Beuek

Berliner Festspiele in Zusammenarbeit mit der Stiftung Berliner Philharmoniker

Bildnachweise
Titel: Konzertflügel: Blick in den Resonanzkasten. Foto: © Patrick Riou / akg images
S. 8 Konzerthalle Pester Redoute, Restaurierung von Mauerwerk. Foto: Török Máté (MMA)
S. 12 Paul Serusier, „Der Talismann“, 1888. Foto: Wikimedia Commons
S. 14 Weinlaub im Herbst. Foto: Wikimedia Commons
S. 16 Max Reger, 1907. Foto: Max Reger Institut Karlsruhe
S. 17 Richard Strauss © AP
S. 18 Helmut Lachenmann © Kai Bienert
Christine Schäfer © Bodo Vitus
S. 19 Pierre-Laurent Aimard © Marco Borggreve
S. 20 Jonathan Nott © Richard Haughton
S. 21 Bamberger Symphoniker © Michael Trippel
MUSIKFEST BERLIN 2014

Musikfest Berlin 2014
Montag 8. September
5 Konzertprogramm
6 Essay
13 Helmut Lachenmann über „Ausklang“
14 Richard Strauss – Liedtexte
16 Komponisten
18 Interpreten
34 Musikfest Berlin 2014 Programmübersicht
36 Musikfest Berlin 2014 im Radio und Internet
37 Impressum
3

Bitte schalten Sie Ihr Mobiltelefon vor Beginn des Konzerts aus.
Bitte beachten Sie, dass jegliche Mitschnitte und Fotografieren während des Konzerts nicht erlaubt sind.
Das Konzert wird von Deutschlandradio Kultur mitgeschnitten.
Sendung am 16. September, 20:03 Uhr.
Deutschlandradio Kultur ist in Berlin über UKW 89,6 MHz, Kabel 97,50 MHz,
digital und über Livestreamauf www.dradio.de zu empfangen.
MUSIKFEST BERLIN 2014

Programm
Montag 8. September
20:00 Uhr
Philharmonie
18:30 Uhr
Einführung mit
Olaf Wilhelmer
im Gespräch mit
Helmut Lachenmann
Max Reger (1873–1916)
Fantasie und Fuge
für Orgel d-Moll op. 135b (1915)
Richard Strauss (1864–1949)
Vier letzte Lieder
für Sopran und Orchester (1948)
Frühling (Hermann Hesse) –
September (Hermann Hesse) –
Beim Schlafengehen (Hermann Hesse) –
Im Abendrot (Joseph von Eichendorff)
Pause
Helmut Lachenmann (*1935)
Ausklang
Musik für Klavier mit Orchester (1984/85)
Christian Schmitt Orgel
Christine Schäfer Sopran
Pierre-Laurent Aimard Klavier
Bamberger Symphoniker
Jonathan Nott Leitung
Zoro Babel Klangregie
Eine Veranstaltung der Berliner Festspiele / Musikfest Berlin
5

Essay
Letzte Klänge
Spätwerke von Max Reger und Richard Strauss,
„Ausklang“ von Helmut Lachenmann
I
Wie radikal auch immer die Musik nach 1945 gewesen sein mag, ein Bezug
zur Klassischen Moderne ließ sich von dort aus meist noch herstellen. Etliche
Komponisten, die in den 1860er- und 1870er-Jahren geboren wurden, nahmen
so den Rang von Visionären ein, etwa Gustav Mahler, Claude Debussy,
Alexander Skrjabin, Arnold Schönberg sowie Charles Ives – und in Erik Satie
fand selbst John Cage ein Vorbild aus dieser Generation. Der 1864 geborene
Richard Strauss und der 1873 geborene Max Reger zählten nicht dazu, obwohl
Letzterer noch von Schönberg und dessen Schülern bewundert worden
war und obwohl Strauss das moderne Orchester beherrscht hatte wie wenige
andere und sich in seiner Oper „Elektra“ der Atonalität angenähert hatte.
Max Reger blieb als Name zwar präsent, wurde aber kaum noch gespielt –
ein Zustand, an dem sich bis heute nicht viel geändert hat. Richard Strauss
dominierte zwar die Spielpläne der Orchester und Opernhäuser, galt vielen
Musikdenkern aber als reaktionär, zumal er in Gustav Mahler einen Zeitgenossen
hatte, mit dem sich die kritische Nachwelt leichter identifizieren
konnte. Beispielhaft dafür steht Helmut Lachenmanns 1975 formulierte
Antwort auf eine Rundfrage von Peter Ruzicka: „Mahlers unerhörte Tat, sein
‚Mysterium‘, war die künstlerisch vermittelte und in jedem Ton von subjektivem
Glauben erfüllte schlechte Verkleisterung dort, wo dem Nihilisten
Richard Strauss noch die eleganteste ‚Verklärung‘ glückte“.
An der Wende zum 21. Jahrhundert entspannte sich das Verhältnis der neuen
Musik zu Richard Strauss merklich: Pierre Boulez spielte mit dem Chicago
Symphony Orchestra „Also sprach Zarathustra“ ein, Peter Eötvös führte
mit dem Ensemble intercontemporain „Der Bürger als Edelmann“ auf, und
Helmut Lachenmann konzipierte 2002 – für viele Beobachter überraschend –
ein Projekt, in dem das Ensemble Modern Orchestra sein eigenes Werk „Ausklang“
Strauss’ „Alpensinfonie“ gegenüberstellen sollte. Oft erwähnt wurde
seitdem die Tatsache, dass mit „Ausklang“ sowohl Lachenmanns großes
Klavier-Orchester-Werk als auch der vorletzte Abschnitt der „Alpensinfonie“
überschrieben ist. Dieses von Lachenmann als Zufall bezeichnete Kuriosum
gab dem Vorhaben einen zusätzlichen Reiz, und so wurden die Aufführungen
im Sommer 2005 weithin beachtet und nicht zuletzt als ein Symbol für
die Etablierung Lachenmanns als Klassiker zu Lebzeiten interpretiert. Neun
Jahre später beleuchten sich Strauss und Lachenmann abermals gegenseitig:
Dem „Ausklang“ stehen nun die „Vier letzten Lieder“ gegenüber, die
ihrerseits von einem Orgelwerk Max Regers eingeleitet werden.
II
Reger ist von Strauss zwar nicht so weit entfernt wie Lachenmann, doch
sonderlich nahe scheint auch diese Konstellation nicht zu liegen. Anders als
MUSIKFEST BERLIN 2014

Strauss schrieb Reger keine Opern, und der für Strauss wichtigen Gattung
der Tondichtung näherte er sich nur vorsichtig. „Reger, noch einen Schritt
und Sie sind bei uns“, soll Strauss gesagt haben, nachdem er dessen „Vier
Tondichtungen nach A. Böcklin“ op. 128 (1913) kennengelernt hatte. Darauf
Reger (in den Erinnerungen seiner Frau Elsa): „Ja, lieber Strauss, den Schritt
tue ich eben nicht.“
Regers Vorliebe für Bach und Brahms war zu groß, als dass er programmmusikalischen
Konzepten dauerhaft etwas hätte abgewinnen können,
und so konzentrierte er sich auf Orgel- und Kammermusik und somit auf
Gattungen, die für Strauss keine wesentliche Rolle spielten. Nahe kamen
sich beide beim Klavierlied: Immerhin 14 Gedichte sind sowohl von Strauss
als auch von Reger vertont worden; darunter der durch Strauss berühmt
gewordene „Morgen“ von John Henry Mackay. Die anderen Texte, allesamt
repräsentativ für den Geschmack des deutschen Fin de Siècle, stammen
von Otto Julius Bierbaum, Felix Dahn, Richard Dehmel, Gustav Falke, Karl
Henckell, Detlev von Liliencron und Christian Morgenstern sowie aus der
Sammlung „Des Knaben Wunderhorn“.
Man kannte und schätzte sich also, und 1913 kam es zu einem denkwürdigen
Konzert, in dem Richard Strauss die Berliner Hofkapelle im „5. Brandenburgischen
Konzert“ von Johann Sebastian Bach dirigierte – und am
Klavier (!) saß Max Reger. Die Entwicklung des älteren Strauss hatte Reger
stets aufmerksam verfolgt. Aus einem Umfeld, das aus seiner Sicht durch
musikalisches Mittelmaß geprägt war, sah er den Kollegen weit herausragen:
„Richard Strauß [sic] ist für mich die glänzendste Erfüllung der Kunst, die ein
Franz Liszt angebahnt hat.“
Nach aufreibenden Jahren als Hofkapellmeister in Meiningen, wo einst auch
Strauss gewirkt hatte, ließ sich Reger 1915 in Jena nieder. Gesundheitlich
geschwächt und unter dem Eindruck des Krieges komponierte er unermüdlich
bis zu seinem Tod im Mai 1916 weiter. In einem späten Brief schrieb er
über sich selbst: „Jetzt beginnt der freie, jenaische Stil bei Reger“. In dieser
Zeit entstand die Fantasie und Fuge für Orgel d-Moll op. 135b, die „Meister
Richard Strauß [sic] in besonderer Verehrung“ gewidmet ist. Wenn man bedenkt,
dass sich Strauss und Reger zwei Jahre zuvor als Interpreten gemeinsam
mit Bach beschäftigt hatten, wird die Adressierung dieses neobarock
inspirierten Werks ausgerechnet an Strauss verständlich. Regers Biograf
Helmuth Wirth erkennt in diesem letzten Orgelwerk des Komponisten „den
Wunsch, sich an neue und ganz sicher auch bessere klangliche Bedingungen
zu halten, die das angeschwemmte Klangvolumen durch Sauberkeit
des Tons ersetzen. Hier mag eine Beziehung zu Strauss liegen, der ja recht
plötzlich den Rückzug vom Riesenorchester der ‚Elektra’ und des ‚Rosenkavalier’
zum Kammerorchester der ‚Ariadne auf Naxos’ angetreten hatte.“
Der „Ausklang“, den Regers Orgelschaffen hier erfährt, gemahnt in seiner
Klangpracht einerseits an den Widmungsträger und scheint andererseits die
von Reger misstrauisch beäugte Moderne zu reflektieren: Das Fugenthema
besteht aus 14 chromatisch angeordneten Tönen, von denen sich elf nicht
7

MUSIKFEST BERLIN 2014

Essay
wiederholen. Auch wenn das Werk in strahlendem D-Dur endet, ist Regers
Kontrapunkt vom Reihendenken Schönbergs nicht weit entfernt.
III
In der „Alpensinfonie“ hatte Lachenmanns Musik 2005 ein Gegenüber,
das – wie Regers Spätwerk – unter dem Bann des Ersten Weltkriegs und in
Auseinandersetzung mit der Auflösung der Tonalität entstanden war. In den
„Vier letzten Liedern“ findet Lachenmanns „Ausklang“ jetzt ein Vor-Echo,
das vom Zweiten Weltkrieg geprägt ist und aus einer Zeit stammt, in der
Schönbergs Reihendenken von der Tonhöhendisposition auch auf andere
Parameter der Komposition übertragen wurde – Olivier Messiaen schrieb das
Klavierstück „Mode de valeurs et d’intensités“ als eine Gründungsurkunde
der seriellen Musik 1949, ein Jahr, nachdem Strauss seine Lieder komponiert
hatte. Als Kirsten Flagstad und Wilhelm Furtwängler die „Vier letzten Lieder“
in London zur posthumen Uraufführung brachten, hatten Boulez, Nono und
Stockhausen ihre ersten Werke bereits geschrieben und Helmut Lachenmann
war 14 Jahre alt – Gleichzeitigkeit des Ungleichzeitigen…
Für Richard Strauss waren diese Lieder kein Medium der Zeitgenossenschaft
und ästhetischen Positionierung, sondern Dokumente des Rückzugs. Seit der
Vollendung seiner Oper „Capriccio“ (1942) betrachtete er sein Lebenswerk
als abgeschlossen; was er von da an komponierte, galt ihm als „Handgelenksübung“.
Dem zerstörten Deutschland war Strauss im Oktober 1945 in
die Schweiz entkommen, wo er bis zum Mai 1949 lebte, ehe er vier Monate
vor seinem Tod ins heimatliche Garmisch zurückkehrte. In der Schweiz wohnte
Strauss in Hotels – im Winter in Montreux und im Sommer in Pontresina
im Oberengadin. Hier wurden 1948 die „Vier letzten Lieder“ vollendet:
In Montreux am 6. Mai „Im Abendrot“, in Pontresina am 18. Juli „Frühling“
und am 4. August „Beim Schlafengehen“, und wieder in Montreux am
20. September der „September“. Das zuerst entstandene (und bei Aufführungen
in der Regel zuletzt gegebene) „Abendrot“ folgt einem Gedicht
Joseph von Eichendorffs, die drei anderen Lieder Texten von Hermann Hesse,
der ebenfalls in der Schweiz lebte und 1946 mit dem Literaturnobelpreis
ausgezeichnet worden war.
Der zugespitzte Titel „Vier letzte Lieder“ und deren Anordnung gehen auf
verlegerische Entscheidungen zurück; ein Zyklus ist das nur bedingt, auch
wenn sich die vorgeschlagene Reihenfolge „Frühling“ – „September“ – „Beim
Schlafengehen“ – „Im Abendrot“ als eindrucksvoller Lebensrückblick, als
Summe eines Schaffens deuten lässt, zumal Strauss hier noch einmal alle
Mittel aufbietet, die ihm zu Gebote standen. So sehr sie auch um sich selbst
kreist, gleitet diese spätherbstlich-todestrunkene Musik niemals ins Schwülstige
ab – die frei sich verströmende Singstimme wird von einem subtil
abgetönten Orchester transparent begleitet. Noch einmal singt das Horn,
Strauss’ Lieblingsinstrument (das sein Vater als Virtuose beherrschte), der
Solistin nach, wenn sie im zweiten Lied die „Augen zu“ gemacht hat; noch
einmal wird das „Verklärungsthema“ aus der fast sechs Jahrzehnte zuvor
9

Essay
entstandenen Tondichtung „Tod und Verklärung“ heraufbeschworen, wenn
im „Abendrot“ gefragt wird: „ist dies etwa der Tod?“ – ein Stück, das mit
den einleitenden Versen „Wir sind durch Not und Freude / Gegangen Hand
in Hand“ gemeinhin als Hommage des Komponisten an seine Frau Pauline
aufgefasst wird, die die wichtigste Interpretin seiner Lieder war. Strauss
selbst hielt sich übrigens bedeckt: Nachdem ihm sein Sohn geraten hatte,
sich angesichts mancher Sorgen an der Komposition von Liedern zu erfreuen,
übergab er die Partitur seiner Schwiegertochter mit der Bemerkung „Da sind
die Lieder, die dein Mann bestellt hat“.
Bei aller Bewunderung für diese Eingebungen des 84 Jahre alten Strauss:
Lassen sich die „Vier letzten Lieder“ mit ihrem, trotz aller Trauer um das
zerbombte Deutschland, zweifelsfrei-satten Es-Dur-„Ausklang“ heute noch
unbefangen hören?
IV
„Komponieren heißt nicht ‚zusammensetzen‘, sondern heißt ‚in Zusammenhang
bringen‘“ – diesem Credo ist Helmut Lachenmann auch mit dem spät
bekundeten Interesse an Richard Strauss gefolgt, dessen sinfonische „Bergbesteigung“
er 2002 mit der eigenen „Gratwanderung“ des Werkes „Ausklang“
zusammendachte, wobei ihn bei Strauss der Klang des hypertrophen
spätromantischen Orchesters als komplexes Phänomen ebenso faszinierte
wie die melancholische Haltung eines Komponisten, der die Tonalität auf
ästhetisch verlorenem Posten noch einmal hochleben lässt. Tonalität ist der
dialektisch gedachten Musik Lachenmanns als konstruktives Prinzip fremd
(„Musik erfinden heißt deshalb: negativ handeln, Gewohntes durchschauen
und aussperren, vorweg Impliziertes aufdecken durch Unterdrücken und so
vorweg Unterdrücktes freilegen. Nichts ist konstruktiver als solche Destruktion“),
und dennoch finden sich im „Ausklang“ auch tonale Momente.
Diese 1984/85 entstandene „Musik für Klavier mit Orchester“ stellt sich, mehr
noch als die vorangegangenen Werke Lachenmanns, als einsätziges, aber
monumentales Quasi-Klavierkonzert den Rezeptionsbedingungen der spätromantischen
Orchestermusik, wobei die damit verbundenen Erwartungen
weder explizit erfüllt noch konsequent unterlaufen werden. Es geht um das
Verhältnis von Fremdheit und Vertrautheit, nicht „um neue Klänge, sondern
um ein neues Hören“ (Lachenmann im Gespräch mit Heinz-Klaus Metzger,
1988). Die musikalische Idee, die den nicht nur metaphorischen Werktitel „Ausklang“
hervorbrachte, bezieht sich auf den einmal angeschlagenen Klavierton,
dessen unweigerlich rasches Verklingen verhindert werden soll – Lachenmann
verglich es in einem Kommentar zur Uraufführung mit dem „Wunschtraum,
die Schwerkraft zu überwinden […]. Die Geschichte des Klaviersatzes, und
nicht erst seit der Romantik, ist weithin die Geschichte solcher Techniken.“
Die Methoden, die Lachenmann zu diesem Zweck aufbietet, sind außerordentlich
facettenreich: Neben allen Varianten des Pedalgebrauchs und
des stummen Niederdrückens von Tasten ist „Ausklang“ von rasanten
Tonrepetitionen, von Skalen und Arpeggien bestimmt, die jenseits ihrer
MUSIKFEST BERLIN 2014

kompositorischen Funktion die Virtuosität der sinfonischen Klavierkonzerte
heraufbeschwören, die immer wieder in zusammenhanglosen Überbleibseln
hervorzuklingen scheinen, ohne dass ein Zitat auch nur ansatzweise erkennbar
wäre. Hinzu kommen erweiterte Spieltechniken wie das Anreißen von
Klaviersaiten mit den Fingernägeln, das Glissando über die Tasten hinweg
mithilfe von zwei oder drei Plastik-Töpfchen von 4–8 cm Durchmesser (so
die Erläuterung der Partitur) sowie das Bearbeiten des Flügel-Stahl rahmens
mit einem Hammer (der ebenfalls aus schonend anwendbarem Kunststoff
besteht).
Schließlich steht dem Soloinstrument das große Orchester als „Superklavier“
gegenüber, das die „Ausklänge“ gleichfalls verlängernd gestaltet, sodass
die Musik, in den Worten des Komponisten, „einen Parcours von Situationen“
durchläuft, „die – fortsetzend, kontrastierend oder qualitativ umschlagend –
auseinander hervorgehen, wobei die Musik den Ausgangsgedanken zu
verraten scheint, weil sich die Bewegungen mehr und mehr verselbständigen,
bis diese, als perforiertes Riesencantabile sich erkennend, wieder in ihn
einmünden und sich ihm unterwerfen.“ Die über 50 Spielminuten hinweg
gut vorbereitete Pointe: Das Stück endet in E-Dur, oder, genauer gesagt:
Es hört mit einem gleichsam übriggebliebenen E-Dur-Dreiklang auf – später
„Ausklang“ einer Tonalität, die schon bei Max Reger und Richard Strauss
an Verbindlichkeit verloren hatte, ohne jedoch ihre Kraft als ein zentraler
Bezugspunkt der abendländischen Musik eingebüßt zu haben.
Olaf Wilhelmer
11

MUSIKFEST BERLIN 2014

Über „Ausklang“ – Musik für Klavier mit Orchester
Der Wunschtraum, die Schwerkraft zu überwinden, zu überlisten, oder
wenigstens Situationen solch überwundener Schwerkraft zu simulieren,
hat vielleicht ein Pendant in den vielfältigen Versuchen, die per Impuls in
Schwingung versetzte Materie, zum Beispiel den Klavierklang, am Verklingen
zu hindern. Die Geschichte des Klaviersatzes, und nicht erst seit der
Romantik, ist weithin die Geschichte solcher Techniken. Wo aber die Spekulation
mit solcher Illusion mit sich selbst spielt, geht es über die Nutzung
von Pedal- und Flageolett-Techniken des modernen Flügels hinaus. Wenn
diese auch weithin meine Komposition mitgeprägt haben, so scheint mir
wichtiger, wie der Umgang mit den Mitteln überhaupt sich dabei modifiziert.
Grifftechnisch abgeleitete pianistische Spielmodelle, organisiert als
mechanistisch funktionierende Speicherungsobjekte, halb bewusstlose
Einschwingprozesse, erstmal „bloß um die Saiten anzuregen”, deren Ausklingen
es dann zuvorzukommen gilt durch verschieden massive Eingriffe, mehr
oder weniger rhythmisierte Abbau- und Umbau-Prozesse, Filterung, unvermittelte
Integration in ganz andere Wahrnehmungskategorien usw.: Solche
Modelle, hereingeschmuggelt zunächst, entfalten ihre eigene Dynamik. Bei
dem sich so präzisierenden kompositorischen Instrumentarium spielt aber
auch die Transferierbarkeit des pianistischen Ausgangstyps (Anschlagsimpuls
beziehungsweise -figur, Klanggestalt, Klangveränderung – aber auch
seine Umkehr- und vielfache Strapazierbarkeit) auf das Orchester, auf
einzelne charakteristische Orchestergruppen, im Sinn eines Superklaviers,
bei welchem das Solo-Instrument zum partikular beteiligten Gerät wird,
eine wesentliche Rolle. An den Markierungspunkten in dieser Materiallandschaft
stehen rohe Grundformen wie der unverformte Hall, der Secco-Klang,
aber auch komplexere wie der „falsche Nachhall”, die „gefilterte Kantilene”,
schließlich auch Martellato-Felder, die ihr eigenes Echo verdecken oder auch
davon verschluckt werden. Zugleich wirkt darin harmonisch Vertrautes:
oberton-orientierte einfache oder zusammengesetzte Mixturbildungen, der
Unisono-Klang (die orchestral übertragenen Saitenchöre des Klaviers), aber
zum Beispiel auch der „Zweiklang”, das tonal ungesättigte bloße Intervall:
alles koordiniert im Hinblick auf im Großen wie im Kleinen zu steuernde
Verflüchtigungsprozesse, und so expressiv entleert und neu geladen.
Die Musik durchläuft so einen Parcours von Situationen, die – fortsetzend,
kontrastierend oder qualitativ umschlagend – auseinander hervorgehen,
wobei die Musik den Ausgangsgedanken zu verraten scheint, weil sich die
Bewegungen mehr und mehr verselbständigen, bis diese, als perforiertes
Riesencantabile sich erkennend, wieder in ihn einmünden und sich ihm
unterwerfen.
Helmut Lachenmann, 1986
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Richard Strauss Liedtexte
Frühling
In dämmrigen Grüften
träumte ich lang
von deinen Bäumen und blauen Lüften,
von deinem Duft und Vogelsang.
Nun liegst du erschlossen
In Gleiß und Zier
von Licht übergossen
wie ein Wunder vor mir.
Du kennst mich wieder,
du lockst mich zart,
es zittert durch all meine Glieder
deine selige Gegenwart!
Hermann Hesse
September
Der Garten trauert,
kühl sinkt in die Blumen der Regen.
Der Sommer schauert
still seinem Ende entgegen.
Golden tropft Blatt um Blatt
nieder vom hohen Akazienbaum.
Sommer lächelt erstaunt und matt
In den sterbenden Gartentraum.
Lange noch bei den Rosen
bleibt er stehn, sehnt sich nach Ruh.
Langsam tut er
die müdgeword‘nen Augen zu.
Hermann Hesse
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Beim Schlafengehen
Nun der Tag mich müd gemacht,
soll mein sehnliches Verlangen
freundlich die gestirnte Nacht
wie ein müdes Kind empfangen.
Hände, laßt von allem Tun
Stirn, vergiß du alles Denken,
Alle meine Sinne nun
wollen sich in Schlummer senken.
Und die Seele unbewacht
will in freien Flügen schweben,
um im Zauberkreis der Nacht
tief und tausendfach zu leben.
Hermann Hesse
Im Abendrot
Wir sind durch Not und Freude
gegangen Hand in Hand;
vom Wandern ruhen wir (beide) (von Strauss gestrichen)
nun überm stillen Land.
Rings sich die Täler neigen,
es dunkelt schon die Luft.
Zwei Lerchen nur noch steigen
nachträumend in den Duft.
Tritt her und lass sie schwirren,
bald ist es Schlafenszeit.
Dass wir uns nicht verirren
in dieser Einsamkeit.
O weiter, stiller Friede!
So tief im Abendrot.
Wie sind wir wandermüde--
Ist dies etwa der Tod?
Joseph von Eichendorff
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Biografien
Komponisten
Max Reger
Wuchernde Kontrapunktik und kammermusikalische
Durchsichtigkeit, meditative Versunkenheit und übermütige
Scherzi, rückhaltloser Ausdruck erregter Seelenzustände
und distanziertes Komponieren „im alten Stil“:
Max Reger (1873–1916) ist ein Komponist mit vielen Gesichtern.
Mit seinem weit verzweigten, kaum zu überblickenden
Schaffen steht er als Einzelgänger jenseits
aller Schulen und Gruppierungen zwischen Spätromantik
und neuer Musik.
Max Reger wuchs in dem Städtchen Weiden in der Oberpfalz
auf. Nach einem Besuch der Bayreuther Festspiele
im August 1888, bei dem Reger zum ersten Mal ein Orchester
hörte, begann er zu komponieren. Er studierte
Klavier und Komposition bei dem berühmten Theoretiker
Hugo Riemann, der für eine außerordentlich fundierte
handwerkliche Grundlage sorgte. Nach dem Studium
hielt sich Reger für einige Jahre notdürftig über Wasser,
konnte sich als Komponist aber nicht durchsetzen und
musste im Juni 1898 den bitteren Gang zurück ins Elternhaus
antreten.
In Weiden resignierte er jedoch nicht, sondern fand im
Gegenteil zu sich. Schon bald entstanden ambitionierte
Orgel- und Kammermusikwerke, und auch die Idee einer
krönenden Schlussfuge als Werkabschluss, die er später
in vielen Variationswerken aufgriff, fand hier ihre erste
Umsetzung. Reger betrieb nun zäh und zielstrebig seinen
Aufstieg als Komponist. Er fand Verleger für seine
neuen Werke, knüpfte emsig vielfältige Kontakte, die er
zum Vorteil seines stetig wachsenden Schaffens nutzen
konnte, machte sich und seine Werke auf ausgedehnten
Konzertreisen bekannt und versammelte renommierte
Interpreten um sich. 1907 übernahm er eine Professur am
Leipziger Konservatorium und ab 1911 zusätzlich auch
die Leitung eines der besten deutschen Orchester, der
Meininger Hofkapelle. Parallel zu all diesen Verpflichtungen
schuf Reger mit fast fanatischer Arbeitswut stetig
Werk um Werk. Der zehrende Raubbau an seinen Kräften
führte 1914 zu einem gesundheitlichen Zusammenbruch.
Reger starb in der Nacht zum 11. Mai 1916.
Richard Strauss
Von Richard Strauss (1864–1949) existieren viele, oft von
Klischees beladene Bilder. Da gibt es den großbürgerlichen
Familienmenschen, den Skat spielenden Spießbürger,
den mehr als geschäftstüchtigen Selbstvermarkter,
schließlich den politisch Naiven, der sich, auf seinen eigenen
Vorteil bedacht, allzu bereitwillig von den Nationalsozialisten
in Dienst nehmen ließ. Obwohl alle diese
Bilder von Strauss’ bürgerlicher Existenz nicht falsch sind,
überdecken sie das Wesentliche seiner künstlerischen Persönlichkeit.
Strauss war ein Komponist des L’art pour l’art,
des artifiziellen ästhetischen Spiels, und in seinen Opern
ein Meister im Erschaffen künstlicher Welten.
Richard Strauss wuchs in einem professionellen musikalischen
Milieu auf. Sein Vater war Mitglied der Münchner
Hofkapelle und galt als einer der besten Hornisten seiner
Zeit. Bereits mit Anfang 20 war Richard Strauss sowohl als
Dirigent großer Orchester wie als Komponist hervorgetreten.
Den musikalischen Vorlieben seines Vaters folgend
hatte er sich stilistisch zunächst an Brahms orientiert und
umfassendes handwerkliches Können erworben. Wie eine
Initialzündung wirkte dann die 1885 einsetzende Auseinandersetzung
mit den Werken und Schriften von Wagner
und Liszt. 1888, im Alter von 24 Jahren, gelang Strauss
mit dem „Don Juan“ das erste Meisterwerk seines Schaffens,
dem eine Reihe großer Sinfonischer Dichtungen
und Opern folgte, unter denen „Salome“, „Elektra“ und
„Der Rosenkavalier“ zum Kernrepertoire jedes größeren
Opernhauses gehören. Der stetig zunehmende Erfolg dieser
Werke ließ Strauss rasch zu einer der bedeutendsten
MUSIKFEST BERLIN 2014

Persönlichkeiten der Musikwelt aufsteigen, in Personalunion
führender Komponist, international gefragter Dirigent
und schließlich auch einflussreicher Musikfunktionär.
Seit 1898 war Strauss in Berlin tätig, unter anderem als
Hofkapellmeister, und wurde als exemplarischer Vertreter
der Moderne angesehen. In der Berliner Zeit begann auch
die fast zwei Jahrzehnte umfassende, künstlerisch hoch
bedeutsame Zusammenarbeit mit Hugo von Hofmannsthal,
der für Strauss die Libretti zu einer ganzen Reihe von
Opern von „Elektra“ bis zur „Frau ohne Schatten“ schrieb.
Die Oper rückte dabei eindeutig ins Zentrum von Strauss‘
Schaffen.
Das Ende der preußischen Monarchie nach dem 1. Weltkrieg
bedeutete eine Zäsur in Strauss‘ Leben. Mit der
Weimarer Republik konnte er sich nicht anfreunden, und
so zog er es 1919 vor, nach Wien überzusiedeln, wohin
er schon lange ausgezeichnete Kontakte besaß. In den
1920er Jahren änderte sich seine Position im Musikleben
zusehends. Strauss, dessen Werke zwar passagenweise
schärfste Dissonanzen enthalten, dabei aber nie den
Boden der Tonalität verlassen, galt nun allmählich als
Konservativer. Für die einen war er ein moderner Klassiker,
für die anderen hoffnungslos veraltet. Strauss selbst blieb
von diesen Einschätzungen unbeeindruckt. Der äußere
Erfolg blieb ihm in jedem Fall erhalten, und so konnte es
sich Strauss von 1924 an erlauben, auf feste Anstellungsverhältnisse
zu verzichten.
Den Aufstieg der Nationalsozialisten sah Strauss als
Chance für sich und das Umsetzen eigener Vorstellungen.
Gern ging er auf die Avancen ein, die ihm gemacht
wurden, und so ließ er sich 1933 zum Präsidenten der
Reichsmusikkammer machen, zum formal höchsten Musikfunktionär
des Landes. Die Rassenideologie der neuen
Machthaber teilte Strauss aber nicht, und so kühlte das
Verhältnis zwischen Regime und Komponist rasch ab. Als
Strauss in einem von der Gestapo abgefangenen Brief an
seinen emigrierten jüdischen Librettisten Stefan Zweig
seine Ablehnung dieser Ideologie mit überaus deutlichen
Worten formulierte, wurde ihm im Juli 1935 der Rücktritt
von seinen Ämtern nahegelegt. Strauss zog sich in seine
Villa nach Garmisch zurück, blieb aber der prominenteste
deutsche Komponist und wurde weiterhin viel gespielt,
bis hin zu Uraufführungen seiner Opern. Obschon Strauss
selbst sein Lebenswerk mit der Oper „Capriccio“ (1942)
eigentlich als beendet ansah, komponierte er weiter und
schuf noch mehrere Instrumentalwerke. Diese in den allerletzten
Lebensjahren entstandenen Werke gelten heute
als ein Höhepunkt seines Schaffens. Richard Strauss
starb am 8. September 1949.
Helmut Lachenmann
Helmut Lachenmann zählt zu den einflussreichsten
Komponisten der Gegenwart. Er wurde 1935 in Stuttgart
geboren, wo er von 1955 bis 1958 auch Musik studierte.
Entscheidend für Lachenmannns kompositorische Entwicklung
war der Besuch der Darmstädter Ferienkurse
1957, die damals das Zentrum der Avantgardemusik bildeten.
Lachenmann traf dort mit den wichtigsten Komponisten
und Theoretikern der neuen Musik zusammen und
lernte deren Musik kennen. Den größten Eindruck machte
dort Luigi Nono auf ihn, und Lachenmann folgte ihm von
1958 bis 1960 als Privatschüler nach Venedig. Nach der
Studienzeit bei Nono lebte Lachenmann bis 1973 als freischaffender
Pianist und Komponist in München. Später
übernahm er Professuren in Hannover und Stuttgart.
Gegen Ende der 1960er Jahre gelangte Lachenmann zu
einem unverwechselbaren eigenen Stil. Sein Schaffen
gründet auf einem tiefen Misstrauen gegenüber konventionell
„schönen“ Klängen, die zum einen zu einem bloß
sinnlichen, oberflächlichen Genuss einladen und dabei
den wahren Gehalt großer Kunst verraten, zum anderen
dem Komponisten keineswegs als neutrales Material zur
Verfügung stehen, sondern geschichtlich vorgeprägt, in
17

Biografien
Interpreten
Christine Schäfer
gewisser Weise schon verbraucht sind. Der konventionell
erzeugte Ton stellt so in seinen Kompositionen nur eine
Möglichkeit unter vielen dar und ist in manchen Werken
seltene Ausnahme. An seine Stelle tritt ein ganzer Kosmos
von Geräuschen, der kompositorisch gestaltet und in verblüffendem
Reichtum differenziert wird.
Bei diesem Ansatz ist Lachenmann nicht stehen geblieben.
Von den späten 1970er Jahren an finden sich in
seinen Werken zunehmend wieder unverfremdete Klänge,
die mit höchster Bedachtsamkeit eingesetzt werden.
Gleichzeitig erreicht er in seiner Auseinandersetzung mit
der musikalischen Tradition eine neue Stufe und bezog
in neuer, direkterer Weise historisch geprägte Charaktere
und Zitate in seine Klanglandschaften mit ein. Als
ein Höhepunkt seines Schaffens gilt die zwischen 1990
und 1996 entstandene Oper „Das Mädchen mit den
Schwefelhölzern“.
Die Sopranistin Christine Schäfer gastiert seit über zwei
Jahrzehnten an international führenden Opernhäusern
und in den wichtigsten Konzertsälen. Sie verfügt über
ein weit gespanntes, ungemein umfangreiches Repertoire,
das in Oper, Konzert und Lied vom Barock bis in die
Gegenwart reicht und zahlreiche hoch anspruchsvolle
Partien umfasst. In Berlin, wo die Sängerin ihre musikalische
Ausbildung erhielt, war Christine Schäfer in den
letzten Jahren unter anderem in Konzerten der Berliner
Philharmoniker und in Mozartpartien an der Staatsoper
zu erleben. Beim Musikfest Berlin war Christine Schäfer
zuletzt 2008 zu Gast. Die Sängerin war an einer Vielzahl
von hochkarätigen CD-Produktionen beteiligt, die eindrucksvoll
ihre stilistische Vielseitigkeit belegen. So hat
sie Schönbergs „Pierrot Lunaire“ mit Pierre Boulez aufgenommen,
an der Seite
von Anna Netrebko
Mozarts „Figaro“ unter
der Leitung von Nikolaus
Harnoncourt eingespielt
und mit herausragenden
Begleitern Liedaufnahmen
von Schuberts
„Winterreise“ bis zu
„Apparition“ von George
Crumb vorgelegt. Für
ihr Wirken hat Christine
Schäfer zahlreiche Auszeichnungen
erhalten.
Pierre-Laurent Aimard
Der 1957 in Lyon geborene Pianist Pierre-Laurent Aimard
gehört zu den interessantesten Künstlern unserer Zeit.
Anders als die meisten Musiker, die ihren Weg mit dem
klassisch-romantischen Repertoire beginnen, um sich
dann die neue Musik zu erobern, hat er sich sehr früh mit
der Musik der Gegenwart beschäftigt. Bereits als Zwölfjähriger
spielte Aimard Olivier Messiaen vor, der regen
Anteil an der weiteren Entwicklung des angehenden Pianisten
nahm. Aimard studierte dann am Pariser Conservatoire
bei Yvonne Loriod und in London bei Maria Curcio.
MUSIKFEST BERLIN 2014

1973 gewann er den renommierten Messiaen-Preis in
Royan und galt von da an als berufener Interpret des
Komponisten. Als Pierre Boulez 1976 auf der Suche nach
einem Pianisten für das von ihm gegründete Ensemble
intercontemporain war, eine der weltweit führenden Spezialformationen
für neue Musik, fiel seine Wahl auf den
damals neunzehnjährigen Aimard. 18 Jahre lang hatte
Aimard diese wichtige Position inne, die ihn in intensiven,
oft über viele Jahre andauernden Kontakt mit bedeutenden
zeitgenössischen Komponisten von György Ligeti bis
Karlheinz Stockhausen und Pierre Boulez brachte. Als Pianist
des Ensembles wie auch später war Aimard an einer
Vielzahl von Uraufführungen beteiligt.
Neben seinem Einsatz für die zeitgenössische Musik setzt
sich Pierre-Laurent Aimard intensiv mit dem traditionellen
Repertoire auseinander. Als Konzertpianist hat er vor
allem im letzten Jahrzehnt auch außerhalb der neuen
Musik weltweit Erfolge feiern können und dabei mit internationalen
Spitzenorchestern und Dirigenten von Rang,
beispielsweise Pierre Boulez, Christoph von Dohnányi,
Daniel Harding, Nikolaus Harnoncourt, Jonathan Nott
und Sir Simon Rattle musiziert. In den letzten Jahren hat
Pierre-Laurent Aimard bei Aufführungen von klassischen
Klavierkonzerten neben dem Solopart gern auch die Orchesterleitung
übernommen. Auf dem Musikfest Berlin
war Aimard regelmäßig zu Gast, zuletzt 2011 mit einem
Programm, das die Musik von Franz Liszt in vielfältige
Perspektiven rückte, und 2012, wo er Béla Bartók, Leoš
Janáček und Mozart interpretierte.
Die künstlerisch-pianistische Vielseitigkeit Pierre-Laurent
Aimards spiegelt sich auch in seiner Diskographie wider.
Sie enthält Soloaufnahmen von Johann Sebastian
Bachs „Kunst der Fuge“ oder von Klavierwerken
Messiaens ebenso wie Produktionen mit dem Ensemble
intercontemporain und Solokonzerte. Dabei hat er mit
so unterschiedlichen Dirigenten wie Pierre Boulez und
Nikolaus Harnoncourt zusammengearbeitet. Viele dieser
von der internationalen Kritik hoch gelobten CDs sind
mit Preisen ausgezeichnet worden. Als jüngste Aufnahmen
erschienen die „Préludes“ von Claude Debussy und
das Klavierkonzert „Duet“ von George Benjamin, das
Pierre-Laurent Aimard im Jahr 2008 uraufgeführt hat.
Neben seinen Auftritten als Pianist kommt Pierre-Laurent
Aimard weiteren Verpflichtungen nach. So ist er seit 2009
Künstlerischer Direktor des von Benjamin Britten ins Leben
gerufenen Aldeburgh Festivals. Aimard ist zudem
Professor an der Hochschule für Musik in Köln und am
Pariser Konservatorium; daneben hält er Vor träge und
unterrichtet Meisterklassen in der ganzen Welt.
Christian Schmitt
ECHO-Preisträger Christian Schmitt zählt nach Einladungen
der Berliner Philharmoniker und der Salzburger Festspiele
zu den gefragtesten Konzertorganisten seiner Generation.
Der 1976 im Saarland geborene Organist Schmitt
studierte Orgel in Saarbrücken, Boston und Paris. Außerdem
studierte er an der Universität des Saarlandes Musikwissenschaft
und Katholische Theologie. Der Künstler war
Stipendiat der Studienstiftung des deutschen Volkes und
der Deutschen Stiftung Musikleben und errang mehrere
Preise bei nationalen und internationalen Orgel- und Musikwettbewerben.
Mit einem umfangreichen Repertoire,
das vom Barock bis zu zeitgenössischen Kompositionen
reicht und einen Schwerpunkt auf den großen Werken
der Romantik hat, gestaltet er Orgelkonzerte und konzertiert
häufig mit renommierten Orchestern. Als Solist
und als Continuospieler erhielt Christian Schmitt Einladungen
von zahlreichen führenden Orchestern und
großen Festivals. In Berlin gab er unter anderem ein Solorecital
im Rahmen der Orgelkonzerte der Berliner Philharmoniker
und konzertierte mit dem Rundfunk-Sinfonieorchester
unter der Leitung von Mark Janowski. 2012
debütierte er bei den Salzburger Festspielen an der Seite
von Magdalena Kožená. Mehr als 20 CDs, zu denen beispielhafte
Aufnahmen der Orgelsymphonien von Charles
19

Biografien
Interpreten
Widor mit den Bamberger Symphonikern gehören, belegen
die stilistische Vielseitigkeit des Organisten. Schmitts
Aufnahme der Widor-Orgelsinfonien opp. 42.3 und 69
erhielt den ECHO Klassik 2013.
Jonathan Nott
Der englische Dirigent Jonathan Nott ist seit Januar
2000 Chefdirigent der Bamberger Symphoniker – Bayerische
Staatsphilharmonie. Er hat die bedeutende Tradition
des Orchesters wiederbelebt und führt es auf Konzerttourneen
in die bedeutenden Musikmetropolen der Welt
und zu den großen Festivals. Auch beim Musikfest Berlin
war Jonathan Nott mit seinem Orchester in eindrucksvollen
Konzerten zu erleben, er gastierte hier zuletzt im
Jahr 2010. Seine Zusammenarbeit mit den Bamberger
Symphonikern wird sich nach einer Vertragsverlängerung
bis 2016 fortsetzen. Jonathan Nott ist zudem seit Juli 2014
Erster Dirigent und Künstlerischer Berater der Jungen
Deutschen Philharmonie, die er vor Kurzem auch in Berlin
dirigierte. Mit Beginn der Saison 2014/2015 übernimmt er
auch die Leitung des Tokyo Symphony Orchestra.
Nach dem Studium in Cambridge und London schlug
Jonathan Nott den traditionellen Weg der Kapellmeisterausbildung
in Deutschland ein und ging nach Wiesbaden,
um praktische Erfahrung zu sammeln. Gleichzeitig
begann Jonathan Nott eine intensive Zusammenarbeit
mit dem Ensemble Modern. Später wurde er Musikdirektor
des Luzerner Theaters, Chefdirigent des Luzerner Sinfonieorchesters
und hatte von 2000 bis 2003 die musikalische
Leitung des Ensemble intercontemporain inne.
Seit den 90er-Jahren trat Jonathan Nott als Gastdirigent
mit nahezu allen großen Sinfonieorchestern Europas und
der USA auf. Ein Ergebnis der Zusammenarbeit mit den
Berliner Philharmonikern war eine Einspielung sämtlicher
Orchesterwerke von György Ligeti, die nicht nur von der
Fachpresse, sondern auch vom Komponisten selbst mit
Begeisterung aufgenommen wurde. Als engagierter Anwalt
der zeitgenössischen Musik hat Jonathan Nott große
Werke, unter anderem von Brian Ferneyhough, Wolfgang
Rihm, Helmut Lachenmann und Aribert Reimann, uraufgeführt.
Jonathan Notts Diskografie spiegelt seine Vielseitigkeit
wider und enthält sowohl Gesamtaufnahmen
der Sinfonien von Mahler und Schubert wie auch eine
Vielzahl von Einspielungen zeitgenössischer Werke.
Bamberger Symphoniker –
Bayerische Staatsphilharmonie
Die Bamberger Symphoniker – Bayerische Staatsphilharmonie
wurden 1946 von ehemaligen Mitgliedern der
Deutschen Philharmonie in Prag und Musikern aus Karlsbad
und Schlesien gegründet. Das Orchester erwarb
sich rasch einen herausragenden Ruf und gastierte wie
kein anderer deutscher Klangkörper dieser Zeit auf den
Konzertpodien in aller Welt. Bis heute sind internationale
Gastspiele eine zentrale Säule in der Konzerttätigkeit
der Bamberger Symphoniker geblieben. Dabei widmet
sich das Orchester mit demselben Engagement dem
klassisch-romantischen Repertoire wie dem Schaffen
MUSIKFEST BERLIN 2014

zeitgenössischer Komponisten. Seitdem die Bamberger
Symphoniker im Juli 2003 durch die Bayerische Staatsregierung
in den Rang eines Staatsorchesters erhoben wurden,
trägt das Orchester den Namenszusatz „Bayerische
Staatsphilharmonie“.
Erster Chefdirigent der Bamberger Symphoniker war
Joseph Keilberth, eine der großen Dirigentenpersönlichkeiten
seiner Zeit, der die Position in Bamberg bis
zu seinem Tod 1968 innehatte. Ihm folgten am Pult des
Chefdirigenten James Loughran und Horst Stein. Viele
weitere große Dirigenten wie Eugen Jochum, Sir Georg
Solti, Herbert Blomstedt (seit 2006 Ehrendirigent der
Bamberger Symphoniker), Mariss Jansons und Ingo Metzmacher
haben mit dem Orchester zusammengearbeitet
und eine besondere Klangkultur geschaffen. Seit Januar
2000 steht Jonathan Nott als Chefdirigent an der Spitze
der Bamberger Symphoniker. Unter seiner Stabführung
konzertieren die Bamberger Symphoniker in den Zentren
der internationalen Musikwelt und werden regelmäßig zu
allen wichtigen Festivals eingeladen. Auf dem Musikfest
Berlin ist das Orchester schon mehrfach zu Gast gewesen,
zuletzt im Jahr 2010. In den letzten Jahren haben die
Bamberger Symphoniker ihrer umfangreichen Diskografie
zwei herausragende CD-Zyklen hinzugefügt. Zwischen
2003 und 2013 entstanden Gesamtaufnahmen der Sinfonien
von Franz Schubert und Gustav Mahler unter der Leitung
von Jonathan Nott, deren einzelne Teile zahlreiche
Auszeichnungen erhielten.
21

Besetzungsliste
Bamberger Symphoniker – Bayerische Staatsphilharmonie
Chefdirigent:
ehrendirigent:
Jonathan Nott
Herbert Blomstedt
Violine I
Violine II
Viola
Violoncello
Kontrabass
Flöte
Oboe
Peter Rosenberg – 1. Konzertmeister
Bart Vandenbogaerde – 1. Konzertmeister
Harald Strauss-Orlovsky – 2. Konzertmeister
Aki Sunahara – 2. Konzertmeisterin
Mayra Budagjan – 2. Konzertmeisterin
Brigitte Gerlinghaus, Eva Wengoborski, Andreas Lucke,
Boguslaw Lewandowski, Alfred Gschwind, Birgit Hablitzel,
Sabine Lier, Thomas Jahnel, Michael Hamann,
Dagmar Puttkammer, Sandra Marttunen, Berthold Opower,
May-Britt Trunk, Angela Stangorra, N.N., N.N.
Raúl Teo Arias – Stimmführer
Melina Kim-Guez – Stimmführerin
Geworg Budagjan – stv. Stimmführer
Miloš Petrovic, Christian Dibbern, Jochen Hehl,
Julie Wandres-Zeyer, Marek Pychal, Dorothee Klatt,
Barbara Wittenberg, Hansjörg Krämer, Quinten de Roos,
Michaela Reichel Silva, Vladislav Popyalkovsky,
Julia Fortuna, Boris-Alexander Jusa, Regine Schmitt
Lois Landsverk – Solo, N.N. – Solo, Branko Kabadaic – stv. Solo,
Katharina Cürlis, Hans-Joachim Bläser, Raphael Lambacher,
Martin Timphus, Mechthild Schlaud, Zazie Lewandowski,
Christof Kuen, Wolfgang Rings, Christine Jahnel,
Yumi Nishimura, Wolfram Hauser
Matthias Ranft – Solo, Ulrich Witteler – Solo,
Indrek Leivategija – stv. Solo, Nikola Jovanovic, Achim Melzer,
Markus Mayers, Eduard Resatsch, Katja Kuen, Verena Obermayer,
Lucie de Roos, Tobias Tauber, N.N.
Stefan Adelmann –Solo, Georg Kekeisen – Solo,
Orçun Mumcuoglu – stv. Solo, Christian Hellwich,
Luuk Godwaldt, Matyas Nemeth, Tim Wunram,
Jakub Fortuna, Jan-Hendrik Rosenkranz
Ulrich Biersack – Solo, Daniela Koch – Solo,
André Salm, Ursula Haeggblom
Barbara Bode – Solo, Ivan Podyomov – Solo,
Yumi Kurihara, Zsófia Magyar
MUSIKFEST BERLIN 2014

Klarinette
Fagott
Horn
Trompete
Posaune
Tuba
Pauken
Schlagzeug
Günther Forstmaier – Solo, Christoph Müller – Solo,
Michael Storath, Christian Linz
Alexei Tkachuk – Solo, Pierre Martens – Solo,
Monika Strasda-Ehrlich, Ulrich Kircheis
Christoph Eß – Solo, Maria Teiwes – Solo,
Elisabeth Kulenkampff, Reinhold Möller, William Tuttle,
Wolfgang Braun, Hasko Kröger
Lutz Randow – Solo, Markus Mester – Solo,
Thomas Forstner, Till Fabian Weser, Johannes Trunk
Johann Voithofer – Solo, Angelos Kritikos – Solo,
Stefan Lüghausen, Christoph Weber, Volker Hensiek
Heiko Triebener
Robert Cürlis – Solo, Holger Brust – Solo
Jens Herz – 1. Schlagzeuger, Johann Michael Winkler
Orchestervorstand Robert Cürlis, Christian Dibbern, Christoph Eß,
Reinhold Möller, Berthold Opower
Management Marcus Rudolf Axt Intendant
Christian Schmölder Betriebsdirektor
Markus Karl Stratmann Orchestermanager
Wolfgang Liehr Orchesterdisponent
Matthias Hain
PR-Manager
Susanne Will
Persönliche Referentin des Intendanten
Jutta Friedrich
Sachbearbeiterin
Uschi Weiss
Sachbearbeiterin
Rosemarie Bachsteffel Buchhalterin
Karin Wiltschke Buchhalterin
Thomas Luck
Notenwart
Lothar Balik
Orchesterwart
Thomas Albrecht Orchesterwart
23

WO
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CHRISTINE SCHÄFER Bach Kantaten
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Der Pianist Igor Levit hat für seine erste CD
mit späten Klaviersonaten sensationelle Kritiken
bekommen. Auch bei seiner zweiten CD beschäftigt
er sich mit einem nicht minder anspruchsvollen
Zyklus, den Partiten von J. S. Bach – und begeistert
auch hier mit seiner ganz eigenen Sichtweise.
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Chicago, Illinois, 1946, Collection of
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© Walker Evans Archive,
The Metropolitan Museum of Art
25. Juli bis 9. November 2014
Walker Evans Ein Lebenswerk
Veranstalter: Berliner Festspiele. Eine Ausstellung der Photographischen Sammlung / SK Stiftung Kultur, Köln.
Gefördert durch den Deutschen Sparkassen- und Giroverband, die Sparkasse KölnBonn und die Berliner Sparkasse.
1. August bis 2. November 2014
Die Welt um 1914
Farbfotografie vor dem Großen Krieg
Veranstalter: Berliner Festspiele.
Ein Kooperationsprojekt des LVR-LandesMuseums Bonn und des Martin-Gropius-Bau, Berlin.
Albert Kahn, Les Archives de la planete
© Musée Albert-Kahn,
Dèpartement des Hauts-de-Seine
Ulfberht-Schwert, 10. Jh. n. Chr.
© Staatliche Museen zu Berlin,
Museum für Vor- und Frühgeschichte /
Claudia Plamp
10. September 2014 bis 4. Januar 2015
Die Wikinger
Veranstalter: Museum für Vor- und Frühgeschichte, Staatliche Museen zu Berlin – Stiftung Preußischer Kulturbesitz
in Zusammenarbeit mit dem Dänischen Nationalmuseum Kopenhagen und dem Britischen Museum London.
11. September 2014 bis 5. Januar 2015
Pasolini Roma
Veranstalter: Berliner Festspiele.
In Zusammenarbeit mit dem CCCB – Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, der Cinémathèque française in Paris und der
Azienda Speciale Palaexpo – Palazzo delle Esposizioni. Mit freundlicher Unterstützung des Kulturprogramms der Europäischen Union.
Gefördert durch den Hauptstadtkulturfonds Berlin.
Mamma Roma, Pier Paolo Pasolini, 1962.
© All rights reserved
© Erwin Olaf: Porträt 05 – 9th of July
aus der Serie Berlin, 2012
Courtesy: Galerie Wagner und Partner
17. Oktober bis 15. Dezember 2014
Memory Lab:
Die Wiederkehr des Sentimentalen
Fotografie konfrontiert Geschichte
Veranstalter: Kulturprojekte Berlin / Europäischer Monat der Fotografie Berlin
Niederkirchnerstraße 7, 10963 Berlin, Tel. +49 30 254 86 0
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bis 24.8.2014: täglich 10 – 20 Uhr, ab 25.8.2014: Mi – Mo 10 – 19 Uhr, Di geschlossen

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Martin-Gropius-Bau
Walker Evans – Ein Lebenswerk 25.7.– 9.11.
Die Welt um 1914: Farbfotografie vor dem Großen Krieg 1.8.– 2.11.
Die Wikinger 10.9.2014 – 4.1.2015
Pasolini Roma 11.9.2014 – 5.1.2015
Memory Lab: The Sentimental Turn 17.10.– 15.12.

Ed.
Do., 2.10.14 · 20 Uhr · Kammermusiksaal
Yuja Wang Klavier
Schubert: Klaviersonate B-Dur D 960
Werke von Scrjabin
Spanische Klaviermusik von
Albéniz, Mompou und Granados
Mi., 22.10.14 · 20 Uhr · Konzerthaus
Cecilia Bartoli Mezzosopran
I Barocchisti · Diego Fasolis, Leitung
Barocke Arien und Szenen aus dem
17. und 18. Jahrhundert
Mo., 3.11.14 · 20 Uhr · Philharmonie
Klaus Florian Vogt Tenor
Staatskapelle Weimar · Werke von
Wagner, Flotow, Mozart und Lehár
Do., 27.11.14 · 20 Uhr · Kammermusiksaal
Classic meets Cuba
Klazz-Brothers & Cuba Percussion
So., 30.11.14 · 20 Uhr · Philharmonie *
Hélène Grimaud Klavier
„Jeux d’eau“ – Werke von Schubert, Liszt,
Ravel, Debussy, Fauré, Albéniz u.a.
So., 11.1.15 · 20 Uhr · Kammermusiksaal
The Philharmonics
Wiener Neujahrskonzert
Yuja Wang
Cecilia Bartoli
Daniil Trifonov
Klaus Florian Vogt
Hélène Grimaud
A.S. Ott & F. Tristano
Di., 10.2.15 · 20 Uhr · Philharmonie *
Jewgenij Kissin Klavier
Beethoven: „Waldstein-Sonate“C-Dur
Prokofjew: Sonate Nr. 4 c-moll
Chopin: Mazurkas (Auswahl)
Liszt: Ungarische Rhapsodie Nr. 15
Do., 19.2.15 · 20 Uhr · Kammermusiksaal
Daniil Trifonov Klavier
Kremerata Baltica
Chopin: Klavierkonzert Nr. 1 e-moll
Chopin: Klavierkonzert Nr. 2 f-moll
Di., 10.3.15 · 20 Uhr · Kammermusiksaal
Piano Battle
„Das Publikum als Jury“:
Eine Konzertshow von und mit Andreas
Kern und Paul Cibis
Do., 19.3.15 · 20 Uhr · Philharmonie
Verdi: Messa da Requiem
Chorgemeinschaft Neubeuern
Orchester der KlangVerwaltung
Enoch zu Guttenberg, Leitung
Fr., 17.4.15 · 20 Uhr · Kammermusiksaal
Alice Sara Ott &
Francesco Tristano Klavier
Ravel: Boléro & La Valse
Debussy: 3 Nocturnes
Strawinsky: Le Sacre du Printemps u.a.
Jewgenij Kissin
Julia Fischer
Jonas Kaufmann
Anne-Sophie Mutter
Enoch zu Guttenberg
Martin Grubinger
Mi., 13.5.15 · 20 Uhr · Philharmonie *
Julia Fischer Violine
St. Petersburger Philharmoniker
Yuri Temirkanov, Leitung
Brahms: Violinkonzert D-Dur
Beethoven: Symphonie Nr. 3 „Eroica“
Mo., 18.5.15 · 20 Uhr · Philharmonie
Jonas Kaufmann Tenor
Münchner Rundfunkorchester
„Du bist die Welt für mich“
Mo., 15.6.15 · 20 Uhr · Philharmonie *
Anne-Sophie Mutter Violine
Lambert Orkis, Klavier
Beethoven: Sonate G-Dur
Ravel: Tzigane · Bartók: Sonate Nr. 2
Respighi: Sonate h-moll
Mi., 1.7.15 · 20 Uhr · Philharmonie
Bobby McFerrin
& Chick Corea
Together again
Fr., 3.7.15 · 20 Uhr · Philharmonie
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DAS MusikfeSt Berlin 2014
prOGrAMMüBerSicht
Di 02.09. 19:00 Philharmonie StAAtSKApelle Berlin
GUStAVO DUDAMel
Mi 03.09. 20:00 Philharmonie StAAtSKApelle Berlin
GUStAVO DUDAMel
Do 04.09. 20:00 Kammermusiksaal pierre-lAUrent AiMArD
Fr 05.09. 20:00 Philharmonie SÄchSiSche StAAtSKApelle DreSDen
chriStiAn thieleMAnn
Sa 06.09. 15:00 Ausstellungsfoyer des „QUArtett Der KritiKer”
Kammermusiksaals
17:00 Kammermusiksaal iSABelle fAUSt, AleXAnDer MelniKOV,
teUniS VAn Der ZWArt
20:00 Philharmonie rOYAl cOncertGeBOUW OrcheStrA
AMSterDAM, MAriSS JAnSOnS
So 07.09. 11:00 Kammermusiksaal MOJcA erDMAnn, KUSS QUArtett
17:00 Kammermusiksaal nicOlAS hODGeS
20:00 Philharmonie Münchner philhArMOniKer
SeMYOn BYchKOV
Mo 08.09. 20:00 Philharmonie BAMBerGer SYMphOniKer
JOnAthAn nOtt
Di 09.09. 20:00 Philharmonie GeWAnDhAUSOrcheSter leipZiG
AlAn GilBert
Mi 10.09. 20:00 Philharmonie rUnDfUnK-SinfOnieOrcheSter Berlin
VlADiMir JUrOWSKi
Do 11.09. 20:00 Philharmonie the cleVelAnD OrcheStrA
frAnZ WelSer-MÖSt
Fr 12.09. 20:00 Philharmonie Berliner philhArMOniKer
peter eÖtVÖS
Sa 13.09. 19:00 Philharmonie Berliner philhArMOniKer
peter eÖtVÖS
22:00 Philharmonie pAtriciA KOpAtchinSKAJA
MUSIKFEST BERLIN 2014

So 14.09. 11:00 Philharmonie OrcheSter Der DeUtSchen Oper Berlin
DOnAlD rUnnicleS
17:00 Kammermusiksaal MAhler chAMBer OrcheStrA
DAniel hArDinG
DAMeS DeS riAS KAMMerchOreS
flOriAn helGAth
20:00 Philharmonie lOnDOn SYMphOnY OrcheStrA
Sir JOhn eliOt GArDiner
Mo 15.09. 20:00 Philharmonie SWr SinfOnieOrcheSter BADen-BADen
UnD freiBUrG, frAnÇOiS-XAVier rOth
Di 16.09. 20:00 Philharmonie DeUtScheS SYMphOnie-OrcheSter Berlin
tUGAn SOKhieV
Mi 17.09. 20:00 Philharmonie WDr SinfOnieOrcheSter KÖln
JUKKA-peKKA SArASte
Do 18.09. 20:00 Philharmonie Berliner philhArMOniKer
Sir SiMOn rAttle
Fr 19.09. 19:00 Kammermusiksaal iSABelle fAUSt
20:00 Philharmonie Berliner philhArMOniKer
Sir SiMOn rAttle
Sa 20.09. 19:00 Philharmonie Berliner philhArMOniKer
Sir SiMOn rAttle
20:00 Kammermusiksaal enSeMBleKOlleKtiV Berlin
ennO pOppe
So 21.09. 11:00 Philharmonie KOnZerthAUSOrcheSter Berlin
iVÁn fiScher
16:00 Kammermusiksaal Die 12 celliSten
Der Berliner philhArMOniKer
MAriAni KlAVier QUArtett
20:00 Philharmonie Berliner philhArMOniKer
Sir SiMOn rAttle
Mo 22.09. 20:00 Philharmonie KOnZerthAUSOrcheSter Berlin
iVÁn fiScher
23 35

DAS MusikfeSt BeRLIN 2014 IM RADIO uND INteRNet
Deutschlandradio Kultur
Die Sendetermine
Fr 05.09. 20.03 Uhr SächSISche StAAtSKApeLLe DReSDeN Live-Übertragung
Mi 10.09. 20:03 Uhr „QuARtett DeR KRItIKeR“ Aufzeichnung vom 06.09.
Do 11.09. 20:03 Uhr ISABeLLe fAuSt, ALexANDeR MeLNIKOv,
teuNIS vAN DeR ZwARt Aufzeichnung vom 06.09.
Fr 12.09. 20:03 Uhr BeRLINeR phILhARMONIKeR Live-Übertragung
So 14.09. 20:03 Uhr ROyAL cONceRtgeBOuw ORcheStRA AMSteRDAM Aufzeichnung vom 06.09.
Di 16.09. 20:03 Uhr BAMBeRgeR SyMphONIKeR Aufzeichnung vom 08.09.
So 21.09. 20.03 Uhr SwR SyMphONIeORcheSteR BADeN-BADeN
uND fReIBuRg Aufzeichnung vom 15.09.
Do 25.09. 20:03 Uhr RuNDfuNK-SINfONIeORcheSteR BeRLIN Aufzeichnung vom 10.09.
Do 02.10. 20.03 Uhr wDR SINfONIeORcheSteR KöLN Aufzeichnung vom 17.09.
So 05.10. 20:03 Uhr pIeRRe-LAuReNt AIMARD Aufzeichnung vom 04.09.
Deutschlandradio Kultur ist in Berlin über 89,6 MHz, Kabel 97,50, digital und über Livestream auf www.dradio.de zu empfangen.
Kulturradio vom rbb
Die Sendetermine
Di 02.09. 20:05 Uhr StAAtSKApeLLe BeRLIN Live – zeitversetzte
Übertragung
So 21.09. 20:00 Uhr BeRLINeR phILhARMONIKeR Live-Übertragung
So 28.09. 20:04 Uhr BeRLINeR phILhARMONIKeR Aufzeichnung vom 18.09.
Teil 1
So 28.09. 20:04 Uhr BeRLINeR phILhARMONIKeR Aufzeichnung vom 19.09.
anschließend an Teil 1:
Teil 2
So 05.10. 20:04 Uhr BeRLINeR phILhARMONIKeR Aufzeichnung vom 20.09.
Sa 18.10. 20:04 Uhr MüNchNeR phILhARMONIKeR Aufzeichnung vom 07.09.
Sa 25.10. 20:04 Uhr ORcheSteR DeR DeutScheN OpeR Aufzeichnung vom 14.09.
Sa 01.11. 20:04 Uhr DeutScheS SyMphONIe-ORcheSteR BeRLIN Aufzeichnung vom 16.09.
Kulturradio vom rbb ist in Berlin über 92,4 MHz, Kabel 95,35, digital und über Livestream auf www.kulturradio.de zu empfangen.
Digital concert hall
Die Sendetermine
Sa 13.09. 19.00 Uhr BeRLINeR phILhARMONIKeR Digital Concert Hall Live-Übertragung
Sa 13.09. 22.00 Uhr pAtRIcIA KOpAtchINSKAjA Digital Concert Hall Live-Übertragung
Do 18.09. 20.00 Uhr BeRLINeR phILhARMONIKeR Digital Concert Hall Live-Übertragung
Fr 19.09. 20.00 Uhr BeRLINeR phILhARMONIKeR Digital Concert Hall Live-Übertragung
MUSIKFEST BERLIN 2014

Impressum
Musikfest Berlin
Veranstaltet von den Berliner Festspielen
in Zusammenarbeit mit der Stiftung Berliner Philharmoniker
Künstlerischer Leiter: Dr. Winrich Hopp
Organisationsleitung: Anke Buckentin
Mitarbeit: Chloë Richardson, Ina Steffan
Presse: Patricia Hofmann, Dorka Humbach-Batizi
Programmheft
Herausgeber: Berliner Festspiele
Redaktion: Dr. Barbara Barthelmes
Mitarbeit: Anke Buckentin, Jochen Werner
Komponisten- und Künstlerbiografien: Dr. Volker Rülke
Korrektorat: Kathrin Kiesele
Gestaltung: Ta-Trung, Berlin
Grafik: Christine Berkenhoff, Fleck·Zimmermann
Anzeigenservice: Runze & Casper Werbeagentur GmbH
Herstellung: enka-druck GmbH Berlin
Stand: 14. August 2014
Programm- und Besetzungsänderungen vorbehalten
Copyright: 2014 Berliner Festspiele, Autoren und Fotografen
Berliner Festspiele
Ein Geschäftsbereich der Kulturveranstaltungen
des Bundes in Berlin GmbH
Gefördert durch die Beauftragte der
Bundesregierung für Kultur und Medien
Intendant: Dr. Thomas Oberender
Kaufmännische Geschäftsführerin: Charlotte Sieben
Presse: Claudia Nola (Ltg.),
Sara Franke, Patricia Hofmann, Dorka Humbach-Batizi
Redaktion: Christina Tilmann (Ltg.),
Barbara Barthelmes, Jochen Werner
Internet: Frank Giesker, Jan Köhler
Marketing: Stefan Wollmann (Ltg.),
Gerlind Fichte, Christian Kawalla
Grafik: Christine Berkenhoff
Vertrieb: Uwe Krey, Florian Hauer
Ticket Office: Ingo Franke (Ltg.),
Simone Erlein, Gabriele Mielke, Marika Recknagel,
Torsten Sommer, Christine Weigand
Hotelbüro: Heinz Bernd Kleinpaß (Ltg.), Frauke Nissen
Protokoll: Gerhild Heyder
Technik: Andreas Weidmann (Ltg.)
Berliner Festspiele
Schaperstraße 24
10719 Berlin
Telefon +49 30 254 89 0
www.berlinerfestspiele.de
info@berlinerfestspiele.de
Kulturveranstaltungen des Bundes in Berlin GmbH
Schöneberger Straße 15, 10963 Berlin, www.kbb.eu
Veranstalter
Die Berliner Festspiele
werden gefördert durch
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