SOUTERRAINBLUES - Sturmfrei

SOUTERRAINBLUES
UNTERTAGSBLUES
EIN STATIONENDRAMA

SOUTERRAINBLUES / UNTERTAGSBLUES / EIN STATIONENDRAMA
Text : Peter Handke (2003), Suhrkamp. / Übersetzung : Olivier Le Lay (2005) (noch unveröffentlicht)
Der französische Text wird mit dieser Uraufführung bei Gallimard veröffentlicht
Konzept und Inszenierung : Maya Bösch & cie sturmfrei / Spiel : Gilles Tschudi, Maelle Bellec / Dramaturgie : Timo Kirez
Bühne : Thibault Vancraenenbroeck / Ton : Rudy Décelière / Licht : Colin Legras / Kostüm : Julia Studer / Maske : Mia Vranes
Eine Koproduktion mit dem GRü / Théâtre du Grütli Genf

DER ANFANG VOM ENDE / DAS ENDE VOM ANFANG / ÜBER DAS STÜCK
Der Text UNTERTAGBLUES ist ein Alptraum. Eine Pilgerfahrt in die Hölle. Unaufhörliche Beschimpfungen rütteln das Publikum gründlich durch und pulverisieren jegliche
soziale Konventionen.
„Ein wilder Mann“, Spielverderber, Volksredner, Volksfeind, fährt Metro. Er fährt Metro und hält einen langen Monolog, in welchem er alle und alles niedermacht oder in Frage
stellt. Er klagt an, er diffamiert, er macht mies, er denkt laut. Aus ihm spricht die Komplexität der zeitgenössischen Existenz, die sich an den menschlichen, all zu menschlichen
Widersprüchen aufreibt.
Der wilde Mann passiert die Stationen der Metro wie in einem Kreuzzug – oder als würde er die Höllenkreise Dantes durchqueren. Er ist allein mit seinen Worten und gibt einen
Blues zum besten, der einen nicht mehr loslassen will. Berauscht von der Brutalität seiner eigenen Worten, zerreisst er Seite für Seite den Lügenschleier über unserer heutigen
Existenz; bis der nackte Mensch zu sehen ist. In schonungsloser Grossaufnahme. Er scheint in das Gewimmel und Gewühle hinabgestiegen zu sein, um jegliche Hoffnung
auszuradieren.
In diese, seine, Einsamkeit platzt eine Frau: „Die wilde Frau“. Abbild der Medusa, deren Blick jeden versteinern läßt. Sie hält Gericht. Sie verurteilt. Der Angreifer ist nun
der angegriffene. Niedergemacht, wie zuvor die Reisenden von ihm. Doch die wilde Frau ist nicht nur gekommen, um zu verurteilen. Sie ist auch die Erretterin. Richter und
Angeklagter verschmelzen nun. Nichts kann sie mehr trennen.
In diesem Moment verlässt die Metro den Untergrund und stößt ins Freie.
Freie?
Leere, Licht.
Elegant verkleidete Masse.
Dünen, Vegetation.
Man hört Lachen oder vielleicht Weinen.
Wahrscheinlich beides.
Zum Schluß tönt eine Stimme aus den Lautsprechern des Bahnsteigs. Sie spricht über die Macht und die Magie einer anderen, einer vormaligen Zeit. Als reisen mehr war, als
ankommen wollen. Als werden wichtiger war als sein.
He, am schönsten war‘s, wenn man nicht wusste, wohin man führe; an welcher Station man ausstiege; wie‘s dort aussähe; was einen dort erwartete. Es war eine herrliche Zeit.
Es war eine mächstige Zeit. Es war die schönste Zeit.
Die Durchsage wird in Abständen wiederholt...

GRAUSAMKEIT ALS LIEBESWEIS
ZUR TEXTAUSWAHL
Wenn ich heute UNTERTAGSBLUES vorschlage, ein Text, der hauptsächlich aus Monologen besteht, dann, um auf der Bühne einen veritablen Dialog mit dem Publikum zu
provozieren. Einen lebendigen, einen schonungslosen Dialog. Dieser Text hat immer einen Adressaten.
Peter Handke ist bekannt dafür, die Instrumente des Theater zu erneuern. In einer gewissen Weise, stellen die Stücke von Peter Handke immer wieder die Geschichte des Theaters
in Frage. Sie drücken die Suche nach einem utopischen, engagierten und revolutionären Theater aus, die sich in meiner Suche nach einem Theater der widersprüchlichen und
schmerzhaften Beziehungen des Individuums mit der Welt widerspiegeln. Nach Stücken von Sarah Kane, Elfriede Jelinek, Heiner Müller und nach Richard III von Shakespeare
finden die Themen Schmerz, Einsamkeit, Mangel, das Verhältnis zur Macht, die Unmöglichkeit zu kommunizieren und der Wahnsinn hier eine Fortsetzung.
Dieser Text erlaubt mir gleichzeitig, meine Besessenheit nach der Arbeit mit und vor allem über Sprache weiter auszuloten. Zu untersuchen : „Der Akt des Sprechens“ unter dem
Aspekt der Performance. Zu entwickeln : Eine Dramaturgie, die zugleich klanglich, textlich und räumlich einen Parcours in den Untergrund gräbt.
Der UNTERTAGSBLUES von Peter Handke ist eine leidenschaftliche linguistische Anomalie. Die Beleidigung an sich, ist im „normalen“ Sprachgebrauch eher ein Exzess
und die Ausnahme. Die Beleidigung ersetzt den wirklichen Namen des Gegenübers mit Worten, welche die Ehre verletzen sollen. Was also im allgemeinen nur ein Moment
des Ausbruchs ist, im Leben oder in der Fiktion, wird hier zur Norm. Die Beleidigung als Poesie, die Metapher als Kunst der Erniedrigung gepaart mit Verfluchungen und
Verwünschungen. Handke läuft zu Hochform auf und eröffnet uns noch unbekannte imaginäre Wege in dieser Welt, denen zu Folgen ein einziger Genuss ist. Handkes wilder
Mann, berechtigterweise auch Volksfeind genannt, erinnert an einen öffentlichen Beleidiger, der in einem iranischen Werk des 21. Jahrhunderts vorkommt und 24-Stunden lang
nonstop schimpfen konnte. Der Akt der Beleidigung an sich, ist ein Verstoß. Gegen die guten Manieren, gegen den Respekt, gegen die Umgangsformen in unserer Sprache.
Sie verleiht dem Beleidiger Macht, wenn nicht sogar Allmacht. Ohne die ständige Lust nach sprachlicher Schaffenskraft und Brillianz, wäre auch der wilde Mann von Handke nur
ein Pöbler neben anderen Pöblern. Aber, er ist ein Poet der Verletzungen, so wie Richard III ein Poet des bösen ist. Eine weitere Besonderheit in diesem Text: In der Regel gibt
es eine Reaktion der Beleidigten – doch hier passiert nichts. Totales Schweigen ausser der Bühnenanweisung, die besagt, dass ein Passagier sich ein Messer in den Bauch
stösst. Man könnte fast glauben, dass es genau so viel kollektive Ignoranz gibt, wie auch kollektive Lust sich abzureagieren. Selbst das erschaffen einer letztendlich anderen
Kommunikationsform, einer Beleidigung aus Solidarität, ja fast Liebe, wird hier plötzlich vorstellbar. Denn der Volksfeind mag oberflächlich dem „Idioten“ gleichen, dem wir
manchmal auf der Strasse begegnen, doch hier blickt noch etwas anderes hervor: Zerstörung als ein Akt der Befreiung. Oder, nach Cioran : Die reinigende Kraft des Bösen.
Man findet in diesem Text eine sehr präsente Variante der „performativen Äusserungen“ nach dem englischen Philosophen und Sprachtheoretiker John Austin, mit dessen
Gedanken ich mich seit langen Jahren in meiner szenischen Arbeit auseinandersetze. So ist das beleidigen zum einen beschreibbar als ein Verb, aber eben auch als Akt. Sagen
ist tun. Das aussprechen von „du bist ein Idiot“ macht aus dem anderen einen Idioten.
Es besteht eine unübersehbare Nähe zwischen Peter Handke und seiner Landsfrau und Zeitgenossin Elfriede Jelinek. Nicht umsonst wollte Elfriede Jelinek ihren Nobelpreis
an Peter Handke weiterreichen und nicht umsonst hat sie Handke in der Affäre mit der Comédie Française verteidigt. Was beide auszeichnet ist eine Arbeit des Widerstands in
ständiger Opposition und unnachlässiger Provokation gegenüber den Schaltstellen der Macht. Elfriede Jelinek „beschäftigt“ die Compagnie schon mehrere Jahre (Er nicht als
er / Ich möchte seicht sein & Sinn:egal.Körper:zwecklos / Ein Sportstück / Prinzessinnendramen). Beide, Handke und Jelinek, flirten mit der Sprache und somit auch mit den
Machtsystemen. Sprache als poetische und politische Waffe. Aus ihrer selbstgewählten Isolation heraus, beschwören sie immer wieder „Skandale“ und polemische Reaktionen,
wie z.B. nach dem Auftritt von Handke beim Begräbnis von Milosevic im Jahre 2006. Aber ihre Texte öffnen auch den Blick. Die Geschichte des Abendlandes spiegelt sich in
ihrem Werk wieder, bis hin zu den antiken Griechen und den Anfängen von Philosophie und Humanismus.

ES WIRD ENG ABER NICHT KUSCHELIG
ÜBERLEGUNGEN ZUR INSZENIERUNG
Eine Welt voll von alten Menschen, die nicht mehr wissen wie man stirbt. Das könnte das letzte Bild unserer Zivilisation sein. Der letzte Funkspruch.
Economy rules. Unser Leben ist getaktet im Rhythmus der Maschine Wirtschaft. Dieser Takt durchzieht unser Leben bis hinein in die privatesten Winkel. Unseren täglichen
Wirtschaftsaufschwung gib uns heute. Geht es der Wirtschaft gut, geht es allen gut. Das ist die Legende unserer Zeit. In diesem Takt gilt es keine Zeit zu verlieren. Im Gegenteil,
man muß Vorwärtstun. Zweifel sind Sand im Getriebe. Zweifel halten auf. Man muß sie ausmerzen. Die Produktion muß weiterlaufen, individueller Überfluß vs. kollektiver
Mangel. Schon das Wort „Gemeinschaft“ klingt altbacken und verstaubt. Beim Wort „Solidarität“ könnte man Lacher vom Band einspielen. Kaum einer reißt noch die Klappe
auf. Das Schweigen findet immer kultiviertere Ausdrucksformen. Handkes wilder Mann spricht genau das an und auch aus: Die Feigheit und die Heuchelei. Die Gewalt und
die Angst, welche den Menschen bis zur Unkenntlichkeit entstellt. Der bis zum Extremismus getriebene Individualismus, der nur noch Furcht vor dem anderen kennt und zu
Vereinsamung und Leid führt. In UNTERTAGSBLUES steht einer auf und macht das Maul auf. Dieser „einer“ ist das Theater. Der wilde Mann. Er hat ein Charisma, dem man
sich nicht entziehen kann. Seine brutalen und provokanten Worte berühren und durchbohren uns. Und während wir diesem wilden Mann zuhören, passiert etwas in uns. Passiert
etwas mit uns. Vielleicht kommen Zweifel auf. Vielleicht Wut. Vielleicht Ekel. Vielleicht Trauer. Vielleicht Nachdenklichkeit. Vielleicht Freude. Plötzlich hören wir wieder eine
Stimme, die wir vergessen glaubten. Eine Stimme, die täglich übertönt wird von den Apologeten des Wohlstands. Unsere Stimme. Sie klingt ein wenig heiser, ein wenig rostig
- aber es ist unsere Stimme. Und wir hören endlich zu. Eine schonungslose Reise ins Innere beginnt.
In UNTERTAGSBLUES wählt Handke einen geschlossenen Ort, den Untergrund, aus dem man nur schwer entkommen kann und wo man nicht auf Hilfe von draussen hoffen
darf. Dieser Ort erlaubt, fast könnte man sagen zwingt, den Zuschauer zur Konfrontation mit sich selbst. Ein Selbstverhör nackt ohne Rüstung. UNTERTAGSBLUES ist eine
Odyssee der Rache.
Meine Intention ist es, die gewalttätig intime Situation zwischen den Schauspielern und dem Publikum über drei Proben-Phasen verteilt herauszuarbeiten. Es geht mir um die
Radikalisierung des Verhältnisses Bühne/Raum und Intimität/Publikum.
Eine meiner Ideen ist es, meine künstlerischen Überlegungen mit den Schriften des Philosophen Nietzsche (Also sprach Zarathustra) theoretisch und philosophisch kollidieren
zu lassen. Die Dramaturgie besteht darin, meine szenischen Vorschläge im Hinblick auf das Schaffen eines differierenden Universums der Sprache aus Harmonie und
Kontrapunkt zu präzisieren und zu komplettieren.
Ein anderer wichtiger Punkt, den ich weiterentwickeln möchte, ist der Ton. Theaterlärm, Industrielärm, Schauspielerlärm – live oder aufgenommen. UNTERTAGSBLUES soll den
Zuschauer in eine mitreissende akustische Welt einführen. Ihn auf eine Odyssee in den Untergrund schicken, wo er sich im Magma verliert – nicht mehr fähig zu unterscheiden,
woher die Töne und woher die Bilder kommen. Der Zuschauer ist allein in der Zeit, allein gegenüber dem „werden in der Endlichkeit“ (Hölderlin).
Die Inszenierung soll die Fremdheit des Ortes, das Gefühl untertage zu sein, verstärken. Das Verhältnis der Körper Schauspieler und Publikum soll zwischen Kälte und Wärme
alternieren. Die Körper von Schauspieler und Publikum begegnen sich, berühren sich, bis zu „Und da steigen wir wieder herauf, um die Sterne wieder zusehen“ (Dante, Die
Hölle).

LOST IN MYSELF
ÜBER DAS RAUMKONZEPT
Der Grundgedanke: hinabsteigen in den Untergrund, ein Unterschlupf in dem die Menschen ihr Bild, ihre Reflektion verlieren. Man kann hier an das Höhlengleichnis von Platon
denken. Das Bühnenbild kreist um den Gedanken des eingeschlossen seins. Um einen Tunnel. Ort der Gefahr, der Kontamination, des Erstickens, der Enge, der Klaustrophobie,
der Schizophrenie... Ein Ort, der Erinnerungen und Imagination provoziert. Ein Ort, fern von der Welt, hinter der Sonne, wo der Blick über die Perspektiven hinauswandert. Ein
Ort, an dem wir uns zusammen aufhalten, jeder anders, jeder zur Arbeit gezwungen. Der Ort ist das erste Abenteuer, das die Pforten zur Hölle öffnet. An diesem Ort ist die
Ansprache frontal. Die Schauspieler und Zuschauer bewegen sich im Raum, reisen durch den Raum, manchmal wie in einem Wagon. Sie schreiten vorwärts und sie halten
an, folgen vielleicht denselben Linien, enden in denselben Ecken und Nischen. Sie umrunden die Welt, sie wiederholen sich, ein infernaler Kreislauf ohne Ausgang, wie bei
Sisyphos, durchleben immer wieder das gleiche und entdecken Spuren der zeitgenössischen Menschheit. Dieser Raum ist wie ein labyrinthischer Pfad: Er gestattet es herum
zu schlendern, sich zu verlieren und sich zu finden. Er verändert unsere Empfindung der Raumzeit.
Der Raum soll ein subversiver, enigmatischer Ort werden. Ein Ort fern von der Welt, der im besonderen die Konzentration auf das Zuhören stimuliert. Die Kräfte, die uns
innewohnen, sollen freigesetzt werden. Ein meditativer Ort, welcher dem Zuschauer erlaubt zu reisen, vielleicht wie in einem Traum, hinein in sein inneres und damit ins Innere
der Welt. Es gilt einen Raum zu schaffen, wo der Mangel und die Zweifel sich äußern können, ein Raum wo die Toten wieder zum Leben erweckt werden und zu sprechen
beginnen. Mit anderen Worten: Im untersten Unten. Von uns selbst und vom Theater.
KADENZ
AKKORD / DER TON
Definition des Blues: Musik die sich aus afro-amerikanischen Gesängen ableitet, in den der/die Interpret/Interpretin ihre Traurigkeit ausdrückt. UNTERTAGSBLUES wird vor
allen Dingen eine Erfahrung, ein Pfad im akustischen Sinne. Das Licht sowie das Bühnenbild werden mit der akustischen Kreation verwoben und schaffen Leere sowie Nähe
und gleichzeitig verstörende Distanz. Eine elektrisierte Stimmung zwischen Kalt und Heiss.
Die Idee ist eine Partitur zu schreiben; aufbauend auf dem Beat der im UNTERTAGSBLUES pulsiert. Atmen, Schreien, Stille, Leere, Schmerz. Der Zuschauer verliert sich nach
und nach in einer Geräuschkulisse aus Metall, Industrie und Elektrizität, verdichtet wie kurz vor einer Explosion.
Der Text wird hauptsächlich auf französisch gesprochen. Einige Passagen jedoch auch auf deutsch, um die Originalsprache hörbar zu machen und die musikalischen
Unterschiede der Sprachen zu verdeutlichen.
Der Schauspieler zieht sich aus, mehr und mehr, bis er nackt ist und so die Nacktheit der anderen provoziert. Spektakulärerweise, wird plötzlich eine unwirkliche Welt wirklich.
Dieser anspruchsvolle Text verlangt von den Schauspielern eine detailbesessene Arbeit mit den Worten, um daraus ein theatralischen Moment zu schaffen, der sich aus ihrer
eigenen Beziehung zur Wirklichkeit speist. Man könnte die Ambition zusammenfassen in den Worten: Das Läutern der Herzen.

AUF ENTZUG
Timo Kirez, Mai 2010
Wenn jemand eine Reise tut, so kann er was erzählen, dichtete Matthias Claudius im 18. Jahrhundert. Dem Zeitalter der Aufklärung (französisch « Siècle des Lumières»), der
Revolutionen, des aufstrebenden Bürgertums und dem aufkeimendem Manchesterkapitalismus. Eine Zeit, die Kant in „Kritik der reinen Vernunft“ mit den Worten umschreibt:
„der Ausgang des Menschen aus seiner selbst verschuldeten Unmündigkeit“. Die Abkehr von der Mystik, die Hinwendung zur Wissenschaft. Verifizierung und Falsifizierung.
Wenn also jemand eine Reise tut, so kann er was erzählen. Reisen wir drei Jahrhunderte weiter, können wir den Optimismus Kants zumindestens in Frage stellen. Der Ausgang
war kein Ausgang, er war nur der Eingang in die nächste selbst verschuldete Unmündigkeit. Aus dem „Homo religiosus“ wurde der „Homo oeconomicus“. Wir sind, so gesehen,
noch immer im Vorzimmer der Geschichte. Und dieses Vorzimmer ist spärlich bis gar nicht eingerichtet. Oder wie es Elias Canetti formuliert: „Was mich an den Philosophen am
meisten abstößt, ist der Entleerungsprozess ihres Denkens. Je häufiger und geschickter sie ihre Grundworte anwenden, um so weniger bleibt von der Welt übrig. Sie sind die
Barbaren in einem hohen geräumigen Haus voll von wunderbaren Werken. Sie stehen in Hemdsärmeln da und werfen methodisch und unbeirbarr alles zum Fenster hinaus...
Das nackte Haus bleibt stehen.“ Dieser Gedanke drückt mitnichten eine romantische Sehnsucht nach der Vergangenheit aus. Er erinnert vielmehr an ein nicht eingelöstes
Versprechen. Das nicht eingelöste Versprechen eines wahrhaft freien Menschen. Statt reinen Tisch zu machen, haben wir den Tisch nur leergeräumt. Ernst Bloch schreibt in
„Geist der Utopie“: „Wir aber fangen von vorne an. Man ist arm, hat verlernt zu spielen. Wir haben es vergessen, die Hand hat das Basteln verlernt.“
Und wenige Zeilen weiter „Aber dafür malen wir auch wieder wie die Wilden, im besten Sinn des Frühen, Unruhigen, Unbekümmerten, Bekümmerten genommen. Denn so
ungefähr wurde auch die Tanzmaske geschnitzt. So ungefähr baute sich der primitive Mensch seinen Fetisch zurecht, sollte auch nichts als die Not des sich Aussprechenmüssens
wieder dieselbe geworden sein.“ In der Psychologie ist es unbestritten, daß wer nicht auf liebevolle Erinnerungen zurückgreifen kann, in der Folge an schwersten Störungen
leiden wird. Der verstorbene amerikanische Historiker Christopher Lasch schreibt in „Das Zeitalter des Narzissmus“: „Ein Leugnen der Vergangenheit, das sich oberflächlich
pogressiv und optimistisch gibt, erweist sich bei genauerem Hinsehen als Ausdruck der Verzweiflung einer Gesellschaft, die der Zukunft nicht ins Auge zu sehen vermag.“
Wenn man sich verlaufen hat, dann ist eine der hilfreichsten Methoden wieder an den Ausgangsort der Wanderung zurückzukehren – so fern man kann. Nichts anderes tut
der wilde Mann in Peter Handkes UNTERTAGSBLUES. Er reist nicht im Raum, aber in der Zeit. Und das nicht linear, also berechenbar, sondern unkalkulierbar wie bei einer
Reise durch ein schwarzes Loch. Und damit schwarze Löcher entstehen können, muß Materie, müssen Sterne kollabieren. Und wir, die wir ihm zuhören, reisen mit. Zurück zu
der Wegbiegung, wo wir falsch abgebogen sind. Jeder für sich. Er spricht zu uns. Und er spricht nicht zu uns. Er spricht zu sich. Er spricht zur Zeit. Er spricht, er schreit nicht.
Denn wer schreit will entweder Recht haben oder er will uns etwas verkaufen, wie der schwitzende mit den Armen fuchtelnde Marktschreier. Nein, der wilde Mann hat nichts zu
verkaufen. Er stammelt, er stottert, er presst Worte heraus. Er windet sich und leidet an der Schwere (im Französischen natürlich schöner: la gravité, denn hier haben wir wieder
das schwarze Loch) seiner Existenz als sehender unter den Blinden. Wir gehen den umgekehrten Weg der Aufklärung. Weg vom vermeintlichen Wissen hin zu der Mystik. Weg
vom Licht. Wir müssen wieder zurück in die Dunkelheit. Hinunter unter die Erde. Dort wo es keine Bilder mehr gibt, ausser den Bildern, die wir in uns tragen und die wir nun
gezwungen sind auszugraben wie Archäologen die Spuren einer vergangenen Zeit. Einer Zeit, in der man nicht wusste, wohin man fuhr. Einer herrlichen Zeit. Einer mächtigen
Zeit. Der schönsten Zeit. Wer aus seinen Worten nur Beleidigungen heraushört, hört nicht zu. Denn wie schreibt Peter Handke schon in seiner „Publikumsbeschimpfung“:
„Indem wir Sie beschimpfen, können wir unmittelbar werden. Wir können einen Funken überspringen lassen. Wir können den Spielraum zerstören.

Wir können eine Wand niederreissen. Wir können Sie beachten.“ Da ist es wieder, das uneingelöste Versprechen vom wahrhaft freien Menschen. Und jetzt wird es eingelöst,
in dem wir einen Fahrschein einlösen und uns mit dem wilden Mann auf die Reise machen. Jede Veränderung beginnt damit, daß man sich zunächst in Bewegung versetzt.
Sich bewegen ist nichts anderes als zu sein. Sein ist Veränderung. Stillstand ist der Tot. Konnten wir oben im Licht noch unsere Entzugserscheinungen, unsere Leere, unsere
diffusen Ängste mit dem Fetisch-Charakter der Ware besänftigen, so sind wir hier unten auf hartem Entzug. Freiwillig and for the good, wie man in Englischen sagt. So wie in
den Metamorphosen Ovids wartet eine Verwandlung auf den wilden Mann und auf uns. Der wilde Mann, der von der wilden Frau wieder ans Licht geführt wird, ist ein anderer
geworden. Wir, die wir zusammen mit dem wilden Mann den eines Dante würdigen Höllenritt durchgestanden haben, sind andere geworden. Wir steigen herauf und erinnern
uns an Nietzsches Worte aus der „Geburt der Tragödie aus den Geiste der Musik“: „Singend und tanzend äußert sich der Mensch als Mitglied einer höheren Gemeinsamkeit:
Er hat das Gehen und das Sprechen verlernt und ist auf dem Wege, tanzend in die Lüfte emporzufliegen. Aus seinen Gebärden spricht die Verzauberung. Wie jetzt die Tiere
reden, und die Erde Milch und Honig gibt, so tönt auch aus ihm etwas Übernatürliches. Als Gott fühlt er sich, er selbst wandelt jetzt so verzückt und erhoben, wie er die Götter
im Traume wandeln sah. Der Mensch ist nicht mehr Künstler, er ist Kunstwerk geworden: Die Kunstgewalt der ganzen Natur, zur höchsten Wonnebefriedigung des Ur-Einen,
offenbart sich hier unter den Schauern des Rausches. Der edelste Ton, der kostbarste Marmor wird hier geknetet und behauen, der Mensch, und zu den Meißelschlägen des
dionysischen Weltenkünstlers tönt der eleusinische Mysterienruf: „Ihr stürzt nieder, Millionen? Ahnest du den Schöpfer, Welt?“ Unsere Wirklichkeit wurde dekonstruiert um
rekonstruiert zu werden. Wir waren kein Publikum, wir waren Zeugen. Wir waren beteiligt, wir wurden beachtet. Wir haben uns erinnert an das Geheimnis, das unausprochen
bleibt. Das leere Haus ist wieder ausgestattet. Der rote Faden wieder geknüpft. Das Band erneuert. Es gibt wieder etwas zu vererben, was das vererben lohnt. Überlassen
wir die letzten Worte Ernst Bloch:
„Ich bin. Wir sind. Das ist genug. Nun haben wir zu beginnen. In unsere Hände ist das Leben gegeben. Für sich selber ist es längst schon leer geworden. Es taumelt sinnlos hin
und her, aber wir stehen fest, und so wollen wir ihm seine Faust und seine Ziele werden.“

DIE COMPAGNIE STURMFREI
Die Compagnie sturmfrei ist eine freischaffende, unabhängige Theatercompagnie. Sie wurde im Jahre 2000 von Maya Bösch in Genf gegründet. Sie ist eine eingetragene
Assoziation mit nichtlukrativem Ziel.
sturmfrei produziert theatralische Formen, die experimentell, performativ und multidisziplinär sind. Projekte werden immer wieder site-specific angegangen und ungewöhnliche
Orte für das Theater erschlossen. Im Vordergrund steht die Resonanz der Sprache und die physische Implikation des Körpers.
sturmfrei konfrontiert ihre Arbeiten mit der Zeit und mit dem Raum. Auf der Suche nach neuen Formen der Poesie und um punktuell Wege für andere Realitäten zu öffnen. Die
politische Auseinandersetzung der Compagnie spiegelt sich in der Wahl der Texte wieder: Revolutionär, Provokant und Widerstandsgeschult.
sturmfrei arbeitet in der französischen Schweiz, in Frankreich und in Belgien auf mehreren Sprachen, deutsch, französisch und englisch. Das Ziel ist, über die frankophonen
Grenzen hinweg wahrgenommen zu werden.
Die Arbeit von sturmfrei konzentriert sich auf zeitgenössische Autoren/innen, oftmals vom Rand, politisch und radikal. Zu nennen sind hier Sarah Kane, Heiner Müller, Peter
Handke, Michèle Fabien, Mathieu Bertholet, Peter Handke, Elfriede Jelinek und seit einiger Zeit auch Sofie Kokaj und Timo Kirez. Aber sturmfrei setzt sich auch auf seine
Weise mit den sogenannten Klassikern wie z.B. Shakespeare auseinander. Die Schauspieler/innen die regelmäßig an den Kreationen, den Performances und den Lesungen
teilnehmen sind unter anderem Anne Marchand, Barbara Baker, Fred Jacot-Guillarmod, Véronique Alain, Lucie Zelger, Nalini Selvadoray und seit kurzem auch Gilles Tschudi,
Maelle Bellec und Nicolas Leresche.
Choreographen/innen und Tänzer/innen, die mit sturmfrei arbeiten sind Cindy Van Acker, Marcela San Pedro und Noemi Lapzeson. Im Bereich Foto und Video sind zu nennen
Alexandre Simon, Hélène Göhring, Régis Golay und Fabio Visone. Komplettiert wird die Gruppe von der Sängerin / Performerin Dorothea Schürch, dem Übersetzer Olivier Le
Lay und dem Dramaturgen und Autor Timo Kirez.
Die Compagnie wird oft von den Dramaturgen Timo Kirez und Michèle Pralong, dem Tontechniker Michel Zurcher, dem Bühnenbildner Thibault Vancraenenbroeck, dem
Lichtechniker Colin Legras und von der Stylistin Julia Studer begleitet. Auch findet eine Zusammenarbeit mit dem Professor für vergleichende Literaturwissenschaften, Bernard
Schlurick, für den Themenbereich der Philosophie von Heidegger und Nietzsche statt.
Der Produktionsstab von sturmfrei besteht aus Maya Bösch, Künstlerische Leiterin und Regisseurin, Sandy Monney, Koordination, Estelle Zweifel, Administration und Charlotte
Jacquet, Kommunikation.

MAYA BÖSCH
Regisseurin / Künstlerische Leitung (GRü / Théâtre du Grütli) / Genf
Geboren 1973 in Zürich, lebt und arbeitet in Genf. Maya Bösch studierte Regie an der Universität Bryn Mawr in Philadelphia (Pa, USA) und arbeitete danach als Regieassistentin
in New York, Brüssel, Genf und Wien. Massgebend für ihre eigene experimentelle und künstlerische Arbeit war die enge Zusammenarbeit mit Claudia Bosse (theatercombinat
wien) und Josef Szeiler in Genf und Wien. Seit 2000 arbeitet Maya Bösch als freie Regisseurin mit der Theatergruppe STURMFREI u.a an Texten von Heiner Müller, Sarah
Kane, Peter Handke, Elfriede Jelinek,… sowohl in der freien Szene, als auch am Stadttheater in Genf, Paris, Brüssel. Seit 2006 leitet sie das GRü / Théâtre du Grütli in Genf,
zusammen mit der Dramaturgin Michèle Pralong.
GILLES TSCHUDI
Gilles Tschudi (1957) wuchs in Basel auf. Mit 17 Jahren brach er die Schule kurz vor der Matura ab, um die Zürcher Hochschule der Künste zu besuchen. Er spielt sowohl in
französischer wie in deutscher Sprache. Er war im Ensemble des Schauspielhauses und des Neumarkt Theaters in Zürich so wie an diversen Theaters in Deutschland ( Maxim
Gorki Berlin, Wuppertal, Köln, DT Göttingen). Seit 1999 auch als Gast in Frankreich, französischen Schweiz und Österreich. Dem Fernseh Publikum ist er unter anderem als
Michael Frick («Lüthi und Blanc»), Kommissar Madörin in diversen « Hunkeler» Filme und als Marcel Ospel («Grounding») vertraut. Im Rahmen der Klosterfestspiele Wettingen
hat er den Mephisto in Goethes Faust gespielt. War letztes Jahr als Kommissar Matthäi im Versprechen von Dürrenmatt in Bern zu sehen. Tschudi lebt in Zürich und im Jura,
unterrichtet an derZürcher Hochschule der Künste und ist Präsident des Schweizer Berufsverbands für Schauspieler (SSFV).
MAELLE BELLEC
Née en 1980, formée à l’Ecole du Théâtre National de Bretagne, elle fait partie de la 4ème promotion dont elle sort en 2003 avec le spectacle ATTEINTE A SA VIE de Martin
Crimp mis en scène par Stanislas Nordey. Elle a depuis joué sous sa direction dans Le TRIOMPHE DE L’AMOUR au TNB et au Théâtre Nanterre Amandiers.Elle travaille
également avec Nathalie Kiniecik dans LA FASCINATION DE L’éTANG de Virginia Woolf , et Franck Esnée dans Le TRIPTYQUE DES FIGURES à Besancon,Belfort et Paris.
En 2006 elle rencontre Garance Dor et participe à la création de Nouvelle vague/Rivage présenté à Etrange Cargo en 2008 a la ménagerie de verre, puis travaille avec Christine
Letailleur dans la LA VéNUS A LA FOURRURE au TNB et au Théâtre National de la Colline. En 2008, elle rencontre Maya Bösch lors du OPEN LAB 1, workshop intitulé Stille
sur Heiner Müller à Bruxelles et poursuit le travail sur le OPEN LAB 2 à Genève. Elle participe à la création DEFICIT DE LARMES mise en scène par Maya Bösch à Genève
et poursuit le travail de compagnie pour les années 2010 et 2011 sur DRAMES DE PRINCESSES / Elfriede Jelinek, SOUTERRAINBLUES / Peter Handke et BAMBILAND /
Elfriede Jelinek prévu en 2011.
TIMO KIREZ
Geboren 1968 in Hamburg, lebt und arbeitet als Autor und Dramaturg in Genf.
Der gebürtige Türke, seit 1992 deutscher Staatsbürger, war lange Jahre in der Werbebranche als Creative Director und Geschäftsführer tätig. Im Herbst 2008 beschloss er
diese Tätigkeit einzustellen und sich nur noch dem Schreiben zu widmen. Nach einer Hospitanz als Dramaturg im September 2009 bei dem Stück «Déficit de Larmes» von
Maya Bösch /sturmfrei, folgte am 29. Oktober 2009 die Aufführung seines ersten Texts, «Heidi Aborted», im Rahmen des Festivals Trans 1 vom Grütli Theater in der Galerie
Analix Forever. Der zweite Text «Tagebuch eines Idioten» wurde für Trans 2 am 20. Februar 2010 von Maya Bösch / sturmfrei für die Performance «Explosion» in der Black
Box des Grütli Theaters inszeniert.

THIBAULT VANCRAENENBROECK
Scénographe et costumier, le bruxellois Thibault Vancraenenbroeck collabore avec des metteurs en scène et des chorégraphes de renom, dont Frédéric Dussenne, Pierre
Droulers, Olga de Soto, Sophie Kokaj, Stéphane Braunschweig depuis 1996. Depuis 2001, il intervient régulièrement à l’Ecole du Théâtre National de Strasbourg comme
enseignant et membre du jury pour la section « scénographie et costumes ». En Suisse, il travaille avec Anna Van Brée, Marc Liebens et Andrea Novicov et depuis 2002 il
collabore régulièrement avec Maya Bösch et la compagnie sturmfrei (GENEVA.LOUNGING – RICHARD III – JOCASTE – WET ! & RE-WET ! – DEFICIT DE LARMES)
RUDY DECELIÈRE
Né à Tassin-La-Demi-Lune (FR) en 1979. Vit et travaille à Genève.
Il étudie à l’école des Beaux-Arts de Genève essentiellement avec Carmen Perrin (99-03), et développe un travail artistique principalement d’installation sonore, dans les
espaces publics ou d’exposition, intérieurs ou naturels, en Suisse et en Europe. Aussi ingénieur du son, monteur et mixeur pour le cinéma, il collabore à plusieurs courts et
longs-métrages documentaires ou fictions, notamment à Rome avec Donatella Bernardi, au Japon avec Samantha Granger, en Europe avec Carlos Lopez, en Suisse avec
Marco Poloni. Il travaille aussi aux créations et espaces sonores de pièces de théâtre ou danse contemporaines.
Sturmfrei
c/o Maya Bösch
9, rue de la Ferme
1205 genève
Suisse
info@ciesturmfrei.ch
+41 (0)78 858 53 33
www.ciesturmfrei.ch
Coordination: Sandy Monney / info@ciesturmfrei.ch
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