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Revista Cue and Play N03

Lanzamos nuestro tercer número de Cue & Play Magazine! Esta edición es una explosión de pasión y vibraciones positivas que impregnan cada página. Hemos ido más allá para brindarte lo mejor de la cultura electrónica - Entrevista exclusiva con el talentoso Productor y DJ Castion, donde conocerás sus proyectos y su visión para el próximo año. - Descubre a Natalia San Juan, la fuerza detrás de Femnøise, en una charla reveladora sobre cómo está cambiando la industria musical. - Adéntrate en la fascinante mundo de la masterización con Javier Roldón de Vacuum Mastering, un pilar esencial en la producción musical. - Conoce a Nietti DJ, una estrella emergente en la música electrónica, en una entrevista exclusiva que te cautivará. - Agradecemos a nuestro increíble equipo de colaboradores por hacer esto posible. ¡No te pierdas el lanzamiento este lunes 11 de diciembre! Este número está hecho con amor y dedicación. Gracias por ser parte de la familia de Cue & Play Magazine.

Lanzamos nuestro tercer número de Cue & Play Magazine! Esta edición es una explosión de pasión y vibraciones positivas que impregnan cada página. Hemos ido más allá para brindarte lo mejor de la cultura electrónica

- Entrevista exclusiva con el talentoso Productor y DJ Castion, donde conocerás sus proyectos y su visión para el próximo año.
- Descubre a Natalia San Juan, la fuerza detrás de Femnøise, en una charla reveladora sobre cómo está cambiando la industria musical.
- Adéntrate en la fascinante mundo de la masterización con Javier Roldón de Vacuum Mastering, un pilar esencial en la producción musical.
- Conoce a Nietti DJ, una estrella emergente en la música electrónica, en una entrevista exclusiva que te cautivará.
- Agradecemos a nuestro increíble equipo de colaboradores por hacer esto posible.

¡No te pierdas el lanzamiento este lunes 11 de diciembre! Este número está hecho con amor y dedicación.

Gracias por ser parte de la familia de Cue & Play Magazine.

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CASTION | VACUUM MASTERING | FEMNØISE | LITO | NIETTI DJ | GONZALO CRUZADO | CORA JUD

EME DJ | JOANNA CORONADO | TRENDSETTING EVENTS | QUIQUE SERRA | CURSO MEZCLA VINILO



Editorial

¡Hola, amantes de la cultura electrónica!

Es un auténtico placer daros la bienvenida al tercer número de Cue

& Play Magazine. Esta edición es una auténtica explosión de pasión

y buenas vibras, que se siente en cada rincón de sus páginas. Hemos

puesto toda la carne en el asador y hemos ido un paso más allá, con

el objetivo de brindaros una experiencia de primera categoría y

traeros lo último y lo mejor del mundo de la cultura electrónica.

Este número viene cargado con el talento desbordante del

Productor y DJ Castion. Preparaos para zambulliros en una

entrevista exclusiva donde el artista nos cuenta sobre su verano, los

proyectos en los que está inmerso y sus planes para el año nuevo

que ya está a la vuelta de la esquina.

De la mano de nuestra colaboradora Cora Jud, charlamos con

Natalia San Juan, la fuerza impulsora detrás de Femnøise. Esta

plataforma innovadora marca un antes y un después en la industria

musical, poniendo el foco en la economía digital feminista. Natalia

desgrana el impacto de Femnøise, su trayectoria y los emocionantes

planes futuros que están en el horno.

Desde Vacuum Mastering, Javier Roldón nos abre las puertas al

fascinante mundo de la masterización. Este proceso, a menudo

oculto pero crucial, es un pilar esencial en la producción musical y

una de las claves del éxito de muchos artistas.

Lito se encuentra con Nietti DJ, una estrella emergente en el

panorama de la música electrónica, para una entrevista exclusiva

que os cautivará. Nietti nos regala una perspectiva única y

reveladora, abriendo una ventana a experiencias y sonidos

completamente nuevos y emocionantes.

Quiero dedicar un reconocimiento especial a nuestro equipo estelar

de colaboradores: Joanna Coronado, Marta Fierro, Quique Serra,

Iban Cerezo, Lito y Carlos Alfaro. Ellos son los autores de los

artículos y entrevistas que hacen posible esta publicación. Sin sus

valiosas aportaciones, Cue & Play Magazine no sería una realidad.

Gracias por vuestra pasión y dedicación a difundir la cultura de la

música electrónica.

En conclusión, espero que disfrutéis enormemente de este tercer

número, preparado con mucho cariño y una dedicación sin límites.

Gracias por acompañarnos en este viaje musical y por ser parte de la

gran familia de Cue & Play Magazine.

Con gratitud y pasión,

Gonzalo Cruzado

El Director

Director

director@cueandplaymagazine.com

Gonzalo Cruzado

Redacción, Arte y Maquetación

publishing@dolomitasrecords.com

Speka Pubishing

Redacción

redaccion@cueplaymagazine.com

Carlos Alfaro

Cora Jud

Gonzalo Cruzado

Iban Cerezo Muñoz

Joanna Coronado

Quique Serra

Lito

Marta Fierro

Natalia San Juan

Colaboradores

Cora Jud

Divit

Femnøise

Joanna Coronado

Quique Serra

Marta Fierro

Nietti DJ

Lito

Javier Roldón

Marketing y Publicidad

publi@cueandplaymagazine.com

Iban Cerezo Muñoz

Edita

Speka Pubishing, S.L.U.

Joaquín Rojas

Cuenca, 16001 CUENCA

Tel.: +34 672 43 86 23

Prensa y Medios

prensa@cueandplaymagazine.com

www.cueplaymagazine.com

ISSN: 3020 - 125

CUE & PLAY MAGAZINE NO SE HACE RESPONSABLE DE LAS OPINIONES EXPRESADAS POR SUS

COLABORADORES, ENTREVISTADOS O AUTORES. PROHIBIDA LA REPRODUCCION TOTAL O PARCIAL

DE LOS CONTENIDOS PUBLICADOS SIN AUTORIZACION EXPRESA DE CUE & PLAY MAGAZINE.

3

Imagen de portada by

CASTION


Índice

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Flash News

Por la Redacción

Armada Music Celebra 20 Años con Álbum de Remixes Liderado por

Armin van Buuren"

Armada Music, en la culminación de su vigésimo aniversario, lanza “Armada

Music – 20 Years (Remixed)”, un álbum que incluye un especial remix del décimo

aniversario de “This Is What It Feels Like” de Armin van Buuren. El álbum

reimagina treinta clásicos atemporales del sello, con la participación de artistas

destacados como Anna Tur, Sunnery James & Ryan Marciano, y Joris Voorn. Esta

colección de remixes sigue a una serie de iniciativas conmemorativas, incluyendo

una serie documental y un box set de edición limitada. El lanzamiento simboliza

el compromiso de Armada Music con la innovación y la revitalización de la música

dance, marcando también el inicio de BEAT Music Fund, una empresa de inversión

enfocada en optimizar y promocionar catálogos legendarios de música dance.

Tomorrowland 2024: Una Aventura Literaria en el Reino de Silvyra

Tomorrowland lanzará 'El Espíritu de la

Vida', una novela de edición limitada la

primavera de 2024. La historia, ambientada

en el reino mágico de Silvyra, sigue a la

protagonista Liria en una aventura

emocionante, entrelazando elementos de

naturaleza y misterio. Este coleccionable de

más de 300 páginas, disponible en inglés y

neerlandés, se destaca por su arte exclusivo

del festival y un mapa detallado,

convirtiéndolo en una pieza única para

coleccionistas. Ya está disponible por 39,99

€ en store.tomorrowland.com/life .

6


Flash News

Time Warp Debuta en Madrid en Octubre 2024

Time Warp, el prestigioso festival de techno alemán, celebrará su primera edición

en Madrid el 4 y 5 de octubre de 2024, en el Recinto Ferial de Ifema. Con dos

décadas de trayectoria y presencia internacional, el festival promete una

experiencia inmersiva con dos escenarios independientes y una producción de

primer nivel. Los detalles del line up, que incluirá talentos nacionales e

internacionales, se revelarán pronto. El pre-registro para el evento ya está

abierto, pulsa aquí para más info.

Sónar 2024: Una Explosión de Música, Creatividad y Vanguardia Tecnológica

Sónar, el renombrado festival de música, creatividad y tecnología, vuelve a

Barcelona para su 31ª edición del 13 al 15 de junio de 2024. Con 70 espectáculos

que incluyen desde íconos de la música de baile hasta talentos emergentes,

Sónar 2024 se establece como un epicentro de innovación sonora y tecnológica.

El evento presenta un line up estelar con artistas como Kaytranada, Jessie Ware y

Charlotte de Witte, además de explorar la fusión de tecnología y naturaleza en

Sónar+D. Con entradas ya disponibles, Sónar promete una experiencia única que

combina lo mejor de la música electrónica y la vanguardia digital.


Flash News

Sun&Snow 2024 Celebra su Quinto

Aniversario en Sierra Nevada

La quinta edición de Sun&Snow, que

tendrá lugar del 5 al 7 de abril de 2024

en Sierra Nevada, promete ser un

destacado evento en el mundo de la

música electrónica. Con un cartel que

incluye a artistas como Courtesy, Dj

Holographic y John Talabot, el festival

fusionará una variedad de estilos que

definen la escena club europea. Además

de su ecléctico line up, Sun&Snow se

caracteriza por su combinación única de

música electrónica y la temporada de

esquí, transformando las pistas en una

vibrante pista de baile. Con la presencia

tanto de talentos internacionales como

nacionales, el festival se posiciona como

una experiencia imprescindible para los

aficionados a la música electrónica.

Balaton Sound 2024: Un Lineup

Excepcional en un Entorno Idílico

Balaton Sound, uno de los festivales

más grandes de Europa, ubicado en el

Lago Balaton en Hungría, ha

anunciado su impresionante lineup

para la edición de 2024, que se

celebrará del 3 al 6 de julio.

Encabezando el evento están artistas

de renombre como Marshmello, Lost

Frequencies, James Hype, Nervo y

Timmy Trumpet, junto con figuras del

underground como Paul Kalkbrenner

y Nico Foreno, además de otros

talentos como Ben Nicky, John

Newman, Purple Disco Machine y

Switch Disco. Además de una rica

oferta musical, el festival brinda

actividades diversas, desde yoga

techno a deportes y talleres de baile,

una experiencia inolvidable.


NANO Modules: Innovación

Española en Sintetizadores

Modulares

NANO Modules, una empresa

familiar española fundada en 2018,

se destaca en el mundo de la música

electrónica por su innovadora

fabricación artesanal de

sintetizadores modulares. Con una

inspiración que se remonta a

pioneros como Bob Moog y Don

Buchla, la compañía ha logrado

fusionar la tradición de los

sintetizadores modulares clásicos

con tecnología moderna y diseños

actuales. Su gama de productos,

que incluye osciladores,

mezcladores y módulos

multifuncionales, es reconocida por

su calidad y características únicas,

como el aclamado oscilador ONA y

el versátil QUART. El reciente

lanzamiento de su Performance

Mixer, destacado por sus

capacidades innovadoras como la

grabación de movimientos, refuerza

la posición de NANO Modules como

líder en el sector, atrayendo tanto a

entusiastas como a profesionales

reconocidos, entre ellos Martin

Gore de Depeche Mode.


News & Trends

Por Gonzalo Cruzado

Ibiza da la Bienvenida al Verano: Ushuaïa y Hï Ibiza Anuncian sus Explosivas

Fiestas de Apertura 2024

Destacamos el emocionante anuncio de Ushuaïa y Hï Ibiza sobre sus fiestas de

apertura el 27 de abril de 2024, marcando así el comienzo de la temporada de

verano en Ibiza. Estos eventos prometen una alineación espectacular de los

mejores artistas del house y el techno a nivel global, convirtiéndolos en citas

esenciales para los amantes de la música electrónica. Además existe la

posibilidad de adquirir entradas combinadas para disfrutar ambas fiestas,

Ushuaïa y Hï Ibiza ofrecen una experiencia musical ininterrumpida y única.

Ambos clubes, reconocidos por sus experiencias musicales inmersivas y su alta

clasificación en los premios World's Best Club, ofrecen lo mejor en términos de

artistas, sonido y producción. Mientras esperamos la apertura de 2024, los fans

pueden disfrutar de mezclas exclusivas en Apple Music de eventos anteriores.

Los boletos en preventa ya están disponibles, asegurando a los asistentes su

lugar en estos icónicos eventos de Ibiza.

Para aquellos que quieran asegurar su lugar en estas fiestas legendarias, los

tickets están ya preventa. Toda la información y venta de entradas pulsa los

siguientes enlaces: Ushuaïa y Hï Ibiza.

EXHALE de Amelie Lens anuncia su primer evento de dos días en Amberes

EXHALE, el evento de la reconocida DJ belga de techno Amelie Lens, se celebrará

por primera vez durante dos días en su ciudad natal, Amberes, el 17 y 18 de

febrero de 2024 en Waagnatie Expo & Events. Esta edición promete 18 horas de

10


música electrónica inmersiva con dos escenarios y 24 artistas, incluyendo talentos

emergentes y establecidos. Este evento será especialmente significativo ya que

marca la primera actuación de Amelie Lens tras el nacimiento de su hija. EXHALE

es famoso por su innovación en el techno y la elección de Amberes como sede

tiene un valor especial para Lens. Los pases de fin de semana ya están a la venta y

los pases de un día se lanzarán el 14 de diciembre de 2023.

La UEFA EURO 2024 Vibra al Ritmo de Meduza, OneRepublic y Kim Petras

En la próxima UEFA EURO 2024, la música y el fútbol se fusionan en un

espectáculo sin precedentes, con el anuncio de que Meduza, OneRepublic y Kim

Petras liderarán el frente musical. La música, integrándose en aspectos clave

como el sonido de entrada de los jugadores y las secuencias televisivas, se

convertirá en un componente esencial de esta celebración deportiva,

simbolizando la unión entre el fútbol y la música.

La ceremonia de clausura, en particular, será un momento estelar con

actuaciones en vivo de estas estrellas musicales. El torneo se extenderá del 14 de

junio al 14 de julio de 2024, abarcando diez ciudades anfitrionas en Alemania. Con

la combinación de talentos musicales y deportivos, la UEFA EURO 2024 promete

ser una experiencia única para los aficionados de ambos mundos.


News & Trends

UNTOLD Dubai 2024: Un Espectáculo Visual y Musical con Cinco Escenarios

Únicos

UNTOLD Dubai se prepara para sorprender en 2024 con su extraordinaria oferta

de cinco escenarios únicos en el Centro de Exposiciones de Dubai. El festival, que

tendrá lugar a partir del 15 de febrero, promete una fusión espectacular de

música y arte visual. Los asistentes disfrutarán del impresionante Main Stage con

artistas de la talla de Armin van Buuren y Hardwell, el inmersivo Galaxy Stage

dedicado al techno, el Time Stage con su viaje visual, el nostálgico Retro Fantesia

Stage y el vanguardista Alchemy Stage. Esta edición de UNTOLD Dubai se perfila

como una experiencia festivalera inolvidable, combinando actuaciones de

renombre mundial con una innovación visual sin precedentes. Entradas y toda la

información pulsando aquí.

Rekordbox Revoluciona la Gestión Musical con Cloud Library Sync

Rekordbox, el popular software de DJing, ha lanzado 'Cloud Library Sync', una

innovadora función que permite a los usuarios gestionar y sincronizar su música a

través de múltiples dispositivos usando Dropbox o Google Drive. Con esta

actualización, los DJs pueden añadir hasta 1 TB de almacenamiento en la nube a

sus planes Free, Core o Creative, facilitando el acceso y la seguridad de sus

bibliotecas musicales. La función soporta hasta cuatro dispositivos y ofrece la

posibilidad de reproducir música directamente desde la nube, así como realizar

copias de seguridad automáticas. Esta novedad representa un gran avance en la

gestión de música digital para DJs, combinando conveniencia y eficiencia en una

plataforma sólida y confiable.


Historia de la música electrónica en España: La década de 1980

Por Gonzalo Cruzado

La década de 1980

En la década de 1980, la música electrónica en España experimentó un

crecimiento significativo, influenciada por la efervescente "movida madrileña" y

la incipiente "movida valenciana". A medida que avanzaba la década, nuevos

géneros y sonidos electrónicos comenzaron a conquistar la escena musical del

país.

En 1983, uno de los momentos más destacados fue el lanzamiento del álbum "El

Acto" de "Aviador Dro", una obra maestra que fusionó ritmos bailables con letras

cargadas de crítica social y elementos de ciencia ficción. Canciones como

"Selector de Frecuencias" y "La Ciudad en Movimiento" se convirtieron en himnos

de la época, consolidando la influencia de "Aviador Dro" en la música electrónica

española.

Paralelamente, en ese mismo año, emergieron proyectos como "Esplendor

Geométrico", un dúo experimental que fusionó la música electrónica con

elementos industriales, creando paisajes sonoros oscuros y pulsantes. Su álbum

debut, "Música para los Compañeros de Viaje", exploró el potencial creativo de la

tecnología y el ruido, sentando las bases para el desarrollo de la música industrial

en España.


Historia de la música electrónica en España: La década de 1980

Paralelamente, en ese mismo año, emergieron proyectos como "Esplendor

Geométrico", un dúo experimental que fusionó la música electrónica con

elementos industriales, creando paisajes sonoros oscuros y pulsantes. Su álbum

debut, "Música para los Compañeros de Viaje", exploró el potencial creativo de la

tecnología y el ruido, sentando las bases para el desarrollo de la música industrial

en España.

La música electrónica también comenzó a ganar popularidad en el ámbito del pop

gracias al éxito del grupo "Mecano". Su álbum "¿Dónde está el País de las Hadas?"

incorporó elementos electrónicos en canciones como "Hoy No Me Puedo

Levantar" y "Me Colé en una Fiesta", lo que contribuyó a la difusión de la música

electrónica en el panorama musical español.

En resumen, la década de 1980 fue testigo de la consolidación y diversificación de

la música electrónica en España. "Aviador Dro" desafió los límites creativos,

"Esplendor Geométrico" exploró territorios sonoros oscuros, y "Mecano" fusionó

la música electrónica con el pop. Estos eventos sentaron las bases para una

década de innovación y crecimiento en la escena de la música electrónica en

España.


Historia de la música electrónica en España: La década de 1980

A lo largo de la década de 1980, la escena musical de Valencia vivió su propia

revolución cultural y musical, conocida como la "movida valenciana". A medida

que esta movida se extendía por toda España, especialmente durante la

transición entre los años 80 y 90, se produjo un fenómeno interesante en el que

Valencia se convirtió en un punto de entrada para grupos musicales extranjeros,

en su mayoría británicos, que luego se expandieron por toda España.

Grupos locales como Seguridad Social, Vídeo, Glamour, Comité Cisne, Betty

Troupe, In Fraganti, La Morgue e Interterror abrazaron los sonidos de la new

wave, el synth-pop y el rock gótico que llegaban del Reino Unido y Alemania.

Estos grupos adoptaron looks vanguardistas y sofisticados, marcando una

tendencia post-modernista a principios de los años 80. Aunque sus actuaciones y

contribuciones fueron menos mediáticas que en Madrid, dejaron una huella

importante en la escena musical española.

La movida valenciana también jugó un papel crucial en la introducción de sonidos

electrónicos y bailables en España. La sala Oggi, gestionada por Juan Santamaría,

se convirtió en un epicentro para la música electrónica y otros sonidos no

convencionales. A medida que se abrían nuevas discotecas y locales de ocio en

Valencia, estos sonidos ganaban espacio y seguimiento, creando una subcultura

que eventualmente se conocería como la Ruta Destroy, el germen de la ruta del

Bakalao.

A finales de los años 80, la música electrónica comenzó a adentrarse en las pistas

de baile de Valencia, influida por los sonidos europeos del house y el techno. Esto

dio lugar a una escena de clubes vibrante y diversa en toda la ciudad. La sala

Barraca, ubicada en Las Palmeras de Sueca, se convirtió en un lugar emblemático

para la música electrónica y atrajo a una audiencia apasionada.

15


Historia de la música electrónica en España: La década de 1980

En resumen, la década de 1980 fue testigo de la explosión de la movida

valenciana, que influyó en la difusión de la música electrónica en España. Valencia

se convirtió en un punto de entrada para sonidos internacionales y en un

semillero de grupos locales que abrazaron la vanguardia musical. La música

electrónica comenzó a adentrarse en la escena de clubes de Valencia, preparando

el terreno para una década de innovación y evolución en la música electrónica en

toda España.

Clubes de la Época: Laboratorios Musicales Experimentales

Durante la década de los 80, varios clubes se convirtieron en auténticos íconos en

la escena musical de España. Estos locales servían como puntos de encuentro

para amantes de la música electrónica que buscaban las tendencias más actuales

y sonidos vanguardistas. A continuación, destacaremos algunos de los clubes y

discotecas más emblemáticos de esa época.


Discoteca Dream’s Village, Pinedo, Valencia, década de los 80s.

Dream's Village

Dream's Village, ubicada en Pinedo, fue una discoteca icónica de los años ochenta

en Valencia. Destacó por su arquitectura de influencia ibicenca, su piscina,

terrazas y música comercial de moda. Fue fundada por Chimo Prats y Pepe

Pitarch y atrajo a una clientela diversa, incluyendo a los asistentes de Discoteca

10, Cánovas y Metrópolis. La cabina de DJ estuvo a cargo de Paco Alonso y José

Aparicio, entre otros, quienes programaron música atractiva para llenar la pista

de baile. Luego, Rafa Villar asumió la dirección y mantuvo su éxito.

Las noches en Dream's Village eran únicas, comenzaban con bodas de los pueblos

cercanos y continuaban con una mezcla de público joven y cañero. La discoteca

fue conocida por sus fiestas, desfiles de moda y actuaciones en las terrazas. Sin

embargo, en los años 90, enfrentó desafíos y cerró en 1992.

Titanic

Teatro Kapital, ubicado en Madrid, España, comenzó como la discoteca "Titanic"

en 1983 en el edificio que solía albergar el Cine San Carlos en la calle Atocha.

Debido a su gran capacidad, se convirtió rápidamente en uno de los destinos

nocturnos más populares de Madrid, atraíendo a una audiencia mayoritariamente

joven de diversos barrios, con hasta 10,000 personas asistiendo los fines de

semana. A lo largo de los años, el club atrajo la atención de los medios en algunas

ocasiones debido a incidentes violentos.

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Historia de la música electrónica en España: La década de 1980

En 1994, cambió su nombre a Teatro Kapital. La discoteca se extiende por siete

plantas, incluyendo una terraza al aire libre, y ha albergado conciertos en el

pasado, como el Loreen Tour en 2012.

Fachada Teatro Alcázar, después discoteca Alcalá 20

Fachada Sala Titanic, después Teatro Kapital

Alcázar

El Teatro Alcázar, ubicado en la calle de Alcalá en Madrid, España, es una sala de

teatro que se inauguró en 1925 en el lugar donde anteriormente se encontraba

el Trianón Palace. Fue diseñado por Eduardo Sánchez Eznarriaga y Eduardo

Lozano Lardet y tuvo una apertura oficial en 1925. Originalmente se llamaba

Teatro Alkázar hasta 1940, cuando el régimen franquista prohibió nombres

extranjeros.

El teatro experimentó tragedias, como un incendio mortal en la discoteca Alcalá

20 en 1983 que causó ochenta y un muertos y veinticuatro heridos graves.

Permaneció cerrado durante 22 años. En 2013, otro incendio afectó a una planta

superior, pero no dañó el teatro ni los espacios escénicos.En 2012, pasó a

llamarse Teatro Alcázar-Cofidis debido al patrocinio de la empresa Cofidis.

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Historia de la música electrónica en España: La década de 1980

Attica (Madrid)

Attica, fundado en 1982 en Madrid, se

destacó como un influyente club de música

electrónica en la década de los 80.

Fundado por Antonio Peral, se ubicaba en

la Gran Vía madrileña y ofrecía una

experiencia única con su diseño futurista y

avanzado sistema de sonido. El club abarcó

una amplia gama de géneros electrónicos,

atrayendo a DJ nacionales e

internacionales y presentando actuaciones

en vivo.

Durante esa época, Attica se convirtió en

un punto de referencia en la escena

electrónica de Madrid, atrayendo a una

audiencia diversa y sofisticada. Aunque

cerró en los años 90, su influencia perdura

en la cultura nocturna de la ciudad y su

legado contribuyó a consolidar a Madrid

como un centro importante en la música

electrónica en España. Su historia refleja el

espíritu innovador y la pasión por la música

electrónica en Madrid en aquellos años.


Historia de la música electrónica en España: La década de 1980

Razzmatazz

En 1982, en Barcelona, surgió uno de los clubes de música electrónica más

influyentes, "Razzmatazz", fundado por Tito Ramoneda. Este local se convirtió

rápidamente en un punto de referencia en la escena musical alternativa y

electrónica de la ciudad condal durante los años 80.

Razzmatazz se estableció en un antiguo almacén industrial en el distrito de

Poblenou, y se destacó por su ambiente vanguardista y diseño industrial. Su

programación musical abarcaba géneros como el new wave, el post-punk y la

música electrónica, lo que atrajo a una audiencia diversa.

El éxito del club se debió en gran parte a la visión innovadora de Tito Ramoneda,

quien supo reconocer el potencial de la música electrónica emergente y brindar

un espacio para artistas locales e internacionales. Razzmatazz se convirtió en un

punto de encuentro esencial para los amantes de la música electrónica y

alternativa, consolidándose como un epicentro de la cultura underground de

Barcelona en los años 80 y manteniendo su popularidad en los años siguientes.

20


Entrada Discoteca Distrito 10 Interior Discoteca Distrito 10

Distrito 10

Abrió sus puertas en 1982 y en 1984, bajo la dirección de Tati Tamarit, ganó el

premio a la mejor discoteca de Europa. Se considera una discoteca de renombre

internacional y atrajo a famosos DJs y celebridades.

Construida con una inversión de 350 millones de pesetas de la época, se

comparaba desde el principio con la legendaria Studio 54 de Nueva York. Sus

inversores eran valencianos prominentes, incluyendo al constructor Salvador

Benlloch, Carlos Vila (Don Carlos), Jonchu Ugarte (Ugartesa) y Manolo Otero. A

pesar de su éxito, cerró en 1994 y fue reemplazada por un centro universitario.

En la tercera parte de la historia de la música electrónica en España, hemos

explorado algunas de las discotecas más destacadas de la década de 1980. Desde

el emblemático Attica en Madrid hasta el innovador Razzmatazz en Barcelona,

estas discotecas se convirtieron en epicentros de la cultura electrónica y

alternativa, atrayendo a amantes de la música de todas partes. Además, el Teatro

Alcázar en Madrid y Distrito 10 en Valencia dejaron su huella en la escena

nocturna española, cada uno con su propio legado. Estos lugares no solo

ofrecieron un espacio para disfrutar de las últimas tendencias musicales, sino que

también contribuyeron significativamente a establecer la música electrónica en

la corriente principal de la cultura española de la época.




Mamá quiero ser DJ

Mi música trota. ¿No valgo?

Por Marta Fierro

Este texto es un extracto de mi libro “Mamá quiero ser DJ” publicado por la

editorial “Lee/me” en 2015, actualmente está agotado pero podéis

conseguirlo pidiéndolo en emedejota@gmail.com o leer algunos capítulos en

cada publicación de Cue&Play Magazine.

Han pasado varios años y aunque sigo

teniendo algo de ansiedad alguna vez

y he tenido varias recaídas en algunos

momentos de mi vida, he conseguido

llevar una vida mucho más estable

gracias a la psicoterapia, la

medicación, una red de apoyo y

comprensión y una vida mas

saludable. Llevo tiempo sin tener

ninguna crisis grave, en parte también

gracias a poder hablar de todo esto,

de sentirme más segura aunque

pueda tener ansiedad, de no sentirme

rara por tenerla.

Por eso, desde aquí, creo que es

importante hablar de salud mental,

visibilazarla y pedir ayuda para tratar

los problemas relacionados con ella

en nuestro sector. Os invito también a

pasar por www.depresionenlacabina.com donde podéis informaros sobre el

proyecto “depresión en la cabina”.

Mamá quiero ser DJ

Del corazón a la pista de baile...

Mi música trota. ¿No valgo?

No necesariamente. En la jerga musical, trotar significa que dos canciones que se

quieren mezclar no van acompasadas. Ello provoca que los bombos de ambos

temas no suenen a la vez, creando algo parecido al trote de un caballo. De ahí la

expresión. ¿Y por qué puede ocurrir esto? Hay muchos factores por los que un

disc-jockey no consigue realizar las mezclas con corrección, y casi todos tienen

solución. Así que no es momento de desesperar. En realidad nunca hay que

impacientarse porque para cada problema siempre hay una solución. Puede ser

que el problema de las malas mezclas resida en parte en los aparatos.

24


Mamá quiero ser DJ

Mi música trota. ¿No valgo?

Un equipo mal elegido puede hacer que el aprendizaje se convierta en un camino

tortuoso y largo. En ese camino, el desánimo estará siempre a nuestro lado,

añadiendo dificultad al desarrollo de nuestras capacidades musicales. Para

solucionar esto, puedes ir a las últimas páginas de este libro dónde se encuentra

la parte más técnica.

Quizá no sean los aparatos en sí, sino la forma de pinchar. Puede haber gente que

se aburra pinchando con un ordenador porque crea que es demasiado impersonal

(o demasiado fácil) y necesite un par de tocadiscos, una mesa de mezclas y un

montón de vinilos para sentir el cosquilleo de no saber cómo tendrá el día, sentir

el vértigo de saber que sólo contará con su talento si la cosa empieza a torcerse.

Piensa bien qué es lo que más te llena a la hora de pinchar.

Si estás a gusto frente al equipo, sientes nervios y lo ves como un reto a superar,

la mejora llegará sola. Pero no necesariamente hay que volver a lo purista. Quizá

decidas comprarte una controladora y descubras que vuelves a disfrutar de la

música, a sentir lo que sentiste cuando decidiste comunicar a través de melodías

y beats. Lo único que necesitas es encontrar tu sitio.

25


Para este primer bache, el de las mezclas desacompasadas, el problema más

común reside en las prisas. Corre mucho y tropezarás. La profesión de músico

(como cualquier otra profesión) requiere de un tiempo de aprendizaje que puede

hacerse largo si las aspiraciones son de éxito instantáneo. Un DJ debe aprender a

utilizar correctamente el equipo que tiene ante sí, saber manejarse con él, debe

conocerse las canciones, educar al oído para poder separar temas y anticiparse a

sus cambios. Un DJ debe aprender y practicar.

Siempre. Una y otra vez, y así hasta que consiga esa mezcla casi perfecta, hasta

que la salida de un tema y la entrada de otro encajen como las piezas de un

puzzle. Un DJ debe practicar (lo repito por si aún no lo tienes claro). Mucho. Pero

un DJ también debe ser consciente de que el arte de pinchar no se ciñe a saber

cuadrar dos temas perfectamente. Es mucho más. Gran parte del éxito o del

fracaso de esta profesión viene dado, entre otros factores, por la maestría a la

hora de poner un tema detrás de otro, es decir, del criterio en la elección musical:

lo más importante es saber qué poner y cuándo. Y no hablamos aquí del aspecto

técnico, hablamos del lado humano de esta profesión, ése en el que se entabla

una comunicación con el público, ése en el que el maestro de ceremonias manda

emociones a la pista de baile: un tema para animar, otro para arrastrar a las

chicas, otro para dar un respiro antes de volver a la carga, otro para las parejas,

uno especial para el grupo que lleva toda la noche en el local...

Si como disc-jockey consigues transmitir y enlazar todo ese tipo de emociones en

una misma sesión, de manera ordenada y con cierta gracia, que la mezcla se te

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Mamá quiero ser DJ

Mi música trota. ¿No valgo?

vaya es lo de menos. La gente para la que estás trabajando ha salido a divertirse,

y la diversión viene por el baile y la alegría, y no por la técnica. La mezcla más

perfecta del mundo sólo será apreciada por un mínimo porcentaje del público

asistente a una sesión, la mayoría de tu público sólo quiere que le hagas disfrutar.

Nunca lo olvides.

Yo, por ejemplo, me considero más una seleccionadora musical que una DJ

técnica. Siempre he valorado más la música que debo poner en una determinada

sesión que practicar en mi casa una y otra vez hasta conseguir la mezcla perfecta

(aunque nunca he descuidado esto último). De hecho, mi andadura en el mundo

profesional de la música comenzó en Sada, pero no como disc-jockey, sino como

colaboradora de un programa de radio local.

Todo empezó en el año 1998. La seleccionadora musical que llevaba dentro sació

su hambre con La Cripta (programa capitaneado por Susete y Koke), donde

sonaban temas de punk rock, garaje y power pop. Yo no paraba de pedir

canciones por teléfono, así que Susete, que ya me conocía del F2, me invitó a

asistir a las grabaciones del programa. Así que además de solicitar que pusiesen

determinada música me permitían participar en las charlas que llevaban a cabo en

antena. Tanto reclamar canciones y seleccionarlas me llevó a las cabinas. Fue en

el pub El Indio, en el mismo pueblo, donde en 1999 organicé mi primera fiesta, la

Pop Parade Party junto al promotor Pepe I Wanna, al que había conocido en un

foro de internet de temática musical. Allí pinché mis primeros discos de pop, rock

e indie ante el público Y lo hice sin saber mezclar, casi sin saber muy bien lo que

hacía. Únicamente me movía el afán de comunicar, de trasmitir emociones y de


descubrir nueva música a los asistentes. Aquella experiencia me llevó a pinchar en

las fiestas de carnaval de Sada, en el edificio La Sociedad (una organización

recreativa, cultural y deportiva que organizaba eventos lights) junto a mi amigo

Jose Ángel (Gatsublade). De nuevo sin saber mezclar. De nuevo con el único fin

de entretener y comunicar. Ese espíritu (la mayor importancia de la música que

pongo a cómo la pongo) sigue presidiendo mis sesiones.

¿Todavía no te he convencido? Piensa en el disc-jockey Sideral, el marciano de

Barcelona que rompió esquemas y se convirtió en leyenda. Forjó su alter ego (el

que al final acabó consumiéndolo) a base de canciones, no de mezclas. Acabó

aprendiendo a pinchar con soltura, pero nunca fue importante para él. Lo

importante para Sideral era saber qué tocar en la mesa de mezclas para que un

canal sonase y así poder reproducir la magia que tenía en la cabeza. Una magia

musical, sin etiquetas, que maravilló a eruditos e iniciados, que cautivó a

cualquier persona que se pusiese al alcance de sus altavoces. Porque para Sideral,

lo importante era qué poner y cuándo.

Y aúnque la canción está por encima de la mezcla es normal que quieras avanzar

en la parte técnica. Lo malo es que cuando estás empezando es muy fácil que te

sientas frustrado. Todos hemos pasado por eso. Piensa en cualquier caso que

siempre habrá cosas que ajustar, por mucho que hayas avanzado, y que no

puedes dejar que los errores te desanimen. Son parte fundamental de cualquier

proceso de aprendizaje. Recuerda tus metas. Estás invirtiendo tiempo y esfuerzo

(y dinero) en conseguir un propósito que no por lejano tiene que caer en el

olvido. Ese propósito sólo se consigue esforzándose cada día más, aprendiendo

de uno mismo, conociéndote mejor.

28


Mamá quiero ser DJ

Mi música trota. ¿No valgo?

Existen trucos y herramientas que pueden facilitar y acelerar el proceso de

aprendizaje. Puedes dejar de molestar a los vecinos por un rato para ver vídeos (o

escuchar audios) de sesiones de profesionales (puedes encontrarlos en las redes

sociales, en los foros y en las páginas especializadas). Siéntate con calma y

analízalos. Observa cómo se comporta el disc-jockey, lo que hace cuando una

mezcla se le va (no lo verás sufrir más de lo necesario). Presta atención a las

mezclas que hace, a cuándo mete un tema nuevo, a cómo lo mete. Intenta

reproducir esa mezcla en tu casa. Varíala ligeramente para descubrir por qué el

disc-jockey del vídeo (o del audio) a elegido ese punto de mezcla y no otro.

Practica.

Puedes darte una vuelta por los foros especializados que existen en la Red. En

ellos podrás encontrar tutoriales, consejos, soluciones a problemas tanto

técnicos como humanos. Podrás compartir tus experiencias, preguntar por qué no

consigues hacer algo determinado, buscar consejo para determinar qué estás

haciendo mal. Aprovecha las nuevas tecnologías y mantente en contacto con la

comunidad para aprender y para ayudar a otros a que aprendan. Vuelve a mirar

vídeos, a escuchar sesiones. Identifica los tipos de mezclas que utilizan los

grandes nombres. Cópialos. No para ser un producto repetido, sino para ir

encontrando tu sitio musical.

Recuerda que quieres ser disc-jockey porque amas la música y quieres comunicar.

Para ello, necesitas encontrar el lenguaje con el que te sientas más cómodo. No

intentes mantener un diálogo en ruso si no sabes hablar ruso. Una vez

encontrado tu lenguaje, tu estilo, descubrirás que todo fluirá con naturalidad.

Mezclarás casi sin pensar, desde dentro, con el corazón. Conecta contigo antes de

querer conectar con la gente. Disfruta del camino, ya que la felicidad de


Mamá quiero ser DJ

Mi música trota. ¿No valgo?

cualquier profesional reside en ir hacia la meta, no en llegar. Aprende a valorar

esta etapa de aprendizaje y no te obsesiones con los fallos que puedas tener.

Disfruta de lo que es la pasión de tu vida. No conviertas estos momentos más

duros en una obligación.

Cuando una profesión bebe tan directamente de las emociones, como es el caso

de los disc-jockeys, tratar de arrancarlas del proceso se puede convertir en el

mayor error que se puede cometer. No olvides que los principios siempre serán

duros. No hay manera de esquivar esa dureza. Acéptala y lucha por superarla. No

hay otro camino. Lucha y se tenaz. Con el tiempo, verás luz en el camino y todo

será más claro, lo que te ayudará en el resto del viaje.

Aquí me gustaría introducir lar palabras del argentino José Heinz. José es

licenciado en Comunicación Social y un apasionado de la música que ha escrito

para infinidad de revistas especializadas, además de publicar su libro La Vida de

Spencer Elden, un compendio de anotaciones sobre la cultura pop. En el siguiente

texto, José Heinz plantea una reflexión que se ha convertido en un debate eterno

(desde que el DJ es DJ) y que es importante que tengas en la cabeza. Lee

atentamente lo que cuenta y se consciente de lo unida que está la música (como

forma artística atemporal) al DJ, de cómo el seleccionador musical también es

músico (con la responsabilidad que ello conlleva).

Eme DJ

Libro "Mamá quiero ser DJ"

Página 45, capítulo "Mi Música Trota. ¿No Valgo?"

Editorial Lee/Me 2015

30




CASTION

Por Gonzalo Cruzado

ESTRELLA INVITADA

Antonio Castrillo Cabrera, ampliamente reconocido como Castion, es un

destacado DJ y productor canario de tan solo 24 años que ha dejado una huella

imborrable en el mundo de la música electrónica.

Desde sus modestos comienzos a los 14 años, Castion ha trazado un

impresionante recorrido en la música electrónica. Su pasión por transmitir

emociones a través de la música lo ha convertido en un creador incansable. Con

más de 50 millones de reproducciones en Spotify, su éxito se ha extendido a las

redes sociales con su tema 'PYRO', que se volvió viral en TikTok, acumulando más

de 7 mil millones de reproducciones.

El contagioso sonido Tech House de Castion ha ganado la admiración de la

industria y le ha permitido actuar en escenarios de la talla de Luxemburgo Open

Air o Marina Beach Club. Su logro más destacado hasta la fecha es la capacidad de

vivir de su música y recorrer el mundo con sus actuaciones, desde Ibiza hasta

Ámsterdam e Italia.

En esta entrevista exclusiva para

Cue & Play Magazine,

exploraremos en profundidad la

carrera de Castion, su evolución

musical, desafíos y logros, así

como sus proyectos futuros en

la escena electrónica. Prepárate

para conocer de cerca a uno de

los talentos más prometedores

de la música electrónica

internacional, un joven canario

que ha conquistado los

corazones de audiencias

globales con su música única y

cautivadora.


¡Comenzamos la entrevista!

Desde tus raíces en Tenerife hasta los grandes escenarios internacionales, ¿cuáles

consideras que han sido las claves de tu rápido ascenso en la música electrónica?

Todos han sido importantes, desde Marmarela, Marina Beach, Papagayo Beach o

festivales como Abroad Festival y LOA, sin olvidarme de Ámsterdam, Italia o Republica

Checa. Es mucho más importante el cómo se comunica la asistencia a alguno de estos

eventos, que el simple hecho de solo comunicar que estarás ahí.

El año 2023 ha sido prolífico para ti en términos de lanzamientos. Entre todos estos

proyectos, ¿hubo alguno que te sacara de tu zona de confort y te brindara una

experiencia única que quisieras compartir con nosotros?

‘Poison’ creo que fue algo muy fuera de la común si lo comparas con la línea que

estoy siguiendo ahora mismo. Es un Tech House con muchos sonidos melódicos que,

sin duda, junto a la preciosa vocal que incluimos hace que sea un tema comercial

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Estrella Invitada

CASTION

pero potente al mismo tiempo. Realmente este tema se acerca más al estilo que

hacía hace unos años, un Castion más HEXAGON. Ha sido la transición perfecta para

darle a mi audiencia un último bocado dulce de Future House e introducirte en mi

nuevo y potente sonido Tech House.

Eres una persona que se inspira en las experiencias diarias para crear música.

¿Puedes destacar algún momento reciente que te haya marcado o impulsado a

experimentar o cambiar tu dirección musical?

Efectivamente, soy alguien que hace música más allá de combinar sonidos, cada

canción lleva un pedacito de mi corazón integrado. Recientemente estoy en medio

de un cambio personal bastante fuerte, tanto física como mentalmente. Considero

que estoy madurando y eso también ha afectado a mi estilo musical, por eso he

optado por un sonido más serio y underground como el que se puede escuchar en mi

nuevo tema “Muevelo & Damelo” o en “What Is About” y “El Consentido”.


Estrella Invitada

CASTION

Con artistas tan diversos como Tom Budin y Alex Now en tu lista de colaboraciones

este año, ¿existe algún criterio o "chispa" específica que buscas en un artista antes

de decidir trabajar juntos?

Su energía es muy indispensable para mí. Tengo muchas ofertas de colaboración a

diario y lo más importante es saber estar seguro de uno mismo, hay muchos

productores que me envían ‘temazos’, pero luego no les veo una seguridad o un plan

de marketing serio para su producto o su música. En mi opinión, las colaboraciones

tienen que sumarte en todos los sentidos, por ejemplo, que la canción la sientan los

2 artistas por igual, que haya una buena conexión y relación entre ambos artistas,

que ambos tengan los mismos objetivos, y que el trabajo a la hora de lanzar el tema

sea serio y efectivo. Al fin y al cabo, estamos vendiendo un producto, y aunque hagas

tu música con el corazón tienes que elaborar un plan de marketing a la hora de

venderlo.

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Estrella Invitada

CASTION

En el mundo de la música electrónica, la innovación tecnológica es esencial. ¿Cómo

ha influido en tu creatividad y en la producción musical en general?

El avance tecnológico creo que ha influido en todo el mundo como tal. A mí

personalmente me ha ayudado muchísimo, por ejemplo, en ser capaz de sacar una

buena calidad de sonido sin necesidad de gastar miles y miles de euros en

maquinaria analógica, hoy en día existen muchos emuladores analógicos que puedes

usarlos desde tu DAW, que suenan muy similares y que cuestan la mitad de lo que

cuesta el aparato analógico.

Ser parte del recopilatorio ADE2023 es un logro significativo. ¿Cómo se alinean tus

metas y aspiraciones con este tipo de reconocimientos en la industria?

La verdad es que estoy muy orgulloso de haber lanzado en esa compilación ya que

ha sido a través del sello de Miguel Bastida y Ruiz dB, Be One Records, y compartí EP

con gente que está teniendo bastante renombre en el Tech House como Kofla,

Junior RZ, Luis Pergo y muchos más!

37


Estrella Invitada

CASTION

El ADE es un evento que reúne a los grandes de la música electrónica. Durante tu

visita en 2023, ¿hubo algún consejo o conversación que redefiniera tu perspectiva

sobre la industria?

La verdad es que me lo pasé muy bien allí, y es verdad que tuve bastantes

conversaciónes interesantes como por ejemplo con Don Diablo, o con Ortzy que es el

A&R Manager de Spinnin’ Records, también con Fran DC y Esther Bronchal, y me han

ayudado mucho a ver las cosas desde otra perspectiva. Siempre es bueno tener

2ndas opiniones sobre tus proyectos o tus pensamientos. Recomiendo siempre pasar

tiempo o intercambiar palabras con personas que tengan más experiencia en el

ámbito en el que te mueves, ya que ven las cosas desde una perspectiva superior y

pueden ayudarte a guiar tu proyecto o a verlo desde un punto diferente que puede

beneficiarte.


Estrella Invitada

CASTION

En una carrera tan vertiginosa como la tuya, el equilibrio es esencial. ¿Tienes algún

ritual o práctica diaria que te ayude a mantener los pies en la tierra y a cuidar de tu

bienestar mental?

Si. El ejercicio físico, especialmente ir al gimnasio, me ayuda muchísimo

mentalmente a gestionar todo el trabajo que tengo que sacar diariamente. También

salir de vez en cuando con mi pareja y mis amigos me ayudan a mantener los pies en

la tierra y no olvidarme nunca de mis orígenes. La meditación es otra herramienta

que practico mucho a diario y me ayuda a calmar mi ‘yo’ interior y gestionar mis

problemas, también me ayuda a verlos desde otra perspectiva para poder sacar una

solución racional de ellos.

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Estrella Invitada

CASTION

Mirando al horizonte y considerando la constante evolución de la música

electrónica, ¿existe algún género o artista emergente que te intrigue o con el que

sueñes colaborar?

Disfruto mucho viendo y viviendo las innovaciones de la música electrónica, y

espero, algún día, ser yo la causa de alguno de esos cambios. Ahora mismo estoy

muy enfocado en el Tech House y todas sus variantes, aunque me estoy adentrando

mucho en el underground estilo elRow. También me llama mucho la atención el

Techno, y, de hecho, tengo un alias secreto en el que lanzo ese estilo también jejeje.

Ahora mismo veo que lo que está por venir es el Afro-Tribal, creo que es un estilo

que se va mover mucho en 2024, y aunque no me guste mucho personalmente, sé

que va a funcionar muy bien. Y también creo que el Techno va a seguir su línea al

igual que el auge que está volviendo a tener el Drum and Bass.

Este próximo año me encantaría colaborar con gente como HUGEL, Cloonee,

Matthias Tanzmann y Andruss. ¡Creo que están haciendo un trabajo excepcional y

sigo muy de cerca sus pasos!


Estrella Invitada

CASTION

Y para concluir... Unas preguntas breves!!

Si tu música fuera un color, ¿cuál sería y por qué?

El Beige. Es un color que también suelo llevar mucho puesto y desprende elegancia.

Creo que mi música está cogiendo ese tono, y aunque siempre tenga mi ‘signature’

de música potente y enérgica, está empezando a ser muy seria y elegante.

¿Cuál es tu comida favorita para disfrutar después de una larga noche de actuación?

En este sentido soy muy basicón jajaja, soy muy fan de las hamburguesas y los

kebabs, y si encima, hay algo dulce de postre ya me conquistaste! jajaja.

Dinos, si tuvieras que escoger una película que describa tu vida hasta ahora, ¿cuál

sería, y porqué?

Yo diría Spiderman, y explico el por qué. No me dedico a tirar telarañas, pero este

personaje es un símbolo de esperanza y resistencia para aquellos que, al igual que él,

han sentido alguna vez que no encajaban. Yo tuve una infancia dura, siempre me

sentí marginado en mi colegio y con mis amigos, ¡y pese a todas las adversidades

siempre he seguido hacia adelante y sin rendirme!

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Estrella Invitada

CASTION

Castion, quiero expresarte mi sincero agradecimiento por habernos brindado esta

entrevista tan enriquecedora en nombre de Cue & Play Magazine y todas y todos

nuestras y nuestros lectoras y lectores. Tu pasión y talento en la música electrónica

son verdaderamente inspiradores.

¡Muchísimas gracias por compartir tu

nosotras y nosotros!

tiempo y tu historia con todas y todos

¡¡Esperamos con expectación tus futuros éxitos y proyectos!!

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Tech News

Por Gonzalo Cruzado

Novation FL Key 61: El Controlador MIDI Definitivo para FL Studio

El FL Key 61 de Novation se destaca en el mundo de los controladores MIDI por

su integración específica y mejoras de flujo de trabajo para usuarios de FL Studio.

Este controlador, diseñado tras un análisis minucioso, se enfoca en maximizar la

funcionalidad de FL Studio a través de un control táctil intuitivo, integrando

controles de transporte, secuenciación, diseño de sonido y gestión de mezclas en

un teclado con pantalla LCD.

Especialmente adaptado para FL Studio, el FL Key 61 ofrece una experiencia de

navegación y ajuste únicas, superando a los controladores genéricos. Su

compatibilidad con clase garantiza un uso sin problemas en diferentes sistemas

operativos, y se incluye una prueba de seis meses de FL Studio Producer Edition

junto con varios plugins emocionantes.

En cuanto a construcción y diseño, el FL Key 61 resalta por su calidad premium,

con un chasis robusto y un mecanismo de teclas sensible a la velocidad. La

pantalla LCD permite una navegación fácil y clara visualización de los parámetros.

La integración profunda del FL Key 61 con FL Studio permite un control completo

sobre la DAW, facilitando la navegación de presets, la manipulación directa en el

Channel Rack y ofreciendo modos de acorde diversificados. Con un precio de

aproximadamente 306 euros, el FL Key 61 representa una inversión valiosa para

los usuarios de FL Studio, prometiendo mejorar tanto el flujo creativo como la

eficiencia en la producción musical. Todos los detalles en nuestra web, pulsando

aquí:

EP-133 K.O. II de Teenage Engineering: Innovación en Música

Portátil

Teenage Engineering presenta su nuevo dispositivo, el EP-133 K.O. II, un sampler,

looper y secuenciador portátil que redefine la música móvil. Este equipo de

diseño retro, inspirado en las calculadoras de los años 70, combina seis voces

estéreo, 64 megabytes de memoria y una variedad de efectos en un formato

ultracompacto.

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Tech News

Equipado con un micrófono y altavoz integrados, teclas sensibles a la presión y

conectividad avanzada, el EP-133 K.O. II es perfecto para la creación musical

sobre la marcha. Su lanzamiento sugiere la posibilidad de una nueva gama de

instrumentos "Extended Play" de Teenage Engineering, ampliando las fronteras

de la producción musical portátil.

KORG KAOSS Replay: La Nueva Dimensión del Sampling

KORG, pionero en el sonido electrónico, presenta el KAOSS Replay, un dispositivo

que actualiza el legendario KAOSS Pad a las necesidades modernas. Este nuevo

sampler combina una intuitiva interfaz de control con una amplia gama de

efectos, estableciéndose como una herramienta esencial para DJs y productores.

El KAOSS Replay destaca por sus 16 pads de muestra sensibles a la velocidad,

iluminación LED, una pantalla táctil OLED de 5 pulgadas, cinco mandos, dos

deslizadores y múltiples botones. Va más allá de sus predecesores con un sistema

avanzado de reproducción, ideal para sets en vivo y para integrarse como interfaz

de audio USB en estudios de producción.

Con funcionalidades como hot cues, tap/auto BPM, sincronización, cuantización y

ajuste de tono, el KAOSS Replay se convierte en una extensión del artista,

permitiendo una manipulación precisa de efectos y samples. Su diseño y

capacidades lo posicionan como una herramienta indispensable en el arsenal de

cualquier músico electrónico.


Tech News

KeyStep Pro Chroma de Arturia: Innovación y Estilo en una Edición Especial

Arturia introduce el KeyStep Pro Chroma, una edición especial del reconocido

KeyStep Pro, destacando por su diseño oscuro e industrial y una actualización de

firmware 2.5 con nuevas funcionalidades. Este equipo combina la versatilidad de

un secuenciador de cuatro pistas y teclado con una amplia gama de controles,

apto para manejar tanto equipos MIDI como analógicos y modulares.

La nueva versión mantiene las capacidades de la original, añadiendo

personalización de color en cada pista y nuevos detalles estéticos alineados con

los modelos Micro y Mini Freak. Las mejoras funcionales incluyen la posibilidad de

enviar cambios de programa por patrón y por pista MIDI, bloqueo de la función

de transposición, y ajustes de velocidad fijos para las teclas y disparos.

Artcore Revoluciona la Venta de Música Online

Artcore, una nueva plataforma de mercado en línea creada por Tom Burnell, está

diseñada para que artistas y sellos independientes vendan su música

directamente a los fanáticos y DJs, con un atractivo incentivo de solo un 7% de

comisión hasta marzo de 2024. El sitio, enfocado en mejorar la experiencia actual

de descarga de música y responder a las necesidades de artistas, fanáticos y DJs,

permite a los usuarios subir su música, establecer precios, crear códigos de

descuento y dividir regalías. Además, Artcore incluye un reproductor con

características avanzadas para una mejor exploración musical. Este lanzamiento

llega en un momento clave para el streaming y la industria de la música,

ofreciendo una alternativa a otras plataformas como Spotify y Bandcamp, que

han enfrentado cambios y desafíos recientemente.



DJ Mentalidad TOP

Porqué tienes pocos Seguidores en Redes

Por Joanna Coronado

TÚ, ¡NO! PORQUÉ TIENES POCOS

SEGUIDORES EN REDES SOCIALES

¡TEMAZO!, ¿no crees? Hoy vengo con ganas de arrasar, ponte cómodo, cómoda

y disponte a penetrar en este artículo un tanto polémico.

Primero de todo, ¡Aquí estoy de nuevo! Bienvenido y bienvenida a este

confesionario para artistas DJ. ¿Has leído los anteriores artículos? Si tu respuesta

es no, te recomiendo que te lances a leerlos. De lo contrario, si tu respuesta es sí,

te mando mogollón de abrazos y te reto a que me escribas para proponerme

“interesting themes” para desarrollarlos aquí.

Vamos al lío:

Tú, ¡no!, porqué tienes pocos seguidores en redes sociales

¿Qué está pasando con el tema de relacionar el talento con la cantidad de

seguidores en las redes sociales? Sinceramente, creo esto se ha ido de madre y

tenemos que parar unos instantes a reflexionar conscientemente que estamos

haciendo.

Si bien es cierto que cuando el producto gusta, lo consumen un mayor número de

consumidores. Hasta aquí podríamos estar de acuerdo, es decir, que un artista

que llegue al público, lo enamore, lo atrape tiene más posibilidades de crecer en

seguidores reales.


DJ Mentalidad TOP

Porqué tienes pocos Seguidores en Redes

¿Qué te parece la palabra “seguidores reales”?

Seguidores reales, seguidores reales, seguidores reales.

A estas alturas todos sabemos que existen seguidores reales y seguidores

irreales. Voy a matizar que cabe la posibilidad de comprar seguidores para

engordar las redes sociales y currar tan bien, que esos seguidores comprados

terminen siendo fans totales de tu trabajo, y esto puede hacer que te explote la

cabeza pensarlo, pero ver las cosas desde varios puntos de vista es positivo.

Las dudas de si la industria es verdaderamente profesional o entiende de talento,

me surge en este punto donde asocian un buen DJ con el número de seguidores

que tiene en redes sociales. Quiero pensar que los verdaderos profesionales de

esta industria, Clubs y promotores, se toma el tiempo necesario en investigar

sobre la trayectoria y talento de los artistas desde su propia carrera musical, y

una vez realizada esta investigación, realicen otra sobre los consumidores que

este artista tiene.

Fíjate que ahora hablo

de consumidores, no de

seguidores.

Lo que verdaderamente

importa son esas

personas que están

dispuestas a salir un

sábado noche, o

cualquier otro día, del

sofá e ir a ver al artista,

dispuestos a gastar un

dinero con tal de

apoyarlo, estos son

consumidores del

producto que el artista

ofrece.

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DJ Mentalidad TOP

Joanna Coronado

Tener seguidores no es lo mismo que consumidores.

Por ello, defiendo, que todo evento ha de crear su gran lista de consumidores

dispuestos a ir a los eventos, descargando así la total responsabilidad del artista

de ser quien ejerza el mayor peso de relaciones públicas de los eventos.

El artista invita a su gente, a los que puede o tiene. A medida que va

evolucionando como artista, será capaz de tener más consumidores y fieles a su

talento, mientras tanto, la máxima responsabilidad la tiene el club o el evento.

No todos los artistas disponen de miles de euros para comprar “likes” o

seguidores en redes, ni tan siquiera disponen de capital como para hacer una

promoción completa de su trabajo.

Por mi parte, los artistas emergentes que están en estas situaciones se merecen

el máximo respeto y apoyo, es por ello que en agosto del 2021 inicié el programa

“Mentalidad de éxito para DJs” donde cumplo con la finalidad de ayudar a todos

los artistas que entran a formar parte de esta comunidad.


DJ Mentalidad TOP

Porqué tienes pocos Seguidores en Redes

Repito que un buen trabajo va a

captar más consumidores y

seguidores, pero para nada

hemos de caer en el error de

asociar los seguidores con la

valía y talento de los artistas, y

mucho menos en una sociedad

tan plastificada e irreal.

Desde aquí una admiración a los artistas que sí de forma orgánica han logrado que su trabajo

haya llegado a enamorar a miles de seguidores y consumidores, ha estos artistas también se

les falta el respeto cuando son comparados con artistas fake

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Primeros pasos en la producción

Por Quique Serra

Primeros pasos en la producción

El deseo de todo productor de música de baile electrónica es que su track llegue

hasta los -5db LUFS (Loudness Units Full Scale) de sonoridad para poder competir

en las plataformas de música digital con los artistas top del momento.

Para conseguir este objetivo, el productor, pasa mucho tiempo trabajando en el

mastering, estudiando decenas de tutoriales en la red y haciendo mil trucos para,

finalmente, quedar un escalón por debajo del sonido deseado y al límite de

saturaciones audibles. Esto sucede por no tener una visión general del proyecto,

por no trabajar cada fase cuidando todos los detalles y, principalmente, por la

famosa frase: “eso lo termino de resolver en el mastering”.

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Primeros pasos en la producción

Para empezar este artículo me gustaría compartir con los lectores lo que sería la

primera ley de la producción musical: “una cadena será tan débil como su eslabón

más débil”. Todos sabemos que si tiramos de ambos lados de una cadena con la

fuerza suficiente, ésta se rompería por el eslabón menos resistente, esto aplicado

a la producción musical significa que el sonido final del proyecto será tan malo

como la peor de las fases de producción que se haya realizado. Permítanme,

entonces, recordarles el orden de eslabones de nuestra cadena de producción: la

primera fase es la creación de la canción, la segunda es la preproducción, la

tercera fase trata de la grabación, la cuarta es la mezcla y la quinta el mastering.

En este artículo me centraré en los primeros pasos de la cadena de producción,

en las fuentes de sonido con las que tendrás que trabajar, ya que son el pilar

principal de toda canción grabada y también veremos algunos datos muy básicos

sobre grabación, tarjetas de sonido y micrófonos.

Primeras fases de la producción

Sé que la mayoría de ustedes producen música electrónica y en este género estas

cinco fases suelen estar mezcladas entre sí, sobre todo las tres primeras fases,

mientras vamos componiendo la canción se van realizando tareas de mezcla y

durante las mezclas se van retocando arreglos de la composición; en cierta

manera esto sucede con todos los géneros de música actual. Pero aún así,

debemos tener muy claro el orden de estas fases y saber en cuál de ellas estamos

en todo momento. Por lo tanto, mi consejo es tener un esquema que nos dé una

visión general de todo el proyecto; en mis primeras grabaciones yo hacía estos

esquemas en papel, uno por cada canción que trabajaba, en él podía tomar notas

de datos importantes que posiblemente necesitaría en fases posteriores.

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Primeros pasos en la producción

La preproducción para una grabación se

compone de todas aquellas acciones previas

a la grabación del proyecto, por ejemplo:

reuniones con los artistas y productores,

preparar el estudio con todas las

necesidades para la grabación, etc. Cuanto

más trabajo se adelante mejor irá la

grabación; pero, se preguntarán por qué me

centro tanto en las primeras fases del

proceso de producción, permítanme

contarles una pequeña historia que a muchos

nos ha pasado y que trata sobre la grabación

de una canción.

Al estudio del productor llegan la persona

que va a grabar, un amigo y el compositor,

comienza la sesión de grabación y tras una

hora de trabajo empiezan a surgir ideas por

parte de todos los presentes, culminando la

jornada en una fiesta de creatividad que el

productor salva para “la fase de mezcla”.

Cuando el productor está solo, comienza a ordenar todas estas ideas y se da

cuenta que, por no haber preparado bien la grabación, las tomas buenas están

saturadas, se metió un ruido por el micrófono o se escucha la vibración de un

mensaje entrante del smartphone al mismo tiempo que la voz. Si quien vino a

grabar es un amigo o amiga podrás pedirle el favor de que vuelva, pero si es un

músico contratado, el fallo te va a costar dinero porque te volverá a cobrar por

una nueva sesión aunque se trate de la misma canción. Con esto, te quiero decir

que todas las fases de la producción musical son muy importantes porque una

canción mal compuesta no tendrá éxito al igual que una canción que no suene lo

suficientemente bien.

Una vez hemos planificado bien todos los pasos a seguir en nuestro proyecto,

podemos empezar a grabarlo. Para el caso de la música electrónica la grabación

podríamos englobarla dentro del proceso de creación o composición, lo que nos

lleva al siguiente apartado.

Las fuentes de sonido

En un proyecto de música electrónica, refiriéndome ya al proyecto dentro del

DAW (Digital Audio Workstation), tenemos dos grupos principales de fuentes de

sonido:

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Primeros pasos en la producción

Las pistas de audio: son las creadas con los sonidos que nos descargamos

(comprados o gratuitos), las grabaciones realizadas bien por nosotros o

recibidas desde otro estudio colaborador y las grabaciones por linea directa

de sintetizadores tipo hardware.

Las pistas de instrumentos: son las pistas de los sintetizadores o samplers

virtuales instalados en nuestro DAW, se controlan a través del protocolo MIDI

(Musical Instrument Digital Interface).

En el caso de los sintetizadores virtuales, debes intentar que tengan la calidad de

sonido suficiente como para obtener un buen resultado, por el contrario, si

utilizas unos sintetizadores que sin procesamiento ninguno ya suenan con

distorsiones, parásitos o ruidos desagradables difícilmente conseguirás un buen

resultado final. Imagina que disparas el “Kick” desde un “Sample” y la muestra

sale con un click justo en el transiente, llegarás a la fase de mastering con una

canción con aproximadamente seiscientos parásitos imposibles de arreglar.

Con las pistas de audio sucede igual, debes procurar que los sonidos que utilizas

están lo más limpios posibles, que tengan la calidad suficiente (evita archivos

comprimidos en mp3 o similar) y si es una grabación hecha por ti es importante

que sea lo más perfecta que tu puedas conseguir con tu equipamiento. A

continuación voy a explicarte los elementos con los que tienes que tener cuidado

para realizar una buena grabación en tu “Home Studio”.

Grabación en línea o con micrófono

Cuando se graban sonidos con micrófonos o a través de tus entradas de línea hay

que tener en cuenta los siguientes elementos que afectan a la calidad de la

grabación:

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Primeros pasos en la producción

Sala de grabación: es el espacio donde ubicas la fuente de sonido (voz o

instrumento) y el micrófono de grabación. En los grandes estudios es una sala

aislada y tratada acústicamente, esto quiere decir que no entra sonido del

exterior y la reverberación interna está controlada a unos valores estándares.

Aquí se consiguen grabaciones que prácticamente no se procesan para que

suenen bien. En el caso de tu “Home Studio”, tendrás que apañártelas con

algunos dispositivos como pantallas o cabinas de micrófonos para conseguir

una grabación lo más limpia posible.

Previo de micrófono: La señal de los micrófonos es muy débil (entre 1 y 10

milivoltios, -60 a -40 db) y, antes de conectarlos a una mesa de mezclas o de

una tarjeta de sonido, su señal debe ser aumentada de voltaje hasta unos

niveles entorno a los 0,3 voltios (-10db). El previo de micrófono es el

encargado de realizar esta función, es un elemento que según sus

especificaciones le puede dar carácter al sonido grabado, por lo que al usarlo

hay que tener muy claro cual eliges y que objetivo buscas en esa grabación.

En mi estudio puedes encontrar diferentes marcas y tipos de previos, me

gusta usarlos de válvulas por el color que dan al sonido e incluso tengo uno

que construí yo al que puedo intercambiar diferentes válvulas para modelar el

carácter que busco. Las tarjetas de sonido actuales disponen de un previo

estándar incorporado, donde se puede conectar un micrófono directamente.

Tarjeta de sonido: es el dispositivo para convertir la señal analógica del

micrófono o de línea en una señal digital que pueda procesar el DAW,

principalmente están compuestas por varios convertidores AD (Analógico-

Digital) y DA (Digital-Analógico). Actualmente éstos vienen con previos de

micrófonos estándar incorporados y con adaptadores de impedancia para

conectar instrumentos con pastilla.

56


Primeros pasos en la producción

Impedancia: si lo que quieres grabar es un sintetizador hardware, éste podrás

conectarlo a las entradas de línea de tu tarjeta de sonido sin problema

alguno. Pero si lo que quieres es grabar un instrumento acústico con pastilla,

una guitarra o bajo eléctrico directamente desde su conector “Jack”, tendrás

que enchufarlo a la entrada que venga rotulada para instrumento o con la

nomenclatura “Hi-Z” (deberás leerte las instrucciones de la tarjeta de sonido y

seguir los pasos que indique el fabricante). Esto es debido a que este tipo de

instrumentos tienen una impedancia (resistencia de un circuito al paso de una

corriente eléctrica oscilante) que debe ser equilibrada para que la toma

quede limpia de ruido.

Micrófono: es el dispositivo que convierte las variaciones de presión en el aire

en impulsos eléctricos. Los micrófonos más usados actualmente se clasifican

de dos formas:

57


Primeros pasos en la producción

Según su tecnología de conversión:

Dinámicos: es un micrófono con una membrana sensible a las

variaciones de presión del aire que lleva pegada una bobina de cobre

que se mueve cerca de un imán permanente induciendo un flujo de

corriente (fenómeno físico de inducción electromagnética), al que

llamaremos señal analógica de audio. Son buenos para tomas

cercanas (entre 1 y 2 metros) y pierden bastante sensibilidad con la

distancia, suelen usarse para la música en directo y para instrumentos

de percusión con mucha presión acústica (baterías, percusión, etc).

De cinta: la membrana de este tipo de micrófonos es una cinta de

metal muy fina plegada en zig zag e instalada cerca de uno o varios

imanes. Cuando las variaciones de presión del aire mueven la

membrana se induce un flujo de corriente, este sistema está basado

en el mismo principio físico que el micrófono dinámico. Su sensibilidad

es muy baja, por lo que siempre llevan un amplificador incorporado

para aumentar su señal unos 20db, pero su definición es muy buena,

sobre todo en frecuencias grabes y medias.

De condensador: se trata de un dispositivo que tiene dos placas de

metal una frente a la otra, de las cuales una es móvil (la que haría la

función de membrana sensible al sonido) y la otra estática. Estás dos

placas enfrentadas tienen la característica de un condensador

eléctrico, cuando le aplicas una corriente (en este caso se llama

corriente de polarización) éste es capaz de almacenarla, el valor de

capacidad de almacenaje de este condensador dependerá de la

separación entre ambas placas. Si una de las placas se mueve por la

variación de presión en el aire (en este caso la membrana) hay

variación de la capacidad del condensador y éste expulsará la energía

eléctrica sobrante o recogerá más energía de la corriente de

polarización generando una señal de audio. Tienen buena sensibilidad

a corta y larga distancia, su definición es muy buena y su respuesta en

frecuencia muy equilibrada; lo que lo hace el micrófono más usado

dentro del estudio.

Según su patrón polar o dicho de otra manera su característica de captura

de sonido en función de la dirección:

Omnidireccional: es un micrófono que captura el sonido en todas las

direcciones, suele utilizarse para tomas de sonido ambientales o si las

fuentes a capturar vienen de varias direcciones.

Cardioide: este tipo de micrófonos está diseñado para capturar el

sonido en una sola dirección, se usa para tomas de cantantes,

instrumentos, etc.

58


Primeros pasos en la producción

Hipercardioide: este micrófono es mucho más direccionale que el

cardioide, suele utilizarse para tomas de sonido de los actores en cine

donde el dispositivo tiene que estar fuera del plano de las cámaras.

Mi experiencia personal

Para finalizar este artículo me gustaría compartir mi elección de equipo en mi

estudio en función de mi experiencia personal:

58


Primeros pasos en la producción

En cuanto a la sala dispongo de una de grabación insonorizada y tratada

acústicamente donde coloco al músico o cantante con toda la microfonía

necesaria para realizar la toma. Siempre preparo esa sala y chequeo todo el

equipo antes de que llegue el artista y su personal. También tengo otra sala

(Control Room) donde está el DAW, mesa de mezclas, previos...; todo a mi

mano para dirigir la grabación; ésta, está aislada y tratada acústicamente para

tener una escucha lo más fiel posible de lo que sucede. Ambas salas están

conectadas por 18 cables de micrófono, una puerta doble para el paso de

personas (que permanece cerrada durante la grabación) y una ventana con

doble acristalamiento para tener visión directa con los artistas que están

grabando (a veces una mirada ayuda mucho a la interpretación)

Como ya comenté anteriormente, tengo un previo de micrófono de válvulas

de doble canal muy limpio que se puede usar pareado, un previo de válvulas

de dos canales construido por mi, estilo años cincuenta, donde cada canal

tiene una configuración de válvulas diferente para conseguir texturas

diversas con cada uno y un previo de estado sólido (construido con

transistores) para usos estándares.

Actualmente tengo instalada una tarjeta de sonido de dieciocho entradas y

salidas analógicas, con la intención de poder realizar grabaciones multipistas

(baterías, coros, etc) y también tener la posibilidad de hacer mezcla analógica.

Mi set de micrófonía es muy variado, me da la posibilidad de grabar baterías,

percusiones, todo tipo de instrumentación. Me gustaría destacar que las

voces las grabo con dos micrófonos en simultáneo: uno de condensador con

membrana de una pulgada y otro de cinta del año 1944, a la hora de

mezclarlo tengo que tener mucho cuidado con las cancelaciones que se

producen y para eso, me ayudo de un plugin que calcula el retardo de la señal

entre ambos micrófonos y lo compensa.

60


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Periodista de formación, con postgrado en Gestión de la Industria de la Música en

la Universidad de Barcelona.

Con más de 20 años de experiencia en la Industria Latinoamericana y Europea.

Natalia es actualmente Directora de Marketing de SAE Barcelona, líderes

mundiales en formación de profesionales del sonido, la música y el music

business.

A su vez, es Fundadora y Co Directora de la Asociación Femnoise, quienes han

desarrollado la primera plataforma de Economía Digital en la música y la cultura

para mujeres y disidencias a nivel global. También apoya a artistas emergentes a

través del sello discográfico, Femnoise Records.

Por si no fuera suficiente, es Manager de la reconocida artista mejicana Mystery

Affair.

Se define como Culture Hacker:

El "culture hacking" consiste en tomar medidas intencionadas y encontrar las

pequeñas cosas que puedes hacer cada día para crear un cambio cultural positivo.

Tenemos a una profesional que no se queda en el discurso, sino que trabaja

activamente para generar un cambio real!

Hoy subimos el beat con NATALIA SAN JUAN

La Entrevista

¿En qué momento decides crear Femnoise? Que te impulsó a ello?

En 2017, después de mi experiencia en la industria del indie rock en Chile durante

los 7 años anteriores, recibí la oportunidad de organizar un microfestival de

electrónica en Andorra. Durante esta experiencia, noté actitudes particulares por

parte del equipo, compuesto en su totalidad por hombres, siendo la única mujer

en el grupo. Esta disparidad se hizo aún más evidente al revisar el roster, que

estaba exclusivamente compuesto por artistas masculinos.

Intrigada por estas observaciones, decidí investigar la situación de las mujeres en

la música electrónica. Descubrí una red internacional que llevaba más de 20 años

trabajando para crear una comunidad de mujeres en la escena electrónica:

Female Pressure, y al mismo tiempo con un estudio de doctorado de la

Universidad de Edimburgo que hablaba de las dificultades de las mujeres para ser

consideradas dentro de la escena electrónica de distintos puntos del planeta.

Estos hallazgos confirmaron mis sospechas: aunque había muchas mujeres

talentosas en la escena electrónica, las oportunidades eran limitadas debido al

dominio masculino en la industria.

63



Seguí investigando y adentrándome en la música electrónica, recorrí diversos

espacios para ir en búsqueda de las artistas que finalmente invitaría a formar

parte. Así fundé por primera vez Femnoise, que nació como una suerte de agencia

colectiva en Barcelona, compuesto por 19 mujeres talentosas de la escena

electrónica local y sus alrededores. Estas artistas habían estado actuando en

pequeños espacios de la ciudad durante mucho tiempo, y mi objetivo era

brindarles representación y la oportunidad de presentarse en escenarios más

grandes. Quería visibilizar la realidad de las artistas subrepresentadas y abordar

la brecha de género en la industria.

A pesar de ser una recién llegada en una escena y ciudad donde no conocía a

nadie en la industria, comencé a tocar puertas. Para 2019, justo antes de la

pandemia, habíamos logrado asegurar actuaciones en importantes festivales

como la edición "new normal" de Primavera Sound, DGTL Madrid y DGTL

Barcelona, Manrusionica, entre otros. Sin embargo, la pandemia nos presentó

nuevos desafíos, y una vez más nos vimos en la tarea de encontrar formas de

destacar y trabajar hacia nuestro objetivo de dar visibilidad a la brecha de género,

colaborando con talento subrepresentado de mujeres y disidencias.

¿Cómo funciona la plataforma? Cualquier artista mujer, persona no binaria puede

acceder a ella?

La creación de la plataforma Femnøise surgió como respuesta a los constantes

cuestionamientos de bookers y promotores que dudaban de la presencia y el

interés genuino de mujeres en la música y la producción. En ese momento, las

cifras eran desalentadoras, con solo un 13% de presencia femenina en carteles de

grandes festivales y un escaso 2% de mujeres productoras.

La plataforma se concibió como una herramienta para poner en el mapa a

mujeres y disidencias en la industria musical, ofreciendo una visualización sencilla

y efectiva. Funciona como un motor de búsqueda que filtra por ubicación,

ocupación y tipo de música, permitiendo la creación de sinergias y conexiones

significativas.

Este enfoque ha dado lugar a colaboraciones que le dan sentido a nuestra

existencia, como el caso de una artista italiana que masterizó su disco con una

ingeniera de Israel, o el encuentro de chicas argentinas para llevar a cabo giras,

entre muchos otros casos inspiradores.

Femnoise ha evolucionado más allá de ser simplemente una comunidad. Desde su

concepción, la plataforma aspiraba a ser una herramienta digital que fomentara

sinergias y proporcionara nuevas oportunidades de ingresos para sus usuarias.

Hoy en día, con diversas funcionalidades, se la considera la Primera Plataforma de

Economía Digital Feminista en la industria de la música.

65


Subiendo el Beat: Ellas al mando

Natalia San Juan

Entre las características que ofrecemos se encuentran el mapa/buscador, una

sección de nano cursos donde mujeres de todo el mundo comparten sus

conocimientos, una bolsa de trabajo, un blog para lanzamientos, un marketplace

en desarrollo y, recientemente, un sello discográfico.

La plataforma está abierta a cualquier mujer o disidencia de todo el mundo que

sea artista o trabaje en la industria de la música y la cultura. Es totalmente

gratuita, y la participación de hombres es bienvenida para aprovechar y apoyar

los contenidos generados por mujeres de todas partes del mundo.

¿Qué criterio seguís en la selección de artistas para Femnoise Records?

En Femnoise Records, nuestra selección de artistas para el sello discográfico se

guía por el concepto de ser una incubadora de talento, enfocándonos

especialmente en los géneros más frescos de la música electrónica, como House,

Tech House, Deep House, Acid House, Nu Disco, Dark Disco, Indie Dance, Techno,

Deep Techno y Minimal Tech.

Nuestros criterios de selección buscan identificar a artistas con un estilo definido

y una carrera mínima en clubes locales e internacionales o que demuestren una

visión clara de la dirección que desean tomar en su trayectoria artística.

Analizamos sus reproducciones, perfiles, interacciones y posibles colaboraciones,

buscando apoyar su desarrollo artístico dentro de nuestras posibilidades.

Además, nos preocupamos de que las artistas comprendan aspectos

fundamentales del negocio musical, como la gestión editorial, publishing,

sincronización, entre otros.

Trabajamos activamente para ser una fuente de sinergias entre artistas y la

industria, celebrando el talento, la profesionalidad y el compromiso. Nos

esforzamos por establecer reglas justas que fomenten un cambio positivo en la

66


Subiendo el Beat: Ellas al mando

Natalia San Juan

producción e industria musical, buscando promover un consumo más inclusivo en

la música y la cultura. Nuestra visión es ser un impulsor de transformaciones que

lleven a una industria más equitativa y diversa.

¿Cuál es tu labor en Sae Barcelona?

En SAE Barcelona soy la directora de marketing y comunicación, me encargo de

generar estrategias alrededor de nuestra oferta académica y de la relación con

marcas y organizaciones afines para crear sinergias con nuestra marca que nos

impulse para crear mejores alternativas para nuestros alumnos y alumnas. Para

mi ha significado tener la posibilidad de cambiar la industria desde las bases,

trabajando estrechamente con la escuela para fomentar que más mujeres se

animen a estudiar producción musical.


Subiendo el Beat: Ellas al mando

Natalia San Juan

En este momento, año 2023, hay personas que creen que ya no existe diferencia

y/o discriminación hacia las mujeres y personas del colectivo. ¿Qué opinas?

Les invitaría a leer más y en profundidad sobre la realidad que tienen en su

entorno, al alcance de todos está el recientemente publicado Estudio de Género

realizado por la Asociación Mujeres en la Industria de la Música (MIM), de la cual

también formamos parte. Que investiguen, que lean, que escuchen a sus

compañeras y que abran los ojos. Lamentablemente luego de la pandemia los

pocos avances que veníamos viendo, sufren un retroceso y se siguen

incrementando las diferencias y las brechas.

¿Que obstáculos hay que seguir superando?

Principalmente debemos promover más mujeres en la producción musical,

trabajar mejor los algoritmos de los sistemas de streaming, incentivar la cuota de

género en grandes festivales como lo llevan haciendo países como Argentina o

Chile, ya que de otra manera parece que los bookers y promotores les cuesta

entender la necesidad de representación. Y qué decir también que debemos

luchar porque incluyan más mujeres como headliners y no solo en la letra

pequeña de los carteles.


Subiendo el Beat: Ellas al mando

Natalia San Juan

A día de hoy, ¿crees que el físico y la imagen se tiene más en cuenta en mujeres?

La consideración del físico y la imagen en las mujeres de la industria musical ha

sido una preocupación histórica y persistente. Aunque la situación ha mejorado

en algunos aspectos sobre todo en los entornos más jóvenes, aún existen

desafíos significativos relacionados con los estándares de belleza y la presión

para ajustarse a ciertas expectativas visuales, no así a los pares masculinos. En la

industria musical, a menudo se espera que las artistas femeninas no solo

destaquen por su talento musical, sino también por su apariencia física. Esto se

refleja en la promoción mediática, las portadas de álbumes, los videoclips y otras

formas de representación visual. Por suerte ya existen artistas que están

desafiando esos cuerpos normativos y los cánones de belleza se basan en la

diversidad.

¿Cuál es el enfoque que consideras más acertado hacia un activismo real en la

industria de la música actualmente?

Estamos en un punto donde me cansa un poco seguir en la discusión propiamente

tal. Sigue existiendo una falta de puesta en acción, de pasar a generar un cambio

significativo. Es hora también de involucrar a nuestros pares hombres. Me

encantaría que ellos hicieran suya nuestra bandera de lucha. Debemos

incorporarlos en la búsqueda de soluciones. Yo siempre soy más de la acción, por

eso cada proyecto que impulso lo genero desde esa perspectiva, de un propósito

claro para crear interacciones, negocios, alternativas financieras, promoción del

talento, etc.

Háblanos sobre Mystery Affair. ¿Qué soporte es el correcto como manager para

sostener y mantener a una artista que ahora mismo está en pleno éxito?

El éxito de Mystery Affair se debe al factor clave de trabajar duro en aquello en

que realmente crees. Es tener trazado tu plan y visualizarlo de manera tan clara

que sabes que allí llegarás no importa cuánto tardes. Es sumamente importante

entender que la carrera artística debe trabajarse con metodología, objetivos y

mucha persistencia. Es vital desarrollar el plan de negocios de esa carrera, un

diseño integral con objetivos medibles, detectando las oportunidades y

trabajando sobre las debilidades.

69


Subiendo el Beat: Ellas al mando

Natalia San Juan

Me pasó que cuando comenzamos a trabajar

juntas hace 2 años, me encontré con la

carrera de una artista muy sólida en los shows

y en la búsqueda y autogestión de sus

propios gigs, pero que necesitaba estructurar

todo el resto del negocio musical,

entenderlo, detallarlo, organizarlo de manera

tal que se convierta en un real negocio con

perspectiva de futuro y no solo en la

inmediates del show.

Todo eso a la vez que es muy necesario

generar un vínculo estrecho con tu artista,

tienes que llegar a generar una confianza casi

familiar y – en mi caso – comulgar con las

ideas de tu artista a nivel espiritual y social.

Es necesario conectar y estar en sintonía y

aprender mucho la una de la otra.

¿En qué vas a seguir trabajando a corto/medio

plazo? Cuáles son tus proyectos futuros?

Ahora estoy bastante enfocada en buscar

como puede confluir todo en lo cual trabajo,

en poder potenciar que más mujeres se

acerquen a la formación y profesionalización

de la industria, pero donde la barrera del

acceso económico a la educación no sea una

barrera. Es por ello que estoy desarrollando

con Femnoise y SAE una serie de bootcamps

gratuitos sobre formación en producción

musical, music business y producción técnica

de espectáculos para 2024.

Creo que es la forma en que todo lo que hago

cierre una línea coherente. Seguimos

explorando colaboraciones, marcas e ideas

que nos permita hacer de la industria de la

música, una industria más diversa, inclusiva y

equitativa.

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Subiendo el Beat: Ellas al mando

Natalia San Juan

Por último, nos gusta saber que

música escuchan nuestras invitadas,

así que:

¿Qué temas están en tu top o que te

hayan marcado?

Esta semana me marcó mucho el nuevo

disco de Clara Peya, “Corsé”. Toda una

maravilla lleva días en mi cabeza luego de

escucharlo en su premiere del Festival de

Jazz de Barcelona.

También todo el álbum de More Data de

Moderat, que logra transpórtame a otro

planeta.

¿Un tema para inspirarte/motivarte

Swallow – Monolink / Tale of Us Remix

¿Un tema para tus momentos de relax?

Dogs - HVOB

¿Un tema para un momento alegre y otro

para un momento triste?

Momento Alegre: Telepathy – Mystery Affair

Momento Triste: Experience – Ludovico

Enaudi

¡Gracias Natalia! Por compartir con nosotros tu tiempo y experiencia. Por ser

tan impecable y profesional. Y por inspirarnos enormemente con tu pasión y

trabajo en pro de la igualdad en la industria. Ha sido un placer compartir éste

rato contigo.


Inside the Industry

Por Iban Cerezo

Fotografías por Ana Escario


Inside the Industry

VACUUM MASTERING

En las profundidades sonoras de la música contemporánea, donde la técnica y la pasión

se entrelazan para dar forma a lo que perciben nuestros sentidos, emerge la figura de

Javier Roldón. Un arquitecto del sonido cuya firma resuena en la identidad acústica de

algunos de los proyectos más vibrantes de la escena musical. Su alquimia sonora ha

trascendido fronteras y géneros, convirtiéndose en un referente imprescindible en el

panorama del mastering y la ingeniería de audio.

En esta edición de Cue & Play Magazine, nos adentramos en el universo de Roldón, un

diplomado del prestigioso SAE Institute Spain de Madrid, cuya ambición y talento le

impulsaron a crear su propio cosmos auditivo: el estudio VACUUM, inaugurado en 2008

como una declaración de principios. Pero lejos de conformarse, su sed de conocimiento

le llevó a las aulas de la Berklee College of Music de Boston, un peregrinaje que

refinaría aún más su ya aguda percepción del sonido.

Con 15 años de trayectoria, Javier ha sido el guardián de las frecuencias de una lista

estelar de artistas, desde la introspección lírica de Rels B hasta el ingenio versátil de

Kase.O, pasando por la emoción cruda de Christina Rosenvinge y la fuerza narrativa de

Joaquín Cardiel. Su toque puede sentirse en el pulso musical de Cruz Cafuné, la

intensidad de León Benavente, y la destreza de figuras como Sho-Hai, Nach, Dano o

Bejo, acumulando más de 2.150 millones de streams en los últimos dos años. Una cifra

que no sólo habla de su capacidad para conectar con el público, sino que también

evidencia la calidad y la consistencia de su obra.

Como miembro votante de los Latin Grammy, su juicio y su visión artística cobran una

relevancia especial al acercarse la vigésimocuarta edición de estos prestigiosos

premios, que tendrán lugar en Sevilla. Hoy, nos adentramos en el estudio de este mago

del sonido, para entender las capas que configuran sus creaciones y descubrir, a través

de sus palabras, cómo se construye un legado en ondas y armonías. Acompáñanos en

esta entrevista exclusiva con Javier Roldón, un viaje al corazón de la música a través de

los oídos de uno de sus más destacados maestros.

73


Inside the Industry

VACUUM MASTERING

LA ENTREVISTA

Javier, desde tus inicios en el SAE Institute hasta la creación de tu estudio

VACUUM, ¿cómo ha evolucionado tu enfoque de la ingeniería de audio y el

mastering a lo largo de los años?

Mi enfoque parte de una mirada ingenua e inexperta, que va madurando a base

de ensayo y error pero ayudado e inspirado por profesionales legendarios como

el tejano Billy Stull (socio de Rupert Neve) que me mostró un camino alternativo

al que nos cuentan en los libros de texto.

Tu paso por Berklee debió ser enriquecedor. ¿Qué aprendizajes fundamentales de

Berklee aún aplicas en tu trabajo diario en el estudio?

Mi paso por Berklee fue de un valor incalculable. Pude entrar en una comunidad

internacional de ingenieros e ingenieras de Mastering compartiendo pasión y

ganas de aprender, y me ayudó también a afianzar conocimiento, todo ello

tutorizado por Jonathan Wyner (ex presidente del Audio Engineering Society). A

día de hoy sigo utilizando multitud de técnicas aprendidas en materias como el

remastering o el audio forense.


Inside the Industry

Escuela Profesional INDIGO DJ School

Has trabajado con una amplia gama de artistas. ¿Qué buscas en un proyecto o

artista antes de decidir colaborar en él?

Actualmente casi todos los proyectos que entran en VACUUM, se acaban

realizando. Hay que tener en cuenta que los artistas que se acercan a mí, vienen

por el boca-a-boca o porque les ha gustado un álbum masterizado aquí y quieren

ese sonido. He de decir que en muy pocas ocasiones he tenido que rechazar algún

proyecto, los rechazados han sido por la falta de un mínimo de calidad. Hay que

tener en cuenta que el resultado final es mi carta de presentación.

¿cuál ha sido el proyecto más desafiante desde el punto de vista técnico y cómo lo

superaste?

Sin lugar a dudas el proyecto más desafiante de mi carrera ha sido el álbum “Me

muevo con Dios” de Cruz Cafuné. Se trata de un álbum de 23 canciones muy

diferentes entre sí, y con multitud de productores trabajando en el disco y

aportando su sonido. Todo ese basto material llega a mis manos y oídos y en ese

momento se abre un complicado periodo de trabajo para lograr sacar un álbum

homogéneo, competitivo y con carácter propio. Debo decir que en este proceso,

el estrecho trabajo con el productor y mezclador Lex Luthorz fue decisivo para

que todo saliera así de bien.

75


Inside the Industry

VACUUM MASTERING


Inside the Industry

VACUUM MASTERING

Al masterizar obras de diferentes géneros, ¿cómo mantienes tu identidad sonora

mientras respetas la esencia de cada artista o género?

Cuando inicio el contacto con un artista o productor siempre intento ser un

catalizador de todo lo sucedido previamente. Le pregunto por gustos musicales y

obras de referencia. Toda esta información me ayuda a mantener y reforzar su

esencia. En VACUUM utilizo mucho hardware analógico, es la seña de identidad

del estudio y al cabo de los años creo que he logrado tener un sonido propio.

Digamos que el enfoque final consiste en buscar ese equilibrio, potenciar el

enorme trabajo que ha realizado en grabación y mezcla y además poder aportar

creativamente para alcanzar la obra maestra.

La tecnología en la producción musical está en constante cambio. ¿Cómo has

adaptado tu trabajo a las nuevas herramientas y tendencias?

La tecnología avanza a un ritmo vertiginoso, en estos 15 años he visto la

desaparición del CD, el estallido de la distribución digital y la vuelta del vinilo por

ejemplo. Son cambios que obligan a adaptar el proceso de Mastering al medio

final, pero siempre sin olvidar el componente humano que de momento

considero insustituible.

¿Cómo ves el futuro de la ingeniería de audio y el mastering en la próxima década,

especialmente en el contexto de la música electrónica?

77


Inside the Industry

VACUUM MASTERING

Como decía en la pregunta anterior, el futuro lo veo esperanzador. Hay mucha

música, muchísima, y la tecnología ha puesto en nuestras manos el acceso a tener

un home-studio de enormes prestaciones en nuestras casas. La electrónica es un

buen ejemplo, junto a la síntesis virtual o analógica. Ahora es el turno de la

creatividad y ahí es donde se demuestra la capacidad.

Como miembro votante de los Latin Grammy, ¿cómo ves el impacto de estos

premios en la industria musical latina y qué buscas en las obras nominadas?

Pertenecer a la Academia de la Grabación es un honor. Al final es una gran fiesta

en la que se premia el buen hacer de un equipo humano. En esta profesión es

fácil perder el norte, no hay nada escrito, y una palmada en la espalda es un gesto

necesario.

Como miembro votante he de decir que siempre busco la creatividad y la

personalidad. La excelencia técnica por supuesto, pero la personalidad siempre

juega un papel más importante en mi decisión final.


Inside the Industry

VACUUM MASTERING

Para los jóvenes ingenieros de sonido que aspiran a seguir tus pasos, ¿qué consejo

clave les darías?

A todo aquél o aquella que quiera labrarse una carrera en la ingeniería de sonido,

les diría que busquen en su interior ese poder innato que tienen y que lo

alimenten, que sean genuinos y originales, es una de las mejores armas secretas

que tenemos. También que se rodeen de personas en las que puedan apoyarse,

ya que nos es un camino fácil. En mi caso fue mi familia y en especial mi pareja,

que aunque no participa activamente en la rama laboral de VACUMM, desde la

gestación de la idea siempre fue una entusiasta del proyecto y una luz en las

decisiones más difíciles.

Finalmente, ¿hay algún proyecto personal o sueño que aún estés deseando realizar

en tu carrera?

Por supuesto, y cuando consiga alcanzar el que tengo entre manos ya tengo el

siguiente esperando. En este momento mi sueño es poder cortar vinilos

artesanalmente. Es un reto personal y estoy en el camino, pero no puedo

desvelar más detalles.


Inside the Industry

VACUUM MASTERING

Acabemos la entrevista con unas breves!

¿Qué color te representa mejor y por qué?

Siempre me he identificado más con el negro, supongo que será por cómo asociamos

colores con estilos musicales. Siempre he visto el pop como algo luminoso y colorido,

mientras que otros géneros más profundos o extremos los he asociado con la

oscuridad.

¿Con qué instrumento te identificas más?

Pues me resulta imposible quedarme sólo con uno. Me hace alucinar la contundencia

de una batería acústica, me tiemblan los pies cuando escucho las frecuencias

subgraves de un bajo, me desgarro con una guitarra eléctrica, surco el universo con

un sintetizador y me derrito con la armonía de un piano.

Si pudieras masterizar la banda sonora de cualquier película, ¿cuál elegirías y

por qué?


Elegiría la película “El Indomable Will Hunting” de 1997 para poder trabajar codo

con codo con Elliott Smith.

Si tuvieras que elegir una canción para describir tu carrera hasta ahora, ¿cuál sería y

por qué?

Elegiría mil! De varios géneros y de varias épocas ya que también hago mucho

remastering de discos de los 60s y 70s, pero para ceñirme a la pregunta diré “El

gordo que la pisa bien” de Kase.O. La elijo porque me identifiqué con ella cuando la

hicimos y disfruté mucho con el proceso.

Con esto concluimos nuestra charla con Javier Roldón. En nombre de todo el equipo

de Cue & Play Magazine y nuestros lectores, agradecemos sinceramente tu tiempo y

por compartir tus valiosas experiencias con nosotros. Ha sido un verdadero placer y

una fuente de inspiración.

¡Gracias a vosotros! ¡Hasta pronto!

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Escena Emergente

Por LITO

Nietti DJ

Arnau Tonetti A.K.A. Nietti DJ y Productor nacido en Gerona y criado en un

entorno rural en un pueblo de la misma provincia llamado Cabanelles, con 12

años su familia se traslada a Palafrugell en la Costa Brava Catalana y es ahí con 13

años cuando tiene su primer contacto con unos platos giradiscos, es en ese

momento cuando nace dentro de él la pasión por el beatmatching y teniendo

claro a partir de ese momento es donde quiere enfocar el resto de su vida, con 19

años es cuando decide trasladarse a la ciudad condal en busca de sus sueños y

hacer crecer su carrera.

Nace en un entorno familiar muy musical, ya que su padre siempre a estado

vinculado al mundo de manera profesional al igual que su hermano mayor, de los

que pudo absorber grandes conocimientos en teoría musical y una base muy

sólida que más adelante le servirían para crecer como productor.

Comienza su carrera con 20 años hablamos de 2015 cuando Nietti comenzó a

explorar en el mundo de la Música electrónica y es cuando empieza así a

transformar sus ideas y melodías en tracks de electrónica, gracias a esto Nietti

comenzó a tocar en alguno de los clubs más emblemáticos de la ciudad condal

como la mítica City Hall, M7 Club o Pacha Barcelona entre otros.

Actualmente, Nietti se centra sobre todo en su residencia en otro de los clubs

más importantes y carismáticos de Barcelona, en la fiesta The Cave de Opium

Barcelona, donde cautiva con su enfoque “groovero” y enérgico al más puro

estilo Tech House consiguiendo así fidelizar un público que acude a ver sus shows

cada semana, combinando con diferentes actuaciones en las mejores salas de la

provincia Barcelonesa.


Escena Emergente

Nietti DJ

Manteniendo su pasión por la música en constante evolución, Nietti se encuentra

en proceso de lanzar su propia música absorbiendo todo lo aprendido a lo largo

de su carrera y queriendo fusionar varios sonidos e ideas encontrados así en una

etapa que, como el mismo define “Muy atractiva y energética”.

La Carrera de Arnau Tonetti como DJ y productor es un fiel testimonio a la

dedicación y pasión por la música en general y la electrónica en particular y su

futuro promete ser, sin duda, igual de emocionante que su vibrante pasado.

La Entrevista

Arnau bienvenido al tercer numero de Cue & Play Magazine, es un placer tenerte con

nosotros. Queremos expresarte nuestro más cálido recibimiento y agradecimiento

por dedicar tu valioso tiempo para compartir con nosotros y nuestros lectores tus

experiencias, visión artística y perspectivas sobre la música y tu trabajo. Así que,

antes de comenzar, nos gustaría saber, ¿cómo te encuentras en este momento? ¿Qué

emociones y sensaciones te invaden ante esta oportunidad de conectarte con tu

audiencia y revelarnos un poco más acerca de la persona detrás de la música?

Bueno, primero agradezco muchísimo la invitación, creo que compartir información

y experiencias siempre es muy bonito y de agradecer, aparte, una buena oportunidad

para acercarnos más con toda la audiencia y gente curiosa.

Siempre había tenido ese “gusanillo” y ganas para poder compartir lo que he vivido

hasta el momento, son ya más de 7 años noches que he podido trabajar de residente

en diferentes clubs de Barcelona y eso me ha dado para ver y aprender mucho.

87


Escena Emergente

Nietti DJ

Después de estos 7 años de experiencia en diferentes residencias de Barcelona

¿Cómo te auto describirías como DJ?

Es algo bastante difícil auto-describiese bien, quizás, pero diría que lo más

importante es desde qué punto trato, trabajo y escucho la música, antes de DJ soy

músico y eso ha hecho que tenga cierto respeto y disciplina a la hora de tocar música

electrónica.

Como DJ he intentado siempre crear sesiones poco convencionales o que salgan un

poco del estándar para que la gente no se encuentre siempre con las mismas

estructuras y tracks en los clubs y la verdad es que salir de lo normal a veces

funciona ¡muy bien!

Pienso que al final hay un punto indiscutible a cumplir y es que la gente se lo pase

bien, la verdad es que estoy muy orgulloso de haber podido levantar los ánimos y la

pista en varias discotecas y de diferentes públicos, pase lo que pase lo más

importante es que el máximo de personas posible se vayan a dormir con un buen

gusto.

86


Escena Emergente

Nietti DJ

Hemos hecho una pequeña biografía tuya y nos a parecido de lo mas interesante y

como nos encanta el “salseo” queremos introducirnos mas aun en ella, cuéntanos

cuales son tus mejores recuerdos en tu infancia rodeado de Músicos en el hogar.

Lo que más agradezco en mi vida es haber tenido una infancia rodeada de música y

una familia de músicos libres y con ganas de crecer en la escena. En casi todos mis

recuerdos ha estado la música presente, una guitarra, un vinilo sonando, mi padre

grabando en el estudio o mis hermanos practicando en la habitación. Eso siempre

me ha dado mucha fuerza y ejemplo para consolidar los pensamientos con las ganas

y seguir adelante.

De pequeño toque en varios grupos musicales, el primero fue cuando tenía 7 años y

ya tocaba la batería, junto con mi hermano que tenía 10 y otro amigo con 9, después

hasta los 15 años tuve varios grupos con amigos del instituto o colaborando con mi

padre, que aún sigue actuando como canta-autor por muchas localidades.

87


Escena Emergente

Nietti DJ

Fue entre los 14 y 16 que decidí pasar totalmente de lo acústico a lo electrónico

comprándome mi primera mezcladora para empezar a aprender un mundo dentro de

la música desconocida por mis raíces y costumbres, desde entonces ha sido toda una

aventura dar respuesta a todas esas preguntas que me hacía curiosamente desde

entonces, cada noche que pasa de trabajo estoy un poco más aliviado de todas esas

curiosidades que se me movían tanto por dentro, por eso recomiendo a todo el

mundo hacer aquello que te mueva o te tenga inquieto.

¿Qué encuentras en la Música electrónica que hace que te decidas por ella?

Desde siempre tenido muy claro que me quería dedicar a la música, aparte de por

todas las características técnicas que hacen que podamos mezclar sonidos para

ponerlos a todo volumen con los soundsystems obviamente, toda la industria

musical ha tirado inevitablemente por lo electrónico y ya casi para cualquier género

presionando al final a todo músico a tener que introducirse mínimamente, si se

quiere un futuro profesional claro.

También que está compuesta la gran parte por percusiones muy resaltadas y esos

bajos que te hacen vibrar entero, de pequeño siempre he tenido más tendencia a

tocar la Batería y otros instrumentos de percusión, cosa que me conecta mucho con

los ritmos.


Escena Emergente

Nietti DJ

Me influenció mucho el hecho de haber crecido entre instrumentos acústicos y

música “tradicional”, al descubrir la electrónica, (Recuerdo de pequeño entre los 10 -

12 añitos buscar música House en los principios de YouTube.) Al no ser algo de casa

me llamó tantísimo la atención que definitivamente me enganché por completo a

esa música poco convencional y tan fresca.

A esa misma edad también recuerdo que pasaba frecuentemente por delante de una

pequeña discoteca del pueblo, (La Nau en Banyoles) y siempre preguntaba a mis

padres que había dentro de esos muros impenetrables por menores, eso me ardía

por dentro y solo quería tener 18 años para entrar y escuchar electrónica.

¿Cuales dirías que son tus principales géneros en la mayoría de tus sesiones?

1º el Tech House, 2º el Minimal, y 3º el Techno.

¿Te has planteado alguna vez probar o has probado con géneros totalmente

diferentes a los habituales por ti?

De hecho, todo empezó profesionalmente cuando rompí algunas barreras, luché

mucho contra mi ego y empecé a pinchar lo que el mercado ofrecía y no solo lo que

yo quería. Creo que es importante entender que si se quiere vivir y ganar un sueldo

de lo que te guste más, “primero hay que pelar patatas y luego ya se cocinarán

paellas con el tiempo”. A veces, si uno no se está dispuesto a sacrificar el gusto

personal con lo que te pida el mercado, seguramente se siga manteniendo la

práctica como hobby, para ser profesional creo que al menos hay que al menos

entender el máximo de campos de tu trabajo, al final todos afectan entre sí.


Escena Emergente

Nietti DJ

¿Cual dirías que son tus mayores influencias nivel top o en quien sueles inspirarte?

No tengo a 1 o a 2 en concreto, pero siempre han sido muy variados, muchos o la

mayoría del país, ya que tenemos de los mejores en la escena actual, también otros

internacionales, al final mola sacar información y aprender un poco de todos.

(Españoles: Bastian Bux, Wade, Miguel bastida, Fran Dc, entre muchos más,

Internacionales: Umek, Jeff mills, Richie Hawtin, Nina Kraviz, Eric Morillo, Jaime

Jones…)

A tu parecer, ¿Qué es lo mejor y lo peor de ser

DJ?

Lo mejor es la libertad de poner tus normas,

siempre que sean efectivas.

Lo peor es que la mayoría de horas de trabajo

son nocturnas y vives en una vida paralela.

¿Cómo ves el panorama actual de la Música

electronica?

Pues como todo, se ha querido explotar

demasiado el mercado en muy poco tiempo y

creo que después de una temporada dónde

cualquier track puede ser muy gracioso, pero no

tener mucha calidad, espero que vuelva haber un

poco de filtro en la calidad y originalidad de las

pistas porque hoy en día cualquiera puede coger

4 Top Loops en el Fl Studio y sacar un random

track en menos de 1 día.

Por otro lado, estamos en una era dónde casi

todo vale y muchos tabúes han desaparecido,

con lo que la diversión también puede llevarse a

otro nivel.

90


Escena Emergente

Nietti DJ

¿Te has marcado algún objetivo a corto y largo plazo?

Si, por supuesto, creo que es muy importante siempre mantener los dos tipos de

objetivos, a mesura que vas cumpliendo los cortos, te vas sintiendo más cerca de los

largos retro-alimentando las ganas y los resultados.

En mi caso, hasta el momento he estado progresando a toda vela como DJ y a ratos,

he ido trabajando a “ventana cerrada” en estudio para empezar a sacar mi 2.0 en mi

carrera musical, con ello compartir música y

tracks para poder aportar un granito más en

esta bonita industria.

Si te dieran la oportunidad de viajar al pasado,

¿qué consejo le darías al Pequeño Arnau Tonetti?

Que no tenga prisas para disfrutar de los

resultados, sino que disfrute de todo el proceso y

ponga el “focus” de lo que al principio parece dar

“palo”.

Lo bueno no viene ni fácil ni rápido y siempre

habrá momentos para divertirse entre objetivos

y sacrificio.


Artista: LITO



Llegó el frío de diciembre y hay que calentar el alma con buena musica y

eventos hechos con corazón. Y es que hoy te traigo un pedacito de mi

llamado CHICAGO 1981.

¿Dispuesto y dispuesta a viajar al ritmo de la música house? ¡Pues

vamos!

Y te preguntarás, ¿Quién está al mando de CHICAGO 1981?

Una servidora. Va a ser interesante esto de hablar de un evento propio.

Voy a iniciar explicando que Chicago 1981 pertenece al roster de artista

V3rtigo. Aquí puedes investigar sobre el roster.

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Trendsetting Events: CHICAGO 1981

Voy a explicarte como nace esta idea de crear CHICAGO 1981.

Resulta que dentro de V3rtigo hay varios artistas que dominan

estupendamente la música House, pero me encuentro que la mayoría

de eventos que nos rodean son de otros géneros musicales donde la

presencia del House es más escasa, ya que predominan otros

géneros. Así que los artistas de V3rtigo que vibran en el género del

House, se quedan con las ganas de prender la pista a su gusto

musical.

Artista: MISTER ZEUS

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Trendsetting Events: CHICAGO 1981

Artista: NIC ALLEN

Un día, que estaba yo inspirada, miré a LITO (mi pareja, cofundador de V3rtigo y

CEO de “Un Sitio Genial Academy“) le dije: - Vamos a crear un evento solo de

música House y se va a llamar CHICAGO 1981. Lito, que siempre es fiel a mis

locuras, me dijo: -¡Pues perfecto! ¿Cuándo empezamos?

Y así fue como se creó esta idea, nacida para que los artistas de house de v3rtigo

pudieran gozarla a tope. Actualmente, Chicago también acoge en sus Line up

artistas de “Mentalidad de éxito para DJs” y otros.

¿Para qué públicos es CHICAGO 1981?

Nos ilusiona acoger en cada evento a un público que disfrute bailando y

escuchando música house. Verdaderamente, nos acompaña un público muy

variado y diverso, y esta idea me fascina porque soy extra fan de la diversidad,

inclusión y unión. Es un éxito que Chicago sea capaz de generar esta masa de

convivencia.

97


Trendsetting Events: CHICAGO 1981

ARTISTA: LITO

¿Qué os está pareciendo este viaje de hoy? Mi intención es que podáis conectar

con la esencia de cada evento que os traigo y os motive a mezclaros con ellos,

incluso poder estar en sus Line up.

A día de hoy Chicago 1981 está en pleno crecimiento y expansión de su concepto

y marca. Estamos trabajando duro para lograr el objetivo de dar en cada ocasión

un espacio donde la alegría y el buen gusto sea lo que predomine a lo largo de

cada noche.

Lo que os puedo asegurar es que detrás de esta idea, hay una elevada cantidad

de respeto y amor al talento de los artistas y la música.

Sin duda que el propósito de todos los eventos que organizamos en V3rtigo hay

una intención enorme de romper los estigmas de la industria y ofrecer lo mejor

que tenemos a los artistas y al público.

Nuestro foco no es la facturación, sino la transmisión de valores y principios del

buen hacer y el tiempo de cocción de cada proyecto.

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Artista: Jaidek

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Trendsetting Events: CHICAGO 1981

Este 2024 tenemos preparada una programación mensual de CHICAGO 1981 y

estamos refelices de poder anunciar que nos vais a poder visitar una vez al mes y

que vamos a poder ofrecer un buen abanico de oportunidades a artistas que

vibran en la música House.

El primer evento de este nuevo año que iniciaremos en breve será el 20 de enero.

Durante este próximo año vamos a potenciar el talento tanto de artistas locales

como nacionales, teniendo visitas de artistas que os van a dejar recuerdos

imborrables.

¿En qué Club vas a encontrar CHICAGO 1981?

Hemos elegido que el mejor sitio para nuestros eventos sea SLOW CLUB

Barcelona. Este Club nos ha acogido maravillosamente bien y sentimos que

trabajar rodeados de un gran equipo es lo que queremos para nuestros eventos.

Así que podrás encontrarnos cada mes en Slow Club Barcelona.

Es posible que te estés preguntando que cualidades ha de tener un artista para

formar parte del Line up de Chicago 1981.

Primeramente que seas un artista que vibres y domines el género musical del

House, esto es imprescindible.

Artista: ELLIOT y LITO

127


Trendsetting Events: CHICAGO 1981

Personalmente, valoro mucho a los artistas que van a los eventos y hacen lo

posible por ganarse mi confianza y demostrarme que aman profundamente esta

profesión. Siento que el arte es pasión, no postureo, así que un artista me resulta

interesante por el esfuerzo e implicación que pone.

Comparto que los artistas que forman parte de “Mentalidad de éxito para DJs”

tienen asegurada su oportunidad de participación.

Así es que si deseas formar parte de uno de los Line up de Chicago te invito a que

vengas a vernos o me escribas al correo managerjoannacoronado@gmail.com

para iniciar el proceso de selección.

Información de puntos de venta y próximos eventos

En redes podrás ir viendo las fechas de los eventos.

Tenemos un grupo de Telegram llamado “People V3rtigo” donde informamos de

todos los eventos y de condiciones especiales para los participantes del grupo,

así como acceso a las fotografías de los eventos.

Aquí tienes enlace al grupo para poder acceder: “People V3rtigo”

Siempre generamos lista “People V3rtigo” para poder acceder al evento.

Artista: ELLIOT, NIC ALLEN y LITO

127


Trendsetting Events: CHICAGO 1981

Llegamos a ese punto donde hemos de despedirnos una vez más.

Deseo decirte que ha sido una gran satisfacción el poder hablarte de CHICAGO

1981.

Sin ti, mi querido lector, este viaje no seria posible, por ello te doy las

gracias por llegar hasta este punto de lectura y decirte que deseo verte

pronto en CHICAGO 1981 en SLOW CLUB BARCELONA

Y recuerda:

“Ayudar al que lo necesita no es solo parte del deber, sino de la

felicidad”


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Hot Releases

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PLASMAPOOL MASTERING VOL.22

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NUMB

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SQUAD 13

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SHONA RECORDS

ARCANA

TAKAHIRO YOSHIHIRA,

MEIRLIN

DRAGON RECORDS

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Cue & Play Academy: Capitulo 3

CURSO DE MEZCLA ANALÓGICA

Capitulo 3 : Tempo, Compás y Tonalidad

Bienvenidos al tercer capítulo de Cue & Play Academy. En este capítulo, nos

sumergiremos en el emocionante mundo de la mezcla analógica con vinilos.

Aunque esta técnica es tradicional, sigue siendo altamente apreciada en el

universo de la música electrónica. Aquí desglosaremos elementos clave como el

tempo, compás y tonalidad, y cómo estos interactúan en el contexto del vinilo.

También exploraremos la importancia de los auriculares y la preescucha, junto

con la identificación de puntos cruciales en una pista para realizar transiciones

fluidas.

Entendiendo el Tempo, el Compás y la Tonalidad

El Tempo

El tempo es una piedra angular en cualquier género musical, y en la mezcla de

vinilos, su comprensión es absolutamente crucial.

La música electrónica, por ejemplo,

suele caracterizarse por su tempo

rápido, que generalmente oscila entre

120 y 160 BPM (pulsos por minuto).

Controlar el tempo de cada pista te

permite realizar una técnica esencial

conocida como "beatmatching", que

exploraremos más adelante.

Herramientas recomendadas: Para

ayudarte a identificar y mantener el

tempo, puedes utilizar metrónomos

digitales, aplicaciones que calculan el

BPM de una pista y, por supuesto, tus

propios oídos, que se convertirán en tu

recurso más valioso con la práctica.

106


Cue & Play Academy: Capitulo 3

El Compás

Los compases son fundamentales en la música, ordenando el ritmo y

proporcionando predictibilidad al oyente. Se representan como fracciones al

principio del pentagrama y son esenciales tanto para músicos como oyentes.

Cada compás se compone de un número superior e inferior, como 4/4 (cuatro por

cuatro), indicando la cantidad y duración de las notas.

Los compases desempeñan un papel vital en la música al establecer la

Organización Rítmica y Facilitar la Composición.

Para entender los compases, es esencial comprender el pulso, que es la unidad

básica del ritmo. Contar los pulsos mientras escuchas música te permite

identificar el tipo de compás utilizado. Por ejemplo, si cambia cada dos pulsos, es

un compás 2/4; si cambia cada tres, es un compás 3/4, y así sucesivamente.

También es importante distinguir si la subdivisión del pulso es binaria o ternaria,

es decir, si se divide en grupos de dos o tres golpes. Esto puede ser

independiente del tipo de compás.

Ejercicio práctico: Escucha una

pista y trata de contar los

tiempos, identificando patrones

y considerando cómo podrías

utilizarlos en tus mezclas. Esto

te ayudará a desarrollar un

sentido natural del compás.

La Tonalidad

La tonalidad añade una capa adicional de complejidad a tus mezclas. Identificar la

tonalidad de cada canción es esencial para crear transiciones armoniosas. Al

mezclar temas en tonalidades compatibles, logras evitar choques sonoros y

conseguir que tu mezcla fluya de manera coherente. A esto se le llama mezcla

armónica. En nuestro caso al usar vinilos tendremos que consultar esta

información en la web.

Herramientas recomendadas: En caso de que además mezcles con tecnología

digital puedes utilizar software como "Mixed in Key" para detectar la tonalidad de

una pista escaneándola con este. Además, a medida que se desarrolle tu

entrenamiento auditivo podrás discernir las diferentes tonalidades por ti mismo.


Cue & Play Academy: Capitulo 3

La Mezcla Armónica

La mezcla armónica es la técnica de mezclar pistas o dos canciones (ya

sea usando sistemas digitales como discos de vinilo) que comparten el

mismo tono, tonalidades relativas o relaciones

subdominante/dominante, para lograr transiciones suaves y armónicas

en a la hora de realizar la mezcla. Esta técnica evita la disonancia y

permite crear mashups coherentes en cualquier género musical.

Se abordan métodos tradicionales y avanzados, incluyendo la

identificación de la clave armónica o KEY mediante instrumentos como

el piano y la consideración de diversos modos musicales (eólico, jónico,

lidio, mixolidio, dórico y frigio) que permiten variaciones armónicas más

complejas. La importancia se pone en las notas de la escala más que en

el tónico, ampliando las posibilidades de mezcla.

Un elemento clave para realizar este tipo de técnica es el uso de la

rueda de Camelot, una herramienta gráfica que representa las 12

tonalidades mayores y menores, facilitando la identificación de

tonalidades compatibles para la mezcla. Enfatizamos en la relevancia de

tratar de realizar siempre mezclas armónicas para mejorar la calidad de

las sesiones y demostrar un entendimiento y comprensión musicales

profundos

Para hacer una

mezcla armónica, las

dos canciones deben

tener tonalidades

contiguas en esa

rueda (arriba, abajo,

derecha, izquierda;

nunca en diagonal).

Por ejemplo: Mi

mayor y Re♭ menor.

O también, 5 saltos a

izquierda o derecha.

Por ejemplo: Fa ♯

menor y Sol menor

108


Cue & Play Academy: Capitulo 3

Utilizando Auriculares y la Preescucha

Los auriculares son mucho más que un accesorio; son una herramienta de trabajo

esencial para cualquier DJ. La preescucha te permite escuchar una pista antes de

que llegue al público, lo cual es fundamental para ajustar niveles, hacer "cueing"

(preparar la siguiente pista usando el cue) y asegurarte de que todo esté listo

para la siguiente transición.

Consejos:

- Aprende a mezclar con un solo

auricular. Esto te permitirá liberar un

oído para escuchar la pista que está

sonando en el público, lo que es

especialmente útil en clubes ruidosos.

- Si tu mezcladora lo permite, utiliza la

función de "split cue". Esto te permite

escuchar una pista en un oído mientras

preescuchas la siguiente pista en el otro

oído, facilitando la alineación de los

beats.

Recomendaciones

Recomendaciones técnicas que te recomendamos que tengas en cuenta a la

hora de comprar unos auriculares para pinchar es que estos sean dinámicos,

cerrados, con una impedancia de 70 Ohmios, SPL máx.: 120dB (1kHz, 1Vrms), con

una respuesta de frecuencia de 16 - 22000Hz, THD (1kHz) <0,3%, y una capacidad

de carga de 200mW.

Marcas y modelos recomendados

A la hora de adquirir unos auriculares para mezclar está es nuestra selección:

Auriculares profesionales Sennheiser HD 25: Sin duda estos auriculares son

una elección excelente para debido a su calidad y durabilidad a un precio más

que asequible. Respaldados por multitud de profesionales de la industria,

tienen un cable de acero resistente y auriculares abatibles ideales para

monitorizar con un solo oído. Ofrecen graves sólidos y agudos suaves para

sesiones de escucha prolongadas.

109


Cue & Play Academy: Capitulo 3

Auriculares profesionales Pioneer

DJ HDJ X10: La segunda

recomendación que te traemos son

los auriculares Pioneer HDJ X10. Son

duraderos y flexibles, ideales para la

vida en la carretera. Tienen un

revestimiento resistente al sudor y

son cómodos. Ofrecen una calidad

de sonido excepcional con un amplio

rango de respuesta en frecuencia,

aunque los graves pueden ser un

poco planos. Son una buena elección

si valoras la durabilidad y la calidad

del sonido, pero pueden no ser

ideales si necesitas graves más

potentes para ciertos estilos de

música.

Auriculares profesionales Audio

Technica ATH M50X: Nuesta

tercera recomendación es una sólida

elección. Ofrecen una excelente

calidad de sonido con graves

profundos y agudos claros gracias a

los transductores de neodimio.

Tienen un cable desmontable que se

bloquea para evitar tirones

accidentales y vienen con múltiples

cables y almohadillas reemplazables.

Se ajustan bien para bloquear el

ruido exterior y permiten la

monitorización del DJ al girar hasta

90 grados. ofrecen una calidad de

sonido estupenda y gran durabilidad

a un precio razonable.

Auriculares profesionales V Moda

Crossfade M-100 Master Hi-Res: Los V

Moda Crossfade M-100 Master Hi-Res son

nuestra última recomendación. Ofrecen

una calidad de sonido excepcional con

transductores de doble diafragma y una

amplia respuesta de frecuencia. Son

versátiles, aptos para monitoreo en el

estudio, juegos y escuchar música en casa,

y son portátiles gracias a su diseño

plegable y estuche reforzado. Aunque no

son los más baratos de los que te hemos

presentado, con un precio de cerca de

200€, son una inversión que puedes probar

en el sitio web de V-Moda con una prueba

gratuita de 60 días.

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