Claudia Blume – Sonnenblumenfelder Galerie Bode, Karlsruhe ...

Claudia Blume – Sonnenblumenfelder
Galerie Bode, Karlsruhe
Ausstellungseröffnung, 18. Januar 2008 19.00 Uhr
Einführung
Peter Hank, Städtische Galerie Fruchthalle Rastatt
Erste Bekanntschaft mit der Kunst Claudia Blumes machte ich im Zusammenhang mit
der Europa-Ausstellung im vergangenen Jahr in der Städtische Galerie Fruchthalle in
Rastatt, wo Blume großformatige Flächen- und skulpturale Raumschnitte in Holz zum
Thema „Europa auf dem Stier“ zeigte, wovon eine Arbeit auch hier in der Ausstellung
hängt. Es fiel mir dabei sogleich auf, dass anders als die schwarzkonturierten
Linienschnitte der herkömmlichen Holzschnittkunst, wie wir sie beispielsweise von den
Brücke-Künstlern des Expressionismus her kennen, Blumes Holzschnitte aus
weitgehend konturfreien Farbflächen, die bestenfalls in Weißlinien gefasst sind,
bestehen und gerade alles andere als das sind, was wir gemeinhin unter
„holzschnittartig“ kennen und verstehen. Den tieferen Sinn dieser Tatsache werden wir
im folgenden nach und nach zu ergründen suchen. Hier zu Anfang sei erst einmal –
dem genius loci verpflichtet – erwähnt, dass Blume, in Paderborn geboren und heute in
Kassel lebend, mit der konturfreien Farbfläche eine gewisse Affinität besitzt zur
„Karlsruher Schule“ – wenn ich sie hier einmal so nennen darf –, die in der zweiten
Hälfte des 20. Jahrhunderts bekannt dafür wurde, eben eine solch konturfreie,
figurative Malerei entwickelt zu haben. Blume als Nordlicht erscheint uns deshalb hier
im Südwesten sehr gut aufgehoben und ist mit dieser kleinen, aber feinen Ausstellung
im Badischen bestens positioniert, was aber nicht heißen soll, Blumes Kunst sei aufs
Badische reduzierbar, sondern was vielmehr umgekehrt bedeutet, dass die Kunst in
Baden schon seit langem durchaus synchron geht mit einer Art „Weltkunst“, wie sie in
den Arbeiten Blumes zum Ausdruck kommt.
In der Ausstellung werden überwiegend kleinere Arbeiten gezeigt, insbesondere
Flächenschnitte im Maß 90 x 100 cm, die als durchaus selbständig und in sich

geschlossen gelten können. Es sind jedoch allesamt Probierstücke, Probedrucke,
Experimentierwerke, kurz: Vorarbeiten, in denen Blume prüft, inwieweit die verwendete
Komposition vom Motiv her in Verbindung mit Farbe und Fläche auch für
großformatige Arbeiten in der Dimension von 2 auf 3 Meter und darüber hinaus taugt.
Da die Anfertigung der Druckstöcke und die Ausführung des Drucks auf Leinwand
oder Büttenpapier bei Formaten dieser Größe recht aufwendig ist, kann und will sich
Blume keine Verschnitte leisten, weshalb sie erst einmal kleineren Versionen anfertigt.
Genau genommen sind die hier gezeigten Arbeiten folglich Prototypen bzw.
Prototypien – um es mit einem wohlklingenden, an einen druckgraphischen
Fachausdruck erinnernden, aber frei erfundenen Begriff zu sagen.
Was nun das Basismaterial Holz anlangt, das allen Arbeiten vorausgeht, besitzt Blumes
Kunst einen ebenso evidenten wie kryptischen archetypischen Charakter. In Anlehnung
an C.G. Jungs Archetypenlehre können die Arbeiten geradezu als Archetypien
bezeichnete werden, um einen weiteren, ebenfalls druckgraphisch klingenden, aber
nicht weniger frei erfundenen Begriff einzuführen. Was hierbei mit dem
Archetypischen gemeint ist, wird uns verständlicher, wenn wir uns in die
vorwissenschaftliche Elementelehre des Fernen Osten zurückversetzen, wo es
bekanntlich im Unterschied zur abendländischen Vorstellung nicht nur vier, sondern
fünf Elemente gibt: Erde, Wasser, Feuer, Metall – und eben Holz. Während Wasser,
Feuer, Metall und Holz sich sämtlich auf das Element Erde beziehen, das als im
Mittelpunkt stehend gedacht wird, bilden Feuer und Wasser sowie Metall und Holz
Gegensatzpaare, die in einem dynamischen Wechselverhältnis beständiger
Umwandlung stehen und innerhalb eines Kreislaufgeschehens einander in der
Wertigkeit fortlaufend ablösen. Seit der Bronzezeit ist in der Entwicklung der
menschlichen Zivilisation das Metall auf dem Vormarsch, ja, wir erleben heute eine
Revolution des Metalls, aufgrund deren wir seinen Gegenpart, das Element Holz, auf
dem Rückzug sehen. Wenn wir an den Klimawandel denken, den die mobilen
Blechlawinen auslösen, während zugleich die großen Restbestände kontinentaler
Urwälder, die grünen Lungen des blauen Planeten, bedenkenlos abgeholzt werden, nur
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um unsere Metallfahrzeuge mit Biosprit auszustatten, dann können wir verstehen, in
welchem Kampf der Elemente wir uns auf archetypischer Ebene derzeit befinden.
Blume ergreift in diesem archetypischen Krieg der Elemente Partei für das Holz und
beteiligt den Betrachter an der „elementaren“ Auseinandersetzung, indem sie ihn über
den Archetypus Baum bzw. Holz, das als Basismaterial ihrer Arbeiten in diesen
beständig mitschwingt, in seinem kollektiven Unbewussten, in der Welt des
Archetypischen, direkt anspricht. Blume erhebt dabei den einfachen Holzschnitt zum
großformatigen, malerischen Flächenschnitt und stellt damit die Gefährdung des
Elements Holz heraus, sucht es gegenüber der Dominanz des Metalls zu behaupten
durch eine Art künstlerisches Postulat, durch ein poetisches Fanal. Wir können
Hölderlin zitieren: „Wo aber Gefahr ist, wächst das Rettende auch“ – in unserem Fall
in der Gestalt einer Archetypie von Claudia Blume.
Eng verknüpft mit der archetypischen Verwendung des Materials Holz ist nun auch die
von Blume angewandte Technik des Holzschnitts selbst. Ursprünglich verdankt der
Holzschnitt seine Entstehung dem Wunsch nach Reproduktion und dem Bedürfnis
nach Vervielfältigung und verstärkter Öffentlichmachung bildhafter Inhalte. Der
Holzschnitt in seiner Verbindung zum Buchdruck steht am Beginn der Entwicklung
unseren medialen Informationsgesellschaft, in der inzwischen alles reproduziert wird
und alles reproduzierbar erscheint. Heute besitzt die Vermittlung von Information in
seiner medialen Mulitiplität und Mobilität längst schon die Oberhand über das
unmittelbare Geschehen und das natürliche Erleben. Die virtuelle Welt in ihrer
vermeintlichen Echtzeit dominiert die scheinbar banale Realität alltäglicher Distanzen
und Zwischenräume, vervielfältigbare Fiktion überbietet längst das Faktische in seiner
Einzigartigkeit, in seiner Selbständigkeit, in seiner Individualität.
Gegen diese globale Wirklichkeit, man muss fast schon sagen, gegen die kollektive
mediale Verblendung moderner Zivilisation bietet nun Blume den Holzschnitt auf, aber
gerade nicht als mediales Mittel einer Reproduktionstechnologie, sondern als das
genaue Gegenteil, als Unikat, als unmittelbares Kunstwerk in seiner Alleinstellung und
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Selbstbehauptung. Blumes Holzschnitte sind darum keine Vervielfältiger, sondern im
wahrsten Sinne des Wortes Monotypien, eben nicht geschaffen, um zu reproduzieren,
sondern im Gegenteil, um Einzigartigkeit auszudrücken, auf Individualität hinzuweisen,
einen Spurenfund der Unmittelbarkeit des künstlerischen Schaffens durch den
Betrachter auffinden zu lassen. Die Anwendung des Holzschnitts als Monotypie bei
Blume ist folglich als Ironie zu verstehen, als Ironie gegenüber der Allmacht medialer
Vernutzung des Kreativen durch geisttötende Wiederholung reproduzierbarer
Oberflächen. Die Oberflächen, die Blumes Holzschnitte auf dem Druckträger – sei es
Leinwand oder Papier – erzeugen, erscheinen dagegen in einer porigen Textur, die alles
andere als oberflächlich wirkt. Sie geht im Gegenteil gleichsam „unter die Haut“, indem
sie als Haut, als lebendige Membran, als atmendes Organ in all seiner Verletzlichkeit
erscheint. Paradoxerweise raubt der opake Charakter der Farbschichten dabei nichts
von der Zartheit und Duftigkeit, die Blumes Arbeiten innewohnen.
Während Blume hinsichtlich des verwendeten Materials und der angewandten Technik
geradezu gesellschaftskritisch, ja, kämpferisch wirkt, enthält ihre Motivik ein starkes
Harmoniebedürfnis, ist der Inhalt ihrer Bilder von Ausgleich und Gleichgewicht
geprägt. Das klingt altbacken und wenig sensationell, ist aber auch in dieser Hinsicht
das genaue Gegenteil. In einer Welt, die aus den Fugen gerät, weil der Mensch in seiner
zivilisatorischen Gewalt seine zurückhaltende und empathische Ausgleichskraft
aufgegeben und eingebüßt hat, erscheinen Figuren, die der Komposition nach und in
ihrer Farbigkeit ein wechselseitiges Gleichgewicht anstreben, geradezu als visuelle
Therapie, als ein ästhetisches Kommunikationsfeld, das auf den Betrachter einwirkt wie
ein Totem, ein zeremonielles Muster, das ihn innerlich und universell neu ausrichtet, ja,
aufrichtet. In den früheren Arbeiten war es fast ausschließlich die ausgleichende
Begegnung zwischen Mensch und Tier, hier in der Ausstellung idealtypisch
repräsentiert durch die kleinen Arbeiten, in der die Gestalt eines grasenden Pferdes
wiedergegeben wird. Kann es ein schöneres Sinnbild für Harmonie und Frieden geben?
War es nicht das innige Verhältnis zum Pferd, das den Menschen über eine lange
Strecke seiner Entwicklung vorangebracht, getragen hat ? Aber nicht nur die
Darstellung des Pferdes, sondern auch die Wiedergabe des paarhufigen Rinds,
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entweder als Kuh oder Stier, zeugt von einem harmonischen Mensch-Tier-Verhältnis,
in der die Domestizierung des Tieres auf den Menschen dergestalt rückwirkt, dass er es
in seiner Mitgeschöpflichkeit würdigt und anerkennt. Auch hier schwingt in Blumes
Arbeiten im Hintergrund Zivilisationskritik mit, die – wie es in der gegenwärtigen
Massentierhaltung der Fall ist – die Reduzierung des Tieres auf seinen bloßen Nutzwert
verurteilt.
In den jüngsten Arbeiten Blumes ist nun die Sonnenblume als weiteres Bildmotiv
hinzugekommen. Es verstärkt die Ausgleichskraft der Bilder enorm, da mit der
Sonnenblume als einem pflanzlichen Ursymbol dem Bildmotiv ein wirkmächtiges,
kosmisches Grundmuster eingewoben wird, das der Konstellation des Ausgleichs
innerhalb der Komposition mit einem verbindenden, dritten Element bestückt. Das
Wechselspiel des Ausgleichs zwischen Mensch und Tier erhält dadurch eine ordnende
Größe, eine Achse, um die sich alles dreht bzw. in die hinein sich alles dreht. Die
Sonnenblume erscheint als Fixstern, als rotierende Scheibe, als Galaxie, in die hinein
sich die Gegensätze drehen, um darin aufgehoben zu werden, in dem sie verschwinden,
ohne verloren zu gehen, ganz so, wie es die doppelte Bedeutung des Wortes
„aufheben“ meint oder wie es uns Vincent van Gogh, der Maler der Sonneblume,
suggeriert, wenn er sagt, dass sie das Element der Ewigkeit repräsentiert, „deren
Zeichen einst der Heiligenschein war“.
In der Konstellation von Mensch, Tier und Sonnenblume, die Blumes Arbeiten in
lebensfroher Farbigkeit sichtbar macht, erscheint der „Heiligenschein“ aber nicht als
Abkehr von der Welt, sondern als eindeutige Hinwendung zur Welt. Er sorgt dafür,
dass in Blumes Bildern im Sinne der heideggerschen Philosophie „Welt waltet“, die sich
selbst aufhebt und zugleich ihr Geheimnis wahrt. In diesem doppelten Sinne kann sich
der Betrachter in der „Weltkunst“ von Blume aufgehoben fühlen, vor der Welt, in der
Welt und mit der Welt.
Hier nun haben wir abschließend auch den tieferen Sinn dafür gefunden, weshalb
Blumes Holzschnitte keine düster wirkenden, „holzschnittartigen“ Schwarzkonturen
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aufweisen, sondern gleichsam positiv gewendete Weißlinien, die den Farbflächen ein
zusätzliches Licht aufsetzen und einen lebendigen Glanz verleihen, gleichsam einen
perligen Schimmer als Hinweis auf die aphroditische, empathische Natur allen Seins.
Blumes Holzschnitte sind auf diese Weise nicht Negativformen eines Druckstocks, in
den sich zuvor eine pessimistische Weltsicht eingegraben hat, sondern direkte,
unmittelbare Positivabzüge einer lebensbejahenden, mitfühlenden „Weltanschauung“,
in der sich exemplarisch Welt „ereignet“.
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