Ваня Wanja Waña - gerbmira

Ваня
Wanja
Waña

Христос, Ленин, Ваня Тенерифа 2006 Акрил, золото на доске 82 x 82 см
Christus, Lenin, Wanja Teneriffa 2006 Acryl, Blattgold auf Holz 82 x 82 cm
Cristo, Lenin, Waña Tenerife 2006 Acrílico, Oro sobre Madera 82 x 82 cm

и выпускаю этот каталог к выставке
Ваня – посредник между культурами
30.08.2008 – 11.10.2008
Музей Икон Франкфурт на Майне
Dieser Katalog erscheint anlässlich
der Ausstellung
Wanja – Vermitler zwischen Kulturen
30.08.2008 – 11.10.2008
Ikonen-Museum Frankfurt am Main
Este catálogo se ha imprimido
con motivo de la exposición
Waña – Mediador entre Culturas
30.08.2008 – 11.10.2008
Museo de Iconos de Frankfurt am Main
При поддержке Павла Хорошилова
вице – министра културы росийской
федерации
Unter der Schirmherschaft von
Pawel Horoschilov – Vizekulturminister
der Russischen Föderation
Con el patronato de Pawel Horoschilov
– Viceministro de Cultura de la Federación Rusa
Kurator
Dr. Richard Zacharuk
Idee
Ivan Surikov
Koordination
Alexandra Neubauer
Dr. Richard Zacharuk
Herausgeber
Ivan Surikov
Dr. Richard Zacharuk
Grafik Design
Marit Münzberg
Vera Schurr
Texte
Pilar Blanco
Sinaida Bonami
Aleksej Lidov
Milena Orlova
Larisa Wasyutinskaja
Dr. Richard Zacharuk
Übersetzung
Olga Schuwalova
Heike Surikov-Dürr
Lektorat
Anastasia Aleksandrova
Helga Müller
Heike Surikov-Dürr
Fotografien
Boris Indrikov
Gerhard Mantz
U.H. Mayer
Wlad Milawidov
Julia Owchinikova
Uwe Seyl
Druck
TC Druck Tübingen
ISBN-13: 978-3-932942-xx-x
© 2008 Alle Rechte Ikonen-Museum der
Stadt Frankfurt am Main & Ivan Surikov
www.gerbmira.com
Ikonen-Museum Frankfurt
Stiftung Dr. Schmidt-Voigt
Brückenstr. 3 – 7
D - 60594 Frankfurt
+49 69 212 362 62
Öffnungszeiten: Di – So 10.00 – 17.00 Uhr
Mi 10.00 – 20.00 Uhr
www.ikonenmuseumfrankfurt.de
Freunde und Förderer des
Ikonen-Museums Frankfurt am Main e.V.
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Русский художник на Тенерифе Зинаида Бонами
Russischer Künstler auf Teneriffa Sinaida Bonami
Artista ruso en Tenerife Sinaida Bonami
Ein Künstler zwischen den Welten Richard Zacharuk
Герб Мира Лариса Васютинская
Ivan Surikov: Los Iconos del Arte Pilar Blanco
Ivan Surikov: Ikonen der Kunst Pilar Blanco
Лёгкий крест Милена Орлова
Interview Aleksej Lidov

Русский художник на Тенерифе. Зинаида Бонами, заместитель директора Государственного
музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, Москва …Однажды, невесть откуда,
с далекого острова Тенерифа пришла по почте чудесно оформленная книжица. А потом спустя
время в Москву погостить собрался и ее автор – Иван Суриков, живущий на Тенерифе, русский
художник. Что ж в том необычного? Гоген нашел свои краски в Полинезии, Матисс – в
Марокко, Рерих – в Индии… Они застыли пораженные экзотической красотой новой земли,
воплотив в ее образах то, что хотели сказать о себе. Но есть и иной духовный путь,
открывшийся мне при встрече с Иваном. Он состоит в особой муке и привилегии русской души,
описанной еще Достоевским: вечной необходимости искать Бога в самом себе. Искать повсюду,
и всегда, даже под щебетанье райских птиц. Иначе почему и там, в земном раю, его творчество
обращено к фигуре Творца, а мир видится в геометрическом формате византийского канона?
Пусть причудлива жизнь, но судьба художника – всегда являть миру свою бессмертную душу.
Ein russischer Künstler auf Teneriffa. Zinaida Bonami, Stellvertretende Direktorin des Staatlichem
Museums der Schönen Künste A.S. Pushkin, Moskau …eines Tages, von einem entlegenem Ort,
von der Insel Teneriffa, kam per Post ein Büchlein mit einem fantastischen Design. Und nachdem einige
Zeit verging, wollte sein Autor – Ivan Surikov, ein russischer Künstler wohnhaft auf Teneriffa, Moskau
besuchen. Was ist daran seltsam? Gauguin fand seine Farben in Polinesien, Matisse in Marokko,
Rerikh in Indien… Sie verliebten sich in die exotische Schönheit der neuen Welt und verkörperten
in ihr, was sie über sich selber sagen wollten. Aber es gibt auch einen anderen spirituellen Weg, der
sich mir während meines Treffens mit Ivan enthüllte. Er besteht aus einem besonderem Leiden und
dem Privileg der russischen Seele beschrieben schon von Dostojewsky: Das ständige Bedürfnis, Gott
in sich selber zu suchen. Immer und überall zu suchen, sogar umgeben von dem Gezwitscher himmlischer
Vögel. Warum sonst richtet sich sein Werk in diesem irdischen Paradies an Gott, und sieht die Welt
durch ein geometrisches Format mit byzantinischem Kanon? Mag das Leben noch so eigensinnig
sein, das Schicksal des Künstlers besteht immer darin, der Welt seine unsterbliche Seele zu zeigen.
Un artista ruso en Tenerife. Zinaida Bonami, Subdirectora del Museo Estatal de Bellas Artes A.S.
Pushkin, Moscú …Un día, de un lugar remoto, desde la isla de Tenerife, llegó por correo un librito
de un diseño fantástico. Y pasado algún tiempo, quiso visitar Moscú su autor – Iván Surikov, un artista
ruso con residencia en Tenerife. ¿Qué hay de raro en ello? Gauguin encontró sus colores en la
Polinesia, Matisse – en Marruecos, Rerikh – en La India… Quedaron prendados de la belleza exótica
del nuevo mundo y encarnaron en ella lo que querían decir sobre si mismos. Pero hay otro camino
espiritual que se me descubrió durante el encuentro con Iván. Consiste en un sufrimiento especial y el
privilegio del alma rusa ya descrito por Dostojewsky: La necesidad permanente de buscar a Dios en
uno mismo. Buscar por todas partes y siempre, incluso con el canto de los pájaros celestiales a su
alrededor. Si no, ¿por qué en aquel paraíso terrenal, su obra se dirige a Dios, y el mundo se ve en un
formato geométrico de canon bizantino? Por muy caprichosa que sea la vida, el destino del artista
consiste en mostrar siempre al mundo su alma inmortal.
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Христос, Ленин, Ваня Тенерифа 2006 Акрил, золото на холсте 146 x 114 cм
Christus, Lenin, Wanja Teneriffa 2006 Acryl, Blattgold auf Leinwand 146 x 114 cm
Cristo, Lenin, Waña Tenerife 2006 Acrílico, Oro sobre Lienzo 146 x 114 cm

Ein Künstler zwischen den Welten. Dr. Richard Zacharuk, Leiter des Ikonen-
Museums, Frankfurt Russland und Teneriffa, zwei Welten in denen sich der
russische Künstler Ivan Surikov bewegt und arbeitet. Er kam aus Russland bereits
als fertiger Künstler und wurde vor allem in Deutschland mit dem Westen
konfrontiert, um auf einer Insel im Atlantik zu landen. Zuerst die systembedingte
Indoktrinierung der alten Sowjetunion war maßgeblich fu ̈r die Formung des
Ku ̈nstlers als Ku ̈nstler. Es war die Welt der Ideologie und der Technikbeherrschung,
aber keine Welt der freien künstlerischen Entfaltung. Für die gab es in
Deutschland und im Westen den Platz, der von Surikov auch reichlich beansprucht
wurde. Durch die Lebensumstände sollte es bei Deutschland nicht bleiben, sondern
es wurde Teneriffa, eine Insel, die weitläufig als Ferienparadies gilt. Für Ivan Surikov
bedeutet die Insel, der neue Ort des Lebens, ein Ort der neuen künstlerischen
Entfaltung und neuen Inspiration. Er wird nicht zum Landschaftsmaler, der durch
die grandiose Landschaft inspiriert wird, sondern er wird zum Denker und zum
Umsetzer der Ideen. Seine Kunst ist ein Spiegelbild seiner Ideen und seiner Konzepte.
In der Materialisierung und der Ausführung des Gedachten bedient sich der Künstler
alter Rezepte. Vieles davon basiert auf der Überlieferung der alten Ikonenkunst.
Es sind auch ikonographische Lösungen zu sehen, die sich über Jahrhunderte bewährt
haben, die auch immer einem strikten kompositorischen Aufbau folgten. Auch die
dargestellten Gestalten sind, dem alten Schema folgend, meist statuarisch und
frontal. Die alten Künstler bedienten sich der Vorzeichnungen und der Hagiographien
um die dargestellten Heiligen zu verherrlichen. Surikov tendiert auch zu ähnlichen
Lösungen, nur seine Heiligen stammen nicht aus der alten Zeit, es sind eher er selbst,
seine Zeitgenossen, oder Persönlichkeiten, die die jüngste Geschichte hervorgebracht
hatte, z. B. Lenin. Eins seiner Bilder zeigt es sehr deutlich: Es ist die Gestalt von Jesus
Christus, ihm selbst und Lenin. Alle drei tragen einen Nimbus, der bei den drei
Nicht-Heiligen dreieckig bzw. quadratisch ist, die auch ihre eigene symbolische
Bedeutung haben. So wird der alte Partenon der Heiligen durch neue ersetzt.
Damit folgt, dass beim Künstler aus einer alten Verherrlichung der Heiligen eine
Hinwendung zum Heutigen entsteht. Der Künstler selbst bleibt nicht nur Erzeuger
der Bilder, er bringt sich selbst in die Bilder ein, nicht als Betrachter, sondern als
Teilnehmer des beinahe kontemplativen Geschehens. Er trägt wie auf alten Ikonen
ein Mönchsgewand, das seine persönliche Einstellung, als Teilhaber einer quasi
heiligen Handlung dokumentiert. Die Kunst des Ivan Surikov, der sich gern mit
der Verkleinerung seines Vornamens Wanja nennt, ist bar jeglichen Aufschreis und
Buntheit. Sie tendiert ebenso wie seine Gedanken zum Zurückhaltenden, zum
Leisen oder fast zum Introvertierten. Das spiegelt sich in der ausgewogenen
Farbigkeit seiner Bilder. Meist ein Künstler zwischen den Welten, sind es
Temperafarben, deren Transparenz und pastelhafte Wirkung an die alten Ikonen
erinnert. Ihre Ausführung neigt zum Monochromen hin, ohne viele Kontraste.
Diese fast plakative Art ist auch den Ikonen eigen und bewirkte beim näheren
Betrachten, dass die Bilder sich nach innen öffnen. Wie bereits angedeutet,
sind die Bilder von Surikov nicht nur Spiegelbilder seiner selbst. Die Vorgehensweise
und die Durchführung erinnert an die wenig bekannte Konzeptkunst der Sowjetunion
der 70er bis in die 90er Jahre des 20. Jahrhunderts. Diese Kunst zeichnete sich
durch keine stilistischen oder ikonographischen Gemeinsamkeiten aus, sie war
auch nicht vordergründig system- oder gesellschafts-kritisch. Entscheidend waren
individuelle Konzepte der Künstler, die ihre Kunst weiterhin isoliert vom Westen
betrieben. Das Individuelle und das Kontemplative sind auch Merkmale, die die
Kunst von Ivan Surikov auszeichnen. Trotz des Lebens im Westen sind in seiner
Kunst fast keine Elemente sichtbar, die man dem Westen zuordnen könnte. Er bleibt
sich selbst und seiner „Ideologie“ treu. Vielleicht das „Landen“ auf einer Insel im
Atlantik war die Ursache einer Art der Rückbesinnung, die ihn aber auf keinen
Fall zu einem „russischen Künstler“ macht. Seine Sprache ist die Verbindung der
unterschiedlichen Elemente, die auf der russischen Vergangenheit und Erfahrung
basieren. Sich selbst begreift der Künstler als Mittler und Vermittler zwischen den
Kulturen. Trotz der russischen Kunstsprache ist er auch im Westen gut verständlich
und braucht keine Dolmetscher. Die Frankfurter Ausstellung ist nicht nur eine
simple Aneinanderreihung und Präsentation von Bildern. Das Projekt ist eine
Installation, die einen starken integrativen Charakter hat. Es geht um den Dialog
zwischen Alt und Neu. Es geht nicht um die Gegensätze, sondern viel mehr um
die Gemeinsamkeiten. Die Ausstellung hat auf der einen Seite den Charakter einer
Installation, ist aber gleichzeitig eine Inszenierung, die in die bestehende Ikonenpräsentation
integriert ist. Das Konzept des Künstlers basiert nicht nur auf der
bildhaften Umsetzung seiner Ideen, sondern auf der konzeptuellen Verwirklichung
der passenden, adäquaten Präsentation.
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Христос, Ленин, Ваня Тенерифа 2006 Акрил, золото на доске 82 x 82 см
Christus, Lenin, Wanja Teneriffa 2006 Acryl, Blattgold auf Holz 82 x 82 cm
Cristo, Lenin, Waña Tenerife 2006 Acrílico, Oro sobre Madera 82 x 82 cm

Герб Мира. Лариса Васютинская, журналист / редактор, ветеран труда,
Издательство «Наука» У каждого художника любого времени и исторического
периода есть несколько произведений, определяющие его творчество, те работы,
по которым мы сразу узнаем художника и его стиль. Как правило, из лучших
работ есть одна наиболее характерная, если можно сказать, его главное творение.
Так, например, у Леонардо да Винчи – это «Мона Лиза», у Винсента Ван-Гога
– «Подсолнухи», Казимира Малевича – «Черный квадрат» … и т.п. Таким
образом, по одной главной картине художника мы без труда определяем время,
течение в искусстве: «Подсолнухи» – импрессионизм, «Чёрный квадрат» –
супрематизм. Мы видим, как в этих, только на первый взгляд простых сочетаниях
эпоха – художник – картина, просматривается связь с историей, её переломными
или переходными периодами. Такая же закономерность есть и в творчестве
Ивана Сурикова (Вани – Художника Мира) с его главным произведением «Герб
Мира», в котором ему удалось изобразить разные эпохи: короткую советскую,
многовековую христианскую и заглянуть в новое тысячелетие. В ХХ-м веке с
1917 года в России, а с 1922 г. в Советской империи, Ленин был идолом, ему
поклонялись, строя памятники и дворцы. На протяжении многих лет он почитался
всеми с малого возраста не только как вождь мирового пролетариата, как друг
« всех народов», но и как «учитель, дедушка Ленин». Его имя для миллионов
ассоциировалось с добротой, мечтой в недалёкое счастливое коммунистическое
будущее на Земле. Имя Христа в России никогда не забывалось, несмотря на
гонения и изменения политического строя. Христос – это жертвенный образ
сына Божьего, который погиб ради спасения человечества, это вера в Бога.
Коммунизм и Христианство – разнополюсовые мечты о светлом будущем
занимали, да и занимают умы многих художников, писателей, поэтов, большую
часть элиты мирового сообщества. Родившись в советскую эпоху в
православной семье, художник Иван Суриков – Ваня впитал эти разнополюсовые
идеи о светлом будущем, а позже изобразил в картине, объединив своих идолов,
и поставил себя – художника рядом и выше, показывая таким образом о
существовании своей собственной веры, где художник как бы искушает себя в
творчестве, что искусство – это «Искус», всегда писать истину, даже, если это
«запретный плод». Политические и религиозные течения трансформируются
здесь в новую художественную идею, где искусство и сам художник занимают
уже более значимую позицию в мире, что и соответствует названию: «Герб
Мира» – это доброта, отсутствие войны, это человечество, вселенная. Из названия
картины видна позиция автора – задача искусства не только создавать красоту и
отображать этапы развития общества, но быть в состоянии, при каком бы то ни
было политическом строе иметь свою независимую миссию – нести истину в
культуру ради сохранения человеческой цивилизации.
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Художник Мира Тенерифа 2007 Акрил, золото на холсте 130 x 162 cм
Künstler der Welt Teneriffa 2007 Acryl, Blattgold auf Leinwand 130 x 162 cm
Artista del Mundo Tenerife 2007 Acrílico, Oro sobre Lienzo 130 x 162 cm

Герб Мира был создан в 1987 – 88 годах, как раз во время празднования 1000-летия
Христианства на Руси. Сотворение «Герба Мира» было случайным, спонтанным. Работа
над его созданием была закончена в короткий срок и происходила без какого-либо плана
или заранее какой-либо подготовки. Внутри картины «Герб Мира» изображена Мария
с младенцем – символ Земли. Христос и Ленин – как часовые охраняют её, а спящая или
медитирующая фигура художника Вани придает произведению мирную, загадочную ауру.
Wappen des Weltfriedens Der „Wappen des Weltfriedens“ wurde in den Jahren 1987 und
1988 erschaffen. Russland feierte zufälligerweise in diesen Jahren das 1.000 jährige Jubiläum der
orthodoxen Kirche. Im Inneren des Bildes sieht man die Mutter Gottes mit dem Jesuskind als
Symbol für die Mutter Erde, Christus, Lenin und Wanja wirken wie die Wächter welche die
Erde beschützen. Im Bild werden Geschichte und Zukunft sowie die verschiedenen Religionen
in einem neuen Symbol dargestellt. Es verbindet das männliche mit dem weiblichen Prinzip
und ist Symbol für den Weltfrieden und eine neue Kultur.
Escudo de la Paz Mundial El “Escudo de la Paz Mundial” se creó en los años 1987 y 1988.
Justamente en estos años Rusia celebraba el 1.000 Aniversario del Cristianismo Ortodoxo Ruso.
En el interior del cuadro se puede ver a la madre con el hijo simbolizando la Madre Tierra. Cristo,
Lenin y Waña representan los guardianes que protegen la Tierra. En el cuadro la historia y el
futuro, así como las diferentes religiones se representan en un nuevo símbolo. Este une los
principios masculino y femenino y es el símbolo para la paz mundial y para una nueva cultura.
Герб Мира Москва 1987– 88 Tемпера, масло на оргстекле, 1 плоский квадратный лист
и 2 выпуклые полусферы, квадратная алюминевая рама 115 х 115 х 30 см
Wappen des Weltfriedens Moskau 1987– 88 Öl, Tempera auf Plexiglas, eine flache Platte
und zwei aufeinander montierte Halbkugeln, befestigt auf Aluminiumrahmen 115 x 115 x 30 cm
Escudo de la Paz Mundial Moscú 1987– 88 Òleo, Témpera sobre Plexiglas, una chapa plana
y dos chapas semiesféricas superpuestas montadas sobre un marco de aluminio 115 х 115 х 30 cm
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Художник Мира Тенерифа 2006 Акрил, золото на доске 82 x 82 cм
Künstler der Welt Teneriffa 2006 Acryl, Blattgold auf Holz 82 x 82 cm
Artista del Mundo Tenerife 2006 Acrílico, Oro sobre Madera 82 x 82 cm

Искус Тогда как у Ленина в руке серп и молот, а у Христа-крест, у Вани в руках
золотая кисть пересеченная полумесяцем. Это символ гармонии, слияния женского
и мужского начал, и снова символ мира. Искус становится «импульсом» новой культуры.
Iskus Symbol erschaffen von Wanja. Es besteht aus einer Art Kreuz dass sich aus einem
Pinsel und einem Halbmond zusammensetzt. Dieses Symbol stellt die Kunst dar und bezieht
sich auf die Integration der Gegensätze: männlich und weiblich, Verstand und Intuition, Geist
und Sinne.
Iskus Símbolo creado por Waña. Se compone de una especie de cruz formada por
un pincel y una media luna. Este símbolo representa el arte y se refiere a la integración de
contrarios: masculino y femenino, razón e intuición, mente y sentidos.
Искус Тенерифа 2001 Акрил, золото на холсте 115 x 115 cм
Iskus Teneriffa 2001 Acryl, Blattgold auf Leinwand 115 x 115 cm
Iskus Tenerife 2001 Acrílico, Oro sobre Lienzo 115 x 115 cm
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Артистадор Тенерифа 2001 Акрил, песок с пляжа Сан Хуан, на холсте 80 x 60 cм
Artistador Teneriffa 2001 Acryl, Sand von der Playa San Juan auf Leinwand 80 x 60 cm
Artistador Tenerife 2001 Acrílico, Arena de la Playa San Juan sobre Lienzo 80 x 60 cm

Waña Surikov – Los Iconos del Arte. Pilar Blanco, Decana de la Facultad de Bellas
Artes en la Universidad de La Laguna. S/C de Tenerife Waña es un pintor ruso,
pero vive en Tenerife. Su patria le proporcionó el bagaje de su infancia: todo un conjunto
de conocimientos y primeras experiencias que contribuyeron a formar los fundamentos
de su visión del mundo y sus ámbitos de interacción. De Rusia aprehendió también su
espíritu, su cultura, la hondura de su pueblo y su espiritualidad. Se formó como
artista bebiendo en las fuentes del arte primitivo de su tierra natal, las mismas que
inspiraron las obras de Malevich y las de muchos pintores rusos de las Vanguardias. Se
introdujo en la práctica artística a través de la pintura de iconos. La religión era para él
algo personal, ligado a su cultura. Las iglesias y catedrales, además de lugares sagrados,
se asemejaban a monumentales “rincones rojos” desde donde – recordando a Kandinsky
– ,“la pintura le abrazaba y le invitaba a hundirse en ella” 1 , eran, además, centros de
aprendizaje, lugares de privilegio para aquellos que querían contemplar las riquísimas
muestras del arte sacro y evidenciar las altas cotas de sus conquistas técnicas. En
1989 fue elegido como artista del mundo en el Congreso Primaveral de la Avantgarde
de Moscú con su obra “Escudo del mundo.” (página17) A partir ahí, se propone
investigar el significado de dicha condecoración. Siente la necesidad de comprender la
función del arte y la misión del artista e inicia, a través de la pintura, un largo periodo
búsqueda y reflexión. Waña, en el siglo XXI, continúa siendo un pintor de iconos,
con un discurso análogo, aunque referido a una realidad diferente. Respeta el
planteamiento tradicional pero sustituye los personajes e introduce nueva simbología y
a medida que esto sucede, el pintor va encontrando las claves para comprenderse a sí
mismo y desvelar la tarea que cree estar llamado a desempeñar. El pintor habita el
mundo de manera creativa, es decir, estableciendo relaciones y proyectándolo sobre su
sensibilidad. La mano le permite conectar mente y sentidos. Trabaja con ambos y desde
ahí despliega su actuación. En su estudio observa, se escucha a sí mismo y busca lo
nuevo, lo que vale para dar solución a nuevos problemas. Desde su taller, en la parte
más occidental y meridional de la región europea, trabaja en conexión con el resto
de la cultura. Como Kosuth, del que fue alumno en Stuttgart; se deja seducir por la
poética del concepto y en su discurso se trasluce la influencia de la obra y el pensamiento
de Beuys. Conoce la filosofía oriental y comparte con el Proyecto Mariposa 2 , con cuya
fundación colabora, la aspiración de salvar al mundo a través de la belleza; actualiza sus
conocimientos sobre arte y práctica artística, experimenta, revisa valores …, pero lo
hace desde la fidelidad a sí mismo y a la cultura a la que pertenece. Por eso ha sido
capaz de reinterpretar el icono convirtiéndolo en una metáfora que alude a dos
contextos ambitales diferentes, aunque próximos: la experiencia estética y la religiosa,
pero en este caso, a diferencia de lo que ocurre en la pintura tradicional de iconos, no
es la experiencia estética la que nos conduce a Dios, sino la experiencia religiosa –
expresada en el lenguaje de los iconos – la que se pone al servicio del arte.
1 Petrova, Eugenia: “Las raíces populares de las
vanguardias rusas”, p. 22. En 2 Vanguardias Rusas.
Catalogo de la exposición del Museo Thyssen-
Bornemisza, 2006.
2 Fundación en Tenerife del los esposos Hans
Jürgen y Helga Müller sustentada en una filosofía
cercana a la creencia de Dostojewsky relativa a
que “la belleza salva al mundo”
3 Aunque no con la profusión con la que lo hace
Waña, ya había habido antecedentes. Al parecer,
Malevich imitó los iconos y en una ocasión se
representó a sí mismo con los atributos divinos.
Ver Petrova, Eugenia: “Las raíces populares de
las vanguardias rusas”, p. 28. En Vanguardias
Rusas. Catalogo de la exposición del Museo
Thyssen-Bornemisza, 2006
4 Algunos han querido ver la parte abdominal
como un segundo cerebro que registraría
principalmente la actividad del hombre en
relación a su sensibilidad propioceptiva.
Transgresión y proceso Un icono es algo más que un precioso objeto de arte.
Es ante todo un medio de comunicación que porta un contenido simbólico a través
de imágenes convenientemente codificadas. Su significado transciende la belleza de
la forma que no es más que un estímulo visual destinado a establecer un primer
acercamiento a verdades reveladas o intuidas que escapan a nuestra percepción.
Los iconos de Waña, son también bellos objetos simbólicos que, aunque construidos
al modo tradicional, lo transgreden para adaptarlo al mensaje que portan y en este
sentido, la mayor transgresión consiste en la introducción del artista como protagonista
de la obra 3 . Ninguno de los antiguos maestros se hubiera atrevido a hacer nada
igual. El gesto nos indica que su mensaje pertenece a otro contexto. Kandinsky
aconsejaba a los artistas a no mirar el cuadro desde fuera, sino a estar dentro de él,
a vivir en él. Waña parece seguir esta recomendación del artista al pie de la letra.
Desde sus primeros trabajos, él es el protagonista, el objeto de reflexión y el portador
del mensaje. Su enigmática obra muestra – como si se tratara de un camino iniciático
– el proceso seguido hasta conseguir la liberación del pensamiento creador y la
comprensión del arte. Desde la obra “Escudo de la Paz mundial” de 1989 (página
17) que le valió la designación a la que hemos hecho referencia hasta el cuadro
titulado ”Waña – Artista del Mundo” pintado en el 2006 (página 33), han transcurrido
dieciséis años. En mi opinión ambas obras constituyen el paréntesis en el que se
encierra el proceso. La primera es un punto de partida en donde están ya presentes
la mayor parte de los elementos clave de su simbología: el iskus, que representa el arte;
la figura del artista, aquí recostado al pié de una montaña; las efigies de Lenin y Cristo
con sus aureolas doradas; etc. Llama la atención la presencia de un rombo anaranjado
inscrito sobre la esfera terrestre que sirve de fondo a otro más pequeño en cuyo
interior se representa una Virgen con Niño. Este motivo se interpone entre el artista
yacente y las figuras de Cristo y Lenin que aparecen coronadas con aureolas de oro.
En la parte superior, formando un triángulo equilátero con las otras dos, se perfila
una tercera aureola que, aunque vacía, rodea el vientre y la mano inactiva de la figura
yacente 4 Pequeños toques de color y un amplio despliegue de nubes simétricas
completan el conjunto, haciendo referencia al lugar. En la segunda, al contrario que
en la anterior, el artista se yergue triunfante, vestido de blanco en medio de un
campo de luz. Cristo y Lenin, a ambos lados, parecen perder presencia en una posición
subordinada. Esta vez, sólo el artista aparece coronado por una doble aureola en
cuyo interior se inscribe su nombre. Como atributo le acompaña un pincel. Sobre
la aureola pende el iskus e, integrándolo todo, unas formas geométricas: chacras,
que recuerdan a alas de las mariposas, se despliegan por la superficie. Dos de ellas
se cruzan y dejan ver un corazón pintado de rojo sobre la vestidura blanca del
artista que se convierte en un centro de atención. Una especie de forma redondeada,
llena de luz, se superpone a una fina y trabajada textura de las nubes. Ambas
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obras contrastan en planteamiento y color. El tondo de la primera cede paso al
rectángulo apaisado – más narrativo – de la segunda. El artista durmiente, se yergue,
la montaña desaparece y en su lugar se sitúa su cabeza coronada. Las emblemáticas
figuras de Lenin y Cristo que, sin tener relación entre sí, dominaban la escena, se
vuelven hacia el artista con vestiduras violeta 5 en actitud de reverencia. El iskus,
apenas perceptible antes, brilla ahora con fuerza. Un baño de blanco y oro 6 envuelve
al conjunto. En la obra final el artista parece haber subido la montaña, haber realizado
sus deseos y liberado su pensamiento creativo que integra ahora cabeza y corazón.
La búsqueda ha terminado, la última llave ha sido encontrada y al abrirse la puerta,
el artista descubre en el amor el secreto de la creación y también del arte.
Codigos de expresión y la articulación del mensaje Los iconos de Waña
realizan respecto del contenido de los iconos tradicionales un doble recorrido:
primero lo desacralizan, al sustituir temas y figuras religiosas por temas y personajes
laicos y después, lo vuelven a sacralizar al tratarlos con los mismos códigos y
planteamientos con los que están resueltos los referentes de los que parten. En
su obra, la articulación del mensaje se realiza a partir de los patrones establecidos
por la tradición en la pintura de iconos y se fundamenta en el poder de los símbolos.
Su arte, como el de los primitivos se basa en el concepto; concibe la belleza según
patrones canónicos; proporciona las figuras de acuerdo a criterios propios de
valoración; usa colores planos y formas ornamentales y recurre a fórmulas compositivas
sencillas basadas en: equilibrios estáticos, simetría bilateral o de traslación y ritmos
simples y alternantes. Su estilo presenta los rasgos de esencialismo (reducción de
lo accesorio), sinceridad, entendida como uso no adulterado de los materiales;
adaptación de la obra a la función y profundidad de contenido, características del arte
sacro. Pero el verdadero poder de comunicación de la obra de Waña hay que
buscarlo, sobre todo, en los símbolos que emplea. En este sentido son elementos
recurrentes en Waña:
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El iskus, especie de cruz formada por un pincel y una media luna. Utiliza este
signo para la representación del arte y junto con la cruz de Cristo y la hoz y el
martillo de Lenin constituye una especie de mandala que se refiere a la totalidad,
a la harmonía a partir de la integración de contrarios. En el caso de Waña, lo que se
integra es la razón y la intuición; la mente y los sentidos que conducen al conocimiento
del arte. El iskus, al igual que la cruz y la hoz y el martillo, incorpora una idea de
redención, de liberación del hombre, en este caso, a través del conocimiento y
del arte. El iskus como emblema es una referencia constante en la obra del artista.
Aparece pequeño, oscuro y difuso cuando describe estados iniciales del proceso de
creación; grande y dominando la escena, en estados intermedios y estilizado y brillante
en estados finales de superación.
5 El diccionario se refiere al color violeta
como símbolo de sacrificio, de obediencia y
de sumisión, del ser humano espiritual. [Jean
Chevalier / Alain Gheerbrant: Diccionario de
los símbolos en Simbología del color, ver: http://
artelena.wordpress.com/2007/07/23/simbologiadel-color/
[30 de junio de 2008, 16:30]
6 El amarillo, al igual que el blanco, se han
considerado siempre como colores relacionados
con la luz. El amarillo se le asocia con la juventud
y la fuerza divina. Es el color de los dioses y de
la eternidad. El blanco, representa la síntesis de
todos los colores. Es silencioso y se asocia con
el mundo de las posibildades. Id. Anterior.
Мария с младенцем Тенерифа 2008 Акрил, золото на доске 82 x 82 cм
Mutter mit Kind Teneriffa 2008 Acryl, Blattgold auf Holz 82 x 82 cm
Madre con hijo Tenerife 2008 Acrílico, Oro sobre Madera 82 x 82 cm

El artista. Es el protagonista de la obra. Todo acontece por él o en relación a él.
Con frecuencia aparece sólo, tumbado y rodeado de nubes, en períodos de búsqueda
e incubación; sentado y trabajando, en periodos de ejecución y de pié y en actitud
triunfante, cuando ha conseguido finalizar el proceso creador.
La gota o brocha. Adopta la forma de la parte superior del pincel. Es un espacio
cerrado que sirve de fondo a los protagonistas. A veces funciona como útero
materno que da cobijo al artista mientra se gesta la creación; otras, como espacio
protegido mientras el pintor desarrolla su tarea y en las fases finales se confunde
con el paraíso o lugar destinado a los elegidos.
La montaña. A veces está representada esquemáticamente por elementos
triangulares. Alude a la dificultad, a los obstáculos que tiene que vencer para coronar
su tarea. Aparece sobre todo en las obras que describen estados iniciales del proceso
de creación artística.
Las nubes. Simbolizan la ceguera, la oscuridad que lo envuelve en el periodo de
incubación. Representa la materia prima de la creación a la que el artista dará forma
decantándose por una opción. Las nubes rodean profusamente al artista yacente en
estadios iniciales, disminuyen en procesos de ejecución y desaparecen cuando se ha
realizado la obra.
El ojo en el pie. Alude a un proceso activo de búsqueda, clarividencia para ver el
camino que conduce al arte y a la creación artística.
La escalera: es, como la montaña, un símbolo ascensional, pero incorpora un
sentido de desplazamiento, de camino iniciático. La escalera no aparece en momentos
iniciales del proceso creativo sino que se corresponde con fases intermedias o
avanzadas.
La barca, como la escalera indica también camino, desplazamiento, pero se refiere
más bien a un destino común.
Cristo y Lenin Dos paradigmas para el pueblo ruso y para el propio artista, aparecen
siempre con una función de referencia y un cierto sentido dualista. Representan lo
divino y lo humano; el sacrificio y el trabajo; el amor y la liberación. Waña los identifica
con una tarea salvífica, la misma que él tendrá que realizar cuando encuentre el
camino. Recurrentes a lo largo de toda la obra, parecen actuar como indicadores
del momento en que Waña se encuentra en relación al descubriendo de su tarea.
Distantes y sin conexión, al principio, van entrando sucesivamente en comunicación
con el artista en una progresiva relación de igualdad que poco a poco va cediendo
a favor de este último. A medida que entiende su función, se alza sobre un podium
o prescinde de su compañía.
La corona de la liebre de la paz. Junto con el iskus constituye uno de los símbolos
más representativos de la pintura de Waña. Procede directamente de Beuys que
fundió una corona imperial dándole forma de liebre que relacionó con la paz. Aparece
7 Coomaraswamy, A. K.: La transformación de la
naturaleza en arte. Ed. Kairós, Barcelona, 1997. p.50
ligada a la misión del artista porque para realizar la armonía es necesario primero
trabajar por la justicia y la paz.
Aureolas. Coronan las cabezas de los personajes y del propio artista. La forma
circular se reserva a Cristo en alusión a su divinidad; la cuadrada a Lenin que
desempeñó su tarea en un ámbito terrenal y humano y la triangular, usada para la
representación de la vida y de la naturaleza y para el proceso de evolución del mundo,
se reserva al artista que en ocasiones aparece coronado por una estrella de siete
puntas, símbolo de la luz y la verdad de la que deben rodearse los seres sublimes.
Los iconos del arte Con su inmersión en la obra, a medida que recorría el camino
para encontrarse a sí mismo en su tarea específica, Waña nos ha dejado una compleja
narración en la que podemos distinguir tres temáticas diferentes que se refieren: a)
al proceso creativo, b) a la figura del artista y c) a la función del arte. Para el autor
el arte es, como la experiencia religiosa, una experiencia profunda e integradora
que se fundamenta en el trabajo y en el desarrollo de las funciones que hacen posible
el conocimiento. El arte es también una accesis, un camino de realización para el
hombre que se libera a medida que lo recorre, pero no está trazado previamente.
Cada uno debe iniciar el suyo en medio de una brumosa incertidumbre y es de su
exclusiva responsabilidad darle forma. Al tiempo que camina debe encontrar la luz
y transmitirla a sus semejantes porque el artista no está sólo, su tarea tiene una
función social. Debe contribuir a forma el pensamiento y la manera de sentir de las
gentes, contribuir a construir el destino de los pueblos. El camino del arte se
fundamenta en la armonía que refleja el equilibrio del hombre consigo mismo y con
el mundo. La armonía a través de la integración de contrarios produce la paz que
es la aspiración por la que deben luchar todos hombres. La tarea del artista consiste
en armonizar su entorno. De esta tarea surgirá la belleza cuando, articulando mente
y corazón, sepamos adecuar a través del conocimiento y la experiencia estética,
obra y función. Me gustaría terminar con una pequeña reflexión que Ananda K.
Coomaraswamy recoge en su libro “La transformación de la naturaleza en arte”:
“Cielo y tierra están unidos en la analogía del arte que es una ordenación de la sensación
hacia la inteligibilidad y que tiende hacia una perfección última en la que el que ve percibe
todas las cosas imaginadas en sí mismo.” 7 Creo que no hay mejor definición para
la pintura que Waña ha venido desarrollando a lo largo de estos años, esa es la idea
que reflejan, en mi opinión los iconos del arte.
28 29

Wanja Surikov : Ikonen der Kunst. Pilar Blanco, Dekanin der Fakultät Feine Kunst
an der Universität La Laguna, Teneriffa Wanja Surikov – ein russischer Maler – lebt
auf Teneriffa. Rußland hat seine Kindheit: geprägt, sein Wissen, die ersten Erfahrungen, hier
wurde das Fundament zu seiner Weltanschauung gelegt, hier war sein erstes Wirkungsfeld.
Russische Kultur, Geist, die seelische Tiefe seines Volks – formten seinen Geist und seine
Spiritualität. Als Künstler konnte er aus den Urquellen der Kunst seines Landes
schöpfen, aus denselben, die die Werke von Malevich inspirierten wie auch die vieler
anderer russischer Malern der Avantgarde des 20. Jahrhunderts. Religion war für ihn
etwas ganz Persönliches, etwas Kulturverbundenes. Kirchen und Kathedralen, heilige
Plätze, wurden für ihn mehr und mehr zu großartigen „geheimnisvollen roten Winkeln“,
wo (erinnern wir uns an Kandinsky), „die Malerei ihn umarmte und ihn einlud mit ihr eins
zu werden“ 1 . Auf dem „Frühlingskongreß der Avantgarde“, 1989 in Moskau, wurde er
mit dem Werk „Wappen des Weltfriedens“ (Seite 17) zum „Künstler der Welt“ gewählt.
Seitdem läßt ihn die „Bedeutung“ dieses Titels nicht mehr los, vor allem die Frage, wie er
ihm gerecht werden kann. Mit der ewig großen Frage nach der „Aufgabe der Kunst“ und
der „Mission des Künstlers“ beginnt mit seiner Malerei eine lange Periode des Nachdenkens
und der Forschung. Ein Ikonenmaler des 21. Jahrhunderts ist auf eine neue Realität
bezogen. Zwar respektiert er die traditionelle Form der Ikone, ersetzt jedoch die Heiligen
durch andere Figuren, erfindet eine neue Symbolsprache und in diesem Prozeß auch den
Schlüssel zum eigenen Selbstverständnis, zur ganz persönlichen Aufgabenstellung. Der
Maler als Intellektueller lebt die Welt kreativ. Er stellt ganz eigene Gedankenverbindungen
her, die er auf seine Gefühlswelt projiziert. Die Hand ermöglicht ihm die Verbindung
zwischen Geist und Sinnen. Auf beiden Ebenen gleichzeitig arbeitend, entfalten sich seine
Bild-Ideen. In der Welt seines Ateliers hört er in sich hinein, das Neue suchend, Probleme
lösend. Dort, im süd-westlichsten Teil Europas, sucht er die Verbindung zur Kultur der
Welt. Wie Joseph Kosuth, bei dem er in Stuttgart studierte, läßt er sich verführen
von der Poesie des Konzepts, und in seinem künstlerischen Diskurs schimmert stets der
bewegende Eindruck durch, den die Begegnung mit dem Werk von Josef Beuys in ihm
hinterlassen hat. Vertraut mit der Philosophie des Westens, teilt er voll die Philosophie
des Kultur-Projekts Mariposa 2 , das von der Zuversicht getragen ist, daß Schönheit die
Welt zu retten imstande ist und an dem er aktiv mitwirkt. Er vertieft sein Wissen über
Kunst und die damit verbundenen technischen Fertigkeiten, experimentiert, hinterfragt
die Werte in heutiger Zeit – dabei stets sich selbst und der Kultur treu bleibend, aus der
er stammt. So gelang ihm eine neue Deutung der Ikone und ihre Umwandlung in eine
Metapher. Eine Metapher, die sich auf verschiedene, aber sich dennoch nahestehende
„Räume“ bezieht, auf die ästhetische und die religiöse Erfahrung. Hier aber – im
Unterschied zur traditionellen Ikonenmalerei – ist es nicht die ästhetische Erfahrung des
Kunstwerks, die uns zu Gott führt, sondern die religiöse Erfahrung des Künstlers selbst,
ausgedrückt in der „Sprache der Ikone“, die sich in den Dienst der Kunst stellt.
1 Petrova, Eugenia: „Die populären Wurzeln
der russischen Avantgarde“. In „Russische
Avantgarde“ – Katalog der Ausstellung des
Museums Thyssen-Bornemisza, 2006, Seite 22
2 Kulturprojekt des Galeristenpaars Helga und
Hans-Jürgen Müller in Arona/Teneriffa. Die
Philosophie von MARIPOSA ist u. a. inspiriert
durch eine Aussage von Dostojewsky: „Das
Schöne rettet die Welt.“
3 Obwohl nicht in dem Maße wie Wanja Surikov,
gab es schon Präzedenzfälle. Offenbar hat
Malevich Ikonen gemalt, wo er sich selbst mit
göttlichen Attributen abgebildet.
4 Manche wollen im Leib ein „zweites Gehirn“
sehen, das die sensitiven Aktivitäten der
menschlichen Wahrnehmung registriert.
Überschreitung und Prozess Eine Ikone ist mehr als ein kostbares Kunstobjekt.
Sie ist vor allem Träger einer Botschaft durch entsprechend verschlüsselte, symbolhafte
Bilder. Ihre Bedeutung geht weit über die Schönheit der Form hinaus, die nichts weiter
ist, als ein visueller Anreiz. Sie bringt uns in Berührung mit verhüllten oder intuitiv
erkannten Wahrheiten, die sich unserer Wahrnehmung entziehen. Natürlich sind Wanja
Surikovs Ikonen auch schöne „symbolische Objekte“, die – wenn auch traditionell im
Aufbau – die Tradition überschreiten, um sie nämlich den ihnen immanenten Botschaften
anzupassen. Die weitgehendste Überschreitung liegt dabei, meiner Meinung nach, in
der Einführung des Künstlers selbst in sein Werk3 . Keiner der alten Meister hätte etwas
Ähnliches gewagt. Hieran sieht man, daß seine Botschaft einem anderen Kontext
angehört. Kandinsky rät den Künstlern, Bilder nicht von „außen“ zu betrachten,
sondern sich in sie hineinzubegeben. Wanja Surikov befolgt diese Anweisung aufs Wort!
Schon in seinen ersten Arbeiten ist er der Protagonist, das Objekt der Reflexion und der
Träger der Botschaft. Sein rätselhaftes Werk zeigt – gerade so, als ob es sich um einen
„Einweihungsweg“ handele – den Prozeßverlauf bis hin zur Befreiung des schöpferischen
Denkens und der Besitzergreifung durch die Kunst. Seit dem Bild von 1989 (Seite 17),
das ihm den Titel „Künstler der Welt“ einbrachte, bis zu seinem „Wanja, Künstler der
Welt“-Bild von 2005 (Seite 33), sind sechzehn Jahre vergangen. Meiner Meinung nach
bilden diese beiden Werke die Klammer, in der sich dieser Prozeß abspielt. Das Bild
von Seite 17 ist der Ausgangspunkt, in welchem schon die meisten seiner symbolischen
Schlüsselelemente enthalten sind: Der Iskus, der die Kunst darstellt, ganz oben im Bild;
die Figur des Künstlers, hier einem Berg zu Füssen liegend; die Bildnisse von Christus und
Lenin mit ihrem goldenen Heiligenschein usw. Auffällig: eine orangefarbene Raute auf der
„irdischen Sphäre“, die wiederum einer etwas kleineren Raute als Hintergrund dient, in
deren Innerem eine Jungfrau mit Kind dargestellt ist. Dieses Motiv befindet sich zwischen
dem liegenden Künstler und den Figuren von Christus und Lenin mit Heiligenschein.
Im oberen Teil des Bildes, in einem gleichseitigen Dreieck, zeichnet sich ein dritter
Heiligenschein ab, der – wenn auch leer – den Leib und die ruhend Hand der liegenden
Figur umgibt4 . Kleine Farbstriche und die Entfaltung symmetrischer Wolkenformationen
vervollständigen das Ganze mit Bezugnahme auf den Ort. In dem Bild von Seite 33
dagegen erhebt sich der Künstler wie triumphierend, weiß gekleidet und in einen
Lichtstrahl eingehüllt. Je auf einer Seite befinden sich Christus und Lenin, die durch ihre
untergeordnete Positionierung im Bild an Präsenz zu verlieren scheinen. Diesmal ist nur
der Künstler mit einem doppelten, mit seinem Namen verzierten Heiligenschein gekrönt
– das Attribut, das ihn kennzeichnet ist ein Pinsel. Über dem Heiligenschein hängt der
Iskus und alles wird durch geometrische Formen, welche an die Flügel eines Schmetterlings
erinnern, zusammengehalten. Zwei dieser Flügel überkreuzen sich und lenken den Blick
auf das rote Herz auf weißem Gewand, das damit zum Blickfänger wird. Eine Art
leuchtende runde Form legt sich über die fein bearbeitete Struktur der Wolken. Beide
30 31

Werke unterscheiden sich in Aufbau und Farbe. Die Sphäre im ersten Bild macht im
zweiten einem eher erzählenden Rechteck Platz. Der schlafende Künstler richtet sich auf,
der Berg verschwindet und an seiner Stelle befindet sich der Kopf mit Heiligenschein. Die
emblematischen Figuren von Lenin und Christus, die – ohne in Verbindung zu stehen –
die Szene beherrschen, wenden sich nun in violetter 5 Kleidung und verehrender Haltung
dem Künstler zu. Der Iskus, vorher kaum wahrnehmbar, leuchtet nun in voller Kraft. – Eine
dünne Schicht aus Weiß und Gold überzieht das ganze Bild 6 . Im letzten Bild hat es den
Anschein daß der Künstler den Berg bezwungen, seine Wünsche erfüllt und sich zum
schöpferischen Denken mit Kopf und Herz befreit hat. Die Suche ist beendet, der letzte
Schlüssel hat das letzte Schloß geöffnet und beim Öffnen der Tür entdeckt der Künstler
schließlich in der Liebe das Geheimnis der Schöpfung und auch der Kunst.
Ausdrucksformen und Gliederung der Bildbotschaft Im Vergleich mit den
traditionellen Ikonen durchlaufen die von Wanja Surikov – inhaltlich betrachtet – eine
doppelte Strecke: zuerst eine Art Entheiligung – religiöse Themen und Figuren werden
durch weltliche ersetzt – dann wieder die „Heiligung“, wenn die Themen und Figuren mit
denselben Codes und dem Bildaufbau der Tradition folgend formuliert werden. In
seinen Arbeiten wird die Botschaft, ausgehend von den in der traditionellen Ikonenmalerei
festgelegten Vorlagen formuliert und beruht auf der Macht der Symbole. Wie die
traditionelle, so basiert auch seine Kunst, auf dem Konzeptuellen; Erfassung der Schönheit
durch kanonische Vorlagen. Die Proportionen der Figuren entsprechen jedoch eigenen
Kriterien; er benutzt klare Farben, Ornamente und verwendet einfache Kompositionen
wie: statische Gleichgewichte, zweiseitige oder sich fortbewegende Symmetrien und
einfache bzw. abwechselnde Rhythmen. Der Stil weist existentialistische Züge auf
(Reduzierung der Accessoires). Ehrlichkeit, verstanden als nicht verfälschter Gebrauch
des Materials, Anpassung des Werks an die Funktion und Tiefe des Inhaltes – Eigenschaften
aller religiösen Kunst. Aber die wirklich kommunikative Kraft in Wanjas Bildern muß man
in den Symbolen suchen. In diesem Sinne wiederholen die folgende Elemente:
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Der Iskus. Eine Art Kreuz, zusammengesetzt aus einem Pinsel und einem Halbmond. Er
benutzt dieses Zeichen als Symbol für Kunst und, zusammen mit dem Kreuz von Christus
und Hammer und Sichel von Lenin, bildet es eine Art Mandala, welches sich auf die
Ganzheit bezieht, auf die Harmonie, entstanden durch die Verschmelzung der Gegensätze.
Bei Wanja Surikov werden Verstand und Intuition, Geist und Sinne, die uns zum Verständnis
der Kunst führen, zusammengedacht. So wie das Kreuz – in Verbindung mit Hammer und
Sichel – führt auch der Iskus die „Idee der Erlösung“ ein, in diesem Fall: eine Befreiung des
Menschen durch Erkenntnis-Wissen. Der Iskus ist ein für seine Arbeiten typisches, immer
wiederkehrendes Symbol. Er erscheint klein, dunkel, unklar – zu Beginn des kreativen
Prozesses; groß und die Szene dominierend – in der mittleren Schaffensperiode und
stilisiert und leuchtend in der Vollendung – in der Überschreitung.
5 Das Lexikon beschreibt die Farbe Violett als
Symbol der Aufopferung, der Gehorsamkeit
und der Unterwerfung des spirituellen Menschen
(Jean Chevalier / Alain Gheerbrant)
6 Die gelbe, wie die weiße Farbe, sind schon
immer als Farben des Lichtes angesehen worden.
Gelb wird mit der Jugend und der göttlichen
Kraft in Verbindung gebracht. Es ist die Farbe
der Götter und der Ewigkeit. Weiß stellt die
Synthese aller Farben dar. Es ist eine „leise“
Farbe, sie wird mit der Welt der Möglichkeiten
in Verbindung gebracht.
Ваня – худоужник Мира Тенерифа 2006 Акрил, золото на холсте 130 x 162 cм
Wanja – Künstler der Welt Teneriffa 2006 Acryl, Blattgold auf Holz 130 x 162 cm
Waña – Artista del Mundo Tenerife 2006 Acrílico, Oro sobre Madera 130 x 162 cm

Der Künstler. Er ist die Hauptperson des Werks. Alles geschieht durch ihn oder
ihn betreffend. In Phasen der Suche und in der Inkubationsphase des Werks erscheint
er oft allein, liegend und umgeben von Wolken; in Perioden der Ausführung dann
sitzend und arbeitend und – wenn er es geschafft hat, den Transformationsprozeß
zu vollenden – stehend und in triumphierender Haltung.
Der Pinsel oder Tropfen. Dieses Symbol entspricht dem oberen Teil eines Pinsels.
Wie ein geschlossener Raum, dient er den Protagonisten als Hintergrund. Manchmal
symbolisiert diese Tropfenform die Gebärmutter, die dem Künstler Unterschlupf bietet,
während er neue Kreationen ausbrütet, oder sie fungiert als ein geschützter Raum, in
dem der Künstler sich den Herausforderungen stellt. In Abschlußphasen wird dieser
Bildraum zum Paradies oder zu einem Ort für Auserwählte.
Der Berg. Manchmal schematisch durch das Dreieck dargestellt. Dieses Symbol
bezieht sich auf die Schwierigkeit, auf Hindernisse, die der Maler überwinden muß,
um seine Aufgabe zu erfüllen. Es erscheint vor allem in den Bildern, die Anfangsstadien
des künstlerischen Schöpfungsprozesses beschreiben.
Die Wolken. Symbolisieren die Blindheit des Künstlers, die Dunkelheit, die ihn
während der „Inkubationsperiode“ umgibt. Sie stellen das Rohmaterial des Schöpfungs-
prozesses dar, aus dem der Künstler die Form seiner Wahl herausarbeitet. Am
Beginn dieses Prozesses umgeben die Wolken den liegenden Künstler fast völlig, hellen
sich während der Durchführung auf und verschwinden, wenn das Werk vollendet ist.
Das Auge im Fuß. Bezieht sich auf den aktiven Prozeß der Suche; Scharfblick, um
den Weg zu erkennen, der zur Kunst und zur künstlerischen Schöpfung führt.
Die Treppe. Wie der Berg, symbolisiert sie einen Aufstieg, aber ergänzt durch einen
Sinn der Fortbewegung, einen Weg der Einweihung. Die Treppe erscheint nicht in den
Anfangsstadien des schöpferischen Prozesses, sondern gehört den mittleren und
fortgeschrittenen Phasen an.
Das Schiff. Wie die Treppe zeigt sie Bewegung an, Vorankommen, aber mehr bezogen
auf ein gemeinsames Schicksal.
Christus und Lenin. Zwei Paradigmen für das russische Volk und für den Künstler
selbst. Sie haben immer einer Referenzfunktion und einen gewissen dualistischen
Sinn. Sie verkörpern das Göttliche und das Menschliche; das Opfer und die Arbeit;
die Liebe und die Befreiung. Für Wanja Surikov stehen sie für Rettung, dieselbe, die
auch er erfährt, sobald er den Weg gefunden hat. Sie tauchen immer wieder in seinem
gesamten Werk auf, scheinen Zeichen zu sein dafür, wo er sich in Bezug auf das
Erkennen der eigenen Aufgabe befindet. Zunächst weit weg und ohne Verbindung,
kommen sie mehr und mehr in Verbindung mit dem Künstler. Allmählich wird daraus
eine Beziehung auf gleicher Augenhöhe, bis sie sich letztlich für den Künstler geklärt
hat. Das heißt: In dem Maße, wie der Künstler seine Aufgabe versteht, erhebt er sich
quasi auf ein Podest oder er verzichtet auf ihre Gesellschaft.
Die Krone des Friedenhasen. Bildet zusammen mit dem Iskus eines der typischsten
Symbole von Wanja Surikovs Malerei. Er hat sie direkt von Beuys übernommen, der
eine Fürstenkrone einschmolz und ihr die Form eines Hasen gab und sie mit
„Frieden“ assoziierte. Sie scheint an die Mission des Künstlers gekoppelt, dessen
Aufgabe es ist, zuerst für Gerechtigkeit und Frieden zu arbeiten, bevor sich die
Harmonie entfalten kann.
Heiligenscheine. Sie krönen die Köpfe der Bildfiguren und die des Künstlers selbst.
Die runde Form ist Christus vorbehalten, bezieht sich auf das Heilige. Die quadratische
Form ist für Lenin, der seine Aufgabe in der Welt und unter den Menschen erfüllte.
Die dreieckige Form repräsentiert das Leben, die Natur und die Evolution – sie ist
dem Künstler vorbehalten, der manchmal auch durch einen siebenzackigen Stern
gekrönt ist, ein Symbol des Lichts und der Wahrheit, mit denen erhabene Wesen
sich umgeben müssen.
Die Kunst-Ikonen Wanja Surikov hat uns mit dem Eintauchen in das eigene Werk,
in einem Weg der Selbstfindung, eine vielschichtige Erzählung hinterlassen, in der wir
drei verschiedene Themen unterscheiden können: a) der Schöpfungsprozeß b) die
Person des Künstlers und c) die Funktion der Kunst. Für den Autor ist die Kunst
– wie in der Religion – eine tiefe und integrierende Erfahrung, die im Erarbeiten und
der Entwicklung dessen liegen, was zur Erkenntnis führt. Die Kunst ist auch ein
Zugang, ein Weg der Selbstverwirklichung, der Befreiung für den Menschen beim
Durchlaufen dieses Weges, der mit Anstrengung verbunden ist und den man vorher
nicht kennt. Jeder muß seinen eigenen gehen – in Nebel und Ungewißheit – er selbst
allein trägt die Verantwortung dafür. Er muß das „Licht“ finden und es seinen
Mitmenschen bringen, seine Kunst hat eine gesellschaftliche Funktion. Er hat dazu
beizutragen, die Art des Denkens und Fühlens der Völker zu formen und zur
Gestaltung ihrer Zukunft beizutragen. Die Kunst basiert auf einer Harmonie, die
die Ausgeglichenheit des Menschen mit sich selbst und seiner Umwelt widerspiegelt.
Die Harmonie, erzeugt durch die Verschmelzung der Gegensätze, erzeugt den Frieden,
um den sich alle Menschen bemühen sollten. Der Künstler aber hat die Aufgabe, in
seinem Umfeld Harmonie zu schaffen. Dann wird hieraus die Schönheit hervorgehen,
dann wenn – Herz und Verstand – durch Erkenntnis, Wissen und ästhetische Erfahrung,
Werk und Funktion bestimmen. Ich möchte gern mit einer kleinen Überlegung
von Ananda K. Coomaraswamy aus ihrem Buch „Die Transformation der Natur in
Kunst“ schließen: „Himmel und Erde sind vereint in der Analogie der Kunst, diese
entspricht einer Ordnung vom Sensiblen zum Intelligiblen, die auf eine letzte Vollkommenheit
zielt, in welcher der Sehende alles, in sich Ersonnene, wahrnimmt“. Ich glaube, es gibt
keine bessere Beschreibung für die Malerei, die Wanja Surikov in all den Jahren
entwickelt hat. Seine Kunst-Ikonen spiegeln das wider.
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Бабочка Тенерифа 2005 Акрил, золото на холсте 130 x 97 cм
Mariposa Teneriffa 2005 Acryl, Blattgold auf Leinwand 130 x 97 cm
Mariposa Tenerife 2005 Acrílico, Oro sobre Lienzo 130 x 97 cm

Герб Мира Тенерифа 2002 Акрил, песок с пляжа Сан Хуан на холсте 130 x 130 cм
Wappen des Weltfriedens Teneriffa 2002 Acryl, Sand von der Playa San Juan auf Leinwand 130 x 130 cm
Escudo de la paz mundial Tenerife 2002 Acrílico, Arena de la Playa San Juan sobre Lienzo 130 x 130 cm

Заяц Мира Трансформация короны в зайца несет в себе идею трансформации власти
авторитарной в гуманистическую и демократическую. Золотая корона одного из русских
царей была переплавлена Бойсом в художественный объект – «Friedenshase». И «художник
Мира» Ваня, взяв этот символ за главный, подтверждает провидение Йозефа Бойса
о реинкарнации искусства, что пытался объяснить немецкий художник в своей акции
переплавки короны в зайца. И нет больше деления на религиозную принадлежность
и политические взгляды. Это общемировой символ, интернациональный, поскольку
миссия его – объединять, а не разъединять.
Friedenshase Beuys hat eine Zarenkrone eingeschmolzen und ein Kunstobjekt daraus
gemacht – den Friedenshasen. In diesem Akt steckt die Idee der Verwandlung von autoritärer
Macht in eine humanistische und demokratische. Indem Wanja, der „Künstler der Welt“, das
Beuys’sche Symbol zu einem seiner eigenen Hauptsymbole macht, bekräftigt er diese Offenbarung
einer „Wiedergeburt der Kunst“. Und, wie Beuys, will er damit ausdrücken, daß es keine
Trennung mehr geben darf zwischen religiösen Tendenzen und politischen Ansichten. Hier
ist ein universales Symbol, ein internationales. Seine Aufgabe besteht darin zu vereinigen,
zu verbinden und nicht zu teilen.
La Liebre de la Paz Beuys fundió una corona de un zar y la convirtió en un objeto de arte
– la Liebre de la Paz. En este acto se haya la idea de la transformación del poder autoritario en
uno humanista y democrático. Waña, como “Artista del Mundo” al recoger este símbolo de Beuys
como uno de sus propios símbolos principales, confirma la revelación sobre la “reencarnación
del arte”. Y, como Beuys, quiere expresar con ello, que ya no debe haber separación entre
tendencias religiosas y opiniones políticas. He aquí, un símbolo universal, internacional. Su misión
consiste en unificar, en unir y no en separar.
Ваня Штутгарт 1997 Акрил, золото на холсте 120 x 90 cм
Wanja Stuttgart 1997 Acryl, Blattgold auf Leinwand 120 x 90 cm
Waña Stuttgart 1997 Acrílico, Oro sobre Lienzo 120 x 90 cm
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Артистадор Тенерифа 2004 Акрил, на холсте 195 x 130 cм
Artistador Teneriffa 2004 Acryl, Blattgold auf Leinwand 195 x 130 cm
Artistador Tenerife 2004 Acrílico, Oro sobre Lienzo 195 x 130 cm

Нервана Штуттгарт 1995 Акрил, на холсте 60 x 70 cм
Herrwanja Stuttgart 1995 Acryl, Blattgold auf Leinwand 60 x 70 cm
Herrwanja Stuttgart 1995 Acrílico, Oro sobre Lienzo 60 x 70 cm

Художник Мира Штутгарт 1998 Акрил, золото на холсте 120 x 150 cм
Chuduzsnik Mira Stuttgart 1998 Acryl, Blattgold auf Leinwand 150 x 180 cm
Chuduzsnik Mira Stuttgart 1998 Acrílico, Oro sobre Lienzo 150 x 180 cm

Храм искусств Штутгарт 1998 Акрил, золото на холсте 120 x 100 cм
Tempel der Künste Stuttgart 1998 Acryl, Blattgold auf Leinwand 120 x 100 cm
Templo del Arte Stuttgart 1998 Acrílico, Oro sobre Lienzo 120 x 100 cm

Ваня Тенерифа 2006 Акрил, золото на холсте 146 x 114 cм
Wanja Teneriffa 2006 Acryl, Blattgold auf Leinwand 146 x 114 cm
Waña Tenerife 2006 Acrílico, Oro sobre Lienzo 146 x 114 cm

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Легкий крест. Милена Орлова, арткритик, Коммерсантъ, Москва Если
бы Иван Суриков не писал картины-иконы, его обитание на канарском
острове Тенерифа осталось бы всего лишь деталью, пусть и забавной, его
биографии. Но поскольку художник, взявший себе творческое имя Ваня,
претендует на создание некоего пара-религиозного культа – культа святого
Вани, его место жительства может рассматриваться как часть этого
утопически-художественного проекта, современная интерпретация
традиции отшельничества. Как в стародавние времена отшельники-
монахи группировались вокруг какого-нибудь монастыря, так и наш герой
попал в орбиту особой художественной «секты», дислоцирующейся в горах
Тенерифы, и известной в миру как проект «Марипоса». Этот кусок земли,
где в пейзаж вписаны произведения современных художников и где
находятся их мастерские-«кельи», по своему устройству и замыслу и в
самом деле отчасти напоминает монастырь. Во-первых, это закрытая для
посторонних зевак и туристов территория – чтобы попасть туда, надо
получить благословение «настоятелей»-основателей – четы немецких
галеристов. Во-вторых, деятели искусства приезжают сюда не просто в
творческую командировку, а за медитацией и просветлением на природе,
вдали от цивилизации. И в-третьих, производимые в Марипосе произведения
искусства по определению должны обладать особым качеством – это не
столько декоративная парковая скульптура или архитектура, но инструмент
для достижения особых состояний духа, размышлений, созерцания и
философствования. Этим качеством обладают и произведения Ивана
Сурикова, сделанные в Марипосе. Это, прежде всего Дом Тишины, что-то
среднее между хижиной, кельей и часовней. Небольшой домик, покрытый
бамбуковой крышей, предназначен для созерцания одной картины-образа
– символа веры Ивана Сурикова. Арт-паломнику предлагается скамеечка
особой конструкции из благородного дерева – благодаря которой зритель,
даже сидя преклоняет колени и застывает в близкой к молитвенной позе – в
чем можно увидеть контаминацию разных религиозных традиций почитания
святынь, и одновременно доведенную до чистоты символа светскую традицию
«показов» в мастерской художника, уже давно превратившуюся в особый
ритуал. Точно так и сама картина-икона в Доме Тишины сочетает в себе
разные изобразительные традиции – на первом месте тут конечно, канон
православной иконы, но есть и элементы из индуизма, буддизма и даже
ислама. И это объяснимо – ведь культ, придуманный Иваном Суриковым,
посвящен Художнику Мира. Своего святого Иван Суриков изображает вместе
с Христом и Лениным, но ставит его выше, что очевидно может служить
метафорой популярной идеи, что искусство выше и религии и политики.
Артмандала Марипоса объект,
Tенерифа 1998 Сграфито, золото
Mandala der Kunst Mariposa Projekt,
Teneriffa 1998 Graphit, Blattgold
Mandala del Arte Proyecto Mariposa,
Tenerife 1998 Grafito, Oro
5 континентов Марипоса объект,
Tенерифа 1998 Сграфито, золото
5 Kontinente Mariposa Projekt,
Teneriffa 1998 Graphit, Blattgold
5 Continentes Proyecto Mariposa,
Tenerife 1998 Grafito, Oro

У нового святого есть и свой особый знак – как рядом с Георгием
Победоносцем всегда изображается дракон, так и святой Ваня несет свой
крест – золотую кисть. Этот символ творчества присутствует во всех
работах Ивана Сурикова, оборачиваясь то куполом-маковкой православной
церкви, то мощным минаретом, то золотой мандалой, то нимбом, то свечкой,
то купелью. А в сочетании с полумесяцем – еще один знаковый для художника
элемент – она и образует крест. Кисть и полумесяц можно увидеть в
орнаментах, которыми художник расписал стены ограды в Марипосе, но в
этом случае они складываются в новый мотив – ладья и небесный свод. В
этот условный пейзаж вписано житие святого Вани, путешествующего в
своей ладье и осененного кистью-куполом. Художник Мира отмечен и
особым стигматом – всевидящим оком на подошве ноги, что также можно
расценивать как знак вечного странничества. Художнический крест-кисть
помещен и в центр своеобразного алтаря, созданного Иваном Суриковым в
Марипосе. Восьмиугольная площадка, выложенная мрамором, контрастирует
с природной каменистой почвой острова и обозначает особое сакральное
место. Здесь осуществляется еще одна метафора – приношение жертвы на
алтарь искусства. Впрочем, автор в этом смысле не кровожаден – по его
мысли, на этой площади можно и просто танцевать под открытым небом.
Любопытно, что это единственное столь монументальное произведение на
территории Марипосы, похожее на раскопанный археологами фрагмент
площади древнего города с загадочной мозаикой. И единственное,
напоминающее о первоначальном замысле немецких меценатов – выстроить
на Тенерифе целый город художников, замысел, отсылающий к легенде об
исчезнувшей Атлантиде. В русской национальной мифологии аналог
Атлантиды – исчезнувший под водами град Китеж, но в современной России
никто не делает попыток создать нечто подобное «Марипосе». Возможно,
виной этому новые идеологические табу, установленные русской православной
церковью, почитающей практически любую светскую интерпретацию
сакрального за «оскорбление чувств верующих». Произведения Ивана
Сурикова с их вольным использованием христианской символики, будучи
показанными на родине, могли бы вызвать самую непредсказуемую реакцию
православной общественности. Поэтому его проект пара-религиозного
культа святого художника органичнее смотрится в интернациональном
контексте, более лояльном к такого рода идеям. Хотя конечно, этот проект
имеет укорененную в русской почве культурную генеалогию. Тут и русские
сказки с главным героем – блаженным Иваном-дурачком, и отрок Варфоломей
со знаменитой картины Михаила Нестерова «Видение отроку Варфоломею»,
и амбиции русского авангарда, мыслившего творческие преобразования в
мировом масштабе – тут уместно вспомнить о поэте Велимире Хлебникове,
объявившем себя Председателем Земного шара, и о массе художников
революционной эпохи, пытавшихся найти синтез коммунистической и
христианской идеологии. Так например, впервые Ленина с нимбом изобразил
художник Клемент Редько в картине начала 20-х годов «Восстание»,
хранящейся в Третьяковской галерее. В СССР, стране победившего атеизма,
поиски нового сакрального художественного языка велись в неофициальном
искусстве, в качестве примера можно привести отсылающие к иконам
композиции 1960-х-1970-х годов художника-мистика Михаила Шварцмана,
названные автором «Иературами». Героем собственного культа сделал себя
и художник-примитивист Леонид Пурыгин, изображавший свое житие в
картинах, повторяющих формы икон-складней, и подписывавший свои работы
«Леня Пурыгин гениальный из Нары». Обожествление автора, и превращение
его в персонажа собственных произведений – одна из любимых игр искусства
80-х. Этой темой занималась и московская группа групп «Чемпионы мира»,
принадлежащая к тому же поколению, что и Художник Мира Ваня. Но если
те подавали себя как былинных героев, или спортивную команду,
совершающую некие масштабные подвиги, то Художник Мира – это по
большей части созерцатель и философ. Сочетание в творчестве Ивана
Сурикова одновременно и утопического, и игрового начала, его синтез
национальной мифологии с интернациональным к ней отношением и
обеспечивает ему особое место в географии современного искусства.
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Interview. Aleksej Lidov, art historian and member of the UNESCO comission,
Moscow Is this your first time here in Tenerife? Yes, this is my very first
time. And I did not plan any trip to Tenerife before, so without Wanja’s suggestion
and, I would say, nice pressure, I would not have come here. But I am happy that
it happened. Do you travel a lot because of your profession? Yes, I travel
a lot because I am an art historian. Recently I am working a lot in the field of seal
of art and culture, with a project related to the making of sacred spaces, which I
consider a special form of human creativity and a part of the artistic culture. But
basically my field is byzantine and widely medieval art. Only recently I became
interested in the most recent tendencies of contemporary art. Specially multimedia
installations, landscape performances and things like this, not traditional
pictures. An here on Tenerife you have got to know the international cultural
project Mariposa. What kind of information did you have about it before you
came? To be honest almost nothing. Unfortunately it is not too famous in Russia.
Maybe some people who are doing specifically contemporary art know about it
but I did not ask them. I have some very good friends among the leading Russian
Art critics maybe they know about it. But for me it was a discovery and the first
person who talked to me about it was Wanja. He described it briefly to me in
Moscow and I became interested in it and when I came here I found it even more
interesting then I expected. I believe that it is an outstanding piece of contemporary
culture. And I may congratulate people who actually initiated and created this
project. First of all, as far as I know Hans-Jürgen Müller and his wife Helga Müller and
collaborators. In my point of view they did something absolutely outstanding. Wanja
presented the project in Moscow to the director of the Museum of Fine Arts,
who then chose you to get in contact with him. Do you think this happened by
chance or do you think there is a link to your theory of irotopia and the sacred
spaces? Cinaita Bonami is an old friend and colleague of mine and she is deputy
director of foreign affaires in the Museum of Fine Arts in Moscow and she knew
very well about my new project and she had attended some of my lectures recently.
Also she knows that I am a specialist in Icons and probably she realized when she
saw Wanjas pictures that it can be related to the field of my interest. Though I
would like to emphasize that I am not writing about contemporary art. I mean
concretely, specifically. I am writing about the theories and the tendencies and
things like this, but I am not an art critic, but mostly art historian and theorist. So
you do see a link between your concept about creating sacred spaces, the concept
which is being developed in Mariposa and Wanja´s artwork there? In principle
yes. I think that Mariposa or at least some projects in Mariposa are very much
related to the concept of irotopia. What is actually the House of Silence in Mariposa?
In my point of view it is an attempt to create a new sacred space. Not a traditional
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Искус Марипоса объект, Tенерифа
1996 мозайка, мрамор Ø пр. 4 м
Iskus Tanzplatz auf Mariposa, Teneriffa
1996 Oktogon-Marmormosaik Ø ca. 4 m
Iskus Plaza de Baile en Mariposa, Tenerife
1996 Octagon-Marmor mosaik Ø ca. 4 m

one, not one belonging to any of the existent religions like Christianity, Islam or
Buddism but at the same time a specific sacred space for contemplation, for thinking
about God and transcendental values. And it is a characteristic that they invited
Wanja to do an Icon inside this house, in his very unusual style and unusual
interpretation of the subject, but, of course, he participated in this creation of a
particular sacred space. I also enjoyed very much this idea to make nearby the
House of Silence, as a kind of installation, this table under the baldochina, under
the roof with a splendid view to this fantastic landscape of Tenerife, which was
included and which inquieres itself in this context some sacred values. It is the
landscape which has been there for millions of years, that becomes sacred through
this interpretation of the artist. Through the inclusion of this enormous panoramic
view, actually created by God for religious people, into this particular space, artistic
and sacred space of Mariposa. And the table, also quite symbolic, it is a table
maybe for a common meal or a common talk, as a kind of sacred banquet, also
included in this environment. So I enjoyed it very much and I think it works. And
even I also enjoyed a lot that they did not make any stylization or imitation of
something, that it is quite simple but at the same time it works. It has the esthetical
and spiritual background and the sacred values, because in that space you
immediately feel that there is something sacred in the world. The artists who
planned this environment, who invented this architecture and painted this icon,
they certainly revealed the sacred values which exist in the world, so it is Irotopia,
it is an artistic creativity in the creation of sacred spaces. Do you think this
could be the very beginning of the creation of a new kind of culture? That through
art and sacred spaces we are able to fuse, to get different cultures together and
create a kind of a new one? Well, from an artistic point of view it is a very
promising way. I do not speak about religions, for example, for myself I am quite
happy with Christianity in its Russian Orthodox form, I believe that this tradition
is complex, interesting and more than enough. So sometime we should work with
this as a sort of inspiration but there are a lot of sides. You have the purely religious
point of view, but there is another one. Talking with other contemporary artists I
suggested an idea of mine: there is a room in contemporary culture which is not
covered by traditional religions or any non traditional sect, but this room can be
covered by artists: the specific room of sacredness. Most of contemporary artists
are trying to avoid this sacredness and even are afraid of sacredness, some artists
told me that it is very dangerous for the art. I do not think so, I think that it is a
mistake and an illusion. The art actually is able to make sacred spaces which can
be quite useful, interesting and inspiring for common people and not necessarily
for the people who belong to any traditional religion. It is just one more option to
reveal sacred values and to do so, what is more important, without stylization or
imitation, without making, I would say religious fakes. To make something with
nature and from the imagination. Maybe like giving an expression of the sacred
and spiritual which each human being has but not directly related to any specific
religion? Yes, I am emphasizing, I do not see any contradiction between this
approach and any traditional behavior and, I even can imagine, that somebody can
declare him or herself an atheist, it does not matter, if he is able to reveal the sacred
values of the world, something spiritual and transcendental, it is fine. This can be
very interesting and inspiring for common people, because from my point of view
they actually need this inspiration, they need to discuss something seriously and
the discussion of many things in the framework of traditional religion sometimes
does not help them. The field where there is a combination and fusion of the
artistic and the sacred is a specially promising way. But I am emphasizing again, not
on the way of stylization of something. I like that I have not seen this stylization in
most of the projects in Mariposa. I could see an attempt to reveal something, to say
something seriously. For example in the installation “The seven days of creation”,
though somebody may enjoy it or somebody may find it to decorative or to simplistic,
it is not a stylization of Christian Iconography or any established European biblical
tradition, it is an attempt to recreate and present a new image of the cosmos, but
a cosmos created by God, this is also very important, it is not just a decoration, it
is an attempt to create a kind of an icon, a special icon, not depicted as a flat picture,
but an icon presented in a space, like a realm of meditation, a realm in which a
person could be in contact with the transcendental world. This is very important
and in some projects in Mariposa this category, this characteristic is revealed
brilliantly and also on the highest esthetical level. All the environment in Mariposa
is very beautiful, but we know a lot of beautiful environments but in Mariposa I
like that it also has become sacred in a way. Actually, what I am very interested
in is to find the same kind of quality I see in Byzantine art in contemporary art. In
Byzantine art, for example, there is no separation between beauty and sacredness,
they exist together as a whole, it is not possible to say this is beautiful and this is sacred.
Any suggestion that there is a contradiction between beautiful and sacred in this
tradition is absurd. We should think about this, and in a way it is a challenge for
contemporary artists. You and Wanja are thinking of bringing some contemporary
artists from Moscow to Mariposa to celebrate a Mariposium working with this
concepts? Well, it is just an idea that it would be very good and stimulating for
the environment here on Tenerife and for the contemporary artists. We should
work on it properly and find an institution which will carry this project but the idea,
in my point of view is the most important thing. It is the beginning of everything, like
a seed, from here we will see how it will develop in the future. Anyway we will move
in this direction. I think we will succeed or at least achieve some results. I believe
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Tenerife, specially because of these amazing and extraordinary landscapes as well
as this strange atmosphere and realm of legends around the island to be from
Atlantis, in a tradition of a sacred volcanic island, makes it very interesting and able
to create a stimulating environment and a culture medium (milieu) for the
development of a new project in Irotopia and the making of sacred spaces. And
at last I would like to ask you, as you are a newcomer to Mariposa and obviously
it has made an overall positive impact on you. What did you not like so much
about it? Well, as you have already said I liked it very much and I am not ready
to criticize, but maybe one critic can be that it looks to sweet, I would say it looks
to harmonious and beautiful. Maybe contemporary art should also disturb, specially
when we are talking about sacred things. Maybe related to this aspect Mariposa
looks too esthetic in a way. Maybe to point out a bit of rough reality, conflicts and
the problematic of this subject would be an interesting addition. But generally, I
repeat, that I like it very much. On the other hand the absence of something
uncomfortable creates another trouble, because contemporary art, it works like
this, should surprise, should be in a way a shock, for ordinary people, because
contemporary people are given so much from the TV and from various other
sources of information, while at the same time they are quite weakly developed
inside in comparison with people who lived before, who used to read a lot and to
be trained spiritually and go regularly to the church an things like this. So on one
hand they have a lot of various information about everything on the other hand
they lack spiritual training and development, this is a problem for contemporary
people from my point of view. So in this situation the contemporary art should
shock in a way, should actually disturb and should be demanding and not just be
beautiful. It is again not a contradiction, but Mariposa now looks like an esthetical
reservation and this is very nice and very well done and I like it, but if you would
like a bit of criticism I would suggest to make something more radical. Thank
you very much for giving us the honor of an interview and for putting these ideas
into words. The pleasure is all mine.
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Дом тишины Марипоса,Tенерифа
1995 Фреска 130 х 210 см
Haus der Stille Mariposa, Teneriffa
1995 Fresko 130 x 210 cm
Casa del Silencio Mariposa, Tenerife
1995 Fresco 130 x 210 cm

Ваня Тенерифа 2006 Акрил, золото на холсте 97 x 97 cм
Wanja Tenerife 2006 Acryl, Blattgold auf Leinwand 97 x 97 cm
Waña Tenerife 2006 Acrílico, Oro sobre Lienzo 97 x 97 cm

маме посвящаю
Gewidmet meiner Mutter
Dedicado a mi madre
Большое спасибо всей моей большой
многонациональной семье, авторам текстов
и всем тем, кто принимал участие при
создании этого каталога.
Vielen Dank an meine grosse internationale
Familie, an die Autoren der Texte und an alle die bei
der Enstehung dieses Kataloges mitgewirkt haben.
Muchas Gracias a mi gran familia internacional,
los autores de los textos y a todos los que
participaron en la creación de este catálogo.