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Diese Publikation erscheint anlässlich der Ausstellung / This catalogue is published 

on the occasion of the exhibition 

Looping Memories – Arbeiten aus einer Schweizer Videokunstsammlung / Works from 

a Swiss Video Art Collection 

Progr_ Zentrum für Kulturproduktion, Bern; 24.11.–19.12.09 

Art Karlsruhe 2010, Deutschland, 4.–7.3.2010 

Katalog & Ausstellung / catalogue & exhibition 

Bernhard Bischoff

Looping Memories – Arbeiten aus einer Schweizer Videokunstsammlung 

Bernhard Bischoff 

Kunst raubt den Schlaf 

Meistens habe ich einen guten Schlaf; 

ich lege mich ins Bett, Licht aus, Augen 

zu – und weg bin ich. Manchmal ist alles 

anders: Dann liege ich im Bett und wälze 

Gedanken. Pläne entstehen aus dem 

Nichts, Ideen nehmen Form an, Wünsche 

formulieren sich aus wolkigen Phantasien. 

Oft sind es auch kürzlich vorgefallene 

Situationen, die sich, wie ein Film, vor 

dem inneren Auge abspulen, immer und 

immer wieder, bis der Film endlich reisst 

und das «In-sich-hinein-und-immerwieder-neu-Denken» 

endlich vom Schlaf 

übermannt wird. Dieses Gedankenwälzen 

nennt man im Englischen «Looping 

Memories», was so viel wie immer 

wiederkehrende, kreisende Erinnerungen 

bedeutet. Sind es bei mir meist 

anstehende Aufgaben, an deren Lösung 

ich arbeite, eine nächstens zu treffende 

Entscheidung oder persönliche Erlebnisse, 

die so vor dem Schlaf verarbeitet 

werden, kann das Ganze ins Pathologische 

kippen, etwa bei Menschen mit 

Nahtoderfahrung, Überlebende von Katastrophen 

oder furchtbaren Erlebnissen, 

wie Entführungen, Vergewaltigungen 

oder Kriegssituationen. Letztere «Looping 

Memories» sind sehr belastend und 

bedürfen professionell-psychologischer 

Hilfe. Ich möchte nicht einen Essay 

über diese schwere Form von «Looping 

Memories» schreiben, sondern einen 

speziellen Sonderfall herauspicken, dem 

ich auch immer wieder selbst erliege: die 

Entscheidung, ob man ein Kunstwerk 

erwerben soll oder nicht. Was für «Nicht- 

Kunstsammelnde» völlig kurios klingen 

mag, nimmt für KunstsammlerInnen oft 

existenzielle Dimensionen an, nämlich 

die Liebe auf den ersten Blick zu einem 

Werk und der Prozess des Erwerbs. 

Nun, es gibt SammlerInnen, die zücken 

nach Erblicken eines Werkes gleich das 

Scheckbuch – und verleiben das gekaufte 

Werk ihrer Sammlung ein. Die Mehrheit 

der SammlerInnen jedoch sieht ein Werk 

und wägt dann lange ab, ob dieses überhaupt 

in die eigene Sammlung passt. 

Dazu wird ein innerer Dialog geführt mit 

anderen Werken; es ist beinahe so, als 

ob die Sammlung kundtut, ob das neu ins 

Auge gefasste Objekt der Begierde den 

bisherigen Bestand positiv beeinflusst 

und bereichert – oder eben nicht. Dann 

kommt die finanzielle Komponente hinzu: 

Kann man sich das Werk überhaupt 

leisten? Dann die räumliche: Hat es 

genügend Platz in der Sammlung, oder 

muss man sich von einem anderen Werk 

trennen? Dann die emotionale: Wird 

man sich wohl fühlen mit dem neuen 

Ding – oder wird der erste «Coup-decœur» 

rasch abflauen? Und zuletzt die 

alles entscheidende Frage: Wird man das 

Werk bald schon langweilig finden – und 

5

damit gar an der eigenen Sammlungskompetenz 

zweifeln? Dieser Prozess des 

Erwägens verläuft bei allen Sammelnden 

anders, ist aber für alle nicht nur 

psychisch eine Belastung, sondern auch 

physisch. Ich erlebe sowohl bei KundInnen, 

als auch bei mir immer die gleichen 

Muster: Innere Unruhe, leichtes Zittern 

der Stimme und der Hände, ein schnellerer 

Augenaufschlag, bei manchen zucken 

gar die Augenwinkel, und oft kriegt man 

leicht verschwitzte Hände. Muss man 

sich nicht sofort entscheiden, sondern 

hat nach dem Besuch einer Ausstellung, 

eines Ateliers oder nach Erhalt eines 

Auktionskatalogs Zeit zum Überdenken, 

so dauern diese Erwägungen längere 

Zeit an. Ja, und man nimmt sie auch mit 

ins Bett – und überlegt dann unter der 

Daunendecke weiter, geht immer wieder 

die oben genannten Fragen durch – und 

schon ist man mitten drin in den «Looping 

Memories». Alles dreht sich ums 

Werk, das Dafür und das Dawider, hin 

und her – und Heilung gibt’s erst dann, 

wenn man sich definitiv für oder gegen 

einen Kauf entschieden hat. Die Menschen, 

die die Arbeiten, die in diesem 

Katalog vorgestellt werden, erworben 

haben, haben sicherlich unzählige derartiger 

«Looping Memories» durchgemacht. 

Doch das langjährige Leiden war 

nicht umsonst: Die Ausstellung ist der 

Lohn für all die durchwachten Stunden. 

Sammlung Carola und Günther 

Ketterer-Ertle 

Ich kenne Carola Ertle Ketterer und 

Günther Ketterer nun schon etliche 

Jahre und habe dabei auch das Anwachsen 

ihrer Sammlung miterlebt. Familiär 

vorbelastet 1 , hat sich das Ehepaar 

Ketterer-Ertle früh für Kunst interessiert 

und in den 1980er-Jahren mit dem 

gemeinsamen Sammeln begonnen. 

Natürlich war es zuerst das Interesse 

an den deutschen Expressionisten, dann 

kamen, als logische Konsequenz, die als 

postexpressionistisch zu bezeichnenden 

Strömungen der 1980er-Jahre dazu, 

deren Werke Eingang in die Sammlung 

fanden 2 . Neben dieser klar erkennbaren 

Linie, waren es aber immer wieder 

KünstlerInnenfreundschaften, die die 

Sammlung stetig wachsen liessen. 

Dabei legten sie vor allem Wert darauf, 

die Kunstschaffenden, mit wenigen 

Ausnahmen vorwiegend aus dem Espace 

Mittelland stammend 3 , persönlich 

kennen zu lernen. Der direkte Austausch 

war stets Grundlage für die Sammlungstätigkeit. 

Haben KünstlerInnen einmal 

Eingang in die Sammlung gefunden, so 

blieb das Sammlerpaar diesen meistens 

über Jahre hinweg treu und kaufte 

regelmässig neue Werke an. So gibt es 

etliche Kunstschaffende, die mit mehreren 

Werken aus verschiedenen Schaffensphasen 

in der Sammlung vertreten 

sind. Sukzessive haben sie so über die 

Jahre hinweg eine umfangreiche Sammlung 

zusammengetragen, deren Zusammensetzung 

mit Fug und Recht wohl als 

einzigartig bezeichnet werden kann 4 . Es 

waren nie die klingenden Namen, die den 

Ausschlag für einen Ankauf gaben. Viele 

Karrieren haben denn auch mit einem 

Verkauf an die Sammlung Carola und 

Günther Ketterer-Ertle begonnen. Waren 

es zu Beginn ausschliesslich zweidimen- 

sionale Arbeiten, kamen im Laufe der 

Zeit auch Skulpturen, Objekte, KünstlerInnenbücher 

und seit 1996 Videokunst 

dazu 5 . Seither kaufen Carola Ertle Ketterer 

und Günther Ketterer immer noch 

breit gefächert Kunst, haben aber einen 

besonderen Sammlungsschwerpunkt auf 

die Videokunst gelegt. Im Laufe der Zeit 

haben sie ihre Sammlung ausgebaut und 

auch begonnen, interaktive Medienprojekte 

zu sammeln, zum Teil auch grosse 

Installationen. Im Gegensatz zu vielen 

GrosssammlerInnen «leben» sie mit 

ihrer Kunst. In eigens umgebauten Lofts 

präsentieren sie dauernd eine Auswahl 

ihrer Arbeiten, durchaus auch mal neben 

gewaschener Wäsche oder einer reich 

gedeckten Tafel. Es ist die sich mit Kunst 

dauernd ändernde Atmosphäre, die tagtäglich 

herausfordert und bewegt, die sie 

interessiert. Ihr Lebensraum gleicht eher 

einem SammlerInnenatelier, als einer 

Wohnung. Kunst ist omnipräsent und 

prägt auch das Leben neben dem Beruf. 

Beide sind mannigfaltig involviert in kulturelle 

Projekte, genannt seien etwa die 

Zusammenarbeit mit der Hochschule der 

Künste Bern, das Engagement für die 

Kunsthalle Bern – oder und vor allem die 

Initiative Videokunst.ch 6 . Der Aufenthalt 

in den Privaträumen des Sammlerpaars 

ist sehr bereichernd, mischen sich doch 

Spitzenwerke aus der ersten Hälfte des 

20. Jahrhunderts mitunter mit unbekannten 

Produktionen aus der Gegenwart. 

Wie selbstverständlich stehen sich 

dann etwa Videoprojektionen mit Gemälden 

Ernst Ludwig Kirchners gegenüber. 

Die Technik hat vieles in Zusammenhang 

mit dem Sammeln von Videokunst 

erleichtert. Die Arbeiten können zentral 

auf einem Rechner gespeichert und per 

Mausklick aufgerufen werden. Videokunst 

kann also rasch und unkompliziert 

digital «umgehängt» werden. Ein klassisches 

Bild, das nicht der aktuellen Laune 

entspricht, hängt man nicht einfach so 

schnell mal um. Eine neue DVD hingegen 

schiebt man einfach rasch ins Lesegerät 

– und schon passt die Kunst zum Gemütszustand. 

Leben mit Kunst hat etwas 

sehr Beruhigendes; sie ist da, bereichert 

den Raum, ja erweitert den Raum, auch, 

wenn dieser von oben bis unten förmlich 

zugepflastert erscheint. Carola Ertle 

Ketterers und Günther Ketterers Räume 

sind zugepflastert, am Boden stehen 

zudem Werke herum, die sich erst 

bewähren müssen; und im Lager ruhen 

Schätze, die in regelmässigen Abständen 

wieder ans Licht geholt werden. Auf den 

ersten Blick franst die Sammlung in verschiedene 

Richtungen 7 aus; doch gerade 

dieses Ausfransen hat das Sammlerpaar 

zur Maxime seines Sammelns erklärt. 

Videokunst? Videokünste! 

Eine Definition von Videokunst fällt 

schwer, ist das bewegte Bild doch meistens 

einfach das technische Medium, um 

eine Idee zu transportieren. Es wäre wohl 

angebrachter, von Videokünsten zu sprechen, 

die sich in zahlreiche, auch ganz 

unterschiedliche Gebiete auffächern, 

wie etwa narrative, dokumentarische, 

experimentelle, konzeptuelle, performative 

oder computeranimierte Arbeiten; 

aber ebenso Videoskulpturen, passive 

oder interaktive Installationen und gar 

Internetprojekte umfassen. Durch die 

6 7

Vielfalt der Medien ist man meist dazu 

übergegangen, von Medienkunst zu sprechen, 

um damit alle Felder abzudecken. 

Als langjähriger «Videokunstaktivist» 8 

habe ich selber eine eher enge Definition 

von Videokunst; und die deckt sich recht 

genau mit der von Carola Ertle Ketterer 

und Günther Ketterer. «Videokunst» hat 

zahlreiche Nachbarn: etwa Film, Dokumentarfilm, 

Kurzfilm, Musikclip, Animationen, 

Computerspiele oder das Fernsehen. 

Allen ist gemein, dass es sich um 

bewegte Bilder handelt. Imitiert nun aber 

Videokunst eines der oben genannten 

Medien 9 , so wird sie es immer schwierig 

haben, liegen doch die unterschiedlichen 

Produktionsbudgets meist meilenweit 

auseinander. Darum scheitern Videoarbeiten 

in fast allen Fällen von vorneherein, 

wenn sie sich zu nahe an Film & Co 

anlehnen. Ein, wenn auch mit Liebe und 

in stundenlanger Arbeit, hergestelltes 

Animationsvideo kann nie konkurrenzieren 

mit Disney oder Pixar – und professionelle 

Dokumentarfilme kosten Millionenbeträge, 

sind professionell mit einem 

grossen Team und fundiert gemacht; 

da hilft auch der verwackelte Charme 

einer KünstlerInnenvideokamera nichts. 

Zudem hat mittlerweile jedes Handy eine 

Filmfunktion; ein bisschen Nightshot, die 

Farben verändert – und schon ist man 

selber VideokünstlerIn. War die Postproduktion 

bis in die 1990er-Jahre hinein 

nur ein paar eingeweihten KünstlerInnen 

geläufig, gibt es nun auf jedem Rechner 

vorinstallierte Videoprogramme, die erst 

noch kinderleicht zu bedienen sind. Nun, 

ich glaube trotzdem an die Videokunst, 

denn ihr grosser Trumpf ist es, dass 

man (fast) ohne Budget, aber mit einer 

tollen Idee, spannende Arbeiten am Puls 

der Zeit machen kann. Nur wünsche 

ich mir, dass sich die Videokunst quasi 

«zurückemanzipiert» zu einer einfachen, 

aber bestechenden Sprache. Nun, um es 

vorwegzunehmen, Carola Ertle Ketterer 

und Günther Ketterer sammeln viel – 

aber eben nicht alles. Sie interessieren 

sich stark für politisch motivierte Arbeiten; 

es findet sich aber zum Beispiel 

keine einzige dokumentarische Arbeit in 

ihrer Sammlung; nicht, weil die soziopolitische 

Relevanz solcher Arbeiten das 

sozial sehr engagierte Ehepaar nicht 

interessieren würde – aber sie finden, 

dass das Genre «Dokumentarfilm» 

die Themen viel besser abdeckt. Auch 

suchen sie eher Clip-artige Arbeiten, die 

in etwa fünf Minuten dauern. Längere 

Arbeiten fielen oft auseinander, so die 

SammlerInnen. Und zudem möchten 

sie selber entscheiden können, wann 

sie eine Blackbox verlassen – ohne sich 

dem Diktat zu beugen, eine Stunde oder 

länger eine Arbeit anschauen zu müssen. 

Der Kulturphilosoph Dr. Gerhard 

Johann Lischka, der die Entwicklung der 

Medienkunst von Anfang an mitverfolgt 

und -geprägt hat sowie Herausgeber 

zahlreicher Texte und Kompilationen zu 

Medienkunst ist, hat mir im Gespräch 

einmal gesagt, man sehe bereits nach 

ein paar Sekunden, ob eine Arbeit spannend 

sei oder nicht. Als Gründer des 

Berner Videofestivals kann ich dem nur 

beipflichten: Ich habe damals weit über 

tausend Arbeiten visioniert und das Gleiche 

festgestellt: nur selten musste eine 

Arbeit ganz gesehen werden, um an der 

subjektiven, ersten Wahrnehmung und 

Einstellung etwas zu ändern. Eine Arbeit 

interessierte von Beginn weg; oder gar 

nicht. Objektiv gesehen, und durch diese 

Brille muss man in einer Jury natürlich 

schauen, musste man zwingend alle Arbeiten 

bis zum Schluss gesehen haben; 

subjektiv hat sich aber selten etwas am 

ersten Eindruck geändert. Ich habe mir 

das immer mit dem Blick auf Tafelbilder 

zu erklären versucht. Wie oft bin ich 

schon durch Museen und Ausstellungen 

spaziert, habe mal links, mal rechts 

geschaut, ja, die Werke eigentlich mehr 

gescannt, als geschaut – und doch blieben 

meine Augen immer wieder an jenen 

Werken hängen, die mich auf Grund des 

schnellen, visuellen Abtastens angesprochen 

haben. Natürlich ändert sich der 

Blick mit den Jahren; und was vor Jahrzehnten 

relevant erschien, ist heute nicht 

mehr der Rede wert. Ich meine aber, 

dass das geschulte Auge Vorlieben sehr 

rasch entdeckt, ja, sogar den Blick aktiv 

auf das uns Interessierende lenkt. Es gibt 

SammlerInnen, die beschäftigen mehrere 

BeraterInnen aus verschiedenen 

Fachgebieten, so dass diese ihnen, unabhängig 

vom eigenen Geschmack, die Rosinen 

aus dem Kunstmarkt herauspicken 

und vermeintlich “komplette“ Sammlungen 

zusammenstellen. Carola Ertle 

Ketterer und Günther Ketterer gehen 

anders vor: Sie lassen ihre Sammlung 

zwar professionell betreuen, wählen aber 

immer persönlich und gemeinsam aus. 

Mal sieht Carola Ertle Ketterer was und 

schickt zur Bestätigung Günther Ketterer 

hin, mal umgekehrt. Es kam auch schon 

vor, dass sich die beiden das Gleiche 

zu Weihnachten schenken wollten. Die 

Schulung ihres Geschmacks liess ihre 

Interessen herauskristallisieren; und die 

liegen bis jetzt nun einmal nicht bei rein 

narrativen, und noch weniger bei Arbeiten 

mit dokumentarischem Charakter. 

Und darum fehlen solche Arbeiten auch 

fast vollständig in der Sammlung und 

dementsprechend in der Ausstellung. 

Zur Ausstellung 

Die Sammlung Carola und Günther Ketterer-Ertle 

umfasst bis heute gegen 70 

Videoarbeiten – von unlimitierten Editionen 

bis grossen, aufwendigen Videoinstallationen. 

Für die Ausstellung «Looping 

Memories» habe ich eine ganz persönliche 

Auswahl getroffen, die aber sehr 

gut den aktuellen Sammlungsbestand 

wiedergibt. Es ist genau dieser Mix von 

Arbeiten, der die Sammlung auszeichnet: 

Offen sein für Neues, keine Berührungsängste 

haben, sammeln nicht nach Namen. 

Ich habe ausschliesslich Arbeiten 

zusammengestellt, die sich mit Erinnerungen 

und dem Ablauf von Zeit befassen. 

Darstellungen von Traum und Wirklichkeit, 

bzw. das Wandeln dazwischen, 

waren inhaltliche Leitplanken, die meine 

Auswahl beeinflussten. Manche Arbeiten 

sind ernst, andere melancholisch oder 

ironisch und manchmal sogar humorvoll. 

Alle Arbeiten sind als «Loops» konzipiert, 

also als Werke, die in Endlosschlaufen 

gezeigt werden. Diese dauernden Wiederholungen, 

die Repetition des immer 

Gleichen führt auch wieder zurück zum 

Titel der Ausstellung. Entstanden ist eine 

Mischung von ungefähr 30 Arbeiten von 

19 KünstlerInnen, verteilt über die ganze 

Ausstellungszone im PROGR_Zentrum 

für Kulturproduktion. Manche Arbeiten 

8 9

stehen solitär im Raum, manche werden 

zu Gruppen zusammengefasst. Die ungewöhnliche, 

dichte Präsentation drängte 

sich wegen der knappen Platzverhältnisse 

förmlich auf. Man darf eintauchen, 

durch die Ausstellung mäandrieren, 

genau hin- und auch bewusst wegschauen. 

Die einzelnen Werke weben einen 

Teppich des Erinnerns und laden ein zum 

neugierigen Erkunden von gut 10 Jahren 

Videokunst. Eigene Erinnerungen werden 

zwangsläufig mit den gebotenen visuellen 

Bildern verschmelzen. Fragen werden 

auftauchen, und die Suche nach Antworten 

wird beginnen – und schon sind 

sie wieder da, die «Looping Memories». 

10 

1) Günther Ketterers Vater war der Auktionator 

Roman Norbert Ketterer (1911–2002); seine 

Schwester Ingeborg leitet mit ihrem Gatten, 

Dr. Wolfgang Henze, die in Wichtrach/Bern 

ansässige Galerie Henze & Ketterer, an der 

Günther Ketterer beteiligt ist. 

2) Junge Wilde, etwa Helmut Middendorf, Rainer 

Fetting, Salomé oder Elvira Bach. 

3) Die geografische Verortung ist nicht zwingend; 

doch meistens der Fall. Ab und zu werden Werke 

auch auf Messen oder bei Galeriebesuchen gekauft, 

und der Kontakt zu den KünstlerInnen erst im 

Nachhinein hergestellt. 

4) Ausstellung «SOME FROM BERN, SOME FROM 

ELSEWHERE Die Sammlung Carola und Günther 

Ketterer-Ertle» im Museum Liner, Appenzell, 

28.1. – 29.4.2007. 

5) Nach einem Besuch der Ausstellung «Der 

dritte Ort. Le troisième lieu», im Centre PasquArt, 

Biel, 17.2.–7.4.1996, zusammen mit dem Künstler 

Franticek Klossner ist der Funke übergesprungen. 

Auch ein Vortrag von Prof. Boris Groys am 

25.5.2000 an der Universität Bern mit dem Titel 

«Das bewegte Bild und der bewegte Betrachter» hat 

das Interesse an Videokunst nachhaltig geprägt. 

7) Gegründet 2005 zusammen mit den Galerien 

Henze & Ketterer und Bernhard Bischoff & Partner. 

www.videokunst.ch versteht sich als Plattform 

für die Vernetzung von Videokunstschaffenden, 

KunstvermittlerInnen und dem Publikum. 

8) Zum Teil erkennt man grobe Linien; dann wiederum 

taucht auch ein singuläres Werk auf, das 

erst an die Sammlung angedockt werden muss. 

Gründer des Videofestivals “V.I.D.“ in Bern, 

“white clube & back box“ in der tonimolkerei 

Zürich, zahlreiche Vorträge und Artikel zu 

Schweizer Videokunst, verschiedene Ausstellungen 

zu und mit Videokunst. 

9) Und zwar nicht ironisch, wie ein Christian 

Jankowski oder Yan Duyvendak. 

11

Looping Memories – Works from a Swiss Video Art Collection 

Bernhard Bischoff 

Art robs me of my sleep 

Usually I sleep very well; I get into bed, 

turn out the light, close my eyes and off 

I go. But sometimes things are different: 

I then lie in bed, awake, and churn 

thoughts around in my mind. Plans evolve 

from nothing, ideas take shape, wishes 

emerge from nebulous fantasies. Often 

my thoughts turn to situations that occurred 

only a few days ago, making them 

flicker past my mind’s eye like a film loop, 

again and again, until the screen finally 

blacks out and their constant over and 

over repetition is at long last overcome 

by deep slumber. We call this endless 

turning over of thoughts and situations 

“looping memories”. While in my own particular 

case they are usually unresolved 

tasks and problems, decisions that still 

have to be taken or just personal experiences 

that call for a bit of thought before 

falling asleep, with some individuals the 

whole thing can take a pathological turn 

– with those of us, for example, who have 

had what are called “near-death experiences”, 

or are survivors of catastrophes or 

such terrifying experiences as kidnapping, 

rape or war. “Looping memories” in such 

cases cause extreme emotional strain 

and call for professional psychiatric help. 

However, it is not my intention to write an 

essay on such serious cases but to pick 

out a special case of “looping memory” to 

which I myself fall victim again and again: 

it is always the nagging decision as to 

whether or not I should buy a particular 

work of art. What might seem curiously 

insignificant to non-collectors of art often 

assumes existential proportions for the 

art collector, namely his falling in love 

with a work of art at first sight and the 

subsequent process of acquiring it. Now 

there are collectors who pull their cheque 

books out of their pockets immediately 

as they set their eyes on a work – and 

then simply add it willy-nilly to the other 

works of their collection. The majority of 

collectors, however, spend a long time 

thinking about whether a work they have 

seen will in fact fit in with their collection. 

Indeed, they conduct an inner dialogue, as 

it were, with the other works; it is almost 

as though the collection itself decides 

whether this most recent object of desire 

will positively influence and enrich its 

existing works – or not. Then there is the 

question of money: can I even afford it? 

And then the question of space: is there 

still enough room in the collection or 

shall I have to part with some other work? 

And then the emotional question: shall I 

continue to be happy with the new addition 

– or will the initial “coup-de-cœur” 

soon wane? And, finally, the all-decisive 

question: shall I soon get bored with the 

work and, by the same token, cast doubt 

on my own competence as a collector? 

While this process of reflection differs 

from one collector to the next, it is always 

a strain, both mentally and physically. 

The behavioural pattern is always the 

same, not only with my own self but also, 

I notice, with my customers: inward agitation, 

a slight quivering of the voice and the 

hands, a repeated upward cast of the eyes 

and, in some cases, even a twitching of 

the corners of the eyelids, not infrequently 

accompanied by a sweating of the hands. 

If we do not have to decide immediately 

but have time to think things over after 

visiting an exhibition or studio or receiving 

an auction catalogue, this process of 

reflection is an ongoing one. Indeed, we 

take it to bed with us – and continue to 

brood under the bedclothes, pondering 

over the aforementioned questions and, 

before we know it, landing smack bang 

in the middle of our “looping memories”. 

And the loop goes round and round, to-ing 

and fro-ing us through the pros and cons, 

not letting up until we finally decide one 

way or another. The works presented in 

this catalogue are sure to have triggered 

such “looping memories” in their buyersto-be. 

But the mental and physical torment 

was not in vain: this exhibition is the 

reward for all their many sleepless nights. 

The Carola and Günther Ketterer- 

Ertle Collection 

I have known Carola Ertle Ketterer and 

Günther Ketterer for a great many years 

and have also witnessed, and been 

involved in, the gradual growth of their 

collection. Not least by reason of their 

family history 1 , Carola Ertle Ketterer and 

Günther Ketterer took an early interest in 

art and together began collecting in the 

1980s. As was only to be expected, their 

main interest was initially in the German 

Expressionists, but then, quite logically, 

it was the Neo-Expressionist works of 

the 1980s that soon found their way into 

the collection 2 . But besides this clearly 

recognizable trend, Carola Ertle Ketterer 

and Günther Ketterer also augmented 

their collection with the works of artists 

whom they had come to know personally 

– they attached great importance to this – 

and who came, with only a few exceptions, 

from the Mittelland region of Switzerland 3 . 

This direct exchange between artists and 

collectors has always been a prerequisite 

for inclusion in the collection. And once an 

artist’s works found their way into the collection, 

the collectors would remain loyal 

to him or her for many years to come and 

purchase their works at regular intervals. 

Thus it is that many artists are represented 

in the collection by works from various 

phases of their careers. Over the years 

the collection has grown vastly and, in 

terms of its constituent works, may surely 

be considered unique 4 . It was never the 

name that clinched the purchase, and so 

many an artist’s career could begin with a 

sale of his or her work to the Carola and 

Günther Ketterer-Ertle Collection. While 

in the beginning they collected only twodimensional 

works, other genres were 

added in the course of time: sculptures, 

objects, artists’ books and, since 1996, 

video art 5 . Since then, Carola Ertle Ketterer 

and Günther Ketterer have still been 

collecting art on a broad scale, but the 

actual focal point of the collection is now 

video art. Over recent years, this genre 

has grown enormously and now includes 

interactive media projects and even large 

12 13

installations. Unlike many large-scale collectors, 

Carola Ertle Ketterer and Günther 

Ketterer “live” with their art, permanently 

presenting a selection of works in specially 

converted lofts, often amidst freshly 

washed laundry or around an elegantly 

laid table. An atmosphere that continually 

changes through art, an atmosphere 

that challenges and motivates day in, 

day out – that’s what keeps their interest 

alive. Their living environment is more 

like a collector’s studio than a home. Art 

is omnipresent and makes its mark both 

on their professional and on their private 

lives. Both of them are involved in a 

great many cultural projects – take, for 

example, their collaboration with Berne 

University of the Arts, their dedicated 

work for the Kunsthalle in Berne or, and 

above all, their initiative as co-founders of 

Videokunst.ch 6 . Anyone lucky enough to 

spend some in the private rooms of their 

residence is richly rewarded, for it is there 

that classic works of the first half of the 

20th century mingle with unknown works 

of the present. Seemingly as a matter of 

course, for example, video projections 

stand opposite paintings of Ernst Ludwig 

Kirchner. Technology has done much to 

facilitate the collecting of video art. The 

works can be stored on a central computer 

and retrieved at the click of a mouse. 

This digital facility permits a “rehanging” 

of works of video art in a jiffy. Any classic 

painting that is out of keeping with 

your present mood cannot be rehung so 

readily. A new DVD, on the other hand, can 

simply be inserted into the DVD reader 

and you’ve already matched your mood! 

There is something very calming about 

living with art; it is there, it enriches the 

room, indeed it expands it, even though 

its walls may be quite literally papered 

over with art from top to bottom. Carola 

Ertle Ketterer’s and Günther Ketterer’s 

rooms are no exception, and even the 

floors are dotted with works that have 

yet to prove themselves; and lying at 

rest in the darkness of the storeroom 

are treasures that are brought back into 

the daylight at regular intervals. At first 

glance, the collection seems to straggle 

in different directions 7 , but it is precisely 

this straggling that is the very essence 

of the concept behind the collection. 

Video art? Video arts! 

Video art is difficult to define, for in most 

cases the moving image is nothing more 

than the technical means by which the 

idea behind the work is conveyed. It would 

be more apt to speak of video arts, for 

there are so many different categories, 

e.g. narrative, documentary, experimental, 

conceptual, performative, computer-animated 

etc., and not forgetting video sculptures, 

passive or interactive installations 

or even internet projects. This multitude 

of categories has led to the use of the 

all-embracing term “media art”. I myself, 

as a “video art activist” of many years’ 

standing 8 , have adopted a much narrower 

definition of video art, and one that exactly 

matches Carola Ertle Ketterer’s and 

Günther Ketterer’s own definition. “Video 

art” has a great many “neighbours”, such 

as feature films, short films, documentary 

films, music clips, animated films, 

computer games and television. Common 

to all of them is the moving image, but if 

a video artist attempts to imitate any one 

of the above-mentioned media 9 , he or she 

will always be up against insurmountable 

difficulties, not least on account of the 

vast difference in production budgets. This 

is why video artworks are almost always 

doomed from the very outset whenever 

they venture into any of these neighbouring 

domains. No matter how much time, 

effort and loving attention to detail go into 

its production, an animated video film can 

never compete with Disney or Pixar – and 

professional documentaries cost millions 

and are made by teams of experts 

that really know their stuff. Not even the 

human warmth and appeal of an artist’s 

shaky videocam can offset that. Moreover, 

almost every mobile phone now has 

a video function – just a few night shots 

with alienated colours and you’re already 

a video artist! And while postproduction 

techniques were the reserve of only a few 

initiated video artists well into the 1990s, 

every computer is today equipped with 

video software that couldn’t be easier to 

use. Nonetheless, I still put all my faith 

in video art, for its one great trump card 

is the fact that, with a fantastic idea and 

(almost) no money, one can produce 

exciting works at the cutting edge of the 

time. My only wish is that video art could 

perhaps “emancipate itself back”, as it 

were, to a language of form and content 

that is able to captivate the viewer through 

its very simplicity. Now – and this is where 

I am coming to the point – Carola Ertle 

Ketterer and Günther Ketterer collect a lot 

of video art, but not everything. While they 

are deeply interested in politically motiv- 

ated videos, there is not one single documentary 

video in their collection – not that 

they would not be interested in the sociopolitical 

relevance of such videos, for they 

are themselves socially committed to a 

high degree, but they hold the opinion 

that such issues are better covered by the 

genre of the “documentary film”. They 

also prefer to collect clip-like works that 

have a duration of five minutes or so, as 

relatively long works often tend, they say, 

to fall apart. And besides, they themselves 

wish to be able to leave the “black box” 

whenever they like, without being obliged 

to continue watching a work that might 

still last a good hour or more. The cultural 

philosopher Dr. Gerhard Johann Lischka, 

who has been following, and been involved 

in, the development of media art since its 

inception, and who also has numerous 

publications on media art to his credit, 

once said to me in conversation that one 

can tell after only a few seconds whether 

a work of video art is exciting or not. As 

the founder of the Berne Video Festival I 

could not agree more. After viewing thousands 

of videos, I came to the same conclusion: 

only seldom was it necessary to 

change one’s initial subjective impression 

after viewing a video all the way through. 

Either a work was interesting from the 

very beginning or not at all. Objectively, of 

course, it is imperative – and not least for 

the jury – to view all works from beginning 

to end; subjectively, however, one’s 

initial impression hardly ever changes. I 

have always tried to explain this by drawing 

an analogy with paintings. How often 

I must have walked through museums 

and exhibitions, simply glancing to the 

right and to the left, just skimming over 

the paintings rather than looking at them, 

and yet my eyes would then come to rest 

14 15

again and again on those works that had 

appealed to me at my first fleeting glance. 

Naturally, this glance changes its preferences 

as years go by, and what seemed 

relevant decades ago is no longer worthy 

of mention today. But be that as it may, it 

is the trained eye that can quickly pick out 

what is preferred; indeed it is the trained 

eye that can even actively steer our gaze 

to what actually interests us. Some collectors 

avail themselves of the services 

of consultants from various special fields 

who, quite independently of one’s own 

taste, can pick the cherries out of the art 

market cake and put together what are 

supposedly “complete” collections. Carola 

Ertle Ketterer and Günther Ketterer do 

things differently: although they have their 

collection managed professionally, they 

always choose the works personally, and 

always together. Sometimes Carola Ertle 

Ketterer will find something and then 

send her husband to view and confirm, 

or vice versa. At times they have even 

wanted to give each other the same thing 

for Christmas. It is out of this continual 

exercise in choice that their common taste 

and interest have emerged, and so far 

there has been no noticeable leaning towards 

purely narrative works and still less 

a leaning towards works of a documentary 

character. Hence the almost complete 

absence of such works in the collection 

and, by the same token, in the exhibition. 

About the exhibition 

The Carola and Günther Ketterer-Ertle 

Collection today comprises approximately 

70 video works – from small, unlimited 

editions to large, complex video installations. 

For the exhibition “Looping Memories” 

I have made an altogether personal 

selection, but one that entirely reflects 

the collection’s present status. Indeed, 

it is precisely the mix of works exhibited 

that distinguishes this collection: open 

to things new, not afraid of contact, not 

influenced by names. I have focused my 

choice exclusively on works that have to 

do with memory and the passage of time. 

Representations of dream and reality 

and the transitional states in-between 

were the guiding influences behind my 

choice of content. Many of the works 

are serious; others are melancholic, 

ironic and sometimes even humorous. 

All works take the form of endless loops, 

their repetition of the same thing over and 

over again bringing us back to my opening 

words and to the title of the exhibition. 

The chosen exhibits comprise a mixture 

of around 30 works by 19 artists distributed 

over the entire exhibition zone of the 

PROGR_Zentrum für Kulturproduktion. 

Many works are stand-alones, while 

others are gathered together in groups, 

the unusually dense form of their presentation 

being due not least to the prevailing 

shortage of space. Visitors can quite 

literally plunge into their midst, meander 

where they like, look at what they like or 

even look away if they like. The exhibited 

works together weave a fabric of memories 

and invite the more curious among 

us to explore a good ten years of video 

history and allow our own memories to 

merge with the images offered. Questions 

inevitably crop up and the search 

for answers begins – and then there they 

are, yet again, those “looping memories”. 

1 ) Günther Ketterer’s father was the auctioneer 

Roman Norbert Ketterer (1911 – 2002); his sister 

Ingeborg and her husband Dr. Wolfgang Henze 

own and manage the Galerie Henze & Ketterer 

in Wichtrach/Berne, in which Günther Ketterer also 

holds an interest. 

2 ) “Junge Wilde”, typical examples being Helmut 

Middendorf, Rainer Fetting, Salomé and Elvira Bach. 

3 ) The geographical location is not imperative, 

but it is mostly the case. Works are occasionally 

purchased at fairs or galleries and the contact 

with the artists then established subsequently. 

4 ) “SOME FROM BERNE, SOME FROM ELSEWHERE 

Die Sammlung Carola und Günther Ketterer-Ertle” 

at the Museum Liner, Appenzell, 28.1. – 29.4.2007. 

5 ) Their interest in video art was sparked by a visit 

to the exhibition “Der dritte Ort – Le troisième lieu” 

at the Centre PasquArt, Biel (17.2. – 7.4.1996) 

together with the artist Franticek Klossner. A lecture 

delivered by Prof. Boris Groys on 25.5.2000 at the 

University of Berne entitled “Das bewegte Bild und 

der bewegte Betrachter” had an additional sustaining 

influence on their interest in video art. 

6 ) Founded in 2005 in association with the galleries 

Henze & Ketterer and Bernhard Bischoff & Partner, 

www.videokunst.ch serves as a networking platform 

for video artists, art dealers and members 

of the public. 

7 ) Some lines of direction are roughly discernible, 

but then occasionally one comes across an isolated 

work that has yet to be linked to the collection in 

some way. 

8 ) Founder of the video festival “V.I.D.” in Berne; 

organizer of “white clube & back box” at the 

Toni Molkerei Zürich; numerous lectures and 

articles on Swiss video art; various exhibitions on 

and with video art. 

9 ) Other than ironically à la Christian Jankowski 

or Yan Duyvendak. 

16 17

Peter Aerschmann 

*1969 Fribourg CH, lebt und arbeitet / lives and works in Bern CH 

Das Bildmaterial zu seinen Arbeiten 

fängt Peter Aerschmann mit der Kamera 

auf Strassen und Plätzen ein – mitten 

im Alltag, im pulsierenden Leben. Er 

isoliert einzelne Motive, wie Menschen, 

Vögel, Autos oder Pflanzen, aus ihrem 

ursprünglichen Umfeld, und baut sich 

mit diesen digital veränderten Versatzstücken 

ein visuelles Inventar seiner 

Umgebung auf. Aus diesem Fundus 

komponiert er fiktive Bildwelten, deren 

Kompositionen nichts mit einem Film zu 

tun haben, sondern vielmehr animierte 

Standbilder darstellen, die er als archetypische 

Stillleben unserer Zeit imaginiert. 

Er konstruiert virtuell ein Abbild 

der Realität, quasi die Simulation einer 

Welt, wie wir sie zu kennen meinen. Sein 

kompositorisches Vorgehen darf man 

ruhig als digitale Malerei bezeichnen. Die 

Bilder befremden, weil die Schnittstellen 

zur realen Welt schonungslos und 

immer wieder aufbrechen. Die ständige 

Wiederholung von Bewegungen ist nicht 

frei von Komik, und der absurde, stetig 

ablaufende Trott irritiert; man wird an 

Roboter erinnert oder an fremd gesteuerte 

Wesen. Zudem fehlt eine eigentliche 

Geschichte, eine Narration. Ansätze davon 

werden bei den interaktiven Arbeiten 

auch immer jäh durch den Knopfdruck 

der BetrachterInnen unterbrochen. 

Peter Aerschmann finds the material for 

his works among the hustle and bustle of 

streets and squares. With his camera he 

captures scenes of everyday life, isolating 

and digitally altering individual motifs 

such as people, birds, cars or plants, to 

add them to his visual archive of things 

– a rich fund for composing ficticious 

worlds that have nothing to do with film, 

but are very much like animated film 

stills the artist presents to us as some 

sort of archetypal still lives of our times. 

Thus Aerschman composes virtual images 

of reality, or simulations of a world 

as we seem to know it, using a method 

which may truly be called “digital painting”. 

His images irritate, on the one 

hand by relentlessly pulling us back to 

the real world, but also by their constant 

repetition of movements, which is 

comical and absurd, but also makes the 

figures appear like externally controlled, 

robot-like beings. Furthermore, there is 

no real story or narration. Indeed, in his 

interactive works the visitors can disrupt 

any suggestion of narrative by pressing 

a button provided for halting the image. 

Theatrum Mundi, 2007 

Software auf CD-ROM / Software on CD-ROM, Ed. 8 

18 19

Peter Aerschmann 

Eyes, 2006 

DVD, 12‘00‘‘, Ed. 5 

City Walking, 2005 

DVD, 00‘09‘‘, Ed. 3 

Raben, 2005 

DVD, 07‘00‘‘, Ed. 3 

Möwen, 2005 

DVD, 15’00’’, Ed. 3 

20 21

Pavel Büchel 

*1952 Prag CZ, lebt und arbeitet / lives and works in Manchester GB 

Der in der Tschechoslowakei aufgewachsene 

und heute in Grossbritannien lebende 

Pavel Büchler gehört zu den ersten 

VertreterInnen von Konzeptkunst im ehemaligen 

Osteuropa. Es waren Abbildungen 

von Ausstellungen aus dem Westen, 

die seine Kunstentwicklung wesentlich 

beeinflussten. Das so Gesehene mischte 

er mit den vorherrschenden Tendenzen 

im Osten. Er nimmt nichts als gegeben 

an und hinterfragt grundsätzlich jede 

Behauptung, sei sie nun politisch oder 

auch kulturell. Seine subtilen Eingriffe 

in Systeme wirken auf den ersten Blick 

harmlos, umso mehr, als er sich dabei 

oftmals älterer Technologien bedient. 

Dass er damit umso schonungsloser das 

vermeintlich Gute, da Akzeptierte, als 

Gehaltlos entlarvt, wird erst beim zweiten 

Hinschauen offensichtlich. Immer 

wieder nutzt er auch leicht manipulierte 

Fundstücke, um einen vordergründig 

als erwiesen angesehenen Beweis, 

hintergründig gleich hinfällig werden zu 

lassen. Das Spiel des doppelten Bodens 

beherrscht er vortrefflich; bleibt seinen 

Prinzipien dabei aber immer treu. Seine 

Nähe zur Literatur und deren Schöpfern 

liefert ihm immer wieder einen wunderbaren 

Nährboden für vielschichtige 

Interventionen und Interpretationen. 

22 

Pavel Büchler, who grew up in then 

Czechoslovakia but now lives in the UK, 

belongs to the first group of conceptual 

artists active in the former eastern 

Europe. Strongly influenced by pictures of 

exhibitions from the West, he mixed what 

he saw with trends prevalent in the East. 

Büchel is an artist who never accepts 

anything as a given truth, questioning 

any statement, political or cultural. At 

first his subtle interventions into systems 

seem harmless, especially so as he often 

draws on the effects of old technological 

devices. Only a second glance reveals 

that this is just how he ruthlessly exposes 

the shallowness of what seems good 

merely by being accepted. Again and 

again he also uses slightly manipulated 

found objects to debunk an apparently 

proven truth. Büchel is a master of dual 

meanings, but one who never abandons 

his own convictions. A further rich source 

of inspiration for his multifaceted inter- 

ventions and interpretations is literature, 

for which Büchel has a special affinity. 

Nodds, 2006 

Videoinstallation / video installation, Zwei Monitore / two monitors 

DVD, je / each 00’30’’, Ed. 3 

23

Costantino Ciervo 

*1961 Neapel IT, lebt und arbeitet / lives and works in Berlin DE 

Constantino Ciervo sucht in seinen 

Arbeiten kritisch nach Antworten auf 

fundamentale Fragen der modernen Gesellschaft. 

Die zum Teil sehr provokativen 

und politisch die Grenzen auslotenden 

Inhalte verpackt er in perfekt konzipierte 

Videoobjekte und -installationen. Ein 

besonderes Augenmerk legt er auf die 

materielle Umsetzung der Ideen; unübersehbar 

ist dabei seine Nähe zur italienischen 

«Arte Povera». Alte Technikteile 

kombiniert er gekonnt mit neusten technischen 

Errungenschaften und schafft 

damit eine wunderbare Symbiose von Alt 

und Jung. Er baut so eine Brücke von der 

physischen Ausgestaltung der Werke zu 

seinen Inhalten, also den zum Teil unangenehmen 

Fragen, die die Menschen 

bereits seit Generationen beschäftigen. 

Seine Arbeiten machen weder vor alten, 

noch vor neuen Symbolen halt und hinterfragen 

auch manches Tabu. Er will nie 

belehren und verpackt seine Botschaften 

oft mit Witz und Ironie; so erreicht 

er, dass deren vielschichtiger Gehalt 

gerade mehrfach offensichtlich wird. 

Er versteht die Kunst als Aktions-, bzw. 

Reaktionsform auf die ihn umgebende 

Welt, und nicht selten werden BetrachterInnen 

ins Bild gesetzt, um sich dann 

beim Betrachten selber zuzuschauen. 

Constantino Ciervo’s works constitute a 

critical search for answers to fundamental 

questions in our society. His at times 

strongly provocative contents teetering 

on the brink of political incorrectness 

are conveyed through carefully designed 

video objects and installations, which 

reveal his close attention to the application 

of materials, and his obvious vicinity 

to the Italian movement of Arte Povera. 

He skillfully combines parts of old technological 

equipment with new inventions, 

thus creating a wonderful symbiosis of 

old and new, as well as building a bridge 

between the physical appearance of his 

works and their contents. His works 

neither avoid using old or new symbols, 

nor do they shirk away from touching on 

taboos - yet they have nothing schoolmasterly 

about them. Instead, his messages 

are couched in wit and irony and 

thus lend themselves to being interpreted 

in many different ways. He considers 

art a way to react to the things going on 

around us, and sometimes integrates 

the visitors into his works, so that they 

can obverse themselves being observed. 

Global Gene, 2007 

Sieben-Kanal-Videoinstallation / seven-channel video installation, 

7 Monitore / monitors, DVD, je / each ca. 20’00’’ 

24 25

Costantino Ciervo 

26 

Alphabetically, 2005 

Videoobjekt/video object, alte Schreibmaschine, Bewegungsmelder, Monitor / 

Old typing machine, motion detector, monitor, 54 x 40 x 48 cm 

Terror, 2002 

Videoobjekt/video object, alte Schreibmaschine, Bewegungsmelder, Monitor / 

Old typing machine, motion detector, monitor, 51 x 30 x 35 cm 

27

Collectif_fact 

Annelore Schneider *1979 in Les Fontaines CH 

Swann Thommen *1979 in Saint-Imier CH 

Claude Piguet *1977 in Neuchâtel CH 

Zusammenarbeit seit / collaboration since 1999 

lebt und arbeitet / live and work in Genève CH 

Das Genfer collectif-fact befasst sich mit 

computergenerierter Kunst und überzeugt 

im virtuosen Umgang mit fliessend 

ineinander übergehenden Bild-Raumkonstellationen, 

die auf realen Fotos von 

Strassen, Häuserzeilen, Signalisationen, 

Autos oder Menschen im urbanen Umfeld 

einerseits sowie auf programmierten 

Piktogrammen andererseits aufbauen. 

Die virtuellen Kamerafahrten erzeugen 

einen Wahrnehmungsfluss, den wir im 

Zeitalter medial vermittelter Splitterästhetik, 

die uns die Umwelt fragmentarisch 

dekodieren lässt, als «real» 

und zeitgenössisch erleben. So fliegen 

etwa in «bubble cars» Autos durch eine 

nächtliche Strassenszene, Kuhglocken 

bimmeln, und ab und zu flackert unverhofft 

eine Laterne – eine surreale Szene 

à la Alice im Wunderland. Der urbane 

Raum wird dabei konstant hinterfragt 

und digital neu definiert. Andere Arbeiten 

wirken wie «aufgeklappte Videobilder»: 

Aus dem zweidimensionalen 

Raum werden die Szenen in die virtuelle 

Dreidimensionalität transferiert. Das 

Vorstellungsvermögen der BetrachterInnen 

wird stark herausgefordert, muss 

sich dieses doch abrupt an wechselnde 

Innen- und Aussensichten gewöhnen und 

den Raum stets aufs Neue erfassen. 

Collectif-fact, a group of artists from 

Geneva, work with computer-generated 

images based on real photos of streets, 

houses, traffic signs, cars or people and 

programmed pictogrammes, which convince 

by expertly and seamlessly merging 

visual and spatial aspects. Virtual camera 

pans create a flow of visual perception 

that in an age of medially conveyed and 

fragmented imagery tends to regarded 

as real. In “Bubble Cars” for example, 

a street scene by night, we see cars 

flying past accompanied by the tinkling 

of cowbells, lamps flickering unexpectedly 

every now and then. It is a surreal 

scene, reminiscent of Alice in Wonderland, 

in which urban space is constantly 

scrutinized and digitally redefined. Other 

works look like video images that have 

been flipped open as it were, so that 

the two-dimensional scenes become 

three-dimensional ones. The beholders 

imagination is strongly challenged, 

as they have to get used to abruptly 

changing interior and exterior views 

and ever changing spacial concepts. 

Circus, 2003 

DV/DVD, 3D Animation, 02’10’, Ed. 10 

Sound: Jean-Jacques Duclaux 

28 29

Collectif_fact 

30 

Bubblecars, 2004 

DV/DVD, 3D Animation, 06’28’, Ed. 10 

31

Erik Dettwiler 

*1970 in Helsinki FI, lebt und arbeitet / lives and works in Zürich CH und Berlin DE 

Die Suche nach dem «Peripheren» in 

Kunst und Leben ist das Hauptthema von 

Erik Dettwiler. Das «überall Jetzt» lässt 

Metropolen unbedeutend werden, Randgebiete 

jedoch unvermittelt ins Zentrum 

des Interesses schnellen. Genau solche 

Randgebiete, vermeintliche Nullorte 

sind es, die den Künstler anziehen. Es 

ist Langsamkeit vermengt mit Hektik, 

Leere aufgefüllt mit unerwarteten 

Inhalten, und es sind die verblichenen 

Zeichen urbaner Struktur, die zu parallelen 

Bühnen für seine Arbeiten werden. 

Er sucht nach «Grauzonen» urbanen 

Lebens und verdichtet die visuell teils 

absurden Momente zu zeitlosen Collagen 

aus Geschichte und Geschichten. Die 

BetrachterInnen werden auf verborgene 

Schleichwege entführt, nehmen damit 

unmittelbar an seinen «Intimperformances» 

teil, deren Spannungsbogen 

immer wieder zwischen lebendigstem 

Leben und totestem Tod zu oszillieren 

scheint. So hat er etwa die seit Sergei 

Eisensteins Film «Panzerkreuzer Potemkin» 

in die Filmgeschichte eingegangene 

Treppe in Odessa zur Bühne einer seiner 

tollsten «Intimperformances» erklärt. 

Mittels der schon in den Anfängen des 

Stummfilms verwendeten «Stoptrick- 

Technik» ist ein verblüffendes Kurzvideo 

entstanden: Der Künstler kann fliegen! 

Erik Dettwiler’s main subject is the 

search for the periphery in art and life. 

“Everywhere now” renders big cities 

insignificant, but moves the periphery 

abruptly centre stage - those peripheral 

areas or “non-sites” that appeal 

to Dettwiler. Slowness coupled with 

hectic activity, emptiness filled with 

unexpected contents, faded signs of 

urban structures: meet the protagonists 

of Dettwiler’s works. The artist scours 

places for the “grey zones” of urban life 

and condenses at times visually quite 

absurd moments to timeless collages 

of stories and history. The beholder is 

invited to go down hidden paths, thus 

immediately taking part in the artist’s 

“intimate performances”, which 

again and again seem to oscillate between 

life at its liveliest and death at 

its deadest, for example by making the 

world-famous stairs featuring in Sergei 

Eisenstein’s film “Battleship Potemkin” 

into the stage of one of his most brilliant 

“intimate performances”. Here he has 

created a baffling short video by means 

of stop-motion, a technique that was also 

used in silent films: the artist can fly! 

Levitation, 2001 

DVCAM-Pal/DVD, 3‘20‘‘, Ed. 3 

32 33

Erik Dettwiler 

Potemkin’sche, 2001 

DVCAM-Pal/DVD, 3‘20‘‘, Ed. 3 

Kamera / camera: M.-A. Chiarenza 

34 35

Diana Dodson 

*1963 in Zürich CH, lebt und arbeitet / lives and works in Basel und Bern CH 

Die Künstlerin thematisiert in ihren 

Arbeiten die hintergründige Welt des 

Wohnens; aber auch die Flucht aus 

diesem vertraut-idyllischen Terrain. Die 

Werke werden zur unmittelbaren Projektionsfläche 

für Sehnsüchte, unterdrückte 

Wünsche, Hoffnungen oder Träume. Die 

Suche nach Geborgenheit im Wohnlichen 

einerseits, und die Flucht davor 

andererseits prägen fast alle Arbeiten. 

Diese Gegenpole menschlichen Lebens 

untersucht Diana Dodson in aufwendigen 

Installationen, Objekten, Bildern oder Videoarbeiten. 

Letztere zeigt sie oft als Teil 

komplexer Accrochagen oder als grosse 

Projektionen im Raum. Auch unkonventionelle 

Präsentationsformen, wie Projektionen 

auf den Boden oder durch Schablonen 

hindurch erzeugen sphärische 

Raumsituationen. In «Ultra-marin», einer 

als Triptychon inszenierten Videoarbeit, 

bewegen sich Synchronschwimmerinnen 

mit verlangsamten Gesten unter Wasser. 

Man denkt sofort an Wassernymphen 

oder Meerjungfrauen, und das blaue, alles 

verbindende Fluidum wird zum Spiegel 

des Ichs und entführt unweigerlich 

in eine unerreichbare Traumwelt. Eine 

«Insel» ist Sehnsuchts- und Fluchtort 

per se; deshalb steht eine gleichnamige 

Arbeit auch am Schluss der Ausstellung, 

quasi als Ausklang und Aufbruch. 

36 

Diana Dodson’s works thematize the enigmatic 

world of habitation - and the wish 

to escape from this familiar and idyllic 

place. This duality characterises almost 

all of her works, which also become projection 

screens for desires, suppressed 

wishes, hopes and dreams, and consist of 

elaborate installations, objects, paintings 

or videos (the videos are sometimes 

integrated into complex installations 

or shown as huge space projections). 

Unconventional forms of presentation, 

as when she projects onto floors 

or through stencils, also help create 

spheric spatial situations. “Ultra-marin”, 

a video presented as a triptych, shows 

the slow-motion movements of synchronised 

swimmers under water, which 

instantly remind us of water nymphs or 

mermaids, and the blue liquid becomes 

a mirror of one’s self, so that one is 

inevitably carried away to an inaccessible 

world of dreams. As islands are the 

epitome of a place where one simultaneously 

longs to be and wants to get away 

from a work called “Island” is placed 

at the end of the exhibition, as a sort of 

simultaneous conclusion and departure. 

Insel, 2002/08 

DV-Pal/DVD, 13‘24‘‘, Ed. 3 

37

Quynh Dong 

*1982 in Hai Phong VN, lebt und arbeitet / lives and works in Zürich CH 

Die im Spannungsfeld zweier Kulturen 

aufgewachsene Quynh Dong untersucht 

in ihren Arbeiten das Fremdsein, bzw. 

das «Nirgends-zu-Hause-Sein» von sich 

selbst und ihres unmittelbaren Umfelds. 

Schonungslos legt sie Bruchstellen in 

der eigenen Biographie offen und verarbeitet 

ihre asiatische Herkunft in sehr 

direkten Performances oder eindrücklichen 

Installationen. Althergebrachte, 

zum Teil seltsam anmutende Traditionen 

und Zeremonien transferiert sie behutsam 

in die westliche Welt und hinterfragt 

damit vielschichtig ihre Existenz. Sie tut 

dies einerseits, um auf kulturelle Differenzen 

und Missverständnisse hinzuweisen, 

andererseits aber auch, um sich diese, 

für sie selber als verloren geglaubten, 

Handlungen in Erinnerung zu rufen, ja, 

sie überhaupt erst richtig bewusst wahrzunehmen. 

Sie durchleuchtet ihr Leben 

konsequent und wählt daraus einzelne 

Episoden aus, um diese mit den kollektiven 

Erinnerungen aus der Familien- und 

Weltgeschichte zu verweben. Ihr nahe 

stehende Menschen werden zu wichtigen 

Referenzpunkten in ihrem sich aufbauenden 

und gleichzeitig auflösenden Beziehungsgeflecht, 

nicht zuletzt, weil sie als 

eine Art unmittelbare Zeugen Schlüsselrollen 

in Dongs Arbeiten übernehmen. 

Quynh Dong, who grew up caught between 

two cultures, analyses in her work 

the subject of being foreign, of never 

being at home, with respect to her own 

person and her immediate family. Mercilessly 

she points out breaks in her own 

biography, staging very direct performances 

and impressive installations to 

help her understand her Asian origins. 

She carefully transfers ancient customs 

and ceremonies, some of which have 

a certain strangeness about them, to 

our western society, thereby scrutinizing 

their very existence. With this she 

aims at pointing out cultural differences 

and misunderstandings, but it is also 

a way of retrieving own memories of 

seeminlgy long forgotten events - indeed 

of perceiving them properly for the first 

time. She stringently scrutinizes her 

own life, selecting individual episodes 

she then interweaves with collective 

memories from her family’s history and 

indeed the world’s: a simultaneously 

growing and diminishing mesh of connections 

in which people close to her 

become important points of reference 

and have key roles in Dong’s works by 

being immediate witnesses as it were. 

Das Aquarium, 2007 

Video- und Toninstallation mit Tisch und Aquarium / video & sound installation 

with table and aquarium, DVD, 05‘20‘‘, Ed. 3 

38 39

Heinrich Gartentor 

*1965 in Schafmatt CH, lebt und arbeitet / lives and works in Thun und Horrenbach CH 

Heinrich Gartentor ist ein Pseudonym, ja, 

mehr noch eine fiktiv-reale Person. Die 

Identität von Heinrich Gartentor ist durch 

seine in Buchform erschienene Autobiografie 

sogar untermauert. Und trotzdem 

ist Gartentor, der Künstler, als Figur nur 

schwer fassbar. Das Spiel mit den zahlreichen 

Identitäten und Rollen ist nicht 

immer einfach zu durchschauen; man 

weiss nie genau, ob man selber Teil einer 

seiner Aktionen ist, oder, ob man ihn 

«ernst» nehmen darf. Als Kulturpolitiker 

wurde er zum ersten inoffiziellen Kulturminister 

der Schweiz gewählt, er ist Präsident 

des Berufsverbands visuelle Kunst 

(visarte) und immer wieder als Moderator 

oder Kolumnist zu hören und zu lesen. 

Er hat sein Leben zur Kunst erklärt, ein 

LKW (Lebenskunstwerk), das seine alte 

Identität immer mehr verdrängt. Heinrich 

Gartentor ist bekannt für unkonventionellen 

Kunstaktionen; er nennt diese auch 

«freundliche Attentate». Er schliesst sich 

in Bunker ein, reist ans Nordkap oder 

«produziert» sogar zwei eigene Kinder. 

Sport hat sich in den letzen Jahren als 

eines seiner Hauptinteressensgebiete 

herausgestellt. Sei es Seilhüpfen, Fussball 

oder Golf, immer wieder zwingt er 

sich selbst und seine MitstreiterInnen, an 

die physische Leistungsgrenze zu gehen. 

40 

Heinrich Gartentor is a pseudonym. Or 

rather, Heinrich Gartentor is a person 

at once real and fictitious. But although 

Gartentor’s identity is in fact supported 

by an autobiography, Gartentor as an artist 

remains enigmatic, the elusivness of 

his person due to a play with numerous 

identities and personas, so that it is not 

easy to tell if he can be taken seriously 

or if one is just part of one of his performances. 

A figure involved in cultural 

politics, he not only became the first inofficial 

minister of culture of Switzerland, 

but he is the president of visarte, the 

professional association of visual artists, 

and can frequently be seen and read 

as a presenter and columnist. Gartentor 

is known for his unconventional art 

actions he, among other things, calls 

“friendly attacks”, and which include him 

being locked away in a bunker, travelling 

to the North Cape, and even fathering 

two children. In recent years, sport 

has become one of his main subjects 

of interest. No matter whether this is 

rope skipping, playing soccer or golf, he 

keeps pushing his own, as well as his 

fellow contestants’ physical boundaries. 

Gartentor Golf, 2006 

Video-Installation / video installation, Diverse Materialien / 

various materials, 120 x 80 x 400 cm 

41

Franticek ˘ Klossner 

*1960 Grosshöchstetten BE, lebt und arbeitet / lives and works in Bern CH 

Mittels Hochleistungskameras aus 

Wissenschaft und Medizin oder Spiegelverzerrungen 

versteht es Franticek ˘ 

Klossner, seinen Arbeiten eine magische 

Komponente einzuhauchen. Die Grenzen 

der visuellen Wahrnehmung werden 

neu formuliert, und es entstehen körperliche 

Statements von faszinierender 

Direktheit. So entstanden Videoarbeiten 

in Superzeitlupe, etwa «Mess Up Your 

Mind», sich bewegende Lippen, die zu 

wallenden «Fleischbergen» werden, oder 

«Augenblick und Ewigkeit» bei der jeder 

einzelne Splitter eines zerbrechenden 

Spiegels festgehalten wurde. In einigen 

Werken wird auch die Interaktion zu einem 

integralen Bestandteil. Die BetrachterInnen 

können direkt Einfluss nehmen 

auf die gezeigten Bilder und etwa mit 

ihrer Stimme eine Gruppe strammstehender 

Soldaten auf den Boden fallen 

lassen. Immer wieder sind es komplexe 

Gesamtinszenierungen und das gekonnte 

Zusammenfügen verschiedenster Techniken 

und Materialien, die die Arbeiten 

des Künstlers auszeichnen, sie zeitlos 

aktuell machen. Häufig arbeitet er mit 

Selbstporträts, die zu Sinnbildern für 

die ständige Veränderung mediatisierter 

Bilder werden. Er bringt es auf den 

Punkt: «Die Welt beschreibt dein Gesicht 

– Dein Gesicht beschreibt die Welt.» 

High-performance cameras as used in 

science and medicine or mirror distortions: 

these are Franticek ˘ Klossner’s 

means with which he imbues his works 

with a certain magical moment. By filming 

videos in super slow-motion, such as 

“Mess Up Your Mind”, in which moving 

lips are turned into huge billowing lumps 

of meat, or “Augenblick und Ewigkeit” 

(instant and eternity) that arrests in 

time the single pieces of a breaking 

mirror he redefines visual perception 

and creates corporeal statements of 

fascinating directness. Some works are 

interactive, and the visitors can influence 

the flow of images e.g. by using 

their voice to have a group of soldiers 

standing at attention fall to the ground. 

His work, again and again characterised 

by complex installations and skillful 

combination of various techniques and 

materials, is both timeless and topical. 

Often he works with self-portraits, 

which become metaphors for the constant 

change of mediated images, succinctly 

summarised by the artist when 

he states: “The world describes your 

face – your face describes the world.” 

Total Narziss, 1996 

Video Hi8 / VHS, 03’30’’ 

42 43

Franticek ˘ Klossner 

Inter Media Kiss (eine kleine Kunstgeschichte der Sehnsucht), 1997 

Video SVHS, 04’09’’, Performance: Manuel Espinoza & Franticek ˘ 

Klossner 

Musik / music: Mina Mazzini / GSU Lugano 

44 45

Reto Leibundgut 

*1966 in Büren zum Hof CH, lebt und arbeitet / lives and works in Basel und Thun CH 

Reto Leibundgut ist ein Meister in Sachen 

Verwertung alter Materialien. Seit Beginn 

seiner künstlerischen Tätigkeit befasst er 

sich ausschliesslich mit vermeintlichem 

«Abfallmaterial». Meistens verarbeitet er 

alte Werkstoffe, wie Holz, Leder, Plastik 

oder Textilien und stellt sie in einen 

neuen Kontext. Dabei interessiert ihn 

vor allem der Aspekt, wie vordergründig 

«schäbiges» Material in einem «liebevollen» 

Umwandlungsprozess eine Staunen 

erzeugende Präsenz erfahren kann. 

Beim Umzug in ein neues Atelier blieb 

viel Material übrig, für das er keine Verwendung 

mehr hatte. Und so hat er seine 

umfangreiche Sammlung farbiger Holzplanken 

an die Wand genagelt, und den 

Prozess dauernd festgehalten. Nackte 

Bretter fanden dabei ebenso Verwendung 

wie ältere Arbeiten oder Materialskizzen 

dazu, so dass man den Videoclip auch als 

einen Schnellparcours durch Leibundguts 

Arbeiten ansehen kann. Rhythmisch 

auf die – eigens von Dieter Seibt, Beat 

und Ernesto Feller konzipierte – Musik 

abgestimmt, wächst eine Wand aus 

Holzbrettern. Entstanden ist eine Art 

Collage, ein performatives «Work-in-Progress-Werk» 

par «Exellence» – und eine 

wunderschöne, ephemere, da mittlerweile 

zerstörte Wandstruktur/-skulptur. 

Reto Leibundgut is a master at recycling 

old materials. Since the beginning of his 

career he has been working exclusively 

with what appears to be waste material, 

mostly discarded wood, leather, plastic or 

fabrics, which he then recontextualises. 

What inspires him first and foremost is 

the idea how seemingly shabby material 

can create an amazing presence 

when it is subjected to a “loving process 

of transformation” by the artist. When 

Leibundgut moved to a new studio, he 

was left with a lot of material he no 

longer needed. So he nailed his collection 

of painted planks on one of his studio 

walls and captured it on video. Unused 

pieces of wood were as much part of this 

action as were old works or sketches, 

so that Leibundgut’s video becomes a 

quick viewing of his œuvre. The images 

of this growing wall are rhythmically 

coordinated to music conceived especially 

for this purpose by Dieter Seibt, 

Beat Feller and Ernesto Feller. The result 

is a sort of collage, and a performative 

work in progress par excellence – as well 

as a wonderful and ephemeral, since 

destroyed, wall structure/sculpture. 

Wandstück, 2007 

DV-Pal/DVD 04‘42‘‘, Schnitt / editing: Diana Dodson 

Musik / music: Dieter Seibt, Beat & Ernesto Feller 

46 47

Zilla Leutenegger 

*1968 in Zürich CH, lebt und arbeitet / lives and works in Zürich CH 

Zilla Leutenegger arbeitet mit verschiedensten 

Medien; am bekanntesten 

wurde sie wohl mit ihren Zeichnungen, 

die zuerst nur Zeichnungen waren, dann 

aber sukzessive auch zu animierten 

Videoarbeiten wurden. Oft steht sich die 

Künstlerin selber Modell; die Arbeiten 

kreisen um die Positionierung des Selbst 

in einem wechselnden Umfeld. Daraus 

entstehen analytische Beobachtungen 

in einer wirklichen, aber auch selbst 

definierten Welt. Meistens sind die dargestellten 

Menschen auf sich alleine gestellt, 

trotzen der Situation, in der sie sich 

gerade befinden – oder geben ihr nach. 

Feine Gesten, wie ein flatternder Schal 

oder eine brennende Zigarette, knüpfen 

feine Erzählstränge, die sich zum Teil 

auch über mehrere Werkgruppen hinweg 

beobachten lassen. Manchmal sind die 

Arbeiten laut und direkt, dann wiederum 

geheimnisvoll und leise. Und doch ist es 

diese Konzentration auf eine Handlung 

oder auf eine Person, die die Arbeiten mit 

einer ungeheuren Kraft auflädt. Das Wandeln 

in verschiedenen Welten wird auch 

in der Arbeit «Quicksilver» zum Thema 

gemacht. Die Künstlerin steht in einer 

silbernen Pfütze, wird wie magisch von 

einem Löffel hochgehoben und «tropft» 

zurück in die Pfütze; immer und immer 

wieder, wie im endlosen Strudel der Zeit. 

Zilla Leutenegger uses different media, 

although she is probably best known for 

her drawings, which at first were indeed 

just drawings, but gradually became 

animated videos. Frequently Leutenegger 

is her own model, and her works 

center around the question of positioning 

one’s self in a changing environment, 

resulting in analytic observations placed 

both in the real world and in worlds 

she creates herself. Mostly the people 

depicted have to rely on themselves, 

braving the situation they happen to 

find themselves in – or relenting to it. 

Subtle gestures, such as a shawl fluttering 

in the wind or a burning cigarette, 

create fine strands of narrative that 

weave themselves through several of 

her works. Sometimes her works are 

loud and direct, then again enigmatic 

and hushed, yet her concentration on a 

single action or person never fails to give 

them an incredible energy. Leutenegger’s 

work “Quicksilver”, too, thematises the 

motif of walking in different worlds. The 

artist, standing in a silver pool, is magically 

lifted up by a spoon, only to “drip 

back” into the pool, again and again, 

as if caught in an endless time-loop. 

Quicksilver, 2002 

DVD Pal, 01‘00‘‘, Ed. 10 

48 49

Sabine Linse 

*1966 in Eckernförde DE, lebt und arbeitet / lives and works in Berlin und Kiel DE 

Ihre stets perfekt in Szene gesetzten Sabine Linse uses photography to cap- 

Motive hält Sabine Linse mittels verture her perfectly staged motifs, but as 

schiedener Techniken, wie Langzeit- und she uses various techniques such as time 

Mehrfachbelichtung, Projektion oder exposure, multiple exposure, projection 

Überlagerung mehrerer Bilder fest. Die and superimposition of images she is 

Fotografie steht im Zentrum, deren Gren- constantly testing out and expanding the 

zen werden aber von der Künstlerin dau- limits of her medium. On a sort of metaernd 

ausgelotet und erweitert. Auf einer level her creations are fairy worlds locat- 

Art «Metaebene» erschafft sie sich eine ed between imagination and reality. They 

Märchenwelt zwischen Imagination und consist of unconventional sequences that 

Realität. Es entstehen eigenwillige are highly irresistible, but so whimsical 

Sequenzen, denen man sich kaum 

it almost defies description. It is difficult 

entziehen kann, die jedoch skurriler fast to place her phantastic creatures in the 

nicht sein könnten. Die Verortung der real world, and yet, her stories seem 

phantastischen Geschöpfe in der Wirk- to be rooted in a here and now, as in 

lichkeit ist schwierig; und doch leben the video “Im Grünen” (in the country): 

die erzählten Geschichten irgendwie im three people are buried in the ground of 

Hier und Jetzt. In der Videoarbeit «Im a meadow with nothing but their heads 

Grünen» sind drei Menschen zu sehen, sticking out, luscious high grass in the 

die, umgeben von einer saftigen Wiese background. Their being planted there 

und hohem Gras, bis auf den Kopf im seems perfectly natural, and together 

Boden eingegraben sind. Als ob es das they sing the well-known German canon 

Normalste der Welt wäre, wirken sie “He, ho, spann den Wagen an” – calmly 

wie natürlich eingepflanzt und singen and cheerfully, without stopping once. 

im Kanon das bekannte Erntelied «He, The repetitiveness of the singing and the 

ho, spann den Wagen an» – ruhig und perfectly idyllic scenery with sunshine, 

fröhlich und ohne Unterbruch. Das Repe- light breeze and twittering of birds makes 

titive im Gesang sowie die perfekte Idylle one think of childhood memories, but 

der Szenerie mit Sonnenschein, leichter 

Brise und Vogelgezwitscher sind Reminiszenzen 

an die Kindheit – und zugleich 

eine absurd-surreale Traumsituation. 

also of an absurd and surreal dream. 

Im Grünen, 2005 

DV-Pal/DVD, 38‘00‘‘, Ed. 12, Sänger / singer: Nataly Hocke, 

Alexander Laudenberg, Mike Pritchard 

50 51

Andrea Loux 

*1969 in Bern CH, lebt und arbeitet / lives and works in Bern/CH und Berlin DE 

Andrea Loux’ Arbeiten wirken oft wie 

Bühnenbilder, in denen sich ProtagonistInnen 

der letzten Jahrzehnte des 20. 

Jahrhunderts tummeln. In Wohnkatalogen 

der 70er- und 80er-Jahre fahndet sie 

nach Motiven, die sie gekonnt überarbeitet 

und daraus eine überraschende und 

verblüffende Szenerie schafft. Die Bilder 

sind uns allen vertraut, auch wenn sie oft 

bloss Reminiszenzen an vergangene Tage 

sind. In den grossen Videoinstallationen 

gelingt es der Künstlerin, mit komplexen 

Überarbeitungen von vorgefundenem 

Bildmaterial versponnene Geschichten zu 

erzählen. Daneben entstehen immer wieder 

kleinere Projekte, die sie als Skizzen 

versteht, aus denen einmal eine grosse 

Arbeit entstehen kann. Spannend sind 

die eigens konzipierten, mehrteiligen 

Arbeiten, die sie in Bilderrahmen präsentiert 

und «domestizierte Videoinstallationen» 

nennt. Dort setzt sie auch immer 

wieder Landschaftsmotive ein. Eines der 

Hauptwerke der letzten Zeit ist sicher die 

Arbeit «Nebelwelten», ein wunderbar poetisches 

Porträt einer sich wandelnden 

Landschaft. Die präzisen Kameraeinstellungen 

und die feinen Überblendungen 

vermischen sich zu einem traumhaften 

Zustand, bei dem Bewusstsein und Unterbewusstsein 

eins zu werden scheinen. 

Andrea Loux’ works often resemble stage 

settings filled with people that look as if 

lifted from the last decades of the 20th 

century. She searches old interior design 

catalogues of the 70s and 80s for motifs 

she skilfully overworks, turning them into 

surprising sceneries which, although just 

reminiscences of bygone days, appear 

very familiar. Her large video installations 

succeed in narrating intricate 

stories by means of complex reworkings 

of found footage. Loux also works on 

small projects she calls sketches, which 

one day might become the starting point 

of some bigger work. Very fascinating 

are her “domesticated video installations”, 

consisting of several parts and 

presented in frames. Here, too, she often 

uses landscapes as motifs. Her work 

“Nebelwelten” (misty worlds), doubtlessly 

one of her best works of recent years, 

depicts a wonderfully poetic portrait of a 

changing landscape. Precise camera settings 

and subtle cross-fades blend into a 

dreamlike state in which conscious and 

sub-conscious seem to merge into one. 

Wechselrahmen (Domestizierte Videoinstallation), 2004–2006 

DVD, Monitor, Holzrahmen / DVD, monitor, wooden frame, 27 x 332 x 5 cm, Ed. 5 

(Wie ein Fisch im Wasser, 2004, Einpassung, 2004, Stille Wasser, 2004) 

52 53

Andrea Loux 

54 

Nebelwelten, 2006 

DVD Pal, 07’40’’, Ed. 3, Konzeption & Video / design & video: Andrea Loux, 

Musik / music: Samuel Rohrer (Claudio Puntin: B-Klarinette/B-clarinet, 

Gerdur Gunnarsdóttir: Violine/violin, Samuel Rohrer: Perkussion/percussion) 

55

Pia Maria Martin 

*1974 in Altdorf DE, lebt und arbeitet / lives and works in Stuttgart DE 

In ihren dem Trickfilm verwandten Videoarbeiten 

beschäftigt sich Pia Maria Martin 

mit vermeintlich unbedeutenden Gegenständen 

oder Objekten des Alltags. Diese 

werden zu HauptdarstellerInnen ihrer 

Arbeiten und, als Animationen, die aus 

Tausenden von Einzelbildern komponiert 

wurden, unverhofft zum Leben erweckt. 

Es entstehen animierte Stillleben, die sich 

an verschiedene Genres der klassischen 

Malerei anlehnen. Nur sind die Stillleben 

eben nicht still, sondern verändern sich, 

Mal schnell und heftig, Mal langsam und 

ruhig. Die perfekte Choreographie von 

Bild und Ton verblüfft stets aufs Neue. 

Die im Bildgedächtnis gespeicherten 

Motive fügen sich zu kleinen, narrativen 

Episoden mit ungewissem Ausgang, denn 

die Gegenstände entwickeln unerwartet 

ein kurioses Eigenleben, formieren sich 

und gehen wieder auseinander. Für ihr 

Triptychon «Vivace» brachte sie drei klassische 

Motive aus der Kunstgeschichte 

zusammen: einen Blumenstrauss, eine 

Küchenszene sowie eine Vanitas-Darstellung. 

Die einzelnen Bilder mutieren 

und verändern sich zum Erstaunen der 

BetrachterInnen mit jedem Blick mehr. 

Die zum Teil surreal-komischen Handlungsabläufe 

sind treffende Metaphern 

für die Zeit – und damit auch für die Zyklen 

von Leben, Vergänglichkeit und Tod. 

Pia Maria Martin’s videos centre around 

trivial, everyday objects unexpectedly 

brought to life by stringing together 

thousands of single frames. The results 

are animated still lives that take their 

origins from classical painting. Unlike 

in painting, however, Martin’s still lives 

are not still as they undergo constant 

change, which sometimes is fast and 

furious, sometimes slow and calm. The 

perfect choreography of sound and image 

is amazing and never stops to impress 

us. Her motifs, once they are committed 

to our visual memory, come to be assembled 

to short narrative episodes whose 

ending is unclear: the objects unexpectedly 

develop a strange life of their own 

as they weave in and out of each other. 

For her triptych “Vivace” Martin brought 

together three classical motifs from art 

history: a bunch of flowers, a kitchen 

scene and a memento mori. To our 

surprise the images transform, increasingly 

so each time we look at them. 

The sequences, which have something 

surreal and comical about them, are 

striking metaphors for time – and thus 

also for life, transience and death. 

Vivace I, 2006 

16mm Film auf DVD / 16mm film 

on DVD, 3‘03‘‘, Ed. 5 

56 57

Pia Maria Martin 

58 

Vivace III, 2006 

16mm Film auf DVD/16mm film on DVD, 3‘26‘‘, Ed. 5 

59

Franziska Megert 

*1950 in Thun CH, lebt und arbeitet / lives and works in Bern CH und Düsseldorf DE 

Seit den 1980er-Jahren beschäftigt sich 

Franziska Megert hauptsächlich mit 

Videoprojekten und untersucht dazu den 

reichen Fundus der Kulturgeschichte. 

Waren es zu Beginn Fragen nach Geschlecht, 

Transitionen in der Gesellschaft 

oder Körperlichkeit, die sie mittels unnahbaren 

Porträts in ihren stelenhaften 

Videoskulpturen auslotete, wurden mit 

der Zeit tradierte Mythen immer wichtiger, 

denen sie in aufwendigen Recherchen 

auf den Grund ging. Auch fanden 

zusehends Computeranimationen Eingang 

in ihr Œuvre, was ihr ermöglichte, 

gross angelegte Panoptica eines Themas 

raumgreifend und freskenhaft auszuformulieren. 

Ihre Projektionen werden 

stets zu äusserst lebendigen «Tableaux 

Vivants», die in sich nicht abgeschlossen 

sind, mannigfaltige Anknüpfungspunkte 

für den eigenen Erfahrungsschatz 

bieten und zur dauernden Reflektion 

einladen. Das Spiel von Materialität 

und immateriellen Umsetzungen beherrscht 

die Künstlerin vortrefflich; 

BetrachterInnen werden förmlich eingesogen 

in das virtuelle Labyrinth, 

dessen Raumstrukturen ständig neu 

definiert werden müssen. Mal rasant, 

dann wieder wie eingefroren präsentiert 

uns die Künstlerin verblüffende, paradoxe 

und doch klar lesbare Bildwelten. 

Since the 1980s Franziska Megert has 

mainly worked with video to analyse the 

wealth of subjects offered by cultural 

history. Whereas at first she dealt with 

questions of gender, transitions within 

society and the body – questions she 

formulated via inaccessible-looking portraits 

and video sculptures resembling 

steles – she has gradually shifted her 

interest and extensive research to myths. 

Moveover, by introducing the technique 

of computer animation into her work, she 

has found a way to express themes by 

means of installations that have the feel 

of murals. Her projections are invariably 

like incredibly animated “Tableaux 

Vivants” which, as they are not selfcontained, 

offer various possibilities how 

to relate them to one’s own experiences, 

thus presenting a constant invitation 

for reflection. Megert has mastered the 

play between materiality and immaterial 

realization unlike any other: Looking 

at her works feels like being sucked 

into a virtual labyrinth whose spatial 

structures keep shifting. The artist succeeds 

in presenting us with images, 

fast-paced one minute, as if frozen in 

time the other, that are bafflingly paradoxical, 

as well as clear and conclusive. 

HOMMeAGE, 1996 

DVD Pal, 3D Animation, 03’30’’ 

60 61

Chantal Michel 

*1968 in Bern CH, lebt und arbeitet / lives and works in Kiesen, Thun und Bern CH 

Mittels ihrer umfangreichen Kleider- und 

Accessoiresammlung inszeniert sich 

Chantal Michel als organischer Teil ihrer 

Umgebung und wird damit selbst zum 

Ausstattungsstück. Die Orte ihrer Inszenierung 

erfahren unweigerlich einen 

Massstabswechsel und schrumpfen auf 

die vermeintlich kleine Dimension eines 

Puppenhauses. Sie bringt sich meisterhaft 

in einen vorgegebenen Kontext ein, 

wird zu einer Art Puppe, zum Spielball 

ihrer selbst in einem skurrilen Umfeld. 

Die Künstlerin arbeitet an der Schnittstelle 

von Videokunst, Fotografie und 

Performance und versteht es, stets das 

passende Medium für den passenden 

Ort zu finden. Immer wieder verblüfft 

sie durch ihre Spontaneität, etwa bei 

den ortspezifischen Performances, oder 

durch ihre Offenheit, sich in die Realität 

anderer Kulturkreise einzufügen. 

Basierten die frühen Videoarbeiten auf 

einfachen; aber effektvollen Performances, 

arbeitet sie im aktuellen Schaffen in 

der Postproduktion vermehrt mit Eingriffen, 

wie Spiegeleffekten oder Überblendungen. 

Das Märchenhafte bleibt 

erhalten; Chantal Michel ist immer noch 

die verwunschene Prinzessin oder das 

vergessene Dekorationsobjekt – einzig 

im Spiel mit sich selbst begriffen. 

Drawing on her own large collection of 

clothes and accessories Chantal Michel 

likes to stage herself as a an organic 

element of her surroundings, a pro 

-cess during which she becomes no less 

than part of the furniture. The settings 

for her performances thereby inevitably 

undergo a change of scale and seem 

to shrink to the size of a doll’s house. 

She skillfully assimilates herself to the 

given surroundings, turning into a doll 

of sorts, which she uses to play with in a 

rather bizarre location. Michel works at 

the interface between video, photography 

and performance, masterfully matching 

medium and place. Again and again she 

amazes us by her spontaneity, for example 

in ther site-specific performances, 

or her readiness to integrate herself into 

the realities of foreign cultures. When her 

early videos used to be based on simple 

but effective performances, she has 

started to spend more time on postproduction 

and applies effects such as mirroring 

and cross-fading. Yet, the fairy-tale 

character remains, and Chantal Michel is 

still an enchanted princess, or a forgotten 

decorative object, playfully self-absorbed. 

Das Geheimnis, 2006 

DVD endlos / looped, Ed. 3 

62 63

Dominik Stauch 

*1962 London GB, lebt und arbeitet / lives and works in Thun CH 

Dominik Stauch ist einer der Pioniere 

interaktiver, webbasierter Kunstprojekte 

(www.stau.ch) und arbeitete in den 

letzten Jahren an einer konsequenten 

«Erweiterung» seiner Malerei, indem 

er unterschiedlichste Medien (Ölmalerei, 

digitale Prints, Computeranimationen, 

Installationen oder Skulpturen) 

kombinierte; dabei aber den Farb- und 

Formtheorien stets treu blieb. Kunstgeschichte, 

Literatur und Musiktheorie 

des 20. Jahrhunderts bilden das nötige 

Fundament, um seinen Arbeiten die vielschichtige 

Tiefe zu geben. Nicht durcheinander 

wirbelnde Effekthascherei ist sein 

Thema, sondern wohlüberlegte, durchkomponierte 

Umsetzungen einer Idee. 

Seine Videos bestechen einerseits durch 

klar durchdachte Geometrien und eine 

«genial-einfache» Formensprache, 

andererseits durch zitierende, oft ironische 

Sequenzen, in denen er selber 

als Hauptperson agiert. Oft unterstützt 

er die Arbeiten mit Sound, etwa durch 

selbst komponierte und gespielte Musiksequenzen. 

Die Arbeiten werden so 

zu optisch-akustischen, rhythmischen 

Umsetzungen von geometrischen oder 

inhaltlichen Konzepten. Manchmal sind 

sie ruhig und meditativ, manchmal 

aggressiv oder nachdenklich stimmend. 

Dominik Stauch, one of the pioneers of 

interactive, web-based art projects (www. 

stau.ch), has also put rigorous effort into 

expanding the medium of painting. When 

combining different media (oil painting, 

digital prints, computer animation, 

installation or sculpture), he nevertheless 

remains true to theories of colour and 

form. Art history, literature and 20th century 

music theory constitute the essential 

components from which his works draw 

their complex depth. Stauch is not interested 

in causing higgeldy-piggeldy sensations, 

rather his main concern lies in 

pursuing and implementing carefully considered 

and composed ideas. His videos 

captivate, on the one hand, by their well 

thought out geometrical structures and 

ingeniously simple vocabulary of forms, 

but also by sequences that, often ironically, 

make use of quotation and in which 

the main character is played by the artist 

himself. Often his works are accompanied 

by sound, for example sequences of music 

Stauch composes and plays himself. 

His works thus become optical-acoustic 

and rhythmic realisations of geometrical 

as well as content-oriented concepts. 

Sometimes these are calm and meditative, 

sometimes aggressive and thoughtprovoking. 

Study for a Billboard, 2006 

DVD, 01’04’’, Ed. 6, Animation und Sound / animation 

and sound: Dominik Stauch 

64 65

Dominik Stauch 

66 

Don‘t Let Me Down, 2006 

Konzept und Performance / concept and performance: Dominik Stauch, 

Regie, Kamera und Schnitt / director, camera, editor: Peter Eberhard, DVD, 04’20’’, Ed. 6, 

67

Brigitte Zieger 

*1959 in Neuhofen DE, lebt und arbeitet / lives and works in Paris FR 

Im Zentrum von Brigitte Ziegers Video- 

und Fotoarbeiten steht das Verhältnis von 

Fiktion und Realität. Meist sind es die 

Künstlerin selbst oder ihr «Alter Ego», die 

in den Arbeiten zu sehen sind und so zu 

einer kontinuierlchen Wahrnehmungsverschiebung 

beitragen. Das Zitieren ist 

ein wichtiges Mittel; und doch kokettiert 

die Künstlerin immer damit. Waren die 

früheren Videoarbeiten durch die Beschäftigung 

mit Modelllandschaften oder 

eine simple Spielzeugästhetik entstanden, 

weisen die neusten in eine andere 

Richtung. Die Serie der «Wallpapers» 

nimmt die weit verbreitete Tradition der 

französischen Tapetenproduktion aufs 

Korn («Toile de Jouy»). Pastorale Szenen 

zierten unzählige Wohnräume und 

fehlten in keinem Kinderzimmer. Die 

oft überidyllischen Motive beflügelten 

denn schon manche Kinderphantasie; 

und genau diesen Effekt des Erinnerns 

und Erkennens einer vertrauten Umgebung 

macht sich die Künstlerin zu 

Nutze: Projiziert, sehen die Tapeten wie 

normale Tapeten aus; doch unvermittelt 

lösen sich anmutige Figuren aus 

den Motiven heraus, bewegen sich auf 

die BetrachterInnen zu und schiessen 

schliesslich in den Raum. Das Idyll ist 

zerstört, übrig bleiben die Trümmer einer 

verklärten, vermeintlich besseren Welt. 

The relation between fiction and reality is 

at the centre of Brigitte Zieger’s videos 

and photographs. More often than not 

what we see in her works is the artist 

herself or her alter ego, thus bringing 

about a constant shift of perception. 

Quotation is one of her important means 

of expression, but she only flirts with 

it. When in her early works she used 

model landscapes and a simple aesthetics 

of toys, her more recent works move 

in a different direction. With her series 

“Wallpapers” she mocks the widespread 

use of French wallpaper (“Toile de Jouy”): 

Numerous living rooms are decorated 

by pastoral scenes, and few kid’s rooms 

can do without them. The exaggeratedly 

idyllic motifs have indeed inspired 

many a child’s imagination, and it is 

exactly this effect of recognising and 

remembering a familiar environment 

Zieger draws on. When projected these 

wallpapers look quite real, until elegant 

figures break away, move towards the 

on-lookers and start to shoot into the 

room. The idyll is instantly destroyed. 

What remains are the remnants of a 

transfigured, seemingly better world. 

Shooting Wallpaper, 2006 

Animation ab digitalen Daten / animation 

from digital data, 07‘45‘‘, Ed. 5 

68 69

Roman Zürcher 

*1982 in Bern CH, lebt und arbeitet / lives and works in Berlin DE 

Der Berner Künstler Ramon Zürcher ist 

ein Geschichtenerzähler, der mit überraschenden 

Schnitten und aufwendigen 

Bildbearbeitungen seine surrealen 

Welten inszeniert. Die Personen in den 

geschaffenen Räumen sind StatistInnen 

und ProtagonistInnen zugleich, werden 

sie doch manchmal eher durch die Episoden 

geleitet, als dass sie agieren würden. 

Die Bilder pendeln zwischen schönen 

Traumphantasien und Albträumen, 

führen nahtlos vom einen Ausschnitt zum 

nächsten und verschachteln sich dabei 

immer mehr. Zahlreiche Rätsel werden 

aufgegeben; manchmal werden sie 

gelöst, meistens bleiben jedoch mehrere 

Möglichkeiten zum Ausgang der Geschichte 

offen. Diese Offenheit zelebriert 

der Künstler, indem er gleichzeitig verschiedene 

Bedeutungsebenen aufzeichnet, 

und diese immer wieder in neue 

Kontexte rückt. Er erzählt umfangreiche 

Geschichten – und erzählt eigentlich 

doch nichts. Und trotzdem wartet man 

gespannt auf die Fortsetzung der sich vor 

einem ausbreitenden Handlung, auch, 

wenn sie sich als blosses Hirngespinst 

entpuppt. Es sind am Schluss doch einzig 

die Bilder, die sich einprägen und die 

haften bleiben, dies nicht zuletzt, weil 

der vollständige Verzicht auf Ton eine 

Konzentration aufs Visuelle klar vorgibt. 

Bernese artist Ramon Zürcher is a 

story-teller who creates surreal worlds 

by means of unexpected film cuts and 

extensive image editing. The figures 

peopling his fictive spaces are both protagonist 

and extra, as often they seem to 

be guided through the various episodes 

rather than acting in them. The images 

oscillate between beautiful dream and 

frightening nightmare, one detail leading 

seamlessly to the next, but getting more 

and more interlaced. Numerous riddles 

are created on the way, which sometimes 

can be solved, but most of the time we 

are left with several possibilities as to the 

the story’s ending. Zürcher celebrates 

this openness by creating various levels 

of interpretation, and constantly putting 

them into new contexts. He tells elaborate 

stories – which, as a matter of fact, 

tell us nothing at all. And still we can’t 

wait to find out how the story will evolve, 

no matter if it turns out to be mere fantasy. 

It is the pictures that edge themselves 

onto our memories, aided by the 

fact that Zürcher does completely without 

sound, concentrating on the visual. 

Der Giesser, 2004 

DVD, 03’04’’, Ed. 5 

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Dank / Acknowledgments 

Herzlichen Dank zuerst an Carola und 

Günther fürs Vertrauen, mich mit der Organisation 

der Ausstellung zu betrauen. 

Wir kennen uns mittlerweile sehr gut und 

arbeiten schon lange in gemeinsamen 

Projekten zusammen; aber es ist immer 

aufs Neue spannend und bereichernd! 

Für mich sind die Ausstellungsräume 

fast euer erweitertes Wohnzimmer! 

Dann möchte ich verschiedenen Menschen 

danken, die zum Gelingen der Ausstellung 

beigetragen haben. Zuerst allen 

KünstlerInnen – denn ohne KünstlerInnen 

gibt es keine Kunst und ohne Kunst 

keine Ausstellung: so einfach ist’s! Dann 

gebührt ein ganz grosses Dankeschön der 

Kuratorin der Sammlung Carola und Günther 

Ketterer-Ertle, Annick Haldemann; 

sie leitete das Ausstellungssekretariat, 

leistete also die eigentliche Knochenarbeit, 

während ich mich eher dem Schöngeistigen 

zuwenden durfte; merci Annick! 

Nicht vergessen möchte ich meinen 

technischen Assistenten Simon Stalder, 

der nach all den Jahren der Zusammenarbeit 

weiss, «wie» ich «was» 

haben will und meine fordernde Art beim 

Aufbau stets erträgt. Vielen Dank auch 

Dominik Stauch, der immer wieder Rat 

und Tat zur visuellen Umsetzung einer 

Idee bietet; dann der Videocompany, 

die das Unmögliche machbar macht; 

und zuletzt auch vielen Dank der ganzen 

PROGR-Crew, Beate Engel, Eva 

Winkler, Martin Waldmeier und Jymy 

Ochsenbein – ihr habt uns toll unterstützt 

und wart wunderbare Gastgeber. 

First of all I wish to thank Carola and 

Günther for having entrusted me with 

the organization of the exhibition. We 

have become good friends over the years 

and have been working together on joint 

projects for a long time. Even so, every 

new project is as exciting and rewarding 

as ever! For me, your exhibitions are almost 

like an extension of your living room! 

I then wish to thank various people for 

their contribution to the success of the exhibition. 

Firstly, the artists themselves, for 

without artists there would be no art, and 

without art there would be no exhibitions 

– it’s as simple as that! A big thank-you 

also goes to Annick Haldemann, the curator 

of the Carola and Günther Ketterer- 

Ertle Collection. She has handled all the 

secretarial work for the exhibition, all the 

gruelling work in other words, while I have 

been able to devote myself almost entirely 

to more aesthetic concerns. Thank 

you Annick! Someone who must not go 

unmentioned is my technical assistant 

Simon Stalder, who after all the years we 

have been working together knows exactly 

the “whats, whys and wherefores” of my 

needs and somehow manages to put up 

with my impossibly demanding manner 

whenever I’m in the final throes of assembling 

an exhibition. My thanks, too, 

go to Dominik Stauch, who never fails 

to come up with “just the ticket” when it 

comes to realizing an idea visually. And 

then there’s the Videocompany, which 

has made the impossible possible, and, 

last but not least, the whole PROGR crew: 

Beate Engel, Eva Winkler, Martin Waldmeier 

and Jymy Ochsenbein – you were 

a fantastic help and wonderful hosts. 

Carola Ertle Ketterer und Günther Ketterer danken Bernhard Bischoff für 

die langjährige Begleitung der gemeinsamen Interessen und Projekte. 

Carola Ertle Ketterer and Günther Ketterer wish to thank Bernhard Bischoff 

for many years of shared interests and joint projects. 

Publikation / Publication 

Herausgeber / edited by: Sammlung Carola und Günther Ketterer-Ertle 

Katalog, Texte, Redaktion / catalogue, texts, editing: Bernhard Bischoff 

Koordination / coordination: Annick Haldemann 

Übersetzungen / translations: John Brogden, Sylvia Rüttimann 

Lektorat / proofreading: Paul Le Grand 

Gestaltung / design: Dominik Stauch 

Fotografie / photographs: Dominique Uldry (Seite / Pages 1, 4, 11, 17, 19, 20/21, 

27, 33, 39, 41, 53, 72/73, 74 /75, 76 /77, 80), Pavel Büchler (Seite / Page 23) 

Lithografien / photo lithographs: Atelier Altmeier 

Druck und Herstellung / printing and production: Vetter Druck AG, Thun 

Auflage / edition: 700 

Abbildungen / figures 

Ausstellungsansichten / exibition view: Seiten / pages 20/21, 72/73, 74/75, 76/77, 

Umschlag / Cover; Sammlung / collection Carola und Günther Ketterer-Ertle: 

Seiten / pages 1, 4, 11, 17, 80 

Verlag Galerie Henze & Ketterer- Wichtrach/Bern 

ISBN 978-3-906128-39-9 

© 2009 Autor & KünstlerInnen / author & artists 

Keine Veröffentlichung von Texten und Bildern ohne Einwilligung der UrheberInnen. 

No texts or images may be reprinted or reproduced without the permission 

of the copyright holders.

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