El desnudo como ideal de belleza femenina, en la expresión plástica

VARIOSLÓPEZ JE, ET ALGac Méd Caracas 1997;105(4):555-568El desnudo como ideal de belleza femenina,en la expresión plásticaDrs. José Enrique López*, Myriam Marcano Torres, José Enrique López Salazar, Yolanda López Salazar,Humberto Fasanella Llacer, Francis EscalanteSe conoce que el hombre habita en la tierra desdehace más de 2 millones de años, pero sólo en unbreve período, al final de todos estos milenios, nosha dejado testimonios de su existencia: huesos yherramientas primitivas. Aun cuando estos restosson muy importantes para los antropólogos, estafase de la vida humana pertenece a la prehistoria.Sólo cuando el hombre aprende a escribir, dibujar,pintar y modelar, empezamos a tener una idea másclara de sus diversas culturas, y su punto de vistasobre si mismo y su ambiente.En 1967, los arqueólogos descubren la aldea deLepenski Vir en la rivera del Danubio, en el norte deYugoslavia. Este hallazgo pone en discusión que lacivilización se originó en la “Fertile crescent” delcercano y medio oriente, puesto que Lepenski Virdata de 8 000 años por lo menos. En esta aldea seencontraron 33 esculturas de cabezas de hombres yanimales; con respecto a la figura humana esteretroceso de unos 3 000 años en el origen de lacivilización no tiene mayor importancia. Para losanatomistas, el cuerpo humano de 5 000 a 8 000 añosatrás, no sería diferente del hombre actual. Lastrescientas generaciones que representan 8 000 añossuponen poco tiempo para que se produjeran cambiosimportantes en el ser humano.Charles Wentinck (1) penetra en ese mundo interiore indaga los mecanismos de la deformación delcuerpo humano en los diversos períodos de la historia* Miembro Correspondiente de la Academia Nacional de Medicina Nº11 por el Estado Carabobo.Presentado en la Academia Nacional de Medicina el 03 de abril de1997.del arte. En el arte “primitivo”, histórica oculturalmente definido, la exageración de ciertaspartes del cuerpo no se debe a ignorancia de laanatomía, ni a falta de habilidad para hacerlo mejor,sino a un deseo positivo de dar significación a laobra artística, rigiéndose por supersticiones ycreencias religiosas.Por ejemplo, el énfasis en la representación delos órganos genitales del hombre o de la mujer erauna ofrenda con el objeto de asegurar la fecundacióny la persistencia de la especie y no suponía verdaderoerotismo. Por otra parte, en algunas esculturasafricanas la desproporción de la cabeza en relaciónal resto del cuerpo se hacía a fin de destacar el lugardonde radican las elevadas facultades mentales.Algunos animales nacen con un propia vestidura:pelos, plumas, escamas o conchas. Sólo el hombretiene que confeccionar su vestimenta y cuando sedesprende de ella se siente desnudo. Es posible queinfluya el factor vergüenza en la actitud humanafrente a la desnudez, aparte de cualquier emoción,suscitada por la religión o la moral.Sin embargo, es muy probable que muy pocaspersonas sientan angustia o desasosiego simplementepor estar desnudos. La desnudez es algo completamentenormal cuando estamos solos; lo que nosinquieta es la presencia o la inminente llegada deotras personas sobre todo si son extrañas. Estosugiere que nuestra actitud hacia la desnudez esquizás más primitiva de lo que pensamos, y puedetener su origen en el miedo que sentían nuestrosantepasados prehistóricos en ser sorprendidos enestado de desnudez, es decir, sin vestimentas,utensilios, ni armas, o sea indefensos.La segunda mitad del siglo XX representa unaépoca libertaria en relación a modificar o suprimirGac Méd Caracas 555

EL DESNUDOlas leyes y las costumbres que regulan el vestir y laconducta pública. Los hombres y las mujeres quedesean tomar el sol o participar en diversos deportesllevan prendas tan pequeñas que sesenta años atráshubiesen provocado un escándalo. No obstante,todavía persiste la costumbre de que el cuerpo nollegue a estar completamente desnudo, porque loque está permitido en las playas es indecoroso en lascalles; cualquier persona que apareciera completamentedesnuda en la vía pública sería detenida porla autoridad correspondiente. Sin embargo, en lacalle podemos permitir ver esculturas de cuerposdesnudos o un grupo de mujeres desnudas adornandouna fuente.Es decir hay una franca discrepancia entre nuestraactitud hacia el arte y hacia la vida real. Parece quetuviésemos la creencia, o por lo menos la presunción,de que el arte tiene la virtud de transformar loinaceptable en algo digno de elogio.El desnudarse es uno de los actos más íntimosque puede hacer una persona, por tanto, la presenciade extraños nos pondría en situación embarazosa oincluso indecente. Es la magia del arte lo que nospermite estar tranquilamente en la presencia de ladesnudez de otras personas. Indudablemente que elarte es mucho más que esto, pero lo que se haseñalado es suficiente para hacer la diferencia entrearte y la pornografía pictórica, ya sea en libros,escenarios, pantallas cinematográficas o videocasetes.El arte tiene la virtud de emanciparnos de muchosde los prejuicios que normalmente nos cohiben.Sin embargo, es necesario saber la interpretaciónque demos a la palabra “desnudo”; algunas personasopinan que a menos que esté representado todo elcuerpo completamente desprovisto de ropas, no debeconsiderarse un desnudo; para otras personas estosupone una actitud hipócrita, pues aunque algunaparte del cuerpo quede oculta por otras figuras, o porciertos objetos, árboles, en realidad, lo que hacen esacentuar el efecto general de la desnudez.Algunos artistas han eludido el problema decontraponer la cara al cuerpo desnudo omitiéndolatotalmente, poniéndola en posición poco visible oplasmándola en forma esquemática. Estas omisionesse justifican a veces y se basan en que el rostro nohace más que distraer la atención que suscita laestética del cuerpo desnudo, o pensando que tododesnudo es erótico en mayor o menor grado y elerotismo debe fundamentarse en el busto, las piernas,los muslos y otros atributos que provocan al apetitosexual (2). Tal vez haya sido ésta la actitud deDegas, que no sólo en sus desnudos, sino también ensus otros lienzos en que aparecen bailarinas ylavanderas, suele representarlas con la cara volteadahacia atrás o difuminada como queriendo demostrarque la persona que servía de modelo no le interesabacomo ser humano, si no como forma, color y contorno(3).Existe un notable y conveniente contraste entrela desnudez completa y cubrir todo el cuerpo menosla cara. Como la mente funciona, no siempre demanera precisa y consciente, es posible que a veces,la idea de desnudez suscite inmediatamente las ideasde maldad, sexualidad y materialismo, conceptoscuya fuerza y definición surgen por contraste conlas de bondad, ascetismo y espiritualidad. Es decir,en muchos de nosotros, puede darse un contrasteteológico o maniqueo entre carne y espíritu, la carnees el mundo la cara es Dios, entonces se tiende aconsiderar el cuerpo como cosa vergonzosa quedebe ocultarse, en cambio el rostro simboliza la sedede la razón y la moral, es decir, algo solemne yastracto, más que una parte del cuerpo.A causa de esta polaridad en nuestra mente eslógico suponer que tanto en la vida real como en elarte la reacción ante un rostro varía según se trate deuna mujer vestida o desnuda. El artista, al realizarsu obra, habrá de decidir si la cabeza deberá ser laparte primordial de la composición o si tendrá quequedar subordinada a otra región del cuerpo, yademás, resolver problemas relacionados con elcolorido y el tono.Considerando la maestría matemática, simplicidadde planos y subordinación a la autoridad, losegipcios apenas se sometieron a ciertas reglas, comopor ejemplo la ley de la frontalidad, hasta el extremode que sus estatuas y pinturas se han caracterizadodurante muchos siglos por severa formalidad yrigidez.Aunque es cierto que los egipcios consiguieronromper los vínculos de la esclavitud arcaica, fueronlos griegos quienes liberaron a la figura humana detodas las leyes impuestas, infundiéndole movimientoy sobre todo libertad y belleza, cualidades de por sieternas.De los dos principales estilos del arte griego, elarcaico y el clásico, los romanos prefirieron el clásicoy a medida que incorporaban ciudades griegas alImperio, enviaban a Roma multitud de cerámicas y556Vol. 105, Nº 4, diciembre 1997

LÓPEZ JE, ET ALesculturas. Probablemente, el estilo arcaico lespareciera falto de maestría, incapaz de representaren la piedra los movimientos flexibles de los brazosy las piernas o los delicados pliegues que formansobre el cuerpo humano los finos y translúcidostejidos, tal como puede apreciarse en el maravillosotrono de Ludovisi que se encuentra en Roma.El estilo arcaico era limitado e inexpresivo, perodespués de dos mil años de menosprecio, las obrasque produjo se aproximan más que las del estiloclásico al gusto que predomina en el siglo XX. Estatendencia ha surgido principalmente como reacciónante la predilección que hasta el final del siglopasado persistió por los estilos derivados delRenacimiento italiano, especialmente de Rafael yMiguel Ángel. Estos estilos como implica el vocabloRenacimiento, proceden del estilo clásico de Grecia,con frecuencia a través de copias o imitacionesromanas.Sin embargo, debemos aclarar con respecto alarte de la antigua Grecia (en sus períodos arcaico yclásico) que contamos con muy pocos datosindiscutibles. No se conservan pinturas, salvo loque se aprecia en los vasos, que en realidad sondibujos con uno o dos colores; la arquitectura haquedado reducida a ruinas y casi todas las esculturasque se conservan están deterioradas y aun cuando seconocen los nombres de algunos de los escultoresgriegos más destacados, como Fidias, Mirón,Plaxiteles y otros, no hay manera de atribuir conseguridad una determinada obra a ninguno de ellos.Sería falso afirmar que el arte romano, durante suépoca más floreciente, es decir, desde el siglo IIantes de Cristo hasta el IV de nuestra era, no hizoningún progreso ni introdujo ningún perfeccionamientorespecto a las realizaciones del arte griego.Sin embargo, la escultura y la arquitectura romanasparecen una reminiscencia, y a menudo una francaimitación de los griegos. La pintura mural, por elcontrario, es estimulante y de mucho interés para lapintura moderna; esta pintura no era un fresco sobreyeso húmedo, sino colores colocados sobre unsoporte de pared.La incursión de los bárbaros, la caída del gobiernocentral y el ascenso de Bizancio tuvieron efectosdesastrosos para el arte pictórico en Italia. Eldesnudo desapareció, porque para el estilo bizantinoel cuerpo siempre aparece muy cubierto de túnicas,además exhibe simplificaciones abstractas que soncontrarios al interés que despierta el cuerpo humanocomo motivo artístico.Sabemos poco sobre los pueblos del noroeste deEuropa: godos, visigodos, vándalos, celtas, galos,belgas, galeses, bretones, germanos o teutones.Todos ellos proporcionaron un estilo que predominódel siglo XII al XV y que John Brophy lo describecomo medieval (2). En arquitectura, nacen las formasangostas verticales o en plano inclinado, arcosapuntalados, agujas, arbotantes y gárgolas.El estilo medieval es más propio que el bizantinopara las artes pictóricas, la iglesia patrocinó la laborde pintores y escultores clasificados como artesanos.Ni los artistas independientes, ni el arte profano (noeclesiástico) existían todavía.Las líneas verticales de la arquitectura medievalimpusieron la tendencia a alargar las figuras labradasen los sepulcros, los cuales se muestran convestiduras y en actitud de provocar veneración másque admiración por la belleza física.En las tallas de relieves, en las láminas de coloresbrillantes de los códices iluminados y en algunaspiezas de altar del medioevo, aparecen cuerposdesnudos, pero son cuerpos de Cristo, de Adán y Evao de santos martirizados.Incluso, cuando el período medieval empezaba aser superado por el Renacimiento primitivo, lospintores de los países bajos que empezaron a usar lapintura al óleo, pintaban el desnudo con brillantez,tersura cutánea; sin embargo, sus temas seguíansiendo Adán y Eva, pero lejos de presentarlos concuerpos esbeltos aparecen con miembros muydelgados y el abdomen prominente. Podríamosconsiderarlos retratos incorporados incongruentementea cuerpos.Durante la Edad Media, en el Imperio Bizantinoy en la Europa Occidental, el cuerpo humano solíarepresentarse completamente vestido o desnudo enabsoluto. Cuando el desnudo estaba prohibido porconsiderarse pecaminoso, los pintores y los escultorescoincidían en que el cuerpo humano desnudoconstituía el tema más importante para demostrarlas aptitudes del artista (4).Tuvieron que transcurrir los primeros siglos dela Era Cristiana hasta el Renacimiento, antes depoder admirar de nuevo la magnificencia del cuerpohumano. Los artistas de la Italia renacentista ya noconsideraban su obra como un servicio anómimo,dedicado a Dios y la Iglesia, si no como un himnopersonal de homenaje a la belleza. Por primera vezen la historia tiene significación la persona y la vidadel artista; además de reflejar el espíritu de suGac Méd Caracas 557

EL DESNUDOépoca, el artista recobra parte del espíritu de laantigüedad.El Renacimiento surgió en Italia en el siglo XV,alcanzó su punto culminante a principios del sigloXVI con las obras maestras de Miguel Ángel yRafael en un estilo y período que se denomina elRenacimiento clásico. Este período contribuyó a lasartes pictóricas con figuras en acción, figurasdesnudas relacionadas con poemas grecolatinos,libros de historias, fábulas, mitos y leyendas.Los magnates, los príncipes de la Iglesia o desangre real y los comerciantes ricos idearon nuevosmotivos para decorar sus palacios y casas de campoy por primera vez en diez siglos los pintores yescultores no tuvieron que limitarse a iglesias,abadías y monasterios. Sin embargo, las pinturasmás importantes del Renacimiento fueron realizadasen el Vaticano: el decorado de la Capilla Sixtina porMiguel Ángel, los frescos de Rafael sobre episodioshistóricos. Las mujeres jóvenes que pintaba MiguelÁngel eran casi siempre adaptaciones de sus dibujosde hombres jóvenes y a pesar que el techo de estacapilla presentaba muchos profetas y líderes delantiguo testamento, las sibilas y los atletas desnudosque se ven en los capiteles de columnas y otroslugares significativos convierte el techo de la CapillaSixtina en un panteón griego.A Rafael le correspondió en realidad encabezar alos pintores del Renacimiento. En sus figuras alcanzófama inmensa; sin embargo, rara vez mostró laintensa vitalidad de líneas que nos fascina en MiguelÁngel. Pero reúne todas las cualidades de untemperamento sereno y una singular sensibilidadpara el espacio y el equilibrio de líneas y encontróen los tesoros del arte clásico, del que Roma era unreservorio, una inspiración perfectamente adecuadaa su temperamento.Rafael representa el Renacimiento como larestauración del ideal grecorromano de equilibrio,dignidad, reposo, estabilidad y en el óvalo clásicode la cara consiguió una expresión entre benevolenciay serenidad.No es totalmente una coincidencia que en esteperíodo la anatomía humana se libera de los trabajosde Galeno. En 1543, Andrea Vesalio (1514-1564)publica la 1ª edición de “De Humana CorporisFabrica” con ilustraciones de Jan Steven Van Calcar(1499-1546), discípulo de Ticiano, y el grabadorFrancesco Marcolini De Forti (1505-1560). Estaobra representó la base de la anatomía moderna yobtuvo gran éxito, en gran parte por sus excelentesilustraciones.En ese tiempo, los artistas se esforzaron enconocer el cuerpo humano, estudiándolo no sólodesde el punto de vista artístico, si no tambiénexaminando los variados tejidos, tonalidades yposturas; con el mismo fin asistían a diseccionesanatómicas para darse cuenta de los contornos delser humano. La Fábrica de Vesalio triunfó porquereunía el genio del anatomista con el genio delartista.Desde el Renacimiento hasta nuestro siglo elestudio de la estructura y organización del cuerpohumano ha sido tan esencial para las artes plásticascomo para la ciencia. El aspecto más importante delas academias era el estudio del desnudo con modelosmasculinos o femeninos, en pose en una plataformacentral.Se pueden citar tres razones, no contradictorias,sino complementarias sobre la preponderancia quetuvo el desnudo, por lo menos desde el siglo XV enadelante.1. La mayor parte de la piel que cubre el cuerpohumano femenino está casi desprovista de velloy por tanto no oculta el aspecto cutáneo.2. En la natutaleza hay pocos ejemplos de algo querefleje la luz tan sutilmente como lo hace elcuerpo humano femenino desnudo. Así pues, eldesnudo ha sido reconocido por siglos como laprueba máxima de aptitud que puede exigírsele aun pintor o a un escultor. Miguel Ángel yLeonardo da Vinci dedicaron toda su vida adibujar para observar qué postura toma un senode mujer cuando levanta el brazo o como secomporta el pie, la pierna y el muslo cuando lapersona da un paso hacia delante (4).3. Los artistas comprendieron que el traje puestosobre el cuerpo humano ofrece un aspecto muydiferente cuando está colgado en la percha ocuando está cubriendo una figura acostada. Paraevitar esto, se puso en práctica la norma de hacerun dibujo preliminar desnudo, antes de comenzarla pintura de una persona vestida; ahora bien, lapersona que servía de modelo para el desnudo nosiempre era la misma que luego se representabavestida y las grandes damas de antaño se sentíanhalagadas al pintarles las piernas, los muslos, lossenos y la espalda de modelos profesionales.Giorgio de Castelfranco, conocido comoGiorgione, (1477-1510) pintó un extraordinario558Vol. 105, Nº 4, diciembre 1997

LÓPEZ JE, ET ALdesnudo, “Venus acostada”, actualmente en el museode Dresde, Alemania (Figura 1), pensando en lamujer en términos puramente sensuales y señala enel arte veneciano el paso de los temas y sentimientoscristianos a los paganos. Sin embargo, en estaVenus no hay nada provocativo. Está dormida,desnuda al aire libre, descansando en un cojín rojo ysobre un manto de seda blanca, con el brazo derechobaja la cabeza, y la mano izquierda, a título de hojade parra. Sus piernas, una de ellas estirada, la otraligeramente doblada bajo la primera, son de granperfección, en su rostro hay una expresión deinocencia y de paz. Rara vez se ha logrado pintar latextura aterciopelada de la piel femenina ni se harepresentado con tal gracia una actitud tan natural.renunciaron al desnudo en detrimento de suformación o se marchaban a París o a Florencia. Enrelación a este punto, cierto misterio envuelve aVelásquez: entre toda su producción pictórica existeun auténtico desnudo femenino, la “Venus delespejo” (Figura 3), que se encuentra en la NationalGallery de Londres; este desnudo está realizado demanera tan magistral que es difícil creer queVelásquez no pintase otros. Se piensa que al morirVelázquez pudieron quemarse dibujos y bocetos dedesnudos en la creencia que eran impúdicos.Figura 2. La Venus de Urbino. Ticiano. Galería de losUffici, Florencia.Figura 1. La Venus de Giorgione. Museo de Dresde,Alemania.Ticiano de Venecia (1477-1576), vivió noventay nueve años y murió en una epidemia de peste, enVenecia. Sus tres grandes rivales Miguel Ángel,Leonardo y Rafael murieron antes que él y quedóTiciano dueño absoluto de la pintura. Hacia 1538pintó una Venus por encargo del Duque de Urbino(Figura 2).La actitud de esta Venus es casi idéntica a lapintada por Giorgione muchos años antes, obra queterminó Ticiano a la muerte de su amigo, pintandosólo parte del paisaje.En la España del siglo XVI (5-7) y en Inglaterrade la Época Victoriana (8), países en los cuales elarte tenía que observar los estrictos convencionalismossobre el vestido, los pintores de la corteFigura 3. La Venus del espejo de Diego Rodríguez deSilva y Velásquez. Museo del Prado, Madrid.Gac Méd Caracas 559

EL DESNUDOEs bastante fácil hacer una comparación entre laEspaña puritana, obsesionada por la idea de la muertey las costumbres liberales de Italia y Francia. EnVerona, Pisanello practicó de manera excelente eldibujo del desnudo antes de tomar auge elRenacimiento. Las madonas de Rafael constituyenla culminación de una serie de tentativas de dibujosexperimentales y progresivos, que comienza conestudios sobre el desnudo. Asimismo, el arte francésconquistó una reputación internacional por sucondición erótica cuando se construía y decoraba elpalacio de Fontainebleau. Sin embargo, el puritanismono es exclusivo de ciertos lugares y épocasy sería más prudente considerarlo como parteinherente de la naturaleza humana.Ese aspecto del puritanismo que implica temor ycensura de la sexualidad y por tanto del desnudo, semanifiesta especialmente cuando surge comoreacción contra las costumbres licenciosas en casitodos los países. Miguel Ángel no pudo evitar queun puritano ordenara a Daniel de Volterra, un antiguodiscípulo de aquél, que cubriera las partes pudendasde algunas figuras desnudas que aparecían en eltecho de la Capilla Sixtina.El desnudo pictórico, aun cuando esté bienlogrado, no siempre despierta el deseo sexual. Laidea de la belleza varía según las épocas y loslugares; una mujer joven y sana despojada de susvestidos es deseable, por consiguiente su pinturatambién lo será. A pesar que hay menos hipocresíasobre el factor erótico en las reacciones ante eldesnudo, hoy en día se están descubriendo otrosaspectos sutiles y objetivos y es paradójico que enuna época de tanta libertad amorosa se hacomprendido mejor la estética del desnudo femeninoen el arte.La actitud de la mujer ante el desnudo masculino,lo que piensa y siente en lo más íntimo de su ser, estan difícil de investigar comparado con lo que sienteel hombre ante el desnudo femenino. En general, losestudios sociológicos indican que la mujer no eligesu pareja basándose en que sea bien parecido yapuesto, podríamos por tanto, deducir que la mayorparte de las mujeres se muestran indiferente ante eldesnudo masculino. Cuando se trata de elegir supareja suele ser más inteligente que el hombre (1).El Barroco tuvo, al inicio, un sentido francamentepeyorativo (4). Se ha definido como el estiloarquitectónico caracterizado por la profusión deadornos nacidos en los siglos XVII y XVIII, encontraposición al Renacimiento clásico. Porextensión, se aplica también a las obras de pintura,escultura y literatura. Como galicismo se aplica a loque es extravagante, complicado. Algunos piensanque este nombre puede derivar de las perlas malformadas o “barrocas”. Lo evidente es que para suscontemporáneos, designaba un arte extraño,demasiado alambicado a irregular. O sea ridículo yextravagante (9,10).En nuestros días, el término barroco aplicado alarte ha perdido este carácter despectivo y se leconsideran dos acepciones: a. Arte europeo, encuanto éste se aparta de la imitación directa de laantigüedad, sobre todo de la estatuaria antigua, únicaconocida por los renacentistas, y b. Como un espirítu,como un estado de ánimo particular.El Renacimiento le dio importancia al dibujo,mientras que el Barroco lo hizo con el color, el arteRenacentista es estático y aspira al equilibrio, entanto que el arte Barroco busca el movimiento yutiliza, especialmente en la pintura, la composiciónoblicua o en diagonal. El arte del Renacimiento eslineal, interesa la pureza de las líneas; el arte delBarroco modela las formas mediante el contraste deluz y sombras, persigue siempre lo pintoresco y losefectos de masa. También se puede considerar elBarroco como una de las inevitables reacciones deuna época contra otra.El Barroco se extiende en un largo período detiempo que va desde el Renacimiento al Neoclasicismoy es considerado como una consecuenciadirecta de la Contrarreforma iniciada en el Conciliode Trento, que introdujo un contrarrenacimiento ycuyo principal agente había sido la Compañía deJesús, lo que explica el nombre de “Jesuítico” quesuele denominarse en Francia al arte Barroco. LaIglesia Católica, regenerada, volvía a tomar en susmanos al arte y no contenta con proscribir losdesnudos, los temas mitológicos y depurar laiconografía, se permitía pintar a la Virgen María, alos Santos y sus éxtasis, milagros, martirios yexaltaciones, es decir, una serie de imágenesconmovedoras y patéticas.Sin embargo, el arte Barroco seguía siendo unarte cortesano, reflejaba con suntuosidad y fasto lavoluntad de los príncipes en una Europa que tendíaa la monarquía absoluta. Los principales representantesde este período fueron, en Italia, MicheleAngelo Merisi, conocido como Caravaggio (1573-1610); en Holanda, Frand Halls y Rembrand vanRijn (1606-1669). Este último es uno de los grandesgenios de la pintura, plasmó la realidad con absoluta560Vol. 105, Nº 4, diciembre 1997

LÓPEZ JE, ET ALmaestría como podemos ver en sus desnudos “Danae”del museo del Ermitage y “Betsabé” del Louvre(2,4,9-11); en Flandes, el Barroco tiene su mejorrepresentante en Pedro Pablo Rubens (1577-1640).Era un hombre de espíritu refinado, muy culto, fueantes que nada un poeta enamorado de la creación:desnudos, animales, paisajes, flores y frutos. Era ungran colorista y un gran dibujante que reflejó laforma con veracidad y al mismo tiempo con granlirismo, demostrado entre otras compo-siciones en“Betsabé en la fuente” del museo de Dresde (12).El Rococó se inició en Francia y fue un estilomuy amanerado que surgió a finales del reinado deLuis XIV y alcanzó su apogeo hacia 1739. Esteestilo se caracterizó por su alegría, viveza, jocosidady la utilización de colores suaves tipo pastel y sutemática fue de hermosas fantasías, amores traviesosy juguetones, intrincadas curvas y gran asimetría.Los principales representantes de este estilo fueronWatteau, Boucher y Fragonard, cuyas pinturas dedesnudos son de gran belleza y grato colorido. Esteestilo desapareció con la Revolución Francesa.El estilo Neoclásico se inició en Roma en lasegunda mitad del siglo XVIII y rápidamente seextendió por toda Europa. Nació como una reaccióncontra el Barroco tardío y el Rococó, estimulado porlos hallazgos arqueológicos encontrados en lasexcavaciones de Pompeya y Herculano, representóun intento para emular el arte de la antigüedadclásica. Los principales pintores que se plegaron aeste movimiento artístico fueron Jacques LouisDavid (1748-1825) y Jean Dominique Ingres (1780-1867). Este último rápidamente se reveló como unode los artistas más importantes de su época y siemprese declaró como apasionado de la antigüedad y deRafael. Algunos críticos de arte consideran queIngres estaba desprovisto de imaginación y nadavisionario, incapaz de componer bien un cuadro, lecostaba mucho agrupar varios personajes y sólo seencontraba a gusto cuando no había que llevar allienzo más de una o dos figuras (4). Sus mejorescuadros de desnudos son: la Venus Anadiómena delmuseo Condé de Chantilly, el Baño Turco del Louvrey la Odalisca con la esclava de la Walter Galleryde Baltimore.Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828)revela en sus retratos su modo de pensar. Al mismotiempo que reproduce fielmente el modelo que tieneante los ojos, lleva tan lejos su amor a la verdad queroza a veces con la caricatura, como lo podemoscomprobar en su “Retrato de la Familia Real”. Entre1796 y 1797, el artista es huésped de Cayetana, laDuquesa de Alba, en su finca de Sanlúcar; en estaépoca se establece una íntima amistad entre ambosy Goya hace a la joven Duquesa algunos de sus másbellos retratos: la Maja Vestida y la Maja Desnuda(Figura 4) del Museo del Prado.Figura 4. La Maja desnuda. Retrato de Cayetana, Duquesade Alba. Museo del Prado, Madrid.Considerándolo como pintor, podríamos decirque Goya, se encuentra en la encrucijada de dossiglos. Algunas de sus telas: Las Majas, vestida y ladesnuda, pertenecen a la tradición de Watteau y deFragonard. En otras, por la extraordinaria libertadde su factura, sus pinceladas febriles, sus coloracionesnuevas se anticipan a Daumier, Manet yRenoir.El Romanticismo fue un estilo que surgió comouna antítesis del arte clásico y como una reaccióncontra el academicismo. Se caracterizó por la formaapasionada con que se trataban los temas e inclusocon una tendencia hacia lo exótico, alcanzó su mejormomento a finales del primer tercio del siglo XIX.El representante más importante de esta tendenciafue Eugene Delacroix (1798-1863); uno de susmejores desnudos fue la Muerte de Sardanápolo delMuseo del Louvre. El movimiento se inició en laliteratura; en Alemania con Schiller y Heine; enInglaterra con Colleridge, Byron y Shelley, enFrancia con Chateubriand, Alfredo de MussetGac Méd Caracas 561

EL DESNUDOLamartine, Victor Hugo, en Italia con Manzoni yLeonardi; en España con Espronceda, Zorrilla,Bécquer; en Portugal con Almeida Garret y CastelloBranco; en Rusia con Puschkin; en Estados Unidosde Norte América con Emerson y Merville; enHispano America con el argentino Echeverría y elmexicano Rodríguez Galván. En música conMendelssohn, Schubert, Chopin, List, Schuman yBerlioz.En relación al Realismo podemos decir que casitodo el arte es realista en estricto sentido del término,sólo que todo pintor crea su propia realidad y tambiénporque este estilo no es puramente decorativo o puroilusionismo. El principal representante de estatendencia fue Gustave Coubet (1819-1877). Susobras produjeron gran escándalo en su época, entrelas cuales se encuentran Las Damiselas del Sena, delPetit Palais de París y varios desnudos.El Impresionismo nace en 1874 cuando un grupode artistas expone sus obras en el Boulevard desCapucines y su nombre deriva de una de los cuadrosexpuestos por Claude Monet, denominado“Impresión, sol naciente” y que produjo verdaderasensación. Los principales artistas representantesde esta tendencia fueron Claude Monet, CamillePissarro, Pierre Auguste Renoir, Paul Cézanne,Edouard Manet y Alfred Sisley. El aporte másimportante de este estilo consistió en logrartonalidades mucho más intensas, no por mezclar loscolores en la paleta, sino por ponerlos sobre ellienzo en pinceladas separadas; por ejemplo,cubriendo el lienzo de toques de azul y de amarillo,se producía una mezcla óptica en la retina delespectador, y este veía un verde mucho más intensoque si el artista hubiese aplicado sobre la tela el másbrillante de los verdes de su paleta. Para conseguirun colorido más luminoso e intenso suprimieron desus paletas el negro y los colores terrosos, conservandoúnicamente los más vivos. Luego, con elobjetivo de dar mayor luminosidad a sus lienzos yobtener un colorido más fuerte, atenuaron loscontrastes de valores reemplazándolos por contrastesde tonos (3,13).Los pintores impresionistas que además de pintarpaisajes hicieron desnudos fueron: Edouard Manet(1832-1883) que nunca pensó que sus cuadrossuscitasen tanta hostilidad y escándalo en el público,como por ejemplo con la Olimpia (Figura 5,6) y elDesayuno en la hierba. A la sociedad parisina no leimportaba que Manet tuviese varias amantes y quelas usara como modelos, lo que les molestaba era lapose, la mirada y la expresión facial de su Olimpia,lo mismo que en su Desayuno en la hierba ¿Quéhacían una mujer completamente desnuda, otrabañándose, y dos hombres rigurosamente bienvestidos? (14).Figura 5. Olimpia de Edouard Manet. Museo del LouvreParís.Figura 6. Olimpia de Edourd Manet. Aspecto parcial(Cara y tórax).562Vol. 105, Nº 4, diciembre 1997

LÓPEZ JE, ET ALPierre Auguste Renoir (1841-1919), aun cuandofue un excelente paisajista prefería las figuras alpaisaje y fue un gran pintor de desnudos, como lasGrandes bañistas de la colección Carrol S Tyson, deFiladelfia, la Mujer acostada y la Bañista dormida.Renoir no reflejaba en sus obras sino aquelloque trascendiese la felicidad y la salud: mujeresjóvenes, niños, flores, frutas y paisajes soleados yarmoniosos. No se encuentra un cuadro suyo quesugiera tristeza y amargura, siempre constituyen unhimno a la vida (3).Edgar Degas (1834-1917) no fue sólo un pintorde las costumbres de su tiempo. Todos sus temas,las carreras, las bailarinas, las planchadoras, lasmujeres bañándose o peinándose le servían pararesolver problemas de forma, color y composición.Su obra es un magnífico ejemplo de inteligencia,tenacidad y total entrega. Un hermoso desnudosuyo es “Después del baño” de la colección deDuran-Ruel, París.El Pos impresionismo es un término muyinexacto, se refiere a los pintores franceses que sedesarrollaron después del Impresionismo. Aquí seincluyen a Paul Cézanne, Vicent Van Gogh, PaulGauguin y Toulouse-Lautrec, que tenían muy pocoen común, pero por razones didácticas se hanincluidos aquí.Paul Cézanne (1839-1906), tuvo una carrerapictórica lenta, al inicio no tenía una visión claradel problema, pero mejoró mucho después deponerse en contacto con Camille Pissarro, quien lehizo pintar del natural y estudiar bien los motivosque tenía ante sus ojos. Además de paisajista hizoalgunos retratos pero no se preocupaba por expresarla personalidad del modelo, únicamente pensaba enreflejar los volúmenes con la mayor exactitud.Realizó algunos desnudos como la “Olimpiamoderna” del Museo Orsay de París; “Desnudofemenino” de la colección de Ambroise Vollard;“Cinco bañistas” del Kunst Museum de Basilea(15-17).Vicent Van Gogh (1853-1890) tuvo una vidamuy accidentada con profundas repercusiones en suestilo. Se desarrolló como un ser atormentado,retraído y solitario. Pintaba con medios muysencillos y personales, señalaba el contorno de lasflores, atenuaba el modelado y exaltaba todo loposible el color. Los lienzos de Van Gogh nossorprenden por su carácter hiperbólico y alucinante,no se contentó con expresar aquello que veía, sinduda pretendió indicarnos en ellos los tormentos desu espíritu, poco a poco invadido por la enfermedadque sufrió.Paul Gauguin (1848-1903), no podría conocersesu arte ni la evolución de su pintura, sin apreciaralgunos acontecimientos importantes de su vida. Alinicio trabajó en el despacho de un agente de cambioy practicó la pintura por afición; a los 35 años renuncióa aquella situación para dedicarse completamente ala pintura y esto produjo problemas económicos queafectaron a su esposa e hijos (como ella era danesa alabandonarlo se llevó a sus hijos a su tierra natal).Luego de trabajar con Emile Bernard, CamillePissarro y Vincent Van Gogh se marchó a Tahitídurante dos años y luego regresa a París, pero al cabode año y medio regresa a Tahití y fallece allí ochoaños después. Los cuadros tahitianos de Gauguintienen cierto carácter de tapicería, además tienden aser decorativos, porque el artista no se propusorepresentar en ellos la profundidad, es decir la terceradimensión del espacio. La nostalgia de la existenciaedénica entre seres primitivos, ese sentimiento tanpoderoso en los hombres civilizados, nadie lo haexpresado con tanto vigor como Gauguin en sustelas. Entre sus desnudos destacan “Muchachatahitiana con flores de mayo” del Metropolitan Museumde NewYork; “El oro de sus cuerpos” delLouvre; “¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿A dóndevamos?” del Museo de Bellas Artes de Boston (4).Henry de Toulousse-Lautrec (1864-1901),descendiente de una familia noble, estuvo inválidopor muchos años, esto aunado a la ingestión excesivade alcohol mezclado con hojas de absintia (ajenjo),acortaron su vida. Llevó al lienzo con extraordinariaagudeza de visión a los personajes que frecuentabanentonces los lugares de placer de la Butte Montmartre,los bailes públicos, los bares y los prostíbulos. Pesea la índole un poco escabroso de sus temas, consiguiópor su talento, no caer en la vulgaridad y su arte hadignificado esos lugares (2,18).Su propósito fue interpretar verídicamente esemundo sórdido de París de fines del siglo XIX. Fueasiduo visitante de los cabarets de artistas, ChatNoir, el Moulin de la Galette, el Elysée Montmartre.Entre sus mejores desnudos destacan “La Venus deMontmartre o María la Gorda” (Figura 7) y “Mujerponiéndose las medias” del Museo de Albi, enFrancia.El Neoimpresionismo o Puntillismo fue un estiloiniciado por Georges Seurat (1859-1891), personaesencialmente metódica que se propuso dar una basecientífica al Impresionismo. Para tal fin leyó lasGac Méd Caracas 563

EL DESNUDOobras de físicos como Chevreul, Helmholtz y Roodcon la finalidad de obtener más luz y un coloridomás exacto, intenso y vibrante; comenzó entonces acubrir sus telas de pequeños puntos de color,seleccionados y acoplados con el método por élconcebido. El cuadro que mejor lo representa fue“Tarde de Domingo en la Isla la Gran Jatte”. Tieneun desnudo importante: “Perfil de mujer posando”del Louvre.reducido a un ordenamiento esquemático y la facturadel cuadro resultaba elemental.Su principal representante fue Henry Matisse(1869-1954). Fue sucesivamente impresionista,cézanniano, puntillista y al fin fauvista. Para él, uncuadro no debía ser otra cosa que una composiciónde arabescos y combinaciones de tonos, concedíamuy poca importancia al parecido y descuidaba porcompleto la expresión (19). Entre sus mejoresdesnudos se pueden mencionar “El Lujo” del Museode Arte Moderno de París, “Odalisca con pandereta”de la colección William S Palley de New York;“Figura decorativa sobre fondo ornamental” delMuseo de Arte Moderno de París; “La música” de laGalería de Arte Albright-Knox, Búffalo, EstadosUnidos y “Desnudo rosado” del Museo de Arte deBaltimore (Estados Unidos); La “Odalisca de losbrazos en alto” (Figura 8) de la National Gallery ofArt de Washington.Figura 7. La Venus de Montmartre o la Gorda María deHenry de Toulouse Lautrec. Colección particular. París.El Fauvismo nace en el Salón de losIndependientes de 1906, cuando los lienzos dealgunos pintores que estaban en una sala aparte, a laque el crítico de arte Vauxcelles llamó “La Cage auxFauves” (La Jaula de las Fieras), imponiendo de estamanera el término de “Fauvistas” como se lesconocen. Estos pintores eran Henry Matisse, RaoulDufy, Othon Friesz, Kees Van Dongen y Maurice deVlaminck. Los “Fauves”, inspirados en Gauguin yVan Gogh, pretendían expresarse principalmentepor el color empleado mediante los tonos puros másbrillantes y, el esmero en yuxtaponerlos con el fin deno ensuciarlos al mezclarlos. El dibujo quedaríaFigura 8. Odalisca con los brazos levantados de HenryMatisse. National Gallery of Art. Washington, EE.UU.Los Nabis se inician en el otoño de 1880 cuandoPaul Sérusier (1865-1927) enseñó a algunos de suscompañeros de estudio de la Academia Julian, unpequeño paisaje que había pintado bajo la direcciónde Gauguin; al principio todos se burlaron de aquel564Vol. 105, Nº 4, diciembre 1997

EL DESNUDOEl surrealismo se inició en 1922 como unmovimiento artístico literario derivado del Dada yen menor proporción del cubismo, fue lideralizadopor el gran escritor y crítico André Breton, quienexplicaba que su propósito era crear una superrealidadque resolviera la contradicción entre sueñoy realidad dentro de una absoluta realidad. El Condede Lautreamont en sus “Cantos de Maldoror” lodefine como el encuentro fortuito de una máquina decoser y un paraguas en una mesa de disección. Seproponen, no crear obras de arte sino conseguirdocumentos psicológicos. André Breton en 1924predica el dictado del pensamiento, en ausencia detodo control ejercido por la razón y al margen detoda preocupación estética o moral. El belga PaulDelvaux, pintó los más hermosos desnudos de estegrupo (21).En Venezuela, encontramos extraordinariospintores de desnudos comenzando por ArturoMichelena (1863-1898) con “Leda y el Cisne”(Figura 9) del Museo de Bellas Artes de Caracas,con un escorzo del muslo izquierdo propio de ungran maestro de la pintura (22); Antonio HerreraToro (1857-1914), entre sus mejores desnudosdestacan “Las cuatro estaciones” de la Coleccióndel Dr. Germán Vegas; “Tríptico de Adán y Eva” dela colección del Dr. Itriago y la “Muerte de Caín”(Figura 10) de la colección de la Sra. Susana SimónHerrera (23); Armando Reverón (1889-1954) conimportantes desnudos: “Juanita en el Trípode” de lacolección de Sr. Jorge Bezara; “Juanita Sentada” dela colección del Sr. Enrique Planchart, hijo;“Desnudo acostado” de la colección de la Galería deArte Nacional; (Figura 11) “Cinco Figuras” de lacolección de la Sra. Fifa Soto (24). Marcos Castillo(1897-1966) pintó maravillosos desnudos de grancolorido: “La Maja” de colección particular; “LaPitonisa” de la Galería de Arte Nacional; “Desnudo”de la Colección del Dr. José Enrique López; (Figura12); “Desnudo” de la colección Ricardo Fekete (25);Luis Alfredo Lópéz Méndez (1901-1996), pintoranacreóntico, pintó lo más alegres desnudos de lapintura venezolana (26), lo mismo se puede decir deBraulio Salazar (1917-) con sus hermosas bañitas enel Cabriales (27) de las colecciones del artista y delDr. José Enrique López (Figura 13).Figura 10. La muerte de Caín de Antonio Herrera Toro.Colección Sra. Susana Simón Herrera. Caracas, Venezuela.Figura 9. Leda y el Cisne de Arturo Michelena. Galeríade Arte Nacional. Caracas, Venezuela.Figura 11. Desnudo acostado de Armando Reverón.Galería de Arte Nacional. Caracas, Venezuela.566Vol. 105, Nº 4, diciembre 1997

LÓPEZ JE, ET ALFigura 12. Desnudo de Marcos Castillo. Colección. Dr.José Enrique López. Valencia, Venezuela.color y de la forma, entonces puede parecer lógicoque los pintores corten los últimos lazos que ligan suobra a la realidad visible y que opten resueltamentepor lo que se ha convenido en llamar pinturaabstracta, que puede ser lírica o geométrica. Otratendencia moderna es el cinetismo, generalmente subúsqueda es el movimiento, ya el cuadro no esestático sino que produce otras series de imágenes aldesplazarse el observador o mediante el uso demedios mecánicos. Estos estilos niegan la presenciadel ser humano en su composición pictórica.El cuerpo humano ya no podría ser el mismo, losconocimientos adquiridos privaron al cuerpo de suinocencia y en consecuencia la apreciación espontáneade la belleza corporal es desplazada por unaintelectualidad que niega completamente la libertadiniciada por los griegos.Desde entonces, la interpretación tradicional dela realidad se agota gradualmente y conduce comoparece inevitable, a la repulsa por el cuerpo vivo, esdecir, a la deshumanización característica del artecontemporáneo. La evolución del arte refleja laevolución del cáracter de un pueblo, por tantodebemos indagar la significación de este últimoperíodo. Puede que la destrucción de la figurahumana fuera la manera que el artista subraye ladecadencia de la moral, decadencia que cegados pornuestros avances científicos nos es imposibleapreciar (28).Podemos vaticinar que en el siglo XXI resucitarála mujer en el arte emergiendo de las aguas, como laVenus o Afrodita de Boticelli, y para recordarnosuna vez más que no existe en toda la creación algomás estético, hermoso y sublime que el humanofemenino desprovisto de vestiduras.REFERENCIASFigura 13. Bañistas en el Cabriales de Braulio Salazar.Colección Dr. José Enrique López. Valencia, Venezuela.Cuando la pintura deforma las apariencias delmundo exterior hasta el punto de tornarlasirreconocibles, cuando se demuestra que lasignificación del cuadro depende esencialmente de1. Wentinck CH. La figura humana en el arte desde lostiempos prehistóricos hasta nuestros días. 1ª edición.Weert, Holanda: Smeets Publishing Co.; 1978.p.11-47.2. Brophy J. La cara y el desnudo. Un estudio sobre labelleza. 1ª edición. Weerts, Holanda: Smeets PublishingCo.; 1978.p.13-40.3. Cogniat R. The century of the impressionist. 1ª edición.New York: Crown Publishers Inc.; 1967.4. D’Espezel P, Fosca S. Historia de la pintura, desde Bizancioa Picasso. 1ª edición. Madrid: Ediciones Daimon;1962.Gac Méd Caracas 567

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