Edition Scheffel - Galerie Scheffel

Edition Scheffel

BLICKACHSEN 4
Bad Homburg v.d.Höhe, 18. Mai bis 5. Oktober 2003
Text von Dr. Rolf Lauter, Direktor der Kunsthalle Mannheim
CARL ANDRE, USA
MIGUEL BERROCAL, Spanien
CLAUS BURY, Deutschland
RICARDO CALERO, Spanien
RAINER FETTING, Deutschland
ERIC FISCHL, USA
SEBASTIAN FLEITER, Deutschland
ANTONY GORMLEY, England
NIGEL HALL, England
KARL HARTUNG, Deutschland
HARRY HAUCK, Deutschland
PER KIRKEBY, Dänemark
JOSEPH KOSUTH, USA
MATHIAS LANFER, Deutschland
HELGE LEIBERG, Deutschland
MARKUS LÜPERTZ, Böhmen
NICOLA MÖSER, Deutschland
A. R. PENCK, Deutschland
LAWRENCE WEINER, USA
TRAK WENDISCH, Deutschland
Eine Ausstellung des Magistrats der Stadt Bad Homburg v.d.Höhe, der Kur- und Kongreß-GmbH und der Galerie Scheffel
in Zusammenarbeit mit der Kunsthalle Mannheim und unter der Schirmherrschaft des Hessischen Ministerpräsidenten Roland Koch.
Promoted by Magistrat der Stadt Bad Homburg v.d.Höhe, Kur- und Kongreß-GmbH and Galerie Scheffel
in co-operation with Kunsthalle Mannheim and under the patronage of the Minister-President of Hesse Roland Koch.

INHALT / CONTENTS
Grußwort des Hessischen Ministerpräsidenten Roland Koch / Greeting from the Minister-President of Hesse, Roland Koch 7
Vorwort der Oberbürgermeisterin Dr. Ursula Jungherr / Foreword by the Mayor of Bad Homburg, Dr. Ursula Jungherr 9
Geleitwort von Christian K. Scheffel / Preface by Christian K. Scheffel 13
Dr. Rolf Lauter
Ein Rundgang durch die Skulpturenausstellung in Bad Homburg
A Tour through the Sculpture Exhibition in Bad Homburg 17
I. Areal Rathaus – Ferdinandstraße – Kaiser-Friedrich-Promenade / The city area
Joseph Kosuth, Lawrence Weiner, Harry Hauck, Miguel Berrocal 20
II. Areal Kurpark / The Kurpark area
Trak Wendisch, Rainer Fetting, Helge Leiberg, Markus Lüpertz, Eric Fischl, Antony Gormley,
Mathias Lanfer, Ricardo Calero, Nigel Hall, Claus Bury, Carl Andre, Karl Hartung, Nicola Möser, Sebastian Fleiter 40
III. Areal Schlossgarten / The castle gardens
Per Kirkeby, A. R. Penck 120
Die Standorte der Skulpturen / Locations of the sculptures 130
Die Künstler / The artists 132
Im Bad Homburger öffentlichen Raum verbliebene Skulpturen aus „Blickachsen“-Ausstellungen
Sculptures from “Blickachsen” exhibitions, which have remained on permanent display in Bad Homburg 140

Ricardo Calero, Espacios para el Deseo
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Grußwort des Schirmherrn / Greeting from the patron
Zum vierten Mal können kunstinteressierte Bürgerinnen und Bürger in
Bad Homburg die Skulpturenausstellung „Blickachsen“ bewundern.
30 Großplastiken von bekannten und noch jungen Künstlern aus
Deutschland und dem Ausland haben die Organisatoren nach einem
wiederum hervorragend erarbeiteten Konzept ausgewählt und behutsam
in die Landschaft und die Umgebung der Stadt eingepasst. Dadurch wird
die Sicht der Betrachterin, des Betrachters auf Raum und Natur gelenkt,
verändert sich die Perspektive hin zu Weite und neuartigen Eindrücken.
Die historischen Blickachsen des Kurparks, die eigens für die Spaziergänger
geschaffen wurden, werden hierbei ausgezeichnet genutzt. Wie
schon in den vergangenen Jahren gelingen Überraschungen, außergewöhnliche
Perspektiven und Arrangements.
Die „Blickachsen“-Ausstellung in Bad Homburg stellt einen bedeutsamen
Beitrag zur reichhaltigen Kulturlandschaft der Stadt und des
Landes Hessen dar. Sie ist ein gelungenes Beispiel für die Zusammenarbeit
zwischen öffentlicher und privater Hand. Die Präsentation von
Kunstwerken im Freien ist zudem ein großartiges Mittel, um Menschen,
die noch keinen Zugang zur Kunst gesucht haben, an diese heranzuführen.
En passant werden Impressionen vermittelt, die Fantasie angeregt und
Impulse zum Nachdenken gegeben. Denn die Aufgabe der Kunst besteht
nicht nur im Vermitteln von ästhetischem Genuss, sondern auch darin,
Denkanstöße zur kritischen Betrachtung des Zeitgeschehens zu geben.
Ich wünsche allen Besucherinnen und Besuchern viel Vergnügen und
interessante Anregungen bei den „Blickachsen 4“.
Roland Koch, Hessischer Ministerpräsident
For the fourth time, citizens with an interest in art have the opportunity
to enjoy the “Blickachsen” (“Axes of View”) sculpture exhibition
in Bad Homburg. Thirty large-scale sculptures by well-known as
well as young artists from Germany and abroad have been selected
by the organizers, following a brillantly worked-out concept, and
carefully placed into the landscape and environment of the city.
Accordingly, the spectator’s eye is directed towards space and
nature, offering broad new perspectives and innovative impressions.
In the process, the historical axes of view of the Kurpark, deliberately
designed for the strolling visitor, are used to wonderful effect.
As in previous years, there are surprises, with unexpected perspectives
and arrangements.
Bad Homburg’s “Blickachsen” exhibition contributes significantly
to the rich cultural landscape of the city and the state of Hesse.
It is also a successful example of collaboration between public and
private sponsorship. The presentation of works of art in the open air
is, in addition, an excellent way of attracting to art those who have
not yet found an interest in it. Strolling through, impressions are
communicated, the imagination is stimulated, and thought provoked.
For the purpose of art is not only to mediate aesthetic pleasure, but
also to inspire a critical view on the events of the day.
I hope all visitors to “Blickachsen 4” will enjoy and be stimulated by
the exhibition.
Roland Koch, Minister-President of Hesse
7

Claus Bury, Spannungsbogen
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Vorwort der Oberbürgermeisterin / Foreword by the Mayor of Bad Homburg
Bad Homburg erweitert die reiche Museumslandschaft der Rhein-Main-
Region alle zwei Jahre um eine außergewöhnliche Veranstaltung. Unter
dem Titel „Blickachsen“ werden moderne Skulpturen renommierter und
junger bildender Künstler mitten im geschichtsträchtigen Kurpark der
Stadt gezeigt. Die Ausstellungsreihe gestattet einen Blick auf die
erstaunliche Bandbreite der zeitgenössischen Plastik – ein Angebot, so
vielfältig wie die Strömungen der modernen Kunst. In den vergangenen
sechs Jahren haben sich die „Blickachsen“ zu einem wichtigen Teil
des kulturellen Lebens in der Region entwickelt.
Ein Kurpark – Teil einer Museumslandschaft? In diesem Fall lautet die
Antwort eindeutig: ja. Der nahezu 50 Hektar große Lenné’sche Landschaftsgarten
ist selbst ein kulturhistorisches Denkmal, in das schon
immer auch Kunst gehörte. So bietet die Parkanlage zahlreiche
Möglichkeiten, anhand von Werken der Architektur und Bildhauerei die
Geschichte Bad Homburgs zu studieren. Die unterschiedlichsten
Denkmäler im Kurpark erzählen von der Stadt und von den Menschen,
die sie geprägt haben. Die Sammlung, die im Laufe der Zeit hier
entstanden ist, wuchs mit der Stadt und ihrer Geschichte. Wenn der Park
selbst also auf diese Weise fast schon museal erscheint, dann keinesfalls
in der leicht angestaubten Bedeutung des Wortes. Dank der Reihe
„Blickachsen“ beansprucht er seinen Platz in der Kulturregion am Rhein
und Main als Museum im lebendigsten Sinne.
Die historischen Denkmäler unseres Kurparks sind in der künstlerischen
Sprache einer anderen Zeit entstanden. Sie belegen das Skulpturund
Architekurverständnis des 19. und beginnenden 20. Jahrhunderts
und bieten sogar Beispiele für Baustile anderer Kulturen.
Als frühes Zeugnis des aufstrebenden Bad Homburg gilt das Brunnen-
sälchen, ein 1837 unter Landgraf Ludwig errichtetes Gebäude in der Nähe
des Elisabethenbrunnens. In ihm gründeten François und Louis Blanc
eine Spielbank, heute wieder ein Mittelpunkt des geselligen Lebens in
Bad Homburg. Als Gegenleistung für die Konzession ließen die Brüder
Blanc ein Kurhaus bauen, an das ein kleiner Garten anschloss. Schon
bald darauf sollte in der an diesen Garten anschließenden grünen Landschaft
ein Kurpark angelegt werden, der den Kern des heutigen Parks
bildet. Den Auftrag hierfür erhielt der königlich-preußische Gartenbaudirektor
Peter Joseph Lenné. Er entwarf die für seinen Stil typischen Blickachsen
und schuf die Grundlage für die Parklandschaft im Herzen unserer
Stadt. Aus diesen Anfängen entwickelte sich ein Kurbetrieb, der bis
heute Besucher aus zahlreichen Ländern nach Bad Homburg zieht.
Every two years, the rich museum landscape of the Rhine-Main
region is complimented by an extraordinary event in Bad Homburg.
Under the title “Blickachsen” (“Axes of View”), the historic Kurpark
gardens become the setting for an exhibition of modern sculptures
by both well-known as well as upcoming young artists. This series
of exhibitions gives a view of the astonishingly broad range of
contemporary sculpture – a range as diverse as the currents
of modern art. Over the past six years, “Blickachsen” has become
an important part of the cultural life of the region.
The Kurpark gardens – as part of a museum landscape? In
this case, the answer is clearly: yes. Lenné’s landscape garden
of almost 120 acres is itself a cultural monument in which works of
art have always had a place. The many works of architecture
and sculpture in the park enable us to study the history of
Bad Homburg. The diverse monuments tell the story of the city and
of the people who shaped it, and over the years the collection
has grown with the city. So if the Park already seems almost a
museum, it is not one in the vaguely dusty sense of the word. Thanks
to the “Blickachsen” series, it is a museum in the most vital sense,
worthy of its place in the cultural landscape of the Rhine-Main
region.
The historic monuments of the Kurpark were created in the artistic
language of another time. They express the sculptural and architectural
notions of the 19th and early 20th centuries, and even offer
examples of the building styles of other cultures.
The little fountain hall by the Elisabethenbrunnen, built by Landgrave
Louis in 1837, is one of the earliest testimonies to a flourishing
Bad Homburg. Here François and Louis Blanc founded the casino,
which is today once again a centre of Bad Homburg social life. In
return for the concession, the Blanc brothers built the Kurhaus with
a little garden attached. Soon after, the Kurpark gardens were
planned for the adjoining green land, the core of the present park.
The commission for this undertaking went to Peter Joseph Lenné,
the director of gardens for the royal Prussian court. With the axes
of view typical of his style, Lenné laid the foundation for the landscape
garden which now lies at the heart of our city. From these
beginnings developed the spa that to this day attracts visitors from
many countries to Bad Homburg.
9

Vorwort der Oberbürgermeisterin / Foreword by the Mayor of Bad Homburg
Das 1890 eingeweihte Kaiser-Wilhelms-Bad mit dem Standbild Kaiser
Wilhelms I. vor dem Säulenportal wie auch das Landgrafendenkmal in
Form eines Obelisken sind Zeugnisse des ‚goldenen Zeitalters’ der
Stadt, jener Jahre, in denen Mitglieder der ersten europäischen Fürstenhäuser
an den Fuß des Taunus zur Kur kamen. Von der Weltoffenheit Bad
Homburgs zeugen die beiden Bauten, die der Stadt um die Jahrhundertwende
von zwei Gästen geschenkt wurden: die Russische Kapelle, ein
Geschenk des russischen Staatsrats Proworoff, und die Thai-Sala, der
Ruheraum einer thailändischen Tempelanlage, ein Dankesgruß des
siamesischen Königs Chulalongkorn.
Jüngstes der permanent installierten Kunstwerke im Park ist die spiralförmige
Plastik aus gerolltem Stahl mit dem Titel „Indeterminate Line“.
Diese 1994 von Bernar Venet geschaffene Arbeit zählte zu den 17
Werken der ersten „Blickachsen“-Ausstellung, die 1997 im Bad
Homburger Kurpark stattfand. Dank einer großzügigen Schenkung der
ALTANA AG an die Stadt steht sie nun dauerhaft auf der Rasenfläche
an der Ecke von Kaiser-Friedrich-Promenade und Kisseleffstraße. Sie
gibt hier Zeugnis von der zugleich an die Tradition anschließenden und
vorausschauenden Idee des Bad Homburger Galeristen Christian
Scheffel, moderne Kunst im geschichtsträchtigen Kurpark auszustellen.
Durch die mit ungewöhnlichem Einsatz betriebene Umsetzung seiner
Idee ermöglichte Scheffel nicht zuletzt auch dem Kurpark den Schritt
vom kulturhistorischen Denkmal zum Freiluft-Museum mitten in der Stadt.
In regelmäßigen Abständen sind nun, gestaltet von Christian Scheffel
und unter seiner künstlerischen Leitung, Ausstellungen zu sehen, die
keine andere Einrichtung in dieser Form zeigt. Der Raum, in dem Kunst
hier vorgestellt wird, ist nicht mehr ein abgeschlossener Bereich. Kunst
hat ihren Platz mitten in der Stadt. Moderne Werke stehen so neben den
Arbeiten traditionellen Stils. In Bad Homburg erleben Besucher, wie
unterschiedlich Künstler in den verschiedenen Epochen ihren jeweiligen
Ideen Ausdruck verliehen haben.
Inzwischen hat sich die Ausstellungsreihe auch überregional etabliert
und die diesjährigen „Blickachsen 4“ belegen, dass in der Konzeption
des Projektes immense Möglichkeiten und Perspektiven eröffnet
werden. Auch diesmal werden verschiedenste Ausdrucksformen
abstrakter Plastik vorgestellt. Zusätzlich sind in der vierten Ausstellung
nun erstmals figurative Arbeiten zu sehen, so dass sich das Spektrum
möglicher Betrachtungsweisen nochmals erweitert. Christian Scheffel
danke ich herzlich für sein anhaltendes Engagement und insbesondere
10
The Kaiser-Wilhelms-Bad, inaugurated in 1890, with its statue
of Kaiser Wilhelm I in front of its colonnaded entrance, and the
Landgrafendenkmal – the monument to the landgrave in the shape
of an obelisk – are witnesses to the “golden age” of the city, when
Europe’s royalty came to take the waters at the foot of the Taunus
Mountains. And Bad Homburg’s cosmopolitan outlook can be seen
in two buildings that were both given to the city by visitors at the turn
of the century: the Russian Chapel, a gift from the Russian councillor
of state Proworoff, and the Thai-Sala – the resting room of a Thai
temple – a mark of gratitude from King Chulalongkorn of Siam.
The most recent artwork permanently installed in the Kurpark is a
spiral steel sculpture entitled “Indeterminate Line”. Created by Bernar
Venet in 1994, this was one of the 17 pieces exhibited in the Kurpark
gardens in the very first “Blickachsen” exhibition in 1997. Thanks to
a generous donation by ALTANA AG, the sculpture now stands
permanently on the lawn at the corner of Kaiser-Friedrich-
Promenade and Kisseleffstraße. Here, it bears witness to the idea –
both rooted in tradition and looking forward to the future – of Bad
Homburg gallerist Christian Scheffel, of exhibiting modern art in the
historic Kurpark gardens. Through his extraordinary commitment to
the realization of this idea, Scheffel has made possible the transformation
of the Kurpark from cultural monument into an open-air
museum in the centre of the city.
As a result, under his artistic direction, it is possible to see at regular
intervals exhibitions that are not staged in this form in any other institution.
The space in which the artworks are exhibited is not a closed
space. Art has its place in the very heart of the city. Modern works
stand alongside the traditional. In Bad Homburg, the visitor is able
to experience how diversely artists of different eras have given form
to their ideas.
Today, the exhibition has established a reputation stretching far
beyond the immediate region, and this year’s “Blickachsen 4” is
proof of the immense possibilities of the project and its conception.
This year, again, the most diverse forms of abstract sculpture are
presented. In addition, in this, the fourth exhibition in the series, figurative
works are for the first time included, extending even further
the spectrum of perspectives. I would like to thank Christian Scheffel
for his continuing commitment, and especially for his brilliant
conceptualization and realization of “Blickachsen 4”. Also, I wish
für die überaus gelungene Konzeptionierung und Verwirklichung der
„Blickachsen 4“. Gleichzeitig danke ich den Verantwortlichen der
Kunsthalle Mannheim für ihren Beitrag zum Erfolg der Ausstellung.
Kunst lässt sich in Bad Homburg während eines ganz normalen Spaziergangs
durch eine wunderschön gestaltete Gartenlandschaft erleben. Mit
der Ausstellung „Blickachsen“ fügt die Stadt der Kulturregion Rhein-
Main ein Angebot hinzu, das es so bisher nicht gab: Kunst und Gartenkunst,
Denkmal im traditionellen Verständnis und moderne Plastik,
gewachsene Natur und gestaltete Werke aus Menschenhand sind bei
dieser Veranstaltung vereint. Die „Blickachsen“-Schau gibt einen
weiteren entscheidenden Impuls für das kulturelle Leben in der Region.
Dies zu leisten sind der Magistrat und die Kur- und Kongreß-GmbH nur
im Stande gemeinsam mit Menschen, die sich der Stadt verpflichtet
fühlen. Es ist eine besondere Form des bürgerschaftlichen Engagements,
mit dem Einzelne in ihren Unternehmen für spezifische Kulturprojekte
eintreten. Die nennenswerte Förderung durch die ALTANA AG
und die Basler Versicherungen macht diese Veranstaltung überhaupt
erst möglich. Dafür spreche ich ihnen im Namen aller Veranstalter
meinen besonderen Dank aus. Solch verbindendes Zusammenspiel
weist in unserer Stadt glücklicherweise eine fast ebenso lange Tradition
auf wie der Kurbetrieb, die Parklandschaft und die Freude an der Kunst.
Ich freue mich schon jetzt auf einen fortdauernden Bestand dieses
gemeinschaftlichen Einsatzes und der inzwischen namhaften Ausstellungsreihe
„Blickachsen“, durch die Bad Homburg sein Profil in
einer mit Kultur reich besetzten Region auch zeigen kann.
Dr. Ursula Jungherr, Oberbürgermeisterin
to thank those responsible at the Kunsthalle Mannheim for their
contribution to the success of the exhibition.
In Bad Homburg, art can be appreciated simply by taking a walk
through the beautifully designed garden landscape. With the
“Blickachsen” exhibitions, the city offers something that has not
existed before in the Rhine-Main cultural region: art and garden
design, traditional monuments and modern sculpture, grown nature
and man-made works of art are here united. The “Blickachsen”
exhibitions give a further decisive impulse to the cultural life of the
whole region.
For the municipal authorities and the Kur- und Kongreß-GmbH,
such an undertaking is only possible with the help of people who
are dedicated to the city. It is a special form of civil commitment, in
which individuals within commercial organizations stand up for
specific cultural projects. This event has only been made possible
through the considerable support of ALTANA AG and Basler
Versicherungen. For this, I wish to thank them on behalf of all
the organizers. Fortunately, this kind of civic co-operation has almost
as long a tradition in our city as the spa, the landscape garden
or the appreciation of art. I am already looking forward to the
continuation of this commitment in the future, and to further exhibitions
in the thriving “Blickachsen” series – through which Bad
Homburg is able to make its own distinctive contribution to a region
rich in culture.
Dr. Ursula Jungherr, the Mayor
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Rainer Fetting, Der Flug und Die Drehung, platziert auf der Lenné’schen Blickachse zwischen Fontäne im Weiher und Brunnen
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Geleitwort / Preface
Die Skulpturenausstellungen „Blickachsen“ gehören heute zu den nicht
mehr wegzudenkenden kulturellen Höhepunkten unseres Landes. In seiner
Ansprache anlässlich der Eröffnung von „Blickachsen 4“ hat Ministerpräsident
Roland Koch dies als Schirmherr der Ausstellung deutlich gemacht.
Mit „Blickachsen 4“ möchte ich Sie schon jetzt auf eine erfolgreiche
Fortsetzung des Ausstellungsprojektes gespannt machen, dessen Einzigartigkeit
in der Wechselbeziehung zwischen aktueller Kunst und einem
außergewöhnlichen historischen Ambiente liegt. Der von Peter Joseph Lenné
Mitte des 19. Jhs. angelegte englische Landschaftspark mit jenen
Blickachsen, die der Ausstellung ihren Namen geben, öffnet sich dem lebhaften
Dialog mit der zeitgenössischen Kunst. Diese Kommunikation prägt
die kulturelle Identität der Stadt unverwechselbar und trägt bei zu dem
für eine vitale Gesellschaft so unverzichtbaren kulturellen Boden. Auch
„Blickachsen 4“ widmet sich der Gegenwartskunst und dem Topos der
Perspektive. Mein Ziel ist es, durch das Zusammenbringen unterschiedlicher
künstlerischer Positionen zu neuen Sichtweisen anzuregen. Ungeahnte
Blickwege mögen sich dem Betrachter eröffnen und zur Reflexion über den
Perspektivenwechsel als Voraussetzung für einen lebendigen Geist einladen.
An dieser Stelle sei den vielen Mitwirkenden gedankt, die aufs Unterschiedlichste
zum Gelingen der Ausstellung beigetragen haben. Zuerst gilt mein
von Herzen kommender Dank allen beteiligten Künstlern. Es sind ihre
Arbeit, ihre Begeisterung und ihre Hingabe, die uns das Kunsterlebnis erst
ermöglichen. Zugleich danke ich auch den anderen Leihgebern für ihr Vertrauen
und Dr. Rolf Lauter sowie der Kunsthalle Mannheim für die aktive
Mitgestaltung der „Blickachsen 4“. Für die beständige, überaus generöse
Förderung der „Blickachsen“ spreche ich der ALTANA AG, insbesondere
dem Vorstandsvorsitzenden Dr. Nikolaus Schweickart, und auch den Basler
Versicherungen, besonders dem Hauptbevollmächtigten Winfried Anolick,
meinen ausdrücklichen Dank aus. Eine Realisierung der Ausstellung
wäre ohne diese entscheidende Unterstützung nicht denkbar. Ebenso
bedanke ich mich herzlich bei Oberbürgermeisterin Dr. Ursula Jungherr,
bei dem Magistrat und dem Kulturausschuss der Stadt Bad Homburg
sowie bei der Kur- und Kongreß-GmbH und allen beteiligten Mitarbeitern
der Stadt für ihr beispielhaftes Engagement bei unserem gemeinsamen
Projekt. Schließlich möchte ich all den bisher Ungenannten aufrichtig danken,
deren Beitrag gleichfalls grundlegend für den Erfolg der Ausstellung war:
all jenen beispielsweise, die den Transport und Aufbau der Skulpturen garantierten,
die in der Galerie im Einsatz waren, durch die Ausstellung führten
oder an der Erstellung von Internetseite und Katalog beteiligt waren.
Christian K. Scheffel
The “Blickachsen” (“Axes of View”) exhibitions of sculptures have
become an indispensable highlight in the cultural landscape of our Land
Hesse. Roland Koch, Minister-President of Hesse and patron of “Blickachsen
4”, made this very point in his speech on the occasion of the
opening of the exhibition. With “Blickachsen 4” I hope to whet your
appetite about how this highly successful exhibition project will develop
in the future. The uniqueness of this exhibition lies in the interrelation
between modern art and an extraordinary historic setting. The English
landscape garden designed by Peter Joseph Lenné in the middle of the
19th century, with its axes of view that give the exhibition its name,
opens itself to a living dialogue with contemporary art, enriching at
the same time the cultural identity of our city and providing a cultural
nexus so necessary for a vibrant society. Like its predecessors,
“Blickachsen 4” celebrates contemporary art and the topos of perspective.
My aim has been to stimulate new ways of seeing by bringing
together diverse artistic positions. May unexpected angles of vision open
themselves to the observer and lead him – or her – to reflect upon new
perspectives as a precondition for a lively mind.
I would here like to thank the many collaborators, who in a variety of ways
have contributed to the success of the exhibition. First I would like to give
my heartfelt thanks to all the artists who have taken part in the exhibition.
It is above all their work, their enthusiasm and their dedication that
have allowed us this experience of art. At the same time I would like to
thank those who have kindly loaned works to the exhibition, and Dr. Rolf
Lauter as well as the Kunsthalle Mannheim for their active collaboration
in putting together “Blickachsen 4”. For their continuing, extremely generous
support of “Blickachsen” I wish to express my very special thanks
to ALTANA AG, and in particular its chairman Dr. Nikolaus Schweickart,
and also Basler Versicherungen, particularly Mr. Winfried Anolick. Without
their decisive support this exhibition would not have been possible.
Furthermore, I wish to sincerely thank the Mayor of Bad Homburg
Dr. Ursula Jungherr, and the municipal authorities and culture committee
of the city, as well as the Kur- und Kongreß-GmbH and all participating
employees of the city for their exemplary commitment to our joint project.
Finally I would like to thank all those not mentioned so far, whose contribution
has also been essential to the success of the exhibition: all those
who have been responsible for the transportation and erection of the
sculptures, who have worked in the gallery, conducted guided tours or
who have been involved in creating the internet page and catalogue.
Christian K. Scheffel
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Antony Gormley, Feel

Carl Andre, 47 Roaring Forties
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Ein Rundgang durch die Skulpturenausstellung in Bad Homburg
A Tour through the Sculpture Exhibition in Bad Homburg
Dr. Rolf Lauter, Direktor der Kunsthalle Mannheim
Zum vierten Mal nach 1997 findet die Ausstellung „Blickachsen“ im
Kurpark von Bad Homburg statt. Im öffentlichen Raum, im Freien, in
einer von Peter Joseph Lenné (1789-1866) angelegten englischen
Parklandschaft werden bis zum 5. Oktober 2003 künstlerische
Gestaltungen gezeigt, die sich im weitesten Sinn mit den Kategorien
‚Raum’ und ‚Zeit’ auseinander setzen.
Der englische Landschaftsgarten, wie er im 18. Jahrhundert entwickelt
wurde, zeichnet sich – im Unterschied zur Parkanlage im Stil der französischen
Gartenkunst, die streng geometrisch-axial angelegt und von
der freien Landschaft deutlich abgegrenzt ist – durch gestalterischen
Eingriff in die natürliche Umgebung aus. Dem wandelnden Spaziergänger
soll die Wirkungseinheit von Natur und Kosmos modellhaft
veranschaulicht werden.
Ausgangspunkt für den Mitte des 19. Jahrhunderts von Lenné entworfenen
Bad Homburger Kurpark ist ein der englischen Landschaft
verwandtes, bewegtes, welliges Terrain, das subtil formulierte Sichtoder
Blickachsen eröffnet. Diese werden unterstrichen durch in
Kreisformationen oder parallelen Anordnungen gepflanzte Baumgruppen,
künstliche Teiche, Brunnen, Wege und Bauwerke aus den
verschiedensten kulturellen Kontexten, die der romantischen Sehnsucht
nach der Ferne entsprechen. So bietet etwa die eine Lenné’sche
Sichtachse einen großartigen Überblick von der Kaiser-Friedrich-
Promenade aus über weitläufige, von verschiedenen Baumgruppen
For the fourth time since 1997 the “Blickachsen” (“Axes of View”)
exhibition is on show in the Kurpark of Bad Homburg. Until 5 October
2003 this public space, in the open air of the English landscape
garden created by Peter Joseph Lenné (1789-1866), will be the
setting for artistic works that concern themselves in the broadest
sense with notions of ‘space’ and ‘time’.
In contrast to the strictly geometrical design of the French garden,
cut off from the open landscape, the English landscape garden
as it was developed in the 18th century is characterized by a formal
intervention in the natural surroundings. The strolling visitor
is confronted with a model of the effective unity of nature and
cosmos.
The starting point for the Kurpark in Bad Homburg, designed in the
mid-nineteenth century by Lenné, is the undulating, rolling terrain
so similar to the English landscape, offering its subtle perspectives
and axes of view. These were underlined by groups of trees planted
in circles or parallel rows, artificial ponds, fountains, paths, and
buildings from the most different cultural contexts expressing the
Romantic longing for far-off places. Thus one of Lenné’s axes offers
a marvellous view from the Kaiser-Friedrich-Promenade over
spacious lawns lined with groups of trees down to the lower-lying
artificial lake, while a second axis unfolds from the Siamese Temple
behind the pond – past the Kaiser-Wilhelms-Bad and the casino –
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Ein Rundgang durch die Skulpturenausstellung / A Tour through the Sculpture Exhibition
gefasste Rasenflächen bis zum tiefer liegenden künstlichen See,
während sich die zweite von dem hinter dem Weiher gelegenen
Siamesischen Tempel – vorbei am Kaiser-Wilhelms-Bad und am
Spielkasino – entlang der Brunnenallee bis zum Elisabethenbrunnen
und schließlich zum Obelisken entfaltet.
Das Ausstellungsareal von „Blickachsen 4“ konzentriert sich innerhalb
des Kurparks auf die Gartenlandschaft, die um diese beiden Sichtachsen
angelegt ist, erstreckt sich sodann auf einen zweiten Standort
um das Rathaus und die Ecke Ferdinandstraße / Kaiser-Friedrich-
Promenade, und endet schließlich bei einem dritten Standort im
Schlossgarten. In diesen drei topografischen Bereichen wurden insgesamt
30 Werke von 20 internationalen Künstlern sehr behutsam in den
landschaftlichen oder architektonischen Kontext eingebunden.
Ziel des Ausstellungsvorhabens war es zum einen, die Idee des englischen
Gartens und der damit verbundenen Vision von der behutsam
gestalteten und sich selbst darstellenden Natur als Metapher für kulturelles
und schöpferisches Denken wieder stärker bewusst zu machen,
zum anderen, solche Werke, Werkkonzepte oder gestalterischen
Eingriffe auszuwählen, die mit dem jeweiligen Standort, dessen Kontext
und Geschichte eine dialogische Handlungseinheit eingehen.
Bereits der Ausstellungstitel „Blickachsen“ verrät eine allen Werken und
Werkbeziehungen zugrunde liegende dialogische Komponente, die
sowohl Korrespondenzen zwischen den Werken untereinander wie
auch Beziehungsgeflechte zwischen den Werken und der sie umgebenden
Natur und Landschaft oder auch architektonischen Gegebenheiten
erfahrbar werden lässt.
Aus dem breiten zeitgenössischen Spektrum von Kunst im öffentlichen
Raum werden unterschiedlichste künstlerische Ausdrucksformen
vorgestellt, um dem flanierenden Betrachter das Wechselspiel der
ästhetischen Balance zwischen Natur und Kultur vor Augen zu führen.
Anhand der ausgewählten Beispiele zeigt sich deutlich, dass das autonome
Kunstwerk, wie wir es seit etwa 300 Jahren kennen, durch
Werkformen erweitert wurde, die einen stärkeren Zusammenhang mit
ihrem jeweiligen Auf- und Ausstellungsort herstellen oder gar in
gezielter Ausrichtung auf ihren Standort konzipiert wurden. Es geht hier
demnach nicht im eigentlichen Sinn nur um die Präsentation von
Skulptur im öffentlichen Raum, sondern vielmehr um ortsspezifische
Werkinstallation.
and along the Brunnenallee towards the Elisabethenbrunnen and
finally to the obelisk.
Within the Kurpark the “Blickachsen 4” exhibition area is centred
mainly on the garden landscape along these two axes, stretching
to a second location around the town hall and the corner of Ferdinandstraße
and Kaiser-Friedrich-Promenade, and ending at a third
location in the castle gardens (Schlossgarten). In these three topographic
locations 30 works by 20 international artists are displayed
in a very specific landscape and architectural context.
The aim of the exhibition was, on the one hand, to focus once more
on the idea of the English garden and the vision bound up with it of
a carefully constructed, self-representing nature as a metaphor for
cultural and creative thought, and on the other, to select those
works, or concepts, or creative interventions that would prompt a
unifying dialogue with their location, its context and history.
The very title of the exhibition, “Blickachsen” (“Axes of View”) betrays
a dialogical component inherent in all the works, leading to a sense
not only of the correspondances between the works themselves but
also the inter-relationships between the works and the nature and
landscape and even the architectural environment in which they
are situated.
From the broad spectrum of contemprorary art set in a public space,
a great variety of artistic forms has been chosen, which confront the
strolling observer with the interplay of the aesthetic balance between
nature and culture. The chosen pieces show clearly that the notion
of the autonomous work of art, as we have known it for some 300
years, has been formally extended to include works which establish
a stronger relationship to the location in which they are constructed
or displayed, or have even been conceived for a specific location. So
here it is not simply a question of the presentation of sculpture in
an open space, but rather of location-specific installations.
Concepts such as growth, becoming, change, virtual movement,
balance, torsion or transformation play an important role in many of
the exhibited works and combine to form a further connecting thread
through the project. The natural surroundings, changing with the time
of day and year, thus in many ways find a metaphoric expression in
the artistic.
Begriffe wie Wachstum, Werden, Veränderung, virtuelle Bewegung,
Gleichgewicht, Torsion oder Transformation spielen in vielen der ausgestellten
Werke eine wichtige Rolle und verbinden sich zu einem
weiteren Leitfaden des Projektes. Das natürliche, sich mit den Tagesund
Jahreszeiten ändernde Umfeld der Arbeiten findet somit in vielerlei
Hinsicht eine metaphorische Entsprechung im Künstlerischen.
In den diesjährigen „Blickachsen“ sehen wir erstmals neben abstrakten
Werken unterschiedlichster Ausprägung auch figürliche Arbeiten auf die
beschriebene Weise im Dialog mit der natürlichen Umgebung.
Selten gelingt es wie im Fall dieser Ausstellung, zwischen plastischen
Gestaltungen und einem Landschaftsgarten eine derart homogene
Beziehungseinheit herzustellen.
Furthermore, in addition to abstract works of the most diverse
forms, this year’s “Blickachsen” for the first time features representations
of the human body in this same dialogue with the natural
surroundings.
Rarely has such a homogeneous unity of relations between plastic
conception and a landscape garden been so successfully accomplished
as in this exhibition.
Nigel Hall, Slow Motion
18 19

AREAL RATHAUS – FERDINANDSTRASSE –
KAISER-FRIEDRICH-PROMENADE / THE CITY AREA

Areal Rathaus – Ferdinandstraße – Kaiser-Friedrich-Promenade / The city area
JOSEPH KOSUTH
Geradezu als leitmotivisch für die Ausstellung kann die konzeptuelle
Textarbeit von Joseph Kosuth an der Außenfassade einer Bürgervilla Ecke
Ferdinandstraße / Kaiser-Friedrich-Promenade angesehen werden. Die
von der Kunsthalle Mannheim zur Verfügung gestellte Neoninstallation mit
dem Titel „Sechs Teile, Lokalisiert“ besteht aus den sechs Worten
‚Geschichte’, ‚Ort’, ‚Teile’, ‚Einheit’, ‚Kontext’, ‚Bedeutung’. Diese sind
einzeln in warmweißer Schreibschrift aus Neonbuchstaben jeweils über
den architektonischen Fensterrahmen des Hauptgeschosses mittig angebracht.
Beim wahrnehmenden Lesen erklärt sich Kosuths Arbeit selbst:
Sie lenkt unsere Aufmerksamkeit zunächst auf das Haus, die Architektur,
die einen funktionalen Zweck hat, gleichzeitig aber nach formalästhetischen
Gesetzmäßigkeiten gegliedert ist. Der Ort, das Gebäude, hat eine
Geschichte. Die Architektur bildet eine Einheit aus vielen Teilen, die zu
einem Ganzen verschmelzen. Durch den Kontext, in dem sich das
Gebäude befindet, erhält es schließlich für sich und für das urbane Gefüge
seine Bedeutung.
Kosuth begann in den sechziger Jahren damit, die Bedeutung des
Kunstwerks an sich zu hinterfragen, sie mit Hilfe von Textarbeiten im
Betrachter zu einer Vorstellung werden zu lassen. Seit dieser Zeit versucht
er mit unterschiedlichen Medien – Neonschrift, Fotografie, Installation –
, das Kunstwerk als System aus ästhetischen Informationen begreifbar zu
machen. Dabei sind vor allem Werkkombinationen entstanden, die sich
aus den Elementen Objekt, Abbild und Text zusammensetzen.
Die Ausstellung „Blickachsen“ kann und sollte insgesamt nach den von
Kosuth für seine Arbeit gewählten und für jedes Kunstwerk immer wieder
relevanten Begriffen befragt und erörtert werden: Die Geschichte der
Stadt und des Kurparks ist grundlegend für das Projekt. Der Ort, der von
den Künstlern oder Kuratoren als Standort für ein Werk ausgewählt wurde,
hat jeweils eine spezifische Aura und Geschichte. Die Teile, das heißt die
Kunstwerke, bilden im Zusammenhang mit der Ausstellungskonzeption
eine strukturale Beziehungseinheit und darüber hinaus mit der Gartenanlage
eine ästhetische Einheit. Der individuelle örtliche Kontext ist für
jedes Werk eine Voraussetzung zum besseren Verständnis. Aus all diesen
Koordinaten ergibt sich schließlich erst die Bedeutung des einzelnen
Werkes.
‘Sechs Teile, Lokalisiert’,
2000, Neon [sechsteilige Installation an Hausfassade];
Leihgabe der Kunsthalle Mannheim
22
The neon installation by Joseph Kosuth on the façade of a bourgeois
villa at the corner of Ferdinandstraße and Kaiser-Friedrich-
Promenade can be seen as a leitmotif for the whole exhibition.
“Sechs Teile, Lokalisiert” (“Six Parts, Localized”), on loan from the
Kunsthalle Mannheim, consists of six words ‘Geschichte’ (History),
‘Ort’ (Place), ‘Teile’ (Parts), ‘Einheit’ (Unity), ‘Kontext’ (Context),
‘Bedeutung’ (Meaning), in soft white neon handwriting, each word
suspended above one of the window frames of the main floor of the
house. Self-explanatory once these words are read, Kosuth’s work
immediately directs our attention to the building, to the architecture,
which has a functional purpose but is at the same time structured
according to formal aesthetic principles. The Place – the building
– has a History. The architecture constitutes a Unity of many
Parts that form a whole. Finally the Context in which the building
is situated gives it a Meaning both in itself and in terms of its urban
surroundings.
In the sixties Kosuth started to question the deeper meaning of
the work of art per se, using text as a means of making it accessible
for the viewer. Since then he has tried out a variety of forms –
neon writing, photography, installations – to make the artwork
understandable as a system of aesthetic information. From this, in
the main, emerged works that combined the elements object, image
and text.
The “Blickachsen” exhibition can, indeed should, be considered in
the light of the terms Kosuth chose for his work, terms that are relevant
for every new work of art: the history of the town and the
Kurpark as fundamental to the project; the place, with its specific
aura and history, chosen by the artist or exhibitor as location for the
work; the parts, ie. the works themselves, as having a structural
unity of relations within the overall concept of the exhibition and
an aesthetic unity with the garden landscape; the specific context
for each work as the premise for a better understanding. Finally, only
all these elements taken together create the meaning of the
individual work.

Areal Rathaus – Ferdinandstraße – Kaiser-Friedrich-Promenade / The city area
LAWRENCE WEINER
Die Werke von Lawrence Weiner, dem zweiten der in der Ausstellung
vertretenen konzeptuellen Künstler, bestehen meist aus Texten, die Inhalte
in sprachlicher Form thematisieren, ohne dass dabei auf die Ausdrucksqualitäten
von Materialien, Gestaltungen oder Gegenständen zurückgegriffen
wird. Sie können auf eine Wand gemalt werden, in Form eines
Zertifikats auf Papier geschrieben oder in einem Katalog gedruckt sein.
Immer verwendet Weiner Schrift in Druckbuchstaben, um jede Individualität
des Ausdrucks zu vermeiden. Seine Arbeiten bewegen sich auf
einem klar umrissenen Grat zwischen der Wirklichkeit der Sprache und
der Wirklichkeit des Inhaltes. Beide Bereiche treffen sich auf verschiedenen
Ebenen und eröffnen dem Betrachter zahlreiche Interpretationsansätze.
Weiner macht uns die Bedeutung der Sprache bewusst, indem
er Texte formuliert, die teils allein aus sich selbst heraus einen abstrakten
Sinn ergeben, teils aber auch gedankliche Konkretionen spezifischer bildlicher
Vorstellungen sind. Das Lesen ist gleichzeitig der Betrachtungsprozess
und dieser wird als das Lesen selbst interpretiert.
Weiner hat an den beiden Eingangsfassaden des Rathauses mit Klebebuchstaben
eine Textarbeit aus parallelen Teilen in deutscher und englischer
Sprache angebracht, die aber weniger die Inhalte der Kunst als vielmehr
ihre Wahrnehmung thematisiert. Der deutschsprachige Text lautet:
GRÜNES GLAS
GEBROCHEN
IM TAGESLICHT
[WEISS]
MILCHGLAS
GEBROCHEN
IM LICHT DES SONNENUNTERGANGS
[ROT]
BRAUNES GLAS
GEBROCHEN
IM MORGENLICHT
[BLAU]
28
The works of Lawrence Weiner, the second conceptual artist represented
in the exhibition, consist mainly of texts thematizing subjects
in linguistic form without resorting to the possibilities of expression
offered by materials, forms or objects. They can be painted on a wall,
written on paper in the form of a certificate or printed in a catalogue.
To avoid any individuality of expression Weiner always uses printed
characters. His works operate on a strictly defined borderline
between the reality of language and the reality of content. Both
realms meet on different levels and offer the observer various interpretational
approaches. By formulating texts that partly have an
abstract sense themselves, and partly also are concrete formulations
of specific pictorial images, Weiner makes us aware of the meaning
of language. The act of reading is at the same time a process of
observation which in turn is itself interpreted as reading.
On both entrance façades of the Rathaus (town hall), Weiner erected
a text work in adhesive letters consisting of parallel columns of
German and English text thematizing less the content of art but
rather more its perception. The English text reads:
GREEN GLASS
BROKEN
IN THE LIGHT OF DAY
[WHITE]
MILK GLASS
BROKEN
IN THE LIGHT OF SUNSET
[RED]
BROWN GLASS
BROKEN
IN THE MORNING LIGHT
[BLUE]
Broken Glass,
1990, Sprache + die Materialien, auf die Bezug genommen wird [Textarbeit an der Rathausfassade]

Areal Rathaus – Ferdinandstraße – Kaiser-Friedrich-Promenade / The city area
Lawrence Weiner
Mit seiner Textarbeit bezieht sich Weiner auf Wahrnehmungssituationen,
die sich bei der Betrachtung der genannten Glasarten – sichtbar am
Rathaus oder anderen beliebigen Gebäuden der Umgebung – zu einer
bestimmten Tageszeit ergeben. Auch wenn die Information, die der
Künstler uns gibt, scheinbar banal und für jeden verständlich ist, haben
wir es in der heutigen Zeit doch fast vollständig verlernt, diesen Licht- und
Wahrnehmungsphänomenen nachzuspüren, sie als romantischen
Bestandteil unseres Alltags zuzulassen. Gehen wir etwa am Morgen in aller
Frühe in die Stadt, erfahren wir das frische, kalte Morgenlicht in komplexer
Brechung an zahlreichen Glasfassaden, die unsere tägliche Weltwahrnehmung
prägen. In den Glasflächen eines Hochhauses oder einfachen
Geschäftshauses spiegeln sich die vielfältigen Ereignisse des Alltags:
Häuser, Autos, Fußgänger, Vögel, Himmel oder Wolken. Weiner möchte mit
seinen ‚schriftlichen Verweisen’ auf die Realität und das, was sich hinter
ihr verbirgt, das Bewusstsein des Betrachters wieder auf die existenzielle
Bedeutung der subjektiven Welterfahrung lenken.
Broken Glass
30
In his text work Weiner is referring to situations of perception that
occur when looking at particular glass types – visible in the Rathaus
or other buildings in the neighbourhood – at a given time of day. Even
though the information the artist offers might seem banal and
obvious, this phenomenon of light and perception is something that
we today have almost completely lost our capacity to register, and
to admit into our everyday lives as a Romantic component. If we go
into town in the early morning for example, we experience the fresh,
cold morning light in complex refractions on the countless glass
façades that form part of our daily perception of the world. In the
glass surfaces of a skyscraper or a simple office block, the manifold
elements of our everyday lives are reflected: buildings, cars,
pedestrians, birds, sky and clouds. With his ‘written references’ to
reality and to that which is hidden behind it, Weiner seeks to renew
our awareness of the existential meaning of our subjective experience
of the world.

Areal Rathaus – Ferdinandstraße – Kaiser-Friedrich-Promenade / The city area
HARRY HAUCK
Zwischen den beiden genannten Arbeiten befinden sich – auf dem Rasen
des Platzes gegenüber der Englischen Kirche – drei isoliert und funktionslos
dastehende ‚Säulen’ des Künstlers Harry Hauck. Es könnte sich um
Reste eines längst nicht mehr existierenden Gebäudes handeln, doch
bei näherer Betrachtung fällt auf, dass sie nicht aus Stein, sondern aus
Gummi bestehen. Es handelt sich um aufgeblasene Gummisäulen, die mit
Basis und Kapitell an die klassizistischen Säulen der gegenüberliegenden
Englischen Kirche erinnern, vielleicht aber auch an solche anderer historischer
Architekturen. Und doch sind es nicht Säulen, sondern transformierte
Versatzstücke von solchen. Plastik als Gattung wird hier in doppelbödiger
Weise und mit einem Hauch von Ironie thematisiert. Die drei
plastischen Arbeiten Haucks lenken unseren Blick darüber hinaus auf die
Fragen nach Original und Kopie, nach Authentischem und Nachgemachtem.
Ein Gegenstand, der in seiner originalen Ausformung scheinbar
zeitlos und für die Ewigkeit gemacht ist, reagiert vor unseren Augen auf
klimatische Veränderungen: Die Säulen ‚atmen’, je nachdem ob es kälter
oder wärmer wird. Sie passen sich dem Rhythmus der natürlichen
Veränderungen an, machen uns in ihrer Künstlichkeit natürliches Werden
bewusst.
Turgor 9 [1047 Liter],
Ex 4, 5, 6/30, 2000-03, Gummi, Luft, Ventil [330 x 85 x 85 cm]
34
Between the works of Kosuth and Weiner – on the lawn of the
square opposite the English Church – are three isolated and functionless
‘columns’ by the artist Harry Hauck. Looking at first sight like
the remains of a long-disappeared building, on closer examination
they turn out to be made of rubber, not stone. In fact they are inflated
rubber columns with bases and capitals recalling the classical
columns of the English Church opposite and possibly other similar
historical structures. Nevertheless, they are transformed set pieces,
not columns. Sculpture as a medium is here – ambiguously, and
not without a touch of irony – the central theme. Furthermore,
Hauck’s three plastic works lead us to consider the question
of original and copy, of the authentic and the reproduced. An
object, in its original form apparently timeless and made for eternity,
here reacts before our eyes to climatic change: the columns
‘breathe’, depending on whether it is warmer or colder. They adjust
to the rhythm of natural change, and in their artificiality make us
aware of natural becoming.
35

Areal Rathaus – Ferdinandstraße – Kaiser-Friedrich-Promenade / The city area
MIGUEL BERROCAL
An der Kaiser-Friedrich-Promenade kann man im Steigenberger Hotel die
monumental wirkende Eisenplastik „Obispo“ („Bischof“) des spanischen
Bildhauers Miguel Berrocal aus der Sammlung der Mannheimer Kunsthalle
sehen. Es ist ein blockhaftes Werk aus zwei aufeinander gesetzten
Teilen, die sich bei näherer Betrachtung als abstrahierte Ausformungen
von Unter- und Oberkörper einer Figur zu erkennen geben. Das Material
Eisen – in der spanischen Plastik des 20. Jahrhunderts ein zentraler
Werkstoff seit Picasso, aber auch bei González oder Chillida von bestimmender
Bedeutung – wird hier zum Symbol für die Härte der spanischen
Kirche. Das ‚Ornat’ des Bischofs am oberen Teil der Plastik wurde von
Berrocal in spitze Eisenstangen übertragen, während der Torso ohne Kopf
die entseelte Vorstellung eines von Traditionen und Zwängen gelenkten
Menschen offenbart. In Berrocals Plastik manifestiert sich dadurch auch
das Drama der Entwicklung des spanischen Staates von der Autokratie
zur Demokratie nach der von Unterdrückung geprägten Ära Franco.
Materialsprache und bildnerischer Ausdruck konstituieren dabei zwei
wesentliche Elemente einer metaphorischen Bildsprache, die uns die
Qualität menschlicher Kreativität im Umgang mit dem menschlichen Leid
vor Augen führt.
Obispo,
1962, Eisen, zweiteilig [141 x 117 x 37 cm];
Leihgabe der Kunsthalle Mannheim
38
In the Steigenberger Hotel on Kaiser-Friedrich-Promenade there is
the monumental iron sculpture “Obispo” (“Bishop”) by the Spanish
sculptor Miguel Berrocal from the collection of the Kunsthalle
Mannheim. “Obispo” is a block-like work consisting of two pieces
set on top of each other, which on closer examination reveal themselves
to be abstract versions of the upper and lower parts of a
body. Iron – one of the principal materials in 20th century Spanish
sculpture since Picasso and also of great significance in the works
of González and Chillida – here symbolically stands for the inflexibility
of the Spanish church. Berrocal transforms the bishop’s
‘vestments’ in the upper part of the sculpture into pointed iron
poles, while the torso without head represents the lifeless idea
of a man guided only by traditions and constraints. Berrocal’s
sculpture thus also expresses the dramatic development of the
Spanish state from autocracy to democracy after the reppressive
Franco era. The language of the material and the pictorial expression
constitute two basic elements of a metaphorical imagery that
teaches us about the quality of human creativity in dealing with
human suffering.

AREAL KURPARK / THE KURPARK AREA

Areal Kurpark / The Kurpark area
TRAK WENDISCH
Geht man entlang der Kaiser-Friedrich-Promenade weiter und betritt auf
Höhe des Schmuckplatzes den Park, so begegnet man mehreren Werkgruppen
von figürlichen Plastiken oder abstrakt figurativen Arbeiten.
Hier sind zuallererst die zwischen den Bäumen stehenden, in Bewegungssuggestion
verharrenden oder sich gegenseitig tragenden Figuren von Trak
Wendisch zu sehen. Die fünf ausgestellten Skulpturen entstanden
zwischen 1990 und 2001. Ihre Titel sprechen die in ihnen formulierten
Inhalte sehr deutlich an: „Tänzerin II“, „Armkreuzer“, „Frauenträger II“,
„Frauenträger V“ und „Jongleur“. Die skurrilen, entmenschlichten Wesen
mit ihren überlangen, linear-zeichenhaften Körperteilen pendeln formal
zwischen abstrahierten menschlichen Figuren und totemistischen
Gebilden hin und her. Ihre Körper, deren Gliedmaße oft vektorenhaft in den
Raum ausgreifen, zeigen dabei eine spannungsgeladene Gestik, der stets
etwas Tänzerisches anhaftet. Die Figuren lassen sich innerhalb eines
von Bäumen eingefriedeten Areals trotz zahlreicher Abstraktionstendenzen
immer noch als Individuen orten. Sie bauen durch ihre Bewegungsakzente
Dialoge miteinander sowie mit der sie umgebenden Natur auf, behaupten
sich aber dennoch als autonome Wesen in ihrem jeweiligen kontextuellen
Raum. Die Figuren scheinen zwischen den Bäumen selbstbezüglich zu
tanzen, sich virtuell zwischen den vielfältigen Licht- und Schattenwelten
zu bewegen. Dabei können manche von ihnen bisweilen grotesk verzerrte
Haltungen einnehmen, die auf die Abhängigkeit des Menschen von
äußeren Gesetzmäßigkeiten hinweisen.
Tänzerin II, (Seite 44 links, 49 und 50)
1991-2003, Bronzeguss, farbig patiniert, Ex 2/5 [205 x 120 x 100 cm]
Armkreuzer, (Seite 45 rechts und 48)
1990-2000, Bronzeguss, farbig patiniert, Ex 2/5 [175 x 140 x 75 cm]
Frauenträger II, (Seite 43 mitte und 47 rechts)
1991-2003, Bronzeguss, farbig patiniert, Ex 1/5 [270 x 130 x 120 cm]
Frauenträger V, (Seite 43 links, 44 rechts, 46 und 51 links)
2001, Bronzeguss, farbig patiniert, Ex 1/5 [197 x 40 x 30 cm]
Jongleur, (Seite 43 rechts, 45 links, 47 links und 51 rechts)
1994-2001, Bronzeguss, farbig patiniert, Ex 1/5 [240 x 70 x 70 cm]
42
Continuing along Kaiser-Friedrich-Promenade, as you enter the
Kurpark by the Schmuckplatz, you will see several groups of figure
sculptures and abstract figures.
First of all, arranged between the trees, there are the figures of Trak
Wendisch, frozen into a suggestion of movement or supporting each
other. The five exhibited figures were created between 1990 and
2001. Their titles clearly express their formulated contents: “Tänzerin
II” (“Female Dancer II”), “Armkreuzer” (“Person Crossing Arms”),
“Frauenträger II” (“Person Carrying a Woman II”), “Frauenträger V”
(“Person Carrying a Woman V”) and “Jongleur” (“Juggler”). These
strange, unearthly creatures with their overlong graphic limbs oscillate
formally between abstracted human figures and totemistic
shapes. Whereas their limbs often point vector-like into space, their
bodies display gestures full of suspense as in a dance. The figures
within a space lined by trees are identifiable as individuals, despite
strong tendencies towards abstraction. With their pronounced movements
they create a dialogue with each other as well as with their
natural environment; yet they remain autonomous beings in their
respective contextual space. The figures seem absorbed in a selfreferential
dance between the trees, moving virtually between worlds
of light and shadow. In this way some of them are able to take up
grotesque, twisted positions recalling man’s dependence on external,
natural laws.

Areal Kurpark / The Kurpark area
Trak Wendisch
Tänzerin II
Frauenträger V
Jongleur
50

Areal Kurpark / The Kurpark area
RAINER FETTING
In einiger Entfernung – in der Nähe des Brunnens am oberen Teil der
ersten Lenné’schen Sichtachse – sind zwei weitere figurative Arbeiten
ausgestellt: massive, überlebensgroße Bronzeplastiken von Rainer Fetting.
Beide Werke umschreiben eine nicht mehr natürliche Torsion des menschlichen
Körpers, ohne dabei aber allzu deformiert zu wirken. Die bewegte
Oberflächenbehandlung mit einem reichen Spiel an Furchen und Falten
erinnert im Ansatz an die existenzialistisch geprägten Arbeiten Alberto
Giacomettis. Daneben erweckt die aufgerauhte Patina der Figuren den
Eindruck des Transformatorischen, Flüchtigen.
Fast schwebend scheint sich die Figur mit dem Titel „Der Flug“ mitten auf
dem Rasen vom Boden zu lösen. Wie eine ‚figura serpentinata’ des
Manierismus in sich verdreht demonstriert sie unbändige Kräfte. Mit ihren
hochgehobenen, überlangen Armen öffnet sie sich zum Himmel, versucht
die dahinter liegenden kosmischen Kräfte zu empfangen. Fettings Figur
ist ein Symbol für die dem Menschen innewohnende Kraft, sich sowohl
im Geistigen, als auch im Körperlichen auf seine individuellen Bedingungen
zu verlassen.
Der Flug,
1988, Bronzeguss, Ex 2/4 [300 x 140 x 345 cm]
52
A good way further on – close to the fountain at the upper section
of Lenné’s first axis of view – two more figures are displayed:
two massive, oversized bronze sculptures by Rainer Fetting. Both
works present an unnatural torsion of the human body beyond the
natural – but without in the process making the figure appear too
deformed. Fetting’s irregular treatment of the surface with its rich
play of creases and wrinkles is reminiscent of the existentialist
works of Alberto Giacometti. At the same time the roughed-up patina
of the figures creates an impression of transformation and
fleetingness.
Almost as if it were floating, the figure entitled “Der Flug” (“The
Flight”) seems to detach itself from the middle of the lawn. Twisted
like a Mannerist ‘figura serpentinata’ it presents an image of boundless
force. With its raised, overlong arms it opens itself to the sky as
if to take in the cosmic forces beyond. Fetting’s sculpture is a symbol
of man’s inherent power spiritually as well as physically to accept
his individual human condition.

Areal Kurpark / The Kurpark area
Die zweite, als Oberkörpertorso ausformulierte Plastik mit dem Titel „Die
Drehung“, deren bronzene Oberfläche aufgrund der vielfachen Aufbrechungen
und Zerklüftungen ebenfalls ein bewegtes Licht-Schatten-
Spiel vor Augen führt, thematisiert dagegen die Erdverbundenheit des
Menschen. Die fragmentierte Figur scheint sich aus dem natürlichen
Boden ‚herauszuwinden’. Sowohl die Blickrichtung des Kopfes, als auch
die über dem Kopf verschränkten Arme sind dabei Zeichen für die Suche
der Figur nach ihrem Ort, ihrem Sinn. Fetting konfrontiert uns hier mit
natürlichem und körperlichem Werden, basierend auf der Transformation
und transitorischen Progression der Form. Auch diese Arbeit enthält
darüber hinaus zahlreiche symbolische Anspielungen, die sich auf kosmische
Gesetzmäßigkeiten beziehen. Die Einbindung beider Werke in einen
natürlichen Zusammenhang demonstriert dies in besonderer Weise.
Die Drehung,
1987, Bronzeguss, Ex 4/6 [268 x 165 x 70 cm]
54
On the other hand the second sculpture, the torso of an upper body
entitled “Die Drehung” (“The Turning”), whose bronze surface with
its many breaks and fissures also displays a lively play of light and
shadow, stands for man’s connection with the earth. The fragmented
figure seems to wriggle out of the natural ground. The tilt of its
head as well as the position of the arms folded over the head signify
the figure’s quest for its place, its sense. Here, Fetting confronts us
with natural and physical becoming, based on the transformation and
transitory progression of form. Again, the sculpture contains numerous
symbolic allusions to cosmic laws. This is emphasized particularly
by the integration of both works in a natural context.

Areal Kurpark / The Kurpark area
HELGE LEIBERG
Zwischen dem Weiher und dem Siamischen Tempel stehen – jeweils in
spezifische natürliche Umgebungen eingebunden – figürliche Plastiken
von Helge Leiberg, Markus Lüpertz und Eric Fischl.
Helge Leiberg beschäftigte sich in den siebziger Jahren während seines
Kunststudiums in Dresden vor allem auch mit Musik und Tanz. Sein bildnerisches
Interesse konzentriert sich unter Einbeziehung dieser Elemente
bei der Formung einer Figur auf deren körperlich-tänzerische Artikulation
sowie eine daraus folgende räumlich aktive Umsetzung. Die einsam auf
einem großen Rasenstück stehende, sich mit ihrer grünlichen Patina
dialogisch auf die natürliche Umgebung beziehende Bronzeplastik mit
dem Titel „Zuwendung“ behauptet sich in ihrer zeichenhaft stilisierten
Körperhaftigkeit als Symbol des menschlichen Individuums und verdeutlicht
durch ihre selbstbezügliche Tanzhaltung das kreative Potenzial, das
im Wesen des Menschen begründet liegt. Die pointiert in Szene gesetzte
Körperhaltung offenbart dabei eine ‚kulturelle Form’ körperlichen
Ausdrucks, die von dem betrachtenden Gegenüber als ein Angebot zur
wahrnehmenden und gedanklichen Begegnung verstanden wird. Die
Figur baut darüber hinaus einen subtilen Dialog mit der sie umgebenden
Natur und den vom Wind bewegten Bäumen auf. Die Betrachtung dieser
und anderer Figuren Leibergs setzt in uns komplexe Fragen nach dem
existenziellen Dasein und dem Sinn menschlichen Handelns frei.
Zuwendung,
2003, Bronzeguss, Ex 1/3 [295 x 150 x 130 cm]
56
Between the pond and the Siamese Temple, figure sculptures by
Helge Leiberg, Markus Lüpertz and Eric Fischl are arranged respectively
in a specific natural environment.
During his studies at the Dresden Academy of Fine Arts in the seventies,
Helge Leiberg concerned himself in particular with music and
dance. Incorporating these elements, his sculptural interest in
shaping a figure focusses on its physical, dance-like articulation as
well as its consequent translation into active space. The lonely
bronze sculpture “Zuwendung” (“Turning to”), with its green patina
corresponding to its natural environment on a large stretch of lawn,
asserts itself in its graphically stylized physicality as a symbol of the
human individual, and epitomizes through its self-referential dancing
position the creative potential inherent in human beings. The stark
posture reveals a ‘cultural form’ of physical expression that communicates
to the observer the proposal of an imaginary encounter.
Furthermore, the figure creates a subtle dialogue with the nature
surrounding it and the trees swaying in the wind. This, and other
figures by Leiberg, raise complex questions about existential being
and the meaning of human activity.

Areal Kurpark / The Kurpark area
Helge Leiberg
Zuwendung
58

Areal Kurpark / The Kurpark area
MARKUS LÜPERTZ
Die von Markus Lüpertz ausgestellten Figuren „Clitunno“, „Philosophin“
und „Daphne“ befassen sich in unterschiedlicher Weise mit mythischen
Vorstellungen vom Menschen und von Kultur.
„Clitunno“, ein überlebensgroßer männlicher Oberkörper mit kurzen, kräftigen
Beinen, bildet schon aufgrund der grünen Bemalung seiner Bronze
eine enge dialogische Beziehungseinheit mit der Natur. Die Figur symbolisiert
den mythischen Gott eines umbrischen Flusses, der aus mehreren
Quellen entspringt. Beinahe in Entsprechung der bereits von Plinius
beschriebenen ungewöhnlichen landschaftlichen Schönheit um die Fonti
del Clitunno bei Spoleto geht „Clitunnos“ Blick im Bad Homburger Kurpark
von einem Hügel aus auf den Teich, der die natürliche Idylle des Erdreiches
um das Element Wasser ergänzt. Die Gottgestalt scheint gerade aus dem
von Wasser getränkten Erdreich herauszusteigen, sich in die Welt der
Menschen zu begeben. Sie hebt ihren Arm, wie um die Wasser zu
bewegen, ähnlich wie dies Poseidon in den griechischen Sagen tat, als
er etwa die Wellen gegen Odysseus’ Schiff erhob. „Clitunnos“ Körperoberfläche
ist zerfurcht, aufgebrochen, verformt, vergleichbar mit einem
golemartigen Lehmklumpen, dem gerade in der gestaltenden Formung
Leben eingehaucht wurde. Aufgrund dieser spezifischen Materialität
entwickelt sich zwischen der Plastik und der sie umgebenden Natur aus
Bäumen, Blättern und Erde eine kongeniale Einheit, die eine Trennung fast
unmöglich macht. Die Figur scheint geradezu für diesen Standort
bestimmt zu sein.
Clitunno,
1989/90, Bronzeguss, bemalt, Ex 2/6 [223 x 120 x 112 cm]
60
Markus Lüpertz’s sculptures “Clitunno”, “Philosophin” (“Female
Philosopher”) and “Daphne” deal in different ways with mythical
conceptions of Man and culture.
By the very painting of its bronze surface in green, “Clitunno”, a
larger-than-life male trunk with short sturdy legs, is already linked
in a close dialogue with nature. The sculpture symbolizes the
mythical god of an Umbrian river rising from several springs. In
conformity with the extraordinary beauty of the landscape around the
Fonti del Clitunno at Spoleto described by Pliny, here, in the Kurpark
Bad Homburg, “Clitunno’s” gaze stares out from a hill towards a
pond, which complements the natural idyll of the earth by the
element water. The god figure seems to step out of the water-soaked
earth in order to mingle in the world of humans. He raises his arm
as if to stir the waters, like Poseidon in the Greek myth when he
whipped up the waves against Ulysses’s boat. “Clitunno’s” body
surface is creased, broken open, deformed, akin to a golem-like
clump of mud that has just been brought to life by being formed into
shape. It is this specific materiality that generates a congenial unity
between the sculpture and the natural surroundings of trees, leaves
and soil, a unity almost impossible to break. The figure seems
designed for exactly this location.

Areal Kurpark / The Kurpark area
Markus Lüpertz
In der Nähe von „Clitunno“ steht die in ihrer Inhaltlichkeit ebenfalls an
antike mythische Figuren erinnernde „Philosophin“. Ein weiterer Guss
dieser Skulptur befindet sich in dem von Lüpertz auch malerisch ausgestalteten
Foyer des Bundeskanzleramtes in Berlin.
Die weibliche Bronzefigur gibt sich als Wesen mit zwei Gesichtern zu
erkennen, dem wahren Gesicht und dem zweiten, das in Form einer
vorgehaltenen Maske gebildet ist. Durch das Abnehmen der Maske offenbart
sie sich als Allegorie der nach dem ‚wahren’ Wissen, nach dem
tieferen Sinn des Lebens strebenden Philosophie und weist uns symbolisch
auf die hinter der Maske der Realität verborgene, eigentliche
Wahrheit hin. Diese versucht der Mensch im alltäglichen Umgang mit der
Wirklichkeit meist auch vor sich selbst zu verschleiern, zu verbergen, um
eine Pseudo-Wahrheit aufrecht zu erhalten. Und auch die „Philosophin“
bedeutet uns, dass es keine absolute Wahrheit gibt, sondern stets nur eine
relative, subjektive Wirklichkeit, die der individuellen Wahrnehmung und
der daraus resultierenden Weltdeutung verhaftet ist. Die Maske, das
zweite Gesicht, ist als Metapher für die Doppeldeutigkeit jeglicher menschlichen
Aussage anzusehen. Die schweren Körperformen der Figur sind
erdverbunden und bilden mit der sie umgebenden Natur eine
Beziehungseinheit, womit Lüpertz auf die Gedanken der Vorsokratiker
hinweist, die als Urkraft der Natur das Element ‚Erde’ ausdeuteten.
Philosophin,
1998, Bronzeguss, bemalt, Ex 6/6 [280 x 106 x 96 cm]
64
Standing near “Clitunno”, “Philosophin” (“Female Philosopher”) also
recalls mythical figures of antiquity. A further cast of this sculpture
can be seen in the Federal Chancellery foyer in Berlin (which also
contains a large wall painting by Lüpertz).
The female bronze portrays a being with two faces, a true face and
a second in the form of a held-up mask. By taking off the mask she
reveals herself as an allegory of ‘true’ knowledge, of a philosophy
seeking a deeper meaning of life, referring us symbolically to an
effective truth hidden behind the mask of reality – a truth that Man
in his everday dealings with reality mainly tries to disguise, to bury,
in order to sustain a pseudo truth. In this sense, “Philosophin” tells
us there is no absolute truth, only relative, subjective reality bound
to individual perception and a resulting interpretation of the world.
The mask, the second face, thus becomes a metaphor for the ambivalence
of all human statements. The heavy body shapes of the
sculpture are bound to the earth and form a unity with their natural
surroundings – Lüpertz here recalls the ideas of the pre-Socratics
who interpreted the element ‘earth’ as the original elemental force.