Bildrausch Filmfest Basel 7, Katalog 2017

7. BILDRAUSCH 

FILMFEST BASEL 

21.06.— 25.06.17

PROGRAMMÜBERSICHT 2-3 

EDITORIAL 4 

CUTTING EDGE 5-33 

INTERNATIONALER 

WETTBEWERB 

TERENCE 34-49 

DAVIES 

PAST AND PASSION 

TERESA 50-63 

VILLAVERDE 

FRAGILER PUNK 

SPECIALS 

BILL VIOLA: THE ROAD TO ST. PAUL'S 64-65 

BILL VIOLA: REFLECTIONS 66-69 

INSYRIATED 70-71 

MR. LONG 72-73 

THE WOMAN WHO LEFT 74-75 

TONY CONRAD: 

COMPLETELY IN PRESENT 76-77 

TONY CONRAD: LOOKING AT MUSIC 78-81 

TONY CONRAD & LARY7 82-83 

TALKS, EVENTS UND PODIEN 84-91 

RUND UM BILDRAUSCH 92-96 

DANK 118-121 

FESTIVALINFORMATIONEN 122-123 

IMPRESSUM 124

4 

5 

EDITORIAL 

Auch im siebten Jahr gilt: Bildrausch ist Ekstase, 

Emotion und Elixier (auch gegen populistische Vereinfachungen). 

Denn Bildrausch-Werke erkunden das 

Leben, das eigene und das der anderen; sie spüren 

die Gefühle auf, die sozialen und politischen Verstrickungen 

des heutigen Individuums. Sie führen vor 

Augen, wie es rebelliert und sich behauptet – mitunter 

zerbricht oder sich befreit. So entstehen Filme von 

provozierend-authentischer Qualität und wahrhaftiger 

Schönheit, die notwendiger denn je sind in diesen 

Zeiten des postfaktischen Scheins! 

Genau diese Stärke findet sich in den Filmen von Terence 

Davies und Teresa Villaverde, die wir heuer mit 

einer Hommage ehren. Und sie vereint auch die Werke 

des Wettbewerbs, von denen unsere Internationale 

Jury mit Lav Diaz, Monika Willi und Ilse Hughan am 

Sonntag eines besonders herausheben wird. 

Kraft dieser Qualität bietet das vollgepackte Programm 

an fünf Festivaltagen eine geballte Ladung 

an Emotionen und Einsichten. Der amerikanische 

Crossover-Künstler Tony Conrad (der post mortem 

an Bildrausch nochmals auf der Leinwand und in 

Konzerten aufleben wird) bringt auf den Punkt, was 

das Grossartige an solchen Kunst-Erfahrungen ist: 

‹«Das gehört mir! Das ist meine Erfahrung.› – Und 

das kann dir niemand abkaufen. Niemand kann dich 

davon abhalten, diese Erfahrung zu machen. » 

Geben Sie sich also hin, tauchen sie ein und nehmen 

Sie möglichst viel für sich mit. Das siebte Fest für die 

Filmkunst möge beginnen! 

Am Sonntagabend, 25. Juni, vergibt die Jury den 

Bildrausch-Ring der Filmkunst in Verbindung mit 

einer Preissumme von CHF 3000 an den Schöpfer 

oder die Schöpferin des besten Bildrausch-Films. 

LAV DIAZ (*1958, Philippinen): Der herausragendste 

Vertreter des aktuellen 

philippinischen Kinos bezeichnet sich 

gerne als Geschichtenerzähler und Wahrheitssucher. 

Ihn interessieren die einfachen 

Landsleute, ihr Überlebenskampf 

und ihre Widerstandskraft im Spiegel 

der Geschichte und der Erfahrungen einer von Kolonialismus 

und Diktatur geprägten Gesellschaft. 

Ein weiterer wichtiger Bezugspunkt ist für Diaz die 

Literatur. So diente Tolstois Novelle «Gott sieht die 

Wahrheit, aber er wartet» beispielsweise als Inspiration 

für The Woman Who Left (2016). Die Schönheit seiner 

epischen, zumeist mehrstündigen Filme entfaltet 

sich in der Dauer, wenn er in ruhigen Einstellungen 

Geheimnisse menschlicher Existenz und deren moralische 

Komplexität fassbar macht. Diaz arbeitet 

vornehmlich mit Laiendarstellern. Selber nimmt er 

nicht nur die Rolle des Regisseurs, sondern immer 

wieder auch die des Drehbuchautors, Produzenten, 

Cutters, Kameramanns, Komponisten, Production 

Designers und Schauspielers ein. Seine Werke wurden 

vielfach ausgezeichnet: jüngst The Woman Who Left 

mit einem Goldenen Löwen an den Internationalen 

Festspielen von Venedig, 2014 From What Is Before 

mit einem Goldenen Leoparden am Internationalen 

Filmfestival von Locarno. 

CUTTING EDGE 

Beat Schneider, Nicole Reinhard

6 

7 

ILSE HUGHAN (geb. in Amsterdam) 

studiert Französisch und Italienisch und 

fasst als Übersetzerin im Filmgeschäft 

Fuss. Als Produktionsassistentin, Regisseurin 

und Editorin ist sie an zahlreichen 

Produktionen beteiligt, bevor sie 2002 

den 1909 von ihrem Grossvater Jean Desmet 

gegründeten Verleih und World Sales Fortuna 

Films übernimmt. Hughan hat ein Gespür für visuell, 

starkes, eigensinniges Kino und legt den Fokus der 

Firma auf die Produktion unabhängigen Filmschaffens 

in Südamerika. Sie arbeitet eng mit Lisandro 

Alonso, dem formalen Erneuerer des argentinischen 

Kinos, zusammen. Seit 2002 produziert sie alle seine 

Filme – darunter die vielfach prämierten Arbeiten 

Los muertos (2004) und Jauja (2014). Auch sein neustes 

Fimprojekt Sangre wird von Ilse Hughan betreut. Sie 

zeichnet auch für die Produktion von Filmen der 

beiden jungen Filmemacherinnen Paz Encina und 

Milagros Mumenthaler verantwortlich: Paraguayan 

Hammock (Paraguay) läuft 2006 in der Sektion Un 

certain regard in Cannes, Abrir puertas y ventanas 

(Argentinien, Schweiz, Niederlande) gewinnt 2011 

am Filmfestival in Locarno den Goldenen Leoparden. 

Speziell zur Förderung junger Filmschaffender hat 

sie zusammen mit Violeta Bava den ersten Koproduktionsmarkt 

Südamerikas, das Buenos Aires Lab, 

BAL / Bafici gegründet. Hughan ist zudem Mitglied 

der Auswahlkommission des Hubert Bals Fund am 

Internationalen Filmfestival in Rotterdam. 

MONIKA WILLI (*1968, Innsbruck) tritt 

als eine der bekanntesten österreichischen 

Schnittmeisterinnen mit dem Film 

Untitled (2001) zum ersten Mal als Co- 

Regisseurin in Erscheinung. Als Michael 

Glawogger bei den Dreharbeiten für sein 

letztes Filmprojekt auf tragische Weise 

stirbt, hinterlässt er eine klaffende Leerstelle – aber 

auch einen Schatz von über 70 Stunden Filmmaterial 

von einer Reise über den Balkan, Nordwest- und 

Westafrika bis Liberia. Willi nimmt sich dessen mit 

Zweifel und Respekt an und komponiert ein Werk, das 

gleichermassen die Handschrift Glawoggers wie die 

ihrige trägt. Neben früheren Werken von Glawogger 

hat die angesehene Cutterin mit ihrer Präzision und 

ihrem Gefühl für den Atem der filmischen Erzählung 

preisgekrönte Werke von Michael Haneke, Barbara 

Albert oder von Josef Hader geprägt. Darunter etwa 

Michael Hanekes Amour (2012) oder La Pianiste (2001). 

Für Das weisse Band (2009) von Michael Haneke und 

Thank you for Bombing (2017) von Barbara Eder wird 

sie von der Filmstiftung NRW mit dem Preis für den 

besten Schnitt ausgezeichnet. Ebenfalls ist sie zweifache 

Gewinnerin des Österreichischen Filmpreises: 

im Jahr 2013 mit Die Lebenden von Barbara Albert und 

2017 mit Thank you for Bombing, Barbara Eder. 

CUTTING EDGE

Nur sieben ihrer fast 1800 Gedichte wurden zu 

ihren Lebzeiten veröffentlicht; sie selbst mied die 

Gesellschaft, lebte im Haus ihrer Familie in Amherst, 

Massachusetts, zurückgezogen in ihrem Zimmer, für 

sich. Inzwischen weiss die Welt freilich, wer Emily 

Dickinson (1830–1886) war, sie weiss um den Beitrag 

der US-amerikanischen Dichterin, die aus ihren überschaubaren 

Verhältnissen einen lyrischen Kosmos 

schöpfte. Enge und Weite prägen A Quiet Passion 

wie Atemzüge; ein An- und Abschwellen auch der 

Auseinandersetzungen, denn immer wieder hat Miss 

Dickinson sich zu verteidigen – ihren privaten Raum, 

ihre Moral, ihren Seelenfrieden, ihre Lyrik – gegen die 

Zudringlichkeiten der Wohlmeinenden. Und Terence 

Davies – dem Bildrausch dieses Jahr eine Hommage 

widmet – setzt ihr in seiner meisterlichen Künstlerbiografie 

ein Denkmal; von allem Kitsch befreit, 

meilenweit entfernt von naturpoetischer Gefühligkeit 

oder pietistischer Schwärmerei oder auch nur 

ausstatterischer Opulenz, gänzlich konzentriert auf 

den schaffenden Charakter einer Schreibenden. Die 

wiederum Cynthia Nixon mit unversöhnlicher Präzision 

und immer wieder aufbrausender Schärfe zum 

Leben erweckt. Eine kühle Distanz herrscht in diesem 

Film und ein loderndes Feuer, eine tiefe Leidenschaft 

in grosser Stille. (as) 

. A Quiet Passion (A Quiet Passion) 

. Grossbritannien, Belgien 2016 

. 124 Min. Farbe. DCP. E/d 

. Regie, Buch: Terence Davies 

. Kamera: Florian Hoffmeister 

. Schnitt: Pia Di Ciaula 

. Mit Cynthia Nixon, Jennifer Ehle, 

Keith Carradine, Emma Bell 

. Produzenten: Roy Boulder, 

Sol Papadopoulos 

. Kontakt: Double Dutch 

International, Los Angeles, 

www.doubledutchinternational.com 

9 

SA 24.6. 19:15 

Stadtkino Basel 

In Anwesenheit von Terence Davies 

SO 25.6. 10:30 


A QUIET PASSION

Während Pinochets Militärdiktatur soll Adriana 

Rivas, die in Australien lebende Lieblingstante der 

jungen Filmemacherin, für die berüchtigte Geheimpolizei 

DINA gearbeitet haben. Im Jahr 2007 wird sie 

bei einem Besuch ihrer Familie verhaftet, kommt aber 

wieder frei. Sie beteuert ihre Unschuld, sie sei weder an 

Verhören noch Folterungen beteiligt gewesen. Orozco 

will ihr gerne glauben, beginnt zu recherchieren – 

und kommt in Teufels Küche. Ihr dokumentarisches 

Projekt, das als Materialsammlung für den Beweis der 

Unschuld Rivasʼ geplant war (der in Chile der Prozess 

wegen Beihilfe zum Massenmord droht), wandelt sich 

in den Kampf einer Nachgeborenen um die Wahrheit, 

der zunehmend erbitterte und verzweifelte Züge annimmt. 

In Gesprächen mit Ariana via Skype sowie mit 

Familienmitgliedern, ehemaligen Kolleginnen Rivasʼ 

und Zeitzeugen vor Ort stösst Orozco auf die allerorten 

herrschende Verdrängung und Verleugnung 

der chilenischen Vergangenheit und ihrer zahllosen 

Opfer. Adriana’s Pact ist ein mit wenig Geld und einfachen 

Mitteln entstandener Debütfilm; zugleich ein 

erschütterndes Dokument, das den auch persönlich 

hohen Preis eines Bemühens um Aufklärung und 

Bewältigung zeigt. (as) 

. Adriana’s Pact (El pacto de Adriana) 

. Chile 2017 

. 96 Min. Farbe, DCP. Esp, E/e 

. Regie, Buch: Lissette Orozco 

. Kamera: Julio Zúñiga, Daniela Ibaceta, 

Brian Martínez 

. Schnitt: Melisa Miranda 

. Musik: Santiago Farah 

. Produzenten: Gabriela Sandoval, 

Carlos Núñez, Benjamin Band 

. Kontakt: Meikincine, Buenos Aires, 

www.mekincine.com 

11 

FR 23.6. 10:00 


Öffentliche Schul- und Pressevorstellung 

In Anwesenheit von Lissette Orozco 

SA 24.6. 17:00 


In Anwesenheit von Lissette Orozco 

ADRIANA'S PACT

Ali wurde vor Kurzem aus einem Waisenhaus 

entlassen und sucht nun jenes Mädchen, von dem er 

glaubt, es sei seine Schwester: Zuhal. Die nun wird von 

ihrem Ziehvater, der sie bald zur Zweitfrau machen 

will, wie eine Gefangene gehalten ... Klingt wie ein 

Noir-Thriller, sieht so aus, fühlt sich so an – bis Big Big 

World einen Haken schlägt, den man nicht kommen 

sah: Ali findet Zuhal, Blut fliesst, mit einem Mal sind 

sie auf der Flucht ... Und plötzlich verwandelt sich 

der Film in eine Art zart-dunklen Feentraum, ein 

Märchen von zwei Kindern, die auszogen, in einem 

Zaubersumpf das Leben zu lernen ... Reha Erdem ist 

der eigensinnigste Gegenwartsfilmemacher der Türkei, 

zudem der einzige von Weltrang, dessen Ästhetik 

verwurzelt ist in einer lokalen, leicht surrealistisch 

grundierten Moderne. Wie schon Times and Winds 

(2006), Cosmos (2010) oder Jîn (2013) hat auch Big Big 

World etwas Schwebend-, fast Flüchtig-Ätherisches 

in seiner Inszenierung, das die Gravitas der Fabel, 

die Mächtigkeit ihrer Symbole auf immer wieder 

verblüffende Weise austariert. Was fast schon zu verkopft 

klingt angesichts der schieren haptischen Wucht 

des Films – des Furors, mit dem er einen in einsame 

Abgründe und herrliche Höhen reisst. (om) 

. Big Big World (Koca Dünya) 

. Türkei 2016 

. 101 Min. Farbe. DCP. Tr/e 

. Regie, Buch: Reha Erdem 

. Kamera: Florent Herry 

. Musik: Nils Frahm 

. Mit Berke Karaer, Ecem Uzen, 

Melisa Akman, Ayta Sözeri 

. Produzent: Ömer Atay 

. Kontakt: Picture Tree 

International, Berlin, 

www.picturetree-international.com 

13 

FR 23.6. 12:15 


SO 25.6. 14:45 


BIG BIG WORLD

Casting ist ein improvisierter Fernsehfilm, der 

vom Casting für ein Fernsehfilm-Remake von Rainer 

Werner Fassbinders berühmtem Liebesmelodrama 

Die bitteren Tränen der Petra von Kant handelt. Der 

erfolgreiche Schauspieler Andreas Lust gibt darin 

den erfolg- und arbeitslosen Schauspieler Gerwin, 

der sich als Anspielpartner verdingt. Das heisst, dass 

er in Vertretung des bereits gecasteten männlichen 

Hauptdarstellers den Schauspielerinnen, die sich um 

die weibliche Hauptrolle bewerben, die Stichworte 

gibt. Während sich nun in Probeaufnahmen eine ganze 

Reihe hochkarätiger deutschsprachiger Miminnen 

um den Zuschlag bemüht, verzweifelt das Team im 

Hintergrund an den reichlich verblasenen Ansprüchen 

der Regisseurin und droht die ganze Produktion auseinander 

zu fallen. Da wittert Gerwin seine Chance. 

Mit Casting gelingt Wackerbarth - 1973 in München 

geboren, ausgebildeter Schauspieler und Regisseur, 

Mitherausgeber der Filmzeitschrift Revolver, Dozent, 

Kurator und Autor – eine vielfach schillernde, mehrbödige 

Tragikomödie, die nicht nur von den Nöten 

arbeitssuchender KünstlerInnen erzählt, sondern 

auch den kreativen Prozess der Rollenerarbeitung 

dokumentiert. Wobei die beim Vorgang des Castings 

wirksamen komplexen emotionalen Gemengelagen 

die Fassbinder-Vorlage spiegeln. (as) 

. Casting 

. Deutschland 2017 

. 91 Min. Farbe. DCP. D/e 

. Regie, Buch: Nicolas Wackerbarth 

. Kamera: Jürgen Carle 

. Schnittt: Saskia Metten 

. Mit Andreas Lust, 

Judith Engel, Ursina Lardi, 

Andrea Sawatzki 

. Produzentin: Franziska Specht 

. Kontakt: The Match Factory, 

Berlin, www.thematchfactory.de 

15 

MI 21.6. 18:00 


In Anwesenheit von Nicolas 

Wackerbarth und Andreas Lust 

MI 21.6. 19:00 

kult.kino atelier 

In Anwesenheit von Nicolas 

Wackerbarth und Andreas Lust 

CASTING

Von der tiefen Erschöpfung, die das Verarmen und 

der Verlust von Perspektiven mit sich bringen, mithin 

vom Leben im von Wirtschaftskrisen geschüttelten 

(Süd-)Europa, erzählt Teresa Villaverde in ihrem klar 

strukturierten Film Colo. Dabei nutzt sie die leuchtenden 

Farben des portugiesischen Sommers zu kontrastierendem 

Effekt: Denn es mag die Sonne noch so sehr 

vom blauen Himmel strahlen, in den Gemütern der 

Protagonisten herrscht der Untergang. Der Vater ist 

arbeitslos, die Mutter findet sich mit ihren beiden Jobs 

am Rande ihrer Kräfte, und Teenager-Tochter Marta 

lässt sich ratlos treiben. Der unaufhaltsame soziale 

Abstieg dieser Mittelschichtskernfamilie – bald schon 

kann man sich die hübsche Wohnung, deren stilvolle 

Einrichtung vom vergangenen Wohlstand zeugt, nicht 

mehr leisten – setzt Zerfallsprozesse in Gang und ein 

allmähliches Versiegen von Sprache und Vertrauen. 

Es ist eine zerstörerische Reduktion, die die 1966 in 

Lissabon geborene Drehbuchautorin, Regisseurin 

und Produzentin – 1998 mit The Mutants international 

bekannt geworden – mit langen Takes, präziser 

Kadrage und genau getakteten Fahrten ästhetisch 

überhöht. In konzentrierter Ruhe schafft Villaverde 

eine filmische Struktur von grosser Schönheit – und 

macht darin einen die Persönlichkeit zerfressenden 

Mechanismus sichtbar. (as) 

COLO 

. Colo 

. Portugal, Frankreich 2017 

. 136 Min. Farbe. DCP. P/e 

. Regie, Buch: Teresa Villaverde 

. Kamera: Acácio de Almeida 

. Musik: Robert Schumann, 

Noël Akchoté, 

Dimitri Shostakowitsch, 

Tomás Gomes 

. Mit Joao Pedro Vaz, 

Alice Albergaria Borges, 

Beatriz Batarda, Clara Jost 

. Produzentin: Teresa Villaverde 

. Kontakt: Films Boutique, Berlin, 

www.filmsboutique.com 

17 

DO 22.6. 09:30 


Öffentliche Schul- und 

Pressevorstellung 

SA 24.6. 16:00 


In Anwesenheit von 

Teresa Villaverde

Zwei Leben in der Schwebe. Während um sie 

herum alle ins Erwachsenenleben aufbrechen, sorgt 

sich Casey um ihre ehemals drogensüchtige Mutter 

und wagt nicht, Pläne für ihre eigene Zukunft zu 

schmieden. Jin hingegen muss in Korea alles stehen 

und liegen lassen, um seinem in den USA schwer 

erkrankten, entfremdeten Vater beizustehen. Casey 

und Jin begegnen einander in Columbus, Indiana, 

einer relativ kleinen Stadt, die gleichwohl weltweit 

für ihre ikonografische Architektur der Moderne 

wie für ihre Kunst im öffentlichen Raum gerühmt 

wird. Casey zeigt Jin ihre liebsten Gebäude, und Jin 

zeigt Casey, wie man loslässt. Mit Columbus legt der in 

Seoul geborene Kogonada (ein Pseudonym und eine 

Reminiszenz an Ozus Drehbuchautor Kogo Noda), 

der bislang als Videoessayist und Filmjournalist tätig 

war, einen beeindruckenden Erstling vor. Ein dicht 

gewobenes, narratives Geflecht, in dem die Gebäude 

durch den Blick, den die Protagonisten auf sie richten, 

den Status von Handlungsträgern erlangen. Und in 

dem umgekehrt der umbaute Raum den in ihrem 

Leben unbehausten Menschen Trost und Zuversicht 

vermittelt: Die klare Linie des architektonischen Gedankens 

vermag das undurchschaubare Gewirr des 

Gefühls zu besänftigen. Nicht zuletzt, weil Ordnung 

und Chaos gleichermassen im Menschlichen wurzeln. 

(as) 

. Columbus (Columbus) 

. USA 2017 


. Regie, Buch, Schnitt: Kogonada 

. Kamera: Elisha Christian 

. Musik: Hammock 

. Mit John Cho, Parker Posey, 

Haley Lu Richardson, 

Michelle Forbes 

. Produzenten: Danielle 

Renfrew Behrens, 

Chris Weitz, Andrew Boyd 

. Kontakt: Visit Films, Brooklyn, 

NY, www.visitfilms.com 

19 

DO 22.6. 21:15 


In Anwesenheit von Kogonada, 

Moderation: Andreas Ruby, 

Direktor S AM 

FR 23.6. 16:45 


In Anwesenheit von Kogonada 

COLUMBUS

Manchmal hat man im Kino wie im Leben keine 

Wahl. Man sieht und hört, was sich auf der Leinwand 

abspielt, ist bewegt und entsetzt zugleich und kann 

sich dem Sog dennoch nicht entziehen, der von den 

Bildern und Stimmen ausgeht, die einem gegenüberstehen. 

Wie in dem streng reduzierten, stilisierten 

Dokumentarfilm Devil's Freedom, in dem sowohl 

Opfer als auch Täter beschreiben, wie eng sich die 

mit dem ewigen Drogenkrieg verknüpfte Gewalt 

bis heute gnadenlos auf das Leben der Menschen in 

Mexiko auswirkt: unter ihnen zwei Mädchen, die sich 

erinnern, wie die Mutter vor ihren Augen erschossen 

wurde. Oder der junge Mann, der bereits im Kindesalter 

seinen ersten Mord verübt hat und weiss, dass es 

für ihn längst kein Zurück mehr gibt. Was sie vereint, 

sind die hautfarbenen Masken, hinter denen sie ihre 

Identität verbergen. Denn vor seiner Kamera, gibt der 

mexikanische Regisseur schnell zu verstehen, sind 

sie alle gleich, ohne Wertung und ohne Kommentar. 

Everardo González (*1971), der heute zu den wichtigsten 

lateinamerikanischen Dokumentarfilmern zählt, 

richtet in seinen Arbeiten stets den Blick darauf, den 

unzähligen Gesichtern des Grauens in seiner Heimat 

Mexiko auf die Spur zu kommen. Mit Devil's Freedom 

ist ihm ein zutiefst menschliches 

Portrait des Schreckens gelungen. (as) 

. Devil’s Freedom 

(La libertad del diablo) 

. Mexiko 2017 

. 74 Min. Farbe. HDCP. Esp/e 

. Regie, Buch: Everardo González 

. Kamera: María Secco 

. Schnitt: Paloma López Carrillo 

. Musik: Quincas Moreira 

. Produzenten: Robert Garza, 

Inna Payán 



21 

DO 22.6. 12:30 


Öffentliche Schul- und 

Pressevorstellung 

In Anwesenheit von Everardo González 

SO 25.6. 17:00 


In Anwesenheit von Everardo González 

DEVIL’S FREEDOM

«Denk ich an Deutschland in der Nacht, 

dann bin ich um den Schlaf gebracht», dichtete 

Heinrich Heine 1843. Heine trieben Sehnsucht 

und Sorgen um, Romuald Karmakar schlägt in 

seinem aktuellen Film, dem Heines Gedicht den 

Titel gibt, eine alternative Erklärung für Schlaflosigkeit 

vor: den kollektiven Rausch endloser 

Raves, befeuert vom unablässigen, rhythmischen 

Hämmern der Beats. Nach 196 bpm (2002), 

Between the Devil and the Wide Blue Sea (2005) 

und Villalobos (2009) ist If I think of Germany at 

night die vierte Annäherung des renommierten 

Autorenfilmers und Dokumentaristen Karmakar 

an Techno, artverwandte Stile und die Tradition 

der elektronischen Musik in Deutschland. 

Fünf Protagonisten der Szene – Ata Macias, 

Roman Flügel, David Moufang, Ricardo Villalobos 

und Sonja Moonear – erzählen von ihrer 

Arbeit und kommen ins Philosophieren. Karmakar 

hört ihnen zu und zeigt sie im Studio, 

im Club und auf der Bühne. In den Gesprächen 

offenbaren sich die Musiker mit grosser Ernsthaftigkeit, 

während die Dancefloor-Szenen die 

unterschiedlichen Sounds zu angenehm ausgiebiger 

Geltung bringen. Und die Nacht wird zum 

Tag auf die allerschönste Weise, tanzend. (as) 

. IF I THINK OF GERMANY 

AT NIGHT (Denk ich an 

Deutschland in der Nacht) 


. 100 Min. Farbe. DCP. D, F/e 

. Regie, Buch: Romuald Karmakar 

. Kamera: Frank Griebe 

. Schnitt: Robert Thomann, 

Anne Fabini 

. Sound Design: Matthias Lempert 

. Produzenten: Andro Steinborn, 

Stephan Holl 

. Kontakt: Rapid Eye Movies, Köln, 

www.rapideyemovies.de 

23 

FR 23.6. 22:00 



Romuald Karmakar 

SA 24.6. 12:30 


IF I THINK OF 

GERMANY AT NIGHT

Julian Radlmaiers Besuch des Bildrausch 

2014, seine Begegnung hier mit dem Proust des 

modernen Kinos, Nils Malmros, hat offenbar 

Spuren hinterlassen: Mit Self-Criticism of a Bourgeois 

Dog hat er seinen DFFB-Abschlussfilm als 

Variante eines autobiografischen Spiels realisiert. 

Radlmaier gibt den Jungregisseur Julian, der 

auch noch bei der winzigsten Förderung abblitzt, 

ins Hartz-IV-Fegefeuer rutscht und sich nun 

als Apfelpflücker verdingen muss. Kompliziert 

wird's, als er sich in eine kanadische Schöne verknallt 

und ihr weismacht, dass er bei der Ernte 

zwecks Recherche für einen kommunistischen 

Märchenfilm mitarbeitet. Zu nicht weniger als 

existenziell-ideologischen Krisen kommt's gar, 

als ihm im Laufe der Arbeitszeit klar wird, was 

das Wort «Klassenantagonismus» so ganz wirklich 

meint. Aber da ist ja auch noch das Kino, wo 

andere Regeln geltend gemacht werden dürfen ... 

Und so entstand mit Self-Criticism of a Bourgeois 

Dog im Spannungsfeld von Pasolini, Beckett und 

Chaplin exakt jener verschroben-komische, formal 

kokett strenge kommunistische Märchenfilm, 

den Radlmaiers Alter Ego Julian dauernd 

weiterspintisiert, um nicht die Wahrheit über 

sein trübes Dasein sagen zu müssen. (om) 

. Self-Criticism of a Bourgeois Dog 

(Selbstkritik eines 

bürgerlichen Hundes) 


. 99 Min. Farbe. DCP. D,E/e 

. Regie, Buch: Julian Radlmaier 

. Kamera: Markus Korb 

. Schnitt: Julian Radlmaier 

. Ton: Kai Ziarkowski 

. Mit Julian Radlmaier, 

Deragh Campbell, 

Kyung-Taek Lie, Beniamin Forti 

. Produzent: Kirill Krasockiy 

. Kontakt: Faktura Film, Berlin, 

www.fakturafilm.de 

25 

DO 22.6. 21:15 



Julian Radlmaier 

SA 24.6. 10:00 


SELF-CRITICISM 

OF A BOURGEOIS DOG

Als Nam Chul-woo am Morgen in aller Früh das 

Haus verlässt, ahnt er noch nicht, dass am Abend 

nichts mehr so sein wird, wie es einmal war. Der 

nordkoreanische Fischer wirft sein Netz seit Jahren im 

Grenzgebiet zum Süden aus, doch an diesem Tag ist 

der Strom des Flusses gegen ihn. Als sich das Netz in 

der Motorschraube verklemmt, treibt er unaufhaltsam 

ab ins feindliche Gewässer und wird dort von den südkoreanischen 

Grenzposten prompt als vermeintlicher 

Spion verhaftet und einer erwartungsgemäss unsanften 

Befragung unterworfen. Je länger Nam sich den 

Fragen und Torturen der feindlichen Behörden stellen 

muss, wird ihm bewusst, dass, selbst wenn ihm die 

Heimkehr gelingen sollte, er am Ende als zerrissener 

Mensch aus der Grauzone zwischen Schein und Sein 

zurückkehren wird. Dem gerne als Enfant Terrible 

des koreanischen Kinos gefeierten Kim Ki-duk ist mit 

The Net ein sanft wütender Spionagethriller gelungen, 

der in seinem Kern so schlicht ist wie prekär. Anders 

als in seinen bisherigen Arbeiten, die stets zwischen 

exzessiver Brutalität und stilisierter Ästhetik changierten, 

gibt sich der 56-jährige Provokateur diesmal 

überraschend bodenständig, wenn auch nur, um der 

inneren Pein seiner Bilder dadurch grösseren Raum 

zu schaffen. (pj) 

THE NET 

. The Net (Geumul) 

. Südkorea 2016 

. 114 Min. Farbe. DCP. Kor/e 

. Regie, Buch: Kim Ki-duk 

. Kamera: Kim Ki-duk 

. Schnitt: Park Min-sun 

. Musik: Park Young-min 

. Mit Ryoo Seung-bum, 

Lee Won-gun, Kim Young-min, 

Choi Guy-hwa 

. Produzent: Kim Soon-mo 

. Kontakt: Finecut, Seoul, 

www.finecut.co.kr 

27 

FR 23.6. 19:15 


In Anwesenheit von Kim Ki-duk 

SA 24.6. 10:00 

kult.kino atelier

Eine Party soll es werden. Der Sekt steht bereit, 

die Gäste, eine kleine Runde enger Freunde, finden 

sich zusammen: Ein Hoch auf Janet, die zur Gesundheitsministerin 

des Schattenkabinetts der Oppositionspartei 

ernannt worden ist! Dann aber lässt Janets 

Mann eine Bombe platzen und die Laune ist beim 

Teufel. Sie war ohnehin zuvor schon nicht die beste, 

Spannungen lagen in der Luft, Untertöne waren zu 

vernehmen und in den Blicken liess sich manches 

lesen. Missgunst? Misstrauen? Missstimmung? Auf 

jeden Fall! Und noch viel mehr! Was beginnt wie ein 

bissiges Boulevardstück, hat sich mir nichts, dir nichts 

in eine beissende Tragikomödie gewandelt, wobei die 

tonalen Wechsel zwischen Dur und Moll, zwischen 

Satire, Ironie, Sarkasmus und Zynismus unvorhersehbar 

bleiben und daher immer überraschend sind. 

Mit The Party inszeniert die renommierte englische 

Filmemacherin Sally Potter nach eigenem Drehbuch 

meisterlich ein Kammerspiel in Schwarzweiss, das 

von seinen scharfzüngigen Dialogen lebt sowie von 

einer hochkarätigen Besetzung – darunter ein Koksentfesselter 

Cillian Murphy und eine beängstigend 

treffsichere Patricia Clarkson , die damit Kämpfe ausfechtet: 

den alltäglichen zwischen Mann und Frau und 

den politischen zwischen Pragmatik und Idealismus. 

Ein böses Vergnügen. (as) 

. The Party 

. Grossbritannien 2017 

. 71 Min. sw. DCP. E/d 

. Regie, Buch: Sally Potter 

. Kamera: Alexey Rodionov 

. Musik: Junicri Matsumoto 

. Mit Patricia Clarkson, Bruno 

Ganz, Cherry Jones, Kristin 

Scott Thomas, Timothy Spall 

. Produzenten: Christopher 

Sheppard, Kurban Kassam 

. Kontakt: Filmcoopi AG, Zürich, 

www.filmcoopi.ch 

29 

SA 24.6. 21:30 


In Anwesenheit von Bruno Ganz 

SO 25.6. 12:30 


THE PARTY

Wie beschreibt man am besten einen Film, über 

den weniger zu wissen am Ende mehr ist? The Untamed 

ist so ein wundersamer Fall, bei dem jeder 

Versuch einer genaueren Wiedergabe scheitern muss. 

Dabei beginnt alles noch relativ harmlos: Alejandra 

lebt unglücklich mit ihrem Ehemann Angel und den 

gemeinsamen zwei Söhnen in der öden mexikanischen 

Provinz Guanajuato. Er kann sie im Bett nicht 

befriedigen und sucht für sich selbst seine sexuelle Erleichterung 

lieber bei ihrem schwulen Bruder Fabien. 

Doch die Dinge scheinen erst dann wirklich aus dem 

Ruder zu laufen, als eine junge Frau namens Veronika 

in der Stadt auftaucht, die Fabien eine völlig neue 

lustvolle Erfahrung verspricht. Der junge Mexikaner 

Amat Escalante machte zuletzt 2013 mit seinem von 

atemberaubender Gewalt durchzogenen Film Heli international 

auf sich aufmerksam. In The Untamed lässt 

er diesmal Sozialdrama und Fantasy so eindrücklich 

und nahtlos ineinander übergehen, dass man Mühe hat, 

sich dem Sog seines verstörenden, mitunter surreal 

anmutenden Schauspiels zu entziehen. Kühn, reuelos 

und mit einem Gespür für subtilen Humor, beweist 

sich Escalante einmal mehr als unkonventioneller Regisseur, 

der sein Publikum gleichermassen zu fordern 

und zu unterhalten versteht. (pj) 

. The Untamed (La región salvaje) 

. Mexiko, Dänemark, Frankreich, 

Deutschland, Schweiz 2016 

. 100 Min. Farbe. DCP. Esp/e 

. Regie, Buch: Amat Escalante 

. Kamera: Manuel Alberto Claro 

. Schnitt: Fernando De La Peza 

. Mit Ruth Ramos, Simone Bucio, 

Jesús Meza, Edén Vilavivencio 

. Produzenten: Jamal Zeinal Zade, 

Jim Stark, Dan Wechsler 

. Kontakt: Bord Cadre, Genf, 

www.bordcadrefilms.com 

31 

DO 22.6. 17:00 


SA 24.6. 14:00 


THE UNTAMED

Sein 54. Lebensjahr hindurch wollte Michael Glawogger 

einmal die Erde umkreisen, dabei ein Werk 

schaffen – von dem er nicht wusste, wie es aussehen 

würde. Anders als seine früheren, weltumspannenden 

Dokumentarfilme Megacities (1997), Workingman’s 

Death (2005) und Whores’ Glory (2011) sollte dieser 

kein Thema verfolgen. Themen lassen einen immer 

nur das sehen und hören, was man brauchen kann – 

so geht dem Kino unendlich viel verloren. Mit dem 

Projekt Untitled wollte er sich den Kontinenten und 

Völkern ausliefern, ein Werk aus dem Gefühl des Augenblicks 

heraus schaffen. Nach rund einem Drittel 

des Weges, am Ende des ersten Hauptreisestücks, 

Afrika, verstarb Michael Glawogger an den Folgen 

einer Malariainfektion. Der einzige Mensch, der aus 

den bis dahin aufgenommenen Bildern und Tönen 

etwas in seinem Sinne Erregend-Bestürzend-Geistvoll-Würdiges 

würde schaffen können, war seine 

langjährige Schnittmeisterin und Vertraute Monika 

Willi. Mit Bildern u.a. kriegsversehrter Geisterstädte, 

stolzer Ringer, Diamantensucher, paarungswilder 

Esel und staubdurchtoster Müllhalden gestaltete sie 

ein Stück Lebens-Erfahrung – ein Film, der einen 

berührt, durchdringt, verwirrt, berauscht, bereichert. 

(om) 

. Untitled (ausser Konkurrenz) 

. Österreich, Deutschland 2017 


. Regie: Michael Glawogger, Monika 

Willi 

. Buch: Michael GIawogger, Attila Boa, 

Monika Willi 

. Kamera: Attila Boa 

. Schnitt: Monika Willi 

. Musik: Wolfgang Mitterer 

. Produzenten: Tommy Pridnig, 

Peter Wirthensohn 

. Kontakt: Autlook Films, Wien, 

www.autlookfilms.com 

33 

SA 24.6. 

19:00 


In Anwesenheit von Monika Willi 

UNTITLED

PAST AND 

PASSION 

Er wird am 10. November 1945 in Kensington, 

einem Innenstadtbezirk von Liverpool, geboren. Also 

im Nordwesten Englands, wo die Landschaft etwas 

weniger lieblich ist und die Bedingungen härter. Der 

Zweite Weltkrieg ist eben erst zu Ende gegangen 

und sein Schrecken noch allerorten spürbar. Terence 

Daviesʼ vielköpfige Familie gehört der Arbeiterklasse 

an: Er wächst in ärmlichen Verhältnissen mit zehn 

Geschwistern auf. Der Vater regiert seine Sippe mit 

harter Hand, die oftmals zuschlägt. Der kleine Junge 

wird sich später als «devout catholic» bezeichnen, als 

tiefreligiös. Man könnte auch sagen: verbittert. Er habe 

gebetet «until my knees bled», bis seine Knie bluteten 

– und sei doch abgewiesen worden. Da hatte Terence 

bereits, in Teenagerjahren, seine Homosexualität entdeckt, 

und zwar nicht als einen leicht gangbaren Weg, 

sein sexuelles Wesen auszubilden, sondern als etwas 

Untersagtes und Unsagbares, eine schwere Sünde, die 

den Heranwachsenden in Gewissensnöte brachte und 

an den Rand der Verzweiflung. Die Glaubenskrise 

führte schliesslich unvermeidlich zu Daviesʼ Abkehr 

vom Katholizismus, was nicht gleichbedeutend gedacht 

werden sollte mit einer Befreiung. 

Mehrfach gibt Davies, der mit seiner sexuellen Orientierung 

offen umgeht, in Interviews zu Protokoll, es 

sei ihm schwergefallen, sich als schwul zu akzeptieren 

(«I don't like being gay. It has ruined my life»). Zugleich 

ist er sich völlig darüber im Klaren, dass die Filme, die 

er im Lauf seines Lebens geschaffen hat – es ist ein 

schmales Œ uvre: elf Filme in 40 Jahren – ohne diese 

schmerzliche Auseinandersetzung in ihrer vorliegenden 

Form nicht denkbar gewesen wären. Gleichsam 

34 

lebt in Daviesʼ überschaubarem Werk eine unverkennbare 

Sensibilität. Ihre Aussagekraft schöpft sie aus dem 

instinktiven Verständnis, das der Autor / Regisseur für 

den Kampf eines Aussenseiterindividuums mit einer 

restriktiven, ablehnenden Gesellschaft aufbringt. Ein 

tiefes Mitgefühl für vergebliche Hoffnungen, allzu 

gewagte Entschlüsse, bittere Enttäuschungen, das 

Wiederaufstehen und das Weitermachen. Weil auch 

Davies keiner ist, der so schnell aufgibt, wenn überhaupt. 

Seine Schulausbildung an katholischen Instituten, 

die die Prügelstrafe anwenden und in denen er von 

Mitschülern drangsaliert wird, endet, als er sechzehn 

wird. Es folgen zwölf lange, gehasste Jahre der Arbeit 

als Buchhalter. «Nebenher» schreibt Davies unter anderem 

Kurzgeschichten fürs Radio und Dramolette, 

spielt Laientheater und führt Regie. 1973 endlich bricht 

er auf, er verlässt Liverpool und geht zunächst an die 

Coventry Drama School und danach an die National 

Television and Film School in Buckinghamshire. 

In den Jahren 1974 bis 1983 erwachsen jene drei 

mittellangen Filme, aus denen sich The Terence Davies 

Trilogy zusammensetzt: Children (1974–76), Madonna 

and Child (1980) und Death and Transfiguration (1980– 

83) sind stark autobiografisch geprägte Vignetten in 

Schwarzweiss, die Erfahrungen und Eindrücke aus 

dem Leben von Daviesʼ fiktivem Alter Ego Robert 

Tucker versammeln. Dabei dient die Chronologie der 

Ereignisse lediglich als Anknüpfungspunkt für Bildgeflechte, 

deren eigentlicher Gegenstand weniger erzählerischer 

denn emotionaler Natur ist. Soll heissen, 

dass die Handlung der einzelnen Szenen gegenüber 

dem jeweils vermittelten Gefühlsgehalt zurücktritt. 

Ein Beispiel aus Madonna and Child: Während Tucker 

in der Kirche betet, die Kamera gemächlich durchs Kirchenschiff 

gleitet und ein Choral ertönt, verhandelt er 

zugleich im Off telefonisch mit einem Tätowierer über 

die Möglichkeit, sich den Hodensack tätowieren zu 

35 

TERENCE DAVIES

lassen. In dieser grossartig verdichteten Montage des 

Disparaten liegt das ganze Leid der Daseinserfahrung 

des Homosexuellen, dessen Sehnsucht und Begehren 

auf die Ablehnung und die Kriminalisierung seitens 

der gesellschaftlich normierenden Instanzen trifft. 

(Bis 1967 standen Sexualkontakte zwischen gleichgeschlechtlichen 

Partnern in England und Wales unter 

Strafe.) Das der Szene Inhärente, Blasphemische des 

Zusammentreffens von Religiosität und vermittelter 

quasi(homo)sexueller Handlung wird dabei transzendiert 

im den beiden Motiven gemeinsamen Bild des 

gequälten Opfers: Christus am Kreuz und Tucker am 

Telefon. Sage keiner, Davies wäre nicht selbstbewusst 

in der Anwendung seiner künstlerischen Mittel. 

Davies schöpft Stärke aus sich selbst. Er hat seine 

bescheidene Herkunft hinter sich gelassen und einen 

Umgang mit Gewalterfahrung und Schuldkomplex 

gefunden. Ebenso findet er auch zu seiner ganz eigenen 

und eigenwilligen Filmsprache. Eine Sprache 

wiederum, die aus den Prägungen desjenigen, der sie 

für sich erfindet, kein Hehl macht. Auch für das Publikum 

gilt, dies in seiner ganzen Tragweite zu begreifen: 

Ohne die schmerzliche Last seiner Erinnerungen 

gäbe es Terence Daviesʼ Filme nicht. Und damit sind 

eben nicht nur die autobiografisch geprägten Werke 

gemeint, die am Beginn seiner Laufbahn stehen. 

Neben der Trilogie sind dies Distant Voices, Still 

Lives (1988) und The Long Day Closes (1992). Distant 

Voices, Still Lives ist eine wilde Kombination aus Gesang 

und Gewalt, mittels derer ein familiäres Soziotop 

porträtiert wird, das Daviesʼ Herkunftswelt ebenso 

umreisst, wie es einen historisch gewordenen Gesellschaftszustand 

nachzeichnet, inklusive der Lieder, die 

damals gesungen und der Drinks, die dazu gehoben 

wurden. Und obwohl es allerorten lebhaft zugeht, 

herrschen doch, tief in den Bildern, die spezifisch 

Davies’sche Ruhe und Genauigkeit. Nie hat es die 

Kamera eilig, nie ist ihr Blick ein flüchtiger, vor allem 

36 

aber ist dieser Blick nie grausam. Nüchtern registrierend, 

das ja, nicht jedoch denunzierend. The Long Day 

Closes führt das die eigenen Existenzbedingungen 

reflektierende Unterfangen bis in die Mitte der Fünfzigerjahre 

fort und konzentriert sich dabei auf den 

elfjährigen Bud, dessen Begeisterung fürs Kino, seine 

Gläubigkeit und deren erste Erschütterung, das Leben 

der inzwischen vom Vaterterror befreiten Familie. 

Die mittlerweile aufmerksam gewordene Kritik 

bescheinigt Terence Davies eine einzigartige Handschrift 

und eigenständige Ästhetik, an der besonders 

der Umgang mit Zeit und Erinnerung hervorzuheben 

sei. Dass Erinnerung nicht linear ist, weiss zwar jeder, 

wie sich allerdings dieser Umstand – und damit der 

Vorgang des Erinnerns und nicht zuletzt ein Zustand 

des Bewusstseins – filmisch darstellen lässt, ohne ins 

Unverständliche abzustürzen, dazu bedarf es des Talents, 

der Kreativität und, nicht zuletzt, künstlerischen 

Muts. 

Daviesʼ Montage orientiert sich am Sinfonischen, 

an musikalischen Prinzipien eher denn an der vermeintlichen 

Stringenz einer immer nur im Nachhinein 

erkannten Chronologie. Dabei ist jeder einzelne 

der Mosaiksteine, aus denen das Gesamtbild sich 

schliesslich zusammensetzt, gleich viel wert. Insofern 

es Erinnerung repräsentiert, mithin das, was einem 

vom eigenen Leben bleibt, wird jedes Fragment wie 

ein kostbares Gut behandelt und kinematografisch mit 

Flügen, Fahrten, Schwenks und Zooms eindrucksvoll 

in Szene gesetzt sowie von eklektischer Musikauswahl 

und wohlbedachten intellektuellen Referenzen 

begleitet. Daviesʼ langsam-elliptischer Erzählstil mag 

manche herausfordern, sein bildgewaltiger, poetischer 

Inszenierungsansatz aber fasziniert, nicht zuletzt 

aufgrund seiner Kompromisslosigkeit. 

In den autobiografischen Werken bricht Davies 

mit den sozialrealistischen Darstellungskonventio- 

37 

TERENCE DAVIES

nen des britischen Kitchensink-Films, in seinen nun 

folgenden Literaturadaptionen wirft er die Klischees 

des Kostümdramas Jane-Austen’scher Provenienz über 

Bord. Mit The Neon Bible (1995) bewegt sich Davies 

zwar auf thematisch vertrautem Terrain (wieder arbeitet 

er sich an der Geschichte eines Heranwachsens 

ab, angesiedelt diesmal im US-amerikanischen Süden 

der Vierzigerjahre), erstmals aber adaptiert er einen 

fremden Stoff (John Kennedy Tooles 1989 posthum 

veröffentlichten, gleichnamigen Roman). Während 

The Neon Bible vergleichsweise wenig Anerkennung 

beschieden war, gelang Davies danach mit dem vielfach 

preisgekrönten The House of Mirth (2000) – in dem 

X-Files-Star Gillian Anderson eindrucksvoll demonstriert, 

dass sie auch noch ganz anders kann – ein veritabler 

kommerzieller Erfolg. Doch wieder vergehen 

viele Jahre bis zu Daviesʼ nächstem Film: The Deep 

Blue Sea (2011) basiert auf einem 1952 uraufgeführten 

Theaterstück von Terence Rattigan und bietet mit Rachel 

Weisz und Tom Hiddleston Starpotenzial in den 

zentralen Rollen zweier leidenschaftlich und kopflos 

gegen die Konventionen der englischen Klassengesellschaft 

An-Liebender. Zwischen The House of Mirth 

und The Deep Blue Sea arbeitet Davies an Sunset Song, 

den er schliesslich 2015 realisieren kann. Ausserdem 

entsteht 2008 seine bislang einzige dokumentarische 

Arbeit, der Liverpool gewidmete Filmessay Of Time 

and the City, ein Abgesang voll Trauer, Wut und Liebe. 

Daviesʼ bislang letzte Arbeit – A Quiet Passion 

(2016) wird im Rahmen des Bildrausch-Wettbewerbs 

gezeigt – stellt erneut einen Aufbruch dar. Diesmal 

basiert Daviesʼ Drehbuch nicht auf einer literarischen 

Vorlage, sondern auf dem Leben einer Literatin: der 

US-amerikanischen Dichterin Emily Dickinson, die 

ihr Leben (1830–1886) welt- und gesellschaftsabgewandt 

in Amherst, Massachusetts, zubrachte und der 

die ihr zustehende Anerkennung zu Lebzeiten nicht 

zuteilwurde. 

38 

Vielleicht eine Seelenverwandte? In jedem Fall eine 

wundervolle Gelegenheit für Terence Davies, einmal 

mehr eine Figur der Vergangenheit zum Subjekt ihrer 

eigenen Geschichte werden und direkt zu uns sprechen 

zu lassen. Und einmal mehr wird Erinnerung 

höchst gegenwärtig. 

Alexandra Seitz 

A Quiet Passion läuft im internationalen Wettbewerb, 

siehe dazu S. 8 / 9. 

Terence Davies 

39 

TERENCE DAVIES

Ein Triptychon, bestehend aus drei mittellangen 

Frühwerken in Schwarzweiss: Children (1976), Madonna 

and Child (1980) und Death and Transfiguration 

(1983) geben Einblicke in das Leben eines Jungen, eines 

Erwachsenen, eines Greises namens Robert Tucker, in 

die Davies autobiografische Motive einfliessen lässt. 

Zunächst ist da der tiefgläubige Bub, der an der restriktiven 

katholischen Schule von seinen Mitschülern 

drangsaliert wird und zu Hause mit seinen Sorgen und 

irritierenden Gefühlen allein bleibt. Dann der ledige, 

einsam sich nach Männern sehnende Mann, der noch 

immer bei seiner Mutter lebt, die um die Homosexualität 

ihres Sohnes zu wissen scheint und die doch 

keine lindernden Worte findet für ihn. Und schliesslich 

der Alte, der im Sterben liegt, der die Mutter längst 

schon begraben hat und der kein Glück gefunden 

hat in seinem Leben. Indem elegante Montagen die 

(auto-)biografische Chronologie wiederholt auflösen, 

greifen die kargen, dichten Filme der Terence Davies 

Trilogy ineinander und verweben sich atmosphärisch 

schliesslich zu einer monumentalen Anklage von 

Verdrängung und Unterdrückung. Die doch auch 

Schönheit und Hoffnung kennt, und den Trost der 

betörenden Stimme von Doris Day, die zärtlich «It 

all depends on you» intoniert. (as) 

. The Terence Davies Trilogy 

. Grossbritannien 1976-1983 

. 101 Min. sw. DCP. E/d 


. Kamera: William Diver 

. Schnitt: Mick Audsley, 

William Driver, Sarah Ellis, 

Digby Rumsey 

. Mit Philip Mawdsley, Nich Stringer, 

Valerie Lilley 

. Produzenten: Claire Barwell, 

Geoffrey Evans, Mike Maloney, 

Peter Shannon 

. Kontakt: British Film Institute (BFI), 

London, www.bfi.org 

41 

DO 22.6. 

18:45 



THE TERENCE DAVIES TRILOGY

Böse Menschen haben keine Lieder, heisst es. 

Darüber könnte man nun ein wenig ins Grübeln 

geraten, angesichts des Personals, das in diesem Film 

unablässig in Gesang ausbricht. Wenn es nicht gerade 

übereinander herzieht, sich gegenseitig beschimpft 

oder gar handgreiflich wird – das sind dann meist die 

Männer, die ihre Frauen schlagen oder ihre Kinder. In 

seinem autobiografisch inspirierten Langfilmdebüt 

Distant Voices, Still Lives charakterisiert Davies eine 

bestimmte soziale Schicht an einem bestimmten Ort 

zu einer bestimmten Zeit: in tableauhaft arrangierten 

Vignetten erzählt er aus dem Leben einer Familie der 

Arbeiterklasse im Liverpool der Vierziger- und frühen 

Fünfzigerjahre. Und er macht dies mit derart stilisierendem, 

ja, abstrahierendem Gestus, dass aus dem 

soziologisch Spezifischen schliesslich das Allgemeinmenschliche 

hervortreten kann. Es ist, als würden 

sich in den Liedern die Träume und die Sehnsüchte, 

das warmherzige Gefühl und die Freundlichkeit ausdrücken, 

während die Sprache der Konfrontation 

mit der meist harschen Realität vorbehalten ist. Verständigung 

und Verständnis finden denn auch eher 

im Gesang statt, während der stumme Blick von der 

Mühsal des Alltags kündet. (as) 

. Distant Voices, Still Lives 

. Grossbritannien 1988 

. 85 Min. Farbe. 35mm. E/df 


. Kamera: William Driver, 

Patrick Duval 

. Schnitt: William Driver 

. Mit Fred Dowie, Pete Postlethwaite, 

Dean Willliams, Angela Walsh 

. Produzenten: Jennifer Howarth, 

Colin MacCabe 

. Kontakt: Kinemathek 

Le Bon Film, Basel 

43 

SA 24.6. 

14:45 



DISTANT VOICES, STILL LIVES

Das Kartenspielen wird ihr zum Verhängnis. Und 

ihre Naivität. Ihr Hang zum Romantischen. Und 

freilich auch der Stolz. Im Grunde ist Lily Bart weder 

emotional noch intellektuell gut genug gerüstet für 

das spiegelglatte, gesellschaftliche Parkett, auf dem sie 

sich bewegt. Die New Yorker High Society der Belle 

Époque verzeiht keine Fehler, erst recht nicht, wenn 

sie von alleinstehenden Ladies begangen werden, die, 

anstatt zu heiraten, mit Junggesellen flirten und an 

der Börse spekulieren. Unaufhaltsam also vollzieht 

sich Miss Barts Abwärtsbewegung, wird aus einer 

guten Partie eine Geächtete, die wiederum ihren 

Fall in Ungnade beinahe ungläubig verfolgt. Dabei 

wird sie nüchtern, doch nicht kalt beobachtet von 

Davies, der mit The House of Mirth den gleichnamigen, 

1905 veröffentlichten Roman der US-amerikanischen 

Schriftstellerin Edith Wharton adaptiert. Wie Wharton 

blickt auch Davies durch ein Mikroskop auf die 

Feinmechanik der Konventionen und präpariert damit 

jenes Herrschaftsinstrument der Oberschicht heraus, 

dem Lily Bart in aller Unschuld zum Opfer fällt. Aus 

Blicken, Gesten, Worten setzt sich die Mühle zusammen, 

die stetig und gnadenlos die Seele einer Frau 

zermalmt, die von der Freiheit sich, sekundenkurz, 

zu träumen erlaubte. (as) 

. The House of Mirth 

. Grossbritannien, USA, Frankreich, 

Deutschland, Belgien 2000 

. 140 Min. Farbe. 35mm. E/df 

. Regie: Terence Davies 

. Buch: Terence Davies, Edith Wharton 

. Kamera: Remi Adefarasin 

. Schnitt: Michael Parker 

. Mit Gillian Anderson, Eric Stoltz, 

Dan Aykroyd, Laura Linney 

. Produzent: Olivia Stewart, Bob Last 

. Kontakt: Kinemathek Le Bon Film, 

Basel 

45 

FR 23.6. 

14:30 



THE HOUSE OF MIRTH

Bei Liverpool denken die meisten wohl an die Beatles. 

Dann fällt vielleicht dem einen oder der anderen 

noch ein, dass Liverpool vormaleinst eine der Welthauptstädte 

des Schiffsbaus war, eine wohlhabende 

Hafenstadt, nein, eine bedeutende, eine strahlende 

Handelsmetropole. Längst verloren und verblichen 

ist dieser Glanz, in den Siebzigern trafen Arbeitslosigkeit 

und Kriminalität und die ganze Härte des 

Thatcherismus die Stadt und ruinierten sie – fast. 2008 

trug Liverpool dann schon wieder den Ehrentitel 

«Kulturhauptstadt Europas», und um das zu feiern, 

wünschte sie sich ein Porträt von ihrem berühmtesten 

Filmemachersohn. Freilich erfüllte Terence Davies 

die Erwartungen auf seine höchst eigenwillige Weise 

– nicht. Sein essayistisches Porträt – prallvoll mit 

Material und kulturellen Referenzen – umgreift die 

Heimatstadt zärtlich und liebevoll – und wischt ihr die 

Schminke weg. Davies zeigt Liverpools vergangenes 

Elend, seine architektonische Hässlichkeit, die Armut 

seines Proletariats, er verzichtet auf die gloriosen 

Zeiten, er erzählt von der Stadt, in der er aufwuchs, 

und vom Wie. Und in seinem selbst gesprochenen, 

dramatisch intonierten Voiceover hört man Schmerz 

und Liebe zu gleichen Teilen. (as) 

. Of Time and the City 


. 72 Min. Farbe. DCP. E 


. Kamera: Tim Pollard 

. Schnitt: Liza Ryan-Carter 

. Musik: Ian Neil 

. Mit Terence Davies 

. Produzenten: Sol Papadopoulos, 

Roy Boulter 

. Kontakt: The Festival Agency, Paris. 

www.thefestivalagency.com 

47 

SA 24.6. 

12:20 



OF TIME AND THE CITY

Eigentlich hatte sie Lehrerin werden wollen, das 

Leben entschied dann aber anders. Vielmehr geschieht 

es eben einfach, dass Chris Guthrie, deren Heranwachsen 

zu einer eigenverantwortlichen Frau in Sunset Song 

erzählt wird, nicht nach Aberdeen geht. Stattdessen 

bleibt sie in Kinraddie, übernimmt den dort gelegenen, 

elterlichen Hof und bewirtschaftet ihn weiter. Freilich 

an der Seite eines Mannes, Ewan, der stark und gut und 

fleissig ist, aber kein Krieger. Und der Erste Weltkrieg 

zieht herauf und wirft seinen Schatten auch auf den 

Nordosten Schottlands und verdunkelt das Leben 

einer einfachen und bescheiden glücklichen Familie. 

Die Finanzierung des Projektes gestaltete sich zwar 

schwierig, schliesslich aber gelang es Davies doch, mit 

Sunset Song den 1932 erschienenen, ersten Teil von 

Lewis Grassic Gibbons Romantrilogie «A Scots Quair» 

zu adaptieren. Gedreht wurde neben Schottland auch 

in Neuseeland, das einige spektakuläre Landschaftspanoramen 

beisteuert. In die hinein nun Davies die 

vertrauten historischen Innenräume öffnet. Denn aus 

dem Aussen, aus der Natur schöpft die Protagonistin 

ihre Kraft, und Davies eignet sich ihre Perspektive 

ohne Sentimentalität oder Zynismus an. Es geschieht 

eben einfach. (as) 

. Sunset Song 


. 135 Min. Farbe. DCP. E/e 

. Regie: Terence Davies 

. Buch: Lewis Grasig Gibbon, 

Terence Davies 

. Kamera: Michael McDonough 

. Schnitt: David Charap 

. Musik: Gast Waltzing 

. Mit Agyness Deyn, Peter Mullan, 

Kevin Guthrie, Mark Bonnar 

. Produzenten: Sol Papadopoulus, 

Roy Boulter 

. Kontakt: Hurricane Films, Liverpool, 

www.hurricanefilms.net 

49 

SO 25.6. 

14:00 



SUNSET SONG

FRAGILER PUNK 

Ein Unglück kommt selten allein. Nirgends scheint 

diese schmerzhafte Lebensweisheit so wahr zu sein 

wie in den Filmen von Teresa Villaverde. Aus der 

Anhäufung verhängnisvoller Ereignisse entwickeln 

ihre Geschichten eine dramatische Dringlichkeit, 

wie man sie dieser Tage nur selten auf der Leinwand 

erleben kann. Störrisch, zart, entschieden und konsequent 

verweigert sie sich den falschen Bildern und 

geschönten Erzählungen des Kinos wie des Lebens 

überhaupt. Ihr unermüdliches Interesse für das, was 

die Gesellschaft ins Abseits drängt, hat die portugiesische 

Regisseurin seit ihrem Debütfilm Alex (1991) 

stets dazu geführt, sich in ihren Arbeiten, Figuren und 

Schicksalen verschiedenster Milieus und Herkunft 

zu widmen, Menschen am Rande des Nervenzusammenbruchs, 

von denen sie stets aufs Neue bestürzende 

Porträts zeichnet: darunter Heimkinder, die nicht 

gehorchen wollen The Mutants (1998), junge Frauen, 

die zu Sexsklavinnen degradiert werden Trance (2006), 

und immer wieder einfache Mittelstandsfamilien, die 

schleichend an den inneren und äusseren Umständen 

zu zerbrechen drohen, in denen sie sich befinden. Was 

nicht heisst, dass Villaverdes Filme hoffnungslos sind. 

Weit entfernt von simpler Sozialkritik, thematisieren 

sie akute gesellschaftliche Probleme, ohne zu werten, 

sondern reflektieren ganz unangestrengt dominante 

Sichtweisen und brechen diese dann auf. Als Mittel 

zum Zweck wird ihr dabei eine jeweils sehr eigene, 

mitunter radikale filmische Form, anhand derer sie 

ähnlich entschlossen wie ihre Figuren gegen den 

Status quo rebelliert. 

50 

Für Villaverde, möchte man meinen, ist das Kino 

ein Ort der Beunruhigung. Das wird bereits in Alex 

deutlich, in dem sie rückblickend eine Kindheit im 

Portugal der frühen Siebzigerjahre schildert. Es ist 

die Zeit vor der grossen Revolution, als das diktatorische 

Kolonialregime im fernen Afrika noch immer 

verzweifelt ein imaginäres Weltreich zu verteidigen 

suchte, während zu Hause die Missstände sowie der 

Druck auf die eigene Bevölkerung immer offensichtlicher 

wurden. Wie schwer sich das Land noch lange 

nach Beendigung der Kämpfe mit der Aufarbeitung 

des Kolonialkriegs tat, zeigt schon, dass Villaverde 

1991 noch zu den ersten Künstlern gehörte, die sich 

überhaupt an die Thematik heranwagten. Aus den 

Augen der neuen Generation blickt sie jedoch weniger 

intensiv auf die historischen Ereignisse damals zurück 

als vielmehr auf die Atmosphäre und leistet somit 

eindrucksvoll ein Stück Trauerarbeit, in dem sie, mit 

der unbefleckten Sicht einer jungen Autorin, den Untergang 

des Gewesenen reflektiert. In langen, ruhigen 

Einstellungen, in denen sich die kostbaren, sensiblen 

Bilder der Erinnerung spiegeln, folgt Villaverde ihren 

Protagonisten durch den Alltag, bis sich am Ende die 

Katastrophen förmlich überschlagen. Bis dahin bleibt 

vieles nur angedeutet, denn die Regisseurin lässt gern 

viel Raum zur eigenen Reflexion. 

Dieser spezielle Wunsch nach individueller Interpretation 

und dem Ziehen eigener Schlüsse ist der 

1966 in Lissabon geborenen Tochter des Journalisten 

Alberto Villaverde Cabral gewissermassen schon in 

die Wiege gelegt worden. Nach einem kurzen Studienaufenthalt 

in Prag als Stipendiatin der dortigen 

Filmhochschule begann sie ihre Karriere zunächst vor 

der Kamera. Als Schauspielerin war sie unter anderem 

in Hovering over the Water (1986) von João Cesar Monteiro 

in einer Nebenrolle zu sehen, bis sie schliesslich 

Assistentin von Paulo Rocha wurde und gemeinsam 

51 

TERESA VILLAVERDE

mit João Canijo und José Álvaro Morais Drehbücher 

schrieb. Diese autodidaktische Herangehensweise an 

das Filmhandwerk zog sie einer vermeintlich trockeneren 

Hochschulausbildung vor – eine Entscheidung, 

die sich im Nachhinein als ein Glückfall für das Kino 

erwies, und zwar nicht nur das portugiesische. Seit 

Jahren laufen ihre Filme auf den grossen internationalen 

Filmfestspielen dieser Welt und sorgen dort 

angesichts ihrer bildstarken, unkonventionellen Erzählweise 

nicht nur regelmässig für Aufsehen, sondern 

immer wieder auch für rege Diskussionen. Umso mehr 

verwundert es, dass die engagierte Regisseurin über 

die Festivalgrenzen hinaus bis heute noch immer als 

Geheimtipp gilt. 

Das dürfte zum einen an der zurückhaltenden Art 

Villaverdes selbst liegen, die sich am liebsten auf ihre 

Arbeit konzentriert, zudem selten Interviews gibt 

und stattdessen ihre Kunst für sich sprechen lässt. 

Zum anderen sind auch ihre Filme stets einem eher 

zarten, unaufdringlichen Blick verhaftet, der geschult 

am portugiesischen Novo Cinema der sechziger und 

siebziger Jahre, im Grenzbereich zwischen Gestern 

und Morgen nach neuen Antworten sucht. So wie in 

Colo , dem jüngsten Film im wundersamen Œ uvre 

Villaverdes, der im Vergleich zu ihren früheren Arbeiten 

auf den ersten Blick (und nur auf den ersten) ein 

wenig sanfter wirkt, geschlossener – und sachlicher. 

Doch auch in augenscheinlich geordneten Bahnen ist 

die leise Beobachterin ganz in ihrem Element, erzählt 

in überlegten, tableau-artigen Bildkompositionen und 

langen Kamerafahrten, wie eine mittelständische Familie 

aus Vater, Mutter und 17-jähriger Tochter unter 

den Folgen der Wirtschaftskrise zu kapitulieren droht. 

Gemeinsam suchen sie jeder für sich einen Weg aus 

der Verstrickung, die ihnen allmählich die Luft zum 

Atmen nimmt. Am Ende ist nichts wahrscheinlich, 

52 

aber möglich schon. Und auch da ist sie wieder, die 

Freiheit, die die Regisseurin ihren Protagonisten und 

ihrem Publikum eingesteht, damals wie heute. 

Wichtig für das Gelingen des schwierigen Balanceaktes 

zwischen kühler Beobachtung und poetischer 

Imagination, den Villaverde in ihren waghalsigen Inszenierungen 

immer wieder eingeht, sind vor allem die 

Darsteller, die ihre gescheiterten, gequälten oder vom 

Verfall begriffenen Figuren verkörpern. Zwei Schauspielerinnen 

fallen dabei besonders ins Auge: Maria 

de Medeiros und Ana Moreira, die beide wiederholt 

in Villaverdes Filmografie zum Vorschein kommen. 

Ist Medeiros in Alex noch in einer Nebenrolle als 

sprunghaftes Liebchen zu sehen, kann man ihr ganzes 

schauspielerisches Können bereits in dem Nachfolger 

Two Brothers, My Sister bewundern. In dem düsterverqueren 

Familiendrama spielt sie die unter den 

misslichen Familienverhältnissen leidende Schwester 

in einem von Männern dominierten Haushalt, dessen 

ungerechtes Gleichgewicht gänzlich kippt, als ihre 

vom blinden Vater gepeinigte Mutter in einem letzten 

Kraftakt begeht. Medeiros gibt ihrer Figur hier alles, 

was sie kurz zuvor in ihrer glorreichen Nebenrolle 

als die süsse Fabienne in Pulp Fiction verschwiegen 

hatte. Oft sprachlos, mit furchterfülltem Blick und 

feinsinnigsten Gesten schwebt sie permanent über 

dem Abgrund, siegessicher wie ein gefallener Engel, 

der verzweifelt nach Geborgenheit sucht und zur 

Strafe in der totalen Isolation endet. 

Ganz anders dagegen begegnet uns Ana Moreiras 

trotzige Andreia, die sich mit der Einsamkeit längst 

angefreundet hat. In The Mutants verkörpert sie die 

junge Schwangere, die in Lissabon in einem Heim 

für umherstreunende und missbrauchte Teenager 

aufwächst, aus dem sie immer wieder ausbricht, um 

53 

TERESA VILLAVERDE

sich und der Welt zu beweisen, dass sie sich nicht 

unterkriegen lässt. Und auch Sonia, die junge Russin, 

der Moreira in Trance ihren Körper und Geist verleiht, 

rebelliert bis zum Schluss gegen das versklavte Dasein, 

in dem sie vor sich hin vegetiert und von dem sie längst 

weiss, dass es daraus kein Entkommen gibt. Was sie 

dennoch antreibt, ist ihr eiserner Wille, sich trotz allen 

Elends noch einen Funken der eigenen Identität zu 

bewahren, wie als Beweis dafür, dass sie einmal Teil 

dieser Welt war und dass sie auf Erden geliebt, gelebt 

und gelitten hat. Dieses Motiv der Selbstbewahrung 

verbindet alle drei Frauen und es steht symbolisch 

für das von einer sinnlichen und zugleich intensiven 

Wucht getriebene Werk Villaverdes, in dem die Wildheit 

der Verzweiflung genauso zu Hause ist wie die 

Nüchternheit der Wahrheit. 

«Was ist Liebe?,» fragt die Kinderstimme aus dem 

Off am Ende von Two Brothers, My Sister , als der Film 

in seiner letzten Einstellung das Schicksal von Maria 

besiegelt. Die Antwort: «Liebe muss es irgendwo geben.» 

In den Filmen von Teresa Villaverde ist sie in den 

verwegensten Formen zu finden, und wer gewillt ist, 

sich gemeinsam mit der Regisseurin auf die Suche zu 

begeben, wird am Ende entsprechend belohnt. 

Pamela Jahn 

Colo läuft im internationalen Wettbewerb, siehe 

dazu S. 16 / 17. 

TERESA VILLAVERDE 

54 

Teresa Villaverde 

55

Alex hängt mehr am Leben als andere in seinem 

Alter. Die Gründe dafür sind in seiner Kindheit im 

Portugal der frühen siebziger Jahre zu suchen, von 

dessen Schatten er sich lange nicht zu befreien wusste. 

Mit zweiundzwanzig lässt er die Geschehnisse von damals 

noch einmal vor seinen Augen Revue passieren: 

von der Einberufung seines Vaters zum Kolonialkrieg 

nach Mosambik über die Zeit der Unsicherheit und 

des Wartens an der Seite seiner Mutter bis hin zu 

der Katastrophe, die die langersehnte Heimkehr des 

unfreiwilligen Frontkämpfers für die Familie mit sich 

bringt. Denn das wahre Unglück beginnt erst, als 

der Vater wieder zu Hause, aber plötzlich nicht mehr 

derselbe ist. Teresa Villaverde ist mit ihrem Debütfilm 

ein kleines Kunststück gelungen: Während Elfie 

Mikeschs feinsinnige Kamera dem selektiven, aber 

glasklaren Blick des Jungen folgt, der die Bilder seiner 

Jugend aus dem Off kommentiert, zeigt die junge Regisseurin 

nachdrücklich und in die schönsten Farben 

der Erinnerung gehüllt den Verfall einer Familie, die 

unter dem fernen Krieg genauso litt wie unter der gedrückten 

Stimmung an der Heimatfront. Das Thema 

war lange tabu in Portugal. Villaverde nähert sich 

der schwierigen Vergangenheit ihres Heimatlandes 

unprätentiös, mit Verstand und Gefühl. (pj) 

ALEX 

. Alex (A idade maior) 

. Portugal 1991 

. 126 Min. Farbe. 35mm. P/e 


. Kamera: Elfi Mikesch 

. Schnitt: Manuela Viegas, 

Vasco Pimentel 

. Mit Ricardo Colares, Teresa Roby, 

Joaquim de Almeida, Vincent Gallo 

. Produzent: Joaquim Pinto 

. Kontakt: Cinemateca Portuguesa, 

www.cinemateca.pt 

57 

MI 21.6. 

21:15 



Teresa Villaverde

Maria tut alles, um im Leben voranzukommen, 

arbeitet tagsüber in einem Eisenwarenladen und geht 

abends zur Schule – und doch tritt sie seltsam auf der 

Stelle. Als einzige Tochter kümmert sie sich aufopferungsvoll 

um den zunehmend desolaten Haushalt 

ihrer Eltern – der Vater garstig und unberechenbar, 

die Mutter depressiv und mit den unkontrollierten 

Gewaltausbrüchen ihres Mannes sichtlich überfordert. 

Als es zu einem besonders brutalen Zwischenfall 

kommt, schreiten zwar endlich auch die Brüder zur 

Tat, müssen daraufhin jedoch ihr Zuhause verlassen. 

Der Druck auf Maria wächst ins Ungeheure, als sie 

bei einem unerwiderten Annäherungsversuch ihres 

Chefs zum Messer greift. Langsam und schmerzlich 

gestaltet Teresa Villaverde den unaufhaltsamen Untergang 

dieser zunehmend erstarrenden jungen Frau, 

die einerseits ihre Schwierigkeiten damit hat, sich zu 

öffnen, und andererseits permanent um Nähe und 

Zuneigung ringt, wo längst alle Hoffnung verloren 

ist. In der Hauptrolle glänzt Maria de Medeiros, die 

ihrer Figur eine bemerkenswert rohe, sinnlich-düstere 

Intensität verleiht, die sich, getragen von Vasco Pimentels 

wunderbar elegischem Soundtrack, kühn der 

bewusst nüchternen, elegant konstruierten Inszenierung 

des Films gegenüberstellt. (pj) 

. Two Brothers, My Sister 

(Três Irmãos) 




. Kamera: Ulrich Jansen 

. Schnitt: Vasco Pimentel 

. Musik: Vasco Pimentel 

. Mit Maria de Medeiros, 

Marcello Urgeghe, 

Evgeniy Sidikhin, Laura del Sol 

. Produzent: Joaquim Pinto 



59 

DO 22.6. 

14:45 


In Anwesenheit von Teresa Villaverde 

TWO BROTHERS, MY SISTER

Sie wollen nur eins: raus! Andreia, um den Vater 

ihres ungeborenen Kindes zu suchen, Pedro und Ricardo, 

um sich Luft und nebenbei ein bisschen Geld 

zu verschaffen. Die drei gehören zu den unzähligen 

verlorenen Jugendlichen, die ihr Dasein in einer Lissabonner 

Spezialeinrichtung für schwierige oder misshandelte 

Teenager fristen, gefangen in einem Leben, 

das nicht ihres ist – ohne Rechte, ohne Liebe und ohne 

jede Hoffnung. Und so brechen sie aus, immer wieder, 

rebellieren gegen die Umstände und streunen ziellos 

durch die Nacht, die ihnen zum einzigen Freund wird. 

Ursprünglich als Dokumentarfilm geplant, begleitet 

Teresa Villaverde die Protagonisten ein Stück weit in 

die Ziellosigkeit und gibt dabei nicht nur flüchtige 

Einblicke in ihre missliche Vergangenheit preis, sondern 

schreckt vor allem vor der harschen Gegenwart 

nicht zurück, der sie vor wie hinter den Heimmauern 

ausgesetzt sind und in der es keinen Platz für romantische 

Träumereien gibt. Das Resultat ist ein kraftvoller, 

verstörender und kontroverser Film über die 

Einsamkeit, der seine leise Wucht in erster Linie aus 

der Natürlichkeit der jungen Darsteller bezieht. Die 

Premiere von The Mutants bei den Internationalen 

Filmfestspielen in Cannes 1998 machte Villaverde 

endlich auch international bekannt. (pj) 

. The Mutants (Os Mutantes) 




. Kamera: Acácio de Almeida 

. Schnitt: Andrée Davanture 

. Mit Ana Moreira, Alexandre Pinto 

. Produzenten: Jacques Bidou 



61 

FR 23.6. 

19:50 



THE MUTANTS

Stationen einer Reise: Russland, Deutschland, 

Italien. Viel genauer lassen sich die Orte kaum bestimmen, 

an die Sonia auf ihrer Suche nach einem 

besseren Leben gerät. Und am Ende könnte sie auch 

ganz woanders sein, denn Sonia lebt in einer Utopie, 

die mit jeder Station, an der sie Halt macht, qualvoller 

wird. In St. Petersburg ist die junge Mutter aufgebrochen, 

hat ihr behütetes, aber unbefriedigendes Leben 

hinter sich gelassen, um im Westen eine bessere Zukunft 

zu finden. Als sie sich mit Müh und Not nach 

Europa durchschlägt, findet sie dort zwar zunächst 

Arbeit, jedoch nur, um anschliessend umso tiefer 

ins Unglück zu stürzen. Auf einen Betrug folgt eine 

Entführung: Sonja wird zur Prostitution gezwungen 

und von einem Bordell ins nächste verschleppt. Sämtliche 

Versuche, sich ihren Peinigern zu widersetzen 

oder gar zu fliehen, enden bestenfalls mit Bestrafung 

und schlimmstenfalls mit Ortswechsel. Aber Trance 

ist ein Film, der nicht nur seiner Hauptdarstellerin 

einiges abverlangt. Teresa Villaverde begibt sich in 

ihrem vielleicht mutigsten Werk auf die schwierige 

Gratwanderung zwischen Poesie und Realismus, um 

sich ganz dem Inneren ihrer gemarterten Heldin zu 

widmen. Selten hat sich eine Reise in die Finsternis 

so sehr gelohnt. (pj) 

. Trance (Transe) 


. 126 Min. Farbe. 35mm. Russ, I, P, D/e 


. Kamera: João Ribeiro 

. Schnitt: Andrée Davanture 

. Mit Ana Moreira, Viktor Rakov, 

Robinson Stévenin 

. Produzenten: Paolo Branco, 

Leopardo Filmes 

. Kontakt: Leopardo Filmes, 

www.leopardofilmes.com 

63 

SA 24.6. 

22:00 



TRANCE

12 Jahre lang begleitet Gerald Fox den amerikanischen 

Videokünstler Bill Viola und dessen 

Frau und künstlerische Komplizin Kira Perron 

mit seiner 16mm-Kamera; 12 Jahre, in denen 

das Paar um die Konzeption und Realisierung 

der Auftragsarbeiten «Martyrs» und «Mary» 

ringt, die in der Londoner St Paul’s Cathedral 

dauerhaft installiert werden sollen. Während 

der langen Entstehungszeit des Films gelingt 

es dem britischen Regisseur Gerald Fox, essentielle 

Momente im künstlerischen Prozess 

dieses wegweisenden Videopioniers einzufangen. 

Violas Grundthemen, das Werden und 

Vergehen, Geburt, Tod und Transformation 

erhalten eine neue Dringlichkeit, als der Künstler 

während der Dreharbeiten unerwartet und 

schwer erkrankt. Der vielfach ausgezeichnete 

Filmemacher Gerald Fox (*1964) hat mehr als 50 

Filme über Künstler, Fotografen, Schriftsteller, 

Regisseure und Musiker realisiert. Zu seinen 

bekanntesten Arbeiten gehören Marc Quinn 

Making Waves (2014), Leaving Home, Coming 

Home: A Portrait of Robert Frank (2005), The 

Fundamental Gilbert and George (1997). 

Bildrausch präsentiert die Schweizer Premiere 

in Zusammenarbeit mit dem Kunstfilmfestival 

Le FIFA (Festival International du Film 

sur l’Art, www.artfifa.com) in Montreal, dem 

international grössten Filmfestival im Bereich 

Kunstfilm. (as) 

. Bill Viola: 

The Road to St. Paul’s 

. Grossbritannien 2017 

. 81 Minuten. Farbe. 

Super-16mm. E/d 

. Regie, Buch: Gerald Fox 

. Montage: John Street 

. Kamera: Steve Haskett, 

Simon Fanthorpe 

. Produktion: Foxy Films 

. Kontakt: Foxy Films, 

London, 

geraldmfox@aol.com 

65 

SO 25.6. 

10:00 



Gerald Fox 

BILL VIOLA: 

THE ROAD TO ST. PAUL’S

Bill Violas Bestreben, Träume, Erfahrungen und 

das Unbewusste in ästhetische Bild- und Klangwelten 

zu übersetzen, zieht sich wie ein roter Faden durch 

sein Werk. Die assoziativen Erzählstränge, denen 

existenzielle Fragen zugrunde liegen, entfalten sich 

rund um die Gegensatzpaare Geburt und Tod, Realität 

und Virtualität. Für seine Arbeit schöpft Viola 

sowohl aus dem Christentum wie auch dem Zen- 

Buddhismus, den er selbst während eines Aufenthalts 

in Japan praktiziert. Seine tiefe Spiritualität verwebt 

Viola mit autobiografischen Elementen, wie etwa 

der eigenen Nahtoderfahrung durch Ertrinken, zu 

vielschichtigen Werken. Als Ergänzung zu Gerald 

Fox’ einfühlsamer Doku Bill Viola - The Road to St. 

Paul’s bietet Bildrausch mit dem Kurzfilmprogramm 

Reflections die Möglichkeit, direkt in zwei Werke 

dieses wegweisenden Videopioniers einzutauchen. In 

The Passing (1991) kontrastiert und verwebt Viola Bilder 

von Tod und Geburt mit Traumsequenzen und Erinnerungen. 

Die ruhigen Atemzüge eines schlafenden 

Mannes, Viola selbst, und die schweren seiner sterbenden 

Mutter rhythmisieren die Sequenzen. Viola 

zeigt das Leben als Übergang von Geburt zum Tod, 

als eine Fortsetzung der Generationen. Um Sterben 

und Wiedergeburt geht es auch in The Reflecting Pool 

(1977 / 78). Schon in diesem frühen Werk kommt dem 

Element Wasser eine mehrschichtige Symbolik zu: als 

Metapher für den Anfang und das Ende oder als Spiegeloberfläche, 

die die Realität als illusionär entlarvt. 

(mp) 

Mit einer Einführung von Jasmin Sumpf, wissenschaftliche 

Mitarbeiterin am Schaulager. 

67 

BILL VIOLA: REFLECTIONS

The Reflecting Pool 

. USA 1977—1979 

. 7 Min. Farbe. Ohne Dialog 

. Regie, Buch: Bill Viola 

. Kontakt: Electronic Arts Intermix, 

(EAI), New York. www.eai.org 

The Passing 

. USA 1991 

. 54 Min. Farbe. E 

. Regie, Buch: Bill Viola 

. Kontakt: Electronic Arts Intermix 

(EAI), New York. www.eai.org 

69 

SO 25.6. 

13:15 


BILL VIOLA: REFLECTIONS

Eine Mittelstandswohnung in Damaskus. Ein Tag 

wie jeder andere. Draussen herrscht Krieg. Drinnen 

herrscht die Angst. Während ihr Schwiegervater allmählich 

Hoffnung und Lebenswillen verliert, versucht 

Oum Yazan (Hiam Abbass) mit spärlichen Mitteln 

eine Art familiären Alltag aufrecht zu erhalten. Dann 

aber wird der Nachbar, der, ausgebombt, bei ihr Unterschlupf 

gefunden hat, im Hof von Scharfschützen 

niedergestreckt, das Haus wird von Bombenexplosionen 

erschüttert und finstere Gestalten verschaffen sich 

Zutritt. Nach Ruanda - The Day God Walked Away in 

dem er 2009 den Völkermord in Ruanda in den Augen 

einer Frau auf der Flucht spiegelte, ist der bei der diesjährigen 

Berlinale mit dem Panorama-Publikumspreis 

ausgezeichnete Insyriated die zweite Arbeit Philippe 

Van Leeuws. Erneut verfilmt der renommierte belgische 

Kameramann hier ein eigenes Drehbuch, und 

erneut rückt er darin die weibliche Erfahrung eines 

Kriegszustandes mit all seinen gewaltsamen und moralzersetzenden 

Auswirkungen ins Zentrum. Dabei 

verlässt das bedrängend dichte Kammerspiel - gedreht 

wurde in Beirut – kaum einmal die vier Wände, die 

zwar den familiären Schutzraum repräsentieren, doch 

vor der Katastrophe nicht schützen können. Einer 

Katastrophe, und das ist das eigentlich Schreckliche, 

die längst schon zum Alltag geworden ist. (as) 

. Insyriated 

. Belgien, Frankreich, Libanon 2017 

. 85 Min. Farbe. DCP A/e 

. Regie, Buch: Philippe Van Leeuw 

. Kamera: Virginie Surdej 

. Schnitt: Gladys Joujou 

. Musik: Jean-Luc Fafchamps 

. Mit Hiam Abbass, Diamand Abou 

Abboud, Juliette Navis 

. Produzenten: Tomas Leyers, 

Pierre Sarraf, Philippe Logie, 

Olivier Bronckart, 

Jacques Henri Bronckart 

. Kontakt: Agora Films, Genf, 

www.agorafilms.net 

71 

DO 22.6. 

19:00 



Philippe Van Leeuw 

INSYRIATED

Mr. Long ist ein Meister der Messerkunst – und 

das nicht nur im herkömmlichen Sinn. Sein besonderes 

Talent hat dem geheimnisvollen taiwanesischen 

Routinier vor allem in der zwielichtigen Unterwelt 

einen Ruf als skrupelloser Auftragskiller beschert. Als 

ein Job plötzlich doch schiefgeht und Long daraufhin 

schwer verletzt in Tokio feststeckt, besinnt sich der 

angeschlagene Profi angesichts der widrigen Umstände 

mithilfe eines kleinen Jungen schliesslich auf seine 

wahre Leidenschaft: das Kochen ... Das neue Gangsterdrama 

des unter dem Pseudonym Sabu agierenden 

japanischen Provokateurs Hiroyuki Tanaka ist ein 

Film, der mit wenigen Worten und äusserst sparsamen 

Bewegungen auskommt und trotzdem sämtliche Register 

zieht. Diverse Verstrickungen und eine Riege 

herrlich aufdringlicher Nebendarsteller machen Mr. 

Long (2017) zu einer emotionalen Achterbahnfahrt, 

nach der man am Ende auf wackligen Beinen steht. 

Inszeniert ist das Ganze wie üblich bei dem 1964 in 

Wakayama geborenen Schauspieler und Regisseur in 

präzisen, eindrücklichen Bildern und eingebettet in 

eine komplexe Erzähldramaturgie, die weder melancholische 

Momente noch brutale Gewalt scheut und 

selbst die Verkettung absurdester Ereignisse stets 

plausibel und unbedingt sehenswert macht. (pj) 

. Mr. Long 

. Japan, Taiwan, Hongkong, 

Deutschland 2017 

. 128 Min. Farbe. DCP. Jap. Man/e 

. Regie, Buch: Sabu 

. Kamera: Kochi Furuya 

. Musik: Junicri Matsumoto 

. Mit Chen Chang, Sho Aoyagi, 

Yiti Yao, Runyin Bai, Shô Aoyagi 

. Produzenten: Stephan Holl, 

Shozo Ichiyama, Koki Kageyama, 

. Kontakt: Rapid Eye Movies, 

Köln, www.rapideyemovies.de 

73 

FR 23.6. 

22:20 


MR. LONG

The Woman Who left basiert lose auf einer Kurzgeschichte 

Tolstojs: «Gott sieht die Wahrheit, aber 

er wartet» (1872). Lav Diaz Parabel auf Gnade und 

Vergebung beginnt, wo Tolstoj endet, nämlich mit 

einer Entlassung aus dem Gefängnis. Jahrzehnte 

verbrachte Horacia Somorostro in Haft für ein Verbrechen, 

das sie nicht begangen hatte. Horacia kennt 

den Schuldigen und will sich nun rächen – nur: Hat 

sie diesen Gewaltakt in sich? Und wie geht man damit 

um, wenn sich andere Menschen diesen scheinbar 

privaten Hass zu eigen machen? Ein Film auf Leben 

und Tod. Wer macht heute so etwas schon? Tolstoj 

steht, neben Dostojewski, ganz am Anfang von Lav 

Diaz’ künstlerischem Schaffen – als er noch Schriftsteller 

werden wollte, auch weil das Kino so teuer 

und damit unmöglich wirkte. Es sind denn auch die 

gestalterische Weite, Wucht, Kraft und Komplexität 

von Romanen wie Dostojewski «Die Dämonen» (1872) 

oder Tolstojs «Anna Karenina» (1878), mit denen sich 

am Besten der Atem von Werken wie Evolution of a 

Filipino Family (2004), Death in the Land of Encantos 

(2007) oder A Lullaby to the Sorrowfull Mistery (2016), 

beschwören lässt – und damit auch ihre moralische 

Macht wie spirituelle Unbedingtheit, Tiefe. (om) 

. The Woman Who Left 

(Ang babaeng humayo) 

. Philippinen 2016 

. 226 Min. sw. DCP. Fil/e 

. Regie, Buch: Lav Diaz 

. Kamera, Schnitt: Lav Diaz 

. Mit Miss Charo Santos-Concio, 

John Lloyd Cruz, Michael De Mesa, 

Shamaine Centenera-Buencamino 

. Produzent: Ronald Arguelles 



75 

SO 25.6. 

15:00 

kult.kino atelier II 

In Anwesenheit von Lav Diaz 

THE WOMAN WHO LEFT

Tony Conrad war ein Hüne, im direkten 

wie im übertragenen Sinn. Das verrät schon ein 

kurzer Blick auf das überragende künstlerische 

Werk des US-amerikanischen Avantgardisten, 

der seit den frühen Sechzigerjahren immer wieder 

entscheidende Impulse gesetzt hat. Denn 

Conrad hat nicht nur Musikgeschichte geschrieben, 

sei es gemeinsam mit dem Minimalisten 

La Monte Young, an der Seite von John Cale 

und Lou Reed oder mit seinen ganz eigenen 

experimentellen Noise-Collagen, sondern auch 

als experimenteller Filmemacher, Performanceund 

Videokünstler stellte er immer wieder 

nachdrücklich die gegebenen Paradigmen auf 

den Kopf. Der erfahrene Cutter von The Devil 

and Daniel Johnston (2005) und Kurzfilmer Tyler 

Hubby ist dem Phänomen Tony Conrad in 

seinem dokumentarischen Regiedebüt auf die 

Spur gegangen. Über 20 Jahre lang hat er den 

umtriebigen Künstler begleitet und in dieser Zeit 

eine Fülle von Material gesammelt, das einen 

bemerkenswert persönlichen Einblick in die 

Gedankenwelt und Arbeitsweise Conrads gibt 

und dabei zugleich eine Leidenschaft versprüht, 

die regelrecht ansteckend wirkt. (pj) 

. Tony Conrad: 

Completely in the Present 

. USA 2016 


. Regie, Buch: Tyler Hubby 

. Kamera: Fortunato Procopio, 

Damian Calvo 

. Schnitt: Tyler Hubby 

. Produzenten: Paul Williams, 

Christine Beebe 

. Kontakt: Burning Bridges, London, 

www.burning-bridges.com 

77 

FR 23.6. 

17:30 


In Anwesenheit von Tyler Hubby 

und Paul Williams 

TONY CONRAD: 

COMPLETELY IN THE PRESENT

79 

Zum Urknall der Minimal Music kam es 

kurz nachdem der junge Harvard-Mathematiker 

Tony Conrad (1940–2016) nach New York zog. 

Arbeiten war damals nicht sein Ziel. Viel lieber 

diskutierte er nächtelang mit dem Avantgardekünstler 

Henry Flynt über das Potenzial von 

Kunst und Musik, die Gesellschaft zu verändern. 

Nach einer Begegnung mit La Monte Young trat 

er dessen Theatre of Eternal Music (später als 

Inside the Dream Syndicate bekannt) bei, das er 

in den Jahren 1962–1967 stilprägend beeinflussen 

sollte. Zusammen mit anderen Musikern 

wie Marian Zazeela und John Cale begründeten 

sie eine neue Form von «Drone»-Musik: 

einen mäandrierenden, nur leicht modulierten, 

auf wenige Klänge reduzierten Sound. Unser 

Programm «Looking at music» spürt Conrads 

musikalische Spuren auf – etwa mit einem unveröffentlichten 

Mitschnitt eines Konzerts, das 

auf die legendäre Liveperformance im Jahr 1972 

«Ten Years Alive on the Infinite Plain» im damals 

eben gegründeten Kunst- und Performance- 

Raum «The Kitchen» in New York zurückgeht. 

Musik und (Flicker-)Film treffen hier mittels 

einer Mehrscreen-Installation performativ aufeinander. 

Conrad wollte eine Musik schaffen, 

komplett aus dem Moment heraus, ohne die 

Autorität eines Komponisten und ohne Noten. 

Seit der 1996 veröffentlichten CD-Box Early Minimalism 

knüpfte Conrad bis zu seinem Tod mit 

Drone-Konzerten an diesen Ursprung an. Wie 

er immer wieder auch lustvoll über das Wesen 

von Musik philosophierte, zeigt das Interview 

«The Nature of Sound». (bs) 

TONY CONRAD: 

LOOKING AT MUSIC

Ten Years Alive on the Infinite 

Plain 

. USA 1996 

. 40 Min. Digital HD. sw. Farbe. 

Ohne Dialog, 

. Regie: Tyler Hubby 

. Musik: Tony Conrad (Violine), 

Jim O’Rourke (Bass), 

David Grubbs (Saiteninstrument), 

Alex Gelencser (Cello) 

The Nature of Sound 

. USA 2002 

. 10 Min. Farbe. Digital HD. E 

. Regie: Tyler Hubby 

. Kontakt: Burning Bridges, London 

Straight and Narrow 

. USA 1970 

. 10 Min. sw. 16mm. Ohne Dialog. 

. Regie / Buch: Tony Conrad, 

Beverly Grant 

. Musik: John Cale, Terry Riley 

. Kontakt: Lux, London 

Unveröffentlichter Konzertmitschnitt 

der Live-Performance am Table of the 

Elements Festival, Chicago. 

«Was ist Musik?» Tony Conrad gibt 

furiose Antworten in einem unveröffentlichten 

Interview, das für den 

Dokfilm Tony Conrad: Completely in 

Present entstanden ist. 

Horizontale und vertikale Streifen 

flickern in Schwarzweiss zu Klängen 

von John Cale und Terry Riley. Die 

halluzinogene Kraft der Projektion 

lässt den Zuschauer Farben wahrnehmen. 

81 

SO 25.6. 

16:45 


TONY CONRAD: 

LOOKING AT MUSIC

Psychedelischer Trip für Nachteulen: In 

den Sechzigerjahren leistete Tony Conrad mit 

The Flicker (1965) einen wichtigen Beitrag zur 

US-amerikanischen Avantgarde. Jack Smith, für 

dessen Filme Scotch Tape (1961) und Flaming Creatures 

(1963) Conrad für den Ton verantwortlich 

zeichnete, begeisterte ihn für Film. Das rhythmische 

Pulsieren schwarzer und durchsichtiger 

Kader in The Flicker löst stroboskopische 

Lichtblitze aus, welche auf die Netzhaut des 

Zuschauers einwirken und diesen allmählich 

(imaginierte) Farben und Formen sehen lassen. 

Conrad wollte ekstatische Erfahrung schaffen 

und erhoffte sich bewusstseinserweiternde 

Effekte. Auch der New Yorker Multi-Media- 

Künstler Lary7, für den Conrad eine wichtige 

Inspirationsquelle ist, beschäftigt sich mit Wahrnehmungsprozessen 

und Trance-Zuständen. In 

seinem neuesten Werk Owl Movie (2017) geht 

er vom Stillleben einer ausgestopften Eule aus, 

das er mit zwei 16mm-Projektoren in unterschiedlichen 

Geschwindigkeiten übereinander 

projizierte und nochmals abfilmte. Dank der 

Überlagerung der beiden Bilder, der Inszenierung 

der Eule mit pulsierendem Licht und Farbe 

beginnt der Film zu atmen. Traumartiges Erlebnis 

garantiert! (bs) 

. The Flicker 

. USA, 1966 

. 30 Min. sw. 16mm 

. Regie: Tony Conrad 

. Kontakt: Lux, London 

. Owl Movie 

. USA 2017 

. 35 Min. 16mm. 

. Regie, Buch, Kamera: Lary7 

. Musik: Lary7 

. Kontakt: Lary7 

83 

FR 23.6. 

00:45 


In Anwesenheit von Lary7 

TONY CONRAD / LARY7: 

THE FLICKER MEETS OWL MOVIE

BIO-SUPER-8-WORK-SHOP 

MIT SCHMALFILM-IKONE 

DAGIE BRUNDERT 

DO 22.6 11:00-18:00 / FR 23.6. 11:00 – 18:00, 

im Bildrausch-Salon 

Sie beglückt uns seit fast 30 Jahren mit verspielten 

Super-8-Filmen, die so grandiose Titel tragen wie 23 

Barbiepuppen kippen um . Sie war Herausgeberin des Filmfestival 

Fanzines «Der Jochen». Sie ist Partikelfinderin 

und Wellenfängerin. Mit ihrer Lochbildkamera fängt sie 

die schönen, merkwürdigen Dinge dieser Welt ein und 

drückt ihnen ihren ganz Stempel auf. Dagie Brundert 

gibt seit einigen Jahren auf der ganzen Welt Super-8 

Workshops. Jetzt ist sie bei Bildrausch zu Gast und nicht 

nur in die Kunst und den Spass der Super-8-Filmerei 

einführen, sondern die Filme auch noch gleich mit den 

Teilnehmenden entwickeln. Anstatt giftiger Chemikalien 

werden Rheinwasser, Blüten, löslicher Kaffee, und 

Waschsoda verwendet. Das Ergebnis ist ein Schwarzweiss-negativ-Film, 

der von Tweaklab zum digitalen 

Positiv umgerechnet wird. Gezeigt werden die Werke der 

Kurs-Teilnehmenden zu den Beats der Abschlussparty. 

Anmeldung: super8@bildrausch-basel.ch 

84 

DER VIDEOKÜNSTLER TONY CONRAD 

VORTRAG TABEA LURK 

Do, 22.6. 17:15, Stadtkino Basel, 60 Min. E 

Seit den späten 1970er Jahren nutzte Tony Conrad 

vermehrt das Medium Video, um sich künstlerisch zu 

artikulieren. In einem videografischen Rückblick auf 

sein Schaffen zeigt Tabea Lurk (Autorin der Monografie 

«Tony Conrad: Video und darüber hinaus») wie Conrad 

in seinen Werken immer wieder selbst auftritt und 

in angeeigneten Künstlerrollen wie etwa als Musiker, 

als Moderator, Psychologe oder Hochschullehrer das 

Publikum mit sprühender Wortgewandtheit direkt 

anspricht. Zu sehen sein werden Beispiele aus den 

unterschiedlichsten Schaffensphasen: von strukturalistischen, 

filmtheoretischen Videoarbeiten der späten 

1970er-, über die narrativen 1980er-Jahre, die Rückkehr 

zur Musik in den 1990er Jahren und schliesslich die 

selbst- und gesellschaftsreflexiven Ansätze der 2000er 

Jahre. Collageartig entsteht so ein lebendiges Bild des 

vielfältigen Performance- und Videokünstlers Conrad. 

85 

TALKS, EVENTS, PODIEN

IT’S THE END OF THE WORLD 

...AS YOU CHOOSE IT! 

DO 22.6., 22:00, im Bildrausch-Salon 

Flammende Infernos, verheerende Flugzeugkatastrophen, 

vernichtende Seuchen, aber auch Abstürze 

und Entgleisungen im eigenen Haushalt oder (Liebes-) 

Leben: Was könnte es Schöneres geben, als sich ein individuelles 

Katastrophenprogramm selbst zu gestalten 

– und das reduziert auf wenige Minuten, ohne unnötige 

Dialoge und Handlung. Die Viewers-Digest-Form 

grosser Kinoerfolge wurden in 70er- und 80er-Jahren 

auf Super-8 und bis zu 150 Franken teuer für Ungeduldige 

angeboten. Bernd Brehmer, Super-8-Sammler 

und Bildrausch-Bespasser der ersten Stunde, bringt 

sie nach Basel. Im Bildrausch-Salon darf der geneigte 

Zuschauer aus seiner Wunderkiste Kurzfassungen 

bizarrer Werke des Untergangs auswählen: eine alles 

verschlingende Feuersbrunst in vierzig Minuten, die 

Welt dem Erdboden gleichgemacht in zwanzig und die 

Menschheit ausrottende Angriffe von Riesenspinnen 

in nur zehn Minuten! So schöne Katastrophen gibt es! 

86 

ATELIER FILMKRITIK 

FR 23. Juni von 9.30 bis 16.30 Uhr, 

im Bildrausch-Salon 

Wie schreibt man professionell über Film? Im 

Atelier Filmkritik werden journalistische Grundlagen 

vermittelt: Die Herangehensweise an unkonventionelle 

Werke und das Finden einer guten Balance 

zwischen persönlicher Meinung und Interpretation 

werden diskutiert und im Anschluss an das Atelier 

praktisch erprobt. Geschrieben wird über den Film 

Big Big World von Reha Erdem, der im Wettbewerb 

gezeigt wird. Die beste Besprechung wird mit der 

Veröffentlichung auf der Website von «Filmbulletin», 

einem Jahresabo der Filmzeitschrift und einem 

Bildrausch-Festivalpass 2018 belohnt. Der Kurs wird 

durch die Chefredaktorin von «Filmbulletin» Tereza 

Fischer geleitet. Unkostenbeitrag CHF 20. Anmeldung 

mit kurzer Angabe zu Person und Motivation: anmeldung@bildrausch-basel.ch. 

87 


PODIUM: INSYRIATED – 

KRIEG ERZÄHLEN 

FR 23.6.18:00, im Bildrausch-Salon 

Gibt es eine adäquate Form der Erzählung wenn 

es um die Erfahrungen von Krieg geht? Inwiefern 

ähneln sich die im Spiel-, im Dokumentarfilm und der 

Reportage angewandten dramaturgischen Mittel um 

Spannung und Emotionen zu erzeugen? Ist es ethisch 

vertretbar mit dem Schicksal einer traumatisierten 

Bevölkerung zu unterhalten? In einem Podiumsgespräch 

setzen sich Philippe van Leeuw, Regisseur von 

Insyriated, der syrische Filmemacher Ossama Mohammed 

(Silvered Water, Syria Self-Portrait 2014) und die 

Journalistin Noëmi Landolt, die über ihre Erlebnisse 

auf dem Flüchtlings-Rettungsschiff Sea-Watch 2 einen 

Blog führte, mit der Frage auseinander, wie und warum 

im Kino und in Reportagen über Krisen, Krieg und 

Terror berichtet wird. Moderiert wird das Gespräch 

über Chancen, Grenzen und Verantwortung von Jean 

Perret, Leiter Cinéma du réel, HEAD Genf. 

(Für Silvered Water bietet Bildrausch einen Streaminglkink 

an – siehe Webseite) 

In Kooperation mit Balimage 

88 

FILMKARAOKE 

«YOU TALKIN' TO ME?» – 

«HERE'S LOOKING AT YOU, KID!» 

FR 23. JUNI 2017, ab 22:30 Uhr, auf dem 

Theaterplatz, bei schlechtem Wetter im Foyer 

des Theater Basel. Eintritt frei. 

Sie wollten schon immer mal in die Haut Ihres Lieblingsfilmhelden 

schlüpfen? Jetzt bietet sich die perfekte 

Gelegenheit dazu: Nach dem Erfolg des ersten Basler 

Film-Karaokes im vergangenen Jahr laden Bildrausch 

und das Theater Basel erneut zu einem Karaoke-Abend 

der besonderen Art: Nicht Songs, sondern Filmszenen 

warten darauf, neu synchronisiert oder mit ganz eigenen 

Texten auf dem Theaterplatz performt zu werden. 

Die Musiker Joao Carlos Pacheco und Aleksander Gabrys 

begleiten die Clips musikalisch, der Schauspieler 

Mario Fuchs führt durch den Abend. Die Filmclips, die 

zur Auswahl stehen, sind auf der Bildrausch-Homepage 

aufgeschaltet. Anmeldeschluss ist der 21. Juni. Den 

glorreichen Siegern winkt ein Festivalpass für die Bildrausch-Ausgabe 

2018 sowie Tickets für das Stadtkino 

und das Theater Basel. «May the force be with you!» 

Anmeldung: filmkaraoke@bildrausch-basel.ch 

89 


90 

91 

LARY7 CASTS A SPELL OVER YOU – 

TRIBUTE-PERFORMANCE TO 

TONY CONRAD 

SA 24.6. 22:00, im Bildrausch-Salon 

Lary7 lässt in seiner Live-Performance mehrere 

16mm-Projektoren tanzen und nutzt sie für eine 

hypnotisierende Sound- und Lichtinstallation. Der 

New Yorker Multimedia-Künstler, zentrale Figur der 

experimentellen Underground-Musik seit den 70er- 

Jahren und Mitbegründer von Plastikville Records, 

wird Tony Conrad bei Bildrausch mit einem Tribute-Konzert 

ehren. Conrad ist für ihn, neben Hollis 

Frampton oder Paul Sharits, die alle an der Universität 

in Buffalo New York unterrichteten, bis heute 

eine wichtige Inspirationsquelle. Ganz in Conrads 

minimalistischem Geist wird Lary7 den Projektoren 

durch direkte Manipulationen wie die Änderung der 

Laufgeschwindigkeiten oder Vor / -Rückwärts-Spulen 

mechanisch-magisch-rhythmische Klänge entlocken 

und das Publikum mit stroboskopischen Effekten in 

eine Art Trance versetzen. 

FILM-CAFÉ FÜR FILMLIEBHABER 

SO 25. Juni 16:30, im Bildrausch-Salon 

Der Bildrausch-Salon verwandelt sich im Anschluss 

an die Vorführung von Big, Big World in 

ein offenes Film-Café. Welches Bild ist bei Ihnen 

aus dem Film von Reha Erdem hängen geblieben? 

Haben Sie sich in den Film verliebt oder hat Sie etwas 

irritiert? Für einmal heisst es nicht: «Wie haben Sie 

das gemacht, Herr Regisseur, Frau Regisseurin?» 

Wir interessieren uns für die Wahrnehmungen des 

Publikums. Denn: Bei jedem entsteht ein anderer 

Film im Kopf, nichts ist falsch, alles ist richtig. Im 

Film-Café ist jeder ein Experte, genauso wie unsere 

beiden Gäste, Christian Zehnder, Stimmenkünstler 

und Brigitte Lustenberger, Fotografin, die wir zu 

diesem Gespräch eingeladen haben. Angestossen 

wird der Talk durch Tereza Fischer, Chefredaktorin 

«Filmbulletin». Im Film-Café soll aber jeder eifrig 

mitdiskutieren, einen Gedanken oder eine Erfahrung 

teilen oder auch nur zuhören. Anschliessend 

an das Gespräch lädt Aésop zum Apéro. 


DIE BILDRAUSCH FESTIVAL-TASCHE 

MI 21. 6. – SO 25.6. 

Wohin beim Festival mit Katalog, Brille und all 

dem Krimskrams, den man sonst noch mit sich rumträgt? 

In die Festivaltasche natürlich! Bildrausch freut 

sich, heuer erstmals eine eigens kreierte Tasche an 

seine Gäste – und vielleicht auch an Sie – verschenken 

zu können. Die Gestaltung / Kunst Klasse 3E der 

Fachmaturitätsschule Basel FMS hat die Tasche für 

Bildrausch entwickelt. In der Auseinandersetzung mit 

den Bedürfnissen der Festivalbesucher und mit bekannten 

Festivaltaschen wurde unter der Leitung von 

Dinesh Mehta und Judith Schnyder eine eigenständige 

Form entwickelt und mittels eines Prototypen erprobt. 

Als Ausgangsmaterial entschied sich die Klasse für 

alte Festival-Werbeblachen. Ihre Steifheit in Kombination 

mit einer leichten Transparenz erzeugt eine 

ungewöhnliche Wirkung. Dank der Materialwahl ist 

zudem jede Tasche ein Unikat. Zu kaufen gibt es die 

coolen Taschen nicht. Wir werden aber jeden Abend 

zwei Exemplare verlosen! 

92 

FEIERLICHE ERÖFFNUNG 

MI 21. 6., 17:30–2:00, Stadtkino 

Mit einem Glas Sekt und Sounds 

von DJ Rocco Raùl werden die Gäste 

in der charmanten Gartenlandschaft 

vor dem Stadtkino Basel begrüsst. 

Nach einem Grusswort von Elisabeth 

Ackermann, Regierungspräsidentin Basel-Stadt, 

eröffnet Casting (2017) in Anwesenheit des Regisseurs 

Nicolas Wackerbarth und des Schauspielers Andreas 

Lust um 18:00 Uhr im Stadtkino Basel den Internationalen 

Wettbewerb und damit auch das Festival. Anschliessend 

an die Filmvorführung und das Q&A laden 

Bildrausch und tibits zum Apéro riche. Um 21:15 Uhr 

präsentiert Teresa Villaverde ihr Debut Alex, eine 

poetische und schmerzliche Reise in die lang tabuisierte 

Vergangenheit ihrer Heimat Portugal. DJ Rocco 

Raùl lädt derweil auf der Piazza und im Bildrausch 

Salon mit seinem fabelhaften Spaghetti-Surf dazu ein, 

das Tanzbein zu schwingen. 

BAR UND GRILL 

MI 21. 6. – SO 25. 6., Piazza 

Der Bildrausch-Salon, die Piazza 

und die Bar im Stadtkino Basel öffnen 

jeweils eine halbe Stunde vor 

dem ersten Screening und bleiben 

bis um 2 Uhr offen (am Freitag und 

Samstag bis 4 Uhr). Die lauschige Piazza vor dem Kino 

und der Bildrausch-Salon laden zum Verweilen und 

Diskutieren ein. Für das leibliche Wohl ist auch gesorgt: 

Kleine Snacks und türkische Spezialitäten gibt 

es den ganzen Tag an der Bar, gegen Abend ist der 

Grill mit Gemüse-Spiessen und würzigen Salsiccias 

von Tellplatz 3, Spezereien & Frohkost, in Betrieb. 

93 

RUND UM BILDRAUSCH

BASLER BIER – 

HOCHWERTIG UND HAUSGEMACHT 

MI 21. 6. – SO 25. 6., Piazza, Bildrausch-Salon 

Aus dem Zapfhahn auf der Piazza 

und im Bildrausch-Salon fliesst in 

diesem Jahr ausschliesslich Bier aus 

Basler Mikro-Brauereien: Handwerk 

aus Wasser, Hopfen, Malz und Hefe 

für puren Genuss! Welches Bier gerade gezapft ist, 

zeigt jeweils ein Schild. Obergärige, süffig, frischfruchtige 

Ales aus dem Gundeli (Bîrtel RedAle), aus 

dem St. Johan (Volta-Bräu PaleAle, Gleis 1 Gold) und 

aus Riehen (Amsel-Bräu PaleAle). 

DJS IM BILDRAUSCH SALON UND AUF 

DER PIAZZA – LET’S DANCE! 

MI 21.6.–SO 25.6., 21:00–2:00 (FR/SA bis 4:00) 

Piazza, Bildrausch-Salon 

. MI 21. 6. ab 21:00 DJ Rocco Raùl 

Spaghetti Surf 

. DO 22. 6. ab 21:00 DJ Tom Best 

Rock ’n’ Roll, Rhythm ’n’ Blues, 

Early Soul 

. FR 23. 6. ab 21:00 DJ B-Seite & Monaco Bertrand 

Beats aus Schwabing und Berlin – eine beflügelnde 

Symbiose 

. SA 24. 6. ab 21:00 DJ Pult & Other System 

Exerimental, Drone, Minimalism, Flickering 

Bleeps & Beats 

. SO 25. 6. ab 21:00 Djane-duo Booster09 

7“singles von Ray Charles bis Marilyn Manson 

94 

SCHULVORSTELLUNG 

DO 22. 6. – FR 23. 6., Stadtkino 

In unserem 7. Bildrausch-Jahr bauen 

wir die Schulvorstellungen aus 

und bieten am Donnerstag- und Freitag 

gleich mehrere Filme in Anwesenheit 

der Filmschaffenden an. Interessierte 

Klassen können sich gerne noch bei Steffi 

Giaracuni anmelden: s.giaracuni@bildrausch-basel. 

ch. 

TEN YEARS ALIVE ON THE 

INFINITE PLAIN – ON VINYL 

Ab 21. 6., Plattfon 

Das legendäre Minimal Music und 

Film-Konzert «Ten Years Alive On 

the Infinite Plain» von Tony Conrad 

fand am 11. 3. 1972 im New Yorker 

Club The Kitchen statt. 45 Jahre danach 

hat das unabhängige Plattenlabel Superior Viaduct, 

San Francisco die Original-Tonaufnahme auf 

Vinyl herausgebracht. Die LP kann ab 21. 6. bei Plattfon 

an der Feldbergstrasse 48, in Basel gekauft werden. 

Ein Mitschnitt der Wiederaufführung dieses Konzerts 

ist am Sonntag um 16:45 Uhr im Stadtkino Basel bei 

Bildrausch zu sehen. 

95 

RUND UM BILDRAUSCH

FRÖHLICHE TAFELRUNDE 

MIT DEN FILMSCHAFFENDEN 

SA 24. 6. 17:45, Piazza 

Bildrausch lädt auch heuer zum 

traditionellen Filmemacher Essen, 

an dem alle teilnehmen können. Setzen 

Sie sich an die grosse Tafel zu 

unseren Filmschaffenden aus der 

ganzen Welt – mit einem Glas Wein von der Bar, einer 

Wurst vom Grill oder auch einfach so zum Reden. Für 

Feinschmecker gibt es den leckeren 3-Gänger von 

Tellplatz 3, Spezereien & Frohkost inkl. Wein für 

CHF 60. Anmeldungen für das Menu werden an der 

Stadtkino-Kasse bis zum 22. 6. um 15.00 Uhr entgegengenommen. 

Achtung: Die Plätze sind beschränkt. 

BEAT THE ARTISTS 

SO 25. 6., 12:30, Piazza 

Beim Töggeli-Turnier fordern sich 

Journalisten, Jury und Filmschaffende 

von nah und fern zum sportlichen 

Wettbewerb heraus. Fünf Festival- 

Besucher haben die Chance, per Los 

einen Turnierplatz zu ergattern. Fussballerinnen und 

Fussballer melden sich bis zum 22. 6. 2017 um 18.00 

unter: turnier@bildrausch-basel.ch an. 

PREISVERLEIHUNG 

SO 25. 6., 20:15, Stadtkino Basel 

Am Sonntagabend prämiert die 

internationale Jury den besten Bildrausch-Film 

mit einer Preissumme 

von CHF 3000 und überreicht den 

Bildrausch-Ring der Filmkunst (Design: 

Christa Wegener). Die Preisverleihung wird von 

Niggi Ullrich moderiert. Im Anschluss laden Bildrausch 

und tibits zu einem Apéro ein. Der Gewinnerfilm 

wird um 21.00 Uhr im Stadtkino Basel gezeigt. 

RUND UM BILDRAUSCH 

96 

97

KLAPPE UND 

GENIESSEN. 

Ab Anfang 2019 auch im Gundeli. 

FONDATION BEYELER 

28. 5. – 1. 10. 2017 

RIEHEN / BASEL 

Blautopf, Baum, 2001, Courtesy Galerie Buchholz, Berlin / Cologne, Maureen Paley, London, David Zwirner, New York 

Vegetarian & Vegan Restaurant 

Bar Take Away Catering 

Stänzlergasse 4 

bei der Steinenvorstadt, Basel 

www.tibits.ch | www.tibits.co.uk 

98 

fondationbeyeler.ch 

99 

170425_FB_TILLMANS_Bildrausch_Basel_73x128,8_RZ.indd 1 25.04.17 16:36

RICHARD 

SERRA 

Films and Videotapes 

20. mai 15. oktober 2017 

Gegenwart: st. alban-Rheinweg 60 

REDEMPTION CAMPAIGN - FESTIVAL BILDRAUSCH BROCHURE IMAGE BASEL 11/05/17 Draft 1.indd 14:41 1 

unREAL - Die algorithmische Gegenwart 

0 8 . 0 6 . - 2 0 . 0 8 . 2 0 1 7 

Zu jedem Gericht 

servieren wir 

dreierlei Saucen 

und Grillbeilagen. 

Spezialitäten vom 

Holzkohlegrill 

100 

Im Sommer im 

Kunsthalle Garten 

Reservation unter 061 272 42 33 

oder info@restaurant-kunsthalle.ch 

ノ( ◉ㆆ◉ノ) 

101

Fruchtallee 17, D-20259 Hamburg 

Fon: +49-(0)40-39 90 70-60 Fax: -61 

E-Mail: kontakt@subs-hamburg.de 

www.subs-hamburg.de 

SCHWULER 

HELD 

Lesbian & Gay Sport Basel – Wir machen Sport. 

Zum Beispiel Yoga. Aber auch Badminton, Beachvolleyball, 

Bowling, Fallschirmspringen, Fitness & Fun, Fussball, Klettern, Laufen, 

Schwimmen, Tanzen, Tennis, Velofahren und Volleyball. 

Wir können 

auch arabisch. 

www.lgsportbasel.ch 

Untertitelungen 

subtitling sous-titrage 

Voice-Over 

v o i x - o ff 

Übersetzungen 

translations traductions 

LiveSubtitling 

sous-titrage virtuel 

102 

103

Mit der 

Wahrheit muss 

man es nicht so 

genau nehmen. 

crbasel 

Flimmern in 

Winterthur. 

www.kinocameo.ch 

Jahresabo 

für nur 

75 Fr. 

bz Basel. Tagtäglich meine Zeitung. 

filmbulletin.ch 

Auch online für Sie da. 

104 

Pause, © Mathieu Urfer 

105 

Zeitschrift 

für Film 

und Kino

Seit 240 Jahren den 

Künsten verpflichtet. 

Als GGG-Mitglied unterstützen Sie 

für 30 Franken unser Kulturengagement. 

Auch das für das Bildrausch Filmfest Basel. 

www.ggg-basel.ch 

Basel 94,5/Liestal 93,6/Dornach 88,3 MHz 

I 

Bildrausch_2017_73x62.9mm_e1.indd 1 07.03.17 14:47 

das programmkino im osten 

www.radiox.ch 

Basel/Aarau/Winterthur-Schafhausen/ 

Luzern-Zug-Nidwalden/Zürich: DAB+ 

106 

Kinok | Cinema in der Lokremise | Grünbergstrasse 7 | St. Gallen 

www.kinok.ch | kinok@kinok.ch | Reservationen 071 245 80 72 

107

kulturell 

unabhängig 

seit 1987 

ProgrammZeitung 

Kultur im Raum Basel 

GANZBASEL.CH 

Vielseitige Geschichten 

über die Stadt 

Jahresabo, 11 Ausgaben, CHF 84.– 

Schnupperabo, 3 Ausgaben, CHF 16.– 

www.programmzeitung.ch/Abo 

061 560 00 67 

108 

17-03-13 Bildrausch.indd 1 

109 

15.03.17 09:24

kinohoudini.ch 

Kalkbreite 

Zürich 

Täglich von Mittag bis Mitternacht 

Bestellen Sie bei ray Aboservice: abo@ray-magazin.at 

Tel.: +43 (0)1 920 20 08-14 Fax: +43 (0)1 920 20 08-13 

ray Jahresabo (10 Ausgaben, davon zwei Doppelnummern) 

Österreich € 32,– Schweiz CHF 70,– Europa € 50,– 

www.ray-magazin.at 

06 

17 

7 Goldene 

Leoparden 

110 

7 Gewinnerfilme 

aus 70 Jahren 

Filmfestival Locarno 

111

112 

113 

im 

stattkino 

findet 

Kino statt 

Löwenplatz 11, Luzern | www.stattkino.ch 

Leisten Sie sich eine eigene Meinung.

• Plakate 

• Platten Direktdruck 

• Foliendruck 

• Werbebanden 

• Kleber / Blachen 

• Displays / Roll-Ups 

• Beschriftungen aller Art 

• Tapetendruck 

• Laminier- und Aufziehservice 

• Individueller Konturschnitt 

• Partieller Lackdruck 

• und vieles mehr 

Für Bilder, 

die bewegen. 

Wir bieten Ihnen eine Fülle von Möglichkeiten zu attraktiven Preisen! 

Creaplot AG 

Pumpwerkstrasse 35 Tel. +41 61 416 92 92 info@creaplot.ch 

4142 Münchenstein Fax +41 61 416 92 93 www.creaplot.ch 

Wir 

wünschen 

viel 

Vergnügen ! 

Druckerei Gremper AG 

Pratteln/Basel 

www.gremper.ch 

Burckhardt+Partner AG 

Architekten Generalplaner 

Basel Bern Genf Lausanne Zürich 

114 

www.burckhardtpartner.ch 

115

Anders als Andere. 

Klostergasse 5 

4051 Basel / beim Kunsthallengarten 

www.stadtkinobasel.ch 

Tel. 061 272 66 88 

JÄHRLICH RUND 

300 FILME 

FÜR MITGLIEDER BESONDERS 

GÜNSTIG 

GÜNSTIGER 

INS KINO 

MIT SUPER8-KARTE: CHF 80.– 

MIT STUDI-SUPER8-KARTE: CHF 50.– 

Ein Jahr lang jeder Normaleintritt nur CHF 8.– 

GRATIS INS KINO 

MIT PASSEPARTOUT-KARTE: CHF 350.– 

Ein Jahr freier Eintritt zu all unseren Veranstaltungen 

Das Abonnement der Programminformation ist jeweils inbegriffen. 

Erhältlich an der Kinokasse 

ABS-Aktien 

ermöglichen. 

ABS-Aktien sind sinnvolle 

An lagen mit einer grossen 

Wirkung. Die Alternative Bank 

Schweiz finanziert damit 

über 1’000 soziale und ökologische 

Projekte. Mit einer 

Zeichnung er möglichen Sie 

eine sozialere und ökologi - 

schere Wirtschaft und Gesellschaft. 

Machen Sie mit. 

Mehr über ABS-Aktien: 

www.abs.ch/aktien 

116 

117

UNTERSTÜTZUNG 

Bildrausch gäbe es nicht ohne die Menschen, die an uns 

glauben. An erster Stelle sei hier den Kulturabteilungen 

und den Swisslos-Fonds beider Basel gedankt. Der Dank 

gilt auch allen Stiftungen, Institutionen und Firmen 

sowie weiteren Donatoren, die nicht genannt sein wollen: 

• Swisslos-Fonds Basel-Stadt 

• Swisslos-Fonds Basel-Landschaft 

• GGG Basel 

• Isaac Dreyfus-Bernheim Stiftung 

• Sulger Stiftung 

• Saly Frommer Foundation 

• Doms Stiftung 

• Verein Le Bon Film 

• Aesop 

• Bogen 33 

• Burckhardt+Partner AG 

• Carbagas 

• Chiemsee-Light Swiss 

• Creaplot AG 

• Delinat 

• Druckerei Gremper AG 

• FedEx. Feliton AG 

• Hotel Krafft 

• Mineralquelle Eptinger AG 

• Musfeld Kran AG 

• Restaurant Kunsthalle 

• Tellplatz 3, Spezereien & Frohkost 

118 

Sulger Stiftung 

• Stadtgärtnerei Basel 

• SUBS Subtitling 

• tibits 

PARTNERSCHAFT 

• Balimage 

• Basel Tourismus 

• Basler Kunstverein 

• Christa Wegener 

• Fachmaturitätsschule Basel 

• Filmbulletin 

• Fondation Beyeler 

• GGG Stadtbibliothek Basel 

• kult.kino 

• Kulturbox 

• Kunsthalle Basel 

• Maya Rikli. mediaTon 

• Pro Innerstadt 

• Stadtkino Basel 

• Theater Basel 

• ZHAW Angewandte Linguistik 

Kunsthalle Basel 

119 

DANK

MEDIENPARTNER 

• bz basel 

• Cineman 

• Filmbulletin 

• Kulturjoker 

• ProgrammZeitung 

• Radio X 

• ray Filmmagazin 

• Telebasel 

• WOZ Die Wochenzeitung 

DANK 

Bildrausch dankt den folgenden Personen und 

Institutionen für ihren Beitrag zum Filmfest: 

An Cha Flubacher-Rhim, Basel. Axel Töpfer, Basel. Bernd 

Brehmer, München. Tereza Fischer, Zürich. Brigitte 

Häring, Basel. Daniel Gautschi, Zürich. Steffi Giaracuni, 

Basel. Sabine Olff, Zürich. Luis Miñarro, Barcelona. Maya 

Rikli, Basel. Michael Sennhauser, Basel. Niggi Ullrich, 

Arlesheim. Rosa Maino, Zürich. Primo Mazzoni, Zürich. 

Simon König, Basel. Niggi Polt, Basel. Susana Santos 

Rodrigues, Berlin. Pascal Trächslin, Basel (Cineworx). 

Jolanda Gsponer, Zürich. 

Bootsmann, Lörrach (Günter Bassler). Evented, 

Ensdorf (Michael Woll, Dennis Kucher). Fachmaturitätsschule 

Basel (Judith Schnyder). kult.kino, Basel (Romy 

Gysin, Tobias Faust, Roman Weiss). Kulturbüro, Basel. 

Kunsthalle Basel (Elena Filipovic, Beatrice Hatebur, Klaus 

Haenisch, Claudio Vogt, Jan Kudrnovsky, Elena Gerosa, 

Herbert Rehbein, Uwe Walther). 

120 

mediaTon, Basel (Raphael Zehnder). Preiswerk+Esser 

AG, Basel (Martin Keller). Stadtgärtnerei, Basel (Mareike 

Holluba). Salzgeber GmbH (Björn Knoll, Jürgen Pohl, 

Hermann Lorsbach), Subs, Hamburg (Thorsten Birk, Lisa 

Grabe). Tellplatz 3, Basel (Christof Lehmann, Tom 

Wiederkehr, Tanja Allemann). Theater Basel (Andreas 

Beck, Mario Fuchs, Katrin Michaels, Ingrid Trobitz, 

Almut Wagner, Beat Weissenberger). Verein Le Bon Film 

(David Glauser, Isabel Heiniger, Catherine Reinau, 

Dominique Steg, Christoph Stratenwerth). 

Agora Film (Laurent Dutoit), Autlook Films, Wien (Youn 

Ji). Bord Cadre, Genf (Dan Wechsler). British Film 

Institute, London. Cineteca Portuguesa, Lissabon (Sara 

Moreira). Burning Bridges, London (Paul Williams). 

Double Dutch International, Los Angeles (Lisa Clark, 

Ron Moring). Electronic Arts Intermix (EAI) (Rebecca 

Cleman), Faktura Films, Berlin (Kiril Krasovski). 

Filmcoopi, Zürich (Wolfgang Blösche). Films Boutique, 

Berlin (Susana Santos Rodigues). Finecute, Seoul (Yejin 

Jeon). Foxy Films, London (Gerald Fox) Hurricane Films, 

London (Sol Papadopoulos). Leopardo Filmes, ? (Paulo 

Branco, Antonio Costa ). Meikincine, Buenos Aires 

(Fernanda Descamps). NOS Lusomundo Audiovisuais, 

Lissabon ( Fernando Jorge Santos), Park Circus, 

Edinburgh (Jack Bell). Picture Tree International, Berlin 

(Valeria Bronzini) The Match Factory, Köln (Brigitte 

Suarez, Sergi Steegmann). Rapid Eye Movies, Köln 

(Thorsten Peters). The Festival Agency, Paris (Selina 

Boye). Visit Films, New York (Joe Yanick). 

Und nicht zuletzt danken wir unseren Mitarbeitenden, 

Moderierenden, Helferinnen und Helfern, die mit ihrer 

Begeisterung und ihrem Engagement dieses Festival 

mitgestalten und –tragen. 

121 

DANK

TICKETPREISE 

• Einzeleintritt CHF 17/13 * 

• Early-Bird-Eintritt CHF 12/8 * 

• Multipass CHF 55/44 * 

• Festivalpass CHF 110/90 * 

* Studierende, AHV, Stadtkino-Mitglieder 

mit Super-8-Karte oder Passepartout 

• Der Eröffnungsfilm ist für Passepartout-Mitglieder von 

Stadtkino Basel/Landkino kostenlos 

• Film-Karaoke, Podium, Film-Café, Preisverleihung und 

sämtliche Veranstaltungen im Bildrausch- Salon und 

auf der Piazza sind kostenlos. 

• Bio-Super-8-Work-Shop CHF 90 

(Anmeldung: super8@bildrausch-basel.ch) 

• Atelier Filmkritik CHF 20 

(Anmeldung: filmkritik@bildrausch-basel.ch) 

TICKETVERKAUF 

Vorverkauf (ab 5. 6.2017) online auf 

www.bildrausch-basel.ch und an der Kinokasse des 

Stadtkino Basel. Der Verkauf von Festival- und 

Multipässen erfolgt exklusiv an der Kinokasse des 

Stadtkino Basel. Einzeleintritte für sämtliche 

Vorstellungen können im Stadtkino Basel oder im 

kult.kino atelier gekauft werden. 

ÖFFNUNGSZEITEN 

Die Bar des Stadtkino Basel und die Piazza sind jeweils eine 

halbe Stunde vor Vorstellungsbeginn geöffnet. DJs legen 

bis 2 Uhr auf – am Freitag und Samstag bis 4 Uhr. 

122 

ANFAHRT 

• Ab Bahnhof SBB: in 7 Minuten zu Fuss oder mit Tram 

2, 8, 10, 11 bis Haltestelle Bankverein 

• Ab Badischem Bahnhof: Tram 2 bis Haltestelle Bankverein 

oder Tram 6 bis Haltestelle Theater 

• Parkhäuser: Elisabethen, Steinen, Bahnhof 

SPIELSTELLEN UND SATELLITEN 

1 Stadtkino Basel, Piazza und Bildrausch-Salon, 

Klostergasse 5, 4051 Basel 

2 kult.kino atelier, Theaterstrasse 7, 4051 Basel 

3 Film-Karaoke, Theaterplatz, 4051 Basel 

< BARFÜSSERPLATZ 

THEATERSTRASSE 

2 

TINGUELY 

BRUNNEN 

THEATER- 

PLATZ 

3 

KLOSTERGASSE 

1 

STEINENBERG 

KUNSTHALLE 

ELISABETHEN- 

KIRCHE 

123 

FREIE STRASSE 

4 

ELISABETHENSTRASSE 

HENRIC PETRI- 

STRASSE 

FESTIVALINFORMATIONEN

7. BILDRAUSCH 


21.06.—25.06.2017 

. Bildrausch ist eine Initiative des Vereins Bildrausch 

. Vorstand: Isabel Heiniger, Hanspeter Giuliani, Brigitte Häring 

. In Zusammenarbeit mit dem Verein Le Bon Film. Vorstand: Isabel 

Heiniger, David Glauser, Catherine Reinau, Dominique Steg, 

Christoph Stratenwerth 

BILDRAUSCH – FILMFEST BASEL 

Theaterstrasse 22, 4051 Basel, Telefon: 061 205 98 81 

. Direktion: Nicole Reinhard, Beat Schneider 

. Kuratorische Mitarbeit: Olaf Möller 

. Filmscouting: Olaf Möller, Bernd Brehmer 

. Film-Karaoke: Primo Mazzoni, Lorenzo Berardelli, Marius Kuhn 

. AutorInnen: Pamela Jahn (pj), Olaf Möller (om), Marina Porobic, 

Nicole Reinhard, Beat Schneider (bs), Alexandra Seitz (as), Bernd 

Brehmer (bb) 

. Produktionsleitung/Technik: meyer-am-start, Simone Meyer 

. Medienarbeit: Ursula Pfander 

. Marketing: Waelti Content & PR, Christine Waelti 

. Redaktion: Marina Porobic, Beat Schneider, Nicole Reinhard 

. Korrektorat: Dominik Süess 

. Übersetzung: Andrew Blackwell, Kate Whitebread 

. Backoffice/Team-Catering: Angela Knor 

. Kopientransport: Flavio Caldana 

. Website: Angela Reinhard (Gestaltung), Bütler BIZ, 

Bruno Bütler (Web-Programmierung) 

. Homepage: Kaspar Aebi 

. Praktikant: Cyril Jocz 

. Bildrausch-Salon: Isabel Heiniger 

. Blumen-Schmuck: Maya Rikli 

. Fotografen: Daria Kolacka, Nicholas Winter, Diana Pfammatter 

. Trailer: Nanouk Leopold, Daan Emmen 

. Drucksatz/Layout: Gremper AG, Karl Gremper, Mario Venzin 

. Inserate: Barbara Keller-Bergheimer 

. Buchhaltung: IMAGO Treuhand 

. Filmfest-Team: Adeline Sirlin (Barchefin), Johannes Wolfsperger 

(Chefoperateur), Sarah Amelie Bodner, Julie Brunner, Claudia 

Gruntz, Sibylle Lustenberger, Sandro Mazzoni, Thomas Oehler, 

Catia dos Santos, Jaël Senn, Yelisaveta Staehlin, Tobija Stuker, Axel 

Töpfer, Niggi Ullrich, Tobias Voss, Harry Wagner, Bianca 

Wiedersich, Anja Zimmer 

. Grafischer Auftritt: Ludovic Balland Typography Cabinet, Ludovic 

Balland, Sinja Steinhauser 

. Prepress und Druck: Gremper AG 

124

7. BILDRAUSCH 


21.06.— 25.06.17

Bildrausch Filmfest Basel 7, Katalog 2017

Erfolgreiche ePaper selbst erstellen

Template löschen?

Als Template speichern?