ORSON WEST UN FILM DE FRAN RUVIRA

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Fran Ruvira
Je suis né dans un petit village situé
à la frontière qui sépare les provinces
d’Alicante et de Murcie, dans le sud de
l’Espagne, où les terrains secs balayés par
les vents forment un paysage aride qui rappelle
les terres de l’Ouest américain.
Pour les enfants de ma génération, c’était
un décor parfait pour inventer des histoires
d’Indiens, de cow-boys, de hors-la-loi... Je
me rappelle qu’un jour, à cette époque-là,
j’entendis un voisin parler de la venue d’un
réalisateur de cinéma dans notre village,
qui avait eu l’intention d’y tourner un western.
Moi, j’avais toujours pensé que c’était
une de ces légendes qu’on raconte aux enfants
pour les distraire, jusqu’à ce que quelques
années plus tard, j’aie découvert un
article de cinéma qui relatait les mésaventures
d’Orson Welles pendant son séjour
en Espagne, lorsque celui-ci avait vainement
tenté d’y tourner un western.
Mais en fait, le but de ce film n’est pas de
raconter l’histoire d’Orson Welles, mais
celle du territoire où le cinéaste américain
comptait réaliser un western. La caméra
embrasse les lieux de mon enfance afin de
mettre en relief la poésie cinématographique
qui naît de l’union du cinéma et de la
nature, de la confrontation entre l’individu
et son environnement, el déracinement...
Cette communion avec le paysage nous
ramènera vers cette époque où Orson
Welles promenait son ombre sur ces terres
frontalières.
Cette barrière géographique est transposée
sur le plan cinématographique pour
composer un récit situé à la frontière
de deux réalités qui s’opposent l’une à
l’autre: un cinéma qui suggère vs. un cinéma
qui raconte, recours aux techniques
du documentaire vs. cinéma de genre,
acteurs non professionnels vs. méthodes
d’acteurs professionnels... Le spectateur
se trouve au milieu d’un « no man’s land »,
où tout est possible, où tout reste à faire.
C’est l’endroit idéal pour réaliser un film
dont chaque jour de tournage est pensé
comme une exploration, avec son lot de
surprises, d’encombrements, de changements
d’itinéraire ou de moments de doute.
De cette façon, le film se dévoile peu à
peu, à mesure que le tournage avance,
tandis que la narration devient finalement
le témoignage d’une recherche. L’œuvre
adopte la forme du croquis ou d’un récit
schématique, un trait encore plus marqué
lorsqu’elle évoque les projets inachevés
de Welles ou tous ces souvenirs personnels
qui n’ont pas encore été enterrés.
Dans cette optique, et avec l’aide du cinéaste
Joaquim Jordà, j’ai commencé à
écrire un scénario mêlant faits réels, récits
épiques et mythologie, comme dans tout
bon western qui se respecte.
Du côté des acteurs, c’est Sonia Almarcha
qui tient le haut de l’affiche, une
comédienne au long parcours que l’on a
vue dans La solitude, de Jaime Rosales
(2007), et qui est justement née dans la
région où a été tourné le film. Une fois
encore, la frontière entre fiction et réalité,
actrice et personnage, s’évapore dans un
jeu de (ré)interprétation en faveur du film.
Pour elle, ce tournage sera à la fois un voyage
et un retour au pays natal, au cours
duquel d’anciens souvenirs remonteront à
la surface et feront ressortir ses conflits intérieurs.
Incapable de s’ancrer et de tisser
des liens, Sonia tente de conquérir des
territoires fort reculés : le temps qu’on ne
peut plus rattraper, l’amour perdu, les in-
quiétudes... Les frontières sont aussi des
barrières invisibles qui s’interposent dans
les rapports personnels.
Nous avons tenu à mélanger acteurs professionnels
et non professionnels dans le
souci de rechercher la naturalité du geste
et de dépeindre, à la manière d’un ethnologue,
certains aspects de la région, comme
le dialecte parlé par les habitants, leurs
coutumes... C’est dans cette idée que
quelques gamins du coin vont devenir, le
temps du film, des observateurs assidus
du monde du cinéma. Le regard vierge de
ces enfants, qui ne sont pas des acteurs,
nous aidera à retrouver cette innocence
perdue et la naïveté du premier visionnage
afin de faire écho à ce vieil adage qui
dit que les westerns contribuent à combler
l’innocence perdue du spectateur adulte.
Enfin, moi-même, en tant que réalisateur
du film, « j’apparais » devant la caméra
pour enquêter de près sur ce western qui
ne vit jamais le jour. Ainsi, nous invitons
le spectateur à nous accompagner dans
notre récit et de partir à la recherche du
fantôme d’Orson et de son film inachevé.
La vie et les projets avortés d’Orson Welles
sont entourés d’un voile confus et de
légendes, ce qui empêche de faire la part
des choses entre le mythe et la réalité.
Cette quête est donc, dès le début, vouée
à l’échec. Mais comme disait John Ford:
“S’il faut choisir entre la vérité et le mythe,
moi, je choisis le mythe”.
En bref, en réalisant Orson West, nous
avons voulu continuer à explorer de
nouveaux territoires cinématographiques
où les genres, les matériaux, la fiction,
le documentaire... se trouvent mêlés les
uns aux autres, en faveur d’un cinéma
conçu en tant qu’art impur. Mais avant
tout, Orson West est un film réaliste,
intime et poétique qui aspire à retrouver
cette (fausse) innocence du cinéma.