Programmheft Furor und Leichtigkeit

Furor und Leichtigkeit
KAPmeets Sabine Meyer
16. März 2023

DONNERSTAG | 16. MÄRZ 2023 | 20 UHR | NIKOLAISAAL
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KAPmeets Sabine Meyer Furor und Leichtigkeit
Jörg Widmann (* 1973)
„Con brio“ Konzertouvertüre für Kammerorchester
Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791)
Konzert für Bassettklarinette und Orchester A-Dur KV 622
Allegro
Adagio
Rondo. Allegro
Pause
Ludwig van Beethoven (1770–1827)
Sinfonie Nr. 4 B-Dur op. 60
Adagio – Allegro vivace
Adagio
Allegro molto e vivace – Trio. Un poco meno allegro
Allegro ma non troppo
Sabine Meyer Bassettklarinette
Antonello Manacorda Dirigent
Kammerakademie Potsdam
Nach dem Konzert im Foyer: Gespräch (inkl. Getränk) mit Sabine Meyer,
Chefdirigent Antonello Manacorda und rbb-Moderatorin Anja Herzog.

4 KOMPONISTEN UND WERKE
Furor und Leichtigkeit
Jörg Widmann
„Con brio“ Konzertouvertüre
für Kammerorchester
Entstehung: 2008/2016
Dauer: ca. 12 Minuten
Besetzung: 2 Flöten (auch
Piccolo), 2 Oboen,
2 Klarinetten, 2 Fagotte,
2 Hörner, 2 Trompeten,
Pauken, Streicher
Nach einem wie Jörg Widmann (*1973) kann man heutzutage
länger suchen. Als dirigierender und komponierender
Klarinettist – je nach Anlass auch in anderer Reihenfolge –
repräsentiert Widmann einen modernen Musiker-Typus
jenseits der in Barock und Klassik tonangebenden Streichund
Tasteninstrumente. Bei dem gebürtigen Münchner geht
nach eigener Aussage alles von der Klarinette aus, sogar das
Komponieren. Zu seinen Lehrern gehörten so bekannte
Komponisten der Neuen Musik wie Hans Werner Henze und
Wolfgang Rihm. Den eigenen Maßstäben genügten jedoch
erst die ab 1993 geschaffenen Werke, darunter die extravagante
Fantasie für Klarinette solo. Nicht nur als Klarinettist,
auch als Komponist gründet Widmann im
klassisch-romantischen Repertoire, selbst dann, wenn er es
weit hinter sich zu lassen scheint, wie in der experimentellen
„Hallstudie“ für Klavier (2003). Die Bedeutung der musikalischen
Überlieferung steht für Widmann außer Frage:
„Selbst wenn ich so tue, als ob mich gegen eine Tradition
wehre, setze ich mich schon damit auseinander. Wir kommen
alle irgendwo her.“ Viele seiner Werke sind geprägt von
einer ebenso intensiven wie offensiven Auseinandersetzung
mit musikalischen Vorläufern wie Ludwig van Beethoven,
Franz Schubert und Robert Schumann. Während etwa Widmanns
präzis delirante „Fieberfantasie“ für Klavier,
Streichquartett und Klarinette (1999) Reminiszenzen an
Robert Schumann enthält, bildet die Orchesterouvertüre
„Con brio“ die Essenz von Widmanns Studien der Beethoven-
Sinfonien ab.
Die im Jahr 2008 vom Bayrischen Rundfunk-Symphonieorchester
uraufgeführte Ouvertüre entstand auf Anregung
des Dirigenten Mariss Jansons, der explizit einen Bezug zu
Beethovens 7. und 8. Sinfonie gewünscht hatte. Bereits der
Titel deutet auf den Großmeister hin, dessen 250. Geburtstag
im Jahr 2020 in aller Welt begangen wurde. Con brio (lebhaft,
feurig, strahlend) ist eine musikalische Vortragsanweisung,

KOMPONISTEN UND WERKE
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die von Beethoven sehr häufig gebraucht wurde. Die instrumentale
Besetzung mit doppelten Holzbläsern, wenig Blechbläsern
sowie Streichern und Pauke entspricht derjenigen in
der 7. und 8. Sinfonie. Indessen zitiert Widmann kein einzelnes
Motiv aus diesen Werken, sondern knüpft an spezifische
Bewegungstypen an, die er in seine Klangsprache übersetzt.
„Dabei bewegt er sich mit anscheinend seiltänzerischer
Sicherheit zwischen zitatähnlichen Anspielungen einerseits
und ganz neuzeitlichen Antworten auf Vertrautes, die er mit
teils witzigen, teils auch schroffen Gegensätzen würzt“
(S. Bruhn). Nach eigenen Angaben stellte Widmann sich der
Aufgabe, den Beethoven’schen Furor, das rhythmische
Drängen, den typischen Temporausch erfinderisch zu transformieren.
Entstanden ist ein rasantes Stück mit kuriosen
Effekten, frappanten Akzenten und Klangfragmenten, das
mit „grimmigen Scherzo-Elementen“ gespickt und obendrein
ein verkapptes Schlagzeugkonzert ist. Denn der
Schlagzeuger ist dabei der wahre Held – hätte Beethoven
heute gelebt, wäre aus ihm womöglich ein Schlagzeuger geworden.
Über den Klang der Klarinette: „Der Charakter desselben ist: in Liebe zerflossenes Gefühl
– so ganz der Ton des empfindsamen Herzens … der Ton ist so süß, so hinschmachtend;
und wer die Mitteltinten darauf auszudrücken vermag, der darf sich seines Siegs über die
Herzen gewiss sein.“
Christian Friedrich Daniel Schubart (1739–1791)
Schon in jungen Jahren erlag Wolfgang Amadeus Mozart
dem Klang der Klarinette: „Ach wenn wir nur auch Clarinette
hätten! Sie glauben nicht, was eine Sinfonie mit Flöten,
Oboen und Clarinetten für einen herrlichen Effect macht“,
schrieb der Zweiundzwanzigjährige im Dezember 1778
an seinen Vater, nachdem er die berühmte Mannheimer
Hofkapelle gehört hatte. Gleich nach seinem dortigen Aufenthalt
komponierte er seine erste Sinfonie mit Klarinetten
(Nr. 31, KV 297), eine der ersten überhaupt, in der Klarinetten
erklangen, für das anspruchsvolle Publikum in Paris. Doch
es sollten noch einige Jahre vergehen, bevor Mozart seine
Wolfgang Amadeus
Mozart
Konzert für Bassettklarinette
und Orchester A-Dur KV 622
Entstehung: 1791
Dauer: ca. 28 Minuten
Besetzung:
Bassettklarinette solo,
2 Flöten, 2 Fagotte,
2 Hörner, Streicher

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Anton Stadler, Schattenriss.
Staatsbibliothek zu Berlin
Preußischer Kulturbesitz.
wenigen, aber umso bedeutenderen Solowerke für Klarinette
komponierte. Dabei gab die Freundschaft mit dem Klarinettisten
Anton Stadler der alten Vorliebe neuen Anstoß. Als
meisterlicher Virtuose war Stadler, der ab 1887 als Erster Klarinettist
in der Kaiserlichen Hofkapelle in Wien angestellt war,
europaweit berühmt. Wie Mozart war Stadler Mitglied einer
Wiener Freimaurerloge und beide wurden darüber hinaus
enge Freunde. Stadler, das Ribisel (Johannisbeere) oder Ribisel-Gesicht,
wie ihn Mozart in seinen Briefen an Constanze familiär
karikierte, begleitete Mozart auf einigen Reisen in
seinen letzten Lebensjahren. Sie reisten nach Frankfurt/Main
zur Krönung von Kaiser Leopold und auf der letzten Reise
nach Prag zur Uraufführung von „La Clemenza di Tito“ am
30. September 1791 drei Monate vor Mozarts Ableben. In dieser
Oper hatte Mozart für Stadler zwei Arien mit obligater Klarinette
bzw. Bassetthorn komponiert.
Auf seiner eigens für ihn gebauten Bassettklarinette
kreierte Stadler neue Klangsensationen bis hinunter
zum tiefen C. Obwohl Stadlers leider nicht erhaltenes
Instrument bereits vier Töne tiefer reichte als
die damals üblichen, war es mit seinen nur fünf
Klappen für heutige Begriffe noch recht primitiv.
Umso erstaunlicher muten daher manch virtuose
Stellen an, die selbst diesen Meistermusiker erschreckt
haben sollen. In einer bekannten Anekdote
heißt es, dass Stadler einmal Mozart um die Änderung
einer besonders schwierigen Passage gebeten
habe. Das wurde ihm jedoch abgeschlagen mit der
Begründung, dass die Töne nun einmal in der Klarinette
drin wären und es schließlich die Sache des
Spielers sei, diese auch hervorzubringen.
Programmzettel eines Konzerts
von Anton Stadler im März 1794
in Riga mit einer Skizze seiner
Bassettklarinette.
Es liegt eine gewisse Ironie in dem Umstand, dass
Mozarts Klarinettenkonzert KV 622, heutzutage
wohl das bekannteste Werk seiner Art, ursprünglich
nicht für das Instrument geschrieben wurde, auf
dem es Weltruhm erlangte, sondern für die Bassettklarinette.
Aufsehenerregender erscheint indessen, dass das
Werk nur sieben Wochen vor Mozarts frühem Tod im Alter
von nur 35 Jahren am 5. Dezember 1791 geschrieben wurde.

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Manch ein Zuhörer meinte daher, es wäre von einer Aura des
Abschieds, von endzeitlicher Stimmung geprägt. Doch die
Umstände seiner Entstehung deuten nicht darauf hin. Erst
kurz zuvor, am 30. September 1791 war Mozarts „Zauberflöte“
erfolgreich in Wien aufgeführt worden.
Mozarts Klarinettenkonzert – ein Konzert für Bassettklarinette
Wolfgang Amadeus Mozart schrieb sein Klarinettenkonzert A-Dur KV 622 ursprünglich
für ein als „Bassettklarinette“ bezeichnetes Instrument. Zwar ist das Manuskript Mozarts
verschollen, doch gelang es der Musikforschung vor ca. 20 Jahren anhand von Dokumenten
aus Mozarts Zeit, das Konzert in seiner ursprünglichen Form zu rekonstruieren.
Eine Bassettklarinette vereinigt den in der Tiefe erweiterten Tonumfang des gegen 1780
erfundenen Bassetthorns mit der Tonhöhe der schon gegen 1700 entwickelten normalen
Klarinette. Mozarts Freund und Logenbruder Anton Stadler, für den dieses Konzert geschrieben
wurde, war zusammen mit den führenden Instrumentenmachern seiner Zeit
an der Entwicklung der Bassettklarinette beteiligt. Da der gegenüber der Klarinette
erweiterte Tonumfang eine komplizierte Grifftechnik verlangt, konnte sich das neue
Instrument jedoch nicht durchsetzen und geriet schnell wieder in Vergessenheit. In den
ersten Drucken erschien Mozarts Klarinettenkonzert dann auch gegen 1800 schon in einer
Bearbeitung für normale Klarinette, in der es seither fast ausschließlich gespielt wurde.
In dieser Bearbeitung mussten weite Teile des Werkes geändert und um eine Oktave
versetzt werden, wodurch Charakter und Struktur des Konzertes empfindlich gestört
wurden. Daher ist es begrüßenswert, dass vor einigen Jahren sowohl die ursprüngliche
Fassung des Konzertes rekonstruiert wurde, als sich auch Instrumentenbauer fanden, die
erneut Bassettklarinetten herstellten.
Reiner Wehle
Mehr als die anderen Solo-Konzerte besitzt das Konzert
KV 622 eine besondere Affinität zur Oper als erzählerische
Darstellung menschlicher Begegnung und innerer Bewegung.
„Beide Sphären zeigen Mozarts Genie als Charakterporträtist,
in beiden Fällen gibt es unglaubliche melodische
Erfindungen, eine fließende, rhythmische Sprache und ein
üppiges Orchestergefüge“ (H. C. Robbins Landon). Bereits in
dem mit einer langen Orchesterexposition beginnenden
Allegro des ersten Satzes verzichtet Mozart zugunsten der
Melodie weitgehend auf dualistische Kontraste. So wird

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dieser Satz von einem einzigen, vielfach variierten Thema
bestimmt, was trotz klarer Gliederung einzelner Perioden
den Eindruck eines unendlichen Fließens erzeugt. Das
Orchester ist mit Streichern und je zwei Flöten, Fagotten und
Hörnern besetzt, doch ohne Oboen. Erst nach einer langen,
strahlenden Einleitung setzt im 57. Takt die Bassettklarinette
mit dem Thema ein. Bereits bei ihrem zweiten Soloeinsatz
erhält sie eine dunkle Klangfarbe, da nun die Tonart nach
c-Moll umschwenkt. Der Tonumfang des Instruments reicht
in dem Werk über gut drei Oktaven; das wird besonders im
ersten Satz mit großen Sprüngen betont. Doch abgesehen
von diesen kleinen Extravaganzen besitzt dieser Satz, wie
auch die beiden anderen, eine klare, transparente Struktur,
welche die Klangfarben aller Instrumente deutlich, aber
nicht aufdringlich hervortreten lässt. Besonders schön
umspielen die ersten und zweiten Violinen einander. Die
wenigen Triller und Verzierungen wirken wie eine Reminiszenz
an den jungen Mozart, der ja noch in der Blütezeit des
Rokoko zu komponieren begann.
Das Primat der Melodie beherrscht auch den zweiten Satz,
ein inniges, wehmütiges Adagio in D-Dur im 3/4-Takt in
dreiteiliger Liedform, das gemeinsam von Orchester und
Soloinstrument mit einem acht Takte langen, schlichten
Thema ein bisschen feierlich im piano eröffnet wird.
Anschließend wird der Klang immer schwelgerischer, wenn
das Thema vom Orchester wiederholt wird. Bei den folgenden
Soli der Bassettklarinette setzen die Streicher kleine,
tupfende Begleitungen. Im Verlauf treten auch die Violoncelli
solistisch hervor, während die Kontrabässe punktuell
schweigen müssen. Nach einem kurzen dramatischen Höhepunkt
erklingt die Anfangsmelodie erneut – so als wollte sich
die Musik voll tröstender Zuversicht ihrer selbst besinnen.
Der dritte Satz Allegro steht in freier Rondoform im tänzerischen
6/8-Takt und bringt die lustigen, leichtfertigen und
brillanten Seiten des Soloinstruments zur Geltung. Nach der
ersten Wiederholung des Couplets, im Mittelteil, erfolgt eine
interessante Modulation nach fis-Moll, die aber schnell
wieder zurückgenommen wird. Langsam aber unaufhörlich
wird der Schwung gesteigert bis das Stück in schwereloser

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Heiterkeit endet. Wollte man die tiefgründige Schwerelosigkeit
und überirdische Schönheit dieses Werks in Worte
fassen, so könnte einem wohl eine Erzählung von Liebe einfallen
– so recht passend zu dem Bonmot aus Mozarts
Stammbuch von Emilian Gottfried Edler von Jacquin: „Liebe!
Liebe! Liebe! ist die Seele des Genies“ (Wien, 11. April 1787).
Ludwig van Beethovens Vierte Sinfonie B-Dur op. 60 entstand
im Herbst 1806 zu einer Zeit, als der Komponist in
einer Art Schaffensrausch gleich eine stattliche Reihe von
Meisterwerken schuf. Zwischen denen – der Oper „Fidelio“,
dem Vierten Klavierkonzert, den avantgardistischen Streichquartetten
für Fürst Razumowsky, dem Violinkonzert und
nicht zuletzt den beiden Giganten, der Dritten und Fünften
Sinfonie – versank die Vierte fast im Verlauf der Rezeptionsgeschichte.
Robert Schumann bewunderte sie als „griechisch
schlanke Maid zwischen Nordland-Riesen“ und beschrieb
somit die „klassisch“ ausgewogenen Strukturen bei gleichzeitigem
Verzicht auf heroische Überwältigungsgebärden.
Der französische Komponist Hector Berlioz betrachtete sie
als eine Rückkehr zu einer früheren Klangwelt: „Hier gibt
Beethoven Ode und Elegie völlig auf, um zu dem weniger erhabenen
und weniger düsteren, aber nicht weniger schwierigen
Stil der Zweiten Symphonie zurückzukehren. Der
allgemeine Charakter dieser Partitur ist entweder lebhaft,
wach und fröhlich oder von einer himmlischen Süße.“
Ludwig van Beethoven
Sinfonie Nr. 4 B-Dur op. 60
Entstehung: 1806
Dauer: ca. 34 Minuten
Besetzung: Flöte, 2 Oboen,
2 Klarinetten, 2 Fagotte,
2 Hörner, 2 Trompeten,
Pauken, Streicher
Leichtgewichtig ist die Vierte Sinfonie keineswegs, wie sich
bereits am mysteriös verschleierten Beginn mit tastenden
tonalen Nuancen zeigt, der den Zuhörer gleichsam in eine
andere Welt eintreten lässt. Nach einer prägnanten Passage
der Pauken und Trompeten im fortissimo beginnt der
Allegro-Satz, um sich in klassischer Sonatenhauptsatz-Bauweise,
wenn auch mit einigen Überraschungseffekten und
Klangexperimenten, zu entwickeln. Insbesondere die Akzente
der Pauke weisen immer wieder auf die stark treibende
Rhythmik hin, die sich im letzten Satz zu quasi obsessiver
Perpetuum-Mobile-Motorik steigert. Auch der expressive

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Ludwig van Beethoven:
Sinfonie Nr. 4 B-Dur op. 60,
Autograph, Beginn des 1. Satzes.
Staatsbibliothek zu Berlin
Preußischer Kulturbesitz.
zweite Satz mit offenkundiger Reminiszenz an Haydns
Sinfonik offenbart spannungsreiche Dualismen zwischen
lyrisch fließender Melodik und einem düster grollenden
Paukenmotiv, das nach einer donnernden Klimax im Mittelteil
quasi vom lieblichen Gesang der Violinen und den zarten
Tupfern der Holzbläser beruhigt wird. Der dritte Satz lässt
das üblicherweise hier stehende Menuett weit hinter sich
und erweist sich als übermütiges Scherzo mit borstigen
rhythmischen Akzenten und einer fünfteiligen Struktur, in
der das wohlige Trio gleich zweimal auftaucht. Im Finale wird
die zu Grunde liegende Ambivalenz nochmals gesteigert,
wenn die melodischen Ansätze permanent von heftigen
Trommelwirbeln unterbrochen werden, dabei angetrieben
von der rasanten Drehfigur in den Streichern, bis die ungestüme,
manchmal überraschend stockende Verfolgungsjagd
schließlich mit vier kurzen Tutti-Schlägen endet – hier erweist
sich Beethoven einmal mehr als energetischer Percussionist.
Dr. Babette Kaiserkern

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Das Lösungswort können Sie bis zum 22. März per Mail an
info@kammerakademie-potsdam.de oder per Post an
Kammerakademie Potsdam gGmbH, Wilhelm-Staab-Str. 11, 14467 Potsdam schicken.
Gewinn: 5x2 Tickets für das nächste KAPmeets-Konzert am 2. April 2023
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Jeder Konzertbesuch ist einer, aber im Speziellen hier möglich,
wenn alles richtig gelöst wurde
Dieses Instrument spielt eine zentrale Rolle an diesem Konzertabend
Beiname eines berühmten Sachsen und gleich zweimal bei der KAP dabei
Gut sichtbares, sehr großes Instrument, dem sogar ein Theaterstück gewidmet ist
KAP-Musikerin und Namensvetterin eines bekannten Übersetzers ins Japanische
In diesem Konzert haben sowohl Antonello Manacorda als auch Sabine Meyer keinen,
die Musiker*innen aber schon
Musiker im Konzert heute Abend, nicht schwarz oder weiß
Es gibt sie häufig, in Politik, Bankenwesen, Schule und natürlich in der Musik
Häufige Ton-Kunst, wenn nur die Hälfte ins Englische übersetzt wird
Im Kozertsaal z. B. sind Sie es, auf der Wilhelm-Staab-Straße jedoch nicht
Angehängtes
Brauchen die Musiker*innen meist auf Reisen
Komposition mit nicht nur musikalischem Inhalt, im heutigen Programm nicht vertreten
Ort u. a. für Aufführungen sowie Händels Geburtsstadt
Bezeichnung für „Werk“ und für einen Preis, den die KAP 2022 erhalten hat
Mehrere Töne gleichzeitig, aber keine Kakophonie
Ton einer Kreuztonart oder sommerliche Erfrischung
Bezeichnet ein unbekanntes, nicht genau bestimmbares Subjekt,
eine b-Tonart und ist Titel eines Horrorfilms
Alle Antworten sind von links nach rechts bzw. von oben nach unten einzutragen.

14 KÜNSTLER*INNEN
Sabine Meyer
Bassettklarinette
Sabine Meyer gehört zu den renommiertesten Solist*innen
überhaupt. Ihr ist es zu verdanken, dass die Klarinette, oft
als Soloinstrument unterschätzt, das Konzertpodium zurückerobert
hat. In Crailsheim geboren, schlug sie nach ihren
Studien in Stuttgart bei Otto Hermann und in Hannover bei
Hans Deinzer zunächst eine Orchesterlaufbahn ein und
wurde Mitglied des Symphonieorchesters des Bayerischen
Rundfunks. Es folgte ein Engagement als Solo-Klarinettistin
bei den Berliner Philharmonikern. Im Laufe ihrer mehr als
30-jährigen Karriere als Solistin führten sie ungezählte Konzerte
in alle Musikzentren Europas sowie nach Brasilien, Israel,
Kanada, China, Australien, Japan und in die USA.
Sabine Meyer feierte weltweit Erfolge als Solistin bei mehr
als dreihundert Orchestern, u. a. bei den Wiener Philharmonikern,
beim Chicago Symphony Orchestra, London Philharmonic
Orchestra, den Berliner Philharmonikern, den
Radio-Sinfonieorchestern in Wien, Basel, Prag. Ihre besondere
Zuneigung gehört der Kammermusik. In vielfältigen
Zusammensetzungen musiziert sie mit Künstler*innen wie
Christiane Karg, Martin Helmchen, Antje Weithaas, Bertrand
Chamayou und dem Armida Quartett. Auch in der Saison
2022/23 wird Sabine Meyer auf bedeutenden Bühnen zu
hören sein. Etwa im Trio mit Fatma Said und Malcolm Martineau
im Konzerthaus Berlin, auf einer Deutschland-Tour
mit dem Alliage Quintett, auf Tour mit der Kammerakademie
Potsdam sowie bei Konzerten mit dem Navarra Symphony.
Sabine Meyer setzt sich für zeitgenössische Musik ein – so
wurden ihr u. a. Werke von Jean Françaix, Harald Genzmer,
Toshio Hosokawa, Aribert Reimann und Peter Eötvös gewidmet.
Sie hat zahlreiche Einspielungen bei EMI Classics (Warner
Classics) gemacht sowie Aufnahmen für die Deutsche
Grammophon, Sony und CAvi-music. Zuletzt erschien bei
Sony ein Trioprogramm mit Nils Mönkemeyer und William
Youn sowie „Fantasia“ mit dem Alliage Quintett. Neben der
achtmaligen Auszeichnung mit dem ECHO KLASSIK ist
Sabine Meyer Trägerin des Bundesverdienstkreuzes, des
„Brahms Preises“, des „Praetorius Musikpreises Niedersachsen“;
sie ist Mitglied der Akademie der Künste Hamburg
und bekam den Orden „Chevalier des Arts et des Lettres“
verliehen.

16 KÜNSTLER*INNEN
Antonello Manacorda
Dirigent
Ein Italiener mit starker Affinität zum deutschen Repertoire. Ein
„Melodiker von Natur“ (Der Tagesspiegel), der die Detailfreude
der stilistisch informierten Interpretationspraxis überzeugend
auf den großen Apparat zu übertragen versteht. Antonello
Manacordas Vielseitigkeit als Dirigent liegt in der Fülle seiner
musikalischen und kulturellen Prägungen begründet: In Turin
in eine italienisch-französische Familie hineingeboren, in Amsterdam
ausgebildet und seit vielen Jahren in Berlin zu Hause,
war Manacorda Gründungsmitglied und langjähriger Konzertmeister
des von Claudio Abbado ins Leben gerufenen Mahler
Chamber Orchestras, bevor er bei dem legendären finnischen
Lehrer Jorma Panula ein Dirigierstudium absolvierte. Heute ist
Antonello Manacorda in Opernproduktionen an den bedeutendsten
Opernhäusern der Welt ebenso häufig zu erleben wie am
Pult führender Sinfonieorchester. Mittelpunkt seines Schaffens
ist die Kammerakademie Potsdam, der er seit 2010 als Künstlerischer
Leiter vorsteht und mit der er eine Reihe von preisgekrönten
Aufnahmen vorgelegt hat.
In der Saison 2022/23 führen Antonello Manacorda Opernproduktionen
an die Opéra national de Paris (Die Zauberflöte),
an die Staatsoper Berlin (Jenůfa), die Wiener Staatsoper (Don
Giovanni und Madame Butterfly) sowie an die Semperoper
Dresden (Der Freischütz). Im Bereich der Symphonik ist
Antonello Manacorda in der Saison 2022/23 als Gastdirigent
u. a. beim Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin, den Bamberger
Symphonikern, dem Orchestra dell’Accademia Nazionale di
Santa Cecilia, dem Symphonieorchester des Bayerischen
Rundfunks, den Wiener Symphonikern sowie dem Orquesta
Sinfónica de Galicia zu erleben.
In den vergangenen Spielzeiten konnte Antonello Manacorda
u. a. mit Debüts bei den Berliner Philharmonikern, der Sächsischen
Staatskapelle Dresden und dem Royal Stockholm
Philharmonic Orchestra sowie mit seinem Debüt an der Metropolitan
Opera in New York (Le nozze di Figaro) und einer
Neuproduktion Dmitri Tcherniakovs von Der Freischütz an der
Bayerischen Staatsoper Erfolge feiern. Mit der Kammerakademie
Potsdam hat Antonello Manacorda für Sony einen
Mendelssohn-Zyklus sowie einen Schubert-Zyklus eingespielt.
Beim ECHO Klassik 2015 erhielt die KAP dafür den Preis in der
Kategorie Ensemble des Jahres.

Violine
Suyeon Kang, Konzertmeisterin
Christiane Plath, Stimmführerin
Julita Forck
Teresa Maria Haase
Michiko Iiyoshi
Thomas Kretschmer
Matthias Leupold
Renate Loock
Kristina Lung
Clara Mesplé
Laura Rajanen
Muhammedjan Sharipov
Isabel Stegner
Roman Tulchynsky
Viola
Christoph Starke, Stimmführer
Jennifer Anschel, Stimmführerin
Ralph Günthner
Alexina Hawkins
Dorian Wetzel
Violoncello
Jan-Peter Kuschel, Stimmführer
Damian Klein
Oliwia Meiser
Alma-Sophie Starke
Kontrabass
Michael Neumann, Stimmführer
Anne Hofmann, Stimmführerin
Johannes Ragg
DIE KAMMERAKADEMIE POTSDAM
Seit ihrer Gründung im Jahr 2000 zeichnet sich die Kammerakademie Potsdam (KAP) durch
elektrisierende Musikerlebnisse, vielfältige Programme und den unbedingten Willen für
allerhöchste künstlerische Qualität aus. Mit großer Leidenschaft und unbändiger Neugier
bewegt sich das Orchester der Landeshauptstadt und Hausorchester des Nikolaisaals durch
vier Jahrhunderte Musikgeschichte und erspielte sich einen Ruf weit über die Stadt- und
Landesgrenzen hinaus. Verschiedene Konzertreihen für alle Altersgruppen in Potsdam und
Brandenburg, Gastspiele in den großen Konzertsälen Deutschlands und Europas, preisgekrönte
CD-Aufnahmen und die 2018 gegründete erste Orchesterakademie Brandenburgs
zeugen vom Erfolg und Innovationsgeist des Orchesters. Seit der Saison 2010.11 ist Antonello
Manacorda Chefdirigent und Künstlerischer Leiter der KAP. Er folgte auf Michael Sanderling,
Andrea Marcon und Sergio Azzolini.
In der Saison 22.23 begrüßt die KAP viele international gefeierte Solistinnen und Solisten,
darunter Sabine Meyer, Julia Fischer, Jan Lisiecki, Piotr Anderszewski, Antoine Tamestit und
Pierre-Laurent Aimard. Am Pult stehen neben Antonello Manacorda gefragte Gastdirigent*innen
wie Bernard Labadie, Michael Sanderling, Trevor Pinnock und Holly Hyun
Choe. Darüber hinaus freut sich die KAP auf die Zusammenarbeit mit dem RIAS Kammerchor

Flöte
Bettina Lange
Avner Geiger
Klarinette
Markus Krusche
Florentine Simpfendörfer
Horn
Aaron Seidenberg
Daniel Dubrovsky
Oboe
Jan Böttcher
Birgit Zemlicka-Holthaus
Fagott
Christoph Knitt
Florian Bensch
Trompete
Nathan Plante
Julie Bonde
Pauke
Philipp Höller
sowie dem tschechischen Dirigenten und Cembalisten Václav Luks, der für drei Saisons als
Künstlerischer Partner der KAP die Sanssouci-Konzerte kuratieren und gestalten wird und
in der Saison 22.23 Artist in Residence ist.
Nach der erfolgreichen Rückkehr ins Schlosstheater im Jahr 2021 war die Potsdamer
Winteroper auch in dieser Saison wieder im Neuen Palais zu erleben. In einer Inszenierung
von Adriana Altaras leitete der Dirigent Attilio Cremonesi, ein anerkannter Spezialist für
Barockmusik, Domenico Cimarosas „Il matrimonio segreto“ („Die heimliche Ehe“), eine
Opera buffa in zwei Akten.
Als Kulturbotschafterin Potsdams und Brandenburgs ist die KAP in großen Konzerthäusern
und bei bekannten Festivals zu Gast, unter anderem in der Elbphilharmonie Hamburg, der Kölner
Philharmonie, der Tonhalle Düsseldorf und im Konzerthaus sowie im Boulez Saal Berlin.
Eine Kammermusikreihe im Potsdamer Palais Lichtenau, die Konzertreihe KAPmodern und
die neue Treffpunkt-Reihe KAPmeets sowie langjährige erfolgreiche Kooperationen, unter
anderem mit dem Museum Barberini und der Stadt- und Landesbibliothek Potsdam, vervollständigen
das abwechslungsreiche Konzertangebot des aus 35 Musikerinnen und Musikern
bestehenden Klangkörpers in freier Trägerschaft.

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IMPRESSUM
KONZERTHINWEISE
Veranstalter
Kammerakademie Potsdam gGmbH
Geschäftsführung:
Alexander Hollensteiner
Wilhelm-Staab-Str. 11
14467 Potsdam
Tel. 0331/23 70 527
Fax 0331/23 70 130
info@kammerakademie-potsdam.de
www.kammerakademie-potsdam.de
www.facebook.com/kammerakademie
So 26.03.2023, 19 Uhr, Friedenskirche
Sanssouci-Konzert Lobgesang
Felix Mendelssohn Bartholdy „Christus“
Fanny Hensel „Lobgesang“
Johann Sebastian Bach Orchestersuite Nr. 3 D-Dur BWV 1068,
Bearbeitung von Felix Mendelssohn Bartholdy
Felix Mendelssohn Bartholdy „Denn er hat seinen Engeln befohlen“
Der 42. Psalm „Wie der Hirsch schreit“ op. 42
Justin Doyle Dirigent RIAS Kammerchor
Kammerakademie Potsdam
Redaktion: Carolin Stein
Gestaltung: Bauersfeld GD
Urheber, die nicht erreicht werden
konnten, werden zwecks nachträglicher
Rechtsabgeltung um
Nachricht gebeten.
Die Kammerakademie Potsdam
wird gefördert durch die
Landeshauptstadt Potsdam,
Fachbereich Kultur und Museum
sowie das Ministerium für
Wissenschaft, Forschung und
Kultur des Landes Brandenburg.
So 02.04.2023, 18 Uhr, Nikolaisaal
KAPmeets Antoine Tamestit
Persönlich
Johann Sebastian Bach Kontrapunkte 1–4 aus „Die Kunst der Fuge“ BWV 1080
Alfred Schnittke „Monolog“ für Viola und Streicher
Georg Philipp Telemann Konzert für Viola, Streicher und Basso continuo
G-Dur TWV 51:G9
Dmitri Schostakowitsch Kammersinfonie op. 110a
Antoine Tamestit Viola und Leitung Kammerakademie Potsdam
Sa 22.04.2023, 19.30 Uhr, Nikolaisaal
Sinfoniekonzert Phantasie
Mikhail Glinka „Kamarinskaya“
Dmitri Schostakowitsch Cellokonzert Nr. 1 Es-Dur op. 107
Jelena Firsowa Intermezzo, Auftragswerk der Kammerakademie Potsdam,
Uraufführung
Robert Schumann Sinfonie Nr. 4 d-Moll op. 120
Marie-Elisabeth Hecker Violoncello Holly Hyun Choe Dirigentin
Kammerakademie Potsdam
Fotos:
Sabine Meyer (scholzshootspeople)
Antonello Manacorda (Nikolaj Lund)
Orchester (Beate Wätzel)
Foto-, Video- und Tonaufzeichnungen
sind während
der Veranstaltungen der
Kammerakademie Potsdam
nicht gestattet.
Karten: Ticket-Galerie
Nikolaisaal Potsdam
Tel. 0331 28 888 28,
www.kammerakademie-potsdam.de
QUELLEN
• Berlioz, Hector: Étude critique des symphonies de Beethoven. In ders.:
À travers chants. Paris 1862.
• Bruhn, Siglind: Die Musik von Jörg Widmann. Waldkirch 2013.
• Caeyers, Jan: Beethoven, der einsame Revolutionär. München 2012.
• Jungheinrich, Hans-Klaus (Hg.): Spuren. Der Komponist Jörg Widmann. Mainz 2013.
• Robbins Landon, Harold: 1791. Mozart’s Last Year. New York 1988.
• Ders.: The Mozart Essays, London 1995.