Künstlerviten und Kurztexte zur Ausstellung "ausgezeichnet!"

Björn Braun 

KUNSTSTIFTUNG 

BADEN-WÜRTTEMBERG 

1979 in Berlin geboren 

lebt und arbeitet in Karlsruhe 

2002–2008 Studium an der Staatlichen Akademie der Bildenden 

Künste Karlsruhe bei Prof. Meuser 

Stipendien und Preise 

2008 Graduiertenstipendium der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe 

2009 Blau Orange Kunstpreis 

2011 Kunststiftung Baden-Württemberg 

Einzelausstellungen 

2007 Schweizer Krankheit , Meyer Riegger, Karlsruhe 

2009 Preisträger Ausstellung Blau Orange, Kunstverein Braunschweig 

2010 Ein Stück Himmel, Meyer Riegger, Karlsruhe 

2011 Meyer Riegger, Berlin 

Gruppenausstellungen (Auswahl) 

2006 Von mir aus, Meyer Riegger, Karlsruhe 

2007 Into the woods tonight, Parotta Contemporary, Stuttgart 

2008 Die Hecke, V8 Plattform für neue Kunst, Karlsruhe 

2009 Opera Rock – Jean-Luc Blanc, CAPC, Musée d’Art Contemporain de 

Bordeaux/Frankreich 

2010 Milk Drop Coronet, Camera Austria, Graz / Österreich 

Sie taten nicht was sie wussten, V8 Plattform für neue Kunst, Karlsruhe 

2011 Bigness as usual, V8 Plattform für neue Kunst, Karlsruhe 

The Extension, Vilma Gold, London/United Kingdom 

Schnitte im Raum. Skulpturale Collagen, Museum Morsbroich, Leverkusen 

Frischzelle_16: Björn Braun, Kunstmuseum Stuttgart 

Björn Braun (*1979 in Berlin) unterzieht unterschiedlichste Materialien einer gedanklichen und tatsächlichen 

Metamorphose. Er arbeitet an der Verwandlung vorgefundener Formen und Konventionen, verändert ihre 

Aggregatzustände, wendet sie, kehrt sie um und setzt sie in neuen Zusammenhang. An einer Fliegenfalle 

hängen ihrer Länge nach statt Fliegenkadaver weiße Federn, das Grab ist zum Träger von Federschmuck, zur 

„Federboa“ umfunktioniert. Vogelnester zeigen sich im vogelnestuntypischen Gewandt aus bunten Gräsern, 

Wolle und synthetischen Fasern, die die beiden Zebrafinken des Künstlers bereitwillig als Gabe in ihren Nestbau 

mitaufgenommen haben. Im Schnellkochtopf werden Bücher zur Landschaftsmalerei solange unter Hochdruck 

gekocht, bis aus dem Landschaftsbrei Papier geschöpft werden kann, das auf Keilrahmen gezogen als Bild an 

die Wand gehängt wird. Titel wie „Seestücke Harter Blauer Himmel“ oder „Nordwind Weiße Täler“ stellen dem 

fasrig abstrakten Bildraum die ganze Tradition der romantischen Innerlichkeit zur Seite und führen gleichzeitig 

gewieft auf ihren ursprünglichen Status als Bildband über Landschaftsbilder zurück. Ganz ähnlich ist die Arbeit 

„Untiteld (Bank)“ (2009) entstanden: Aus der zermahlenen Holzstrebe einer Parkbank ging das Bild hervor, das 

ihr nun gegenüber hängt, braun aufgeraute Projektionsfläche ohne Sehnsuchtspotential. Bild und Bank werden 

zum Sinnbild der „Kontemplation“, der Versunkenheit in die innere Natur. Im schelmischen Humor des 

„schöpfenden“ Künstlers (Veit Loers) gelingt Björn Braun sowohl das Umstülpen der Perspektiven wie das 

poetische Spiel.

Jens Braun 

KUNSTSTIFTUNG 


1977 in Berlin geboren 

lebt und arbeitet in Stuttgart 

Ausbildung 

2002 – 2008 Studium an der Staatlichen Akademie der 

Bildenden Künste Stuttgart bei Prof. Alexander Roob 

2008 – 2009 Det Kongelige Danske Kunstakademie, Kopenhagen, bei Prof. Tumi Magnusson 

Stipendien und Preise (Auswahl) 

2006 – 2008 Stipendium der Studienstiftung des deutschen Volkes 

2008 – 2009 Auslandsförderung der Studienstiftung des deutschen Volkes, Kopenhagen 

2009 – 2010 Graduiertenstipendium der ABK Stuttgart 

2010 Stiftung Kunstfonds 


Einzelausstellungen 

2004 Mal nen hier und da, mit Jürgen Klugmann, Sudhaus, Tübingen 

2007 Galerie Sebastianskapelle, Ulm 

2009 Rainer fragen, Galerie Rainer Wehr, Stuttgart 


2006 Transmissionen 3, Galeria Una, Bukarest/Rumänien 

2007 Und ewig lockt die Malerei lll, Galerie Rainer Wehr, Stuttgart 

2008 Die Hecke, V8, Karlsruhe 

2009 Chinese whispers, Doorspace Gallery, Kopenhagen/Dänemark 

Times of Prosperity, Galerie Rothamel, Frankfurt 

2010 Sie taten nicht was sie wussten, V8, Karlsruhe 

Das verworfene Firmament, Egbert Baque Contemporary Art, Berlin 

Ähnlich der Variation eines Themas in der Musik führt der Maler Jens Braun (* 1977 in Berlin) Form und 

Farbe durch vielfältige und spielerische Abwandlungen. Abstrakte Flächen und Formen, die sich oft aus 

deutlich sichtbaren Pinselzügen und –schwüngen generieren und hervorbringen, sind ineinander gestaffelt, 

rotieren umeinander oder stehen sich konkret gegenüber. Sie werden wie in einem Alphabet in Tempo, 

Dynamik, Artikulation, Rhythmus und Klangfarbe dekliniert und neu formiert. Daraus entstehen poetische und 

fragile Farb- und Formgefüge, die in der Mitte des Bildraums schwebend zur Balance gebracht sind. Dies wird 

in der Serie der Papiercollagen, die in der Ausstellung gezeigt werden, besonders deutlich. Denn die Malerei 

von Jens Braun ist auch der Versuch, im Prozess auszuloten und zu präzisieren, was die Eigenheiten des 

Mediums sind und wie diese mit anderen Medien (Seidenpapier, Holz) und anderen Techniken (reißen, kleben, 

sägen, einfügen, collagieren) weiterentwickelt werden können und sich gegenseitig beeinflussen. Es schwingt 

die Verweigerung mit, Malerei ausschließlich als Moment von Farbe auf Leinwand zu begreifen und nur der 

herkömmlichen Vorstellung von Flächigkeit und zweidimensionalem Bildraum nachzugeben. Zwischen Collage, 

Schichtung, Durchdringung und Einlassung, zwischen Leichtigkeit und Schwere, Oberfläche und Raumtiefe, 

spielt Jens Braun die Möglichkeiten der Abstraktion und Figuration wechselseitig aus, so dass diese flüchtig 

greifbar werden und doch vage bleiben, zwischen subtiler Ahnung und poetischer Andeutung schweben.

Johannes Esper 

KUNSTSTIFTUNG 


1971 geboren in Cochem 


1998 – 2004 Studium der Bildhauerei an der Staatlichen 

Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe, 

in der Klasse von Prof. Meuser 

2010 Stipendium Kunststiftung Baden-Württemberg 

Einzelausstellungen (Auswahl) 

2005 Sebastian Fath contemporary, Mannheim 

2007 für jungs und für mädchen, Ausstellungshalle Schulstrasse 1a, Frankfurt 

2008 V8, Karlsruhe 

2009 Hospitalhof, Stuttgart 

2010 & 2011 Nusser & Baumgart, Leipzig 


2003 bis ans ende der welt, Kunstverein Konstanz 

2004 66/03, Neues Museum Weserburg, Bremen 

2005 Kunststudenten stellen aus, Bundeskunsthalle Bonn 

2006 sculpture@citynord, Hamburg 

2008 Call it what you like, Art Center Silkeborg, Dänemark 

2009 Continuous Perspectives #1, Nusser & Baumgart @ Spinnerei Leipzig 

Werke aus der Sammlung Lafrenz, Museum Wiesbaden 

Veröffentlichungen 

Johannes Esper", in: Kunsttermine, 3/2005, S. 24ff, 2005 

„Call it what you like”, Ausstellungskatalog Artcenter Silkeborg Bad, Dänemark, 2008 

Der forschenden Haltung des Künstlers Johannes Esper (*1971 in Cochem/Mosel) ist ein grundsätz- 

licher Zweifel an der Autonomie des Kunstwerkes abzulesen. Bis zu welchem Grad kann ein Bild oder 

Objekt von den Assoziationen, Bedeutungen und Wirklichkeitsbezügen, die wir BetrachterInnen in es 

hineinlegen, befreit oder im Gegenteil darauf ausgerichtet werden? Diese Frage deklinierend, verwickelt 

Johannes Esper die Wahrnehmung und ihre Gewohnheiten in ein vielschichtiges Spiel mit den Ambivalenzen 

von Autonomie und Referenzialität, von Inhalt und Form. Erstaunlicherweise bedient er sich dabei denkbar 

simpler Arbeitsprozesse und schlichter Materialien: Gefundene, gerissene und geschnittene Kartonagen 

werden ungrundiert und schnell mit Ölfarbe bemalt; handelsübliche 10kg-Packungseinheiten Ton werden 

ungeformt rückseitig ausgehöhlt und gebrannt und teils glasiert; frischer Beton wird auf den Boden 

geworfen, in Form gedrückt oder in rudimentäre Schalungen aus Pappe oder Sackjute gegossen. Die 

Ergebnisse: Köpfe und Pappreliefs, die zwischen freier Form und frecher Behauptung pendeln und dem 

suchend-konditionierten Blick humorvoll Rätsel aufgeben. Außerdem werden 2 zu Gruppen zusammen- 

gefasste Serien von Keramikschalen (‚55 Schalen’ (2011), ‚28 Schalen’ (2012)) im historischen Saal des 

Museums zu sehen sein. Die Schale, die Esper „nebenher“ zwischen Zeigefinger 

und Daumen routiniert formt, spiegelt alles andere als Perfektion. Ihr unverholener Dilettantismus setzt 

sich in Beziehung mit dem Pathos des prächtigen Spiegelsaals und untergräbt die Dichotomie von 

Banalem und Erhabenen.

Marcel Frey 

KUNSTSTIFTUNG 


1980 geboren in Mönchengladbad 


2002 – 2007 Studium der Malerei/Grafik an der Staatlichen 

Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe 

2007 – 2008 Meisterschüler bei Prof. Silvia Bächli 


Ausstellungen 

2005 Blüte, Eierkuchen, Parmesan, Projekthaus Hamburg / Sichtvermerk, Kunsthalle Palazzo, 

Liestal, Kasse Prof. Silvia Bächli 

2006 A friend of mine, Galerie Skopia, Genf 

2007 Lott Jonn, Diplomausstellung der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste 

Karlsruhe (E) / Ökumene, ehem. Autohaus Zschernitz, Karlsruhe 

2008 Once in a lifetime, Formalismus Heute, Kuratiert von Gregor Jansen mit Lukas und 

Sebastian Baden und Max Mayer, Mayerei, Ferenbalm-Gurbrü Station, Karlsruhe / 

Die Hecke, V8 Plattform, Karlsruhe / Top 08/Meisterschüler der Staatlichen Akademie der 

Bildenden Künste Karlsruhe, Kunstverein Heilbronn 

2009 Fully booked, Hotel Beethoven, Bonn / Ansichten, V8 Plattform, Karlsruhe (E) / A Part Apart, 

Atelierfrankfurt, Frankfurt am Main / Pension Flora, Goethestrasse 25, Mönchengladbach 

2010 Radikal Subjektiv, kuratiert von Eric Hattan, Kunsthaus Baselland, Muttenz / Joy in Repetition, 

kuratiert von Annette Hoffmann und Dietrich Roeschmann, Kunsthaus L6, Freiburg i. B. / 

Der unhaufhaltsame Aufstieg von Draufgängern und Flaschen, kuratiert von MEUSER, 

Städtische Galerie Karlsruhe / The castle of discipline, Mischpoke, Mönchengladbach 

2011 Retrobjektive (E), Städtische Galerie Karlsruhe / Dingkunde (E), Kunststiftung Baden- 

Württemberg, Stuttgart / Bigness as usual, 6 Jahre V8 Plattform, Karlsruhe 

Marcel Frey (*1980 Mönchengladbach) versteht sich als Maler, bedient sich zur Umsetzung seiner „Malerei“ 

allerdings einer Vielzahl verschiedener Techniken und Medien. Das be- und übermalen mit der Sprühdose, 

vom Druck über die Fotografie bis hin zur Skulptur und Installation. 

In dem wechselseitigen Bestreben den Raum in die Fläche, bzw. die Fläche und Malerei in den Raum zu 

überführen bilden grafische und malerische Fragen nach Form und Komposition, Linie, Fläche und Kontrast 

wesentliche Elemente seiner Arbeit. 

Als Ausgangspunkt dienen ihm oft Gegenstände und Materialien, denen eine gewisse alltägliche Vertrautheit 

und Nostalgie, zugleich aber auch Beiläufigkeit, oder sogar Wertlosigkeit anhaftet, sich jedoch durch klare, 

geometrische Formen und strukturierte Oberflächen auszeichnen. Durch monochrome Bemalungen in Schwarz 

oder Weiß werden diese Charakteristika besonders hervorgehoben: Form und Struktur und das Vexierspiel von 

Abstraktion und Gegenständlichkeit treten deutlicher in Erscheinung, während die herkömmliche Bedeutung und 

Nutzung in den Hintergrund tritt. 

In der extra für den Anbau des Museum Biedermann neu entwickelten, begehbaren Präsentation entwickelt 

sich Marcel Freys Malerei vom Bild an der Wand, über die arrangierten Objekte in den Raum und beschreitet 

nun den Weg zur nächsten Dimension: einer beschreitbaren, vielseitig körperlich wahrnehmbaren Bild-Architektur 

und lenkt zugleich den Blick zurück auf die Ästhetik des Alltags.

Manuel Gnam 

KUNSTSTIFTUNG 


1982 in Ulm/Donau geboren 

lebt und arbeitet in Brüssel 

2003 – 2008 Studium an der Städelschule Frankfurt am Main 

mit Abschluss Meisterschüler 

2006 Gründung des Proustwards Verlags 



2006 ParsVival (mit Benjamin Saurer), Kunsthalle Darmstadt, im Rahmen der „Internationalen 

Ferienkurse für Neue Musik“ 

2007 Zebraparty – Apartheid, ECAM – Le jardin, Gattières/Frankreich 

2009 Monsieur la priètre figure: Finalement, je m’en fous (mit Michael Callies), Etablissement 

d’en Face, Brüssel/Belgien 

2010 Brussels Biennial, Sotoso, Brüssel/Belgien 

2011 Pressure and Perverse Flights to Familiarity, La Chaussette, Brüssel/Belgien 


2008 Boxer, Literaturhaus, Frankfurt/Main 

2008 Ende 2008, Städel Museum, Frankfurt/Main 

2009 Isomopolis, Etablissement d’en Face, Brüssel/Belgien 

2009 Bulletin Blvd, Pro Choice, Wien/Österreich 

Publikationen (Auswahl) 

„Umformung von Realität“, Herausgeber Martin Hoener, Textem Verlag, Hamburg, 2008 

„Après Crépuscule“, Herausgeber Manuel Gnam, Koelnischer Kunstverein, Afterall Magazine, London, 2009 

Manuel Gnam (*1982 in Ulm) arbeitet in den Medien Malerei und Installation unter Einsatz und Verwendung 

von Teig, Scheibenkäse, Spiegeln und Glasscheiben, Holzpanelen oder Frischhaltefolie. Das organische 

Material, das unter seiner Verpackung von Plastik und Folie - wenn nicht tatsächlich, so doch lebhaft in 

unserer Vorstellungskraft – schwitzt und brodelt, könnte ein Eigenleben bis zur Verwesung entwickeln. Dies 

zeugt von einer künstlerischen Haltung, die auf einem eher willkürlichen Verständnis von Geschmack beruht 

und sich vielmehr mit biopolitischen Zusammenhängen auseinandersetzt. Im Museum Biedermann zeigt 

Manuel Gnam die Arbeit „Flat Idea With No Flesh“ (2011), die aus einem Sockel besteht, der sich aus Kacheln 

von Spiegeln und Scheibenkäse nach oben erhebt. Über dem Sockel liegt ein Leder, auf das mit Siebdruck das 

Gesicht eines Mannes aufgebracht ist. Die Anmutung einer ausgebreiteten Totenmaske lässt spontan eher Ab- 

als Zuneigung entstehen. Zwischen „primordialem Feld“ (Manuel Gnam) oder Grabmal wird man hineingezogen 

(auch durch die Reflektion der Spiegel am Boden) in das psychologische Spiel der Selbstwerdung zwischen 

Bewusstheit und Unterdrückung, Schutz und Ausgeliefert sein, zwischen Identifikation und Abkehr von Figuren 

wie Vater, Lehrer, Vorbilder. Neben der Skulptur zeigt Manuel Gnam aus der Serie der Diagramme drei 

kleinformatige Bilder, in denen konkrete und abstrakte Darstellungsformen einen Ordnungsraum vorgeben und 

gleichzeitig entziehen. Zwischen Abstraktion und Emotionalität deuten sie auf Beziehungen und Dynamiken, 

Abhängigkeiten und Ambivalenzen und die Verstricktheiten der Persönlichkeitswerdung.

KUNSTSTIFTUNG 


Andreas Lorenschat 

1973 geboren in Heilbronn 


Ausbildung 

1999 – 2005 Studium der Medienkunst an der Hochschule für 

Gestaltung am ZKM Karlsruhe, Klasse Candida Höfer, 

Dieter Kiessling und Mischa Kuball 

2004 Studium an der Hochschule für Bildenden Künste Städelschule Frankfurt, bei Ayse Erkmen 


1998 Scheffel Literatur-Preis 

2002 Stipendium der Studienstiftung des Deutschen Volkes 

2005 Atelierstipendium Mummelsee, Schwarzwaldhochstraße 

2007 DAAD-Stipendium Schweiz 

Kunstpreis von Kleinbasel der Regionale8, Basel 

2008 Medienkunstpreis der Region Oberrhein 2008 



2007 Don't stop the sunset, Marion Scharmann, Köln 

2008 In a manner of speaking, Mayerei, Karlsruhe 

2009 Between the stars, Gallery Terra Tokyo, Tokyo, Japan 

2010 You inspire poetry in me, Marion Scharmann, Köln 


2003 Tysk Film, Film Fylkingen, Goethe-Institut, Stockholm 

2006 Contemporary Art Biennale Of Fukushima 2006, Fukushima, Japan 

2007 Rauf Rüber Runter Untendurch, White Space, Zürich (Co-Kurator) 

2008 Verbergen (RRRU #2), Kunsthalle, Luzern (Co-Kurator) 

2009 fully-booked, Hotel Beethoven, Bonn 

2010 Bloß keine Postkarten, Kunstverein Rügen, Putbus 

Andreas Lorenschat (*1973 in Heilbronn) ist mit zwei Arbeiten im oberen Stockwerk des Museums 

vertreten. Er zeigt die filmische Performance „Wilder Westen/William Blake“ (2007) ein „Roadmovie“, 

das 1995 auf einer Reise des Künstlers durch den mittleren Westen Amerikas entstanden ist. Inmitten der 

Projektion des tonlosen Films, der keinen künstlerischen Anspruch erhebt, platziert Lorenschat während der 

Eröffnung einen Gitarristen, der Improvisationen zu Neil Young spielen wird. Sowohl der Film wie auch die 

Gitarrenimprovisation lehnen sich an den ebenfalls 1995 gedrehten schwarz-weiß Western „Dead man“ von 

Jim Jarmusch an und weben ein poetisches Geflecht aus allmählichem Entgleiten, Erinnern und Erzählen. 

Die zweite Arbeit „Das Manifest“ (2012) ist für die spezifische räumliche Situation des Museums konzipiert 

und variiert das Sujet des erzählerischen Entgleitens, indem sie konkrete Verweise verspricht und doch 

gleichzeitig Bedeutungen in der Schwebe hält. Zu sehen ist ein Text an der Wand, der sich inhaltlich und 

formal an das vom Bauhaus erhobene Postulat der Funktionalität anlehnt. Er ist in Teilen so codiert, dass 

er nur bruchstückhaft zu lesen ist. Das Fragmentarische durchbricht die ernsthafte Rationalität, der Sinn 

entgleitet und lässt die Zeichen in einem Dazwischen von Bedeutung und Inhalt oszillieren. Was bleibt ist 

ein poetisches Moment – eine Ahnung, eine Stimmung, die auf das verweist was noch kommen wird.

KUNSTSTIFTUNG 


Mirko Martin 

1976 geboren in Sigmaringen 

lebt und arbeitet in Berlin 

2001 – 2008 Studium der Freien Kunst an der Hochschule für Bildende Künste 

Braunschweig bei Prof. Friedemann von Stockhausen, Johannes Brus, Dörte Eißfeldt und 

Birgit Hein 

2005 – 2006 Auslandsjahr am California Institute of the Arts, Los Angeles, MFA program Film & Video 

2007 Diplom mit Auszeichnung an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig 

2008 Abschluss als Meisterschüler bei Prof. Michael Brynntrup 


2004 – 2008 Stipendium der Studienstiftung des deutschen Volkes 

2005 – 2006 Jahresstipendium der Fulbright-Kommission (US) 

2007 Nordwestkunst, Preis der Kunsthalle Wilhelmshaven 

2008 1. Preis, Meisterschülerstipendium der Stiftung Braunschweigischer Kulturbesitz 

1. Preis, Aenne-Biermann-Preis für deutsche Gegenwartsfotografie 



2008 Tales from the West Side, Museum Goch, 

2009 Boyz n the Hood, Galerie Olaf Stüber Berlin / Marginal Stories, Kunstverein Braunschweig 

2010 L.A. Crash, Photoforum PasquArt, Biel / NEXT/1 - Discussing Photography, Kunsthaus Essen 

2011 Noir, Utah Museum of Contemporary Art, Salt Lake City, US / In Broad Day, Talents 25, C/O 

Berlin / Out of a clear blue sky, Kunststiftung Baden-Württemberg, Stuttgart 


2006 Höhepunkte der KunstFilmBiennale Köln 2005, Kunst-Werke Berlin 

2008 Nordlichter, 84. Herbstausstellung niedersächsischer Künstler, Kunstverein Hannover 

2009 Images Recalled – Bilder auf Abruf, 3. Fotofestival Mannheim Ludwigshafen Heidelberg 

2010 Expanded Media – Medien im Raum, 23. Stuttgarter Filmwinter, h7 raumaufzeit 

Den spannungsreichen Übergängen von Fiktion und Realität, Theatralität und Alltag ist Mirko Martin 

(*1976 in Sigmaringen) auf der Spur. Seit seinem ersten Aufenthalt in Los Angeles im Jahr 2005 bietet diese 

größte Metropole der Filmindustrie das künstlerische und soziologische Forschungsfeld für seine Fotografien 

und Videoarbeiten. In ihrem Zentrum stehen die Straßen von Downtown L.A. mit ihrer erzählerischen Dichte 

aus Konfliktpotenzial, Exzentrik und Künstlichkeit und der Mischung verschiedenster ethnischer und sozialer 

Gruppen. Im Museum Biedermann wird eine Auswahl von Fotografien aus der etwa 70-teiligen Serie „L.A. 

Crash“ (seit 2006) zu sehen sein, in denen sich Elemente der Filmwelt ins Alltagsleben eingeschlichen haben. 

Die nichtlineare Präsentationsform der Fotografien, die sich über eine große Wandfläche verteilen, ermöglicht 

eine episodische Erzählweise dieser short cuts, die auch untereinander vielfältig in Beziehung treten. 

Gegenüber zeigt Mirko Martin erstmals seine neuste Videoarbeit „Street Scripts“ (2012), für die er Obdachlose 

in der Bücherei einer der zahlreichen Missionen der Stadt interviewt hat. Nach ihren Phantasien und Fiktionen 

gefragt – „Welchen Film würden Sie drehen, wenn Sie mit allen finanziellen Möglichkeiten und künstlerischen 

Freiheiten ausgestattet wären?“ – sind eindringliche und wertschätzende Portraits entstanden. Die 

Interviewten erzählen mit erstaunlicher Leichtigkeit und Präzision und teilweise mit großen theatralischen 

Gesten. Zwischen den Zeilen, und manchmal auch ganz direkt, erfährt man die Geschichten ihres Lebens, 

ihrer Realitäten, Hoffnungen und Desillusionen: „Im Prinzip, geht es um unseren Zusammenhalt“, resümiert 

Timothy Kyles einer der Protagonisten. In der Verschränkung der Erzählebenen von filmischer Phantasie und 

eigener Biografie sind kleine Sozialstudien gelungen, die preisgeben ohne vorzuführen.

Christl Mudrak 

KUNSTSTIFTUNG 


1972 geboren in Memmingen, Allgäu 

lebt und arbeitet in Erbach und Berlin 

1993 – 1998 Magisterstudiengang Kunstgeschichte, kl. Archäologie & 

Psychologie, Universität Augsburg und Freie Universität Berlin 

2000 – 2006 Malerei Diplomstudiengang, Kunsthochschule Berlin-Weissensee 

2006 – 2007 Meisterschülerin, Kunsthochschule Berlin-Weissensee 

2006 – 2008 MFA Fine Arts Programme, Goldsmiths College, London 


2002 DAAD Stipendium, Muchina Akademia St. Petersburg 

2003 Erasmusprogramm, Ecole Nationale Superieure des Beaux Arts, Paris 

2004 – 2005 Stipendiatin des Cusanuswerk 


2011 2-monatige Residenz, LoBe (London Berlin Art Kunst), Berlin 

Ausstellungen und Projekte (Auswahl) 

2005 Octopus avec Souci, Schloss Lanke 

2006 Berlin Night, Superdeluxe-Club, Tokyo 

2007 LA3, Projectspace Goldsmiths, College, London 

2008 Is the world flat?, Kunstverein Arti et Amicitiae, Amsterdam / Vertigo, FIELD, Berlin 

2009- Fairytale of Berlin, Scion Space, Los Angeles / ChongQing Biennial of Contemporary Art, 

ChongQing China / Schwarzes Haus Weiss, ETH, Zürich 

2010 SPICY MEISSEN, Hol, Hús og Bæn, Kunststiftung Baden-Württemberg, Stuttgart / Texture, 

Galerie METRO, Berlin / Bandproben 7-8, collaboration with Katja Pudor und Antonia 

Nordmann, Berlin / SCHWARZES HAUS WEISS, ETH, Zürich, Oktober 2009 bis Juli 2011 / 

PAINTING IN SIDE A PAINTING - Studio Project, Oktober 09 bis December 11 / 

MEMMINGER GOLDBARREN, art in architecture, Kreissparkasse Memmingen 

Gemischte Platte 2010, Pankow, Berlin / Die Panke, curated by Olivia Reynolds, Badstrasse, 

Wedding, Berlin 

2011 EL CAIDERO, Artenara Stone House Project I, Las Cuevas, Gran Canaria / Tschüss mein 

Schatz, final show at Monbijou Studios, Berlin / HAUS VERTIGO, KID Kunst im Dialog, Ulm 

Einzigartige Objekte , project with Irene Pätzug, Wedding, Berlin / Reflectionfactory, 

Kunstarkaden, München / Ines Lechleitner‘s Table of Contents, sense / correspondence 1, 

Saprophyt, Wien / Immediate Territory, Magdalen Road, Oxford / Impressionismus 

ausserhalb Frankreichs, Prenzlauer Promenade, Berlin / Brutalist Art Project, publication of 

proposals and enquiries, speculations and flights of fancy, by Julie Westermann, Sheffield / 

BB20, Ungarische Botschaft Berlin, curated by Rita Pinter 

Veröffentlichungen 

„Spiel mit mir“, Katalog zur Photographie Serie, Berlin 2006 

Schwarzmalerei in der Architektur, Detail Magazin, Oktober 09 

The Invitation Exhibition of Chinese and German Contemporary Installation Art, Ausstellungskatalog zur 

ChongQing Biennial of Contemporary Art, China 2009 

„Fairytale of Berlin“, Scion Space, Ausstellungskatalog 2009 

Die Malerin Christl Mudrak (*1972 in Memmingen) untersucht in ihrer installativen Malerei die räumliche, 

physische und psychische Wirkung von Farbe und Bildfläche. Ihre raumgreifenden Inszenierungen lassen nicht

unbeteiligt. Im Gegenteil verwickeln sie die BetrachterInnen komplett und unmittelbar mit ihren Körpern und 

Sinnen, setzen Gefühle in Bewegung und führen durchaus auch an die Grenzen der Wahrnehmungsfähigkeit. 

Indem die Künstlerin Räume mit dynamischen Mustern, wie z.B. Spiralen überzieht, geraten Wände, Decke und 

Boden ins Schwanken, wirbeln Oben und Unten, Rechts und Links durcheinander und entziehen dem 

Gleichgewichtssinn die Orientierung. Die Blicke strudeln zwischen unerhörter Distanzlosigkeit und 

provozierender Dichte hin und her und finden weder Halt noch Ruhe. Diese Intensität der Unmittelbarkeit 

ermöglicht die sinnliche Erfahrung purer Energie. Neben einer raumgreifenden Installation im oberen Stockwerk 

des Museums wird Christl Mudrak mit der Miniatur „Hauses Vertigo“ (2010) vertreten sein, ein aufklappbares 

Modell, Kopie des realen Hauses in Ulm, das komplett mit schwarzen Spiralen auf weißem Grund überzogen 

ist.

Gabriela Oberkofler 

KUNSTSTIFTUNG 


1975 in Bozen geboren 

lebt und arbeitet in Stuttgart und Flaas 

1997 – 1998 Studium an der University of Visual Arts 

in Corner Brook /Neufundland 

1998 – 2002 Studium an der FH für Kunsttherapie in Nürtingen 

2002 – 2009 Studium an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste 

Stuttgart bei Prof. Werner Pokorny, Prof. Micha Ullman, 

Markus Ambach und Prof. Rainer Ganahl 


2006 Akademiepreis für „Museum für sedimentierte Kunst“ 

2007 Förderpreis des Künstlerbundes Baden Württemberg 

2009 Atelierstipendium der Kulturstiftung Rhein Neckar e. V., Heidelberg 

2010 Herbert Zapp-Preis für junge Kunst 

Columbus Förderpreis für aktuelle Kunst 


2007 Alpenglühen, Kunstverein Wilhelmshöhe, Ettlingen 

2009 Blut im Schuh, Hospitalhof, Stuttgart 

2010 Blutrote Waldameise und glänzend schwarzes Pech, Atelier Wilhelmstrasse, 

Stuttgart 

2011 Verstrickt!, Galerie Weingruell, Karlsruhe / Die Geranie soll eine wichtige Rolle spielen 

Columbus Art Foundation Ravensburg 


2007 Two days only, Fruit and Flower Deli, New York/USA 

2008 Nachbarschaft, Startergalerie, Posnan/Polen 

2009 Bildschön. Schönheitskult in der aktuellen Kunst, Städtische Galerie, Karlsruhe 

2010 Knödelinstallation, Kunstmuseum Stuttgart 

2011 Säen und Jäten, Volkskultur in der zeitgenössischen Kunst, Cobra Museum of Modern Art 

Amstelveen 

Am 25. Juli 2011 begab sich die aus einem kleinen Bergdorf in Südtirol stammende Künstlerin Gabriela 

Oberkofler (*1975 in Bozen) auf eine etwas andere Stadtrundfahrt: Gabriela Oberkofler fuhr mit 

ihrem selbstgebauten mobilen Bauernhof begleitet von Willi, Meggie, Paul, Pauline, Moses, Vivien, 

Max, Daisy und Luca über die Museumsinsel der Hauptstadt. Ihr vierrädriger Bauernhof umfasst die 

weite Bergwelt im Kleinen: ein Pferd zieht den Wagen, der neben einem kleinen Haus einen 

Gemüsegarten, einen Blumengarten und Stallungen beherbergt, die von Hasen, Meerschweinchen, 

Hühnern und einer Ziege bewohnt werden. 

Der Kontrast des Ländlichen zu dem Urbanen ist gewaltig: Gabriela Oberkofler versetzt durch diese 

Aktion die Idylle ihres Heimatdorfes in die größte und bevölkerungsreichste Stadt Deutschlands. Dadurch 

konfrontiert sie bewusst die Bilder einer bukolisch abgeschiedenen Berglandschaft mit dem pulsierenden 

Leben Berlin-Mittes. Der Bauernhof geht auf Reisen – er verlässt seine ländliche Herkunft und stürzt sich 

in das globale Treiben einer Metropole.

KUNSTSTIFTUNG 


Patrick Fabian Panetta 

1977 in Stuttgart geboren 


Ausbildung 

2002 – 2007 Studium der freien Malerei an der Staatlichen Akademie 

der Bildenden Künste Stuttgart bei Prof. M. Eigenheer 

und Prof. C. Jankowski 

2003 – 2005 Studium an der Accademia di Belle Arti di Brera, Mailand, 

bei Prof. D. Esposito 


2003 Akademiepreis 

2007 – 2009 Landesgraduiertenstipendium 


2007 The Grand Opening, K/P, Berlin 


2008 Piraterie Problem, Brandenburgischer Kunstverein, Potsdam 

2009 The Agency of Words, Bury Gallery, Museum+Archives, Manchester/England 

Arbeiten in öffentlichen Sammlungen (Auswahl) 

2008 Kunstsammlung Daimler 

2009 Bury Gallery, Museum+Archives, Manchester 

Publikationen (Auswahl) 

„VORN Magazine”, Progressive Visuals & Words, Issue 5, Printkultur, Berlin 2008 

„Ampersand”, Ausstellungskatalog, Daimler Kunstsammlung, Hirmerverlag, München 2010 

Patrick Fabian Panetta (*1977 in Stuttgart) eignet sich Strukturen und Funktionsweisen des Kunstsystems an, 

weniger als reine Kritik an der Marktgängigkeit von Kunst, sondern als taktisches Kalkül: Strukturen und 

Mechanismen werden als Material verwertet, synthetisiert und als Kunst wieder ins System eingespeist. „Daraus 

entsteht nicht ein Bild vom Kunstbetrieb, sondern vielmehr ein Bild aus Kunstbetrieb“ (Adreas Pinzsewski). 

PROXY (engl.: Stellvertreter) ist die Vorsilbe, die alle Werke Panettas im Titel tragen. Die Andeutung auf den 

Status der Ersetzbarkeit spielt mit dem Mythos des Werks, seiner Aura und Authentizität. Bei der Serie der 

„PROXY AFFAIRS (Make problems just sexy enough)“ (2004/2011), von denen ein Bild im Museum 

Biedermann gezeigt wird, stöbert er in Ateliers unterschiedlichster Künstler misslungene und verworfene 

Gemälde auf und überzieht diese mit schwarzer Lackfolie. Plündern, Aneignen und Zweitverwertung als 

ästhetische Strategie: Monochrom maskiert gelangt das Ausrangierte zu Glanz und neuer Autorschaft. Die 

Mischung aus Glätte und Neutralität, Entleerung und Intensität, nimmt den Charakter des persönlichen Stils

Patrick Panettas an. In „PROXY AFFAIRS (Reblogged from god’s abacus)“, seiner neusten Arbeit, dreht er die 

Techniken der Aneignung, Neukombination und Wiederholung um, kurbelt sie weiter und potenziert diese 

mediale Bildaktivität. Auf der Suche im Netz, wo und wie oft Bilder seiner Arbeiten auf Blogs kopiert und 

gepostet werden, filmt er die Bildblogs ab und lässt sie wie einen Film auf einem Monitor laufen oder zieht 

Ausschnitte als Fotografien ab und hängt sie gerahmt in die Ausstellung. Die frei im medialen Raum 

zirkulierenden Bilder – längst globale Weltsprache – und ihre grenzenlose Verfügbarkeit, führen zu visuellen 

Konfigurationen, Inszenierungen und Bilddramaturgien, die in der PROXY-Logik jede weitere künstlerische 

Bildproduktion ad absurdum führt, da das digital Imaginäre jede lineare Bildgrenze bereits überschritten hat.

KUNSTSTIFTUNG 


Hannes Schmidt 

1974 geboren in Freiburg im Breisgau 


Ausbildung 

1997 – 2003 Studium der Bildenden Kunst an der Hochschule für Kunst 

und Design Burg Giebichenstein, Halle an der Saale, bei Prof. 

Ute Hörner und Prof. Christine Triebsch 

2004 Diplom der Bildenden Kunst an der Hochschule für Kunst und Design Burg 

Giebichenstein, Halle an der Saale 


2004 Everything about the Truth, Nice & Fit Gallery, Berlin 

2006 Dicht im Frontalunterricht, Nice & Fit Gallery, Berlin 

2007 Exhibiting: Exhibiting, Eva’s Arche und der Feminist bei Gavin Brown Enterprises 

(Projektraum), New York 

2008 State of the Process, Nice & Fit Gallery, Berlin 


2005 German Objektivism, Kagami Gallery, Paris 

2006 Panic Room: Recent Acquisitions from the Dakis Joannou Collection, DESTE, Athen 

2007 Friday 13th, Admiralspalast Berlin 

2008 resh Kills, kuratiert von David Kennedy-Cuttler, DUMBO Center of Arts, New York 

2009 Inkonstruktion IV, Art Biesenthal, Biesenthal 

2010 Ins Blickfeld gerückt, Institut Francais, Berlin 

Veröffentlichungen (Auswahl) 

Helena Papadopoulos, „Hannes Schmidt”, strippedbare 02, Mai – Juni, 2004 

„The Summer Show Proposal Show“, Katalog zur Ausstellung, 2005 

Walter Robinson, Syghroni Elliniki, artnet.com, 2007 

„Transatlantico 2“ – USA/Germany, Site Magazine/Petra Rinck, Düsseldorf, 2008 

The Chain, „Berlin Art Scene”, Peeping Tom/Capricious Published, Paris, 2009 

Hannes Schmidt (*1974 in Freiburg) zeigt eine räumliche Installation, die grundlegende Fragen von Kunst, 

ihrer Produktion, Rezeption und Verwertung aufgreift. Zu sehen sind mehrere Bilder an der Wand sowie 

Reproduktionen von diesen, die in unterschiedlichen Techniken auf Hartfaserplatten und Stoffen an frei im 

Raum stehenden Bauzäunen montiert sind. Die Bilder wiederum untersuchen Grundstrukturen der Malerei wie 

Linie, Monochromie oder Duktus und werden von Hannes Schmidt als Placeholder bezeichnet, was ihren 

Stellenwert zwischen Original und Reproduktion noch weiter verunsichert. In jedem Fall wird der 

unmittelbaren, subjektiven Erwartungshaltung an Kunst eine klare Absage erteilt, dafür: Entziehen, 

Verweigern, doppelte Böden, Sackgassen und Desillusionen. Strategisch lenkt der Künstler die 

Aufmerksamkeit von den Exponaten auf die Zusammenhänge zwischen ihnen und auf die eigene Verstricktheit 

in die vorgeführten Verhältnisse.

Hanna Schwarz 

KUNSTSTIFTUNG 


1975 in Stuttgart geboren 


1998 – 2005 Studium an der Hochschule der bildenden Künste 

Hamburg, bei Stephan Dilleuth und Cosima von Bonin 


2005 Ditze Begabtenförderung 

2006 Arbeitsstipendium Stiftung Kunstfonds 

2011 Aufenthaltsstipendium Schloß Balmoral 


2009 Living In A Box, Statements, Art Basel 

2010 Tür zu Tür, Open Space, Art Cologne 

2011 In Vorbereitung: zusammen mit Alexandra Bachtsezis, Kunstverein Leverkusen 


2008 The Krautcho Club/In and Out of Place, Projectspace176, London/United Kingdom 

2009 Modern Physics, Te Tuhi Pakuranga, Manukau City/Neuseeland 

2010 Performative Structures – New Existentialism Part1, Alte Fabrik Rapperswil/Schweiz 

Projekte (Auswahl) 

2001 – 2004 Salon de Thé, Salonartige Veranstaltung mit Lesungen, Performances, 

Ausstellungen 

Den Arbeiten von Hanna Schwarz (*1975 in Stuttgart) liegt die Auseinandersetzung mit dem „Tanz“ als 

Beziehung von Körper, Raum, Bewegung und Reduktion zugrunde, somit Grundprinzipien des 

Minimalismus seit Mitte der 1960er Jahre. In ihren Filmen, Zeichnungen und Skulpturen befragt sie 

klassische Tanzelemente wie Narration und Choreografie, Körper und Körperbilder, Rhythmik, Pose und 

Geste, die sie in Einzelphänomene auflöst und neu konfiguriert. In den skulpturalen und installativen 

Arbeiten „Tür zu Tür“ (2010) und „Chairmen“ (2010), die beide im Museum Biedermann zu sehen sind, zeigt 

sie Schwerkraft, Energie, Balance und Gleich-gewicht als Dimensionen, die dem Tanz inne wohnen. Türen 

lehnen an filigranem Holzgestänge, über einem leicht nach hinten gekippten Stuhl liegt ein Brett, während 

ein anderer kopfüber ein Brett stützt, das dadurch aufrecht stehen kann. Der Schwebezustand der 

verschiedenen Szenarien wird jeweils scheinbar flüchtig und mühelos von einer Kordel getragen, 

Visualisierung der Kräfteverhältnisse und ihrer Fragilität. Es scheint, als sei das elegante theatrale 

Arrangement der Objekte mit der verführerischen Qualität ihres Materials bei gleichzeitiger formalistischer 

Strenge, Kulisse und Akteur einer Aufführung in einem.

KUNSTSTIFTUNG 


Katrin Ströbel 

1975 in Pforzheim geboren 

lebt und arbeitet in Stuttgart, Frankfurt und unterwegs 

(Frankreich, USA, Marokko, Nigeria, Senegal, Südafrika, Peru) 

Stipendien, Preise und Residencies (Auswahl) 

1999 IPA Fraunhofer Kunstpreis 

2004 Promotionsstipendium der Heinrich Böll Stiftung, Berlin 

2005 Residence Ateliers d´Artistes de la Ville de Marseille/Frankreich 

2006 Cross Culture Förderung für Marokko, Institut für Auslandsbeziehungen 

2007/09 Atelierstipendium des Landes Baden-Württemberg 

2008 Cité Internationale des Arts, Paris/Frankreich 

2009 Artist in Residence Goethe Institut Dakar/Senegal 

2010 IBK Preis für Zeichnung 


2008 Auf/rasm, Le Cube, Centre Autrichien, Rabat/Marokko 

2009 Bitim-réew, Goethe-Institut Dakar, Senegal 

2010 Je mehr ich zeichne, Museum für Gegenwartskunst, Siegen 

2011 Nebenan, Galerie Interface & Galerie Barnoud, Dijon 


2004 Spring Colloquium – Institute of Curatorship and Education Edinburgh, Schottland 

2007 Dessins, Projets..., L´appartement 22, Rabat/Marokko 

2008 Ankunft bei Aufbruch, Meinblau, Berlin 

2009 Bad Form blank projects Cape Town, Art Fair Johannesburg/Südafrika 

2010 Allá / là-bas / dort, Galerie [e]Star, Lima/Peru (mit Maricel Delgado) 

2011 Lines fiction, Galerie Fruehsorge, Berlin 

Salon du dessin contemporain, Paris/Frankreich (mit Galerie Frühsorge, Berlin) 

Dass Bilder der Migration und des Tourismus mitunter die gleichen sein können und als doppelbödige 

Projektionsflächen von Wahrheiten und Klischees überlagert werden, sind zentrale Aspekte der künstlerischen 

Arbeit von Katrin Ströbel. Ihren Zeichnungen, Foto-grafien und Videos liegen die Eindrücke und 

Beobachtungen ihrer zahlreichen, mehr-monatigen Arbeitsaufenthalte in Frankreich, England, Marokko, 

Nigeria, Senegal, Südafrika und Peru zugrunde. Gegenwärtig ist sie in Australien. Ihre Arbeit „Ile de Gorée“ 

(2012), besteht aus ca. 200 DIN A 4 Blättern, die zu einem großen Bild zusammengefügt sind. Zu sehen ist 

eine Zeichnung der Insel Gorée, die vor der Küste Senegals etwa 3 km von der Hauptstadt Dakar entfernt 

liegt. Die einzelnen Blätter, die nur jeweils an der oberen Kante an der Wand befestigt sind, werden durch 

Windwellen des davor platzierten Ventilators in Bewegung gehalten. Der so animierte Montagecharakter der 

Arbeit verhindert den verklärt schweifenden Blick in die vorgebliche Idylle des Bildes und zwingt das Auge 

ander Oberfläche hin und her zu springen, so dass der Verlauf des Blicks zum Stop-and-Go gerät: 

Paradiesischer Strand für die einen, Ort des Albtraums für die anderen, war die Insel einer der wichtigsten 

Deportationshäfen zu Zeiten der Sklaverei, eine bis heute nicht vollständig geklärte Vergangenheit. Die zweite 

Arbeit von Katrin Ströbel trägt den Titel „Polis“ (2007). Sie besteht aus ca. 20 hintereinander gestaffelten 

Plastikfolien, auf denen mit schwarzem Filsstift ein pulsierender Dauerstrom aus Chiffren, Architekturen und 

Ornamentfragmenten gemalt ist, der sich zu einem atemberaubend dichten Stakkato aus Simultanitäten, 

Durchdringungen, Geschwindigkeiten und Geflimmer zusammensetzt.

Alex Tennigkeit 

KUNSTSTIFTUNG 


1976 geboren in Heilbronn 


Ausbildung 

1996 – 2002 Studium an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste 

Karlsruhe, Klasse Prof. Silvia Bächli und Andreas Slominski 

2001 – 2002 Meisterschülerin bei Andreas Slominski 


2005 GVS-Förderpreis Junge Künstler 

Künstlerstätte Schloss Bleckede 

2007 Foundation B.a.d. Rotterdam, zweimonatiger Aufenthalt 

2010 URDLA, Aufenthalt in Druckwerkstatt 


1999 I never get out of these Blues alive, Flugzeughangar, Karlsruhe 

2003 Oh so random..., mit Marcus Sendlinger, Galerie Jette Rudolph, Berlin 

2006 LARGER THAN LIFE, Galerie Jette Rudolph, Berlin 

2007 Art Brulé, mit Nicole Bianchet, Le 9bis, St. Etienne 

2008 Flipside Arcadia, Galerie Jette Rudolph, Berlin 

2010 Amygdala Pleasures (Arbeitstitel), Galerie Jette Rudolph, Berlin 

Open Space, Art Cologne, Köln 


2003 Wheeling, cell project space, London 

2004 Unplugged, Berlin 

2006 Die Jugend von Heute, kuratiert von Matthias Ulrich, Schirn Kunsthalle, Frankfurt/Main 

2007 Strange Brew, kuratiert von Wolfgang Schoppmann, max lang gallery, New York 

2008 Gegen den Strich – Experimentierfeld Zeichnung, Bielefelder Kunstverein 

2009 BIG IN JAPAN, Arcus Project, Ibaraki 

SEX RULES, kuratiert von T. Draschan und R. Greif, Apartment Draschan, Vienna 

2010 Kasemir, Pagenkemper, Suerkemper, Tennigkeit, Galerie Jette Rudolph, Berlin 

Die Künstlerin Alex Tennigkeit (*1976 in Heilbronn) beschäftigt sich mit mythologischer, kunstgeschichtlicher 

und christlicher Ikonografie und verschränkt diese mit Bildmotiven und Alltagsszenen gegenwärtiger Popkultur. 

Ihre exakt komponierten, theatralen und bisweilen dramatischen Bilderzählungen schöpfen aus dem Repertoire 

barocker Stilmittel wie Allegorie, Metapher und rhetorische Pathosformeln genauso wie aus massenmedialen 

Stereotypen von Krieg, Sex und Gewalt. Ihre Bildmetamorphosen knüpft sie in ein dichtes Netz von 

Übersteigerung und Pathos, Mainstream, Trivialität und Kitsch, und verweigert bei allem schönen Schein jede 

schnelle Lesbarkeit. Den existentiellen Themen haftet Melancholie und Düsternis bei gleichzeitiger Ironisierung 

und schonungslosem Humor an, wodurch sich vielschichtige Ebenen der Interpretation anbieten. Im Museum 

Biedermann werden neben der großformatigen Arbeit „Neue Andacht“ (2011) einige Porträts aus der 20-teiligen 

Serie „Selbst als Allegorie“ gezeigt, bei denen das Gesicht der Künstlerin „Schauplatz grotesker Maskeraden, 

wüster Verstümmelungen und provokanter Abjektionen“ (Jette Rudolph) ist.

KUNSTSTIFTUNG 


Michaela Tröscher 

1974 geboren in Freiburg im Breisgau 

lebt und arbeitet in Hinterzarten (Schwarzwald), auf Island und im Appenzellerland 

Ausbildung 

1996 – 2003 Studium der Bildhauerei an der Hochschule der Bildenden 

Künste Saar/Saarbrücken 

1999 – 2001 lebt und arbeitet in Reykjavik (Island) 

2003 Diplom und Ernennung zur Meisterschülerin an der HBK-Saar/Saarbrücken 


2003 Reisestipendium der HBK-Saar nach Island 

2007 – 2008 Künstleraufenthalt im alten Funkturm auf dem Feldberg (Schwarzwald) 

2010 Nes partial stipend, Nes Listamiðstöð, Skagaströnd (Island) 

Ausstellungen (Auswahl) 

1998 Saarlorlux-Filmfestival, Video, Saarbrücken 

28... die aus Deutschland, Chun Chon Galerie, Chun Chon/Süd-Korea 

2000 Kvikar Myndir, Video, Living Art Museum, Reykjavik/Island 

2002 Schwarzwaldreykjavikberlin, Wohnraumprojekt, Berlin 

2004 Kopf treibt Blühte, Fotografie, Schaubar Ausstellungsraum für Kunst, Architektur, Design, 

Saarbrücken (G) 

2006 Abgemacht, Rauminstallation, Galerie Gosz, Saarbrücken, (mit Małgorzata Sztrémer) 

2007 Mythos – Feldberg, Schwarzwälder Skimuseum, Hinterzarten 

2008 Roi de belge, gemischte Materialien, Schwarzwälder Skimuseum, Hinterzarten 

2009 Familientreffen, Atelierfrankfurt, Frankfurt/Main 

Veröffentlichungen (Auswahl) 

„Form zeigt sich/eine Künstlerklasse in den 90er Jahren des 20. Jahrhunderts“, Herausgeber HBK-Saar, 

Saarbrücken, 2002 

„Schwarzwälder Skimuseum“, Herausgeberin Brigitte von Savigny, Hinterzarten, 2008 

Die Bildhauerin Michaela Tröscher (*1974 in Freiburg) verbindet verschiedene Kultur- und Naturräume. Sie 

führt Empfindungen und Anschauungen über Landschaft, Wasser, Kälte, Sprache, Klang, Reise und Heimat in 

Zeichnungen, Malerei, Objekten, Installationen und Filmen zu poetischen Vorstellungsräumen. In 

Donaueschingen zeigt sie zwei Arbeiten in Form von „Schaukästen“ unterschiedlicher Größe, die aus massivem 

Fichtenholz gearbeitet sind und sich auf ihre Aufenthalte in Island beziehen: Auf der Vorderseite der 

Videoskulptur „the space of heritage“ (2011) sind farbintensiv leuchtende Buntstiftzeichnungen und Stickereien 

auf rotem Grund gehängt, während man auf der Seite ein Video ihrer Schiffsreise von Island nach Dänemark 

sieht, das mit einem Text in isländischer Sprache und Geigenklängen unterlegt ist. „sælur reitur“ (2003/10) zeigt 

die bestickte Islandkarte. Beide Arbeiten sind in Anklang an den isländischen Roman híbýli vindanna 

(„Wohnstätte der Winde“) von Böðvar Guðmundsson entstanden, der die Künstlerin seit dem Jahr 2000 als 

Hauptinspirationsquelle begleitet und den sie – des isländischen kundig – Teil um Teil ins Deutsche übersetzt. 

Er schildert die Auswanderungswelle von Island nach Kanada nach der mehrmonatigen Eruption des Vulkans 

Askja im Jahre 1875 und die anschließende Suche nach Heimat – zentrales Motiv der Auseinandersetzungen 

der Künstlerin.

Pablo Wendel 

KUNSTSTIFTUNG 


1980 in Tieringen geboren 

lebt und arbeitet in Stuttgart und London 

Ausbildung 

1999 – 2002 Steinbildhauerausbildung 

2002 – 2009 Studium der Bildhauerei an der 

Staatl. Akademie der Bildenden Künste Stuttgart 

2006 Studium an der China National Academy of Fine Arts / Hangzhou, China 

2007 – 2008 Institute of Social Research an der Staatl. Akademie der Bildenden Künste Stuttgart – 

CCA San Francisco/USA 

2008 – 2010 Masterstudium am Royal College of Art / London 


2007 Frischzelle-07, Kunstmuseum, Stuttgart 

2008 Schmarotzer, EXP. Interventionsraum, Stuttgart 

2009 Explosives, Kunstverein Friedrichshafen 


2010 Dvina Silo Art Complex, Vilnius/Litauen 

New german Art, Deutsche Botschaft, London/England 

2009 Dreams that money can´t buy, Westwerk, Hamburg 

2008 Beauty Farm, Raum im Hagenbucher, Heilbronn 

2007 Special show, brouwer.edition, Art Karlsruhe 

2006 Coming out of the Maultasche, Macarone Inc., New York/USA 

Pablo Wendel (*1980 Tieringen) bewegt sich in seiner künstlerischen Auseinandersetzung immer wieder 

zwischen lnstallations-, Performance- und Videokunst. Dabei beschäftigt er sich oft mit gesellschaftlichen und 

künstlerischen Grenzsituationen und be- oder überschreitet diese auch tatsächlich, so dass in seinen 

Projekten künstlerische Intervention mit Alltags- und Lebensrealität aufeinander treffen. 

Schon früh international bekannt wurde Pablo Wendel 2006 durch seine Performance-Aktion als Krieger in der 

streng bewachten chinesischen Terrakottaarmee in Xi’an. In einem selbst gefertigten Kostüm kopierte er die 

steinernen Soldaten und stand über zehn Minuten unbemerkt in der letzten Reihe der historischen Armee. 

Andere Projekte – oder „Experimente“, wie er sie selbst nennt – bewegen sich an der Schnittstelle von Kunst, 

Natur und Technik. So gilt sein aktuelles Interesse der Gewinnung von realem Strom durch Performances und 

Kunstobjekte (siehe auch: www.performance-electrics.com) 

Die hier präsentierte Dusche aus einem umgebauten Müllcontainer entstammt dem Sanitärbereich der 

Künstlerresidenz Utopia Parkway (Februar - März 2011, Stuttgart Mitte). Während des gesamten Projektes 

wurde die Dusche von zahlreichen Künstlern tatsächlich täglich benutzt. Gemeinsam mit den Künstlerkollegen 

Helmut Dietz und Kestas Svirenelis hat Pablo Wendel vorgefundenes Material vom Areal in prototypische, 

funktionale und skulpturale Einrichtungsgegenstände umgebaut. 

Auf Nachfrage kann die Dusche auch im Museum benutzt werden.

Künstlerviten und Kurztexte zur Ausstellung "ausgezeichnet!"

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