WOHNDESIGN 06/2022 LEBEN MIT KUNST

6|2022 November/Dezember 

WOHN!DESIGN 

DIE SCHÖNEN DINGE DES LEBENS 

INTERIOR. KUNST. GENUSS UND REISEN 

GUEST STAR: Dennis Rudolph 

Angesagte MUSEEN & GALERIEN 

Im ATELIER von Guillaume Féau 

D 9,50 € 

A 10,50 € 

CH 15,20 srf 

Lux/BE/NL 10,90 € 

I/E 12,80 € 

06 

LEBEN MIT KUNST. 

4 194128 909508

RORO – THE ORIGINAL SINCE 1998 

DESIGN ROLAND MEYER-BRÜHL 

BRUEHL.COM 

Product Design Award 

P A S S I O N F O R D E S I G N · E C O - C E R T I F I E D · H A N D C R A F T E D F O R Y O U

EDITORIAL ! 

Wie wir ticken 

Den Handy-Schnappschuss hat meine Stuttgarter Freundin Kati auf einer Finissage in einer Berliner 

Galerie gemacht. Wir waren durch Zufall zur selben Zeit in derselben Stadt. Da traf es sich. „Ooooh, das 

Bild hinter Dir macht mir Angst. Es erinnert mich an unterdrückte und vermummte Frauen im Iran“, 

gestand sie mir im Gspräch vor einer Fotoarbeit von Thorsten Brinkmann. Ich war über diese Assoziation 

etwas überrascht und erklärte ihr, dass der Künstler Porträts im Stil Alter Meister inszeniert, der 

dafür Fundstücke von der Straße verwendet und immer wieder neu arrangiert. Das sehr virtuos, subtil 

und mit viel Humor, auf den der Titel des Werks „D‘Ironesse“ 

bereits schließen lässt. Das Unbehagen konnte ich Kati, Yoga-Expertin, 

auf diese Weise nehmen. Gefallen hat es ihr trotz allem 

nicht. Wir haben unsere Diskussion über Kunst im Anschluss in 

einem veganen Restaurant vertieft. Mein erstes Mal … Ich war 

angenehm überrascht, und auf dem anschließenden Spaziergang 

durch das nächtliche Prenzelberg hatten wir noch eine sehr 

schräge Begegnung mit @rosaliemops und Halterin. 

Tage wie dieser in Berlin und anderswo liefern jede Menge Stoff 

für künftige Hefte genauso wie für die aktuelle Ausgabe zum 

Thema Kunst. Zum einen, weil es uns in der Redaktion darum 

geht, Hemmschwellen abzubauen. Warum nicht einfach mal in 

einer Galerie auf Entdeckungsreise gehen? Auch wenn man keine 

Ahnung hat. Was dabei passieren kann, wenn man auf echten 

Sachverstand trifft, lesen Sie ab Seite 168. Es sind Glücksmomente 

wie dieser, die jede Seite in diesem Heft immer wieder neu und 

auf andere Weise füllen. Sie basieren auf persönlichen Erfahrungen, 

Recherchen und Beobachtungen des W!D-Teams. 

Leben mit Kunst – wir haben uns dem Thema aus ganz unterschiedlichen 

Perspektiven genähert, ohne unsere DNA – Wohnen, 

Design, Architektur – aus den Augen zu verlieren. So gibt 

es ab Seite 30 zunächst eine Geschichte über eine Innenarchitektin, 

die das Thema Einrichten zur Kunst erhebt. Im Anschluss 

besuchen wir einen Künstler in seinem Atelier, der ein lässiges 

Design-Objekt kreierte, gefolgt von der Home Story über einen 

Sammler sozialkritischer Kunst. Danach ein Abstecher in ein Museum, 

das sich gerade ein neues Entree leistet und dafür ein Designer-Paar engagierte. Wir sprechen 

mit einem Galeristen über sein Berufsethos, tauchen in die Bildwelten eines Künstlers ab, der häufig 

mit Alltagsgegenständen arbeitet – und beenden unseren Exkurs mit einem Entwicklungshilfeprojekt 

in Afrika, das Kunst und Handwerk fördert. Auch alle nachfolgenden Reportagen, Hotspots und 

sogar unsere Carte Blanche sind kunstaffin. 

Das gilt auf andere Weise für unser Küchen-Spezial, das aus gegebenem Anlass ein Upgrade 

erhalten musste. Die Schnittmenge aus Kunst und Kochen ist ganz klar das Thema Sterne- 

Küche. Hier schließt sich der Kreis zu unserem Abend in Berlin und dem Besuch eines veganen 

Restaurants. Einer unserer Auserwählten ab Seite 152 berichtet, dass dies besonders ein Berliner 

Thema ist. Ein anderer in Hamburg winkte gleich ab und fand, dass man „vegan“ nicht auf ein 

3-Sterne-Niveau kommen könne. Die weiteren Sternstunden gestalten übrigens Köchinnen, 

noch eine spannende Entwicklung. Wir würden uns freuen, wenn Sie dies alles mitverfolgen und 

sagen bis bald, 

© KATI RÜGHEIMER 

Hier noch unsere persönliche Playlist 

für Sie zu dieser Ausgabe: Musik, zum 

Arbeiten, Kochen und Relaxen. 

Dr. Stephan Demmrich, Chefredakteur & Team 

WD 6 I 2022 

3

INHALT ! 

104 

20 

30 

58 

168 

6 WD 6 I 2022

INHALT 

WOHN!DESIGN 

6 I 2022 LEBEN MIT KUNST 

3 

EDITORIAL 

83 

UNSER FEUILLETON 

Fotogewichtig und kontrastreich: List trifft auf friesische 

8 

IMPRESSUM 

Vorgärten und die ostdeutsche Fotografin Evelyn Richter 

180 

BEZUGSQUELLEN 

102 

REPORTAGEN 

10 

CARTOON 

104 

MAILAND Alte Meister treffen auf ein Männerpaar 

114 

PARIS Ein neues altes Gewand für die Wand? Boiserien 

INTRO 

122 

BRÜSSEL Apartment-Tour bei Bea Mombaers 

12 

FASHION Mangas sind das Thema der Saison 

132 

YUCATÁN Der unglaubliche Kunstpalast Javier Maríns 

14 

BEAUTY Was trägt man jetzt auf der Haut? 

142 

CARACAS So lebte die High Society in den Fifties 

16 

KUNSTMARKT Kenner investieren jetzt in ... 

18 

STYLE Schnittstellen zwischen Kunst und Design 

150 

MODERNES LEBEN Krypto-Kunst 

20 

HEAVY METAL 

152 

SPEZIAL STERNEKÜCHE 

Starfotograf inszeniert Luxusyachten 

HOTSPOTS 

168 

Kunst kaufen in Berlin. Relaxen am Lago Maggiore. 

30 

TITELTHEMA 

Leben mit Kunst 

182 

Austellungen in Bonn und Wien. Schlafen in Köln 

ZU BESUCH in der Pop-up-Galerie von Sebastian Vogel 

Konzentration auf das Wesentliche ... 

... bedeutet: Wir stellen Ihnen eine Innenarchitektin 

vor, haben ein Atelier besucht. Im Anschluss gibt 

es Gespräche mit einer Farbexpertin über 

die Hängung von Bildern, mit einem Galeristen 

über seine Arbeit und jede Menge Lesestoff, 

etwa über ein Kunstprojekt als Entwicklungshilfe 

und einen sozialkritischen Kunstsammler. 

CARTE BLANCHE 

74 

Dennis Rudolph grüßt von der anderen Seite 

Unsere KUNSTEDITION No. 18 

102 

Artjom Chepovetskyy sollten Sie kennenlernen 

152 FINE 

DINING: STERNEKÜCHE 


7

6 I 2022 

WOHN!DESIGN 

INTERIOR TRENDS ARCHITEKTUR UND 


Redaktion und Anzeigenverwaltung 

Mörikestraße 67 

70199 Stuttgart 

www.wohndesign.de 

VERLEGER 

CHEFREDAKTION 

FEUILLETON LEITUNG 

COVER 

MITARBEITER DIESER AUSGABE 

Christian Peters 

christian.peters@wohndesign.de 

Dr. Stephan Demmrich (sd) 

Tel. +49 711 96666-412 

stephan.demmrich@wohndesign.de 

Prof. Rainer Groothuis 

MAISON KITSUNÉ © TREE13 

Ana Cardinale, Tami Christiansen, Francesco Dolfo 

Frank-Oliver Grün, Simona Heuberger, Markus Hieke, Alice Ida 

Nathalie Krag, Marzia Nicolini, Claudia Simone Hoff, Paul Raeside 

Benedetta Rossi, Francesca Sironi, Matthieu Salvaing, Nin Solis 

Monica Spezia, Jan Verlinde, Miriam Zimmermann (mz) 

GRAFISCHE GESTALTUNG 

REDAKTION 

TEXTREDAKTION 

ANZEIGENLEITUNG 

REPRÄSENTANZ ITALIEN 

REPRÄSENTANZ FRANKREICH 

SHOPPING GUIDE UND 

ANZEIGENDISPOSITION 

ABONNEMENTVERWALTUNG 

VERTRIEB 

HERSTELLUNG 

DRUCKEREI 

VERLAG 

Saskia Schweitzer 

Anke Gungl (ag) 

Tel. +49 711 96666-413 

anke.gungl@wohndesign.de 

Irmhild Tieck 

Ulrike Ehlers 

Tel. +49 711 96666-411 

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Studio Villa 

Tel. +39 02311622 

arch. Ilaria Prato, ilaria@studiovilla.com 

Francesco Ravanello, francesco@studiovilla.com 

Anke Blagogee-Krüger 

Tel. +33 607187417 

anke@AnkeBlagogee.de 

Martin Lindner 

Tel. +49 711 96666-410 

martin.lindner@wohndesign.de 

shopping@wohndesign.de 

E-Mail: abo@wohndesign.de 

MZV GmbH & Co. KG, Unterschleißheim 

Lösch GmbH & Co. KG, Stuttgart 

Evers-Druck GmbH, Meldorf 

GOOD LIFE Publishing GmbH 

Borselstraße 18 

22765 Hamburg 

Der Nachdruck, auch auszugsweise, 

ist nur mit ausdrücklicher Genehmigung 

der Redaktion gestattet. Für 

eingesandtes Bild- und Textmaterial 

wird keine Haftung übernommen. 

Abonnementpreis: 6 Ausgaben 

p.A. frei Haus: 36,00 Euro 

Ausland zzgl. Porto 

E-Paper (Einzelausgabe) 6,00 Euro 

E-Paper (Jahresabo) 30,00 Euro 

© GOOD LIFE Publishing GmbH 

ISSN 1664-1760 

8 

WD 6 I 2022

ORIGINAL 

FOR THE 

ORIGINALS 

Saliscendi - 1957 

Achille und Pier Giacomo Castiglioni 

www.stilnovo.com

CARTOON ! TIL METTE 


Die Retter der Tafelrunde. 

In diesem Stuhlsessel von Jehs + Laub lässt es sich ewig am Tisch ausharren. Denn das kuschelige Polsterkissen, ein sanft 

federnder Rücken und seitliche Einschnitte sorgen für den perfekten Sitz. Eingebettet sind die weichen Polster in einer filigranen 

Kunststoffschale mit eleganten Kurven, die auf dem in vier Varianten erhältlichen Fußgestell fast zu schweben scheint. 

Wer steht da schon freiwillig auf? 

COR.DE/ALVO

INTRO ! FASHION 

TIME TO PLAY 

Dass Fashion eine Kunst für sich ist, verdeutlicht 

das französische Modehaus Maison Kitsuné mit dieser 

herausragenden Kampagne. Das „Paris-meets- 

Tokyo“-Brand ist seit 2002 für Garderobe bekannt, 

die ausgeprägte Streetwear-Einflüsse, Verspieltheit 

und tragbare Designs mit den kulturellen und ästhetischen 

Strömungen dieser beiden Städte vereint. Das 

ist nun auch den Trendsettern in Südkorea aufgefallen. 

Für die erste Etappe des Projektes „Paris-Seoul“ 

lieferte der koreanische Künstler Tree13 die passenden 

Illustrationen im Manga-Style, und stellt damit 

seine tiefe Verbundenheit mit der kreativen Avantgarde 

Seouls unter Beweis. We love, eindeutig! 


INTRO ! BEAUTY 

FOR 

PERFUME 

LOVERS 

UNSERE LIEBLINGE 

FÜR WINTERTAGE 

Die News? Frauen tragen jetzt auch Männerdüfte oder Unis, von links. Hölzer, Kaffee und Florales: „Moon Sigh“, Atelier Oblique. Schwarztee, 

Tabak, Eichenmoos: „Sellier“, Byredo. Bergamotte, Sandstrohblume, Labdanum: „1740 Marquis de Sade“, Histoires de Parfums. Zitronenschale, 

Weihrauch und Amber ergeben eine fruchtig-orientalische Note: „Silver Hombre“, Alexandre J. Mandarine, Zitrone, Geranium und Rose, 

Moschus: „Vetyverio“, Dyptique. Outstanding: „Sycomore“, Chanel. Schwarze Johannesbeere, Jasmin, Tolubalsam: „1885 Bains Sulfureux “, 

Les Bains Guerbois. Warm und göttlich: „Paprika Brasil“, Hermès. Elegant: „Theseus“, Lorenzo Villoresi. Cremig-blumig, unisex und sensationell 

sinnlich: „Aqva Meravigliosa“, Re Profumo Venezia. Krass: „St. Vetyver“, D.S. & Durga. Klerikal zickig: „Rêve d‘Ossian“, Oriza L. Legrand. 

Den Teetisch entwarf Gustav Partz für Villeroy & Boch in der Jugendstil-Ära, darauf eine Seventies-Glasleuchte vom Trödel. Die originale 

Bauhaus-Leuchte „Rondella“ ist eine Design-Ikone von Christian Dell um 1927/1928, entdeckt auf Ebay, hier in der raren Kupferversion. 


INTRO ! KUNSTMARKT 

2 

1 

4 

3 

VIER UNTER 16‘ 

Kenner kaufen immer häufiger Talente, sozusagen nebenbei als Rente. Denn das Geld verfällt. Liegt es im Tresor und 

auf der Bank, macht es derzeit Sorgen und am Ende krank. Daher ab damit in die Welt – gern‘ für Kunst, die uns gefällt 

1 | Bertram Hasenauer. Wir lieben seine Arbeit „All instant things are fading“ von 2014 wegen ihrer melancholischen Note. Acryl auf 

Holz, 80 x 60 cm, ca. 7.000 Euro entdeckt im Portfolio der Galerie Fuchs in Stuttgart. 2 | Brett Charles Schneider geht gerade ab, wie 

Schmitz Katze. „Having a Coke with you“, Bitumen und Dachfarbe auf Leinwand, 82 x 51 cm, für ca. 1.665 Euro. Unser Liebling bei der 

Berliner Galerie Eigen + Art. 3 | Nick Dawes kreierte sein „Sign Painting“ 2004. Öl auf Leinwand in den Maßen 38 x 36,6 cm; 4.400 Euro 

im tollen Programm bei Kornfeld (Berlin). 4 | Brandon Lipchik geht weg wie warme Semmeln. Zumindest Werke wie „Makeup Brush“ 

(Öl und Acryl auf Leinwand, 120 x 107 x 10 cm) von 2021 für 15.000 Euro in der coolen Kunstinstitution von Robert Grunenberg in Berlin. 


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1 

GANZ UNTER UNS: 

KUNST 

Knallbunt wie Street Art aus London, „War Rugs“ in 

afghanischer Tradition aus Bochum? Kunst kann und 

darf alles. Wir hätten da ein paar Vorschläge für Sie … 

1 | Kunstinstallation? Die Kork-Drops von Designer Bodo Sperlein 

für Preform werden an der Decke aufgehängt und dämpfen den 

Lärm im Raum. Ideal platziert sind sie über Tischen, in vollen Restaurants 

und bei lauten Familienfeiern, wenn der Geräschpegel 

nebenan mal wieder nur noch nervt. 

2 | Haare sind für die New Yorkerin Lorna Simpson „eine 

schwungvolle Quelle der Macht“. Ihre Fotoarbeiten stellen Fragen 

zu Identität, Ethnie, Gender und Fiktion. Darunter „Touching“ – 

ein Motiv der „Artist Scarves“ der Galerie Hauser & Wirth, feine 

Seiden-Carrés (130 x 130 cm), bedruckt mit guter Kunst. 

3 | Zugreifen! Die Editionen des britisch-nigerianischen Künst- 

2 


INTRO ! STYLE 

4 

3 

5 

lers und Designers Yinka Ilori, der gerade mit einem farbenfrohen 

Kunst-Pavillon das Stadtbild von Berlin aufgemischt hat, 

sind schnell ausverkauft. Von dem pop-bunten Basketball „ORUN“ 

gibt es genau 300 Stück, davon 30 Exemplare handsigniert. 

4 | Rug Bombs heißt eine Kollektion von Jan Kath, die Gewalt und 

kriegerische Konflikte der letzten Jahrzehnte thematisiert, und 

jetzt auch auf der Bangkok Art Biennale zu sehen ist. Der berühmteste 

Teppichdesigner der Welt ist damit offiziell auch Künstler. 

5 | Unwiderstehlich ist der Blick dieser Zwerg-Dackeldame (Öl auf 

Holz, 20 x 25 cm). Die Münchnerin Nina Lang porträtiert Menschen 

und Hunde und schaut ihren Modellen dabei tief in die Seele. 

6 | Kochen ist eine Kunst. Sowieso. Und wenn Künstler kochen, 

sehen die Gerichte aus wie Collagen. Bezaubernd! Der Bildband 

„Kitchen Studio“ von Phaidon zeigt Rezepte zubereitet u.a. von 

Olafur Eliasson, Carsten Höller oder Kiki Smith. |simona heuberger 

6 


19

XXXXXXXXXXXXXX ! XXXXXX 


XXXXXXXXXXXXXXX ! XXXXXX 

HEAVY METAL 

Starfotograf Silvano Pupella inszeniert 

Luxusyachten im italienischen La Spezia 

FOTOS: SILVANO PUPELLA TEXT: STEPHAN DEMMRICH 


21

FOTOGESCHICHTE ! LA SEPZIA 


Es ist diese Harmonie zwischen Handwerk und Technologie, die Silvano 

Pupella hier mit seinem Objektiv eingefangen hat. Ein Boot mit einer Länge 

von mehr als 40 Metern erwacht zum Leben: eine Superyacht. Sie ist das 

Ergebnis eines komplexen, transversalen und innovativen Prozesses in der 

Werft. Die Fotos erzählen von der Arbeit hochqualifizierter Handwerker, 

die das Thema Eleganz auf unvergleichliche Weise definieren – als ob die 

schwimmenden Schönheiten in einer Renaissance-Werkstatt entstünden. 


23

FOTOGESCHICHTE ! LA SPEZIA 

Mit seinen krassen Schwarz-Weiß-Motiven vermag es Pupella, uns für die 

unfertigen Produkte zu sensibilisieren und für ihre Ausstrahlung zu 

begeistern. Angefangen beim Rumpf, der wie ein Kunstwerk aus Metall 

geschmiedet wird, bis hin zur Arbeit erfahrener Handwerker vor Ort, die 

sich mit größter Sorgfalt um noch so kleine Details kümmern, um jedes Boot 

einzigartig zu machen. Die Fotos dokumentieren verschiedene Vorbereitungsphasen 

der Metallhüllen und die Atmosphäre des Ortes, der nicht nur 

Technologie widerspiegelt, sondern auch unersetzliche Zweckmäßigkeit. 



25

FOTOGESCHICHTE ! LA SPEZIA 



Massimo Perotti, CEO der Luxusmarke Sanlorenzo 

und Auftraggeber der Fotoserie möchte mit 

seinem Projekt neue Vokabeln für „eine kreativere 

Sprache deklinieren.“ Das Ziel? „Über sich selbst zu 

erzählen und neue Perspektiven für die Welt des 

Bootbaus und des »Made in Italy« zu bieten.“ Seit 

über 60 Jahren baut die Werft hochwertige Yachten, 

zu deren Innenausbau renommierte Designer 

wie Rodolfo Dordoni, Antonio Citterio und Patricia 

Urquiola die Interior-Konzepte liefern. Piero Lissoni 

ist seit vier Jahren Art Director und arbeitet für die 

Ausstattung der schwimmenden Hideaways mit 

bedeutenden Galerien weltweit zusammen. 


27

Lust auf Möbel mit Charakter / Passion for furniture with character 

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W!D 2 I 2018 

113

TITELTHEMA ! LEBEN MIT KUNST 

Ein Fuchs, der das Entree bewacht. Handbemalte Leinenpaneele 

als Hommage an das Baujahr der Villa. Und wie extravagant wirkt 

dieser Treppenläufer dazu? Hier war ein Profi am Werk. Weiblich. 

Stilsicher. Und aus Zürich: Ina Rinderknecht, mehr ab Seite 32. 



ALLES ÜBER ART 

Einmalige Storys: eine Innenarchitektin, eine Galerie, ein Projekt … 

Warum wir diese Wahl getroffen haben? Lesen Sie … 

32 I INTERIEUR Ina Rinderknecht erhebt das Thema Einrichtung zur Kunst 

36 I INSPIRATION Von der Bildenden Kunst auf den Teppich: Edoardo Piermattei 

42 I STYLE Andreas Weber über sein neues Bett und das passende Outfit dafür 

44 I SAMMLUNG Zu Hause bei Kunstliebhaber Florian Peters-Messer 

52 I NEUERSCHEINUNG Ein Buch über die Schönheit der Dinge 

54 I FARBE Welche passt zu den Bildern in Ihrem Zuhause? Welche ins Museum? 

58 I INSTITUTION Neuigkeiten aus dem Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg 

62 I PORTRÄT Paul Pretzer malt Bilder, die uns so einige Rätsel aufgeben 

66 I GALERIE Wie ticken Menschen, die mit Kunst handeln? Ziemlich umsichtig 

70 I PROJEKT Entwicklungshilfe auf hohem Niveau: Kunsthandwerk in Afrika 

© Reto Guntli & Agi SImoes 


31


SCHWEIZER PRÄZISION _ 

INA RINDERKNECHT BEHERRSCHT SIE PERFEKT 

Möglicherweise stellen Sie sich als geneigte Leserin oder deren 

männliches Pendant gerade die Frage, was eine Story über die Sanierung 

und Neuausstattung eines Landguts im Kanton Zürich als 

Aufmachergeschichte mit unserem Titelthema Kunst zu tun hat? 

Die Antwort lautet: alles. Nicht allein aus dem Grund, dass die ausführende 

Innenarchitektin Ina Rinderknecht das Thema virtuos 

beherrscht, sondern weil das Gesamt-Ensemble, saniert von Neon 

Deiss Architekten, seinesgleichen sucht. Das äußere Erscheinungsbild 

der Villa mit Chauffeurhaus ist eine Freude fürs Auge – besonders 

für Menschen, die sonst eher wärmegedämmte, gesichtslose 

Fassaden zu sehen bekommen. Das Anwesen aus dem Jahr 1914 

erhielt ein neues Leben als Tagungsort für Unternehmen und private 

Vermietungen an Wochenenden. Insgesamt stehen 13 Zimmer, 

Fitnessraum und Wellnessbereich, eine Cocktailbar und gemütliche 

Wohnzimmer zur Verfügung. Eine reizvolle Aufgabe für die Innenarchitektin, 

die in Seoul aufwuchs, schon in jungen Jahren viel 

herumkam, das Istituto Europeo di Design absolvierte und einen 

Master an der Mailänder Domus Academy erwarb. Sie gilt als akribisch, 

präzise und verschmilzt klare Linien mit edlen Materialien 

zu einer unaufdringlichen Zeitlosigkeit. Raffinesse ist das treffendere 

Wort. „Dieses Projekt war komplett denkmalgeschützt, also 

auf ganz vielen Ebenen – der Landschaftsarchitektur, des Inventars, 

der Architektur natürlich, genauso wie der Innenarchitektur.“ 

Rinderknecht fand opulente Räume vor, jeder auf seine Art anders, 

mit „buntesten und floralen“ Tapeten sowie diversen Holzvertäfelungen. 

Es ist verständlich, dass sich die Auftraggeber „ein wenig 

eine nüchternere Sprache in den Gästezimmern wünschten“, 

doch das lokale Amt war komplett involviert. „Für unsere Designpräsentation 

mussten die Materialien und Tapeten mit der Denkmalpflege 

abgestimmt und auch im Hinblick auf die Atmosphäre 

freigegeben werden.“ Das bedeutete vorangehende Farbanalysen 



der Wände und Vertäfelungen. Welche Einschränkungen das mit 

sich brachte, zeigt die Eingangshalle (Seite 30 und 31), die sich an 

das Entree anschließt (links). Ein Fuchs empfängt dort die Besucher, 

Referenz an das Familienwappen der Bauherrschaft, wie eine 

Sonne, die auf Geschirr und Servietten auftaucht. Während die 

Fliesen im Entree original sind, entstand in der Eingangshalle ein 

neues Meisterwerk. Für die Wandbespannung gab Rinderknecht 

handbemalte Leinenstoffe bei de Gournay in Auftrag und ließ 

den Teppich für die Treppe bei Pierre Frey fertigen. Was so galant 

aussieht, kostete Nerven: „Unter den Wand-Paneelen musste die 

ursprüngliche Bespannung erhalten werden. Wir haben sie mit 

einem Spezialflies aus Naturprodukten geschützt. Darüber kam 

die neue Füllung, und wir durften die Nägel nur dort setzen, wo 

sie die Originalfassung nicht punktierten.“ Der Aufwand war groß, 

ist aber nur ein Beispiel von vielen. Das Gesamtergebnis können 

Dinner deluxe: Giorgetti-Sessel gruppieren sich um einen Tisch 

nach Maß von Girsberger. Deckenleuchte: Occhio. Dazu Wandbespannungen 

von Dedar und Vorhänge von Lelievre. Willkommen in 

der Welt von Ina Rinderknecht, die dieses Landgut einrichtete. 


33


© Alle Fotos Reto Guntli & Agi SImoes 

Sie sich via QR-Code anschauen. Wir bleiben bei den Details, beispielsweise 

denen in der Küche, einem Lieblingsraum der Innenarchitektin, 

die dafür historische Literatur studierte und danach die 

Essecke im Alkoven konzipierte. „Sie ist sehr gemütlich. Wir wollten 

wirklich alles im Landhausstil beibehalten. Das war besonders für 

die Küche wichtig, obwohl sie am Ende fast für die Gastro tauglich 

wäre.“ Die Geräte lieferten Miele und Gaggenau. Gleiche Sorgfalt 

ließ Rinderknecht den Bädern zuteilwerden, für die sie selbst gestaltete 

Mosaikfliesen im Stil der Zeit auflegen ließ, obwohl sie 

in diesem Punkt eigentlich nicht die Denkmalpflege im Nacken 

hatte. Im Kontext wirken sie einfach stimmiger und untermalen 

das Flair des Hauses, in dem die Gestalterin ganz besonders das 

Wohnzimmer liebt: „Zusammen mit dem geschwungenen Sofa 

ist dieser Raum unglaublich schön geworden.“ Und dieser Klang 

der Farben, die Sorgfalt bei der Wahl der Details wie den Teppichen 

und Vorhängen sowie die daraus entstehende Harmonie zeichnen 

jeden Raum in dieser Villa aus – auch wenn es sich eigentlich um 

ein privates Hotel handelt, das funktionieren muss. Neben Luxusimmobilien 

eine Domäne von Rinderknecht, die bereits in den 

USA, in der Karibik und in Europa eine Vielzahl hochkarätiger Hotels 

und Spitzenrestaurants ausstaffierte. Projekte, die funktionieren, 

wie dieses. „Das Haus lebt. Es ist durchgehend belegt.“ |sd 

Terrazzo trägt die Küche, die Ina Rinderknecht links persönlich 

konzipierte. Die Bank erhielt ein Outfit von Gaston y Daniela 

wie das Sofa im Wohnbereich – beides ausgeführt bei Girsberger. 

Sessel: Flexform. Rechte Polstermöhel von Girsberger im Spa. 


TITELTHEMA ! LEBEN MIT KUNST




EDOARDO PIERMATTEI _ 

ÜBERTRÄGT ITALIENISCHE 

KUNSTHISTORIE INS HEUTE 

Weder als klassische Bildhauerei noch als Malerei lässt sich sein 

Schaffen beschreiben und doch ist es beides. Als CC-Tapis den 

30-jährigen Italiener zur Gestaltung einer eigenen Teppichkollektion 

einlud, ließ ihn das kurzum zum Designer werden. Das 

aber dürfte die Ausnahme bleiben, denn Edoardo Piermattei 

verschreibt sich durch und durch der Kunst. Ich erreiche ihn in 

seinem Studio in Turin. Immer wieder während der nächsten 

eineinhalb Stunden wird sich unsere Videoverbindung als holprig 

erweisen. Dennoch dauert es keine drei Sekunden, bis das Eis 

gebrochen ist, ich meine Fragen beiseite lege und wir zu plaudern 

beginnen. Im Hintergrund dudelt die Musik aus der Pizzeria nebenan 

– die Nachbarn findet er furchtbar, stöhnt Piermattei. Sein 

Atelier aber, das liebt er. Hier verbringt der Künstler selten weniger 

als 12, 13, 14 Stunden am Tag. Jeder Urlaub ist für ihn eine Qual, 

weil er dann seine Ideen nicht umsetzen kann. 

Geboren 1992 in Ancona, wuchs Edoardo Piermattei in einer kleinen 

Gemeinde namens Offagna auf, welche sich malerisch in die Hügel 

über der Adriaküste legt. Die Gegend ist geprägt von mittelalterlichen 

Dörfern und war Italiens künstlerisches Zentrum während 

der Renaissance. Piermatteis Arbeiten sind heute nicht unerheblich 

davon beeinflusst. Vor zehn Jahren führte ihn das Kunststudium 

an der Accademia Albertina di Belle Arti nach Turin. Im Gepäck die 

Eindrücke seiner Kindheit und Jugend: von den innen wie außen 

reich verzierten Bauten seiner Heimat, ihren Farben. „Ich begann 

zu erkunden, wer die Väter der italienischen Kunst sind“, erzählt er. 

„Dabei ging es mir weniger um mich, als um die Sprache der Kunst.“ 

Er nennt Giotto und Cimabue mit ihren Fresken in Assisi. Auch die 

anmutigen Wolken, die Giambattista Tiepolo gut vierhundert Jahre 

später in seinen Deckengemälden verewigte, gehören dazu. Bereits 

als Jugendlicher besuchte Piermattei etliche Kirchen. Nicht um zu 

beten, sondern der Malereien wegen. Irgendwann faszinierte ihn 

vor allem der Verfall, das Abblättern der Fresken. Blickt man nun 

auf sein Werk, so erkennt man darin eine Art Puzzle wieder, das aus 

ebenjenen Fragmenten besteht, die sich unterhalb der gemalten 

Schichten offenbaren. Im Idealfall hat Piermattei die Gelegenheit, in 

historischen Gewölben zu arbeiten, was diesen Eindruck verstärkt. 

Am liebsten, so sagt er, würde er einmal ein bestehendes Fresko 

in seinem Stil überdecken. Früher sei es gängige Praxis gewesen, 

dass alte Wand- und Deckenbilder durch neuere übermalt wurden. 

„So wie Michelangelo die Arbeiten anderer Künstler übermalte, 

möchte auch ich Werke übermalen und habe auch nichts dagegen, 

selbst einmal übermalt zu werden.“ Heute aber begreife man 

solche Fresken aus konservatorischen Gründen als unantastbar, 

dabei zeigen sie zuhauf moralistische Propaganda, wie Piermat- 

Edoardo Piermattei arbeitet ausschließlich ortsspezifisch, 

denn Kunst besitzen, um sie vor weißen Wänden zu drapieren, 

hält er für bourgeoises Zeug. Links: „Ecce Grotta!“ realisierte 

er 2019 in Ronchi San Bernardo, Cuorgnè. 


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tei kommentiert. Mit der Zeit sei aus der Kunst bourgeoises Zeug 

geworden, das sich die Menschen an weiße Wände hängen. Dass 

das nichts für ihn ist, überrascht wenig, arbeiteten doch auch seine 

Vorbilder immer für einen vorbestimmten Ort. „Mit meiner Arbeit 

versuche ich, die Vergangenheit mit der Gegenwart zu verbinden. 

Dabei beschäftige ich mich mit der Abwesenheit der Dinge, dem 

Spannungsfeld zwischen Objekt und Nicht-Objekt.“ 

Und trotzdem arbeitet er keineswegs nur in leeren Räumen wie 

bei seiner Arbeit „Ecce Grotta!“ (Seite 36), die er 2019 in Ronchi 

San Bernardo nördlich von Turin realisierte. Edoardo Permattei 

schnappt sich seinen Laptop und führt zum virtuellen Rundgang 

durch sein Atelier. Jeder Winkel ist vollgestellt mit Leinwänden, 

Modellen, Skulpturen und jeder Menge Säcke, die gefüllt sind 

mit einer seiner wichtigsten Zutaten: Zement. Als ich ihn frage, 

Jeder Winkel seines Ateliers in Turin ist vollgestellt, hier verbringt 

Piermattei meist mehr als zwölf Stunden am Tag. Seine Werke 

bestehen zum Hauptteil aus einem Gemisch aus Zement, Leim, 

Puder und Pigment – abgemischt mit ordentlich Zigarettendunst. 

wie seine Arbeiten entstehen, holt Piermattei ein paar Aquarelle 

hervor. Alles beginnt auf dem Papier, als Zeichnung, anhand von 

Farbstudien. Diese überträgt der Künstler dann in Form eines Zement-Leim-Puder-Pigment-Gemischs 

mit einem Spachtel auf den 

jeweiligen Träger – eine Wand- beziehungsweise Deckenfläche, 

eine Platte oder die Unterkonstruktion einer Skulptur. 

Gerade werkelt Piermattei an einer Skulptur für einen Konditor 

auf Sizilien. Der Künstler nennt es Meringue-Architektur, denn 

die Arbeit wird einmal aus mehreren Teilen bestehen und erinnert 

an eine Mischung aus einer riesigen Baisertorte und einem 

Zuckerschlösschen. Statt des Spachtels nutzt Edoardo Piermattei 

hierfür eine Spritztülle. Es soll eben ganz danach aussehen, 

als sei die Skulptur selbst aus Baiser gebacken, dekoriert in den 

verschiedensten Farben. Zudem soll die Arbeit an die Zeit des 

Rokoko erinnern, auf Sizilien prägt diese Stilrichtung des 18. Jahrhunderts 

zahlreiche Palast-Interieurs. 

Schon einmal hat Edoardo Piermattei auf der Insel ein Projekt realisiert, 

in Sambuca di Sicilia, gefördert durch den Apartmentanbieter 

Airbnb. Neben einem Deckenbild, das vom großen Erdbeben 1968 

inspiriert ist, gestaltete er den Baldachin eines Himmelbetts. Inzwi- 



schen gehört das Apartment zu einer Winzerei. Ob er nicht Gefahr 

laufe, dass seine Arbeiten zu dekorativ werden, frage ich ihn. Nichts 

anderes seien Wand- und Deckenbilder seit jeher gewesen, antwortet 

er. Dagegen gäbe es nichts einzuwenden, nur verzichte er auf 

ikonische oder mythologische Darstellungen, bleibt abstrakt. 

Wie kommt er an seine Projekte? Denn von einer Galerie repräsentiert 

wird er momentan nicht. „Ich arbeite viel mit Architekten 

zusammen“, antwortet er. Das Projekt mit Airbnb sei über eine Kuratorin 

zustande gekommen, Federica Sala. Die Mailänderin war es 

auch, die ihn mit CC-Tapis in Kontakt brachte. Für das italienische 

Teppichlabel gestaltete Piermattei die Kollektion „Dagallà“, welche 

im Herbst 2021 anlässlich des SuperSalone in Mailand präsentiert 

wurde. Mit den drei erhältlichen Mustern spielt Edoardo Piermattei 

auf ein Naturphänomen an, das sich rund um den Vulkan Ätna 

ereignet – wenn die Vegetation beginnt, sich das Land, das zuvor 

von der Lava vernichtet wurde, zurückzuerobern. Im Arabischen 

steht „Dag allah“ für „von Gott gerettet“. So begreift Piermattei die 

Kollektion zugleich auch als Verbindung zwischen Ost und West, 

zwischen den Artisanen, die die Teppiche von Hand knüpfen, und 

den Konsumenten. Und auch hier spielen wieder Vergangenheit 

und Gegenwart zusammen. In Bezug auf seine üblichen Arbeiten 

stellt er praktisch alles auf den Kopf, aus der Decke wird der Boden, 

aus dem der Teppich wie eine Insel wächst. 

Und schon ist der Künstler wieder beim nächsten Thema: In den 

kommenden Wochen wird er eine Arbeit in Rom realisieren, wo es 

um eine Geschichte zum Wasser gehen wird, Reflexionen auf der 

Oberfläche, ein 80 Quadratmeter großes Aquarell. Allmählich wird 

es schwer, dem Künstler weiter zu folgen. Weil zum einen unsere 

Verbindung immer wieder aussetzt, und weil er zum anderen von 

einem Gedanken zum nächsten springt. Es gibt keinen Endpunkt 

in dieser Story, doch es passt ganz gut, denke ich noch, dass er sich 

selbst als obsessiv beschreibt – „wahrscheinlich liegt es daran, dass 

ich Steinbock bin“, schlussfolgert er, rollt sich eine Zigarette und wir 

verabschieden uns. 

| Markus Hieke 

„Kunst ist für Sammler, Design für Konsumenten“, meint Piermattei. 

Inspiriert von einem Theatervorhang ist das Werk oben. 

Rechts posiert er auf einem seiner Teppiche für CC-Tapis. 



© Alle Fotos Lea Anouchinsky 


41


© Dorothee Falke München 

DRESS TO IMPRESS _ 

EIN PERFEKTES BETT HINZUBEKOMMEN IST EIN TOP JOB. 

DAS GILT FÜR DIE FORM, DOCH GENAUSO FÜRS OUTFIT. 

Das Thema Bett hat sich allgemein stark gewandelt, was auch mit 

dem Vormarsch von Boxspring-Systemen zu tun hat, die Normalo-Modellen 

mit Kaltschaummatratzen heftig Konkurrenz machen. 

„Immer mehr Menschen lassen sich von diesem besonderen Komfort 

verwöhnen“, weiß Andreas Weber. „Zwei übereinander liegende 

Komponenten (die Box und die Matratze) bieten eine Vielzahl 

von Einzelfedern, die den Auflagedruck des Körpers an jedem Punkt 

nach unten leiten. Zusätzlich ermöglichen die Spiralfedern mit ihren 

Hohlräumen auch eine optimale Durchlüftung.“ Doch dieses 

Prinzip geht häufig auf Kosten der Optik, denn die Betten wirken 

wesentlich klobiger als konventionelle Entwürfe. Für die französische 

Marke Treca, ein Spezialist dieses Zwei-Matratzen-Systems, 

hat der Münchner Designer gerade ein neues Modell kreiert. 

„Angèle“ bietet Bodenfreiheit, wirkt lässig mit zwei angedeuteten 

Kissen im XXL-Format als Rückenlösung und ist trotzdem „sophisticated“ 

– eine Eigenschaft der meisten Weber-Entwürfe. Moderne 

Klassik ist sein Ding, und es macht Freude zu sehen, dass der 

Münchner sie souverän inszeniert. „Wir haben uns das Ziel gesetzt, 

den Komfort des Boxspringbetts mit optischer Leichtigkeit zu verbinden, 

um einen neuen Look zu erreichen und eine attraktive Lösung 

für bestimmte Anforderungen anbieten zu können.“ Der Hintergrund 

dafür ist, dass entsprechende Betten zunächst in Hotels 

standen, für ein luxuriöses Schlaferlebnis – das jedoch eher mit 

klobiger Formgebung. „Absolut. Dort signalisiert ein wuchtiges 

Bett: Ich bin angekommen, hier darf ich mich wohlfühlen. Im eigenen 

Schlafraum ist diese Wirkung eher beengend. Hier wünscht 

man sich, gerade wenn der Raum nicht so groß ist und vielleicht 

noch ein Kleiderschrank Platz benötigt, möglichst viel Raum zum 

Atmen, eine gewisse Luftigkeit. Und auch praktische Überlegungen 

sprechen für mehr Bodenabstand: Das Schlafzimmer kann so 

leichter staubfrei gehalten werden.“ 

Für die optische Wirkung ist aber auch ein anderer Faktor maßgebend: 

die Bettwäsche, das Kleid des Betts. „Sie trägt stark zum 

Wohlgefühl bei, wenn das Material und die Optik richtig gewählt 

werden. Sie ist der Joker, mit dem sich spontan die Atmosphäre im 

Raum verändern lässt, um auf Stimmungen zu reagieren. Über eine 

kühlende oder wärmende Wäsche passt sich das Bett auch an die 

Jahreszeiten an.“ Natürlich bietet Treca verschiedene Möglichkeiten 

an, dem Korpus an sich ein cooles Outfit zu verpassen. Dafür stehen 

verschiedene Stoffe von Luxusfirmen wie Pierre Frey, doch genauso 

auch handschuhweiche Leder zur Verfügung, die den Look des 

Betts sehr urban wirken lassen. „Angèle“ hat in unserem Beispiel 

einen Samtbezug, für den ein passender Überwurf entstand, der 

mit einem Wollplaid und Bettwäsche in klassischem Baumwollsatin 

kombiniert wurde. Samtkissen in Braun nehmen die Tonalität 

der Umgebung wieder auf. Florale Muster bringen eine feminine 

Note ins Ensemble. Très chic. Und was mag Weber privat? „Ich bevorzuge 

reine Naturmaterialien, wertig, aber schlicht verarbeitet, 

damit man die Bettwäsche häufig waschen kann. Gibt es Schöneres, 

als sich in ein frisch bezogenes Bett fallen zu lassen?“ |sd 

Ein wesentliches Detail des neuen Treca-Modells „Angèle“ von 

Andreas Weber bleibt in dieser Ansicht im Verborgenen: Die 

Taschenfederkern-Matratze erhielt einen Topper für noch mehr 

Komfort, zu dem auch die Box darunter im Samtbezug beiträgt. 


icona 

 

 

 

 

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MY HOME IS MY ART CASTLE _ 

ZU HAUSE BEI KUNSTSAMMLER FLORIAN PETERS-MESSER 

Viersen ist nicht unbedingt ein Ort, an dem man große Kunst 

erwarten würde – ganz im Unterschied zum nahegelegenen 

Düsseldorf. Und doch ist es die zwischen Mönchengladbach 

und Krefeld gelegene Kleinstadt, in der sich mit rund 450 Werken 

eine der wichtigen Sammlungen sozialkritischer und politischer 

Kunst im deutschsprachigen Raum befindet. Florian 

Peters-Messer hat sie in den letzten zwanzig Jahren zusammengetragen 

und zeigt Teile davon in seinen Privaträumen. 

Außerdem bestückt er regelmäßig Ausstellungen mit Arbeiten 

von Künstlern wie John Bock, Monica Bonvicini, Sophie Calle, 

Elmgreen & Dragset, Sophia Süßmilch und Sonja Yakovleva. 

Dennoch deutet von außen nichts darauf hin, dass sich in dem 

mehrstöckigen Bürogebäude mit den markanten roten Fassadenteilen 

ein echter Kunstschatz befindet. 

Es liegt an einer Durchgangsstraße und ist umgeben von Backsteingebäuden 

und Sheddach-Hallen, dahinter erahnt man einen 

Wald. War hier früher das Familienunternehmen „Farben 

Peters“ ansässig, so sind in dem schlichten Gebäude heute verschiedene 

Firmen untergebracht. Peters-Messer ist der einzige 

ständige Bewohner, der vor fünf Jahren das Penthouse im vierten 

Stock bezogen hat. 

Vom Unternehmer zum Kunstsammler 

Florian Peters-Messer stammt aus einer Viersener Unternehmerfamilie 

mit einem Großhandel für Farben, Bodenbeläge und 

Baustoffe. Zwar hatte er schon als Jugendlicher den Wunsch, 

Kunstgeschichte zu studieren, doch die Familientradition sah 

eine andere berufliche Zukunft für ihn vor. Und so studierte er 

Betriebswirtschaftslehre in Berlin, Paris und Oxford und arbeitete 

danach zwei Jahre als Unternehmensberater in Frankfurt am 

Main. In den frühen Neunzigerjahren zog Peters-Messer dann 

nach Berlin, wo er eine der Firmen des Familienunternehmens 

leitete. Doch in seiner Freizeit ging er seiner eigentlichen Berufung 

nach und erkundete die Museen und Galerien der Stadt. 

So tauchte er immer tiefer ein in die boomende Berliner Szene. 

„Damals bin ich in einer Berliner Galerie über den Schweizer 



Künstler Thomas Hirschhorn gestolpert, was mein Leben sehr 

verändert hat“, erzählt Peters-Messer. „Zuerst habe ich seine Arbeiten 

überhaupt nicht verstanden, weil ich mich mit installativen 

Arbeiten und dieser spezifischen Materialhaftigkeit nicht 

auskannte und auch nicht mit politischer Kunst und ihrem philosophischen 

Hintergrund.“ Damals begann er ernsthaft Kunst 

zu sammeln, besuchte regelmäßig Galerien wie die von Stella 

Lohaus in Antwerpen und kaufte als erster deutscher Sammler 

überhaupt Arbeiten von Thomas Hirschhorn. Nach einigen Jahren 

in Berlin kehrte Peters-Messer zurück in seine Heimatstadt 

Viersen, weil er die Leitung des Familienunternehmens mit 

rund 40 Niederlassungen und 500 Mitarbeitern übernommen 

hatte. Seit die Firma im Jahr 2009 verkauft wurde, verwaltet Peters-Messer 

die verbliebenen Immobilien, die zum Teil in einen 

Gewerbepark umgewandelt wurden und noch immer in Familienbesitz 

sind. Einen Großteil seiner Zeit aber widmet er dem 

Erkunden, Sammeln und Ausstellen von Kunst. Dabei ist ihm 

nicht nur die Förderung junger Künstler wichtig, auch die öffentliche 

Präsentation seiner Sammlung liegt ihm am Herzen. So 

waren Werke aus der Sammlung Peters-Messer im Weserburg 

Museum für moderne Kunst in Bremen zu sehen und sind gerade 

in der Schau „And I trust you“ in der Miettinen Collection 

in Berlin zusammen mit Arbeiten aus der Sammlung des finnischen 

Kunstsammlers Timo Miettinen ausgestellt. Außerdem ist 

Peters-Messer in verschiedenen Gremien von Museen wie den 

Kunst-Werken Berlin und dem Kunstpalast Düsseldorf engagiert. 

Hauptweg und Nebenwege 

Sein Interesse für Kunst wurde bereits in der Schule geweckt. 

„Ich hatte auf dem Gymnasium in Viersen eine exzentrische 

Kunstlehrerin, die mit uns zur Documenta nach Kassel und zu 

Pina Bausch nach Wuppertal gefahren ist“, erzählt der 58-Jährige. 

„Damals begann mein Interesse für Gegenwartskunst.“ Seine 

Lehrerin habe ihm beigebracht, wie wichtig es sei, einen Bezug 

zur Gegenwart zu haben, beispielsweise durch zeitgenössische 

Kunst. Auch heute interessiert sich Peters-Messer vor allem dafür, 

wie soziokulturelle, politische und psychologische Themen in 

diesem Medium übersetzt werden. „Es geht mir darum, besser 

zu verstehen, was gerade passiert“, sagt der Sammler. „Ich lerne 

von der aktuellen Kunst, wie junge Menschen heute denken und 

Das Domizil von Florian Peters-Messer befindet sich im ehemaligen 

Bürogebäude der Familienfirma und ist Galerie und Wohnung 

zugleich. Auf dem Industriegelände ist auch das rund 1000 

Quadratmeter große Kunstlager des Sammlers untergebracht. 


45


erfahre Lösungsmöglichkeiten, auf die ich selber nicht gekommen 

wäre.“ Kunst nur um der Schönheit willen interessiert ihn 

weniger, auch wenn Teile seiner Sammlung durchaus als schön 

im klassischen Sinn zu bezeichnen sind, antike ägyptische Statuetten 

und Gefäße beispielsweise. Im Laufe der Jahre hat sich 

auch der Fokus seiner Sammlung verändert, sodass Peters-Messer 

immer wieder auch Werke verschenkte oder verkaufte, weil 

sie inhaltlich nicht mehr passten, darunter Arbeiten von Martin 

Assig, Gerhard Richter und Stephan Balkenhol. „Das kritische 

Sammeln fing erst mit Thomas Hirschhorn an und hat sich über 

einige Jahre hingezogen“, erzählt er. „Davor habe ich oft aus dem 

Affekt und der Emotion heraus gesammelt.“ Wie die Persönlichkeit, 

so verändere sich auch der Blick auf die Kunst und die eigene 

Sammlung im Laufe der Zeit, ergänzt er. Hauptweg und Nebenwege 

– so nennt der Sammler diese Entwicklung nach einem 

berühmten Gemälde von Paul Klee. 

Über den Dächern von Viersen 

Das viergeschossige Gebäude, in dem Florian Peters-Messer 

heute lebt und seine Sammlung zeigt, ist die ehemalige Firmenzentrale 

von Farben Peters, die aus den Achtzigerjahren 

stammt. Schon im Entree und im Treppenhaus deutet sich die 

Sammelleidenschaft des Hausherren an – Arbeiten von Sabrina 

Fritsch, Hiroshi Sugito und David Moses weisen den Weg 

in den obersten Stock. Die über 300 Quadratmeter große Penthouse-Wohnung, 

in der sich ehemals die Besprechungsräume 

des Familienunternehmens befanden, wurden von einem Architekten 

umgebaut und ganz auf die Bedürfnisse der Sammlung 

zugeschnitten – mit vielen Hängeflächen und nicht allzu 

hohen Wänden. Einige Fenster sind der besseren Ausleuchtung 

wegen mit Rigipswänden verdeckt. Dahinter befindet sich praktischer 

Stauraum, wo beispielsweise Verpackungsmaterial gelagert 

wird. Ein- bis zweimal im Jahr wechselt Peters-Messer die 

Kunstwerke und kuratiert eine neue Schau. Die Wohnung ist 

räumlich zweigeteilt: Während sich im vorderen Bereich galerieähnliche 

Räume mit weißen Wänden und einem dunklen Holzfußboden 

zur Präsentation der Sammlung befinden, ist der hintere 

Teil privat und kleinteiliger gehalten. „Ich mag es gern cosy 

und bin nicht so designmäßig unterwegs“, sagt Peters-Messer. 

Und so schließt sich an die behagliche Wohnküche eine reich 

bestückte Bibliothek an. Der Hausherr liebt es zu lesen und beschäftigt 

sich intensiv mit Themen aus Kunst, Soziologie und 

Psychologie. Flankiert wird die Bibliothek von einem lichtdurchfluteten 

Wohnzimmer mit Terrassenzugang und einem Schlafzimmer 

mit begehbarem, maßgefertigtem Kleiderschrank samt 

gepolsterter Sitzbank. „Ich liebe diesen Raum ganz besonders“, 



sagt Peters-Messer. „Man liegt im Bett und kann auf die Bäume 

schauen.“ Auch der private Bereich des Penthouses ist mit 

Kunstwerken und allerlei Trouvaillen ausgestattet, darunter 

vereinzelte Antiken, am Strand gesammelte Muscheln und Gemälde 

von jungen Künstlern wie Alexander Basil und Brandon 

Lipchik. Besonders die ägyptischen Stücke wie die Kanopen aus 

Alabaster und ein Sargfragment aus Holz und Stuck mag Florian 

Peters-Messer sehr und nimmt sie gern in die Hand, wie er uns 

bei einem Besuch in Viersen erzählt. „Für mich ist die Bibliothek 

mein Bildungsraum“, sagt er. Vom großen Tisch im Esszimmer 

geht der Blick über die Sheddach-Hallen, die der 58-Jährige Geschäftsmann 

an verschiedene Unternehmen vermietet hat und 

wo sich auch sein 1.000 Quadratmeter großes Kunstlager befindet. 

Man wähnt sich hier eher in der Großstadt denn in der 

nordrhein-westfälischen Provinz. Die Einrichtung der Wohnung 

spiegelt den Charakter des Bewohners und ist sehr unprätentiös 

gehalten. Die klassischen Eames-Stühle im Esszimmer hat 

er beispielsweise von ehemaligen Mietern übernommen, die sie 

auf dem Sperrmüll entsorgen wollten. Designstücke besitzt Peters-Messer 

nur wenige, darunter Porzellanservice von Rosenthal 

und KPM sowie ein bequemes Loungesofa von Roche Bobois 

mit Bezügen aus Missoni-Stoffen. In der Küche indes stehen 

Stühle von einem Möbeldiscounter, die er zufällig entdeckte 

und die kombiniert werden mit kleinen Kunstschätzen. Gleich 

gegenüber vom Wohnzimmer, nur durch die Dachterrasse getrennt, 

arbeitet Peters-Messer in einem separaten Büro, das er 

ebenfalls mit Kunstwerken ausgestattet hat. 

Fokussiertes Sammeln 

Schaut man sich so um in den Räumen von Florian Peters-Messer 

und unterhält man sich mit ihm, dann wird schnell klar: Ihm geht 

es beim Sammeln von Kunst um konkrete Inhalte, weniger um 

Schönheit im klassischen Sinn oder gar um Repräsentation. „Je 

älter ich werde, desto fokussierter werde ich, was das Sammeln 

von Kunst betrifft.“ Kurzgefasst umkreisen die von ihm gesammelten 

Kunstwerke drei wesentliche Themenbereiche: Politik, 

Psychologie und Soziologie. Wie sie zusammenspielen, zeigt 

sich im Entree seiner Viersener Wohnung. Hier steht eine Arbeit 

von Cercle d’Art de Travailleurs de Plantation Congolese (CATPC). 

Die Skulptur „Forced Love“ von Irene Kanga, die seit 2014 für das 

Die Werke der Sammlung hinterfragen politische und gesellschaftliche 

Zustände wie die Arbeiten von CATPC links und 

Nicholas Warburg rechts zeigen. Die Farbbaum-Skulptur gab 

der Vater von Florian Peters-Messers für seine Firma in Auftrag. 


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kongolesische Künstlerkollektiv arbeitet, zeigt erschreckend 

drastisch eine Vergewaltigung. Dabei verknüpft 

die Künstlerin die sexualisierte Gewalt gegen Frauen 

mit den eigenen Erfahrungen und einem historischen 

Ereignis, der Vergewaltigung einer Frau aus dem Volk 

der Pende durch einen belgischen Kolonialherren auf 

einer kongolesischen Plantage im Jahr 1931. Was die 

Skulptur als Kunstwerk so eindringlich und interessant 

macht, ist nicht nur die explizite Darstellung sexualisierter 

Gewalt, sondern auch das Material. Es steht 

in enger Beziehung zum Dargestellten: Während die 

Originalskulptur aus Ton gefertigt ist, wurde sie in 

3-D-Technik in Amsterdam reproduziert und mit durch 

Kunstharz haltbar gemachter Schokolade überzogen 

– ein Hinweis auf den Kongo als Land der Palmfettplantagen 

und ein ausbeuterisches Kolonialsystem. 

„Die Skulptur riecht nach Schokolade und verändert je 

nach Temperatur ihre Oberfläche“, sagt Peters-Messer. 

Das Glück eines Kunstbesessenen 

Je länger und intensiver sich Peters-Messer mit der 

Kunst beschäftigt hat, desto klarer wurde der Fokus 

seiner Sammlertätigkeit. Dabei sammelt er nicht in 

der Breite, sondern vielmehr in die Tiefe – das heißt, 

er besitzt oft bis zu 25 Werke eines einzelnen Künst- 

Im Wohnzimmer hat Florian Peters-Messer ein Sofa 

von Roche Bobois mit einem Gemälde des amerikanischen 

Künstlers Brandon Lipchik arrangiert oben. 

Außerdem sammelt er Werke von Thomas Hirschhorn. 


the show 

3. – 7. 2. 2023 

FRANKFURT / MAIN 

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Das zurückhaltend eingerichtete 

Penthouse dient auch 

als Bühne für Arbeiten von 

Bjarne Melgaard und Erik 

van Lieshout rechts. Unten 

Peters-Messer ist nicht nur 

passionierter Sammler, er liest 

und schreibt auch über Kunst 

und kuratiert regelmäßig 

Ausstellungen. Die klassischen 

Eames-Stühle im Ess- und 

Arbeitszimmer hat er auf dem 

Sperrmüll gefunden und neu 

beziehen lassen. 

© Alle Fotos Christoph Musiol 

lers aus möglichst unterschiedlichen Epochen. Als Peters-Messer 

vor ein paar Jahren sein Ferienhaus auf Mallorca verkaufte, investierte 

er nicht etwa in eine neue Immobilie, sondern stattdessen 

in Kunst. „Damals habe ich überlegt, wie ich das Profil meiner 

Sammlung schärfen könne“, erzählt er und ergänzt, dass es mitunter 

ein echter Kampf sei, das entsprechende Werk auch zu bekommen. 

Das Erkennen von relevanten Arbeiten eines Künstlers 

und bedeutenden künstlerischen Positionen hat er sich im Laufe 

der Zeit angeeignet, „denn Galerien bieten einem oft nur Leftovers 

oder Second Best an.“ Florian Peters-Messer als Kunstbesessenen 

zu bezeichnen, ist wohl nicht übertrieben. Er kuratiert Ausstellungen 

in Galerien und Museen, liest und schreibt über Kunst. 

Außerdem begleitet und fördert er junge Künstler wie beispielsweise 

den 28-jährigen Murat Önen, der noch ganz am Anfang 

seines künstlerischen Weges steht und gerade seine erste große 

Serie von Arbeiten vollendet hat. „Einen Künstler auch persönlich 

kennenzulernen, ist ein sehr schönes und glückbringendes Erlebnis“, 

sagt Peters-Messer. „Dadurch kommen einem die Arbeiten 

ganz anders näher, was besonders wichtig bei jungen Künstlern 

ist, die noch kein großes Œeuvre haben.“ |claudia simone hoff 


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© Alle Fotos Jule Breiert 

© Schmidt Studio 

SEELENBALSAM _ 

EIN BUCH VOLL SCHÖNHEIT 

„Wenn Kreative ohne Druck arbeiten dürfen, blühen sie auf.“ Darin 

sind sich die Künstlerin und Art Direktorin Rike Kaufmann 

und Wolfram Neugebauer, Stylist, Interior Designer und Inhaber 

des Hamburger Concept Stores „Die Remise“ einig. Bester Beweis: 

Ihr Herzensprojekt „Ästhet“. Ein Bildband voll Sinnlichkeit 

und stiller Poesie, für den sie frei zusammengetragen, inszeniert 

und fotografiert haben, was sie lieben: Mode, Natur, Kunst, Ballett 

oder Architektur. Es begann mit einem Foto von Wolfram, ein 

Treppenhaus von oben. Daneben ein gemaltes Bild von Rike. „Die 

runden Formen sprachen miteinander.“ Euphorisch spannen sie 

den Faden weiter: „Durch unsere Berufe kennen wir Schauspieler 

wie Nicole Heesters, Tänzer aus dem John Neumeier-Ensemble, 

Fotografen und Designer. Wir konnten sie begeistern, bei unserer 

Buch-Idee mitzumachen. Es entstand eine wunderbar aufgeladene, 

beglückende Stimmung!“ Während der Produktion war oft 

klar, welche Motive ein Paar sind. Andere haben Rike und Wolfram 

später zusammengestellt – intuitiv und fast ohne Worte, denn in 

ihrem Schönheitsempfinden schwingen sie perfekt miteinander. 

Dabei ist Schönheit für sie nicht die „klassische glatte, geschniegelte“, 

sondern eher „dass sich Formen wiederholen oder Farbtöne 

kommunizieren. Auch dass mal etwas kaputt ist oder scheinbar 

gar nicht passt, wie ein Schwamm, der in einem der Stillleben 

auftaucht. Oder das Klebeband, das nur fixieren und nicht ins Bild 

sollte, dann aber das Arrangement perfekt ergänzt.“ Das Farbspektrum 

der Kreationen reicht von Weiß über softe Naturtöne bis zu 

Schwarz. So sind auch die Wohnungen von Rike und Wolfram eingerichtet. 

„Mich ummantelt dieser Minimalismus“, sagt Wolfram. 

„Als Stylist tauche ich in viele Farbwelten ein. Das strengt manchmal 

an. Zu Hause kann ich zur Ruhe kommen.“ Rike, die lange im 

bunten, lauten New York gelebt hat, geht es ähnlich: „Mit dem Puren, 

Klaren habe ich mir einen Gegenpol geschaffen.“ Die beiden 

sind erfüllt von ihrem ersten gemeinsamen Projekt. „Als die Druckmaschine 

anlief, hatten wir Tränen in den Augen.“ Ebenso glücklich 

sind sie, wenn sie auch andere damit berühren und inspirieren, das 

Schöne zu entdecken – „um sich herum und in sich selbst.“ |uw 

„Ästhet“ berührt uns mit Aufnahmen von besonderen Orten, 

Künstlern und schönen Dingen. Uns gefällt besonders gut der 

Oberkörper eines Tänzers mit drappierter Blüte auf dem angespannten 

Body. 160 Seiten Sinnlichkeit, gebunden in schwarzem 

oder naturfarbenem Leinen, über: www.aesthet.hamburg 


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SCHMITZ GMBH, NIDEGGENERSTR 213 · D-52525 HEINSBERG, RAUMDESIGN HAMACHER, HOCHSTR. 69 · D-57072 SIEGEN, SARTO WOHNKONZEPTE, SANDSTR. 31 · D-60311 FRANKFURT, BETTEN ZELLE- 

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Welche Farbe zu welchem Kunstwerk? Bei diesem Thema 

ist Annika Murjahn links, CEO von Caparol Icons, in ihrem 

Element. Während ihrer Zeit in zwei großen Auktionshäusern 

gaben Klassiker wie Rot, Blau und Grün den Ton an, die besonders 

Alte Meister inszenierten und deren Farben zum Leuchten 

brachten. In der Galerie Herold unten Mitte kommt für die 

moderne Kunst ein eher sanfter Ton zum Einsatz: „Paninaro“ 

– ein weiches Grau mit einem Hauch Jadegrün. Rechts der 

Farbton „Pillbox“ für eine Hängung in einer Frankfurter Villa. 

© Ramon Haindl 

QUEEN OF COLORS _ WIE INSZENIERT 

MAN KUNST MIT FARBEN? ANNIKA MURJAHN ANTWORTET 

Doch zunächst sitzen wir über der Bildauswahl für diesen Exkurs 

zum Thema farbige Wände und Kunst. Unzählige Fotos aus Museen 

sind zu sichten, Beispiele von Galerien, doch genauso auch private 

Szenarien, die alle eines zeigen: Werke auf unterschiedlichsten 

Hintergründen, außer Weiß. White Cube war gestern, zumindest 

zu Hause, und die neuen Räume strahlen und schimmern sublim 

oder in kräftigen Tonalitäten, um die Kunstwerke zur Geltung zu 

bringen. Annika Murjahn kennt diese Art der Inszenierung noch aus 

ihren Zeiten bei Christie‘s und Sotheby‘s, wo sie mehr als vier Jahre 

lang die Rubrik Alte Meister betreute. „Sehr spannend fand ich dort, 

dass man vor den Auktionen, wenn es um die Hängungen ging, immer 

mit Farbe gearbeitet hat. Zwar manchmal auch mit Weiß, doch 

selbst für Contemporary – also Zeitgenössische Kunst – und besonders 

bei Impressionisten und Alten Meistern mit Klassikern wie Bordeaux-Rot, 

Jagd-Grün und Lapislazuli-Blau. Diese Töne bringen die 

Bilder zum Leuchten“, erklärt die Kunstexpertin, die im Anschluss 

ins väterliche Unternehmen einstieg und dort für „Caparol Icons“ 

verantwortlich ist. „Wir haben ja viele Sublines für die Marke entwickelt, 

weil wir so vielseitig unterwegs sind, aber es gibt einen sehr 

treffenden Satz: Eine elegante, farbige Wand ist die beste Bühne für 



die Kunst. Natürlich sind das Licht und die Rahmung sehr wichtig, 

aber mit einer guten Farbe lässt sich unheimlich viel erreichen. Wenn 

man das wirklich ernst nimmt, spielt der Wert eines Kunstwerks 

eine untergeordnete Rolle. Es kommt auf den richtigen Hintergrund 

und so auf die Gesamtinszenierung an. Das habe ich in beiden Auktionshäusern 

immer wieder erlebt. Ich durfte mich um High Net- 

Worth Clients kümmern. Für ein schönes Bild – und da ging es meistens 

um wirklich wertvolle Kunst – wurde umgestrichen und die 

Farbe passend ausgewählt. Das war da ganz selbstverständlich, um 

ein Optimum an Wirkung herauszuholen.“ Allerdings fanden Murjahn 

zufolge dafür nicht die qualitativ besten Farben Verwendung ... 

Ganz anders in der Pariser Stiftung Louis Vuitton, wo Caparol Icons 

gleich großflächig im Einsatz war. „Das hat zwei Gründe. Zum einen 

haben wir eine Niederlassung in Frankreich und ein tolles Maler-Team 

vor Ort – die Architektur ist ja nicht so ganz einfach und riesige 

Flächen sind immer sehr anspruchsvoll. Zum anderen war ich 

mit dem Leihgeber der Exponate in dieser Schau befreundet, dem 

Fotografen Jean (Johnny) Pigozzi. Er hatte unsere Kollektion dem Architektenteam 

vorgeschlagen. Ich war natürlich begeistert. Sie verstehen 

dort eben, was Luxus wirklich bedeutet.“ Das Team brachte 

gleich vier Schichten Caparol-Icons-Farbe auf (Seite 56), weil sie „einfach 

den maximalen Effekt wollten. Das war wirklich unheimlich 

beeindruckend. Louis Vuitton hat einen sehr hohen Anspruch und 

in Frankreich haben Schönheit und Ästhetik einen großen Wert.“ 

Ja, davon können wir uns als Nachbarn ein paar Scheiben abschneiden 

oder unseren Wänden und der Kunst darauf etwas Gutes tun. 

Aus dem Pariser Auftrag ergaben sich für Murjahn ambitionierte 

Projekte wie ein Haus für die Familie Agnelli. In einem anderen Anwesen 

erhielt das Wohnzimmer ein neues Outfit ganz in Gold. Die 

ausführenden Fachleute staunten nicht schlecht über die Expertise 


55


© LVMH Paris 

Caparol Icons zu Gast in der Pariser Fondation 

Louis Vuitton oben. Farben wie „Babyboom“ 

und „Smile“ unterfüttern die Exponate, hier 

afrikanische Masken und naive Malerei – ein 

Wunsch des Sammlers Jean (Johnny) Pegozzi, 

der dort ausstellte. Rechts: Anderer 

Ausstellungsort, anderes Thema, andere Farbe. 

„Hysteria“, ein knalliger Rotton, kommt im 

Ikonenmusum Frankfurt zum Einsatz und sieht 

ziemlich frisch aus. Bezugsquellen auf Seite 180. 

des deutschen Traditionsherstellers. „Einfach andere, modernere 

Farbtöne. Sie fanden das Ergebnis super, und genauso die Qualität.“ 

Auch wenn sich im Ikonenmuseum Frankfurt zeigt, dass leuchtendes 

Rot – in der Palette von Caparol Icons heißt es „Hysteria“ – der 

perfekte Plafond für die goldenen Schätze ist, gibt es für Murjahn 

zu Hause nicht wirklich Regeln. „Es kommt auf den Rahmen an. Zu 

Gold sieht Dunkelrot immer toll aus, es gibt Wärme. Das ist eben 

sehr klassisch. Wohnt man in einem modernen Gebäude oder in 

einem Altbau mit Stuck? Ist ein Bild monochrom? Soll es harmonisch 

mit dem Raum mitschwingen, dann wählt man Farben aus 

dem Bild. Wünscht man sich mehr Präsenz, dann würde ich den 

Hintergrund als Kontrast wählen. Auf diese Weise nimmt man 

mehr Elemente des Bildes wahr. Geht es um einen Uecker oder einen 

Caravaggio?“, fragt die Expertin. „Geht es um nur ein einzelnes 

Bild oder eine Petersburger Hängung?“ Also mehrere Bildreihen 

übereinander. „Ich bin ja ein riesengroßer Fan von Eklektik. Ich finde 

es irre spannend, einen Altmeister neben einen Gerhard Richter 

zu hängen, um zu schauen, wie die sich behaupten. Aber es müssen 

gar nicht große Namen sein. Gegensätze. Brüche. Das eine Bild 

hat eine tolle Materialität, das andere etwas Provokantes. Farbe 

kann helfen, zwischen beiden zu vermitteln oder einen Kontrast 

noch stärker zu machen. Es geht so vieles. Man kann einen Raum 

im Goldenen Schnitt einteilen oder mit Farbe spielen und die Volumina 

von Räumen und Kunst verändern.“ Farben sind pure Emotion 

und die gilt es, für sich selbst auszuloten und umzusetzen. Alles 

geht – das wissen wir jetzt – Hauptsache kein reines Weiß ... |sd 


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EIN NEUES WILLKOMMEN _ 

IM „MKG“ IN HAMBURG 

Wer den Weg durch die trubelige Mönckebergstraße oder vom 

Hauptbahnhof zum Museum für Kunst und Gewerbe im Stadtteil 

St. Georg geschafft hat, ist erst mal gestresst und reizüberflutet. 

In dem imposanten vierflügeligen Bau von 1876 wartet 

dann neben sorgfältig kuratierten Sonderausstellungen die 

facettenreiche Sammlung mit Themen wie Antike, Design, Grafik, 

Jugendstil, Musik oder Mode. Dazu Juwelen wie die in den 

1960er-Jahren von Verner Panton gestaltete Kantine aus dem 

Spiegel-Verlag, Workshops und spannende Führungen. Die Brücke 

oder genauer die Schleuse ist das Foyer. 

Dort sollen die Besucher runterkommen, ausatmen und den 

Lärm des Draußen vergessen, um sich entspannt auf die Kunst 

einlassen zu können. Bisher war das nur begrenzt möglich. 

Durch den prächtigen historischen Windfang mit Säulen und 

farbiger Kassettendecke kam man in eine Art Verteilerkreuz, das 

zwar auch Stuck und Säulen hat, jedoch hallig und unübersichtlich 

war. Bis auf den Kronleuchter „Tide“, für den der britische 

Künstler Stuart Haygarth Plastikmüll aus dem Meer in dekorative 

Anhänger umgewandelt hat, war dieser Bereich fast monochrom 

weiß und bot wenige Möglichkeiten des Ankommens. 

Darum beauftragte Tulga Beyerle, die das „MKG“ seit Dezember 

2018 leitet, Studio Besau Marguerre mit der Verwandlung 

des Eingangsbereiches in einen einladenden, klar gestalteten 

Wohlfühlort, der die Menschen hineinzieht in Kunst und Diskurs. 

Eine bessere Wahl hätte sie kaum treffen können. Denn 

Eva Marguerre und Marcel Besau, die auch privat ein Paar sind, 

beweisen mit ihren Interieur- und Produktentwürfen für Label 

wie Vitra, Thonet oder Schönbuch immer wieder ihr besonders 

feines Gespür für Räume, Formen und Farben. 

Um ein Gefühl für die neue Aufgabe zu bekommen, mischten sie 

sich ein paar Tage unter die Besucher. Schnell war klar, die Kasse 

muss aus der hinteren Ecke als zentrales, gut sichtbares Element 

in die Mitte gezogen werden. Zwischen den ersten beiden Säulen 

nach dem Windfang, der bleibt, wie er ist, soll eine schlichte 

Polsterbank platziert werden. Dazu zwei Stehtische. Eine erste 

Verschnaufgelegenheit unter dem Kronleuchter und gleichzeitig 

ein guter Treffpunkt. Alle Besucher werden elegant rechts und 

links daran vorbei zu den Kassen geleitet. Das verhindert Stau und 

Durcheinander. Nach dem Ticketkauf kommen sie automatisch 

nach hinten zu den Garderoben. Dort gibt es auch schöne gelbe 

Schließfächer. Doch zu den Farben kommen wir später. Nach Abgabe 

von Jacke und Taschen kann man in drei Richtungen ins Museum 

starten oder vorher schon mal in eine der neuen Lounges 

in den vorderen beiden Flügeln gehen. „Auf der rechten Seite, wo 

auch der Buchladen ist, haben wir einen langen Tisch geplant, auf 

dem es vertiefende Literatur zu den aktuellen Ausstellungen ge- 


en wird. Hier können auch mal Workshops oder Lesungen stattfinden“, 

beschreibt Eva Marguerre die Idee. Außerdem werden 

Videos zu wichtigen Themen wie „Looted art“, also Beutekunst 

gezeigt. Dann ist da noch die Wand mit den Ausstellungsplakaten. 

„Die sind ja Geschichte des Hauses und auch Kunstwerke.“ 

Links hinter dem Eingang soll eine eher klassische Lounge mit gemütlichen 

Sofas des jungen Berliner Labels „Objekte unserer Tage“ 

(kurz OUT) zum Ausruhen oder Warten entstehen. Hier hängen 

neun große Rahmen, die von Stipendiaten des „Fonds für Junges 

Design“ bespielt werden. „So holen wir die Kunst schon rein ins 

Foyer, aber auf eine leichte Weise. Das soll Spaß machen und die 

Vorfreude wecken“, sagt Eva. Während wir mit ihr sprechen, kümmert 

sich Marcel übrigens um den 7-jährigen Sohn Lio und die ein 

Jahr alte Tochter Ivy. Der Babysitter ist kurzfristig ausgefallen. Marcel, 

der zuvor noch per Laptop an einer Jurysitzung teilgenommen 

hatte, wurde von seiner Frau gerade abgeklatscht. Nicht nur beim 

Entwerfen sind die zwei ein perfekt eingespieltes Team. 

„Perfekt eingespieltes Pingpong“, beschreiben Eva Marguerre 

und Marcel Besau ihre Entwurfsarbeit. Bei der Neugestaltung 

des Foyers im Hamburger Museum für Kunst und Gewerbe ist 

Farbe Signal und Stimmungsmacher. Leuchtend blau sind die 

Kassen als zentrales Element oben. Abgestufte Rosétöne und 

warmes Gelb sorgen in den neuen Lounges für Gemütlichkeit. 


59


Behaglichkeit bringen sie mit weichen, warmen Materialien in 

das Foyer des MKG. Holzoberflächen, Wollstoffe oder handgetuftete 

Teppiche. Letztere sind die Fortsetzung ihrer Serie „Rib“ für 

das Berliner Label Reuber Henning. Halbrund laufende Vorhänge 

verbessern die Akustik und erhöhen den Wohlfühlfaktor in den 

Lounges. „Sie sind wie eine Umarmung“, sagt Eva. Rundungen 

sind wichtiges Gestaltungselement des Entwurfes. Sie leiten sich 

aus den Rundbögen des historischen Gemäuers ab und sorgen 

dafür, dass sich alles harmonisch zusammenfügt. Auch in den 

„Elbe“ Bänken finden sie sich wieder. Die entwarf das kreative 

Tandem seinerzeit für die Elbphilharmonie. Jetzt werden sie von 

E 15 für das MKG in Gelb gefertigt. „Bei der »Elphi« war es uns 

wichtig, dass sich alles, was wir in diese großartige Architektur 

hineinsetzen, ein Stück weit zurücknimmt und ganz zart und 

feinfühlig in Materialität und Farbigkeit ist“, erklärt Eva. „Im MKG 

braucht es aber mehr Farbe. Es geht ja um bildende Kunst und 

um Design. Das soll man im Eingang sofort spüren. Darum kann 

man es dort auch ruhig ein bisschen auf die Spitze treiben.“ Das 

Farbkonzept haben Eva und Marcel von den drei historischen Tönen 

im Windfang – ein strahlendes Blau, ein güldenes Gelb und 

ein Terrakotta-Rosé – abgeleitet. „Wir haben sie aber zeitgemäß 

interpretiert.“ Der erste Raum mit dem Kronleuchter ist neutral 

beige-weiß gehalten. Von da fällt der Blick sofort auf den leuchtend 

blauen Kassenbereich. Klares Signal: Hier geht es lang. Farbe 

ist hier also nicht nur Stimmungsmacher, sondern auch Leitsystem. 

„Das rötliche Terrakotta haben wir etwas zarter definiert 

und uns damit für die anderen Räume einen Verlauf von vier 

Nuancen ausgedacht. Die dunkelste ist immer an der hintersten 

Wand und zieht so in die Wärme und das gemütliche Ankommen 

hinein. Das moderne Gelb ist leuchtender Akzent.“ Bis alles fertig 

ist, gelangt man von der anderen Seite ins Museum. Wir freuen 

uns auf das neue „warm welcome“ in 2023! |ulrike wilhelmi 

Am Tisch in der Medienlounge rechts vom Eingang gibt es Literatur 

zu den aktuellen Ausstellungen. Darüber hängen die Leuchten 

„North“ von E 15, ein Entwurf des Duos Besau Marguerre. 

Die Plakatkunst an der Wand gehört zum Schatz des Museums. 


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DISKURS _ ÜBER ABSTRAKTION, 

MELANCHOLIE, MERKWÜRDIGKEITEN UND HUMOR 

Das nennt man wohl blickdicht. Rätselhaft, dieses Arrangement 

mit Blumentopf (Foto oben). Das Wesen daneben? Vielleicht eine 

Orange mit Gesicht? Leicht arrogant. Und ein Kopf, aufgepfropft 

auf ein Meeresgetier. Latent leidend. Skurril. Surreal. Paul Pretzers 

Werke wie das hier mit dem Titel „Functional Family“ von 2022 beschwören 

in ihrer Exzentrik Hieronimus Bosch. Der malte am Übergang 

von der Spätgotik zur Renaissance. Andere, wie „Mediterranean 

Methods“ (rechte Seite unten) aus dem letzten Jahr, erinnern 

an die kühle Distanz und Einsamkeit in Gemälden von Magritte. 

Aber vielleicht ist alles ganz anders gedacht, wenn frische Erdbeeren 

in einer Sardinenbüchse landen und das Ensemble den Titel 

„Unterschlupf“ erhält – übrigens alle drei eher kleine Formate mit 

zirka 30 auf 40 und 50 auf 60 Zentimetern. 

„Mir geht es sehr stark um eine Mehrdeutigkeit“, erklärt Pretzer, 

der 1981 im estländischen Paide geboren wurde, mit seinen Eltern 

später nach Deutschland emigrierte und in Kiel sowie in Dresden 

Kunst studierte. Sein künstlerisches OEuvre ist bemerkenswert, 

sein Output groß – und bildgewaltig. „Irgendwas zwischen eklig, 

bemitleidenswert und ein wenig komisch“ – hat Pretzer einmal 

über seine Arbeiten gesagt, die für ihn alles andere sein sollen als 

eindeutig: „Je mehrdeutiger, desto besser. Und je nachdem, wie 

der Betrachter geartet ist, pendelt das eher in die eine Richtung 

aus oder eben in die andere. Ich versuche bewusst, einen Zustand 

zu erreichen, bei dem man nicht weiß, worum es geht. Das könnte 

dieses oder jenes sein. Davon leben am Ende die Bilder.“ Das hört 

sich sehr konkret und rätselhaft zugleich an. Möchte der Maler mit 

Wahlheimat Barcelona (natürlich wegen der Liebe) uns mit seinen 

Ausführungen noch weiter verwirren? 

„Hhm. Die Bilder werden ja auch so merkwürdig, weil ich sie formal 

und abstrakt denke. Manchmal merke ich beispielsweise, dass 

noch irgendetwas ins Bild muss, um die Komposition zu klären – 

in einer bestimmten Größe und einer bestimmten Farbe. Das ist 

sozusagen der erste Gedanke. Dann überlege ich, was das für ein 

Ding sein könnte. Und manchmal wird durch die Größe und die 

Farbe der Inhalt bestimmt. Dann denke ich mir irgendein Teil aus, 

das ins Format passt, aber inhaltlich irgendwie sehr seltsam ist. 

So entstehen »strange« Situationen – und die Leute fragen sich 

vielleicht: Wie kommt er denn jetzt dazu, das so zu kombinieren? 

Aber am Ende ist es eine formale und farbliche Entscheidung. 

Wenn es dann beispielsweise eine Apfelsine ist, dann kann die neben 

den anderen Dingen sehr befremdlich wirken. So entstehen 



rätselhafte Welten.“ Eigentlich erklärt Pretzer damit einen Ansatz 

aus der abstrakten Malerei. Trotzdem stellt sich die Frage, wie 

viele Gegenstände der Maler im Kopf mit sich herumschleppen 

muss und woher sie kommen? „Das frage ich mich manchmal 

auch. Das sind für mich die besten Momente. Ich mache was, stehe 

selbst da und schüttle den Kopf. Und frage mich: Wie? Woher 

kam das jetzt? Doch ich glaube einfach auch an den Musenkuss 

und göttliche Eingebung. Etwas, das wir nicht kontrollieren können. 

An manchen Tagen bin ich voller Ideen und an anderen fällt 

mir gar nichts ein. Aber wenn ich dann in ein Museum gehe, finde 

ich immer wieder Dinge, die mich inspirieren.“ 

Das mag für Pretzers Farbenpracht und Kompositionen gelten, 

doch seine Bildwanderungen zwischen Humor und Melancholie 

sind etwas anderem geschuldet. „Das Leben ist sehr facettenreich. 

Es ist wahnsinnig schön und gleichzeitig wahnsinnig brutal und 

grausam. Ich finde, das spiegelt sich – und sollte sich auch in der 

„Meine Bilder leben von Figuren, die extremes Mitgefühl erzeugen 

– von emotionalen Momenten. Das ist ein guter Einstieg 

ins Bild“, erklärt sich Paul Pretzer, der es schätzt, wenn manche 

Dinge unausgesprochen bleiben. Der Künstler lebt und arbeitet 

inzwischen in Barcelona. Links: Ein Kalamar lässt grüßen. Titel 

der Arbeit von 2021: „Mediterranean Methods“. Schön schaurig. 


63


Paul Pretzer vor einer Ausstellungswand mit zwei 

charakteristischen Werken. Humorvoll, ironisch und 

immer vielschichtig. Für eine Ausstellungsinstallation 

entstand die Tapete im Hintergrund, die ein 

Sammler beim Kauf gleich dazu erwarb. Sie wurde 

dafür nochmals gedruckt. Unten: „The Best Day of 

My Life“ (2022) im Pretzerschen Kleinformat: 28 x 

19,6 cm. Rechts Pretzers Arbeit „Schwanenlied“ mit 

eindeutig politischer Aussage (2021), 44 x 38 cm, Öl 

auf Holz. Über die Berliner Galerie Feldbusch Wiesner 

Rudolph und Marc Straus Gallery in New York. 

© Michael Dressel 

Kunst widerspiegeln. In diesem Spannungsfeld befinden sich meine 

Bilder. Manchmal ganz humorvoll und dann sehr krass. Die Kompositionen 

sind sehr streng und durchkomponiert – und doch ist da 

immer dieser absurd lustige Inhalt. Dadurch ergibt sich aber auch 

Spannung, weil unterschiedliche Pole in einem Bild vereint sind.“ 

Und so entsteht eine magische Ausstrahlung, die polarisiert. 

Vor lauter Begeisterung erwarb ein Käufer sogar die Tapete hinter 

einem Werk, die für eine Messe-Installation entstanden war. Ein 

Ausschnitt des Bildes war dafür horizontal gespiegelt und axial 

aneinandergereiht worden. Pretzer freute sich über diese weitere 

„Irritation“, die ganz nach seinem Geschmack ist. Die Tapete wurde 

extra nochmals reproduziertreproduziert – eine Analogie auch zu 

Pretzlers Werk, in dem bestimmte Motive ebenfalls wiederholt auftauchen. 

„Die Leute fragen: Was haben Sie denn zwischendurch gemacht?“ 

Dieses Phänomen bleibt ungeklärt, schließlich soll sie das 

Publikum im Kopf behalten und gegebenenfalls in neuem Zusammenhang 

betrachten. Wie schön, dass viele Werke Pretzers kleinformatig 

sind und so zu Hause noch ein Plätzchen finden. „Mein 

Professor in Dresden hat immer gesagt: »Das kleine Format schaut 

man mit dem Herzen an, das große Format mit dem Kopf.« Da hatte 

er irgendwie recht. Beim Kleinformat gibt es eine andere Intimität. 

Wenn es um die Gefühlsebene in der Malerei geht, ist es stärker. 

Man kann die Sachen kompakter präsentieren, und die Leute haben 

einen besseren Bezug dazu.“ Es sind echte Kabinettstückchen. |sd 




65


GRUNDSÄTZLICHES _ WAS SIE 

SCHON IMMER ÜBER GALERISTEN WISSEN WOLLTEN 

Mal ehrlich, Kunstgalerien gibt es inzwischen wie Sand am Meer. 

Unsere Aufgabe als Magazin ist es, zu sieben und Ihnen Glücksfunde 

zu präsentieren wie die Züricher „Mai 36 Galerie“, die auf drei 

Etagen Erstaunliches auf die Beine stellt. Ihr Künstlerportfolio liest 

sich wie das Who‘s who der Szene: Ruff, Balkenhol, Mapplethorpe, 

Ackermann. Nach welchen Kriterien wählen die verantwortlichen 

Galeristen Victor Gisler (oben rechts im Bild) und sein Sohn, Galerie 

Manager Henri Gisler (links), ihr Programm aus? „Wir sind eine Programmgalerie, 

die seit über 35 Jahren tätig ist“, erzählt Henri Gisler. 

„Unsere künstlerischen Positionen sind langsam über die Jahre 

zustande gekommen und teilen spezifische Inhalte, Ansätze oder 

Kontexte. In den Anfängen der Galerie stand das Thema Text & Bild 

im Vordergrund, mit Künstlern wie John Baldessari oder Lawrence 

Weiner. Außerdem haben wir uns früh mit damals neuen Medien 

wie Fotografie und Video beschäftigt. Darauf aufbauend ist das 

Programm dann organisch gewachsen. Das bedeutet, wir arbeiten 

langjährig mit Künstlern zusammen und stellen diese wiederholt 

aus, um eine konstante Sammlerschaft aufzubauen und gemeinsame 

Publikationen und institutionelle Ausstellungen aufzugleisen. 

Dadurch sind wir sehr bedächtig bei der Aufnahme neuer 



Von außen ahnt man kaum, was Victor 

Gisler und sein Sohn Henri auf drei Etagen 

inszenieren. Ihre „Mai 36 Galerie“ – der 

Name resultiert aus der ursprünglichen 

Luzerner Adresse in der Maihofstraße 

36 – ist ein Mekka für Connaisseure. 1996 

folgte der Umzug nach Zürich. Mit ihren 

Künstlern und Künstlerinnen sind die Gislers 

unter anderem auf Messen wie der Art 

Basel, Art Basel Miami Beach und deren 

Format in Hongkong, Frieze London und 

Fiac Paris vertreten. Rechts eine Show mit 

Michel Pérez Pollo im 2. OG. , unten: 

Thomas Ruff im Erdgeschoss der Galerie. 

Künstler und Künstlerinnen. Um gerade diesen die Möglichkeit zu 

geben, bei uns auszustellen, und um ein jüngeres Publikum kennenzulernen, 

starteten wir »36.1 Projects«. Das Format funktioniert 

als Project Space, als Labor, unabhängig vom Galerieprogramm. 

Hier präsentieren wir Einzelausstellungen junger Persönlichkeiten, 

die uns auffallen und durch ihre Eigenständigkeit überzeugen“, so 

Gisler junior der alles kuratiert und organisiert. 

1987 gründete Victor Gisler die Galerie und legte damit den Grundstein 

für eine Erfolgsgeschichte, die inspirierende Ausstellungen 

und Publikationen dokumentieren. Wie definieren Kunsthändler 

dabei ihre Aufgabe? Mehr als Galerist oder mehr in Richtung Kurator? 

„Es sind drei Aspekte“, so Gisler: „Show. Tell & Sell. Wir bieten 

eine öffentlich zugängliche und für Besucher kostenlose Plattform, 

wo künstlerisches Schaffen überhaupt gesehen werden kann, wo 

Leute die Kunst für sich entdecken können. Wir funktionieren als 

verlängerter Arm unserer Protagonisten. Wir vermitteln künstlerische 

Ideen, sind Botschafter und arbeiten täglich daran, die 

Arbeiten den Besuchern und unserem kulturellen Umfeld näherzubringen. 

Es geht darum, Kontexte, Formen und Inhalte, soziale 

Fragen und theoretische Ansätze professionell und respektvoll zu 

vermitteln.“ Der „Sell“-Teil dürfte klar sein, bei dem es darum geht, 

ausgestellte Werke an Museen, Institutionen und Privatsammlungen 

zu verkaufen. „Als Plattform dienen unsere Ausstellungen, 

Kunstmessen und unser Online-Auftritt.“ Anstatt in einer virtuellen 

Show nur Werkabbildungen aneinanderzureihen wie in einem 

Online-Shop, entstehen für die Internetpräsenz von Mai 36 virtuelle 

Räume, in denen komplette Ausstellungen digitalisiert werden.


Dafür arbeiten die Gislers mit Architekturstudenten 

der ETH-Zürich zusammen. Wohl 

wissend, dass „die Erfahrung einer virtuellen 

Ausstellung und die Betrachtung einer 

Abbildung eines Kunstwerks nicht annähernd 

vergleichbar sind mit der Erfahrung 

beim Betrachten des Originals. Selbst ein 

virtueller Besuch mit den fortgeschrittenen 

Virtual-Reality-Brillen macht einer direkten 

Erfahrung derzeit keine Konkurrenz. Virtuelle 

Ausstellungen geben uns aber Möglichkeiten, 

Kunst für Leute aus der ganzen Welt 

zugänglich zu machen“, so Henri Gisler und 

ergänzt etwas sehr Wesentliches: „Außerdem 

müssen wir keine Kunstwerke durch 

die Welt transportieren. Solche Gedanken 

motivieren uns, hier weiter zu experimentieren 

und ganz vorne dabei zu sein.“ 

Kunst. Was machen wir mit ihr? Oder macht 

sie eher etwas mit uns? Welche Frage hat 

für den Galerie-Manager größere Relevanz? 

„Was macht die Kunst mit uns? Im Idealfall 

zeigt uns ein Kunstwerk einen Zusammenhang und einen neuen 

Blickwinkel auf und führt zu einem neuen Erkenntniswert über die 

Welt und sich. Die Voraussetzung dafür sind Neugier und die Bereitschaft, 

seine eigene Wahrnehmung zu hinterfragen. Selbstverständlich 

kann uns Kunst auch einfach über das Schöne und Erhabene 

erfüllen, das dem Werk inne ist.“ |stephan demmrich 

Oben ein Blick ins 1. OG der Galerie mit zwei Arbeiten von 

Stephan Balkenhol. Unten eine Einzelausstellung im Erdgeschoss 

mit Albrecht Schnider. „Der Kunstmarkt ist viel schneller und 

globaler geworden. Preise können in wenigen Jahren explodieren. 

Durch die exponentielle mediale Vernetzung der Gesellschaft“, so 

Henri Gisler, für den gerade figurativer Malerei angesagt ist. 



BRONZEZEIT _ KUNST UND 

KULT AUS WESTAFRIKA 

Sich als Europäerin in einem Land wie Burkina Faso niederzulassen, 

zeugt von echter Passion und dem Wunsch etwas bewegen 

zu wollen. So erging es der Französin Ambre Jarno. „In meiner 

Kindheit bin ich bereits mehrfach nach Afrika gereist und habe 

dieses Land lieben gelernt. Als ich 2012 das Angebot erhielt, für 

einen französischen TV-Sender in Burkina Faso zu arbeiten, ergriff 

ich die Gelegenheit. Das war eine der erfüllendsten und 

herausforderndsten Erfahrungen meines Lebens“, erzählt Jarno. 

Während dieser beiden Jahre tauchte sie tief in die westafrikanische 

Lebensweise ein und entdeckte ihre Leidenschaft für die 

traditionellen Kunsthandwerkstechniken sowie für die reiche 

Historie der ethnischen Gruppen. Von den Künsten der Senufo 

und Mossi bis hin zu den verschiedenen westafrikanischen Kulturen 

erschloss sich für Jarno eine neue Welt, deren Geschichten 

sie weiterverbreiten wollte. „Sie halfen mir, das kulturelle Wissen 

und die zwischenmenschlichen Fähigkeiten zu entwickeln, 

die mich dazu bewegten, mein eigenes Unternehmen zu gründen.“ 

2017 war es soweit. Ihr Design-Atelier „Maison Intègre“ mit 

Sitz in Paris wurde aus dem Wunsch heraus geboren, das handwerkliche 

Erbe Westafrikas und insbesondere die Wachs-Bronzeguss-Technik, 

die in Burkina Faso eine starke Tradition besitzt, 

zu fördern und zu zelebrieren. Jarno betrachtet das Handwerk 

als eine universelle Sprache, die keine Grenzen kennt. „Wir fertigten 

die ersten Stücke mit nur wenigen Leuten, arbeiteten in den 

Höfen meiner Handwerker und deren Familien in der Nähe“, berichtet 

sie. In der Hoffnung, ihr Verständnis für Bronze zu vertiefen 

und den Handwerkern bessere Arbeitsbedingungen bieten 

zu können, richtete sie Anfang des Jahres eine Werkstatt in der 

Hauptstadt Ouagadougou ein, in der etwa 15 Kunsthandwerker 

beschäftigt werden. „Mit diesem Projekt wollen wir die Gemeinschaft 

unterstützen. Wir haben in einige neue Werkzeuge und 

Ausrüstung investiert, um mehr Sicherheit zu gewährleisten. 

Außerdem habe ich drei französische Bronzeschmiede dazu eingeladen, 

einen Monat in Ouagadougou zu verbringen und ihr 

Wissen mit uns zu teilen.“ 

Burkina Faso gehört zu den Ländern mit der am schnellsten 

wachsenden Vertreibungskrise der Welt – mit über zwei Millionen 

Binnenflüchtlingen seit 2020. „Etwa 40 Prozent des Landes 

befinden sich außerhalb der staatlichen Kontrolle. Unser Projekt 

braucht dringend Unterstützung. Es gibt keine Touristen mehr 

und die wirtschaftlichen Möglichkeiten für Kunsthandwerker, 

ihre Arbeiten zu verkaufen, sind somit nicht mehr gegeben. Die 



Linke Seite unten: Maison Intègre-Gründerin Ambre Jarno 

und Designer Noé Duchaufour-Lawrance auf dem Werkstattgelände 

in Burkina Faso. Die beiden Kreativen arbeiten vor 

Ort Hand in Hand mit den lokalen Bronzeschmieden zusammen. 

Diese Seite: Die Wandobjekte sind eine Hommage an die 

westafrikanischen Ritualmasken. 

Herausforderung für uns besteht darin, diesen Menschen ein 

regelmäßiges Einkommen und ein Minimum an Aufträgen zu 

sichern. Das ist nicht einfach, denn wir brauchen ein gewisses 

Umsatzvolumen, damit sich die Werkstatt trägt und täglich 

funktioniert. Deshalb arbeiten wir jetzt an der Gründung einer 

Stiftung, um die Familien unserer Bronzeschmiede zu unterstützen 

und den Zugang zu Bildung und medizinischer Versorgung 

für die gesamte Gemeinschaft zu gewährleisten.“ 

Ein erheblicher Gegensatz zu Europa, wo das Kunsthandwerk 

als Teil des kulturellen Erbes betrachtet und staatlich gefördert 

wird. Jarno: „Was dieses Metier in Europa und Westafrika 

unterscheidet, ist der Zugang zu Bildung. Die Arbeit im Handwerk 

wird insbesondere in Europa hoch geschätzt und hat meist 

wirtschaftliche Perspektive. Es gibt viele Kunsthochschulen und 

Einrichtungen, in denen man einen Beruf oder technische Fertigkeiten 

erlernen kann. In Burkina Faso existieren diese Möglichkeiten 

nicht. Für ein Land, das mit extremer Armut und einer Sicherheitskrise 

konfrontiert ist, hat dieser Aspekt keine Priorität. 

Dieses Know-how ist in Gefahr und droht gänzlich zu verschwinden. 

Die Kunsthandwerker, mit denen ich zusammenarbeite, haben 

das Bronzegießen durch Freunde oder Familienangehörige 

oder durch Zufall erlernt, weil sie auf der Suche nach einer Arbeit 

waren und einen Platz in einer Werkstatt gefunden haben.“ 

Maison Intègre geht es nicht nur um den Verkauf von Objekten, 

sondern vor allem um die Schaffung eines ethischen Umfeldes. 

„Handwerkliche Tätigkeiten sind in Burkina Faso ein unvermeidlicher 

Teil des täglichen Lebens. Die Menschen sind darauf angewiesen 

das zu nutzen, was ihnen zur Verfügung steht, um 

zu produzieren und zu schaffen. Alles wird wiederverwendet, 

repariert, umgestaltet, ohne dass dies die betreffenden Gegenstände 

und ihre Funktion schmälert. Bräuche und Traditionen 

sind nach wie vor im Leben verwurzelt, und das ist das Schöne 

am (manchmal) harten Alltag in einer Stadt wie Ouagadougou“, 

sagt die Französin. Für die neueste Kollektion der „Edition Maison 

Intègre“ holte sich Jarno mit dem französischen Designer 

Noé Duchaufour-Lawrance einen gleichgesinnten Landsmann 


71


ins Boot. „Nachdem wir uns 2018 in Paris zum ersten Mal getroffen 

hatten, entdeckten wir, dass Maison Intègre und sein 

Projekt »Made in Situ« vieles gemein haben und entschieden, zu 

kooperieren. Ein Jahr später lud ich ihn zu einer Reise nach Burkina 

Faso ein, da ich wusste, dass er für die Schönheit des lokalen 

Handwerks, das damit verbundene Know-how und die Kraft des 

Materials Bronze empfänglich sein würde. Ich zeigte ihm auch 

Bilder von den typischen Objekten und Formen in Tiébélé, einem 

traditionellen Kassena-Dorf im Süden – eine rote Zone, die 

heute nicht mehr zugänglich ist, die ich allerdings vor einigen 

Jahren noch bereisen durfte.“ Auch Duchaufour-Lawrance ist 

ein Fan der westafrikanischen Kultur und besichtigte bereits vor 

fünfzehn Jahren die Bandiagara-Felsen in Mali – ein Nachbarland 

Burkina Fasos – die heute aus Sicherheitsgründen nur noch 

schwer zugänglich sind. Dort entdeckte er aus einem einzigen 

Stück Holz gefertigte Leitern, die insbesondere in den Kulturen 

der Dogon und Lobi weit verbreitet sind (Bild rechte Seite oben). 

Die ikonische Y-Form inspirierte ihn zur gleichnamigen Leuchte, 

die er 2022 neben sechs weiteren skulpturalen Objekten für die 

„Edition Maison Intègre“ kreierte. „Die Idee, nur ein einziges Material 

zu verwenden, hat mich wirklich angesprochen. Ich war 

beeindruckt von der schlichten Y-Form und ihrer Zerbrechlichkeit: 

Sie steht auf nur einem Bein. Lediglich die beiden Arme, die 

nach oben zeigen und an die Oberfläche gelehnt sind, geben ihr 

Halt und Stabilität“, so der Designer. 

Mithilfe des Wachsschmelzverfahrens wird das Objekt zuerst 

in Wachs modelliert, bevor es in Bronze gegossen wird. „Ich liebe 

die Magie dieses natürlichen Bienenwachses, mit dem man 

neue Stücke erschaffen kann. Aber es ist wirklich kompliziert zu 

handhaben, besonders in einem Land, in dem die Außentemperatur 

über 45 Grad betragen kann. Die Locals Denis Kabre, Harouna 

Porgo oder Hamadou Aidara beherrschen diese Technik 

meisterhaft, und ich bin jedes Mal aufs Neue begeistert, mit ihnen 

zusammenzuarbeiten und von ihnen zu lernen.“ Was Jarno 

in Westafrika vor allem gelernt hat, ist geduldig zu sein, an ihre 

eigenen Ideen zu glauben. „Die Kunsthandwerker waren es nicht 

gewohnt, Möbel und Gegenstände für Innenräume zu gießen. 

Das war neu für sie, und wir mussten gemeinsam neue Ansätze 

und Techniken finden. Mit den Stücken der Edition Maison Intèg- 



re haben wir uns sozusagen auf unbekanntes Terrain begeben 

und neue Anwendungsmöglichkeiten für Bronze erkundet“, sagt 

sie und ergänzt: „Durch dieses Projekt habe ich erfahren, dass 

die Kulturindustrie ein Hebel für Wachstum und Entwicklung in 

diesem Teil der Welt sein kann. Ich habe auch den Umgang mit 

neuen Texturen, Farben und Formen zu schätzen gelernt und 

Perfektion mit anderen Augen zu betrachten.“ Momentan arbeitet 

die Französin mit Hochdruck an der Gründung ihrer Stiftung, 

um weitere Gelder zu beschaffen, „damit dieses Projekt auf Dauer 

Bestand hat. Ich habe eine Gemeinschaft, für die von dieser 

Arbeit sehr viel abhängt, und ich möchte ihr meine volle Unterstützung 

zusichern.“ 

Wenn sie sich etwas wünschen dürfte, dann würde sie gerne 

mit dem burkinischen Architekten Francis Kéré für ein Projekt 

zusammenarbeiten. „Ich bewundere ihn sehr und hatte die Gelegenheit, 

»Operndorf Afrika« zu besuchen, ein internationales 

Kunstprojekt, das seit 2009 in Burkina Faso realisiert wird und 

auf der Idee des deutschen Künstlers Christoph Schlingensief 

und seinem Entwurf beruht.“ 

|anke gungl 

Linke Seite: In der Werkstatt wird das uralte Know-how des 

Bronzegusses zu neuem Leben erweckt. Ein Highlight aus der 

neuesten Edition von Maison Intègre ist die „Y“-Leuchte linke 

Seite oben und diese Seite rechts. Der französische Designer 

Noé Duchaufour-Lawrance entwarf eine skulpturale Neuinterpretation 

in Anlehnung an die Lobi-Leiter Bild oben, ein traditionelles 

und weit verbreitetes Objekt in Westafrika. 

© Alle Fotos Sophie Garcia & Ambre Jarno 


73

CARTE BLANCHE ! 

CARTE BLANCHE 

IST EIN UNKONVENTIONELLES FORMAT 

VON WOHN!DESIGN. IN JEDER AUSGABE 

BITTEN WIR EINE PERSON AUS DEM 

WELTBETRIEB DER GESTALTUNG, SICH 

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EINZUBRINGEN. DAFÜR GIBT ES VON UNS 

ABSOLUT FREIE HAND. WAS GEHT IN 

DEN KÖPFEN VON DESIGNER(INNEN) AB? 

WIE SEHEN DIE INSPIRATIONSQUELLEN 

FÜR PRODUKTE UND BAUTEN AUS? WAS 

BESCHÄFTIGT SIE GERADE? DAS SIND 

UNSERE FRAGEN. HIER KOMMT DIE 

FÜNFZEHNTE ANTWORT. 

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74 


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aus dem kosmos 

der kultur: 

das feuilleton 

zweiter jahrgang 

06 / 2022 

esprit?libre 

Tania Kibermanis trifft an der SPEAKERS’ CORNER eine Trübtasse und schäumt 

Vom Tanz des Vertrauens des großen Herbert List erzählt Kathrin Baumstark 

und Kalin Aenstoots disputiert mit Goethe über die Räder des Weltganges 

Nahrhafte Glückskekse über die Welt als Wunder und überschätztes Lächeln 

Best Books und Kurzgebratenes von hier und dort 

Mit seiner LETZTEN KIPPEfroh und reich 

und Thomas Brasch spricht im Gedicht vom Lärm in jeder Zeile.

FOTOGRAFIE: EVELYN RICHTER -> KUNSTPALAST.DE 

Evelyn Richter: Selbstinszenierung. TU Dresden, 1952, 

 

der .

KURZ GEBRATEN 

86 | Meldungen von hier und da und dort 

SPEAKERS’ CORNER 

87 | Verdammt gut gecastet – Tania Kibermanis macht einen Termin 

FOTOGRAFIE 

88 | Tanz des Vertrauens 

 

Kathrin Baumstark über wahre Abbilder 

NAHRHAFTE GLÜCKSKEKSE 

94 | Tiziano Terzani, Die Welt, ein Wunder! 

Annie Leibovitz, Lächeln? Nein danke 

 

BEST BOOK × 4 

 

LOVELY DESIGN 

96 | Klarheit in allen Verhältnissen? 

Kalin Aenstoots zeigt die Grenzen einer Goethe’schen Weisheit 

DIE LETZTE KIPPE 

100 | froh&reich 

 

DAS GEDICHT 

101 | Thomas Brasch, Die unruhige Wüste 

Ich mag keine Landschaften. Nur Menschen und Plastikblumen. 

 

Ich würde mein ganzes Leben retuschieren.

KURZ GEBRATEN 

Warme Bude, adé – und auch am Arbeits- 

 

russische Gashahn zu, dürfen Büros bald 

nur noch bis maximal neunzehn Grad 

 

alle, die erst bei höheren Gradzahlen 

auf Betriebstemperatur kommen: 

discher 

Ausfallschritt, dafür Berghüttenerprobt 

und 

 

und lassen Arbeitnehmerfüße förmlich 

glühen. Derart bekleidet, lassen sich hitzige 

Wohlfühltemperatur-Debatten cool aussitzen 

– gas- und stromfrei. 

fellhof.com 

Das Weihnachtsfest steht vor dem Tor – 

 

auf der entspannteren Seite. Kürzlich 

restauriert und neu aufgelegt: die legen- 

 

Weihnachtslieder«, aufgenommen 1975 

mit dem Thomanerchor und der Dresdner 

Staatskapelle. Als einer der meistverkauften 

Tonträger der DDR 

 

 

dem unverkennbaren Timbre eines der 

bedeutendsten Tenöre des 20. Jahrhunderts 

 

berlin-classics-music.com 

 

 

 

 

 

 

präsidialen Touch. 

erzgebirge-palast.de 

 

liche Tannen, von Zuckerbäckern groß zügig 

bestäubt: 

 

In Zeiten siechender Wälder und Meere 

erfreut uns der Fototapeten-Anbieter mit 

 

schon sein. Motive gibt es reichlich, auch für 

die Kleinsten: Sie stromern durch insekten- 

 

 

 

 

erhalten bleiben. 

rebelwalls.com/de/fototapeten 

 

 

 

 

Jetzt noch campen? 

 

Karl lächelt milde, 

 

 

camping-losheimamsee.de 

86/87

SPEAKERS’ CORNER 

Verdammt gut gecastet – 

Tania Kibermanis macht einen Termin 

Snerinnen 

– vor allem um deren Behördenkram, denn das kann ich am besten. Ich 

 

 

 

 

 

und kam nicht. Ich vereinbarte mit der zuständigen Sachbearbeiterin einen Termin, 

 

Doch vor dem Gesetz steht laut Kafka bekanntlich immer ein Türhüter – am Job- 

 

Ich: »Wir haben einen Termin mit Frau Schmidt.« 

Trübtasse: »Das kann gar nicht sein, die Sachbearbeiterin ist heute auf einer 

Konferenz.« 

In diesem Moment ruft Frau B.: 

Trübtasse: 

Ich (inzwischen etwas ungehalten): »Woran liegt es, dass das Geld noch nicht an- 

 

Trübtasse: »Das kann ich Ihnen leider nicht sagen, dafür müssen Sie einen Termin 

machen.« 

Ich (schwerer atmend): 

Trübtasse:mern 

…« 

Ich (unter Wahrung eines letzten Restes Contenance): »Ich habe einen Termin 

gemacht, 

 

Ich rufe also eine der Jobcenter-Nummern an, der Sachbearbeiter in der Leitung sagt 

mir, ich soll doch einen Termin machen. »Der Antrag ist in Bearbeitung.« 

Ich (jetzt laut): »Der Antrag ist bereits bearbeitet, ich habe doch den Bescheid vor- 

 

Sachbearbeiter: 

einen Termin …« 

Im Hintergrund läuft wieder die Sachbearbeiterin vorbei, die auf einer Konferenz ist. 

- 

 

 

 

Tania KibermanisFrankfurter Rundschau, die taz, 

 

Spleen Royale

FOTOGRAFIE 

Tanz des Vertrauens 

» 

 

 

 

 

« 

 

. 

Inen: 

Künstler, Schriftstellerinnen und Schauspieler, die 

 

 

im Italien der 1950er Jahre und im geteilten Deutschland 

der 1960men 

von Menschen, die für ihn als Fotograf bedeutend 

 

 

1936 

 

schreibt: 

»Voraussetzung für ein überzeugendes 

sönlichkeit 

des Darzustellenden. Von einem Men- 

 

- 

 

damals die ganz eigene, intime Darstellung, die List 

 

zeigen das: Die Ausgelassenheit an einem heißen 

 

Vertrautheit mit dem Fotografen machen sie zu zeitlosen 

Dokumenten von Freundschaft. 

88/89

FOTOGRAFIE 

 

List kann diese Vertrautheit auch mit seinen berühmten 

- 

 

 

seiner Skulptur Tête de mort 

 

schen 

Fotograf und Modell: Mit seiner Kamera scheint 

er den Augenblick einer Gesprächspause eingefangen 

 

 

in entgegengesetzte Richtungen blicken. 

- 

 

 

spielers 

Édouard Dermit, der nackt vor einer Tapisserie 

chischen 

Malers Yannis Tsarouchis, der einen vielsagenden 

Blick auf die Körpermitte seines männlichen 

- 

 

Tanz, der nur durch Vertrauen funktionieren kann. 

Werk und Autor 

 

vor: Bei der einen tritt das Werk, das Schaffen hinter 

den Menschen zurück, und Atelier oder Schreibstube 

sind nicht Ausstellungs-, sondern eher »Schutzraum«. 

1948 

 

mehr erkennbar, er blickt nachdenklich an der Kamera 

 

 

 

- 

 

französischen Literatur litt seit 1939ren 

 

noch verlassen, der vor ihr stehende Telefonapparat 

 

 

 

buceriuskunstforum.de, hirmerverlag.de 

90/91

FOTOGRAFIE 

Augenblicke 

1952 

Jahrzehnte zuvor begonnener Roman The Temple ihm posthum 

 

 

 

 

 

In 

Körper zur Seite gedreht, den Blick über die 

 

 

 

Foto: Das freundschaftlich-liebende Verhält- 

 

spüren, die tiefe Verbundenheit zu Auden, 

- 

 

 

nierter 

Schnappschuss, erstaunlich in seiner 

 

selten gelingen, durch einen Schnappschuss 

mehr als einen einmaligen Ausdruck, und 

mag er noch so erregend sein, festzuhalten. 

 

in einer Zeitaufnahme 

 

 

Das magische Auge, der zur 

gleichnamigen Ausstellung im Bucerius Kunst Forum im Hirmer Verlag erschienen ist. Siehe auch herbert-list.com

FOTOGRAFIE 

60 

Schnappschüsse, und auch sie lassen tief blicken, 

- 

patournee 

machte sie auch in ihrer ehemaligen 

 

 

 

 

noch als »Vaterlandsverräterin« beschimpft, auf- 

heit 

spiegeln sich in den Aufnahmen. 

Geteiltes Deutschland 

1965/66 führte List einer seiner letzten großen 

Aufträge in das geteilte Berlin. 

- 

 

 

und Werk. Der alte Maler sitzt, eingefallen und 

klein, sinnierend vor einem seiner Gemälde. Sein 

- 

 

rufen, nachdenken, den Kopf aufrichten, den 

 

 

herrschaft trotz Verbot geschaffen hatte, und sein Bild 

Lotte,1930 mit 

nur 14 Jahren das Leben nahm. List dringt tief in die Biogra- 

 

tierten 

zu erfassen«. 

 

 

92/93

Moroso 

Udine Milano London 

New York Gent 

moroso.it 

info@moroso.it 

@morosofficial 

Pacific, 2021 

Gogan, 2019 

by Patricia Urquiola 

Dew, 2009 

by Nendo 

photo Alessandro Paderni — set coordinator Marco Viola

NAHRHAFTE GLÜCKSKEKSE 

 

 

dieses Wunders zu fühlen – nicht das Du mit den 

 

 

 

 

TIZIANO TERZANI 

Tiziano Terzani, 1938 in Florenz geboren, in Europa und den 

 

 

pondent des Spiegel 

 

 

 

 

BEST BOOK × 4 

QUARTETT FÜR GROSS UND KLEIN 

94/95 

Für unruhige Nächte 

»Die Welt ist nur ein vorübergehender 

Aufmarsch grausamer Momente und 

langer trostloser Strecken, wo nichts 

passiert, als dass man Zichorien kaffee 

und Whisky trinkt und Karten spielt.« 

1860 

sich, tun sich zusammen, verdingen 

sich zunächst als Mädchen in einem 

Saloon, gehen zur Armee, metzeln 

»Rothäute«, retten das Indianermädchen 

Winona, das ihrem Leben einen 

 

 

 

lakonischen Wucht. 

Wenn Sie nicht schlafen wollen, ist 

dies das richtige Buch. 

Sebastian Barry, 

Tage ohne Ende 

Roman. 

Aus dem Englischen von 

 

 

steidl.de 

Wie tötet man, ohne daran zu 

zerbrechen? 

ren erforscht die israelische Militär- 

 

Soldatinnen und Soldaten. Spezialgebiet: 

 

 

 

 

disziplinierter und auch resistenter« 

macht. Als Abigals Sohn einberufen 

 

 

 

 

 

 

und die irritierende Lust am Töten. 

Yishai Sarid, 

Siegerin 

Roman. 

Aus dem Hebräischen von Ruth Achlama 

 

keinundaber.ch

aber dann entschuldige ich mich immer. Fast kann 

 

 

lächeln. 

ANNIE LEIBOVITZ 

Annie Leibovitz 

 

 

 

 

paar Tage den Alltag der Menschen, die sie porträtieren 

 

 

großzog. 

Italiens Kochbuchklassiker, 

 

Der Silberlöffel für Kinder eröffnet 

neue kulinarische Möglichkeiten. 

 

viel zugetraut: Arbeiten mit scharfen 

Messern und Küchenmixer oder der 

 

auch der kindliche Gaumen ist ge- 

 

Bohnen? Lammkeule mit Kräuterkruste? 

Wer bisher mit der Maus 

 

die Augen. Aber es funktioniert: 

 

Ausrüstung und Kochtechniken, 

Illustrationen erklären die Rezepte 

Schritt für Schritt. Für Köchinnen 

und Köche ab neun Jahren. 

Der Silberlöffel für Kinder 

Lieblingsrezepte aus Italien 

 

zsverlag.de 

Sprechen Sie »Eichelhäherisch«? 

 

sicher unseren Kindern – trotzdem 

 

 

Monolog gegen die Dummheit der 

 

 

 

er auch gefunden, um es ihnen zu 

 

 

 

 

Standpauke, die beschämend ist, 

 

unbedingt, zuzuhören – und natürlich 

diese neue Sprache zu lernen. 

 

Piepmatz macht Wald aus euch 

Weltrettdings für Vorangeschrittene 

 

 

leykamverlag.at

LOVELY DESIGN 

Klarheit in allen Verhältnissen – ist dem Individuum sehr förderlich, 

wenn es sich auf sich selbst beschränken will; will es aber eingreifen 

in die bewegten Räder des Weltganges, glaubt es, als ein Teil des 

Ganzen selbsttätig nach eigenen Ideen wirken, schaffen oder hemmen 

zu müssen, so geht es umso leichter zu Grunde. Goethe 

 

 

 

Träumen und Ideen hin, suchen, nach eigenen Ideen 

wirken, schaffen oder hemmen zu müssen. 

 

heim ins Spiel, dessen Vorgarten ein Schaufenster, ein 

Blick in Seelen ist: Wir schauen hindurch und sehen auf 

hingebungs- und liebevolle Kreationen, pflegeleicht, 

aufgeräumt, geordnet. Wie man sich eine Seele idealiter 

vorstellt. 

Wir danken Kalin Aenstoots für diese Fotografien aus 

 

für ein »Anzeichen gefährlicher Feinnervigkeit« hält. 

- 

 

bitte). 

Sie sind im Weihnachtsstress? Entspannen Sie sich – in wenigen Wochen schon begehen wir das immer wiederkehrende Ostern – und die neue 

Vorgarten Saison beginnt. 

96/79

LOVELY DESIGN

Wir versuchen wohl Ordnung in uns zu schaffen, so gut es 

geht, aber diese Ordnung ist doch nur etwas Künstliches … 

Das Natürliche … ist das Chaos. Arthur Schnitzler

DIE LETZTE KIPPE (für heute) 

Froh&reich 

Liebe Leserin, lieber Leser, 

in 

 

Monat mit seinen zumeist grauen Wochen und nebelnden Tagen. Allerseelen, 

Martinstag, Volkstrauertag, Buß- und Bettag, Totensonntag … 

so viele Tage der »Besinnung und des Gedenkens« kennt kein anderer 

Monat im Jahr. 

Apropos: Wie ist es Ihnen ergangen in diesem Jahr 2022, das es so in sich 

 

ropa, 

III 

 

 

 

solchen Zeiten helfen uns die schönen Dinge, im Lauf der Welt das Gute 

nicht zu vergessen. Der Besuch der Ausstellung Das magische Auge mit 

 

 

 

 

 

haben und auf das in dem Moment für uns richtige Bild oder Möbel, die 

ein anderer 

Mensch. Wir sind froh und reicher. 

Sich ab und an auf diese Kraft der Kultur zu besinnen und in eine 

 

Träume zu sehen, tut einfach gut. 

reichen 

mir, dass Sie Ihrer W!D auch im aufziehenden Jahr 2023 treu bleiben – 

denn die Welt braucht schöne Dinge. Jetzt erst recht. 

Mit herzlichen Grüßen, 

Ihr 

 

 

 

 

 

aktion-deutschland-hilft.de. 

esprit?libreWir danken 

 

/ Magnum Photos / 

 

100/101

Ihr lest keine Lyrik? Seid ihr wahnsinnig? 

maria gazzetti 

DAS GEDICHT 

thomas brasch 

Die unruhige Wüste 

 

 

in die Augen, ist es schlimm, aber still. Was sollte ich schreiben 

 

 

sagt sie und steigt aus seinem Bett, bei 

deiner Frau, in deiner Stadt, in deinem Versteck aus 

leeren lauten Wörtern. 

 

sagt sie, ist der Rückzug möglich in die eigene Lage. 

 

 

Sie nimmt ihren Mantel. Sie geht zur Tür. 

 

 

draußen in meinem Kopf die krachende Stille. 

Thomas Brasch, 

, sein Prosaband Vor den 

Vätern sterben die Söhne 

städtischen Friedhof begraben. © Suhrkamp Verlag, Berlin 1980.

XXXXXXXXX ! XXXXXX 

WOHN!DESIGN 

KUNSTEDITION NO. 18 

1 2 

KUNSTEDITION FÜR W!D LESER:INNEN 

Jedes der beiden Werke ist ein Unikat. 

Zu erwerben über info@wohndesign.de, 

Telefon: +49 (0) 711 96666 410 oder unter 

www.wohndesign.de/Kunstedition 

1 | „14 (07) 2022“, Mixed Media on Chiffon 

50 x 40 cm, 2022, zum Vorzugspreis von 1.850 Euro 

2 | 11 (07) 2022“, Mixed Media on Chiffon 

50 x 40 cm, 2022, zum Vorzugspreis von 1.850 Euro 


XXXXXXXXXXX ! XXXXXX 

Artjom Chepovetskyy (*1984 in Odessa – lebt und 

arbeitet in Frankfurt a.M.). 2007-2016 Philosophie- 

Studium an der Johannes-Gutenberg-Universität und 

Bildende Künste an der Kunstakademie Mainz. Seit 

2016 Einzel- und Gruppenausstellungen. 2022 Preis für 

Malerei der Wolfgang-Blanke-Stiftung, Mainz. 

Sein künstlerischer Prozess ist durch eine medienübergreifende 

Auseinandersetzung grundlegender Fragen der 

Malerei gekennzeichnet. Dabei greift Chepovetskyy auf 

ungewöhnliche Materialien wie Chiffon und Organza zurück. 

Mit ihrer Transparenz lotet der Künstler die Grenzen 

der Malerei aus, indem er die Zweidimensionalität des 

Mediums infrage stellt und sie durch den experimentellen 

Einsatz von Farbe und Material erweitert. Er konzentriert 

sich in seinen Arbeiten auf die fragile Ästhetik 

der von Menschen geschaffenen Zeichen, Muster und 

Formen und führt sie in die Abstraktion. So entstehen 

objekthafte Bilder, die trotz komplexer Beziehungen 

spielerische Leichtigkeit und Raffinesse ausstrahlen. 


103

REPORTAGEN ! 


KUNSTVOLL LEBEN 

Freuen Sie sich auf einen inspirierenden Exkurs durch Länder, Häuser 

und Wohnungen. So divers diese sind, die Freude am Thema verbindet. 

104 I MAILAND Hier residiert ein Männerpaar zwischen Moderne und Altmeistern 

114 I BRÜSSEL Bea Mombaers mag zeitgenössische Kunst und dazu Designklassiker 

122 I PARIS Wie wäre es mit einem Gewand für die Wand? Alte Boiserien sind chic 

132 I YUCATÁN In der Nähe von Mérida lädt uns der Künstler Javier Marín zu sich ein 

142 I CARACAS Wie sich Stararchitekt Gio Ponti zu einem Traumhaus verführen ließ 

Geile Glotze! In den Fifties richtete 

Gio Ponti dieses Office für seinen 

Auftraggeber Armando Planchart ein. 

Mehr ab Seite 142. 


105

REPORTAGE ! XXXXXX 

106 WD 6 I 2022

REPORTAGE ! MAILAND 

EKLEKTISCH? 

Klassisch? Oder doch ganz pragmatisch? Diese beiden 

Kunst-und Designliebhaber nutzen ihr Zuhause, um ihren Persönlichkeiten 

Raum zur freien Entfaltung zu geben. 

FOTOS: FRANCESCO DOLFO/ LIVING INSIDE TEXT: BENEDETTA ROSSI/ ANKE GUNGL 


107


Diese Seite: Im Schlafzimmer entschieden 

sich Paolo Castellarin und sein Mann 

Didier (in maßgeschneiderten Bademänteln 

von Etro) für kakaofarbene Emaille 

an der Wand. Bett „Natalie“ mit Bezug 

in Orange von Loro Piana entwarf Vico 

Magistretti für Flou. Rechte Seite, im 

Uhrzeigersinn: Der hellblaue Samtteppich 

sticht trotz des farbenfrohen Mixes heraus. 

Die Vintage-Hängeleuchte aus den 

1960er-Jahren neben dem Bett stammt 

von Flos. Die in der Wand versteckte 

Badewanne ziert ein Mosaik von Bisazza. 

Devon & Devon lieferten die Armaturen. 

Zierkissen auf dem Bett von Seletti. Auf 

dem Nachttisch von Moooi platzierten die 

beiden eine Tischleuchte von Flos. 




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„Ich habe mich schon immer zu schönen Dingen hingezogen gefühlt, 

seien es Designermöbel und -objekte oder historische Gebäude 

wie Wohnhäuser und Kirchen“, erzählt uns Paolo Castellarin. 

„Wenn ich meine Freunde besuchte, galt meine Aufmerksamkeit 

immer dem Interieur, den Okjekten und Räumlichkeiten. Für mich 

war das besser als jeder Süßwarenladen.“ Wir befinden uns im 

schicken Mailänder Viertel Arco della Pace, breite Alleen, der Blick 

auf den Parco Sempione, elegante Geschäfte, Clubs, Restaurants, 

kleine Bars. Der Kieferchirurg und sein Mann Didier Bonnin waren 

eigentlich nicht auf der Suche nach einer neuen Bleibe, bis sie dieses 

Apartment mit klaren mitteleuropäischen Charakteristika betraten. 

„Bevor wir diese Wohnung kauften, wohnten wir in einem Penthouse, 

ebenfalls in Mailand, aber wir sehnten uns insgeheim nach 

einer klassischeren und aristokratischeren Lage.“ 

Die Immobilie aus dem frühen 20. Jahrhundert vereint alle Attribute, 

die den beiden Kunstliebhabern wichtig sind: fast vier Meter 

hohe Kassettendecken mit Stuckarbeiten aus der Entstehungszeit, 

altes venezianisches Parkett, das freigelegt und sorgfältig aufgearbeitet 

werden musste – und ausreichend Fläche, um sich kreativ 

auszuleben. „Die Fassade des Gebäudes wurde gerade von der 

»Akademie der Schönen Künste Brera« restauriert“, sagt Castellarin. 

Für den Umbau beauftragten die beiden den Architekten 

Fabio Greco, „der ein perfektes Gleichgewicht zwischen klassisch 

und ungewöhnlich schuf, mit großem Respekt vor der Qualität der 

Materialien. Als Didier und ich uns kennenlernten, war mein Stil 

sehr minimalistisch und Didiers Geschmack absolut klassisch. Fabio 

hat es geschafft unsere Vorstellungen zu übertreffen.“ Würde 

man Castellarin heute nach seinem Stil fragen, würde er ihn wohl 

eher als eklektisch und praktisch bezeichnen: „Ich glaube, ich habe 

mehr als einen Stil, und in diesem Apartment war es mir wichtig 

meine Persönlichkeit zum Ausdruck zu bringen. Die Wohnung ist 

die Frucht dessen, wer wir jetzt als Paar sind.“ 

Geprägt hat ihn vor allem seine Kindheit in der Region Friaul-Julisch 

Venetien. „Im Vergleich zum Rest Italiens ist es eine kleine 

Region, aber man kann in 30 Minuten das Meer und die Berge erreichen 

oder wunderschöne historische Städte wie Venedig und 

Triest besuchen. Also Geschichte und Kunst, aber auch Natur, Wein 

und gutes Essen. Hier treffen die Einflüsse der venezianischen Welt 

auf jene des österreichisch-ungarischen Reiches.“ Besonders wichtig 

war es dem Paar ein Zuhause zu schaffen, „das einen umarmt, 

wenn man es betritt. Das einem Wärme und Geborgenheit gibt. 

Das gilt sowohl für uns als auch für unsere Gäste, wenn sie uns 

zum Abendessen oder zum Kaffee besuchen kommen. Wir wollten 

ein Haus mit viel Persönlichkeit, das mutig, fröhlich und lebenslustig 

ist. Dieser Wunsch entstand währends des Lockdowns“, so 

Castellarin. Und besonders die kühne Farbauswahl schafft dank 

der kontrastierenden Stile und Epochen eine warme Atmosphäre 

mit ultra-modernem Look, der teilweise an die Innenräume der 

70er- und 80er-Jahre erinnert. So auch in der Küche mit gebürstetem 

grünem Guatemala-Marmor, die zu Castellarins Lieblingsräumen 

zählt. „Meine Familie ist seit Generationen im Besitz eines 

Marmorunternehmens, Del Savio 1910, mit dem wir sowohl das 

Bad als auch die Küche gestaltet haben. Ein historisches Unternehmen, 

das von meinem Urgroßvater gegründet wurde, und auf das 

ich sehr stolz bin“, sagt Castellarin und fährt fort: „Mir gefällt sehr 

gut, was aus diesem Raum geworden ist, denn ich halte mich gerne 

darin auf. Meiner Meinung nach war die Küche schon immer 

einer der wichtigsten Räume in einem modernen Haus. Man kann 



dort allein sein, mit der Familie, mit ein paar engen Freunden, aber 

man kann auch eine Buffetparty veranstalten, wenn man möchte. 

Sie ist gesellig, gemütlich und chic.“ Das Interieur ist besonders 

vielfältig. Es gibt Gemälde aus der Sammlung von Bonnins französischer 

Familie, Möbel von italienischen Kultdesignern, Objekte, 

die Lebensgeschichten erzählen, Kunstfotografien. Im Flur fällt ein 

wunderschönes Jugendstil-Glasfenster auf (Seite 104), eine dieser 

Geschichten vom „perfekten Zufall“. „Wir haben es in einem Antiquitätengeschäft 

gefunden. Wir hatten bereits die Farbpalette für 

die Wohnung ausgewählt, und es war unglaublich, dass es perfekt 

dazu passte. Es ist über drei Meter hoch und 2,50 Meter breit, und 

es ist fast so, als würde man eine Kirche betreten. Eine wunderbare 

Überraschung.“ Dahinter verbirgt sich das Arbeitszimmer, in dem 

sich die ikonische Chaise Longue „LC4 Le Corbusier“ von Cassina 

und ein Kronleuchter von Gio Ponti für Fontana Arte befinden. Der 

Eames-Schreibtisch stammt von Vitra, und der Sessel „LC7“ von Cassina. 

In einem der Wohnzimmer dominiert der Kronleuchter „Dear 

Ingo“ von Moooi, entworfen von Ron Gilad, bewusst im XL-Format. 

Pop und Barock mischt sich mit Gemälden aus dem 16. Jahrhundert, 

einem Altarbild aus dem 17. Jahrhundert, großen Reiterbildern 

aus dem 15. Jahrhundert und Luigi Bellis „Il Madrigal“: „Wir hatten 

es bereits in unserem vorherigen Penthouse. Ich habe es Didier geschenkt, 

um uns daran zu erinnern, zu »spielen«. Es sieht aus wie 

ein Abakus.“ Eine architektonische Spielerei sind auch die beiden 

Bullaugen, die in die Wand zwischen Wohn- und Esszimmer eingebaut 

wurden – als Hommage an den Architekten und Stadtplaner 

Piero Portaluppi. „Sie sind eine Anspielung auf den Modernismus, 

eine Illusion, die einen überrascht. Wenn man den Raum betritt, 

weiß man im Grunde nicht, ob es sich dabei um einen Spiegel handelt 

oder ob man tatsächlich den Rest der Wohnung sehen kann.“ 

Sonstige Wünsche? „Leider habe ich mehr als einen Wunsch, aber 

wenn ich mich entscheiden müsste, dann denke ich, dass ich mich 

gut fühle und nichts als selbstverständlich ansehe.“ 

☐ 

Linke Seite: Über dem Esstisch von Knoll International mit Stühlen 

von Vitra schwebt Moooi-Leuchte „Dear Ingo“. Dahinter die 

in limitierter Stückzahl erschienene Installation „Il Madrigale“ 

von Luigi Belli. Reiterporträts aus dem 16. Jahrhundert. Die 

Küche von Valcucine darunter und diese Seite ist in einen Block 

aus grünem guatemaltekischen Marmor eingelassen. In den 

Regalen sammeln sich Muranoglas, Erbstücke und Geschirr. 


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IMMER IM WANDEL 

Die einzige Konstante im Leben von Bea Mombaers ist die 

Veränderung. Wie die belgische Interior-Stylistin, Designerin 

und notorische Sammlerin dennoch zu ihrer inneren Mitte 

findet, zeigt ihr Zuhause in Brüssel. 

FOTOS: JAN VERLINDE TEXT: MARKUS HIEKE 




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REPORTAGE ! BRÜSSEL 

Wenn Bea Mombaers Klienten zu sich nach Hause einlädt, ist nie 

gewiss, von welchen ihrer lieb gewonnenen Designobjekte sie 

sich schon im nächsten Augenblick wird verabschieden müssen. 

Denn fast alles in ihrer Wohnung darf man kaufen. Mal ist es nur 

eine Schale, mal ein paar Stühle. Manchmal bleibt alles wie es ist. 

Dann begibt sie sich quer durchs Land, durch Europa und die Welt 

auf die Suche nach Fundstücken für ihr nächstes Projekt, das es 

in ihrem Mombaers-typischen Stil auszustatten gilt. Die Belgierin 

ist eine viel gefragte Interior-Stylistin und Designerin. Zu ihren eigenen 

Designs zählen Taschen und Tableware für Serax und auch 

ein Sofa befindet sich in der Kollektion des Herstellers. Doch dazu 

später mehr. In der Küstenstadt Knokke, eine knappe halbe Autostunde 

nördlich von Brügge, betreibt sie den Designshop Items 

by Bea Mombaers. Als wäre sie nicht beschäftigt genug, führte 

sie hier bis vor Kurzem auch ein Bed & Breakfast. Bedauerlicherweise 

musste sie es aufgeben, weil der Vermieter ihren Vertrag 

nicht verlängern wollte. So viel sei immerhin verraten: Mombaers 

arbeitet bereits an einem neuen Urlaubsprojekt, diesmal in der 

Provence, wo sie ein altes Haus im Grünen erstanden hat. 

Dass Bea Mombaers nicht in Knokke, sondern höchst repräsentativ 

in Brüssel wohnt, liegt natürlich daran, dass sie ihre Auftraggeber 

eher hier in der Großstadt antrifft als im beschaulichen 

Urlaubsort am Meer. Wegen seiner charmanten Ähnlichkeit zum 

Haussmann-Stil der französischen Hauptstadt, vor allem aber 

wegen der vielen Franzosen, die hier leben, nennt man ihr Viertel 

auch „Le Petit Paris“. Hier lebt Mombaers, in bester Nachbarschaft 

zu Vintage-Möbel- und Antiquitätenläden, Boutiquen, Galerien, 

netten Restaurants und Cafés, auf fast 200 Quadratmetern im 

ersten Obergeschoss eines Altbaus. Gut erhaltenes Parkett, hohe 

Stuckdecken und facettierte Wände inklusive. Den größten Teil 

der Wohnfläche nehmen der zum Place Brugmann ausgerichtete 

Wohn- und der Essbereich ein. Bei Bedarf können beide Räume 

durch eine riesige, faltbare Glasflügeltür voneinander getrennt 

werden. Wer so ein Juwel findet, muss wissen, wie er es gekonnt 

bespielt – und darin ist diese Frau sichtlich Profi. 

Kein Wunder, denn seit ihrer Kindheit begeistert sich Mombaers für 

das Sammeln von Objekten. Später machte sie aus dieser Passion 

ihren Beruf und perfektionierte den Blick für das Besondere, das 

niemals abgehoben oder extravagant wirkt. „Die Dinge müssen Ge- 

Linke Seite: Bea Mombaers in ihrem Brüsseler Wohnzimmer – 

um die Hüfte eine Gürteltasche aus ihrer eigenen Lederwaren- 

Kollektion für Serax. Der Blick, rechte Seite, geht hinaus zum 

Place Brugmann, wenn er nicht auf ihren fabelhaften Design- 

Fundstücken im Raum haften bleibt. 


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Will man den Stil von Bea Mombaers beschreiben, so lässt sich 

das am besten wie folgt ausdrücken: Sie ergänzt sorgsam. Ihre 

Interieurs wirken nie überladen, nie aufdringlich, sondern haben 

eher etwas sehr Beruhigendes an sich. Was am Verzicht auf kräftige 

Farben liegen mag, ihre bevorzugte Palette bewegt sich im 

Bereich Naturweiß, Hellgrau bis zum Braun der Holzmöbel und 

des Parketts. Oft gelingt ihr das in Gemeinschaftsprojekten mit 

dem Innenarchitekten Peter Ivens – beide haben ihre Handschriften 

gewissenhaft aufeinander abgestimmt. Über ihr eigenes 

Zuhause berichtet Bea Mombears: „Es gibt zwei Schlafzimmer, 

eines für mich und eines für Freunde, dann ein großes Wohnzimmer 

mit angrenzendem Essbereich und eine große Küche am Flur. 

Ich musste nichts ändern an meiner Wohnung, außer die Küche 

schwarz zu streichen. Was den Rest betrifft, hatte ich Glück: Sie 

war sofort bezugsfertig.“ 

Auffällig beim Blick durch die Räume ist, dass die Vielreisende 

dem Hype um Zimmerpflanzen ganz und gar nichts abzugewinnen 

scheint. Ihre Interieurs wirken dadurch auf gewisse Weise 

Der Esstisch ist ein Sammlerstück, entworfen von dem Dänen 

Poul Kjærholm und umringt von wechselnden Design- 

Klassikern. Die Skulptur links von Richard van Bremen steht 

mittlerweile in Mombaers neuem alten Haus in der Provence. 

Die Silberschalen unten stammen von Annique Tapernoux, das 

Messer von der portugiesischen Künstlerin Bela Silva. 

schichte atmen“, sagt sie. Deshalb ist es ihr so wichtig, sie etwa auf Reisen 

zu entdecken und mitzubringen, ihre Vergangenheit im Wohnumfeld 

am Leben zu erhalten, ihre Geschichte fortzuschreiben. Klar, 

dass sie dafür praktisch immer auf der Suche nach Vintage-Objekten 

ist. So stieß sie zum Beispiel auch auf den runden Esstisch für 

ihr Zuhause, ein Sammlerstück aus der Feder des Dänen Poul Kjærholm. 

Als Gestell dient ein würfelförmiger Aluminiumrahmen. Die 

runde Marmortischplatte wird durch sechs eingesteckte Teile aus 

Holz erweitert, die bei Platzmangel wahlweise abgenommen werden 

können. Doch dieses Problem hat Mombaers zum Glück nicht. 

Inzwischen gibt es den Tisch als Re-Edition unter dem Namen PK54 

bei Fritz Hansen, allerdings ohne die Ansteckteile. Weil das einfach 

nicht dasselbe ist, ist es für Bea Mombaers umso entscheidender, 

Originale zu ergattern. Der Raum mit seinem prachtvollen Kaminsims 

bietet für diese einen geeigneten Rahmen. Ebenso wie für die 

Auswahl der Stühle, von denen man annehmen darf, dass sie zum 

Teil längst neue Besitzer gefunden haben: etwa der 1934 von Gerrit 

Rietveld entworfene „Zig Zag Chair“ (Van de Groenekan Edition) 

oder die beiden Formholzstühle von Charles und Ray Eames aus der 

Plywood Group (1945/46, Evans Edition) sowie ein Lederstuhl „3LC 

T“ der US-amerikanischen Gestalter und Architekten Douglas Kelley, 

Ross Littell und William Katavolos für Laverne International (1952). 

Erhellt wird das Esszimmer durch eine französische Vintage-Stehleuchte 

und ein Exemplar der Pendelleuchte „The Globe“ von Joe 

Colombo für Oluce (1964) über dem Tisch. 




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wirkt wie ein Bindeglied zwischen so unterschiedlichen Möbeln 

wie dem „Swan Chair“, den Arne Jacobsen 1958 für das SAS Royal 

Hotel in Kopenhagen entworfen hat (Fritz Hansen), und dem 1935 

von Gerrit Rietveld für das Kaufhaus Metz & Co in Amsterdam 

gestalteten „Utrecht“-Sessel (Cassina). 

„Durch die vielen Fenster kommt die Sonne den ganzen Tag aus 

einem anderen Winkel herein, und wegen dieses Lichts und des 

Blicks auf den Platz ist das Wohnzimmer mein Lieblingsraum in 

dieser Wohnung“, schwärmt Mombaers. Andererseits ist es ihr 

hier oft zu transparent, weshalb sie unlängst beschloss, in eine 

frei gewordene Nachbarwohnung direkt nebenan zu ziehen, die 

weniger Einblicke bietet. Selbstverständlich begleiten sie ihre 

Möbel dorthin: die beiden Glasfaserobjekte des in Vicenza lebenden 

Designers Robi Renzi, der Marmor-Beistelltisch „Eros“ des 

Mailänders Angelo Mangiarotti (1971 für Skipper, heute erhältlich 

über Agapecasa) ebenso wie die „Atollo“-Tischleuchte von Vico 

Magistretti für Oluce (1977), die derzeit am Boden steht. Und auch 

die Leseleuchte „Daphine Terra“ von Tommaso Cimini (1975, Lumina), 

die etwas versteckt hinter dem Sofa hervorlugt. 

verlassen, nur um jeden Augenblick mit Menschenleben erfüllt 

zu werden. Hat Frau Mombaers häufig Gäste zu Besuch? „Eher 

sind es Klienten, die sich bei mir zu Hause beraten und inspirieren 

lassen.“ Gastgeberin wird sie lieber wieder in ihrem neuen 

Bed & Breakfast in der Provence – auch wenn sie da aufgrund 

der Entfernung wohl eher seltener sein wird als zuvor in Knokke. 

Anfangs hatte sie dort sogar noch persönlich das Frühstück 

zubereitet. Doch schon lange schafft sie das bei all ihrer Reisetätigkeit 

nicht mehr selbst. 

Was ihr dagegen immer wieder gelingt, ist, Menschen von ihren 

Ideen zu überzeugen. So erzählte sie irgendwann einer Bekannten, 

wie gerne sie einmal eine Taschenkollektion entwickeln 

würde. Prompt verknüpfte diese sie mit dem belgischen Lifestyle-Label 

Serax. Es war die Geburtsstunde einer ganzen Serie aus 

Ledertaschen, Tabletts, Accessoires für den Tisch und einer zeitgenössischen 

Interpretation des orientalischen Kelims. 

Irgendwann liebäugelte Serax mit einem Sofa, das Mombaers eigens 

für ihr Bed & Breakfast in Knokke entworfen hatte – zeitlos 

und so neutral, dass es sich mit dem wechselnden Mobiliar stets 

kombinieren ließ. Der Prototyp mit schwerem Stahlrahmen stand 

lange bei ihr im Wohnzimmer, mittlerweile macht Geschäftspartner 

Peter Ivens es sich in seinem Zuhause darauf gemütlich. 

Um das Möbelstück auch für den Outdoor-Bereich nutzen 

zu können, hatte sie es schließlich um ein wetterresistentes und 

wesentlich leichteres Aluminiumgestell sowie entsprechende 

Polster ergänzt. Serax gefiel das Resultat so gut, dass sie es zur 

Freude von Bea Mombaers in ihre Möbelkollektion aufnahmen. 

Die Qualitäten des Sofas offenbaren sich im Wohnzimmer. Es 

Welche Ihrer Trouvaillen würden Sie nicht hergeben, Frau Mombaers? 

„Oh …“, überlegt sie, „wahrscheinlich den Esstisch von 

Kjærholm, der mir sehr ans Herz gewachsen ist“, lautet die wenig 

überraschende Antwort. „Und die Skulptur im Eingangsbereich“, 

ergänzt sie schnell und meint ein aus einem Baumstamm herausgearbeitetes 

Objekt. „Ich habe sie schon lange, der Künstler 

ist bereits verstorben, leider fällt mir sein Name nicht ein. Wenn 

jemand sich dafür interessiert, sage ich immer, sie sei bereits reserviert.“ 

Und alle anderen Kunstwerke in der Wohnung? Vieles 

stammt aus der Galerie ihres guten Freundes Stephane Simoens, 

der in Knokke eine Galerie für zeitgenössische Kunst führt. 

Mombaers Zuhause wird auf diese Weise zum Satelliten des 

Kunsthändlers, oft kaufen ihre Klienten die Kunst direkt mit, weil 

sie so gut zum gesamten Stil passt. Dass sie sich so auch oft wieder 

von Arbeiten trennen muss, scheint ihr ohnehin relativ leicht 

zu fallen. Zum Zeitpunkt der Fotoaufnahmen bereichert zum 

Beispiel eine kleine Schwarzweißarbeit des belgischen Künstlers 

Willem Cole auf dem Kamin im Wohnzimmer ihr Zuhause, links 

daneben an Wand und Boden zwei Werke des Briten Ross Hansen 

und zwischen zwei Fenstern ein Werk von Luc Vandervelde, der 

ebenfalls Belgier und bekannt für die Verwendung von scheinbar 

wertlosen, oft weggeworfenen Materialien ist. Auf dem Kaminsims 

im Esszimmer versammeln sich neben einer Arbeit von 

James William Murray gehämmerte Silberobjekte der belgischen 

Künstlerin Annique Tapernoux und eine Skulptur des Niederländers 

Richard van Bremen. 

Letztere darf Bea Mombaers ihr Eigen nennen und so hat sie sie 

gerade in ihr neues Herzensprojekt, ihr Haus in Frankreich, verbracht. 

Ob es da denn so aussehen wird wie bei ihr hier in Brüssel? 

Letztlich lasse sich das nicht eins zu eins übertragen. In der 

Provence werde sie ein altes Haus renovieren und einrichten, 

das einen völlig anderen Charme haben wird, wie sie erzählt. 

Doch wird man sie auch dort wieder erkennen – an ihrem 

geerdeten Stil, der Ikonen und Epochen der Designgeschichte vereint; 

kein Entweder-oder, sondern nur das Sowohl-als-auch“ kennt. 

Danke für diese Lehrstunde, Bea Mombaers! 

☐ 



Wenn Mombaers nicht gerade unterwegs ist, schläft sie hier in ihrem dem Trubel des Platzes abgewandten Schlafzimmer. Auf dem 

Nachttisch steht eine Leuchte aus Beton von Patrick Paris für Serax, hinter dem Bett ein Vintage-Hocker von Pierre Paulin und ein alter 

Paravent aus Bambus. Die beiden „925“-Sessel im großzügigen Eingangsbereich, linke Seite, wurden 1966 von Afra und Tobia Scarpa 

für Cassina entworfen. Hergestellt werden sie nicht mehr, daher kosten Sammlerstücke als Duo gerne mal 20.000 Euro aufwärts. 


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REPORTAGE ! PARIS 

KOSTBARE WÄNDE 

In der Nähe des Triumphbogens vermittelt das Atelier von Guillaume Féau eine Ahnung davon, 

wie man Räumen früher einen besonderen Rahmen und Glanz verliehen hat – sei es für Madame Pompadour, 

Jeanne Lanvin oder Sao Schlumberger. Willkommen in der faszinierenden Welt der Paneele und Applikationen. 

FOTOS: MONICA SPEZIA TEXT: ALICE IDA/ STEPHAN DEMMRICH 




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„Féau Boiseries“ ist ein Familienbusiness, 

das 1875 von Charles Fournier 

gegründet wurde. Seitdem hat es in 

der Pariser Rue Laugier seinen Sitz. 

Die Werkstatt war immer auch ein 

Archiv für Kostbarkeiten wie die blau 

gefassten Wandpaneele oben rechts, 

die aus dem Boudoir der Tänzerin 

Marie-Madeleine Guimard stammen, 

das Fragonard im 18. Jahrhundert 

ausmalte. Die meisten der Paneele 

wurden aus Eiche gefertigt. Das Büro 

von Guillaume Féau rechts und oben 

gleicht einem Kuriositätenkabinett 

und beherbergt Architekturmodelle 

und weitere Kostbarkeiten wie die 

Inka-Stühle, die für Eugénie de Montijo, 

die Gemahlin von Napoleon III., 

kommissioniert wurden. Linke Seite 

ein Rokoko-Paneel aus der ehemaligen 

Sammlung Karl Lagerfeld, auf 

das Féau besonders stolz ist. 


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Den Sessel oben von Laura Gonzalez ließ Féau mit einem Dedar-Stoff 

beziehen, dahinter Wandpaneele nach Entwürfen von Claude Nicolas Ledoux, 

einem Architekturvisionär des späten 18. Jahrhunderts. Links oben: 

Fragmente und Modellstücke aus den Anfängen des Archivs nach 1875. Sie 

dienten als Dekoration großbürgerlicher Häuser und Appartements. Links 

Rahmen, Paneele und Maquetten (frz. für Modelle), von denen sich einige 

bis in die Renaissance datieren lassen. Andere stammen aus dem Art déco 

oder – wie ein Türflügel – aus der Zeit um 1800 (rechte Seite). Vieles davon 

inspiriert zeitgenössische Nobeleinrichter wie Jacques Grange. 



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Ansichten des Etruskischen 

Raums, der einst von den 

Architekten Percier und Fontaine 

kreiert wurde und einen 

terrakottafarbenen Anstrich 

erhielt, dazu bronzierte 

Schmuckapplikationen. Einst 

gehörten sie einem General 

Napoleons, später Christian 

Dior und Loris Azzaro. Auch 

das Museum für dekorative 

Kunst Paris zeigt Teile davon. 

In Gold schimmert ein „Malraux-Vilmorin“-Tisch 

von Philippe 

Hiquily, den Féau in der 

Galerie Gastou entdeckte. 

Die Kette aus Murano-Glas 

ist ein Werk von Jean Michel 

Othoniel mit dem Titel „Collier 

Alessandrita“. Es ziert einen 

Raum mit Ledoux-Paneelen 

und einem Marmorboden 

aus der Haussmann-Zeit. 


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Wie in einem unglaublichen Labyrinth bewegen wir uns von 

Raum zu Raum. Es geht durch Gänge voller antiker Gegenstände 

und in Licht getauchte Säle. Wie in einem Privatmuseum führt 

mich Guillaume Féau durch sein Atelier. Bei einer milchig weißen 

Tafel mit vergoldetem Fries bleibt er stehen und erzählt: „Sie 

stammt aus der persönlichen Sammlung von Karl Lagerfeld.“ Und 

weiter: „Das hier hingegen“, und er zeigt auf einen saphirblauen 

Rahmen mit Blumendekor (Seite 127), „stammt aus dem Haus 

von Marie-Madeleine Guimard, einer Tänzerin und Kurtisane, die 

das kostbarste Boudoir des 18. Jahrhunderts überhaupt in Auftrag 

gegeben hatte. Fragonard malte es aus. Die übrigen Paneele 

befinden sich im Louvre in Abu Dhabi“, erklärt Féau mit einer 

subtilen Freude in der Stimme. Und es scheint, als sei er mit der 

Ehrfurcht vertraut, die seine Worte hervorrufen. 

Wir sind in Paris, in der Rue Laugier 9, im 17. Arrondissement, 

nicht weit vom Arc de Triomphe entfernt. Die auf den ersten Blick 

schlichten, an eine Werkstatt erinnernden Holzfenster, setzen 

die 1.800 Quadratmeter eines wunderbaren Ateliers ins richtige 

Licht: Eine Fensterkuppel, zwölf Meter hohe Decken und endlose 

Räume, die mit antiken dekorativen Rahmenpaneelen ausgestattet 

sind – ein Ort, an dem sich die Geschichte der Dekoration und 

die faszinierende Geschichte von Féau Boiseries überschneiden. 

Dieses Juwel des französischen Kunsthandwerks wurde im Laufe 

von mehr als zwei Jahrhunderten von drei Familien weitergeführt, 

die das Archiv hüteten – und das 1875 von Charles Fournier begonnene 

Werk fortführen, einem der berühmtesten Innendekorateure 

seiner Zeit. Hier im Atelier in der Rue Laugier schuf Fournier 

Dekorationen wie die der wunderschönen Jugendstil-Villa Rothschild-Ephrussi 

in Saint-Jean-Cap-Ferrat, des Palais Rose von Boni 

de Castellane in der Avenue Foch und des prächtigen Herrenhauses 

des Stahlmagnaten und Kunstsammlers Henry Clay Frick in 

New York, das heute die Sammlung Frick beherbergt. 

Guy und Joel Féau, Vater und Sohn, traten Anfang der 1960er-Jahre 

in das Unternehmen ein und übernahmen es damals von dem 

Innenarchitekten Raymond Grellou, der es 1917 erworben hatte. 

Beide wurden in der Schule großer Dekorateure wie Jean Pascaud 

und Stéphane Boudin ausgebildet (Letzterer verantwortlich für 

die Renovierung im Weißen Haus zu Zeiten von Jackie Kennedy). 

In der Familie Féau herrscht eine große Leidenschaft für die dekorativen 

Künste, die Guillaume und Angelique, die Kinder von Joel, 

einatmeten und dann in die Fußstapfen der Familie traten. „Ich 

bin die dritte Generation einer dreifachen Familiensaga“, lächelt 

Guillaume und erinnert sich: „Als ich das Geschäft in den Neunzigerjahren 

übernommen habe, führte ich das Unternehmen von 

einem Einrichtungsgeschäft zurück auf seine Hauptaufgabe aus 

der Zeit vor dem Ersten Weltkrieg: Heute sind wir darauf spezialisiert, 

Innenarchitekten mit wichtigen Dekorationselementen 

zu beliefern.“ Guillaume folgte damit seiner Intuition, dass dieses 

Know-how über Boiserie-Vertäfelungen und ihre aufwendige 

Tradition bei der Verkleidung subtiler Architekturen eine immer 

größere internationale Kundschaft verführen würde. 

Mit einem Archiv von Tausenden von Rahmen, Paneelen, Maquetten, 

Zeichnungen und Modellen ist Féau Boiseries ein einzigartiger 

Magnet auf diesem Gebiet. „Es ist wie ein Süßwarenladen 

für Innenarchitekten!“ Guillaume kichert mit unverhohlener 

Begeisterung. Er kennt die Herkunft jedes einzelnen Stücks und 

die Geschichte dahinter auswendig. Wir gehen durch das Archiv 

und er erzählt mir von einem Paneel aus der Sammlung Hubert 

de Givenchy, das er bei Christie‘s erworben hat, von der riesigen 

Bibliothek im Kuppelsaal (Seite 123), die Jacques Dousset, einem 

der größten Sammler des 20. Jahrhunderts, gehörte – und von 

der Miniaturensammlung in seinem Büro, die unter anderem das 

erste Schlafzimmer Napoleons darstellt. 

Im Laufe der Jahre hat Guillaume Féau eine enzyklopädische Kultur 

und ein enzyklopädisches Wissen im Bereich der Dekoration 

aufgebaut und eine unglaubliche Sammlung zusammengestellt, 

die von der Renaissance über das Art déco bis zu den 1970er-Jahren 

reicht, wobei er eine besondere Vorliebe für das 18. Jahrhundert 

kultiviert. Für das Thema Boiserie eine Kernzeit. „Ich habe 

80 Prozent unseres Archivs gekauft, nachdem ich in das Unternehmen 

eingetreten war. Wir hatten eine breite Basis, aber für 

mich ist es eine echte Leidenschaft. Auf Stücke wie diese stößt 

man nicht oft im Leben.“ Er fährt fort und gesteht: „Wir hatten 

Glück, denn sowohl das ursprüngliche Archiv als auch das Gebäude 

blieben mit den Grundstückspassagen in der Familie.“ In 

der Tat ist das historische Atelier, das in jüngster Zeit zurückerworben 

wurde, über die Jahrhunderte hinweg unverändert geblieben. 

Wie eine Zeitmaschine zieht es immer wieder zeitgenössische 

Designer wie Pierre Yovanovitch, Michael S. Smith oder 

Jacques Garcia an, treue Kunden des Ateliers, und inspiriert sie. 

„Unsere Stärke ist neben dem umfangreichen Archiv ein sehr reaktionsschnelles 

Designteam“, so Guillaume. „Wir haben 15 Leute, 

die zeichnen, und in einer Stunde kann ein Designer am Ende eines 

Besuchs den Ausstellungsraum mit einem Originalentwurf verlassen, 

der auf kostbarem Papier gedruckt ist, mit allen Details und 

perfekten Proportionen. Da machen wir keine Fehler.“ 

In einer Welt, in der Schnelligkeit ein absoluter Wert ist, wird das 

Unternehmen mit diesem Ansatz sicherlich auf einem immer anspruchsvolleren 

globalen Markt für Luxusgüter präsent sein. 

„Europa ist nicht unser größter Markt, wir haben große Projekte in 

Italien, Frankreich und England, aber wir arbeiten hauptsächlich 

für die Vereinigten Staaten und Asien. Giullaume ergänzt: „Wir 

haben derzeit Projekte in New York, Palm Beach, Malibu und LA in 

Arbeit und haben gerade ein riesiges Stadthaus in Tokio realisiert. 

36.000 Quadratmeter, so groß wie der Palast von Versailles.“ 

Fest in der Tradition verankert, aber mit Blick auf die Zukunft, hat 

Guillaume eine innovative Technik für Großprojekte eingeführt, bei 

der Harz verwendet wird: Durch die Herstellung von Gussformen 

nach den Originalmodellen gelingt es dem Atelier, die Produktionszeit 

und die Kosten für Friese und Dekorationen zu reduzieren. „Das 

Harz macht die Arbeit viel billiger, und das Endergebnis reproduziert 

genau die Stücke, die große Architekten bereits gemeistert haben, 

und könnte möglicherweise in Museen aufbewahrt werden.“ ☐ 

Stillleben mit Rokoko-Interieur. Hinter den Rahmen mit Rocaille- 

Ornamentik stellte Féau die Ansicht eines zeitgleichen Interieurs. 

Hier wird deutlich, welche Bedeutung Boiserien im Barock und 

anschließenden Rokoko hatten. Davor eine Grafik aus der Zeit um 

1800 und eine Dose mit Perlmuttbesatz und Elfenbeinknauf. 




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IN THE 

JUNGLE 

Mitten im grünen Urwald von Yucatán errichtete der Bildhauer Javier 

Marín ein auf seine Werke zugeschnittenes Gebäude und öffnet damit 

die Türen für eine Gemeinschaft lokaler Künstler. 

FOTOS: NIN SOLIS TEXT: TAMI CHRISTIANSEN/ ANKE GUNGL 



Als jahrhundertealte Enklave der indigenen Maya-Stämme ist 

die mexikanische Halbinsel Yucatán durch unzählige archäologische 

Gedenkstätten und ein tiefes Bewusstsein für ihr reiches 

kulturelles Erbe geprägt. Noch heute stammt ein beträchtlicher 

Anteil der Bevölkerung in der Region von dieser mächtigen 

Hochkultur ab, der die Traditionen im Hier und Jetzt weiterlebt. 

So auch in der Kunst, die früher eher selten um ihrer selbst willen 

entstand, sondern immer einem Zweck diente – beispielsweise 

der Verehrung und Besänftigung von Göttern. 

Bildhauer Javier Marín konnte sich keinen besseren Ort für sein 

Projekt „Plantel Matilde“, unweit der Hauptstadt Mérida, vorstellen. 

Das monumentale Bauwerk vereint Atelier, Galerie sowie 

Zuhause – außerhalb des Trubels von Mexiko-Stadt, wo der 

Bildhauer normalerweise lebt und arbeitet. Als Teil seiner 2013 

gegründeten Stiftung „La Fundación Javier Marín“ fungiert es 

zudem als Kunstzentrum und Ideenlabor mit mehreren Ateliers 

und Unterkünften für ansässige Künstler. „Ich wollte einen Zufluchtsort 

und einen Raum für Kreativität, Meditation, geistige 

Anregung und Introspektion schaffen – das war die Absicht“, 

so Marín. Das 400.000 Quadratmeter große Grundstück – eine 

ehemalige Agavenplantage – bildet den perfekten Rahmen. Der 

Bildhauer hatten von Beginn an klare Vorstellungen von der 

Gestaltung und dem Konzept, das er zusammen mit seinem 

Bruder, dem Architekten Arcadio Marín, entwarf. „Das Dach ist 

bei diesem monumentalen Gebäude von großer Bedeutung. 

Ich wollte einen erhöhten Raum, eine Art Observatorium, um 

von der Morgendämmerung bis zum Sonnenuntergang beobachten 

und betrachten zu können, wie sich das Licht verändert. 

Der Horizont von Yucatán ist einzigartig. Da es keine Berge gibt, 

kann man die gesamte Maya-Ebene überblicken. Nichts stört 

die Sicht“, erklärt Marín. 

Die brutalistische Architektur besteht aus Sichtbeton-Elementen 

und nimmt Einflüsse von Maríns bildhauerischen Arbeiten 

auf, die den kreativen Prozess sowie die Konstruktion und Dekonstruktion 

dreidimensionaler Formen erforschen. Anstatt 

den ästhetischen Aspekt in den Vordergrund zu stellen, wurde 

auf die Funktionalität der Umgebungen geachtet, indem Materialien 

und Oberflächen gewählt wurden, die keine besondere 

Wartung erfordern. Einer Klosteranlage gleich umschließen 

vier Flügel – zwei Hallen und zwei monolithische Kolonnaden 

– ein Wasserbecken. In dessen Mitte befindet sich eine kleine 

Insel, die ein Stück des ursprünglichen Landes bewahrt. „Neben 

seiner ästhetischen Funktion dient das Bassin auch dazu, Tiere 

aus dem Haus zu vertreiben und die Umgebung kühl zu halten. 

Ich mag dieses reine Stück Natur, das wir intakt gelassen haben 

und das auf die Jahreszeiten reagiert.“ Marins überdimensionale 

Skulpturen aus Bronzeguss wurden in den offenen Arkadengängen 

positioniert: abstrakte Darstellungen des menschlichen 

Körpers mit dem Betrachter zugewandten ausdrucksstarken 

Gesichtern. Ihre monumentale Größe stellt enorme Anforderungen 

an die Architektur. „Die Deckenhöhe beträgt ganze 10 

Meter. Die herrliche Umgebung und die weite Landschaft bil- 


133


Die zehn Meter hohe Eingangshalle diese Seite ist wie 

geschaffen für Javier Maríns Skulpturen im XXL-Format. 

Rechte Seite: Blick vom Wohnzimmer ins Esszimmer. Eine 

Kollektion handgefertigter Keramik aus schwarzem Ton, 

die der Hausherr gestaltete, steht im Raum verteilt. 




135


den den perfekten Hintergrund.“ Die beiden riesigen Hallen 

spiegeln die Symmetrie des Gebäudes wider. Der Eingang zu 

Maríns privatem Bereich in der Nähe des Beckens ist unauffällig 

und leicht zu übersehen. Die Betontreppe scheint in einen Bunker 

hinabzuführen, an ihrem Ende wird man jedoch von einer 

Reihe geräumiger, lichtdurchfluteter Räume überrascht. Deren 

Fenster befinden sich auf derselben Ebene wie das Bassin, wodurch 

das sich darin spiegelnde Sonnenlicht die Räume erhellt. 

Rotes Grundgestein und Felsblöcke bilden das Fundament der 

Architektur und sorgen gleichzeitig für eine natürliche Ästhetik, 

die sich vom sandfarbenen Chukum-Pflaster abhebt. Holzelemente, 

wie Trennwände, Regale und Türen, kontrastieren die 

brutalistische Struktur. „In völliger Harmonie mit den Prinzipien, 

die meiner künstlerischen Produktion zugrunde liegen – der 

Vorliebe für das Unvorhersehbare, das Unvollkommene und 

das Unfertige – ist dies ein Gebäude, das darauf wartet, dass 

die Umwelt ihm ihren Stempel aufdrückt.“ Das Design basiert 

auf prähispanischen Einflüssen sowie auf sakralen Elementen 

der klösterlichen Architektur und spiegelt die Charakteristika 

traditioneller Hacienda-Höfe wider. Diese Details werden mit 

einer zeitgenössischen und nicht-ornamentalen Ausstattung 

aufgegriffen. Die Handschrift des Künstlers ist überall im Haus 

zu sehen, von dekorativen handgemalten Wandbildern im Esszimmer 

und im Hauptschlafzimmer bis hin zu einer Sammlung 

großer schwarzer Keramikvasen, die auf Regalen im Wohnzimmer 

und im Flur stehen. Die Einrichtung ist rustikal und reduziert, 

dennoch raffiniert. Rohe Baumstämme und eine rostige 

Metallsäule im sparsam möblierten Hauptschlafzimmer rahmen 

die Bettstelle, und ein langes Holzregal, das sich über die 

gesamte Breite des Raumes erstreckt, präsentiert eine Sammlung 

kuratierter Holzobjekte. Die große Küche, wie aus einem 

Fels herausgemeißelt, ist ein Dreiklang aus Beton, Gestein und 

Chukum in Sandtönen von Grau über Braun bis Beige. Antike 

Krüge und Vasen verleihen dem Raum die Ästhetik einer archäologischen 

Grabungsstätte. Auch im Esszimmer (diese Seite) 

trifft alt auf neu, klassisch auf modern. Den großen minimalistischen 

Holztisch entwarf der Hausherr und kombiniert ihn 

mit antiken Stühlen. In einem großen Schrank ist das Emaillegeschirr 

untergebracht. Borde aus Holz und Stein sowie lokale 

Terrakotta-Gefäße verleihen dem Raum eine natürliche Aura. 

Die Gästezimmer, die in einem separaten Flügel gegenüber von 

Maríns Privatwohnung untergebracht sind, bieten Platz für Besucher 

und immer wieder auch für das Team von Handwerkern, 

die Marín bei der Herstellung seiner überdimensionalen Skulpturen 

unterstützen. Diese (Kloster-)Zellen sind bescheiden und 

funktional ausgestattet. Eingebaute Betten und Bänke, Naturtextilien, 

Bodenmatten aus gewebten Pflanzenfasern und Holzmöbel 

sorgen für ein dezentes, etwas düsteres Ambiente, das 

auf das ursprüngliche Konzept zurückzuführen ist: ein Atelier 

und ein Zuhause für Besinnung und Kontemplation zu schaffen. 

„Diese ganze Ästhetik macht das Gebäude zu einer bewohnbaren 

Skulptur, die sich ständig verändert.“ 

□ 




137




Wie im Rest des brutalistischen Gebäudes dominiert auch im Hauptschlafzimmer 

Sichtbeton neben natürlichen Materialien. Das Bett wird von drei Baumpfählen und 

einer rostigen Metallstütze eingerahmt. Auf dem Holzregal, das sich über die gesamte 

Länge des Raumes zieht, platzierte Marín eine Sammlung kuratierter Objekte. 


139



Bildhauer Javier Marín links ist 

Künstler mit Leib und Seele. 

Das selbstgemalte Wandbild 

prangt an der Fassade seines 

Kunstzentrums „Plantel Matilde“ 

im mexikanischen Yucatán. 

Diese Seite: Der zentrale 

Innenhof des quadratischen 

Anwesens mit Wasserbecken 

und einer begrünten Insel darin 

ist einer der Lieblingsplätze 

des Hausherren. 


141

REPORTAGE ! CARACAS 


WIE EIN SCHMETTERLING 

Das Caracas der 1950er Jahre florierte. Die riesigen Ölreserven des Landes lassen 

Venezuela wirtschaftlich prosperieren, die Hauptstadt gab ein Versprechen auf Moderne, 

von dem sich auch der italienische Architekt Gio Ponti verführen ließ. 

FOTOS: MATTHIEU SALVAING TEXT: ANA CARDINALE/ MIRIAM ZIMMERMANN 

WD 6 I 2022 143


Für die Treppen, den Boden und das obere Stockwerk wurde venezolanisches Holz mit aus Italien 

importiertem Marmor kombiniert. Im Hintergrund hängt ein großes Mobile „Ceiba“ von Alexander Calder 

an der geometrisch bemalten Decke im Eingangsbereich. Das Mobile ist eines von zahlreichen modernen 

Kunstwerken, welche die Eheleute Planchart, in Zusammenarbeit mit Gio Ponti ausgesucht haben. 

144 



Die Keramikwand von Fausto Melotti erstreckt sich bis in den offenen tropisch anmutenden Speisesaal. 

Eine achteckige Tischplatte aus Mahagoniholz wird von sechseckigen schwarzen und weißen Marmorfüßen 

getragen. Die Stühle sind von Luisa ? Ico Parisi. An der Decke wiederholt sich das Motiv der geometrischen 

Muster in Form von diagonal ausgerichteten weißen und gelben Streifen ... Sommerfeeling. 



Den größten Teil des Mobiliars für die zweistöckige Empfangshalle gestaltete Ponti persönlich. Giordano 

Chiesa führte die Entwürfe aus. An der Decke emblematische Mond/Sonne-Motive, die in der Dekoration 

des gesamten Hauses sehr präsent sind. Der Mond steht symbolisch für Anala und die Sonne für Armando 

Planchart. Den Boden inszenieren große Marmorplatten in verschiedenen Dimmensionen und Farben. 

146 



Das Ankleidezimmer von Anala Planchart kleiden Familien- und Erinnerungsfotos. Trotz der großen 

architektonischen Ambitionen des Projektes und der ausgeklügelten Gestaltung bis ins kleinste Detail, 

stand immer auch fest, dass die Plancharts das Haus bewohnen und persönlich gestalten wollten. 


Das wohlhabende Ehepaar Anala und Armando Planchart war 

in den 1950er-Jahren auf der Suche nach einem neuen Domizil. 

Sie kauften ein Grundstück oberhalb von Caracas mit einem 

360-Grad-Blick auf die Berge, zwischen denen sich die Stadt erstreckt. 

Die Plancharts waren leidenschaftliche Kunstsammler 

und vor allem Anala begeisterte sich für moderne Architektur. 

Sie beschloss, Gio Ponti, einen damaligen Stararchitekten aus 

Italien und Herausgeber der renommierten Architekturzeitschrift 

„Domus“, mit dem Bau ihres Hauses zu beauftragen. 

Ponti bewegte sich als junger Baukünstler zunächst in den 

Kreisen der Mailänder Neoklassizisten, „Novecento Milanese“. 

1928 gründete er mit einem Freund die Zeitschrift „Domus“, die 

bereits in den ersten Jahren zum wichtigen Forum des „Razionalismo“ 

wird und Pontis allmählichen Kurswechsel zwischen 

beiden Architekturrichtungen antizipierte. Eben diese Dualität 

resultierte in den faszinierenden und vielschichtigen Arbeiten 

des Italieners, der seinen Stil selbst trocken wie folgt beschrieb: 

„Man muss weder ein dogmatischer Anhänger des modernen 

Designs noch ein dogmatischer Anhänger des traditionellen Designs 

sein, um modern und traditionell zu sein, und man muss 

148 



sich auch nicht mit all dem befassen. Es reicht aus, den Geist 

einer modernen Kultur zu kennen, und was das »Italienische« 

betrifft, so reicht es aus, Italiener zu sein.“ Basta. 

Im Jahr 1953 trafen sich die Plancharts auf einer ihrer zahlreichen 

Reisen durch Europa mit Ponti, um ihn persönlich von ihrem 

Bauvorhaben zu überzeugen. Sie wünschte sich „ein Haus 

ohne Wände“, so Anala zu dem italienischen Architekten, der die 

Herausforderung nach kurzem Staunen annahm und den beiden 

zusagte. Unkonventionell, leicht und modern sollte es sein. 

Zahlreiche Briefe mit Ideen, Skizzen und Plänen werden ausgetauscht, 

und schon in einem der ersten versprach Ponti seinen 

beiden Auftraggebern, dass das Haus „so sanft wie ein großer 

Schmetterling“ auf der Spitze des Hügels „El Cerro“ sitzen soll. 

Im Jahr 1954 kommt Ponti das erste Mal nach Caracas und ist 

entzückt. Die schnell wachsende, moderne Stadt scheint ihren 

Architekten schier unbegrenzte Freiheiten in der Gestaltung 

und Konstruktion ihrer Gebäude zu lassen. Besonders beeindruckt 

zeigt Ponti sich von der Ciudad Universitaria de Caracas, 

einem Werk des venezolanischen Architekten Carlos Raúl 

Villanueva, das Jahrzehnte später von der UNESCO zum Weltkulturerbe 

erklärt wurde. In den darauffolgenden Monaten und 

Jahren folgen noch zahlreiche weitere Besuche Pontis in Venezuela 

sowie der Austausch von über 700 Briefen. Die Plancharts 

und den italienischen Architekten verband mittlerweile eine 

Freundschaft, die auf ähnlichen Werten und gegenseitigem Respekt 

basiert. „Ich muss sagen, dass dies eine sehr angenehme 

Aufgabe war, denn die Anfragen waren immer intelligent, klar, 

diskret, und wurden mit vertrauensvoller Freundschaft von den 

unübertroffenen Personen gestellt, denen ich diese Arbeit widmete“, 

so Ponti über die besondere Zusammenarbeit. 1957 wurde 

das Haus später fertig gestelllt und bezogen. Armando starb 

im Jahr 1978 in Caracas, Anala lebte noch bis zu ihrem Tod im 

Jahr 2005 in „El Cerro“, wie das Haus auch genannt wird. 

Heute befindet sich das Gebäude im Besitz der Fundación Anala 

y Armando Planchart, einer Stiftung, die Armando Planchart 

1970 zur Förderung von Kunst und Kultur in Venezuela gegründet 

hat. Aufgrund der fatalen wirtschaftlichen sowie politischen 

Situation, unter der Venezuela seit Jahren leidet, ist die Stiftung 

für den Erhalt der Villa und des Inventars auf internationale Unterstützung 

angewiesen, die vor alllem aus Italien kommt. ☐ 

Auch in der Küche links dominiert die Farbe Gelb auf den 

lackierten Schrankfronten aus Stahl – im Wechsel mit Weiß. 

Alle Möbel im Schlafzimmer oben sind von Gio Ponti. An der 

rechten Wand ein Ölgemälde von Marie Laurencin, das Anala 

bei einem Restaurantbesuch im New York entdeckte und 

mitbrachte. „Superleggera N° 699“-Stühle aus Eschenholz mit 

Sitz aus Raffiabast von Cassina. Bezugsquellen auf Seite 180. 


KOLUMNE ! MODERNES LEBEN 

IST DAS KUNST 

ODER KANN DAS WEG? 

UNSER AUTOR FRANK-OLIVER GRÜN SCHREIBT ÜBER DAS LEBEN 

MIT DER TECHNIK. DIESMAL: KRYPTO-KUNST MIT NFTS. 

So ziemlicher jeder, der sich für den Kunstmarkt interessiert, hat 

mittlerweile von NFTs gehört. Spätestens seit März 2021 sind 

„Non Fungible Tokens“ in aller Munde. Damals konnte Christie’s 

mit der Auktion eines NFT die stattliche Summe von 69 Millionen 

US-Dollar einstreichen. Objekt der Begierde: eine Collage 

des amerikanischen Digitalkünstlers Mike Winkelmann, alias 

„Beeple“. Der Grafikdesigner aus Wisconsin hatte die 

ersten 5000 Bilder seiner täglichen Posts auf sozialen 

Medien in einer gemeinsamen JPEG-Datei vereint 

und per NFT verbrieft. Soll heißen: Es gibt nun 

ein digitales Echtheitszertifikat, das auf die Datei 

verweist und als Eigentumsnachweis gilt. 

Diese „nicht ersetzbare“ (non fungible) Wertmarke 

(token) ist in einer sogenannten Blockchain gespeichert, 

wodurch der Eintrag fälschungssicher wird. 

Unter Umständen hilft er dabei, Künstlerinnen und 

Künstler an der Wertsteigerung ihrer Werke zu beteiligen, 

wenn diese weiterverkauft werden. Es können 

aber trotzdem Kopien der Originaldatei existieren, 

sogar beliebig viele. Dank Digitaltechnik sind alle 

mit der Vorlage identisch und somit besser als jede 

Reproduktion eines Ölgemäldes. Doch nur ein Exemplar 

darf sich Original nennen. Als Schutz vor Missbrauch 

und Betrug taugen diese NFTs also nicht. Jeder 

Nerd mit Blockchain-Grundkenntnissen kann auf 

das Duplikat selbst ein Zertifikat anmelden und es 

dann vermarkten, obwohl er gar nicht Urheber der 

jeweiligen Kunst ist. Manche NFT-Marktplätze im Internet 

lassen sich deshalb schriftlich bestätigen, dass die Werke 

von denen stammen, die sie anbieten – mit einem Zertifikat 

fürs Zertifikat gewissermaßen. Ohne vertrauenswürdige Quelle, 

sprich Galerie, geht es wohl auch im Digitalzeitalter nicht. 

Das hindert Sammlerinnen und Sammler wenig daran, immense 

Beträge auszugeben. Prominente wie Eminem, Gwyneth 

Paltrow, Madonna und Snoop Dogg mischen in der Szene mit, 

unterstützt von Krypto-Influencern, die ihren Followern das 

große Geld versprechen. Die verwendete Blockchain-Technologie 

stammt aus dem Finanzsektor – Krypto-Währungen wie 

der Bitcoin arbeiten damit – und scheint auch Investoren dahin 

gehend zu beflügeln. Affenbildchen des Bored Ape Yacht Club 

(BAYC) gehen für mehrere Zehntausende Dollar über den virtuellen 

Ladentisch – in der Hoffnung, der Wert möge steigen. Dass 

es auch in die entgegengesetzte Richtung laufen kann, zeigt das 

Beispiel von Sina Estavi. Der Krypto-Unternehmer iranischer 

Herkunft ersteigerte 2021 ein NFT des ersten Tweets von Twitter-Gründer 

Jack Dorsey für 2,9 Millionen Dollar. Ein Jahr später 

wollte er den Screenshot wieder verkaufen und legte das Mindestgebot 

auf 48 Millionen Dollar fest. Der Deal kam nie zustande. 

Zum Zeitpunkt dieser Kolumne, im September 2022, steht 

das Höchstgebot auf 17 US-Dollar und 35 Cent. 

Kunst nur dann zu kaufen, wenn sie einem gefällt, war schon immer 

ein guter Tipp. Für NFTs, die häufig Spekulationsobjekte sind, 

gilt er besonders. So bleibt im Falle eines Totalverlusts immerhin ein 

digitales Bild oder ein Video, das sich anzuschauen lohnt. Es muss 

ja nicht auf einem NFT-Display wie dem Lago Genesis Frame sein, 

das alleine schon mit 4.500 US-Dollar zu Buche schlägt (Bild). Der 

Smart-TV an der Wand oder ein Computer-Monitor tun’s auch. 

Bleibt das Problem des ökologischen Fußabdrucks: Um die weltweite 

Ethereum-Blockchain der Krypto-Währung Ether am Laufen 

zu halten, auf der viele NFTs basieren, sind große Mengen Energie 

nötig. Der geschätzte Jahresverbrauch lag bislang bei fast 100 Terawattstunden, 

was rechnerisch einem CO2-Ausstoß von 52 Millionen 

Tonnen oder dem Äquivalent von Griechenland entspricht. Mit 

mehr erneuerbaren Energien wird dieser Wert sinken. Außerdem 

stellt Ethereum gerade auf eine effizientere Technologie um, die den 

Stromverbrauch um 99 Prozent senken soll. Damit würde die Spekulation 

mit NFTs dann nicht mehr auf Kosten des Klimas gehen. ☐ 

© Lago: „Genesis Frame“ 


SPEZIAL ! FINE DINGING 

Ohne ein prima Team, funktioniert die beste Küche nicht. 

Für Anna Roš Grund genug, ihre Mitarbeiter zu verwöhnen. 

Hier bei einer Auszeit am Bach. Mehr ab Seite 154. 


STERNSTUNDEN 

Beim Fine Dining isst auch das Auge mit. Sechs Spitzengastronomen 

waren in Plauderlaune und ließen uns „in ihre Töpfe schauen“. 

154 I ANA ROŠ Von der Spitzensportlerin zur Spitzenköchin mit zwei Sternen 

156 I JAN HARTWIG Was macht ein Sternekoch zum Zeitvertreib? Pop-up ... 

158 I DYLAN WATSON-BRAWN ist der neue Star der deutschen Gastro-Szene 

162 I TANJA GRANDITS und ihr Basler 2-Sterne-Restaurant „Stucki“ 

164 I KEVIN FEHLING über 3-Sterne-Küche, Inspiration und kultivierte Gelassenheit 

153 I DALAD KAMBHU zeigt, wie thailändische Küche auf Sterne-Niveau geht 

© Suzan Gabrijan 


153

SPEZIAL ! FINE DINING 

© Primož Lukežič 

LIEBHABEREI AUF DIE SPITZE GETRIEBEN 

Ana Roš (ganz rechts) ist Ehefrau und Mutter, Botschafterin des 

gastronomischen Tourismus der Welttourismusorganisation 

(UNWTO), wurde als Wunderkind des slowenischen Skisports 

gefeiert und betreibt heute als Spitzenköchin eines der besten 

Restaurants der Welt. Aber ihr Werdegang war ganz anders geplant: 

„Ich sollte eigentlich Diplomatin werden. Meine Eltern 

haben mich von klein auf gepusht und viel in meine Ausbildung 

investiert. Sie haben immer daran geglaubt, dass aus mir »jemand« 

werden würde“, erzählt die ehemalige Hochleistungssportlerin. 

Also absolvierte sie ein Studium der internationalen 

und diplomatischen Wissenschaften in Italien, wo sie ihrem 

heutigen Geschäftspartner und Lebensgefährten Valter Kramar 

begegnete. „Seine Eltern besaßen »Hiša Franko«, ein bereits 

etabliertes Restaurant im slowenischen Kobarid, nahe der 

italienischen Grenze. Wir beschlossen, es zu übernehmen. Wir 

reisten viel, besuchten Restaurants und Winzer, erkundeten die 

Welt. Diese Art von Leben hat mir sehr gut gefallen. Ich entdeckte 

neue Länder, neue Orte, und mir wurde klar, dass ein Leben 

nach Regeln sehr einschränkend sein kann. Es ist die Freiheit, die 

mich ausmacht.“ Als sich ihr Schwiegervater und Chefkoch in 

den Ruhestand zurückzog, übernahm sie die Küche. „Zu diesem 

Zeitpunkt erhielt ich ein Jobangebot aus Brüssel, um dort in der 

Diplomatie zu arbeiten. Aber ich habe es für Valter und für unsere 

Beziehung abgelehnt. Ich beschloss, alles zu riskieren und 

als Küchenchefin zu arbeiten, obwohl ich nie eine Kochschule 

besucht habe. Ich wusste, wie man Nudeln zubereitet, aber das 

bedeutete nicht, dass ich kochen konnte. Alles, was ich übers 

Kochen weiß, habe ich mir selbst beigebracht.“ Mithilfe eines 

Freundes der Familie und stundenlanger Lektüre von Kochbüchern 

experimentierte sie an der Auffrischung traditioneller Rezepte 

aus dem oberen Soča-Tal. „Die ersten Jahre waren wirklich 

hart, aber wir haben uns sehr angestrengt, gearbeitet und uns 

weiterentwickelt. Fünfzehn Jahre später (2017) habe ich eine 

Auszeichnung als beste Köchin der Welt erhalten, was offensichtlich 

bedeutet, dass wir alles richtig gemacht haben.“ Mittlerweile 

ist das Hiša Franko mit zwei Michelin-Sternen und unzähligen 

weiteren Auszeichnungen dekoriert, darunter Platz 21 

unter den 50 besten Restaurants weltweit (Stand 2021). Trotz des 

Erfolges bleibt Roš ehrfürchtig und bodenständig. „Ich kämpfe 

hart dafür, eine ganz normale Frau mit ihrem normalen Leben zu 

bleiben, die einen Drink mit Freundinnen nimmt und dabei über 

Männer tratscht“, sagt sie lachend. Von Rollenmustern und Ge- 


© Alle Fotos Suzan Gabrijan 

schlechterkämpfen in ihrem Metier hält sie nichts. „Ich glaube 

nicht, dass es der Emanzipation der Frauen in der Küche viel hilft, 

wenn wir den Unterschied zwischen den Geschlechtern zu sehr 

betonen. Die Wahrheit ist, dass eine Frau beweisen muss, dass 

sie genauso gut und geschickt in der Küche ist wie ein Mann. 

Aber am Ende des Tages sind wir vor den Gästen alle gleich“, sagt 

sie und fährt fort: „Ich glaube, dass weibliche Chefs eher dazu 

neigen, eine familiäre Atmosphäre zu schaffen.“ In den Augen 

der Mutter zweier Teenager ist es genau dieses Heimelige, das 

ihr Restaurant ausmacht. „Hiša Franko ist unser Zuhause. Wir 

leben und arbeiten hier 24 Stunden am Tag – zusammen mit 

den Gästen, die auch bei uns übernachten können. Unsere Kinder 

sind immer um uns herum, manchmal sogar in der Küche. 

Das bedeutet, dass in allem, was wir tun, 

viel Herz und Liebe steckt. Der Ort hat 

eine besondere Ausstrahlung, ein sehr 

persönliches Ambiente. Ich hänge sehr an 

meiner Familie, und ich denke, dass die 

Gäste das in Hiša Franko spüren können.“ 

Viel Zeit für zwischenmenschliche Beziehungen 

bleibt nicht. Aber die Tatsache, 

dass sie Seite an Seite mit ihrem Mann 

arbeitet, hilft ihr ebenfalls. „Wir haben 

gemeinsame Visionen und unterstützen 

uns gegenseitig. Wir haben ein bis zwei 

Monate im Jahr geschlossen, in denen 

wir als Familie viel Zeit miteinander verbringen.“ 

An ihrer Heimat Slowenien liebt 

sie vor allem die Vielfalt. „Ich bin ständig 

auf der Suche nach neuen Möglichkeiten, 

das slowenische Terroir in meine Küche 

zu integrieren. Auf diese Weise kommuniziere 

ich mit der Welt. Und ich habe das 

Gefühl, dass auch mein Land so mit der Welt kommuniziert. 

Darum geht es in diesem Job!“ Kulinarisch gesehen wird die slowenische 

Küche von den großen Traditionen der angrenzenden 

Nachbarn Italien, Österreich und dem Balkan beeinflusst und ist 

doch ganz eigen. „Es ist eines jener wendigen Länder, die eine eigene 

kulinarische Identität haben.“ Was würde sie angehenden 

oder aufstrebenden (weiblichen) Köchen raten, wollten wir abschließend 

wissen: „Habt Mut und hinterfragt, was ihr tut. Lernt 

aus Gesprächen. Niemals einschlafen. Reisen. Es gibt eine vielfältige 

Welt da draußen zu entdecken, und alle Eindrücke die man 

auf Reisen sammelt, und sei es nur um die Ecke, lassen einen 

wachsen, anders denken und machen einen zu einem anderen, 

besseren Menschen (und Koch).“ 

|ag 


155


POP-UP: NEUES DEUTSCHES ESSEN RELOADED 

In der Welt der Michelin-Sterne ist es Gesetz, dass ein Koch diese 

nicht mitnehmen kann, wenn er sein Etablissement ab- oder 

übergibt. Sie bleiben beim Restaurant. Jan Hartwig, vormaliger 

Chef des 3-Sterne-Restaurants „Atelier“ im Bayerischen Hof, das 

drei Hauben vom Gault & Millau trägt, ist derzeit also sternelos. 

Ab November kann er beweisen, was sein neuer Kulinarik-Tempel 

im Rhaetenhaus in der Münchner Luisenstraße 27 alles draufhat. 

In der Zwischenzeit verwöhnte Hartwig seine Gäste mit einer 

Pop-up-Cuisine in der ehemaligen Kantine der Porzellanmanufaktur 

Nymphenburg (Foto oben Mitte). Gerichte wie „Chawanmushi 

& N25 Kaviar (Selektion Jan), Rumrosinen, Haselnüsse und Lauchöl 

aus Kyoto“ oder „Glasiertes Kalbsbries, Daikon, Pistazie aus Bronte; 

Kronkant-Kapern und Agrumen“ lassen keinen Zweifel daran 

aufkommen, dass „die Geschmacks-DNA immer die gleiche ist – 

wenn auch hier schon ein bisschen rustikaler, aber im positiven 

Sinn“, findet Hartwig und betont: „Das Gesamtkonzept für mein 

Interims-Restaurant »Jan« sollte etwas sehr Persönliches, Wohnliches 

vermitteln.“ Umlaufende Bank mit Kissen, geschmackvolle 

Wandfarben (Caparol Icons) und Teller-Unikate von Ruth Gurvich 

statt üblicher Bilder – wie das Geschirr auf dem Tisch natürlich von 

Nymphenburg. Für das Dessert „Bienenstich“ (Rhabarber, Vanille, 

Marcona Mandeln & Champagner) dann das Service „Koralle“. 

Für die Gäste nur das Beste: „Mein Ansatz beim Kochen ist, dass es 

in erster Linie einfach hervorragend schmecken muss, das ist mein 

Primärziel – und darüber hinaus muss es auch visuell ansprechend 

sein.“ Hartwig hat einen ästhetischen Anspruch an seine Kompositionen, 

will sich aber auch „mit Themen wie Nachhaltigkeit, 

Tierwohl und Gesundheit auseinander setzen. Das sind die drei 


Grundpfeiler, auf denen meine Gerichte basieren.“ Wohl wissend, 

dass immer mehr Menschen sich rein pflanzlich ernähren. „Hier 

gibt es einen großen Unterschied in Städten innerhalb Deutschlands. 

Ich bin gut mit Tim Raue befreundet. In Berlin ist vegetarisch 

überhaupt kein Thema. Entweder Fisch oder Fleisch – oder man 

isst gleich vegan. Der Prozentsatz von vegetarischen Gästen ist 

verschwindend gering.“ Eine Entwicklung, die der Wahlmünchner 

sehr ernst nimmt, ähnlich wie Saisonalität. „Ich komme nicht auf 

die Idee, jetzt noch Himbeeren auf den Teller zu legen, oder ein Spargelgericht 

zu entwerfen. Der einzige Diktator, sage ich mal, ist die 

Saison.“ Inspirationen kommen, wenn man Zeit zum Nachdenken 

hat, „beim Zähneputzen, auf einem Flug, im Zug oder im Auto. Oder 

bei einem Bummel über den Viktualienmarkt. Also überall dort, wo 

man die Seele baumeln lassen kann.“ 

Doch nochmals zurück in die deutsche Hauptstadt, in der alle Küchen 

dieser Welt inzwischen zu Hause sind. „Ja, daraus ergibt sich 

eine Synergie, bei der man am Ende gar nicht mehr so genau weiß, 

ist das vielleicht deutsch oder türkisch? Ist das jetzt levantinisch 

oder asiatisch? Das finde ich extrem interessant. Was das Kulturelle 

angeht, kann es für mich gar nicht bunt genug sein. Auf dem 

Teller versuche ich allerdings, eine Allerweltsküche zu vermeiden.“ 

Also keine chinesisch abgeschmeckte Vinaigrette in der Vorspeise 

und dann Kreuzkümmel zum Lamm-Hauptgang – „man sollte die 

Ressourcen, die man hier um die Ecke hat, nutzen. Aber warum 

sollte ich auf Soja-Sauce verzichten, die in München nicht gebraut 

wird? Man darf schon den Horizont erweitern, ich halte nichts von 

Dogmatismus.“ Daher gibt es am Abend nach unserem Gespräch 

keine Salzwasserfische im Menü, sondern „fantastische Süßwasserfische 

aus Bächen und Weihern der Region. Saibling, Lachsforelle 

und Renke, kombiniert mit Aal. Und das in Sushi-Qualität.“ ... 

Deutsche Küche wird gerade neu erdacht: regional, international 

inspiriert und viel freimütiger, will sagen vielfältiger. „Jeder hat einen 

anderen Ansatz, verwendet andere Materialien, und das ist 

dann eben das Runde an der Geschichte.“ 

|sd 


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GOURMET-REBELL IM BERLINER KIEZ 

Wer sich nach Berlin-Wedding verläuft, der erlebt die Hauptstadt 

noch von ihrer ursprünglichen Seite. Fine Dining war hier 

bislang ein Fremdwort – bis das Sterne-Restaurant „Ernst“ 2017 

in eines der typisch tristen, grauen Gebäude einzog. Chefkoch 

Dylan Watson-Brawn (Bild Seite 159) war damals gerade einmal 

Mitte 20 und stellte die Gastro-Szene mit seiner puristischen 

und doch raffinierten Küche auf den Kopf. Mit nur acht Plätzen 

entlang einer Theke ist das Ambiente sehr intim. Alles spielt sich 

direkt vor den Gästen ab, auf die bis zu 35 kleine Gänge warten. 

Jetzt zieht „Julius“, der kleine Bruder, in den multikulturellen 

Kiez ein. Das minimalistische Ecklokal versprüht den Charme 

der Sixties – es war seinerzeit ein Laden für Damenmode: Große 

(Schau-)Fenster, gerahmt von einer Fassade mit bröckelnden 

weißen Fliesen. „Als die Räumlichkeiten direkt gegenüber frei 

wurden, waren wir sofort von der Offenheit begeistert. Auf diese 

Weise konnten wir das Konzept und das Angebot erweitern“, 

erläutert Restaurantleiterin Inga Krieger (Bild Seite 159 und 

160). „Die Hälfte unseres Teams war bereits bei der Eröffnung 

des »Ernst« an Bord.“ Das „Julius“ arbeitet auch mit denselben 

Lieferanten wie das Sterne-Restaurant, aber mit einem Casual 

Fine Dining Konzept: Manche Gäste kommen eher tagsüber auf 

einen Kaffee, French Toast oder am Wochenende für ein klassisch 

französisches Omelette, andere regelmäßig zum Menü. 

„Abends haben wir ein wöchentlich wechselndes Menü mit 



acht bis zehn Gängen, das auf die Saison reagiert und nur die 

besten biologischen und biodynamischen Produkte verwendet“, 

erklärt Krieger. Auf der Karte trifft japanische Hausmannskost 

auf klassisch französische Technik. Dabei entstehen Gerichte 

wie Aubergine Agedashi mit Buttermilch und Kräutern oder 

Schwarzkehlseebarsch mit geräucherter Butter. „Ein Sashimi- 

Gang ist immer dabei. Für Walk-Ins haben wir ein tägliches 

»á la carte«-Menü.“ 

Den passenden Wein liefern Winzer oder kleine Importeure, 

die ohne Zusätze arbeiten und dem Low-Intervention-Prinzip 

folgen, sprich: Die Weine werden mit minimalen Eingriffen des 

Winzers hergestellt. Das Publikum ist international, aber auch 

Menschen aus nächster Nachbarschaft schätzen die schlichte 

Atmosphäre und die hohe Qualität der Speisen. „Viele kreative 

und designaffine Menschen natürlich, aber auch wirklich bunt 

gemischt, von jung bis alt – genauso wie wir es uns gewünscht 

haben.“ Führt man sich allerdings vor Augen, dass es in Berlin 

bereits ein gastronomisches Überangebot gibt, wie sticht man 

am besten aus der Menge heraus? Krieger: „Wenn Gäste sich 

wohlfühlen und sich auf die Qualität der Küche verlassen können, 

dann kommen sie auch wieder. Die einzelnen Zutaten sind 

immer die Basis für alles, was wir tun. Wir hinterfragen viel, vor 

allem die Herkunft und Anbaumethoden unserer Produkte, um 

die beste Qualität anzubieten. Dazu kommt aber natürlich auch 

der Service. Wir wollen, dass es unseren Gästen gut geht und 

holen sie dort ab, wo sie sich gerade befinden. Manche sind sehr 

neugierig und möchten alles erfahren, andere wollen einfach 

nur gut essen und einen schönen Abend verbringen. Beides ist 

möglich.“ Anders als in vielen Fine Dining Restaurants, mit oft 

wochenlanger Warteliste, ist hier auch ein spontaner Besuch 


159


möglich. „Wir halten immer ein paar Plätze an der Bar frei. Im 

Sommer bietet die große Terrasse noch mehr Möglichkeiten. Ich 

freue mich zum Beispiel sehr darüber, dass wir oft Single Diners 

bei uns haben. Wenn man sich alleine bei uns wohlfühlt, dann 

spricht das für eine gewisse Atmosphäre.“ 

Was die Restaurantleiterin besonders an der Gastronomie reizt, 

ist die Interaktion mit den unterschiedlichsten Charakteren. 

„Die Möglichkeit, Menschen an einem schönen Ort zusammen 

zubringen und Momente zu teilen oder Geschichten von unseren 

Produzenten oder auch den Keramikern, mit denen wir arbeiten 

– das mag ich sehr. Für mich persönlich ist es auch die 

Herausforderung, einen Ort mit Seele zu schaffen. Gute Gastfreundschaft, 

ein zuvorkommender, aber entspannter Service 

ist mir sehr wichtig.“ Und dazu gehört ein Team, das am selben 

Strang zieht und die Werte des Unternehmens verinnerlicht. In 

Kriegers Augen ist das keine Selbstverständlichkeit mehr: „Gerade 

die Gastronomie hat – auch Corona geschuldet – viele Angestellte 

verloren. Die Bereitschaft, viele Stunden und abends zu 

arbeiten, hat sicherlich nachgelassen. Dafür kristallisieren sich 

diejenigen heraus, die wirklich für etwas brennen. So schwer 

es gerade ist, gutes Personal zu finden: Die Menschen, die wir 

finden, sind großartig und hoch motiviert. Das spüren auch die 

Gäste. Am Ende ist es etwas sehr Persönliches, wenn Menschen 

zu uns kommen, uns vertrauen, um bei uns einen schönen 

Abend zu verbringen. Außerdem bietet mir ein eigenes Restaurant 

die Möglichkeit, jeden Tag etwas zu verändern. Damit einher 

geht auch die Notwendigkeit, sich selbst und seine Aufgabe 

ständig zu reflektieren.“ 

Besonders die letzten beiden Jahre haben dazu geführt, dass 

Menschen bewusst hinterfragen, wie sie ihre Zeit verbringen 

und wofür sie ihr Geld ausgeben wollen. „Die Leute beschäftigen 

sich immer mehr mit der Herkunft ihres Essens und was 

alles dahintersteckt: von den Produzenten bis hin zu der Küchen-Crew, 

die es zubereitet. Stimmen die Bedingungen, dann 

greifen sie auch gerne tiefer in die Tasche. Ich würde mir wünschen, 

dass eben dieses Bewusstsein zunimmt. Hinter einem 

Restaurant steckt viel mehr als nur gute Küche und hervorragender 

Service. Wir sind ein kleines Team und verbringen jeden 

Tag viele Stunden miteinander, um für den Gast ein schönes Erlebnis 

zu schaffen. Das ist intensiv, aber es kommt so viel zurück. 

Das bedeutet für mich, es verändert sich etwas in der Wahrnehmung 

der Restaurants und ihrer Gewichtung und Rolle für den 

sozialen Austausch.“ 

|ag 



© Alle Fotos Maya Matsuura 


161


MIKROKOSMOS DES LÄCHELNS, DER 

AROMEN UND DER FREUDE AM ESSEN 

Spitzengastronomie ist ein Knochenjob und Frauen sind noch immer die Ausnahme. Davon 

lässt sich Tanja Grandits nicht aufhalten. „Ich bin nicht der Typ, der durchs Leben geht und 

sich denkt, ich habe ein Handicap, weil ich eine Frau oder klein bin“, äußerte sie einst. Seit 

14 Jahren betreibt sie das Zwei-Sterne-Restaurant „Stucki“ im Basler Stadtteil Bruderholz 

und trat damit in die Fußstapfen der Schweizer Kochlegende Hans Stucki. Heute besteht ihr 

kleines Reich neben dem Spitzenrestaurant aus einem Feinkostladen und Catering-Service, 

die sich dank ihres guten Gespürs für kulinarische Gaumenfreuden, kreativer Ideen, eines 

familiären Teams und einer gehörigen Portion Leidenschaft großer Beliebtheit erfreuen. „In 

der Schweiz wird extrem viel Wert auf Genuss gelegt. Deshalb bin ich froh, hier ein Restaurant 

zu haben“, sagt die Deutsch-Österreicherin. Ihre Küche basiert auf einem klassisch 

französischen Fundament, das sie mit Einflüssen und Gewürzen aus aller Herren Länder 

kombiniert. „Ich liebe starke Aromen, ich mag volle, runde 

Geschmäcker und ich mag Salz.“ Wenn man 

in der gehobenen Gastronomie überhaupt 

von Trends sprechen kann, so sieht die 

Köchin und Buchautorin eine Tendenz 

zu fleischloser Küche. „Die Nachfrage 

nach vegetarischen Gerichten ist 

während der Pandemie deutlich 

gestiegen. Die Menschen sind 

bewusster geworden, achten 

viel mehr auf gesunde Ernährung.“ 

Mit besten Zutaten und 

kreativen authentischen Gerichten 

– gerne in monochromen 

Farben – zaubert sie sich 

selbst und ihren Gästen stets ein 

Lächeln ins Gesicht. |ag 

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© The Table Kevin Fehling 

DREI STERNE IN SNEAKER 

Wir überraschen Kevin Fehling etwas atemlos beim Unkrautjäten vor seinem Privathaus 

auf der Straße. Das weitere Tagesprogramm? „Ich habe mir vorgenommen, heute unserem 

Fotografen in Bargteheide zum Geburtstag zu gratulieren. Er hat mir schon öfter 

einen Gefallen getan. Da fahre ich hin, um anzustoßen. Und vorher koche ich für meine 

Kinder.“ Es gibt Hähnchenfilets, Blumenkohl und Kartoffelpüree. „Ganz klassisch, sehr lecker 

und frisch gekocht.“ Mit den Speisen in seinem Hamburger Restaurant „The Table“, 

in dem der 3-Sterne-Koch später seine Gäste begrüßen wird, hat das nur ganz entfernt 

etwas zu tun. Das aktuelle Menu heißt „Tor zur Welt“ und umfasst Gänge wie ungestopfte 

Gänseleber mit Brombeere, Shizu, Ponzu sowie Nori-Algen oder Rehrücken und geschmortes 

Ragout. In diesem Course trifft das Wild auf Apfel, Spitzkohl-Maki, Sherryessig-Hollandaise 

& Pfefferjus. Was hier auf geschmackvollem Porzellan und in Gläsern 

angerichtet wird, ist schlichtweg vollendet und hochgradig artifiziell im besten Sinn. Das 

Restaurant ein Gesamtkunstwerk. Das gilt für das bühnenreife Interior, den Auftritt des 

Personals sowie für Fehlings Handschrift und Stilistik – den Aufbau der Teller. „Zum einen 

sehr sauber, sehr stylish – das ist mir sehr wichtig, andererseits ist die Architektur des 

Tellers nicht das Wichtigste. Wir haben auch manchmal süffige Gänge voller Aromen und 

Schmelz. Aber dennoch, wenn man genau hinschaut und sich mit Kulinarik gut auskennt, 

selbst bei drei oder vier Komponenten, erkennt man trotzdem die Handschrift. Das macht 

die Sache dann aus. Da arbeitet man fast Jahrzehnte dran oder gar nicht.“ 

Fehling wollte immer einen Stern erkochen, um sich zu beweisen, dass er es zu etwas 

gebracht hat. Vor dem Abitur geht er ab, hat eher Skateboardfahren im Kopf. Es ist seine 

Großmutter, die ihm Folgendes mitgibt: „Wenn du Koch wirst, hast du wenigstens 

immer etwas zu essen.“ Das Handwerk begeistert ihn, er macht es zur Kunst. Mit 27 ist 

Fehling bereits Küchenchef in Travemünde, mit 30 gibt es den ersten Stern. Innerhalb 



© Alle Fotos: René Riis 

von fünf Jahren dann 3 Sterne. „Das war in Deutschland Rekordzeit. 

Heute interessiert mich das gar nicht mehr. Man hat einfach 

Routine und ist reifer.“ Genau diese Lässigkeit macht „The Table“ 

trotz höchster Ansprüche an die Küche aus. „Am Anfang steht das 

Grundprodukt. Bei unserem Level geht es immer nur um die Perfektion. 

Und die kann man nur erreichen, wenn man das beste 

Produkt hat. Es geht um die beste Gänseleber, die beste Blüte, es 

geht um den besten Wolfsbarsch. Ich bin grundsätzlich immer 

auf der Suche nach dem besten Produkt. Ohne die perfekte Frische 

und Konsistenz brauchen wir erst gar nicht versuchen, auf 

diesem Niveau zu kochen.“ Das ist das eine. „Als Zweites geht es 

um die Inspiration, die natürlich von überallher kommen kann.“ 

Fehling ist vor über zwanzig Jahren zur See gefahren. Das prägt. 

„Unterschiedliche Düfte, Aromen, Menschen – egal von welchem 

Kontinent oder aus welchem Land – inspirieren mich.“ Zum Beispiel 

ein Aal Unagi, der Fehling in Japan begeisterte. „Ein glasierter 

frischer Aal. Er wird erst gegrillt, dann wird er in einem Sud aus 

Sojasauce, Zucker, Wasser und Mirin (Reiswein) gekocht und anschließend 

erneut gegrillt. Das ist eine wirklich aufwendige Methode, 

einen Aal herzustellen. Wir haben schon in Travemünde 

zwei Jahre daran gearbeitet, bis er perfekt war.“ Einige seiner Mitarbeiter 

begleiten den Sternekoch bereits seit dieser Zeit, ein weiteres 

Erfolgsgeheimnis des Restaurants: Nachhaltigkeit im Umgang 

mit Angestellten. Und natürlich freut es Fehling und Team, 

wenn Gäste aus Japan gestehen, dass sie noch nie einen so guten 

Unagi gegessen haben. Was sie wohl zu Fehlings Grünkohl-Komposition 

sagen, zu der ihn die Küche seiner Mutter inspirierte? 

Dafür entsteht aus einer Jungschweinhaxe eine Terrine mit kleinen, 

ganz akkurat geschnittenen Stücken, die mit einer pochierten 

Auster und gefrorenen Perlen vom groben Senf serviert wird. 

„Und dann gibt es ein bisschen Kartoffelpüree mit ganz leicht 

gepuffter Schweineschwarte als Garnitur und ein Grünkohl-Pinkel-Porridge 

mit einer Nocke dazu auf dem Sud der Jungschweinhaxe. 

Eines der kreativsten Grünkohlgerichte, die es – ohne Eigenlob 

– auf diesem Planeten gibt.“ 

Fehlings „kleines Imperium“ umfasst außer dem unbestrittenen 

Mittelpunkt „The Table“, die Hamburger „Puzzle Bar“, sowie das 

Restaurant „The Globe“ by Kevin Fehling auf dem Kreuzfahrtschiff 

„MS Europa“ (Hapag Lloyd). „Wenn ich in Singapur bin und mit 

meinen Kollegen vom Schiff in einer Street-Food-Küche esse, ist 

der Tisch voll. Auch das ist sehr inspirierend.“ Doch zurück nach 

Hamburg in sein Restaurant, in dem abends ganz unterschiedliche 

Leute verkehren. Da kann es vorkommen, dass neben einer 

Dame im Abendkleid ein salopp gekleidetes Ehepaar Platz 

nimmt, das eher nach Wandertag aussieht. „Das entspricht genau 

unserer Philosophie. The Table ist für alle da. Alle Menschen 

sind gleich“, sagt Fehling, der es sich nicht nehmen lässt, an schönen 

Abenden seine Gäste vor der Tür zu begrüßen und ihnen viel 

Spaß zu wünschen. „Und den hat man vor allem dann, wenn man 

sich entspannt zurücklehnt, gute Gespräche genießt und nicht 

das Haar in der Suppe sucht.“ Auf Fehlings Willkommensgruß 

„Schön, dass Sie da sind“, antwortete gestern eine Frau: „Oh Gott, 

Sie sind es ja persönlich.“ Ja, er ist es: wunderbar bodenständig, 

präsent, menschlich, lebensfroh und einer der Besten. |sd 


165


© Alle Fotos Robert Rieger 

ERFINDERISCH: ESSEN 

WIE IN SÜDOST-ASIEN 

Wer das „Kin Dee“ im Berliner Stadtteil Tiergarten besucht, taucht 

in die Welt von Dalad Kambhu (Bild oben) ein. Die Thailänderin 

serviert ihren Gästen dort Gerichte und Aromen, die sie aus ihrer 

Heimat kennt, bislang jedoch an keinem anderen Ort vorfand. So 

entstand die Idee zu ihrem eigenen Restaurant. „Bevor es mich nach 

Berlin zog, habe ich einige Jahre in New York gelebt. Ich habe die 

authentische Thai-Küche vermisst, aber weder in den USA noch 

hier konnte ich Gerichte finden, die diese vertrauten Geschmacksrichtungen 

mit den lokalen, guten Zutaten im Westen verbindet.“ 

Der Name „Kin Dee“ – auf deutsch „Gut essen“ – ist für die Spitzenköchin 

keine leere Floskel, sondern ein Versprechen. „Es bedeutet 

mehr als nur leckeres Essen, sondern Essen, das mit Bedacht hergestellt 

wird.“ In Kambhus Töpfen landen ausschließlich regionale 

und saisonale Produkte, wodurch sie die Kleinbauern unterstützt. 

Die Saucen und Pasten stellt sie nach Rezepten ihrer Mutter her. 

Das Besondere: Für die thailändische Küche typische Zutaten, die 

nicht vor Ort erhältlich sind, ersetzt sie durch waschechte brandenburgische. 

Dieses Alleinstellungsmerkmal brachte dem „Kin Dee“ 

2022 zum vierten Mal in Folge einen Michelin-Stern ein. „Ich denke, 

dass thailändisches Essen mit lokalen Produkten ziemlich einzigartig 

ist, was natürlich daran liegt, dass die westliche Welt Vorurteile 

gegenüber asiatischem Essen hat. Diese basieren jedoch meist auf 

Erfahrungen von Touristen in Thailand.“ Zur Wahl stehen zehn Gerichte, 

die nach dem „family style“ alle in der Mitte des Tisches serviert 

werden, zum Teilen. Willkommen ist jeder, der „authentische 

thailändische Küche erleben möchte, die mit Bedacht zubereitet 

wird. Es macht mir viel Freude, aus guten Zutaten etwas Leckeres zu 

kreieren, und ich bin dankbar, dass ich etwas Sinnvolles tun kann.“ 

Wer bereits einmal in einer Restaurantküche gestanden hat, weiß, 

dass der Ton manchmal sehr rau sein kann. „Mir ist es wichtig, nicht 

diesem klischeehaften, patriarchalen System der Küchenführung 

zu folgen. Hier im Kin Dee behandeln wir die Mitarbeiter gut und 

bieten jenen eine Chance, die es am meisten brauchen.“ Auch in 

der Spitzengastronomie sind die vorherrschenden politischen Themen 

spürbar. „Die Menschen sind im Moment definitiv vorsichtiger, 

was zusätzliche Ausgaben betrifft, da die Energiekostenerhöhung 

bevorsteht und der Krieg in der Ukraine anhält. Wir müssen abwarten.“ 

Für die Zukunft wünscht sie sich, dass „die Weltpolitik endlich 

anfängt, das zu reparieren, was wirklich wichtig ist – die Natur – 

und begreift, dass nur wir Menschen die Welt zerstören.“ |ag 


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KUNSTVOLL 

Sie sind demnächst in Berlin, Wien, Bonn, Krefeld, Brünn oder am Lago Maggiore? 

Dann haben wir einige Empfehlungen, die hoffentlich auch Ihnen wirklich Freude bereiten. 

Ein wunderbarer Ausstausch über Farbe 

Berlin. Stadtteil Charlottenburg. Fasanenstraße. Hier residiert die 

Kunst. Wie Perlen an einer Kette reihen sich die Art-Galerien, Auktionshäuser 

und deren Dependancen aneinander. Darunter befinden 

sich so bekannte Institutionen wie Villa Griesebach oder Günter 

Venzke, ein feiner, betagter Gentleman und der Experte für Asiatika 

mit einem exzeptionellen Angebot. Die Schaufenster sind ein Eldorado 

für Kunstfans, doch nicht alle trauen sich in die Räumlichkeiten 

dahinter. Museum? Ja. Aber, was passiert, wenn man in einer Galerie 

angesprochen wird und nicht so fundierte Kenntnisse über zeitgenössische 

Maler oder Fotografie hat? Tatsächlich ist das für viele 

Menschen eine Hemmschwelle, die es abzubauen gilt – etwa so: 

Ich betrete die „Artnow Gallery“ in der Fasanenstraße 42. Die ausgestellten 

Arbeiten sprechen mich an. Leuchtende Farben, ungewöhnliche 

Texturen, eigentlich alles abstrakt. Keiner zu sehen. Eine 

junge Frau biegt von hinten um die Ecke und begrüßt mich mit 

einem strahlenden Lächeln. „Ich möchte mich gerne ein bisschen 

umschauen“, entgegne ich, und sie antwortet: „Aber sehr gerne.“ 

Ich betrachte einige Werke näher. Plötzlich steht sie neben mir, Ulrike 

Riemann, Galeristin aus Leidenschaft, und fängt einfach an zu 

erzählen: „Unsere aktuelle Ausstellung geht über Farbe. Wir zeigen 

Arbeiten von sechs Künstlerinnen und einem Mann.“ Ich erwidere: 

„Oh, das ist ja wirklich mal ausgewogen.“ Wir müssen beide lachen. 

Und ich vertiefe mich in eine Arbeit von Heidekine Günther, deren 

Namen und Werk ich bisher nicht kannte. Sie trägt den Titel „Core 

No. 72“ und zeigt zwei nebeneinander gesetzte Formen (vage auf 

dem Foto oben zu erkennen), die fast auf der Fläche zu schweben 

scheinen. Riemann erzählt, dass es in ihrem Werk immer um „den 

Kern“ geht. Ein Leitmotiv. Ein Kraftzentrum, Ursprung von allem 

Neuen und Sinnbild für das Potenzial an sich. Und ich bekomme 

gleichzeitig einen Einblick in die Maltechnik der in der Schweiz lebenden 

Künstlerin vermittelt, deren Gemälde in einem Prozess 

zahlreicher Übermalungen entstehen, die natürliche Formen mit 

einem hohen Maß an Abstraktion verbinden, und dabei oftmals 

polykulturelle Symbole aufgreifen. Doch auch ohne dieses Hintergrundwissen 

spricht mich die Arbeit an. „Das ist unsere teuerste 

Arbeit. 12 Scheine.“ Ich mag ihre Weise, sich auszudrücken. 

Im benachbarten Flur, der zu Riemanns Büro führt, habe ich sofort 

mein persönliches Highlight entdeckt. Eine Zeichnung von Luise von 

Rohden (rechte Seite oben rechts, für 1.200 Euro). Die Technik ist farbige 

Tusche auf Papier, das seine Struktur durch zahlreiche Faltungen 

erhält. Diese Arbeitsweise prägt auch den etwas sperrigen Titel der 

Grafik: „Faltung hv2d 1 (hv2d gb/ü 23/19)“. Das Blatt hat ein Maß von 

76 auf 63 Zentimeter, ist in diesem Jahr entstanden und fasziniert 


HOTSPOTS ! BERLIN 

mich völlig. Was aussieht, wie schönes Geschenkpapier aus dem 

Drucker, ist in Wirklichkeit das Produkt eines ambitionierten manuellen 

Prozesses, der das Thema der Ausstellung „#colour“ fabelhaft 

vor Augen führt. Wirklich traumhaft – eine Möglichkeit, sich in Türkisblau 

zu vertiefen und sich davontreiben zu lassen. Riemann freut 

sich über meine Gedanken und erläutert, dass es von Rohden, die 

1990 in Gotha geboren wurde, hier um ein komplexes System geht, 

das auf eine einfache Grundbewegung zurückgeht. Diese entsteht 

durch eine Abfolge sich scheinbar wiederholender Linien, die in immer 

neuen Konstellationen aufeinandertreffen, sich überlagern und 

an diesen Stellen Aussparungen zulassen. Von Rohden gelingt es so, 

aus wenigen Tönen ein breites Farbspektrum zu schaffen. „Dabei 

arbeitet sie mit dem lasierenden Effekt von Tusche.“ Natürlich will 

ich jetzt die Arbeiten des einzigen Mannes – Tomislav Topic – sehen 

(oben im Flur links). Seine Skulpturen (oben links) gefallen mir allerdings 

noch besser. Der Hannoveraner arbeitet mit Glasfaser und 

Farbe. Bei jedem Werk erwartet mich eine spannende Geschichte 

oder ein Kommentar der Galeristin. Sie erzählt, ohne lehrmeisterlich 

zu wirken, schlicht aus dem Herzen heraus. Bodenständig. Man 

spürt echte Begeisterung. Natürlich bin ich hin und weg – und erfahre, 

dass Riemann mit ihrem Partner Dr. Felix Brosius gerade erst 

in die Fasanenstraße gewechselt ist. Zu Hause lese ich im Katalog 

der Galerie weiter und freue mich, dass die zwei auch Editionen machen. 

Schauen Sie mal in unseren Geschenke Guide auf Seite 39. |sd 


169


© Marcelo Villada Ortiz 

Auch Nonnen gehen irgendwann in Rente 

Die Mitglieder der Ordensgemeinschaft der Barmherzigen Schwestern 

vom Heiligen Kreuz von Ingenbohl werden mit einem architektonischen 

Bravourstück für ihren unermüdlichen Einsatz belohnt. 

Als Rückzugsort und Altersrefugium konzipierte Cristiana Guerra 

die „Casa Sant‘ Agnese“, eine klosterähnliche Anlage, die sich terrassenförmig 

an die Hänge über dem Lago Maggiore schmiegt. 

Die Tessiner Architektin gestaltete verschiedene Gebäudeteile, die 

einen Innenhof umschließen, in dem die Schwestern einen Kräutergarten 

kultivieren. Von außen ist Sichtbeton das prägende Material 

des schlichten, aber ausgesprochen eleganten Komplexes, dessen 

Privaträume einen spektakulären Panoramablick auf den See bieten. 

Wenn Bewohnerinnen und Besucher den kleinen Vorplatz mit 

einer Statue des Heiligen Franziskus passiert haben, empfängt sie 

aber keineswegs klösterliche Strenge oder gar Einöde, sondern die 

Wärme von Holz. Es bringt Behaglichkeit in die zwanzig eher einfach 

gehaltenen Zimmer der Nonnen und Wärme in die abwechslungsreicheren 

Gemeinschaftsräume. Allen voran die Kapelle mit ihrem 

spektakulären Spiel aus Licht und Schatten ist ein faszinierender Ort 

mit besonderer Ausstrahlung, die auf dem Farbspiel der verwendeten 

Hölzer beruht. Eine der Herausforderungen für die ausführenden 

Gewerke war es, einen durchgehenden Ton für die Vertäfelungen, 

die Einbauten und Möbel sowie den klassischen Schiffboden 

– Bauwerk Parkett lieferte dafür einen geölten Eichen-Kurzstab aus 

der Kollektion „Monopark“ – zu finden. Die Casa Sant‘ Agnese erfreut 

sich bei den Ordensschwestern großer Beliebtheit. Und auch 

der bekannte Schweizer Architekt Mario Botta dankte kürzlich in 

seinem Essay „luce e gravità“ Guerra für ihr Werk in Muralto. Sie 

habe mit ihrer Casa Sant‘ Agnese „mit Zurückhaltung einen raffinierten 

Raum der stillen Meditation geschaffen“. Auf den Punkt. 


HOTSPOTS ! MURALTO UND WIEN 

© Alle Fotos We feel 

Der Himmel über der Bücherwelt 

Bis ins 14. Jahrhundert reichen die Wurzeln der Österreichischen 

Nationalbibliothek in Wien zurück. Heute ist sie die größte Barock- 

Bibliothek Europas und ein weltweit renommiertes Informationsund 

Forschungszentrum. Die Museen und Sammlungen – Gedächtnis 

einer Nation – sind mit Präsentationen und Sonderausstellungen 

auch der Öffentlichkeit zugänglich. Herz und architektonisches 

Juwel in diesem Ensemble ist der barocke Prunksaal in der 1723 von 

Kaiser Karl VI. beauftragten Bibliothek der Hofburg. Unter anderem 

werden hier 15.000 Werke aus der Bibliothek des Prinzen Eugen von 

Savoyen aufbewahrt, in Teilen auch ausgestellt. Die vollständig mit 

Holzregalen ausgestattete Bibliothek beherbergt auch Statuen von 

Persönlichkeiten der österreichischen Geschichte und Mitgliedern 

der Familie Habsburg. Darüber erhebt sich eine 20 Meter hohe 

Kuppel, die von Hofmaler Daniel Gran 1730 mit prächtigen Fresken 

verziert wurde. Sensationell und ein Grund mehr, das Ensemble in 

ein neues Licht zu setzen, denn die bisherige Beleuchtung war in 

die Jahre gekommen und ihre Leistung völlig unzureichend. Doch 

allein die architektonischen Gegebenheiten legen nahe, was für 

eine komplexe Aufgabe der ausführende Lichtdesigner Helmut 

Regvart bei der Gestaltung und Konzeption der Lichtführung zu 

leisten hatte, die in Kooperation mit der venezianischen Linea Light 

Group entwickelt wurde. „Meine Theatertätigkeiten waren mir hier 

sehr nützlich“, erklärt Regvart und ergänzt: „So wie auf der Bühne 

die Schauspieler in ständiger Bewegung sind, und das Licht ihren 

Handlungen folgen muss, so benötigt auch das Personal in den Korridoren 

der Bibliothek, das täglich mit der Verwaltung der unzähligen 

Bände beauftragt und auf unzähligen steilen Treppen unterwegs 

ist flexibles Licht. Es muss den Bewegungen der Angestellten 

folgen. Außerdem finden in der Bibliothek oft Veranstaltungen und 

Wechselausstellungen statt, die auch den Einbau von Stellwänden 

erfordern, und damit eine Anpassung der Lichtanlage.“ Gleichzeitig 

war es nötig, für die Fresken und andere Kunstwerke eine hervorragende 

Farbwiedergabe zu garantieren und die Wärme des Raumes 

hervorzuheben. Wer ihn jetzt betritt, sieht mehr als jemals zuvor: 

etwa die goldenen Details der Fresken, die bisher verborgen waren 

und nun das Licht von geschickt angebrachten Projektoren („Navata 

Optus“) reflektieren, während diese für die Augen der Besucher 

fast unsichtbar bleiben. Im Bereich der historischen Wendeltreppen 

(rechts) angebrachte „High-Protection“-Leuchten setzen 

Büsten und Statuen ins rechte Licht. Architektur, Bücher und Kunst 

haben nun einen bühnenreifen Auftritt. 

|sd 


171

HOTSPOTS ! BONN 

© Galerie Thomas Vogel Foto: Simon Vogel 

One-Man-Show für ein Ausnahmetalent 

Den Flügel hat Benjamin Houlihan monatelang im Souterrain seines 

Ateliers bearbeitet, bis die Aussage für ihn stimmte: „Diese 

dünnen, abgeschliffenen Objekte, die ich mache, sind sozusagen 

an einer Schwelle, die mich interessiert. Sobald man noch etwas 

wegnehmen würde, wären sie nicht mehr existent. Es ist ein Minimum 

von Existenz in der Welt. Die Kanten mit ihren Linienführungen 

erinnern an Zeichnungen. Wie aus Tusche. So behandle ich die 

Objekte auch. Ich schaue, was es für einen Verlauf gibt und bewege 

mich in einer gewissen Linearität, die aber gleichzeitig auch eine 

Präsenz im Raum hat – weil es sich um ein Objekt oder eine Skulptur 

handelt – aber es geht genauso um die Idee einer Zeichnung im 

Raum.“ Den Wahldüsseldorfer beschäftigen grundsätzliche Fragen 

der Kunst. „Dabei ist es gar nicht so wichtig, in welcher Gattung es 

sich hinterher in der Welt zeigt.“ Sein „Skinny Grand Piano“ (oben) 

ist bis 8. Januar kommenden Jahres im Kunstmuseum Bonn zu se- 


hen, das dem Stipendiaten der Stiftung Kunstfonds eine erste große 

Einzelausstellung widmet. Dort sind auch weitere Statements 

aus dieser Werksserie zu sehen: „Benjamin Houlihan – The Woods 

Have Names“. Doch im Werkstattatelier des gelernten Steinmetzes 

mit anschließendem Studium an der Düsseldorfer Akademie 

entstehen sehr unterschiedliche Arbeiten wie die Leinwand (linke 

Seite), die Houlihan mit der Zunge bemalte. Oder die Skulptur aus 

Plastillin (oben), ursprünglich als Zeichnung konzipiert und Teil einer 

früheren Ausstellungsinstallation. „Sie ist vielleicht nur zwanzig 

oder dreißig Zentimeter groß. Der Fotograf hat sie vom Boden aus 

aufgenommen. Dadurch entsteht diese Größenverschiebung.“ Die 

Message? „Es wirkt wie ein Blick durch ein umgedrehtes Fernglas. 

Sehr klein am Boden. Das hat beim Betrachter etwas ausgelöst, eine 

Distanz, die spürbar ist, als ob sich ein extra Feld auftut, auf dem die 

Figuren unter sich sind – wo ich nicht Teil der Ausstellung bin. Ich 

schaue wie ein Adler von oben darauf und habe diese Entfernung.“ 

Und die Figur an sich? Gibt sie ein Stoppzeichen? „Nein. Sie schaut 

in die leere Hand. Sie scheint etwas zu halten, aber sie hält nichts. 

Sie hält sozusagen diese Leere in der Hand.“ Da ist es wieder, dieses 

Grundsätzliche, das von Houlihan immer wieder hinterfragt wird, 

und das der sehr sympathische Shooting Star auf meine Nachfrage 

ganz offen erläutert. Etwa bei seiner Skulptur „Noah“ (linke Seite 

ganz links): „Eine frühe Arbeit, die am Beginn des Studiums wie 

durch einen Zufall entstand. Mir war das Bügeleisen heruntergefallen 

und darauf gab es ein kleines Piktogramm, wie Johannes der Täufer 

mit einem kleinen Tropfen darauf. Also quasi ein Symbol“ – und 

Ausgang von einem weiteren Werkzyklus, zu dem Noah gehört. „Es 

gab eine ganze Serie von Vergrößerungen kleinerer Fundstücke, die 

zum Teil vier Meter Größe erreichen. Und bei Noah gibt es diese Bewegung, 

die fast schon eine Entkörperung ist. Dieser Körper scheint 

ja an allen Seiten zu wuchern und fast die Form zu verlieren – in 

seiner scheinbaren Formlosigkeit. Man weiß nicht, wohin das jetzt 

fließt. Was gibt es da für eine Bewegung innerhalb der Skulptur?“ Es 

werden also ganz substanzielle Fragen behandelt: „Wo passiert eine 

konkrete Form, wo löst sich der Körper wieder auf zu einer Formlosigkeit?“ 

Vielleicht geht es am Ende sogar um Gefühle wie Verletzlichkeit, 

nun zu erfahren in den Bonner Museumsräumen. |sd 

© Alle Fotos Benjamin Houlihan 


173


Beide Fotos © Andrea Zittel, Foto: Dirk Rose, Kunstmuseen Krefeld 

Back to the Roots 

Zugegeben, das Krefelder Stadtzentrum gehört zu den bedauernswerten 

Tiefpunkten deutscher Innenstadtvitalität. Die fetten 

Jahre sind vorbei, als Seidenfabrikanten Prosperität in die am Niederrhein 

gelegene Stadt brachten. Von diesen Zeiten zeugen heute 

noch Boulevards und Parkanlagen. Und eine Institution, die Kunst-, 

Design- und Architekturliebhaber unbedingt auf dem Schirm haben 

sollten: die Kunstmuseen Krefeld. Ende des 19. Jahrhunderts 

aus der Bürgerschaft heraus geboren, versammelt das heutige 

Haupthaus, benannt nach Kaiser Wilhelm I., Werke und Objekte 

von Gemälden über Keramiken bis hin zu Möbeln. Zwischen 2012 

und 2016 wurde es umfangreich saniert und folgt seither wieder 

konsequent seinem ursprünglichen Ansatz: die angewandte und 

die bildende Kunst auf Augenhöhe zu betrachten, wie Katia Baudin 

betont, die die Museen seit der Wiedereröffnung leitet. Konzept 

ist es, die Besucher dabei weder chronologisch noch monothematisch 

durch die in Abständen wechselnde Sammlungsausstellung 

zu führen. Dies erlaubt zeitliche Vor- und Rücksprünge – Perspektiven 

auf bewusste und unbewusste Einflüsse früherer Epochen. 

Ganz offensichtlich wird das in den Arbeiten von Shannon Bool 

für das Ausstellungsformat „Sammlungssatellit #8“. Darin tritt 

die kanadische Künstlerin in einen Dialog mit dem Erbe des Grafikers, 

Malers und Typografen Otto Eckmann. Der Vertreter des 

Jugendstils und der Reformbewegung in Deutschland war gute 

einhundert Jahre vor Bool aktiv, zahlreiche seiner Arbeiten gelangten 

nach seinem Tod 1902 in die Sammlung. Shannon Bool 

überträgt nun Fragmente seiner Skizzen auf eine Marmorsitzbank 

oder auf einen großformatigen Jacquard-Teppich, in des- 


HOTSPOTS ! KREFELD 

© Dirk Rose 

sen Zentrum die Umrisse eines männlichen Laufstegmodels zu 

erkennen sind. Direkt nebenan ist ein Neuankauf des Museums 

zu bestaunen: das „Blaue Zimmer“ von Helmuth Macke, eines 

von wenigen Beispielen erhalten gebliebener expressionistischer 

Möbelgestaltung. Unkonventionell – und das ist das Schöne daran 

– wirkt der dekonstruierte Biedermeier-Raum (Bild rechte 

Seite oben). Nicht unerwähnt bleiben darf die Installation „Barraque 

d’dull odde“ von Joseph Beuys, einem Sohn dieser Stadt. 

Erst dieses Jahr wurde das Museumscafé K+ eröffnet, für das der 

österreichische Designer Robert Stadler ein grafisch anmutendes 

Interieur entwickelt hat. Indem Stadler die Gründungsidee des 

Museums, aber auch die textile Tradition der Stadt aufgreift und 

Gestaltung, Handwerk und Industrie miteinander verwebt, wird 

dieser Raum ganz subtil selbst zum Teil der Ausstellung. 

Einen gänzlich anderen Rahmen bieten die beiden zwischen 

1927 und 1930 gebauten Backsteinvillen Haus Lange und Haus 

Esters. Architekt war kein Geringerer als Ludwig Mies van der 

Rohe. Die Aufträge gaben der Textilfabrikant Hermann Lange 

und sein guter Freund Josef Esters, die beide zum Vorstand des 

Vereins deutscher Seidenwebereien (Verseidag) gehörten. Lange 

war Mitglied im Deutschen Werkbund. In Krefeld förderte er die 

Entwicklung des Kaiser-Wilhelm-Museums. Später überließ sein 

Sohn Ulrich das Haus dem Museum zunächst für zehn Jahre als 

Ausstellungsort für zeitgenössische Kunst und schenkte es der 

Stadt Krefeld schließlich ganz. Seit 1981 auch Haus Esters erworben 

werden konnte, ist das Ensemble für seine dialogischen, oft 

ortsspezifischen Ausstellungen bekannt. Fester Bestandteil des 

Haus Lange sind die beiden Räume „Le Vide“ (Raum der Leere, 1961) 

von Yves Klein und „Dark Room“ (2018) von Elmgreen & Dragset. 

Noch bis Ende Februar sind die zwei Ausstellungen „Maison Sonia: 

Sonia Delaunauy und das Atelier Simultané“ mit Skizzen 

und Textilentwürfen der russisch-französischen Künstlerin sowie 

„Andrea Zittel: Personal Patterns“ zu sehen. Letztere untersucht 

die psychologischen und sozialen Auswirkungen der abstrakten 

Gestaltung unserer Lebenswelt. Geometrische Formen, textile 

Oberflächen hinterfragen die Grenzen vom Kunst- zum Designbegriff. 

Daneben ist Zittel mit ihrer „Planar Panels“-Installation 

im Gartenhaus von Haus Esters vertreten, welches seinerseits 

– übrigens 1923 als eines der ersten vorfabrizierten Fertighäuser 

von den Deutschen Werkstätten Dresden-Hellerau geliefert 

und erbaut – ebenso sehenswert ist. 

|markus hieke 

© Volker Döhne 


175

HOTSPOTS ! KÖLN 

Die besten Geschichten schreibt der Zufall 

In Köln ein cooles Hotel zu finden, gleicht der sprichwörtlichen Suche 

nach einer Nadel im Heuhaufen. Wir haben sie gefunden: das 

Hotel Legend. Eigentlich würden wir Ihnen diese Adresse gerne vorenthalten 

– denn die nächste Messe kommt bestimmt, und bei nur 

20 Zimmern stehen die Chancen auf eine Buchung in den Sternen. 

Aber dieses Hotel ist einfach zu sensationell, und so verraten wir Ihnen 

schweren Herzens unseren Geheimtipp. Sein Interior-Konzept 

könnte weiteren Hoteliers Mut machen, neue Wege zu gehen. 

Patrick Huber-Flotho hatte ihn, nachdem er Anna und Barbara Luiz 

um ihre Einschätzung eines ersten vorliegenden Angebots für eine 

„Standard“-Hotelausstattung befragte. „Wir kannten uns über die 

Schule unserer Kinder“, erzählt Anna (unten rechts im Bild), und 

ihre Schwester Barbara berichtet weiter: „Bereits nach fünf Minuten 

im persönlichen Gespräch stellten wir gemeinsam fest, dass 

dieser besondere Ort in Köln und dieses Hotel einer individuellen 

Ausstattung bedürfen.“ Das Legend liegt direkt über der U-Bahnstation 

„Rathaus“ gleich neben dessen historischen Turm, einem 

der raren erhalten Schätze aus Vorkriegszeiten. Schnell saßen die 

Unternehmerinnen, bekannt für einzigartige Bettwäsche und Frottierwaren, 

mit ihrem Designer Peter Fehrentz und der leitenden 

Architektin Ines Kapplinghaus zusammen. „So hat sich 

das stimmige Gesamtkonzept verdichtet.“ Es reicht 

von den komfortablen Zimmern, in denen man nichts 

vom unterirdischen Bahnhof mitbekommt, bis zum 

hauseigenen Restaurant „Puls“, das der Sterne-Koch 

Johannes Langenstück unter der Patronage von Daniel 

Gottschlich bespielt. Jeden Abend voll. Zweischichtbetrieb 

und köstliche Gerichte. Hinter der gläsernen Küchentür ziemlich 

viele Köche auf engem Raum in Action. Imposant. 

Aber auch davon bekommt man in den Räumen darüber gar nichts 

mit. Sie sind so besonders: manche wegen ihres Ausblicks in den 

Himmel, andere wegen ihres Dialogs mit dem Turm, dessen Skulpturen 

als Fotokunst auch in den Hotelzimmern gegenwärtig sind – 

wegen ihrer individuellen Bäder und geschmackvollen Möbel, aber 

ganz besonders wegen der Betten. „Eigentlich sind wir erst in die 

Planung eingestiegen, als der Rohbau schon stand“, erinnert sich 

Barbara Luiz, ihres Zeichens Architektin. „Zunächst ging es auch 

nur um Bettwäsche und Frottiertücher, dann um die Bettwaren. 

Für ein Hotel haben wir sehr gehobene Qualitäten ausgewählt 

und die Bettwäsche mit zurückhaltenden handwerklichen Details 

umgesetzt. Daraufhin durften wir Vorschläge für Vorhänge (Luiz 

hat auch da Unglaubliches in petto) und Möbelstoffe unterbreiten. 

Dafür haben wir das Flair des Ortes und des Gebäudes adaptiert 

und mit warmen Farbtönen und matten Oberflächen aufgenommen.“ 

Und dann kam die Geschichte mit der Schlafstatt dazu, die 

„kein Standard-Bett mehr sein konnte“, so Anna. „Wir haben mit 

Peter ein modulares Kopfteil entwickelt, das in klarer Sprache auf 

die unterschiedlichen Gegebenheiten reagieren kann. Der entstan- 


dene Entwurf konnte je nach Raum für die extrem zulaufenden 

Schrägen auch mit Klapp-Elementen umgesetzt werden. Auf dem 

Weg dorthin wurden Schreiner und Elektriker in die Detaillierung 

der Konstruktion eingebunden.“ Die daraus entstandenen Leuchten 

sind ein weiteres feines Detail dieser Herberge, in der es Freude 

macht zu nächtigen. Es versteht sich von selbst, dass die Luiz-Sisters 

happy sind: „Wir freuen uns, für unsere Gäste ein »Zuhause« 

in Köln zu haben und sind stolz darauf, wie schön alles geworden 

ist.“ Vor allem die Satin-Bettwäsche aus 100 Prozent Baumwolle, 

der siebte Himmel ... „Sehr feine Qualitäten, die wir bei Privatausstattungen 

einsetzen, kommen nur bei sehr kleinen Hotels infrage, 

wo eine eigene Wäscherei unabhängig macht von externen 

Dienstleistern.“ Ein Grund mehr, Bettenburgen zu meiden. |sd 


177


So inszenieren zwei Newcomer Eis mit Stil 

Dass der Studioname Holky Rády Architekturu (zu Deutsch: Mädchen, 

die Architketur mögen) bezeichnend ist für die Arbeit von 

Barbora Kudelová und Kristýna Sirová, stellen die beiden Frauen in 

ihrem jüngst fertiggestellten Projekt einmal mehr unter Beweis. Im 

Stadtzentrum von Brünn hat das frische Kreativduo, das sich während 

des Architekturstudiums kennengelernt und im Jahr 2020 das 

eigene Studio gegründet hat, die kleine Fläche eines historischen 

Hauses mit einer modernen, minimalistischen Eisdiele aufgewertet. 

„Referenz, Reflexion und Bögen!“ In diesen drei Worten fassen 

die Gestalterinnen ihr Projekt prägnant zusammen. 

Eine klare Formsprache und die reduzierte Materialität prägen das 

Erscheinungsbild. Durch den Erhalt der gewölbten Decke und das 

Wiederaufnehmen und Modernisieren klassischer italienischer 

Motive wie dem Springbrunnen – hier in Form eines Metallwaschbeckens 

– verbinden sie raffiniert die italienische Herkunft des Produktes 

mit den tschechischen Wurzeln des Bestandsgebäudes. Das 

Farbschema erinnert an verschiedene beerige Eissorten und macht 

schon auf den ersten Blick Appetit. Wer einen zweiten Blick hinter 

die Glasscheibe riskiert, die Produktionsfläche und Verkaufstheke 

voneinander trennt, kann beim Mischen und Zubereiten der gefrorenen 

Delikatessen zusehen. Doch was versteckt der bordeauxrote 

Vorhang, der dem Szenario ein wenig Theatralik vermittelt? Den 

können Sie im nächsten Sommer in Brünn persönlich lüften. |mz 




179

BEZUGSQUELLEN ! 

A ÄSTHET www.aesthet.hamburg, ARTNOW GALLERY www.artnow-gallery.com, ATELIER OBLIQUE GMBH www.atelieroblique.com 

B BENJAMIN HOULIHAN www.houlihan.online, BISAZZA SPA www.bisazza.com, BYREDO GMBH www.byredo.com C 

CAPAROL ICONS GMBH www.caparol.de, CASSINA SPA www.cassina.com, CHANEL GMBH www.chanel.com D D. S. & DURGA 

www.dsanddurga.com, DEDAR www.dedar.com, DENNIS RUDOLPH www.dennisrudolph.com, DEVON & DEVON www.devon-devon.com, 

DIPTYQUE PARIS www.diptyqueparis.eu E E15 DESIGN & DISTRIBUTION GMBH www.e15.com, EDOARDO PIERMATTEI 

www.edoardopiermattei.com, ETRO SPA www.etro.com F FELDBUSCH WIESNER RUDOLPH GALERIE www.feldbuschwiesnerrudolph. 

de, FLEXFORM SPA www.flexform.it, FLOS SPA www.flos.com, FLOU SPA www.flou.it G GALERIE KORNFELD www.galeriekornfeld. 

com, GALERIE THOMAS FUCHS GMBH & CO. KG www.galeriefuchs.de, GALERIE EIGEN + ART www.eigen-art.com, GASTON Y DANIELA 

www.gastonydaniela.com, GIRSBERGER www.girsberger.com, GIORGETTI SPA www.giorgetti.eu H HAUSER & WIRTH AG 

www.hauserwirth.com, HERMÈS germany.hermes.com, HISTOIRES DE PARFUMS www.histoiresdeparfums.com, HISA FRANKO 

www.hisafranko.com I INA RINDERKNECHT ARCHITECTURE AG www.ina-rinderknecht.ch J JAN KATH DESIGN GMBH 

www.jan-kath.de, JH GASTRONOMIE GMBH www.jan-hartwig.com, JULIUS www.juliusberlin.de, JUSTUS BRINCKMANN 

GESELLSCHAFT E.V. FREUNDE DES MUSEUMS FÜR KUNST UND GEWERBE HAMBURG www.mkg-hamburg.de K KIN DEE 

www.kindeeberlin.com, KNOLL INTERNATIONAL SPA www.knolleurope.com, KUNSTMUSEEN KREFELD www.kunstmuseenkrefeld.de 

L LEGEND HOTEL www.legendhotel.de, LELIEVRE GMBH www.lelievre.eu, LES BAINS GUERBOIS 

www.lesbains-paris.com, LINEA LIGHT SRL www.linealight.com, LORENZO VILLORESI www.lorenzovilloresi.it, LORO PIANA 

TEXTILE DIVISION www.loropiana.com, LUIZ INTERFROTTA BAD- UND HEIMTEXTILIEN GMBH www.luiz.com M MAI 36 GALERIE AG 

www.mai36.com, MAISON INTÈGRE www.maisonintegre.com, MAISON KITSUNÉ www.maisonkitsune.com, MARC STRAUS 

Gallery www.marcstraus.com, MOOOI BV www.moooi.com N NEUTRA BY ARNABOLDI ANGELO www.neutradesign.it, NINA 

LANG www.ninalang.art O OCCHIO GMBH www.occhio.de, ÖSTERREICHISCHE NATIONALBIBLIOTHEK www.onb.ac.at P PAUL 

PRETZER www.paulpretzerstudio.com, PHAIDON PRESS LIMITED www.phaidon.com, PORZELLANMANUFAKTUR FÜRSTENBERG GMBH 

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www.besau-marguerre.de T TANJA GRANDITS RESTAURANT STUCKI www.tanjagrandits.ch, TRECA PARIS www.treca-interiors-paris.com 

V VALCUCINE SPA www.valcucine.it, VAN COLLIER www.vancollier.com, VITRA INTERNATIONAL AG www.vitra.de, 

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Sollten Sie noch auf der Suche nach einer speziellen Adresse für eines der vorgestellten Produkte sein, schreiben Sie uns einfach 

eine E-Mail an info@wohndesign.de. Weitere Infos zu Ihren Ansprechpartnern finden Sie im Internet unter www.wohndesign.de. 

Urheber- und Reproduktionsrechte (© VG Bild-Kunst, Bonn 2022): Brinkmann, Thorsten: Fotoarbeit Seite 3. 

Warburg, Nicholas: Gemälde Seite 47, im Foto links. Hirschhorn, Thomas: Gemälde „The Price of Suspicion”, Seite 47, im Foto rechts, Seite 48, 

im Foto unten die drei Werke rechts. Miller, Johnny: Gemälde Seite 48, im Foto unten links vom Durchgang. Melgaard, Bjarne: ohne Titel, 

Seite 48 im Foto unten mittig, Seite 50 im Foto unten, ganz links. Balkenhol, Stephan: Porträts Seite 68. Rudolph, Dennis: Carte Blanche 

Seite 74/81. Morell, Lars: Gemälde Seite 116/117. Rietvelt, Gerrit: Sessel Seite 116/117, Stuhl violett Seite 119. Hiquily, Philippe: Tisch Seite 128. 

Othoniel, Jean-Michel: Murano-Glas-Kette Seite 129. Melotti, Fausto: Keramikwand Seite 145. Laurencin, Marie: Gemälde Seite 149. Von 

Rohden, Luise: Faltung Seite 169. Van der Rohe, Ludwig Mies: Architektur Seite 175. 

GECHENKE GUIDE 

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www.artnow-gallery.com, AU DÉPART www.audepart.com B BIANCA TSCHAIKNER www.biancatschaikner.com, BILLA REITZNER 

www.reitzner-porzellan.de C CASSINA SPA www.cassina.com D DOPPELBLICK www.doppelblick.org F FBB MAISON GMBH 

www.fbb-group.com, FERM LIVING APS www.fermliving.com, FLOYD GMBH www.floyd.one G GALERIE KORNFELD 

www.galeriekornfeld.com, GEORG JENSEN A/S www.georgjensen.com I INGO MAURER GMBH www.ingo-maurer.com 

J JONDRAL GMBH & CO. KG www.michaeljondral.com K KATHARINA ANDRESS katharinaandress.de L LACOSTE www.lacoste.com, 

LAMBERT GMBH www.lambert-home.de, LILLI VEERS www.lilli-veers.de, LORO PIANA TEXTILE DIVISION www.loropiana.com, 

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1 2 3 

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Over the Rainbow 

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Zwischenüberschrift 

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Für seine diesjährige Weihnachts-Edition hat sich Caran d‘Ache von den Farben des 

Regenbogens und seinen Goldschätzen inspirieren lassen. Die funkelnden Nuancen der 

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ZU BESUCH BEI ! VOGEL ART 

„Vogel Art“-Gründer und Kurator Sebastian Vogel links 

nutzte die leerstehende Fläche in der Stuttgarter City 

oben für seine Pop-up-Galerie. Ein Konzept mit Zukunft, 

da ist sich der in München ansässige (Online-)Galerist und 

Verleger seiner eigenen Kunsteditionen sicher. Auch für 

Kunstliebhaber, die ihre Sammelleidenschaft gerade erst 

entdeckt haben, ist Vogel der richtige Ansprechpartner. 

UNVERHOFFT KOMMT OFT 

Auch Außentemperaturen von 38 Grad 

Celsius (am Abend!) im August hielten 

Kunstbegeisterte nicht davon ab, die 

Pop-up-Galerie von Vogel Art in Stuttgart-Mitte 

zu besuchen. „Meist passiert 

bei diesen Events vieles parallel oder im 

Nachgang, was man so nicht erwartet“, 

erzählt Initiator Sebastian Vogel. Wie 

eben das Wetter. Oder, „dass eine der 

teuren großen Arbeiten direkt von einem 

Sammler gekauft und als Schenkung an 

ein namhaftes Museum gerichtet wurde, 

wunderbar! Aber die Details bleiben noch 

geheim.“ In loftartiger Atmosphäre, auf 

500 Quadratmetern, präsentierte Vogel 

unter anderem seine eigenen Editionen, 

darunter namhafte Künstler wie Michael 

Sailstorfer, Regine Schumann, Jan Albers, 

Felix Schramm sowie Isa Melsheimer. Sowohl 

Gäste als auch Künstler und Kuratoren 

wie Dr. Anne Vieth vom Kunstmuseum 

Stuttgart waren von diesem Konzept 

begeistert – so begeistert, dass Vogel 

gleich eine weitere Pop-up-Galerie im 

südfranzösischen Nizza organisierte, die 

Anfang Oktober stattfand. Die Auswahl 

der Werke trifft der Kunstliebhaber nach 

Bauchgefühl und jahrelanger Erfahrung 

in der Szene: „Was könnte ich mir persönlich 

vorstellen, was könnte für das Publi- 

kum vor Ort interessant ist? Denn nicht 

jede Art von Kunst passt in jede Region.“ 

Vogel ist sich sicher, dass Pop-up-Galerien 

in Zukunft mehr Interesse finden. 

Vor allem Künstlerkollektive und Kuratoren 

profitieren von diesem Konzept. 

„Auch diese Szene unterliegt einem stetigen 

Wandel. Die nächste Generation 

kauft anders ein, denkt anders, und auf 

die stelle ich mich ein. Die wollen ein 

bisschen mehr Event-Charakter haben. 

Klassische Galerien werden nicht unbedingt 

auf dieses Pferd aufspringen. Dafür 

ist die Kunstszene zu konservativ und oft 

nicht offen genug.“ 

|ag 

Die nächste Ausgabe von WOHN!DESIGN mit dem Titelthema „Trend 2023“ erscheint am 14. Dezember 2022. 


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Photography Max Rommel. Art Work Arthur Arbesser. 

MAK 

INGTHE 

DIFFER 

ENCE 

ANDES by Luca Nichetto. 

www.wittmann.at

HANDVERLESEN 

GESCHENKE GUIDE 

FÜR JEDE GELEGENHEIT 

BY 

WOHN!DESIGN

UNSERE FÜNFTE EDITION 

Bei der Auswahl für den Geschenke-Guide 2022 hatte 

jeder von uns einen Merkzettel auf dem Bildschirmrand 

kleben: „Verschenke nichts, über was Du Dich nicht selbst 

freuen HANDVERLESEN 

würdest.“ Auf unserem Wunschzettel standen 

demgegenüber bekannte Dinge: Große Überraschungsmomente, 

gute Storys, tolle Qualität, Langlebigkeit, bei 

einigen von GESCHENKE uns stand Einzigartigkeit GUIDE hoch im Kurs – bei 

allen FÜR aber die JEDE Idee, Geschenke GELEGENHEIT 

zu machen, an denen jeder 

lange Freude hat. Das war schon Leitfaden für unsere 

erste Ausgabe dieses kleinen Heftes, das viele von Ihnen 

liebgewonnen haben. Die Pandemie der vergangenen Jahre 

hat uns gelehrt, dass es um ganz andere Werte geht: 

BY 

Gemeinsam Zeit zu verbringen, mal wieder ausgelassen 

zu feiern, dabei selbst zubereitete Speisen zu genießen – 

Freunde zu sehen. WOHN!DESIGN 

Und unterwegs zu sein – und das bitte 

immer rücksichtsvoll –, um Neues zu entdecken. Auch wir 

sind wieder auf Achse, um für Sie als geneigte Leserin und 

motivierter Leser das Besondere zu suchen. So schlecht 

sind materielle Geschenke ja nun auch nicht ... Für uns ist 

dabei immer die Entstehungsgeschichte eines Produktes 

wichtig: Wo kommt etwas her, unter welchen Umständen 

wird es hergestellt und mit welcher Message? Das lesen 

Sie nachfolgend. Und hoffentlich mit Vergnügen. 

Viel Spaß beim Überraschen (lassen) wünschen 

Dr. D. und das W!D-Team.

LICHT TO GO: DIESER 

NEUAUFGELEGTE DESIGN- 

KLASSIKER MACHT MOBIL 

© CONSTANTIN MIRBACH 

Wer hätte gedacht, dass diese fancy Leuchte hier 

links inzwischen mehr als 50 Jahre auf dem Buckel 

hat? Ihr Schöpfer ist kein Geringerer als Lichtdesigner 

Ingo Maurer, und „b.bulb“ seine erste Kreation – das 

Sprungbrett in eine strahlende Karriere. „Mein Vater 

erzählte gerne von dem Moment der Inspiration: Nach 

einem fantastischen Essen und einer Flasche Rotwein 

lag er in seinem billigen Hotelzimmer auf dem Bett. 

Über ihm schwebte eine nackte 15-Watt Glühbirne, 

deren Schönheit ihn berührte. Er verliebte sich sofort 

in diese Mischung aus Poesie und Technik – eine Liebe, 

die ihn Zeit seines Lebens nicht mehr losließ,“ beschreibt 

Claude Maurer. Die erste Version entstand 

1966 und wurde 2020 mit mehr technischer Finesse 

neu aufgelegt: Ausgestattet mit Akku und effizienter 

LED-Technik, ist sie an keinen festen Standort gebunden 

und passt sich dank „Dimm to warm“-Technologie 

jeder Lichtsituation an. Wie das Original ist auch die 

Neuauflage aus Murano-Glas gefertigt und fast vollständig 

recycelbar. Ab 340 Euro. ingo-maurer.com

KALTE HÄNDE, HEISSE 

LIEBE – SO SAGT MAN 

Das kann schon sein, aber wir bevorzugen temperierte 

Finger. Sie sind einfach geschmeidiger 

und erzeugen beim Gegenüber keine ungewollte 

Gänsehaut. Garant für eine angenehme 

Betriebstemperatur sind die Handschuhe von 

Thomas Riemer aus Wien. Das liegt natürlich 

an ihrem hochwertigen Futter, beispielsweise 

aus Kaschmir – ein Material, das der besonderen 

Verarbeitungsqualität ebenbürtig ist und 

den verwendeten Ledersorten, von denen man 

gar nicht mehr die Finger lassen kann. Doch 

wo die Hände schwelgen, dürfen die Augen 

nicht darben. Die Farben ... sensationell – mal 

elegant und sophisticated, doch genauso auch 

Pop! Und das Beste? Es gibt sie auch für Ladys. 

tr-handschuhe.at

PERFEKT FÜR DEN HERBST: 

REGENJACKE, BUT MAKE IT 

FASHION PLEASE 

Schneller als es uns lieb ist, ist auch dieses Jahr 

der Herbst zurückgekehrt. Selbst wenn wir die 

vermeintlich kuschelige Jahreszeit an so manchen 

heißen Sommertagen noch romantisiert, ja vielleicht 

sogar manchmal herbeigesehnt haben, ist 

die Realität in den Herbstmonaten in Deutschland 

meist vor allem eines: grau. Umso wichtiger, dieser 

Tristesse mit dem passenden Outfit entgegenzuwirken. 

Für die Herbst/Winter-Kollektion 2022 kooperiert 

der deutsche Sportartikelhersteller Adidas 

mittlerweile schon zum vierten Mal mit dem finnischen 

Modelabel Marimekko. Die abstrakten Muster, 

die architektonischen Formen und die leuchtenden 

Farben, die so typisch für das finnische Label 

sind, ergänzt um den funktionalen Stil und die Performance-Expertise 

des deutschen Kooperationspartners, 

überzeugen. Die gesamte Kollektion gibts 

es online bei Adidas zu kaufen. Der Regenmantel 

kostet 160 Euro, über 

adidas.de

LIMITED EDITION, DIE 

WAS ZU ERZÄHLEN HAT 

Nachdem ihr geliebtes erstes Skizzenbuch 

bei einem nächtlichen Raubüberfall im Marrakesch-Express 

gestohlen wurde, stand für 

Bianca Tschaikner fest: jetzt erst recht! Die 

österreichische Illustratorin und Keramikkünstlerin 

besorgte sich fix ein neues, noch 

schöneres Exemplar, mit dem sie seither die 

Welt erkundet. Ihre Arbeiten leben von den 

Eindrücken und Geschichten, die ihr Länder 

und Menschen vermittelten. So auch das 

„Blue and White“-Porzellan, das auf 16 Teile 

limitiert ist und seinen Nutzer auf eine Reise 

in die mediterrane Mythologie entführt. 

Jeder Teller und jede Schale ist ein handgemachtes 

und -bemaltes Einzelstück (ab 195- 

400 Euro). „Blau bemalte Keramik hat eine 

über tausend Jahre alte Tradition, hinter 

deren zeitloser Schönheit eine lange Historie 

steckt, die ich mit dieser kleinen, aber feinen 

Kollektion weitererzählen und die Blaumalerei 

neu interpretieren möchte.“ 

biancatschaikner.com

MUSEUMSREIFER STOFF 

KLEIDET KONTEMPORÄRE 

MÖBEL IM SCANDI-LOOK 

Skandinavier halten zusammen. Auch und besonders, 

wenn es um Kunst und Design geht. So entstehen 

gut und gerne Kooperationen wie zwischen 

dem dänischen Louisiana Museum of Modern Art 

und den Landsleuten der Design-Schmiede Ferm 

Living. Das Ergebnis ist der Webstoff „Louisiana x 

ferm LIVING“ mit kräftigen schwarzen und sandfarbenen 

Streifen, der speziell für den „Rico“-Lounge 

Chair (links im Bild) und den gleichnamigen Zweisitzer 

von Ferm Living kreiert wurde. „Zum ersten Mal 

waren wir intensiv an der Entwicklung eines Designs 

beteiligt, das einen klaren Ausgangspunkt in der Architektur 

dieser Institution hat“, sagt Peter Myrthu 

Elmegaard, Shop Manager des Museums. Er deutet 

auf das wesentliche Markenzeichen des Louisiana 

hin: das Spiel mit Farb- und Materialkontrasten. 

Genau das richtige Präsent für einen Menschen mit 

hoher Affinität für moderne Kunst und Design. Sessel 

um 2.100 Euro, zu bestellen über fermliving.de

„FÜR DEN KLEINEN SUFF 

ZWISCHENDURCH“ 

Mit diesem Versprechen bewirbt 

der „Doppelblick“-Gründer Matthias 

Pfundt sein Produkt, und wir können 

aus erster Hand bestätigen, dass es 

funktioniert. Der Limettenshot mit 

dem ulkigen Namen ist mittlerweile 

nicht mehr wegzudenken aus dem 

Leipziger Nachtleben und hat sich als 

echte Marke etabliert. 

Seit 2019 widmet Matthias Pfundt sich 

in Zusammenarbeit mit Wegbegleitern 

aus der Leipziger Subkultur, wie zum 

Beispiel dem Kunst- und Kulturförderverein 

MOTTT e.V. oder dem Illustratoren-Duo 

„Superfreunde“, und Destillateuren 

dem perfekten Mischverhältnis 

aus erlesenen Zutaten. So entsteht mit 

viel Hingabe und zu 100 Prozent vegan 

der optimale Kurze. Einen griffigen Namen 

und eine coole, auffällige Graphik 

später konnte Pfundt das Getränk in 

verschiedenen Größen abfüllen und in 

den Vertrieb bringen. Der Schnaps ist in 

0,5-Liter-Flaschen für 12,50 Euro oder 

schon portioniert in 2cl-Fläschchen für 

je 1,50 Euro erhältlich. Im Laden gibt es 

„Gisela“ bis jetzt nur an verschiedenen 

Adressen in Leipzig und in einigen Getränkemärkten 

in Dresden zu kaufen. 

Für die bundesweite Versorgung gibt 

es einen gut sortierten Online-Shop, in 

dem auch das zum Getränk passende 

Merchandise sowie andere Spirituosen- 

Spezialitäten made in Leipzig angeboten 

werden. Cheers! doppelblick.org

ES WAR EINMAL IN JAPAN. DAS LIEST 

SICH WIE EIN MODERNES MÄRCHEN 

... doch diese Geschichte ist wahr und 

hat ihren Ursprung im japanischen 

Arimatsu, wo die Familie Murase seit 

mehr als 100 Jahren (also in fünfter 

Generation) Stoffe mit einer traditionellen 

Technik veredelt: Shibori. Dabei 

werden Teile von textilen Oberflächen 

durch Abbinden, Abnähen oder durch 

Falten ausgespart – eine durchdachte 

Manipulation der Textilien, die beim 

anschließenden Färben fließende Farbverläufe, 

Kontraste, doch genauso auch 

dreidimensional wirkende Muster und 

Strukturen erzeugt. Seit mehr als 400 

Jahren sind die Produktionsprozesse, 

die an Batik denken lassen, doch viel 

raffinierter sind, unverändert. „Diese 

Tradition nicht nur bewahren – sondern 

gestalten“, nach diesem Motto pflegt 

Hiroyuki Murase, Designer von Suzusan 

und ältester Sohn der Familie Murase, 

die Familientradition und das japanische 

Shibori-Handwerk. 

2008 startete er mit Leuchten, Schals 

und Kissen für sein Label Suzusan. Inzwischen 

umfasst das Portfolio auch 

Bettüberwürfe, die selbst als Tischdecke 

Furore machen (rechts), sowie zwei 

komplette Fashion-Linien für sie und 

ihn. Unser Schnappschuss aus der Kollektion 

„Family“ zeigt, dass darin nicht 

nur Youngsters cool aussehen. Natürlich 

nicht ganz günstig, aber seinen Preis 

wert. Sie wissen, wovon wir überzeugt 

sind. Lieber einmal weniger shoppen, 

dann aber dafür richtig. suzusan.com 

Suzusan stellt auf der Hamburger „MK&G messe“ vom 23. bis 27.11.2022 aus. 

Weitere Infos zu Teilnehmern und dem Programm unter mkgmesse.de

ALESSI KANN TABLE- 

WARE – UND AUCH 

BLING BLING! 

Allein schon der Name „Venusia“ – 

eine Wortvariante und Referenz auf 

Venus, Göttin der Schönheit – lässt 

erahnen, dass bei dieser Schmuck- 

Kollektion höhere Mächte ihre Finger 

im Spiel haben. Designerin Elena Salmistraro 

schuf eine Serie aus Ringen, 

Armbändern, Halsketten und Ohrringen 

für das italienische Traditionshaus 

Alessi, wobei sie unterschiedliche 

Verfahren und Materialien aus 

der Metallverarbeitung erforschte, 

darunter hypoallergenen Edelstahl. 

Sinnlichkeit meets Kunsthandwerk. 

Ab 59 Euro. 

eu.alessi.com

© MARCO PIETRACUPA

KEINE TASCHE, 

SONDERN 

EIN STATEMENT 

Sie lieben emblematische Dessins 

mit Geschichte, die man 

nicht an jeder zweiten Straßenecke 

sieht? Dann kommen 

Sie an Au Départ nicht vorbei. 

Das geometrische Muster entstand 

um 1900, die Marke bereits 

1834. In den Twenties war 

es ein modisches Muss und seit 

dem Neustart des Labels vor 

zwei Jahren ist die Jeunesse 

dorée damit unterwegs. Die 

Kollektionen für sie und ihn 

wechseln zügig. Wer sich nicht 

schnell entscheidet, verpasst 

leicht sein Ziel, mit Stil unterwegs 

zu sein. Und zack ist sie 

ausverkauft, die „Géant Madeleine“ 

in „Monogram Black“ 

zum Preis von 3.500 Tacken. 

Luxus läuft. audepart.com

HOL DEN VORSCHLAG- 

HAMMER RAUS! 

Der Hocker „Fels“ des Berliner Designlabels 

OUT – Objekte unserer Tage – fällt auf. Das 

liegt zum einen sicherlich an seinen knalligen 

Farbausführungen, aber auch an der besonderen 

Formsprache und der aufwendigen 

Verarbeitung. Er ist aus massivem Edelholz 

gefertigt, wobei jede einzelne seiner vielen 

Kanten von Hand geschliffen wird. Man 

kann ihn auch als Beistelltisch benutzen. 

Der multifunktionale Hocker eröffnet eine 

neue Perspektive auf das Naturmaterial 

Holz. Was kommt dabei heraus, wenn man 

es behandelt wie Stein? Wenn man ein Objekt 

graduell aus dem Material erarbeitet, 

wie in der Bildhauerei? „Eine Begegnung von 

Natur, Handwerk und dem Berlin State of 

Mind“, sagt OUT. Ein beeindruckender Eyecatcher, 

der jeden Raum aufpeppt, sagen 

wir. Zu kaufen gibt es das Multitalent in verschiedenen 

Ausführungen ab 490 Euro. 

objekteunserertage.com

NOBLES DESIGN MIT DEM POTENZIAL, 

ZU ERBSTÜCKEN ZU AVANCIEREN 

Das dänische Silberunternehmen 

Georg Jensen kann dank seines fortschrittlichen 

Blickwinkels auf viele 

Erfolgsmomente und -geschichten 

zurückblicken. Fans royaler Anekdoten 

könnten besonders bei dieser 

Story schwach werden: Es war 

einmal ein schwedischer Graf mit 

Namen Sigvard Bernadotte (1907- 

2002), der seine Leidenschaft für 

Design und Illustration entdeckte. 

Als einer der ersten Mitarbeiter von 

Georg Jensen traute er sich 1930 mit 

den damaligen Design-Konventionen 

der Art-déco-Bewegung zu brechen 

und führte stattdessen eine architektonische 

Sprache ein, die klare, 

geometrische Formen und symmetrische 

Muster in die Kollektionen einbrachte. 

Die „Bernadotte“-Serie des

„Design-Prinzen“ mit den ikonischen 

Rillen wurde über die Jahrzehnte sukzessive 

durch neue Pieces ergänzt – 

von der Kaffeekanne über Besteck, 

Geschirr und Kerzenhalter bis zu Gläsern 

– die zusammen einen coolen, 

kontrastreichen Look ergeben, der 

frisch und ausgesprochen modern 

wirkt. Ab 20 Euro schlemmen auch 

Sie königlich. georgjensen.com

IM EINKLANG MIT 

DER NATUR 

Die Bilder von Mario Sorrenti zeichnen 

sich sonst eher durch sehr viel 

nackte Haut aus. Für das italienische 

Luxusbrand Loro Piana machte der 

amerikanische Fotograf offensichtlich 

eine Ausnahme. Die Aufnahmen zur 

aktuellen Herbst-/Winterkampagne 

entstanden im Norden Frankreichs 

– eine perfekte Location, um die kuschelweichen 

und warmen Kleidungsstücke 

aus Naturmaterialien in Szene 

zu setzen. Die raue Natur hebt die gewandte 

Handwerkskunst der taktilen 

Kleidungsstücke hervor, etwa beim 

Mantel „Credence“ aus natürlichem 

Langflor-Shearling. Feine Details und 

moderne Highlights schaffen den 

Spagat zwischen zeitgenössischem 

Key Piece und klassischem Must-have. 

Beim Preis bitte tief durchatmen: 

11.000 Euro. de.loropiana.com

„OUT OF SPACE“ AN 

DIE KETTE GELEGT 

„Die Holzbildhauerei ist für mich das 

gestalterische Mittel, in welchem ich erzählen 

kann, was mich beschäftigt“, erzählt 

Katharina Andress. Im Falle ihrer 

Schmuckserie „Fashion for Astronauts“ 

treffen aus Lindenholz geschnitzte 

futuristische Figuren auf eine jahrhundertealte 

Handwerkstechnik, die aus 

dem Rokoko stammt. Die detailreichen 

Holzanhänger sind Teil eines skulpturalen 

Schmuckprojektes, das die Bildhauerin 

mit eigenem Atelier am Ammersee 

bereits vor zwei Jahren startete. „Die 

farbenfrohen Anhänger wechseln je 

nach Bedarf vom Schmuckstück am 

Körper zum Kunstobjekt an der Wand 

und bewegen sich spielerisch zwischen 

den Grenzen der bildenden und angewandten 

Kunst.“ Ab 480 Euro ziert 

einer dieser spacig-bunten Blickfänge 

auch ihren Hals. katharinaandress.de

AUF FETTEN ROL- 

LEN UNTERWEGS 

Während im kalifornischen Venice 

Beach, Los Angeles in den Seventies 

Surfer, Airbrush-Künstler, Auto-Customizer 

und Rockmusiker den Bohemian 

Lifestyle lebten, verbrachten zwei bayerische 

Teenager ihre Tage damit, auf 

den Straßen ihres Dorfes Skateboard 

zu fahren, ihre Fahrräder aufzumotzen 

und vom coolen und lässigen California 

Way of Life zu träumen. Auch wenn es 

Bernd Georgi und Horst Kern nie nach 

Venice Beach geschafft haben, so ist 

es ihnen doch gelungen, sich diese unkonventionelle 

Lebenseinstellung zu bewahren. 

Bestes Bespiel dafür ist ihr Unternehmen 

„Floyd“, dessen hochwertige 

Gepäckstücke mit den ikonischen roten 

Rollen eine Gegenbewegung zu konformistischen 

schwarzen Businesskoffern 

bilden. „Wenn es in diesem langweiligen 

und ermüdenden Zirkus, der einst als 

Reisekultur bekannt war, noch einen 

schwachen Schimmer von Coolness 

gibt, dann ist es Floyds Mission, ihn in 

Geist und Stil wieder zum Leuchten zu 

bringen“, prangt es auf der Homepage. 

Cabin Case um 445 Euro. floyd.one

GANZ KLAR LIEBE AUF 

DEN ERSTEN BISS 

How wundervoll: Billa Reitzner stammt aus 

Dover (USA), absolvierte in den Eighties die 

Keramikfachschule in Landshut und gründete 

nach zehnjährigen Hospitanzen 1993 ihre eigene 

Werkstatt in München. Seitdem erfreut sie 

uns mit ausgesprochen aparten Objekten, für 

die sie bereits 2003 zwei nicht unbedeutende 

Preise sowie 2017 den Bayerischen Staatpreis 

für Gestaltung erhielt. Sie ist immer wieder 

in Galerien und auf Messen mit Exponaten 

vertreten, von denen schon einige Objekte in 

Museen wanderten. Wen wundert‘s? Diese 

Servierplatten hier sind aus Porzellan mit farbigem 

(Porzellan-)Schlicker überzogen, teils 

geritzt, und manchmal werden auch in einem 

dritten Brand farbige Glasperlen aufgebrannt. 

„Die sind für den Tisch gedacht als etwas Schönes, 

was da liegt. Man kann was Heißes drauf 

tun, man kann Speisen drauflegen.“ That‘s it. 

reitzner-porzellan.de

APHRODISIAKUM 

À LA FRANÇAISE 

Einem alten Familienrezept ist es zu verdanken, dass 

zwei Berliner mit einem neuen Apéro-Getränk durchstarten. 

„Als kleines Kind war ich öfter zu Gast bei meiner 

Künstlerfamilie in La Croix-Valmer. Dort gab es zur 

Begrüßung einen Haus-Apéritif, den auch wir Kinder 

trinken durften. Das war immer ein Highlight“, erzählt 

Jakob Karberg, der den Volée Apéritif Naturel auf der 

Grundlage dieser Rezeptur entwickelte. Der alkoholfreie, 

bittersüße Mix aus unfermentierten Chardonnay-Trauben, 

frischem Verjus, Grapefruit, Bergpfirsich, 

Holunderblüte und Pomeranze fängt den Geschmack 

des Mittelmeeres ein. „Als geheimes Extra ist Volée 

mit Damiana angereichert, einem natürlichen Aphrodisiakum, 

das die Stimmung hebt“, ergänzt Co-Gründer 

Benjamin Müller. „Wir empfehlen den Volée mit 

Tonic Water auf viel Eis und mit frischer Grapefruit 

garniert. Wer ihn doch etwas feucht-fröhlicher genießen 

möchte, füllt mit Cremant oder Sekt auf. Santé!“ 

500 ml gibt`s für 15,95 Euro. voleevolee.com

MASSHÜTE FÜR 

GROSSSTADTNOMADEN 

Auf der Suche nach einem Hut für sich 

selbst entdeckte Nuriel Molcho (im Bild 

links) seine Passion als Hutmacher. Den 

ersten selbstgefertigten trägt er noch heute. 

Gemeinsam mit seiner Frau Audrey (im 

Bild rechts) betreibt der Blogger, Fotograf 

und Gastronom seit 2017 das Atelier „Nomade 

Moderne“ am Wiener Naschmarkt. 

Ihre Made-to-measure-Teile sind unkonventionelle 

Einzelstücke und strahlen den Spirit 

rastloser Weltenbummler aus, zu denen sich 

auch das kreative Duo zählt. Die außergewöhnlichen 

Textilien und Details wie Knöpfe, 

Bänder und Federn sammeln sie auf ihren 

ausgiebigen Reisen um die Welt. Für Kurzentschlossene 

bietet das Paar die stylishen 

Kopfbedeckungen auch Ready-to-wear an. 

Die Preise starten je nach Ausführung bei 

580 Euro. nomade-moderne.com

JUWELEN WÄHLEN! 

ETWA EIN COLLIER 

„Mein Ziel ist es, Schmuck in höchster 

Qualität anzubieten, aus Materialien, die 

in ökologisch und sozial verantwortbarer 

Form produziert sind“, sagt die Goldschmiedin 

Lilli Veers aus Lüneburg und 

schickt hier einen Halsschmuck aus Silber, 

Papier, Harz und Farbpigmenten ins Rennen. 

„Schmuck wird somit zum Ausdruck 

meiner eigenen Werte. Deshalb untersuche 

und erarbeite ich mir ökologische 

und soziale Zusammenhänge, versuche 

diese immer wieder in mein Handeln zu 

integrieren und nach außen zu kommunizieren. 

Dadurch eröffnen sich in meiner 

künstlerischen Arbeit neue Perspektiven 

und Wertigkeiten. Es entstehen skulpturale 

und systemimmanente Unikate 

aus Recyclingedelmetallen, ökofairen 

Edelmetallen und Fremd-Materialien im 

Spannungsfeld zwischen archaischer 

Ursprünglichkeit und morbider Zerbrechlichkeit.“ 

Kürzer gesagt: einfach ganz 

großes Kino, Collier um 540 Euro über 

lilli-veers.de

© SOPHIEWOLTER_FOTOGRAFIE

ALLES EIN BISSCHEN 

BESSER MACHEN 

„Wie kann man ein Kaffeeunternehmen betreiben, 

ohne dass dabei irgendjemand oder 

irgendetwas zu Schaden kommt?“ Diese Frage 

stellten sich die Gründer der schwedischen 

Kaffeemarke „Lykke Kaffegårdar“ und begaben 

sich damit auf eine verantwortungsvolle 

Mission: die Kaffeeindustrie so umzukrempeln, 

dass wir auch in 50 Jahren noch eine 

richtig gute Tasse des frisch aufgebrühten 

Getränks genießen können. Ihr Netzwerk besteht 

aus Kaffeebauern in Südamerika und 

Südafrika, die die Führung behalten – ohne 

Zwischenhändler. Der Anbau erfolgt organisch, 

ohne Monokulturen in perfekter Harmonie 

mit Mensch und Natur. Ein schönes 

Mitbringsel, das Freude bereitet und gleichzeitig 

Gutes tut. Ein Pfund des „Bam Bam“- 

Espresso kostet 20 Euro. lykkegardar.se

DIE STILSICHEREN 

LEBENSBEGLEITER 

Sie sind klassisch, robust und passen 

sich den unterschiedlichsten Lebenslagen 

an. Die Rede ist von den modularen 

Möbelsystemen von USM, die 

nicht nur am Arbeitsplatz eine gute 

Figur machen. Bei Designliebhabern 

ziehen sie direkt mit in die heimischen 

vier Wände ein. Vom Wickeltisch, über 

Barwagen oder Garderobe bis hin zum 

Sideboard mit Stauraumeffekt – die 

Möglichkeiten sind mannigfaltig. Damit 

sich das Möbel immer perfekt an 

neue räumliche Gegebenheiten oder 

veränderte Lebensumstände anpasst, 

bietet USM ein Interior-Update 

mit professioneller Beratung in Form 

eines Umbaus oder einer Erweiterung 

bestehender Möbel. Sollten Sie also 

noch nach einem exklusiven Geschenk 

für kreative Köpfe suchen, dann sind 

Sie soeben fündig geworden. Warum 

nicht auch eine Variante in „True 

Pink“, dem neuesten Colour-Clash, den 

USM im Juni auf der Mailänder Design 

Week vorstellte? 

usm.com

(WINTER-)DÜFTE AUS 

VEGANEN REZEPTUREN 

Sie duften nach zarter Vanille und Mandelblüten, 

nach einem üppigen Bouquet aus 

Iris-Butter, Bergamotte, Rose mit Mandel-Kopfnote 

oder bilden ein harmonisches 

Zusammenspiel aus elegantem Leder, Bergamotte, 

Sandelholz und Heliotrop – eingerahmt 

von floralen Noten. Et Voilà: die Eaux 

de Parfum aus dem Hause Aemium. Gründer 

Emmanuel Roche hatte „die Nase voll von 

synthetischen Duftstoffen, die wir uns eigentlich 

nicht mehr auf die Haut zu sprühen 

trauen, von schweren und nicht recycelbaren 

Verpackungen, die alle unter Marketing-Blabla 

versteckt werden, um den Kunden zum 

Träumen zu bringen und ihn glauben zu lassen, 

dass das Produkt sein Geld wert ist.“ Die 

Aemium-Rezepturen enthalten daher weder 

Farbstoffe noch umstrittene Inhaltsstoffe 

und räumen mit dem Thema auf, dass vegan 

und luxuriös sich grundlegend ausschließen. 

100 ml kosten um 130 Euro. aemium.com

EINE HOMMAGE AN DAS 

TRADITIONELLE HANDWERK 

Die in Oviedo geborene und seit ihrem Studium in Mailand 

lebende und arbeitende Designerin Patricia Urquiola 

hat eine neue Vasenkollektion für Cassina entworfen. 

Die „Sestiere“-Vasen verbinden die alten Handwerkstechniken 

der Murano-Glasherstellung mit zeitgenössischem 

Design. Es gibt sie in vier verschiedenen Ausführungen. 

Die „Kordeln“, die die zarten Glasblasen 

scheinbar zusammenhalten, werden in der Murano-Tradition 

„Morise“ genannt. Sie sind verziert mit „Rigadin“, 

dem typischen Rillenmuster der Lagune und werden von 

Hand an der Außenseite der Vase angebracht. So wird 

jedes Exemplar zum Unikat. Durch die mit Bedacht gewählten 

Farbkombinationen, die unbemühten und dennoch 

vollkommenen Formen und die Kombination verschiedener 

Glasmacherkünste entstehen traumhafte, 

fast gläserne Skulpturen, die auch ohne Inhalt faszinieren. 

Und als eben solche handgefertigten Kunstobjekte 

sollte man sie auch im Hinblick auf ihren Preis betrachten, 

ab 1.190 Euro. 

cassina.com

GUTE KUNST ZUM FAIREN PREIS? 

DAS HABEN WIR IN BERLIN GEFUNDEN 

Die Buntstiftzeichnungen der Berliner 

Künstlerin Levke Leiß (*1982) erfüllen 

die vornehmste Aufgabe der Kunst: 

Sie irritieren. In einer das Verfahren der 

Lasurmalerei adaptierenden Technik 

trägt Leiß in ihren Bildwelten Menschen, 

Landschaften, Objekte und Tiere 

zusammen, die in selten erreichter 

Perfektion nahezu hyperrealistisch präsentiert 

werden. Dass sich bei dem Betrachter 

der Arbeiten dennoch unvermittelt 

ein Störgefühl einstellt, erreicht 

Leiß durch eine den voreingenommenen 

Erwartungen widersprechende 

Zusammenstellung verschiedener 

Elemente zu Szenarien, die zwischen 

gestörter Wirklichkeit und surrealen 

Welten verortet sind. Diese gestörten 

Welten zwingen den Betrachter dazu, 

das Dargebotene zu hinterfragen und 

sich auf die Suche nach der Ursache der 

Störung zu begeben. Wie bei ihrem Mo- 

tiv „Suchender“. Wer verhüllt sich hier 

und warum? Das weiße Tuch erinnert 

an ein Gespenst, die Form aber auch 

an eine Burka. Beobachten wir hier ein 

Spiel, eine Demonstration oder einen 

Rollentausch? Wie würde dieses Bild 

auf uns wirken, wenn das Tuch schwarz 

wäre, und darunter kein Allerweltsoutfit 

sondern traditionelle Frauenkleidung 

zum Vorschein käme? Wer sich 

auf die Bilder von Levke Leiß einlässt, 

beginnt einen inneren Monolog, an dessen 

Ende er stets klüger ist als vorher. 

Dieses Vergnügen hält die Berliner Art 

Now Gallery als Edition im Offsetdruck 

in einer Auflage von 75 bereit. 

Ca. 60 x 42 cm, von der Künstlerin signiert 

und datiert, und das zum Preis 

von 175 Euro. Ein super Deal für junge 

Sammler. art-nowgallery.com

GESTRICKTER CHIC 

AUS FINNLAND 

Haben unsere nordischen Nachbarn 

einen am Kopp? Da strickt eine Armada 

finnischer Omis für uns kuschelige 

Begleiter für den Winter. Dieses ganze 

Designunternehmen nennt sich Myssyfarmi 

(Mützenfarm) und liegt in der 

Provinz Pöytyä Vistola, die 8.216 Menschen 

zählt. Einige von ihnen züchten 

Schafe auf einsamen Bio-Bauernhöfen, 

wo man die strickenden Großmütter 

liebevoll Myssy-Mumien oder Myssymummu 

nennt. Jeder dort kennt sie 

wegen ihrer Mützen. 

Terttu, Sallo, Soili, Outi, Eeva und Ritva 

und einige andere Omas verbringen auf 

der „Farm“ viel Zeit zusammen, während 

sie die Wolle in Form bringen – auf 

Finnisch: Myssymuumoude. Die fertigen 

Strickwaren schmiegen sich wunderbar 

um die Murmel, und manche 

von ihnen tragen hübsche kleine Holzanhänger 

auf der Frontseite. Uns hat 

diese Baskenmütze am besten gefallen, 

eine formschöne Alternative zu den 

eher klassischen Wollmützen. Mehr Informationen 

finden Hipsters, Look-alikes, 

Trendagenten und Stylomaten im 

Netz unter, um 90 Euro, zu ordern über 

koti-ahrensburg.com

WIE PORZELLAN ZU 

KUNST AVANCIERT 

Es ist nach wie vor gängige Praxis, dass Porzellanobjekte 

eher als „Kunstgewerbe“ abgetan und in Sammlerkreisen 

kaum als Wertanlage betrachtet werden. Andere 

Kunstsparten schon. Doch wenn ein hoffnungsvolles 

Talent, das gerade seine erste große Einzelausstellung 

in einer nicht ganz unbekannten Museumsinstitution hat 

(schauen Sie mal in unseren Hotspots im Hauptheft), 

eine Vase vorlegt, sieht das ganz anders aus. 

Der Künstler Benjamin Houlihan erinnert sich. „Das war 

ganz schön tricky. Über einen Sammler, der gern Projekte 

macht, hat Fürstenberg mich angesprochen. Porzellan? 

Damit hatte ich noch nie gearbeitet. Ich habe dann zwei 

Hälften modelliert, die zusammenfließen und diese Vase ergeben. 

Außen ist das Porzellan rau. Innen glasiert mit einem 

komplexen Innenleben. Eines meiner 

»licked paintings« wurde 

dafür verfilmt, auf Folie 

übertragen und diese 

wiederum innen aufgetragen. 

Rot ist die heikelste 

Farbe, die man 

überhaupt machen 

kann. Die Manufaktur 

hat meinen Ton 

ziemlich genau getroffen. 

Als Edition 

von 25 Exemplaren, je 

3.200 Euro. 

fuerstenberg-porzellan.com

UND WAS ZIEHT DEN MANN 

IN DIESER SAISON SO AN? 

Na gut, die ausgewaschene Jeans könnte bleiben, 

aber ausgelatschte Sneaker sind kein Statement für 

stilbewusste Männer. Violette Hosenträger zur karierten 

Hose „New Blackwatch“ von Rota aus reiner 

Wolle schon. Ein wenig Klassik schadet nicht. Zum 

zweireihigen Sakko „The Golden Blazer“ aus Wolle 

und Kaschmir von Drago – es entsteht in Handarbeit 

und macht eine schlanke Linie. Der Rollkragenpullover 

„Gentry Rollneck“ lockert den Look etwas auf und hält 

warm (6-Ply-Kaschmir aus Schottland). Denken Sie 

an Ihre Gasrechnung und an die Umwelt. Er begleitet 

Sie lang. Fehlen noch die Schuhe, die über ihren Träger 

so einiges verraten. Wer Edward Green Butterfly 

Loafers trägt, der weiß, was er für 1.600 Euro erhält: 

„Nur noch wenige Schuhmacher sind in der Lage, 

so etwas herzustellen. Das aus Italien stammende 

Mink-Suede Wildleder ist ein Edward Green Essential 

und verleiht den Schuhen durch seinen feinen Glanz, 

einen wunderbar subtilen Charakter. Ein Rauleder, das 

trotz seiner angenehmen Weichheit eine hohe Widerstandsfähigkeit 

besitzt“, verrät uns Michael Jondral, 

der Herrenausstatter unseres Vertrauens. Auch der 

Rest ist preiswert, soll heißen seinen Preis wert. Riskieren 

Sie ruhig mal einen Blick in den chic gemachten 

Online-Shop. Gucken kostet nix. michaeljondral.com

EIN GANZ KLARES 

JA ZUM „NEIN“ 

Was für eine magische Farbigkeit zaubert 

Ivana de Vivanco hier auf die Leinwand. 

Das Kleinformat mit den Maßen 

40 auf 36 cm zeigt etwas, das sonst 

eher der Kamera vorbehalten bleibt: Bewegung. 

Und zwar vehement. Der Pinsel 

scheint über die Leinwand geflogen 

zu sein, verdichtet an manchen Stellen 

das Rouge, während er die Farbe auf 

den Lippen fast schon wieder abträgt 

und die Konturen verwischt. Gleichzeitig 

spiegelt sich in Teilen des Kinns das Blau 

des Plafonds wider. Ein Kopf in Action, 

der sich von links nach rechts zu drehen 

scheint – mit einer konkreten Ansage: 

„No!“ So lautet der Titel des Werkes der 

Künstlerin mit peruanischer Mutter und 

chilenischem Vater. De Vivanco kam 

in Lissabon zur Welt und studierte in 

Chile und Leipzig. Wir erwidern ihr Nein 

mit einem ganz klaren Yes! – auch weil 

sie 2014 zu den Empfehlungen in „100 

Painters of Tomorrow“ (Thames & Hudson) 

gehörte, und weil es ein großartiges 

Werk ist, gesehen für 3.300 Euro in der 

Berliner 

galeriekornfeld.com

ALADIN HEISST JETZT PHILIPPE UND 

AUCH DIE WUNDERLAMPE IST NEU 

Die französische Koryphäe des zeitgenössischen 

Designs, Philippe Starck, 

entwirft die neue Kollektion von Raumluftpflege 

für das französische Traditionsunternehmen 

Maison Berger 

Paris. Sie umfasst Lampe Berger Katalyselampen, 

Raumduft Diffuser und 

elektrischer Diffuser in Verbindung mit 

drei Düften, die von Philippe Starck ursprünglich 

als Parfum für den Körper 

entwickelt und von Maison Berger Paris 

als Raumdüfte umgesetzt wurden. In 

der Formsprache der Objekte bezieht 

sich der Designer mit einer modernen 

Interpretation von Laborgegenständen 

auf die Wurzeln des französischen 

Hauses, das von Maurice Berger, einem 

Apotheker und Erfinder der berühmten 

Lampe Berger, Ende des 19. Jahrhunderts 

gegründet worden war. Aber wie 

funktioniert das patentierte Katalyse- 

system eigentlich? Es ist ein einfaches 

Wunderwerk: Im Zentrum der Lampe 

befindet sich ein katalytischer Brenner. 

Er besteht aus zwei Temperaturbereichen 

(Wärmezonen): dem äußeren Bereich, 

der eine Temperatur von ungefähr 

500°C erreicht, und dem inneren Teil, 

der sich auf nur etwa 200°C erhitzt. Im 

äußeren Bereich zirkuliert die Luft durch 

die Hitze um den Brenner und spaltet so 

geruchstragende Moleküle in der Raumluft 

auf, es neutralisiert sie. Die niedrigere 

Temperatur im Inneren ermöglicht die 

Freisetzung der Duftstoffe und verteilt 

diese gleichmäßig im Raum. 

Das Ergebnis sind sowohl eine reinere 

Luft als auch eine angenehme Beduftung. 

Wer sich von diesem sensorischen 

savoir vivre inspiriert fühlt, kann die 

Lampen online bei Maison Berger Paris 

ab 119 € erwerben. maison-berger.de

ACHTEN SIE AUF DAS KLEINE 

KROKODIL. ES LOHNT SICH. 

Manchmal wird man morgens wach und möchte sich am 

liebsten die Decke über den Kopf ziehen. Dann mummelt 

man sich ein – vielleicht mit einem Tee oder Kaffee – und 

sinniert über den angebrochenen Tag oder die vergangene 

Nacht. Vielleicht. Denn es könnte auch genauso sein, dass 

die Bettwäsche so stylish aussieht, dass man sie am liebsten 

anziehen würde. Was für ein starkes Outfit wäre das 

– vielleicht als Jacke zum Snowboard. Da kommt Mann 

schon mal ins Träumen und Nachdenken ... Der Bettbezug 

„L Monogram Marine“ aus der Herbst-Winter-Linie von 

Lacoste sieht so schön aus. Und dann dieser atmungsaktive 

Biobaumwoll-Piqué und das emblematische Dessin. 

Ein Träumchen. Einfach zum Verlieben. Gut, dass es ein 

klassisches Polohemd in sattem Blau gibt, mit dem man 

sich über den Tag trösten kann. Die nächste Nacht kommt 

bestimmt, und damit die prägnanteste Bettwäsche aus 

der Lacoste-Kollektion zum Einsatz. Das kleine grüne Krokodil 

als ikonisches Markenzeichen entdeckt man darauf 

sofort. Den gedruckten Schriftzug „Lacoste“ im Rapport 

erst bei genauem Hinschauen. Wie chic. Es kommt immer 

auf die Details an. Kissen ab 55 Euro, Decke ab 170 Euro 

online im Shop von 

yvesdelorme.com

GESTATTEN: „GATSBY“, 

FORMFOLLENDET. 

So stehen sie da: Champagner-, Rotwein-, und 

Wasserglas, dann ein weiteres für Weißwein 

sowie die passende Karaffe für Wasser. Wer 

sie berührt und hochhebt, ist von der feinen 

Ausführung und dem soliden Gewicht der Serie 

„Gatsby“ überrascht. Alle Wandungen sind 

optisch geblasen. Dafür verwendet der Glaswerker 

Model – meist aus Holz –, in die jedes 

Kristallglas einzeln geblasen wird. Diesem Prozedere 

ist auch die elegante Rippung geschuldet, 

die nicht mit Schliff verwechselt werden 

sollte. Die Technik lässt subtile Teile entstehen, 

die zu einer der schönsten Lambert-Tableware- 

Linien avancieren. Man erhebt das Glas, schaut 

hindurch und vegisst die eher glanzlose Zeit; ab 

30 bis 140 Euro. lambert-home.de

DIE KUNST DER 

VERFÜHRUNG 

Allein die Tatsache, dass „Juniper“ – ein ausgesprochen 

sinnlicher und belebender Unisexduft 

– neuerdings im Sortiment bei Andreas Murkudis 

in Berlin Furore macht, spricht für sich. Der 

Mann hinter dem bekanntesten Concept Store 

Deutschlands ist begeistert von dem Eau de 

Parfum des Traditionshauses Retterspitz, 

sonst eher bekannt für heilende und pflegende 

Produkte. „Juniper“ ist so besonders: Über 

einer Herznote aus Jasmin und Freesie erheben 

sich Wacholder und Basilikum, untermalt 

von Baumharz und Moschus. Parfumeur Geza 

Schön zog dafür alle Register seiner Duftorgel. 

Nun legt der bekannte deutsche Parfumeur 

nach und komponierte einen neuen Raumduft 

namens „Jardin“: Ein feines Fluidum aus 

Freesie, Rose und Jasmin, darüber Bergamotte 

und Kardamom, abgerundet mit Sandelholz & 

Myrrhe. Schöns Komposition hat eine stresslösende, 

ausgleichende Wirkung und kann als 

Stimmungsaufheller interpretiert werden, der 

Wärme und Geborgenheit vermittelt. 

Der Winter kann kommen. Zu Hause verbreitet 

sich ein Wohlgeruch, der sie in einen Garten für 

ein Rendezvous der Sinne entführt. Beim realen 

Date vor der Haustür wirken Sie umso verführerischer, 

wenn sie „Juniper“ auflegen. Eau 

de Parfum 90 Euro, Raumduft 40 und 60 Euro. 

Alle Produkte online über retterspitz.de

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