

profondamente calato nella realtà iraniana, 

parla per certi versi - per molti versi - anche del 

nostro paese, di noi. In un intreccio di questioni 

umane e sociali, private e comuni spiate da un 

buco della serratura neorealista. La sensazione di 

solitudine qui è fortissima, insita nel concetto 

stesso di “separazione”, che vede persone vicine 

non più in grado di ascoltarsi, di comunicare. Solitudine 

ancora più drammatica e angosciante perché 

palpabile rispetto alle istituzioni da un lato e 

alla religione dall’altro, in una società in cui regna 

un senso antico di comunità, solidarietà familiare, 

di quartiere, ecc. ma che non pare sufficiente a 

non far sentire l’individuo, persino una ragazzina, 

nelle sue scelte, completamente abbandonata a se 

stessa. Sola. 


Festival di Berlino 2011: 

Orso d’Oro: Miglior Film 

Orso d’Argento: Migliore Interpretazione Femminile. 

Orso d’Argento: Migliore Interpretazione Maschile, Ecumenical 

Jury Prize, Peace Award College 

Premio Oscar 2012 come Miglior film straniero 

XII Asiatica Film Mediale (Roma 12 - 22 ottobre 2011) - 

film d’apertura 


BIANCA MARIA FILIPPINI 

(Professoressa di Letteratura Persiana, Università 

degli Studi della Tuscia di Viterbo, esperta di Cinema 

Iraniano) 

27



Guy Touvròn 

e I Flauti di 

Toscanini 

Direttore: Paolo Totti 

Tromba: Guy Touvròn 

Flauti in Do Luigi Rodorigo, Athena Picarelli, Silvia 

La Rocca, Martina De Longis, Annamaria Lanciani, 

Marcella Piccinini, Marco Bruni, Romana Rubeo, 

Laura D’Amico, Mauro Baiocchi, Fabrizia Urbani, 

Giselda Baratta, Eleonora Milana 

Flauti in Sol Lucrezia Cortilli, Marica Tirone, Simona 

Carbone, Emilio Incerto 

Flauti Bassi Giulia Cellini, Ida Paris 

Flauto Contrabbasso Francesca Grosso 

H. Roman Drottningholm Suite 

Allegro – Minuetto – Lento – 

Allegro – Minuetto 

G.Ph. Telemann Sonata da Concerto in Re 

Maggiore per Tromba e 

Orchestra TWV 41:3 

Moderato – Largo – Vivace 

J.S. Bach Aria sulla IV corda dalla Suite 

in Re Maggiore per Orchestra 

28 

BWV 1068 

W.A. Mozart Allegro dalla Serenata in Sol 

Maggiore per Archi KV525 

‘Eine Kleine Nachtmusik’ 

V. Bellini Sinfonia da ‘Norma’ 

G. Veneri Puffetto e Primavera dalla 

‘Suite per Orchestra di Flauti’ 

G. Rossini Ouverture da ‘Il barbiere 

di Siviglia’ 

A. Piazzolla Violentango 

A. Marcello Concerto in do minore per 

Tromba e Orchestra 

Andante e Spiccato – Adagio 

– Presto

Ensemble I Flauti di Toscanini 

Nata nell’ambito della Associazione Arturo Toscanini 

di Avezzano nel 2003, l’Orchestra ha svolto 

un’intensa attività concertistica in Italia e all’estero 

(Tunisia, Spagna, Francia). 

Nel Maggio 2010 l’ensemble è ospite per un concerto 

presso il Conservatorio di Siviglia, che ha 

visto usare, prima orchestra in Italia, il flauto contrabbasso, 

commissionato e fatto costruire apposta 

dall’artigiano olandese Jelle Hogenhuis. 

Paolo Totti 

Nato a Roma nel 1972 ha compiuto gli studi musicali 

al Conservatorio S. Cecilia di Roma. 

Ha suonato praticamente in tutte le formazioni previste 

nel repertorio del flauto traverso sotto l’egida 

della Comunità Europea, della Presidenza del Consiglio 

dei Ministri e delle Istituzioni nazionali più 

importanti in ambito musicale. 

Ha inciso quattro cd con repertorio in prima assoluta. 

Fondatore e Presidente da quindici anni della Associazione 

Culturale Arturo Toscanini, è istitutore 

e direttore dell’orchestra “I Flauti di Toscanini”, di 

cui cura tutte le trascrizioni. 

Docente di flauto traverso nella scuola media ad 

indirizzo musicale. 

Guy Touvron 

La passione, il rigore e la generosità sono le chiavi 

di volta della carriera di Guy Touvron. 

Dai grandi Premi internazionali (da 1971 a 1975) 

alle partecipazioni prestigiose effectuate oggi nel 

mondo intero, Guy Touvron è un artista perfetto, 

"completo" come lo descrive quello che fù il suo 

Maestro al Conservatorio Superiore di Musica di 

Parigi : Maurice ANDRE. 

Guy Touvron ha suonato con le più famose orchestre. 

Guy Touvron percorre il mondo dei festival : Lille, 

Prades (Francia), Lanaudière (Canada), Ansbach 

(Germania), Polllença (Sapgna), Stresa (Italia), Salisburgo 

(Austria), Montreux (Svizzera). 

Suona anche regolarmente in ASIA (7 tournée in 

Giappone), e negli Stati Uniti.... Ha inciso finora 

più di 75 dischi, e compiuto i 40 anni di carriera 

con oltre 3000 concerti. 

29

Sabato 4 Agosto | TEATro rAGAzzI 


La fiaba dei 

tre desideri ridicoli 

Compagnia la Mansarda 

Drammaturgia: Roberta Sandias 

Regia: Maurizio Azzurro 

Da una antica fiaba tedesca 

Musiche originali Maria Gabriella Marino 

Drammaturgia: Roberta SandiasRegia: Maurizio 

Azzurro 

Musiche originali: Maria Gabriella Marino 

Scene e Costumi: Ennio Ecuba e Veronica Netti 

Attori in scena: Maurizio Azzurro; Roberta Sandias 

Menzione speciale della Giuria al PREMIO RIBALTA 2007 

Teatro Parioli- Roma 

Premio Miglior attore Festival Nazionale di teatro per ragazzi 

TEATRO PINOCCHIO 2007 IV EDIZIONE 

30 

Lo spettacolo è tratto da una antica fiaba popolare 

tedesca, dove protagonista è una coppia che vive 

ai margini del bosco, sbarcando il lunario in piccole 

faccende quotidiane dal sapore antico: tagliar 

legna, attingere acqua al pozzo e sbrigare mille 

altre attività rituali che scandiscono le loro giornate, 

sempre uguali. 

Due caratteri in contrapposizione: una moglie, Carlotta, 

allegra e solare, un marito, Gervaso, buio e 

brontolone: i due formano una coppia teatrale di 

sicuro impatto, che innesca continuamente contrasti 

e piccoli battibecchi, vorticose situazioni comiche 

e dialoghi serrati, dal vago sapore del teatro 

dell’assurdo, in una rappresentazione teatrale dal 

ritmo coinvolgente e di grande impatto comico. 

Nell’ambientazione e nella forte caratterizzazione 

dei personaggi ci si è ispirati alle atmosfere del 

Tingel Tangel di Karl Valentin, regalando allo spettacolo 

toni surreali e sopra le righe: una comicità 

fisica, oltre che verbale. 

Come in tutte le fiabe che si rispettino, c’è l’elemento 

magico: a rompere la quotidianità della coppia, 

accade un evento inaspettato: una vecchia 

maga, capitata nei pressi della loro bicocca un po’ 

per caso e un po’ per ventura, concede ad uno 

scettico Gervaso la possibilità di realizzare tre desideri… 

Cosa accadrà? 

Lo sviluppo imprevedibile della storia, che ha un 

finale inaspettato, lascia aperta una riflessione sul 

tema del desiderio e della sua realizzazione. 

L’allestimento della fiaba, è arricchito da momenti 

musicali e canzoni coinvolgenti.



Dell’ammazzare 

il maiale 

Italia, 2011, (cortometraggio di 7 min) 

IDEAzIonE e rEGIA Simone Massi 

RIPRESE Julia Gromskaya 

MUSICA Stefano Sasso con la consulenza di Larry 

Sider 

PRODUZIONE Production Simone Massi 

DISEGNI Pastelli a olio su carta - Bianco, nero e 

rosso 

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SINOSSI 

Mentre viene trascinato fuori dalla stalla il maiale 

ha modo di vedere il cielo e le cose del mondo 

ABOUT 

Con il suo tratto definitivo dalla memoria ancestrale, 

Simone Massi ci offre un piccolo teorema 

sulla vita e sulla morte in una realtà contadina dove 

la natura detta legge e la mano dell’uomo prova 

sempre a intervenire su di essa. Visioni e mise à 

l’abîme che molto hanno a che fare con la società 

contemporanea. (Veronica Flora) 


David di Donatello 2012 (Miglior cortometraggio)



Cesare deve morire 

Italia, 2012, 76 min 

rEGIA Paolo e Vittorio Taviani 

REGIA DELLE SCENE TEATRALI Fabio Cavalli 

SCENEGGIATURA Paolo e Vittorio Saviani, con la 

collaborazione di Fabio Cavalli 

FOTOGRAFIA Simone Zampagni 

MONTAGGIO Roberto Perpignani 

MUSICA Giuliano Taviani, Carmelo Travia 

FONICI Benito Alchimede e Brando Mosca 

PRODUZIONE Kaos Cinematografica srl, in associazione 

con Stemal Entertainment srl, Le Talee, 

La Ribalta – Centro Studi E.M. Salerno; in collaborazione 

con Rai Cinema 

DISTRIBUZIONE Sacher Distribuzione 

CAST Cosimo Rega (Cassio), Salvatore Striano 

(Bruto), Giovanni Arcuri (Cesare), Antonio Frasca 

(Marcantonio), Juan Dario sonetti (Decio), Vittorio 

Parrella (Casca), Rosario Majorana (Metello), Vincenzo 

Gallo (Lucio), Francesco De Masi (Trebonio), 

Gennaro Solito (Cinna), Francesco Carusone 

(Indovino), Fabio Rizzato (Stratone), Maurilio Giaffreda 

(Ottavio) 

SINOSSI 

Teatro del carcere di Rebibbia. La rappresentazione 

di Giulio Cesare di Shakespeare ha fine fra gli applausi. 

Le luci si abbassano sugli attori tornati carcerati. 

Vengono scortati e chiusi nelle loro celle. 

Sei mesi prima il direttore del carcere e il regista 

teatrale interno spiegano ai detenuti il nuovo progetto: 

Giulio Cesare. 

Prima tappa: i provini. Seconda tappa l’incontro 

col testo. Il linguaggio universale di Shakespeare 

aiuta i detenuti-attori a immedesimarsi nei personaggi. 

Il percorso è lungo: ansie, speranze, gioco. 

Sono i sentimenti che li accompagnano nelle loro 

notti in cella, dopo un giorno di prove. Ma chi è 

Giovanni che interpreta “Cesare”? Chi è Salvatore 

“Bruto”? Per quale colpa sono stati condannati? Il 

film non lo nasconde. Frasi scritte centinaia di anni 

fa incidono sul presente nel modo che Jan Kott attribuiva 

loro nel saggio del 1964 dal titolo “Shakespeare, 

nostro contemporaneo”. 

ABOUT 

Il carcere rappresenta nell’immaginario comune il 

luogo di solitudine per eccellenza. Aprendo le 

porte all’arte e alla cultura, i detenuti si trovano davanti 

agli occhi un temporaneo varco sulla vita, sul 

mondo, costruito su una ritrovata, diversa relazione 

con l’altro, sia esso il proprio compagno, il 

regista, il pubblico. Una ventata di vita racchiusa 

in un elaborato progetto artistico, quello della 

compagnia teatrale che opera nel carcere di Rebibbia, 

capace di mantenerne intatta l’autenticità, 

la complessità, la vertigine in un contesto carcerario 

generalmente monotono a tratti estraniante 

dove si lavora per la riabilitazione di individui che, 

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secondo la legge vigente, hanno compiuto reati 

che li hanno resi non più adatti alla vita nella società 

civile. 

L’arte come anche lo studio - nell’etimologia latina 

di studium, amore, passione - rappresentato in 

carcere dalle istituzioni scolastiche, universitarie, 

dalle iniziative delle associazioni di volontariato - 

può certamente risvegliare sensi intorpiditi dalla 

condizione di costrizione di esseri umani reali, vivi 

nella maggior parte dei casi, come accade fuori, 

dotati di grande sensibilità, talento, intelligenza. 

Anche quando hanno scritto sulla propria condanna 

“fine pena: mai”. 

Nonostante la tematica e l’ambientazione, certamente 

non facile, e una messa in scena che si avvale 

di un bianco e nero capace di scavare 

magistralmente nei volti e nell’anima dei protagonisti, 

il film, come ha rilevato lo stesso Nanni Moretti 

che ne è il distributore, mantiene, complice 

probabilmente anche l’esperienza sul campo del 

regista Fabio Cavalli, una freschezza e una verità 

che spesso emanano le opere prime. 

Questo film, insieme a Pina di Wim Wenders, altra 

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pellicola che vedremo nella nostra rassegna lunedì 

6 agosto, sottolinea la capacità del cinema di “leggere” 

e far vivere altre arti attraverso una diversa 

forma comunicativa, differenti strumenti creativi. 

Nella messa in scena del “Cesare” shakespeariano, 

non vi è solo l’immagine edificante di un gruppo 

di individui che fa teatro come terapia verso il cambiamento. 

Il Cesare di questi detenuti è un opera 

teatrale a tutti gli effetti, che porta in sé tutta la potenza 

della riflessione politica, sociale, umana 

dell’opera del Bardo. 

(Veronica Flora) 


Orso d’oro Festival di Berlino 2012 

David di Donatello 2012 per Miglior film, Miglior regia, 

Miglior montaggio, Miglior fonico in presa diretta, Miglior 

produzione 

Nastri d’argento 2012 Premio per il Miglior cast 


SALVATORE STRIANO 

(Attore)


Piazza dell’Obelisco, ore 18.00 

Incontro con l’Autore: 

“La democrazia 

al cinema” 

di Giovanni rizzoni 

Il cinema può ancora oggi definirsi la più politica 

delle arti. 

Un film ben riuscito non ci trasmette solo emozioni, 

ma riesce spesso a sollevare, in forma coinvolgente 

e diretta - a volte con una sola, 

indimenticabile immagine - anche grandi questioni 

della politica contemporanea, facendoci riflettere 

sulle difficoltà del nostro stare insieme, sui labirinti 

del potere, sui dilemmi della democrazia. 

A questi temi è dedicato l’incontro con Giovanni 

Rizzoni, un autore che si è particolarmente dedicato 

al tema dei rapporti fra arti visive e cultura 

politica e giuridica. 

Partendo dagli spunti contenuti nel suo libro, La 

democrazia al cinema - i dilemmi del costituzionalismo 

in cinque film, Rizzoni discuterà con il 

pubblico alcune delle domande che pongono in 

questione il governo democratico contemporaneo: 

quali sono oggi le difficoltà della deliberazione 

pubblica? La democrazia partecipativa costituisce 

un’alternativa a quella rappresentativa? L’ampliamento 

delle forme di democrazia diretta è oggi finalmente 

possibile? Perché abbiamo bisogno di 

una Costituzione? 

Le immagini e le storie di alcuni grandi film - compresi 

quelli in programmazione nella rassegna TA- 

GLIACOZZOINFILM - ci faranno da guida per 

esplorare le possibili risposte ad alcune di queste 

grandi domande. (Giovanni Rizzoni) 

GIOVANNI RIZZONI 

Insegna Comparative Constitutional Law alla Facoltà 

di scienze politiche dell’Università LUISS 

Guido Carli a Roma ed è consigliere parlamentare. 

E’ autore di numerose pubblicazioni in materia di 

diritto parlamentare e costituzionale. Ha partecipato 

in qualità di esperto a una serie di progetti di 

cooperazione promossi dell’OCSE e della Commissione 

europea per il sostegno e la valutazione di 

processi di riforma istituzionale e legislativa in 

paesi europei ed extraeuropei. 

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La serva padrona 

Santa Cecilia 

opera Studio 

Ensemble roma Sinfonietta 

Direttore: Fabio Maestri 

Regia: Cesare Scarton 

Intermezzo in due parti di 

Gennaro Antonio Federico 

Musica di Giovanni Battista Pergolesi 

(edizione critica di Fabio Maestri) 

Personaggi e Interpreti 

Serpina Damiana Mizzi, soprano 

Uberto Dario Ciotoli, baritono 

Vespone Nicola Ciulla, mimo 

Ensemble Roma Sinfonietta 

Violini: David Simonacci, Mervit Nesnas 

Viola: Lorenzo Rundo 

Violoncello: Marco Simonacci 

Contrabbasso: Marco Piccirillo 

Cembalo: Silvia Paparelli 

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SANTA CECILIA OPERA STUDIO 

L'iniziativa di istituire un programma di alto perfezionamento 

in canto lirico dedicato alla formazione 

professionale di giovani cantanti presso una 

struttura adeguata e funzionale nasce dall'esigenza 

di salvaguardare quanto resta di un patrimonio 

culturale straordinario, quello dell'Opera e del Belcanto, 

vero vanto della civiltà italiana dall'inizio del 

Seicento in poi, che corre il rischio di scomparire 

in tutto il mondo. La problematica situazione delle 

scuole di canto, non sempre in grado di assicurare 

ai giovani una preparazione soddisfacente, gli innumerevoli 

e spesso inutili concorsi, le difficoltà 

di inserimento nel mercato del lavoro, il non facile 

reperimento da parte dei teatri lirici di compagnie 

di canto adeguate, anche per opere di grande repertorio, 

sono dimostrazioni più che evidenti della 

gravità della crisi. Ciò nonostante, il nostro paese 

continua a essere meta di giovani artisti provenienti 

da tutto il mondo, alla ricerca di una idonea 

preparazione. 

L'Accademia Nazionale di Santa Cecilia, che vanta 

una illustre tradizione di corsi di alto perfezionamento 

in campo strumentale, ha raccolto questa 

sfida dando vita a Santa Cecilia Opera Studio, una 

scuola di canto di alto livello che mira a completare 

tutti gli aspetti della formazione professionale del 

cantante, da quelli più spiccatamente musicali e di 

tecnica vocale, a quelli della presenza scenica sul 

palcoscenico, della corretta dizione e della scelta 

del repertorio. L'intento è anche di sottrarre gli ar-

tisti alle leggi di un mercato non di rado spietato 

nello sfruttamento dei giovani talenti, soprattutto 

nella delicata fase dell'avvio alla carriera professionale. 

Non ultimo dei problemi è infatti il prematuro 

logoramento dei mezzi vocali di molti pur 

dotati giovani a causa di scelte sbagliate di repertorio. 

Dalla prima sessione tenuta nel 2004, gli allievi effettivi 

di Santa Cecilia Opera Studio sono stati diverse 

centinaia, provenienti da ogni parte del 

mondo, molti dei quali hanno poi iniziato importanti 

carriere solistiche. Una parte fondamentale 

del percorso formativo di Santa Cecilia Opera Studio 

è infatti la creazione di concrete opportunità 

professionali, grazie alla programmazione di concerti 

e recital nel corso dell’anno, alla realizzazione 

di progetti di teatro musicale e alle numerose collaborazioni 

con teatri e festival in Italia e all’estero. 

L’attività di Santa Cecilia Opera Studio è resa possibile 

grazie al generoso contributo di Laurel 

Schwartz, che da anni sostiene e segue con passione 

e disinteressata attenzione lo sviluppo del 

progetto e la crescita dei tanti giovani che vi partecipano. 

Altrettanto importante è la collaborazione 

con la Fondazione Boris Christoff, che contribuisce 

alla realizzazione delle sessioni di studio e delle attività 

artistiche programmate nel corso dell'anno. 

Santa Cecilia Opera Studio beneficia inoltre del 

prezioso contributo di Infocamere, che da alcuni 

anni promuove la produzione di CD e DVD dei concerti 

e delle opere realizzate, e della Fondazione Ettore 

Paratore. Prosegue, infine, nella cornice dello 

splendido Teatro Flavio Vespasiano di Rieti, la frut- 

tuosa collaborazione con il Reate Festival iniziata 

nel 2009 all'insegna del Belcanto. Grazie alla partecipazione 

al progetto europeo Euroclassical, di 

cui l'Accademia Nazionale di Santa Cecilia è membro, 

i concerti degli artisti di Santa Cecilia Opera 

Studio saranno fruibili sul sito www.classicalplanet.com. 

L’Ensemble Roma Sinfonietta si è costituito in 

seno all’Orchestra Roma Sinfonietta- che dal 1993 

svolge un’intensa attività concertistica collaborando 

con i maggiori esponenti della musica per 

il cinema e non solo (Ennio Morricone, Nicola Piovani, 

Luis Bacalov, Quincey Jones, Roger Waters, 

Dulce Pontes, Mariella Devia, Claudio Baglioni, Michael 

Bolton, Michael Nyman, Gianni Ferrio e 

presso l ‘Università di Roma Tor Vergata - per approfondire 

e diffondere un repertorio raro. 

37



Pina 

Germania, 2011, 100 min 

rEGIA Wim Wenders 

SCENEGGIATURA Wim Wenders 

FOTOGRAFIA Hélène Louvart 

SCENOGRAFIA Péter Pabst 

COSTUMI Rolf Börzik, Marion Cito 

MONTAGGIO Toni Froschhammer 

MUSICA Thom Hanreich 

PRODUTTORE Gian-Piero Ringel, Wim Wenders 

DISTRIBUZIONE BiM Distribution 

CAST Pina Bausch, Regina Advento, Malou Airaudo, 

Ruth Amarante, Rainer Behr, Andrey Berezin, 

Damiano Ottavio Bigi, Bénédicte Billet, Ales 

Cucek, Clementine Deluy, Josephine Ann Endicott, 

Lutz Förster 

SINOSSI 

Il film è un tributo alla celebre coreografa tedesca 

Pina Bausch e alla sua compagnia di teatrodanza 

a Wuppertal. Il progetto inizia nel 2008 e prosegue 

anche dopo la morte di Pina Bausch, avvenuta 

nell’estate del 2009. 

ABOUT 

Pina è un film speciale per diversi motivi. È innan- 

38 

zitutto un’occasione per conoscere una delle figure 

più straordinarie della danza del Novecento, Pina 

Bausch; e farlo attraverso lo sguardo poetico di un 

grande cineasta, che ha saputo cogliere e rendere 

sullo schermo il senso più intimo del lavoro della 

coreografa tedesca, celebre per aver creato a partire 

dalla fine degli anni settanta un nuovo genere 

di danza, estraneo sia ai codici del balletto che a 

quelli della danza moderna di allora. 

Il progetto del film nasceva nel 1985 quando Wenders 

vide per la prima volta e in modo del tutto casuale 

la compagnia tedesca del Wuppertal 

Tanztheater in scena al teatro la Fenice di Venezia; 

fu un incontro travolgente fino alle lacrime con la 

potenza di un linguaggio del corpo che non immaginava 

minimamente fosse in grado di affascinarlo, 

tanto da cambiargli la vita - dice lo stesso 

Wenders - e portandolo a pensare addirittura che 

forse neanche tutta la storia del cinema gli avesse 

mai restituito tanta verità sulla vita. 

Per quanto scosso da quell’esperienza, il regista 

sentì di passare alla realizzazione del progetto solo 

dopo la scoperta della soluzione tecnologica del 

3D, ossia dopo oltre vent’anni di amicizia fra i due

artisti, anni in cui l’idea di fare un film insieme 

aveva iniziato a prendere forma concretizzandosi 

poi nel 2008 con la selezione del materiale su cui 

lavorare. 

Sono quattro le coreografie che Pina aveva scelto 

come base per il documentario - “Café Müller”, “Le 

Sacre du Printemps”, “Vollmond” e “Kontakthof” 

- e non a caso le prime due sono le stesse che 

Wenders vide quella volta a Venezia. Ma nel giugno 

2009, a un passo dall’inizio delle riprese, la 

coreografa morì improvvisamente, lasciando nelle 

mani del regista e dei suoi danzatori la concezione 

dell’impianto drammaturgico del film. 

Il film è un ulteriore approfondimento da parte di 

Wenders dell’opera rivoluzionaria di Pina Bausch. 

Il regista, infatti, gira per intero le coreografie 

scelte, ma decide di imperniare la sua ricerca sugli 

assoli dei danzatori, e per costruirli adotta la stessa 

modalità della coreografa, probabilmente la chiave 

innovativa di tutto il suo lavoro, di rivolgere loro 

delle domande personali, chiedendo di rispondere 

con il solo movimento del corpo. Non mancano le 

voci dei danzatori, ma esse sono lasciate rigorosamente 

fuori campo mentre l’inquadratura fissa 

sul primo piano di ognuno ne analizza il ritratto. 

Quelle di Wenders sono domande su Pina ovviamente 

e gli assoli, dunque, costituiscono le risposte 

dei danzatori su di lei, sequenze di grande 

impatto emozionale, in cui certamente giocano un 

ruolo determinante la colonna sonora molto suggestiva 

e il serrato ritmo visivo dato dal contrasto 

delle ambientazioni. In uno sfondo di volta in volta 

industriale, naturale, metropolitano, teatrale in cui 

i corpi bauschiani in abiti da sera dall’inconfondibile 

eleganza lottano, desiderano, amano, esprimono 

gioia, ma anche dolore, comunicano 

insomma un’interiorità. La macchina da presa ne 

scruta il movimento in rapporto a uno spazio che 

per lo spettatore diviene avvolgente, realizzando 

quella compenetrazione fra linguaggio cinematografico 

e coreografico che è senza altro una delle 

cifre più caratteristiche di questo film. (Annamaria 

Corea) 


Deutscher Filmpreis 2011: Miglior documentario 

È stato inoltre presentato fuori concorso alla 61ª edizione 

del Festival Internazionale del cinema di Berlino il 13 febbraio 

2011. In Italia è stato presentato nella sezione 

Eventi speciali della 6ª edizione del Festival Internazionale 

del Film di Roma. 


ANNAMARIA COREA 

(Dottore di ricerca in “Tecnologie digitali e metodologie 

per la ricerca sullo spettacolo”, esperta 

di danza, Sapienza, Università di Roma) 

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Martedi 7 Agosto | TEATro 


Mare al mattino 

reading con 

Sergio Castellitto 

e Margaret Mazzantini 

Dal romanzo omonimo di 

Margaret Mazzantini 

Farid è un bambino libico, la sua casa è circondata 

dal deserto, il suo migliore amico è una gazzella 

che lo guarda teneramente. Quando tutto sembra 

perduto, la madre giovane e bella, Jamila, cerca di 

fuggire via mare su una piccola barca, insieme a 

molti altri, in cerca di libertà da una dittatura feroce. 

Farid non aveva mai visto il mare, questa 

grande, superficie blu che non mantiene la promessa 

di una nuova vita, diventando invece il loro 

carcere. Vito è un ragazzo siciliano che è cresciuto 

ascoltando le storie raccontate da sua madre e sua 

nonna, appartenenti alla comunità italiana che 

Gheddafi ha cacciato da Tripoli negli anni Settanta. 

Vito sta guardando lo stesso tratto di mare tra Italia 

e Libia, ma dalla spiaggia di un'isola sul lato opposto. 

Un racconto di toccante intensità, Mare al 

mattino affronta il tema universale della migrazione 

delle persone, il destino di coloro che diventano 

esiliati dalla loro case, dai parenti e dalle 

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radici, la violenza della guerra e della natura, la 

forza delle donne, quando si deve difendere il futuro 

dei loro figli, la speranza del genere umano 

per una vita migliore. Un'opera che conferma il talento 

di Margaret Mazzantini come scrittrice vicino 

al cuore dei lettori, che sa descrivere con il linguaggio 

terso della letteratura gli aspetti più oscuri 

della nostra presenza, con l'impegno di difendere 

il diritto di tutti gli esseri umani alla dignità e di rispettare 

e valorizzare il dovere di tutte le persone 

adulte di far crescere figli che siano felici. 

MARGARET MAZZANTINI 

E’ nata a Dublino in Irlanda dallo scrittore Carlo 

Mazzantini e la pittrice Anne Donnelly. Terza di 

quattro figlie vive l’infanzia in giro per l’Europa, in 

Spagna e a Tangeri, fino a stabilirsi a Tivoli, nella 

campagna alle porte di Roma. Frequenta l'Accademia 

d'arte drammatica Silvio D'Amico di Roma 

dove si diploma nel 1982. A vent’anni debutta al 

Teatro Olimpico di Vicenza interpretando Ifigenia 

nell’omonima tragedia di Wolfgang Goethe e continua 

la sua formazione attraverso testi fondamentali, 

come Tre sorelle di Chechov al Teatro di 

Genova, Antigone di Sofocle al teatro Greco di Taormina 

con Turi Ferro, Mon Faust di Paul Valéry 

nel 1987 al Piccolo di Milano con Tino Carraro, 

Bambino di Susan Sontag e Praga Magica di Angelo 

Maria Ripellino al Festival dei due Mondi di 

Spoleto. Nel 1987 si sposa con l’attore Sergio Castellitto 

con cui inizierà anche un importante percorso 

artistico. Nel 1992 e 1993, con Castellitto, 

ha interpretato, fra l’altro, la fortunata pièce A piedi

nudi nel parco di Neil Simon. Il suo esordio in letteratura 

è del 1994 con Il catino di zinco (Marsilio) 

che vince il Premio Selezione Campiello. Seguono 

Manola (Mondadori, 1999) e nel 2001 Non ti muovere 

(Mondadori) con cui vince nel 2002 il premio 

Strega e, tra gli altri, il premio Grinzane Cavour e 

il premio internazionale Zepter come miglior libro 

europeo. Non ti muovere è stato un caso editoriale 

da quasi due milioni di copie ed è stato tradotto in 

35 paesi. Nel 2003 lavora a Zorro - un eremita sul 

marciapiede (Mondadori), un monologo teatrale 

interpretato da Sergio Castellitto. Nel novembre 

2008, sempre per l’editore Mondadori, pubblica 

Venuto al mondo che vince il premio Campiello 

2009 ed è in fase di preparazione il progetto di realizzazione 

del film. Nessuno si salva da solo, pubblicato 

da Mondadori nel 2011, è il suo ultimo 

romanzo. Attualmente vive a Roma con il marito e 

i loro quattro figli. 

SERGIO CASTELLITTO 

Attore , sceneggiatore e regista tra i più importanti 

del cinema italiano. Originario di Campobasso, 

frequenta l’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica 

“Silvio d’Amico”. Lavora in teatro con Luigi 

Squarzina e Aldo Trionfo. Inizia poi la sua carriera 

cinematografica come attore accanto a Marcello 

Mastroianni, segue poi il film “La famiglia” di Ettore 

Scola. Nel 1990 vince il David di Donatello 

come attore per il film di Carlo Vanzina “Tre colonne 

in cronaca”, e il premio Nastro d’argento per 

il ruolo interpretato nel film di F. Archibugi “Il 

grande cocomero”. Con “L’uomo delle stelle” di G. 

42 

Tornatore vince il secondo Nastro d’argento. Nel 

2002 è protagonista del film di M. Bellocchio 

“L’ora di religione”. Come regista esordisce al cinema 

con il film “Libero burro” presentato alla 

Mostra di Venezia e nel 2004 dirige il film “Non ti 

muovere” tratto dall’omonimo romanzo della moglie 

Margaret da lui interpretato a fianco di Penelope 

Cruz. Acclamato dal pubblico e dalla critica il 

film, presentato al Festival di Cannes, vince numerosi 

premi, tra cui il David di Donatello a Penelope 

Cruz, il Nastro d’argento per la miglior sceneggiatura, 

il Globo d’oro 2005 come miglior film e 5 Nastri 

d’argento 2005. Nel 2005 torna a lavorare con 

Bellocchio ed è protagonista nel film ”Il regista di 

matrimoni” presentato a Cannes (un certain renard) 

. Lavora poi nel film di Gianni Amelio “La 

stella che non c’è “ e nel 2008 è nella megaproduzione 

americana di “Le cronache di Narnia:Il principe 

Caspian”, secondo capitolo della fortunata 

serie. Nel 2009 è alla Mostra del Cinema di Venezia 

con il film di V.Terracciano “Tris di donne e abiti 

nuziali”. Attualmente sta lavorando all’uscita del 

suo prossimo film tratto dal romanzo di Margaret 

“Venuto al mondo”. 

Note a cura di Antonia Renzella

Mercoledi 8 agosto | CInEMA 


zavorra 


rEGIA Vincenzo Mineo 

FOTOGRAFIA Bruno Fundarò 

MONTAGGIO Dario Indelicato 

SUONO Alessandro Boscolo 

PRODUZIONE Prodotto da Vincenzo Mineo – Trinacria 

Visual Art. In collaborazione con Associazione 

Culturale Bogotà 

CAST Il cast è composto dal personale e dagli anziani 

ospiti dei centri geriatrici di Trapani 

SINOSSI 

Spesso le persone anziane vivono in isolamento, 

ai margini di una condizione sociale e affettiva, e 

gli ospizi sono un grande aiuto in questo senso, 

perché offrono loro sostegno e cure, la possibilità 

di avere compagnia e conforto. 


Finalista David di Donatello – Documentari di lungometraggio 

2012 

Cargo 


rEGIA Vincenzo Mineo 

FOTOGRAFIA Bruno Fundarò 

MONTAGGIO Dario Indelicato 

SUONO Alessandro Boscolo 

MUSICA Linda Maria Bongiovanni 

PRODUZIONE Prodotto da Vincenzo Mineo – Trinacria 

Visual Art. In collaborazione con Associazione 

Culturale Bogotà 

CAST Il cast del documentario è composto dall’equipaggio 

della nave INDIGO POINT – PB TAN- 

KERS 

SINOSSI 

CARGO vuole rendere testimonianza non solo del 

lavoro svolto a bordo da ufficiali e marinai, ma 

vuole anche sentire le loro storie, le loro solitudini 

e i momenti di aggregazione, il tempo libero e i 

contatti con la terraferma. Tutto questo per far conoscere 

il piacere e le difficoltà di un lavoro svolto 

sul mare, su una nave che diventa anch’essa protagonista, 

un’isola in movimento vissuta da una 

eterogenea comunità-equipaggio in “isola-mento”, 

con le sue gerarchie e i suoi equilibri, con i suoi 

sogni e i suoi desideri. 


In concorso Documentari – David di Donatello 2010 

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Mercoledi 8 Agosto | DAnzA 


In Mozart + 

Free Chocolate 

Love 

BTT - Balletto del 

Teatro di Torino 

Direttore: Loredana Furno 

In MozArT 

Musiche MICHAEL NYMAN 

da Drowning by Numbers 

FrEE CHoCoLATE LoVE 

Un tributo a Andy Warhol Mito della POP Art 

Musiche DAVID SHEA + SCANNER 

Coreografie MATTEO LEVAGGI 

Danzatori Kristin Furnes, Manuela 

Maugeri, Viola Scaglione, 

Denis Bruno, Giuseppe 

Inga, Vito Pansini 

Luci, Fabio Sajiz 

Produzione Balletto Teatro di Torino 

Co-produzione Lavanderia a Vapore 

di Collegno 

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Matteo Levaggi crea nel 2005 Drowning by Numbers 

per il Balletto dell’Arena di Verona, su musiche 

eseguite dal vivo di Michael Nyman. Riprende

oggi il balletto riadattandolo agli straordinari danzatori 

del Balletto Teatro di Torino. 

La Michael Nyman Band debutta al National Thea- 

tre di Londra, eseguendo il famoso brano In Re 

Don Giovanni, in cui le prime 16 battute dall'Aria 

del Don Giovanni venivano smontate e riassemblate 

in una originale combinazione di musica 

classica occidentale, rock'n'roll e minimalismo. Da 

allora Nyman ha fatto spesso riferimento a Mozart 

nelle sue colonne sonore e nelle sue composizioni. 

Il primo è proprio quello della colonna sonora del 

film Drowning by Numbers di Peter Greenaway, 

una "esplorazione" delle qualità ritmiche, melodiche 

e armoniche che Nyman trovò così misteriosamente 

attraenti nel lento movimento della 

Sinfonia Concertante per violino e viola di Mozart. 

Ne nasce un pezzo musicale esplosivo, ricco di 

suoni e suggestioni, in cui far immergere una 

danza ben ancorata al vocabolario classico, come 

del resto è qui la musica, ma attraversata da un 

grande sentire contemporaneo. 

La seconda parte della serata riprende in una 

nuova forma, il primo lavoro coreografico di Levaggi 

per ensemble, ispirato al mito della Pop Art, 

Andy Warhol. 

Free Chocolate Love, sulla trascinante e ipnotica 

musica dell’americano David Shea e dell’inglese 

Scanner, ci immerge in un mondo colorato, in cui 

i danzatori si mettono in mostra, si scambiano i 

ruoli, trascinando il pubblico in un vortice di danza 

e musica elettronica per giovani amanti (come gli 

autori stessi la defininiscono) e un mondo Glamour. 

Pop, Star, Pose, Love, Smootchy, Andy, Karole 

and me! 

45

Giovedi 9 Agosto | MuSICA 


Colours 

Bozen Brass Quintet 

In the Stone (Earth, Wind and Fire) 

La Vie en Rose (Edith Piaf) 

Sonate 3 in C Moll (Gottfried Finger) 

Schlagerparade (Potpourri) 

Duetto buffo di due gatti (Gioacchino Rossini) 

Von Fremden Ländern und Menschen (R. Schumann) 

*** 

Child's Anthem (Toto) 

Bad Girl (Jamiroquai) 

She's a Maniac (Michael Sembello) 

Billy Jean (M. Jackson) 

Time of my life (Bill Medley) 

Englishman in New York (Sting) 

Nocturne (F. Mendelssohn) 

Not Yet (Michel Camillo) 

I Bozen Brass sono un quintetto di 

ottoni che non si può classificare 

secondo le comuni categorie. Si potrebbero 

definire innanzitutto curiosi, 

i cinque sudtirolesi, e sempre 

pronti a sorprendere. 

46 

Norbert Fink al corno, Stefan Mahlknecht al trombone, 

Robert Neumair alla tromba, Toni Pichleralla 

tuba e Anton Ludwig Wilhalm alla tromba sono nel 

gruppo dal 2003, e da allora sono in cammino, insieme, 

verso traguardi alti e lontani.Basilare è la 

solida formazione musicale che sorregge ognuno 

dei componenti, acquisita presso le migliori istituzioni 

musicali in patria e all'estero, accompagnata 

da un'esperienza esecutiva multiforme, tra 

orchestre ed ensemble di respiro internazionale. 

Ulteriori importanti ingredienti sono l'amore per la 

musica e il puro piacere nel praticarla, che in qualità 

di insegnanti riescono pure a trasmettere bene 

ai loro allievi. Essi offrono agli ascoltatori un arco 

di proposte musicali davvero ricco, attraverso ogni 

epoca della storia della musica e passando per 

ogni stile.



Cadenas 


rEGIA Francesca Balbo 

SCENEGGIATURA Francesca Balbo 

FOTOGRAFIA Francesca Balbo e Andrea Turri 

MONTAGGIO Carlotta Cristiani e Bruno Oliviero 

MUSICA Dario Miranda 

SUONO Mirko Guerra, Alberto Gallo 

COORDINAMENTO DISTRIBUZIONE Antonietta 

Bruni 

PRODUTTORE Alessandro Borrelli 

PRODUZIONE La Sarraz Pictures srl 

Realizzato con il contributo del MiBAC - Direzione 

Generale per il Cinema-Film d’interesse culturale 

ABOUT 

In quella parte di Sardegna che si snoda tra la Trexenta, 

il Campidano e il Gennargentu corre un 

treno senza tempo, il cui passaggio è salutato da 

piccoli puntini gialli che agitano una paletta verde 

e rossa, le “guarda-barriera”. 

Un lavoro che si eredita in linea femminile da generazioni. 

Bloccano il traffico al passare del treno, poche 

centinaia di chilometri di rotaie secondarie che in- 

crociano strade secondarie percorse da macchine, 

trattori, pecore e apecar. 

Ad ogni incrocio presidiato da una signora in giubbottino 

fluorescente il macchinista tira una corda 

e alza il braccio per salutare. Il treno supera con 

un fischio la “guarda-barriera” e corre via nella 

polvere, scomparendo dietro una curva: uomini, 

macchine e animali sono finalmente liberi dalla catena 

che chiude l’accesso ai binari. 

Intorno il paesaggio alterna campi gialli e muretti 

a secco, pianure macchiate di cactus, foreste e 

strette gole di montagna. 

Il film racconta queste donne, le “guarda-barriera” 

sui binari delle Ferrovie della Sardegna: la loro vita, 

il loro lavoro, il rapporto con il tempo e lo spazio 

della Ferrovia. 

Sono donne che, come molte altre donne nel 

mondo, lottano per i loro diritti di lavoratrici e per 

una migliore qualità della vita, mentre vivono immerse 

nell’attesa, circondate da una natura immobile, 

dove ogni elemento del progresso 

rappresenta una minaccia. 


Vincitore del Premio di sceneggiatura per il documentario 

“Solinas 2009” 

47

Venerdi 10 Agosto| TEATro rAGAzzI 


Piccolo 

piccolissimo 

grande 

grandissimo 

Compagnia Teatro dei Colori 

Per gli alunni grandi della scuola dell’infanzia e 

della scuola primaria 

Testo, spazio, regia: Gabriele Ciaccia 

da ‘Cipì’ di Mario Lodi 

Interpreti: Gabriele Ciaccia, Monica Di Bernardo, 

in collaborazione Valentina Ciaccia 

Diapositive :Giuseppe Pantaleo 

Suono - Luci: Roberto Santavicca 

Figure: Bartolomeo Giusti 

Musiche : Maria Rita Fracassi 

Produzione: Gabriella Montuori 

Un uccellino, “Cipì” nasce sotto i tetti, affronta le 

difficoltà della natura, della città, la paura degli animali 

più grandi, conoscerà la prigionia, la fame e 

scoprirà la libertà in un mondo che va tutto capito 

e conquistato. Un mondo dove il vento, il sole, il 

48 

temporale sono grandi forze attraverso le quali si 

giunge ad essere coraggiosi vincendo ogni prova. 

Poi ci sono gli altri, i simili, con i quali salire fino 

alle nuvole, per diventare sempre più uniti per abbracciarsi 

e per amarsi, e stare fermi a guardare 

due stelle scese dal cielo che raccontano della 

notte incantevole. La storia, scritta dai ragazzi e 

dal loro maestro, descrive gli avvenimenti scoperti 

nella natura, dove emergono esperienze che vivono 

parallelamente a quelle dei bambini. In questo 

processo di identificazione si scopre un po’ 

della vita e lo si fa anche con il teatro. Lo spettacolo 

si costruisce intorno a due attori-narratori che 

giocano con piccoli elementi di luce, pupazzi, diapositive, 

oggetti ingranditi dalle ombre, trasformando 

così lo spazio del racconto in un grande 

luogo immaginario. “Cipì” e stato scritto da un 

maestro - scrittore speciale: Mario Lodi, insieme 

ai suoi alunni, è uno dei classici della letteratura 

per l’infanzia italiana, una sensibilità nuova a misura 

dei bambini, per costruire una visione diversa 

del mondo. 

Associazione Teatro dei Colori Onlus 

L’Associazione TEATRO DEI COLORI Onlus, Centro 

di Ricerca e Pedagogia nello Spettacolo, nasce nel 

1987 ad Avezzano, Presidente e Legale rappresentante 

la dott.sa Gabriella Montuori, Direttore Artistico 

il prof. Gabriele Ciaccia. 

Gode del riconoscimento del Ministero per i Beni 

e le Attività Culturali – Direzione Generale per lo 

Spettacolo dal Vivo sin dal 1987 . 

Dal 1994 è socia AGIS (Associazione Generale Ita-

liana Spettacolo) nell'ambito della Federazione dei 

Teatri d’Arte Contemporanea , sezione Associazione 

Nazionale delle Compagnie e delle Residenze 

di Innovazione Teatrale. 

Ha collaborato e collabora inoltre con Università, 

Accademie e Centri di ricerca. 

Svolge attività di tournèe e partecipa a festival e 

rassegne teatrali su tutto il territorio nazionale. 

L’ Associazione Teatro Dei Colori Onlus ha ottenuto 

il primo posto nell'ambito dell' Osservatorio Cri- 

tico dell' E.T.I. (Roma 1988) con lo spettacolo “Colori...immaginare 

l'immagine” , ed ha vinto il “Premio 

Ribalta” con lo spettacolo “Il mago dei 

Numeri” da H.M. Enzesberger. 

Ha realizzato con il F.S.E. POR Regione Abruzzo i 

Progetti di Alta formazione “Il gioco del teatro” e 

”Dalle mani al teatro” nell’anno 2000; “Il corpo, 

l’oggetto, lo spazio” nell’anno 2002; “Spettacolo: 

creazione, progettazione, comunicazione” nel periodo 

2007 – 2008. 

49

Venerdi 10 Agosto | DAnzA 


Eleonora Duse 

arte, passione e mito 

Astra roma Ballet 

di Diana Ferrara 

Coreografie: Sabrina Massignani 

Assistente IreneVincoletto 

Musica di G.Kremer, M.Richter, G.Fauré, E.Morricone, 

Hans Zimmer 

Ricerca e collaborazione letteraria di FILIPPO CA- 

BURLOTTO 

Sceneggiatura di FRANCESCA ANZALONE 

Costumi di LORENZA SAVOINI 

Direzione organizzativa ed artistica Diana Ferrara 

“l’arte è la vita” 

L’arte per Eleonora Duse, è indissolubilmente legata 

alla vita. Lo spettacolo vuole ripercorrere in 

modo emozionale la costante dicotomia e contraddittorietà 

sentimentale che ha caratterizzato l’intera 

vita della Divina, indissolubilmente legata al palcoscenico. 

Il balletto vuole quindi omaggiarla presentandola 

in momenti di forte coinvolgimento 

emozionale percorrendo tre aspetti suggeriti già 

nel titolo stesso, arte, passione e mito. 

L’arte è la vita. Eleonora Duse, simbolo indiscusso 

50 

del teatro moderno non è solo artista, ma capocomico, 

manager di una sua compagnia, musa ispiratrice 

e soggetto artistico, donna di grande 

tenacia e forti passioni ma contemporaneamente 

vittima e carnefice della sua stessa personalità. 

Le passioni. Donna dal temperamento passionale, 

dal grande coinvolgimento artistico si lega a uomini 

di cultura, di arte, di spettacolo. Si innamora 

dell’artista prima ancora che dell’uomo. 

Il mito. La vita per lei è palcoscenico, recitazione, 

finzione, illusione, personaggi. E’ la Divina, è la 

grande Eleonora Duse, la tragica, colei che ha 

cambiato il modo di recitare, la donna moderna, 

l’innovatrice, l’anticonformista. 

Interpreti: Eleonora Duse Beatrice Munarin 

e con Alexandra Ben Karaa, Aurora Licitra, Giulia 

Torri/ Agnese Zanetti, Tommaso Avezzano Comes, 

Elidon Zemblaku, Giorgio Iacono. 

Astra Roma Ballet 

La Compagnia ASTRA ROMA BALLET creata nel 

1985 da Diana Ferrara, Prima Ballerina Etoile del 

Teatro dell’Opera di Roma e sostenuta in parte dal 

contributo del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, 

è formata da un gruppo di giovani danzatori 

in grado di affrontare i più diversi stili di danza. 

La freschezza e l’agilità del gruppo consentono di 

diffondere in maniera capillare lo spettacolo di 

danza, sia nelle grandi città italiane ed estere, che 

nei piccoli centri, avvicinando così il più vasto pubblico 

al balletto classico, al neoclassico e al contemporaneo. 

L’ASTRA ROMA BALLET ha ormai al suo attivo più

di settecento rappresentazioni nei grandi teatri italiani, 

nelle rassegne, nei Festival, nonché all’estero: 

in Canadà, Stati Uniti, Senegal, Scozia, Germania, 

Svizzera, Tunisia, Marocco, Guatemala, Panama, 

Spagna, Siria, Corea, Ungheria, Cipro, Algeria. 

Ha lavorato con affermati coreografi come Luciano 

Cannito, Massimo D’Orazio, Marcia Plevin, 

Paolo Mohovic, Attila Silvester, Pieter van der 

Sloot, Alessandro Vigo, Loris Petrillo, Donella 

Bucca, Enrico Morelli, Daniela Megna, Veronica 

Frisotti, Roberto Sartori, Sabrina Massignani. 

Novità assoluta 2012 “ELEONORA DUSE, l’arte, la 

passione, il mito” coreografia di Sabrina Massignani. 

51



Bakroman 

Italia, 90 minuti, 2010 

rEGIA Gianluca De Serio, 

Massimiliano De Serio 

SCENEGGIATURA Gianluca De Serio, Massimiliano 

De Serio 

FOTOGRAFIA Gianluca De Serio 

MONTAGGIO Stefano Cravero 

SUONO Andrea Viali 

PRODUZIONE Alessando Borrelli - La Sarraz Pictures 

s.r.l.; in collaborazione con Kivanis International 

CAST Tasserè, Aziz, Omar, Sofie e i Ragazzi di 

Strada del “Sindacato” di Ouaga 

“Bakroman” è stato sostenuto da: 

Film Commission Torino Piemonte 

Piemonte Doc Film Fund (Fondo Regionale per il 

Documentario - Sviluppo Settembre 2009) 

SINOSSI 

In lingua moré (Burkina Faso) “bakroman” significa 

“ragazzo di strada”: nelle strade di Ouagadougou 

(capitale del Burkina Faso) più di seicento 

ragazzi vivono senza niente da mangiare, né un 

tetto sotto cui dormire. 

Eppure, si sono uniti in un “sindacato”, per difen- 

52 

dere i propri diritti e coltivare le proprie speranze. 

Per poter uscire, un giorno, dalla strada. 


Premio Migliore Documentario Italiano – Torino Film Festival 

Gianluca e Massimiliano De Serio 

I loro cortometraggi hanno ottenuto candidature 

al Globo d’Oro e ai David di Donatello (2005 e 

2006) e vinto tre Nastri d’Argento (2004, 2005, 

2006). 

Il loro ultimo film SETTE OPERE DI MISERICOR- 

DIA (2011) con Roberto Herlitzka ha ricevuto numerosi 

riconoscimenti internazionali, tra cui il 

Premio della Giuria al Film Festival di Marrakech 

e diverse candidature ai Nastri d’argento 

2012. 

SOLIDARIETA’ 

In occasione della proiezione di BAKROMAN nell’ambito 

di TAGLIACOZZOINFILM è prevista la possibilità 

di offrire un contributo per la causa del 

“Sindacato” dei Ragazzi di Strada di Ouaga attraverso 

l’Associazione Ajer con il Progetto BAKRO- 

MAN del CISV. http://www.cisvto.org/



Fatto Teatro un 

foglio al mio pensiero 

vita di Petronilla Paolini Massimi, 

fra 3 stanze, sonetti e madrigali 

Associazione Musamoi 

Drammaturgia e regia: Maria Luisa Bigai 

da testi editi inediti e documenti storici 

Con Maria Luisa Bigai e Maria Teresa Pintus e 

Nicola Pisani (sax), Carlo Cimino (contrabbasso) 

Ricerca immagini e collaborazione alla drammaturgia 

Maria Teresa Pintus 

Ricerca musicale e musiche originali dal vivo 

di Nicola Pisani e Carlo Cimino 

In un' epoca di Papi sovrani, di nobili squattrinati 

ed ambiziosi secolo di menzogne, agguati e pubblico 

decoro, una Signora ebbe il gravissimo difetto 

di amare la letteratura.. 

Prodotto da Mùsamoi per il Festival di Mezzestate 

di Tagliacozzo (AQ), questo progetto restituisce 

voce e suono alla straordinaria vicenda di 

una donna che senza muovere in piedi gira il 

mondo e con la scrittura si salva la vita e diviene 

“Immortale”... 

Petronilla Paolini Massimi è innanzitutto una delle 

poche autrici del Settecento annoverate in tutte le 

più prestigiose antologie della letteratura Italiana. 

Ma leggendo le sue lettere, le testimonianze, gli 

atti processuali che hanno a che fare con la sua vicenda 

umana e personale - oltre che i suoi sonetti, 

i madrigali, i racconti e le pagine di cronaca- si 

scopre che Petronilla è soprattutto una donna straordinaria, 

piena di intelligenza, forza d'animo, di 

coraggio e determinazione. 

Sullo sfondo di una Roma Barocca che alterna violentissimi 

carnevali a castighi papali, Petronilla ha 

che fare con i più noti personaggi dell'epoca: dal 

Cardinale Altieri alla Regina Cristina di Svezia, dalla 

famiglia dei Massimi, a quella dei Colonna e vive 

una vicenda personale che sembra essa stessa un 

romanzo pieno di colpi di scena. 

53

Il progetto di restituire voce e suono a queste vicende 

e ai versi di Petronilla, ha preso le mosse 

due anni orsono da un'idea di Lucia Bonifaci. Trovandosi 

per le mani i volumi di documenti e testi 

editi e inediti della scrittrice Petronilla Paolini Masimi, 

curati dall' associazione Marsiaverde, (col 

contributo della regione Abruzzo e il patrocinio del 

Comune di Tagliacozzo), come direttore artistico 

del Festival di Mezzestate di Tagliacozzo, ha sentito 

necessario valorizzare tanta significativa ricchezza, 

e promuovere la memoria ancor prima che il lustro 

di questa poetessa abruzzese che ebbe l'onore e il 

vanto di far parte dell'Arcadia e di varie prestigiose 

accademie letterarie, e venne riconosciuta già ai 

54 

suoi tempi come una delle penne e delle personalità 

più significative di un'epoca. 

La vitalità e vivacità di questo personaggio scavalca 

i tempi e cerca lo spazio: Petronilla si racconta 

con tutta se stessa, entrando e uscendo 

dalla pagina e dal suo tempo, e cercando nel 

suono della voce, e nei ritmi del contemporaneo, 

un sentiero verso la propria identità più profonda. 

Per la realizzazione di questa serata si interseca la 

decennale collaborazione di Maria Luisa Bigai con 

Maria Teresa Pintus, apprezzata in tanti progetti e 

drammaturgie, in scena fra l'altro nell'ambito dell'Estate 

Romana (fra tutte: varie edizioni di PAXione 

a Fontanonestate), con la ricerca di Bigai tra 

parola e suono -dal melologo classico alle forme 

di ricerca contemporanea- che procede nella collaborazione 

con il compositore Nicola Pisani e il 

musicista Carlo Cimino. 

Maria Luisa Bigai 

Diploma e Perfezionamento in Recitazione presso 

Accademia Nazionale d'Arte Drammatica "Silvio 

D'Amico" Roma. 

Diploma in Regia presso Accademia Nazionale 

d'Arte Drammatica "Silvio D'Amico" Roma. 

Regista e drammaturga lavora in Teatro, con particolare 

attenzione alla scrittura femminile e ha allestito 

Opere classiche e contemporanee. La sua 

regia di L'Ultima Notte di Salomè presentata al 

Cafè La Mama di New York è stata scelta per The 

Best Plays Theater Yearbook di Jeffrey Eric Jen-

kins. 

Ha allestito e recitato in molti luoghi tra cui Roma, 

Milano, Parigi, Lisbona, Utrecht, New York. 

Ha lavorato per la RAI-radiotelevisione italiana, 

come attrice, regista, sceneggiatrice. 

Attrice è stata diretta da Luca Ronconi, Andrea Camilleri 

Duccio Tessari, Roberto Guicciardini. 

Docente per oltre dieci anni presso l’ Accademia 

Nazionale d'Arte Drammatica "Silvio D'Amico" di 

Roma. Insegna Arte Scenica nei Conservatori di 

Musica di Stato (Pescara, Matera, Trento, e Cosenza, 

dove riveste l'inarico di coordinatore del dipartimento 

di canto e teatro musicale). 

Docente presso Università della Calabria nell'a.a. 

2011/2012, con il modulo Musica e Poesia, per il 

corso Musica e Narrazione del DAMS. 

Maria Teresa Pintus 

Diretta da R.Guicciardini, Ugo Gregoretti, M.Panici, 

L.Damiani, Emanuela Giordano, Maria Inversi, 

Attilio Corsini, Bruno Maccallini, F.Staasch, Ennio 

Coltorti, Walter Pagliaro affronta classici (Eschilo, 

Aristofane, Moliere, Goldoni, Manzoni, Strindberg, 

F. Garcia Lorca) e testi contemporanei (Wesker, Ionesco, 

Eliot, N.Ginzburg, E.Vaime, R.Binosi Manfridi) 

e di autori emergenti italiani e stranieri tra cui 

Massini, Palladino, Fratus, Barbosa, Neilson. 

In televisione in varie fiction e per sei puntate a La 

Squadra , al cinema con L. Wertmuller, Luca e 

Marco Mazzieri, E.Giordano. 

Continua una ricerca sul rapporto tra parola e musica 

come autrice e regista in spettacoli come 

“Tosca e le altre”, “Don Giovanni”, “Beating” e 

l’istallazione video con voce e musica “Spiriti D’Acqua” 

collaborando con P.Cangialosi, Solis Quartet, 

Filippo Saccucci, Carlo Alberto Neri, Roberto Fabbriciani. 

Dal 2005 collabora con l'Accademia della Crusca 

di Firenze con lo spettacolo “Chi vuol esser lieto 

sia” con Paolo Poli, Virginio Gazzolo, Enrico Bonavera, 

Vincenzo Versari in varie città europee in 

collaborazione con gli istituti di cultura italiana all'estero. 

55



Formato ridotto 

Libere riscritture 

di cinema amatoriale 


rEGIA realizzazione a cura di Antonio 

Bigini, Claudio Giapponesi, Paolo Simoni 

MATERIALE VIDEO immagini Archivio Nazionale 

del Film di Famiglia in formato HD da 9,5mm, 

16mm, 8mm, Super8 

TESTI Enrico Brizzi, Ermanno Cavazzoni, Emidio 

Clementi, Ugo Cornia, Wu Ming 2 

ANIMAZIONE Luca Magi 

MONTAGGIO Claudio Giapponesi 

MUSICA Massimiliano Amatruda, Massimo Carozzi, 

Fabio Cimatti/Gruppo Yaezir 

SUONO Diego Schiavo 

PRODUTTORE un progetto di Home Movies – prodotto 

da Kiné Società Cooperativa in collaborazione 

con la Regione Emilia Romagna 

SINOSSI 

Un film collettivo che segna l’incontro tra Home 

Movies e un gruppo di celebri scrittori. 

Enrico Brizzi, Ermanno Cavazzoni, Emidio Cle- 

56 

menti, Ugo Cornia e Wu Ming 2 hanno elaborato 

dei testi originali trovando nelle immagini dell’Archivio 

Nazionale del Film di Famiglia l’occasione di 

sperimentare nuove tecniche narrative. Grazie ad 

approcci molto diversi tra loro in un’opera unica 

convergono cinque storie dagli esiti sorprendenti, 

singoli episodi di corta durata, di volta in volta trasfigurati 

in saggio, racconto, cronaca e divagazione. 

Forme del cinema documentario 

accomunate da una matrice comune: il variegato 

universo emiliano-romagnolo. 

SOLIDARIETA’ 

In occasione della proiezione di Formato Ridotto 

è prevista la possibilità di offrire un contributo che 

verrà devoluto da parte del Comune di Tagliacozzo 

alle zone dell’Emilia-Romagna colpite dal sisma.



Il libro 

della giungla 

orchestra Sinfonica Abruzzese 

e Sergio Bustric 

Direttore: Marcello Bufalini 

Dal racconto di R. Kipling 

Libero adattamento scenico di Bustric 

(edizione: Broude Brothers, New York) 

W. A. Mozart Così fan tutte, Overture 

G. Rossini Il Barbiere di Siviglia, 

Sinfonia 

D. Cimarosa Il matrimonio segreto, 

Sinfonia 

G. Rossini L’Italiana in Algeri, Sinfonia 

*** 

Miklos Rozsa Il libro della Giungla 

ORCHESTRA SINFONICA ABRUZZESE 

L’ISA, che è una delle tredici Istituzioni Concertistico-Orchestrali 

Italiane riconosciute dallo Stato, 

attraverso la sua Orchestra ha aperto all’Abruzzo 

il repertorio sinfonico in anni in cui a quelle latitudini 

era possibile ascoltare soltanto orchestre 

d’importazione, nello stesso tempo costituendo un 

qualificato sbocco professionale per le generazione 

di strumentisti che via via venivano formandosi 

nei Conservatori abruzzesi. 

Le sue programmazioni, che spaziano dal tradizionale 

repertorio sinfonico alla musica contemporanea, 

fino a toccare generi di contaminazione e 

nuovi linguaggi musicali, hanno visto sul suo 

podio direttori importanti come Riccardo Muti, 

Carlo Zecchi, Gianluigi Gelmetti, Bruno Aprea, 

Piero Bellugi, Donato Renzetti, Massimo Freccia, 

Nino Antonellini, Philippe Bender, Mario Gusella, 

Renè Klopfestein, Massimo De Bernard e tanti 

altri. Come si sono esibiti con l’Orchestra Sinfonica 

Abruzzese artisti del valore internazionale di 

Vladimir Ashkenazy, Barbara Hendriks, Katia Ricciarelli, 

Milva, Renato Bruson, Placido Domingo, 

Carmela Remigio, Andrea Bocelli, Ivo Pogorelich, 

Salvatore Accardo, Uto Ughi, Milan Turcovic, Maurice 

André, Hermann Baumann, Nina Belina, Severino 

Gazzelloni, Enrico Rava, Rudolf Firkusny, 

Leonid Kogan, Pierre Amoyal, Bernard Soustrot, 

Paul Tortellier, Gabriel Tachinò, Stefano Grondona, 

Massimiliano Damerini, Michele Campanella, 

Bruno Canino, Maria Tipo, Jorge Demus, Mario 

Brunello, Sylvano Bussotti, Boris Petruschansky, 

Massimo Quarta, Pavel Berman. 

L’Orchestra ha inciso per numerose importanti 

case discografiche (BMG Ariola, Amadeus-Paragon, 

Arts, Rugginenti, Sonzogno, Bongiovanni) ed 

ha registrato per la RAI - Radio Televisione Italiana 

57

numerose volte, comprendendo nei programmi 

prime esecuzioni assolute dedicategli da numerosi 

compositori contemporanei. 

Dall’ottobre 2009 solista principale è il maestro Fabrizio 

Meloni, primo clarinetto solista dell’Orchestra 

della Fondazione Teatro alla Scala di Milano. 

Al maestro Vittorio Antonellini, direttore artistico 

58 

dell’ISA dalla fondazione, succede nell’incarico il 

maestro Ettore Pellegrino dal gennaio 2011. 

L’ISA si avvale della collaborazione del prof. Francesco 

Sanvitale in qualità di consulente per l’opera 

lirica e i programmi inerenti la vocalità. 

Direttore principale ospite è il maestro Marcello 

Bufalini.

MARCELLO BUFALINI 

E’ nato a Roma. Dal suo debutto, nel 1994, con 

l’Orchestra Sinfonica di Graz, di cui fu subito nominato 

primo Direttore ospite, ha avuto inizio 

un'intensa attività internazionale, che lo ha visto 

frequente ospite di prestigiosi complessi come 

l'Orchestra della Suisse Romande, l'Orchestra del 

Mozarteum di Salisburgo, l'Orchestra della Radio 

di Monaco di Baviera, la Mitteldeutsches Rundfunkorchester, 

l'Orchestra del Teatro La Fenice di Venezia, 

l’Orchestra Sinfonica “Giuseppe Verdi” di 

Milano, l’Orchestra Regionale Toscana, l’Orchestra 

dell’Arena di Verona, la Tonkünstlerorchester e la 

Radio Symphonieorchester di Vienna e altre ancora, 

in sale come il Musikverein e il Konzerthaus 

di Vienna, il Grosses Festspielhaus di Salisburgo, 

il Gewandhaus di Lipsia. E’ docente di direzione 

d'orchestra al Conservatorio "A. Casella" dell'Aquila. 

Nel 2006, su commissione del pianista 

Roberto Prosseda, ha realizzato il completamento 

e la ricostruzione dell’inedito Concerto in mi minore 

per pianoforte e orchestra di Mendelssohn, 

che nel 2009 è stato registrato 

da Riccardo 

Chailly con l’Orchestra 

del Gewandhaus di Lipsia 

per la Decca 

(2009); oltre che a Lipsia, 

il Concerto è stato 

già eseguito nelle più 

importanti sale da concerto 

in Europa, Giappone, 

Canada. 

SERGIO BINI, in arte BUSTRIC 

Laureato alla Facoltà di Lettere e Filosofia dell’Università 

di Bologna. Frequenta a Parigi la Scuola di 

Circo di Annie Fratellini e Pierre Etaix e quella di 

pantomima di Etienne Decroux e a Roma la Scuola 

di Roy Bosier. 

Poi un periodo di studi con Jon Strasberg dell’Actor 

Studio. Crea la compagnia teatrale la “Compagnia 

Bustric” con la quale scrive e interpreta 

spettacoli che mette in scena usando varie tecniche: 

dal gioco di prestigio, alla pantomima, al 

canto e alla recitazione, in un ritmo narrativo che 

riempie le sue storie di sorprese, di cose buffe e 

inattese. E’ un teatro “colorato e comico, a volte 

poetico, certamente unico”. 

Con i suoi spettacoli è stato in gran parte nei paesi 

Europei, e nel mondo: in Somalia, Cile, Argentina, 

Brasile, Uruguay, America del Nord, recitando in 

italiano, inglese e francese. Interpreta la parte 

dell’amico poeta “Ferruccio” di Benigni nel Film da 

Oscar “La Vita è bella” del 1999. 

Attore nei Films: “Quartiere”, di Silvano Agosti, 

“Marcellino Pane e Vino” di Comencini. “Il Mnemonista” 

Studio Azzurro, “Il Papa Buono” di Ricky 

Tognazzi. 

Personaggio, attore, intrattenitore e conduttore di 

alcuni programmi televisivi: “Lo Zio d’America” 

con Cristian De Sica, “Vita da Leoni” con Luca Barbareschi, 

“Questa casa non è un albergo” con Sabina 

Ciuffini, “Paese che vai” con Corrado 

Tedeschi e Licia Colò. Spot pubblicitari: Carne 

Montana, Estathè... e tanto, tanto altro. 

59



“Dentro e fuori 

#occupyWallStreet: 

forme di partecipazione contemporanea 

tra nuovi media e cinema” 

Perché attualità e cinema? 

Perché il cinema, come forma d’arte, non può vivere 

senza affacciarsi alla vita, respirare gli eventi 

che muovono il mondo, e lasciarsi scuotere da 

essi, se non vuole rischiare di diventare un contenitore 

asfittico di storie artefatte. Quando si innalza 

poi alla forma straordinaria che sa assumere il cinema-documentario 

può diventare strumento fondamentale 

per cercare di indagare e interpretare la 

realtà, per aiutarci ad affrontare il futuro. “L’arte 

rinnova i popoli e ne rivela la vita. Vano delle 

scene il diletto ove non miri a preparar l’avvenire” 

(epigrafe di autore sconosciuto incisa sull'architrave 

del portico del Teatro Massimo, 

Palermo) 

#OccupyWallStreet, (in italiano «occupiamo Wall 

Street») è un movimento di contestazione pacifica, 

nato per denunciare gli abusi del capitalismo finanziario, 

che si è concretizzato in una serie di dimostrazioni 

nella città di New York presso Zuccotti 

Park. 

I partecipanti alla dimostrazione manifestano prin- 

60 

cipalmente contro l'inequità economica e sociale 

sviluppatasi a seguito della crisi economica mondiale, 

ispirandosi alle Proteste nel Nordafrica e 

Medio Oriente del 2010-2011, in particolare alle 

proteste tunisine. 

Dalla partenza a Puerta del Sol Madrid il 30 maggio 

2011, al Cile il 13 giugno, fino all’approdo negli 

Stati Uniti, dove il 13 luglio furono chiamati all’azione 

su Twitter. Dimostrazioni simili si sono 

svolte in altre 70 città degli Stati Uniti e di seguito 

anche in Canada, Australia, Regno Unito a Londra 

ed in Italia. 

Se non all’azione, certamente all’ascolto, per cercare 

di percepire il battito sottostante il movimento 

degli “indignados” d’America, si è sentita chiamata 

una “creatura del web 2.0”: Claudia Vago, 

alias “Tigella”. Tra le voci più fresche e appassionate 

di quell’incontrollabile, complesso, fertile laboratorio 

di idee e scambio di conoscenze che è 

la rete, sarà lei a raccontarci la sua esperienza di 

testimone, attraverso tutti i suoi network - Tumblr, 

Flavors, blog, Facebook, Twitter, “sponsor” quest’ultimo 

della sua avventura americana - delle

proteste internazionali. Come ha scritto 

L’Espresso, sul web, i suoi “cinguettii” sono 

spesso al centro delle cose. Anche Wired, la celebre 

rivista sulle “innovazioni che cambiano il 

mondo” ha inserito il suo Twitter tra i 50 che fanno 

tendenza. 

Insieme a lei, a raccontarci l’esperienza da “insider” 

di #OccupyWallStreet - fenomeno che rivela 

già nel nome, connotato da un “hashtag”, l’identità 

fortemente attraversata e caratterizzata dai nuovi 

media - uno degli organizzatori del movimento di 

Zuccotti Park, l’americano Shawn Carrié scrittore, 

attivista di OWS, esperto in comunicazione multimediale. 

Per spiegare il “movimento indignato” è stato 

scritto molto in tutti i giornali dell’Occidente, interpellati 

esperti, spediti inviati. Ad oggi non esiste 

un film, un documentario definitivo su #Occupy- 

WallStreet. Ma tante voci diverse che cercano di 

raccontare questa grande espressione di volontà 

di partecipazione. Tra immagini video, testimonianze 

dirette e soprattutto tanti interrogativi, proviamo 

a parlarne insieme. 

A seguire, il film Leone D’Oro alla 31esima Mostra 

del Cinema di Venezia, La battaglia di Algeri di 

Gillo Pontecorvo (1966), sulla difficile conquista 

della libertà e della identità individuale e di popolo. 

Claudia Vago 

Dopo gli studi in Storia dell’Arte e Storia del Cinema, 

sviluppa la propria presenza online attraverso 

canali e forme differenti di comunicazione, 

tutte con la stessa impronta originale e indipen- 

dente: Tigella. Opera nel settore della comunicazione 

turistica online, scrive per diverse testate di 

società, ambiente, politica, cultura…vita! Appassionata 

di informazione, si è specializzata nel ruolo 

di social media curator, in particolare su Twitter. 

Mobile journalist (l’informazione ha trovato nuove 

strade per viaggiare grazie a internet mobile, smartphone 

e tablet rendendo la realtà un territorio d’indagine 

molto più vasto e accessibile) esperta di 

crowdsourcing, ha discusso come relatore su temi 

come la mobilità, evoluzioni e prospettive di newsmaking 

e giornalismo partecipativo al Festival Internazionale 

di Giornalismo di Perugia 2012. 

Tigella gli eventi prima li tocca davvero, poi li comunica: 

da OWS al Sud Sudan, da dove è appena 

tornata. L’ultimo progetto che ha coordinato è il 

sito internet yearinhashtag.com, una rassegna 

multimediale dei principali avvenimenti del 2011 

attraverso tweet, foto e video circolati sui social 

media, lavoro che riconosce il ruolo svolto dal citizen 

journalism nel racconto dei fatti. 

Shawn Carrié 

E’ un attivista, scrittore, speaker, e specialista in 

comunicazione tecnologica interpersonale. E’ stato 

coinvolto nella rivolta #OccupyWallStreet dal settembre 

2011, lavorando a stretto contatto con i 

gruppi di lavoro sui media, stampa, organizzazione, 

azione diretta. Ritiene che il recupero degli 

spazi pubblici per il consenso, la cultura e l’aiuto 

reciproco possa portare un mondo migliore costruito 

su una democrazia orizzontale e diretta. 

Non è un idealista. 

61



La battaglia 

di Algeri 

ITALIA, ALGERIA, 1966,121 min 

rEGIA Gillo Pontecorvo 

SCENEGGIATURA Gillo Pontecorvo, 

Franco Solinas 

FOTOGRAFIA Marcello Gatti 

MONTAGGIO Mario Morra, 

Mario Serandrei 

PRODUTTORE Antonio Musu, 

Yacef Saadi 

MUSICA Ennio Morricone, 

Gillo Pontecorvo 

SCENOGRAFIA Sergio Canevari 

DISTRIBUZIONE 

CAST Brahim Hadjadj (Ali La Pointe), Jean Martin 

(Colonnello Philippe Mathieu), Yacef Saadi (Saari 

Kader), Samia Kerbash (una delle ragazze), Ugo 

Paletti (Capitano), Fusia El Kader (Halima), Mohamed 

Ben Kassen (Omar Yacef) 

SINOSSI 

Nell’ottobre 1957, mentre i paracadutisti del colonnello 

Mathieu rastrellano la Casbah, Ali La 

Pointe, uno dei capi della guerriglia algerina, rievoca 

il passato, l’organizzazione dell’FLN (Fronte 

62 

di Liberazione Nazionale), gli attentati, gli scioperi, 

le delazioni. Ali La Pointe è ucciso, ma tre anni 

dopo, in dicembre, il popolo algerino scende in 

piazza, proclamando la propria volontà di indipendenza. 

Rievocazione di taglio documentaristico 

sulla base di una solida sceneggiatura di Franco 

Solinas che, con forte coralità, mostra una guerra 

di popolo, spiegando anche le ragioni del “nemico”, 

i francesi. Leone d’oro a Venezia, il film 

ebbe vasta risonanza internazionale. Musica di 

Ennio Morricone e splendido bianconero scope di 

Marcello Gatti. 


Nastro d’argento al Miglior regista 

31ª Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia: 

Leone d’oro al Miglior film 

3 Nomination al Premio Oscar per Film straniero, Regista 

e Sceneggiatura originale

Lunedi 13 Agosto | MuSICA 


Danilo rea 

Piano Solo 

Danilo Rea 

Trasferitosi a Roma sin da piccolo, consegue il diploma 

di pianoforte al Conservatorio di Santa Cecilia, 

debuttando nel 1975 nella musica jazz con il 

Trio di Roma (Enzo Pietropaoli e Roberto Gatto). 

Si fa strada nell'ambiente jazzistico sino a suonare 

con alcuni tra i più grandi solisti statunitensi, come 

Chet Baker, Lee Konitz, John Scofield, Joe Lovano. 

Nel 1989 partecipa al lavoro di Roberto De Simone, 

Requiem per Pier Paolo Pasolini, rappresentato 

al teatro San Carlo di Napoli per la 

direzione di Zoltan Pesko; nello stesso anno pubblica 

assieme a Roberto Gatto il disco Improvvisi. 

Nel 1997 dà vita, con il contrabbassista Enzo Pietropaoli 

e il batterista Fabrizio Sferra ai Doctor 3, 

un trio che da un decennio calca i più importanti 

palcoscenici del jazz italiani. Il suo disco The Tales 

of Doctor 3 viene premiato miglior disco di jazz 

italiano nel 1998, mentre il lavoro successivo The 

songs remain the same vince il titolo di miglior 

disco jazz di Musica&Dischi nel 1999. 

In Italia sono numerose le sue performance nell'ambito 

del pop, come pianista di fiducia di artisti 

quali Mina, Claudio Baglioni, Pino Daniele e come 

collaboratore, tra gli altri, di Domenico Modugno, 

Fiorella Mannoia, Riccardo Cocciante, Renato 

Zero, Gianni Morandi e Adriano Celentano. Nel 

2006 prende parte al Concerto per l'Europa, sull'isola 

di Ventotene, che lo vede protagonista assieme 

a Baglioni, Nicola Piovani e Luis Bacalov. 

Nella stagione 2007-2008 partecipa allo spettacolo 

Uomini in frac insieme ad altri musicisti come 

Peppe Servillo, Fausto Mesolella, Mimì Ciaramella 

degli Avion Travel, Fabrizio Bosso, Furio Di Castri, 

Javier Girotto, Gianluca Petrella e Cristiano Calcagnile. 

Lo spettacolo è stato allestito per festeggiare 

i cinquant'anni di Nel blu dipinto di blu e per l'occasione 

il gruppo esegue alcune canzoni di Domenico 

Modugno. 

Le sue improvvisazioni, che spaziano su qualsiasi 

repertorio, sono apprezzate durante i concerti che 

tiene nelle tournée in giro per il mondo e durante 

i principali festival jazz. 

Nel 2009 è uno dei 70 artisti ospiti del doppio cd 

di Baglioni, Q.P.G.A., dove Rea suona il pianoforte 

nella canzone "Centocelle". Nel 2010 crea le musiche 

per lo spettacolo "Commedia" di e con Giorgio 

Barberio Corsetti. I video sono di Cristian Taraborrelli. 

Il 15 giugno del 2011, insieme a Paolo Damiani e 

Rashmi V. Bahtt, al crepuscolo, ha improvvisato 

un memorabile concerto sui tetti di Roma. l'intero 

incasso è stato devoluto ad Emergency, la ONLUS 

di Gino Strada 

63

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Danilo Rea

Martedì 14 agosto | CInEMA 


Tahir Liberation 

Square 

Francia, Italia, 2011, 91 min 

rEGIA Stefano Savona 

FOTOGRAFIA Stefano Savona 

MONTAGGIO Penelope Bortoluzzi 

MONTAGGIO SUONA E MIX Jean Mallet 

PRODUTTORE Penelope Bortoluzzi e Marco Alessi 

COPRODUZIONE Picofilms e Dugong con la partecipazione 

di Rai 3, Alter Ego - Cécile Lestrade, 

Périphérie (Centre de création cinématographique) 

SINOSSI 

Cairo, febbraio 2011. Tahrir è un film scritto con i 

volti, con le mani, con le voci di chi stava in piazza. 

La prima cronaca in tempo reale della rivoluzione, 

a fianco dei suoi protagonisti. Uno spettacolo insieme 

tragico ed esaltante. Il racconto inedito e appassionato 

di una scoperta: la forza dirompente 

dell’agire in comune. 

Un ragazzo ferito alla testa si regge su un bastone 

davanti alle barricate della Piazza assediata; incita 

i compagni a continuare la lotta, li sprona ad andare 

là dove i mercenari di Mubarak stanno attaccando. 

Non grida, parla con la determinazione 

serena di chi si trova esattamente nel punto dove 

voleva essere e dove non avrebbe mai pensato di 

arrivare. 

Elsayed, Noha, Ahmed sono giovani egiziani di 

poco più di vent’anni. Una settimana fa sono scesi 

a manifestare contro il regime di Mubarak e si 

sono ritrovati ad essere gli attori di una rivoluzione. 

Sono venuti da tutto l’Egitto, da Alessandria, 

da Luxor, da Suez. Occupano la Piazza notte e 

giorno, parlano, urlano, cantano insieme ad altre 

migliaia di egiziani tutto quello che non hanno mai 

potuto dire apertamente. Le repressioni sanguinose 

del regime rinforzano la protesta; in Piazza 

Tahrir si resiste, si lotta, si impara a discutere e a 

lanciare pietre per difendersi, a inventare slogan e 

a curare i feriti, a sfidare l’esercito e a preservare 

il territorio appena conquistato: uno spazio di libertà, 

un centro di democrazia in cui si dorme 

poco, si discute di politica, si intavolano dibattiti 

con degli sconosciuti, ci si ubriaca di parole. Diciotto 

giorni in Piazza Tahrir cambiano la vita a 

tutti, ma soprattutto ai giovani che questa rivoluzione 

l’hanno iniziata uscendo dal mondo virtuale 

di facebook dove per la prima volta si erano riuniti. 

ABOUT 

E’ facile dire che in Egitto, dopo diversi mesi da 

quei giorni incredibili, è ancora tutto in sospeso, 

che la situazione è complessa e rischiosa, che 

siamo ancora lontani dal conseguimento dello 

scopo delle proteste e dell’avvento della democrazia. 

Le manifestazioni del resto continuano, i gio- 

65

vani protagonisti del mio film scendono ancora in 

Piazza per far capire all’Esercito che non si sono 

riaddormentati. Ma quello che il mio film vuole comunicare 

è che un evento come questo lascia comunque 

una traccia indelebile e inalterabile; solo i 

mezzi cinematografici possono cogliere questo 

aspetto per forza di cose sfuggente, mostrando lo 

spettacolo entusiasmante di una rivoluzione e testimoniando 

della sua irreversibilità, qualunque 

cosa succeda dopo. 

Solo il cinema documentario può cogliere quegli 

istanti in cui appare allo stato più puro la libertà: 

quel senso di compiutezza che si annida nel dialogo, 

nelle relazioni che grazie alla parola si strin- 

66 

gono con gli altri. In questo senso, niente forse è 

mai stato più libero della Piazza Tahrir, in cui perfetti 

sconosciuti intavolavano lunghi dibattiti, in cui 

dopo 30 anni tutti potevano esprimersi e niente e 

nessuno poteva fermare questo flusso inarrestabile 

di parola. Il cinema documentario è il mezzo 

ideale per rendere conto della forza dirompente 

dell’azione collettiva: la letteratura o il giornalismo 

ne possono parlare in dettaglio, ma c’è qualcosa 

di sfuggente e effimero che solo il cinema può tentare 

di fissare, raccogliere. Quella di Tahrir non è 

solo una folla, sono persone che diventano tutte 

insieme consapevoli della loro forza, sono un 

gruppo che agisce all’unisono. 

“Una mano sola”, come dice uno dei tanti motti di 

questa Rivoluzione. 

(Stefano Savona) 


David di Donatello 2012 per il Miglior documentario 

Nastro d’argento 2012 per il Miglior documentario

Martedi 14 Agosto | MuSICA 


Anche il Bello 

deve morire! 

Simone Vallerotonda 

Tiorba e Chitarra spagnuola 

La consapevolezza barocca del disordine e dell'opacità 

del destino dell'uomo, trova nell'esasperazione 

della forma musicale e nella 

sperimentazione, la modalità espressiva più rappresentativa 

della caducità umana, del limite, della 

fusione dello Spirituale col Materiale. 

[cit. Nänie di F. Schiller] 

Bellerofonte Castaldi (1581-1649) Capricci a due 

stromenti, Modena, 1622 

Tasteggio soave 

Hieronimus Kapsberger (1580-1651) Libro IV 

d'intavolatura di Chitarone, Roma, 1640 

Toccata II, Capona - Passacaglia 

Robert de Visée (1650-1725) Manuscript Vaudry 

de Sainzenay, Paris, 1699 

Prelude - Les Sylvains - Menuet - La Monsernill 

rondeau 

Marin Marais (1656-1728) Livre IV de pièces de 

viole, Paris, 1717 

Muzette - Le Badinage 

Robert de Visée (1650-1725) 

La Villanelle 

Francesco Corbetta (1615-1681) Varii capricii per 

la ghittara spagnuola, Milano, 1643 

Folias 

Varii scherzi di sonate per la chitara spagnola, Bruxelles, 

1648 

Passacaglia per la X 

Francesco Corbetta (1615-1681) La Guitarre Royale, 

Parigi, 1674 

Preludio - Caprice de chacone - Sarabande 

Santiago de Murcia (1673-1739) Codex Saldivar, 

Mexico, 1730 

Jacaras - Cumbees 

« Non si può dare alcuna regola oggettiva del 

gusto ». Così Immanuel Kant chiude il dibattito 

estetico nel 1790 nella sua Critica del Giudizio. Di 

fronte a tale asserzione potremmo superficialmente 

rimanere indifferenti e, anzi, non trovarvi 

nulla di nuovo, ma se andassimo in profondità, vi 

scorgeremmo una ricerca filosofica che affonda le 

sue radici nel Barocco. Non vi è infatti secolo più 

ricco, controverso, contraddittorio ed umano del 

Barocco. L'artista del '600 tende verso il Sublime, 

inteso come ciò che è al di là della forma, come 

tensione verso l'infinito, l'informe, l'inesauribile, 

partendo però dalla materia più bassa, comune, 

quotidiana. 

Da ciò nasce l'esigenza di stupire, di meravigliare 

con mezzi “umani” che aprono squarci sul “divino”. 

Questa continua spiritualizzazione del materiale 

e materializzazione dello spirituale, culla 

67

l'uomo come se stesse seduto su un pendolo, che 

oscilla ogni volta qualche centimetro oltre la sua 

azione, oltre i suoi limiti. E proprio la rottura di tali 

limiti è ciò che distanzia dal passato, rimescolando 

i canoni classici del Rinascimento sotto nuove 

forme. Il non finito, l'intuizione, l'accostamento di 

elementi apparentemente distanti: queste sono le 

provocazioni e le sfide del Barocco, il quale ci 

porta in alto fino all'estasi, per ricordarci che 

siamo limitati, finiti, caduchi. 

Di fragil vetro è la nostra vita 

ché più si spezza allor, che più risplende 

e tal ricco di merci è sul mattin, 

che nudo erra la sera ai lidi intorno. 

Compagno è il precipizio a la salita 

e van quasi del par ruina e volo. 

a cura di Simone Vallerotonda 

SIMONE VALLEROTONDA 

Nato a Roma ha iniziato gli studi musicali sulla chitarra 

moderna. Affascinato dalla musica antica ha 

intrapreso lo studio del liuto con Andrea Damiani 

al Conservatorio S. Cecilia di Roma, dove si è diplomato 

col massimo dei voti. 

Ha successivamente conseguito il diploma di Master 

su Tiorba e Chitarra barocca con il massimo 

dei voti presso la Staatliche Hochschule fur Musike 

di Trossingen, sotto la guida di Rolf Lislevand. 

Ha suonato in importanti rassegne concertistiche 

e presso prestigiose sale da concerto. 

Si è laureato in Filosofia col massimo dei voti 

presso l'Università “Tor Vergata” di Roma e si è 

68 

specializzato in Estetica col massimo dei voti e la 

lode, dedicandosi ai rapporti tra la musica e i Philosophes. 

Nel 2011 è risultato miglior classificato, nella sezione 

Solisti, al Concorso Nazionale di Musica Antica 

“Maurizio Pratola” (AQ) e vincitore, in 

formazione Duo B.L.U. ensemble, della selezione 

italiana REMA (Réseau Européen de Musique Ancienne). 

Ha registrato per importanti emittenti radio e televisive 

quali: BBC, RAI, France Musique, Radio4, 

Radio Clara, Kulturradio, Radio Vaticana e ha inciso 

per Naïve, Amadeus, E Lucevan Le Stelle Records, 

Tesori Musicali di Roma. 

Collabora in qualità di solista e continuista con vari 

ensembles tra cui: Modo Antiquo, Cantar Lontano, 

Le Parlement de Musique, EUBO (European Baroque 

Orchestra), Academia Montis Regalis, Musica 

Antiqua Roma, Les Ambassadeurs, Soqquadro 

Italiano, Il Pomo D’Oro.

Mercoledì 15 agosto | CInEMA 


Quasi amici 

Francia, 2011, 113 min 

rEGIA olivier nakache, 

Éric Toledano 

SCENEGGIATURA Olivier Nakache, Éric Toledano 

FOTOGRAFIA Mathieu Vadepied 

SCENOGRAFIA Olivia Bloch-Lainé 

MONTAGGIO Dorian Rigal-Ansous 

MUSICA Ludovico Einaudi 

PRODUTTORE Quad Productions, Chaocorp, Gaumont 

DISTRIBUZIONE Medusa Film 

CAST François Cluzet, Omar Sy 

SINOSSI 

Quasi amici (Intouchables) è il secondo film di 

maggior successo francese di tutti i tempi (in numero 

di spettatori) al botteghino francese, dietro 

il film del 2008 Giù al nord. 

Il film racconta, celata dalla finzione, una storia 

vera: quella di Philippe Pozzo di Borgo (autore di 

Le Second Souffle) tetraplegico dal 1993, e del suo 

rapporto con Yasmin Abdel Sellou, suo aiuto domestico. 

La vita difficile di banlieu di Driss, tra carcere, ricerca 

di sussidi statali e un rapporto non facile con 

la famiglia, cambia improvvisamente quando, a 

sorpresa, il miliardario paraplegico Philippe lo sceglie 

come proprio aiutante personale. Incaricato di 

stargli sempre accanto per spostarlo, lavarlo, aiutarlo 

nella fisioterapia, Driss non tiene a freno la 

sua personalità allegra e debordante. Diventa così 

l'elemento perturbatore di un ordine alto borghese 

fatto di regole e paletti. Il giovane riuscirà ad azzerare 

la distanza che lo divide dal suo capo, stringendo 

con lui un legame di sincera amicizia, che 

cambierà a entrambi la vita. 

ABOUT 

Dovremo abituarci. Dovremo abituarci a film sempre 

più abili e sempre più furbi. Tanto divertenti 

quanto lontani dalla nostra esperienza. Per nulla 

interessati a rendere più acuto il nostro sguardo, 

ma pronti a donarci meravigliose illusioni. Tra cui, 

felicità suprema, l’illusione della profondità. È il segreto 

di Benvenuti al Sud (e del suo modello francese) 

e ora del nuovo record d’incassi in Francia, 

Quasi amici (in originale, con più coraggio, Les 

intouchables). In America, dove la società è insieme 

più rigida e più aperta, film così se ne fanno 

da sempre. In Europa suonano nuovi. Certo, se un 

aristocratico di mezz’età ricchissimo, coltissimo, 

paralizzato dal collo in giù, assume come badante 

un giovane africano delle periferie poverissimo, 

simpaticissimo, ignorantissimo (almeno in termini 

di cultura ufficiale), lo schermo si accende di mille 

trovate, spesso irresistibili, e di mille metafore. 

Anche perché il buon Driss (l’impagabile Omar Sy) 

è energico, audace, disinibito, un Eddie Murphy o 

69

un Will Smith di banlieue che per metà film fa scintille 

e per l’altra metà si adegua al programma: 

evacuare la realtà per venderci un sogno. Va bene 

divertirsi, ma si potrebbe essere più esigenti. Soprattutto 

avendo a che fare con una storia vera. 

(Fabio Ferzetti) 

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Premi César 2012: Miglior attore (Omar Sy) 

Premi Lumière 2012: Miglior attore (Omar Sy) 

Tokyo International Film Festival 2011: Grand Prix al Miglior 

film, Premio per il Miglior attore (François Cluzet e 

Omar Sy)



Diaz 


rEGIA Daniele Vicari 

SOGGETTO Daniele Vicari 

SCENEGGIATURA Daniele Vicari, 

Laura Paolucci 

PRODUZIONE Fandango, Le Pacte, 

Mandragora Movie. 

DISTRIBUZIONE Fandango 

FOTOGRAFIA Gherardo Gossi 

MONTAGGIO Benni Atria 

MUSICHE Teho Teardo 

SCENOGRAFIA Marta Maffucci 

COSTUMI Roberta Vecchi, 

Francesca Vecchi 

CAST Claudio Santamaria (Max Flamini), Jennifer 

Ulrich (Alma Koch), Elio Germano (Luca Gualtieri), 

Davide Iacopini (Marco) 

SINOSSI 

Diaz è il nome della scuola di Genova, diventata 

tristemente celebre nel luglio 2001 in occasione 

del Vertice G8. 

Il film narra l’intervento della polizia nella scuola 

Diaz di Genova, edificio in cui si trovavano i manifestanti 

contro il summit internazionale, nella notte 

tra il 21 e il 22 luglio 2001. Nelle dichiarazioni, Daniele 

Vicari racconta di aver lavorato alla ricostruzione 

dei fatti tenendosi strettamente vicino alle 

testimonianze e ai resoconti dei processi. 

Il film si sviluppa attraverso l’intreccio delle vicende 

di alcuni protagonisti. Il regista Vicari ha 

spiegato: “Dopo la sentenza di primo grado che 

assolveva i vertici della Polizia, con Domenico Procacci 

abbiamo avvertito l’urgenza di capire. Una 

volta letti gli articoli e visti tutti i documentari, ci 

siamo resi conto di quanto questo non bastasse. 

Serviva una chiave di lettura, qualcosa che fosse 

all’altezza dell’accaduto: la Diaz somiglia a un atto 

di guerra e come nelle guerre abbiamo rintracciato 

i destini incrociati e la pluralità delle esperienze”. 

ABOUT 

Tutta la concitazione, l’affanno, l’orrore del penultimo 

atto del G8, in un film ammirevole per ambizione 

produttiva, controllo del racconto, 

accuratezza dell’esecuzione. Tutto ciò che fino a 

ieri sapevamo dagli atti giudiziari, dalle inchieste e 

dai libri dedicati all’inferno della Diaz, travasato 

nelle immagini di un film espanso e corale che aggiorna 

la lezione della Battaglia di Algeri di Pontecorvo 

o di Z-L’orgia del potere di Costa-Gavras, 

all’epoca delle videocamere portatili, dell’informazione 

sempre più diffusa e sempre più controllata, 

delle verità così scioccanti da sfidare la rappresentazione. 

Perché è difficilissimo dare forma a tragedie 

come queste senza semplificare i fatti, ricattare 

lo spettatore, o viceversa addolcire i toni. E il potente 

J’accuse di Daniele Vicari è un’impresa senza 

71

precedenti in Italia, anche se sarebbe stato impensabile 

senza i documentari di Francesca Comencini 

(Carlo Giuliani, ragazzo) di Carlo Bachschmidt 

(Black Block) e altri. 

Come in tutti i film-catastrofe una serie di personaggi 

molto diversi e ignari gli uni degli altri convergono 

verso il gorgo della tragedia. Sono 

giornalisti (Elio Germano), manifestanti italiani, 

francesi, tedeschi, spagnoli, un sindacalista di 

mezz’età e un manager francese che si interessa 

di economia solidale (Renato Scarpa e Fabrizio 

Rongione), alla Diaz quasi per caso, alcuni black 

block, perché a Genova c’erano anche loro. Solo 

che qui il Fato si chiama polizia, governo, questura, 

e nulla accade per caso ma tutto viene pianificato 

e provocato, sfruttando le pieghe della 

legge (in presenza di un’aggressione, magari simulata, 

non serve il permesso del magistrato per 

ordinare una carica) e l’esasperazione dei poliziotti. 

Diaz non mostra (senza peraltro calcare la mano) 

solo i pestaggi, le umiliazioni, il sadismo, talvolta 

le torture subite da giovani inermi, ma insiste sulle 

manovre, le prove fabbricate ad arte, le armi e mo- 

72 

lotov introdotte nella Diaz dalla polizia, i dubbi di 

chi avrebbe voluto usare i lacrimogeni, i timidi e 

subito zittiti cenni di dissenso fra i poliziotti, i funzionari 

che dettano le verità ufficiali alla stampa, le 

divisioni e le ingenuità del movimento. E soprattutto 

non smette di interrogare e interrogarsi, esibendo 

i meccanismi del racconto. Com’è potuto 

accadere tutto questo? Cosa c’era dietro? Possibile 

che il Parlamento abbia respinto due volte la 

richiesta di una commissione d’inchiesta? Ci vuole 

coraggio per vedere Diaz. Ma ce ne voleva molto 

di più per farlo. (Fabio Ferzetti) 


La pellicola, presentata al 62º Festival internazionale del 

cinema di Berlino il 12 febbraio 2012 fuori concorso nella 

sezione “Berlinale Special” ha vinto il premio del pubblico 

della sezione Panorama. 


KATIA IPPASO 

(Giornalista, scrittrice, tiene seminari di critica 

teatrale, cinematografica e drammaturgia presso 

la Sapienza, Università di Roma)



The Dark Side 

of The Sun 


rEGIA Carlo Shalom Hintermann 

REGIA ANIMAZIONE Lorenzo Ceccotti 

SCENEGGIATURA ANIMAZIONE Carlo Shalom 

Hintermann, Lorenzo Ceccotti, Bambini di Camp 

Sundown 

FOTOGRAFIA Giancarlo Leggeri 

MONTAGGIO Piero Lassandro 

MUSICA Mario Salvucci, Federico Pascucci/Errichetta 

Underground, “My Eyes Close” composta 

da Michael Cashmore cantata da Antony della 

band “Antony and the Johnsons” 

SUONO Giuseppe D’Amato 

PRODUZIONE Citrullo International e Rainbow, in 

collaborazione con Rai Cinema, in associazione 

con NHK, DR TV, YLE, in associazione con Lorenzo 

Ceccotti, Michele Petochi, con il supporto del programma 

Media dell’Unione Europea 

DISTRIBUZIONE Film Transit 

CAST Rachel Shipton, Dan Mahar, Katie Mahar, 

Caren Mahar, Patrick Mahar, Mackenzie Valgardson, 

Shannon Valgardson, Dawson Valgardson, 

Christopher Soto, Meghan Elyse, Fatima Toumli, 

Hannah Watkoske, Kim Watkoske 

SINOSSI 

Per pochi bambini il sole è un nemico mortale. Una 

rara malattia, Xeroderma Pigmentosum, li costringe 

a vivere isolati, lontani dal mondo diurno 

dei loro coetanei. Questo non accade però a Camp 

Sundown, un campo estivo nello stato di New York 

creato dall’immaginazione e dalla tenacia dei loro 

genitori, che raccoglie pazienti da tutto il mondo. 

Qui prende forma un universo rovesciato, colmo 

d’incanto. La vita di questa piccola comunità notturna 

si intreccia con i sogni che prendono 

forma nell’animazione, ideata dagli stessi bambini. 

Genitori e figli si riconoscono qui in un unico desiderio: 

vivere appieno la propria vita, nonostante 

la malattia. 


Menzione speciale Premio Solinas Documentario per il 

cinema 2009, in collaborazione con Apollo 11 

29esimo SULMONACINEMA FILM FESTIVAL - Premio 

Soundtrack 

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European 

Wind Soloists 

C. GOUNOD Petite Symphonie 

J. FRANCAIX Sette Danze sul balletto 

“Les Malheurs de Sophie” 

G. PUCCINI/M. MANGANI Tosca Fantasy 

P. MASCAGNI/M.MANGANI Cavalleria 

Rusticana 

*** 

Fantasie 

G.ROSSINI/M.MANGANI Sinfonia da “La 

Cenerentola” 

Flauti: Alessia Vall’Asta, Sacha De Ritis 

Oboi: Paolo Grazia, Giovanni Pantalone 

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Clarinetti: Alfonso Giancaterina, Antonio Di Vittorio 

Fagotti: Patrick De Ritis, Vincenzo Felicioni 

Corni: David Kanarek, Andrea Caretta 

Il gruppo di fiati European Wind Soloists nasce 

nel 1993 per volontà del M° Patrick De Ritis , I° 

fagotto dei Wiener Symphoniker. Dell’Ensemble 

fanno parte musicisti proveniente dalla “London 

Symphony”, “BBC”, “Wiener Symphoniker” e di 

altre importanti orchestre. Questo gruppo, formato 

da due oboi, due clarinetti, due fagotti, e due corni 

a cui si aggiungono a seconda del repertorio due 

flauti, contrabbasso e violoncello è nato per valorizzare 

e proporre un repertorio poco conosciuto 

che va da Mozart fino alla musica contemporanea 

passando per autori quali Dvorak, Schubert, R. 

Strauss. La capacità di fondersi in uno squisito 

equilibrio sonoro, la varietà e l’originalità del repertorio 

hanno permesso al gruppo di partecipare 

a numerose manifestazioni concertistiche riscuotendo 

ovunque successo di pubblico e di critica.



CorTIeGEnTILI 

rassegna di cortometraggi 

sull’Aquila dopo il 6 aprile 2009 

CORTIeGENTILI è una piccola rassegna di cortometraggi 

realizzati da autori giovani, alcuni dei 

quali hanno già ottenuto riconoscimenti di rilievo, 

altri ancora nel pieno del proprio percorso formativo. 

Tutti con un unico intento: raccontare con le 

immagini alcuni punti di vista sulla vita nel capoluogo 

abruzzese dopo il terremoto dell’Aquila: sia 

nel primissimo periodo di stretta emergenza dopo 

l’immane tragedia, sia nei mesi, poi anni successivi, 

cercando di cogliere frammenti di una quotidianità 

nuova, tutta da reinventare, che fa 

necessariamente i conti con il ricordo di quella 

precedente il 6 aprile 2009. 

La città, le persone, gli equilibri spezzati e le nuove 

dinamiche umane, sociali che si sono venute a 

creare in una comunità che ha ritrovato, per causa 

di forza maggiore, un senso più profondo di sé legato 

alla propria terra, al carattere degli individui 

e a un forza tenera e gentile che, se anche piegata, 

non si spezzerà mai. 

CON LA PARTECIPAZIONE DI: 

MARCO INCAGNOLI 

Docente di tecnica della ripresa cinematografica 

e tv presso la Scuola Nazionale di Cinema del 

Centro Sperimentale di Roma e di L’Aquila, ex 

docente de L’Accademia de L’Immagine fino al 

2009 e docente nell’ambito di seminari e stage 

presso le Università di Roma, Perugia e Palermo. 

Operatore cinematografico dal 1968. 

E’ prevista la partecipazione di alcuni autori dei 

corti tra cui Enrico Maria Artale (I giganti dell’Aquila) 

e Diego La Chioma (L’essenziale è invisibile 

agli occhi). 

IMMoTA MAnET 

Italia, 2009, 10 minuti 

Realizzato dagli allievi del corso di regia del documentario 

dell’Accademia dell’Immagine dell’Aquila 

L’ESSEnzIALE E’ 

InVISIBILE AGLI oCCHI 

Italia, 2009, 12 minuti 

Realizzato dagli allievi dell’Accademia 

dell’Immagine dell’Aquila 

AnnA 


Realizzato dagli allievi della Scuola Nazionale di Cinema 

– Centro Sperimentale di Cinematografia – 

Sede Abruzzo 

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LA CITTA’ VuoTA 




Sede Abruzzo 

MIrACoLo AQuILAno 


REGIA Stefano Mutolo e Marco Iannini 

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I GIGAnTI DELL’AQuILA 


REGIA Enrico Maria Artale 

Lo STAzzo 

Italia, 2011,18 min 



Sede Abruzzo 

RINGRAZIAMENTI SPECIALI A: 

Scuola Nazionale di Cinema - Centro Sperimentale 

di Cinematografia - Sede Abruzzo


Da Piazza Obelisco nel Centro Storico, ore 21.15 

notturno d' Autore 

un progetto di Federico Fiorenza 

e Antonia renzella 

Spettacolo itinerante per turni di spettatori 

ogni 25 minuti. 

Passeggiando nel centro storico di Tagliacozzo, da 

Piazza dell’Obelisco al Chiostro di S. Francesco, a 

Palazzo Ducale, gli spettatori, guidati dagli attori, 

percorreranno “a lume di candela” i vicoli del 

borgo, scoprendone gli scorci, gli anfratti misteriosi, 

gli angoli più caratteristici, seguendo un itinerario 

che li porterà a incontrare personaggi del 

teatro e della letteratura indimenticabili, figure 

eternamente inquiete, custodi di segreti inconfessabili, 

di rimorsi, di passioni indomite. 

Le loro anime si confesseranno allo spettatore di 

turno.. complice l’oscurità della notte! 

Il pubblico assiste allo spettacolo in gruppi di 30 

spettatori ogni 20 minuti. 

Partenza gruppi da piazza Obelisco. 

Simone FALOPPA 

Prologo 

Le Guide 

Attore, regista, drammaturgo, una laurea in filoso- 

fia, specializzazioni in biomeccanica teatrale, 

mimo, teatro - movimento, frequenta “l’Ecole Jaques 

Lecocq” di Parigi, balletto classico, composizione 

coreografica e teatro danza, movimento 

scenico e canto leggero, commedia dell’arte, 

scuola arte drammatica “Vasil’ev” di Mosca. Ha lavorato 

in teatro con Pierpaolo Sepe, Giuseppe Marini, 

Marco Baliani. Ha vinto premi per le arti 

sceniche. Nel cinema e in tv è attore sotto la direzione 

di Riccardo Milani, Andrea Manni, Paolo 

Vari, Francesco Pavolini. 

In Notturno d’autore è il maestro di Cerimonie, l’attore 

che incontrerete per primo, quello che vi intrigherà 

rendendo piacevole l’ingresso in uno dei 

borghi più belli d’Italia affidandovi poi alle Guide. 

David GALLARELLO 

L’Inquisitore 

Diploma Accademia Nazionale S. D’Amico; attore 

e regista in vari spettacoli, con il Teatro Stabile 

d’Abruzzo in Love&Crash, è protagonista nel musical 

Mission, musiche di Ennio Morricone (nel 

ruolo che fu di Robert De Niro) nella prima mondiale 

a Seul. Attore in allestimenti con il Teatro Stabile 

di Genova, il Teatro Stabile del Veneto, il Teatro 

di Roma, accanto a Mario Scaccia. Già interprete 

dostoevskijano in Delitto e Castigo nel ruolo di Raskolnikov, 

qui nelle vesti dell’ Inquisitore, monologo 

tratto dal romanzo “I Fratelli Karamazov” in 

cui L’Inquisitore si reca a trovare Cristo tornato 

sulla terra dopo quindici secoli dalla sua morte. La 

regia è di Luciano Melchionna dallo spettacolo di 

successo Dignità Autonome di Prostituzione. 

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Valerio CAMELIN 

Er fattaccio der vicolo der Moro 

Giovane attore si forma come interprete di primi 

ruoli shakespeariani e di testi contemporanei in diverse 

compagnie anche sperimentali. Nel 2011 debutta 

nel ruolo di Emone nell’Antigone con Luca 

Biagini e Vanessa Gravina regia di Federico Vigorito 

in programmazione questa stagione. E’ un accanito 

occupante del Teatro Valle di Roma. 

Qui interpreta un celebre cavallo di battaglia di Gigi 

Proietti “Er fattaccio der vicolo der Moro” che l’autore 

Roberto Lerici scrisse in versi romaneschi 

ispirandosi ad un fatto di cronaca realmente accaduto 

a Romanella celebre via trasteverina. 

Federica STEFANELLI 

Salomè 

Ha lavorato con diversi registi tra cui Peter Stein 

ne “ I Demoni” in un tour internazionale di grandi 

festival, con Emanuela Giordano ne “ Le Invisibili” 

prodotto dal TSA, con Luciano Melchionna è “ Giulietta” 

in Dignità autonome di Prostituzione, e ancora 

con registi come Mario Scaccia, Marco 

Mattolini, Adriana Martino e Renato Giordana. E’ 

Lady Anna nel Riccardo III° del Love&Crash del 

TSA, esperienze in cinema e televisione. 

In Notturno è nelle vesti della Salomè di Oscar 

Wilde, celebre per aver fatto tagliare la testa a Giovanni 

perché non ha voluto baciare la sua bellissima 

bocca. 

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Ilaria FALINI 

Clitennestra 

E’ attrice in diversi allestimenti del Teatro Stabile 

dell’Umbria, nello spettacolo “La forma delle 

cose”, e in altri allestimenti shakespeariani. Partecipa 

alla Masterclass diretto da Luca Ronconi e 

frequenta i laboratori di Valerio Binasco e di Cristina 

Pezzoli. Ha avuto partecipazioni TV in “Carabinieri 

2”, regia di R. Mertes; in cinema ne 

“Immaturi” regia P. Genovese e ne “ La Tassista” 

regia D.Sanchez. Ruolo di Ismene nell’Antigone 

regia di F. Vigorito. La vedrete in una Clitennestra 

modernamente riscritta da Marguerite Yourcenaur 

nel raccontare il cruento omicidio del marito Agamennone, 

tornato dalla guerra di Troia, reso celebre 

nella trilogia dell’Orestiade di Sofocle. 

Luigi PISANI 

Ettore 

Attore in cinema e in teatro, con straordinarie 

esperienze e un successo già consolidato. Con il 

Tsa in Love&Crash nel ruolo di Macbeth; interpreta 

uno dei protagonisti nel film sul Risorgimento di 

Mario Martone “Noi credevamo”; ricopre ruoli importanti 

negli sceneggiati per la TV con Massimo 

Ranieri nella Filumena Marturano e in Napoli Milionaria 

nella nuova edizione televisiva. Esperto docente 

PON in varie annualità. Protagonista di 

diversi Spot in TV. 

Qui è Ettore, personaggio mitico dell’Iliade di 

Omero, riproposta in chiave moderna nella riscrittura 

di Alessandro Baricco.

Caroline PAGANI 

Hamletelia 

Attrice e drammaturga poliglotta. Laureata in Storia 

del teatro inglese e specializzata in drammaturgia 

e come attrice allo Stella Adler Studio of Acting 

di New York. Ha lavorato come attrice con Calixto 

Bieito, Peter Greenway, Davide Livermore, Teatro 

Stabile del Veneto. Hamletelia è la riscrittura dall’Amleto 

di Shakespeare dal punto di vista del fantasma 

di Ofelia che si risveglia in un cimitero dopo 

quattro secoli e rievoca tutti i personaggi del play, 

svelando retroscena sulla corte di Elsinore. Lo 

spettacolo ha vinto numerosi premi in Italia e all’estero. 

Sarà ospite alla prossima edizione del 

Fringe Festival di Edimburgo e Avignone Public 

off. 

Antonia RENZELLA 

non si sa come 

Ha debuttato in teatro con Giancarlo Sepe e la 

compagnia Catalana Els Comedians, ha lavorato in 

diverse produzioni del Tsa e con altri registi (Renato 

Giordano, Riccardo Vannuccini, Adriana Martino, 

Beppe Arena..) e ne “I Demoni” del regista 

Peter Stein. Laurea all’Università La Sapienza in 

Storia del Teatro. E’ nell’Antigone di Vanessa Gravina 

regia di Federico Vigorito in scena questa stagione. 

Per la TV ha partecipato alla sitcom Colpi di 

Sole e a I Cesaroni. Qui presenta una parte tratta 

da una celebre opera di Luigi Pirandello “Non si sa 

come” in cui il protagonista dell’ opera racconta 

cosa accadde in un lontano pomeriggio assolato. 

Vi accompagneranno la voce e chitarra di: 

Miriam FORESTI e Augusto MARRA 

Nelle riletture da: 

Fëdor Dostoevskij, Roberto Lerici 

Oscar Wilde, Marguerite Yourcenar, 

Iliade di Alessandro Baricco, Shakespeare, 

Luigi Pirandello 

Miriam Foresti, nata a Roma ma di adozione aquilana, 

è una cantautrice ed interprete poliedrica. 

E’ reduce dal tour abruzzese ‘Viaggio sinfonico attraverso 

la canzone’ in collaborazione con l’Orchestra 

Sinfonica Abruzzese. Lo scorso maggio è 

stata la voce solista nello spettacolo di e con Michele 

Placido, ‘Un incontro tra cinema e teatro’, 

con Davide Cavuti, in programma nella rassegna 

Aspettando Giffoni. Nel 2010 partecipa al programma 

televisivo Nuovi Talenti all’interno di Uno 

Mattina Estate andato in onda su Raiuno. Nel 2007 

partecipa al tour italiano di Jekyll & Hyde, il musical 

con Giò Di Tonno e Simona Molinari prodotto 

dal Teatro Stabile d’Abruzzo. Tra le voci dei Phonema 

Gospel Choir, lavora con Mario Biondi, e con 

leggende del blues come Bob Stroger, Jimmy Holden 

e Pippo Guarnera. 

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Domenica 19 Agosto | DAnzA 


not(t)e di Tango 

Gioia Abballe y Simone Facchini (ballerini) 

Duo +2 Quartet 

FABIO BATTISTELLI clarinetto 

FABIO GEMMITI fisarmonica 

SANDRO GEMMITI pianoforte 

CLAUDIO CAMPADELLO contrabbasso 

R. Galliano Tango pour Claude 

F. Canaro La Milonga de Buenos Aires 

A. Piazzolla La muerte del angel 

Vuelvo al sur 

A. Villoldo El Choclo 

A. Piazzolla Adios Nonino 

C. Gardel Pour una Cabeza 

A. Piazzolla Ave Maria 

M. Mores Taquito militar 

A. Piazzolla Oblivion 

Libertango 

Una notte dedicata al miracolo del Tango Argentino.Una 

vertigine di musica e ballo vi accompagnerà 

nei sentieri più intimi dell'abbraccio....per 

sentire più forte il profumo dell'altro. 

La musica e il ballo per definire il profilo di un mito 

moderno dentro il quale è possibile ritrovare un 

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nostro gesto, una nostra tenerissima, in certi casi 

elementare, emozione. 

Tango e nostalgia, tango e donne, tango e amore, 

sudore, albe, penombre, fiori alle finestre e nuvole 

di fumo, sesso e tenerezze, lacrime e volgarità, 

coltelli e colombe infreddolite... 

Il tango è tutto questo, e soprattutto è Buenos 

Aires. Inscindibili tra 

loro, come sottolineava 

lo stesso Borges: "Si direbbe 

che senza i crepuscoli 

e le notti di 

Buenos Aires non possa 

nascere un tango, e che 

in cielo attende, noi argentini, 

l'idea platonica 

del tango, la sua forma 

universale...".

Lunedi 20 agosto | CInEMA 


riso amaro 


rEGIA Giuseppe De Santis 

SCENEGGIATURA Corrado Alvaro, Giuseppe De 

Santis, Carlo Lizzani, Carlo Musso, Ivo Perilli, 

Gianni Puccini 

FOTOGRAFIA Otello Martelli 

SCENOGRAFIA Carlo Egidi 

MONTAGGIO Gabriele Varriale 

MUSICA Armando Trovajoli, Goffredo Petrassi 

PRODUTTORE Dino De Laurentiis per Lux Film 

CAST Silvana Mangano (Silvana Meliga), Doris 

Dowling (Francesca), Vittorio Gassman (Walter 

Granata) 

SINOSSI 

Francesca, giovane cameriera d’albergo, istigata 

dal suo amante Walter, ruba la collana di una 

cliente. Fuggono entrambi, e Francesca si mescola 

alle mondine, che partono in treno. Nel dormitorio 

delle mondariso, Francesca viene derubata della 

collana da una compagna, Silvana. Sul luogo del 

lavoro giunge Walter, il quale avendo appreso che 

Silvana è presumibilmente in possesso della collana, 

la circuisce. Silvana non è insensibile alle at- 

tenzioni del lestofante e, abbandonato un sergente 

che l’ama, diviene l’amante di Walter, mentre il sergente 

fa la corte a Francesca, che si è pentita ormai 

del male fatto. Walter, avendo scoperto che la collana 

rubata è falsa, decide, per rifarsi, di rubare il 

riso accumulato nei magazzini come premio finale 

per le mondariso... 

Definito il capolavoro neorealista di De Santis, fu 

girato nelle campagne vercellesi, più precisamente 

nella Cascina Veneria (comune di Lignana) e nella 

Tenuta Selve (Salasco). 

ABOUT 

Steven Spielberg ha recentemente dichiarato che 

quando fa il professore di cinema, mostra agli allievi 

sempre lo stesso film, Riso amaro. E ha ragione: 

innanzitutto perché si tratta di un 

capolavoro, e poi perché all’inizio degli anni ‘50, 

proiettato negli USA, il film ottenne un grandissimo 

successo. 

Come nacque Riso amaro? Dal Neorealismo, 

senza dubbio, anche se il regista Giuseppe De 

Santis, nativo di Fondi, Ciociaria, non ha nulla a 

che vedere con Zavattini e De Sica. Un esempio 

per tutti, il divismo. Agli attori non professionisti, 

egli predilige le stelle dello schermo, lanciando in 

questo film una modella di nemmeno venti anni, 

di nome Silvana Mangano, al centro del firmamento 

del cinema. 

Riso amaro nacque una notte d’estate, alla stazione 

di Milano. De Santis sta rientrando in Italia 

da Parigi, quando si trova circondato da due con- 

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vogli ferroviari carichi di ragazze, le mondariso, 

che cantano e gridano senza sosta. Ne resta affascinato. 

Assieme a Carlo Lizzani, De Santis si reca 

subito in Piemonte a svolgere un’inchiesta sul fenomeno 

della raccolta del riso, e da lì viene scritto 

il soggetto, da cui poi è realizzato il film. 

Riso amaro, anno 1948, sembra davvero girato da 

Steven Spielberg, magari con la collaborazione di 

Orson Welles. Film di personaggi - per questo servono 

i grandi attori, che la macchina da presa 

mette al centro della scena - e al tempo stesso film 

di luoghi, che l’occhio di De Santis trasfigura in dimensioni 

epiche, colossali, pur mantenendo la genuinità 

dello spazio e la sincerità dell’ambiente. 

La comunità, variopinta e conflittuale, delle mondariso, 

è filmata dal comunista De Santis come si 

trattasse di un western, una “sfida all’O.K. Corral”: 

fattorie, capanni, treni, mura di cinta, pianure allagate, 

boschi, il paesaggio è un paesaggio di frontiera, 

in cui gli eroi, quelli del bene e quelli del 

male, si fronteggiano e combattono la battaglia del 

futuro. De Santis, infatti, innesta nel neorealismo 

ciò che al neorealismo di De Sica e Visconti riesce 

difficile raccontare: il futuro. Il futuro è nel popolo, 

che la civiltà moderna incipiente sta trasformando 

in massa. Riso amaro racconta questa frontiera: 

le mondine, ultime amazzoni del mondo contadino, 

masticano chewing gum, ascoltano musica 

americana, leggono i fotoromanzi di Grand Hotel. 

Il futuro è la frontiera tra una cultura popolare, antica 

e forte, e una cultura di massa, nuovissima e 

forse più forte ancora. De Santis individua qui il 

centro della contraddizione, lo spartiacque tra ciò 

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che è e quello che sarà, e vi proietta la sua cinepresa 

come il cow-boy fa volteggiare il lazo sopra 

il cappello. 

Successo straordinario di pubblico. Quello che 

purtroppo mancò a tanti altri capolavori della 

breve stagione neorealista. 

(Flavio De Bernardinis) 


Presentato in concorso al 3º Festival di Cannes 

Nomination all’Oscar nel 1951, per “Miglior soggetto” 


FLAVIO DE BERNARDINIS 

(Docente di Storia del cinema presso il Centro 

Sperimentale di Cinematografia, sedi di Roma e 

L’Aquila, scrittore, regista)

28° FESTIVAL 

InTErnAzIonALE 

DI MEzzA ESTATE 

26 luglio - 20 agosto 2012 

TAGLIACOZZO 

Comune di Tagliacozzo 

Ministero per i Beni e le Attività Culturali 

Regione Abruzzo 

Provincia dell’Aquila 

Fondazione Cassa di Risparmio 

della Provincia dell’Aquila 

Micron Foundation 

I Marsi Centro Commerciale 

Banca di Credito Cooperativo di Roma 

Banca dell'Adriatico 

Accademia Nazionale di Santa Cecilia 

Fondazione 

Santa Cecilia Opera Studio 

Cantina del Fucino 

Ministero per i Beni e le Attività Culturali - Direzione 

Generale per il Cinema - Centro Sperimentale 

di Cinematografia 

In collaborazione con il Dipartimento di Storia 

dell'Arte e Spettacolo, Facoltà di Filosofia, Lettere, 

Scienze Umanistiche e Studi Orientali, Sapienza, 

Università di Roma 

Il Festival Internazionale di Mezza Estate di Tagliacozzo 

è socio di ItaliaFestival (Agis) e di European Festivals 

Association (EFA). 

Per TAGLIACOZZOINFILM è stata stipulata la convenzione 

JOBSOUL con la Sapienza, Università di Roma. 

Direzione Artistica 

Lucia Bonifaci 

Giuseppe Berardini 

Gabriele Ciaccia 

Curatore Artistico TAGLIACOZZOINFILM 

Veronica Flora 

Responsabile Premio Musicale Città di Tagliacozzo 

Andrea Caretta 

Organizzazione 

Associazione Amici del Festival di Mezza Estate 

Tel./Fax 0863.66715 

info@amicidelfestival.it 

www.amicidelfestival.it 

Progetto Grafico 

ATLANTIDE Design & Comunicazione 

P.zza Obelisco, 1 - 67069 Tagliacozzo (AQ) 

info@atlantide-design.it | www.atlantide-design.it 

Video di Marco Di Gennaro 

Logo di Alessandro Asci 

83

Informazioni 

TELEFONO 

0863.614203 Comune di Tagliacozzo 

328.3261778 Carlo De Sanctis 

EMAIL 

serviziamministrativi@comune.tagliacozzo.aq.it 

info@amicidelfestival.it 

WEB 

www.comune.tagliacozzo.aq.it 

www.tagliacozzoturismo.it 

Tagliacozzoinfilm 

TELEFONO 

388.6121726 Veronica Flora 

EMAIL 

tagliacozzoinfilm@gmail.com 

WEB 

www.tagliacozzoturismo.it/cinema 

TWITTER 

twitter.com/tagliacozinfilm 

www.tagliacozzoturismo.it 

Il video di presentazione del Festival 

è disponibile su YouTube all’indirizzo 

http://youtu.be/61HGyrbsSsc 

84 

Stampato nel mese di 

Luglio 2012

Catalogo PDF - Tagliacozzo

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