Mozart - Collegium Musicum Kleve

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Grußwort
Als Walter Gieseler im April 1951
seinen Dienst als junger Musiklehrer
im Klever Gymnasium antrat,
lag das Kulturleben der Stadt ebenso
wie ein großer Teil der Gebäude von
Kleve noch in Trümmern.
Heute ist jedem, der mit Walter Gieseler
jemals zu tun hatte, klar, dass er keine Zeit
verlieren würde, den Wiederaufbau des
danieder liegenden Musiklebens zu betreiben.
Und so gründete er noch im selben
Jahr das Collegium Musicum Kleve,
das, aus zehn Streichern bestehend, am
1. September 1951 seine Probenarbeit
aufnahm. Bereits nach drei Monaten trat
dieses junge Kammerorchester erstmals
in der Aula des Klever Gymnasiums mit
seinem ersten Konzert mit Werken von
J. S. Bach und G. F. Händel an die Öffentlichkeit.
Als Walter Gieseler im Jahr
1994 die Leitung des Orchesters aus Altersgründen
aufgab, hinterließ er ein
Kammerorchester, das sich einen wohlklingenden
Namen nicht nur in Kleve
erworben hatte. Er konnte auf eine segensreiche
Tätigkeit seines Orchesters
Impressum
zurückblicken: Regelmäßige Konzerte
in Kleve (Dreikönigskonzerte, Sommerkonzerte,
Aufführungen außerhalb der
regelmäßigen Konzerte), Konzertreisen
1981, 1985 und 1989 nach Andalusien/
Spanien, 1984 und 1988 nach Dubrovnik/Jugoslawien,
1982 an den Bodensee,
1986 nach Ronse/Belgien sowie weitere
Konzerte in Bayern, der Pfalz und im
Schwarzwald.
�
Nach Walter Gieseler wurde das Orchester
zunächst von Edgar Ritscher und nach
weiteren zwei Jahren von Heiner Frost geleitet,
bis 1999 Herbert Krey die musikalische
Leitung des Orchesters übernahm.
Sein Nachfolger ist Johannes Feldmann.
Er studierte vokale Korrepetition und Kirchenmusik
in Weimar. Seit 2000 wirkt er
als Kantor in Kleve. Er leitet vier Chöre
verschiedener Generationen und seit
2008 auch das Collegium Musicum.
Das Orchester war von Anfang an als
Streicherensemble konzipiert und hat bis
heute diesen Charakter beibehalten. Zur
Zeit musizieren sechzehn Geigen, sechs
Bratschen und vier Celli. Bläser und Zusatzkräfte
werden nach Bedarf engagiert.
Das Collegium Musicum Kleve ist bestrebt
und davon überzeugt, seiner seit 1951 ununterbrochenen,
engagierten und regen
Tätigkeit noch lange nachgehen zu können,
zur eigenen und zur Freude seines
Publikums. Das Orchester wird mit seinen
Konzerten nach wie vor zum Klever
Kulturgeschehen beitragen.
Reinhard Vogel (Vorsitzender) �
Vorschau
Dreikönigskonzert 2012
8. Jan. 20 Uhr, Christus-König-Kirche
♫ J. S. Bach: Kantate BWV 91
Gelobet seist Du, Jesus Christ
♫ Arvo Pärt: Trisagion
♫ J. S. Bach: Kantate BWV 63
Christen, ätzet diesen Tag
mit d. Vokalensemble der Ev. Kirche
Programmheft zum Jubiläumskonzert am Sonntag, den 26.06.2011, 17.00 Uhr im Hof der Schwanenburg Kleve
Texte S. 5-10 und Gestaltung: Druck: Offsetdruck Phlipsen GmbH
Ester Nothelfer, cmk@nothelfers.de
Orchesterfotos: Markus van Offern
Foto S. 4: Fritz Getlinger
www.collegium-musicum-kleve.de
�

Auszug aus der Rede zur Eröffnung
der Ausstellung am 4. Oktober 2009
Walter Gieseler (1919-1999)
Leben und Denken in Musik
Eine Besonderheit der deutschen
Sprache, durch die diese sich von
manchen anderen unterscheidet,
sind die vielen substantivischen Wortbildungen,
die es hier gibt. Sie bringen oft
komplizierte Sachverhalte in einprägsamer
Form auf den Nenner. Eine solche
Wortbildung, die ich mal irgendwo gelesen
habe und die sich in meinem Gedächtnis
festgesetzt hat, ist: Kammerdienerperspektive.
So wie ich sie damals
verstanden und seitdem behalten habe,
deutet sie den Blick desjenigen an, der
in täglichem engen Kontakt zu einer bedeutenden
Person steht, dadurch ihre
Eigentümlichkeiten einschließlich der
kleinen menschlichen Schwächen sehr
wohl kennt, aber dabei die Größe dieser
Person aus dem Auge verloren oder gar
nicht erst erblickt hat. Der Gefahr, aus
dieser Perspektive betrachtet zu werden,
sind Leute wie Walter Gieseler, deren
Wohnort nicht mit ihrem bedeutendsten
Wirkungsort identisch ist, in besonderer
Weise ausgesetzt.
Als Dozent und Professor an der Pädagogischen
Hochschule Köln war Walter
Gieseler ein Musiktheoretiker und -pädagoge
von internationalem Format. Als
Komponist war er zumindest von nationaler
Bedeutung. Hier wird man erst im
Laufe der Zeit zu einem endgültigen Urteil
kommen können, wie ihm auch selber
bewusst war.
Walter Gieseler war aber gleichzeitig ein
Klever. Er wurde zwar nicht in dieser Stadt
geboren, hat hier aber seit 1951 gelebt.
Hier stellt sich nun die Frage – eine zugestandenermaßen
rhetorische Frage:
Kann man den Klever Aspekt der Vita
Walter Gieseler betrachten, ohne sich
auf die Enge einer Kammerdienerperspektive
beschränken zu müssen? Und
die Antwort lautet natürlich: ja, das kann
man. Denn auch in Kleve hat Walter Gieseler
Bedeutendes und Gedenkenswertes
bewirkt.
�
Es ist in diesem Zusammenhang interessant
zu wissen, wieso Walter Gieseler
überhaupt nach Kleve gekommen ist. Er
wurde am 3. Oktober 1919 in dem heutigen
Hannover-Linden geboren. Linden
war damals eine große kreisfreie Stadt mit
viel Schwerindustrie. Sie wurde bereits
1920 eingemeindet. Der Vater war Malermeister
und die Familie gehörte in Linden
einer katholischen Minderheit an. Der
junge Walter besuchte das von Katholiken
Wal ter Gieseler
frequentierte Gymnasium in Linden und
bis zum Abitur im Jahre 1938 hatte sich
sein Berufswunsch, Musiker zu werden,
gebildet. Im Zweiten Weltkrieg wurde er
als Funker u. a. in Norwegen, Italien und
Griechenland eingesetzt. Nach dem Krieg
studierte er in Göttingen, wo er Irmgard
Blumenfeldt, seine spätere Ehefrau, kennenlernte,
und in Köln. Er promovierte
1949, heiratete 1950 und bestand seine
zweite Staatsprüfung als Lehrer für Musik
und Deutsch 1951 in Hannover.
Gemeinsam mit seiner Frau musste Walter
Gieseler nun eine Entscheidung über
seinen weiteren Berufsweg treffen. Er
suchte ein breiteres Aufgabenspektrum.
Das wurde ihm in Kleve geboten. Hier
war am Staatlichen Gymnasium, dem
heutigen Freiherr-vom-Stein-Gymnasium,
gerade ein neuer Schulleiter angetreten,
Erwin de Haar, der vom Kultusminister
die Aufgabe erhalten hatte, nicht nur
das Gymnasium, sondern das kulturelle
Leben in der vom Krieg schwer getroffenen
Stadt insgesamt zu beleben. In die
Erfüllung dieser umfassenden Aufgabe
ließ sich Walter Gieseler gerne einbinden.
Hinzu kam die Überlegung, dass er
in einer relativ kleinen Stadt eher als in
einer Großstadt die „erste Geige“ spielen
könne. Walter Gieseler wollte als Musiker
die Regie führen.
3

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Das hat er dann auch getan, und zwar
ab sofort. Sein Name taucht bald in Zeitungsberichten
über Veranstaltungen des
Gymnasiums auf. Doch das Gymnasium
diente in dieser Zeit auch quasi als Wiege
der Volkshochschule. Hier gründete Walter
Gieseler noch 1951 einen Kammerchor
und knüpfte dabei – damals unwissend
– an eine alte Klever Chortradition
an. Dies ist ein wichtiges Kapitel in der Geschichte
der heutigen Städtischen Singgemeinde
Kleve. Gleichzeitig gründete er
auch ein Kammermusik-Ensemble, das
Collegium Musicum Kleve. Und er organisierte
Konzerte der Volkshochschule.
Meine Damen und Herren, es ist klar: mit
Walter Gieseler bekam die Stadt Kleve
1951 einen kräftigen kulturellen Impuls.
Das Collegium Musicum Kleve, die Städtische
Singgemeinde und die Städtischen
Konzerte sind in der Form, in der sie noch
heute existieren, damals gegründet worden.
Darüber hinaus nutzte Walter Gieseler
seine Kontakte mit hervorragenden
Musikern, die er in ganz Deutschland und
darüber hinaus hatte, und holte sie nach
Kleve. Er öffnete Türen und Fenster dieser
Stadt und setzte in Sachen Qualität
neue Maßstäbe. Dass Walter Gieseler später
auch eine Rolle bei der Gründung der
Kreismusikschule gespielt hat, kann hier
nur am Rande vermerkt werden.
Es ist bemerkenswert, dass er 1963 bei seiner
Berufung an die Pädagogische Hochschule
Köln nicht dorthin umgezogen ist,
sondern von da an ein Leben als Pendler
anfing. Daran änderte sich auch nach der
Habilitation und Ernennung zum Ordinarius
im Jahre 1970 nichts. Walter Gieseler
war eben ein überzeugter und treuer
Wahl-Klever geworden!
Seine Aktivitäten im Klevischen erweiterte
er sogar ab 1970 um einen weiteren
wichtigen Bereich. Als sich in dem
Jahr ein Förderkreis zur Gründung einer
Gesamthochschule am unteren Niederrhein
mit Sitz in Kleve gründete, war Walter
Gieseler sofort dabei.
�
An dieser Stelle ist hinzuzufügen, dass
Walter Gieseler noch zeitlebens dafür gesorgt
hat, dass seine Verbundenheit mit
Kleve auch postum wirksam bleibt. Ich
hatte 1997 kaum die Leitung des Stadtarchivs
Kleve übernommen, als er auf mich
zukam und mir seine Absicht mitteilte, seinen
musikalischen Nachlass dem Stadtarchiv
Kleve zu übergeben. Dabei spielte die
Erwartung, dass der Nachlass hier nicht
nur sicher untergebracht sei, sondern
auch zukünftig intensiv genutzt werden
würde im Kulturleben von Kleve und darüber
hinaus, eine Rolle. Mich hat dieses
Vertrauensvotum damals geehrt und
Walter Gieseler, Dezember 1982
gerührt und ich sehe darin bis heute eine
Aufgabe. Die eigentliche Übertragung des
Nachlasses durch Frau Irmgard Gieseler
hat dann Ende 2002 stattgefunden.
�
Walter Gieseler war ein Komponist, ein
Musikwissenschaftler, ein Organisator. Er
war aber auch ein Mann, der Menschen
für sich zu gewinnen und an sich zu binden
wusste. Das gilt für seine Kollegen,
seine Schüler, für die Sänger und Musiker
in der Städtischen Singgemeinde
und im Collegium, für die Mitstreiter im
Förderkreis.
Meine engagierten Mitstreitern bei der
Vorbereitung dieser Ausstellung haben
alle Walter Gieseler persönlich gut gekannt
und waren teilweise lange Zeit
seine Mitarbeiter und Weggefährten. Es
hat mich beeindruckt, dass ich dabei absolut
nichts von einer Kammerdienerperspektive
habe feststellen können, sondern
im Gegenteil nur Hochachtung und respektvolle
Zuneigung. Wenn ich überlege,
wie oft ich in den vergangenen Monaten
in diesem Kreis Äußerungen hörte
wie: „Walter hätte …“, oder „Walter
würde …“, kann ich heute nur feststellen:
„Walter lebt“.
Drs. Bert Thissen
(Leiter des Stadtarchivs Kleve) �

Jubiläumskonzert
Die Musik kann Leidenschaft
verwandeln. Der Traurige wird
„
freudig sein … Menschenglück
und Zufriedenheit (werden) vermehrt“,
schreibt Hans-Karl Kölsch über Mozarts
Singspiel Die Zauberflöte.
�
Zufriedenheit und Vermehrung von
Glück zu erreichen, ist letztendlich auch
das Hauptziel all der Hobbymusiker im
Collegium Musicum Kleve, die sich seit
nunmehr 60 Jahren allwöchentlich zum
Musizieren zusammenfinden. Das Wichtigste
heute Abend ist also, dass Sie und
wir Freude an der Darbietung haben.
�
Unser Orchester – von Haus aus ein
Streichorchester – präsentiert sich
Ihnen heute besonders mit Elgars Serenade
op. 20, ein streichzartes Werk, das
Elgar selbst als „really stringy in effect“
bezeichnete.
Auf dem Programm stehen außerdem
ein echter und sehr beliebter Mozart,
ein wahrscheinlich nicht ganz so echter
Mozart und ein beeindruckendes sinfonisches
Erstlingswerk Schuberts, das
besonders im ersten Satz durch jugendlich
kühne Harmoniewechsel besticht.
Seine musikalischen Vorbilder Mozart
und Haydn wären bestimmt voll der Anerkennung
gewesen. �
Programm
Wolfgang Amadeus Mozart ~ 7 min
Die Zauberflöte KV 620
♫ Ouvertüre
Edward Elgar ~ 12 min
Serenade für Streich orchester, e-moll op. 20
♫ 1. Allegro piacevole
♫ 2. Larghetto
♫ 3. Allegretto
Wolfgang Amadeus Mozart ~ 29 min
Sinfonia concertante in Es-Dur
für Oboe, Klarinette, Horn, Fagott und Orchester KV 297b
♫ 1. Allegro
♫ 2. Adagio
♫ 3. Andantino con Variazioni
Pause
Franz Schubert ~ 28 min
Sinfonie Nr. 1, D-Dur D 82
♫ 1. Adagio — Allegro vivace
♫ 2. Andante
♫ 3. Menuetto — Trio — Menuetto
♫ 4. Allegro vivace
5

M
ozart lesen Sie heute zweimal
im Programm. Das hat seine
Gründe: Seine Musik erscheint
auch heute unübertroffen in ihrer lyrischen
Schönheit und ihren scheinbar
mühelosen melodischen Linien.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756–
1791) muss so
schnell komponiert
haben, wie andere
Briefe schrieben.
Er ist einer der
wenigen Komponisten
in der Musikgeschichte,
die
Meisterwerke in
fast jeder damals
gängigen Musikgattungkompo-
Mozart 1777
niert haben. Neben
41 Sinfonien, verfasste
er Serenaden, Divertimenti und
Tänze. Darüber hinaus schuf er beeindruckende
Vokal- und Chormusik, Orgelund
Klavierwerke sowie Kirchenmusik. Er
komponierte 16 Opern, die erste im Alter
von 12 und die letzte, die berühmte Zauberflöte,
in seinem Todesjahr. Wir werden
daraus heute die Ouvertüre hören.
Angesichts all seines Könnens, Eifers und
seiner Hingabe, möchte man meinen, Mozart
hätte zu Lebzeiten eine erfolgreiche
6
Zauberflötenouvertüre
Karriere hingelegt. Dem war bekanntermaßen
nicht so. Selbst für eine angemessene
Beerdigung fehlten später die Mittel.
Der Sommer 1791 war eine besonders
angespannte Zeit für ihn. Mozart hatte
Schulden und sorgte sich um die Gesundheit
seiner Frau Constanze. Musikalische
Erfolge blieben rar. Nichts desto trotz blitzen
in seinen Briefen immer wieder Heiterkeiten
auf: Er schreibt über die Mäuse,
die ihn nachts wachhalten, oder über den
Genuss eines Fischgerichts. Diese Zuneigung
gegenüber alltäglichen Dingen und
Menschen leuchtet auch in der Zauberflöte
auf. Das Werk erfreut sich seit seiner
Uraufführung am 30. September 1791
auch nach 220 Jahren größter Beliebtheit.
Es gehört zu den meist gespielten
Werken des europäischen Musiktheaters.
�
Eine Ouvertüre dient Bühnenwerken und
größeren Vokalwerken als instrumentale
Eröffnung bzw. generell als Auftakt eines
Konzerts. In Opernouvertüren werden oft
schon die wichtigsten Themen der Oper
vorgestellt. Zwar steht die Ouvertüre zu
Beginn des Werks. Meist ist sie jedoch
das zuletzt komponierte Stück, so auch
bei der Zauberflöte. Mozart vollendete die
Ouvertüre erst zwei Tage vor der Uraufführung.
Gerade rechtzeitig zur Generalprobe
hatten die Musiker die Noten in
Händen. Aufgrund der späten Fertigstellung
wirkt die Ouvertüre fast zwangsläufig
wie eine Zusammenfassung des nachfolgenden
Singspiels. Alle Themen, Figuren
und Handlungsstränge sind darin wie in
einem Inhaltsverzeichnis angelegt:
Ludwig Stoffels fasst zusammen: Der
junge Prinz Tamino, ein „Jüngling ohne
Eigenschaften“, zieht mit seinem bodenständigeren
Begleiter Papageno aus in
eine geheimnisvolle, exotische Fremde,
in der er das geliebte Mädchen Pamina
aus der Gewalt des Zauberers und vermeintlichen
Despoten Sarastro zu retten
versucht.
�
In der langsamen Einleitung klingt die
Zauberwelt Sarastros an. Sie wird einerseits
verkörpert durch die Verbindung
von Holzbläsern und Posaunen, andererseits
durch die Liegetöne der Streicher.
Es folgt ein schneller fugierter Sonatensatz,
in dem das oben abgebildete
Motiv durch alle Stimmen wandert. Nach
kurzen und bedächtigen Atempausen erscheint
das flotte Fugenthema mehrmals
auf raffinierte Weise. Dies scheint auf die
dramatischen Wirrungen der Charaktere
anzuspielen und ihren Weg im Handlungsverlauf.
Die Konflikte lösen sich sowohl
in der Ouvertüre als auch im gesamten
Singspiel in Wohlgefallen auf. �

Sir Edward William Elgar (1857–
1934) ist heute hauptsächlich für
seine ersten beiden der insgesamt
sechs Pomp and Circumstance Märsche
bekannt. Der erste wurde mit den Worten
Land of Hope and Glory unterlegt und
ist heute in England genauso beliebt wie
die britische Nationalhymne God save
the Queen. Elgar selbst fand den Text zu
hurra-patriotisch. Aber Elgar war nicht
nur ein One-Hit-Wonder, sondern der
herausragende englische Komponist der
Spätromantik. Sein Bildnis prangte bis
2007 auf der 20-Pfund-Note.
Elgar verbrachte seine ersten Jahre oft in
der elterlichen Musikalienhandlung und
spielte früh verschiedene Instrumente.
Sein Vater beherrschte die Geige auf
professionellem Niveau, war Kantor an
der St. Georgskirche in der Heimatstadt
Worcester (übrigens Kleves Partnerstadt)
und verdiente den Lebensunterhalt der
neunköpfigen Familie als Klavierstimmer
und Musikalienhändler. Alle sieben Kinder
erhielten eine musikalische Ausbildung.
Als Achtjähriger lernt Elgar bereits
Klavier und Geige. Sein Vater, der sämtliche
Klaviere in der Umgebung stimmt,
nimmt ihn gelegentlich mit und lässt ihn
vor lokalen Persönlichkeiten auf dem
Klavier vorspielen. Dennoch entscheidet
sich Elgar nicht sofort für die musikalische
Streicherserenade
Laufbahn, sondern arbeitet nach dem
Schulabschluss einige Jahre bei einem
Notar. Danach steigt er in das elterliche
Musikaliengeschäft ein.
�
Heute steht die Serenade für Streicher
auf dem Programm, auf die Elgar besonders
stolz war. Vielleicht liegt es daran,
dass er das Material zweimal bearbeitete.
Drei frühere Stücke für Streichorchester
(Spring Song, Elegy und Finale) wurden
1888 uraufgeführt. Elgars spätere Frau
Caroline Alice Roberts ließ sich durch dieses
Werk zu einem Gedicht inspirieren,
das wiederum Elgar bei der neuerlichen
Überarbeitung der drei Streicherstücke
anregte. Eine Fassung für Klavier vierhändig
widmet er seiner Frau. Sie habe
eine tragende Rolle bei der Findung der
„kleinen Melodien“ gespielt, schwärmt er.
�
Elgar komponiert schließlich seine Streicherserenade
op. 20 im März 1892. Im
selben Jahr führt die Worcester Ladies‘
Orchestral Class die Serenade im Rahmen
einer Privatveranstaltung auf. Die
erste öffentliche Darbietung findet am
21. Juli 1896 in Antwerpen statt. Die
Serenade besteht aus drei kurzen Sätzen.
Alle drei bezaubern auf ihre Weise:
Der erste Satz wirkt rhythmisch trällernd
wie die traditionellen Lilting-Gesänge
in Gälisch-sprachigen Gegenden – verwandt
mit Scat, einem improvisierten
Singen von rhythmisch und melodisch
aneinander gereihten Silbenfolgen ohne
Wortbedeutung. Die Bratschen übernehmen
eine führende Rolle bei der Entwicklung
der Melodien. Eine zuerst dort vorgestellte
Figur (s. o.)
wandert durch Mollund
Dur-Bereiche
und wird schließlich
von den Geigen
aufgegriffen.
Der zweite Satz präsentiert
sich in der
heiteren Schönheit
des ausgereiften Elgar-Stils.
In beiden
Ecksätzen tritt eine
Solo-Violine kurz-
Elgar um 1906
zeitig in den Vordergrund.
Im Schlusssatz werden Sie das
Eingangsthema wieder hören. Elgar, der
selbst Geiger war, geht gekonnt mit den
typischen Klangfärbungen eines reinen
Streicherapparates um. Die Serenade verzichtet
auf Effekthascherei und bildliche
Assoziationen. Alles ist reine Musik und
Poesie. Wer die weite Landschaft von Elgars
Heimat kennt, wird sich dennoch besonders
im zweiten Satz dorthin versetzt
fühlen. �
7

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Sinfonia Concertante
Mozart war fast ein Drittel seines
Lebens unterwegs – mehr
als 10 Jahre. Dabei kam er
durch zehn Länder Europas. 1778 reist
der 22-jährige Mozart mit seiner Mutter
nach Paris. Es wird ihre letzte Reise sein.
Der Vater bleibt in Salzburg zurück. Er
hatte von seinem Arbeitgeber, dem Erzbischof,
nicht dienstfrei bekommen.
Für den jungen Mozart ist es bereits der
dritte Parisaufenthalt. Zuvor hatte er seine
Stellung in Salzburg gekündigt. Versuche,
in München, Augsburg und Mannheim
eine Anstellung zu finden, waren fehlgeschlagen.
Also geht es weiter nach Paris.
Hier war Mozart 15 Jahre zuvor als Wunderkind
gefeiert worden. Jetzt aber fühlt
er sich nicht willkommen. Es gelingt ihm
dennoch, Freunde zu kontaktieren: Bläser
der Mannheimer Hofkapelle, die ebenfalls
gerade vor Ort gastieren.
In einem Brief an seinen Vater erwähnt
Mozart eine neu komponierte Sinfonia
concertante für Flöte, Oboe, Horn und Fagott,
begleitet von einem Streichorchester
mit zwei Oboen und zwei Hörnern. Dieses
Werk soll am Concert spirituel aufgeführt
werden. Die Gattung Konzertante
Sinfonie mit mehreren solistischen Instrumenten
war der Renner dort, besonders
die Werke des italienischen Violinisten
und Komponisten Giuseppe Cambini.
Doch die Aufführung von Mozarts Sinfonia
concertante findet niemals statt. Die
Noten sind nicht rechtzeitig vervielfältigt
und die Vorlage verschwindet schließlich
ganz.
�
Stattdessen wird später eine Sinfonia concertante
für Oboe, Klarinette, Horn und
Fagott in das Werkverzeichnis aufgenommen.
Die nicht signierte Partitur entdeckt
der Philologe, Archäologe und Musikwissenschaftler
Otto Jahn 1867. Seither gibt
es mehrere Theorien über das Werk, das
Sie heute hören werden:
♪ Es handelt sich tatsächlich um
das Pariser Werk von 1778.
♪ Es ist ein anderes Werk Mozarts.
♪ Nur die Solopassagen stammen
von Mozart, die Orchesterteile
sind fremdrekonstruiert.
♪ Das Werk stammt nicht von
Mozart.
Ein Argument dafür, dass es sich nicht um
ein Werk Mozarts handelt, ist die Behandlung
des Solo-Fagotts: Mozart hatte dieses
Instrument, das früher auf die Bassfunktion
beschränkt war, in anderen Werken
bereits zu einem vollwertigen Melodieträger
erhoben. Hier jedoch erscheinen in
der Fagottstimme immer wieder begleitende
Dreiklangsbrechungen. Außerdem
ist die Art des Zusammenspiels der vier
Solisten untypisch für Mozart: Statt à la
Mozart einer gegen drei spielen hier oft
jeweils zwei und zwei zusammen.
Das dreisätzige Werk beginnt mit einem
Allegro-Satz. Diesem schließt sich ein
langsamer Satz mit wiegendem Gestus
an. Den Abschluss bildet ein heiterer Andantino-Satz
mit zehn Variationen.
Egal ob echter Mozart oder nicht, Sie werden
ein gefälliges Bläserkonzert erleben,
das durch unterschiedliche Klangfarben
in Instrumenten und ihrer Gruppierung
besticht. �
Concert spirituel
♫ 1725–1791 erste öffentliche
Konzertreihe in Paris
♫ Erwerb des Konzertprivilegs
durch jährliche Abgaben an die
Académie royale de musique
♫ Konzerte an den 30 Tagen im Jahr,
an denen die Oper nicht spielte
♫ Programm: Sakralmusik, ital.
Musik, weltliche Kantaten und
Opernarien; frz. Musik und Opern
waren der Akademie vorbehalten.
♫ Veranstaltungsort: Konzertsaal im
früheren Stadtschloss, ca. 500m
vom Louvre entfernt, erster dauerhafter
Konzertsaal Frankreichs

Schubert Franz zum letztenmahl
gekräht. Den 26. Juli 1812“, lau-
„
tet eine handschriftliche Notiz sei-
Auch die fünfjährige Schulzeit im Konvikt
ist vorbei. Schubert hatte sich in der strengen
Schule zuweilen wie ein Gefangener
nes Chorleiters. Franz Peter Schubert gefühlt. Lediglich das Schulorchester be-
(1797–1828) ist 15 Jahre alt und Schüler reitet ihm Freude. Dort wirkt er als Geiger,
des kaiserlich-könig-
später Konzertmeislichen
Stadtkonvikts
ter sowie als Orches-
in Wien. Knapp ein
terwart. So bekommt
Jahr später vollendet
er einen Überblick
er seine erste Sinfo-
über das zeitgenössinie,
trotz eines Komsche
Repertoire, lernt
positionsverbotssei- nicht nur die Sinfones
Vaters wegen
nien Haydns und
schlechter Noten in
Mozarts kennen, son-
Mathematik.
dern auch Werke von
�
heute vernachlässig-
Schuberts sechs
ten Komponisten wie
frühe Sinfonien ent-
Franz Krommer oder
stehen zwischen
Leopold Kozeluch.
1813 und 1818. Ei-
�
nige betrachten diese
In seinen frühen Sin-
Stücke lediglich als Schubert (1813) von Leopold Kupelwieser fonien erprobt Schu-
jugendliche Kompobert
kompositorische
sitionsstudien. So dachte z. B. Johannes Mittel, erarbeitet sich originelle Lösungen,
Brahms (1833–1897), der die Sinfonien lernt, die Kompositionsweisen seiner klas-
1884 redigierte und munter nachbearbeisischen Vorbilder zu verstehen. Die Idee
tete. Erlkönig, Gretchen am Spinnrade– all eines originären Personalstils existiert
die berühmten Vertonungen von Goethe- noch nicht. Stattdessen herrscht Epo-
Texten, die im selben Zeitraum entstehen, chenstil vor. Sich auf fremde Werke zu
wagt dagegen niemand, als Jugendwerke beziehen, riecht keineswegs nach Plagiat,
abzutun. „Finis et Fine“ („Ende und am sondern gilt als Ehrung der Vorlage.
Ende“) notiert Schubert in die Partitur. Für seine erste Sinfonie wählt Schubert
Sinfonie Nr. 1
D-Dur, eine Tonart, die sich auf Streichinstrumenten
angenehm spielt. Aber auch
eine tiefere Bedeutung lässt sich finden:
Um 1800 herrscht noch die traditionelle
Tonarten-Ästhetik vor, die jeder Tonart
bestimmte Eigenschaften zuschreibt. So
formuliert der deutsche Dichter und Musiker
Christian Daniel Schubart 1806:
„D dur. Der Ton des Triumphes, des Hallelujas,
des Kriegsgeschrey’s, des Siegesjubels.
Daher setzt man die einladenden
Symphonien, die Märsche, Festtagsgesänge,
und himmeljauchzenden Chöre
in diesen Ton.“
Schubert präsentiert sich als gewandter
Sinfoniker. Musikalische Abläufe sind weit
gefasst. Auch in der Instrumentation zeigt
er sich als Könner. Der erste Satz beginnt
mit feierlicher Einleitung. Streicher und
Blechbläser spielen ein rhythmisch aufsteigendes
Dreiklangsmotiv. Die Violinen
antworten in absteigender Bewegung. Mit
einem Paukenwirbel geht es weiter zum
Allegro-vivace. Im zweiten Satz brilliert
Schubert mit kunstvoller motivischer Arbeit.
Das Trio des dritten Satzes wirkt
volkstümlich wie ein Ländler. Für den
Schluss wählt Schubert wieder die Sonatensatzform
mit ihren zwei kontrastierenden
Themen. Das erste Thema ähnelt
dem Hauptthema aus dem Kopfsatz und
rundet das Werk ab. �
9

10
Konzertmeisterin
Auflistung von links nach rechts
I. Geige
Jacobien Barents-Rueb
Kristin Regnitter
Theo Vermeegen
Irina Gordienok-Klippel
Elisabeth Cremer
Veronika Hoff mann-Schneider
(Verena Husmann)
Gäste
Marie-Lusie Hartmann Vl.
Siegfried Büttner Vl.
Dietrich Schneider Vl.
Mirjam Hardenberg Vc.
Rüdiger Gönnert Kb.
Markus Hufschmid Fl.
>
II. Geige
Rudolf Tuschen
Josefa Bouillon
Oskar Greven
Annegret Janssen
Gunhild Schmidt
Maarten Blind (2. v. r.)
Doris Naberfeld
Ortrud Schwers
(Ramona Timmer)
Anne Gieseler Fl.
Verena Braun Ob.
Almut Feldmann Ob.
Sophie Baranski Klar.
Simon Loosen Klar.
Eckart Eichholz Fg.
Collegium Musicum
Bratsche
Esther Bouwmeester
Anja Wilkin
Wolfgang Rilling
Ester Nothelfer
Reinhard Vogel
Norbert Hufschmidt
Andreas Braun Fg.
Idan Moshé Paff rath Hrn.
Marina Kirchhofer Hrn.
Frank Hendricks Tr.
Siegfried Zampietro Tr.
Christof Braun Pos.
Cello
Gisela Uddrich-Schmülling
Christine Manneke
Dorothee Splinter
Ulrich Kirchhofer
(Erika Timmer)
Dirigent
Johannes Feldmann (8. v. l.)
http://bit.ly/feldmann
Albrecht Schiesser Pos.
Andreas Strähnz Pk.
April 2011
und Solisten ->

Tom Owen wurde in England geboren. Er gewann zahlreiche
bedeutende Preise wie z. B. bereits im Alter von 19 Jahren
den Royal Academy of Music Oboe Prize. Seit 2006 ist
Tom Owen Solo-Oboist des Gürzenich Orchesters
Köln und regelmäßig Gast bei führenden
Orchestern Europas. Zu den Höhepunkten
in Toms solistischer Tätigkeit gehört
die Auff ührung von J. S. Bachs Doppelkonzert
für Oboe und Violine mit
Nigel Kennedy im Rahmen des Schleswig
Holstein Musik Festivals sowie Aufführungen
der Oboenkonzerte von
J. C. Fischer und R. Strauss.
Tom ist auch ein begeisterter
Kammermusiker und Gründungsmitglied
der Gürzenich
Kammersolisten. �
Tonia Solle stammt aus Ludwigshafen am Rhein und spielt
seit dem 13. Lebensjahr Fagott. Sie gewann zahlreiche 1.
und 2. Preise und sammelte erste Orchestererfahrung im
Landesjugendorchester Rheinland-Pfalz. Sie studierte u. a.
an der Musikhochschule Mannheim und am
Mozarteum Salzburg und beendete ihre
Ausbildung 2010 mit dem Meisterklassendiplom
an der Musikhochschule
München. Tonia war Stipendiatin der
Studienstiftung des Deutschen Volkes,
der Villa Musica und nahm erfolgreich
beim ARD Musikwettbewerb teil. Neben
Engagements bei den Münchner Philharmonikern,
dem Nationaltheater Mannheim
oder dem Münchner Kammerorchester konzertierte
sie bereits in Asien, Südafrika und Europa.
Sie lebt als freischaff ende Fagottistin in Köln.
�
Kammersolisten. � Sie lebt als freischaff ende Fagottistin in Köln.
Joachim Pfannschmidt wurde 1977 in Vilseck in der Oberpfalz
geboren und spielt seit dem 8. Lebensjahr Horn. Er
gewann u. a. einen 1. Preis in der Solowertung beim Bundeswettbewerb
Jugend musiziert (1995). Joachim studierte
an den Musikhochschulen in Köln und Oslo und beendete
sein Studium 2007 mit dem Meisterklassendiplom. Er war
2001/02 Solohornist des European Union Youth Orchestra,
außerdem Mitglied in verschiedenen anderen
Jugendorchestern. Er sammelte Erfahrungen
u. a. beim Gürzenich Orchester, dem
Staatsorchester Stuttgart, dem Ensemble
Modern und der Deutschen Kammerphilharmonie
Bremen. Seit 2/2005 ist er stellvertr.
Solohornist beim Hessischen Staatsorchester
Kassel. Konzertreisen führten
ihn in viele Länder Europas, Amerikas und
Asiens. �
Stephan Oberle stammt aus Traben-Trarbach an der Mittelmosel.
Er begann seine musikalische Ausbildung im Alter von
8 Jahren. Stephan gewann beim Wettbewerb Jugend musiziert
zahlreiche Preise auf Landes- und Bundesebene und war
Stipendiat der Villa Musica, Yehudi-Menuhin-Stiftung und
der Accademia Gustav Mahler in Ferrara. Nach zweijähriger
Tätigkeit als stellvertr. Solo-Klarinettist der Deutschen Kammerphilharmonie
Bremen ist er seit 2009 Mitglied
des Gürzenich Orchesters. Daneben
führten ihn Gast-Engagements als Solo-
Klarinettist zum Münchner Rundfunkorchester,
dem SWR Sinfonieorchester
Baden-Baden und Freiburg sowie dem
City of Birmingham Symphony Orchestra.
Solistische und kammermusikalische Tourneen
führten ihn durch Europa, nach Chile,
Japan und China. �
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