Revista Cue and Play N03

CASTION | VACUUM MASTERING | FEMNØISE | LITO | NIETTI DJ | GONZALO CRUZADO | CORA JUD
EME DJ | JOANNA CORONADO | TRENDSETTING EVENTS | QUIQUE SERRA | CURSO MEZCLA VINILO

Editorial
¡Hola, amantes de la cultura electrónica!
Es un auténtico placer daros la bienvenida al tercer número de Cue
& Play Magazine. Esta edición es una auténtica explosión de pasión
y buenas vibras, que se siente en cada rincón de sus páginas. Hemos
puesto toda la carne en el asador y hemos ido un paso más allá, con
el objetivo de brindaros una experiencia de primera categoría y
traeros lo último y lo mejor del mundo de la cultura electrónica.
Este número viene cargado con el talento desbordante del
Productor y DJ Castion. Preparaos para zambulliros en una
entrevista exclusiva donde el artista nos cuenta sobre su verano, los
proyectos en los que está inmerso y sus planes para el año nuevo
que ya está a la vuelta de la esquina.
De la mano de nuestra colaboradora Cora Jud, charlamos con
Natalia San Juan, la fuerza impulsora detrás de Femnøise. Esta
plataforma innovadora marca un antes y un después en la industria
musical, poniendo el foco en la economía digital feminista. Natalia
desgrana el impacto de Femnøise, su trayectoria y los emocionantes
planes futuros que están en el horno.
Desde Vacuum Mastering, Javier Roldón nos abre las puertas al
fascinante mundo de la masterización. Este proceso, a menudo
oculto pero crucial, es un pilar esencial en la producción musical y
una de las claves del éxito de muchos artistas.
Lito se encuentra con Nietti DJ, una estrella emergente en el
panorama de la música electrónica, para una entrevista exclusiva
que os cautivará. Nietti nos regala una perspectiva única y
reveladora, abriendo una ventana a experiencias y sonidos
completamente nuevos y emocionantes.
Quiero dedicar un reconocimiento especial a nuestro equipo estelar
de colaboradores: Joanna Coronado, Marta Fierro, Quique Serra,
Iban Cerezo, Lito y Carlos Alfaro. Ellos son los autores de los
artículos y entrevistas que hacen posible esta publicación. Sin sus
valiosas aportaciones, Cue & Play Magazine no sería una realidad.
Gracias por vuestra pasión y dedicación a difundir la cultura de la
música electrónica.
En conclusión, espero que disfrutéis enormemente de este tercer
número, preparado con mucho cariño y una dedicación sin límites.
Gracias por acompañarnos en este viaje musical y por ser parte de la
gran familia de Cue & Play Magazine.
Con gratitud y pasión,
Gonzalo Cruzado
El Director
Director
director@cueandplaymagazine.com
Gonzalo Cruzado
Redacción, Arte y Maquetación
publishing@dolomitasrecords.com
Speka Pubishing
Redacción
redaccion@cueplaymagazine.com
Carlos Alfaro
Cora Jud
Gonzalo Cruzado
Iban Cerezo Muñoz
Joanna Coronado
Quique Serra
Lito
Marta Fierro
Natalia San Juan
Colaboradores
Cora Jud
Divit
Femnøise
Joanna Coronado
Quique Serra
Marta Fierro
Nietti DJ
Lito
Javier Roldón
Marketing y Publicidad
publi@cueandplaymagazine.com
Iban Cerezo Muñoz
Edita
Speka Pubishing, S.L.U.
Joaquín Rojas
Cuenca, 16001 CUENCA
Tel.: +34 672 43 86 23
Prensa y Medios
prensa@cueandplaymagazine.com
www.cueplaymagazine.com
ISSN: 3020 - 125
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Imagen de portada by
CASTION

Índice
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Flash News
Por la Redacción
Armada Music Celebra 20 Años con Álbum de Remixes Liderado por
Armin van Buuren"
Armada Music, en la culminación de su vigésimo aniversario, lanza “Armada
Music – 20 Years (Remixed)”, un álbum que incluye un especial remix del décimo
aniversario de “This Is What It Feels Like” de Armin van Buuren. El álbum
reimagina treinta clásicos atemporales del sello, con la participación de artistas
destacados como Anna Tur, Sunnery James & Ryan Marciano, y Joris Voorn. Esta
colección de remixes sigue a una serie de iniciativas conmemorativas, incluyendo
una serie documental y un box set de edición limitada. El lanzamiento simboliza
el compromiso de Armada Music con la innovación y la revitalización de la música
dance, marcando también el inicio de BEAT Music Fund, una empresa de inversión
enfocada en optimizar y promocionar catálogos legendarios de música dance.
Tomorrowland 2024: Una Aventura Literaria en el Reino de Silvyra
Tomorrowland lanzará 'El Espíritu de la
Vida', una novela de edición limitada la
primavera de 2024. La historia, ambientada
en el reino mágico de Silvyra, sigue a la
protagonista Liria en una aventura
emocionante, entrelazando elementos de
naturaleza y misterio. Este coleccionable de
más de 300 páginas, disponible en inglés y
neerlandés, se destaca por su arte exclusivo
del festival y un mapa detallado,
convirtiéndolo en una pieza única para
coleccionistas. Ya está disponible por 39,99
€ en store.tomorrowland.com/life .
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Flash News
Time Warp Debuta en Madrid en Octubre 2024
Time Warp, el prestigioso festival de techno alemán, celebrará su primera edición
en Madrid el 4 y 5 de octubre de 2024, en el Recinto Ferial de Ifema. Con dos
décadas de trayectoria y presencia internacional, el festival promete una
experiencia inmersiva con dos escenarios independientes y una producción de
primer nivel. Los detalles del line up, que incluirá talentos nacionales e
internacionales, se revelarán pronto. El pre-registro para el evento ya está
abierto, pulsa aquí para más info.
Sónar 2024: Una Explosión de Música, Creatividad y Vanguardia Tecnológica
Sónar, el renombrado festival de música, creatividad y tecnología, vuelve a
Barcelona para su 31ª edición del 13 al 15 de junio de 2024. Con 70 espectáculos
que incluyen desde íconos de la música de baile hasta talentos emergentes,
Sónar 2024 se establece como un epicentro de innovación sonora y tecnológica.
El evento presenta un line up estelar con artistas como Kaytranada, Jessie Ware y
Charlotte de Witte, además de explorar la fusión de tecnología y naturaleza en
Sónar+D. Con entradas ya disponibles, Sónar promete una experiencia única que
combina lo mejor de la música electrónica y la vanguardia digital.

Flash News
Sun&Snow 2024 Celebra su Quinto
Aniversario en Sierra Nevada
La quinta edición de Sun&Snow, que
tendrá lugar del 5 al 7 de abril de 2024
en Sierra Nevada, promete ser un
destacado evento en el mundo de la
música electrónica. Con un cartel que
incluye a artistas como Courtesy, Dj
Holographic y John Talabot, el festival
fusionará una variedad de estilos que
definen la escena club europea. Además
de su ecléctico line up, Sun&Snow se
caracteriza por su combinación única de
música electrónica y la temporada de
esquí, transformando las pistas en una
vibrante pista de baile. Con la presencia
tanto de talentos internacionales como
nacionales, el festival se posiciona como
una experiencia imprescindible para los
aficionados a la música electrónica.
Balaton Sound 2024: Un Lineup
Excepcional en un Entorno Idílico
Balaton Sound, uno de los festivales
más grandes de Europa, ubicado en el
Lago Balaton en Hungría, ha
anunciado su impresionante lineup
para la edición de 2024, que se
celebrará del 3 al 6 de julio.
Encabezando el evento están artistas
de renombre como Marshmello, Lost
Frequencies, James Hype, Nervo y
Timmy Trumpet, junto con figuras del
underground como Paul Kalkbrenner
y Nico Foreno, además de otros
talentos como Ben Nicky, John
Newman, Purple Disco Machine y
Switch Disco. Además de una rica
oferta musical, el festival brinda
actividades diversas, desde yoga
techno a deportes y talleres de baile,
una experiencia inolvidable.

NANO Modules: Innovación
Española en Sintetizadores
Modulares
NANO Modules, una empresa
familiar española fundada en 2018,
se destaca en el mundo de la música
electrónica por su innovadora
fabricación artesanal de
sintetizadores modulares. Con una
inspiración que se remonta a
pioneros como Bob Moog y Don
Buchla, la compañía ha logrado
fusionar la tradición de los
sintetizadores modulares clásicos
con tecnología moderna y diseños
actuales. Su gama de productos,
que incluye osciladores,
mezcladores y módulos
multifuncionales, es reconocida por
su calidad y características únicas,
como el aclamado oscilador ONA y
el versátil QUART. El reciente
lanzamiento de su Performance
Mixer, destacado por sus
capacidades innovadoras como la
grabación de movimientos, refuerza
la posición de NANO Modules como
líder en el sector, atrayendo tanto a
entusiastas como a profesionales
reconocidos, entre ellos Martin
Gore de Depeche Mode.

News & Trends
Por Gonzalo Cruzado
Ibiza da la Bienvenida al Verano: Ushuaïa y Hï Ibiza Anuncian sus Explosivas
Fiestas de Apertura 2024
Destacamos el emocionante anuncio de Ushuaïa y Hï Ibiza sobre sus fiestas de
apertura el 27 de abril de 2024, marcando así el comienzo de la temporada de
verano en Ibiza. Estos eventos prometen una alineación espectacular de los
mejores artistas del house y el techno a nivel global, convirtiéndolos en citas
esenciales para los amantes de la música electrónica. Además existe la
posibilidad de adquirir entradas combinadas para disfrutar ambas fiestas,
Ushuaïa y Hï Ibiza ofrecen una experiencia musical ininterrumpida y única.
Ambos clubes, reconocidos por sus experiencias musicales inmersivas y su alta
clasificación en los premios World's Best Club, ofrecen lo mejor en términos de
artistas, sonido y producción. Mientras esperamos la apertura de 2024, los fans
pueden disfrutar de mezclas exclusivas en Apple Music de eventos anteriores.
Los boletos en preventa ya están disponibles, asegurando a los asistentes su
lugar en estos icónicos eventos de Ibiza.
Para aquellos que quieran asegurar su lugar en estas fiestas legendarias, los
tickets están ya preventa. Toda la información y venta de entradas pulsa los
siguientes enlaces: Ushuaïa y Hï Ibiza.
EXHALE de Amelie Lens anuncia su primer evento de dos días en Amberes
EXHALE, el evento de la reconocida DJ belga de techno Amelie Lens, se celebrará
por primera vez durante dos días en su ciudad natal, Amberes, el 17 y 18 de
febrero de 2024 en Waagnatie Expo & Events. Esta edición promete 18 horas de
10

música electrónica inmersiva con dos escenarios y 24 artistas, incluyendo talentos
emergentes y establecidos. Este evento será especialmente significativo ya que
marca la primera actuación de Amelie Lens tras el nacimiento de su hija. EXHALE
es famoso por su innovación en el techno y la elección de Amberes como sede
tiene un valor especial para Lens. Los pases de fin de semana ya están a la venta y
los pases de un día se lanzarán el 14 de diciembre de 2023.
La UEFA EURO 2024 Vibra al Ritmo de Meduza, OneRepublic y Kim Petras
En la próxima UEFA EURO 2024, la música y el fútbol se fusionan en un
espectáculo sin precedentes, con el anuncio de que Meduza, OneRepublic y Kim
Petras liderarán el frente musical. La música, integrándose en aspectos clave
como el sonido de entrada de los jugadores y las secuencias televisivas, se
convertirá en un componente esencial de esta celebración deportiva,
simbolizando la unión entre el fútbol y la música.
La ceremonia de clausura, en particular, será un momento estelar con
actuaciones en vivo de estas estrellas musicales. El torneo se extenderá del 14 de
junio al 14 de julio de 2024, abarcando diez ciudades anfitrionas en Alemania. Con
la combinación de talentos musicales y deportivos, la UEFA EURO 2024 promete
ser una experiencia única para los aficionados de ambos mundos.

News & Trends
UNTOLD Dubai 2024: Un Espectáculo Visual y Musical con Cinco Escenarios
Únicos
UNTOLD Dubai se prepara para sorprender en 2024 con su extraordinaria oferta
de cinco escenarios únicos en el Centro de Exposiciones de Dubai. El festival, que
tendrá lugar a partir del 15 de febrero, promete una fusión espectacular de
música y arte visual. Los asistentes disfrutarán del impresionante Main Stage con
artistas de la talla de Armin van Buuren y Hardwell, el inmersivo Galaxy Stage
dedicado al techno, el Time Stage con su viaje visual, el nostálgico Retro Fantesia
Stage y el vanguardista Alchemy Stage. Esta edición de UNTOLD Dubai se perfila
como una experiencia festivalera inolvidable, combinando actuaciones de
renombre mundial con una innovación visual sin precedentes. Entradas y toda la
información pulsando aquí.
Rekordbox Revoluciona la Gestión Musical con Cloud Library Sync
Rekordbox, el popular software de DJing, ha lanzado 'Cloud Library Sync', una
innovadora función que permite a los usuarios gestionar y sincronizar su música a
través de múltiples dispositivos usando Dropbox o Google Drive. Con esta
actualización, los DJs pueden añadir hasta 1 TB de almacenamiento en la nube a
sus planes Free, Core o Creative, facilitando el acceso y la seguridad de sus
bibliotecas musicales. La función soporta hasta cuatro dispositivos y ofrece la
posibilidad de reproducir música directamente desde la nube, así como realizar
copias de seguridad automáticas. Esta novedad representa un gran avance en la
gestión de música digital para DJs, combinando conveniencia y eficiencia en una
plataforma sólida y confiable.

Historia de la música electrónica en España: La década de 1980
Por Gonzalo Cruzado
La década de 1980
En la década de 1980, la música electrónica en España experimentó un
crecimiento significativo, influenciada por la efervescente "movida madrileña" y
la incipiente "movida valenciana". A medida que avanzaba la década, nuevos
géneros y sonidos electrónicos comenzaron a conquistar la escena musical del
país.
En 1983, uno de los momentos más destacados fue el lanzamiento del álbum "El
Acto" de "Aviador Dro", una obra maestra que fusionó ritmos bailables con letras
cargadas de crítica social y elementos de ciencia ficción. Canciones como
"Selector de Frecuencias" y "La Ciudad en Movimiento" se convirtieron en himnos
de la época, consolidando la influencia de "Aviador Dro" en la música electrónica
española.
Paralelamente, en ese mismo año, emergieron proyectos como "Esplendor
Geométrico", un dúo experimental que fusionó la música electrónica con
elementos industriales, creando paisajes sonoros oscuros y pulsantes. Su álbum
debut, "Música para los Compañeros de Viaje", exploró el potencial creativo de la
tecnología y el ruido, sentando las bases para el desarrollo de la música industrial
en España.

Historia de la música electrónica en España: La década de 1980
Paralelamente, en ese mismo año, emergieron proyectos como "Esplendor
Geométrico", un dúo experimental que fusionó la música electrónica con
elementos industriales, creando paisajes sonoros oscuros y pulsantes. Su álbum
debut, "Música para los Compañeros de Viaje", exploró el potencial creativo de la
tecnología y el ruido, sentando las bases para el desarrollo de la música industrial
en España.
La música electrónica también comenzó a ganar popularidad en el ámbito del pop
gracias al éxito del grupo "Mecano". Su álbum "¿Dónde está el País de las Hadas?"
incorporó elementos electrónicos en canciones como "Hoy No Me Puedo
Levantar" y "Me Colé en una Fiesta", lo que contribuyó a la difusión de la música
electrónica en el panorama musical español.
En resumen, la década de 1980 fue testigo de la consolidación y diversificación de
la música electrónica en España. "Aviador Dro" desafió los límites creativos,
"Esplendor Geométrico" exploró territorios sonoros oscuros, y "Mecano" fusionó
la música electrónica con el pop. Estos eventos sentaron las bases para una
década de innovación y crecimiento en la escena de la música electrónica en
España.

Historia de la música electrónica en España: La década de 1980
A lo largo de la década de 1980, la escena musical de Valencia vivió su propia
revolución cultural y musical, conocida como la "movida valenciana". A medida
que esta movida se extendía por toda España, especialmente durante la
transición entre los años 80 y 90, se produjo un fenómeno interesante en el que
Valencia se convirtió en un punto de entrada para grupos musicales extranjeros,
en su mayoría británicos, que luego se expandieron por toda España.
Grupos locales como Seguridad Social, Vídeo, Glamour, Comité Cisne, Betty
Troupe, In Fraganti, La Morgue e Interterror abrazaron los sonidos de la new
wave, el synth-pop y el rock gótico que llegaban del Reino Unido y Alemania.
Estos grupos adoptaron looks vanguardistas y sofisticados, marcando una
tendencia post-modernista a principios de los años 80. Aunque sus actuaciones y
contribuciones fueron menos mediáticas que en Madrid, dejaron una huella
importante en la escena musical española.
La movida valenciana también jugó un papel crucial en la introducción de sonidos
electrónicos y bailables en España. La sala Oggi, gestionada por Juan Santamaría,
se convirtió en un epicentro para la música electrónica y otros sonidos no
convencionales. A medida que se abrían nuevas discotecas y locales de ocio en
Valencia, estos sonidos ganaban espacio y seguimiento, creando una subcultura
que eventualmente se conocería como la Ruta Destroy, el germen de la ruta del
Bakalao.
A finales de los años 80, la música electrónica comenzó a adentrarse en las pistas
de baile de Valencia, influida por los sonidos europeos del house y el techno. Esto
dio lugar a una escena de clubes vibrante y diversa en toda la ciudad. La sala
Barraca, ubicada en Las Palmeras de Sueca, se convirtió en un lugar emblemático
para la música electrónica y atrajo a una audiencia apasionada.
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Historia de la música electrónica en España: La década de 1980
En resumen, la década de 1980 fue testigo de la explosión de la movida
valenciana, que influyó en la difusión de la música electrónica en España. Valencia
se convirtió en un punto de entrada para sonidos internacionales y en un
semillero de grupos locales que abrazaron la vanguardia musical. La música
electrónica comenzó a adentrarse en la escena de clubes de Valencia, preparando
el terreno para una década de innovación y evolución en la música electrónica en
toda España.
Clubes de la Época: Laboratorios Musicales Experimentales
Durante la década de los 80, varios clubes se convirtieron en auténticos íconos en
la escena musical de España. Estos locales servían como puntos de encuentro
para amantes de la música electrónica que buscaban las tendencias más actuales
y sonidos vanguardistas. A continuación, destacaremos algunos de los clubes y
discotecas más emblemáticos de esa época.

Discoteca Dream’s Village, Pinedo, Valencia, década de los 80s.
Dream's Village
Dream's Village, ubicada en Pinedo, fue una discoteca icónica de los años ochenta
en Valencia. Destacó por su arquitectura de influencia ibicenca, su piscina,
terrazas y música comercial de moda. Fue fundada por Chimo Prats y Pepe
Pitarch y atrajo a una clientela diversa, incluyendo a los asistentes de Discoteca
10, Cánovas y Metrópolis. La cabina de DJ estuvo a cargo de Paco Alonso y José
Aparicio, entre otros, quienes programaron música atractiva para llenar la pista
de baile. Luego, Rafa Villar asumió la dirección y mantuvo su éxito.
Las noches en Dream's Village eran únicas, comenzaban con bodas de los pueblos
cercanos y continuaban con una mezcla de público joven y cañero. La discoteca
fue conocida por sus fiestas, desfiles de moda y actuaciones en las terrazas. Sin
embargo, en los años 90, enfrentó desafíos y cerró en 1992.
Titanic
Teatro Kapital, ubicado en Madrid, España, comenzó como la discoteca "Titanic"
en 1983 en el edificio que solía albergar el Cine San Carlos en la calle Atocha.
Debido a su gran capacidad, se convirtió rápidamente en uno de los destinos
nocturnos más populares de Madrid, atraíendo a una audiencia mayoritariamente
joven de diversos barrios, con hasta 10,000 personas asistiendo los fines de
semana. A lo largo de los años, el club atrajo la atención de los medios en algunas
ocasiones debido a incidentes violentos.
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Historia de la música electrónica en España: La década de 1980
En 1994, cambió su nombre a Teatro Kapital. La discoteca se extiende por siete
plantas, incluyendo una terraza al aire libre, y ha albergado conciertos en el
pasado, como el Loreen Tour en 2012.
Fachada Teatro Alcázar, después discoteca Alcalá 20
Fachada Sala Titanic, después Teatro Kapital
Alcázar
El Teatro Alcázar, ubicado en la calle de Alcalá en Madrid, España, es una sala de
teatro que se inauguró en 1925 en el lugar donde anteriormente se encontraba
el Trianón Palace. Fue diseñado por Eduardo Sánchez Eznarriaga y Eduardo
Lozano Lardet y tuvo una apertura oficial en 1925. Originalmente se llamaba
Teatro Alkázar hasta 1940, cuando el régimen franquista prohibió nombres
extranjeros.
El teatro experimentó tragedias, como un incendio mortal en la discoteca Alcalá
20 en 1983 que causó ochenta y un muertos y veinticuatro heridos graves.
Permaneció cerrado durante 22 años. En 2013, otro incendio afectó a una planta
superior, pero no dañó el teatro ni los espacios escénicos.En 2012, pasó a
llamarse Teatro Alcázar-Cofidis debido al patrocinio de la empresa Cofidis.
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Historia de la música electrónica en España: La década de 1980
Attica (Madrid)
Attica, fundado en 1982 en Madrid, se
destacó como un influyente club de música
electrónica en la década de los 80.
Fundado por Antonio Peral, se ubicaba en
la Gran Vía madrileña y ofrecía una
experiencia única con su diseño futurista y
avanzado sistema de sonido. El club abarcó
una amplia gama de géneros electrónicos,
atrayendo a DJ nacionales e
internacionales y presentando actuaciones
en vivo.
Durante esa época, Attica se convirtió en
un punto de referencia en la escena
electrónica de Madrid, atrayendo a una
audiencia diversa y sofisticada. Aunque
cerró en los años 90, su influencia perdura
en la cultura nocturna de la ciudad y su
legado contribuyó a consolidar a Madrid
como un centro importante en la música
electrónica en España. Su historia refleja el
espíritu innovador y la pasión por la música
electrónica en Madrid en aquellos años.

Historia de la música electrónica en España: La década de 1980
Razzmatazz
En 1982, en Barcelona, surgió uno de los clubes de música electrónica más
influyentes, "Razzmatazz", fundado por Tito Ramoneda. Este local se convirtió
rápidamente en un punto de referencia en la escena musical alternativa y
electrónica de la ciudad condal durante los años 80.
Razzmatazz se estableció en un antiguo almacén industrial en el distrito de
Poblenou, y se destacó por su ambiente vanguardista y diseño industrial. Su
programación musical abarcaba géneros como el new wave, el post-punk y la
música electrónica, lo que atrajo a una audiencia diversa.
El éxito del club se debió en gran parte a la visión innovadora de Tito Ramoneda,
quien supo reconocer el potencial de la música electrónica emergente y brindar
un espacio para artistas locales e internacionales. Razzmatazz se convirtió en un
punto de encuentro esencial para los amantes de la música electrónica y
alternativa, consolidándose como un epicentro de la cultura underground de
Barcelona en los años 80 y manteniendo su popularidad en los años siguientes.
20

Entrada Discoteca Distrito 10 Interior Discoteca Distrito 10
Distrito 10
Abrió sus puertas en 1982 y en 1984, bajo la dirección de Tati Tamarit, ganó el
premio a la mejor discoteca de Europa. Se considera una discoteca de renombre
internacional y atrajo a famosos DJs y celebridades.
Construida con una inversión de 350 millones de pesetas de la época, se
comparaba desde el principio con la legendaria Studio 54 de Nueva York. Sus
inversores eran valencianos prominentes, incluyendo al constructor Salvador
Benlloch, Carlos Vila (Don Carlos), Jonchu Ugarte (Ugartesa) y Manolo Otero. A
pesar de su éxito, cerró en 1994 y fue reemplazada por un centro universitario.
En la tercera parte de la historia de la música electrónica en España, hemos
explorado algunas de las discotecas más destacadas de la década de 1980. Desde
el emblemático Attica en Madrid hasta el innovador Razzmatazz en Barcelona,
estas discotecas se convirtieron en epicentros de la cultura electrónica y
alternativa, atrayendo a amantes de la música de todas partes. Además, el Teatro
Alcázar en Madrid y Distrito 10 en Valencia dejaron su huella en la escena
nocturna española, cada uno con su propio legado. Estos lugares no solo
ofrecieron un espacio para disfrutar de las últimas tendencias musicales, sino que
también contribuyeron significativamente a establecer la música electrónica en
la corriente principal de la cultura española de la época.

Mamá quiero ser DJ
Mi música trota. ¿No valgo?
Por Marta Fierro
Este texto es un extracto de mi libro “Mamá quiero ser DJ” publicado por la
editorial “Lee/me” en 2015, actualmente está agotado pero podéis
conseguirlo pidiéndolo en emedejota@gmail.com o leer algunos capítulos en
cada publicación de Cue&Play Magazine.
Han pasado varios años y aunque sigo
teniendo algo de ansiedad alguna vez
y he tenido varias recaídas en algunos
momentos de mi vida, he conseguido
llevar una vida mucho más estable
gracias a la psicoterapia, la
medicación, una red de apoyo y
comprensión y una vida mas
saludable. Llevo tiempo sin tener
ninguna crisis grave, en parte también
gracias a poder hablar de todo esto,
de sentirme más segura aunque
pueda tener ansiedad, de no sentirme
rara por tenerla.
Por eso, desde aquí, creo que es
importante hablar de salud mental,
visibilazarla y pedir ayuda para tratar
los problemas relacionados con ella
en nuestro sector. Os invito también a
pasar por www.depresionenlacabina.com donde podéis informaros sobre el
proyecto “depresión en la cabina”.
Mamá quiero ser DJ
Del corazón a la pista de baile...
Mi música trota. ¿No valgo?
No necesariamente. En la jerga musical, trotar significa que dos canciones que se
quieren mezclar no van acompasadas. Ello provoca que los bombos de ambos
temas no suenen a la vez, creando algo parecido al trote de un caballo. De ahí la
expresión. ¿Y por qué puede ocurrir esto? Hay muchos factores por los que un
disc-jockey no consigue realizar las mezclas con corrección, y casi todos tienen
solución. Así que no es momento de desesperar. En realidad nunca hay que
impacientarse porque para cada problema siempre hay una solución. Puede ser
que el problema de las malas mezclas resida en parte en los aparatos.
24

Mamá quiero ser DJ
Mi música trota. ¿No valgo?
Un equipo mal elegido puede hacer que el aprendizaje se convierta en un camino
tortuoso y largo. En ese camino, el desánimo estará siempre a nuestro lado,
añadiendo dificultad al desarrollo de nuestras capacidades musicales. Para
solucionar esto, puedes ir a las últimas páginas de este libro dónde se encuentra
la parte más técnica.
Quizá no sean los aparatos en sí, sino la forma de pinchar. Puede haber gente que
se aburra pinchando con un ordenador porque crea que es demasiado impersonal
(o demasiado fácil) y necesite un par de tocadiscos, una mesa de mezclas y un
montón de vinilos para sentir el cosquilleo de no saber cómo tendrá el día, sentir
el vértigo de saber que sólo contará con su talento si la cosa empieza a torcerse.
Piensa bien qué es lo que más te llena a la hora de pinchar.
Si estás a gusto frente al equipo, sientes nervios y lo ves como un reto a superar,
la mejora llegará sola. Pero no necesariamente hay que volver a lo purista. Quizá
decidas comprarte una controladora y descubras que vuelves a disfrutar de la
música, a sentir lo que sentiste cuando decidiste comunicar a través de melodías
y beats. Lo único que necesitas es encontrar tu sitio.
25

Para este primer bache, el de las mezclas desacompasadas, el problema más
común reside en las prisas. Corre mucho y tropezarás. La profesión de músico
(como cualquier otra profesión) requiere de un tiempo de aprendizaje que puede
hacerse largo si las aspiraciones son de éxito instantáneo. Un DJ debe aprender a
utilizar correctamente el equipo que tiene ante sí, saber manejarse con él, debe
conocerse las canciones, educar al oído para poder separar temas y anticiparse a
sus cambios. Un DJ debe aprender y practicar.
Siempre. Una y otra vez, y así hasta que consiga esa mezcla casi perfecta, hasta
que la salida de un tema y la entrada de otro encajen como las piezas de un
puzzle. Un DJ debe practicar (lo repito por si aún no lo tienes claro). Mucho. Pero
un DJ también debe ser consciente de que el arte de pinchar no se ciñe a saber
cuadrar dos temas perfectamente. Es mucho más. Gran parte del éxito o del
fracaso de esta profesión viene dado, entre otros factores, por la maestría a la
hora de poner un tema detrás de otro, es decir, del criterio en la elección musical:
lo más importante es saber qué poner y cuándo. Y no hablamos aquí del aspecto
técnico, hablamos del lado humano de esta profesión, ése en el que se entabla
una comunicación con el público, ése en el que el maestro de ceremonias manda
emociones a la pista de baile: un tema para animar, otro para arrastrar a las
chicas, otro para dar un respiro antes de volver a la carga, otro para las parejas,
uno especial para el grupo que lleva toda la noche en el local...
Si como disc-jockey consigues transmitir y enlazar todo ese tipo de emociones en
una misma sesión, de manera ordenada y con cierta gracia, que la mezcla se te
26

Mamá quiero ser DJ
Mi música trota. ¿No valgo?
vaya es lo de menos. La gente para la que estás trabajando ha salido a divertirse,
y la diversión viene por el baile y la alegría, y no por la técnica. La mezcla más
perfecta del mundo sólo será apreciada por un mínimo porcentaje del público
asistente a una sesión, la mayoría de tu público sólo quiere que le hagas disfrutar.
Nunca lo olvides.
Yo, por ejemplo, me considero más una seleccionadora musical que una DJ
técnica. Siempre he valorado más la música que debo poner en una determinada
sesión que practicar en mi casa una y otra vez hasta conseguir la mezcla perfecta
(aunque nunca he descuidado esto último). De hecho, mi andadura en el mundo
profesional de la música comenzó en Sada, pero no como disc-jockey, sino como
colaboradora de un programa de radio local.
Todo empezó en el año 1998. La seleccionadora musical que llevaba dentro sació
su hambre con La Cripta (programa capitaneado por Susete y Koke), donde
sonaban temas de punk rock, garaje y power pop. Yo no paraba de pedir
canciones por teléfono, así que Susete, que ya me conocía del F2, me invitó a
asistir a las grabaciones del programa. Así que además de solicitar que pusiesen
determinada música me permitían participar en las charlas que llevaban a cabo en
antena. Tanto reclamar canciones y seleccionarlas me llevó a las cabinas. Fue en
el pub El Indio, en el mismo pueblo, donde en 1999 organicé mi primera fiesta, la
Pop Parade Party junto al promotor Pepe I Wanna, al que había conocido en un
foro de internet de temática musical. Allí pinché mis primeros discos de pop, rock
e indie ante el público Y lo hice sin saber mezclar, casi sin saber muy bien lo que
hacía. Únicamente me movía el afán de comunicar, de trasmitir emociones y de

descubrir nueva música a los asistentes. Aquella experiencia me llevó a pinchar en
las fiestas de carnaval de Sada, en el edificio La Sociedad (una organización
recreativa, cultural y deportiva que organizaba eventos lights) junto a mi amigo
Jose Ángel (Gatsublade). De nuevo sin saber mezclar. De nuevo con el único fin
de entretener y comunicar. Ese espíritu (la mayor importancia de la música que
pongo a cómo la pongo) sigue presidiendo mis sesiones.
¿Todavía no te he convencido? Piensa en el disc-jockey Sideral, el marciano de
Barcelona que rompió esquemas y se convirtió en leyenda. Forjó su alter ego (el
que al final acabó consumiéndolo) a base de canciones, no de mezclas. Acabó
aprendiendo a pinchar con soltura, pero nunca fue importante para él. Lo
importante para Sideral era saber qué tocar en la mesa de mezclas para que un
canal sonase y así poder reproducir la magia que tenía en la cabeza. Una magia
musical, sin etiquetas, que maravilló a eruditos e iniciados, que cautivó a
cualquier persona que se pusiese al alcance de sus altavoces. Porque para Sideral,
lo importante era qué poner y cuándo.
Y aúnque la canción está por encima de la mezcla es normal que quieras avanzar
en la parte técnica. Lo malo es que cuando estás empezando es muy fácil que te
sientas frustrado. Todos hemos pasado por eso. Piensa en cualquier caso que
siempre habrá cosas que ajustar, por mucho que hayas avanzado, y que no
puedes dejar que los errores te desanimen. Son parte fundamental de cualquier
proceso de aprendizaje. Recuerda tus metas. Estás invirtiendo tiempo y esfuerzo
(y dinero) en conseguir un propósito que no por lejano tiene que caer en el
olvido. Ese propósito sólo se consigue esforzándose cada día más, aprendiendo
de uno mismo, conociéndote mejor.
28

Mamá quiero ser DJ
Mi música trota. ¿No valgo?
Existen trucos y herramientas que pueden facilitar y acelerar el proceso de
aprendizaje. Puedes dejar de molestar a los vecinos por un rato para ver vídeos (o
escuchar audios) de sesiones de profesionales (puedes encontrarlos en las redes
sociales, en los foros y en las páginas especializadas). Siéntate con calma y
analízalos. Observa cómo se comporta el disc-jockey, lo que hace cuando una
mezcla se le va (no lo verás sufrir más de lo necesario). Presta atención a las
mezclas que hace, a cuándo mete un tema nuevo, a cómo lo mete. Intenta
reproducir esa mezcla en tu casa. Varíala ligeramente para descubrir por qué el
disc-jockey del vídeo (o del audio) a elegido ese punto de mezcla y no otro.
Practica.
Puedes darte una vuelta por los foros especializados que existen en la Red. En
ellos podrás encontrar tutoriales, consejos, soluciones a problemas tanto
técnicos como humanos. Podrás compartir tus experiencias, preguntar por qué no
consigues hacer algo determinado, buscar consejo para determinar qué estás
haciendo mal. Aprovecha las nuevas tecnologías y mantente en contacto con la
comunidad para aprender y para ayudar a otros a que aprendan. Vuelve a mirar
vídeos, a escuchar sesiones. Identifica los tipos de mezclas que utilizan los
grandes nombres. Cópialos. No para ser un producto repetido, sino para ir
encontrando tu sitio musical.
Recuerda que quieres ser disc-jockey porque amas la música y quieres comunicar.
Para ello, necesitas encontrar el lenguaje con el que te sientas más cómodo. No
intentes mantener un diálogo en ruso si no sabes hablar ruso. Una vez
encontrado tu lenguaje, tu estilo, descubrirás que todo fluirá con naturalidad.
Mezclarás casi sin pensar, desde dentro, con el corazón. Conecta contigo antes de
querer conectar con la gente. Disfruta del camino, ya que la felicidad de

Mamá quiero ser DJ
Mi música trota. ¿No valgo?
cualquier profesional reside en ir hacia la meta, no en llegar. Aprende a valorar
esta etapa de aprendizaje y no te obsesiones con los fallos que puedas tener.
Disfruta de lo que es la pasión de tu vida. No conviertas estos momentos más
duros en una obligación.
Cuando una profesión bebe tan directamente de las emociones, como es el caso
de los disc-jockeys, tratar de arrancarlas del proceso se puede convertir en el
mayor error que se puede cometer. No olvides que los principios siempre serán
duros. No hay manera de esquivar esa dureza. Acéptala y lucha por superarla. No
hay otro camino. Lucha y se tenaz. Con el tiempo, verás luz en el camino y todo
será más claro, lo que te ayudará en el resto del viaje.
Aquí me gustaría introducir lar palabras del argentino José Heinz. José es
licenciado en Comunicación Social y un apasionado de la música que ha escrito
para infinidad de revistas especializadas, además de publicar su libro La Vida de
Spencer Elden, un compendio de anotaciones sobre la cultura pop. En el siguiente
texto, José Heinz plantea una reflexión que se ha convertido en un debate eterno
(desde que el DJ es DJ) y que es importante que tengas en la cabeza. Lee
atentamente lo que cuenta y se consciente de lo unida que está la música (como
forma artística atemporal) al DJ, de cómo el seleccionador musical también es
músico (con la responsabilidad que ello conlleva).
Eme DJ
Libro "Mamá quiero ser DJ"
Página 45, capítulo "Mi Música Trota. ¿No Valgo?"
Editorial Lee/Me 2015
30

CASTION
Por Gonzalo Cruzado
ESTRELLA INVITADA
Antonio Castrillo Cabrera, ampliamente reconocido como Castion, es un
destacado DJ y productor canario de tan solo 24 años que ha dejado una huella
imborrable en el mundo de la música electrónica.
Desde sus modestos comienzos a los 14 años, Castion ha trazado un
impresionante recorrido en la música electrónica. Su pasión por transmitir
emociones a través de la música lo ha convertido en un creador incansable. Con
más de 50 millones de reproducciones en Spotify, su éxito se ha extendido a las
redes sociales con su tema 'PYRO', que se volvió viral en TikTok, acumulando más
de 7 mil millones de reproducciones.
El contagioso sonido Tech House de Castion ha ganado la admiración de la
industria y le ha permitido actuar en escenarios de la talla de Luxemburgo Open
Air o Marina Beach Club. Su logro más destacado hasta la fecha es la capacidad de
vivir de su música y recorrer el mundo con sus actuaciones, desde Ibiza hasta
Ámsterdam e Italia.
En esta entrevista exclusiva para
Cue & Play Magazine,
exploraremos en profundidad la
carrera de Castion, su evolución
musical, desafíos y logros, así
como sus proyectos futuros en
la escena electrónica. Prepárate
para conocer de cerca a uno de
los talentos más prometedores
de la música electrónica
internacional, un joven canario
que ha conquistado los
corazones de audiencias
globales con su música única y
cautivadora.

¡Comenzamos la entrevista!
Desde tus raíces en Tenerife hasta los grandes escenarios internacionales, ¿cuáles
consideras que han sido las claves de tu rápido ascenso en la música electrónica?
Todos han sido importantes, desde Marmarela, Marina Beach, Papagayo Beach o
festivales como Abroad Festival y LOA, sin olvidarme de Ámsterdam, Italia o Republica
Checa. Es mucho más importante el cómo se comunica la asistencia a alguno de estos
eventos, que el simple hecho de solo comunicar que estarás ahí.
El año 2023 ha sido prolífico para ti en términos de lanzamientos. Entre todos estos
proyectos, ¿hubo alguno que te sacara de tu zona de confort y te brindara una
experiencia única que quisieras compartir con nosotros?
‘Poison’ creo que fue algo muy fuera de la común si lo comparas con la línea que
estoy siguiendo ahora mismo. Es un Tech House con muchos sonidos melódicos que,
sin duda, junto a la preciosa vocal que incluimos hace que sea un tema comercial
38

Estrella Invitada
CASTION
pero potente al mismo tiempo. Realmente este tema se acerca más al estilo que
hacía hace unos años, un Castion más HEXAGON. Ha sido la transición perfecta para
darle a mi audiencia un último bocado dulce de Future House e introducirte en mi
nuevo y potente sonido Tech House.
Eres una persona que se inspira en las experiencias diarias para crear música.
¿Puedes destacar algún momento reciente que te haya marcado o impulsado a
experimentar o cambiar tu dirección musical?
Efectivamente, soy alguien que hace música más allá de combinar sonidos, cada
canción lleva un pedacito de mi corazón integrado. Recientemente estoy en medio
de un cambio personal bastante fuerte, tanto física como mentalmente. Considero
que estoy madurando y eso también ha afectado a mi estilo musical, por eso he
optado por un sonido más serio y underground como el que se puede escuchar en mi
nuevo tema “Muevelo & Damelo” o en “What Is About” y “El Consentido”.

Estrella Invitada
CASTION
Con artistas tan diversos como Tom Budin y Alex Now en tu lista de colaboraciones
este año, ¿existe algún criterio o "chispa" específica que buscas en un artista antes
de decidir trabajar juntos?
Su energía es muy indispensable para mí. Tengo muchas ofertas de colaboración a
diario y lo más importante es saber estar seguro de uno mismo, hay muchos
productores que me envían ‘temazos’, pero luego no les veo una seguridad o un plan
de marketing serio para su producto o su música. En mi opinión, las colaboraciones
tienen que sumarte en todos los sentidos, por ejemplo, que la canción la sientan los
2 artistas por igual, que haya una buena conexión y relación entre ambos artistas,
que ambos tengan los mismos objetivos, y que el trabajo a la hora de lanzar el tema
sea serio y efectivo. Al fin y al cabo, estamos vendiendo un producto, y aunque hagas
tu música con el corazón tienes que elaborar un plan de marketing a la hora de
venderlo.
40

Estrella Invitada
CASTION
En el mundo de la música electrónica, la innovación tecnológica es esencial. ¿Cómo
ha influido en tu creatividad y en la producción musical en general?
El avance tecnológico creo que ha influido en todo el mundo como tal. A mí
personalmente me ha ayudado muchísimo, por ejemplo, en ser capaz de sacar una
buena calidad de sonido sin necesidad de gastar miles y miles de euros en
maquinaria analógica, hoy en día existen muchos emuladores analógicos que puedes
usarlos desde tu DAW, que suenan muy similares y que cuestan la mitad de lo que
cuesta el aparato analógico.
Ser parte del recopilatorio ADE2023 es un logro significativo. ¿Cómo se alinean tus
metas y aspiraciones con este tipo de reconocimientos en la industria?
La verdad es que estoy muy orgulloso de haber lanzado en esa compilación ya que
ha sido a través del sello de Miguel Bastida y Ruiz dB, Be One Records, y compartí EP
con gente que está teniendo bastante renombre en el Tech House como Kofla,
Junior RZ, Luis Pergo y muchos más!
37

Estrella Invitada
CASTION
El ADE es un evento que reúne a los grandes de la música electrónica. Durante tu
visita en 2023, ¿hubo algún consejo o conversación que redefiniera tu perspectiva
sobre la industria?
La verdad es que me lo pasé muy bien allí, y es verdad que tuve bastantes
conversaciónes interesantes como por ejemplo con Don Diablo, o con Ortzy que es el
A&R Manager de Spinnin’ Records, también con Fran DC y Esther Bronchal, y me han
ayudado mucho a ver las cosas desde otra perspectiva. Siempre es bueno tener
2ndas opiniones sobre tus proyectos o tus pensamientos. Recomiendo siempre pasar
tiempo o intercambiar palabras con personas que tengan más experiencia en el
ámbito en el que te mueves, ya que ven las cosas desde una perspectiva superior y
pueden ayudarte a guiar tu proyecto o a verlo desde un punto diferente que puede
beneficiarte.

Estrella Invitada
CASTION
En una carrera tan vertiginosa como la tuya, el equilibrio es esencial. ¿Tienes algún
ritual o práctica diaria que te ayude a mantener los pies en la tierra y a cuidar de tu
bienestar mental?
Si. El ejercicio físico, especialmente ir al gimnasio, me ayuda muchísimo
mentalmente a gestionar todo el trabajo que tengo que sacar diariamente. También
salir de vez en cuando con mi pareja y mis amigos me ayudan a mantener los pies en
la tierra y no olvidarme nunca de mis orígenes. La meditación es otra herramienta
que practico mucho a diario y me ayuda a calmar mi ‘yo’ interior y gestionar mis
problemas, también me ayuda a verlos desde otra perspectiva para poder sacar una
solución racional de ellos.
43

Estrella Invitada
CASTION
Mirando al horizonte y considerando la constante evolución de la música
electrónica, ¿existe algún género o artista emergente que te intrigue o con el que
sueñes colaborar?
Disfruto mucho viendo y viviendo las innovaciones de la música electrónica, y
espero, algún día, ser yo la causa de alguno de esos cambios. Ahora mismo estoy
muy enfocado en el Tech House y todas sus variantes, aunque me estoy adentrando
mucho en el underground estilo elRow. También me llama mucho la atención el
Techno, y, de hecho, tengo un alias secreto en el que lanzo ese estilo también jejeje.
Ahora mismo veo que lo que está por venir es el Afro-Tribal, creo que es un estilo
que se va mover mucho en 2024, y aunque no me guste mucho personalmente, sé
que va a funcionar muy bien. Y también creo que el Techno va a seguir su línea al
igual que el auge que está volviendo a tener el Drum and Bass.
Este próximo año me encantaría colaborar con gente como HUGEL, Cloonee,
Matthias Tanzmann y Andruss. ¡Creo que están haciendo un trabajo excepcional y
sigo muy de cerca sus pasos!

Estrella Invitada
CASTION
Y para concluir... Unas preguntas breves!!
Si tu música fuera un color, ¿cuál sería y por qué?
El Beige. Es un color que también suelo llevar mucho puesto y desprende elegancia.
Creo que mi música está cogiendo ese tono, y aunque siempre tenga mi ‘signature’
de música potente y enérgica, está empezando a ser muy seria y elegante.
¿Cuál es tu comida favorita para disfrutar después de una larga noche de actuación?
En este sentido soy muy basicón jajaja, soy muy fan de las hamburguesas y los
kebabs, y si encima, hay algo dulce de postre ya me conquistaste! jajaja.
Dinos, si tuvieras que escoger una película que describa tu vida hasta ahora, ¿cuál
sería, y porqué?
Yo diría Spiderman, y explico el por qué. No me dedico a tirar telarañas, pero este
personaje es un símbolo de esperanza y resistencia para aquellos que, al igual que él,
han sentido alguna vez que no encajaban. Yo tuve una infancia dura, siempre me
sentí marginado en mi colegio y con mis amigos, ¡y pese a todas las adversidades
siempre he seguido hacia adelante y sin rendirme!
45

Estrella Invitada
CASTION
Castion, quiero expresarte mi sincero agradecimiento por habernos brindado esta
entrevista tan enriquecedora en nombre de Cue & Play Magazine y todas y todos
nuestras y nuestros lectoras y lectores. Tu pasión y talento en la música electrónica
son verdaderamente inspiradores.
¡Muchísimas gracias por compartir tu
nosotras y nosotros!
tiempo y tu historia con todas y todos
¡¡Esperamos con expectación tus futuros éxitos y proyectos!!
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Tech News
Por Gonzalo Cruzado
Novation FL Key 61: El Controlador MIDI Definitivo para FL Studio
El FL Key 61 de Novation se destaca en el mundo de los controladores MIDI por
su integración específica y mejoras de flujo de trabajo para usuarios de FL Studio.
Este controlador, diseñado tras un análisis minucioso, se enfoca en maximizar la
funcionalidad de FL Studio a través de un control táctil intuitivo, integrando
controles de transporte, secuenciación, diseño de sonido y gestión de mezclas en
un teclado con pantalla LCD.
Especialmente adaptado para FL Studio, el FL Key 61 ofrece una experiencia de
navegación y ajuste únicas, superando a los controladores genéricos. Su
compatibilidad con clase garantiza un uso sin problemas en diferentes sistemas
operativos, y se incluye una prueba de seis meses de FL Studio Producer Edition
junto con varios plugins emocionantes.
En cuanto a construcción y diseño, el FL Key 61 resalta por su calidad premium,
con un chasis robusto y un mecanismo de teclas sensible a la velocidad. La
pantalla LCD permite una navegación fácil y clara visualización de los parámetros.
La integración profunda del FL Key 61 con FL Studio permite un control completo
sobre la DAW, facilitando la navegación de presets, la manipulación directa en el
Channel Rack y ofreciendo modos de acorde diversificados. Con un precio de
aproximadamente 306 euros, el FL Key 61 representa una inversión valiosa para
los usuarios de FL Studio, prometiendo mejorar tanto el flujo creativo como la
eficiencia en la producción musical. Todos los detalles en nuestra web, pulsando
aquí:
EP-133 K.O. II de Teenage Engineering: Innovación en Música
Portátil
Teenage Engineering presenta su nuevo dispositivo, el EP-133 K.O. II, un sampler,
looper y secuenciador portátil que redefine la música móvil. Este equipo de
diseño retro, inspirado en las calculadoras de los años 70, combina seis voces
estéreo, 64 megabytes de memoria y una variedad de efectos en un formato
ultracompacto.
43

Tech News
Equipado con un micrófono y altavoz integrados, teclas sensibles a la presión y
conectividad avanzada, el EP-133 K.O. II es perfecto para la creación musical
sobre la marcha. Su lanzamiento sugiere la posibilidad de una nueva gama de
instrumentos "Extended Play" de Teenage Engineering, ampliando las fronteras
de la producción musical portátil.
KORG KAOSS Replay: La Nueva Dimensión del Sampling
KORG, pionero en el sonido electrónico, presenta el KAOSS Replay, un dispositivo
que actualiza el legendario KAOSS Pad a las necesidades modernas. Este nuevo
sampler combina una intuitiva interfaz de control con una amplia gama de
efectos, estableciéndose como una herramienta esencial para DJs y productores.
El KAOSS Replay destaca por sus 16 pads de muestra sensibles a la velocidad,
iluminación LED, una pantalla táctil OLED de 5 pulgadas, cinco mandos, dos
deslizadores y múltiples botones. Va más allá de sus predecesores con un sistema
avanzado de reproducción, ideal para sets en vivo y para integrarse como interfaz
de audio USB en estudios de producción.
Con funcionalidades como hot cues, tap/auto BPM, sincronización, cuantización y
ajuste de tono, el KAOSS Replay se convierte en una extensión del artista,
permitiendo una manipulación precisa de efectos y samples. Su diseño y
capacidades lo posicionan como una herramienta indispensable en el arsenal de
cualquier músico electrónico.

Tech News
KeyStep Pro Chroma de Arturia: Innovación y Estilo en una Edición Especial
Arturia introduce el KeyStep Pro Chroma, una edición especial del reconocido
KeyStep Pro, destacando por su diseño oscuro e industrial y una actualización de
firmware 2.5 con nuevas funcionalidades. Este equipo combina la versatilidad de
un secuenciador de cuatro pistas y teclado con una amplia gama de controles,
apto para manejar tanto equipos MIDI como analógicos y modulares.
La nueva versión mantiene las capacidades de la original, añadiendo
personalización de color en cada pista y nuevos detalles estéticos alineados con
los modelos Micro y Mini Freak. Las mejoras funcionales incluyen la posibilidad de
enviar cambios de programa por patrón y por pista MIDI, bloqueo de la función
de transposición, y ajustes de velocidad fijos para las teclas y disparos.
Artcore Revoluciona la Venta de Música Online
Artcore, una nueva plataforma de mercado en línea creada por Tom Burnell, está
diseñada para que artistas y sellos independientes vendan su música
directamente a los fanáticos y DJs, con un atractivo incentivo de solo un 7% de
comisión hasta marzo de 2024. El sitio, enfocado en mejorar la experiencia actual
de descarga de música y responder a las necesidades de artistas, fanáticos y DJs,
permite a los usuarios subir su música, establecer precios, crear códigos de
descuento y dividir regalías. Además, Artcore incluye un reproductor con
características avanzadas para una mejor exploración musical. Este lanzamiento
llega en un momento clave para el streaming y la industria de la música,
ofreciendo una alternativa a otras plataformas como Spotify y Bandcamp, que
han enfrentado cambios y desafíos recientemente.

DJ Mentalidad TOP
Porqué tienes pocos Seguidores en Redes
Por Joanna Coronado
TÚ, ¡NO! PORQUÉ TIENES POCOS
SEGUIDORES EN REDES SOCIALES
¡TEMAZO!, ¿no crees? Hoy vengo con ganas de arrasar, ponte cómodo, cómoda
y disponte a penetrar en este artículo un tanto polémico.
Primero de todo, ¡Aquí estoy de nuevo! Bienvenido y bienvenida a este
confesionario para artistas DJ. ¿Has leído los anteriores artículos? Si tu respuesta
es no, te recomiendo que te lances a leerlos. De lo contrario, si tu respuesta es sí,
te mando mogollón de abrazos y te reto a que me escribas para proponerme
“interesting themes” para desarrollarlos aquí.
Vamos al lío:
Tú, ¡no!, porqué tienes pocos seguidores en redes sociales
¿Qué está pasando con el tema de relacionar el talento con la cantidad de
seguidores en las redes sociales? Sinceramente, creo esto se ha ido de madre y
tenemos que parar unos instantes a reflexionar conscientemente que estamos
haciendo.
Si bien es cierto que cuando el producto gusta, lo consumen un mayor número de
consumidores. Hasta aquí podríamos estar de acuerdo, es decir, que un artista
que llegue al público, lo enamore, lo atrape tiene más posibilidades de crecer en
seguidores reales.

DJ Mentalidad TOP
Porqué tienes pocos Seguidores en Redes
¿Qué te parece la palabra “seguidores reales”?
Seguidores reales, seguidores reales, seguidores reales.
A estas alturas todos sabemos que existen seguidores reales y seguidores
irreales. Voy a matizar que cabe la posibilidad de comprar seguidores para
engordar las redes sociales y currar tan bien, que esos seguidores comprados
terminen siendo fans totales de tu trabajo, y esto puede hacer que te explote la
cabeza pensarlo, pero ver las cosas desde varios puntos de vista es positivo.
Las dudas de si la industria es verdaderamente profesional o entiende de talento,
me surge en este punto donde asocian un buen DJ con el número de seguidores
que tiene en redes sociales. Quiero pensar que los verdaderos profesionales de
esta industria, Clubs y promotores, se toma el tiempo necesario en investigar
sobre la trayectoria y talento de los artistas desde su propia carrera musical, y
una vez realizada esta investigación, realicen otra sobre los consumidores que
este artista tiene.
Fíjate que ahora hablo
de consumidores, no de
seguidores.
Lo que verdaderamente
importa son esas
personas que están
dispuestas a salir un
sábado noche, o
cualquier otro día, del
sofá e ir a ver al artista,
dispuestos a gastar un
dinero con tal de
apoyarlo, estos son
consumidores del
producto que el artista
ofrece.
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DJ Mentalidad TOP
Joanna Coronado
Tener seguidores no es lo mismo que consumidores.
Por ello, defiendo, que todo evento ha de crear su gran lista de consumidores
dispuestos a ir a los eventos, descargando así la total responsabilidad del artista
de ser quien ejerza el mayor peso de relaciones públicas de los eventos.
El artista invita a su gente, a los que puede o tiene. A medida que va
evolucionando como artista, será capaz de tener más consumidores y fieles a su
talento, mientras tanto, la máxima responsabilidad la tiene el club o el evento.
No todos los artistas disponen de miles de euros para comprar “likes” o
seguidores en redes, ni tan siquiera disponen de capital como para hacer una
promoción completa de su trabajo.
Por mi parte, los artistas emergentes que están en estas situaciones se merecen
el máximo respeto y apoyo, es por ello que en agosto del 2021 inicié el programa
“Mentalidad de éxito para DJs” donde cumplo con la finalidad de ayudar a todos
los artistas que entran a formar parte de esta comunidad.

DJ Mentalidad TOP
Porqué tienes pocos Seguidores en Redes
Repito que un buen trabajo va a
captar más consumidores y
seguidores, pero para nada
hemos de caer en el error de
asociar los seguidores con la
valía y talento de los artistas, y
mucho menos en una sociedad
tan plastificada e irreal.
Desde aquí una admiración a los artistas que sí de forma orgánica han logrado que su trabajo
haya llegado a enamorar a miles de seguidores y consumidores, ha estos artistas también se
les falta el respeto cuando son comparados con artistas fake
51

Primeros pasos en la producción
Por Quique Serra
Primeros pasos en la producción
El deseo de todo productor de música de baile electrónica es que su track llegue
hasta los -5db LUFS (Loudness Units Full Scale) de sonoridad para poder competir
en las plataformas de música digital con los artistas top del momento.
Para conseguir este objetivo, el productor, pasa mucho tiempo trabajando en el
mastering, estudiando decenas de tutoriales en la red y haciendo mil trucos para,
finalmente, quedar un escalón por debajo del sonido deseado y al límite de
saturaciones audibles. Esto sucede por no tener una visión general del proyecto,
por no trabajar cada fase cuidando todos los detalles y, principalmente, por la
famosa frase: “eso lo termino de resolver en el mastering”.
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Primeros pasos en la producción
Para empezar este artículo me gustaría compartir con los lectores lo que sería la
primera ley de la producción musical: “una cadena será tan débil como su eslabón
más débil”. Todos sabemos que si tiramos de ambos lados de una cadena con la
fuerza suficiente, ésta se rompería por el eslabón menos resistente, esto aplicado
a la producción musical significa que el sonido final del proyecto será tan malo
como la peor de las fases de producción que se haya realizado. Permítanme,
entonces, recordarles el orden de eslabones de nuestra cadena de producción: la
primera fase es la creación de la canción, la segunda es la preproducción, la
tercera fase trata de la grabación, la cuarta es la mezcla y la quinta el mastering.
En este artículo me centraré en los primeros pasos de la cadena de producción,
en las fuentes de sonido con las que tendrás que trabajar, ya que son el pilar
principal de toda canción grabada y también veremos algunos datos muy básicos
sobre grabación, tarjetas de sonido y micrófonos.
Primeras fases de la producción
Sé que la mayoría de ustedes producen música electrónica y en este género estas
cinco fases suelen estar mezcladas entre sí, sobre todo las tres primeras fases,
mientras vamos componiendo la canción se van realizando tareas de mezcla y
durante las mezclas se van retocando arreglos de la composición; en cierta
manera esto sucede con todos los géneros de música actual. Pero aún así,
debemos tener muy claro el orden de estas fases y saber en cuál de ellas estamos
en todo momento. Por lo tanto, mi consejo es tener un esquema que nos dé una
visión general de todo el proyecto; en mis primeras grabaciones yo hacía estos
esquemas en papel, uno por cada canción que trabajaba, en él podía tomar notas
de datos importantes que posiblemente necesitaría en fases posteriores.
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Primeros pasos en la producción
La preproducción para una grabación se
compone de todas aquellas acciones previas
a la grabación del proyecto, por ejemplo:
reuniones con los artistas y productores,
preparar el estudio con todas las
necesidades para la grabación, etc. Cuanto
más trabajo se adelante mejor irá la
grabación; pero, se preguntarán por qué me
centro tanto en las primeras fases del
proceso de producción, permítanme
contarles una pequeña historia que a muchos
nos ha pasado y que trata sobre la grabación
de una canción.
Al estudio del productor llegan la persona
que va a grabar, un amigo y el compositor,
comienza la sesión de grabación y tras una
hora de trabajo empiezan a surgir ideas por
parte de todos los presentes, culminando la
jornada en una fiesta de creatividad que el
productor salva para “la fase de mezcla”.
Cuando el productor está solo, comienza a ordenar todas estas ideas y se da
cuenta que, por no haber preparado bien la grabación, las tomas buenas están
saturadas, se metió un ruido por el micrófono o se escucha la vibración de un
mensaje entrante del smartphone al mismo tiempo que la voz. Si quien vino a
grabar es un amigo o amiga podrás pedirle el favor de que vuelva, pero si es un
músico contratado, el fallo te va a costar dinero porque te volverá a cobrar por
una nueva sesión aunque se trate de la misma canción. Con esto, te quiero decir
que todas las fases de la producción musical son muy importantes porque una
canción mal compuesta no tendrá éxito al igual que una canción que no suene lo
suficientemente bien.
Una vez hemos planificado bien todos los pasos a seguir en nuestro proyecto,
podemos empezar a grabarlo. Para el caso de la música electrónica la grabación
podríamos englobarla dentro del proceso de creación o composición, lo que nos
lleva al siguiente apartado.
Las fuentes de sonido
En un proyecto de música electrónica, refiriéndome ya al proyecto dentro del
DAW (Digital Audio Workstation), tenemos dos grupos principales de fuentes de
sonido:
54

Primeros pasos en la producción
Las pistas de audio: son las creadas con los sonidos que nos descargamos
(comprados o gratuitos), las grabaciones realizadas bien por nosotros o
recibidas desde otro estudio colaborador y las grabaciones por linea directa
de sintetizadores tipo hardware.
Las pistas de instrumentos: son las pistas de los sintetizadores o samplers
virtuales instalados en nuestro DAW, se controlan a través del protocolo MIDI
(Musical Instrument Digital Interface).
En el caso de los sintetizadores virtuales, debes intentar que tengan la calidad de
sonido suficiente como para obtener un buen resultado, por el contrario, si
utilizas unos sintetizadores que sin procesamiento ninguno ya suenan con
distorsiones, parásitos o ruidos desagradables difícilmente conseguirás un buen
resultado final. Imagina que disparas el “Kick” desde un “Sample” y la muestra
sale con un click justo en el transiente, llegarás a la fase de mastering con una
canción con aproximadamente seiscientos parásitos imposibles de arreglar.
Con las pistas de audio sucede igual, debes procurar que los sonidos que utilizas
están lo más limpios posibles, que tengan la calidad suficiente (evita archivos
comprimidos en mp3 o similar) y si es una grabación hecha por ti es importante
que sea lo más perfecta que tu puedas conseguir con tu equipamiento. A
continuación voy a explicarte los elementos con los que tienes que tener cuidado
para realizar una buena grabación en tu “Home Studio”.
Grabación en línea o con micrófono
Cuando se graban sonidos con micrófonos o a través de tus entradas de línea hay
que tener en cuenta los siguientes elementos que afectan a la calidad de la
grabación:
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Primeros pasos en la producción
Sala de grabación: es el espacio donde ubicas la fuente de sonido (voz o
instrumento) y el micrófono de grabación. En los grandes estudios es una sala
aislada y tratada acústicamente, esto quiere decir que no entra sonido del
exterior y la reverberación interna está controlada a unos valores estándares.
Aquí se consiguen grabaciones que prácticamente no se procesan para que
suenen bien. En el caso de tu “Home Studio”, tendrás que apañártelas con
algunos dispositivos como pantallas o cabinas de micrófonos para conseguir
una grabación lo más limpia posible.
Previo de micrófono: La señal de los micrófonos es muy débil (entre 1 y 10
milivoltios, -60 a -40 db) y, antes de conectarlos a una mesa de mezclas o de
una tarjeta de sonido, su señal debe ser aumentada de voltaje hasta unos
niveles entorno a los 0,3 voltios (-10db). El previo de micrófono es el
encargado de realizar esta función, es un elemento que según sus
especificaciones le puede dar carácter al sonido grabado, por lo que al usarlo
hay que tener muy claro cual eliges y que objetivo buscas en esa grabación.
En mi estudio puedes encontrar diferentes marcas y tipos de previos, me
gusta usarlos de válvulas por el color que dan al sonido e incluso tengo uno
que construí yo al que puedo intercambiar diferentes válvulas para modelar el
carácter que busco. Las tarjetas de sonido actuales disponen de un previo
estándar incorporado, donde se puede conectar un micrófono directamente.
Tarjeta de sonido: es el dispositivo para convertir la señal analógica del
micrófono o de línea en una señal digital que pueda procesar el DAW,
principalmente están compuestas por varios convertidores AD (Analógico-
Digital) y DA (Digital-Analógico). Actualmente éstos vienen con previos de
micrófonos estándar incorporados y con adaptadores de impedancia para
conectar instrumentos con pastilla.
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Primeros pasos en la producción
Impedancia: si lo que quieres grabar es un sintetizador hardware, éste podrás
conectarlo a las entradas de línea de tu tarjeta de sonido sin problema
alguno. Pero si lo que quieres es grabar un instrumento acústico con pastilla,
una guitarra o bajo eléctrico directamente desde su conector “Jack”, tendrás
que enchufarlo a la entrada que venga rotulada para instrumento o con la
nomenclatura “Hi-Z” (deberás leerte las instrucciones de la tarjeta de sonido y
seguir los pasos que indique el fabricante). Esto es debido a que este tipo de
instrumentos tienen una impedancia (resistencia de un circuito al paso de una
corriente eléctrica oscilante) que debe ser equilibrada para que la toma
quede limpia de ruido.
Micrófono: es el dispositivo que convierte las variaciones de presión en el aire
en impulsos eléctricos. Los micrófonos más usados actualmente se clasifican
de dos formas:
57

Primeros pasos en la producción
Según su tecnología de conversión:
Dinámicos: es un micrófono con una membrana sensible a las
variaciones de presión del aire que lleva pegada una bobina de cobre
que se mueve cerca de un imán permanente induciendo un flujo de
corriente (fenómeno físico de inducción electromagnética), al que
llamaremos señal analógica de audio. Son buenos para tomas
cercanas (entre 1 y 2 metros) y pierden bastante sensibilidad con la
distancia, suelen usarse para la música en directo y para instrumentos
de percusión con mucha presión acústica (baterías, percusión, etc).
De cinta: la membrana de este tipo de micrófonos es una cinta de
metal muy fina plegada en zig zag e instalada cerca de uno o varios
imanes. Cuando las variaciones de presión del aire mueven la
membrana se induce un flujo de corriente, este sistema está basado
en el mismo principio físico que el micrófono dinámico. Su sensibilidad
es muy baja, por lo que siempre llevan un amplificador incorporado
para aumentar su señal unos 20db, pero su definición es muy buena,
sobre todo en frecuencias grabes y medias.
De condensador: se trata de un dispositivo que tiene dos placas de
metal una frente a la otra, de las cuales una es móvil (la que haría la
función de membrana sensible al sonido) y la otra estática. Estás dos
placas enfrentadas tienen la característica de un condensador
eléctrico, cuando le aplicas una corriente (en este caso se llama
corriente de polarización) éste es capaz de almacenarla, el valor de
capacidad de almacenaje de este condensador dependerá de la
separación entre ambas placas. Si una de las placas se mueve por la
variación de presión en el aire (en este caso la membrana) hay
variación de la capacidad del condensador y éste expulsará la energía
eléctrica sobrante o recogerá más energía de la corriente de
polarización generando una señal de audio. Tienen buena sensibilidad
a corta y larga distancia, su definición es muy buena y su respuesta en
frecuencia muy equilibrada; lo que lo hace el micrófono más usado
dentro del estudio.
Según su patrón polar o dicho de otra manera su característica de captura
de sonido en función de la dirección:
Omnidireccional: es un micrófono que captura el sonido en todas las
direcciones, suele utilizarse para tomas de sonido ambientales o si las
fuentes a capturar vienen de varias direcciones.
Cardioide: este tipo de micrófonos está diseñado para capturar el
sonido en una sola dirección, se usa para tomas de cantantes,
instrumentos, etc.
58

Primeros pasos en la producción
Hipercardioide: este micrófono es mucho más direccionale que el
cardioide, suele utilizarse para tomas de sonido de los actores en cine
donde el dispositivo tiene que estar fuera del plano de las cámaras.
Mi experiencia personal
Para finalizar este artículo me gustaría compartir mi elección de equipo en mi
estudio en función de mi experiencia personal:
58

Primeros pasos en la producción
En cuanto a la sala dispongo de una de grabación insonorizada y tratada
acústicamente donde coloco al músico o cantante con toda la microfonía
necesaria para realizar la toma. Siempre preparo esa sala y chequeo todo el
equipo antes de que llegue el artista y su personal. También tengo otra sala
(Control Room) donde está el DAW, mesa de mezclas, previos...; todo a mi
mano para dirigir la grabación; ésta, está aislada y tratada acústicamente para
tener una escucha lo más fiel posible de lo que sucede. Ambas salas están
conectadas por 18 cables de micrófono, una puerta doble para el paso de
personas (que permanece cerrada durante la grabación) y una ventana con
doble acristalamiento para tener visión directa con los artistas que están
grabando (a veces una mirada ayuda mucho a la interpretación)
Como ya comenté anteriormente, tengo un previo de micrófono de válvulas
de doble canal muy limpio que se puede usar pareado, un previo de válvulas
de dos canales construido por mi, estilo años cincuenta, donde cada canal
tiene una configuración de válvulas diferente para conseguir texturas
diversas con cada uno y un previo de estado sólido (construido con
transistores) para usos estándares.
Actualmente tengo instalada una tarjeta de sonido de dieciocho entradas y
salidas analógicas, con la intención de poder realizar grabaciones multipistas
(baterías, coros, etc) y también tener la posibilidad de hacer mezcla analógica.
Mi set de micrófonía es muy variado, me da la posibilidad de grabar baterías,
percusiones, todo tipo de instrumentación. Me gustaría destacar que las
voces las grabo con dos micrófonos en simultáneo: uno de condensador con
membrana de una pulgada y otro de cinta del año 1944, a la hora de
mezclarlo tengo que tener mucho cuidado con las cancelaciones que se
producen y para eso, me ayudo de un plugin que calcula el retardo de la señal
entre ambos micrófonos y lo compensa.
60

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Periodista de formación, con postgrado en Gestión de la Industria de la Música en
la Universidad de Barcelona.
Con más de 20 años de experiencia en la Industria Latinoamericana y Europea.
Natalia es actualmente Directora de Marketing de SAE Barcelona, líderes
mundiales en formación de profesionales del sonido, la música y el music
business.
A su vez, es Fundadora y Co Directora de la Asociación Femnoise, quienes han
desarrollado la primera plataforma de Economía Digital en la música y la cultura
para mujeres y disidencias a nivel global. También apoya a artistas emergentes a
través del sello discográfico, Femnoise Records.
Por si no fuera suficiente, es Manager de la reconocida artista mejicana Mystery
Affair.
Se define como Culture Hacker:
El "culture hacking" consiste en tomar medidas intencionadas y encontrar las
pequeñas cosas que puedes hacer cada día para crear un cambio cultural positivo.
Tenemos a una profesional que no se queda en el discurso, sino que trabaja
activamente para generar un cambio real!
Hoy subimos el beat con NATALIA SAN JUAN
La Entrevista
¿En qué momento decides crear Femnoise? Que te impulsó a ello?
En 2017, después de mi experiencia en la industria del indie rock en Chile durante
los 7 años anteriores, recibí la oportunidad de organizar un microfestival de
electrónica en Andorra. Durante esta experiencia, noté actitudes particulares por
parte del equipo, compuesto en su totalidad por hombres, siendo la única mujer
en el grupo. Esta disparidad se hizo aún más evidente al revisar el roster, que
estaba exclusivamente compuesto por artistas masculinos.
Intrigada por estas observaciones, decidí investigar la situación de las mujeres en
la música electrónica. Descubrí una red internacional que llevaba más de 20 años
trabajando para crear una comunidad de mujeres en la escena electrónica:
Female Pressure, y al mismo tiempo con un estudio de doctorado de la
Universidad de Edimburgo que hablaba de las dificultades de las mujeres para ser
consideradas dentro de la escena electrónica de distintos puntos del planeta.
Estos hallazgos confirmaron mis sospechas: aunque había muchas mujeres
talentosas en la escena electrónica, las oportunidades eran limitadas debido al
dominio masculino en la industria.
63

Seguí investigando y adentrándome en la música electrónica, recorrí diversos
espacios para ir en búsqueda de las artistas que finalmente invitaría a formar
parte. Así fundé por primera vez Femnoise, que nació como una suerte de agencia
colectiva en Barcelona, compuesto por 19 mujeres talentosas de la escena
electrónica local y sus alrededores. Estas artistas habían estado actuando en
pequeños espacios de la ciudad durante mucho tiempo, y mi objetivo era
brindarles representación y la oportunidad de presentarse en escenarios más
grandes. Quería visibilizar la realidad de las artistas subrepresentadas y abordar
la brecha de género en la industria.
A pesar de ser una recién llegada en una escena y ciudad donde no conocía a
nadie en la industria, comencé a tocar puertas. Para 2019, justo antes de la
pandemia, habíamos logrado asegurar actuaciones en importantes festivales
como la edición "new normal" de Primavera Sound, DGTL Madrid y DGTL
Barcelona, Manrusionica, entre otros. Sin embargo, la pandemia nos presentó
nuevos desafíos, y una vez más nos vimos en la tarea de encontrar formas de
destacar y trabajar hacia nuestro objetivo de dar visibilidad a la brecha de género,
colaborando con talento subrepresentado de mujeres y disidencias.
¿Cómo funciona la plataforma? Cualquier artista mujer, persona no binaria puede
acceder a ella?
La creación de la plataforma Femnøise surgió como respuesta a los constantes
cuestionamientos de bookers y promotores que dudaban de la presencia y el
interés genuino de mujeres en la música y la producción. En ese momento, las
cifras eran desalentadoras, con solo un 13% de presencia femenina en carteles de
grandes festivales y un escaso 2% de mujeres productoras.
La plataforma se concibió como una herramienta para poner en el mapa a
mujeres y disidencias en la industria musical, ofreciendo una visualización sencilla
y efectiva. Funciona como un motor de búsqueda que filtra por ubicación,
ocupación y tipo de música, permitiendo la creación de sinergias y conexiones
significativas.
Este enfoque ha dado lugar a colaboraciones que le dan sentido a nuestra
existencia, como el caso de una artista italiana que masterizó su disco con una
ingeniera de Israel, o el encuentro de chicas argentinas para llevar a cabo giras,
entre muchos otros casos inspiradores.
Femnoise ha evolucionado más allá de ser simplemente una comunidad. Desde su
concepción, la plataforma aspiraba a ser una herramienta digital que fomentara
sinergias y proporcionara nuevas oportunidades de ingresos para sus usuarias.
Hoy en día, con diversas funcionalidades, se la considera la Primera Plataforma de
Economía Digital Feminista en la industria de la música.
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Subiendo el Beat: Ellas al mando
Natalia San Juan
Entre las características que ofrecemos se encuentran el mapa/buscador, una
sección de nano cursos donde mujeres de todo el mundo comparten sus
conocimientos, una bolsa de trabajo, un blog para lanzamientos, un marketplace
en desarrollo y, recientemente, un sello discográfico.
La plataforma está abierta a cualquier mujer o disidencia de todo el mundo que
sea artista o trabaje en la industria de la música y la cultura. Es totalmente
gratuita, y la participación de hombres es bienvenida para aprovechar y apoyar
los contenidos generados por mujeres de todas partes del mundo.
¿Qué criterio seguís en la selección de artistas para Femnoise Records?
En Femnoise Records, nuestra selección de artistas para el sello discográfico se
guía por el concepto de ser una incubadora de talento, enfocándonos
especialmente en los géneros más frescos de la música electrónica, como House,
Tech House, Deep House, Acid House, Nu Disco, Dark Disco, Indie Dance, Techno,
Deep Techno y Minimal Tech.
Nuestros criterios de selección buscan identificar a artistas con un estilo definido
y una carrera mínima en clubes locales e internacionales o que demuestren una
visión clara de la dirección que desean tomar en su trayectoria artística.
Analizamos sus reproducciones, perfiles, interacciones y posibles colaboraciones,
buscando apoyar su desarrollo artístico dentro de nuestras posibilidades.
Además, nos preocupamos de que las artistas comprendan aspectos
fundamentales del negocio musical, como la gestión editorial, publishing,
sincronización, entre otros.
Trabajamos activamente para ser una fuente de sinergias entre artistas y la
industria, celebrando el talento, la profesionalidad y el compromiso. Nos
esforzamos por establecer reglas justas que fomenten un cambio positivo en la
66

Subiendo el Beat: Ellas al mando
Natalia San Juan
producción e industria musical, buscando promover un consumo más inclusivo en
la música y la cultura. Nuestra visión es ser un impulsor de transformaciones que
lleven a una industria más equitativa y diversa.
¿Cuál es tu labor en Sae Barcelona?
En SAE Barcelona soy la directora de marketing y comunicación, me encargo de
generar estrategias alrededor de nuestra oferta académica y de la relación con
marcas y organizaciones afines para crear sinergias con nuestra marca que nos
impulse para crear mejores alternativas para nuestros alumnos y alumnas. Para
mi ha significado tener la posibilidad de cambiar la industria desde las bases,
trabajando estrechamente con la escuela para fomentar que más mujeres se
animen a estudiar producción musical.

Subiendo el Beat: Ellas al mando
Natalia San Juan
En este momento, año 2023, hay personas que creen que ya no existe diferencia
y/o discriminación hacia las mujeres y personas del colectivo. ¿Qué opinas?
Les invitaría a leer más y en profundidad sobre la realidad que tienen en su
entorno, al alcance de todos está el recientemente publicado Estudio de Género
realizado por la Asociación Mujeres en la Industria de la Música (MIM), de la cual
también formamos parte. Que investiguen, que lean, que escuchen a sus
compañeras y que abran los ojos. Lamentablemente luego de la pandemia los
pocos avances que veníamos viendo, sufren un retroceso y se siguen
incrementando las diferencias y las brechas.
¿Que obstáculos hay que seguir superando?
Principalmente debemos promover más mujeres en la producción musical,
trabajar mejor los algoritmos de los sistemas de streaming, incentivar la cuota de
género en grandes festivales como lo llevan haciendo países como Argentina o
Chile, ya que de otra manera parece que los bookers y promotores les cuesta
entender la necesidad de representación. Y qué decir también que debemos
luchar porque incluyan más mujeres como headliners y no solo en la letra
pequeña de los carteles.

Subiendo el Beat: Ellas al mando
Natalia San Juan
A día de hoy, ¿crees que el físico y la imagen se tiene más en cuenta en mujeres?
La consideración del físico y la imagen en las mujeres de la industria musical ha
sido una preocupación histórica y persistente. Aunque la situación ha mejorado
en algunos aspectos sobre todo en los entornos más jóvenes, aún existen
desafíos significativos relacionados con los estándares de belleza y la presión
para ajustarse a ciertas expectativas visuales, no así a los pares masculinos. En la
industria musical, a menudo se espera que las artistas femeninas no solo
destaquen por su talento musical, sino también por su apariencia física. Esto se
refleja en la promoción mediática, las portadas de álbumes, los videoclips y otras
formas de representación visual. Por suerte ya existen artistas que están
desafiando esos cuerpos normativos y los cánones de belleza se basan en la
diversidad.
¿Cuál es el enfoque que consideras más acertado hacia un activismo real en la
industria de la música actualmente?
Estamos en un punto donde me cansa un poco seguir en la discusión propiamente
tal. Sigue existiendo una falta de puesta en acción, de pasar a generar un cambio
significativo. Es hora también de involucrar a nuestros pares hombres. Me
encantaría que ellos hicieran suya nuestra bandera de lucha. Debemos
incorporarlos en la búsqueda de soluciones. Yo siempre soy más de la acción, por
eso cada proyecto que impulso lo genero desde esa perspectiva, de un propósito
claro para crear interacciones, negocios, alternativas financieras, promoción del
talento, etc.
Háblanos sobre Mystery Affair. ¿Qué soporte es el correcto como manager para
sostener y mantener a una artista que ahora mismo está en pleno éxito?
El éxito de Mystery Affair se debe al factor clave de trabajar duro en aquello en
que realmente crees. Es tener trazado tu plan y visualizarlo de manera tan clara
que sabes que allí llegarás no importa cuánto tardes. Es sumamente importante
entender que la carrera artística debe trabajarse con metodología, objetivos y
mucha persistencia. Es vital desarrollar el plan de negocios de esa carrera, un
diseño integral con objetivos medibles, detectando las oportunidades y
trabajando sobre las debilidades.
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Subiendo el Beat: Ellas al mando
Natalia San Juan
Me pasó que cuando comenzamos a trabajar
juntas hace 2 años, me encontré con la
carrera de una artista muy sólida en los shows
y en la búsqueda y autogestión de sus
propios gigs, pero que necesitaba estructurar
todo el resto del negocio musical,
entenderlo, detallarlo, organizarlo de manera
tal que se convierta en un real negocio con
perspectiva de futuro y no solo en la
inmediates del show.
Todo eso a la vez que es muy necesario
generar un vínculo estrecho con tu artista,
tienes que llegar a generar una confianza casi
familiar y – en mi caso – comulgar con las
ideas de tu artista a nivel espiritual y social.
Es necesario conectar y estar en sintonía y
aprender mucho la una de la otra.
¿En qué vas a seguir trabajando a corto/medio
plazo? Cuáles son tus proyectos futuros?
Ahora estoy bastante enfocada en buscar
como puede confluir todo en lo cual trabajo,
en poder potenciar que más mujeres se
acerquen a la formación y profesionalización
de la industria, pero donde la barrera del
acceso económico a la educación no sea una
barrera. Es por ello que estoy desarrollando
con Femnoise y SAE una serie de bootcamps
gratuitos sobre formación en producción
musical, music business y producción técnica
de espectáculos para 2024.
Creo que es la forma en que todo lo que hago
cierre una línea coherente. Seguimos
explorando colaboraciones, marcas e ideas
que nos permita hacer de la industria de la
música, una industria más diversa, inclusiva y
equitativa.
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Subiendo el Beat: Ellas al mando
Natalia San Juan
Por último, nos gusta saber que
música escuchan nuestras invitadas,
así que:
¿Qué temas están en tu top o que te
hayan marcado?
Esta semana me marcó mucho el nuevo
disco de Clara Peya, “Corsé”. Toda una
maravilla lleva días en mi cabeza luego de
escucharlo en su premiere del Festival de
Jazz de Barcelona.
También todo el álbum de More Data de
Moderat, que logra transpórtame a otro
planeta.
¿Un tema para inspirarte/motivarte
Swallow – Monolink / Tale of Us Remix
¿Un tema para tus momentos de relax?
Dogs - HVOB
¿Un tema para un momento alegre y otro
para un momento triste?
Momento Alegre: Telepathy – Mystery Affair
Momento Triste: Experience – Ludovico
Enaudi
¡Gracias Natalia! Por compartir con nosotros tu tiempo y experiencia. Por ser
tan impecable y profesional. Y por inspirarnos enormemente con tu pasión y
trabajo en pro de la igualdad en la industria. Ha sido un placer compartir éste
rato contigo.

Inside the Industry
Por Iban Cerezo
Fotografías por Ana Escario

Inside the Industry
VACUUM MASTERING
En las profundidades sonoras de la música contemporánea, donde la técnica y la pasión
se entrelazan para dar forma a lo que perciben nuestros sentidos, emerge la figura de
Javier Roldón. Un arquitecto del sonido cuya firma resuena en la identidad acústica de
algunos de los proyectos más vibrantes de la escena musical. Su alquimia sonora ha
trascendido fronteras y géneros, convirtiéndose en un referente imprescindible en el
panorama del mastering y la ingeniería de audio.
En esta edición de Cue & Play Magazine, nos adentramos en el universo de Roldón, un
diplomado del prestigioso SAE Institute Spain de Madrid, cuya ambición y talento le
impulsaron a crear su propio cosmos auditivo: el estudio VACUUM, inaugurado en 2008
como una declaración de principios. Pero lejos de conformarse, su sed de conocimiento
le llevó a las aulas de la Berklee College of Music de Boston, un peregrinaje que
refinaría aún más su ya aguda percepción del sonido.
Con 15 años de trayectoria, Javier ha sido el guardián de las frecuencias de una lista
estelar de artistas, desde la introspección lírica de Rels B hasta el ingenio versátil de
Kase.O, pasando por la emoción cruda de Christina Rosenvinge y la fuerza narrativa de
Joaquín Cardiel. Su toque puede sentirse en el pulso musical de Cruz Cafuné, la
intensidad de León Benavente, y la destreza de figuras como Sho-Hai, Nach, Dano o
Bejo, acumulando más de 2.150 millones de streams en los últimos dos años. Una cifra
que no sólo habla de su capacidad para conectar con el público, sino que también
evidencia la calidad y la consistencia de su obra.
Como miembro votante de los Latin Grammy, su juicio y su visión artística cobran una
relevancia especial al acercarse la vigésimocuarta edición de estos prestigiosos
premios, que tendrán lugar en Sevilla. Hoy, nos adentramos en el estudio de este mago
del sonido, para entender las capas que configuran sus creaciones y descubrir, a través
de sus palabras, cómo se construye un legado en ondas y armonías. Acompáñanos en
esta entrevista exclusiva con Javier Roldón, un viaje al corazón de la música a través de
los oídos de uno de sus más destacados maestros.
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Inside the Industry
VACUUM MASTERING
LA ENTREVISTA
Javier, desde tus inicios en el SAE Institute hasta la creación de tu estudio
VACUUM, ¿cómo ha evolucionado tu enfoque de la ingeniería de audio y el
mastering a lo largo de los años?
Mi enfoque parte de una mirada ingenua e inexperta, que va madurando a base
de ensayo y error pero ayudado e inspirado por profesionales legendarios como
el tejano Billy Stull (socio de Rupert Neve) que me mostró un camino alternativo
al que nos cuentan en los libros de texto.
Tu paso por Berklee debió ser enriquecedor. ¿Qué aprendizajes fundamentales de
Berklee aún aplicas en tu trabajo diario en el estudio?
Mi paso por Berklee fue de un valor incalculable. Pude entrar en una comunidad
internacional de ingenieros e ingenieras de Mastering compartiendo pasión y
ganas de aprender, y me ayudó también a afianzar conocimiento, todo ello
tutorizado por Jonathan Wyner (ex presidente del Audio Engineering Society). A
día de hoy sigo utilizando multitud de técnicas aprendidas en materias como el
remastering o el audio forense.

Inside the Industry
Escuela Profesional INDIGO DJ School
Has trabajado con una amplia gama de artistas. ¿Qué buscas en un proyecto o
artista antes de decidir colaborar en él?
Actualmente casi todos los proyectos que entran en VACUUM, se acaban
realizando. Hay que tener en cuenta que los artistas que se acercan a mí, vienen
por el boca-a-boca o porque les ha gustado un álbum masterizado aquí y quieren
ese sonido. He de decir que en muy pocas ocasiones he tenido que rechazar algún
proyecto, los rechazados han sido por la falta de un mínimo de calidad. Hay que
tener en cuenta que el resultado final es mi carta de presentación.
¿cuál ha sido el proyecto más desafiante desde el punto de vista técnico y cómo lo
superaste?
Sin lugar a dudas el proyecto más desafiante de mi carrera ha sido el álbum “Me
muevo con Dios” de Cruz Cafuné. Se trata de un álbum de 23 canciones muy
diferentes entre sí, y con multitud de productores trabajando en el disco y
aportando su sonido. Todo ese basto material llega a mis manos y oídos y en ese
momento se abre un complicado periodo de trabajo para lograr sacar un álbum
homogéneo, competitivo y con carácter propio. Debo decir que en este proceso,
el estrecho trabajo con el productor y mezclador Lex Luthorz fue decisivo para
que todo saliera así de bien.
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Inside the Industry
VACUUM MASTERING

Inside the Industry
VACUUM MASTERING
Al masterizar obras de diferentes géneros, ¿cómo mantienes tu identidad sonora
mientras respetas la esencia de cada artista o género?
Cuando inicio el contacto con un artista o productor siempre intento ser un
catalizador de todo lo sucedido previamente. Le pregunto por gustos musicales y
obras de referencia. Toda esta información me ayuda a mantener y reforzar su
esencia. En VACUUM utilizo mucho hardware analógico, es la seña de identidad
del estudio y al cabo de los años creo que he logrado tener un sonido propio.
Digamos que el enfoque final consiste en buscar ese equilibrio, potenciar el
enorme trabajo que ha realizado en grabación y mezcla y además poder aportar
creativamente para alcanzar la obra maestra.
La tecnología en la producción musical está en constante cambio. ¿Cómo has
adaptado tu trabajo a las nuevas herramientas y tendencias?
La tecnología avanza a un ritmo vertiginoso, en estos 15 años he visto la
desaparición del CD, el estallido de la distribución digital y la vuelta del vinilo por
ejemplo. Son cambios que obligan a adaptar el proceso de Mastering al medio
final, pero siempre sin olvidar el componente humano que de momento
considero insustituible.
¿Cómo ves el futuro de la ingeniería de audio y el mastering en la próxima década,
especialmente en el contexto de la música electrónica?
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Inside the Industry
VACUUM MASTERING
Como decía en la pregunta anterior, el futuro lo veo esperanzador. Hay mucha
música, muchísima, y la tecnología ha puesto en nuestras manos el acceso a tener
un home-studio de enormes prestaciones en nuestras casas. La electrónica es un
buen ejemplo, junto a la síntesis virtual o analógica. Ahora es el turno de la
creatividad y ahí es donde se demuestra la capacidad.
Como miembro votante de los Latin Grammy, ¿cómo ves el impacto de estos
premios en la industria musical latina y qué buscas en las obras nominadas?
Pertenecer a la Academia de la Grabación es un honor. Al final es una gran fiesta
en la que se premia el buen hacer de un equipo humano. En esta profesión es
fácil perder el norte, no hay nada escrito, y una palmada en la espalda es un gesto
necesario.
Como miembro votante he de decir que siempre busco la creatividad y la
personalidad. La excelencia técnica por supuesto, pero la personalidad siempre
juega un papel más importante en mi decisión final.

Inside the Industry
VACUUM MASTERING
Para los jóvenes ingenieros de sonido que aspiran a seguir tus pasos, ¿qué consejo
clave les darías?
A todo aquél o aquella que quiera labrarse una carrera en la ingeniería de sonido,
les diría que busquen en su interior ese poder innato que tienen y que lo
alimenten, que sean genuinos y originales, es una de las mejores armas secretas
que tenemos. También que se rodeen de personas en las que puedan apoyarse,
ya que nos es un camino fácil. En mi caso fue mi familia y en especial mi pareja,
que aunque no participa activamente en la rama laboral de VACUMM, desde la
gestación de la idea siempre fue una entusiasta del proyecto y una luz en las
decisiones más difíciles.
Finalmente, ¿hay algún proyecto personal o sueño que aún estés deseando realizar
en tu carrera?
Por supuesto, y cuando consiga alcanzar el que tengo entre manos ya tengo el
siguiente esperando. En este momento mi sueño es poder cortar vinilos
artesanalmente. Es un reto personal y estoy en el camino, pero no puedo
desvelar más detalles.

Inside the Industry
VACUUM MASTERING
Acabemos la entrevista con unas breves!
¿Qué color te representa mejor y por qué?
Siempre me he identificado más con el negro, supongo que será por cómo asociamos
colores con estilos musicales. Siempre he visto el pop como algo luminoso y colorido,
mientras que otros géneros más profundos o extremos los he asociado con la
oscuridad.
¿Con qué instrumento te identificas más?
Pues me resulta imposible quedarme sólo con uno. Me hace alucinar la contundencia
de una batería acústica, me tiemblan los pies cuando escucho las frecuencias
subgraves de un bajo, me desgarro con una guitarra eléctrica, surco el universo con
un sintetizador y me derrito con la armonía de un piano.
Si pudieras masterizar la banda sonora de cualquier película, ¿cuál elegirías y
por qué?

Elegiría la película “El Indomable Will Hunting” de 1997 para poder trabajar codo
con codo con Elliott Smith.
Si tuvieras que elegir una canción para describir tu carrera hasta ahora, ¿cuál sería y
por qué?
Elegiría mil! De varios géneros y de varias épocas ya que también hago mucho
remastering de discos de los 60s y 70s, pero para ceñirme a la pregunta diré “El
gordo que la pisa bien” de Kase.O. La elijo porque me identifiqué con ella cuando la
hicimos y disfruté mucho con el proceso.
Con esto concluimos nuestra charla con Javier Roldón. En nombre de todo el equipo
de Cue & Play Magazine y nuestros lectores, agradecemos sinceramente tu tiempo y
por compartir tus valiosas experiencias con nosotros. Ha sido un verdadero placer y
una fuente de inspiración.
¡Gracias a vosotros! ¡Hasta pronto!
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Escena Emergente
Por LITO
Nietti DJ
Arnau Tonetti A.K.A. Nietti DJ y Productor nacido en Gerona y criado en un
entorno rural en un pueblo de la misma provincia llamado Cabanelles, con 12
años su familia se traslada a Palafrugell en la Costa Brava Catalana y es ahí con 13
años cuando tiene su primer contacto con unos platos giradiscos, es en ese
momento cuando nace dentro de él la pasión por el beatmatching y teniendo
claro a partir de ese momento es donde quiere enfocar el resto de su vida, con 19
años es cuando decide trasladarse a la ciudad condal en busca de sus sueños y
hacer crecer su carrera.
Nace en un entorno familiar muy musical, ya que su padre siempre a estado
vinculado al mundo de manera profesional al igual que su hermano mayor, de los
que pudo absorber grandes conocimientos en teoría musical y una base muy
sólida que más adelante le servirían para crecer como productor.
Comienza su carrera con 20 años hablamos de 2015 cuando Nietti comenzó a
explorar en el mundo de la Música electrónica y es cuando empieza así a
transformar sus ideas y melodías en tracks de electrónica, gracias a esto Nietti
comenzó a tocar en alguno de los clubs más emblemáticos de la ciudad condal
como la mítica City Hall, M7 Club o Pacha Barcelona entre otros.
Actualmente, Nietti se centra sobre todo en su residencia en otro de los clubs
más importantes y carismáticos de Barcelona, en la fiesta The Cave de Opium
Barcelona, donde cautiva con su enfoque “groovero” y enérgico al más puro
estilo Tech House consiguiendo así fidelizar un público que acude a ver sus shows
cada semana, combinando con diferentes actuaciones en las mejores salas de la
provincia Barcelonesa.

Escena Emergente
Nietti DJ
Manteniendo su pasión por la música en constante evolución, Nietti se encuentra
en proceso de lanzar su propia música absorbiendo todo lo aprendido a lo largo
de su carrera y queriendo fusionar varios sonidos e ideas encontrados así en una
etapa que, como el mismo define “Muy atractiva y energética”.
La Carrera de Arnau Tonetti como DJ y productor es un fiel testimonio a la
dedicación y pasión por la música en general y la electrónica en particular y su
futuro promete ser, sin duda, igual de emocionante que su vibrante pasado.
La Entrevista
Arnau bienvenido al tercer numero de Cue & Play Magazine, es un placer tenerte con
nosotros. Queremos expresarte nuestro más cálido recibimiento y agradecimiento
por dedicar tu valioso tiempo para compartir con nosotros y nuestros lectores tus
experiencias, visión artística y perspectivas sobre la música y tu trabajo. Así que,
antes de comenzar, nos gustaría saber, ¿cómo te encuentras en este momento? ¿Qué
emociones y sensaciones te invaden ante esta oportunidad de conectarte con tu
audiencia y revelarnos un poco más acerca de la persona detrás de la música?
Bueno, primero agradezco muchísimo la invitación, creo que compartir información
y experiencias siempre es muy bonito y de agradecer, aparte, una buena oportunidad
para acercarnos más con toda la audiencia y gente curiosa.
Siempre había tenido ese “gusanillo” y ganas para poder compartir lo que he vivido
hasta el momento, son ya más de 7 años noches que he podido trabajar de residente
en diferentes clubs de Barcelona y eso me ha dado para ver y aprender mucho.
87

Escena Emergente
Nietti DJ
Después de estos 7 años de experiencia en diferentes residencias de Barcelona
¿Cómo te auto describirías como DJ?
Es algo bastante difícil auto-describiese bien, quizás, pero diría que lo más
importante es desde qué punto trato, trabajo y escucho la música, antes de DJ soy
músico y eso ha hecho que tenga cierto respeto y disciplina a la hora de tocar música
electrónica.
Como DJ he intentado siempre crear sesiones poco convencionales o que salgan un
poco del estándar para que la gente no se encuentre siempre con las mismas
estructuras y tracks en los clubs y la verdad es que salir de lo normal a veces
funciona ¡muy bien!
Pienso que al final hay un punto indiscutible a cumplir y es que la gente se lo pase
bien, la verdad es que estoy muy orgulloso de haber podido levantar los ánimos y la
pista en varias discotecas y de diferentes públicos, pase lo que pase lo más
importante es que el máximo de personas posible se vayan a dormir con un buen
gusto.
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Escena Emergente
Nietti DJ
Hemos hecho una pequeña biografía tuya y nos a parecido de lo mas interesante y
como nos encanta el “salseo” queremos introducirnos mas aun en ella, cuéntanos
cuales son tus mejores recuerdos en tu infancia rodeado de Músicos en el hogar.
Lo que más agradezco en mi vida es haber tenido una infancia rodeada de música y
una familia de músicos libres y con ganas de crecer en la escena. En casi todos mis
recuerdos ha estado la música presente, una guitarra, un vinilo sonando, mi padre
grabando en el estudio o mis hermanos practicando en la habitación. Eso siempre
me ha dado mucha fuerza y ejemplo para consolidar los pensamientos con las ganas
y seguir adelante.
De pequeño toque en varios grupos musicales, el primero fue cuando tenía 7 años y
ya tocaba la batería, junto con mi hermano que tenía 10 y otro amigo con 9, después
hasta los 15 años tuve varios grupos con amigos del instituto o colaborando con mi
padre, que aún sigue actuando como canta-autor por muchas localidades.
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Escena Emergente
Nietti DJ
Fue entre los 14 y 16 que decidí pasar totalmente de lo acústico a lo electrónico
comprándome mi primera mezcladora para empezar a aprender un mundo dentro de
la música desconocida por mis raíces y costumbres, desde entonces ha sido toda una
aventura dar respuesta a todas esas preguntas que me hacía curiosamente desde
entonces, cada noche que pasa de trabajo estoy un poco más aliviado de todas esas
curiosidades que se me movían tanto por dentro, por eso recomiendo a todo el
mundo hacer aquello que te mueva o te tenga inquieto.
¿Qué encuentras en la Música electrónica que hace que te decidas por ella?
Desde siempre tenido muy claro que me quería dedicar a la música, aparte de por
todas las características técnicas que hacen que podamos mezclar sonidos para
ponerlos a todo volumen con los soundsystems obviamente, toda la industria
musical ha tirado inevitablemente por lo electrónico y ya casi para cualquier género
presionando al final a todo músico a tener que introducirse mínimamente, si se
quiere un futuro profesional claro.
También que está compuesta la gran parte por percusiones muy resaltadas y esos
bajos que te hacen vibrar entero, de pequeño siempre he tenido más tendencia a
tocar la Batería y otros instrumentos de percusión, cosa que me conecta mucho con
los ritmos.

Escena Emergente
Nietti DJ
Me influenció mucho el hecho de haber crecido entre instrumentos acústicos y
música “tradicional”, al descubrir la electrónica, (Recuerdo de pequeño entre los 10 -
12 añitos buscar música House en los principios de YouTube.) Al no ser algo de casa
me llamó tantísimo la atención que definitivamente me enganché por completo a
esa música poco convencional y tan fresca.
A esa misma edad también recuerdo que pasaba frecuentemente por delante de una
pequeña discoteca del pueblo, (La Nau en Banyoles) y siempre preguntaba a mis
padres que había dentro de esos muros impenetrables por menores, eso me ardía
por dentro y solo quería tener 18 años para entrar y escuchar electrónica.
¿Cuales dirías que son tus principales géneros en la mayoría de tus sesiones?
1º el Tech House, 2º el Minimal, y 3º el Techno.
¿Te has planteado alguna vez probar o has probado con géneros totalmente
diferentes a los habituales por ti?
De hecho, todo empezó profesionalmente cuando rompí algunas barreras, luché
mucho contra mi ego y empecé a pinchar lo que el mercado ofrecía y no solo lo que
yo quería. Creo que es importante entender que si se quiere vivir y ganar un sueldo
de lo que te guste más, “primero hay que pelar patatas y luego ya se cocinarán
paellas con el tiempo”. A veces, si uno no se está dispuesto a sacrificar el gusto
personal con lo que te pida el mercado, seguramente se siga manteniendo la
práctica como hobby, para ser profesional creo que al menos hay que al menos
entender el máximo de campos de tu trabajo, al final todos afectan entre sí.

Escena Emergente
Nietti DJ
¿Cual dirías que son tus mayores influencias nivel top o en quien sueles inspirarte?
No tengo a 1 o a 2 en concreto, pero siempre han sido muy variados, muchos o la
mayoría del país, ya que tenemos de los mejores en la escena actual, también otros
internacionales, al final mola sacar información y aprender un poco de todos.
(Españoles: Bastian Bux, Wade, Miguel bastida, Fran Dc, entre muchos más,
Internacionales: Umek, Jeff mills, Richie Hawtin, Nina Kraviz, Eric Morillo, Jaime
Jones…)
A tu parecer, ¿Qué es lo mejor y lo peor de ser
DJ?
Lo mejor es la libertad de poner tus normas,
siempre que sean efectivas.
Lo peor es que la mayoría de horas de trabajo
son nocturnas y vives en una vida paralela.
¿Cómo ves el panorama actual de la Música
electronica?
Pues como todo, se ha querido explotar
demasiado el mercado en muy poco tiempo y
creo que después de una temporada dónde
cualquier track puede ser muy gracioso, pero no
tener mucha calidad, espero que vuelva haber un
poco de filtro en la calidad y originalidad de las
pistas porque hoy en día cualquiera puede coger
4 Top Loops en el Fl Studio y sacar un random
track en menos de 1 día.
Por otro lado, estamos en una era dónde casi
todo vale y muchos tabúes han desaparecido,
con lo que la diversión también puede llevarse a
otro nivel.
90

Escena Emergente
Nietti DJ
¿Te has marcado algún objetivo a corto y largo plazo?
Si, por supuesto, creo que es muy importante siempre mantener los dos tipos de
objetivos, a mesura que vas cumpliendo los cortos, te vas sintiendo más cerca de los
largos retro-alimentando las ganas y los resultados.
En mi caso, hasta el momento he estado progresando a toda vela como DJ y a ratos,
he ido trabajando a “ventana cerrada” en estudio para empezar a sacar mi 2.0 en mi
carrera musical, con ello compartir música y
tracks para poder aportar un granito más en
esta bonita industria.
Si te dieran la oportunidad de viajar al pasado,
¿qué consejo le darías al Pequeño Arnau Tonetti?
Que no tenga prisas para disfrutar de los
resultados, sino que disfrute de todo el proceso y
ponga el “focus” de lo que al principio parece dar
“palo”.
Lo bueno no viene ni fácil ni rápido y siempre
habrá momentos para divertirse entre objetivos
y sacrificio.

Artista: LITO

Llegó el frío de diciembre y hay que calentar el alma con buena musica y
eventos hechos con corazón. Y es que hoy te traigo un pedacito de mi
llamado CHICAGO 1981.
¿Dispuesto y dispuesta a viajar al ritmo de la música house? ¡Pues
vamos!
Y te preguntarás, ¿Quién está al mando de CHICAGO 1981?
Una servidora. Va a ser interesante esto de hablar de un evento propio.
Voy a iniciar explicando que Chicago 1981 pertenece al roster de artista
V3rtigo. Aquí puedes investigar sobre el roster.
94

Trendsetting Events: CHICAGO 1981
Voy a explicarte como nace esta idea de crear CHICAGO 1981.
Resulta que dentro de V3rtigo hay varios artistas que dominan
estupendamente la música House, pero me encuentro que la mayoría
de eventos que nos rodean son de otros géneros musicales donde la
presencia del House es más escasa, ya que predominan otros
géneros. Así que los artistas de V3rtigo que vibran en el género del
House, se quedan con las ganas de prender la pista a su gusto
musical.
Artista: MISTER ZEUS
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Trendsetting Events: CHICAGO 1981
Artista: NIC ALLEN
Un día, que estaba yo inspirada, miré a LITO (mi pareja, cofundador de V3rtigo y
CEO de “Un Sitio Genial Academy“) le dije: - Vamos a crear un evento solo de
música House y se va a llamar CHICAGO 1981. Lito, que siempre es fiel a mis
locuras, me dijo: -¡Pues perfecto! ¿Cuándo empezamos?
Y así fue como se creó esta idea, nacida para que los artistas de house de v3rtigo
pudieran gozarla a tope. Actualmente, Chicago también acoge en sus Line up
artistas de “Mentalidad de éxito para DJs” y otros.
¿Para qué públicos es CHICAGO 1981?
Nos ilusiona acoger en cada evento a un público que disfrute bailando y
escuchando música house. Verdaderamente, nos acompaña un público muy
variado y diverso, y esta idea me fascina porque soy extra fan de la diversidad,
inclusión y unión. Es un éxito que Chicago sea capaz de generar esta masa de
convivencia.
97

Trendsetting Events: CHICAGO 1981
ARTISTA: LITO
¿Qué os está pareciendo este viaje de hoy? Mi intención es que podáis conectar
con la esencia de cada evento que os traigo y os motive a mezclaros con ellos,
incluso poder estar en sus Line up.
A día de hoy Chicago 1981 está en pleno crecimiento y expansión de su concepto
y marca. Estamos trabajando duro para lograr el objetivo de dar en cada ocasión
un espacio donde la alegría y el buen gusto sea lo que predomine a lo largo de
cada noche.
Lo que os puedo asegurar es que detrás de esta idea, hay una elevada cantidad
de respeto y amor al talento de los artistas y la música.
Sin duda que el propósito de todos los eventos que organizamos en V3rtigo hay
una intención enorme de romper los estigmas de la industria y ofrecer lo mejor
que tenemos a los artistas y al público.
Nuestro foco no es la facturación, sino la transmisión de valores y principios del
buen hacer y el tiempo de cocción de cada proyecto.
98

Artista: Jaidek
126

Trendsetting Events: CHICAGO 1981
Este 2024 tenemos preparada una programación mensual de CHICAGO 1981 y
estamos refelices de poder anunciar que nos vais a poder visitar una vez al mes y
que vamos a poder ofrecer un buen abanico de oportunidades a artistas que
vibran en la música House.
El primer evento de este nuevo año que iniciaremos en breve será el 20 de enero.
Durante este próximo año vamos a potenciar el talento tanto de artistas locales
como nacionales, teniendo visitas de artistas que os van a dejar recuerdos
imborrables.
¿En qué Club vas a encontrar CHICAGO 1981?
Hemos elegido que el mejor sitio para nuestros eventos sea SLOW CLUB
Barcelona. Este Club nos ha acogido maravillosamente bien y sentimos que
trabajar rodeados de un gran equipo es lo que queremos para nuestros eventos.
Así que podrás encontrarnos cada mes en Slow Club Barcelona.
Es posible que te estés preguntando que cualidades ha de tener un artista para
formar parte del Line up de Chicago 1981.
Primeramente que seas un artista que vibres y domines el género musical del
House, esto es imprescindible.
Artista: ELLIOT y LITO
127

Trendsetting Events: CHICAGO 1981
Personalmente, valoro mucho a los artistas que van a los eventos y hacen lo
posible por ganarse mi confianza y demostrarme que aman profundamente esta
profesión. Siento que el arte es pasión, no postureo, así que un artista me resulta
interesante por el esfuerzo e implicación que pone.
Comparto que los artistas que forman parte de “Mentalidad de éxito para DJs”
tienen asegurada su oportunidad de participación.
Así es que si deseas formar parte de uno de los Line up de Chicago te invito a que
vengas a vernos o me escribas al correo managerjoannacoronado@gmail.com
para iniciar el proceso de selección.
Información de puntos de venta y próximos eventos
En redes podrás ir viendo las fechas de los eventos.
Tenemos un grupo de Telegram llamado “People V3rtigo” donde informamos de
todos los eventos y de condiciones especiales para los participantes del grupo,
así como acceso a las fotografías de los eventos.
Aquí tienes enlace al grupo para poder acceder: “People V3rtigo”
Siempre generamos lista “People V3rtigo” para poder acceder al evento.
Artista: ELLIOT, NIC ALLEN y LITO
127

Trendsetting Events: CHICAGO 1981
Llegamos a ese punto donde hemos de despedirnos una vez más.
Deseo decirte que ha sido una gran satisfacción el poder hablarte de CHICAGO
1981.
Sin ti, mi querido lector, este viaje no seria posible, por ello te doy las
gracias por llegar hasta este punto de lectura y decirte que deseo verte
pronto en CHICAGO 1981 en SLOW CLUB BARCELONA
Y recuerda:
“Ayudar al que lo necesita no es solo parte del deber, sino de la
felicidad”

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Cue & Play Academy: Capitulo 3
CURSO DE MEZCLA ANALÓGICA
Capitulo 3 : Tempo, Compás y Tonalidad
Bienvenidos al tercer capítulo de Cue & Play Academy. En este capítulo, nos
sumergiremos en el emocionante mundo de la mezcla analógica con vinilos.
Aunque esta técnica es tradicional, sigue siendo altamente apreciada en el
universo de la música electrónica. Aquí desglosaremos elementos clave como el
tempo, compás y tonalidad, y cómo estos interactúan en el contexto del vinilo.
También exploraremos la importancia de los auriculares y la preescucha, junto
con la identificación de puntos cruciales en una pista para realizar transiciones
fluidas.
Entendiendo el Tempo, el Compás y la Tonalidad
El Tempo
El tempo es una piedra angular en cualquier género musical, y en la mezcla de
vinilos, su comprensión es absolutamente crucial.
La música electrónica, por ejemplo,
suele caracterizarse por su tempo
rápido, que generalmente oscila entre
120 y 160 BPM (pulsos por minuto).
Controlar el tempo de cada pista te
permite realizar una técnica esencial
conocida como "beatmatching", que
exploraremos más adelante.
Herramientas recomendadas: Para
ayudarte a identificar y mantener el
tempo, puedes utilizar metrónomos
digitales, aplicaciones que calculan el
BPM de una pista y, por supuesto, tus
propios oídos, que se convertirán en tu
recurso más valioso con la práctica.
106

Cue & Play Academy: Capitulo 3
El Compás
Los compases son fundamentales en la música, ordenando el ritmo y
proporcionando predictibilidad al oyente. Se representan como fracciones al
principio del pentagrama y son esenciales tanto para músicos como oyentes.
Cada compás se compone de un número superior e inferior, como 4/4 (cuatro por
cuatro), indicando la cantidad y duración de las notas.
Los compases desempeñan un papel vital en la música al establecer la
Organización Rítmica y Facilitar la Composición.
Para entender los compases, es esencial comprender el pulso, que es la unidad
básica del ritmo. Contar los pulsos mientras escuchas música te permite
identificar el tipo de compás utilizado. Por ejemplo, si cambia cada dos pulsos, es
un compás 2/4; si cambia cada tres, es un compás 3/4, y así sucesivamente.
También es importante distinguir si la subdivisión del pulso es binaria o ternaria,
es decir, si se divide en grupos de dos o tres golpes. Esto puede ser
independiente del tipo de compás.
Ejercicio práctico: Escucha una
pista y trata de contar los
tiempos, identificando patrones
y considerando cómo podrías
utilizarlos en tus mezclas. Esto
te ayudará a desarrollar un
sentido natural del compás.
La Tonalidad
La tonalidad añade una capa adicional de complejidad a tus mezclas. Identificar la
tonalidad de cada canción es esencial para crear transiciones armoniosas. Al
mezclar temas en tonalidades compatibles, logras evitar choques sonoros y
conseguir que tu mezcla fluya de manera coherente. A esto se le llama mezcla
armónica. En nuestro caso al usar vinilos tendremos que consultar esta
información en la web.
Herramientas recomendadas: En caso de que además mezcles con tecnología
digital puedes utilizar software como "Mixed in Key" para detectar la tonalidad de
una pista escaneándola con este. Además, a medida que se desarrolle tu
entrenamiento auditivo podrás discernir las diferentes tonalidades por ti mismo.

Cue & Play Academy: Capitulo 3
La Mezcla Armónica
La mezcla armónica es la técnica de mezclar pistas o dos canciones (ya
sea usando sistemas digitales como discos de vinilo) que comparten el
mismo tono, tonalidades relativas o relaciones
subdominante/dominante, para lograr transiciones suaves y armónicas
en a la hora de realizar la mezcla. Esta técnica evita la disonancia y
permite crear mashups coherentes en cualquier género musical.
Se abordan métodos tradicionales y avanzados, incluyendo la
identificación de la clave armónica o KEY mediante instrumentos como
el piano y la consideración de diversos modos musicales (eólico, jónico,
lidio, mixolidio, dórico y frigio) que permiten variaciones armónicas más
complejas. La importancia se pone en las notas de la escala más que en
el tónico, ampliando las posibilidades de mezcla.
Un elemento clave para realizar este tipo de técnica es el uso de la
rueda de Camelot, una herramienta gráfica que representa las 12
tonalidades mayores y menores, facilitando la identificación de
tonalidades compatibles para la mezcla. Enfatizamos en la relevancia de
tratar de realizar siempre mezclas armónicas para mejorar la calidad de
las sesiones y demostrar un entendimiento y comprensión musicales
profundos
Para hacer una
mezcla armónica, las
dos canciones deben
tener tonalidades
contiguas en esa
rueda (arriba, abajo,
derecha, izquierda;
nunca en diagonal).
Por ejemplo: Mi
mayor y Re♭ menor.
O también, 5 saltos a
izquierda o derecha.
Por ejemplo: Fa ♯
menor y Sol menor
108

Cue & Play Academy: Capitulo 3
Utilizando Auriculares y la Preescucha
Los auriculares son mucho más que un accesorio; son una herramienta de trabajo
esencial para cualquier DJ. La preescucha te permite escuchar una pista antes de
que llegue al público, lo cual es fundamental para ajustar niveles, hacer "cueing"
(preparar la siguiente pista usando el cue) y asegurarte de que todo esté listo
para la siguiente transición.
Consejos:
- Aprende a mezclar con un solo
auricular. Esto te permitirá liberar un
oído para escuchar la pista que está
sonando en el público, lo que es
especialmente útil en clubes ruidosos.
- Si tu mezcladora lo permite, utiliza la
función de "split cue". Esto te permite
escuchar una pista en un oído mientras
preescuchas la siguiente pista en el otro
oído, facilitando la alineación de los
beats.
Recomendaciones
Recomendaciones técnicas que te recomendamos que tengas en cuenta a la
hora de comprar unos auriculares para pinchar es que estos sean dinámicos,
cerrados, con una impedancia de 70 Ohmios, SPL máx.: 120dB (1kHz, 1Vrms), con
una respuesta de frecuencia de 16 - 22000Hz, THD (1kHz) <0,3%, y una capacidad
de carga de 200mW.
Marcas y modelos recomendados
A la hora de adquirir unos auriculares para mezclar está es nuestra selección:
Auriculares profesionales Sennheiser HD 25: Sin duda estos auriculares son
una elección excelente para debido a su calidad y durabilidad a un precio más
que asequible. Respaldados por multitud de profesionales de la industria,
tienen un cable de acero resistente y auriculares abatibles ideales para
monitorizar con un solo oído. Ofrecen graves sólidos y agudos suaves para
sesiones de escucha prolongadas.
109

Cue & Play Academy: Capitulo 3
Auriculares profesionales Pioneer
DJ HDJ X10: La segunda
recomendación que te traemos son
los auriculares Pioneer HDJ X10. Son
duraderos y flexibles, ideales para la
vida en la carretera. Tienen un
revestimiento resistente al sudor y
son cómodos. Ofrecen una calidad
de sonido excepcional con un amplio
rango de respuesta en frecuencia,
aunque los graves pueden ser un
poco planos. Son una buena elección
si valoras la durabilidad y la calidad
del sonido, pero pueden no ser
ideales si necesitas graves más
potentes para ciertos estilos de
música.
Auriculares profesionales Audio
Technica ATH M50X: Nuesta
tercera recomendación es una sólida
elección. Ofrecen una excelente
calidad de sonido con graves
profundos y agudos claros gracias a
los transductores de neodimio.
Tienen un cable desmontable que se
bloquea para evitar tirones
accidentales y vienen con múltiples
cables y almohadillas reemplazables.
Se ajustan bien para bloquear el
ruido exterior y permiten la
monitorización del DJ al girar hasta
90 grados. ofrecen una calidad de
sonido estupenda y gran durabilidad
a un precio razonable.
Auriculares profesionales V Moda
Crossfade M-100 Master Hi-Res: Los V
Moda Crossfade M-100 Master Hi-Res son
nuestra última recomendación. Ofrecen
una calidad de sonido excepcional con
transductores de doble diafragma y una
amplia respuesta de frecuencia. Son
versátiles, aptos para monitoreo en el
estudio, juegos y escuchar música en casa,
y son portátiles gracias a su diseño
plegable y estuche reforzado. Aunque no
son los más baratos de los que te hemos
presentado, con un precio de cerca de
200€, son una inversión que puedes probar
en el sitio web de V-Moda con una prueba
gratuita de 60 días.
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