mag20

Sur la couv :
NO ONE IS INNOCENT
THERAPY?
DIRTY SHIRT
WHEELFALL
SOLAR FLARE RECORDS
DOUR
XTREME FEST
MOTOCULTOR FEST
SHIKO SHIKO
REFUSED
LA MALTERIE

TEXTE
EDITOEDITO
Je suis arrivé à Lille en 2009 pour raisons professionnelles (bosser chez un disquaire-arnaqueur d’occasions qui porte un nom
quasi-similaire à une marque de feuille à rouler) et évidemment aussi pour des motivations extra-professionnelles. Et parmi
celle-ci : voir des concerts, voir des concerts, voir des concerts... j’avais soif, vraiment soif de concerts. Mais aussi de bières et de
rencontres. Et de rencontres autour d’une bière... En plus de son nom houblonné, de par sa programmation, La Malterie s’est tout
de suite imposée comme une évidence. Pour 7 euros, je pouvais voir Masters Musicians Of Bukkake ou Joe Lally (Fugazi), profiter
de cet incroyable vivier de groupes locaux talentueux (Ed Wood Jr, Cercueil, Shiko Shiko, Berline0.33...) et m’enivrer de bières
à prix raisonnables avec des personnes qui partageaient des goûts musicaux, une esthétique commune, des envies, un projet
de vie... Bref, un lieu carrefour : de rencontre, de confrontation artistique, d’extase éphémère... L’extase, même éphémère, c’est
toujours bon à prendre pour une génération comme la nôtre qui a appris à vivre dans le marasme ambiant et cela, constamment.
Tu te souviens d’une époque où on ne parlait pas de crise ? Personnellement, non.
Après quelques années de fréquentations assidues de La Malterie, une des associations programmatrices de ce lieu fini par
me demander si j’aimerais occuper un poste (ça reste du bénévolat et de l’activisme hein...) de programmateur parce qu’on
partageait des goûts musicaux et que je leur semblais correspondre à la philosophie du lieu. Mon infiniment petite notoriété de
Fenec m’offrait également une pseudo-crédibilité pour y être. Ce à quoi j’ai répondu par la positive tout en étant bien incertain
de pouvoir mériter pleinement cette fonction. S’ensuit 4 ans d’organisation de concerts. Et putain, remplir cette foutue jauge
de 120 personnes avec des groupes que j’adore a été l’un des trucs les plus stimulants de ma vie. Je me suis bien sûr parfois
lamentablement planté mais j’ai aussi eu quelques belles réussites qui m’ont galvanisées et confortées comme jamais dans
mes activités aussi bien à la malterie qu’avec le W-raton laveur. En 4 ans de participation à La Malterie, des trucs géniaux, j’en ai
vécus... En plus de la symbiose intellectuelle et humaine que l’on peut parfois rencontrer dans un fonctionnement associatif, j’ai
été humainement séduit par des musiciens que j’aimais modérément. J’ai aussi eu d’énormes déceptions humaines avec des
gens que j’estimais (les Peter Kernel ne sont que des grosses merdes imbues d’eux-même, voila, ça c’est fait...). Un lieu de ce
type cristallise aussi des fractures sociétales (la solitude, la pauvreté...) et il faut négocier avec ces abominables aspects. Mais
au final, tout ce que l’on retient, c’est le positif, l’endorphine, le frisson, le partage, le sentiment palpable de faire parti d’un projet
pas anodin...
Jusqu’à il y a quelques années, Lille a vraiment été une ville où il faisait bon vivre lorsque tu étais amateur de musique et d’arts.
C’était simple, ça foisonnait de partout. Sauf que depuis quelques-mois, Martine A. (j’ai bien envie de me faire une Bedos vs.
Morano sauf que j’ai pas les fonds nécessaires...) fait la nique aux bars concerts et lieux alternatifs, source de nuisances sonores
et d’alcoolisme sur la voie publique selon la municipalité. Sauf (bis) que La Malterie fait face à des problèmes qui semblent insolubles
sans le concours de cette municipalité qui souhaite concentrer et proposer une conception de la culture bien à elle. Visible,
spectaculaire et tant qu’à faire facilement digérable. Il paraît qu’en temps de crise, c’est toujours la culture qui morfle. La Malterie
n’est pas un cas isolé et des lieux de culture qui en bavent, il y en a plein. Sauf que non. De la thune il y en a et des caisses. Et on
te parle pas des grands crus viticoles qui se cachent dans les caves des hôtels de ville des plus grandes municipalités de France.
Sauf que c’est tellement plus simple de filer 200.000 boules à un imposteur-contentpourien-connard comme Jeff Koons pour
une soi-disant oeuvre d’art en forme de bite ou de névrose œdipienne qui offre une visibilité médiatique à la municipalité que de
sauver un lieu qui a un véritable rôle social, économique et culturel dans un territoire bien précis.
Le Dans l’ombre consacré à Aurélien de La Malterie te donnera de plus amples informations concernant les missions et les difficultés
de ce lieu INCONTOURNABLE à Lille.
Et votre serviteur dans quelques mois sera orphelin de cette stimulation culturelle, intellectuelle, relationnelle et plus
encore mais peu importe au final... Je suis en colère mais imagine le public qui afflue régulièrement pour voir les événements
qui va se retrouver orphelin d’une certaine conception de la culture. Imagine la colère des 100 artistes résidents
à la malterie qui vont perdre leur lieu d’émulation et de travail. Imagine les 6 salariés qui vont perdre un métierpassion
mais également une source de revenu. Monde de merde. Mais profite de La Malterie et de tous ces endroits
qui ont vocation à défricher la culture, il est bien encore temps de montrer ton soutien et de célébrer une autre culture.
David
2

SOMMAIRE
[04] [NO ONE IS INNOCENT]
[08] HANGMAN’S CHAIR
[10] THE ARRS
[12] VESPERINE
[13] REVOK
[14] THERAPY?
[19] DIRTY SHIRT
[24] GENERAL LEE
[26] ZUUL FX
[28] SOLAR FLARE RECORDS
[32] MEMBRANE
[35] WHEELFALL
[41] REFUSED
[44] DOUR FESTIVAL
[58] XTREME FEST
[64] MOTOCULTOR FEST
[74] SHIKO SHIKO
[76] EN BREF
[84] IL Y A 10 ANS
[85] CONCOURS
[86] DANS L’OMBRE
SOMMAIRE
3

INTERVIEW TEXTE
INTERVIEW>
NO ONE IS INNOCENT
Avec un retour en fanfare de No One Is Innocent, il nous fallait poser des questions à sa tête pensante Kémar, alors
forcément ça parle de l’évolution depuis Drugstore mais surtout de Propaganda et un peu de politique...
Avant de parler du nouvel album, revenons sur Drugstore,
à froid, quel est ton sentiment sur cet album ?
Drugstore est un album qui nous a permis de nous
échapper de la routine. Depuis le début du groupe, on a
toujours cherché à ne jamais faire le même album. Sans
la direction musicale de Drugstore on n’aurait jamais
composé des morceaux comme «Drugs» et «Johnny
Rotten» qui font toujours partie de la setlist live...
Est-ce que les critiques qu’il a subies ont influencé les
choix pour Propaganda ?
Pas du tout.
Comment avez-vous géré le départ de Camille qui avait
pris beaucoup d’importance au sein du groupe ?
Camille est le réalisateur de trois albums de No One. Il
a beaucoup compté pour nous pendant ces périodes.
Après tout ce qu’on a vécu ensemble, il était temps pour
No One de brancher un autre réalisateur.
Propaganda est certainement l’album le plus proche
de ce que faisait le No One des tout débuts, c’était une
volonté de revenir à quelque chose de plus direct ?
Pour composer Propaganda, on a décidé de lâcher les
ordis et de rester tous ensemble en répét pour faire
naître les titres. C’est pourquoi on a eu l’impression de
se replonger 20 ans en arrière pour donner naissance à
l’énergie brute de l’album.
C’est Fred Duquesne qui a enregistré l’album, pourquoi
l’avoir choisi lui ?
Fred Duquesne fait partie de notre bande de potes, on
connaît son travail depuis longtemps. On a tout de suite
pensé à lui pour la réalisation. Au départ il nous a proposé
de se retrouver 5 jours dans son studio pour maquetter
5 titres, et en sortant on n’avait plus aucun doute...
c’était le mec de la situation.
Vous avez enregistré «live» comme peut le laisser
croire le clip de «Silencio» ?
Beaucoup de morceaux ont été enregistrés live ...
comme «Djihad propaganda», «Massoud», «Silencio»,
«Charlie».
Au rayon des changements, il y a également l’arrivée
chez VeryCords, pourquoi ce choix ?
Parce que le boss de VeryCords connaît No One depuis
des années et on parle le même langage.
4

Plus de 20 ans après, les problèmes dénoncés avec
l’éponyme sont toujours présents, les messages transmis
par les artistes ne servent donc à rien ?
Ce n’est pas le message des artistes qui va changer
quoique ce soit... Sauf si tu t’appelles Bob Marley.
Avant de balancer des messages faut pas oublier qu’on
fait de la musique et que ça reste le plus important. Ceci
dit, l’ADN de No One a toujours été d’utiliser nos morceaux
pour dire des choses. Libre à chacun d’adhérer ou
pas.
Vous allez partir faire du bruit dans l’hexagone en novembre
/ décembre, vous allez préparer une set-list
identique pour chaque date ou vous avez bosser plein
de titres et ferez une sélection en fonction de l’état
d’esprit ?
On joue chaque concert de No One comme si c’était le
dernier, c’est pour ça qu’on ne vit jamais la même chose.
Merci Karen chez VeryCords, merci aux No One Is Innocent
et à Kémar en particulier.
INTERVIEW TEXTE
Le racisme s’est banalisé, la xénophobie gagne des
élections, la belle France unie et républicaine de Charlie
n’était qu’une illusion ?
Qu’on arrête de nous casser les couilles avec l’esprit du
11 janvier. La France qui est sortie dans la
rue, et dont on fait partie, n’avait à notre
avis qu’un seul but, rendre hommage à
ceux de Charlie qui sont tombés. En ce
qui nous concerne, on a écrit ce morceau
parce qu’on a toujours été en phase avec
les idées défendues par Charlie Hebdo.
Qui est le plus responsable de cette ambiance
générale pourrie ? Les politiques ?
Les médias ? Les parents qui n’ont pas su
éduqué leurs enfants ?
La pire chose que l’on constate depuis des
années c’est la Lepenisation des esprits.
Mais malheureusement c’est les politiques
de droite et de gauche qui sont les
plus responsables. Ce sont ceux-là qui ont
laissé faire.
Les sujets chauds et politiques sont toujours plus inspirants,
tu n’as pas de lassitude à les traiter ?
Aucune lassitude tant que notre musique reste à la hauteur.
Avec la montée en puissance de la hyène, vous allez
avoir du boulot dans les années à venir, le No One résistant
pourrait aller jouer dans des villes où le FN est aux
commandes ? Jouer dans des conditions «hardcore»
pour défendre une cause ?
On n’a pas attendu la montée du FN pour aller dénoncer
les sales idées de ce parti. On a été à l’initiative du
mouvement des groupes qui ont défendu les gens de
Vitrolles. A l’avenir on répondra présent dans les villes
qui nous appelleront pour résister aux sales idées. Les
conditions Hardcore ne nous font pas peur.
Oli
Crédit photo : DR
5

INTERVIEW
6

NO ONE IS INNOCENT
Propaganda (Verycords)
No One Is Innocent est un groupe réactif et c’est quand
les sujets sont les plus graves que Kémar excelle. On
avait pu s’en rendre compte avec «La peau» ou sur
Utopia, et au travers de Gazoline avec la nouvelle mouture
du combo qui m’avait passablement ennuyé avec
Drugstore. En 2015, le climat mondial est au terrorisme
et à la résurgence de masses fascisantes qui pensent
que leurs problèmes sont causés par les autres... On
sent un No One Is Innocent impliqué, prêt à en découdre
avec les idées comme avec les riffs, Propaganda renoue
avec leur glorieux passé au propre («20 ans») comme
au figuré. Welcome back.
«Nous sommes tous Charlie» clame Paris et le Monde
entier début janvier, «des cartouches d’encre contre les
munitions (...) face à eux faut faire front», les slogans
claquent, les mots de Zapata repris par Charb servent de
texte pour que le message passe et repasse «je préfère
mourir debout que vivre à genoux». Comme les textes,
les guitares sont ciselées et la rythmique tabasse, aux
oubliettes les sons électro surproduits du Drugstore, on
laisse la place à la basse («Silencio»), aux distos, aux
frappes sèches et à un Kemar qui reprend les rènes pour
traiter des sujets chauds du moment : peur globale et
embrigadement explosif sur «Djihad Propaganda», les
idées brunes de la sirène/hyène «Putain si ça revient»,
surveillance et destruction à distance avec «Drones».
Et quand, le leader charismatique du groupe se fait
davantage poète («Silencio»), c’est pour tacler une présidence
inopérante malgré les beaux discours... Même
si c’est très agréable à écouter, son rayon, ça reste
l’action et rien de tel qu’une punchline en anglais pour
faire bouger même si l’essentiel reste compréhensible
par tous les francophones («Barricades», «Kids are
on the run»). Pour ceux qui ne sont pas attentifs aux
textes (sérieusement ?), pour bouger, il suffit de suivre
les coups de baguette et de médiator parce que ça ne
rigole pas et ça enquille les riffs saturés sans perdre le
groove qui est aussi une de leur marque de fabrique.
Quand ça se calme, comme sur «Massoud» (encore un
révolutionnaire à l’honneur), on se rapproche musicalement
d’un «Autobähn babies» et donc mon Graal Utopia...
C’est d’ailleurs un titre («Nomenklatura») de mon
album fétiche que No One Is Innocent était venu jouer à
Nulle Part Ailleurs, on retrouve le lancement d’Antoine de
Caunes qui bouffe un peu leur nom pour célébrer leurs
«20 ans» (un peu plus même). Dans ce titre, le groupe
se met en scène (comme le faisait Silmarils ou le fait
encore Mass Hysteria), se rappelant son histoire pour
constater que les thèmes du début des années 90 n’ont
pas forcément changé, le racisme ambiant fait toujours
des ravages (de «La peau» à «Un nouveau Scottsboro»)
et il reste donc des chansons à écrire pour les
générations qui n’ont pas encore compris qu’on habitait
la même planète...
Un dernier titre punk-défouloir en anglais (chanté par
Shanka entre deux alarmes) qui dénote un peu et No
One Is Innocent range les guitares et le micro... Pour
mieux les ressortir dans tous les coins de l’hexagone où
ils mettront le feu. Putain que ça fait du bien.
Oli
LES DISQUES DU MOMENT
7

LES DISQUES DU MOMENT
HANGMAN’S CHAIR
This is not supposed to be positive (Music Fear Satan)
Hangman’s Chair fête ses 10 ans cette année avec un
quatrième album intitulé This is not supposed to be
positive, on savait le groupe peu optimiste dans sa musique
et son imagerie, le split avec Acid Deathtrip de l’an
dernier n’a pas vraiment coloré leurs idées, la guillotine
ensanglantée n’est en effet pas un truc très positif... Et
le mec au chapeau (Anatole Deibler, le plus célèbre bourreau
de France) n’inspire pas confiance non plus même
si les couleurs ambiance pastel nuancent le tout et rajoutent
davantage de tension. Et si je passe autant de
temps à disserter sur ce très réussi artwork (signé Dave
Decat à l’origine, le même illustrateur que pour Hope//
Dope//Rope), c’est qu’il est vraiment raccord avec la
musique proposée par les Parisiens : un sludge toujours
plus inquiétant que chaleureux malgré des teintes ultra
agréables.
sonore. Une ambiance qui vire au sublime quand ils calment
peu ou prou le rythme, on obtient alors des morceaux
de la trempe de «Your stone» ou «Flashback»
qui sont juste «beaux». Et c’est déjà pas mal. Entre les
éternelles références sludge (Down) et stoner (Kyuss),
on peut ajouter une pincée de grunge plaintif à la Alice
in Chains (pour le chant de «Requiem» ou les grattes
hâchées et métalliquement plus claires de «No one
says goodbye like me»). Si la voix (et ses nombreuses
facettes) semble être un des éléments les plus accrocheurs
de ce This is not supposed to be positive, les
Parisiens démontrent avec «Les enfants des monstres
pleurent leur désespoir» (tout un programme) qu’elle
n’est pas indispensable pour composer un titre réussi
d’Hangman’s Chair. Ceci dit, quand ils répondent tous
présents et jouent sur tous les tableaux, on a le droit à
des morceaux d’exception comme ce «Cut up kids» de
grande classe.
This is not supposed to be positive se révèle être un
nouveau chef d’oeuvre. Peut-être plus mais pas moins.
Oli
L’alternance de riffs ultra lourds et gras et de passages
aussi lumineux que le soleil du désert (coucou Mars Red
Sky) est toujours la règle de base pour construire des
titres lancinants qui lézardent sur les rochers avant de,
parfois, s’exciter quelque peu pour rejoindre une mare
de vase. Entre le Nevada et la Louisianne, il y a quelques
kilomètres mais les Hangman’s Chair connaissent des
raccourcis pour relier les deux et créer leur paysage
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LES OGRES DE BARBACK
20 ans ! (Irfan)
riche carrière du groupe, et le mélange d’un répertoire
axé « musique du monde » et des morceaux pur « Ogres
» agrémentés des percussions et cuivres chaleureux
de la fanfare fonctionne à merveille. La magie opère dès
les premières notes, son paroxysme étant atteint avec
le fabuleux « Rue de Panam » chanté en chœur par un
public bouleversé et conquis.
LES DISQUES DU MOMENT
20 ans. Dieu que le temps passe vite. Alors que la scène
alternative sous toutes ses formes (fusion, puis ska
reggae) prenait tout son sens au milieu des années
90, Alice, Mathilde, Sam et Fred, quatre jeunes frères et
sœurs multi instrumentistes et déjà ouverts d’esprit, se
lancent dans la grande aventure en formant Les Ogres
de Barback pour proposer un répertoire aussi diversifié
que touchant. Le quatuor, au fil des ans et dans la
grande tradition indépendante, structurera ses activités
pour ainsi créer son label et même ses propres structures
de tournée (et notamment son fameux chapiteau
itinérant Latcho Drom). Le groupe, en deux décennies,
passera des performances de rue aux grandes salles
sans que les mass médias traditionnels ne s’en préoccupent.
Mais même sans cela, les Ogres, en vingt piges,
gagneront le respect tant du public que des groupes de
tous styles confondus.
La deuxième galette réserve également de belles surprises
avec une multitude d’invités croisant le fer avec
« nos » Ogres. Des vieux compagnons de route, des
vrais amis croisés ci et là, bref, des moments de vie partagés
avec des artistes qui leur sont chers. On retrouve
ainsi des membres de Tryo, La Rue Kétanou, Les Fils de
Teuhpu, Les Têtes Raides, et j’en passe. Preuve en est
que la qualité et l’extrême sympathie des quatre frères
et sœurs n’est plus à prouver. Et la musique dans tout
ça ? C’est un joyeux bordel organisé, une fête pendant la
fête, une alchimie presque évidente entre des amoureux
de la chanson au sens large du terme. Des chansons populaires,
qui parlent à chacun de nous, et qui resteront
pour la plupart des classiques du groupe.
Sans accès aux grosses radios et aux chaines de télé,
Les Ogres de Barback, au line-up inchangé depuis leurs
débuts, ont su, en deux décennies, conquérir un public
fidèle et loyal. La popularité et la crédibilité du groupe
est incontestable, et rester actifs vingt ans durant, aussi
bien en studio que sur scène, révèle la force qui les
pousse à perdurer dans ce droit chemin : la passion. Et
l’amour de la Musique. Chapeau bas, et merci pour tout.
À dans vingt ans !
Gui de Champi
Alors, quand on a vingt ans, ça se fête, et la fratrie Bruguière
n’a, une nouvelle fois, pas fait les choses à moitié
en proposant un double album live, dense et riche.
Comme eux ! Sur la première galette, le groupe est
accompagné de l’excellente fanfare Eyo’nlé rencontrée
au Bénin et avec laquelle les Ogres ont tourné pendant
un an. Cette magnifique collaboration fera date dans la
9

LES DISQUES DU MOMENT
THE ARRS
Khrónos (Verycords)
Si Soleil noir était un album de transition et de renouveau,
Khronos est celui qui enfonce le clou du retour
«aux sources», à savoir un album de métal hardcore
sans concession où les mélodies et les moments de
calme se comptent sur les cordes d’une guitare (à
part l’interlude «Les rives du temps», il y a toujours de
la vitesse, de la tension ou de la hargne). Certes, avec
cette nouvelle galette, The ARRS ne fait pas que dans le
bourrinage intensif mais ce n’est pas loin d’y ressembler
quand même car les parties qu’on repère le plus facilement
lors des premières écoutes sont celles les plus violentes
et notamment l’apport de Ju (Benighted) sur le
titre éponyme placé au coeur de l’opus. Ca (sur)growle
sur des grattes stridentes et une rythmique ultra puissante
et ça défonce les tympans. Ca tombe plutôt bien
car si tu t’es procuré cet album, ce n’est pas non plus
pour te bercer avant de dormir.
mots les plus forts de Badinter lors d’un discours sur le
Vel d’Hiv (Je ne demande rien, aucun applaudissement,
je ne demande que le silence, que les morts appellent :
«Taisez-vous !» Ou quittez à l’instant ce lieu de recueillement,
vous déshonorez la cause que vous croyez
servir) enchaînant sur la «marche funèbre» de Moulin
par Malraux devant le Panthéon qui explose dans nos
oreilles avec le final haut perché de Poun (Black Bomb
A), et tout ça en 3’30». Et tout est mesuré, amalgamé,
ciselé pour que ça sonne «Juste». Rarement un travail
de mémoire d’une telle qualité n’aura été mené aussi
loin par un groupe de métal en France, j’apporte donc les
félicitations du jury. Difficile de mettre un autre morceau
derrière cette superbe «Prophétie» mais «Le journal de
ma haine» tente le coup et le réussit grâce, entre autre,
à l’intervention de la voix de Kubi échappé un instant des
Hangman’s Chair pour donner, lui aussi, un coup de main
et du relief à un titre de ses potes. D’ailleurs, avec l’éviction
du chant clair, les différents guest sont les bienvenus
(il y a également Alex d’Obey the Brave) pour sortir
un peu du bloc monolithique qu’est devenu un album de
The ARRS.
Retour aux sources musicales, brutales, violentes pour
les Parisiens qui traitent de leurs thèmes favoris (Condition
humaine était déjà un clin d’oeil à Malraux, je te
conseille d’ailleurs fortement la lecture de tout ce qu’il
a écrit...) avec l’aide de leurs amis et de leur producteur
fétiche Francis Caste (Heros assassin, Trinité...). Alors
certes, c’est pas franchement «nouveau» mais putain
qu’est-ce que c’est bien branlé.
Oli
Alors, oui, ça blaste et ça hurle quasiment tout le temps
et l’étiquette «metalcore» oubliée mais ce n’est pas
pour autant que The ARRS a perdu en qualité, en écriture
et en intelligence (s’il suffisait de passer en chant
clair pour être moins con, ça se saurait). La preuve en
un seul titre, «Prophétie», où le groupe incorpore des
samples de discours historiques, avant de reprendre les
10

ENABLERS
The rightful pivot (Exile On Mainstream Records/Atypeek Music)
la guitare cristalline et éthérée, les arrangements parcimonieux
de cordes, ces chœurs très surprenants à la
David Bowie ... Si en plus, le groupe se renouvelle dans
le propos, il y a de quoi être subjugué... Le dernier morceau
«Enopolis» étonne et détonne positivement : cela
commence comme du Enablers tout craché puis Sam
Ospovat, le batteur, s’illustre par un jeu free désarticulé,
l’onirisme qui se dégage des arrangements tandis que
Pete vient jouer les troubles fêtes au sein d’un titre atypique
et foutrement beau... Bref, une fort belle manière
de clouer le bec aux sceptiques. Il y en a ?
LES DISQUES DU MOMENT
Enablers vient d’annoncer une tournée européenne et
vu la qualité de leur live, tu aurais bien tort de t’en priver.
Tu louperais un groupe qui en plus d’exceller sur disque,
excelle aussi dans cette exercice.
Quasi 4 ans après Blown realms and stalled explosions,
Enablers revient avec un album intitulé The rightful pivot.
La pochette est classe, le contenu va s’avérer l’être
aussi mais comment en douter avec un groupe de cette
trempe. Un disque d’Enablers, ça commence souvent
par un titre dantesque (remember «Patton») puis la
musique à tendance à se faire oublier pour rechoper périodiquement
l’attention grâce à la prose vindicative de
leur frontman et des instrumentations toujours méticuleuses.
Et titre d’ouverture génial il y a avec «Went right»
et ses «what the fuck white boy» animés par le toujours
aussi sur-habité Pete Simonelli et des motifs musicaux
en mode montagne-russe, assez agressif mais pas trop
quand même. Sur cette première piste, le Enablers qui
allait chercher l’auditeur par la peau du dos semble être
toujours présent. Le deuxième titre, «She calls after
you», est aussi une belle réussite, une mise en (haute)
tension qui n’éclate finalement jamais. En allant plus
loin dans les écoutes, on s’aperçoit bien vite que The
rightful pivot est un excellent cru, dans la lignée qualitative
du précédent et même quelques crans au dessus.
La maîtrise des musiciens a déjà été largement prouvé,
les 6 pistes suivantes ne vont qu’enfoncer le clou. Comment
en effet ne pas céder aux 9 minutes de «Look»
qui cumule bien des atouts : cette voix charismatique,
David
11

LES DISQUES DU MOMENT
VESPERINE
Parmi les autres (Send the Wood Music)
s’il ose se délivrer des vertiges de la pensée close).
Ces paroles ne sont pas assez souvent mélodieuses
(dommage car le chant clair semble plus naturel que
sa version lourde), elles servent surtout à tendre et
alourdir une atmosphère pourtant déjà bien saturée en
stress métallique. Parce qu’avec des morceaux étendus
entre 7 et 12 minutes, les Lyonnais ont le temps de
faire monter la pression et ainsi de faire honneur à un
de leurs groupes favoris (Cult of Luna). Les ambiances
inquiétantes passent aussi par un riffing entêtant (celui
au coeur de «Le métamorphe») et la menace omniprésente
de se prendre un mur de son sur la tronche. Tel un
ciel noirci par un orage en formation, Vesperine installe
un sentiment permanent d’anxiété puisque l’on sait que
cela va finir par craquer sous le poids de ce climat lourd
et malsain.
Dans les années 2000, Rémi (chanteur), Pierre (guitariste)
et Aurélien (batteur) jouent ensemble au sein de
Capsule ODC, leur rap métal fait du bruit dans la région
lyonnaise mais ce qui nous intéresse aujourd’hui, c’est
la suite qu’ils donnent à cette aventure à partir de 2011
et qui prend le nom de Vesperine. Ils sortent une première
démo (2 titres) en 2013, changent quelque peu
leur line-up avec les arrivées de Jéremy (bassiste) en
2013 puis de Loïc (guitariste) en 2014. Aguerris sur
scène aux côtés d’Asidefromaday ou Impure Wilhelmina,
c’est avec l’aide de ses fans que le quintet enregistre
les trois titres de Parmi les autres qui n’est pas vraiment
un EP puisqu’il atteint presque la demie-heure de musique...
Produit par Fabrice Boy (Stereotypical Working
Class, Young Cardinals, Lodz...) au printemps 2015, cet
album à l’artwork lumineux (vraiment très classe) sort
le 21 septembre chez Send The Wood Music.
La vague de couleur du superbe artwork (signé Corto
Rudant) et ce sublime bleu du disque risquent de t’emporter
si tu te lances dans l’écoute de Parmi les autres,
le noir si présent n’est pas une fatalité, la lutte avec la
lumière risque d’être sauvage et peu importe qui sort
vainqueur car c’est ce combat infini qu’on écoute avec
délice.
Oli
Vesperine commence par la «Fin» et donc avec un petit
peu d’humour, alors que ces textes sont assez sérieux
et pessimistes, en français (et plutôt audibles pour du
post hardcore), ils sont bien écrits et valent la lecture
(en voilà d’ailleurs quelques lignes Se ranger derrière la
même cause / Se ranger dans la même case / Et perdre
l’envie / De connaître autre chose / Ainsi l’esprit s’élève
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REVOK
Bunt of grau (Music Fear Satan)
néanmoins excellent. «Dear worker», c’est l’inverse, le
titre défonceur de portes par excellence, à la limite du
grindcore, étonne et fait figure de perle noir dans un
ensemble extrême mais toujours assez finement tourné
vers la mélodie. C’est d’ailleurs une des clés de la réussite
de cet album : un savant équilibre entre le clair et
l’obscur, entre la virulence et la mélodie, entre le chant
clair et le chant à gorge déployée.
LES DISQUES DU MOMENT
4 ans d’attente pour un nouvel album, c’est foutrement
long. Surtout qu’à l’époque, les Revok avaient mis tout
son petit monde O.K et K.O avec Grief is my moniker. Le
groupe re-débarque avec Bunt of grau via notamment
Music fear Satan. Verdict après 10 écoutes ? Mouais,
Revok, c’était mieux avant, il y un air de déjà vu dans c’t
affaire et on peut comprendre les commentaires un peu
acerbes et définitifs à l’égard de cette sortie sur la blogosphère.
Verdict après 20 écoutes ? On valide haut la
main et on ne comprend plus les commentaires un peu
acerbes et définitifs sur la blogosphère. Bref, il va falloir
le mériter ce Bunt auf grau pour en saisir toutes les subtilités
et l’essence. Enfin, la dynamite plutôt parce c’est
bien de hard dont il s’agit.
Le premier titre, «Old marrow», fait figure de rouleaucompresseur
et de carte de visite classe, une belle alternance
et cohabitation de fureur/moments mélodiques.
Trois minutes 58 suffisent pour que le «your anger dissipate»
raisonne, Revok règle ton cas et te rappelle que
s’il y a un patron du genre en France, c’est vers eux qu’il
faut regarder... La suite n’est pas en reste avec «Polluted
ideas» dont le chant clair ressemble à du Mastodon
tandis que le mid-tempo «Eroded mind» caresse l’auditeur
dans le sens du poil avec du Revok tout craché mais
Revok arrive facilement à choper et renouveler l’attention,
à varier les surprises pour ne pas lasser. A titre
d’exemple, l’ambiant «Equilaterra» ou l’intro de «Perfection
is a sin» peuvent paraître des pistes/phases assez
anodines au départ mais prise dans la globalité de Bunt
of grau, elles permettent à l’auditeur de ne pas définitivement
se noyer dans la monotonie du ‘core.
David
13

INTERVIEW TEXTE
INTERVIEW>THERAPY?
En pleine promo de son nouvel album Disquiet, c’est Andy Cairns himself qui répond à nos questions qui porte sur
ce nouvel album du trio. Le frontman inusable répond comme il est dans la vie ou sur scène, avec simplicité et honnêteté
!
Therapy? a connu le succès dans les années 90 et n’a
jamais cessé de composer et de sortir des disques.
Comment analysez-vous l’évolution du rock en 20
ans et le fait que, sans être devenu confidentiel, votre
groupe n’a plus la popularité qu’il a connue en 94 avec
Troublegum ?
Je n’analyse pas ces choses-là. Je suis trop occupé à
écrire des chansons, à jouer de la guitare, à écouter de
nouveaux morceaux, à lire des livres et à apprécier l’instant
présent pour m’attarder sur le passé et sur l’état
du rock. Dans le groupe, nous écoutons de la musique
qu’elle soit d’hier ou d’aujourd’hui et dans tous les
genres. Concernant notre succès dans les années 90,
nous nous estimons déjà chanceux d’avoir eu du succès,
surtout qu’étant originaires d’Irlande du Nord, qui est un
coin tout petit, on a dû batailler pour se faire entendre au
départ. Nous avons appris il y a bien longtemps à rester
fidèles à nous-mêmes et à ne pas suivre les tendances.
Je pense que c’est pour ça que nous aimons toujours
faire de la musique.
En plus, nous n’avons jamais ressenti le besoin d’être
des « Rock Stars », donc ça ne nous tracasse pas trop
de ne pas traîner avec des stars du cinéma ou des mannequins.
Vous avez toujours mis en avant, dans vos enregistrements,
la paire basse/batterie plutôt que les guitares,
ce qui est assez rare pour un groupe de rock. C’est ça le
secret de votre son ?
Oui, sinon nous ressemblerions à tous les autres groupes
de rock. Nous sommes fans de rythme, de toute façon.
Depuis toujours, nous aimons James Brown, NWA, Public
Enemy, Can et bien d’autres... Tout comme Fugazi,
Big Black et le punk.
10 ans sans changer de batteur, ça rend les choses
plus faciles ?
Oui, Neil est un batteur fantastique mais c’est aussi une
personne très ouverte et honnête. Nous avons de meilleures
discussions au sein du groupe, depuis 10 ans.
Les mensonges et les subterfuges peuvent ronger un
groupe de l’intérieur. Nous avons tous changé depuis
1990 et nous en sommes arrivés à la conviction que
le groupe dans son ensemble ne se résumait pas aux
besoins d’un ou deux égoïstes.
Disquiet, Anxiety, Suicide-Pact, Trouble... Ce thème du
malaise revient très souvent dans les titres d’album,
pourtant sur le plan personnel, vous allez bien, c’est
facile de faire du rock quand tout va bien ?
14

Je pense que ceux qui vivent au 21ème siècle et qui ne
se mettent jamais en rogne méritent une médaille. Ceux
qui sont heureux, vraiment heureux à notre époque sont
des exceptions. Moi, je me réconforte comme je peux.
Écrire et chanter des chansons m’évite de payer un psy.
Je suis honnête au sujet de mes problèmes. C’est le fait
de les garder pour soi qui crée toute la détresse.
Quelle est la signification de la pochette de Disquiet,
sale et dérangeante au demeurant ? Vous avez laissé
travailler Nigel Rolfe ou vous lui avez fait des demandes
précises ?
Comme toujours avec Nigel, nous lui envoyons un exemplaire
de l’album, il l’écoute et il nous envoie une photo.
Nous décidons de l’utiliser ou non. Jusqu’à présent, pour
tous les albums qu’il a créés pour nous, nous sommes
très contents du résultat. Si tu me demandes quelle est
la signification de la photo, je ne sais pas. Je ne sais
jamais. Tout ce que je peux te dire, c’est que nous lui faisons
confiance pour interpréter nos sons comme il veut.
Le clip de «Still hurts» est dans la lignée de l’artwork,
c’est aussi une sorte de «lyric vidéo» mais en très travaillée,
comment est venue l’idée ?
«Still hurts» a été réalisé par une boîte de prod’ vidéo de
Manchester appelée Sitcom Soldiers. C’est la troisième
vidéo qu’ils nous font et comme Nigel Rolfe, nous leur
faisons entièrement confiance. Notre seule demande
pour celle-ci était que le groupe n’y apparaisse pas. C’est
comme ça qu’ils ont eu l’idée de faire écrire les paroles
par des individus de générations différentes. Ça nous a
plu et je pense que ça complète le morceau.
Avec «Vulgar display of powder», vous faites un clin
d’œil à Pantera, avec un son très lourd au passage,
vous pourriez faire une reprise de Pantera ?
Oui mais sans solo à la Pantera, parce que ce style n’est
pas le mien. Mais les riffs sont très bons.
Vous avez donné des concerts spéciaux pour l’anniversaire
de Troublegum. Est-ce difficile d’abandonner la
plupart de ces chansons maintenant ?
Certains des morceaux les plus connus de l’album sont
tellement connus par le public qu’un concert sans eux
semble bizarre. Ça vaut vraiment le coup de voir la foule
réagir comme elle le fait quand on les joue.
Avec 14 albums différents, ça peut être difficile. On doit
toujours laisser de côté un truc que quelqu’un veut entendre.
Parle-nous de ce label Amazing Record Co., comment
s’est fait ce choix ?
C’est un jeune label du Nord-Est de l’Angleterre avec de
gros projets et plein d’idées. Leur enthousiasme pour la
musique nous a attiré vers eux et jusqu’à présent, c’est
un plaisir de travailler avec eux. L’un de nos patrons de
chez Blast Records travaille maintenant chez Amazing
Record Co., alors c’était plus facile de changer pour une
boîte où nous avions déjà un ami.
Vous aviez d’autres possibilités après la fermeture de
Blast Records ?
Deux autres labels étaient intéressés pour nous signer
mais après les avoir rencontrés, nous avons décidé
qu’Amazing Record Co. était celui qu’il nous fallait.
Avoir des problèmes avec un label, c’est obligatoire
aujourd’hui ?
Je pense que c’est plus difficile d’avoir un label à long
terme. Comme les artistes peuvent assurer une bonne
partie des relations publiques eux-mêmes, les labels
n’investissent plus autant d’argent qu’avant. Sauf bien
sûr s’il s’agit d’une bande de jolis minets pop et qu’ils
pensent qu’ils vont leur rapporter un paquet, ou encore
d’un phénomène rap, métal ou punk pour ados, avec une
forte présence sur les réseaux sociaux qu’ils pensent
pouvoir exploiter.
Peu de groupes font carrière avec le même label comme
par le passé ?
Je ne sais pas trop... Manic Street Preachers ont le
même label depuis vingt-cinq ans et ils marchent toujours
bien, après tout.
Merci Andy, merci Therapy et merci à Elodie et au staff
Him Media pour le relais.
Oli
Crédit photo : DR
INTERVIEW TEXTE
Comment faites-vous vos set lists ?
On essaye de jouer la majeure partie du dernier disque
avec quelques chansons des anciens albums autour
pour que le set sonne bien.
15

LES DISQUES DU MOMENT
KID FRANCESCOLI
With Julia (Yotanka Records)
Ce nom gravite autour de moi depuis plusieurs années,
à travers les newsletters pro, les magazines spécialisés
print et web, les flyers... Et pourtant, il aura fallu attendre
2015 pour que votre serviteur daigne remarquer enfin
ce phénomène electro-pop dont tout le monde parle à
droite et à gauche, j’ai nommé Mathieu Hocine aka Kid
Francescoli. Découvert de façon hasardeuse lors d’une
soirée à travers le titre «Does she ?», le troisième
disque du Kid, With Julia, est né de sa rencontre faite à
New York en 2009 avec une ravissante américaine nommée
Julia Minkin. D’où ce titre d’album.
Pour vous la faire courte, les deux sont présentés par
des amis communs, s’entendent à merveille, se découvrent
une passion commune pour la musique et certains
artistes comme Air. Lui, a déjà deux albums à son
actif, elle, chante comme ça, pour le plaisir. Ils finissent
par se mettre ensemble tout en commençant à composer
des morceaux en commun. L’idée de faire un album
à deux fait surface, les échanges d’idées ainsi que les
enregistrements se font à distance (certaines voix ont
même été capturées par Skype !) car Mathieu est reparti
en France et puis, pouf, ils se séparent. Une année difficile
pour Kid Francescoli, qui va pas mal jouer sur la tournure
finale que prendra With Julia. Le Marseillais décide
de terminer ce disque suite à un échange encourageant
avec Julia, et fait appel à ses potes Simon Henner de
Nasser et Mathieu d’Oh! Tiger Mountain pour produire
ces romances pleines de mélancolies qui seront rendues
publiques au cours de l’année 2014.
J’en conviens, et ce n’est pas les intéressés qui me
contrediront (prenons l’exemple de Björk qui récemment
fut dans l’incapacité de jouer en live son Vulnicura,
évoquant pour expliquer ses annulations, l’intensité
émotionnelle qu’il lui procure), il n’est pas évident du
tout de sortir des morceaux très personnels, surtout
dans ce cas présent. Il y a toujours cette part de naïveté
à l’eau de rose liée aux sentiments forts qu’on reproche
à l’artiste, et là, difficile d’y échapper avec ce With Julia.
Il y a évidemment beaucoup de tendresse dans cette
musique, forcément de la complicité avec les deux
chants («Boom boom», «Mr Knowitall»), une honnêteté
résistante à toute épreuve mais ce sont bel et bien
les quelques hits qui font (sauvent ?) ce disque : des
petits bijoux de la trempe de «My baby», démontrant le
talent de chanteuse de Julia, ou l’excellente et sensuelle
«Does she», voire l’introductive «Blow up» qui pourtant
n’est pas mise en valeur par l’accent anglais défaillant
du Marseillais. Cela peut être «cute» pour les anglophones
si l’album s’exporte, mais assez vite affreux pour
les Français sensibles à la langue de Shakespeare. Pour
le reste, certaines chansons déséquilibrent méchamment
le disque et font tâche tels que la paresseuse et
soporifique «I don’t know how», l’agaçante et déjà-vu
«Discoqueen» ou même «Dirty blonde» qui coule dans
la mignardise.
Si on touche du doigt l’influence évidente d’Air (surtout
sur «Italia 90» où là c’est carrément la main), With Julia
est surtout un album electro-pop de notre temps, une
musique languissante relatant une expérience humaine
forte, avec ses bons et mauvais côtés. Loin d’être l’album
de l’année, tout en ayant de bons arguments à
faire valoir, With Julia aura surement le mérite de parler
davantage à ceux qui ont vécu pareille histoire qu’à des
mélomanes en manque de trouvailles électro-pop.
Ted
16

THE PRESTIGE
Amer (Basement Apes Industries)
larsen qui traîne a été étudié pour être utile à l’oeuvre de
destruction totale orchestrée par The Prestige. Au cours
du cataclysme ambiant, on récupère quelque peu avec
des morceaux qui connaissent des moments de calme
tout à fait relatif car pour certains, la pression ne fait
que monter («Léger de main»), et pour les autres, le
couperet finit plus ou moins vite par tomber sur le titre
qui passe alors en mode «côté obscur» («Négligée»,
«Marquee»). Dans tous les cas, c’est réussi et les Franciliens
arrivent aisément à nous plonger dans leur univers,
si sombre et décadent soit-il. Et le pire, c’est qu’on
y prend du plaisir.
LES DISQUES DU MOMENT
Alors qu’il n’était qu’assistant pour Black mouths, Amaury
Sauvé (Birds in Row, As We Draw...) a géré en chef
la nouvelle prod’ de The Prestige qui enquille les noms
qui ont du sens en confiant le mastering à Bob Weston
(Nirvana, Shellac...) et en continuant de travailler avec
(entre autres) Basement Apes industries (Membrane,
General Lee, Plevre, Morgue...).
Pour finir, un petit détail qui montre que The Prestige
t’aime, ils ont sorti l’album dans diverses éditions collector
avec 2 pochettes différentes mais toutes aussi
classes l’une que l’autre. C’est peut-être un «détail»
mais ça montre à quel point les gars ont réfléchi à leur
album comme un tout où rien n’est négligé, c’est à ce
prix qu’on obtient le prestige...
Oli
Si ce terrible Amer est excellent et surpasse (question
de goût) son prédécesseur, c’est peut-être parce que
la langue de Voltaire (qu’Aurelio n’imaginait pas s’intégrer
à la noirceur musicale du combo il y a 3 ans) fait
des incursions fracassantes et réussies. Les textes
oscillent entre cadavres exquis et poésie surréaliste
mais plus qu’un message clair, c’est l’ambiance qu’ils
apportent par leurs sonorités qui compte, et que ce soit
dans la douceur (toute relative) ou le chaos, ça colle. The
Prestige préfère largement amener la guerre dans nos
oreilles qu’y accrocher des fleurs... Au rang des compos
chaotiques au possible, tu trouves une belle liste avec
entre autres «Bête noire», «Enfants terribles», «Voir
dire» ou «Apaches», c’est alors un déluge de riffs et de
coups qu’on prend en travers de la tête et si on a l’impression
de vivre l’apocalypse, le groupe ne frappe pas au
hasard, tout cela est savamment construit, le moindre
17

LES DISQUES DU MOMENT
BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB
Live In Paris (Abstract Dragons)
‘’Beat the devil’s tatoo’’ a ‘’Spread your love’’ en passant
par d’autres titres un peu plus rares mais tout aussi
jouissifs.
Un peu plus de deux heures de rock’n’roll qui puent la
classe et la maîtrise jusqu’au bout et qu’on retrouve sur
le DVD de ce même concert. La réalisation est superbe,
le montage hypnotisant, la lumière lysergique et le cadrage
digne d’un grand western. Sans compter la prod
sonore, tout aussi propre que fidèle, qui laisse apprécier
toutes les subtilités du son vaporeux et lourd du trio des
Californiens. Deux heures intenses et donc pas forcément
digestes pour tout le monde mais qui rassasieront
plus qu’assez les die hard du Club.
Black Rebel Motorcycle Club fait partie de ces groupes
qui pourraient allègrement servir de définition à une
certaine idée du rock. Un look blouson noir absolument
démodé mais qui tient bon, des membres charismatiques,
dont un sosie de James Dean, des cordes
implacables capables de déclencher une émeute avant
d’appeler à la transcendance, des voix charismatiques,
sensibles et furieuses, et enfin une attitude aussi authentique
que rugueuse. En 15 ans de carrière le gang
n’a jamais démérité, rejoignant la catégorie de ces formations
n’ayant jamais été propulsée dans la stratosphère
médiatique mais qui malgré tout résistent à toute
les tempêtes et continuent de naviguer sur une fan-base
fidèle et solide.
Cette fan-base sera comblée par la sortie de ce superbe
CD/DVD Live in Paris qui prend place dans le décor incroyable
du Trianon. Grosse surprise de cette sortie,
c’est la performance spéciale livrée par le groupe pour
l’occasion. En effet, il n’y a pas un mais deux CDs live,
dont le premier n’est rien de moins que l’interprétation
en intégral de leur dernier album en date, Specter at the
feast (2013). Le deuxième CD lui renferme la seconde
partie du concert, une setlist ‘’best-of’’ des plus croustillantes
avec les plus grands classiques du groupe, de
Et comme les fans, c’est bien connu, n’en ont jamais
assez, ils trouveront également un sympathique documentaire
sur la vie en tournée du groupe, à condition
d’être anglophone. Un documentaire dans la même
veine que ceux qu’on a l’habitude de voir sur ce genre de
DVD mais qui s’avère toujours intéressant tout en révélant
quelques petites anecdotes classiques de la vie sur
la route.
Bref, si tu es client du BRMC, fonce sur ce CD/DVD Live
in Paris et son artwork bien léché. Par contre si tout ce
que BRMC t’évoque c’est la chanson que tu as entendu
dans une pub avec Robert Patinson, alors commence
par écouter le second CD du concert qui sera pour toi
une excellente porte d’entrée dans l’univers du groupe
de Frisco.
Elie
18

DIRTY SHIRT
Dirtylicious (Promusic Prod)
speed-folk locale et qui ouvrent et ferment l’album) ou
les différents textes dans leur langue maternelle (je n’y
comprends absolument rien, même avec les textes dans
le livret), bref, même quand on se retrouve au fin fond
d’une fête roumaine distordue, et alors que ce n’est pas
du tout notre culture, ces violons, ces sons, cette énergie
nous ravissent... Si tu as kiffé les quelques passages
bien «arméniens» de SOAD, tu risques d’A-DO-RER cet
album salement délicieux.
LES DISQUES DU MOMENT
Dirty Shirt nous a écrit un paquet de titres qui s’écoutent
et se réécoutent indéfiniment sans jamais perdre en
saveur et en plaisir. Dirtylicious n’est pas seulement un
prétendant au titre de meilleur album de métal roumain
ou du meilleur album de métal mais tout simplement un
des meilleurs albums de l’année. FELICITARI !!!
Dirty Shirt nous a habitué à de bons albums mais alors
celui-là... Il est vraiment exceptionnel !!! Dirtylicious,
c’est la somme de tout ce que les Roumains ont fait
de mieux jusqu’à maintenant. En prouvant une fois de
plus que l’on pouvait tout mélanger et tout amalgamer,
le combo prend le meilleur de ce qu’il aime ailleurs pour
l’intégrer dans son métal balkanique folklorique avec
délice.
Oli
Un groupe roumain, un producteur français, un mixeur
américain, un artwork plutôt mexicain (en fait non, c’est
également une tradition roumaine -locale- de décorer les
sépultures avec des cranes multicolores), secoue bien
fort et tu obtiens un putain d’album métal, une bombe
qui pourrait être mondiale tant les sensations ressenties
peuvent toucher qui que ce soit où que ce soit car
qu’est-ce que ce Dirtylicious est organique ! Impossible
de résister à ces rythmiques, à ces riffs, à ces chaloupages,
à ces orientalités, à ces coups de gueule comme
à ces mélodies, tout est ciselé pour nous percuter le
corps et l’esprit.
Et même quand le groupe va chercher au plus profond de
ses racines avec «Ciocarlia» ou «Calusarii» (les pistes
instrumentales qui nous plongent dans une ambiance
19

INTERVIEW TEXTE
INTERVIEW>DIRTY SHIRT
Si c’est au guitariste (et chargé des samples) qu’on a posé des questions à propos du nouvel excellent album de
Dirty Shirt, c’est que Mihai vit en France depuis une dizaine d’années et manie notre langue bien mieux que la
plupart de nos concitoyens ! Du coup, des réponses directes, sans le filtre de la traduction pour en savoir plus sur
Dirtylicious, le Wacken et la Roumanie...
Vos albums précédents étaient très bons mais celui-là
est juste exceptionnel ! Vous en avez conscience ?
Merci pour ce compliment. Sans fausse modestie, nous
sommes fiers de ce qu’on fait, parce que nous sommes
sincères dans notre musique et on fait tout cela avec
beaucoup de passion et sacrifices.
Vous avez senti que vous enregistriez un album encore
meilleur ?
Dès le début on a senti qu’on avait un très beau projet
sous la main et j’ai quasiment été tout le temps très
confiant. C’est vrai qu’il y a eu des moments de pression
après Freak show, un album qui a eu un succès
considérable avec des critiques quasiment unanimes et
très positives, un feedback exceptionnel en concert et
un public de plus en plus large. Même moi, je considère
qu’il y a quelques titres de cet album qui ressemblent à
des «tubes», je pense à «Bad apples», «Freak show»,
«Ride», «Saraca inima me». Et puis, surtout après
notre réussite à Wacken, il y avait une attente de la part
du public et de la presse. Mais ces moments étaient
éphémères, et comme je le disais, j’ai été confiant dans
ce projet, un peu fou. Le fait de travailler avec des gens
très talentueux et impliqués, ça te met forcement en
confiance.
Le groupe a l’habitude de jouer en France, il y a d’autres
pays où vous jouez régulièrement ?
Après la Roumanie, la France c’est le deuxième pays du
groupe, le fait que j’habite ici depuis 14 ans n’y est pas
pour rien. C’est aussi le pays où on a le plus de public et
des retours positifs de la presse. C’est donc tout à fait
naturel de jouer très souvent en France, et déjà je peux
t’annoncer que l’année prochaine on prépare des dates
ici. Sinon, lors de nos tournées européennes et de nos
quelques petites «sorties» du pays, nous avons joué en
Allemagne, en Belgique, aux Pays-Bas, en Autriche et en
Hongrie.
Vous pouvez plaire au monde entier, il y a des pays en
particulier où vous avez vraiment envie d’aller jouer ?
Parmi les pays où on n’a pas encore joué, personnellement
j’aimerais qu’on joue en Angleterre et aux Etats-
Unis... Le truc classique !
Vous préparez une tournée européenne, il y a des lieux
où vous avez hâte de retourner ?
En France en premier lieu, c’est évident. On prépare déjà
un bon truc pour le printemps 2016. De bonnes nouvelles
sont en train de prendre forme...
20

L’artwork s’inspire du folklore mexicain ? Pourquoi ce
choix ? C’est loin de la Roumanie...
Non, ce n’est pas du folklore mexicain, mais bien du folklore
roumain, de la région de Maramures, c’est là d’où on
est originaire, une des régions où les traditions ont été le
mieux préservées en Roumanie. Ce sont des couleurs et
des motifs spécifiques de Maramures, qui par je ne sais
quelle coïncidence, sont semblables à celles du Mexique.
Il y a même un cimetière à Sapanta, appelé le «Cimetière
joyeux» où les tombes sont ornées de stèles en bois,
peintes avec des couleurs vives, des gravures de type
naïf, des poèmes, tout ça dédié à la mémoire du mort.
Votre musique traditionnelle est encore très présente,
vous faites écouter vos versions à des gens qui
n’écoutent pas de métal ?
Oui, bien sûr, et ça plaît. Ca permet même à des gens
d’accepter le son métal après plusieurs écoutes. Et surtout,
en live, il nous est arrivé de jouer dans des festivals
avec un public très différent de ce qu’on fait, mais
chaque fois on a réussi à conquérir les gens. Après des
années de musique, comme musicien ou spectateur,
je pense qu’en concert, le style de musique est moins
important que la façon dont tu la joues, si tu es sincère
ou non sur scène et si tu transmets quelque chose aux
gens. Il m’est arrivé plus d’une fois d’adorer des concerts
de groupes que je n’écoute jamais.
Quelle est l’importance de Charles dans l’enregistrement
de l’album, les morceaux sont beaucoup modifiés
quand vous êtes en studio ?
Notre collaboration avec Charles a commencé en 2009
avec l’enregistrement de Same shirt different day.
Charles a un grand rôle dans le son de Dirty Shirt, et
depuis on a fait tous les albums ensemble. Au fur et à
mesure, j’ai progressé aussi dans la production et donc
on l’a fait en partie nous-mêmes désormais même si
c’est toujours Charles qui donne la touche finale. Concernant
l’enregistrement, nous sommes très ouverts, et
on enregistre énormément de choses. On travaille très
librement dans ce sens. Puis lors des arrangements, on
fait des choix...
En France, les Roumains sont très mal perçus, caricaturés
comme des mendiants ou des voleurs, vous souffrez
de cette xénophobie quand vous êtes chez nous ?
Pas du tout. Sans être hypocrite, le public rock/métal
est beaucoup plus instruit que la moyenne, et surtout
il est formé par des gens ouverts d’esprit. Vraiment, on
ne nous a jamais traité de telle sorte, ni en France, ni ailleurs
en Europe.
Au contraire, nous sommes très bien accueillis par
l’équipe des salles et par le public.
Vous vous êtes fait remarquer au Wacken, vous avez eu
le soutien de la Wacken Foundation pour votre tournée
en Roumanie, ça correspond à quoi ?
C’est assez simple. Wacken Foundation est liée au festival
juste par le fait qu’elle est soutenue financièrement
par Wacken Open Air et elle bénéficie de sa tutelle. La
fondation soutient financièrement beaucoup de projets
métal en Europe. On a tenté notre chance, on a fait un
dossier et on a reçu une réponse positive. Nous avons
demandé de l’argent pour pouvoir louer de l’équipement
comme une table de mix digitale et quelques accessoires
et avoir les techniciens nécessaires pour faire
une tournée avec 9 musiciens sur scène et avec des
dates très proches.
Ca a changé quelque chose pour vous en Allemagne ?
Bien sûr, avec la réussite à Wacken on a coupé quelques
bonnes étapes et on a pris un raccourci dans la «carrière»
du groupe. Après un prix à Wacken tu ne deviens
pas une «star» internationale, mais tu commences
à avoir un nom dans ton pays et puis un petit nom au
niveau international. Egalement, je reconnais que le
prix est venu vraiment au bon moment de la carrière
du groupe, juste avant d’enregistrer Dirtylicious. Ainsi,
l’argent, l’équipement et les contrats d’endorsement de
Randall et Washburn qui ont suivis, ont été une d’une
aide extraordinaire. Mais au-dessus de tout cela, ce
qu’on a vécu à Wacken ça restera pour toujours une expérience
personnelle et musicale unique.
Vous avez fait une tournée en Roumanie, des salles de
concert se construisent ou c’est toujours très difficile
d’avoir de bonnes conditions pour jouer ?
Pour cette tournée, on a eu la plus grosse prod’ de toutes
les tournées de Dirty Shirt. Avec 9 musiciens sur scène
et beaucoup d’équipements, tu peux imaginer le bordel
et la logistique nécessaire... On a été «obligés « de jouer
dans des salles avec des vraies scènes. Et aujourd’hui
la scène roumaine est incomparable par rapport à il y a
10 ans. La Roumanie a aujourd’hui de très bons groupes
de plus en plus «pros» au niveau de leur son, leur image
et leurs concerts. Et la Roumanie est bien présente
dans les tournées des groupes internationaux de tous
niveaux. Heureusement, tu peux jouer dans de bonnes
conditions à peu près partout.
Ce n’est pas encore comme en France, mais ça va !!!
INTERVIEW TEXTE
21

INTERVIEW
Vous arrivez à vivre de votre musique ou vous avez des
jobs à côté ?
Sauf Dan Petean, le petit dernier arrivé dans le groupe, et
les collaborateurs et techniciens qu’on rémunère, tous
les membres du groupe ont un job, certains ont des familles
et des enfants. On fait tout cela par pure passion
et tout ce qu’on gagne avec la musique et réinvesti dans
le groupe. C’est la seule façon de progresser pour un
groupe, et sans cette attitude, nous ne serions jamais
arrivés où on est aujourd’hui...
Merci Mihai, merci Dirty Shirt, fonce écouter leur dernier
album et les voir en concert car ça vaut vraiment
le détour !
Oli
Crédit photo : DR

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04—29 NOV. 2015
HINT - ALB
- HYPHEN HYPHEN
TALIB KWELI - ZAZA FOURNIER
ESTER RADA - ORANGE BLOSSOM
LIESA VAN DER AA - SHIKO SHIKO
FOREVER PAVOT - WE ARE MATCH
PERFECT HAND CREW - JESSICA93
UNNO - SYCAMORE AGE
- UNIK UBIK
MEGAMOTO - SENDAK - BATHERNAY
CAYMAN KINGS - MANIC MAYA
- EVRST
LOW BATS - MOHDD - FLAT SCREEN RADIO
LIAM KI & ONCL'PHIL - LE FOND ET LA FORME
JELLY BEAN - HERE'S TO THE LION
- SPERWER
KIDS FROM ATLAS
5€/Concert !
www.tourdechauffe.fr

LES DISQUES DU MOMENT
GENERAL LEE
Knives out, everybody ! (Basement Apes Industries)
sauterie quelques amis comme Manon (petite cerise sur
le gâteau «Night chaser», dont la voix douce hante régulièrement
le studio Boss Hog), Alex de The Prestige tout
à fait dans le moule pour «The beast inside» et Vincent
(AqME, The Butcher’s Rodeo) qui, par sa clarté fugitive,
allège quelque peu le tourbillonnant «Hellbound on
VHS».
Le General Lee nouveau est arrivé et il n’a pas fait les
choses à moitié ! La mue amorcée avec Raiders of the evil
eye est désormais achevée, au placard les longues séquences
de riffs pesantes et les inspirations lunesques,
le hardcore n’ roll prend désormais toute la place. Si à
leurs formidables débuts, les Nordistes faisaient traîner
leurs idées, elles vont désormais à 100.000 à l’heure,
en exagérant (à peine), il doit y avoir autant de coups
de médiators dans «Fuel injected suicide machine»
que dans l’intégralité de leur premier album. Ca mouline
dans tous les sens, c’est du rock n’ roll gesticulatoire
version très véner et c’est juste jouissif.
Alors, les petits plats dans les grands, c’est quoi exactement
? Déjà, c’est un artwork de classe internationale
puisqu’ils nous ont déniché l’illustrateur canadien Matt
Ryan, un passionné de cinéma (comme eux), qui a
déjà travaillé avec du beau monde (Cancer Bats, Every
Time I Die et pas mal d’autres...) pour pondre un dessin
ultra personnalisé (entre bagnole star, bikini, cascade,
santiags, flingues, extra-terrestres et zombies).
Côté son, c’est encore à Clément Decrock, le boss du
Boss Hog (Tang, As We Bleed, L’oeuf, Kill me this Monday,
Errata...) qu’ils ont confié leur destin, et ça sonne
méchamment bien (encore). Enfin, ils ont convié à leur
Et tout ça, ce n’est que du détail à côté du ressenti général
: littéralement une grande claque dans la gueule.
Même les trucs sur lesquels je suis plutôt réticent d’habitude
deviennent excellents, le meilleur exemple sont
les choeurs (j’ai vraiment beaucoup de mal avec ce procédé),
ceux qui terminent «The conqueror worm» sont
bouleversants d’utilité, impossible d’imaginer le titre
sans eux. Si musicalement, la transformation est enfin
aboutie, General Lee n’a pas changé d’humeur et allie
souvent déconnade à références historico-cinématographico-musicales
(je crois que c’est comme ça qu’il
faut dire !), en témoignent des titres comme «Sergio
Leone built my hotrod» (ou comment le maître du western
spaghetti remplace le Jesus de Ministry) ou «Letter
of Aaron Kominski from Hell» (ou comment l’un des
potentiels «Jack l’Éventreur» se retrouve à écrire une
lettre depuis l’enfer ... ou un film traitant de ladite histoire).
Les jeux avec les mots sont aussi poussés que
ceux avec les riffs, ça chauffe donc à tous les étages et
devant la complexité des constructions, la façade est
clairement kiffante. Plutôt que de sortir les couteaux,
sortez les cartes bleues ou les biftons et chopez-moi cet
album !
Oli
24

ROPOPOROSE
Elephant love (Yotanka Records)
Le premier contact que j’ai eu avec Ropoporose a été
scénique. Ca remonte à la dernière édition du festival
de La Ferme Électrique cet été et la prestation fut pour
le moins laborieuse, du moins au départ, pour se terminer
comme elle aurait dû commencer, à savoir de belle
manière. Pas super convaincu dans la façon de l’exprimer
(avec des réglages urgents à effectuer sur la justesse
vocale de la miss), la musique me plaisait tout
de même. L’idée de jouer à deux avec des boucles de
guitares enregistrées en direct pour pallier l’absence
d’instrument supplémentaire, le truc qui peut se révéler
assez vite casse-gueule sans maîtrise ; ces effluves
d’indie-pop juvéniles et bricolées qui laissent un sourire
bête et émerveillé quand elles traversent les oreilles...
Bref, il ne me manquait plus que d’écouter leur premier
album Elephant love pour asseoir mon opinion sur ce
groupe qui mérite tout de même que l’on s’y intéresse
un tant soit peu. Pourquoi ? Parce qu’ils ont été approchés
puis signés sur la sérieuse écurie Yotanka Productions
(Kid Francescoli, Zenzile, Von Pariahs) et que les
relais effectués dans la presse ont globalement été très
encourageants.
rien, Ropoporose se défend super bien, son style à la
fois furibond et fragile, est accrocheur. Difficile donc de
passer son chemin. De plus, les dix titres d’Elephant love
sont des appels constants à la nostalgie - l’influence de
Sonic Youth étant très présente - et les mélodies pleines
de mélancolie qui en découlent constituent le moteur
créatif de ce disque. Dès lors, comment ne pas succomber
à «Day of may» ou la sublime «Whu-whu» ?
Deuxièmement, parce qu’il y a une exigence musicale
déjà très présente pour des artistes aussi jeunes qui
tentent, comme leurs grands frères et sœurs de Peter
Kernel, de jouer la carte des guitares saillantes et de réveiller
les foules (la suite «Empty-headed»/»Elephant
love»). Certains arrangements sonores et utilisations
d’instruments, comme le mélodica et le xylophone sur
«40 slates», corroborent cette exigence envers euxmêmes
et cette volonté de proposer du contenu varié et
de qualité.
Il y a bien d’autres raisons d’écouter ce disque, mais cela
prendrait surement plus de lignes, alors on vous laisse
découvrir et faire vos propres avis sur cette petite féerie
pop qu’est Elephant love, qui démontre qu’avec du boulot
et sans complexe, on peut vraiment faire les choses
bien, surtout quand l’adolescence n’est qu’un récent
souvenir. A bon entendeur.
Ted
LES DISQUES DU MOMENT
Le webzine aux longues oreilles va se ranger aussi du
côté des avis positifs. Premièrement parce que, l’air de
25

LES DISQUES DU MOMENT
ZUUL FX
Live in Japan (Okult Records)
Vraiment sympa que cette nouvelle sortie de Zuul Fx
parce que dans ce digipak se cache un DVD pas vraiment
comme les autres. Parce que ce n’est pas tout à
fait un documentaire sur leur tournée au Japon, ce n’est
pas vraiment non plus l’intégralité d’un concert enregistré
au pays du soleil levant, non, c’est plutôt l’histoire de
Zuul Fx racontée face caméra par son fondateur, frontman
et seul membre originel encore présent : Zuul. A
travers différents chapitres (sept au total) qui retracent
la discographie du groupe jusqu’à aujourd’hui, on (re)
découvre l’évolution du combo (et quelques anecdotes)
avec Zuul mais aussi des photos, des petites vignettes
vidéo d’archives et des coupures de presse. Chaque
partie est accompagnée d’un morceau live capté au
Japon. Les clubs ne sont pas grands, le public n’est pas
franchement bouillant mais le quatuor se démène et
balance ses compos avec un son énorme. Du point de
vue de la vidéo, les salles étant assez petites, c’est filmé
«près des corps» donc les cadrages sont approximatifs
et ça bouge pas mal, il y a toujours au moins 2 caméras
ce qui donne un rendu plus correct que la simple
vidéo souvenir. Le monteur a fait ce qu’il a pu avec les
rushes (ça n’a pas toujours du être facile, en témoigne
ce qui est gardé sur le «Beat the crap out» de Nagoya).
Les lieux dans lesquels le groupe a joué n’étant pas les
plus belles salles du Japon, les éclairages sont à l’avenant,
très decevants, et limitent le light-show à ... quasi
rien... même à Tokyo sur cette scène à damier magique.
Mais peu importe, ce DVD n’est pas là pour graver pour
l’éternité un concert de folie mais bien pour permettre
à Zuul Fx de faire le point après une dizaine d’années
d’existence et, surtout, de se faire plaisir en compulsant
l’album photos de sa vie comme de ses dernières
vacances.
Euh, un DVD live avec uniquement 6 titres et du blabla,
y’a moquage non ? Non. Parce que dans le digipak se
cache aussi un CD (bon, «se cache» c’est vite dit vu
qu’on le trouve tout de suite aussi) et au final, on se
demande si le DVD ce n’est que le bonus du CD. A moins
que ce ne soit l’inverse... En tout cas, les deux réunis, ça
devient un must have de Zuul Fx.
Alors, dis, c’est quoi ce CD ? Ce CD, c’est pour commencer
les fameux 6 titres mastocs captés au pays
du soleil levant («rising sun» en anglais pour ceux qui
s’intéressent aux sous-titres, d’ailleurs, ils sont dispos
en anglais si ton correspondant ne parle pas bien le
français). Six morceaux, ok, c’est juste bon pour un EP
alors les gars ont envoyé du bonus sur le bonus avec les
trois titres de Ass music, la toute première démo (quasi
introuvable aujourd’hui). Le son a beau être signé Francis
Caste, on est loin de la qualité des dernières prods
du groupe mais toute leur rage et leur puissance sont
déjà bien là (les trois morceaux dont l’inusable «Behind
the light» seront retravaillés pour le premier album). Et
si tes oreilles ne saignent pas encore, monte un peu le
son, il te reste 9 plages pour arranger ça car tu as le droit
aux versions démos de 9 titres de By the cross. Live in
Japan c’était donc «hier» (septembre 2014) mais c’est
un véritable bond dans le passé qu’on s’offre avec cette
double rondelle puisque tous les premiers enregistrements
du groupe s’y trouvent et même si, là encore, le
son des démos n’est pas énormissime, ça s’écoute très
bien et démontre, s’il le fallait, que le groupe n’a pas
attendu longtemps avant d’être au taquet pour envoyer
son bon gras métal-indus.
Oli
26

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LES DISQUES DU MOMENT
27

28EN BREF
SOFY MAJOR
Waste
(Solar Flare Records)
Deux ans après Idolize, Sofy Major
remet le couvert avec Waste et encore
une fois, on n’aura strictement rien à
dire de négatif de ce nouveau cru. Le
trio aborde cette nouvelle mouture
le décapsuleur entre les dents avec
«Waste», un titre massue, très Unsane,
une basse qui percute, une voix
qui prend les tripes, un songwriting de
haute tenue et une sacrée entrée en
matière. Le reste, c’est l’oktoberfest
du noiseux avec une série de titres
tout aussi bandants les uns que les
autres, une accumulation de moments
de bravoures, de riffs qui te percutent
la tronche et un groupe dont il est difficile
de remettre en cause la conviction.
Seule la reprise des Les Thugs m’a
un peu surpris au départ mais il
est ardu de ne pas admettre que le
groupe a remarquablement réussi à
se la réapproprier. Encore un sacré
parpaing (dans la gueule) à l’édifice
Sofy Major. Et la pochette superbe,
totalement en adéquation avec l’esprit
du groupe, va rendre l’édition
vinyle totalement indispensable.
David
PIGS
Wronger
(Solar Flare Records)
Pour les cancres au fond de la classe,
Pigs, c’est Dave Curran (Unsane),
Andrew Schneider (ingé-son au CV
long comme l’instrument de travail de
Rocco...) et Jim Paradise (Ex-Player’s
Club). Après un premier album intitulé
You ruin everything, le groupe revient
aux affaires les crocs encore plus acérés
avec Wronger. 9 titres dont une
intro’ indus-noise plombante («A great
blight») et un intermède red-neck
(«Mouth dump») qui en fera marrer
plus d’un. Inutile de tergiverser sur ce
retour du trio, c’est une baffe monumentale
et on y retrouve tout ce que
l’on attend d’un projet avec Dave Curran
: riff en acier trempé, voix papier
de verre, compositions turgescentes et
songwriting millimétré. Ce texte pourrait
amplement s’arrêter là mais on
oublierait de te dire qu’il y a même un
featuring cinglant de Julie Christmas
(Spylacopa, Made Out Of Babies...) sur
«Bug boy» qui devrait rappeler le meilleur
de son ancien groupe. Au final et
même en multipliant les écoutes, un album
qualitativement aussi monstrueux
que le Visqueen d’Unsane, c’est dire si
c’est un indispensable pour les fans
du père Curran et pour les amateurs
de noise-core qui ne débande jamais.
David
FASHION WEEK
Prêt-à-porter
(Solar Flare Records)
Après American Heritage et The Great
Sabatini, encore un groupe que Solar
Flare Records a eu la brillante idée
de placer sous les projecteurs des
amateurs du label. Car en plus d’être
doté d’un certain humour (la bio parodique
de Nirvana, les références au
monde...), Fashion Week évolue dans
un noise-hardcore qui fait du bien aux
oreilles et ce dès le premier titre «Fendi
bender» : l’alternance jouissif de chant
clair et de passages hardcore-heavy
à la Will Haven trouveront immédiatement
un écho chez les amateurs du
genre. Un album qui enchaîne les titres
excellents et vindicatifs («Chorusace»,
«Fur Free Friday») mais pas dénué
de prise de risques comme sur le à la
fois beau et épique «Klosstrophobia»
ou l’on voit apparaître un clavier doucereux,
une incartade positive que
Fashion Week ne tardera pas à saloper
à grands coup de décibels et de râles
coreux. Seule la piste «Haute topic»
et ses inclinaisons très émo-rock à
la Thursday me laisseront froid mais
votre serviteur a toujours eu une sainte
horreur des jeudis. Ce groupe n’a donc
strictement rien à voir avec l’univers
musical du film de Robert Altman (ni
le tube dégueulasse d’Ini Kamoze...).
On valide et plutôt deux fois qu’une.
David

EN BREF
BIG BUSINESS
Battlefields forever
(Solar Flare Records)
Big Business : Hello Mathieu, salut,
on est Big Business, tu sais, la section
rythmique des (The) Melvins, tu
nous connais ? ça nous brancherait
vachement que tu ressortes notre album
Battlefileds forever via ton label.
Mathieu (boss de Solar Flare Records)
: Hein ? Ouais, ouais c’est ça... Les
gars, vous êtes vraiment pas drôles
mais je dois avouer que votre accent
est pas mal. Et au passage, moi je suis
Henry Rollins. Enchanté les mecs.
Big Business : Ah non Mathieu, ce
n’est pas une blague, on nous a vraiment
vanté les mérites de ton travail,
on aimerait que tu ressortes
cet album pour nous et si tu es ok,
on se rencontre prochainement.
Mathieu (boss de Solar Flare Records)
: Ah ouaaaaaaais ! Putaindebordeldemerde
!
Cette conversation est totalement
fictive et imaginée, Mathieu te racontera
mieux que nous (un de ces
jours) comment la connexion s’est
faite. L’album initialement sorti en
2013 reste une perle pour les fans
de heavy-warrior-rock à tendance
sludge. A se procurer d’urgence.
David
PORD
Wild
(Solar Flare Records)
Dès le premier titre, «Staring into
space», c’est la boucherie noise sous
influences Amphetamine Reptile : la
basse entame les «noise-stilités»
puis la batterie et la guitare viennent
se tailler la part du cake pour incontestablement
asseoir la domination
sonore. Une entame d’album carnassière
et jouissive qui place d’emblée le
niveau très haut. Sauf que la seconde
piste, «I’m swimming home», surpasse
encore la précédente : une intro’
quasi classic-rock (j’ai presque envie
de citer Led Zep’...) et un morceau qui
joue avec les nerfs, multipliant les
cassures rythmiques jusqu’à ce break
cinglant et ce final explosif. Mortel de
chez mortel. Le reste, c’est aussi de la
balle : Pord étire son propos, multiplie
les coups de butoir sans pour autant
faiblir ni laisser entrevoir ne serait-ce
que l’ombre d’un ventre-mou. A ce titre,
«On the couch», le dernier morceau,
fait figure d’expérience paroxystique
avec ses 11 minutes qui commencent
le couteau entre les dents puis après
une subite coupure, change nettement
de tonalité et t’emmène très loin, très
très loin avec une digression quasi
post-noise-rock : ou comment pervertir
sa propre formule pour mieux
la sublimer. La classe encore une fois.
David
WATERTANK
Destination unknown
(Solar Flare Records)
Probablement l’un des groupes les plus
attachants du label dans la démarche,
il suffit de lire les interviews en mode
total nonchalance et zéro ambition,
mais aussi grâce à la musique qu’ils
développent, Watertank revient enfoncer
le clou avec un second album intitulé
Destination unknown. 9 titres pour
une durée de 35 minutes où le groupe
à géométrie variable semble parfaitement
quelle direction prendre lorsqu’il
s’agit de faire du heavy-rock sludgisant
avec des mélodies catchy et un chant
qui invite à l’accompagner dans ce trekking
émotionnel. On pense toujours à
Torche mais il est nettement palpable
que Watertank cherche à s’en éloigner
notamment avec ces ambiances lumineuses
très pop light. Le disque commence
sur un puissant et très Helmet
«Automatic reset» et se termine sur
un «Destination unknown» justement
symbolique de cette évolution pop.
Entre ces deux pistes, il y a 7 pépites
qui n’attendent qu’à être découvertes
et le doux glissement stylistique
qu’opère Watertank est d’autant plus
évident. L’auditeur joliment déstabilisé
ne peut qu’être pressé d’entendre
la suite. Si ‘il y en a une bien sûr.
David
29

INTERVIEW TEXTE
INTERVIEW>WATERTANK
Nouveau fleuron de la scène noise française, les Nantais de Watertank signent un deuxième album et l’emportent
avec les honneurs. Plus varié et aboutit que son prédécesseur, Destination unknown vient rejoindre la liste des jolis
cadeaux de rentrée offert par Solar Flare Records aux cotés de Pigs et Sofy Major. Entretien avec Thomas, le chanteur
du groupe, un entretien que l’on qualifiera de... « concis ».
Vous êtes un groupe aux influences immédiatement
reconnaissables, quand on parle de vous on cite systématiquement
Torche, Helmet, Quicksand, etc...
Malgré cela et contrairement aux autres groupes aux
influences trop évidentes, vous réussissez à percer
et à créer un univers musical unique. Comment vous
faites ?
Le name-dropping sert surtout à nous situer dans le
paysage musical global, mais bien entendu ça ne nous
définit pas totalement, heureusement nos références
sont bien plus larges. On a les éléments pour s’en détacher
et définir au fur et à mesure notre identité.
Ces influences sont souvent des formations américaines
des années 90. C’est une époque qui revient
un peu en force en ce moment. D’après vous, qu’est-ce
qu’il y a de si spécial avec le rock des années 90 ?
Dur d’être objectif vu que notre culture rock s’est
construite à cette époque, on peut dire qu’elle nous semblait
avoir une plus grande importance qu’aujourd’hui
car plus médiatisée.
Est-ce que ça vous gonfle pas un peu d’être toujours
ramené à vos influences, comme je suis exactement en
train de le faire par exemple ?
Non, on assume à fond, aucun souci. Sans être des fanboys,
on a évidemment beaucoup de respect pour ces
groupes grâce auxquels on a construit les bases de
Watertank.
Quand on se ballade sur le net pour regarder un peu
ce qu’il se dit sur vous, on trouve beaucoup de chroniqueurs
qui ressentent un peu de nostalgie à l’égard des
90’s en vous écoutant. Watertank c’est quand même
pas juste un revival-band pour ceux qui font leur crise
de la quarantaine, si ?
Si on veut surfer sur un quelconque revival, on devrait
plutôt monter un cover band de Metallica ou Rage
Against The Machine, on remplirait bien mieux les clubs.
Vous êtes chez Solar Flare Records, un label français
qui se revendique du DIY et qui mise sur le physique de
qualité, avec un catalogue assez noisy/post hardcore.
Est-ce que ça aussi c’est pas une éthique très 90’s au
fond ?
C’est plutôt ancré dans les 80’s, et galvaudé depuis. Tu
retrouves du DIY partout, même dans les magazines
spécialisés seniors. De notre point de vue, c’est surtout
un instinct de survie face à l’uniformisation générale,
plutôt qu’une revendication.
30

Solar Flare Records abrite quelques uns des meilleurs
groupes noise hexagonaux : vous, Sofy Major, Pord et
j’en passe. La scène noise française n’est pas forcément
la scène qui a eu la reconnaissance qu’elle méritait
jusqu’à présent. Est-ce que vous n’avez pas le sentiment
que c’est un peu en train de changer ?
À l’échelle nationale, la scène noise est plutôt réputée
pour ses groupes 90’s, l’âge d’or des Bastärd, Condense,
Tantrum, Portobello Bones, Hint et bien d’autres.
C’est la fin, à vous le mot de la fin.
Merci, Gloire à Jésus !
Merci Thomas, merci Watertank !
Elie
Crédit photo : DR
INTERVIEW TEXTE
D’après vous, comment se porte la scène rock indépendante
en France et quel avenir vous lui prédisez ?
Aucune idée, je pense que chacun fait son petit bout de
chemin, de manière isolée, mais je ne me retrouve pas
dans une scène rock indépendante globale, ça reste
du copinage à petite échelle, chacun dans son cercle
restreint. Et vu la galère
grandissante pour trouver
des dates et l’argent
perdu quand on est un petit
groupe ou un label indépendant,
je reste un peu
sceptique sur ce que nous
réserve le futur.
Y a-t-il des choses un peu
spéciales de prévues au niveau
physique pour la sortie
de Destination unknown
comme une édition vinyle
particulière...
L’album est sorti en LP, CD
et digital, rien de bien foufou
donc pas d’édition spéciale
sous forme de jokari
ou terrine de canard Watertank, désolé.
L’artwork de Destination unknown fait un peu penser
à celui d’ ‘’Idolize’’ de vos collègues de Sofy Major. On y
retrouve notamment le concept de la tête sans visage.
C’est un simple hasard ?
Dans la forme, il y a des similitudes, en effet. Il s’agit de
mon arrière grand-père sur des rails, la photo originale
est très graphique et collait complètement aux thèmes
de Destination unknown.
Votre musique oscille entre petits passages mélancoliques
et gros passages à tabac, particulièrement sur
ce nouvel album. C’est quelque chose de conscient ou
c’est simplement une recherche mélodique ?
C’est notre credo, virils mais corrects.
31

LES DISQUES DU MOMENT
MEMBRANE
Reflect your pain (Basement Apes Industries)
qu’ils étaient pressés de revenir aux affaires, non pas
que les morceaux soient bâclés (bien au contraire, si tu
as compris le travail réalisé sur l’artwork, tu sais qu’ils
ne laissent rien au hasard) mais les idées semblent
simples, directes, le combo a cherché l’efficacité dans
des schémas qui ont fait son identité et sa marque de
fabrique. L’aventure aurait pu se terminer mais il en
est tout autrement, le changement c’est maintenant et
comme c’est dans la continuité, c’est réussi.
Oli
Du split avec Sofy Major, on a failli passer au split tout
court mais après un court passage dans les limbes,
Membrane a refait surface. Inspiré par les tréfonds des
remaniements de personnel, le trio a joué aux chaises
musicales, Nico prenant le chant en plus de la guitare
et trouvant en Max (batteur de Run of Lava et Feet in
the Air) puis Alban (bassiste mais aussi chanteur), les
pièces manquantes à la survie du projet.
Pour autant l’âme tourmentée de Membrane est toujours
là : les riffs noisy tombent comme des grêles, la saturation
est lugubre, la rythmique étouffante, les chants de
Nico et Alban fidèles à la tradition noise/presque claire
ou filtrée juste ce qu’il faut pour hérisser les poils. Dans
cet océan de noirceur les gars ont pensé à, de temps
à autres, calmer le jeu histoire d’appesantir encore davantage
le propos jusqu’à l’étouffement mais aussi à
convier Floriane qui oeuvre pour le label Impure muzik
(et a joué avec Joss (de Gantz et Hiro au sein de You Witches))
sur deux titres («Breath» et «Lonesome») où sa
voix limpide éclaire un ensemble que le trio rend encore
plus sombre pour la mettre en valeur.
Avec Yann Marchadour, Membrane n’a enregistré que 6
titres mais on sent à travers cette grosse demie-heure
32

DIMONÉ
Bien hommé mal femmé (Estampe)
promesses non abouties ; la pochette est pourtant intrigante,
le dossier de presse alléchant.
LES DISQUES DU MOMENT
Reste une voix, entre Mickaël Furnon (« Chutt chutt shut
up », « Maquille-moi ») et Alain Bashung (« Un homme
libre »), qui, malgré toutes les tentatives de nous happer
en incarnant le propos (« Venise ») finit par lentement
lasser. Même chose pour les textes, un peu trop - systématiquement
- imagés, qui achèvent souvent de nous
perdre en route (sans les paroles sous les yeux). Mais
si l’écriture de Dimoné peut laisser de marbre, l’artiste
a au moins le mérite d’essayer là où une grande partie
de la scène pop-rock française a soit échoué, soit abandonné.
Derrière Dimoné (« Démon » en catalan) se cache un
vieux briscard. Dominique Terrieu, de son vrai nom, navigue
en effet en marge de la scène punk et rock française
depuis bientôt 30 ans. Musicien au sein de formations
au succès relatif comme Les Sulfateurs Espagnols
ou Les Faunes, le Montpelliérain a entamé une carrière
solo depuis la fin des années 90 (son premier album,
Effets pervers, est paru en 1999). Réalisé par son ami
musicien de toujours, Jean-Christophe Sirven, Dimoné
nous revient en 2015 pour son quatrième disque en
quinze ans : Bien hommé mal femmé.
Évidemment tout n’est pas à jeter : « Chanson d’amour
», « Encore une année » sont des titres marquants car
bien dosés. Tout comme certains détails de production,
concernant les choeurs notamment, qui s’avèrent
rafraîchissants (« Maquille-moi »). C’est malheureusement
trop peu pour maintenir complètement l’attention
pendant les 47 minutes du disque.
Une sortie finalement bien sage.
Antonin
Envisagé comme l’album d’une certaine « confirmation
» (on ne peut pas dire que son nom soit sur toutes les
lèvres), l’esprit se veut rebelle, baroudeur et défricheur.
Jouant beaucoup sur son expérience, le - bientôt - cinquantenaire
cherche avant tout à raconter des histoires,
à montrer qu’il a vu, vécu, appris, parfois.
Le souci c’est que l’album ne fait pas beaucoup avancer
le schmilblick, n’évitant pas la plupart des travers de la
chanson française d’aujourd’hui et d’hier, en terme de
production notamment. Pas si rock, malgré l’attitude, les
musiques offrent souvent un faible soutien au propos
(le gentillet « Les triples axel »), nourrissant son lot de
33

LES DISQUES DU MOMENT
FRANCK CARTER
& THE RATTLESNAKES
Blossom (International Death Cult)
était un modèle à suivre... Mais comme le surexcité de
service est un excellent vocaliste, il varie rapidement
les tons et les degrés d’éraflure, se laissant même aller
jusqu’à de très beaux passages en chant clair donnant
du relief à des titres qui, du coup, sortent davantage du
lot («Devil inside me», «Beautiful Death»). Du côté des
serpents à sonnettes, ils ont de quoi s’exprimer car si
Frank Carter est bien entendu la tête de proue et le principal
compositeur, les gaillards qui l’entourent y vont de
leur grain de sel, apportant ici un petit solo bien rock n’
roll («Trouble»), là une rythmique plombée («Fangs»),
et déborde parfois du cadre pour surfer sur le chaos
(«Rotten blossom»).
En 2011, on pouvait être sceptique sur l’avenir de Frank
Carter ailleurs que dans Gallows, mais après tout, pourquoi
pas. En 2013, on le croyait bel et bien perdu pour la
cause HxC, s’étant lui-même enterré dans la mièvrerie
pop rock Pure Love. En 2015, il revient avec un nouveau
projet dénommé Frank Carter & The Rattlesnakes, pourquoi
pas, jetons donc une oreille...
Bref, alors qu’on n’y croyait pas trop, Blossom signe le
retour en fanfare de Frank Carter, avec ses Rattlesnakes,
il a repris du poil de la bête, va pouvoir en découdre avec
son public sur scène (au sens propre comme au figuré,
attention à ne pas trop t’y frotter si tu le découvres en
live) et tout ça, c’est plutôt une bonne nouvelle parce
que du côté de Gallows, le talent est désormais aux
abonnés absents...
Oli
On comprend tout de suite que la mésaventure Pure
Love appartient au passé. Si le titre pouvait laisser songeur
(Blossom, c’est un truc de fillettes ça !), l’artwork
était un peu plus engageant (encore que la ritournelle
sur les amplis qui crament avec le placement de produit
qui va bien puisse être largement critiquée) et le son
bien brut de décoffrage a mis les points sur les «i», enfin
surtout les barres sur les «t» vu le nombre de «i»...
Ca sonne «live», ce n’est pas du pur punk HardCore old
school à la Gallows parce que ça semble plus construit,
plus rock à la base et donc plus facile à écouter tout en
gardant une sévère dose de testostérone et de nervosité/
Bref, pour moi, c’est plus agréable à prendre dans
la tronche que Gallows...
Sur l’introductif «Juggernaut», Frank use de sa voix
éraillée comme si le chant du Kurt Cobain de Bleach
34

WHEELFALL
Glasrew point (Sunruin Records)
cinématographiques et électroniques, qui rappellent
FWF, le projet solo de Fabien, (Chaos Echoes, Phazm),
viennent calmer le jeu par moment pour prendre le
temps d’installer une atmosphère prenante, rappelant
même les sonorités d’un Vangelis sur «A night of dark
trees». Chaque titre trouve aisément sa place, sa durée,
et regorge de surprises sonores et d’idées brillantes, que
ce soit dans la variété du chant, les rythmes, l’approche
des guitares ou les nappes électroniques qui habillent
l’album ici et là. Car la tracklist elle non plus n’est pas
conçue au hasard, l’enchaînement de certains titres permettant
de leur donner un sens différent, nous offrant
même quelques triplettes absolument parfaites.
LES DISQUES DU MOMENT
Les tripodes sont les seuls à avoir survécu à Interzone,
sorti il y a déjà trois ans. Et ils règnent désormais en
maîtres sur ce Glasrew point, colossal double album qui
voit les Nancéiens sortir du carcan parfois étriqué du
stoner/doom. Difficile d’y coller une étiquette précise,
mais cet opus s’adresse définitivement aux fans de métal
extrême, de l’Indus de Trent Reznor au Post-Hardcore
de Cult Of Luna en passant par l’ambiance inclassable
du Monotheist de Celtic Frost ou d’un album de Neurosis.
Un virage stylistique à 190° où Wheelfall défonce
absolument toutes les portes qui s’ouvrent à lui sans jamais
s’y perdre ou devenir pompeux. En nous trimbalant
de paysages lunaires en ambiances païennes, Glasrew
point nous fait revivre la descente de Dante aux enfers
avec inventivité et style.
Inutile de préciser que l’ambiance général donne clairement
dans le genre lugubre, mécanique, froid et violent
(l’excellentissime «Vanishing point») voire carrément
torturé («Sound of salvation») même si quelques
rayons percent les nuages par endroit («Pilgrimage» notamment,
qui invite l’auditeur à ne pas se suicider juste à
la fin du premier CD). Malgré cela, Glasrew point possède
une véritable atmosphère plus attirante et cathartique
que repoussante, en plus d’une concision dans le propos
qui donne envie d’y revenir régulièrement.
A noter que l’album sera vendu avec un roman écrit par
Blandine Bruyère qui relate le récit de ce double album,
même si l’album lui-même possède déjà une force
d’évocation suffisante pour vous faire faire votre propre
récit.
Elie
Glasrew point n’est pas conceptuel qu’a moitié puisque
ce sont un peu plus de 80 minutes de musique sombre,
anxiogènes et épiques qui nous sont proposées cette
fois. Et pourtant Wheelfall évite l’écueil quasi systématique
du double album indigeste et finalement inécoutable.
Tout en gardant la cohérence nécessaire,
l’album varie les ambiances, les styles et les nuances
sonores grâce entre autre à un énorme travail de
recherche en studio. Quelques superbes interludes
35

INTERVIEW TEXTE
INTERVIEW>WHEELFALL
Rencontre avec Fabien, chanteur, guitariste et tête pensante de Wheelfall à l’occasion de la sortie de Glasrew Point.
Un double album implacable débarrassé du carcan stoner qui promet de mettre Nancy à genoux, et plus si affinités.
Votre nouvel album est un concept album accompagné
d’un roman. Est-ce que tu peux nous en dire plus sur le
scénario et sur la conception de ce roman ?
Tout notre concept repose sur des constats. Le roman
de Glasrew point prend place dans la société actuelle,
c’est ni plus, ni moins, qu’une observation des interactions
humaines, sociologiques et technologiques. C’est
plus nécessairement de la SF comme auparavant sur Interzone,
plus quelque chose dans le genre de ce qu’a fait
James Graham Ballard avec Crash. C’est un peu comme
si tu étais un scientifique qui regarde le monde d’en haut
et qui s’amuse à créer des situations diverses pour voir
ce qu’il va se produire.
On a commencé à écrire le roman en se basant sur ces
thèmes-là. On s’est vite retrouvé avec une trentaine de
pages de concept et d’idées et c’est là qu’on s’est dit
qu’on pouvait carrément essayer d’en faire une vraie
histoire qui prendrait place dans ce contexte. On s’est
dit qu’on allait confier ça à quelqu’un qui non seulement
avait le sens de l’écriture, mais surtout qui était
extérieur au groupe, pour avoir un autre point de vue sur
l’ensemble. C’est Blandine Bruyère, une amie à nous, qui
s’est chargé d’adapter nos idées en créant des personnages
et tout ce qui va avec.
Et je vais quand même te résumer vite fait le synopsis.
C’est quatre personnages qui se rencontrent par hasard
dans une station service, dans un pays du type Europe
du Nord avec une ambiance assez urbaine. Ils vont être
pris à parti par une masse de gens sans vraiment savoir
pourquoi et sont contraints de fuir le continent sur un
petit rafiot. Ils finissent par se retrouver sur une île qui
de prime abord semble coupée de toute ces mauvaises
choses, une sorte d’utopie. Mais en fait c’est pas forcément
un abri. [rires]
C’est d’actualité ça un peu, non ? Des gens qui sont
contraints de fuir un continent sur un petit rafiot !
Pourquoi pas ! Mais on avait conçu l’histoire avant tout
ça quand même. On n’a pas fait exprès ! [rires]
Pourquoi un changement de style aussi radical ? Razle-bol
du stoner ?
Pour plusieurs raisons. Premièrement, pendant la composition
de cet album j’ai eu une très grosse remise en
question personnelle. C’est d’ailleurs pour ça que cet album
est peut être plus dirigé par moi. Même si les autres
ont suivi et ont amené des tas de bonnes idées, l’impulsion
vient quand même de moi. Donc j’ai fait le point sur
ce que je voulais et sur ce que j’étais musicalement,
et j’ai aussi voulu faire la paix avec toute l’éducation
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classique que j’ai reçue. J’ai passé plus de 15 ans en
conservatoire avant de faire du rock, en partie pour être
en contradiction avec tout ça. Là j’ai pu marier les deux.
Pour faire simple je ne me suis imposé aucun cadre. Ce
qui est sorti là était purement naturel, c’était le retour
aux vraies envies, aux vraies influences.
Et ce changement de style, il impose quoi pour
la suite ?
La seule chose que ça impose c’est... c’est qu’il n’y ait
rien d’imposé en fait ! [rires] Là comme ça, je ne sais pas
du tout comment ça va évoluer. Par contre, je sais que
je n’ai pas envie qu’on attende autant de temps avant
de refaire quelque chose (NDLR : Trois ans ont séparé
la sortie d’Interzone et celle de Glasrew point). Après, au
niveau du style, mes groupes préférés ont toujours fait
quelque chose d’un peu différent à chaque album, que
ce soit NIN, Swans ou même Morbid Angel ! Je ne m’en
fais pas trop pour ça, par contre, ça ne sera peut être pas
aussi radical. Parce que là j’ai l’impression qu’en lâchant
un peu le cadre, on a trouvé quelque chose de plus profondément
enfoui en nous donc c’est peut être moins
sujet à changement. Mais peut-être pas.
Et pourquoi un double album ? A cause du concept ou
parce que vous aviez énormément de choses à dire
musicalement ?
Je pense que oui, ça ne pouvait que sortir sur un double.
Déjà, il y avait la problématique d’illustrer le roman mais
on avait aussi beaucoup de choses à dire. Parce que tu
vois, mine de rien, au niveau de la durée des morceaux
on est sur un format plus court qu’auparavant, ce qui
n’empêche pas que ça soit vachement plus long [rires].
Moi le principe doom/stoner du truc hypnotique et répétitif,
j’ai effectivement fini par en avoir un peu marre. Là,
le but c’était qu’on ne se fasse jamais chier. Qu’il n’y ait
pas de redite. Donc, quand on trouvait que c’était assez
on coupait et on passait à un autre morceau. Au regard
de ça et de la durée de l’album, je pense que oui, on avait
beaucoup de choses à dire.
C’est votre deuxième concept-album. Pourquoi vous ne
faites pas comme tout le monde, en enchaînant juste
les bons riffs et les bons morceaux ?
En ce qui me concerne, j’aime beaucoup les œuvres
conceptuelles. D’ailleurs, c’est là que je me rends compte
de l’importance que mon éducation classique a eu sur
moi. Et effectivement pour moi le format ‘’chanson’’ c’est
trop restrictif. J’ai eu l’habitude d’écouter des grandes
symphonies ou des grands mouvements, des trucs où
il se passe des choses sur la durée. Après ça ne veut
pas dire qu’il faut être pompeux. Mais là dans le double
album, il y a des thèmes qui reviennent régulièrement,
au début, au milieu, à la fin, des leitmotivs. Comme des
personnages qui évoluent et se déplacent. Et Interzone
par exemple, même si c’était un concept-album avec
une histoire et une trame, on pouvait découper ça en
morceaux indépendants. Là, il y a des alliances qui se
font et des enchaînements qui ont vraiment du sens.
Certains morceaux ne peuvent pas être compris sans le
suivant ou le précédent.
Comment on compose un concept album ? C’est le
schéma classique de la jam ou c’est plus calculé en
fonction de ce que raconte l’histoire ?
C’est un gros mélange des deux. Quand je compose, j’ai
toujours des images et des couleurs en tête, et forcément
ça m’amène à faire quelque chose de narratif. Parfois
je joue un riff et ça m’évoque telle partie de l’histoire,
à l’inverse il y a des passages du roman dont on essaye
de trouver comment illustrer l’émotion et l’ambiance en
musique. Des fois même une simple note peut t’évoquer
quelque chose, du stress, une couleur. Et du coup après,
on jam autour de cette note par exemple. Là aussi il y a
une idée de liberté, que ça soit dans la façon de composer
ou d’enregistrer. On a raisonné comme si on avait
acheté une boîte à outils en fait : pour tel morceau j’ai
besoin de cette méthode de composition, sinon je n’arriverais
pas à mes fins, donc je la prends ; pour un autre,
une autre méthode etc... Donc il y a des choses écrites
et d’autres qui viennent d’une improvisation.
Thibaut vous a rejoint au synthé. C’était une nécessité
pour faire tout ce que vous vouliez faire ?
Il fait les guitares additionnelles aussi. C’était vraiment
une nécessité. Si on voulait faire ce qu’on voulait, on
ne pouvait pas lésiner sur les moyens, ni sur les personnes.
Et surtout pour défendre ce genre de musique
en live on avait besoin d’un zicos de plus. Là en répétition,
ça marche très bien, mais si un jour on se rend
compte qu’on a besoin de plus, il y aura plus. En plus Thibaut
est un très bon ami à nous. Il venait même jouer sur
scène avec nous avant sur des rappels (NDLR- Thibaut
venait chanter ‘’July’’, un morceau de Slo Burn repris par
Wheelfall). Il était dispo et c’est un très bon instrumentiste.
Il était hyper motivé donc ça s’est fait tout seul.
On entend un peu de tes projets parallèles dans ce nouvel
album. Des riffs blacks qui rappellent Phazm et des
ambiances qui rappellent ton projet solo, FWF...
Il y a aussi pas mal de Chaos Echoes. Pendant ma remise
en question, le premier album de Chaos Echoes a
INTERVIEW TEXTE
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INTERVIEW TEXTE
quand même joué un grand rôle, parce qu’en l’écoutant
j’avais l’impression de retrouver des choses très intellectualisées
mais qui passent très simplement. Ça m’a
permis d’intégrer tout ce que je voulais dans un format
de musique ‘’populaire’’ pour parler grossièrement. C’est
d’ailleurs après avoir écouté cet album que je les ai rejoints
! FWF a été créé durant cette même période, ça
m’a beaucoup aidé. Et pour Phazm, j’ai aussi intégré le
groupe au même moment donc j’ai été exposé à pas mal
de nouveaux horizons en même temps. En fait, j’ai composé
l’intégralité de Glasrew point pour faire simple. Les
autres ont eu un grand rôle pour tout ce qui touche aux
arrangements et aux idées. Par exemple, Niko (NDLR : le
batteur) m’avait signalé qu’il aimerait avoir quelque moments
de lumière dans un ensemble qu’il trouvait quand
même vachement lugubre et impénétrable, sans respirations.
C’est pour ça qu’il y a «Pilgrimage» à la fin du
premier disque, par exemple. Et finalement il s’intègre
très bien entre «The drift» et «Shelter». Une super triplette
d’après moi ! [rires]
groupes-là, et je n’ai pas envie qu’on tombe là dedans.
Et en dehors de Nancy ?
Oui ! En fait, on est en train de préparer une tournée de
deux semaines qui se déroulera d’ici fin octobre. Pour
l’instant, il n’y a que quelques dates de confirmées,
Le Mans avec Presumption, un groupe Doom du coin,
Rennes, avec Fange, des bons potes à nous, avec un
mec d’Huata dedans, puis Lille, Paris... et on cherche
dans l’Est en Suisse, en Allemagne, Belgique, pour la
deuxième semaine, avec Haut&Court, un groupe de
grind strasbourgeois. Ça va être rigolo [rires]
A toi le mot de la fin !
Eh bien, merci beaucoup !
Merci Fabien, merci Wheelfall.
Elie
Crédit photo : DR
Comment ça va se passer en live ? On aura la version
intégrale de l’album ? Et est-ce que vous allez intégrer
d’anciens morceaux du registre stoner à la setlist ?
Déjà, on ne jouera pas l’album en entier. Pas dans l’immédiat
du moins. Il nous faudrait vraiment plus de zicos
pour pouvoir tout interpréter sur scène. Il y a des morceaux
avec plein de claviers, 8/9 guitares. ce n’est pas
possible sur scène pour le moment. Donc on centre sur
certains morceaux, et déjà en faisant ça, rien qu’avec
les nouveaux morceaux, on a une très grosse setlist.
On jouera forcément d’anciens morceaux, mais pas
beaucoup et probablement en rappel. A terme, on aimerait
bien les réarranger, les remettre au goût du jour.
Mais pour le moment je ne pense pas qu’on puisse se
permettre de faire des setlists d’1H30, pour ça il faut
attendre que l’album ait fait un peu plus de chemin je
pense. Il faut rester modeste et creuser le sillon.
Des dates justement ?
Il y a la release party au Hublot à Nancy le 18 septembre,
avec Joy Disaster et Dog n’ Style. Un moment
familial étant donné que notre batteur joue pour Joy
Disaster et a aussi joué dans Dog n’ Style ! Normalement
on a une deuxième date à Nancy en octobre, on
sera avec Thot, un groupe belge que j’aime beaucoup,
ça devrait être à la Machine à Vapeur je crois... c’est à
confirmer... [rires]. Après les deux là, on ne reverra
pas Nancy avant un moment. Je n’aime pas voir le
même groupe tout les mois au même endroit, ça me
gave rapidement et je finis par perdre l’intérêt pour ces
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INTERVIEW TEXTE
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LES DISQUES DU MOMENT
EYO NLE BRASS BAND
Empreinte du père (Irfan)
Soyons sincères. Sans les Ogres de Barback, peu d’entre
nous auraient entendu parler de la fanfare Eyo’nlé Brass
Band. Et quand bien même les initiés auraient eu vent de
cette formation, il n’aurait pas été forcément évident de
trouver des disques sur le marché français. Mais grâce
à Irfan le Label (structure auto gérée par les Ogres), la
fanfare béninoise va pouvoir inonder le marché, et je
peux te dire que c’est une excellente nouvelle.
Eyo’nlé Brass Band dans le W-Fenec mag peut semble
saugrenu, voir complètement hors sujet. Oui, c’est vrai.
Mais pas tant que ça, car notre but premier, c’est de parler
de groupes qu’on aime. Punk, rock, métal, reggae.
Tant que ça fonctionne, on en parle. Et la world music ne
déroge pas à la règle. Alors autant poser les bases tout
de suite, je n’ai que très très peu de références dans ce
domaine. J’ai bien pu croiser ce genre de groupe dans
des festivals, mais ça s’arrête là. Et je trouve personnellement
très enrichissant de s’ouvrir à de nouveaux
mondes musicaux.
repères. Alors, j’ai enfourné la galette dans ma platine, et
je ne me suis pas posé de questions. J’ai juste écouté. Et
savouré. Car oui, j’aime Eyo’nlé Brass Band. Je n’écouterai
pas ce disque tous les jours, c’est certain, mais voilà
le genre d’album qui détend et qui te fait explorer des
univers méconnus pour des rockeurs comme je le suis.
Eyo’nlé Brass Band, véritable fanfare mêlant musique
traditionnelle africaine, jazz et blues, est divertissant et
entraînant. Les percussions africaines se mélangent aux
multiples cuivres pour un melting pot riche en couleurs
et en diversité. Le chant est parfois en béninois (ça doit
être ça la langue du Bénin, hein ?) et en français. Entre
les compositions qui donnent frénétiquement l’envie de
danser, le groupe rend hommage à Georges Brassens («
Le temps ne fait rien à l’affaire »), à Serge Gainsbourg («
Le poinçonneur des Lilas »), aux Ogres de Barback («
Ces tonnes de gens ») et même à Fela Kuti ( « Water no
get enemy »). Finalement, tout ça est logique : le brassage
musical de Eyo’nlé se veut festif et universel, et les
seize titres composant cet Empreinte du père sont une
ode au voyage et au mélange des genres dans la béninolexicomatisation
de cet arc-en-ciel musical.
Avec son artwork coloré mêlant simplicité et efficacité,
Empreinte du père m’a fait faire le tour du monde en
70 minutes. Eyo’nlé Brass Band m’a fait découvrir son
univers uposmique, riche et varié, et je ne suis maintenant
pas étonné que Les Ogres de Barback aient craqué
sur cette fanfare au point de tourner massivement sur
toutes les routes de France et de lui proposer de sortir ce
bel album. Une sincère et touchante aventure humaine,
tout simplement.
Gui de Champi
Je ne savais pas exactement comment appréhender la
chronique d’Empreinte du père, album des huit musiciens
du Bénin. Car oui, j’ai mes codes quand je dois
disséquer un disque de rock. Sauf que là, je n’ai pas de
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REFUSED
Freedom (Epitaph)
Groupe culte de chez culte, cité en référence par à peu
près tout le monde, qu’on soit indé, hardcore ou punk,
voire emo ou simplement rock saturé, Refused avait
marqué de son empreinte la décennie 90, montrant aux
ricains qu’on pouvait sortir de nulle part et imposer sa
marque. En 2012, le groupe était remonté sur scène,
après une dizaine d’années de décès clinique et de
désespoir (c’était bien sympa The (International) Noise
Conspiracy mais incomparable). Mais aussitôt reformé,
aussitôt re-mort, mais quand Jon Brännström annonce
s’être fait viré, on se dit que le combo existe toujours... Et
il retourne en studio (avec Magnus Flagge leur bassiste
d’origine) sous la houlette de Nick Launay (allez, pour le
plaisir, une short list des groupes qu’il a produit : Girls
Against Boys, Deckard, Killing Joke, Midnight Oil, Supergrass...),
pas forcément habitué au HxC mais respecté
pour la qualité et le tranchant du son qu’il capte. A noter
que leur compatriote Shellback a produit deux titres (les
meilleurs), ce qui a dû bien le changer de Britney Spears,
Usher, Avril Lavigne ou Taylor Swift !
leur style a tellement été pillé que leurs attaques frontales,
tant rythmiques que mélodiques, sont aujourd’hui
la norme et il est difficilement envisageable d’avoir un
opus aussi marquant en 2015. Il nous faut donc rester
calme et prendre cet album comme celui d’un groupe qui
avait envie de rejouer ensemble et d’envoyer quelques
messages toujours d’actualité. On doute que les responsables
de la «Françafrique» et du système post-colonial
installé au Congo ne soient des fans de Refused et
reviennent sur leurs erreurs mais le combo y va de ses
idées et ouvrira peut-être certains esprits en mettant de
la lumière sur des sujets peu médiatiques. Soyons honnête,
ce n’est pas uniquement pour leur engagement
politique qu’on apprécie Refused (même si cela n’enlève
rien, bien au contraire), non, c’est surtout pour leur capacité
à écrire des compos qui font «bing dans ta face»
et de côté-là, pas de souci, dès l’inaugural «Elektra»,
on est rassuré, les gars ont gardé les recettes et le sens
du rythme qui fracasse («Dawkins Christ», «Destroy
the man» dont les bruitages de l’arrière plan semblent
ressusciter Michael Jackson !!!) ou décontenancé car si
c’est trop facile, c’est pas du jeu... («Old friends / New
war», «Thought is blood», l’excellentissime «366»).
Refused est donc bel et bien de retour, pas pour donner
une nouvelle leçon mais pour se réapproprier le territoire
incandescent d’une scène hardcore punk qui lui
doit beaucoup et semblait naviguer à vue depuis plusieurs
années. Faites donc gaffe à vos fesses, les bottes
de Refused ne sont pas loin...
Oli
LES DISQUES DU MOMENT
Et il en fallait du tranchant parce que l’hibernation n’a
pas ankylosé les Suédois, alors, fatalement, ce Freedom
n’est pas au niveau de The shape of punk to come
mais l’époque est différente, l’attente a été longue et
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LES DISQUES DU MOMENT
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TALIA
Thugs they look like angels (Send The Wood Music)
puisqu’elle y va de quelques petits choeurs. Elle apporte
un peu de douceur par sa voix, d’autres morceaux sont
eux aussi plus doux même sans son renfort vocal, c’est
le cas de «Self induced fever» cool et sympatoche ou
«The flood» dont la tonalité est davantage grunge FM
(on pense aux mauvais côtés de Nickelback... parce que
oui, ils en ont eu de bons mais ça, c’était avant).
LES DISQUES DU MOMENT
Dans l’ensemble, Thugs they look like angels n’est peutêtre
pas aussi marquant que son prédécesseur mais il
faut dire qu’on a pu s’habituer au ton de Talia et que l’effet
de surprise joue un peu moins, il n’en reste pas moins
un album agréable à écouter et qui démontre qu’on peut
faire du rock ailleurs que dans les bars le samedi soir...
Oli
Depuis Permanent midlife crisis, Talia a surtout joué
dans la capitale, ouvrant aussi bien pour Lonely the
Brave que pour Reverend Horton Heat pendant que
son clip de «Every minute every hour» enchaînait les
vues sur Youtube (50.000, ce n’est pas rien !!!). Le trio
ne s’est pas reposé sur ses lauriers et a composé puis
enregistré une dizaine de nouveaux titres qui sortent via
Send the wood music à la mi-octobre. Le joli dessin de la
pochette donne moins dans la crise de la quarantaine,
l’ado attardé ou le rocker sur le retour, place cette fois-ci
au monde de l’enfance avec le manège et l’insouciance
d’un petit bisou échangé entre deux petits anges. Pour
autant, on navigue toujours dans les mêmes eaux pour
la musique : du rock un peu crade et bien envoyé.
Si l’album est très homogène, quelques titres se dégagent
comme ce «American bride» qui pose de très
bonnes bases, parce qu’avoir un très bon premier morceau
est un truc très important, tout comme en avoir
un bon dernier («Bounty killers» remplit parfaitement
son rôle). «It’s been oh so long» avec son intro explosive
est plus rock, plus rugueux, plus accrocheur avec
ce petit côté Therapy? dans le chant qui ne me déplaît
pas du tout... Tout comme ce «Play dead» où Alice se
met en valeur, et pas uniquement avec son jeu de basse
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TEXTE LIVE
> DOUR 2015
Dour, mon amour. Le slogan est connu des habitués, mais son sens prend toujours plus de poids au fil des années.
2015 est celle des records, c’est à peine croyable lorsque les chiffres apparaissent devant nos yeux : 5 jours, 270
artistes, 8 scènes pour une fréquentation exceptionnelle de 228 000 festivaliers en cette 27ème édition. Une édition
pas dégueulasse du tout dont le duo magique Cactus/Ted vous en relate toutes ses festivités.
Jour 1 - MERCREDI 15 JUILLET
Le premier jour, soit mercredi et non jeudi comme à
l’accoutumée, c’est déjà 35 000 campeurs qui ont plantés
leurs tentes. Quelque part, on s’en doutait au vu de
l’attente interminable dans les bouchons avant d’arriver
à l’entrée de la plaine de la machine à feu. La motivation
est au maximum, et il y en faut car nous ne sommes pas
au bout de nos peines : on se confronte quelques heures
plus tard à une longue et lente queue devant l’accès du
festival, puis, une fois rentrés avec nos pass, on fait face
à un camping quasi complet, obligé de trainer nos fesses
(et nos bagages) au bout du camping D.
Résultat des comptes, nous arrivons à 23h sur le site
du festival alors que débute le show du londonien masqué
SBTRKT. N’ayant pas compris l’engouement autour
de cet artiste électronique depuis quelques années, on
reste toujours incrédule face à ce show aux ambiances
lumineuses agréables mais qui ne décollera jamais.
La faute à des vocalises qui desservent le propos instrumental
déjà pas très excitant au départ, comme ce
chanteur rappelant par moment Youssou N’Dour... Bon,
OK, celle-là, elle était facile. S’en suit le truc qui va nous
motiver à repartir fissa à notre campement : 2 Many
DJ’s. Les deux frangins Dewaele, membre de Soulwax,
présentent un DJ set rythmé de mash-ups plus ou moins
«grand public» mais pas assez subtil pour nous emporter.
Même lorsque retentit «Girls» des Beastie Boys,
cela ne permet pas de remonter le niveau d’un set qui
peinera à convaincre. Même l’accueil du public semble
tiède. Décidément, on en est certain, les deux quadras
auraient pu largement se faire détrôner par la mère de
Cactus aux platines. Et on ne vous permet pas de douter
des goûts musicaux de la mère de Cactus.
Jour 2 - JEUDI 16 JUILLET
Première «vraie» journée de cette édition. On se lève
au son des «Bon Dour !», accent asiatique oblige, de
nos voisins de campement. On retrouvera cette pauvre
blague tout au long de notre séjour en Belgique, sans
parler du fameux «Dourrreeeeuh !», marque emblématique
du festival qui l’utilisera d’ailleurs pour sa com’
(panneaux, teeshs...). Notez quand même que ce cri
de ralliement sempiternellement exhibé à toutes les
sauces deviendra assez vite rébarbatif à la longue, surtout
pendant cinq jours.
On débute la journée en passant devant Soviet Suprem,
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le nouveau groupe d’ R.Wan de Java et de Toma de La
Caravane Passe, confirmant notre impression sur ce rap
balkanique comique, à savoir que ça ne nous touche pas
du tout. La scène chanson franco-française n’est pas
souvent du pain béni, ça se saurait. A éviter donc, sauf
si on se perd sur le site ou qu’il n’y a rien à côté. Sauf
qu’à Dour, il y a toujours plein de choses à voir. Trop de
choses à voir.
Et cela nous amène aux fameux dilemmes, aux choix
parfois cornéliens à faire. On a décidé volontairement
cette année de ne pas courir comme des fous de scène
en scène mais plutôt d’apprécier du mieux qu’on pouvait
chaque univers que proposaient les artistes. En ce sens,
nous avons pas mal squatté la Cannibal Stage (la scène
relevée en décibels rock voire electro) en ce jeudi pour
découvrir Krokodil, du hardcore velu comptant dans ses
membres des gars de Gallows, Sikth, Cry For Silence,
Hexes. Un univers qu’on connaît bien, pas surprenant
mais plaisant et énergique pour débuter la journée. Que
dire d’Orange Goblin si ce n’est qu’ils ont déroulé leur
stoner rustre avec une certaine maîtrise. Jouissif. Mais
pas trop longtemps. Dans le même pedigree, Blue Pills
nous a agréablement plongé dans un rock bluesy 70’s
avec une rage vocale émanant de Miss Elin Larsson, annoncée
par certains comme la nouvelle
Janis Joplin. Ils n’en étaient
pas loin ! Juste avant cela, on est
allé découvrir l’univers psych-funk
d’Unknown Mortal Orchestra. Nos
oreilles répondent positivement
aux couleurs et aux mélodies proposées
par le groupe. Une appréciation
qui est toutefois à confirmer
hors du rush qui fait face à nous à
ce moment précis de la journée.
saturé, sombre et puissant est un bouillon sonore sensationnel
qui frise le mur du son et percute le thorax. En
terme d’impact sonore, c’est un peu notre Neurosis de
2011 en quelque sorte, même si le style est totalement
différent. Et quand le groupe finit son set dans le public,
tu te dis que c’est quand même la grosse classe.
Changement de décor sous la Petite Maison Dans La Prairie
avec le syrien Omar Souleyman, adepte d’une techno
orientale tellement kitch et monotone qu’on en devient
assez vite amusé (ou pas, c’est selon). Cette prestation
reste hallucinante tant ce style musicale est en marge
avec le reste de la programmation. C’est ce qu’on appelle
les joies de Dour ! Malheureusement, le tant attendu
Squarepusher ne nous a pas beaucoup vus, un petit
quart d’heure tout au plus. Car entre les passages en
presse, les obligations diverses et les fameux dilemmes,
il est assez difficile de tout voir. Surtout quand passe un
MC-Hero quasiment en même temps et qu’on ne veut
vraiment pas le louper du tout, genre «premier rang».
Le britannique touche à tout nous laisse donc un souvenir
périssable avec du bon et du moins bon. A revoir.
A revoir aussi la prestation du fameux MC-Hero qu’est le
mythique KRS-One. Une tuerie ! Il est difficile de rendre
TEXTE LIVE
Histoire de se rincer les oreilles de
tous ces riffs endiablés, nous partons
voir l’instant funk-soul habituel
de Dour. Après Charles Bradley
il y a quelques années, c’est au
tour d’un autre descendant musical de James Brown
de prendre le relais avec Lee Fields & The Expressions.
Sensualité cuivrée et énergie avec sueur incluse étaient
donc prévues au programme en cette journée ensoleillée.
Un show propre et respectable qui s’avère être un
must pour serrer de la gueuse à Dour, quoique bien trop
court. Retour à la Cannibal Stage pour ce qui reste l’un
des meilleurs moments de la journée, à savoir le concert
du trio A Place To Bury Strangers, venu défendre son dernier
album Transfixiation. Son rock post-punk-shoegaze
un hommage correcte à cet acteur majeur de la scène
«rap conscient» tant sa prestation a été généreuse,
ponctuée de quelques moments forts et de l’approbation
‘finger in ze nose’ du public qui montera sur scène à
la fin du show. Avec œuf corse un «Sound of the police»
d’anthologie. La Boombox is «on fire». Un des grands
moments de Dour 2015.
Cette deuxième journée a été «dour dour» et nous laisse
un peu KO, la chaleur et la marche y sont pour beaucoup.
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TEXTE LIVE
Nous vaguons et flânons sur quelques scènes avant de
partir nous reposer car le vendredi s’annonce géantissime,
avec quelques trucs immanquables.
On a loupé : Igorrr, Solstafir, Kvelertak, Electric Wizard,
Modeselektor, Mark Ronson.
Jour 3 - VENDREDI 17 JUILLET
Ce jour débute par un passage hasardeux devant la tente
de la Petite Maison Dans La Prairie, attirés par la prestation
tout en finesse du trio electro bruxellois Vuurwerk.
C’est onirique, parfait pour un réveil en douceur surtout
que la suite du programme fait place à des phénomènes
électriques.
Les Liégeois de IT IT Anita, malgré un second guitariste
diminué, vont délivrer un set noise-rock inspiré et vivant.
On savait que le groupe était très bon sur disque, c’est
aussi le cas en live et les présents au Labo ne le regretteront
pas. Une confirmation pour ceux les connaissant
Vos deux serviteurs étant très fan du rappeur versaillais
Fuzati, inutile de dire que nous étions impatient d’assister
à ce show anniversaire de l’album le plus marquant
du Klub Des Loosers, Vive la vie. Et le flowman accompagné
de musiciens délivrera un excellent show. Si les
disques se révèlent souvent purement «strictly hiphop,
voir un peu plus...», en live, c’est tout l’éclectisme
de celui qui dit ne plus écouter de rap depuis quelquesannées
qui émerge. Les érudits de la plume numérique
utiliseraient l’expression «syncrétisme de bon aloi»
pour ces morceaux subtilement et intelligemment réarrangés
pour l’occasion. Moment fort : La Boombox qui
scande «Baiser ! baiser ! baiser ! Ouh ! Ouh !».
C’est toujours un plaisir non dissimulé de retrouver nos
Lofofora sur scène. Les Parisiens nous ont offert sur
un plateau un show comme il ont l’habitude de nous en
concocter : une énergie contagieuse pleine de sincérité
avec la grande gueule de Reuno en sus, qui n’hésite
pas à lancer quelques blagues au public quand bon lui
semble. On les a retrouvés par la suite en presse pour
une interview collective pleine de décontraction et de
rigolade. Lofo, quoi !
Même si nous n’avons
pas pu nous délecter
de tout leur show,
problème de planning
oblige, Deerhoof garde
un standing de haute
qualité sur les planches.
Son batteur, Greg Saunier,
est toujours un
atout considérable
pour faire pulser cette
machine expé-noiserock
et la voix de Satumi
embellit à merveille
ce package faussement
pop abasourdissant
de sa douceur et de sa
cocasserie.
déjà, probablement une excellente découverte pour les
autres.
Moment drôle de la journée
: alors qu’on pensait
avoir l’excellente Chelsea
Wolfe face à nous
sous la Jupiler Dance
Hall, on se rend compte en partant qu’il s’agit en fait de
Zola Jesus ! L’américaine nous lâche une prestation relativement
mollassonne, une electro-pop mélodique mais
lassante malgré la jolie voix qui l’habille. Le charisme
n’est pas présent et la nana peine à convaincre. Dommage.
Que dire du live de Tony Allen Review, exclu mondiale,
si ce n’est que la musique n’était pas bien mar-
46

quante, plate et
easy-listening,
malgré la présence
d’Oxmo
Puccino, rappeur
qui était acclamé
par la critique il y a
quelques années.
Ah oui, et le père
Tony est pote avec
un certain Damon
Albarn (ils ont collaboré
ensemble
sur le tout aussi
plat projet The
Good, The Bad & The Queen...) qui est venu lui faire un
coucou pour lui souhaiter bon anniversaire, le chanteur
de Blur participant à deux titres pour l’occasion, certainement
l’un des événements majeurs et le plus attendu
du festival... On aurait aimé beaucoup plus mais ce cher
Damon avait d’autres obligations le soir-même au Portugal.
Mine de rien, c’est pratique un jet privé.
Sunn O))) était l’une de nos attentes, une expérience
cosmique à ne pas rater selon certains. Ce fut un fiasco,
un gros foutage de gueule. En une demi-heure (on a
réussi à tenir jusque-là...), il s’est produit grosso merdo
la résonance d’une seule et même note fragile et plaintive
par sa lancinante basse. Une mélasse sonore dont
on ressort plein de questionnements, est-ce que le
drone c’est mieux en live ou sur disque ? Est-ce qu’il faut
prendre un stupéfiant pour faire passer la pilule ? Cela
nous conforte à l’idée d’aller oublier ça devant un truc
tout aussi extrême pour nos oreilles : du rap game avec
Kaaris. Quitte à le faire, hein, autant être jusqu’au-boutiste.
Le mec au corps musculeux de Sevran n’en avait
déjà pas assez de la canicule de la journée qu’il en remet
une couche et brûle, par ses punchlines assassines, la
Boombox qui porte bien son nom pour le coup. Conquis
? Pas surpris, en tout cas. On connaît IZI les codes de ce
milieu mais ce qu’on savait moins, c’est que le rappeur a
pas mal fans en Belgique.
On est toujours un peu perplexe concernant un live de
Fear Factory. Faut dire que la formation de cyber-métal
a bien bougé, ce qui fait qu’on ne sait plus vraiment qui
sera devant nous à chaque fois qu’ils jouent. On sait juste
qu’ils vont sortir Genexus. C’est finalement deux titres
qui sortiront du show («Photomech», «Soul hacker»),
assez peu pour en avoir un aperçu. Burton a toujours
un peu de mal à tenir la justesse de ses chants clairs.
Set list de festival
type avec majoritairement
des
vieux morceaux
pour faire plaisir
à tous.
De mémoire, cela
devait bien faire
3-4 ans que les
Landais de Gojira
n’avaient pas
fait de passage à
Dour. Ils offriront
un show comme
d’habitude très
habité, une set-list variée et puissante qui a ravi les
nombreux présents. Après cette rasade de sons globalement
agressifs, on profite de l’électro planant de Kid
Francescoli pour se remettre de nos émotions. En plus,
la blonde qui chante est très jolie, sa voix doucereuse
et timide passe nickel sur l’instru. Non, franchement,
ce couple marseillais nous a fait du bien. Contempler
sereinement la mélodique drum & bass de DJ Fresh sur
la Last Arena après une journée aussi chaude et éprouvante,
c’est. chaud ! Dans tous les sens du terme. Son
set part un peu dans tous les sens avec son MC, s’en est
trop, nous nous éclipsons en pensant déjà à demain et
en cochant quelques troubadours à ne pas louper.
On a loupé : C2C, The Wombats, Joy Wellboy, Pendulum
(DJ Set), Danny Brown, Cannibal Ox, CocoRosie, Anti-
Flag, The Black Dahlia Murder, Dope D.O.D, Nina Kraviz,
Great Mountain Fire.
Jour 4 - SAMEDI 18 JUILLET
C’est samedi, le début du week-end, les premiers signes
de fatigue commencent sérieusement à se faire sentir
dans tout le corps. Les festivaliers les plus téméraires
sont devant la révélation hardcore Deez Nuts. Enfin, «révélation»,
pas tant que ça en fait. Les Australiens pratiquent
ce qu’une partie de la scène NYHC faisant dans
les 90’s, soit une musique métal-punk hargneuse teintée
de hip-hop. Gros riffs et énergie sont au programme,
les fans sont au taquet. Changement de décor avec un
groupe qu’on avait déjà vu à Dour en 2013 : BRNS. Le
quatuor belge reste irrésistible sur les planches quand il
dévoile son accrocheuse formule sonore : une pop-rock
alambiquée, aérienne et expérimentale. On retiendra ce
magique «My head is into you» qui nous a fait le plein
TEXTE LIVE
47

TEXTE LIVE
sensationnel. A ne pas rater s’ils passent près de chez
vous.
On est passé devant le vétéran Horace Andy en formule
reggae. On le préfère dans ses collaborations, plus ambitieuses
artistiquement, tel que l’évident Mezzanine de
Massive Attack. Cependant, il n’a pas démérité du tout,
Sleepy reste Sleepy. Et comme on dit dans les milieux
autorisés : «Grâce à Sleepy, j’ai trouvé une totale liberté
d’esprit vers un nouvel âge réminiscent». Acid Baby
Jesus était noté en priorité sur notre liste, longtemps
à l’avance. Et pour cause, à l’image de leurs quelques
disques, les Grecs nous livrent un set totalement psyché
et sombrement décomplexé. Forcément, on adore.
Direction la Cannibal Stage : trois ans après leur première
inoubliable venue, les Suicide Silence font une
harangue à la foule, l’invite à se lâcher sous les décibels
métal du combo. Ca reste carré mais d’un niveau en-dessous
par rapport à la première fois, effet de surprise en
moins. Même remarque plus tard pour Agnostic Front
dans un autre registre. Notez que c’était d’ailleurs foncièrement
le contraire pour Terror, toujours sur la même
scène quelques instants après. On les avait déjà vus à
maintes reprises dans le passé, mais sur ce show-là, les
ricains ont été impériaux.
Entre temps, Mars Red Sky proposait un stoner-rock psyché
plaisant sous le Labo : la voix de Julien, très éthéré
et atypique pour le genre, ajoute un supplément de singularité
à une formule qui a déjà fait ses preuves. Les
titres s’enchaînent sans déplaisir et lassitude, ce qui
n’est déjà pas si mal. Le groupe du guitariste des Libertines,
Carl Barât And The Jackals a fait plutôt bonne impression
avec son rock typique aux forts accents british.
Les compositions, fleur bleue par-ci, frondeuses par-là,
n’ont pas toujours très bonnes, mais on ne va non plus
apprendre à un anglais à faire du rock. On se dirige sous
le Labo pour apprécier la prestation de Laetitia Sheriff,
et autant vous dire que c’est du tout bon. Quelle volupté
dans son rock qui me rappelle à la fois celui de Shannon
Wright et Serena Maneesh. Un très bon moment qui sera
encore plus intense avec le Parisien Jessica93. La force
tranquille, c’est seul au commande qu’il égrène d’ondes
darkwave la populace venue le voir. La sauce a pris indéniablement,
envoûtant davantage les premiers rangs.
Son show impeccable et implacable nous laisse l’impression
d’un type qui n’a plus rien à prouver en live à l’heure
actuelle. «Vivement le prochain album !».
Sur l’affiche, c’était la «star» du samedi. Lauryn Hill l’a
joué : arrivée une bonne demi-heure de retard, relation
froide avec le public de Dour après l’avoir confondu avec
celui de Bruxelles, show qui met du temps à se mettre en
place. C’en est trop ! Le festivalier de la plaine de la machine
à feu n’a pas de temps à perdre avec ces conneries,
on ratera visiblement «la meilleure partie» du
show. Tant pis pour elle, Autechre joue en même temps,
48

et ça c’est immanquable vu le peu de concert qu’ils font.
Rob Brown et Sean Booth nous plongent dans un noir
profond pour mieux nous immerger dans leur électro
IDM expérimentale et déshumanisée. Un final parfait
avant de penser à partir dans les bras de Morphée. Une
réflexion assez fugace dès lors que la pluie commence à
bien tomber sur Dour.
On a loupé : Defeater, Hatebreed, Roni Size, The Drums,
The Bloody Beetroots (DJ Set).
Jour 5 - DIMANCHE 19 JUILLET
C’est souvent avec tristesse que l’on aborde la dernière
étape de notre séjour à Dour. Ce fut tellement intense
que le dimanche rime avec indolence, tout en essayant
quand même de profiter au maximum du temps qu’il
nous reste et des festivités qui s’opèrent à l’intérieur.
Pourtant le début fait mal aux oreilles. Nothing But
Thieves fait fuir tant la voix aiguë et mielleuse de son
chanteur est insupportable, et puis leur musique l’est
tout autant. Mais pourquoi donc ces Anglais étaientils
programmés ? Et sur la Cannibal Stage de surcroit
? On passe ensuite à la nouvelle scène du Labo pour
voir Spagguetta Orghasmmond, un groupe parodique
belge œuvrant dans le ridicule
assumé : musique kitchissime
à souhait genre
Frédéric François/Franck
Mickaël mais version Jupiler
et moustache foisonnante,
costumes en adéquation
tout droit sorti des placards
de mamie mais une mamie
qui a pris ses habitudes vestimentaires
dans les clips
de Village People et certains
films de John Travolta...
Rigolo deux titres et on est
passé à autre chose...
Le niveau est vite rattrapé
par la formation qui suit, à
savoir Raketkanon qui développe
un univers propre
confectionné sur disque par
Sir Albini. Belle publicité pour
les Gantois qui méritent
que leur math-noise-rock
bidouillée de bout en bout
soient largement diffusé à la populace. Retour sur terre
en passant devant le set de Tiken Jah Fakoly, présent
sur la Last Arena avec ses nombreux musiciens. L’ivoirien
est venu présenter son Dernier appel, un reggae
pacificateur plein de conscience sociale et politique. Pas
franchement fan depuis de nombreuses années, nous
constatons simplement que Tiken a fait le job, comme
d’habitude, devant un parterre de fans inconditionnels.
Au final, ça passe toujours bien le reggae en festival en
buvant un bon Jack.
Ce qui a suivi est resté dans les bonnes mémoires de ce
Dour 2015. GoGo Penguin ne se fait pas prier pour faire
jaillir son arsenal jazzy avec une pointe électro pour le
rendre, disons, un peu plus moderne. C’est très mélancolique,
le soleil a du mal à sortir, pas de doute, on est
vraiment dimanche. Et quoi de mieux que du post-punk
pour se remettre de tout ça ? Eagulls fait forte impression
avec son post-punk à la fois mélancolique et rageur.
Le petit charisme du chanteur, ressemblant vaguement
à un Macaulay Culkin version perfide Albion, y est pour
beaucoup. La qualité de la musique entre bruine et lumière
aussi hein...
On avait entendu beaucoup de bien de Rejjie Snow
(après enquête, aucun lien de parenté avec Jon Snow...
désolé...), le petit prodige hip-hop made in Ireland. Et sa
prestation ne fera pas mentir
sa réputation à la limite de la
hype : le bonhomme se démène
comme un beau diable pour défendre
sa version des faits. Le
public de la Boombox est ravi,
nous aussi.
Encore une belle découverte
électro avec Débruit. Le Français,
roi de l’échantillonnage,
nous fait voyager à travers ses
trouvailles et son tricotage
sonore, le tout savamment
rythmée. Ça plaît au public qui
semble avoir lui aussi trouver
chaussure à son pied en ce
dimanche après-midi qui file à
une vitesse folle. Nous avions
vu And So I Watch You From Afar
au même endroit il y a deux
ans. Cette fois-ci, le quatuor de
Belfast compte un album de
plus à son actif avec le récent
Heirs. Pas de changements
majeurs entre les deux shows, c’est toujours aussi
TEXTE LIVE
49

TEXTE
50

51
TEXTE

LIVE
puissant, dansant mais également hypnagogique entre
deux balafres données par ses rythmiques math-rock.
Après, faut aimer le style, c’est comme tout.
Les têtes d’affiche ne sont souvent pas ce qu’il y a de
plus intéressant à Dour et ce sera le cas avec Santigold,
La prestation ridicule de la soirée. Musique sans intérêt
et interprétation au même niveau. Les autorités douriennes
invoqueront même un soupçon de playback
pour seconder la pseudo-diva, c’est un comble . Et la
chanteuse arbore un nœud papillon jaune tout aussi
ridicule. A jeter.
Snoop Dogg à Dour ? Ca peut paraître bizarre quand
on sait que le rappeur préfère en général la proximité
des petites salles et des aftershows. C’est d’ailleurs là
qu’il excelle l’ayant vu par le passé. Devant 20 000 personnes
présentes devant la scène de la Last Arena, le
Doggfather a joué 40 minutes au lieu d’1h15. Mauvais
point, d’autant plus qu’il quitte la scène au milieu d’un
morceau. Et la prestation ? Le minimum syndical avec
un son qui n’arrive pas vraiment jusqu’à nos oreilles. Pas
une escroquerie, mais presque malgré quelques oldies
et des reprises de classiques (dont le «I love rock n’ roll
de Joan Jett façon playback, youhou...). Ouais, si, une
escroquerie en fait. La fin de festival rêvée, on l’a eu :
contempler Jon Hopkins derrière ses machines pour un
voyage électro interstellaire avec un super travail vidéo
dont le passage du clip de la magistrale «Open eye signal».
Un show béton tout en maîtrise propice à l’introspection.
Que demande le peuple ?
On a loupé : Chinese Man, Al’Tarba, Infected Mushroom,
Clap! Clap!.
> CONCLUSION
Dour c’est (pêle-mêle) :
- Dourrreeeeuh ! (T’as beau l’oublier, ça revient assez
vite en général)
- de la bière
- de la bière..
- de la bière... (changez de marque s’il vous plait !)
- des pauses bières sur le parking parce que, c’est pas
qu’on n’aime pas vos bières, mais bon... Si en fait, on
ne les aime pas. Un comble au pays du houblon et des
bières de dégustation
- la galère pour retrouver ta bagnole sur le parking,
même à deux
- un marathon (à vérifier car j’ai pas pris mon podomètre)
- un soin faciale 100% à la bière parce que la boue, ça
rend la marche à pied avec un verre dans la main sacrément
périlleuse. Soin visage à l’efficacité éprouvée par
Ted.
- du Jack (quand même, merde, on est à Dour)
- des serveuses méga canons triées sur le volet (dédicace
à celles du stand JD et celui de Jupi en presse)
- des rencontres fortuites, intéressantes ou non
- essayer parfois de communiquer avec des gens dans
des langues incompréhensibles et indéfinies
- des retrouvailles (un coucou spécial aux Lillois)
- un gars de la sécu qui porte un t-shirt «quenelle épaulée»
-> Antisémite !
- des Flamandes...
- des Flamands qui font semblant de ne pas comprendre
le français
52

- de la chaleur (un peu partout)
- donc plein de transpiration (un peu partout)
- de la boue (ben oui, quand même, c’est normal après 4
jours de canicule)
- des calemdours
- «Tu cherches quelque chose ?»
- «T’aurais pas une clope steup ?»
- «T’aurais pas vu ma copine ? Elle est blonde aux yeux
bleues.»
- plein de courage pour aller aux toilettes (mais vraiment
plein)
- un transit intestinal capricieux
- une passerelle d’accès qu’on aimerait ne plus jamais
prendre
- des sardines de tente qui ne se plantent pas
- des huttes de sudation le matin (mais sans le rituel
spirituel)
- des vivres qui partent en couilles au bout de deux jours
- du bricolage
- des inventions stupéfiantes comme le lance-pierre
géant mais avec des chaussures à la place
- payer une douche 2 euros et attendre une heure
- de la sauce aux frites
- de l’eau du robinet qui t’oblige de manière foudroyante
à retourner aux toilettes
- des glissades inattendues, tu sais, juste après la fin
des planches en sortant d’une tente...
- ne pas trouver de cure-dent chez les «restaurateurs»
- de l’herbe (du gazon quoi, pour se poser dessus) qui
sent fort par moment
- des siestes pas prévues du tout, mais pas du tout, du
tout
- des copains/copines qui ne viennent pas (qu’est-ce
que vous foutez bordel !)
- Dourman et l’homme des bois, les habitués qu’on
croise à chaque fois
- un dournoi de foot
- «baiser, baiser, baiser, baaaaaaaiiiiiser !»
- une attente pour arriver et une autre pour repartir,
genre 3h. Cool !
- des auto-stoppeurs agressifs qui s’agrippent à ta
caisse en sortant du festival. Ben ouais, faut bien rentrer
bordel !
- surtout de la super musique et de belles découvertes à
faire : ceci est un rappel pour ceux qui ne viennent pas
pour ça
Crédits Photos :
Page 44 : Sunno © Mathieu Drouet
Page 45 : Krokodil © Laurence Guenoun
Page 46 : Le Klub des Loosers ©NicolasDebacker
Page 47 : It it Anita © Romain S. Donadio
Page 48 : KRS-One @ Laurence Guenoun
Page 49 : Eagulls © Romain S. Donadio
Page 50 : SBTRKT © Laurence Guenoun
Page 52 : Snoop-Dogg © DR
Merci à la Dour Team
http://www.dourfestival.eu
LIVE
Tu viens avec nous l’année prochaine ?
Ted & David
53

LES DISQUES DU MOMENT
WARSAWWASRAW
Sensitizer (Music fear Satan)
pour te procurer Sensitizer, «Hells angles» devrait parachever
le boulot de séduction et te convaincre de la maîtrise
du groupe quand il s’agit de doser subtilement un
album qui pourrait assez vite être redondant.
Bref, si t’es en manque de sensation forte, Sensitizer
remplira parfaitement son office. WARSAWWASRAW a
beau avoir perdu quelques membres dans son histo
rique, cela ne l’empêche pas de sonner aussi heavy
qu’une armée de 1000 musiciens avides de musique
carnassière.
David
Derrière ce violent palindrome WARSAWWASRAW se
cache un duo parisien (guitare/batterie) tout aussi
violent. Sans écouter le disque, la parution de l’album
sur Three One G (Zeus !, Rextox...), le label de Justin
Pearson de The Locust indique déjà la correction punkhardcore-noise
qui va pointer. Et le nombre de titres
ainsi que la durée moyenne des pistes en question,
entre 30 secondes et deux minutes, semble afficher un
disque cinglant de chez cinglant. Et ce sera foutrement
cinglant.
Le premier titre, «Nipplesin», fait l’effet d’un véritable
coup de poing dans la tronche : dynamique d’enfer, le
propos est pas très loin d’un Nostromo qui aurait bouffé
du lion. Oui, c’est possible. Les pistes s’enchaînent,
se ressemblent en mode monomaniaque «exutwar»,
sans pour autant lasser. Grâce à des pistes où le groupe
s’éloigne de cette ligne éditoriale de la terre brûlée.
Enfin pas trop quand même, faut pas déconner. «Hells
angles» fait figure de sommet avec ses 8 minutes qui
emmènent le groupe sur le terrain d’un Cortez : il commence
comme du WARSAWWASRAW pur-jus puis le tempo
subit un sévère coup de frein, le duo se fait épique
et tremblement post-harcdore, le riff ralentit et un chant
clair arraché apparaît... S’il fallait un argument massue
54

T.A.N.K
des instruments qui se complètent parfaitement, des
chants maîtrisés dans chaque registre, vraiment, c’est
du sacrément bon boulot à tous les niveaux. Et pour
un tel résultat, il y a forcément derrière un énorme travail
préparatoire pour que chaque plan, chaque frappe,
chaque note soit à sa place. Bravo donc au combo pour
avoir réussi à ciseler un tel album. Un boulot d’autant
plus complexe que Björn « Speed » Strid de Soilwork
(dont ils sont fans) à répondu favorablement à leur invitation,
il a donc fallu penser «Blood relation» avec un
membre de plus, et pas des moindres... C’est réussi tout
comme l’apparition de Jessy Christ (chanteuse qu’on a
pu entendre chez Herrschaft) sur «The edge of time».
Des titres qu’on sort de la track-list à contre-coeur tant
l’ensemble est cohérent et forme un tout à prendre forcément
dans son intégralité.
LES DISQUES DU MOMENT
Malédiction ? On peut se poser la question... Parce que
juste après avoir enregistré Spasms of upheaval (leur
deuxième album qui, va savoir pourquoi, a évité la case
W-Fenec) T.A.N.K se séparait de son guitariste Eddy et le
remplaçait par Nils (de Lyr Drowning) et deux ans plus
tard, juste après avoir enregistré Symbiosis, T.A.N.K annonçait
le départ de son guitariste de toujours Symheris
(remplacé depuis par Charly). Certes, le groupe sait
désormais réagir et assurer des concerts sans tous les
acteurs de la composition mais on peut connaître situations
plus simples pour sortir et promouvoir un album.
Surtout que si celui-ci est aussi bon, c’est en bonne
partie grâce aux guitares... Au passage, note combien je
reste circonspect au vu du nombre de zicos qui quittent
leur groupe juste après l’enregistrement, comme si ils
ne savaient pas avant que ça ne marcherait plus (mais
que peut-être il y a un peu d’oseille à se faire ?), ce n’est
pas forcément le cas présent mais je tenais à partager
ce sentiment désagréable.
Là, on a du mal à penser que la symbiose n’était pas
totale car le groupe apparaît encore uni et capable
d’envoyer dans tous les sens, du plus clair au plus
obscur, du plus rapide au plus lourd, du plus saturé au
plus tranchant, avec des samples, des parties épurées,
Bravo également à David Potvin (guitariste de One-
Way Mirror) qui réalise une grosse production (avec
quelques parties enregistrées par Symheris) mais aussi
un mixage et un mastering de grande qualité (et en plus
il fait des choeurs !), le tout chez Lyzanxia (au Dome
studio donc), studio bien connu d’Abysse, Beyond The
Styx, Holding Sand) où Think of A New Kind a désormais
ses habitudes. Bravo aussi à Rusalkadesign qui réalise
un très bel artwork dans le style de ceux du Strychneen
studio (Stomb, Hacride, Noein, Trepalium, Straight on
Target...) même si l’image choisit pour être sur la couverture
de l’album n’est pas, à mon goût, la plus réussie
de la série.
Avec cette nouvelle oeuvre métallique résolument
moderne, T.A.N.K enfonce le clou encore plus profondément,
on leur souhaite juste de pouvoir maintenir un tel
niveau de créativité et d’exigence artistique pour continuer
leur aventure perpétuellement relancée... à moins
de briser la malédiction ?
Oli
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LES DISQUES DU MOMENT
ACOD
II the Maelstrom (Autoproduction)
plus sombres (avec des parties growlées du plus bel
effet) comme les plus aériens (grâce à quelques petites
mélodies bien senties). Pour varier les ambiances, ACOD
est allé chercher du côté de quelques instrumentations
au moment d’arranger ses titres, comme ce violon sur
«Cold», ou a demandé à leur producteur de participer à
«Unleash the fools», il se trouve que l’homme derrière
les manettes est Shawter (Dagoba), c’était donc assez
«facile» de l’intégrer dans ce titre. Ce n’était peut-être
pas la même mayonnaise pour Bjorn Strid (Soilwork) qui
apporte un peu plus de relief à «Ghost memories» avec
des chants alors très tranchés qui se répondent sur une
rythmique lourde et un peu simpliste en apparences.
Le résultat risque de ne pas plaire à tout le monde tant
ce morceau dévie un peu de la ligne tracée le reste du
temps par ACOD.
Avec son entrée en matière gojiresque, ACOD se rappelle
à notre bon (et frais) souvenir puisque peu de temps
nous sépare de l’EP qui avait titillé nos oreilles voilà
quelques mois (Another path...). Si tu ne te l’étais pas
procuré, rien de grave puisque l’intégralité de ses titres
se retrouvent ici, l’ordre n’est pas le même mais leur
intégration avec les autres morceaux est bien réussie,
l’excellente qualité des 5 titres s’étend et s’entend sur
les 13 d’II the Maelstrom.
J’ai déjà pas mal de bien d’Another path..., tu peux aller
relire l’article et il va falloir ajouter quelques bonnes
choses encore. Déjà, côté artwork, le groupe a progressé,
le choix est moins malheureux même si on est encore
très loin de la qualité des pochettes du moment (surtout
dans le death et le métal qui tabasse où certains rivalisent
de classe). Comme quoi, avoir un artiste de renom
(Vasco a bossé pour Keep of Kalessin, Slayer, Dark Funeral,
Dimmu Borgir...) ne fait pas tout, m’enfin, chacun
ses goûts. Côté musique, et encore une fois, c’est ce qui
prime largement sur tout le reste, faut vraiment être du
côté des éternels grincheux pour trouver à redire sur cet
album qui allie puissance et efficacité, savamment dosé
pour être aussi homogène que diversifié. Le groupe en
lui-même est capable de jouer dans les registres les
Amateur de death ouvert, il est temps de plonger dans
le Maelstrom des Marseillais qui sont aujourd’hui au
meilleur de leur forme. C’était attendu mais ce troisième
album d’ACOD est bel et bien l’une des sensations métal
de l’année. A savourer.
Oli
56

AND SO I WATCH YOU FROM AFAR
Heirs (Sargent House / Differ-Ant)
mélodiquement la composition. Mais le groupe doit également
se prémunir d’un excès d’orgueil sur ce point là,
car au fil de la lecture du disque, les vocalises à base de
«oh oh, oh oh oh, oh oh» peuvent vite devenir un cauchemar
pour l’auditeur. Ce n’est évidemment pas le cas
de tous les morceaux, même si on ressent cette facilité
à toujours vouloir meubler de voix des parties de pistes
qui n’en ont pas toujours besoin. Je pense par exemple à
«Animal ghosts», qui en plus de cela intègre des bouts
de trompettes qui n’apportent vraiment pas grand chose
au morceau.
LES DISQUES DU MOMENT
Petite polyphonie introductive, le tempo féroce se lance,
les guitares s’entrelacent, les chœurs suivent, silence...
La machine And So I Watch You From Afar est lancée
avec «Run home», morceau introductif, autant énergique
que planant. Ce titre sous tension marque l’empreinte
d’un groupe déjà bien installé confortablement
sur le territoire des musiques rock qui se veulent alambiquées,
tout en dévoilant ses côtés chaleureux et un brin
fédérateurs. Heirs, soit les héritiers en VF, est la dernière
salve sonore des gars de Belfast. Un cocktail détonant
de math-rock et de post-rock (pour faire court), une formule
modulable faussement pop au sein de laquelle le
groupe a déjà fait ses preuves, notamment avec All hail
bright futures, dont la filiation pour le coup est plus que
stupéfiante.
La volonté d’And So I Watch You From Afar de rendre ce
Heirs le plus éclatant possible n’est pas un mal en soit.
On aime son brin de folie totalement domptée, ses moments
de quiétude tutoyant les cieux et sa «coolitude»
assumée, mais certains morceaux un peu longs, dont
«Heirs», fonctionnent beaucoup plus sur scène que sur
disque. «Tryer, you», titre qui suit et sonne le glas d’une
manière tendant vers quelque chose d’épique et censé
être le bouquet final éblouissant comme dans un feu
d’artifice, n’apporte déjà plus grand chose à ce stade de
l’écoute car le cadeau est déjà ouvert depuis plusieurs
dizaines de minutes. Peut-être aurait-il fallu revoir l’ordre
d’apparition des chansons ? Dommage, mais cela n’enlève
en rien la qualité relativement excellente de ce quatrième
album.
Ted
Les Nord-Irlandais sont toujours habiles quand il s’agit
de rendre leur musique facile à l’écoute sans que leur
maîtrise technique en devienne indigeste et prenne
le pas sur le reste (un problème récurrent de pas mal
de formations de nos jours). Bien au contraire, elle est
même de plus en plus atténuée par un élément important
dans l’évolution du quatuor : la présence du chant.
«These secret kings I know» en est un bel exemple, tout
en chœurs contrôlés, ce titre en sort bonifié car il sert
57

TEXTE LIVE
XTREME FEST 2015
Décibel, canicule & explosion de nuques
Certains migrent en juillettiste vers le sud pour se dorer la cacahuète comme un beignet des plages saturé de
graisse, alors que d’autres vont se fracturer au plus géant et extrême festival de tout le grand sud : l’Xtreme Fest.
L’année d’avant le festival avait profané les terres
épiscopales d’Albi, pour sa troisième édition il revient
comme lors de sa première dans l’enceinte du site de
Cap Découverte, ancien bassin minier devenu base
de loisir avec plage et lac, skate park, et encore plus
encore... Pour ce jeune festival à l’ambiance zouké et à
la convivialité sudiste, il dispose d’une salle de concert
climatisée en plus d’une scène extérieure, l’ensemble
étant à taille humaine pour une union oldschool entre
les groupes et un public de furies et de furieux venus se
récurer les cages à miel, et se tuméfier les genoux avec
Death, HxC et Punk.
JOUR 1 - Wake the dead
Le festival est à trois quart d’heures de chez moi, elle est
pas belle la life quand même hein ?
Ok vous êtes prêt ? Extra-balle d’entrée car c’est le trio
Sticky Boys qui a fait le baptême du feu sur la scène extérieure
de la EMP Stage. J’ai déjà vu ce groupe à plusieurs
reprises, le seul changement pour moi réside dans le fait
qu’il a dû jouer face au soleil. Les gars luisaient en deux
minutes tellement ils suaient, mais ils ont labouré le pit
avec ce bon vieux hard rock des familles qui fait remuer
le corps, même quand celui-ci ne ventile plus assez. Le
groupe a dégagé un show millimétré comme lors de
son passage au Hellfest de cette année. C’est garanti en
testostérone et autres riffs piqués à AC/DC, avec la vitalité
et les riffs d’Airbourne. Oui c’est vrai si ce n’est pas
original à cause du duplicata entendu avec les groupes
précités, mais ça le fait direct. Car franchement cela fait
un bien fou dans un festival où tu sais qu’il va te tonner
du death et du punk HxC sans discontinue.
Envers de décor à la X Stage, la grande salle intérieure,
avec le groupe Cobra.
Ce groupe a inventé le hard rock alternatif sous le courant
subversif et corrosif du mensuel Hara Kiri (ancêtre
de Charlie Hebdo). Dans le milieu underground du rock
moderne, la hype a fait sortir le venin de Cobra par une
éjaculation malicieuse de folie urbaine. De la sorte que
l’esbroufe côtoie la provocation sans encombre. Originaires
des Alpes Maritimes, lieu de villégiature people
par excellence et de fonds de pension pour retraités
confits, ces punks rappeurs apparaissent à contresens
en tant que géniaux affabulateurs ou peut-être même
en prétentieux connards opportunistes. Nul ne le sait, et
il ne vaut mieux peut-être pas le savoir pour ne pas en
briser la magie noire.
Pourtant, au firmament des joies providentielles que la
58

navigation de plaisance apporte aux jeunes loup de la
finance pendant le jeter de l’ancre dans une crique du
sud-est, avec la tentation de forniquer avec des eurasiennes
mineures, Cobra en prolonge la frustration par
des lyrics outranciers, avec un heavy punk caustique
comme bande-son. Car aussi saugrenu que cela puisse
paraître, il y a des mélodies chez ce groupe, et il ne
faut pas s’arrêter comme un con devant son incitation
au chaos, à la crudité de la misère sociale sous l’égide
d’une rhétorique réactionnaire.
Avec l’attitude hardcore d’un Stupeflip crew sous le fer
heavy de Trust, le groupe a posé son happening de NTM
sous coke, en tapant du pied avec les rangers des Béruriers
Noirs. Ça fonctionnait parce que le groupe a joué le
jeu à fond, avec son jeu de dupe, son jeu de pute, sans
jamais usurper la société du spectacle.
Comme toujours, plus c’est gros, plus ça passe, et ce
groupe est aussi énorme qu’un Congolais dans une Tonkinoise.
Cobra a du venin, son set fut donc mortel, un
très bon show !
Les suivants m’ont retourné une fois encore, et ce pour
la seconde fois d’affilée et en un mois d’intervalle. Birds
In Row est capable avec son rock bruitiste d’une dramatisation
de certains éléments profonds, provoquant la
caresse d’un coup avec le choc de leur noisy abrasive/
post-hardcore. Jouant à l’extérieur et plein sud/sun, le
jeune trio s’est défoncé à rendre avec alternance une
maturité musicale explosive, brûlante, ainsi qu’une
part d’ombre mystérieuse à leur excellent set. Je vous
conseille leur dernier album You, me and the violence
tout aussi révélateur.
C’est donc avec la moiteur des corps baignant dans leur
jus de sueur, que l’on est rentré dans la salle climatisée
pour se tempérer, sauf que dans les arènes du défoulement
nous y attendait Black Bomb A. Par conséquent le
combo a électrocuté le public par des appels à l’émeute,
oui carrément. Et ceci jusqu’au sacrifice de sa santé
physique et mentale. Leur métalcore a fourni de quoi
enhardir les hardcoreux jamais à bout de souffle, même
après une prestation agressive, qu’à la fin de cette
joyeuse lutte avec Black Bomb A, les jeunes trépignaient
encore d’impatience de se refoutre des mornifles en
bombant leur torse herculéen pour certains, et encore
trop chétif pour résister à l’étau des autres. Mais qu’importe,
dehors sur la EMP Stage, Strung Out a fait au punk
mélodique ce que Strung Out exécute en haranguant la
foule en répétition, et avec un chant faux s’il vous plaît.
Le groupe a fait de son mieux pour réveiller la génération
mercurochrome, mais leur punk à roulette n’a pas bousculé
les souvenirs. Ce style étant jugé trop adolescent
pour les métalleux très certainement.
Ce qui ne fut pas le cas pour les prêcheurs sanguinaires
de Carniflex qui avaient posé leur hameçon respectif sur
la X Stage, et surtout sur la première préoccupation des
pêcheurs de l’extrême : la peur d’affronter un groupe de
cet acabit. Car ce groupe de death moderne, à la technicité
abrutissante, a vilipendé sa musique à un croc
de boucher, avec l’apport de vociférations inhumaines,
et un tourbillon de notes deathaliques terriblement efficaces
sur des rythmiques froides. Les gars n’ont pas
fait semblant pour abattre un set monolithique et exténuant.
Je ne sais pas si vous le savez mais la calvitie du quadragénaire
se repère moins bien dans un pit dévolu aux
groupes de HxC. Là-bas, la coupe militaire y est légion
et n’est pas étrangère à la confrontation d’une danse
belliqueuse. C’est devant un bataillon de cranes courts
que Comeback Kid est revenu mettre sa surdose de HxC
mélo, et a soumis même les chevelus à sa démence sonique.
Avec la main sur le cœur et le poing levé, le groupe
a rasséréné, offrant pour sa seconde venu à l’Xtreme
Fest un concert maousse costaud. Aussi puissant que la
dimension de sa renommée en sculpte l’effervescence.
Tu peux les voir 200 fois, c’est ce genre de combo à la
Sick Of It All qui te met à la régulière une claque monumentale
à chaque fois.
Les quadriceps et les dorsaux ayant bien travaillé, nous
étions repus, baignant dans la béatitude d’après l’effort.
Je me suis confortablement assis dans les hauteurs de
la grande salle, et oui c’est magnifique il y a des fauteuils
comme au cinoche.
Alors que de faux amplis tapissaient le fond de scène,
présageant le fait que l’on allait avoir un volume sonore
aussi importante que la tête dans un pot échappement
d’un avion A380, la foule en frissonnait d’excitation, pendant
que je ricanais bêtement à l’avance du set de Black
Label Society.
L’entrée de scène fut aussi pathétique que l’ascension
du Tourmalet par un cadre supérieur en trottinette. Le
leader de la bande, le sieur Zakk Wylde s’est pointé avec
la barbe de Dusty Hill (MDR si j’avais écris Frank Beard
quand même nan ?). Bon dès le début sa guitare pointait
mais à côté du cochonnet, là c’est con ! N’empêche
pas que le salaud n’arrêtait pas de se masturber avec,
c’était dégoûtant en plus qu’insupportable. Du si bécare
en passant par les gammes ioniens, l’infatigable Wylde
fut exténuant de supposer que son solo interminable
TEXTE LIVE
59

TEXTE LIVE
était le nec plus ultra de la musique, surtout dans un
festival de punk/HxC/métAl. Le problème de son hard
rock-grungy-indus c’est qu’il a mis de côté le côté punk
pour épouser les attitudes princières des divas consensuelles
des stades. Contre toute attente Zakk ne nous a
malheureusement pas sorti sa double guitare, on aurait
au moins pu rire. Finalement Black Label Society a produit
un set grand public pour divertir les fans des émissions
Pimp My Ride et Turbo, c’était donc chiant pour les
fans de 30 millions d’amis.
Le dernier set de la soirée fut interprété par les espagnols
de Toundra. Je ne connaissais pas du tout ce
groupe, donc en toute simplicité je me suis recueilli à
JOUR 2 - Ex tenebris lux
Pour cette deuxième journée, il faisait toujours aussi
chaud, et comme l’Xtreme Fest a réduit l’espace entre la
scène et le public cette année, il y a juste une barrière de
sécurité d’à peine un mètre de large, je vous laisse imaginer
le côté oldschool et l’interaction évidente qu’il peut
y avoir comme résonance entre les groupes et le public.
Du coup en une demi-heure à peine, les basques d’Adrenalized
ont toré leur punk rock mélodique en plantant
les banderilles de Strike Anywhere, No Fun At All, Less
Than Jake, jusqu’à ce que d’un riff de muleta, et la mort
dans l’âme, le groupe quitte l’arène en nage. Le groupe
pourtant habitué de la canicule espagnole a joué face
contre face devant un public atrophié par
le soleil, et la chaleur était accablante, mais
elle n’aura réduit en rien leur énergique set.
Une partie du public profane a découvert
les gestuelles mélodiques et la hardiesse
produite par les ibères. Les connaisseurs
plus sensibles à la beauté des passes techniques
du combo, qu’au combat dans le pit,
ont apprécié la valeureuse lutte du groupe,
notamment par sa technique et sa rapidité
d’exécution. Adrenalized en matador punk
assénera tous ses coups avec passion, par
de multiples estocades portées dans les
règles de l’art de la rue et des rampes de
sk8.
leur joli climat délétère, à cette mélancolie douceâtre
pour une musique instrumentale agitant les sens, afin
d’extrapoler vers une explosion de quiétude post stoner.
Au point d’y être complètement réceptif, comme attiré et
bercé par la même délicatesse nacrée des Allemands de
Colour Haze, des spasmes évanescents des Ecossais de
Mogwaï, et des consonances progressistes de Tool. Très
agréablement surpris au point d’en être ému, la magie
a opéré sur un public en quasi transe, où la reconnaissance
n’était plus fictive mais réelle. Le groupe en ressentait
l’admiration en détendant sa beauté claire obscure,
dans le spectre envoûtant de sa musique céleste.
Plaisir d’offrir joie de recevoir, Toundra a su mettre en
évidence des qualités d’interprétation dans ses compositions
instrumentales de la plus belle des façons.
Le festivalier s’est donc retiré vers son couchage avec
les yeux couvert d’une poussière de nuit d’étoiles, et la
caresse musicale de Toundra comme élixir de rêver en
toute aise.
Ce qui va à l’inverse des dadaïstes de Psykup, qui ont
fluidifié les cortex avec de quoi se badigeonner la tête
pour les vingts prochaines années dans un asile. C’était
aussi dément que génialement absurde, ce groupe
n’ayant aucun comparatif tant il décloisonne de tout
style, car ce groupe indéfinissable est possédé par et
pour un style unique qu’il nomme ‘’d’autruche-core»???
(entre Alice In Chains et Faith No More versus Primus),
et surtout qu’il intensifie en live de la plus exorbitante
manière.
Sans compromission, on est retourné dans la bouffée
de chaleur extérieur où D.R.I a fait ce que Dirty Rotten
Imbeciles exécute en trois temps, trois mouvements
avec son punk thrashy, et la même setlist que depuis
trois plombes. C’était bien fun, les coudes ont valdingué,
les pieds sont montés jusqu’au menton, les torgnolles
ont sifflé, les filles ont éclaté les mâles du pit, et tout le
monde a fini trempé comme des serpillières, avec une
température corporelle de 42°Celsius.
D.R.I c’est la base du crossover en matière de sk8board
60

pour moi. Tu ne peux pas prétendre te fracasser la clavicule
sur du David Guetta, ni même du Slipknot. Il n’y a
que D.R.I qui te fournira l’adrénaline adéquate pour te relever
après, en affichant le sourire béa de circonstance
une fois que tu seras plâtré au urgence.
Fin du set, la foule compacte se déplaçait comme une
houle d’une scène à l’autre. L’individu n’était plus. Même
celui qui pensait être au dessus des autres n’était rien.
Comme ce jeune mâle bombant son torse par pure animalité,
dont le visage émacié de rigueur par le duvet d’un
bouc ne masquait pas le désarroi de suivre le troupeau
comme une simple chèvre. Il retrouvera son audace devant
le set efficace d’Iron Reagan. Le combo a permis à
de nombreux moshers de se péter une rupture des vertèbres
dans un pit saturé de secousses dansantes.
Pour rappel, le gentleman Gui De Champi avait le zizi
tout dur quand il les a vus au Hellfest cette année. Pour
ma part je mets un bémol a ce all star band (avec des
membres de Municipal Waste et de Darkest Hour), parce
que la resucée de leur tambouille musicale est plus
que redondante. Donc ok les gars jouent très bien, ils
sont dans le truc à donf, mais ils ne font rien avancer
du tout. Il manque le petit truc en plus pour se démarquer.
Là c’est calibré, filtré pour demeurer figé dans une
esthétique, des codes dévolus en un style bien distinct.
Niveau loyauté ils sont à 100%, et niveau intégrité je
me pose encore la question, même si la finalité c’est
que l’on en a rien à foutre, le tout c’est que Iron Reagan
balance sa purée de riffs comme D.R.I l’effectue depuis
ses débuts, et que cela ne va pas plus loin.
Après cette douche, oui ça commence à sentir salement
la chaussette du vestiaire à force de bouger dans tous
les sens, je me pose de façon à admirer le prochain carnage.
Pour faire suite à l’abattoir du Hellfest, c’était un
camp d’extermination que nous a conté les charcutiers
de Floride de Cannibal Corpse. Leur set fut à la hauteur
de leur charnier : aussi terrifiant que gigantesque. Je
vous passe les détails techniques puisque la finalité
c’est que Cannibal a dévoré tout cru. Si tu ne captes rien
à cette débauche d’hémoglobine sonore, c’est que tu es
transsexuel et apprécie plus la musique de Kanye West.
Il faut de tout pour faire un monde, celui de Cannibal
Corpse est à base de tripes chaudes, de vésicules
biliaires, et de tout un tas d’abats soniques salement
jouissif pour obtenir une descende d’organes chez les
filles, et un simple malaise vagal pour les durs à cuire.
Forcément il y a de la perversion à apprécier un tel band,
je ne vais pas vous le cacher.
Comme par un fait paradoxal, la suite de la programmation
m’a fait froid dans le dos, avec la danse des canards
de The Exploited, qui s’est déroulée comme convenu
pour les punks à chien, puisqu’ils n’étaient pas là, étant
TEXTE
Bon sinon, j’ai à peine 7 Seconds pour vous dire que
c’était de la dynamite. Groupe culte de hardcore des
80’s le groupe a joué rang serré autour de son aura, de
son culte, de son intégrité, de sa loyauté en un style musical,
LE HXC, à une culture de l’esprit et une discipline
du corps, et tout ceci pour le bonheur des connaisseurs
de l’Xtreme Fest.
Le combo a enchaîné les hits comme Rocky a sulfaté
ses coups de poings sur Apollo Creed dans Rocky 2. Avec
une maturité de plus de trente ans d’age, 7 Seconds a
secoué les puces sans apparaître comme de vieux croûtons.
D’autant plus que si tu veux mettre la jeunesse
dans la poche, il te suffit de leur jouer la cover «If the kids
are united» de Sham 69 et et le tour est joué pour fédérer
un max. C’est ce qu’a accompli le groupe, et pour les
vieux il leur a balancé le hit de Nena « 99 luftballons». 7
Seconds a joué vite, fort comme un bon vieux HxC qui te
regonfle tes vies et ton énergie pour poursuivre l’aventure
de la grande life, trop bon dude !
toujours en train d’essayer de glaner un truc à boire
autour de leur toilette sèche qui leur sert de moyen de
locomotion. Du coup on s’est retrouvés comme des cons
a tapoté du pied sur les titres ras de caniveau des Ecos-
61

TEXTE LIVE
sais, parce que nous sommes des gens polis et bien
éduqués. Toutefois, on doit à cette médiocrité musicale
une rage que le punk de 77 s’en souvient comme de
sa première vérole. Car sur l’empreinte de cette fougue
anarchiste, allant à contre-sens de son époque pour en
révolutionner à tout jamais la culture populaire, de nombreux
groupes ont bâtis leur fondation dessus, comme
les millionnaires de Metallica par exemple.
Voilà après cela je
pensais avoir passer
le pire, mais non, est
arrivé Ensiferum,
sorte de Boney M du
métOl versus pagan
épique. Le groupe a
fait appel à l’époque
de l’inquisition, où
la torture ne se limitait
pas à écouter
l’album de Justin
Bieber en boucle,
puisque nous avons
eu droit aux instruments
de tortures
médiévales (biniou,
etc...) que le groupe
a cru utile d’en imposer
la tourmente.
Mais comme d’habitude
avec ce style
festif, les suppliciés
étaient heureux
comme tout d’être
mutilés de la sorte.
Chemin faisant, un orage s’est abattu. Ah ! et bien pour
une fois merci les divinités de me comprendre enfin,
attends quoi c’est vrai faut pas déconner, Ensiferum,
merdeeeeeeeeee. Par contre 7 Weeks n’a pas pu jouer
dehors, et a été tout bonnement annulé, gâchant la fin
de soirée.
Jour 3 : Skate to Hell
Dernier jour pour un dimanche de chaleur, et c’est sur la
scène gratuite à l’extérieur du festival que le groupe Forus
a déversé son punk mélodique à la vitesse du Millenium
Falcon du contrebandier Han Solo et de son second
Chewbacca. On s’est retrouvés propulsés avec Strike
Anywhere, Face to Face et consorts dans la stratosphère
de tapping, et d’une technicité à quadruple énergie. Un
très bon set qui aurait largement mérité de se retrouver
sur une scène plus appropriée vu les qualités du band.
Surtout qu’après c’est Get Dead sur la EMP Stage en
extérieur qui s’est contenté d’un punk’n’roll convivial,
avec tout le fun de la Californie tout de même. C’était
sympathique mais pas aussi transcendant que Forus
par exemple.
Suite à l’annulation de
Rise Of The Northstar
c’est le groupe Ta Gueule
qui a obtenu une promotion
canapé en passant
sur la grande scène. Ta
Gueule a fermé le clapet
fécal à tout le monde
à base d’un assourdissant
punk heavy-röck
bien grassouillet, d’une
surdose d’humour caustique
et une très bonne
dose de foutre sonique,
pendant tout leur show.
Pointant un hommage
appuyé à David Carradine
avec leur titre « Strangulation
masturbatoire »
par ci, à la macrobiotique
avec « Subutex » par là,
où à la passion amoureuse
avec « 666Phyllis
», que je me dois de
mettre une mention spéciale
à cette déflagration
fantaisiste et corrosive à
s’en taper les couilles contre le sol, et ceci à plusieurs
reprises même.
Non ce n’est pas vulgaire, par contre tout aussi répréhensible
en terme de percussion, le combo No Turning
Back a fait frotter les nuques avec son HxC bas du front
pour une embrassade avec le bitume chez les voltigeurs
du pit. Dans une région d’ovalie comme le Tarn il y a une
expression typique pour traduire leur set : c’était viril,
mais correct.
Bon je n’en garde pas un grand souvenir, même si le
combo a fourni de quoi se remuer les articulations. En
fait j’attendais avec impatience Toxic Holocaust. Là pour
le coup le revival thrash a trouvé ses maîtres en la matière.
Sur disque j’avais des érections, sur scène j’ai eu
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mon divin fluide qui a coulé. Surtout avec un set cousu
de main de fer dans cette cote de maille heavy qui te
montait au nez. Enfin du putain de bon thrash, épais,
goulu, heavy mec. Pas de tape à l’œil, mais l’œil du tigre,
de celui qui te bouffe. Après cela j’avais un mal de chien
de la nuque au vertèbre, et celui qui m’a offert la vue de
son dos patché au regard d’une relecture des emblèmes
du thrash des 80’s, n’avait pas l’air mieux que moi.
Puis c’était aux grands frères Burning Heads de nous offrir
leur punk Clashien avec classe. Vu et revu en concert,
et pourtant le jour où ce groupe ne sera plus on pleurera
comme des cons, parce qu’il aura marqué à jamais. La
preuve en est avec la sortie d’un tribute Fire walks with
me en leur honneur, avec le gratin des punkers de l’hexagone
pour en faire ressortir toute la splendeur.
Tout aussi emblématique d’une époque où le punk mélodique
avait pignon sur rue, où la jeunesse découvrait enfin
autre chose que Madonna et Motley Crüe, les Suédois
de Satanic Surfer ont écrit des hits qui valaient le détour,
au point de venir en contracter le grand frisson fiévreux
plus de 20 piges plus loin. Le band a envoyé la sauce et
les quadragénaires faisaient des bonds de petits lapins
sur-excités, alors que les trentenaires se charcutaient la
tronche avec la jeunesse rebelle.
Si musicalement Satanic Surfer a fait lustrer ses muscles
comme jadis, pour l’émotion (hormis la grosse dose nostalgique)
c’est le chant de Rodriguo qui a tout balayé. Il
s’est concentré sur le chant désormais, il ne fait plus la
batterie et le chant comme à l’époque. Du coup ce gars
a un grain vocal et une précision pour le style, qu’il met
tout le monde sur le cul. C’était vraiment émouvant de
revoir ce groupe, de s’immerger dans cette mouvance
musicale qui n’a pas fait salle comble au Xtreme Fest
par ailleurs, mais un super groupe pour un super set de
hits. Il y a un gars qui s’est jeté de la fosse en réalisant
un plongeon de compétition, et ça je le rajoute à la prestation
du groupe, et ça mérite un 10 en note artistique !!
Fallait redescendre en douceur après ce set, mais les
very hardcoreux de Terror ont entériné leur statut de
brute épaisse avec le groove pugnace de L.A. Les gamins
du pit en ont fait les frais, cul par dessus tête tout
le long d’un set vindicatif, et sans la présence charismatique
du leader et maître chanteur Scott Vogel. On s’est
retrouvés la tête dans la mêlée au ras du sol à chercher
la moindre particule de filet d’air.
Juste après cela, nous tournions une page d’histoire,
celle pendant laquelle Simon De Monford croisa sa haine
cathartique des Albigeois en ordonnant l’inexpiable
«Tuez-les tous, dieu reconnaîtra les siens». Des siècles
plus tard face à la descendance cathare, c’est Behemoth
qui a remis au goût du jour cette sentence, mais contre
les ordres de civitas.
Pourtant l’épreuve de feu pyrotechnique de Behemoth
est demeurée confinée dans son aura, en jouant
dans une salle ne lui permettant pas d’user d’artifices
probant. Cependant le groupe maîtrise tellement les
flammes par la prestance tyrannique de sa musique,
qu’il a juste fallu aiguisé son jeu scénique dans l’austérité
d’un monastère de religieuse. Malgré un show
rôdé jusqu’à la moindre virgule, Behemoth en puissant,
a reproduit un set impérial de black death métal à faire
vomir tous les fans de catéchisme. Alors que Ta Gueule
nous proposait d’aller se faire enculer quelques heures
auparavant, Behemoth nous disposait d’aller au diable
! Ce que nous fîmes dans le cœur de la sacristie X Stage.
Le groupe a abattu sa loi de talion et nous a soumis à
son mépris pour la race des faibles grandeur nature, et
maléfice compris.
Si l’Xtreme Fest a renforcé sa gageure pour le métöL avec
les auxiliaires de fin de vie que sont Behemoth, il n’en
oublie pas pour autant de joindre sa part de folie punk
contestataire de sale gosse, en programmant à la fin du
week-end l’Opium Du Peuple pour tous ses ouailles.
Ce groupe est devenu le Bollywood du camping trois
étoiles, avec sexe, gaudriole, punk, anarchisme libertaire
à gogo ! Il a servi un répertoire digne de la tournée
de Salut les copains avec l’état d’esprit de Gröland & Hara-Kiri
tout à la fois. On s’est vraiment bien marré avec
ce mélange de théâtre de boulevard et de pole dance
punky tellement que c’était con ! Et l’Xtreme Fest c’est
terminé sur ce gag en fait !
En synthétisant le week-end, il s’est très bien déroulé,
le festival prend encore ses marques, et s’améliore de
ses erreurs. J’espère enfin qu’il va se stabiliser, et je suis
persuadé qu’avec le temps il va se bonifier pour créer un
festival unique et différent.
Je tiens à remercier tous les bénévoles et le crew du
Xtreme Fest pour s’être damnés dans cette mission et
offrir un week-end extrêmement cool & fun !
Sachez par ailleurs qu’en 2016 l’Xtreme Fest s’annonce
comme The festival of the beast !
Ciao ; ) & See you in hell !
Bir
Crédit photos :Denis Charmot
http://denischarmot.wix.com/denis-charmot-photos
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MOTOCULTOR FEST 2015
TEXTE LIVE
Cet été le Motocultor Fest a encore labouré le terrain pendant 3 jours ultra métalliques pour le plus grand plaisir des
festivaliers qui ont répondu en masse... Malgré tout le festoche n’est pas encore sûr de pouvoir continuer longtemps
sans subventions, traînant de vieilles dettes comme un boulet... En attendant des jours meilleurs, voilà quelques
clichés pris par Ludovic Beyan, notre envoyé spécial sur place.
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TEXTE LIVE
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INTERVIEW TEXTE
INTERVI OU : SHIKO SHIKO
Notre intervi «ou» est souvent l’occasion de poser des questions «con con», les Shiko Shiko ne se sont pas fait
priés pour rentrer dans le jeu et envoyer des réponses qui te parleront beaucoup ... ou pas. Mais sans trop creuser,
tu peux déjà bien te marrer...
Akira ou Virgile ?
Arekushi Taiko : Tetsuo
JC : Argile
Yamaneko : Gilles 3000
Gilles 3000 : Les deux en même temps
Japonais ou nippon ?
Y : Tiger Wok
JC : Homme crabe
AT : Poney nippon
G : Au plus offrant
Maki ou sushi ?
AT : Okonomiyaki
JC : Souchon
Y : Souchez, une petite ville bizarre où j’allais faire du
vélo
G : Sauvons les océans, arrêtons de manger
Moshi moshi ou pika pika ?
JC : Picon Picon
AT : Doki Doki
Y : Pika Pika, sans aucun doute
G : Le truc Jaune
Hyphen Hyphen ou Jean Jean ou Zombi Zombi ?
JC : Zombi Zoubi
AT : Pan Pan Pan (feu super groupe de Lyon : https://
www.youtube.com/watch?v=85VsEhUgXpI )
Y : Duflan Duflan (feu super groupe de Belgique : https://
www.youtube.com/watch?v=7feTOqglJZc )
G : Clairement Hyphen Hyphen
Duran Duran ou The The ?
JC : The The (zut)
Y : «The reflex» de Duran Duran en boucle jusqu’à la
mort !
AT : André Duracell
G : Les homos
Oui-Oui ou Mimi Cracra ?
AT : Michel Gondry
JC : Nissan Micra
Y : Nissan Gondry (dans mes rêve les plus fous, elle
existe !)
G : La gosse
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Miou-Miou ou Boutros-Boutros Ghali ?
JC : Mion Mion, un chat trop cool
Y : Yaya, un chat trop cool
AT : Tic & Tac
G : Miou miou elle est super dans les valseuses
Bruxelles ou Paris ?
AT : Non merci, trop de touristes
JC : BXL RPRSNT, PRS FDP
Y : Franchement, Bruxelles
G : Brussels ma belle
Noise ou Electro ?
JC : Jungle
AT : 12 volts
Y : Bruit blanc
G : L’un dans l’autre
Aéronef ou Malterie ?
Y : Malterie, Lille, 20ans
JC : Stade Pierre Mauroy
AT : La malterie volante
G : L’un sur l’autre
Concert ou studio ?
JC : T2
AT : Enregistrement live
Y : Concert symphonique avec écrans géants, effets pyrotechniques
et des hommes baudruche gonflables aux
bras ondulants !
G : L’un comme l’autre
FNAC ou O’CD ?
AT : Rapishare
Y : Quelque part records. Coucou Marc !
JC : O’CD : C - cher
G : Téléchargement illégal
Fricadelle ou Maroilles ?
JC : Fricadelle au Maroille
AT : Falafel au maroille
Y : Ni l’un, ni l’autre. Un bon welsh avec une Ciney et l’addition
s’il vous plait. Merci.
G : No comment
Nord ou Nord-Pas-de-Calais-Picardie ?
JC : Nord-Pas-de-Calais-Picardie-Bavière-Okinawa-
Creuse
Y : Juste Pas-de-Calais. Toujours dans mon coeur.
AT : Wallonie
G : Demande à Martine Aubry !
Merci aux Shiko Shiko !
Oli & David
Crédit photo : DR
INTERVIEW TEXTE
Faire le Tour de Chauffe ou se faire chauffer à Tours ?
JC : T’habites Bourg-la-Reine ?
AT : Tours, ville d’avenir !
Y : Tour de France
G : Tour à tour
Licorne ou poney ?
JC : Miss Rainicorne
Y : The Unicorns
AT : Bojack Horseman
G : Celui qu’on bouffe
LOSC ou RCL ?
Y : J’ai grandi à Lens, donc très peu pour moi merci.
JC : La New Team
AT : LSD
G : Connais pas ces groupes
75

76EN BREF
DANCE TO THE END
Take it or leave it
(Autoproduction)
Il y a quelques petits trucs qui n’étaient
pas déplaisants mais pas forcément
non plus utiles sur le premier EP de
Dance to the End. Et le quatuor, en
réécoutant son travail, a dû avoir le
même sentiment que moi puisque
pour ces nouvelles compositions, ils
ont enlevé ces petites choses (des
influences comme celle de Joy Division
ou le math-rock, des bricolages, des
sons inattendus) pour se concentrer
sur ce qui faisait et fait encore plus
leur force : l’énergie et les mélodies.
Ils n’ont pas renié tout ce qui faisait
leur identité il y a 2-3 ans mais ça s’est
fondu dans l’ensemble et les Bordelais
apparaissent désormais plus simplement
comme un excellent groupe pop
rock «à l’anglaise» (même si l’accent
n’y est pas toujours impeccable). Le
groupe joue donc à la fois sur la dynamique
(le rythme est assez élevé) et
les harmonies tout au long de Take
it or leave it (le titre n’apparaît qu’à
l’intérieur de l’artwork, il est extrait
des textes de «Prayer for rain»), y
compris sur le final «Air lane», un mini
instrumental aux allures post-rock. Et
si dans cet océan de douceurs vives,
tu dois te faire une idée en un seul
morceau, écoute l’entraînant «Candle
in the dark» et tâche d’y résister.
Oli
MONOPHONA
Black on black
(label)
Monophona nous vient du Luxembourg
et c’est assez rare pour le souligner.
Fruit de la rencontre en 2011 de Claudine
(voix, guitares, synthé) et Philippe
‘Chook’ Schirrer (producteur et DJ
reconnu), le projet a pour ambition de
mélanger sons électroniques, expérimentaux,
et sons acoustiques plus intimistes,
se définissant même comme
de la « headphone music ». Complété
en live par un batteur, le trio a sorti récemment
son second album, Black on
black. Et à l’image de nombreuses productions
électroniques actuelles (Rone
notamment), on a parfois du mal à y
voir plus qu’un fond sonore si l’écoute
ne se fait pas dans le bon contexte -
même si le début du disque possède
son lot de pépites. Cependant le reste
de l’album ne décolle volontairement
pas, préférant développer son registre
: planant, sombre et minimaliste.
Pour les adeptes du genre, l’ensemble
est tout de même plus qu’agréable à
l’écoute, à défaut de marquer durablement.
Antonin
BLUEBIRD SUPERNOVAE
Are you real ?
(Autoproduction)
Ca ne m’était personnellement jamais
arrivé de recevoir un CD promo trois
ans après sa sortie, c’est d’autant
plus plaisant lorsqu’il est bon. Bluebird
Supernovae semble d’ailleurs, selon sa
page Facebook, avoir déjà enregistré
de nouveaux morceaux entre temps,
sans pour autant évoquer une sortie.
C’est de bon augure, surtout après la
mise en bouche de leur dernier EP Are
you real? à travers duquel une poprock
incandescente se diffuse allègrement.
Les petits gars de Méry-sur-Oise
savent manier l’art de composer des
morceaux qui nous parlent instinctivement
dans un univers spacieux invoquant
les plus beaux rêves. Forcément,
puisque cela nous parle, les influences
ressortent, citons Radiohead sur «A
thousand years» ou le subtil mélange
entre Air et Pink Floyd sur «The park
(Under the stars)». L’œuvre de Syd
Matters ou de Mogwai n’ont également
pas de secret pour le quatuor qui apprécie,
tout comme eux, le raffinement
et l’élégance. D’un esthétisme sonore
appelé «Post-pop intergalactic» par
leurs géniteurs, Are you real ? souhaite
donc pousser les frontières de la
pop en les amenant très très haut. On
leur souhaite bon courage car beaucoup
tendent déjà vers ce dessein, à
commencer par leurs propres références.
Réponse au premier album ?
Ted

EN BREF
CRAZY TOWN
The brimstone sluggers
(Membran)
The Brimstone Sluggers était le premier
groupe des deux membres fondateurs
de Crazy Town, on est alors en 1995 et
ils changeront rapidement de nom pour
l’actuel. Le succés météorique de «Butterfly»
issu de leur premier album The
gift of game (1999) est emblématique
de l’époque, rock et métal fusionnent
sur les radios et les torses tatoués
brillent de mille feux. Le deuxième
opus fait un flop, le groupe se sépare,
leur guitariste Rust Epique décède en
2004. Fin de l’histoire. Jusqu’à une
reformation pour quelques concerts
et quelques titres qui émergent sur le
net, avec un remaniement de personnel,
le groupe est vraiment de retour
aux affaires en 2013 et sort donc The
brimstone sluggers à la fin de l’été
2015. Un titre en forme de retour aux
sources mais qui aujourd’hui sonne
daté, la faute à une prod’ lisse et formatée
et à des compos qui n’ont rien
d’alternatif. Et si je ne suis pas expert
en flow hip hop, je n’ai pas l’impression
que là aussi le groupe arrive à (ré)
inventer quoi que ce soit. Pas dans le
rythme (ça en manque énormément)
et donc trop souvent à côté de la plaque,
Crazy Town sort son troisième opus
avec 10 ans de retard. Sans intérêt.
Oli
NO SHANGSA
Blind-driving
(Gigors Electric Records)
Encore un album que l’on découvre sur
le tard, une galette qui s’était perdue il
y a deux ans dans une valise. C’est avec
des remords de ne pas l’avoir découvert
beaucoup plus tôt que j’enfile Blinddriving
dans le mange-disque. Encore
plus quand j’accroche spontanément
à son math-rock noisy instrumental. Le
trio valentinois No Shangsa donne donc
priorité à une combinaison claviersguitares-batterie
pour s’exprimer, faire
rugir les amplis, développer des rythmiques
souvent (très) agitées («La
croisière abuse») tout en donnant par
moments de l’espace aux instruments,
notamment aux guitares («Carré
russe», «Hooker with a cigar»). Le bon
équilibre émotif et l’offre riche en mélodies
dont fait preuve Blind-driving, sans
pour autant jouer le coup des plages
ambiantes creuses, inhibe les désagréments
souvent liés aux musiques
imprévisibles, qui plus est sans chant.
Ce sont d’ailleurs des styles conçus
davantage pour le live où l’expression
est à vivre pleinement. Vous savez
donc ce qu’il vous reste à faire. Mais
avant cela, jetez vous sur ces dix titres.
Ted
L’OBJET
Toucan
(Structure Records)
A l’instar de ce nuage de fumée bleue
qui est amené à disparaître, le groupe
L’Objet est insaisissable et reste l’un
des groupes lillois les plus fascinants.
Après un Plank hypnotique et motorik
en diable, les voilà de retour avec
Toucan via leur propre label Structure
Records. Et si Plank lorgnait véritablement
du coté de l’Allemagne de
Can et Neu!, Toucan semble plus que
jamais une belle ode au métissage
mais en intégrant cette fois-ci des
influences afrobeat et exotica. Le propos
est beaucoup plus électronique,
majoritairement instrumental, hypnotisant
en diable et toujours sacrément
charmeur pour les oreilles avides de
musique qui décloisonne les oreilles.
L’album se termine sur un «Toucan»
de plus de 7 minutes vraiment beau :
on croirait volontiers à une coopération
décentralisé entre l’Allemagne et
les musiciens issus du mouvement
éthiopique. Ce qui résume parfaitement
l’état d’esprit de L’Objet. Faire le
pont entre des influences datant de
quelques décennies et aussi une volonté
de sonner moderne. La classe quoi...
David
77

78EN BREF
FUMER TUE
Dune
(Autoproduction)
A l’heure où j’écris ces lignes et après
«Lieven», un dernier single envoyé sur
la toile courant avril, le groupe strasbourgeois
Fumer Tue a rendu les armes
après deux ans d’aventures musicales
et humaines. Il faut dire aussi que son
style musical ne se prête pas forcément
à de grandes évolutions, à moins
d’en changer sensiblement sa formule.
Car cette synthpop 80’s gorgée de new
wave et d’autres joyeusetés électro
punk fait un retour assez marquant
en France dans le milieu underground
ces dernières années, un peu comme
le retro-gaming. Avec Dune, son dernier
EP sorti en septembre 2014, Fumer Tue
n’a d’autres ambitions que de donner
du fun, comme diraient les Québécois,
à des gens qui en ont besoin. Et avec
sa production low cost mais propre,
ses sonorités épurées mais efficace
pour procurer le déhanchement le plus
total, et ses mélodies entêtantes et
contagieuses, Dune fait le job à la perfection.
Un disque à passer en (fin de)
soirée et à partager avec tes amis pour
leur montrer que ta playlist, ben elle est
pas si dégueulasse que ça en fait. Et
te faire passer, par la même occasion,
pour un défenseur du Made In France.
Ted
PRO-PAIN
Voice of rebellion
(Steamhammer)
Si on n’aime pas trop les groupes qui
prennent des risques en faisant évoluer
leur musique, il y en a quelques uns
qui apportent une sorte de garantie, un
«label», ce n’est écrit nulle part mais
on est certain de ne pas être trompé sur
la marchandise. Pro-Pain est de ceuxlà.
S’il y a eu pas mal de changements
de line-up par le passé, ça n’a pas bougé
depuis 2011 et le métal massif des
New Yorkais ne vieillit pas (Gary Meskil
envoie du gras depuis le tout début
des années 90 tout de même). Chant
guttural option messages scandés,
rythmiques et riffing en mode repeat,
décrochages du manche à l’intention
des mâchoires, breaks, solos d’école et
si le tout dépasse les 3 minutes 30, ça
fait un titre épique qui mérite de donner
son nom à l’opus («Voice of rebellion»
donc). Cette quinzième distribution
de pains ne demande pas beaucoup
de réflexions et n’apporte pas grand
chose au monument Pro-Pain mais ça
permet au groupe de repartir en tournée
et de donner une autre vie (bien
plus intéressante) à ces compositions.
Oli
ALABASTERDS
Dumb music for hipsters
(Autoproduction)
Alabasterds, à ne pas confondre avec
Alabastards avec des bouts de Neige
Morte, revient avec un EP 5 titres vraiment
rafraîchissant. Ces mecs ont beau
avoir un peu plus de la vingtaine, ils ont
pourtant des références de quadra et
offrent avec Dumb music for hipsters
(j’en suis un, tu en es un, eux aussi,
t’inquiètes, on est entre nous...) un joli
pont entre Nirvana, McLusky et des références
rock plus calibrées. Parcourir
cet EP est d’emblée très jouissif avec
le titre «Soma» : une petite décharge
punk-rock avec une basse bien en
avant, un chant cobainien, un sens du
riff efficace et une urgence qui fait instantanément
plaisir. L’urgence, c’est
aussi ce que l’on retrouve chez «Hostile
machine» et la plupart des titres de ce
Dumb music for hipsters. En tout bon
chroniqueur étroit d’esprit, j’ai évidemment
tiqué sur l’introduction de «Rollercoaster»
en mode ska-punk No fx
mais le groupe arrive à pervertir le style
pour en faire un morceau qui pourrait
plaire même aux non-fans du genre et il
se pourrait bien qu’avec le temps et les
écoutes, le titre devienne un des sommets
de cet EP sacrément bien troussé.
En plus, ces petits gars sont sacrément
bons en live. Tu attends quoi ?
David

EN BREF
HERSCHER
Herscher
(Autoproduction)
Depuis leur premier EP en 2010, le
duo auvergnat Herscher a gagné un
instrument et ce n’est pas une guitare
(ça aurait été trop simple) mais
un petit synthé bien crado qui vient
s’ajouter à la basse et la batterie. Pour
être certain d’avoir un son poussiéreux
titanesque, les gars sont retournés
bosser avec Serge Morattel (Knut,
Impure Wilhelmina, Shora, Year Of no
Light... mais aussi leur deuxième EP).
Le résultat est à la hauteur des espoirs
placés dans le combo pour tous ceux
qui aiment se faire mal au crâne avec
de la musique. C’est lourd, ça sludge, ça
doom, ça grésille de partout, ça pulse
même parfois (le génial «Bandana»),
le chant lourd (peu fréquent) semble
un peu forcé (pourquoi chanter, laissez
tout en instrumental ! Ou alors en mode
incantation claire comme sur «Apocatastase»),
le synthé n’apporte que des
touches de gris foncé dans cet univers
noir de crasse, c’est donc un régal pour
les amateurs de métal obscur qui penseraient
que Sunn O))) est trop pop. Et
si l’adjectif «drone» te fait peur, laissetoi
tenter puis porter par la rythmique
et les saturations des Clermontois, tu
risques de changer d’avis (ou de choper
la migraine mais bon, faut savoir
prendre des risques dans la vie !).
Oli
DEATH
N.E.W.
(Drag City)
Pour resituer l’histoire de Death, le
groupe de proto-punk de Détroit et non
le groupe de death métal du regretté
Chuck Schuldiner, il faut remonter en
1974 et l’enregistrement de ...For the
whole world to see, un album compilant
les chansons de ce trio de frangins
dont le style vacille entre celui des Who,
d’Alice Cooper et des Stooges. Ayant eu
des soucis avec leur maison de disque
de l’époque Colombia Records, relatif
à l’utilisation de leur patronyme jugé
anti-commercial, le groupe splitte juste
après avoir sorti un 7» sur un autre
label. En 2009, soit 35 ans après, l’album
sort grâce à Drag City et le public
le découvre notamment à travers l’excellent
morceau punk «Freakin’ out»
dans un épisode de la série «How I met
your mother». Le groupe qui a depuis
repris vie en tournée, sort N.E.W., un
nouveau disque en avril 2015 dont l’esprit
n’est pas très éloigné de ses précédents,
un peu moins fougueux mais
avec une prod’ bien meilleure. Notre
avis : Présenter une œuvre d’un genre
musical qui a vécu ses grandes heures
de gloires des décennies passées et
ancré dans le temps, n’a pas grand
intérêt aujourd’hui, si ce n’est celui
de pouvoir lui rendre hommage et de
faire passer à chacun un certain goût
de nostalgie. Une belle preuve d’opiniâtreté
de la part des frères Hackney.
Ted
KILL ME THIS MONDAY
Kill me this monday
(Klonosphere)
Fort d’un Ep qui rencontrait déjà l’approbation,
le groupe nordiste Kill Me
This Monday revient cette fois-ci avec
un album dix titres (les 3 pistes du
premier EP y figurent aussi...) qui devraient
également rencontrer l’approbation
des oreilles averties sans trop
de problème tant le groupe semble
maîtriser ses influences, son identité
et son songwriting. Les influences ?
Une pincée de Deftones, un bout de
Thrice, un poil de Queens Of The Stone
Age, une cuillère à soupe d’Incubus
bonne période, des gimmicks postcore
également mais Il est de plus en
plus difficile de les cerner tant le groupe
propose une identité qui lui est propre.
Il s’agit là d’une collection de morceaux
très aboutis qui sentent la réflexion
et les répétitions en mode stakhanovistes.
A noter qu’on aime particulièrement
quand le groupe salope son
univers très léché et travaillé avec un
chant hurlé («Fat bottom sandwich»,
«Crying for help», «War») qui ajoute
un peu de vinaigre dans un très bon vin.
David
79

80EN BREF
DEFEATER
Abandoned
(Epitaph)
Comme les Tang n’ont rien sorti depuis
quelques temps, il faut bien trouver un
groupe émo-hardcore de bonne facture
pour combler le vide, et pourquoi pas
Defeater ? Les Américains livrent effectivement
un excellent quatrième opus
qui mêlent des sons clairs de grande
qualité à une voix écorchée des plus
touchantes. Il y a peu de chances que
les natifs de Boston aient déjà entendu
les Lillois mais les deux groupes sont
vraiment très proches. Ceux qui signent
cet Abandoned sont plus expéditifs et
ne laissent pas traîner les choses, pas
question chez eux de se laisser embarquer
dans des constructions plus
post-quelque chose même si la partie
instrumentale du «Vice & regret» final
pourrait coller, il y a toujours ce timbre
éraillé pour nous servir de guide. Du
coup, l’ensemble tourne un peu en
rond, trop homogène, les constructions
se ressemblent un peu toutes et si le
style est parfaitement maîtrisé, les brisures
et les fêlures sont pour l’intime
et les textes plus que dans la musique
où les changements de rythme et les
breaks ne surprennent pas. Le jugement
est un peu sévère mais les gars
sont capables d’envoyer un morceau
acoustique ou un instrumental mortel
au milieu de tout ça pour donner bien
plus de relief et ne le font pas, dommage
car on passe pas loin d’une perle.
Oli
ROME BUYCE NIGHT
Indian castle of Morocco
(Zero égal petit intérieur)
Rome Buyce Night est un groupe précieux.
Non pas parce qu’ils se font rare
mais parce que tout ce qu’ils sortent
trouve un écho retentissant chez votre
serviteur. Et ça ne manquera pas avec
The indian castle of morocco, un EP
six titres qui fleure bon les envies de
métissage et d’horizon lointain. Enfin,
pas si loin, le Maroc, c’est à deux
heures d’avion pour cinquante boules.
Mais quand même. En six titres, Rome
Buyce Night arrive à concrétiser en
musique le voyage improvisé : tu mets
les pieds dans un lieu et tu attends
que des choses extraordinaires surviennent.
L’attention de l’auditeur est
à chaque reprise renouvelé très facilement
grâce à un propos à la fois cohérent
mais ouvert à toutes les sorties
d’autoroute. Le groupe démarre d’une
idée, souvent un riff ou une mélodie un
peu crade, et la développe pour inciter à
l’évasion émotionnelle, parfois via des
vibes orientalisantes très diffuses et
ça marche... Un titre comme «Blonde
peroxydée» dénote grandement de
par son spoken-word à la fois doux et
acéré ainsi que par son instrumental
désenchanté. Rome Buyce Night
reste un des secrets les mieux cachés
du post-quelque-chose en France. Et
c’est particulièrement honteux tant la
démarche de ces mecs pue la classe.
David
TAULARD
Les abords du lycée
(Et Mon Cul C’est Du Tofu ?)
Taulard fait sans conteste partie de
mes groupes de punk-rock VF préférés
du moment. Je rajouterais peut-être
également Pierre & Bastien, un trio parisien
maniant parfaitement le second
degré, contrairement à Taulard qui nous
relate plutôt des anecdotes de vie, des
galères et autres souvenirs délicats. Le
premier album des Grenoblois intitulé
Les abords du lycée, m’a littéralement
mis une petite claque. Alors qu’en live
c’est la sueur et la lombalgie assurée,
sur disque sa musique a une saveur
tout aussi particulière. Il faut dire que
le quatuor est un peu à part sur cette
scène étant donné qu’il joue sans guitare
électrique. Elle est remplacée par
un clavier cheap aux sons vintages ce
qui attribue à la formation une sonorité
atypique et reconnaissable parmi
mille autres. La section rythmique est
animée grâce à une basse tricotant
des notes à cent à l’heure pour une
production sonnant très brute, sans
artifice et sans réelle profondeur. Ce LP
de synth-punk distille douze morceaux
plus ou moins rapides comprenant au
passage son lot de tubes tenaces et
efficaces («Ville portuaire», «Les dangers
du stop», «Les abords du lycée»,
«Impasse»). Un groupe attachant
dont les mélodies s’imprègnent vélocement
dans le cerveau tout en nous
ramenant également à la dure réalité
de la vie par la prose de son chanteur.
Ted

EN BREF
INA-ICH
Ma chair et mon sang
(iNH-iCH Prod)
L’artiste franco-vietnamienne Kim-
Thuy Nguyen, connue sous le pseudo
Ina-Ich depuis 2006, est actuellement
en train de finaliser en trio son troisième
album avec son compagnon, le
batteur Aurélien Clair, et le bassiste/
guitariste Brad Thomas Ackley, un
musicien de Mathieu Chédid (-M-).
Entre temps, le groupe a sorti en avril
dernier un EP intitulé Ma chair et mon
sang sur son propre label iNH-iCH Prod,
histoire de baptiser sur disque la nouvelle
formation. Ces quatre titres virevoltent
tel un pinceau de calligraphe,
Kim lâchant ses nerfs en français sur
des compositions rock ultra-énergique
façonné par un arsenal électronique
dont seul Brad a le secret. Punk dans
l’expression mais néanmoins formaté
musicalement, Ina-Ich renvoie à ce
qu’était les Rita Mitsouko fut un temps,
le style en moins. Quoique, quand
on écoute le couplet de «Comme un
garçon», la similitude est manifeste.
Pourtant, le groupe parle plutôt de Nine
Inch Nails, Björk ou The Prodigy quand
il évoque ses maîtres de composition.
On aime l’univers (très bel artwork
au passage fait par Madame) un peu
foldingue et décalé (excepté pour la
torturé «Je t’emmène») de ce groupe
francilien qui devrait encore nous
réserver de belles surprises à l’avenir.
Ted
ASIAN DUB FOUNDATION
More signal more noise
(ADF Communications)
Etrange idée que celle de sortir un album
uniquement au Japon (The signal
and the noise en 2013), étrange idée
aussi que celle de le retravailler quelque
peu pour une sortie européenne sous
un autre nom (More signal more noise)
deux ans plus tard... Avec Asian Dub
Foundation, on peut s’attendre à tout
tant il est difficile de suivre ce collectif
qui pourrait bien prendre comme
surnom le titre de ce premier morceau
«Zig zag nation». S’il y a de la guitare
et de la batterie sur cet opus, ce n’est
pas le point central, le collectif a fait
la part belle à la world music d’origine
pakistano-indienne avec des instruments
aux sonorités orientales, des
flûtes, des percussions... le tout mixé
avec du dub et de gros passages genre
«teuf improvisée dans une étable de
Camden». Une fois le nuage de Marie-
Jeanne dissipée, il reste un album à
la cool, ouvert sur une musique différente
sur laquelle il n’est pas évident
d’accrocher. En tout cas, chez moi,
ça ne fonctionne pas ... à trop avoir
ajouté de bruits, j’ai perdu le signal.
Oli
ONCE HUMAN
The life I remember
(earMUSIC)
Surtout connu pour être le premier guitariste
de Machine Head, Logan Mader a
également joué avec Soulfly ou Medication
avant de devenir un excellent producteur
(Five Finger Death Punch, Cavalera
Conspiracy, Gojira, Fear Factory,
...). Sa rencontre avec Lauren Hart va le
pousser à former un nouveau groupe :
Once Human. La demoiselle est très mignonne
mais c’est surtout par sa voix
qu’elle va séduire bon nombre de mâles
en mal de métal sombre et ultra péchu.
Entre Death bien membré et Black démaquillé,
il n’y a pas grand chose de
féminin dans la musique du combo et
ce n’est pas pour nous déplaire. Mêmes
les guitares sont plus mélodiques que
le chant (c’est quelque peu dommage
car Lauren est également capable de
charmer son petit monde en chant
clair, «Demoneye» ou «I am war»),
et tant pis si elles virent un peu heavy
parfois (sur des solos dispensables)
parce que l’ensemble ne manque pas
d’efficacité. Le mélange des genres est
assez réussi et compense le manque
d’originalité de parties qu’on a l’impression
d’avoir déjà entendues ailleurs.
Quand il joue sur les contrastes tant
au chant que dans la musique, Once
Human est plus accrocheur («The life
I remember»), pourquoi pas creuser
cette voie dans le futur, si futur il y a...
Oli
81

82EN BREF
PORN
Deconstruct
(Les disques Rubicon)
La discographie de Porn est une sorte
d’éternel recommencement, après
chaque «pause», le combo repose
des bases avant de redécoller, après
un EP de remixes/covers et une sorte
de best of, les lascars nous sortent un
digipak en mode best of remixé avec
des covers et de l’inédit. Une compilation
hétéroclite en apparence mais qui
a pour elle de sonner Porn et si Deconstruct
va bien au travail de leurs potes
sur les 6 derniers titres, l’ensemble est
plutôt bien construit et bénéficie d’une
prod uniforme et permet d’entrer facilement
dans l’univers du groupe même si
tu as raté l’épisode From the void to the
infinite où l’on trouvait déjà la reprise
de «Lullaby» de The Cure. «This is the
way the world end», seule nouvelle
composition est un bel instrumental
mais le coeur du LP, ce sont bien ces
covers, avec donc «Rain» de The Cult
et «Eleanor Rigby» des Beatles qui
sont totalement Pornisés, très bons
dans cet exercice, les Lyonnais jouent
donc en terrain conquis avant de laisser
d’autres triturer leurs compos. Herrschaft,
Divine Shade ou Vigilante sont
de la partie et y vont de leur touche
perso pour réarranger en douceur
quelques vieux titres. Ma préférence
va vers le travail de R-One qui bosse
alors plus comme un producteur avec
une vision différente qu’un «simple»
remixeur.
Oli
BULLET FOR MY VALENTINE
Venom
(RCA Records)
Putain de gâchis ! Voilà ma première
pensée à l’écoute de ce nouvel opus
de Bullet For My Valentine. Parce qu’il
faut bien l’avouer, ces mecs-là ont un
talent certain pour la composition,
savent utiliser leurs instruments et ont
plutôt tendance à gâter leurs fans (ne
serait-ce que cette pochette en mode
illusions 3D de la version deluxe de l’album).
Mixant allégrement et sans vergogne
ambiances métalcore et solos
heavy old school, le groupe envoie du
très lourd durant quelques beaux passages
mais ne peut s’empêcher de tout
foutre en l’air l’instant d’après avec des
mélodies sirupeuses catastrophiques.
Au hasard, balance «Worthless» :
hurlement pour attaquer, rythmique
plombée, petites notes pour installer
la tension, et ... le drame, le chanteur
se retrouve quasi tout seul pour faire
le beau, avant ensuite de remettre du
gras dans le miel. Virez-moi toutes ces
sucreries pour ados et on a un étalon
metalcore. Dégagez-moi aussi ces immondes
choeurs de gamin (la convention
de Genève ne l’a pas interdit après
This is war de 30 Seconds To Mars ?) et
tout ce qui ralentit la progression du venin.
Merde les gars, plutôt que de vous
peigner les poils, envoyez la purée !
Oli
LIMB
Terminal
(New Heavy Sounds)
Limb rejoindra la constellation déjà
bien chargée des groupes britanniques
à tendance sous-accordée. Chant guttural,
groove sludge, riffs façon Yob
aux accents rock’n’roll bienvenus.
De manière amusante, la formation
anglaise me rappelle un peu le style
des Lorrains d’A Very Sad Story qui officient
eux aussi dans une veine stoner/
sludge aux accents de Pantera. La prod’
de Russ Russell fait le boulot sans faire
d’éclats, à l’image de l’ensemble de cet
album plus que sympathique mais trop
peu original pour vraiment retenir l’attention.
Difficile également de retenir
un titre ou deux qui sortirait vraiment
du lot dans un pavé un peu linéaire
(sauf peut être «Morturay teeth»,
avant tout pour ses accents plus extrêmes)
que «Cocytus» finit un peu de
plomber en fin de parcours avec un format
plus long qui raconte globalement
la même chose que le reste, et ce malgré
une partie ouvertement doom bien
appuyée sur un riff qui ne brille pas non
plus par son originalité. La musique de
Limb mérite probablement plus d’être
vécue en live que sur album, les musiciens
ne déméritant pas une seule
seconde. Pour le reste, voilà un album
qui, comme tant d’autres, n’évoque
pas grand-chose de plus qu’un «pas
mal, mais déjà trop entendu...» dans
l’univers actuel du stoner/doom.
Elie

IL Y A 10 ANS
EN BREF
SMASH HIT COMBO
Playmore
(Slam Disques)
Si les Smah Hit Combo étaient Parisiens
et avaient commencé à sortir leurs
disques il y a 20 ans, ils auraient été
les leaders d’une scène en ébullition
reléguant les Pleymo ou Enhancer au
rang de «petits joueurs» du nu-metal
de par un son autrement plus puissant.
Mais voilà, ils ont déboulé avec 10 ans
de retard et sont originaires d’Alsace...
Le public, plutôt jeune (toi ?), ne boude
pas son plaisir de les écouter jouer un
peu plus, le public plutôt vieux (moi
???) trouve qu’ils sont très bons dans
ce qu’ils font même si le playground a
déjà été plus que visité. Textes dans
l’ère du temps (et pas uniquement adulescents
comme certains les résument,
écoute «Le vrai du faux» pour t’en
convaincre), rythmiques implacables,
riffing efficace, jolis gestes techniques,
temps construits pour que ça claque
dans les enceintes et pour que le groupe
fracasse tout sur scène (ce sont des
experts à ce niveau-là)... rien à redire
donc sur la qualité intrinsèque de cet
album, si j’avais 20 ans de moins, j’accrocherais
certainement des posters
de Smah Hit Combo dans ma chambre.
Mais là, j’en ai pas loin de 40 et j’en suis
presque à me planquer pour écouter
l’album pour ne pas être taxer de jeuniste.
Tant pis, je fais mon rebelle et
l’écris haut et gras : bien joué les gars !
Oli
OHHMS
Cold
(Holy Roar Records)
Que les punks passent leur chemin.
Cold, le nouvel EP d’Ohhms tient plus
d’une demi heure avec seulement
deux titres, et pas avec des patterns
à 220bpm. Les Anglais officient dans
un doom progressif aux accents postmetal
majestueux, avec une voix à
dominante claire et l’avantage de ne
pas sonner exactement de la même
manière que tous leurs confrères sabbathiens
qui pullulent. L’EP s’ouvre
sur «The anchor» qui tisse une longue
litanie somptueuse avant d’écraser
la tonalité six pieds sous terre tout
en restant là encore au-dessus du
panier. Après un solo ouvertement
hard rock et un break monolithique,
les revoilà qui relancent un énorme
rouleau compresseur sludge accompagné
d’une incantation chamanique
des plus gargarisantes. Le morceau se
termine en apothéose sur une douce
ambiance psychédélique jam 70’s qui
débouche sur un final bien épique. Un
ensemble très progressif donc, lié par
une atmosphère assez prenante. Le
deuxième morceau continue dans le
même style, avec beaucoup de changement
d’ambiance également et des
riffs tout aussi bons, dans une veine
plus sombre et un chant plus rauque.
Une formule qui fait ses preuves en
format court et qui ravira tout les
amateurs de musique progressive.
Elie
LABASHEEDA
Changing lights
(Presto Chango Records)
Le joli nom de Labasheeda correspond
à un bled en Irlande mais aussi
à un groupe d’Amsterdam et c’est bien
du groupe, formé en 2004, dont il va
être question ici. Un combo qui sort
en 2015 sont quatrième long format
et donne dans le «art-punk» si on en
croit sa définition. Perso, je dirais plutôt
pop que art mais si tu t’attends à
des mélodies à roulettes, tu fais fausse
route, la base est clairement pop-rock,
c’est le traitement qui est plus punk. Et
«punk» dans le sens d’anarchique, un
bordel plutôt organisé tout de même
ou instruments divers (le violon tient
une grande place) et saturations particulières
sont réfléchies et prennent
leur place aux bons moments pour dynamiter
des compos plutôt agréables
et faciles d’écoute («Changing lights»)
car la voix de la frontwoman est assez
délicate. Labasheeda, c’est donc davantage
une An Pierlé qui aurait recruté
Sonic Youth en backing band que Salvador
Dali chantant avec Green Day.
Tout comme l’imagerie utilisée, la production
fait sonner le tout avec un côté
vieillot travaillé, je soupçonne même
les Hollandais de volontairement «rater»
quelques passages pour rester
fidèle à leur esprit punk et «live». Si tu
es amateur d’aventures et de découvertes
autant que d’un rock brut et différent,
va fouiner sur leur bandcamp...
Oli
83

IL Y A 10 ANS : GOJIRA
From Mars to Sirius (Mon slip)
échappatoire : la lumière de Sirius, un soleil célébré par
différents peuples (dont les Dogons) et à qui on donne
un pouvoir de régénérescence... From Mars to Sirius
serait donc un chemin initiatique, la voie (lactée) vers
un nouveau cycle mais aussi vers l’inconnu (existe-t-il
un Sirius C ?), cette route que construit Gojira est faite
d’étapes de repos salvatrices («Unicorn», le dantesque
«Flying whales», «From Mars») et de passages en
vitesse lumière («Backbone», «The heaviest matter of
the universe», «In the wilderness», «To Sirius»), on y
croise quelques OVNIs tel ce fabuleux «Where dragon
dwells» (qui est en train de supplanter dans mon coeur
le «Space time»)... Et encore une fois la technique se
met au service de la composition, des mélodies, de la
puissance pure et sans arrière pensée («Global warning»).
Retrospectivement, on peut presque penser que cet
album est le dernier du «Gojira français» tant le groupe
a ensuite pris une dimension internationale. C’est une
aventure un peu à part dans leur discographie et c’était
il y a déjà 10 ans...
Chef d’oeuvre. Uniquement deux mots car on manque
de superlatifs pour parler de ce nouvel opus de Gojira...
On avait parlé de «monument», on les avait qualifié de
«monstrueux», d’»énormes» et on les pensait lancés
sur une trajectoire simple et directe, mais voilà que
débarque From Mars to Sirius et Terra incognita comme
The link sont renvoyés aux oubliettes, paraissent fades
à côté de ce petit dernier qui pose les nouveaux jalons
de notre univers métallique. Gojira sait équilibrer violence
et sensations, on le savait, là, ils repoussent leurs
limites et les nôtres, jamais un groupe n’avait autant
réussi à faire ressentir autant de choses avec une musique
réputée difficile d’accès.
Intersidéral et sidérant, From Mars to Sirius est certainement
l’album de la décennie... à venir ! A moins que
leur prochain opus n’aille encore plus loin, ce qui semble
aujourd’hui difficilement réalisable.
Oli
Au son hors du commun (et nettement meilleur que
sur les albums précédents qui étaient loin d’être mauvais
!), aux compos vives et tranchantes, Gojira ajoute
la réflexion sur notre monde vu du ciel, notre planète
océane se transforme et se détruit peu à peu, seule
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CONCOURS >>> VESPERINE
Un gros EP et une belle claque, voilà ce que nous propose Vesperine
et même si tu n’es pas du genre à avoir peur de faire
une jolie découverte en suivant nos conseils, on va t’encourager
à creuser cette question en t’offrant 2 packs «Vesperine»
à savoir l’album Parmi les autres, le Tshirt du groupe,
une affiche, un badge et pour vraiment te la péter en soirée le
décapsuleur !!!
Bonne chance !
CONCOURS TEXTE
Pour participer au concours, clique ici..
CONCOURS >>> REGAL
Regal sera en concert à La Clef le samedi 14 novembre lors
d’une soirée Rock Garage Psyché en compagnie des Canadiens
de Chocolat et de Mathi & Mathi. Forcément une soirée
«Régal Chocolat», on se devait de partager !
On te file donc 6 places pour ce concert !
Attention, il faut participer au concours avant le 5 novembre !
Bonne chance !
Pour participer au concours, clique là-dessus.
http://www.laclef.asso.fr
next >>>
Mass Hysteria
Chelsea Wolfe
Arman Mélies
Monolog
Lofofora
Artweg
Banane Metalik
Parkway Drive
Melted Space
The Long Escape
Zeus! .......
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INTERVIEW TEXTE
DANS L’OMBRE>AURELIEN
Comme beaucoup de personnes travaillant dans le milieu de la culture, Aurélien est doté de plusieurs casquettes et
il t’en parlera mieux que nous. Mais il est surtout chargé de communication à la Malterie, un lieu à vocation pluridisciplinaire
basé à Lille qui connaît de sacrés difficultés actuellement. Et si on s’intéresse à la Malterie aujourd’hui,
c’est parce que le lieu semble condamné à disparaître mais fête également ses 20 ans, c’est dire si c’est une institution
dans le paysage culturel nordiste...
Quelle est ta formation ?
Après le bac (L), études en culture à la fac en parallèle
d’activités associatives : j’ai monté un label, j’organisais
des concerts, des tournées.... Je finis avec 2 maîtrises
pour faire bien sur le CV, et surtout grâce à mes activités
annexes plein de contacts, de petites compétences ici
ou là, qui ne demandaient qu’à se développer.
Quelles sont tes activités dans le monde de la
musique ?
Je dirige l’asso Dynamo qui mène des activités d’accompagnement
de groupes, de montage de projets et de programmation
autour de la scène régionale en musiques
actuelles. Je m’occupe de la communication de la Malterie.
Ça fait déjà beaucoup, alors j’ai un peu mis de coté
mes autres activités. Je manage encore plus ou moins le
groupe Tang mais on n’est plus aussi vivaces qu’avant,
même si eux continuent à répéter et enregistrer, on a
des emplois du temps qui permettent plus de tourner
autant qu’avant.
Peux-tu nous parler de la Malterie, ses multiples missions
et des difficultés que traînent le lieu depuis
quelques années ?
La Malterie est une asso indépendante montée par des
artistes il y a 20 ans, et toujours gérée par des artistes.
C’est avant tout un lieu de travail pour des plasticiens et
musiciens, qui y trouvent des espaces mais aussi des
formes d’accompagnement et parfois des moyens pour
développer leurs projets. C’est un lieu avec une énergie
folle, qui fait énormément avec pas grand chose. Plein
de gens, plein de beaux projets qui se croisent, ça donne
quelque chose d’assez unique qu’il est plaisant de partager
au quotidien. Tout ça se passe depuis le début
dans un bâtiment, assez fou lui aussi, du quartier de
Wazemmes à Lille.
Malheureusement, la culture a peu à peu glissé d’un milieu
d’initiatives citoyennes comme nous le sommes, à
quelque chose de très institutionnalisée, et il n’y a plus
aujourd’hui l’engouement politique pour les initiatives
citoyennes. Alors après un paquet d’années à se développer
et à développer plein de services innovants à destination
des jeunes artistes, la Malterie se retrouve freinée
par un contexte économique qui fait que les choix
politiques mettent l’argent de plus en plus ailleurs que
sur la culture ou sur une culture qui rayonne en apparence,
ce qui n’est pas le cas d’un lieu de travail. En tout
cas les moyens ont baissé depuis 2008 au regard de
l’ampleur du projet.
Aujourd’hui l’enjeu est double, car la location du bâti-
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ment dans lequel nous somme depuis 20 ans arrive à
terme, et il y a une volonté du propriétaire de vendre ou
d’augmenter massivement le loyer, ce qu’il est en droit
de faire. Donc ça plus le point évoqué au dessus : aie...
Il faut donc trouver soit un nouveau lieu, soit un moyen
de rester dans celui-là, mais quoi qu’il arrive il faut faire
évoluer le modèle économique qui ne sera plus tenable
à court terme.
La malterie fête ses 20 ans bientôt...
Oui, c’était un peu difficile de l’envisager vu le contexte,
et puis finalement, on est pas là pour tirer la tronche,
c’est l’occasion de montrer tout ce qu’on sait faire, de
stimuler les énergies, de les partager avec les publics,
et célébrer une longévité qui en soit est déjà bien parlante.
Du coup on a décidé de faire du non stop, pendant
17 jours il se passe des choses, avec parfois plusieurs
choses par jour... Du gros avec des concerts regroupant
un paquet de musiciens, de l’intimiste avec des
performances en toute petite jauge dans des ateliers
d’artistes, et du lourd avec un week-end d’événements
dans et aux abords de la Malterie. Je ne sais pas dans
quel état on va finir ce marathon, mais j’ai hâte d’y être.
Comment es-tu entré dans le monde du rock ?
Ma sœur était à fond dans la musique, et ça m’a poussé
dans ce sens là. J’étais ado, je cherchais de quoi ne plus
m’ennuyer dans ma petite ville pas folichonne... je ne
suis pas Lillois, et j’ai mis le doigt dans un engrenage en
découvrant assez rapidement la scène punk hardcore,
et tout un réseau d’organisation et de prise en main ...
j’aime pas utiliser le terme «do it yourself». Alors vite j’ai
organisé des concerts, joué dans des groupes, fait des
tournées, sorti des disques. C’était un moyen de créer
ce dont j’avais envie et de le partager. On était quelques
potes bien impliqués, on nous prenait un peu pour des
fous, mais on a fait plein de trucs très jeunes, et ça nous
a donné le virus. Après de fil en aiguille je suis arrivé à
Lille en connaissant déjà quelques activistes, j’ai vite
organisé des trucs et fait mon label, mais je ne vais pas
non plus raconter ma vie, ça ne va pas passionner grand
monde...
pour leur première date en France car toutes les autres
étaient annulées et que personne ne croyait dans ce
groupe, ou alors Red Sparowes, pareil premier show en
France... 31knots aussi. En fait tout ça c’est beaucoup
de rencontres humaines, de temps partagé autour de
vibrations...
Ton coup de coeur musical du moment ?
J’avoue qu’en ce moment j’ai beaucoup de mal à écouter
du rock, dans le cadre du taf j’écoute beaucoup de
choses, mais du coup à la maison je coupe le son, ou alors
j’écoute du rap, du classique, des choses qui m’aèrent la
tête. Bref, pas de coup de cœur coup de cœur, mais je
suis de plus en plus fasciné par les trucs un peu variété
ou grand public qui ne se contentent pas de faire du
consensuel, qui se permettent des trucs qui bousculent
l’auditeur lambda, ou qui se font accompagner de gens
qui donnent une âme à leur musique. Par exemple le dernier
Miley Cyrus avec en réal Wayne Coyne, c’est impensable,
mais le résultat est là... Certains titres de Kanye
West aussi sont dingues. Et puis j’aime bien des gens qui
arrivent à me donner l’impression qu’ils figent l’époque
sur disque comme si ils en faisaient une photo... Jay Z
est très bon à ce jeu là...
Es-tu accro au web ?
Oui et non, comme l’a dit je ne sais plus qui « the internet
is over », internet est devenu sous-jacent à tout
dans nos vies, ce n’est plus une activité en soi, un truc
sur lequel tu vas, c’est maintenant contenu dans chaque
activité. C’est un bon outil, mais il faut aussi arriver à
s’en couper et ça je confesse c’est plus difficile, mais j’y
travaille.
A part le rock, tu as d’autres passions ?
Courir, jardiner, et plein d’autres trucs clichés...
Tu t’imagines dans 15 ans ?
Oui et non, moi oui mais pas les autres ;-)
Merci Aurelien ! Bon Anniversaire à La Malterie !!!
INTERVIEW TEXTE
Une anecdote sympa à nous raconter ?
Pfff y’en a plein, dont une grande partie ne peut filtrer
publiquement sans compromettre des copains. Mon dernier
souvenir marquant à la Malterie, c’est le concert de
David Bazan qui m’a donné des frissons que je n’avais
pas eu depuis un bail. Sinon des soirées folles avec
des groupes comme Daughters, Knut... Des concerts
de dingue comme 65daysofstatic un dimanche aprem
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