Megafon - Norient

m … aus der Reitschule Bern 

mit 

Nr. 351 2011 Januar Preis Sfr. 6.-egafon 

PRO g r a m m 

www.megafon.ch Schwerpunkt: Norient

im Januar 

ImprEssum 

EntrEE 

3 CartE BlanChE pour uvm 

3 In dEn norIEnt rEIsEn? 

Editorial 

4 dIE rotE Wand 

Entree 

sChWErpunkt norIEnt 

5 vEr(W)IrrungEn zWIsChEn musIk, 

gEsEllsChaft und polItIk 

Ein multi-dimensionales phänomen 

7 araBEsk: von sChmErz zu kommErz 

12. Januar, 20.30 uhr, turnhalle progr 

8 muEzzInE BEIm gEsangsWEttBEWErB 

13. Januar, 20.00 uhr, kino in der reitschule 

9 taqWaCorE: dIE gEBurt dEs IslamIsChEn 

punk 

13. Januar, ca. 21.45 uhr, kino in der reitschule 

10 «WEm gEhört dIEsEr song?» 


11 fokofpolIsIEkar – fuCk-off-polICE-Car 

14. Januar, ca. 21.45 uhr, kino in der reitschule 

13 full mEtal vIllagE 


14 «WE don’t CarE aBout musIC anyWay» 


15 zur EthnographIsChEn praxIs 

Im 21. JahrhundErt 

feldforschung 

16 WIssEn andErs vErmIttEln 

odEr EtWas andErEs vErmIttEln? 

medienanthropologie heute 

17 musIkEthonolgIsChE stImmEn 

aus allEr WElt 

22 pIss-WEllnEss, sChIzophrEnE punkEr 

und alkoholdEhydrogEnasE 

selbstversuch: global rock‘n‘roll 

rEdaktIon ag megafon | postfach 7611, Ch-3001 Bern 

megafon@reitschule.ch | fon 031 306 69 66 | pC 30-34495-5 

layout megafon plakat pak umsChlag peet pienaar 

sChWErpunkt-IllustratIonEn milena gsteiger (mfg) 

druCk kollektiv druckwelle, reitschule 

rEdaktIon dIEsEr nummEr natalia funariu (nafu), milena gsteiger 

(mfg), ursula häni (ush), agnes hofmann (ans), patrick kuhn (pak), rahel la 

Bey (rel), leena schmitter (lsc), urslé von mathilde (uvm). 

rEdaktIonssChluss 15. dezember 2010; näxter 9. Januar 2011 

ErsChEInt monatlich, auflage unter 1000 Ex.; JahrEsaBo (mind. 72 franken 

auf pC 30-34495-5 einzahlen, abo bei obenstehender adresse). 

die in den Beiträgen wiedergegebene meinung muss sich nicht mit der 

meinung der redaktion decken. die schwerpunkt-Beiträge dokumentieren die 

Entwicklung von kunst- und Jugend- und politszenen. 

Weder mit bildlichen noch textlichen Inhalten sollen die leserInnen dazu 

aufgerufen werden, straftaten zu begehen. 

die artikel dieser zeitung unterstehen einer CreativeCommons lizenz. für 

nicht-kommerzielle zwecke können sie mit quellenangabe frei verwendet 

werden. 

Inhalt 

2 

megafon nr. 351, Januar 2011 

InnEnland 

24 für rEIChE – gEgEn armE 

nach der abstimmung zur ausschaffungsinitiative 

IntErnatIonalIstIsChE 

28 dIE dEfInItIon dEs WahnsInns – 

Irland In dEr krIsE 

den gurt enger schnallen 

sChönEr WohnEn? 

30 offEnsIvEs WohnEn? 

schöner Wohnen – die neue rubrik 

kultur Et all 

25 guItarhEads Wäut 

26 gEmEIngütEr BEfrEIEn 

tour de lorraine 11 

32 konzEptIon dEr grausamkEIt 

Buchtipp Januar 2011 

programm 

kIno 

daChstoCk 

rösslI 

souslEpont 

toJo thEatEr 

frauEnraum 

46 story of hEll 

abonniert das megafon! 

» talon ganz hinten!

editorial 

in den norient reisen? 

norient.com 

tourdelorraine.ch 

CartE BlanChE pour uvm 

liebe megafon-leser_innen 

das erste Jahrzehnt des neuen 

Jahrtausend ist vorbei. ui, die 

nuller-Jahre: Ist es da ausser 

technologisch betrachtet, irgendwo 

krass vorwärts gegangen? 

Was nehmen wir mit ins zweite 

Jahrzehnt ausser socialmedia, 

nanopartikel und ein handtelefon 

für alle (in der schweiz). Wann 

wird eine andere Welt möglich? 

Wann kommt der markante schritt 

bei den menschenrechten? Wann 

der klimawandel? 

In der reitschule gelingt es uns 

ab und an, wenn schon nicht als 

Insel mitsamt Burg davon zu 

schwimmen, mindestens aber 

einen Blick aus einer anderen 

perspektive auf probleme zu werfen, 

mindestens im alltag neue 

Wirtschafts- und arbeits-modelle 

erfolgreich auszutesten; 2011 bereits 

im vierundzwanzigsten Jahr. 

Erst das zweite Jahr im programm 

und doch schon liebgewonnen: 

das norient musikfilm 

festival kommt mitte Januar 

wieder in die reitschule. nach 

«global gettotech» im 2010 

dieses mal mit filmen, die ver- 

(w)irrungen zwischen musik, politik 

und gesellschaft zum thema 

machen. und wiederum gibts dazu 

eine megafon-sondernummer; 

einerseits zu den gezeigten 

filmen, andererseits zu ethnographischer 

feldforschung. also 

ungefähr zur frage, ob Bilder 

und töne andere Botschaften 

vermitteln als texte – mit vielen 

Beispielen aus fremdem und 

bekanntem alltag. Ein lebendiger, 

langer schwerpunkt für die vorfreude 

aufs festival. 

vielen herzlichen dank erneut an 

die beiden norient-Botschafter 

thomas Burkhalter und michi 

spahr, und viel Erfolg mit dem 

festival! 

das megafon fühlt sich wohl im 

norient und hofft, ihr leser_innen 

ebenso. Jetzt buchen. 

> ans < 

gleichfalls zum vormerken: 

am 22. Januar 2011 findet eine weitere 

ausgabe der tour de lorraine – unter anderem 

in der reitschule – statt, diesmal unter 

dem motto «gemeingüter befreien». 

EdItorIal 

megafon nr. 351, Januar 2011 3

dIE rotE Wand 

Eisbären haben probleme, die-den 

richtige_n partner_in zu finden. 

In Bern haben sie auch probleme, 

unter anderem mit der roten Wand. 

In der mitte der spitalgasse, 

befinden sich zwei tramschienen, 

links und recht lauben, 4-5-stöckige 

sandsteinbauten, innen ausgehölt 

und gefüllt mit Waren vorwiegend 

aus dem Importgeschäft. die menschen 

können dort geld in Waren 

umtauschen. 

nun stehen sie hintereinander und 

bilden eine Wand, mauer. 

Eine rotE mauEr. 

staatlich gesponserte kommentare 

wollen uns weismachen, dass dies 

zur freien Bewegung und förderung 

der Benutzung von öffentlichen 

verkehrsmittel stimuliert. Wir 

müssen wieder solidarisch werden. 

die schweizer_innen berufen sich 

auf ihre Wurzeln: realismus und 

Bescheidenheit. 

das misstrauen der Bevölkerung in 

die direkte demokratie steigert sich. 

Ich stelle mich vor die rote Wand 

und befrage passantinnen nach ihrer 

meinung. 

Ein passant: 

«Jaja, i bi so eine wo sich uf 

sini Wurzle bezieht. realistisch, 

bescheide und klar nur dür 

d’schwiezer. 

EntrEE 

4 


I däm binig konsequent. Bi mit mim 

aebi uf Bern cho, mit Biogas vo mini 

schwizer säu. me muess sich doch 

treu blibe, wo chöme mir suesch 

äne. schwiezer saatgut und so 

weiter. Bim verarbeite stosse ig a 

grenze. für de lohn wonnig cha zahle, 

schaffe chei schwiezer. aber äbe, 

ä roti Wand da ir houptstadt schon ä 

provokation. di schränkt Bewegigsfreitheit 

i u het eifach epidemische 

uswirkige. Jaja, mir wei da che roti. 

me söuts glich mache wi mit äm 

gstrüpp.» 

seit der annahme gegen das ausländische 

gestrüpp, wächst der unmut 

der Bevölkerung gegen ihnen unbekanntes. 

sie fordern mehr platz, 

transparenz, Bescheidenheit und 

sicherheit, das gäbe mehr übersicht 

und mehr sicherheit, die soziale 

kontrolle funktioniere wieder. das 

sind noch Werte. 

Eine weitere passantin: 

«di rote Wand, isch unbedingt notwendig. 

We aus usländische dusse 

wär, was chönnt ig no alege? ässe? 

Bi doch cheis heidi oder vreneli, no 

entspringenig emene ankerbiuld. 

mir müsse realistisch blibe u üs 

integriere. die roti Wand ist ä gute 

afang.» 

«gute tag, kann ich sie was fragen? 

«ma qui.» 

«Was halten sie von dieser roten 

mauer?» 

«rote maueer? les tram. manifique. 

Berne hat nicht soviel farb, das tut 

gut, das rot. seit der annahme der 

Initiative gegen alles ausländische 

gestrüpp, ist viel farbbe verloren 

gegangen. Es macht mich traurig, 

mais, ca c’est die demokratie. Il faut 

acceptez. 

Ein alter schweizer Wert: der röstigraben, 

wir haben die Initiative 

abgelehnt.» 

Ein junges menschenwesen tippt mir 

auf die schulter. das geschlechtlich 

nicht einordbare menschenwesen 

fragt, ob sie er oder es auch was 

sagen dürfe. gespannt halte ich das 

mikrofon hin. 

«das diese rote Wand soviel aufsehen 

erregt, liegt an der Bildung. 

die schweiz braucht dringend 

Entwicklungshilfe und förderung 

zur Integration in die Weltgemeinschaft.. 

Wir sind uns doch alle fremd 

oder was auch immer und wir wollen 

alle schoggi essen… diese demokratie 

basiert doch auf missbrauch 

und ausbeutung und dem sagen sie, 

die guten alten schweizer Werte. 

punktgenau jegliche humanität zu 

unterdrücken. das rot ist doch mal 

ein anfang.» 

> HeidibetH tauer

ein Multi-diMensionales PHÄnoMen 

Ver(w)irrungen zwischen musik, 

gesellschaft und Politik 

das 2. norient MusikfilM festival 

scHaut Mit sieben dokuMentarfilMen 

(drei scHweizer PreMieren!) aus südafrika, 

bulgarien, der türkei, JaPan, 

deutscHland, den usa und Pakistan genau 

Hin: auf die ver(w)irrungen zwiscHen 

Musik, gesellscHaft und Politik. eine 

frage steHt iM rauM: verbindet Musik 

MenscHen – oder treibt sie die MenscHen 

auseinander? oder kann Musik gar zu 

konflikten und kriegen füHren? 

Die erste Ausgabe des norient 

Musik film Festivals fokussierte auf 

neue musikalische Strömungen 

aus dem Umfeld der elektronischen 

Musik und der Club-Kultur: Auf den 

«Global Ghettotech» – oder die 

«Weltmusik 2.0», die Weltmusik der 

interaktiven Medienplattformen. In 

diesem Jahr stehen Punkmusik, 

Heavy Metal, japanische Noise- 

Musik, ein Wettbewerb türkischer 

Muezzine und südosteuropäische 

Arabeskmusik und Schlagermelodien 

im Fokus. 

Diverse Faktoren entschieden 

mit, welche Filme wir für das Norient 

Musikfilm-Festival auswählten. Erstes 

Kriterium war selbstverständlich 

die Qualität der Filme, definiert 

über die ästhetische Umsetzung, die 

Nähe zu den Protagonisten, die Tiefe 

der Auseinandersetzung mit dem 

Gegenstand. Jeder Film gewichtet 

diese Kriterien anders und setzt sie 

anders um. Ein Thema verbindet die 

so unterschiedlichen Dokumentarfilme 

aber ganz eindeutig: In jedem 

der Filme geht es um die komplexen 

Ver(w)irrungen zwischen Musik, 

Gesellschaft und Politik. 

Arabesk ist die Popmusik der 

Türkei schlechthin. Arabesk, die 

Musik der anatolischen Landflüchtlinge 

in den Städten der Türkei, wird 

seit ihrer Entstehung von den Eliten 

des Landes ignoriert – ja sogar verachtet; 

vor allem wegen ihrer als 

kitschig empfundenen Musik und 

ihren weinerlichen, schwerverherrlichenden 

Texte. 

Im Film «Arabesk – Gossensound 

und Massenpop» von Cem Kaya und 

Gökhan Bulut werden diese durchaus 

politisierten Geschmacksfragen 

ganz genau diskutiert – unter anderem 

von Serhat Köksal a.k.a 2/5 BZ, 

der am Mittwoch, 12. Januar 2011 

ausserdem zur Arabesk Sound und 

Video-Performance in der Turnhalle 

im PROGR Bern einlädt. 

Im Film «Muezzin» wirken Gesellschaft 

und Politik im Hintergrund: 

Halit Aslan, Muezzin der historischen 

Istanbuler Fatih-Moschee, 

misst sich beim nationalen Gebetsrufwettbewerb 

mit der türkischen 

Muezzin-Konkurrenz. Der Jurist am 

Istanbuler Auswahl-Wettbewerb 

ist Absolvent des Konservatoriums 

und bewertet nach musikalischen 

Kriterien – Arabesk wäre ihm wohl 

ein Greuel. Spüren wir da den Minderwertigkeitskonflikt, 

der auch in 

arabischen Ländern auszumachen 

ist? Seit Beginn des zwanzigsten 

Jahrhunderts wird Musik auch da 

nach europäischen Lehrmethoden 

unterrichtet, und im Konzertsaal 

wird nach europäischem Vorbild 

musiziert: Mit Orchestern statt 

kleinen Ensembles, mit Harmonien 

statt mit Heterophonie, mit vorgefertigten 

Kompositionen statt improvisatorischen 

Abläufen. Muezzin 

Halit Aslan ist sichtlich nervös vor 

seinem Auftritt beim Gesangswettbewerb: 

«Es ist unmöglich, beim 

Wettbewerb dieselbe Emotionalität 

zu erreichen, wie auf dem Minarett», 

sagt er. 

Der Film «Full Metal Village» 

zeigt eine andere Interaktion zwischen 

Musik und Gesellschaft. 

«Lauter als die Hölle», mit diesem 

Slogan kündet das «Wacken Festival» 

2011 sein 25-jähriges Jubiläum 

an. «Wacken» gilt als grösstes 

Heavy Metal Festival der Welt, Wacken 

ist aber auch ein kleines Dorf 

in Schleswig-Holstein. Seinen Bewohnern 

widmet die koreanische 

Regisseurin Cho Sung-Hyung ihren 

Film. Zwei ältere Damen fürchten 

sich vor den Satan-Anbetern, die 

da anreisen sollen. Viele Wackener 

flüchten vor dem Festival. Ein paar 

wenige bleiben – erst recht. Bauer 

Trede etwa vermietet Parkplätze: 

«Man muss dem Geld entgegen 

gehen und ihm nicht hinterher rennen», 

verkündet er schlau. 

Im Film «Whose is this Song?» 

wird die Verknüpfung von Politik und 

Musik überdeutlich: Bulgarische 

Nationalisten wollen die Filmemacherin 

Adela Peeva am nächstbesten 

Baum aufknüpfen – wenn sie 

noch einmal behaupte, das eben 

gesungene Lied stamme vielleicht 

doch nicht aus Bulgarien. Peeva ist 

für ihren Dokumentarfilm durch die 

Türkei, Griechenland, Mazedonien, 

Albanien, Serbien und Bosnien gereist, 

und überall behaupteten die 

Menschen: «Dieses Lied stammt 

von uns!» Überall steht dieses Lied 

für eine kulturelle, politische oder 

religiöse Gesinnung – ob nun von 

den Musikern, Komponisten und 

Produzenten so gewollt oder nicht. 

Musik verbindet die Menschen vielleicht 

also doch nicht: Wegen der 

Musik drohen Streit, Mord, Krieg. 

In den Filmen «Taqwacore: The 

Birth of Punk Islam» und «Fokof- 

› 

sChWErpunkt 


sChWErpunkt 

6 


polisiekar» (Fuck-Off-Police-Car) 

attackieren US-amerikanische 

Mus lime und weisse Südafrikaner 

die weltweite Islamophobie 

beziehungsweise die Vorurteile 

gegenüber Afrikaanern (weissen 

Südafrikanern niederländischer 

Abstammung) auf ihre eigene Art 

und Weise. Sie wollen gute Musik 

machen und Spass haben. Direkter 

Protest dringt manchmal zwar auch 

durch. Doch meistens wirkt dieser 

Protest ironisch. Für die experimentellen 

Musiker aus Japan sind 

Kritik an Politik und Gesellschaft 

schliesslich in Klang und Krach verborgen. 

In Japan sei alles genormt, 

beklagen sie sich im Film «We Don’t 

Care About Music Anyway...»: 

Ihre Rolle sei es, neue Möglichkeiten 

auszuloten. In dieser Aussage 

kann beides stecken: Die reine 

Freude am musikalischen Experiment, 

oder der Drang, die japanische 

Gesellschaft zu verändern. 

Sieben Filme an vier Abenden 

entwirren zwar nicht unbedingt 

die Verworrenheit von Musik, Gesellschaft 

und Politik. Sie laden 

aber ein zu einer anspruchsvollen 

und zugleich vergnüglichen Verirrung 

in die Welt des globalisierten 

Musizierens. 

> tHoMas burkHalter < 

thomas Burkhalter 

ist mitorganisator 

des norient musikfilm 

festivals. Er arbeitet 

als musikethnologe 

und freier kulturjournalist.

MittwocH, 12. Januar, 20.30 uHr, 

turnHalle Progr 

arabesk: Von schmerz zu kommerz 

der filM «arabesk – gossensound und 

MassenPoP» eröffnet die türkiscHe arabesk-nacHt 

in der turnHalle iM Progr. 

serHat köksal (2/5 bz) stellt arabesk 

anscHliessend in seiner sound und video 

PerforMance vor. iM gesPrÄcH erklÄrt 

er, woruM es geHt, iM arabesk. 

stefanie alisch 

ist musikwissenschaftlerin 

und dJ 

aus Berlin. sie ist 

Wissenschafliche 

mitarbeiterin am 

Institut für musik der 

uni oldenburg und 

arbeitet als BIgsas 

fellow an einer 

promotion zu kuduro. 

2009 gründete sie 

das groove research 

Institute Berlin. 

Arabesk entstand in den 1960er- 

Jahren in den Gecekondus. Diese 

informellen Viertel wucherten um 

türkische Grossstädte wie Istanbul, 

Ankara, Izmir oder Adana, um 

die aus Anatolien einströmende 

Landbevölkerung aufzufangen. 

Mit ihrem Stilmix aus arabischen 

Rhythmen, klassischer türkischer 

Musik und westlichem Pop begehrten 

die klagenden Arabesk- 

Lieder nicht nur formal gegen die 

osmanische Musiktradition auf. Mit 

Texten voller Heimweh und Fatalismus 

gaben sie der neuen urbanen 

Unterschicht auch Stimme, 

Projektionsfläche und Identitätsangebot 

und können insofern als 

widerständig verstanden werden. 

Doch dieses Potential hat Arabesk 

heute fast verloren. Schmerz ist zu 

Kommerz geworden. 

Der in Istanbul lebende Multimedia-Künstler 

Serhat Köksal 

arbeitet als 2/5 BZ mit Arabesk- 

Sounds und -Filmen. Im Gespräch 

mit Norient erklärt er seine Sicht 

auf die Entwicklung des Arabesk- 

Phänomens: «Heute haben sich die 

wirtschaftliche Ungerechtigkeit, 

der Schmerz und das Leiden im 

Leben der Menschen sogar noch 

verschärft. Arabesk ist aber immer 

weniger Ausdruck dieser schwierigen 

Lebensbedingungen oder 

Stimme der städtischen Armen. 

Vielmehr hat Arabesk sich ein elitäres 

Publikum geschaffen, für das 

es mehr und mehr produziert. Das 

heutige Arabesk ist eher ein Upgraded 

Class Arabesk.» 

Oft heisst es heute, Arabesk sei 

einst von der türkischen Machtelite 

zensiert oder verschmäht worden, 

und sei jetzt durch demokratische 

Entwicklungen gerettet worden. 

Diese Darstellung findet Köksal 

heikel: «Die meisten Arabesk- 

Stars haben sich mit der neuen 

ökonomischen Situation nach 1980 

gut arrangiert. Sie sind heute nicht 

mehr weit entfernt von den Interessen 

und Vorlieben der Machtelite. 

So lassen sie sich gut in den globalen 

Markt integrieren. Wenn man 

diese Denke weiterspinnt, lässt 

sich ihre Entwicklung auch als Erfolgsstory 

vermarkten: Sie verbreitet 

einen gewissen ‹Optimismus› in 

der städtischen Unterschicht und 

für kleine Unternehmen.» 

Den heute noch aktiven Arabesk-Sänger 

Hakki Bulut hebt 

Serhat Köksal als eine grosse 

Ausnahme hervor: «Im Rohschnitt 

des Dokumentarfilms ‹Arabesk 

- Massenpop und Gossensound› 

habe ich ihn reden hören. Er bezog 

sich auf einen der wichtigsten 

Arbeiterproteste gegen den Neo- 

Liberalismus in den letzten Jahren, 

die Widerstandsaktionen der Arbeiter 

der Tekel-Werke: ‹Arabesk 

ist Tekel-Widerstand›, sagte er. 

Dieses Statement veranschaulicht 

eine Art, wie ich mich auf Arabesk 

beziehe.» 

2/5 BZ ist fasziniert vom türkischen 

Pop-Kino, das parallel zum 

frühen Arabesk in den 1960 und 

1970er-Jahren ohne Copyright- 

Beschränkungen und mit Hilfe von 

Steuervergünstigungen so richtig 

aufblühte. In wenigen Jahren 

wurden Hunderte von Remakes 

und Adaptionen westlicher Filme 

und aller möglichen Sujets auf einen 

hungrigen Markt geworfen. 

2/5 BZ: «Ich war sehr beeindruckt 

von den Effekt-Designern und 

Sound-Technikern. Mit ihren Cut- 

Up-Techniken schufen sie Soundtracks, 

die traditionelle türkische 

Musik und westliche Avantgarde- 

Musik vermischten. 1993 habe ich 

für mein fotokopiertes Zine ‹Gözel 

Mecmuasi› (Gözel Zine) einige der 

Leute interviewt, die zuständig waren 

für Synchronisation, Effekte 

und Visuals. Ihre Namen waren 

Anfang der 1990er Jahre noch völlig 

unbekannt.» 

Heute erarbeitet 2/5 BZ mit 

diesen Sounds und Bildern eigene 

Live-Performances: «Mit der Zeit 

bin ich immer besser darin geworden, 

das Film-Material zu reproduzieren. 

Irgendwann habe ich angefangen, 

Video und Sound spontan 

live auf der Bühne zu editieren. Ich 

arbeite dabei ähnlich wie die Filmemacher 

an ihren Schnittplätzen 

im Studio. Nur schneide ich alles 

live auf der Bühne. Diese Vorstellung 

gefällt mir. 2000 wurde ‹NO 

Touristik NO Egzotik› eines meiner 

Konzepte. Daraus hat sich ‹No Cultural 

Pipeline No Energy Dialogue› 

entwickelt, denn mir fiel auf, dass 

Worte wie ‹Dialog› oder ‹Brücke› 

klischeehaft verwendet werden, 

um Städte oder Produkte in globale 

Märkte einzupassen. Heute arbeite 

ich zu Neoliberalismus in einem 

Palaverel- und Parallel-Universum 

sowie Toolerance Imperialism.» 

> stefanie aliscH < 

sChWErpunkt 


sChWErpunkt 

8 


donnerstag, 13. Januar, 20.00 uHr, 

kino in der reitscHule 

muezzine beim gesangswettbewerb 

glÄubige MusliMe folgen fünf Mal tÄglicH 

deM gebetsaufruf des Muezzins. ein 

neuzeitlicHes PHÄnoMen sind die gebetsrufwettbewerbe, 

bei denen sicH die Muezzine 

Jedes JaHr in der kunst Messen, 

den scHönsten gebetsruf zu rezitieren. 

anna trechsel ist 

Journalistin und Islamwissenschafterin. 

sie reist regelmässig 

in den nahen osten. 

Ein Löffel Honig zum Schmieren 

der Kehle, ein kurzes Räuspern, 

ein Gebet. Mikrofon einschalten, 

tief einatmen. Die Stimme setzt 

an: «Allahu akbar!» ruft Halit Aslan 

vom Minarett der Fatih-Moschee 

in die Istanbuler Nacht. Die Giga- 

Metropole am Bosporus erwacht 

zum Leben, begleitet vom Gesang 

von Halit Aslan – und fast 3000 weiteren 

Muezzinen. «Gott ist gross. 

Ich bezeuge, dass es keinen Gott 

gibt ausser Allah, und ich bezeuge, 

dass Muhammad sein Gesandter 

ist. Auf zum Gebet! Das Gebet ist 

besser als der Schlaf!» 

Ist in einem Spielfilm, einem 

Dokumentarfilm oder einer Radioreportage 

die islamische Welt 

oder der Nahe Osten Schauplatz, 

wird unweigerlich der islamische 

Gebetsruf, der «Azan», zur Tonspur. 

Ertönt das «Allahu akbar», 

wissen wir sofort, wo wir uns befinden. 

Was jedoch hinter dem Azan 

steckt – beziehungsweise wer, das 

erfahren wir in der Regel nicht. 

Der österreichische Filmemacher 

Sebastian Brameshuber will diese 

Regel brechen und widmet mit 

«Muezzin» den Gebetsrufern gleich 

einen ganzen Dokumentarfilm. 

Halit Aslan, den wir zu Beginn 

des Films kennenlernen, will sich 

für das Finale des nationalen türkischen 

Gebetsrufswettbewerbs 

qualifizieren – die Türkei sucht 

nicht nur den «Postar Alaturka», 

sondern auch den Super-Muezzin. 

Nicht Glamour und Prominenz 

winken dem besten Muezzin des 

Landes, sondern vor allem Ehre. 

Und, nun ja, das Materielle findet 

auch im Spirituellen seinen 

Platz. «Was passiert, wenn Du gewinnst?», 

fragt Halit Aslans Sohn. 

Aslan antwortet, indem er Daumen 

und Zeigefinger aneinander reibt. 

«Dollars?» «Viele Dollars!» 

Mustafa Yaman hat den Wettbewerb 

im Vorjahr gewonnen und gibt 

sich durchwegs selbstbewusst: 

Anwohner hätten sich beschwert, 

sein Gesang dauere zu lang und 

lenke sie von der Arbeit ab. Als er 

bei den Behörden antrabte und dort 

vorsang, habe ihn der Chefbeamte 

umarmt und gedonnert, wer diesen 

Azan nicht zu schätzen wisse, solle 

gefälligst das Land verlassen. 

Habil Öndes, der das Konservatorium 

besucht hat und heute 

Muezzine ausbildet, beklagt, der 

Nachwuchs wisse viel zu wenig 

über Musik. Seiner Tochter hat er 

aber verboten, Musiklehrerin zu 

werden. 

Isa Aydin trainiert die Jungs in 

seiner Istanbuler Vorortgemeinde 

in Koran und Fussball und will mit 

seinem Gesang die Leute zur Religion 

einladen. 

Die vier Istanbuler Muezzine 

verbindet nicht nur die Religion, 

sondern vor allem auch die Liebe 

zum Gesang, zur Musik. Dass Musik 

im Islam keinen Platz finde oder 

ausschliesslich religiös geprägt 

sein müsse: Sebastian Brameshuber 

und den Protagonisten seines 

Films gelingt es, dieses (Vor)urteil 

Lügen zu strafen. 

> anna trecHsel

donnerstag, 13. Januar, ca. 21.45 uHr, 


taqwacore: die geburt 

des islamischen Punk 

tHe koMinas sind Meister der Punk-satire. 

der dokuMentarfilM «taqwacore: tHe 

birtH of Punk islaM» verfolgt die band 

auf iHrer tournee durcH die usa und 

nacH Pakistan. Mit dabei ist der aMerikaniscHe 

konvertit und kult-scHriftsteller 

MicHael MuHaMMad knigHt. 

Wendy hsu schreibt 

ihre dissertation 

zu unabhängiger 

rockmusik von 

asiaten in den usa 

an der university of 

virginia. 

Meine persönliche Geschichte mit 

dem Phänomen «Taqwacore» begann 

im Mai 2009. Ich traf die Gruppe 

The Kominas in Boston an einem 

schmierigen Diner. Wir tranken 

Bier, assen Käse-Fritten und redeten 

darüber, wie die US-amerikanischen 

Medien alles für sich 

vereinnahmt hatten, was sie auch 

nur annähernd mit der Taqwacore- 

Bewegung assoziierten. 

The Kominas spielen eine wichtige 

Rolle in einem losen Musikernetzwerk, 

das sich selber den 

Namen «Taqwacore» gegeben hat. 

«Taqwa», ein arabischer Begriff 

aus dem Koran, kann mit «Frömmigkeit» 

übersetzt werden. Implizit 

gemeint ist die Liebe und Ehrfurcht 

vor dem Göttlichen. «Core» bezieht 

sich auf die Wurzeln dieser Szene 

im Punk. «Core» betont zudem die 

Do-it-Yourself-Ideologie, die für diese 

Hardcore-Musik so zentral ist. 

Michael Muhammad Knight, ein 

weisser US-amerikanischer Konvertit, 

hat den Begriff «Taqwacore» 

in einem seiner Romane erschaffen. 

«The Taqwacores» handelt von 

einer fiktiven Gruppe muslimischer 

Punk-Rocker, die zusammen in einer 

WG in Buffalo, New York wohnen. 

Via E-Mail kontaktierte Knight 

unterschiedliche Punkrocker mit 

muslimischem Background in Nord- 

amerika. So entstand rund um sein 

Buch allmählich ein Netzwerk von 

Freundinnen, Künstlern, Bloggerinnen, 

Filmemachern und anderen 

Enthusiastinnen. 

Die Presse legt zuviel Gewicht 

auf die Tatsache, dass alle Bandmitglieder 

von The Kominas Muslime 

sind: So jedenfalls empfinden 

wir das, im Diner in Boston. Dieser 

Islam-Fokus überdeckt alles andere, 

alles nicht-islamische an der 

Band: die Musik und die Bildspra- 

che zum Beispiel. Manchmal werden 

die Songtexte der Kominas aus 

dem Zusammenhang gerissen. Es 

werden die radikal klingenden Sätze 

genommen, die ironischen und 

parodistischen Brechungen hingegen 

werden ignoriert. Die witzigen 

Anti-Status-Quo-Provokationen der 

Band werden so falsch gedeutet. 

Und plötzlich wird die Band in die 

Nähe von islamistischen Terroristen 

gesetzt – den Staatsfeinden Nummer 

1 in den USA. Immerhin haben 

die liberalen Medien die Band jetzt 

aber als gute amerikanisch-muslimische 

Alternative zu den «bombigen 

Terroristen» entdeckt. 

The Kominas sind Meister der 

Punk-Satire. Sie fordern das Establishment 

heraus und nehmen 

sich wichtiger Themen an: Etwa 

ihre eigenen Erfahrungen in den 

Post-9/11-USA, oder dem älteren 

zivilisationsgeschichtlichen und orientalistischen 

Diskurs, der die Welt 

in «muslimisch» versus «westlich» 

teilt. Musikalisch experimentieren 

The Kominas mit einem Mix aus 

frühem britischen Punk, Bollywood- 

Klassikern aus den 1960ern, und 

Popsongs aus dem Punjab. 

Omar Majeeds Dokumentarfilm 

«Taqwacore: The Birth of Punk Islam» 

ist im Sommer 2007 gefilmt. 

Konvertit Muhammad Knight tourt 

zusammen mit The Kominas und 

vier weiteren Bands aus den USA 

und Kanada durch Nordamerika. 

Der Film folgt Knights ursprünglicher 

Fiktion eines Punk-inspirierten 

radikalen Islam und lenkt 

den Blick dann auf die Wirklichkeit: 

die persönlichen Lebensgeschichten 

einiger Protagonisten der 

erwachenden Taqwacore-Szene. 

Filmer Majeed begleitet Shahjehan 

Khan und Basim Usmani von den 

The Kominas dann auf ihrer Reise 

in die pakistanische Stadt Lahore. 

Dort wollen die beiden eine Punk- 

Szene gründen. Majeeds Film fokussiert 

mehr auf die intellektuellen 

Fragen, die zu einem Bruch 

zwischen Punk und Islam führen. 

Themen wie musikalische Innovation, 

ethnische Dynamiken und die 

Art und Weise, wie die Medien das 

Phänomen Taqwacore abbilden, 

bleiben im Hintergrund. 

Was unter dem Begriff «Taqwacore» 

letztlich verstanden wird, ist 

eine Art der Interpretation des Islam. 

Es geht auch um Fragen der 

Menschlichkeit rund um den Islam. 

Und es geht um Neu-Interpretationen 

des Lebens in einer Zeit, in der 

wir medial bombardiert werden mit 

Ideologien, Bildern, Sounds, Subkulturen 

und Spiritualität. Das Phänomen 

Taqwacore widersteht jedoch 

diskursiven Vereinfachungen und 

Verflachungen. Taqwacore ist keine 

Religion. Es ist nicht einmal eine Alternative 

zum «Islam». Taqwacore 

ist ein kultureller Raum für alternative 

Interpretationen, Praktiken, 

Identitäten und Beziehungen zu, 

über und mit dem Islam. 

> wendy Hsu < 

sChWErpunkt 


sChWErpunkt 

10 


freitag, 14. Januar, 20.00 uHr, 


«wem gehört dieser song?» 

ein filM über Musik, über den balkan, 

über Politik und identitÄt. ein filM, 

der fasziniert und verstört, anregt und 

begeistert. 

dieter ringli ist 

musikethnologe und 

kenner der schweizer 

volksmusik. Er arbeitet 

an der universität 

zürich und der musikhochschul 

luzern. 

Die bulgarische Musikethnologin 

und Filmemacherin Adela Peeva 

begibt sich 2003 auf die Suche 

nach den Spuren eines Liedes, das 

sie aus ihrer Kindheit kennt. Ihre 

Reise führt sie in die Türkei, nach 

Griechenland, Albanien, Bosnien, 

Mazedonien, Serbien und zurück 

nach Bulgarien. Überall trifft sie 

auf diese Melodie, die in mannigfacher 

Gestalt erscheint: Als nostalgischer 

Schlager, als Liebeslied, 

als Militärmarsch, als islamisches 

Kampflied oder als nationalistisches 

Volkslied. Der Steinmetz 

aus Lesbos singt es, die Opernsängerin 

aus Tirana, der bosnische 

Chorleiter, der Schlagersänger aus 

Mazedonien oder der serbische 

Priester. Alle haben sie ihre eigene 

Fassung und alle sind überzeugt 

davon, dass das Lied aus ihrer 

Gegend stamme und ein typischer 

Teil ihrer ureigenen Kultur sei. 

«Wer hat’s erfunden?» Die Frage, 

die bei uns im Zusammenhang 

mit Werbung für ein Schweizer 

Kräuterbonbon bekannt geworden 

ist, ist auf dem Balkan nicht bloss 

ein witziger Werbegag, sondern 

eine zentrale Frage der nationalen 

und persönlichen Identität. Und 

genau diese Fragen werden in den 

zahlreichen Alltagsgesprächen im 

Film immer wieder diskutiert. Die 

eigene Identität scheint zentral mit 

der Frage von der Herkunft und 

den Ursprüngen von kultureller 

Erscheinungen verknüpft. Wir wollen 

es hören: Unsere eigene Kultur 

hat das höchste Alter. Adela Peeva 

macht in ihrem unterhaltsamen 

und beeindruckenden Film deutlich, 

wie erbittert diese Diskussionen 

geführt werden und wie grotesk 

sie gleichzeitig sind. Der Mythos 

einer echten, unverfälschten, reinen 

Kultur wird auf witzige und 

kurzweilige Weise ad absurdum 

geführt, denn die Frage, woher 

dieses Lied ursprünglich stammt, 

lässt sich schon lange nicht mehr 

beantworten. Zu vielfältig sind die 

gegenseitigen Beeinflussungen der 

verschiedenen Kulturen. Zwar wird 

der Besitzanspruch zunehmend 

heftig verteidigt, aber mit jedem 

neuen Beispiel wird es klar: Die 

verschiedenen Kulturen weisen viel 

mehr Gemeinsamkeiten auf, als es 

ihre Vertreter wahrhaben wollen. 

Es zeigt sich aber auch, dass eine 

historisch korrekte Antwort gar 

keine Rolle spielt, da die ideologischen 

Positionen stärker sind als 

alle Fakten. 

Der erfrischende, tragikomische 

Film präsentiert faszinierende Musik 

und stellt skurrile Gestalten 

und beeindruckende Landschaften 

vor. Er beweist aber auch ernüchternd, 

dass die völkerverbindende 

Kraft der Musik auch nur ein Mythos 

ist, der nicht in jedem Fall zutrifft. 

Damit weist er weit über die 

Balkan-Problematik hinaus und 

stellt grundsätzliche Fragen nach 

kultureller Identität, nach Entstehung 

und Vermischung von Kulturen 

und nach der Bedeutung von 

Musik in sozialen und politischen 

Kontexten. Der Film hat darum 

auch sieben Jahre nach seiner Entstehung 

nichts von seiner Aktualität 

und Brisanz eingebüsst. 

> dieter ringli

fokofPolisiekar – 

fuck-off-Police-car 

der filM trÄgt den woHl treffendsten 

titel für ein festival in der berner 

reitscHule. auf den ersten blick Hat 

der südafrikaniscHe regisseur bryan 

little einen rockuMentarfilM über die 

band fokofPolisiekar («verPiss dicH, 

Polizeiauto») gescHaffen. beiM nÄHeren 

betracHten zeicHnet der filM ein 

seHr tief geHendes PortrÄt der weissen 

Post-aPartHeid-gesellscHaft iM neuen 

südafrika. 

Am Anfang des Films sagt eines der 

Bandmitglieder: «Wir waren 1994 

zwölf Jahre alt, als die Apartheid 

abgeschafft und die Regenbogennation 

gegründet wurde. Als Zwölfjähriger 

verstehst du die politische 

Atmosphäre nicht wirklich. Wir 

waren irgendwo zwischen drin. Wir 

waren zu jung, um zu verstehen, 

was Apartheid wirklich bedeutet 

hatte, aber zu alt, um nichts davon 

zu wissen.» Die eigene kulturelle 

Identität als Weisser in Südafrika 

ist ein wiederkehrendes Thema im 

Film. 

Einerseits ist da die Last der 

Geschichte, die auf den Schultern 

der jungen Generation liegt. So ist 

die Sprache Afrikaans stigmatisiert 

als Sprache der Buren, der ehemals 

weissen Unterdrücker. «Vielleicht 

täusche ich mich», sagt der Künstler 

Peet Pienaar – der übrigens das 

Plakat des diesjährigen Norient 

Musikfilm Festivals entworfen hat 

– im Film, «aber es ist im Moment 

total politisch unkorrekt, Afrikaans 

zu zelebrieren. Es ist sehr, sehr 

politisch korrekt, Afrikaans zu kritisieren.» 

Dass die Band Fokofpolisiekar 

in Afrikaans singt, löst aber 

gerade bei ihren jungen Fans eine 

wahnsinnige Euphorie aus. Einer 

behauptet sogar, dank Fokofpolisiekar 

würden viele Weisse in Südafrika 

bleiben, statt nach England 

abzuhauen. In einem entfernten 

Sinn ist das Phänomen vergleichbar 

mit Mundartrock. Wenn eine 

Schweizer Band statt Englisch in 

Berndeutsch singt, heisst das noch 

lange nicht, dass sie nationalistisch 

und rückständig ist. Der Filmregisseur 

Bryan Little erklärt, vor ein 

paar Jahren sei sogar darüber ge- 

freitag, 14. Januar, ca. 21.45 uHr, 


sprochen worden, dass die relativ 

«junge» Sprache Afrikaans schon 

wieder vor dem Aussterben bedroht 

sei, doch inzwischen sehe es völlig 

anders aus: «Dank Fokofpolisiekar 

gibt es heute Hunderte von jungen 

Bands, die in Afrikaans einerseits 

wunderbare, andererseits aber 

auch schreckliche Musik heraus 

posaunen... Afrikaans gesungene 

Musik ist heute eine Realität in Südafrika, 

und ich würde soweit gehen, 

zu sagen, dass sie sogar andere 

Sparten wie Design, Literatur etc. 

beeinflusst. Ich behaupte sogar, 

der explosionsartige internationale 

Erfolg von Die Antwoord [eine südafrikanische 

Fun-Trash-Elektro- 

Rap-Gruppe, die im Moment auf der 

ganzen Welt durch Clubs tourt] kam 

dank Fokofpolisiekar zustande. Ich 

weiss, Waddy/The Ninja [Rapper 

von Die Antwoord] wird mich umbringen, 

wenn ich das jetzt sage, 

aber ich frage mich, ob er in diesem 

‚White Trash‘ Afrikaans rappen 

würde, hätte ihm Fokofpolisiekar 

nicht den Weg dazu geebnet.» Und 

in Afrikaans singen eben nicht nur 

Weisse. Inzwischen ist nämlich nur 

noch eine Minderheit von Afrikaans 

sprechenden Südafrikanern weiss. 

Gerade in der Rap-Szene gibt es 

unzählige farbige Rapper, wie zum 

Beispiel im Umfeld des Pioneer Unit 

Labels (Terror MC, Jaak, Driemanskap), 

die entdeckt haben, wie «lekker» 

es sich in Afrikaans rappt. 

Andererseits ist da der persönliche 

Hintergrund, mit dem sich die 

Band anlegt. 

«Alle diese Anweisungen, die ihr 

uns gabt – arbeite, heirate und kriege 

Kinder – und leide dann möglicherweise 

an Depressionen – jemand 

muss fragen, Warum?», singt Fokofpolisiekar. 

Schon der Bandname 

birgt viel Konfliktpotential und wird 

dauernd in den Medien zensiert. In 

gewissen Fernsehanstalten werden 

sie deshalb einfach «Polisiekar», 

Polizeiauto, genannt. Die grössten 

Probleme kriegen sie jedoch bei der 

weissen Bevölkerung, wenn sie sich 

mit der Religion anlegen. Die grosse 

Mehrheit der weissen Bevölkerung 

gehört zur niederländischreformierten 

Kirche, die traditionell 

sehr calvinistisch-konservativ ist. 

Ziemlich betrunken schreibt einer 

der Musiker einem Fan die Worte 

«Fok God» («Ficke Gott») auf das 

Portemonnaie. Danach bricht ein 

heftiger Sturm der Entrüstung über 

die Band herein, der zuweilen mit 

harten Worten in der südafrikanischen 

Boulevard-Presse ausgetragen 

wird. Die Bandmitglieder, 

überrascht von der Reaktion, stürzen 

in eine tiefe Krise. Sie erhalten 

sogar Morddrohungen. Der Film 

zeigt auf, dass die Band dann doch 

sehr eng in ihrer eigenen Kultur 

verwurzelt ist, obwohl sie sich mit 

ihren Texten polemisch und provokativ 

mit ihr anlegt. 

Der Film «Fokofpolisiekar» ist 

aber auch einfach ein Rockumentarfilm. 

«Das ist das ultimative 

Party-Paket: Ganja, Joint, pornografisches 

Material, Geld… ein Kondom, 

falls jemand Glück hat… und 

Freikarten, Fokofpolisiekar-Freikarten 

für eine bessere Zukunft», 

erzählt einer der Musiker und zeigt 

einen kleinen Aktenkoffer, der die 

Band auf ihrer Tour begleitet. Mit 

Freikarten werden möglichst viele 

Leute an die Konzerte gelockt. 

› 

sChWErpunkt 


link zu rap in afrikaans:http://norient.com/de/tracks/jaak-afrikaans-hiphop 

link zum White 

trash Wahnsinn «die 

antwoord»: http:// 

norient.com/de/ 

blog/dieantwoord 

michael spahr ist 

mitorganisator des 

norient musikfilm 

festivals und redaktor 

von norient.com. 

daneben ist er Inforedaktor 

von radio 

raBe und freischaffender 

künstler und 

filmemacher. 

sChWErpunkt 

12 


Der Filmregisseur Bryan Little 

führt aus: «Sie begannen Monate 

bevor sie überhaupt spielten, diese 

kleinen Flyer mit einem frischen 

Design und diesem verrückten Namen 

‚Fokofpolisiekar‘ zu verteilen. 

Das schuf eine gewisse Aufregung 

in einer Zeit, in welcher niemand 

coole Musik mit Texten in Afrikaans 

machte. Sie versprachen etwas, 

bevor sie überhaupt einen Ton 

spielten.» Es funktionierte: Bald 

wurde die unbekannte Punkband 

zu einer der wichtigsten südafrikanischen 

Rockbands überhaupt. 

Auch die musikalische Entwicklung 

ist im Film nachvollziehbar. Am Anfang 

noch einfacher Drei-Gitarren- 

Griffe-Punk wird die Musik stets 

komplexer, aber auch spannender 

und virtuoser. Bryan Little, der Regisseur, 

schafft eine sehr starke 

Nähe zur Band. Das Porträt ist 

sehr ehrlich und direkt. Ein Freund 

von ihm hatte viele Videoclips der 

Band produziert. Little hatte zuweilen 

als Statist mitgespielt oder auf 

dem Set mitgeholfen. «Der Zugang 

war ziemlich einfach», erzählt er, 

«wir kannten die Jungs. Obwohl 

sie überrascht waren, fanden sie 

die Idee für einen Dokumentarfilm 

gut. Ich musste sie allerdings zäh- 

men. Wie wilde Tiere musste ich 

sie an die Kamera gewöhnen. In 

den ersten Tagen hielten wir mit 

der Linse eine gewisse Distanz und 

hielten sie ihnen nicht gleich vors 

Gesicht. Langsam kamen wir ihnen 

näher, bis zum Punkt, an dem sie 

vergassen, was wir am Tun waren. 

Insgesamt filmten wir während drei 

Jahren. Zum Glück stand die Produzentin 

Filipa Domingues voll hinter 

mir und wir konnten einfach weitermachen. 

Je länger wir daran arbeiteten, 

desto vielschichtiger wurde 

die Geschichte. Leute im ganzen 

Land unterstützten die Dokumentation, 

und ich wollte der Geschichte 

wirklich gerecht werden. Also reisten 

wir und filmten und machten 

verrückte Entscheidungen... ohne 

Geld. Fokofpolisiekar als Band ist 

heute ziemlich am Ende. Aber die 

Geschichte lebt weiter. Ich denke, 

an die Idee müssen sie sich noch 

gewöhnen, dass ein Film, der von 

Aussenstehenden gemacht wurde, 

ein grosser Teil des Vermächtnisses 

der Band ausmacht.» 

Der längste Film am Norient Musikfilm 

Festival hat etwas Hypnotisierendes. 

Am Schluss bleibt das 

Gefühl, dabei gewesen zu sein, ohne 

je wirklich ein Konzert von Fokofpolisiekar 

gesehen zu haben. 

> MicHael sPaHr

full metal Village 

ein bauerndorf in deutscHland wird 

überscHweMMt von «wocHenend-Metallern»! 

ein HeiMatfilM von cHo sung-Hyung 

(korea/deutscHland) 

sarah Chaker, musikwissenschaftlerin 

mit einem faible u.a. 

für harte rockmusik, 

arbeitet derzeit als 

universitätsassistentin 

am Institut für 

musiksoziologie der 

universität für musik 

und darstellende 

kunst Wien. 

Wacken – für Freunde harter Gitarrenmusik 

ist dieser Ort untrennbar 

mit dem Wacken Open Air verbunden, 

dem grössten Heavy Metal 

Festival der Welt. Seit 1990 findet 

es jährlich am ersten Wochenende 

im August statt, mehr als 80 000 

Menschen besuchten die Veranstaltung 

im Jahr 2010. 

Wacken – das ist aber auch und 

vor allem ein 1800-Seelen-Dorf in 

Schleswig-Holstein, hoch oben im 

Norden Deutschlands, dort, wo das 

Land flach und der Himmel weit ist, 

wo das Gras saftig grün hervorspriesst, 

die Häuser rot geklinkert 

sind und die Rinder schwarz-weisse 

Flecken tragen, wo der Wind stürmisch 

durch Wald und Wiesen fegt 

und durch Dorfstrassen, die auch 

am Tag leer und unbelebt erscheinen. 

Von den Bewohnerinnen und 

Bewohnern des kleinen Örtchens 

Wacken handelt dieser Film. 

Full Metal Village ist also kein 

Musikfilm, keine Heavy Metal- 

Dokumentation und auch keine 

Making-Off-Produktion des 

Wacken-Festivals, sondern ein 

«Heimatfilm» – so jedenfalls der 

mit einem kleinen Augenzwickern 

versehene Untertitel, der dennoch 

durchaus programmatischen Charakter 

hat. Mit instinktiv-sicherem 

Blick für interessante Charaktere 

und Geschichten gewährt Regisseurin 

Cho Sung-Hyung einen intimen 

Einblick in die bäuerliche 

Kultur Norddeutschlands nach 

der Jahrtausendwende und damit 

in eine Welt, die weiten Bevölkerungsschichten 

in Deutschland 

inzwischen kaum weniger fremd 

erscheinen dürfte als so manche 

juvenile Subkultur. 

Während das Festival lediglich 

den Anlass für das Dorfporträt 

darstellt, gilt Sung-Hyungs eigentliches 

Interesse den Einwohnern 

von Wacken – eine kluge Entschei- 

saMstag, 15. Januar, 20.00 uHr, 


dung, würde sich doch das Wacken 

Open Air als eine inzwischen 

hochgradig kommerzialisierte Veranstaltung 

für eine authentische 

filmische Studie über die Heavy 

Metal Szene ohnehin nicht eignen. 

Zu gross sind inzwischen die Anteile 

an sogenannten «Wochenend- 

Metallern», die weniger der Musik 

wegen zum Wacken fahren als deshalb, 

um sich dort einmal so richtig 

gehen lassen zu können. Mittlerweile 

als «Ballermann des Nordens» 

(SpiegelOnline) verschrien, 

haben sich weite Teile der Heavy 

Metal Szene längst von diesem Festival 

abgewandt. 

Was sind das nun für Menschen, 

die in Wacken leben? Wie sieht ihr 

Alltag aus? Und wie gehen sie mit 

der alljährlichen «Invasion» ihres 

Zuhauses durch Tausende von Festivalbesucher 

um? Da ist zum Beispiel 

der geschäftstüchtige Bauer 

Trede, der den Veranstaltern des 

Open Airs seine Wiesen verpachtet: 

Schon morgens checkt er den 

aktuellen Stand der Aktien und rät 

Männern ab 65 zu mindestens einer 

Freundin neben der Ehepartnerin, 

um letztere zu «entlasten». 

Die 16-jährige Kathrin träumt von 

einer Model-Karriere in der Stadt 

und freut sich über das Festival 

in unmittelbarer Nachbarschaft, 

bedeutet es für junge Menschen 

wie sie doch eine echte Abwechslung 

vom ansonsten eher ereignisarmen 

Alltag. Bauer Plähn, den 

das Event eher weniger zu interessieren 

scheint, erklärt auf rührend 

geduldige Art die Unterschiede 

zwischen Kühen, Kälbern, Bullen 

und Ochsen. Und Oma Irmchen, 

die nach wie vor nicht recht weiss, 

was von den jährlich in Wacken 

einfallenden schwarzen Horden zu 

halten ist und deshalb vorsorglich 

in dieser Zeit verreist, präsentiert 

ebenso stolz wie ehrfürchtig ihre 

selbstgezogenen Kartoffeln. 

Dem «entschleunigten» Leben 

in Wacken und der norddeutschen 

Mentalität entsprechend verzichtet 

Sung-Hyung in ihrem Film auf 

schnelle Schnitte und lässt die 

häufig von einer unfreiwilligen Situationskomik 

geprägten Sequenzen 

in voller Länge auf den Zuschauer 

wirken. Genau beobachtend, neugierig 

fragend, aber nie wertend 

gelingt es der Filmemacherin, das 

Vertrauen der interviewten Menschen 

zu gewinnen, die sich in 

diesem Film so frei und natürlich 

äussern, als würde keine Kamera 

zwischen ihnen und Sung-Hyung 

stehen. Ein tiefsinniger, liebenswerter 

Film, und auch wenn der 

«Clash der Kulturen», den die Regisseurin 

nach eigener Aussage eigentlich 

ursprünglich hatte zeigen 

wollen, ausbleibt: eine hochinteressante 

Studie über kulturell geprägte 

Mentalitäten und Identitäten 

im heutigen Deutschland – wirklich 

sehenswert. 

> saraH cHaker < 

sChWErpunkt 


saMstag, 15. Januar, 22.00 uHr, 


«we don’t care 

about music anyway» 

JaPaniscHe Multi-instruMentalist_innen, 

laPtoP-Musiker und free-Jazzer sucHen 

nacH verbindungen zwiscHen iHren exPeriMentellen 

sounds und der JaPaniscHen 

konsuMgesellscHaft. ein filM von cédric 

duPire, gasPard kuentz und noa garciakisanuki. 

paed Conca, 

musiker, komponist, 

Improvisator und 

denkender mensch. 

War seit dem Jahr 

2000 regelmässig mit 

dem Blast4tEt, mit 

tsukI, mit praEd, 

mit porta Chiusa und 

solo in Japan auf 

tournee. 

sChWErpunkt 

14 


Cédric Dupire, Noa Garcia-Kisanuki 

und Gaspard Kuentz realisieren 

«We don‘t care about music 

anyway...» als eine Mischung aus 

Dokumentarfilm und Selbstinszenierung 

der im Film portraitieren 

experimentellen Musikerinnen 

und Musiker aus Japan: Sakamoto 

Hiromichi (Cello), Otomo Yoshihide 

(Gitarre, Turntables), Takehisa Ken 

(Gitarre), Yamakawa Fuyuki (Multi- 

Instrumentalist), Numb (Laptop), 

Saidrum (Laptop), L?K?O? (Turntables), 

Goth-Trad (Selbstgebaute 

Instrumente). «We don‘t care 

about music anyway...» ist in seiner 

Machart angelehnt an den Kultfilm 

«Step Across the Border» über 

den Musiker Fred Frith, gedreht 

von Nicolas Humbert und Werner 

Penzel. Die drei Regisseure zeigen 

japanische Musikerinnen und Musiker, 

die gängige Definitionen in 

Frage stellen: Was ist Musik? Was 

darf sie sein? Oder: Wie muss Musik 

klingen, um als Musik wahrgenommen 

zu werden? Der Filmtitel 

«We don‘t care about music anyway...» 

ist denn auch an diese Diskussionen 

angelehnt: Klang steht 

im Zentrum. Klang – oder Sound – 

soll in seiner endlosen und reichen 

Vielfalt erlebbar werden. Musik 

besteht aus Klängen. Klang darf 

alles. Klang ist alles. 

Dieser starke Fokus auf den 

Klang ist wunderbar – und leider 

oft unüblich. Der Film profitiert 

auch von den portraitierten Musikern, 

die allesamt wichtige Exponenten 

der Musikszene in Japan 

sind. Sie decken einen kleinen, 

aber äusserst wichtigen Bereich 

des Musikschaffens dieses Landes 

ab. Sie sind international bekannt 

und touren weltweit in ihren jeweils 

spezialisierten Nischenszenen. 

Das sind beste Voraussetzungen 

für einen tollen Dokumentarfilm. 

Zwei Fragen bleiben für mich allerdings 

offen: Vielleicht überlassen 

die Filmemacher den Musikern 

zu sehr das Feld, wenn sie sie in 

wiederkehrenden Sequenzen an 

einem runden Tisch zusammen 

diskutieren und philosophieren. 

Das ist zwar ein interessanter 

Kunstgriff, vielleicht aber wäre die 

eine oder andere – durchaus auch 

kritische – Rückfrage gut gewesen. 

Die Musiker diskutieren darüber, 

wie Japan ist und funktioniert. Hier 

stellt sich für mich die eigentliche 

Frage: Lässt sich Japan so auf eine 

Einheit reduzieren? Ich bin selber 

als Musiker durch Japan getourt. 

Und aus meiner Sicht sind die Unterschiede 

zwischen den Städten 

Tokio, Osaka und Sapporo genau so 

gross wie zwischen Belgrad, Bern 

und Paris. Ist es wirklich nötig, den 

Mythos des ach so fremden Japan 

immer wieder zu bemühen – und 

das Land für aussenstehende Zuschauer 

so schwer begreifbar darzustellen? 

Aus meiner Sicht ist es 

nicht so, dass Japan nicht zu verstehen 

wäre. Als Ganzes allerdings 

ist der Film ein interessantes Ton- 

und Zeitdokument. Alleine schon 

diesen Künstler_innen bei ihren 

Klangtüfteleien zuzuhören und zuzuschauen, 

ist wunderbar. 

> Paed conca

feldforscHung 

zur ethnograPhischen Praxis 

im 21. Jahrhundert 

Wenn Menschen, Ideen und Güter 

über Grenzen hinweg reisen 

und interagieren, wird es für die 

Sozialanthropologin und den Musikethnologen 

immer schwieriger, 

soziale Wirklichkeiten an lokalen 

Forschungsstandorten empirisch 

und wissenschaftlich zu erfassen. 

Diese Unsicherheit führt mit dazu, 

dass die Legitimation des Sozialanthropologen 

über eine andere 

Gesellschaft zu sprechen, öfters 

in Frage gestellt wird. Die Interaktionen 

der Menschen in lokalen 

und transnationalen Räumen führt 

zu einer stetig wachsenden und 

äusserst komplexen Flut an Daten, 

die der Forscher alleine kaum 

mehr bewältigen kann. 

Wir wollen in diesem Teil des 

megafon-Schwerpunkts Feld forscherinnen 

und Feldforschern auf 

die Finger schauen. Die Berner Medienanthropologin 

Kathrin Oester 

weist in ihrem Artikel auf neuere 

Tendenzen in der Medienanthropologie 

und der Performance Ethnographie 

hin. Frank Wittmann, Autor 

des Buches «Medienkultur und 

Ethnographie» (Transcript Verlag), 

stellt den methodischen Ansatz 

der «Multi-Sited Ethnography» vor 

und zeigt seine Möglichkeiten und 

Grenzen. Schliesslich berichten 

Studentinnen, Doktoranden und 

Professorinnen in kurzen Anekdoten 

über ihre Erfahrungen und 

Einsichten im Feld: mal kritisch, 

mal traurig, mal skurril. Viel Vergnügen! 

> norient < 

sChWErpunkt 


MedienantHroPologie Heute 

wissen anders Vermitteln – 

oder etwas anderes Vermitteln? 

kathrin oester ist 

sozialanthropologin 

und filmemacherin. 

sie forscht und lehrt 

zu den themen 

medienanthropologie, 

migration und 

Bildung. 

sChWErpunkt 

16 


Vermitteln audio-visuelle Dokumente 

eine andere Botschaft als 

ein Text – oder vermitteln sie die 

Botschaft anders? Tatsächlich 

spricht die wachsende audio-visuelle 

Kommunikation dafür, dass 

Bild und Ton die Sinne direkter 

ansprechen als ein Text: Statt sich 

allein an unsere kognitiven Fähigkeiten 

zu wenden, löst etwa das 

Bild eines Kriegsverletzten Gefühle 

von Mitleid, Angst oder Ekel 

aus. Oder das Bild einer einsamen 

Landschaft ruft Sehnsucht und Erinnerungen 

wach. Allerdings kann 

auch die Sprache affektive und poetische 

Funktionen übernehmen 

und mit bildhaften Metaphern direkt 

die Sinne ansprechen. Es ist 

also nicht so, dass Sprache allein 

unsere kognitiven Fähigkeiten, Bild 

und Ton dagegen unsere Sinne ansprechen. 

Das Verhältnis von Wort, 

Bild und Ton im Wahrnehmungs- 

und Erkenntnisprozess ist komplexer: 

Um etwas zu erkennen und 

einzuordnen, vervollständigen wir 

vielmehr rein visuelle Wahrnehmungen 

mit Begriffen und rein 

verbale Botschaften mit bildhaften 

Assoziationen. 

Dies wussten Heiler und Schamaninnen 

längst vor modernen 

Werbefachleuten und setzten in 

stark performativen Kulten Wort, 

Bild und Ton auf raffinierte Weise 

für ihre Ziele ein. Die nepalesischen 

Heiler etwa, die wir im Film Schamanen 

im Blinden Land (1980) von 

Michael Oppitz sehen, arbeiten mit 

Musik und Tanz, Liedern und Sprüchen, 

Kostümen und Ritualgegenständen 

– viele Schamanen setzen 

auch Gerüche und psychogene 

Substanzen ein. Mit dem Ziel der 

Heilung vor Augen, gibt es im schamanistischen 

Ritual keine Sinne, 

die nicht angesprochen würden. 

Und es werden sämtliche medialen 

Register gezogen, um die durch die 

Krankheit bedrohte Gemeinschaft 

wieder zusammen zu schweissen. 

Kurz – je raffinierter die Abstimmung 

der Ausdrucksmittel und je 

besser ihre je spezifische Wirkung 

erkannt wird, desto dichter und 

wirkungsvoller ist das Ritual. 

Seit ihrer Entstehung hatte die 

Anthropologie einen privilegierten 

Zugang zu diesem Wissen. Doch 

hat eine bilderstürmerische Wissenschaft 

– entstanden am Ende 

des 19. Jahrhunderts – dieses Wissen 

lange Zeit brach liegen lassen 

und kaum für die eigenen Zwecke 

genutzt. Als Teil einer wortfixierten 

Wissenschaftskultur – der Philosophie, 

der Geschichte, der Sprachwissenschaft 

– war es vielmehr 

bevorzugtes Ziel einer aufklärerischen 

Anthropologie, die Bilder 

des Fremden von allem falschen 

Schein zu befreien. Die richtigen 

Medien dazu waren die Sprache, 

das Diagramm oder statistische 

Messwerte. Diese Mittel sollten 

dazu dienen, fremde Kulturen 

hinfort mit nüchternem Blick zu 

betrachten und ihre Institutionen 

einer logischen Analyse zu unterziehen. 

Dabei standen die Abstraktion 

und Distanz des Forschenden 

zum Gegenstand im Vordergrund 

und nicht die Orientierung am vielschichtigen, 

sinnlich Konkreten. 

Im Zeichen der empirischen 

Forschung in der ersten Hälfte 

des 20. Jahrhunderts änderte sich 

jedoch die Art und Weise, wie anthropologisches 

Wissen erworben 

wurde. Die Feldforschung entstand 

und mit ihr die Überzeugung, dass 

nur die teilnehmende Beobachtung, 

beruhend auf Erfahrungswissen 

und der Nähe zum Gegenstand verlässliches 

Wissen über fremde Kulturen 

generieren konnte. Eines der 

wichtigsten Aufzeichnungsmittel, 

um jene Erfahrungen festzuhalten, 

war von Beginn weg die Fotografie 

und später der ethnografische 

Film. Beide Medien dienten dazu, 

der fragmentarischen Wahrnehmung 

und lückenhaften Erinnerung 

der Forschenden Herr zu werden 

mit dem Ziel, die wissenschaftliche 

Objektivität zu steigern. Dabei galt 

es die Dinge so festzuhalten, wie 

sie sich im Feld tatsächlich zeigten, 

unbeeinflusst von den Verzerrungen 

eines voreingenommenen 

Wissenschaftlers. 

Die Kritik postkolonialer und 

feministischer Anthropolog_innen 

stellte die Objektivität dokumentarischer 

Fotografien und Filme, aber 

auch von Texten, ab den 1960er- 

und 1970er-Jahren radikal infrage. 

Die Repräsentationen des Fremden 

erwies sich bei näherem Hinsehen 

als gefärbt von kolonialen und patriarchalen 

Machtbeziehungen. 

Bis heute haben Film und Fotografie 

als didaktisches Unterrichtsmittel 

eine wichtige Funktion 

in Lehre und Museen, – hier geht es 

um die Vermittlung einer Botschaft, 

also um das Wie. Geht es allerdings 

um das Was, also um die Generierung 

wissenschaftlicher Erkenntnis 

selbst, stossen audio-visuelle 

Medien bis heute nur bedingt auf 

Akzeptanz. Denn nach wie vor erscheint 

die Frage ungelöst, was 

sie denn eigentlich vermitteln und 

insbesondere, welchen Stellenwert 

das Evokative, Imaginative für die 

wissenschaftliche Erkenntnis hat. 

Kurz, dem bildhaft Anschaulichen 

und Imaginativen – so nützlich es 

für die Wissensvermittlung ist – 

wird im Masse seiner unkontrollierbaren 

Effekte die Beteiligung an 

der Wissensgenerierung von vielen 

abgesprochen. 

Ein neuer Zweig der Anthropologie, 

die Performance Ethnografie, 

nimmt sich genau dieser Frage an. 

Ihr geht es allerdings nicht darum, 

die alte Botschaft über den Fremden 

anders zu vermitteln. Vielmehr 

möchte sie – zusammen mit ihren 

ForschungspartnerInnen – etwas 

Anderes vermitteln. Dabei stehen 

nicht die fixen Strukturen einer 

fremden Gesellschaft zur Debatte, 

sondern die kulturelle Produktion, 

wie sie sich zu einem spezifischen 

historischen Zeitpunkt manifestiert 

– mittels Filmen, Bildern, Texten, 

mittels Theater oder Musik – in der 

Metaworld oder im Cyberspace.

Wie die Schaman_innen gibt sich 

die Performance Ethnografie nicht 

damit zufrieden, zu wissen wie etwas 

heilt oder wirkt, sie möchte 

vielmehr das Wissen selbst wirksam 

machen. Und dazu braucht sie alle 

Sinne. In dieser Beziehung nähert 

sich die neue Medienanthropologie 

dem experimentellen Arbeiten der 

Naturwissenschaften an: um Wissen 

zu generieren, fabriziert sie ein 

Modell – mittels Bildern, Begriffen 

und Sound. Je vielschichtiger und 

multisensorieller das Modell, desto 

näher kommt es der Wirklichkeit, 

die es nicht nur beschreibt, sondern 

selbst mit hervorbringt. 

Bereits in den 1950er-Jahren 

hatte der bekannte französische 

Ethnologe und Filmemacher Jean 

Rouch mit Arbeitsmigranten an der 

Elfenbeinküste einen Film im Sinne 

der Performance Ethnografie realisiert. 

Das Team erfand Szenen und 

die Migrant_innen kommentierten 

ihr Leben vor laufender Kamera mit 

dem Effekt, dass durch den Einsatz 

szenischer, statt rein dokumentarischer 

Mittel, durch Tanz und Musik, 

ein solch lebensnahes Bild der 

Migration geschaffen wurde, dass 

wir den Film «Moi, un noir» (1958) 

noch heute mit grossem Erkenntnisgewinn 

betrachten können. 

Die aktuelle Medienanthropologie 

befasst sich also nicht bloss mit 

der Analyse des Mediengebrauchs 

unterschiedlicher sozialer Gruppen; 

und sie lässt sich längst nicht 

mehr auf den ethnografischen Film 

reduzieren – sei es in der Funktion 

von Archivmaterial oder als didaktisches 

Mittel. Am zukunftsträchtigsten 

dürfte sie gerade da sein, 

wo sie mittels eines multisensoriellen 

Modells eine andere Botschaft 

als der lineare Text vermittelt. Von 

der Kunst unterscheidet sie sich 

dadurch, dass sie ihr eigenes Vorgehen 

– die Modellbildung – für andere 

nachvollziehbar und damit der 

Kritik zugänglich macht. 

> katHrin oester < 

vom hörsaal In dIE stauBIgEn strassEn WEstafrIkas 

Es muss im 1997 gewesen sein. Ich studierte 

an der universität Bern literatur- und 

medienwissenschaft und belegte auch einige 

sprachwissenschaftliche veranstaltungen. dies 

hielt mich jedoch nicht davon ab, mich in eine 

diskussion mit einer Ethnologiestudentin zu 

verwickeln. Ich warf meiner kommilitonin vor, 

dass Ethnologen vorgeben, «das fremde» zu 

beschreiben und nicht erkennen wollen, dass 

sie nur selbstbeschreibungen liefern. Ich hatte 

damals weder eine ahnung von der inspirierenden 

Writing-Culture-debatte noch von der 

theorie des radikalen konstruktivismus. Im 

jugendlichen Eifer wollte ich nur meine geringschätzung 

für die Ethnologie zum ausdruck 

bringen. 

Es gehört zu den schönen Widersprüchlichkeiten 

des lebens, dass mich mein akademischer 

Weg noch in die Ethnologie führen 

sollte. denn im rahmen meines studiums ging 

ich – ob zufällig oder nicht sei dahin gestellt 

– an die universität dakar in senegal. dieser 

auslandaufenthalt sollte zum ausganspunkt 

für eine afrikawissenschaftliche Wende meines 

weiteren studiums und der anschliessenden 

promotion werden. In meinem promotionsprojekt 

zu medienkultur und Ethnographie* war 

auch eine fallstudie über die senegalesische 

medienkultur vorgesehen. Während eines 

einjährigen feldforschungsaufenthalts in 

senegal probierte ich verschiedene sozialwissenschaftliche 

methoden zur datenerhebung 

aus und stellte im laufe der zeit fest, dass 

ethnographische methoden nicht nur die innovativsten 

Ergebnisse hervorbrachten, sondern 

auch am spannendsten waren. das, was andere 

menschen im hörsaal lernen, musste ich mir 

im schweisstreibenden feld aneignen. Ein verdienter 

preis für meine frühere hochnäsigkeit. 

Was ich während der feldforschung entdeckte, 

war die relevanz der Ethnographie in zeiten 

der zunehmenden globalisierung. denn je 

wichtiger globale zusammenhänge werden, 

desto wichtiger ist ein verständnis von lokalen 

gegebenheiten. medien und damit auch massenmedien 

haben sich als ein unermüdlicher 

treiber der globalisierung herausgestellt und 

damit ein lange zeit vernachlässigtes thema 

wieder vermehrt auf die agenda der Ethnologie 

gesetzt. Ethnographische methoden schienen 

mir daher von grossem Wert für das verständnis 

des medienhandelns von fremden gesellschaften 

– gerade in afrikanischen ländern, in 

denen sich die schattenseiten der globalisierung 

anschaulich betrachten lassen. 

Erst später und in zusammenhang mit einem 

kleinen forschungsprojekt in Burkina faso 

wurde ich auf das konzept der «multi-sited 

ethnography» aufmerksam. Bereits 1998 

stellte george marcus seinen ansatz vor, die 

konventionelle, monographisch orientierte und 

an einem festen ort durchgeführte Ethnographie 

in eine mobile und kontext-variable 

Ethnographie zu überführen, um damit die zirkulation 

von symbolen, Ideologien, kulturellen 

Bedeutungen, objekten und Identitäten über 

zeit und raum zu untersuchen. die «multi-sited 

ethnography»hebt die komparative dimension 

eines zu untersuchenden phänomens hervor, 

dessen konturen und Beziehungen zunächst 

noch unbestimmt sind. dieser ansatz fokussiert 

den Impact, den die globalisierung auf lokale 

räume ausübt. Es geht also darum, ethnographische 

forschung an mehreren orten vergleichend 

durchzuführen, um globalen prozessen 

auf die schliche zu kommen. 

Einige Jahre später setzte sich der an der 

university of Chicago lehrende haitianische 

Ethnologe michel-rolph trouillot kritisch mit 

der «multi-sited ethnography»auseinander. Er 

war der meinung, dass es nicht um eine schiere 

vervielfachung der beobachteten schauplätze 

gehen könne, sondern dass der reiz des 

konzepts darin liege, sich über die Implikationen 

von unterschiedlichen konstruktionen des 

« feldes » bewusst zu werden. damit einher 

gehe auch unterschiedliche vorstellungen von 

feldarbeit und kultur. auch andere Ethnologen 

und Ethnologinnen beschäftigten sich mit der 

«multi-sited ethnography»und setzten sich für 

eine Weiterentwicklung des konzepts ein. 

auch wenn sich meine berufliche tätigkeit 

seither in eine andere richtung entwickelt 

hat und ich heute keine feldforschung mehr 

in den staubigen strassen von dakar und 

ouagadougou betreibe, fasziniert mich an der 

Ethnographie, wie eng praktische feldforschung 

und theoretischer diskurs miteinander 

verknüpft sind. genau genommen beneide ich 

die heutigen Ethnologie-studierenden über die 

brandaktuellen themen und diskussionen. Ich 

hoffe, dass sie dem, was in der Welt vorgeht 

und in den theoriebüchern darüber geschrieben 

steht, mehr aufmerksamkeit schenken und 

Wertschätzung entgegenbringen als ich es 

während meiner zeit im unitobler getan habe. 

* frank Wittmann: medienkultur und Ethnographie. 

Ein transdisziplinärer ansatz. mit einer feldstudie 

zu senegal. Bielefeld: transcript verlag. 1997. 422 

seiten. 

sChWErpunkt 

megafon nr. 351, Januar 2011 17 

›

Schwerpunkt 

18 


dEr Blog als fEldnotIz 

– von sydnEy hutChInson 

(domInIkanIsChE rEpuBlIk) 

... als ich angekommen war, begann ich sofort zu bloggen. 

Ich beschrieb meine Wohnung mit ihrer seltsamen dusche, 

meine vermieterin und ihre bizarre theorie über das verhalten 

der moskitos, und das fernsehprogramm. Ich lud 

Bilder hoch, wollte das ganze illustrieren. alles stand bald 

auf meinem Blog: was ich von meinem akkordeon-lehrer 

gelernt hatte; die politik des dominikanischen karnevals; 

die strapazen wegen der mückenstiche – kurz: alle 

hochs und tiefs meines alltags. Ich schrieb und schrieb, 

denn bloggen war viel motivierender, als feldnotizen zu 

schreiben. Ich schrieb pflichtbewusst – denn ich musste 

ja jede Woche etwas posten. schon bald hatte ich eine 

gefolgschaft von leserinnen und lesern, ungefähr 200 

pro Woche! diese motivierten mich zusätzlich. Einige 

kontaktierten mich: zum Beispiel leute, die eine ähnliche 

forschung betrieben wie ich – oder dominikanische amerikaner, 

die ihre kultur kennenlernen wollten. 

meine streifzüge ins Cyber-feld hatten aber noch eine 

andere, unerwartete folge. Bald wurde mein Blog auch 

in der gemeinschaft bekannt, in der ich forschte. als ich 

für meine zweite feldforschung wieder auf der dominikanischen 

republik ankam, nahm mich der mann zur 

seite, der mich vor einem Jahr in seine karnevalgruppe 

aufgenommen hatte. Er umarmte mich und sagte: «Ich 

habe deine Webseite gefunden. du schreibst, ich sei dein 

mentor! danke, dass du das zu schätzen weisst!» später, 

an einem karneval-anlass, kamen zwei freunde auf mich 

zu. «fotografier uns in unseren kostümen! und lade die 

Bilder auf deine seite!» nach der karneval-saison traf ich 

meinen mentor wieder. «Ich bin sauer auf dich», sagte 

dieser zu meiner verblüffung. «du hast kein Bild von mir in 

meinem neuen kostüm auf deinem Blog!» 

sydney hutchinson von der syracuse university, arbeitet zu performance 

und gender in der musik der dominikanischen republik. 

«untEr uns gEsagt, mEInE lIEBE...» 

– von stEphanIE Conn, CapE BrEton (kanada) 

mit etwas glück knüpfen wir während unseren feldforschungen 

freundschaften – quasi als nebenprodukt. und 

das nicht nur wegen, sondern trotz unserer arbeit im 

feld. für mich stellte sich immer die frage: Wieweit muss 

ich immer forscherin spielen, und wieweit kann ich mich 

einfach von meinem herzen leiten lassen. als ich auf der 

Insel Cape Breton arbeitete, ging ich mehrmals pro Woche 

bei peter vorbei, einem gälischen sänger. peter weiss alles 

über die lokale geschichte: die lieder, die geschichten, 

die sprache. aber primär ist peter eine wunderbare 

person – und eine grossartige gesellschaft. gegen aussen 

wirken peter und seine lokale gemeinschaft ziemlich 

konservativ, privat aber ist peter sehr offen und direkt. 

Wenn er sich zu dir hervorbeugt, dich intensiv anguckt und 

sagt: «unter uns gesagt, meine liebe...», so weisst du: 

Jetzt kommt was gutes. peter ist 90 Jahre alt und eine 

eindrucksvolle Erscheinung. Bei jedem Besuch trägt er ein 

frisches hemd, glatt gebügelt. 

stephanie Conn, musikethnologin, university of toronto. 

BIErIdEE 

– von BIrgIt allEnBaCh (BurkIna faso) 

In den ersten Wochen meiner feldforschung in koudougou 

(Burkina faso) im Jahre 1989 verbrachte ich viel zeit in 

der hirsebiertaverne von ariète Bationo und unterhielt 

mich mit den gästen oder den mitarbeiterinnen in der 

Brauerei. hirsebier ist bei männern und frauen sehr 

beliebt, wird aber ausschliesslich von frauen hergestellt 

und verkauft. die Brauerei von ariète Bationo entsprach 

für mich jenem frauenraum, der für bäuerliche gesellschaften 

charakteristisch und eine mögliche grundlage 

der macht von frauen ist. mein Interesse für Bier war 

für die leute in koudougou gut nachvollziehbar aber nicht 

meine faszination für die frauen als produzentinnen und 

händlerinnen. Eines tages fragte mich ein freund der 

familie von ariète Bationo, ob ich wirklich die Bierbrauerei 

erforschen wolle. als ich dies bestätigte, schlug er

die hände über dem kopf zusammen und sagte: «das 

ist schwierig! Wenn sie sich in den tavernen aufhalten, 

müssen sie mittrinken, sonst werden sie ausgeschlossen 

bleiben. und: die frauen werden Ihnen nicht die Wahrheit 

sagen, sie wissen, dass solche untersuchungen oft 

negative auswirkungen haben». Bei einer Besichtigung 

der textilfabrik begrüsste mich ein arbeiter, als ob wir 

alte Bekannte wären. Ich fragte ihn, woher wir uns denn 

kennen würden. Er antwortete: «hier in koudougou 

wissen alle, wer sie sind!» Ich sei doch gekommen, um zu 

lernen, wie man hirsebier braue, weil ich das getränk in 

meiner heimat industriell herstellen wolle. rückblickend 

denke ich manchmal: Warum nur habe ich die Bieridee 

nicht umgesetzt? als Industrielle müsste ich heute keine 

Brötli mehr verdienen und könnte mich voll und ganz der 

ethnologischen forschung hingeben… 

Brigit allenbach, dr. phil., arbeitet als lehrbeauftragte am seminar 

für sozialanthropologie der universität freiburg/schweiz sowie 

an den pädagogischen hochschulen in zürich und Bern. aktuell 

erforscht sie Erzählungen über zugehörigkeit von secondos/secondas 

aus südosteuropa in der schweiz. 

üBEr anErkEnnung 

– von marC-antoInE Camp (BrasIlIEn) 

der ethnographische alltag ist vielfältig, faszinierend in 

der Wahrnehmung des fremden, überraschungsreich bei 

der teilnehmenden Beobachtung, gefährlich aufgrund der 

beweisenden dokumentationstätigkeit. Im zentrum dieser 

tätigkeit steht eine verstehend-kritische anerkennung 

fremder kulturen und der austausch mit den lokalen 

forschungspartnerinnen und -partnern, für die es meist 

unwesentlich ist, ob der Ethnograph ihre lebenswelten 

ausgehend von struktur-funktionalistischen gesellschaftsmodellen, 

lokalspezifischen Weltbildern oder global 

zirkulierenden ästhetischen theoremen beschreibt. für 

die menschen, mit denen wir Ethnographen ins gespräch 

kommen, sind die Begegnung mit dem fremden forscher 

und seiner wunderlichen, geräteabhängigen kulturarbeit 

eine ausseralltägliche Erfahrung. 

Während meinen feldforschungen im brasilianischen 

Bundesstaat minas gerais hat mir die Bevölkerung viel 

Interesse und respekt entgegengebracht. ausdruck fand 

dies einmal in einem zuckerwürfelgrossen speckstück. Ich 

hatte einen ritualsänger in seinem kleinen, alten und daher 

schiefen lehmhaus einer streusiedlung abseits eines 

abgelegenen dorfes für ein Interview besucht. regen hatte 

eingesetzt. die rückkehr ins dorf hatte ein friedvoller 

und üblicherweise durchwatbarer, nun aber reissender 

fluss verwehrt. Ich erhielt im lichte des herdfeuers ein 

mehrschichtiges mahl: reis, Bohnen, gemüse und eine 

art pasta, die in der rotfärbung von urucum-samen (der 

orleansstrauchfrucht) die Beigabe einer tomatensauche 

imitierte. gekrönt wurde dies mit einem stück speck, das 

niemand der zugegenen achtköpfigen familie erhalten 

hatte. der fleischkonsum in dieser sozioökonomisch 

armen region war den feiertagen vorbehalten oder – wie 

bei mir – eine auszeichnung. die exzessive rindfleisch- 

Esskultur der brasilianischen mittel- und oberschicht 

hatte mich allerdings einige Jahre zuvor zum vegetarier 

gemacht. Es kostete mich überwindung, die anerkennung 

der gastgeber zu schlucken. 

marc-antoine Camp, musikethnologe, hochschule luzern – musik 

das proBlEm mIt dEn musIk- 

InstItutIonEn In kasaChstan 

– von mEgan ranCIEr (kasaChstan) 

natürlich, wir musikethnologen sollten ein phänomen 

objektiv, analytisch und auch relativistisch untersuchen. 

das kann ich aber nicht mehr: nachdem ich die x-te kasachische 

oper aus der ära der sowjetunion und den x-ten 

mit synthesizern aufgemotzten popsong über mich habe 

ergehen lassen. der status quo der musik in kasachstan 

deprimiert mich einfach bloss noch. die lokalen Experten, 

mit denen ich spreche, sind womöglich genauso deprimiert 

wie ich. nur beschützen sie das «nationale» Erbe, und all 

diese sponsoren, festivals, kompositionen und musiker. 

die Entwicklung der musik sei sache der regierung, sagen 

viele hier. die leute haben nichts zu sagen, sie können 

das kulturelle leben in ihrer stadt weder prägen noch 

beeinflussen. 

dr. megan rancier, musikethnologie, uCla los angeles. 

mEdIEn-EthnographIE 

– von matt sakakEEny (nEW orlEans) 

Während meiner feldforschung in new orleans produzier 

te ich radiosendungen über Brassband-musiker. sie 

kämpfen für höhere löhne, bessere institutionelle unterstützung 

und mehr respekt für ihre kreative arbeit. Ich 

nenne das medien-Ethnographie. viele musikethnologen 

kennen die medien-Ethnographie nicht, aber für meine Informanten 

ist sie keineswegs sonderbar. die meisten sind 

sich den austausch mit reportern vom fernsehen, radio 

oder den printmedien gewöhnt. Ich bewege mich 

› 

sChWErpunkt 


sChWErpunkt 

20 


also gleichzeitig als unabhängiger medienproduzent und 

als akademischer forscher. Ich kann so eine rolle einnehmen, 

die die musiker akzeptieren – sie nehmen sich ja 

schliesslich die zeit, um mit mir zu reden. und mir erlaubt 

das, ihnen etwas zurückzugeben: Ich veröffentliche ihre 

Botschaft und bezahle damit indirekt für unsere gemeinsamen 

anstrengungen. 

matt sakakeeny phd kandidat, musikethnologie, 

Columbia university. 

«dElhI By nIght» – 

zWIsChEn frEIhEIt, rausCh 

und dEm rohEn lEBEn 

– von rohIt JaIn (IndIEn) 

02.07 uhr: nach einem Bollywood-streifen im trendigen 

vasant vihar nehmen mich eine freundin meines Informanten 

und ihr Cousin aus london mit. die stewardess, 

weibliche Ikone des neuen, urbanen Indiens, berserkert 

mit 80 km/h durch die strassen. Bollywood-sound dröhnt, 

das mädchen tankt Whisky soda, «delhi by night» fliegt an 

uns vorbei. die stadt pumpt! 

02.43 uhr: plötzlich stecken wir im stau des nächtlichen 

lastwagenverkehrs und kommen keinen meter mehr weiter. 

Wir haben keinen blassen schimmer, wo wir stecken. 

das mädchen säuft weiter, schreit noch lauter ins telefon, 

raucht, flucht und hupt. der rauch der «gold flakes» vermischt 

sich mit dieselgeruch und motorengeheul. mir wird 

übel, ich rauche auch und schütte zur Beruhigung Whisky 

soda rein. der Cousin grinst. 

03.56 uhr: nach zwei stunden Irrfahrt erkenne ich in den 

nächtlichen Eingeweiden delhis die leuchtschrift des «national 

Institute of desaster management». zuhause! 

die Wege in delhi sind roh und unergründlich... 

rohit Jain hat für seine dissertation an der uni zürich indische 

second@s aus der schweiz auf ihren Wegen durch das urbane, 

spirituelle und familiäre Indien begeleitet. 

musIkpsyChologIE Im 

hoChsIChErhEItstrakt 

– von BEn harBErt (los angElEs) 

meine vorliebe für genaue transkriptionen und analysen 

macht die gespräche mit meinen Informanten nicht gerade 

einfach. dem gespräch kaum förderlich ist aber auch, 

wenn dir ein unbekannter erzählt, er sei als kind sexuell 

missbraucht worden. Ich sitze im blitzblank geputzten und 

aufgeräumten musikraum das new folsom staatsgefängnis. 

die gitarren, schlagzeuge und Blasinstrumente sind in 

einem gitterschranke weggesperrt. Ein altes Jimi-hendrixposter 

schmückt die Wand. Bill martin (name geändert) ist 

ein zu lebenslanger haft verurteilter mörder. am vorabend 

hat mir Jim Carlson, der kunstvermittler des gefängnisses, 

die aufnahme von Bills «little Boy Blue» vorgespielt. 

das stück handelt von kindsmissbrauch. selbst in der 

musik schien das thema mitzuschwingen, irgendwie. 

Ich werde Bill nicht fragen, was er genau mit seinem 

song aussagen will. Ich hüte mich davor, seinen song 

meiner akademischen analyse zu unterziehen. Ich werde 

nie vergessen, wie mich ein Insasse in der California 

men’s Colony rundheraus anschuldigte: «für dich sind wir 

einfach laborratten, oder?». 

Ben harbert, assistenzprofessor musik, georgetown university. 

vErpasstE ChanCE 

– von BrIgIttE BaChmann-gEIsEr (appEnzEll) 

Im Juni 1974 wollte ich bei der alpauffahrt nicht einfach 

zuschauen, sondern hirten und herde auf der potersalp 

am säntis erwarten, um das von weit her vernehmbare 

geläute der senntomsschölle aufzunehmen. Im appenzellerland 

werden die drei grossen, kostbaren schellen 

der vordersten kühe bei ansteigendem Weg zum schutz 

vor schaden von zwei männern an einem Jochstecken 

getragen. aus diesem unwillkürlichen schellenschütteln 

hat sich das schölleschötte als Bordunbegleitung zum 

mehrstimmigen naturjodel, eine einzigartige musizierweise, 

entwickelt. 

am nachmitag vor der alpbestossung nahm mich eine 

Bäuerin, die das frühstück für die männer im rucksack 

trug, mit. Ich musste ihr aber helfen, die schweine auf 

die alp zu treiben. mit dem laster fuhren wir auf der 

fahrstrasse so weit als möglich und mussten danach den 

aufstieg unter die füsse nehmen. aus den angezeigten anderthalb 

Wegstunden wurden drei, weil sich die schweine 

im feuchten Waldboden und auf der Weide lustvoll suhlten. 

der für schweine übliche lockruf, ein immer gleich hohes 

zischen auf sch sch sch, und ein stock bewährte sich. 

als wir endlich bei der seit monaten nicht mehr bewohnten

hütte unterhalb eines ansteigenden schneefeldes 

angekommen waren, tranken wir heissen tee aus der 

thermosflasche und machten uns vor dem Einnachten an 

allerlei arbeiten. Ich musste beim Brunnen Wasser holen, 

für die männer, die um mitternacht mit treiben beginnen 

sollten, fleischplatten richten, den küchentisch für acht 

personen decken und die Betten mit eiskalten leintüchern 

und kissenanzügen beziehen. 

die Bäuerin empfahl mir, in allen kleidern zu schlafen. Weil 

auch sie vor lauter kälte keinen schlaf finden konnte, plauderten 

wir übers älplerleben, bis es um drei uhr höchste 

zeit war, feuer zu machen, Wasser zu kochen, und kaffee 

aufzugiessen. mit dem ersten schluck musste ich aber auf 

die herannahenden männer warten. 

Ich trat in den silbrigen morgen und machte mit klammen 

händen das tonbandgerät bereit: der senne. die hirten, 

zuhirten und der Bub sollten eigentlich schon da sein. 

und plötzlich leuchteten weit unten in einer blumigen Weide 

drei rote tupfer auf. hundegebell und ein muhen waren 

die ersten geräusche. aber dann erklangen die drei aufeinander 

abgestimmten schellen. das leise gebimmel wurde 

lauter und lauter und schwoll schliesslich zum vollen ehernen 

klang an: männer und vieh waren heil angekommen. 

man begrüsste sich, als hätte man sich seit langem nicht 

mehr gesehen. die alpgemeinschaft stand zum gradhebe 

zusammen. die schellen wurden während des ruggusse 

hin- und herbewegt. danach gab jeder jedem die hand und 

wünschte einen guten sommer. Ich bediente die männer 

bei tisch und durfte mich schliesslich an den resten 

erlaben. Weil die kühe nach der alpauffahrt weiden, ohne 

gemolken zu werden, suchten die jungen männer die ruhe. 

der Bauer blieb in der küche zurück. Beim Blumenpflücken 

rund ums haus hörte ich ihn fragen: 

«ond?» die Bäuerin antwortete: «s i ischt e gschaffigi, e 

fliissigi, aber e reformierti ond erscht no e gstudierti.» 

Ich verabschiedete mich und stieg frohgemut, dem 

schicksal einer Bergbäuerin an der seite des ledigen 

sohnes meiner gastgeber entronnen zu sein, abwärts 

nach appenzell. 

hon. prof. dr. Brigitte Bachmann-geiser erforscht seit 40 Jahren 

die volksmusik der schweiz. am 13. Januar 2011 legt sie die Cd 

«heut tanzt der Bär. der sound der Berner fasnacht» vor, zyt 

4323, vor. 

BlIndE stadt 

– von angEla EIsEnmEngEr 

Wie beschreibt und erforscht man den klang einer stadt? 

Welche methode benutzt man am besten, wenn man der 

fragestellung: Wie klingt münchen an bestimmten orten? 

nachgehen möchte? da ich mir selbst als datenlieferant 

nur hinreichend genügte, beschloss ich, mir menschen als 

forschungspartner zu erwählen, die ihre orientierung im 

stadtraum besonders auf ihren hörsinn stützen. und wer 

könnte hier besser geeignet sein, als Blinde? gerade die 

Ergebnisse, aber auch der forschungsprozess öffneten 

mir sprichwörtlich auf eine besondere art und Weise die 

augen- nämlich indem ich sie schloss und mich auf einen 

eigenen Wahrnehmungsstil einliess, der sich von visuellen 

Wahrnehmung grundsätzlich unterscheidet und ganz neue 

aspekte und wertvolle Erkenntnisse liefern kann. so konnte 

ich meine eigene forschungsfrage als Ergebnis meiner 

arbeit «Blinde stadt- ein akustisches Bild münchens«, 

das im rahmen des zweisemestrigen lernforschungsprojekts 

«sounds like munich- vom klang der stadt» im fach 

Europäische Ethnologie/ volkskunde an der lmu münchen 

stattfand beantworten. schliesst man die augen, entsteht 

eine andere Wahrnehmung der umwelt, die gerade für 

die stadtplanung und die stadtanthropologie interessante 

daten liefern kann. 

angela Eisenmenger magisterstudentin der Europäischen Ethnologie/ 

volkskunde; ludwigs maximilians universität münchen. 

sChWErpunkt 


selbstversucH: global rock‘n‘roll 

Piss-wellness, schizoPhrene 

Punker und alkoholdehydrogenase 

Professor lö trösenbeck ist entzückt: 

das PrograMM voM diesJÄHrigen norient 

MusikfilM festival versPricHt besonders 

viel rock und roll. tÄglicH werden 

Punk und MetallMusik auf die wunderbare 

leinwand des kinos in der reitscHule 

ProJiziert. «taqwacore» zeigt die bösen 

buben der MusliMiscHen Punk-bewegung in 

den u.s. of a., «fokofPolisiekar» die 

nicHt Minder bösen buben der südafrikaniscHen 

rock-szene und zu guter letzt 

treffen in «full Metal village» die 

allerbösesten Metall-MÄdels auf bÄuerlicHe 

buben. ein grund, feldforscHung 

iM globalen rock‘n‘roll zu betreiben. 

sChWErpunkt 

22 


Dass Rock‘n‘Roll nicht von der 

westlichen Welt gepachtet ist, 

musste Lö Trösenbeck schmerzvoll 

in der thailändischen Hauptstadt 

Bangkok erfahren. Es war 

etwa 2000 Grad warm, feucht und 

stickig, als Trösenbeck durch die 

Gassen der asiatischen Metropole 

zog. Er wollte nur eines: Bier. Und 

wo fliesst Bier in grossen Bechern 

am Besten? Dort wo es die Hauptdroge 

des Genres ist: im Rockclub. 

Lö Trösenbeck befand sich 

in Schwedischer Gesellschaft. Im 

hohen Norden wird das Trinken 

von Bier mit dreisten Zöllen belegt. 

Starköl, wie es dort heisst, 

wird in der nordischen Rock-Szene 

oft aus preislichen Gründen durch 

billiges After Shave ersetzt. Kein 

Wunder tönt die erfolgreichste 

schwedische Rockband, Europe, 

so frisch rasiert. Im Sündenbabel 

Ostasiens sass Trösenbeck also 

mit zwei dieser rasierwassergeschädigten 

Schweden. Sie bestellten 

das Bier im Pitcher, in einer 

Bierkanne zum Nachschenken 

«à discretion». Da sich beim Bestellvorgang 

Schweizerisches mit 

Schwedischem vermengte, wurde 

der Kellner verwirrt und brachte 

statt einem Pitcher für drei Männer, 

drei Pitcher für einen Mann. 

Und da Schweden und Schweizer 

in solchen Sachen meist diskret 

die Faust im Sack machen und den 

Irrtum ignorieren, floss bald liter- 

weise Bier in die Schlünde der versammelten 

Runde. Auf der Bühne 

stand eine thailändische Rockband 

und spielte Coverversionen der 

Gruppe Nirvana. 

Das Bier zeigte bald Wirkung, Lö 

Trösenbeck begab sich zur Toilette. 

Er stellte sich breitbeinig vor ein 

Urinoir, öffnete den Hosenschlitz 

und wollte gerade Platz für mehr 

Bier schaffen, als er auf einmal etwas 

Warmes auf seinen Schultern 

spürte. Ein junger Mann hatte sich 

hinter ihn gestellt und begann ihm 

die Schultern mit einem warmen 

Tuch zu massieren. Trösenbeck war 

ob solcher unerwarteter Wellness 

so schockiert, dass er nicht pinkeln 

konnte. Beschämt packte er seinen 

Hosenstall zu und schlich mit voller 

Blase zurück zu den Schweden. 

Der Sänger sang gerade: «A denial, 

a denial. A denial, a denial. 

A denial, a denial.» Lö Trösenbeck 

setzte sich an den Tisch und 

bestellte, um das peinliche Erlebnis 

zu überspielen, noch drei 

weitere Pitcher. Verstohlen und 

an einer vollen Blase leidend, beobachtete 

er den Wellness-Mann, 

der neben der Toilettentüre auf 

neue Kundschaft wartete. Niemand 

schien in diesem Rockclub das Pissoir 

aufzusuchen. Endlich machte 

der Mann ein paar Schritte zur Bar 

und begann mit dem Barkeeper zu 

schwatzen. Schnell sprang Trösenbeck 

auf und rannte auf die Toilette. 

Mit grosser Erleichterung liess 

er es sprudeln. Doch schon stand 

der Wellness-Mann wieder hinter 

ihm. Der Fluss floss flott weiter 

und Trösenbeck konnte sich voll 

auf den Genuss der Massage konzentrieren. 

Er zahlte dem Masseur 

ein grosszügiges Trinkgeld zum 

Dank für die Erkenntnis, dass der 

«Rock‘n‘Roll Way of Life» fernab 

vom Abendland wunderbare Nebenstrassen 

gebaut hatte. 

Zur Hauptstrasse ist der 

Rock‘n‘Roll schon lange in China 

geworden. Im Reich der Mitte traf 

Lö Trösenbeck zum Beispiel auf 

die schizophrenen Punk-Rocker. 

Am Samstag stehen sie auf der 

Bühne eines rauchigen – ja, in China 

stinken die Kleider nach einem 

Rockkonzert immer noch nach 

Rauch! – Rockclubs und schreien 

sich zu heftigen Rhythmen und 

quietschenden Gitarren die Lungen 

aus dem Leib. Am Mittwoch sitzen 

sie mit der akustischen Gitarre in 

einer winzigen Bar beim Singer- 

Songwriter-Treff und tönen eher 

wie Bob Dylan. Offenbar ist China 

tatsächlich das neue Land der unbegrenzten 

Möglichkeiten. Wenigstens 

im Rock‘n‘Roll hat dort die 

neue Kulturrevolution schon angefangen. 

Eine der schrillsten Strassen 

des Rocks befindet sich in 

Japan. Alles, was selbst die abgebrühtesten 

Rock‘n‘Roller des 

Abendlandes nicht zu tun wagen, 

ist im Land der aufgehenden Sonne 

Alltag. Zum Glück liegt die Reithölle 

im Herzen von Bern in der 

Anflugsschneise der sich auf Tour 

befindenden japanischen Rockmu-

sikanten. Lö Trösenbecks Jugend 

wurde durch die Klänge von Gruppen 

wie den Boredoms, Zeni Geva, 

Melt Banana und Acid Mothers 

Temple and the Melting Paraiso 

U.F.O verzerrt. So barmherzig laut 

verzerrt, dass Trösenbeck seine 

Jugend «eine gute Jugend» nennen 

würde. Natürlich musste er 

eines Tages selber aufbrechen, um 

die Ortschaften, wo diese schrecklich 

schönen Klänge fabriziert wurden, 

zu besuchen. In einem Vorort 

von Tokio wurde er fündig. In einer 

kleinen Galerie spielte die Gruppe, 

die «keinen Namen hatte oder noch 

nicht den richtigen Namen gefunden 

hatte» hiess, rockigen Bluegrass. 

Auch hier floss der goldgelbe 

Saft in Strömen. Eine beliebte 

Marke heisst Bisu. Alkoholdehydrogenase 

heisst das Enzym, das 

in der Leber dafür zuständig ist, 

dass Alkohol abgebaut wird. Bekanntlich 

haben Menschen in Asien 

ein paar Alkoholdehydrogenasen 

weniger. Die Kombination viel Bisu 

und wenig Alkoholdehydrogenasen 

schuf alsbald eine psychedelische 

Atmosphäre. Auf einmal tauschten 

Gäste und Musikanten Instrumente. 

Ein gigantisches Zupfen 

und betrunkenes Lallen begann. 

Lö Trösenbeck schnappte sich so 

viele Bisus, bis auch seine Alkoholdehydrogenasen 

nicht mehr funktionierten. 

In Kürze wurde er mit 

einer Art Mini-Vuvuzela ausgestattet 

und trötete bald überglücklich 

mit. Wie viele, die in Ostasien Zen 

und Buddhismus oder Zen-Buddhismus 

entdecken, entdeckte Lö 

Trösenbeck ebenfalls eine Türe zu 

seinem wahren spirituellen Ich: er 

wollte ein Rockstar werden. 

Zurück aus Japan suchte er 

sich eine Band, die ihn als Mini- 

Vuvuzela-Spieler in ihren Kreis 

aufnehmen würde. Es war einfach, 

war doch gerade eine extraterrestrische 

Rockgruppe in Bümpliz gelandet. 

Die Ausserirdischen nannten 

sich Blues Horror Brigade und 

behaupteten, sie hätten sich in einer 

therapeutischen Musikgruppe 

in einer Irrenanstalt am Rande der 

Galaxie kennen gelernt. Sie galten 

als völlig unheilbar und irren seither 

durchs Universum. Lö Trösenbeck 

fühlte sich sofort geborgen. 

Nun darf er zuweilen mittröten, 

wenn die Gruppe durchs Weltall 

reist. 

Der «Rock‘n‘Roll Way of Life» 

hat also nicht nur das Morgenland 

erobert, sondern das ganze Universum 

und den Norient. Höchste Zeit 

also, ein paar Rockumentarfilme in 

die Hauptstadt im Land der Berge 

zu locken. 

> lö trösenbeck < 

lö trösenbeck ist ein 

schreibender satellit 

vom megafon und 

übersetzt hauptberuflich 

die texte 

der ausserirdischen 

rockgruppe Blues 

horror Brigade in 

irdische sprachen. 

sChWErpunkt 


InnEnland 

24 


nacH der abstiMMung 

zur ausscHaffungsinitiative 

für reiche – gegen arme 

das scHweizer stiMMvolk verabscHiedet 

sicH ganz deMokratiscH von den MenscHenrecHten. 

falscH! das scHweizer 

stiMMvolk MacHt nur das, was «die 

scHweiz» scHon iMMer getan Hat. 

sie ist für die reicHen und gegen 

MenscHenrecHte. 

Dies und das entspreche nicht der 

humanitären Tradition der Schweiz 

oder widerspreche gar «urschweizerischen 

Werten» wie Demokratie 

und «den Menschenrechten» 

sagen manche, wenn ihnen die 

Argumente gegen die volksnahe 

SVP-Propagandamaschine ausgehen. 

Doch was sagen wir jetzt? 

Jetzt, wo die Mehrheit der in den 

letzten Jahren vor lauter Reichtum 

verblödeten und mit akutem Realitätsverlust 

geschlagenen Schweizer_innen 

glaubt, Schweizer zu 

sein, sei nicht etwa unverdientes 

Glück, sondern das Resultat von 

Fleiss und moralischer Überlegenheit? 

Jetzt, wo es in der Verfassung 

steht, dass ein Folteropfer an 

seine Folterer ausgeliefert werden 

muss, wenn es dem hiesigen Gesetz 

nicht entsprach. 

Es ist schlimm, doch ist es neu? 

Gibt es «humanitäre Tradition» der 

Schweiz und haben Menschenrechte 

hier eine «lange Geschichte»? 

Sie haben keine und wenn, 

dann nur eine ihrer Verhöhnung 

und Unterdrückung. 

«Landjegi» hiessen die systematischen 

Jagden bewaffneter 

Horden von (verhältnismässig) Reichen 

auf Arme, Landlose, Fremde 

und «Vagabunden» im 16. und 17. 

Jahrhundert im Bern- und Züribiet, 

in Baselland, Glarus, Zentral-, 

West- und Ostschweiz. Die Herren 

verkauften die gefangenen Opfer 

an die Todesgaleeren von Venedig, 

Spanien und Frankeich oder unterhielten 

eigene Galeeren auf dem 

Vierwaldstätter- und Genfersee. 

Wer an die Ruderbank gekettet 

wurde, überlebte nicht lange. 

Dass Folter in der guten alten 

Zeit zum normalen Gerichtsverfah- 

ren gehörte, ist bekannt. Weniger 

bekannt ist, dass es ein bisschen 

rohe Gewalt brauchte, bis die alten 

Herren der Schweiz auf ihr 

probates Mittel verzichteten. Erst 

der recht unhöfliche Auftritt französischer 

Truppen ermöglichte 

es, dass die helvetische Republik 

am 28. Mai 1798 die Folter verbot. 

Schon damals: Menschenrechte 

mussten von «fremden Richtern» 

durchgesetzt werden. 

In der Schweiz sind sie Rechte 

für die Richtigen und Reichen 

– sie gelten heute nicht für «Illegale» 

und «Kriminelle», sie galten 

damals nicht für «Fahrende». Ab 

1926 wurden Kinder von als «Fahrende» 

definierten Paaren mit Gewalt 

aus ihren Familien gerissen 

und in Anstalten, «Heime» und Gefängnisse 

gesteckt oder auch als 

Sklavenarbeiter_innen an Bauern 

verschenkt. Oh nein – es war nicht 

etwa ein irregeführter Hilfewillen, 

der zu den Verbrechen der «Aktion 

Kinder der Langstrasse» geführt 

hat. Es war offener Rassismus: 

Die Kinder bildeten «einen dunklen 

Fleck in unserm auf seine Kulturordnung 

so stolzen Schweizerlande...» 

sagte damals ein Bundesrat. 

Doch frau braucht nicht rassistisch 

einem «dunklen Fleck» zugeordnet 

zu sein, um bar jeder Rechte in 

irgendeinem Loch in diesem Land 

zu landen. Zwischen 1942 und 1981 

wurden tausende von (oft jungen, 

oft weiblichen) Menschen in der 

Schweiz «administrativ versorgt», 

sprich ohne Anklage und Urteil 

in Anstalten, etwa das Frauengefängnis 

Hindelbank, gesteckt. Am 

10. September 2010 entschuldigten 

sich die Vertreter_innen des 

Staates, eine Bundesrätin und ein 

Regierungsrat, bei ihren Opfern. 

«Landjegi», Folter, die Verschleppung 

von Kindern und die 

systematische Versenkung von potentiell 

rebellischen Jugendlichen 

(Frauen) in Gefängnissen sind 

nur Blitzlicher auf die Geschichte 

der Schweiz. Zur Geschichte 

der Schweiz als Land der Herren 

gehören ebenso die (auch antisemitisch 

motivierte) Kollaboration 

mit Hitlerdeutschland oder die gewaltsame 

Vertreibung von Armen 

in die Emigration nach Amerika. 

Oder der Umgang mit den Saisoniers. 

Und wer in den 1960er-Jahren 

in diesem Land aufgwachsen ist, 

kann sich vielleicht noch an das 

kleine Holz-Negerli im Eingang der 

Kirche erinnern, das nickte, wenn 

man ihm ein Zwänzgerli in den 

Kopf steckte. 

Die Vergangenheit wäre erträglicher 

wenn sie nicht so sehr 

die Gegenwart wäre. Der Vertreter 

der Kantonsregierungen, der 

sich diesen September vor den 

«administrativ Versorgten» an einer 

Veranstaltung im Frauenknast 

Hindelbank mit dürren Worten 

entschuldigte, heisst Hans Hollenstein. 

Das ist der Zürcher Vorsteher 

der Sicherheitsdirektion, der dafür 

gesorgt hat, dass Sans-Papiers 

im Kanton Zürich statt Geld nur 

Migros-Gutscheine (8.50 Franken 

pro Tag) als «Nothilfe» erhalten. 

Der Mann, der dafür sorgt, dass die 

Armen verschwinden. Wie gehabt. 

> alois HinterfuHren

guItarhEads Wäut 

megafon nr. 351, Januar 2011 25 


InnEnland 

26 


tour de lorraine 11 

gemeingüter befreien 

bereits zuM elften Mal steigt aM 22. 

Januar die tour de lorraine, das grosse 

solidaritÄtsfest der ausserParlaMentariscHen 

linken in bern. neben den traditionellen 

lokalen auf beiden seiten 

der lorrainebrücke, beteiligen sicH 

verMeHrt aucH kleinere, HalböffentlicHe 

rÄuMe in der lorraine und lassen die 

tour scHon fast zu eineM winterlicHen 

quartierfest werden. 

Nur einmal Eintritt bezahlen und 

die ganze Nacht in über einem 

Dutzend Lokalen Konzerte, Dj‘s, 

Filme, Theater und Performances 

sehen, das Ganze abgerundet mit 

dem traditionellen Katerfrühstück 

im Restaurant Sous le Pont; so 

funktioniert das Rezept der Tour 

de Lorraine. Entstanden ist das 

Projekt aus der «Antiglobalisierungsbewegung» 

vor mehr als 10 

Jahren, als die massiven Proteste 

gegen die Treffen der Reichen und 

Mächtigen in Davos, Genua und 

anderswo für Aufsehen sorgten 

und die Bewegung Geld generieren 

musste, um die vielen Aktivitäten 

zu finanzieren. 

Nach dem Abflauen der Protestbewegung 

– zurückzuführen auf das 

brutale Vorgehen der Polizei gegen 

DemonstrantInnen, sowie Spaltungen 

innerhalb der Bewegung 

– gründeten die OrganisatorInnen 

der Tour de Lorraine vor einigen 

Jahren einen eigenen Verein, um 

die Grundidee der TdL aufrechtzuerhalten. 

Die Inhalte und Anliegen 

der Bewegung sollen an der Tour 

de Lorraine möglichst sichtbar und 

erfahrbar gemacht werden, und 

der Gewinn wird vollumfänglich an 

linke Projekte und Organisationen 

gespendet (siehe Kasten). Weil alle 

Vereinsmitglieder unentgeltlich ar- 

beiten, bleibt trotz den niedrigen 

Eintrittspreisen jedes Jahr ein ansehnlicher 

Gewinn übrig. 

Das Motto der diesjährigen Tour 

de Lorraine lautet «Gemeingüter 

befreien» und knüpft an das letztjährige 

«Alternativen säen» an. 

Doch was ist ein Gemeingut und 

wieso soll es befreit werden? Solche 

Fragen werden an der Tour de 

Lorraine im Kino in der Reitschule 

und in einer speziell für die TdL geschriebenen 

Performance im Tojo 

Theater, diskutiert. Aber auch an 

den Stammtischen der an der TdL 

beteilitgten Beizen soll eine Auseinandersetzung 

über Gemeingüter 

stattfinden. Zu den Getränken werden 

dort Bierdeckel aufgetischt, 

auf deren Rückseite Fragen zum 

Thema gestellt werden, die von 

den Gästen diskutiert und beantwortet 

werden können. 

renaissance der gemeingüter 

Spätestens seit der Verleihung 

des Nobelpreises vor zwei Jahren 

an Elinor Ostrom, eine amerikanischen 

Politikwissenschaftlerin 

und Umweltökonomin, die seit 

den 1960er-Jahren über Gemeingüter 

forscht, kann von einer Renaissance 

der Gemeingüter 

gesprochen werden. Auch 

viele soziale Bewegungen 

aus dem Süden und 

Norden, die sich für 

eine Wirtschaft jenseits 

von Markt und 

Staat einsetzen, 

haben das Thema 

in den letzten Jahren 

aufgegriffen 

und die Diskussion 

weiterentwickelt. 

Und nicht zuletzt die 

Bewegung für freie 

Software, welche auf der 

«digitalen Allmend» entwickelt 

wird und für alle zugänglich ist, 

oder Projekte wie Wikipedia, die 

freie Wissensplattform, die durch 

die NutzerInnen entsteht, machen 

die Aktualität und den Nutzen von 

Gemeingütern deutlich. 

Ihren begrifflichen Ursprung haben 

die Gemeingüter –oder englisch 

«commons» – in der mittelalterlichen 

Allmend, einem für alle 

zugänglichen Stück Land einer Gemeinde. 

Mit Gemeingut ist mittlerweile 

aber nicht mehr nur gemeinsam 

genutztes Weideland oder das 

Nutzungsrecht für Wald und Wasser 

gemeint, ebenso wichtig ist 

heute der freie Zugang zu Software 

oder zu immateriellen Gütern wie 

Wissen oder Kultur. 

Ein Gemeingut ist also nicht einfach 

ein starres Konzept, nicht 

einfach ein Gut, an dem sich alle 

bedienen können ohne Auflagen, 

ein Gemeingut muss immer auch 

gepflegt werden von einer Gemein-

schaft, die das Gut nutzt, sonst besteht 

die Gefahr, dass die Quelle 

versiegt. Gemeingüter exisitieren 

also nur durch die Bindung an Gemeinschaften 

und durch kollektives 

Handeln. Das ist die Herausforderung 

und die Chance, die sich uns 

bietet, wenn Gemeingüter gefördert 

und genutzt werden. 

Gemeingüter bieten die Möglichkeit, 

dass das «gute Leben» nicht 

auf dem wirtschaftlichen Erfolg 

eines Individuums beruht, sondern 

dank kollektiv erarbeiteten Errungenschaften 

erreicht werden kann. 

Wer seine/ihre Grundbedürfnisse 

durch den Zugang zu Gemeingütern 

befriedigen kann, ist nicht 

mehr erpressbar durch die kapitalistische 

Wirtschaftslogik und kann 

ein freies Leben führen. So kann 

dem krisengeschüttelten System 

seine ausbeuterische Grundlage 

entzogen werden. Bis es so weit 

ist, müssen allerdings noch einige 

Gemeingüter befreit, erfunden und 

entwickelt werden. 

> david böHner < 

Mehr Infos: www.tourdelorraine.ch oder in der Zeitung antidot 

inclu zur TdL, die ab Mitte Januar in den TdL-Lokalen aufliegt 

und am 20. Januar der WOZ beiliegen wird. 

dIE tour dE lorraInE untErstützt lInkE proJEktE und gruppEn 

der verein tour de lorraine verteilt den gewinn der tour de lorraine an linke projekte und organisationen im 

In- und ausland. an den vierteljährlichen vorstandssitzungen wird über die eingetroffenen unterstützungsanträge 

entschieden. dabei werden in der regel Beträge zwischen einigen hundert bis ca. 5000 franken gesprochen. vorstandsmitglieder 

des vereins tour de lorraine sind personen aus folgenden gruppen beteiligt: attac Bern, augenauf 

Bern, oeme-kommission der stadt Bern, Brasserie lorraine, restaurant sous le pont. 

unErstützungsBEIträgE 2009 

• Verein «immerda» (linker Computerserver und 

It-projekt) 

• Dance Out Moneymania 2009 & Dance Out WEF 

• Internationale Konferenz «Das andere Davos 09» 

• Velokarawane gegen Gentechversuche 

• Radio RaBe - Inforedaktion 

• IFIR – International Federation of Iraqi Refugees 

• Anti-Folter Kampagne in Guerrero (Bundesstaat in 

mexiko), via medico international 

• Walal – Schwester, Kultur- und Informationsanlass 

zu mädchen- und frauenbeschneidung anlässlich 

des internationalen tags gegen gewalt an frauen 

• Autonome Schule Denk-Mal 

• Attac-Sommeruni 

• Antifaschistischer Abendspaziergang 2009 in Bern 

• Kampagne gegen die WTO-Ministerkonferenz in 

genf vom dezember 09 

• Potpourri Anatoilien (Aktivitäten der Gruppe im 

rahmen des festivals «50 Jahre quartierverein im 

tscharnergut») 

• dafne – das feministische Netz 

• Fiche 2.0 – Demo gegen Überwachungsstaat und 

dna- fichierung vom 5.12.09 in Bern 

• Dokumentarfilm «Amarillo» über Menschenrechtsverletzungen 

und vertreibungen in 

kolumbien 

untErstützungsBEIträgE 2010 

• Protestcamp Bleiberecht für alle Bern 

• Vision 2035, Veranstaltungsreihe in Biel 

• Antifaschistischer Abendspaziergang 2010 in Bern 

• Edition Entremonde. Publikationsbeitrag für «Les 

autoréductions» von yann Collonges und pierre 

georges randal 

• Velokarawane gegen Gentechversuche 

• Saatgutbörse Longo Maï 

• Plakatkampagne der action autonome 

• Internetplattform «www.chefduzen.ch» 

• Ekta Parishad in Indien, Beitrag für ein Jugendcamp 

zur vorbereitung eines grossen protestmarsch im 

Jahr 2012 

• La Blatt, Anarcho-Zeitung aus Biel 

• Vertragslandwirtschaftsprojekt Bern (daraus 

hervorgegangen ist der verein soliterre) 

• Landwirtschaftsprojekt «Les Pommerats» bei 

saignelégier 

• Veranstaltungsreihe «Theorie um Tierbefreiung» in 

verschiedenen schweizer städten. 

• Bildungsprojekt Bats‘il Kop in San Cristòbal de las 

Casas, mexiko 

InnEnland 


den gurt enger scHnallen 

die definition des wahnsinns – 

irland in der krise 

waHnsinn versteHt sicH in der zwang- 

Haften ausfüHrung der iMMer gleicHen, 

sicH stÄndig wiederHolenden Handlung, 

Mit der erwartung eines neuen resultats: 

irland übt sicH zur zeit in dieseM 

gedanken. eine weitere rezession, 

das HÄrteste budget seit eH und Je 

und das einscHreiten des iwf. – 

ein stiMMungsbericHt. 


28 megafon nr. 351, Januar 2011 

Am 27. November 2010 haben 

sich etliche Demonstrant_innen 

friedlich in der Hautpstadt zusammengefunden. 

Der Grund ist 

die zunehmende Unzufriedenheit 

in der Bevölkerung und auch das 

Einschreiten des IWF. Seit dem 

Start der Rezession vor ungefähr 

zwei Jahren wurde der Gürtel bei 

den meisten Bürger_innen bereits 

etliche Male enger geschnallt: 

Zum Beispiel im Dezember 2009 

als das letzte Budget verabschiedet 

worden ist, da wurde von heute 

auf morgen eine zweiprozentige 

Steuererhöhung für alle Steuerzahler_innen 

beschlossen und der 

Weihnachtsbonus für Arbeitslose 

und Pensionierte wurde zwei Wochen 

vor Weihnachten gestrichen. 

Gleichzeitig wurde die NAMA (National 

Asset Management Agency) 

gebildet; wie in den meisten europäischen 

Staaten kaufte die Regierung 

die faulen Kredite der Banken, 

welche die Immobilienblase 

verursacht hatten. Die irische Bevölkerung 

war plötzlich Besitzerin 

der grössten Banken des Landes. 

Aber es schwieg, die Demonstrationen 

beschränkten sich auf ein 

paar verloren aussehende Menschenknäuel, 

die mit Plakaten 

und Transparenten vor Gebäuden 

herumstanden. Nicht so ein Jahr 

später: Etwa 100 000 Menschen 

marschieren an einem kalten Wintertag 

durch die Innenstadt, der 

Umzug erinnert aber eher an ein 

Begräbnis. Im Hinterkopf kommt 

der Gedanke auf, es sei «das Begräbnis 

der Republik». 

Die Unabhängigkeit von Grossbritannien 

hat Irland Anfang des 

20. Jahrhundert erlangt, im 21. 

Jahrhundert hat sie diese wieder 

verloren, so sehen zum Beispiel 

Intellektuelle aber auch Politiker_ 

innen der nationalistischen Partei 

«Sein Fein» das Einschreiten des 

IWF. 

wie eng geht es? 

enger schnallen bis 

die luft ausgeht 

Die irische Regierung sieht sich 

gezwungen, einen Kredit von 85 

Milliarden Euro mit einem Zinssatz 

von 5,8 Prozent aufzunehmen 

um das Schuldenloch, entstanden 

durch die Rettungsaktion für die 

Banken, im Staatshaushalt annähernd 

stopfen zu könnnen. Diese 

5,8 Prozent entsprechen 1/5 des 

jährlichen Steuereinkommens. 

Weitere Gelder will die Regierung 

mit dem härtesten Budget der 

irischen Geschichte, das Anfang 

Dezember verabschiedet worden 

ist, einholen. Der Vierjahresplan 

bedeutet, Luft anhalten, wenn man 

nicht zur Oberschicht des Landes 

gehört. In neo-liberaler Art wird 

drastisch gekürzt bei Kinderzulagen, 

Arbeitslosengeld, Unterstützung 

der Alten und Schwachen, 

in Schulen, im Service Public und 

mit einer so genannten neuen universellen 

Sozialsteuer und einer 

Unmenge an weiteren Abgaben 

und Steuern. Was an dem Ganzen 

sozial sein soll, versteht auch hier 

kein Mensch. Wie kommt es, dass 

ein Arbeiter mit dem Mindestlohn 

von jährlich 17 000 Euro nun pro 

Jahr zum Einkommen jährlich etwa 

2600 Euro mehr Steuern und Abgaben 

bezahlen muss, eine Familie 

mit einem Jahreseinkommen von 

über 100 000 Euro pro Jahr aber 

nur rund 3000 Euro Mehrabgaben 

zu berappen hat? 

Fragen wie diese beschäftigen 

die Republik und die Medien zur 

Zeit, Antworten werden aber vergeblich 

gesucht. Die Regierung 

spricht von einem fairen Entscheid, 

von einem Budget, das zwar alle 

mehr belastet, jedoch gerecht sei. 

Als Konsequenz der miesen 

Wirtschaftslage emigrieren immer 

mehr junge Menschen wie in 

den 1980er-Jahren nach Kanada, 

Australien, England – überall 

ist besser als in Irland. Sogar das 

Äquivalent zu RAV-Berater-innen 

zuckt nur noch mit den Schultern 

und schiebt Uni-Absolvent_innen 

den Antrag für ein Visum unter die 

Nase. Irgendwie fühlt man sich wie 

auf der Titanic, die gerade den Eisberg 

gerammt hat. 

demokratie & ignoranz 

Das Vertrauen in die Regierung 

ist und war auch in der Vergangenheit, 

nicht sehr gross bei der 

Bevölkerung. Der Taoiseach 1 Brian 

Cowen (liebevoll BIFFO «Big 

ignorance fat fucker from Offaly» 

genannt) wurde in sein Amt nicht 

gewählt, sondern übernahm die 

Nachfolge von Bertie Ahern, unter 

dem er der Finanzminister war. 

Beide gehören zur konservativen 

Partei «Fianna Fail». Ist er also für 

diesen ganzen Schlamassel verantwortlich 

zu machen? Antworten 

hierzu sind in Tageszeitungen und 

auch Politikprogrammen am Fernsehen 

schwerlich zu finden. Es finden 

sich schnell Widersprüche und 

Lügen, es ist nicht einfach, sich 

ein umfassendes Bild zu machen. 

Sozialer Sprengstoff gibt es in der 

politischen Diskussion und im Budget 

aber genug; die gut bezahlten 

Politiker_innen müssen nicht um 

ihren Lohn fürchten. Erstaunlich 

in meinen Augen jedoch ist, dass 

die Politiker_innen und die Regierenden 

die Macht so offensichtlich

missbrauchen, dass es schon fast 

weh tut. Wie kann man als Bürger_in 

die Regierung noch ernst 

nehmen, wenn zum Beispiel die 

Gesundheits-Ministerin Mary Harney 

mit ihrem Privatjet in die USA 

fliegen kann, um sich ihre Nägel 

machen zu lassen, die Reise dann 

als Spesen abbucht, und selbst, 

nachdem dies öffentlich wird, nicht 

zur Rechenschaft gezogen wird? 

Oder wie kann das Jahresgehalt 

Brian Cowens gerechtfertigt werden? 

Dieses soll angeblich höher 

sein als dasjenige von Barak Obama. 

Beispiele wie diese gibt es 

haufenweise, und bestärken die 

Einstellung vieler Ir_innen, dass 

sich die Regierung überhaupt nicht 

um das Volk schere. 

Politikwissenschaftlerin Elaine 

Byrne vom Trinity College in Dublin 

spricht gar von einem Demokratieverlust: 

Sie argumentiert, dass 

man aufhört sich zu kümmern, 

wenn Integrität und klare Kommunikation 

nicht mehr gegeben ist. 

Die Machthabenden schützen sich 

zuerst selbst und identifizieren ihr 

Interesse mit dem der Öffentlichkeit, 

gestützt von der Überzeugung, 

dass das Volk zu dumm ist, die 

Sachverhalte zu verstehen. Somit 

rechtfertigen sich die Entscheide 

selbst. Durch diesen Nicht-Transfer 

von Informationen sei die Demokratie 

gescheitert. Diesen Ge- 

danken unterstützend, hat sich die 

Ministerin für Tourismus von der 

Partei «Finna Fail» in einer Fernsehdebatte 

geäussert, dass das 

Einschreiten des IMF und deren 

Vorteil zu kompliziert sei, um vom 

Volk verstanden zu werden, solche 

Entscheide sollen von Leuten mit 

den richtigen Kompetenzen gefällt 

werden. Eine solche Politik der 

Bevormundung stösst vielen auf. 

Wie ein Gewerkschaftsmitarbeiter 

treffend formulierte: «It is a situation 

of mind over matter. They don‘t 

mind and we don‘t matter.» 

der Postkoloniale kater 

Irland ist jedoch nicht das einzige 

Land, welches zur Zeit mit Herausforderungen 

kämpft; Portugal, 

Griechenland und wer weiss wer 

noch, wird folgen. Einsparungen 

und Kürzungen werden überall 

gemacht, «Rezession» wurde zum 

Trendwort. Anders die Reaktion der 

Ir_innen und der Regierung. Ich ertappe 

mich manchmal dabei, wie 

ich durch die Stadt gehe und, nach 

Zeichen der Wut, der Frustration 

oder des sich-kümmerns suche. 

Die meisten Europäer_innen des 

Kontinents finden es befremdend, 

dass nur schwache Reaktionen 

der Ir_innen zu verspüren sind, es 

scheint als gehe für sie das Leben 

weiter – Kopf runter und warten 

bis es vorbei ist. Wenn die Banlieus 

von Paris brennen oder in Athen 

von Anarchismus gesprochen wird, 

gehen hier alle lieber ins Pub oder 

schauen die Fernsehtalentshow 

The X-Factor. 

Die Demo nach der Verabschiedung 

des Budget mobilisierte ein 

paar hundert Student_innen, welche 

auf alte Töpfe einschlugen. 

Ist der Inselstaat bereits in einem 

Status der Apathie? Rezession und 

Armut ist nichts Neues, bereits 

in den 1980ern war Irland als das 

Armenhaus von Europa bekannt. 

Sekundarschulabsolventen blieb 

damals oftmals nur das Arbeitslosengeld 

als Einkommensquelle, 

wenn überhaupt. Wiederholt sich 

die Geschichte? Oder wird es Irland 

schaffen, sich durch die Krise neu 

zu definieren wie es Elaine Byrne 

hofft: Jetzt sei die Zeit der Veränderung 

und der Ablösung, die Chance 

einer eigenen, unabhängigen Identität. 

In der Zwischenzeit geniesse ich 

die unschlagbare irische Offenheit, 

Freundlichkeit und Sinn für Humor: 

Hoffen wir das Beste. 

> seraina vogel < 

1 der taoiseach ist 

das höchste amt der 

regierenden partei, 

er und seine partei 

entscheiden die 

regierungsangelegenheiten. 



offensiVes wohnen? 

die rubrik «scHöner woHnen» stellt ab 

Januar Jeden Monat eine woHnforM vor, 

die sicH ausserHalb der norM der 2-3-4… 

ziMMerwoHnungen und einfaMilienHÄuser 

Positioniert. docH was ist woHnen über- 

HauPt. eine einleitung von P.M. 

vgl. 

neustartschweiz.ch 

sChönEr WohnEn 

30 


«Wohnen» gibt es erst seit etwa 

200 Jahren, als eine grosse Zahl 

von Fabrikarbeiter_innen zwischen 

Arbeitseinsätzen möglichst effizient 

gelagert werden musste. Anfangs 

waren das Schlafsäle in der 

Fabrik selbst (wie zum Beispiel in 

der Spinnerei Hard in Winterthur), 

dann «Mietskasernen» oder Arbeitersiedlungen 

möglichst nahe am 

Arbeitsplatz. Mit der Intensivierung 

der Arbeit und der dadurch 

bedingten Aufwertung des Humankapitals 

wurde die Lagerung 

und Erholung der Lohnarbeiter_ 

innen immer wichtiger. Der grosse 

Wendepunkt war die Erfindung der 

Gartenstadt ( Howard 1902, Unwin 

1903, Le Corbusier 1926), die möglichst 

weit weg vom Arbeitsplatz, 

im Grüngürtel der Städte, eine Art 

Gegenwelt zur garstigen Arbeitswelt 

bilden und die Arbeiter_innen 

sowohl regenerieren als auch mit 

kompensatorischem Komfort belohnen 

und ablenken sollte. Zugleich 

wurde damit die Kommunikation 

unter den Arbeiter_innen 

behindert und konnten revolutionäre 

Situationen (Aufstand im 

Schlafsaal!) vermieden werden. 

Diese Art von Wohnen – in Reihenhäuschen 

in der Agglo, in mehr oder 

weniger schönen Blöcken, in Suburbs 

à la Lewittown (USA) – ist eng 

mit der Konsumgesellschaft, dem 

Fordo-Sozialdemokratismus und 

dem Automobilismus verwoben. 

Seit den 1990er-Jahren des 

letzten Jahrhunderts hat sich der 

Arbeitsdruck noch einmal erhöht, 

vor allem die nervliche Belastung 

hat zugenommen; Phänomene wie 

Burnout, Depressionen, Selbstmorde, 

aber auch Existenzängste 

wegen der zunehmenden Preka- 

scHöner woHnen – die neue rubrik 

risierung, prägen diese Periode. 

Die Abspaltung der Arbeitswelt von 

der Konsumwelt hat in dieser Zeit 

sowohl geographisch (weg damit 

nach China) als auch kulturell extreme 

Formen angenommen. Ein 

gutes Beispiel ist der S-Bahnraum 

Zürich, wo Arbeits- Vergnügungs- 

und Wohnzonen sich weitgehend 

entflochten haben (mit Ausnahme 

von Zürich West, wo die Arbeitszone 

am Wochenende zu einer grossen 

Partyzone wird, mit völlig verschiedenem 

Personal). 

Die Funktion des Wohnens als 

Flucht- und Gegenwelt zur Arbeitswelt 

macht jegliche Vorstellungen 

von kommunikativem, interaktivem 

oder gar kooperativem Wohnen 

illusorisch. Wohnen wird heute 

gebraucht zur Wiederherstellung 

der Arbeitskraft, zur Entspannung, 

zur Beziehungspflege, für Meditation, 

Yoga, Kochen, Kultur, Sport, 

Wellness usw. Dazu kommen noch 

familiäre Pflichten, wie Kindererziehung, 

Verwandtenbesuche, 

Paartherapien – alles muss noch 

hineingequetscht werden. Die Lage 

der Wohnung ist so gewählt, dass 

sie in einem vernünftigen Schwerpunkt 

von Arbeit, Einkaufen, Erholen 

liegt. Die Wohnung selbst soll 

vor allem isolieren, von Nachbar_ 

innen, von Lärm, Gerüchen, unerwünschten 

Kontakten aller Art. 

Wer auch noch dort wohnt, ist egal, 

solange es nicht stört. Der private 

Aussenraum ist immer wichtiger 

geworden: ein grosser Balkon soll 

einen Zugang zur Natur bieten 

ohne für Nachbar_innen einsehbar 

zu sein. All diese Anforderungen an 

die erweiterte Reproduktionszone 

«Wohnen» haben zu einem immensen 

Flächenbedarf geführt – er ist 

in Zürich von 20 m2/Person in den 

fünfziger Jahren auf 52,1 m2 (2008) 

gestiegen. Der «Wohnpanzer» um 

das erschöpfte, entnervte und nicht 

mehr ansprechbare Arbeitssubjekt 

herum ist immer dicker geworden. 

Zugleich ist der Energie- und Ressourcenbedarf 

explodiert – von der 

2000-Watt-Gesellschaft der fünfziger 

Jahre zu einer 6000-Watt (oder 

9000-Watt, wenn man die graue 

Energie einrechnet) Gesellschaft. 

Das «Grüne» ist zersiedelt worden 

vom «Wohnen in Grünen» zu einem 

«Wohnen im Graugrünen». 

Das Wohnen ist heute eine defensive 

Zone; die Rechten fordern 

mehr Eigentumswohnungen, die 

Linken mehr günstige Mietwohnungen. 

Beide sehen das Wohnen 

nur komplementär zu einer Arbeitswelt, 

wo gerade die neuste 

globalisierte ökonomische Offensive 

ausgefochten wird. 

Doch beides geht nicht mehr 

lange gut: die Globalisierung ist 

in Krise, unsere Lebensweise (inklusive 

Wohnen) ist nicht haltbar, 

weder ökologisch und sozial, noch 

nervlich. Wir müssen da raus. 

wo findet der 

ausbruch statt? 

Wie gesagt: Die Vorstellung von 

kooperativen Nachbarschaften, wo 

Bewohner_innen gemeinsam die 

Lebensmittelversorgung, ein Restaurant, 

Kinderkrippen, Billardsalons, 

Badeanlagen, Tauschzentren, 

usw. betreiben, Dachgärten, 

Spielplätze, Aussenräume, pflegen, 

ist äusserst schwierig. 

Wir haben praktisch keine 

Chance gegen Arbeit, Familie, 

Gesundheitspflege, usw. Ein heil

samer Ausbruch aus der weltweiten 

Selbstbehinderungs-Gesellschaft 

muss daher sowohl in der Arbeits- 

wie in der Wohnwelt geschehen. 

In der Wohnwelt haben wir keine 

Chance – höchstens vielleicht 

20 Minuten pro Tag, zwischen dem 

Nachhausekommen und dem Verschwinden 

in der Selbstheilungszelle 

namens Wohnung. Mit diesen 

20 Minuten lässt sich etwas anfangen: 

vielleicht ein Lebensmitteldepot 

mit Direktbelieferung, vielleicht 

eine kleine Bar, vielleicht ein Mittagstisch 

oder gemeinsames Kochen 

am Abend, vielleicht mal ein 

DVD-Abend. Kommunikationskerne 

im defensiven Umfeld können Kooperations- 

und Ausbruchschancen 

bieten. Vielleicht haben sie sogar 

Rückwirkungen auf die Arbeitssituation: 

Nachbar_innen sind vielleicht 

in ähnlichen Situationen, sie sind 

vielleicht Gewerkschaftsmitglieder, 

vielleicht sogar Anwälte, vielleicht 

kennen sie Politiker_innen. 

Offensives Wohnen heisst also 

(für die meisten Wohnenden): aus 

20 Minuten etwas machen. 

Was, wie und wo kann nur im 

Einzelfall entschieden werden. Wir 

sind alle schon am richtigen Ort: 

Wir «wohnen» dort. 

> P.M.< 

ab februar stellen wir monatlich ein Wohnprojekt 

vor. soll deines dabei sein? dann 

melde dich bei megafon@reitschule.ch 

sChönEr WohnEn 


kultur Et all 

32 


bucHtiPP Januar 2011 

konzePtion der grausamkeit 

antonin artaud war ein französiscHer 

scHriftsteller, scHausPieler und büHnentHeoretiker. 

Mit seineM tHeater der 

grausaMkeit beeinflusste er die entwicklung 

des Modernen tHeaters entscHeidend. 

der kunstscHaffende JoHannes 

l. lÄdt aM 29. Januar 2011 ab 18 uHr 

zur vernissage in den kulturHof scHloss 

köniz ein zu seiner ersten ausstellung 

zu uMsetzungen der ideen- und bilderwelt 

anton artauds. 

grausamkeit als selbstentblössungsprozess 

und rückführung 

zu den quellen der konflikte: 

Johannes, was ist die 

bedeutung der grausamkeit? 

Johannes: Die Konzeption der 

Grausamkeit lässt sich bei Artaud 

nicht auf die gängige Vorstellung 

des Grausamen zurückführen, wie 

man sie etwa bei Marquis de Sade 

oder beim Nationalsozialismus vor 

Augen hat. Artaud entwickelt eine 

Theorie der Grausamkeit, um als 

Opfer zu überleben. Als Artaud aufgrund 

seinen Opiumkonsums fast 

zehn Jahre in die Psychiatrie gesteckt 

und dort mit Elektroschocks 

bis zur Unkenntlichkeit malträtiert 

wird, beginnt Artaud Briefe 

zu schreiben, die er mit glühenden 

Zigaretten durchlöchert. Für mich 

sind diese Briefe Artauds eine Art 

Flaschenpost, welche die gesamte 

grausame Intensität der Kulturgeschichte 

verkörpern. Der Artaud- 

Interpret Deleuze meinte, dass 

der Körper keine Organe, sondern 

bloss aus Fleisch und Nerven beschaffenen 

Ebenen in sich trüge. 

Genau diese Ebenen wurden bei 

Artaud mit Elektroschocks durchlöchert. 

Ähnlich wie bei Franziskus, 

der von einer äusseren Macht stigmatisiert 

wurde, ist auch Artaud 

zu einem durchlöcherten Körper 

gemacht worden. Im Gegensatz 

zu Franziskus wurde Artaud aber 

nie von der Katholischen Kirche 

heilig gesprochen. Und selbst die 

allgemeine Kulturgeschichte der 

Geisteswissenschaften anerkennt 

Artaud nicht als Figur, die wie zum 

Beispiel Kant oder Max Weber zi- 

tiert werden darf. Fällt der Name 

Artaud, lachen alle. Dieses Lachen 

verkörpert nichts Humorvolles, 

sondern eine Grausamkeit, die 

Artaud zugrunde gerichtet hat. Artauds 

letzte Bitte «Schluss mit dem 

Gericht» und sein gesamtes Werk 

beschwören ein Lachen, eine Lust 

ohne Marter, Sadismus, Gericht, 

etc. herauf. Solange das Lachen 

aber grausame Züge trägt, bleiben 

Artauds durchlöcherten Klagebriefe 

aktuell. 

wie hast du die konzep tion 

von grausamkeit in deinem 

werk umgesetzt? 

Artauds durchlöcherte Briefe 

sind Kulturdokumente der Grausamkeit, 

die er ja in der Zeit 

«schrieb», in der er mit Elektroschocks 

malträtiert wurde. Durchlöchert 

hat Artaud seine Briefe mit 

glühenden Zigaretten. Zwar greife 

ich nicht zur glühenden Zigarette, 

wenn ich Bilder produziere, ein 

Feuerzeug reicht für mich aus. 

Während der Gestaltung ist es für 

mich aber sehr wichtig, nicht die 

vor mir liegende Skizze zu verbrennen 

oder zu durchlöchern. 

Deshalb stecke ich die Zeichnung 

in eine Schutzfolie, beziehungsweise 

in eine Laminierfolie. In der 

Laminierfolie ist die Zeichnung 

abgeschirmt vor dem Feuer. Nun 

beginnt die Malphase mit dem Feuerzeug. 

Auf die Laminierfolie klebe 

ich durchsichtiges Klebeband und 

verbrenne dieses manchmal leicht, 

manchmal stark. Hinzu kommt nun 

die weisse Ölfarbe, die ich mit der 

Asche auf der Laminierfolie vermische 

und dadurch eine hell-dunkel 

Wirkung auf der Laminierfolie erreichen 

kann. Manchmal ziehe ich 

die Konturen der Zeichnung in der 

Laminierfolie mit Ölkreide nach. 

Die Motive der Bilder, die ich produziere, 

stehen meistens im Kontext 

der Geschichte. Ein wichtiges 

Motiv, das ich gewählt habe, hat 

mit dem Spanischen Bürgerkrieg 

zu tun. Die Anarchist_innen hatten 

surrealistische Künstler_innen 

angefragt, ob sie Motive schaffen 

könnten, mit denen man Gefangene 

foltern könnten. Für mich sind 

nicht die Anarchist_innen im Spanischen 

Bürgerkrieg die eigentlichen 

Bösen, die mit Kunst Menschen 

gefoltert haben. Vielmehr 

sind für mich die Surrealist_innen 

grausam. Artaud war der erste, der 

in den 1920er-Jahren vom surrealistischen 

Kollektiv André Bretons 

ausgeschlossen wurde. 

Betrachtet man die Motive der 

Surrealisten nicht träumerisch, 

sondern realistisch, dann sehen 

wir, dass wir es hier mit Tätern zu 

tun haben, die nicht zufällig Artaud 

ausschlossen und später nach 

dem Zweiten Weltkriege auch Bilder 

von Francis Bacon ablehnten. 

Aus diesen Gründen habe ich beispielsweise 

ein surrealistisches 

Motiv aus dem Film «Der andalusische 

Hund» für ein Bild gewählt, 

welches ich dann neu in Szene zu 

bringen versuchte. In der Grossaufnahme 

wird einer Frau mit einer 

Rasierklinge ein Auge aufgeschlitzt. 

Diese Szene malte ich, um 

die reale Grausamkeit der Surrealisten 

im Dienste der Folter während 

dem Spanischen Bürgerkrieg 

vor Augen zu haben. Es ist für mich 

zudem auch ein Anklagebild gegen 

die gesamte Moderne, die Artaud 

mit Elektroschock malträtierte und 

die in Auschwitz ihr Urbild fand.

welche aussagen kannst du 

zu artauds definition der 

«mythen des modernen menschen 

und des modernen lebens» 

machen? 

Schwierige Frage. Arthur Rimbaud 

hat einmal gesagt, dass der 

Mensch möglichst modern sein 

soll. Zur Zeit Rimbauds war diese 

Aussage mehr als berechtigt. 

Heute wäre es aber cool, wenn 

wir möglichst postmodern werden 

könnten. Obwohl Artaud in der 

Moderne lebte, verkörpert er die 

Postmoderne. Stefan Zweifel hat 

darauf aufmerksam gemacht, dass 

der Name ARThur rimbAUD den 

Namen ARTAUD in sich trägt. Vielleicht 

war bereits ARThur rimbAUD 

eine postmoderne Person. Auf alle 

Fälle sind ARThur rimbAUD und 

ARTAUD selbst zu postmodernen 

Mythen geworden. Was diese Mythen 

jedoch auszeichnen, ist ihre 

Entstehung in einer realen Welt. 

> sat < 

lektüretipps zu antonin artaud? 

«van gogh, der selbstmörder durch die 

gesellschaft» artaud schrieb dieses Werk 

kurz vor seinem selbstmord. 

alle zitate vom artaud-Interpreten gilles 

deleuze. 

PrograMM seiten 

kino 1-3 

dacHstock 4-6 

rössli 7-8 

sous le Pont 8 

toJo tHeater 9-11 

frauenrauM 12 

kultur Et all 


abschnitt 

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 

KINO 

PROGRAMM 

megafon 10.12 

ein paar wenige sind beim Festival mit eingebunden. 

Ein liebevoller «Clash der innereuropäischen Kulturen», 

dokumentiert aus der Sicht einer Koreanerin. Der Dokumentarfilm 

trägt den Untertitel «Heimatfilm» – nicht zu 

Unrecht. 

«Man muss dem Geld entgegen gehen und ihm nicht 

hinterher rennen». 

> Bauer Trede im Film «Full Metal Village» 

Freitag, 14. Januar, 20.00 uhr 

WhoSe iS thiS Song? 

Kinderfilm am flohmi 

Sonntag, 2. Januar, 13.30 uhr 

michel in der SuppenSchüSSel 

Kinderfilm am flohmi 


michel in der SuppenSchüSSel 

olle hellborn, Schweden/deutSchland 1971, 

95 Min, 35MM, d 

adela PeeVa, bulgarien 2003, 70 Min., OV/e 

in anweSenHeit der regiSSeurin 

Die Filmemacherin Adela Peeva wundert sich: Woher 

stammt diese Melodie, die ihr schon als Kind so gefallen 

hat? Sie reist durch die Türkei, Griechenland, Mazedonien, 

Albanien, Bosnien, Serbien und Bulgarien und 

fragt nach. Überall behaupten die Menschen: «Dieses 

Lied stammt von uns!» Ein sehr bewegender und auch 

tragischer Film über die starke Bedeutung von Musik und 

Identität in sozialen und politischen Kontexten. Der Film 

entstand bereits 2003, hat aber von seiner Aktualität und 

Brisanz nichts eingebüsst. 

«Wer hat’s erfunden?» Die Frage, die bei uns im Zusammenhang 

mit Werbung für ein Schweizer Kräuterbonbon 

bekannt geworden ist, ist auf dem Balkan nicht bloss 

ein witziger Werbegag, sondern eine zentrale Frage der 

nationalen und persönlichen Identität, die in zahlreichen 

Alltagsgesprächen immer wieder diskutiert wird. Die 

eigene Identität scheint zentral mit der Frage von Herkunft 

und Ursprung kultureller Erscheinungen und dem 

Nachweis des jeweils hohen Alters der eigenen Kultur 

verknüpft zu sein. 

> Dieter Ringli, Musikethnologe, 

über «Whose is this Song?» 

uncut-Warme filme 

dienStag, 11. Januar, 20.30 uhr 

daKan √ SchicKSal 

MohaMed caMara, guinea 1997, 89‘, ov/d, 

2. norient muSiKfilm feStival 

donnerStag, 13. Januar, 20.00 uhr 

muezzin 

SebaStian braMeShuber, türkei/ÖSterreich 2009, 

85 Min., ov/d 

Schweizer PreMiere, in anweSenheit deS regiSSeurS 

WE DON'T CARE ABOUT MUSIC ANYWAY... 

SamStag, 15. Januar, ca. 22.00 uhr 

We don't care aBout muSic 

anyWay... 

Olle HellbOrn, ScHweden/deutScHland 1971, 

95 Min, 35MM, d 

Der kleine Michel Svennson lebt mit seiner Familie auf 

einem Bauernhof im schwedischen Dörfchen Lönneberga. 

Eigentlich ist Michel ein lieber Kerl und immer hilfsbereit 

– aber eine Sache ist wie verhext: Was immer Michel 

auch tut, es kommt immer ein Streich dabei heraus. 

Zur Strafe wird er jedes Mal in den Tischlerschuppen 

gesperrt, wo er sich die Zeit mit dem Schnitzen kleiner 

Holzfiguren vertreibt. Inzwischen ist auf diese Weise 

eine beachtliche Sammlung von Holzmännchen entstanden, 

und es sieht ganz so aus, als würden noch viele 

dazukommen: Da ist zum Beispiel die Geschichte mit 

der Ratte, die Michel in der Küche fangen will. Kaum hat 

er die Falle aufgestellt, da gerät auch schon sein Vater 

Anton mit dem Zeh hinein. Oder der Tag, an dem Michel 

den Rest Fleischbrühe auszuschlürfen versucht – und mit 

dem Kopf in der Schüssel stecken bleibt... 

donnerStag, 13. Januar, ca. 22.00 uhr 

taqWacore: the Birth of punK iSlam 

oMar MaJeed uSa/PakiStan 2009, 80 Min., ov/e 

Schweizer PreMiere 

cédric duPire und gaSPard kuentz, frankreicH/JaPan 

2009, 80 Min., OV/e 

«We don’t Care about Music Anyway…» beleuchtet das 

Geräuschmusikschaffen in Japan. Wie die Ritter der 

Tafelrunde trifft sich die japanische Noise-Szene am 

quadratischen Tisch und diskutiert. Wie in einem langen 

Videoclip erscheint dann auch der Sound von Otomo 

Yoshihide, Sakamoto Hiromichi, Takehisha Ken, Yamakawa 

Fuyuki, Numb, Saidrum, L?K? und Goth-Trad. Ein 

schönes Porträt der so wunderschön unschönen Klänge 

des japanischen Untergrunds. Der Film erinnert in seiner 

poetischen Radikalität an den Musikfilmklassiker «Step 

Across the Border» von Nicolas Humbert und Werner 

Penzel. 

Was ist Musik? Was darf sie sein? Oder: Wie muss Musik 

klingen, um als Musik wahrgenommen zu werden? Der 


WhoSe iS thiS Song? 

adela Peeva, bulgarien 2003, 70 Min., ov/e 

in anweSenheit der regiSSeurin 

2. norient muSiKfilmfeStival 

DonnerStag, 13. Januar, 20.00 uhr 

muezzin 

Freitag, 14. Januar, ca. 21.45 uhr 

foKofpoliSieKar (fucK-off-police-car) 

bryan little, SüdaFrika 2009, 105 Min., ov/e 

Schweizer PreMiere 

Freitag, 14. Januar, ca. 21.45 uhr uhr 

foKofpoliSieKar 

(fucK-off-police-car) 

SebaStian braMeSHuber, türkei/ÖSterreicH 

2009, 85 Min., OV/d / ScHweizer PreMiere, 

in anweSenHeit deS regiSSeurS 

Seit den Tagen des Propheten Mohammed folgen 

gläubige Muslime dem Gebetsaufruf des Muezzins. Ein 

neuzeitliches Phänomen sind die türkischen Gebetsrufwettbewerbe, 

bei denen sich die Muezzine des Landes 

in der Kunst messen, den schönsten Gebetsruf zu rezi- 

SaMStag, 15. Januar, 20.00 uhr 

full metal village 

cho Sung-hyung, deutSchland 2006, 90 Min. d 

bryan little, Südafrika 2009, 105 Min., OV/e 

ScHweizer PreMiere 

«Fokofpolisiekar» ist der Name einer südafrikanischen 

Punkband. Dieser Rockumentary-Film begleitet die Band 

während ihres Aufstiegs von einer unbekannten Punkband 

zu einer der wichtigsten Rockbands der jüngsten 

SaMStag, 15. Januar, ca. 22.00 uhr 

We don't care aBout muSic anyWay ... 

cédric duPire und gaSPard kuentz, Frankreich/ 

JaPan 2009, 80 Min., ov/e

Filmtitel «We don't Care about Music Anyway...» ist denn 

auch an diese Diskussionen angelehnt: Klang steht im 

Zentrum. Klang – oder Sound – soll in seiner endlosen 

und reichen Vielfalt erlebbar werden. Musik besteht aus 

Klängen. Klang darf alles. Klang ist alles. 

> Paed Conca, Musiker, über 

«We don't Care about Music Anyway...» 

MeHr beiträge zu den filMen und zuM 

feStiVal weiter VOrne in dieSeM MegafOn! 

südafrikanischen Geschichte. Die Gruppe bricht laufend 

Tabus (in mehrfacher Hinsicht) und lotet Grenzen aus. 

Der Name allein ist eine Provokation: Die Bandmitglieder 

erhalten Morddrohungen wegen blasphemischen 

Bagatellen und die südafrikanischen Medien drohen mit 

Zensur. Dass diese weisse Rockband zudem in Afrikaans 

singt, kratzt an der «Political Correctness» der Post- 

Apartheid-Gesellschaft. Bryan Little kreiert mit dem Film 

eine grosse Nähe zu den Rockstars. Er begleitet sie fast 

voyeuristisch auf ihrem Trip durch den «Rock’n'Roll Way 

of Life». 

The instructions they gave us 

Work, wed and have children 

And possibly suffer from depression 

Someone has to ask why... 

> Songtext von Fokofpolisiekar 

tour de lorraine 

Mittwoch, 19. Januar, 19.00 uhr 

Wem gehört die erde? 

geMeinSchaFten gegen rohStoFF-konzerne. 

inFoabend über die ProbleMe Mit Schweizer rohStoFFkonzernen 

und die käMPFe der betroFFenen geMein- 

SchaFten vor ort. 

Mit yvonne ziMMerMann (SoliFondS) und StePhan 

Suhner (arbeitSgruPPe Schweiz-koluMbien). organiSiert 

von attac bern und Multiwatch. 


Water maKeS money √ Wie private Konzerne 

auS WaSSer geld machen 

leSlie Franke und herdolor lorenz, d 2010, 90 Min. 

tour de lorraine 

mittwoch, 19. Januar, 19.00 uhr 

Wem gehört die erde? 

tieren. Ihre kraftvollen und expressiven Darbietungen 

beweisen es: Muezzine sind grosse Künstler – oder sind 

sie doch «nur» Instrumente Gottes? Halit Aslan, Muezzin 

der historischen Istanbuler Fatih- Moschee, äussert sich 

skeptisch: «Es ist unmöglich, beim Wettbewerb dieselbe 

Emotionalität zu erreichen wie auf dem Minarett.» Mitmachen 

tut er aber doch. Und seine Chancen zu gewinnen 

stehen gut – wäre da nicht Isa Aydin, ein frommer 

Imam aus einer kleinen Vorstadtmoschee. Der Film «Muezzin» 

folgt dem dramatischen Verlauf des Wettbewerbs 

und diskutiert dabei über die Möglichkeiten und Grenzen 

von Individualität in diesem islamisch geprägten Umfeld. 

Die Türkei sucht nicht nur den «Popstar Alaturka», 

sondern auch den Super-Muezzin. Nicht Glamour und 

Prominenz winken dem besten Muezzin des Landes, sondern 

vor allem Ehre. Und, nun ja, das Materielle findet 

auch im Spirituellen seinen Platz. «Was passiert, wenn 

du gewinnst?», fragt Halit Aslans Sohn. Aslan antwortet, 

indem er Daumen und Zeigefinger aneinander reibt. 

«Dollars?» – «Viele Dollars.» 

> Anna Trechsel, Journalistin 

und Islamwissenschafterin, über «Muezzin» 


voiceS of tranSition 

nilS aguilar, d 2011, 65Min. e,SP,F/d 

geMeinScHaften gegen rOHStOff-kOnzerne. 

infOabend über die PrObleMe Mit ScHweizer 

rOHStOff-kOnzernen und die käMPfe der 

betrOffenen geMeinScHaften VOr Ort. 

Mit yVOnne ziMMerMann (SOlifOndS) und 

StePHan SuHner (arbeitSgruPPe ScHweizkOluMbien). 

OrganiSiert VOn attac bern und MultiwatcH. 

In der kapitalistischen Realität gehört die Erde jenen, 

die genug Geld haben, sie zu kaufen, um damit noch 

mehr Geld zu machen. Das ist auch das Interesse des 

Weltwirtschaftsforums (WEF), dem Lobbyclub der 1000 

grössten globalen Konzerne. 

Mit Erde und den darin enthaltenen Rohstoffen lässt sich 

tatsächlich viel Geld verdienen. Und wo Geld ist, sind 

auch Schweizer Multis. Der WEF-Industriepartner Glencore 

mit Sitz im Zuger Steuerparadies ist der grösste 

Rohstoffhändler der Welt und mit einem Umsatz von über 

100 Milliarden auch der umsatzstärkste «Schweizer» 

Konzern. Ausserdem hält Glencore ein Drittel der Aktien 

von Xstrata. Dieser Bergbaukonzern, der Kupfer und 

Kohle, aber auch Gold und Silber fördert, hat in nur fünf 

Jahren seit dem Börsengang 2002 seinen Umsatz verfünfzehnfacht 

(Rekordwert 2007: 28,5 Mia. US-Dollar). 


picK Wien an 

david Paede und barbara SaS, Ö 2008, 22Min 

helMut SeethalerS 

DonnerStag, 13. Januar, ca. 22.00 uhr 

taqWacore: 

the Birth of punK iSlam 


Street art compilation 

diverSe kurzFilMe zuM theMa 

FULL METAL VILLAGE 

SamStag, 15. Januar, 20.00 uhr 

full metal village 

OMar MaJeed uSa/PakiStan 2009, 80 Min., 

OV/e / ScHweizer PreMiere 

«I am an Islamist! I am the anti-Christ!», singt der 

Sänger von The Kominas aus Boston. Vor sieben Jahren 

publizierte der zum Islam konvertierte amerikanische 

Schriftsteller Michael Muhammad Knight das Buch «The 

Taqwacores», eine Geschichte von Punks, die sich zum 

radikalen Islam bekennen. Aus der Fiktion wird Realität. 

Inzwischen gibt es mehrere muslimische Punkbands in 

den USA. Der Film begleitet die Bands auf ihrer USA-Tour 

und schliesslich nach Pakistan. Ein Roadmovie, der sich 

humorvoll und kritisch mit Fundamentalismus, aber auch 

mit Vorurteilen gegenüber dem Islam auseinandersetzt. 

I don't want assimilation – I just want to blow shit up 

I don't want assimilation – I just want to blow shit up 

> Songtext von The Kominas 

uncut-Warme filme 


elena undone 

nicole conn, uSa 2010, 107 Min., ov/d 

cHO Sung-Hyung, d 2006, 90 Min. d 

«Full Metal Village» ist ein Dokumentarfilm der koreanischen 

Regisseurin Cho Sung-Hyung, gedreht im Schleswig-Holsteinischen 

Dorf Wacken, dem Veranstaltungsort 

des Wacken-Open-Air-Festivals. Im Mittelpunkt des Films 

stehen die Einwohner des kleinen Ortes, der jährlich 

zum Open-Air-Festival von Fans der Heavy-Metal-Szene 

überschwemmt wird. Am ersten Augustwochenende 

treffen sich zirka 60 000 Fans aus aller Welt in Wacken 

– das Dorf selber zählt aber bloss 1800 Einwohner! Der 

Film zeigt die Wackener in ihrem Alltag und fragt nach, 

wie sie die Zeit des Festivals erleben: Einige verreisen, 

TAqWACORE 

abschnitt

abschnitt 

uncut 

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KINO 

PROGRAMM 

megafon 10.12 

warme 

filme 

am dienstag 

uncut √ Warme filme 

Gleichgewicht und zu mehr Lebensqualität… Die 

Lösungswege des Films «Voices of the Transition» sind 

simpel, kosten wenig oder nichts, haben einen enormen 

ökologischen Nutzen und setzen ungeahnte zwischenmenschliche 

Synergien frei. Angewandt auf das eigene 

Hausdach, den nächstgelegenen Parkplatz oder auf die 

Landwirtschaft, tragen sie zur Vertiefung nachbarschaftlicher 

Beziehungen bei, zur freien Wissensvermittlung 

sowie zur Stärkung einer lokal funktionierenden, ethisch 

integreren Wirtschaft. Unter dem neuen Licht dieses 

kulturellen Wandels erscheint Landwirtschaft wieder als 

die tragende Säule unserer Kultur. 


Water maKeS money ˛ 

Wie private Konzerne 

auS WaSSer geld machen 

DienStag, 11. Januar, 20.30 uhr 

daKan √ SchicKSal 

MOHaMed caMara, guinea 1997, 89‘, OV/d, 

DAKAN – SCHICKSAL ist der erste in Westafrika gedrehte 

Film über eine schwule Liebe. In wunderschönen 

Bildern, mit der Musik des legendären Sory Kouyaté und 

mit einem unmissverständlichen Happy-End für die Liebe 

von Manga und Sori widerspricht Regisseur Camara den 

Vorurteilen vieler schwarz-afrikanischer Politiker und 

Kirchenmänner, dass Schwulsein «unafrikanisch» sei. 


picK Wien an 

leSlie franke & HerdOlOr lOrenz, d 2010, 90‘ 

Wasser ist neben der Luft, die wir atmen, das wichtigste 

Element für uns. Und doch wird das Wasser zunehmend 

den Geschäftsinteressen privater Konzerne unterworfen. 

Überall, wo finanzschwache Kommunen nach Entlastung 

suchen, klopfen die zwei weltgrössten Wasserkonzerne 

Veolia oder Suez an die Tür. Gemeinsam bilden sie ein 

undurchsichtiges Duopol, das zum Beispiel in Frankreich 

mittlerweile etwa 80 Prozent der Bevölkerung mit Wasser 

versorgt. Die Folgen: rasant steigende Verbraucherpreise, 

Intransparenz und oft auch Korruption. Seit viele 

Menschen die Konsequenz des Verkaufs öffentlichen 

Eigentums am eigenen Leib verspüren, ist es nicht mehr 

opportun, von Privatisierung zu sprechen. Die Geschäftsmodelle 

haben klangvolle Namen wie Public Private 

Partnership oder Cross Border Leasing. Aber der Effekt 

ist der gleiche. Water Makes Money dokumentiert, mit 

welchen Methoden sich Städte und Gemeinden die Kontrolle 

über ihr Wasser abhandeln lassen. Der Film zeigt, 

dass die unternehmerischen Risiken den Steuerzahlenden 

aufgebürdet werden, der Gewinn aber privatisiert 

wird. Und er zeigt, wie es in etlichen Regionen gelungen 

ist, die Selbstbestimmung über das Lebenselixier Wasser 

zurück zu holen. 

Aber wer bezahlt für diese Gewinne? Es sind die lokalen 

Gemeinschaften in Lateinamerika, Afrika, Asien, Australien. 

Ihr Landwirtschaftsland wird zerstört, ihr Wasser für 

die Minen verbraucht und verseucht, mit oft gravierenden 

Auswirkungen auf die Gesundheit der Bevölkerung. In 

gewissen Ländern werden die Gebiete um die Minen 

(para)militarisiert, es kommt zu Menschenrechtsverletzungen 

und Vertreibungen. Kein Wunder, das sich viele 

von Minenprojekten betroffene Gemeinschaften wehren. 

Darunter sind auch indigene Gemeinschaften, deren 

Vorfahren schon seit Jahrhunderten vor Ort lebten, bevor 

sie von europäischen Kolonialisten «entdeckt» wurden. 

Ihre Vision ist dem Kapitalismus völlig entgegengesetzt: 

Mutter Erde gehört niemandem, und nur der schonende 

und respektvolle Umgang mit den natürlichen Lebensgrundlagen 

hat Zukunft! 


elena undone 

daVid Paede und barbara SaS, Ö 2008, 22Min 

Helmut Seethalers Arbeitsplatz ist die Strasse und der 

Wiener Untergrund, wo er seine Texte für alle sichtbar 

und zur freien Entnahme an Wände und Säulen klebt. 

«Pflück ein Gedicht», steht da. Fast jeder in Wien kennt 

ihn oder sah schon einmal seine Zettel irgendwo an einer 

Säule kleben. David Paede und Barbara Sas haben den 

Zettelpoeten 2008 mit der Kamera begleitet. «Pick Wien 

an» gewann bei dem studentischen Filmfestival film:riss 

08 den Publikumspreis für die beste Doku. 

WATER MAKES MONEY 

nicOle cOnn, uSa 2010, 107 Min., OV/d 

Elena ist seit 15 Jahren mit einem konservativen, 

homophoben Pastor verheiratet und Mutter eines Sohns. 

Still und geduldig fügt sie sich in ihre Rolle. Auf einer 

Informationsveranstaltung des örtlichen Adoptionszentrums 

trifft sie die offen lesbisch lebende Autorin Peyton. 

Die beiden verstehen sich auf Anhieb und eine tiefe 

Freundschaft voller Vertrauen entsteht. 

DAKAN – SCHICKSAL 

SamStag 22. Januar, 24.00 uhr 

Street art compilation 

diVerSe kurzfilMe zuM tHeMa 


voiceS of tranSition 

nilS aguilar, d 2011, 65Min. e,SP,f/d 

In England, auf Kuba und in Frankreich mehren sich Zeichen 

eines kulturellen Wandels: Vielfältige Alternativen 

künden von einer Zukunft jenseits von Nahrungsmittelunsicherheit 

und hin zu einem verbesserten ökologischen

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DACHSTOCK 

PROGRAMM 

megafon 10.12 


the faranaS (be) 

plattentaufe! & Support 


the faranaS (Be) plattentaufe! 

& SuPPort -- aFrobeat, 


local darKSide: optiv (cauSe4concern), 

vca (Biotic rec), deeJaymf (utB), oliv 

(loccomotion), andre (loccomotion), 

SuBmerge (BeatSandpicS) 

--druMnbaSS 


Wild Wild eaSt: rudovouS (cz) & 

duSa orcheStra (ch), dJ rane 

-- eaStern chanSon, orient ekSPreS 


tour de lorraine: 

dieSler (tru thoughtS/uK), dJ'S Studer tm 

& giggS (BonzzaJ.ch) 

-- Soul, electronica, 

THE FARANAS 

Einige Faranas, welche die Welt mit offenen Ohren 

bereisten, haben im Schmelztiegel ihrer Ideen eine neue 

musikalische Heimat gefunden. Sie interpretieren den 

Afrobeat auf ihre eigene Art und treten nun als kraftvolle 

Band und mit neuer CD auf die Bühne. 

The Faranas entspringen dem dreckigen Funk, dem swingenden 

Jazz, dem Soul und Elektro. Sie mischen diese 

Einflüsse mit traditionellen Griot-Gesängen und den 

treibenden perkussiven Patterns und erdigen Grooves 

des Afrobeat. Ihr Sound tönt archaisch und trotzdem 

modern, vor allem aber authentisch. Die ungeschliffenen 

Grooves der Rhythm Section sind der Herzschlag der 

Faranas. Das perkussive Schlagzeug und der erdig-virtuose 

Bass legen mit Perkussion, Gitarre und Vibraphon 

einen soliden Teppich für die kraftvollen Bläsersätze, 

den souligen Gesang in Englisch und die Griotgesänge 

in Wolof. The Faranas massieren das Herz, spülen die 

Ohren und setzen die Beine unter Strom. 

OPTIV 


Wat (We are terroriStS/fra) live!, We love 

machineS (Be) live!, dJ KidKutS (ger) 

-- electro, indie, techno, rock 


local darKSide: optiv (Cause 

4ConCern) vca (biotiC reC) 

deeJaymf (utb) oliv (LoCComotion) 

andre (LoCComotion) 


liquid SeSSion: total Science (c.i.a./uK), 

cyantific (hoSpital/uK), locKee (raBaSS 

95.6), tS zodiac (liquid SeSSionS), mc fava 

(deepSoulmuSic), BadBoy mc (fmi) 

-- druMnbaSS 

SuBmerge (beatsandpiCs) 

Im Januar startet die Dachstock Darkside mit einer Local 

Darkside ins Jahr 2011. Edward Holmes aka DJ Optiv von 

cause4concern wird mit von der Partie sein. Ed kommt 

ursprünglich von der Insel, wie der Drumandbass, lebt 

jedoch seit einigen Jahren in Bern. Für uns ist er mittlerweile 

ein Berner! 

vorSchau 

Freitag, 4. Februar, 23.00 uhr 

c'eSt Berne: Jay SanderS (Jagged), Bertel 

gee (hlm/raumrauSch), BoriS Why (audiotheque), 

Bud clyde (feStmacher) 

-- MiniMal, techno, houSe 

abschnitt

abschnitt 

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DACHSTOCK 

PROGRAMM 

megafon 10.12 

dancefloorhits, wie zum beispiel auf seiner debut eP 

«ghetto blaster», bis hin zu sehr minimalen Sounds 

wie «empty Streets». 

am Mikrofon werden uns die Mcs Fava und badboy 

durch den abend begleiten. anfang und ende des 

abends gehören einmal mehr unseren lokalen dJgrössen 

lockee und tS zodiac. 


Wat (We are terrorists/Fra) live! 

We love machineS (be) live! 

dJ KidKutS (Ger) 


Wild Wild eaSt: rudovouS (CZ) 

& duSa orcheStra (CH) 

dJ rane 

SaMStag, 5. Februar, 22.00 uhr 

cool & deadly: tippa irie (uK) lS. peter 

hunningale (uK) live/SoundSyStem ShoW, 

moya (morefire, Be) & BoSS hi-fi (zh) 

-- reggae, dancehall, dub 


doom (mfdoom/uK) dJ-Set & Support 

-- hiPhoP 


marteria (ger), Support: dJ'S Kermit 

& Kid Silly 

-- hiPhoP, electro 

CYANTIFIC 

zweimal elektro, zweimal live und zweimal frischer 

gehts nicht mehr: die französischen Sound- terroristen 

sind zurück: neu nennen sich «we are terrorists» noch 

wat und im gepäck haben sie ihren ersten longplayer 

«wonder». damit sind sie durch Frankreich und 

england getourt und haben einen zwischenstopp in 

Marokko eingelegt. ende Januar stehen die vier Franzosen 

zum zweiten Mal auf der dachstockbühne. 

im neuen wat-album wird wild zusammengewürfelt: 

da gibts 1980ies beats, rockgitarren, hip-hop-akzente 

und new wave-Sounds. wat tönen mondän, souverän, 

laut und tanzbar und lassen sich perfekt in den Stil der 

2010-er Jahre einordnen. wat perfomen ihre tanzmusik 

live mit gerätschaften, instrumenten und Stimme. 

kurz vor dem release ihres ersten albums steht das 

berner duo «we love Machines». die beiden herren 

können anscheinend nicht tanzen, und weil die 

aussicht von der bühne in den club besser ist, haben 

sie kurzerhand die Seite gewechselt. Statt tanzschuhe 

montiert das duo gerätschaften, spielt mit knöpfen 

und reglern und lässt das Publikum raven. 

nach nur einem Jahr on stage haben «we love Machines» 

bereits remixes für den Franzosen «housse de 

racket» oder die berner indie-hoffnung «choo choo» 

gemacht. burn bern because we love machines! 

der dritte im bunde des heissen disco-abends ist der 

Mannheimer dJ kidkuts. er besucht den dachstock 

zum wiederholten Male, denn er hat bewiesen: wenn 

er hinter den decks steht, bleibt kein bein still. das 

scheint auch in deutschland so zu sein, denn schaut 

man auf dJ kidkuts kalender, ist der voll ausgebucht. 

in bern hat er ebenfalls schon laute anhängerinnen 

und anhänger gefunden, die den dJ kaum mehr von 

Die erste Wild Wild East-Session im 2011 startet mit 

Rudovous aus Tschechien, die mit wilden Säuferballaden 

und Prager Chansons am Start sind. Seit 1994 existiert 

die Band, welche mit Tom Waits artigem Jazzblues und 

Trinkerballaden mit der dazu gehörigen Portion Ostrock 

bereits mehrere Male in der Reitschule gespielt hat. 

Dusa Orchestra aus dem wilden Osten der Schweiz 

verschmelzen die musikalische Vielfalt Europas zu einer 

tanzbaren, lebendigen Melange mit einem Schuss Balkan. 


2 Jahre Wild Wild eaSt: the gypSy queenS 

& KingS! feat. ezma redzepova, Jony iliev, 

mahala rai Banda, KaloomÉ, florentina 

Sandu, aurelia & tantzica! 

-- gyPSy SuPer grouP! 2 hourS oF gyPSy MadneSS 

with the StarS oF gyPSy MuSic! 

DUSA ORCHESTRA 


dachStocK darKSide: Klute (commercial 

Suicide rec/uK), deeJamf (utB/Be), Silent 

extent (full force/Be), rycK (raBaSS) 

-- druMnbaSS 

donnerStag, 24. Februar 

gza (the geniouS / Wu-tang clan / uSa) 

-- hiP hoP 



raBe-feSt 2011

der bühne lassen wollen wenn das licht an geht. und 

wer weiss, vielleicht hat dJ kidkuts ja auch diesmal 

ein paar seiner beliebten Mixtapes dabei, die er ins 

Publikum schmeisst. 


tour De Lorraine: 

(tru tHouGHts/uK) 

dieSler 

dJ«S Studer tm & giggS 


liquid SeSSion: 

total Science (C.i.a./uK) 

cyantific (HospitaL/uK) 

(bonZZaj.CH) 

WAT 

(Liquid sessions) 

locKee (rabass 95.6) 

tS zodiac 

mc fava (deepsouLmusiC) 

BadBoy mc (Fmi) 

TOTAL SCIENCE 

die erste liquid Session im 2011, und die 13. ausgabe 

insgesamt, ist einmal mehr erstklassig bestückt. 

unter dem namen «total Science» produzieren 

die zwei künstler Paul Smith (Spinback) und Jason 

greenhalgh (Q Project) seit nunmehr 20 Jahren Musik. 

ihre werke erschienen auf praktisch allen namhaften 

labels, sowie natürlich auf ihrem eigenen. ihr label 

c.i.a. lancierten sie im Jahr 1997. auf c.i.a. veröffentlichten 

beispielsweise künstler wie zero t, bungle und 

State of Mind ihre alben und Singles. total Science 

wird an der liquid Session durch Paul Smith vertreten, 

der uns ein dJ-Set spielen wird. 

cyantific startete ursprünglich im Jahr 1995 als 

Produzenten-duo. Mittlerweile ist der brite Jon Stanley 

alleine unter diesem künstlernamen unterwegs. Seine 

dJ-Sets gelten als erstklassig. während üblicherweise 

zwei Plattenteller für eine Show bereit stehen, dürfen 

es bei ihm gerne deren drei sein. Seine Produktionen 

erschienen bis anhin fast ausschliesslich auf den label 

hospital. erst ganz frisch beziehungsweise einen 

release alt, ist sein eigenes label. Jons werke können 

sich sehr unterschiedlich anhören – von poppigen 

abschnitt

abschnitt 

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RöSSLI 

PROGRAMM 

megafon 10.12 

zu suchen ist, nimmt sich die Band auf «UFO» bisweilen 

bis nahezu zur Implosion zusammen und schafft so eine 

Spannung, die die Oberfläche erzittern lässt und die sich 

an genau jenen Stellen eben nicht entlädt, an denen 

man es zunächst erwarten würde. Dieses Umschiffen 

von Erwartungshaltungen an die musikalische Struktur 

des Albums bewerkstelligen 1000 Robota auch auf 

textlicher Ebene. Es gibt zwar das «Ihr» und das «Wir», 

das «Du» und das unvermeidliche «Ich» in zahllosen 

Ausformungen, und doch geht es um die Verdichtung, die 

Bündelung vielfältiger persönlicher Erfahrungen der vergangenen 

Zeit, die nicht unbedingt auf einer direkten, affirmativen 

Ebene herumschlittern. Dies bedeutet jedoch 

nicht, dass auf «UFO» nicht auch abgerechnet würde – 

nur eben mit einer abstrakteren Herangehensweise, mit 

dem eigenen Weg, der Rezeption, den Fans und Feinden, 

den Wänden, gegen die man rannte und rennen muss, 

damit es überhaupt eine Richtung geben kann. 

Boogie» die letzten Jahre mit herzblutendem Rock’n’Roll, 

beatlesken Pop-Perlen zum schnoddrigen Blues und 

wieder zurück durch die Clubs dieses und anderer Dörfer 

gepielt, als ob sie nie etwas anderes getan hätten. 

Hinterlassen haben die vier Jungs jeweils schweissnasse 

(und biergeschwängerte) Crowds. 

Da wir ja wissen, dass Pablo Echagüe (guit), David 

Steiner (voc), Martin Chramosta (bass) und Jean-Pyerre 

Toscano (drums) ganz eindeutig über «A licence to party» 

verfügen – freuen wir uns umso mehr, dass sie auf 

ihrer CH/GER-Tour und nach den Berlin-Konzerten, bei 

uns im Rössli aufspielen. Suportet werden sie dabei von 

One Sentence. Supervisor aus Baden. 


capital Slam 


capital Slam 

In Zeiten des stetigen Zerfalls des gesunden Menschenverstandes, 

welcher durch die Programmgestaltung 

der privaten Fernsehlandschaft drastisch beschleunigt 

wird, gibt es eine letzte Bastion, die für die geistige 

Erquickung des Freidenkenden keinen Doktortitel in 

Philosophie oder Literaturwissenschaften voraussetzt: 

Poetry Slam! Hier treten acht Dichterinnen und Dichter 

mit ihren Worttiraden gegeneinander an, wobei ihr Erfolg 

einzig und alleine von der Lust und Laune des Publikums 

abhängt. Geistreiche Gedichte und billige Wortspiele 

werden also auch im Jahr 2011 am Capital Slam Bern zu 

hören sein. Wer sich selbst als Slammer versuchen will, 

kann sich an der Abendkasse in die offene Liste eintragen 

und so einen aktiven Beitrag gegen die Verdummung 

der Menschheit leisten. 


youcoco (SvK), dee diglerS 

-- Punk/rock 


the Big Bang Boogie, 

one Sentence. SuperviSor 

-- rock’n’roll 


imaginary citieS 

Support: greg macpherSon 

-- indie 


imaginary citieS 

Support: greg macpherSon 


1000 roBota 

-- neue haMburger Schule 

In Winnipeg, dem so genannten «Herz des Kontinents» 

(John K. Samson Referenz!), entsteht an allen Ecken 

neue Musik: In Kellern, bei der Arbeit, im Alltag und in 

den vielen Clubs der Stadt. 

In einem dieser Clubs, The Cave, wurden Imaginary 

Cities geboren. Das Debutalbum 'Temporary Resident' erscheint 

im Frühjahr 2011, und ganz Kanada redet schon 

über den souligen Indiepop der Band, der neben Gitarre 

und Klavier vorallem von einer einzigartigen Frauenstimme 

getragen wird. 

Imaginary Cities, das sind Marti Sarbit, die der Band ihre 

Stimme verleiht, sowie Klavier spielt, und Rusty Matyas, 

der eigentlich jedes weitere erdenkliche Instrument 

spielt und die Backgroundvocals singt. Matyas ist in der 

kanadischen Musikszene kein Unbekannter, ist er doch 

als Multi-Instrumentalist mit den Weakerthans auf Tour. 

GREG MACPHERSON 

SOUS LE PONT 


Seit SilVeSter Haben wir geScHlafen, 

ab Heute gilt: 

Wir haBen Wieder offen! 

mittwoch, 12. Januar, 19.00 

elSäSSer Spezialitäten 


KantoneSiSche Spezialitäten 

Es gibt eine handvoll guter, kanadischer Songwriter und 

Lyriker. Allerdings wenige, die jünger als 50 Jahre sind. 

Und noch weniger davon bringen ihre Songs so lebhaft


clan ediSon (F) 

herr Bitter (CH) 

auf die Bühne wie GREG MACPHERSON, aus Winnipeg, 

Kanada. 

In seiner Musik schwingt eine gewisse Authenzität mit. 

Vielleicht ist es das leichte Zittern in seiner Stimme 

oder seine vorsichtig zusammengetragenen Texte oder 

seine einnehmende Bühnenpräsenz oder vielleicht doch 

etwas ganz anderes, dass Greg von anderen Songwritern 

abhebt. Vergleiche mit Songschreibern wie Cohen oder 

Cave sind keine Seltenheit – sein aktuelles Album «Mr. 

Invitation» steht in der Tradition solcher Musiker. 


youcoco (sVK) & 

dee diglerS (ne) 

Clan Edison, drei Männer aus Nimes, gibts seit 2003. 

Obwohl das Personal und auch der Name gewechselt 

haben, die Musik ist unverkennbar. Sie kreieren einen 

Musik-Mix aus energievollen und harten, bluesigen Rock. 

Du kannst Einflüsse von Fugazi hören, aber auch einen 

Geist von Nick Cave. Stoner Rock mit einem Sänger, dessen 

Stimme unter die Haut geht. Und die Texte, egal ob in 

Englisch oder Französisch vorgetragen, sind hinreissend. 

Nun haben Clan Edison ein neues Album am Start, das 

hohes Lob einheimst. Damit dürfen sie auch auf die Bühne 

des SousLePont, im Rahmen der Tour de Lorraine. 

http://www.myspace.com/leclanedison 

Die DEE DIGLERS aus Neuchatel spielen das, was wir 

gerne klassischen Garagenpunk nennen. Das beinhaltet 

demnach voll aufgedrehte Amps, mitreissende Riffs und 

eine dazu passende, wilde Liveshow. 

Und das an einem Donnerstag. Es gibt nichts Besseres 

um die Mitte der Woche zu feiern und dem Januarloch 

entgegen zu wirken. 


1000 roBota 

Es ist ziemlich einfach, gewisse Punkte betreffend 

1000 Robota zum zentralen Thema zu machen, weil man 

dann, aus Bequemlichkeit, den Blick vom Wesentlichen 

ablenken kann. Die Geburtsjahre der Bandmitglieder, 

die Dringlichkeit ihrer Aussagen und ihrer Musik, jene 

verletzliche Aggressivität – all das sind die primär 

erwähnten Eckpunkte in nahezu jeder Berichterstattung 

über Jonas Hinnerkort (Schlagzeug und Gesang), 

Sebastian Muxfeldt (Bass) und Anton Spielmann (Gitarre 

und Gesang). Hier ist die Presse in die Falle der eigenen 

Bequemlichkeit getappt – und hat die Band direkt 

mitgenommen. Es rumpelte und knackte im Musik- und 

Medienwald, als 2008 auf dem Hamburger Label Tapete 

Records die EP mit dem überaus shirtkompatiblen Titel 

«Hamburg brennt» erschien; und das nur wenig später 

auf die Menschheit losgelassene Album «Du nicht er 

nicht sie nicht» sollte schnell den Nimbus des genialen 

Debuts erhalten, an dem sich so viele Bands bei der 

Produktion des Zweitwerkes die Zähne ausbeissen. 

Mit «UFO» liegt nun ebenjenes vor und stellt unter 

Beweis, dass die Band offenbar keine Sekunde daran 

dachte, die gleiche Erfolgssuppe erneut aufzuwärmen. 

Die zehn Stücke besitzen eine eigentümliche Kohärenz, 

die der Logik der Tatsache geschuldet ist, dass die 

Reduktion aufs Wesentliche, aufs Repetitive, sowohl 

charakteristisch ist für Krautrock, als auch für das, was 

gemeinhin unter Postpunk einsortiert wird. 1000 Robota 

bedienen sich Elemente beider Genres, ohne lediglich 

ein Konglomerat zu erschaffen. War das Vorgängerwerk 

noch ein wüster Rundumschlag, dessen Grundlage zweifelsohne 

auch in einer gewissen Form von Kontrollverlust 

YOUCOCO eroberten die Slovakische Szene, zu der Zeit 

(und bis heute) dominiert von elektronischer Musik, wie 

die frische Brise einer simplen und direkten Gitarrenband. 

Ihre Lo-Fi-Songs sind in einfache Arrangements 

verpackt, welche umso mehr ihre Wirkung entfalten. 

Die rohe Gitarre, sehr passende, minimale Rhythmen, 

brillanter, oft frecher Gesang und eingängige Melodien 

erinnern an PJ Harvey, Beat Happening, Liz Phair, The 

Kills, oder gar an die Magik Markers, während die Band 

ihre Musik selbst gerne humorvoll als «authentischen 

melodischen Lärm» bezeichnet. Die beiden Freundinnen 

Radka (Gitarre und Stimme) und Ria (Schlagzeug) begannen 

ihr Projekt als «Freizeit-Aktivität», erhielten aber mit 

ihrer originellen, mitreissenden Musik bald einige Aufmerksamkeit. 

Youcoco veröffentlichten ihr Debut-Album 

«Big Now» im Juni 2010 auf dem renommierten Label 

Deadred/Starcastic Records, und haben damit bisher bei 

Fans und Presse gleichermassen positive Reaktionen und 

Kritiken erhalten. 

1000 ROBOTA 

Die vierköpfige Band HERR BITTER spielt wilde, elektrisierende 

Musik – und hat sich mit ihren Konzerten einen 

Namen gemacht. Energie, Originalität und Wut im Bauch 

sind die Zutaten zur tanzbaren Mischung, die sich am 

ehesten als Discorock umschreiben lässt. Mit ekstatischen 

Beats, pumpenden Bässen, funky Gitarrenriffen 

und Synthies nicht zu knapp bedient sich HERR BITTER 

an den Sounds der 1980er-Jahre bis ins neue Jahrtausend 

und komponiert überraschende, aber eingängige 

Tanzmelodien, die kein Publikum kalt lassen. 

http://www.myspace.com/herrbitter 

YOUCOCO 


KäSe Spezialitäten 


offene Bühne 


the Big Bang Boogie (bL) 

one Sentence. SuperviSor (CH) 

Unglaubliche Momente, nie Gehörtes, kaum zu stoppende 

Improvisationen, auf- und abstellender Humor, kräuselnde 

Nacken, schreiendes Publikum, erste Lektionen, 

zweite Lektionen etc., sprechende Puppen, BlueFunked- 

Freaks, ab motzendes Gemotze, selbst gebastelte 

Gedichte und die nie zu ende gehenden fünfzehn Minuten 

eurer Offenen Bühne, die wirklich für alle offen ist! 

Künstler_innen melden sich unter souslepont.ch an. 

Ihre Einflüsse reichen gemäss Myspace von «Smoke, 

to Loneliness, Alcohol, Women, Trips, Freedom, Excess, 

Sweat, Noise, Romance, High Heels, Guitar Stallion, Egobooster, 

Springtimelove, Silicon Tits, to Hangover, Speed, 

Art, Destruction, Rebirth and Breakthrough»: Inbrünstig, 

lautstark, eigenwillig und in höchstem Mass überzeugend 

hat sich das Laufentaler quartett «The Big Bang 

abschnitt

abschnitt 

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TOJO THEATER 

PROGRAMM 

megafon 10.12 

von Begriffen Bilder entstehen, die dann 

durch Texte erweitert und ergänzt werden. 

Der Tanz wird begleitet den vier MusikerInnen Anna von 

Grünigen, Bernhard Schneider, Paed Conca und Severin 

Zoll die jeweils mit ihrem Soloinstrument in den einzelnen 

Szenen improvisieren. 

Am Ende jeder Szene wird ein Text vorgelesen. Diese 

sind kollektiv entstanden. Die Autorin Marina Bolzli 

stellte drei Fragen: 1. Welches Privatgut soll deiner 

Meinung nach privat bleiben? 2. Bei welchem von deinen 

Besitztümern hättest du kein Problem, es zum Gemeingut 

zu erklären? Und 3. Welches Gemeingut würdest 

du gerne in Besitz nehmen? Die sehr unterschiedlich 

ausgefallenen Antworten wurden für vier Dialoge verwendet, 

die sich um Heim&Haus, Körper&Privatsphäre, 

Wissen&Ideen und Hab&Gut drehen. 

Jede der vier Szenen steht für sich und doch besteht 

ein Zusammenhang zwischen den einzelnen Teilen. Jede 

Sequenz dauert ca. 15 Minuten. Das Publikum kann die 

ganze Stunde bleiben oder zwischen den Sequenzen 

kommen und gehen. 

Weisse Darsteller, die Schwarze spielten, schwärzten ihr 

Gesicht und malten sich ein weisses Oval um den Mund. 

So (über)schminkten sich auch Schwarze. Schwarze, 

die Weisse spielen, die Schwarze spielen. Es lässt sich 

endlos weitertreiben und ins Absurde führen. Natürlich 

wurde der «Neger» immer als faul, dümmlich, naiv und 

triebhaft dargestellt. 

Interpretiert werden Lieder wie The Entertainer (1902), 

St. Louis Blues (1912), Black and Blue (1929), Willow 

wheep for me (1932) oder Blitzkrieg Baby (1940) u.a., 

von einer Combo, die aus professionellen MusikerInnen, 

aber bewusst nicht aus Profi-Jazzern besteht: Mit Regula 

Frei (Kontrabass, Gesang), Margrit Rieben (Schlagzeug, 

Rhythmus) und Herwig Ursin (Piano, Trompete, Gesang) 

sind InstrumentalistInnen am Werk, deren Verspieltheit 

und Energie an sich «Jazz» ist. 

Im Anschluss an die Aufführungen finden kleinere oder 

grössere Jamsessions mit geladenen und spontanen 

Gästen statt! 





Jazzy ˛ SWing im StüBli 





Jazzy ˛ SwiNg im STübli 

idee/recHercHe: Sandra künzi. text: Sandra 

künzi und crew. regie: dOMinique Müller. 

neger/MuSiker: Herwig urSin. wirtin: lilian 

naef. SerViertOcHter 1/MuSikerin: Margrit 

rieben. SerViertOcHter 2/MuSikerin: regula 

frei. PHilOSaufin: Sandra künzi. dOrfPOliziSt: 

dOMinique Müller. büHne: Heidy-JO wenger. 

licHt: editH SzabO. grafik/fOtOS: yVeS tHOMi. 

kOPrOduktiOn: tOJO tHeater. reSerVatiOn: 

tOJO@reitScHule.cH 



Therapie ˛ Nur idioTeN 

BegrüSSen den tag mit einem lächeln 

tour de lorraine: coMMonS ˛ geMeingüter 


alleS iSt nichtS iSt alleS 

PerForMance in vier Szenen. 


diSKo & dJ Battle Jane vayne (tanzmuSiK) 

vS. mc anliKer (loveSongS) 


diSKo & dJ Battle 

Jane vayne (tanZmusiK) 

vS. mc anliKer (LoVesonGs) 



Therapie ˛ Nur idioTeN 

BegrüSSen den tag mit 

einem lächeln 

In dunklen Ecken und zwischen Tür und Angel wurde 

schon lange gemunkelt – aber nun ist es definitiv: In 

einem DJ Battle der Superlative treffen an der Tour de 

Lorraine im Tojo Theater zwei legendäre Livemusik- und 

Kulturfabrikanten aufeinander: Die im Dachstock der 

Reitschule Bern bookend beheimatete DJ Jane Vayne 

trifft auf MC ANLIKER, den Kopf des Cafe Mokka, Thun. 

Wer die beiden kennt weiss, dass sie mit allen Wassern 

und Seifen gewaschen sind und sich garantiert Saures 

und Süsses, Scharfes und Fades, Liebes und Fieses 

geben werden! 

VOM enSeMble eS Huere cabaret. 

www.eSHuerecabaret.cH. regie: Pernilla 

dePPeler küHni. Mit: celia Hirt, rOMan badertScHer, 

MicHael wyder. 

aSSiStenz: nina Streit. MuSik: MattHiaS raue. 

tecHnik: daVid glauS. fOtOS: Malu barben. 

büHne/grafik: OliVier rOSSel. reSerVatiOn: 

kOntakt@eSHuerecabaret.cH 

In seinem ersten abendfüllenden Stück, «Therapie – 

Nur Idioten begrüssen den Tag mit einem Lächeln», 

beschäftigt sich «Es Huere Cabaret» aus Biel mit den 

fliessenden Grenzen zwischen Melancholie und Tragik- 

Ein musikalisches Theaterstück über alten Jazz, Überfremdungsangst 

und die Schweiz in den 1930er Jahren. 

Die Grundidee zu «Jazzy» liegt in der Begeisterung für 

alten Jazz (1900 bis 1940) und dem damit verbundenen 

Lebensgefühl. Es gibt viele verschiedene Erklärungen zur 

Frage, woher der Name Jazz stammt. Vielleicht nur eine 

Legende, vielleicht aber auch wahr ist diese: Um 1900 

habe in den Etablissements in New Orleans der Duft von 

Jasmin vorgeherrscht, das Parfum der dort arbeitenden 

Damen. Die Abkürzung von Jasmin, also Jass, soll der 

Musik, die in ebendiesen Clubs gespielt wurde, den Namen 

gegeben haben. Auch «Jazzy» spielt in einem Lokal, 

allerdings nicht in einem einschlägigen, sondern in einer 

verstaubten Schweizer Beiz in einer ländlichen Region 

nahe der Grenze. 

Die stramme Wirtin wurstelt sich mehr schlecht als recht 

durch die Krise der 1930er Jahre: Ein bisschen Absinth, 

ein bisschen Selbstversorgung und praktisch keine 

Kundschaft. Als ein fremder Gast ankommt, werden ihr 

Misstrauen, aber auch ihre Neugier geweckt. Sie vermutet, 

dass es sich um einen «Neger» handelt. In ihrem 

Zwiespalt von humanitärer Tradition und Überfremdungs- 



4. Secondo* theatertournÉe 


luStiger dienStag 51 

JAZZY – SWING IM STÜBLI

Als erstes betritt MC ANLIKER die Turntables, wärmt 

die Tanzgemeinde mit heissen Liebesliedern auf und 

erwartet dann Miss Jane Vayne zum Duell. Ab 2.00 Uhr 

heizt DJ Jane Vayne den Tanzwütigen auf dem gutgeölten 

Tojanischen Parkett bis in die frühen Morgenstunden ein. 

Ein theatralisches Feuerwerk mit schweisstreibender 

Inszenierung. Wem gehört der Tanz? 



4. Secondo theatertournÉe 

die Vier beiM 4. natiOnalen SecOndO tHeaterfeStiVal 

auSgezeicHneten kurzStücke 

befaSSen SicH Mit deM tHeMa «HeiMat». 

www.SecOndOfeStiVal.cH. 

reSerVatiOn: 079 604 11 89 (SMS), 

reSerVatiOn@SecOndOfeStiVal.cH 

Das Secondo Festival ist eine interkulturelle Plattform 

für Theaterschaffende mit schweizerischer und ausländischer 

Herkunft. Vor fünf Jahren wurde das Festival von 

einer Projektgruppe initiiert und mit fachlicher Unterstützung 

der Zürcher Hochschule der Künste und finanzieller 

Unterstützung der Eidgenössischen Kommission für 

Ausländerfragen bzw. dem Bundesamt für Migration, 

im Jahre 2004 ins Leben gerufen. Seither wurden 

Theaterschaffende, Autoren und Autorinnen eingeladen, 

zu bestimmten Themen von Secondas und Secondos eine 

Bühnenproduktion zu erarbeiten. Zum Abschluss des 

Festivals werden vier Produktionen ausgezeichnet, die 

auf eine Tournée durch verschiedene Orte in der Schweiz 

gehen. 

komik. Sie erobern die Theaterwelt mit einem stimmigen 

Mix aus poetischem Theater, schwarzem Humor, Groteske 

und Musik. Die drei Figuren in schwarz. Vornehm und 

klassisch gekleidet, mit Melone und Schirm, vom Leben 

gezeichnet, passen äusserlich irgendwie nicht in die 

heutige Zeit. Die ehemals erfolgreiche, inzwischen gealterte, 

nach Liebe und Wärme dürstende Sängerin; der 

überforderte, gutbürgerliche Geschäftsmann, der an den 

Ansprüchen seines privaten und beruflichen Umfeldes 

zu zerbrechen droht; und der introvertierte Bibliothekar, 

der nie über den Tod seines einzigen Sohnes hinweggekommen 

ist: Sie bewegen sich in leisen, optisch schönen 

und zugleich abgründigen, zupackenden Bildern. Sie 

kommen aus verschiedenen Vergangenheiten und haben 

prägnante Lebensträume und Sehnsüchte entwickelt. Nur 

das Leiden am Leben verbindet sie. Gefangen in ihrer 

beengten Welt, kreuzen sich ihre Wege in den variantenreichen 

Musik-, Mal-, Tanz- und anderen Therapien. 

Diese kommen schräg und komisch daher und fügen 

sich trotzdem in die latente Morbitität des Stückes ein. 

Da wird in manchmal grotesker Verfremdung gemalt, 

gesungen, getanzt, gespielt und musiziert. Die Therapien 

wirken, aber wirken sie so, wie sie sollen? Oder öffnen 

auch sie Abgründe? 

Ein poetisches Stück mit viel Witz und einem gewagten 

Spiel mit dem Absurden und Grotesken, untermalt durch 

gehaltvolle musikalische Eigenkompositionen. 

Es Huere Cabaret zuletzt im Tojo beim Lustigen Dienstag 

49 im November 2010 (Siehe megafon 11/10). 

die Stücke: 

finalmente dihei! 

VOn i Pelati delicati, baSel. Mit: andrea 

bettini und baSSO SalernO aM akkOrdeOn. 

regie: cHriStian VetScH. 

«I pelati delicati» begeben sich mit ihrer roten «Vespa 

Primavera» auf eine lange Reise, die sie schliesslich an 

ihr Ziel, «es Dihei», führen soll. Wird ihnen der Spagat 

zwischen «Assimilierungsarschchrüücher» und «Machoprinzen» 

gelingen? 


alleS iSt nichtS iSt alleS 

PerfOrMance in Vier Szenen. leitung: katJa 

bOller. kOnzePt: Marina bOlzli, katJa bOller. 

eine auSeinanderSetzung Mit «cOMMOnS – 

geMeingüter» Mit den Mitteln VOn kOntaktiMPrOViSatiOnStanz, 

MuSik und text. 

Die vier TänzerInnen Katharina Amrein, Lea Weber, 

Susanne Zoll von der Compagnie Frauletten und Michael 

Amrein lassen mit Kontaktimprovisationstanz anhand 

paranoia gewährt sie ihm schliesslich vorübergehend 

eine Toleranzbewilligung. 

Die Geschichte des Jazz ist untrennbar mit jener 

der Schwarzen verbunden: Der Rassismus im Süden 

Amerikas löste in den Jahren von 1910 bis 1930 einen 

Massenexodus aus. Hunderttausende wanderten in den 

liberaleren Norden, in der Hoffnung dort leichter Arbeit 

und grössere Akzeptanz zu finden. Die Musik wanderte 

mit. Im faschistischen Europa wurde Jazz als entartete 

Kunst verpönt und geahndet. Dies wurde durch den grossen 

Anteil von jüdischen Jazzmusikern noch verstärkt. 

Als im März 1938 österreich dem deutschen Reich 

einverleibt wurde, flohen über 100 000 Juden aus 

österreich, rund 6000 davon in die Schweiz. Im August 

1938 verbot die Schweiz jegliche Einreise von jüdischen 

Flüchtlingen. Die Grenzstellen wurden angewiesen, 

jüdische Flüchtlinge zurückzuweisen. Danach konnten 

die Flüchtlinge nur noch auf illegalen Wegen über die 

Grenze gelangen. Am 5. Oktober 1938 erklärten die Nazis 

die Reisepässe deutscher und österreichischer Juden 

für ungültig, und verordneten auf Initiative der Schweiz 

deren Kennzeichnung (Judenstempel). 

Ein Schweizer Radiokritiker beschimpfte Jazz als «Negerund 

Schwachsinnigenmusik». Der schweizerische Bauernverband 

beantragte beim Schweizer Radio, Jazzmusik 

soll doch erst ab 21 Uhr ausgestrahlt werden, wenn die 

Bauern nicht mehr Radio hörten. 

In Ihrem Schlussbericht von 2002, S. 521, stellt die 

unabhängige Expertenkommission Schweiz – Zweiter 

Weltkrieg fest: Der «Zeitgeist» nährte diese Krisen und 

schuf bei vielen ein tiefes Misstrauen gegenüber allem, 

was den Kulturen des Landes als fremd erschien. .... 

Viele misstrauten Lebens-, Denk- und Glaubensformen, 

die aus der Ferne, aus Übersee kamen – der Jazz ist ein 

Beispiel dafür. 

Der Fremde in unserem Stück ist ein Flüchtling, ein Jude, 

ein Zigeuner, ein Künstler, ein Bolschewik, vielleicht 

schwul, kurz eben der «Neger». Die Vorlage für die Figur 

des «Negers» findet sich in den Minstrel Shows und 

der Tradition der «Blackfaces»: «If black performers 

wanted to play in mixed theaters, they had to black up, 

the audience than persumed that they were white». Was 

Josephine Baker hier beschreibt, ist die absurde Szenerie, 

dass Schwarze, die in gemischten Theatern auftreten 

wollten, Weisse spielen mussten, die Schwarze spielen. 

THERAPIE 

4. SECONDO THEATERTOURNéE – FINALMENTE DIHEI! 

abschnitt

abschnitt 

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 

TOJO THEATER 

PROGRAMM 

megafon 10.12 

mein leBen ˛ mein film 

sei dahingestellt. Jedenfalls hat sich seine allgemeine 

Einstellung dank Angelika (siehe drittens) merklich 

verändert. Er sieht die Welt nicht mehr so realistisch, 

er verspürt nun auch Hoffnung für die Menschheit. Doch 

Gefühlslagen sind labil und wandeln hurtig der Liebe 

Gewalt in trunkene Nüchternheit. 

Drittens auf Angelika, die neue Pianistin. Sie ist 

talentiert, hat ein neues Klavier, bringt neuen Wind in 

die Crew und ein Glänzen in deren Augen. Dem Nägeli 

hat sie, wenn sie so weitermacht, auch schon bald den 

Hals verdreht. Eigentlich sind schon sämtliche Hälse der 

männlichen Crew verdreht. Und endlich jemand, die ein 

Instrument spielt und es auch kann. 

Und last viertens and least ist da noch JP. (sprich: 

dschei-pii), der Tüpp von der Gasse, der eigentlich nur 

rein zufällig in die Crew gerutscht ist. Seine abgehalfterte 

Leningrad Cowboy Frisur hilft auch nicht weiter, 

seine Funktion im Team bleibt ungeklärt, seine liebsten 

beiden Äusserungen (Rock’n Roll! und Uapapaluba!) sind 

das geistreichste, was er von sich gibt. 

So startet also der 51. Lustige Dienstag in das Uno-Jahr 

der Wälder, das, symptomatisch mit dem chinesischen 

Jahr des Feldhasen zusammenfällt. Habt keine Angst und 

kommt sehen, vor lauter Bäumen. Die Gäste sind bei Redaktionsschluss 

erst noch auf der Warteliste. Gestrichen 

sind bereits Francine Jordi, Peter Räpper und Ulrichs 

schier lustige Lappen. 

VOn Szenart aarau. regie: HanneS leO Meier. 

filMregie: SeVerin kuHn. regieaSSiStenz: JÖrg 

raMel. PrOduktiOn: OliVer HOfer. kOStüMe/ 

rauM: SuSanne bOner. aSSiStenz: katJa 

kOller. tecHnik: lukaS kOller. SPielerinnen: 

daVide tuliPanO, eliane bertScHi, flOrian 

Hett, Meral kÖSeOglu, MOritz PraxMarer, 

SaraH blickenStOrfer, SeliM yilMaz, SilViO 

bruder, SOPHia baSler, tibOr blattner. 

«Szenart» lässt in «Mein Leben – Mein Film» zehn 

Jugendliche ihr Leben beobachten, als wäre es ein Film. 

Und sie beobachten Filme, als wären diese ihr Leben. 

Sind sie die Regisseure ihrer Lebensfilme? Leben sie in 

einer Tragödie oder in einer Komödie? Oder vielleicht 

sogar im falschen Film? 

4. SECONDO THEATERTOURNéE – GALAXY WORLD 


luStiger dienStag # 51 

Lustiger Dienstag zuletzt im Tojo mit dem Jubiläum 

«Lustiger Dienstag 50» im Dezember 2010 ( Siehe 

megafon 12/10). 

MeHr alS Variété! Mit der ludi-crew: JuditH 

bacH, rObert StOfer, MarkuS ScHrag, tHO- 

MaS laube und gäSten. regie: JOSt krauer. 

Nach dem legendären dreitägigen 50. Jubiläum des 

Lustigen Dienstags ist die Crew nun wieder echt gefordert. 

Und wieder auf sich selbst gestellt. Das heisst: 

Erstens auf Will Lee, dem ehemaligen Art Director, der 

nun zum Requisiteur und Bühnenputzer aufgestiegen 

ist. In seiner früheren Funktion nötigte er das Publikum 

mit der Präsentation verschiedenster Klassiker, von 

Star Wars bis Goethes Däumling. Nun beschränkt er 

sich zum Glück aufs Putzen und den Publikumswettbewerb. 

Da kommen so sinnige Fragen wie: Was ist hier 

eigentlich lustig? Was würde ich besser sein lassen? 

Warum findet der Lustige am Dienstag statt? Wie lautet 

die Wettbewerbsfrage? Und verblüffenderweise findet 

das Publikum stets Antworten, und, noch verblüffender, 

kriegt dafür auch noch schöne Preise. Zweitens auf Hans 

Franz Nägeli, der Moderator. Ob er wirklich moderat ist, 

galaxy World 

VOn cOMPagnia i balOSS, luganO. regie: 

Vania luraScHi. tecHnik: cinzia MOrandi. 

SPiel: aMaral lOPeS flaVia, iVana barukcic, 

bOrella giulia, garObbiO debOra, gianOra 

antHea, giudicetti nicOle, nerO arMandO, 

PaSta eliSa, rOManSki SOraya, SalgadO 

MariSa, SiMunOVic’ dOriS, weitHaler 

anaStaSia, zufOlO giOnata. 

«Compagnia i Baloss» präsentiert unter dem Titel 

«Galaxy World» die Resultate der zahlreichen experimentellen 

Sitzungen im Theatersaal ihrer Schule. 

geKämpft Wie löWen 

VOn tHeaterkidS der Stadt luzern. kOnzePt/ 

regie: walti MatHiS. regieaSSiStenz: leOnie 

HüSler. SPiel: lucien delacrOix, xenia 

bertScHMann, nOel gwerder, nicOle Sauter, 

SiMOna bauMgartner, Marina gMür, SiMOna 

bauMgartner, Valena frey, lukaS ScHwander, 

nOaH auf der Maur, raMOna luMinati, 

katHrin ScHürMann, lOrena brücker, Serge 

nOtter, till ScHuSter, MaryaM MaSSaaf, 

ariana bucHMann. 

Die «Theaterkids der Stadt Luzern» erzählen ein Stück 

Schweizergeschichte: In «Gekämpft wie Löwen» fliehen 

Jugendliche 1789 vor einer brutalen Bettlerjagd nach 

Frankreich, wo sie in die Wirren der Revolution geraten 

und sich als Kindersoldaten anwerben lassen. Begleitet 

wird die Haupthandlung von satirischen Szenen über 

Secondos, die sich in der heutigen Schweiz auf Heimatsuche 

befinden.

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 

FRAUENRAUM 

PROGRAMM 

megafon 10.12 


tanzBar mit dJ zardaS 


popShop mit dJ anouK amoK 

Standard und lateinaMerikaniScHe tänze 

und diScO für frau und frau, Mann und 

Mann und friendS. 


auStra (Can) candelilla (d) 

dJS not_Betty & fernWeh 

indieroCKneWWaVepopaCHtZiGerpunKoLdsCHooLneWsCHooLdisCo 


normal love (berLin) 

fred hyStere & ginger 

dropS doWnStairS (Züri) 

party we say die). «Wir flirten mit dem sexy, sexy Beat», 

verkünden sie, die sich zuletzt über ihre vielen ausflippenden 

Konzertbesucher_innen wunderten: «Boah, 

die tanzen ja!» Den Beat haben sie importiert aus dem 

Technoland der geraden Zahlen in ihr Rockreich voller 

Brecht/Weillscher Theatralik, Störaktionen und gelegentlichen 

Schönklangs («Da muss der Hörer jetzt durch»). 

So auch in der Single «13»: Sandra Hilpold treibt an den 

Drums alles voran, Mira Manns Bass hält hart Schritt, 

Lina Seybolds Gitarre hat Drive, selbst Rita Argauers 

Piano und der (Sprech-) Gesang aus drei Kehlen tanzen 

auf den Schlägen. 

 

Poppiger ins Jahr starten als mit Berns Popkönigin 

schlechthin geht kaum! Drum lasset uns die Plastikblumen 

über den Wolken erblühen und die Eiswürfeli schmelzen, 

drum kommet und tanzet, denn sonst müsst ihr gar nichts 

ausser schlafen, trinken, atmen… und… Na ja, ihr wisst 

schon. Frauen, belebt diese Freitag Nacht! 

Willkommen in Bern-lin! Normal Love (queer-progressive 

berlin underground neo pop) ist eine Gang bestehend 

aus der Sängerin pauline p-love, der Drummerin ink 

r. nation (beide ex rhythm king & her friends) und der 

Gitarristin ben kaan (kat frankie). Feine Melodien treffen 

auf klassische Discobeats und dies nicht ohne den 

Beigeschmack der 80er Jahre und dem Einbezug queerer 

Politik. 

Vor und nach der Bühnenshow knicken uns zu unser aller 

Entzücken die drei Zürcherinnen «Fred Hystère & Ginger 

Drops Downstairs» die Beine. 

CANDELILLA 

auStra – ein PrOJekt VOn katie StelManiS 

und Maya POStePSki: Hin- und hergerissen zwischen 

klassischer Musik und der Popwelt, beeinflusst durch 

Bands wie Nine Inch Nails oder The Knife und die Ausflüge 

in die RiotGirls-Bewegung (Galaxy) haben zu Katie 

Stelmanis Sound geführt. Getragen durch ihre starke 

und intensive Stimme trat sie mit ihrem eigenwilligen 

Sound in den letzten Jahren als Solokünstlerin auf. Für 

ihr neues Projekt Austra hat sie ihre Freundin Maya 

Postepski mit ins Boot geholt, eine Percussionistin mit 

langjähriger Erfahrung. Beide haben bei Galaxy zusammen 

mitgewirkt. Während Live-Performances werden 

sie dabei durch den Bassisten Dorian Wolf unterstützt. 

Austra repräsentiert die musikalische Weiterentwicklung 

von Katie Stelmanis als Soloartistin über 10 Jahre 

hinweg, vervollständigt durch ihre Band. Oder ganz 

einfach gesagt: «More settled and dominant than ever, 

the AUSTRA sound represents all of Katie's influences 

tightened into a shiny metal ball – pianos give way to 

keyboards as songs build and pull, their urgent dark 

melodies arpeggiating and multiplying through an army 

of synthesizers, wrapping themselves around Katie's 

astounding voice.» 


Barometer mit dJ xylophee, 

dJ dunch, dJ fratz, Bruno, 

iSaBelle, miKe & dJ elferich 

elektrOniScHe leckerbiSSen zu leSbiScH- 

ScHwuleM cHillen 

KATIE STELMANIS / AUSTRA 

WinterpauSe! 

Vom 30. Januar bis am 25. Februar gehen wir schlafen, 

einzig BarOmeter wird durchmachen. 

Am Wochenende des 25./26. Februars wirds mit dem 

RaBe-Fest dann wieder kräftig musikalisch und fein 

konzertig! 

candelilla – «reasonreasonreasonreason» haben 

die famosen Vier in aller Dringlichkeit Album eins 

genannt (dessen Hüllen sie kunst- und liebevoll von Hand 

gesiebdruckt, gestanzt, gefaltet und geklebt haben). 

«Mussmussmussmuss» hätte auch gepasst. Oder ein 

bisschen «Oléoloéoléolé» – im Bauch fühlt es sich wie 

eine Partyplatte an. Candelilla haben das «Disko»-Schild 

über sich angeknipst (im Sinne von Gossip oder You say 

abschnitt

story of hEll 

46 


«the largest living land mammal is 

the absent mind.» 

«Be kind, man – don‘t be mankind.» 

In memoriam Captain Beefheart 

(1941 - 2010) 

stets auf das schlimmste gefasst, 

schränken wir uns ein, alles, 

was unzuträglich sein könnte zu 

vermeiden. Wir verdrängen jeden 

schaden, den wir einmal erlitten 

haben mögen, bis wir von ihm 

eingeholt werden. dann drehen wir 

durch, ab oder auf, den rücken der 

Wand zu- oder abgewandt, oder wir 

drehen zu, nehmen alles in uns auf 

und behalten es da. Wir heben alles 

ab, was wir haben, wenn wir noch 

etwas haben, gehen unter, wenn wir 

nichts mehr haben, so ist das. aber 

so muss das nicht sein. das ist der 

ausgangspunkt. 

so bald stellt sich die frage: «Wo 

denken wir hin?!» – und sogleich 

folgt die frage: «denken wir denn, 

überhaupt, irgendwann, und wo, worüber 

– nach oder vor?» – auf dem 

fuss: «Wozu? Es kommt eh anders 

als wir denken». soweit kommen wir 

jeweils, dann lassen wir es bleiben. 

am punkt, wo die realität überhand 

nimmt, fragen nicht gefragt sind, 

was da ist fraglos hier ist um zu 

bleiben. darüber nachzudenken 

lohnt nicht, sich darüber aufzuhalten 

gilt als verkehrsstörung, die aus 

dem Weg geschafft werden muss. 

sonst kommen wir nirgendwo hin. 

schliesslich wollen wir freie Bahn 

für freie gedanken, alles andere ist 

uns egal. Wohin die reise führen 

wird wissen wir noch lange nicht. 

aber wir sind angekommen, in 

dieser realität, eingefahren in 

einen grossen Bahnhof, eine riesige 

Baustelle, genau betrachtet, eine 

vielschichtige angelegenheit von 

komplexer natur. Wir sind da und 

steigen aus. Wir steigen aus und 

sind da, genauer gesagt. und da 

story of hEll – Ca. vom WIndE vErWEhtEstE folgE 

präsEntIErt von dEr spartEnüBErgrEIfEndEn proJEktgruppE für nano-sozIalIsatIon 

ausgestiegen, landen wir schnell 

in der Burg, diesem hafen für 

schiffbrüchige aus aller Welt, 

diesem allerwelts schutzschirm in 

allen Währungen für Banken, die 

nicht wetten, deren kurs folglich 

am sinken ist, denn nur wer wagt 

gewinnt auch. und wer gewinnt und 

Erfolg hat ist angekommen in dieser 

guten gesellschaft, in welcher 

der Wagemut weiter verbreitet 

sein muss als auf den ersten Blick 

ersichtlich. In Wirklichkeit hängen 

alle an alten zöpfen und versuchen 

hinaufzuklettern, als handle es sich 

um eine leiter. 

Wir haben jetzt einen Bausatz geschaffen, 

einen satz Würfel, beliebig 

aufzutischen, mehr oder weniger 

dem gang der dinge entsprechend, 

immer darauf vorbereitet, zu fallen, 

denn alles geht runter, die schwerkraft 

wirkt abwärts. aber so ein 

Würfel, der zeigt dann auch was 

an, wenn einmal gefallen, ganz im 

gegensatz zu einer murmel, die 

einfach rollt, dabei allerhand unvorhergesehenes 

auslöst, um sich am 

Ende am ausgangspunkt wiederzufinden. 

Wieder eingelegt in die Bahn, 

herunterrollend entsprechend den 

gesetzmässigkeiten der schwerkraft, 

aber mit grosser sicherheit 

am tiefsten punkt landend. 

mit grosser voraussicht haben wir 

deshalb auf der hochlobpreisinsel, 

hoch oben auf dem plateau, verschiedene 

ausgangspunkte für verschiedene 

Bahnen vorbereitet, durch 

welche die murmeln rollen, allerlei 

unvorhergesehenes auslösend, 

das ganze theater, das kann alles 

bedeuten, so absurd es erscheinen 

mag. Wir alle kennen die geschichte 

vom umfallenden reissack irgendwo 

in China, auch diejenige vom flügelschlag 

des schmetterlings, alle 

führen letztendlich an den selben 

ort: nirgendwo, überallhin. 

Bis weit hinaus ins all reicht die 

seuche der in aller Bescheidenheit 

«globalisierung» genannten krank- 

heit, welche die menschheit befallen 

hat, kurz nach der postmodernen 

revolution, in deren verlauf die 

gesamten Werte von grund auf auf 

den kopf gestellt geworden waren. 

Etwas, was wohl den meisten 

entgangen sein wird, denn niemand 

schert sich darum. nicht genug, den 

planeten zuzumüllen, scheint es 

sich die menschheit aufs fähnlein 

geschrieben zu haben, gleich ein 

ganzes universum mit in den untergang 

zu nehmen. 

um missverständnissen vorzubeugen, 

es geht hier keineswegs 

darum, schwarz zu malen, oder 

etwas zu beschönigen, untergänge 

können bekannterweise eine 

gewisse faszination bewirken, 

keine frage. Es ist einfach klar, dass 

eine künftige Bevölkerung des alls, 

gehandelt als eine zukünftige genesis 

der menschheit, wenn sie den 

heimischen planeten vollständig an 

die Wand gefahren haben und nach 

neuen siedlungs-gründen ausschau 

halten müssen wird, im voraus zum 

scheitern verurteilt sein wird. da 

schwebt schon so viel müll in der 

schwerelosigkeit herum, das mag 

sämtliche alpträume, wie wir sie uns 

bisweilen machen, übertreffen. 

und so erwachen wir mit einem 

schrecken im hier und Jetzt, schütteln 

uns die träume aus dem fell 

und schnüffeln begierig weiter. Es 

nimmt uns Wunder was noch kommen 

wird. Wir sind auf das schlimmste 

gefasst, deshalb kann uns auch 

nichts mehr überraschen. darauf 

vorbereitet zu sein erweist sich als 

das einzige mittel, gegen all die 

unbill die da wartet anzukommen. 

und wenn das dann eintritt, sagen 

wir, es wird zur Wirklichkeit, es ist 

da, sind wir darauf vorbereitet: Wir 

haben nichts anderes erwartet. 

so einen haufen scheisse. 

In der nächsten folge: Wir schauen 

heiter weiter.

kontaktE 

Interessengemeinschaft 

kulturraum reitschule Ikur 

postfach 5053 | 3001 Bern 

reitschule@reitschule.ch 

www.reitschule.ch 

t 031 306 69 69 

anlaufstelle gegen gewalt 

in der reitschule (aggr) 

hilfe@reitschule.ch 

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t 031 306 69 57 

dachstock@reitschule.ch 

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48 

megafon nr. 351, Januar 2011

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