ABEND 2018 final_flip

epublic 

Kavernen 1595 

Universität Mozarteum | Solitär

FESTIVAL2018 

Veranstaltet durch den Verein Aspekte Salzburg 

Mit freundlicher Unterstützung von 

In Kooperation mit 

WISSENSCHAFT 

W& 

KKUNST 

EINE KOOPERATION VON

TICKETS | RESERVIERUNGEN 

SALZBURG 

ASPEKTE Salzburg 

Münzgasse 1 

5020 Salzburg 

T +43 (699) 11545517 

office@aspekte-salzburg.at 

www.aspekte-salzburg.at 

Spielorte 

republic . Anton-Neumayr-Platz 2 

Kavernen 1595 . Gstättengasse 27–29 

Universität Mozarteum | Solitär . Mirabellplatz 1 

Informationen unter 

www.aspekte-salzburg.at 

IMPRESSSUM 

Künstlerische Leitung: 

Organisation: 

Spielräume: 

Presse: 

Redaktion: 

Blogtexte: 

Öffentlichkeitsarbeit: 

Online Marketing: 

Grafische Gestaltung: 

Ludwig Nussbichler 

Karin Klotzinger 

Maria Othonos 

Julia Lepka-Fleischer 

Gottfried Franz Kasparek 

Claus Friede 

Elfi Eberhard 

Anna Feiler 

Yiannos Christoforou 

Kartenbestellungen 

Öticketcenter Salzburg 

Tel. +43662 876544 

Einzelkarten und print@home-tickets unter 

www.oeticket.com sowie bei allen öticket-Verkaufsstellen 

Veranstaltungskasse | Box office 

Geöffnet eine Stunde vor Veranstaltungsbeginn 

an den jeweiligen Spielorten 

Festivalpass – alle Veranstaltungen € 70,-/erm. 35,-* 

Einzelkarten: € 20,-/ €10,- 

Kombiticket republic-Kavernen: € 30,-/ € 15,- 

(gilt für beide Veranstaltungen des jeweiligen Abends) 

Aspekte Spielräume: € 10,-/€ 5,- 

Ö1-Clubmitglieder, mica club Mitglieder, SN-Card Inhaber 

erhalten 20 % Ermäßigung auf den Normalpreis für eine Karte 

* Der ermäßigte Preis (nur im Vorverkauf erhältlich) gilt für 

SchülerInnen, Studierende bis 26 Jahre und Präsenz- und 

Zivildiener, nach Vorlage eines gültigen Nachweises. Ermäßigungen 

sind nicht kombinierbar. 

Tickets können nicht zurückgenommen oder umgetauscht werden.

4 

Es geht um mehr 

Zum 41. Mal überrascht das aspekte Festival wieder mit einer spannenden Herangehensund 

Sichtweise auf das Thema „Musik unserer Zeit“. In diesem Jahr widmet sich das 

aspekte 

Festival den Kunstformen Musik und Film unter dem Motto ‚moving pictures‘. Wie 

immer geht es beim aspekte Festival aber um mehr: um mehr als reine Filmmusik. 

Mit diesem „mehr“ fungiert das aspekte Festival seit über 40 Jahren als ein 

Dazugewinn und eine Horizonterweiterung für Salzburg, das immer wieder das 

Publikum mit seinem Qualitäts-Programm beeindruckt und für Neue Musik 

gewinnt. Als Landesrat für Kultur freue ich mich, dass es in unserem Bundesland 

ein so hochwertiges Festival für Neue und Zeitgenössische Musik gibt. Besondere 

Vermittlungsarbeit leistet das „junge“ Festival-Programm, die beliebten 

aspekte Spielräume, bei denen junge InterpretInnen und KomponistInnen Neuer Musik vorgestellt werden. 

Ich möchte mich bei dem künstlerischen Leiter Ludwig Nussbichler und seinem 

Team für ihre gelungene Kulturvermittlungsarbeit herzlich bedanken. 

Und wünsche allen Besucherinnen und Besuchern inspirierende und mitreißende Konzertabende. 

Lassen Sie sich von ‚moving pictures‘ bewegen! 

Ihr 

Dr. Heinrich Schellhorn 

Landesrat für Kultur

36. Aspekte Festival für Musik unserer Zeit – Moving pictures 

Die Stadt Salzburg ist seit vielen Jahren Partner der Aspekte Salzburg. 

Wir zeigen damit die Wertschätzung gegenüber einem der wichtigsten 

Wegbereiter und einer der ersten und wesentlichsten Präsentationsplattformen 

für zeitgenössisches Musikschaffen in der Stadt Salzburg. 

Die Aspekte Salzburg widmen sich von Beginn an der nachhaltigen Förderung 

zeitgenössischer Musik und haben entscheidend dazu beigetragen, 

neue Musik in Salzburg bekannt zu machen und betrachten sich nach 

wie vor bewusst als Festival mit starker regionaler Verwurzelung. 

Das erklärte Ziel ist die Präsentation, Positionierung und Förderung von 

österreichischen KomponistInnen und InterpretInnen Neuer Musik im 

Umfeld international renommierter KomponistInnen und InterpretInnen. 

Auch die aktive Kinder- und Jugendarbeit wird neben der Ausrichtung des Festivals groß geschrieben. 

Dier Aspekte Salzburg verschaffen dem zeitgenössischen Schaffen von der lokalen bis 

zur internationalen Ebene mehr Aufmerksamkeit und Wertschätzung, sind ständig in 

Bewegung und bieten Spannendes, was die Entwicklung der Neuen Musik betrifft. 

Das diesjährige Festival bietet 25 KomponistInnen, 6 JungkomponistInnen, 5 Klangkörper und 

8 Uraufführungen. Die Kompositionsaufträge des Festivals für 2018 gingen ausschließlich an 

Frauen. Beim diesjährigen Festival-Motto geht es um die verschiedenartigen Verschmelzungen und 

Kombinationsmöglichkeiten zwischen Film und Musik, um die Auseinandersetzung der Musik mit anderen 

Kunstformen. Auch mit den weiteren Programmpunkten bleibt es spannend und überraschend. 

Ich wünsche den OrganisatorInnen für das Festival 2018 viel Erfolg 

und den BesucherInnen spannende Veranstaltungen. 

5 

Bernhard Auinger 

Bürgermeister-Stv., Stadt Salzburg

6

Moving Pictures 

Die Welt des Films zählt zweifellos zu den dominierenden Erscheinungen der Kunst unserer Zeit, sie ist tief mit dem 

Geist der Moderne verbunden und gewinnt durch die Modernisierung der Technologien immer mehr an Terrain: die 

„bewegten Bilder“ erreichen mittlerweile Menschen jeglicher Herkunft, jedes Alters und jeder Kultur auf der ganzen 

Welt. Mit dem Film geht (fast) immer eine Musik einher, die sich eines breiten stilistischen Spektrums bedient, auch 

Neue Musik spielt hier eine Rolle. 

Bei den Aspekten 2018 geht es allerdings um mehr als um reine Filmmusik: durch die Befreiung von Einschränkungen 

und Zwängen, denen Filmmusik-Produktionen meist unterliegen, durch eine gleichberechtigte, gleichwertige Rolle 

der Musik, die mit dem Medium Film im weitesten Sinn in Verbindung tritt, kann eine Überhöhung der Botschaften 

und eine Erweiterung der Ausdrucksmittel mit hoher Intensität erlangt werden. 

Das vorliegende Programm trägt genau diesen Gedanken Rechnung. So werden vier zentrale Projekte präsentiert, 

die eine solche Symbiose von anspruchsvoller Kunstmusik und visueller Darstellung versuchen. Diese tritt dabei 

ebenfalls in unterschiedlichen Gestalten in Erscheinung: als Stummfilm, als abstrakt inszeniertes „Lichtspiel“, als 

Multimediaprojektion oder als Kunst-Video mit Dokumentarfilm-Hintergrund: 

Die Video-Oper „An Index of Metals“ des 2004 jung verstorbenen Komponisten Fausto Romitelli über ein Libretto der 

Poetin Kenka Lèkovich und zu Videobildern von Paolo Pachini für Sopran, Ensemble, Multimediaprojektion und Elektronik. 

„Different Trains“ von Steve Reich wird von der Videokünstlerin Beatriz Caravaggio in ein – vom Komponisten selbst 

empfohlenes - Kunstvideo mit Dokumentarfilm-Material eingebettet. 

„Orlacs Hände“, ein Science-Fiction- und Horrorfilm von Robert Wiene aus dem Jahr 1924, zu dem Johannes Kalitzke 

eine neue Musik komponiert hat, die somit bei den Aspekten ihre mit Spannung erwartete Uraufführung erfährt. 

„frozen gestures“, eine Produktion des jungen Ensemble NAMES in Zusammenarbeit mit der Videokünstlerin Conny 

Zenk, bei der Experimentierfreude und Lust auf neue junge Ausdrucksformen im Vordergrund stehen. 

Das bewegende Moment der beiden Zeit-Künste kommt über die vier genannten Programm-Säulen hinaus als 

weiterführender Gedanke kontrastierend zur Geltung: Musik bewegt das Gemüt, die Seele und ruft in diesem Sinne 

Bilder und Emotionen hervor. Solcher Musik und deren kongenialen Interpreten sind drei reine Musikkonzerte 

gewidmet: eines der Komponistin Olga Neuwirth und dem Pianisten Marino Formenti, ein weiteres dem Komponisten 

Herbert Grassl und ein letztes den Musikerinnen des œnm und den KomponistInnen Julia Purgina, Alexandra 

Karastoyanova-Hermentin und Peter Jakober. Das Format „Au Poisson Rouge“ wird - wie schon beim Festival 2016 

- das Ambiente des bekannten gleichnamigen Musik-Clubs in New York für zwei Konzerte nach Salzburg bringen. 

7 

Ludwig Nussbichler, 

künstlerischer Leiter Aspekte Salzburg

Programmübersicht 

Mittwoch, 25. April 

18:00 Uhr | Kavernen 1595 

> Ateliergespräch 

Sabine Coelsch-Foisner (Universität Salzburg) im Gespräch mit Ludwig 

Nussbichler (Aspekte), Reinhard Fuchs (Ensemble Phace), Nacho de 

Paz (Dirigent Index of Metals), Robert Ames (London Contemporary 

Orchestra), Herbert Grassl und Conny Zenk (Visual Artist). 

19:30 | republic 

I > 

Fausto ROMITELLI . An Index of Metals 

Video-Oper von Fausto Romitelli (Musik) und Paolo 

Pachini (Video) für Sopran, Ensemble, multimediale 

Projektion und Elektronik 

Ensemble PHACE 

Daisy Press, Sopran 

Sound: Florian Bogner 

Sylvie Lacroix, Flöte 

Markus Sepperer, Oboe 

Reinhold Brunner, Klarinette 

Thomas Fleißner, Trompete 

Stefan Obmann, Posaune 

Tom Pauwels, E-Gitarre 

Manuel Mayr, E-Bass 

Mathilde Hoursiangou, Keyboard 

Ivana Pristasova, Violine 

Petra Ackermann, Viola 

Roland Schueler, Violoncello 

Musikalische Leitung: Nacho de Paz 

21:30 | Kavernen 1595 

II > 

Au Poisson Rouge 

UGAGA - Hommage à Olga NEUWIRTH 

Marino Formenti, Klavier 

Werke von Olga NEUWIRTH, John CAGE, Louis COUPERIN, 

Tristan MURAIL, Erik SATIE, Franz SCHUBERT, PINK FLOYD u.a. 

Donnerstag, 26. April 


> Music Talk 1 

Im Gespräch mit Ludwig Nussbichler und Gästen mit anschließendem 

Besuch der nachfolgenden Veranstaltung. Anmeldung erforderlich 

unter: klotzinger@aspekte-salzburg.at 

In Kooperation mit HAND.KOPF.WERK. 


III > Different Trains 

London Contemporary Orchestra (LCO) – String Quartet 

Galya Bisengalieva, Violine 

Rakhi Singh, Violine 

Robert Ames, Viola 

Oliver Coates, Violoncello 

Musik von Mica LEVI, Jonny GREENWOOD, CHAINES, Edmund FINNIS 

und Steve REICH. 

Video Different Trains directed and edited by Beatriz CARAVAGGIO. 

Produced by Fundación BBVA and ArsVideo Producciones. 

21:30 | Kavernen 1595 

IV > Au Poisson Rouge 

œnm . österreichisches ensemble für neue musik 

Michaela Girardi, Violine 

Jutas Jávorka, Viola 

Peter Sigl, Violoncello 

Vera Klug, Flöte 

Andreas Schablas, Klarinette 

Nora Skuta, Klavier 

Arabella Hirner, Perkussion 

Katharina Teufel-Lieli, Harfe 

Werke von Alexandra KARASTOYANOVA-HERMENTIN, 

Roberto David RUSCONI, Peter JAKOBER und Julia PURGINA

Freitag, 27. April 

19:30 | Universität Mozarteum/Solitär 

V > 

Im Portrait: Herbert GRASSL 


Ensemble der Internationalen Paul Hofhaymer Gesellschaft 

Anna Elisabeth Hempel, Sopran 

Bernadette Furch, Alt 

Musikalische Leitung: Oscar Jockel und Adrian Sit 

Werke von Herbert GRASSL, Manuela KERER, 

Anton WEBERN und Andor LOSONCZY 

Eine Kooperation von Aspekte Salzburg, Internationale Paul Hofhaymer 

Gesellschaft, ÖGZM (Österreichische Gesellschaft für zeitgenössische Musik), 

Universität Mozarteum und œnm. 


> Music Talk 2 

Im Gespräch mit Ludwig Nussbichler und Gästen mit anschließendem 

Besuch der nachfolgenden Veranstaltung. 

Anmeldung erforderlich unter: klotzinger@aspekte-salzburg.at 

In Kooperation mit HAND.KOPF.WERK 


VII > Orlacs Hände . Johannes Kalitzke (UA) 

Stuttgarter Kammerorchester 

Musikalische Leitung: Johannes Kalitzke 

Auftragswerk des Stuttgarter Kammerorchesters 

Samstag, 28. April 

13:30 | Kavernen 1595 

JUGEND KOMPONIERT FINALE 

Veranstalter: ÖKB in Kooperation mit Musik der Jugend und Aspekte Salzburg 

16:00 | Kavernen 1595 

VI > aspekteSPIELRÄUME 

Jugend komponiert, Aspekte Sonderpreis & Gäste 

Trio 3:0 

Eva Steinschaden-Vavtar, Violine 

Detlef Mielke, Violoncello 

Alexander Vavtar, Klavier 

In Kooperation mit Musik der Jugend und ÖKB 

Sonntag, 29. April 


VIII > frozen gesture 

NAMES feat. visual artist Conny ZENK 

Marina Iglesias Gonzalo, Flöte 

Marco Sala, Klarinette 

Matthias Leboucher, Klavier 

Alexander Bauer, E-Orgel 

Mervyn Groot, Schlagwerk 

Anna Lindenbaum, Violine 

Urh Mrak, Violoncello 

Marco Döttlinger, Elektronik 

Musikalische Leitung: Silvia Spinnato 

Werke von Manuela MEIER, Veronika MAYER, Tamara FRIEBEL, 

Mauro LANZA, Michael MAIERHOF, Marco DÖTTLINGER

Mittwoch, 25. April 

18.00 Uhr, Kavernen 1595 

Ateliergespräch 

Sabine Coelsch-Foisner (Universität Salzburg) im Gespräch mit Ludwig Nussbichler (Aspekte), Reinhard Fuchs 

(Ensemble Phace), Nacho de Paz (Dirigent Index of Metals), Robert Ames (London Contemporary Orchestra), 

Herbert Grassl und Conny Zenk (Visual Artist). 

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PHACE ©Laurent Ziegler

Mittwoch, 25. April 19.30 Uhr, republic 

I | Fausto Romitelli . An Index of Metals 

Video-Oper von Fausto Romitelli (Musik) und Paolo Pachini (Video) für Sopran, 

Ensemble, Multiprojektion und Elektronik 

Text: Kenka Lekovich 

Bilder: Paolo Pachini, Leonardo Romoli 

Konzept: Fausto Romitelli & Paolo Pachini 

Ensemble PHACE 

Daisy Press, Stimme 

Sound: Florian Bogner 

Sylvie Lacroix, Flöte 

Markus Sepperer, Oboe 

Reinhold Brunner, Klarinette 

Thomas Fleißner, Trompete 

Stefan Obmann, Posaune 

Tom Pauwels, E-Gitarre 

Manuel Mayr, E-Bass 

Mathilde Hoursiangou, Keyboard 

Ivana Pristasova, Violine 

Petra Ackermann, Viola 

Roland Schueler, Violoncello 

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Musikalische Leitung: Nacho de Paz

Zu Fausto Romitelli 

12 Die Kompositionen von Fausto Romitelli haben in Frankreich, 

einem Land, in dem es – abgesehen von den musikalischen 

Experimenten des Ensembles L’Itinéraire in 

den 70er Jahren – traditionell unüblich ist, die Stile der 

„high art“ („Kunstmusik“) und „low art“ („Pop-Musik“) 

zu mischen, ohne wegen mangelnder Originalität kritisiert 

zu werden oder sich heftigen Vorwürfen wegen 

Respektlosigkeit der Kunst gegenüber auszusetzen, 

durch ihren freien und ungezwungenen Zugang zu verschiedenen 

Musiktraditionen großen Anklang gefunden. 

(…) Da sie vor allem von den großen Spektraltechnikoder 

postseriellen Werken der 80er Jahre inspiriert sind, 

ohne einen neuerlichen „Stilbruch“ zu erzeugen, eröffnet 

Romitellis Ansatz zweifellos zahlreiche neue Perspektiven 

für die Komposition zeitgenössischer Musik: 

Man könnte seine Methode als «selektiv empirisch» im 

Sinne einer Poesie bezeichnen, die unter anderem auch 

für Formen der „low art“ offen ist, nämlich für deren Impulsivität 

und Ursprünglichkeit im klanglichen, ästhetischen 

und gesellschaftlichen Sinn. 

Die Zukunft wird es zeigen: Romitelli ist der reinste Vertreter 

der „Subkultur“ in der intellektuellen, zeitgenössischen 

Musik, in der sich eine andere Subkultur, nämlich 

jene der angelsächsischen Popmusik, von den 60er 

Jahren bis heute, wiederfindet. Fausto Romitelli liebt 

diesen Stil der Spontaneität, Lebendigkeit, Neugier und 

das Verführerische im Menschen ausdrückt, und streift, 

übernimmt, absorbiert und verarbeitet diese Musik aber 

auch aus Notwendigkeit – als Komponist ist er unzufrieden 

mit den düsteren Klangfarben, den übertrieben 

komplizierten Formen und der zu voluminösen Schreibweise 

der modernen Kunstmusik seiner Zeit. Sein Musikverständnis, 

das auf besonders aufmerksamem Zuhören 

beruht, bestätigt, dass die Verbindung zwischen Stockhausen 

und Grisey einerseits und Sonic Youth und Aphex 

Twin andererseits weder auf einer Weiterentwicklung 

noch auf parallel entstandenen Werken beruht, sondern 

gemeinsame Wurzeln hat. Diese könnten sich in einer 

«physischen» Sensibilität in Bezug auf den Klang und 

der Ablehnung musikalischer Intellektualität zugunsten 

einer körperlichen, unmittelbaren Klangempfindung manifestieren. 

Die Fülle von Romitellis Kunstformen entsteht 

durch die Spannung zwischen der Gestaltung eines 

Vortrags und dessen medialer Niederschrift, und der 

Freude, den Klang direkt daraus abzuleiten (…). 

(Auszug aus: Eric Denut: Fausto Romitelli – ein kurzer 

Index, in: Katalog Wien Modern 2004, hrsg. von Berno 

Odo Polzer und Thomas Schäfer, Saarbrücken: Pfau 

2004, S. 43-46. Übersetzung aus dem Französischen 

von Beatrix Eichinger.) 

video stills von Paolo Pachini & Leonardo Romoli

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Marino Formenti ©LA Times

Mittwoch, 25. April 21.30 Kavernen 1595 

II | Au Poisson Rouge 

UGAGA - Hommage á Olga NEUWIRTH 

Marino Formenti, Klavier 

Nomi - Neuwirth - Formenti 

Simple Man (Hommage to Klaus Nomi) 

Olga Neuwirth (*1968) 

Incidendo - Fluido 

Helmut Lachenmann (*1935) 

Wiegenmusik 

Franz Schubert (1797-1828) Ungarische Melodie D 817 

György Ligeti (1923-2006) Musica Ricercata Nr. 6 

John Cage (1912-1992) 

TV Köln 

Erik Satie (1866-1925) Gymnopedie Nr. 5 

Pink Floyd - Formenti 

Hey You 

Olga Neuwirth 

Trurl-Tichy-Tinkle 

Tristan Murail (*1947) 

Cloches d’adieu et un sourire 

Jean-Henri d’Anglebert (1629-1691) 

Prélude non mesuré en ut 

Purcell - Neuwirth - Formenti 

Thy hand, Belinda (Hommage to Klaus Nomi) 

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Olga Neuwirth ©Markus Wächter 

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Olga Neuwirth, geboren in Graz, feiert am 4. August 2018 

ihren 50. Geburtstag. Die Tochter eines Jazzpianisten erhielt 

seit ihrem siebenten Lebensjahr Trompetenunterricht, 

studierte in San Francisco und an der Hochschule in Wien bei 

Erich Urbanner Komposition. Besonders wichtig sind für sie 

die Begegnungen mit Adriana Hölszky, Luigi Nono und mit 

dem Spektralisten Tristan Murail, mit dem sie 1993/94 in Paris 

am IRCAM intensiv arbeitete. 1994 war sie bei der Biennale 

in München und bei den Internationalen Ferienkursen für 

Neue Musik in Darmstadt erfolgreich, 1998 galten ihr zwei 

Porträtkonzerte bei den Salzburger Festspielen, 1999 fand 

bei den Wiener Festwochen die viel beachtete Uraufführung 

ihrer ersten abendfüllenden Oper „Bählamms Fest“ statt, 

für die sie den Ernst-Krenek-Preis bekam. 2002 wirkte 

sie als „Composer in residence“ in Luzern, im selben Jahr 

wurde im Rahmen des Festivals „steirischer herbst“ in 

ihrer Heimatstadt Graz das Musiktheater „Lost Highway“, 

wieder in Zusammenarbeit mit der prominenten Autorin 

Elfriede Jelinek entstanden, uraufgeführt. 2012 erschien die 

Oper „The Outcast“ am Mannheimer Nationaltheater. Das 

Orchesterwerk „Masaot/Clocks without hands“ wurde 2015 

von den Wiener Philharmonikern unter Daniel Harding in 

der Kölner Philharmonie uraufgeführt. Derzeit arbeitet sie 

an einem Auftragswerk für die Wiener Staatsoper („Orlando“ 

nach Virginia Woolf). Das sind nur die wichtigsten Stationen 

einer großen Karriere, die längst auch in den Tempeln der so 

genannten „Hochkultur“ stattfindet. 

„Die Musik Olga Neuwirths“, so Stefan Drees im Katalog von 

Wien Modern 2004, „steckt voller Verschiebungen, Brüche, 

Deformationen und assoziativer Bezüge. Ausgangspunkt 

ihrer Arbeiten sind Klang-, Bild- und Sprachmaterialien 

unterschiedlichster Herkunft und Beschaffenheit, die sie 

verbindet, ohne deren jeweilige Eigenschaften einander 

anzugleichen; meist geprägt durch unvorhersehbare 

Formverläufe, in denen sich die Musik wie in einem Prozess 

organischen Wucherns verästelt, erweist sich das Komponierte 

als Abbild dieses heterogenen Ausgangsmaterials. Hinzu tritt 

ein wachsames Interesse an Literatur, Philosophie, bildender 

Kunst und Film, dessen Spuren sich bis in die Musik hinein 

verfolgen lassen, und das sich in den Werktiteln häufig zu 

einer knapp gefassten Chiffre für das musikalische Geschehen 

selbst kristallisiert. (…) Eine weitere Dimension gewinnt Olga 

Neuwirths Musik durch die anspielungsreiche Aneignung 

von Vergangenem, durch Verwendung von Zitaten oder 

Allusionen. (…) Von solchen Bezügen ist auch der Rückgriff

auf Arrangements des 1983 verstorbenen exzentrischen 

Falsett-Popsängers Klaus Nomi geprägt: Olga 

Neuwirths Zugriff auf die Originale – in sich meist bereits 

eigenwillige Verschnitte mehr oder weniger bekannter 

Musiknummern – ist ein differenzierter Akt der Re- 

Komposition, der dem Vorgang des Kopierens einer 

schon kopierten Vorlage gleicht. (…) Das Katastrophische 

– das zufällige Umkippen ins Unvorhersehbare mit all 

seinen Konsequenzen – ist eine Grundstimmung, die 

sich als roter Faden durch diese Musik zieht.“ 

Die Komponistin liebt den veränderlichen, amorphen 

Klang, dessen Inneres und Äußeres ständig in 

Bewegung ist. Ihr Oeuvre reicht mittlerweile vom 

Solostück bis zur Oper. Dem Klavier, für Olga Neuwirth 

das Musikinstrument der bürgerlichen Bildungskultur 

und der temperierten Stimmung par excellence, galt 

lange Zeit nur am Rande ihr Interesse. Das Stück 

„incidendo/fluido“ für Klavier und Zuspiel-CD ist ihr 

erstes solistisches Werk dafür und wurde am 1. April 

2000 in Wien aus der Taufe gehoben. Manipulationen 

mit Schaumstoff im Flügel sorgen für mikrotonale 

Veränderungen der Tonhöhen. Über einen im Innenraum 

platzierten CD-Player werden Klänge des von Messiaen 

so gerne verwendeten elektronischen Instruments 

Ondes Martenot eingespielt. Das ergibt spannende 

Dialoge mit dem Pianisten – Überschneidungen, 

Ergänzungen, Kommentare und Vermischungen. 

Rund um dieses Werk gruppiert Marino Formenti weitere 

Stücke Olga Neuwirths, Lieder für die Pop-Countertenor- 

Legende Klaus Nomi und das Klavierstück „Trurl-Tichy- 

Tinkle“ (2016), sowie Musik von den Barockmeistern 

Henry Purcell – in doppeltem Arrangement - und Jean- 

Henri d’Anglelbert, die geheimnisvolle „Ungarische 

Melodie“ Franz Schuberts und eine der Gymnopedien 

Erik Saties, allesamt Visionäre der Musikgeschichte, 

kostbare Miniaturen der modernen Klassiker John 

Cage, György Ligeti und Helmut Lachenmann, das 

stimmungsvolle, dem Andenken Olivier Messiaens 

gewidmete Glockenstück des Zeitgenossen Tristan 

Murail und einen Hit der stilbildenden Rockgruppe „Pink 

Floyd“. 

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Marino Formenti ©Gyula Fodor

LCO String Quartet ©BruceAtherton

Donnerstag, 26. April 19.30 republic 

III | Different Trains 

London Contemprorary Orchestra (LCO) – String Quartett 

Videoinstallation von Beatriz Caravaggio 

Galya Bisengalieva, Violine 

Rakhi Singh, Violine 

Robert Ames, Viola 

Oliver Coates, Violoncello 

Mica LEVI 

Jonny GREENWOOD 

CHAINES I 

Edmund FINNIS 

Steve REICH 

Signal Before War - solo violin 

Prospector’s Quartet (from There Will Be Blood) - string quartet 

Found This - solo cello and electronics 

Colour Field Painting - sound projection 

Different Trains - string quartet and tape 

19 

„Since we live in a time when many people want a visual accompaniment for music - even at concerts - several people 

have created videos to accompany my piece Different Trains. To be honest, most of them I haven‘t even seen, and those I 

have are generally just a distraction from listening to the music. The one exception is the brilliant multi-channel video by 

Beatriz Caravaggio which really works as something to watch on its own and as a way to intensify listening to Different 

Trains. She has taken documentary footage and through multi-channel placement and fine editing, made a thoughtful and 

moving piece. Bravo, Beatriz!”. Steve Reich, 2017. 

Video Different Trains directed and edited by Beatriz Caravaggio 

Produced by Fundación BBVA and ArsVideo Producciones

20 

Steve Reich ©Jeffrey Herman 

Steve Reich wuchs als Sohn aus Deutschland vertriebener 

jüdischer Eltern in New York auf, studierte zunächst 

Philosophie und dann Komposition, unter anderem bei 

Luciano Berio und Darius Milhaud. Nicht nur in New York, 

sondern auch in Ghana, wo er das afrikanische Trommeln 

lernte, in Kalifornien, wo es spezielle Gamelan-Lehrgänge 

gibt, und in Jerusalem, wo er hebräische Musik studierte, fand 

seine musikalische Sozialisation statt. Der Begriff „Minimal 

Music“ - erst in den späten 70er-Jahren von Michael Nyman 

geprägt - trifft Reichs Musik nur unzureichend. Denn Reich 

ignorierte die Errungenschaften der Schönberg-Schule nicht, 

er integrierte sie in einen Kosmos, der die Tradition Amerikas, 

besonders des Jazz, ebenso enthält wie die Berufung auf 

tonale Zentren und die Besinnung auf den großen Zauber 

der Wiederholung, welcher der Musik nach 1945 meist völlig 

abhanden gekommen ist. „Music as a gradual process“, 

Musik als allmähliches, stetig und gleichsam natürlich 

fortschreitendes Klangereignis, dies ist Reichs Credo. 

Mitte der 80er-Jahre erhielt Reich vom Kronos Quartett den 

Auftrag für ein neues Werk. Seine erste Idee war es, ein Stück 

für Streichquartett mit Stimme zu schreiben, zum Beispiel 

mit der Stimme Béla Bartóks oder Ludwig Wittgensteins. 

Doch dann kam ihm seine eigene Geschichte in den Sinn. 

Als Kind war er oft zwischen New York und Los Angeles im 

Zug unterwegs gewesen, um seine Eltern, die sich getrennt 

hatten, zu sehen: „Ich begann mich zu fragen“, so der 

Komponist, „wann habe ich das gemacht? Und: Was war los 

in dieser Zeit? Nun, das war 1939, 1940, 1941, und ich fragte 

mich, was mit den kleinen jüdischen Jungen los war zu der 

Zeit, die so alt waren wie ich und in Zügen aus Rotterdam 

oder Brüssel oder Budapest saßen und nach Polen gebracht 

wurden und nie zurückkamen.“ Er hätte ja selbst als jüdischer 

Junge in diesen Waggons sitzen können, wären seine Eltern in 

Europa geblieben. In der Partitur von „Different Trains“ (1988) 

verwendete Reich nicht nur die Geräusche und Rhythmen der 

Züge, sondern auch die Sprache und den Sprachrhythmus 

interviewter Menschen. Auf dem Tonband sind Aufnahmen 

seines Kindermädchens Viriginia, eines ehemaligen Pullmann- 

Schaffners, der die Strecke Los Angeles - New York unzählige 

Male befahren hatte, und die Stimmen von drei Kindern, die 

den Holocaust überlebt hatten und nach Amerika gekommen 

waren. Schließlich fügte Reich noch Eisenbahngeräusche aus 

den 30er- und 40er Jahren ein. So entstand ein Werk, das 

Zeitgeschichte des 20. Jahrhunderts in Musik einbindet, ja 

verwandelt, eine Komposition, die musikalische Strukturen 

aus Geräuschen und gesprochenem Wort gewinnt. Steve Reich 

sieht das Dokumentarische ganz eng mit dem Musikalischen 

verknüpft, und er ist überzeugt, dass das Stück vor allem 

deshalb funktioniert. Eine Interpretation des Holocaust wolle 

er nicht geben. 

Die spanische Dokumentarfilmerin, Videokünstlerin und 

Fotografin Beatriz Caravaggio schuf zu Reichs 60. Geburtstag 

2016 eine Videoinstallation zu „Different Trains“. Die Künstlerin 

montierte Archivbilder in beeindruckender Weise – idyllisch 

wirkende Landschaften, bedrohliche Züge, Vernichtungslager, 

die Reisen der Überlebenden nach Amerika, den Neubeginn 

vor Wolkenkratzern. Das Bild ist dreigeteilt und unterliegt einer 

dynamischen Verwandlung, ergibt also eine Art Triptychon. Die 

vor Reichs Werk gespielte Musik stammt von Jonny Greenwood 

(*1971 in Oxford, England), der Filmkomponist und Mitglied 

der Rockband Radiohead ist, von dem in derselben Stadt 1984 

geborenen, in London lebenden Komponisten Edmund Finnis 

und von der englischen Bandleaderin und Komponistin Mica 

Levi (*1987), die 2014 für ihre Filmmusik zu „Under the Skin“ 

den Europäischen Filmpreis gewann. Hinter CHAINES verbirgt 

sich die britische Performerin und Komponistin Caroline 

Haines, die beim Filmkomponisten Hans Zimmer studiert hat. 

Bildmaterial aus „Different Trains“ von Beatriz Caravaggio

21

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œnm . österreichisches ensemble für neue musik ©Markus Sepperer

Donnerstag, 26. April 21.30 Kavernen 1595 

IV | Au Poisson Rouge 


Michaela Girardi, Violine 

Jutas Javorka, Viola 

Peter Sigl, Violoncello 

Vera Klug, Flöte 

Andreas Schablas, Klarinette 

Nora Skuta, Klavier 

Arabella Hirner, Schlagzeug 

Katharina Teufel-Lieli, Harfe 

Alexandra Karastoyanova-Hermentin (*1968) 

Roberto David Rusconi (*1976) 

Peter Jakober (*1977) 

Julia Purgina (*1980) 

Polynj (UA) 

„…in memoriam Gesualdo da Venosa“ 

Ungleich (UA) 

un coup de libellules (UA) 

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24 

Alexandra Karastayonova ©Ursula Röck 

Alexandra Karastoyanova-Hermentin, geboren in Moskau, 

ist eine österreichische Komponistin und Pianistin. Die 

Komponistin über ihre Musik: „Die Charakteristik meiner Musik 

wird bestimmt durch eine stilistische Vielfalt, die einerseits 

geprägt ist von Rückbezügen auf Musik der Vergangenheit und 

gleichzeitig Elemente aus traditionellen Musikkulturen aufweist, 

beides in der Musiksprache der Gegenwart vereint. Bei allen 

inhaltlichen und strukturellen Aspekten steht die emotionale 

Wahrnehmung und Wirkung im Vordergrund.“ Ihr neues Stück 

„Polynj“ (Полынь) für Violoncello und Klavier besteht aus drei 

längeren Teilen und einem kurzen vierten Abschnitt. Der Titel 

lässt polyphone Assoziationen offen – „Polynj“ bedeutet aber 

auch „Wermutkraut, wilder Wermut“. 

2007 fand die Uraufführung ihres Violinkonzertes „Mahagony“ 

mit David Bowlin in der Carnegie Hall statt. An der Entstehung 

dieses Werkes arbeitete sie während ihres Aufenthaltes als 

Aaron Copland - Stipendiatin in der MacDowell Colony / USA. 

2009 wurde ihr Werk „Kastena“ im Rahmen der Chamber 

Series des Chicago Symphony Orchestra aufgeführt. Weitere 

Aufführungen ihrer Werke erfolgten im Musikverein, Wiener 

Konzerthaus, Merkin Hall New York, ACFNY, Chicago Cultural 

Center, Parliament of Canada, Nordic House/Faröer, Megaron 

Athene, Flagey, State Opera Donetsk, Manaus, Komitas Hall 

Yerevan und bei Festivals wie: Aspekte Salzburg, Klangspuren, 

Kiev-MusicFest, Sound ways / St.Petersburg. Zu Interpreten 

ihrer Musik zählen Johannes Kalitzke, David Fulmer, Oswald 

Sallaberger, Hayk Melikyan, René Staar, Simeon Pironkoff, 

Artem Nyzhnyk, Per Rundberg, Alexander Janiczek, Orchester 

und Ensembles wie: RSO Wien, Symphonieorchester 

Vorarlberg, ICE, œnm, Ensemble PHACE, Pazardjik Symphony 

Orchestra, Zaporozhye Symphony Orchestra, Wiener Collage, 

die Reihe. Die Komponistin erhielt Kompositionsaufträge 

u.a. vom folgenden Institutionen: Wiener Konzerthaus, ORF, 

Aspekte Salzburg, Ernst von Siemens Musikstiftung, PHACE, 

WDR, œnm, stART Festival, Salzburger Landesregierung. Für 

„Elimo“, ein Auftragswerk des Aspekte Festivals (Premiere mit 

œnm unter Johannes Kalitzke) wurde ihr 2013 der Staatspreis 

„Outstanding Artist Award Musik” des BMUKK verliehen. 

Weitere Preise: Staatsstipendium für Komposition (2001, 2006, 

2010), Förderungspreis der Stadt Wien, A. Copland Fellowship/ 

USA, Wiener Symphoniker Stipendium, Theodor-Körner Preis, 

Winner of the Composers Project-ICE, Jahresstipendium 

Salzburg u.a. Alexandra Karastoyanova-Hermentin studierte 

Komposition bei Boguslaw Schaffer und Klavier bei Alfons 

Kontarsky, Dimo Dimov und Boyan Vodenitcharov am 

Mozarteum Salzburg, an der Musikakademie in Sofia und am 

Musik College Ippolitov-Ivanov in Moskau. 

Roberto David Rusconi stammt aus einer Musikerfamilie 

im schweizerischen Tessin, ist Professor für Komposition 

am Konservatorium von Padua und hat seinen Wohnsitz 

in London. Seine sehr stark von poetischen Inhalten und 

melodischer Inspiration geprägten Werke werden international 

aufgeführt, so auch bei Wien modern, der Biennale di Venezia 

oder Ultraschall Berlin. Rusconi schreibt neben Orchester- und 

Ensemblestücken auch für Film und Fernsehen und liebt die 

Verbindungen zu anderen Künsten. 

Don Carlo Gesualdo, Principe di Venosa (1560/66-1613) ist 

der berühmteste Mörder der Musikgeschichte. Der Neffe des 

heiligen Kardinals von Mailand, Carlo Borromeo, erwischte seine 

Frau Maria d’Avalos in flagranti und tötete sie, deren Liebhaber 

und deren kleine Tochter von zweifelhafter Vaterschaft. Als 

Adeliger stand er über der Gerichtsbarkeit. Familiärer Rache 

entzog er sich durch Flucht. Die Legende, Gesualdo habe sein 

ferneres Leben damit zugebracht, von tiefer Trauer erfüllte 

Madrigale zu komponieren, basiert auf einer sehr romantischen 

Sichtweise. Gesualdo heiratete nämlich ein zweites Mal, sogar 

eine Prinzessin d’Este – und gerade in seiner Zeit am Hof zu 

Ferrara um 1594 entstand ein Großteil seiner Kompositionen. 

Sein Lebensabend war freilich von Depressionen erfüllt, woran 

der frühe Tod seiner Tochter aus zweiter Ehe ebenso Anteil

hatte wie die Last eines maßlosen Lebens, die er zu 

tragen hatte. Als Komponist steht Gesualdo zwischen 

der Vokalpolyphonie der Renaissance und dem frühen 

Barock. Kühne Stimmführung, jähe Tonartwechsel und 

expressive Textdeutung machen verständlich, dass er 

im 20.Jahrhundert vor allem von Strawinsky zu einem 

„Urvater“ der Moderne stilisiert wurde. Roberto David 

Rusconi findet in seinem Stück „…in memoriam“ zu 

eigener Klanglichkeit. 

Julia Purgina ©Maria Frodl 

Der Steirer Peter Jakober, Schüler von Georg Friedrich 

Haas und Gerd Kühr, lebt nach Studienaufenthalten in 

Rotterdam und Köln nun in Wien. Seine Stücke erlebten 

u.a. Uraufführungen bei den Klangspuren Schwaz, im 

Musikprotokoll des Steirischen Herbstes, in Köln, bei Maerz 

Musik Berlin und beim Ultima Festival in Norwegen. Sein 

neues Stück „flimmernd“ für Klarinette und Klaviertrio 

ist ein Auftragswerk der Aspekte. Peter Jakober schreibt 

mikrotonal, fühlt sich aber auch durch die moderne DJ- 

Kultur angeregt, insbesondere durch deren rhythmische 

Überlagerungen. Wichtig ist für ihn keine Stilrichtung, 

sondern einfach Musik zu komponieren, die ihm selbst 

zusagt. 

Zum Stück „Ungleich“ für Flöte, Harfe und Viola schreibt 

der Komponist: „Unterschiedliche Temposchichten werden 

nebeneinander geführt. Den Instrumentalistinnen und 

Instrumentalisten werden über Ohrhörer verschieden 

schnelle Clicks zugespielt. Gleichzeitige Aktionen zweier 

Instrumente gehen in Phasenverschiebungen über. Dabei 

spielt ein Instrument ein leichtes Accelerando, wohingegen 

das zweite auf dem Anfangstempo bleibt. Das erreichte 

Tempo des ‚accels’ ist das exakte Tempo des dritten 

Instruments. Es entsteht so eine erneute Gleichzeitigkeit, 

die wiederum durch ein neues Accelerando zerbricht. Das 

zeitlich gestaltete Spiel, wird auf die Tonhöhenkonstellation 

übertragen, indem Mikrointervalle durch Glissandi zu 

Einklängen geführt werden. Nach einer Verdichtung kommt 

es plötzlich zu einem leisen, zarten Klanggeschehen: Ein 

quasi lang nicht endend wollender Nachhall. ‚Ungleich’ 

ist der Versuch von Annäherung und das Bild einer nicht 

bleibenden Gemeinsamkeit.“ 

Julia Purgina, geboren im bayerischen Straubing, 

erlernte zunächst das Spiel auf der Bratsche und 

absolvierte zwei Kompositionsstudien mit Auszeichnung, 

bei Chaya Czernowin und Erich Urbanner. Von 2004 bis 

2007 war sie Bratschistin beim Radiosinfonieorchester 

Wien. 2004 gründete sie mit anderen jungen Komponisten 

das „ensemble LUX“ und spielt beim „ensemble 

reconsil“ sowie bei „Studio Dan“. Derzeit lebt sie als 

freischaffende, bereits vielfach preisgekrönte Künstlerin 

in Wien. Aufführungen ihrer Werke fanden u.a. in 

Österreich, Slowenien, Bulgarien, Finnland, der Slowakei, 

Deutschland und Estland statt. 

„Un coup des libellules“, so die Komponistin, „entstand 

zu Beginn des Jahres 2018 unmittelbar nach der Arbeit 

an einem Orchesterwerk, ‚Vortex peccatorum’, das sehr 

dichte Momente hat und durch die Klangmasse auch eine 

physische Kraft vermittelt. In ‚un coup des libellules’, 

das vom oenm beauftragt wurde, werden im Gegensatz 

dazu die fragilen Klangwelten dieser ungewöhnlichen 

kammermusikalischen Kombination - Flöte, Perkussion, 

Klavier, Harfe, Violine, Viola und Violoncello - ausgelotet, 

was nach der Arbeit an einem Orchesterwerk auch als 

befreiend wahrgenommen wird. Dynamische Ausbrüche 

in ‚un coup des libellules’ erinnern dabei im Vergleich 

mehr an einen Insektenschwarm.“ 

25

26 

Herbert Grassl

Freitag, 27. April 19.30, Universität Mozarteum, Solitär 

V | Im Portrait: Herbert Grassl 


Ensemble der Internationalen Paul Hofhaymer Gesellschaft 

Anna Elisabeth Hempel, Sopran 

Bernadette Furch, Alt 

Musikalische Leitung: Adrian Sit & Oscar Jockel 

Herbert Grassl (*1948) 

Manuela Kerer (*1980) 

Anton Webern (1883-1945) 

Herbert Grassl 

Aus „La simila pintura…“ für 5 Vokalstimmen, Akkordeon 

und zwei Schlagwerker (2008) 

„Ben m’è venuto prima cordoglienza“ 

Text von Jacopo da Lentini 

Air des souffleuses für Flöte und Klarinette 

Zwei Lieder op. 8 nach Gedichten von Rainer Maria Rilke 

(1911/12) 

Du, der ichs nicht sage 

Du machst mich allein 

Drei Lieder nach Texten von Rainer Maria Rilke 

„Wie soll ich meine Seele halten…?“ (2012) 

„Ja, ich sehne mich nach Dir…“ (UA) 

„Wie hab ich das gefühlt, was Abschied heißt“ (UA) 

Spielräume für Flügelhorn und Echostimmen (2010) 

Aus „La simila pintura…“ (2008) 

„Maraviglosamente“ 

Text von Jacopo da Lentini 

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Andor Losonczy (1932-2018) Klavierstück 1969 

Herbert Grassl 5 incontri für Akkordeon und Streichquartett (1995)

28 

Herbert Grassl, geboren 1948 in Laas in Südtirol, zählt zu den 

bedeutenden österreichischen Komponisten der Gegenwart. 

Grassl studierte nach Anfängen als Trompeter in der 

Musikkapelle seines Vinschgauer Heimatortes Musikerziehung 

und Chorleitung am Salzburger Mozarteum sowie ebendort 

Komposition bei Cesar Bresgen und postgradual bei Irmfried 

Radauer und Boguslaw Schaeffer. Zweimal erhielt er das 

Österreichische Staatsstipendium. Von 1988 bis 1997 leitete 

er das Österreichische Ensemble für Neue Musik (œnm) und 

dirigierte eine Vielzahl von Konzerten. Er lebt und arbeitet 

seit Jahrzehnten in Salzburg, unter anderem als Professor an 

der Universität Mozarteum. Zu Grassls Werken gehören u.a. 

die Opern „Pygmalion“ und „Sheherazade“, aufgeführt in den 

Opernhäusern von Kairo und Alexandria mit dem oenm, die 2013 

beim Mattseer Diabelli Sommer uraufgeführte Kirchenoper 

„Harisliz – die Fahnenflucht Tassilos“, neun Orchesterwerke 

(für RSO Wien, Mozarteumorchester Salzburg, Haydnorchester 

Bozen Trient, Danziger Sinfonieorchester, Orchester des 

Saarländischen Rundfunks, Tiroler Sinfonieorchester) und 

eine Reihe von Werken mit geistlichem Inhalt. Grassl verfasste 

auch eine große Anzahl von Werken für Kammermusik, 

Bläserensembles, Sologesang und Soloinstrumente. 1977 bis 

1988 war er Mitorganisator des von Klaus Ager gegründeten 

Festivals für Neue Musik „Aspekte Salzburg“. Mit dem bildenden 

Künstler Otto Beck entwickelte er 1991 die „Klangmobile“, mit 

denen öffentliche Plätze von Salzburg bis Seoul (Weltmusiktage 

1997) bespielt wurden. Herbert Grassl war von 2008 bis 2018 

Leiter der Internationalen Paul-Hofhaymer-Gesellschaft 

Salzburg. Im Jahr 2010 erhielt er den Großen Kunstpreis für 

Musik des Landes Salzburg. 

Der Liederzyklus „La simila pintura...“, aus dem diesmal der 

erste und der letzte Gesang erklingen, wurde am 30. August 

2008 in der romanischen Markuskirche in Laas uraufgeführt. 

Der Großteil der Texte stammt von Jacopo da Lentini (geboren 

um 1210 im sizilianischen Lentini, gestorben um 1260). 

Lentini, der sich als „Notaro“ bezeichnete, wirkte am Hof 

des selbst als Künstler und Wissenschaftler tätigen Kaisers 

Friedrich II. in Palermo, gilt als der Erfinder des Sonetts und 

als wesentlichster Vertrete des „Sizilianischen Dichterschule“. 

Dante erwähnte ihn wohlwollend in seiner „Göttlichen 

Komödie“. Die altitalienischen Dichtungen Lentinis wirken 

in ihrer Expressivität und sprachlichen Schönheit zeitlos. 

Leider existieren davon keine deutschen Übersetzungen. 

Die Kunst der Reime findet ihr Spiegelbild in der kompakten 

und bildkräftigen Vertonung Herbert Grassls, die ganz dem 

Dichterwort dient und die Verse zu innerem Leuten bringt. Der 

Gesang steht im Zentrum, die Instrumente fügen suggestive 

Akzente dazu. Beide Texte sind Liebeslieder. Das erste 

thematisiert Liebesleid und steckt voll poetischer Vergleiche. 

In „Maraviglosamente“ (etwa: das Wunderbare) wird das 

lyrische Ich von einer Liebe gleichsam zerrissen. Die Geliebte 

ist ein fernes Bild wie Dantes Beatrice. Der Liebende macht 

sich ein Bild von ihr, eine „simila pintura“ – eine „ähnliche 

Malerei“. 

Die in Brixen geborene Manuela Kerer hat in Innsbruck nicht 

nur Komposition und Violine, sondern auch Jus und Psychologie 

studiert. Sie schreibt Orchester- und Kammermusik, 

beschäftigt sich mit spartenübergreifendem Musiktheater 

und arbeitet gerne mit Kindern und Jugendlichen. Manuela 

Kerer ist bei den großen Festivals Neuer Musik in ganz Europa 

erfolgreich. Daneben ist sie Kolumnistin der Tageszeitung 

„Dolomiten“ und moderiert eine eigene Sendereihe für 

zeitgenössische Musik im RAI--Sender Südtirol. 

Manuela Kerer erzählt in einem Interview mit Kunigunde 

Weissenegger, wie sie komponiert: 

„Das Komponieren verläuft bei mir in verschiedenen Phasen 

ab. Da gibt es zunächst eine Idee. In meinem Terminkalender, 

der ganz altmodisch analog, also ein Büchlein ist, gibt es einige 

Seiten, wo ich Ideen für Stücke notiere. Der Terminkalender 

deswegen, weil ich den immer bei mir habe und Ideen auch 

im Zug oder in fremden Städten kommen können. Dazu habe 

ich auch einen Notenlinien-Stift, der gleichzeitig fünf Linien 

zeichnet, also ein Notensystem. Wenn die Idee auch nach ein 

paar Mal drüber schlafen gut genug ist, wird sie zu einem 

Konzept und einer Skizze und dann in mehreren Schritten 

ausgearbeitet. Ich arbeite am Schreibtisch mit Bleistift und 

Notenpapier. Ich liebe den Geruch, den mein Radiergummi 

hat, wenn ich etwas radiert habe.“ So entstand also auch das 

Stück für Flöte und Klarinette. „air de souffleuses“, was so viel 

wie Gebläseluft bedeutet. Musikalischer Humor ist Manuela 

Kerer gar nicht fremd.

Die Streicher, Horn und Trompete spielen mit Dämpfern, 

alle Instrumente steuern solistische, kurze motivische 

Splitter bei. 

Rainer Maria Rilke (1875 – 1926) 

Lied aus den „Aufzeichnungen des Malte Laurids 

Brigge“ (1910) 

Du, der ichs nicht sage, dass ich bei Nacht 

weinend liege, 

deren Wesen mich müde macht 

wie eine Wiege. 

Du, die mir nicht sagt, wenn sie wacht 

meinetwillen: 

wie, wenn wir diese Pracht 

ohne zu stillen 

in uns ertrügen? 

- - - - - 

Sieh dir die Liebenden an, 

wenn erst das Bekennen begann, 

wie bald sie lügen. 

- - - - - 

Du machst mich allein. Dich einzig kann ich vertauschen. 

Eine Weile bist dus, dann wieder ist es das Rauschen, 

oder es ist ein Duft ohne Rest. 

Ach, in den Armen hab ich sie alle verloren, 

du nur, du wirst immer wieder geboren: 

weil ich niemals dich anhielt, halt ich dich fest. 

29 

Anton Weberns Rilke-Lieder op. 8 - im Roman 

„Aufzeichnungen des Malte Laurids Brigge“ von 1910 ist 

es ein einziges Lied – werden von acht Soloinstrumenten 

begleitet: Klarinette, Horn, Trompete, Celesta, Harfe, 

Geige, Bratsche und Cello, eine damals noch höchst 

ungewöhnliche Besetzung, welche nach Schönbergs 1. 

Kammersymphonie den Ensemble-Begriff der Moderne 

mitbegründete. Die Singstimme ist in melodischem 

Legato geführt, welches ornamental behandelt wird; 

Bekenntnisse einer Liebe, die nicht nach Erfüllung strebt. 

Herbert Grassls Annäherung an Anton Webern, der 

in den frühen Siebziger Jahren sein „fiktiver Lehrer“ 

gewesen war, wie der Komponist erzählt, „denn 

am Mozarteum wurde zumindest bei einem Teil des 

Ausbildungspersonals die Zweite Wiener Schule noch 

umgangen“, begrenzt sich auf die Kürze des Stückes und 

die Auswahl des Dichters. 

„Das hat nichts mit meiner Wertschätzung des 

Komponisten Webern zu tun, der die beiden Rilke- 

Gedichte vor über hundert Jahren verfasst hat. Aber 

gerade diese Werke - noch weit vor der Beschäftigung 

mit der Dodekaphonie entstanden - sind auch heute 

noch Maßstab für moderne Klangentwicklung und

30 

die Prägnanz der formalen Struktur. Die Liebeslieder von 

Rainer Maria Rilke beinhalten einen starken Bezug zur Musik: 

schwingen, anrühren, Bogenstrich, Saiten, Musikinstrument - 

und zuletzt der Geiger. Das war für mich aber nicht der Grund 

für die Auswahl dieser Texte. Es geht hier weniger um die 

Musik, sondern um eine ‚physikalische’ Seelendarstellung, 

die als komplexes Beiwerk zum Beispiel des ‚süßen Liedes’ 

auch Angstgefühle zum Ausdruck bringt. Angst vor Bindung 

- Saiten, auf das Instrument gespannt; Angst vor Verlust von 

Kontrolle – ‚und welcher Geiger hat uns in der Hand’ heißt es 

im Text; oder sogar Todessehnsucht? - ‚an einer fremden, 

stillen Stelle die nicht weiter schwingt’. Aber das „süße Lied“ 

ist stärker...“ Das erste Lied entstand bereits 2012 für die 

Aspekte; nun hat Grassl zwei weitere Rilke-Texte vertont und 

damit eine atmosphärische Trilogie geschaffen. Die Besetzung 

gleicht der Weberns, doch setzt Grassl statt der Sopran- eine 

Altstimme ein. 

Rainer Maria Rilke (1875-1926) 

Liebes-Lied (Aus: Neue Gedichte, 1907) 

Wie soll ich meine Seele halten, 

dass sie nicht an deine rührt? Wie soll ich sie 

hinheben über dich zu andern Dingen? 

Ach gerne möcht ich sie bei irgendwas 

Verlorenem im Dunkel unterbringen 

an einer fremden stillen Stelle, 

die nicht weiterschwingt, wenn deine Tiefen schwingen. 

Doch alles, was uns anrührt, dich und mich, 

nimmt uns zusammen wie ein Bogenstrich, 

der aus zwei Saiten eine Stimme zieht. 

Auf welches Instrument sind wir gespannt? 

Und welcher Geiger hat uns in der Hand? 

O süßes Lied. 

Der Liebende (Aus: Das Buch der Bilder, 1902) 

Ja ich sehne mich nach dir. Ich gleite 

mich verlierend selbst mir aus der Hand, 

ohne Hoffnung, daß ich Das bestreite, 

was zu mir kommt wie aus deiner Seite 

ernst und unbeirrt und unverwandt. 

... jene Zeiten: O wie war ich Eines, 

nichts was rief und nichts was mich verriet; 

meine Stille war wie eines Steines, 

über den der Bach sein Murmeln zieht. 

Aber jetzt in diesen Frühlingswochen 

hat mich etwas langsam abgebrochen 

von dem unbewußten dunkeln Jahr. 

Etwas hat mein armes warmes Leben 

irgendeinem in die Hand gegeben, 

der nicht weiß was ich noch gestern war. 

Abschied (1906) 

Wie hab ich das gefühlt, was Abschied heißt. 

Wie weiß ich‘s noch: ein dunkles unverwundnes 

Grausames Etwas, das ein Schönverbundnes 

Noch einmal zeigt und hinhält und zerreißt. 

Wie war ich ohne Wehr, dem zuzuschauen, 

Das, da es mich, mich rufend, gehen ließ, 

Zurückblieb, so als wären‘s alle Frauen 

Und dennoch klein und weiß und nichts als dies: 

Ein Winken, schon nicht mehr auf mich bezogen, 

Ein leise Weiterwinkendes -, schon kaum 

Erklärbar mehr: vielleicht ein Pflaumenbaum, 

Von dem ein Kuckuck hastig abgeflogen. 

Schon kehrt der Saft aus jener Allgemeinheit, 

Die dunkel in den Wurzeln sich erneut, 

Zurück ans Licht und speist die grüne Reinheit, 

Die unter Rinden noch die Winde scheut.

Die Innenseite der Natur belebt sich, 

Verheimlichend ein neues Freuet euch; 

Und eines ganzen Jahres Jugend hebt sich, 

Unkenntlich noch, ins starrende Gesträuch. 

Des alten Nußbaums rühmliche Gestaltung 

Füllt sich mit Zukunft, außen grau und kühl; 

Doch junges Buschwerk zittert vor Verhaltung 

Unter der kleinen Vögel Vorgefühl. 

Herbert Grassls „Spielräume“ für Flügelhorn und 

Echo wurden 2001 für ein Projekt der IG Komponisten 

anlässlich der Eröffnung einer neuen Siemens- 

Niederlassung in Salzburg geschrieben. Das vor allem 

in der Volksmusik beheimatete, aber zum Beispiel auch 

von Gustav Mahler und Igor Strawinsky eingesetzte 

Instrument aus der Trompetenfamilie wird in seiner 

eigenartigen Klangfarbe und in seiner Wirkung zwischen 

melodischen Passagen, Signaleffekten und Virtuosität 

gleichsam vorgestellt. Das feine Echo darauf ist in 

der Urfassung der Flöte anvertraut. Sava Stoyanov, 

Trompeter des „Ensemble Modern“, spielt es gerne 

in aller Welt und in verschiedenen Besetzungen. Für 

ihn hat Grassl bereits Echo-Versionen für Kontrabass, 

Blechbläserquartett, Bassettflöte und sogar Orgel 

verfasst. 

Der Komponist Andor Losonczy, gebürtiger Ungar 

und ein begnadeter Pianist, hatte jahrzehntelang den 

Lebensmittelpunkt in Salzburg. 2005 erhielt er den 

Großen Kunstpreis des Landes. Er war einer der großen 

Stillen im Lande. Dabei hat er unter anderem in seiner 

Heimat den Franz-Liszt-Preis und 1960 in Deutschland 

den Kranichsteiner Musikpreis erhalten, war ab 1960 

Dozent am Mozarteum und von 1986 bis 1998 ebendort 

Professor. Sein Oeuvre vom Solo- bis zum Orchesterstück 

verbindet Expressivität mit Klangsinn und harrt zum 

Großteil noch der Aufarbeitung. Losonczys Vorbilder 

waren „einfach alle Großen der Vergangenheit“. 

Herbert Grassls „5 incontri“ war im Frühjahr 1995 ein 

Auftragswerk des œnm und wurde von diesem mit Alfred 

Melichar am Akkordeon uraufgeführt. „Es geht um 

Begegnungen zweier, vom Klangcharakter ebenso wie 

von der musikgeschichtlichen und musiksoziologischen 

Entwicklung her, völlig divergente Klangkörper“, schreibt 

der Komponist. „Dabei gibt es zwischen Akkordeon 

und Streichquartett unvermutet auch erstaunliche 

Parallelen“ wie in der „direkten manuellen Beeinflussung 

der Klangdynamik“. Erstaunlich ist auch „die klangliche 

Mischung, die ja in der Volks- und Unterhaltungsmusik 

vieler Länder seit langem praktiziert wird.“ Die technische 

Entwicklung des Akkordeons bietet zudem auch 

ungeahnte Möglichkeiten. In den „5 incontri“ (Treffen) 

geht es um „wechselhafte Zustände der Dichte und 

Auflockerung, der Starre und Dynamik, der Bewegung 

und des Stillstands, sowie das dichte Verzahnen der 

Klänge.“ 

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Herbert Grassl

Andreas Bachmair 

Eduard Wernisch 

Karim Zech 

Kiron Atom Telian 

Magdalena Fürntratt 

Heinrich Fuhrmann

Samstag, 28. April, 13:30 Uhr, Kavernen 1595 

JUGEND KOMPONIERT FINALE 

Veranstaltet durch den Österreichischen Komponistenbund 

in Kooperation mit Musik der Jugend und Aspekte Salzburg 

Trio 3:0 




Altersgruppe I (10-14 Jahre) 



Karim Zech 

Altersgruppe II (15-18 Jahre) 

Kiron Atom Tellian 

Magdalena Fürntratt 

Heinrich Fuhrmann 

Tom’s Basilisk 

Reise nach Saalbach 

Klaviertrio I 

Klaviertrio I 

Meine Alexa 

The Guerillero 

33 

Jury 

Univ. Prof. i.R. MMag. Gunter Waldek (Komponist, Präsident OÖKB) 

Albin Zaininger (Komponist, Direktor Landesmusikschule Marchtrenk/OÖ) 

Sebastiana Ierna (Komponistin, Pianistin) 

Juryvorsitz: Mag. Richard Graf (Komponist, Präsident INÖK) 

Der Österreichische Komponistenbund (ÖKB) ist die Interessenvertretung in Österreich lebender und wirkender KomponistInnen. 

Wichtigstes Ziel ist die Förderung und Stärkung der gesellschaftlichen, kulturpolitischen und wirtschaftlichen Position der Musikschaffenden 

Österreichs. Der ÖKB ist Initiator von zahlreichen Projekten wie Wettbewerben, Konzertformaten oder Kongressen 

und engagiert sich für die Nachwuchsförderung. Der Wettbewerb „Jugend komponiert“ findet bereits zum 11. Mal statt. 

EINTRITT FREI

34 

Die KomponistInnen 


Ich bin 11 Jahre alt, wohne in Schardenberg (OÖ) und besuche 

die 2. Klasse des Bundesgymnasiums Schärding. Eines meiner 

liebsten Hobbys ist neben Lesen, Schach, Schildkröten, 

natürlich die Musik. Seit meinem 6. Lebensjahr spiele ich 

Saxophon und ich habe seit zwei Jahren Saxophonunterricht 

bei meinem Lehrer Andreas Karl an der Landesmusikschule 

Münzkirchen. Meine vier Schwestern und ich musizieren oft 

gemeinsam auf Saxophon, Querflöte, Harfe, Klavier, Violine 

und Hackbrett. Außerdem darf ich in einer eigenen Band 

und im örtlichen Jugendblasorchester mitspielen. Beim 

Landeswettbewerb „Prima la Musica“ habe ich vor 3 Jahren 

und auch im letzten Jahr teilnehmen dürfen und jeweils einen 

1. Preis auf dem Saxophon erreicht. In meiner Freizeit spiele 

ich auch gerne Keyboard und dabei kommen mir immer 

wieder neue Ideen. Das Erfinden von Melodien, Liedern und 

kleinen Musikstücken interessiert mich schon lange. Beim 

Wettbewerb „Jugend komponiert“, bei dem ich im letzten 

Jahr das erste Mal mitgemacht habe, wurde ich überraschend 

mit dem 1. Preis ausgezeichnet, was mich natürlich sehr zu 

weiteren Kompositionen motiviert hat. Das Komponieren und 

überhaupt das Beschäftigen mit Musik macht mir sehr viel 

Freude! 

Toms Basilisk 

Als begeisterter Leser der spannenden Harry Potter- 

Bücher bin ich auf die Idee gekommen, im Konzertstück den 

Basilisken - einer schrecklichen Mischung aus Schlange, Hahn 

und Drache - in der Kammer des Schreckens zu beschreiben. 

Meine Komposition beginnt mit einem ruhig schreitenden 

und andächtigen Thema und wird vom Violoncello und von 

der Violine gespielt. Es soll das bereits über Jahrhunderte 

andauernde geduldige Warten des Basilisken in der Kammer 

des Schreckens darstellen. Der zweite Teil - aufgeregt und 

flott - wird vom Klavier eingeleitet und schnell kommen die 

anderen Instrumente hinzu. Hier erfährt das schreckliche 

Drachenwesen vom schwarzen Magier Tom Riddle, dass 

Harry Potter - einer seiner größten Feinde - inbrünstig auf der 

Suche nach dieser schrecklichen Kammer ist und auch bald in 

sie vordringen wird. Der Basilisk wartet schon sehnsüchtigst 

und in böser Absicht auf Harrys Ankunft. Der darauf folgende 

gespenstisch erschreckende Teil beschreibt das Rufen des 

Basilisken in der Sprache der Schlangen. Im letzten Teil schafft 

es Harry endlich in die Kammer des Schreckens einzudringen 

um das Ungeheuer mit einem gezielten Stich in den Gaumen 

zu töten. Der fließende aber auch traurige Charakter dieses 

Schlussteiles soll die Erlösung von Harrys Freunden darstellen, 

aber auch die Wehmut über den Verlust des jahrhundertealten 

und zähen Drachenwesens. 



Ich bin 13 Jahre alt. Seit meiner Geburt lebe ich mit meinen 

Eltern und meiner größeren Schwester in Gablitz, einer 

größeren Gemeinde mit viel Wald. Aktuell gehe ich in das 

Bundesrealgymnasium in Purkersdorf in die 3. Klasse und 

mindestens zweimal pro Woche zu unserer Musikschule 

Wienerwald Mitte. Meine Leidenschaften sind drei Dinge: Ich 

mag alles rund um Musik, weiters alle Arten von Radfahren, 

und in der Natur sich auszutoben. All diese Interessen geben 

mir Inspiration und Ideen. Zur Musik verhalf mir sicherlich auf 

jeden Fall meine größere Schwester, die für mich immer schon 

Klavier und Klarinette spielen konnte. 

Ich selbst habe mit den Klavierspielen mit rund 5 Jahren 

bei einer Lehrerin bei uns im Ort begonnen. Wir hatten das 

Glück, dass 2010 bei uns im Nachbarort eine Musikschule 

eröffnet wurde, und so erlernte ich dort das Klavierspielen 

und zusätzlich Marimba und Schlagzeug. Ich kann dort die 

verschiedensten Stücke erlernen und spielen, da mich die 

Lehrer immer tatkräftig unterstützen. Manchmal ist das 

sicher nicht so einfach für die Lehrer. Seit 2 Jahren hilft mir 

hier auch meine Kompositionslehrerin Lada Bauer-Ivanova 

beim Komponieren, was ich gerne tue. In Kompositionen kann 

ich meine Vorstellungen besser interpretieren, vorerst sind es 

meist Erlebnisse und Geschehnisse aus der Natur. Dabei hat 

es meine Lehrerin nicht einfach, denn ich bin dabei sicherlich 

ein Chaot. Auch meiner Schwester mache ich es nicht einfach, 

wenn ich Werke berühmter Komponisten plötzlich eigenartig 

interpretiere und abändere. Ich hoffe, einmal ein Stück mit 

vielen Instrumenten schreiben zu können, das sich aus meinen 

Erlebnissen in allen Jahreszeiten zusammensetzt.

Reise nach Saalbach 

Das Trio beginnt mit einem ruhigen, sonnigen Geigensolo, 

dabei erklingt fröhlich und sorgenlos das Hauptthema 

des Stückes. Danach erzählen Cello und Klavier das 

Thema aus ihrer Sicht. Für den Kontrapunkt verwendet 

man die Elemente vom Thema, die durch einen neu 

entstandenen Achtel-Schritt verändert werden, welche 

die Bewegung der Reise symbolisieren. Die Motive des 

Hauptthemas, die von allen teilnehmenden Instrumenten 

ausgearbeitet werden, reifen durch eine progressive 

Veränderung. Das Thema entwickelt sich ohne die 

Grundzüge zu verlieren. Die rhythmische Bewegung der 

Faktur wird immer dichter, das Thema wird schneller 

und der Klang lauter. Die Verwandlung des Themas 

führt zu einer dramatischen Kulmination, die sich am 

Klavier durch Fortissimo-Akkorde und die folgende 

Pause zeigt. Nach einem kurzen Klavier-Rezitativ setzt 

sich die Bewegung wieder fort. Verzweifelt und zerrissen 

klingen die Elemente dieses Themas in einem Streicher- 

Pizzicato. In diesem Charakter endet das Werk. 


Karim Zech 

Ich, Karim Zech, wurde am 09.12.2004 in Salzburg 

geboren. Seit meinem 6. Lebensjahr habe ich 

Klavierunterricht bei Maria Othonos am Musikum 

Salzburg. Ich habe mehrfach bei Prima la musica 

(Landes-/Bundeswettbewerb) erfolgreich teilgenommen: 

sowohl solistisch, als auch kammermusikalisch und 

als Klavierbegleiter. Derzeit besuche ich die Klasse 

3m des Musischen Gymnasiums Salzburg. Als ich 

dort vor 2 Jahren in einer modernen Oper mitwirkte, 

entstand in mir der Wunsch, selber zu komponieren. 

Seit September 2016 bin ich Kompositionsschüler bei 

Ludwig Nussbichler am Musikum Salzburg. Da ich mich 

auch sehr für Orchesterklänge interessiere, lerne ich seit 

vergangenem September zudem Klarinette bei Robert 

Friedl am Musikum. Ich habe mehrfach an den „Austrian 

masterclasses“ in Zell an der Pram teilgenommen. 

Trio Nr.1 

Als ich die Besetzung Klaviertrio zum ersten Mal las, 

war ich total begeistert. Ich setzte mich sofort hin, und 

fing an zu schreiben. Eine phantastische Besetzung! 

Mein Stück kann man als eine Reise durch verschiedene 

Tonarten beschreiben. Doch das Wichtigste: Chromatik. 

Gleich von Anfang an hört man einen dumpfen Klavier- 

Abgang der Töne. In der Regel lösen sich Leittöne und 

Akkorde immer nach oben hin auf. Doch in meinem Werk 

gehen sie weiterhin nach unten. Es ertönt ein weiterer 

Akkord, welcher sich auflösen sollte, aber es geht immer 

tiefer. Nachdem jeder chromatische Abgang beendet ist, 

folgt immer ein Zwischenteil. Dieser ist mal kurz, mal 

lang, oder spiegelt das Hauptthema wieder. Der Anfang 

des Stückes besteht aus wilden Akkorden, welche in 

Violine und Cello immer unterschiedlich aufgeteilt sind. 

Das Klavier spielt sie im Gesamten. Der folgende Teil 

präsentiert das Hauptthema. Dabei wechseln sich Cello 

und Geige in der Melodie immer ab. Als nächstes kommt 

ein etwas langsamer, melodischer Teil, welcher zuerst 

vom Cello vorgetragen wird. Anschließend folgt eine 

Wiederholung des Hauptthemas, wobei nun auch das 

Klavier die Melodien verstärkt. Zum Schluss wird der 

Anfang wiederholt, jedoch schneller und rhythmischer. 

Wenn man das Stück im Ganzen betrachtet, bemerkt man, 

dass es von Anfang bis Ende eine nie sich wiederholende 

Harmoniefolge gibt. Daher auch die Beschreibung: Reise 

durch die Tonarten. 

Karim Zech 


Kiron wurde 2002 in Wien geboren und spielt seit 

dem sechsten Lebensjahr Klavier. Seit 2010 erhält er 

Unterricht in der Hochbegabtenklasse bei Alma Sauer 

an der Universität für Musik und darstellende Kunst 

Wien. Seit 2009 erhält er Kompositionsunterricht in der 

Musikschule Hernals. Meisterkurse bei Pascal Godart 

an den Académies d‘été du Grand Paris 2017 und bei 

Ingolf Wunder bei „Steinway in Austria“. Kiron gewann 

mehrfach Preise, erste Preise und Sonderpreise bei 

nationalen und internationalen Klavier-, Kammermusik- 

35

36 

und Kompositionswettbewerben in Österreich, Deutschland, 

Italien, Frankreich, den USA und Japan und nahm an vielen 

Konzerten und Preisträgerkonzerten im In- und Ausland 

teil. Sein erstes öffentliches Klavierkonzert mit Orchester 

spielte Kiron, als er neun Jahre alt war, seinen ersten Solo- 

Klavierabend mit dreizehn. Kiron besucht derzeit die sechste 

Klasse des Musikgymnasiums in Wien. Jüngste Erfolge: 

Kiron erhielt 2016 den 1. Preis beim Wettbewerb „Jugend 

komponiert“ für sein Stück „Für mein Stoffhuhn“ für Querflöte 

und Gitarre. Beim Rrima la musica Bundeswettbewerb 2016 

in Linz errang Kiron einen 1. Preis in der Kategorie „Klavier 

solo“. Erster Preis bei Prima la musica 2017 in der Kategorie 

Kammermusik für Klavier mit der Eigenkomposition 

„Wahnsee“. Im März 2017 erhielt Kiron in Frankreich den 1. 

Preis beim 11ème Concours international de piano de Lagnysur-Marne 

(Paris). Im April 2017 gewann er den 1. Preis und 

Sonderpreise bei der 15. Peter Toperczer International Piano 

Competition Košice in der Slowakei. Im Oktober errang Kiron 

dreimal den Ersten Preis in drei verschiedenen Kategorien 

bei der Fifth Rosalyn Tureck International Bach Competition 

October 2017 in New York City, USA. Im Dezember war Kiron 

Gewinner des Musica-Juventutis-Auswahlspiels mit Auftritt 

im Wiener Konzerthaus in der Saison 2018/19. 

Klaviertrio I 

Mein erstes Klaviertrio für klassische Besetzung ist im 

Winter 2017/2018 entstanden. Das Stück ist in mehrere 

Teile unterteilt, welche alle mit der Technik der variierenden 

Wiederholung arbeiten. Das Thema des Stückes, welches 

sehr einfach, konsonant und tonal aufgebaut ist, wird auf 

verschiedene Weisen verarbeitet. Das Thema selbst hat 

den Charakter eines Walzers. In manchen Abschnitten des 

Stückes tritt dieser Charakter in den Vordergrund oder wird 

rhythmisch verdeutlicht. Am Beginn der Komposition wird 

das konsonante Thema mit den Einwürfen des Klaviers 

kontrastiert, das sich dazu einer so genannten Catch- 

Harmonics-Technik bedient. Diese Technik, bei der versucht 

wird die Resonanz eines Klanges mit dem Pedal zu fangen, 

lässt sich nicht mit vollkommener Präzision spielen und bringt 

damit eine Unschärfe oder Ungenauigkeit in das Stück, die im 

Widerspruch zum einfachen Thema steht. Im nächsten Teil 

spielen die Streicher das Thema in den Außenstimmen und das 

Klavier hat eine mehrstimmige, polyphone und harmonisch 

sehr vielseitige Mittelstimme als Kontrast. Als nächstes 

entwickelt sich das Thema durch rhythmische Diminution und 

Augmentation zum 5/8, 7/8 und 9/8-Teil, welcher einen sehr 

tänzerischen, scherzhaften und spielerischen Charakter hat. 

Die Bewegung beruhigt sich im folgenden Abschnitt und mithilfe 

der Gleichsetzung und Kontrastierung von Triolengruppen, 

Achteln und Sechzehnteln wird ein kontrapunktischer Effekt 

erzeugt. Im vorletzten Teil entwickelt sich das Thema zu einem 

Höhepunkt, wobei das Walzermotiv in einem 2er-Takt variiert 

wird. Der letzte Teil verweist als Abschluss verstärkt auf die 

Einleitung und greift ausklingend den Kontrast von teilweise 

dissonanten Catch-Harmonics-Effekten und konsonanter 

Themendarbringung auf. 


Magdalena Elisabeth Fürntratt 

*1999 in Graz. Matura mit Auszeichnung 2017 im 

Sprachenzweig an der HIB Graz-Liebenau (Englisch, 

Französisch, Latein, Chinesisch, Russisch, Spanisch). 

Studium Konzertfach Harfe an der Universität für Musik und 

darstellende Kunst in Graz bei Margit-Anna Süß. Besondere 

persönliche Schwerpunktsetzung: zeitgenössische Musik, 

Mitwirkung bei zahlreichen Uraufführungen (z.B. von Adolf 

Traar 2018, Shiqi Geng 2017 u.v.m). 

Mehrfachpreisträgerin bei Landes- und Bundeswettbewerben 

(mehrere 1.Preise beim Bundeswettbewerb mit 

Soloharfe) bei Prima la Musica seit 2005 - immer auch 

mit eigenen Kompositionen. Soloauftritte als Harfenistin 

in Belgien, Slowenien, Deutschland, Niederlande, Ungarn, 

Frankreich, Ukraine und Russland. Soloharfenistin des 

„Europa Jugendorchester Darmstadt“, Mitglied des 

„Landesjugendsinfonieorchester Steiermark“ und „Modus 

21“. Eine natürliche Schaffensfreude an Musik ließ erste 

Werke für Blockflöte 2005 (op.1 „Die Fische“) entstehen, 

widerspiegelte stets ihre musikalische Entwicklung und 

wurde früh mit externer Wertschätzung belohnt: Gewinnerin 

des Kompositionswettbewerbes für den ERTA-Kongress 

2008, ORF-Fernsehportrait für ihr Chorstück „Österreich

Mantra“ im Rahmen von „Österreich singt“ 2014, usw. 

2013 durfte Magdalena erstmals ein Werk im Steirischen 

Tonkünstlerbund vorstellen. Jeweils 2.Preis bei „Jugend 

Komponiert“ 2016 und 2017. 

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Magdalena Elisabeth Fürntratt 


Ich bin in Pfaffstätten/NÖ wohnhaft. Seit 10 ½ Jahren 

nehme ich an der örtlichen Musikschule Klavier- und 

seit nun 3 Jahren auch Geigenunterricht. Ich habe die 

Volksschule in Pfaffstätten besucht und bin jetzt am BG/ 

BRG Frauengasse Baden. Für Kunst habe ich mich immer 

schon begeistert. Ich musiziere und komponiere sehr 

gerne und bin auch leidenschaftlicher Zeichner. In diesen 

Gebieten versuche ich, mich immer weiterzuentwickeln 

und meine Fertigkeiten zu erweitern und zu verfeinern. 

Meine persönliche Erfahrung inspiriert mich am meisten, 

aber hauptsächlich durch YouTube-Videos, durch meinen 

Vater und meinen Onkel lerne ich neue Möglichkeiten und 

Techniken kennen. Andererseits interessiere ich mich 

auch sehr für Informatik, Mathematik und dergleichen. 

Verbunden mit Kunst habe ich vor wenigen Jahren das 

superkomplexe Origami entdeckt, eine mathematisch 

konstruierte, dennoch äußerst ästhetische und kunstvolle 

Welt, die ich bis heute erkunde. Ich trainiere seit 8 ½ 

Jahren Karate, was mich persönlich sehr beeinflusst 

hat und wodurch mein Bezug zu Japan verstärkt wurde, 

zumal meine Mutter Japanerin ist. Meine Familie 

väterlicherseits ist hingegen stark musikalisch geprägt. 

Das hat letztendlich dazu geführt, dass ich mich bei 

diesem Wettbewerb angemeldet habe. 

The Guerillero 

Dieses Stück erzählt die Geschichte eines Vaters, der 

seine Familie im Krieg verlor und Hoffnung in einem 

jungen Mädchen sieht. Doch das neue Regime verfolgt 

sie und nimmt sie fest. Blind vor Liebe jagt der Vater den 

Bösen und stirbt, als er diesen angreift. Diese Geschichte 

steht in den Notenzeilen der erzählenden Stimme 

geschrieben und soll den Interpreten als Unterstützung 

dienen, quasi eine Erweiterung der dynamischen 

Vorgaben, ist aber weder Liedtext noch Rezitativ. Das 

Stück ist sehr kontrastreich – zum einen der relativ 

einfache Text verglichen mit dem doch schwierigen 

Thema, zum anderen die ungewöhnlichen Taktwechsel 

im zweiten Teil. Diese verkörpern eine metrische 

Dissonanz und verbunden mit dem Text ein totalitäres 

Regime, das eigentlich zu viel auf Berechnung setzt. 

Gewehrschussartige Klaviereffekte sollen auch an eine 

kriegsähnliche Situation erinnern. 

Während der Entstehung dieses Stücks dachte ich an die 

Programmmusik der Peer Gynt Suite von Grieg. Ich finde 

es äußerst interessant und künstlerisch erstrebenswert, 

nonverbal Geschichten zu erzählen, sei es durch Musik, 

Malerei oder Bildhauerei. Dies ist ein erster Versuch, 

dieses Ideal umzusetzen. 


37

Jugend komponiert, Aspekte Sonderpreis & Gäste 

Uraufführungen junger österreichischer Komponisten, junge Interpretinnen und Interpreten 

des Musikum Salzburg und des Pre-College Salzburg/Universität Mozarteum 

In Kooperation mit Musik der Jugend und ÖKB 

38 

Foto©Trio 3:0 

Die Interpretinnen und Interpreten und ihre Lehrerinnen und Lehrer 

Eva Binder – Stan Ford, Pre-College Salzburg/Universität Mozarteum . Juliana Maria Gappmayr – Michaela Girardi, Pre- 

College Salzburg/Universität Mozarteum . Oliver Jungbauer – Reinhard Pscheidl, Musikum Salzburg / Michael Langer, 

Bruckner Uni Linz . Susanne Lastowicka – Bernadette Ober, Musikum Salzburg. Paula Riedler - Britta Bauer, Pre-College 

Salzburg/Universität Mozarteum . Giuliano Sannicandro – Helene Widauer, Privat / Michael Langer, Bruckner Uni Linz . 

Supawee Srisurichan - Claudius Tanski, Pre-College Salzburg/Universität Mozarteum

Samstag, 28. April, 16:00 Uhr, Kavernen 1595 

VI | aspekteSPIELRÄUME 

Trio 3:0 




Aleksey Igudesman (*1973) Applemania Juliana Maria Gappmayr, Violine 

Preisträger „Jugend komponiert“ 

Preisverleihung „Jugend komponiert“ 

Leo Brouwer (*1939) Micro Piezas Giuliano Sannicandro, Gitarre 

II - I - III 

Oliver Jungbauer, Gitarre 

39 

Anastasia Welitschko (*1993) Etüde Eva Binder, Klavier 


Isolde Jordan (*1968) pulse Susanne Lastowicka, Zither 

Supawee Srisurichan (*2002) „Thai‘s ghosts“ Supawee Srisurichan, Klavier 

Fantasy for Improvisation 

1. ผีตายโหง (phee tai hoong ) 

2.ผีตายทั้งกลม (phee tai taung krom) 


Ian Clarke (*1964) The Great Train Race Paula Riedler, Querflöte

40 

Jugend komponiert 

Lebensläufe und Werkbeschreibungen siehe Finale Jugend 

komponiert. 

Interpretinnen und Interpreten 

(Aspekte Sonderpreis & Gäste) 

JULIANA MARIA GAPPMAYR wurde am 8. November 

2003 in Salzburg geboren. 

Juliana spielt seit ihrem 

5. Lebensjahr Geige, von 

2008 bis 2016 bei Elmar 

Oberhammer im Musikum 

Salzburg und seit 2016/17 

bei Michaela Girardi am Pre 

-College der Universität 

Mozarteum Salzburg. 

Bereits mit 7 Jahren 

erreicht sie zum ersten 

Mal bei Prima la Musica 

einen 1. Preis mit Auszeichnung. Seit damals ist sie alljährlich 

beim Wettbewerb dabei, ob im Ensemble oder solistisch. 

Auch in diesem Jahr 2018 hat sie wieder einen 1. Preis mit 

Weiterleitung zum Bundewettbewerb erspielt. 

3 Jahre lang, von 2012 bis 2015 spielte Juliana im damals erst 

gegründeten Mozart Kinderorchester der Stiftung Mozarteum, 

wo sie auch Konzertmeisterin war. Im Lauf der Mozartwoche 

2016 durfte sie in einem Konzert in Mozarts Geburtshaus auf 

der Kindergeige von Wolfgang Amadeus Mozart spielen. Das 

war für die junge Musikerin ein ganz besonderes Erlebnis. 

Von 2011 bis 2016 war Juliana auch im Ensemble der 

Hirtenkinder des Salzburger Hirtenadvents, wo sie bei 

zahlreichen Aufführungen vor allem traditionelle Salzburger 

Volksmusik spielen und singen konnte. 

Juliana besucht die 4. Klasse des musischen Gymnasiums in 

Salzburg und möchte in die Oberstufe der Musikklasse weiter 

gehen. 

Wenn neben Schule und Musik noch Zeit bleibt ist sie eine 

leidenschaftliche Leserin, sie tanzt gerne und liebt Schokolade 

und Kuchen backen. Ihr derzeitiger Berufswunsch: Geigerin 

und Konditorin. 

Gitarren-Duo JUNGBAUER & SANNICANDRO 

Der 2001 geborene Salzburger Giuliano Sannicandro begann 

seine musikalische Ausbildung 2006 bei Helene Widauer 

(Gitarre), heute besucht er den E-Gitarren-Unterricht bei 

Wolfgang Pointner und Schlagwerk-Unterricht bei Franz 

Trattner am Musikum Salzburg. Der vielseitig interessierte 

Giuliano war mehrere Jahre „Hiatabub“ beim Salzburger 

Hirtenadvent und singt im Burschenensemble des Musischen 

Gymnasiums. Bei Prima la 

musica gewann er mehrfach 

Preise: 2016 den ersten Preis 

in Gitarre solo. Im Herbst 

2017 wurde Giuliano in den 

Vorbereitungslehrgang 

der Bruckner Universität 

Linz aufgenommen und 

studiert dort bei Michael 

Langer. Bei Prima la musica 

2018 qualifizierte er sich in 

Gitarre solo wieder für den 

Bundeswettbewerb. Oliver 

Jungbauer wurde 2001 in 

Oberndorf geboren. Mit 5 

Jahren begann er Flöte zu 

spielen. Seit 2009 erhält er Gitarrenunterricht am Musikum 

Salzburg Stadt bei Mag. Reinhard Pscheidl. Er ist Mitglied 

der Ensemblegruppe „Tourdion“ unter der Leitung von Mag. 

Reinhard Pscheidl und Friedrich Ladinig. Seine bisherigen 

Übertrittsprüfungen absolvierte er 2012 und 2016. Oliver ist 

mehrmaliger Preisträger beim Jugendmusikwettbewerb 

„Prima la musica“. Zurzeit besucht er das musische Gymnasium 

in Oberndorf und nimmt dort auch am Klavierunterricht teil. 

Oliver wurde 2017 in die Akademie für Begabtenförderung an 

der Anton Bruckner Universität aufgenommen 

2017 wurde das Duo Jungbauer & Sannicandro 1. Bundessieger 

im Fach Kammermusik. Darüber hinaus waren die beiden 

Gitarristen bereits zu Konzertauftritten beim Internationalen 

Halleiner Gitarrenfestival und dem Salzburg Guitar Fest 

eingeladen.

EVA BINDER absolviert seit 2012 eine musikalische Ausbildung 

für Klavier am Pre-College der Universität Mozarteum. 

Ihren Klavierunterricht erhält 

sie bei Prof. Stan Ford und wurde 

im Laufe der Jahre bereits 

mit Preisen bei Prima la musica 

sowohl landes- als auch bundesweit 

ausgezeichnet. Eva besucht 

das Musische Gymnasium 

Salzburg mit Schwerpunkt Tanz. 

Er hat schon zahlreiche 

Preise bei Klavierwettbewerben 

gewonnen und wurde 

bereits zum Beethovenfest 

Bonn eingeladen, 

um im September 

2018 ein Konzert 

zu geben. 

SUSANNA LASTOWICKA wurde 2006 in Schwarzach 

im Pongau geboren und lebt 

mit ihren Eltern und ihrer 

Schwester in Bischofshofen. 

Dort besucht sie die zweite 

Klasse des Missionsprivatgymnasiums 

St. Rupert. Seit 

2013 lernt Susanna Zither 

am Musikum Bischofshofen 

bei Maurer Christina, MA, 

und Bernadette Ober, MA. 

Bei Maria Purzeller besucht 

sie seit 2016 den Ensembleunterricht 

„3+1 Musi“ (Harfe, 

Zither, Gitarre und Hackbrett) und hat schon zahlreiche 

Auftritte, u.a. beim Adventkonzert in Bischofshofen 2017, 

absolviert. 

Susanne erzielt bei Prima la musica 2016 in der Altersgruppe 

B den 1. Preis mit Auszeichnung, 2018 dann in 

der Altersgruppe 1 einen 1. Preis mit Weiterleitung zum 

Bundeswettbewerb. Am Musikum Bischofshofen (2017) 

erlangte sie das Bronzene Leistungsabzeichen mit ausgezeichnetem 

Erfolg. 

SUPAWEE SRISURICHAN wurde 2002 in Bankok/Thailand 

geboren. Im Altern von 10 Jahren begann er intensiv 

mit seiner Klavierausbildung. Zur Zeit studiert er bei 

Claudius Tanski an der Universität Mozarteum Salzburg. 

PAULA RIEDLER 

Die 18-jährige Gymnasiastin 

spielt seit 

ihrem 8. Lebensjahr 

Querflöte, sowie seit 

drei Jahren Klavier. 

Sie absolviert derzeit 

neben der Schule als 

Jungstudentin bei Britta 

Bauer das Pre-College 

an der Universität 

Mozarteum Salzburg. 

Bei der Teilnahme an 

Wettbewerben, wie 

dem internationalen 

Kammermusik-wettbewerb 

„Karel-Kunc“, 

sowie auch bei „Jugend 

musiziert“ auf 

Bundesebene (Solo und Duo) erzielte sie bereits zahlreiche 

Preise. Jüngst erhielt sie bei der WESPE 2016 einen 

Sonderpreis in der Kategorie „Beste Interpretation eines 

Werkes der Verfemten Musik“ mit Konzertengagement in 

Amsterdam. Regelmäßig nimmt Paula an Meisterkursen 

teil (Payerbacher Meisterkurse, Austrian Master Classes). 

Ihre Liebe zur Musik bringt sie immer wieder in zahlreichen 

Konzerten zum Ausdruck, unter anderem am Mozarteum 

Salzburg. 

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Samstag, 28. April 19.30 republic 

VII | Orlacs Hände . Johannes Kalitzke (UA) 

Musik: Johannes Kalitzke (*1959) 

Film: „Orlacs Hände“ (1924) von Robert Wiene (1873 - 1938) 


Musikalische Leitung: Johannes Kalitzke 

Auftragswerk des Stuttgarter Kammerorchesters 

43 

Stuttgarter Kammerorchester©Rainer Pfisterer

44 

Johannes Kalitzke ©Nafez Rerhuf 

Ein Kultfilm aus dem Jahr 1924, ein expressionistisches 

Meisterwerk der Stummfilmära. Der deutsche Regisseur 

Robert Wiene drehte ihn mit Stars wie Conrad Veidt und Fritz 

Kortner. Das Leinwanddrama zählt zu den Pionierwerken der 

Gattungen Science-Fiction und Horrorfilm. Es geht um einen 

Konzertpianisten namens Paul Orlac, der bei einem Zugunglück 

seine Hände verliert. Es sind ausgerechnet die Hände eines 

soeben hingerichteten Mörders, die ihm angenäht werden. 

Orlac leidet unter Panikattacken und Ängsten – hat er mit 

den Händen auch die Veranlagung zum Töten übernommen? 

Seltsame Zeichen und anonyme Drohbriefe schüren diese 

Ängste. Noch dazu wird sein Vater, mit dem er verfeindet ist, 

getötet. Der Sohn steht unter Mordverdacht. Doch es gelingt 

ihm, das Komplott aufzudecken und Ruhe zu finden. 

Damals wurden Filme improvisierend in den Kinos mit Musik 

begleitet, mitunter von einem Orchester, meist von einem oder 

zwei Pianisten. Es gibt also keine tatsächlich komponierte 

und so überlieferte Originalmusik. Schon mehrmals wurde 

versucht, dem Filmklassiker eine neue Musik zu unterlegen. 

Nun ist Johannes Kalitzke am Werk, einer der bedeutenden 

Komponisten unserer Zeit. Kalitzke, kompetenter Dirigent vor 

allem neuer Musik, Leiter von Meisterkursen und Professor 

für Dirigieren an der Universität Mozarteum in Salzburg, hat 

bereits mit etlichen Opern Erfolg gehabt, zuletzt 2010 mit „Die 

Besessenen“ nach Gombrowicz im Theater an der Wien und 

2015 mit „PYM“ nach Edgar Allan Poe in Heidelberg. Hartmut 

Lück meint in „Klassik heute“ zu Kalitzkes Musik: Diese 

„Partituren sind transparent im Klang, wohl artikuliert, mit 

Sinn für neue Farben instrumentiert; was sich auf den ersten 

Blick als Raffinement ausnimmt, erweist sich in Hinsicht 

auf den gedanklichen Ausgangspunkt als ungewöhnlich 

konzentriert und expressiv.“ 

Der literarisch umfassend gebildete Musiker schrieb 2011 im 

Auftrag der Augsburger Philharmoniker eine Orchestermusik 

zum historischen Stummfilm nach Gerhart Hauptmanns 

Sozialdrama „Die Weber“, die mit neuen Klängen neue Räume 

für ein zeitloses Thema schafft. Wie auch 2016 die Musik 

zu „Schatten“ von Arthur Robison, uraufgeführt in Witten. 

Darüber Peter Tölke in der WAZ: „Das Eifersuchtsdrama 

gewann durch die unterlegte Musik von Johannes Kalitzke 

enorm an Wucht und Dramatik. Elf Musiker entfachten 

ein Feuerwerk an Gefühlen. Wer bisher nicht verstanden 

hat, was zeitgenössische Musik leisten kann, erlebte ein 

eindrucksvolles Beispiel.“ 

Nun widmet sich Kalitzke dem Film „Orlacs Hände“. Die 

Grundlage für den Film von Robert Wiene bildete die 

gleichnamige phantastische Erzählung seines französischen 

Zeitgenossen Maurice Renard, der nicht nur ein seinerzeit 

prominenter, von Poe beeinflusster Schriftsteller war, 

sondern auch Jurist und Kavallerie-Offizier. Der Komponist 

zum Film: „Die Dekoration und die zunehmend düstere 

und an Alfred Kubin erinnernde Lichtstimmung machen 

ihn neben der traumwandlerischen Gestik der Figuren zu 

einem hochstilisierten Kunstwerk, das kompositorischen 

Klangassoziationen einen großen Raum eröffnet. “

Der Kopf als unbewohnbarer Raum 

In einem Aufsatz über den Film „Orlacs Hände“ von Ines 

Steiner („Der Virtuose und sein Anderes“, Verlag Filmarchiv 

Austria) ist zu lesen, dass die Hauptperson als ein frühes 

Beispiel für einen Starpianisten angesehen werden kann, 

der als Reproduktion medientechnischer Vermittlung von 

instabiler Identität und Selbstentfremdung geprägt ist. 

Dieser Grundzustand der Verunsicherung spiegelt sich in 

der Bildsprache des Films wider. Nachdem der Protagonist 

bei einem Zugunglück einer Art Identitätstausch mit dem 

fremden Besitzer seiner neuen Körperteile ausgesetzt ist, 

verliert er jeden Halt in sich selbst. Von da an bestehen 

die Innenaufnahmen nur mehr aus unbewohnbaren 

Räumlichkeiten, es gibt keinen einzigen Raum, in dem 

sich Schauspieler oder Zuschauer wohl- oder heimisch 

fühlen könnten, Räume und Objekte erscheinen zu groß, 

zu grob oder zu dunkel. Diese Unbewohnbarkeit ist das 

künstlerische Ausdrucks- und Stilmittel Robert Wienes, 

das den expressiv-theatralisch agierenden Filmdarstellern 

entspricht und die Szenerien prägt, auf die der Hauptakteur 

seinen düsteren, leeren Blick wirft. 

Orlac, traumatisiert als „Untoter“ seines eigenen 

Erfolges, wird in meiner Musik („Thema mit Variationen“) 

durch die Paraphrasierung von Chopins im Film 

verankerten Nocturne op. 55/2 portraitiert, im Sinne eines 

Verwandlungsprozesses seiner künstlerischen Identität 

in dunklen Räumen. Stilistisch verweist der Umgang mit 

diesem Chopin-Material dabei nicht nur auf dessen eigene 

Herkunft, sondern verwandelt sich gleichermaßen in 

expressionistische, avantgardistische oder auch der Ars 

nova entstammende Klangszenarien, die als Stilzitate die 

Bildsprache des Films (z.B. als Referenz an die gotische 

Architektur) und die Stadien der Selbstentfremdung der 

Hauptfigur unterstützen. 

Das Nocturne wird kompositorisch wie eine durchgehende 

„idee fixe“ behandelt, als Ausgangsmaterial, das sich 

der jeweiligen Situation entsprechend verwandelt und 

sowohl für illustrative als auch für musikalisch deutende 

oder unabhängige Sequenzen verwendet wird. Klangliche 

Basis für deren elektronische Metastasierung ist dabei 

der Innenraum des Klaviers bzw. Klänge, die durch 

unterschiedliche perkussive Effekte darin entstehen. Sie 

sind wie das Innere von Orlacs Kopf ein Zentrum für die 

Klangbilder der Angstgefühle und Schreckensbilder, die 

er infolge seiner Transplantationen erlebt. Die Musik als 

klirrende Kopfgeburt. 

Johannes Kalitzke 

Stuttgarter Kammerorchester©Rainer Pfisterer 

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Samstag, 28. April 19.30 republic 

VIII | frozen gesture 

NAMES feat. visual artist Conny Zenk 

Marina Iglesias Gonzalo, Flöte 

Marco Sala, Klarinette 

Matthias Leboucher, Klavier 

Alexander Bauer, E-Orgel 

Mervyn Groot, Schlagwerk 

Anna Lindenbaum, Violine 

Urh Mrak, Violoncello 

Marco Döttlinger, Elektronik 

visual artist: Conny Zenk 

Musikalische Leitung: Silvia Spinnato 

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Manuela Meier (*1981) 

Veronika Mayer (*1977) 

Tamara Friebel (*1975) 

Mauro Lanza (*1975) 

otherwise II (UA) 

ThereAreNoClearCutBorderlines (UA) 

Little things grow (UA) 

The Skin of the onion 

Michael Maierhof (*1956) Zonen 2 

Marco Döttlinger (*1984) 

frozen gesture

48 

Vor Beginn ihres derzeitigen Doktoratsstudiums an der Harvard 

University studierte Manuela Meier Komposition und 

Klassisches Akkordeon an der Kunstuniversität Graz und der 

Queen’s University Belfast. Von 2011 bis 2012 war sie Managerin 

des neuseeländischen Stroma New Music Ensembles. 

Das Beobachtungen und Experimentieren mit in der Biologie 

und Geologie vorkommenden Verhaltensweisen und Mustern 

stellen einen der Grundpfeiler der Inspiration in Manuela Meiers 

musikalischem Schaffen dar. Ihre instrumentalen und auch 

elektroakustischen Werke wurden unter anderem beim Huddersfield 

Contemporary Music Festival, dem Sonorities Festival 

in Belfast, dem Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe 

(ZKM), dem Festival Steirischer Herbst in Graz, dem Centro 

Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras, der City 

Gallery Wellington in Neuseeland und dem Melbourne Recital 

Centre in Australien von Ensembles wie dem Arditti String 

Quartet, Stadler Quartett, Ensemble Phace, Stroma New Music 

Ensemble, Ensemble Lucilin, JACK Quartet, Elision Ensemble 

und dem Ensemble Yarn/Wire aufgeführt. Manuela 

Meiers Musik und Schriften wurden vom Label Col Legno und 

dem deutschen Wolke Verlag veröffentlicht. (mm.mur.at) 

„otherwise II“ ist das neueste Werk Manuela Meiers, welches 

sich mit den Auswirkungen der Idee, dass Klänge auch als 

sich verändernde und adaptierende Organismen in ihrer jeweiligen 

Umwelt verstanden werden können, auseinandersetzt. 

In diesem konzeptuellen Rahmen – und ausgehend von der 

ursprünglichen Version für zwei Pianisten und zwei Schlagwerkern 

(otherwise) – beschäftigt sich „otherwise II“ nun in 

einer erweiterten Ensemblesituation mit der Navigation des 

„in-between’ („Dazwischen”). Es erkundet Bereichsgrenzen 

und Randerscheinungen - und lebt innerhalb der fragilen Zonen 

des Möglichen. 

Veronika Mayer ist Komponistin, Klangkünstlerin und Musikerin. 

Sie ist im Bereich experimenteller elektronischer sowie 

instrumentaler Musik tätig und ist mit ihren Werken international 

bei Festivals und Ausstellungen zeitgenössischer Musik 

und Klangkunst vertreten. Die Auseinandersetzung mit Material 

und Raum, das Erfahren von Klangsphären, kaum wahrnehmbarer 

Klänge und Geräusche, sowie die Thematisierung 

des Hörens an sich sind charakteristisch für ihre Arbeiten. Oftmals 

arbeitet sie in ihren Projekten mit anderen Musikschaffenden, 

Literatinnen und Literaten, Video- und Objektkünstlerinnen 

zusammen. Veronika Mayer unterrichtet Klangkunst 

und Computermusik am IEM (Universität für Musik und darstellende 

Kunst Graz) und an der Musikschule Wien. Sie studierte 

Klavier, elektroakustische Musik und Komposition an 

der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien. 

„Die Komposition ist inspiriert von meiner langjährigen Arbeit 

im Duo mit der Video-Künstlerin Conny Zenk“, schreibt Veronika 

Mayer zu ihrem neuen Stück. „Was in unseren üblicherweise 

live improvisierten Konzerten an Zusammenspiel elektronischer 

Sounds und Visuals entsteht, ist für mich in diesem 

Fall feinstofflich klanglicher sowie formaler Anhaltspunkt für 

die Komposition. Hinweggespült von Geräusch, sich unmerklich 

wandelnden Loops, Farbveränderungen und aufgeweichter 

Zeitempfindung, verschwimmen die Grenzen von Klangkörpern 

und Formteilen, von Innen und Außen, von klaren 

Beats und flächigem Noise. Die elektronischen Sounds wurden 

aus akustischem Instrumentarium generiert, Elemente 

der Elektronik greifen wiederum auf die Instrumente über. Es 

entsteht ein fein abgestimmt vermischtes Gewebe inmitten 

gedehnter Zeit.“ 

Tamara Friebel, geboren 1975 in Cohuna/Australien, ist 

Komponistin, Klangkünstlerin und Performerin. Seit 2002 in 

Wien, studierte sie zunächst Architektur an der Universität für 

Angewandte Kunst (Meisterklasse Zaha Hadid 2008), später 

auch Komposition an der Universität für Musik und darstellende 

Kunst bei Chaya Czernowin, Karlheinz Essl (elektroakustische 

Komposition). Friebel erlangte ihren PhD in Komposition 

mit einem Portfolio an Werken „Generative Transcriptions, an 

opera of the self“ im Juni 2013. 

Friebel wurde ausgebildet in Komposition und Elektroakustik 

an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien, am 

Royal College of Music London, an der Huddersfield University 

und in Architektur an der Universität für angewandte Kunst 

Wien, am RMIT Melbourne, mit einem Hintergrund in Soziologie 

und Theologie an der Universität Melbourne. 

Alltagsgegenstände wie eine Singer-Nähmaschine oder kleine 

Spielfiguren auf Seerosenblättern fügt Tamara Friebel in ihre 

Performances und Installationen, die als Schnittstelle zwischen

ihren Kompositionen und architektonischen Arbeiten gesehen 

werden können. Ihre Werke sind einerseits von 

ganz Handgreiflichem geprägt, verhandeln aber oftmals 

auch psychologische oder abstrakte Themen. Zwischen 

den Einflüssen strenger Notation, Improvisation und 

Live-Elektronik ergeben sich Spannungsfelder zwischen 

genauem Einhalten und offener Gestaltung, die auch das 

in gewissem Rahmen Unbeeinflussbare in die Musik integrieren. 

Und wie heißt ihr neues Stück? „Little things 

grow“. Kleine Dinge wachsen. 

Mauro Lanza 1975 in Venedig geboren, studierte am 

Konservatorium seiner Heimatstadt Klavier und Komposition. 

Von 1998 bis 1999 besuchte er an der IRCAM 

in Paris den jährlichen Kurs für Komposition und Computermusik. 

Er lehrte Komposition an der McGill Universität 

in Montreal (2004/2005), am Konservatorium von 

Cuneo (2004/2010), an der Escola Superior de Música 

de Catalunya in Barcelona (2013/2014) und an der Hochschule 

für Musik Detmold (2014/15). Nun ist er an der 

Universität der Künste in Berlin tätig. Im IRCAM arbeitete 

er regelmäßig in der Forschung und war von 2010 

bis 2013 Berater für den jährlichen Kompositionskurs. 

Seine Kompositionen sind, mit Ironie versehen, das Ergebnis 

einer immer stärker werdenden Anstrengung, 

klassische Instrumente mit anderen, weniger konventionellen 

Klangquellen zu verschmelzen: physikalischer 

Modellbau-Synthese, Spielzeuginstrumenten, Krachmacher, 

verschiedenen Exemplaren von „objets trouvés“ 

und maßgeschneidertem Maschinen. Neben seiner 

rein musikalischen Produktion hat Lanza eine Neigung 

zur Interdisziplinarität. Im Jahr 2004 komponierte er das 

Ballett „Le Songe de Médée“, ein Auftragswerk der Opéra 

de Paris und von IRCAM. Er schrieb auch die Musik für 

„Descrizione del Diluvio“ (2008), eine Oper für 12 Musiker, 

Elektronik und Video, in Zusammenarbeit mit dem 

Videokünstler Paolo Pachini. Im Jahr 2009 wurde eine 

große elektronische Partitur, die Benjamin Christensens 

Stummfilm „Häxan“ (1922) begleitet, vom Musée du 

Louvre in Paris in Auftrag gegeben. 2011 arbeitete er mit 

Jean-Michel Othoniel an einer Bild- und Toninstallation 

für das Centre Pompidou. Im Jahr 2014 verlieh ihm der 

nationale Verband der Musikkritiker den renommierten 

Franco Abbiati Preis in der Kategorie „beste Kreation“. 

Das Sextett „The Skin of the onion“ (Die Haut der Zwiebel) 

für Flöte, Klarinette, Schlagzeug, Klavier, Violine 

und Cello entstand im Jahre 2002 für die Biennale von 

Venedig. Es zählt zu Lanzas rein instrumentalen Werken. 

Michael Maierhof, geboren in Fulda, lebt in Hamburg. 

Er beschäftigt sich mit Instrumenten, Objekten, Präparationen, 

Applikationen, schwingenden Systemen, 

Motoren, Pausen, Klanglosigkeit. Maierhof studierte 

Musik und Mathematik in Kassel sowie Philosophie und 

Kunstgeschichte in Hamburg. 1989 erschienen erste 

Kompositionen. Seit 1990 liegt sein Schwerpunkt bei 

der raumbezogenen Musik für Ensembles unterschiedlicher 

Besetzungen, der Entwicklung einer Präparations- 

und Untertontechnik für Streichinstrumente sowie 

Forschungen über das Kreisen auf Untergründen, Longitudinalschwingungen 

auf Nylonsaiten, Einsatz und 

Bearbeitung von Plastik zur Instrumentenherstellung, 

der Entwicklung von Anregern mit mechanischen oder 

Schall-Motoren, analogen Splitter für Blasinstrumente 

und Stimme. Maierhof arbeitet an einer nicht über Tonhöhen 

organisierten Musik. Er erhielt verschiedene Stipendien, 

seine Musik wird international aufgeführt. Er ist 

Mitbegründer des Künstlernetzwerkes „stock11.de“ und 

des Verbandes für aktuelle Musik Hamburg (vamh,de). 

„Zonen 2“ entstand 2006–07 für Flöte, Klarinette, Violine, 

Violoncello, Flügel und Perkussion. 

Marco Döttlinger wurde in St. Johann in Tirol geboren. 

Er erhielt ab dem 7. Lebensjahr Musikunterricht und studierte 

ab 1998 Trompete am Tiroler Landeskonservatorium 

bei Andreas Lackner. Zur selben Zeit entstanden 

erste Kompositionen für unterschiedliche Besetzungen. 

Nach Ableistung des Präsenzdienstes studierte er Komposition 

und Musiktheorie am Mozarteum bei Christian 

Ofenbauer und elektronische Komposition bei Achim 

Bornhöft. Es folgte ein Studienaufenthalt am Conservatoire 

national superieur de musique et de danse de Paris 

(CNSMDP), wo er Komposition bei Frederic Durieux 

sowie Computermusik bei Yan Maresz und Tom Mays 

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50 

studierte. Er absolvierte das Masterstudium Komposition mit 

ausgezeichnetem Erfolg sowie ein Ergänzungsstudium an der 

Hochschule für Musik Basel bei Georg Friedrich Haas. Derzeit 

ist er als Assistent im Studio für Elektronische Musik (SEM) 

des Mozarteums beschäftigt und arbeitet an seiner Dissertation. 

Seine Werke sind bei SUMTONE verlegt. Die Hauptaspekte 

seiner künstlerischen Arbeit liegen bei der Integration computergestützter 

Verfahren im Bereich zeitgenössischer (Klang-) 

Kunst bzw. Time Based Arts. Seine Arbeiten artikulieren sich 

im Rahmen verschiedener Medien, darunter Instrumental-, 

Computer- und elektroakustische Musik, Live-Elektronik, 

Performances sowie Klanginstallationen, akustische Kunst 

und audiovisuelle Werke, Bühnenmusik und Musiktheater. Er 

arbeitet regelmäßig mit diversen Ensembles zeitgenössischer 

Musik zusammen, wie dem ensemble recherche, dem oenm 

(Österreichisches Ensemble für Neue Musik), dem Duo Enßle-Lamprecht, 

dem tenm (Tiroler Ensemble für Neue Musik) 

oder dem Ensemble handwerk Köln. Seine Werke wurden auf 

Festivals im In- und Ausland aufgeführt. Döttlinger ist Träger 

vieler Auszeichnungen und Preise. Sein Stück „frozen gesture“ 

(Gefrorene Geste) für Flöte, Klarinette, Violine, Violoncello, 

Klavier und Video entstand im Jahr 2013. 

Texte und Redaktion, wenn nicht anders vermerkt: 

Gottfried Franz Kasparek

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Conny Zenk ©Peter Gannushkin 

Conny Zenk

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Interpretinnen und Interpreten 

Beatriz Carravagio 

Die spanische Regisseurin arbeitet im Bereich Musikvideo, 

Dokumentationen, Videokunst und Videoinstallationen. Ihre 

Dokumentarfilme wurden auf zahlreichen Festivals gezeigt, 

so beispielsweise am Festival du Film de Montreal, Les 

Rencontres Internationales Paris / Berlin / Madrid oder dem 

Bogota International Film Festival. 

Die Videoinstallationen waren bereits im Reina Sofia National 

Museum, dem Circulo de Bellas Artes und La Casa Encendida 

in Madrid zu sehen, ebenso im Fundació Joan Miró und dem 

CCB-Centre de Cultura Contemporàna in Barcelona, im Bilbao 

Fine Arts Museum, Banff Centre in Alberta und bei Cancon 

Digital Creators Context in Japan, um nur einige zu nennen. 

Beatriz Caravaggio erhielt zahlreiche Auszeichnungen und 

Förderungen, unter anderem vom Institute of Cinematography 

and Audiovisual Arts of the Spanish Ministry of Culture and 

Matadero Madrid Centre for Contemporary Creation, den 

Festival Minima Preis und den Net.Art Visual Preis für ihre 

Arbeit „Mapping suspicion“. 

Marino Formenti 

Marino Formenti zählt mit seiner außergewöhnlichen 

Kombination von Intellekt und Emotionalität zu den 

herausragenden Musikerpersönlichkeiten unserer Zeit. Von 

der Los Angeles Times als „Glenn Gould for the 21st Century“ 

gepriesen, konzipiert er oft Projekte, die die Konzertform 

erweitern oder in Frage stellen. 

In den „Recitals Kurtag’s Ghosts“ oder „Liszt Inspections“ 

strebt er durch den Dialog zwischen den Kompositionen 

einen ununterbrochenen Duktus an, der die Konventionen 

des Klavierabends sprengt. In“ Nowhere“ lebt und spielt er 

mehrere Wochen ohne Unterbrechung in einem öffentlich 

zugänglichen Raum, mit dem Wunsch „in die Musik zu 

verschwinden“. „One to One“ ist eine für Art Basel konzipierte, 

musikalische Begegnung, die bis zu einem Tag lang dauert, 

mit jeweils einem Zuhörer. Diese Begegnungen erarbeitet 

er dann in eigenen Installationen und Videos. Im Filmprojekt 

„Schubert und Ich“ erarbeitet Marino Formenti Lieder von 

Franz Schubert mit musikalischen Laien. 

Konzerteinladungen führten ihn unter anderem zu den 

Salzburger Festspielen, zu den Festivals in Luzern, Edinburgh, 

Schleswig-Holstein, in das Lincoln Center in New York, in die 

Wigmore Hall in London sowie in die großen Konzerthäuser 

von Berlin, Wien, Paris, Tokio und Los Angeles. 

Als Solist konzertierte Marino Formenti unter anderem mit 

den New York Philharmonics, den Los Angeles Philharmonics, 

dem Cleveland Orchestra, den Münchner Philharmonikern. 

Seine Partner waren Dirigenten wie Kent Nagano, Daniel 

Harding, Gustavo Dudamel, Esa Pekka Salonen oder Franz 

Welser-Möst. Als Dirigent stand er am Pult etwa im Teatro 

la Scala, in der Salle Pleyel, im Wiener Musikverein und 

Konzerthaus und im Berliner Konzerthaus. 

Marino Formenti ist Träger des Belmont-Preises 2009 für 

zeitgenössische Musik der Forberg-Schneider-Stiftung in 

München. 

Maria-Bernadette Furch 

Nach ihrer Ausbildung zur Grundschullehrerin begann 

die Salzburgerin am Mozarteum ihre Gesangsausbildung, 

absolvierte im Konzertfach „Lied-Oratorium“ bei Walter 

Raninger und Friederike Seywald und erwarb das Diplom für 

Gesangspädagogik bei Sigrid Mayr. Seit 1999 unterrichtet sie 

als Gesangslehrerin am Mozarteum, wo sie 2007 habilitierte. 

Als Konzertsängerin interpretierte sie zahlreiche Werke von 

der Renaissance bis zur Gegenwart. Als Altsolisten sang sie 

unter anderem mit der Salzburger Dommusik, dem Collegium 

Musicum Salzburg, der Camerata Salzburg sowie mit 

verschiedenen Orchestern im In- und Ausland. 

Maria-Bernadette Furch verfügt über ein großes Repertoire, 

das von Mozart, Schubert, Brahms, Reger, Mahler bis zu Werken 

zeitgenössischer Komponisten reiche. 2007 sang sie mit dem 

Orchester der St. Petersburger Philharmonie Lieder „aus des 

Knaben Wunderhorn“. Sie wirkte als Solistin in zahlreichen 

Uraufführungen mit und interpretierte Hauptpartien in einigen 

Opern- bzw. Kammeropernproduktionen. Tourneen mit dem 

oenm brachten sie 2005 und 2007 an die Opernhäuser von 

Kairo und Alexandria. 

Anna Elisabeth Hempel 

Die gebürtige Rostockerin Anna Elisabeth Hempel studierte 

Musikwissenschaft in Berlin, anschließend klassischen Gesang 

in Lübeck und Salzburg bei Barbara Bonney und Boris Bakow.

2016 schloss sie ihren Master in Oper und Musiktheater 

an der Universität Mozarteum in der Klasse von Michéle 

Crider mit Auszeichnung ab. Die Sopranistin sang unter 

anderem Partien in „Le nozze di Figaro“, „Cosi fan tute“, 

„Don Giovanni“, „Fidelio“, „La Bohéme“, „Pelléas et 

Mélisande“ und Don Pasquale. In Zusammenarbeit mit 

BachWerkVokal Salzburg trat sie als Solistin in Bachs 

„Johannespassion“, im Weihnachtsoratorium, in der 

Kantete „Ich bin vergnügt mit meinem Glücke“ und in 

Händels „Messiah“ in der Christuskirche in Salzburg, 

im Herkulessaal in München und im Neuen Schloss in 

Stuttgart auf. Im Rahmen der Salzburger Festspiele 

2015 sang Anna Elisabeth Hempel das Sopransolo in 

Schuberts „Lazarus“ unter Ingo Metzmacher mit der 

Camerata Salzburg in der Felsenreitschule. Anlässlich der 

Georg Trakl-Förderpreisverleihung sang sie anlässlich 

der Dialoge 2016 Lieder von Wolfgang Rihm. Es folgte 

Eliott Carter’s Zyklus „A mirror on which to dwell“ für 

Sopran und Kammerorchester mit dem oenm unter 

der Leitung von Johannes Kalitzke. 2016 war sie auch 

in Patrick Pföss „Uraufführung der Oper Chuchulinn“ 

als Hauptpartie Emer in Traunstein zu hören. Es folgten 

konzertante Uraufführungen wie beispielsweise „und 

dann…“ von Zaid Abou Khalil im Solitär Salzburg sowie 

das „Sonnet 18“ von Dimitrios Katharopoulos im Kleinen 

Studio Salzburg 2017. 

Oscar Jockel 

Der in Regensburg geborene Künstler studiert derzeit 

am Mozarteum Komposition bei Achim Bornhöft 

sowie Dirigieren bei Bruno Weil, Reinhard Goebel 

und Johannes Kalitzke als auch Musiktheorie. Seine 

musikalische Ausbildung begann als Sängerknabe 

bei den Regensburger Domspatzen, wo er auch das 

Klavierspiel erlernte. Zwischen 2012 und 2014 erhielt 

er mehrere Stipendien für Kompositionsaufenthalte 

in Minneapolis und wurde 2015 als Organist an die 

Salzburger Franziskanerkirche berufen. Im selben Jahr 

organisierte er als Mitarbeiter der künstlerischen Leitung 

das Sawahlunto International Musik Festival (SIMFes), 

Indonesien. Weitere Stipendien und Auszeichnungen, 

u. a. vom Deutschen Bundestag als kultureller Junior- 

Botschafter in den USA, von der Stadt Regensburg, 

von der „Kai-Uwe von Hassel Stiftung“ sowie von der 

Royal Northern School of Music in Manchester, folgten. 

Oscar Jockel beschäftigt sich auch mit elektronischer 

und computerassistierter Komposition. Formationen 

wie das Ensemble Interface, das New Arts and Music 

Ensemble Salzburg (NAMES) oder das Österreichische 

Ensemble für Neue Musik (œnm) haben Kompositionen 

von ihm zur Uraufführung gebracht. Er erhielt einen 

Kompositionsauftrag der Stiftung Mozarteum für eine 

Oper, die im Januar 2018 im Mozarteum durch Karoline 

Gruber (Regisseurin; Wiener Staatsoper), Kai Röhrig 

(Leiter des Opernstudios Mozarteum) und Conny Zenk 

(multimediale Künstlerin) zur Uraufführung gebracht 

wurde. Seit dem Sommersemester 2018 unterrichtet er 

am Salzburg College das Fach Komposition. 

Als Dirigent wurde er von diversen Festivals u.a. nach 

Südkorea zum Contemporary Music Festival, zum Dialoge 

Festival oder dem Aspekte Festival eingeladen. Er dirigierte 

zudem mehrere Ensembles wie das oenm, Ensemble 

NAMES oder Ensemble Plus, sowie Orchester wie die 

Bad Reichenhaller Philharmoniker oder das Uniorchester 

Mozarteum und arbeitete als Dirigierassistent u.a. mit der 

Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, der Dresdner 

Staatskapelle, den Münchner Symphonikern und der 

Bayerischen Kammerphilharmonie zusammen. 

Darüber hinaus ist Oscar Jockel im Bereich der Alten Musik 

tätig und erhält auf Grund seines Könnens als Continuo- 

Spieler (Orgel & Cembalo) und als Musiktheoretiker 

regelmäßig Aufträge und Engagements, u.a. von den 

Berliner Philharmonikern, der Dresdner Staatskapelle, 

dem WDR, der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen 

und dem South Netherlands Philharmonic. 

Johannes Kalitzke 

Der in Köln geborene Komponist und Dirigent studierte 

Klavier, Kirchenmusik, Dirigieren und Komposition, 

später auch elektronische Musik. Zunächst als 

Kapellmeister und Chefdirigent am Gelsenkirchener 

Musiktheater im Revier tätig, übernahm er 1986 die 

Leitung des Forums für Neue Musik in der Nachfolge 

von Carla Henius. 1991 wurde er künstlerischer Leiter 

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und Dirigent der musikFabrik. Kalitzke lehrt unter anderem 

bei den Darmstädter Ferienkurse und leitet Dirigierseminare 

an verschiedenen Hochschulen und beim Dirigierforum 

des Deutschen Musikrates. Heute ist Johannes Kalitzke 

als Dirigent wie auch als Komponist regelmäßiger Gast 

internationaler Ensembles und Orchestern der Festivals für 

zeitgenössische Musik und Opernhäuser. Seit 2015 hat er eine 

Professur für Dirigieren an der Universität Mozarteum inne. 

Als Mitglied der Akademie der Künste, Berlin, und der 

Bayrischen Akademie der Schönen Künste, München, lebt 

Kalitzke als freischaffender Künstler in Köln und Wien. 

London Contemporary Orchestra-String Quartett 

Als Gewinner der Kategorie Ensemble bei den Royal 

Philharmonic Society Music Awards 2015 hat sich das 

London Contemporary Orchestra als eines der innovativsten 

und angesehensten Ensembles Großbritanniens etabliert. 

Im Mittelpunkt der Performances steht die Förderung der 

besten neuen Musik und Cross-Arts-Kollaborationen für 

ein immer breiteres Publikum. LCO wurde 2008 von dem 

stellvertretenden künstlerischen Leiter und - Dirigenten 

Robert Ames und Hugh Brunt gegründet und arbeitet mit einer 

Reihe von Komponisten, Künstlern und Marken zusammen, 

darunter Radiohead, Frank Ocean, Secret Cinema, Thom 

Yorke, Schauspielerin Vivienne Westwood, Jonny Greenwood, 

Mitglieder von Arcade Fire, Steve Reich, Terry Riley, Beck und 

Foals. 

Höhepunkte sind ausverkaufte Aufführungen im Roundhouse, 

Southbank Centre, Barbican und BBC Proms; There Will Be 

Blood: Live; die Weltpremiere von Shiva Fesharekis GABA- 

Analog bei Printworks und Live-Übertragungen auf NTS, 

BBC Radio 3 und Boiler Room. Soundtracks des Orchesters: 

Phantom Thread, Alien: Covenant, You were never really here, 

The Master, Theeb und Macbeth. Die LCO-Streicher und der 

Chor sind auf dem Radiohead-Album „A Moon Shaped Pool „ 

2016 zu hören. 

NAMES 

Das 2014 in Salzburg gegründete Ensemble für zeitgenössische 

Musik, New Arts and Music Ensemble, fokussiert sich auf 

klassische Werke zeitgenössischer Literatur des letzten 

Jahrhunderts und ergänzt diese durch Uraufführungen 

jüngerer Komponisten. Die zehn aus sechs europäischen 

Ländern stammenden MusikerInnen und Komponisten wollen 

mit ihrem breitgefächerten Programm Kontraste schärfen, 

Konzepte ausloten und Tradiertes re-kontextualisieren. Trotz 

der relativ jungen Geschichte des Ensembles kann es auf 

eine umfangreiche Konzerttätigkeit zurückblicken, die von 

Projekten im deutschsprachigen Raum bis hin zu Residencies 

auf internationalen Festivals (u.a. Italien, Litauen, Korea) 

reicht. 

NAMES ist bemüht, neben der „reinen“ Konzerttätigkeit 

auch andere Formen zeitgenössischen Kunstschaffens in 

seine Programme zu integrieren und arbeitet deswegen 

mit verschiedenen Künstlern unterschiedlichster Sparten 

zusammen (Tanz, Performance, Visual Arts, Literatur, …) 

Dabei sind die Ensemblemitglieder stets auf der Suche nach 

einer Begegnung mit anderen Ausdrucksformen, wodurch 

der Musik – neben ihrer reinen Sonorität – zusätzlicher 

Wirkungsraum zugestanden wird. Eine besonders enge 

Zusammenarbeit verbindet NAMES mit dem Studio für 

elektronische Musik der Universität Mozarteum. Durch die 

Zusammenführung von fundiertem Handwerk und der Lust 

auf kammermusikalischen Austausch lässt 

NAMES ein internationales und nachhaltiges 

Experimentierlabor für Liebhaber neuer Gedanken und Klänge 

entstehen. 

œnm. österreichisches ensemble für neue musik 

Das 1975 von dem Komponisten Klaus Ager und dem 

Klarinettisten Ferenc Tornai gegründete Ensemble widmet 

sich der Aufführung zeitgenössischer Musik und hat sich 

so international zu einem der führenden Ensembles dieser 

Art etabliert. Mit über 300 Uraufführungen und einer 

regelmäßigen Mitwirkung bei zahlreichen großen Festivals 

ist das in Salzburg beheimatete Ensemble von den großen 

Konzertbühnen nicht mehr wegzudenken. 1988 übernahm der 

Komponist und Dirigent Herbert Grassl die Leitung des oenm, 

seit 1997 wirkt Johannes Kalitzke als erster Gastdirigent 

und prägt das Ensemble maßgeblich. Gemeinsam mit Geiger 

Frank Stadler sowie dem Cellisten und künstlerischen Leiter 

Peter Sigl führte er oenm zu anhaltendem Erfolg. 

SpitzenmusikerInnen aus elf Nationen engagieren 

sich mittlerweile in Salzburg für die Musik des 20. und

21. Jahrhunderts. Den jeweils unterschiedlichen 

Bedürfnissen der zeitgenössischen Musik angepasst, 

spielt das Ensemble in Besetzungen von ein bis 15 

MusikerInnen, manchmal auch darüber hinaus. 

Das oenm ist regelmäßiger Gast bei den Salzburger 

und Bregenzer Festspielen, Wien Modern, dem 

Festival „Dialoge“, der Salzburg Biennale und dem 

Aspekte-Festival. Seit 2011 bietet das Ensemble mit 

seiner eigenen Konzertreihe „oenm.ganz privat“ im 

Salzburger Künstlerhaus dem Publikum die Möglichkeit, 

zeitgenössischer Kunst in intimer Konzertatmosphäre 

intensiv zu begegnen. Diese Konzertreihe wurde 2012 

mit dem Bank Austria Kunstpreis ausgezeichnet. Auch 

die veranstaltete Reihe „fingerprints“, die einzelne 

Musikerpersönlichkeiten aus den eigenen Reihen in den 

Mittelpunkt stellt, bietet dem Salzburger Publikum dank 

eines abwechslungsreichen Programms ein offenes 

Fenster in das internationale künstlerische Geschehen 

von heute. 

Nacho de Paz 

Der spanische Dirigent engagiert sich sehr für die Musik 

des 20. und 21. Jahrhunderts. Seine experimentelle 

Arbeit ist weit über die Grenzen Spaniens hinaus bekannt. 

Nacho de Paz absolvierte sein Masterstudium in Klavier 

am Konservatorium des Fürstentums Asturien, das 

Masterstudium in Komposition absolvierte er am 

städtischen Konservatorium in Barcelona. Darüber 

hinaus erlangte er ein Doktorat in Kunstgeschichte 

und Musikwissenschaft an der Autonomen Universität 

Barcelona und der Complutense Universität Madrid. 

Ausgezeichnet mit den internationalen 

Kompositionspreisen Joan Guinjoan (2002), Luigi Rossi 

(2003) und SGAE of Electroacoustics (2004) spezialisierte 

sich Nacho de Paz rasch auf die Orchesterleitung bei 

Arturo Tomaro und Pierre Boulez. 

Vom Ensemble Modern zum Dirigenten ernannt, erhielt 

er ein Stipendium der deutschen Bundesregierung und 

absolvierte seinen Master in zeitgenössischer Musik 

an der Universität für Musik und darstellende Kunst in 

Frankfurt / Main. 

An die 300 Uraufführungen, darunter Meilensteine wie 

Luigi Nonos „Prometheus“ und Karlheinz Stockhausens 

„Gruppen“ markieren seinen künstlerischen Weg, 

dabei arbeitete er unter anderem mit dem spanischen 

Nationalorchester / Chor, dem Madrid Symphony 

Orchestra, dem Barcelona Symphonic Orchestra, 

Ensemble Modern (Frankfurt), Klangforum Wien, um 

nur einige zu nennen. Neuere und zukünftige Projekte 

entstehen in Zusammenarbeit mit dem Teatro Real, 

dem Teatro de la Zarzuela, dem Wiener Konzerthaus, 

RTVE, dem königlichen Sinfonieorchester von Sevilla 

, dem Bilbao Symphonieorchester, Aspekte Salzburg, 

der Elbphilharmonie Hamburg, dem Sampler Sèries 

Barcelona und dem spanischen Nationalorchester und 

Chor. 

PHACE 

Seit vielen Jahren zählt PHACE zu den innovativsten 

und vielfältigsten Ensembles zeitgenössischer 

Musik. Obwohl der Schwerpunkt auf klassischer 

zeitgenössischer Kammermusik liegt, beinhaltet das 

künstlerische Spektrum auch Musiktheaterproduktionen 

und spartenübergreifende Projekte mit Tanz, Theater, 

Performance, Elektronik, Installation und vielem mehr. 

Die 1991 von Simeon Pironkoff unter dem Namen 

„ensemble on_line“ gegründete Formation hat bisher 

an die 200 Werke uraufgeführt. Der aktive Kern des 

Ensembles setzt sich aus zehn MusikerInnen zusammen 

und wird regelmäßig durch MusikerInnen und Gästen 

aus verschiedensten Kunstdisziplinen erweitert und ist 

regelmäßig an verschiedenen Konzerthäusern und bei 

renommierten Festivals im In- und Ausland zu Gast. Um 

hier nur einige zu nennen: Festival d’Avignon, Salzburger 

Festspiele, Carinthischer Sommer, Wien Modern, Wiener 

Festwochen, Elbphilharmonie Hamburg, Salihara 

Festival Indonesien, und und und. 

Seit der Spielsaison Herbst 2012/13 bespielt PHACE 

seinen eigenen Zyklus mit vier Konzerten im Wiener 

Konzerthaus, seit 2015 veröffentlicht das Ensemble 

Aufnahmen unter dem gleichnamigen Eigenlabel PHACE. 

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Daisy Press 

Die Sängerin Daisy Press gilt heute als eine der prominentesten 

Interpretinnen experimenteller klassischer Musik der USA und 

Europas und ist des berühmten „House of Yes“ in Brooklyn. 

Dort arbeitete sie mit den besten Luftakrobaten, Tänzern und 

Zirkuskünstlern in unzähligen Werken wie etwa in „Ketamine: 

The Musical“, „The Xmas Spectacular“ und unzähligen 

anderen Aufführungen. Darüber hinaus ist Daisy Press die 

„Hohepriesterin“ für „Voice Cult“, einem zweimonatlichen 

Vokalworkshop, der eine Mischung aus Performance-Kunst, 

Heilritual und fröhlichem / respektlosem Singen in der 

Gemeinschaft darstellt. 

In Europa war Daisy Press zuletzt als Solistin an der Akademie 

der Künste in Berlin zu sehen, wo sie mit Trio Amos die 

Musik von Bernhard Lang sang. Unmittelbar davor war sie 

im Rahmen des ÖRF-Musikprotokolls in Graz zu Gast, wo sie 

zusammen mit dem Aleph Guitar Quartet drei bedeutende 

neue zeitgenössische Werke vorstellte: Bernhard Langs 

Liederzyklus „The Cold Trip“; Gerhard Winkers „Frostblues“ 

(Uraufführung) und „Basho“ des tschechischen Komponisten 

Martin Smolka (Uraufführung). Weitere Höhepunkte 2016 

waren eine Performance bei National Sawdust in Brooklyn 

mit drei von Hildegard von Bingens „Ursula Songs“. In 

Wien war sie Solistin in Bernhard Langs „Monadology XVIII 

‚Moving Architecture‘“ neben Ensemble Phace und mit der 

gefeierten österreichische Choreografin Silke Grabinger. 

Für ihre Interpretation von Morton Feldmans „Three Voices“ 

und Schönbergs „Herzgewächse“ bei MoMa in New York 

wurde sie von der New York Times als „unerschrocken“ und 

„leidenschaftlich“ gefeiert. 

Sie war mehrere Jahre als Leadbacking-Sängerin und 

Tänzerin für die Band „Chromeo“ tätig und trat mit ihnen auf 

der Late Show mit David Letterman, Conan, Late Night mit 

Jimmy Fallon, Lollapalooza, Coachella und als Headliner 

des Jazz Festival Montreal auf. Weiter zu nennen sind das 

musikalische Cameo in Regisseur Jonathan Parkers Film 

„(Untitled)“, laufende Auftritte von Morton Feldmans „Three 

Voices“, Bernhard Langs „DW2“ mit dem Argento Ensemble 

bei LPR und eine langjährige Zusammenarbeit in der Videooper 

„Whispering Pines 10“ mit dem Komponisten Nick Hallett 

und der bildenden Künstlerin Shana Moulton. Daisy Press 

arbeitete als Dozentin an der Manhattan School of Music, 

an der sie ihr Magisterstudium absolviert hatte. Danach 

studierte sie am Sarah Lawrence College und an der Oxford 

University. Die leidenschaftliche Lehrerin nutzt eine kraftvolle 

synergetische Mischung aus westlicher klassischer und Pop- 

Gesangstechnik, Klangheilung und nordindischen Ragas. 

Adrian Sit 

Adrian Sit erhielt seine Ausbildung als Hornist und Dirigent 

an der City University in Honkong und am Royal Conservatoire 

in Glasgow. Erfahrungen sammelte er bereits mit dem Hong 

Kong Baptist University Symphony Orchestra und der Hong 

Kong Chamber Wind Philharmonia. Er lebt und arbeitet in 

Glasgow. Als Gewinner der 1st International Conductors‘ 

Competition Augsburg winkte ihm - über das Preisgeld 

hinaus - ein Gastdirigat bei einem öffentlichen Konzert des 

Musikkorps der Bundeswehr, das mit dem Studiengang 

Blasorchesterleitung des Leopold-Mozart-Zentrums der 

Universität Augsburg kooperiert. 

Silvia Spinnato 

Die in Palermo geborene vielseitige Künstlerin studierte Klavier 

und Komposition am Konservatorium „V. Bellini“ und erhielt 

2005 das Gesangsdiplom in Mantova. Ihre Masterstudien in 

Chorleitung (Karl Kamper) und Gesang (Martha Sharp, Mario 

Diaz) schloss sie am Salzburger Mozarteum ab. Als Dirigentin 

besuchte sie die Meisterklasse von Peter Gülke anlässlich der 

Mozarteum Sommerakademie und schloss 2015 ihr Studium 

in Orchesterleitung mit Hans Graf am Mozarteum ab. 

Silvia Spinnato ist als Nachwuchs-Dirigentin Trägerin der 

Bernhard Paumgartner Medaille 2015 der Internationalen 

Stiftung Mozarteum und besuchte auch die Dirigier- 

Meisterklasse in der Järvi Academy, Tallin/Pärnu. 

Als Sängerin spezialisierte sie sich auf zeitgenössische Musik 

und trat mit verschiedenen Orchestern wie beispielsweise 

den Münchner Philharmonikern bei wichtigen internationalen 

Festivals auf. 

2008 gründete die Künstlerin den Verein „Musicacosi“, der 

bei zahlreichen Opernproduktionen mit Regisseur Eike 

Gramss zusammenarbeitete. Als Chorleiterin war sie unter 

anderem bei verschiedenen Opern (z.B. Zauberflöte, Don 

Giovanni, Eugen Onegin, Boheme oder Carmen) tätig. Darüber 

hinaus dirigierte sie das Universitätsorchester Mozarteum,

die Philharmonie Salzburg, die Südböhmische 

Kammerphilharmoine Budweis, die Bad Reichenhall 

Philharmonie, das Orchestra Sinfonica Siciliana und das 

Järvi Academy Youth Symphony Orchestra. 


Seit über 70 Jahren begeistert das Stuttgarter 

Kammerorchester durch seine Verbindung von Tradition 

und Gegenwart. Chefdirigent Matthias Foremny vermag 

das Ensemble vielseitig zu präsentieren und um wertvolle 

Impulse zu bereichern. Er erweitert das Repertoire des 

Orchesters regelmäßig durch die Wiederentdeckung 

selten gespielter Werke aller Epochen und ermöglicht so 

dem Publikum spannende Hörerlebnisse. 

Einen Akzent setzt das Stuttgarter Kammerorchester auf 

Neue Musik und arbeitet mit herausragenden Künstlern 

und Ensembles wie etwa Johannes Kalitzke, Rupert 

Huber, Peter Rundel, mit dem SWR Vokalensemble, 

den Neuen Vocalsolisten, dem Aleph Gitarrenquartett 

und dem ensemble ascolta zusammen. Zahlreiche 

Uraufführungen, beispielsweise von Michael Pelzel, 

Michael Wertmüller, Mauricio Sotelo, Robert Moran, 

Gerd Kühr und Helmut Oehring stehen für den Drang 

nach Unbekanntem und den Mut, neue Wege zu gehen. 

Das Stuttgarter Kammerorchester setzt damit den Weg 

seines einstigen Chefdirigenten Dennis Russell Davies 

fort und macht sich zu einer spannenden Suche in die 

Gegenwart auf; Davies ist dem Klangkörper bis heute als 

Ehrendirigent verbunden. 

In der Reihe SKO Sternstunden bringt das Orchester seine 

stilistische Bandbreite und die Lust am Experimentellen 

zum Ausdruck. So lassen etwa Konzerte mit dem 

legendären Avishai Cohen Trio, dem Jazzvirtuosen 

Richard Galliano oder die Fusion von Streicherklang 

und Flamencotanz Genregrenzen verschwimmen und 

erreichen damit auch Zuhörer jenseits des etablierten 

Konzertbetriebs. 

Darüber hinaus ist auch die Alte Musik ein wichtiger 

Bestandteil des Orchesterrepertoires. Die Musiker lassen 

sich auf Spieltechniken vergangener Jahrhunderte 

ein und machen durch ihre historisch informierte 

Aufführungspraxis ein authentisches Klangerlebnis 

erfahrbar. Einen weiteren Arbeitsschwerpunkt des 

Stuttgarter Kammerorchesters stellt die Zusammenarbeit 

mit verschiedenen Bildungseinrichtungen dar: In den 

Projekten des SKOhr_Labor begegnen sich Kinder und 

Jugendliche unterschiedlichster Herkunft und finden 

über das gemeinsame Musizieren zueinander. Außerdem 

wird durch die Kooperation mit der Hochschule für Musik 

und Darstellende Kunst Stuttgart Studierenden die 

Arbeit mit einem professionellen Orchester ermöglicht. 

Gemeinsame Konzerte mit international bekannten 

Solisten wie Renaud und Gautier Capuçon, Steven 

Isserlis, Nicolas Altstaedt, Gabriela Montero, Fazil 

Say, François Leleux, Paul Meyer uva. bestätigen die 

Spitzenposition des Stuttgarter Kammerorchesters. 

Für sein außergewöhnliches Engagement wurde 

dem Stuttgarter Kammerorchester der Europäische 

Kammermusikpreis der Europäischen Kulturstiftung 

verliehen. 

TRIO 3:0 

3:0 wurde eigentlich nie gegründet. 3:0 entstand eher 

zufällig, völlig ungeplant, es ist sozusagen passiert. 

Im Rahmen der vielen Feierlichkeiten in Salzburg, zu 

Wolfgang Amadeus Mozarts rundem Geburtstag im 

Jahr 2006, wurden die drei Musiker Eva Steinschaden, 

Detlef Mielke und Alexander Vavtar gemeinsam auf 

die Bühne gespült. Es galt eine Kammeroper – „Der 

Zauberspiegel“ – des österreichischen Komponisten 

Ludwig Nussbichler aus der Taufe zu heben. Ohne je 

vorher gemeinsam musiziert zu haben, jedoch mit 

reichlich kammermusikalischer Erfahrung in den 

verschiedensten Besetzungen ausgestattet, stürzten 

sich die drei Musiker, die sich natürlich kannten - 

Salzburg ist ein Dorf - in dieses Projekt. Und siehe da, es 

klappte vorzüglich. Die Presse schrieb: „Ein hinreißender 

und wertvoller Abschluss zum Mozartjahr 2006. Sicher 

einer der uneitelsten und nachhaltigsten Beiträge zum 

Mozartjahr überhaupt.“ An die Gründung eines Trios 

dachten die drei Musiker nach diesem Erfolg in keiner 

Weise, jeder ging wieder seiner Wege, und man verlor 

sich, musikalisch gesehen, aus den Augen. 

2008 war es dann wieder zeitgenössische Musik, die die 

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drei Musiker gemeinsam auf die Bühne brachte. Es wurde 

die Salzburger Erstaufführung des Klaviertrios von Friedrich 

Cerha aus dem Jahr 2005 realisiert, auf Einladung der „Aspekte 

Salzburg“. Die gemeinsame Arbeit war wieder spannend 

und lohnenswert, wenn auch sehr anstrengend, denn Cerha 

verlangt einem als Musiker so ziemlich alles ab. Und ein 

weiteres Mal wurde ein voller Erfolg eingefahren. Der beim 

Konzert anwesende Friedrich Cerha zeigte sich hocherfreut 

über die gelungene Aufführung seines Klaviertrios, und die 

Presse schrieb von „einer hochkarätigen Interpretation, die 

ausschließlich Anlass zur Begeisterung bot.“ Und wieder 

verloren sich die drei nach dem Konzert aus den Augen, 

warum auch ein Trio gründen? 

2010 wiederholte sich die Geschichte unter fast gleichen 

Vorzeichen. Abermals wurde ein Konzert für die „Aspekte 

Salzburg“ gestaltet. Diesmal standen die Uraufführung eines 

neuen Werkes von Gerhard Wimberger und die Aufführung 

eines Trios von Gerald Resch am Programm. Und einmal mehr 

gelang den drei Musikern ein tolles Konzert, von dem sowohl 

die anwesenden Komponisten, als auch das Publikum, restlos 

begeistert waren. Aber dem Ding einen Namen geben? Nein, 

warum auch. 

2011 folgte ein Konzert in Wien, neuerlich mit einem starken 

zeitgenössischen Schwerpunkt, allerdings auch mit Musik 

von Franz Schubert, und 2012 ein Konzert in Wels, mit 

ausschließlich zeitgenössischer Musik und einhelligem Lob 

der Presse für die drei Musiker. Und erst auf der Heimfahrt 

von Wels wurde entschieden, jetzt aber endlich doch ein 

Klaviertrio zu gründen und der erfolgreichen Zusammenarbeit 

ein Gesicht und einen Namen zu geben, sozusagen eine Form, 

denn der Inhalt war ja schon vorhanden. 

Und so entstand 3:0, durch Zufall und Fügung, nicht am 

Reißbrett, sondern aus Spaß am gemeinsamen Musizieren 

und aus der Freude heraus, jegliche Art guter Musik einem 

interessierten Publikum auf höchstem Niveau zu Gehör zu 

bringen. 

Conny Zenk 

Die Videokünstlerin und Performerin im Bereich visueller Musik 

studierte Digitale Kunst an der Universität für angewandte 

Kunst in Wien. Ihre Arbeiten werden auf zahlreichen 

europäischen und internationalen Festivals zeitgenössischer 

Musik, audiovisueller Kunst und Medienkunst präsentiert. 

Conny Zenk ist künstlerische Leiterin und Initiatorin von 

RAD Performance, einer mehrteiligen audio-visuellen 

Performance-Reihe rund um das Fahrrad. Sie ist Teil der Band 

„Cyberheikel tritt aus“ und visuelles Mitglied der Band „Ventil“, 

deren Musikvideo „Bulletproof“ 2017 den VIS-Award erhielt. 

Ihr aktuelles Programm „selfieDREAMER“ wurde vor kurzem im 

Rahmen des New Adits Festivals und im Austrian Cultural Forum 

London gezeigt. 2018 steht der Release der audiovisuellen 

Compilation „minimal_Bodies“ bevor. Derzeit arbeitet Conny 

Zenk an einem neuen Experimentalfilm: „LoveMe Tinder“.

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