Rosa Parz

„WIR SIND MENSCHEN DURCH DIE ANDEREN; DARUM LIEB DICH NICHT
ALLEIN.“
Zum malerischen Werk von Rosa Parz
ODER: Zur Ausstellung von Rosa Parz: individuell – universell bzw: elementar
Das Folgende ist keine kunsttheoretische Abhandlung, dazu fehlt dem Verfasser zu Vieles, er wäre
dazu also gar nicht legitimiert. Mit ausgewählten afrikanischen Sprichwörtern (1) soll zu zwei
Werken von Rosa Parz und dazwischen von einem perspektivisch etwas allgemeineren Sichtpunkt zu
deren Kunst und Bildern insgesamt hingeführt werden. Die Motivation zu dem Kontinente
einbeziehenden Ansatz entstand bei der Vorbereitung zu einer Vernissage, welche mit einführenden
Worten mitzugestalten der Autor die Ehre hatte. Dabei war dieses Vorgehen auf ein positives und
erfreuliches Echo gestoßen und so wird der gleiche Versuch ein weiteres unternommen,
„Gehst du zur Arbeit, so mache dein Gesicht fröhlich.“
Zwei fröhlich gestimmte Frauen lächeln die Betrachtenden aus dem hier zuerst vorzustellenden Bild
an. Von letzteren aus gesehen rechts befindet sich die Kleinere. Ihren Kopf, leicht nach links geneigt,
lehnt sie an den Oberarm der Größeren und nur ihre Stirn überragt deren Schultern. Die Augen weit
geöffnet blickt sie einen direkt an, freundlich und neugierig, gleichsam als würde sie sich auf eine
Begegnung freuen. Tatsächlich findet eine solche statt, zumindest ästhetisch vermittelt für all jene, die
sich den Porträtierten zuwenden. Mit dem rechten Schulterblatt berührt sie das Kleid der Zweiteren in
Brusthöhe, den Arm lässt sie locker nach unten hängen, knapp oberhalb des Ellbogens wird er jedoch
vom unteren Bildrand abgeschnitten. Entsprechend dem engen Zusammenstehen der Frauen ist der
linke Arm der anderen nur im Bereich des Schultergelenks sichtbar, ansonsten verdeckt. Doch zu
erkennen ist, dass er am Rücken der Kleineren liegt. Die Größere trägt eine Brille mit fast schwarzer
Umrandung und breiten leicht orange eingefärbten Bügeln. Ihren Kopf hat sie deutlich stärker
geneigt als diese und zwar hin zu der neben ihr Stehenden, wobei die Wangen deren kurzkrausiges,
eng anliegend nach hinten gekämmtes schwarzes Haar berühren. Sie blickt nach links oben, aus dem
Bild heraus. Ihr Lächeln verleiht diesem Blick etwas leicht Verschmitztes, während der Ausdruck
jener, die einen anschaut, irgendwo zwischen der schon angedeuteten Neugierde und einem
vorsichtigen Sich-Zurücknehmen zu liegen scheint. Beide Abgebildeten vermitteln mit ihren Lächeln
einen recht zufriedenen Eindruck. Die Beschreibung ließe sich bis in all die anderen weiteren Details
hinein breit weiterführen, angefangen von der sehr einfachen, an der Schulter breit geschnittenen
ärmellosen Bluse aus blütenreinem, leuchtend weißem Gewebe, welche die Kleinere trägt, bis hin
zum ebenfalls ärmelfreien, doch etwas schmäler geschnittenen Kleid der anderen, gefertigt übrigens
aus einem Stoff in starkem Orange und geschmückt mit etwa Handflächen großen, schwarzen
Liniengeflechten, welche jeweils irgendwo mittig und wurzelknorrig breit zusammenlaufen. Das
gleiche Weiß der Bluse von jener wieder findet sich bei dieser als Tuch, das ihr ungezwungen über
die Schulter links hängt, sowie in ihrer gut sichtbaren oberen Zahnreihe. Auch der Rahmen des Bildes
erhielt dieses gleiche Weiß und ein weiteres Mal aufgenommen ist es im Augenweiß der beiden
Dargestellten. Das betont deren Blicke sehr oder umgekehrt: Die Aufmerksamkeit von Betrachtenden
wird auch durch diese Farbverteilung als Erstes zu den Augen der beiden und dadurch zu deren
Gesichtern geführt und offensichtlich ist: Sie gehören unterschiedlichen Kulturkreisen an.
Noch immer ließe sich die Schilderung weiterführen. Dies nun lassend sei an dieser Stelle der Titel
des Gemäldes angeführt: Zwei Mathematikerinnen.
Diese Darstellung – und das mag angesichts dieser recht persönlich, ja freundschaftlich gehaltenen
Szene doch überraschen – thematisiert offensichtlich einen Arbeitszusammenhang und etwas, worauf
das oben zitierte Sprichwort aus Duala/Kamerun anspielt: „Gehst du zur Arbeit, mache dein Gesicht
fröhlich.“ Denn es geht um Arbeit, aber nicht um Hausarbeit, was anzunehmen weiße Bluse und
weißes Tuch verleiten könnten, sondern um eine intellektuelle, zu welcher das Weiß mindestens
ebenso gut passt: Weiß wie gutes Papier, auf welchem Rechnungen vollzogen und auf welches
Formeln geschrieben werden; weiß wie das Weiß der Augen, das als Zeichen für die Fähigkeit steht,
die Welt analysieren zu können, was zum Mathematisieren erforderlich ist; oder weiß wie jenes der
Zähne, jener Werkzeuge, die zupacken, verwandeln, umformen. Das wiederum könnte für so viele

Formeln und Algorithmen stehen, die Vergleichbares vermögen, wenn auch auf andere Art und
Weise. Oder weiß eben wie jenes des Rahmens, das vielleicht auf jene Grenzen weist, die weiße Leere
zwischen Räumen, welche genauso – wenn auch sicher nicht immer sofort und leicht zu verstehende
– Voraussetzungen und Rahmenbedingungen für mathematische Operationen darstellen und die
ihrerseits Wirklichkeiten unterschiedlichster Art voneinander trennen.
Nochmals sei zum Sprichwort zurückgekehrt: Die Art der Zufriedenheit in den beiden Gesichtern
zeigt, dass es ums „Afrikanische“ dieses Sinnspruchs geht, um jenes, was Karl-Heinz Rathke, der
Herausgeber von deren Sammlung, meint, wenn er erläutert: Das-Gesicht-fröhlich-machen heiße für
Schwarze genau nicht, die Mundwinkel hinaufziehen, obwohl einem ganz anders zumute sei. „Nein,
von solchen Krämpfen hält der Afrikaner im allgemeinen nicht viel. Es gibt bessere Mittel, bei der
Arbeit fröhlich zu werden. Zum Beispiel, indem man Geräte, mit denen man alltäglich umgeht, schön
gestaltet und verziert, sodaß es Spaß macht, mit ihnen zu arbeiten.“ Genauso ist die Schönheit
mathematischer Formeln ein nicht unwichtiges Ziel, ebenso wie durch diese dann mühsames
Herumwerken und -rechnen letztlich vereinfacht, das Lösen verwirrender Aufgabenstellungen
dergestalt erleichtert werden soll, dass dieses schließlich Spaß und Freude bereitet.
Übrigens: Ob wohl ein Bild mit den Titel „Zwei Mathematiker“ von ebenso viel Zärtlichkeit und
Menschlichkeit geprägt wäre? Oder wäre die Abbildung zweier Männer mit einiger
Wahrscheinlichkeit nicht doch weit sachlicher, eher unpersönlich. Würden diese nicht um Vieles
nüchterner, trockener vermutlich in zwei grauen Anzügen gezeigt und jedenfalls kaum so zärtlich
aufeinander bezogen? Die solcherart angedeutete Vermutung weiter denkend lässt sich fragen: Gibt
es möglicherweise auch in der Art, wie mathematisches Arbeiten gestaltet und durchgeführt wird,
größere Unterschiede je nachdem, ob es von Frauen oder von Männern geleistet wird? Angeregt
durch dieses Bild sei die Frage einfach gestellt, ohne sie nun weiter in die Tiefe gehend aufnehmen zu
können. Spannend dürfte ihre Bearbeitung sein.
Nur Eines sei ergänzend zu diesem Thema angefügt: Vermutlich ist es nämlich ein eher männliches
Gebaren, im Hinführen zu einem Bild, bzw. zu einer Künstlerin letztlich so grob verallgemeinernd
gleich drei Kontinente zu streifen und in Beziehung zu setzen, wie es gerade geschieht. Bis vor
kurzem zumindest prägten nicht afrikanische Realitäten Rosa Parz' Leben und Werk, sondern
vielmehr jene von Europa und Lateinamerika. Damit wird fort geschritten zu Biographischem. Dieses
ist hier weit direkter präsent als in vielen anderen Bildern. Obwohl Rosa Parz inzwischen über 25
Jahre malt, gibt es bis zu diesem relativ jungen Werk kein gemaltes Porträt von ihr. Und in diese
bislang erste Selbstporträtierung bezieht sie zwei wesentliche Züge ihres Lebens mit ein: Ihren – so sei
es formuliert – „Brotberuf“ und ihre vielen Aufenthalte in Südamerika, wobei sie sich diesbezüglich
auf den dreijährigen Einsatz in der Entwicklungszusammenarbeit bezieht, den sie schon in den
1980er Jahren als Mathematikerin in Nikaragua geleistet hatte. In jener spannenden Aufbruchphase
hatte solches Arbeiten viel Sinn bedeutet und Freude bereitet. Auch von daher ist der
kamerunensische Satz wohl mehr als gerechtfertigt, selbst wenn er von einem dritten Kontinent
stammt.
Individuelles und Universelles sind in diesem so persönlichen Werk nicht zufällig aufs Intensivste
verflochten.
Bevor nun von einem etwas entfernteren Perspektivenort auf Parz' malerisches Oeuvre eingegangen
wird, sei zumindest noch kurz eine letzte künstlerisch-mathematische Assoziation mit Bezug auf die
Dekorelemente des orangen Kleids im Selbstporträt, die Liniengeflechte mit den wurzelartig breiten
Mitten, angefügt. Es gibt eine Arbeitsphase, in welcher die Künstlerin viele solche Figuren weit
großformatiger nur mit schwarzer Tusche gestaltet hat und zwar unter anderem, indem sie jeweils
aufs Blatt gebrachte dicke Farbkleckse durch mehr oder weniger intensives Blasen, also mit Atemluft,
zu skurrilen Linien ausgeformt hatte. Eindringlicher als die Dekorfiguren auf dem Stoff des Kleides
haben mich jene Zeichnungen der Mathematiklehrerin an Figuren erinnert, wie sie entstehen können,
wenn fraktale Algorithmen bildlich dargestellt werden. Zumindest eine Erinnerungsspur aus jener
Schaffensperiode dürfte sich in dieser Ausschmückung finden.
„Der einzelne Pfeil redet im Köcher nicht.“
In ihrer Malarbeit verwendet Parz ganz unterschiedliche Materialien, mit und auf denen sie arbeitet,
viele Farben, Techniken, Motive. Sie verfügt, so lässt sich sagen, über viele Pfeile. Und tatsächlich

würde wahrscheinlich eine einzige Technik oder Hauptfarbe allein bald einmal langweilen, die
Gestalterin ebenso wie die Betrachtenden. So gilt es im Folgenden und in der gebotenen Kürze auf
diese Vielfalt einzugehen. Begonnen sei mit Bemerkungen zu den Ausstellungsprojekten, deren es
schon viele gibt. In ihnen zeigt sich etwas sehr Elementares darin, dass Parz über ihre Arbeiten gerne
die Formulierung eines Spannungsfeldes stellt: FRAGIL – FUERTE, zerbrechlich – stark, lautete z.B.
der Titel ihrer Präsentation in Kopfing, oder SCHUTZZONEN – FARBSCHICHTEN jener einer
anderen und für die kommende in Linz wird ((bzw falls doch nicht – dann einfach im Konjunktiv:
für eine kommende Ausstellung könnte)) als Überschrift stehen: INDIVIDUELL – UNIVERSELL.
Auch wenn regelmäßig solche Paare zu finden sind, so sind diese nicht als sich ausschließender
Gegensatz gedacht, sondern als CONJUNCTIO OPPOSITORUM, als Verbindung von Gegensätzen/
Gegensätzlichem, um einen weiteren Titel und zwar jenen einer Gemeinschaftsausstellung mit einer
Weberin in Wels zu zitieren. Solche Werkschauen sind eigentlich eigene, zeitlich begrenzte
Kunstwerke/Installationen oder, wie beispielsweise im Juli 2011 in Salzburg, kommunikative
Aktionskunst.
Der Köcher von Rosa Parz ist wahrlich prall gefüllt. Und wie in einem solchen Behälter ein kleinster
und ein größter Pfeil gemeinsam zu finden sind, so bewegt sich die Künstlerin in Spannungsfeldern,
die wie Köcher viel Unterschiedliches mit einschließen. Da knistert oder rasselt es, wie dort, wo viele
Pfeile locker, aber nicht eng gepresst in ihrem Gefäß stecken. Der Kommentar von Karl-Heinz
Rathke zu dieser Weisheit aus dem ostafrikanischen Wadschaggo passt neuerlich: „Wenn hier das
Rasseln der Pfeile im Köcher als ,Reden' angesprochen wird, wird auf die Notwendigkeit von
Menschen hingewiesen, miteinander zu reden. Denn mein Wort zum andern und das des andern zu
mir ist für mich, für ihn und für die Gemeinschaft lebensnotwendig (Vitamin). Ohne
problemlösendes Palaver gibt es kein fruchtbares Zusammenleben.“ So kann übrigens dieser
afrikanische Sinnspruch, signalisiert durch das Wort „Reden“, höchst friedvoll interpretiert werden:
Die Pfeile können stehen für Kommunikation, für Austausch, Gespräch: als Mittel zum Überleben, zu
gutem Leben, als Werkzeuge für Frieden, nicht als Waffen für Krieg! Genau in diesem Sinne lassen
sich all die Elemente von Parz Kunst als Pfeile verstehen, als Sich Ausdrücken, Kommunizieren in
Farben und mittels vieler Materialien, Techniken, Motive.
Der Köcher der Künstlerin ist, wie gesagt, prall gefüllt. Tusche auf Papier, die oben angesprochenen
Liniengeflechte, Acryl, Amarandt und Rote Erde, sandartige Gestaltungsmittel, aufgetragen auf
Leinwand, aber auch auf Windelstoff oder Fliegengitter, ein Untergrund der im kommenden
Abschnitt wieder zu finden ist, usw.. Intensive Farben, die sich in vielen Bildern finden, sind geprägt
von mittelamerikanisch/indigenen Farbgebungen. Im individuellen Werk einer europäischen
Künstlerin spiegelt sich viel von Universellem, von Begegnungen mit Menschen eines anderen
Kulturkreises und mit deren ästhetischen Ausdrucksformen. Ein zentrales Motiv von Rosa Parz, jenes
der Spirale oder des Labyrinths, ist von jenem gleichen Raum Zentralamerika inspiriert und es ist in
ganz unterschiedlichen Formen und selbst als Installation zu finden. So kombinierte sie das Aufbeziehungsweise
Aushängen ihrer Bilder in einer Ausstellung einmal mit der Gestaltung eines
raumgreifenden dreidimensionalen Labyrinths, in welches sich Besuchende hineinbegeben konnten.
All das spiegelt ihre Freude am Arbeiten, ihre Lust am Experimentieren, um einen weiteren Bezug
zum Leitgedanken des ersten Teils anzudeuten. Dies sei mit einer nächsten kleinen, jedoch sehr
eindrucksvollen Episode illustriert: „Rosa Parz malt zu Gesängen & Rhythmen verschiedener
Kulturen.“ Dieses Wagnis ging sie am 1. Juli 2011 in Salzburg beim 13. Cantus MM, Musik- und
Kulturfestival in Salzburg ein, bei welchem Musikgruppen aus Spanien, Ecuador, Süd-Afrika,
Lettland & Polen eine musikalische Reise um die Welt gestalteten, eine Benefizveranstaltung
zugunsten der Sonneninsel Seekirchen. Welch eindrückliches Werk innerhalb der kurzen Zeit eines
Konzertes entstand, ist wirklich erstaunlich und lässt sich auf folgender URL erahnen (geöffnet
Anfang Januar 2012): http://www.kinderkrebshilfe.com/veranstaltungen/cantus-mm.html.
Biographisch anmerken dazu ist, dass Parz nebst Mathematik zusätzlich kath. Theologie studiert hat
und Religion unterrichtet. Wenn ihre vielen „Pfeile im Köcher“ wie angesprochen Mittel der
Friedenskommunikation sind, so mag eine der Quellen dazu im zentralen christlichen Gebot der
Nächsten- und Selbstliebe liegen, welches in der Sprache der Aandonga in Südwestafrika wie folgt
ausgedrückt wird: „Wir sind Menschen durch die anderen; darum lieb dich nicht allein.“
Damit ist zur zweiten abschließenden Bild-Beschreibung und -Interpretation übergeleitet.

„Wie groß auch ein Auge sein mag, zwei sind besser.“
Diagonal gegenüberliegend, oben links und unten rechts, befinden sich auf diesem über ein Meter
breiten und knapp zwei Meter hohen Bild, zwei isolierte Augen, gemalt in intensiven Farben.
Unterschiedlich dicke Linien in sandiger ROTER ERDE geben ihnen die Form. In das starke, die
Augenform füllende Himmelblau ist oben markant, ebenfalls in Rote Erde der Pupillenpunkt getupft,
unten ist dieser kaum mehr zu erkennen, Im oberen Auge ist zudem die untere Umrandungslinie
unterschiedlich stark, aber zum Blau hin gut erkennbar in Türkis übermalt. Einige weitere Schimmer
des gleichen Türkis hin zu den begrenzenden oberen Linien oder hinein in sie sind bei beiden Augen
angebracht.
Ungefähr mittig wird das Bild von einer deutlich gemalten Trennlinie horizontal geteilt. Der violette
Strich vermag allerdings das dominierende dunkle Glutrot nicht zu begrenzen Denn jenes Rot, nicht
flächig aufgetragen - sondern gesprenkelt und gleichsam durchzogen von einem schwärzlichen
Nachtblau, strebt über diese Grenze hinweg nach oben in den anderen Bereich und in dessen
Farbgebung.
Fehlt noch eine Beschreibung der zentralen Motive im Vordergrund, welche das Bild insgesamt
beherrschen, in der Diagonale flankiert von den beschriebenen Augen, unten rechts dem oben links.
Sie könnten gut an die, den Hintergrund trennende Linie geklebt sein: Rechts zwei lange, eher
schmale Figuren, die aneinandergekoppelt scheinen und, ihrerseits etwa zwei Fünftel der Höhe des
Gesamtbildes messend, mittig an jene Trennlinie angebracht sein könnten - sowie links davon die viel
breitere rechteckige Form, vorstellbar zum Beispiel als nichtperspektivisch gezeichneter Tisch,
welcher von jener Trennlinie, mit seinen Beinen an ihr festgemacht, nach unten hängt und von dem
so etwas wie eine Serviette hinunterfällt. Das Ganze ist erneut im sandiger Roter Erde gestaltet und
auch diese Motive sind ausgefüllt; ausgefüllt mit „Goldgelbem Licht“, um für einmal die Farbgebung
mit dem Titel eines anderen Bildes von Parz zu charakterisieren.
Trägermaterial für dieses Bild ist ein auf einen dunklen Rahmen gespanntes Fliegengitter.
Was ist hier zu sehen?
Etwa zwei menschliche Gestalten, die sich auf einem Weg in einer unbestimmbaren Umgebung und
Situation befinden? Könnte Katastrophales geschehen sein oder sich eben ereignen? Genau über den
zwei Figuren scheint ja etwas auseinanderzubrechen. Und was bedeutet dann jenes „Tisch“-Gebilde,
das sich links hinter ihnen befindet? Vielleicht das, was sie an Wertvollem gerade noch
zusammengepackt haben und das sie hinter sich herziehen, und von dem sie gerade etwas verlieren?
Die zwei Wanderden sind zudem mit einander verbunden: Gilt also für sie, was in Nigeria wie folgt
gesagt wird? „Wer getragen wird, weiß nicht wie weit die Stadt entfernt ist.“ Aber was könnten da die
Augen bedeuten? Symbolisieren sie etwas von Geborgenheit, von Zuspruch in solch einer
feindseligen Umgebung? Irgendwie freundlich wirken sie ja durch das kräftige Himmelblau, zudem
findet sich die Rote Erde der Augenlinien in der Linienführung für die Figuren.
Oder ist überhaupt das Ganze völlig anders, gleichsam von einer anderen Seite her zu betrachten?
Könnte nicht eine schöpferische Situation, die Trennung einer Ursuppe in Himmel und Erde
dargestellt werden und die Augen entsprechend die Augen Gottes sein? Also Symbol jener Kraft, die
den Gestalten sagt: „Wir sind Menschen durch die anderen; darum lieb dich nicht allein.“
Das alles lässt sich in diesem Bild sehen und möglicherweise viel mehr und ganz anderes. Wer was
sieht, oder was zuerst gesehen wird, das wird mit von der Persönlichkeit derjenigen abhängen, die
hinschauen. Elementar gilt: Auch sehen ist Kommunizieren und im Verstehen dessen, was jemand
anderer gestaltet (gemalt, geschrieben, usw.) hat oder spricht, spielt immer etwas von mir selber mit.
Manchmal ist solches Kommunizieren eine conjunctio oppositorum, eine Verbindung von
Gegensätzen.
Nun ist bislang die Bildunterschrift noch nicht einbezogen, die lautet: „el rab“. Sie weist in den
arabischen Raum. Tatsächlich war Rosa Parz im Herbst 2010 nach Ägypten gefahren(mit einer
Freundin ägyptischer Herkunft) und schon im folgenden Jahr wollte sie etwas von dem, was sie bei
diesem Aufenthalt gefühlt, gespürt, wahrgenommen hat, in einem Bild festhalten. Dazu hat sie einen
arabischen Schriftzug(von einem Kalenderbildchen aus einem koptischen Kloster) gewählt und
diesen einfach in den von ihr gemalten Hintergrund gestellt. Als sie später einen ägyptischen Freund

fragte, wie der Schriftzug zu übersetzen sei, erhielt sie als Antwort: Gott.
Eines der indianisch-inspirierten und oft dargestellten Spiralsymbole - welche übrigens ebenfalls für
Göttliches stehen können - jenes mit dem Titel „Goldgelbes Licht“, ist mit den gleichen Farb-
Elementen, sandfarbenem Amarandt und starkem golden-hellen Orange-Gelb gestaltet wie dieser
Schriftzug. So manches im künstlerischen Schaffen ist intuitives Schaffen. Darauf stößt man bei Rosa
Parz öfter.
Wenn vorhin von der rechteckigen „Tisch“-Figur gesagt wurde, sie würde sich links hinter den
beiden - als stilisierten Personen interpretierten - Linien befinden, so war das klarerweise die
abendländische Sichtweise. Im Arabischen aber wird nicht von links nach rechts, sondern von rechts
nach links gelesen. Die eingespielte Blickbewegung verläuft umgekehrt, das hieße aber auch, dass das
oben als das zusammengepackt Wertvolle Bezeichnete nicht gezogen, sondern gestoßen würde! Mit
diesem Wechsel dreht sich nun gleichzeitig die Richtung der Diagonale der beiden Augen: „Hinten“
befindet sich in diesem Falle das Auge rechts unten und jenes oben entsprechend vorne. Orientiert an
der Weise des Lesens im Orient eine optimistische Bewegung dargestellt mit einem im Okzident oft
verwendeten Gottessymbol – dem Auge. Aber nicht mit einem einzigen, wie es das Abendland
traditionell verwendet, sondern mit deren zwei; was eine möglicherweise provokante Verdoppelung
sein könnte, zumindest wenn diese mit dem afrikanischen Sinnspruch kombiniert wird:
„Wie groß auch ein Auge sein mag, zwei sind besser.“
Vom persönlich biographischen Ausgangspunkt, der individuell eingefangenen Stimmung im
Ägypten nur ein halbes Jahr vor dem Arabischen Frühling, und vom darauffolgend geschehenen,
universell verfolgten gesellschaftlichen Umbruch her betrachtet - lässt sich diese Arbeit nochmals
ganz anders meditieren: Eine morbide arabische Gesellschaft scheint unter, eine junge, lebendige auf
zu gehen. Ob das Fliegengitter, worauf das Ganze gemalt ist, etwas über die Befreiung aus
Gefängnisgittern aussagt, oder etwas über die Transparenz des Lichtes Gottes, welche in so vielen
Gegebenheiten durchscheint, braucht nicht entschieden zu werden. Doch gewiss ist dessen
Verwendung nicht rein zufällig, vom Maltechnischen her nicht – Parz hat sich da in intensiver Arbeit
etwas Eigenes sehr kreativ angeeignet – und inhaltlich nicht: Das intuitiv Gestaltete passt so oder so.
Ganz zum Schluss zwei weitere kleine lebensgeschichtliche Bemerkungen. Die eine: Es gibt ein
wunderbares Bild mit dem Titel „Siesta“. Bevor sie es gemalt hat, hat Rosa Parz, so erzählte sie
einmal, dessen Motiv viele Jahre als Bild nur im Kopf mit sich getragen. Und die andere: Im Sommer
2011 hat die Künstlerin gemeinsam mit ihrer Tochter ihren Mann für einige Wochen nach Korea
begleiten können.
Nun: Auf die künstlerische Verarbeitung ihrer Eindrücke von dieser Reise dürfen wir gespannt sein.
Allerdings weiß nur die Künstlerin allein – oder vielleicht nicht einmal sie selber –, ob dies so lange
dauern wird wie bei „Siesta“ oder so kurz wie bei „el rab“.
Dr. Guido Rüthemann, Januar 2012
(1) vgl. K.H. Rahtke, Der Vater ist ein schattiger Baum, Aspach 1998, S. 15, 43, 52, 61 und: Des
Menschen Herz ist wie der Ozean, Wien 1999, S. 26