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Thie book is edition number
of 200 copies and 10 artist’s proofs
_____________________________
Santiago Quesnel ~ 2017
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SANTIAGO QUESNEL
Edited By
With texts by
Reesey Shaw
Federico Baeza
Sean Leffers
BUTTGENBACH FOUNDATION
in cooperation with LUX Art Institute and
LaCa Projects
6
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CONTENTS
Reesey Shaw in conversation with Santiago Quesnel
Reesey Shaw charlando con Santiago Quesnel
6
12
SIZE ?
Close to Nature
Federico Baeza
Una Naturaleza Próxima
Federico Baeza
12
12
Questions and Answers with Sean Leffers
12
Preguntas y Respuestas con Sean Leffers
12
previous pages
ETCH, 2017
MIAMI SERIES, 2013
OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS
40x30cm | 15.7 x 11.8in
ETCH, 2017
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Reesey Shaw in conversation with Santiago Quesnel
RS: It’s a pleasure to discover this work. It’s a unique
window into a classical subject. I want to talk to you
about your obsession with it, when it began, and if you
would- describe your singular focus.
SQ: Very well. I don’t think of myself as a landscape
painter, or at least I’m not trying to be a landscape
painter in the traditional way. I started painting
landscapes because it was more difficult for me to
paint plants. Nature is more difficult to paint than
manmade things. That’s why I started painting the
outdoors, because it was a challenge that I enjoyed.
I still want to make works with human beings, people
in the middle of a countryside, something like that.
Nature has been a challenge for me, I love nature, and
I have begun to see it from another point of view.
I used to go to Cordoba, a state in Argentina—sort of
a California landscape with mountains- and I began to
see the energy that comes out from the rocks. I said,
“Wow, I want to represent that”. Of course, it’s sort of
impossible. It’s like… you call it in English “an aura”?
Like something that comes out from things that have
energy. For example, at a gas station, when you see
the fumes coming off of the gas that has spilled onto
the pavement.
that I am going to start painting what I am doing. I
know the way I do it, and the way I feel when I do it. It’s
something I feel I must do; I just haven’t done it yet.
RS: You were born in Buenos Aires. It seems to me that
the landscape of Argentina is fascinating to you and
that the landscapes are very Argentinian.
SQ: Yes, I was born here, and I am here, so I suppose
they must be. When I was a child my family had a farm
outside the city. This is where I began to draw. Trees,
twigs, the grass beneath them. Sometimes I think I go
back to these because I’m dreaming of going back to
my childhood.
RS: Where have you traveled outside of Argentina that
has impacted your painting?
SQ: I’ve been several times to Costa Rica and
Panama, to stay for a while and paint. That’s where I
take my palm trees from, and bananas and all that. I
haven’t traveled as much as I would like to though.
RS: You did a residency in North Carolina for a few
months. Were you motivated by the landscape there?
Did you find it different?
RS: Yes.
SQ: It’s energy coming out of the landscape. That’s
why I started painting nature. But I feel that I have
learned my way of painting nature and I would like to
paint human beings more. It’s something that I think
about a lot. I think there is a vast amount that can be
expressed through painting humans—really almost
anything you could wish to express. A single gesture…
I don’t know what to say. I am constantly telling myself
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CANCHA DE FUTBOL, 2016, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 139 X 203cm | 55 X 80in
NIEVA IN EL JARDIN, 2006, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 180x 230cm | 71 x 90in
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SQ: I love the Appalachian Mountains, there’s
something that you have in America—a certain mixture
of nature and the manmade. For example, you see
highways that are very straight, very tidy, very clean
and beside that you have these massive forests
coming up, trying to eat the highway. I love that mixture
of very neat construction and lots of nature coming
up all around, its like two different worlds that are
challenging one another- like nature against humans.
RS: I find it very compelling the way that you are
including humans in the landscape with these little
devices like a corner of a playing field, which is both
charming and enigmatic.
SQ: I love that dialog that occurs when humans come
into nature and transform it to their own necessities.
Maybe just because they want to play football. But the
nature is still there. The forms that natural things have
are more often rounds, while man-made things are
often straight lines. The tennis court has straight lines,
and then you have this messy jungle behind- that’s the
mix I love. Not just for the sake of the composition, but
for the atmosphere that can be created.
capture, and is that something unique to the Argentina
landscape?
SQ: I love what you are saying but I’m not sure.
RS: Let me try again. As an American visiting Buenos
Aires, something that impressed me was how humid
and pulsatingly warm the atmosphere is, kind of
enveloping. I find that translated beautifully to your
paintings.
SQ: Buenos Aires is a huge city, in summer filled with
impossible humidity and swarming with people, a
concrete jungle. I’m sure that gets into me, that I’m
influenced by that. But I think that’s not so different
from a lot of cities in the world, New York for example.
And if you drive 70 miles outside of New York you will
have a totally different view. I’m sure I would paint
something different if I lived somewhere else, but I
don’t think it would change the way I think about things
or my way of doing things.
RS: Let me ask you about the contemporary art scene
in Buenos Aires, what is it like? Are you a part of it?
RS: I sense in your work a kind of warm, pulsating,
sensuality of place. I feel like you work vibrates in
that way. Is that something that you are trying to
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check title?
JASDINERO or
JARDINERO
JASDINERO, 2009, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 90 x 100cm | 35 X 40in
SQ: We have a huge contemporary art scene, which
I’m sort of a part of, but not in the center. I go to the
openings, and I know the galleries. I know almost
everybody; some people know me. I would like to be
more in the center, to improve my work and career. I
think the art scene here is pretty good. There is a lot
of quality, but not a huge market. Which means that
there’s not a lot of money. Most everyone has other
jobs, very few people live off of their artistic work. But
people are creative and make quality things without
large budgets. I would like to see more painting
though- I love painting, painters, anything to do
with it. I often get disappointed with shows that are
performance or other stuff. I don’t know if its because
I’m not as smart, but I feel that I’m often lacking
something I need to understand them, to feel them,
to get into it. I’m not sure if its my fault or not, but I’m
often disappointed. RS: So let me ask you, how did
right
TENNIS II
OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS
40 X 30cm | 16 x 12in
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you come to art making? Was this path obvious to you
early on?
SQ: I started as a photographer. My mother lent me
her camera and I started taking photos when I was
about 14. I just loved it, I made my own lab at home,
and I eventually studied film-making and made some
films. When I was 19, I moved into a huge house with a
good friend where I was to have my own photo lab, but
while I was moving all of my equipment was stolen. My
roommate was a painter, and all of the sudden I had
this huge space, and nothing to do in it, so I started
painting too. Suddenly I had a show, my very first
show, and I sold everything, which was a revelation. I
would go to work, then school, then come home and
start painting. That became my life. I just loved it. I
started taking lessons and going to a workshop with a
very talented painter who lives here.
any similarities. Yes, I probably can’t see too clearly
because I am to close to it. I have changed a lot
though, and I think I am getting better and better every
day. I’m very happy with it.
RS: I think you are too.
SQ: I’m older, I’m more settled. I see things a bit more
easily. I think that it’s good for the works to be a bit
Eventually I found myself working as a stockbroker,
and one day I made this huge, very silly mistake. It was
a bit of a crisis. I was asking myself what I was going
to do, because clearly my broker career was over…
I wasn’t meant for this. So the same day I went to my
painting teacher and he said to me, “Listen, Santiago,
you know I’ve been teaching for 20 years, I know a lot
of people, a lot of people come here, and you are one
of a kind, you are special”. So I thought, this is what
I have to do. So I quit the stock market and I started
painting. I’ve had different jobs since, like I said, it isn’t
easy to survive selling paintings here. But not full-time
jobs, just something to get a bit of money so that I
can continue painting. So that is the way I became a
painter.
RS: I’m wondering if you see a change in your work
over the last years? If so, what is the change?
SIZE?
SQ: Yes, of course. I think I used to be very influenced
by other painters, but don’t feel that way right now. I’m
surprised that other people can tell my earlier work is
by the same person. But people tell me that yes, they
can. Maybe I’m too close to it, because I don’t see
14 MIAMI II, 2013, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS,
SERIE PIÑOS, 2008, VERTICAL DIPTICO | VERTICAL DIPTYCH, 200 x 100cm | 80 x 40in
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more mellow, not as rash as I used to be. Does that
make sense?
space, because I love huge paintings. I think that it
makes me more emotional.
RS: Yes. What are your goals over the next several
years?
SQ: I’m constantly dreaming about my future and what
I’d love to do. I see myself painting, of course. I want to
start painting human figures to put in the landscapes
that I am doing. I imagine having work in a huge
Of course you can make lovely things in a small scale,
but I love a large scale. So I’m doing these huge
landscapes with people in a huge gallery. I know how
to do it, and I’m just starting, so I’m pretty sure the next
show is going to be like that. ~
16 GOING HOME, 2016, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 157 X 177cm | 62 X 70in
right
OTIS REDDING III, 2015
OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS
226 x 200cm | 89 x 79in
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Reesey Shaw Charlando con Santiago Quesnel
RS: Es un placer descubrir este trabajo. Nos ofrece
una visión única sobre un tema clásico. Quería hablar
contigo sobre tu obsesión con esto, cuándo comenzó
y que describieras tu particular enfoque.
SQ: Muy bien. No me considero un pintor de paisajes,
o al menos no intento serlo de la manera tradicional.
Empecé a pintar paisajes porque tenía más
dificultades para pintar plantas. Es más difícil pintar la
naturaleza que cosas hechas por el ser humano. Por
eso empecé a pintar exteriores. Era un desafío que
disfrutaba.
Sigo queriendo trabajar con personas, gente en mitad
del campo, algo por el estilo. La naturaleza ha sido
un reto para mí. Me encanta y he empezado a verla
desde otro punto de vista.
Solía ir a Córdoba, un estado en Argentina (parecido
a un paisaje de California con montañas), y empecé a
ver la energía que emana de las rocas. Me impresionó
y quize representar el fenómeno en mis obras. Pero
claro, hasta cierto punto es imposible pintar algo
intangible que sale de los objetos que tienen energía
… en otras palabras, ¿el aura? Como por ejemplo, en
una gasolinera, cuando ves los vapores que salen de
la gasolina que ha caído al suelo.
empezar a pintar lo que estoy haciendo. Sé la forma
en que lo hago y cómo me siento haciéndolo. Es un
trabajo que siento que debo hacer, pero que todavía
no he hecho.
RS: Naciste en Buenos Aires. A mí me parece que el
paisaje de Argentina te fascina y que los paisajes son
muy Argentinos.
SQ: Sí, nací aquí, y vivo aquí, así que supongo que
lo son. Cuando era niño, mi familia tenía un campo
en las afueras de la ciudad. Ahí es donde empecé a
dibujar. Árboles, ramas, la hierba debajo de estos. A
veces pienso que recurro a estos escenarios porque
sueño con volver a mi infancia.
RS: ¿Dónde has estado fuera de Argentina que haya
impactado tu pintura?
SQ: He estado varias veces en Costa Rica y Panamá,
para quedarme por un tiempo y pintar. De ahí vienen
mis palmeras, plátanos y todo eso. De todos modos,
RS: Sí.
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DREAMS TO REMEMBER ON THE CREEK, 2017
OLEO SOBRE PAPEL | OIL ON TRACE PAPERS
110 X 170cm | 43 X 66in
SQ: Es energía que emana de la naturaleza. Por eso
empecé a pintar la naturaleza. Creo que he aprendido
bastante acerca de mi forma de pintar la naturaleza
y ahora me gustaría enfocarme más en pintar a
personas. Es algo en lo que pienso mucho. Creo que
se puede expresar mucho pintando a personas, casi
cualquier cosa que quieras expresar. Un solo gesto...
no sé qué decir. Me digo constantemente que voy a
20 OTIS REDDING, 2016, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 226 x 200cm | 89 x 79in
MIAMI I, 2013, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 40 x 30 cm | 15 x 11in
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no he viajado tanto como me hubiera gustado.
RS: Hiciste una residencia en Carolina del Norte
durante unos meses. ¿Te motivaba el paisaje de allí?
¿Pensaste que era diferente?
SQ: Me encanta la cordillera de los Apalaches.
Hay algo que existe en Estados Unidos: una cierta
mezcla de la naturaleza y lo artificial. Por ejemplo,
ves carreteras que son muy rectas, muy ordenadas,
muy limpias y, por otra parte, tienes esos enormes
bosques que las rodean intentando engullirlas. Me
encanta esa mezcla de construcciones muy pulcras
con mucha naturaleza rodeándolas. Son como dos
mundos diferentes que se retan el uno al otro. Como
un enfrentamiento entre la naturaleza y el ser humano.
RS: Es muy interesante la forma en la que incluyes
al ser humano en el paisaje con estos pequeños
dispositivos, como la esquina de un campo de juego,
que es a su vez encantadora y enigmática.
SQ: Me encanta esa conversación que ocurre cuando
seres humanos entran en contacto con la naturaleza y
la transforman conforme a sus propias necesidades.
Talvez solo porque quieren jugar al fútbol. Pero la
naturaleza sigue ahí. Las formas de la naturaleza son
por lo general redondeadas, mientras que las formas
hechas por el hombre contienen a menudo líneas
rectas. La cancha de tenis tiene líneas rectas, y luego
detrás puedes tener una selva desordenada. Me
encanta esa mezcla. No solo por la composición de la
obra, sino por la atmósfera que puede crearse.
me impresionó fue la humedad y la palpitante calidez
de la atmósfera, como algo envolvente. Creo que eso
se plasmó de forma hermosa en tus pinturas.
SQ: Buenos Aires es una ciudad enorme. En verano
se llena con una multitud de gente y una humedad
imposible. Una jungla de cemento. Seguro que
eso me penetra y me influye. Pero creo que no
es tan diferente de muchas ciudades del mundo,
como por ejemplo Nueva York. Y si sales más de
100 km a las afueras de Nueva York, tendrás unos
paisajes totalmente diferentes. Seguro que pintaría
algo diferente si viviera en otro lugar, pero no creo
que cambiaría mi forma de pensar o mi manera de
hacerlas.
RS: Permíteme que te pregunte sobre el mundo de
arte contemporáneo en Buenos Aires. ¿Cómo es?
¿Formas parte de el?
SQ: Tenemos un ámbito del arte contemporáneo
enorme, del que que de algún modo formo parte,
pero no estoy en el centro. Voy a las inauguraciones y
conozco las galerías. Conozco prácticamente a todo
el mundo y algunos me conocen a mí. Me gustaría
estar más en el centro, para mejorar mi trabajo y
carrera. Creo que el ámbito del arte aquí es bastante
bueno. Hay mucha calidad, pero no un gran mercado.
Lo que quiere decir que no se mueve mucho dinero.
La mayoría de la gente tiene otro trabajo y muy
poca gente puede vivir de sus obras. Pero la gente
es creativa y hacen obras de calidad con poco
presupuesto, aunque me gustaría ver más dedicación
a la pintura. Me encanta la pintura, los pintores y todo
lo relacionado con eso. A menudo me decepcionan
exhibiciones que son ‘performance’. No sé si es
porque me falta la inteligencia, pero creo que a
menudo me falta algo que necesito para entenderlos,
sentirlos e interesarme. No estoy seguro si es mi culpa
o no, pero a menudo me siento decepcionado.
RS: Déjame que te haga una pregunta. ¿Cómo
acabaste siendo artista? ¿Lo tenías claro desde el
principio?
SQ: Empecé como fotógrafo. Mi madre me dejó su
cámara y empecé a hacer fotos cuando tenía 14
años. Me encantaba. Hice mi propio laboratorio en
casa y después acabé estudiando cinematografía
e hice algunas películas. Cuando tenía 19 años, me
mudé con un buen amigo a una casa grande en la
que iba a tener mi propio laboratorio fotográfico, pero
mientras me mudaba me robaron todo mi equipo.
Mi compañero de piso era pintor y, de repente, tenía
todo este espacio y nada que hacer en él. Por lo
RS: Siento que tus obras tienen una especie de
calidez, latido y sensualidad especial del lugar. Creo
que tu trabajo vibra de ese modo. ¿Es algo que
intentas plasmar? Algo característico del paisaje de
Argentina?
SQ: Me encanta lo que dices, pero no estoy seguro.
RS: Deja que vuelva a intentarlo. Como una persona
estadounidense de visita en Buenos Aires, algo que
22 AVION, 2006, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 90 X 100cm | 35 x 40in
UNTITLED, 2014, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 40 X 40cm | 16 x16in
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tanto también empecé a pintar. Luego tuve una
exhibición, la primera para mí. Vendí todo, y esto fue
una revelación. Iba a trabajar, luego a la universidad
y finalmente volvía a casa y empezaba a pintar. Eso
se convirtió en mi vida. Me encantaba. Empecé a ir a
clases y a un taller con un pintor de mucho talento que
vive aquí.
Con el tiempo llegué a la situación de estar trabajando
como un corredor de bolsa, y un día cometí un grave
error. Fue una crisis. Me preguntaba a mí mismo
qué iba a hacer, porque claramente mi carrera como
corredor de bolsa había terminado... No estaba
destinado para esto. Así que el mismo día fui con mi
profesor de pintura y este me dijo, «Mira, Santiago,
sabes que llevo 20 años dando clases. Conozco a
mucha gente, mucha gente viene aquí, y tú eres único,
eres especial». Así que pensé... Esto es lo que tengo
que hacer. Abandoné la bolsa y empecé a pintar.
Desde entonces he tenido trabajos diferentes. Como
he mencionado, no es fácil sobrevivir aquí vendiendo
pinturas. Ningún trabajo a tiempo completo, solo algo
para ganar dinero y poder seguir pintando. Así me
convertí en pintor.
RS: Tengo curiosidad... ¿Ves cambios en tus obras en
los últimos años? Y si es así, ¿cuál es el cambio?
SQ: Sí, por supuesto. Creo que solía estar muy
influenciado por otros pintores, pero ahora no me
siento así. Me sorprende que otras personas me
puedan reconocer como el autor de obras mías
pasadas. Pero me dicen que pueden hacerlo. Quizás
estoy muy cercano a las obras, porque no veo
ningunas similitudes. Sí, probablemente no lo veo muy
claro porque estoy muy cercano a ellas. Aunque he
cambiado mucho, y creo que estoy mejorando cada
día. Estoy muy contento con eso.
RS: Lo pareces.
SQ: Soy mayor y estoy más asentado. Veo las cosas
con más facilidad. Creo que es bueno para las obras
que sea un poco más suave y no tan impulsivo como
solía ser. ¿Tiene sentido lo que digo?
RS: Sí. ¿Cuáles son tus objetivos para los próximos
años?
SQ: Sueño constantemente sobre mi futuro y lo que
me gustaría hacer. Me veo pintando, por supuesto.
Quiero empezar a pintar figuras humanas para
ponerlas en los paisajes que estoy haciendo. Me
imagino trabajando en un gran espacio, porque me
encantan las pinturas enormes. Creo que eso me
hace más emotivo. Claro que puedes hacer cosas
encantadoras a pequeña escala, pero me encantan
las grandes dimensiones. Estoy haciendo estos
grandes paisajes con gente en una galería grande.
Sé cómo hacerlo y acabo de empezar, así que estoy
seguro de que la proxima exhibición va a ser con este
tema. ~
24 LUNA DE MEIL DE LA B, 2008, OLOE SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 140 x 200cm | 55.5 X 78.5in
SELVITA, 2013, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 25 x 35cm | 9 X 11in
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26 PAISAJE, 2011, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 230 X 140CM | 90 X 55in BANANO, 2013, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 90 x 70cm | 35 x 27in
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LA REALIDAD MISMA, 2017
OLEO SOBRE PAPEL | OIL ON TRACE PAPER
86 X 66cm | 34 x 26in
left
MIAMI SERIES, 2013
OLEO Y CERA SOBRE TELA | OIL AND WAX ON CANVAS
40 X 30cm | 15 X 12in ALONG THE PATH I, 2016, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 178 x 272cm | 70 x 107.25in
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Close to Nature
Federico Baeza
Under a leaden sky vegetation is cut out on
geometric lines. A fan of palm leaves is solved by a
few strokes of loose brushwork. Other shorter, almost
sharp, strokes give way to trees that can be seen in the
distance. A privet hedge appears more densely on the
horizon line. Schematic lines correspond to a tennis
court that contrasts with the lighter green of the lawn.
This contained vegetation alludes to nearby domestic
life. Its location is anonymous, it could be almost any
region, the geographical coordinates are imprecise.
It is a universal suburban place, similar, yet a little
different everywheare. The tennis or soccer fields, the
swimming pools, the camp sites are scenarios that
are reiterated in the paintings of Santiago Quesnel
(Argentina, 1976). His landscapes contain traces of
human presence, the rare human figures have no
faces. They always remain behind the scenes
During his childhood and adolescence, Quesnel
spent every summer and weekends at a country
house outside Buenos Aires. During these trips to the
countryside, he began to draw: grass; small, fallen
branches; leaves; shrubs; cuttings and barbed wire.
His drawings portrayed what was around him. These
motifs return again and again to his painting, like
dreams that repeat themselves loaded with a certain
thick atmosphere. His mother’s interest in photography
also impacted his development. When he was 14,
she gave him a camera and taught him how to frame
photographs. Deciding what portion of the landscape
to show, but especially what to exclude from the shot
was a fundamental lesson. In the works of Quesnel,
the off-field, to use a cinematographic term, is central.
The mysterious vibration of his gaze depends precisely
on the ghostly presence of that which is excluded from
the painted horizon.
When he turned twenty, he left home, moved in
with a painter friend, and became interested in the
practice. He applied to the Escuela Nacional de Bellas
Artes Prilidiano Pueyrredón but was rejected so he
decided to study film and began his degree in Image
and Sound at the University of Buenos Aires. He was
disappointed with the program’s heavy emphasis of
production, being far more interested in photography
and the visual, so to fulfill his creative needs he
started painting at home, often all night long. He
had no clear objectives, he just let himself be carried
away by the pleasure of simple pictorial exercise. He
met and began studying under Hector Destefanis,
a neoexpressionist painter, who introduced him to
the basic procedures of working with composition
and color. He began to produce his first works with
dense and expressive brushstrokes. At that time his
inescapable reference was Francis Bacon. This line
of work was related to pictorial currents that had been
hegemonic in the Argentinean scene of the 1980s,
a key figure being Guillermo Kuitca, one of the most
internationally visible Argentine painters.
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UNTITLED, 2017, DIPTICO | DIPTYCH, OLEO SOBRE PAPEL | OIL ON TRACE PAPERS, t 110 x 220cm | 43 x 86in, b 110 x 260cm | 43 x 102in (DETAIL)
HARD TO HANDLE, 2017, OLEO SOBRE PAPEL | OIL ON TRACE PAPERS, 70 X 70cm | 27 X 27in
33
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In the late 1990s, when Quesnel began his
career, the national scene had already changed. The
internationalist vocabulary of neo-conceptualism was
receiving far more attention. Artists such as Jorge
Macchi, began to use installations, found objects
or video as central means. However, Quesnel kept
painting, uninterested in what he perceived as stylistic
novelties of the moment. Faced with an ubiquitous
expansion of an approach that didn’t resonate with
him, he chose to retreat into an area that avoided the
turbulence of novelties, dedicating himself to figurative
painting in oil and the vast tradition of the landscape.
In his studio, occupied with problems to solve and
daily discoveries, he remains interested and fulfilled
in his practice. Like all landscape painters, Quesnel
portrays his view of the surrounding environment.
He experiments with ways of putting his particular
link to the atmosphere in which he is immersed
into images. This process is marked by a cluster of
images in constant circulation. Within his paintings,
different temporalities coexist, created by layers that
are added on top of each other. These strata are
juxtaposed and covered successively. As the work
progresses, some parts remain visible, while others
disappear into the density of the oil. He appeals to
his memory, to photographs he took, to images he
found on the internet, to motifs that he automatically
sketches because he remembers his own gestures
when painting them, and to inventions he creates in
the moment. The path is never linear: the composition
is not predetermined, but shifts as the work develops.
His route is random, wrapped by the associations that
34
UNTITLED, 2013, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 29 X 37cm | 11 X 14in
right
BANANO, 2012
OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS
160 x 220cm | 62 X 86 in
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occur in the long hours of work in his studio. The final
effect is that of an accumulation of successive efforts,
something more like the oscillating memory of an
image than a concrete record.
His new work is lighter, looser, and more open—
the whole process is revealed and the work becomes
more palpable. Spreading the oil on thin paper retains
the imprint of the first sketch. They are more contingent
and precarious images. His strokes mutate on every
piece of paper, resisting the stability of a definite
style, as if he might be several painters at once. This
new tactic appears like a series of sketches, gradual
approaches that are possible to view in a single unified
plane. The simultaneity of images is always present
in the logic of his practice. He continues to combine
and superimpose multiple visual registers, effects and
sensations. The forms of nature continue to challenge,
motivating new approaches. The density of this
framework builds the unique atmosphere that marks
his images.
The scene of that near and suburban nature in
which Quesnel focuses is far removed from sublime or
solemn intonations. Although he sometimes works in
large formats, he always reveals a certain intimacy, a
certain contained emotion, a lyricism void of grandiose
gestures. Encounters between the human presence
evidenced by nearly erased footprints being overtaken
by lush vegetation shows one of his central themes:
the classic experience of the passage of time. The
exercise of memory is evoked in the return to images
from childhood at the family farm. The journey of
painting is intuited in constant sketches, corrections
and new strategies. Persistence through long hours of
study marked by difficulties and everyday findings is
also felt as the layers of oil stiffen. Finally, we see the
contrast between the long duration of nature versus
human contingency. This temporal entanglement gains
vitality through the effect of a singular off-field, the
presence of a behind-the-scene point of view, a close
and elusive glance that illuminates the atmosphere of
his images. ~
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TENNIS III, 2014, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 40 X 30cm | 15 x 11in
UNTITLED, 2013, (detail) OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 30 X 43cm | 11 x 17in
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Una Naturaleza Próxima
Federico Baeza
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WHERE IT’S BETTER, 2017
OLEO SOBRE PAPEL | OIL ON PAPER
70 X 100cm | 27 x 39in
Debajo del cielo plomizo el despliegue de la
vegetación se recorta sobre algunas pocas líneas
geométricas. Una pincelada suelta resuelve en
pocos trazos las hojas dispuestas en abanico de las
palmeras. Otros trazos más cortos, casi punzantes,
dan forma a árboles que se intuyen en la lejanía. Sobre
la línea del horizonte aparece con mayor densidad
una fila de ligustros. Las líneas más esquemáticas
corresponden a una cancha de tenis que contrasta
con el verde más claro del césped. Esta vegetación
contenida, planificada, da a ver la escena de una
naturaleza próxima, doméstica. Su localización
es anónima, podría ser casi cualquier región, las
coordenadas geográficas son imprecisas. Se trata de
ese lugar suburbano casi mundialmente extendido,
similar y un poco diferente en todos lados. Las
canchas de tenis o de futbol, las piscinas, el camping
son escenarios que se reiteran en las pinturas del
argentino Santiago Quesnel (1976). En sus paisajes
siempre existen huellas de una presencia humana a
pesar de mostrar muy excepcionalmente el contorno
de personas concretas. Y cuando lo hace nunca
aparecen sus rostros. Ellos siempre permanecen
detrás de escena.
Durante su infancia y adolescencia Quesnel solía
ir todos los veranos y los fines de semana a una
casa de campo en las inmediaciones de la ciudad
de Buenos Aires. En esa residencia de fin de semana
de su familia empezó a dibujar: el pasto, pequeñas
ramas caídas, hojas, arbustos, estacas y alambradas.
Retrataba lo que lo rodeaba. Esos motivos regresan
aún recurrentemente a su pintura, retornan como
sueños que se repiten cargados de cierta atmósfera
espesa. En esos años su madre solía sacar fotos. Un
día ella le dio su cámara y le enseñó a encuadrar, él
tenía 14 años. Decidir qué porción del paisaje mostrar,
pero especialmente cuál excluir de la toma fue un
aprendizaje fundamental. En las obras de Quesnel el
fuera de campo, por usar un término cinematográfico,
es central. Esa vibración misteriosa de su mirada
depende justamente de la presencia fantasmal de
aquello que queda excluido del horizonte pintado.
Cerca de cumplir veinte años dejó su casa
familiar y se mudó con un amigo que se dedicaba a
la pintura y empezó a interesarse también él por la
práctica. Intentó ingresar a la Escuela Nacional de
Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y lo rechazaron.
Entonces decidió estudiar cine y comenzó la
licenciatura en Imagen y Sonido de la Universidad
de Buenos Aires. Pero no se orientó a la dirección
de fotografía como era esperable, se dedicaba al
rol de productor. Sin embargo la tarea colectiva de
producir cine lo agobiaba. Por esos años estudiaba
en la universidad, luego trabajaba y finalmente
regresaba a su casa a enfrentarse solitariamente
con la tela. Pintaba a la noche durante largas horas
hasta la madrugada. No tenía objetivos claros, sólo
se dejaba llevar por el placer que le daba el simple
ejercicio pictórico. Aprendió los rudimentos del oficio
en el taller de Héctor Destefanis. Este pintor de tintes
neoexpresionistas lo introdujo a los procedimientos
40 RIO I, 2015, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 193 X 167cm | 76 X 66in
UNTITLED, 2017, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 120 X 120 cm | 47 x 47in
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ásicos de la composición y del color. Así comenzó
a producir sus primeras obras con densas y
expresivas pinceladas. En ese momento su referencia
ineludible era Francis Bacon. Esta línea de trabajo
lo emparentaba con corrientes pictóricas que en la
escena argentina de la década del 80 habían sido
hegemónicas, una figura clave en este horizonte es
Guillermo Kuitca, uno de los pintores argentinos de
mayor visibilidad internacional.
Sin embargo, avanzados los años 90, cuando
Quesnel comenzaba su trayectoria, la escena nacional
ya era otra. El vocabulario internacionalista del
neoconceptualismo se consolidaba en aquel territorio.
Jorge Macchi, por mencionar un representante de
aquella generación, empezó a utilizar la instalación, los
objetos readymade o el video como medios centrales.
Por el contrario Quesnel se mantenía pintando y
no se interesaba por las novedades estilísticas del
momento. Se consagró a una pintura figurativa que
evoca la vastísima tradición del paisaje usando como
medio casi exclusivo el óleo. Frente a la expansión
ubicua de las estrategias de lo que llamamos arte
contemporáneo eligió replegarse en una zona que
elude las turbulencias de las novedades. El taller,
ese escenario de dificultades y descubrimientos
cotidianos, aún colma sus expectativas.
Como todo pintor abocado al paisaje, en realidad
Quesnel retrata su mirada frente al entorno que lo
circunda. En otras palabras, ensaya modos de poner
en imágenes su vínculo particular con la atmósfera
en el que se encuentra inmerso. Y esa relación está
marcada por un cúmulo de imágenes en constante
circulación. Por eso en su pintura conviven distintas
temporalidades, va trabajando por capas que
se adicionan unas sobre otras. Estos estratos se
yuxtaponen y se cubren sucesivamente. Su proceso
de trabajo implica progresivos ensayos que se van
superponiendo, algunas partes quedan visibles,
otras desaparecen en la densidad del óleo. Apela
a su memoria, a fotografías que tomó, a imágenes
que encontró en internet, a motivos que esboza
automáticamente porque recuerda sus propios gestos
al pintarlos y a invenciones urdidas en el momento.
El trayecto nunca es lineal: no proyecta una imagen
de antemano y la concreta en la tela. Por el contrario,
su recorrido es azaroso, se deja envolver por las
asociaciones que se producen en las largas horas
de trabajo en su estudio. El efecto final es el de una
acumulación de presentes sucesivos, algo más
parecido al oscilante recuerdo de una imagen que a
un registro fidedigno.
En sus obras más recientes se empeña en
exhibir más abiertamente las distintas instancias de
elaboración. Intenta hacer más liviano el derrotero con
el que concibe sus imágenes. Así deja al descubierto
todo su recorrido, el proceso de trabajo se hace más
palpable. Esparce el óleo sobre papeles delgados
manteniendo la impronta del primer esbozo. Son
imágenes más contingentes y precarias. Sus trazos
van mutando en cada trozo de papel, se resiste a la
estabilidad de un estilo definido, como si pudiera ser
varios pintores a la vez. Esta nueva táctica da a ver
una serie de bocetos, paulatinos acercamientos. Ya
42 SIMBIOSIS, 2017, OLEO SOBRE PAPEL | OIL ON TRACE PAPERS, 39 X 27cm | 15 x 10in
RIVERSIDE II, 2015, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 190 x 228cm | 75 x 90in
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nos es posible reunir todas estas miradas en un solo
plano unificado. Pero este nuevo episodio es posible
porque siempre estuvo presente esta simultaneidad
de imágenes en la lógica de su trabajo. Siempre se
trató de combinar y superponer múltiples registros
visuales, efectos y sensaciones. Las formas de la
naturaleza le resultan un desafío, un interrogante
siempre abierto al ejercicio de la pintura que motivan
nuevas aproximaciones. La densidad de este
entramado construye la singular atmósfera que tiñe
sus imágenes.
El escenario de esa naturaleza próxima y
suburbana en la que se enfoca Quesnel se encuentra
muy alejado de entonaciones sublimes o solemnes.
Aunque a veces trabaje en grandes formatos siempre
se trasluce cierta intimidad, cierta emotividad
contenida, un lirismo sin gestos grandilocuentes. En el
encuentro entre la presencia humana evidenciada por
pequeñas huellas y la frondosidad de la vegetación
se da a ver uno de sus temas centrales: la clásica
experiencia del discurrir del tiempo. El ejercicio de
la memoria se evoca en imágenes de la niñez en el
campo familiar a las que siempre vuelve. El discurrir
del derrotero de la pintura se intuye en constantes
esbozos, correcciones y nuevas estrategias. También
se presiente la persistencia en las largas horas
de estudio signadas por dificultades y hallazgos
cotidianos mientras las capas de óleo se van
endureciendo. Finalmente, se da a ver el contraste
entre la larga duración de la naturaleza frente a la
contingencia humana. Este entrelazamiento temporal
cobra vitalidad por el efecto de un singular fuera de
campo, la presencia de un punto de vista detrás de
escena, una mirada cercana y elusiva a la vez que
alumbra el clima de sus imágenes. ~
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left
UNTITLED, 2013
OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS
40 X 30cm | 15 X 12in
UNTITLED, 2011, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 22 x 32cm | 8 x 12in
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Questions and Answers with Sean Leffers
SL: Why painting?
SQ: Some time ago I went to therapy and I told the
psychologist I did not know why I painted. He told me
it wasn’t that important, so I guess I’ll never know. Now
I do it almost automatically. I go straight to the studio
when I wake up, I have goals to achieve. I guess it’s
the same as with a lot of other jobs. Why paint instead
of other art forms? It is an individual exercise, where
you do not need more than a space to work and a few
materials; and it is visual, which is what interests me
the most. It is an extremely complex art which makes it
very interesting and inexhaustible. It is a language that
requires a constant dialogue with myself, a constant
discussion about possibilities- sometimes it is scary,
but never boring.
SL: If you could live anywhere else in the world, where
would it be? Why?
does it make sense? If I had control of everything,
nothing new would happen. Sometimes I’ll start
thinking that I’m doing well, progressing, solving a
plane, a form, technically speaking. But then I realize
that it was not okay to have so much control because
it encloses itself, it shows that it is automatic, soulless.
That is why I like artists who play with chance. When
there is a constant dialog, an advance and retreat of
assertions and errors. Often I finish by throwing out the
work, because I feel it doesn’t have a solution.
SL: To what degree is your imagery invented, or is
it primarily recovered from memory? What is the
relationship between invention and memory in your
work?
SQ: I have a store of images that I use very often,
photos that I’ve taken myself or found online. In
SQ: Sometimes I dream of living in some place where
the temperature is pleasant all year round. Where I’m
not constantly fluctuating between too hot or too cold,
in a studio with open doors and no windows, where
I have no distractions from my work. A place in the
middle of the countryside. But then I think that I would
miss having an active social and cultural life, so maybe
I could move back and forth between the retreat and
the city. Going and coming. California has quite the
climate.
SL: How often do you make mistakes while painting?
Or do you always feel in control?
SQ: There’s two aspects to this question—the
technical part of my work and then my work as a
whole—what I’m planning to do over the next six
months. What does my work mean, why do I do it,
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left
UNTITLED, 2016
OLEO SOBER PAPEL | OIL ON PAPER
100 X 70cm | 39 x 27in UNTITLED, 2016, OLEO SOBRE PAPEL | OIL ON PAPER, 100 X 70cm | 39.3 x 27.5in
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general they are plants or landscapes and it depends
what I need for the composition. I never copy a photo
directly in its entirety, although sometimes I’ll start off
that way and then half way through let my imagination
take over. I’ll start introducing other references such as
memories, current reading that is influencing me at the
moment , or a different technique. This often connects
the work to another piece, and makes it my own world,
my own atmosphere.
SL: Do you look to any favorite artists for inspiration for
your own work? Who? What is it that you admire about
them?
SQ: I really like looking at other artists work, especially
painters—it’s what excites me. I usually have ten or
twelve painters that are rotating in and out of my head
and one or two that I am obsessed with. I love John
Constable’s vibrating landscapes, Pere Llobera for his
realism and interesting references, and now Eduardo
Berliner, a young Brazilian whose imagery fascinates
me. I like Peter Doig, Enrique Martinez Celaya, among
others.
SQ: Any painting that I have just started is the one
that I most enjoy— there are a million possibilities,
anything can happen. I’ll imagine an infinite amount
of fantastic things. Sometimes, things aren’t as easy
as I imagined, and a painting can weigh me down.
Sometimes I don’t want to see it for a while, or even
abandon it. So all of them are the ones that I enjoy the
most and the least.
SL: What drew you to landscape painting?
At first I only painted interiors and human figures. At
some point I decided to create a pair of plants framing
a view of a living room from the outside. The pair of
plants became a garden and I found myself painting
more and more plants, excited by the challenge
because of the different forms. I became interested in
the possibility of not only having the plants resemble
real life, but to vibrate and have their own unique
character, to reveal the aura of the plants. Anyway I do
not feel like a landscaper, or at least I do not want to
be a landscaper. ~
SL: Which painting have you enjoyed painting the
most?
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PINO SERIES, 2008, DIPTICO | DIPTYCH, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 100 X 200cm | 39 x 78in
UNTITLED, 2014, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 220 X 160cm | 86 x 62in
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Preguntas Y Repuestas con Sean Leffers
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LA REALIDAD MISMA 2, 2016/17
OLEO ON 32 PAPELES | OIL ON 32 TRACE PAPERS
180 X 230CM | 70X 90in
SL: ¿Por qué pintar?
SQ: Hace un tiempo hacia terapia y le decia al
psicologo que no sabia bien por que pintaba. Me
decia q no tenia por que saber. Supongo q nunca
lo supe. Ahora lo hago casi automaticamente. Voy
directo al taller cuando me despeirto. Tengo metas
que conseguir. Eso, me imagino, me alimenta las
ganas de hacerlo, entoces voy y lo hago. Eso debe
suceder en muchos otras diciplinas o trabajos. Por
que pintura en vez de otro arte? Es un ejercicio
individual,donde no se requiere mas q un espacio y un
poco de materiales y que tiene que ver con lo visual,
que es lo que a mi mas me interesa. Me parece
a la vez un arte sumamente complejo en muchos
aspectos, eso lo hace muy interesante e inagotable.
Es un lenguaje que requiere un constante dialogo con
uno, una constante discusion sobre las posibilidades,
a veces es aterrador, pero nunca aburrido.
SL: Si pudieras vivir en cualquier otro lugar del mundo,
¿dónde estaría? ¿Por qué?
SQ: A veces sueño con vivir en algun donde la
temperatura fuese agradable todo el año. Donde
no haga ni calor ni frio, los odio, en un taller a
puertas abiertas sin ventanas, donde no tuviera mas
distracciones que trabajar en mi obra. Un lugar en el
medio del campo.
Pero despues pienso que me angustiaria no tener
una vida social y cultural activa, ahi surge la idea de
mudarse por periodos de 4 meses entre el retiro y la
ciudad. Yendo y viniendo.
Caliornia tiene bastante ese clima.
SL: ¿Con qué frecuencia comete errores al pintar? ¿O
siempre se siente en control?
SQ: Se podria decir que una cosa es la parte
tecnica, y otra es la obra en su conjunto que abarca
infinidades de cuestiones. Es ahi donde uno se
siente perdido mas a seguido, que quiero hacer los
proximos meses . que significa mi obra, por que lo
hago, tiene sentido?Pero esta bien. SI uno teniese el
control de todo nada nuevo pasaria, no?
Tambien puedo perder en control en una obra, un
cuadro en particular que estoy haciendo. Empiezo
pensando que voy bien y avanzo, resolviendo un
plano, una forma, sobre todo en la parte tecnica. Y
de pronto me doy cuenta que no estaba bien tener
tanto control sobre lo que hacia por que se encierra
a si mismo, se nota que es automatico, sin alma. Por
eso yo como muchos artistas jugamos con el azar.El
cuadronse va haciendo en un constante dialogo, en
un avance y retrocesow de aciertoe y errores.
Al principio generalmente armo el espacio q va a
contener las figuras..
Muchas veces tambien termino tirando la obra, no
tiene solucion.
SL: ¿Hasta qué punto son sus imágenes inventadas,
o se recupera principalmente de la memoria? ¿Cuál
es la relación entre la invención y la memoria en su
trabajo?
SQ: Tengo una base de imagenes que recurro muy a
menudo, fotos que saco yo o de internet eso es parte
de un registro. En general son plantas o paisajes y
depende que necesito para la composicion busco una
u otra.
Nunca copio de una foto directamente en su totalidad,
aunque a veces empiezo haciendolo, digo, bueno...
este cuadro va a ser exactamente como esta foto
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TORCUAS, 2010, OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS, 220 x 150cm | 87 x 55in
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pero a mitad de camino dejo de hacerlo, ahi es donde
entra la imginacion, pierdo el control y dejo que otros
registros, como recuerdos o diferentes tecnicas, se
introduzcan en el trabajo y hace que eso deje de ser
un paisaje, al menos de forma tradicional.
Estos registros de recuerdos pueden ser cosas que
haya hecho anteriormente, alguna lectura que influye
en mi forma de ver en ese momento la pintura, o
sea mi trabajo, y piense, estoy haciendo las cosas
demasiado de esta forma o de otra y tengo que
cambiar. Al finalizar una obra, o abandonarla como
hacemos muchos, pienso que tiene esto que ver con
mi obra anterior, hay algo que las conecta?. Yo mucha
veces no veo esa conexion, pero me imagino que
existe, que hago un mundo, una atmosfera, que sera
mi mundo creado.
SL: ¿Encuentras inspiración en el trabajo de otros
artistas? ¿Quien? ¿Qué es lo que admiras de ellos?
SQ: Artisitas me gustan mucho. Mas que nada me
fijo en la pintura, es lo que me emociona, y en la
etapa que yo estare. Generalmente tengo 10 o 12
pintores que los tengo dando vuelta en la cabeza
simultaneamente, despues pueden cambiar,
pero siempre son bastantes,y uno o dos que me
obsecionan.
En su momento era John Constable, por la forma en
hace vibrar a la naturaleza, Pere LLobera despues
por su realismo con diferentes registros, y ahora es
Eduardo Berliner, un brasilero joven que me fascina
por imaginario.
Peter doig, enrique martinez celaya,son muchisimos
los q me gustan y me influencian...
SL: ¿Qué pintura le ha gustado pintar más?
Toda pintura q empiezo es la que mas disfruto, al
menos al principio. Eso se debe a que tengo un millon
de posibilidades, todo puede pasar. Me imagino
infinidades de cosas fantasticas. con el correr del
trabajo eso se va empastando, me doy cuenta que no
era tan facil, queno todo es posible y pasa a ser una
pintura que me pesa, que no la quiero ver mas por un
tiempo, ahi es cuando la abandono.
Asi que todas son las que mas disfruto y las q menos
tmb.
SL: ¿Qué te atrajo a la pintura de paisajes?
SQ: En un principio pintaba interiores y figuras
humanas. en algun momento tuve la ecesidad de
crear un par de plantas para ese exterior, y una venta
donde se veia el afuera, el exterior. Este generamnte
tenia un jardin,, con sus plantas. en algun momento ,
como desafio necesite pintar cada vez mas plantas,
era un desafio por sus formas dispares. De pronto
esas bussuqe que esas formas no solo se asemejen
a la planta pintada en cuestion, sino que ademas
vibre, tenga caracter, no sea plana. Y asi una cosa
fue llevando a la otra y termine buscando generar
naturalezas que vibren, que salga el aurea de ellas. De
todas formas no me siento un paisajista, o al menos
no queiro serlo. ~
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ESTUDIO CASTILLO ADAN, 2013, OLEO SOBRE MADERA | OIL ON WOOD, 40 X 30cm | 15 x 11in
right
UNTITLED, 2013
OLEO SOBRE TELA | OIL ON CANVAS
40 X 30cm | 16 x 12in
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STUDIES
2013
Residency
Art Center of South Florida
Miami Beach, Florida, USA
2009
Fabián Burgos Clinic
2008
Tomas Espina Clinic
2002
Héctor Destefanis Workshop
2000
Jorge Demirgian Workshop
1996
Image and Sound
UBA
Universidad de Buenos Aires
SOLO EXHIBITIONS
2017
LUX Art Institute
Santiago Quenel
Encinitas, California, USA
2016
Repetitions,
LaCa Projects
North Carolina, USA
2015
Impresiones Sobre un Rio
Galeria Elsi del Rio
Buenos Aires, Argentina
2012
En Construcción,
Peña| Quesnel
Panal 361
Buenos Aires, Argentina
COLLECTIVE EXHIBITIONS
2017
Qu’est-ce que l’art?
Prostitution
2013
Disrupción
LaCa Projects
Charlotte, North Carolina,USA
2010
ArteBA
Galeria Jardin Oculto
DATE??
“Shoping”
Galeria Mite
2009
Grupo Doble 00
Fundacion Klem,
PANADERIA,
2007
ArteBA
Galeria Bacano
2007
Asociación Amigos
Museo Sívori
2006
Arguibel con grupo Agapanto
2005
Centro Cultural Recoleta
Grupo Orgánico
2004
Centro Cultural Recoleta, Grupo
Orgánico
1996
Fotography School
Andy Goldstein
2011
Pinturas
Centro Cultural Recoleta
Buenos Aires, Argentina
2008
“Viaje a través de un sombrío
paisaje en las afueras de la
Ciudad”
2010
Desde Cierta Distancia, Galeria
Jardin Oculto
Buenos Aires, Argentina
2006
Interior Exterior
Galería Bacano
Buenos Aires, Argentina
2004
La casa de Tucumán
Buenos Aires, Argentina
.
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BUTTGENBACH FOUNDATION
WWW.BUTTGENBACH.ORG
LUX ART INSTITUTE
WWW.LUXARTINSTITUTE.ORG
PUBLISHER’S
ACKNOWLEDGMENTS
The publisher would like to
thank Santiago Quesnel,
Thomas Butgenbach, Neely
Verano, Cynthia Honores and
everyone at LaCa Projects,
Reesey Shaw, Guusje Sanders,
and Linda Formo Brandes
ARTIST’S
ACKNOWLEDGEMENTS
The artist would like to thank Sean
Leffers, LaCa Projects, and Celina
Trigo
CREDITS
Editor: Sean Leffers
Producton Editor: Dena Eaton
Texts by:
Federico Baeza
Reesey Shaw
Sean Leffers
Translations:
LaCa PROJECTS
LACAPROJECTS.COM
2017
English to Spanish
Cynthia Honores
Spanish to English
Sean Leffers
ISBN:
XXX-XXX-XXXX
All right’s reserved. no part of this
publication may be reproduced, stored
in a retrieval system or transmitted in any
form or by any means, electronic,
mechanical, photocopying, recording, or
otherwise without the writter permission
of Buttgenbach Foundation.
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ESTUDIO COSTILLA ADAN, 2014
oleo sobre madera - oil on wood
40 x 30cm
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studio photo
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