L'AQUARELLE PAR LA PRATIQUE TECHNIQUES ET PAS À PAS

L'AQUARELLE PAR LA PRATIQUE
TECHNIQUES ET PAS À PAS
Frédéric Massie / Catherine Dô-Duc / Auto-Édition © 2013

L'AQUARELLE PAR LA PRATIQUE / TECHNIQUES ET PAS À PAS
« Une aquarelle n'est pas une histoire,
c'est la traduction d'une sensation,
d'un souvenir, d'un état d'âme. »
Hugo Pratt
©
La reproduction, intégrale ou
partielle, de ce cours et des pas à
pas, (textes et photos) et leur diffusion
par voie électronique, sont autorisées
uniquement à l'usage privé des
lecteurs et à des fins non commerciales,
tant que les informations relatives au copyright
et à la provenance sont clairement
indiquées.
© 2013 Frédéric Massie
Catherine Dô-Duc
Ce cours d'aquarelle, d'abord édité
sous la forme d'un site internet, a été
récompensé en 1999 par un Net
d'argent décerné par France Télécom.
SOMMAIRE DU COURS
D'AQUARELLE
• 2000 ans d'histoire
• Le matériel
• La couleur
• Lavis et camaïeu
• Technique humide ou
sèche
• Produits de masquage
• Techniques avancées
• Textures par grattage et
frottement
PAS À PAS
• Un bouquet de fleurs
• La Façade d'un château et
comment faire vivre vos
verts
• Une aquarelle orientaliste
• Peindre une cascade
Aquarelles et photographies
© 2013 Frédéric Massie
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M
L'AQUARELLE PAR LA PRATIQUE / TECHNIQUES ET PAS À PAS
ême si l'on ne peut pas encore parler
d'aquarelle au sens actuel du terme,
l'association de pigments et d'eau se retrouve
sur les premières expressions artistiques au
temps de la Préhistoire. Cette technique est
pourtant extrêmement ancienne, puisque l'on
pense qu'elle était déjà utilisée au temps des
Égyptiens. Mais ce n'est en fait qu'à partir du
Xe siècle que l'aquarelle se répandit en Europe,
même si au départ elle était considérée
plutôt comme un médium destiné à l'esquisse
ou à l'enluminure que comme une technique
artistique à part entière. Il faudra attendre le
XVIIIe siècle pour que des peintres, l'utilisent
comme médium principal dans leurs compositions
originales. L'aquarelle avait alors une fâcheuse
tendance à se ternir, jusqu'à ce qu'on
lui ajoute de la résine d'acacia exotique afin
d'obtenir une meilleure solidité des pigments.
L'aquarelle est souvent associée aux paysagistes
anglais. Pourtant, Hollandais, Français
et Italiens ont abondamment utilisé ce médium
dans leurs compositions tout au long
des XVIIIe et XIXe siècles.
De grands peintres impressionnistes, puis
plus tard les maîtres de la peinture moderne,
ont volontiers fait appel à cette matière qui
lorsqu'elle est traitée avec beaucoup de métier
permet d'obtenir des effets de transparence
rivalisant avec l'huile ou la gouache.
2000 ans d'histoire
Aujourd'hui, c'est une technique très appréciée
des illustrateurs (encyclopédies) et des
artistes topographiques (architecture).
L'art de la substitution
Le principe de base est de substituer la couleur
blanche du papier au tube de peinture
blanche. L'aquarelle fait donc appel à un jeu
de transparences et de réserves qui nécessite
une perception très précise des différents
niveaux de couleurs. Vous ne serez pas étonné
de découvrir des aquarellistes en train de
cligner des yeux pour mieux apprécier la succession
des plans colorés. Ce principe implique
un ordre de travail en couches basé
sur une progression de la teinte la plus claire
vers la teinte la plus foncée. Le repentir tel
qu'on le pratique dans la peinture à l'huile ou
la gouache opaque est pratiquement impossible.
Tout au mieux peut-on atténuer une
couleur trop vive. Il est même de bon ton de
conserver visible l'esquisse au crayon qui sert
de guide à l'application des couleurs.
Une technique ouverte à tous
Un des grands avantages de l'aquarelle est
certainement de permettre l'accès à une ex-
pression artistique à des personnes spontanées
que la perspective d'une technique fastidieuse
et longue éloigne de toute pratique
picturale. Le peintre aquarelliste peut effectivement
interrompre à tout moment son travail
et le reprendre plus tard, sans grande conséquence,
hormis le séchage des couches, notamment
lors du travail sur papier humide.
C'est le médium idéal pour le promeneur ou
le voyageur. À cet égard, il suffit d'avoir l'occasion
de feuilleter les carnets de croquis des
grands peintres des XVIII e et XIX e siècle pour
apprécier l'apport de l'aquarelle à leur œuvre,
qu'il s'agisse de la découverte du Maroc par
Delacroix ou des voyages initiatiques dans
les Pyrénées de Viollet le Duc.
Visiter les musées
L'aquarelle est généralement pratiquée sur de
petits formats, des dimensions de 50 x 60 cm
constituant déjà une prouesse pour aquarelliste
confirmé. Nous ne pouvons que vous encourager
à aller visiter les musées (Louvre,
Carnavalet, Orsay, Musée Gustave Moreau
pour les Parisiens) où sont exposées les
créations des peintres des XVIII e , XIX e et XX e
siècles. Le remarquable état de conservation
de ces peintures est une preuve de la qualité
des pigments, surtout pour des œuvres
conservées dans les règles de l'art (précautions
contre les ultra-violets, hygrométrie et
température contrôlées...) L'aquarelle que
vous allez utiliser est, comme autrefois, basée
sur des pigments broyés extrêmement fin
associés à de la gomme arabique en guise de
liant afin de favoriser une bonne concentration
de la couleur et une meilleure résistance
à long terme.
LES AUTEURS
Frédéric est journaliste
indépendant, artiste-auteur. Il a
publié plusieurs ouvrages sur les
antiquités aux éditions First et a été
directeur de collection aux éditions
Adam Biro.
Catherine, après avoir été
traductrice et éditrice
indépendante, est aujourd'hui
chargée d'édition dans une société
spécialisée dans les livres
professionnels (principalement
management, industrie,
technique...).
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Le choix du matériel est primordial non seulement
pour le confort de l'artiste, mais aussi
pour obtenir des résultats à la hauteur de vos
espérances. Comme nous l'avons dit dans la
présentation, s'équiper pour pratiquer l'aquarelle
ne nécessite pas un investissement trop
important.
Le matériel indispensable au
débutant
a: Ces pinceaux démontables peuvent se ranger
dans une petite boîte d'aquarelle.
b: Un stylo à encre de Chine est toujours
utile pour rehausser un paysage de quelques
traits vigoureux.
Le matériel
c: Très important pour l'esquisse, un critérium
avec une mine 2H, ou des crayons classiques.
d: Une palette en plastique ordinaire trouvera
sa place sur votre plan de travail.
e: Munissez-vous de quelques godets en
plastique pour contenir l'eau.
f: Très utiles aussi, des éponges naturelles ou
synthétiques.
g: Le choix de la boîte d'aquarelle dépend
évidemment de votre budget, car on peut en
trouver de très simples comportant de petits
godets de couleurs de base, mais aussi des
plus sophistiquées à 24 godets. Quant à moi,
j'utilise indifféremment des aquarelles de
marque Rowney, Tallens (Rembrandt),
Schmincke et Lefranc-Bourgeois, toujours
sous la forme de boîtes métalliques à godets.
h: Indispensable aussi, un large pinceau en
petit-gris, monté sur plume, disposant d'une
bonne réserve de couleur pour les fonds. Très
souple, il comportera une pointe parfaite
comme ceux employés en calligraphie chinoise.
Autres pinceaux très utilisés, des modèles
fins en martre de différentes tailles pour
dessiner les petits éléments.
i: On se servira aussi parfois de grattoirs ou
de lames de cutter pour retoucher des détails
ou au contraire créer des effets.
j: On utilisera une gomme douce pour effacer
les traits de l'esquisse au crayon.
k: Certains peintres préfèrent l'aquarelle en
tube car elle permet de préparer une palette
spécifique avant chaque projet.
Si les "as" de l'aquarelle peuvent se vanter de
savoir instinctivement garder des réserves de
blanc dans leur composition pour simuler
cette couleur que les aquarellistes réprouvent
en tant que matière (à titre anecdotique, il paraît
que les tubes d'aquarelle blanche sont
parmi les plus vendus dans le commerce), les
débutants seront très contents de s'adjoindre
l'aide d'un liquide à base de latex comme par
exemple le "Grafigum" de Lefranc-Bourgeois,
qui sert à protéger les zones qui devront rester
blanches. Quand l'aquarelle est sèche, il
suffit de frotter légèrement avec le doigt pour
retirer cette matière protectrice et retrouver la
couleur du papier. J'avoue quant à moi utiliser
parfois un peu de gouache blanche pour retrouver
artificiellement la virginité du papier
que j'ai malencontreusement déflorée.
Un exemple de palette complète
Blanc de Chine
Jaune cadmium citron
Jaune cadmium clair
Gomme-gutte
Orange cadmium
Rouge cadmium clair
Rouge cadmium
Laque garance foncée
Bleu cobalt
Outremer foncé
Bleu ceruleum
Bleu Rembrandt
Vert émeraude
Vert Rembrandt
Vert de vessie
Ocre jaune
Terre Sienne
Rouge anglais
Terre Sienne brûlée
Terre ombre
Terre ombre brûlée
Sépia
Gris de Payne
Noir d'ivoire
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Se constituer la palette idéale qui correspondrait
à tous les goûts et à tous les tempéraments
est en fait une vue de l'esprit. En
revanche, essayer d'associer un certain
nombre de couleurs véritablement complémentaires
est à la portée du débutant.
La liste de couleurs que nous vous proposons
ci-dessus peut être considérée comme le mi-
nimum avec lequel vous pourrez travailler efficacement
en toutes circonstances.
Deux bleus sont indispensables: le bleu outremer
et le bleu intense ou bleu de ceruleum
qui se rapproche du bleu primaire. Pour ce
qui est des verts, nous avons choisi, outre
l'inévitable vert émeraude, un joli vert de vessie
clair et un vert de Hooker assez dense
qui, mélangé avec de l'ocre jaune ou du jaune
de cadmium, va vous permettre de créer
toute une gamme de tonalités naturelles
d'herbes et de feuillages. Côté terres, nous
avons opté pour la terre d'ombre brûlé (foncée)
qui, outre ses qualités naturelles, vous
permet, ajoutée à d'autres teintes, de créer
des ombrages tout à fait satisfaisants. La
terre de sienne brûlée fait aussi partie des
couleurs indispensables. Voyons maintenant
les jaunes. Essayez, en particulier, de choisir
un bel ocre jaune bien dense et lumineux.
Vous ajouterez aussi un beau jaune citron
pour travailler les verts à tendance froide. Un
jaune de cadmium ou un gomme gutte serviront
de transition vers l'orange de cadmium
dont vous vous apercevrez que vous aurez
souvent l'utilisation en petite quantité pour
compléter vos couleurs (travail sur les ciels,
les sols et les feuillages). Un rouge de cadmium
et un rouge indien devraient aussi suffire
tout en complétant efficacement un
carmin d'alizarine et un laque pourpre qui,
s'ils ne semblent pas à première vue être utilisables
tout seuls, entreront dans de nombreux
mélanges pour obtenir des couleurs
sophistiquées. Enfin, préférez un gris de
Payne au noir d'ivoire si vous n'avez plus de
place dans votre boîte. Bien sûr, vous n'utiliserez
officiellement pas de blanc puisque
c'est la couleur naturelle du papier épargné
qui en fera office!
Le papier pour l'aquarelle
Le papier à grain fin est, comme son nom
l'indique, idéal pour un dessin très précis, surtout
dans les détails. Il s'adapte plus volontiers
au travail à la plume rehaussé de
couleurs à l'aquarelle. Débutant s'abstenir car
il ne retient pas l'eau et s'avère totalement réfractaire
aux techniques humides.
Le papier à grain moyen est idéal pour s'initier.
Sa légère rugosité s'adapte bien à l'aquarelle.
La peinture se dépose avec plus de
liberté, donnant des effets aléatoires tout à
fait intéressants.
Dernier de la liste, le papier à grain épais
nécessite un bon entraînement pour maîtriser
les variations de matière obtenues. Il est recherché
pour obtenir des effets de matières
prononcés. Notamment cette brillance particulière
des couleurs due au contraste entre
les creux qui conservent la couleur naturelle
du papier et la couche picturale en surface.
Nous ne ferons pas de publicité pour une
marque particulière. En revanche, on peut
conseiller au débutant de rendre visite à son
magasin de beaux-arts préféré et de se faire
expliquer les différentes sortes de papier disponibles.
Les beaux papiers se vendent généralement
en feuilles à l'unité, format raisin,
ce qui vous permet à moindre coût d'en essayer
plusieurs avant de vous décider pour
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celui qui vous conviendra le mieux. Les débutants
choisiront un papier à grain moyen si
possible en bloc aux tranches encollées, ce
qui permet de supprimer l'étape de la préparation.
Lorsque vous coupez vos feuilles de
papier aquarelle, gardez précieusement les
chutes, car elles vous serviront pour tester
vos mélanges de couleurs.
Formats courants de papier en France :
Raisin : 50 x 65 cm
Jésus : 56 x 76 cm
Petit Aigle : 60 x 94 cm
Double raisin : 65 x 100 cm
Grand Aigle : 75 x 105 cm
Préparation des feuilles de papier
aquarelle
Le papier aquarelle est destiné à recevoir
beaucoup d'eau et donc risque, s'il n'est pas
préparé avec soin, de se gondoler désagréablement
en cours de travail. Pour éviter cela,
on imbibe le papier d'eau à l'avance puis on
le tend sur une planche de bois suffisamment
épaisse pour ne pas souffrir de l'excès d'humidité.
Les bords de la feuille sont ensuite
collés sur la surface de bois à l'aide de
bandes de papier gommé.
En séchant, le papier se tendra et sera beaucoup
plus résistant pour la suite de votre travail.
Selon le mode de peinture adopté, à sec
ou humide, on attendra plus ou moins longtemps
avant de commencer à peindre. Comptez
au moins une nuit pour obtenir une feuille
parfaitement sèche prête à l'emploi.
Pratique pour les peintres nomades, le papier
aquarelle en bloc pour travailler en plein air.
Comment perçoit-on les couleurs? La perception
de la couleur en peinture est certainement
l'un des phénomènes les plus
complexes à appréhender. Fixez longuement
une tache de couleur rouge puis fermez les
yeux : vous vous apercevrez que ce n'est pas
une trace rouge qui est présente sur la rétine,
mais bien une forme de la couleur complémentaire
du rouge - en l'occurrence du vert.
Le philosophe du XIX e siècle William James
affirmait ainsi que "tandis qu'une partie de ce
que nous percevons vient de l'objet par l'intermédiaire
de nos sens, une autre partie, peutêtre
la plus importante, vient ... de l'intérieur
de notre tête."
Newton découvre les couleurs
fondamentales
En fait, l'œil humain ne perçoit que des sensations
de couleurs rayonnant à partir de l'objet
regardé. Une orange est vue de couleur
orange parce que les cônes (prolongements
de certaines cellules visuelles de la rétine,
sièges de la vision colorée - déf. Larousse)
correspondant à l'orange sont stimulés plus
fortement que ceux correspondant à d'autres
couleurs. Autre expérience connue: lors des
tests de consommation pour définir avec plus
La couleur
d'exactitude quelle sensation de goût va ressentir
un individu devant un aliment, on illumine
entièrement en rouge toute la table sur
laquelle est posé le fruit ou le gâteau. Ainsi, le
testeur n'est pas influencé par la couleur de
l'objet qui peut modifier son goût avant même
que ses papilles n'aient ressenti réellement
l'aliment. Il est bien connu que deux morceaux
de sucre identiques, l'un coloré en
rouge, l'autre coloré en vert, donneront deux
goûts différents lors de leur ingestion.
En physique, la lumière qui nous entoure, et
qui nous paraît blanche, est le résultat d'un
mélange parfait entre les trois couleurs fondamentales
que sont le rouge, le vert et le bleu.
Dans certaines circonstances, ces composantes
réapparaissent : c'est ce qui se produit
lorsqu'on est face à un arc-en ciel. C'est Isaac
Newton, en 1666, qui le premier mit en évi-
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dence ce phénomène en faisant passer un
rayon de lumière blanche au travers d'un
prisme réfringent (qui provoque le changement
de direction d'une onde). Il s'aperçut
alors que le rayon blanc était en fait composé
de trois rayons distincts, avec les trois couleurs
fondamentales de la lumière (rouge, vert
et bleu). En outre, il découvrit qu'en ajoutant
un prisme sur le trajet de ces trois couleurs, il
obtenait une lumière blanche. Plus tard, en
1730, un graveur allemand du nom de Jakob
Le Blon, comprit à son tour qu'il existait une
relation entre les composantes de la lumière
et les pigments de couleur utilisés en peinture.
Il démontra que n'importe quelle couleur
pouvait naître de trois pigments primaires: le
Magenta, le Jaune et le Cyan. Ce principe est
basé sur la synthèse soustractive des couleurs
car si l'on superpose plusieurs pigments
distincts, les couleurs absorbent la lumière et
se fondent en un gris foncé.
Familles de couleurs
L'utilisation de pigments appartenant aux familles
des couleurs chaudes ou des couleurs
froides permet d'obtenir une infinité de
nuances destinées à modeler l'espace en accentuant
la lumière tout en jouant sur la profondeur.
Couleurs froides
Sur ce dessin ci-contre constitué d'une série
de lavis de vert, réalisés en mélangeant du
bleu de ceruleum, du vert de vessie, du jaune
de cadmium, du sépia et de la terre brûlée, on
dénote une ambiance lumineuse même si
l'aquarelle reste relativement sombre. Les
couleurs mélangent les tonalités froides (vert)
avec une multitude de points de couleurs
chaudes (jaune, orange et rouge) donnant
ainsi une intensité lumineuse à l'image.
Couleurs chaudes
Dans ce deuxième paysage représentant un
village du Soudan, le parti pris des couleurs
plus chaudes est évident. Même si le rendu
reste lui aussi relativement foncé puisqu'il
s'agit d'un village de cases au lever du jour.
Réalisé exclusivement avec du bleu de céruleum,
du jaune d'ocre, du sépia, de la terre
d'ombre brûlée et du rouge de cadmium, le
décor est beaucoup plus étendu que dans
l'image précédente et il dégage une impression
de chaleur obtenue grâce au mélange de
couleurs chaudes et à l'utilisation de complémentaires
pour créer les zones d'ombres.
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Couleurs complémentaires
Jaune -------> Violet
Rouge --------> Vert
Bleu ------> Orange
L'association des couleurs complémentaires
au sein d'une même composition (notamment
pour accentuer les ombres) procure
d'agréables sensations de contrastes, augmentant
ainsi la luminosité générale du dessin.
Cézanne fut certainement l'un des plus
grands artistes à pratiquer cette association
de couleurs complémentaires au sein de ses
natures mortes à l'aquarelle. Il utilisait des
couleurs presque pures pour augmenter ces
effets de contrastes.
L'œil du peintre
Pour nous résumer, nous dirons qu'il existe
tout d'abord les trois couleurs primaires (le
rouge, le jaune et bleu), des couleurs pures
qui permettent en se mélangeant d'élaborer
un grand nombre d'autres couleurs (communément
appelées couleurs secondaires). En
mélangeant couleurs primaires et secondaires,
on obtient alors des couleurs dites tertiaires
(par exemple, essayez de mélanger du
jaune et de l'orange). En mettant en relation
tous ces éléments, on construit un cercle dit
chromatique qui détermine les couleurs
froides et les couleurs chaudes. Les couleurs
froides étant situées du côté où prédominent
le bleu et le vert, les couleurs chaudes,
comme leur nom l'indique, correspondant aux
tons comportant du jaune du rouge. D'après
ce principe, il serait donc facile d'obtenir
toutes les couleurs présentes dans la nature
à partir uniquement du rouge, du jaune et du
bleu. En réalité, le peintre est obligé de s'adjoindre
un grand nombre de tubes de couleurs
spécifiques qui lui permettront de se
rapprocher de ce que son œil peut voir tout
en se simplifiant la vie.
L'aquarelle étant une technique basée sur
des transparences, on comprendra d'autant
mieux la nécessité de disposer d'un nombre
conséquent de tubes organisés en teintes
plus ou moins proches les unes des autres. À
ces notions élémentaires s'ajoutent la valeur,
la teinte et la saturation des couleurs. L'aquarelle
bénéficie au départ d'une intensité exceptionnelle,
de par sa transparence. Basée
sur le principe de la synthèse soustractive,
elle consiste en quelque sorte à dissoudre la
lumière en superposant des couches plus ou
moins transparentes de couleur. C'est au fur
et à mesure que ces couches "s'empilent"
que les couleurs foncent.
P: couleurs primaires
S: couleurs secondaires
T: couleurs tertiaires
Pour analyser et comprendre la couleur d'un
objet, il faut distinguer plusieurs facteurs qui
vont conduire l'artiste à la réflexion. La teinte
correspond à la couleur réelle du sujet, par
exemple de la gelée de groseilles rouge ou
des pommes vertes. La valeur indique si une
couleur est plus ou moins claire ou foncée.
Elle est intimement liée à la quantité de lumière
qui éclaire le motif. Comparez une
pomme placée en plein soleil ou à l'ombre
d'un coin de placard. La saturation désignera
le niveau de pureté d'une couleur. Ainsi,
l'aquarelle, qui utilise les transparences, se
base sur une couleur peu saturée. Toutes ces
notions sont évidemment intéressantes à
connaître mais, vous le constaterez, n'interviendront
que de façon souvent inconsciente
dans votre choix au moment de l'interprétation
d'un paysage ou d'une nature morte.
Vous vous laisserez plus volontiers guider par
ce que vos sens vous proposeront et peutêtre
même par l'instinct plutôt que par des
comparaisons sophistiquées, roue chromatique
en main. Si vous êtes intéressé par tout
ce qui touche à la couleur vous pouvez vous
procurer les livres des éditions Dessain et Tolra
qui traitent plus précisément de ce sujet.
Cette collection est généralement bien faite et
comporte de nombreux exemples explicatifs à
la portée de tous.
Aux dires des scientifiques, nous
organisons les couleurs que nous
voyons à travers le contraste de
toutes les longueurs d'onde qui
composent la scène que nous avons
sous les yeux. Et pourtant, la
couleur est une expérience
subjective. Lorsque l'œil regarde en
direction d'un objet coloré, il
produit en même temps des
sensations de la couleur
complémentaire.
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Le principe du lavis consiste à colorier un
dessin avec des couleurs diluées dans de
l'eau. Cette façon de procéder est basée sur
la transparence et donc oblige le peintre à travailler
en partant des couches les plus claires
pour terminer avec les teintes plus foncées.
Elle repose sur une analyse détaillée du dessin
avant de commencer car le repentir, s'il
n'est pas totalement impossible, reste délicat.
N'oublions pas que le seul blanc mis à la disposition
du peintre est celui du papier. Réussir
une aquarelle passe donc par une phase
d'apprentissage des techniques de lavis.
Votre premier lavis
Pour vous entraîner à cet exercice périlleux
nous allons réaliser des aplats représentant le
ciel d'une future composition. Ainsi vos essais
trouveront leur utilité par la suite. Divisons
donc une feuille (format 21x29,7 minimum
disposée dans le sens de la largeur) en deux
parties égales par un trait de crayon léger
dessiné. La partie haute sera consacrée au
ciel. Suivez maintenant les étapes et vous
saurez pratiquer un lavis traditionnel.
Commencer par diluer votre peinture, en l'occurrence
du bleu (celui de votre choix) dans
un godet. Préparez suffisamment de couleur
pour ne pas avoir à en refaire en cours de tra-
Lavis et camaïeu
vail. Vous n'obtiendriez jamais exactement la
même teinte et surtout votre dessin aurait le
temps de sécher, ce qui occasionnerait des
cernes inesthétiques.
Chargez bien votre pinceau (taille moyenne)
de couleur diluée et tracez une première ligne
le long de votre feuille.
La seconde bande sera tracée immédiatement
en sens inverse de la précédente en
prenant bien soin que leur jonction disparaisse
naturellement avec le mouvement de
va et vient. Vous constaterez que la peinture
a tendance à s'accumuler vers le bas de votre
bande. Ceci est d'autant plus visible que vous
aurez légèrement penché la feuille vers vous
sur un support en bois rigide.
Continuez ainsi rapidement afin d'obtenir un
aplat de bonne qualité. Aucune importance si
vous repérez quelques imperfections ici et là :
c'est à la fois un défaut et une qualité de
l'aquarelle que de devoir une part de sa réussite
au hasard.
Pour les très grandes surfaces, on remplacera
le pinceau par une éponge imbibée de couleur.
Laissez sécher ce premier essai et notez les
maladresses disgracieuses pour essayer de
les corriger lors des essais suivants. Vous
constaterez aussi que la couleur une fois
sèche a tendance à ternir. Un élément qu'il
faut prendre en compte lors de la création du
lavis.
Un paysage en camaïeu
S'il est une technique qui permet de s'imprégner
totalement des nuances d'un sujet, c'est
bien le camaïeu. Basée sur l'utilisation des
différentes tonalités, du plus clair au plus foncé,
d'une même couleur, cette méthode est
idéale pour s'essayer à la maîtrise des
contrastes entre zones d'ombre et de lumière.
En utilisant une seule couleur on ne peut plus
jouer sur la complémentarité ou les effets de
profondeur obtenus en juxtaposant des couleurs
chaudes et froides. Seuls le dessin et la
lumière vont vous permettre d'interpréter ce
que vous avez sous les yeux, qu'il s'agisse
d'un paysage sur le vif ou d'un travail d'après
photo. Je vous conseille vivement de jeter un
œil sur les dessins des grands maîtres français
du XVIII e siècle. Ceux-ci utilisaient volontiers
le camaïeu pour mettre en valeur leur
sujet.
Le petit paysage ci-dessous, bien que simple
en apparence, est un bon exercice d'interprétation
d'une photo. Réalisé en moins d'une
heure, il est représentatif de ce que vous devez
pouvoir obtenir rapidement après
quelques essais. Nous vous proposons une
chronologie à respecter pour votre travail afin
de mettre toutes les chances de votre côté.
1) Essayez de peindre sur un papier teinté,
par exemple un gris soutenu ou un sépia qui
feront une bonne base pour votre futur dessin.
Vous pouvez aussi créer vous-même
votre fond de couleur avec un lavis uni ou un
dégradé de votre choix. Utilisez par exemple
du sépia ou du brun mais pas du noir qui est
trop froid pour ce type de dessin, à moins de
vouloir se rapprocher du style bande dessinée.
Dans ce dernier cas l'encre noire sera
parfaite pour le travail à la plume rehaussé de
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gris divers. Pour vous donner une idée des
couleurs utilisées en camaïeu, voici trois
exemples différents de notre paysage. Celui
du milieu est certainement le plus classique
puisqu'il s'agit du fameux sépia.
2) Pour une fois, oubliez votre crayon et essayer
de poser à vue les zones les plus foncées
pour composer votre croquis à la
manière d'un négatif photographique.
3) C'est au tour des zones les plus claires
d'être mises en place sur votre papier. Normalement,
vous devriez maintenant obtenir
un dessin efficace et contrasté.
4) Modelez doucement votre tableau en ajoutant
d'autres tonalités plus ou moins proches
mais toujours en vous fondant sur vos deux
teintes de base (foncée et claire). N'essayez
pas de mettre trop de détails, c'est le type
même de dessin qui doit rester tout en
nuances. C'est au spectateur de deviner et
non pas à vous de lui imposer un document
trop chargé de réalisme. Pensez votre paysage
à travers une sorte de brume qui estomperait
les éléments du décor.
5) Les parties très ombrées, presque dans
l'obscurité, sont faites en dernier en ajoutant
très peu de noir à la couleur de votre camaïeu.
Voici pour finir la définition que le célèbre Manuel
Roret donne du camaïeu : "Genre de
peinture d'une ou de deux couleurs seulement.
On appelle grisaille un camaïeu peint
en gris. Dans les camaïeux on observe la dégradation
des teintes, pour les choses éloignées,
par l'affaiblissement du clair et de
l'obscur comme avec le crayon. On peut aussi
mettre au rang des camaïeux les peintures
de clair obscur, qui sont de blanc et noir et
sans aucune couleur. Cette dernière sorte de
peinture est employée pour représenter des
bas-reliefs de marbre ou de pierre blanche."
Technique sèche
Technique humide ou sèche
L'artiste qui pratique l'aquarelle basée sur ce
procédé attend que chaque couche de peinture
soit sèche avant d'en appliquer une autre
en superposition. Les couleurs sont donc bien
nettes et de nouvelles couleurs sont créées
par superposition. Ainsi, si vous commencez
par faire un aplat jaune sur lequel vous rajoutez
des bandes bleues, vous verrez alors apparaître,
par superposition, une couleur verte.
On peut aussi parler de technique humide sur
sèche, puisque l'aquarelliste utilise les couleurs
fraîches donc humides puisqu'imprégnées
d'eau sur un fond sec. Technique humide sur humide
À l'inverse de la technique précédente, ici,
l'aquarelliste va travailler en permanence sur
un fond humide. Ce qui veut dire qu'il peut
soit imbiber son papier d'eau et poser délicatement
de la couleur qui va s'étendre au
contact de l'eau, soit appliquer directement
une première couleur sur un papier sec.
Sans attendre que cette première couche soit
sèche, vous pourrez continuer de travailler les
superpositions. Les couleurs vont alors se
fondre entre elles en créant des halos plus ou
moins contrôlés qui font tout le style de ce
type d'aquarelle.
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L'AQUARELLE PAR LA PRATIQUE / TECHNIQUES ET PAS À PAS
1. Technique sèche
Cette première méthode, plus abordable pour
le débutant, est basée sur l'application des
couleurs directement sur un papier (en bloc
ou feuilles séparées) totalement sec. Les couleurs
adhèrent au grain du papier, sans
s'étendre, saigner ni baver, donnant un effet
de précision des contours. Ce procédé nécessite
une maîtrise parfaite du dessin préparatoire
(zones de couleur bien délimitées) et
s'adapte plus volontiers à un style figuratif,
notamment pour le paysage "topographique",
l'illustration animalière ou la nature morte
descriptive. Pour ceux qui connaissent déjà
l'aquarelle pour être allés visiter des galeries
de peinture, c'est le mode de travail utilisé par
les très célèbres aquarellistes anglais. Je
vous conseille d'ailleurs de feuilleter l'ouvrage
consacré à ces artistes : Le siècle d'or de
l'aquarelle anglaise (1750-1850), par Gérald
Bauer, éditions Bibliothèque de l'image.
Règles d'or
Je vous propose une liste de conseils à suivre
si vous voulez travailler en utilisant la technique
humide sur sec.
Soignez vos croquis
Comme cette technique permet une assez
grande précision, je vous engage à soigner
votre croquis au crayon. Celui-ci sera aussi
précis que possible, et assez fin si vous voulez
que le trait disparaisse sous la couleur.
C'est le cas généralement des aquarellistes
anglais. En revanche, si comme Signac vous
voulez que votre trait fasse partie intégrante
de la peinture, utilisez un crayon gras et allezy
franchement.
Du clair vers le foncé
Vous allez travailler en gardant toujours à
l'esprit qu'il faut partir de la couche la plus
claire pour terminer par la couche la plus foncée,
en prenant bien soin d'épargner ou de
protéger les zones destinées à rester
blanches ou très claires. Comme par exemple
des herbes vert clair se détachant sur
d'autres herbes vert foncé.
Bien connaître sa palette
Si vous utilisez des couleurs en tubes, préparez
votre palette complète à l'avance. Comme
vous allez travailler avec des superpositions
qui créeront elles-mêmes de nouvelles
teintes, il est impératif de bien maîtriser les
mélanges. Entraînez-vous sur des échantillons
de papier. Si vous utilisez des couleurs
en godets, fabriquez-vous un nuancier que
vous garderez auprès de vous lorsque vous
travaillerez. Gardez les couleurs dans le
même ordre sur votre palette, ce qui vous facilitera
la tâche au fur et à mesure que vous
vous habituerez aux différents mélanges.
Des accessoires utiles
Vous pouvez vous aider d'un séchoir à cheveux
pour accélérer le séchage des différentes
couches, si vous travaillez en intérieur.
Ayez sous la main deux gobelets : un d'eau
propre, un autre pour nettoyer les pinceaux.
Gare à la précipitation !
La technique humide sur fond sec demande
de la patience et de la maîtrise de soi et de
son travail.
Nous ajouterons à cette liste de conseils pratiques
la nécessité de vraiment maîtriser les
mélanges de couleurs entre elles. L'écueil
souvent rencontré par les débutants, qui les
conduit au découragement voire à l'abandon
de cette technique si lumineuse et vivante,
est l'association inopportune de couleurs non
adaptées à des mélanges, qui produisent de
vilaines teintes grisâtres.
Je vous déconseille par exemple, au début,
de mélanger plus de deux couleurs entre
elles, que ce soit des couleurs primaires avec
des secondaires ou des secondaires avec
des tertiaires. Essayez plutôt de construire
vos mélanges complexes (plus de trois couleurs
de base) par superposition de couches
de couleurs. Ainsi, si l'on prend l'exemple d'un
feuillage dans un arbre, vous allez commencer
par poser votre vert le plus clair, réalisé
avec un mélange de bleu et de jaune. En-
suite, lorsque cette première couche sera
sèche, vous ajouterez quelques petites
touches d'un bleu un peu plus foncé, qui, en
se superposant, donnera un vert plus dense
et en même temps plus lumineux que celui
que vous auriez obtenu en le créant directement
sur la palette en ajoutant du bleu foncé
à votre mélange de pigments de base (bleu
clair et jaune). Lorsque l'on veut obtenir un effet
de fond de papier coloré sans passer par
un lavis préparatoire qui humidifierait le support,
on peut utiliser des papiers d'aquarelle
colorés.
2. Technique humide sur humide
Lorsque l'effet recherché est basé essentiellement
sur un fondu des couleurs, la technique
humide sur humide sera la mieux adaptée,
mais elle est plus difficile à mettre en œuvre
pour le débutant. Voici en quelques mots
comment aborder cette méthode qui suscite
actuellement un engouement remarquable
chez la jeune génération d'aquarellistes.
La préparation du papier est évidemment primordiale
puisque celui-ci devra être abondamment
imbibé d'eau tout au long du travail.
Comme nous l'avons vu dans la première leçon,
il est important de choisir un papier très
épais (pas moins de 300 g) et de lui faire subir
un traitement spécifique avant d'entreprendre
ce type d'aquarelle. Votre papier aura
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donc été mouillé, tendu et mis à sécher fixé
sur un support au préalable.
Des pinceaux hydrophiles
Le choix des pinceaux est très important pour
la technique humide sur humide. Il faut en effet
que ceux-ci soient capables d'aspirer
beaucoup d'eau, de la conserver le temps du
transport jusqu'à la feuille, et de la relâcher
sur la feuille. Ils ont même un rôle d'absorbant
puisqu'ils permettent, par capillarité, de
faire remonter de l'eau du support papier vers
les poils du pinceau. En général, ce sont les
pinceaux du type "petit gris" qui sont le mieux
adaptés.
Dessin à l'eau claire au préalable
Certains aquarellistes réalisent une sorte de
croquis des formes qu'ils vont peindre avec
de l'eau pure, sans pigments. C'est dans
cette couche constituée uniquement d'eau
qu'ils ajoutent les couleurs qui sont alors
comme guidées dans les canaux d'eau que
constituent les formes peintes à l'eau pure .
Peindre mouillé sur mouillé
Comme dans une aquarelle traditionnelle,
vous commencerez par un dessin au crayon,
puis vous appliquerez vos fonds de couleur
très dilués et abondamment liquides. Ensuite,
sans attendre le séchage de cette première
couche, vous continuerez de travailler pour
que les couleurs suivantes se fondent avec
votre fond. C'est la méthode la plus classique,
très utilisée lorsque l'on veut obtenir des effets
de fondus (brumes, arrière-plans flous,
rayons de soleil...).
Après application, lorsque les couleurs sont
encore très liquides, on peut influer sur la direction
qu'elles doivent prendre en penchant
plus ou moins la feuille de papier fixée sur un
support rigide.
3. Mélange des deux techniques
Il ne faut pas hésiter à associer les deux techniques
sur une même aquarelle. L'exemple le
plus flagrant est la réalisation d'effets de
brume dans un paysage dont on veut que
certains plans plus rapprochés se détachent
nettement.
Bien que toute règle soit faite pour être détournée,
il est plutôt conseillé de réaliser son
aquarelle en commençant par toutes les
zones qui nécessitent l'utilisation de la technique
humide sur humide, puis de laisser sécher
avant d'entreprendre le travail
traditionnel de l'aquarelle "à l'anglaise".
Il faut déjà une bonne maîtrise du
"métier" pour réhumidifier à l'eau
claire des parties déjà peintes, car
on peut se retrouver avec des
auréoles qu'il sera difficile de faire
disparaître, à moins bien sûr que ce
ne soit le but de l'opération si votre
style est basé sur ces effets. Dans
tous les cas, c'est à force
d'expérience que l'on acquiert
dextérité et coup de main.
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La conservation du blanc du papier est la
principale préoccupation de l'aquarelliste.
Ceci est évidemment très difficile lorsqu'il
s'agit d'appliquer des fonds colorés tout en réservant
de petites zones blanches. On utilise
alors des masques pour protéger les zones
sur lesquelles on ne veut pas peindre.
Il s'agit soit de réaliser des rehauts de couleur,
ce qui pour l'aquarelliste qui travaille du
clair au foncé est évidemment délicat, surtout
si vous vous interdisez l'utilisation d'aquarelle
ou de gouache blanche en fin de travail, soit
de protéger de grandes zones destinées à
garder le blanc du papier, ou sur lesquelles à
la fin de votre travail vous appliquerez une
couleur plus claire.
Bien sûr, on peut aussi masquer des parties
peintes, avant par exemple d'appliquer une
peinture plus foncée. C'est aussi en se servant
de masques qu'on définira des séparations
précises dans un paysage (par exemple,
une montagne se détachant sur un fond de
ciel).
On peut d'ores et déjà déterminer qu'il existe
cinq types de masques utilisables en aquarelle.
Produits de masquage
Masques liquides
On utilise pour cela des produits spécifiques
comme le Grafigum de Lefranc Bourgeois (cidessus)
à base de latex. Il s'agit d'un liquide
destiné à réserver des formes sous des
aplats de couleur à l'aquarelle. Le graphigum
se présente comme un liquide onctueux ressemblant
à du lait. Il suffit de peindre les parties
à protéger avec ce produit puis de laisser
sécher.
Ensuite, on peut appliquer ses couleurs.
Lorsque l'aquarelle est sèche, on peut retirer
facilement le masque en frottant doucement
du bout du doigt les endroits qui ont été ainsi
protégés. Les parties réservées ont gardé la
couleur du papier, ou d'un fond de couleur si
vous aviez au préalable passé un lavis sur
toute la feuille.
Le graphigum est idéal pour le papier, le carton,
les calques, l'acétate. On peut l'utiliser
avec n'importe quel outil (pinceau, brosse,
plume, tire-ligne) ou le projeter avec une
brosse à dents.
Grâce à la protection du liquide à masquer,
les herbes sont restées couleur papier. Enfin,
pensez à bien nettoyer ces outils à l'eau savonneuse
après application.
Des caches en papier
En règle générale, c'est de calque que se serviront
les aquarellistes pour fabriquer des
caches, puisqu'ainsi on peut décalquer précisément
les zones à découper dans le calque,
correspondant aux zones à épargner sur
votre peinture. Prenons le cas d'un paysage
décomposé en deux parties bien distinctes
dans le sens de la largeur. En haut, un ciel
bleu, en bas, une montagne.
Si vous n'êtes pas sûr de votre trait et que
vous craignez de déborder malencontreusement
lors de l'application des aplats de couleur,
vous pouvez découper au ciseau ou
déchirer à la main des caches en papier de la
portion à protéger. Le ciseau vous permettra
d'obtenir un trait précis, alors que le contour
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L'AQUARELLE PAR LA PRATIQUE / TECHNIQUES ET PAS À PAS
obtenu avec une feuille déchirée à la main
sera plus aléatoire. Sur ce principe, on peut
même créer des pochoirs dans un matériau
fin transparent mais rigide.
Papier adhésif transparent
Les illustrateurs qui utilisent l'aérographe
connaissent bien cette méthode qui consiste
à prédécouper des caches dans de la feuille
plastique autocollante spécifique.
Ruban adhésif
C'est la méthode la plus rapide et la plus facile
à mettre en œuvre. Les bandes de
Scotch sont collées et décollées deux ou trois
fois de suite sur une autre feuille afin de diminuer
le pouvoir adhésif du matériau qui arra-
cherait le support papier si on l'appliquait directement
sur le dessin définitif. Alors qu'en
"usant" leur surface collante, ils restent
souples et faciles à retirer par la suite.
Prenons l'exemple de lignes blanches se détachant
sur un fond de couleur. Ces formes
seront découpées au cutter dans des bandes
de Scotch. Après la petite manipulation destinée
à modifier le pouvoir adhésif, on applique
délicatement ces caches sur la composition
originale et on appuie doucement avec le
doigt pour les faire tenir sur le papier.
Ensuite, on peint l'aplat rouge sans se soucier
des réserves blanches. Les parties réservées
par le ruban adhésif se détachent très nettement
sur le fond du papier.
Masques à la cire
Dernière possibilité classique de masquage
de parties destinées à rester claires : l'utilisation
de cire de bougie transparente. Différence
notable par rapport aux autres
méthodes : l'application de cire est définitive
et le matériau ne peut pas être retiré ultérieurement.
De la cire de bougie blanche ordinaire fera
parfaitement l'affaire.
La cire a la particularité de repousser la peinture
liquide, qui du coup ne se fixe pas sur les
zones qui ont été traitées. Certains aquarellistes
n'hésitent pas à utiliser des crayons de
couleur gras pour enfants à base de cire pour
dessiner des motifs sur lesquels la peinture
n'adhérera pas.
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Retrait de couleur
Commençons par découvrir comment retirer
de la couleur fraîche avec un tampon de papier
absorbant roulé en boule.
Munissez-vous de diverses sortes de papier
absorbant (Sopalin, mouchoir, papier
toilette...), et d'un tube ou d'un godet d'aquarelle
bleu outremer. Vous choisirez un papier
de bonne qualité à grain moyen pour peindre
cet exercice. Vous allez confectionner plusieurs
petites boules de papier absorbant .
Pourquoi utiliser plusieurs sortes de papier ?
Tout simplement pour varier les textures et les
qualités absorbantes afin d'obtenir des surfaces
plus ou moins éclaircies, parfois même
jusqu'à révéler le blanc du papier. Commencez
par peindre un lavis assez uniforme de la
couleur que vous aurez définie comme fond,
par exemple bleu outremer très dilué pour un
ciel.
1. Nous appliquons délicatement, sans trop
appuyer, notre boule de papier absorbant sur
l'aplat de peinture encore fraîche (liquide).
Veillez à retirer la boule de papier bien verticalement
afin d'éviter de provoquer des
"rayures" sur vote aplat par frottement.
Techniques avancées
2. Si vous la laissez trop longtemps, comme
sur cet exemple, ce n'est plus une petite zone
qui est absorbée mais toute l'eau (imbibée de
pigment) alentour qui est attirée et absorbée
par le papier, créant des retraits trop étendus,
à moins bien sûr que ce ne soit l'effet que
vous voulez obtenir.
3. Recommencez la première étape en variant
la position de la boule de papier, pour
éviter la répétition d'un motif.
4. Enfin, vous pouvez répéter cette opération
en utilisant plusieurs sortes de papiers roulés
en boules pour multiplier formes et degrés de
transparence.
Cette technique facile à mettre en œuvre est
très utile pour créer des nuages dans un ciel
(exemple ci-dessous) ou obtenir des effets de
lumière (reflet, brillance) sur des matériaux.
Une brosse à dents pour projeter
des gouttes
Cette technique est très connue des aquarellistes
qui aiment réaliser des textures sophistiquées.
Munissez-vous de plusieurs sortes
de brosses à dents : à poils doux, durs et très
durs. Vous aurez aussi besoin de votre palette
de couleurs à l'aquarelle et de papier
calque pour réaliser des caches.
Cette méthode permettant de projeter des
gouttes plus ou moins serrées pour créer des
textures, elle intervient lorsque votre aquarelle
est déjà très avancée. C'est avec ce procédé
que vous obtiendrez, par exemple, des
matières imitant la pierre ou le sable.
Comme on peut le voir sur la photo, vous allez
projeter des gouttelettes d'aquarelle sur le
support de votre choix. Le problème étant
bien sûr d'éviter d'en envoyer partout sur
votre dessin. Il faut donc commencer par poser
un calque sur votre aquarelle en cours,
après séchage complet de la peinture. Ensuite,
vous dessinez au crayon la forme dans
laquelle vous voulez pratiquer vos projec-
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L'AQUARELLE PAR LA PRATIQUE / TECHNIQUES ET PAS À PAS
tions, puis vous retirez le calque et découpez
soigneusement la forme ainsi déterminée au
cutter (modèle pointu X Acto).
Reposez votre calque sur l'aquarelle. Il ne
vous reste plus qu'à imbiber les poils de la
brosse à dents avec le mélange de couleurs à
projeter, puis à tirer les poils vers l'arrière
avec votre pouce (voir illustration). Des
gouttes sont alors projetées vers l'avant sur
votre dessin.
L'intérêt d'avoir plusieurs types de dureté de
poils réside dans la possibilité d'obtenir des
gouttelettes très fines ou des projections plus
grosses, selon le modèle de brosse à dents.
Vous pouvez aussi créer des différences
d'épaisseur en vous approchant ou en vous
éloignant de votre support. Enfin, les résultats
seront très divers selon que l'aquarelle projetée
sera épaisse ou très diluée.
Une paille pour diriger les traits de
couleur
Une technique amusante pour réaliser des
branchages aléatoires très réalistes.
Munissez-vous de plusieurs sortes de pailles
(celles qu'on donne aux enfants pour boire
dans les canettes), de votre palette de couleurs,
d'un godet pour préparer une bonne
quantité de votre mélange de couleurs, de papier
à grain moyen et d'un porte-plume équipé
d'une plume moyenne type Sergent Major.
Dans un premier temps, vous allez préparer
une quantité suffisante de peinture. L'idéal est
d'utiliser de l'aquarelle en tubes pour vous
simplifier la vie. Cette couleur doit être assez
soutenue pour ne pas pâlir lorsque vous l'appliquerez
sur le papier avec la technique de la
paille.
Vous déposerez ensuite sur votre feuille de
papier une grosse goutte bien épaisse de
votre couleur. C'est maintenant que vous allez
utiliser la paille en soufflant plus ou moins
fort sur la goutte de couleur déposée aupara-
vant. Dirigez le jet dans toutes les directions
et suivez avec votre paille l'avancée du trait
qui se dessine sous vos yeux par l'effet de
votre souffle.
Vous pourrez agrémenter l'effet obtenu avec
la paille en dessinant sans ajout de peinture,
mais directement "dans le frais", à l'aide de la
plume, des ramifications en tous sens, en évitant
symétrie et monotonie.
On obtient avec ce procédé des effets naturels
spectaculaires comme on peut le voir
dans la nature en botanique.
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L'AQUARELLE PAR LA PRATIQUE / TECHNIQUES ET PAS À PAS
Texture au sel
Les artistes confirmés connaissent bien la
technique qui consiste à saupoudrer des
grains de sel (gros ou fin) sur une aquarelle
fraîche pour obtenir des textures aléatoires
sympathiques. Le sel réagit comme un papier
absorbant et crée des effets mouchetés là où
il est appliqué. On peut ainsi réaliser facilement
des textures imitant la glace ou le gel.
Même intérêt pour obtenir des nuages floconneux
dans un ciel uni. Remarquez ci-contre
comme les grains de sel qui viennent juste
d'être saupoudrés sur l'aquarelle aspirent immédiatement
l'eau et la couleur là où ils sont
les plus nombreux.
Ne pas se presser
Il faut attendre que l'aquarelle soit parfaitement
sèche avant de retirer le sel. Vous pouvez
accélérer le mouvement avec un séchoir
à cheveux ou attendre patiemment. Ensuite,
retournez votre peinture et faites tomber les
grains de sel en la tapotant à l'envers.
Les derniers grains qui sont restés collés sur
la feuille peuvent être retirés par frottement
délicat (à peine du bout des doigts) pour éviter
de rayer votre aquarelle. Voici un résultat
typique de l'application de sel sur une aquarelle
encore humide:
Expérimentez cet effet en variant le
niveau de séchage de l'aquarelle, la
taille et le nombre des grains de sel,
la réaction selon les couleurs
employées.
Grattage
Textures par grattage et frottement
Cutter (X-acto) ou lame de rasoir
Deux outils particulièrement bien adaptés à
cette technique qui nécessite un coup de
main et une certaine habitude pour éviter
d'abîmer le papier. Entraînez-vous sur des
échantillons de papiers de différentes épaisseurs
pour vérifier comment ceux-ci vont réagir
à ce traitement plutôt agressif.
À gauche, le cutter traditionnel à lame rectangulaire
cassable. On se servira aussi bien de
la pointe que de l'aplat coupant en retirant la
lame de l'appareil.
À droite, le cutter type X-acto à lame triangulaire
ultra coupante (type scalpel). C'est l'outil
idéal car il permet à la fois de tracer des traits
fins dans de l'aquarelle fraîche, de gratter une
ligne ou des éclats sur un papier bien sec et
de frotter l'aplat de la lame pour retirer délicatement
des pigments sur une surface plus
large.
Utilisez ces différents outils pour gratter votre
aquarelle. N'appuyez pas fort pour éviter de
traverser la feuille ou de faire des trous.
Frottement
Tout d'abord, préférez les peintures en tubes,
sinon préparez à l'avance une pâte légèrement
crémeuse à partir de couleurs en godets.
Côté pinceaux, optez pour des brosses
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L'AQUARELLE PAR LA PRATIQUE / TECHNIQUES ET PAS À PAS
assez rigides (comme les soies de porc pour
la gouache) ou des pinceaux en poil de
martre très courts.
Ces derniers vont souffrir de ce traitement intensif
alors réservez plutôt vos vieux pinceaux
à cet usage.
A. Utilisez une petite brosse que vous tremperez
dans votre pâte de couleur. Essuyez-la
légèrement sur un papier absorbant pour supprimer
l'excès d'humidité avant de frotter le
bout des poils sur une feuille de papier aquarelle
à grain moyen. À certains endroits, la
couleur adhère plus qu'à d'autres, donnant
des effets de matière plus ou moins dense.
Une méthode intéressante pour représenter
des sols en terre ou des murs en torchis.
B. Même chose que précédemment mais en
mélangeant plusieurs teintes entre elles. Ici
du vert clair avec de la terre d'ombre brûlée.
Le résultat correspond assez bien à des ter-
rains en friche, moitié herbe, moitié terre.
C. Après la même préparation des couleurs
que dans les deux premiers exemples, vous
n'allez pas essuyer votre pinceau enduit de
bleu sur un papier absorbant mais travailler
directement sur votre papier en traçant des
lignes parallèles. Les premiers traits sont bien
chargés en peinture fraîche puis la couleur se
fait plus rare, donnant cet effet caractéristique
des reflets sur l'eau ou des vaguelettes dues
au vent.
D. Dans ce cas, vous allez frotter votre pinceau
sur le papier en formant un cercle. Vous
obtiendrez ainsi un beau soleil bien rond et lumineux
projetant ses rayons alentour, ou encore
le dessin d'un buisson en boule roulant
sous le vent.
E. Testons maintenant le frottement presque
à sec d'un bleu clair sur un papier à grain fin.
Laissez les blancs se former naturellement là
ou la couleur commence à manquer. Rechargez
les poils du pinceau brosse en couleur
pâteuse et continuez ainsi jusqu'à former un
ciel cotonneux tout à fait spectaculaire même
à grande échelle.
F. Dans ce cas vous travaillerez avec une
couleur un peu plus diluée. C'est en appuyant
avec le bout des doigts sur les poils du pinceau
que vous les écarterez jusqu'à obtenir
l'équivalent du modèle éventail utilisé pour les
glacis à la peinture à l'huile. Ensuite appliquez
votre peinture légèrement humide pour obtenir
des hautes herbes tout à fait réalistes.
Vous pouvez mélanger plusieurs couleurs
entre elles avec ce procédé .
G. Dernier exemple avec le même procédé
que la mer (C) mais cette fois avec de la terre
d'ombre brûlée pour imiter un sol labouré.
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L'AQUARELLE PAR LA PRATIQUE / TECHNIQUES ET PAS À PAS
Pas à pas / Un bouquet de fleurs
MATÉRIEL
Couleurs utilisées : Bleu de Prusse - Mauve
permanent - Cramoisi d'Alizarine - Rouge de
cadmium - Jaune de cadmium - jaune citron -
Sienne naturel - Vert olive - Vert de Hooker -
Rouge indien.
Cette aquarelle d'un bouquet de fleurs est
réalisée avec un seul pinceau Petit gris pur
taille 3/0 sur du beau papier aquarelle en
feuilles de 300 grammes mat à grain moyen.
ÉTAPE 1
Premiers lavis. On commencera par poser sur
le pot un lavis très léger d'un mélange de bleu
de Prusse et mauve permanent additionné de
beaucoup d'eau. Ensuite, même procédé
mais avec un mélange de vert olive et bleu de
Prusse sur les zones de feuillages.
ÉTAPE 2
Après avoir renforcé les zones plus sombres
avec du bleu de Prusse sur le fond encore
humide on pourra placer quelques touches
de pinceau imbibé de jaune de cadmium sur
les parties claires. Les grandes feuilles vers le
haut à gauche sont peintes avec un mélange
de rouge indien et bleu de Prusse.
ÉTAPE 3
La plus grande fleur à droite est peinte avec
du rouge cadmium pur. Les fleurs oranges
sont obtenues en associant jaune et rouge de
cadmium. Pour les plus petites, quelques
touches du bout du pinceau imbibé de mauve
très dilué suffiront, ces couleurs vont se
fondre naturellement.
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L'AQUARELLE PAR LA PRATIQUE / TECHNIQUES ET PAS À PAS
ÉTAPE 4
Attendez que votre aquarelle soit bien sèche
avant de peindre les grandes feuilles et les
tiges avec du vert de Hooker. Là aussi, inutile
de rechercher une précision botanique, jouez
sur les formes et les mouvements pour donner
plus de force à votre bouquet.
ÉTAPE 5
Le centre des fleurs est ajouté en dernier par
petites touches de jaune de cadmium qui se
mélangeront avec le fond encore humide.
Vous finirez ce bouquet par le fond réalisé
avec un mélange de Sienne naturel, de bleu
de Prusse et de mauve permanent.
ÉTAPE 6
En ajoutant les couleurs successivement du
plus clair au plus foncé sur une première
couche encore humide on obtient de jolis effets
de fondus plus ou moins aléatoires.
Pensez aussi à placer quelques zones
d'ombre obtenues avec du mauve permanent
dilué avec beaucoup d'eau.
Comme vous pouvez le constater, j'ai aussi
retravaillé le pot avec du bleu de Prusse pour
qu'il ressorte avec quelques effets de matières
et reflets en plus.
Ne cherchez pas à obtenir des formes précises.
À la manière des impressionnistes, essayez
de faire vibrer les couleurs entre elles.
En travaillant avec la technique du mouillé sur
mouillé, certaines couleurs vont se fondre naturellement.
Pour conclure, voici la photo du bouquet qui a
servi de modèle pour cette première aquarelle
pas à pas.
Aquarelles et photographies
© 2013 Frédéric Massie
© Frédéric Massie - Catherine Dô-Duc 2013 / Retour sommaire ↑ - 20

L'AQUARELLE PAR LA PRATIQUE / TECHNIQUES ET PAS À PAS
Pas à pas / Façade d'un château
ÉTAPE 1
Notre aquarelle pas à pas représente le château
de Bayonne et va nous donner l'occasion
de travailler les transparences
caractéristiques de l'aquarelle. Dans cette
première étape, après un croquis léger au
crayon HB, nous avons posé les premières
couleurs en essayant de conserver un maximum
de clarté. Ce tableau est réalisé avec la
palette décrite précédemment, en l'occurrence
du bleu monastial, du bleu outremer, du
jaune citron, du jaune de cadmium profond,
de la terre de sienne naturelle, du rouge permanent,
du vert vif, du vert olive et du vert
phtalo. A part le ciel qui est réalisé à base de
bleu monastial très dilué, toutes les autres
couleurs sont obtenues par mélanges de
deux teintes. Par exemple, le mur est réalisé
en associant du bleu et de la terre de sienne,
ou du rouge permanent et de la terre de
sienne.
ÉTAPE 2
Après séchage complet, afin de travailler selon
la technique de l'humide sur sec, nous
avons superposé des couleurs plus sombres
et plus denses, notamment au niveau des
bosquets, des feuilles de l'arbre et des murs.
Les fenêtres ont été elles aussi améliorées,
notamment en positionnant les ombres et les
contours. Ces teintes plus sombres ont été
réalisées exclusivement à partir des couleurs
de l'étape 1, en dosant différemment les mélanges
et notamment en ajoutant aux différents
verts et ocres une troisième couleur,
comme par exemple le rouge permanent.
C'est d'ailleurs une particularité de
l'aquarelle : en mélangeant plus de deux couleurs
entre elles, on obtient souvent des gris
plus ou moins chauds ou froids, selon les
deux premières couleurs de base.
ÉTAPE 3
Cette troisième partie peut être considérée
comme la dernière étape. Soit vous aimez les
aquarelles extrêmement transparentes, et
vous oublierez cette partie. Soit vous avez
envie d'obtenir quelque chose de plus dense
et contrasté, et à l'aide de quelques superpo-
sitions bien choisies, vous donnerez plus de
relief à la scène.
Bien sûr, il faudra ajouter vos couches supplémentaires
après séchage complet de la
couche inférieure, afin qu'il n'y ait pas mélange
mais bien superposition.
Comparez l'étape 2 et l'étape 3 pour mieux
comprendre le procédé. Enfin, notre dernière
illustration à droite montre que par quelques
traits de plume, on peut encore ajouter une
certaine nervosité au dessin, qui ne manque
pas de caractère. Là encore, pas question de
redessiner complètement l'aquarelle à la
plume.
La règle d'or est toujours : légèreté.
© Frédéric Massie - Catherine Dô-Duc 2013 / Retour sommaire ↑ - 21

L'AQUARELLE PAR LA PRATIQUE / TECHNIQUES ET PAS À PAS
Faire vivre vos verts
Ce tableau devrait vous permettre de commencer
à maîtriser les différents verts élémentaires
que vous retrouverez dans
pratiquement toutes les aquarelles que vous
voudrez réaliser.
Bien sûr, on peut encore varier les valeurs en
augmentant plus ou moins les proportions
des mélanges. En revanche, pour répondre à
des questions posées par les internautes,
nous ne pouvons que déconseiller de mélanger
plus de deux couleurs entre elles, sous
peine de salir vos mélanges.
Regardez par exemple le dernier mélange en
bas à gauche, dans lequel nous avons ajouté
du rouge. Le résultat tend vers un gris-vert
pas très esthétique en lui-même, mais qui
peut être très utile pour créer des zones
d'ombre.
Je vous conseille tout de même, surtout si
vous êtes débutant, de faire l'acquisition d'un
vert vif, d'un vert olive et d'un vert phthalo, qui
serviront de base à de futurs mélanges pour
créer des variations de teintes chaudes ou
froides en ajoutant du jaune de cadmium, du
jaune citron, de la terre de sienne naturelle ou
de l'ocre jaune.
Deux autres exemples caractéristiques
© Frédéric Massie - Catherine Dô-Duc 2013 / Retour sommaire ↑ - 22

L'AQUARELLE PAR LA PRATIQUE / TECHNIQUES ET PAS À PAS
Parmi les destinations de prédilection des artistes
voyageurs, l'Égypte figure toujours en
bonne place. Nous avons choisi pour illustrer
ce sujet une œuvre caractéristique de la peinture
orientaliste du XIXe siècle qui nous
donne l'occasion d'aborder le travail des couleurs
et les techniques humides et sèches,
notamment dans l'interprétation de la lumière
du soleil couchant, et les textures à travers la
peinture de murs de pierre érodés par le
temps.
Le matériel
Pas à pas / Une aquarelle orientaliste
Ce pas à pas est réalisé avec une boîte
d'aquarelle standard que l'on trouve dans
tous les magasins un peu spécialisés. Il s'agit
d'un modèle comportant 12 demi-godets
d'aquarelle extra-fine dont voici la liste.
Jaune de cadmium citron, Jaune de cadmium
foncé, Rouge de cadmium moyen, Laque de
garance permanente, Ocre jaune, Terre de
Sienne brûlée, Sépia, Bleu de cobalt, Outremer
foncé, Vert permanent, Vert émeraude,
Gris de Payne.
Nous vous conseillons de vous constituer un
nuancier en respectant l'ordre indiqué ci-dessus,
afin de vous habituer à bien connaître
vos couleurs et les résultats des mélanges.
Côté papier, préférez un papier aquarelle 300
grammes grain torchon en bloc collé pour faciliter
l'utilisation. Vous adopterez le format
qui correspond le mieux à votre style. Ces
deux aquarelles ont été peintes sur un papier
30 x 40 cm avec une marge blanche de 3 cm.
Enfin, vous vous munirez de deux pinceaux
lavis aquarelle montés plume en petit gris de
tailles 0 et 5, de deux pinceaux ronds synthétiques
ou en martre Kolinsky de tailles 2 et 4.
Vous utiliserez aussi un pinceau brosse en
soies de porc de taille 2 pour créer des textures
par frottement.
Cette aquarelle, basée sur une interprétation
d'une peinture d'Augustus 0. Lamplough,
nous donne l'occasion de décrire en détail
comment obtenir l'ambiance caractéristique
du soleil couchant, avec ces reflets rouges
orangés sur fond jaune. Même le sable du sol
reflète cette subtile coloration.
Première partie : le ciel
1. Le croquis
Vous commencerez par réaliser un croquis
rapide, sans trop de détails, avec un crayon
B, en appuyant à peine pour ne pas marquer
le papier. N'oubliez pas de garder une marge
d'au moins 3 cm autour de votre feuille.
2. Préparez votre couleur
Prévoyez une quantité suffisante d'un mélange
de Jaune de cadmium citron et de
Jaune de cadmium foncé afin d'obtenir un
jaune sable dilué dans beaucoup d'eau claire
que vous appliquerez sur la totalité de votre
aquarelle, aussi bien sur le ciel que sur le sol.
Laissez sécher une ou deux minutes avant de
passer à la peinture des nuages.
3. Technique humide sur humide
Cette sous-couche encore légèrement
fraîche, vous allez dessiner en quelques
coups de pinceau horizontaux les nuages
orangés qui se détachent au-dessus des toits.
Ajoutez à votre mélange précédent du Rouge
de cadmium moyen pour obtenir une teinte
orangée.
Évitez de dépasser sur les toits et les minarets.
Les couleurs vont se fondre légèrement
là où la surface est encore humide. Elles se
détacheront plus nettement sur les zones plus
sèches.
4. Laissez sécher
Attendez le séchage complet de votre ciel et
vous ajouterez des touches oranges plus foncées
pour figurer les nuages plus denses que
l'on peut voir dans l'image ci-dessus flottant
dans le ciel au dessus de la coupole.
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L'AQUARELLE PAR LA PRATIQUE / TECHNIQUES ET PAS À PAS
5. Obscurcissez le haut du ciel
Enfin, vous terminerez le travail du ciel par un
voile d'un mélange constitué de Jaune de
cadmium citron et de Jaune de cadmium foncé
auquel vous intégrerez une minuscule
goutte de Bleu de cobalt afin d'obtenir une
couleur jaune à tendance verdâtre. Ce lavis
très dilué sera appliqué sur fond sec d'un seul
coup de pinceau uniquement sur la partie
haute du ciel, au-dessus des minarets, pour
simuler un obscurcissement progressif du
ciel. Vous devez obtenir un voile légèrement
dégradé et transparent dont les bords irréguliers
se détacheront discrètement sur le fond
jaune du ciel.
Deuxième partie :
le décor et le sol
6. Des bâtiments tout en nuances
Les murs des bâtiments constituant la partie
centrale de la composition sont basés sur
trois mélanges spécifiques.
Les bâtiments sont peints avec spontanéité
en variant les nuances au sein d'une même
teinte. Ces différentes constructions sont réalisées
sur le principe des glacis, c'est-à-dire
que vous commencerez par appliquer une
première couleur (par exemple un orangé
clair), et vous attendrez le séchage complet
avant de superposer une autre couleur plus
foncée (comme le sépia) pour marquer un relief,
comme on peut le voir sur l'élément numéro
2. Vous noterez aussi la juxtaposition de
couleurs chaudes (1, 2, 4) et de couleurs
froides (3) pour accentuer l'effet de profondeur.
Ainsi, la couleur jaune doré du sable (1)
fera ressortir cet élément au premier plan,
alors que le bleu vert du minaret (3) positionnera
cette tour plus en arrière.
7. Textures par frottement
On peut aussi évoquer la technique du "frottement",
qui permet de superposer des couleurs
en créant des textures comme sur la
coupole à droite. Pour ce faire, vous utiliserez
un pinceau brosse en soies de porc de taille 2
maximum. Vous préparerez un mélange de
couleur crémeux, le moins liquide possible.
Plongez votre pinceau dans ce mélange et
frottez-le à plat sur une feuille de papier
brouillon pour éliminer encore un peu de couleur.
Ensuite seulement, vous pourrez frotter
cette brosse à plat, pratiquement à sec, sur
l'élément de votre aquarelle qui prendra ainsi
une texture qui dépendra du grain du papier.
8. Les personnages
Vous prendrez soin d'épargner les personnages
lorsque vous peindrez le mur du bâti-
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L'AQUARELLE PAR LA PRATIQUE / TECHNIQUES ET PAS À PAS
ment de droite en les protégeant avec de la
gomme à masquer (type Grafigum) afin de
conserver le blanc du papier. Ces personnages
seront peints en dernier lorsque l'aquarelle
sera bien sèche. vous prendrez soin de
placer des feuilles de papier protectrices autour
de la zone sur laquelle vous allez travailler.
9. Le sol
Le sol est peint avec un mélange de Rouge
de cadmium moyen et de Jaune de cadmium
foncé, auquel vous pourrez ajouter une pointe
de Sépia pour varier les nuances. Ces couleurs
dorées ainsi obtenues seront appliquées
au pinceau petit gris de taille 5. Pensez à bien
imbiber votre pinceau de couleur afin de ne
pas manquer de mélange en cours de travail.
Repassez par endroits sur la couleur encore
fraîche pour accentuer les teintes et obtenir
des effets d'auréoles aléatoires qui donneront
du caractère à votre aquarelle.
10. Les pierres et les rochers
Les pierres et rochers seront peints en deux
étapes sur fond sec avec un mélange de
Rouge de cadmium moyen et de Sépia. Vous
commencerez par poser quelques coups de
pinceau aléatoires de votre mélange dilué afin
d'obtenir une couleur claire. Variez la position
du pinceau et sa taille pour éviter de retrouver
tout le temps la même forme de rocher.
Deuxième étape : après séchage complet,
vous superposerez quelques touches de couleur
constituée du même mélange moins dilué
(donc plus foncé) pour créer des reliefs et des
ombres à la base ou sur les côtés des pierres
et rochers.
En guise de conclusion, signalons que cette
aquarelle orientaliste s'adresse aussi bien au
débutant qu'à l'amateur plus confirmé,
puisque chacun y mettra sa technicité pour
obtenir une peinture plus ou moins détaillée,
mais qui de toute façon ne manquera pas de
charme.
Exemples d'utilisation des mêmes
couleurs pour d'autres sujets
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L'AQUARELLE PAR LA PRATIQUE / TECHNIQUES ET PAS À PAS
Ce dernier pas à pas nous donne l'occasion
d'aborder l'utilisation de la gouache blanche
en remplacement de la technique de réserve
(protection des zones destinées à rester
claires avec, par exemple, du liquide à masquer).
Le matériel
Pas à pas / Peindre une cascade
Pour ce travail, nous avons choisi un papier
aquarelle Fontaine en bloc collé (Clairefontaine)
de format 30 x 40 cm, 300 grammes,
100% coton, grain torchon "extra-rough".
Deux types de pinceaux seront nécessaires :
les petits gris absorbant beaucoup d'eau et
les poils de martre pour la réalisation des détails.
Cette leçon est réalisée avec une boîte
d'aquarelle standard que l'on trouve dans
tous les magasins un peu spécialisés. Il s'agit
d'une "luxury pocket box" de marque Rembrandt
comportant 12 demi-godets d'aquarelle
extra-fine dont voici la liste: Jaune de
cadmium citron, Jaune de cadmium foncé,
Rouge de cadmium moyen, Laque de garance
permanente, Ocre jaune, Terre de
Sienne brûlée, Sépia, Bleu de cobalt, Outremer
foncé, Vert permanent, Vert émeraude,
Gris de Payne.
Lumière et contrastes
1. Le dessin
Pour réaliser ce type d'aquarelle, il vous faut
absolument réaliser un croquis précis au
crayon car de nombreuses zones nécessitent
d'être bien positionnées dès le départ, en particulier
au niveau des troncs d'arbres dans le
sous-bois à droite.
2. La peinture des fonds
Mouillez abondamment à l'eau claire toutes
les zones qui seront colorées en vert. Ne pas
mouiller les troncs et la chute d'eau. Vous
commencerez par appliquer avec un pinceau
petit gris large n°5 sur toutes les parties
mouillées votre vert clair (vert permanent +
ocre jaune), que l'on aperçoit encore ici en
bas à droite de l'illustration ci-dessus. Sur
cette première couche encore humide, vous
ajouterez des touches aléatoires de ce même
mélange additionné de sépia pour le foncer.
Troisième et dernière étape de cette zone de
verdure, vous foncerez encore votre
deuxième mélange par ajout d'outremer foncé
en plus ou moins grande quantité.
Dans l'agrandissement ci-dessous, ce vert
correspond aux parties les plus foncées,
presque noires représentant les p zones dans
l'ombre.
3. Le sous-bois
Deux choses à retenir pour cette zone : pensez
à créer de la profondeur en éclaircissant
les arbres au fur et à mesure de leur éloignement
et essayez de garder de la luminosité
dans le fond du décor pour accentuer là encore
la perspective.
4. Les différents troncs d'arbres
Peignez les troncs en utilisant un mélange de
trois couleurs (ocre jaune + sienne brûlée +
sépia). Commencez par poser un lavis transparent
sur lequel, une fois sec, vous peindrez
les ombres de la même couleur, mais de plus
en plus concentrée en forçant sur le sépia.
Vous devrez utiliser un pinceau en martre fin,
les poils bien à plat sur toute leur longueur
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L'AQUARELLE PAR LA PRATIQUE / TECHNIQUES ET PAS À PAS
pour simuler les défauts de l'écorce à la verticale
(arbre de gauche) ou à l'horizontale (modèle
à droite). Terminez avec un sépia très
foncé presque sec pour bien marquer les reliefs,
comme vous pouvez le voir sur les illustrations
ci-dessus.
5. Le feuillage
Puisque notre idée de base est d'utiliser la
gouache associée à l'aquarelle, le travail des
feuillages est particulièrement adapté à cette
technique. Nous vous proposons une méthode
en quatre étapes. Vous commencerez
par poser un fond vert à l'aquarelle en ajoutant
immédiatement quelques touches plus
foncées sur votre peinture encore humide afin
de créer de la profondeur. Ensuite, lorsque ce
premier travail sera parfaitement sec, vous
imbiberez une éponge naturelle d'une teinte
de vert plus foncée obtenue par ajout de sépia
plutôt que de bleu. Appliquez ensuite
votre éponge de façon aléatoire pour obtenir
une texture imitant les feuillages. Troisième
étape du processus : après séchage complet,
vous préparez une couleur vert moyen en associant
du vert permanent et de l'ocre jaune.
Mélangez cette couleur verte avec un peu de
gouache blanche pour obtenir une pâte claire
dont vous imbiberez votre éponge naturelle.
En deux ou trois coups d'éponge sur votre
dessin, vous créerez ainsi des rehauts de lumière
moyens. Ce n'est pas tout. La dernière
étape consiste à appliquer au pinceau fin de
petites touches d'un mélange de gouache
blanche et de jaune de cadmium citron pour
obtenir des rehauts de lumière très clairs.
Avec ce procédé, vous devriez obtenir l'équivalent
de l'image ci-dessus.
6. Le pied des arbres et le sol
Sur fond encore un peu humide, retravaillez
le sol et les bases des troncs pour les intégrer
naturellement, à l'aide de petits coups de pinceau
d'épaisseurs variées. Vous pouvez figurer
les formes effilées des fougères et créer
ainsi un tapis végétal. Si le fond de verdure
est déjà complètement sec, vous pouvez l'humidifier
légèrement avec de l'eau claire posée
avec votre gros pinceau petit-gris. En frottant
du sépia presque sec sur ces zones encore
humides, vous donnerez l'impression que
c'est la terre qui ressort à travers les herbes.
Les grandes herbes claires ci-dessus ont été
peintes avec un mélange de gouache blanche
et d'aquarelle jaune et bleue. L'idéal aurait été
de réserver ces formes avec un liquide à
masquer mais dans ce cas précis, ce n'est
qu'après avoir terminé le sol que j'ai eu envie
d'ajouter ces quelques brins d'herbe pour
donner plus de relief.
7. Le travail de l'eau
Normalement, toute la zone concernant la
cascade a dû rester en blanc, puisque vous
avez évité d'y mettre de la peinture verte.
Avec la pointe d'un pinceau fin, vous allez
dessiner la chute d'eau en traçant des lignes
verticales plus ou moins épaisses avec du
bleu de cobalt très dilué. Soulignez les creux
en fonçant la couleur. Utilisez un mélange
brun-vert (sépia + Terre de Sienne brûlée +
bleu de cobalt) pour figurer le palier intermédiaire
de la cascade.
8. La texture des rochers
Les rochers du haut de la cascade, sous le
pont, seront peints presque à sec en frottant
un pinceau en martre à peine imbibé d'un mélange
de sépia et de bleu de cobalt. Gardez
des zones de papier blanc pour représenter
les parties claires de la roche. Vous accentuerez
aussi les zones d'ombre pour bien faire
ressortir le relief. Essayez cette technique de
frottement à sec sur une feuille de papier à
part jusqu'à ce que vous maîtrisiez l'effet et
qu'il n'y ait pratiquement plus de peinture sur
le pinceau avant de vous lancer sur l'aquarelle
originale.
9. Projections d'eau
Avec un peu de gouache blanche non diluée,
vous pouvez mettre en relief certaines parties
de la cascade et figurer de l'écume. Il suffit de
frotter le pinceau à peine chargé de peinture
blanche d'un coup sec, de haut en bas,
comme sur l'exemple ci-dessus. La gouache
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L'AQUARELLE PAR LA PRATIQUE / TECHNIQUES ET PAS À PAS
se déposera sur le grain du papier et n'entrera
pas dans les creux. Bien sûr, cet effet n'est
utilisable qu'avec un papier de type torchon à
grosse texture.
10. Un arbre ajouté à la gouache
Après avoir terminé l'aquarelle, il m'a semblé
qu'il serait intéressant d'ajouter ce petit arbre
pour créer un relief devant le haut de la cascade.
La gouache blanche va à nouveau servir
pour ajouter cet élément du décor. Vous
préparerez vos couleurs normalement à
l'aquarelle, en l'occurrence un gris légèrement
marron pour le tronc, du vert pour le feuillage
et du jaune de cadmium citron pour les rehauts
de lumière.
Ces couleurs seront ensuite mélangées avec
un peu de gouache blanche qui donnera une
pâte claire et couvrante qui se superposera
en épaisseur sur le fond transparent tout en
imitant le résultat que vous auriez obtenu
avec de l'aquarelle peinte sur un fond préservé
en blanc.
Cette peinture vous prouvera s'il en est besoin
que gouache et aquarelle peuvent faire
très bon ménage.
D'ailleurs, de grands artistes, dont Turner
n'est pas l'un des moindres, ne se sont pas
privés d'utiliser ce procédé pour créer des
œuvres remarquables.
Aquarelles et photographies
© 2013 Frédéric Massie
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