ArtInnovation-Buch-2018

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A R T E D I T I O N
zeitgenössische Kunst
contemporary art
ARTINNOVATION
INNSBRUCK
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Impressum
Buchtitel: Artedition
ISBN: 978-3-903030-48-0
Herausgeber: Kunstverein Artinnovation
ZVR 683934621
A-6020 Innsbruck, Amraser Straße 56
Tel.: +43/ 676 4037089
info@artinnovation.at
www.artinnovation.at
Verlag Studia Universitätsverlag, Erscheinungsort Innsbruck, Dezember 2017.
Urheberrecht für das Buch: Kunstverein Artinnovation.
Urheberrecht Bilder: Teilnehmende Künstler/innen.
Urheberrecht begleitende Texte: Literat/innen.
Gestaltung: Hannes Senfter Ibk.
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A R T E D I T I O N
zeitgenössische Kunst
contemporary art
ARTINNOVATION
INNSBRUCK
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Kunstverein Artinnovation
Das Kunstbuch Artedition erscheint mit dieser zweiten Ausgabe 2018 im zweijährigen Intervall.
Nach 2016 wird auch dieses Mal ein breites Spektrum an internationalen bildenden Künstlern/innen und Kunstwerken,
mit dem Fokus deutschsprachiger Raum, vorgestellt.
Ergänzt durch Texte zum Thema Kunst, erfährt dieser Band eine weitere Bereicherung und die Literaten/innen
eine weitere Möglichkeit sich zu präsentieren.
Artinnovation hat sich zum Ziel gesetzt Kunst einer breiten und interessierten Öffentlichkeit näher zu bringen.
Ähnlich, wie dieses Buch seit seiner vorhergegangenen Ausgabe an Umfang und Inhalt zugenommen hat,
ist auch Artinnovation in den letzten Jahren kontinuierlich gewachsen. Eine Vielzahl von Ausstellungen
und Veranstaltungen hat ein immer größer werdendes Publikum erreicht und Künstler/innen
und Kunstinteressierte zusammengebracht.
Das Buch Artedition soll so auch wieder ein Bindeglied zwischen Kreativen und Kunstinteressierten sein.
Wir wünschen den Lesern/innen viel Freude, interessante Momente mit zeitgenössischer Kunst
und den beteiligten Kreativen weiterhin viele positive Eingebungen und Begegnungen im Sinne der Kunst.
Für den Kunstverein Artinnovation
Josef Rojko
www.artinnovation.at
info@artinnovation.at
Der Facettenreichtum des Kunstbandes „Artedition“ gewinnt in seiner zweiten Auflage durch die Mitwirkung ausgewählter
Autorinnen und Autoren eine zusätzliche, reizvolle Komponente.
14 in Tirol lebende Vertreterinnen und Vertreter der schreibenden Zunft geben mit ihren Aphorismen und Essays, ihrer Kurzprosa,
ihren Bildbeschreibungen und ihrer Lyrik dem vorliegenden Kunstbuch eine ganz ungewöhnliche, eine sozusagen
„artinnovative Note“, wobei sich die Texte zumindest im weitesten Sinn auf Kunst im Allgemeinen beziehen.
In diesem Zusammenhang sei dem Turmbund Innsbruck, vor allem Margit Jordan, für die freundliche Vermittlungstätigkeit
herzlich gedankt.
Waltraud Heschl
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Dr. Sabrina Falzone
Die Beurteilung zeitgenössischer Kunst ist ein vornehmes Handwerk, aber nicht immer ein einfaches Unterfangen.
Die verborgenen künstlerischen Aspekte der einzelnen Werke zum Vorschein zu bringen, ist das Ziel von jenen,
die im Bereich der Kunstwissenschaften professionell arbeiten und den Wunsch hegen, neue Sparten der Kunst zu entdecken
und kennenzulernen.
Die Werke noch unbekannter Künstler/innen bleiben dem breiten Publikum häufig verborgen,
da sie sich im Schatten bereits bekannter und populärer Persönlichkeiten bewegen und von diesen überstrahlt werden.
Es ist eine Herausforderung, wenn wir uns mit viel Einsatz, Ausdauer und Zielstrebigkeit darin versuchen,
außergewöhnliche Talente zu fördern und somit neue Facetten der zeitgenössischen Kunst aufzuzeigen,
was sich mitunter auch in der Veröffentlichung eines Kunstbuches wie dem vorliegenden manifestiert.
In diesem Buch werden neue Tendenzen der zeitgenössischen Kunst, sowie Entwicklungen dieser präsentiert.
Zudem werden aktuelle technische Ausführungsweisen und neue stilistische Methoden auf dem Feld der visuellen
Kunst und der Plastik ersichtlich.
Den Künstlern/innen kommt eine entscheidende Rolle hinsichtlich der visuellen Kommunikation zu,
welcher neben dem gänzlich kreativen Aspekt auch eine soziokulturelle Bedeutung beigemessen wird.
Die Kunstschaffenden erheben nämlich wie Sänger ihre kreative, zugleich aber auch schwache Stimme.
Diese gewinnt an Bedeutung, indem sie das Gewissen einer extrem passiven und gefühlslosen, teils auch tauben
und zynischen Gesellschaft wiederspiegelt. Hinsichtlich dieser Tatsache ist es die Aufgabe der Künstler/innen,
durch ihr Schaffen ihren Äußerungen Ausdruck zu verleihen und die teilnahmslose Gesellschaft wachzurütteln.
Der Schmerz der Künstler/innen, der sich in ihren Werken wiederspiegelt, verdeutlicht das Leiden der Allgemeinheit.
Die künstlerische Kreativität ist also dazu im Stande, mit Gewissenhaftigkeit und innerlicher Beherrschung Kunst zu schaffen.
Die Entstehung eines Kunstwerks basiert daher weniger auf dem Zutun des Individuums, sondern mehr auf gesellschaftlichen
Ereignissen. Ein Kunstwerk kann des Weiteren die interkulturelle Kommunikation erleichtern, indem der Austausch
zwischen einzelnen Personen, gar Völkern und Religionsgruppen aufgewertet wird.
Durch unsere Arbeit, durch die unterschiedlichen Fertigkeiten eines jeden Mitarbeiters des kunstwissenschaftlichen Fachbereichs
und durch unsere Hingabe, wünschen wir, die Aufmerksamkeit auf die unabdingbare soziale Rolle der Künstler/innen -
als vornehmes Sprachrohr der humanen Werte - zu werfen.
Sabrina Falzone
Kunsthistorikerin und ~ Kritikerin
www.sabrinafalzone.info
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Status Quo
Mein Vorwort in der „ARTEDITION 2018“ ging der Frage „Bildende Kunst – Quo Vadis“ nach. Hier möchte ich nun anknüpfen
und den aktuellen Status Quo aus meiner Sicht formulieren. In den letzten Jahren hat das Interesse an Kunst ungeahnte Ausmaße
angenommen, so dass das Investment „Kunst als Anlageform“ mehr als je an Bedeutung gewonnen hat.
Kunst bedeutet für mich eine der interessantesten Anlageformen, noch dazu mit persönlichem Mehrwert. Zur Wertsteigerung
am Kunstmarkt kommt man zusätzlich in den Genuss der Dividende „Freude am Kunstwerk“. Beim aktuellen Zinsniveau der
Banken greifen Sammler immer öfters zur „Aktie an der Wand“.
Eine bekannte New Yorker Galeristin, welche sich auf junge Kunst spezialisiert hat, sagte in einem Interview, sie sei frustriert,
weil die Kunden nur mehr auf die Marke, also den Namen der Künstler, setzen. Die sogenannten „big names“ gelten wohl als
relativ risikolose Option. Ich mache jedoch immer wieder die Erfahrung, dass es umso mehr viele Kunstfreunde und –sammler gibt,
die daneben auch aufgeschlossen sind für junge vielversprechende „Frischlinge“ am Kunstmarkt und ebenso für Künstler, welche
zwar durch Qualität in ihren Arbeiten überzeugen, jedoch den Rückzug und die Stille dem Rummel der Öffentlichkeit vorziehen.
Eines ist unumstritten - um am Kunstmarkt wirklich fundiert und adäquat Fuß fassen zu können, sind Galeristen bzw. Kunstvermittlungsinstitutionen
für Künstler unerlässlich. Ein Großteil der Galerien und Kunsthändler betreiben neben der stationären
Galerie auch eine Online-Präsenz. Ein reiner Online-Anbieter kann hingegen für Künstler nie die qualitätsvolle Aufbauarbeit eines
fundiert arbeitenden Galeristen bieten. Manche Künstler sind sehr wohl geniale Selbstvermarkter. Allerdings werden sie dabei
verhaftet bleiben, denn der Weg über Galerien wird ihnen damit verwehrt.
Und last but not least - „Kunstmessen sind nach wie vor der exklusive Markplatz“ titelte Lea Schweinegger im Börsenkurier
vom Juli d.J.
Dem schließe ich mich uneingeschränkt an. Kunstmessen mit internationaler Ausrichtung wie die ART INNSBRUCK,
ART SALZBURG CONTEMPORARY und viele andere bekannte Messen sind sehr wichtig für Galerien und Künstler, da ihre Arbeiten
hier in geballter Form gegenüber dem Sammlerpublikum präsentiert werden. Darüberhinaus können auf Messen weitreichende
Kontakte mit anderen internationalen Kunstschaffenden geknüpft und attraktive weitere Ausstellungsmöglichkeiten gewonnen
werden.
Mit diesen Gedanken wünsche ich den Kunstliebhaber/innen viel Freude beim Kunstgenuß mit dem vorliegenden Kunstband
und wertvollen Nachschlagewerk „ARTEDITION 2018“.
Ihre Johanna Penz
Gründerin und Direktorin der
ART INNSBRUCK – INTERNATIONALE KUNSTMESSE
ART SALZBURG CONTEMPORARY & ANTIQUES INTERNATIONAL
@Die Fotografen
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Wohin geht der Trend?
Als Galerist werde ich oft gefragt, welche Trends derzeit besonders interessant sind. Die meisten wollen dann Namen hören,
die sie von den großen Veranstaltungen wie Biennale oder Documenta kennen. Diese Hotspots bedienen zwar – allein durch ihre
bombastische Größe – die Sensationslust der Medien und mobilisieren Massen, aber sie sind kein objektiver Spiegel für die
vielfältigen Trends der gesamten Kunstwelt, sie sind eher ein Zerrspiegel.
Wenn die Strohfeuer in Venedig und Kassel vorbei sind, stellt sich die Frage was bleibt. Waren die 1990er Jahre dominiert von
abstrakt-expressiver Malerei und die 2000er Jahre im Fahrwasser der Leipziger Schule vorwiegend realistisch-figurativ, so kann ich
in den 2010er Jahren keinen dominanten Strom erkennen. Es gibt aber viele Flüsse und Nebenflüsse, an deren Ufern verschiedene
Entwicklungen der Kunst auf fruchtbaren Boden fallen.
Es gibt einen Trend, der sich immer durchsetzen wird und der mit einem Wort charakterisiert werden kann: Qualität.
Und wie definiert man Qualität? Das Wichtigste an der Qualität von Kunst ist die ITÄT, ansonsten wird sie zur Qual für den
Betrachter. Das ist nicht nur ein Wortspiel. ITÄT steht für
I = Idee
T = Technik
Ä = Ästhetik
T = Thema
Das sind die elementaren kompositorischen Kriterien, mit denen man jedes Kunstwerk bewerten kann.
Und zwar das Kunstwerk an sich und nicht die Markt- und Marketing-Faktoren, wie Name des Künstlers, Popularität, Sexappeal
oder sonstige Qualifikationen, die für einen Erfolg des Künstlers in Zeiten der Starkultur wichtig sind. Grundsätzlich muss man
klarstellen, dass es in der Bewertung von Kunst um das Kunstwerk geht und nicht um den Künstler. Auch nicht um den Preis,
denn dann müsste man richtiger Weise von „Bepreisung“ sprechen. Auf Englisch klingt es besser:
Man muss zwischen Valuation und Pricing unterscheiden.
Daraus folgt für mich logisch: Wertvoll sind Kunstwerke mit einem guten Preis-Leistungs-Verhältnis.
Dabei liegt die „Leistung“ eines Kunstwerkes in seiner Qualität. Und die andere Seite eines ausgewogenen
Wertverhältnisses ist der Preis. Abgehobene Preise „Jenseits von Gut und Böse“, bei denen man nur für einen Namen,
ein „Label“ bezahlt, sind sicher keine Garantie für Werthaltigkeit. Dies wird aber oft suggeriert: Gute Kunst ist teuer.
Die Suggestivkraft dieser Aussage paralysiert bei vielen Menschen die Urteilskraft. Denn es gibt in Wahrheit viel gute Kunst,
die zu sehr günstigen Preisen erhältlich ist. Umgekehrt gilt: Es gibt oft auch schlechte Kunst zu hohen Preisen.
Aber das darf man nicht laut sagen.
Wer imstande ist, sich eine eigene Meinung zu bilden, wird leicht erkennen, dass es außerhalb der gehypten Großevents
viele kleine Veranstaltungen und Initiativen gibt, wo wertvolle Kunst gezeigt wird. Die Artedition ist eine Möglichkeit,
solche Kunstwerke zu finden.
Hubert Thurnhofer
www.kunstsammler.at
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Plädoyer für die Vielfalt!
Ist es nicht schön, die Wahl zu haben? Aus einer Vielzahl von Möglichkeiten, die herauszusuchen, die mir am besten gefällt?
Bei diesem Buch haben sie die Wahl. Die Herausgeber haben ein Vielzahl an künstlerischen Positionen zusammengetragen
und in einem Buch zusammengefasst. Wie angenehm für uns Leser, dass sich schon jemand für uns auf die Pirsch begeben hat,
um uns eine breite Auswahl anzubieten. Das ist das Kunststück eines jeden Kurators oder eines Herausgebers: Eine Vorselektion
zu treffen, ohne den Rezipienten zu bevormunden.
In diesem Buch finden Sie Gegenständliches, Abstraktes, Unverständliches, Kompliziertes, Profanes, Dekoratives, Intellektuelles,
Buntes, Monochromes; und das von Künstlern unterschiedlichen Geschlechts, Alters und Herkunft. Nein – Sie müssen nicht alles
toll finden. Auch ich kann mit einigen Arbeiten wirklich gar nichts anfangen. Andere aber faszinieren mich umso mehr.
So sind wir Menschen nun mal - genauso wie unsere Geschmäcker: Verschieden! Und das ist auch gut so. In diesen irritierenden
Zeiten kann Kunst Orientierung bieten. Sie hilft dabei einen verbalen Austausch zu fördern, kommuniziert gleichzeitig nonverbal
und kann die unterschiedlichsten Menschen in ihrem Innersten berühren.
Kunst will Alternativen präsentieren, sie sinnlich erfahrbar machen. Sie darf dies abstrakt tun und hyperrealistisch, gegenständlich
oder ungegenständlich, mit Anspruch oder ohne: Sie darf auch ganz einfach mal Dekor sein - ganz wie es ihr beliebt. Wobei es
schwer fällt, von „IHR“ zu sprechen, denn die eine Kunst gibt es nicht. Es ist ihre weltweite Vielfalt, Unterschiedlichkeit,
ihre nahezu unendlichen Ausprägungen in all den verschiedenen Ländern dieser Erde, die zu ihrem Faszinosum beiträgt.
Wie geht es der Kunst eigentlich? Eine schwer zu beantwortende Frage. Noch nie wurde so viel Geld – auch inflationsbereinigt –
für Kunst ausgegeben. Die Medien vermelden immer wieder Auktionsrekorde für moderne Kunst. Und das trotz der Erkenntnis,
dass Qualität und Preis nicht zwangsläufig etwas miteinander zu tun haben müssen. Und dabei leben viele Künstler und Galeristen
in einer Form der Selbstausbeutung.
Durch die modernen Medien nehmen immer mehr Menschen an dem weltweiten Kunst-Spektakel teil. Aber trotzdem ist die
bildende Kunst immer noch nicht in der Mitte der Gesellschaft angekommen. Vielleicht möchte sie dort auch gar nicht hin?
Die menschliche Kreativität ist ein nie versiegender Rohstoff. Einen Beweis halten Sie mit diesem Buch gerade in Händen.
Genießen Sie die Vielfalt!
Jörgen Golz
Messedirektor
BERLINER LISTE
KÖLNER LISTE
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Anton Amort
Kunst im Weinkeller
Die dominierende Stahlbandarbeit von Anton Amort über den Eingang des Kunstkellers zeugt von hoher handwerklichen Qualität. Die verbindende Kraft
von Stahlbändern bei Weinfässern künstlerisch aufzulösen, die Bänder zu öffnen, ihnen Licht zu geben und mit den Mitteln zeitgemäßer Beleuchtung
zu einem strahlenden Symbol zu entwickeln ist ein kreatives Meisterwerk. Der Kunsthistoriker Josef Farnik schreibt im 2011 erschienen Katalog zur
Arbeitsweise von Amort: „Auf dem Geist der Um- und Aufbruchsstimmung seiner Vorbilder in der Geschichte der Kunst des 20. Jh. Aufbauend, versucht
Anton Amort durch Wiederverwendung, Umformung und Zusammenführungen realer Dinge, neue Wege ästhetisch erzählender Formfindung.“
Anton Amort ist es gelungen ein Werk zu schaffen, das mit handwerklicher Meisterschaft, kunstvoller Gestaltung, zeitgemäßer Lichtkunst die Vergänglichkeit
unseres Seins überzeugend veranschaulicht. Er schuf damit ein weithin sichtbares beeindruckendes Symbol für KIWK (kunstimweinkeller).
Helmut Hable
www.antonamort.com
„Kugel Anton“, 2017, aus Stahlbändern und Weinfassringe geschweißtes Stahlobjekt, Dm 2,5 m, Gesamthöhe mit Stahlsockel 3 m
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Eva Bakalar
Materialbilder und Objekte der Künstlerin eröffnen ungewohnte Sichtweisen auf Themen, wie Ökologie, Konsum, Naturwahrnehmung,
Design oder wirtschaftliche Nachhaltigkeit. Durch die Verwendung und Kombination von allseits bekannten Alltagsgegenständen stellt sie in ihrem meist
objekthaften, mit Transparenz und der Zwei- und Dreidimensionalität spielenden Arbeiten neue inhaltliche Bedeutungsebenen her und eröffnet ungewohnte
Sichtweisen auf die Ästhetik eines Materials.
www.bakalar.at
www.contrapunktum.at
„Flaschenpost“, oder „Water for Everyone“, 2016, Mineralwasserflaschen-Bruch in Kunstharz
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Katharina Baldauf
Das Abstrakte oder auch das Gegenständliche als verspielte Liaison inspiriert die Künstlerin immer wieder aufs Neue.
Die Reduktion „leiser“ Farben und Formen soll die in sich ruhende Botschaft den Betrachter vermitteln.
Katharina.Baldauf@gmail.com
„Einklang“, 2017, Acryl, 60 x 80 cm
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Dhira Sarah Barein
Die Künstlerin lebte viele Jahre ihrer Jugend in Indien und in Spanien. So haben die Kulturen dieser Länder ihren Stil stark beeinflusst. Der Betrachter sieht
in ihren Bildern sinnenfrohe Figuren vor Hintergründen in abstrakten Farbverläufen, die den Eindruck märchenhaft-paradiesischer Traumwelten hinterlassen.
Ihre Sujets sind geprägt von idealistischen Weltbildern, wo Menschen, Tiere und Umwelt miteinander in friedlicher Harmonie leben.
www.dhira-art.com
sarah@dhira-art.com
„soldier and pigeons“, 2017, Mischtechnik auf Leinwand, 70 x 100 cm
S. 17:„Dreamer“, 2016, Mischtechnik auf Leinwand, 105 x 105 cm
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Ulrich Barth
Ulrich Barth ist ein informell experimenteller Maler. Er vereinigt in seinen Bildern Farbe, Handschrift und Spontaneität zu einer komplexen leichten Malerei.
In vielen Malprozessen setzt er eine teils grafische, teils plakative Zeichenproduktion in Gang und sucht dies spannend im Format zu etablieren.
Die dazugehörigen Titel entstehen erst, nachdem das Bild fertig ist und werden als Kommunikationsantrag begleitend der jeweiligen Arbeit angehängt,
sie können das Werk aber nicht erklären.
www.ulrichbarth-malerei.de
„Orange liebt die Weite und Rot den Sprung in die Tiefe“, 2017, 85 x 130 cm
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am schreibmarkt
sich ein sprachlos kaufen
los los kaufen
texte gewinnen wohl
eher als ein sprachvermögen
los texte texte
bücher bekommen oder
gutscheine zum weiterlesen
alles ist sprache heißt die regel
der stoff aus dem die wörter sind
sind wieder wörter
findet ihr hinein
ein lotteriespiel also
ohne verlierer wer begreift
und nicht besitzen und behüten will
in gedichten privatimer art
Josef Paul Beneder
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Christiane van Beek
Die Natur ist in ihrer komplexen Formen- und Farbenvielfalt der Nährboden für die Malerei von Christiane van Beek.
In ihren Landschaftsbildern bleibt die menschliche Gestalt außen vor. Weder Bildfiguren noch Zeugnisse zivilisatorischer Einflüsse treten in Erscheinung,
so dass der Betrachter unmittelbar in die Landschaft eintauchen kann. Christiane van Beek gestaltet keine realen Abbilder, sondern schafft vielmehr
eigene Landschaftsräume, in denen an vermeintlich Vertrautes erinnert wird.
www.christiane-vanbeek.de
christiane.vanbeek@yahoo.com
„Hopfensee“, 2016, Öl auf Leinwand, 120 x 150 cm
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das freie wort
ob gipfelmetapher
marianengraben oder
gazastreifen ein wort
soll nur aus seiner
rundum-perspektive
wort sein daraus
gelöst seine 360°
mit all den fenstern
zu anderen sprachen
lebenslagen im blick
gewesen bevor auf
umwelt angewinkelt
Josef Paul Beneder, geboren 1980 in Innsbruck.
Wuchs heran auf Gipfeln und in Talschlünden.
Studium „Christliche Philosophie“.
Schreibt vor allem Lyrik.
Buchveröffentlichung zuletzt: Zeilenschnüre. Gedichte.
Traugott Bautz Verlag (2013).
Anthologiebeiträge beim Turmbund Inns- bruck in: atemzweige (2009),
zwischen zeigern und zeilen (2013) und in:
„Reihe Lyrik der Gegenwart“ vom Feldkircher Lyrikpreis 2016
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Maria-Anna Bergsmann
Maria-Anna Bergsmann (*1948) ist seit 1988 freischaffende Künstlerin mit Schwerpunkt Darstellung des menschlichen Körpers in Malerei und Bildhauerei.
Immer schon war es ihr wichtig, ihre eigene Bildersprache zu entwickeln wobei es ihr Freude macht, mit verschiedensten Materialien zu arbeiten.
So wird das Thema Mensch immer wieder neu interpretiert und durch Neues ersetzt.
www.atelier-bergsmann.at
atelier-bergsmann@hotmail.com
Installation, 2008, Stahl-Spagat-Karton, 94 x 100 cm
S. 23: ohne Titel, 2010, Eisendraht, H = 71 cm
S. 24: ohne Titel, 2014, Mischtechnik auf Holz, 100 x 138 cm
S. 25: Trilogie, 2014, Eisendraht-Folie, H = 156 cm
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Monika Bidner
Den Fokus legt die vielseitige Künstlerin bei Ihren Arbeiten auf das Experimentieren mit verschiedenen Materialien.
Durch interessante Oberflächengestaltungen erhalten Ihre Strukturbilder eine ganz besondere, eigene Note. Auch beim Rakubrand Ihrer Werke
spiegelt sich dieses experimentieren mit jedem Tonobjekt aufs Neue und mit großer Begeisterung und Freude wieder.
www.monika-bidner.at
art@monika-bidner.at
„smiling Buddha“, 2014, Rakubrand mit Kupferoxid
S. 27: aus der Serie 4 Elemente „Wasser“, 2016, Mischtechnik Acryl auf Holzkörper, 80 x 80 cm
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Monika Biermann
Kein Tag vergeht, ohne dass Monika Biermann den Kontakt zur Natur sucht. Bei jeder Wetterlage setzt sie sich den Eindrücken der Landschaft aus
und begegnet ihr täglich mit neuem Blick: Selbst vertraute Gegenden nehmen Tag für Tag ein neues Gesicht an - in Abhängigkeit der Jahreszeit,
der Wetterbedingungen, der Lichtstimmung, und nicht zuletzt der eigenen „gefärbten“ Wahrnehmung als mächtiges Instrument jedes künstlerischTätigen.
Ihre tiefe Verbundenheit mit der Natur widerspiegelt sich alleine im homogenen Charakter ihres Schaffens: Bereits der erste Blick auf ihr Gesamtwerk
wirkt wie eine einzige Liebeserklärung an die Natur.
www.monika-biermann.ch
biermannmonika@gmx.ch
ohne Titel, 2017, Öl auf Leinwand, 60 x 60 cm
S. 29: ohne Titel, 2011, Öl auf Leinwand, 100 x 100 cm
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Jürgen Blank
Für seine Arbeiten ist das Zusammenspiel zwischen Farbe und Struktur von großer Bedeutung. Makro-und Mikrostrukturen, wie z. B. von Mauern, Böden,
Wasseroberflächen oder sonstigen Materialien geben dem Künstler den Anstoß für seine Bilder. Dem Künstler geht es nicht darum, das Gesehene eins zu eins
abzubilden, sondern individuelle Kunstwerke entstehen zu lassen. Vorwiegend wird in Acrylmischtechnik gearbeitet.
www.kakteenundmehr.de
birgit.blank1@gmx.de
Aus der Reihe Atelier Erde, 2014, Schüttbild mit Struktur, 100 x 100 cm
S. 31: Landschaft abstrakt, 2015, Schüttbild mit Struktur, 80 x 80 cm
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Brigitte Böckels
Die Vielseitigkeit der Ausdrucksformen, bei Brigitte Böckels, markieren einen Anfang und ein Ende. Diese findet sich im Material sowie in der
experimentellen Verarbeitung und künstlerischen Gestaltung wieder. Die verschlungene Figur adaptiert den Jugendstil, der auf die Grundstruktur reduziert ist.
Es gibt einen Anfang und ein Ende. Diese Einheit wird durch die Acht als Symbol ausgedrückt.
www.brigitteboeckels.de
kontakt@brigitteboeckels.de
„Die Acht“, 2015, Gips, Styrodur, Binder und Pigmente Objekt ohne Metallsockel: B 86 cm, H 56 cm, T 19 cm, incl. Metallsockel: H 169 cm
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Kunsthistorisches
Insgesamt ist der Kubismus eine runde Sache.
Der Impressionismus beeindruckt mich immer wieder,
während der Futurismus von Beginn an keine Zukunft hatte.
Barock ist Renaissance mit Mumps.
Der Historismus hat auch schon bessere Zeiten gesehen.
Im Rokoko, im Rokoko wurde das Barock erst richtig froh.
Die Pointillisten brachten die Malerei auf den Punkt.
Für Malewitsch sehe ich Schwarz.
was kann dinsky besser als mahler?
Klee kam 1879 in Bern zur Welt, wurde auf den Namen Paul getauft
und später in München als Paul Klee weltberühmt.
Cheops hat die Große Pyramide zwar nicht eigenhändig erbaut,
schätzte sie aber trotzdem.
Klimt war noch im hohen Alter ein Meister des Jugendstils.
Mir ist immer noch rätselhaft, warum Leonardo da Vinci ausgerechnet
die Mona Lisa gemalt hat - wo die doch schon jeder kennt.
Benno Meliss, zu verschiedenen Anlässen wie Feiern, Ausstellungen etc.
verfasste der Autor schon seit vielen Jahren Texte, Kurzgeschichten oder Farcen.
Dazu kamen surreale Reimereien, Limericks und derlei Dinge, die sich dann
in ihrer kürzesten Form als Aphorismen oder Sentenzen verdich-teten.
Deren einige zum Thema „Kunst“ seien hier versammelt.
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Bogo Bogomil
Der Künstler Bogo Bogomil befasst sich seit 10 Jahren mit der Natur, und hat dabei das Herbstlaub in den Mittelpunkt seines Schaffens gerückt.
Es sind die Farben, die ihn inspirierten, die im Endstadium des absterbenden Blattes hervortreten. Aber nicht nur die Farben, sondern auch die verzerrten
Spiegelungen vom Laub an der Wasseroberfläche seines Gartenteiches, die für den Bruchteil einer Sekunde auch surrealistische Züge annehmen,
sind in seinen Werken erkennbar. Bei seinen Arbeiten geht immer erst eine Zerstörung der Motive voraus, um danach etwas Neues zu schaffen.
www.bogomil-koch.de
„Herbstlaub vom Essigbaum“, 2013, Öl auf Baumwollgewebe, 90 x 90 cm
S. 35: „Bergahorn und Spitzahorn“, 2013, Öl auf Baumwollgewebe, 90 x 90 cm
S. 36: „Herbstlaub unbekannt“, 2014, Öl auf Baumwollgewebe, 90 x 90 cm
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Brigitte Bosshammer
Die großformatigen Gemälde der im Raum Rosenheim lebenden, freischaffenden Künstlerin sind vom kontrastreichen, kraftvollen Farbzusammenspiel,
Bewegung und Dynamik gekennzeichnet. Durch die Loslösung von echten Gegenständen und realer in der Natur gegebenen Formen werden im Verlauf
des kreativen Schaffensprozesses versteckte Botschaften in die abstrakten farbigen Bilder eingebaut. Betrachter interpretieren ihre Werke ganz unterschiedlich
und spüren häufig die über das Gemälde transportierte Energie. Für die Künstlerin selbst ist die Macht der Farbe das Wichtigste. Sowie:
„Wenn ich keine Energie spüre, ist es noch nicht mein Bild, und ich arbeite weiter daran!“
Internationale Studienaufenthalte, Malexkursionen und Reisen nehmen Einfluss auf das künstlerische Schaffen von Brigitte Bosshammer.
www.atelier-bbo.de
„Gedankenspuren“, 2017, Acryl auf Leinwand, 95 x 120 cm
S. 39: „Geheime Botschaft“, 2017, Acryl auf Leinwand, 120 x 95 cm
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Tina Brauckmann
Die bildnerische Umsetzung von nicht real
Darzustellendem, wie Bewegungen und
Vernetzungen, die oft nur spürbar und in
stiller Zwiesprache erfolgen, geben den Ölbildern
von Tina Brauckmann einen faszinierenden
Fokus.
In ihrer Bild- und Farbsprache findet Tina
Brauckmann ihre eigene spezielle Ausdrucksweise,
auf der einen Seite und durch den
Kontrast zwischen dem Zarten, Amorphen,
Verflüchtigenden und dem Harten, Starken,
auf der anderen Seite. Linien werden zu
lebensspendenden Adern des Bildes, die Ort
und Gegenstand akzentuieren zu einer
abstrakten Begrifflichkeit.
www.tinabrauckmann.com
info@tinabrauckmann.com
„Moorgeflüster“, 2017,
Öl auf Leinwand, 50 x 70 cm
S. 41: „Pfadgänger“, 2017,
Öl auf Leinwand, 90 x 90 cm
S. 42: „Rentiere auf dem Eis“, 2015,
Öl auf Leinwand, 90 x 90 cm
S. 43: Bild: „Tauwetter“, 2016,
Öl auf Leinwand, 60 x 50 cm
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Christina Bronisch-Mann
Christina Bronisch-Mann setzt sich mit den Gesetzmäßigkeiten der Wahrnehmung auseinander.
Sichtweisen verändern Sinnzusammenhänge, schaffen Realitäten, die sich, je nach Standpunkt des Blickwinkels, verändern.
Jede Form steht für sich und ist gleichzeitig Teil einer anderen. Minimale Veränderungen der Formen oder deren Ausrichtung zueinander,
lassen neue Inhalte und damit Bildaussagen entstehen.
www.malselbst.de
„Changing Views I“, 2017, Öl auf Dibond-Platte/Mischtechnik, Diptychon 80 x 110 cm
S. 45: „Changing Views II“, 2017, Öl auf Dibond-Platte/Mischtechnik, Diptychon 80 x 110 cm
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Leo Brunschwiler
Der Künstler liebt es, direkt auf die Wand oder transparenter Folie zu zeichnen. Die ‹Walldrawings› werden damit beim Entstehen auch als physischer
Akt erlebt. Historische Darstellungen von Tieren, wie z.B. dem berühmten Nashorn von Albrecht Dürer animieren den Künstler zu einer Verfremdung.
Durch Vergrößern und Bemalen wird der rund 500jährige Holzschnitt neu interpretiert. Gerne integriert Leo Brunschwiler den eigenen Körper
in die großen Wandzeichnungen. So wird das Werk zu etwas ganz Neuem weiterverarbeitet und eine Differenz zum Original geschaffen.
www.lbk.ch
info@lbk.ch
„Ich bin ein Nashorn - Hommage an Albrecht Dürer“, 2014, Mixed Media auf Transparentpapier, 300 x 425 x 2,7 cm
S. 47: „Bär - Hommage a Conrad Schnitt“, 2014, Mixed Media auf Transparentfolie 220 x 325 x 2,7 cm
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BUJA
BUJA – Fabulant und Irritator
BUJA kombiniert und zitiert in seinen Bildern allseits bekannte Ikonen der Kunst-, Medien- und Alltagswelt. In diese Zugriffe schieben sich permanent irritierende
Verknüpfungen, die das zuvor bildhaft Abgesicherte und Geklärte infrage stellen, verrätseln, absurd werden lassen. Mit Verniedlichungen und Pathos
betreibt BUJA ein Fabulieren in Bildern, produziert immer neue, überraschende Sinnschichten und lässt Banales Kunst werden. Er betreibt dabei eine Art existenzielle
Sinnsuche, die vor allem dem Guten und Schönen in der Welt und in sich selbst auf der Spur ist. Er wäre jedoch nicht BUJA, wenn er das Ganze nicht
mit einem doppelten Boden unterwandern würde.
Prof. Mario Urlaß / Heidelberg
www.buja-art.com
rene.burjack@web.de
„Marienwürmchen“, 2017, Lack/Acryl auf Leinwand, 150 x 310 cm
S. 49: „Froschkönigin”, 2015, Lack/Acryl auf Holz, 108 x 157 cm
S. 50: „Swing Judith Swing“, 2016, Lack auf Beton, 80 x 120 cm
S. 51: „the dead rabbits twist contest“, 2016, Lack/Acryl auf Papier, 70 x 50 cm
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Margit Buß
Das künstlerische Arbeitsfeld von Margit Buß ist abstrakt / informell / experimentell.
Prozesshaft arbeitet sie mit der Eigenständigkeit und Eigendynamik der Farben ... die Eigenwertigkeit der Farben steht im Fokus ihrer Malerei.
Durch jahrelange intensive Studien des Farbmaterials ist sie zu dem Schluss gekommen, dass Alcydharz- und Acryllacke am besten für ihre Malerei geeignet sind.
Sie hat herausgefunden, wie sie gegen und miteinander reagieren. Dieses Wissen macht sie sich zunutze. Jeder Versuch im Atelier wird notiert, um auf Bedarf abrufbar
zu sein. Auf diese Weise ist die Künstlerin Margit Buß in der Lage, was einmal aus einem Zufall heraus entstanden ist, exakt zu wiederholen. Sie lässt der Farbe
ihren Willen, um sie hinterher für sich arbeiten zu lassen.
Es geht ihr nicht um die Darstellung einer bestimmten Form oder eines bestimmten Motivs,Textur und Herstellungsweise eines Bildes, sondern auch um die Materialität
der Farbsubstanzen, um die Farbreaktionen, die spannende Strukturen bilden. Dies steht im Fokus ihrer Aufmerksamkeit. Es geht um das Material Farbe - aber
nicht nur: Die Künstlerin untersucht die eigenen Gesetze des Materials und teilt ihnen eine wichtige Rolle bei der Entstehung von amorphen Formen und der
Gestaltung von Farbflächen zu. So bringt sie während des Malprozesses Kalkül und Zufall zusammen und Zeitgeist, Gelebtes und Empfundenes malerisch in Einklang.
www.margit-buss.de
www.galerie-root.de
WN141, 2016, Acryllack/Holz, 68 x 172 cm
S. 53: WN140, 2016, Acryllack/Leinwand, 40 x 40 cm
S. 54: WN144, 2016, Acryllack/Leinwand, 100 x 100 cm
S. 55: WN143, 2016, Acryllack/Leinwand,120 x 100 cm
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54

55

Karin Byrne
Karin Byrne, eine Tiroler Künstlerin,
beschäftigt sich seit 2004 vermehrt mit
klassischen Drucktechniken, unter anderem
Radierungen und Aquatinta auf
Zink und Kupferplatten. Mit der Radiernadel
zeichnet sie auf die Metalloberfläche
spontan erfundene Gebilde mit
vegetabilem Charakter. Es folgt der erste
Zustandsdruck, um die Ausgewogenheit
der Komposition zu erwägen. Mittels der
Aquatintatechnik erfolgt die vertiefende
raumgreifende Gestaltung mit flächenhaften
Tonwertabstufungen.
Das händische Einreiben oder Einwalzen
von Farbe und das gezielte Auswischen
bietet ihr ein lustvolles Experimentieren
unterschiedlicher Wirkungsweisen.
Im Gegensatz zur freien Gestaltung greift
sie Problemstellungen auf, um sie bildhaft
umzusetzen.
www.karin-byrne.at
karin@byrne.at
„Handtour“ (Totentanz) (19/20), 2005,
Aquatintaradierung, 16,3 x 12,3 cm
S. 57: „Microcosmic Chaos”, 2010,
Kaltnadelradierung, 19,5 x 19,6 cm
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57

Michéle Carg
Starke Einflüsse von Surrealismus und Orphismus machen sich deutlich in den Werken der Künstlerin bemerkbar.
Einfache magische Formen und Farben gewinnen an Gestalt und Inhalt.
Die weitgereiste Malerin, in Zürich geboren, ist weit über ihre Landesgrenze bekannt. Michéle Carg versteht es, mit ihren Bildern den Betrachter in eine
Fantasiewelt zwischen Traum und Wirklichkeit zu entführen. Die Inspiration von Theater und Musik, sich und ihre Bilder immer wieder neu zu erfinden,
ist für die Künstlerin eine Herausforderung die sie glücklich macht. Was die Werke alle miteinander verbindet, ist die Gabe uns durch ihre Kunst zu begeistern.
www.michelecarg.com
michele.carg@gmx.net
„Mephisto“, 2013, Künstler-Pastellkreide, 52 x 71 cm
58

Ein Ausschnitt
Es ließ sich nicht vorhersagen, wann der Walder Herbert zum Neuwirt kam und
sich hinten an der Bar auf einen der Barhocker setzte, deren Rinderhautbezüge
schon in meiner Kindheit haarlos gewesen waren. Manchmal kam Herbert zwei
Mal am Tag, vier Mal die Woche vorbei oder einen ganzen Monat lang gar nicht.
Er bestellte sich ein Bier und sprach mit jedem, der gerade neben ihm saß.
Meistens ging er nach diesem Bier, doch gelegentlich blieb er und ich durfte
ihm ein zweites Helles bringen. Dann passierte es, dass er in seiner Jackentasche
kramte und einen Bleistift hervorholte, Zeichenkohle oder Rötel. Ich musste ihm ein
Stück Papier besorgen, wenn er seinen Skizzenblock nicht eingeschoben hatte,
weil er sonst einfach auf das Holz des Tresens zeichnete. Alle hatte er schon
gemalt. Niemand hatte sich dagegen gewehrt, denn malen, das konnte er.
Sein Stift tanzte über das Papier und erstellte Porträts, die er verschenkte,
obwohl seine Zeichnungen in der Galerie vierstellige Summen kosteten.
Die Stammgäste zeichnete er, zufällig anwesende Wanderer, meine Eltern und
das wechselnde Personal, sogar Madonna, unsere Dalmatinerhündin,
nur mich nicht.
Er skizzierte zum dritten Mal den Lederer Simon, da fragte ich ihn, ob er nicht
auch mich einmal zeichnen könne. Irritiert sah er von seinem Blatt auf und mir
ins Gesicht, bevor er weiterzeichnete, als habe er mich nicht gehört.
So schnell gab ich nicht auf. Ich erklärte, er habe alle schon gemalt, manche
mehrfach, nur mich noch nie. Ein klein wenig bettelte ich sogar.
Nachdem Herbert das fertige Portrait von Simon signiert hatte, wandte er sich
mir zu. Widerwillig, wie mir schien. Der Bleistift jagte gewohnt flink über das
Papier, doch Herberts Fingerknöchel leuchteten weiß, so fest hielt er den Stift.
Keine Minute später riss er das Blatt aus dem Block. Ein schmaler weißer
Papierstreifen blieb zurück. Er reichte mir das Blatt unsigniert. Eine Nase,
meine Nase mit dem unverkennbaren Höcker und dem Piercing sah ich abgebildet,
das restliche Gesicht fehlte.
„Zeichnest du es nicht fertig?“, fragte der Lederer Simon, der sein eigenes
perfektes Portrait vor sich auf dem Tisch liegen hatte. „Es ist fertig.
Es ist ein Ausschnitt!“, erklärte der Walder Herbert, ließ eine Hand voll Münzen
auf den Tresen fallen und ging ohne zu grüßen.
Schon am nächsten Tag kam der Herbert wieder und viele hat er seither
gezeichnet; weil er es wollte. Darum gebeten hat ihn niemand mehr.
Anita Hetzenauer: Im Dezember 1979 in Kufstein, Tirol geboren.
Ausbildung zur Hauptschullehrerin. Arbeit an einer Hauptschule/Neuen
Mittelschule. Studium Textiles Gestalten und Deutsch.
Regelmäßig Lesungen, meistens in Innsbruck,
Veröffentlichungen in Literaturzeitschriften und Anthologien.
Begeisterte Freizeitfotografin mit mehreren regionalen Ausstellungen.
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Christine Dablander
Die Künstlerin genießt es, Farbschicht für Farbschicht aufzutragen und plötzlich entsteht ein Gedankenblitz – eine Vision von Farbe und Form wird Wirklichkeit.
Ihre Bilder sind abstrakt, da sie es liebt, nicht gegenstandsbezogen zu malen. Für sie ist die Malerei ein Abschalten und Loslassen von allem und ihre Gedanken
verarbeitet sie in ihren Bildern. In ihrem Bild „Evolution“ sieht die Malerin die Erdverbundenheit, Entwicklung und Bodenständigkeit.
Die Liebe zur Natur, wo sie immer wieder Kräfte sammelt, kommt durch die Brauntöne hervor. Sie sucht nicht nach dem Sinn des Lebens,
sondern gibt ihm einen Sinn mit ihrer Malerei.
www.kunstmomente-dablander.at
christine.dablander@hotmail.com
„Evolution“, 2016, Acryl auf Leinwand mit Holzrahmen, 80x100 cm
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Anita Daldoss
Kunst ist für sie Leben.
Aus der Kraft der Farben einen Gedanken auf Leinwand malen, wie das Auge es sieht. Das Festhalten des Augenblicks in kraftvollen Farben. Im Zusammenspiel
von Ausdruck und Vorstellungskraft. Der Pinselstrich lebt von der Farbe und der Hand, die sie führt. Ein Funke, der aus der Dynamik der Fantasie entspringt.
Günther Peer
www.anitadaldoss.com
info@anitadaldoss.com
„Afrikanisches Tänzchen“ 2009, Öl auf Leinwand, 60 x 60 cm
61

Roland Friedrich Danner
Durch die Vielfalt seines Medieneinsatzes
gelingt es dem Künstler,
in einer einzigartigen und sehr
überzeugenden Weise eine Ganzheitlichkeit
im künstlerischen Ausdruck
zu erzeugen.
Dabei arbeitet er in seinen Werken in
einer mehrschichtigen Arbeitsweise,
d.h. der „Medienverband“ seiner
Bilder folgt einer komplexen,
in mehreren Stufen ausgearbeiteten
Gesamtkomposition.
www.rfdanner.at
„Kult“, 2015,
Mischtechnik auf Büttenpapier,
57 x 75 cm
S. 63: Kult“, 2015,
Mischtechnik auf Büttenpapier,
57 x 75 cm
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63

Elisabeth Deutsch
„Ich habe zwei Seelen in meiner Brust“ - Zitat der Künstlerin.
In ihren Portraits bleibt sie der realistischen Malerei treu, während es ihr ein inneres Bedürfnis ist, die abstrakte Ausdrucksform zu nutzen,
um das „Nicht-be-greifbare“ darzustellen. In den Bildern „Die Unvollkommenheit der Form“ löst die Künstlerin das streng Formale in Positiv und Negativ auf.
Im Gitternetz scheinbar schwebende aber auch statisch wirkende rote Würfel ziehen scheinbar makellos den Blick des Betrachters auf sich, während zerlaufende
Strukturen in mehreren Schichten nur noch den Habitus einer Form erahnen lassen.
www.lisideutsch-portraitmalerei.at
elisabeth.deutsch@aon.at
„Die Unvollkommenheit der Form 1“, 2017, Acryl auf Leinwand, 80 x 80 cm
S. 65: „Die Unvollkommenheit der Form 2“, 2017, Acryl auf Leinwand, 80 x 80 cm
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65

Melanie Deutsch
Vorstudierte Konzepte sind der Künstlerin fremd, Leidenschaft und Spontanität durchwandern ihr Werk. So kann es sein, dass ein kurz erspähter Augenblick,
der geübte Beobachtung voraussetzt, sich im Bild wiederfindet. Dem Betrachter soll dadurch bisher Verborgenes sichtbar gemacht werden.
Die Intention liegt darin, eine Formsprache zu finden und sie sogleich zu lehren. Auf dieser Suche ist es möglich, Bilder aus dem Inneren hervorzubringen,
die eine Symbiose mit der äußeren Welt eingehen. Letztendlich stehen sie sowohl in Konfrontation, als auch im Gespräch mit dem Gegenüber.
www.facebook.com/Melanie.Deutsch.Art.Gallery
melanie.deutsch@hotmail.com
„Hochzeit am Lerchenhof“, 2017, Acryl auf Leinwand, 60 x 80 cm
S. 67: „Face left behind“, 2016, Acryl auf Leinwand, 150 x 100 cm
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67

Gabi Domenig
Die Stilrichtung der österreichischen Malerin wird
aufgrund ihrer Gegenständlichkeit und der intensiven
Farbpalette dem Neo-Expressionismus zugeordnet.
Zentrales Thema ihrer meist großformatigen Acrylbilder
ist die Frau. Facettenreiche, stark emotionsbesetzte,
oft märchenhafte und geheimnisvolle
Momentaufnahmen, die den Betrachter in ihren
Bann ziehen. Sie wurde in den letzten Jahren mit
fünf internationalen Awards ausgezeichnet.
Teilnahme an Ausstellungen in Europa, USA und
Südamerika.
www.domenigartdesign.at
„under water dreams - floating with fishes“, 2017,
Acryl auf Leinwand, 120 x 80 cm
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verhackertes an den wänden
in den händen gläser mit traubenblut
aus den mündern gemischtes gekochtes
doch das tägliche brot wird schon hart am buffet
vernissagenmenu
mir ist sie egal
die farbe der hände die ihre
spuren im holz hinterlassen
fremd bleibt mir stolz auf
den farbton des leders das all
diese formenden finger bespannt
die tönung der wolle auf köpfen ist bunt
es gibt keine normen für menschen
und kunst
kunst farben menschen rassen
den köpfen
welche willig lebensspuren
zeigen stehen stelen körper
den einen der ihr bacchus mimt
hätt gerne sie lebendig jung
führ ihm / wenn es gewollt
durch den gelockten bart
schlüg sich mit ihm
zart ins gebüsch
kunstreise I
lange wege
zum angestrebten
große schritte
denen neue folgen
fallen könnten alte zöpfe
sture köpfe sollen rollen
kommen wollen solche
die erkennen zeigen
auch begreifen
kunstreise II
fotos
stacheldrahtzäune und zwei mal
schienen horizontal ein schock eine
konnotation zum weg ins verderben
zur arbeit die frei macht und einen
stacheldrahtzaun bedingt
vertikal
eine leiter zum himmel
auch nichts schönes damit verbindend zu grau zu schottrig das bankett und
wer weiß wie es da droben dann wäre selbst für jene die glauben
vielleicht
fades gesäusel grau in graue mäuse
im elysischen schweben beim genauen schauen aber grünwinzige flecken
unkraut machte womöglich
das ewige leben halbwegs
erträglich
galeriegedanken
Autorin C. H. Huber, geboren in Innsbruck, lebend und liebend hauptsächlich
dort, aus bildungsferner Familie stammend, lange Zeit Familienmanagerin
mit 5einhalb Kindern, nun spätberufene freie Autorin, Preise in Lyrik
und Prosa, 7 Bücher (keine Selbst- oder Zahlverlage), darunter 4 Lyrikbände:
„gedankenhorden“, „wohin und zurück“, „die poesie der waschstraße“
„fort schreibung“, und 3 Kurzprosabände: „unter tag“, „Kurze Schnitte“,
„Milzschnitten und andere Spezialitäten“. Veröffentlichungen in zahlreichen
Anthologien und Zeitschriften, die Autorin fotografiert Wartehäuschen, ist
Mitglied in bekannten Literaturvereinigungen und Kuratorin des „Brenner
Archiv“ der Uni Innsbruck.
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Gudrun Dorsch
Die Malereien und Zeichnungen der
bayrischen Künstlerin zeigen Personen,
reduziert auf Bänder, aber doch in ihrer
Emotionalität erhalten. Gedankengänge
zum Thema Grenzen bei körperlicher
oder geistiger Überwindung, im
Sport, beim Tanz oder auch psychisch,
inspirieren die Künstlerin zu farbintensiven
Werken. Ohne vorgefertigte
Antworten bieten ihre enigmatischen
Werke viel Raum für Interpretation
und eigene Empfindungen.
Sie beginnen ein Spiel mit den Bildtiteln
und tauchen ein in die Welt der
Wortdeutungen und Begrifflichkeiten.
Figurativ, surreal und symbolhaft,
unverkennbar im Ausdruck, hat
Gudrun Dorsch ihren eigenen Stil
gefunden. International vertreten sind
ihre „Wickelfiguren“ längst zu ihrem
Markenzeichen geworden.
www.gudrun-dorsch.com
gudrun.dorsch@t-online.de
„entflammt“, 2017,
Dispersion auf Leinwand, 100 x 80 cm
S. 71: „erhellend“, 2017,
Dispersion auf Leinwand, 100 x 100 cm
70

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Angelika Eckerieder-Vogric
Die Welt in und um sich herum wahrnehmen, verarbeiten und ausdrücken ist die tiefe Sehnsucht der Künstlerin. Gefühle, Emotionen, Stimmungen zulassen
und in Bildersprache umwandeln. Die Liebe zur Natur fließt in die Werke mit ein. Werke, die einen langwierigen Prozess durchschreiten - Gefühltes,
Durchdachtes, Beobachtetes, Erlebtes wird aufgearbeitet, skizziert, verworfen, wieder aufgenommen, verändert, ans Licht gebracht, verdeckt und ausgearbeitet
- wochen- oft monatelang reift das, was gezeigt werden muss.Lasur um Lasur entstehen Bilder des Lebens, welche die sinnliche Wahrnehmung des Betrachters
wecken sollen - die Künstlerin sagt: „Ich möchte, kann meine Bilder nicht erklären, es fließen ja die Empfindungen des Betrachters mit ein und dann entsteht
eine gänzlich neue, persönliche Wirklichkeit, die ebenso unumstößlich ist wie meine Emotionen beim Malen.“
www.lebenstraum.net
voan@lebenstraum.net
„Balance“, 2016, Acryl-Mischtechnik, 81 x 100 cm
S. 73: „Ferne“, 2015, Acryl Mischtechnik auf Leinwand, 90 x110 cm
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Nadja El Manchi
Blütenzauber – Ein Ausdruck der Lebensfreude.
Die Wirkung von Farben auf unser Bewusstsein und unsere Stimmungslage steht hier im Besonderen im Vordergrund. Die Malerin will mit der fröhlichen
und überschwänglichen Farbgebung in den Bildern aufrütteln und graue Wände - auch manchmal unseren Alltag - zum Strahlen bringen!
Kraftvoll und explosiv entsteht hier eine wahre Blütenpracht!
www.nadja.elmanchi.at
info@nadja-elmanchi.at
„Blütenblätter I“, 2017, Acryl auf Leinen, 80 x 100 cm
S. 75: „Blütenblätter II“, 2017, Acryl auf Leinen, 80 x 100 cm
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Christian Erhart
Christian Erhart ist ein sehr vielseitiger Künstler.
Er schafft aus recycelten, gezielt ausgesuchten Materialien
Installationen. In Tuschezeichnungen oder Acrylbildern
kommen aktuelle Gedanken zum Ausdruck.
Mit Vorliebe arbeitet er an außergewöhnlichen Kreationen
aus Keramik und versucht dabei immer wieder neue Ideen
zu verwirklichen.
www.arterhart.com
ch.erhart@hotmail.com
Vase, Rakubrand, Höhe 28 cm
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morgenkino
im nebel träumen berge
um bäume schwirren raben
in räumen schrillen uhren
an zäunen schnuppern hunde
auf balkonen dösen katzen
in küchen brodelt kaffee
in köpfen kreisen pläne
in träumen brüten ängste
aus bildern fallen tage
küchenfenstercollage
Margit Jordan, geboren 1945. Lebt in Innsbruck.
Studierte an der Universität Innsbruck am Dolmetschinstitut
Englisch und Französisch. Übersetzertätigkeit. Schreibt vor allem Lyrik.
Seit 1986 Planung und Organisation der Veranstaltungen im Turmbund –
Gesellschaft für Literatur und Kunst – Innsbruck.
Publikation von Lyrik und Kurzprosa in Zeitungen,
Zeitschriften und Anthologien.
Innsbruck, 14. März 2017
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Karoline Erhart
In den Bildern der Künstlerin Karoline Erhart
begegnet uns immer wieder der Mensch.
Sie verwendet oftmals Zitate und Versatzstücke,
die sie aus ganz unterschiedlichen
Kontexten entlehnt und in neuer, oft surrealer
Weise zu ihren Bilder-Welten kombiniert.
Diese Welt ist die Welt ihrer Bilder.
Die Welt ihrer Gedanken, Geschichten,
Ideen und Phantasien.
www.erh-art.com
„Harte Jungs”, 2016,
Acryl auf Leinwand, 140 x 100 cm
S. 79: „imagine”, 2016,
Acryl auf Leinwand, 155 x 185 cm
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79

Darius Foroutan
Das Schaffen des 1964 in Wien
geborenen Künstlers beschäftigt sich
primär nicht mit dem Versuch die reale
Umwelt wiederzugeben, sondern
diese durch seine eigene Seelenwelt
gefiltert, in eine abstrakte Formensprache
zu transformieren und abzubilden.
Als Schüler von Roland Göschl
und Frantisel Lesak bildet ein intensives
Auseinandersetzten mit dem
abstrakten Expressionismus, sowie der
klassischen chinesischen Tuschmalerei,
seine künstlerischen Wurzeln.
Darius Foroutan arbeitet als bildender
Künstler und Architekt in Wien.
www.foroutan.weebly.com
darius.foroutan@chello.at
„Dancing Shapes“, 2017,
Acryl/Öl auf Leinwand, 90 x 70 cm
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Veronika Franz
Bunte Bilder sind die Glücklichsten
Veronika FRANZ malt farbintensiv, lebendig und versprüht Leidenschaft. Bei ihren Bildern weiß man sofort, woran man ist.
Die Themen sind meist direkt aus dem Leben gegriffen und wirken dadurch sehr authentisch. Die Künstlerin ist in kein Genre einzuordnen,
sie malt was ihr gefällt.
Ob Häuser, Menschen, Städte, Landschaften oder nur einen einfachen Sessel, die Ergebnisse sind laut, stark und strahlend.
„Das Leben ist zu bunt um Schwarz zu malen.“
www.veronikart.at
franz@veronikart.at
„N.Y.”, 2017, Acryl auf Leinwand, 100 x 160 cm
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Christa Maria Fratzl
Beim Betrachten eines Bildes . . . „da müssen sich Gefühle auftun“. Der Ausdruck durch Farben und Formen hat das Bedürfnis … sich noch mehr zu vertiefen.
KUNST - als eine liebende Verkündung. Je mehr wir uns inspirieren lassen, desto mehr verschmelzen wir mit dem Kunstwerk. Liebesgefühle zulassen.
Das sind Gefühle, die ausgelöst werden. Sie müssen noch inniger werden. Noch mehr Zeit finden.
www.kunstbewegung.at
christafratzl@hotmail.com
„Der blaue und der grüne Baum“, 2016, Duo/Öl-Gemälde auf Holzspanplatte mit Blattgold/Blattsilber, 180 x 100 cm
S. 83: „Ein neues Lied“, 2017, Öl auf Leinentuch, 500 x 300 cm
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Renate Fürst
Auf und in der vielfach verletzten spröden Farbmaterie der Werke von Renate Fürst finden sich Zeichen, Chiffren und unentzifferbare Schriften,
gestisch aufgetragen oder evoziert aus den quasi archäologisch freigelegten Formationen des Untergrundes. Alle diese Elemente fügen sich im Kontext
zu neuer Bedeutung und halten das Bild in geheimnisvoller Schwebe, rufen den Betrachter zu schöpferischem Dialog auf.
fuerst-renateart@hotmail.de
„Wo bin ich?“, 2015, Mischtechnik auf Leinwand, 80 x 80 cm
S. 85: „Immerwährende Veränderung“, 2015, Mischtechnik auf Leinwand, 80 x 80 cm
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Ilse Gams
Die Künstlerin stellt die Kräfte dar, die den
Menschen in seinem Inneren leiten, an denen
er sich abarbeitet, um sich voran zu entwickeln.
Das Bild fokussiert sie ganz auf das Individuum,
dessen Haltung und darauf, wie im Gesichtsausdruck
das jeweilige individuelle Erleben und
Weltbild gespiegelt werden.
www.ilse-gams.de
i.gams@gmx.de
„Miles“, 2017,
Acryl auf Leinwand, 120 x 80 cm
S. 87: „Röslein auf der Heiden“, 2017,
Acryl auf Leinwand, 90 x 70 cm
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Sylvie Gasser
Die pulsierende Kraft urbanen Lebens und der Charme ländlicher Idylle prägen die Bilder der freischaffenden Künstlerin, die sich seit 1993 international
in Ausstellungen präsentiert. Der Schwerpunkt ihrer Arbeiten liegt auf abstrakten oder stark reduzierten Landschaftsdarstellungen im Wechselspiel
der Jahreszeiten. Sie lässt sich dabei von Musik, Poesie und anderen narrativen Inhalten leiten. Verspielte, märchenhafte Elemente finden Eingang
in ihre Arbeiten und dem Zufall überlässt sie gern den ersten Schritt. Ihre bevorzugten Techniken sind Acrylmalerei und Monotypien.
www.sylviegasser.at
„Kleines Glück am Wegesrand/ Little happiness at the edge of the road/ Po ‚di fortuna lungo la strada/ Peu de chance le long du chemin“, 2017,
Mischtechnik auf Leinwand, 100 x 100 cm
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Mein Bild
Es entsteht immer wegen einer Emotion, die von innen nach außen will.
Es entsteht wegen der Lust am Auftragen der Farbe.
Es entsteht wegen einer zu erzählenden Geschichte.
Es entsteht nie aus Langeweile.
Es entsteht durch die Freude, etwas Neues sehen zu dürfen.
Es entsteht durch den Anreiz, etwas zu erschaffen.
Es entsteht durch die Suche nach
dem Dahinter, dem Sein, dem Unbestimmten, dem Irrealen, dem Idealisierten,
dem Individuum , dem Wollen, der Erwartung, der Vergänglichkeit,
der Wahrheit.
Ich nehme der Leinwand die Jungfräulichkeit.
Ich patze das Bild mit nassen Farben an.
Ich treibe es vor mir her.
Ich streichle es mit Pinsel.
Ich wische ihm mit dem Lappen den Mund ab.
Ich schlage es mit der Spachtel.
Ich verdünne seine Strahlkraft.
Ich massiere seinen Körper mit Blau, Gelb und Rot.
Ich mag es am Abend.
Ich verdamme es am Morgen.
Ich werfe es in die Ecke.
Ich schaue, ob es noch lebt.
Ich päpple seine Konturen wieder auf.
Ich male es fetter.
Ich verwische die Spuren meines zu heftigen Duktus.
Ich bedaure es ob seiner Misshandlungen.
Ich spreche ihm Mut zu.
Ich taste mich auf Umwegen erneut heran.
Ich mag es.
Ich gehe zu weit.
Ich hasse es.
Ich lösche es aus und tünche es weiß.
Ich fange neu an.
Ich schaue ihm beim Wachsen zu.
Ich lasse es groß werden.
Ich nenne es bei seinem Namen.
Ich wachse über mich hinaus, in andere Räume hinein,
durch Farbwelten hindurch.
Mein Bild nimmt jetzt seinen festen Platz ein.
Mein Bild wird betrachtet.
Ich werde betrachtet.
Mein Bild atmet mich in abgegrenztem Rahmen.
Mein Bild funktioniert.
Ich funktioniere.
Mein Bild befördert mich in festgelegte Flächen.
Mein Bild ist daneben.
Ich bin daneben.
Mein Bild hat mich in Freud und Schmerz aus sich heraus geboren.
Mein Bild zeitigt sich aus sich selbst.
Zweidimensionaler Seelenfänger.
Traumspender
Mag. Angela Lackner, Langkampfen
Kontakt: 0680/2098710; an.lackner@tsn.at; www.angelalackner.com
1968 geboren in Kufstein, Tirol
1992 - 1998 Lehramtsstudium Biologie und Erdwissenschaften
2009 - 2013 Lehramtsstudium Bildnerische Erziehung, Mozarteum Salzburg
Verheiratet, 2 Kinder
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Gondwana von Gatterburg
Wachs und Farbe. Hitze und Kälte. Das ist Encaustic. Encaustic („einbrennen“) ist eine uralte Art zu malen.
Das Geheimnis ist die Hitze des Maleisens und die Schmelztemperatur des Wachses zu benutzen, um wundersame Formen und Farben zu erreichen.
Die Bilder sind Unikate. Die Farben verblassen nicht. Mit einem weichen Tuch poliert, leuchten die Farben wie am ersten Tag.
www.vongatterburg.ch
Encaustic auf Canvas 30 x 90 cm
S. 91: Encaustic auf Canvas 50 x 70 cm
90

91

George Gheorghe
Sind es Menschen, variable Figuren, Seelen oder die jedem innewohnenden Aspekte von Yin und Yang, mit denen Gheorghe uns zum Ausgangspunkt
unserer Wanderung durch das eigene Selbst einladet? Die Grenzen von Raum und Zeit fallen in seinen Werken ebenso wie die Macht der Gravitation.
Metaphern in menschlicher Gestalt schweben durch den Äther, sind eng mit der heilenden Energie der Schlange verbunden und streben in der Umschlingung
des Ouroboros zu einander. George Gheorghe schafft Werke, die mit der Seele kommunizieren, die uns inspirieren, in das Phänomen des Lebens einzutauchen,
unsere eigenen Pinselstriche bewusster und klarer zu ziehen.
Cornelius Selimov
gheorghe.de
george.gheorghe@hotmail.com
„I will kiss the sky!“, 2016, Mischtechnik auf Leinwand, 3 Teilig, 145 x 162 cm („I will kiss the sky“, 100x80 cm / „Wrong“, 80x80 cm / „Right“, 80x80 cm)
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Dieter Gleffe
Es ist nicht einfach, bezüglich seines Tuns über Motivationen, Absichten und Ziele desselben zu reden. Obwohl das Nachdenken darüber nahezu pausenlos
geschieht. Es beginnt spontan und unvoreingenommen in der Kindheit und in der Jugend nach dem Motto »ich habe schon immer gern gemalt« und wächst
sich mit zunehmendem Alter zu einem Teil ernsthafter Arbeit aus. Ein großes Glück, wenn die Freude daran erhalten geblieben ist. Die Beschränkung auf einige
wesentliche Dinge ist für ihn wichtig. Mit den vorhandenen Fähigkeiten und Fertigkeiten das Erreichbare anzustreben, nicht jedem gerade aktuellen Trend
nachzujagen, und dennoch dem Experiment nicht auszuweichen. Die Landschaft bleibt das unerschöpfliche Fundament und wichtig ist die Besinnung auf
Friedrich Schiller: »Nur wer die Geduld hat, einfache Dinge perfekt zu tun, wird Schwierigkeiten mit Leichtigkeit begegnen können«.
www.gleffe-atelier.de
dieter.gleffe@vodafone.de
ohne Titel, 2015, Öl auf Leinwand, 60 x 80 cm
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GOLDYN
Goldyns Kunst als Gegenbewegung zur
„material culture“ unserer Zeit geht buchstäblich
in die Tiefe, nämlich in den Schlund des vorzeitigen
Mythos. Der geschönten und genormten
Barbie-Kultur zeigt sie die Stirn.
In ihrer letzten Serie werden Frauen in der Rolle
von Priesterinnen und Kardinalinnen dargestellt,
was nicht der traditionellen katholischen Darstellung
entspricht. Im Werk „Kreuzigung“ wird die
Frau als Priesterin zur Tode verurteilt. Man hofft
auf die Auferstehung.
Das ewig Weibliche ist bei ihr multipel.
Ihre Priesterin trägt mit Würde und Stolz
die ganze weibliche Geschichte in sich.
www.goldyn.de
info@goldyn.de
„Taufe- Frieden“ GOLDYN, 2017,
Fotografie, 90 x 60 cm,
Papier Museum Etching Hahnemühler.
S. 95: „Kreuzigung“ GOLDYN, 2017,
Fotografie, 90 x 60 cm,
Papier Museum Etching Hahnemühler
94

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Doris Grössl - Alpenheim
Es sind Wände, gegen die die Künstlerin ihre Figuren anrennen lässt, Wände aus gerissener Leinwand, sorgsam in Überlappungen geschichtet.
Verloren stehen oder liegen Figuren fragil, nur in Umrisslinien gezeichnet, transparent und daher ihres Schutzes beraubt, vor dem Hindernis, nicht wissend
wie weiter. Es sind Wände, die andere errichtet haben, oder die manchmal von den Akteuren selbst hochgezogen werden, weil sie sich nicht mehr den
Mitmenschen zugehörig fühlen. Manchmal sind nur der Kopf oder die Hände ausgearbeitet.
www. doris-groessl.at
email: dorisgroessl@gmail.com
„Gegen die Wand“, 2016, Mischtechnik auf Leinwand, 70 x 100 cm
S. 97: „Dornröschen, wach auf!“, 2016, Mischtechnik auf Leinwand, 70 x 100 cm
S. 98: „zuviel“, 2016, Mischtechnik auf Leinwand, 70 x 100 cm
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97

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kunstblut II
es ist kunst
um mich sie
tanzt sich aus meinen füßen sie
sprüht aus meinen ohren
es ist kunst in mir
flug ist & stimmung
ich gehe ihren rhythmus sie
läuft mir durch
die träume
für momente
blicken wir uns an
& wissen nicht wer
wer
es ist kunst
& ich sie
klappert mit meinen zähnen sie
fließt aus meinen händen
es ist kunst in mir
glut ist & öffnung
Wolfgang Nöckler,
Südtiroler, lebt & arbeitet in Innsbruck
schreibt Lyrik, Prosa, Dramatisches, Slam-Texte & Lieder in Deutsch &
Ahrntaler (teldra) Dialekt, experimentiert mit Bildsprache & Sprachbildern
Lesungen, Konzerte & literarisch/musikalische Performances in A, D, I
Veröffentlichungen in Anthologien, Zeitschriften, Radio und TV (u.a. DUM,
huellkurven, Cognac & Biskotten, etcetera, Südtiroler Theaterzeitung; RAI
Südtirol, Ö1, SDF, ORF Tirol), sowie bisher 3 Bücher:
Lyrikband „ich leih mir kurz mal dein gesicht“ (pyjamaguerilleros*, Innsbruck, 2014)
Hypo-Roman „Nicht mal ein Fernzug“ (pyjamaguerilleros*, Innsbruck, 2015)
Anthologie „MundWerk – das Druckwerk“ (als Hrsg., gemeinsam mit
Lene Morgenstern, A. Weger, Brixen, 2015)
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Katharina Guggenbühl
Gestaltung als kreativer Schaffensprozess – Faszination und Abenteuer!
Die freischaffende Künstlerin aus Bubendorf bei Basel CH arbeitet vorwiegend in Serien und pendelt phasenweise zwischen expressiver abstrakter Malerei,
Collage und Fotografie. Ihr aktuelles Projekt ist «Bilder, die sich berühren lassen» – Fotocollagen unter Wachs.
Im Gegensatz zum werdenden Bild in der Malerei spricht ihre Fotografie an sich bereits eine Sprache. Die bewusste Auswahl von Bildteilen, deren digitale
und/oder transfertechnische Bearbeitung gibt den Ausschnitten pointierte Aussagekraft. Dieses Bildmaterial wird mittels Collage und malerischen Effekten neu
komponiert. Im Nebeneinander, Gegeneinander, Hintereinander, Übereinander führen die Elemente zu einem neuartigen Ganzen – die Bilder sprechen letztlich
eine ganz spezifische, der Künstlerin eigenen Sprache. Die darüber gelegte, zum Teil wiederum bearbeitete Wachsschicht verleiht Tiefe, Glanz und Sinnlichkeit.
Die durch Wachs geschützten Werke lassen sich in der Tat auch berühren!
www.katharina-guggenbuehl.ch
„MG-Company“ aus der Serie „Dance“, 2016, Collage, Transfer, Acryl, Wachs auf Holzkörper, 20 x 80 cm
100

101

Ulrich Hartig
Der in Sinzing bei Regensburg lebende Maler Ulrich Hartig kann auf eine bald 30-jährige, reiche Ausstellungstätigkeit zurückblicken.
Formen, Strukturen und Ornamente südlicher Landschaften prägen die Kompositionen des Malers. Er erzählt ohne Worte von der Poesie eines Ortes.
Er erkundet die Magie von Licht und Schatten einer mediterranen Landschaft. Er schwelgt in Farben und Formen des Südens, weckt Erinnerungen
und lässt den Betrachter träumen.
www.ulrichhartig.de
ulrich@ulrichhartig.de
„Alba ad Ischia“, 2017, Mixed Media auf Leinwand, 60 x 120 cm
S. 103: „Ostuni“, 2016, Mixed Media auf Leinwand, 100 x 120 cm
S. 104: „Kornfeld mit Zypressen“, 2015, Mixed Media auf Leinwand, 60 x 120 cm
S. 105: „Portofino V“, 2016, Mixed Media auf Leinwand, 100 x 80 cm
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Nadia Heitmar
Die Künstlerin arbeitet oftmals in Serien. Die prägnanten Acrylarbeiten bestechen durch ihre farbliche und räumliche Präsenz. Strukturen und Haptik vermitteln
Tiefe und oft auch Assoziationen zu Naturbeobachtungen. Wenn man so will, fordern ihre Bilder wesentlich den Verstand heraus, lassen sich aber selten
einordnen. Sie lässt für den Betrachter ein gewisses Maß an Interpretation offen, er ist frei von jeglichen Vorgaben und kann sich seine eigene Bildimpression
schaffen. Nadia Heitmars Motivexpressionen sind spontan, intuitiv und drücken eine auffallende und geheimnisvolle Kraft aus.
Der dennoch scheinbar spielerische Umgang mit Ideen, Material und Ausführung gibt ihren Werken eine ganz individuelle Handschrift.
www.nadiaheitmar.ch
info@nadiaheitmar.ch
„Sojourn“ (aus der Serie: LINES), 2017, Acryl auf Leinwand, 80 x 80 cm
S. 107: „Emergence“ (aus der Serie: LINES), 2017, Acryl auf Leinwand, 80 x 80 cm
106

107

Danny Hermann
Der Künstler Danny Hermann
beschäftigt sich in seinen Gemälden
vordergründig kritisch mit Themen,
die scheinbar in ferner Zukunft liegen,
aber ihren Arm bereits nach unserer
Türklinke ausgestreckt haben.
Er möchte damit auf Probleme aufmerksam
machen und zu einem
Umdenken bewegen.
Dies bewerkstelligt der Künstler, indem
er sich expressiver Ausdrucksweisen,
einem sehr malerischen Duktus und
kräftigen, differenzierten Farbnuancen
bedient. Oftmals setzt Hermann in
seinen Gemälden figürliche, menschnähnliche
Wesen in den Vordergrund
und setzt partiell textuelle
Hinweise ein, um den kritischen
Charakter seiner Auseinandersetzung
zu betonen.
www.dannyhermann.de
artbyhermann@aol.com
„Human Nature“, 2017,
Öl auf Leinwand, 100 x 80 cm
108

Ilona Herrschaft-Lesnaia
Ilona Herrschaft-Lesnaia hat sich als Künstlerin mit Collagen, Öl- und Acrylmalerei, sowie Mixtechnik, einen Namen gemacht. In Collagen entstehen
Mischwesen aus „idealen“ Körperteilen, eine provokante Reflexion über das Groteske. Dazu passend Herrschaft-Lesnaias Wappentier: Der Mops.
Auf fast allen ihren Bildern findet man ihn, als ironischen Kommentar zu den Zeitläufen und spielerische Anknüpfung an das „Vanitas“-Motiv der Tradition.
www.reign-forestart.com
„SIC TRANSIT GLORIA MUNDI“, 2010, ÖL/Leinwand, 90 x 90 cm
109

Waltraud Heschl
In Waltraud Heschls intuitiven, aber
gleichzeitig hochreflektierten Arbeiten
werden speziell entwickelte Techniken,
wie experimentelle Hinterglasmalerei
und Hinterglasradierung, Aquarellmalerei
mit Seidenmalfarben auf Leinwand,
Acrylmalerei auf Spiegel usw. mit
anmutigem Wortwitz kombiniert.
Daraus entsteht ein originelles,
poetisch-ironisches Oeuvre, welches
sich formell zwischen figurativer und
abstrakter Darstellung bewegt.
Eine feine Verbindung zum Surrealen
und Phantastischen oszilliert stets im
sinnlich-nachdenklichen Schaffen der
promovierten Volkskundlerin (Doktor
der Philosophie).
Die Künstlerin beabsichtigt mit ihren
meist farbkräftigen und dennoch
feenhaft zart schimmernden Bildern,
den Betrachtern visuelle, wie auch
gedankliche Erfrischungen anzubieten.
waltraud-heschl.com
waltraud.heschl@aon.at
„IN THE AIR TONIGHT“, 2011,
Textilfarbe auf Seide, 90 x 120 cm
S. 111: „(W)Einfluß“, 2016,
Aquarell auf Leinwand, 70x 80 cm
110

111

Jeanette Sherly Hippelein
DIE WELT DER EWIGEN IDEEN VON
JEANETTE SHERLY HIPPELEIN
Nach diesem Motto gestaltet die
Künstlerin, Jeanette Sherly Hippelein,
expressive Bilder. Sie kreiert großformatige
Werke, die sich durch einen
großzügigen, explosiven und kräftigen
Farbauftrag auszeichnen. Die Farbvielfalt,
der Formenreichtum und die Dynamik in
den Bildern vermitteln atmosphärische
Stimmungswerte und dienen als Basis
der erzeugten Struktur, Tiefe und Räumlichkeit.
Hippeleins Kunst bildet eine
Synthese aus Abstraktion und Figuration,
wobei sie sich für unterschiedliche
Ausdrucksformen begeistert.
Die Künstlerin arbeitet spontan und
intuitiv, die Motive kommen Großteils
aus ihrem Unterbewusstsein und sollen
den Betrachter auf emotionaler Ebene
ansprechen. Der Prozess des Malens
selbst, der den Weg zum fertigen Bild
nachvollziehbar macht, bildet für
Hippelein den eigentlichen Gegenstand
ihrer Arbeit.
www.jsh-hippelein.de
„Buntes Leben I“, 2016,
Mischtechnik auf Leinwand, 120 x 100 cm
S. 113: „Buntes Leben II“, 2016,
Mischtechnik auf Leinwand, 120 x 100 cm
S. 114: „Ausblick“, 2017,
Acryl auf Leinwand, 100 x 80 cm
S. 115: „Einblick“, 2017,
Acryl auf Leinwand, 100 x 80 cm
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Lizzie Hladik
Als unerschöpfliche Quelle der Inspiration
ist für die Künstlerin, die auf internationalen
Ausstellungen vertreten ist, die Natur
mit ihrer Vielfalt und ihrem Ideenreichtum
ihr liebstes Sujet. Als Suchende ist
sie unterwegs und findet Themen, die sie
bewegen und ihr Innerstes berühren. Mit
Farben und verschiedenen Materialien als
Ausdrucksmittel setzt Lizzie Hladik diese
Inhalte um, verändert sie und dadurch
findet eine Art Wandlung statt – eine neue
Sichtweise entsteht, die dem Betrachter
viel Spielraum lässt.
www.lizzie-hladik.de
kontakt@lizzie-hladik.de
„Bäume am See I”, 2017,
Acryl auf Leinwand, 70 x 50 cm
S. 117: „Winterwald I”, 2017,
Acryl auf Leinwand, 70 x 70 cm
116

117

Patrick Hochleitner
Der Künstler Patrick Hochleitner lässt seine Emotionen in seine Werke einfließen, der spirituelle Zugang ist sein Weg. Das Werk „Venus over Paris“
hat die Matrix als Grundwesen und die Stadt Paris in dieser einen Welt gefangen mit dem Engel als schützendes Wesen nach den Ereignissen,
die Europa erschüttert haben. Energie ist ein wichtiges Thema in seinen Arbeiten, welche dem Betrachter und dem Künstler zu Teil werden.
Er ist ein sehr selbstreflektierter Künstler, der auch kritisches Weltgeschehen in die Bilder einfließen lässt. Kubische Elemente finden sich in allen seinen Werken.
Die vom Autor Michael Köhlmeier aufbereitete Sage Persephones animierte Patrick Hochleitner zum Bild „Persephone II“, in welchem er die pittoreske
Stadt Salzburg mit der Schönheit Persephones assoziiert.
www.photonhunter.at
Dali30@sbg.at
„Persephone II“, 2017, Acryl auf Leinwand, 150 x 120 cm
S. 119: „Venus over Paris“ 2017, Acryl auf Leinwand, 150 x 120 cm
118

119

Christian Höld
- vom analytischen zum metamorphen
Kubismus
- Auflösung des Gegenstandes bis hin
zum Verwandlungsprozess
- der Stil als Motor und Werkzeug einer
eigenständigen Weiterentwicklung
Hier sind zwei Arbeiten seiner letzten
Schaffensphase zu sehen, die er
„Metamorpher Kubismus“ nennt.
Seine Bilder suggerieren transformative
Bewegungsabläufe. Sehen Sie, wie
Kontraste in seinen Bildern zusammenwirken:
Raum-Fläche, Hell-Dunkel,
Bewegung-Ruhe, Kante-Kreis,
Weichheit-Härte und Beständigkeit-
Verwandlung.
www.art-hoeld.at
ch@art-hoeld.at
„Die Zeit“ - Serie MK
(Metamorpher Kubismus), 2016,
Öl auf Leinwand, 50 x 40 cm
S. 121: „Metamorphose Nr. 2“ – Serie
MK (Metamorpher Kubismus), 2016,
Öl auf Leinwand, 90 x 70 cm
120

121

Sieglinde Holzknecht Gufler
Malen umfasst, Bescheidenheit, Selbstbewusstsein, gesunden Ehrgeiz, Freude, Neugier und richtige Selbsteinschätzung.
www.guflersieglinde.com
gufler.sieglinde@rolmail.net
„Mare“, 2001, Acrylmischtechnik auf Leinwand, 80 x 80 cm
122

Petra Holzknecht
Petra Holzknecht beschäftigt sich in ihren Bildern „coloured lines“ besonders mit dem Fluss der Farben. Der Linienansatz erfolgt gezielt,
der Fortlauf ist frei und nicht vorhersehbar. Dadurch entsteht ein Zusammenspiel von Spannung und Entspannung, verbunden durch viele verschiedene Farben,
wobei der Hintergrund die Tiefenwirkung verändert. Für das Auge des Betrachters entsteht ein Spiel von Bewegung und Geschwindigkeit.
www.petraholzknecht.com
info@petraholzknecht.com
”coloured lines”, 2017, Acryl/Lack auf Leinwand, 70 x 90 cm
123

Heidi Honegger
ist gerne unterwegs. Kleine Entdeckungen am Wegesrand sind ihre Inspirationsquellen. So kann ein Kleber an einem Müllcontainer, eine außergewöhnliche
Rindenstruktur, ein Blech mit besonderer Patina, eine verwitterte Fassade Gestaltungsideen auslösen. Auf der Leinwand entwickelt sich der Weg der Abstraktion.
Er ist oft beeinflusst von unerwarteten Effekten, die durch das Experimentieren mit verschiedenen Techniken entstehen. So bleibt die Bildkomposition stets im
Fluss und muss laufend in ein neues Gleichgewicht gebracht werden.
www.honart.ch
heidi.honegger@bluewin.ch
„reich an Erfahrungen“, 2016, Mischtechnik, 80 x 80 cm
S. 125: „Leichen im Keller“, 2016, Decollage, Acryl, 100 x 100 cm
124

125

Hella Horstmeier
Gedanken zu „die seltsame Begegnung“ und „die hohe Gestalt“. Bildhauerische Werke
im umfassenden Sinne, die eine unmittelbare Begegnung ermöglichen, eher Geschöpfe
oder Partner denn Objekte sind, solche Werke gestaltet Hella Horstmeier in Holz, Bronze,
Terrakotta und Stein.
Skepsis mag „die seltsame Begegnung“ auslösen, die in der gleichsamen Tuchfühlung
Nähe suggeriert und doch Vorsicht waltet, der nächste Schritt schon in der Luft liegt. Holz
suggeriert Figuratives - „die hohe Gestalt zeigt es“ – von bronzener Haut wie Rinde
ummantelt, von Stahl gehalten, von Stein getragen.
Michale Nungesser
www.hellahorstmeier.de
hella-horstmeier@atelier40.de
„die hohe Gestalt“, 2013, Holz/Bronze/Stahl/Labrador, 185 x 60 x 50 cm
S. 127: „die seltsame Begegnung“, 2006, Stahl/Basalt, 42 x 45 x 25 cm
126

127

Irmgard Hummitzsch
Was vorne ist, könnte auch hinten sein. Selbst Oben und Unten scheinen in den Werken von Irmgard Hummitzsch nicht eindeutig definiert zu sein.
Sie spielt mit Linie, Ebene, Raum, Licht, Transparenz, sowie Auflösung der Perspektive und schafft durch die Verfremdung realer Dinge überraschende
Kompositionen. Die Künstlerin arbeitet mit eigenen Fotos, die bereits beim Fotografieren einer Abstraktion unterzogen werden. Die Fotos, die meist
architektonische Elemente enthalten, werden in ihren Arbeiten bewusst in Einzelteile zerlegt, als Collage transparent auf gebürstetes Aluminium aufgebracht,
durch Linien ergänzt und so einer neuen Bedeutung zugeführt. Die Arbeiten entstehen nicht am PC, sondern werden von Hand im Atelier als klassische
Collage gefertigt.
www.hummitzsch.at
ohne Titel, Fotocollage auf Aluminium-Dibond-Platte, 2017, 100 x 100 cm
128

Alina Ivanova
Die Bilder Alina Ivanovas inspirieren und
faszinieren durch eine außergewöhnliche
Komplexität und Vielschichtigkeit.
Ihre Werke überraschen die Kunstkenner
immer wieder damit, dass sich häufig
erst nach längerer Betrachtung aus einer
vordergründig konfus erscheinenden
Motivwahl immer mehr gegenständliche
Metaphern und Manifestationen des
Unbewussten offenbaren.
www.artinnovation.at
facebook.com/Alina Ivanova Künstlerin
auj_weber01@web.de
„...in Erwartung der
farbenprächtigen Blätter“, 2017,
Acryl/Öl auf Leinwand, 80 x 60 cm
129

Marina Janulajtite
Geboren 1965 in Moskau, lebt die Künstlerin seit 1994 in Wien. In ihren Bildern transformiert sie Themen der Kunstgeschichte in eine moderne Formensprache.
In Österreich und Deutschland hat Janulajtite zahlreiche Sammler, aber auch viele Schüler und Schülerinnen gefunden. Einzigartig ist das Seminar Art and
Artbusiness all Inclusive gemeinsam mit Hubert Thurnhofer, das von der Erstellung eines Kunstwerkes mit der Absolventin des Moskauer Surikov-Instituts,
über die Gestaltung einer Ausstellung im Kunstraum, bis zum Kunstmarketing alles inkludiert, was Künstler immer schon wissen wollten.
In Theorie und Praxis!
www.kunstsammler.at
„Melk“, Öl, Collage auf Leinwand, 120 x 150 cm
130

Angelika Polak-Pollhammer, geboren 1974,
Imst schreibt in Schriftsprache und Dialekt,
diverse Veröffentlichungen in österreichischen Literaturzeitschriften
und Anthologien, 2014 Ehe der letzte Schornstein fällt, Südtiroler Familien
und ihr fremdes Zuhause im Verlag EYE, Literatur der Wenigerheiten;
Neuauflage 2016 bei Athesia,
2016 Lyrikband Eppes tuet sig – Neue Tiroler Dialektgedichte
2017 „Reifes Korn keim auf´s Neue – Psalm neu interpretiert“
(ein Gemeinschaftsprojekt von der Literaturplattform Wortraum), Kyreneverlag
nur mehr Schatten
hinter den trüben Fenstern
Spiegelbilder noch hin und wieder zu erahnen
mit der Zeit
Zeit die unbarmherzig tickt
verblassen auch sie
nur mehr langsam
träge schlägt das Herz
pumpt mit letzter Kraft
Blut in verstopfte Adern
wird zum leblosen Etwas
ein faustgroßer Muskel toten Fleischs
der Schatten meines Selbst
an die Wand gestellt
hat den Boden unter den Füßen verloren
klebt dort
schwerelos
benebelt der Kopf
bewegungslos die Gliedmaßen
mir überall hin folgend
frei nur
wenn die Sonne im Zenit steht
ein Lichtzeichen
vom Blick anderer
verdunkelt mein Ich
in den Schatten gestellt
wartet
auf einen Lichtblick
ein Zeichen von dir
erwachen
zwischen den Schatten der Nächte
überall
Leben
es drängt
an die Oberfläche
war lange genug im Dunkeln
versteckt
will sich zeigen
einfach sein
eine Kunst
131

Gertrud Keck
Der Leitgedanke ihrer Kunst ist „Das Bild entsteht
im Gehirn.“ Als Naturwissenschaftlerin ist sie fasziniert
von den Arbeiten des Neurologen Semir Zeki,
der das Gebiet der Neuroästhetik schuf.
Sie kann seine Aussagen bei ihrer Arbeit nachempfinden,
das schmerzhafte Ringen um Vollkommenheit
des Bildes, so wie es sich im Gehirn
manifestiert. Da sind Erinnerungen an Bergtouren,
Gelesenes, Themen der Wissenschaft und auch
kritische Gedanken zu unserer Zeit, die als
Botschaft an den Betrachter der Bilder gesendet
werden sollen.
gertrud.keck@aon.at
„Sturm am Matterhorn“, 2011,
Öl auf Leinwand, 80 x 60 cm
S. 133: „Das Matterhorn,
ein Symbol für Vollendung“, 2004,
Öl auf Leinwand, 60 x 50 cm
S. 134: „Der Schrei nach Freiheit“, 2006,
Öl auf Leinwand, 60 x 80 cm
S. 135: „Nonja, die malende Affendame“, 2008,
Öl auf Leinwand, 60 x 50 cm
132

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Elfriede Keplinger
Im Wechselspiel von Farbe, Form und teilweise gesteuertem Zufall entstehen sensitive Farbräume, die seelische Gestimmtheiten,
innere und äußere Vorstellungswelten zum Ausdruck bringen.
elfriede.keplinger@web.de
„Glühendes Verlangen“, 2016, Acryl auf Leinwand, 80 x 90 cm
136

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Chris Kieser
Chris Kieser zeigt sich stets kritisch in Bezug auf das menschliche Verhalten, wobei er mit seinem hintergründigen und versteckten Humor
auch auf die eigene sterbliche Unzulänglichkeit hinweist. Er ist bestrebt, Irritation, Illusion und Phantasie zu erzeugen - und zu beherrschen.
Ob als abstraktes oder naturalistisches Bild, oder als Skulptur – die Darstellung hat immer das Ziel, langfristig beim erneuten Betrachten des Werkes
aus veränderten Blickwinkeln in neue Welten
zu führen.
www.gravuren.com
info@gravuren.com
”Mikroskulptur” Bildausschnitt, Gesamtgemälde: Nachthimmel, Öl auf Leinwand, 60 x 50 cm mit einer Mikroskulptur - dreidimensional
herausgearbeiteter Kopf mit Händen- aus Mammut-Elfenbein; 1,2 mm x 0,8 mm (Nadelöhr als Größenvergleich)
S. 139: „Walpurgisnacht“, Acryl - Mischtechnik auf Leinwand, 150 x 120 cm
138

139

Ella Kleedorfer-Egger
Das Malen ist für die Künstlerin eine Entdeckungsreise, ein Abenteuer, das Spiel der Überraschungen, was sich aus dem scheinbaren Nichts auf der Leinwand
manifestiert. In ihren Arbeiten stellt sie immer wieder fest, dass das Endprodukt ohne ihre endlose Phantasie nicht existieren kann. Sie ist für Kleedorfer-Egger
Mittel zum Zweck - so entsteht und wächst ihre Kunst. Sie kommt nicht auf Befehl, fordert vielmehr Vertrauen in den Prozess des Malens und das Loslassen
von Vorstellungen, wie das Bild am Ende aussehen soll. „Die Schönheit liegt im Auge des Betrachters, die Dinge sind so, wie Du sie sehen willst.“
(Zitat aus „Der kleine Prinz“) Die Zeitgenössische Bildende, international anerkannte Künstlerin tritt bei renommierten Ausstellungen in aller Welt,
wie Österreich, Spanien, Italien, Moskau, Frankreich, Ungarn, Brasilien, Schweiz, China-Shanghai, Deutschland usw. in Erscheinung.
www.ellakleedorferegger.com
www.artmajeur.com/artecarinthia
ella.kleedorfer-egger@chello.at
„Die Bergfee“, 2009, Acryl Mischtechnik, 42 x 56 cm, S. 141: „Die Geigerin“, 2017, Acryl Mischtechnik, 100 x 100 cm
S. 142: „Die Rolling Stones“, 2015, Acryl Mischtechnik, 100 x 80 cm, S. 143: „Jimmy Hendrix“, 2012, Acryl Mischtechnik, 100 x 80 cm
S. 144: „Marilyn Monroe“, 2012, Acryl Mischtechnik, 146 x 76 cm, S. 145: „Der Seeadler“, 2013, Acryl Mischtechnik, 80 x 100 cm
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Rita Klein
In ihren neueren Arbeiten hat sich Rita Klein mit der Visualisierung von Musik auf Leinwand beschäftigt, wobei musikalische Klänge im Malprozess auf der
Leinwand mit Farben und Formen dargestellt werden. Zunächst hat sich Klein dabei der Beziehung zwischen Klang, Rhythmus, Farbe und Textur in der modernen,
kontemporären Musik gewidmet. Dabei hat sie sich insbesondere mit der Musik des amerikanischen Komponisten John Cage beschäftigt, aber auch mit
Arvo Pärt, Henryk Górecki und ebenso mit Jean Sibelius und Franz Schubert. Weiterführend hat sie dieses Konzept auf visuelle „soundscapes“ - Klangschaften
- ausgeweitet, bei dem die zugrundeliegende Musik ein Rahmenwerk bildet für die Verbindung von Landschaften und Naturelementen.
www.ritaklein.de
ritaklein02@aol.com
„Soundscape II“, 2017, Öl/Acryl auf Leinwand, 51 x 71 cm
S. 147: „Soundscape IV“, 2017, Öl/Acryl auf Leinwand, 51 x 71 cm
146

147

Christof Köfler
Studierte an der Universität für angewandte
Kunst in Wien bei Prof. Wolfgang
Hutter Malerei und Grafik und
durchlebte somit die Wiener Schule
des Phantastischen Realismus. Arbeitet
und lebt in Strad bei Tarrenz, Tirol.
Seit 30 Jahren Beteiligung an zahlreichen
internationalen und nationalen
Ausstellungen und Kunstaktionen im
öffentlichen Raum. Seine künstlerische
Arbeit regt Fragestellungen an und
zeugt von einer großen Sensibilität.
koefler.christof@gmx.at
www.facebook.com/akryptomane
www.facebook.com/Atelier-
SpiegelfreudenSeh
„vulnus“, 2015,
Ölfarben auf Leinwand, 40 x 50 cm
S. 149: „sixbirds“, 2017,
Mischtechnik auf Leinwand, 51 x 60 cm
148

149

Carl Körner
Seit dem Studium an der Kunstakademie Stuttgart ist die Druckgrafik Schwerpunkt des künstlerischen Schaffens von Carl Körner. Insbesondere der Linolschnitt
ist die Technik, die der Künstler bei seinem Werkkomplex Visuelle Biografien einsetzt. Dabei werden unterschiedliche biografische Aspekte von Musikern und
anderen Persönlichkeiten in aufwändigem Druckverfahren kompositionell verdichtet. Es gibt jeweils nur ein Exemplar.
www.koerner-kunst.de
„Franz Liszt 2“, 2013, Linolschnitt, 60 x 60 cm
S. 151: „Luther – Docendi sunt christiani“, 2014, Linolschnitt und Vernis mou, 62 x 48 cm
S. 152: „Beethoven – Unsterbliche Geliebte 3”, 2017, Linolschnitt, 60 x 80 cm
S. 153: „Robert und Clara Schumann 1”, 2016, Vernis mou und Linolschnitt, 60 x 43 cm
150

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Ulli Kowalke
Abstrahierte Landschaften, farbenfrohe Assoziationen zu Wald, Wasser und Luft – die häufig in Acryl gemalten Bilder des in Hannover arbeitenden
und lebenden Künstlers lassen eigene Entdeckungen zu, die dem Betrachter das Eintauchen in die persönliche Vorstellungskraft ermöglichen.
www.ulli-kowalke.de
u.kowalke@gmx.net
ohne Titel, 2012, Acryl auf Leinwand, 120 x 140 cm
154

Wo beginnt Kunst ?
Im Volksmund sagt man: „Dejs isch kue Kunscht gwesn“, wenn man etwas
Alltägliches, das einem keine Mühe gemacht, getan hat. Was ist dann Kunst,
wenn das Alltägliche Tun keine Kunst, nichts Außergewöhnliches ist?
Kürzlich kam ich bei einer Höhenwanderung mit meinen Enkelkindern zu
einem breiten Bachbett. Das Schmelzwasser brauste ins Tal, daneben,
zwischen Geröll und Steinen, Ausläufer des Wassers. Auch ein kleiner Tümpel
hatte sich gebildet. Die Kinder begannen Steine zu sammeln, begutachteten
sie, setzten im Tümpel einen Stein über den anderen. Es entstanden lustige
Fabelwesen. Plötzlich wanderten die Bremer Stadtmusikanten mit ihren Tieren
durch diesen kleinen See und genossen so ganz nebenbei ein erfrischendes
Morgenbad.
Ein Foto aus der Vogelperspektive und das kleine Kunstwerk war festgehalten.
Beginnt hier Kunst? An alltägliche Dinge wird Hand angelegt, daraus etwas
geformt, das die Betrachterin, den Betrachter erfreut, sie oder er etwas in
tiefer Schicht erahnt und daraus eigene Bilder entwickelt? Dies ist nur eine
Möglichkeit von Vielen, mit dem inneren Auge etwas zu sehen, es zu erfassen,
zu begreifen, in eine Form zu bringen, den ureigenen Ausdruck für die
Form zu finden. Die Kinder machten es intuitiv, spielerisch, einfach so,
ohne einen Plan dafür zu haben, oder etwas zu verfolgen.
Vor mehr als 30 Jahren begann ich mit dem Schreiben, einfach so,
in der Küche, dem Ort der Verwandlung. Wie von selbst verwendete ich als
mein Stilmittel meine Muttersprache, den Dialekt. Längst verschüttet gewesene
Erfahrungen und Erlebnisse kamen hervor. Wie bei einer Zwiebel,
die geschält wird, befreite auch ich mich Schicht für Schicht von fremdbestimmten
Rollenbildern und Vorstellungen, bis ich in meine Wesensmitte
kam und dadurch meine ureigene Form des Schreibens fand.
Für mich wird Schreiben zur Kunst, wenn es mir gelingt, sowohl Alltägliches
wie auch existentielle Fragen des Menschseins zu verdichten und in möglichst
knapper Form zur Sprache zu bringen, Dichtung wird somit verdichtetes
Leben, das auch andere Menschen berührt und bei ihnen etwas auslöst.
Das Spiel mit der Sprache wird wie beim Spiel der Kinder mit den Steinen
ein Spiel mit den Wörtern.
Kürzlich schrieb ein Journalist: „Die Autorin entstaubte den Dialekt und stellt
ihn als gleichwertige Form der Artikulation neben die Schriftsprache.
Es ging ihr nicht darum, die Mundart neu zu erfinden und sich mit Lorbeeren
zu bekränzen, sondern unsere ureigene Sprache vom propagandistisch
missbrauchten >Völkischen< zu befreien und ihr die Würde zurückzugeben,
auch in unseren Tagen authentische Sprache des Volkes zu sein“.
Bereits einer meiner ersten Texte drückt meinen Umgang mit Sprache aus.
Annemarie Regensburger / Schriftstellerin/Poetin / lebt in Imst,
ist mit ihrer sozialkritischen Literaturpräsenz über Tirol hinaus anerkannt.
Zuletzt erschien: Gewachsen im Schatten/Autobiographie Tyrolia 2013;
Lichtweg mit Bildern von Chryseldis Hofer-Mitterer 2014; Mittlt durch giahn
/30 Jahre Dialektlyrik Haymon 2014; Ehe der letzte Schornstein fällt/ Südtiroler
Familien in der Fremde mit Angelika Polak/Pollhammer Athesia 2016
’s Woart / macht kue Gschroa / a Gschroa / isch kue Woart – / ’s Woart /
braucht kue Gschroa / hat Macht / ohne Gschroa
(Das Wort / macht keinen Lärm / ein Geschrei / ist nicht Wort / das Wort /
braucht kein Geschrei / hat Macht / ohne Lärm. )
155

Daniela Kowarik
Die Künstlerin beherrscht verschiedene
Techniken, wie Grafik, Radierung und
das Arbeiten mit Öl und Acryl.
Liberty Bell. Independence. Forever.
„Proclaim Liberty throughout all the land
unto all the inhabitants thereof“
1 Die Glocke hängt im Liberty Bell Pavillon
im Independence National Historical
Park von Philadelphia / USA.
http://kowarik-art.at
Druckgrafik, 2017,
Kupferplatte, Softwax, Carborundum,
Auflage 3, 19,9 x 14,8 cm
156

Bernhard Kreissl
„Malen ist für mich wie Medizin ohne Nebenwirkungen“. Das sagt der querschnittgelähmte Münchner Maler Bernhard Kreissl. Der kreative Umgang mit den
Farben, das Erschaffen von spektralen, oft auch surrealen Szenerien lässt den Künstler einen schöpferischen Flow erleben, der subtile Schmerzempfindungen
verblassen lässt. Anfänglich wird der Künstler durch alltägliche Erlebnisse zu neuen Bildern intuitiv inspiriert. Die Ideen sind reichlich und werden dann selektiert.
Vor seinem geistigen Auge entwickelt
er dann einen Grundriss des Motivs.
Er wählt in der Folge ein entsprechendes
Format für die Leinwand aus und
beginnt. Während des Entstehens lässt
der Maler neue Ideen wertungsfrei in
ein Gemälde mit einfließen und ist
dann immer wieder selbst über das
gerade Entstandene überrascht.
Seinem autodidaktischen Charakter
entsprechend hat sich Herr Kreissl
das Malen selbst beigebracht.
www.ichmalso.de
ichmalso@online.de
„Tatzelwurm“, 2016,
Öl auf Leinwand, 60 x 50 cm
157

Anima Kremer
Anima Kremer lebt als freischaffende Künstlerin
in ihrer Heimatstadt Köln. Ihr Interesse gilt
experimentellen Verfahren, obwohl sie Malerei
studiert hat.
Sie möchte gerne den weniger sichtbaren
Erscheinungen nachspüren und den Prozess
erfahren. Sie reflektiert in ihren Bildern Reiseerlebnisse.
So findet sie durch Schichten und Anhäufen
von malerischen / grafischen Elementen zu
ihren abstrakten Bildkompositionen.
www.anima-k.de
„Spanische Impressionen“, 2013,
Siebdruck/Öl auf Leinwand, 70 x 100 cm
S. 159: „mov-ables“, 2008,
Öl/Eitempera auf Leinwand, 50 x 50 cm
S. 160: „Rhythm in the air“, 2005/2012,
Siebdruck/Öl auf Leinwand, 60 x 60 cm
158

159

160

Finissage
Lebensausstellung beendet.
Exponate sicher verwahrt.
Wartend.
Abholbereit.
Eine lange Reise antretend.
Schlüssel
zur paradiesischen Galerie
übernommen.
Bereit
zur Vernissage
im Elysium.
Letzte
große
Dauerausstellung.
Erinnerung.
Die kräftigen Farben
seines Lebens
berührend
warm
mild
bewegt
vor dem Verblassen geschützt.
Sammlung
der liebevollen Erinnerung
in der Seelengalerie
seiner Liebsten
eröffnet.
Feber 2015
Vroni Schneider lebt und arbeitet in Zirl.
Sie schreibt als Autodidaktin Lyrik/Kurzprosa im Dialekt und in Schriftsprache.
Ihre oft zeit- und sozialkritischen Texte entstehen meist auf Grund ihrer
Erfahrungen die siewährend ihres sozialen Engagements
über Jahrzehnte erfahren durfte.
161

Tina Krippels
Die Werke von Tina Krippels sind voller Leben und Farbe mit immer wiederkehrenden Formen und komplementären Kontrasten. Linien und Elemente
verbinden und trennen die geschaffenen Flächen, ordnen neu, geben scheinbar Ruhe und lenken den Blick auf seinem Weg durch das Werk. Schicht für
Schicht wird nicht zerstört, sondern vielmehr nur verdeckt. Vieles bleibt somit im Grunde genommen erhalten, schimmert durch und kann erahnt werden.
Farbüberlagerungen verdecken zum Teil Linien und zarte Ritzungen, bis ein harmonisches Ganzes entstanden ist, das dem Betrachter seinen eigenen
unabhängigen Zugang zum Bild ermöglicht. Die Künstlerin verwendet verschiedenste verfeinerte Techniken und Materialien,
um Farbe und Form zu dem werden zu lassen, was den eigenen Reiz ihrer ausdrucksstarken Bilder ausmacht.
www.meinekunst.net
„good old memories“, 2017, Acryl- Mischtechnik auf Leinen, 80 x 80 cm
162

163

Regina Kubelka
Licht bricht sich im Schliff auf Edelstahl. Im Blick des Betrachters entsteht Raum. Dieser öffnet sich in die Dreidimensionalität oder schließt sich in der Bildfläche.
Das Licht mit Farbe imaginiert das klassische Tafelbild, wirkt dadurch als Irritation des Betrachters, weil die Materialität des Metalls zur Frage wird.
Das reflektierende Material ist Schöpfer und Übersetzer der Malschicht in ihrer Auflösung. Im Auge des Betrachters entsteht die Abbildung und bevor sie sich
festigt, und als „Gesehen“ abgelegt wird, sich der Betrachter also abwendet, verändert er durch seine „Abwendung“ die Position,
die einen neuen Bildentwurf und eine neue Erfassbarkeit des Betrachtens ergibt.
www.atelierkubelka.com
office@atelierkubelka.com
„Silver Land 1“, 2017, Edelstahl geschliffen, 94 x 94 cm
S. 165: „Shiny Fields“, 2014, Edelstahl geschliffen, Acryl, lackiert, 100 x 200 cm
164

165

Sabine Kühner
Farben sind in ihrer Vielfalt und außerordentlichen
Wirkung Ausdruck von Leben. Und Leben
bedeutet immer auch Farbe. Dies spiegelt sich
in ihren Farbwelten wider. Natur oder Figuration
sind Anlass für einen angestrebten Abstraktionsgrad,
der allein durch die Emotionalität der
Farbgebung entsteht.
Seit 2016 Studentin von Prof. Markus Lüpertz
bedeutet ihr die Freiheit im künstlerischen
Ausdruck alles. Alles geben, alles wagen
um ganz zu SEIN.
Das fertige Bild spiegelt diesen Zustand am
besten wieder.
www.sabinekuehner.de
„Vacation“, 2017,
Acryl auf Leinwand, 100 x 70 cm
S. 167: „Neue Ausrichtung“, 2017,
Acryl auf Leinwand, 130 x 90 cm
166

167

Beatrix Kutschera
Ihre grafische Ausbildung nutzend, gelang Beatrix Kutschera schon bald der Sprung zur Kunst fugenlos. Sie besitzt ein hohes Maß an ästhetischem Empfinden
und weiß mit jedem Malmittel stilsicher umzugehen. Von außen empfangene Eindrücke verschmelzen in ihrer Arbeit mit inneren Bildern und Empfindungen
und bestimmen ohne Umweg über den Gegenstand den Duktus der zeichnenden Hand. Ihre visuellen Botschaften sind gleichsam Seiten aus dem Tagebuch
eines empfindsamen Menschen. Sie erzählt von Sonne und Meer, von Erde und Wind, von Sehnsucht und Erfüllung oder einfach von der Lust am Leben.
www.atelier21.at
b.kutschera@atelier21.at
„Norderney lässt grüßen“, 2015, Acryl/Ölpastellkreide auf Leinwand, 80 x 80 cm
168

Aufgrund der Einsicht in die völlige Diffusion aller Identität durch den Tod,
wirkt dessen Nähe verstörend. Der Sterbende und erst recht der Tote sind
nicht mehr das vertraute Gegenüber. Aufgrund der Unerlebbarkeit des Todes,
entzieht sich der von ihm Heimgesuchte selbst aller Verständlichkeit.
Durch dessen zwangsläufige Dingwerdung verweigert er sich der Kommunikation,
die stets nur von zwei sich ihrer selbst vollkommen bewussten
Partnern geleistet werden kann. Ist es der Kunst als außerhalb der zweckgerichteten
Sprache möglich, diese Lücke auszufüllen oder sie zu erfahrbar
zu machen? Es wird wohl bei einer permanenten und stets unzureichenden
Annäherung bleiben und damit wird sie zum Motor für Kreativität. Ja: Tod,
Kunst und Kreativität sind kaum voneinander zu trennen.
Die Ästhetik des Tanzes ist normalerweise an den performativen Akt seiner
eigenen körperlichen Hervorbringung gebunden, sowohl für die Tänzer
als auch für deren Betrachter. Es besteht kaum eine Möglichkeit ihn in seiner
Besonderheit festzuhalten. Trotz aller Aufzeichnungsmedien wie Photographie
oder Film, die uns bestimmte Momente oder auch eindrucksvolle Episoden
eines Tanzes vermitteln, wirken diese merkwürdig unzureichend, wenn es
darum geht, das besondere Erlebnis, die Erfahrung des Tanzes unmittelbar
zu visualisieren, einen direkten Eindruck davon zu geben, wie die Musik den
Körper bestimmt und wie ihre Energien in den körperlichen Ablauf einwirken,
wie der Tanz die Musik weiterträgt, eine transposition d’art betreibt.
Denn: Es findet keine adäquate Transformation von der Motorik des Tanzenden
zum visuellen Eindruck des Betrachters statt, jedenfalls nicht im Nachhinein,
vielleicht noch nicht einmal während einer Rezeption, die zeitlich
synchron an den eigentlichen Akt gebunden ist und mit ihm selbst
abgeschlossen ist.
Torsten Voß, Priv.-Doz. Dr. phil., wissenschaftlicher Mitarbeiter an der Fakultät
für Linguistik und Literaturwissenschaft der Universität Bielefeld 2004 bis 2012
im Fachbereich „Germanistische Literaturwissenschaft“;
seit 2013 Lehrbeauftragter ebd., 2013/2014 Postdoc-Stipendiat am Deutschen
Literaturarchiv Marbach (Udo Keller-Stipendium „Religion und Moderne“),
seit WS 2016/2017 Postdoc-Mitarbeiter im FWF-Projekt „Zur Funktion
auktorialer Paratexte für die Inszenierung von Autorschaft (um 1800)“ an der
Universität Innsbruck. Ab 1. Oktober 2017 Guest Professor am Institut für
Germanistik der Universität Innsbruck.
Promotion zum Thema „Die Distanz der Kunst und die Kälte der Formen“ 2004
Habilitationsschrift: „Körper Uniformen und Offiziere. Soldatische Männlichkeiten
in der Literatur von Grimmelshausen und J.M.R. Lenz bis Ernst Jünger und
Hermann Broch“. (2014). Interessenschwerpunkte: Men’s Studies, Neuere
deutsche Literaturgeschichte, Rezeptionsästhetik, Lyriktheorie und Lyrik der
klassischen Moderne, Metaphorik der Medien, Paratextualität um 1800,
Literarischer Katholizismus, Creative Writing
Kunst muss das Diktum erfüllen, welches in Jürgen Beckers Kurzprosa –
nicht ohne Trauer – eingeklagt wurde: Früher fingen wir noch Fische im Bach.
Früher kam noch Hans Muff. Früher hörte man noch zu, wenn man von
früher erzählte. Das bedeutet eigentlich: Heutzutage gelingt es nicht einmal
mehr vom Jetzt zu erzählen, da dieses Jetzt seit jetzt immer schon vorbei ist.
Beckers Erzähler beklagt diesen Verlust, auch das Verschwinden der Freude
am Zuhören.
169

Elena Lebaci
Im Bild sind nicht nur landschaftliche
Kontexte, sondern auch Seele und
Gefühle. Die Künstlerin legt den
Akzent auf die Kraft der Bilder und
des täglichen Lebens. Jedes Detail ist
mit wohldefinierten Linien und
„intensiven Farben aber harmonisch
nebeneinander angeordnet“ (Paolo
Levi, 2016). Bewußtsein in Technik
und Stil wird Ermittlungswerkzeug
von existenziellen Werten.
Das ist eine Landschaft der Erinnerungen
und Nostalgie, von intensivem
Expressionismus. Die Linien und
Farben steigen visuell, Emotionen der
verzaubernden Betrachtung.
www.art-lebaci.com
lebaci@web.de
„Crepuscule a Pont Neuf“, 2010,
Öl auf Leinwand, 80 x 100 cm
170

Q.G.Li
Der Künstler liebt es schon seit langem, Menschen zu malen, egal ob sie Männer oder Frauen, alt oder jung, vergangen oder lebend sind.
Denn die Menschen sind nicht nur am wichtigsten in unserem Universum, sondern auch die bevorzugten Themen seiner Kunst und Leidenschaft.
Das Leben ist stets in Bewegung. Er stellt am liebsten die tanzenden Körper auf den Leinwänden dar und sucht gleichzeitig die Gemeinsamkeiten der Figuren,
sowie die Stille des Chaos. Weil Q.G Li auch ein Dichter ist, sind die Pinsel und Farben nur andere Zeugen, um seine Poesie, Perspektiven und Sinnlichkeit
auszudrücken. Ein Gesicht / ein Portrait ist oft von ihm wie ein Schatten oder ein Traum abgebildet, denn er glaubt, dass unsere Images existieren
und alle zwischen Zeit und Raum schweben.
www.qgli.info
liqiangang@yahoo.com
„Liebe“, 2014, Öl auf Leinwand, 200 x 300 cm
171

Theodora Maxian-Marzani
Im Bild kommt die besondere Vorliebe der Künstlerin für die
Atmosphäre von Ortsansichten zum Ausdruck. Der Realismus des
ersten Augenblicks täuscht: Die Fassaden der flankierenden Häuserfronten,
welche den Blick auf den Wiener Stephansturm freigeben,
sind in einer kolorierten Ornamentik aufgelöst, welche die Häuser
gar nicht besitzen. Diese expressive, jugendstilartige Ornamentik steht
im Kontrast zur impressionistischen Zeichnung des himmelwärts strebenden
Turms. Bleistiftstrich und Farbe, Ornament und Schlichtheit,
Fantasie und Realität, unterschiedliche Stilrichtungen, all diese Gegensätze
vereint das Bild und bildet doch ein stimmiges Gesamtbild,
welches die Vielfalt der städtischen Atmosphäre ausdrückt.
maxianmarzani@tele2.at
„Wien, Blick auf den Stephansturm“,
Bleistift auf Papier, teilweise mit Aquarellfarben koloriert,
27,5 x 15,5 cm
172

173

Ulrike Meissl
Mit ihren meist sehr farbintensiven, großformatigen
Bildern, möchte die Künstlerin etwas in
den Fokus rücken. Etwas wichtig werden lassen
und sichtbar machen, was berührt. Diese Art der
visuellen Kommunikation transportiert ihre Gefühle
und Impressionen nach außen. Das Bildthema
verschmilzt mit den Farben zu ihrer Wirksamkeit.
Intensive Farben zeigen Lebendigkeit und sollen
den Betrachter auf eine innere Reise schicken.
www.ulrikemeisslart.at
info@ulrikemeisslart.at
“Gaia”, 2016, Mixed Media, 150 x 100 cm
S. 175: ohne Titel, 2015,
Mixed Media, 150 x 100 cm
174

175

Benno Meliss
Die Bilder von Benno Meliss (geb. 1956) bewegen sich zwischen Grafik und Malerei und kreisen um die Themen Mechanik und Natur,
wobei sich fast zwangsläufig eine Nähe zum Skelett- und Insektenhaften, sowie zu zerfallenden Strukturen ergibt.
Die Maltechnik beruft sich auf altmeisterliche Eitem-pera-Harzöl-Schichtenmalerei. Eingearbeitet sind Materialien wie Draht, Äste, Knochen, Textilien etc.
bennomeliss.com
b.meliss@tsn.at
„fossilmechanisch“, 2016, Eitempera, Harzöl, Transparentdruck auf Spanplatte, 44 x 40 cm
S. 177: „Der tollkühne Schlittenfahrer“, 2016, Eitempera, Harzöl, Draht, Holz auf Hartfaser, 42 x 34 cm
176

177

Gabi Moll
„Das Experimentieren mit den
Materialien, die Entscheidungen im
gestalterischen Prozess, wird in den
Bildern sichtbar; sind es manchmal
klare Gesten schwarz auf weiß, wie
deutliche Worte, oder ein anderes Mal
deutliche Wege, die sich eröffnen.
„Es sind Tagesbilder, Transformationen
besonderer Art, bildnerische Kommunikate,
die zwischen offenen und
geschlossenen Flächen wechseln.“
Zitat von Joanna Gruse
gabimoll.de
ohne Titel, 2016,
Öl auf Leinwand, 30 x 24 cm
178

179

A.S. Mondo
Annelies Schindler (Künstlername
„mondo“) malt gegenständlich in
unterschiedlichen Abstraktionsstufen.
Mit Vorliebe wählt sie Motive aus der
Natur. Bei der Darstellung von Tieren
ist es ihr wichtigstes Anliegen, dass
sie beseelt sind und einen Ausdruck
haben, damit der Betrachter in
Augenkontakt mit ihnen treten kann.
Grundlage ihres künstlerischen Schaffens
ist das zeichnerische Handwerk.
Die Künstlerin arbeitet sehr vielseitig:
Passend zum Motiv wählt sie Acryl,
ÖL, Pastell- und Ölkreide, Kohle,
Blei- und Buntstifte sowie Collagen
und Mischtechnik.
„Am XXLSbachsee“, 2017,
Kohle auf Leinwand, 100 x 80 cm
S. 181: „Gratwanderung“, 2017,
Collage auf Leinwand, 60 x 60 cm
S. 182: „Paradiesvogel“, 2014,
Öl auf Leinwand, 80 x 80 cm
180

181

182

183

MOSOTE
„Personas Imàgenes“ – schlicht als „Menschenbilder“ zu übersetzen – so nennt MOSOTE (Nitsch und Lüpertzschülerin) diese beiden wunderbaren Exponate
aus einem ganzen Zyklus zu diesem Thema. Sie lässt uns teilhaben an grazilen Figuren, rätselhaft diffusen Körpersilhouetten, gezielten Schattenwirkungen,
an ihrer künstlerischen Phantasie, Kraft und nicht zuletzt an einer meisterhaften Technik.
Die hier veröffentlichten mit dem
„PALM ART AWARD -RECOGNITION
PRIZE 2016“ ausgezeichneten Arbeiten
der international auftretenden österreichischen
Künstlerin überzeugen nicht nur
allein durch ihre Größe, auch durch einen
persönlichen Duktus und einer gekonnten
Farbauswahl. Der technisch aufwändig
gestaltete Hintergrund gibt den Sujets
einen absoluten Reiz. In verschiedenen
Richtungen ziehen Spuren über die Oberfläche
des Malgrundes und schaffen die
notwendige Räumlichkeit. Überlagernde,
lasierend aufgetragene Farben, stehen in
einem ausgewogenen Verhältnis zu den
übrigen Bildmotiven und unterstützen
die eigentlichen Hauptdarsteller, die
„Personas Imàgenes“ und geben dieser
Ausdrucksform (semiabstrakt darstellender
Malerei) eine lebhafte Bildsprache,
gepaart mit einer überaus professionellen
Ausführung des Motives.
www.mosote.at
art@mosote.at
„PERSONAS IMÀGENES 1“, 2016,
Acrylmischtechnik auf Leinen,100 x 120 cm
S. 185: „PERSONAS IMÀGENES 2“, 2016,
Acrylmischtechnik auf Leinen,100 x 120 cm
184

185

Kristine Narvida
Das Gleichgewicht herzustellen zwischen den einzelnen Pinselstrichen und dem gesamten Werk, der Prozess des Malens, die Suche nach der Balance,
erfüllt Kristine Narvida. Sie malt und wundert sich dabei darüber, wie Farben ‚passieren‘ und was mit ihr selbst geschieht. Es gibt diese Augenblicke des
flüchtigen Glücks, die so schnell verschwinden, wie sie kommen. Und das Werk, welches ihn abbildet, lebt manchmal sein eigenes Leben; ein trotziges,
von ihr unabhängiges Leben. Dabei durchlebt sie einen Prozess, der ihr Grenzen zeigt, Entscheidungen verlangt und sie am Ende auf einen Weg führt,
der ihr als Schöpfer Freude bereitet.
www.narvida.com
kristine@narvida.com
„Wachsein“, 2016, Öl auf Leinwand, 80 x 100 cm
186

Christian W. Neuber
Spezialist für flüssige Zeichenmittel
„Die Arbeiten des vielseitigen Künstlers, entstehen immer ohne Vorzeichnung, nach einer durchdachten gedanklichen Vorarbeit.“
„Spontan manuell niedergeschrieben und geritzt oder gedruckt, werden die Werke zu synonymen Erzählungen der Wirklichkeit, zu Sinnbildern.“
„Es sind kalligrafische Unikate mit hoher Ästhetik in knappen, konzentrierten Zeichnungen der Geistigkeit und Lebendigkeit innewohnen.“
Aus Laudatio, Dr. Schmidt “Das dritte Haus“ Kunstdienst der Sächsischen Landeskirche Eine große Zahl nationaler und internationaler Ausstellungen zeugen
von seiner Vielfalt und expressiven Gestaltungskraft. Er verbindet bewusst im ‚a la Prima‘ die getrennten Genres der Grafik, Malerei und Gebrauchsgrafik.“
Die farbkräftigen Aquarellmalereien interessieren mehr und mehr zur Umsetzung in Glasfenstergestaltungen für Kunst am Bau.
www.neuber-art.de
neuber.art@gmx.de
„Weg im Herbst“, 2008, Expressivaquarell, 55 x 37,2 cm, Werkverzeichnis: 176
187

Norbert Öhler
Schellack- und Strukturbilder kennzeichnen einen Großteil der künstlerischen Arbeit von Norbert Öhler. Als gelernter Stuckateur versteht er den Umgang mit
dem nötigen Material und Werkzeug eines Künstlers und bringt die Jahrzehnte lange Erfahrung in seine Bilder ein. Abstraktionen stehen dabei im Vordergrund,
während bei gegenständlicher Motivwahl eher die Wahl auf Aquarell, Acryl oder Öl fällt und vom Können des Künstlers kundet.
norbert.oehler@hotmail.com
Bild: „Saphir“, Struktur/Öl/Schellack, 112 x 102 cm
S. 189: „Grottenzauber“, Öl/Schellack, 104 x 114 cm
S. 190: „Blauer Saphir“, Struktur und Schellack, 112 x 102 cm
S. 191: „Venus“, Struktur und Schellack, 102 x 102 cm
188

189

190

191

Bernhard Ost
Mit sechs Jahren wurden bereits die ersten künstlerischen
Weichen gestellt. Die Tochter eines der
alten Düsseldorfer Meister (Christian Sell) förderte
und lenkte die ersten Mal- und Zeichenversuche.
Der Name „Sell“ steht für eine alte Düsseldorfer
Malerdynastie. Auf dem Gymnasium hatte
Bernhard Ost Kunstunterricht bei dem später
international bekannten Prof. Heinz Mack.
Auf vielen nationalen und internationalen Ausstellungen
und Kunstmessen waren seine Kunstwerke
zu sehen, Nominierung zum EMMA (European
Master of Modern Art) und Gewinner des EMMA-
Carier-Award. Gelistet im Lexikon des Forschungsinstitutes
Bildender Kunst.
www.kunst-berndost.com
berndost.gyn@googlemail.com
„Haus der Träume“, 2014,
Mischtechnik, 150 x 100 cm
S. 193: „zärtlicher Abschied“, 2017,
Keramik/Acryl-Mischtechnik, 100 x 70 cm
192

193

Taciana Ottowitz
Taciana Ottowitzs Leidenschaft ist
das wissenschaftliche Zeichnen.
Insbesondere mag sie die Technik,
die in dieser Arbeit verwendet wird
sowie die damit verbundene Genauigkeit
und Detailtreue. Dennoch wird
dem individuellen künstlerischen
Beitrag viel Raum gewährt, um der
Schönheit der Natur den erforderlichen
Ausdruck zu verleihen.
www.taciana-ottowitz.de
Taciana.Ottowitz@gmail.com
„Helikonien, Rotnacken-
Topaskolibri“, 2015,
Aquarell und Gouache, 46 X 36 cm
194

195

Walter Pachner
Wenn Walter Pachner zeichnet lässt er seinen Gedanken freien Lauf. Meistens hat er kein Thema, er improvisiert und so entstehen Strukturen,
die wie abstrakte Landschaften aus der Vogelperspektive zu deuten sind. In der Malerei gibt der Künstler der Reduktion und der Figuration Ausdruck und Platz.
www.walterpachner.at
walter.pachner@liwest.at
„Mousepad“, 2017, Öl auf Leinwand, 60 x 50 cm
S. 197: „In sich geschlossene Elemente“, 1988, Tusche auf Papier, 51 x 40 cm
196

197

Marion Pass
Natur und Malen waren immer schon zentrale Themen ihres Lebens, schon während des Biologiestudiums wurde die Liebe zur Malerei geweckt.
Durch das aufmerksame Beobachten der Pflanzen, Tiere und Landschaften, sowie das Wiedergeben des Gesehenen mittels unterschiedlicher Maltechniken,
wie Aquarell- und Acrylmalerei, sowie botanische Illustration und Graphitzeichnung, entstehen lebendige, naturnahe Bilder. Auch kommt oft eine Kombination
mehrerer Techniken zum Einsatz. Mit ihren Bildern möchte sie andere Menschen zum Staunen, Freuen und Träumen bringen.
http://art.beipass.at/
marion@beipass.at
„Neue Wege“, 2017, Aquarell auf Ingres, 52 x 39 cm
198

Maske
Die Welt, nicht nur
Fassade, ist auch
Maskerade
Du weißt es doch…
Alles ist wie ein
Loch, das sich
füllt und dann … hell wird
und rund ein …
Gesicht
Kennt sich Dein Mund darin je wirklich
und spricht nicht das All durch ihn, wie
um sich und in und mit Deinen Augen zu spiegeln?
Und plötzlich und dann immer schon
Ist da ein… aber
das leise klopft,
das zag rüttelt,
wie an einer Maske
das hier und da
durch Schlitze blitzt
wie um sich Dir entgegen zu
… morsen, zu… funken und … zu tasten
und dann …
liegt Deine Maske da
und neben ihr meine und
die Welt ist es nun,
Andreas Zeiß, 1978 in Aschaffenburg (Beiern) geboren lebt in Innsbruck
und arbeitet gegenwärtig als Haus- und Gartenhilfe (halbtags) und an
seiner Masterarbeit in Philosophie zum Thema Lacan, Ethik des Realen.
Besuchte verschiedene Volksschulen im Kreis Rosenheim, absolvierte
Hauptschule, Polytechnischen Lehrgang, Lehre im Einzelhandel.
DanachJobhobbin in vielen verschiedenen Bereichen,
Sudienberechtigungsprüfung und den Bachelor in Philsophie.
SchreibtLyrik,(Erstveröffentlichung: „Sonnenfäule“ Verlag Bautz GmbH,2011),
Noch unveröffentlicht (Lyrik, Kurzgeschichten, Experimenteller Roman).
Passion für das Unbewusste
die uns deckt, wie
um uns vor ihr zu
verschweigen
199

Hans Piotrowiak
Der Künstler stellt die Herangehensweise seiner Themen so dar: „ Augenblicke und Momente als Auslöser meiner Bildinhalte. Die Vielfalt von Mensch
und Natur“. Seine Handschrift, oft ausgedrückt durch eine spontane, kräftige Pinselstruktur, zeigt eine Vielfalt unterschiedlicher, auslösender Momente.
pio-bilder@mail.de
„Wolkenspiel“, 2015, Acryl auf Leinwand, 100 x 180 cm
S. 201: „Tanzendes Rot“, 2017, Öl auf Leinwand, 70 x 50 cm
200

201

Werner Pirker
Die Reduzierung auf das Wesentlichste steht bei seinen Arbeiten
im Vordergrund. Das Material (vorwiegend Holz) wird durch den
Schaffungsprozess zu neuem Leben erweckt und durch unterschiedlichste
Oberflächentechniken veredelt.
Die Arbeit „Zukunftsmensch“ nimmt im positiven wie auch
im negativen Sinn Einfluss auf die neuen Medien!
www.bildhauer-wp.at
office@bildhauer-wp.at
„Zukunftsmensch“, 2016,
Massivholz mit Eichenspänen
überzogen und mit Klarlack behandelt – auf Altholzsockel,
95 x 20 x 17 cm
202

Gerhard Priester
Inspiriert durch das Organisieren von zahlreichen Vernissagen und Ausstellungen beschäftigt sich der in Niederösterreich lebende Künstler erst seit 2010 aktiv
mit der Malerei. Sein Interesse an Technik veranlasste den „künstlerischen Quereinsteiger“ Bilder auf Acrylbasis in Form von Collagen und Strukturen
überwiegend aus alten Computerteilen und Elektronikschrott zu gestalten. In zahlreichen Ausstellungen hat er seine Werke bisher präsentiert und hat
dadurch mit seinen „Schrottbildern“ auch in der Kunstszene einen gewissen Stellenwert.
www.gerhardpriester.at
„Kabelsalat“, 2013, Collage, 60 x 50 cm
203

Eva-Maria Pusch
Ihre Werke sind Momentaufnahmen
von innerer Ruhe und äußerer Dynamik –
festgehalten und in Bronze gegossen.
Ihre dynamischen kleinen Powerfrauen
und Traumtänzerinnen strahlen Energie
und Lebensfreude aus. Inspiration für
ihre Bronze-Unikate findet die Künstlerin
vor allem in der Begegnung mit der
Natur und im modernen Tanz, aber auch
Themen der Mythologie und der alpinen
Sagenwelt werden aufgegriffen und neu
interpretiert. Die hier gezeigte Skulptur
„Swing“ bewegt sich – losgelöst im
wahrsten Sinne des Wortes – zwischen
Tag und Traum; mit nach innen gerichtetem
Blick genießt sie den beschwingten
Augenblick.
www.evamaria-pusch.de
„Swing“, 2016, Bronze-Unikat,
teils patiniert grün/braun, teils poliert,
36,5 x 21 cm
204

Nicola Quici
Im digitalen Report von Meister Bildender Künstler 2012, lässt sich folgendes nachlesen: „Quicis Abstraktion charakterisiert sich durch sein extremes Streben
nach farblicher Harmonie. Häufig finden sich zudem figürliche Fragmente. Diese Mischung führt dazu, dass man sich unweigerlich mit den Motiven länger als
geplant auseinandersetzt. Der Künstler schickt den Betrachter auf eine Entdeckungsreise. Seine Werke erzeugen Bewegung, Atmosphäre und sie spornen
zum Nachdenken an - zum Einsetzen der eigenen Fantasie.”
www.atelierquici.com
www.galerie-da-rheinfelden.de
„The dance of hope“, Diptychon, 2015, Öl auf Leinwand, 200 x 150 cm
205

Thomas Anton Rauch
legt einen großen Stellenwert in
seinem Schaffen darauf, die Phantasie
des Publikums anzuregen, da diese
bezaubernde Disposition in unserer
Gesellschaft durch die rundum Unterhaltung
der neuen Medien immer mehr
in den Hintergrund zu rücken droht.
Unkonventionelle Portraits bekannter
und markanter Personen, eigenartige
Skulpturen, meist aus Stahl geschweißt
und surreale Bildergeschichten, gemalt
in feinem Pinselstrich, teilweise verschmelzend
mit einer Collage, oder
aber mit einer nahezu halluzinogenen,
abstrakten Gegenstandslosigkeit lassen
die Betrachter und Betrachterinnen
meist ins Reich
der Phantasie gleiten.
www.tartort.com
„Der Sieg der Liebe“, 2017,
(aus der Serie Goethes Faust, im Jetzt),
Öl auf Leinwand, 120 x 90 cm
206

Brigitte Rauecker
Das künstlerische Schaffen von Brigitte Rauecker schenkt uns neue Erkenntnisse des Sehens, die es ermöglichen, an den Quellen der Empfindsamkeit und Tiefe
mittels unserer eigenen Rezeption in verstärktem Maße teilzunehmen. Das zentrale Motiv der Künstlerin ist das Portrait. Portraits, mit Vorliebe in Öl gemalt,
geben einen Hinweis auf die vielfältigen Leben, die sich in den Gesichtern der Menschen ablesen lassen. Mit viel Wärme bringt die Künstlerin das Wesen
und die Persönlichkeit der abgebildeten Personen zum Ausdruck.
www.atelier-rauecker.at
brigitte@atelier-rauecker.at
„Madonna”, 2013, Öl, 100 x 70 cm
207

Judith Reßler
Die emotionale Stimmung sowie das eigene Leben der Künstlerin spiegeln sich in den Ölgemälden von Judith Reßler wider. Körper, Erotik und das Banale
sind bevorzugte Themen. Die Gefühlssituationen eines Menschen werden auf bestimmte Gesten oder Dinge reduziert, meist sehr privat und doch allgemein
gehalten, so gibt die Künstlerin dem Betrachter die Möglichkeit, sein ganz persönliches Thema im Bild zu finden. Der Fokus liegt auf dem Ausdruck und
der Wirkung des Bildes. Durch Reduktion und klaren Pinselstrich wird der Blick des Betrachters auf das Wichtigste gelenkt, die Leinwand bleibt meist offen,
dient rein als Bildträger. Freiheit, Leichtigkeit und Klarheit im Bild sowie Interpretationsspielraum sind wichtige Bestandteile in Judith Reßlers Werken.
www.judithressler.at
judith@judithressler.at
„Guten Morgen“, 2014, Öl auf Leinwand, 160 x 130 cm
208

209

Richard Richter
Balanceakt
Bronzeskulptur
Das Leben ist ein täglicher Balanceakt. Eine Beziehung ist
umso glücklicher, wenn es einerseits gelingt, Balance zu
halten zwischen dem Stellen von Forderungen und dem
Schließen von Kompromissen, wenn andererseits Balance
zwischen Nähe und Distanz geschaffen wird.
Auch Freundschaft beruht auf der perfekten Balance
zwischen Ähnlichkeit und Individualität.
Bei diesem täglichen Balanceakt gilt es auch, das Geben
und Nehmen richtig auszutarieren. Balance zu halten
zwischen Leidenschaftlichkeit des Herzens und der
Vernunft des Verstandes ist Voraussetzung für ein seelisches
Gleichgewicht, für den Sinn des Lebens, nämlich zu LEBEN.
(Richard Richter)
www.richter-skulpturen.at
„Balanceakt“, 2007,
Lindenholz, abgeformt, in Bronze gegossen, Höhe 49 cm
210

Kleinkunst… Kunst
Kleinkunst! wirklich K l e i n - Kunst?!
Kunst ist niemals klein!
Kunst ist immer groß!
so groß wie sie des Künstlers Geist entwächst
Kunst ist achtsam und bescheiden,
fühlt geheimnisvoll die Sehnsucht die verborgen liegt
sie ist so winzig und so fein,
dass sie in das Innere der Seele dringt,
wo der Mensch bereit für ihre Botschaft ist
Der Mensch bewegt sich in den Räumen dieser Kunst
und öffnet sie im Atem der Gefühle:
er fühlt die Trauer und das Leid,
er fühlt die Sorgen seines Alltags,
er fühlt das Glück
im Wachsen seiner Selbst- und Nächstenliebe
Kunst bemüht sich um Beziehung
vermittelt Frieden Toleranz Verzeihung,
lockert festgetretene Gefühle,
verwandelt Hemmung Angst und Wut
in Hoffnung Klarheit Zuversicht,
sodass der Mensch sich selbst zur Kunst erhebt
Paul Fülöp Dr., geboren in Salzburg, wohnhaft in Innsbruck/Tirol
studierte Psychologie, Pädagogik, Philosophie und autodidakt Theologie
an der Universität InnsbruckAusbildung in Gesang, Tanz,
Schauspiel und Sprechkunstviele Jahre am Landestheater Innsbruck
Als Poet und Schriftsteller tätig seit 1983 (erste Lesung):
seither zahlreiche poetisch-szenische Lesungen
mit Musik in Cafés, Galerien, Museen und Kongressen,
ferner bei Ausstellungen, Vernissagen, wissenschaftlichen Vorträgen,
Demonstrationen für Menschlichkeit und Frieden
seit 15 Jahren Poesie und Wanderlesungen
mit Musik in den Städtischen Friedhöfen von Innsbruck
schreibt auf Anfragen (von privat und Bestattungen) Grabreden
und trägt sie beim Begräbnis vor
schrieb ein äußerst kritisches Weihnachtstheater Die Verführung
mit jahrelanger Aufführung im Kulturgasthaus Bierstindl in Innsbruck
Autor des Buches: Abschied und Ankunft im Licht der Begegnung –
Poesiemosaik von Paul Fülöp, 2011,
STUDIA Universitätsverlag Innsbruck, ISBN 978-3-902652-29-4
Buch in Arbeit: So sprach der Mensch – SoralPRO-Verlag Graz,
erscheint voraussichtlich im Herbst 2017
Kunst und Kleinkunst jäten unseren Alltag,
aus dem sie selbst emporgestiegen sind,
sie rütteln diesen Alltag wach wo er eingeschlafen ist
und zeigen Träume zur Befreiung aus der Einsamkeit und Isolation
Wer Kunst und Kleinkunst selbst erfahren will,
hält inne im Gespräch mit einem Menschen
und begleitet ihn ein Stück des Weges,
er hilft den Sterbenden das Paradies zu finden,
aus dem sie keiner mehr vertreiben kann
Die Kunst der Kleinkunst
schaut von Angesicht zu Angesicht
und spürt im Glanz der Augen
Spiegelbilder voller Dankbarkeit
In Stille neigt der Mensch sich vor der Kunst
und lädt sie ein,
in Weisheit ihrer Botschaft
seinen Alltag zu gestalten
Juni 2017
211

Christian Ristau
Seine Kunst ist meist gegenständlich und allegorischer Natur. Dabei entspringt der Großteil einer kritischen Betrachtung, die sich dem Betrachter oft erst im
Zusammenspiel von Bild und Titel erschließt. Ziel ist es, durch die scheinbare Entkoppelung von Titel und Motiv beim Betrachter einen Denkprozess zu initiieren.
Wird dies erreicht, ist viel gewonnen.
www.cristau.de
kontakt@cristau.de
„Poleposition“, 2016, Acryl auf Leinwand, 140 x 70 cm
S. 213: „Wer den Wind sät...“, 2017, Acryl auf Leinwand, 100 x100 cm
212

213

Cordula Rock
Inspirationen für ihr Schaffen findet die Künstlerin vorwiegend im Formen- und Farbenreichtum der Natur. Durch ihr großes Interesse für die Philosophie
geht sie in ihren Werken gerne „in die Tiefe.“ Sie sieht die Aufgabe der Kunst heute darin, einen Raum zuzulassen, in dem sich Farben und Formen auflösen,
und somit „Neues“ entstehen kann. Daher eröffnet die „abstrakte Malerei“ für die Künstlerin unbegrenzte Möglichkeiten, ihre Form- und Farbphantasien
umzusetzen und damit zugleich „Unfassbares“ und „Unbeschreibbares“ zu formulieren. Auch bei der Auswahl von Malgrund und Malmittel gibt es für die
Künstlerin keine Grenzen, sondern nur „spannende Herausforderungen“.
www.cordularockart.de
cr@cordularockart.de
„Ursprung“, 2016, Ölfarben, Acryl, Leinöl, Mischtechnik auf Leinwand, 80 x 80 cm
S. 215: „Entscheidung“, 2017, Marmormehl, Tinte, Pigmente, Mischtechnik auf Leinwand, 70 x 50 cm
214

215

Linde Ross
In ihrer Bilderserie KUHGESICHTERSTIERGESICHTER hat Linde Ross sich auf die faszinierende individuelle Ausdruckskraft der Köpfe und Gesichter
verschiedener Rinderrassen konzentriert. Stilisierte Portraitzeichnungen erscheinen als Konstante in allen Bildern - auf Papier, auf Holz, auf Nessel.
Das pauschale Signal „Kuh“ mit den damit verbundenen Assoziationen, die in unserem Kulturkreis hauptsächlich mit Verwertung zu tun haben,
wird zerstört und durch das Signal „Individuum“ ersetzt, indem Linde Ross dem Rind ein Gesicht zugesteht.
www.linde-ross.de
lindeross@hotmail.com
„Fries VIII, V, VI, Kuh - und Stiergesichter“, 2010/11, Acryl auf Nessel, 26 x 47,5cm/30 x 70 cm
S. 217: „Fries VII, IV, Kuh - und Stiergesichter“, 2010, Acryl auf Nessel, 50 x 100 cm
S. 218: „Sim Stiergesicht Tauros“, 2003, Acryl auf Nessel, 110 x 125 cm
S. 219: „Sim Stiergesicht Minotauros“, 2010, Acryl auf Nessel, 110 x 125 cm
216

217

218

219

Robert Roubin
Der Alltag prägt und gibt uns Hinweise auf Kommendes.
Das Rad des Lebens rollt und …..
www.robertroubin.at
robert.roubin@gmail.com
„Vernetzt“, 2014, Mischtechnik, 80 x 80 cm
220

221

Gertraud W. Saller
Die gebürtige Münchnerin lebt und arbeitet am Tegernsee. Hier nimmt die Künstlerin viele ihrer Motive auf und setzt sich teils kritisch ironisch mit den Wahrnehmungen
im heimischen, bayrischen Umfeld auf malerische Weise auseinander. Reisen rund um den Globus erweitern sowohl den geistigen als auch künstlerischen Horizont,
wobei die ganz eigene Sichtweise von G.W. Saller immer gut für überraschende Bildkompositionen ist.
traudlwsaller@t-online.de
„Freiland“, 2009, Mixed Media, 74 x 116 cm
S. 223: „Eulen (Nabucco Gefangenenchor)“, 2013, Mixed Media, 60 x 80 cm
222

223

Brigitte Saugstad
In den ausdruckstarken Skulpturen Brigitte
Saugstads spiegelt sich die energiegeladene und
positive Lebenseinstellung der Künstlerin wider.
Ihre Keramikarbeiten zeugen von einer gewissen
Schwerelosigkeit und scheinen losgelöst von
allen irdischen Zwängen, hin zu einer vollendeten
Form des Seins.
„Mit meiner Kunst möchte ich nicht zum
Denken anregen, sondern vielmehr eine „gefühlte
Wahrheit“ vermitteln -Gedankenfreiheit
und Losgelöstheit bewirken“ Brigitte Saugstad
studierte an der Universität für Angewandte
Kunst in Wien Keramik und Design. Ihre Werke,
die regelmäßig bei internationalen Ausstellungen
und Fachmessen präsentiert werden, finden
weltweit große Anerkennung bei Kunstliebhabern
und Fachkritikern.
www.brigittesaugstad.com
Figur: „give me space“
SP2, 2017, Feinsteinzeug, glasiert,
Acrylfarbe, 23k Blattgold
Ø 28 cm, 2 Kreissegmente
S. 225: Figur: Eisprinzessin Taktil
„Balance is everything“, 2017,
Feinsteinzeug mit Platin
eingebrannt, Kunstpelz, 48 x 38 x 38 cm
224

225

Marlene Schaumberger
Eintauchen in die Welt der steirischen Sagen
„Die weisse Frau am Schöckl“
„Ich will dich reich und glücklich machen, aber du
musst tapfer sein“
„Vor dem Reich-Sein fürchte ich mich nicht.“
Sagen sind nicht wie Märchen, die mit dem erhobenen
Zeigefinger dastehen: Das darfst du und so solltest du
sein. Bei Sagen geht es um real existierende Orte und
Personen, Ereignisse, die die Menschen manchmal
nicht richtig deuteten, oder miteinander vermischten.
Wir lieben alle Geschichten und Erzählungen und sind
täglich mit ihnen konfrontiert. Denken wir nur an
Storytelling, dieses große Steckenpferd wird auf jeder
Social- Media- Konferenz besprochen und weitergedacht.
Sagen haben etwas Mystisches an sich. Und
auch meine Bilder sollen Geschichten erzählen. Ich
setzte mir nicht den Anspruch, sie fertig zu erzählen,
es sind Ausschnitte, Textpassagen, die mich nicht loslassen,
alte Sagen, die teilweise mit der modernen
Welt verschmelzen oder
mit ihr konfrontiert werden.
www.arthof.net
art2marlene@gmail.com
„Die weisse Frau am Schöckl“
Werkreihe: Sagenwelten, 2015,
Acryl auf Leinen,150 x 100 cm
226

Aline Schenk
„Die, die mit Farbe denkt“….
Die freischaffende Künstlerin ist im Tiroler Oberland aufgewachsen, lebt und arbeitet in Telfs, Austria. Seit Malen ihre Passion und ihr Leben wurde, bedeuten Farben
für sie Leben, Kommunikation und Brückenbauen. Innere emotionale Visionen äußern sich in einer Vielfalt von Farben und Formen, die kräftige Farbigkeit ihrer Werke
kann auch von sich aus bereits eine fröhliche Stimmung erzeugen. Die Farbe ist somit ein entscheidendes Kriterium und Mittel,
das einen direkten Einfluss auf die Seele des Betrachters ausübt, jedoch Raum für Phantasie und eigene Gedanken lässt.
www.art-schenk.at
aline@art-schenk.at
„Kooperation“, 2016, Acryl auf Leinen, 100 x 100 cm
227

Sabine Schennach
Glas als Werkstoff für Kunst hat Sabine Schennach
seit jeher fasziniert. Das Spiel mit Farbe, die sich bei
hohen Temperaturen verändert und das Experiment
mit Formen bilden die Grundlage für ihr künstlerisches
Schaffen. Abstrakte Phantastereien, Phantasiegebilde,
die es dem Betrachter erlauben, vieles zu erkennen,
aber auch klare Formen, lassen ein Denken in
Bildern zu.
www.sabine-schennach.com
info@sabine-schennach.com
„Auerhahn“, 2015, Glasfusing, 50 x 40 cm
S. 229: „Gams“, 2015, Glasfusing, 50 x 40 cm
228

229

Horst-Werner Schneider
Der Künstler Horst-Werner Schneider malt in zeitaufwendiger Lasurtechnik Landschaften, die in ihrer Formensprache an jene der Romantiker des 19. Jahrhunderts
erinnern. Jedoch fügt er der vermeintlich zeitlosen Landschaft eine zwar real existierende, aber oft phantasievolle Komponente unserer Zeit hinzu.
Der Maler bezeichnet dies als seinen Phantastischen Realismus, der sich jedoch nicht an der gleichnamigen surrealistischen Strömung Anfang
des 20. Jahrhunderts orientiert.
www.horstwernerschneider-kreuzbruch.de
terra-in@gmx.de
„Australien, Olgafelsen“, 2016, Öl auf Leinwand, 85 x 115 cm
S. 231: „Brandenburg, Kreuzbrucher Schwemmgraben“, 2010, Öl auf Leinwand, 60 x 85 cm
S. 232: „Mecklenburg-Vorpommern, Landschaft bei Richtenberg“, 2012, Öl auf Leinwand, 46 x 60 cm
230

231

232

233

Horst Richard Schrettner
Die neue Bildserie des Künstlers widmet sich dem Weltall
und eröffnet dem Betrachter einen Blick in die Unendlichkeit.
Vor seinen Bildern verweilt man gerne, sie laden zum
Träumen ein und erzeugen eine Art meditativen Sog,
dem man sich kaum entziehen kann.
www.malstudioschrettner.simplesite.com
„Milchstraße“, 2017,
Acryl und Öl auf Leinwand, 150 x 100 cm
S. 235: „Kosmos 3“, 2017,
Acryl und Öl auf Leinwand, 100 x 80 cm
234

235

Astrid Schroffner-Steiner
Die Menschen sind im Fokus ihrer Werke. Sowohl mit der Kamera, als auch im Gespräch, fängt die anerkannte Künstlerin und Psychologin Momente ein, die berühren,
beschäftigen und diese werden dann auf unterschiedliche Bildträger übertragen. Spannungsvoll und faszinierend ist der Moment, wie die Künstlerin die Emotionen,
die dahinterstecken, umsetzt. Ein kreativer Prozess – ein Dialog.
Derzeitiger Fokus ist der Mensch im Golfsport ... ein Wechselspiel zwischen Fokussierung und Loslassen.
www.kunstraumgarten.at
kunstraumgarten@gmail.com
„Gelassenheit ... eintauchen in die Landschaft“, 2017, Acryl auf Leinwand, 130 x 110 cm
236

237

Bonny Schuhmann
Der gekonnte Umgang mit Formen, Farben und Strukturen verleiht den Arbeiten der Künstlerin einen unverkennbaren Charakter. Der Farbauftrag erfolgt spontan und
intuitiv und wird bereichert von experimentellen Elementen. Die Sinnlichkeit von Farben vor Augen erreicht die Künstlerin durch die zahlreichen Farbschichten
und Materialien eine Einladung zum haptischen Durchstreifen der Oberflächen. Ihre Bildthemen werden von Impressionen ihrer Reisen, von menschlichen Höhen
und Tiefen als auch von aktuellen politischen Ereignissen beeinflusst.
www.bonschu-art.de
info@bonschu-art.de
„Tanz der Freude“, 2016, Acryl-Mischtechnik auf Leinwand, 50 x 50 cm
S. 239: „Lichtgestalten“, 2016, Acryl-Mischtechnik auf Leinwand, 120 x 40 x 3,5 cm
238

239

Sissi Schupp
Im Mittelpunkt ihrer Arbeiten (meist Acryl - Mischtechnik auf Leinwand) steht der Mensch.
Ausgangspunkt ist stets der menschliche Körper. So erzählt sie Geschichten, mit und ohne Augenzwinkern.
www.sissischupp.com
sissischupp@gmx.at
„Halali“, 2017, Acryl auf Leinen, 100 x 105 cm
240

241

Barbara Schuster
In Ihrem Atelier haucht die Künstlerin Barbara Schuster Skulpturen und Bildern aus Porzellan mit Hingabe und Leidenschaft neues Leben ein.
Ihre abstrakten, filigranen Arbeiten, die sich der Diversitäten von Existenz und Vergänglichkeit verschrieben haben, entführen den Betrachter in eine faszinierende,
elementare Welt von Kristallstrukturen und Vergoldungen.
www.ArtdesGenerations.at
„Evolution“, 2017, Porzellan schwarz/weiß, Kristallglasur, Vergoldung 23 kt, 41 x 32 cm
S. 243: Skulptur „Vergänglicher Planet“, 2017, Porzellan, Vergoldung 23 kt, Glas, 26 x 23 x 11 cm
242

243

Jacqueline Seeber
WARUM: Die Frage, warum plötzlich alles verändert ist, die geplante Zukunft, die Heimat - alles verloren. Orientierungslosigkeit steht dem Jungen ins Gesicht
geschrieben. Die Dramatik der Situation wird durch die kalten Farbtöne noch verstärkt. WIESO: Niemand kann dem Buben, in Fetzen gehüllt, erklären, wieso es plötzlich
keinen Grund mehr zum Lachen und Fröhlichsein gibt. Denn niemand ist für ihn da. WOHIN: Ohne Geld, ohne anständige Kleidung, ohne ausreichende Nahrung und
ohne den Schutz des gewohnten Umfelds - in einer fremden Umgebung, bleibt die große Frage, wohin? WAS JETZT: Das Heim zerbombt, der Gatte vermisst oder tot,
zu wenig Nahrung für die Kinder, überall Gewalt und Zerstörung, tägliche Bedrohung für alles was einem lieb ist. Was jetzt?
www.jacquelineseeber.com
art@jacquelineseeber.com
„Warum“, 2016, Öl auf Leinwand, 100 x 100 cm
S. 245: „Was jetzt“, 2016, Öl auf Leinwand, 120 x 80 cm
S. 246: „Wieso“, 2016, Öl auf Leinwand, 100 x 80 cm
S. 247: „Wohin“, 2016, Öl auf Leinwand, 120 x 80 cm
244

245

246

247

Ewald Seemayer
In vielen seiner Arbeiten bezieht sich der Maler auf sehr kleine Ausschnitte der realen Welt. Durch dieses starke Fokussieren eröffnet sich gewissermaßen ein neuer
Kosmos an wunderbaren Formen und Farben. Aus den hier beobachteten oft aus ihrer ursprünglichen Umgebung herausgelösten Gegebenheiten lassen sich völlig neue
Bildaussagen auf einer ebenfalls neuen, abstrakten Bildebene darstellen. ‚Rotes Licht‘ lebt vor allem durch die relativ ruhigen Farbflächen, die von einer unregelmäßig
gezackten vertikalen Linie getrennt werden, die sich ihrerseits wieder in unregelmäßigem Rhythmus wiederholt. Das kontrastiert mit dem namensgebenden
rot flackernden Reflexlicht.
www.ewald-seemayer.com
info@ewald-seemayer.com
„Rotes Licht“, 2013, Acryl auf Leinwand, 60 x 80 cm.
248

249

Hannes Senfter
Nicht nur die Produkte, auch das Futter der tierischen Produzenten ist in Kunststoff verpackt, isoliert, optimiert.
Effizienzsteigerung und Optimierung isolieren auch den Mensch immer mehr von der Natur, durch eine „Normalität“, die einer wesensfremden Illusion gleichkommt.
Malerei ist neben der Zeichnung und der Fotografie ein Ausdrucksmittel für Hannes Senfter.
Die beiden Bilder, sind Teil einer Bildreihe die sich mit dem Wandel in der Landwirtschaft beschäftigen.
office@hannessenfter.at
„silierte Bauern“, 2014, Acryl auf Leinwand, 70 x 50 cm
S. 251: „Ausfahrt der Silotraktoren“, 2014, Acryl auf Leinwand, 70 x 50 cm
250

251

Claudia Irene Carmen Simon
Der künstlerische Schaffensprozess ist eine Reise in das eigene Innere. Spannung ist ein Wegbegleiter, um am Ende ungeahnte und wundervolle Ergebnisse
der Kreativität zu erleben. Die Bilder der Künstlerin Simon sind metaphysische, meditative Seelenlandschaften, die die Stimmungen der Schöpferin zum Ausdruck bringen.
Ihr Credo ist die Natur: Ihre Schönheit, Erhabenheit, Einzigartigkeit und die unendliche Vielfalt der Schöpfung, die es zu ehren und zu bewahren gilt, inspirieren sie
zu ihren Bildern. In der abstrakten Malerei ist die Künstlerin neugierig auf das experimentelle Zusammenspiel von Farben, Pigmenten, Strukturen, Collagen und
der unterschiedlichen Materialien – ebenso auf die Spannungsfelder von hell-dunklen, schimmernd-glänzenden und matten Flächen, strukturiert-unstrukturiert.
https://claudiairenecarmensimon.jimdo.com/
https://reisezumhorizont.jimdo.com/
„Lavalandschaft“, 2015, Acryl auf Leinwand, Mischtechnik, 50 x 50 cm
S. 253: „Nordlicht“, 2016, Acryl auf Leinwand, Mischtechnik, 50 x 50 cm
S. 254: „Düsterheit“, 2016, Acryl auf Leinwand, 40 x 50 cm
S. 255: „Am Teich“, 2016, ÖL auf Leinwand, 40 x 50 cm
252

253

254

255

Hans Sisa
„BAROCKE Expression“
Das Bild - ein Credo für barocke Leidenschaft. Die Architektur atmet in ihren Räumen den Duft der Gärten, das Gerade wird gebogen, Spiegel – Gold -Kristall manieriert
die Wände. Begehrlichkeiten sowie Eitelkeiten schweben über das musikgeschwängerte Parkett. Ein Deckengemälde lässt uns träumen vom märchenhaften Morgenland.
Pure Lust an Form und Farbe. „Es tut uns weh – das Leben“ Blut ist der Klebstoff für gekachelte Wände, Mord und Brandanschläge welche in Ost und West gezielt ihre
Orte finden sind verfaultes Gedankengut und zertrümmern unser Dasein. Prachtvolle Kulturen werden im kriegerischen Aktionismus mit Unmenschlichkeit zerstört.
Zu welch einem barbarischen Kraftakt sind wir Menschen fähig um eine so genannte neue Gesellschaft zu installieren. Optimistisch zu denken,
dass dies jemals ein Ende findet und Frieden über die Welt bringt, diesen Ansatz hat die Historie noch nicht bewiesen.
www.hanssisa.com
larson-sisa@a1.net
„Es tut weh, das Leben“, 2016, Öl auf Leinen, 130 x 150 cm
S. 257: „Barocke Expression“, 2016, Öl auf Leinen, 130 x 150 cm
256

257

Rainer Söhl
Rainer Söhl, firm in der Beherrschung der traditionellen Maltechniken, liebt das Experiment. Das Prinzip Collage kommt, neben der zeichnerischen Prägung,
häufig auch in der Bildkomposition zum Ausdruck. Dies verstärkt die Vielschichtigkeit. Auf der Suche nach neuen Dimensionen der Wahrnehmung assoziiert er Motive
aus Kunstgeschichte und Mythologie mit kosmologischen Visionen. Der künstlerische Prozess und die Sinnenfreude beim „Erlebnis Malerei“ büßen dabei aber
gegenüber der metaphysischen Reflexion nichts ein.
www.rainersoehl.de
info@rainersoehl.de
„Schwester Stern“, 2013, Grafit und Harz auf Papier, 70 x 100 cm
S. 259: „Die Inquisition zählt ihre letzten Stunden“, 2015, Grafit und Harz auf Papier, 190 x 250 cm
258

259

Dorli Sölder
Die intensive Auseinandersetzung der Künstlerin mit dem Thema menschlichen Ausdrucks steht im Mittelpunkt ihres Schaffens. Mit ihrem außergewöhnlichen Stil
und meist monochromen Farben gelingt es ihr, die Werke für den Betrachter spannend zu gestalten. Die Malerin betitelt auch ihre Bilder nicht, um mehr Freiraum
für Phantasie und Interpretation zu geben.
www.dorli-soelder.com
aus dem Zyklus „4 Elemente“, 2016, Pastell auf Holz, 80 x 80 cm
S. 261: ohne Titel, 2010, Pastell auf Holz, 5-teilig, 175 x 120 cm
260

261

Juliane Sommer
In viele übereinanderliegende Schichten werden feine Strukturen gearbeitet, durch welche Fragmente von Zweigen, Pflanzen und Stillleben angedeutet werden.
Während der Entstehung wird Zufälliges entdeckt, konkretisiert und zu einer subtilen Komposition zusammengeführt. Auf experimentelle Weise entstehen
spannende haptische Oberflächen, die eine tiefe Ruhe ausstrahlen. In neueren Arbeiten löst sich die Gegenständlichkeit teilweise ganz auf und lässt Raum für
eigene Interpretationen.
www.juliane-sommer-malerei.de
design@juliane-sommer.de
„Growing in the rock“, 2016, Acryl auf Leinwand, 100 x 100 cm
262

Friedrich Hell – Die Flucht nach Ägypten
Friedrich Hell, ich kann mich dunkel daran erinnern, wie er ins „Tirolerheim“
auf Besuch gekommen ist.
Er ist ein Zillertaler Expressionist, der in düsteren Farben gebirgige
Landschaften und den dazu passenden klobigen Menschentyp darstellte.
Großvater bezeichnete ihn als Schmierer, dennoch erteilte er ihm den Auftrag,
ein Bild zu malen, mit dem Thema „die hl. Familie, Flucht nach Ägypten“,
das im Großelternschlafzimmer über den Ehebetten aufgehängt wurde.
Das religiöse Thema, wie das familiäre Leben, widerstrebte dem Künstler,
so dass er unüblich in hellen frühlingshaften Farben malte und die Personen
Mutter mit dem Kind blockhaft als Einheit und die männliche Person
unbeteiligt in die Ferne einer weiten, ebenen Landschaft blicken ließ.
InnArt Schreibstätten
Karin Byrne besuchte seit 2000 die Schreibwerkstätten der Volkshochschule
Innsbruck, die von ihren ehemaligen Kolleginnen des Abendgymnasiums
geleitet wurden. Nach einiger Zeit bildete sich eine private Gruppe,
die sich regelmäßig zum kreativen Schreiben traf.
Mit Impulsen hatte jeder Teilnehmer 10-15 Minuten Zeit, um seine Gedanken
festzuhalten, anschließend las jeder seinen Beitrag vor.
So entstand mit der Zeit eine Reihe von Erzählungen.
263

Peter Stein
Der diplomierte Künstler für höhere
Fotografie wurde auch mit der Silber
- und Goldplakette des Europäischen
Kulturkreises ausgezeichnet.
Seit Jahren widmet er sich nur noch der
Malerei und seine Bilder waren schon in
mehreren internationalen Ausstellungen
vertreten. Peter Stein beherrscht mehrere
Stilarten, von figurativ bis abstrakt.
www.pitstein.com
„Muttersorgen“, Acryl, 40 x 30 cm
S. 265: „auf der Suche“, Acryl,
60 x 50 cm
264

265

Igor Strozzega
Ein dünner roter Faden, weich, leicht
ausgefranst, zieht sich durch die Bilder
von Igor Strozzega. Gerade dieser Faden
wurde seine Unterschrift. Die großen
Leinwände zeigen einen minuziösen
Realismus, Frucht seiner Leidenschaft
und der konzentrierten Arbeit des
Künstlers. Keine Thematik scheint
Geheimnisse für ihn zu haben, er wechselt
vom Akt zum Stillleben.Strozzega
zeigt große, auf seinem Kunststudium
basierende Qualität, welche fokussiertes
Arbeiten und des Malers ganz speziellen,
eigenen Enthusiasmus, enthält.
www.igorstrozzega.com
„Blue eyes“, 2016,
Öl auf Leinwand, 100 x 80 cm
S. 267: „Closed“, 2016,
Öl auf Leinwand, 90 x 60 cm
266

267

Reinhold Tappeiner
Das große Thema des akademischen Malers
und Grafikers Reinhold Tappeiner - Träger des
renommierten nationalen Fabio Bertoni Preises
der „Accademia di Belle Arti di Urbino“ -
ist der menschliche Leib.
Sei es in seiner Malerei, in der Grafik und in
seinen Performances - immer ist der Leib
präsent, doch nicht als Draufblick, sondern
als Durchblick, als Einblick.
„Tappeiner spielt auf das Wesentliche an,
das übrig bleibt und wichtig wird, wenn das
gewohnte Alltagsleben außer Kraft gesetzt ist.“
Toni Bernhart 2016
www.reinhold-tappeiner.com
tappeiner.reinhold@gmx.net
Aus dem Zyklus „Essenz 2015“
„Corpus“, Mischtechnik, 124 x 91,5 cm
268

269

Emmi Troppmair-Hölbling
Die Künstlerin hat sich die schwere Aufgabe
gestellt und als künstlerische Sprache
die Symbolik der Astrologie gewählt.
Hilma af Klint sagt „Symbole sind wie
Türen zu anderen Dimensionen“
und František Kupka meint dazu „Große
Kunst macht aus dem Unsichtbaren
und Nichtgreifbaren, rein und schlicht
erfahren, eine sichtbare und greifbare
Realität!“
E.T.H. versucht mit Hilfe neuer experimenteller
Methoden die astrologischen
Annahmen unter Beweis zu stellen.
emmi.t@live.de
„Konstellation 6“, 2014,
Aquarell in chinesischer Tusche auf Karton,
20 x 15 cm
S. 271: „Konstellation 7“, 2014,
Aquarell in chinesischer Tusche auf Karton,
15 x 20 cm
270

271

Annelies Wagner
Die Künstlerin reflektiert äußere Einflüsse, sowohl im privaten, wie auch im medialen Umfeld.
Die Umsetzung in ihren Bildern erfolgt in einem leidenschaftlichen Prozess, - ohne Anspruch auf Objektivität. Der Mensch an sich steht bei der Malerin im Mittelpunkt
und wird unter anderem mittels Absprengtechnik und Tintografik zu Papier/Leinwand und Metall gebracht.
www.aaaw.at
a.wagner@aaaw.at
„Carmen“, 2017, Tintografik auf Alu, 50 x 50 cm
S. 273: „namenlos“, 2015, Abspreng/Mischtechnik auf Karton, 80 x 60 cm
272

273

Brigitte Waldschmidt
Der Hauptantrieb meiner Arbeit ist die Neugierde und damit eng verknüpft die Hoffnung, immer komplexere Bildideen zu generieren. Eine wichtige Voraussetzung
auf dem Weg zu diesen neuen Bildideen ist, eingefahrene Strukturen zu verlassen und Neues mit Bekanntem zu verknüpfen. Kunst bedeutet auch innovativ zu denken,
Grenzen des Machbaren zu überschreiten und aus sich selbst zu schöpfen. Außergewöhnliche Oberflächen verschmelzen mit starken Farben zu Bildmelangen,
die den Betrachter animieren, genauer hin zu sehen.
www.brigitte-waldschmidt.de
info@brigitte-waldschmidt.de
„Herbst“, 2015, Acryl Mixed Media, Holzkörper 30 x 30 cm auf Holzkörper 60 x 60 cm schwarz
S. 275: „Sommer“, 2015, Acryl Mixed Media, Holzkörper 30 x 30 cm auf Holzkörper 60 x 60 cm schwarz
274

275

Manfred Walter
Der Künstler ist beeinflusst von der Natur, sowie von natürlichen Strukturen und Formen. Diese finden sich daher sehr oft als zentraler Inhalt in seinem gegenwärtigen
Werk. So sind zum Beispiel Steine, Rinden, Blätter und vieles mehr Grundlage und Anziehungspunkt, werden mitunter auch fraktal zerlegt. Dabei zeigen seine Arbeiten
eine Plastizität, die erstaunlich ist, mit Oberflächen, die geradezu haptisch wirken. Aber auch abstrakte Werke – mit den Händen gemalt – großformatig und
mit intensiver Farbgewalt, zählen zu seinen Arbeiten. Diese Art von Malerei versteht er als reinen Gefühlsausdruck des Augenblicks.
www.manfred-walter.com
manfred-walter@inode.at, walter@wap-graphics.at
„Illusion 2“, 2016, Acryl auf Leinwand, 100 x 100 cm
S. 277: „Zero Gravity“, 2013, Acryl auf Leinwand, 195 x 195 cm
S. 278: „Schnecke“, 2013, Acryl auf Leinwand, 195 x 195 cm
S. 279: „Meditation“, 2008, Acryl auf Leinwand, 230 x 150 cm
276

277

278

279

Judith Wermter
Die Künstlerin spezialisierte – und reduzierte – sich bewusst ausschließlich auf die iPhoneFotografie/AppKunst. Hierbei arbeitet sie mit einer bestimmten App,
die einen Retroeffekt erzeugt. Die Art ist vergleichbar mit der Fotografie auf Film. Die ausgewählten Arbeiten von Judith Wermter lassen drei Vorlieben ihrer
Motivauswahl erkennen: Perspektiven, Strukturen und Spiegelungen. Die Künstlerin verbindet hier moderne Technik mit analoger Fotografie – Neues mit Vergangenem.
www.judith-wermter.de
judith.wermter@gmx.net
„AusSicht des Augenblicks“, 2016, iPhoneFotografie/AppKunst, 50 x 50 cm
S. 281: „AusSicht des Augenblicks 2“, 2016, iPhoneFotografie/AppKunst, 50 x 50 cm
280

281

Bernhard Witsch
„Rostbaron“
Als gelernter Maschinenschlosser kann der freischaffende
Künstler sein Wissen und Können in Sachen
Metall ganz in den Dienst der Kunst Stellen.
So ist Kunst sein Leben geworden. Der Künstler,
der viele Ausstellungen im In- und Ausland zu
verzeichnen hat, meint: „Kunst ist für mich und alle
sehr wichtig, die Menschen wissen oft nicht wie
wichtig Kunst für uns alle ist, denn sie haben noch
nie ohne Kunst leben müssen“.
www.art-by-wb.com
„Ballkleid“, 2017,
Stahlscheiben verschweißt, Höhe 160 cm
S. 283: „Hommage an das Arschgeweih“, 2017,
Muttern verschweißt-gerostet, Höhe 102 cm
S. 284: „Sternzeichen Schütze“, 2017,
Metall verschweißt-gerostet, Höhe 73 cm
S. 285: „Sternzeichen Waage“, 2017,
Metall verschweißt-gerostet, Höhe 90 cm
282

283

284

285

Astrid Woll-Herrmann
Experiment und Wahrnehmung prägen die Arbeit der Künstlerin. Deshalb kommt es selten zu gegenständlichen Darstellungen, sondern zur Interpretation
des Gesehenen, Erlebten, Erdachten. Die Auflösung der Form, ihre Verfremdung, führt zu neuer Sicht und Empfindung. Aus Struktur, Haptik und Farbklang entsteht
ein Gesamtbild, spannende Einzelheiten fordern den Betrachter zum Dialog auf. Die Poesie und Schönheit der gewohnten Dinge bestimmt die thematische Vielfalt
und wird erfahrbar durch die Kraft und den Schwung des Farbauftrags, der Freude an fließenden Spuren, sowie der immer neuen Suche nach Ästhetik im Alltäglichen.
www.atelier-awh.de
„Blue Sisters“, 2017, Acryl auf Leinwand, 100 x 200 cm
S. 287: „Bewegungsmuster“, 2013, Tusche, Kreidegrund auf Karton, 100 x 70 cm
286

287

Doris Wurm
In meist stimmungsvollen, farbstarken und von Naturmotiven geprägten Bildern setzt die Künstlerin ihre Eindrücke in malerischer Form um.
Ihre Heimat im Tiroler Zillertal liefert natürlich grandiose Voraussetzungen und ist die Inspiration für Doris Wurm. Fern jeden Klischees entstehen abstrahierte
Kompositionen, voll Energie.
www.dwart.at.
„Eiswelten“, 2014, Acryl auf Leinwand, 96 x 56 cm
S. 289: „Licht im Dunkel“, 2013, Acryl auf Leinwand, 80 x 80 cm
288

289

Kerstin Wüstenhöfer
Die Gemälde von Kerstin Wüstenhöfer
schöpfen stark aus dem emotionalen Fundus
des Menschen. Expressiv folgt ihr künstlerisches
Werk farblich und gestisch tiefen
Gefühlen. Das Gesicht, die Körper, zwei
Menschen in Begegnung, Menschengruppen,
Mensch und Tier in enger Beziehung
oder in Verwandlung vom Menschen zum
Tier, sind Resultate eigenen Empfindens und
gewollt überhöht und in irritierende Welten
entführt. Mensch und Tier wirken fragil und
metamorphosenhaft eingewoben.
www.wuestenhoefer.com
„Transparent Blue“, 2017,
Acryl auf Leinwand, 110 x 80 cm
S. 291: „Blue facts“, 2017,
Acryl auf Leinwand, 60 x 60 cm
290

291

Norbert Zehm
“Frequencies in Space“
Die Bilder Norbert Zehms weisen häufig Bezüge
zu seiner musikalischen Arbeit auf und integrieren
Collagen von Notenskizzen, musikalische
Instruktionen und Zeichen in das lebhafte
Farbenspiel. Sichtbar gemachte Frequenzen im
Raum – hörbare Farbkombinationen. Bevorzugte
Medien sind Acrylfarben, Pastellkreiden, Aquarelle
und Mischtechniken. Selbstportraits und Portraits
von Musikerkollegen oder Familienmitgliedern
gibt es auch in Kohle und Bleistift, ebenfalls
monochrome Zeichnungen, etwa in Blaustufen.
Textauszüge und das dazugehörige Notenbild
aus seinen Vokalwerken, wie Lieder, Oper oder
Kantate werden in Bilder eingearbeitet, wie
“screen-shots“ einer komprimierten Partitur,
welche als neue Form, die ursprüngliche musikalische
Stimmung widerspiegeln.
www.zehm.at
norbert@zehm.at
„Selbstportait“, 2006,
Pastell, 100 x 70 cm
S. 293: „Shakespeare in orange“, 2017,
Acryl und Notenskizze der Komposition
Sonett Nr. 18, von N. Zehm, auf Leinwand,
100 x 120 cm
292

293

Helga Zumstein
Egal ob beim Friseur, auf der Straße oder im Café – Menschen bewegen sich nach ähnlichen Schemata. Eitel oder selbstvergessen, nachdenklich oder hoffend –
immer auf der Suche nach ein bisschen Glück und Liebe im täglich schneller und oberflächlicher werden Fluss des Lebens. Helga Zumstein zelebriert in ihren Bildern
die Sensationslosigkeit des Alltags – ihre Liebe zu den Menschen. Aber vielleicht täuscht dieses „Heile-Welt-Bild“ der Helga Zumstein auch. Vielleicht verbergen sich
hinter den glänzenden Fassaden auch Sattheit und lahme Zufriedenheit. Beim genauen Hinschauen lassen ihre farbintensiven Bilder auch diese leise Ahnung
durchscheinen. Ausschnitt aus der Laudatio von Michael Pommerening, Galerist und TV-Journalist / Berlin/Regenmantel (Mai 2016)
www.atelierzumstein.ch
helga.zumstein@atelierzumstein.ch
„Die Hoffnung stirbt zuletzt“, 2015, Mixedmedia on Canvas, 100 x 100 cm
S. 295: „working class heroes“, 2014, Mixedmedia on Canvas, 100 x 100 cm
294

295

ARTEDITION COMPLIMENT
ist eine Wertschätzung gegenüber den teilnehmenden KünstlerInnen und ihren
Werken in diesem Buch. Eine unabhängige Jury, bestehend aus fachkundigen
Personen, hat in drei Kategorien die folgend angeführten Werke ausgewählt
und prämiert:
1. Kategorie Malerei/Grafik: Q.G.Li / „Love“
Horst-Werner Schneider / „Landschaft bei Richtenberg“
Regina Kubelka / „Shiny Fields“
Igor Strozzega / „Closed“
Benno Meliss / „Der tollkühne Schlittenfahrer“
Die Jury:
Sabrina Falzone (Galeristin und Kunstkritikerin Mailand)
Johanna Penz (Direktorin ART Kunstmessen Innsbruck)
Hubert Thurnhofer (Galerist und Autor Wien)
Kathrin Zitturi (Bachelor of Art Innsbruck)
2. Kategorie Skulptur/Installation: S. 298
3. Kategorie Fotografie: S. 299
296

297

2. Kategorie Skulptur/Installation: Bernhard Witsch / „Ballkleid“
Brigitte Saugstad / „Eisprinzessin- Taktil“
Maria-Anna Bergsmann / „Trilogie“
298

3. Kategorie Fotografie: Judith Wermter / „AusSicht des Augenblicks“
Irmgard Hummitzsch / Ohne Titel
Goldyn / „Kreuzigung“
299

Artinnovation Innsbruck
Ist ein Kunstverein mit eigener Galerie in der Amraser Straße 56 in Innsbruck.
Nationale und internationale Gegenwartskunst auf über 200 m².
Wechselnde Ausstellungen, ganzjährig, im 4 Wochentakt.
Ergänzende Veranstaltungen wie Lesungen, Konzerte, Vorträge, Seminare, Kurse, etc.
Externe Ausstellungen national und international auf Kunstmessen, Veranstaltungen in Kooperation,
oder eigenständig.
www.artinnovation.at
info@artinnovation.at
Galerie Artinnovation
Galerie Artinnovation
Casino Innsbruck 2015
Kölner Liste 2015
Kammerchor Fresco Vocalis
in der Galerie Artinnovation
Eva Lind begleitet am Klavier von Manuela Zifreind in
der Galerie Artinnovation
Ausstellung in Mailand 2014
300

Innsbruck Venedig 2017
ART Monaco 2017 Berliner Liste 2016 ART Salzburg 2017
Venedig, Palazzo Mora 2017 Berliner Liste 2017 ART Innsbruck 2016
301

Künstlerverzeichnis
Amort Anton 13
Bakalar Eva 14
Baldauf Katharina 15
Barein Dhira Sarah 16,17
Barth Ulrich 18
Van Beek Christiane 20
Bergsmann Maria-Anna 22,23,24,25
Bidner Monika 26,27
Biermann Monika 28,29
Blank Jürgen 30,31
Böckels Brigitte 32
Bogo Bogomil 34,35,36
Bosshammer Brigitte 38,39
Brauckmann Tina 40,41,42,43
Bronisch-Mann Christina 44,45
Brunschwiler Leo 46,47
BUJA 48,49,50,51
Buß Margit 52,53,54,55
Byrne Karin 56,57
Carg Michèle 58
Dablander Christine 60
Daldoss Anita 61
Danner Roland Friedrich 62,63
Deutsch Elisabeth 64,65
Deutsch Melanie 66,67
Domenig Gabi 68
Dorsch Gudrun 70,71
Eckerieder-Vogric Angelika 72,73
El Manchi Nadja 74,75
Erhart Christian 76
Erhart Karoline 78,79
Foroutan Darius 80
Franz Veronika 81
Fratzl Christa Maria 82,83
Fürst Renate 84,85
Gams Ilse 86,87
Gasser Sylvie 88
Von Gatterburg Gondwana 90,91
Gheorghe George 92
Gleffe Dieter 93
GOLDYN 94,95
Grössl-Alpenheim Doris 96,97,98
Guggenbühl Katharina 100
Hartig Ulrich 102,103,104,105
Heitmar Nadia 106,107
Hermann Danny 108
Herrschaft-Lesnaia Ilona 109
Heschl Waltraud 110,111
Hippelein Jeanette Sherly 112,113,114,115
Hladik Lizzie 116,117
Hochleitner Patrick 118,119
Höld Christian 120,121
Holzknecht Gufler Sieglinde 122
Holzknecht Petra 123
Honegger Heidi 124,125
Horstmeier Hella 126,127
Hummitzsch Irmgard 128
Ivanova Alina 129
Janulajtite Marina 130
Keck Gertrud 132,133,134,135
Keplinger Elfriede 136
Kieser Chris 138,139
Kleedorfer-Egger Ella 140,141,142,143,144,145
Klein Rita 146,147
Köfler Christof 148,149
Körner Carl 150,151,152,153
Kowalke Ulli 154
Kowarik Daniela 156
Kreissl Bernhard 157
Kremer Anima 158,159,160
Krippels Tina 162
Kubelka Regina 164,165
Kühner Sabine 166,167
Kutschera Beatrix 168
Lebaci Elena 170
Q.G.Li 171
Maxian-Marzani Theodora 172
Meissl Ulrike 174,175
Meliss Benno 176,177
Moll Gabi 178
302

IA.S.Mondo 180,181,182
MOSOTE 184,185
Narvida Kristine 186
Neuber Christian W. 187
Öhler Norbert 188,189,190,191
Ost Bernhard 192,193
Ottowitz Taciana 194
Pachner Walter 196,197
Pass Marion 198
Piotrowiak Hans 200,201
Pirker Werner 202
Priester Gerhard 203
Pusch Eva-Maria 204
Quici Nicola 205
Rauch Thomas Anton 206
Rauecker Brigitte 207
Reßler Judith 208
Richter Richard 210
Ristau Christian 212,213
Rock Cordula 214,215
Ross Linde 216,217,218,219
Roubin Robert 220
Saller Gertraud W. 222,223
Saugstad Brigitte 224,225
Schaumberger Marlene 226
Schenk Aline 227
Schennach Sabine 228,229
Schneider Horst-Werner 230,231,232
Schrettner Horst Richard 234,235
Schroffner-Steiner Astrid 236
Schuhmann Bonny 238,239
Schupp Sissi 240
Schuster Barbara 242,243
Seeber Jacqueline 244,245,246,247
Seemayer Ewald 248
Senfter Hannes 250,251
Simon Claudia Irene Carmen 252,253,254,255
Sisa Hans 256,257
Söhl Rainer 258,259
Sölder Dorli 260,261
Sommer Juliane 262
Stein Peter 264,265
Strozzega Igor 266,267
Tappeiner Reinhold 268
Troppmair-Hölbling Emmi 270,271
Wagner Annelies 272,273
Waldschmidt Brigitte 274,275
Walter Manfred 276,277,278,279
Wermter Judith 280,281
Witsch Bernhard 282,283, 284,285
Woll-Herrmann Astrid 286,287
Wurm Doris 288,289
Wüstenhöfer Kerstin 290,291
Zehm Norbert 292,293
Zumstein Helga 294,295
Literatenverzeichnis
Beneder Josef Paul 19,21
Byrne Karin 263
Fülöp Paul 211
Hetzenauer Anita 59
Huber C.H 69
Jordan Margit 77
Lackner Angela 89
Meliss Benno 33
Nöckler Wolfgang 99
Polak-Pollhammer Angelika 131
Regensburger Annemarie 155
Schneider Vroni 161
Voß Torsten Tobias 169
Zeiß Andreas 199
303

304